Toda la familia de Ki-taek está en el paro y se interesa mucho por el tren de vida de la riquísima familia Park. Un día, su hijo logra que le recomienden para dar clases particulares de inglés en casa de los Park. Es el comienzo de un engranaje incontrolable, del cual nadie saldrá realmente indemne.
Crítica
Una singularidad que hay que aplaudir y laurear por su uso de la comedia negra
No hace falta que seáis expertos en cine coreano para comprender que el director Bong Joon-Ho, autor de películas como ‘Okja’ o ‘The host’ es un fuera de serie que destaca entre sus compatriotas y entre los directores de su generación a lo largo de todo el globo terráqueo. No es de extrañar que con ‘Parásitos’ diese la sorpresa en la pasada edición del festival de Cannes llevándose la Palma de Oro pues el último título del director surcoreano es portentoso, espero poder leerlo entre los nominados al Oscar. ‘Parásitos’ es una singularidad de esas que hacen reír a la par que reflexionar, que hay que aplaudir y laurear por su uso de la comedia negra.
Bong Joon-Ho se aleja esta vez del género fantástico para narrarnos las peripecias de una familia que sueña con aspirar a más. Aunque soñar es un término demasiado amable para un filme que a veces roza lo repugnante. Los Ki-taek más bien traman, maquinan con una vida mejor, pero no cualquier vida, quieren la que llevan otros y para eso elaboran un plan patético y un tanto escalofriante. Aunque sus personajes son tristes, descarados e incluso abyectos uno no puede dejar de sentir cariño por ellos, al fin y al cabo solo intentan sobrevivir y sufren injusticias. Sus argucias despiertan una malévola simpatía. En ese sentido ‘Parásitos’ puede recordaros a títulos recientes como la serie ‘Vergüenza’. Varios adjetivos que encajan muy bien con los Ki-taek son gorrones o chanchulleros, pero también supervivientes.
Literalmente llega un momento en que la película se convierte en una lucha de clases. Pero el filme de Bong Joon-Ho es en su mayoría una sátira que juega con el karma y la justicia poética. Resalta las diferencias entre distintos estratos sociales de un modo magistral a través de la mirada de unos protagonistas que nos muestran el derroche o la suerte de diferentes maneras. En esta ocasión el director coreano ha llegado a emplear una retorcida malicia digna del propio Lars von Trier.
Y la fotografía parece sacada de portadas de una colección manga. Estampas de lugares asiáticos urbanos que invitan a escudriñar el país en su sentido más hogareño y mundano. Hay un par de secuencias en las que la función vídeo de los smartphone entra en juego y son gloriosas.
Se nota que el guión está bien sopesado, esta no es una película que nos cuente un mero lance. Todo sucede de manera meticulosa e hilarantemente por etapas. Hasta que en uno de sus cambios de acto la cosa se desmadra. Se incorpora a la cinta la tensión, el desconcierto, la intriga, varios giros chiflados. ‘Parásitos’ es un thriller social de miserias y miserables, donde hay que identificar bien a los perdedores y a los impostores.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre. Título original: Gisaengchung (Parasite). Duración: 131 min. País: Corea del Sur. Dirección: Bong Joon-Ho. Guion: Bong Joon-Ho, Han Jin Won. Música: Jaeil Jung. Fotografía: Kyung-pyo Hong. Reparto principal: Kang-ho Song, Sun-kyun Lee, Yeo-jeong Jo, Woo-sik Choi, Hye-jin Jang, So-dam Park. Producción: Barunson E&A, CJ E&M Film Financing & Investing Entertainment & Comics, TMS Comics. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: comedia negra, suspense. Web oficial:http://laaventuraaudiovisual.com/parasitos/
Varios crímenes en un barrio de clase alta tienen algo en común: sus víctimas coleccionan grabados de Goya. Las inspectoras Carmen Cobos y Eva González iniciarán la investigación en un entorno elitista en el que el tráfico de obras de arte es habitual. Tendrán que descubrir a un asesino que reproduce con sus víctimas las escenas de los Caprichos de Goya.
Crítica
Una historia muy desaprovechada
Dirigida por GerardoHerrero (‘La playa de los ahogados’) llega a nuestras salas ‘El asesino de los caprichos’, un filme donde dos policías deben encargarse de encontrar a un delincuente que utiliza los cuadros de Goya para su puesta en escena de los asesinatos.
La premisa es bastante original, interesante y la película empieza muy bien, con unas imágenes muy trabajadas, sobre todo los asesinatos, efectivamente parecen sacados de un cuadro de Goya y lo representan muy bien, es algo digno de ver. Pero tiene un gran problema, que según avanza la cinta pierde toda la credibilidad, sus personajes flojean y se pierden en historias personales que no tienen ningún interés para el espectador.
Una de las cosas que quizás más me haya gustado es el juego que se llevan los personajes de MaribelVerdú y AuraGarrido, una siendo la típica policía alcohólica, desagradable y que todo lo sabe, mientras que la otra, es novata en esa comisaría y solo intenta que la vean como lo que es, una gran profesional. Ambas tienen buena química, pero el guión no les hace ningún favor.
Ya he comentado más arriba que las historias personales dejan a la historia principal, la trama de los asesinatos, bastante fuera de la película y me parece un error enorme ya que podrían haber jugado mucho con todo el tema del arte y al final todo finaliza de manera muy precipitada y bastante mal.
En el reparto también encontramos a DanielGrao, AntonioVelázquez, RobertoÁlamo, GinésGarcíaMillán y TamarNovas. Sin duda un reparto de grandes actores españoles que intentan levantar una historia que se pierde en la vida personal de Carmen, el personaje principal de Maribel Verdú. En general están bastante mal dirigidos y sus personajes terminan siendo muy planos, sin apenas emociones.
Quizás lo único que puede llamar más la atención acerca de la cinta es su fotografía, bastante curiosa, no es perfecta, pero sí que nos da una atmósfera de cine negro que le viene bastante bien.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de octubre 2019. Título original: El asesino de los caprichos. Duración: 95min. País: España. Dirección: Gerardo Herrero. Guión: Ángela Armero. Música: Vanessa Garde. Fotografía: David Omedes. Reparto principal: Maribel Verdú, Aura Garrido, Daniel Grao, Roberto Álamo, Ginés García Millán, Ruth Gabriel, Antonio Velázquez. Producción: Tornasol Films, Movistar+, Entre Chien et Loup.Distribución: A Contracorriente Films. Género: Thriller. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/1006/el-asesino-de-los-caprichos/
Seguimos el camino de Aaron Paul para finalizar el festival
Aaron Paul ha demostrado hoy en Sitges ser todo un profesional. Tras un día viajando y enterarse al llegar a su hotel de la muerte de su compañero Robert Foster ha sido capaz no solo de asistir a todos los eventos de su programa si no de mostrarse divertido y abierto a todo tipo de preguntas o peticiones. Aún así tuvo palabras muy afectuosas para el recién fallecido actor.
Su película ‘El camino’ se estrenó justo el día antes y ha marcado el regreso a su archiconocido personaje de ‘Breaking Bad’, Jesse Pinkman. Sobre esto ha declarado que «Vince Guilligan no tiene que hacer nada para convencerme. Era algo que él tenía planeado. Hace dos año me lo sugirió y le dije que le seguiría basta el fondo de un abismo, me ha dado una carrera y le confiaría mi vida». A esto añadió que no tengo ni idea de cómo conseguimos mantener el proyecto en secreto dado que rodábamos en el exterior. Nos ayudo que hacía tiempo que se había acabado la serie. Mis conocidos me preguntaban que estaba grabando y yo decía, nada in proyecto indie, personal… Al final pudimos decir que la habíamos colado».
«Hay muchos personajes que me gustaría que apareciesen pero confiaba en Vince, el sabe lo que hace y no iba a meter a nadie con calzador o que no fuese necesario» dijo sobre el elenco que aparece en la película de Netflix. «Este es el fin para Jesse Pinkman, es un regalo para la audiencia. El propósito era clausurar su historia. El final de la serie es precioso, tengo una opinión obviamente sesgada pero lo pienso así» añadió.
«No tengo ni idea de que va a ser de mi carrera. Espero que me sigan llevando trabajos que me lleven a otros límites. Espero tener otra hija y viajar por todo el mundo» comentó tras este punto final para su personaje. Añadió después que «voy a hacer una serie para Apple con Octavia Spencer, es mi primer trabajo original. Estoy también en la tercera temporada de Westworld, fue un rodaje de locura».
Sobre la serie que co-protagonizó y que a tantos nos ha gustado desveló que «cuando leí el piloto pensaba que conocía al personaje. Pero después de muchos episodios vimos como se habían formado capas en él. Yo había comido y bebido al personaje, me forcé a crear un contexto, pero con la película hemos entrado en un capitulo que me ha ayudado a comprender el infierno que ha vivido». Además le preguntamos sobre cómo es trabajar con Bryan Cranston con quien lanzará una bebida (Dos hombres) próximamente: «Ese tipo fue mi mentor y le amaré hasta morir. Es la persona más inmadura al trabajar que conoceré en mi vida pero también de las más profesionales. Trabajar con él fue como estar en un continuo taller de interpretación».
Por sorpresa y a pesar de estar visiblemente afectado en su salud, se ha plantado Dario Argento en Sitges. El maestro del terror italiano ha estado acompañado de AntoniaLava para presentar un teaser y hablar de uno de sus próximos trabajos. «Hemos hecho un teaser que es un regalo a Sitges, a su público» dijo Lava. El vídeo que hemos visto dura 27 segundos y Dario Argento se partía de risa al verlo en la sala.
La serie que va a realizar junto a Lava es una co-producción italiano y española. «Voy a rodar en Barcelona, habrá un director español y técnicos de aquí, por eso me parecía buena idea venir a presentarlo al festival. Aunque mi idea sería que más que un español fuesen dos y que se encargasen de la parte final que es la más difícil» afirmó el mítico director italiano.
La pregunta era fácil que surgiese ¿qué es el Giallo para ti? «Es una especie de thriller, en el que no se sabe quién es el asesino. Es elegante, bello, con mucha atención especial a las mujeres. Colores bellos. Ha habido muchas interpretaciones de giallo en Estados Unidos pero es eso» respondió. Actualmente está surgiendo muchas películas que imitan el género italiano. «Estamos viviendo un renacer del giallo y por eso me persiguen para hacer una película. Pero yo quiero hacer algo que realmente me interese» dijo rotúndamente.
También se ha dado a conocer en esta jornada el palmarés de la 52ª edición, podéis consultarlo aquí. Seguidamente podéis leer las últimas películas que hemos visto des este Sitges 2019.
Un epílogo que cierra una serie que fue cerrada de manera elegante y con una especie de cliffhanger. ‘El camino’ es una perla para aquellos que aman ‘Breaking Bad’ o tienen frescos sus detalles ya que rescata varios elementos que vimos durante sus 5 temporadas.
Aaron Paul demuestra de nuevo lo buen actor que es y nos remonta con una joven nostalgia al personaje de Jesse Pinkman. La película de Vince Gilligan funciona a pesar de la pérdida de Heisenberg (Bryan Cranston) y se mantiene esa sensación de que Jesse no era el lumbreras de la asociación pero sí que como un perro acorralado sabe salir de sus embrollos. No es un título esencial para comprender la que se considera una de las mejores series de la historia pero si funciona como bálsamo para el intenso final que mantuvo en vilo a millones de personas.
Estas reglas son las que deben respetar las dos protagonistas de ‘Braid’ si quieren salir con vida de la casa donde su extraña amiga de la infancia vive y donde van a refugiarse al estar buscadas por la policía.
A partir de entrar en la casa nuestras protagonistas tienen que enfrentarse a diferentes juegos que inventa Daphne, llegando a ser torturadas y llevadas a la locura. Esta locura se termina convirtiendo en la gran protagonista de la cinta dando imágenes y situaciones bastante absurdas y muy llamativas. Eso sí, todas ellas llenas de sangre, muertes y con una gran puesta en escena.
Las tres protagonistas son MadelineBrewer (‘El cuento de la criada’), ImogenWaterhouse (‘Animales nocturnos’) y SarahHay (‘9-1-1’). La película se deja ver, quizás no sea de lo mejor que he visto en el Festival, pero sinceramente me la esperaba mucho peor.
Vuelve la Familia tan querida (sobre todo por los mayores) a las grandes salas, esta vez en formato película de animación.
Dirigida por GregTiernan y ConradVernon (‘La fiesta de las salchichas’) esta Familia Addams deja mucho que desear, al menos para los que tenemos en el recuerdo las dos cintas de los años 90. Han intentado mostrar en todas las imágenes escenas un tanto macabras, pero no logran dar ese toque siniestro a esta historia que está más pensada para un público demasiado infantil.
En su versión original escuchamos las voces de CharlizeTheron, que está maravillosa hasta doblando, OscarIsaac o Chloë Grace Moretz, sin duda el personaje peor interpretado. Y ya lo de la música de SnoopDogg es otra manera de vender la película que más bien pega para un ‘Hotel Transilvania’.
SABU nos ha demostrado a aquellos que no habíamos visto sus películas que es un portentoso director. Tras divertirnos con la rareza que es ‘Dancing Mary’ hemos podido comprobar con ‘JAM’ que sabe hacer diversos tipos de historias. En concreto esta consiste en una de esas difíciles narraciones que cruza los caminos de distintos personajes.
El filme está tremendamente bien montado y su guión no deja fleco alguno. Observamos el destino de tres jóvenes que tienen diferentes problemas pero múltiples nexos en común. ‘JAM’ nos muestra unos saltos de trama a lo ‘Pulp Fiction’ para después guiarnos por una venganza a martillazos como en ‘Old boy’ y seguir contándonos una historia a lo ‘Misery’, pero no se queda ahí.
Tres visiones diferentes de Japón con pellizcos de humor y golpes de acción. Una idea que da para más y que próximamente hemos podido saber que SABU continuará explotando. Lo deseamos y lo veremos.
Las sectas y los sueños entran en juego en este filme ruso dirigido por el debutante PavelSidorov. Pero lo que más se impone son los miedos y el trauma, sobre todo en el trasfondo de la protagonista que bien poco nos ayuda a sentir su situación dada su actuación falta de expresividad y espontaneidad.
Buena puesta en escena es la que nos regala ‘Quiet comes the down’ no obstante resulta demasiado esclarecedora, da excesivas pistas y se huele el pastel tremendamente pronto. Una pena pues la historia de partida es muy atractiva y original, es como un ‘Inception’ versión terror con una mitología propia tras ella.
La niña de ‘The ring’ (versión japonesa) continúa sus andanzas en el cine y tras varias entregas y un enfrentamiento contra Kayako (el fantasma de ‘El grito’) tiene porfin una película con su nombre. Un filme que ha dirigido el director de las primeras partes (Hideo Nakata)
Está muy lejos de lo que fue a finales de siglo esta niña melenuda y de lo que a principios conseguía su director con películas como ‘Dark water’. La película es tan poco coherente con las «normas» del fantasma que nos descoloca. A parte de tener fallos de guión las actuaciones son de muy bajo nivel . Llega a ser incoherente y a repetir los pasos de entregas anteriores eliminando así cualquier factor sorpresa o giro de guión que aporte algo de riqueza a esta saga.
Ni siquiera incorporando elementos tan modernos como la profesión de youtuber logra ser ingeniosa o novedosa. Aunque hay que admitir que la única secuencia salvable es la del vídeo viral que filma uno de los personajes.
Esta nueva película de supuesto terror adapta la última novela de la saga de Koji Suzuki. Esperemos que sea la última y dejen descansar a Sadako en paz.
No es por menospreciar a los invitados que hemos visto previamente en esta edición. Conservamos un tremendo cariño por las películas de Aaron Morhead y Justin Bensony nos ha encantado cruzar palabras con los responsables de ‘Legado en los huesos’, por ejemplo. Pero hoy se ha personado en Sitges un actor que forma parte de nuestros mejores recuerdos cinematográficos. Sam Neill, intérprete de películas como ‘Jurassic Park’, ‘La caza del Octubre Rojo’, ‘Daybreakers’, ‘Merlin’ o ‘Peaky Blinders’ ha estado atendiendo hoy a los medios antes de recibir el día 12 el Gran Premio Honorífico.
Tras ser largamente ovacionado nos ha contado que cuando era pequeño tenía mucho cariño a las películas y ni siquiera jugaba a fútbol, vivía en Nueva Zelanda veía imposible llegar a los países donde se rodaba cine y Ovacionado. Ahora está en Sitges y ha declarado que «es mi primer premio a toda mi carrera, a mi vida. Espero que no signifique el fin de mi carrera (risas). Lo normal es sentirse modesto pero estoy encantado de la vida, orgulloso».
Sobre volver a ‘Jurassic World’ e interpretar de nuevo a Alan Grant ha dicho que «estoy feliz de volver a trabajar con mis amigos Laura Dern y Jeff Gold Colin. Es un nuevo Jurassic, es un nuevo mundo para mí. No puedo deciros nada sobre el argumento porque Universal me mata». Respondiendo a esa pregunta ha dicho que el director Colin Trevorrow va a estar en el festival durante los últimos días, ¿será verdad?
Con el responsable de ‘Jurassic World 3’ Neill sumará otro gran director a su carrera. Sobre eso ha dicho que «cuanto mas extremo es el terror y el director más encantadora es la persona. George Miller es encantador. Spielberg es un tipo importante de Hollywood pero también es encantador, es algo infantil en el mejor sentido de la palabra».
El actor irlandés nos contó que efectivamente ha habido algunos papeles que ha rechazado a lo largo de su carrera. «La vida del actor es así, a veces hay que estar en el lugar y momento adecuado». Nos contó por ejemplo que no hizo ‘El señor de los anillos’ probablemente porque por entonces rodaba ‘Jurassic Park 3’. Estuvo a punto de ser James Bond en la época en la que se eligió a Timothy Dalton. «Mi representante me iba a enviar a una prueba de cámara. Yo le decía que no quería ser James Bond. He agradecido toda mi vida no ser James Bond. No me habría gustado ser el Bond que no le agrada a nadie».
También nos contó que «me encantaría hacer un western pero nunca se ha dado la oportunidad. Me gusta montar en caballo, lo he hecho en varias películas. Hice una película llamada ‘Sweet country’ en Australia, del director Warwick Thornton. Era una especie de western, no tenía dos revolvers pero al menos llevaba sombrero».
Nos habló de otra película mítica suya como ‘Merlin’, donde le pasó le pasó algo curioso con la cultura pre-cristiana. «No creo en los cristales pero unos hippies me iniciaron en esa tradición. Me dieron un cristal y me dijeron que cuidaría de mi. En ‘Merlin’ tenía que llevar un traje con unas plumas y pedí que pusiesen ese cristal dentro de él. Rodando en un parque nacional de Gales donde estuvimos galopando perdí el cristal. Entonces me dije «He perdido el cristal, voy a morir (risas)». Estaba ya caminando desesperado por no poder encontrarlo en una extensión tan grande y me puse a fumar un cigarro (por entonces fumaba), baje la mirada y ahí estaba. Son cosas imposibles, desde entonces siempre me acompaña y gracias a él ahora estoy aquí a recoger el premio (risas)».
Esta estrella de Hollywood que todos tenemos en mente cuando se habla de dinosaurios vive una vida muy sencilla en realidad. «Tengo una granja con viñedos, vacas, cerdos, pollos. Llevo una vida diferente a la que llevo en el cine. Me da mucha pena dejar la granja para hacer películas pero también me pasa al revés. Me gustan los amigos que he hecho en el cine y poder venir a estos sitios a recibir premios» dijo.
‘5 è il numero perfetto’
Historia de venganza ambientada en el Nápoles del siglo pasado dominado por la Camorra. Un asesino jubilado (Toni Sevillo) que sigue las normas de la vieja escuela comienza una escalada de violencia al saber que su hijo, también gregario, ha desaparecido. Esta es una película de mafiosos, de esas en las que estos salen a matar como quien va a comprar pan.
El protagonista no puede resultar más arquetípico: camina impasible bajo la lluvia vestido con sombrero y gabardina mientras oculta su nuevo revólver en un paquete que lleva bajo el brazo. El filme está lleno de posados propios del cliché que explota y de casi tantas muertes como las películas de John Wick. Es curioso como recurre en varias ocasiones al mundo de los cómics.
Por supuesto que el verla en italiano le da ese toque mafioso que tanto nos ha vendido el cine pero es su protagonista de nariz aviar y voz cansada el que nos mantiene unidos a una trama de vendetta despechada.
Larry Fessenden, a quién podéis haber visto como actor en películas como ‘Most beautiful island’ o ‘Los muertos no mueren’, ha escrito y dirigido esta versión moderna de Frankenstein. Una visión en la que la ciencia o los artificios humanos se consideran una depravación con fines altamente cuestionables.
Muchos guiños a la obra de Mary Shelley (como el nombre de varios personajes) o incluso a clásicos de la novela romántica como Polidori. Pero también muchas similitudes con la serie Penny Dreadful.
Lo mejor del filme es la interpretación que realiza el actor que hace las veces de «monstruo» y el maquillaje que este lleva. Protésicos que construyen a un ser humano escuálido y hecho a retales, que se aleja visualmente del clásico Frankenstein pero que conserva su esencia. Esto además se refuerza con buen tratamiento de la memoria del protagonista y la recuperación de esta.
El director Keith Thomas nos cuenta en su opera prima una historia de terror llena de ruido y oscuridad.
Un joven decide aceptar trabajar una noche como shomer (una práctica judía en la que una persona vigila el cadáver de un miembro de la comunidad), pero su noche no va a ser para nada tranquila. Las sombras, las pisadas, los golpes en las paredes o las habitaciones inquietantes son parte de esta cinta que nos trae recursos muy clásicos, que a veces funcionan y otras se pierden por culpa del estruendoso sonido que tiene el filme.
No tiene mal resultado su historia pero podría haber sido mucho más inquietante y sorprendente, pero el director ha decidido ir a lo fácil y no arriesgar.
Una historia de exorcismos ambientada en la más tremenda actualidad. Podríamos pensar que tendrá similitudes con ‘El exorcista’ pero me ha hecho volver a la divertidísima ‘Deathtectives’. Con un tono bastante desenfadado pero también con alguna escena tensa ‘The cleansing hour’ es de los títulos más cercanos al terror de esta edición.
Juega muy bien con componentes modernos como es el streaming o las redes sociales. Crítica tanto a la sociedad como a la iglesia, de un modo jocoso. Se convierte en un scape room en el que hay que intentar sobrevivir para conseguir salir, por supuesto a contrareloj.
Parte de un cortometraje que ya fue proyectado en Sitges y expande su idea original poniendo en tela de juicio la veracidad de los influencers o la confianza que estos depositan en sus seguidores. Siembra detalles que descuida para llegar a soluciones obvias pero se hace muy divertida, al margen de que está bastante bien ambientada y tiene unos efectos eficaces.
Maravillosa comedia irlandesa sobre una médium que quiere negar su poder y un hombre que se encuentra viviendo con su mujer fantasma. Además tenemos un villano de por medio la mar de extraño, interpretado por WillForte.
Rose y Martín, los dos protagonistas, son totalmente adorables, nos dan divertidas y absurdas situaciones que hacen muy amena la película. Además el ver los distintos fantasmas o donde se esconden estos hace muy curiosa la cinta.
Encontramos también guiños a ‘Cazafantasmas’ y ‘El Exorcista’ de una manera muy cariñosa. Pero no es solo una película de médiums, sino que el malvado Quan Christian Winter (Will Forte), se decanta por el lado oscuro intentando llamar al demonio durante toda la cinta.
‘Extra ordinary’ es muy divertida y sin duda no va a defraudar a nadie.
Regresamos al Baztan acompañados de gran talento oriental
La trilogía del Baztán continúa con su adaptación y se ha proyectado en Sitges este 10 de octubre. La obra de Dolores Redondo sigue siendo fielmente adaptada por FernandoGonzálezMolina que ha rodado de manera seguida la dos siguientes películas, esta que nos ocupa ‘Legado en los huesos’ y ‘Ofrenda a la tormenta’. Se han rodado intercaládamente. El equipo de la trilogía tenía pensado desde siempre en llevarla a la gran pantalla al completo. Según el director «Es la primera vez que en el cine español se hace un «back-to-back» como se dice. Ha sido un rodaje de casi 19 semanas». Sobre esta secuela comentó que «La segunda evoluciona con respecto a la primera. Cambia de género convirtiéndose en una saga en la que el componente emocional crece como lo hace igualmente la protagonista. […] Dolores vino al rodaje como una compañera más pero nos ha dejado libertad».
En la rueda de prensa han estado presentes además del director Adrián Guerra, ImanolArias, Marta Etura, Francesc Orella y la productora Rosa Pérez. Para Marta Etura su personaje detective con un marido que cuida a su bebé es un reflejo de la actualidad. «Se está demostrando que hay protagonistas femeninas que son igual de potentes e interesantes» dijo. Imanol Arias habló muy bien de la actriz guipuzcoana «Marta Etura me encanta, soy como un fan con ella. Fui jurado de Málaga cuando le dimos el premio y se lo dije de antemano, me podrían haber echado de todos los festivales (risas). A mí ponerme con Marta Etura me pone».
Este ha sido un día muy oriental porque nos ha sido posible disfrutar de una copia remasterizada de ‘Zatoichi’. También hemos podido coincidir con SABU el director japonés que proyecta dos películas este año. Una de ellas es ‘Jam’ y la otra ‘Dancing Mary’ (reseña aquí) en la que actúan Naoto (‘Ghost in the shell: the new movie’) y Ryo Ishibashi (‘El grito’, ‘Brother’). Podéis ver su foto en la galería al final de este artículo.
Además durante el día de hoy hemos podido ver al equipo de ‘Her Blue Sky’ (Tatsuyuki Nagai) y a los de la cinta ‘The Ganster, the Cop, the devil’ (Won-Tae Lee y Moo-Yul Kim). Os dejamos sus fotografías y a parte en los resúmenes diarios, tanto de hoy como de ayer, podéis leer nuestras reseñas sobre todas las películas mencionadas.
‘Legado en los huesos’
Fernando Fernández Molina continúa con su adaptación de la obra de Dolores Redondo. Tras una fidedigna primera parte llega ‘Legado en los huesos’. Una película que arranca justo donde dejamos a Amaia Salazar (Marta Etura). Esta es una historia que de nuevo vuelve a estar cargada de tradiciones del norte de nuestra península. Una nueva muestra de la cantidad de mitología que nos queda por explorar en España.
Este es un título más familiar en el sentido de que la familia de la protagonista está mucho más implicada. Salazar tiene que investigar diversos casos a la vez y uno de ellos está directamente relacionado con ella. En ese sentido llega un punto en el que se hace algo liosa pero por norma general se puede decir que este es otro buen ejercicio de cine policíaco mezclado con los folclores más antiguos.
Marta Etura vuelve a capitanear estupendamente el reparto, siendo este de primer nivel. La trama rebosa intriga y drama y además está reforzada por una seductora y particular ambientación.
Un joven escritor en la ruina sufre de insomnio a causa de unas pesadillas en las que extraños hombres le quieren matar. Esos terroríficos sueños son tan intensos y mágicos que llegan a traspasar a la realidad. Nuestro protagonista acaba encontrando la manera de usarlos en su beneficio, cambiando hasta su forma de ser alcanzando el punto de olvidar su pasión por escribir.
Esta es una de esas películas en las que los chinos nos demuestran lo que están dispuestos a invertir para hacer un cine que rivalice con el de Hollywood aportando además mucho CGI.
Tiene una trama cómica con un pánfilo protagonista, una parte romántica y escenas de fantasía/acción. El filme es divertido pero nos viene a contar algo muy manido: que el dinero no da la felicidad ni aporta el talento o el carisma, que todo tiene un coste y que por encima de todo la avaricia rompe el saco.
Otra tomadura de pelo para aquellos que buscan cine fantástico. Es un drama sobre adolescentes en el que la única relación con la física de partículas son los inconexos datos científicos y las imágenes del LHC. Como única metáfora podemos decir que las hormonas circulan y rebotan por el aire como si de electrones acelerados se tratase.
Un adolescente al que te dan ganas de dar una colleja para ver si espabila contempla la vida y experiencias de otros con ojos de ansia y envidia. Nos muestran como intenta conquistar a la chica que le gusta y al final la película se pone hasta poética, pero no es una obra para nada relevante ni sesuda ni justificada.
Unas bandas especializadas en robar motos entran en conflicto y el resultado es un policía muerto, dando con uno de los delincuentas a la fuga, perseguido tanto por los ladrones de motos como por la policía. La película de Yi’nan Diao está rodada con mucho gusto y estilo. Desarrolla sus propios códigos y los respeta con suma paciencia. Pasa de planos largos que gestiona con pasimonia y buenos movimientos a estallidos de violencia puntuales de lo más sangrientos.
Comienza con flashbacks para posteriormente guiarnos por el presente de sus protagonistas. Tiene una estructura narrativa que engancha y una gestión de personajes que hace que te familiarices rápido con ellos. La tensión que genera está muy lograda, sobre todo en sus secuencias finales.
Comenzamos la película con una frase de WilliamShakespeare y otra de Beyoncé, si, esto es para prepararnos para ver una película bastante absurda.
‘Come to daddy’, nos devuelve a ElijahWood en un género en el que se desenvuelve genial, el thriller. Nuestro protagonista va a visitar a su padre, el cual les abandonó cuando él tenía cinco años, tras recibir una carta decide marchar y pedirle explicaciones.
Con un giro de guión bastante chulo, la película termina siendo una sangría bastante curiosa, donde Elijah es un chaval bastante pardillo que tiene que defenderse para lograr salvar su vida.
Con una atmósfera muy chula y unos personajes muy buenos, sobre todo el trío de villanos. Vemos escenas delirantes y absurdas durante todo el metraje.
Drama narrado desde un punto muy amable, tremendamente amable y tontorrón. Una empleada de supermercado bastante empanada, cobarde y sin sangre se ve en la aventura de cuidar a su vecina (cuyo padre ha desaparecido). Ella tiene sus TOCs y la niña llega para desbaratar del todo su vida, comiéndose sus reservas de peta zetas (Cosmic candy), por ejemplo.
Música horrible, un cierre con agujeros de guión, una trama vacía de mensaje… de lo peor que hemos visto en un festival que tampoco parece su lugar. He aguantado todo el filme por respeto a la directora que estaba presente.
Tras pasar por Cannes nos llega este título coreano basado en un caso real y en el que figura un actor que ya pasó por el festival el año pasado, Ma Dong-seok. Este interpreta a un gangster que ha sido atacado por un asesino y cuya pista persigue el policía que normalmente hurga en todos sus asuntos o chanchullos. Como indica el título este thriller de acción nos mantiene pendientes a tres bandas. Es un pulso por imponer la justicia y la venganza de cada uno.
La película no tiene un componente fantástico como tal, se enmarca en el escenario típico de corrupción policial que siempre aparece cuando está presente la mafia. Se sostiene el filme gracias a que sus tres protagonistas dan muy bien la talla. Ma Dong-seok como un capo de esos que se ensucian las manos y tiene conducta agresiva a pesar de conservar cierto grado de decencia, Kim Mu-Yeol como insistente y ágil detective y Kim Sungkyu como un asesino al que realmente te dan ganas de abofetear por las caras de capuyo que pone.
El director Lee Won-Tae ha generado una solvente película de acción, de esas en las que se destrozan unos cuantos coches y locales, invirtiendo una pizca en sangre. Quizá puedo decir que es la película menos espectacular que le he visto a Dong-seok, una bajada a la tierra antes de su aparición en ‘Eternals’.
La animación asiática al poder en un día en que hemos visto sexo con un frigorífico
Las películas animadas como ‘White Snake’ o ‘Human lost’ han sido de lo más destacado en un día en el que también hemos disfrutado de títulos como ‘Punto muerto’, ‘Yves’ o ‘Corporate animals’. Más decepcionante ha sido la inclusión en el programa de films como ‘Pelican blood’ o ‘I trapped the devil’.
Para nosotros este ha sido un día especial por haber podido conocer a los autores de películas de culto como ‘The endless (El infinito)’ o ‘Resolution’. Aaron Morhead y Justin Benson han estado junto con el productor David Lawson Jr. para presentar ‘Synchronic’. Una de estos dos talentosos y prometedores directores que han contado en esta ocasión con actores como Anthony Mackie y Jamie Dornan. Nos han contado como en esta ocasión han tenido más presupuesto en su nueva película y así poder contar con los actores citados como protagonistas. Además de que estaban muy interesados en hacer esta película por lo el tema de las drogas, lo curioso que podría ser que una droga hiciese viajar en el tiempo, además de utilizar a una persona de color, pues como se ve en el filme, la historia de América no es muy dada a tratarles bien. Han hablado también de sus otras cintas, que ya pudimos ver en Sitges en años anteriores, como ‘The Endnless’ y ‘Resolution’ y del largometraje que está ahora mismo en el festival, ‘AfterMidnight’ pues también son productores.
Este es el material que se ha proyectado hoy y que hemos visto. Para saber a cerca de otros títulos visitad nuestras entradas anteriores.
‘Pelican blood’
Una domadora de caballos ha de enfrentarse a la crianza de una criatura indómita. Y no me refiero a uno de sus cuadrúpedos que tiene que preparar para policías anti-disturbios, si no a una nueva hija. Acostumbrada a trabajar con animales irracionales y salvajes se ve en el reto de tener que contener a una niña que no encuentra barreras entre lo bueno y lo malo, que no entiende de normas y que la pone al límite.
Es un buen drama, con unos paralelismos bien definidos e inteligentemente introducidos. Pero si alguien encuentra algo fantástico en esta película es que tiene un gran problema o mucho miedo a convivir con niños pequeños. Solo en los últimos compases entra la vía de la superstición y deja una ligera sombra de duda. Lo único que vemos es que la criatura (que se llama Raya) no sabe dónde está la raya entre lo que debe o no hacer, está como asilvestrada y su comportamiento afecta a la armonía de su hogar, a las relaciones y trabajo de su madre. ¿Es ahí donde han visto terror los programadores del festival?
Las nuevas tecnologías son las grandes protagonistas de esta película, en especial un frigorífico que no solo enfría, sino que sirve de agenda, te pide la comida que necesites y además te ayuda en tu vida personal.
Jerem un rapero de poca monta decide acoger una de estas neveras como experimento y para poder comer gratis durante unos días. Yves le ayuda en todo lo que puede hasta que ambos se enamoran de la misma mujer.
Una comedia bastante delirante amor y sexo con electrodomésticos son los temas hacia donde va la cinta. Además nos dan una de las mejores galas de Eurovisión que podáis ver en una pantalla. Además por supuesto de una historia de amor extraña y futurista.
Una vez más los japoneses son capaces de crear una obra de ciencia ficción con nuevos códigos. Su comprensión de la tecnología y concepto del alma o cuerpo humano ha dado a luz una humanidad longeva, regenerativa y monitorizada. Un mundo en el que un muerto puede ser resucitado de manera remota.
La película tiene mucha acción y una excelente animación que puede recordar a las últimas versiones de ‘Ghost in the shell’ casual o referencialmente una organización del filme se llama G.H.O.S.T. Con su calidad visual en la que se emplea mucho ordenador nos adentran en una ciudad de metal y personas controladas muy futurista y con toque distópico.
Este no es un filme 100% basado en la informática o los nano implantes, no hay riesgo de perderse con sus tecnicismos porque está muy bien explicada. Un regalo para los amantes de las historias futuristas y la exploración de la esencia humana.
Divertida y delirante, así es ‘Corporate animals’, donde vemos a un equipo de trabajo obligado a salir durante unos días para hacer espeleología y aprender a trabajar en equipo uniendo lazos.
Algo muy típico en Estados Unidos, son este tipo de excursiones para lograr crear amistad entre todos los trabajadores, lo que no sabían estos pobres currantes es que quedarían encerrados en una cueva y que todo esto no haría más que sacar lo peor de cada uno.
De lo mejor que he visto en el Festival, no es una joya, pero como he dicho es muy divertida y ver a DemiMoore como una estricta y desquiciada jefa ha sido bastante gratificante.
¿Cuánto dura el ser humano en sacar su lado oscuro? ¿En intentar ser mejor que otros? Competitividad, amistad, viejas rencillas, todo ello lo veremos aquí y os aseguro que os lo pasareis genial .
Recién estrenada en Argentina y con una lograda ambientación en blanco y negro que nos remonta a clásicos del cine negro conocemos la historia de un autor que sufre en sus carnes lo que él mismo ha escrito. «Elegí un mal día para dejar de tomar» dice el protagonista interpretado por Osmar Núñez (‘Arde Madrid’, ‘Relatos salvajes’) recordándome ‘Aterriza como puedas’. Y así va el principal personaje de este filme, luchando para no estrellarse.
Planos lúcidos y frases elocuentes en un relato digno de Agatha Christie. Realidad y ficción se mezclan en un duelo a contrarreloj entre escritores, policía y el miedo a la crítica. Con los toques que tiene nos recuerda a Alan Poe y podemos decir que la frase «el miedo puede abrir las puertas de la imaginación» describe correctamente un filme que nos hace jugar como en el black stories.
Desde China nos llega una historia de amor y aventuras muy apta para casi todas las edades que nos narra una contienda entre viejas y nuevas corrientes, entre cazadores de serpientes, taoistas y demonios. Rodeando un romance imposible tenemos mucha acción, pero un poco de indecisión a la hora de determinar el público objetivo.
‘Bai she: yuan qi (White Snake)’ es una película con una animación digna de la calidad de una serie televisiva, donde muchas veces se ve que hay menos margen de tiempo y presupuesto para pulir detalles. Pero dicho lo cual no es para quitarle méritos ya que tiene su interés artístico. Porque si que es cierto que el diseño tiene mucho encanto y sobre todo al principio del filme vemos imágenes con ángulos y composiciones excelentes.
Esa animación nos incita a pensar que es una película de tintes infantiles, incluso hay un momento musical y un personaje canino parlante bastante pueril, que por cierto a veces está bastante maltratado. Pero en el transcurso de la película vemos algo de violencia sin sangre y un preludio al sexo a si es que el nivel de edad se puede decir que se eleva.
El encanto de los cuentos orientales nos abraza bastante en este filme que tiene momentos bastante imaginativos y desemboca en las ya clásicas contiendas místico-kaiju. Una cinta de animación bastante potable y exportable que no me extrañaría que estuviese disponible alguna vez en España.
El director SABU y el actor RyoIshibashi han presentado en Sitges Festival ‘Dancing Mary’ una historia muy típica de fantasmas, donde un grupo de obreros intentan derrumbar un edificio encantado. El jefe de obra y una médium deben encontrar al amado de Mary para lograr que sus almas descansen en paz.
Dentro de esta historia típica me ha gustado mucho los recursos que ha utilizado el director, como por ejemplo interrogar a los fantasmas para lograr llegar al final de la búsqueda, los diferentes médiums que intentan ayudar a la causa y como la imagen cambia a blanco y negro cuando pasan al mundo de los espíritus.
Una película muy bien dirigida, muy bonita visualmente pero donde flojea bastante la historia.
Toho suma una apuesta más por la animación con este título de Tatsuyuki Nagai (‘El himno del corazón’). Anime de corte clásico que nos cuenta como una joven idolatra al novio de su hermana y decide seguir sus pasos. El chico se marcha a la gran ciudad y años después su versión joven reaparece en el local donde ensayaban, encontrándose con una muchacha que está lista para tocar el bajo con él e incluso enamorarse.
Una historia que transcurre en el Japón rural y que habla sobre la búsqueda de identidad, la persecución de los sueños y todo aquello que se puede perder al dejar atrás tu ciudad y gente. Aunque suene muy dramático se hace bastante amena.
Un joven se topa con un tipo que dice ser la muerte. Éste le lleva por la ciudad a vivir experiencias que no están en sus costumbres. Es entonces cuando el protagonista vive más intensamente incluso disfruta de la vida. Todo transcurre en una sola noche en la que deambulamos por una ciudad alemana muy oscura.
La película de Xaver Böhm tiene una especie de obsesión por las flores y las luces de neón, no sé si será algo propiamente típico del director (no he visto más trabajos suyos) o es únicamente algo que ha empleado para ambientar introduciéndonos en una noche de temores y sustancias alucinógenas. Me parece muy correcto el uso que hace de los diálogos y los acontecimientos para sembrar la duda en el espectador. ¿Es realmente la muerte o un tipo pasado de rosca?
Matt es convencido por su mujer para visitar su casa de la infancia donde sigue viviendo su hermano. Llevan tiempo sin saber de él y quieren pasar las navidades juntos. Lo que no se esperan es encontrarse a su hermano en un estado un tanto paranoico y diciéndoles que tiene un demonio encerrado en su sótano.
El filme está rodado un juego de luces y colores estupendo, una casa bastante claustrofóbica y un sótano del que no sabes exactamente qué va a salir. Lo tiene todo para ser una buena película, pero es demasiado previsible y según avanza ves venir el siguiente paso sin emoción ninguna.
‘Synchronic’, ‘Harpoon’ y ‘L’angle mort (Blind spot)’ lo más destacado
Hoy hemos tenido el gusto de poder asistir a la rueda de prensa de ‘El hoyo’, película que os recomendamos desde el artículo de ayer. El director Galder Gaztelu-Urrutia se ha rodeado de los actores Ivan Massagué, Zorion Eguileor y Antonia San Juan además del productor CarlosJuárez y el guionista David Desola para presentar este filme que se estrenará en salas en noviembre o diciembre y luego pasará a Netflix a nivel mundial.
Juárez nos relartó que «a partir de Toronto todo fue muy fácil y Netflix entró en nuestra vida. Todos han asegurado que esta película se debe a un intenso trabajo de grupo, a las aportaciones que cada uno a puesto. Desola por otro lado declaró que «yo quería puntualizar en la falta de empatía y de solidaridad. Como pasa con la crisis migratoria del Mediterráneo, vemos que países que lo han sufrido hace cuatro días no tienen solidaridad».
El día nos ha dejado multitud de actividades. Como la que nos va presagiando el estreno de ‘El camino’, la película de Netflix que continúa ‘Breaking Bad’. La plataforma online ha organizado una gymkana y para aquellos que la completasen había premio.
A continuación como siempre hacemos en nuestros diarios podéis leer reseñas de las películas proyectadas hoy y que hemos podido ver. Así como una galería de fotos.
‘Synchronic’
De los directores de ‘The Endless’ llega ‘Synchronic’ donde nos vuelven a llevar a un mundo de ciencia ficción, donde los problemas personales y los viajes en el tiempo son los grandes protagonistas.
Una de las cosas que más me gusta de JustinBenson y AaronMoorhead es lo bien que crean a sus personajes, con personalidades bien definidas y además la naturalidad con la que tratan los problemas a los que se enfrentan todos los protagonistas.
‘Synchronic’ no es la mejor de sus películas, pero aun así logran enganchar desde el principio y gustar. La fotografía y el sonido siguen siendo uno de sus puntos fuertes, dando un halo de fantasía que hace que nos creamos mucho más lo que estamos viendo.
Un barco sirve como cárcel a tres amigos que han salido a disfrutar de un día juntos. MunroChambers (‘Turbo Kid’), EmilyTyra y ChristopherGray, son estos tres personajes que nos hacen disfrutar desde el primer segundo de la cinta.
Infidelidades, amistad, oscuros secretos y un verdadero psicópata es lo que encontramos en este barco a la deriva.
Con un narrador bastante canalla, vamos conociendo los pasajes de esta sencilla y divertida historia, llena de rencores y también bastantes locuras. Además tenemos ante nosotros uno de los mejores finales de todo el Festival.
Es una versión interesante del clásico del hombre invisible. Y el explora desde un punto intimista y existencialista. Nos aleja de las versiones artificiosas y espectaculares para emplear un discurso que se fundamenta más en la psicología y el estado mental del protagonista. La pena es que no explote más su propio concepto y alcance una conclusión más reveladora.
No necesita efectos especiales para recrear la invisibilidad del protagonista. Se basta con trucos ópticos y movimientos de cámara para mostrarnos cuándo es o no visible. Otro punto a favor es que no parte del secreto sino de que más gente conoce su poder, don o maldición y de este modo espera muy bien las implicaciones y cuidados de volverse invisible así como sus usos y aplicaciones.
Buen duelo interpretativo entre Jean-Christophe Folly (‘Cargo, les hommes perdus’) y Golshifteh Farahani (‘Paterson’). Da demasiados rodeos alargando la duración y el ritmo de la película es una lástima porque su perspectiva es muy interesante.
Ojalá hubiese salido la mitad de contenta de lo que han salido el resto de espectadores, pero ‘Patrick’ no me ha gustado nada, me ha aburrido y además me ha dejado totalmente indiferente.
El hijo del encargado de un camping nudista (Patrick, de 38 años) busca su martillo perdido durante los 97 minutos que dura la película. Patrick es un personaje bastante curioso, calmado y con muy poco carisma.
No he entrado para nada en esta historia que realmente no me ha aportado nada. Lo único que quizás si salvo es el tema de los personajes secundarios, pues tenemos ante nosotros un campamento nudista lleno de personajes extraños y bastante cotillas.
A base de imágenes rodadas en los últimos años, el director Marco Lledó Escartín ha construido un corto que da una visión romántica del pasado de Albania. Incluso hay tomas realizadas durante la grabación de su película ‘The Invocation of Enver Simaku’, la película que pudimos ver el año pasado. Este es un soliloquio a voz susurrante que al final rebosa autobombo y que sirve poco más que como documento informativo.
El drama de una actriz que se mantiene a base de cortos y videos en la red. Nina Wu aguanta cualquier cosa con tal de conseguir la actuación que le piden, aunque con eso tenga que soportar maltrato u ofrecer su cuerpo a regañadientes. Es por eso que podemos ver el impacto de no poder trabajar o el de haber ejercido su profesión de un modo que no le agrada, ni a ella ni a nadie. El filme relata las dificultades de una mujer oriental para dedicarse a la actuación.
Una obra que nos muestra a una país asiático en pleno progreso pero que conserva valores tradicionales y cuestionables. Tiene sus referencias y metáforas al cine occidental. Una obra que me ha sido aburrida pero que al menos me demuestra que en Taiwan son capaces de hacer películas osadas, acordes a una actualidad real y fuera de lo típico.
Advertencia, no ver nunca esta película a la hora de la siesta porque su ritmo duerme y sus continuos y estridentes ruidos despiertan molestamente. ‘Starfish’ es una película lenta, desolada y meditabunda de principio a fin. En ella una joven parece estar totalmente sola en el mundo y nos va descubriendo muy poco a poco el dolor y la pérdida que siente. A su vez comprendemos la razón de ser de su situación, pero es algo que está en segundo plano.
A.T. White ha realizado un presumido largometraje en el que él mismo dirige, escribe, compone la música, diseña las criaturas… Una película excesivamente intimista que hará las delicias de los instagramers con toda su cantidad de secuencias de transición e imágenes en detalle pasadas por un colorido pero frío filtro.
Está repleta de momentos sentimentaloides, extraños e intensos acompañados de ciertos sobresaltos. Todo ello para desarrollar una especie de discurso sobre la perdida y la culpa a través de artificios que solo a genios como Nolan les salen bien. Al fin y al cabo está dedicada a Sayako «Grace» Robinson, una joven que falleció con tan solo 27 años y que además da nombre a uno de los personajes. Se podría decir que es el ‘A Ghost story’ de este año.
Nos vamos al Medievo en esta película polaca donde conocemos a dos hombres que llegan a una isla y se ponen a evangelizar a todo ser humano que está allí.
No he visto ningún otro trabajo del director de fotografía Jacek Podgórski, pero sin duda merece la pena mencionarle por el buen trabajo realizado. Los primeros planos, las texturas y el color son detalles que llaman mucho la atención en esta cinta.
Bartosz Konopka, director de la cinta, ha sabido llevarnos a una época en la que la violencia por culpa de las creencias estaba al orden del día y no era complicado ver morir a gente o tribus enteras por la causa.
‘The Mute’ no es perfecta pero sí que podemos decir que es una de las películas que ha merecido ver en pantalla grande en el Festival.
Hay pocas o ninguna películas árabes de género y hemos podido ver la que ha dirigido Talal Selhami. Un filme bastante bien realizado, no tanto interpretado, que nos lleva por una historia de terror infantil y adulto. Unos niños se enfrentan a una criatura (cuya concepción está muy bien realizada) y esta les priva de uno de sus amigos. Hacen una promesa y cuando son mayores y han olvidado el trauma han de enfrentarse de nuevo a ese ser devorador de niños.
Demasiados parecidos al ‘It’ de Stephen King a pesar de tener mucho sabor a tradiciones de oriente medio. Incluso uno de los niños acosados por el llamado Bougetate se llama Stephen. A pesar de ello se puede considerar bueno este regreso del director de ‘Mirages’ que ha conseguido varias escenas que causan impacto.
Trabajo de debut de Roxanne Benjamin. De debut en el largometraje pero se nota que esta directora ya ha hecho sus pinitos participando en proyectos como ‘V/H/S’. Ella dirige, escribe y produce esta cinta en la que una aprendiz de guardabosques se pierde intentando hacer méritos y se encuentra un cadáver. Una escena de un posible crimen que debe salvaguardar durante toda una noche de pesadilla.
La protagonista, interpretada por Karina Fontes, es desquiciantemente torpe, pero los zooms de cámara que le hace la directora también puede contribuir a asustarla y a sus incesantes caídas. Su final se puede intuir y este aburrido cortometraje solo se entiende por qué está en Sitges a falta de media hora de su conclusión. Este es un filme psicológico con incompetencias scouts y técnicas de grabación muy nóveles.
Argumentalmente podría haber sido un episodio aislado de cualquier antología de terror, como ‘Creepshow’, que precisamente es el próximo trabajo en el que se va a embarcar Roxanne Bejamine. A la película le sobra metraje y le faltan ideas.
El actor español Javier Botet ha sido la figura más importante del día debido a que hemos podido ver múltiples trabajos que va a estrenar dentro de poco, como ‘Amigo’ o ‘Ventajas de viajar en tren’. Pero más allá de eso está el galardón que este festival al que lleva acudiendo años le ha otorgado. Un premio que según Botet «recojo en mi casa. Recibir este premio es como recibir el abrazo de tu madre en el hogar». Repitió estas mismas palabras en rueda de prensa, donde añadió «he hecho mucho trabajo hoy, como atender a la prensa. Pero yo lo que quiero es ver pelis cabrones».
Botet presentó junto a su compañero y amigo David Pareja, el director Oscar Martín y ElenaMuñoz, productora de El ojo mecánico, la película ‘Amigo’. Un título que va a estar circulando por varios festivales: «película hecha entre amigos en un rodaje que ha bordeado la oscuridad que se ve en la película» declaró el actor. Oscar Martín le dijo «¿Te acuerdas que te dije que hiciésemos una película contigo de paisano porque das más miedo que de criatura?». «Qué hijo puta» respondió Botet. El director declaró que sus dos protagonistas son unos genios, pero también que una vez juntos son ingobernables. A la vez nos indicó que la película parece transcurrir en los 80 porque era una época de transición, que es lo mismo que les pasa a los personajes. Pareja por su parte, entre otras bromas, nos contó que «estuvimos 14 días durmiendo en las camas de los personajes y Javi prácticamente ni se movió de la cama. Hubo algún día que los de iluminación entraron «Javi…» (hablando en voz baja)».
Este también ha sido un magnífico día por conocer a artistas como Maribel Verdú. Vimos su próximo estreno «El asesino de los caprichos» y compartimos unos minutos con ella y sus compañeros en rueda de prensa. Con la famosa actriz estuvieron AuraGarrido, GerardoHerrero y DanielGrao. La intérprete de ‘El laberinto del fauno’ ha sido aplaudida por el premio que recibió en el estreno de esta cinta. En la rueda de prensa hemos podido escuchar como Aura y Maribel se alababan mutuamente y pedían volver a trabajar juntas. Maribel entre risas pedía a gritos que la dieran más papeles de ciencia ficción, sobre todo donde ella fuese la mala, porque nos ha contado lo mucho que le ha gustado tener la oportunidad de interpretar a Carmen, una policía bastante complicada.
Y ahí no se ha quedado la cosa en este día de celebridades y talentos. Hemos estado con Gaspar Noé que presenta ‘Lux Æterna’. Una película que ha tenido un rodaje muy improvisado y con planos largos. Tenían pensado grabar un clip para una marca de moda y grabaron tanto material que hicieron la película.»Es la cosa más para todos los públicos que hice en toda mi vida. Nadie folla a nadie, nadie mata a nadie…» dijo Noé. «Gaspar y yo nos encontramos en un cine porno que iba a cerrar, el iba a coger unos carteles. Él no sabía que yo había hecho años de improvisación […] Me ofreció la película y solo nos conocíamos de haber tomado dos cafés» dijo el actor Yannick Bono que estaba también presente jutno a Stefania Cristian y MaximeRuiz.
Por último tenemos el placer de poder contaros que hemos conocido a los responsables de ‘The room’: ChristianVolckman (director), OlgaKurylenko (actriz protagonista) y ReynaldCapurro (director de fotografía). La cinta nos trae la historia de una pareja, Matt y Kate, que compran un a casa aislada. A medida que se mudan, descubren una habitación extraña que les da un número ilimitado de deseos materiales. A partir de esta premisa y de que lo que más desean es un niño, ‘The room’ se ha convertido en una de las sorpresas del Festival de Sitges. En la rueda de prensa nos han contado ciertos detalles de la cinta que se podrían considerar spoiler y aquí no vamos a entrar en ellos. Pero una de las curiosidades que nos ha contado Olga Kurylenco ha sido que absolutamente todas las obras que aparecen e inclusive la decoración de la habitación han sido creadas por el director de la cinta, que además de cineasta es un gran artista.
Una de las sorpresas del día ha sido que Warner Bros. España ha cedido al festival un adelanto de ‘Mañasaña 32’. La película de AlbertPintó en la que actúa el homenajeado del festival, Javier Botet, ha sido mostrada en primicia. Hemos podido ver la llegada de la familia al domicilio donde transcurre esta cinta de terror y una escena nocturna que ya nos ha dado un buen sobresalto. Parece que a partir de enero tendremos en carteleras otra buena película de terror Español. Tan castizo que se ha rodado en Malasaña, tan cerca de la casa de Botet que este ha dicho en la gala que «estaba tan cerca que podía ir en chanclas al rodaje, eran unos pocos minutos».
‘El asesino de los caprichos’
Dirigida por GerardoHerrero y protagonizada por MaribelVerdú y AuraGarrido llega un thriller bastante flojo para todo el material que tiene.
Un asesino toma como modelo grabados de Goya para dejar unas puestas en escena impresionantes con los cadáveres como protagonistas. Las dos policías encargadas del caso tienen que vérselas con muchas dificultades para llegar hasta el final.
Una cosa que me ha maravillado han sido los dos papeles que Ángela Armero ha creado para las protagonistas, dos mujeres fuertes obligadas a trabajar juntas y aguantarse. Sobre todo el papel de Maribel que es una mujer ruda, alcohólica y bastante desagradable.
Pero la trama flojea, es una pena que hayan decidido dirigirse hacia la parte más personal y no a los asesinatos, te pierdes entre tantos romances que además no llevan a ningún lado. Una historia muy buena, pero totalmente desaprovechada.
Tengo que admitir que no había leído nada acerca de esta película, el cartel llamó mucho mi atención y el enterarme de que en el Festival de Toronto ha sido Premio del público logró acaparar toda mi atención.
No, sin duda en Toronto no se equivocaron, ‘El Hoyo’ nos lleva a lo más profundo del ser humano y de la sociedad, donde unos se cagan (literalmente) encima de otros, donde la vida del de abajo no vale nada comparada con la del de arriba.
Claustrofóbica y cruel, GalderGaztelu–Urrutia firma una película impecable, llena de tensión y miedo al ver perfectamente a la sociedad actual reflejada en ella.
Está claro que ahora mismo no estamos en esta situación que nos propone ‘El Hoyo’, pero sí que sales con la sensación de que es algo que probablemente pueda ocurrir.
Rara, chocante y psicológicamente hilarante además de profunda. Como si se tratase del protagonista de ‘Aterriza como puedas’ nos llega el relato de alguien que nos cuenta su vida a bordo de un tren. La narración está cargada de absurdos y de un lenguaje digno del mismísimo Jose Luis Cuerda. Es como si mezclásemos a Javier Fesser con Francisco Ibáñez y lo expusiésemos a lo bestia.
Aún así está repleta de relatos muy potentes, con un mensaje y una construcción mucho más claros que las mentes y de sus protagonistas. Está dividida en tres episodios que nos obligan a discernir entre las mentiras, las paranoias y la más exaltada imaginación.
Magnífico trabajo de Luis Tosar que vuelve a demostrar que es delirantemente bueno, de Alterio que se sale con múltiples rostros, de Pilar Castro que nos lleva por una continua perplejidad y de Botet al que por tercera vez en menos de un año le veo actuar a cara descubierta y tumbado en una cama.
Mia Wasikowska encabeza el reparto de ‘Judy and Punch’. Ella es Judy la esposa de un marionetista que ha regresado a su tierra tras no cosechar el triunfo en la gran ciudad. Judy demuestra ser la más talentosa pero pese a ello es sierva del fracaso de su marido y de una época machista y supersticiosa.
La película tiene un componente fantástico pero gana más peso y minutos una trama contra el maltrato y la criminalidad amparada por una sociedad retrógrada. Ni sus pequeñas gotas de humor negro edulcoran una dosis sosa de drama.
Un intento de cuento que deambula por los derroteros más realistas de los hermanos Grimm. Le falta más magia y le sobra turba.
Marcadamente experimental. Rodado en blanco y negro con Javier Botet como protagonista tanto en imagen como con voz en off ya que es un soliloquio de desespero y rencor. Muy buena fotografía y montaje, muy bien narrada la inquietud del protagonista.
David Pareja y Javier Botet se han marcado un ‘Misery’ en toda regla. No hay una obra final que completar pero si una devoción por parte de uno de ellos hacia el otro. Una película sobre el sufrimiento, la lealtad, la paranoia, la redención, la culpa y por qué no decirlo, el hijoputismo. Se palpa bastante humor negro a costa del padecimiento de un ser querido (que no tiene por qué ser el enfermo). Pero esta película no es una comedia, se impone mucho más el drama o el thriller.
Tiene sus defectos y virtudes pero la actuación o calidad dramática de ambos actores protagonistas es incuestionable. El trabajo de Botet al mover su cuerpo y prolongar la agonía más allá de la pantalla en secuencias largas y agónicas es digno de aplauso.
La televisión es testigo y personaje de una historia que transcurre en un pasado de España. Más que la época conviene identificar el programa o tono de lo que ve el protagonista para así empatizar con su estado. Si querían exaltar la nostalgia y el apego lo han conseguido.
Divertida, inquietante y sobre todo una gran historia de amor.
Una película pequeña, donde Hank acaba de ser abandonado por su novia Abby, desde el mismo día en el que ella se marcha, Hank comienza a recibir la visita de una criatura que no hace otra cosa que atormentarle por las noches arañando y destrozando su puerta.
Con esta premisa vamos conociendo una historia de amor. La película engancha desde el principio porque no sabes por dónde va a tirar en ningún momento. Sin duda convence, su humor, la manera de narrarnos toda la historia y las escenas de terror logran contarnos una buena historia de ciencia ficción que no dejará indiferente a nadie.
JeremyGardner es el director y protagonista de esta curiosa comedia fantástica.
Robert Eggers vuelve a la pantalla grande con esta película en blanco y negro y en formato 4:3. Una cinta con sabor a cine mudo, su estética y sobre todo el sonido da para ello. Eso sí, la película no es muda y sin duda regala unos monólogos impresionantes para los dos actores de la cinta.
William Dafoe está espectacular, da miedo, pena e incluso le llegas a odiar. A su lado está Robert Pattinson, que cada día me sorprende más y en esta cinta tiene un papel maravilloso que borda desde el principio.
No quiero contar apenas nada, cuando tenga la crítica general podréis leer más, solo que es una película donde vemos como nuestros personajes caminan hacia una locura muy peligrosa.
Canciones de marineros, alcohol, monstruos marinos, la luz del faro, gaviotas, todo tipo de elementos del mar son utilizados para hacer que nuestros dos protagonistas se vuelvan locos.
Dos jóvenes que buscan hogar son engañados y se ven atrapados en una ilimitada urbanización que parece estar construida sobre el tablero de un monopoly. Allí algún tipo de entidad u organización les mantiene retenidos pero a la vez les hace llevar a cabo un cometido contra su voluntad.
Dicho de este modo el filme suena interesante. Pero su trama progresa de manera repetitiva y con muy pocos giros que realmente la hagan progresar. Para más inri desde el principio ya nos dicen claramente qué está pasando con las imágenes de ciertos animales de tácticas bastante ruines.
En el filme tenemos a Imogen Poots y a Jesse Eisenberg. La primera actúa de un modo excesivamente exagerado, el segundo no parece ni la sombra del pedestal en el que se le ha colocado.
Este año ha sido el 50 aniversario de los terribles asesinatos de La Familia en una casa de Hollywood y por supuesto no han parado de salir cintas tratando el tema de una manera u otra.
‘Charlie says’ nos cuenta la historia a través de la mirada de las tres asesinas, las cuales parecen no arrepentirse y de las cuales comienza a encargarse una psicóloga al pensar que han sido engañadas y manipuladas.
La película te da un pequeño debate, pues realmente fueron víctimas o se dejaron llevar por la locura de un hombre tirano.
Me ha encantado la manera en la que narra cómo poco a poco iba lavándolas el cerebro para hacer con toda su “Familia” lo que le daba en gana incluso convencerles para que llegaran a matar.
Las actuaciones están bastante bien sobre todo MattSmith como Charles Manson pone los pelos de punta. Y además nos da también otra teoría sobre la verdadera razón del ataque en 10050 Cielo Drive.
‘Noche de bodas’ cuenta la historia de una joven prometida (Samara Weaving) que para formar parte de la familia (Adam Brody, Henry Czerny, Andie MacDowell) rica y excéntrica de su nuevo esposo (Mark O’Brien) tiene que participar en una tradición ancestral, que se termina convirtiendo en un juego letal en el que todos luchan por su supervivencia.
Crítica
Lo de Samara Weaving es algo más que «rasgarse las vestiduras»
Antes de nada hay que decir que Samara Weaving ha vuelto a despertar mi admiración. La senda que está llevando la sobrina de Hugo Weaving me parece de lo más acertada e incluso sorprendente por tan gratos resultados. La habéis podido ver en películas como ‘Tres anuncios en las afueras’ o en series como ‘Ash vs evil dead’ y seguro que siempre os ha dejado buenas perlas interpretativas. De seguir así seguro que dentro de poco vamos a incluirla entre las musas del cine de género de este siglo. Nos lleva de la felicidad y el entusiasmo al terror y el desconcierto. Así hasta trasladar a su personaje a la cólera más desgarradora. Todo este recorrido se plasma en el aspecto de su vestido, siendo el propio personaje consciente de ello.
A parte de poder disfrutar en esta película del carácter actoral de Weaving ‘Noche de bodas’ nos deleita con una trama de lo más delirante. El título original de la película es ‘ready or not’, es decir «lista o no» como se dice en EE.UU. tras acabar de contar en el juego del escondite. Porque el filme al fin y al cabo es un pilla pilla en el que esconderse tal vez no es la mejor opción para sobrevivir y en el que a veces los perseguidores se convierten en perseguidos. Este juego se produce por la idea tan loca que han tenido los guionistas Guy Busick y Ryan Murphy. Han engendrado una historia donde las tradiciones más disparatadas y retorcidas ponen a prueba el amor entre la protagonista y su esposo.
‘Noche de bodas’ tiene alguna escena tensa que se acerca al terror pero sobre todo es su violencia y la irracionalidad de sus personajes lo que más nos mantiene enganchados. Una situación de alienación total que al final de la película descubrimos si está justificada o no. Solo os puedo asegurar que la conclusión del largometraje es explosivamente desternillante. Sangre no le falta a la película dirigida por Matt Bettinelli-Olpiny Tyler Gillett(‘V/H/S’). No se han cortado un pelo con las muertes que vemos ni con lo gráfico de sus escenas.
No hay que menospreciar a este filme. Sus personajes nos aportan un humor bastante retorcido. La familia de ‘Noche de bodas’ es totalmente ominosa, pero el éxtasis de la boda tiene a la novia auténticamente desprevenida. Desde un padre de familia digno de encarnar cualquier ideal neoliberalista, pasando por una cuñada encocada hasta una tía canija y malrrollera que parece una villana de Disney. Está compuesta por actores y actrices que seguro conocéis pues han actuado en producciones famosas, como Andie MacDowell, Mark O’Brien o Melanie Scrofano. Lo bueno del filme es ver como la novia sigue una tradición de tal manera que no se espera el peligro que se le viene encima, pasando su boda de un modo totalmente incauto para después viajar por un carrusel de situaciones diferentes.
Os espera un encuentro con la clase alta más perturbada que hayamos podido ver este año. Su acogedora e inmensa mansión es un recipiente que rebosa tensión y humor retorcido. Te introduce unas dudas y una idea tan surrealista que me han hecho acordarme de ‘Matar a Dios’ . No hay un alegato a tomarse en serio pero eso es lo bueno, que se puede ver de un modo totalmente desenfadado para desconectar.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de octubre. Título original: Ready or not. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett. Guion: Guy Busick, Ryan Murphy. Música: Brian Tyler. Fotografía: Brett Jutkiewicz. Reparto principal: Samara Weaving, Adam Brody, Mark O’Brien, Henry Czerny, Andie MacDowell, Melanie Scrofano, Kristian Bruun, Elyse Levesque, Nicky Guadagni, John Ralston, Liam MacDonald, Ethan Tavares, Hanneke Tabolt, Celine Tsai, Daniela Barbosa, Chase Churchill, Etienne Kellici, Andrew Anthony, Elana Dunkelman, Kate Ziegler, James Eddy, Adam Winlove-Smith, Alicia Richardson, Nat Faxon. Producción: Mythology Entertainment, Vinson Films. Distribución: 20th Century Fox. Género: terror. Web oficial:http://www.foxsearchlight.com/readyornot/
Un deepfake llevado al extremo con ínfimo sabor a los 90
‘Géminis’ es una película en la que un agente secreto (Will Smith) pretende jubilarse pero una jugarreta que le tiende su propio gobierno le convierte en el objetivo, no solo de los operativos de su recién abandonada organización si no de sí mismo porque es perseguido por su clon. Para ser una película con protagonistas tan idénticos entre ellos nos encontramos tras las cámaras un equipo totalmente variopinto. El director de la cinta es Ang Lee, conocido mundialmente por la versatilidad de géneros que trata y si lo que queremos es citar filmes suyos de un corte mínimamente parecido a ‘Géminis’ tenemos que irnos a ‘Hulk’ o ‘Tigre y dragón’, por tener componentes de ciencia ficción o acción. Entre los productores figura JerryBruckheimer, que nos ha proporcionado taquillazos como ‘Armageedon’, ‘Bad boys’ o ‘Con Air’. A esta mezcla hay que sumar que los guionistas son David Benioff (‘Juego de Tronos’), Billy Ray (‘Los juegos del hambre’) y Darren Lemke (‘Pesadillas 2’).
El sabor que más ha prevalecido en este cocktail ha sido el de Jerry Bruckheimer, teniendo en cuenta que con un protagonista como Will Smith la sangre va a brillar por su ausencia. Esta es una película de acción con un toque de ciencia ficción que por momentos recuerda a ‘Cara a cara’ o a ‘Looper’. Tiene por supuesto tintes de filme de espías y se deja llevar constantemente por el estilo del cine de disparos y explosiones de los 90. Sus diálogos son totalmente planos y no explora nada nuevo que no hayamos deliberado en películas como ‘El 6º día’ o ‘Las guerras clon’. Además cae en el pecado de describirnos ciertos detalles que a posteriori se ve claramente que van a ser usados o serán vitales e incluso giros de guión predecibles, algo que me parece impropio de una película de Ang Lee.
Como ha hecho siempre Ang Lee busca indispensablemente el espectáculo visual. Sus dos últimos filmes (‘Billy Lynn’ y ‘La vida de Pi’) gozaban de una calidad de imagen y efectos apabullantes. En el caso de ‘Géminis’ ha tratado de impactarnos de dos maneras y son las que hacen que esta no sea una película para olvidar, que por lo menos tenga algo remarcable. Por un lado está la total recreación y rejuvenecimiento de Will Smith. Es de los mejores, si no el mejor, ser humano generado por ordenador que he visto hasta la fecha. Aunque habíamos visto proezas con rostros como el de Carrie Fisher en ‘Rogue one’ en este caso Hollywood se supera. Ya quisieran muchos videojuegos tener este realismo. Sumado a esto está el hecho de que podrían haber optado por trucos de luz o recurrir a dobles para tapar la acción del ordenador a la hora de recrear a Will Smith, pero el filme no tiene ningún miedo y es claro, limpio, todo lo que vemos está altamente enfocado y definido. Esa es su otra virtud, que la calidad de imagen es brutal. Y por si fuese poco su versión en 3D (que es la que Paramount Pictures nos ha permitido ver) tiene momentos de auténtica profundidad. ‘Géminis’ está rodada en HFR y esto nos da fotogramas en los que podemos distinguir todo tipo de detalles. Es por todo esto que nos ofrecen tantos primeros planos.
En sus escenas de acción o cuando tienen que compartir pantalla las dos versiones del protagonista es cuando se nota más la plasticidad, el artificio del ordenador. Incluso algunas secuencias se perciben algo más aceleradas de lo normal, es la única pega que le encuentro a sus momentos más explosivos. Sin embargo destaca cuando nos ofrece imágenes a cámara lenta o en primera persona.
La música de Lorne Balfe suena desde los títulos de crédito y nos augura una película trepidante. Es así, ‘Géminis’ no para pero por desgracia parece anclada en otro tiempo, en concreto la época dorada de Jerry Bruckheimer, tal vez por eso esté tan cargada de momentos ya vistos o de tópicos arrojados por sus personajes. Si no buscas un guión sesudo ni innovador ni grandes interpretaciones merece la pena verla en pantalla grande y además en 3D.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de octubre de 2019. Título original: Gemini Man. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Ang Lee. Guion: David Benioff, Billy Ray, Darren Lemke. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Dion Beebe. Reparto principal: Will Smith, Mary Elizabeth Winstead, Clive Owen, Benedict Wong, Douglas Hodge, Ralph Brown. Producción: Skydance Media, Jerry Bruckheimer Films, Fosun Group Forever Pictures, Alibaba Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, ciencia ficción. Web oficial:http://skydance.com/film/gemini-man/
Paradise Hills es una residencia de lujo donde familias acomodadas mandan a sus hijas para que sean entrenadas y educadas para ser mujeres perfectas.Uma es enviada allí y pronto descubrirá que la residencia oculta un oscuro secreto.
Crítica
El llamativo diseño de producción de ‘Paradise Hills’ no es suficiente aliciente
Nacho Vigalondo (‘Colossal’) y Brian DeLeeuw (‘Curvature’) firman el guión de este título que ha dirigido Alice Waddington, la autora del excéntrico cortometraje ‘Disco Inferno’. Al igual que en su primer corto de ficción y yendo más allá que el vestuario que elaboró para ‘Magical Girl’ Waddington hace un ejercicio estrafalario digno de cualquier anuncio de colonia.
Con Emma Roberts (‘Nerve’, ‘American Horror Story’) como protagonista nos monta una casa de muñecas en movimiento, un cuento de princesas deforme y colorido lleno de motivos estrambóticos y faltos de pragmatismo, como suele pasar en las pasarelas de moda. En este «cuento» en el que Milla Jovovich (‘Resident Evil’, ‘Hellboy’) se acomoda en su posición de villana se nos narra una historia muy limítrofe a ‘La isla’ mezclada con toques de dorama coreano con lo que tenemos la previsible y manida historia de la mosquita muerta sobreponiéndose a todo y tomando el control de su vida.
‘Paradise Hills’ se compone de mucho talento femenino, tanto si nos referimos a sus artífices como si hablamos del valor del personaje de Emma Robers. Pero se desperdicia en cuanto vemos que se regodea en cuentos harto adaptados y nos cansa nada más ver que recurre a giros de guión de lo más trillados. Su protagonista no actúa mal, tiene carisma y se mueve bien entre tan grotesca y pigmentada isla. Pero la técnica actoral o tras la cámara no son la pega, pues encontramos también buenos planos. En conclusión, no basta solo con una estética llamativa.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de octubre de 2019. Título original: Paradise Hills. Duración: 95 min País: España. Dirección: Alice Waddington. Guion: Brian DeLeeuw, Nacho Vigalondo. Música: Lucas Vidal. Fotografía: Josu Inchaustegui. Reparto principal: Emma Roberts, Danielle Macdonald, Awkwafina, Eiza González , Jeremy Irvine, Arnaud Valois, Milla Jovovich. roducción: Nostromo Pictures, RTVE. Distribución: Nostromo Pictures. Género: ciencia ficción, romance. Web oficial:https://nostromopictures.com/film-detail/paradise-hills/
Arthur se siente siempre solo entre la multitud y busca conectar con alguien. Pero mientras camina por las tranquilas calles de Gotham City y recorre las vías de ferrocarril grafiteadas de una ciudad hostil donde reina la división y la insatisfacción, Arthur usa dos máscaras. Una le sirve para su trabajo diario como payaso. La otra no se la puede quitar nunca; es la apariencia que proyecta en un intento inútil de sentir que forma parte del mundo que lo rodea, y no ese hombre incomprendido a quien la vida golpea sin descanso. Arthur no tiene padre y su madre es una mujer frágil que es, sin lugar a duda, su mejor amiga. Le puso de apodo Happy, un nombre que ha pintado en la cara de Arthur una sonrisa que oculta un dolor infinito. Pero cuando los adolescentes lo intimidan en las calles, se burlan de su ropa en el metro, o cuando otros payasos se ríen de él en el trabajo, este ser asocial y estrafalario se siente aún más alejado de todos los que le rodean.
Crítica
Brillante vuelta de tuerca para un personaje que ha perdido un tornillo
Pudo ser Hulk, pudo ser Dr. Extraño pero por suerte Joaquin Phoenix ha elegido ser Joker. Tras haber visto a una buena cantidad actores interpretar al archienemigo de Batman en la gran y pequeña pantalla por fin ha llegado su película en solitario. Y hay que ver esta nueva versión con ojos algo diferentes ya que se le enfoca desde una perspectiva distinta. Al igual que ha sucedido tropecientas veces en las viñetas de DC Comics tenemos una nueva variable pero que a su vez respeta la esencia del personaje e incluso conecta con el universo de Batman sin contar con el heroe en pantalla.
‘Joker’ es una película de orígenes magnífica. Hay que admitir que como hemos visto en otras muchas películas el discurso nos habla de nuevo de los monstruos que es capaz de crear la sociedad. Pero la vuelta de tuerca está en que este Joker tiene un gran trastorno psicológico que le lleva al ascenso a la fama y la criminalidad. Aún así el guión de Todd Phillips y ScottSilver consigue que tengamos sentimientos alineados con el protagonista, por mucho que este esté para encerrar.
Un acierto del filme es alejarse de los cómics en el sentido de que no busca adaptar ninguno en concreto para así además evitar comparaciones. Como se hace una y otra vez en la industria del cómic reescribe la historia del personaje pero conservando su núcleo, su forma de ser. Se explora tan bien la locura del Joker que es imposible no encontrar alguna mínima similitud con ‘La broma asesina’ o el Joker de Azzarello. Pero sin duda los cinéfilos encontrarán más conexiones, sobre todo con el cine de Scorsese ya que la trama recuerda a ‘El rey de la comedia’ y algunas escenas son totalmente ‘Taxi diver’, notándose por otro lado un homenaje hacia estas películas en las que el protagonista estaba interpretado por De Niro. Lo que le va sucediendo al Joker también me ha recordado en muchos sentidos a ‘Un día de furia’. Películas que nos van llevando poco a poco a un delirante o explosivo final, aspecto que Phillips ha potenciado.
Se separa también del DCEU dejándonos claro que nunca veremos a este Joker interactuando con el Batman de Pattinson o el Superman de Cavill. Estamos en una época y Tierra diferente, como suele etiquetar DC Comics a sus universos paralelos. Pero no os preocupéis que si queríais encontrar puntos en común o sois buscadores de huevos de pascua tenéis unos cuantos, como por ejemplo cierta película que se proyecta en los cines de Gotham. Su maquillaje es muy parecido al del asesino en serie Pogo The Clown. Y esta no es la única referencia a ese payaso que inspiró ‘IT’ (película también de Warner) si no que el lugar donde actúa Arthur Fleck (Joker) se llama Club Pogo. Y seguro que todos conocéis la anécdota del nombre de esta nueva versión del lunático más famoso de Gotham. Si usamos la contracción A. Fleck suena muy parecido al último intérprete de Batman, Ben Affleck. Quiero creer, por añadir otro, que se rinde también homenaje a la famosa escena de Heath Ledger montado en el coche de policía.
Todd Phillips es conocido por ser el director de películas como ‘Road Trip’ o la saga ‘Resacón’. Ya nos pasó hace poco que aplaudimos que un experto en comedias subidas de tono hiciese un drama bien construido. Es el caso de Craig Mazin (‘Superhero Movie’, ‘Scary Movie 3’) con ‘Chernobyl’. Me alegro que tengamos esta especie de «zasca» con sabor indie que demuestra que hay que tomarse más en serio a estos bromistas. Igual puede pasar con ‘Joker’ que nos deja una broma que hay que saber captar. El personaje creado por Bob Kane, Bill Finger y Jerry Robinson traspasa de nuevo la pantalla o las páginas y lleva generando caos y discordia desde incluso antes de sus primeras proyecciones.
Desde ‘Watchmen’ no habíamos vuelto a tener una película de DC calificada como R. Otra apuesta por la madurez para el mundo de los cómics y un nuevo distanciamiento del universo Marvel que tanto daño ha hecho en ese sentido. No es un festival de escenas violentas, tiene puntualmente momentos sangrientos que vienen muy bien para reforzar su relato de locura e injusticia.
Phoenix ya venía anunciando un papel así de loco y tan socialmente marginado. Con películas anteriores como ‘No te preocupes, no llegará lejos a pie’ o ‘En realidad, nunca estuviste aquí’ ha ido sembrando una trayectoria de drama, comedia negra y violencia que se recoge en una sola película como esta basada en las risas rotas. Es de aplaudir como maneja los bruscos cambios de su personaje. El control del cuerpo que hace Phoenix no es sencillo, no por tener movimientos difíciles, si no por lo que es capaz de transmitir.
Observar bien la fotografía de Jeff Groth, la capacidad de crear un viral sin ni siquiera existir Internet, el discurso sobre la subjetividad del humor o el carisma de De Niro haciendo las veces de Buenafuente. ¿Es esta una película redonda? No del todo, digamos que le faltan 3 o 4 grados para cerrar un círculo. Me sobran tres cosas: tanta risotada (llega a sobrecargar), la duración (que en parte se ha visto alargada por introducir tantas carcajadas) y la delgadez extrema del protagonista (que realmente no es necesaria para plasmar su estado mental o social). Podría decir que me sobra también la introducción del tema ‘Rock and Roll Part 2’ oído hace 22 años en ‘Full Monty’, pero se le puede conceder esa gamberrada Todd Phillips.
Cuidado con el hype que como decía el eslogan de aquel anuncio de Eastwood «la excitación puede matar» (por cierto que esa publicidad aparece en una de las pantallas del filme). Si sois deceitas id con la mente abierta, como acostumbran a hacer los buenos lectores de cómics. Este no es ni el Joker mafioso de Azzarello ni el chiflado de Alan Moore, pero podría acabar como cualquiera de ellos. Es lo bueno del Joker, que tiende al caos y es impredecible.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de octubre de 2019. Título original: Joker. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Phillips. Guion: Todd Phillips, Scott Silver. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Jeff Groth. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beetz, Frances Conroy, Brett Cullen, Glenn Fleshler, Bill Camp, Shea Whigham, Marc Maron, Douglas Hodge, Josh Pais, Leigh Gill. Producción: BRON Studios, Creative Wealth Media Finnce, DC Comics, DC Entertainment, Joint Effort, Village Roadshow Pictures, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, adaptación, thriller. Web oficial:http://www.jokermovie.net/
En el Mediterráneo, el mar sobre el que se fundó nuestra civilización, miles de refugiados aguardan a que Europa les acoja. A las puertas del viejo continente, luchan por mantener viva la esperanza a pesar de las precarias condiciones bajo las que subsisten. Varados se acerca a la vida cotidiana de esos refugiados de larga duración. En edificios ocupados en Atenas o en campos de refugiados repartidos por todo el país, estos hombres y mujeres siguen a la espera de una documentación que les permita continuar con sus vidas.
Crítica
Una crítica social llena de humanidad y esperanza
Este viernes llega a nuestras salas ‘Varados’ el documental de HelenaTaberna, directora de ‘Yoyes’, que ha sido el encargado de abrir la sección de Zinemaldía de la 67ºedición del FestivaldeSanSebastián.
Conocemos la vida de varias familias separadas por la guerra, jóvenes con grandes sueños e ilusiones, personas que han perdido la esperanza de tener una vida mejor en Europa, pero no quita para que lo den todo para ayudar a las personas que tiene a su alrededor y hacerles la vida un poco más fácil.
Muy bien documentado, ‘Varados ‘ nos muestra lo bueno y lo malo de estos campos. La tristeza que tienen muchas de las personas y familias que allí habitan. Cómo juntos, poco a poco van recobrando la esperanza.
Personas que no son de la misma religión se unen para darse ánimos, cuando irónicamente la mayoría están huyendo exactamente de eso, de las guerras por la religión.
Es una lástima conocer tantos casos de gente que lo único que quiere es tener una oportunidad de tener una vida sencilla. Aunque el documental me ha parecido un poco repetitivo en su forma, no quiere decir que sea malo, y como he dicho es necesario verlo y conocer todas estas situaciones y sobre todo saber el porqué están allí.
Una de las historias que conocemos es la de Jamal, un hombre enamorado del deporte, sobre todo del boxeo y que se encarga de ayudar a otros refugiados entrenar y además cuidar de la gente con la que vive, con la limpieza, la cocina y se vuelca en la gente mayor.
Mohammad otro de los refugiados, vive con su sobrino y que pese a su movilidad reducida sale siempre con ánimo a la calle para seguir avanzando con algo de esperanza para poder ver de nuevo a su mujer e hijas, las cuales siguen en Siria.
Helena Taberna nos trae la crisis de los refugiados de una manera muy sencilla, en la que los protagonistas nos cuentan sus vidas en los campos, sin entrevistas, simplemente mostrándonos su día a día.
Me ha gustado que tampoco intenta hacernos llorar, simplemente humaniza toda esta situación, no hay política, hay seres humanos con mucha esperanza esperando su oportunidad.
También el gran trabajo de FrodoGarcía–Conde, director de fotografía de la película, es muy bueno y podemos ver el gran protagonista de la cinta, el Mediterráneo que deben pasar todos estos refugiados, ese mar que se ha tragado tantas vidas.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de octubre de 2019. Título original: Varados. Duración: 72 min. País: España.Dirección: Helena Taberna. Guión: Helena Taberna. Música: Ignacio Bilbao. Fotografía: Frodo García-Conde. Producción: Lamia. Distribución: Márgenes Distribución. Género: Documental. Web oficial:https://www.lamiaproducciones.com/pelicula/varados/
España. Verano de 1936. El célebre escritor Miguel de Unamuno decide apoyar públicamente la rebelión militar que promete traer orden a la convulsa situación del país. Inmediatamente es destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca.
Mientras tanto, el general Franco consigue sumar sus tropas al frente sublevado e inicia una exitosa campaña con la secreta esperanza de hacerse con el mando único de la guerra. La deriva sangrienta del conflicto y el encarcelamiento de algunos de sus compañeros hacen que Unamuno empiece a cuestionar su postura inicial y a sopesar sus principios.
Cuando Franco traslada su cuartel a Salamanca y es nombrado Jefe del Estado de la zona nacional, Unamuno acudirá a su Palacio, decidido a hacerle una petición de clemencia.
Crítica
Un filme derrotista sobre una época en la que perdimos todos
La expresión «en la guerra no hay vencedores ni vencidos» cobra más sentido y se va de la mano con la frase «Venceréis, pero no convenceréis» de Miguel de Unamuno. El ilustre escritor protagoniza la nueva cinta de Amenábar con un Karra Elejalde muy metido en su papel y sin pecar en lo excesivo o lo rimbombante.
‘Mientras dure la guerra’ nos habla mucho de Unamuno pero su discurso está más asentado en lo dañino de la falta de entendimiento, de la cerrazón y el extremismo, de unos y de otros. El filme nos arroja pocos rayos de esperanza para el ahora basándose en una época en la que la sinrazón o el desconcierto poblaba las calles de las ciudades españolas. La acción transcurre en la Salamanca recién ocupada por los golpistas y es quizá por eso que parece que la película da más palos al bando de derechas, pero este nuevo largometraje histórico reparte a todas las facciones, descubriendo además hechos pocos conocidos del principio de la Guerra Civil. Traiciones, dudas, miedo y tristeza dominan un filme que deja poco espacio al optimismo.
Como relato de la llegada al máximo poder para Franco (Santi Prego) es una obra estupenda. Refleja el fanatismo que giraba en torno a su figura, los golpes de suerte que le acompañaron toda su vida y las estratagemas sibilinas que empleaba. Si bien es cierto que personajes como Millán-Astray (Eduard Fernández) o el mismo Franco en ocasiones parecen algo caricaturizados, uno por exacerbado y el otro por excesivamente empanado. Pero ambos personajes tienen momentos en los que vemos que no todo es ni blanco ni negro.
Precisamente esa es una virtud del filme de Amenábar, que no cae en alabanzas, blanqueo de personajes o como se dice ahora greenwashing. ‘Mientras dure la guerra’ no muestra una visión idealizada de nadie y menos de Unamuno, más bien al revés, el por entonces rector de la Universidad de Salamanca reincide en errores y contradicciones. Al igual que sucede con el que fue caudillo de España que más que como un exaltado militar se le plasma como un hombre falible, repleto de miedos.
Para un salmantino emigrante como yo es un gustazo ver lo bien que luce la piedra de Villamayor a través de la lente de un gran buscador de momentos como el director de fotografía Álex Catalán, el mismo que nos brindó apabullantes imágenes con ‘La isla mínima’ y ya se vio inmerso en otras películas históricas como ‘1898. Los últimos de Filipinas’. Desde la Calle Libreros en la que residía Unamuno junto a la universidad hasta la plaza mayor o el archiconocido puente romano realizamos un recorrido que pese a la tristeza del relato vende excelentemente la capital charra. No ha perdido detalle Amenabar que ha tenido a bien no olvidarse del clásico Novelty, refugio de otros afamados autores de nuestra literatura o cuna de la Unión Deportiva Salamanca y Radio Nacional de España.
Sin necesitar recurrir al famoso «como decíamos ayer», que Unamuno utilizó parafraseando a ilustres predecesores suyos, se ha rescatado la figura del autor de novelas como ‘Niebla’ o ‘Fedra’. Pero como decía antes este no es un biopic al uso, ‘Mientras dure la guerra’ no es una película que busque hablar de los últimos días del escritor bilbaíno. Rescatar a este literato de la generación del 98 solo es una excusa para hablarnos de un momento de división ideológica muy extrema justo en unos días en que parece que nuestro país está políticamente roto. Una propuesta no falta de riesgo pero que a mi parecer es lo suficientemente neutral como para ser considerada objetiva.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de septiembre de 2019. Título original: Mientras dure la guerra. Duración: 107 min. País: España. Dirección: Alejandro Amenábar. Guion: Alejandro Amenábar, Alejandro Hernández. Música: Alejandro Amenábar. Fotografía: Álex Catalán. Reparto principal: Karra Elejalde, Eduard Fernández, Santi Prego, Nathalie Poza, Patricia Lopez Arnaiz, Luis Bermejo, Tito Valverde, Inma Cuevas, Carlos Serrano-Clark, Luis Zahera, Ainhoa Santamaría, Mireia Rey, Luis Callejo, Dafnis Balduz, Jorge Andreu, Itziar Aizpuru, Pep Tosar, Miquel García-Borda. Producción: Mod Producciones, Movistar+, Himenóptero, K&S Films, Mientras dure la guerra. Distribución: Buena Vista Internacional. Género: hechos reales, drama. Web oficial:https://www.facebook.com/mientrasdurelaguerra/
Después de haber vivido un infierno, John Rambo se retira a su rancho familiar. Su descanso se ve interrumpido por la desaparición de su nieta tras cruzar la frontera con México. El veterano emprende un peligroso viaje en su busca enfrentándose a uno de los carteles más despiadados de la zona y descubre que tras su desaparición hay oculta una red de trata de blancas. Con sed de venganza, deberá cumplir una última misión desplegando de nuevo sus habilidades de combate.
Crítica
Un cierre crepuscular acompañado de un recital de sangre y violencia
En ‘Acorralado’ (‘First Blood’, 1984) Stallone empezaba esta saga que contaba el devenir de un soldado veterano del Vietnam (John Rambo) que vivía la vuelta a casa con grandes problemas de adaptación. Ninguneado por un sheriff de una pequeña ciudad (que acaba por destrozar al final del filme) mostrando su parte más humana y a la vez más oscura, en ´Rambo: Last Blood´ se cierra ese ciclo de una manera contundente.
En la primera se denunciaban los problemas de adaptación y de rechazo que sufrían los veteranos de guerra cuando volvían a su país. Fue una película en la que ¡ojo!, no moría nadie. Solo se mostraba en forma de acción el caos, la soledad, la desesperación y los traumas de un tipo entrenado para matar al que llevan al límite en una cacería humana. Una cinta de acción de los 80 que tuvo gran éxito en taquilla y que creó un personaje mítico (pese a quien le pese) en la historia del cine. Eso iba a cambiar en las siguientes entregas.
En ‘Rambo 2’ sería el gobierno quien le pediría ayuda a cambio de sacarle de la cárcel y forzando de nuevo al protagonista a ser quien no quiere ser. ‘Rambo 3’ es algo parecido. Su coronel, y prácticamente el único amigo que conoce John, es capturado en Afganistán y allí que va Rambo a luchar contra los rusos. Una película claro reflejo de esa guerra fría que llevaban EE.UU. y la URSS por aquel entonces. Ya en estas dos últimas secuelas las muertes y la destrucción iban in crescendo en una espiral de violencia sin fin.
Veinte años después Stallone volvería a encarnar al personaje en ´Rambo IV´, haciéndose cargo del guión y la dirección. Aquí ya vemos a un tipo de edad madura que vive solo y en paz hasta que le piden ayuda como guía y las circunstancias hacen que se implique en una lucha contra un grupo militar que tortura y asesina a inocentes en Birmania.
Y cuando todos pensábamos que no había ya más donde exprimir la historia de este hombre lleno de traumas y de muerte, John Rambo se quiere reinventar en una última secuela 37 años después de la primera.
He creído bueno poner un resumen de todo lo que ha precedido a lo que es, si Sylvester no dice lo contrario, el cierre de una historia que para muchos debió haber acabado mucho tiempo atrás.
Lo primero que observo es que pese a todo, la película reúne a bastantes medios de prensa especializada. Yo la verdad es que no tengo muchas expectativas. La película comienza con una secuencia de acción donde hay un rescate en una montaña en medio de una gran tormenta donde ya vemos a John ayudando a las autoridades locales y ya nos muestra a un hombre que tiene remordimientos y culpa ante la posibilidad de perder a alguien. Noto que no lleva bien que la gente muera si él hubiera podido evitarlo. Debo confesar que este inicio introductorio me gusta, con acción y sentando las bases para empezar pisando fuerte.
Luego la cinta se divide claramente en tres partes. Admito que el guión es muy simple pero tampoco me espero mucha complejidad donde no la hubo antes.
En la primera se muestra al personaje viviendo una vida tranquila en un rancho, acompañado por una madre y su hija adolescente a las que considera su familia. Habiendo vivido sus anteriores películas incluso te alegra que el abuelo Rambo esté tan bien y algo más tranquilo en el último tramo de su vida.
En la segunda algo sucede que hace que esa paz se vea perturbada por un acontecimiento que una vez más, le obliga a tomar partido. La acción se traslada a algún lugar de México. Aquí me estremecen las imágenes que narran y ponen el foco en todo el tema de la trata de blancas. Pasamos de película familiar a una especie de thriller mafioso de cierta crueldad. Ya lo hemos visto en otras películas pero siempre se te encoge un poco el corazón cuando ves estas cosas. LLegados a este punto la cinta me recuerda a otras con las que comparte ciertos paralelismos como ‘Blood father’ de Mel Gibson o ‘Venganza’ de Liam Neeson (otros dos veteranos del celuloide).
Podemos también ver a Sergio Peris-Mencheta en el papel del malo de la peli junto con otro secundario español como Oscar Jaenada, que aportan esa ración de crueldad de la que he hablado antes. El trío español de renombre lo completa Paz Vega en un papel mas secundario, ayudando al protagonista al que incluso le superan los acontecimientos.
La tercera parte es todo un recital de sangre y violencia del John Rambo más oscuro de todos. Las muertes se suceden con una brutalidad y una variedad de estilos no apta para almas sensibles o niños. Vemos curiosamente al Rambo más cruel, al tipo al que entrenaron para matar y vaya si lo hace y cómo lo hace. No queda nada de aquel viejo con sentimiento de culpabilidad que vive tranquilo. Solo un tipo que es muy bueno en lo que sabe hacer y así se encamina todo hacia un final sin sorpresas, ya visto tantas veces en el cine en otras producciones.
Debo reconocerle los méritos a un Stallone que supo construirse una carrera en Hollywood con un talento limitado, pero creando personajes que han entrado en la historia del cine como Rocky Balboa o el mismo John Rambo. Personajes interpretados y escritos por él. Podríamos entrar en el debate de la calidad de los 5 guiones escritos o co-escritos por él en esta saga que nos ocupa… Pero el hecho es que le ha dado para mucho. Yo que crecí entre sus películas, no puedo dejar de sentir cierta nostalgia por todo lo que representó en los 80 y 90 en el cine de entretenimiento palomitero. Y que haya reunido a viejas glorias del cine de acción de su época junto con algunas de las actuales en ‘Los mercenarios’ yo se lo agradezco.
En cuanto a esta película, si tienes claro lo que vas a ver poco puede sorprenderte (ni para bien ni para mal). Destaco sobre todo la violencia cruda de algunas escenas, con una dirección aceptable y un guión que te deja todo muy clarito para una duración de sólo 89 minutos. Las interpretaciones cumplen de sobra en este tipo de filmes y el sonido es contundente. Se deja ver, entretiene y aunque sea por su violencia te impacta. Utiliza una fórmula con las bases de un western de toda la vida mil veces contada en el cine de diferentes maneras y que consigue ser en parte efectiva.
Tendréis un plus todos aquellos que como yo, hayáis vivido de una manera u otra las aventuras de este veterano de guerra. Se recalca bastante ese trauma del hombre que ha pasado por mil vicisitudes en la vida, que ha perdido todo lo que quería o conocía y que ha intentado llevar una vida apacible para olvidar todo lo malo que hizo y todas las desgracias que sufrió. Hay una frase que aparece no una, sino dos veces (por si no te enteraste la primera vez), que viene a decir algo así como que las personas no cambian, si no que esconden lo que realmente son en todo caso, y aquí nos muestran el extremo de un hombre que ante todo quiso ser noble sin buscar redención en verdad, pero que apenas le dejaron descansar en paz. Yo creo que ya por fin, después de casi 40 años, al fin lo hará.
Lo bueno: Stallone y los títulos de crédito como homenaje a su personaje.
Lo menos bueno: Stallone y su guión simplón.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de septiembre de 2019. Título original: Rambo: Last Blood. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Adrian Grunberg. Guion: Matthew Cirulnick, Sylvester Stallone. Música: Brian Tyler. Fotografía: Brendan Galvin. Reparto principal: Sylvester Stallone, Paz Vega, Yvette Monreal, Louis Mandylor, Óscar Jaenada, Sheila Shah, Sergio Peris-Mencheta, Jessica Madsen, Adriana Barraza, Diana Bermudez, Marco de la O. Producción: Balboa Productions, Campbell Grobman Films, Dadi Film Group, Lionsgate, Millenium Films, NYLA Media Group, Tempelton Media. Distribución: Vértice Cine. Género: acción. Web oficial:https://rambo.movie/
‘Blinded by the light (Cegado por la luz)’ cuenta la historia de Javed (Viveik Kalra), un adolescente británico de ascendencia paquistaní, que vive en la ciudad inglesa de Luton en 1987. En medio de la agitación racial y económica de la época, Javed escribe poesía como medio para escapar de la intolerancia de su ciudad natal y de la inflexibilidad de un padre tradicional. Pero cuando un compañero de clase le da a conocer la música de «The Boss», Javed ve paralelismos entre su vida de chico de clase trabajadora y las potentes letras de Springsteen. Así es como Javed descubre una salida catártica para sus sueños reprimidos y se arma de valor para empezar a expresarse con su propia voz.
Crítica
Una fórmula trillada mezclada con mito
Estamos en una época en la que más que la música se emplea a los músicos como vía de conexión con el espectador. Que si el grupo Queen, que si The Beatles, que si Elton John… Está por venir la película de Judy Garland… Pero antes tenemos un filme que evoca con regulero acierto la figura y canciones de The Boss (Bruce Springsteen).
‘Blinded by the light (Cegado por la luz)’ es un título que ha sido dirigido por Gurinder Chadha, la cual ya nos sorprendió con ‘Quiero ser como Beckham’ allá por 2002. Y la fórmula que empleo en esa película es prácticamente la misma que vemos en este nuevo estreno. Un joven que se siente incomprendido encuentra en una figura famosa, un referente, en el que inspirarse. Y si vamos más allá del propio protagonista encontramos un entorno que se opone a alcanzar su sueño, con lo que el filme recuerda horrores a ‘Billy Elliot’. La película se podría haber llamado perfectamente ¡Quiero escribir!
En lo que se refiere específicamente a Bruce Springsteen se puede decir que su música está presente, sus letras aún más. Quizá esta historia no habría sido la más indicada para plasmar la discografía de este mito viviente. Por mucho que se base en la historia real del periodista Sarfraz Manzoor si lo que queremos es dar vida a la voz de The Boss hay ideas mejores. Porque además el filme intenta ser un acervo vitalista, un feel-good como se dice ahora, pero las sensaciones que nos deja son más tristes que alegres.
Que si, el filme tiene algunos momentos graciosos y ciertos personajes que despiertan simpatía, como el que interpreta Dean-Charles Chapman, el Tommen Baratheon de ‘Juego de Tronos’. Intenta arrancarse con algún que otro flashmob pero el puzle que compone encaja demasiado forzosamente y como decía antes ateniéndose a códigos muy vistos, excesivamente melosos por cierto.
‘Blinded by the ligth’ funciona cuando abraza temáticas como la búsqueda de identidad o de voz. Pero falla cuando trata sobre la persecución de una meta profesional o en sus compases más románticos. Por ejemplo me parece un acierto mostrar como el protagonista interpretado por Viveik Kalra es marginado constantemente cuando luego él en casa convive con una situación que discrimina a la mujer relegándola a un papel servicial. Pero en el afán del muchacho por escribir no encontramos ninguna novedad cinematográfica más allá de algunas imágenes curiosas en las que está rodeado por las palabras de Springsteen. Más que con la música de The Boss yo resumiría el filme con el tema «We’re Not Gonna Take it» de los Twister Sister.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de septiembre de 2019. Título original: Blinded by the light. Duración: 130 min. País: Reino Unido. Dirección: Gurinder Chadha. Guion: Gurinder Chadha, Paul Mayeda Berges, Sarfraz Manzoor. Música: A.R. Rahman. Fotografía: Ben Smithard. Reparto principal: Viveik Kalra, Hayley Atwell, Rob Brydon, Kulvinder Ghir, Nell Williams, Dean-Charles Chapman, Aaron Phagura. Producción: Bend It Films, Levantine Films, Ingenious Media, Rakija FIlms. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia, drama. Web oficial:http://www.blindedbythelight-movie.net/
La grabación de una película de serie B de muertos vivientes es interrumpida por un auténtico apocalipsis zombi.
Crítica
‘One cut of the dead’ levanta ovaciones dada su capacidad de transmitir pasión por hacer cine
El año pasado ‘One cut of the dead’ pasó por diversos festivales españoles como Sitges o la Muestra SYFY y puedo dar constancia de que las impresiones que aquí comento no son solo mías, son bastante generales. ‘One cut of the dead’ levanta ovaciones dada su capacidad de transmitir pasión por hacer cine. Da gusto ver cómo lo pasan los personajes y como gozan los actores promocionando su película. Este es un ejercicio no solo de disfrute cinematográfico sino también de trabajo en equipo en armonía y el mejor de los ambientes.
Para hablar de esta película lo primero que hay que comentar es que se compone de dos planos secuencia. El primero que parece una película de terror convencional y el segundo que llega con un buen giro de guión que cambia totalmente las cosas. Estad pendientes a todos los detalles porque el equipo de Shinichirô Ueda os los va a desgranar de un modo casi inédito. El filme esta tan bien rodado, con tal compenetración y sentido de la continuidad que lo considero un gran zasca a esos grandes cineastas que como Iñarritu son reconocidos por engañifas como ‘Birdman’.
Volvería a ver varias veces este filme pero no por haberme perdido cosas, ya que está perfectamente desmenuzada y explicada, si no por disfrutar de su originalidad y a su vez de su simplicidad. Aunque hay que decir que para coordinar las escenas que vemos hace falta un buen trabajo logístico.
Podría decirse que ‘One cut of the dead’ es un filme terroríficamente cómico y una demostración de metacine tremendamente lograda. Vais a ver corriendo a zombies y a equipos de rodaje por igual. Está repleta de maquillaje de pura serie B, sangre casera y humor splashthic. Me parece una manera francamente astuta de rendir culto al género de zombies mientras que a su vez lo ridiculiza. Para ser un tipo de películas que tenemos más que trillado y tamizado me fue una maravillosa sorpresa descubrir este filme. De las películas que uno agradece ver y que son una entrada bien gastada.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de septiembre. Título original: Kamera o tomeru na! Duración: 96 min. País: Japón. Dirección: Shinichirô Ueda. Guion: Shinichirô Ueda. Música: Shôma Ichihashi, Kentarô Kodama, Nobuhiro Suzuki. Fotografía: Takeshi Sone. Reparto principal: Takayuki Hamatsu, Yuzuki Akiyama, Harumi Shuhama, Ayana Gôda, Miki Yoshida, Kazuaki Nagaya, Hiroshi Ichihara, Takuya Fujimura, Yôko Takahashi, Satoshi Iwagô, Tomokazu Yamaguchi, Manabu Hosoi, Yoshiko Takehara. Producción: ENBU Seminar, Panpokopina. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: comedia, terror. Web oficial:https://kametome.net/index.html
El astronauta Roy McBride (Brad Pitt) viaja hasta los confines del sistema solar para tratar de encontrar a su padre desaparecido y descubrir porque su misión fracasó. En su misión descubrirá secretos que desafían la naturaleza de la existencia humana, nuestro lugar en el cosmos y que pondrán en peligro la supervivencia del planeta.
Crítica
Un viaje poético y profundo a través de las estrellas
JamesGray (‘Z, la ciudad perdida’), nos trae una de las películas más bonitas, visualmente hablando, que vamos a ver este año, pero no solo eso, sino que también nos da una historia muy profunda, donde la soledad y las obsesiones son las grandes protagonistas.
Una cinta llena de matices que nos muestra el renacimiento de Roy McBride, el personaje interpretado por BradPitt (‘Érase una vez en… Hollywood’), que para llegar a este resurgir tiene que descender hacia sus más oscuros recuerdos. Un viaje en el que le acompañaremos durante 124 min. y en el que no podremos despegar la mirada de la pantalla.
Hipnóticamente vamos viendo un futuro no tan lejano que el equipo de ‘Ad Astra’ ha creado al más mínimo detalle. Bastante realista, sin nada de pretensiones, vamos conociendo las distintas conquistas y el como la gran obsesión del ser humano en ese momento es encontrar vida extraterrestre.
La soledad es el gran enemigo del ser humano y aquí lo vemos durante toda la historia, una persona como Roy, cree que lo mejor para su trabajo es estar completamente solo, no tener lazos con nadie y así poder ser útil, pero vemos que no y que este viaje le sirve para darse cuenta de todo lo que ha perdido durante toda su vida.
Sin duda alguna la película es un gran regalo para Brad Pitt, realizado con mucho mimo y cariño. Nos hace sentir tristeza, tensión y compasión con una sola mirada y hay que decir que pocos actores logran esto.
Aunque su compañero de reparto, TommyLeeJones, no se queda corto, aparece poco en pantalla, pero he de decir que su mirada lo dice todo y en su última escena en pantalla logra transmitir muchísimo.
El guión lo firma el propio JamesGray, le acompaña EthanGross, guionista de ‘Fringe’ y logran darnos una historia que aunque pausada se disfruta desde el minuto uno.
Como he dicho al comienzo, visualmente es una verdadera maravilla, está claro que los equipos de efectos especiales, entre los que vemos a WetaDigital, han realizado un gran trabajo, junto al trabajo del director de fotografía, HoyteVanHoytema(‘Interstellar’, ‘Dunkerque‘), nos regalan paisajes preciosos.
En el resto del reparto tenemos a RuthNegga, DonaldSutherland y LivTyler, entre otros. Todos ellos personajes breves, pero muy importantes en todo este viaje.
Para terminar, deciros, que por muy buena edición en Blu-ray que puedan sacar, ‘Ad Astra’ debe ser vista en el cine y disfrutar plenamente del espacio que James Gray nos ofrece.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de septiembre 2019. Título original: Ad Astra. Duración: 124 min. País: Estados Unidos. Dirección: James Gray. Guión: James Gray y Ethan Gross. Música: Max Richter. Fotografía: Hoyte Van Hoytema. Reparto principal: Brad Pitt, Liv Tyler, Ruth Negga, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland, Anne McDaniels, John Ortiz, Kimberly Elise, Greg Bryk, Loren Dean, Jon Finn. Producción: 20th Century Fox, New Regency Pictures. Distribución: 20th Century Fox. Género: Ciencia Ficción. Web oficial: https://www.adastrapelicula.es/
Pauline y sus dos hijas adolescentes, Beth y Vera, heredan una casa. La primera noche en su nuevo hogar sufren el ataque salvaje de un grupo de intrusos. Pauline y las chicas deberán luchar para salvar sus vidas. 16 años después, Beth es una novelista de éxito, mientras que su hermana Vera, víctima de desequilibrios mentales, vive todavía en aquella casa con su madre. Cuando las tres vuelven a reunirse allí, una ola de acontecimientos terroríficos se desata.
Crítica
Podría ser más rompedora de lo que prometía
Pascal Laugier, el director del título de culto ‘Martyrs’, está en nuestras carteleras tras su paso por diferentes festivales de terror y género fantástico en España. Figuró en la Sección Oficial del Festival de Sitges y se alzó con el Premio a Mejor Película y Mejor Director en el Festival de Nocturna. Personalmente, aunque veo ciertos méritos en el ‘Ghostland’ no comparto la opinión de dichos festivales, no pongo tan por lo alto esta película que podría ser más rompedora de lo que prometía.
Es indudable que ‘Ghostland’ recurre a grandes referentes del terror como Lovecraft, Tobe Hooper o Stephen King. Pero no sabe explotar sus ideas ni ser digna heredera. Su carga psicológica y dramática es tenue, cede ante el esperpento visual. Si acaso es capaz de arrimarse a los títulos más alocados de Hooper cuando imita a ‘La matanza de Texas’ y se torna más adrenalítica, estruendosa o su estética alcanza cotas más sucias.
Además de tener un componente de sustos o terror basado en asesinatos y en una ambientación un tanto asquerosa y tétrica esta es una historia familiar. Un reencuento entre dos hermanas que llevan de diferente manera un trauma y es en eso en lo que más se centra el relato mientras entre medias tenemos las típicas persecuciones del terror norteamericano.
Quizá sea porque el planteamiento inicial me había posicionado unas expectativas equívocas que ‘Ghostland’ me parece desaprovechada. Pascal Laugier es un artista que parece tener ideas suficientes como para sorprendernos y encima ha contado con una actriz que va sumando títulos en producciones de género Crystal Reed (‘Gotham’, ‘Teen Wolf’, ‘The Swamp Thing’) saliendo bastante bien adulada de ellos. Con esta película repleta de muñecas de porcelana Laugier suma a su filmografía pero no se supera.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de septiembre de 2019. Título original:Duración: 91 min. País: Canadá. Dirección: Pascal Laugier. Guion: Pascal Laugier. Música: Todd Bryanton. Fotografía: Danny Nowak. Reparto principal: Crystal Reed, Anastasia Phillips, Emilia Jones, Taylor Hickson, Mylène Farmer. Producción: 5656 Films, Logical Pictures, Mars Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror. Web oficial:http://www.marsfilms.com/film/ghostland/
Inspirada en el cómic ‘Sordo’, y ambientada en el momento histórico de la denominada Operación Reconquista, en 1944, narra la huida de un maqui perseguido y asediado por el Ejército tras haber quedado sordo en una acción de sabotaje.
Crítica
‘Sordo’, ecos de western y posguerra sin politiqueo
Para los amantes de las adaptaciones de cómic a cine es buena noticia poder decir que una obra como ‘Sordo’ es llevada a la gran pantalla, por dos razones. Es un cómic europeo que se desmarca de lo comercial y su narración no se centra en lo realizado por superhéroes. La idea de ‘Sordo’ surge de un cómic del guionista David Muñoz (‘El espinazo del diablo’) y el dibujante Rayco Pulido (‘Nela’). En 2011 ya hablaba su escritor de la realización de esta traslación y por fin han debido reunirse las condiciones propicias para que podamos ver al protagonista de esta historia de posguerra en carne y hueso.
Asier Etxeandía es quien encarna a un anti-franquista que forma parte del grupo de guerrilleros que intentan de manera activa derrocar el régimen del Caudillo de España. Pero un accidente en la voladura de un puente le deja solo y sordo en la montaña, convirtiéndole en un maqui perseguido por las autoridades de la época. Este lance se encuentra dentro de la «Operación Reconquista» un plan que existió realmente y que pretendía retomar España desde Francia.
Como es obvio el director Alfonso Cortés-Cavanillas le ha dado mucha importancia a todo aquello que llega a nuestros oídos en este su segundo largometraje. El cómic es parco en diálogos y la película podría haberlo sido más pero al menos la edición de sonido y su música están muy cuidados. El filme tiene buena banda sonora y múltiples escenas en las que la ausencia de sonido nos ponen en la piel del protagonista, pero no llegamos a sentir esto durante todo el filme. Eso sí, podemos señalar que no hay descuidos en cuanto a la sordera del protagonista y sus actos.
‘Sordo’ comienza con buenos no, buenísimos planos, eso ya nos lo adelantan los créditos del filme donde podemos ver como partículas de arena recorren ropa y metralleta. Tomas y secuencias que van muy acorde a lo leído en el cómic y que nos encauzan por una película con mucho sabor a western. Etxeandía recorta en silueta y porta el rifle cual John Wayne, imagen homenaje a ‘Centauros del desierto’ incluida. Las persecuciones, los tiroteos, el villano parecen sacados de una película en la que haya participado el mismísimo Eli Wallach. Pero esas son las sensaciones durante más o menos la mitad de la película porque en el resto se pierde ese sabor a ‘El fuera de la ley’ o ‘Acorralado’ en detraimiento a una trama con más tintes de drama amoroso rellenados con tantas escenas paisajísticas que parece que Iñárritu anda por ahí con su renacido. Las tierras de Cantabria donde se ha rodado la película se han transformado en el escenario de la «Operación Reconquista», que realmente transcurrió en el Valle de Arán.
Virtud del filme es salirse de los estereotipos y de las oscuras figuras de la guerra que enfrentó a hermanos en España. No necesita entrar en avatares políticos ni para situarnos cronológicamente ni para señalar a héroes y villanos, porque los ubica en ambos bandos, otra marca del género far west. Es obvio e inevitable que tenga que hacer uso de algunos nombres y referencias históricas, incluso a veces tira de sátira, pero ‘Sordo’ es muy elegante en el manejo del conflicto.
Lo que se carga tanto el sabor a película del oeste como el tema de no encontrarnos estereotipos es la inclusión del personaje de Olimpia Melinte. Interpreta a una mercenaria soviética cargada de multitud de clichés que encajaría más en una película tipo ‘Polar’, pero no desde luego en esta que está muy contenida, queda excesivamente grotesca en contraste con el resto de personajes. También desvirtúan y alargan el filme las muchas escenas en las que el protagonista ha de interactuar con la esposa de su compañero (Marian Álvarez), cayendo en tópicos del cine español que evitaba la obra gráfica.
No me malinterpretéis, opino que el elenco de la película interpreta muy bien sus papeles. Malo sería contando con un elenco como Asier Etxeandía, Aitor Luna, Hugo Silva, MarianÁlvarez, Imanol Arias, Ruth Díaz… Pero ‘Sordo’ está innecesariamente alargada y ya que se mete a introducir tanto metraje podría haber explotado más la situación de aislamiento que sufre su protagonista. Falta por eso algo más de trabajo para construir la paranoia por encima del sadismo o la crueldad, pero a veces es más fácil colocar la sangre y la lágrima en pantalla.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. Título original: Sordo. Duración: 121 min. País: España. Dirección: Alfonso Cortés-Cavanillas. Guion: Juan Carlos Díaz, Alfonso Cortés-Cavanillas. Música: Carlos Martín Jara. Fotografía: Adolpho Cañadas. Reparto principal: Asier Etxeandía, Aitor Luna, Hugo Silva, Marian Álvarez, Imanol Arias, Antonio Dechent, Olimpia Melinte, Cristóbal Suárez, Manuel de Blas, Ruth Díaz, Roberto Bonacini, Rocío Calvo, Jorge Basanta, Javier Ballesteros, Edu Mayo, Stephanie Gil, Íñigo Echevarría, Jaime Martín. Producción: La Caña Brothers. Distribución: Filmax. Género: Thriller. Web oficial:https://www.sordolapelicula.com/
Veintisiete años después de su primer encuentro con el aterrador Pennywise, el Club de Perdedores creció y se mudó, hasta que una llamada telefónica devastadora los ha traído de vuelta.
Crítica
‘IT: capítulo 2’ es un gustazo macabro
Tras una primera parte que satisfizo enormemente a seguidores de Stephen King, fans del terror y por supuesto de la adaptación original por fin hemos podido ver el cierre de la nueva versión de ‘IT’. ‘IT: capítulo 2’ vuelve a estar dirigida por Andy Muschietti quien ha contado de nuevo con un guionista en estado de gracia, Gary Dauberman, el escritor de películas como ‘Annabelle vuelve a casa’ o ‘La monja’. Entre los dos han elaborado una película que nos lleva por una montaña rusa de emociones donde predominan los sobresaltos y la adrenalina. Tiene muchos e ingeniosos sustos. Pero aunque este ha sido un cierre bastante apoteósico mi sensación es que este filme es menos emotivo que su predecesor y que el material original.
‘IT: capítulo 2’ es un gustazo macabro. No solo a nivel visual donde podemos ver todo tipo de horrores y carnicerías, esta segunda parte es más sangrienta. Es una película en la que se han dado el capricho de hacer lo que han querido. No solo a nivel de cambiar unas cuantas cosas con respecto a la novela de Stephen King, si no a la hora de introducir referencias y cameos que hacen que el filme zigzaguee por el mejor terror del escritor y de toda una generación. El propio King tiene un corto papel en la película y en una escena muy próxima aparece como extra Muschietti. Hasta hay algo de regodeo con el hecho de que uno de los protagonistas es escritor y tiene problemas con sus finales, cosa que siempre se le ha reprochado al escritor de Maine. Pero encontramos en la película secuencias enteras e imágenes que nos remontan a ‘El resplandor’, ‘Mamá’, ‘Poltergeist’ o ‘Cuenta conmigo’, por ejemplo, un gran número de alusiones que realmente no necesitaba este largometraje pero que han sabido insertar bien.
La conclusión de la saga, las últimas escenas, es de lo que más cambios presenta y se me ha antojado un tanto pobre e incluso repetitivo, aunque como he dicho es apoteósico. Por lo menos ha procurado aventurarse en el que los lectores conocen como ritual de Chüd. Una apuesta valiente que hace a esta película más osada que la mini-serie de los noventa ya que se acerca a los orígenes del payaso Pennywise. Si sois lectores sabréis que es muy difícil abordar el misticismo y profundidad con el que finaliza la novela y por eso es de perdonar que este filme no alcance esas cotas.
El reparto al completo está magnífico. La elección del casting adulto ha demostrado ser todo un acierto, no solo por su parecido físico, también por su talento interpretativo. Sophia Lillis, BillHader, Jessica Chastain y por supuesto Bill Skarsgård con su Pennywise son los nombres que para mí sobre salen sobre el resto. De nuevo el maquillaje de Eso y las muescas de su actor son para enmarcar. Como siempre no me gusta dejar pasar la oportunidad de señalar que Javier Botet suma y sigue interpretando a varias criaturas como el leproso o la anciana del filme.
La lástima de este largometraje es que dependa tanto de su espectacularidad y no sea capaz de encandilar con otras estratagemas más terroríficas como el drama y los mitos que suele lucir King en sus páginas. Aún así es muy disfrutable, supera con creces a gran parte de los títulos del género estrenados en esta nueva generación y es capaz de rendir tributo a una obra mítica pues capta su mensaje y sus intenciones.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de septiembre de 2019. Título original: It chapter two. Duración: 165 min. País: EE.UU. Dirección: Andy Muschietti. Guion: Gary Dauberman. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Checco Ballantine. Reparto principal: James McAvoy, Jessica Chastain, Bill Hader, Isaiah Mustafa, Jay Ryan, James Ransone, Bill Skarsgård, Andy Bean, Jaeden Martell, Wyatt Oleff, Sophia Lillis, Finn Wolfhard, Jeremy Ray Taylor, Chosen Jacobs, Jack Dylan Grazer, Javier Botet. Producción: KatzSmith Productions, Lin Pictures, New Line Cinema, Vertigo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terror, thriller, adaptación, secuela. Web oficial:https://www.warnerbros.es/it-capitulo-2
Toni reúne de nuevo a sus amigos después de un tiempo sin verse. Tras la muerte de Litus, por fin pueden disfrutar de un rato juntos. Sin embargo Toni tiene una noticia inesperada: Litus dejó una carta de despedida para cada uno de ellos. Lo que debía ser un encuentro para hablar de Litus se convierte en ocasión para descubrir los secretos más íntimos y todas las emociones escondidas durante años.
Crítica
Acertádamente pensada, es muy difícil no sentir apego por todos los protagonistas de Litus
Bien es cierto que Dani de la Orden debutó en el largometraje de ficción con ‘Barcelona nit d’estiu’ y también es correcto decir que poco a poco la comedia ha ido ganando peso en sus estrenos con títulos como ‘El pregón’ o ‘El mejor verano de mi vida’, película que tendrá una secuela llamada ‘La mejor Navidad de mi vida’. El joven director barcelonés nos ataca de nuevo en el cine con una propuesta humorística pero esta vez las risas no serán las protagonistas de la historia pues ‘Litus’ tiene mucho de drama e incluso de thriller. Esta es una adaptación de una obra de teatro de Marta Buchaca que me ha sorprendido para bien, que con una sencilla puesta en escena y unos pocos personajes nos cuenta una bonita historia.
En ‘Litus’ descubrimos la desgarradora historia de unos amigos que han perdido a un ser querido, al cual llamaban Litus. La manera de irse y la ausencia de este fueron el detonante de una situación que los protagonistas van descubriendo poco a poco pues hacía tiempo que no se reunían, se tienen que poner al día. Los actores nos van deshilachando los secretos de sus personajes paulatinamente. Además Litus dejó unas cartas que le dan un toque de intriga a la velada que se ha organizado y que es lo que nos muestra el filme. Esto hace que la «fiesta» sea una especie de perfectos desconocidos donde los que hasta entonces eran amigos descubren que había muchas cosas que no conocían los unos de los otros.
La muerte se muestra como una catarsis para los protagonistas de ‘Litus’ que vomitan casi sin querer todas las verdades que tenían guardadas dentro de sí. Lejos de ser sentimentaloide la película ahonda con sensibilidad y humor temas como el suicidio, la depresión, la negación a crecer o el miedo a la madurez. En resumen, se sumerge en toda una incapacidad generacional de expresar entre sí o para sí misma los problemas.
Durante un buen tramo de ‘Litus’ y gracias a interpretaciones tan efusivas y francas como la de Adrián Lastra nos reímos a pierna suelta. Y cuidado, el personaje de Lastra no está colocado solo con fines cómicos. Más adelante el largometraje nos da una buena bofetada con uno de los momentos más serios que le he visto nunca a Quim Gutiérrez. Su discurso de cierre me parece valiente y bien ejecutado, una de las razones por las que merece la pena ver ‘Litus’.
No es de extrañar que Litus no quisiese pagar facturas con el casoplón que se gastaba y la decoración de neón que gustaba. El único escenario en el que transcurre el filme es un enorme piso de Madrid en el que se alojan dos amigos del difunto que pone nombre a la película. La puesta en escena no puede haber sido más teatral para este heterogéneo grupo de amigos teatreros. Las cámaras de De la Orden se han movido entre verdades y falsedades, entre risas y congojas, entre abrazos y reproches. ¿A quién no le gusta reírse? ¿A quién no le gusta reunir a sus amigos? Cuando hay camaradería también hay rencillas, las frases desacertadas y las palabras sinceras que se dicen entre los invitados a la casa de Litus son testigo de que el texto de Buchaca es sincero, son una invitación a ver esta película que empuja a compartir y a expresar lo que sentimos.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de septiembre de 2019. Título original: Litus. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Dani de la Orden. Guion: Marta Buchaca, Dani de la Orden. Música: Iván Ferreiro, Dani Trujillo. Fotografía: José Luis Bernal Ibáñez. Reparto principal: Quim Gutiérrez, Belén Cuesta, Alex García, Adrián Lastra, Marta Nieto, Miquel Fernández. Producción: Litus Audiovisual, Neón Producciones, Producciones Álamo Films S.L, Álamo Producciones Audiovisuales. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama, adaptación. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/1038/litus/
Magnate. Visionario. Genio. Harvey Weinstein era el titán de Hollywood hasta que sus víctimas hablaron y el movimiento #MeToo amplificó sus denuncias a lo largo y ancho del mundo. Acosador. Abusador. Violador. Chantajista. Ahora sabemos lo que presuntamente es y su modus operandi.
Crítica
Intocable se creía cuando intocable lo somos tod@s
Siempre que se piensa en la concepción de un documental se estudia su importancia, relevancia o necesidad. En el caso de ‘Untouchable’ es innegable que su valor educativo e informativo es grande. Malo sería que el caso de Harvey Weinstein no sea conocido por la inmensa mayoría de la población gracias a movimientos como el #MeToo y me preocuparía que a estas alturas este documental tenga que llegar para abrir los ojos a muchas personas. Espero que ‘Untouchable’ sirva más bien para revelar que lo que supuestamente sucede con este individuo es algo que puede estar pasando en otros ámbitos, que puede llegar incluso a ser sistémico.
La mecánica de la película es sencilla. Imágenes de archivo mezcladas con entrevistas. Y los testimonios de las entrevistadas son demoledores. Yo no voy a ser más papista que el papa hablando por ellas, lo suyo es dejar que veáis el documental y sintáis por vosotros mismos lo que os cuentan, lo cierto es que las experiencias que dicen que han vivido repugnan. Me cuesta digerir que no estén ante la cámara actrices como Gwyneth Paltrow, Ashley Judd, Cara Delevingne, Angelina Jolie… Me gustaría saber por qué aunque con o sin ellas el abanico de historias que presenta ‘Untouchable’ es grande y contundente.
Por otro lado la directora Ursula Macfarlane ha dedicado una parte del largometraje a contar la historia de los hermanos Weinstein. Desde que empezaron humildemente en el Queens de Nueva York hasta que fundaron Miramax y The Weinstein Company convirtiéndose en unos expertos en ganar Oscars. Nos explica su mecánica empresarial y su criterio cinematográfico, cómo elegían los títulos que producían. Pero todo ello para intentar demostrar que la cosa viene de lejos, que lo de Harvey, el mayor de los Weinstein, es algo patológico, hablando en presente porque aún está libre y con juicios a punto de celebrarse.
También es muy loable que el documental muestre la otra cara de la moneda. Esa que está muy relacionada con el título del filme. Harvey Weinstein era intocable por el negocio que movía. Alimentaba miles de bocas con todo lo que orbitaba a su alrededor, con las estrellas que creaba, con los Oscars que ganaba. Estaba protegido o no convenía que cayese. ‘Untouchable’ habla de aquellos y aquellas que de un modo u otro consiguieron éxito o prosperar relacionándose con los Weinstein. Desde los empleados de sus empresas, cómplices silenciosos en muchas ocasiones, pasando por grandes intérpretes hasta empresas como Disney que se lucró con la compra de Miramax trabajando codo con codo con los hermanos neoyorkinos.
Hay que admitir que ‘Untouchable’ cojea en algunas declaraciones. No se puede hablar de un incidente rodeado de fotógrafos y luego no aportar ninguna foto de ello. Eso puede hablar de la invulnerabilidad del magnate del cine pero le resta fuerza a los argumentos presentados. De igual modo que usar la argucia de entremezclar fotografías de Weinstein con cara de villano mientras hablan sus víctimas, es un truco que no le hace falta a esta historia que de entrada ya la sentimos como bastante deleznable.
Erika Rosenbaum cita una frase de Chris Pine en ‘Wonder Woman’: “Mi padre una vez me dijo: “Si ves que algo malo pasa en el mundo, puedes no hacer nada, o hacer algo al respecto”. Ya he tratado lo de no hacer nada”. Quedarse de brazos cruzados solo ayuda al infame, no contribuye a solucionar posibles injusticias. Esa es otra circunstancia que abarca ‘Untouchable’ para intentar comprender cómo presuntamente puede haber hecho esto de lo que se le acusa durante tanto tiempo. Hay varios factores más a tener en cuenta como el dinero, la falta de amor propio, el poder, el miedo, la voracidad de la industria… que ‘Untouchable’ pone sobre la mesa. Por supuesto que este documento es unilateral, no esperéis que os aporte pruebas o argumentos de parte del bando acusado, porque tampoco ha molestado nunca en presentarlas públicamente. El periodista Ronan Farrow tiene a bien indicar que él seguirá en busca de casos similares, pero puntualizando algo muy importante, con buenas fuentes. El problema no termina con multar o encerrar a un individuo, si no con diagnosticar y curar a todo el colectivo.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de septiembre de 2019. Título original: Untouchable. Duración: 98 min. País: EE.UU. Dirección: Ursula Macfarlane. Música: Anne Nikitin. Fotografía: Neil Harvey, Amza Moglan, Patrick Smith. Reparto principal: Rosana Arquete, Paz de la Huerta, Abby Ex, Mark Gill, Ronan Farrow, Hope Exiner D’Amore, Caitlin Dulany, Louise Godbold, Nannete Klatt, Erika Rosenbaum, John Schmidt, Harvey Weinstein. Producción: Media Finance Capital. Distribución: Vértice Cine. Género: documental. Web oficial:http://www.mediafinancecapital.com/portfolio/untouchable/
En un pueblo de la costa gallega vive Mario, un hombre ejemplar. En la residencia de ancianos en la que trabaja como enfermero todos le aprecian. Cuando el narco más conocido de la zona, Antonio Padín, recién salido de la cárcel, ingresa en la residencia, Mario trata de que Antonio se sienta como en casa. Ahora, los dos hijos de Padín, Kike y Toño, están al mando del negocio familiar. El fallo en una operación llevará a Kike a la cárcel y les generará una gran deuda con un proveedor colombiano. Toño recurrirá al enfermero para que intente convencer a su padre de que asuma la deuda. Pero Mario, tiene sus propios planes.
Crítica
Te desgasta con sumo gusto
Paco Plaza vuelve a dejarnos boquiabiertos. El listón tras ‘Verónica’ estaba muy alto. La excelente cinta de terror que estrenó en 2017 fue todo un bombazo y tal vez por eso el director ha querido distanciarse un poco del género o salirse hacía un argumento más terrenal y verídico que le evitase las comparaciones. Y con ‘Quien a hierro mata’ logra igualmente mantenernos ensimismados, tanto con su reparto como con su historia. Aunque nos lo haga pasar mal, aunque nos vaya desgastando, degustamos cada una de sus escenas.
‘Quien a hierro mata’ está llena de jugadas maestras, de giros que nos preocupan a la par que enganchan. Plaza y Jorge Gerricaechevarría han tenido la genialidad de tejer uno de esos guiones en los que todos, sobre todo el protagonista, se ven en difíciles tesituras. Esta no es una película de fácil solución pero que está resuelta cual cuadratura del círculo, encajando con la precisión de un delineante. Su final es inesperado, intenso, nos tiene en vilo y encaja las piezas de un modo que no deja flecos. Perfecto para que además discutamos sobre la causa efecto de todo lo que hemos visto.
Las comparaciones puede que surjan pero este no es un ‘Breaking Bad’. Este es un filme donde en su límite no se ven santos, de gente que literalmente se jode entre si misma a conciencia. La película trata sobre aquello que es capaz de hacer alguien que es bien visto por todos pero también de lo canalla y traicionero que podemos ser los humanos los unos con los otros.
En esta nueva desventura hay miradas cómplices, culpables, rabiosas, piadosas… Fruto de interpretaciones brillantes, extraídas por un director que sabe buscar el talento y de unos actores que lo han dado todo. Con muy pocos y buenos intérpretes Paco Plaza ha construido esta nueva y tensa trama. Luis Tosar está inconmensurable. Maneja perfectamente los difíciles matices de un personaje humilde que nos tiene que mostrar cercanía y trauma contenido. Ya no es solo el poder decir que disfrutamos con un Luis Tosar sonriente, es que nos brinda múltiples maneras de interpretar una risotada.
Esta película no viene a unirse a una corriente sobre ficciones inspiradas en la entrada de la droga a través de la costa gallega. Ese solo es el marco para contarnos el desafortunado caso de un protagonista que es buena persona y tiene la oportunidad de vengarse. Todo visto además desde el punto de vista de un director que siempre nos ofrece unos planos que son capaces de hablar, de ejercer un vocabulario visual propio.
Paco Plaza, prepárate, la gente te va a pedir serie secuela de esto.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de agosto. Título original: Quien a hierro mata. Duración: 108 min. País: España. Dirección: Paco Plaza. Guion: Juan Galiñanes, Jorge Gerricaechevarría. Música: Maika Makovski. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Luis Tosar, Xan Cejudo, Ismael Martínez, Enric Auquer, María Vázquez. Producción: VacaFilms, Atresmedia Cine, Quien a hierro mata AIE, Playtime, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: thriller. Web oficial:https://www.vacafilms.com/quien-a-hierro-mata/
Bajo la sorprendente belleza de Anna Poliatova se esconde un secreto que desatará su fuerza y habilidad indelebles para convertirse en uno de los más temibles asesinos gubernamentales del mundo. ‘Anna’ presenta a Sasha Luss en el papel principal, con un reparto lleno de estrellas que incluye a la ganadora del Premio de la Academia Helen Mirren, Cillian Murphy y Luke Evans.
Crítica
Anna-crónico, un thriller con un estilo noventero y temporalmente descolocado
No sé si es correcto decir que Luc Besson tiene muchos fans acérrimos por el mundo. Pero desde luego si podemos admitir que todos tenemos alguna de sus películas en alta estima. Por lo menos debéis admitir que le habéis dado algún que otro multipase a ‘El quinto elemento’, la que podríamos decir que es su obra más popular o universal. El caso es que siempre que estrena un largometraje se levanta cierta expectación y con ‘Anna’ hay algún que otro aspecto que ha llamado la atención.
Besson es muy de dar presencia a los personajes femeninos, de dotarles de carácter y poder. Ya lo demostró muy pronto en películas como ‘Nikita’, con la cual ‘Anna’ presenta muchísimas similitudes pero ejemplos tenemos múltiples en la filmografía del cineasta francés. Desde el descarado papel de Cara Delevingne en ‘Valerian’, pasando por la implacable Scarlett Johansson en la olvidable ‘Lucy’ hasta por el memorable rol de Natalie Portman en ‘Léon’. Con todo esto lo que quiero decir es que para Besson no hace falta recrear el empoderamiento de la mujer porque para él ya está hecho ese recorrido, ya existe alguien del sexo femenino a quien ver como heroína y simplemente debemos comenzar el filme disfrutando de la acción que nos ofrece como hacemos con cualquier otro héroe de acción. A si es que pese a ser repetitiva en los argumentos del director podemos tomarnos ‘Anna’ como un culmen para una sociedad que demanda roles así de contundentes para el mal llamado sexo débil. No obstante la construcción y deconstrucción del personaje en esta película es interesante.
Quién ha recibido en esta ocasión el premio y peso del protagonismo es Sasha Luss. A ella la vimos en ‘Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas’ pero totalmente enmascarada ya que interpretaba a la princesa alienígena Lïhio-Minaa. Ahora, de nuevo bajo las órdenes del mismo director es la encargada de llevarnos por una trama de agentes, romances y un mundo de la moda que la hace cambiar constantemente de look. Lleva bien Luss esas mutaciones ya que lo suyo ha sido siempre la pasarela pero desfila también con solvencia entre patadas y balas. Disfrutad de las escenas en un restaurante o en cierta sede moscovita que aunque cuente con doble de acción la actriz y modelo pone mucho de su parte.
Al final Luc Besson se puede reducir a dos caras: la del cine de acción y la de fantasía o ciencia ficción. Pero ambas contienen lo mismo: un cerebro que piensa en partir las caras de otros. En el caso de ‘Anna’ tenemos una pizca de violencia bien coreografiada y ligeramente cruda, todo eso mezclado con un sexo poco erótico. En este caso se impone la faceta más realista moviéndonos entre la CIA y el KGB. Y ese vaivén es casi dubitativo, entrecortado, intentando buscar la continua sorpresa.
‘Anna’ tiene momentos en los que parece la cosa va a acelerarse y la película va a ser completamente dinámica con temas como el «Pump up the jam» de Technotronic o cuando vemos que aparece la verdadera acción que irrumpe a la hora de metraje. Pero esta es una película de espionaje más cercana al estilo de principios de los noventa que se enreda, a la que le sobran excesivas explicaciones y sobre todo excesivos giros de guión. Y por encima de todo eso rebosa innumerables flashbacks. Como está explicada hasta la saciedad ‘Anna’ no es confusa pero si se puede hacer aburrida de la cantidad de veces que retrocede. El guión de Besson avanza continuamente cinco pasos para retroceder dos. La película empieza en 1985 para después indicarnos que nos trasladamos a cinco años después y por si no nos habíamos enterado nos señalan que estamos en 1990, Sr. Besson, sabemos sumar. Pues así de mascado nos lo dan todo. El filme es tan innecesariamente específico que se alarga.
Me quedo con la sensación de haber visto uno de los títulos menos espectaculares de Besson y de que el director haya empleado aquí ideas que se le hayan quedado en el tintero en su época de ‘Nikita’. El cineasta ha encontrado a otra protagonista cortada por el mismo patrón que sus anteriores joyas en bruto y su descubrimiento es lo más relevante de un título que cuenta con un buen elenco de talentos más bien desaprovechados.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de agosto de 2019. Título original: Anna. Duración: 119 min. País: Fracia. Dirección: Luc Besson. Guion: Luc Besson. Música: Éric Serra. Fotografía: Thierry Arbogast. Reparto principal: Sasha Luss, Helen Mirren, Cillian Murphy, Luke Evans. Producción: EuropaCorp, TF1 Films Production, OCS, Canal+, TCM. Distribución: eOne Films. Género: acción. Web oficial:https://anna.movie/
El presidente de los Estados Unidos, Allan Trumbull (Morgan Freeman) queda en coma tras un intento de asesinato. Su siempre confidente, el agente secreto Mike Banning (Gerard Butler), es injustamente acusado de perpetrarlo. Retenido por los suyos, Banning logra escapar de la custodia policial convirtiéndose en un fugitivo.
Al margen de la ley y de su propia agencia, Banning tendrá que encontrar a los verdaderos culpables, aliándose esta vez con la persona más inesperada… Ahora su objetivo es limpiar su nombre, proteger a su familia y salvar, sin el apoyo del FBI, al país de un peligro inminente.
Crítica
Tanto Banning como la saga acusan los achaques
Gerard Butler y Morgan Freeman alcanzan la trilogía con la saga ‘Objetivo’ y lo hacen retornando a la capital estadounidense. ‘Objetivo: Washington D.C.’ nos devuelve a un Mike Banning (Butler) que se ha quedado sin su presidente (Aaron Eckhart) para entrenar a diario, pero que por el contrario cuenta con un nuevo líder en el que confiar y creer, el que interpreta Morgan Freeman, un rol que ya hizo en otra película como ‘Deep Impact’. La saga de este tipo duro que aguanta lo que le echen solo ante el peligro diciendo chascarrillos y salva el día cual Bruce Willis en ‘Jungla de Cristal’ continúa su curso.
El director vuelve a cambiar. Todo empezó con el talentoso Fuqua, continuó muy bien con el desconocido Najafi copiando el estilo y ahora coge el relevo Ric Roman Waugh. Su caso es similar al de Chad Stahelski, el responsable de ‘John Wick’. Obviamente el resultado es mucho menos notable pero igualmente es un especialista de acción que ha dado el salto a la dirección. Y ha querido poner su sello cambiando la mecánica de esta serie de películas. Ya no nos plantean el escenario como si fuese una presentación táctica con letreros indicando la localización y el nombre o cargo de cada individuo. Tampoco nos hallamos ante un escenario de guerra con catástrofe desde el minuto cero, esto es más bien un thriller de persecución con acción que mezcla por momentos ‘El fugitivo’, con ‘U.S. Marshals’ o ‘Acorralado’.
Primero fueron terroristas coreanos en ‘Objetivo: la Casa Blanca’, después la amenaza vino de Oriente Medio en ‘Objetivo: Londres’ y ahora el enemigo procede de otra parte. También cambia el objetivo. La meta de los atacantes siempre era el presidente de Estados Unidos para derrocar el modelo de vida occidental. De manera indirecta e irremediable era Mike Banning el que acababa en el punto de mira de los villanos pues se convertía en el mayor obstáculo de los terroristas para alcanzar su misión. Ahora los enemigos de Banning van directos a por él, tal y como sucedía igualmente en ‘La jungla de cristal 3’, esto es un asunto personal lo cual refuerza más mi teoría de que estas películas pretenden ser herederas de los títulos de Bruce Willis.
A Butler se le nota que le empiezan a pesar los cincuenta años que hace en noviembre y esto parece que se ha trasladado a la ficción. Banning también se topa en este tercer largometraje con un tres, la tercera edad a la que le gustaría llegar, tanto el personaje como la saga acusan los achaques. Se lleva más allá el dilema del protagonista a cerca de su retirada. Eso hace que nos topemos con un trasfondo más familiar. A esto me refería también con el sabor que le ha querido dar Ric Roman Waugh al filme. Irónicamente, siendo un especialista de acción consumado ha reducido la explosividad y violencia haciéndolo incluso más político. Sorprende que tras dos películas totalmente agresivas se hayan injertado alegatos antibelicistas. Se pierde la rudeza y la vertiginosidad de las otras cintas por lo que el tipo de público al que va dirigido también cambia mucho. Hasta el personaje se ha dejado por el camino algo de la poca comedia que tenía.
Para mí el atractivo de esta saga estaba en su sinceridad violenta y destructiva. En un patriotismo desaforado y un héroe que caricaturizaba perfectamente a un país en la era Trump antes de que esta tuviese lugar. Antes era un «el todo por el todo» y ahora necesita justificarse demasiado. No debería ser así, pierde honestidad sobre todo cuando se palpa una calidad técnica peor, visible principalmente en los cromas empleados en escenas exteriores con los actores de mayor edad, como Morgan Freeman o Nick Nolte. Sin duda el dinero se ha ido en la incorporación de más caras conocidas que en la anterior entrega, un aliciente insuficiente si lo que buscabas era descarga de adrenalina al grito de USA USA.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de agosto de 2019. Título original: Angel Has Fallen. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Ric Roman Waugh. Guion: Creighton Rothenberger, Katrin Benedikt, Robert Mark Kamen. Música: David Buckley. Fotografía: Jules O’Loughlin. Reparto principal: Gerard Butler, Morgan Freeman, Piper Perabo, Jada Pinkett Smith, Lance Reddick, Nick Nolte, Danny Huston, Tim Blake Nelson. Producción: Campbell Grobman Films, Eclectic Pictures, G-Base, Millennium Films. Distribución: Vértice Cine. Género: acción. Web oficial:http://millennium-media.net/mf-films/angel-has-fallen/
Mitsuru Sasaki es un cocinero que puede hacer maravillosas comidas sin siquiera pensarlo. Pero es tan perfeccionista que pierde su reputada restaurante y se ve obligado a cocinar por encargo. Un día, recibe una solicitud especial para cocinar un mítico banquete espectacular del siglo pasado. El problema es que necesita descubrir la receta del famoso chef Yamagata que estuvo en la Manchuria ocupada por China en la década de 1930.
Crítica
Una deliciosa historia de amistad y confianza
Después de ver ‘El cocinero de los últimos deseos’ solo os recomiendo tener un restaurante de comida japonesa cerca, os aseguro que saldréis con mucha hambre.
Esta tierna película del director Yôjirô Takita, ganador del Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa por ‘Despedidas’, nos cuenta la historia del cocinero Mitsuru Sasaki, cuyo trabajo es realizar comidas por encargo para clientes muy especiales. En su último encargo no solo tendrá que cocinar, sino que además se adentrará en una bonita historia en la búsqueda de las recetas del famoso chef Yamagata.
No puedo hacer otra cosa que recomendar la película, aunque tenga momentos de drama, la cinta te deja con una sonrisa en la boca. Vamos conociendo la historia de una familia vista desde la perspectiva de sus propios protagonistas y por supuesto de la cocina, mientras que Mitsuru debe desentrañar el puzle en el que le han metido.
La cinta está muy bien rodada y narrada, sus dos horas de duración pasan rapidísimo mientras vemos distintos platos de deliciosa comida y conocemos a todos los personajes entrañables de la película.
Basado en la novela de Keiichi Tanaka, ‘El cocinero de los últimos deseos’ no solo trata de comida, dentro de todos los temas que podemos ver están la amistad, confianza y sobre todo la familia. Además que vamos también a temas raciales, ya que la película viaja desde el 2002 al año 1933 donde la Segunda Guerra Mundial está latente y las diferencias entre japoneses y chinos están a flor de piel.
En el reparto encontramos a KazanuriNinomiya (‘Gantz’, ‘CartasdesdeIwoJima’), HidetoshiNishijima (‘Elvientoselevanta’), GoAyano (‘Ikari’) y AoiMiyazaki (‘Ikari’). Cada uno con su historia, pero todos tienen algo en común y es su empeño por lograr que el nombre de Yamagata no se olvide.
En cuanto al nivel técnico no hay mucho que señalar, es una cinta muy sencilla sin grandes planos ni detalles, donde la historia es lo que realmente cuenta.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de agosto. Título original: The last recipe: Kirin no shita no kioku. Duración: 126 min. País: Japón. Dirección: Yôjirô Takita Guión: Tamio Hayashi, basado en la novela de Keiichi Tanaka. Fotografía: Yoshinori Oshima. Reparto principal: Kazunari Ninomiya, Hidetoshi Nishijima, Aoi Miyazaki, Gô Ayano, Daigo Nishihata, Yoshi Oida, Togo Igawa. Producción: Pipeline. Distribución: Sherlock Films y A Contracorriente Films. Género: Drama. Web oficial:http://www.sherlockfilms.com/pelicula/543/el-cocinero-de-los-ultimos-deseos/
STU (Kumail Nanjiani) es un tranquilo y educado conductor de UBER. Un buen día recoge a un pasajero (Dave Bautista), un policía duro en busca de un brutal asesino. Desde ese momento se verá envuelto en una desagradable y violenta experiencia y tendrá que intentar por todos los medios no perder la sensatez, la vida y sobre todo su “puntuación 5 estrellas”.
Crítica
Stuber coge pocos baches y su GPS no pierde el rumbo siendo un conductor más violento de lo que esperaba
De vez en cuando Hollywood nos brinda alguna que otra buddy movie que merece la pena. ‘Stuber Express’ combina la rudeza de un Dave Bautista desprovisto del maquillaje de ‘Guardianes de la Galaxia’ con el afeminado estilo de Kumail Nanjiani. En ella un enamorado conductor de Uber (Nanjiani) es secuestrado por un policía (Bautista) que necesita un conductor. Vic es un agente que pese a sus portentosas capacidades físicas está incapacitado por una reciente operación ocular y está tras una pista que esperaba hace más de dos años. Desesperado hace uso de Uber para alcanzar su objetivo.
Tal vez desde ‘Dos buenos tipos’, la película de Shane Black protagonizada por Russell Crowe y Ryan Goslin, no veía una combinación tan peculiar como la de ‘Stuber Express’ y precisamente con Ryan Goslin se hacen bromas en este nuevo estreno de Fox. Estreno que ya está bajo el sello de Disney y que va sabiendo a despedida porque dudamos mucho que el nuevo propietario permita que se sigan haciendo películas como esta. Largometrajes con sangre, abiertamente groseros, con acción desenfadada, marcada y sinceramente triviales…
Aun con todo el despliegue de momentos grotescos ‘Stuber Express’ tiene tiempo de darle la vuelta a la tortilla, de cambiar las tornas. Ya parte del hecho de que la parte musculosa de la pareja está impedida visualmente y eso la hace dependiente de la otra. Pero coge en más de una ocasión tópicos del cine de acción o de comedias clásicas norteamericanas y les permuta intercambiando los roles entre hombres y mujeres o entre el tipo duro o el blandengue, causando así situaciones realmente cómicas y justas a la vez.
Lo que nos plantea la película de Michael Dowse y Tripper Clancy al fin y al cabo ya lo hemos visto en taquillazos como ‘La jungla de cristal 3’. Es decir, un civil se ve obligado a colaborar con el tipo más duro de la comisaría para resolver el caso de su vida, sirviendo así como alivio cómico de la película. O también se puede entender como una cara B y absurda del ‘Collateral’ de Tom Cruise y Jamie Foxx donde alguien acostumbrado a la muerte secuestra a un conductor totalmente ajeno a la violencia. Solo que en el caso de ‘Stuber Express’ todo el filme en si es una comedia que a la vez tiene algunos guiños o referencias al cine de acción.
Es curioso bucear en la filmografía de los protagonistas y ver que la pareja que aparece en la primera secuencia (Dave Bautista y Karen Gillan) han compartido universo cinematográfico, es decir, de Marvel, ambos con pintura corporal como Drax y Nebula respectivamente. O que si decía que se hacen chistes con Ryan Goslin es porque precisamente Bautista también aparecía en ‘Blade Runner 2049’. Y Kumail Nanjiani ya se las había tenido que ver con otro luchador de la WWE como The Rock en ‘Un espía y medio’, aunque fuese en un papel bastante anecdótico. Quién está más acostumbrado a enfrentarse a verdaderos luchadores y nos da siempre buenas coreografías es Iko Uwais, a quién vais a ver aquí esta vez ejerciendo el rol de villano.
Si Disney estaba preocupado por cómo encajar el estreno de la próxima de Taika Waititi entonces no se qué pasa con esta película que revienta cabezas y es sexualmente muy abierta. Para los que disfrutan de la violencia y las situaciones disparatadas se puede decir que ‘Stuber Express’ es una película más cómica de lo que cabría esperar. Tiene la publicidad de Uber que nos evidencia el título, quizá sus tráilers la venden más ágil de lo que es pero hace reír más de lo que pintaban las expectativas.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de agosto de 2019. Título original: Stuber. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Dowse. Guion: Tripper Clancy. Música: Joseph Trapanese. Fotografía: Bobby Shore. Reparto principal: Dave Bautista, Kumail Nanjiani, Iko Uwais, Natalie Morales, Betty Gilpin, Jimmy Tatro, Mira Sorvino, Karen Gillan. Producción: 20th Century Fox. Distribución: 20th Century Fox. Género: comedia, acción. Web oficial:https://www.foxmovies.com/movies/stuber
Cuando un enorme huracán llega a su pueblo en Florida, Haley (Kaya Scodelario) ignora las órdenes de evacuación para encontrar a su padre desaparecido (Barry Pepper). Tras encontrarle gravemente herido en el entresuelo de su casa, los dos quedan atrapados por la inundación que cubre rápidamente el terreno. Prácticamente sin tiempo para escapar de la tormenta que arrecia, Haley y su padre descubren que la subida del nivel del agua es el menor de sus problemas.
Crítica
Aja vuelve a demostrar por qué bucea bien dentro del terror
Nos tenía un poco en ascuas Alexandre Aja a los fans del terror y desde que dirigió ‘Piraña 3D’ en 2010 no había vuelto a brindarnos una película de miedo propiamente dicha. Estrenó la desternillante y retorcida ‘Horns’ con Daniel Radcliffe o el thriller ‘La resurección de Louis Drax’ con Jamie Dornan incluso los excelentes cortos ‘Campfire Creepers’ de realidad virtual con Robert Englund… pero ha tenido que ser el productor Sam Raimi quien rescate al director que tan buenos resultados obtuvo con los remakes de ‘Piranha’ y ‘Las colinas tienen ojos’.
‘Infierno bajo el agua’ no es un remake pero si está basado en lo sucedido tras el paso del huracán Florencia el año pasado. Es una aventura en la que poco a poco el agua va tomando el control del terreno y nos vamos encontrando en un mundo que es más propiedad de los reptiles que de los humanos. Combina acción y terror, tornado más caimanes, siendo un film de serie B enmascarado ya que el talento de su director impide que acabemos viendo algo chusco.
En resumidas cuentas su argumento es sencillo y podría formar parte de sagas como la extensa ‘Mandíbulas’ pero está entremezclado con un drama familiar que nos presenta a una protagonista (Kaya Scodelario) como pocas veces antes vista. Formada para ser siempre dura de pelar, no para ser una triunfadora, si no para no mostrar debilidad y convertirse en una «gran depredadora», en sentido figurado. Esa combinación está bien manejada tanto por su actriz como por su director y nos va guiando por toda la película para no sobrecargarnos ni de lagartos ni de tragedia personal.
‘Crawl’ es el título original del filme y hace referencia a ese gateo sinuoso y ominoso del caimán que amenaza la vida de la protagonista. Pero sobre todo alude a la disciplina deportiva que esta práctica, la natación estilo crol, a si es que da muchas pistas a cerca de los recursos finales a los que va a recurrir, lo cual es algo imaginable en un título de este corte. ‘Infierno bajo el agua’ cumple los clásicos esquemas de estos largometrajes: personajes carnaza, perro por el cual temer, escenas en las que los protagonistas corren riesgos absurdos… Es de esas películas en las que según a quién muerda el cocodrilo puede ser mortal o puede notarse como si se hubieran raspado simplemente las rodillas al caerse de un columpio. Son tópicos que navegan junto a efectos especiales muy logrados y a una planificación del filme muy cabal.
Aja lleva bien el terror, la tensión y los sustos en este título. Ha generado una buena ambientación y va de menos a más. Al final se deja llevar en algún momento puntual, incluso yendo de lo episódico a lo epidémico, dejando ver a ese fan del género de culto que hay en él. Personalmente disfruté más a Aja cuando hizo el gamberro en ‘Horns’ o se puso más cruento en ‘Las colinas tienen ojos’, pero en líneas generales ‘Infierno bajo el agua’ es un título que hay que clamar que nos tendría que haber llegado antes para aliviar las sucesivas olas de sofocantes estrenos que hemos sufrido durante este verano.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de agosto de 2019. Título original: Crawl. Duración: 87 min. País: EE.UU. Dirección: Alexandre Aja. Guion: Michael Rasmussen, Shawn Rasmussen. Música: Max Aruj, Steffen Thum. Fotografía: Maxime Alexandre. Reparto principal: Kaya Scodelario, Barry Pepper, Morfydd Clark, Ross Anderson, Jose Palma, Colin McFarlane, Annamaria Serda. Producción: Paramount Pictures, Raimi Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, terror. Web oficial:https://www.paramount.com/movies/crawl
¡Los malhumorados pájaros que no vuelan y los maquinadores cerdos verdes llevan su rivalidad a un nuevo nivel en ‘Angry Birds 2, La Película’! Cuando una nueva amenaza pone en peligro tanto Isla Pájaro como Isla Cerdito, Red, Chuck, Bomb y Águila Poderosa reclutan a la hermana de Chuck, Silver, y se alían con los cerdos Leonard, su asistente Courtney y el técnico Garry para forjar una inestable tregua y formar un improbable super equipo que salvará sus hogares.
Crítica
Aunque haya aves aquí no se vislumbra una gallina de los huevos de oro
La pandilla de pájaros destructores de Rovio Entertainment ha vuelto al cine con una segunda película que también ha realizado Sony Animation en la que es la película número 19 para el estudio. El productor John Cohen vuelve a lanzar un filme basado en el videojuego de dispositivos móviles que tantas entregas y versiones tiene disponibles. Cohen es muy prolífico en cuanto a cine de animación se refiere, a él le debemos la saga de ‘Gru: mi villano favorito’ y en él están puestas las esperanzas de ver una adaptación decente de ‘Garfield’ en 2020. Para ‘Angry Birds 2, La película’ tenemos, al igual que en ‘Gru: Mi villano favorito’ muchos esbirros y cachibaches, pero los tiros van por otro lado y eso es debido a su director y guionista, los cuales difieren de la divertida primera parte que se estrenó en 2016 (crítica aquí).
‘Angry Birds 2, La película’ está dirigida por Thorop Van Orman quien ha sido casi siempre actor de doblaje en su carrera o guionista en series como ‘Hora de aventuras’ o ‘Las supernenas’. Por otro lado ha sido escrita por Peter Ackerman guionista del primer y tercer largometraje de esa serie de títulos que gusta a todas las familias, ‘Ice Age’. Y lo cierto es que lo que más se ha notado en esta nueva aventura de los pájaros del tirachinas es la influencia de Ackerman. El también productor de ‘The Americans’ parece obsesionado en el hielo y aquí vuelve con una guerra fría enfrentando a aves y porcinos contra una villana atrincherada en una isla congelada armada con utensilios de tecnología superior a la de los protagonistas.
La locura y la hilaridad que Van Orman ha podido aportar en trabajos anteriores no es que no se vea en la película, es que rebaja el nivel cómico con respecto a la primera entrega. El esquema del filme se asemeja mucho al de ‘Ice Age’. Los protagonistas tienen una misión crucial en la que uno de ellos intenta destacar como el héroe de «la manada» y durante esa trama vamos teniendo pequeñas cápsulas separadas, mini aventuras con otros personajes que nos recuerdan a las que nos introducían con el simpático Scrat, la ardilla busca bellotas. Esa fórmula no funciona, ya sea por repetitiva, por lo empalagoso de sus personajes o por la falta de gancho de estos.
El propio rey cerdo o Leonardo, por ejemplo, pierde mucha vis cómica con respecto a la anterior película perdiendo su toque de villano. Eso es a causa del guión que le coloca en una posición de aliado, conservando su personalidad patosa o ridícula pero dotándole de momentos menos graciosos. Esto no solo pasa con él, todos los personajes tienen chistes más flojos. Hay muy pocos instantes realmente divertidos que pueda recordar de la película. Existen algunas secuencias con música contemporánea o con chistes que se han hecho virales para hacernos mover el esqueleto o para intentarnos sacar una leve sonrisilla que seguramente les gusten a los más pequeños, pero el ingenio del filme no da para mucho más que eso.
En España tiene prácticamente el mismo doblaje que en su primera parte. Santiago Segura siendo el gruñón e inseguro Red, José Mota como el adrenalítico Chuck, Álex de la Iglesia aunque líder de los cerdos mantiene un tono simpaticón… El reparto de voces, aunque está a merced del guión, conserva muy bien el espíritu original de sus personajes. Me sorprendía la incorporación de Macarena Gómez para dar vida a la villana. No me pareció mal su labor en ‘Emoji la película’, obviando el resultado de ese filme, pero finalmente he podido corroborar que este papel de antagonista le ha venido mucho más a la medida.
El aprovechamiento que se hacía de la mecánica del juego en el primer largometraje se ha desdibujado. El filme no ha evolucionado por la vía correcta y se ha perdido encanto, pese a que las criaturas y los escenarios siguen estando muy bien recreados. En las apps que nos ofrecen en nuestros tablets y smartphones los Angry Brids se cruzan con otros universos (‘Star Wars’, ‘Transformers’), no simplemente con un mundo helado. Eso responde obviamente a fines comerciales, de merchandising y demás. Pero cuando hay que desarrollar una historia, como es el caso de ‘Angry Birds 2, La película’ quizá esa habría sido una alternativa más solvente, que les habría dado más soluciones, que no habría dejado tanto a la vista que están faltos de ideas. Porque aunque haya aves aquí no se vislumbra una gallina de los huevos de oro.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de agosto de 2019. Título original: The Angry Birds Movie 2. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Thorop Van Orman. Guion: Peter Ackerman. Música: Heitor Pereira. Fotografía: Simon Dunsdon. Reparto principal (doblaje original): Jason Sudeikis, Josh Gad, Leslie Jones, Bill Hader, Rachel Bloom, Awkwafina, Sterling K. Brown, Eugenio Derbez, Danny McBride, Peter Dinklage, Pete Davidson, Zach Woods, Dove Cameron, Lil Rel Howery, Nicki Minaj, Beck Bennett, Brooklynn Prince. Producción: Columbia Pictures, Rovio Animation, Rovio Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: animación, comedia, aventuras. Web oficial:https://sites.sonypictures.com/angrybirds/site/en/
A la adolescente Mia no le apetece mudarse a México con su padre, Grant, y su nueva familia. Con Grant trabajando como investigador en una antigua ciudad maya que está sumergida bajo el agua, Mia se ve obligada a pasar tiempo con su hermanastra Sasha. Aburrida y sin supervisión, Mia, Sasha y sus dos amigas se adentran en la cueva submarina en la que Grant está trabajando.
Oculto durante siglos, el lugar de entierro maya sumergido es hermoso y desconcertante, pero pronto se vuelve mortal cuando las chicas descubren que no están solas. Están rodeadas por enormes tiburones blancos amenazadores. Atrapadas en una cueva que pronto podría ser su tumba, las chicas deben estar en silencio si desean salir con vida.
Crítica
Independiente de la primera, mejorando ligeramente
El «sharkexplotation» parece no tener fin. Ah espera, eso ya lo dije en la crítica de la primera parte de ‘A 47 metros’. Pero sirve igualmente para esta secuela pues de igual manera continúan surgiendo títulos que explotan y exploran de manera terrorífica o cómica la figura de los tiburones. Esto no para: ‘El ataque del tiburón de seis cabezas’, ‘Sharknado 6’… hasta nos espera un ‘Megalodón 2’ y ‘Big shark’ con Tommy Wiseau. Y de igual modo podemos decir que el director que hoy nos ocupa, Johannes Roberts, sigue la misma línea, es decir, que no ha hecho mucho balance pues en rasgos generales sigue pecando y brillando en los mismos aspectos, habiendo logrado un nivel ligeramente superior. Su título continúa siendo igualmente pronosticable pero su vistosidad es de una calidad muy buena, ‘A 47 metros 2’ pertenece a ese grupo de películas de terror que no desbordan con nada innovador pero que tampoco se derrumban por ser cochambrosas.
Johannes Roberts saca una segunda parte en la que ninguno de los protagonistas está relacionado con la primera entrega. Borrón y cuenta nueva, podéis ver esta sin haber conocido siquiera la anterior. Todo transcurre también en un nuevo escenario y ahí radica uno de los puntos fuertes de la película. Ya no nos encontramos zambullidos y encerrados en una jaula, si no que estamos perdidos en unas cuevas. Unas grutas que además formaban parte de un emplazamiento maya. Eso le da al filme un encanto diferente con respecto al anterior y nos sumerge literalmente en esa atmósfera de terror que siempre imbuyen las antiguas y oscuras ruinas.
‘A 47 metros 2’ tiene momentos tensos, con unos tiburones muy bien recreados, sabiendo de nuevo aprovechar la oscuridad y en esta ocasión los espacios cerrados. La claustrofobia demuestra ser de nuevo buen amigo de Roberts que nos hace brincar de la butaca más de una vez a pesar de estar bien agarrados a ella de la tensión. Pero el guión que ha realizado junto a Ernest Riera, con quien ya había elaborado la original, tiene soluciones poco creíbles o por el contrario que se ven venir a la distancia pese a encontrarnos rodeados de una oscuridad abisal. Por ejemplo, aunque todo lo que va sucediendo es plausible no es normal que los tiburones sean omnipresentes. Y por favor, que alguien le diga a los guionistas que respirar CO2 no es bueno.
Las protagonistas de esta película son cuatro adolescentes en busca de emociones fuertes. Desde luego las encuentran y nos lo demuestran reventándonos los tímpanos a base de griteríos. No encuentro nada a destacar en sus interpretaciones a parte de que tiene su valía el gran número de escenas de buceo que han rodado. El hecho de que podamos ponernos nerviosos en la película es más mérito de los cámaras y del director que de las interpretaciones del reparto. Casi es más memorable el trabajo de VFX que buceando he visto que es obra de Outpost, los autores de lo que hemos visto en ‘Jurassic World’ o ‘Life’.
Es curioso pues esta película da para hacer alguna que otra guasa, ya nos pasaba en ‘A 47 metros’ con un tal Santiago Segura. Uno de los actores se llama Khylin Rhambo y casualmente esta es la primera película de Sistine Stallone la cual es una de las hijas de Sylvester Stallone. Pero no es la única que se estrena pues también es el debut de Corinne Foxx, la hija de JamieFoxx. Y aún hay más, este filme está producido por Terence Hill, pero no es el famoso actor que formaba pareja con Bud Spencer si no el productor de ‘Operación huracán’, título que también nos trajo a las carteleras Tripictures y que por desgracia no resultó tan entretenido como este.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de agosto de 2019. Título original: 47 Meters Down: Uncaged. Duración: 99 min. País: Reino Unido. Dirección: Johannes Roberts. Guion: Ernest Riera, Johannes Roberts. Música: Tomandandy. Fotografía: Mark Silk. Reparto principal: John Corbett, Nia Long, Sophie Nélisse, Corinne Foxx, Sistine Stallone, Brianne Tju, Davi Santos, Khylin Rhambo. Producción: Thefyzz. Distribución: Tripictures. Género: terror, acción. Web oficial:https://www.thefyzz.com/project/47-meters-down-uncaged
Eva está a punto de cumplir 33 años y ha convertido en un acto de fe la decisión de quedarse en Madrid en agosto. Los días y las noches se presentan como un tiempo de oportunidades, y mientras se celebran las verbenas de verano, Eva se encuentra con otras personas a las que trata de ayudar, sin saber que, en realidad, no hace otra cosa que ayudarse a sí misma. La virgen de agosto es una película-diario: el viaje íntimo de una mujer en busca de revelaciones; un cuento de verano un poco filosófico y algo místico, alegre y festivo de principio a fin.
Crítica
Una serie de reflexiones interesantes pero cargantes a su vez
Madrid, uno de agosto, calor, una joven, un piso de prestado, tiempo libre. Así comienza ‘La virgen de agosto’, la nueva película de Jonás Trueba que ha escrito junto a Itsaso Arana quien interpreta a la protagonista. Ella es Eva una chica que se queda en Madrid en verano cuidando la casa de un escritor que se va de vacaciones. La razón de esa decisión no importa, lo que de verdad entraña algo de significado es el propio hecho de quedarse en la capital cuando todo el mundo busca huir, las consecuencias que ello trae.
Y desde el primer momento el filme hace una declaración de intenciones cuando el propietario del inmueble habla de un artículo sobre el que está escribiendo. Habla de filosofía y cine, sobre búsqueda de personalidad, sobre comedia escapista, sobre la realidad femenina… En ese instante inicial Trueba y Arana nos retratan en unos segundos todo un filme que dura dos horas. La película la vas desgranando con esas claves que te han dado al principio. Efectivamente ‘La virgen de agosto’ es una búsqueda de identidad en clave de comedia donde se incluye un gran discurso sobre la feminidad.
‘La virgen de agosto’ no tiene música, no hay banda sonora, las canciones ya las ponen las verbenas, las charangas y las discotecas veraniegas. La protagonista deambula por la ciudad viendo y escuchando todo aquello que esta le propone. El filme mapea en parte la capital madrileña durante la época de estío y nos la hace ver con los ojos de un turista. ¿Alguna vez habéis dicho eso de «aunque vivas aquí no vas a este sitio hasta que no viene alguien de visita y le llevas»? Eso es lo que le pasa a ella. Así el personaje principal se va cruzando con diversos individuos/as que le hacen experimentar cosas nuevas que hasta entonces podría haberse perdido por perpetuar el clásico estilo vacacional del ciudadano medio que sale en julio o agosto de viaje.
Itsaso Arana aguanta bien el plano. Casi todos los que han rodado son cerrados o americanos. Secuencias largas, algunas demasiado, que se recrean en rarezas o por el contrario en lo más mundano o auténtico que nos pueda ofrecer el verano. Así mismo lo delibera Arana con uno de los personajes que parece va a tener peso en el filme pero que es tapado por actores como Vito Sanz o Isabelle Soffel que se palpan más auténticos.
El gran problema de ‘La virgen de agosto’ es que hace que todos y cada uno de sus personajes entablen con su protagonista conversaciones trascendentales, todos se dedican al psicoanálisis de la vida, no hay apenas una charla trivial. Y no es que uno no soporte una película sesuda. Es que es creíble que Eva esté pasando por una crisis existencial y es lógico que se plantee cosas, pero lo que resulta más inverosímil es que todo el mundo se ponga en modo filosófico nada más cruzar un par de palabras con ella. Eso hace que la película sea una propuesta muy interesante por las múltiples reflexiones que hace pero también que sea bastante cargante e improbable.
Se puede recomendar la película por como ella misma se reboza en el cinismo o por apreciar a aquellos que son capaces de reinventarse, tanto en su tierra como alejados de su hogar. Cada espectador puede dar morada a alguna de sus cavilaciones, su introspección vale para todo tipo de personas pero su hilo tal vez no esté preparado para ser seguido por todos.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de agosto de 2019. Título original: La virgen de agosto. Duración: 125 min. País: España. Dirección: Jonás Trueba. Guion: Jonás Trueba, Itsaso Arana. Fotografía: Santiago Racaj. Reparto principal: Itsaso Arana, Vito Sanz, Joe Manjón, Isabelle Soffel, Mikele Urroz, Luis Heras. Producción: Los Ilusos Films. Distribución: BTeam Pictures. Género: comedia. Web oficial:http://bteampictures.es/la-virgen-de-agosto/
1968: en Estados Unidos el cambio se respira en el aire… Pero el pequeño pueblo de Mill Valley está muy alejado de los disturbios en las ciudades. Allí, durante generaciones, la sombra de la familia Bellows ha ido creciendo. Fue en su mansión en el límite de la ciudad, donde Sarah, una joven con horribles secretos, transformó su torturada vida en una serie de historias de miedo, escritas en un libro que ha trascendido el tiempo – historias que se tornarán reales cuando un grupo de adolescentes descubran el aterrador libro de Sarah.
Crítica
Es un ‘Destino Final’ del terror
‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ reúne a un buen grupo de narradores de relatos de terror y aventuras. La película está producida y escrita por el experto del fantástico Guillermo del Toro el cual ha reunido varios «cazadores de trolls». Por un lado están los guionistas de la serie de Netflix ‘Trollhunters’, los hermanos Dan y Kevin Hageman. Y por otro el gran director de películas de miedo André Øvredal quien en su autoría cuenta con la más que eficiente ‘Trollhunter’ y la excelente o sorprendente ‘La autopsia de Jane Doe’. Esta mezcla de talento hispano, norteamericano y noruego viene a dar a luz las pequeñas historias que en su día escribió Alvin Schwartz. Una especie de relatos cortos de tres o cuatro páginas como máximo, siempre acompañados de algún bosquejo de Stephen Gammell, donde el autor da incluso instrucciones para que el lector asuste a sus amigos, a modo de lectura de noche a la luz de una hoguera o de incursión en casa encantada.
‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ es una película juvenil en la que a cada vuelta de la esquina encontramos un fotograma que bien podría servir de carátula de un VHS de terror a alquilar en el videoclub de nuestro barrio. Está salpicada de pequeñas historias que se van escribiendo y van acosando a los protagonistas, directamente desde lo más hondo de sus más profundos temores. Su mecánica, su estética y su tono nos dejan un sabor a mezcla entre ‘Destino final’ y ‘Pesadillas’. Es un filme que poco a poco se va acelerando y convirtiendo en una carrera por narrar y no ser narrado, que va desvelando su verdad conforme avanza, resolviéndose de un modo convincente.
El autor original de las mini-historias ha sido re-interpretado en la ficción como un fantasma femenino con sed de sangre, cargado de ira al que no le faltan recursos literarios típicos del género de terror. Así pues vemos criaturas desmembradas, espantapájaros, arañas… Los espectros del filme (alguno de ellos interpretado por el español Javier Botet) me atrevería a decir que tienen una estética con cierta inspiración japonesa, me han recordado a engendros vistos en mangas como ‘Uzumaki’. Pero sobre todo la película respira una dinámica adolescente en la que se mezcla el terror con algo del ya reconocible humor irónico y sarcástico de Øvredal. ‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ asusta, agobia en algunas ocasiones, pero nos incluye en su grupo de amigos, nos integra de tal modo que también nos sentimos cómplices de las risas nerviosas de los protagonistas.
La mano de Del Toro se percibe cuando en el clímax de la película asoman reminiscencias de películas como ‘La cumbre escarlata’ o cuando nos rodean referentes manifiestos del director como ‘Night of the living dead’ o las películas de ‘Bela Lugosi’. También la inclusión de un personaje «espalda mojada» habla claramente sobre los orígenes y preocupaciones del cineasta, sobre uno de los temas que indirectamente ha querido abordar y del que esta misma semana le oíamos hablar cuando recibía su estrella de la fama en Hoollywood.
Esta se podría decir que es la película más comercial de André Øvredal. La inclusión de elementos como el clásico matón de instituto o la ya manida caja de música así lo demuestran. Pero son componentes que quedan en un segundo plano, se imponen en el recuerdo con más fuerza otros detalles, como por ejemplo un tema escogido con más criterio, ese con el que empieza la película: ‘Season of the witch’. Y por supuesto el manejo del casting o cómo interactúa con los distintos espantos que van apareciendo, varios de ellos pertenecientes a la obra original, por cierto.
En el caso de Guillermo del Toro puedo decir que estoy muy alineado con su obra, teniendo muy pocas veces razones para el descontento. Y con André Øvredal hasta ahora podía decir que era infalible para mí, dos películas dos grandes agrados. Con ‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ hace tres de tres, su colaboración con Del Toro aunque no desemboca en la mejor de sus películas si es un filme que os recomiendo que veáis en la más absoluta de las oscuridades, porque es desde ahí es desde donde nos envían una gran muestra de afecto por el género.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de agosto de 2019. Título original: Scary Stories to Tell in the Dark. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: André Øvredal. Guion: Guillermo del Toro, Dan Hageman, Kevin Hageman. Música: Marco Beltrami, Anna Drubich. Fotografía: Roman Osin. Reparto principal: Zoe Margaret Colletti, Michael Garza, Austin Zajur, Natalie Ganzhorn, Gabriel Rush, Austin Abrams, Gil Bellows, Dean Noris, Javier Botet. Producción: 1212 Entertainment, CBS Films, Double Dare You, Entertainment One, Sean Daniel Company. Distribución: eOne Films. Género: terror, adaptación. Web oficial:https://www.scarystoriestotellinthedark.com/
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