En esta aclamada película de Martin Scorsese, el sicario Frank Sheeran rememora los secretos que guardó por lealtad a la familia mafiosa de los Bufalino.
Crítica
Sobredosis de Scorsese a visionar acompañado de café irlandés
Los primeros comentarios eran ciertos, la expectativa por el reparto se ha cumplido, el talento de Scorsese sigue intacto, efectivamente ‘El irlandés’ es una gran película. A estas alturas después de vítores y adulaciones sobra decirlo, ahora solo falta que algún premio grande respalde esta producción de Netflix que hasta se plantea en forma de serie para su visionado en la plataforma tras su paso por salas de cine.
Engancharse a esta película es quedarse sumergido en los trasuntos de toda una vida. Una vida de los protagonistas y del propio cineasta que la ha creado, Martin Scorsese. Como un estudiante loco por mostrar todo lo aprendido el director neoyorkino aplica todo lo asimilado durante una excelsa carrera. ‘El irlandés’ goza de todas las virtudes de un excelente narrador de historias, de esos que hacen que una película parezca el recuerdo de nuestras propias vivencias, más real que la misma historia real en la que se basa. Esto tampoco sería posible sin la mano en la escritura de Steven Zaillan (‘American Gangster’, ‘Gangs of New York’), que hace que en tres horas y media no necesitemos un clímax concreto y que no se perciba en ningún momento que nos cuentan lances sobrantes. Eso sí, para los no acostumbrados a un cine sosegado y construido quizá es recomendable cambiar las palomitas por un café bien cargado.
En ‘El irlandés’ vemos una vez más esa especie de obsesión del director y el guionista por las historias cotidianas de los bajos fondos y la mafia. Muy unido a la realidad está el relato que se atreve a arrojar luz sobre la desaparición de un nombre muy incrustado en la cultura popular norteamericana como es el de Jimmy Hoffa. Hemos oído citarle, casi siempre con humor negro, en ‘Los Simpsons’, ‘Los Soprano’, ‘Breaking Bad’, ‘Fringe’, ‘Frasier’, ‘Ghost’… Y ahora Scorsese arriesga sabiendo el magnetismo y el morbo que despierta esa figura.
Aunque realmente ha hecho algo cómodo para él. Ha contado con un elenco que cuenta con muchos de sus amigos o habituales (Robert de Niro, Joe Pesci) y se ha rodeado de un diseño de producción muy propio de su filmografía. Pero por otro lado me encanta ver como un director con tanta solera es capaz de adaptarse a los nuevos tiempos en lo que a técnica se refiere. Y es que además del modo en cómo está rodado el filme vemos caras rejuvenecidas digitalmente. La película se abre y cierra con el título ‘I heard you paint houses’ haciendo referencia a la novela de Charles Brandt de la que se extrae. Y efectivamente el principal protagonista de la cinta, Frank Sheeran (Robert de Niro) parece que además de contarnos la historia a nosotros se la narra al escritor para que transcriba sus palabras. En ese recorrido vemos varias etapas de la vida del sicario de la mafia y es por eso que se ha rejuvenecido digitalmente a varios de los principales actores. El trabajo de CGI es apabullante, deja como un trabajo con Paint a muchos de los deepfakes que pululan por Internet. El problema es que, sobre todo en casos como el de De Niro, los movimientos del cuerpo son excesivamente de hombre de avanzada edad, no concuerdan con el rostro joven que vemos. Sin embargo Pesci lo ha hecho mejor en casi toda la película, si se me permite decirlo, ostenta para mí la mejor interpretación. Podría parecer que a quien más se le debería exigir es a Al Pacino, que es quien interpreta al famoso Hoffa, pero este se sale muy poco de su estilo habitual, aunque con ello brille.
‘Joker’ referenciaba mucho al cine de Scorsese y lo imitaba hasta el punto de conseguirle nuevos fans al director. Pero ‘El irlandés’ llega justo después para demostrar que no hay nada como el propio Scorsese para hacer uso de lo que hasta se puede considerar una auténtica imagen de marca.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de noviembre de 2019 (cines) 27 de noviembre de 2019 (Netflix). Título original: The irishman. Duración: 210 min. País: EE.UU. Dirección: Martin Scorsese. Guion: Steven Zaillan. Música: Robbie Robertson. Fotografía: Rodrigo Prieto. Reparto principal: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel, Ray Romano, Bobby Cannavale, Anna Paquin, Stephen Graham, Stephanie Kurtzuba, Jack Huston, Kathrine Narducci, Jesse Plemons, Domenick Lombardozzi, Paul Herman, Gary Basaraba, Marin Ireland. Producción: Netflix, Sikelia Productions, Tribeca Productions. Distribución: Netflix. Género: drama, hechos reales. Web oficial:www.netflix.com/theirishman
Un año después de resolver los crímenes que aterrorizaron al pueblo de Baztán, la inspectora Amaia Salazar acude embarazada al juicio contra Jason Medina, el padrastro de Johana Márquez, acusado de violar, mutilar y asesinar a la joven imitando el modus operandi del basajaun. Pero, tras el suicidio del acusado, el juicio debe cancelarse, y Amaia es reclamada por la policía porque se ha hallado una nota suicida dirigida a la inspectora, una nota que contienen un escueto e inquietante mensaje: “Tarttalo”. Esa sola palabra destapará una trama terrorífica tras la búsqueda de la verdad.
Crítica
‘Legado en los huesos’ nos hace regresar a un Elizondo mucho más oscuro
Dos años después volvemos al Valle del Baztán y de nuevo coincidimos con Amaia Salazar unos meses después de haber logrado terminar el caso del Basajaun. Volviendo a su trabajo después de ser madre, la investigadora tendrá que enfrentarse a un nuevo misterio que esta vez viene a atacarla directamente a ella y a su familia.
En esta trama conoceremos mucho más del pasado de Amaia y entenderemos muchos de los sueños que pudimos ver en ‘El guardián invisible’ . Con ellos comprenderemos los grandes miedos y obsesiones de esta mujer.
‘Legado en los huesos’ sigue la estela de su primera parte y no ha perdido para nada el espíritu y sobriedad que ‘El guardián invisible’ tenía.
Continuando con el anterior párrafo, todo sigue igual de bien gracias a que tanto director, guionista y actores siguen dentro del proyecto, tanto, que está cinta se ha grabado conjuntamente con la tercera parte.
Marta Etura vuelve a reencarnarse en Amaia Salazar, una mujer fuerte y sin escrúpulos que en esta segunda parte vemos como evoluciona al tener una pequeña criatura a su cuidado. Sus miedos salen de su escondite para demostrarnos que en el fondo es una mujer frágil.
Elvira Mínguez, Miquel Fernández, FrancescOrella, Pedro Casablanc, Nene, Itziar Aizpuru, vuelven a la saga con más misterio del norte español. Pero también tenemos caras nuevas en esta cinta que vienen para quedarse, Leonardo Sbaraglia e Imanol Arias nos regalan dos personajes misteriosos e interesantes a partes iguales.
Como lectora del libro debo de decir que pese a que la película puede ser algo liosa, al final todo cuadra y se debe de reconocer el buen trabajo de Luis Berdejo a la hora de escribir el guión. El libro tiene un montón de historias secundarias que el guionista ha sabido compactar o quitar sin desmerecer nada la historia principal y el relato de Dolores Redondo.
Otra de las cosas a destacar es toda la atmósfera de la película, no solo nos la muestran los actores con su sobriedad, si no también toda la lluvia, la oscuridad, esa sensación que da ver Elizondo todo el día con agua por todos lados, como si una maldición estuviese acuciando no solo a las personas que viven allí, sino a todo el entorno natural.
Xavi Giménez es el encargado de la dirección de fotografía. Esta vez no se impone tanto la naturaleza como las personas, el daño que está haciendo el Tartallo es más psicológico y eso lo podemos ver gracias a los retratos de todos nuestros protagonistas que Xavi Giménez compone en la cinta.
Fernando González Molina nos da un buen thriller para poder ver en el cine. Una historia muy interesante y misteriosa que nos dejará con ganas de más.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre 2019. Título original: Legado en los huesos. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Fernando González Molina. Guion: Luis Berdejo (novela de Dolores Redondo). Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Xavi Giménez. Reparto principal: Marta Etura, Leonardo Sbaraglia, Elvira Mínguez, Pedro Casablanc, Francesc Orella, Paco Tous, Carlos Librado “Nene”, Itziar Aizpuru. Colin McFarlane, . Producción: Atresmedia Cine, Nadcon Film, Nostromo Pictures. Distribución: DeAplaneta. Género: Misterio. Web oficial: http://www.legadoenloshuesos.com/
Sara (Greta Fernández) ha estado sola toda su vida. Tiene 22 años y un bebé, su deseo es formar una familia normal junto a su hermano pequeño y el padre de su hijo. Su padre, Manuel (Eduard Fernández), tras años de ausencia y al salir de la cárcel, decide reaparecer en sus vidas. Sara sabe que él es el principal obstáculo en sus planes y toma una decisión difícil: alejarlo de ella y de su hermano.
Crítica
No me ha robado ni el corazón ni el interés
Padre e hija en la realidad y ahora también por primera vez en la ficción. Eduard y GretaFernández actúan juntos en ‘La hija de un ladrón’. Si Eduard Fernández acostumbraba a robarnos nuestros aplausos ahora ejerce de auténtico ladrón en la película de Belén Funes en la que el personaje de Greta tiene la difícil papeleta de marcar las distancias con un padre que puede ser el impedimento para llevar la vida que ella quiere. Funes ha estado haciendo las veces de asistenta de dirección de autores como Jaume Balagueró o Paco Plaza y ahora se estrena con su primera película dirigida íntegramente por ella.
El filme está sobre todo protagonizado por Greta Fernández. En torno a ella giran los actores que hacen del padre de su hijo, de su hermano, de sus compañeras de piso… La historia no profundiza en otros personajes que no sea el suyo, como era de esperar al leer el título. Ni siquiera necesita hablarnos de ese padre, delincuente, que ha salido de la cárcel y no nos dicen debido a qué, se intuye evidentemente que por haber robado algo como indica el título. Pero el título a mi me hace también referencia al tiempo robado, a esa vida familiar que les ha arrebatado el personaje de Eduard Fernández a sus hijos dejándoles solos. Porque al fin y al cabo la película el único discurso que maneja bien es el de alguien que tiene miedo a quedarse desamparado o solo. Y para eso desarrolla un continuo tira y afloja de la protagonista con el resto del mundo.
‘La hija de un ladrón’ nos habla de una historia totalmente mundana, ordinaria, que puede ser aquel chismorreo sobre un conocido o vecino que te han llegado a contar. De igual modo que la película es realista, muy creíble, muy tangible tenemos la sensación de que vemos una historia poco trascendental, poco transgresora y carente de interés. Esa falta de atractivo en su argumento no va acompañada de unas interpretaciones fuera de lo común. De hecho, sobre todo en el caso de Greta Fernández, tenemos una actuación en la que vuelve a llevarse a su personaje a lo mismo de siempre. Esto es. Cada vez que interpreta un nuevo papel lo aborda desde un tono que dota a sus personajes de bordería e inexpresividad. Y esto lo he podido comprobar en trabajos recientes y relevantes como ‘Matar al padre’ o ‘Elisa y Marcela’.
‘La hija de un ladrón’ ya le ha servido a Greta Fernández para ganar algún que otro premio, entre los que destacan la Concha de Plata. Personalmente no comparto esos reconocimientos. No me ha transmitido emoción ni le he visto sustancia al filme.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de noviembre de 2019. Título original: La hija de un ladrón. Duración: 102 min. País: España. Dirección: Belén Funes. Guion: Belén Funes, Marçal Cebrian. Fotografía: Neus Ollé. Reparto principal: Eduard Fernández, Greta Fernández, Álex Monner, María Rodríguez Soto. Producción: Oberon Cinematográfica, BTeamProds. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial:http://bteampictures.es/la-hija-de-un-ladron/
Primer año de instituto, verano. Hodaka huye de su casa en una isla periférica para asentarse en Tokio. Sumido en la pobreza y tras muchos días de soledad, al fin encuentra trabajo como escritor freelance en una dudosa revista de ocultismo. Un día tras otro, llueve sin cesar como si siguiera el ejemplo de su vida. Sin embargo, Hodaka conoce a una chica entre el ajetreo y el bullicio de la gran ciudad. Hina es una chica alegre y de carácter fuerte que vive sola con su pequeño hermano por una serie de circunstancias. Ella también tiene un extraño poder. «Oye, todo se despejará ahora». Poco a poco, la lluvia se detiene y el paisaje urbano emite un hermoso resplandor. Hina tiene el poder de despejar el cielo simplemente rezando…
Crítica
MakotoShinkai se consolida como un poeta de lo visual y de lo fantástico
MakotoShinkai fue el director del gran éxito de animación japonesa ‘Your name’. Ahora bajo el sello de la misma productora, CoMix Wave Films, estrena nueva película en España tras pasar por varios festivales permaneciendo muy en la línea de su último trabajo. ‘El tiempo contigo’ supone una historia de amor con mucho toque fantástico que además rinde homenaje a aquellos que aman lo misterioso y lo desconocido.
A parte de ‘Your name’ (algunos personajes de esta se cruzan con los de ‘El tiempo contigo’) va muy en sintonía con películas modernas como ‘A silent voice’, ‘Quiero comerme tu páncreas’, ‘Mirai’ o ‘Fireworks’. Simulación de amplios movimientos de cámara, ambientes realistas, argumentos con protagonistas adolescentes, muy vivarachos y casi siempre, no en todos los casos, con un componente de ciencia ficción que les une. Pero sobretodo es la gran capacidad visual de los estudios nipones la que hace que estemos ante una nueva generación de portentos animados. En concreto en ‘El tiempo contigo’ se ha hecho un espectacular trabajo con la ciudad de Tokio, las nubes y con elementos como el agua o la luz. Son muchas las escenas en las que el líquido elemento está muy presente, constantemente diría yo, pero hay otros espectáculos como los fuegos artificiales, que últimamente aparecen en casi todos los animes.
Esta película que Japón quiere poner en los Oscars 2020 se ambienta en un extraño verano de aguaceros y tormentas. La lluvia no cesa mientras conocemos a un huidizo chiquillo, un reportero de lo insólito que trabaja con su sobrina y una joven que es capaz de detener la lluvia por unos instantes en la zona en la que se halla. La concepción de los personajes está bastante estilizada y siempre están rodeados de ricas texturas y de una alta cantidad de detalles. Los japoneses son considerados por películas así como maestros de la animación.
Reconozco que me trago todo tipo de cine, pero en concreto en el anime me ganan más con una narración tipo Seinen o Shōnen. Está claro que el género al que pertenece ‘El tiempo conmigo’ no es mi género, está más cerca del anime del tipo Shojo con una historia de amor como hilo central. El título no habla solo de la capacidad de la protagonista para parar la lluvia, también habla del periplo de tiempo que pasan los protagonistas juntos y que sirve para desarrollar un amorío. El filme tiene también un ligero toque de los animes Ecchi, por el carácter tontorrón y a veces mirón de su protagonista masculino. Es un anime que puede parecer para adolescentes pero tiene toques muy adultos . Shinkai ha logrado moverse bien en estos parámetros generando un interés continuo, no aburre, no llega a ser pasteloso, del tipo Shojo i josei.
El director ha vuelto a emplear una banda sonora realizada por Radwimps. No es que yo tienda a disfrutar los temas pop pero al menos los de este filme no te sacan de la historia y no se abusa de ellos. En lo que se refiere al resto de canciones que componen la música de la película me parece muy correctos, acompañan a la poesía visual que domina el filme.
No sé si llegará a los Oscar, desde luego de hacerlo no creo que se imponga a películas como ‘Parásitos’. Pero al menos ya ostenta el logro de ser la primera película anime estrenada de un modo oficial en cines de la India, alguna tenía que conseguirlo y esta no es moco de pavo.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de noviembre de 2019. Título original: Tenki no ko (Weathering With You). Duración: 112 min. País: japón. Dirección: Makoto Shinkai. Guion: Makoto Shinkai. Música: Radwimps. Fotografía: Ryôsuke Tsuda. Producción: CoMix Wave Films. Distribución: SelectaVisión. Género: animación, drama, fantasía. Web oficial:https://www.selecta-vision.com/prensa/post/el-tiempo-contigo
Cuando el renombrado novelista de misterio Harlan Thrombey (Christopher Plummer) es encontrado muerto en su mansión justo después de su 85 cumpleaños, el inquisitivo y cortés detective Benoit Blanc (Daniel Craig) es misteriosamente reclutado para investigar. Entre la familia disfuncional de Harlan y su devoto personal, Blanc se mueve entre una red de pistas falsas y mentiras interesadas para tratar de descubrir la verdad tras la prematura muerte de Harlan.
Crítica
‘Puñales por la espalda’ es una magnífica modernización de un género muy clásico
Podría decir que esta es la primera película en la que aparece Ana de Armas que quedo completamente contento y además satisfecho con la actuación de la protagonista. ‘Puñales por la espalda’ tiene un reparto enorme pero la atención recae claramente en la actriz cubana. La película escrita y dirigida Rian Johnson abre con la actriz para dejarla después un poco en suspense y seguidamente emplearla permanentemente como el centro de atención. Esta es una película muy coral donde vamos dados de la mano a De Armas y un excelente Daniel Craig.
Es un filme en el que hay que desentrañar una muerte, el enigma a resolver son sus causas y sus ejecutores, si es que los hay. Para ello se tira de manual y se ponen sobre el tablero unas fichas que parecen sacadas del cluedo o de cualquier otra historia clásica de Agatha Christie, Sherlock Holmes o Jessica Fletcher. Un detective perspicaz y peculiar reúne a un variopinto clan para esclarecer lo que ha sucedido en la casa del cabeza de familia. Una casa con mucho atractivo visual, llena de detalles y de los recuerdos de un escritor de novelas de secretos y asesinatos. Puede parecer algo muy trillado pero ‘Puñales por la espalda’ está muy lejos de resultar manida. Es una película muy fresca que hace constantemente referencia y homenaje al cine policíaco y de misterio. Se ríe abiertamente del tipo de películas a las que pertenece pero desde un respeto auténtico.
El tono del filme es cómico pero mantiene paralelamente un tenso drama y por supuesto una intriga que va despejándose o complicándose según van apareciendo más y más giros de guión. El libreto tiene la maestría de hacernos sentir ante un relato con elementos muy previsibles y en esa predisposición en la que nos coloca nos pilla desprevenidos. Rian Johnson consigue sorprender, encaja muy bien las piezas, mucho mejor que en complejas producciones como ‘Looper’ o ‘Los últimos jedi’.
‘Puñales por la espalda’ es una grata modernización de un género muy clásico. Es capaz de saltar con un ritmo actual de un personaje o de un momento a otro. Cuando pensamos que hemos cerrado la historia de alguno de sus protagonistas nos aborda con novedades y no se deja ningún detalle por cerrar o explicar. Esa es la razón por la que, aunque tengamos gran parte de la verdad ante nosotros, necesitamos seguir viéndola, para saber cómo acaba todo el intríngulis que se ha generado y para descubrir al cien por cien cómo ha llegado cada trama del punto de partida al instante final. Y con un reparto tan simpaticón, carismático y entregado a esta comedia tan elaborada no es de extrañar que la película enganche: Ana De Armas, Daniel Craig, ChrisEvans, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collete, Christopher Plummer, Jaeden Martell… Todos son capaces de ejercer las extravagancias de la familia Thrombey, de aportar su granito de misterio y de contribuir poco a poco y con gracia a la gran revelación final.
Al margen de involucrarnos con nuestras sospechas y teorías en la película, Rian Johnson es capaz de introducir en este filme un mensaje social. Una lección de karma, prejuicios y sesgos que mantiene hasta el final con un plano muy clarificador en el que Ana de Armas está por todo lo alto. Me gusta como ha tirado de sarcasmo en ‘Puñales por la espalda’ y en cómo juega con el espectador. Siempre tendría que haber propuestas así de alocadas y tan bien planificadas en el cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de noviembre de 2019. Título original: Knives Out. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Rian Johnson. Guion: Rian Johnson. Música: Nathan Johnson. Fotografía: Steve Yedlin. Reparto principal: Ana De Armas, Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collete, Christopher Plummer, Jaeden Martell, Katherine Langford, Rikki Lindhome, Lakeith Stanfield, Frank Oz, Noah Segan, M. Emmet Walsh. Producción: Filmnation Entertainment, Ram Bergman Productions, Media Rights Capital (MRC). Distribución: eOne Films. Género: misterio, crimen. Web oficial:https://knivesout.movie/
¿Existen restos de pirámides alienígenas en la región de Murcia? Descúbrelo en el insólito documental ‘Pirámides Murcianas’. Un recorrido por los lugares más enigmáticos de Murcia, tratando de dar respuesta a lo inexplicable.
Exponemos nuestro periplo sucedido en los lugares más enigmáticos de la Región de Murcia.
Barajando diferentes hipótesis, planteamos la posibilidad de la existencia de estructuras piramidales modificadas por el paso del tiempo; atravesando el prisma de la traslación temporal, encontramos los lugares que dan pie a nuestra teoría.
Este documental está conducido por el investigador Miguel G. Díaz, quien recorriendo la Región, encuentra las localizaciones que demuestran la viabilidad de este planteamiento; cruzando unas veces la frontera de lo quimérico y explorando otras opciones que anteriormente podríamos considerar intransitables.
Asimismo, cuenta con la cooperación de expertos en materias diferentes, como son: Isabel de Farnesio, Liana Guadaño e Íñigo Rodríguez.
Sin dejar de lado el humor, Las Pirámides Murcianas nos sumergen en un universo nuevo, donde nada es lo que acostumbramos a ver y todo toma un nuevo significado.
Nuestra propuesta comienza a finales del verano de 2016 en el núcleo de dos formaciones de música electrónica que cuentan con un amplio bagaje en la escena de clubes y festivales: Substuff y Los Puzzle.
Nace con la intención de proyectar sus temas a una nueva dimensión, repleta de misticismo, proporcionando un reto intelectual para ellos, como es la creación de una obra cinematográfica de calidad.
Esta iniciativa crece a lo largo de los años sucesivos entre un equipo artístico de profesionales de la imagen y del sonido, que incorporan en cada pieza una porción de sí mismos, consiguiendo así que el espectador no quede indiferente.
Esperamos que disfrutéis tanto como nosotros con esta experiencia.
Crítica
De pirámides murcianas con marcianos
Nacida realmente como una iniciativa para promocionar un álbum musical y surgida de la imaginación del director que mientras iba al trabajo vio una montaña con forma piramidal, se ha gestado ‘Pirámides murcianas’. Un documental de ficción con un inmenso sentido del humor y una forma de narrar tan descabellada como los argumentos que esgrime.
La banda sonora de ‘Pirámides murcianas’ realizada por formaciones de música electrónica podría formar parte de un space opera de los ochenta. Y precisamente al espacio nos lleva una y otra vez, pues como si de un documental del Canal Historia se tratase, alude una y otra vez a la mano de los extraterrestres para dar voz a este pasmoso descubrimiento que se llega a relacionar con el mismísimo origen del ser humano.
Nombres como los Anunnaki, los cartaginenses o los egipcios están entremezclados con los «alienígenas ancestrales» y los pachequeros en esta disparatada teoría que afirma que podría haber diferentes pirámides en la región de Murcia. Tapadas con el paso del tiempo por la naturaleza, degradadas por la acción minera del hombre estas pirámides permanecen ocultas a nuestra vista y a nuestra lógica. El documental expone un sin fin de explicaciones y razonamientos de lo más disparatados entorno a enclaves como el Cabezo Gordo. Para ello pone sobre la mesa datos o casos reales como las pirámides bosnias para después usarlas a su favor de un modo treméndamente hilarante, inventándose razonamientos o tirando de pseudociencia.
Un investigador vestido como un Coronel Tapioca de Decathlon interpretado por el mismo director Miguel Guirado nos va explicando sus hipótesis. En ‘Pirámides murcianas’ estamos rodeados de simulaciones y recreaciones generadas por ordenador, es como si estuviésemos viendo un programa de las primeras temporadas de Cuarto Milenio, sin necesidad de aludir o reírse de este tipo de periodismo. Os podría decir que esta es una historia donde te empiezas a creer lo increíble, pero es que es todo tan descabellado que se percibe su evidente carácter paródico.
Si tenéis ocasión de ver la película en algún pase especial y os ponen la escena eliminada (por motivos de calidad de audio) en la que aparece Gustavo Biosca (el cómico suicida) la disfrutaréis aún más. Y si se lanzan a hacer la segunda parte que ya barruntan sus creadores os prometemos que nos la vemos en maratón con esta primera.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de marzo de 2019 (festivales). Título original: Pirámides murcianas. Duración: 7 min. País: España. Dirección: Miguel Guirado, Liana Guadaño. Guion: Miguel Guirado, Liana Guadaño. Música: Igor Gayarre, Technebro, Substuff, Los Puzle, Dr. Nipples. Fotografía: Simón Escudero. Reparto principal: Miguel Guirado, Liana Guadaño, Isabel de Farnesio, Íñigo Rodríguez, Gustavo Biosca. Producción: Biterat, Substuff. Género: documental, comedia. Web oficial:http://substuff.es/piramides-murcianas/
Historia de un matrimonio es un retrato sensible e incisivo del cineasta nominado al Óscar, Noah Baumbach, sobre un matrimonio que se rompe y una familia que permanece unida. La película está protagonizada por Scarlett Johansson y Adam Driver. Completan el reparto Laura Dern, Alan Alda y Ray Liotta.
Crítica
Excelente película donde el amor y el dolor van de la misma mano
Según avanzaba ‘Historia de un matrimonio’ me venía todo el rato esta estrofa de M-Clan a la cabeza «Pero la realidad es que un muro de amor, no ha podido aguantar tanto tiempo la erosión«. Y es que está cinta va de eso, de un matrimonio que se quiere pero que ya no da más, la erosión ha destrozado todo lo que tenían y lo vas viendo segundo a segundo.
NoahBaumbach nos trae una historia demoledora, un relato de amor lleno de dolor. Capaz de hacerte llorar y a los pocos segundos tener que soltar una carcajada gracias a un guión que recorre la vida de dos personas durante el duro trámite de su divorcio. Ninguno de los dos quiere hacerse daño. Ninguno de los dos quiere dejar de ver a su hijo y al final deciden acudir a abogados para llegar a un acuerdo.
Una dura crítica hacia el mundo de las leyes, donde los abogados son auténticos monstruos que convencen a unos y a otros de como se tienen que hacer las cosas, que pedir o intentar hundir al contrincante con tal de no perder y llevarse el renombre.
ScarlettJohansson y AdamDriver están fabulosos, de nominación al Oscar obligados ambos y ojalá se lo llevaran. Ambos dan naturalidad a esta historia, sus miradas, sus gestos de cariño y de odio, sus lágrimas, son tan reales que te crees todas las situaciones que ocurren en la cinta. Ojalá verles trabajar juntos de nuevo, tienen una química estupenda.
Y qué decir de LauraDern, si pido el Oscar para los dos protagonista, sería un error no dárselo esta mujer. Está impresionante como la abogada Noah, un papel de una mujer segura de sí misma, despiadada y que se desvive por su trabajo.
En el reparto también encontramos a RayLiotta, otro de los abogados que tan mal hacen en esta relación y a JulieHagerty (‘Aterriza como puedas‘) como la madre hippie y extraña de Nicole, el personaje de Scarlett. También encontramos nombres como MerrittWever, WallasShawn, AlanAlda o RobertSmigel.
El guión es una verdadera montaña rusa de tantas emociones que sentimos al verla, me parece un gran acierto introducir esos momentos humorísticos para despejarnos un poco de tanto sufrimiento.
Pero no solo el guión consigue esto, sino que la música de RandyNewman, que decir del compositor de las bandas sonoras de ‘ToyStory’ o ‘Pleasantville’. Una maravilla, llena de tristeza sí, pero también llena de esperanza.
Poco más que decir, que ojalá se lleve muchos premios, por muy difícil que lo tenga este año. El 22 de noviembre la tendréis en varias salas de cine y a partir del 6 de diciembre podréis disfrutadla en Netflix, no perdáis la oportunidad e ir a verla.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre. Título original: Marriage Story. Duración: 136 min. País: Estados Unidos. Dirección: Noah Baumbach. Guión: Noah Baumbach. Música: RAndy Newman. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Scarlett Johansson, Adam Driver, Laura Dern, Merrit Wever, Alan Alda, Mary Hollis Inboden, Amir Talaj, Ray Liotta. Producción: Netflix. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80223779
Desde muy joven, Paco ha sufrido problemas de pulmón. A los 24 años padeció un serio problema que lo colocó a las puertas de la muerte. Los médicos informaron que no había muchas expectativas. Rosa, su hermana, le comentó entonces que había que resistir, que la vida era demasiado valiosa como para dejarla escapar. Se prometieron mutuamente que, a partir de ese año, celebrarían cada anualidad su fiesta de cumpleaños como un festejo por haber resistido un año más. Y así lo hicieron, ese año celebraron el 25º aniversario por todo lo alto y así han seguido hasta el día de hoy.
Paco falleció a los 54 años de edad en pleno rodaje del documental pero se pasó la vida resistiendo. Además de sus problemas de salud, se enfrentó a los repudios de un sistema por el solo hecho de tener un cromosoma más en el par 21. En este sentido, en el sistema actual, ha habido avances, no los suficientes y el debate aún sigue vigente, pero Paco ha tenido que sufrir en sus carnes los señalamientos a su persona durante muchos años, en un país que intentaba dejar atrás una dictadura. Resistir por ser advertido como…diferente.
Crítica
Un tierno tratamiento de una lucha contra las barreras
Año 19 del siglo XXI, España. Dentro de un país que se tiene como avanzado o del primer mundo hay que dar ejemplo y romper barreras para acabar con todos aquellos sesgos, tópicos y tabúes con los que hemos crecido, que hemos heredado y eso hay que admitirlo sin pelos en la lengua. Para crecer como sociedad hemos de normalizar determinadas situaciones que hoy en día se distinguen como raras o diferentes. Uno de esos casos es el de personas con síndrome de down y ‘Un año más’ destaca una lucha entre muchas otras para intentar acabar por fin con todos los obstáculos.
Paco convivía con su hermana y con una afección pulmonar. Su gran pasión era la música como la de Manolo Escobar y la pintura. Su estilo de dibujo limpio y cubista le valió varios premios y exposiciones incluso en el extranjero. Premios que ganó sin tener que dar lástima por su síndrome de down y que han hecho que se ganase el respeto de muchos.
Lo que nos cuenta la película es una historia de resistencia que Paco Bernal mantuvo hasta su muerte durante el rodaje de este mismo documental. Una lucha en la que junto a su hermana Rosa Bernal se enfrentó a prejuicios y dificultades físicas causadas por un adenocarcicoma producido cuando él tenía 24 años. Tras aquella enfermedad Paco y sus amigos celebraron cada cumpleaños por todo lo grande, así hasta los 54, fiesta que vemos cómo se vive y se prepara.
El mensaje al que da voz Julio Suárez me parece claro. El modo no me parece del todo correcto. Está bien que haya imágenes que filmen fotografías o vídeos caseros que nos muestren el carácter tan afable del pintor afincado en Denia. Pero el documental tiene demasiado relleno, hay escenas que están excesivamente alargadas, pero puedo entender que tal vez no se consiguió metraje suficiente.
‘Un año más’ me parece un sentido homenaje pero por encima de todo me parece un tratamiento de una persona adulta con síndrome de down rara vez había visto antes en cine. Una manera de inmortalizar una lucha de él y de aquellos que le acompañaron hasta tal modo que se elimine el estigma que sufren aquellos que son como Paco, que como decía el título del documental de ‘Campeones’, no son ni distintos ni diferentes.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre de 2019. Título original: Un año más. Duración: 73 min. País: España. Dirección: Julio Suárez. Guion: Julio Suárez. Fotografía: Aniol Pla-Gilbert Agüero. Reparto principal: Paco Bernal, Rosa Bernal, Angi Salazar, Jordi Mata, Carlos Muñoz. Producción: LGC Films. Distribución: Begin Again Films. Género: documental. Web oficial:http://beginagainfilms.es/un-ano-mas/
El 11 de mayo de 1896, en el circo Price, propiedad del ciudadano inglés William Parish, el húngaro Edwin Rousby, utilizando un animatógrafo, proyecta las primeras imágenes en movimiento que pudieron verse en España. A partir de este hecho, nuestro narrador, Antonio Resines, va desgranando anécdotas hasta lograr componer una asombrosa historia, la de nuestro cine. Esta narración se mezcla con testimonios de directores, actores y productores que van ilustradas con imágenes de las películas a las que se va haciendo referencia.
Crítica
Antonio Resines entre amigos nos cuenta la historia de nuestro cine
Hace poco os hablábamos de ‘Sesión salvaje’ un documental sobre el cine de «serie B» español. Hoy os traemos ‘Historias de nuestro cine’, un documental bastante más extenso dirigido por Antonio Resines y Ana Pérez-Lorente, que fue presentado en la sección Made in Spain del Festival de San Sebastián,
Durante dos horas daremos una pequeña vuelta sobre la historia del cine en España. La primera película rodada aquí, la primera cinta expuesta en una sala española, en concreto en el Circo Price, la censura y varias curiosidades que se nos irán mostrando durante las dos horas de documental.
AntonioResines se encarga de llevar un sin fin de entrevistas con artistas de la talla de FernandoTrueba, DavidTrueba, GraciaQuerejeta, CarlosBoyero, JesúsBonilla, FernandoColomo, LolesLeón, EnriqueCerezo, AnaBelén, MaribelVerdú, CarmenMaura o JoséCoronado entre otros.
La verdad que se hace muy ameno, divertido y con grandes anécdotas de los rodajes y de las películas.
Nos hablan de Segundo de Chomón, ChapaloFilms, como apareció el doblaje en las películas, también conoceremos las películas favoritas de los artistas invitados.
Me ha gustado mucho la manera de cómo han llevado el documental, como he dicho muy divertido, se nota que son amigos entre sí y contestan libremente y entre risas a todas las preguntas que les hace Resines. La naturalidad ante todo es lo que vemos en este documental.
Gracias a estos «interrogatorios» a los artistas conocemos cosas como que Franco guionizó una película que el mismo censuró. O lo divertido que era Fernando Fernán Gómez o las primeras películas de Carmen Maura o Verónica Forqué.
Quizás sea difícil hacer llegar este documental al público general de las salas de cine, lo veo un poco específico para un público más cinéfilo y con ganas de aprender sobre el cine patrio. Pero no quita que pueda divertir y entretener a todo el mundo. Es muy interesante y ameno. Sin duda una muy buena opción para ver en las salas y salir deseando ver las películas sobre las que se hablan.
Yo solo espero que Antonio Resines y Ana Pérez-Lorente se decidan hacer una segunda parte de este documental para seguir conociendo nuestro cine y sus divertidas historias.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre 2019. Título original: Historias de nuestro cine. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Antonio Resines y Ana Pérez-Lorente. Guión: Ana Pérez-Lorente, Antonio Resines. Música: Emilio Aragón. Fotografía: Juan Molina. Reparto principal: Verónica Forqué, Maribel Verdú, Carmen Maura, Julia Gutiérrez Caba, David Trueba, Fernando Trueba, Antonio Resines, Gracia Querejeta, Carlos Boyero, El Gran Wyoming, Emilio Martínez-Lázaro, Emilio Gutiérrez Pereira, Fernando Colomo, Ana Belén, Fernando Méndez-Leite, Loles León, José Luis García Sánchez, Luis Alegre, Enrique Cerezo. Producción: Enrique Cerezo P.C. Distribución: Universal Pictures. Género: Documental.
Sevilla. La muerte accidental de una niña en la barriada de Las Tres Mil Viviendas cae en manos de Eli, una inspectora que tendrá que lidiar con los recelos de Juan, padre de la niña fallecida y cabeza de familia del clan de Los Santos. El choque entre Eli y Juan por esclarecer la muerte de la pequeña, destapará ante ambos toda una red de secretos y mentiras que transitan a lo largo de la delgada y difusa línea que es la justicia.
Crítica
He sentido la pena y la ira de sus personajes
A todos los que tenéis prejuicios contra actores jóvenes españoles, yo os digo Adiós. A todos los que a estas alturas no conocéis el nombre de Paco Cabezas, yo os digo Adiós. Así de contundentemente os recomiendo este último estreno producido por Apache Films. No calificaría la nueva película del director sevillano como el filme del año pero si me parece una buena demostración de cómo puede hacerse cine en nuestra España más arraigada sin caer en los viejos tópicos y reforzando el valor de actores tan potentes como Mario Casas y Natalia de Molina.
Esta es una historia de cólera y dolor, de padres hijos y matriarcas, donde la ley callejera y gitana mantiene un pulso con los designios de la policía. Las Tres Mill Viviendas se presentan como un marco ideal en el que sus residentes arrojan lo poco que tienen, los escombros de su existencia a aquellos que no son bienvenidos. En ese escenario los protagonistas pierden la estrella polar que orientaba su vida y esta se llena de un ansia ciega de venganza, justicia y consuelo.
En esta historia de redención, custodia paternal y daño colateral nos rodea una vileza muy bien plasmada por Paco Cabezas y su excelente manera de rodar. Quizá a mi me sobren sus momentos musicales o las demasiadas escenas íntimas que se emplean para procurar sostener el drama a través de las apariciones de Natalia de Molina, pero es indudable que no hay escena en la que la cámara esté mal puesta o la secuencia no tenga el ritmo apropiado.
Sí que hay que admitir que el guión se amolda a muchas y muy estereotipadas historias de venganza, en las que el malo puede ser cualquiera, pero ‘Adiós’ no va de descubrir al malhechor teniendo una sorpresa final, va de acompañar a dos padres en su camino de despedida, o al menos así lo entiendo yo. Es un duelo cubierto de vendetta y supervivencia. Yo he sentido la pena y la ira de todos y cada uno de sus personajes.
He mencionado a Casas y Molina pero Ruth Diaz también vuelve a perfilarse como otra de las puestas seguras de nuestro cine. Papel que coge papel que hace que gane presencia en pantalla y en la trama. Obviamente los protagonistas son los padres que buscan justicia y sus actores lo hacen notar con interpretaciones en las que su acento andaluz no está exagerado ni estereotipado, como había oído decir a algunos que habían visto antes la película, no es esa mi opinión y lo ponía en duda siendo el director y algunos actores naturales de Andalucía.
Los tres actos del filme nos llevan por unas barriadas de luces y sombras en las que la luz que pasa a través de sus preciosas cristaleras deja pasar solo pequeños rayos de esperanza a sus habitantes. El viaje dura lo que una calcomanía y la vileza o la bajeza se adhiere de igual manera a la piel. A la salida de la película querríais daros un buen baño de agua y luz pero la última escena os va a ahorrar esa sensación porque se despide de un modo renovador y emotivo.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre. Título original: Adiós. Duración: 111 min. País: España. Dirección: Paco Cabezas. Guion: José Rodríguez, Carmen Jiménez, Paco Cabezas. Música: Zelita Montes. Fotografía: Pau Esteve Birba. Reparto principal: Mario Casas, Natalia de Molina, Ruth Díaz, Carlos Bardem, Mona Martínez, Vicente Romero. Producción: Apache Films, Adiós La Película AIE, La Claqueta, Sony Pictures International Productions, RTVE, Movistar+, ICAA, Orange, Junta de Andalucía. Distribución: Sony Pictures. Género: thriller, drama. Web oficial:http://www.sonypictures.es
Stéphane acaba de unirse a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia de Montfermeil, un suburbio al este de París. Allí conoce a sus nuevos compañeros, Chris y Gwada, dos agentes experimentados en las enormes tensiones que existen entre los distintos grupos organizados por el control del barrio.
Crítica
A estos miserables les falta pan y les sobra circo
A partir de la incorporación de un policía de provincias a su nuevo puesto en una unidad de París Ladj Ly nos sumerge en las zonas más marginales de la capital francesa. Con una mecánica muy similar a la de ‘Training day’ vemos a través de los ojos del nuevo agente la situación que se vive en los barrios y sobre todo el cómo se gestiona de manos de la policía y de los que mandan realmente en las calles.
Al contrario que en la película de Fuqua no llegamos a una intensidad asfixiante aunque si a una tensión palpitante. Tenemos un mensaje mucho más trabajado que obviamente tiene que ver y no pierde de vista la obra de Victor Hugo.
‘Los miserables’ comienza hasta bromeando con tópicos propios de barrios marginales, con estereotipos sobre los inmigrantes e incluso con conceptos fascistas y racistas. Pero rápido vemos que sus intenciones son serias y que tiene protestas y virtudes muy modernas o actuales. Una de las cosas más importantes que ilustra es la presencia de la miseria en todos los bandos de la contienda que día a día se libra sobre el sucio asfalto, los rellanos en ruinas, las desprotegidas azoteas y las canchas de baloncesto al aire libre.
La apertura de ‘Los miserables’ nos señala que el opio del pueblo es el fútbol y cuando este va bien todo el mundo parece no tener de qué preocuparse. «Pan y circo» decía la locución latina y se podría aplicar eso mismo a la visión de Francia que nos ofrece Ladj Ly. La diferencia es que en esta parte del país galo falta pan y sobra circo. Tras hacerse los gallitos, tras intentar vivir bajo su propia ley, tras huir de lo impuesto… todos deben volver a su hogar y enfrentarse a lo miserables o mundanas que pueden ser sus vidas.
Me gusta su final no resuelto pues al fin y al cabo abarca un problema que aún no está zanjado. Nadie se libra de poder ser ajusticiado por unos o por otros. Eso nos gritan los planos cenitales a ojo de dron que nos dicen que desde arriba todos parecemos igual de culpables y de inocentes. ‘Los miserables’ mantiene su mirada fija en los disturbios franceses de 2005. Para ello el guión acierta a llevarnos por dos días multiculturales y llenos de rabia u odio contenido. Retrata la relación entre unos policías de diferente índole con unos ciudadanos de múltiples facetas, todos ellos con la firme creencia de creerse con toda la razón y tener todas las de ganar, es decir, infelices, incrédulos, miserables.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre de 2019. Título original: Les misèrables. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: Ladj Ly. Guion: Ladj Ly, Giordano Gederlini, Alexis Manenti. Fotografía: Julien Poupard. Reparto principal: Damien Bonnard, Alexis Manenti, Djibril Zonga. Producción: Lily Films, Rectangle Productions, Srab Films, Canal+, Le Pacte. Distribución: Caramel Films. Género: dama, crimen. Web oficial:http://www.caramelfilms.es/site/pelicula/los_miserables
¿Cómo ser feliz y rico, sin trabajar? Siendo un gigoló.
Pero tras 25 años de vida en común con Denise, Alex, el gigoló, es despedido de la noche a la mañana, y se queda en la calle.
Obligado a irse a vivir a casa de su hermana y de su sobrino de 10 años, Alex solo piensa en una cosa: encontrar a otra rica heredera.
Crítica
A los franceses siempre se les ha dado mejor el arte de seducir
Olivier Baroux, El director de la saga ‘Le tuche’, continúa con las comedias versionando esta vez la película estadounidense ‘Instrucciones para ser un latin lover’. El argumento es muy similar, más familiar si cabe y el resultado se puede tachar igualmente como entretenido, aunque no realmente memorable. Es un caso raro, pues normalmente son los norteamericanos los que hacen remakes del cine europeo y esta vez se demuestra que en el viejo continente las cosas se pueden hacer mejor.
‘Cómo ser un french lover (Just a gigolo)’ cuenta la historia de un gigoló que se dedica a perseguir a ancianas adineradas. La fortuna se le acaba cuando se la juega a una carta esperando heredar de una arrugada ricachona, pero esta se la devuelve dejándole por alguien más joven, donde las dan las toman.
Para el papel protagónico Baroux vuelve a contar con el actor Kad Merad quien también ha trabajado con el director en ‘Quiero ser italiano’, ‘On a marché sur Bangkok’ o ‘Safari’. Sabe llevar a un personaje que hace alarde de jeta y vaguería, que debe renovarse y reconocer que no es el mismo de hace varias décadas, que ha descuidado aspectos importantes de su vida. Un tipo que debería ser pulcro y elegante que se ha dejado debido a su situación de comodidad hasta tal punto que ya resulta difícil de mirar. Merad tiene gracia y el papel le pega bastante.
‘Cómo ser un french lover’ desarrolla su comedia a través del patetismo de aquellos que viven del dinero de otros o que no tienen amor propio o no saben apreciar las cosas realmente buenas de la vida. Intenta partir de situaciones ridículas o paródicas, buscando un humor refinado que a veces se consigue y otras se pasa al lado de lo manido. Su esquema es bastante típico y conforma la clásica historia de reconciliación y examen de conciencia, algo que era de prever.
Lo que es innegable es su explosivo inicio. Pero luego es menos espectacular, aunque si muy lujosa y derrochona. Le han venido bien los estilismos franceses a esta idea, que sin conformar una propuesta muy original puede seducir y conquistar a amantes de las comedias ligeras.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre de 2019. Título original: Just a gigolo. Duración: 94 min. País: Francia. Dirección: Olivier Bardoux. Guion: Olivier Baroux, Kad Merad, Jon Zack. Música: Martin Rappeneau. Fotografía: Christian Abomnes. Reparto principal: Kad Merad, Anna Charried, Pascal Elbé, Thierry Lhermitte, Anny Duperey, Lionel Abelanski, Guy Lecluyse. Producción: Chapter 2, Eskwad Productions, Globalgate Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/como_ser_un_french_lover
Elena recibe una llamada de Iván, su hijo de seis años, quien le dice que está perdido en una playa en Francia y que no encuentra a su padre. Esas palabras desesperadas de su hijo fueron lo último que supo de él.
Diez años más tarde, Elena vive en la misma playa donde desapareció su hijo, trabaja de encargada en un restaurante y está empezando a salir de ese oscuro túnel donde lleva anclada tanto tiempo.
Su vida se agita de nuevo cuando conoce casualmente a Jean, un adolescente francés que le recuerda a su hijo. Entre ellos surge una fuerte conexión que acabrá sembrando el caos y la desconfianza a su alrededor.
Crítica
Un ‘Call me by your name’ malsano
Al igual que el filme con el que he hecho un símil en mi titular, ‘Call me by your name’, la película tiene instantes donde es claramente contemplativa y otros donde la intensidad está muy medida. El filme es igual de cristalino, de veraz y de emotivo. Pero de manera muy diferente a la película de Guadagnino ‘Madre’ se torna en algo bastante insano, algo que es perjudicial para la salud mental y sentimental de la protagonista interpretada por Marta Nieto. Ella está inmersa en una ofuscación y un trauma que solo se puede quitar con una catarsis. Lo malo es que para encontrar ese punto de inflexión el modo que elige o más bien se encuentra, es del todo nocivo o perjudicial, tanto para ella como para los que la rodean. No obstante se detecta entre ella y el joven que conoce una simbiosis que a ambos les da la vida.
Sorogoyen resuelve el cortometraje tan agobiante y fuerte que le llevó a estar nominado al Oscar. Nos da un final pero es muy distinto a como muchos habrían imaginado que podría haber sido, quizá de ahí puedan venir muchas decepciones con esta versión extendida en forma de largometraje de más de dos horas. También es cierto que por el modo en como acaba el corto o empieza la película la imaginación del espectador puede volar por muchas vías y eso hacer que esté predispuesto a desilusionarse con la resolución de Sorogoyen y Peña. Explica poco y también explica mucho. No cuenta cómo o qué pasó con el niño perdido en el corto. Está más centrado en el impacto que tuvo esa pérdida. Por eso podemos decir que si explica mucho ya que si ahonda en una obsesión que condena a la vida sentimental de la protagonista casi al suicidio.
El filme comienza con la repetición del cortometraje, al espectador no le hará falta rebuscar para verlo, y acaba con casi una repetición de este. Está lleno de momentos de calma con largos paneos pero también de agitadas situaciones. Se vuelca una y otra vez en los mismos argumentos y le resta razón de ser a esta expansión a largometraje.
De la película salvo la gran interpretación de Marta Nieto. Ella se lleva casi todo el peso del filme con una interpretación la mar de emotiva. Hace que el ‘Madre’ resulte interesante aunque sea redundante. Sin ella o sin sus aportaciones como actriz esta ‘Madre’ nos habría dejado huérfanos de entretenimiento y sentimiento.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de noviembre de 2019. Título original: Madre. Duración: 129 min. País: España. Dirección: Rodrigo Sorogoyen. Guion: Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña. Música: Olivier Arson. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Marta Nieto, Álex Brendemühl, Jules Porier, Anne Consigny, Frederic Pierrot, Guillaume Arnault. Producción: Amalur Pictures, Arcadia Motion Pictures, Caballo Films, Le Pacte, Malvalanda, Noodles. Distribución: Wanda Films. Género: drama. Web oficial:https://www.wandafilms.com/site/sinopsis/madre
Anna Bronsky es profesora de violín en un instituto de secundaria especializado en educación musical. A pesar de la oposición de todos los demás profesores, Anna impulsa el ingreso de un alumno, Alexander, en el que detecta un talento singular, y se compromete a ayudarle con la preparación para el examen intermedio, descuidando a su familia, su hijo Jonas, al cual hace competir con su nuevo alumno, y su marido Philippe. Su colega Christian, con el que tiene una aventura, la convence para que se una a un quinteto. Cuando fracasa en el concierto que dan, la presión se dispara y ella centra toda su atención en su alumno Alexander. Cuando llega el día del examen, los acontecimientos toman un rumbo inesperado.
Crítica
Nina Hoss sorprende con esta interpretación de una mujer bastante desiquilibrada
InaWeisse nos trae ‘La audición’, aquí conocemos a Anna, una profesora de violín que se arriesga con un alumno con mucho talento, pero poca técnica para que en poco tiempo se pueda presentar a una audición y así hacerle llegar a lo más alto.
La película es bastante compleja y se hace bastante pesada. El personaje al que interpreta Nina Hoss, ganadora de la Concha de Plata a Mejor actuación en San Sebastián, es bastante insoportable. Una mujer perfeccionista, hipócrita y que cuida muy poco a su familia, ella solo vive por y para la música.
Según avanza la historia vamos conociendo a todos los personajes y el mundo en el que se mueve esta mujer llena de imperfecciones, las cuales la tienen atormentada.
Su familia consta de su hijo, que sufre esta obsesión por la perfección de la madre al ser obligado a tocar el violín. Su marido, un trozo de pan que la consiente todo, hasta una infidelidad, que aunque realmente no es para nada relevante, nos demuestra que ella no tiene sentimientos hacia nadie.
También nos adentramos en lo complicado que es la vida en los conservatorios de música, donde ser el mejor nunca vale, siempre hay que aprender y además de las horas de escuela, fuera de ella tienes que vivir por y para tu instrumento musical y así poder dominarlo bien.
Está claro porque recibió el premio en San Sebastián Nina Hoss y es que está increíble, llegas a coger bastante manía a un personaje que solo piensa en ella misma, en sus temores, en su obsesión en la música y en intentar que todos lleguen a una perfección a la que ella nunca llegará.
La película también trata el tema de la vida con los padres, de lo que puede marcarnos en nuestra vida una mala relación con estos.
Me gusta mucho la relación que llega a tener con el muchacho que acoge como aprendiz, pero hay cosas que tampoco he llegado a entender muy bien por cómo están contadas en la cinta. No he llegado a entender para nada a esta mujer.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de noviembre 2019. Título original: The audition. Duración: 98 min. País: Alemania-Francia. Dirección: Ina Weisse. Guión: Daphne Charizani e Ina Weisse. Música: Guillaume Sciama y Bruno Tarrier. Fotografía: Judit Kaumann. Reparto principal: Nina Hoss, Simon Abkarian, Jens Albinus, Ilja Monti, Serafin Mishiev. Producción: Lupa Film, Ideale Audience, Port-Au-Prince, ZDF-Arte, DFFF, MBB, Panoptimo. Distribución: Syldavia Cinema. Género: Drama. Web oficial:www.syldaviacinema.info/la-audicion/
En Halloween, seis amigos deciden entrar en una casa encantada que promete ofrecer una experiencia extrema a base de explotar sus miedos más profundos. La noche se volverá mortal cuando se den cuenta de que algunos monstruos son reales.
Crítica
Una película de primos
Los guionista de ‘Un lugar tranquilo’ (ScottBeck y BryanWoods) nos llevan irónicamente a un emplazamiento totalmente opuesto, lleno de gritos y ruidos. Una moderna casa del terror en la que unos incautos jóvenes intentan pasar un gran Halloween. En el grupo se hallan los tópicos de este tipo de películas juveniles: la joven traumatizada, el guaperas, la amiga fiel, el graciosete, los que se ven que son carne de primera muerte… Todos ellos interpretados por un reparto bastante flojo.
El nombre de Eli Roth va perdiendo fuelle y sensación de calidad. Produce esta película y lo cierto es que tanto como productor y como director está acumulando últimamente títulos a los que cuesta encontrarle fans. Películas como ‘Toc toc’ o ‘Los vigilantes de la playa’ están muy lejos del nivel de éxitos del tipo ‘Hostel’. Lo que sí que está claro es que tiene buen ojo para encontrar proyectos con un toque grotesco o drásticamente sangriento.
Como en otros films que han pasado por las manos de Roth distinguimos, yo por lo menos lo he leído así, un mensaje dramático y bastante actual. En este caso nos hace un símil entre la permisibilidad que hay en relaciones en las que hay maltrato y la exención de responsabilidad que se puede firmar al entrar en una atracción bastante extrema. La correlación que establece me parece buena pero muy poco y ligeramente aprovechada.
Subtitulo la película como una película para primos no porque pueda parecerlo aquel que pique y vaya a verla (para gustos los colores) si no porque los propios protagonistas y villanos (que llegan a ser más que las víctimas) son muy pringados. Llevan a cabo acciones ilógicas, torpes y no parecen estar causadas por la adrenalina o el miedo. Eso hace que la película te parezca torpe. Pero es que además los jóvenes atrapados en este ominoso túnel del terror están constantemente haciendo alusiones a sus primos: que si uno es ingeniero del petróleo, que si otro es psiquiatra, que si otra es proctóloga…
Tiene una buena escenografía que nos hace pasar de lugares llenos de óxido o madera a otros plagados del color plateado brillante de las hojas de metal. Desde luego esta casa del terror es un lugar que, salvo por su peligro de muerte, dan muchas ganas de visitar. Tiene buenas ideas y también buen maquillaje (en el equipo hay gente de ‘Star Trek’, ‘Saw’ o ‘Bright’). La cosa no se limita al payaso del cartel, de hecho creo que habría más éxito de marketing si hubiesen empleado otras máscaras o rostros del filme. Hace poco vimos una película de corte similar, mucho menos dura y extravagante llamada ‘Hell Fest’ que tenía sus pretensiones más claras y unas secuencias menos confusas y por lo tanto (aunque no tenía las chocantes muertes de esta película) resultó más entretenida.
‘La casa del terror’ llega a España pasada de fecha pues esta película podría haber rascado más espectadores si se hubiese estrenado en Halloween. Sin embargo captará a aquellos que tengan resaca y ganas de terror pasada la festividad norteamericana. Para los que sean muy adeptos de las películas de género les atraerá la combinación Roth más guionistas de ‘Un lugar tranquilo’ más la presencia de un compositor de banda sonora tan prometedor como lo es Tomandandy. Pero a ellos les digo, como me obligo a decirme a mí mismo, si entráis en esta casa del terror procurad disfrutar de sus «momentos de muerte», para bien o para mal, porque si le buscáis coherencia o explicación os va a defraudar mucho.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de noviembre de 2019. Título original: Haunt. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Scott Beck, Bryan Woods. Guion: Scott Beck, Bryan Woods. Música: Tomandandy. Fotografía: Ryan Samul. Reparto principal: Katie Stevens, Will Britain, Andrew Caldwell, Laurym McClain, Shazi Raja, Schuyler Helford. Producción: Broken Road Productions, Nickel City Pictures, Sierra / Affinity. Distribución: eOne Films. Género: terror. Web oficial:https://nickelcitypictures.com/upcoming-projects/
Helga Pato acaba de internar a su marido en un psiquiátrico. En el tren de vuelta, un desconocido se le presenta como Ángel Sanagustín, psiquiatra que trabaja investigando trastornos de personalidad a través de los escritos de los pacientes. Le cuenta entonces la historia de un enfermo paranoico extremadamente peligroso obsesionado, entre otras cosas, con la basura. Un delirio sórdido pero fascinante, repleto de obsesión, perversión, sarcasmo, diversión, demencia y sofisticación que son, en definitiva, algunas de las ventajas de viajar en tren.
Crítica
Delirante, profunda y muy bien construida
Aritz Moreno ha adaptado en su primer largometraje lo que debe ser una locura de novela realizada por Antonio Orejudo Utrilla. Locura por lo que sucede en ella y por el puzle que compone, por la prospección que hace de la psique humana. Y para llevar a cabo este estrambótico proyecto ha contado con Javier Gullón, guionista de películas como ‘Una historia de venganza’, ‘La cueva’ o el cortometraje ‘Graffiti’, que al igual que esta película os recomiendo mucho que veáis.
‘Ventajas de viajar en tren’ es una cinta que nos descoloca en varios sentidos. Nos hace reír con situaciones absurdas pero también nos pone un nudo en el estómago con sus cruentas historias. Es un relato delirante, interconectado entre muchos personajes, tiempos y lugares que no se hace confuso y que nos sumerge en una locura similar a la que sufren sus personajes. Su meta no es solo hacernos reír, si no también explorar los desvaríos de las personas, su discurso es de tremenda actualidad.
Cuando rememoro lo que he visto en ‘Ventajas de viajar en tren’ a la mente se me vienen maestros del humor descacharrante como Jose Luis Cuerda, Francisco Ibáñez o Javier Fesser. Este relato da rienda suelta a lo disparatado pero siempre podemos leer de fondo un mensaje la mar de cabal. También su colorido pero sombrío diseño de producción me recuerda a los autores citados, otorgando al filme un sabor tristemente simpático.
¿Os gusta ‘Aterriza como puedas’? La película de Aritz Moreno me recuerda a esas escenas en las que el protagonista interpretado por Robert Hays daba la chapa a los pasajeros del avión. En este caso el tren, interpreto, sirve como metáfora de la sala de un manicomio donde un loco habla a otros locos y entre todos construyen esta pasarela de desvaríos.
Me ha encantado la vis cómica que demuestra aquí Luis Tosar saliéndose de sus habituales roles y demostrando que es delirantemente bueno. En la comedia hemos visto más a ErnestoAlterio y en este caso con múltiples facetas se convierte en una pieza indispensable. Pilar Castro quizá es la que menos comedia aporte pero hay que destacarla por lo bien que se ha movido en su trama desconcertante. Y hay que citar también al graciosísimo JavierBotet al que por tercera vez en menos de un año le veo actuar a cara descubierta y tumbado en una cama, como es el caso de ‘Amigo’ y ‘Justo antes de Cristo’.
Con el chacachá del tren nos invitan a explorar un cine del que se puede decir que no solo es raro, si no también agradecidamente diferente. ‘Ventajas de viajar en tren’ es un gustazo de película, de esas en las que se ve que han disfrutado los actores y lo hacen también los espectadores. Así pudimos comprobarlo en su proyección en el Festival de Sitges donde dio que hablar y todo el mundo salía repitiendo sus gags. No hay mejor síntoma para detectar el éxito de una película.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de noviembre. Título original: Ventajas de viajar en tren. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Aritz Moreno. Guion: Javier Gullón. Música: Cristobal Tapia de Veer. Fotografía: Javier Agirre. Reparto principal: Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta, Javier Botet, Macarena García, Ramón Barea. Producción: Morena Films, Logical Pictures, Consejería del Gobierno Vasco, Euskal Irrati Telebista, ICAA, Movistar+, Señor & señora. Distribución: Filmax. Género: comedia, drama, adaptación. Web oficial:http://www.filmax.com/peliculas/ventajas-de-viajar-en-tren.106
Un hoyo con cientos de niveles, una plataforma que baja repleta de comida, dos habitantes por nivel. ¿Eres de los que saltan cuento están arriba o de los que tienen agallas cuanto están abajo?
Crítica
‘El Hoyo’ o una manera de ver lo malo de nuestra sociedad
Es obvio que ‘El Hoyo’ es maravillosa. Y también es obvio que es muy dura y cruel. Una alegoría del ser humano, de las sociedades en las que el que tiene más se caga (literalmente) encima del que tiene menos. Un profundo y oscuro hoyo dividido en un sin fin de niveles. Por cada nivel 2 personas y una vez al día por el nivel pasa una mesa llena de comida. Solo se necesitan estos tres elementos para conseguir una historia muy impactante que os tendrá en vilo hasta el último segundo.
La opera prima de GalderGaztelu–Urrutia ha sido premiada en el Festival Internacional de Sitges, entre los galardones a conseguido llevarse Mejor Película. Además fue elegida por el público también como Mejor Película en el Festival de Toronto.
Me ha parecido una maravilla, grandes actuaciones, una película muy bien dirigida y con un guión muy bien tratado.
Lo dicho, las miserias del ser humano se nos muestran desde el principio. El personaje de ZorionEguileor nos va explicando el funcionamiento de el Hoyo y de cómo hay que hacer para sobrevivir. Toda una pesadilla para cualquier persona que termina entrando.
Nuestro protagonista Goreng, interpretado por IvánMassagué es una buena persona, no quiere hacer daño a nadie, pero muchas veces para sobrevivir hay que dejar atrás la bondad para ser despiadado y pensar en uno mismo. ¿O no?
Lo bueno de esta película es que te muestran muchos lados, está la buena gente y los que simplemente van por el camino egoísta y fácil.
El resto del reparto lo completan EmilioBuale, EricGoode, AlexandraMasangkay y AntoniaSanJuan. No voy a contar más sobre el argumento, pues tenéis que verla y disfrutarla.
En cuanto a la parte técnica de la película es impecable, los efectos especiales son muy buenos, no hay fallo ninguno y nos adentran en una atmósfera oscura y tenebrosa muy parecida al corto de DennisVilleneuve‘The next floor’.
Es una pena que se estrene en tan pocas salas de cine, pero os prometo que merece muchísimo la pena acercarse a éstas salas pues os vais a encontrar con un buen producto. Y aunque aún no tiene fecha de estreno en Netflix, tarde o temprano también se podrá ver en la plataforma.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de noviembre 2019. Título original: El hoyo. Duración: 90 min. País: España Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia. Guion: David Desola, Pedro Rivero. Música: Aranzazu Calleja. Fotografía: Jon D. Domínguez. Reparto principal: Ivan Massagué, Antonia San Juan, Zorion Eileor, Emilio Buale, Alexandra Masangkay. Producción: Basque Films, Consejería de Cultura el Gobierno Vasco, ETB, TVE, Distribución: Festival Films. Género: Ciencia Ficción. Web oficial:http://elhoyolapelicula.com/
Dan Torrance lucha por encontrar algo de paz a pesar de seguir irremediablemente marcado por el trauma que sufrió de niño en el Hotel Overlook. Pero esa paz se quiebra cuando conoce a Abra, una valiente adolescente dotada de un poderoso don extrasensorial, conocido como el «resplandor”. Abra reconoce instintivamente que Dan comparte su poder y, desesperada, le pide ayuda para enfrentarse a la despiadada Rose la Chistera y a sus seguidores, El nudo verdadero, que se alimentan de los niños que poseen el don del resplandor en su búsqueda de la inmortalidad.
Dan y Abra forman una extraña alianza y emprenden una batalla a vida o muerte contra Rose. La inocencia de Abra y su valor a la hora de aceptar su resplandor obligan a Dan a recurrir a sus propios poderes como no lo había hecho nunca. Deberá enfrentarse a sus miedos a la vez que revive los fantasmas del pasado.
Crítica
El vaporeo contra el resplandor
La obra de Stephen King continúa siendo adaptada y lo hace con una secuela de uno de sus títulos más míticos y a la vez de una de las adaptaciones que se ha convertido en clásico del terror moderno, ‘El resplandor’. ‘Doctor Sueño’ está avalada por el autor a diferencia de la película protagonizada por Jack Nicholson que hizo que King y Kubrick tuviesen ciertas diferencias. La bendición de King la tenemos hasta en la elección de Ewan McGregor como Danny Torrance el archiconocido niño con telepatía que se ha hecho mayor y vive en paz usando su habilidad para ayudar a ancianos a morir. El problema y detonante para tener una nueva historia es que el resplandor, en forma de vapor soltado al morir, sirve de alimento para otros que peregrinan por el país y una niña con mucho poder reclama la ayuda de Doc.
Mike Flanagan, el talentoso responsable de ‘La maldición de Hill House’, es quién se ha encargado de dar vida a ‘Doctor sueño’. Reconocemos tomas y secuencias enteras como marca clara del director, ha impreso su estilo en todo el material nuevo. Pero todo lo que vivieron los Torrance tenía que estar presente y es por eso que se han re-grabado y repetido las escenas ocurridas en el Overlook. Precisamente lo que pasa es eso, que como una nube de vapor las sensaciones a las que nos devuelven con imágenes re-rodadas de ‘El resplandor’ desaparecen en cuanto volvemos a las que se han filmado para recrear la nueva historia con Danny Torrance de mayor. El hotel y los protagonistas están muy parecidos e incluso clavados a los originales. La comparativa con el material nuevo hace que Flanagan salga perdiendo.
Y esto sucede principalmente no porque las nuevas escenas estén mal grabadas o porque no sea material bueno (hay varias partes que son visualmente apabullantes) si no porque hemos pasado de un terror dramático y psicológico a una historia de cine fantástico que poco miedo nos puede dar. Cuando McGregor usa la Fuerza, perdón, el resplandor, es cuando vemos que el filme abusa de ciertos recursos (muchos de ellos heredados) que hacen que este título sea muchísimo menos elegante y sutil que el que vimos en los ochenta. El carnival vampírico de yonkis vapeadores que persigue a los protagonistas nos habla de que esta es una película sobre poderes no sobre miedos o tragedias. Es más, el resplandor de esta película a veces pasa de la telequinesis a la telepatía, pecando de querer ser más espectacular.
Habrá costado convencer a King para idear esta película más como una secuela de la película de Kubrick que de su propia novela, al fin y al cabo tiene su lógica pues el gran público tendrá más presente la película de 1980. Me gusta que se haya hecho justicia con el final y considero que este no es un mal filme de cine fantástico pero ni de lejos podemos insertarla dentro del grupo de películas de terror. ‘Doctor Sueño’ alude a otros títulos de Stephen King cuando por ejemplo menciona eso de que «El ka es una rueda», una frase que enlaza con ‘La torre oscura’, con la que también conserva mucha similitud argumental. Y tal vez por eso de que los villanos entran en la mente de los buenos sea que hay un guiño a ‘Pesadilla en Elm Street’ en una de las tomas callejeras. En resumen, a mi manera de verlo esta es una continuación que está por debajo en calidad y en impacto de los títulos a los que alude pero que como entretenimiento de género está bastante bien.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2019. Título original: Doctor Sleep. Duración: 151 min. País: EE.UU. Dirección: Mike Flanagan. Guion: Akiva Goldsman, Mike Flanagan. Música: The Newton Brothers. Fotografía: Michael Fimognari. Reparto principal: Ewan McGregor, Rebecca Ferguson, Kyliegh Curran, Carl Lumbly, Zahn McClarnon, Emily Alyn Lind, Bruce Greenwood, Jocelin Donahue, Alex Essoe, Cliff Curtis. Producción: Intrepid Pictures, Vertigo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terror, adaptación. Web oficial:https://www.warnerbros.es/doctor-sueno
Higinio y Rosa llevan pocos meses casados cuando estalla la Guerra Civil y la vida de él pasa a estar seriamente amenazada. Con ayuda de su mujer decidirá utilizar un agujero cavado en su propia casa como escondite provisional. El miedo a las posibles represalias, así como el amor que sienten el uno por el otro les condenará a un encierro que se prolongará durante más de 30 años.
Crítica
Respira alma cazurra encerrada en algo emocionalmente inteligente
Los mismos directores de películas, no solo premiadas, si no también avaladas por el público, como ‘Loreak’ y ‘Handia’ estrenan ‘La trinchera infinita’. En esta ocasión un trío formado por Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga nos llevan a un pueblo que podría pertenecer a cualquier rincón de España partiendo su historia en 1936.
Una batida hace que el hasta entonces activamente político e incluso concejal Higinio (Antonio de la Torre) tenga que poner pies en polvorosa y huir de los nacionales. Pero su fuga se ve frustrada y ha de volver a casa, donde su mujer (Belén Cuesta) le esconde en un agujero. Así comienza un encierro voluntario que sus protagonistas han de llevar en el mayor silencio o secretismo posible, pues en las aldeas las paredes oyen.
‘La trinchera infinita’ nos habla de casos reales y constatados en nuestro país. Personas encerradas durante décadas en sus casas por miedo a represalias y viejos odios surgidos en la Guerra Civil Española. En el caso de Higinio la reclusión se produce en algo que podría llamarse zulo. Un compartimento que le sirve muchas veces de ventana indiscreta para un cotilla del visillo, un lugar en el que la impotencia y la cobardía crecen día a día. El filme no intenta ser claustrofóbico, sino más bien germen de una agorafobia y una esterilidad política casi total.
Más de dos horas de película es lo que finalmente han montado para narrarnos un largometraje que va de la Guerra Civil pero que también habla mucho de la vida en los pueblos. ‘La trinchera infinita’ está constantemente aportando nuevas situaciones y aunque algunas eran de prever no es reiterativa y mantiene una progresión interesante. Las rencillas entre hermanos y vecinos de la época de la contienda son mostradas bajo una nueva mirada, que nos habla de caciques, pero no refiriéndonos precisamente al caudillo (que está burlescamente presente), si no a los metomentodos y los chivatos de ambos bandos.
Belén Cuesta se ausenta en contadas ocasiones del filme y junto a De la Torre forman una pareja la mar de creíble, de esas que surgían en pequeñas poblaciones. Ambos ejemplifican a esa España cateta, sufridora de los escarnios de la guerra y esperanzada en un futuro que nunca llega. Sus dos personajes evolucionan con el gran tiempo que les acompañamos y su talento hace que sean totalmente creíbles. Desde un iluso y paranoico De la Torre hasta una tenaz y concienzuda Cuesta. Me gustaría que prestaseis atención al acierto en el casting con Vicente Vergara (‘La peste’), quien poniendo una cara de pánfilo encarna a esos traicioneros y rencorosos vecinos.
‘La trinchera infinita’ respira alma cazurra encerrada en algo emocionalmente inteligente. Remarca que la guerra y la posterior dictadura pudo ser más que causada, sostenida, por el carácter inculto y por la aptitud de muchos de aquellos que o bien se ausentaron o bien se negaron a discurrir siguiendo la senda de la lógica. Con un tratamiento del sonido muy cuidado se hace sentir personal, cercana y tan íntima que en sus susurros llegamos a notar un miedo y una incertidumbre que hacen disfrutar.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2019. Título original: La trinchera infinita. Duración: 147 min. País: España. Dirección: Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga. Guion: Luiso Berdejo, José Mari Goenaga. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Javier Aguirre Erauso. Reparto principal: Antonio de la Torre, Belén Cuesta, Vicente Vergara, José Manuel Poga, Emilio Palacios. Producción: Irusoin, Moriarti Produkzioak, La Claqueta, La Trinchera Film AIE, Manny Films. Distribución: eOne Films. Género: hechos reales, drama. Web oficial:https://twitter.com/latrincherafilm
Unas extrañas luces planean sobre el cielo del tranquilo Mossingham anunciando la llegada de visitantes de una lejana galaxia, pero en la granja Mossy Bottom la oveja Shaun y el resto del rebaño siguen haciendo de las suyas…muy a pesar de Bitzer, su perro pastor.
Tras esta incursión, una adorable extraterrestre de asombrosos poderes se queda en tierra, y… ¡Shaun ve en ella una oportunidad de diversión alienígena! Pero antes ha de evitar que su nueva amiga sea capturada por una siniestra organización. ¿Estará preparado el rebaño para afrontar una misión de dimensiones… astronómicas?
Crítica
Los extraterrestres ponen patas arriba la tranquila vida de la oveja Shaun
Una de las apuestas de este fin de semana para los más pequeños es ‘La Oveja Shaun, la película: Granjaguedon‘. Muy divertida para el público infantil de la casa y para los papas también.
WillBecher (‘La oveja Shaun’ 10 episodios) y RichardPhelan (‘Damne’) nos traen esta historia con extraterrestres y una granja muy especial
No había visto antes nada de esta oveja y me ha encantado, muy traviesa y siempre intentando hacer trastadas junto a su rebaño molestando a su perro pastor.
Ya os digo que la película me ha parecido muy entretenida, la historia en general trata como la vida tranquila en esta granja se ve un poco trastocada por culpa de la llegada de un nuevo invitado, un pequeño extraterrestre que ha perdido a sus padres. ¿Os suena? No solo tiene homenajes a ‘E.T.‘ sino que también vemos detalles que nos acercan a ‘Encuentros en la tercera fase‘, incluida parte de la banda sonora de ésta última o incluso a la gran serie que es ‘Expediente X’.
Siempre que los estudios Aardman entran un proyecto es signo de buena calidad. Con muñecos de plastilina nos cuentan un sin fin de historias y muchas ocurrencias que harán saltar las risas a todo el público.
Como he comentado al principio, no había visto nada de la Oveja y me chocó bastante que no hablaran en la cinta, es un guión en el que todo es acción y ruidos guturales. Y esto es una de las cosas que más me gustaron, pues al pase que pudimos ir fue con público infantil y ver que chavales que están acostumbrados a prestar poca atención en el cine o en sus televisiones se han reído y divertido ha sido bastante satisfactorio.
Aparece algún que otro detalle de películas que ha hecho el estudio Aardman, como la el gallo Rocky, que no habla, pero aparece en la granja. Y también podemos ver a ‘Wallace & Gromit’ en una televisión.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre. Título original: A Shaun the sheep Movie: Farmageddon. Duración: 86 min. País: Reíno Unido. Dirección: Richard Phelan, Will Becher. Guion: Jon Brown, Mark Burton. Música: Tom Howe. Fotografía: Charles Copping. Reparto principal (doblaje original): Justin Fletcher, Joe Sugg, John Sparkes, Kate Harbour, David Holt, Chris Morrell. Producción: Ardman Animations, Amazon Prime Video, Anton, StudioCanal. Distribución: Vértice Cine. Género: animación, comedia, aventuras. Web oficial:https://www.shaunthesheep.com/
Han pasado más de dos décadas desde que Sarah Connor evitara El juicio final, cambiara el futuro y reescribiera el destino de la raza humana. Dani Ramos (Natalia Reyes) lleva una vida sencilla en Ciudad de México con su hermano (Diego Boneta) y su padre cuando un Terminator altamente avanzado y letal, un Rev-9 (Gabriel Luna), retrocede en el tiempo para darle caza y muerte. La supervivencia de Dani dependerá de su alianza con dos guerreras: Grace (Mackenzie Davis), una súper soldado mejorada del futuro, y una Sarah Connor (Linda Hamilton) endurecida por el combate. Mientras que el Rev-9 las persigue, destruyendo despiadadamente todo y todos los que se interponen en su camino, las tres dan con un T-800 (Arnold Schwarzenegger) que forma parte del pasado de Sarah y que podría representar su única esperanza.
Crítica
Poca originalidad, buena acción, es momento de terminar con Terminator
A los fanáticos de la ciencia ficción se nos hace la boca agua con películas como ‘Terminator: Destino Oscuro’ y nos dan ganas de hablar o escribir de cada uno de los aspectos de la película, sin dejar el más mínimo detalle por pequeño que sea sin comentar. El recorrido de la saga Terminator es largo y harto explorado a si es que me voy a quedar precisamente con eso, con que ya se ha explotado mucho la idea y se nota que hay que pasar página.
La nueva película de la saga Terminator llega para hacer una limpia, no solo de la raza humana sino también de entregas anteriores. Tal es así que si quisiésemos ver la saga en orden cronológico podríamos ver la primera y segunda parte saltando directamente a esta. Las máquinas se resetean y la historia de Sarah Connor se cruza de un modo diferente con la implacable senda de las máquinas dotadas de inteligencia artificial letal.
Este es un título de acción y eso se ha cuidado mucho. Las secuencias son trepidantes, explosivas y demoledoras. Está pensada muy a lo Cameron cogiendo el testigo de las escenas de persecución de ‘Terminator’ y ‘Terminator 2: el juicio final’ incorporando escopetas recortadas, hierro fundido y camiones a toda mecha. Vamos que esta película es de las que llenan obituarios. Por supuesto que las nuevas tecnologías han permitido que los protagonistas, tanto jóvenes como mayores, puedan hacer más el cafre con todo lo que les rodea. No es que Tim Miller se haya puesto a lo Emmerich pero sí que se ha permitido una película más destructiva de lo habitual, exceptuando la famosa escena de la bomba atómica, a la cual como casi siempre hay algún guiño.
Madrid y otras localizaciones españolas dan el pego como emplazamientos de Méjico. Tanto el trabajo de escenografía y de diseño de personajes están a un primer nivel. La nueva y mortal máquina humanoide constituye una mezcla vaga de lo que hemos visto en la saga pero lo cierto es que da juego y Gabriel Luna no interpreta mal su papel. Desde el principio nos hacen volver a las sensaciones del siglo pasado, cuando vimos por primera vez los pies metálicos de los robots aplastar calaveras humanas. La recreación por ordenador y el maquillaje vienen a mejorar lo que se hizo antaño ofreciéndonos en algunos momentos y en primer plano la carne chocando contra la máquina. Además hay que admitir que si algo bueno tenía ‘Salvation’ era el aspecto que lucía ese futuro post-apocalíptico. ‘Terminator: Destino Oscuro’ tiene algo de ‘Salvation’ en su parte futurística, con el diseño de escenarios y naves. Y eso que esta nueva línea temporal sigue derroteros diferentes, tanto para el planeta como para los protagonistas en concreto.
Y en esa vía que toma el guión de David S. Goyer, Josh Friedman, Billy Ray y Justin Rhodes está la gran pega de ‘Terminator: Destino Oscuro’. Solo vería una segunda vez esta última entrega por el hecho de que supone una despedida en plena forma para Linda Hamilton y ArnoldSchwarzenegger se sumerge en un intento por cerrar mejor de lo que lo hicieron las secuelas anteriores. Pero lo cierto es que también lo haría por la simple razón de confirmar que tiene algún que otro fallo y sobre todo que la trama que se han inventado para mantener el T-800 de Schwarzenegger es ridícula y además está muy mal injertada. Y eso que la primera aparición de Arnold supone un giro nunca antes explorado, pero cuando nos cuentan por qué le vamos a tener de nuevo con nosotros nos demuestran que la fórmula está harto agitada y utilizada.
De este filme solo salvo su acción y las interpretaciones de Linda Hamilton y Mackenzie Davis, imponentes ambas. Doy por sabido que Arnold Schwarzenegger sigue sabiendo hacer de robot, total le han hecho repetir escenas casi calcadas a las de anteriores entregas. En el caso de Natalia Reyes no quedo tan convencido como con Gabriel Luna. Me ha parecido curiosos ver a Stephanie Gil (‘Sordo’) en el papel que recrea la infancia del personaje de Mackenzie Davis.
Esta es una película que prometía con su reparto y con sus primeras escenas, pero se desinfla en cuanto toca ser original, no sabe o no se puede ir más allá. Hay que terminar la saga.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2019. Título original: Terminator: dark fate. Duración: 128 min. País: EE.UU. Dirección: Tim Miller. Guion: David S. Goyer, Josh Friedman, Billy Ray, Justin Rhodes. Música: Junkie XL. Fotografía: Ken Seng. Reparto principal: Linda Hamilton, Arnold Schwarzenegger, Mackenzie Davis, Natalia Reyes, Gabriel Luna, Diego Boneta, Stephanie Gil. Producción: 20th Century Fox, Paramount Pictures, Skydance Media, Tencet Pictures, Lightstorm Entertainment, TSG Entertainment, The New South Wales Goverment. Distribución: 20th Century Fox. Género: acción, ciencia ficción. Web oficial:https://www.terminatordestinooscuro.es/
‘Little monsters’ y ‘Amigo’ grandes triunfadoras de la séptima edición
Como es tradición en la última jornada de Nocturna ha sido leído el palmarés del festival. Los títulos más repetidos en la lista que podéis leer abajo son ‘Amigo’ y ‘Little monsters’, las películas de Óscar Martín y Abe Forsythe respectivamente. Estamos muy de acuerdo con el criterio del jurado de este año.
A parte de la proyección de ‘El cuervo’ acompañada de ronda de preguntas y respuestas con Alex Proyas hoy quedaba alguna película por ver. Desde el título de cierre ‘Vivarium’ hasta ‘Andhadhun’, la que ha sido una grata sorpresa que como siempre comentamos con mini-crítica.
‘Andhadhun’
La primera película de la India que se ha proyectado en toda la historia de Nocturna ha sido todo un éxito. Tras unos extensísimos créditos de productores y colaboradores del filme ha comenzado la historia de un ciego (‘Melodía del ciego’ es el título en castellano) que toca con virtuosismo el piano. Esta especie de Serafín Zubirín hindú se mete en situaciones muy graciosas debido a su picardía y eso hace que nos divirtamos enormemente.
Pero además la película adquiere un carácter truculento que la introduce en el género thriller, con ideas la mar de tremebundas. Una intriga también gestionada con humor, por los gags realizados y por lo chistoso de la manera de hacer cine en el país asiático. Obviamente hay música pero no son los tradicionales flash mobs, se adapta muy bien a códigos occidentales (aunque se resiste a mostrar un mínimo beso) y acompañan a la golfería y las maneras tan parlanchinas que tienen estos actores de tal manera que las barbaridades que se les ocurren son totalmente amenas.
Dos jóvenes que buscan hogar son engañados y se ven atrapados en una ilimitada urbanización que parece estar construida sobre el tablero de un monopoly. Allí algún tipo de entidad u organización les mantiene retenidos pero a la vez les hace llevar a cabo un cometido contra su voluntad.
Dicho de este modo el filme suena interesante. Pero su trama progresa de manera repetitiva y con muy pocos giros que realmente la hagan progresar. Para más inri desde el principio ya nos dicen claramente qué está pasando con las imágenes de ciertos animales de tácticas bastante ruines.
En el filme tenemos a Imogen Poots y a Jesse Eisenberg. La primera actúa de un modo excesivamente exagerado, el segundo no parece ni la sombra del pedestal en el que se le ha colocado.
De desayunar con Proyas a enfrentarnos con música a zombies y asesinos en serie
Nocturna celebró su penúltimo día y aunque se va oliendo el cierre el comienzo del día no ha podido ser más dulce, entrañable y cercano. Al igual que hicimos el año pasado hemos podido desayunar con el invitado estrella, Alex Proyas. En esta cita nos contó que ya está inmerso en una nueva película que también será oscura como sus primeras cintas y que irá en la línea de ‘Dark City’, utilizando realidades paralelas. También, como cineasta que ha adaptado cómics, nos comentó que no está de acuerdo con las declaraciones de directores como Scorsese, pero que en su caso tampoco aprueba las primeras películas de Marvel con Iron Man o El Capitán América, en la que nos meten la bandera de EE.UU. por todas partes. No cree que estemos viviendo una época como la del western pero con los cómics ya que por entonces también veíamos películas independientes que trataban ese género y en este caso lo que nos llega básicamente es lo de Marvel y DC.
Hoy también hemos tenido que recordar a un festival hermanado con Noncturna como es el Isla Calavera que llegará a su tercera edición con invitados como Juan Carlos Fresnadillo, Belén Rueda, Rick Baker y David Naughton. También en Fnac se han presentado el libro ‘Más allá del cine de Sebastiá D’arbó’ y películas como ‘Finale’ o ‘A night of horror: nightmare radio’.
Uno de los momentos más esperados del día era la proyección de ‘Fuel’. Podéis ver fotos del equipo en nuestra galería y además su reseña a continuación. Por supuesto todo lo que viene en este bloque es lo que hemos en la penúltima jornada del festival y lo comentamos con mini-críticas.
‘Body at Brighton rock’
Trabajo de debut de Roxanne Benjamin. De debut en el largometraje pero se nota que esta directora ya ha hecho sus pinitos participando en proyectos como ‘V/H/S’. Ella dirige, escribe y produce esta cinta en la que una aprendiz de guardabosques se pierde intentando hacer méritos y se encuentra un cadáver. Una escena de un posible crimen que debe salvaguardar durante toda una noche de pesadilla.
La protagonista, interpretada por Karina Fontes, es desquiciantemente torpe, pero los zooms de cámara que le hace la directora también puede contribuir a asustarla y a sus incesantes caídas. Su final se puede intuir y este aburrido cortometraje solo se entiende por qué está en Sitges a falta de media hora de su conclusión. Este es un filme psicológico con incompetencias scouts y técnicas de grabación muy nóveles.
Argumentalmente podría haber sido un episodio aislado de cualquier antología de terror, como ‘Creepshow’, que precisamente es el próximo trabajo en el que se va a embarcar Roxanne Bejamine. A la película le sobra metraje y le faltan ideas.
Dirigida por IsraelGonzález llega ‘Fuel’ una historia donde tenemos dos simples protagonistas, un coche y un hombre secuestrado.
Con bastantes planos aéreos la acción nos lleva al desierto de Mojave, un lugar pedregoso y sin apenas vida. Allí Raúl Samper, un crítico gastronómico, se encuentra atado a un coche sin posibilidad de escape.
El color de la cinta, la banda sonora y sí, las distintas vistas de todo el desierto, están bastante logrados. Creo que si de esta idea la hubiesen realizado en forma de corto el resultado sería mucho mejor. La película se alarga demasiado sin necesidad y además le falta acción, un intento de escapar, no sé, algo para rellenar minutos que no sea con tomas de paisaje.
Muchas veces las apariencias engañan y más cuando son niñas las protagonistas de esta historia.
Muy buena, realmente crea tensión y a la vez con un humor bastante canalla, me encantaría ver más historia acerca de los dos personajes principales. No cuento quienes son, porque el corto dura apenas 5 minutos, pero no os perdáis las imágenes de los créditos que están muy chulos.
Muy bien rodado nos llega este corto de Álvaro Rodríguez Areny. La protagonista se despierta desorientada y lo único que quiere hacer es encontrar a su hija.
Bastante curioso y como digo bien dirigido. Con una imagen muy limpia y una historia bastante inquietante.
Conocemos a Rod, un locutor de una radio en la que cuenta historias de terror. A partir de esta idea escuchamos distintas historias y también las vemos. Los cortos de SergioMorcillo, JasonBognacki, AdamO’Brien, MattRichards, PabloS. Pastor, Luciano y NicolásOnetti, JoshuaLong, A. J. Briones y OliverPark son la principal atracción para esta larga noche de historias de terror.
Una maravilla, muchos cortos ya los conocía y sin duda la elección de cada uno de ellos me parece estupenda. Además que la historia central es bastante buena y la ambientación con la tormenta, la sala oscura, el rojo de las bombillas, da un toque muy siniestro.
Muy recomendable y esperemos que llegue algún día a la gran pantalla.
Cortometraje español que explora los miedos y ventajas de utilizar una app de citas para conocer gente. Pero lo más importante es que avisa de que puedes encontrarte así a gente rara, muy rara. El título ya nos da un pista de por dónde van los tiros, que no me parece mala idea, pero no resulta tan gracioso como pretende.
Artik es un asesino en serie que quiere hacer principalmente dos cosas: crear un cómic y criar a su hijo como otro psicópata. Eso es casi lo único que conseguimos averiguar de un maniático homicida, al filme de Tom Botchii Skowronski le falta profundizar más en la historia de su villano o por lo menos haber sido más extenso en el momento en el que le tocaba profundizar en su psique.
Por lo demás es una película con alguna referencia comiquera, buenos planos, buen ritmo, escenas de muerte o tortura y momentos de tensión bien gestionados. Un slasher con clásico final físico en el que vemos a una especie de Alan Moore mazado, más joven y más pirado, si cabe.
Súper gracioso, comenzamos muy al estilo ‘La princesa prometida’ donde una abuela le cuenta un cuento a su nieta, cansada de cuentos sobre princesas en apuros, la chiquilla dice que a partir de ahora va a ser mala.
La abuela comienza a contar un cuento que no la dejará indiferente. Jack Taylor, ClaudiaPlacer, DianaPeñalver son los protagonistas de esta historia con zombies, piojos y villanos. Además me ha parecido muy curioso que hayan utilizado de fondo el panteón de los reyes de El Escorial para hacer la cripta del villano.
Ya escuchamos lo maravillosa que era cuando estuvimos en Sitges, allí no tuvimos oportunidad de poder visionarla, pero hoy nos hemos quitado esa espinita. Como he dicho, es maravillosa, divertida y muy tierna. Una película de zombies donde Darth Vader es un gran héroe ¿Qué más se puede pedir?
Lupita Nyong’o está encantadora haciendo de profesora de primaria, cuidando de sus niños y salvándoles de la peor plaga que han podido tener, zombies en una granja escuela.
Abe Forsythe, dirige esta locura llena de música y grandes ideas que sabe llevar hasta el final para darnos una estupenda cinta de género.
Mezclando El escondite inglés con un juego de imitación se nos cuenta la historia de una joven que ha aparecido encerrada en una sala mugrienta. No me ha impresionado, de hecho me ha parecido tramposo en cuanto ha desobedecido las propias normas que él mismo establece. No veo shock en su escena final y pretende sorprender.
Un survival horror que mezcla ‘Battle Royale’ con una especie de atrapa la bandera. En cierto sentido también se puede decir que es una especie Freddy contra Jason ya que es un desfile de serial killers enmascarados enfrentados entre sí mientras asesinan a inocentes.
Buena dosis de gore, buena protagonista y una buena cantidad de muertes de esas que hacen las delicias del público. Gran diseño de máscaras y miembros protésicos, hay que indagar en quién estaba al mando del diseño de producción y del maquillaje.
Aunque la película no es un producto muy original si causa interés y resulta ser un slasher la mar de entretenido, con una puesta en escena sencilla y disfrutona.
Día de caníbales, naves espaciales, amigos y Godzilla
El tercer día de Nocturna nos ha sorprendido con cortometrajes tan potentes como ‘Blood machines’ y ‘Casa’ o devolviéndonos al genero kaiju más clásico con una buena dosis de información. También nos hemos reencontrado con ‘Amigo’, filme que ya vimos en el Festival de Sitges y del cual tenéis aquí una crítica ampliada. Pero también nos ha tocado dar alguna cabezada con películas como ‘I trapped the devil’ o ‘Koko-di, koko-da’.
Como es costumbre aquí tenéis nuestras opiniones de todo lo visto hoy.
Cortometraje ‘Blood machines’
Lo que podría parecer una película pequeña ha resultado ser una space opera literalmente alucinante. Tiene una calidad artística apabullante, en potencia y creatividad. Láseres, naves espaciales, nebulosas… No le falta de nada y todo tiene un detalle de primer nivel.
La historia nos lleva a acompañar a dos pilotos que intentan rescatar una nave espacial estrellada. Pero en su camino se interponen unas extrañas mujeres que cuidan de las naves pues realmente están vivas, son algo más que una IA. Esta es una aventura con un ritmo ochentero a base de sintetizador e imágenes abstractas. Otro de esos regalos audiovisuales que cobran vida gracias a un crowdfunding.
Brillante trabajo que como una seta nuclear ilumina al espectador. Todos conocemos la relación de Godzilla con las bombas atómicas pero el documental de Jonathan Bellés nos pone como nunca en contexto. Descubrimos gracias a su trabajo cómo Godzilla surgió en respuesta a lo sucedido en Hiroshima y Nagasaki, como se vio afectada por la censura de los por entonces ocupantes EE.UU. o como a lo largo del tiempo su relación con la energía nuclear se ha ido usando para criticar o filosofar sobre la actualidad.
Como documento cinematográfico es muy valioso pues reúne a artífices de películas sobre el monstruo gigante de todas las épocas. Nos desvela quienes se han enfundado en la piel del lagarto atómico o quienes han ideado sus diferentes historias o enemigos, desde su creador hasta cineastas japoneses que crean obras tan distintas como ‘Shin Godzilla’. Incluso podréis aprender que el mítico grito de este Kaiju se creó rasgando con un guante de cuero las cuerdas de un contrabajo.
Para los amantes de los kaijus no es un repaso completo pues se basa solo en Godzilla pero sirve muy bien para descubrir los orígenes y la época en la que estos empezaron a decaer.
¿Qué pasaría si nos quedáramos sin agua natural y limpia para beber? ¿Si tuviésemos que beber agua mineral que crea infecciones en la piel?
Europa está sumida en esta desgracia y solo un hombre en Croacia dispone de agua natural. Acción y un futuro muy oscuro es lo que se nos muestra en este corto, donde no solo el agua se vende a precio de oro.
Puedo divagar poco sobre esta película, he debido de perderme en algún momento algo que ha hecho que no entendiese bien el juego que estábamos viendo.
Una pareja después de perder a su hija viaja años después, de vacaciones y tras pasar una noche en el bosque de acampada son atacados por una especie de titiriteros macabros. Presenciamos un día de la Marmota, donde este ataque se repite una y otra vez.
La estética está muy bien, los tres malvados personajes entonan una canción macabra mientras van a perpetrar el ataque, da bastante respeto y admito que sentía curiosidad para ver que hacían nuestros protagonistas para intentar salvar sus vidas.
Pero en sí la película no me ha contado nada, me ha dejado muy fría y sus 86 minutos se me han hecho bastante eternos, supongo que él no entender del todo lo que me quería contar ha sido fundamental para que no me haya gustado.
Mariam Hernández y Javier Pereira son los únicos actores de este malsano corto. Otro trabajo de Pereira en el festival, quizá más flojo que ‘La octava dimensión’ pero con un interesante juego de manipulación, control y arrepentimiento. Con el uso que se hace de las drogas es normal que tenga como referencia a la novela ‘Un mundo feliz’ de Aldous Huxley.
Matt es convencido por su mujer para visitar su casa de la infancia donde sigue viviendo su hermano. Llevan tiempo sin saber de él y quieren pasar las navidades juntos. Lo que no se esperan es encontrarse a su hermano en un estado un tanto paranoico y diciéndoles que tiene un demonio encerrado en su sótano.
El filme está rodado un juego de luces y colores estupendo, una casa bastante claustrofóbica y un sótano del que no sabes exactamente qué va a salir. Lo tiene todo para ser una buena película, pero es demasiado previsible y según avanza ves venir el siguiente paso sin emoción ninguna.
Una buena crítica hacia la crisis económica y el tema de los desahucios. Un corto directo y sin miramientos, muy bien realizado y sin duda deja la sangre helada.
Dos dependientas de una gasolinera trabajan en la noche de una final, esperan poco trabajo ya que todo el mundo está viendo el partido, lo que no esperaban es que la noche se convirtiera en un verdadero infierno.
Su primera parte, durante en las que las dos protagonistas son básicamente troleadas por alguien en su puesto de trabajo, es muy buena. Va saltando flashbacks, en los que ves como han terminado secuestradas y luego el secuestro.
La película peca de querer ser espectacular y la verdad que termina siendo bastante sosa. Sí, hay torturas, mucha sangre y escenas un tanto dolorosas para el espectador. Pero aun así, debo de decir que le falta alma a las actuaciones. No ayuda nada los típicos fallos que tienen las víctimas en estas películas, en las que no son capaces de llamar a la policía, no cogen armas para defenderse o incluso en esta, no corren para huir de sus captores, prefieren deleitarse y observar bien el lugar donde las han tenido recluidas.
El excesivo uso de la tecnología es lo que nos trae la moraleja de este simple corto. Los asistentes de voz tipo Alexa que cada vez están más presentes en nuestra vida preocupan a los directores Kris Carr y Sam Fowler y debería preocupar más a su protagonista. Una idea sencilla pero que no resulta fallida.
Primer largometraje de Kris Carr y Sam Fowler. Es un survival horror en pleno bosque. Parte de una idea curiosa pero que tampoco está excesivamente aprovechada. Unos jóvenes son perseguidos por una criatura que solo devora a aquellos que comen carne humana. La gracia estaría en que los protagonistas son caníbales sin saberlo, pero ese giro se desmonta pronto y su final además se alarga demasiado.
Está bien hecha, con un maquillaje de la criatura logrado, pero también cumple con los pecados de las operas primas y se permite introducir guiños a los clásicos que les gusta a los directores. Como no, siendo hija de dos jóvenes primerizos sigue la moda de tener escena post-créditos.
David Pareja y Javier Botet se han marcado un ‘Misery’ en toda regla. No hay una obra final que completar pero si una devoción por parte de uno de ellos hacia el otro. Una película sobre el sufrimiento, la lealtad, la paranoia, la redención, la culpa y por qué no decirlo, el hijoputismo. Se palpa bastante humor negro a costa del padecimiento de un ser querido (que no tiene por qué ser el enfermo). Pero esta película no es una comedia, se impone mucho más el drama o el thriller.
Tiene sus defectos y virtudes pero la actuación o calidad dramática de ambos actores protagonistas es incuestionable. El trabajo de Botet al mover su cuerpo y prolongar la agonía más allá de la pantalla en secuencias largas y agónicas es digno de aplauso.
La televisión es testigo y personaje de una historia que transcurre en un pasado de España. Más que la época conviene identificar el programa o tono de lo que ve el protagonista para así empatizar con su estado. Si querían exaltar la nostalgia y el apego lo han conseguido.
Regalo por estar con Alex Proyas y pasar por la imaginación de Pupi Avati
Hemos comenzado el día de un modo magnífico estando acompañados de un director de cine tan famoso como Alex Proyas. En la masterclass que ha impartido en la Sala Berlanga nos ha hecho un repaso de su carrera comentando todo tipo de anécdotas y películas. Este ha sido el evento más destacado en un día en el que también se ha presentado en FNAC el cómic de ‘Knox’, que promociona la próxima película de Victor Matellano, la revista Cineficción y el libro Universal Monsters & Toys & Merchandising’.
Hoy las sensaciones han mejorado con respecto al primer día. Los cortometrajes siguen demostrando la buena salud de la que goza ese formato en España. En cuanto a los largos proyectados destacamos ‘El signor diávolo’ el filme de Pupi Avati. Como siempre, seguidamente tenéis mini-críticas de lo que hemos visto.
Cortometraje ‘La virgen descalza’
LoneFlemingFaerch escribe y dirige este corto de 17 minutos, en el que vemos a una joven en la noche anterior a su boda.
Emocionada recibe la visita inesperada de un extraño que hará que todo su mundo se tuerza. Con una puesta en escena muy cuidada, una dirección sencilla, la directora nos cuenta una pequeña historia de terror romántica un tanto excéntrica.
SergioMorcillo y SantiagoTaboada nos traen una historia corta sobre una situación que se podría dar perfectamente en la vida real. No voy a contar nada acerca de la historia, simplemente dejan ver como la gente de a pie miramos a otro lado cuando sucede algo malo delante de nuestras narices.
ItziarCastro, NachoGuerreros y LluviaRojo son los protagonistas de este corto.
La cinta nos cuenta desde el principio como fue el proceso para la creación de la historia y los monstruosos extraterrestres que nos han causado pesadillas y admiración.
Alexandre O. Phillippe recupera la figura del guionista de la cinta DanO’Bannon, que por lo que he visto al salir de la sala, no es nada conocido por los fans, recayendo toda la fama en RidleyScott. Nos enseñan como se le ocurrió la idea de Alien y como gracias al equipo que crearon entre Scott, Dan y H.R. Giger consiguieron crear a los xenomorfos y a los Space Jockey.
Al igual que en su anterior documental se centra en una de las escenas principales de la película, el cómo se hizo y con anécdotas del reparto.
Cortometraje ‘El fin de todas las cosas’
LucíaPollán y PaolaBontempi protagonizan este corto dirigido por NormaVila. Las nombro las primeras porque sin duda logran una química impresionante y demuestran lo mucho que se odian sus personajes.
Una historia de época en la que una muchacha no está nada tranquila con la mujer con la que le ha tocado vivir y una oscuridad se va apoderando de ella.
PupiAvati nos lleva a la Italia de los años 50 con una historia muy de cine negro donde un niño mata a uno de sus vecinos convencido de que era el Diablo. El Ministerio del Interior manda a un policía para intentar aclarar todo.
La película me ha sorprendido mucho, es cortita y va directamente al grano. Con una estética que claramente homenajea el cine de los años 70 y 80, la película tiene un tono bastante serio.
La trama detectivesca es muy buena, vas descubriendo toda la historia a través de los descubrimientos de Furio, que poco a poco se va adentrando cada vez en algo más oscuro y terrible.
En el reparto encontramos gente como GabrielLoGiudice, CesareCremonini, MassimoBonetti, LinoCapolicchio, todos ellos muy correctos y muy bien dirigidos.
Hoy hemos podido ver al ganador del Premio Brigadoon Paul Naschy en Sitges. En este corto dirigido por MarcMartínezJordán viajamos por el tiempo y conocemos a un extraño hombre disfrazado de zorro.
Muy entretenido y original, con una trama muy bien trabajada y llena de incógnitas. Sin duda merecido el premio en Sitges.
Las películas sobre amigos imaginarios son muy recurrentes en este tipo de festivales y más si están encerrados en casa grandes y con mucha oscuridad.
‘Z’ ha sido un gran descubrimiento, no esperaba apenas nada y la verdad que me he llevado un par de sustos y una buena historia de la que poder hablar.
Tenemos un buen ambiente, unas buenas actuaciones y sin duda un bicho bastante curioso muy estilo japonés, llega a recordar a los shinigami que vimos en la película de ‘Death Note’ (2006).
Unos padres comienzan a preocuparse cuando su inofensivo hijo de ocho años cambia completamente de actitud al tener un amigo imaginario. Eso sí, solo le saco un fallo y es que terminan por alargarla demasiado.
El año pasado se presentó este corto que forma parte de una campaña de Audi, la multinacional fabricante de coches. Me temía que la película fuese un carrusel de secuencias del vehículo que promociona pero no ha sido así, aunque el cuatro ruedas de la marca alemana goza de bastantes y buenos planos.
Kiké Maíllo (‘Toro’) es el artífice de esta película que mantiene la intriga de un modo muy inteligente, moviendonos por una trama imaginaria y una real. Juega muy bien con las ideas preconcebidas o el sesgo y desarrolla sus 8 dimensiones acorde a lo que debe ser una estructura narrativa, propia tanto de novelas como del lenguaje audiovisual.
Para ‘La octava dimensión’ ha contado con NajwaNimri, AlbertoAmmann, JavierPereira y Carlus Fàbrega. En la parte ficticia todos están muy naturales, pero en la real, la que sirve de narradora, Nimri se presenta más artificial interactuando además con unos alumnos que parecen más periodistas en rueda de prensa que estudiantes. Seguro que os va a pillar desprevenidos con su resolución.
Los referentes (presentes visualmente) de esta película son títulos como ‘Creature with the Atom Brain’, ‘Crying Freeman’ o ‘Nobunny’. Títulos claramente de serie B que rodean a una estrella del cine de ese género venida a menos que perdió a su hija. Esa actriz es Barbara Crampton conocidísima en el mundillo por el clásico ‘Re-animator’. Lo que no sabe su personaje es que su hija en cierto modo ha seguido los pasos de su personaje de la película de Stuart Gordon y ha vuelto a la vida.
Pero la joven renacida, interpretada por una Kayleigh Gilbert en modo emo, tiene poderes de control eléctrico y eso hace que lo que es un drama familiar se convierta en una película de muertes por despecho. El filme, obra de Julian Richards, transcurre con un pesado argumento melodramático que solo nos da algún que otro momento de sangre, bastante poco conseguido.
Tiene mucho sabor noventero, con intento de parecerse a películas aún más antiguas y lo único curioso es ver al final a Peter Bogdanovich.
A sus 73 años, Harley Russell vive de las propinas que recibe en su destartalado local de Erick (Oklahoma) con su espectáculo de músicos mediocres. Ángel Delgadillo, el último barbero de Seligman (Arizona), continúa afeitando a sus 91 años, a los conductores que se desvían de la carretera interestatal para visitar su pueblo. Lowell Davis, con más de 80 años, es el habitante número 1 de Red Oak II, (Missouri), un pueblo fantasma que él mismo se encargó de rehabilitar con la restauración de sus viejas casas. Tres historias de perseverancia y superación en la que una vez fue la carretera que conectaba los Estados Unidos de este a oeste. Tres supervivientes que consiguieron salvar la vida de la ruta más conocida de América.
4.000 kilómetros recorridos desde Chicago hasta Los Ángeles, dos semanas de viaje y tres protagonistas, Harley, Lowell y Angel, los «eternos olvidados de la Ruta 66».
Crítica
Un paseo por la historia de la Ruta 66
Si hoy en día le preguntas a cualquiera sobre la “Ruta 66” puede que no sepan exactamente lo que es pero podrán decirte que tiene algo que ver con una carretera muy famosa y los Estados Unidos. El archiconocido escudo con el número 66 grabado en él es ya un signo reconocible en cualquier parte del mundo (sobre todo el occidental) y del que muy poca gente sabe alguna parte de su historia.
En ‘Almost Ghosts’ se cuenta a través de los testimonios de sus tres ancianos protagonistas, Angel, Harley y Lowell, el auge, la muerte y la resurrección de esta ruta que atraviesa los Estados Unidos de este a oeste.
Una carretera que allá sobre los años 30 en sus inicios, con la gran recesión de fondo, tomó tal importancia al ser el camino que tomaron muchos estadounidenses para sobrevivir atravesando el país hacia California, que revitalizó los pueblos del interior que se encontraban en dicha ruta.
El documental nos repasa las vivencias de tres personajes singulares, y sin duda muy entrañables, cada cual con su historia. Todavía no he comentado que la responsable principal de esta obra es Ana Ramón Rubio, guionista y directora de esta producción española que ya ha ganado varios galardones.
Me gusta cómo ha enfocado el documental, dando más protagonismo a los tres personajes que a la propia historia en sí, y me ha parecido un gran trabajo.
Como no me gusta dar demasiados detalles por lo general, ni tampoco dar spoilers (eso nunca) en mis críticas de cine, y aunque este es un documental, voy a intentar hacer lo mismo.
Vais a conocer de la viva voz de sus personajes reales, todo lo que fue, dejó de ser y volvió a ser la famosa ruta 66 que a través de sus vivencias y explicaciones os resultará muy interesante. Es una historia de superación, lucha y arraigo por revivir una ruta que quedó en el más absoluto olvido, el único medio de subsistencia que tenían en medio de la nada.
La perseverancia de unos pocos hizo posible que este famoso recorrido sea el que es hoy en día. Yo personalmente he tenido la suerte de recorrer parte de la carretera antigua y pasar por el pueblo de uno de los protagonistas llamado Seligman. Y os digo una cosa, merece la pena ir y merecería la pena para mí volver a la carretera algún día y pasar un poco más de tiempo en aquellos pueblos que viven única y exclusivamente de la gente que está de paso. Una experiencia auténtica americana.
Lo bueno: Los tres abuelos contando sus vidas
Lo menos bueno: No saber más de otros pueblos de la ruta.
El detalle: En un momento del documental se nombra a “Las uvas de la ira” de John Steinbeck. Leer su obra o ver la gran adaptación al cine allá por los 40 con un gran Henry Fonda sería un complemento perfecto para poder comprender mejor el verdadero drama de fondo que subyace de esta historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre de 2019. Título original: Almost Ghosts. Duración: 70 min. País: EE.UU., España. Dirección: Ana Ramón Rubio. Guion: Ana Ramón Rubio. Música: Don Joaquín. Fotografía: Carlos López, Celia Riera. Reparto principal: Harley Russell, Lowel Davis, Angel Delgadillo. Producción: Casi fantasmas. Distribución: Begin Again Films. Género: documental. Web oficial:http://beginagainfilms.es/almost-ghosts/
Hoy ha arrancado la séptima edición del festival Nocturna. Ya se han oído los habituales vítores a Cthulhu y el clásico «llévame, llévame…» en Cinesa Proyeciones, la que se ha convertido en la casa habitual de esta reunión para amantes del cine fantástico que pasan por la capital española. Pero quien se ha llevado más aplausos, como es obvio, es el invitado estrella de este año, Alex Proyas. El director de ‘El cuervo’, ‘Dioses de Egipto’, ‘Yo, robot’ o ‘Dark City’ ha recibido de manos del director del festival el premio Maestro del Fantástico.
También han estado presentes autores de cortometrajes y películas proyectadas. Como Alejandro Ibáñez Nauta, hijo del mítico y fallecido Chicho Ibáñez Serrador. Tras un emotivo discurso y una consecuente ovación se han podido ver sus trabajos, el corto ‘Reality’ y el largometraje ‘Urubú’.
La mañana comenzó con la presentación de estupendos fancines como el Fantastic Films Neutrón y La Cabina de Nemo. En esta primera jornada, al margen ‘1 BR’, han sido cortometrajes como ‘Reality’ o ‘Sonrisas’ los que han dejado mejores sensaciones. A continuación tenéis nuestras impresiones de lo que hemos visto y fotografías con los artistas presentes en el cine, entre ellos Proyas, Clarice Alves o Itziar Castro.
Cortometraje ‘El cuento’
Nueve minutos de cuentos, brujas y una madre cansada de tanto hacer en su casa con sus dos hijos. NereaBarros protagoniza este corto, maravillosamente acompañada por dos jóvenes actores que pasarán mucho miedo.
Dos hermanos acaban de perder a su padre para ayudarles con el tema de la herencia y su hermanastra regresa. Esta vuelta al hogar se volverá una auténtica pesadilla.
Podría decirse que estamos ante una mezcla de ‘Qué fue de Baby Jane’ con ‘El Mago de Oz’. Esta segunda cinta está muy presente en la película dando imágenes un tanto turbias y desconcertantes.
Una casa de locos de la que es muy difícil escapar. La verdad que la cinta tenía una buena base que no han sabido aprovechar, dándonos personajes demasiado caricaturizados que dejan de dar miedo para dar risa.
Tiene imágenes bastante chulas y sin duda las torturas a las que someterán a su hermanastra son bastante salvajes, pero sí que es cierto que no vemos nada nuevo en este tipo de películas, en las que alguien termina postrado en una cama con dos locos en la casa.
NuriaFergó y CésarStrawberry protagonizan el corto de AlbertoPons, en el que nos cuentan la leyenda malagueña de La Cueva del Tesoro en el Rincón de la Victoria.
El corto está bastante bien, el maquillaje es muy bueno, la ambientación también, lo único a lo que le puedo poner pegas es a la actuación de NuriaFergó, que está bastante sobreactuada.
Me ha gustado mucho a CésarStrawberry como el Demonio, que me ha recordado mucho al que pudimos ver en ‘Tenacius D’.
Daniel M. Caneiro nos trae una comedia bastante curiosa llena de famosos. En la que una directora de documentales y su productor investigan a varios artistas para averiguar algo sobre ‘La Siega’ una celebración en un pequeño pueblo de Castilla la Mancha.
Ha estado divertida ero si que es cierto que quizás alargan demasiado todo el tema del misterio. El trío entre ItziarCastro, WillShephard y PauEscobar como invitados a ‘La Siega’ es fantástico. Saldréis de la película diciendo «Itziar Forever» de todas las veces que la actriz lo repite.
Eso sí, sin duda lo que más me ha gustado ha sido toda la parte en la que el pueblo y sus habitantes son los grandes protagonistas. Videos promocionándolo turísticamente que harán saltar la risa a más de uno.
Muy bien realizado, con una estética trabajada y un buen diseño de producción. ‘Sonrisas’ es una historia de las que te quitan las ganas de conocer a la familia de tu novia, si es que alguna vez hay ganas. Es un planteamiento desconcertante con un final que es una golosina para los amantes de lo encarnizado.
Meritorio trabajo de su protagonista Luis Miguel Jara que se percibe que ha tenido buena mano de parte del director Javier Chavanel. Sin haber creado una obra maestra ‘Sonrisas’ es capaz de pasarse en un suspiro habiéndonos dado en cada uno de sus trece minutos motivos para continuar viéndolo.
Apuntad este nombre, Trista Robinson. Pero no para que la tengáis en cuenta si no para que procuréis evitar una película si la veis en el reparto. Si buceáis en su filmografía ya tiene en su haber diversas películas de terror y parece que no le han servido de mucho. La interpretación de la protagonista no es lo peor del filme pero desde luego si es para darle un Razzie.
Desde luego no va a entrar en la lista de nominados a los premios que galardonan a las peores películas del año porque se suelen incluir estrenos más comerciales y dudo que ‘Echoes of fear’ llegue a verse en muchos países. Su guión está plagado de diálogos triviales, falto de carisma y plagado de redundancias que no nos hacen más que recordar que todo va a acabar de un modo que esperamos desde el principio.
El ritmo es tremendamente espeso, aburrido. Pero si que hay que reconocerle a la película de los hermanos Brian y Laurence Avenet-Bradley que tiene unos cuantos trucos bien expuestos. Sustos y efectos artesanales sin modificación por ordenador que surten su efecto como es debido. Lástima que la elección de planos no esté tan bien ideada.
Seguimos con el director Alejandro Ibáñez Nauta y nos vamos a la selva junto a una familia, en donde vemos al padre obsesionado con poder fotografiar a un Urubú albino.
La selva es peligrosa y más cuando no conoces nada de ella y llevas a tu hija pequeña contigo. La película es de serie B, no está mal rodada, tiene buenos planos, las persecuciones por la selva la verdad que están muy bien pero en general es bastante amateur.
Creo que ha querido homenajear mucho a su padre Chicho Ibáñez Serrador y al final ha quedado demasiado parecido al trabajo de éste.
Eso sí, decir que tanto la banda sonora es bastante curiosa, realizada por Arturo Díez Boscovich y le da mucha vida a toda la historia.
Los Addams son, sin duda, la familia más especial de la zona en la que viven. Su casa está en la cima de una colina cubierta por la niebla y viven felizmente infelices acomodados en su peculiar rutina.
Gomez y Morticia preparan la visita de su numerosa familia para celebrar la “Mazurka con sable” en honor a Pugsley, un rito de iniciación en el que demostrará su aptitud para convertirse en un hombre digno de la familia Addams. Pero, mientras estáninmersos en los preparativos de esta celebración, los Addams ignoran que su vecina -el fenómeno televisivo Margaux Needler-, que vive al pie de la colina, planea construir una comunidad prefabricada, perfecta y de lo más pop justo debajo de la suya. Y cuando por fin se levanta la niebla, Margaux entra en pánico al descubrir la mansión de la familia Addams, un claro impedimento en su sueño de vender todas las casas del barrio a personas selectas.
Por otro lado, mientras Pugsley se esfuerza en aprenderse al pie de la letra la complicada “Mazurka con sable”, Miércoles se enfrenta a la adolescencia. Se hace amiga de Parker, lahija de Margaux, e intenta ir más allá de los límites impuestos por Morticia, sacándola de quicio al volverse “normal”, ir al instituto, ser animadora y querer vestir cosas que, sin duda, no son propias de un Addams.
Crítica
Si buscas aquella familia que te hizo reír antaño, no la encontrarás
Un nuevo trabajo que trae a la pantalla grande a las viñetas de Charles Addams llega a España. Universal Pictures lanza a los espectadores una propuesta que intenta estar a la altura de las adaptaciones de imagen real que hizo en su día Barry Sonnenfeld. Lo que por entonces fue una comedia surgida de lúgubres personajes hoy se ha convertido en una colorida y excesivamente dicharachera cinta. Rescata elementos del cómic muy visuales, como el columpio escoba, el vestido de Morticia, la redondez de Gómez, el pulpo mascota… Pero no respeta la esencia tétrica y cómicamente deprimente de esta familia que lleva el apellido de su creador.
Sobre todo falla en su intento de parecerse a las películas de dibujos actuales, incluso llegamos a pensar que se parece más a ‘Hotel Transilvania’ que a ‘La familia Addams’. Se les ha ido de las manos con el espectáculo, las explosiones y los niveles de tecnología. Pecado en el que suelen caer muchas películas de animación de hoy en día, que se piensan que más es más, cuando lo que sucede es que cuanto más desbocada menos graciosa resulta por estruendosa y falsa. También juega en contra de intentar rescatar la vis cómica de esta familia el hecho de que la historia transcurra en nuestra actualidad, las nuevas tecnologías no parecen conectar bien con esta victoriana familia.
Repite puntos y eventos que ya hemos visto en los otros largometrajes. Está el hecho de que uno de sus integrantes corra el peligro de «hacerse normal» o que por enésima vez tengan una reunión de todo el clan. Al ser una especie de precuela podría haberse centrado en cómo se hacen con su famoso caserón (algo que se ve muy de pasada) o en cuál fue la vida de los padres Addams antes del nacimiento de Miércoles o Pugsley.
No me parece ni que el famoso tema central de la banda sonora entre a tiempo. En cuanto a las voces se ha contado con famosos como Oscar Isaac para Gomez, Finn Wolfhard para Pugsley, Chloë Grace Moretz es Miércoles… Para mi quien hace un trabajo realmente bueno es Charlize Theron como Morticia, estando además el personaje diseñado con bastante parecido facial al de la actriz. Lo que no me explico es la necesidad de mezclar a Snoop Dogg con el primo Eso, totalmente estrambótico y sin sentido.
A Greg Tiernan y Conrad Vernon se les dio muy bien el tema de ‘Shrek’ y ‘La fiesta de las salchichas’, pero sus códigos no han funcionado en esta ocasión. Solo aquellos que no tengan ni idea de cuál es el material original o de cómo fueron sus adaptaciones en imagen real disfrutarán realmente de esta película. El único público que creo que es verdaderamente objetivo de esta nueva versión animada es el más joven, capaz de reírse de un humor slapstick y tontorrón, acompañado además de una música pop que no pega ni con cola, pero que seguramente les hará mover las caderas.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre de 2019. Título original: The Addams Family. Duración: 87 min. País: EE.UU. Dirección: Conrad Vernon, Greg Tiernan. Guion: Matt Lieberman, Pamela Pettler. Música: Jeff Danna, Mychel Danna. Reparto principal: Oscar Isaac, Charlize Theron, Chloe Grace Moretz, Finn Wolfhard, Nick Kroll con Bette Midler, Allison Janney. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Cinesite Animation, BRON Studios, BermanBraun, Bron Creative, Creative Wealth Media Finance, Nitrogen Studios Canada. Distribución: Universal Pictures. Género: animación, comedia. Web oficial: www.lafamiliaaddams-lapelicula.es
Vitoria, 2019. Los cadáveres de un chico y una chica de veinte años aparecen desnudos en la cripta de la Catedral Vieja. Unai López de Ayala, un inspector experto en perfiles criminales, debe cazar al asesino ritual que lleva aterrorizando a la ciudad desde hace dos décadas. La sucesión imparable de crímenes y una investigación policial contaminada por las redes sociales llevarán al límite a Unai, enfrentándolo a un asesino camaleónico y despiadado que podría estar más cerca de lo que creía.
Crítica
No sirve ni como escaparate de Vitoria-Gasteiz
Se avecina una época de muchos estrenos españoles y en la que veremos unas cuantas películas policiales, de investigación y crímenes rituales. Están por llegar filmes como ‘Legado en los huesos’ o ‘El asesino de los Caprichos’. ‘El silencio de la ciudad blanca’ tiene en común con esos títulos el hecho de transcurrir en el norte de España o de contar con Aura Garrido entre sus protagonistas, repitiendo la actriz el papel de policía/investigadora a las órdenes o acompañada de otro agente interpretado por un actor u actriz famosa, de un modo similar al de ‘La niebla y la doncella’.
En este filme Aura Garrido vuelve a compartir créditos con Belén Rueda quien junto a JavierRey interpretan a los protagonistas. Personajes que surgen a partir de la obra novelesca de EvaGarcía Sáenz de Urturi y a los cuales ha dirigido con bastante desatino Daniel Calparsoro. Es raro tener que decir que un director tan bueno como este lleve dos películas fallidas seguidas, porque viene de dejarme bastante frío en 2018 con ‘El aviso’, otra adaptación de una publicación literaria. Y también es raro tener que admitir que una película con un reparto tan bueno no resulte entretenida.
En ‘El asesino de los caprichos’ se juntan tantos factores errados que uno acaba casi por desconectar de ella. Está llena de tramas innecesarias, de sucesos o relaciones que no aportan nada, de escenas de acción metidas con calzador, de giros de guión trasnochados o por el contrario excesivamente rebuscados, de un desaprovechamiento de un escenario como Vitoria-Gasteiz … Tal es así que no he llegado a entender por qué en determinados momentos se usan a destiempo imágenes a cámara lenta. Mi percepción es que se ha querido ser tan fiel al material escrito que llega un momento en que se monta un barullo que requiere de una pausa para aclarar las ideas y la trayectoria de los personajes.
Una cosa no le falta a este filme, carreras. Le sobran tanto escenas de footing como persecuciones, sobre todo cuando los perseguidos lo hacen sin sentido alguno. Es una película muy atropellada, que deja demasiado sin explicar y lo poco que explica lo hace nada más desvelarse. Muy pronto se descubre el pastel de ‘El silencio de la ciudad blanca’. Y no lo digo porque se pueda ver venir qué va a pasar o la identidad del asesino, sino porque la propia película se encarga de desvelarlo. Eso evita que encima no haya intriga alguna y estemos deseando constantemente que la cinta nos muestre más virtudes, que nunca llegan.
Como decía de aquí a diciembre vamos a ver en carteleras unas cuantas películas criminalísticas. La que más puedo recomendar es la segunda parte de la trilogía del Baztán, largometraje que comparte unos cuantos actores con esta: Manolo Solo, Pedro Casablanc o Itziar Aizpuru. Desconozco cómo es en comparación la novela original y la trilogía de la que surge esta historia pero si es por mí en el cine no veremos una trilogía.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre de 2019. Título original: El silencio de la ciudad blanca. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Daniel Calparsoro. Guion: Roger Danès, Alfred Pérez Fargas. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Josu Inchaustegui. Reparto principal: Belén Rueda, Javier Rey, Aura Garrido, Manolo Solo, Àlex Brendemühl, Kandido Uranga, Sergio Donado, Àlex Monner, Itziar Ituño, Pedro Casablanc, Richard Sahagún, Ramón Barea. Producción: Atresmedia Cine, Rodar y Rodar, Silencio ciudad blanca AIE, HUGO P27, Movistar+, EITB, Netflix. Distribución: DeAPlaneta. Género: adaptación, thriller, crimen. Web oficial:http://www.deaplaneta.com/es/el_silencio_de_la_ciudad_blanca
Tras un grave accidente, David decide acoger y cuidar en su casa a su mejor amigo, Javi. Sin embargo, las rencillas entre ambos no tardarán en aflorar poniendo en evidencia una relación envenenada y homicida, más cercana a la locura que a la amistad que aparentan mantener.
Crítica
En la vida tiene que haber de todo, sobre todo amigos y este ‘Amigo’ no nos podía faltar
Los actores españoles David Pareja y Javier Botet, amigos desde hace muchos años, se han encerrado en una casa y han rodado lo que se puede decir que es una película que sigue la senda de películas tan importantes como ‘Misery’. No es un calco ni un homenaje a la obra surgida de la mente de Stephen King pero sí que abraza una «devoción perseverante» de un modo similar. Esta es una historia llena de sufrimiento, lealtad, negación, paranoia, búsqueda de redención, culpa y como dije en nuestro diario de Sitges, mucho hijoputismo.
En esta historia en la que un joven es en varios sentidos esclavo de su maltrecho amigo existe mucho drama. Pero también hay algo de comedia. No la calificaría de película redonda, pues depende bastante del particular físico de Botet y de cómo este sabe sacarle partido. Pero si tiene muchas virtudes, las cuales son capaces desde enternecernos hasta horrorizarnos. Tal vez no de la campanada pero campanitas le sobran.
Javier Botet está muy presente en producciones tanto internacionales como españolas (próximamente se le verá en ‘Ventajas de viajar en tren’ o ‘Malasaña 32’). Sus trabajos realizando monstruos de todo tipo podría decirse que le dan proyección pero lo más correcto es decir que está totalmente proyectado y con ‘Amigo’ puede verse que va lanzado, sin necesidad de usar ningún tipo de maquillaje protésico. En el caso de David Pareja le sigo la pista desde que le vi en ‘Matar a Dios’. Su interpretación se aleja bastante de su actividad en redes sociales o de sus trabajos cómicos. Tanto en su caso como en el de Botet vemos una actuación más dramática, que demuestra sus amplias capacidades, no limitadas a lo humorístico.
Ellos dos son los personajes principales pero hay otros que aportan mucho a la hora de hablarnos sobre el estado, sobre todo mental, de los protagonistas. Alguno puede pensar que la aislada casa a la que se van a vivir es un componente más del reparto, pero más que ese emplazamiento hay que considerar a la pequeña televisión que sirve de pasatiempo al inválido amigo. Ella no solo es testigo de lo que allí pasa, sino que además nos narra el presente o lo que está por venir. Nos sirve de vínculo emocional con el personaje de Botet y con los recuerdos de espectadores como yo que aún conservamos los VHS de Mortadelo y Filemón realizados por Rafael Vara.
Esta ópera prima del director Óscar Martín es un largometraje con una atmósfera asfixiante y enervante, saca de su zona habitual a dos populares actores y es un gran acierto haber hecho este proyecto con ellos. Se nota que es una película hecha entre amigos y puede que por eso haya alcanzado tan bien un tono altamente fraternal e íntimo. Se suma esto al sabor triste, tenso y fatalista del filme y tenemos una especie de thriller terrorífico con gotas de humor que nos evoca a sombrías historias clásicas. Porque en la vida tiene que haber de todo, sobre todo amigos y este ‘Amigo’ no nos podía faltar.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de octubre de 2019 (Festival de Sitges). 27 de noviembre de 2020. Título original: Amigo. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Óscar Martín. Guion: Óscar Martín, Javier Botet, David Pareja. Música: Manu Conde. Fotografía: Alberto Morago Muñoz. Reparto principal: Javier Botet, David Pareja, Patricia Estremera, Alfonso Mendiguchía, Esther Gimeno, Luichi Macías, Zoe Berriatúa Alfonso Mendiguchía, Ana del Arco. Producción: El ojo mecánico. Distribución: por determinar. Género:Web oficial:https://www.elojomecanico.com/
‘Sesión Salvaje’ es un documental que recorre la época dorada del cine de géneros en España, desde los westerns rodados en Almería a las películas de terror, pasando por “el destape” y el denominado cine quinqui. Se trata de un homenaje de la actual generación de cineastas a los profesionales del cine de serie B en España.
Crítica
Un ejercicio de justicia cinematográfica, una instancia a un cine más libre y sesudo
Podemos decir que España lleva una buena cantidad de décadas realizando películas de todo tipo. Tal es el recorrido del séptimo arte en nuestro país que ha pasado por distintas fases y géneros: el western, el destape, el cine quinqui… En cada época se ha puesto de moda uno u otro tipo de largometrajes y el trabajo de Paco Limón y Julio Cesar Sánchez así nos lo expone haciendo un trabajo de archivo encomiable.
‘Sesión Salvaje’ hace un repaso a todas aquellas películas que marcaron un antes y un después, que traspasaron fronteras y que hoy en día habrían caído en el olvido de no ser por el «público de culto». Para ello saca a la palestra nombres tan míticos como Paul Naschy, Eugenio Martín o Jesús Franco. Los pone en el lugar que merecen aportando, por supuesto, razones de peso para ello. ‘Sesión Salvaje’ hace justicia pues hace ver los logros de artistas que en su día lucharon contra la censura y la precariedad o que posteriormente se dedicaron a hacer un cine cerebral sin ataduras. Así se comprueba cuando vemos como abiertamente nos cuentan qué y cómo se hacía cine en otra época, sacándonos la sonrisa con su espontaneidad y sinceridad. Volvemos a tomar contacto con protagonistas como Lone Fleming, Jorge Grau, Mariano Ozores, Emilio Linder…
Cubre el abanico de la serie B española, ‘Sesión Salvaje’ está estructurada por diferentes géneros y épocas. Desde los momentos en que películas de terror realizadas aquí se consideraban Z o X hasta la época dorada de las películas del oeste. Esta no es solo una recopilación de películas y nombres, también es una apuesta por una filosofía de ver y hacer cine. Caras conocidas y actuales como Álex de la Iglesia, Paco Cabezas, Nacho Vigalondo, Enrique López Lavigne… abogan por un cine que no esté atado a exigencias comerciales que dicten nuestros gustos, que no sea tan abiertamente esclarecedor y nos haga darle más al coco. Con tono nostálgico se habla de la época en la que teníamos que buscar físicamente las películas y había una mayor ilusión por ver y compartir títulos ya clásicos. Hay añoranza por el arte alejada del producto que en su mayoría nos llega hoy en día.
Son 84 minutos que darían para días de metraje. Están bien condensados pero expuestos de un modo casi casero. Con cartelones que a veces van y vienen demasiado rápido o que cuesta leer, con un metraje algo atropellado pero con información siempre relevante. Me pone de los nervios estar en una película y que el resplandor de un móvil me ilumine como una luna llena en Noche de Walpurgis, pero os dejaría sacar el vuestro en los créditos de ‘Sesión Salvaje’ para que capturéis la lista de películas que aparece al final y que sirve como inigualable recomendación cinéfila.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de octubre (festival de Sitges). 13 de diciembre cines. Título original: Sesión salvaje. Duración: 84 min. País: España. Dirección: Paco Limón, Julio Cesar Sánchez. Guion: Paco Limón, Julio Cesar Sánchez, Daniel Luis López. Fotografía: Ernesto Herrera. Reparto principal: Javier Aguirre, Simón Andreu, Paco Cabezas, Carmen Carrión, Álex de la Iglesia, Álvaro de Luna, Carlo De Marchis, Lone Fleming, Adrián García Bogliano, Jorge Grau, Fernando Guillén Cuervo, Jose Lifante, Emilio Linder, Enrique López Lavigne, Eugenio Martín, Antonio Mayans, Mariano Ozores, Esperanza Roy, Diego San José, Loreta Tovar, Nacho Vigalondo, Miguel Ángel Vivas. Producción: Apache Films, FlixOlé, Mórbido Films, Mercury Films. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: documental. Web oficial: www.sesionsalvaje.es
Diez años después de que ‘Bienvenidos a Zombieland’ se convirtiera en un gran éxito y un clásico de culto, el reparto principal (WoodyHarrelson, JesseEisenberg, AbigailBreslin y Emma Stone) se vuelve a unir al director RubenFleischer (‘Venom’) y los guionistas originales RhettReese y PaulWernick (‘Deadpool’) para ‘Zombieland: Mata y remata’. En la secuela, escrita por RhettReese, PaulWernick y DaveCallaham, a través de un divertido y loco caos que va desde la Casa Blanca al corazón del país, estos cuatro cazadores deben luchar contra nuevos tipos de zombis que han evolucionado desde la primera película, así como nuevos supervivientes humanos. Pero por encima de todo, se tendrán que enfrentar a los problemas de su alocada e improvisada familia.
Crítica
Segundas partes nunca fueron tan buenas
Vuelve el equipo de Zombieland, no solo los actores, sino directores y guionistas y eso se nota. Si ya me gustó ‘Bienvenidos a Zombieland’, ‘Zombieland: Mata y Remata’ sigue su estela de una manera fiel y mucho más sangrienta.
10 años ya de la primera parte donde el equipo formado por WoodyHarrelson, EmmaStone, JesseEisenberg y AbigailBreslin, nos sorprendieron con una comedia en la que el mundo está lleno de zombies y unos cuantos humanos tienen que sobrevivir a esta plaga. Ahora esos zombies han evolucionado, los hay de estilo Homer, Hawkings e incluso los T800.
Vemos a más supervivientes en un mundo en el que lo único que queda es vivir día a día y disfrutar cada momento como si fuese el último.
Conocemos a Madison interpretada maravillosamente bien por ZoeyDeutch (‘The Disaster Artist’) , una niña pija, muy rosa y adorable que lo único que quiere es compañía. También encontramos a Nevada, una mujer fuerte y segura que hará que el corazón de Tallahasse se ablande por completo.
La película nos muestra como ha sido la vida de nuestros protagonistas, como lograron un hogar y como las hormonas de Little Rock consigue romper esta armonía escapándose a una comuna pacifista con gente de su edad. A partir de este momento tienen que salir de su lugar de confort y mostrarnos de nuevo lo divertido que es acabar con los zombies.
En general convence mucho, como he dicho antes, es bastante más sangrienta y bruta y podremos ver a zombies muy mejorados, los cuales harán que nuestros protagonistas lleguen a estar en verdaderos apuros.
Las peleas con los no muertos están muy bien coreografiadas. Antes de terminar no os vayáis durante los créditos ya que enseguida da comienzo una gran escena de superviviencia zombie que os va a divertir y además sirve de homenaje para un personaje muy querido de estas películas.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de octubre 2019. Título original: Zombieland: Double Tap. Duración: 99 min. País: Estados Unidos. Dirección: Ruben Fleischer. Guión: Dave Callaham, Rhett Reese, Paul Wernick. Música: David Sardy. Fotografía: Chung Chung-hoon. Reparto principal: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone, Abigail Breslin, Zoey Deutch, Rosario Dawson, Luke Wilson, Bill Murray. Producción: Columbia Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: Comedia. Web oficial:https://www.zombieland.com/
Convertido en fugitivo, Jesse Pinkman intenta escapar de su pasado. Escrita y dirigida por Vince Gilligan, creador de «Breaking Bad», y protagonizada por Aaron Paul.
Crítica
La película post-créditos de una de las mejores series de la historia
En primer lugar he de decir que no recomiendo ver ‘El camino’ si no has visto previamente ‘Breaking Bad’ o si no tienes fresco su final. Esta es una película que funciona como píldora balsámica para los espectadores de la serie que tuvieron un magnífico cierre pero que se quedaron con ganas de saber qué podría pasar tras sus instantes finales. De ahí que la califique como la «película post-créditos» de una de las mejores series de la historia.
El nuevo filme de Vince Gilligan protagonizado por Aaron Paul funciona muy bien de manera independiente, aunque no perciba en ella una gran fotografía ni una banda sonora destacable. Tiene suspense, la historia se puede entender bien, tiene un buen cierre, gran reparto… Pero para que un espectador le dé una nota alta ha de saber reconocer los puntos y personajes a los que alude o hace referencia. Es un epílogo que aporta algo más de información sobre uno de los dos personajes protagonistas, en concreto Jesse Pinkman. También rescata con flashbacks a personajes de las cinco temporadas (no diré cuales) de modo que se pueda dar contexto a los lugares que a va a visitar Jesse tras su liberación. Con todo esto podemos asegurar que nuestro sentimiento de nostalgia, aunque la serie acabase en 2013, surge constantemente.
La interpretación de Aaron Paul viene a demostrar por qué la serie funcionó tan bien y por qué debería recibir mejores papeles. Ha recuperado perfectamente el racord emocional de su personaje. Nos vuelve a llevar de la desesperación a la rabia, conservando la capacidad de hacernos sonreír con un joven de bastante alocado que además ha sufrido un grandísimo trauma, convirtiéndole en un osado fugitivo. Aunque ya no cuenta con el respaldo de Heisenberg (Bryan Cranston) vemos gotas de ingenio en él y eso hace que ‘El camino’ aunque no sea muy inteligente si resulte ocurrente.
Muchos tacharán a esta película de innecesaria o de episódica. Pero para aquellos que se quedaron con la intriga de ver cómo viviría Jesse inmediatamente después de escapar o que no se conformaron con un final abierto libre a la interpretación funciona como un regalo, un bonus que no mancha el producto original y que respeta todo el espíritu de la serie. No es un título esencial para comprender o para cerrar la serie pero si edulcora la sensación tan intensa que vivimos millones de personas al acabar la quinta temporada.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de octubre de 201. Título original: El camino: a Breaking Bad movie. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección: Vince Guilligan. Guion: Vince Gilligan. Música: Dave Porter. Fotografía: Marshall Adams. Reparto principal: Aaron Paul, Matt Jones, Charles Baker, Jesse Plemons, Krysten Ritter, Scott Shepherd, Tom Bower, Scott MacArthur, Tess Harper, Robert Forster, Larry Hankin, Kevin Rankin, Johnny Ortiz, Marla Gibbs, Brendan Sexton III, Michael Bofshever, Bryan Cranston. Producción: Netflix, Sony Pictures, AMC. Distribución: Netflx. Género: drama, thriller. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81078819
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