Dentro de poco podremos ver ‘La isla del viento’, el largometraje dirigido por ManuelMenchón y protagonizado por JoséLuisGómez, VictorClavijo, CiroMiró, EnekoizNoda y RuthArmas.
Este filme es un acercamiento al lado más humano de Miguel de Unamuno. Para ello se ha rodado su exilio en Fuerteventura producido por oponerse a Primo de Rivera. Jose Luis Gómez encarnará al ilustre escritor y podemos comprobar por las fotografía o el tráiler que el parecido está más que logrado.
Además la película reproduce el archiconocido discurso del filósofo en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca, aquel en el que se pronunció el «Venceréis pero no convenceréis», hace ya 80 años. Será la primera vez que se recree este acontecimiento en televisión o cine.
La película se estrena el próximo viernes 18 de noviembre.
‘La isla del viento’ es una producción de Mediagrama, MGC, Motoneta Cine y 16M Films.
«El humor de Jane Austen es como el de Oscar Wilde pero 80 años antes»
Acudimos en el día de ayer, jueves 10 de noviembre de 2016, a la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas para encontrarnos con el director Whit Stillman (‘Metropolitan’). Antes de eso pudimos ver su última película y motivo de su visita, ‘Amor y amistad’, tenemos su crítica aquí.
El filme cuenta con nombres conocidos como KateBeckinsale, ChloëSevigny o StephenFry. Adapta un relato de Jane Austen, ‘Lady Susan’, y nos narra la historia de Lady Susan Vernon, una bella viuda que visita la casa de campo de su familia política con el fin de buscar marido para su hija.
Han sido diez años para gestar el guión de esta obra. Según Stillman a la única actriz que tenía en mente para la filmación era Beckinsale pero le parecía demasiado joven. Tras pasar diez años la actriz alcanzó la edad necesaria para interpretar el papel. Durante el devenir de esta película el director ha encontrado problemas y puertas cerradas pues según él le amonestaban diciéndole que “no podía hacer una película con dos mujeres tan malas”.
El director estadounidense hizo gala en todo el acto de un buen humor inglés, estuvo cómicamente crítico y sarcástico consigo mismo. Precisamente el humor es una parte indispensable de su película: “el humor de Jane Austen, en cuya obra se basa la película, es mordaz y divertido. Como Oscar Wilde, pero 80 años antes”.
Como hemos mencionado, el guión ha tardado mucho en nacer. Esto ha sido debido a que Stillman lo ha escrito a ratos. Lo curioso de todo es que en el tramo final del proyecto, gracias a la improvisación de sus actores, se ha cambiado mucho de lo fijado como definitivo. «He trabajado durante diez años en el guión de la película, y en seis semanas de rodaje escribimos un tercio de la película» declaró Stillman. Ha sido tan cambiante el trazado de esta película que, de hecho, según él «al principio pretendí hacer una obra de teatro con ‘Amor y amistad’, pero me di cuenta al escribir de que estaba haciendo montaje».
En el evento contamos con la presencia de miembros de la Jane Austen Society. A este grupo estaba muy agradecido el director pues según él les han ayudado mucho. Pero también advirtió que los más fervientes seguidores de la escritora encontrarán sus discrepancias al ver la película.
Ambientada en 1790, Amor y amistad (Love & Friendship) cuenta la historia de Lady Susan Vernon. Una bella viuda de la alta sociedad inglesa que viaja hasta la casa de campo de su familia política con la intención de conseguir un marido para su hija.
Adaptación del relato corto de Jane Austen, ‘Lady Susan’.
Crítica
Un enfoque insólito para una obra de Jane Austen.
Muchos años de trabajo intermitente han llevado al director Whit Stillman a escribir y dirigir su primer guión adaptado. ‘Amor y amistad’ es la filmación que se basa en una novela que Austen escribió pero no llegó a titular, lo haría posteriormente su sobrino bajo el título de ‘Lady Susan’.
Como es de imaginar, Lady Susan (Kate Beckinsale) es la protagonista de esa obra. En el trabajo de Stillman nos encontramos con que no todo se basa necesariamente en ese personaje pero su intervención es constante y a veces secreta. Beckinsale encarna a una dama capaz de manipular desde la discreción, la sutileza, el coqueteo y la circunspección. Ella es una cautivadora y persuasiva mujer que juega a un complejo ajedrez con sus familiares y conocidos.
La obra conserva una gran comicidad, en muchas ocasiones sello de Jane Austen. Al ser una novela inacabada Stillman ha tenido margen para improvisar o modificar a placer. Nos ofrece así una obra personalizada en la que la naturalidad interpretativa de sus actores eleva la calificación del filme. El más gracioso de todos, sin lugar a dudas, es Tom Bennett en el papel de Sir James. Su vis cómica, cercana a la del comediante Ricky Gervais, aporta un tono inusual para una obra surgida a partir de las palabras de Austen. Muy apropiados y acertados todos los matices cómicos de la cinta. Por supuesto el amor y el orgullo son el eje central de la obra, como no podría ser de otra manera.
Tal vez en algunos compases del largometraje suframos una serie de múltiples escenas, fruto de la materialización de las epístolas, que nos resulten excesivamente breves o rápidas. Pero el guión de ‘Amor y amistad’ tiene mucho que admirar ya que parte de un conglomerado de cartas y su construcción no debe de haber resultado sencilla.
El equipo de la película nos traslada a otra época gracias al diseño de producción y la puesta en escena. Tanto las luces empleadas, como el vestuario femenino, como la música barroca (anterior a los años en los que está ambientado el filme) nos hablan de cuál es la atmósfera y los sentimientos que reinan en cada momento.
Esta es una comedia de situación, pero de situaciones de otra época. Posee muchas argucias y sutilezas aderezadas de un humor refinado. No hay que ser muy seguidor de Austen para degustarla pero si ser partidario de este tipo de comedias románticas.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Love and friendship. Duración: 94 min. País: Irlanda. Director: Whit Stillman. Guión: Whit Stillman (Jane Austen, adaptación de «Lady Susan»). Música: Mark Suozzo. Fotografía: Richard Van Oosterhout. Reparto principal: Kate Beckinsale, Chloë Sevigny, Xavier Samuel, Stephen Fry, Emma Greenwell, James Fleet, Jemma Redgrave, Jenn Murray, Tom Bennett, Morfydd Clark, Lochlann O’Mearáin, Kelly Campbell, Justin Edwards, Conor MacNeill, Ross Mac Mahon. Producción: Blinder Films, Chic Films, Revolver Amsterdam. Distribución: Avalon Distribución Audiovisual. Género: comedia, romance. Web oficial:http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/amor-y-amistad-love-and-friendship
Como sabréis, al menos aquí lo comunicamos allá por julio, LucBesson va a adaptar el cómic “Valerian, agente espacio-temporal” de PierreChristin y Jean-ClaudeMézières. Ya vimos algunas imágenes y ahora es el turno del primer teaser tráiler en español.
En este adelanto podemos comprobar como el espíritu del cómic va a ser respetado. Inmensas ciudades al estilo de ‘Blade Runner’ o ‘El quinto elemento’, planetas inhóspitos, multitud de razas alienígenas, aventuras… Ya podemos ver en acción a Dane DeHaan y a Cara Delevingne como Valerian y Laureline respectivamente, incluso Rihanna se deja ver.
En julio agosto de 2017 podremos ver el resultado final.
Ya tenemos el tráiler de la nueva película de Underworld.
‘Underworld: Guerras de sangre’, continúa con la vampira de los «Death Dealers», Selene, tras eludir los brutales ataques que recibió de los licántropos y de los vampiros que la traicionaron. Junto a su único aliado, David y su padre Thomas, debe poner fin a la eterna guerra entr los hombres loos y los vampiros, aunque eso signifique un último sacrificio.
Dirigida por Anna Foerster, volveremos a ver de nuevo a Kate Beckinsale en la piel de Selene, mientras esperamos, aquí os dejamos el tráiler.
Ayer comenzó el rodaje de ‘Que baje Dios y lo vea’ en la salmantina localidad de Ciudad Rodrigo. KarraElejalde, AlainHernández, JuanManuel Montilla “El Langui” y MacarenaGarcía protagonizan esta cinta de CurroVelázquez. También aparecerán TitoValverde, JoelBosqued, PacoRueda, TxemaBlasco, PacoSagarzazu o JoaquinNúñez.
Tras rodar en este emplazamiento el equipo de la película se trasladará a Pastrana, Madrid, Alcalá de Henares, El Escorial, Gozquez, Viso del Marqués y Roma. En total el rodaje durará 6 semanas.
Si habéis visto la película ‘Shaolin Soccer’ os sonará el argumento de este filme. Esta es la sinopsis oficial:
‘Que baje Dios y lo vea’ cuenta la historia de un monasterio en quiebra, cuya única oportunidad de salvación está en ganar la “Champion Clerum”, un torneo de fútbol europeo sólo para religiosos. El problema es que en esa congregación no juega al fútbol «ni Dios» y este inesperado equipo necesitará algo más que la bendición del Arzobispo de la diócesis para salvar su casa.
Este filme de Morena Films será distribuido por DeAplaneta y aún no tiene fecha de estreno.
Aún no conocemos títulos ni invitados, pero todavía queda tiempo para la nueva edición de la CutreCon VI (Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid). Mientras, sus organizadores nos han transmitido las sedes y nos han presentado el teaser póster. Este nos servirá de referencia hasta que llegue el 25 de enero, fecha en que comenzará esta fiesta del peor cine de la historia.
El festival este año suma una jornada más y finalizará el día 29, disfrutaremos de él durante cinco días en las siguientes sedes: Cine de la Prensa – Plaza de Callao, 4 –, donde se inaugurará el festival y se celebrarán otras sesiones aún por confirmar; el Auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj – Paseo de la Chopera, 10 – lugar en el que se desarrolla el grueso del festival y en el que todas las sesiones son gratuitas; y la sala Artistic Metropol – Calle de las Cigarreras, 6 –, que acogerá la ya tradicional maratón de clausura de CutreCon.
La temática de esta edición será el cine musical. Podremos bailar y cantar pero sobre todo podremos ver los peores y más ridículos largometrajes rodados con música.
El cartel es obra de Carlos Casas Carpintero. El festival está organizado por los responsables de Cinecutre.com y cuenta con el apoyo del Distrito de Arganzuela de Madrid y la colaboración del Cine de la Prensa, Movistar+, la distribuidora Trash-O-Rama, la sala Artistic Metropol, Conejornio Producciones, el show VHZ y Cortoespaña.
En este número comienza un nuevo arco argumental. El Inspector Thanoth regresa con noticias alarmantes. Vader puede que haya pasado las pruebas de su maestro, pero sus propias maquinaciones pueden llevarle a su ruina.
Reseña
Vader a por todos.
Entramos en el último arco argumental, recordemos que la serie finaliza en el número 25. Ya hemos dejado atrás la guerra de Shu-Torun y tenemos que recordar que en el anterior número nos quedábamos con preguntas como. ¿Qué cometido tendrá ahora Vader? ¿Estará por fin satisfecho el Emperador? ¿Qué nuevos enemigos se ha forjado o le esperan? ¿Qué hará con el tema de Aphra? En esta grapa tenemos respuestas.
Cylo, el inspector Thanoth, los rebeldes… hasta el propio emperador están en contra de Vader. Aunque puede que aquí descubráis que los intereses le generan más de un aliado imprevisto. El sith más famoso se crece ante la adversidad y Kieron Gillen le refleja como un personaje astuto e impasible ante los contratiempos. A pesar de que la sombra de su fracaso en la destrucción de la Estrella de la Muerte siempre está ahí, se las ingenia para hacerse respetar. Esta es la idea que la mayoría tenemos del lord tenebroso y por eso muchos estarán satisfechos con la colección.
Este número, que tiene más páginas. Están muy bien aprovechadas con una gran cantidad de viñetas en ellas. Todas las viñetas que ha dibujado Larroca son viñetas cerradas, no nos liamos ni nos cuesta seguir el orden entre tantos logrados retratos. En muchas de ellas tenemos grandes presencias de masas de negros pero también una gran ambientación gracias al uso del color de Delgado.
Si Larroca era el padre comiquero de Vader realizando esta colección, no digo que haya sido el primero en dibujarle, en esta entrega descubrimos que en realidad es padre por partida doble. En el sentido artístico y en el sentido argumental, Vader es una de sus mayores obras. Ya descubriréis porqué al leerlo.
Triple cero y Bt-1 también aparecen, pero poco. Su toque de humor se hace menos necesario en este cómic en el que Vader tiene conversaciones capitales. A pesar de ello gozamos de unas páginas de ‘Las desventuras de Triple Cero y BT-1’, de Kieron Gillen, Mike Norton y David Curiel. En ellas descubrimos la razón de ser de estos dos droides.
Todo esto hace de esta entrega un valioso número cargado de giros e información. Además he de decir que me ha encantado el splash page a doble página que vemos al comienzo, es ciencia ficción en estado puro.
Al igual que en el número 20 de ‘Star Wars’ se nos ofrece un avance de la colección ‘Poe Dameron’.
Ficha del cómic
Guionista: Kieron Gillen. Dibujante: Salvador Larroca. Color: Edgar Delgado. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., grapa, color, 16,8×25,7 cm. Publicación: noviembre 2016. Precio: 2,5€.
Otra pincelada en la historia de Obi-Wan Kenobi. Jabba ha contratado al cazarrecompensas Black Krrsantanpara descubrir quién ha estado boicoteando a sus hombres. Puede que el viejo ermitaño que habita en las dunas del desierto sepa algo sobre ello.
Reseña
Mayhew + Aaron + Obi-Wan, galáctica ecuación.
‘Star Wars 15’ nos recibe con unos títulos de crédito escritos con unos caracteres no latinos. Los seguidores de la saga los reconocerán como pertenecientes al idioma Aurebesh, el idioma básico de la galaxia a la que da vida la franquicia Star Wars. Se prescinde de la famosa introducción de los párrafos perdiéndose en el espacio. Aunque no lo parezca este detalle nos devuelve al pasado y a la tradición de la saga tras leer muchas páginas a cerca de personajes nuevos mezclados con los clásicos. Además, sirve de introducción a modo de manuscrito, de texto que nos narra los diarios de Obi-Wan. Esto es así porque Luke los está leyendo tras haberlos encontrado en esta misma serie.
Ya es hora de dejar a parte los lazos entre individuos, ya nos han esbozado bien a los nuevos personajes, y seguir una trama central. Pero antes damos por cerrado el arco argumental y hacemos una pausa. En esta grapa volvemos a encontrarnos con otra mini aventura del viejo Ben Kenobi, como ya ocurrió en el número 15. Al igual que en esa entrega nos encontramos de nuevo frente a un trabajo de Mike Mayhew (dibujo y color, en portada y páginas). Al guión sigue estando Jason Aaron, que si bien está teniendo detractores a mí me parece que está construyendo una historia bastante sólida.
Mayhey deja claro porque se le considera un fuera de serie. Nos brinda unas expresiones faciales muy logradas y unos colores muy realistas. Sus intervenciones son más que apreciables, un regalo que nos vuelven a otorgar. Su Obi-Wan se parece más a Alec Guinness de joven que a Ewan McGregor. Luke tiene cierto parecido a Jake Lloyd (el Anakin de la ‘Amenaza fantasma’). También hay que decir que hay alguna viñeta inconexa que nos deja un poco confusos.
Como curiosidad Jason Aaron nos descubre la causa de la cicatriz de Krrsantan el negro. Todo esto sucede entre los episodios III y IV. A su vez también se relaciona todo con esta serie de cómics que transcurre tras el IV, y ya de paso se hace alusión a este último episodio. Todo muy correcto.
A los que tengan dudas si comprar o no la serie Poe Dameron, en ‘Star Wars’ nº 20 hay unas páginas. Si no habéis tenido oportunidad de echarle un ojo aquí se os brinda una.
Ficha del cómic
Guionista: Jason Aaron. Dibujante: Mike Mayhew. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., grapa, color, 16,8×25,7cm. Publicación: noviembre 2016. Precio: 2,5€.
El Festival Márgenes llega a su VI edición que se celebrará durante todo el mes de diciembre. Combina streaming online con proyecciones en salas de cine de dos continentes. Está dedicado a la parte más independiente de la producción cinematográfica de América Latina, España y Portugal. En apenas cinco ediciones, el certamen se ha convertido en una referencia indispensable de la parte más arriesgada y estimulante de la producción cinematográfica iberoamericana.
Ya conocemos los 13 títulos finalistas de su Sección Oficial. Son los siguientes:
Arreta, de Raquel Marques y María Zafra (España | 2016 | 60 min.)
GeneraciónArtificial, de Federico Pintos (Argentina | 2015 | 62 min.)
Historias de dos que soñaron, de Andrea Bussmann y Nicolás Pereda (México, Canadá | 2016 | 82 min.)
Il solengo, de Alessio Rigo de Righi y Matteo Zoppis (Italia, Argentina | 2015 | 66 min.)
Inadaptados, de Kikol Grau (España | 2015 | 41 min.)
Las letras, de Pablo Chavarría Gutiérrez (México | 2015 | 77 min.)
No cow on the ice, de Eloy Domínguez Serén (España | 2015 | 63 min.)
Parábola del retorno, de Juan Soto (Colombia | 2016 | 41 min.)
Pasaia bitartean, de Irati Gorostidi Agirretxe (España | 2016 | 51 min.)
Placa Madre, de Bruno Varela (México, Bolivia | 2016 | 54 min.)
Santa Teresa y otras historias, de Nelson Carlo de los Santos Arias (República Dominicana, Estados Unidos, México | 2015 | 65 min.)
Yo me lo creo, de Terrorismo de Autor (España | 2016 | 40 min.)
Las películas seleccionadas podrán verse entre el 11 y el 31 de diciembre de forma gratuita, en la modalidad de streaming, a través de la página web oficial del certamen: www.margenes.org.
Además, entre el 1 el 10 de diciembre, se exhibirán en las siguientes sedes colaboradoras:
La Casa Encendida, Madrid
Cine Zumzeig, Barcelona
Cinemateca Uruguaya, Montevideo
Filmoteca de Andalucía, Córdoba
La Casa del Cine, México DF
Centro Cultural de España, Santiago de Chile
Harinera ZGZ, Zaragoza
Este festival lo organiza River Events y cuenta con el apoto del ICAA, La Casa Encendida, Embajada de Portugal en España, Camões – Instituto da Cooperação e da Língua, Laserfilm y NUMAX.
Chewbacca es uno de los personajes clásicos más queridos. Amigo y compañero fiel de Han Solo. Ahora, Marvel ha decidido otorgarle protagonismo absoluto en su nueva etapa comiquera.
Reseña
Tan inútil como jugar una partida de dejarik contra un wookie.
Finaliza esta irrelevante e insustancial historia. Una miniserie que no ha tenido calado en el universo de Star Wars ni acabo de verle propósito histórico alguno. Ha resultado ser una aventura infantil que si bien podría ser usada para introducir a niños al universo Star Wars no tiene mucho interés para los que siguen la saga desde hace tiempo.
Zarro ha resultado tener más gancho que el propio Chewbacca. Entre Duggan y Noto no han sido capaces de reflejar los sentimientos y reacciones del wookie con claridad y esto ha hecho que la atención del lector se desvíe más hacia la pequeña heroína. Ella ha servido de protagonista y de narradora. Pero los diálogos con Chewie encajan con muy poco sentido y resulta inaudito como Zarro entiende al wookie. Sea como fuere, ambos acaban enfrentándose a un enemigo local como Jaum y a todo un destacamento del Imperio. Todo esto para acabar evitándoles de un modo muy ridículo.
¿Recordáis la escena de la entrega de medallas del final del episodio IV? Aquí se hace alusión a ella pues aparece una de las medallas que Leia entregaba, pero… ¡en esa escena Chewbacca no tenía ninguna! Bravo, pues se le reconocen sus méritos y su heroicidad, pero acaba por ser un gesto que queda en algo inútil tras cuatro números de insípida trama.
Lamentablemente no se nos explica por qué acaba Chewbacca estrellado en el planeta en el que se han localizado los cinco números. Solo al final de esta quinta entrega se nos da una idea de cuál es su misión personal, la cual parecía trascendental y muy relevante al ser mencionada en todos y cada uno de los títulos de crédito de las cinco grapas. En este punto, en las últimas páginas, es cuando cobra una pizca de interés esta miniserie. Es decir, nos quieren poner los dientes largos para mostrárnoslo en alguna publicación futura. Aunque quien sabe, tal y como termina lo mismo acabamos enganchando con aquel lamentable especial de navidad, con la familia de Chewbacca incluída.
Os dejo los enlaces a las reseñas de los otros cuatro números de esta miniserie:
Lluis Homar es un grandísimo conocido tanto en el cine (‘Los ojos de Julia’), como en el teatro (‘Hamlet’) y como en la televisión (‘Bajo sospecha’). Todos sus trabajos le han valido varios premios, como su participación en ‘EVA’ que le trajo un Goya, un Gaudí y una medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos. Resumir su carrera en estas pocas líneas sería imposible a si es que iremos a lo que le ocupa actualmente. Podemos verle de nuevo gracias a su fichaje por Hugo Stuven (entrevista aquí) para ser uno de los protagonistas y pieza clave de ‘Anomalous’ (crítica aquí). Charlando con él descubrimos que es un actor con criterio y con mucho saber hacer.
Hola Lluis, verás que tacho en mi libreta, pero no es el mismo rollo de tu interrogadora en la película.
Ah jeje, bien bien.
Has tenido un personaje complejo, que tiene varias caras, ¿Cómo lo has preparado y qué ha supuesto de nuevo para ti?
Hombre, un actor lo que quiere siempre son personajes complejos. Si es complejo hay más posibilidades de jugarlo, de divertirte haciéndolo… Esta era una buenísima ocasión para esto. Porque si habéis visto la película habréis visto que hay un arco de donde empieza el personaje y donde termina. Es absolutamente imprevisible.Él es un psiquiatra que tiene un paciente que se ha suicidad y la policía quiere hacerle unas preguntas, una cosa bastante rutinaria y luego resulta que todo esto va cogiendo unas cosas… unos aspectos imprevisibles en los cuales estoy yo implicado también a nivel personal, no solo como profesional. No sé hasta qué punto puedo contar o no.
Esa es la parte también bonita en el sentido en el que el psiquiatra podría ser cualquiera de nosotros. Todos tenemos cosas que esconder, aparentemente estamos en un sitio y luego a la que se hurga aparecen recovecos, historias… Esto lo hacía muy atractivo.
Fue clave también la personalidad de Hugo por su disponibilidad. Cuando lees un guión y te das cuenta de que es una película de género, ves que a veces en el género el argumento es más una excusa para crear un mundo más próximo a las sensaciones fuertes y aquí eso iba muy bien equilibrado. La película tenía este aspecto más psicológico y eso a mí me gustó. Porque a mí cuando las películas de género están un poco disparadas como espectador no me gustan porque lo paso mal y no me apetece hacerlas. Entonces vi que mantenía ese equilibrio apetecible. Y ya te digo, el trabajo con Hugo fue apasionante porque era entrar en cosas que yo nunca me había planteado, en cosas de la mente que incluso tienen una cierta base científica. Eso lo hacía apasionante pero sobre todo fue un trabajo de entender porque la película tiene mucho flashback. Entonces partimos de un sitio se va contando una historia, luego interviene la mía particular. Al principio parece que he vivido la historia desde un sitio y ella (Christy Escobar) me la va desmontando… Y el desenlace es muy poco previsible.
Yo no me lo he visto venir.
¿No no verdad? Y todo esto rodado en inglés cuando el resto del reparto son nativos. Yo era el único que era extranjero hablando inglés. Tuve que trabajar con un coach. Un trabajo intenso. Rodamos en Barcelona, rodamos en Nueva York… Una ciudad en la que había estudiado, pero no trabajado.
Hace dos años que rodamos la película y estamos con ganas de que se vea. En esto del cine se juega un poco la Champions. Cada fin de semana se compite con películas de todo el mundo. Pero yo estoy muy contento de haberla hecho y me alegro mucho por Hugo porque creo que es una persona que está en un punto de partida y que es alguien que tiene algo que contarnos desde un sitio particular, personal y genuino. Tiene una mezcla bonita entre cine clásico e innovador. Como planteamiento la escena de la comisaría es más de corte clásico y la escena de Edgar es más cámara al hombro. Creo que está muy bien equilibrad. Él es una persona muy equilibrada, tranquila, bondadosa, talentosa… Creo, estoy convencido de que Hugo tiene por delante un recorrido bonito.
Te iba a preguntar precisamente por el equilibrio. Se ven dos equilibrios muy difíciles de lograr en la película. El primero de ellos es esa mezcla entre rodaje tradicional y metraje encontrado ¿cómo lo ves tu?
Yo creo que hay momentos que es valiente. Ya no solo en el formato, te encuentras algo muy textual y no es normal que una persona tan joven te escriba un guión en el que los personajes hablen tanto y cuenten tantas cosas. Esto a lo mejor os lo cuanta mejor él, yo lo veo estupendo. Veo que ha conseguido este equilibrio. Lo que queremos de una película así es que te mantenga atrapado desde que empieza hasta que acaba. Creo que esto se produce y te hace llevar un viaje variado.
Hay un plano que la cámara se queda parada, la cámara de mano, y el plano dura. Con la música, la atmósfera… me da la sensación de que produce un buen resultado. También, ya te digo, jugamos la Champions. A parte de que pueda llegar al gran público me gusta pensar que aparte de ser una película de género es de autor. Notas que hay un sello de alguien que imprime una historia desde un sitio suyo y que no es de otro. Muchas veces pasa, ahora que los jóvenes al tener acceso a todo, hacen max mix de cosas. Cuidado, no todos que en este país hay ejemplos de cineastas buenísimos, de primerísimo nivel y con lenguaje propio. Pero Hugo yo creo que es alguien con recorrido, este es su punto de partida.
El otro equilibrio que te decía, aunque más que eso debería decir continuidad, es el que has encontrado tú con tu personaje. Porque no sé si habéis rodado de manera secuencial pero se ve una evolución bastante evidente en su estado emocional.
Hugo tiene mucho que ver ahí. Hay un aparte que es la de la comisaría que fue en un 99% por orden. Al ocurrir todo en un mismo lugar eso lo facilitaba. Saltamos a veces como a mi consulta que eso es en Nueva York pero lo gordo fue una cosa en orden.
Si no además podéis caer en fallos de raccord.
Si hoy en día hay gente que se ocupa de esto para que no pase. Pero el raccord emocional…
Si, a eso me refiero.
Eso aquí fue fundamental. Esa parte fue en cinco días.
¿En cinco días rodasteis el interrogatorio?
Si eso es. Las escenas de comisaría con los otros policías se hicieron al sexo día. El rodaje completo fue una semana entera en Barcelona y luego fueron cuatro o cinco semanas en Nueva York. También es curioso el equilibrio de cómo se rueda, lo que es el núcleo de la película fueron cinco días.
Y al séptimo descansó.
Si al séptimo descansamos exacto (risas).
Quería preguntarte por Christy Escobar, tu compañera en esa escena del interrogatorio. Es su primera película, pero por aquí ya la hemos visto en la serie ‘Blindspot’. ¿Qué te parece?
Estupenda, ahí hay una cosa maravillosa por parte de Hugo y que vio en ella, tiene algo que es inclasificable. Al verla dices “¿esta mujer qué es, terrenal, no lo es?”. Al principio es terrenal, pero luego ves otros ingredientes… Cuando me enseñaron las pruebas, porque vieron a muchas actrices, dije “es ella no hay otra mejor”. Tiene una formación de teatro muy grande. Está preparadísima, tiene potencial. Pero claro está en un país en el que para todas las edades y sexos hay muchos actores. Creo que ella es una parte fundamental de la película y creo que la va a servir mucho haberla hecho.
Luego es una chica divertida, nos reíamos mucho. Habla muy bien español. Tiene esa combinación de rigor cuando trabaja junto ser muy sencilla, cariñosa y divertida.
Si dices que ella es así y luego nos muestra el personaje que nos muestra en la película es que debe ser buena actriz.
Hablando antes entre compañeros de la prensa nos preguntábamos por qué ‘Anomalous’ no está en Sitges, porque tiene todas las características para estar en ese festival. Tal vez se nos escape algo, tema tiempos, requisitos… ¿Tú qué opinas?
Siempre lo he pensado, pero no sé. Uno siempre tiene que ser prudente porque no sabes los criterios y esas cosas. Me parece un festival muy respetuoso, pero pensaba, ¿no hay una sección en la que entre esta película? Es algo curioso que no me acabo de explicar. Tampoco se ha estrenado la película. Eso pasa tanto en teatro como en cine, que tu valoras la película pensando en qué es para nosotros, pero no sabes que acabará siendo. Creo que es una película con alma, que puede caer en gracia. Yo creo en la película. A lo mejor son mis expectativas, pero no sé, sin duda pienso que es para haber pasado por ese festival. Es una visión muy subjetiva. Tampoco sé cómo se gestiona.
Lo que decías, a ver cuál es el calado que tiene finalmente el filme. De momento se nos ha acabado el tiempo. Muchísimas gracias por la entrevista.
Estupendo, pues nada, encantado y gracias a vosotros.
El tema ‘Faith’ de la película ‘¡Canta!’ ya está disponible en soporte digital. Sus autores son el gran StevieWonder y ArianaGrande. Producida por los famosos compositores y productores Ryan Tedder (Adele, Beyoncé, U2) y Benny Bianco (Rihanna, Ed Sheeran, Kay Perry), ambos premiados por los Grammy, ‘Faith’ es la primera canción interpretada por Stevie Wonder para una película en los últimos 25 años.
Todo aquel que quiera la banda sonora al completa podrá adquirirla a partir del 9 de diciembre a través de Republic Records. Se podrá encargar por anticipado el 18 de noviembre.
IlluminationEntertainment y UniversalPictures han realizado este filme para presentárnoslo el próximo 22 de diciembre.
Daniel Mantovani es un Premio Nobel de Literatura argentino que vive en Barcelona desde hace décadas. Sus novelas se caracterizan por retratar con crudeza la vida de su pequeño pueblo, al que no ha regresado en 40 años. Un día llega una carta invitándole a recibir la distinción de Ciudadano Ilustre y sorprendentemente decide volver. En el pueblo, a su llegada, no lo reciben con el entusiasmo y cariño que se esperaba.
Crítica
La gracia de ver a un gran ego en un pequeño pueblo.
Justo ahora que ha surgido el debate por el nombramiento del Nobel de Literatura (Bob Dylan) y el de La Paz (Juan Manuel Santos) vengo a hablaros de un filme que habla sobre un ficticio y también polémico ganador de tan excelso reconocimiento. Daniel Mantovani (Óscar Martínez) es un escritor de renombre que recibe el Nobel de Literatura y da un discurso contestatario en la ceremonia de entrega, haciendo alarde de su fuerte personalidad controvertida. ‘El ciudadano ilustre’ plantea la situación agridulce de alguien que ha tocado techo en su carrera pero que no se siente dichoso ni recibe un reconocimiento unánime. De este modo los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat, pareja ha dado luz a títulos como ‘El hombre de al lado’ o ‘El artista’, plantean una situación agridulce y hacen uso de una ironía y un sarcasmo que están presentes durante toda la cinta.
Casi siempre se da por hecho que cuando un autor basa su arte en su ciudad natal, ambos están congratulados, que se sienten orgullosos de ese vínculo al cien por cien, pero ¿y si no es así? El escritor en cuestión vuelve a su tierra natal picado por la curiosidad, se adentra en la senda del reencuentro con su pasado y de la inspiración literaria que le falta, pero no le llega todo del modo que espera. Se nos muestra un pedazo de la Argentina humilde, y campechana. Esta sátira de la cúspide cultural sirve también como un retrato naturalista de esa sociedad latina. Están presentes elementos como el orgullo del hombre rural, el mate, el fútbol, la religión, la incultura… Todo esto choca como un vendaval que se va embraveciendo poco a poco en el sentido contrario al que lleva nuestro escritor, un aburguesado en Europa.
Óscar Martínez, protagonista no solo por su guión sino también por su interpretación, deja patente que está en su elemento. Maneja este tipo de comedia perfectamente. Puede ser capaz de encarnar las tragedias más humanas, como vimos ‘El espejo de los otros’, pero a la vez de hacer uso de un humor reflexivo y mordiente. El otro gran nombre de la película es la española Nora Navas, pero su papel dista de tener mucho peso, es casi anecdótico.
En ‘El ciudadano ilustre’ encontramos una comedia casi negra donde se mezcla la mordacidad con la tragedia. Según nos aproximamos al final de la cinta el drama vence a la comedia, pero género que me viene a la mente tras finalizarla es el de “drama burlesco”.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de noviembre de 2016. Título original: El ciudadano ilustre. Duración: 118 min. País: Argentina. Director: Mariano Cohn, Gastón Duprat. Guión: Andrés Duprat. Música: Toni M. Mir. Fotografía: Mariano Cohn. Reparto principal: Óscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne, Nora Navas, Iván Steinhardt, Manuel Vicente, Marcelo D’Andrea, Gustavo Garzón, Emma Rivera. Producción: Aleph Media, Televisión Abierta, A Contracorriente Films, Magma Cine. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/629/el-ciudadano-ilustre/
Hugo Stuven nos presenta su opera prima, ‘Anomalous’ (crítica aquí).
Su rostro puede sonaros de series como ‘Médico de familia’ o ‘Al salir de clase’ pero desde hace mucho tiempo su carrera dentro del mundo audiovisual ha ido por otros derroteros. Tras dirigir una cantidad considerable de cortometrajes se lanza al largo con esta propuesta que puede sorprender a propios y extraños. Para ello ha contado con Lluis Homar (entrevista aquí), Edgar Fox y Christy Escobar.
Habías co-escrito ‘Wax’, pero en esta ocasión escribes y diriges. ¿Qué tal la experiencia? Porque tengo entendido que ya tenías ilusión por dirigir un largometraje.
Si he hecho varios cortos y un documental que estuvo preseleccionado a los Goya que se llama ‘Tío Jess’. Es cierto que escribí junto a Victor Matellano ‘Wax’, pero vamos lo de dirigir me venía de antes. Mi primer corto lo dirigí en el 98 o antes, era bastante jovencito. Yo jugaba con mi cámara desde pequeñito. Yo quería dirigir. Poco a poco la vida te lleva por caminos y estuve escribiendo. ‘Anomalous’ es un proyecto que escribí en 2010 con David Zurdo y Fernando Acevedo. Buscar financiación siempre es complicado, vas a muchas productoras y te cierran puertas. Siempre pienso que tienes que estar como nadando en el fracaso y saber nadar en el fracaso. Al final llegará un punto en el que algo saldrá y no puedes estar pensando que todo lo que te sale fracasado es el fin del mundo porque si no al final no te sale nada. Ahora tengo 38 años y he currado mucho.
Mirando tu ficha en IMDB vemos que empezaste a dirigir nada más terminar de actuar en series…
Yo empecé a currar de actor. ‘Médico de familia’, ‘Al salir de clase’… pero yo no había estudiado interpretación y no me llenaba. Cuando hice mi primer corto, que se llama ‘El sótano’, con todos los chicos de ‘Compañeros’, yo estaba en el equipo de dirección de ‘Compañeros’, les propuse hacer un corto y todos se tiraron de cabeza. Antonio Hortelano, Carlos Castel… todos los que en esa época eran los más famosos del lugar. Hice mi primer corto, me llenó mucho y dije “esto es lo que me gusta”. Ahí empezó mi camino y dije que lo de interpretar lo dejaba para otros.
Aunque, y dicho de antemano esto no es spoiler, me ha parecido verte en algunas fotos en la película.
(Risas) Salgo varias veces en la película.
Yo te he visto muerto en una fotografía.
En la comisaría hay un tablón con fotos de los tres guionistas. Está David Zurdo, está Fernando Acevedo y estoy yo. Yo soy el malo menos malo. Hay un asesino en serie, otro es un violador y yo soy un roba carteras. En otras fotos sale más gente del equipo.
Hablando con más detalle de la película. Empleas metraje encontrado y rodaje clásico. ¿Cómo has hecho para encontrar un equilibrio entre ambos?
Desde un principio cuando empecé a escribir esta película, estaba un poco saturado de las películas de cámara en mano, metraje encontrado… no me gustaban, me aburrían. Pero la historia que escribíamos lo requería. Dije “bueno, si lo requiere, lo requiere. Pero que sea algo raro, diferente”. Tú ves las películas de metraje encontrado y el que graba siempre graba a alguien o son un grupo. Ahí tienes para desarrollar un diálogo y como guionista puedes ayudarte. Nosotros tenemos un personaje que se graba él solo, que no graba a nadie y que encima es esquizofrénico. Era la cuestión de hacer algo extraño, raro, anómalo. Él como mucho hablaba a la cámara, hablaba al doctor… fue un reto para Pablo Rosso (director de fotografía) y para mí encontrar puntos que dijeras, “cuidado que esto no sea demasiado movido…”. Muchos planos, casi todos los planos de reflejos los graba el propio actor, Edgar Fox. El resto de planos los graba Pablo y estaba Edgar al lado. Hay dos planos que empiezo grabando yo, luego sigue Edgar y termina grabando Pablo. Fue divertido. De todos modos, la película tiene más porcentaje de rodaje clásico que de metraje encontrado, huía de eso. Hay planos que duran lo mismo 10 segundos y dices que raro, pero claro, es que el chicho es raro, es anómalo. Aunque aquí todos son algo anómalos.
Si, incluso la agente que parece una simple agente estirada tiene algo raro.
Sobre todo, con la primera secuencia en el tren. Es algo muy sutil, muy sencillito. Dices “como puede ser que con solo una mirada esta chica que parece sencillita pueda acojonar a este ladrón con carnet, con tatuaje en el cuello”. El personaje de Christy, que además es su primera película, junto a Edgar que también era su primera película y yo que también rodaba mi primera película con Lluis Homar que es una maravilla. Fue una mezcla como rodar cámara en mano y rodar tradicional, gente nueva con gente con mucha experiencia.
Si porque además das un salto. De rodar como actor, pasaste a dirigir tus cortos y ahora te lanzas con un rodaje que se realiza en gran parte en Nueva York.
La experiencia increíble, eso ya para empezar. Lo de actor lo deje hace tanto… Trabajé en ‘Alatriste’ de auxiliar, en ‘Crimen ferpecto’… He estado currando siempre y haciendo mis cortos cuando podía y llevo buscando hacer mi primera peli mucho tiempo. Tienen que confiar en ti, tener el guión adecuado. Tengo otros dos guiones antes que lo intenté y no funcionaron… Si es verdad que hubo un momento que escribía por la mañana un guión y por la tarde otro y como que dije, no es esto, tengo que hacerlo ya.
Miguel Torrente se lo leyó en una semana. Es raro porque he ido a productores que te dicen “déjame el guión que te llamo” y te quedas en casa llorando del asco (risas). Y él es cierto, una semana y se lo leyó. Me dijo que le había fascinado.
Rodar en Nueva York imagínate. La primera vez en mi vida que voy, me viene a buscar un coche y digo, “madre mía que es esto”. Todo tan grande… todo es enorme tío. Todo son pelis, empiezas a flipar. Dices “tiro la cámara y el plano que salga mola, porque mola”. Luego lo preparamos todo muy bien, pero molaba todo.
Con los actores… Lluis es un hombre muy generoso. Me acuerdo que estábamos sentados en un restaurante, la primera vez que nos conocimos, tardamos en pedir más de una hora. El camarero ya estaba aburrido de nosotros. Estuvimos allí hasta que cerró y encajamos a la perfección, ahora somos super amigos. Una vez cada dos semanas nos llamamos a ver qué tal estamos, Lluis es una persona que te eleva el alma. Si te gusta trabajar con actores, que me gusta mucho, es una maravilla, te pide toda la información del personaje y más allá, no se me hizo pesado.
También está claro que has querido manejar un lenguaje cinematográfico que vaya a la par de la historia. No has plantado la cámara ahí y has puesto a hablar a los actores.
He querido jugar con planos, con ángulos, con sonidos. La música de Sergio Lacima es increíble, estoy súper contento con él. Es un chico que llegará muy lejos. Había muchos momentos que yo marcaba con Lluis si debía poner las manos encima o debajo de la mesa. Para parecer o no culpable, todas las veces que lo hace estaba pactado. Hay muchos detalles de ese tipo para lograr perfeccionar a los personajes.
Al final la película, es lo que siempre he querido hacer en esta primera película, habla sobre la culpa, sobre las injusticias, que no las soporto, y la mentira. En esta película al final todos tienen algo que ocultar. De un modo u otro no sabes si lo del personaje de Lluis es cierto o no es cierto… Hablando de esta dualidad, lo que ves con la cámara de David es una cosa en su mundo de enfermedad mental y luego llegas a la comisaría y Lluis te empieza a rebatir lo que acabas de ver. Esto queda un poco por mi obsesión desde hace muchos años por ‘Expediente X’, es algo así como al revés, cambiando los sexos del que cree en lo paranormal y la que no cree.
Todos estos elementos combinados con alguien que tiene esquizofrenia se potencian más. Para un esquizofrénico, que es una enfermedad terrible, su realidad es otra y se mezcla con la nuestra y es complicado. Estudiamos mucho esa enfermedad, los guionistas y yo. Hay cosas que no puedo decir porque son spoilers, que son científicamente ciertas.
Me has mencionado ‘Expediente X’ y yo te iba a preguntar si conocías ‘Fringe’. El personaje de Christy me recuerda mucho al de Anna Torv en esa serie.
Otra serie que me gusta mucho. Es curioso porque para elegir el vestuario de ella dimos muchas vueltas. Pero mi idea inicial, que la puse sobre la mesa, era que fuera Scully o la agente Dunham, blanco y negro, clásico. Le dimos muchas vueltas, lo mismo que hago con los guiones. Estoy en el punto A, doy una vuelta por todo el abecedario y me digo “si la A estaba bien”, pero por lo menos puedo decir que le he dado vueltas. Con el personaje de ella, la foto que tengo de referencia de ella en la carpeta es de ‘Fringe’. Totalmente captadas las referencias. También hay referencias muy sutiles a Seven.
Pues enhorabuena pues me ha gustado la película, mucha suerte con ella.
A Sara le gusta planificar y quiere todo salga perfecto para la visita de su novio que lleva un año fuera. Pero una semana antes de su llegada, la vida de Sara, y su piso, se convierten en un caos. Sus padres al borde del divorcio y una hermana menor a punto de casarse con Aarón, un famoso cantante que resulta ser el amor de instituto de Sara. ¿Qué ha hecho mal para que el karma le devuelva todo esto?
Crítica
Colores pastel para un pastelazo moderno.
Verónica Echegui ya nos ha demostrado ser una actriz cualificada para despuntar en diferentes registros (‘Yo soy la juani’, ‘Verbo’, ‘Kamikaze’). Aquí hace honor a ese concepto que tenemos de ella incorporando a su currículo el haber interpretado a un bicho raro o peculiar. Lástima que la película de María Ripoll no esté a la altura.
Este es un filme de situaciones surrealistas, en ocasiones llevadas al extremo. La mayor de ellas, la que parece más difícil de creer y esta forzada al límite es la que sucede en la escena final. Reina el humor verde, disparatado y tontorrón. He de reconocer que las pocas veces que se sale de estos calificativos me he reído, pero el resto de gags acaban siendo cargantes. Como mayor representante de este tipo de humor está Alba Galocha que es la que tiene más chistes picantes e incluso ordinarios.
‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’ está basada en una novela éxito de ventas salida de la mente de Laura Norton. Está hilada con la voz en off de la protagonista y posee un diseño de producción muy cuidado y astutamente estudiado. Es moderna y vintage al mismo tiempo, es decir está a la moda y además tiene moda. ¿Qué nos sugiere todo esto? Pues que se ha hecho para simpatizar con una corriente, llámese moderna, cool o hípster que tiene como centro epicentro el madrileño barrio de Malasaña. La película fluye por sus calles y está en boga, pero solo con ambientación no se logra todo.
Cuesta identificarse o empatizar con los protagonistas, salvando a los de Echegui y Jordi Sánchez. El ritmo no está descuidado, aunque no me refiero precisamente al musical ya que está repleta de canciones de rima fácil. Las incoherencias en el guión tampoco están ausentes al igual que algunos fallos de raccord, tanto visual como emocional.
El título está más que justificado. La protagonista sufre las consecuencias de lo que hace o más bien de lo que se deja hacer. Durante todo el largometraje se nos transmite el mensaje de que hay que lanzarse y vivir la vida sin preocuparnos de porque nos pasan las cosas o de a dónde nos llevarán nuestros actos. Es decir, que no seamos gilipollas y no tengamos miedo del karma. Por lo demás yo no sé si no soy moderno o no tengo sentido del humor que ahora es popular, no me parece en exceso graciosa. Al margen de mi gusto personal no me ha parecido tampoco un buen producto cinematográfico.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de noviembre. Título original: No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas. Duración: 94 min. País: España. Director: María Ripoll. Guión: Carlos Montero, Breixo Corral. Música: Simon Smith. Fotografía: Pau Castejón. Reparto principal: Verónica Echegui, Álex García, David Verdaguer, Alba Galocha, Jordi Sánchez, Cecilia Freire, Elvira Mínguez. Producción: Zeta Cinema. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, romance.
Tripictures nos traerá ‘Thi mai’, una película que ha comenzado a rodarse en Vietnam. Su andadura ha comenzado y serán 6 semanas las que estará el equipo rodando en el país asiático más otras dos que transcurrirán en Pamplona. CarmenMachi, AitanaSánchez-Gijón, AdrianaOzores y DaniRovira protagonizan esta comedia de tintes disparatados.
Esta es la curiosa sinopsis oficial:
Tras perder a su hija María en un accidente, Carmen recibe una carta de la agencia de adopción en la que por fin le conceden a María una niña vietnamita, THI MAI.
Junto a sus dos mejores amigas, Elvira y Rosa, que nunca han salido de España, deciden viajar a Vietnam para completar el proceso de adopción. Una vez allí, su inexperiencia, el choque cultural, los laberintos burocráticos y las peculiaridades de cada una de estas tres mujeres convierten el viaje en una sucesión de equívocos, situaciones disparatadas y decisiones delirantes. Sus insólitas acciones en Vietnam provocan que el reto parezca cada vez más inalcanzable, por lo que tendrán que recurrir a ingentes dotes de ingenio, no exento de disparate, y cabezonería para que THI MAI pueda volver con Carmen a su hogar en España.
A su aventura se unen Dan, su rígido pero noble guía vietnamita, y Andrés, un joven actor español que viaja a Hanoi para vivir con su pareja.
THI MAI es la divertida historia de amor de una madre que no quiere renunciar a su derecho de ser abuela y de cómo la esperanza, la amistad y las buenas personas que se encuentran por el camino (en cualquier lugar del mundo), siempre pueden con las desgracias.”
La película está producida por AMOR EN VIETNAM A.I.E. y coproducida por TRIPICTURES, ES.DOCU y ATRESMEDIA CINE.
MartaEtura protagoniza ‘El guardián invisible’ el filme dirigido por Fernando González Molina (‘Palmeras en la nieve’). Es la adaptación cinematográfica de la primera entrega de la TrilogíadelBaztán, de DoloresRedondo.
Etura está acompañada de Elvira Mínguez (‘El desconocido’), Carlos Librado “Nene”, Francesc Orella (‘Lasa y Zabala’), Itziar Aizpuru (‘Loreak’), Benn Northover (‘Harry Potter y las reliquias de la muerte’), Patricia López, Mikel Losada, Miquel Fernández (‘Cien años de perdón’), Quique Gago con Pedro Casablanc (‘B’), Paco Tous (‘Somos gente honrada’) , Ramón Barea (‘La corona partida’), Manolo Solo (‘B’), Colin McFarlane (‘Batman Begins’) y Susi Sánchez (‘Julieta’).
El giuón es de Luiso Bermejo (‘REC’). DeAPlaneta tiene previsto su estreno para el 3 de marzo del 2017.
Aclamada por crítica y público, y publicada en todo el mundo en más de 30 lenguas, la novela El guardián invisible transporta al espectador a un mundo hipnótico y brutal, al que viaja de la mano de Amaia Salazar (Marta Etura), inspectora jefe de Homicidios en la Policía Foral de Navarra. Una mujer dura, valiente, intuitiva, estricta, con una capacidad innata para advertir la maldad humana y, marcada por un trauma de la niñez que guarda en silencio…
Ya está publicado en nuestro idioma el tráiler de ‘Batman: la LEGO película’, Warner Bros. lo ha lanzado en su canal de Youtube. El 10 de febrero podremos disfrutar de un Batman rodeado de humor y enemigos. Batman, Alfred, Robin, El Joker, Bárbara Gordon… todos ellos estarán en esta aventura que pretende lograr o superar el éxito de ‘La LEGO película’.
En el doblaje original han participado Will Arnett, Michael Cera, Rosario Dawson y Zach Galifianakis. Al castellano la ha doblado el equipo que se encarga habitualmente de dar voz a la versión animada de estos personajes de DC Comics. El director de esta ducharachera versión del Caballero Oscuro es Chris McKay, responsable de capítulos de la serie ‘Robot Chicken’.
Ya tenemos un ganador de la grandiosa lámina del señor Spock realizada por el ilustrador Juapi. La ilustración se va para…
Daniel Casamayor Pindado
¡Enhorabuena! Muchas gracias a todos los que habéis participado y lo habéis hecho de la manera correcta. Por supuesto toda nuestra gratitud a Juapi Ilustrador por el gran arte que nos ha brindado.
Nos pondremos en contacto con el agraciado, si no responde elegiremos a otro participante para enviársela a casa.
¡Nos vemos en el siguiente, seguid leyéndonos! Recomendamos os hagáis con algún ejemplar de la editorial Apache Libros.
David, un joven que padecía una extraña variante de esquizofrenia, ha aparecido muerto en su bañera de forma terrible. Se sentía perseguido y amenazado por una presencia que era incapaz de definir. Todo coherente con su enfermedad. Su psiquiatra, el doctor Friedhoff, consciente de sus escasos progresos, decidió someterle a una novedosa e inusual terapia: que se grabase en vídeo, él mismo, durante una semana. Siete días de su vida normal, cotidiana, tratando de captar esa presencia a través del ojo frío y objetivo de la cámara. El médico pretendía así demostrarle que todo lo que le sucedía no era más que fruto de su imaginación, de su mente alterada y enferma.
Crítica
Intrigando y sorprendiendo, realmente es anómala.
No son pocas las veces en las que nos encontramos que un producto de menor presupuesto resulta mucho más satisfactorio que las grandes superproducciones. ‘Anomalous’ es uno de esos casos en los que gratamente vemos que no se abusa de los efectos generados por ordenador ni se busca el susto fácil para conseguir mantener atento al espectador.
No es una película de terror, y menos es de esas que se basan solo en los sobresaltos, que algunos tiene. Tampoco penséis que es del estilo ‘Paranormal Activity’ o ‘El proyecto de la bruja de Blair’ por eso de que emplea, solo en parte, el metraje encontrado. Este largometraje es un thriller psicológico a medio camino entre ‘Los límites de la realidad’ y ‘Fringe’. Se une el tema parnormal con un asunto psicológico y policial. Podría ser un relato moderno de Allan Poe por el uso que hace de las triquiñuelas de la mente humana y de lo paranormal.
Tanto el director Hugo Stuven, como los actores Christy Escobar (‘Bindspot’) y Edgar Fox (‘The american west’) están ante su opera prima, en lo que a largometrajes se refiere. Presentan algunas de las pifias de los primerizos, pero pasan bastante desapercibidas ante el buen hacer demostrado tanto en el set de rodaje como en la postproducción. La cinta posee un buen equilibrio entre el rodaje tradicional y el metraje encontrado, del cual no abusa. El diseño de producción tiene muy buena hechura y el ritmo aplicado resulta extraño, opresivo, de manera que consigue incomodar al espectador tanto o más de lo que están alguno de los personajes. Ofrece constantemente vistas contrapuestas, va cerrando los planos y juega con los sonidos para poco a poco crear un ambiente cada vez más pesado e incómodo. Con estas técnicas y con todas las intrigas que va generando el guión, consigue que la duda del culpable sea también la duda del espectador.
Antes de cerrar esta crítica no puedo evitar señalar el cuidado trabajo de Lluis Homar haciéndonos viajar por la evolución de un personaje elaborado y que tiene que mostrar varias caras. Muy bien en eso de mantener el tipo, muy fría Christy Escobar, con un carácter bastante similar al que originalmente tenía Olivia Dunham en Fringe, la serie de J.J. Abrams. Y dicho sea de paso muy teatral el papel de Edgar Fox haciendo de esquizofrénico, teniendo que realizar la difícil tarea de actuar prácticamente siempre solo fingiendo estar con alguien.
Si tuviese que definirla con una sola frase, excluyendo el titular empleado, sería: óptima para los fans del misterio y de lo oculto.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de noviembre 2016. Título original: Anomalous. Duración: 96 min. País: España. Director: Hugo Stuven. Guión: Hugo Stuven, David Zurdo, Fernando Acevedo. Música: Sergio Jiménez Lacima. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Lluis Homar, Christy Escobar, Edgar Fox, Adria Arjona, Ben Temple. Producción: Numérica Films, Visiona Tv. Distribución: World Line Cinema. Género: thriller psicológico, fantástico. Web oficial:www.facebook.com/AnomalousTheMovie/
Jack Reacher, ex policía militar, regresa de nuevo al cuartel general de su antigua unidad para reunirse con la comandante Susan Turner (Cobie Smulders) pero ésta ha sido arrestada por traición y encarcelada. Reacher, sabiendo que es inocente, le ayudará a escapar de la cárcel para finalmente destapar la verdad detrás de una gran conspiración del gobierno que incluye el asesinato de soldados. Basada en la obra de Lee Child, «Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás» que supone su décimo octava novela de la serie de bestsellers sobre Jack Reacher y que ha vendido más de 100 millones de libros en todo el mundo.
Crítica
Compro al Smulders el resto te lo quedas.
‘Jack Reacher’ surgió hace cuatro años para devolvernos al Tom Cruise más luchador y fuera de la ciencia ficción de los últimos años, al margen de su Ethan Hunt de ‘Misión Imposible’. Edward Zwick (‘El caso Fisher’) ha cogido el relevo de Christopher McQuarrie (‘Misión Imposible: nación secreta’) y lo cierto es que me cuesta decidir quién ha hecho mejor o peor trabajo. Lo que sí que es seguro y obvio es que al libreto se ha mantenido al mismo responsable, Lee Child, que intenta crear saga cinematográfica con este segundo trabajo basado en sus novelas. Si tengo claro que en conjunto la primera parte fue mejor y que consiguió intrigarme más desde el comienzo con la escena del francotirador. Dentro de lo que hoy clasificamos como “cine palomitero” están tanto la película del 2012 como la que se estrena este año. Peleas, disparos, persecuciones, explosiones… lo clásico en una película de acción.
En esta ocasión el personaje de Cruise tiene un cariz más humano, menos impasible y calculador. Este trotamundos que parece pertenecer al Equipo A sigue haciendo justicia a mamporro limpio y procurando no dejar huellas. Usa menos el arte marcial del Keysi y ese es otro atractivo perdido, aunque las coreografías de las peleas siguen siendo buenas y los tiroteos bastante convulsos.
Probablemente para aportar una variable más impredecible en la vida de este cuidadoso exmilitar se incluye al personaje de Danika Yarosh, que tiene un registro muy diferente al que le vi en ‘Heroes Reborn’ o al de ‘Shamless’. Su inclusión me parece bastante poco meditada y su relevancia es rebatible. El otro rol femenino importante de la película si está planteado de un modo bastante más consistente. Cobie Smulders se postula como una de las nuevas heroínas del cine de acción tras este trabajo y lo que la hemos visto anteriormente como agente de S.H.I.E.L.D. Tiene todas las características para poder protagonizar una cinta como protagonista y ofrecernos algo disfrutable, revindicando así el papel de la mujer dentro de este género. Esta película podría haber llevado también el nombre de su personaje, algo así como ‘Reacher y Turner’. Aldish Hodge, Patrick Heusinger y Robert Knepper completan un reparto bastante consistente para el menester de este filme.
Habrá discusión sobre si esta entrega es más o menos inconexa que la anterior, pero me parece indiscutible que ambas se hacen muy pesadas de seguir con su duración que ronda las dos horas. Tiene las incongruencias de las películas de este género que a mí personalmente me suelen parecer descuidos que demuestran una carencia total de afecto e interés por el producto final.
Pese a carecer de declaración de intenciones funciona bien como película de acción y sirve como película independiente de la otra. Este filme, que digamos que sigue la estela de otras sagas como el Borune de Matt Damon, podría tener sus continuaciones, sobre todo si se la sigue produciendo el propio Cruise.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de noviembre de 2016. Título original: Jack Reacher 2: Never go back. Duración: 118 min. País: EE.UU. Director: Edward Zwick. Guión: Richard Wenk, Marshall Herskovitz, Edward Zwick. Música: Henry Jackman. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Tom Cruise, Cobie Smulders, Danika Yarosh, Aldis Hodge, Sue-Lynn Ansari, Teri Wyble, Holt McCallany, Robert Knepper, Tilton Lipoma, Madalyn Horcher, Michael Papajohn, Patrick Heusinger. Producción: Paramount Pictures, Skydance Productions, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, thriller. Web oficial:http://www.jackreacher.es/
La película se estrena en cines el 4 de noviembre.
BernardoMoll es el padre de Jan, un niño muy especial que va a conquistarnos a todos gracias a la película que el propio Bernardo ha realizado. ‘La historia de Jan’es un filme documental que cumple todos los requisitos de un largometraje de este tipo: instruye y muestra algo real. Además resulta ser un documento muy enternecedor que nos hará sentir humanos en muchos aspectos.
¿Por qué hacer la película y cuándo decides convertir los vídeos caseros en un largo?
Los primeros vídeos, los de muy al principio, los de la ecografía y del embarazo… esos vídeos son en los que grabo a mi hijo y no sé aún que tiene síndrome de Down. Llega un momento cuando nos enteramos de que tiene síndrome de Down, que yo estoy grabando y acabábamos de comprar una cámara, ahí sí estoy grabando con una cierta intención.
Yo hacía vídeos para el blog en un primer momento. Estos vídeos los colgaba y notaba que ayudaban mucho a la gente y también a mí, un poco terapeútico. De alguna manera, como me dedico al cine, soy editor… pensé que esto se podría convertir en una película. En ocasiones pensaba, casi como una cosa artística, en retratar todo lo que pasaba, tenía esa necesidad y grababa. Tenía en la cabeza hacer eso e incluso lo manifestaba. Claro hay gente, incluso Mónica (la mujer de Bernardo), que no se creía que yo fuese a hacer una película. Pasados los años fui armando más el proyecto, cuando fui a grabar a la escuela infantil con un equipo mejor… poco a poco grabé momentos importantes. Al final decidí hacer la película, hará un año o dos.
Sabía que había mucho material grabado, era el único que sabía de ese material. Tenía más de 150 horas grabadas.
Si porque aparte luego habéis rodado algo de ficción para hilar todo…
Si. Yo quise que al final fuese una película, que tuviese estructura de película. Quería huir del típico documental de entrevistas a la gente, a la familia… Es una historia en la que abro el corazón, regalo lo que me estaba pasando en esas grabaciones. Entendía que tendría que haber un hilo conductor que le diese esa estructura.
A mí me gusta mucho el royo del metacine. Que la gente vea que el padre está grabando. Creo que de alguna manera hice algunas cosas para que funcionasen. Si ves al padre grabando entiendes luego las grabaciones de mi padre que se murió. Todo eso ayuda a meter más a la gente y además es un tema de educación, las cosas se pasan de familia.
Sentía que la película tenía que respirar en algún momento y por eso esas grabaciones mías con la cámara en mano. Pienso que la gente necesitaba como una pausa en la sala. Siento que esas imágenes, que a mí no me pasa por que son mías, pero creía que el espectador, al ser una historia ajena, tenía que pausar. Tenía que dar tiempo a digerir.
¿Jan ha visto la película? ¿Cómo ha reaccionado?
La ha visto muchas veces, ¡le encanta! Es fan de sí mismo. Él nació con la cámara porque le grababa desde el principio… ha vivido todo como un juego. Jan sabe que cuando le grabo va a ver algo en la pantalla. Se crece al ver la cámara. Se pone juguetón, hace bromas… Le encanta al cine, le llevé desde pequeño. Se sienta y ve la película que sea entera. Cuando ve su película ya ni te cuento. En los pases que ha hecho ya la distribuidora se pone a pegar botes, cuando sale lo del fútbol, y grita ¡gol! Hace que toma las uvas… Esta noche en la premiere va a ser increíble con él.
Me imagino que también se emocionaría con lo de los tráilers proyectados en el videomarcador del Calderón y del Camp Nou.
En el Camp Nou no estábamos, pero se lo he enseñado y flipaba. Y con lo del Atleti ya ni te digo. Estamos emocionados de cómo estamos llegando a la gente, cómo nos apoyáis los medios y todo, desde que hicimos el crowdfunding. Muy emocionante a todos los niveles.
Ya que ha quedado claro que eres colchonero. ¿Qué se siente al tener de productor a Enrique cerezo?
A mí me hace mucha ilusión sobre todo por el hecho de que Enrique Cerezo tiene un nieto con síndrome de Down. Cuando entró la distribuidora, A Contracorriente, se pusieron en contacto con él y enseguida entró en el proyecto. De alguna manera es un círculo que se cierra junto con lo del Atleti. Toda esta pasión que tenemos. Además mi amigo Paco, que es el que sale mucho en la película, es también socio del Atleti, vamos juntos al Calderón, hemos ido con Jan… El hecho de que Enrique Cerezo estuviese detrás ha sido muy bonito. El proyecto ha podido cobrar más dimensión y si está relacionado con el Atleti pues ya… (risas).
¿Cómo funcionó y en cuánto tiempo conseguisteis el objetivo del crowdfunding?
El crowdfunding también fue muy emocionante. Para hacer una película hace falta mucha pasta. Planteamos conseguir 30.000€ y fue como un tiro. La gente empezó a dar y dar y creo que en treinta o cuarenta días logramos el objetivo. Luego llegamos a 34.000. Ya no solo es el hecho del dinero, es el hecho de que además de que todas esas personas apoyen la campaña a cambio de recompensas, ayudaron a comenzar a difundir la película. Si empiezas a hacer la película y hay gente que sabe que va a tener el DVD, un pase exclusivo… ya hablan de ella.
El sentir que toda esa gente acogió esto y dio su dinero para hacerlo me parece precioso. Es cierto que para hacer la peli hace falta más dinero y por eso luego entró la distribuidora que también co-produce, Enrique Cerezo y demás.
Además se hizo una campaña muy buena de difusión y ahí empezamos a notar que a los medios el proyecto les atraía y les gustaba. Al principio de la campaña nos llevaron a muchas televisiones y eso.
Te veo alguien muy modesto. Pero al salir del pase de prensa algunos barajábamos la opción de una nominación en los próximos Goya. ¿Te lo has planteado o te lo han dicho?
Pues hay gente que me lo dice la verdad. Yo lo que quiero es disfrutar ahora. Para mí esto es como un premio, sinceramente. Mi sueño desde que me planteé hacer ‘La historia de Jan’ era que llegara a los cines. Yo me dedico al cine y creo que no es lo mismo ver esto en una sala que no en tu casa. Es algo muy emotivo y tienes que entrar en la historia. Para mí era muy importante llegar a salas, y tú sabes que hoy en día esto es muy difícil. Y un documental, aunque no nos gusta mucho hablar de ella como documental si no más como película, es dificilísimo que llegue a los cines. El hecho de que se vaya a estrenar en 15 salas, como me confirmaron ayer, es… puff.
Luego para mí sería maravilloso, sobre todo para el tema de la difusión, una nominación al Goya, todavía más gente conocería la historia. Yo quiero vivir el presente y tampoco hacerme ilusiones porque si luego las cosas no llegan te puedes decepcionar. Es como con Jan, no me puedo plantear en que vaya a llegar a hacer mil cosas, es mejor centrarse más en el presente. Prefiero vivir lo que estoy viviendo ahora que es maravilloso. A donde ha llegado la película ya es un éxito.
En España puede haber poca sensibilidad con el síndrome de Down o la gente lo tiene poco cercano. ¿Crees que la película ayudará en ese sentido?
Yo creo que va a ayudar. En la película salen otros niños con síndrome de Down, en varios colegios, en uno de integración… Noto mucho con las redes sociales como las chicas adolescentes, con solo ver el tráiler las apetece verla. Eso me encanta. Hay algo que me pasa cuando escucho a chavales usando insultos como subnormal y cosas así. Es como que hay que ir concienciando a la gente y normalizar esto. Creo que puede ayudar a que la gente pierda ese miedo.
Como cuando Jan era más pequeño e íbamos con el carrito. Por eso está esa primera secuencia en la que vamos caminando y la gente va mirando de maneras distintas. Ahí contamos que íbamos con el carro y la gente lo miraba como con miedo. Luego nos miraban, yo sonreía y como que notas que cambia algo en ellos.
Se dan cuenta de que no es algo malo, no es un pesar.
¡Claro! Eso pasa en la vida con todo. La película habla también de la aceptación. No nos queda otra que tratar de aceptar, pasando por el dolor. Se ve en la película como nosotros somos conscientes de lo que ha pasado y tratamos de decir “no pasa nada”, pero sí pasa. Poco a poco puedes aceptarlo e incluso disfrutar con ello. El sentido del humor, el optimismo, la gente se ría. Creo que todo esto puede ayudar a que la gente normalice esto.
Sobre todo, a chavales. La distribuidora va a intentar hacer pases matinales con colegios. Creo que va a funcionar mucho para los chavales.
Muy buena idea. Ya que trabajas como montador de cine, ¿has montado esta película tú? ¿Qué diferencias has encontrado con respecto a otros filmes? Por eso de ser no solo tu material si no también tu vida.
Si la he montado. Muy interesante, muy buena pregunta. Desde el principio sabía que tenía que montar yo la película. Es cierto que si la hubiera montado otro habría sido otra película que lo mismo habría sido maravillosa también. Intenté separarme de la película como padre y ponerme como profesional. Cuando estaba en la sala de montaje me quitaba ese filtro emocional porque esas imágenes me emocionan. Y hay cosas que a mí, como me comentabas antes que yo salía mucho, no me gustaban pero creía que las tenía que poner. Porque se ve esa evolución del padre. Como en el cumpleaños, cuando hago bromas con la muñeca Baby Down. A mí eso como padre me da un poco de pudor pero son cosas que pensaba que la gente las tenía que ver.
Además me lo pasé muy bien. Disfruté mucho montándola, navegando por todos esos recuerdos. Lo hice solo y cuando terminé el primer espectador fue Mónica. Habíamos llegado a un acuerdo en el que ella la vería y quitaría lo que quisiera. La vio y tras dos días como en shock decidió no quitar nada. Luego sí que hice pases con gente para ver opiniones e hice retoques. El primer montaje duraba una hora cincuenta y me tocó pulir.
Ha sido una experiencia muy bonita para mi montarla.
Bueno pues eso es todo lo que quería preguntarte. Muchas gracias y mucha suerte con la película.
No es el primer tráiler o avance de ‘xXx: Reactivated’, ya pudimos ver algo en julio. Tenemos una nueva pieza de vídeo sobre la nueva aventura de Xander, el personaje de Vin Diesel en la saga ‘xXx’. Acción, movimiento y maniobras de todo tipo es lo que nos aguarda, o al menos lo que nos vende esta pieza de vídeo en la que podemos ver a rostros conocimos como Samuel L.Jackson, RubyRose, NinaDorev… incluso Neymar Jr. También figuran en el reparto RoryMcCann, DonnieYen, ToniCollette o TonyJaa.
Se estrena el 20 de enero de 2017. Ha dirigido D. J. Caruso y producido Joe Roth, Jeff Kirschenbaum, Vin Diesel y Samantha Vincent.
El tercer capítulo explosivo de la exitosa franquicia que redefinió la película de espías, cuenta con el atleta extremo Xander Cage (Vin Diesel) que se convierte en agente del gobierno. Al salir de su autoexilio, se enfrenta al mortal guerrero alfa Xiang y a su equipo, en una carrera para recuperar un arma siniestra y aparentemente imparable conocida como la caja de Pandora. Reclutando a un grupo totalmente nuevo de compañeros en busca de emociones, Xander se encuentra enredado en una conspiración mortal que apunta a los más altos niveles de los gobiernos del mundo.
La embajadora de la ONU más comiquera tiene nuevo tráiler para su película en solitario. ‘Wonder Woman’ ya mostró su potencial en las imágenes que vimos en la pasada Comic Con de San Diego y con este nuevo avance nos despejan aún más las dudas.
GalGadot se postula como una de las mejores superheroínas llevadas a la gran pantalla. Tras aparecer en ‘Batman v Superman: El amanecer de la justicia’ las apuestas han subido a favor del éxito de este filme. En 2017 podremos ver esta nueva cinta que destaca también por la presencia de ChrisPine u otras estrellas como Elena Anaya. ¡Los pelos de punta con el tema musical de final!
¡Canta! transcurre en un mundo como el nuestro, pero poblado únicamente por animales. Buster Moon (Matthew McConaughey) es un elegante koala que dirige un teatro que ha conocido tiempos mejores. Buster es un optimista nato, lo que está muy bien si no fuera un poco sinvergüenza. Sabe que el sueño de su vida está a punto de desaparecer y solo tiene una oportunidad: organizar el concurso de canto más grande del mundo.
Entre el reparto en versión original tenemos a Seth McFarlane, Tori Kelly, Reese Witherspoon, Taron Egerton y Scarlett Johanson.
La cinta llegará a los cines el próximo 22 de diciembre.
En castellano contaremos con las voces de Concha Velasco, Paco León, Santi Millány Andrea Compton, excepto las canciones que mantendrán su versión original.
Para que vayáis haciendo una idea de cómo va a ser la película os dejamos el tráiler, disfrutadlo.
Una de las películas más esperadas del año que viene, ‘La Bella y la Bestia‘. Entertainment Weekly nos trae 8 nuevas imágenes de la cinta.
Protagonizada por Emma Watson, las imágenes que tenemos más abajo nos muestran como el equipo artístico ha cuidado al mínimo todos los detalles.
Los trajes, el castillo, los personajes, con un aspecto algo distinto, pero sin duda con el encanto y la magia que a la cinta de animación le caracterizaba.
Hasta el 17 de marzo no podremos verla, pero sin duda con adelantos como estos podemos esperar a que va a ser una gran adaptación.
Ya tenemos el tráiler de ‘T2: Trainspotting’ la aquella gran película británica.
Hace un tiempo nos mostraron un teaser en el que solo veíamos a sus protagonistas, pero ya por fin tenemos tráiler.
Como en la primera película, Danny Boyle vuelve como director. En el reparto Ewan McGregor, Ewen Bremner, Jonny Lee Miller y Robert Carlyle vuelven en esta secuela.
Os dejamos el primer tráiler en su versión original. La película se estrena el 3 de marzo 24 de febrero de 2017.
Ya tenemos un ganador del sorteo de una invitación doble para acudir a la sesión inaugural del Terrormolins. El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei arranca el día 11 de noviembre. Ese día a las 22h estará disfrutando de una buena sesión de cine. Podrá ver ‘La madriguera’ de Kurro González y además estará cerca de los responsables del filme.
Madrid Gaming Experience ha reunido a los mayores seguidores del mundo del videojuego que se han acercado a la capital española. Cinco días han sido los empleados para poner a disposición de los visitantes una amplia gama de videojuegos. Si bien el evento estaba prácticamente ausente de avances o primicias se ofrecía un enorme número de estaciones de juego con novedades y experiencias inmejorables. El salón ha tenido que luchar contra la simultaneidad de otro evento de semejante índole en otra gran ciudad, pero aun así ha logrado una afluencia apabullante. Más de 80.000 personas accedieron a sus instalaciones en Ifema solo durante sus tres primeros días, en total asistieron 124.598 personas.
Estuvimos en el evento durante su jornada del domingo. La realidad virtual, con distintas empresas y variedad de juegos representados, logró las mayores colas. Los buenos adjetivos hacia este tipo de tecnologías eran unánimes. Videojuegos como ‘Gears of War 4’, ‘Minecraft: Xbox ONE edition’, ‘Titanfall 2’, ‘FIFA 17’ o ‘Dance Central’ también acumularon grandes filas. Los dos escenarios donde se celebraron las competiciones profesionales de eSports estuvieron todo el día a rebosar de espectadores, una prueba más de la afición que hay y de las posibilidades de negocio que ofrecen hoy en día los videojuegos.
La extensísima zona retro estuvo a rebosar constantemente. Pese a que se instalaron infinidad de videoconsolas, recreativas y pinballs costaba hacerse hueco para poder disfrutar de alguna de ellas. La exposición de consolas nos deleitó la vista y el concierto de Retro Band Systems nos sorprendió los oídos gracias a su buen gusto y estilo (subiremos en breve algún vídeo). Tuvimos constancia de la solidaridad de los jugadores con la comida entregada a Videojuegos x Alimentos que será entregada al Banco de alimentos.
Ligeramente al margen de los videojuegos estaba como algo más que un complemento la zona Manga-O-Rama. En ella había múltiples actividades y zonas como La Isla en la que conocimos a diversos autores gracias a la organización de Pop Culture España y del coordinador Pedro Delgado. Sus actividades más concurridas fueron la charla de Invictus Designs (pronto subiremos entrevista con ellos), los encuentros con el cosplayer internacional Leon Chiro y el concurso de Cosplay.
Con su primera edición el MGE se ha ganado la oportunidad de continuar y perpetuarse para convertirse en un evento indispensable para los gamers y los fans del ocio interactivo en general.
Podéis ver unas fotografías a continuación y un vídeo resumen. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Flickr y están protegidas con copyright si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.
El 15 de enero de 2009, el mundo fue testigo de “El milagro del Hudson” cuando el Capitán “Sully” Sullenberger hizo amerizar su avión averiado sobre las gélidas aguas del río Hudson, salvando la vida de las 155 personas a bordo. Sin embargo, mientras Sully era aclamado por el público y por los medios por su hazaña nunca vista en habilidades de aviación, se desarrolló una investigación que amenazaba con destruir su reputación y su carrera.
Crítica
Héroe hasta que se demuestre lo contrario.
Clint Eastwood vuelve a la dirección tras coleccionar éxitos como ‘Million Dollar Baby’ o ‘Gran Torino’, por citar sólo un par, su trayectoria como director nos tiene tan enamorados que podríamos continuar la lista párrafos y párrafos. En esta ocasión se ha enfrentado a la difícil tarea de crear un largometraje a partir de una hazaña de la aviación como fue la del amerizaje en el río Hudson. Las películas sobre aviones son una constante en la historia del cine, pero pocas tienen tanta base real como esta. La cercanía temporal con el acontecimiento denota la falta de originalidad en el cine de Hollywood. Basarse en hechos reales cuando han ocurrido hace realmente poco es tan arriesgado como sencillo. En el caso de ‘Sully’ se cuenta con la novela escrita por el propio Chesley Burnett «Sully» Sullenberger III y el columnista Jeffrey Zaslow, y esto puede ser sinónimo de veracidad. Por otro lado es un acontecimiento que podría no dar para meter mucha paja, algo que temíamos todos y que más adelante rebatiré. Puede que por todo esto estemos ante una película más corta de lo que nos tiene acostumbrados Eastwood, que casi siempre pasa de las dos horas.
Para esta ocasión ha contado con otro incontestable de Hollywood como es Tom Hanks. Aquí no vemos al típico personaje de Hanks con mente ágil y carisma envolvente, esa es una de las razones por las que podemos seguir considerándole un gran actor. Los grandes y pequeños personajes de ‘Sully’ están interpretados por actores harto conocidos como Aaron Eckhart, Anna Gunn, Lura Linney, Mike O’Malley, Chris Bauer o Michael Rapaport. Pero el protagonista indiscutible, como reza el título, es Hanks. Realiza una interpretación dramática, pero desde la contención, sin caer en lloreras o en escenas apasionadas. El suyo es personaje angustiado y atosigado por cumplir su deber y soportar la presión, se sale de lo que le hemos visto en los últimos años (excluyendo ‘Capitán Phillips’).
La cinta pone en cuestión la labor del piloto como ocurrió en los días sucesivos al incidente. Nos induce a dudar si este tenía o no otras opciones viables. Para ello en vez de emplear un montaje lineal, Eastwood ha optado por un método más aturullado. Pesadillas, recuerdos, charlas e investigaciones se mezclan para mostrarnos todas las caras de una proeza como esta. Desde luego una buena parte de la película se va en mostrar el amerizaje y rescate en las aguas del Hudson. Esta es señal de que tampoco podía haber mucho donde rascar. Todo lo narrado al margen de la proeza sirve para acercárnosla a aquellos que no nos enteramos de las causas y repercusiones de este amerizaje. Narra la hazaña sí, pero también narra todas las sensaciones e investigaciones posteriores. Esto le da otra dimensión al suceso, le aporta un sentido más especializado y realista de lo que muchos teníamos en la cabeza. Con todo lo que he mencionado creo que he demostrado que es un filme justificado.
Cuando ocurrió esto a muchos se le pasaría por la cabeza el 11-S y las imágenes que ha rodado Eastwood así lo reflejan, en ese sentido no se ha andado con contemplaciones, no sería propio de él. Y algo que sí es típico en sus películas es el patriotismo, muestra a los norteamericanos como una sola entidad que se ayuda a sí misma y que para más inri lo hace en tiempo récord.
No quiero decir que las películas de superhéroes hayan inventado los easter egg ni la escena postcréditos, ni mucho menos, pero son las que más uso hacen de estos recursos en la actualidad. Sí que puedo decir que ‘Sully’, al tratarse de un filme sobre un héroe, tiene algún huevo de pascua e incluye en sus títulos finales a los protagonistas reales de esta historia.
Podría usar la ya famosa frase del piloto, “prepárense para el impacto”, como herramienta para indicar que esta es una película que puede conmocionar, pero no es para tanto. Esta es una demostración de que no hay ni aeroplanos ni filmes pequeños. La veteranía es un factor muy importante, no sólo a la hora de pilotar correctamente un avión sino también a la de conseguir dirigir una película que sea irrefutable.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de noviembre de 2016. Título original: Sully. Duración: 96 min. País: EE.UU. Director: Clint Eastwood. Guión: Todd Komarnicki. Fotografía: Tom Stern. Reparto principal: Tom Hanks, Aaron Eckhart, Laura Linney, Anna Gunn, Autumn Reeser, Sam Huntington, Chris Bauer, Holt McCallany, Mike O’Malley, Chris Bauer, Michael Rapaport. Producción: Warner Bros. Pictures, Village Roadshow, Malpaso Flashlight Films. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial:http://www.sully-movie.com/
«La bailarina» centra su historia en torno al éxito y posterior declive de Loïe Fulle. La joven que llegó a convertirse en un icono de la Belle Époque y en bailarina del teatro de la Ópera de París no dejó nunca de perfeccionar su danza, a pesar de sufrir dolores de espalda y de tener los ojos dañados por las luces del teatro. Sin embargo, todo su esfuerzo se verá amenazado con la llegada de Isadora Duncan, una joven prodigiosa sedienta de éxito que se convertirá en su mayor rival.
Crítica
Más informativa que artística.
Stéphanie Di Giusto se estrena dirigiendo y escribiendo ‘La bailarina’, un filme muy poco ambicioso que viene sacar a la palestra otra figura femenina caída en el olvido. Loie Fuller fue una bailarina y actriz estadounidense que despuntó en Europa por su nuevo concepto de baile, principalmente por el movimiento que realizaba con sus telas y por como jugaba con luces eléctricas de colores. Fue alguien que inventó muchos bailes y que exprimió su imaginación para sacar partido a las nuevas tecnologías (por entonces se comenzaban a instalar redes eléctricas en ciudades y locales).
Con este currículo se podría haber logrado un filme con un mensaje mucho más potente o por lo menos con una moralina más definido. Sin embargo Di Giusto se conforma con hacer más de lo mismo. Mujer que se abre paso en un mundo falocéntrico, persona que quiere hacer algo nuevo y choca contra un muro de conservadurismo… Para tratarse de una película sobre una bailarina rompedora, no rompe los moldes. Este es el relato de una auténtica hacedora de danzas y la película se centra principalmente en la competencia y los achaques físicos que sufrió, además de incluir una historia de amor que no viene al caso.
La actriz que interpreta a Loie Fulle, Soko (‘Her’), guarda cierto parecido con la artista. Si ella fue una gran y exitosa líder, capaz de hacer que muchas la siguiesen la corriente, Soko no ha sabido transmitirlo, no le ha impreso al personaje ni el carisma ni el sentimiento adecuado.
Cuando ella baila la película se transforma en un espectáculo visual de máxima belleza artística. Tenemos imágenes experimentales, estampas bucólicas, bailes desenfrenados… Ahí radica la escasa gracia del largometraje que también tiene una exquisita ambientación con esplendidos decorados y detallado vestuario.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de noviembre de 2016. Título original: La danseuse. Duración: 108 min. País: Francia. Director: Stéphanie Di Giusto. Guión: Stéphanie Di Giusto, Sarah Thibau. Fotografía: Benoît Debie. Reparto principal: Soko, Lily-Rose Melody Depp, Mélanie Thierry, Gaspard Ulliel, François Damiens, William Houston, David Bowles, Louis-Do de Lencquesaing, James Flynn, Petra Buckova, Frans Boyer, Charlie Morgan. Producción: Les Films du Fleuve, Les Productions du Trésor, Sirena Film, Wild Bunch. Distribución: Vértigo Films. Género: musical, drama. Web oficial:http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/la-bailarina.html
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