Crítica: ‘El amor en su lugar’

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Enero de 1942, 400.000 judíos de toda Polonia llevan más de un año confinados por los nazis en un estrecho gueto en mitad de la ciudad. Fuera del muro, la vida sigue adelante. Dentro, sus habitantes luchan por sobrevivir. Sin embargo, el alto muro de ladrillos no consigue parar la creación de un grupo de actores judíos que, en una helada noche invernal, interpreta una comedia musical en el teatro Fémina. Los espectadores ríen y se emocionan ante una historia de amor, olvidando por un momento su difícil situación. Entre bambalinas, los actores se enfrentan a un dilema de vida o muerte ante la posibilidad de llevar a cabo una fuga después de la función.

Crítica

Rodrigo Cortes vuelve a mostrarnos su talento detrás de la cámara

‘El amor en su lugar’ es un drama basado en hechos reales que se desarrolla en el gueto de Varsovia en 1942 donde los judíos llevaban más de un año confinados por el régimen nazi.

La dirige y coescribe Rodrigo Cortés, un cineasta que ya nos dio muestras de su talento en ‘Buried’ (Enterrado) allá por el año 2010. Una película en la que manejaba su cámara en un espacio muy pequeño y nos conseguía mantener la tensión en todo momento.

En este caso, el cineasta nos traslada a las calles de Varsovia y lo primero que me sorprende al empezar la película es la facilidad que tiene para mostrarnos la miseria, el horror, la crueldad y en definitiva, la situación angustiosa que se vivía en el gueto. Y lo hace todo en un plano secuencia acompañando a los títulos de créditos iniciales. Una vez más aunque no de forma tan extrema, Cortés se maneja en un escenario bastante reducido con brillantez. El director español maximiza la expresión de “Una imagen vale más que mil palabras” y en apenas dos minutos ya nos pone en situación con ese plano secuencia introductorio que te sumerge en el conflicto y hace sentir al espectador cuán dura era la vida dentro del gueto y a qué condiciones estaban expuestos sus habitantes ahí recluidos.

A partir de ahí, el resto de ‘El amor en su lugar’ se desarrolla prácticamente en un teatro donde un grupo de sufridos actores intentan hacer que su público se evada de la angustiosa situación que todos están viviendo ahí con un musical de comedia romántica. El punto de inflexión llega cuando a nuestra protagonista, Stefcia, se le presenta la oportunidad de huir esa misma noche después de la función. A partir de ahí, empezamos a conocer un poco a los protagonistas en las idas y venidas al escenario y sus conversaciones entre bambalinas, entre escena y escena o incluso en el mismo escenario.

La película es tan dinámica que te hace sentir esa sensación de premura, esa urgencia de quien se está jugando la vida y nos mantiene en esa incertidumbre de cómo se resolverá la historia mientras Cortés se gusta en cada plano, a veces con cámara en mano para transmitirnos más realidad en algunas escenas, otras veces con primeros planos para ver el alma de sus personajes, mientras te sumerge más y más en el conflicto.

Decir que la ambientación está muy bien conseguida, con un buen diseño de producción, los actores todos están a la altura, aunque me gustaría destacar a Clara Rugaard (Stefcia) que es el personaje alrededor del cual gira todo lo demás y nos hace vivir su historia de principio a fin.

Una historia más dentro de la historia de la Segunda Guerra Mundial que te invita a la reflexión y te muestra los dos lados del ser humano. El más oscuro reflejado en los soldados nazis y lo que tienen que hacer por sobrevivir los propios judíos, y el más esperanzador reflejado en el amor de los personajes principales y las decisiones que tienen que tomar. En medio de esta carrera por la vida, esta lucha por la supervivencia, unos actores siguen representando su obra pese a todas las adversidades que se suceden esperando que su público les aplauda.

Rodrigo Cortés me ha conquistado de nuevo por llevarnos de la mano con su cámara y hacernos partícipes de cada momento con cada secuencia de esta película. Por reflejar de nuevo los horrores de la guerra y compartir esta historia con los espectadores.

‘El amor en su lugar’ es carne de premios, es carne de cine, de buen cine hecho con talento en todo su conjunto, y desde aquí y en mi humilde opinión, os recomiendo que vayáis a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Love Gets a Room. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Rodrigo Cortés. Guion: Rodrigo Cortés, David Safier. Música: Víctor Reyes. Fotografía: Rafael García. Reparto principal: Clara Rugaard, Ferdia Walsh-Peelo, Magnus Krepper, Freya Parks, Jack Roth, Henry Goodman, Dalit Streett Tejeda, Anastasia Hille, Valentina Bellè, Mark Davison. Producción: Nostromo Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: hechos reales, drama. Web oficial: https://nostromopictures.com/es/film-detail/el-amor-en-su-lugar-proximamente

Crítica: ‘Black box’

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¿Qué pasó a bordo del vuelo Dubai-París antes de que se estrellara en los Alpes? Mathieu Vasseu, un técnico de la BEA, la autoridad responsable de las investigaciones de seguridad en la aviación civil, es el investigador jefe en este desastre aéreo sin precedentes. ¿Error del piloto? ¿Fallo técnico? ¿Acto terrorista? El cuidadoso análisis de las cajas negras empujará a Mathieu a realizar su propia investigación en secreto. Aún no sabe hasta dónde le llevará su búsqueda de la verdad.

Crítica

‘Black box’ es una película muy bien medida y eso se nota pues nos transfiere su nervio

La mayoría de la gente ignora qué esconde realmente una de esas mal llamadas cajas negras, porque de entrada actualmente son naranjas. Para los más desconocedores basta con indicar que son unas cajas metálicas del tamaño aproximado al de una caja de zapatos que permiten esclarecer causas de fallos o accidentes ya que tienen una gran resistencia a líquidos, impactos o fuego y en su interior se registran datos, tan funestos como los últimos audios de la cabina o su telemetría. Una de las virtudes de ‘Black box’ no solo reside en mostrar muy visualmente el cómo son o la manera en cómo se manipulan esos dispositivos, si no el revelar que en ellos hay un pequeño circuito y que su localización tras un accidente habilita llevar a cabo una minuciosa investigación.

La trama de ‘Black box’ se centra en un talentoso analizador de audios y datos que trabaja para la BEA, siglas en francés para “Oficina de Investigación y Análisis para la Seguridad de la Aviación Civil”. A él se le asigna el caso de un accidente sucedido en un vuelo Dubai-París del que no sobrevive nadie. Un caso de muchísima importancia que haría que cualquiera sucumbiese a la presión. Y eso es lo que tiene la cuarta película de Yann Gozlan, una presión que hace que el ambiente se tense más y más según avanza la trama.

Pierre Niney repite protagonismo con el director y se encarga de transmitirnos ese nerviosismo, esa intriga que para mí es el punto fuerte de ‘Black box’. Pero más allá de la buena interpretación del actor francés está el rodaje que nos plantan en la pantalla grande. El montaje y los recursos visuales empleados contribuyen a meternos en la piel del protagonista. La celeridad con que maneja sus herramientas, el ritmo al que aumentan sus sospechas, el cada vez más elevado tono de las conversaciones. ‘Black box’ es una película muy bien medida y eso se nota pues nos transfiere su nervio. Durante la mitad del filme nos tiene intrigados con un par de MacGuffins y posteriormente se convierte en una historia de conspiraciones, pesquisas y paranoias la mar de vibrante.

Pero no todos son virtudes. La resolución de la película, aunque factible, cae en los tópicos de las películas de investigaciones y complots. Ya no solo por la solución que nos dan si no por cómo se acaba descubriendo y desvelando. Sin embargo ese final tan manido y más propio de películas de espías no mancha este largometraje que además de mostrar los intríngulis posteriores a un accidente aéreo pone en relevancia que tras cada crítico o inspector casi siempre hay una profesión frustrada.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Boîte noire. Duración: 129 min. País: Francia. Dirección: Yann Gozlan. Guion: Nicolas Bouvet, Yann Gozlan, Jérémie Guez, Simon Moutairou. Música: Philippe Rombi. Fotografía: Yann Gozlan. Reparto principal: Pierre Niney, Lou de Laâge, André dossollier. Producción: Wy Productions, 2425 Films, StudioCanal, France 2 Cinema, Panache Productions, La Compaigne Cinématographique. Distribución: VerCine. Género: suspense. Web oficial: https://www.vercine.org/ficha/es/467-black-box-2021/

Crítica: ‘Nido de víboras’

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Los destinos de un mediocre grupo de desgraciados comienzan a converger a medida que se desmoronan. Joong Man lucha por llegar a fin de mes trabajando en una sauna mientras cuida de su madre enferma, pero un día se encuentra una bolsa llena de dinero en los vestuarios. Tae Young intenta arreglar que su novia se haya dado a la fuga con el dinero que él había pedido a un prestamista. Poco después, un cadáver aparece misteriosamente. Mi Ran, acorralada entre las agresiones de su marido y su trabajo sin futuro como chica de alterne, encuentra a un joven amante, Jin Tae, quien se ofrece a matar a su pareja. Así arranca este juego despiadado que solo puede ganar el más fuerte.

Crítica

Alimentando aún más el éxito de las producciones coreanas

Más allá de necesitar ser reivindicado, el cine coreano y su ficción televisiva han llegado por fin al punto de convertirse en populares e incluso mainstream, prueba de ello es el reciente éxito de Netflix, ‘El juego del calamar’. Sobre gustos no hay nada escrito y predecir qué producción va a ser la siguiente en convertirse en viral o en éxito mundial es imposible. Pero sí que es cierto que en los últimos años se percibe al cine coreano como una apuesta casi segura, una nueva opción de calidad a tener en cuenta.

‘Nido de víboras’ confirma esa tendencia que alimenta aún más nuestra buena percepción del cine que sale de Corea del Sur. Es una película de enredos, de cruce de caminos con muchos personajes y una trama repleta de puñaladas. Kim Yong-hoon emula a su estilo a los Coen y nos propone una historia coral y fatal pero a su vez con humor negro. Un thriller que bien podría competir con ‘La casa torcida’, ‘Pulp Fiction’, ‘Puñales por la espalda’ y similares. Entorno a un mundo criminal se mueve un abanico de personajes variopinto, diverso, de tal modo que las reacciones y resultados son imprevisibles. Y el guion se va enrevesado hasta tal punto que al final acaba haciendo hasta gracia.

Sobra decir que la calidad de ‘Nido de víboras’ no alcanza a mitos como la película de Tarantino o las mejores obras de los autores de ‘Ladykillers’ o ‘Fargo’, pero el puzle que compone no tiene nada que envidiar. Todo parte del libro de Keisuke Sone y ciertamente el sabor es muy novelesco. Los participantes de esta historia son una prostituta, una madame, un funcionario, mafiosos, un portero de discoteca, un detective al más puro estilo Colombo, el empleado de una sauna… Sobre el papel no se sabe cómo podrían confluir todos estos “desgraciados” y cuando arranca el filme seguimos sin saberlo. Es a mitad de la historia y en su mismo desenlace cuando se cierra el círculo de tal modo que uno acaba creyendo en el karma.

La acción transcurre en muchos escenarios diferentes, pero casi siempre en interiores o cuando nos movemos al aire libre es siempre a la luz de la luna o de las frías luces de la ciudad. Kim Yong-hoon emplea en su debut un marcado estilo visual que me ha recordado a películas como ‘I saw the devil’, ‘El lago del ganso salvaje’ o ‘Sympathy for Lady Vengeance’ por mencionar otras asiáticas que también aprovecho a recomendar.

La violencia y el destino son partes fundamentales de ‘Nido de víboras’. Una película de traiciones y buscavidas, de míseros y miserables. Aunque hay muchas historias que seguir el filme no se hace lioso, exige menos atención de la que a priori parece demandar y además deja todas las tramas cerradas, cosa que se agradece.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Beasts That Cling to the Straw. Duración: 109 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kim Yong-hoon. Guion: Kim Yong-hoon. Música: Nene Kang. Fotografía: Kim Tae-Soo. Reparto principal: Jeon Do Yeon, Jung Woo Sung, Bae Sung-woo, Youn Yuh Jung. Producción: Megabox Plus M. Distribución: Festival Films. Género: thriller. Web oficial: http://klockworx-asia.com/warasuga/

Entrevista a Kim Yong-hoon director de ‘Nido de víboras’

«Los personajes que se ven abocados a un sistema capitalista»

El 3 de diciembre llega a cines otra película coreana llamada a conquistar a los espectadores. ‘Nido de víboras’ (crítica aquí) está dirigida por Kim Yong-hoon y es un filme coral, con personajes miserables. Un largometraje mitad comedia negra mitad suspense con un entramado muy criminal y a merced del azar o las malas decisiones. En esta historia una bolsa de dinero aparece ante un modesto trabajador de un pequeño establecimiento. Todo gira en torno a ese botín y a aquellos que lo buscan o se cruzan en su camino.

El debutante Kim Yong-hoon es también el guionista de esta obra que surge de la novela de Keisuke Sone. Hemos tenido oportunidad de hablar con él y preguntarle por este nuevo estreno que nos acerca Festival Films.

¿Qué te atrajo de la novela para convertirla en la que además es tu primera película?

Era interesante que los personajes en situaciones desesperadas se vieran sacudidos por la codicia de un momento y se convirtieran en bestias, y que se resolvieran en una estructura no lineal que no seguía el orden cronológico.

Los personajes de la historia son del tipo oportunista y perdedor. ¿Cómo puede sobrevivir alguien a un nido de víboras como este?

Los personajes eran gente corriente en el pasado, y se encontraban en un estado en el que los cimientos de la vida no estaban rotos. Sin embargo, debido a sus propios defectos o a las circunstancias, se convirtieron en personas dispuestas a agarrarse a un clavo ardiendo después de haber caído al suelo y haberse visto obligadas a arrinconarse. Cuando estos personajes se convierten en bestias por la codicia del momento, creo que funciona la ley de la selva, que es el principio básico del mundo de las bestias. Creo que en el mundo de las bestias sobrevive el depredador más feroz.

Tu película tiene cierto grado de violencia, háblame de cómo está vista la violencia cinematográfica en Corea.

En Corea, la reacción estuvo dividida. Hubo gente que pensó que había menos violencia de la esperada y para algunos, era demasiado violenta y se sentían incómodos. Personalmente, pensé que era necesaria para desarrollar la historia. Es que no considero esta película como una película que sólo muestra violencia.

El cine coreano siempre nos ha traído buenas obras, pero… ¿por qué cree que ahora tiene tanto éxito fuera de sus fronteras?

Creo que es una combinación de varios factores. Corea comenzó a formar el sistema de la industria cuando el capital de las grandes empresas se apresuró a entrar, y gracias a esto, la buena mano de obra está entrando en la industria. Además, se han producido constantemente películas de bajo presupuesto que persiguen la originalidad, lo que ha contribuido a crear grandes cineastas.

En especial, creo que directores como BONG Joon-ho (‘Parásitos’), PARK Chan-wook (‘Old boy’), KIM Ki-duk (‘Hierro 3’), KIM Ji-woon (‘Dos hermanas’) y HONG Sang-soo (‘Ahora sí, antes no’), que han construido su propio mundo y estilo, han influido mucho en el cine coreano desde principios del 2000.

¿Crees que la buena acogida internacional de esta película guarda relación con otros éxitos violentos o llenos de miseria como ‘Old boy’, ‘Parásitos’ o ‘El juego del calamar’?

Parecen tener similitudes en cuanto al tratamiento de personajes que se ven abocados a un sistema capitalista.

Viendo la película me han venido a la cabeza películas como ‘Pulp Fiction’ y ‘Quemar después de leer’. ¿Son Tarantino y los Coen referentes para ti?

Personalmente, son directores que admiro. Creo que ver sus películas una y otra vez me afectó de alguna manera y salió en la película.

¿Ha servido la bolsa de dinero como objeto metafórico del sueño de ser director que sientes tú mismo?

Si consideras la bolsa de dinero como el medio de querer agarrarte a un clavo ardiendo, puede que lo veas así. Pero yo no me lo planteé desde esa razón mientras hacía la película.

Muchas gracias a Kim Yong-hoon por una película que nos a agradado tanto y por su tiempo al responder a estas preguntas.

Crítica: ‘Cazafantasmas: más allá’

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Del director Jason Reitman y el productor Ivan Reitman, llega un nuevo capítulo del universo original de ‘Cazafantasmas’. En ‘Cazafantasmas: más allá’, una madre soltera y sus dos hijos se mudan a un pequeño pueblo donde descubrirán su conexión con los orígenes de los cazafantasmas y el legado secreto que su abuelo les ha dejado. La película está escrita por Jason Reitman y Gil Kenan.

Crítica

Un bonito homenaje para ‘Los Cazafantasmas’ y sus fans

Hemos tenido la oportunidad de poder ver con antelación ‘Cazafantasmas: más allá’. Antes de comenzar el visionado tuvimos un pequeño mensaje de Jason Reitman, pidiéndonos por favor no estropear la magia de la película con spoilers y que dejemos disfrutar de ésta a los futuros espectadores.

Así que sin spoilers y con mucha ilusión os comienzo a hablar de ‘Cazafantasmas: más allá’. Una madre soltera debe marcharse a una cabaña abandonada en el fin del mundo con sus dos hijos, al estar con el agua hasta el cuello de deudas. Así comenzamos la película y así vamos descubriendo poco a poco el por qué deben marcharse hasta allí y por qué al final no todo es tan malo.

Antes de comenzar a adentrarme mucho en la cinta, he de decir que mis ilusiones hacia esta película han ido como una montaña rusa. Es decir, veía imágenes y me volvía loca de alegría. Vi uno de los tráilers y dije «¿Pero qué es esto por favor?» indignada hasta más no poder. Al pase fui totalmente indiferente y sin apenas expectación. Qué buena cosa, porque la verdad salí encantada y me divertí un montón con el sorpresón de película que encontré.

Además de que comienza sin miramientos, presentándonos a esta familia tan complicada. Una niña que es un genio, un hermano mayor con las hormonas alteradas que no es tan listo, pero siempre está dispuesto a todo. Y una madre un tanto desastre, que está intentando sobrevivir con lo que tiene. Añadimos a esto a un profesor que es un fanático de los Cazafantasmas y a un niño que recuerda mucho al personaje de Tapón en ‘Indinana Jones: El templo maldito’.

‘Cazafantasmas: más allá’ es un homenaje a las dos primeras cintas de la saga, sobre todo a la primera. Una cinta nostálgica que quiere revivir ese mundo que tantas horas de entretenimiento nos han dado a muchos gracias a los repetidos visionados de las películas. Además es un homenaje a ese cine de los años 80 que, para que vamos a engañarnos, tanto echamos de menos.

Aventuras, valores, amor y también inocencia, ese cine que nos enseñaba mucho con una película de aventuras. A valorar la amistad y a creer en nosotros mismos, pese a quizás ser un poco más raritos de lo que supuestamente era ser normal.

Además otra de las maravillas que me he encontrado en la película ha sido el tema de efectos especiales. Que disfrute, han mimetizado el CGI con animatrónica de una manera espectacular. Dándonos imágenes del pasado sin modernizarlas pero sí mucho mejor realizadas.

Jason Reitman, pese a ser un gran director, lo tenía bastante difícil con esta película y creo que sin duda ha hecho un gran trabajo.

En el reparto nos encontramos con Mckenna Grace, os lo he dicho mil veces, pero esta chica apunta maneras y lo demuestra en cada nuevo trabajo que realiza. Está estupenda en su papel, muy al estilo Sheldon Cooper, sin llegar a ser tan pedante. Finn Wolfhard, vuelve a meterse en un traje de Cazafantasmas después de lucirlo en ‘Stranger Things’, y sin duda hace un papel bastante currado. Logan Kim, que maravilla de personaje le han dado a este muchacho y que bien lo hace. Muchos cogeréis cariño a Podcast y disfrutaréis un montón con sus tonterías. Carrie Coon y Paul Rudd son los encargados de dar vida a la parte adulta, tampoco demasiado, de la película y cumplen con su cometido perfectamente.

Por lo demás, como he dicho que no quiero desvelar sorpresas, porque merecen mucho la pena disfrutadlas, id a verla, id a disfrutar y a dejaros llevar por esta nueva aventura de los Cazafantasmas. Un homenaje a estos Cazafantasmas que tanto adoramos, un homenaje a los fans y sobre todo un precioso homenaje a Harold Ramis al que está dedicada la película y que además es uno de los guionistas de la misma.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Ghostbusters: Afterlife. Duración: 124 min. País: EE.UU. Dirección: Jason Reitman. Guion: Jason Reitman, Gil Kenan. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Eric Steelberg. Reparto principal: Paul Rud, Carrie Coon, Finn Wolfhard, Mckeenna Grace, Sigourney Weaver, Celeste O’Connor, Logan Kim, Annie Potts, Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Bokeem Woodbine, Oliver Cooper. Producción: Columbia Pictures, BRON Studios, Ghostcorps, Sony Pictures, The Montecito Pictures Company. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/ghostbusters/

Análisis del Blu-ray de ‘Tiempo’

No perdáis el tiempo si os gustó en cines

Para muchos el thriller fantástico ‘Tiempo’ supuso la vuelta del Shyamalan misterioso y tenso, pero para otros resultó ser una película episódica y demasiado reiterativa en su final, excesivamente explicativa. Sea como fuere acaparó muchos seguidores que ahora se alegrarán de poder comprarla en formato físico.

El filme sale del cómic titulado ‘Castillos de arena’ una obra que ni se menciona en los extras pero que sirve de base clara. La película acaba teniendo un toque más de ciencia ficción distanciándose del mensaje de fábula de la obra en formato papel pero igualmente abraza la fugacidad de la vida y el carpe diem.

La película está protagonizada por un elenco de actores nada pequeño que además tiene sus otras versiones. Si no habéis visto el filme no tardaréis en descubrir a qué se debe esto. Desde luego no volveréis a mirar una cala, por paradisiaca que sea, de la misma manera.

En el menú del filme podemos ver el cartel que nos muestra un plano cenital de una de las protagonistas con su gorro a la orilla de la playa. Es un menú sencillo, fácil de manejar, aunque luce los ya clásicos iconos para movernos entre opciones, extras o escenas, un poco ambiguos. El disco de la película está serigrafiado con el mismo cartel, no es habitual ya tener el disco con una imagen grabada.

Con esta edición se puede ver la película en 2.39:1 widescreen pudiendo escoger audios en inglés Dolby Atmos, Castellano, Francés e Italiano Dolby Digital Plus 7.1. Los subtítulos están habilitados para Inglés para sordos, Castellano, Francés, Italiano, Portugués, Danés, Holandés, Finés, Noruego y Sueco.

Extras (40 min. aprox.)

Escenas eliminadas (8:16 min.)

Un clásico entre los extras del formato físico. Escenas que no entraron en el montaje final, como una nueva escena más parecida al cómic o distintos encontronazos. Hasta un total de 10 escenas.

Pesadillas en el paraíso (7:27 min.)

La localización para esta película llevo al equipo de producción a patearse todo el mundo. Una vez en el escenario natural, irónicamente, el tiempo (cronológico y medioambiental) corrió en contra del equipo de rodaje. Toda una pesadilla para director y productores. Muy bonito el tema de los perros.

Un momento en familia (6:18 min.)

Una de las escenas de pérdida fue vivida con mucha intensidad por el reparto, si habéis visto la película probablemente sepáis a cuál me refiero.

La playa como escenario (9:37 min.)

Shyamalan es muy meticuloso con la preparación de sus películas. Con ‘Tiempo’ una obra que transcurre totalmente en un escenario natural no quería dejar nada al azar… pero… no puede hacer nada para evitar las improvisaciones.

Negocios de la familia Shyamalan (8:05 min.)

Shyamalan cuenta el objetivo de su película, el cómo cree que es necesario transmitir el mensaje de vivir el momento. Tras sus palabras conocemos las impresiones de Ishani Shyamalan la cual ha ejercido de segunda en la dirección.

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