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Autor: Furanu
De origen irlandés y criado en tierras vetonas, este ingeniero curiosamente nació en Bloomsday. Pegado desde pequeño a una televisión y a cientos de páginas, ahora gasta su tiempo montándose películas y disfrutando las de otros.
Tenemos imágenes del photocall celebrado ayer con motivo de la visita de Dwayne Johnson y Kevin Hart por su próximo estreno y trabajo juntos, “Un espía y medio”. La película está dirigida por Rawson Marshall Thurber (que también estuvo presente) y nos cuenta la historia de un letal agente de la CIA (Johnson) con un pasado friki y víctima del acoso escolar, que vuelve a casa para asistir a una reunión de compañeros de instituto. Con la excusa de estar trabajando en un caso secreto, consigue la ayuda del chico popular del campus por aquel entonces (Hart), que ahora es un aburrido contable y vive añorando sus años de gloria. Para cuando el pobre oficinista se da cuenta del embrollo en el que se está metiendo, es demasiado tarde para desentenderse y su nuevo amigo, con maniobras cada vez más impredecibles, le arrastra a un mundo de tiroteos, traiciones y espionaje que les obligará a jugarse el tipo en incontables ocasiones.
En el reparto de “Un espía y medio” también figuran Amy Ryan, Aaron Paul y Danielle Nocolet. El 8 de julio la tendremos en nuestros cines de la mano de Universal Pictures.
La nominada al Óscar Vera Farmiga (“Up In the Air”, la serie de televisión “Bates Motel”) y Patrick Wilson (las películas de “Insidious”) interpretan una vez más el papel de Lorraine y Ed Warren, quienes, en una de sus investigaciones paranormales más aterradoras, viajan al norte de Londres para ayudar a una madre soltera que vive sola con sus cuatro hijos en una casa plagada de espíritus malignos.
Crítica
El terror se instala en Londres.
Pude ver esta película en su pre-estreno en el marco del festival Nocturna. En una sala casi repleta puedo decir que no fueron pocos los gritos y el nerviosismo que vivimos. James Wan nos ha traído lo mismo de siempre sí, lo mismo que en “The conjuring” y en “Insidious”, pero gusta y de momento no cansa. ¿Qué es lo mismo de siempre? Buena ambientación, buenos sustos, buena historia. Si normalmente tenemos que decir que el cine de terror se basa principalmente en darnos sustos o en ensordecernos con ruidos repentinos, en el caso de las películas de “Expediente Warren” si se está logrando infundir algo de miedo en el espectador incorporando elementos del cine setentero del género.
Cuando digo que Wan nos trae lo mismo quiero decir también que incluso tras las cámaras se repite. Mismo equipo técnico y protagonistas, salvo en el caso de la fotografía que ha incorporado el buen ojo de Don Burgess (“Código fuente”, “El sicario de dios”) en lugar del magnífico John R. Leonetti (“Insidious”, “Mortal Kombat”). La historia escrita por los hermanos Hayes tiene menos gancho que la de la anterior entrega, pero posee dos tramas fantasmales paralelas con bastante fuerza. Su mayor atractivo es el giro que toman los acontecimientos en cuanto se descubre la verdad sobre la causa del poltergeist, haciendo converger de ese modo ambas tramas y dándole sentido a la película.
Patrick Wilson y Vera Farmiga dan un paso más en la historia de los Warren. Muestran la evolución de estos personajes sin estancarse en lo establecido en la primera parte. Normalmente este tipo de “cazafantasmas” aparece sin más en las películas sobrenaturales pero con la saga Warren nos están mostrando un aspecto diferente.
Para “Expediente Warren: El caso de Enfield” se han devanado los sesos para buscar nuevos sustos y pillarnos desprevenidos. El sonido es otro punto fuerte que consigue encauzarnos por los caminos de lo tenso y trepidante. Por supuesto otro atractivo para los espectadores de nuestro país es ver de nuevo a Javier Botet enfundado en el papel de fantasma. Está bien contemporizada, adaptada a lo que el espectador pide o espera de este tipo de películas.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de junio de 2016. Título original: The Conjuring 2: The Enfield Poltergeist. Duración: 133min. País: EE.UU. Director: James Wan. Guión: Carey Hayes, Chad Hayes. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Frances O’Connor, Madison Wolfe, Lauren Esposito,Patrick McAuley, Benjamin Haigh, Maria Doyle Kennedy, Simon Delaney, Franka Potente, Simon McBurney, Javier Botet. Producción: Evergreen Media Group, New Line Cinema, The Safran Company. Distribución: Warner Bros. Género: Terror. Web oficial: http://www.theconjuring2.com/
En la búsqueda de diversión y nuevas experiencias, cuatro jóvenes se apuntan como monitores de un campamento. La noche anterior a la llegada de los niños y sin motivo aparente, comienzan a atacarse furiosamente entre ellos. Algo les convierte temporalmente en seres enloquecidos y muy salvajes. Empieza entonces un juego del gato y el ratón sin tregua, en el que tan pronto son cazadores como intercambian sus roles para ser cazados. Para sobrevivir sólo tendrán una opción: encontrar el origen de la infección que les permita acabar con la terrible pesadilla.
Crítica
Una novedosa y engañosa historia de terror.
Normalmente, las películas que calan en nuestra memoria o en la historia de nuestro cine son aquellas que pese a tener pretensiones medias consiguen sorprendernos. “Summer Camp” tiene virtudes y proyección para convertirse en una de ellas o por lo menos en un título de culto. Triunfó en el pasado Nocturna y probablemente lo haga en nuestras taquillas. No es una película de terror basada karma, donde a todos los buenos les pasan cosas buenas y a los malos cosas malas, va por otros derroteros y ahí está uno de sus puntos fuertes.
Marini (“Mientras duermes”, “El desconocido”) ha dirigido y escrito una película que arranca como si tal cosa y rápidamente se vuelve frenética, sin dejarnos recuperar aliento. “Summer Camp” es un toma y daca, un juego del gato y el ratón, pero no solo entre los protagonistas, sino también entre el film y el espectador. Se podría decir que en este sentido Marini hace las veces de trilero.
Es de estas experiencias que merece la pena ser vistas pues nos sorprende en varias ocasiones. No tiene moraleja ni mensaje profundo, es una historia de terror, un survival horror, sin más, pero despunta por su originalidad entre todo lo surgido en los últimos años. Con cambiar un simple elemento, en algo que es un cliché del cine de infectados, se crea toda una nueva dinámica. No tiene la mejor fotografía del mundo ni el maquillaje de una superproducción, pero posee un montaje trepidante.
Posee un reparto muy internacional. Desde el talentoso mexicano Diego Boneta (“Rock of Ages”) hasta las prometedoras estadounidenses Donahue (“Insidious: capítulo 2”) y Walsh (serie de “Zombieland”). También está presente Andrés Velencoso que realiza su papel de un modo bastante correcto. Todos ellos se desenvuelven bien en los apenas dos o tres escenarios que tiene la película: Un caserón (que hace las veces de campamento de verano), una caravana y un bosque.
Podría tener saga, da para ello, aún así la película es concluyente. Incluso podría dar lugar a un videojuego. A mí me ha dejado el buen sabor de boca que me dejaron hace años “Rec”, “The Ring”, “La cabaña en el bosque”, “28 días después” u otros éxitos de este siglo.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de junio de 2016. Título original: Summer Camp. Duración: 85 min. País: España. Director: Alberto Marini. Guión: Alberto Marini, Danielle Schleif. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Diego Boneta, Maiara Walsh, Jocelin Donahue, Andrés Velencoso, Mark Schardan,Rick Zingale, Xavier Capdet. Producción: Filmax, Safran Company, Rebelión Terrestre. Distribución: Filmax. Género: Comedia, Terror. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/summer-camp.32
Alberto Marini es un italiano afincado en España que destaca por la buena calidad de las películas en las que ha estado involucrado. Ahora se ha lanzado a dirigir y su película “Summer Camp”, resultó ganadora del premio Blogos de Oro a la Mejor Película de la Sección Fantástico en el recién celebrado festival Nocturna.
Cuéntanos que tiene de diferente “Summer Camp” respecto a otras películas de terror que se han realizado.
Desde el principio queríamos ofrecer al público una película que jugara con las perspectivas y las sorpresas. Que te guiara por un camino y te sorprendiera por otro. Empezando desde el título y el lugar, un campamento de verano, que evoca al slasher de los 80 como “Viernes 13” o “Campamento sangriento” hasta que después descubres que no estás en ese tipo de película y que el campamento no es como esperas ni pasan cosas que esperarías. Queríamos sorprender sin defraudar.
También a nivel de infección, como es una película de infectados, queríamos trabajar una mitología algo novedosa. En este caso nos ofrece la posibilidad de cambiar el rol de cazador y presa. Jugamos con el público que pasa de uno a otro sin tener claro quién es su protagonista y quien su antagonista. Jugamos un poco contra los clichés del género.
Me ha gustado ese juego de idas y vueltas que tiene la película. También vemos en el film algo de humor negro. ¿Eso es algo que queríais introducir sí o sí?
Creo que una película como “Summer Camp”, con las pretensiones que tiene de ofrecer un juego al espectador, no se podría tomar demasiado en serio, por lo que hay unos momentos de humor de los que somos conscientes. Pero es una película de terror con unos momentos de humor que hemos buscado y creemos que con el público está funcionando.
Yo creo que están bien contemporizados. Como decíais, jugáis con el título, porque es un “Summer Camp” que transcurre en invierno.
Si, en realidad no lo localizamos en el tiempo. Es invierno por cuestión de agenda de los actores y del estudio. Pero simulamos de alguna manera que es una temporada estival. Es un lugar en las montañas donde no hace particularmente calor, lo hemos utilizado como un elemento sorpresivo más para los monitores americanos que acuden a este lugar.
El invierno, si nos ha representado un problema ha sido a nivel de rodaje, que rodábamos en una montaña, en invierno, de noche, con algún momento de frío para los actores con su maquillaje y ropajes…
Alberto Marini, Andrés Velencoso y Jaume Balagueró promocionando «Summer Camp» en Madrid.
Es la primera vez que diriges y además con un texto tuyo. ¿Te ha dejado más satisfecho el hecho de rodar tu propio guión y no que sea otro el que lo ruede?
No, no creo que se mida así. Desde chaval quería ser director de cine. Después he tenido la suerte de poder trabajar en el cine, por eso me considero muy privilegiado, afortunado. He descubierto otras tareas como ser consultor de guión, de productor… mientras he sido guionista. Siempre me he sentido satisfecho. Cerca de los cuarenta me entró de nuevo ese gusanillo por dirigir películas de miedo desde niño casi. Ha surgido esto y he intentado darme una oportunidad de concederme este deseo.
Soy muy consciente de que, como enseño la ESCAC, un guionista no escribe una obra, escribe un instrumento para otra persona. Cuando trabaja solo como guionista trabaja sobre algo inacabado. Entregas tu trabajo a otra persona que lo modifica para bien o para mal. Cuando eres director tienes un control creativo muy superior, que debería ser total, sobre el acabado final. A nivel de creatividad he disfrutado muchísimo más. Pero si soy honesto, el yo director ha sido igual de duro con el yo guionista que otros directores lo han sido con mis guiones. Porque en el rodaje surge la creatividad, no puedes estar vinculado tanto a lo que está escrito.
Y este intercambio de papeles que has tenido con Jaume Balagueró.
Bueno, mi relación con Jaume viene de lejos. Empezamos a colaborar en el 2000 con “Darkness” y hemos tenido muchas aventuras juntos en papeles distintos pero casi siempre con él dirigiendo. En este caso nos hemos intercambiado los roles pero es simplemente un gesto de apadrinamiento de Jaume hacía mí. Es cierto que le gustaba el guión, pero ha sido un gesto casi desinteresado, un gesto de ayudar a un amigo en su primera película. Una tarea en distintos frentes, de apadrinamiento de cara a los inversores y de apadrinamiento real por que ha estado siempre ahí cuando le necesitábamos en preparación, durante rodaje, en postproducción… Y sobre todo animándome en todo rato, porque cuando eres novel tienes esos momentos de bajón, de duda…
Ya que habláis de los inversores, me parece interesante la participación de Safran.
Los primeros en unirse al proyecto fueron Balagueró y Filmax. Conjuntamente a Filmax buscamos nuevos partners porque queríamos que esta película fuera internacional, global, desde su concepción. Entonces queríamos un productor norteamericano para poder acceder al mercado de allí, no como outsiders sino como insiders. Una de las personas más interesadas fue Peter Safran que es productor de “Expediente Warren (The Conjuring)”, “Buried” o “Annabelle”. Se entusiasmó con el proyecto, con el concepto original y gracias a él entro el estudio americano. Se formó todo este diseño de financiación que nos permitió hacer la película. Más que hacer la película nos permitió, antes casi de rodar, tener garantizada la distribución en Norteamérica e Iberoamérica.
Ya que nos hablas del extranjero. La habéis proyectado en festivales y también está funcionando bien.
Sí, la primera toma de contacto con el público ha sido en festivales: el Londres Frightfest, Sitges, Busan en Corea, New York… Las reacciones suelen ser positivas por lo que estamos muy aliviados con esto, muy entusiasmados. De momento se ha estrenado en cuatro países, pero tengo el dato de los tres primeros. México, Malasia y Estados Unidos, llevamos 800.000 espectadores que está muy bien. Sé que se ha estrenado en Polonia y Turquía recientemente pero no tengo datos.
Llegarán buenos datos seguro, es buen material.
Eso esperamos, muchas gracias.
Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.
De toda la actualidad cinematográfica, Jaume Balagueró es uno de los mayores especialistas en hacernos temblar de miedo. Muchos le conoceréis por haber escrito y dirigido varias entregas de “REC” o por haber escrito “Mientras duermes” y “Darkness”, donde trabó amistad con Alberto Marini, director de “Summer Camp”. El artista italiano produjo varias de sus películas y ahora han intercambiado papeles para una película realmente frenética.
Ya le hemos preguntado a Alberto, pero cuéntanos, ¿qué tal esta permutación de roles con él?
Pues muy bien la verdad. Realmente cuando Beto hacía de productor y yo hacía de director, Beto estaba muy metido en temas de financiación etcétera, cosa que yo no. Yo he estado más en un tema de logística, de apoyo y de apadrinar de alguna manera su debut como director. Pues eso, con consejos, con dudas que podía tener… he intentado siempre estar ahí como apoyo. La verdad es que muy bien, me ha encantado, para mí ha sido más relajado que dirigir una película.
¿Repetirías en otras películas como productor ejecutivo?
Si, por qué no. Siempre que haya un proyecto o alguien que me parezca que sea interesante apadrinar o que necesita un apoyo para contar una historia… sí, me encantaría.
¿Y como asesor has estado involucrado en la elección del reparto?
No, Beto ha tenido libertad absoluta para tomar las decisiones creativas desde el casting hasta cualquier otra cosa del rodaje y la producción.
Como amante, realizador de historias de terror, de calidad además, y espectador de cine, ¿Cómo recomendarías “Summer Camp”?
Pues la película la vendo como un juego. Un juego divertido. Sobre todo porque es verdaderamente un juego que aparenta desde fuera ser algo muy trillado, una película de campamento de verano, con adolescentes que van muriendo uno a uno… O una película de infectados, que ya hemos visto miles… Y de pronto le da la vuelta a todo eso, desintegra todos esos prejuicios y acaba ofreciendo un festival que es completamente distinto a lo que tú esperas, en el que nada es lo que parece y por lo tanto es un juego divertidísimo.
Alberto Marini, Andrés Velencoso y Jaume Balagueró promocionando «Summer Camp» en Madrid.
Me ha engañado un par de veces la película sí. En cuestiones de producción estáis con The Safran Company, que están involucrados, entre otras, en “Expediente Warren”. ¿Eso era algo que habéis buscado, que os ha llegado…?
Está Pantelion que es, digamos la parte de Latinoamérica de Lionsgate. Está Peter Safran y es entonces una coproducción, que es lo que ha obligado a hacer el rodaje en inglés y con proyección internacional.
O sea que lo de Safran os ha venido bien para la distribución internacional.
Bueno, ha obligado. Si no hubiese sido una coproducción con Estados Unidos probablemente habría sido únicamente en español, o quizás no, porque también es cierto que la película pide el inglés de los monitores americanos que vienen a España.
Y en cuanto a la distribución hacéis algo muy vanguardista que es estrenarla, tan solo dos semanas después del estreno en salas, en Waki.tv (el 24 de junio). ¿Qué opinas tú de ese modo de consumir cine?
Bueno eso es una decisión que ha tomado la distribuidora. Habrá que ver cómo funciona. Creo que es una alternativa. Evidentemente la situación que vivimos en las salas de cine es complicada. Cada vez va menos gente al cine, está bien buscar alternativas para ver otros formatos de exhibición que puedan funcionar. Paco León hizo algo parecido con “Carmina o revienta”. Habrá que ver cómo funciona.
Yo rezo por que las salas de cine sigan. Llevo a mi hijo prácticamente todas las semanas a ver una película al cine y quiero que se acostumbre, sepa lo que es el cine… Rezo porque eso siga porque es maravilloso.
Sobre todo sueles hacer terror. ¿Tienes pensado o estás en algún proyecto fuera de ese género?
Sí, tengo un proyecto inmediato ahora para rodar en septiembre que todavía podríamos enmarcarlo en terror, pero no es exactamente una película de terror, es un thriller basado en una novela de José Carlos Somoza. Y a continuación tengo un proyecto que no tiene absolutamente nada que ver con el terror.
Y tienes también algo con Miguel Ángel Vivas.
Si, es un remake de una película francesa que se llama “Al interior”. Él la ha rodado y está basada en un guión mío y de Manu Diez, un guión que hicimos hace años cuando se planteó la posibilidad de hacer este remake. Pero ese guión lo recuperó después Adrián Guerra con Miguel Ángel Vivas que acaban de rodar la película.
Pues ha sido todo un placer hablar contigo, muchas gracias por estos minutos.
Gracias ti.
Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.
El modelo, conocidísimo por su trabajo sobre las pasarelas o sus apariciones en revistas y anuncios, está sacando a relucir su faceta actoral. Andrés Velencoso ha trabajado en “Fin” o en la serie “Byb, de boca en boca” y ahora realiza un papel protagonista en “Summer Camp”. A su paso por Madrid, por la promoción de la película, pudimos hablar con él.
Háblanos de tu personaje.
¿De Antonio? ¿Qué te puedo contar? Es el personaje español de la película. Es el más veterano, el que hace el casting de los monitores, sobre todo de monitoras porque ya tenía a Will (Diego Boneta). Él lo que quiere es pasarse un campamento de verano de la menor manera posible. Quiere fiesta, pasárselo bien… y acaba siendo todo lo contrario. Lo que pinta como una noche de estas cachondas y divertidas acaba siendo un desbarajuste total, sobre todo para él…
Has hablado de un casting. Me gustaría saber si a ti te tocó hacer casting o te cogieron directamente.
Sí, hubo un casting por Skype, pero creo que lo hicieron los americanos. Maiara y Jocelin con Beto, a Diego creo que ya lo tenían. A mí me llegó el proyecto una noche antes de los Goya, mi representante me llamó, me dijo que tenía un guión y que si me gustaba al día siguiente conocería al director. Así fue, le conocí y al día siguiente hice una prueba con él en vivo y en directo, o sea que mejor imposible. Y ya está, Beto creía que yo encajaba para el personaje de Antonio y voilà.
Alberto Marini, Andrés Velencoso y Jaume Balagueró promocionando «Summer Camp» en Madrid.
¿Y con Marini, el director, qué tal?
Bien, muy bien. Es un friki total. Yo le decía “¿Tu esto que estás contando lo tienes en la cabeza? Me das mucho miedo colega, tienes mucha basura en la cabeza”. No, pero bien. El estaba nervioso, yo también lo estaba… Para mí es la segunda película, para él la primera… Hubo mucha ayuda, trabajar con un equipo de casa, de Barcelona, pues también ayuda. Hicimos mucha piña y de ahí sale el trabajo.
¿Y meterte en esa vorágine del infectado te ha costado?
No, creo que era, a parte de los momentos más difíciles, que tienen que quedar más creíbles, creo que era lo más divertido. Era lo más potente para el personaje, es un momento climax para el personaje porque a partir de ahí le pasan un par de cosas que le duran… Pero si, de lo más difícil y de lo más divertido, pero para todos.
Tu eres modelo desde muy joven, desde antes de acabar la universidad. ¿Te habías planteado alguna vez ser actor?
Había hecho en el cole, en E.G.B. y en el instituto un par de obras de teatro, así como medio así medio asá, como que lo tienes ahí pero no le das importancia. Fue a raíz de trabajar como modelo y hacer cosas para televisión, anuncios para televisión, que empiezo a pensar que donde realmente me encuentro más cómodo y me lo paso bien es haciendo esas cosas. Pero por h o por b sigues trabajando de modelo, viajando, metido en una pelota que parece un cacao. Hasta que te calmas un poco y te paras a pensar qué es lo que quieres hacer y qué es lo que no quieres hacer. Y le doy la oportunidad a esto. Fue así cuando apareció “Fin” en el 2011 o 2012. Ahora “Summer Camp”, la serie de televisión para Tele5 y popo a poco.
Sí, poco a poco te vas metiendo, pero creo que no solo actuando, sino que también te estas formando.
Si claro. Desde que hice “Fin” dije, “esto es muy difícil, aquí hay que formarse y trabajar duro”. Comencé a hacer cursitos y por el tiempo y por mi trabajo no tengo la oportunidad de meterme en cursos de un mes o dos. Tengo que ir haciendo cursitos pequeños. De hecho, cuando son cursos de más de dos semanas me lo tengo que plantear.
Bueno, pero quería que eso quedase reflejado, que no eres solo físico, si no que te lo estas currando.
Es un trabajo muy duro, muy difícil, con muchos inputs de fuera en el que tienes que estar concentrado. Trabajar los personajes, mucha técnica… Después de “Fin” vi bien que había que tener una gran preparación, dedicarse a ello.
¿Cuándo interpretas o cuando te estás formando tienes algún actor en mente, algún modelo a seguir?
No, no tengo a nadie. Sí que voy cogiendo a lo mejor películas que te van influenciando un poquito más o un poquito menos. Como referencias o más que referencias te fijas en lo que ha hecho uno u otro y lo piensas, meditas sobre su curro en los personajes.
Pues esto es todo. Muy agradecido.
Muchas gracias a vosotros.
Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.
Está confirmado por el propio actor que ha compartido muchos tuits que daban por cierta la noticia. Además ya lo anunció él en un tuit durante el mediodía de la jornada de ayer. John Boyega estará en el reparto de “Pacific Rim 2” y además será coproductor de la cinta. Steven S. DeKnight le ha elegido para interpretar al hijo de Stacker Pentecost, el personaje que interpretó Idris Elba.
En esta continuación de la película creada por Guillermo del Toro aparecerán otros actores como Ron Perlman, Charlie Human o Max Martini. De momento, y según los datos de IMDB, solo sabemos que será secuela de la primera película de mechas de Del Toro y que lleva como subtítulo Maelstrom (torbellino, vorágine).
I’ll be taking on the Pacific Rim franchise with Steven S.Deknight directing. Very excited!
Uno de los grandes éxitos entre el público de la última edición de Nocturna de este año ha sido “I had a bloody good time at House Harker”. Una locura de película repleta de personajes tontorrones, sangre y vampiros que recibió una mención especial del jurado. En el festival estuvieron presentes Derek Haugen (actor, historia), Noel Carrol (actor, historia), Clayton Cogswell (director, historia), Jacob Givens (actor, guión) y Adam Lee (productor). Dieron espectáculo con su película, pero también con su presencia pues resultaron ser unos auténticos showman.
De izq a der. Jacob Givens. Derek Haugen, Clayton Cogswell y Noel Carrol recogiendo su premio en Nocturna.
Enhorabuena por la película lo primero. Me ha parecido que vuestro vampiro, vuestro strigoi, está mejor realizado que el de “The Strain”.
CC: Gracias.
JG: Wow, gracias.
¿Cómo se os ocurrió esta historia?
CC: ¿Quién mejor te va a responder es Noel.
NC: Es una idea que tenía sobre un guión para una webserie divertida. Nunca llegaba a saber cómo terminarla. Se la conté a ellos y se expandió la cosa, que es como trabajamos. Cuando les paso mi idea ya no es mi idea (risas), es un esfuerzo de equipo.
JG: Recuerdo una partida de póker en la que estábamos. Un momento en el que nos estuvimos riendo mucho cuando sugirió la idea de un accidente con una manguera haciendo el vacío succionando y drenando sangre de una herida. Pensamos que sería increíble.
Es un momento divertido del film. La película trata sobre unos descendientes de Jonathan Harker. ¿Opináis igual que yo que el cine ha tratado poco o mal el personaje de Jonathan Harker?
DH: ¡Si, exacto!
CC: Eso es, ¡gracias por decirlo!
JG: Totalmente cierto. Siempre Van Helsing, Van Helsing, Van Helsing.
CC: En libro Jonathan Harker es quien mata a Drácula. Originalmente se había hablado de los hermanos Van Helsing pero nadie de él. Preguntas a la gente y dice ¿Harker quién? Harker no está reconocido.
NC: Bien visto.
Y ya que hablamos de generaciones posteriores a un personaje clásico de terror. ¿Habéis creado este film como una muestra de que en el cine de género también han pasado generaciones y la cosa ha cambiado?
CC: Si, bastante. Somos muy fans del género de terror. Nos parece interesante que hayan pasado diferentes generaciones. Nos gusta de los años 30 Drácula o los monstruos de los 50 de la Hammer.
¿Y creéis que con películas como “What we do in the shadows (Lo que hacemos en las sombras)”…
NC: ¡Oh si! Me gusta. (risas)
…es más fácil vender el género con películas que mezclen terror con comedia?
NC:Estábamos en contra de elegir o terror o humor. Nos decantamos más por el humor, por abrazar la comedia, pero también trabajando con el terror para tener ese rato sangriento. Se pueden mezclar ambas cosas. Nos hemos centrado en el fan, para que tenga un buen rato sangriento.
JG: Las mejores películas de todos los tiempos mezclan comedia y terror. “Bride of Frankenstein (La novia de Frankenstein)” puede ser terrorífica pero también divertida. Creo que son los mejores tipos de películas.
¿Para vosotros los vampiros son el monstruo más icónico o con una presencia más poderosa en el cine?
DH: Uhm. Buena pregunta. Para mí sí. Hay zombies, momias, Frankenstein y de todos ellos los vampiros tienen los elementos inmortales, la sangre ese romanticismo antiguo, es precioso a la vez que perturbador. Para mí es mi favorito, el más icónico.
CC: Si, yo coincido. Creo que los vampiros tienen el componente que mezcla a la raza humana con la muerte romántica.
JG: Para mí el más aterrador es el hombre lobo. Puedes transformarte, hacer cosas y luego no recordarlas. No es una mala persona, pero se convierte en un monstruo y asusta a todo el mundo.
Como nos hemos divertido mucho con la película nos gustaría saber si vais a hacer saga.
CC: Eso esperamos.
JG: ¡Hombres lobo!
CC: Harkers contra el hombre lobo (risas). Pensamos y nos gustaría que fuesen tres películas. Si eso ocurre, ¡genial! Si tiene éxito esta primera pues adelante.
¿Y qué opináis de la saga de películas que está preparando la Universal con todos sus monstruos?
NC: Estoy entusiasmado. Tengo curiosidad por ver si van a utilizar efectos tradicionales o CGI.
DH: Van a ser los Vengadores del terror (risas).
JG: ¿Conoces una película de los ochenta que se llama “Monsters Squad (Una pandilla alucinante)”? Fue un bombazo, adoro esa película. Unos chicos contra los monstruos más icónicos. Deberían hacer más así.
CC: Van a introducir a el hombre invisible, Frankenstein, Drácula… Johnny Depp ha sido elegido para el hombre invisible. Porque no escarbar entre los muertos para aprovechar este tesoro.
Me gustaría saber bien, a parte ya del género de terror, qué es Good Cops Entertainment.
CC: Empezó como algo que haces los fines de semana entre amigos. Fue una serie online con tres episodios y tras ello entramos en contacto con una empresa llamada Machinima, que es una gran compañía online y ellos quisieron ayudarnos a producir más. Se convirtió en una serie completa y llegamos a la temporada 2. Nuestra idea era extender este universo basado en los policías de los 80 y 90 como los de “Die Hard (Jungla de Cristal)”.
El director cántabro Nacho Vigalondo es conocido por películas como “Los cronocrímenes”, “Open Windows” o “Extraterrestre”. También por su nominación al Oscar al mejor cortometraje. Suele ejercer usualmente de guionista, pero en Nocturna ha estado involucrado por dos papeles como actor. El principal ha sido en la película que vimos justo antes de entrevistarle, “Camino” de Josh C. Waller. En ella interpreta a un misionero un tanto problemático. También ha aparecido en “Estirpe” de Adrián López, aunque eso no lo tenía él muy claro, si leéis la entrevista completa sabréis por qué.
¿Cómo te surge el que te llamen para actuar en películas?
Pues esa pregunta es la respuesta. Me llaman para actuar en una película, no hay más trasfondo. Me llama el director, me propone un papel en la película, me manda el guión por correo, lo leo y veo que es una cosa gigantesca y divertidísima. Como, siempre que los márgenes de mi vida me lo permitan, intento actuar todo lo posible, pues he dicho, adelante.
¿Te gusta actuar para otros?
Sí. Claro, no tengo identidad como actor. No creo que cualquier director plantee una lista con diez actores y aparezca por ahí. Pero siempre que se tercie adelante. Es algo que está ahí y de vez en cuando me da estas alegrías. Para mí por ejemplo el placer de actuar en una película no es menor que el de dirigir otras. Lo que me pierde es el hecho del rodaje. Soy como un fanático del hecho en sí del rodaje. Me parece una circunstancia muy especial en la vida y única. Me encanta vivirlo. Me gusta que se junten tantos adultos que no tienen nada que ver entre sí y se pongan a hacer chorradas en la montaña a las cinco de la mañana. Y que luego se traduzca en una película que puede ser de mil maneras distintas. Esa alquimia me parece inmejorable.
Ya nos has dicho que no tienes una identidad como actor, pero tienes un gusto desarrollado sobre si hacer de villano como haces en “Camino” o sobre si hacer de bueno como en “Los cronocrímenes”.
No, en realidad cuando haces un papel tampoco entra en juego la moral del personaje. Lo que entra en juego son las situaciones en las que se ve expuesto. Que el personaje esté contra las cuerdas, que esté templado o que sea indiferente a lo que sucede… Lo que importa es la intensidad, no la moralidad del personaje. Porque como el personaje es ficticio da igual, realmente no es condenable un tipo malo como tampoco es aplaudible un tipo bueno porque no existen. Están en los márgenes de lo que es la ficción.
Dicho esto, como te diría cualquiera, mola más hacer de malo que de bueno.
Como nos gusta a todos en muchos videojuegos y cosas por el estilo.
Pero en los videojuegos no puedes ser malo.
Si hombre, hay algunos que sí, como el “Dungeon Keeper”.
No, pero la perspectiva es la tuya. Tu eres el bueno de la película, no eres el antagonista. Eres el dueño de una mazmorra, puedes pintar a los personajes y cosas así, pero tienes que proteger tu mazmorra.
El malo lo entendemos como el malo antagonista. Tony Soprano no era el malo de “Los Soprano”, aunque era malo.
Si y Walter White era…
Walter White no era el malo de “Breaking bad” era el protagonista de la serie. Que resulta que luego era ambiguo o maligno. Pero cuando hablamos del malo hablamos del antagonista que viene de fuera a putearte.
¿Durante el rodaje de “Camino” salió el Nacho director?
No, sería vanidoso y es un placer no hacerlo. Para mí es un placer tremendo estar en un rodaje y no tener que estar componiendo algo. De igual manera que cuando estoy dirigiendo me siento afortunado de no haber tenido que memorizar el papel o el monólogo. Son dos papeles distintos. Hay gente a la que le gusta que le zurren y gente a la que le gusta zurrar. Hay gente que sabe entender los dos placeres, yo estoy en este tercer grupo.
¿Y ves mucha diferencia de cuando te diriges a ti mismo que cuando te dirigen?
Es muy diferente claro, no tiene nada que ver. Cuando te diriges a ti mismo es un salto al vacío porque no tienes un punto de apoyo tan firme como lo tienes cuando te dirige alguien por supuesto.
¿Zoë Bell ha contribuido a las coreografías?
Por supuesto. Tener a Zoë Bell en rodaje es tener a una autoridad en el mundo de los stunts (dobles de riesgo). Ella nos ayudaba en las peleas a nosotros, estaba muy presente en todas las secuencias en las que había algún tipo de condición física extrema y era como tener una figura protectora.
Encima que en esta película pasa de ser fotógrafa de guerra a guerrera fotógrafa.
Si, está bien eso, debería haber sido eso el tagline de la película.
Y ya que estamos en Nocturna, no sé si estoy mal informado, apareces en otra película, que es “Estirpe”.
Pues es que no lo sé. Grabé una cosa para “Estirpe” pero no sé si esa cosa se utilizó para la película o para la promoción de la película en Internet. Y no la he visto todavía, me gustaría verla cuanto antes. En cualquier caso, es una cosa minúscula.
¿Con Josh C. Waller, Elijah Wood… se ha creado un círculo de amigos entre los cuales colaboráis?
Si, ellos son socios de la misma empresa. Y tenemos ese vínculo desde “Open Windows”. A nada que recorres el circuito de festivales de género con películas como las mías, vas conociendo a mucha gente y estableciendo vínculos muy cerrados. Respondiendo a tu pregunta, si, es una merienda de negros.
¿Qué hacer para que la gente vuelva al cine? ¿Es un camino sin retorno?
Si. Llevamos ya diez años convenciendo a la gente de que no vaya a las salas, ahora mismo no va a suceder lo contrario. Los medios incluso han colaborado. Desde los medios, desde la política, se han buscado argumentos para justificar que la gente no vaya al cine. Eso ya no tiene vuelta de hoja. No hay manera. Habrá un tipo de público especializado que le interesará acudir a salas especiales con proyecciones especiales, pero no esperes más. Tampoco digo esto con pena. Es un movimiento que se puede quedar y ya está.
Marcos Cabotá es un director mallorquín cuyo primer largometraje, “Amigos…” se llevó el Premio del Público en el Festival de Málaga. El año pasado estuvo nominado al Goya a Mejor Película Documental por su trabajo junto a Toni Bestard sobre David Prowse y sus problemas tras realizar el papel de Darth Vader. “I am your father” no se llevó el galardón pero fue un éxito de público. Ahora se encuentra inmerso en varios proyectos, entre ellos “Noctem” cuyo tráiler presentó en Nocturna 2016.
Háblanos de “Noctem” que es lo que has venido a presentar y sobre lo que ha supuesto para ti hacerlo en Nocturna.
Pues creo que ya lo he dicho antes, para mi Nocturna es el mejor festival emergente, creo que en estos cuatro años se ha posicionado como un festival de Clase A en España. Tuve la suerte de que en los comienzos gané, con “24 horas con Lucía”, el premio al mejor cortometraje. Mi intención era estrenarla aquí, además “Noctem” antes se llamaba “Nocturna”. Me parecía que tenía que estrenarse en Nocturna, al final se cambió el nombre y no se ha podido estrenar por que no está 100% acabada. Faltan temas de sonido y cuatro cositas que hay que rematar. No he llegado a tiempo. Hace un mes hablaba con Luis Rosales porque quería estrenarla aquí. Al final dije “Luis me molaría hacer algo” y me propuso el tema del tráiler para tener una referencia.
Cuéntame un poco qué escena, que video de móvil te enseñaron para que comenzase el proyecto de “Noctem”.
Si, Adrián que es amigo mío, bueno en realidad amigo mío era Esteban y él era conocido. Estando un día los tres me enseñó un vídeo sobre algo que le había sucedido en su casa, en su cuarto a oscuras… no quiero desvelar mucho más porque está en la película. Lo vimos y me quedé sorprendido porque creía que era un poco broma, pero a Adrián es un tío muy sensible, no le gusta… estuvo todo el día sin volver a su casa. Hizo una limpieza con una especie de cazafantasmas, o no sé cómo se llaman.
Me quedé dándole vueltas al vídeo y a raíz de él comencé a escribir una historia totalmente ficcionada. Luego no ha vuelto a pasar nada en esa casa, no creáis. Entonces se lo propuse a Adrián, hacer una especie de peli metiendo el vídeo. Al principio fue un poco reacio y luego le logré convencer. Esteban se metió, luego también Álex González que es un poco de esta pandilla.
El vídeo no es el leitmotiv de la película. No quiero ir diciendo que esto está basado en hechos reales, porque no lo está. No quiero engañar a nadie. Pero si está esa anécdota curiosa en la que todo empieza con un video de verdad y luego está la coña de que lo hemos metido. Evidentemente creo que no engaño a nadie diciendo que es una película ficcionada y que no hay nada de real. Todo es un guión e historia. Hay un video que puedes pensar que es imaginación o no, lo que cada uno quiera ver.
Además, me imagino que ese vídeo será lo que te ha incitado a rodar con metraje encontrado.
Claro, obviamente no podía utilizar ese video y ya sin ningún tipo de historia detrás. Al final pensamos usar el found footage y metemos a cualquiera de reales de ficción. Al final le hemos dado ese royo y creo que funciona. Es un poco la historia interminable, sin pretender ser esa obra maestra, pero es una historia interminable de ficción en el sentido en el que cuando Bastian entra en el libro estamos entrando en el found footage. Pero vamos saliendo y entrando constantemente. Porque él al final va viendo los vídeos de la cámara y van sucediendo cosas fuera.
Porque la idea de mantener a los protagonistas (Álex González, Adrián Lastra, Carla Nieto…) como ellos mismos, como su persona real, ¿la has empleado para darle más gancho a la historia?
Sí, es un toque de realismo. No pierdo el tiempo en convencer al espectador de que Adrián Lastra se llama por ejemplo Pablo y vive en Albacete. No, es Adrián Lastra, vive en Madrid, es actor, tiene bolos y trabaja en una serie que se llama “Velvet”… Ya sabes su vida y es un tiempo ganado. No quiero perderme en eso. Sobre todo porque ya que viene de un vídeo real de Adrián quería ser fiel a que le había sucedido a Adrián y no a Pablo por decirlo de alguna manera. Me apeteció seguir así y se lo consulté a Adrián, Álex y Esteban ya que son gente conocida y podría violar su intimidad ya que estaría rodado en sus casas, pero al final se prestaron y no hubo ningún problema.
También es que es una película un poco voyerista y los fans de estas personas lo van a disfrutar. Y los que no son fans les va a hacer gracia adentrarse dentro del mundo del postureo y del artisteo. Y si encima lo van a pasar mal pues mejor (risas).
Adrián Lastra, Marcos Cabotá y Esteban Piñero en Nocturna 2016.
El tráiler nos gustó, nos dio la impresión de que va a ser una película enervante.
Espero que sí.
¿Y hay fecha prevista de estreno en España?
Mi deseo es estrenarla después de verano, estamos en proceso de negociación con distribuidoras. Creo que se distribuirá, es una peli que puede funcionar bien en cines. No hay fecha de estreno pero calculo que después de verano porque verano es una mala época para estrenar. Septiembre u octubre espero.
En cuanto la veamos ya habrá oportunidad de entrevistarte de nuevo.
Si claro claro, ¿qué mierda has hecho? (risas). Defiende tu mierda.
Recientemente hemos visto que se va a proyectar “I am your father” en el JamesonNotodofilmfestWeekend y quería saber qué tal ha funcionado en todo este tiempo desde que se vio en cines y salió su DVD.
Realmente bien. Estamos súper contentos con “I am your father”, la crítica ha sido excelente… Solo se me acerca la gente que le gusta, pero pienso que tiene que haber gente que no le guste y te pueda decir que ha sido una mierda. Pero hemos recibido muy buena crítica y ha funcionado muy bien en cines para ser una película documental, y eso que a la gente le tira para atrás esa palabra. Creo que la temática hace muchísimo, que sea una película sobre Star Wars. Ha funcionado y el DVD está funcionando muy bien. Estamos muy contentos, es una alegría. Muchos festivales nos la piden, ha estado en Cannes y ha gustado. No sé si volveré a hacer algo que funcione tan bien (risas).
A nosotros personalmente nos gustó bastante. Supimos de la carta que escribisteis a la organización de la Star Wars Celebration pidiendo que permitiesen la entrada de David y nos ha quedado la espina clavada de saber que ha sido de eso.
No nos han contestado. No alcanzamos a entender porque y nos da mucha pena. Creemos que es una cosa que se podría solucionar con una invitación a un evento. Que estamos hablando de Darth Vader y del actor que hizo de él, no hay otro. Está claro que, en toda la saga, que llevamos siete películas, el mejor villano que han tenido ha sido Darth Vader, el más mítico. Me parece un poco raro que empresas tan poderosas puedan tener rencillas con un pobre señor que vive a las afueras de Londres, roza lo ridículo. ¿No hay nadie en esa empresa que diga oye, porque no le invitamos? Se ve que no, por que enterarse se han enterado, saben que existe la película, recibieron nuestra carta… lo saben todo. Hemos hablado con Lucasfilm, con Disney, pero parece que no dan el brazo a torcer. Creo que con todo lo que hemos investigado no llegaremos a saber la verdad de nada.
Al final el pobre va a tener que comprarse una entrada, pasar por ahí… pero le echarían. Ya le echaron una vez de algo. Él entró en Harrods y le echaron de allí porque había un evento de Star Wars. Él no lo sabía, había ido a comprar un bolso a su mujer o algo así y cuando le vieron los de Lucasfilm le dijeron que no podía estar ahí.
Dejando al margen este tema, sigamos con lo que estás haciendo. Háblame de “El destierro”.
Es una película que hemos producido con un director de aquí que se llama Arturo Ruiz, nos gustó mucho la historia. Yo soy muy anti película de la Guerra Civil Española, estoy harto de verdad. Cuando Arturo me dijo que tenía un guión de la Guerra Civil Española le dije hostia tu… Pero luego lo lees y ves que no es una peli sobre la Guerra Civil, es casi un western sobre dos desterrados, que es verdad que transcurre durante la Guerra Civil, pero no se habla de la Guerra Civil. Me pareció interesante el concepto de agobio, de cerrado, de dos personajes en una especie de destierro hablando sobre sus movidas y entonces llega una tercera persona que les hace cambiar todo.
Estamos a punto de cerrar la distribución en España, ha funcionado en festivales de fuera, ha ganado un premio en el Festival de Austin… Es curioso que tenga que funcionar fuera y tengas que volver al país de origen. Es una peli muy sencilla. El director tiene una sensibilidad especial y un acabado cojonudo. Y creo que es una película que se puede ver a pesar de ser como yo anti películas de la Guerra Civil y de las cosas del pasado que creo que ya hay que dejarlas reposar un poco.
Y de qué trata “Cien años después”, en esa vuelves a dirigir.
Es una peli, en la que el Real Mallorca, el club de dónde soy yo, iba a hacer cien años y me pidieron que hiciese un documental. Yo venía de “I am your father” y no me apetecía hacer un documental. Entonces propuse hacer una película con un guión, que no iba a ser de fútbol, tendría algo detrás con el fútbol. Entonces sugerí que narrase la historia de la relación entre una hija y un padre que viven en Londres, imagínate, nada que ver con Mallorca. De alguna manera el equipo de fútbol tendrá alguna importancia. Ya ves me dijeron que sí. No meto ningún futbolista, pero tiene una historia muy bonita de una niña que vive en Inglaterra y todos sus compañeros de clase son del Manchester, del City… y ella es del Mallorca, un equipo de segunda división de la liga española.
Estoy con “Cien años después” producida por un equipo de fútbol, pero no tiene nada que ver con el fútbol. Estoy contento porque estoy con una peli y siempre es difícil conseguir financiación. Además, estoy escribiendo mi siguiente largo, que es un poco más de encargo y me gustaría hincarle el diente a finales de 2017.
En la última sesión golfa que tuvimos en Nocturna se proyectó “Patchwork”, de Tyler MacIntyre. Una película dentro de los géneros de comedia y terror, más bien lo primero, en la que tres chicas son operadas y fusionadas en una sola. Su cuerpo sobrevive y sus tres mentes tienen que convivir en él. Este disparatado argumento vio la luz verde gracias a uno de sus productores, Aaron Webman, con el cual tuvimos la oportunidad de hablar el mismo día que se anunció que su película se había alzado como ganadora de la Sección Madness.
En primer lugar, enhorabuena por haber ganado el premio Nocturna-Buzz a Mejor Película.
Me lo acaban de decir, muchas gracias.
Nos gustaría saber si la película se vende como terror o también como comedia.
Es principalmente una comedia, pero es comedia-terror, no puedes separarlos. Se escribió como homenaje a las películas de los ochenta como “Re-animator” de Stuart Gordon o “Evil Dead 2”. Películas muy divertidas pero que querían dar miedo.
Has mencionado “Re-animator”, ¿Conoces “Frankenhooker”?
Nunca había oído hablar de esa película. Pero en cuanto comenzamos a hacer esta empecé a ver los paralelismos con “Patchwork”. No he visto esa película, tengo entendido que no es muy respetuosa con las mujeres. Nuestra película trata de respetar los ideales de la mujer. Nos concentramos más en las inseguridades del cuerpo. Tayler lo ha hecho muy bien en el sentido de que ha conseguido hablar de esos temas serios de una manera más divertida y sin tener un tono muy aleccionador.
¿Eres fan de Frankenstein?
Si, lo soy. Creo que inspira todas las películas de reanimación. Todas las versiones de Frankenstein me gustan bastante. Por ejemplo, me encanta Mel Brooks en general, pero adoro “El jovencito Frankenstein” en especial. Por supuesto ha sido una inspiración para la película.
¿Dónde has proyectado la película? ¿Esperabas tan buena acogida? En IMDB llevas una media de casi 8 estrellas.
Empezamos promocionándola en el Screamfest de Los Ángeles, en el Teatro Chino de Hollywood, donde ganamos el premio a la mejor película, mejor actriz y mejor edición. Tras esto hicimos un tour de festivales. Hemos estado en Toronto, Glasgow, Seattle, Brasil, Bruselas… Tenemos ahora una agencia en Beverly Hills que se va a encargar de la distribución internacional, para Europa y Asia. El recibimiento de la gente está siendo maravilloso. Como tuvimos muchos problemas de presupuesto eso nos reconforta más. La gente se ríe, sobretodo en la parte más ridícula de la película, nos gusta ver cómo está reaccionando la gente.
Pues ya que has dicho lo del público. ¿Vas a estar presente entre el público durante la proyección?
Si, por supuesto. Mis reacciones y las de Tyler son bastante diferentes. Él se pone muy nervioso, no sabe qué hacer. Después, viendo la reacción del público, viendo que hay gente que disfruta, aunque no les guste el cine de este género, lo lleva mejor. En mi caso es distinto. Solo hay una escena que me hace sentir incómodo y es porque estoy en ella.
¿Se te reconoce bien en esa escena? ¿Te vamos a ver bien?
Oh sí, me vais a ver.
¿Cómo ha sido la configuración del reparto?
Tenemos un reparto increíble. Está Tory Stopler que interpreta al monstruo e interpreta a una de las chicas. Otra de ellas es Tracy Fairaway que ha salido en un buen número de películas. Otro de los personajes está interpretado por James Phelps. Ha aparecido en películas de “Harry Potter” es un buen amigo mío e hizo un gran trabajo. Y está Corey Sorenson, es el científico loco. Se ha acercado a un tipo de científico que nunca había visto y está muy divertido y muy brillante. Jon Rudnitsky es un habitual del Saturday Night Live. Tuve la ocasión de trabajar con él en otros proyectos como “Palo Alto”. Un reparto brillante.
¿Crees que el cine de género se vende mejor ahora si está mezclado con comedia?
Personalmente a mí no me gustaban las películas de miedo hace tres años. Tyler fue el que me introdujo a este mundo. No creo que la comedia sea la solución. La respuesta es que hay que hacer ver a la gente de que la historia es una buena historia indiferentemente del género de que se trate. Hay historias increíbles en el terror. Lo que viene primero es la historia y lo que viene después es el género.
Acompañados de su productor, Lee C. Rogers, Griff Furst (director, actor) y Rachele Brooke Smith (actriz) estuvieron en Nocturna 2016. Furst ha intervenido en películas como “Transmorfers”, “Trumbo”, “Linterna verde” o “Terminator Génesis” mientras que Brooke aparece en “Dos buenos tipos” o “Iron Man 2”. En el festival presentaron la cinta de terror “Cold Moon” basada en una novela de Michael McDowell, guionista de “Bitelchús” y “Pesadilla antes de Navidad”. Protagonizada por la bella actriz y por Chester Rushing, Sara Catherine Bellamy, Candy Clark, Robbie Kay, Josh Stewart, Frank Whaley o Christopher Lloyd, esta historia también cuenta con un cameo de Tommy Wiseau.
Nos gustaría saber cómo surgió la idea de adaptar la novela de McDowell.
RBS: Todos sabemos que Griff adoraba ese libro y es un gran fan de su autor.
GF: Si me gustaba mucho porque también escribió “Beetlejuice” o “Historias de la cripta”. Empecé a leer todas las novelas suyas. Es muy difícil encontrar buen material y tan pronto encontré esta novela contacté con la gente apropiada y tres meses más tarde estaba haciendo la película. El proceso de conseguir los derechos suele ser complicado, pero el agente realmente creyó en mi haciendo la película.
Tienes gente joven como Rachel o Robbie y gente consagrada como Lloyd en el reparto. Como fue su elaboración.
GF: Normalmente cuando leo un guión tengo a gente en la cabeza. Todo el mundo se incorporó al reparto y llegó a la película de manera distinta. Rachele y yo teníamos un amigo en común en Los Ángeles.
RBS: Nos conocimos por Skype sí.
GF: Para Christopher Lloyd pensé que estaría perfecto para el papel. Mi padre actuó con él en “The dream team (Una pandilla de lunáticos)” en 1989, además a él le encantaban sus películas. Llamamos al agente de Chris directamente. Josh Stewart me lo recomendaron y también está perfecto para este rol.
No soy muy amante de las audiciones me gusta más preguntar por ahí, referencias, fijarme en las películas o la televisión que veo.
Me gustaría preguntaros por dos actores que aparecen en la película, uno más que otro. En primer lugar, como veis el futuro de Robbie Kay.
GF: Lo veo muy bien. Es un buen actor, es joven, tiene veinte años. Hizo un papel muy bueno en “Heroes Reborn”. Es muy popular y muy profesional. Es mucho más maduro de lo que era yo cuando tenía su edad.
RBS: Tiene un futuro locamente brillante. Hay otra gente que deja que se le suba a la cabeza pero él es muy humilde. Se trabaja bien con él.
<<Mientras responden esta pregunta Lee C. Rogers cuelga esta pregunta en video en las redes sociales y los fans de Robbie Kay reaccionan en masa.>>
Y ya para terminar, sobre Tommy Wiseau. ¿Cómo y porqué llegó a hacer ese breve cameo en la película?
GF: Tommy es amigo de uno de los productores. Él estaba cerca haciendo una proyección de “The Room”. Le llamamos y fue para allá. Tommy decía que quería hacer una película diferente, con peleas, más escenas dramáticas, quería hacer algo totalmente distinto de la película. Me gusta todo lo de “The Room” y estuve encantado de tener a Tommy en la película.
<<La entrevista acaba con Furst imitando a Tommy Wiseau y gesticulando algunas de las cosas que quería hacer en “Cold Moon”.>>
El episodio de esta semana comienza con un gran sorpresón y acaba con aires de venganza. Se inaugura el final de temporada, pues ya nos quedan tres episodios y como es costumbre en la serie de la HBO seguro que estarán repletos de acción, muertes y por qué no, alegrías, según a que casa seamos más afines.
En el último episodio emitido de “Juego de Tronos” tenemos por fin al anunciado Ian McShane realizando un papel muy carismático. Sansa y Jon continúan configurando su ejército y a raíz de ello descubrimos a la regente de los Mormont, un hueso duro de roer. Mientras, vemos un encontronazo entre Lannister y Tully o a Arya pasando serios apuros o a Margaery en la senda de los siete.
La única pega de este capítulo es que algunos personajes han viajado demasiado rápido en muy poco tiempo, desde luego parece que se quiere avanzar en la trama cuanto antes.
¡Nuevo cuento sobre las aventuras de Obi-Wan durante su exilio en Tatooine! Owen Lars adopta a Luke pero no permite que Obi-Wan forme parte de su vida. ¿Por qué? ¿Qué tiene de malo que Ben proteja a Luke?
Reseña
Un pedacito de los diarios del viejo Kenobi.
La serie vuelve a un punto del pasado de la saga galáctica sin retomar la historia en la que ha quedado tras “Vader Derribado”. En el guión sigue Jason Aaron. Sobre él ha recaído la responsabilidad de mostrarnos una de las etapas y personajes más misteriosos de Star Wars. ¿Qué hizo Obi-Wan durante los años que pasó en Tatooine? Aquí nos dan algunas pistas.
Mike Mayhew toma las riendas del dibujo, color y portada. Es uno de los dibujantes más talentosos de la actualidad de Marvel. Puede que os suene de otro trabajo en el que estuvo involucrado y en el que coincidió con Aaron, la portada del variant edition en el que se desvelaba la identidad del Thor femenino. Ya había realizado algo relacionado con Star Wars, como la adaptación del borrador del guión original de George Lucas, pero sus otros trabajos vinculados a estas películas casi no nos han llegado a España. Ha empleado un estilo muy realista y peliculero. La serie daría un paso al frente de mantener a este fichaje.
La historia transcurre durante la infancia de Luke, bajo la lejana y atenta mirada de Obi-Wan. Se muestra un punto emblemático de Tatooine como es el Cañon del Mendigo, por donde pasan las famosas carreras de vainas. El cómic está narrado por el mismísimo Kenobi y en él aparecen los tusken o moradores de las arenas, los Jawas, los tíos de Luke…
Ficha del cómic
Guionista: Jason Aaron. Dibujante: Mike Mayhew. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., grapa, color, 16,8×25,7cm. Publicación: junio 2016. Precio: 2,5€.
Llega la conclusión del cruce argumental Vader Derribado. El Imperio captura a Luke Skywalker. Darth Vader acorralado por sus enemigos. La última entrega de la mejor historia (hasta el momento) de la etapa Marvel de Star Wars.
Reseña
Vader en el punto de mira de todos.
Este número constituye el final de este crossover one-shot incluido en la trama de las colecciones “Star Wars” y “Star Wars: Darth Vader”. Una serie de seis números que nos ha mostrado el lado más desatado y también perseguido de Vader.
La portada es de Mark Brooks, como ha sido durante todas estas entregas. En esta ocasión ha optando por un estilo semejante al de los carteles de la películas clásicas. La única pega puede ser que vemos a un Chewbacca repeinado a raya y la omisión de R2-D2 y C-3PO, este último con un papel determinante en esta grapa.
El color y el dibujo se mantienen en la misma línea de los anteriores números. Posee un gran trabajo para recrear un ambiente neblinoso.
En cuanto a la historia, todo había quedado en un punto bastante vacilante en los anteriores números. Como he dicho antes y por suerte para los protagonistas, C-3PO hace gala de su buena suerte. Aphra y Vader colaboran juntos aunque la chica paga un alto precio. Ha resultado un final donde sucede todo de un modo un poco atropellado, en el que pocos logran su objetivo real y en el que quien acaba secuestrado no es precisamente Luke. Desde luego parece que la serie abandona Vrogas Vas definitivamente.
Ficha del cómic
Guionista: Kieron Gillen. Dibujante: Salvador Larroca. Color: Edgar Delgado. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., grapa, color, 16,8×25,7 cm. Publicación: junio 2016. Precio: 2,5€.
Se está celebrando desde el pasado lunes 30 de mayo el Street Food Fest en el Mercado de San Ildefonso de Madrid. En el reconvertido mercado se están dando diversas ofertas de ocio y entretenimiento en torno a la gastronomía, este festival es una de ellas. Estará activo hasta el 3 de julio y cada semana estará dedicada a una ciudad del mundo. Podéis consultar su programa aquí.
Relacionado con cada ciudad se instalarán pequeños mercados, se realizarán talleres, acudirán diferentes artistas… Todo un conjunto de actividades que ponen de manifiesto el carácter cosmopolita de este mercado.
Japan Weekend Madrid se celebrará los días 24 y 25 de septiembre abarcando dos pabellones de IFEMA. Estará de nuevo acompañado del Retro Weekend lo cual sin duda amplía su oferta de entretenimiento. Ya están anunciados algunos invitados, de momento solo cosplayers como Liui Aquino, Yaya Han o Twinfools y Nova.
“Monster Trucks” tiene previsto su estreno el 27 de enero de 2017. Es la segunda apuesta de animación tras “Bob Esponja: un héroe fuera del agua” que combinaba efectos visuales con las más avanzadas imágenes generadas por ordenador.
La película promete mucha acción para toda la familia. Está dirigida por Chris Wedge (“Ice Age, la edad de hielo”) y cuenta en su reparto con actores como Lucas Till, Jane Levy, Barry Pepper, Amy Ryan, Rob Lowe, Danny Glover, Thomas Lennon y Holt McCallany.
Podéis ver el tráiler en castellano aquí.
Y continuación en versión original.
Estas es la sinopsis oficial.
Tratando de evadirse de la vida y el pueblo en los que se encuentra atrapado desde que nació, Tripp (Lucas Till), un estudiante de último curso de instituto, construye un Monster Truck a partir de piezas y restos de coches de desguace. Después de un accidente en un yacimiento cercano en el que se estaban realizando perforaciones en busca de petróleo, aparece una extraña criatura subterránea con pasión y habilidad para la velocidad. Así, Tripp descubre que puede haber encontrado la clave para escapar del pueblo… y al más inesperado de los amigos.
El pacífico reino de Azeroth está a punto de entrar en guerra para enfrentarse a unos terribles invasores: orcos guerreros que han dejado su destruido mundo para colonizar otro. Al abrirse un portal que conecta ambos mundos, un ejército se enfrenta a la destrucción, y el otro, a la extinción. Dos héroes, uno en cada bando, están a punto de chocar en un enfrentamiento que cambiará el destino de su familia, su pueblo y su hogar.
Crítica
El comienzo de una saga, si el público lo permite.
Tenemos ante nosotros World of Warcraft con la trama de Warcraft. Me explico. Podemos decir que el mundo, el espíritu, del juego multijugador masivo está muy bien recreado, una parte del universo que surgió de los juegos de estrategia está presente. Por otro lado su historia es casi calcada a la de la campaña humana del Warcraft original de 1994, el que llevaba como tagline o subtítulo “Orcos y humanos” y refleja la Primera Guerra. De hecho, se hace un guiño y se muestra alguna escena que evoca la cámara cenital de dichos orígenes. Están presentes personajes de ese juego como Lothar, Garona o el Rey Llane. En detrimento de haber adaptado el guión de esa primera entrega y de querer crear saga se han suprimido razas o se les ha dado menos importancia de las que se debería. Criaturas que son más famosas en el juego online que en los de estrategia como los no-muertos, los trolls o los gnomos. Aparecen muchos elementos del MMORPG y han quedado aún más en el tintero, pero haber querido incluir todo eso habría aturullado al espectador, estoy de acuerdo con este modo de proceder. Jugadores, estad atentos, aparece un Murloc.
No tenía una perspectiva muy elevada, he ido con prudencia a ver la película y he de decir que tal y como esperaba me ha satisfecho más como jugador que como espectador. Tanto como adaptación de videojuego y como película fantástica tiene errores y virtudes. No se pueden dejar pasar por alto fallos de guión como el no explicar el origen de Garona y su aspecto diferente o el porqué del estado de Medivh. Carecen de sentido las relaciones amorosas, no están trabajadas. Parece mentira que recientemente haya habido un precedente tan reciente como el de “El Hobbit” como para que se repita ese error. Aun así, me temía que le dedicasen más minutos a este tema. Por el contrario la historia tiene muertes inesperadas y vínculos entre personajes que se desarrollan de un modo lógico, aunque no profundo, que permiten hacerla fácil e interesante de ver.
En conjunto las interpretaciones están bien. No hay un libreto exigente que permita lucirse pero todos se mantienen dentro de un nivel interpretativo correcto. El único que no llega a convencer, por su falta de intensidad o carisma es Ben Schnetzer. Si os fijáis bien podréis distinguir a Glen Close en una de las escenas clave. Se aportan varios gags o toques de humor, creo que todos los protagonistas tienen alguno, para intentar lograr una empatía con ellos.
Las imágenes generadas por ordenador están bien elaboradas pero mal mezcladas con las reales. Le falta un remate tanto a las localizaciones como a las bestias. Con este resultado habría resultado mejor hacer incluso a los humanos por ordenador o a los orcos con maquillaje. En contrapunto las criaturas poseen rasgos diferentes unas de otras, como si las hubiesen personalizado centenares de jugadores. Los personajes que llevan maquillaje, como el de Paula Patton (Garona), están tremendos, muy logrados.
El film respira la estética y el mundo rolero de Blizzard, no lo puede negar nadie. Duncan Jones se ha enfrentado a la que seguramente sea la producción más grande que ha tenido entre manos y parece haberse centrado en realizar una película con mucha ambientación, aventura, magia y lucha, sin importarle la crudeza de los combates. Ofrece básicamente lo que se le puede pedir a una película fantástica aunque pida algo más de épica. No plantea como el juego el debate de escoger a la Horda o a la Alianza, pero se siembra la semilla para que esto suceda en sucesivas películas que estén por llegar. Puede funcionar en taquilla si la expectativa de los jugadores no es demasiado alta y si los “no jugadores” asimilan bien todo el trasfondo que se muestra o insinúa.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de junio de 2016. Título original: Warcraft. Duración: 123. País: EE.UU. Director: Duncan Jones. Guión: Charles Leavitt, Duncan Jones. Música: Damin Djawadi. Fotografía: Simon Duggan. Reparto principal: Travis Fimmel, Robert Kazinsky, Ben Foster, Toby Kebbell, Dominic Cooper, Paula Patton, Daniel Wu, Clancy Brown. Producción: Universal Pictures, Legendary Pictures, Blizzard Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: Aventuras, Fantasía. Web oficial: http://www.warcraft-elorigen.es/
«Batman v. Superman: El amanecer de la justicia» tendrá una versión extendida de 182 minutos, 29 más que la película original. El 13 de julio estará disponible en Blu-ray, Blu-ray 3D, DVD y en plataformas digitales. La versión extendida estará disponible en Blu-ray, en 4K Ultra HD y compra en plataformas digitales. Por lo que intuimos tras ver el vídeo parece que va a haber más minutos sobre el prólogo, sobre la pelea y con el interior de la nave. También es posible que veamos a otros personajes que no habían aparecido o se les había dado poca importancia. ¿Será un metraje demasiado largo? ¿Convencerá a los detractores de la película? Os dejamos aquí nuestra crítica de la versión lanzada el
“Sharknado 4: The 4th awakens” cada vez está más cerca, Finn Shepard vuelve a la carga. El tornado de tiburones que causó furor en las redes cuando se púbico y que ha tenido dos secuelas está a punto de ver la luz a su tercera. Tanto su título como su poster, que salió en 4 de mayo, hacen un claro guiño a “Star Wars: El despertar de la fuerza”, aprovechando el juego de palabras para esta cuarta película.
Por supuesto, con ver el tráiler, que transcurre en Las Vegas, ya nos podemos hacer a la idea de que vuelven los disparates de los anteriores films. ¿Quién aparecerá? Pues rostros conocidos de las anteriores películas con nuevos famosos. Ian Zering, Tara Reid, David Husselhoff, Gary Busey, Ryan Newman, Alexandra Paul, Gena Lee Nolin, Vince Neil, Caroline Williams, Stacey Dash, Dr. Drew Pinsky…
El 31 de julio se estrena en Estados Unidos. Podremos ver como cinco años después de lo ocurrido en la trilogía anterior, los protagonistas van a pasárselo bien a Las Vegas, encontrándose con algo que no se esperaban.
Durante el festival Nocturna 2016 celebrado en Madrid pudimos hablar con multitud de personalidades del mundo del cine. Entre ellos está el editor y director Gonzalo López-Gallego que estuvo presente pues su película, “The hollow point”, fue la elegida para ser proyectada en la sesión de apertura. En este film dos policías interpretados por Patirck Wilson e Ian McShane tienen que encontrar a un misterioso asesino. Este madrileño puede sonaros de trabajos como “El rey de la montaña” o “La piel azul”. Sin embargo, su trayectoria tiene muchas más obras de gran calidad como “Open grave” o “Apolo 18”.
Tras ver ayer la película en la jornada de apertura, cuéntanos ¿Has recibido un buen feedback? ¿Cómo ha funcionado?
Pues poco se. Del público de ayer en general bien, he tenido feedback pero bueno, en un estreno nunca se sabe lo que puede ser. Yo me quedé contento con la peli.
Bien, yo salí contento, a mí me gustó.
Vale, entonces me puedes hacer la pregunta otra vez (risas).
¿En Estados Unidos ya la tienes estrenada?
No, se estrena en septiembre.
Y ya nos dijisteis ayer sobre el escenario del Palafox que costaba que se estrenasen aquí tus películas, pero, ¿hay posibilidades de que esta llegue a España?
De momento no se nada. Sé que la peli ha estado en el mercado de Cannes y no sé si se ha cerrado alguna venta más. Hemos cerrado Estados Unidos, Inglaterra, Francia y Benelux. Había más mercados cerrados pero de España todavía no me han llegado noticias, a lo mejor ya hay alguna oferta pero en principio no tengo nada que decir al respecto.
Lo que más me interesa de momento es que se estrene en Estados Unidos y que circule por cines.
Hubo un momento en la película en la que se comentaba que había un asesino que disolvía cadáveres en barriles. ¿Es un guiño a “Breaking bad”?
No, eso es verdad. Eso estaba en el guión original y es verdad que el stewmaker es una de las torturas del cartel. Pero vamos, que soy fan de “Breaking bad”, pero no es un guiño directo.
Me pareció curioso porqué en “El consejero (The counselor)” aparece también John Leguizamo en una escena con Dean Norris y hacen lo mismo con un cuerpo.
Claro, pero porque es verdad. De hecho, hay más cosas reales en el guión de la película en las que se basó el guionista. Como el cambio de vestuario del guardia de seguridad de la cárcel con el preso. Son cosas que hace el cartel. Contrata a gente en la cárcel y hacen intercambio. Les dan un día de libertad pero a cambio tienen que cumplir una lista de víctimas u objetivos.
Tremendo, pensaba que era algo que se os había ocurrido para la película.
Que va. Incluso fue una de las ideas originales para escribir el guión. De ahí sale un poco todo, de ahí y del tráfico de balas. Es el germen de la historia. El tráfico de balas y el cambio de papel entre un funcionario de prisiones y un tipo que está allí encerrado.
Me pareció un giro muy curioso. Una forma de ocultar al enemigo que está en casa.
Y luego también tenemos mucha más perspectiva y más profundidad con la que manejar el personaje del asesino. Porque es un tipo que es un asesino frío y calculador pero que no deja de ser alguien que está encerrado en una prisión y le dan un día de libertad por matar. Te permite jugar mucho más con distintos subtextos o intenciones que puede tener el personaje. Él no solo se toma su día para matar sino también para disfrutar.
Pues ya que hemos mencionado a Leguizamo por encima me gustaría saber en quien recayó ese trabajo o cómo se seleccionó al reparto.
Fue un poco cosa de todos. Al principio, cuando te pones a buscar el protagonista te surgen diferentes nombres que te ofrecen las diferentes agencias. Son nombres que están ligados al tipo de película que es, al tipo de proyecto y presupuesto. Sabes que para una película así no vas a acceder a tener a actores de muy alto caché por que no vas a poder conseguirlos.
Dentro de ese rango en el que te mueves tuvimos primero contacto con Timothy Olyphant, que le gustó mucho el guión y ya estaba el proyecto con él. Pero luego le surgió otro proyecto y no pudo ser. Por él hablamos con Ian McShane, yo siempre había querido trabajar con Ian McShane en general, pero para este personaje me parecía perfecto. Pero luego se nos cayó también él. Como pasó tiempo hasta que volvimos a encontrar a nuestro protagonista, Patrick Wilson, ya la vida laboral de McShane se había organizado de tal forma que pudo meterse en el proyecto. Una carambola muy buena.
Recuerdo el mail de McShane que me envió diciéndome que lo sentía, que habría otras oportunidades de trabajar en el futuro… Todo muy bien, muy educado. En cuanto hubo la oportunidad de trabajar en esta película, no en el futuro, se metió de cabeza.
Con Leguizamo igual y con Belushi también. Belushi lo tenía claro. No originalmente. Te enseñan muchas caras de actores que pueden estar ajustados a este papel y pensé que Blushi sería perfecto.
Ian McShane soy consciente de que tiene una edad, pero aquí le habéis hecho pelear, ir de acá para allá… Supongo que tiene su doble, pero hay algunas escenas en las que es obvio que es él.
La secuencia de la pelea que tiene al final está con un doble evidentemente, pero los mejores momentos, no por quitarle importancia a lo que hizo el doble, pero el mejor momento lo da él. Momentos con puñetazos en los que estábamos todo el equipo pensando “madre mía que tío, que bien lo hace”. Lo que es ser un buen actor.
Los que se entregan valen. Me estás diciendo que tenías un rango de actores para elegir, pero Patrick Wilson yo creo que es un puntazo, le vemos en muchas películas.
Sí, pero quiero decir no vas a enviar el guión a Brad Pitt. Patrick Wilson es un actorazo y un tipo que está trabajando mucho ahora y que tuvo que reducir su caché mucho para hacer esta película, una peli independiente. Todos los actores han hecho un favor a la producción y se han incorporado el proyecto entendiendo que tipo de proyecto era y reduciendo mucho su caché. Por amor al guión y por querer trabajar.
Eso dice mucho de ellos y del amor que le tienen al cine. En cuanto al tema de las localizaciones, me gustaron bastante, hay algunas tomas con una fotografía fantástica. ¿Rodasteis en un escenario realmente fronterizo?
No, la rodamos en Utah. Pero bueno es muy parecida a algunas partes de Nuevo México, algunas incluso de Arizona, partes un poco más frías. La rodamos allí porque se está rodando bastante allí, igual que ahora se está rodando mucho en Canarias. Se rueda allí porque hay beneficios fiscales. Cuando fui para allá e hicimos la primera ronda de localizaciones pues flipé, me gustó mucho. Todo ese paisaje que podía retratar… y que nos pasamos en Utah unos meses (risas).
Luego también, una cosa que tiene el paisaje, que también era un aporte, es que no era lo que estás acostumbrado a ver en estas películas fronterizas. Que sea un paisaje demasiado árido, demasiado caliente… como en “No es país para viejos” que es maravillosa. Pero intentaba alejarme de ese tipo de look, tanto en la fotografía como en el paisaje, para que la película tuviera su propia identidad.
Algo en relación a eso te quería preguntar, porque además del vestuario cowboy que llevan algunos personajes, respira mucho western.
Si, el guión desde el principio y mi idea cuando lo leí es que era un thriller fronterizo, pero es un western moderno. Yo la suelo definir más como un western moderno porque tiene esa relación entre esos dos personajes, ese forastero que vuelve al pueblo tras irse hace tiempo, el sheriff que tiene que luchar contra la amenaza inminente que llega al pueblo, la unión entre esos dos personajes con una relación paterno filial… Eso estaba en el guión, de hecho, el título original del guión respiraba todavía más western: “The man on carrion road”. Sin querer hacer en ningún caso visualmente un western, intentando encontrar la aproximación visual que más me valía para hacer la peli, sí que tengo un resultado con mucho western.
Cuando leí la sinopsis antes de ver la película también me daba esa impresión. Para terminar, una pregunta tonta, a raíz de lo que dijiste en la presentación de ayer sobre el patrocinador de Nocturna. ¿Te gusta “Dark Souls”?
¡Uff si! Soy fan desde el “Demon Souls”, desde el primero. Me vuelven loco esos juegos, prácticamente no juego a otra cosa más que a eso. Absorben para bien. Es de lo mejor que se ha hecho desde hace mucho tiempo. Si, platino (risas).
SUMMA3D es un concurso internacional de cortometrajes de animación 3D. Este año celebra su tercera edición. Una edición que está dirigida a estudiantes, profesionales y amantes del cine de animación. Pero sobretodo busca apuntalar el desarrollo de nuevos talentos y nuevos proyectos dentro de la animación 3D.
El concurso posee cuatro categorías. Categoría A: “Mejor efecto especial en 3D para cine publicitario”, Categoría B: “Proyecto de corto”, Categoría C: “Corto terminado en 2015” y Categoría D: “Diseño de personajes”.
El plazo de inscripción se abrió el pasado 20 de enero y finaliza el próximo día 15 de junio. Aquellos que quieran registrarse y enviar trabajos solo tienen que acceder a la web www.summa3d.com o hacerlo a través de la plataforma online FESTHOME en https://festhome.com/
El jurado que ha elegido SUMMA3D está compuesto por profesionales del medio: Manuel Cristóbal, Nicolás Matji, Guillermo García Carsi, Nathalie Martinez, Ferrán Piquer, Manuel Sicilia, Javier Abad, Esther Valdivia, Gustavo Ferrada y Sergio Pablos.
Su director, José Luis Alegre, declara que “Cuando empezamos Summa3D no teníamos muy claro prácticamente nada, solo éramos conscientes que teníamos que emprender alguna acción para conseguir potenciar el sector de la animación 3D en España. Desde un principio intentamos involucrar a toda la parte de industria en esta aventura, con el objetivo fundamental de dar a conocer todo el talento que existe en España. Tras 3 años de arduos esfuerzos para hacer un concurso digno, nos hemos marcado un objetivo para los próximos años, seguir creciendo y sobre todo asentarnos internacionalmente como referencia en el mundo de los concursos y festivales de Animación. Queremos conseguir que España y Madrid en concreto, sean una referencia en el sector de la animación y los efectos especiales en 3D a nivel mundial”.
El 7 y 8 de julio se celebrarán unas jornadas para poder visionar los trabajos presentados. El 8 se anuncian los ganadores. Los premios se pueden consultar en las bases del concurso.
Alberto Rodríguez, director de “La Isla Mínima”, vuelve a la carga con una película llena de espionaje e intrigas. “El hombre de las mil caras” está escrita por él, por Rafael Cobos (“Toro”) y Manuel Cerdán. Cuenta con Eduard Fernández, José Coronado, Marta Etura y Carlos Santos como protagonistas, este último con un gran parecido a Luis Roldán. También aparecen Pedro Casablanc, Christian Stamm o Itziar Atienza.
“El hombre de las mil caras” se estrenará el 23 de septiembre. Esta es la sinopsis oficial que nos ha enviado Warner Bros:
Francisco Paesa (Eduard Fernández) ha sido hombre de negocios, banquero en Suiza, traficante internacional de armas, gigoló, playboy, diplomático, aventurero, estafador y agente secreto: un espía. En un momento dado, Paesa se ve obligado a huir del país. Cuando regresa al cabo de los años, todo ha cambiado: está arruinado, es incapaz de poner en marcha cualquier negocio – su fama de timador le precede – y su relación con Esther, su pareja en los últimos quince años, parece que toca a su fin.
En estas circunstancias, recibe la visita del ex Director General de la Guardia Civil, Luis Roldán (Carlos Santos), y su mujer (Marta Etura), quienes le ofrecen un millón de dólares por ayudarles a salvar 1.500 millones de pesetas, sustraídas de las arcas públicas. Una oportunidad idónea para que Paesa pueda vengarse del gobierno y mejorar su situación económica, traicionando a su cliente. Con la ayuda de su inseparable socio (Jose Coronado), orquestará una intrincada y magistral operación donde la verdad y la mentira tienen límites difusos. Una farsa digna de los mejores espías y reflejo del ocaso de una época.
Desde Diamond films nos llega el tráiler de “Malas Madres”. Una comedia protagonizada por Mila Kunis, Kristen Bell y Kathryn Hahn. También veremos en ella a Jada Pinkett Smith, Christina Applegate o Kesha. Está escrita por los mismos guionistas que “Resacón en las Vegas”, Jon Lucas y Scott Moore. Además, en esta ocasión los escritores se han encargado de la dirección. La podremos ver a partir del 29 de julio.
Como ya os adelantamos la semana pasada, en diez días comienza el JamesonNotodofilmfestWeekend en la Cineteca del Matadero de Madrid. Un evento que acercará a muchas celebridades del cine a su público. En él hay programadas multitud de actividades. Aunque la gran mayoría son gratuitas, otras son de pago o previa inscripción. Apuraos a consultar el programa definitivo a través de este enlace que es lo que la organización nos acaba de hacer llegar.
Será la cuarta vez que se celebre este evento que permitirá realizar actividades en un total de más de 100 horas relacionadas con el cine repartidas entre talleres, proyecciones, charlas… Os recomendamos acudir a la proyección de «I am your father» para poder hablar también con sus directores, a la de «Kiki, el amor se hace» que contará con la presencia de Paco León, al taller con Diego San José o a la sesión de clausura donde estarán presentes los directores con sus cortos, con nombres como Javier Fesser, Leticia Dolera o Cesc Gay.
En el pasado Nocturna se ha querido homenajear el 105 cumpleaños de Vincent Price proyectando una de sus películas y ligando su nombre a uno de los galardones. El festival contaba con la presencia de su hija Victoria Price pero causas inesperadas impidieron su asistencia. Victoria ha tenido a bien respondernos a unas breves preguntas sobre su padre que curiosamente estaba ligado al otro invitado del evento, John Landis, pues su risa era la que escuchábamos al final del videoclip de Thriller.
Creo que el trabajo de tu padre habla por sí solo y que su figura ya está impresa en nuestra historia. ¿Pero hay algo que te guste decir sobre él que siempre quieras remarcar? Algún dato curioso, alguna película preferida…
Me gustaría decir lo importante que eran sus fans para él. Realmente amaba a sus fans. Siempre se tomaba su tiempo para hablar con ellos, para escribirles, encargarles obras de arte, conocerles de verdad, y animarles en sus propios empeños. ¡Lo que viene a ser un modelo a seguir para las celebridades!
El rodó muchas pelíclas basadas en historias de Edgar Alan Poe. Muchas de ellas con Roger Corman. ¿Porqué? ¿Le gustaba Poe?
Él y Roger se hicieron amigos a través de su trabajo. Amaba a Poe, una de las grandes voces americanas originales, era un honor asociarse con él.
¿Qué opinas del premio de Nocturna? ¿Hay otros premios que lleven su nombre?
Estoy muy emocionada porque el nombre de mi padre y su carrera sean honrados de este modo por Nocturna. Hay unos pocos premios en su nombre, es una manera de dar testimonio de que su legado sigue creciendo. Me siento tan agradecida.
Apareciste brevemente en Eduardo Manostijeras. ¿Has pensado en trabajar haciendo películas?
Pues estudié interpretación. Pero me di cuenta de que había otras cosas que me importaban de un modo mucho más apasionado. Por lo tanto, me he dedicado a ellas.
En nuestra web hablamos también de cómics. Háblanos del papel de tu padre como Cabeza de huevo en la serie de Batman de los años 60.
Amaba hacer la voz en off. Se convirtió en una de las voces más famosas en la industria. Le encantaba hacer Batman, Basil el ratón superdetective, Scooby Doo y otros shows. En su corazón era un niño por lo que los encontró muy divertidos.
Paramount Pictures nos traerá “Ninja Turtles: Fuera de las sombras” el próximo 17 de junio. Ha contactado con tres youtubers que han realizado diferentes raps que podéis ver al pie de este artículo. Enviado vuestro propio rap a Hobby Consolas podéis participar y ganar un encuentro con Keyblade, Cyclo y Piter G además de poder asistir con un acompañante a la premiere de Madrid el 11 de junio.
Cthulhu ha vuelto a las profundidades tras haber deambulado por Madrid y por las cabezas de todos los fans del cine fantástico. Hemos vivido unas jornadas llenas de fantasmas, zombis, vampiros y ciencia ficción. Multitud de trabajos se han proyectado sin ningún problema y de ese modo han podido estar presentes países como Nueva Zelanda, Estados Unidos, Portugal, México, Canadá… y por supuesto España. Gran parte de los trabajos que han agradado provienen de nuestro país.
Debido a las dificultades y obstáculos surgidos para sacar adelante esta cuarta edición se redujo el número de películas. La calidad media de los films también ha disminuido, pero ha habido sesiones realmente buenas. Tras ver tres o cuatro películas al día durante esta semana podemos recomendaros encarecidamente que veáis (en cuanto estén disponibles) títulos como “Keeper of Darkness”, “Camino”, “I had a bloody good time at House Harker”, “Estirpe”, “The dead room”, “Patchwork”, “Night of the living Deb” o “The hollow point”. Entre los cortometrajes también hemos tenido verdaderas joyas como “Into the mud”, “The millat at calder’s end”, “Behind”, “Hard workers”, “Graffiti” o “Cenizo”. Como se puede apreciar, al final del evento salvamos una buena cantidad de películas. Nos gustaría decir si os recomendamos o no la gran ganadora del festival, “Polder”, pero por desgracia asistimos a la sesión de la otra sala atraídos por la ciencia ficción de “Prisoner X».
Sin tener datos oficiales en la mano, pero si con fotografías e impresiones propias en nuestro haber, nos atrevemos a decir que la afluencia de público ha sido menor que la de la pasada edición. Aun así, el porcentaje de asistencia a las sesiones no debe haber sido bajo. Los pases de “The conjuring 2 (Expediente Warren 2)”, “Burke and Hare”, “Un hombre lobo americano en Londres”, “Curse of Sleeping Beauty” o “The hollow point” estuvieron rozando el lleno completo.
En el festival no solo se han visto cortometrajes y películas. También se han lanzado tráilers nuevos como el de “Noctem” de Marcos Cabotá, documentales como “Satan’s Blood” sobre la película “Escalofrío” o diferentes libros que tratan el género fantástico o de terror. Una muestra más de que se está procurando poner a disposición del espectador una oferta variada.
La estrella y el gran atractivo de este año era John Landis. Ha hecho gala de su chistosa personalidad y se ha dejado ver por los pases de sus películas. Incluso hizo una ronda de firmas junto al photocall ubicado en el cine Palafox. Sus trabajos en “Un hombre lobo americano en Londres”, “En los límites de la realidad, la película”, “Maestros del Terror” o el videoclip de “Thriller” le han valido el premio Maestro del Fantástico.
Pero no fue el único rostro conocido que pisó Nocturna. La lista es muy larga, pero podemos citar algunos ejemplos talentosos como Javier Botet, Nacho Vigalondo, Lone Fleming, Griff Furst, Paco Cabezas, Paco Plaza, Borja Crespo, Joaquin Reyes, Eduardo Casanova, Marcos Cabotá… los tenéis absolutamente a todos fotografiados en nuestros artículos diarios del festival. Para otra ocasión tendrá que ser la visita de Victoria Price que no pudo acudir. Aún así disponemos de unas palabras suyas pues ha respondido a algunas preguntas que la hemos planteado.
En la gala de clausura Luis Rosales preguntó al público si querían una quinta edición y este respondió con un estruendoso y unánime sí. Entre todos debemos luchar para que festivales como este se celebren por todo el país. Prensa, organizadores y público debemos aunar fuerzas, actuar de forma positiva y con criterio pues con iniciativas contrarias no se consigue nada. Todos ganamos si el fantástico sigue presente en nuestras ciudades.
Tenéis a continuación el día a día que hemos ido realizando junto con la lista de ganadores y el encuentro con John Landis completo y en vídeo. Poco a poco podréis ir leyendo algunas críticas más extensas y todas nuestras entrevistas con gran parte de los invitados.
Con un nuevo iPhone, un apartamento cerca del Grove y una cuenta corriente desahogada (que le ha dejado su querido y difunto marido), Marnie Minervini (Susan Sarandon) se traslada encantada de Nueva Jersey a Los Ángeles para estar cerca de su hija, Lori (Rose Byrne), una guionista de éxito (aunque aún soltera), y asfixiarla con su amor materno. Pero, cuando las docenas de mensajes de texto, visitas inesperadas y conversaciones dominadas por consejos no solicitados obligan a Lori a fijar unos estrictos límites personales, Marnie encuentra maneras de encauzar su eterno optimismo y su vehemente generosidad para cambiar las vidas de los demás (así como la suya propia) y encontrar una nueva meta en la vida.
Crítica
Desde la imperfección y el cariño.
Podemos tomarnos “Una madre imperfecta” como un homenaje a todas esas madres que están encima de sus hijos hasta un límite invasivo. Es decir, sin pretender protestar por esos cariños maternales, Scafaria (directora y escritora de la cinta) nos muestra cuan fisgonas, desactualizadas o supervisoras pueden llegar a ser. Todo esto procura hacerlo con un humor excesivamente amable y una visión subjetiva. Tan personal es esta obra que llega a reflejarse a sí misma en la afligida guionista que interpreta Rose Byrne, pues esta hace lo mismo que ella con sus guiones.
Cumplir cumple. Promete una madre imperfecta y eso es efectivamente lo que encarna a la perfección Susan Sarandon. Una persona controladora, agobiante, estresante… entrometida como reza el título en su versión original. Entorno a ella surgen historias emotivas y conmovedoras que hacen que todo dependa y gire en torno a su persona. Llega a parecer que más que una madre es una ONG. Todas las acciones altruistas que realiza son fiel reflejo de su problema para pasar página, además de la cobra que le hace a cada pretendiente que la surge. Y ahí es donde entra el personaje de J.K. Simmons. El oscarizado actor de Detroit no pasa desapercibido, pero tampoco tiene tanto peso en la película como para ser cabeza de cartel. Aun así, es capaz de conseguir que se le coja cariño.
Dicho esto, podemos afirmar que “Una madre imperfecta” podría consistir en una película para exhibir a Sarandon, pero todos sabemos que esta actriz está perfectamente consagrada y tampoco la han faltado trabajos en los últimos años. Entonces suponemos que lo que se ha pretendido hacer es una sencilla comedia, pero tan solo vemos unas leves ráfagas de humor afable y sin peculiaridad alguna. Unido esto a que no estará dirigida a un público excesivamente grande, las perspectivas de esta película en España no son muy halagüeñas. Eso sí, verla con nuestras madres puede abrir heridas y debates desde un punto de vista sano y cómico.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de junio de 2016. Título original: The Meddler. Duración: 100 min. País: EE.UU. Director: Lorene Scafaria. Guión: Lorene Scafaria. Música: Jonathan Sadoff. Fotografía: Brett Pawlak. Reparto principal: Susan Sarandon, Rose Byrne, J.K. Simmons, Lucy Punch, Jason Ritter, Michael McKean, Casey Wilson, Sarah Baker, Cecily Strong, Erica Lynne Marszalek, Lou Volpe, Frankie Sims, Dominic Flores, Richard Markman. Producción: Anonymous Content, Stage 6 Films. Distribución: Sony Pictures. Género: Comedia, Drama. Web oficial: http://sonyclassics.com/themeddler/
No es la primera vez que ocurre esto en la serie, pero si es algo muy raro de ver. Algo que es una seña de identidad de Juego de Tronos no se produce en este sexto episodio de esta sexta temporada.
A lo que nos referimos es a las muertes. En este episodio no muere ningún personaje (salvo los caminantes blancos). Algo que hasta ahora solo se había visto en el 3º de la primera temporada, en el 1º y 7º de la tercera y en el 6º de la cuarta. Así lo hemos podido corroborar tras ver la lista actualizada y publicada en Genius.
Por otro lado, Maisie Williams (Arya) dio pistas en una entrevista a la BBC Radio afirmando que volvería un personaje en esta temporada. Pues es en este episodio donde se produce ese retorno. Además, podemos afirmar que este capítulo va de retornos pues Sam vuelve a su casa y vemos otros nuevos encuentros, tanto en Essos como en Desembarco del Rey. Ambos amenazan con cambiar el orden establecido en los Siete Reinos.
Por lo demás hemos tenido de vuelta las intrigas palaciegas entre los Tully y los Frey, a Arya experimentando un cambio de opinión y a Bran viendo muchas imágenes del pasado.
Como de costumbre aquí tenéis el avance del episodio siguiente.
A pesar de que el festival se clausuró el sábado, Nocturna nos reservaba una última jornada de despedida ¡y que jornada! A pesar de que “Wind Walkers” dio un resultado decepcionante, a continuación, vimos dos cortos y dos películas que podrían haber quedado entre las primeras de las secciones de competición. Aquellos que acudieron a esta recta final pudieron irse con un gran sabor de boca de esta cuarta edición de Nocturna.
Además, contamos con la presencia de algunos de los artistas que presentaban su trabajo. Estuvieron presentes los responsables del corto «Graffiti», también Adrián López director de «Estirpe» que estuvo arropado por parte de su elenco (Eva Amaral, Joaquín Reyes o Borja Crespo entre otros) y Daniel Lobato con Luis Hacha, director y actor de «Hard Workers» respectivamente.
Wind walkers
Una trama demasiado trillada, con actores inexpresivos, un guión pobre y pillado por los pelos. Así es «Wind walkers», una película con muchos tópicos que no aporta nada nuevo. Trata de mezclar el folclore indígena americano con virus modernos sin llegar a crear un verdadero interés o intriga en el espectador. Lo mejor que tiene son sus dos escenas inicial y final que presentan una magnífica imagen de un indio sentado al calor de una hoguera.
Cortometraje Graffiti
Quizá sea excesivamente largo pero presenta unas localizaciones incomparables y envidiables por cualquier fotógrafo o cineasta. Chernobyl sirve de marco, muy bien aprovechado, para una historia postapocalíptica que nos viene a demostrar que las narraciones de este corte no siempre tienen que ser malas o tristes. Ofrece un juego de intriga y misterio contando con tan solo un solo personaje protagonista visible.
Estirpe
Película para adentrarnos en el mundo del cómic y de sus adaptaciones al cine. En clave de humor se busca al autor de un cómic ficticio de culto para conseguir los derechos que permitan adaptarlo a la gran pantalla. Presenta entrevistas a personalidades aficionadas al cómic como Nacho Vigalondo, Borja Crespo, Carlos Vermut, Julián López… Pero aparecen otros nombres conocidísimos como Rocío León, Sergio Peris-Mencheta, Ignatius Farray, África Gozalbes, Rubén Sanz… Uno acaba deseando leer esa obra tan amada y codiciada. Estupenda ficción de bajo presupuesto en la que podemos ver un curioso y atípico papel de Javier Botet.
Cortometraje Hard workers
Maggie Civantos (“Vis a Vis”) interpreta a una actriz que se apunta a un gimnasio peligrosamente exigente para poder conseguir nuevos papeles. Convincente actuación de la actriz y de Luis Hacha (“Vampyres”) ejerciendo de monitor. Su director, Daniel Lobato, consigue convencernos de una triste realidad muchas veces silenciada por los cánones de nuestra sociedad. Una historia muy original, con calidad y con gancho, podría tratarse perfectamente de algún episodio de alguna de las temporadas de “Black Mirror”.
The dead room
Unos personajes realistas, al más puro estilo de los equipos de investigación de Cuarto Milenio, investigan una casa por encargo de una aseguradora. De nuevo el cine neozelandés vuelve a sorprendernos con esta historia realmente trabajada. Gran propuesta que no cae en los trucos facilones que se emplean actualmente con tanta imagen generada por ordenador ni en centrarse en mostrar criaturas terroríficas. Muy centrada también en el debate entre ciencia y misticismo. Posee varios giros inusitados.
El malogrado detective privado Holland March (Ryan Gosling) y el matón a sueldo Jackson Healy (Russell Crowe) no tienen nada en común, hasta que se ven inmersos en la misteriosa desaparición de la persona a la que ambos están siguiendo y se convierten en el blanco de unos entrenados asesinos. Su investigación además les lleva a una multimillonaria conspiración. Healy y March tendrán que utilizar todos sus recursos (legales o no) para salvarse y asegurarse de que la verdad salga a la luz.
Crítica
Como si Bukowski hiciese cine de los 70.
Visualizando “Dos buenos tipos” me ha venido a la cabeza la excelente novela de Charles Bukowski titulada “Pulp”. Una historia que iba de un detective fracasado, de mujeres despampanantes, de casos que son más grandes de lo que parecen… todo ello con un tono muy disparatado, burlesco incluso, poblado de personajes rocambolescos. Así es “Dos buenos tipos”. Humor, sátira, acción, situaciones absurdas… Una trama de investigaciones entrelazadas, de personajes que van y vienen mezclándose en las desventuras del detective y el matón.
Shane Black ha vuelto a sacar lo mejor de sí mismo, creando a una estupenda pareja de protagonistas y dirigiendo brillantemente la película para sacar lo mejor de los actores que los interpretan. De igual modo que en “Arma letal” creaba un equilibrio entre Mel Gibson y Danny Glover, o incluso en “El último gran héroe” hacía lo propio entre Arnold Schwarzenegger y Austin O’Brian, para “Dos buenos tipos” crea otra dupla llamada a dejar huella. Es decir, nos devuelve a las sensaciones del cine de blockbuster pero con un código del siglo XXI.
Jamás pensé que podría reírme tanto con Russell Crowe ni con Ryan Gosling pero he de admitir que en «Dos buenos tipos» de muestran que como cómicos tienen más talento de lo imaginado. Y eso que el humor que se maneja en esta película no es nada amable. Es lógico que esté calificada como de tipo R pues constantemente vemos humor verde, grotesco e incluso negro, pero llevado con muy buen gusto, guiando la película a lo disparatado.
El resto del reparto no es nada fuera de lo común. Una nada pueril Angourie Rice, una insípida Kim Basinger, un apto Matt Bomer, una comprometida Margaret Qualley…
La película respira años 70 y eso contribuye mucho a crear este espíritu de Starsky y Hutch versión canalla. Desde el “September” de los Earth, Wind & Fire (muy bien por David Buckel y John Ottman con la banda sonora) hasta los decorados y vestuarios, todo ello nos devuelve a la época post Richard Nixon. “Dos buenos tipos” es una película melancólica, hilarante y paródica.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de junio. Título original: The nice guys. Duración: 116 min. País: EE.UU. Director: Shane Black. Guión: Shane Black, Anthony Bagarozzi. Música: David Buckely, John Ottman. Fotografía: Philippe Rousselot. Reparto principal: Ryan Gosling, Russell Crowe, Matt Bomer, Kim Basinger, Yvonne Zima, Keith David, Margaret Qualley, Beau Knapp, Angourie Rice, Daisy Tahan, Abbie Dunn,Michael Beasley, Joanne Spracklen, Dale Ritchey, Terence Rosemore, Chace Beck, Kahallyn Summer Cain, Cayla Brady, Murielle Telio, Lexi Johnson, Gary Wolf,Maddie Compton, Michelle Rivera, Joshua Hoover, Charles Green, Scott Ledbetter,Amy Goddard, Brian Gonzalez, Ty Simpkins. Producción: WB, Silver Pictures, Waypoint Entertainment, Misty Mountains. Distribución: Tripictures. Género: Comedia. Web oficial: http://www.theniceguysmovie.com/
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