Para celebrar el 50 cumpleaños de Yves, sus amigos planean llevarlo a Grecia. Pero debido a la cancelación de un vuelo, las vacaciones tendrán lugar en un destino mucho más lluvioso: la casa familiar de Yves en Bretaña. Durante estos días juntos, sus lazos se pondrán a prueba por las constantes quejas de Antoine, el orgullo de Yves, la superstición de Baptiste y los celos de Laurent.
Crítica
Nada nuevo en esta secuela llena de clichés
‘¡Felices 50!’ (‘Plancha’ es el original) es el título con el que se ha quedado en España esta película de un grupo de amigos que se reúnen para celebrar el 50 cumpleaños de uno de ellos. La producción francesa es la secuela de ‘Barbacoa de amigos’ (2014) la cual ya nos presentaba a los mismos protagonistas en otra reunión.
Cinco parejas de amigos deciden viajar al sol del mediterraneo pero se ven obligados a cambiar de planes y terminan yendo a la bonita Bretaña francesa para pasar los días en la gran casa familiar de Yves, precisamente el que cumple años. Aquí es cuando la caprichosa meteorología de la región hace que tengan que pasar más tiempo en el caserón dónde empiezan a verse situaciones típicas que no salen de los típicos clichés que hemos visto muchas veces ya antes: envidias, traumas, anhelos, y en definitiva, matices en varios personajes que crean situaciones con un tono de comedía ligera haciendo que el conjunto sea una película entretenida de ver.
Lo dicho, no aporta nada original, y de hecho es una secuela de una primera peli que tampoco aportaba nada más que clichés. No ha mejorado. De tan ligera que es, sonríes de vez en cuando y emites alguna risilla sonora en algún momento. La duración de 100 minutos ayuda también.
Entre los actores y actrices que componen estas 5 parejas, sin ser un gran aficionado al cine francés, solo reconozco a Lambert Wilson. Todos los aficionados a la ciencia ficción también lo harán por su papel de Merovingio al lado de la siempre espectacular Mónica Bellucci en la saga ‘Matrix’. El trabajo de todos es correcto pero el guión como os comentaba, tampoco está para muchas complejidades y adolece de ingenio y originalidad.
‘¡Felices 50!’ Es la típica peli de maduritos reunidos en una casa con toques de comedia y con sus historias entre ellos. De esas que te da la sensación de que has visto ya más veces. Se deja ver, entretiene pero tampoco te llega a emocionar… o en todo caso lo hace con su final como no podría ser de otra manera.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de enero de 2024. Título original: Plancha. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: Eric Lavaine. Guion: Eric Lavaine, Héctor Cabello Reyes. Música: Lucas Lavaine, Grégory Louis. Fotografía: Antoine Roch. Reparto principal: Lambert Wilson, Franck Dubosc, Guillaume De Tonquédec, Caroline Anglade, Lionel Abelanski, Lysiane Meism. Producción: Same Player, StudioCanal, TF1 Films Production, Canal+, Ciné+. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial:https://www.barbecue-lefilm.fr/plancha-film
Teresa espera paciente la llegada del Inquisidor para ser juzgada. De su visita y de sus palabras dependerá su futuro: libertad, cárcel o la hoguera.
Crítica
No nos hace llegar al éxtasis pero nos ofrece un gran duelo interpretativo
‘Teresa’ es la adaptación de la obra de teatro “La lengua en pedazos” de Juan Mayorga, que a su vez está inspirada en El libro de la Vida, de santa Teresa de Jesús.
La película está dirigida por la directora Paula Ortiz, autora en su corta carrera de otras dos adaptaciones teatrales que ha llevado a la gran pantalla. Nos referimos a ‘La novia’ (2015) adaptación de “Bodas de Sangre” de Lorca o ‘Al otro lado del río y entre los árboles’ (2022) de Hemingway.
Basada en la figura de Santa Teresa de Jesus (o Santa Teresa de Ávila), la película nos muestra pasajes de la vida de la santa dándonos a conocer algunas etapas de su infancia, su adolescencia y madurez. Todo a través de un diálogo entre ella y un supuesto inquisidor sin nombre, que pone a prueba su fe y sus convicciones a lo largo del todo el metraje en forma de interrogatorio.
Las tres versiones de Santa Teresa están interpretadas por Ainet Jounou (infancia), GretaFernandez (adolescencia) y Blanca Portillo como personaje principal ya en su madurez. Asier Etxeandia hace las veces de Inquisidor. Estos dos últimos personajes llevan toda la carga de la película en una sucesión de diálogos e imágenes de gran fuerza que pretenden potenciar y darle sentido a toda la historia.
Técnicamente Paula Ortiz hace un trabajo notable detrás de la cámara. Cada secuencia, cada plano, cada localización… todo me parece encajar sin fisuras dotando a la producción de brillantez a nivel técnico. Por otra parte las interpretaciones de Blanca Portillo y Asier Etxeandia, que monopolizan prácticamente toda la obra, son de gran nivel, mostrando por un lado la lucha interior de Teresa ante las afiladas preguntas del inquisidor, que por otra parte no es la típica figura de la inquisición, y su personaje fluctúa también entre la determinación, la duda y el deseo de comprender y salvar a la santa de sus supuestos pecados o herejías. El duelo interpretativo entre ambos es lo mejor de ‘Teresa’.
Luego está el encajar las piezas y entenderlas a través de un guión que no se extiende en explicar o nombrar algunos personajes que aparecen en escena como por ejemplo la benefactora Guiomar de Ulloa (en la piel de la gran Consuelo Trujillo). El enfrentamiento dialéctico, narrado en un “castellano medieval” y el conjunto de imágenes que nos muestran diferentes visiones de la santa, pueden llegar a crear confusión. Los diálogos pausados y la esencia mística de la película hacen de ‘Teresa’ una película inequívocamente lenta, pesada para muchos y aburrida para otros. No es una película para el gran público. Si no sabes algo de la vida de Teresa, y de lo que va el libreto de Juan Mayorga, es posible que el espectador se pierda y pierda interés.
Personal y subjetivamente, este que escribe, pese al gran trabajo actoral, de dirección y técnico en general, no consiguió llegar a sentir emoción en ningún momento. ‘Teresa’ pese a no ser para todos los públicos, sí nos deja detalles de calidad. Un presente y un futuro prometedor de Paula Ortiz y un duelo interpretativo de nivel entre Blanca Portillo y Asier Etxeandia es con lo que, en definitiva, me quedo.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de noviembre de 2023. Título original: Teresa. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Paula Ortiz. Guion: Paula Ortiz, Javier García Arredondo. Música: Juanma Latorre. Fotografía: Rafael García. Reparto principal: Blanca Portillo, Asier Etxeandia, Greta Fernández, Ainet Jounou, Consuelo Trujillo, Luis Bermejo, Claudia Traisac, Urko Olazabal, Julia de Castro. Producción: La Lengua en Pedazos A.I.E., Bluebirds Films, Inicia Films, un Boyana. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://bteampictures.es/teresa/
En la Valencia de finales de los 80, un grupo de amigos de barrio se sumerge en las interminables noches de fiesta de las discotecas de la Ruta del Bakalao, donde la fiesta y sus riesgos amenazan su amistad y hasta sus vidas. Una película que revive el inicio de aquella legendaria “movida valenciana”
Las localizaciones de la película, en míticas discotecas como Spook y Masia han sido fundamentales en la película. Rodada íntegramente en escenarios de la Comunidad Valenciana, como en el valenciano barrio del Cabanyal, y con una banda sonora repleta de clásicos de la electrónica de la Ruta del Bakalao de grupos como Anne Clark, Inmaculate Fools, The Chameleons, Comité Cisne, Megabeat, Double Vision y The Molestones.
Crítica
No es una película sobre la movida valenciana, pero está claro que es hija de ella
‘Quan no acaba la nit’, es la primera película del director debutante Óscar Montón, la cual nos cuenta las vivencias a lo largo de los años de un grupo de amigos con la “movida valenciana” como telón de fondo.
Confieso que me dispongo a ver la película con alguna idea preconcebida en cuanto a todo lo que se refiere a la Ruta del bakalao y su música “makinera”. De hecho pertenezco a ese grupo de edad que vivió en sus carnes la propia Ruta o sus influencias, la cual estuvo muy presente en el panorama nocturno español desde finales de los 80. La música tecno reinaba en Valencia y Chimo Bayo la hizo masiva con su ‘Así me gusta a mí’, un tema legendario que traspasó nuestras fronteras.
Pero vayamos al lío que me pierdo entre la nostalgia. Me encuentro en las primeras secuencias con el grupo de 5 amigos, cada uno con sus vidas y sus conflictos, con diferentes situaciones, pero que disfrutan de la noche para abstraerse de sus problemas con el alcohol, las drogas y la música tecno como elementos catalizadores.
A poco que pasan los minutos ya me voy dando cuenta de que la Ruta es tan solo el hilo conductor de un drama más serio, donde las consecuencias de algunas decisiones van a marcar el devenir de la película.
Tres son los chicos protagonistas, cada cual con sus diferentes orígenes y en común los fines de semana y su amistad. Se produce un lapso de tiempo y vemos cómo han evolucionado, cómo la noche ha dejado huella en algunos de ellos y no para bien precisamente. Dos son las chicas de la foto del grupo, de las cuales una tiene un peso más específico en el filme y algo más de desarrollo de personaje, mientras que de la otra apenas se cuenta mucho y pasa a un segundo plano.
Mención aparte para el pequeño papel de Chimo Bayo, que hace su debut como actor en ‘Cuando la noche no termina’ siendo sus momentos los que tienen más humor, ya que la película los tiene contados. Su personaje, “El Holandes” me gusta y a él se le siente cómodo con él y se nota en el resultado. Un acierto para la película sin duda aunque sea poco más que un cameo.
Observo que el filme se hace más oscuro a medida que pasan los minutos, donde los sueños del personaje más importante para mí, que es Fran (Sergio Castillo), empiezan a demandar un precio muy alto para verse cumplidos, afectando en mayor o menor medida al resto del grupo. Todo se va complicando poniendo a prueba la confianza y las lealtades de cada uno de ellos hasta que llega el desenlace.
Me quedo con ganas de profundizar más en los personajes, que pese que quedan más o menos claras las circunstancias de casi todos, no terminan de tocarme la fibra en prácticamente ningún momento. Los actores están correctos, y quizás algo maniatados por un guión que podía aportar algo más de lo que aporta. Tengo la sensación de que se quiere meter La Ruta, un triángulo amoroso, una historia del hampa, otra de adicción, otra de amistad… y falta metraje para poder dar fuerza a todo eso o falta pulir mejor el trabajo. Tanto ingrediente, si no está bien aderezado, pierde fuerza y su sabor se diluye.
En parte esta sensación se confirma con el final, medio resuelto pero adoleciendo de cierta inconsistencia tal y como iban los acontecimientos, que lo parecían llevar a un drama potente pero que en definitiva para mí se queda en algo más liviano como conclusión. A mí no me convence.
‘Cuando la noche no termina’ es una historia principalmente de amistad, con el trasfondo de La Ruta del Bakalao y los peligros (y consecuencias) que venían de la mano de la misma: drogas, mafias y todo el espectro de personajes que trae la noche de fiesta consigo. No es una película en mi opinión de lo que fue la movida valenciana, pero tengo claro que es hija de ella.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Título original: Quan no acaba la nit. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Óscar Montón. Guion: Tirso Calero, Begoña Soler, Óscar Montón. Música: Javier Contreras, Mª Elena García Ferrandez. Fotografía: David Monton. Reparto principal: Roberto Hoyo, Carla Pascual, Sergio Castillo, Álex Monterde, Alex Peral. Producción: Audiovisuales Morvedre, Dacsa Produccions, À Punt. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: drama. Web oficial:https://conunpack.com/portfolio-items/quan-no-acaba-la-nit-cuando-la-noche-no-termina/
Retomando la acción y el espectáculo que han cautivado a los cinéfilos de todo el mundo, ‘Transformers: El despertar de las Bestias’ llevará al público a una aventura alrededor del mundo de los 90 con los Autobots e introducirá una facción completamente nueva de Transformers -los Maximals- que se unirán a ellos como aliados en la actual batalla por la Tierra. Dirigida por Steven Caple Jr, la película está protagonizada por Anthony Ramos y Dominique Fishback.
Crítica
Aire fresco para una franquicia anquilosada
Si contamos a ‘Bumblebee’ (2018), esta sería la séptima entrega de la saga iniciada por el director Michael Bay en 2007 que ha dejado la dirección en esta última entrega para quedarse junto a Spielberg en la producción ejecutiva de una franquicia que ya con las últimas producciones se iba haciendo repetitiva y algo cansina sin dejar de ser películas espectaculares con grandes efectos especiales y de sonido.
Debo reconocer que voy con pocas expectativas al pase de prensa de ‘Transformers: El despertar de las bestias’. No es una mala costumbre y un buen consejo para todos aquellos que vais al cine. Id sin expectativas, es lo mejor.
Nada más empezar, en los primeros 10 minutos ya se nos plantea el argumento de la película. No os lo voy a contar que para eso también están las sinopsis escritas, pero es la fórmula de siempre, nada no contado antes. Malos nuevos, buenos también nuevos y un peligro (Unicron) que amenaza con destruir la Tierra entre otros planetas.
Luego nos trasladamos a Nueva York para conocer a los nuevos protagonistas (humanos) de la peli. Me sorprende ver a Anthony Ramos, al que vi no hace tanto en el musical ‘En un barrio de Nueva York’ (2021) del que tenéis también la crítica de un servidor aquí. La pareja de baile de Anthony es Dominique Fishback, actriz más televisiva y desconocida para mí. Ambos cumplen sin más para una producción de este tipo.
En poco tiempo los conflictos que se plantean se van desencadenando para dar lugar a diferentes batallas que en esta ocasión se centran en dos escenarios. Nueva York y Perú. Se agradece la ligereza del guión, básico pero con algunas cosas que quiero destacar.
Existe un dato interesante y es que la acción transcurre en el año 1994, con lo cual, sin haber investigado mucho al respecto, ese dato y la lógica nos dice que estamos ante una precuela de la primera cinta del 2007 y ante la secuela de ‘Bumblebee’. En ese aspecto, me choca ver un Optimus Prime que no confía del todo en los humanos y que persigue sus propios (y legítimos) intereses y al que los acontecimientos cambian conforme pasa el metraje del filme que, mención aparte, se queda “muy corto” comparado con las demás: 127 minutos. Eso hace que no nos saturen de destrucción masiva, explosiones, edificios partidos por la mitad, hierros y aceite de motor hasta el punto de cansar al espectador.
Creo que el exceso de Michael Bay detrás de la acción de las anteriores películas llegó a un punto de saturación, que se vio incrementado por la larga duración de sus películas. Cierto es que el estilo de Bay se pierde en esencia con el nuevo director Steven Caple Jr. que hace las cosas bien y además se agradece refrescar una saga que no parece que quiera irse todavía visto lo visto. Y es que estamos ante la presentación de nuevas facciones como los Maximals, sus antagonistas los Predacons como los Autobots y Decepticons que se transforman en animales, y los Terrorcons que con el nombre ya nos podemos imaginar de qué pie cojean.
Por otro lado, creo que en esta película se establece el porqué de la relación de los humanos con Optimus Prime es la que es. Dejando estos detalles a un lado, nos encontramos justo con lo que vamos a ver: una aventura de Transformers, con efectos especiales a la altura, que aporta elementos nuevos que todavía no habían aparecido en la saga de películas y que si sabes lo que vas a ver tampoco creo que decepcione a nadie. Al fin y al cabo que todo el mundo recuerde que son juguetes infantiles que han trascendido a la televisión y al cine, y que tiene un público bastante definido. Como película de acción es entretenida y nos alegramos de que el metraje sea tan… contenido.
El nuevo descubrimiento para mí sería Mirage, que es el autobot más macarra, chulo pero guay que rivaliza en carisma con Bumblebee (si tuviera unas pelis más en su haber) y que aporta ese tono fresco y de humor que también caracteriza a este tipo de pelis.
Para los más fans de Hasbro, la empresa de juguetes creadora de los Transformers, esperad a los créditos para algo que aunque no es nuevo promete y lleva años comentándose en las redes. ¿Se avecina crossover? Con el tiempo lo veremos.
A los fans incondicionales les gustará y a los seguidores más cansados tras seis películas no se les indigestará e incluso habrán pasado un buen rato. ¿Pero qué hago yo sentando expectativas cuando os he dado el consejo de no crearlas?… Supongo que a veces es inevitable 😉
¡Saludos y hasta la próxima!
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de junio de 2023. Título original: Transformers: rise of the beasts. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Steven Caple Jr. Guion: Joby Harold, Darnell Metayer, Josh Peters, Erich Hoeber, Jon Hoeber. Música: Jongnic Bontemps. Fotografía: Enrique Chediak. Reparto principal: Anthony Ramos, Dominique Fishback, Tobe Nwigwe, Peter Cullen, Ron Perlman, Peter Dinklage, Michelle Yeoh, Liza Koshy, John DiMaggio, David Sobolov, Michaela Jaé Rodriguez, Pete Davidson, Cristo Fernández. Producción: Paramount Pictures, Skydance, Hasbro, New Republic Pictures, Don Murphy/Tom DeSanto, di Bonaventura Pictures, Bay Films. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras, adaptación. Web oficial:https://www.transformersmovie.com/
Megan, de 29 años, tiene un gran trabajo como gerente en la industria de la logística. Allí trabaja Alys, su amiga de la infancia, que está embarazada. Si quiere mantener su trabajo, Megan debe llevar a su equipo al límite de la resistencia humana, con resultados devastadores.
Crítica
Podría parecer ciencia ficción pero es una bofetada de realidad
‘Vida y muerte en un almacén’ es una película que apenas dura una hora pero a la que le sobran argumentos para concienciarnos en tan breve metraje de hacia dónde vamos como la sociedad consumista que somos hoy en día, dominada por las grandes corporaciones y empresas bajo un prisma de recesión dónde la búsqueda de trabajo se hace muy complicada en según qué zonas.
Nos encontramos en este caso con cine de denuncia en forma de drama donde Aimee-Ffion Edwards encarna a Megan, una nueva supervisora que se incorpora a un gran centro logístico de distribución de compras online. Pronto descubrirá que desempeñar su trabajo no será tarea fácil y tendrá que lidiar con su nuevo equipo para subir las cifras y la forma “corporativa” que tienen sus jefes y compañeros de tratar según qué problemas.
‘Vida y muerte en un almacén’ es una película que consigue crear la angustia del que ve una película de ciencia ficción sobre un futuro distópico, con ese componente de deshumanización que se ve reflejado en la empresa donde Megan intenta adaptarse y no perder su trabajo.
La necesidad de conservar el trabajo para sobrevivir más que vivir es uno de los pilares donde Helen Black y Joseph Bullman (guionistas) centran el conflicto, tanto por parte de los explotados empleados del almacén como de Megan. Por otro lado está Poppy Lee Friar que da vida a Alys, la antigua amiga de Megan que por circunstancias especiales, tiene una bajada de rendimiento que va a ser el detonante de este drama social.
Las dos actrices están fantásticas en su papel y nos sumergen aún más en el drama que se está contando, siendo secundados por el resto del elenco que está al nivel. Quiero hacer mención también a la banda sonora que acompaña perfectamente a todo lo que se está narrando.
‘Vida y muerte en un almacén’ pese a su corta duración nos ofrece muchas reflexiones:
Nos muestra la deshumanización de los supervisores y jefes en aras de cumplir los objetivos analizando y controlando hasta la exageración las estadísticas y el tiempo libre de cada empleado, llegando a causar la total y absoluta falta de empatía en los superiores, exprimiendo a los subordinados como si fueran máquinas a las que exigir mejores resultados sin tener en cuenta una enfermedad, o un estado de salud que requiera condiciones especiales.
El miedo bajo amenazas veladas a ser despedido que flota en el aire si los trabajadores no se ajustan a lo que le conviene más a la empresa. Lo vemos en el personaje de Megan, que se siente presionado a hacer ciertas cosas que no quiere hacer, a ser alguien que no quiere ser.
Una crítica hacia la falta de condiciones laborales que eviten la indefensión de los trabajadores por parte de las grandes empresas. A la falta de sentimientos hasta tal punto de que nos parecen robots, sobre todo los jefes (en pos de un rendimiento superior cada vez más esclavista). Me recordó por momentos a la novela ‘1984’ de George Orwell, que se hace presente con cámaras para cronometrar tiempos de conversación y otras actividades de los empleados. Desde luego quien vea o comente esta película va a decir mucho eso de “podría haber sido un capítulo de ‘Black Mirror’ o similares”.
Una bofetada de realidad en cuanto a las condiciones de trabajo que se pueden llegar a dar y se dan, y al consumismo de las compras por internet de la sociedad actual. Un guión que está basado en cientos de hechos reales recogidos en el Reino Unido, del que ya os hablábamos aquí. Una película necesaria, otra joyita que podemos encontrar en Filmin.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de abril de 2023. Título original: Life and Death in the Warehouse. Duración: 59 min. País: Reino Unido. Dirección: Aysha Rafaele, Joseph Bullman. Guion: Helen Black, Joseph Bullman. Música: Roger Goula Sarda. Reparto principal: Aimee-Ffion Edwards, Poppy Lee Friar, Craig Parkinson, Aled ap Steffan, Sion Daniel Young, Alexandria Riley, Kimberley Nixon, Natalia Kostrzewa, Maja Laskowska, Elizabeth McCafferty, Jâms Thomas, Darren Evans. Producción: BBBC Drama Productions. Distribución: Filmin. Género: drama, hechos reales. Web oficial:Filmin.
Mientras trabajan en una avería subterránea, los fontaneros de Brooklyn, Mario (con voz en VO de Chris Pratt, de las sagas Jurassic World y La LEGO película) y su hermano Luigi (con voz en VO de Charlie Day, Colgados en Filadelfia), viajan por una misteriosa tubería hasta un nuevo mundo mágico. Pero, cuando los hermanos se separan, Mario deberá emprender una épica misión para encontrar a Luigi.
Con la ayuda del champiñón local Toad (con voz en VO de Keegan-Michael Key, El rey león) y unas cuantas nociones de combate de la guerrera líder del Reino Champiñón, la princesa Peach (Anya Taylor-Joy, Gambito de dama), Mario descubre todo el poder que alberga en su interior.
Crítica
Un viaje a la esencia del personaje bandera de Nintendo
Antes de empezar a comentaros mis impresiones sobre la nueva película de la franquicia Super Mario Bros. quiero decir, y que vaya por delante, que nunca he sido un gran fan de la misma, aunque debo reconocer que de todos sus juegos me sedujo Mario Kart, un juego tremendamente adictivo que me dejó muchas horas de diversión.
‘Super Mario Bros. La película’, ha sido un viaje a aquellos videojuegos de Nintendo que engancharon a los ahora adultos que empezaron a jugar a ellos de niños allá por la década de los 80, y han seguido y siguen enganchando por su jugabilidad a muchos niños hoy en día. El argumento era bastante básico, y consistía en que nuestro protagonista, Mario, tenía que salvar a la princesa Peach del malvado del juego: Bowser.
La película es básicamente igual pero con algunas diferencias como comprobareis los que la vayáis a ver. Un argumento simple que da lugar a un viaje al mundo ficticio de Champiñón donde Bowser tiene unos planes para reinar que resultan de lo más divertidos. La princesa Peach, por otro lado, es de armas tomar y defenderá su reino de la amenaza que se cierne sobre él con la ayuda de un inesperado invitado que no es otro que Mario. Digamos que Bowser, es el malo porque debe de haber un malo y debe haber unos héroes también (Mario, Peach, Toad, Donkey Kong, Luigi…) pero es un malvado con vis cómica que tiene algunos momentos realmente graciosos en el filme. Como decía Helen Mirren a propósito de su papel en la segunda entrega de ‘Shazam’, no hay malo que se crea malo de por sí, sino que tiene otras motivaciones, y las de Bowser son de lo más peculiar y de alguna forma edulcoradas pero divertidas, como lo es la película en general.
Técnicamente ‘Super Mario Bros. La película’ está realizada de forma notable, es una producción de animación con calidad en sus movimientos de cámara, tan dinámicos como en los juegos de la franquicia y todos sus escenarios nos recuerdan a la misma. Ni que decir tiene, que los más aficionados a los juegos de Super Mario la disfrutarán aún más si cabe. Sobra decir pero lo digo, que si no tenéis ni idea del mundo Mario Bros, pierde enteros porque es una película llena de referencias a sus videojuegos.
Salpicada de momentos de humor constantes y mucha acción, es una película para todos los públicos, recomendada para disfrutarla con los más peques de la casa aunque los mayores encontrarán en ella 92 minutos de buen entretenimiento. Yo al menos estuve con la media sonrisa dibujada en la boca durante gran parte de la proyección.
Sin olvidar lo que vamos a ver, ‘Super Mario Bros. La película’ es una producción sin más ambiciones que darnos una aventura de lo más entretenida, con todos los elementos y referencias que han hecho a esta saga de videojuegos una de las más conocidas del mundo, humor y mucho dinamismo dentro de un marco técnico de calidad. Si la vas a ver en versión original sin duda la voz de Bowser, del actor cómico Jack Black, es de lo mejor.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de abril de 2023. Título original: The Super Mario Bros. Movie. Duración: 92 min. País: Japón, EE.UU. Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic. Guion: Matthew Fogel. Música: Kōji Kondō, Brian Tyler. Reparto principal (doblaje original): Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Charlie Day, Jack Black, Keegan-Michael Key, Seth Rogen, Fred Armisen, Kevin Michael, Sebastian Maniscalo. Producción: Illumination Entertainment, Nintendo, Universal Pictures, Nintendo of America. Distribución: Universal Pictures. Género: aventuras, adaptación, animación. Web oficial:https://www.nintendo.co.jp/smbmovie/index.html
Del oscarizado director, Damien Chazelle, ‘Babylon’ es una historia épica original ambientada en Los Angeles durante los años 20, protagonizada por Brad Pitt, Margot Robbie y Diego Calva, junto a un reparto coral donde destacan Jovan Adepo, Li Jun Li y Jean Smart. Una historia de ambición y excesos desmesurados que recorre la ascensión y caída de múltiples personajes durante una época de desenfrenada decadencia y depravación en los albores de Hollywood.
Crítica
Una oda al cine y a la depravación del ser humano
‘Babylon’ es la nueva película de Damien Chazelle, que pese a su juventud (37 años) y su corto currículum ha mostrado talento y más luces que sombras en sus anteriores trabajos. ‘Whiplash’ y ‘La La Land’ son claro exponente de lo que puede hacer; ‘First man’ como lo que no debe hacer (en opinión de éste que escribe). Con ‘Babylon’ tengo sentimientos encontrados. ¿Luces o sombras? A ver si trato de explicarlo.
Nada más empiezo a verla, ‘Babylon’ se muestra como una comedia vertiginosa que te lleva a una parte (la de las fiestas y los rodajes, aunque sobre todo las fiestas) del Hollywood de los años 20, en los comienzos del cine (todavía mudo) como industria de entretenimiento. Debo confesar que me quedo hechizado por la cascada de imágenes y planos secuencia con los que Chazelle nos deleita (luego doy más detalles) demostrando su brillantez moviendo la cámara. Posteriormente, ‘Babylon’ cambia de ritmo y se convierte en una historia que pierde esa fuerza y ritmo en favor de un drama en ascenso o dicho de alguna otra forma: al principio es una montaña rusa visual de depravación, en tono de comedia loca con sorprendentes o inesperados toques bizarros por un lado, seguida de un profundo drama contenido por el otro. A mí no me llega a tocar el alma aunque me produce cierto sentimiento pero… será por eso que me acaba sabiendo a poco o quizá con el deseo de haber visto lo mismo pero contado de otra manera. Como os decía, son sentimientos encontrados los que me termina produciendo este filme, que para nada es olvidable. La confirmada brillantez detrás de la cámara de Chazelle no puede ocultar del todo que el ritmo de la película decaiga por momentos, aunque mantenga nuestro interés. Quizá tenga el sentimiento de que ‘Babylon’ carezca de armonía y Chazelle no encuentre el modo de hilar fino y darle fuerza a todas las partes por igual.
Esta película nos cuenta esa historia de fiestas y rodajes de la creciente y cambiante industria del celuloide a través de varios personajes a lo largo de esos años. Esa historia, la de cada personaje, es la historia que importa porque tiene mucho valor dramático, y es la que percibo como la gran perjudicada del tono de ‘Babylon’. No termina de imponerse como debería.
El elenco brilla con luz propia, Brad Pitt da la talla de sobra (aunque no es su mejor papel) con un personaje que para mí es el que tiene más carga irónica de todos. Prefiero no contaros su trama para no hacer spoiler. Quedaros con que era una estrella del cine mudo que promovía ideas para reinventar el cine.
Margot Robbie en mi opinión es carne de premios con su interpretación de una incipiente actriz que no puede huir de sí misma. Está fantástica, disfruto cada fotograma de ella. Creo que la amo así que podéis no hacerme caso hasta que lo comprobéis por vosotros mismos.
Diego Calva es para mí, la cara desconocida y la revelación de esta cinta. Un muy buen trabajo interpretativo y el alma de la peli.
Los secundarios, con historias más pequeñas, cumplen con solvencia su cometido y ayudan a darle más sentido al conjunto. Buen casting.
Mención aparte merece el “pseudocameo” de Tobey Maguire. No sé si sobraba en la peli, pero ya que está, os invito a que lo disfrutéis.
En términos de diseño de producción, debo aplaudir el trabajo realizado. La ambientación, los decorados, todo te traslada a la época.
La radiografía que hace de la sociedad hollywoodiense a finales de los años 20 y principios de los 30 donde se produce un cambio radical en la industria del cine no sé si es precisa (no estaba en esas fiestas) pero me la puedo creer a pies juntillas. Su director nos ofrece en imágenes una ensalada de extravagancia, depravación, drogas, un retrato del ser humano hedonista, oscuro… los años locos se les denominó. La explosión de la prosperidad y la burbuja especulativa. `Babylon’ es una especie de “El gran Gatsby versión L.A. a lo bestia”.
También es un homenaje al cine de antes y de siempre, como medio de contar historias y entretener, con una curiosa secuencia de imágenes al final de la película que tienen todo el sentido si eres capaz de encontráselo.
No creo que sea una película que guste a todos por igual en su conjunto, pero sí en alguna de sus partes. Es cine, el cine dentro del cine y da gusto verla en pantalla grande. De esas películas que requieren de una “digestión” para asimilar todo lo que acabamos de ver.
Quizás los 188 minutos que dura no sean justificables en este caso, aunque confieso que no se me hace pesada. Si alargar el metraje se usase como excusa para contar mejor la historia, quizás en este caso no haya cumplido ese objetivo.
Yo creo que ‘Babylon’ es una película que derrocha talento técnico e interpretativo y que por alguna razón no siento que llegue a ser redonda pero sí notable, así que no puedo dejar de recomendarla a todo buen cinéfilo de pro.
Lo bueno: Su inicio, su brillantez tanto detrás como delante de la cámara. Puro cine.
Lo menos bueno: Que contando con “Lo bueno” me haya quedado un sabor agridulce al final.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de enero de 2023. Título original: Babylon. Duración: 188 min. País: EE.UU. Dirección: Damien Chazelle. Guion: Damien Chazelle. Música: Justin Hurwitz. Fotografía: Linus Sandgren. Reparto principal: Brad Pitt, Margot Robbie, Diego Calva, Jean Smart, Jovan Adepo, Li Jun Li, P.J. Byrne, Lukas Haas, Olivia Hamilton, Tobey Maguire, Max Minghella, Rory Scovel, Katherine Waterston, Flea, Jeff Garlin, Eric Roberts, Ethan Suplee, Samara Weaving, Olivia Wilde. Producción: Paramount Pictures, C2 Motion Pictures Group, Material Pictures, Organism Pictures, Wild Chickens Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.instagram.com/BabylonMovie/
Después de más de treinta años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete «Maverick» Mitchell (Tom Cruise) se encuentra dónde siempre quiso estar, sobrepasando los límites como un valiente piloto de prueba y esquivando el avance en su rango que lo emplazaría en tierra. Durante el entrenamiento a un destacamento de graduados de Top Gun para una misión especializada, Maverick se tropieza con el teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller), distintivo: «Rooster», el hijo del difunto amigo de Maverick, y el Oficial de Intercepción de Radar, el teniente Nick Bradshaw, conocido como «Goose».
Enfrentándose a un futuro incierto y a los fantasmas de su pasado, Maverick se ve envuelto en una confrontación con sus miedos más profundos, culminando en una misión que exige el máximo sacrificio de aquellos que serán elegidos para volar.
Crítica
Si te gustó la primera, ‘Top Gun: Maverick’ no te defraudará, te entusiasmará
Corría el año 1986 cuando ‘Top Gun’ se estrenaba en los cines de todo el mundo. La producción era una especie de cocktail de película bélica de aviones, un anuncio de la marina estadounidense para alistarse y cierta estética videoclipera que triunfó en el público de todo el mundo y consagró a Tom Cruise como la estrella de cine que hoy en día sigue siendo… 36 años después (y ha llovido mucho desde entonces).
La fórmula era simple pero efectiva: Testosterona a base de bien, una historia de amistad, otra de amor, otra de rivalidad, escenas icónicas y acción en forma de combates aéreos. Muy resultón y el acabado final fue más que aceptable. Su director, el fallecido Tony Scott, al que le dedican esta secuela, le imprimió ese sello tan particular que tenía en su forma de rodar, y junto con una buena dirección de fotografía y aquel “Take my breath away” de la banda sonora hizo de la producción todo un éxito.
Casi cuatro décadas después llega ‘Top Gun: Maverick’ como una secuela que homenajea a aquella película, siguiendo la fórmula original, aunque dándole un toque de madurez inevitable y una vuelta de tuerca en lo que se refiere al rodaje de sus espectaculares escenas aéreas. Madurez quiero señalar que tanto para el personaje como para la propia Top Gun.
Aquí nuestro talentoso y rebelde protagonista ahora trabaja dentro de la marina en proyectos como piloto de pruebas hasta que llaman a su puerta para entrenar y enseñar a un grupo de élite de la academia Top Gun. En esos primeros minutos vemos que Maverick sigue teniendo muy presente a “Goose”, su gran amigo y compañero al que su muerte le marca de por vida. Luego también vemos que pese al tiempo transcurrido sigue teniendo ese punto de rebeldía como piloto y bueno…una nueva misión le pone a prueba de nuevo.
Porque ojo, el argumento es calcado a la primera película. Academia, instrucción, entrenamiento y combate aéreo. Entre medio, algo de humor, nostalgia, un poco de romance y constantes guiños al pasado. De lo que realmente va esto es de Maverick y sus conflictos internos, el sentimiento de culpa y ahora de responsabilidad por la vida de los jóvenes pilotos, y el choque entre su presente y su pasado. Tom Cruise es el protagonista absoluto en todo lo que se refiere a ‘Top Gun: Maverick’. En su nueva cruzada, hay sobre todo dos personajes que influyen en sus decisiones. El de Penny (trama romántica), interpretado por la fantástica Jennifer Conelly que vuelve a encontrarse con Maverick para la sorpresa de éste… y el de “Rooster”, el hijo de “Goose” ahora piloto, interpretado por un buen Miles Teller y su trama es la más importante en cuanto a desarrollo de ese conflicto ya que Maverick le afecta en lo personal.
Mención aparte para Val Kilmer (que siempre me ha parecido muy buen actor) actualmente luchando contra un cáncer de garganta, al que Cruise quería en la película sí o sí. El bueno de Val, el otro guaperas de la primera entrega que daba vida a Iceman, tiene su escena junto con Tom y para aquellos que pasan de los cuarenta verlos otra vez ahí 36 años después hace que incluso te emociones. Al fin y al cabo hemos seguido la carrera de estos dos durante décadas y nos regalan una entrañable escena.
Por si no lo sabéis ya, Tom Cruise aquí también es productor de ‘Top Gun: Maverick’. Verdadero motor y principal responsable de este proyecto e intervino en todas las decisiones importantes del rodaje. La inclusión de Val Kilmer no fue lo único en lo que insistió. También lo hizo para que todas las escenas aéreas con los F-18 se hicieran sin CGI (imágenes generadas por ordenador) así que todas las tomas son reales y los actores se tuvieron que preparar a fondo para soportar las fuerzas g en vuelo supersónico. Otro gran nombre como el de Ed Harris solo tiene un papel testimonial.
Porque cuando hablamos de acción, aquí es donde ‘Top Gun: Maverick’ supera a su predecesora gracias a lo que ha evolucionado la industria del cine y las técnicas para grabar desde cualquier ángulo hoy en día. Sencillamente espectacular y en un buen cine la experiencia de sonido hace que sea aún más inmersivo todo. Bien por JosephKosinski, el director que no fue pensado para esta secuela (siempre fue Tony Scott), pero que además de ser fiel a la primera y rendirle homenaje con planos y escenas similares (véase el portaviones, la playa o la motocicleta en el aeródromo) también imprime su sello personal cuando pone sus cámaras literalmente en el aire. Soy de la opinión de que no es fácil hacer una película bélica con aviones de combate modernos (apenas hay) y parte del probable éxito de taquilla de esta secuela será por lo espectacular de cada toma, plano y escena dentro de los F-18 y por supuesto por el gancho y la buena forma que sigue teniendo Tom Cruise con casi 60 años de edad (estoy deseando verlo en acción de nuevo en su próxima ‘Misión imposible’). Me quito el sombrero después de 40 años en la cima de la meca del cine. Pocos pueden presumir de ello.
No obstante no podemos dejar de pasar por alto que es un producto hecho para el disfrute y no se debe esperar cierta coherencia en el guión porque apenas la tiene para sostenerse por sí mismo. Los malos están ahí porque sí, tienen mejores aviones y sus motivaciones no son importantes porque solo están para complementar la acción, única protagonista en el último tramo de la película. Todo cogido con pinzas pero al final nos da un poco igual como ya pasaba en la primera. En todo caso pone de manifiesto el debate de que en un futuro no muy lejano el protagonismo pase a los aviones no tripulados, pero lo hace de pasada nada más.
Tienes que haber visto la primera (que por cierto, ha sobrevivido bastante bien a los años) si quieres entender mejor al menos ciertos conflictos entre los personajes. Si te gustó entonces ‘Top Gun: Maverick’ dudo mucho que te decepcione. Te hará pasar un rato agradable y preguntarte que después de 36 años tenga tanto sentido y funcione tan bien. Sé que he repetido varias veces los años que han pasado entre ambas pelis pero… es que no desentonan prácticamente nada.
Esta secuela, en resumen, es un producto de acción de primer nivel en cuanto se refiere a las secuencias aéreas, con una dosis grande de nostalgia que hará emocionarse a los más sensibles. Adolece de un buen guión aunque según pasa la peli te olvidas de ese detalle y recuerdas sus virtudes, tanto pasadas como presentes, para una secuela que, lo vuelvo a decir, 36 años después tiene sentido y que en su género, logrará (?) enganchar a otra generación como lo hizo la primera en los 80.
Buscad un buen cine, comprad palomitas aunque estén a precio de chuletón de Ávila y disfrutad del cine de entretenimiento por excelencia como es ‘Top Gun: Maverick’.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de mayo de 2022. Título original: Top Gun Maverick. Duración: 131 min. País: EE.UU. Dirección: Joseph Kosinski. Guion: Peter Craig, Justin Marks, Ehren Kruger, Eric Singer, Christopher McQuarrie. Música: Harold Faltermeyer, Hans Zimmer. Fotografía: Claudio Miranda. Reparto principal: Tom Cruise, Miles Teller, Jennifer Connelly, Jon Hamm, Glen Powell, Lewis Pullman, Charles Parnell, Bashir Salahuddin, Monica Barbaro, Jay Ellis, Danny Ramirez, Greg Tarzan Davis, Ed Harris, Val Kilmer. Producción: Jerry Bruckheimer Films, Paramount Pictures, Skydance Productions, Tencent Pictures, Don Simpson/Jerry Bruckheimer Films, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción. Web oficial:https://www.topgunmovie.com/
Dos glorias (actores y personajes) en un duelo cómico/dramático
Hemos visto ya el primer capítulo (de seis) de ‘Sentimos las molestias’ en las instalaciones del Teatro Real de Madrid. Antonio Resines, Miguel Rellán, Melina Matthews y FiorellaFaltoyano son los personajes principales de una comedia de fácil digestión en lo que viene a ser el nuevo proyecto televisivo de Movistar+ de Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero, responsables de la más provocadora ‘Vergüenza’. Podréis verlo a partir del 8 de abril.
De nuevo nos presentan una comedia (esta vez menos irreverente) que se sustenta en un guión desenfadado y sobre todo en la buena química de sus protagonistas, destacando a Resines y Rellán, que se llevan la mayor parte del protagonismo.
Rafael Müller (Antonio Resines), un aclamado director de orquesta, y Rafael Jiménez (Miguel Rellán), una vieja gloria del rock, nos van a llevar en un viaje donde las risas y los gestos de complicidad están asegurados. Dos músicos veteranos que se conocen hace décadas a los que la vida ha llevado por diferentes caminos con más o menos fortuna y esos caminos se vuelven a cruzar para mostrarnos a dos personas septuagenarias luchando contra la edad y la soledad.
Mención aparte para los personajes femeninos, que, aunque en este capítulo apenas disfrutan de unos minutos, se les intuye carácter y además ponen el conflicto en bandeja a los dos protas con sus acciones.
Juan Cavestany y Álvaro Fernández Armero nos comentaban que querían hacer una serie más amable que ‘Vergüenza’. Querían explorar un nicho menos visto donde lo común hoy son las historias en las que los personajes principales son de entre 30 y 50 años. Lo que sí nos dejaron claro es que desde el principio querían contar con Antonio Resines y Miguel Rellán para que la protagonizaran y finalmente así lo hicieron.
El tono fresco y desenfadado de esta serie de dos “viejos cascarrabias” (o boomers) en una época donde lo digital está a la orden del día hace que el contraste, y por defecto el humor que se puede sacar de ello, te dibuje una sonrisa en la cara mientras estés viendo a estos dos en los diferentes escenarios y situaciones que nos vayan a plantear a lo largo de la serie.
Una serie que aunque es del género que es, tiene también su drama y los conflictos de los personajes ya se exponen en este primer capítulo.
‘Sentimos las molestias’ es una comedia de amistad, con matices amargos (porque una comedia no se concibe sin drama o al menos es lo que opino yo) que tienen que ver ya no solo con la cuestión de envejecer, sino también con la madurez de uno mismo, lo relativo a todo lo que tiene que ver con la soledad y de encontrar tu sitio en la sociedad actual.
Un mensaje que al final tratará de calar en el espectador con ‘Sentimos las molestias’, entre risas y ternura: Que hay que aceptar el paso del tiempo pero no rendirse a vivir aunque ya no se puedan hacer ciertas cosas. Siempre se podrán hacer otras ¿no?
Lo mejor: El carácter desenfadado, la buena química entre los dos actores protagonistas y la ligereza con la que se pasarán los capítulos de alrededor de media hora.
Lo menos bueno: al poder ver un sólo capítulo y de media hora, no poder contaros más sobre los personajes femeninos, que espero que cobren más fuerza a lo largo de los episodios, aunque debo admitir que creo que Resines y Millán se llevarán la mayoría de los minutos de metraje.
Richard tenía una visión muy clara del futuro de sus hijas y sirviéndose de métodos poco convencionales, elaboró un plan que llevará a Venus y Serena Williams de las calles de Compton, California al olimpo de deporte convirtiéndolas en iconos legendarios. La película muestra el poder de la familia, la perseverancia y la fe inquebrantable como medio para lograr lo imposible e impactar al mundo.
Crítica
Set y partido para Will Smith
Will Smith me ha vuelto a demostrar que es un buen actor y que se le dan especialmente bien los biopics como ya demostró con ‘Ali’ (2001) emulando al mítico boxeador Mohamed Ali, y ahora con ‘El método Williams’ donde vuelve a hilar muy fino para recrear a Richard Williams, el responsable en buena parte del éxito de sus dos hijas, Venus y Serena Williams, dos ex número uno del tenis mundial.
Y es que uno puede pensar que la peli va de las dos hermanas, sus comienzos y cómo llegan a triunfar en el mundo del tenis. Y aunque va de eso también, el protagonista casi absoluto es el Richard Williams de Will Smith y su determinación para acometer un plan que llevaría a sus hijas fuera de las calles y a ser campeonas en un deporte que por aquel entonces en EEUU era elitista y de blancos.
Desde el comienzo podemos ver el trasfondo social y racial de la época en el barrio donde vivió la familia Williams. Un matrimonio con cinco hijas de origen humilde que lucha por seguir adelante en un barrio donde la droga y la violencia de las bandas es el día a día. Entrenando en un parque público dominio de los pandilleros, Richard se las ingenia para ser un entrenador de tenis autodidacta y trazar un plan para llevar a sus hijas a lo más alto de la élite tenística mundial.
Y ya desde esos primeros minutos de ‘El método Williams’, nos van dibujando la personalidad de este personaje (porque es todo un personaje) que lucha contra la adversidad sin perder un ápice de fe, siguiendo el plan sin perder la esperanza y con una confianza manifiesta en lo que él tiene en la cabeza y en el potencial de sus hijas. Unos principios con los que podemos estar de acuerdo o no.
Uno se podría preguntar si lo hizo para mantener alejadas a sus hijas de la calle, o si fue para conseguir riqueza a costa de ellas, o por su propio ego o quizá fuera un poco de todo. Yo creo que la historia que nos cuentan pretende explicar todo esto, dándonos pequeñas pinceladas de la personalidad y de las vivencias de Richard Williams para entender por qué decidió hacer lo que hizo. En el debe podría decir que me hubiera gustado que hubieran ahondado más a fondo en su pasado para comprender mejor su singular personalidad pero en las casi 2 horas y veinte de metraje no da tiempo entre raquetazo y volea.
Aunque el peso de ‘El método Williams’ recae en el personaje y la interpretación de Will Smith, el resto del elenco está a la altura. Me llamó la atención el papel de Jon Bernthal (el entrenador Rick Macci), no solo porque me gustase, sino porque es un rol bastante diferente a lo que nos tiene acostumbrados a ver y me sorprendió gratamente. Algunas escenas con Aunjanue Ellis (por momentos sufrida esposa de Richard) y Will Smith discutiendo el plan y por supuesto las jóvenes actrices que interpretan a las hermanas hacen un buen papel.
Error de casting para elegir a la actriz que hace de Arantxa Sánchez Vicario. Ni se le parece físicamente y en versión original tienes que oírla hablar (y apenas lo hace) con acento mexicano, que a mí personalmente me toca las narices. Por lo demás, dirección correcta, un diseño de producción apropiado y un guión al que le falta algo más para ser brillante con ciertos toques de humor para aderezar el conjunto.
En resumen, ‘El método Williams’ es una historia de superación, perseverancia y unos principios llevados al extremo por un padre que hizo lo que le pareció mejor para sus hijas y su familia, teniendo fe absoluta en lo que estaba haciendo y superando cada obstáculo que se cruzó en su camino. Hizo posible lo improbable.
El dato: Serena ganó un total de 39 títulos de Grand Slam: 23 de ellos individuales (récord en la era abierta, tanto entre mujeres como entre hombres), 14 en dobles femeninos (todos junto a su hermana Venus). Venus ganó 7. Entre las dos hermanas a nivel individual 30. Todo un hito.
Lo bueno: La interpretación de Will Smith, carne de premios. El “momento cenicienta” y los diálogos en las negociaciones.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de enero de 2022. Título original: King Richard. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Reinaldo Marcus Green. Guion: Zach Baylin. Música: Kris Bowers. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Will Smith, Demi Singleton, Saniyya Sidney, Aunjanue Ellis, Jon Bernthal, Tony Goldwyn, Andy Bean, Kevin Dunn. Producción: Overbrook Entertainment, Star Thrower Entertainment, Warner Bros., Westbrook Studios. Distribución: Warner Bros. Género: biográfica, drama. Web oficial:https://www.kingrichardfilm.net/
Enero de 1942, 400.000 judíos de toda Polonia llevan más de un año confinados por los nazis en un estrecho gueto en mitad de la ciudad. Fuera del muro, la vida sigue adelante. Dentro, sus habitantes luchan por sobrevivir. Sin embargo, el alto muro de ladrillos no consigue parar la creación de un grupo de actores judíos que, en una helada noche invernal, interpreta una comedia musical en el teatro Fémina. Los espectadores ríen y se emocionan ante una historia de amor, olvidando por un momento su difícil situación. Entre bambalinas, los actores se enfrentan a un dilema de vida o muerte ante la posibilidad de llevar a cabo una fuga después de la función.
Crítica
Rodrigo Cortes vuelve a mostrarnos su talento detrás de la cámara
‘El amor en su lugar’ es un drama basado en hechos reales que se desarrolla en el gueto de Varsovia en 1942 donde los judíos llevaban más de un año confinados por el régimen nazi.
La dirige y coescribe Rodrigo Cortés, un cineasta que ya nos dio muestras de su talento en ‘Buried’ (Enterrado) allá por el año 2010. Una película en la que manejaba su cámara en un espacio muy pequeño y nos conseguía mantener la tensión en todo momento.
En este caso, el cineasta nos traslada a las calles de Varsovia y lo primero que me sorprende al empezar la película es la facilidad que tiene para mostrarnos la miseria, el horror, la crueldad y en definitiva, la situación angustiosa que se vivía en el gueto. Y lo hace todo en un plano secuencia acompañando a los títulos de créditos iniciales. Una vez más aunque no de forma tan extrema, Cortés se maneja en un escenario bastante reducido con brillantez. El director español maximiza la expresión de “Una imagen vale más que mil palabras” y en apenas dos minutos ya nos pone en situación con ese plano secuencia introductorio que te sumerge en el conflicto y hace sentir al espectador cuán dura era la vida dentro del gueto y a qué condiciones estaban expuestos sus habitantes ahí recluidos.
A partir de ahí, el resto de ‘El amor en su lugar’ se desarrolla prácticamente en un teatro donde un grupo de sufridos actores intentan hacer que su público se evada de la angustiosa situación que todos están viviendo ahí con un musical de comedia romántica. El punto de inflexión llega cuando a nuestra protagonista, Stefcia, se le presenta la oportunidad de huir esa misma noche después de la función. A partir de ahí, empezamos a conocer un poco a los protagonistas en las idas y venidas al escenario y sus conversaciones entre bambalinas, entre escena y escena o incluso en el mismo escenario.
La película es tan dinámica que te hace sentir esa sensación de premura, esa urgencia de quien se está jugando la vida y nos mantiene en esa incertidumbre de cómo se resolverá la historia mientras Cortés se gusta en cada plano, a veces con cámara en mano para transmitirnos más realidad en algunas escenas, otras veces con primeros planos para ver el alma de sus personajes, mientras te sumerge más y más en el conflicto.
Decir que la ambientación está muy bien conseguida, con un buen diseño de producción, los actores todos están a la altura, aunque me gustaría destacar a Clara Rugaard (Stefcia) que es el personaje alrededor del cual gira todo lo demás y nos hace vivir su historia de principio a fin.
Una historia más dentro de la historia de la Segunda Guerra Mundial que te invita a la reflexión y te muestra los dos lados del ser humano. El más oscuro reflejado en los soldados nazis y lo que tienen que hacer por sobrevivir los propios judíos, y el más esperanzador reflejado en el amor de los personajes principales y las decisiones que tienen que tomar. En medio de esta carrera por la vida, esta lucha por la supervivencia, unos actores siguen representando su obra pese a todas las adversidades que se suceden esperando que su público les aplauda.
Rodrigo Cortés me ha conquistado de nuevo por llevarnos de la mano con su cámara y hacernos partícipes de cada momento con cada secuencia de esta película. Por reflejar de nuevo los horrores de la guerra y compartir esta historia con los espectadores.
‘El amor en su lugar’ es carne de premios, es carne de cine, de buen cine hecho con talento en todo su conjunto, y desde aquí y en mi humilde opinión, os recomiendo que vayáis a verla.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de diciembre de 2021. Título original: Love Gets a Room. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Rodrigo Cortés. Guion: Rodrigo Cortés, David Safier. Música: Víctor Reyes. Fotografía: Rafael García. Reparto principal: Clara Rugaard, Ferdia Walsh-Peelo, Magnus Krepper, Freya Parks, Jack Roth, Henry Goodman, Dalit Streett Tejeda, Anastasia Hille, Valentina Bellè, Mark Davison. Producción: Nostromo Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: hechos reales, drama. Web oficial:https://nostromopictures.com/es/film-detail/el-amor-en-su-lugar-proximamente
Sabor a novela gráfica, pinceladas de realidad y acabado de calidad
Hemos visto 3 de los 6 capítulos de ‘La Fortuna’, primera incursión de Alejandro Amenábar para la televisión de la mano de Movistar+ y contándonos una historia basada en la novela gráfica ‘El tesoro de Cisne Negro’ a su vez basado en hechos reales.
El relato no es otro que la historia del mayor expolio de un tesoro de un barco español que fue hundido por la armada inglesa y descubierto por una empresa cazatesoros estadounidense.
Amenabar se ha implicado no solo en la dirección del proyecto, sino también en el guión y el resultado visto lo visto es un thriller político con un toque de aventura, humor, una ración de acidez, un poquito de romance y en definitiva, un producto de calidad que mantiene el interés en todo momento.
Aunque la acción se desarrolla a principios de este siglo, también se ven flashbacks que nos trasladan al año 1804 y se nos muestra cómo se produjo el infame ataque y el hundimiento de la fragata de guerra que causó posteriormente la batalla de Trafalgar y más tarde la invasión de Napoleón a España. Buen diseño de producción y se nota la buena mano en la dirección para que la narrativa fluya y la serie adopte un estilo de clásico de aventuras a lo “Tintín”.
Pero lo que realmente se cuenta es como una pareja singular de protagonistas, un joven diplomático inexperto pero muy voluntarioso (Alvaro Mel) y una funcionaria con mucho carácter que no tiene pelos en la lengua (Ana Polvorosa) se encuentran en medio de esta singular aventura investigando el descubrimiento del pecio español en medio de las presiones políticas, económicas y sociales que implican tal hallazgo.
No veo ningún personaje plano, sino que todos tienen un desarrollo a lo largo de los capítulos y vamos viendo las verdaderas motivaciones de cada uno.
La trama nos va mostrando poco a poco nuevos elementos que incrementan el misterio que rodea a ‘La Fortuna’ y nuestros intrépidos protagonistas van descubriendo junto con el espectador todos los intereses que hay puestos en el pecio descubierto.
Amenabar no deja títere con cabeza y hasta lo visto tiene para todos: caricaturiza de aquella manera la política española y su gestión. Nos reímos con el personaje del ministro encarnado por un genial Karra Elejalde y luego uno piensa que se parece todo demasiado a la realidad.
También es una crítica al capitalismo, a todo lo que pervierte el dinero y ahí pone a los americanos como punta de lanza. Hasta tiene tiempo de meterse con la flema imperialista inglesa en su narración del hundimiento de ‘La Fortuna’.
Mal aliado “Don dinero”, causante de muerte, engaños, robos y corrupción. Esta historia también va de eso.
Decir que el reparto internacional también brilla y tiene también a caras tan conocidas como Stanley Tucci, al que he visto en infinidad de producciones de Hollywood y que aquí es el antagonista principal. El resto del elenco está también a la altura de la calidad de la serie.
En definitiva, ‘La Fortuna’ cumple con la calidad que uno espera de un fenómeno como Alejandro Amenábar, a la que impregna con un estilo a clásico de aventuras. Las localizaciones nos llevan desde España a Estados Unidos dónde viviremos un interesante thriller judicial y estoy seguro de que querréis saber cómo acaba todo. Yo al menos, después de 3 capítulos sí.
Amenábar confirma la tendencia que desde hace un tiempo estamos viendo. Los grandes actores y actrices, directores y guionistas se embarcan cada vez más en proyectos para la televisión. Una industria que con la aparición de las plataformas de contenido streaming ha cambiado el concepto de ver la propia televisión e incluso de ir al cine (o no ir). Son los tiempos que corren, saturados de oferta televisiva, donde surgen producciones como ‘La Fortuna’ que elevan el nivel entre la mediocridad de muchos títulos y me alegra en grado sumo que en España la industria audiovisual alcance esas cotas de buena calidad en muchas de sus series y películas. Que siga así.
‘La Fortuna’ se estrena el 30 de septiembre en Movistar+.
‘La familia’ es el título perfecto que resume el espíritu de este documental
Los juniors de oro, una generación única que empezó en 1999 con la consecución del mundial sub-19 por un grupo de chavales que estaban llamados a escribir las mejores páginas de la historia del baloncesto español. Entre otros estaban Raul Lopez, Juan Carlos Navarro, Felipe Reyes y un por aquella época poco decisivo Pau Gasol. Ellos empezaron a mostrarnos el camino del éxito. Luego se unieron otros como Marc Gasol, Calderon, Sergio Rodriguez, Rudy Fernandez, Ricky Rubio y ya más recientemente los hermanos Hernangómez.
Y así es como empieza ‘La familia’, un documental de Amazon Prime Video que nos cuenta en 5 episodios de poco más de media hora cómo se forjó la leyenda de estos jugadores y nos repasa 20 años de éxitos y alegrías, con sus reveses y decepciones, de un equipo que ante todo fue un grupo de grandes amigos. Un grupo de chicos que desde muy pequeños se unieron y compitieron sin dejar de divertirse por el camino. Creo que ‘La familia’ es el título perfecto que resume el espíritu de este documental.
Empiezo a visualizar el primer capítulo y a los pocos segundos nos muestran a Pau y Marc Gasol en el “Partido de las estrellas” (All Star Game) haciendo historia del baloncesto mundial al ser la primera pareja de hermanos que realizan el salto inicial en uno de los eventos más destacados del baloncesto NBA y mundial. Reflexionando como un aficionado más, que dos jugadores españoles, además hermanos, lleguen a la NBA y consigan ser all star es todo un hito, y nos viene a decir hasta que punto esta generación es prácticamente inigualable, con un alto número de jugadores que llegaron a la liga americana, considerada la mejor del mundo.
Justo a continuación nos muestran el título más importante que hasta la fecha tenía nuestro país como fue aquella plata olímpica frente a Estados Unidos en 1984. Otra generación que brilló con los Epi, Romay, Fernando Martín y compañía a la que le sucedió un período gris de resultados. Eso motivó a la federación a crear un programa de nuevos talentos que mostró sus primeros frutos en ese mundial júnior del 99, empezando así el recorrido más glorioso de la selección de baloncesto absoluta.
Si eres aficionado a este deporte y si además tienes alrededor de 40 años habrás vivido muchos de los momentos que se cuentan en ‘La familia’ y para ti este documental es imprescindible y “obligado”. Los más jóvenes también lo disfrutarán ya que después de aquella primera generación los relevos se han sucedido manteniendo a España en la élite mundial.
Pau Gasol por méritos propios se ha ganado el papel de actor principal en esta producción, y aunque es uno más de la familia, también ejerce como líder y mentor de los jóvenes. A sus 41 años vamos a poder disfrutarle en sus últimos Juegos Olímpicos. Es el jugador español más grande de todos los tiempos y en eso no hay debate.
Interesante ver también el paso de los diferentes entrenadores por el equipo, el mítico Antonio Díaz Miguel, Lolo Sainz, a Pepu Hernández y su “BA LON CES TO” (mundial del 2006), Aito en esa gran final olímpica y sobre todo Sergio Scariolo, que amplió el palmarés de la selección con otro mundial y tres campeonatos de Europa. También aparece pero de forma más testimonial Juan Antonio Orenga, quizás el entrenador de menos nivel que se ha tenido en estos años.
Descubrimos desde dentro detalles y curiosidades en cada campeonato. El talentoso Raul López al que la lesiones no ayudaron, la muerte del padre de Pepu, cómo se vivió la lesión de Gasol en la final del mundial de Japón, el grito “Muro” y varias anécdotas que te ayudan a comprender mejor cómo era este grupo de talentos baloncestísticos tan unido y su entorno.
Agradezco muchísimo las charlas que nos muestran de Sergio Scariolo previas a algunos partidos importantes. Ese equilibrio que consigue en sus palabras entre la motivación y tener cabeza al mismo tiempo, sopesando todos los aspectos del juego me parece un regalo para los espectadores y aficionados al deporte de la canasta.
En definitiva, ‘La familia’ no solo es un viaje por los mejores años del baloncesto español, es también una historia de amistad, de superación, de instantes inolvidables, de momentos duros, de emociones de todo tipo… Es una historia del deporte, y un ejemplo e inspiración para las generaciones venideras. Ojalá se consigan los éxitos de la era Gasol en un futuro próximo, pero me temo que será difícil volver a reunir a unos jugadores con tanto talento. Yo creo que en el deseo de todos está que la familia siga creciendo unida y nos siga regalando momentos inolvidables, momentos de BA LON CES TO.
‘En un barrio de Nueva York’ fusiona la música cinematográfica y las letras de Lin-Manuel Miranda con el talento y la autenticidad del director John M. Chu para narrar historias ambientadas en un mundo que puede parecer pequeño pero que es universal.
Crítica
Warner nos invita a empezar el verano con buen rollo y bailoteo
Confieso que cuando que cuando me dieron la oportunidad de asistir al pase de prensa de ‘En un barrio de Nueva York’ prácticamente desconocía el trabajo de Lin-Manuel Miranda. Sabía de la existencia de otro musical suyo apenas un año atrás (Hamilton) y resulta que este señor no ha tenido un musical en Broadway si no dos. ‘In the Heights’ fue el primero allá por el año 2008 y es el título original de esta película. Mi ignorancia me pareció una buena manera de ir sin expectativas a verla.
Llego el día del pase 2 minutos tarde. El personal de la distribuidora (Warner Bros.) me tranquiliza diciéndome que todavía no ha empezado pero tengo la sensación de que me estaban esperando. El caso es que llego a la sala y me acomodo en el primer sitio que veo. En unos pocos minutos empieza el espectáculo que no la proyección. Me explico: de repente cinco chicos y cinco chicas salen de entre los asientos y nos regalan una pequeña coreografía llena de energía correteando y bailando por los pasillos. Tiene que arrancar a la segunda porque no entra bien la música a la primera, cosas del directo. Ellos improvisan, se lo toman con humor y hacen finalmente la performance para calentar el ambiente. Bien Warner, te lo has currado.
Por fin los bailarines se sientan (justo detrás mío) y empieza la peli. La historia de ‘En un barrio de Nueva York’ se plantea desde los primeros minutos. La cosa va sobre los sueños. Los sueños de los padres, los sueños de los hijos, los sueños que los padres tienen para sus hijos (que no siempre coinciden) y todo se desarrolla en el barrio de Washington Heights de Nueva York. Barrio principalmente latino que está al norte de Manhattan y con gran representación dominicana.
Conocemos a nuestro protagonista, Usnavi (atención al origen de su nombre que se explica en la peli, no digo más) que anhela volver a su República Dominicana para revivir el negocio que tenía su padre. Vemos a Vanessa, de la que Usnavi está enamorado, que busca triunfar como diseñadora de moda y también está Nina, que vuelve al barrio desde la prestigiosa universidad de Stanford.
Luego tenemos otros personajes que completan esta gran familia de barrio. Todos ellos tienen a un personaje muy entrañable que actúa como una especie de nexo entre todas las generaciones que fueron a parar a Washington Heights: “La abuela” que es la abuela de todos, por supuesto.
En el reparto vamos a ver caras conocidas que nos van a sonar de la television y el cine. También hace un cameo Marc Anthony y aunque salga apenas un minuto en pantalla, da aunque sea de pasada, el contrapunto al espíritu alegre y colorido del conjunto. Lin-Manuel Miranda también se deja para él un pequeño papel y en resumen el elenco hace un buen trabajo y te hace disfrutar con sus interpretaciones y sus canciones. La banda sonora mezcla de rap y salsa, dos géneros musicales muy representativos de las dos culturas (latina y norteamericana), obra de Miranda y que me parece muy acertado.
Del director, Jon M. Chu, poco puedo decir, ya que de sus trabajos anteriores no tengo nada que destacar con lo cual lo único que puedo asegurar es que se ha superado con ‘In the Heights’ que tampoco era difícil. En todo caso le aplaudo la escena del balcón, que está bien hecha y se te queda en la retina.
Cabe destacar la fotografía y el colorido en general de la cinta.
‘En un barrio de Nueva York’ es al final, una historia generacional de emigrantes que dejan sus países para perseguir un sueño de una vida mejor en “la tierra de las oportunidades” que es Estados Unidos. Un eslogan muy bonito pero a veces tramposo. También se hace referencia al racismo y a la discriminación que sufre la comunidad latina.
Pese a que podamos encontrar similitudes ‘In the Heights’ no es ‘West Side story’ ni creo que pretenda serlo. Adolece de una estructura dramática tan sólida como la del musical que se estrenó en 1961 aunque vemos que 60 años después hay temas que siguen candentes y que no han evolucionado lo suficiente. Como dato curioso el rodaje de Steven Spielberg y su nueva adaptación de ‘West Side Story’ coincidió con el de esta película y estaban separados por apenas unas calles de distancia.
Esto trata de sueños como ya os he dicho antes. De aquellos que los persiguen sin alcanzarlos, de aquellos que viven los de otros, o de los que lo consiguen, pero sobre todo trata en el fondo de no perder la identidad ni tus orígenes, de preservar los valores de una cultura rica y en resumen, de reivindicar lo latino.
Y ese colorido, esa alegría y ese buen rollo que se te queda cuando terminas de verla, es con lo que me quedo yo. Porque la vida a veces no es complaciente con tus sueños, a veces tienes que darle una vuelta y encontrar lo que para ti tenga más sentido, ya sea amor, trabajo u otra cosa, y hacer de eso la realidad donde te sientas satisfecho y puedas encontrar tus momentos de felicidad. Eso es precisamente lo que me trasmite ‘En un barrio de Nueva York’.
Y hasta llegar ahí a ese lugar de plenitud, como decía la abuela…Paciencia y fe.
Lo bueno: Que el espíritu del musical te imbuya de alegría, esperanza y buen rollo.
Lo menos bueno: Que el espíritu del musical pase de puntillas sin profundizar en algunas de las cosas que se reivindican.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de junio de 2021. Título original: In the Heights. Duración: 143 min. País: EE.UU. Dirección: Jon M. Chu. Guion: Quiara Alegria Hudes. Música: Lin-Manuel Miranda. Fotografía: Alice Brooks. Reparto principal: Anthony Ramos, Corey Hawkins, Leslie Grace, Melissa Barrera, Olga Merediz, Daphne Rubin-Vega, Gregory Díaz IV, Stephanie Beatriz, Dascha Polanco, Jimmy Smits. Producción: Warner Bros., 5000 Broadway Productions, Likely Story, Scott Landers Productions. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: musical, romance. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/heights
H (Jason Statham) es el misterioso tipo que acaba de incorporarse como guardia de seguridad en una compañía de blindados. Durante un intento de atraco a su camión, sorprende a sus compañeros mostrando habilidades de un soldado profesional, dejando al resto del equipo preguntándose quién es realmente y de dónde viene. Pronto se hará claro el verdadero motivo por el cual H está buscando un ajuste de cuentas.
Crítica
Un thriller directo y oscuro de un Guy Ritchie alejado de su estilo
‘Despierta la furia’ o ‘Wrath of Man’ es la nueva película de Guy Ritchie que cuenta para su papel protagonista con uno de los actores de acción de estas últimas dos décadas: Jason Statham.
Cuarta colaboración con el director británico del bueno de Jason, que esta vez encarna a un misterioso hombre que entra a trabajar a una empresa de furgones blindados y pronto hace gala de sus dotes para el trabajo. Con él están en el reparto otros nombres conocidos como el veterano Holt McCallany (eterno secundario en multitud de filmes y series), Josh Hartnett (especialista en elegir mal sus papeles desde hace años) y Scott Eastwood (es clavadito a su padre).
La implicación de Guy Ritchie en ‘Despierta la furia’ va desde la dirección, pasando por el guión y la producción. Debo decir que he leído en algún medio que comparan este thriller de acción con las pelis de Nolan. Yo no termino de ver los paralelismos. Nolan suele trabajar con diferentes líneas temporales que convergen y aquí Ritchie usa flashbacks para ir desvelando la trama. Son cosas diferentes para mí.
Por otro lado debo decir que de ese estilo narrativo con la realización tan dinámica que fue su sello personal en películas como ‘Snatch. Cerdos y diamantes’ o ‘Lock & Stock’, llenas de humor negro y buenos diálogos, no queda prácticamente nada y la película va por otros derroteros que pueden decepcionar a un fan que quisiera volver a disfrutar de ese tono plasmado en sus primeras películas.
Y es que ‘Despierta la furia’ se nos presenta como un gélido drama de venganza por un lado, y un típico thriller de atracos por otro. En ese sentido es un vehículo perfecto para Stathan, que no tiene que hacer uso de sus limitados recursos como actor dramático. Ni tiene que hacer uso ni lo hace. Su personaje casi muestra la misma cara en cualquier momento temporal de la historia. Lo compensa el carisma que se ha ganado de tío duro a lo largo de 20 años pero poco más.
Del resto del reparto, siendo la historia que es, tampoco puedo destacar nada. Poca profundidad en los personajes. Todavía no sé qué pinta el personaje Josh Harnett por ejemplo, y eso no dice nada bueno del guion que no profundiza en los elementos dramáticos que se nos presentan. Scott Eastwood está un poco acartonado (como su padre) y el resto no desentona y cumple.
‘Despierta la furia’ está rodada con mano firme. Destaca por el realismo de sus escenas de tiroteos, que me recordaron al ‘Heat’ (1995) de Michael Mann, y un uso de la violencia austero, frío y sin remilgos. El sonido de las armas está muy conseguido y te sobrecoge. Es como si retumbasen más de lo normal. La violencia implícita en cada escena es casi cruel, sin atisbo de humanidad, despojada de alma y de una gelidez que evoca los peores sentimientos del ser humano: la venganza, la ira o la avaricia.
Tanto es así que se echan de menos algunos elementos antagonistas. No se trata de una historia de buenos y malos. Aquí casi todos son malos con diferentes motivaciones.
Llegados a este punto no sé qué pensar. Porque pese a sus defectos la película te deja frío que no indiferente. No es lo mismo. Tiene agujeros de guión pero lo que cuenta lo hace con tanta contundencia y esa oscuridad que te transmite… no sé si se ha hecho con ese propósito o les ha salido de casualidad.
El caso es que no es una película de delincuentes al uso y estilo de Ritchie. Es más tenebrosa, con apenas dos pinceladas de humor y muy efectiva en la violencia anteriormente mencionada.
Despierta la furia es una película entretenida, solvente en lo que nos muestra. Tanto como para ocultar sus carencias, que las tiene, y satisfacer a gran parte de su público. Yo me quedo con el sello Guy Ritchie de sus primeras obras, que para el que escribe son de notable calidad. Aquí no encontrarás esa versión.
Lo bueno: el directo y frío realismo de las escenas de violencia.
Lo menos bueno: su guión se queda en la superficie. Personajes poco dibujados y diálogos que adolecen de profundidad incluso para una película de este género.
El dato: Es un remake de ‘Le convoyeur’, película francesa de 2004 protagonizada por aquel entonces menos conocido actor Jean Dujardin.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de mayo de 2021. Título original: Wrath of man. Duración: 119 min. País: EE.UU., Reino Unido. Dirección: Guy Ritchie. Guion: Guy Ritchie, Ivan Atkinson, Marn Davies. Música: Christopher Benstead. Fotografía: Alan Stewart. Reparto principal: Jason Statham, Josh Hartnett, Scott Eastwood, Holt McCallany, Jeffrey Donovan, Laz Alonso. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer, Miramax, CAA Media Fiance, Flic Films UK, Toff Guy Films. Distribución: DeAPlaneta, Tripictures. Género: acción, suspense. Web oficial:https://www.unitedartistsreleasing.com/movie-site/wrath-of-man
Un hombre y una mujer se despiertan en un lugar extraño, desierto y desconocido, sin saber quiénes son y porqué se encuentran allí. Con el paso de los días y mientras tratan de salir de ese inhóspito lugar, comienzan a recordar algunas cosas que tal vez preferirían no saber.
Quizás las respuestas a todo las tenga Ismael, un hombre que les controla desde la distancia, sin ser visto.
Crítica
‘ZERØ’ es su nombre, pero esta película tiene muchos enteros
‘ZERØ’ es un drama de ficción y primer largometraje de Iñaqui Sánchez Arrieta y como resultado nos ha regalado una película muy íntima y personal donde sus defectos quedan en un segundo plano gracias a sus virtudes.
Difícil me resulta contaros lo que he visto sin desvelaros ni una sola pista de la historia que aquí se cuenta, así que voy a poner el modo crónica y tratar de explicaros así qué sentimientos y sensaciones me ha despertado el visionado de ‘ZERØ’.
Me planto a verla teniendo nada más que una ligera idea de lo que va. No me gusta saber demasiado de las películas que voy a ver, porque prefiero no crearme falsas expectativas. A colación de esto aprovecho para no recomendar que veáis el trailer. Después de verlo y habiendo visto previamente ‘ZERØ’, no creo que os haga bien alguno.
Empieza la peli, escucho una voz en off que empieza a darme pinceladas y una reflexión sobre el infortunio. Poco después veo la sinopsis reflejada en imágenes y empiezo a hacerme preguntas al igual que sus personajes protagonistas.
Un hombre y una mujer despiertan en medio de un desierto inhóspito sin saber quiénes son y qué hacen allí. De vez en cuando veo a una tercera y misteriosa persona, un hombre acompañado de un perro que simplemente les observa sin intervenir mientras nuestros dos protagonistas intentan descubrir quiénes son y cómo salir de allí.
Confieso que la situación me atrapa y me intriga. Soy muy fan de los planteamientos con cierto toque de fantasía de ficción. Transcurren los primeros minutos y la situación se repite, como una especie de bucle sin llegar a serlo. Él y ella, vamos a llamarles Mario y Julia, están tan perdidos como yo tratando de averiguar quién les está haciendo esto al mismo tiempo que se van conociendo y viéndose forzados a entenderse. Los días se resetean y me viene a la cabeza ‘Atrapado en el tiempo’ aunque ni termina de ser parecida ni acabo por comprender que está pasando. Sin duda todas las incógnitas de mi cabeza me tienen en vilo y eso me hace que viva con más intensidad y misterio la trama que nos está planteando ‘ZERØ’.
Poco a poco una serie de flashbacks empiezan a acaparar más minutos de metraje para ir dando cierta luz sobre la historia de Mario y Julia. Reconozco que cuanto más veo de esos recuerdos pasados y menos desierto aparece, voy sintiendo una ligera decepción y os explico por qué:
Siento que voy pasando de un thriller de ciencia ficción a algo de connotaciones más dramáticas y eso sucede a medida que los flashbacks aumentan su presencia en detrimento del desierto. Esto no significa que sea algo “malo”. Simplemente que mi cabeza de escritor fantasioso veía mucho potencial a un guión más centrado en los diálogos y la historia que se centra en la parte más ficticia del relato que es la que transcurre en esos parajes tan bien fotografiados.
Pero compruebo que ‘ZERØ’ coge otro rumbo. Uno dónde la realidad se impone y empieza a tomar matices de crueldad e injusticia. La vida misma en muchas ocasiones. Entonces la nueva situación que poco a poco me desvelan en un continuo in crescendo me vuelve a poner en guardia para acabar desvelando la poca incertidumbre que me quedaba en un final rotundo, potente y sobre todo valiente que no me deja indiferente.
Iñaqui Sánchez Arrieta juega con nosotros al engaño, nos atrapa, nos va quitando la venda de los ojos y en los últimos minutos de la película nos da el golpe de gracia. Y todo lo hace con grandes dosis de talento en los planos acompañados de una buena fotografía.
El guión de Ferrán Brooks, aunque no va por dónde me hubiera gustado que fuera, no significa que sea flojo ni mucho menos, aunque en mi opinión podría haber tenido más potencial. La buena banda sonora no hace más que sumar al conjunto. Un buen trabajo en general para una producción de presupuesto medio. No quiero olvidar a los actores que con una interpretación solvente nos llevan a ese clímax final, en especial a Julio Blanco, que es el que más me convence.
El filme nos invita a reflexionar sobre las vicisitudes de la vida, aunque rema en contra de la tendencia general. Es una película que habla de la mala suerte y de la cadena de acontecimientos que traen los infortunios que no podemos controlar. Una reflexión sobre la vida y la muerte y por encima de todo…del dolor.
Seguiré con atención los próximos proyectos de este director que, aunque con ya una larga experiencia televisiva, ha pisado fuerte en el mundo del cine con ésta, su ópera prima: ‘ZERØ’.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de abril de 2021. Título original: Zerø. Duración: 94 min. País: España. Dirección: Iñaki Sánchez Arrieta. Guion: Ferrán Brooks. Música: Ricardo Curto. Fotografía: José Martín Rosete, Vicente Porfilio. Reparto principal: Nuria Herrero, Juan Blanco, Pep Sellés, Alba Casterá, Silvia Rico, Roberto Campos, Cristina Perales. Producción: Inaudita, Némesis Media, Virtual Dreams Films. Distribución: Begin Again Films. Género: thriller. Web oficial:http://nemesis-media.es/dusk/
Cine de superhéroes para un público diferente. SpectreVisión, la productora cofundada por el actor Elijah Wood que está revolucionando el cine alternativo de género con filmes originales y arriesgados como ‘Mandy’ o ‘Color Out of Space’, es la responsable de esta película de superhéroes en clave realista.
Crítica
No es la película de superhéroes que esperas, puede que tampoco la que buscas
En una época en la que llueven superproducciones millonarias de Marvel y DC nos llega una producción mucho más independiente con los riesgos que eso puede acarrear. Hablamos de ‘Archenemy’, una película parida casi en su conjunto por Adam Egypt Mortimer (director y creador de la historia para bien y para mal) y de la que entro en materia sin más preámbulos.
Nuestro protagonista es Max Fist, es una especie de superhéroe, o eso es lo que él afirma entre cerveza y cerveza, que está más quemado que Will Smith en la peli de ‘Hancock’ (ojito que tiene algún que otro paralelismo) y acaba en la tierra procedente de otra dimensión sin la fuente de su poder fruto del último enfrentamiento con su némesis, su archienemiga llamada Cleo.
El planteamiento o la idea de un multiverso con realidades distintas siempre resulta estimulante para cualquier amante de la ciencia ficción. La mala noticia es que solo araña la superficie y el guión no le da recorrido para profundizar tanto en la historia como en los personajes. Quizás Max gracias a Joe Manganiello que hace lo que puede con lo que tiene, sea el personaje con más trasfondo y aun así… Una pena que Cleo no tuviese un poco más de recorrido.
Tenemos por otro lado a una pareja de hermanos tratando de sobrevivir en los bajos fondos. Un reflejo de una parte del mundo que nos rodea. Cuanto más quieren salir más se quedan atrapados en el fango. Una reflexión sobre crecer en un barrio marginal y de la dificultad que conlleva salir de ese mundo hostil de drogas y criminales. Por otro lado, algo ya visto en multitud de pelis con más o menos acierto.
Me gusta la estética y la fotografía de ‘Archenemy’ que junto a las imágenes de cómic le confieren personalidad. Creo que es su punto más fuerte.
Así que por un lado está la trama de Max y su misterioso origen y por otro la trama de delincuencia callejera. Resaltar que ese componente de oscuridad se ve reflejado en todo momento y ayuda una buena ambientación como antes he mencionado.
Llega un momento en que las dos historias convergen. Se establece un curioso vínculo de confianza entre uno de los hermanos, apodado Hamster, y Max. Uno tiene la necesidad de buscar y contar buenas historias de los bajos fondos para ganar dinero y ser legal, asumiendo los riesgos que hay en las calles y el otro encuentra a alguien que por fin cree en las historias que va contando de bar en bar. Por último la hermana mayor de Hamster se mezcla con las personas equivocadas tomando decisiones equivocadas con la intención de sacar a su hermano de las calles y pagarle una universidad actuando de detonante para que la historia avance. Poco nos explican para darle peso al porqué de dichas decisiones.
Mis expectativas al saber que en ‘Archenemy’ había un tipo con poderes eran elevadas en términos de acción, pero a medida que transcurre la película no se cumplen. Dicha acción se hace esperar y luego se presenta a cuentagotas y no deja mucho poso. Se lo debo atribuir a su director, Adam Egypt Mortimer, que para mí peca de inexperiencia pese a la buena intención de sus ideas. Eso o su talento es limitado pero con tan poco bagaje es difícil saberlo. Una pena porque Manganiello tiene un físico para repartir guantazos hasta en el cielo de la boca. Dicho queda.
Creo que el bueno de Adam (al que animo a mejorar) tampoco resuelve satisfactoriamente la parte final y nos quedamos con un regusto amargo. Aunque vayas sin expectativas a verla, que es lo que te recomiendo, lo que no vas a poder evitar es ir haciéndotelas a medida que transcurren los minutos y eso crea al final una contradicción. ‘Archenemy’ empieza con una buena idea, y eso hace que tu mente empiece a trabajar y el planteamiento se va debilitando conforme avanza la trama, aunque te mantiene con la intriga, da tirones, pierde fuerza… y al final en mi opinión no consigue remontar.
Lo bueno: Tiene componentes de crítica social y humor negro, una estética atractiva y buenas ideas.
Lo menos bueno: Que con esos ingredientes no hayan sido capaces de hacer un buen potaje y eso puede llegar a aburrir a más de uno al final. El guión y la acción se diluyen como un azucarillo en leche caliente.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de abril de 2021. Título original: Archenemy. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Adam Egypt Mortimer. Guion: Adam Egypt Mortimer, Lucas Passmore. Música: Matt Hill. Fotografía: Halyna Hutchins. Reparto principal: Joe Manganiello, Glenn Howerton, Joseph D. Reitman, Mac Brandt, Kieran Gallagher, Christopher Guyton, Luis Kelly-Duarte. Producción: Spectre visión, Head gear films, Legion M, Metrol Technology, 3:59, Almost Never, Films Inc. Distribución: Movistar+. Género: ciencia ficción. Web oficial:https://www.thisiscompanyx.com/projects
En ‘Confinados’, justo cuando toman la decisión de separarse, Linda (Anne Hathaway) y Paxton (Chiwetel Ejiofor) descubren que la vida tiene otros planes dejándolos atrapados en casa en un confinamiento obligatorio. La convivencia promete ser un desafío, pero acompañada de poesía e ingentes cantidades de vino, parece acercarles de una forma sorprendente.
Crítica
Comedia romántica en confinamiento
‘Confinados’ es el título de esta “tragicomedia romántica” que se va a poder ver en HBO España desde el 5 de febrero, fecha confirmada para el estreno.
La película nos ofrece lo que su título nos indica y nos es otra cosa que la historia de una pareja con la relación prácticamente rota que además tiene que lidiar con el hecho de llevar ya unas semanas confinados en una bonita casa en un barrio londinense donde están llegando al límite.
En este primer tramo del filme empezamos a conocer sus protagonistas, Anne Hathaway y Chiwetel Ejiofor, el día a día en casa, buscando el sentido a la vida desde el casi desequilibrio mental agudizado por la pérdida de esa chispa que un día les hizo ser una pareja perfecta. Por supuesto, estar encerrados no ayuda precisamente a que las cosas vayan a mejor.
Me parece que hay buena química entre los dos, con buenas interpretaciones y aunque haya un drama subyacente de todo lo que está ocurriendo, lo que predomina más es el tono de comedia y unos diálogos a los que les sacan todo el jugo que tienen sus protagonistas.
Así se nos van sucediendo pequeñas situaciones que a todos nos resultarán familiares, ya sea entre ellos, los vecinos o ya las míticas videoconferencias con la familia o del trabajo. Todo ello aderezado con notas de humor negro y un par de cameos graciosos de secundarios de lujo como Ben Kingsley y Ben Stiller. Del primero saco el momento (casi surrealista) en el que se nombra a Egdar Allan Poe, que a mí me hizo mucha gracia hasta el final de la cinta.
Debo decir que la película se mantiene por el buen trabajo de ambos protagonistas (aunque Anne Hathaway me tiene más enamorado) mientras que están en esas situaciones que se plantean del día a día, lidiando con la ansiedad, el desamor y el sentido de sus actos… ´Confinados´ funciona mejor cuando es fiel a su título. Una vez se plantea un robo como una salida a sus vidas, siento que lo que se había construido pierde fuerza. Queda tan poco creíble que nos distrae la atención y creo que, aunque aporta sentido a la relación y por ende a la historia, no ayuda a que el conjunto sume y apruebe con nota más alta.
Porque no nos engañemos, esta es una comedia romántica en tiempos de COVID, en momentos donde más de uno ha sufrido cierta desesperación. Es una película que pasará a ser parte del archivo de cine de la pandemia. Creo que el último tramo si llega a estar un poco mejor construido, hubiera aportado algo más. No es así y se desinfla.
Lo bueno: Esa sensación de haber vivido cosas parecidas, su humor, su elenco de actores y la química de su pareja protagonista.
Lo menos bueno: El tramo final, que en mi opinión hace que decaiga el conjunto.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de febrero de 2021. Título original: Locked Down. Duración: 118 min. País: Reino Unido. Dirección: Doug Liman. Guion: Steven Knight. Música: John Powell. Fotografía: Remi Adefarasin. Reparto principal: Anne Hathaway, Chiwetel Ejiofor, Stephen Merchant, Mindy Kaling, Lucy Boynton, Dulé Hill, Jazmyn Simon, Ben Stiller, Ben Kingsley. Producción: Storyteller Productions, AGC Studios, Hypnotic, Nebulastar. Distribución: HBO España. Género: romance, comedia. Web oficial:
Ubicada en el trepidante mundo del Distrito de Diamantes de la ciudad de Nueva York. Howard (Adam Sandler) es un encantador distribuidor de joyas que no puede evitar vivir su vida al límite a través de una insensata adicción al juego, a las drogas y a las mujeres. Pero cuando se encuentra en posesión de un diamante ópalo negro de 600 quilates, Howard tiene finalmente la oportunidad de cambiar su vida de una vez por todas, solo si logra mantenerse con vida y mantener el diamante más raro del mundo en su poder.
Crítica
Sandler convence en un incómodo drama con el trasfondo de las apuestas
Adam Sandler se ha puesto en modo serio en esta nueva producción de Netflix, que como veis sigue acaparando el protagonismo de Hollywood con 24 nominaciones y superar así por una las 23 que tiene Disney o las 20 de Sony para ser la productora más importante en la ceremonia de los Oscar de este año. Un dato que a estas alturas debo destacar antes de seguir con el tema de esta entrada.
Pero volvamos a Adam Sandler. Yo no le recuerdo un trabajo en un género tan opuesto al que nos tiene acostumbrados como es el de la comedia. ‘Diamantes en bruto’ no te hace reír ni con las pinceladas de humor negro y Sandler se encarga de transmitir otro tipo de sensaciones mucho menos agradables poniéndose en la piel de Howard, un comerciante judío de lo más carismático en Nueva York, propietario de una joyería, fan de la NBA, adicto a las apuestas deportivas y con una vida con el caos por compañero casi inseparable. Un tipo acostumbrado a caminar sobre el alambre, creando problemas nuevos para solucionar los antiguos, apagando fuegos para no extinguirlos del todo, moviéndose y viviendo dentro del caos y con la incapacidad de ver a veces lo más obvio. Aquí la relación que tiene con las mujeres que están en su vida refleja esto último.
Planteado esto, entra en escena desde el principio un extraño mineral que va a ser el objeto de deseo de Howard y de algún modo sería también el que pondría fin a sus problemas de liquidez, causados por otro lado por sus malas decisiones al apostar y por pedir dinero prestado a las personas equivocadas.
Así que si ponemos todos los ingredientes: el mineral, apuestas, deudas, conflictos familiares, adicciones, mafia, usura… el resultado para el espectador es una sensación de agobio al acompañar al protagonista en sus idas y venidas durante las 2 horas y 15 minutos que dura ‘Diamantes en bruto’.
Este agobio casi molesto, esa sensación de incomodidad que te transmite la actuación de Adam Sandler se refuerza con el uso por parte de los hermanos Sadfie (directores) de muchos planos cortos y cierto manejo de cámara en movimiento que no hacen más que incrementar ese efecto como de asfixia. Los diálogos casi constantes de Howard son como bocanadas de aire de alguien que se está ahogando y lucha por sacar la cabeza a la superficie. También dice mucho aunque sea solo como algo anecdótico que ‘Diamantes en bruto’ sea la cuarta en la historia en introducir más veces la palabra fuck […]
La música también logra incomodarme, aunque en mi sincera y personal opinión creo que lo hace más por ser una pésima banda sonora escogida que por lo contrario. No me gusta pero reconozco que contribuye a esa sensación así que no sabría que deciros. Comprobadlo por vosotros mismos.
En cuanto al plano de las actuaciones, debo de decir que el elenco no flojea en ningún momento y brilla con luz propia con Sandler en el centro de todo. Reseñar como curiosidad el debut en la gran pantalla de la estrella de la NBA Kevin Garnett que nos sitúa la acción entre el año 2007 y 2012 cuando jugó en los Boston Celtics.
El turbio mensaje de trasfondo en toda esta historia son los efectos devastadores que puede causar la adicción a las apuestas y al juego en la vida de las personas. Algo muy en boga en estos días que corremos y de lo que no nos podemos olvidar. Algo que te puede provocar un estado en el que tu realidad se vea deformada y te sumerjas en un pozo del que no puedas volver. Algo así como la escena del principio y final de la película, un tanto extraña e interpretable y no sé si acertada.
Cuando una película nos quiere contar una historia y se sirve de los recursos adecuados para producir una emoción o sentimiento no gratuito en el espectador, como es el caso, debo de decir que es una película notable.
Lo bueno: Esa sensación que nos transmite Sandler casi estresante y el reparto en general.
Lo menos bueno: La banda sonora junto con las escenas un tanto surrealistas del principio y fin de la película no me convencen.
Estreno en España: 31 de enero de 2020. Título original: Uncut gems. Duración: 135 min. País: EE.UU. Dirección: Ben Safdie, Joshua Safdie. Guion: Ronald Bronstein, Ben Safdie, Joshua Safdie. Música: Daniel Lopatin. Fotografía: Darius Khondji. Reparto principal: Adam Sandler, Kevin Garnett, Idina Menzel, Keith Stanfield, Julia Fox, Eric Bogosian, Judd Hirsch, The Weeknd, Sean Ringgold, Sahar Bibiyan. Producción: Elara Pictures, Scott Rudin Productions, Sikelia Productions. Distribución: Netflix. Género: drama, thriller. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/80990663
Elizabeth Banks toma las riendas de la dirección mientras la nueva generación de intrépidas Ángeles de Charlie levanta el vuelo. En la atrevida visión de Banks, Kristen Stewart, Naomi Scott y Ella Balinska trabajan para el misterioso Charles Townsend, cuya Agencia de seguridad e investigación se ha expandido internacionalmente. Con las mujeres más valientes, inteligentes y mejor entrenadas, ahora hay equipos de Ángeles dirigidos por múltiples Bosleys realizando los trabajos más duros por todo el mundo. El guion es de Elizabeth Banks, escrito desde una historia de Evan Spiliotopoulos y David Auburn.
Crítica
La franquicia renace para posiblemente morir en el intento
Allá por 1976 nació la serie original que duró 5 temporadas. Se trataba de una agencia de detectives que tenía a tres mujeres ex policías que no podían sacar todo su potencial en el cuerpo y que son contratadas por una agencia privada de detectives con un misterioso jefe (Charlie) al que solo se le escuchaba la voz y nunca se le veía.
La serie de ‘Los Ángeles de Charlie’ no es que fuera nada del otro mundo pero en aquella época mostraba a tres mujeres que tenían la oportunidad de mostrar todo su potencial utilizando su atractivo físico y sus habilidades policiales. También tenía su mensaje feminista, teniendo en cuenta el contexto histórico y todo el peso de la serie recaía en sus protagonistas.
Una banda sonora pegadiza y unas protagonistas féminas con cierto carisma, vestidas con conjuntos de lo más vistosos que marcaron cierta tendencia de moda, más que preparadas y metidas en un coctail de acción dramática era todo lo necesario para que la serie cosechase éxitos de audiencia.
En el año 2000, 19 años después del final de la serie, se hizo la adapatación a la gran pantalla.
En este caso eran Drew Barrymore, Camerón Diaz y Lucy Liu las actrices que tomaron el relevo de ‘Los ángeles de Charlie’. Decir que eran actrices que en ese momento gozaban de fama y aportaban su carisma para que la cinta resultara más atractiva al público de aquel entonces. Pese a todo, la película no cosechó buenas críticas pero no puedo negar que visualmente estaba repleta de acción con escenas coreografiadas de cierta calidad que nos podían recordar a la cinta ‘Matrix’. Eso hacía que fuera entretenida de ver y tampoco creo que tuviera más pretensiones. Tuvo una secuela que no superó el nivel de la primera y quedó en el olvido hasta 2011 donde sacaron un reboot de la serie original. Una temporada y 8 episodios.
La historia no parecía que diese para más… hasta hoy.
El reto parecía claro: mejorar guión, mejorarla técnicamente con los medios actuales y escoger un trío de protagonistas solvente.
Y aquí nos encontramos con las nuevas ángeles: Kristen Stewart, Naomi Scott y él bellezón de Ella Balinska, ayudadas por la más veterana Naomi Scott.
A mi entender no superan a las de la película del año 2000 ni en carisma ni en interpretaciones. Bastante planas excepto Kristen Stewart, a la que se le ve esforzarse más por darle un matiz diferente a su personaje, pero que consigue en varios momentos sobreactuar más que otra cosa.
El reparto tiene nombres conocidos como el de Patrick Stewart (desdibujado en esta historia) y actores de probado talento como Jonathan Tucker (véase la serie ‘Kingdom’) que solo tienen una palabra en su guión (ni siquiera una frase). Es algo que me cuesta entender.
El guión que es de usar y tirar. Quiere mostrarnos un nuevo comienzo uniendo a tres ángeles otra vez con diversas capacidades especiales. Da lo suficiente como para entretener pero el montaje y la dirección se queda a la misma altura: Pobre.
Me atrevo a decir que aunque el comienzo de estos ‘Ángeles de Charlie’ promete con la típica secuencia de acción inicial, luego se desinfla y lo que es peor, no está ni siquiera en su conjunto a la altura del remake del principio del año 2000. Las escenas de acción visualmente son peores, el montaje más alocado que coherente y el resto tampoco ayuda a que despegue la cinta.
No niego que pude pasar un rato entretenido, pero ni siquiera el humor de este tipo de películas llega a ser un punto destacado, con apenas 2 o 3 momentos simpáticos. Producción en resumen floja (tampoco lo anterior visto había puesto el listón muy alto), falta de carisma y eficiencia a la hora de la dirección y el montaje, con poca química en general entre sus personajes y que no aporta nada al género. Si la intención era resucitar la franquicia en estos tiempos de falta de ideas, me temo que quizás le hayan dado el golpe de gracia para enterrarla para siempre.
Un quiero y no puedo, que no deja de entretener y que acabará en un cajón de nuestra memoria olvidada en poco tiempo.
Si Charlie asomara la cabeza…
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2019. Título original: Charlie’s Angels. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Elizabeth Banks. Guion: Elizabeth Banks. Música: Brian Tyler. Fotografía: Bill Pope. Reparto principal: Kristen Stewart, Naomi Scott, Ella Balinska, Elizabeth Banks, Djimon Hounsou, Sam Claflin, Noah Centineo, Patrick Stewart. Producción: Columbia Pictures, Studio Babelsberg, 2.0 Entertainment, Brownstone Pictures, Sony Pictures, Perfect World Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: acción. Web oficial:https://www.charliesangels.movie/
A sus 73 años, Harley Russell vive de las propinas que recibe en su destartalado local de Erick (Oklahoma) con su espectáculo de músicos mediocres. Ángel Delgadillo, el último barbero de Seligman (Arizona), continúa afeitando a sus 91 años, a los conductores que se desvían de la carretera interestatal para visitar su pueblo. Lowell Davis, con más de 80 años, es el habitante número 1 de Red Oak II, (Missouri), un pueblo fantasma que él mismo se encargó de rehabilitar con la restauración de sus viejas casas. Tres historias de perseverancia y superación en la que una vez fue la carretera que conectaba los Estados Unidos de este a oeste. Tres supervivientes que consiguieron salvar la vida de la ruta más conocida de América.
4.000 kilómetros recorridos desde Chicago hasta Los Ángeles, dos semanas de viaje y tres protagonistas, Harley, Lowell y Angel, los «eternos olvidados de la Ruta 66».
Crítica
Un paseo por la historia de la Ruta 66
Si hoy en día le preguntas a cualquiera sobre la “Ruta 66” puede que no sepan exactamente lo que es pero podrán decirte que tiene algo que ver con una carretera muy famosa y los Estados Unidos. El archiconocido escudo con el número 66 grabado en él es ya un signo reconocible en cualquier parte del mundo (sobre todo el occidental) y del que muy poca gente sabe alguna parte de su historia.
En ‘Almost Ghosts’ se cuenta a través de los testimonios de sus tres ancianos protagonistas, Angel, Harley y Lowell, el auge, la muerte y la resurrección de esta ruta que atraviesa los Estados Unidos de este a oeste.
Una carretera que allá sobre los años 30 en sus inicios, con la gran recesión de fondo, tomó tal importancia al ser el camino que tomaron muchos estadounidenses para sobrevivir atravesando el país hacia California, que revitalizó los pueblos del interior que se encontraban en dicha ruta.
El documental nos repasa las vivencias de tres personajes singulares, y sin duda muy entrañables, cada cual con su historia. Todavía no he comentado que la responsable principal de esta obra es Ana Ramón Rubio, guionista y directora de esta producción española que ya ha ganado varios galardones.
Me gusta cómo ha enfocado el documental, dando más protagonismo a los tres personajes que a la propia historia en sí, y me ha parecido un gran trabajo.
Como no me gusta dar demasiados detalles por lo general, ni tampoco dar spoilers (eso nunca) en mis críticas de cine, y aunque este es un documental, voy a intentar hacer lo mismo.
Vais a conocer de la viva voz de sus personajes reales, todo lo que fue, dejó de ser y volvió a ser la famosa ruta 66 que a través de sus vivencias y explicaciones os resultará muy interesante. Es una historia de superación, lucha y arraigo por revivir una ruta que quedó en el más absoluto olvido, el único medio de subsistencia que tenían en medio de la nada.
La perseverancia de unos pocos hizo posible que este famoso recorrido sea el que es hoy en día. Yo personalmente he tenido la suerte de recorrer parte de la carretera antigua y pasar por el pueblo de uno de los protagonistas llamado Seligman. Y os digo una cosa, merece la pena ir y merecería la pena para mí volver a la carretera algún día y pasar un poco más de tiempo en aquellos pueblos que viven única y exclusivamente de la gente que está de paso. Una experiencia auténtica americana.
Lo bueno: Los tres abuelos contando sus vidas
Lo menos bueno: No saber más de otros pueblos de la ruta.
El detalle: En un momento del documental se nombra a “Las uvas de la ira” de John Steinbeck. Leer su obra o ver la gran adaptación al cine allá por los 40 con un gran Henry Fonda sería un complemento perfecto para poder comprender mejor el verdadero drama de fondo que subyace de esta historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre de 2019. Título original: Almost Ghosts. Duración: 70 min. País: EE.UU., España. Dirección: Ana Ramón Rubio. Guion: Ana Ramón Rubio. Música: Don Joaquín. Fotografía: Carlos López, Celia Riera. Reparto principal: Harley Russell, Lowel Davis, Angel Delgadillo. Producción: Casi fantasmas. Distribución: Begin Again Films. Género: documental. Web oficial:http://beginagainfilms.es/almost-ghosts/
Después de haber vivido un infierno, John Rambo se retira a su rancho familiar. Su descanso se ve interrumpido por la desaparición de su nieta tras cruzar la frontera con México. El veterano emprende un peligroso viaje en su busca enfrentándose a uno de los carteles más despiadados de la zona y descubre que tras su desaparición hay oculta una red de trata de blancas. Con sed de venganza, deberá cumplir una última misión desplegando de nuevo sus habilidades de combate.
Crítica
Un cierre crepuscular acompañado de un recital de sangre y violencia
En ‘Acorralado’ (‘First Blood’, 1984) Stallone empezaba esta saga que contaba el devenir de un soldado veterano del Vietnam (John Rambo) que vivía la vuelta a casa con grandes problemas de adaptación. Ninguneado por un sheriff de una pequeña ciudad (que acaba por destrozar al final del filme) mostrando su parte más humana y a la vez más oscura, en ´Rambo: Last Blood´ se cierra ese ciclo de una manera contundente.
En la primera se denunciaban los problemas de adaptación y de rechazo que sufrían los veteranos de guerra cuando volvían a su país. Fue una película en la que ¡ojo!, no moría nadie. Solo se mostraba en forma de acción el caos, la soledad, la desesperación y los traumas de un tipo entrenado para matar al que llevan al límite en una cacería humana. Una cinta de acción de los 80 que tuvo gran éxito en taquilla y que creó un personaje mítico (pese a quien le pese) en la historia del cine. Eso iba a cambiar en las siguientes entregas.
En ‘Rambo 2’ sería el gobierno quien le pediría ayuda a cambio de sacarle de la cárcel y forzando de nuevo al protagonista a ser quien no quiere ser. ‘Rambo 3’ es algo parecido. Su coronel, y prácticamente el único amigo que conoce John, es capturado en Afganistán y allí que va Rambo a luchar contra los rusos. Una película claro reflejo de esa guerra fría que llevaban EE.UU. y la URSS por aquel entonces. Ya en estas dos últimas secuelas las muertes y la destrucción iban in crescendo en una espiral de violencia sin fin.
Veinte años después Stallone volvería a encarnar al personaje en ´Rambo IV´, haciéndose cargo del guión y la dirección. Aquí ya vemos a un tipo de edad madura que vive solo y en paz hasta que le piden ayuda como guía y las circunstancias hacen que se implique en una lucha contra un grupo militar que tortura y asesina a inocentes en Birmania.
Y cuando todos pensábamos que no había ya más donde exprimir la historia de este hombre lleno de traumas y de muerte, John Rambo se quiere reinventar en una última secuela 37 años después de la primera.
He creído bueno poner un resumen de todo lo que ha precedido a lo que es, si Sylvester no dice lo contrario, el cierre de una historia que para muchos debió haber acabado mucho tiempo atrás.
Lo primero que observo es que pese a todo, la película reúne a bastantes medios de prensa especializada. Yo la verdad es que no tengo muchas expectativas. La película comienza con una secuencia de acción donde hay un rescate en una montaña en medio de una gran tormenta donde ya vemos a John ayudando a las autoridades locales y ya nos muestra a un hombre que tiene remordimientos y culpa ante la posibilidad de perder a alguien. Noto que no lleva bien que la gente muera si él hubiera podido evitarlo. Debo confesar que este inicio introductorio me gusta, con acción y sentando las bases para empezar pisando fuerte.
Luego la cinta se divide claramente en tres partes. Admito que el guión es muy simple pero tampoco me espero mucha complejidad donde no la hubo antes.
En la primera se muestra al personaje viviendo una vida tranquila en un rancho, acompañado por una madre y su hija adolescente a las que considera su familia. Habiendo vivido sus anteriores películas incluso te alegra que el abuelo Rambo esté tan bien y algo más tranquilo en el último tramo de su vida.
En la segunda algo sucede que hace que esa paz se vea perturbada por un acontecimiento que una vez más, le obliga a tomar partido. La acción se traslada a algún lugar de México. Aquí me estremecen las imágenes que narran y ponen el foco en todo el tema de la trata de blancas. Pasamos de película familiar a una especie de thriller mafioso de cierta crueldad. Ya lo hemos visto en otras películas pero siempre se te encoge un poco el corazón cuando ves estas cosas. LLegados a este punto la cinta me recuerda a otras con las que comparte ciertos paralelismos como ‘Blood father’ de Mel Gibson o ‘Venganza’ de Liam Neeson (otros dos veteranos del celuloide).
Podemos también ver a Sergio Peris-Mencheta en el papel del malo de la peli junto con otro secundario español como Oscar Jaenada, que aportan esa ración de crueldad de la que he hablado antes. El trío español de renombre lo completa Paz Vega en un papel mas secundario, ayudando al protagonista al que incluso le superan los acontecimientos.
La tercera parte es todo un recital de sangre y violencia del John Rambo más oscuro de todos. Las muertes se suceden con una brutalidad y una variedad de estilos no apta para almas sensibles o niños. Vemos curiosamente al Rambo más cruel, al tipo al que entrenaron para matar y vaya si lo hace y cómo lo hace. No queda nada de aquel viejo con sentimiento de culpabilidad que vive tranquilo. Solo un tipo que es muy bueno en lo que sabe hacer y así se encamina todo hacia un final sin sorpresas, ya visto tantas veces en el cine en otras producciones.
Debo reconocerle los méritos a un Stallone que supo construirse una carrera en Hollywood con un talento limitado, pero creando personajes que han entrado en la historia del cine como Rocky Balboa o el mismo John Rambo. Personajes interpretados y escritos por él. Podríamos entrar en el debate de la calidad de los 5 guiones escritos o co-escritos por él en esta saga que nos ocupa… Pero el hecho es que le ha dado para mucho. Yo que crecí entre sus películas, no puedo dejar de sentir cierta nostalgia por todo lo que representó en los 80 y 90 en el cine de entretenimiento palomitero. Y que haya reunido a viejas glorias del cine de acción de su época junto con algunas de las actuales en ‘Los mercenarios’ yo se lo agradezco.
En cuanto a esta película, si tienes claro lo que vas a ver poco puede sorprenderte (ni para bien ni para mal). Destaco sobre todo la violencia cruda de algunas escenas, con una dirección aceptable y un guión que te deja todo muy clarito para una duración de sólo 89 minutos. Las interpretaciones cumplen de sobra en este tipo de filmes y el sonido es contundente. Se deja ver, entretiene y aunque sea por su violencia te impacta. Utiliza una fórmula con las bases de un western de toda la vida mil veces contada en el cine de diferentes maneras y que consigue ser en parte efectiva.
Tendréis un plus todos aquellos que como yo, hayáis vivido de una manera u otra las aventuras de este veterano de guerra. Se recalca bastante ese trauma del hombre que ha pasado por mil vicisitudes en la vida, que ha perdido todo lo que quería o conocía y que ha intentado llevar una vida apacible para olvidar todo lo malo que hizo y todas las desgracias que sufrió. Hay una frase que aparece no una, sino dos veces (por si no te enteraste la primera vez), que viene a decir algo así como que las personas no cambian, si no que esconden lo que realmente son en todo caso, y aquí nos muestran el extremo de un hombre que ante todo quiso ser noble sin buscar redención en verdad, pero que apenas le dejaron descansar en paz. Yo creo que ya por fin, después de casi 40 años, al fin lo hará.
Lo bueno: Stallone y los títulos de crédito como homenaje a su personaje.
Lo menos bueno: Stallone y su guión simplón.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de septiembre de 2019. Título original: Rambo: Last Blood. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Adrian Grunberg. Guion: Matthew Cirulnick, Sylvester Stallone. Música: Brian Tyler. Fotografía: Brendan Galvin. Reparto principal: Sylvester Stallone, Paz Vega, Yvette Monreal, Louis Mandylor, Óscar Jaenada, Sheila Shah, Sergio Peris-Mencheta, Jessica Madsen, Adriana Barraza, Diana Bermudez, Marco de la O. Producción: Balboa Productions, Campbell Grobman Films, Dadi Film Group, Lionsgate, Millenium Films, NYLA Media Group, Tempelton Media. Distribución: Vértice Cine. Género: acción. Web oficial:https://rambo.movie/
Los ‘Hermanos por Pelotas’ se vuelven a reunir, esta vez interpretando al mejor detective del mundo y a su leal biógrafo. Will Ferrell y John C.Reilly protagonizan ‘Holmes & Watson’.
Crítica
Flo y Segura al rescate del guión de Cohen
Cuando vas a un pase de prensa lo normal es que se proyecte lo que se proyecte, se haga en versión original con subtítulos. Cuando asistes a un pase de una película extranjera ya doblada uno puede interpretar que lo más relevante de la cinta son los dobladores, que en el caso de ‘Holmes & Watson’ son Florentino Fernándezy Santiago Segura, unos tipos, sin duda, capaces de animar un entierro.
En cuanto al trabajo de Fernández y Segura, podemos decir que han cumplido, le dan cierta gracia a sus personajes, cosa que no se puede decir del flojo guión escrito por Etan Cohen, que incluye un par de chistes ácidos sobre la sociedad actual, y tres o cuatro pullitas políticas graciosas, alguna referencia cinéfila y por sumar, sumamos algún plano de humor más surrealista (la escena en la morgue) para rescatar todo lo bueno de la película.
Digamos que como premisa, ofrecer una versión humorística para el personaje ideado por Sir Arthur Conan Doyle, podría dar mucho juego y a mi juicio el resultado final es falto de ambición, soso. Una comedia que te hace reir poco. La obsesión de Holmes por guiarse por la lógica nos hace un guiño a el señor Spock de ‘Star Trek’ pero un personaje tan brillante como Sherlock Holmes podría parecer menos tonto de lo que nos quieren proponer en la película. Se han equivocado de enfoque. Una pena.
Podemos mencionar a Ralph Fiennes, porque aparece en la película, pero no es relevante para nada más que para completar un reparto con nombres que no alteran el pobre resultado final. Will Ferrell y John C. Reilly no tienen mucha química para mi gusto, y en todo caso me inclino por el segundo en lo que a cómico se refiere. Si hay algún momento bueno, tiene a Watson en él.
Nada que destacar de la película en aspectos técnicos o de otro tipo, con lo cual podemos llegar a la conclusión que lo mejor de ‘Holmes & Watson’ es el guión que aún siendo indolente, consigue robarnos alguna sonrisa con su humor gamberro, pero que desde luego, no sostiene una cinta que te parece tan larga como ‘Titanic’ y que dura tan sólo 89 minutos.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de febrero de 2019. Título original: Holmes & Watson. Duración: 89 min. País: EE.UU. Dirección: Etan Coen. Guion: Etan Coen. Música: Christophe Beck. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Will Ferrell, John C. Reilly, Rebecca Hall, Rob Brydon, Kelly McDonald, Ralph Fiennes. Producción: Columbia Pictures, Gary Sanchez Productions, Mosaic. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, aventuras. Web oficial:https://www.holmesandwatson.movie/
Fuerteventura. Septiembre de 2014. En busca de la ola perfecta, el joven surfista Álvaro Vizcaino se precipita por un acantilado en la zona más inaccesible de la isla. Lo que iba a ser una increíble jornada deportiva se transforma en 48 horas de agonía extrema.
Con el cuerpo malherido y la cadera rota, deberá vencer a una naturaleza implacable y hacer frente a sus propios miedos para intentar sobrevivir .
Basada en hechos reales.
Crítica
A pesar de su ritmo ‘Solo’ va más allá de la literalidad de su título proponiendo una autorreflexión.
‘Solo’ es una película que empieza con una potente puesta en escena, haciendo uso de un plano aéreo que nos cautiva con la belleza de Fuerteventura y nos pone en situación en tan solo unos segundos.
Hasta aquí todo bien hasta que empiezan los típicos flashback donde podemos conocer un poco más de nuestro protagonista principal y las personas que forman parte de su vida. Pronto encontramos una relación de amistad y sobre todo otra amorosa que serán las protagonistas de las secuencias que no forman parte de los hechos que acaecieron, los de la “aventura” de este surfista que se vio solo en una situación al borde de la muerte. Es en esa mezcla de momentos solo y recuerdos o evocaciones al pasado o a otras situaciones las que empiezan a lastraresta historia. Es subjetivo, pero debo decir que el ritmo se diluye entre cada transito, y además para no volver a recuperarlo.
Esta es una película de la que ya hemos visto varias versiones en el cine. Una persona que tiene un accidente en plena naturaleza y se queda completamente sola a su suerte y obligada a poner a prueba su capacidad de lucha por sobrevivir. Me viene a la memoria el ejemplo de ‘127 horas’. Con esto quiero referirme que para mantener el ritmo hay que hacer que no decaiga la historia, y usar bien los tiempos para que el engranaje sea el correcto. Aquí creo que no se consigue.
Una explicación a esto es la falta de un guión un poco más elaborado que ayude a ello, quizá la falta de química entre los actores o la propia dirección de los mismos. Quizás un poco de todo. El caso es que no mantiene esa tensión necesaria que requieren este tipo de historias, algo que considero clave para que la película sea buena.
A remarcar la fotografía, aprovechando el magnífico paraje donde está rodada, el buen hacer de la banda sonora y algunos planos con mucho sentido. Como ya me he referido antes las interpretaciones carecen de la “quimica” suficiente para que el conjunto remonte.
No quiero dejar de recordar que soy muy fan de que me cuenten historias basadas en hechos reales, y conocer esta me ha enseñado una vez más algunas partes de la pasta de la que está hecho el ser humano: una mezcla de amor, instinto de supervivencia y autorreflexión constante. Aquí el título de ‘Solo’ pretende ser algo más que la interpretación literal de lo que pasa en el filme, pretende ir más allá, al interior de uno mismo y provocarnos que nos hagamos preguntas sobre la soledad y la muerte. Eso lo aplaudo.
Lo más bueno: A nivel técnico, fotografía, banda sonora… y la ya mencionada reflexión que plantea.
Lo menos bueno: El guión y el no conseguir mantener la tensión al espectador.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de agosto de 2018. Título original: Solo. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Hugo Stuven. Guion: Santiago Lallana, Hugo Stuven. Música: Sergio Jiménez Lacima. Fotografía: Ángel Iguacel. Reparto principal: Alain Hernández, Aura Garrido, Ben Temple, Leticia Etala. Producción: Miramar Media Entertaiment, Playa Jarugo AIE. Distribución: Filmax. Género: drama, hechos reales, aventuras. Web oficial:solo.filmax.com
Sam, un hombre aborigen de mediana edad, trabaja para un predicador en el interior del Territorio Norte de Australia. Cuando Harry, un amargado veterano de guerra, se muda a un rancho vecino, el predicador envía a Sam y a su familia para ayudar a Harry a rehabilitar sus corrales para el ganado. Pero la relación de Sam con el cruel e irritable Harry se deteriora rápidamente y termina con un violento tiroteo en el que Sam mata a Harry en defensa propia.
Así es como Sam se convierte en un criminal buscado por el asesinato de un hombre blanco. Se ve obligado a huir con su esposa por el peligroso interior del país, recorriendo un espléndido pero durísimo desierto. Para encontrar a Sam se forma una cuadrilla de búsqueda encabezada por el Sargento de la policía local Fletcher. Pero cuando empiezan a conocerse los verdaderos detalles del asesinato, la comunidad se pregunta si se está haciendo justicia.
Crítica
Irónico y metafórico western desde las antípodas.
El director Warwick Thornton nos narra una historia de racismo y odio en forma de western que se desarrolla en Australia en los años 20. Sigue el esquema de “en un pueblo tranquilo donde todo iba más o menos bien, irrumpe un forastero y acaba en tragedia. Todo lo demás viene a consecuencia de eso…”. Y aunque no sea la típica peli del oeste de “indios y vaqueros” sí que tiene claros paralelismos.
Quiero empezar por la escena inicial del filme. Creo que resume TODO lo que es la esencia de lo que se quiere contar. No pienso destriparos ni un detalle así que lo dejo ahí para que juzguéis por vosotros mismos. Ojo, de igual manera, el valor visual de la última escena de la película es igual de importante.
Esta es una historia inspirada en hechos reales. Como siempre digo, para mí es un valor añadido importante, porque al fin y al cabo te están contando un trocito de la historia del hombre sobre la tierra. Algo que nos concierne a todos conocer.
Y de hombres va la cosa. Hombres profundamente marcados por la guerra, el odio, la educación recibida o la falta de ella, la violencia, la religión, el miedo y la codicia. Y toda esa amalgama de sentimientos y pensamientos se mezclan en un drama que destaca por el uso inteligente de las palabras y unas imágenes que nos sugieren más cosas de lo que parece a simple vista.
Una película que nos habla del colonialismo (británico en este caso) y el poso de racismo que dejó con los aborígenes australianos. La situación o situaciones de injusticia que se relatan te dejan un trasfondo amargo, lleno de ironía, que te muestra la naturaleza más salvaje del ser humano y que te hace reflexionar.
Desde una de las primeras frases de la película en boca de Sam Neill “todos somos iguales aquí. Todos somos iguales ante los ojos del Señor” hasta la última escena, se hace un viaje a través de las áridas tierras australianas dónde se nos muestra desde el punto de vista de los nativos del continente la influencia del hombre blanco. Esta perspectiva me parece muy interesante y lo corrobora un guión cuidado en este sentido.
El trabajo de los actores está a la altura y destaco si la veis en versión original los acentos y ese idioma propio que hablan los aborígenes que es realmente curioso.
‘Sweet Country’ es una película algo lenta, que nos relata de forma inteligente lo que nos quiere contar, y se ampara en un guión competente para ello, en una fotografía muy buena de la que también es parte responsable Warwick Thornton y en unas imágenes a modo de metáfora que hacen que el conjunto sea de una calidad notable.
Una amarga ironía, hasta el título de la película va en consonancia con el resto.
Lo bueno: El trabajo de Warwick Thornton en la dirección y la fotografía. Compone una película inteligente del primer al último plano, destacando por si no ha quedado claro, el contenido de ambos planos que invita a pensar.
Lo menos bueno: El desarrollo de algún personaje como el del sheriff, que no acabo de entender del todo y que se pueda hacer lenta a más de uno. En mi caso el ritmo es el que tiene que ser.
La reflexión: No es más salvaje el que menos conocimiento tiene, si no quien no sabe usarlo para hacer el bien o quien piense que está por encima de otro ser humano.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de mayo de 2018. Título original: Sweet Country. Duración: 110 min. País: Australia. Dirección: Warwick Thorton. Guion: David Tranter, Steven McGregor. Fotografía: Warwick Thorton, Dylan River. Reparto principal: Bryan Brown, Hamilton Morris, Sam Neil, Thomas M. Wrigth, Ewen Leslie, Gibson John, Natassia Gorey-Furber, Matt Day, Anni Finsterer, Termayne Doolan, Trevon Doolan. Producción: Bunya Production. Distribución: Wanda Vision. Género: western, drama. Web oficial:https://www.wanda.es/site/sinopsis/sweet_country
Un relato de pasión, violencia y traición que cuenta la historia de cuatro personajes cuyas vidas se entrelazan en el ajetreo y el bullicio del parque de atracciones de Coney Island en la década de los 50.
Crítica
Woody Allen diseña un escenario de ensueño para que Kate Winslet nos haga soñar.
El octogenario Woody Allen vuelve a la palestra capitaneando un competente drama ambientado en los años 50, el cual escribe y dirige (una vez más) y que además viene bien arropado por un conjunto técnico de categoría.
La historia se ambienta en el viejo parque de atracciones de Coney Island, una imagen de una montaña rusa y una gran noria al lado de la playa que hemos visto decenas de veces aunque nunca hayamos estado allí.
Nada más empezar la película escuchamos la voz de un narrador que nos empieza a introducir en la historia, y pronto esa voz se torna en un rostro (Justin Timberlake) que está hablando al espectador, rompiendo esa famosa cuarta pared, para ponernos en situación y contarnos un relato que tiene como protagonistas a él mismo (un socorrista con aspiraciones de dramaturgo), a un matrimonio formado por el dueño de un carrusel, con una vida rutinaria y problemas de control cuando consume alcohol (James Belushi) y su mujer, una actriz frustrada al límite de la vida que lleva como madre, esposa y camarera en ese lugar (Kate Winslet). El cocktail lo completan el hijo pirómano de ella y la joven y guapa hija de él que después de 5 años vuelve a casa con un problema gordo entre las manos.
Así como os lo he presentado yo, el escenario está planteado en los primeros veinte minutos de metraje en el filme. También en las primeras secuencias vemos la gran noria que nos da el título de la película y que sin duda es una metáfora de la misma.
Luego, lo que viene a continuación, no hace más que sumar y sumar a un drama donde el amor es el detonante de todo lo demás. El amor que cada uno de los personajes tiene por algo o alguien en concreto, hace que el conflicto se infle como un globo en todas direcciones.
Tenemos una obra donde los personajes se mueven desde sus anhelos más profundos, donde el deseo de ser amado, los celos, los fuertes lazos familiares, la locura transitoria, las cicatrices imborrables del pasado, la lucha diaria… todo encaja como en una obra de Eugene O´Neill, fuente inequívoca de la que bebe Allen, donde aquellos personajes que luchan por mantener sus esperanzas y aspiraciones, por encontrar una salida a sus vidas en una sociedad marginal, suelen acabar desilusionados y cayendo en la desesperación.
En medio de toda esa mezcla tan potente y dramática, hay una actriz que se mueve como pez en el agua, absorbiendo cada minuto que sale en pantalla y dejándonos fascinados por su capacidad interpretativa, siendo ella y únicamente ella, sin olvidarnos de la gran aportación del veterano James Belushi en su papel, el centro de todo lo que ocurre en el largometraje. Supongo que a estas alturas sabréis que hablo de Kate Winslet. Ella parte y reparte y se queda tan a gusto que lo vuelve a hacer para nuestro deleite. Os podrá gustar más o menos el guión, pero solo por ver a la amiga Kate ya vale bien el precio de la entrada.
Pero como os decía al principio, ‘Wonder Wheel’ luce un diseño de producción de primera, una fotografía de primera y una música que no te puede dejar indiferente y que te traslada a la época y a la historia que te quiere contar su gran director.
No obstante, falla algo en el conjunto, algo que le impide que sea un drama redondo. Quizá sea el guión, quizá sea alguna elección de casting poco acertada o el conjunto de ambas cosas o ninguna, que haga que la película caiga en su propia metáfora, o quizás estaba así planeada.
Porque la vida a veces puede ser como una noria, a veces estás arriba, a veces abajo, pero por más que quieras salir de ese circulo, no puedes nada más que seguir atrapado dentro de él una y otra vez…Una y otra vez.
Lo bueno: Kate Winslet y la calidad técnica de la película.
Lo menos bueno: No lo sé. Bueno venga, Justin Timberlake no me convence.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de diciembre. Título original: Wonder Wheel. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Woody Allen. Guión: Woody Allen. Fotografía: Vittorio Storaro. Reparto principal: Jim Belushi, Juno Temple, Justin Timberlake, Kate Winslet. Producción: Gravier Productions, Amazon Studios. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial:http://www.wonderwheelmovie.com/
Segovia. Campamento cristiano “La Brújula”. Bernarda, una monja recién llegada, quiere salvar el campamento con su canción “Viviremos firmes en la fe”. La hermana Milagros, una joven con dudas, recuerda lo mucho que le gustaba Presuntos Implicados. Y María y Susana, dos adolescentes castigadas, tienen un grupo que se llama Suma Latina. Pero desde que Dios se le aparece a María una noche, todo está cambiando. Y es que a Dios le encanta Whitney Houston.
Crítica
Un elenco que lo borda con una destacada Belén Cuesta y una música que cataliza a sus personajes.
Monjas, adolescentes, campamento de verano… Sin saber nada de la película y sin haber visto previamente el musical uno pensaría que iba a ver una película mojigata de Disney. Y es que ‘La llamada’ tiene los ingredientes para ello. Luego una vez que empiezas la película vas olvidando de forma gradual esos «prejuicios» que tenías en un principio en pos de una entretenida película donde se mezclan temas como la religión, las drogas, la sexualidad y el amor, la búsqueda de una identidad propia y con la música como vía expresiva de todo ello, como elemento catalizador en cada personaje.
Así que me voy encontrando con una historia que gira alrededor de cuatro protagonistas, un par de monjas y un par de adolescentes en edad difícil, amantes del electro latino o como se quiera llamar a ese tipo de música, y además con aspiraciones musicales, o más bien sueños, de triunfar con su propio grupo.
Pero pronto veo que la vida de María se ve alterada a través de canciones de la gran Whitney Houston. Digámoslo de alguna manera que son esa “llamada” a la que alude el título de la película. Y aquí empieza el lío.
No me gusta destripar las películas, y aquí no va a ser una excepción. Me gusta hablar de sensaciones y ‘La llamada’ me las ha dado en su mayor parte positivas. El elenco principal lo borda en sus papeles. Quizá los que la vayáis a ver os quedéis con dos de las actrices:
Belén Cuesta: que destaca por la candidez, bondad y lo entrañable de su personaje, además de una vis cómica genial, interpretando a la hermana Milagros.
Anna Castillo: pone personalidad y fuerza a su personaje de Susana, y brilla con luz propia en el filme.
Yo personalmente me quedo con Belén, que queréis que os diga, me encanta esta chica. Diciendo esto no quiero desmerecer para nada el trabajo de Macarena García como María (quien le quiera ver la conexión a través del nombre del personaje es libre de interpretarlo) y Gracia Olaya (Sor Bernarda) la monja en teoría «mala» que viene a ser un sargento tipo ‘Oficial y caballero’ o de la guardia civil pero que pronto se nos descubre su verdadera personalidad intentando buscar la unión espiritual a través de unos métodos musicales un poco pasados de moda.
Y es que ‘La llamada’ va de una búsqueda interior para las cuatro, una búsqueda que tiene como objetivo dar un nuevo sentido a sus vidas viéndose arrastradas en cierta manera por el devenir de los acontecimientos, unos hechos que van a despertar en ellas cosas que desconocían y que van a requerirles un acto de fe y valentía para poder alcanzarlas.
A mí como espectador me ha dado momentos de risas sobre todo en esos diálogos entre las protagonistas, aunque debo reconocer que me hubiera gustado un poco más de desarrollo para Sor Bernarda, para mí el personaje más flojo del guión. Tampoco aconsejo buscarle sentido al reggaeton mezclado con monjas, algo de drogas, un poco de amor, pasando por Whitney Houston y terminando en Dios. De hecho, es mejor abrazarlo todo y dejarte llevar por una comedia fresca que no se queda solo en eso, con un final que no dejará satisfecho a todo el mundo aunque para semejante batido, seguro que no es el menos adecuado ni mucho menos.
Al final no sé si el mojigato soy yo, o la película, pero siempre que te preguntas cosas cuando sales del cine no es mala señal. Yo he pasado un rato muy agradable y me pregunté por qué no conocía a Belén Cuesta y le doy las gracias a ‘Sister act’, ‘El guardaespaldas’ y al equipo de esta película por ello, que gracias a sus actrices hace que cualquier cosa cobre sentido.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de septiembre de 2017. Título original: La llamada. Duración: 108 min. País: España. Dirección: Javier Calvo, Javier Ambrossi. Guión: Javier Calvo, Javier Ambrossi. Música: Leiva. Fotografía: Migue Amoedo. Reparto principal: Anna Castillo, Belén Cuesta, Esti Quesada, Gracia Olayo, Macarena García, María Isabel Díaz, Richard Collins-Moore, Secun de la Rosa. Producción: Apache Films, Sábado Películas, Tve. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, musical, adaptación. Web oficial:http://www.deaplaneta.com/es/la-llamada
El legendario sicario John Wick (Keanu Reeves) se ve forzado a abandonar su retiro por un antiguo socio que trama hacerse con el control de una siniestra cofradía internacional de asesinos. Obligado a ayudar por un juramento de sangre, John viaja a Roma, donde se enfrentará a algunos de los asesinos más letales del mundo.
Crítica
‘John Wick’ fue una película que nos contaba allá por el año 2014 una historia de venganza de un asesino letal retirado (Keanu Reeves) que se veía forzado a volver a la acción al perder lo único que hacía que su vida tuviese sentido. Siguiendo las líneas de un western moderno, no le queda otra que acabar con los que le hicieron eso. Este es el punto de partida de una historia que nos marca el devenir de este segundo capítulo. Una película poco conocida, con poca distribución a nivel internacional y que pasó directamente al DVD en España, pero que recibió críticas favorables y tuvo impacto en la comunidad de internet donde sí triunfó a nivel mundial.
Chad Stahelski, codirector de la primera, dirige esta segunda entrega que no pierde el sello de la original. Doble de Keanu Reeves en ‘The Matrix’ (donde se conocieron), dirige de forma brillante el espectáculo de luchas, tiros y persecuciones con el que nos encontramos. Las coreografías de las escenas de acción son espectaculares, imprimiendo un sello característico y un estilo propio que ya caracteriza a la saga y que se quedará para siempre en la retina del espectador.
Laurence Fishburne y Reeves coinciden en esta producción desde que lo hicieran en 2003 en ‘The Matrix’, y las referencias a la trilogía son evidentes en este filme, y no son las únicas. El elenco cumple con nota, cosa que no hace más que mejorar la calidad del conjunto. En especial Keeanu Reeves, el cual realiza prácticamente todas las escenas de acción sin doble y le da consistencia al personaje, el gran Ian McShane y el mítico Franco Nero entre otros.
En este nuevo capítulo de lo que pretende ser una trilogía, nos ponen en situación rápidamente con unos 10-15 primeros minutos de acción espectacular que viene a ser una continuación del primer capítulo. Es decir, la película empieza fuerte. Luego apenas da tiempo para relajarse ya que la “paz” de John vuelve a ser perturbada por un antiguo pacto de sangre que, según las normas de esa extraña organización de asesinos que ya pudimos conocer en la primera parte, está forzado a cumplir. A partir de ahí la cosa va de mal en peor y el número del contador de muertes asciende como el mercurio un día de verano cualquiera.
‘John Wick: Chapter 2’ nos da más, pero te encuentras con esa sensación de que en realidad quieres más, quieres ver cómo se las apaña nuestro protagonista para dar fin a sus múltiples víctimas, con ese estilo al que yo denomino “combate cuerpo a cuerpo con disparos a quemarropa” aunque también nos reserva alguna escena de asesinato de la que prescinde de las armas convencionales, y no quiero deciros más… Es una versión vitaminada del capítulo uno, salpicada con toques de humor negro, que en líneas de argumento y originalidad no aporta nada nuevo pero es que realmente no te importa. Tienes claro lo que has ido a ver, y de eso te dan de sobra.
Para los más frikis debo comentar que se hace referencia a los videojuegos ‘Payaday 2’ y al mapa de Roma de ‘Counter Strike’ (recordad las escaleras), además de las influencias ya mostradas desde el primer capítulo a Sergio Leone, John Woo y el filme neo noir ‘Point Black’ (con Lee Marvin) entre otras.
Decir que nuestro asesino a sueldo preferido se ha superado. Si en ‘John Wick’ se hablaba de entre 77 y 84 personas muertas por su letal talento, en esta, el contador de muertos asciende a 123 muertes. Supera así a las 118 del personaje de John Preston (Christian Bale) en ‘Equilibrium’, pasando, según la información que he podido recabar, a la tercera posición de más muertes en una película causada por un solo personaje.
En resumen, ‘John Wick: Pacto de sangre’ es una película notable dentro de su género, que hará las delicias de los más cinéfilos por las referencias de las que os hablaba, y que gustará al público que sepa lo que va a ir a ver. Unas escenas de acción de nivel, coreografías de lucha que no son al uso y que resultan espectaculares y un conjunto tanto visual, como de sonido y banda sonora que os hará pasar un buen rato en la sala sin tener que pensar mucho.
Que decir tiene que aunque no es estrictamente imprescindible ver la primera película, si es recomendable hacerlo. Si os gusta, os gustará el capítulo dos y querréis que en un futuro no muy lejano, la supuesta trilogía de la que os hablaba al principio sea una realidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de abril de 2017. Título original: John Wick: Chapter Two. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Chad Stahelski. Guión: Derek Kolstad. Música: Tyler Bates, Joel J. Richard. Fotografía: Dan Laustsen. Reparto principal: Keanu Reeves, Riccardo Scamarcio, Laurence Fishburne, Bridget Moynahan, John Legizamo, Ian McShane. Producción: 87Eleven, Lionsgate, Thunder Road Pictures. Distribución: eOne Films. Género: acción, thriller. Web oficial:http://www.johnwick.movie/
La película cuenta dos historias que se cruzan. La primera habla de Khaled, un joven refugiado sirio que ha perdido a toda su familia llega a Helsinki por casualidad y pide asilo. La segunda gira en torno a Wikström, un comercial que abandona su profesión, gana un poco de dinero jugando al póquer y abre un restaurante al fondo de un callejón.
Crítica
Pese a poder hacerse lenta ofrece buenos contrastes entre un humor peculiar y el drama social.
‘El otro lado de la esperanza’ despertaba en mí ciertas incógnitas sobre qué me iba a encontrar en esta historia escrita y dirigida por el finlandés Aki Kaurismäki.
Sentía cierta curiosidad porque era la primera película finesa que veía. Rodada íntegramente en ese país, nos muestra un cuadro que retrata la historia de un refugiado sirio, Khaled (Sherwan Haji) que llega a Helsinki después de un largo y duro viaje a través de Europa.
Por otro lado, tenemos a Wikström (Sakari Kuosmanen), un hombre de negocios con recursos muy variopintos que se encuentra en un punto y aparte de su vida, algo desubicado pero resolutivo, que se ve en las circunstancias de realizar un cambio personal y profesional.
Estas dos historias paralelas llegan a juntarse, como el espectador ya se imagina, aunque en mi opinión tardan demasiado en hacerlo. Creo que los dos personajes deberían haberse conocido antes y que esa extraña relación hubiera ido a más, dándonos momentos muy interesantes. Quizás no es lo que el director quería contar, pero es la sensación que me dejó a mí.
Esta curiosidad de la que hablaba antes, también venía dada por mi propia experiencia personal, que me ha dado cierto conocimiento del carácter del finlandés. Y debo decir que me parece una película (y ahora os vais a reír) muy finlandesa. Tiene elementos reconocibles de ese carácter tan diferente al del sur de Europa, si concreto más, al español. Es una película fría, de personajes fríos salvo los que son de otro lado como el sirio Khaled o su amigo iraquí (Simon Al-Bazoon). Tiene un humor curioso, casi surrealista en algunos puntos (mención especial al trío de trabajadores y todo lo relacionado con el restaurante), que contrasta con esos diálogos parcos en palabras en muchas ocasiones, donde el actor y la propia atmósfera hacen el resto.
El filme nos presenta también el choque de culturas, la indiferencia por parte de las autoridades en muchos casos ante la situación tan dramática que se vive en Siria y otros países en guerra, la indefensión que ese hecho causa en los refugiados, y se muestran situaciones tanto del racismo que provoca la inmigración en unos, como de la voluntad de ayudar en otros.
Es una historia de personas más que de personajes (que también los hay), de una realidad cotidiana que afecta a muchos países y refugiados, pero también es una historia que se simplifica en una búsqueda. La búsqueda de Khaled para encontrar a su hermana, la de Wikström en encontrar su propio camino y descubrir qué necesita en realidad. Porque esa “frialdad” de la que hablaba antes no implica que sea una película sin alma.
Interesante ver la composición de algunos planos, así como los elementos de decorado usados en la película, que le da ese aire, esa atmósfera tan especial. Sin hacer spoilers, quiero hacer mención al último plano de la película, para invitar a la reflexión con estas preguntas. ¿De dónde viene? ¿A dónde ha llegado? ¿Cómo está? Mirad bien ese plano.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de abril de 2017. Título original: Toivon tuolla puolen. Duración: 98 min. País: Finlandia. Dirección: Aki Kaurismäki. Guión: Aki Kaurismäki. Fotografía: Timo Salminen. Reparto principal: Kati Outinen, Tommi Korpela, Sakari Kuosmanen, Janne Hyytiäinen, Ilkka Koivula, Kaija Pakarinen, Nuppu Koivu, Tuomari Nurmio, Sherwan Haji. Producción: Sputnik. Distribución: Golem Distribución. Género: comedia, drama. Web oficial:http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=402
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