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Autor: Furanu
De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.
La vida de Andy Goodrich (Michael Keaton) da un vuelco cuando su mujer ingresa en un centro de rehabilitación, dejándolo al cargo de sus hijos gemelos de 9 años. Sobrepasado por sus nuevas responsabilidades, Goodrich acudirá a su hija mayor (Mila Kunis) para que le ayude a convertirse en el padre que ella jamás tuvo.
Crítica
Michael Keaton flota sobre un guion que se mantiene en la orilla sin llegar a ahondar
Hallie Meyers-Shyer, hija de Nancy Meyers (la directora de ‘En qué piensan las mujeres), se nos acerca con una película sobre cómo el concepto de familia ha mutado y cómo el tradicional padre de familia está en vías de extinción (como si la película de su madre le hubiese inspirado). La comedia dramática ‘Con el agua al cuello’, protagonizada por Michael Keaton, es una película que transita con ligereza tanto por su drama como por su comedia. Si bien no se destaca por una profundidad emocional particularmente impactante, sí logra capturar las problemáticas de la vida moderna, especialmente en lo que respecta a la paternidad, la pareja y la familia.
La historia sigue a Andy Goodrich (Keaton), un hombre de mediana edad cuya vida cambia repentinamente cuando su esposa le abandona para ingresar en rehabilitación, dejándolo al cuidado de sus hijos pequeños. Desbordado por las nuevas responsabilidades, busca apoyo en su hija mayor (Mila Kunis), con quien mantiene una relación distante. A partir de ahí, la película explora la reconstrucción de vínculos familiares y el aprendizaje tardío sobre lo que significa ser padre.
Uno de los puntos más interesantes del filme es cómo retrata una generación que sigue el supuesto orden establecido de la vida —casarse, tener hijos, formar una familia, tener un trabajo exitoso— sin estar necesariamente preparada para lo que implica. También pone sobre la mesa la carga emocional y las responsabilidades que surgen en las relaciones de pareja y el cuidado de los seres queridos en un mundo donde la estructura tradicional de la familia ha cambiado radicalmente en solo un par de décadas.
A nivel narrativo, la película avanza sin grandes sobresaltos, con una combinación de momentos emotivos y situaciones medianamente cómicas que hacen que el relato fluya con facilidad. Sin embargo, la falta de un conflicto más sólido o de un tratamiento más profundo de los temas impide que la historia deje una marca duradera. Aun así, Keaton entrega una actuación entrañable, aportando calidez a su personaje y logrando que la historia tenga momentos ligeramente genuinos de conexión emocional.
Más allá de su desarrollo predecible, ‘Con el agua al cuello’ plantea una reflexión valiosa sobre el tiempo que se pierde con los seres queridos al priorizar el trabajo y otras responsabilidades. En una sociedad donde el ritmo de vida muchas veces obliga a dejar de lado lo esencial, la película funciona como un recordatorio de la importancia de estar presente para la familia antes de que sea demasiado tarde. La pregunta más importante que se lanza al espectador es, ¿compartes el tiempo suficiente o conoces realmente a las personas que habitan tu casa?
En definitiva, es una película amena que, atraerá por la presencia de Keaton y la vuelta de Kunis a la pantalla grande. Aunque no sorprenda ni profundice demasiado en sus temas, logra capturar ciertas verdades de la vida contemporánea. Su tono ligero la hace accesible y sus mensajes, aunque convencionales, resultan relevantes para cualquier espectador que haya sentido alguna vez que las responsabilidades lo sobrepasan.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Goodrich. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: Hallie Meyers-Shyer. Guion: Hallie Meyers-Shyer. Música: Christopher Willis. Fotografía: Jamie Ramsay. Reparto principal: Michael Keaton, Mila Kunis, Andie MacDowell, Michael Urie, Carmen Ejogo, Kevin Pollak. Producción: C2 Motion Picture Group, CaliWood Pictures, Gramercy Park Media, RainMaker Films, Stay Gold Features. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, drama. Web oficial:https://c2motionpictures.com/project/goodrich/
Anoche se entregaron los Premios BAFTA 2025. Para el cine británico es la noche más importante y desde 2023 tiene lugar en el Royal Festival Hall del Southbank Centre de Londres. Allí ha tenido lugar la ceremonia en la que han salido coronadas ‘The brutalist’ y ‘Cónclave’ con cuatro estatuillas cada una. Desde luego la cosa va a estar reñida para los Oscar.
Palmarés de los BAFTA 2025
Mejor Debut Británico de Dirección, Guion o Producción
Hoard
Kneecap
Monkey Man
Santosh
Sister Midnight
Mejor Guion Original
Anora
The Brutalist
Kneecap
A Real Pain
La Sustancia
Mejor Guion Adaptado
A Complete Unknown
Cónclave
Emilia Pérez
Nickel Boys
Las vidas de Sing Sing
Mejor Película de habla no inglesa
All We Imagine as Light
Emilia Pérez
I’m Still Here (Ainda Estou Aqui)
Kneecap
The Seed of the Sacred Fig
Mejor Filme Animado
Flow
Ensure’s Kingdom
Wallace and Gromit: La venganza se sirve con plumas
The Wild Robot
Mejor Dirección
Sean Baker por Anora
Brady Corbet por The Brutalist
Edward Berger por Cónclave
Denis Villeneuve por DUNE: Parte Dos
Jacques Audiard por Emilia Pérez
Coralie Fargeat por La Sustancia
Mejor Actriz de Reparto
Ariana Grande por Wicked
Felicity Jones por The Brutalist
Isabella Rossellini por Cónclave
Jamie Lee Curtis por The Last Showgirl
Selena Gomez por Emilia Pérez
Zoe Saldaña por Emilia Pérez
Mejor Actor de Reparto
Clarence Maclin por Las vidas de Sing Sing
Edward Norton por A Complete Unknown
Guy Pearce por The Brutalist
Jeremy Strong por The Apprentice
Kieran Culkin por A Real Pain
Yura Borisov por Anora
Mejor Actriz
Cynthia Erivo por Wicked
Demi Moore por La Sustancia
Karla Sofía Gascón por Emilia Pérez
Marianne Jean-Baptiste por Hard Truths
Mikey Madison por Anora
Saoirse Ronan por The Outrun
Mejor Actor
Adrien Brody por The Brutalist
Colman Domingo por Las vidas de Sing Sing
Hugh Grant por Heretic
Ralph Fiennes por Cónclave
Sebastian Stan por The Apprentice
Timothée Chalamet por A Complete Unknown
Mejor Película Británica
Bird
Blitz
Cónclave
Gladiator II
Hard Truths
Kneecap
Lee
Love Lies Bleeding
The Outrun
Wallace and Gromit: La venganza se sirve con plumas
Como cada año en temporada de premios, a caballo entre los Goya y los Oscars, se entregan los Premios Blogos de Oro que buscan destacar al mejor cine independiente de España. La gala ha tenido lugar en las redes como en los últimos años.
A través de famosos y premiados en años anteriores se han entregado los ganadores. Se ha contado con Josep Riera, Paula Palacios, Carlos Ruano, Estefanía Santos, F. Javier Guitiérrez, Víctor Clavijo, Isabel Ampudia, Caye Casas y Cristina Borobia.
En el recuento sale como película destacada de los Blogos de Oro el filme ‘Tu no eres yo’ de Moisés Romera y Marisa Crespo con 3 reconocimientos.
Palmarés Blogos de Oro 2025
Mejor Actor de reparto
Diego París por ‘Os reviento’
Eduardo Rosa por ‘El aspirante’
Fernando Cayo por ‘El instinto’
Jorge Motos por ‘Tú no eres yo’
Javier de Luis por ‘Sueños y pan’
Mejor Actriz de reparto
Catalina Sopelana por ‘El aspirante’
Cristina Masoni por ‘Sueños y pan’
Eva Llorach por ‘El instinto’
Pilar Almería por ‘Tú no eres yo’
Rut Santamaría por ‘Os reviento’
Mejor Actor principal
David Villanueva por ‘Septiembre’
Francisco Conde por ‘La zona vacía’
George Steane por ‘Sueños y pan’
Javier Pereira por ‘El instinto’
Lucas Nabor por ‘El aspirante’
Mejor Actriz principal
Adriana Ozores por ‘Reflejos en una habitación’
Alba Loureiro por ‘La zona vacía’
Cristina Mediero por ‘Septiembre’
Marina Varem por ‘Amor Platónico’
Roser Tapias por ‘Tú no eres yo’
Mejor Guion
Carlos Aceituno por ‘Septiembre’
Carles Cubos y Miriam Culleré por ‘Gure Hitzak’
Juan Albarracín por ‘El instinto’
Kurro González por ‘La zona vacía’
Luis (Soto) Muñoz por ‘Sueños y pan’
Mejor Dirección
Juan Albarracín por ‘El instinto’
Juan Gautier por ‘El aspirante’
Kike Narcea por ‘Os reviento’
Luis (Soto) Muñoz y Alfredo Picazo por ‘Los restos del pasar’
Moisés Romera y Marisa Crespo por ‘Tú no eres yo’
Mejor Cortometraje
‘Capitanes’ de Kevin Castellano y Edu Hirschfeld
‘Chiquita piconera’ de Mey Montero
‘Escrito por Ib’ de Ibon Hernando
‘Ese lugar partido’ de Inés Pintor Sierra
‘Gizaki’ de Xanti Rodríguez
‘The fruter and the husband’ de Nacho Bárcena Martín
‘Triangle’ de Joseph Diaz
‘Violetas’ de Borja Escribano
Mejor Película
‘El aspirante’ de Andrea Gautier y Juan Gautier
‘El instinto’ de Twin Freaks Studio, Horizon Media, Pópulos Films, Trilita Films
‘Gure Hitzak’ de La Caseta del Cubos
‘La zona vacía’ de Francisco Conde y Carlos Alfonso Ibáñez Giralda
‘Los restos del pasar’ de D. Peña, A. González y J. A. Andrés
‘Septiembre’ de Elena Díaz y Carlos Aceituno
‘Sueños y pan’ de Daniel Peña y Alejandro González
Mickey Barnes es un Prescindible, encarnado en la séptima réplica de su cuerpo, que vive (y muere) rodeado de sus colegas colonizadores en Niflheim, un planeta helado y casi inhabitable. Hay quien lo considera inmortal. O tros lo ven como una monstruosidad sin alma. Durante los últimos nueve años ha realizado toda clase de tareas peligrosas y ha sido el conejillo de Indias de experimentos que ponen a prueba los límites de la resistencia humana.
Ha sacrificado su humanidad por un bien mayor. En el transcurso de una misión de reconocimiento, Mickey7 cae herido y es abandonado a una muerte segura. Sin embargo, una especie autóctona de Niflheim lo rescata. Cuando regresa a la base, Mickey7 se topa con su siguiente réplica, Mickey8. Ninguno de los dos está dispuesto a saltar a la recicladora, pero si alguien descubre que existen múltiples Mickeys ambos serán sacrificados? y Mickey9 nunca verá la luz. No obstante, su prematuro hermano gemelo no es el único secreto que esconde Mickey7.
Reseña
Una reflexión existencial con sabor a ciencia ficción
Sumamos a muestra biblioteca personal una distopía con algo de space opera, ’Mickey7’ de Edward Ashton. Una propuesta que combina la aventura espacial con una meditación filosófica sobre la identidad, la mortalidad y la conciencia. La novela se centra en Mickey Barnes, un “prescindible” en una misión de colonización interplanetaria, cuyo trabajo consiste en morir repetidamente y ser regenerado con sus recuerdos intactos. Es para muchos una simple herramienta sacrificable y recuperable y para otros un monstruo sin alma. Sin embargo, cuando el Mickey número siete sobrevive inesperadamente y se encuentra con su propia versión más reciente, la historia toma un giro intrigante que recuerda tanto al libro ‘El hombre duplicado’ de José Saramago como a la película ‘El sexto día’ protagonizada por Arnold Schwarzenegger.
El gran acierto de ‘Mickey7’ radica en su tono ligero pero perspicaz. Ashton escribe con un humor seco que aligera los temas filosóficos subyacentes. En este sentido, su narrativa se asemeja al trabajo de Andy Weir (‘The Martian’), donde la ciencia y la lógica estructuran el conflicto sin entorpecer la fluidez de la historia. La novela plantea preguntas fascinantes: ¿qué significa ser una persona si puedes ser reemplazado? ¿Dónde reside la identidad cuando los recuerdos pueden ser transferidos? ¿Hasta qué punto es ético el sacrificio humano incluso cuando este es voluntario? Estas cuestiones, aunque no nuevas en la ciencia ficción, son exploradas con frescura gracias a la voz sarcástica y autocrítica de su protagonista.
Sin embargo, ‘Mickey7’ no se aventura demasiado en lo filosófico ni en la construcción de un mundo profundamente desarrollado. Ashton se enfoca más en el ritmo narrativo y en la interacción de Mickey con su tripulación o la amenaza que representa el nuevo planeta, lo que mantiene la historia ágil pero sin la profundidad de otros referentes del género.
La inminente adaptación cinematográfica de Bong Joon-ho, ‘Mickey 17’, protagonizada por Robert Pattinson, genera expectativas altísimas. El cineasta surcoreano es conocido por su capacidad para combinar crítica social con entretenimiento (‘Parásitos’, ‘Snowpiercer’), y su enfoque podría añadir capas de significado a la historia de Ashton. A juzgar por la filmografía de Bong, es probable que la película amplifique la tensión existencial y la crítica al capitalismo inherente a la trama.
Si bien Ashton ofrece una exploración entretenida y accesible de la clonación y la identidad, Bong Joon-ho podría transformar la historia en una parábola más oscura y satírica sobre la explotación y la deshumanización en un sistema tecnocrático. Si el director logra expandir los temas de la novela sin perder su esencia, ‘Mickey 17’ podría convertirse en una de las adaptaciones más estimulantes de la ciencia ficción contemporánea.
Ficha del cómic
Autor: Edward Ashton. Editorial: Minotauro (St. Martin’s Press). Datos técnicos: 368 pags., tapa blanda, 23x15cm. Publicación: 2022 (2025 España). Precio:18€.
Totsuko es una estudiante de secundaria con la capacidad de ver los “colores” de los demás. Colores de felicidad, emoción y serenidad, además de un color que ella atesora como su favorito. Un día, forma una banda con Kimi, una compañera de clase que emite el color más hermoso de todos, y Rui, un amante de la música a quien conoce en una librería de segunda mano. Pero todos ellos albergan secretos: Kimi no le ha explicado a su familia que ha abandonado las clases, Rui toca a espaldas de su madre, quien quiere que sea médico, y Totsuko no puede ver su propio color. Mientras ensayan en una antigua iglesia en una isla remota, la música les acaba uniendo. El festival escolar se aproxima y con él su primera actuación en vivo. ¿Qué colores mostrarán en el auditorio repleto?
Crítica
Un anime que brilla en lo estético pero titubea en su simbolismo
Naoko Yamada regresa a nuestros cines con ‘Tu Color’ (‘Kimi no Iro’), una nueva película anime que reafirma la intención de esta directora por diferenciarse con un estilo delicado a través de un lenguaje visual refinado y un esmero por explorar la emocionalidad juvenil. En esta ocasión, colabora con el estudio Science SARU (‘Inu-Oh’), conocido por su enfoque innovador en la animación, dando como resultado una obra con una estética cautivadora y un trasfondo emocional profundo.
La historia sigue a Totsuko, una adolescente con la capacidad de ver a las personas como colores que reflejan su personalidad, como si fuesen una de esas pulseras con gemas que supuestamente cambian de color según como te sientas. Esta premisa inicial, que podría haber sido explotada de manera más simbólica de lo que suena, se diluye en ciertos momentos, dejando espacio para el desarrollo de la amistad entre Totsuko, y los personajes de Kimi y Rui, quienes encuentran en la música un refugio para afrontar sus propias crisis identitarias.
Si bien ‘Tu color’ aborda de manera efectiva la exploración de la juventud y el deseo de encontrar un lugar en el mundo, el guion de Reiko Yoshida, aunque sólido, no alcanza la complejidad emocional de ‘A Silent Voice’. Algunos espectadores pueden sentir que ciertos conflictos quedan esbozados sin una resolución completamente satisfactoria. No obstante, la interacción entre los protagonistas logra transmitir una calidez genuina, con momentos de ternura y un vínculo que, aunque sugiere matices queer, no termina de explorarse a fondo. Es una película que se sale de la norma y nos muestra un Japón más católico que nunca, pero sin embargo ls costumbres recatadas japonesas de cara a la galería le ponen ciertos corsés.
Uno de los puntos más destacables de ‘Tu Color’ es su apartado visual. Yamada y Science SARU han creado una estética evocadora con una paleta de colores pastel que enriquece la narrativa. La animación es fluida, con una atención minuciosa a los pequeños gestos y detalles en los fondos, una característica distintiva del trabajo de Yamada. Sin embargo, el uso del simbolismo cromático, aunque eficiente en los primeros compases de la película, no siempre se mantiene con la misma fuerza en el desarrollo de la historia.
Además, la puesta en escena de los momentos musicales es un gran acierto. A parte de que cada vez el jpop está más presente en la cultura occidental, la película acierta a retratar la experiencia de tocar en una banda de adolescentes, con una música que, lejos de sonar demasiado pulida, tiene una cualidad cruda y natural, reflejando los progresos y las dificultades de los personajes al expresarse a través del sonido. Kensuke Ushio firma una banda sonora que encaja perfectamente con la sensibilidad del filme. La música no solo refuerza la atmósfera emocional de la historia, sino que también juega un papel narrativo importante. Los temas compuestos para la banda de los protagonistas tienen un toque amateur intencionado, lo que los hace creíbles dentro de la trama. A medida que avanza la película, la música se convierte en un reflejo del crecimiento personal de los personajes, culminando en una secuencia final vibrante y emotiva.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Kimi no Iro. Duración: 100 min. País: Japón. Dirección: Naoko Yamada. Guion: Reiko Yoshida. Música: Kensuke Ushio. Reparto principal (doblaje original): Sayu Suzukawa, Akari Takaishi, Taisei Kido, Yasuko, Aoi Yûki, Minako Kotobuki, Keiko Toda, Yui Aragaki. Producción: East Japan Marketing & Communications Inc., Lawson Group, Science SARU, Story (II), Toho Studios. Distribución: SelectaVisión. Género: drama. Web oficial:https://gkids.com/films/the-colors-within/
Historia de terror psicológico ambientada en la sangrienta corte Tudor del infame rey Enrique VIII de Inglaterra (Jude Law). Contada desde el punto de vista de la reina Catalina Parr (Alicia Vikander), la sexta y última esposa de Enrique y la única que evitó el destierro o la muerte.
Crítica
Más desafiante que terrorífica
‘Firebrand’, la cinta de Karim Aïnouz que se estrena en España bajo el título ‘La última reina’, se presenta como un relato feminista e interpretativo sobre Catalina Parr, última esposa de Enrique VIII. Promocionada como terror psicológico, la película tiende más hacia el drama histórico convencional, dejando de lado las posibilidades de tensión narrativa que brinda el terror y alzándose como thriller sentimental.
La trama gira en torno a la relación entre Catalina (Alicia Vikander) y Enrique (Jude Law). Este último se encuentra en un estadio físico y mental deteriorado debido a una infección que lo convierte en una figura grotesca y volátil. Si Enrique VIII se caracterizaba por su carácter caprichoso e impetuoso imaginad si está psicológicamente afectado por un problema de salud. Jude Law ofrece una interpretación inquietante de un monarca paranoico y cruel que aterroriza a su corte, mientras que Vikander representa una Catalina más idealizada que rigurosa. ‘La última reina’ intenta alzar a esta figura histórica como un mito revolucionario, de ahí el título original Firebrand” (agitadora). Ambos evidentemente están representados desde la imaginación más novelesca que quizá histórica.
La película insinúa momentos de suspense con las acusaciones de traición y herejía que amenazan la vida de Catalina, pero no logra mantener un clima de auténtica opresión. En lugar de explorar los matices oscuros de la relación entre los protagonistas o el miedo como una fuerza subyacente, la narrativa se enfoca en ensalzar a Catalina como una heroína adelantada a su tiempo y una figura desafiante a pesar incluso de las muertes de sus predecesoras. Esto desvía la película hacia un tono más político, sacrificando la atmósfera que cabría esperar de un thriller terrorífico.
Desde el punto de vista técnico, la película tiene sus méritos. La fotografía casi pictórica de Hélène Louvart y la partitura de Dickon Hinchliffe evocan una sensación de asfixia, reflejando el estado físico y emocional de sus personajes. Sin embargo todos coincidiremos en que el guión hace que la tensión conseguida con estos elementos se diluya entre tejemanejes cortesanos. El conflicto principal entre el drama de pareja y el terror psicológico radica en cómo se aborda la relación entre Catalina y Enrique. Un thriller psicológico efectivo habría profundizado en la manipulación, el miedo y la vulnerabilidad que define la dinámica de poder entre ambos, pero aquí esos elementos se tocan superficialmente. La película parece más cómoda relatando los conflictos externos, como las amenazas de los asesores de Enrique o las tensiones religiosas del reino, dejando al margen el potencial interno de la historia o el horror que sufre Catalina al intentar hacer valer sus ideas por encima de quienes la quieren como una mera proveedora de herederos.
‘La última reina’ destaca como un drama histórico cruel y lleno de desesperación encabezado por dos potentes figuras, pero no como la terrorífica historia que se nos promete. Aunque ofrece actuaciones notables y un diseño de producción impecable, su enfoque narrativo diluye el impacto emocional que podría haber alcanzado. La película es una reivindicación de Catalina Parr, pero carece de la profundidad y la intensidad que la habrían hecho memorable dentro de un género pocas veces vinculado a este periodo histórico. Podría haber sido un episodio más de ’Los Tudor’ o similares.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2024. Título original: Firebrand. Duración: 120 min. País: Reino Unido. Dirección: Karim Aïnouz. Guion: Henrietta Ashworth, Jessica Ashworth. Música: Dickon Hinchliffe. Fotografía: Hélène Louvart. Reparto principal: Alicia Vickander, Jude Law, Eddie Marsan, Ruby Bentall, Sam Riley, Simon Russell Beale. Producción: MBK Productions, FilmNation Entertainment, Brouhaha Entertainment, Magnolia Mae Films. Distribución: Vértice Cine. Género: terror, drama. Web oficial:https://www.firebrandmovie.co.uk/
Llena de la característica mezcla de ingenio, encanto y humor a carcajadas de Paddington, ‘Paddington: aventura en la selva’ encuentra al querido oso amante de la mermelada perdido en la selva en una emocionante aventura de alto riesgo. Cuando Paddington descubre que su querida tía Lucy ha desaparecido del Hogar para Osos Jubilados, él y la familia Brown se dirigen a las selvas de Perú para buscarla, siendo la única pista de su paradero un punto marcado en un enigmático mapa. Decidido a resolver el misterio, Paddington se embarca en una emocionante búsqueda a través de las selvas tropicales del Amazonas para encontrar a su tía… y puede que también descubra uno de los tesoros más legendarios del mundo.
Crítica
Mantiene esa inocencia que es todo un ejemplo a seguir
Tercera entrega de la saga a la que muchos nos acercamos por las bromas hechas en ‘El insoportable peso de un talento descomunal’, la película protagonizada por Nicolas Cage y Pedro Pascal. Después de dos entregas aclamadas por la crítica y el público, ‘Paddington: aventura en la selva’ tenía la difícil tarea de mantener el encanto y la calidad de la saga. Sin embargo, con un cambio de director y un giro hacia la aventura buscatesoros clásica, la película se aleja del tono original que hizo tan especial a ‘Paddington’ (2014) y ‘Paddington 2’ (2017). Eso no tiene que ser necesariamente algo malo.
Las dos primeras películas fueron dirigidas por Paul King, quien logró equilibrar el humor, la emoción y la estética encantadora de la historia. Pero este director ha estado ocupado sin duda dándole el toque british a ‘Wonka’. ‘Paddington: aventura en la Selva’ cuenta con DougalWilson en la dirección, un debutante en esto del largometraje. Su experiencia en videos musicales y comerciales le permite aportar un toque visual atractivo, pero su narrativa es más convencional y menos innovadora que la de su predecesor. Uno de los mayores cambios es la partida de Sally Hawkins (que también estaba trabajando en ‘Wonka’), quien interpretaba a la Sra. Brown y ahora es reemplazada por Emily Mortimer. Aunque la transición es fluida y la película se enfoca en la dinámica familiar, el centro de atención es la expedición a Perú. Por mucho que suponga el regreso a casa para el osezno se pierde parte del encanto hogareño de las anteriores. Sin duda estamos ante el ‘Stuart Little’ de esta generación, dado su toque british y sus valores familiares y de hospitalidad, incluso en su tercera y animada entrega también se iba de aventuras a la naturaleza. Como decía, estos cambios no son necesariamente para mal, no estamos ante el caso de otra saga destrozada por el ansia de hacer más y más.
La historia sigue a Paddington y la familia Brown en la búsqueda de la desaparecida tía Lucy. La película introduce elementos de cine de aventuras al estilo de ‘Indiana Jones’ o ‘Tras el corazón verde’, con escenarios selváticos idealizados y el misterio de un tesoro perdido. Acaba apareciendo El Dorado y la selva amazónica acoge elementos occidentales como en ‘Fitzcarraldo’, pero prefiero no comparar y conviene alejar la sombra del molesto Klaus Kinski. Visualmente se va a más, al público se le aporta la misma cantidad de carcajadas, más adrenalina y menos momentos lacrimógenos o empalagosos. La ternura está menos presente pero es compensada con carcajadas. Sobre todo por la inclusión de Olivia Colman (que sí que ha sacado tiempo tras rodar ‘Wonka’) en la piel de una monja a medio camino de ‘Sonrisas y lágrimas’ y un personaje de ‘Los Simpson’ a punto de explotar, demencial.
Quién espere una visión fidedigna de Perú se va a llevar un chasco. Vale que estas historias de Michael Bond son un estandarte de la cultura británica, pero qué vamos a esperar de algo surgido de un cuento infantil en el que el protagonista es un oso con abrigo de pana adicto a la mermelada. Evidentemente no es un filme retratista, todo podría haber sucedido en cualquier selva. Lugares donde siempre se ha vituperado la huella de los conquistadores españoles. En ‘Paddington 3’ Antonio Banderas intenta lidiar con algo de luz ese tipo de legado.
El humor mudo sigue presente, con guiños incluso a sketches clásicos de Buster Keaton. Las mentiras piadosas, la manera tan correcta de afrontar los conflictos y la capacidad de ser magnánimo con una criatura tan exacerbadamente torpe siguen siendo señas de identidad. Tanto en el protagonista como en casi todo el filme, reina la inocencia. Reitero que quizá la emotividad esté mucho menos presente, pero hay que aplaudir que aún con todo y con eso este oso se gana nuestros corazones y se alza como un ejemplo a seguir. Seguir, quizá la franquicia no crezca con más películas, por lo menos su escena post-créditos no parece tener intenciones continuistas, pero seguro que los resultados de crítica y taquilla ponen a sus productores los dientes largos.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de febrero de 2025. Título original: Paddington in Peru. Duración: 106 min. País: Reino Unido. Dirección: Dougal Wilson. Guion: Mark Burton, Jon Foster, James Lamont. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Erik Wilson. Reparto principal: Ben Whishaw, Hugh Bonneville, Emily Mortimer, Julie Walters, Jim Broadbent, Imelda Staunton, Carla Tous, Madeleine Harris, Samuel Joslin, Olivia Colman, Antonio Banderas. Producción: Studio Canal, Columbia Pictures, Stage 6 Films, Kinoshita Group, Canal+, Marmalade Films Ltd. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras. Web oficial:https://paddingtonmovie.com/
Bridget está sola después de enviudar hace cuatro años, cuando Mark murió durante una misión humanitaria en Sudán. Es la madre de Billy, de nueve años, y de Mabel, de cuatro, y se encuentra en una especie de limbo emocional mientras cuida a los niños con la ayuda de sus mejores amigos y de un antiguo amante, Daniel Cleaver (Hugh Grant).
Presionada por su familia urbana, compuesta por Shazzer, Jude y Tom, su compañera de trabajo, Miranda, su madre y su ginecóloga, la Dra. Rawlings (la oscarizada Emma Thompson), se siente obligada a interesarse por la vida y el amor. Trabaja de nuevo e incluso prueba con una App de citas, a través de la cual conoce a un soñador más joven que ella (Leo Woodall, la serie “The White Lotus”). Mujer trabajadora, ama de casa, madre y enamorada (a medias), Bridget se enfrenta al enjuiciamiento de las madres perfectas en el colegio, se preocupa por Billy, que no acaba de acostumbrarse a no tener un padre, y mantiene una extraña relación con el muy racional profesor de Ciencias de su hijo (Chiwetel Ejiofor, nominado a un Oscar).
Crítica
Con más melancolía que nunca, vuelve el caos y los flirteos torpes de Jones
Cuarta entrega inspirada en las novelas de Helen Fielding. Bridget Jones ha vuelto, y esta vez, con más pundonor y el mismo caos. En ‘Bridget Jones: Loca por él’ la querida protagonista de la novela y películas interpretada por Renée Zellweger se enfrenta a la vida a los cincuenta y tantos, lidiando con la maternidad, el duelo y, por supuesto, las citas en la era digital.
La trama nos sitúa cuatro años después de la trágica muerte de Mark Darcy (Colin Firth), dejando a Bridget como madre soltera de dos hijos. A pesar de las adversidades, decide lanzarse al mundo de las citas modernas, donde los “me gusta” y los “match” son la nueva norma. Aquí es donde entra Roxter (Leo Woodall), un joven que podría hacer que cualquiera reconsiderara su edad en Tinder.
Debo reconocer que nunca me ha gustado la manera en cómo Renée Zellweger actúa ante la cámara, sobre todo cuando se empeña en moverse como si fuese todo el rato fumada (supongo que sus continuos y no reconocidos retoques no ayudan). Y aunque la comedia romántica no suele ser mi taza de té, hay que admitir que esta entrega logra equilibrar el humor con momentos emotivos y es buen producto para su audiencia. Las situaciones cómicas, desde malentendidos tecnológicos hasta encuentros incómodos, son tan efectivos como actuales. Además, la química entre Zellweger y Woodall es sorprendentemente buena aportando una dinámica interesante que mantiene la atención del espectador. Pero lo mejor del filme es como sabe manejar el tema de la pérdida y los gags por parte de Hugh Grant y Mila Jankovic, quien interpreta a la incontrolable hija.
Además de saber meter algún que otro guión a los filmes anteriores el director Michael Morris ha sabido capturar la esencia de Bridget, presentándola como una mujer que, a pesar de las tragedias y lo que ha tardado en encontrase a sí misma y a su(s) media naranja, mantiene su optimismo y torpeza característica. La película también aborda temas relevantes como las presiones sociales sobre las mujeres maduras y la búsqueda de identidad en una etapa casi crepuscular de la vida. De hecho apuesta fuerte, más que en los filmes de Sharon Maguire y Beeban Kidron, por la sensiblería y el drama suavizado.
En resumen, ‘Bridget Jones: Loca por él’ es una comedia romántica que, aunque sigue fórmulas conocidas, ofrece una perspectiva fresca y actualizada de un personaje entrañable. Para aquellos que disfrutan del género, es una adición valiosa y para los que no, al menos es una excusa para reír y reflexionar sobre las ironías de la vida moderna.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de febrero de 2025. Título original: Bridget Jones: Mad About the Boy. Duración: 130 min. País: Reino Unido. Dirección: Michael Morris. Guion: Helen Fielding, Abi Morgan, Dan Mazer. Música: Dustin O’Halloran. Fotografía: Suzie Lavelle. Reparto principal: Renée Zellweger, Hugh Grant, Emma Thompson, Chiwetel Ejiofor, Leo Woodall. Producción: Universal Pictures, Stuio Canal, Miramax. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia romántica. Web oficial:https://www.universalpictures.es/micro/bridget-jones-loca-por-el
La monótona vida del adicto al trabajo Conor se ve sacudida cuando tropieza con el anuncio de la línea de fiestas de Frankie Freako con un extraño duende danzante. ¿Será su entrada a la emoción?
Crítica
Nos divierte añadiendo nuevos miembros al imaginario de los monstruitos
Si alguna vez te preguntaste qué pasaría si ‘Gremlins’ tuviera un hijo ilegítimo con ‘Roger Rabbit’ tras una borrachera en Las Vegas, ‘Frankie Freako’ es la respuesta. Un derroche de marionetas y prótesis que haría llorar de emoción a Jim Henson y temblar a cualquier contable de efectos prácticos. Desde su primera escena, la película deja claro que no se va a tomar en serio a sí misma, apostando por un caos cuidadosamente orquestado que recuerda a los excesos de los 80. Cada criatura es una pequeña obra de arte del cine artesanal, con texturas y expresiones que superan con creces a cualquier monstruo digital moderno.
La película parece un capítulo perdido de ‘Pesadillas’ de R.L. Stine, pero con más resaca y menos supervisión parental. Aquí no hay moralejas edulcoradas ni finales reconfortantes, solo un torbellino de situaciones absurdas que funcionan gracias a un guion que, aunque tarda excesivamente en arrancar, abraza el disparate sin miedo. Los personajes, aunque caricaturescos, tienen el suficiente carisma para sostener el delirio en el que se ven envueltos, y Frankie Freako, en particular, se roba la pantalla con una personalidad tan insoportable como magnética. Eso sí, saldrás imitando al personaje que al igual que Groot solo articula una palabra, en este caso “Shabadoo”.
La moraleja es clara: si eres un workaholic estirado, te mereces que un gremlin de mercadillo te arruine la vida. Y es que ‘Frankie Freako’ es básicamente la versión sobrenatural de una despedida de soltero descontrolada, con la energía caótica de ‘Resacón en Las Vegas’ y diálogos que harían que Lisa Simpson dejase de llamar a la «Línea de Corey». ¿Por qué esto último? Pues porque el filme parte de un hecho real que no es otro que las party lines, esas llamadas multiconferencias que se podían hacer en los 80 y se usaban para ligar.
Apartado especial para su director, el cual es un especialista en efectos especiales. Con sus películas Steven Kostanski está rindiendo al cine de efectos prácticos un homenaje similar al que le rinde David Leitch al de acción con especialistas. Títulos como ‘El vacío’ o ‘Psycho Goreman’ hacen fans al instante y ya son clásicos de culto. Además, ha tenido el detallazo darle a uno de los protagonistas el apellido de John Carl Buechler, artista al que le debemos los efectos de películas como ‘Re-Animator’, ‘Torok, el troll’, ‘Hatchet’, ‘Ghoulies’ o incluso algunos detalles de ‘Indiana Jones y la última cruzada’.
En resumen, un festín de nostalgia ochentera que mezcla terror, comedia y una cantidad absurda de efectos prácticos. No cambiará tu vida, pero es el tipo de locura que merece existir. Es un recordatorio de que el cine de género puede ser puro desenfreno sin renunciar a un cariño evidente por sus influencias. Por cierto, ¿la aceptamos como película navideña? Porque si ‘Jungla de Cristal’ y ‘Gremlins’ entran en la categoría, ‘Frankie Freako’ también merece un hueco en las maratones decembrinas.
Frankie Freako es un homenaje desatado a la serie B, a los ochenta y a las comedias disparatadas, casi cartoon. La película se nos escapó en Sitges pero la vimos en el Festival CutreCon en comunión con el ciclo fantástico Aeterna y con eso queda claro que este filme rinde culto a películas trash pero que tienen buen gusto a la hora de hacer crecer el imaginario colectivo en lo que a monstruitos se refiere. Pese a su aire de gamberrada sin control, es evidente que hay un amor genuino por este tipo de cine, con un cuidado sorprendente en su diseño de producción y en la forma en la que Frankie interactúa con el mundo que lo rodea. Es el momento de dejarse llevar y gritar eso de It’s time to get Freako!
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de febrero de 2025. Título original: Frankie Freako. Duración: 85 min. País: Canadá. Dirección: Steven Kostanski. Guion: Steven Kostanski. Música: Blitz//Berlin. Fotografía: Pierce Derks. Reparto principal: Conor Sweeney, Kristy Wordsworth, Adam Brooks, Matthew Kennedy, Meredith Sweeney, Rich Evans, Rob Schrab, Patrick Baxter, Kate Freund, Mike Stoklasa. Producción: Hangar 18 Media. Distribución: Amazon. Género: fantástico, comedia. Web oficial:comprar en Blu-ray
Geralt de Rivia, un brujo mutante y cazador de monstruos a sueldo, recibe el encargo de investigar una serie de ataques que han alterado la paz de un pequeño pueblo costero. Sin esperarlo, se ve inmerso en un conflicto que ha enfrentado a humanos y sirenas durante siglos. Para desentrañar el misterio y evitar que la hostilidad entre ambos reinos desate una guerra sin retorno deberá apoyarse en sus amigos de siempre y en aliados inesperados.
Crítica
The Witcher meets La Sirenita
Os voy a resolver lo primero de todo la curiosidad por la que probablemente hayáis entrado a leer esta crítica. Esta nueva película de animación basada en las obras de Andrzej Sapkowski (que no es la primera ya que se estrenó ‘La pesadilla del lobo’ en 2021) no cuenta con la voz de Henry Cavill. Pero en su sustitución tampoco con la de Liam Hemsworth. Prestan sus voces Anya Chalotra, Joey Batey, Emily Carey, Christina Wren, Mallory Jansen, Brittany Ishibashi… Todos ellos ya conocidos por la audiencia de la serie. Pero a Geralt de Rivia le dobla DougCockle. Una especie de acto de justicia ya que este excelente doblador de personajes de videojuegos es quien ha doblado al protagonista en los juegos. Eso sí, en la versión en español vuelve a ser Guillermo Romero, doblador habitual de Henry Cavill.
Dicho esto comentemos esta nueva aventura del brujo de pelo plateado. ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’ es una película episódica, sin ningún evento trascendental en la historia de Geralt de Rivia y si con mucho trasfondo para el cargante y fiel Jaskier. Es una historia que transcurre tras eventos como el de la niña de la sorpresa (Ciri), tras el encuentro con el Djinn o la aventura con el hombre lobo. Pero transcurre antes de visitar Caingorn y darse la masacre, como bien sabrán los conocedores de esta franquicia. Bien intuirán también los lectores que esta película de animación se basa en ‘Un pequeño sacrificio’, el relato incluído en ‘La espada del destino’.
Como tantas otras historias e ‘The Witcher’, razón por la que un servidor consideró los libros bastante vagos, la base un cuento clásico. En esta ocasión la aventura que bien tiene elementos también en común con ‘Aquaman’ se basa en ‘La sirenita’. ¡Llegan hasta cantar y no solo Jaskier! Buena parte del metraje es una historia la mar de arquetípica, nunca mejor dicho. Pero si metes una buena tijera a esa parte y nos quedamos con las historias y acción de Geralt y Jaskier, resulta que ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’ se queda en un entretenimiento, del tipo historia de cortes y corsarios. Por supuesto también tenemos el cuento de Hans Christian Andersen popularizado por la Disney embadurnado de monstruos, en esta ocasión de criaturas de las profundidades y el clasicazo del kraken.
Quizá la animación sea lo más digno de mención de esta pildorita que nos mantiene vivo al personaje hasta la llegada del menor de los Hemsworth. Studio Mir, los mismos de ‘La leyenda de Korra’, ‘DOTA: Sangre de dragón’ o la próxima versión del ‘Devil may cry’, son los responsables coreanos de este anime que sería más correcto llamar aeni. Su estilo se asemeja al de otras producciones de Netflix, véase ‘Castlevania’, por ejemplo. Las escenas de combate son dinámicas, con movimientos bien coreografiados y mezclas entre ataques y defensas, algo que Studio Mir ha perfeccionado en trabajos anteriores. La paleta de colores es sombría, con tonos fríos y contrastes marcados, lo que refuerza el tono adulto de la historia a pesar de que se base en un cuento infantil. Esto encaja con la atmósfera oscura y realista del universo The Witcher. Geralt tiene un aspecto más estilizado que en los videojuegos, con facciones más marcadas y una armadura detallada. Los diseños de las sirenas combinan elementos fantásticos con un enfoque casi mitológico e incluso lovecraftiano. Aunque predominan los trazos en 2D, algunos efectos de agua, iluminación y magia parecen apoyarse en CGI, lo que añade profundidad sin desentonar con el estilo general. En general ‘The Witcher: Sirenas de las profundidades’ aporta un estilo visual impactante y una ambientación fiel al mundo de Lobo Blanco.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de febrero de 2025. Título original: The Witcher: Sirens of the Deep. Duración: 90 min. País: Corea del Sur. Dirección: Kang Hei Chul. Guion: Rae Benjamin, Mike Ostrowski. Música: Joseph Trapanese. Reparto principal (doblaje original): Doug Cockle, Anya Chalotra, Joey Batey, Emily Carey, Christina Wren, Mallory Jansen, Brittany Ishibashi. Producción: Hivemind, Netflix, Platige Image, Stuio Mir. Distribución: Netflix. Género: fantasía, aventuras. Web oficial:https://www.netflix.com/title/81484026?s=i&trkid=258593161
La decimocuarta edición del Festival Sombra ya ha hecho pública sus novedades. Películas, conciertos, exposiciones y nuevas iniciativas que tendrán lugar tanto en Murcia como en Madrid, de un modo similar al que vivimos el año pasado. Entre los nombres destacados para esta edición están John Mctiernan y Javier Botet, destinatarios de los premios Sombra de Leyenda, junto a Shauna Macdonald y Eva Llorach, premios Serial Killer de este año. La Escuela Superior de Diseño de Murcia recibirá el premio Nosferatu dedicado a los profesionales que apoyan al festival.
El festival colaborará con Rock Imperium y el colectivo No Te Prives con proyecciones especiales. En total esta edición contará con 25 películas y 22 cortos.
Fabio Frizzi llega a Murcia por primera vez para interpretar en directo la BSO de Zombi 2 en la clausura del festival el sábado 22. Sombra tare de nuevo a un compositor musical mítico del género de terror. En la clausura del evento el sábado 22 de marzo, en la Filmoteca Regional, el grupo ofrecerá una interpretación en vivo de la banda sonora original de la película «Zombi 2», dirigida por el maestro del terror italiano, Lucio Fulci.
John Mctiernan. Director de los títulos más incontestables de la historia del cine de acción, como ‘Jungla de cristal’ [Die Hard] (1988), ‘Predator’ (1980), ‘La caza del octubre rojo’ (1990) o el meta divertimento ‘El último gran héroe’ (1993). Recibirá presencialmente el más que merecido premio Sombra de Leyenda presentando su magnum opus, ‘Jungla de cristal’, el sábado 15 de marzo.
Javier Botet. Actor, director e icono legendario del terror contemporáneo, lleva décadas encarnando los monstruos más reconocidos a nivel internacional. Desde ‘Slenderman’ (2018), ‘It’(2017), ‘La momia’ (2017),‘Expediente Warren 2’(2016), hasta la “niña Medeiros” del universo ‘Rec’, Botet está marcando las pesadillas de varias generaciones. Contaremos con él por partida doble, presentando ‘Historias de Halloween’ (Kiko Prada) y en su encuentro con fans en la Filmoteca Regional.
Primer Market ‘Sombra’ el 5 y 6 de Marzo
Primer market de cine fantástico en Murcia. Se convocarán a las asociaciones regionales para que envíen proyectos en desarrollo. Se hará en los estudios de TCERO, con la colaboración de SÉPTIMA MEDIA, en su compromiso al apoyo del talento y la industria audiovisual murciana y nacional.
El 5 y 6 de marzo tendrá lugar el evento. Se efectuarán charlas y talleres profesionales sobre distintos términos: financiación, distribución, pitching… Con presencia de productoras externas para escuchar proyectos locales. Habrá una puesta en común entre las productoras regionales y externas para estudiar las posibilidades de colaboración con los proyectos ganadores.
Inauguración: ‘El instinto’ murciano de ambición internacional
Esta edición será inaugurada por la flamante ‘El instinto’ del lorquí Juan Albarracín, rodada íntegramente en la Región de Murcia.
Thriller psicológico sobre Abel (Javier Pereira), un arquitecto de éxito cuya agorafobia lo aísla en el campo durante tres años. Su ex pareja y socia (Eva Llorach) le advierte del impacto en su carrera, hasta que un adiestrador de perros (Fernando Cayo) le propone un tratamiento poco convencional. Eva Llorach, ganadora del Goya a Mejor actriz revelación en 2019, estará presente en la proyección y recibirá el premio Serial Killer. La película competirá en nuestra Sección Oficial como parte de su prometedor recorrido por festivales de todo el mundo.
Películas a concurso (Sección Oficial)
Se inaugura el festival y la Sección Oficial con ‘El instinto’ (Juan Albarracín), con presencia de la premiada Eva Llorach. Continuará con la sinuosa ‘Mads’ (David Moreau), ‘Las motosierras cantan’una macarrada entre ‘Scary Movie’y‘La matanza de Texas’ (Sander Maran), ‘Spermaggedon’ (Tommy Wirkola, Rasmus A. Sivertsen),
‘Deviant’ (Daniel Caneiro), ‘Historias de Halloween’ (Kiko Prada) (presentada por Javier Botet), ‘El segundo acto’ (Quentin Dupieux) [paralelamente en Media Window] y el thriller asfixiante belga‘Night Call’ (Michiel Blanchart).
Ciclos y cortometrajes
El ‘ciclo ANIMA/TE’ lo estrena ‘Tu Color’ (Naoko Yamada), la nueva película del reconocido director de ‘A Silent Voice: The Movie’. Además estará presente la pakistaní ‘El artista del cristal’ (Usman Riaz).
El ciclo ‘Media Window’ lo forman la destacada ‘Frëwaka’ (Aislinn Clarke), folk horror grabado casi completamente en gaélico. ‘El segundo acto’(Quentin Dupieux) y la ganadora a Mejor Película en la pasada edición del Festival de Sitges ‘El baño del diablo’ (Veronika Franz, Severin Fiala).
Fuera de competición, en ‘Joyas del terror’ la polémica ‘Strange Darling’ (J Moliner) y ‘El baño del diablo’ (Veronika Franz, Severin Fiala). Habrá una ‘Muestra de Terror Latinoamericano’ con ‘Masacre en el Delta’ (Facundo Nuble), ‘Tóxico’(Ariel Martínez, 2020) con presencia de su director.
Como proyecciones especiales, colaborando con ‘Rock Imperium’tendremos ‘La Invocación’ (Marc Meyers, 2019) y como pase del colectivo ‘No te prives’, ‘The Hunger’ (Tony Scott, 1983), protagonizada por Catherine Deneuve y David Bowie.
Vuelve el díptico de cortometrajes, entre Murcia Fantástica y los que conforman su propia Sección Oficial a concurso.
Retrospectivas, encuentros y homenajes
Jungla de Cristal, (John McTiernan, 1988) presentada por el propio director, a quién se le otorgará el premio Sombra de Leyenda.
Con la mirada en el 20 aniversario de ‘The Descent’ (Neil Marshall, 2005), tendrá lugar la proyección de la película con la presencia de Shauna Mcdonald, su protagonista, quien recibirá el premio Serial Killer.
Con motivo de la asistencia al festival de Javier Botet, habrá un encuentro con fans en la Filmoteca Regional, además de ser el encargado de presentar ‘Historias de Halloween’ (Kiko Prada), su nueva película.
En la ‘Retrospectiva Zombie’ estará ‘La noche de los muertos vivientes’ (George A. Romero, 1968) y ‘La noche del terror ciego’ (Amando de Ossorio, 1972) presentada por Lone Fleming, leyenda viva del fantaterror español en uno de sus papeles más emblemáticos.
Como homenajes póstumos, estará ‘Mulholland Drive’ (David Lynch, 2001) y ‘La invasión de los ultracuerpos’ (Philip Kaufman, 1978) en memoria de Donald Sutherland.
Ciclo Arkham: mucho más que literatura
El Ciclo Arkham de este año se podrá disfrutar en la librería 7Héroes.
Vuelve el III Concurso de ilustración Arkham: Terror, fantasía y ciencia ficción. La fecha de entrega de originales será hasta el 13 de marzo. Publicación de ganador el 15 de marzo.
Martes 11 de marzo, previo a la inauguración tendrá lugar la partida de rol “Cultos innombrables”, de temática lovecraftiana.
El miércoles 12 de marzo será la charla DETECTIVE MURCIANO VS DANI ACUÑA: sobre El Terror en la Marvel 70 ‘s.
El jueves 13 de marzo se presentará el libro “A TRAVÉS DEL ABISMO: H. P. Lovecraft y el horror ontológico” de David Soto y Giorgia Bertozzi.
Viernes 14 tendrá lugar una tarde de juegos de mesa temática lovecraftiana + cata de cervezas.
Exposición: Zombi
La exposición de este año está dedicada al género zombie. Será un recorrido cronológico por la historia del subgénero a través de sus míticos pósters. Esta exposición se podrá disfrutar en el Café de Ficciones, Calle Fuensanta 5 a partir del día 13 de marzo.
Toda la información en www.sombrafestival.com, en la Filmoteca Regional Francisco Rabal y en la Fundación Mediterráneo
Un golpe mediático a los secretos mejor guardados del Opus Dei
‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’ es una serie documental de cuatro episodios de 50 minutos, producida por THE MEDIAPRO STUDIO para Max en España, creada y dirigida por la periodista Mònica Terribas. Ya se encuentra disponible en Max desde el 7 de febrero.
El Opus Dei es una institución que si bien está por todo el mundo (como los masones o los mormones) es bien desconocida para mucha gente (como los masones o los mormones). ‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’ ofrece una mirada inédita sobre las experiencias de trece mujeres procedentes de diferentes países, principalmente España, América Latina, Irlanda o Reino Unido. Ellas vivieron dentro del Opus Dei como numerarias, numerarias auxiliares o agregadas (no entraré a explicar este detalle que deberíais ver en el documental). Relatan su posterior ruptura con la organización que opera bajo el amparo del Vaticano, el cual no hace no mucho rebajó sus privilegios. Estas mujeres narran, en primera persona, cómo fueron captadas en la adolescencia, sometidas a un lavado de cerebro con técnicas propias de las multinacionales actuales, anuladas bajo un régimen de estricta obediencia y finalmente forzadas a realizar trabajos no remunerados bajo la justificación de su entrega a Dios.
Los testimonios se complementan de una manera tan curiosa como escalofriante a través de recreaciones interpretadas por la actriz Claudia Traisac, bajo la dirección de Laura Sisteró y cuyo rodaje presenciaron las propias entrevistadas. A parte de esta búsqueda de verosimilitud la docuserie incorpora el análisis de expertos en la materia, como el periodista británico Gareth Gore, autor de ‘Opus’ (Editorial Crítica), Antonia Cundy, periodista del Financial Times, el psicólogo John Paul Lennon, especializado en abusos religiosos y sectas o el abogado Sebastián Sal, defensor del ‘caso de las 43’, exnumerarias auxiliares en Argentina y otros países de América Latina. Todos ellos contextualizan y respaldan los testimonios aportando un cómo y un por qué que resulta alarmante en pleno siglo XXI.
A pesar de que el Opus Dei ha sido objeto de críticas desde los años setenta por sus dinámicas coercitivas, esta es la primera serie documental que aborda el tema con múltiples casos y testimonios coincidentes. La directora Mònica Terribas ha declarado que ‘El minuto heroico’ pone ante el espejo al Opus Dei, reflejando las vivencias de mujeres que denuncian haber sufrido abusos psicológicos y espirituales dentro de la organización. Sin embargo, la producción no está exenta de controversia y podría haber sido incluso más completa o valiente, aunque desconozco si lo ha intentado HBO Max nos ha permitido ver el último episodio y en el indican que el Opus se ha negado a participar en el documental. La ausencia de voces defensoras del Opus Dei da lugar a una perspectiva parcial. Haber contado con miembros actuales de esta organización, tachada muchas veces de secta, podría haber servido para dar más empaque al documental e incluso para que ello mismos se retratasen como quisiesen.
En términos de producción, la serie podría parecer sencilla, pero el tema de las recreaciones genera un impacto inesperado. La estructura es correcta y uno devora los cuatro episodios con avidez según se va deshojando esta cebolla que nos puede hasta hacer llorar. ‘El minuto heroico: Yo también dejé el Opus Dei’ es un relato impactante que, sin duda, dará de qué hablar en el debate sobre los límites entre la fe, el peso de la familia y el control institucional.
Recopilamos los mejores anuncios del descanso más cotizado del mundo
Un año más los fans del fútbol americano se han pegado la panzada de espectáculo con la celebración de la Super Bolw 2025, en la cual han salido victoriosos los Philadelphia Eagle. Pero hay otros fans que también esperan con expectación este evento que más o menos se entrevé qué novedades nos brindará. Nos referimos a los tráilers que tradicionalmente se proyectan en el descanso o en las redes tras pagar millonadas por tan codiciado espacio. Sin más dilación vamos con la recopilación que hacemos todos los años.
‘Lilo Y Stitch’
‘Thunderbolts’
‘Cómo entrenar a tu dragón’
‘Jurassic World: Rebirth’
‘Pitufos’
‘Novocaine: Sin Dolor’
‘Misión Imposible: Sentencia Final’
‘F1’
‘The studio’
‘M3gan 2.0’
Hasta aquí los tráilers de la Super Bowl 2025. Si surge alguno más actualizaremos, si encuentras algún otro, háznoslo saber.
Bonus track.
Los anuncios con famosos proyectados también durante el descanso y que tradicionalmente tienen tono cómico.
Kamehameha múltiple que terminó épicamente esta edición
Finalizó la ecimocuarta edición de CutreCon con una maratón de películas sobre Dragon Ball, algo que los fans llevaban pidiendo tiempo dados los diversos live actions que existen y fragmentos vistos en ocasiones anteriores. Seguidamente tenéis comentarios de los cuatro títulos vistos pero antes toca dar buenas y esperadas noticias.
Un año más ha sido una semana con múltiples proyecciones llenas hasta la bandera incluso cuando se ha doblado el número de salas. 2025 ha supuesto un año de récord en el que se han proyectado más películas que nunca y los asistentes han elevado el medidor de decibelios con sus cánticos, risas y running gags festivaleros. Es por eso que los responsables de CutreCon, entre los que se encontraban Carlos “Oso” Palencia, Pedro J. Mérida o Juan Pérez de la Torre han anunciado algo que tenía que pasar antes o después. CutreCon tendrá ediciones en Canarias y Barcelona. En la capital condal se está trabajando para hacer una edición en colaboración con el Festival B-Retina y Cotxeres de Sants. En el archipiélago canario CutreCon tendrá presencia tanto en Tenerife como en Las Palmas de Gran Canaria con una edición que será este mismísimo 2025.
Y no podía faltar el anuncio que cierra cada edición. Cada convocatoria de esta fiesta del cine cutre tiene su leitmotiv. Si este año ha sido el cine de épica medieval y el anterior fueron los vampiros, para 2026 será el cine de acción el que protagonizará la programación. Quien sabe, quizá veamos “comedias” como ‘Ekipo JA’, versiones a lo ‘El cuervo’ como ‘Adam Chaplin’, el ‘Far Cry’ de Uwe Boll, la bizarrada de ‘Eliminators’, la adaptación del manga ‘Riki-Oh: the story of Ricky’ o ‘Steel, un héroe de acero’ aquella película de acción protagonizada por Shaquille O’Neal. Lo que está claro es que fijo que tendremos mercenarios, ninjas y muchas explosiones. Ya sabemos que CutreCon intenta siempre ofrecernos títulos nuevos, pero siendo el quince aniversario no nos importaría volver a ver niñas bonitas del festival como ‘Action Jackson’ o ‘Samurai Cop’.
‘Dragonball evolution’
Una de las grandes muestras de porqué no hay que intentar cambiar la esencia de un producto tan longevo como Dragon Ball. Ya sea por soberbia al intentar hacerlo mejor que el original o ya sea por falta de conocimiento y occidentalización de una producción asiática lo que se hizo con este flime es flagrante. Un desastre a la altura de la última versión de ‘Street Fighter’ que modifica el canon desde el minuto cero y a pesar de tener ritmo resulta aburrida. Un sinfín de tópicos que deslucen la gran herencia de una historia que ha hecho escuela. Inmerecida completamente, incluso el nombre está mal escogido ya que ni siquiera vemos una evolución de saiyan. Con razón su protagonista cayó en el olvido de los secundarios televisivos
Con menos presupuesto, con menos talento, con menos efectos especiales que la versión norteamericana, con menos derechos de autor y casi veinte años antes esta película taiwanesa consigue ser más fiel al espíritu de Toriyama. El espíritu burlón y aventurero de Dragon Ball está presente. Otra cosa es que los actores actúen de manera exagerada e incluso excesivamente infantiloide, como si estuviesen en un teatro de títeres. Las maneras orientales de hacer cine o su obsesión con el mundo de los espíritus/zombies no le hacen mucho favor pues los efectos de sonido o la música pueden resultar cargantes. Hay personajes inventados y la trama dista de ser fiel al canon pero al menos personajes como el Duende Tortuga nos divierte. Su fuente de inspiración es ‘Dragon Ball: La leyenda del dragón Xeron’.
Un año antes que en Taiwán se estrenó esta película que supuso el primer live action sobre Dragon Ball. Una película en la que Goku está interpretado por Heo Sung-tae, uno de los actores de la primera temporada de ‘El juego del calamar’. Es quizá la película que tiene más elementos canónicos de las cuatro proyectadas en la CutreCon. Pero por desgracia es la que se va perdiendo más según avanza y termina cansando hasta el público más resistente. Un Mutenroshi que parece Santiago Segura, un Goku peinado a lametón de vaca, cabezudos y peluches parlanchines y fumadores, peleas más interminables que en la serie… Un vía crucis que solo es recomendable ver sin expectativas y acompañado.
Secuela realizada solo un año después y contando con el mismo protagonista. Presentada como ‘Son Goku Súper Detective’ pero en su versión original sería algo así como ‘Gundaman Fight’. Los fans de la cultura japonesa sabrán porqué solo con ver el cartel. Goku con 13 años, de traje, con robots (cosa que también tenían las dos anteriores) que parecen sacados de una convención fan y cuatro enemigos a batir, a cada cual más bizarro. ¿Lo más flagrante es que Goku convierte sus manos en armas o se transforma en mecha? Que va, hay más, como la torpeza de sus enfrentamientos o el pegajoso peinado de Goku que seguro que hace las veces de buen atrapamoscas.
La mejor peor épica fantasiosa muy lejos de ser fantástica
Penúltimo día de CutreCon 2025. Los amantes el cine chusco se han mudado al mk2 Palacio de Hielo para maratonear hasta el punto en que su cerebro no pueda más. La jornada ha arrancado con la denominada “Espadas y bigotones”, seguida de la bizarrada de ‘Robot holocaust’ y culminar con dos “anti-clásicos” del cine de capa y espada: ‘Dragones y mazmorras’ y ‘Red Sonja’.
Tenía que llegar antes o después. Este ha sido el día en el que Moviementarios ha animado una de las sesiones, como llevamos haciendo desde hace casi diez años. Para esta ocasión hemos teñido las bocas de los participantes de azul y animado la proyección con mensajes que han hecho más llevadero el visionado de ‘Dragones y mazmorras’. Y como no podría ser de otra manera hemos celebrado un sorteo cuyo ganador anunciaremos en una próxima actualización de esta entrada. El ganador es: Román Núñez Soria @roman.nsoria. Gracias por tus respuestas tan graciosas.
‘La venganza de sansón’
Conocida en su versión original como ‘Samson dan Delilah’ es una producción bíblica indonesa que reinterpreta el mito. Película de bajo presupuesto de los 80 que no es precisamente divina. Lo único mínimamente valorable son las localizaciones, aunque estas a veces están un poco mal disimuladas. Las peleas están coreografiadas con el entusiasmo de una clase de yoga para principiantes. Por si fuese poco el actor que interpreta a Sansón que parece más interesado en posar que en interpretar. Los diálogos son tan épicos como una lista del supermercado y la escena del platano… mejor verla que describirla. Sansón mezclado con soldados franceses vestidos como en el siglo XIX, no hay que decir más.
Desde Turquía y retrocediendo a 1971. Basada en un cómic se aleja mucho de cualquier superproducción marvelita aunque tras verla estamos seguros que había mucho más entusiasmo. El presupuesto evidentemente era escaso y es por eso que las armas o los vehículos distan de parecer reales. Pero cuando vemos el pulpo de plasticorro flotando y sin ningún ánimo de ser animado está claro que más que presupuesto lo que faltaba era criterio. Es una historia de venganza cuya sinopsis podría parecerse a ‘El hombre del norte’ o ‘John Wick’, siento haberos dados esas grandes referencias, este filme está diametralmente en una posición contraria.
Sesión de castigo proyectada en hora de siesta. Si no fuese por el ruido del filme más de un ronquido se habría oído. Si alguna vez te has preguntado cómo sería una película postapocalíptica filmada en el patio trasero de alguien, ‘Robot Holocaust’ tiene la respuesta. Imagina un mundo devastado donde los héroes visten atuendos que parecen salidos de una fiesta de disfraces improvisada, y los villanos hablan con acentos tan exagerados que ni los propios actores pueden tomárselos en serio. La trama, si es que se le puede llamar así, sigue a un grupo de héroes improbables que atraviesan un páramo para enfrentarse al temible «Oscuro» y su ejército de robots, que parecen más cajas de cartón con luces parpadeantes. El tema de las máscaras parece que han cogido latas de conservas y las han entremezclado en una trituradora.
Fiasco de la misma productora de ‘El Señor de los Anillos’, con casi el mismo presupuesto y estrenada solo un año antes. El sueño de un fan que poseía los derechos convertido en una pesadilla para cualquier fan del cine de épica fantástica. Poco respeto al canon original, tópicos a cascoporro, inicio de la época woke y la peor elección de casting posible, incluyendo a un Jeremy Irons sobreactuado. Quizá lo más llamativo sean los efectos especiales. El presupuesto se les fue en algún que otro caché y en empeñarse en hacer digitalmente elementos que por entonces no estaban del todo bien controlados, ni de lejos quedaban creíbles. La secuencia final, que no puede llegar y concluir de manera más atropellada, puede derretirte los ojos por su calidad. Recomendamos verla en pequeñas dosis.
Si ‘Conan el Bárbaro’ era un filete jugoso, Red Sonja es una hamburguesa recalentada con queso plástico. Brigitte Nielsen, con su permanente ochentera y su espada más grande que su rango de expresión facial, interpreta a Sonja, una guerrera en busca de venganza. Arnold Schwarzenegger, al que claramente engañaros para aparecer en una secuela encubierta de Conan, se pasea por la película con la energía de alguien que olvidó por qué aceptó el papel.
Los villanos parecen sacados de una obra de teatro escolar con presupuesto para brillantina, y la acción es tan coreografiada que hasta los extras dudan antes de caer al suelo. El niño emperador roba escenas, pero solo porque grita tanto que es imposible ignorarlo.
Aun así, Red Sonja es gloriosa en su cutrez: espadas, magia, y diálogos que suenan como si los escribiera alguien con fiebre. Perfecta para una noche de risas y nostalgia ochentera. Esperemos que el nuevo filme que se prepara con Matilda Lutz sea más afín a los cómics.
‘Sukeban Boy’ es lo que pasa cuando alguien mezcla acción, comedia y un delirio febril en una batidora y lo sirve sin filtro. La trama, si es que importa, sigue a un chico con cara de chica que se disfraza de colegiala para infiltrarse en una escuela de pandilleras. Sí, es tan absurdo como suena.
Las peleas son ridículas, la ropa dura menos que un castillo de arena en un tsunami, y la lógica se fue de vacaciones. Las actuaciones oscilan entre el exceso teatral y el «no sé qué estoy haciendo aquí». Pero, sinceramente, ¿quién ve esto esperando Shakespeare?
Entre explosiones de ropa, violencia exagerada y diálogos que desafían la cordura, ‘Sukeban Boy’ es un festín de locura. Ideal para los que disfrutan del cine «qué diablos acabo de ver», como siempre tras salir de CutreCon.
Arranca una nueva edición de CutreCon. Esta XIV convocatoria nos emplaza en sus diferentes sedes para vivir las mejores peores películas del género de fantasía medieval. La capa y espada, la espada y brujería, las historias de caballería… Llamémoslo como queramos, pero lo que está claro que no son películas aptas para fans estrictos del género ya que están plagadas de errores y eso es lo que aprovecha CutreCon para hacer comunidad, «sufriendo» y disfrutando a la vez.
La primera jornada de CutreCon 2025 ha transcurrido casi por completo en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. Allí han tenido sus tradicionales proyecciones gratuitas en las que tanto estudiantes, como espectadores (nuevos y neófitos) han soltado carcajadas por doquier. Pero ha sido también un día repleto de enseñanzas ya que hemos podido recuperar la sección de documentales en las que se analiza siempre con comedia y mucha información alguna faceta o historia del cine B o Z. Y por si fuese poco ‘El caballero del dragón’ ha estado presente con una gran exposición y las siempre nutritivas palabras de su director, el experto en comedias, por una vez aventurado en la épica medieval, Fernando Colomo. A él se le sumó el reputado director de fotografía José Luis Alcaine.
Tanto Colomo como para Alcaine, han reconocido que para ellos fue una clase exprés en efectos especiales. Pero también han coincidido en que no se meterían en una igual y menos si Klaus Kinski si siguiese vivo, pues hizo del rodaje un infierno. Ambos han comentado que están orgullosos del elenco que reunieron y de la calidad del traje que lucio Bosé. Así mismo han remarcado que fue el filme que logró la séptima mejor recaudación en España en su año de estreno, pero internacionalmente fue la ruina para Colomo. Podréis ver la entrevista que hemos mantenido con él en nuestro canal de Youtube, no tiene desperdicio.
La noche de CutreCon ha culminado con una proyección en los céntricos Cines Paz realizada en colaboración con el ciclo de cine fantástico Aeterna. ‘Frankie Freako’ ha sido la película escogida. Una celebración del cine de serie B realizada por otro conocido, tanto por los fans de CutreCon como por aquellos que siguen de cerca el género fantástico, Steven Kostanski (‘Psycho Goreman’, ‘El vacío’).
‘Suzzana: the queen of black magic’
Si las telenovelas de tu abuela y una sesión espiritista se fusionaran en un torbellino de risas involuntarias y efectos especiales con más humo que un asador, obtendrías ‘Suzzanna: The Queen of Black Magic’. Este documental nos sumerge en la vida de Suzzanna, la diva del terror indonesio, cuyo talento para mirar intensamente mientras ríe y parece que mastica vidrios, la convirtió en leyenda.
A través de entrevistas a personalidades relacionadas, como el reconocido cineasta de terror Joko Amwar y gloriosos clips de archivo, descubrimos que Suzzanna no solo dominaba el arte de lanzar maldiciones con la mirada, sino que también elevó el cine serie B a una forma de arte. Con anécdotas que van de lo escalofriante a lo absurdamente divertido, este documental es un tributo perfecto: a veces terrorífico, a veces ridículo, pero siempre entretenido y dramático.
Si amas el cine de terror desvergonzado y el drama más grueso que un guiso de brujería, esta es tu pócima perfecta. Por otro lado puede servir como retrato de uno de los orígenes del folk horror.
Si alguna vez te preguntaste qué pasaría si ‘La Llorona’ tuviera una pitón como mejor amiga y menos presupuesto para efectos especiales, ‘The Hungry Snake Woman’ tiene la respuesta. Esta joya del cine de terror indonesio de los 80 nos entrega brujería, bailes bochornosos subidos de tono, Drácula metido a proxeneta, un protagonista con el pelo de Georgie Dan…
La trama sigue a una mujer que tiene la mala suerte de parecerse a una diosa y a un avaro que hace un trato con ella. Pero tiene tantos secundarios y elipsis que te pierdes. Entre maldiciones, apariciones y gente actuando como si acabara de recibir el guion cinco minutos antes, la película es un festín de momentos gloriosamente absurdos. Destacan las escenas donde la protagonista lanza miradas venenosas y el uso magistral de serpientes auténticas que son toda una pesadilla para PETA.
Si te gusta el cine donde el horror y la comedia se entrelazan como una boa enredada en su víctima, ‘The Hungry Snake Woman’ es un bocado irresistible. CutreCon siempre ofreciéndonos algunas lecciones sobre qué es lo que hay que hacer o no a la hora de rodar cine.
En 1985 Fernando Colomo se lanzó de cabeza a rodar una película medieval con un extraño ser venido del espacio. Una película en la que vemos como un alquimista, un caballero y un rey confunden un platillo volante con un enorme dragón al que dar caza. Y una princesa prendada del extraño “caballero” que “cabalga” el dragón.
Admito que no me esperaba nada de la película y me ha entretenido mucho. Con muy buenos efectos especiales para la época, un diseño de vestuario bastante curioso, sobre todo un aplauso para el traje que lleva Miguel Bosé. También el diseño de la nave es bastante bueno.
Como curiosidad comentar que fue en la primera película española en la que aparece un efecto digital, de la mano de FélixBergés de EL Ranchito. ‘El caballero del dragón’ cuenta con un reparto muy dispar, el ya mencionado Miguel Bosé, Fernando Rey, Harvey Keitel, María Lamor y un odioso (palabras del propio director) Klaus Kinski.
Sin duda un buen entretenimiento que al menos merece una oportunidad
Si alguna vez te preguntaste qué pasaría si Gremlins tuviera un hijo ilegítimo con Roger Rabbit tras una borrachera en Las Vegas, Frankie Freako es la respuesta. Un derroche de marionetas y prótesis que haría llorar de emoción a Jim Henson y temblar a cualquier contable de efectos prácticos. La película parece un capítulo perdido de ‘Pesadillas’ de R.L. Stine, pero con más resaca y menos supervisión parental.
La moraleja es clara: si eres un workaholic estirado, te mereces que un gremlin de mercadillo te arruine la vida. Y es que ‘Frankie Freako’ es básicamente la versión sobrenatural de una despedida de soltero descontrolada, con la energía caótica de ‘Resacón en Las Vegas’ y diálogos que harían que Lisa Simpson dejase de llamar a la ‘Líbea de Corey”.
En resumen, un festín de nostalgia ochentera que mezcla terror, comedia y una cantidad absurda de efectos prácticos. No cambiará tu vida, pero es el tipo de locura que merece existir. Por cierto, ¿la aceptamos como película navideña?
El regreso de ‘Destino Final’ tendrá lugar el próximo 16 de mayo en cines con el estreno de ‘Destino Final: lazos de sangre’. Tras el regreso de franquicias como ‘Scream’ y ‘Halloween’ New Line Cinema (Warner) recupera la saga que arrancó en el año 2000 protagonizada por Devon Sawa, Ali Larter, Kerr Smith…
La muerte volverá a impartir su sentido e la justicia y serán los nuevos protagonistas los que deberán intentar sobrevivir a su estricto orden. Kaitlyn Santa Juana, Teo Briones, RichardHarmon, Owen Patrick Joyner, Rya Kihlstedt, Anna Lore y Brec Bassinger. Además está el aliciente de ser una de las últimas películas de Tony Todd, el cual, es el único en volver a la saga que experimentará un reinicio.
‘Destino Final: lazos de sangre’ está dirigida por Adam Stein y Zach Lipovsky. El guion es obra de Guy Busick & Lori Evans Taylor y los autores de la historia son Jon Watts y Guy Busick & Lori Evans, que está basada en personajes creados por Jeffrey Reddick.
Sinopsis oficial:
Atormentada por una violenta pesadilla recurrente, la estudiante universitaria Stefanie regresa a casa para buscar a la única persona que podría romper el infausto ciclo. Así podría salvar a su familia de la macabra desaparición que les aguarda a todos de manera inexorable.
The FRIENDS™ Experience llega por primera vez a España. Inspirada en una de las series de televisión más populares de la historia, The FRIENDS™ Experience abrirá sus puertas el próximo 17 de marzo en el Pabellón 14.1 del recinto ferial IFEMA MADRID, por tiempo limitado en 2025.
Creada por Warner Bros. Discovery Global Themed Entertainment, Original X Productions y Warner Bros. Television Group, y operada por la empresa londinense The Luna Entertainment Group, The FRIENDS™ Experience: The One in Madrid desembarcará en la capital española de la mano del promotor local Proactiv Entertainment y acercará a los fans un paso más a su serie y personajes favoritos con decorados recreados a escala real, fondos icónicos, trajes y una gran variedad de accesorios y objetos de recuerdo.
Con una gran variedad de recreaciones interactivas llenas de nostalgia, The FRIENDS™ Experience: The One in Madrid ofrecerá a los invitados un montón de oportunidades para explorar la historia de la serie y recrear algunas de sus escenas favoritas, como posar detrás de la famosa puerta morada de Rachel y Mónica, relajarse en los sillones reclinables de Chandler y Joey y, por supuesto, descansar en el legendario sofá naranja. También habrá divertidos aspectos entre bastidores que los invitados podrán explorar, como la visión de los creadores de la serie y la narración de historias por parte de la diseñadora de vestuario.
Y, por supuesto, ninguna visita a The FRIENDS™ Experience estaría completa sin hacer una parada en la famosa cafetería de la serie, Central Perk. Además de la recreación de cada uno de los icónicos decorados y la oportunidad de hacerse fotos, los visitantes también tendrán la oportunidad de visitar una tienda de regalos temática con productos exclusivos que solo se pueden encontrar en The FRIENDS™ Experience: The One in Madrid.
Stacy Moscatelli, Directora Ejecutiva de Original X Productions, ha comentado: “The FRIENDS™ Experience: The One in Madrid marca nuestra primera vez en España para la renombrada experiencia. Estamos encantados de ofrecer a todo el mundo la oportunidad de adentrarse en el mundo de la exitosa serie de televisión y revivir sus momentos favoritos de todos los tiempos”.
La lista de espera para The FRIENDS™ Experience: The One in Madrid se abrirá el 4 de febrero a partir de las 12:00h en FriendsTheExperience.com/Madrid. Las entradas en preventa estarán disponibles a partir del 10 de febrero de 2025, y la venta general comenzará el 11 de febrero de 2025.
Para ir preparándose para The FRIENDS™ Experience: The One en Madrid, los fans pueden ver el especial FRIENDS: The Reunion y los 236 episodios de la serie original en Max.
¡Permaneced atentos para conocer más lugares emocionantes de The FRIENDS™ Experience que se anunciarán en 2025!
Tanto la familia Richards como Galactus hacen su entrada en el UCM
Marvel Studios ha lanzado el esperado primer tráiler de ‘Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos’, marcando la introducción oficial de la familia más famosa de Marvel en el Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). La película, ambientada en una estética retro-futurista de los años 60, promete una aventura épica en la que el equipo se enfrentará a la amenaza cósmica de Galactus.
El reparto estelar incluye a Pedro Pascal como Reed Richards/Mr. Fantástico, Vanessa Kirby como Sue Storm/La Mujer Invisible, Joseph Quinn como Johnny Storm/La Antorcha Humana y Ebon Moss-Bachrach como Ben Grimm/La Cosa. Además, Ralph Ineson presta su voz a Galactus, mientras que Julia Garner interpreta a Shalla-Bal, el amor de Silver Surfer, el heraldo del devorador de mundos. De momento seguimos sin noticias o sin ver al Doctor Doom de Robert. Downey Jr. y desconocemos qué papel interpreta John Malkovich.
El tráiler de ‘Los Cuatro Fantásticos’ ofrece a los fans un primer vistazo al equipo en acción, luciendo sus icónicos uniformes y presentando elementos clásicos como el Fantastic Car y el robot H.E.R.B.I.E. La película tiene previsto su estreno en cines el 25 de julio de 2025.
Matt Shakman, quien ya fue responsable de capítulos de ‘Bruja Escarlata y Visión’ es quien ha dirigido el filme a partir del guión de Peter Cameron, Josh Friedman y Jeff Kaplan.
‘María Callas’, la nueva película dirigida por Pablo Larraín, narra los últimos días de vida de la legendaria soprano María Callas en el París de los años 70. La película, protagonizada por Angelina Jolie, sigue un enfoque similar al de otras obras de Larraín, como Jackie y Spencer, explorando momentos específicos y cargados de emoción en la vida de estas icónicas mujeres.
Crítica
Jolie espléndida. Larraín anclado en el homenaje contemplativo basado en su propia imaginación
El cine de Pablo Larraín ha establecido una marca distintiva en el género biográfico, con una fijación casi obsesiva por desmenuzar a figuras icónicas, humanizarlas y al mismo tiempo, rendir homenaje a su legado. ‘Maria Callas’, protagonizada por Angelina Jolie, se suma a este corpus como un estudio íntimo y melancólico sobre los últimos días de la diva de la ópera, pero con un enfoque que, aunque admirable, se siente algo distante y poco efectivo, sin embargo, lejos de lo desastroso que fue ‘Spencer’.
Angelina Jolie encarna a Maria Callas con un porte elegante y un aire trágico que captura la fragilidad emocional de la soprano. Jolie no intenta imitar a Callas de manera literal (como comprobamos con las imágenes de los créditos), sino que interpreta su esencia con una profundidad emotiva que resulta conmovedora. Sin embargo, la película tiende a apoyarse demasiado en la presencia magnética de Jolie, dejando que la narrativa se deslice en una contemplación que a veces roza lo estático. Aunque el trabajo de Jolie es notable, no alcanza el nivel transformador de Natalie Portman en ‘Jackie’, donde Larraín parecía estar en completa sintonía con sus protagonistas. Aún así el enfoque psicológico aporta un matiz interesante a buena parte de la película, empleando metáforas y un poco de imaginería. Sin embargo, esta decisión también subraya un problema narrativo: la película parece preocupada por construir un homenaje atmosférico y subrayar como fantasmas los conflictos internos de La Callas, pero carece de hilo y es redundante.
En términos visuales, Maria Callas es un deleite, como es habitual en el cine de Larraín. La fotografía evoca tanto la opulencia de la ópera como la soledad de los escenarios vacíos. El filme parece gritar que las arias y cantos líricos que entonan tenores y sopranos también están dirigidos proféticamente a un arte que caerá en el olvido o el menosprecio. Prueba de ello es la mismísima secuencia inicial, la cual supone un repaso más propio de un epílogo que de un prólogo. Con muchos planos kubrickianos y ensalzando una opulencia muerta, las imágenes, a veces también de una grandiosidad que nos achica, amedrentan cualquier espíritu alegre u optimista con el que hayamos podido entrar a la sala. ‘Maria Callas’ es un filme triste y nostálgico.
La comparación con otros biopics de Larraín es inevitable. En ‘Jackie’, la viuda de Kennedy se enfrenta al duelo mientras navega por un panorama político implacable, brindándonos una oportunidad única de explorar una parte menos considerada en un momento tan histórico como el recogido por la cinta zapruder. En ‘Spencer’, Diana de Gales experimenta una crisis existencial en un entorno sofocante y una semana decisiva. Ambas películas presentan a mujeres atrapadas en jaulas doradas, pero ‘Maria Callas’ lo que hace es intentar elevar la intensidad psicológica a través de traumas y divagaciones imbuidas por medicamentos. Mientras que ‘Jackie’ y ‘Spencer’ se desarrollan en momentos críticos de las vidas de sus protagonistas, ‘Maria Callas’ opta por un enfoque más reflexivo y menos narrativamente dinámico, lo que podría desilusionar a algunos espectadores. En cuanto a su comparación con ‘Neruda’ y ‘El Conde’, este largometraje tiene mejor ritmo que la cinta sobre el poeta y carece absolutamente por completo del toque satírico o crítico de la experimentación empleada en la obra sobre el dictador. Larraín utilizó elementos metaficcionales y surrealistas para explorar a los personajes chilenos, pero en ‘Maria Callas’ adopta un enfoque más convencional y respetuoso. Si bien esto es apropiado para el personaje, también limita las posibilidades creativas de la película. No obstante, lo que queda claro es que Larraín se encuentra cómodo rellenando con su imaginación episodios y momentos íntimos de celebridades que nos dejaron.
Uno de los aspectos más interesantes de ‘Maria Callas’ es como retrata el aislamiento que acompaña a la grandeza, los anhelos por controlar la vida propia y una obsesión inmoladora por el canto. Larraín muestra a Callas como una mujer atrapada entre su arte y aquellos que facilitaron sus vicios y necesidades, lo cual empieza a ser un tema recurrente en su filmografía. Sin embargo, mientras que en ‘Spencer’ o ‘Jackie’ este cautiverio se traduce en un drama urgente, aquí se siente más como un retrato estático, como si Larraín estuviera más interesado en observar a Callas desde la distancia, sin prisas por rendirle homenaje.
En última instancia, ‘Maria Callas’ es una obra visualmente impresionante y emocionalmente resonante, pero no alcanza el impacto de las mejores películas de Larraín. Angelina Jolie ofrece una interpretación digna de admiración, pero la película, aunque sólida, carece de la chispa innovadora que caracteriza los trabajos más audaces del director chileno. Es una pieza que probablemente será apreciada por los amantes de la ópera y los seguidores tanto de Callas como de Jolie, pero que podría dejar a otros anhelando una conexión más profunda y visceral o por lo menos un chorreo de información más sugerente.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de febrero de 2025. Título original: Maria. Duración: 124 min. País: Italia, Alemania. Dirección: Pablo Larraín. Guion: Steven Knight. Fotografía: Edward Lachman. Reparto principal: Angelina Jolie, Pierfrancesco Favino, Alba Rohrwacher, Haulk Bilginer, Kodi Smit-McPhee, Stephen Asfield. Producción: The Apartment, Komplizen Film, Fabula. Distribución: Diamond Filmas. Género: drama, biográfica. Web oficial:https://www.komplizenfilm.de/en/movies/maria
Will (Himesh Patel) y Terry (Joseph Gordon-Levitt) son dos agentes de policía que se ven envueltos en un escandaloso crimen. Con el descubrimiento de un millón de dólares, los problemas se multiplican para los agentes. Los habitantes del pueblo, tan peculiares como codiciosos, también quieren adueñarse del botín.
Todos ellos irán tomando una serie de decisiones cada vez más equivocadas y al margen de la ley que pondrá patas arriba toda la hasta ahora pacífica comunidad.
Crítica
Bebe acertadamente de fuentes como los hermanos Coen y la ficción criminal televisiva
‘Fuera de la ley’ (‘Greedy People’) es una película dirigida por Potsy Ponciroli, que se adentra en el género de la comedia negra con tintes criminales. Larga es la sombra de los hermanos Coen pues parece que Ponciroli, influenciado por tan influyentes cineastas, realiza en ‘Fuera de la ley’ un filme tragicómico y coral que sigue la senda de películas como ‘Ladykillers’, ‘Quemar después de leer’ o incluso ‘Fargo’ en cierta medida. Todo es un desfile de personajes pintorescos e incluso cómicos hasta que la trama se torna tremendamente oscura. Al igual que muchas historias de los Coen transcurre en una pequeña localidad de la américa tradicional y profunda en la que lo mundano se entrelaza con lo macabro.
La trama se sitúa en una pequeña localidad isleña. Los protagonistas son un reciente y atípico dúo policial en el que Josep Gordon-Levitt interpreta a un policía impulsivo y con sus vicios mientras que Himesh Patel es un estresado padre en ciernes que llega a la nueva comisaría. Este contraste entre personalidades establece una dinámica interesante y divertida. Pero pronto se produce un punto disruptivo que torna el filme en un enredo constante de ominosa solución.
El filme presenta una serie de personajes pintorescos que aportan momentos de humor y tensión a partes iguales. Sin embargo, a medida que la trama progresa, la acumulación de eventos violentos y decisiones erróneas transforma la comedia inicial en una narrativa más sombría. Esta transición tonal tiene un punto claro de cambio (que no desvelaré) y desbarata por completo las impresiones iniciales. Es una apuesta tan ambiciosa como indica su propio título original y al contrario que le sucede a sus propios protagonistas Ponciroli y su guionista Mike Vukadinovich (‘Kidding’) salen airosos pues las sensaciones que deja son buenas, a pesar de ser extremadamente discordantes con sus intenciones.
La película se administra bien en cuanto a incorporar personajes, añadir running gags o dejar ingredientes o misterios pendientes. No es que ‘Fuera de la ley’ plantee un puzle complejo, pero si genera interés por cómo va a resolverse tan intrincado enredo. Y todo esto no lo hace solo a base de acompañar a los dos policías por su truculenta situación, sino con una estructura episódica. Ahora que están tan de moda series tipo ‘Crimen en el paraíso’, ‘Padre Brown’ y demás producciones churreras surgidas de ‘CSI’, esta película llega para atraer al cine al público televisivo.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de febrero de 2025. Título original: Greedy People. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Potsy Ponciroli. Guion: Mike Vukadinovich. Música: Jordan Lehning. Fotografía: Eric Koretz. Reparto principal: Himesh Patel, Josep Gordon-Levitt, Lily James, Uzo Aduba, Tim Blake Nelson, Simon Rex, Nina Arianda. Producción: Boies Schiller Entertainment, Hideout Pictures, Limelight. Distribución: Filmax, Twelve Oaks Pictures. Género: comedia. Web oficial:https://hideoutpictures.com/greedy-people/
‘Segundo premio’ gran triunfadora con 8 Premios Carmen
La Academia del Cine de Andalucía ha celebrado anoche la IV gala de los Premios Carmen Academia de Cine de Andalucía en el Gran Teatro de Córdoba. ‘Segundo premio’ de IsakiLacuesta y Pol Rodríguez se ha alzado como la gran ganadora tras llevarse hasta ocho premios. Otros títulos como ‘Rita’ (5), ‘¿Es el enemigo? La película de Gila’ (3) 0 ‘La estrella azul’ (2) también se fueron con más de un premio.
Ganadores de los IV Premios Carmen
Premio Carmen de Honor
Antonio Pérez
Mejor Largometraje
Segundo premio – La Terraza Films, Áralan Films, Ikiru Films, BTeam Prods, Sideral y Toxicosmos AIE
Mejor Largometraje Documental
Fandango – Comunicación Audiovisual Singulares
Mejor Dirección
Alexis Morante – ¿Es el enemigo? La película de Gila
Mejor Interpretación Femenina Protagonista
Beatriz Arjona – Fin de fiesta
Mejor Interpretación Masculina Protagonista
Pablo Gómez-Pando – Solos en la noche
Mejor Guión Original
Fernando Navarro – Segundo premio
Mejor Guión Adaptado
Alexis Morante y Raúl Santos – ¿Es el enemigo? La película de Gila
Mejor Interpretación Femenina de Reparto
Adelfa Calvo – ¿Es el enemigo? La película de Gila
Mejor Interpretación Masculina de Reparto
Antonio de la Torre – Los destellos
Mejor Dirección Novel
Paz Vega – Rita
Mejor Interpretación Femenina Revelación
Paz de Alarcón – Rita
Mejor Interpretación Masculina Revelación
Cristalino – Segundo premio
Mejor Montaje
Javier Frutos – Segundo premio
Mejor Dirección de Arte
Pepe Domínguez, Gigia Pellegrini – Segundo premio
Mejor Dirección de Fotografía
Álvaro Medina – La estrella azul
Mejor Dirección de Producción
Sandra Rodríguez, Javier Mateos – Rita
Mejor Música Original
Pablo Cervantes – Rita
Mejor Canción Original
Fandango de Richter de Rocío Márquez y José A. Mazo – Fandango
Los fans de ‘Ataque a los titanes’ tienen una oportunidad única de ver el gran final de uno de los animes más potentes en las últimas décadas. ‘Attack on Titan: the last attack’ estará en cines de mano de la unión entre Crunchyroll y Sony Pictures. Es la plataforma de anime la que nos informa que este filme de 145 minutos ya ha abierto su venta de entradas. Su proyección tendrá lugar en japonés con subtítulos en castellano.
Sinopsis oficial:
‘Attack on Titan: the last attack’ aúna los dos últimos episodios de la aclamada serie de anime en una experiencia cinematográfica que recoge el épico final en una película recopilatoria de tamaño colosal.
La humanidad vivía en paz tras los enormes muros construidos para protegerse de la amenaza de unas criaturas monstruosas llamadas Titanes. Su siglo de paz se vio truncado por un ataque a su ciudad que dejó huérfano de madre a un niño, Eren Yeager, que juró vengarse de los titanes.
Años después de unirse a la Tropa de Reconocimiento, Eren se enfrenta a un enemigo mortal y acaba adquiriendo una habilidad especial que revela una nueva verdad sobre el mundo que conoce…
Tras aventurarse más allá de los muros y separarse de sus camaradas, Eren, motivado por sus nuevos conocimientos del mundo, planea el «Retumbar», un terrorífico plan para erradicar a todo ser vivo del mundo. Con el destino del mundo pendiendo de un hilo, un variopinto grupo de antiguos camaradas y enemigos de Eren lucha por detener su letal misión. La única pregunta es: ¿lo conseguirán?
El Festival Atlántico de Género Negro recibe a Frank Miller en la celebración de su décima edición. El célebre dibujante y guionista de cómics americano, que aporta un extraordinario legado artístico a la novela gráfica y al cine, estará presente en el Espacio Cultural CajaCanarias, en la plaza del Patriotismo de Santa Cruz de Tenerife, durante el primer fin de semana de la décima edición de Tenerife Noir, desde el viernes 21 de marzo al domingo 23. Miller estará en Tenerife acompañado por la directora del documental dedicado a su vida y a su obra, Silenn Thomas. Para asistir a los actos en el Espacio Cultural CajaCanarias ya están las entradas a la venta.
Las entradas al evento pueden adquirirse presencialmente en la taquilla de este espacio cultural y, por Internet, en el enlace de la pasarela de venta de tickets. La taquilla del Espacio Cultural CajaCanarias de Santa Cruz de Tenerife abre de martes a viernes de 8.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00, así como los sábados de 8 a 14 horas. Los domingos, lunes y festivos permanece cerrada. De esta manera, coincide con el horario de la apertura de la sala de exposiciones de este espacio cultural.
La agenda de Miller en Tenerife Noir incluye su participación en varias sesiones de firmasss de sus obras: el viernes 21 de marzo, de 18.00 a 18.45 horas, en la sala de conferencias del Espacio Cultural CajaCanarias. El sábado 22 de marzo, el programa prevé presentar la première en España de esta película documental. la proyección del documental Frank Miller: American Genius (2024/109’/ Frank Miller Ink /EE.UU.), de la directora Silenn Thomas; ambos, Miller y Thomas, participarán en el coloquio con el público tras la proyección. Será de 16.00 a 19.00 en el Auditorio del citado espacio; una vez concluida la sesión cinematográfica, de nuevo, de 20.00 a 20.45, Miller firmará obras suyas para el público. Finalmente, el domingo 23 de marzo, también en el Auditorio del Espacio Cultural CajaCanarias, se proyectará la película Sin City, seguida de coloquio y, posteriormente, media hora de firmas por parte del artista. Todas las sesiones de firmas de Miller serán numeradas y con un máximo de cómics firmados por persona.
El último día de Frank Miller en Tenerife Noir es el escogido por el equipo que organiza el festival decano del género negro en Canarias para entregarle su Premio Negra y Criminal, por su trayectoria. Consiste en un sombrero borsalino tan característico de los gánsteres que protagonizaron las películas del cine negro clásico. El nombre del galardón es un homenaje a la mítica librería fundada por Paco Camarasa en Barcelona, meca del género negro en España durante décadas.
Durante lo que parece un vuelo rutinario, un veterano piloto de avión, Ismael, y su atípica copiloto en prácticas, Daniela, se ven envueltos en una serie de inauditos acontecimientos interdimensionales que los convertirán en la única esperanza para salvar a toda la humanidad de la inminente invasión de los Audryes. ‘La Cosa en la Niebla’ es una carta de amor al género de ciencia ficción de serie B y al trabajo del cineasta norteamericano John Carpenter (‘La cosa’, ‘Golpe en la pequeña china’, entre otros títulos).
El rodaje se extenderá durante 4 semanas, finalizando el próximo 21 de febrero en la isla de Gran Canaria y se desarrolla casi íntegramente en la cabina de un avión construida para la ocasión y usando la técnica de pantalla led, en la que se proyectan los fondos en tiempo real, evitando así el uso de croma. Esta técnica ha sido usada por múltiples producciones internacionales como, por ejemplo, ‘The Mandalorian’. La postproducción en este caso corre a cargo del estudio español USER T38.
El elenco está liderado por el actor y humorista argentino Martin Garabal, conocido por series como ‘Famoso’ o ‘División Palermo’, ahí en una doble faceta como actor y guionista, estrenada en Netflix y que recientemente ha logrado el Emmy a “Mejor serie internacional”.
La coprotagonista es Elena de Lara, madrileña, a quien hemos podido ver en películas como ‘Matusalén’ o ‘El valle del Concavenator’. Por otro lado los canarios Carla Miranda y Pablo Padrón completan el reparto.
‘La Cosa en la Niebla’ está dirigida por Chedey Reyes, en lo que es su primera película tras haber realizado cortometrajes como ‘El Mirador de Martín’, ‘Una Historia de Amor’ o ‘Pluto’. El guion del largometraje corre a cargo de Juanjo Ramírez Mascaró, guionista canario con proyectos a su espalda como ‘La Casa de Papel’ o su último proyecto, el podcast ‘Titania’, galardonado con el Ondas 2023 a “Mejor podcast del año”.
Este film es la segunda producción de ficción de la productora Jugoplastika, tras ‘Mi ilustrísimo amigo’, que se estrenará próximamente. En este caso, la película está producida en asociación con Barrios Producciones y el Instituto del Cine de Canarias; además de contar con las ayudas públicas de concurrencia competitiva del Gobierno de Canarias, el Cabildo de Gran Canaria y la precompra de derechos por parte de RTVC.
Tras saber que Richard Gere estará presente como invitado en el BCN Film Fest la Academia de Cine anuncia que el actor de Philadelphia recibirá el Premio Goya Internacional 2025. Sin duda se saca partido a que el reconocido y mítico actor se haya mudado a Madrid y su presencia en la escena cinematográfica española no se ha hecho esperar.
Como uno de los actos previos a la entrega de los Goya, que tendrá lugar el 8 de febrero en Granada. Gere mantendrá un encuentro con los medios en la ciudad andaluza justo un día antes.
Es la cuarta vez que la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España entregue este glardón y la primera que cayó en un hombre. Previamente ha recaído en CateBlanchett, Juliette Binoche y Sigourney Weaver. Este premio busca destacar a artistas «por su extraordinaria contribución al arte cinematográfico, protagonizando algunas de las películas más icónicas de la historia del cine, y el compromiso social, manifestado en lo personal y en lo profesional, desarrollado durante décadas». Además este premio viene a celebrar una casual efeméride, y es que Gere lleva 50 años rodando películas.
En el caso de Richard Gere su nombre sinónimo de cine. Películas como ‘Días del cielo’, ‘Oficial y caballero’, ‘American Gigolo’, ‘The Cotton Club’, ‘Pretty Woman’ o el musical ‘Chicago’, por el que gano el Globo de Oro, son avales más que suficientes.
En la Australia de los años 70, la vida de Grace está marcada por la desgracia y la pérdida. Cuando su unidad familiar se desmorona y es separada de su hermano gemelo, Gilbert, desarrolla una afición a coleccionar adornos de caracoles para calmar su soledad. Grace encuentra esperanza cuando desarrolla una amistad con una anciana excéntrica, Pinky, quien la inspira a salir de su caparazón y dejar de lado las cosas que alborotan su hogar y su mente.
Crítica
Un talentoso stop motion chocando con una historia para nada animada
‘Memorias de un caracol’ es una obra que, aunque visualmente está muy elaborada y entra por la vista, sobre todo se queda grabada por como profundiza en cuestiones humanas de una forma sombría y desgarradora. Dirigida por Adam Elliot, la película aborda temas como la soledad, el duelo y el bloqueo que impide avanzar por adversidades autoimpuestas. La protagonista, Grace, se convierte en un símbolo del encierro emocional y la búsqueda de liberación, encapsulada en la analogía del caracol y su caparazón. Es una historia que invita a reflexionar sobre cómo los seres humanos procesan sus cicatrices y encuentran fortaleza en sus conexiones con los demás.
La relación de Grace con Pinky, una anciana excéntrica y maternal, brilla como el eje emocional de la trama. Pinky no solo actúa como mentora, sino que también ofrece una perspectiva optimista frente al dolor, ayudando a Grace a enfrentar sus propias limitaciones. Esta dinámica es la única en la que el espectador encuentra algo de luz. Esta relación está muy bien interpretada por Sarah Snook y Jacki Weaver, cuyos matices vocales llenan de vida y profundidad emocional a los personajes. Sin embargo el resto del filme nos embadurna de depresión y pesadumbre, cuidado si buscáis un título optimista porque ‘Memorias de un caracol’ está muy lejos de ser algo así.
El filme no se conforma con explorar el duelo desde un punto de vista tradicional. Desde los conflictos internos de Gilbert, el hermano de Grace, hasta la representación de un mundo opresivo que asfixia a sus protagonistas, la película ahonda en una visión cruel de la realidad. Las tragedias que enfrentan, desde el abuso hasta la pérdida, no son solo giros argumentales, sino vehículos para subrayar la resiliencia y miseria humana. En particular, el final (que también es el comienzo), donde Grace encuentra motivación en las palabras finales de Pinky, es un recordatorio de que avanzar, aunque lento y arduo como el andar de un caracol, sigue siendo el único camino posible.
A pesar de su riqueza emocional, la narrativa puede resultar pesada por momentos, lo que hace que algunos espectadores puedan desear un ritmo más ágil. Si bien esta lentitud puede considerarse un defecto, también refuerza la atmósfera reflexiva de la obra. Si eres de los que disfrutan el stop motion puedes tener momentos de gran poder visual y complejidad ya que esta película no tiene nada que envidiar a las que surgen de factorías como Aardman o Laika. Por otro lado si eres fan de Tim Burton encontrarás en ‘Memorias de un caracol’ una digna sucesora.
En última instancia, ‘Memorias de un caracol’ es una película que, aunque no apta para quienes buscan entretenimiento ligero o animado, ofrece una experiencia visual y emocional profunda. Es un recordatorio de que el stop motion sigue siendo un medio poderoso para explorar las emociones humanas y los temas universales que nos conectan a todos, prueba de ello es su presencia en Annecy o los próximos Globos de Oro.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de enero de 2025. Título original: Memoir of a Snail. Duración: 95 min. País: Australia. Dirección: Adam Elliot. Guion: Adam Elliot. Música: Elena Kats-Chernin. Fotografía: Gerald Thompson. Reparto principal (doblaje original): Jacki Weaver, Sarah Snook, Charlotte Belsey¸ Agnes Davison, Mason Litsos, Daniel Agdag, Eric Bana, Saxon Wright, Dominique Pinon¸ Selena Brennan, Adam Elliot. Producción: Arenamedia, Screen Australia, Snails Pace Films. Distribución: Alfa Pictures, Mader Films. Género: drama, comedia. Web oficial:https://alfapictures.com/sp/amy_movie/memorias-de-un-caracol/
La muerte de un multimillonario desencadena una serie de acontecimientos para Iris y sus amigos durante un viaje de fin de semana a su finca junto al lago.
Crítica
Repleta de cuestiones actuales… y sangre
En ‘La acompañante’, Drew Hancock nos entrega un filme que, lejos de limitarse al terror enlatado, apuesta por un convertir su relato en una aventura sangrienta con materia a tratar. La película plantea preguntas incómodas sobre las dinámicas de poder en las relaciones, el papel del individuo en una sociedad cada vez más dependiente de la tecnología y lo que realmente significa ser humano en un mundo que nos reduce a meros consumidores o acompañantes. Sin entrar en detalles específicos, el relato aborda temas como el empoderamiento y la resistencia en una sociedad que, a menudo, cosifica y deshumaniza tanto a las mujeres como a aquellos que dependen sentimental o económicamente de sus parejas.
Sophie Thatcher, a la que pudimos ver recientemente en ‘Heretic’, registra una actuación que sorprenderá a muchos. Su interpretación es sutil, compleja y cargada de matices. Logra transmitir una mezcla de vulnerabilidad y fuerza que eleva la película de un simple ejercicio de terror a un relato que aborda sentimientos y conciencia. Hancock aprovecha su talento al máximo, dándole escenas que son emocionalmente limite sin perder de vista el horror y diversión que subyace en la narrativa.
El casting nos proporciona, desde un simpático boy scout a una versión rusa de Charlie Sheen, ofreciéndonos el abanico de posibilidades de esos survival horror o slasher en los que sabes que va a morir hasta el apuntador, pero no sabes cómo o en qué orden. Quien busque un divertimento sanguinolento debe recordar que este director ha sido guionista en series de Adult Swim como ‘Mr. Pickles’, a si es que lo tiene asegurado. Quien busque terror quizá se decepcionará porque el propio cartel del filme vende más miedo del que realmente hay. Pero la película tiene más que ofrecernos, mucho más que no hay que leer entre líneas precisamente.
A partir de aquí hablaré en clave de spoiler ya que los propios tráilers de Warner Bros. mostraban abiertamente lo que vamos a tratar.
Precedentes como ‘Muñeco diabólico (Child’s play)’ o ‘Pequeños guerreros’ son el germen moderno de películas como ‘La acompañante’, pero estamos ante un cine que se atreve o se ve obligado incluso a desarrollar otros argumentos, ya sea por evitar la repetitividad o por poner sobre la mesa otras cuestiones. Recientemente hemos tenido nuevas versiones de Chucky, la muñeca bailarina de ‘M3gan’ o siguiendo con ese nombre la película que protagonizaba hace unos meses Megan Fox (‘Alice. Subservience’). Lógicamente en ‘La acompañante’ también está aquel miedo que sembró en su día ‘Terminator’, el cual, hoy por hoy se ha tornado real entre los artistas con el creciente uso de las inteligencias artificiales. Por supuesto están muy presentes las leyes de la robótica de Asimov y el hecho de que vivimos en un mundo con coches y casas automatizadas. A esto hay que añadirle que pasamos por una época en la que el entretenimiento audiovisual no parece tener límites y quién mejor para protagonizar una película que contiene connotaciones sexuales y violencia que uno de los protagonistas de ‘The Boys’ como Jack Quaid. Toda esta serie de referencias o símiles no suponen el nacimiento de esta película de Drew Hancock pero sí nos ponen contexto y precedentes suficientes. Llegamos con ello a una de las lecturas que extraemos de ‘La acompañante’, que no es otra es que el ser humano tiene una naturaleza violenta y el hombre en concreto es visto como un maltratador. No creo que el director haya querido retratar a todos los hombres como artífices de violencia de género pero sí, mostrar que estamos ante una generación que cree que puede controlar a sus parejas simplemente con un teléfono móvil. Esa lectura es escalofriantemente real y al margen del entretenimiento sangriento y cómico que supone ‘La acompañante’ hemos de saber apreciarla.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de enero de 2025. Título original: Companion. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Drew Hancock. Guion: Drew Hancock. Música: Hrishikesh Hirway. Fotografía: Eli Born. Reparto principal: Sophie Thatcher, Jack Quaid, Harvey Guillén, Rupert Friend, Megan Suri, Lukas Gage, Marc Menchaca. Producción: BoulderLight Pictures, New Line Cinema, Vertigo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: terror. Web oficial:https://www.instagram.com/boulderlightpictures/
‘Emilia Pérez’, ‘The Brutalist’, ‘Wicked’, ‘Cónclave’ y ‘Anora’ a la cabeza con el golpe en la mesa de ‘La sustancia’
Yal cual leéis en el titular, los títulos con más nominaciones para la nueva edición de los Oscars son ‘Emilia Pérez’ (13), ‘The Brutalist’ (10), ‘Wicked’ (10), ‘Cónclave’ (8), ‘Anora’ (6) y ‘La sustancia’ (5). Habiendo visto todos los títulos queda patente que es un año en el que las perspectivas de género y las películas que abordan temas de inclusión y diversidad dominarán el palmaré. El próximo 2 de marzo conoceremos los escogidos por la Academia norteamericana.
Para España la buena noticia llega con la nominación casi automática para Karla Sofía Gascón, convirtiéndose en la cuarta española en tener una nominación al Oscar.
Mejor película
Anora, de Sean Baker
The Brutalist, de Brady Corbet
Cónclave, de Edward Berger
Dune: parte dos, de Denis Villeneuve
Emilia Pérez, de Jacques Audiard
Wicked, de Jon M. Chu
A complete Unknown, de James Mangold
Aún estoy aquí, de Walter Salles
Nickel Boys, de RaMell Ross
Mejor dirección
Jacques Audiard, por Emilia Pérez
Sean Baker, por Anora
Brady Corbet, por The Brutalist
James Mangold, por A Complete Unknown
Coralie Fargeat, por La sustancia
Mejor actor
Adrien Brody, por The Brutalist
Timothée Chalamet, por A Complete Unknown
Colman Domingo, Las vidas de Sing Sing
Ralph Fiennes, Cónclave
Sebastian Stan, por The Apprentice
Mejor actriz
Mikey Madison, por Anora
Karla Sofía Gascón, por Emilia Pérez
Cynthia Erivo, por Wicked
Demi Moore, por La sustancia
Fernanda Torres, por Aún estoy aquí
Mejor actor de reparto
Yura Borisov, por Anora
Kieran Culkin, por A Real Pain
Edward Norton, por A Complete Unknown
Guy Pearce, por The Brutalist
Jeremy Strong, por The Apprentice
Mejor actriz de reparto
Ariana Grande, por Wicked
Felicity Jones, por The Brutalist
Isabella Rosselini, por Cónclave
Monica Barbaro, por A Complete Unknown
Zoe Saldaña, por Emilia Pérez
Mejor película internacional
Aún estoy aquí de Brasil
La chica de la aguja de Dinamarca
Emilia Pérez de Francia
La semilla de la higuera sagrada de Alemania
Flow de Letonia
Mejor película de animación
Flow
Del revés 2
Memorias de un caracol
Wallace & Gromit: la venganza se sirve con plumas
Robot salvaje
Mejor película documental
Black Box Diaries
No Other Land
Porcelain War
Soundtrack to a Coup d’Etat
Sugarcane
Mejor guion original
Sean Baker por Anora
Brady Corbet, Mona Fastvold por The Brutalist
Jesse Eisenberg por A Real Pain
Coralie Fargeat por La sustancia
Moritz Binder, Tim Fehlbaum y Alex David por Septiembre 5
Mejor guion adaptado
Clint Bentley y Greg Kwedar por Las vidas de Sing Sing
Jacques Audiard por Emilia Pérez
Jay Cocks y James Mangold por A Complete Unknown
Joslyn Barnes y RaMell Ross por Nickel Boys
Peter Straughan por Cónclave
Mejor fotografía
The Brutalist
Dune: Parte II
Emilia Pérez
Maria
Nosferatu
Mejor montaje
Anora
Cónclave
Emilia Pérez
Wicked
The Brutalist
Mejor sonido
Tod A. Maitland, Donald Sylvester, Ted Caplan, Paul Massey y David Giammarco por A Complete Unknown
Gareth John, Richard King, Ron Bartlett y Doug Hemphill por Dune: Parte II
Simon Hayes, Nancy Nugent Title, Jack Dolman, Andy Nelson y John Marquis por Wicked
Erwan Kerzanet, Aymeric Devoldère, Maxence Dussère, Cyril Holtz y Niels Barletta por Emilia Pérez
Randy Thom, Brian Chumney, Gary A. Rizzo y Leff Lefferts por Robot salvaje
Los 30 (no) son los nuevos 20 cuenta la historia de David, quien ha cumplido los temibles 30 y lo celebra de una forma diferente: con sus amigos en el pueblo, pero también con algunos actores y un equipo de rodaje. A pesar de las ganas de juntarse, la distancia y los años lo han cambiado todo. La fiesta termina por convertirse en un manifiesto de la generación millennial.
Crítica
Nos mueve entre los 30 y el desencanto con una mirada franca
Juan Vicente Castillejo irrumpe en el panorama cinematográfico con su cortometraje ‘Los 30 (no) son los nuevos 20’, un retrato íntimo y sincero de la generación millennial, con el cual ha sido capaz de colarse entre los nominados a los Premios Goya 2025. En este trabajo, el director utiliza la celebración de un cumpleaños como hilo y contexto para explorar las dinámicas de amistad y la sensación de incertidumbre que caracteriza a esta generación, atrapada entre expectativas sociales de éxito y un momento de libertinaje similar al que experimentaron algunas generaciones anteriores.
El corto, filmado en un entorno rural, no solo destaca por su autenticidad narrativa dentro de lo que muchas veces se percibe como ficcionado, sino también por su capacidad para conectar con experiencias universales de madurez temprana. Castillejo combina momentos aparentemente banales con lo que parecen reflexiones sobre el paso del tiempo, los cambios de perspectiva y la desconexión emocional, todo ello con un enfoque que de soslayo retrata a las generaciones de desplazados conocidos como provincianos.
El director explora la identidad y comunidad a través de la empatía y la franqueza. La propuesta es más que personal y logra conectar con aquellos treintañeros y cuarentones que han perdido el contacto con sus amigos de la adolescencia pero que aun así intentan mantener vivo con su propio ser púber. Aunque la obra se apoya en una mirada nostálgica, también es un testimonio de resiliencia actual y de cómo esta quinta ha experimentado un boom sexual.
A modo de analizarlo como documental el discurso puede resultar limitado, sobre todo para quienes buscan una perspectiva más estructural o analítica sobre los desafíos de los millennials. El mérito de Castillejo radica en capturar, con honestidad y sin pretensiones, la insondabilidad emocional (si se me permite el palabro) de quienes navegan entre los 30 y el desencanto.
Ficha de la película
Estreno en España: 2024. Título original: Los 30 (no) son los nuevos 20. Duración: 20 min. País: España. Dirección: Juan Vicente Castillejo. Guion: Juan Vicente Castillejo, Alba Pino, Tamara Santos Iglesias. Música: Delson Aravena. Fotografía: Gloria Gutiérrez Asia. Reparto principal: Inma Almagro, Miguel Santillana. Producción: LaBonica Films, Pasajes Invisibles. Distribución: BTeam Pictures. Género: documental. Web oficial:https://labonicafilms.com/los30/
El mes de febrero llega tras la cuesta de enero, con las pilas (y cartera) recargadas y superado el resacón navideño. Arvi Licensing, consciente de ello, nos pone los dientes largos con una buena dosis de título en formato físico que podremos adquirir a partir del 26 de febrero.
‘JURADO Nº 2’ De la mano del legendario Clint Eastwood y protagonizada por Nicholas Hoult, esta película que plantea un gran dilema moral, llegará en DVD y Blu-ray.
‘ROBOT SALVAJE’ La película de DreamWorks Animation que cautivó a mayores y pequeños en los cines, y que logró el Premio Lurra de Greenpeace en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, llega en DVD y Blu-ray.
La acción en febrero llega con ‘PÁLIDO’, ‘CÚBRETE’ e ‘IMPLACABLE’ en DVD.
La máxima calidad en 4K Ultra HD llega con ediciones de ‘MALDITOS BASTARDOS’, ‘AMERICAN GANSTER’ y ‘MORTAL ENGINES’.
Completa tu filmoteca con las reediciones en Blu-ray de ‘KUNG FU SION’, ‘LA CONQUISTA DEL OESTE’, ‘LAS BRUJAS DE EASTWICK’ y otras muchas.
Con Carlos Librado “Nene”, Marc Parejo y Felipe García Vélez
Seguimos el suma y sigue con los biopics de cantantes o bandas musicales españolas. Raphael, Bosé, Locomía, Hombres G, Los planetas… De un modo u otro el cine o la televisión se ha encargado de recordar a estos mitos de nuestra historia musical. Ahora el grupo Mägo de Oz tendrá su espacio en la pantalla grande con ‘Mägo de Oz: la película’.
El grupo, del que actualmente quedan pocos miembros originales y que se encuentra dividido con la banda Kabrönes!!!, fue un referente dentro del rock y el heavy en España y en LATAM. Su mezcla de folk y metal sorprendió a propios y extraños con una serie de discos temáticos que hilaban una historia. Esa marca diferencial seguro que estará muy presente en esta película que ha comenzado a rodar el hispano-uruguayo Álvaro Brechner.
En la fotografía podéis ver al reparto escogido entre el que destacan Carlos Librado “Nene” como Carlitos, uno de los pilares guitarrísticos de la banda, Marc Parejo como Fernando, flautista del grupo y Felipe García Vélez interpretará a Claudio, el padre de Moha, violinista.
Sinopsis oficial:
‘Mägo de Oz: la película’ narra la historia jamás contada de la banda que revolucionó el rock español al fusionar el heavy metal con el folk celta. Desde sus humildes inicios en los años 80 hasta su consagración internacional, el filme explorará las tensiones creativas, las victorias, las polémicas y las derrotas que forjaron su esencia. Además, se adentrará en las dinámicas internas del grupo y en la devoción inquebrantable de sus fans, mostrando cómo su música ha impactado a generaciones enteras.
¿Quién escribe las letras de Mägo de Oz? ¿Qué ocurrió entre Txus y José Andrëa? ¿Por qué Patricia Tapia dejó la banda? ¿Quién será el nuevo vocalista? Estas y otras preguntas hallarán respuesta en esta película.
Cuando ‘M’, un joven holgazán y quejica, descubre que su abuela sufre una enfermedad terminal, decide dejar a un lado su precaria carrera como streamer para cuidar de ella. Eso sí… Con la mirada puesta en su patrimonio multimillonario. Pero ganarse a la abuela no es fácil. Resulta ser una mujer de armas tomar, exigente, rigurosa y muy difícil de complacer. Y, por si fuera poco, ‘M’ no parece ser el único sucesor bienintencionado. ¡Tendrá que sacar a relucir sus mejores virtudes si quiere proclamarse el beneficiario de la herencia!
No obstante, a medida que pasen los días, ‘M’ comenzará a ver más allá de su propio interés y empezará a valorar la oportunidad de reconectar con su abuela en sus últimos momentos.
Crítica
De esas obras que a poco que seas humano vas a recordar con cariño
Personalmente me parece forzado y vago cuando las comedias dramáticas se inclinan hacia el cinismo o el sentimentalismo excesivo, siempre he pensado que destrozan todo lo construido y buscan la lágrima fácil. En el caso de ‘Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela’ podemos decir que emerge como una obra refrescante y auténtica, sincera y a la cara. Y eso que su título original viene a significar algo así como «déjame ir». Representando a Tailandia como su candidata a los premios Oscar, esta película logra equilibrar un humor entrañable con una exploración profunda de las dinámicas familiares y los conflictos generacionales, es de esas obras que a poco que seas humano vas a recordar con cariño.
La trama gira en torno a “M”, un joven ambicioso atrapado entre las expectativas de su familia y sus propias aspiraciones. Este streamer, un nini casi hikikomori, idea un plan disparatado para alcanzar la riqueza antes de que su abuela, el pilar emocional y financiero de la familia, fallezca. Desde esta premisa aparentemente ligera, la película se expande hacia una narración que no solo invita a sonreír tiernamente, sino que también plantea preguntas serias sobre el legado, la unidad familiar y los sacrificios intergeneracionales.
El director, Pat Boonnitipat, cuya sensibilidad queda patente en cada encuadre, utiliza el humor amable como herramienta para revelar verdades profundas. Las situaciones cómicas generadas a través del enfrentamiento entre la picardía de ambos protagonistas no son meros gags aislados, sino el resultado natural de las interacciones entre los personajes. La abuela, interpretada con una mezcla de calidez y autoridad inquebrantable, se convierte en el corazón de la historia. A través de sus gestos y frases cargadas de sabiduría popular, transmite una visión del mundo que contrasta con la obsesión de “M” por los atajos hacia el éxito. Esta tensión genera momentos únicos, como cuando los planes de “M” se desmoronan por ambiciones de sus otros familiares o el choque de tradiciones con la modernidad. Sin embargo, el verdadero logro de la película radica en su capacidad para encontrar el drama en los pequeños detalles. Las conversaciones aparentemente banales entre generaciones revelan un abismo de expectativas no expresadas, frustraciones acumuladas y amor genuino.
Visualmente, la película captura con destreza la vida en una comunidad tailandesa, desde los mercados bulliciosos hasta los momentos de calma en el hogar familiar. La fotografía evita exotizar los paisajes y, en su lugar, los utiliza como reflejo de los trasuntos de los personajes. La música, un delicado balance entre instrumentos tradicionales y arreglos contemporáneos, refuerza esta conexión entre pasado y presente.
En su totalidad, ‘Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela’ es mucho más que una comedia dramática; es una celebración de la familia, con sus imperfecciones y fortalezas. Es ante todo un ultimátum para que disfrutemos sinceramente de los nuestros. Su capacidad para tejer risas y lágrimas con tanta naturalidad la convierte en una digna representante de Tailandia en los Oscar, y un recordatorio de que el cine puede ser a la vez divertido y profundamente humano.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Lahn mah. Duración: 126 min. País: Tailandia. Dirección: Pat Boonnitipat. Guion: Thodsapon Thiptinnakorn, Pat Boonnitipat. Música: Jaithep Raroengjai. Fotografía: Boonyanuch Kraithong. Reparto principal:Producción: GDH 559, Jor Kwang Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.gdh559.com/post/lahnmahMoive/
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