Tiempos oscuros en el antiguo imperio chino. Los dragones, antaño amigos y sabios aliados de los hombres, llevan años perseguidos y enjaulados. En una lejana fortaleza, una joven ayuda al último dragón vivo a escapar de su cautiverio y se une a él en una trepidante aventura para recuperar su tesoro más preciado: el último huevo de dragón, robado por un malvado hechicero que desea el poder que en él reside para alcanzar la inmortalidad. Perseguida por los ejércitos del Emperador, esta extraña pareja se embarca en un apasionante viaje a través de China, en el que ambos aprenderán a crecer juntos y a confiar el uno en el otro para derrotar a sus enemigos y garantizar la supervivencia del linaje de los dragones.
Crítica
Una emotiva y preciosista aventura
¿A qué niño o niña no le ha gustado siempre fantasear con los dragones? ‘Cómo entrenar a tu dragón’ puso eso en evidencia. Las temibles criaturas legendarias están en casi todas las civilizaciones a lo largo del mundo. Probablemente la cultura y tradición china es la que más presente les tiene. Precisamente ahora que los que siguen el calendario lunisolar chino están en año del dragón llega ‘Dragonkeeper’. No puede ser una casualidad pues es una coproducción hispano-china de animación que cuenta con la participación de Movistar Plus+ y Atresmedia.
‘Dragonkeeper’ trata sobre Ping una niña que tiene un vínculo especial con los dragones. La aventura que propone este cuento trata de descubrir el origen y función de esa relación, pero también el rescate del último huevo que poseen los mágicos y enormes reptiles. El carácter curioso y respondón de la protagonista hace que además haya un trasunto sobre el cambiar roles y se cuestione el orden establecido.
Salvador Simó, director de ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’ y también experto artista de efectos visuales, es el director de esta potente producción. La primera novela de las seis publicadas por Carole Wilkinson sirve de base y el director ha llenado esta fábula de detalles y diseños preciosos.
‘Dragonkeeper’ arranca como muchas veces lo hacen las películas de Disney, llenando de pena nuestros corazones y con criaturas pasándolo mal. Tras eso está repleta de hechiceros, pequeños animales, soldados, habilidades jedi… Hasta su propia versión de los templarios de Osorio. A esta adaptación animada no le falta sentido de la aventura, quizá ande floja en su comedia y acción, pero no anda falta de ritmo y calidad gráfica.
Para mí el mayor acierto es el contar con Bill Nighy para dar voz al dragón y con su doblador habitual en castellano, Mario Gas. Es una jugada similar a la de ‘Dragonheart’ con Francisco Rabal. Dotan al personaje de una profundidad, dramatismo y emotividad que calan.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Dragonkeeper. Duración: 99 min. País: España, China. Dirección: Salvador Simó Busom, Jianping Li. Guion: Carole Wilkinson, Pablo I. Castrillo, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini, Wang Xianping. Música: Arturo Cardelús. Reparto principal (doblaje en castellano): Lucía Pérez, Mario Gas. Reparto principal (doblaje en inglés): Mayalinee Griffiths, Bill Nighy, Bill Bailey, Anthony Howell. Producción: China Film Animation, Guardián de Dragones A.I.E., Atresmedia Cine, Movistar Plus+.
En un futuro cercano donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un trepidante viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al Presidente de los Estados Unidos.
Crítica
Desarrolla una realidad posible y terrorífica
Alex Garland es un director que siempre impacta, innova y deja una huella indeleble. Se suele mover por la ciencia ficción (‘Devs’, ‘Ex_Machina’, ‘Dredd’) o el terror (‘28 días después’, ‘Men’). Con ‘Civil War’ nos plantea una película que se acota más a los cánones del drama bélico, pero que a muchos les parecerá tan increíble como si fuese ciencia ficción y tan plausible que da terror. Y es que este nuevo largometraje no se puede considerar ucronía ni distopía, porque todo entra dentro de lo altamente posible y diciendo aún más, probable. Esa es una de las facetas por las que Alex Garland puede decir que se mantiene dentro del terror, cuando ‘Civil War’ se torna en una advertencia que da pavor.
Los populismos extremos y la polarización de la opinión pública son unas de las armas y males más potentes en este siglo XXI. Entre otras cosas han convertido a los periodistas en el enemigo, en parte del problema. Y lo que es aún peor, a raíz de esa desconfianza en el llamado cuarto poder la gente sigue a pies juntillas informaciones que ve en páginas o perfiles sociales que habitualmente generan creepypastas o fake news. Así es como han surgido movimientos como QAnon. El periodismo bélico es el centro de atención en ‘Civil War’. Es en resumen es una carrera por ser el primero en dar la noticia, por estar en lo más “jugoso” del conflicto. Personalmente siempre que he visto algo sobre periodismo bélico, ya sea su trabajo o testimonio, me he visto dividido. Como si también hubiese una guerra civil interior estos reporteros han de decidir si captan material o si prestan auxilio a quienes mueren o sufren ante sus lentes. Es un trabajo que deshumaniza por los nervios tan fríos que hay que tener pero que a la vez muestra a los humanos en su naturaleza más salvaje y final. Kirsten Dunst muestra brillantemente esa frivolidad que esconde un torrente de emociones reprimido. Que un ser humano tenga que contenerse así o sea capaz de negar el amparo a otros en pro de su carrera profesional a mí me causa espanto. En mi opinión Alex Garland también quiere reflejar ese todo por el todo que es el buscar la primicia.
Por otro lado ‘Civil War’ atina con su planteamiento. En resumidas cuentas es un drama bélico. Está la cosa tan dividida y candente que al filme no le hace falta explicar las razones por las que se produce la guerra civil. De hecho, tenemos tan interiorizados los conflictos actuales, que muchos espectadores saldrán de la sala sin darse cuenta que el guión no explica un detonante en concreto, aunque arranca con imágenes muy similares a las del asalto al capitolio. Con todo y con eso ‘Civil War’ no tiene carácter político, es neutral, lo cual también favorece la universalidad del filme.
Si no te interesa para nada el conflicto al que se enfrentan los periodistas o cuan cerca están de un conflicto armado algunos países del primer mundo (según los cánones capitalistas) también te puede gustar ‘Civil War’. Evidentemente plantea cuan duro e irracional es enfrentarse a tiros a familiares y amigos convirtiendo a Estados Unidos en una zona de guerra sin orden ni concierto. Es un road trip que recuerda a ‘28 días después’, pero sin zombies. Dos adultos, un hombre de avanzada edad y una mujer muy joven moviéndose por el peligro entre carreteras repletas de coches abandonados y asaltantes. A Garland le da igual mover a sus protagonistas delante de frenéticos muertos vivientes infectados que entre tanques y balas del calibre .50. La acción y tensión de sus escenas son altamente contagiosas.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Civil War. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Alex Garland. Guion: Alex Garland. Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Wagner Moura, Stephen McKinley Henderson, Cailee Spaeny, Nick Offerman. Producción: A24, DNA Films, IPR.VC. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, acción. Web oficial:https://a24films.com/films/civil-war
Él es un espía. Ella es una asesina. Juntos, Loid y Yor ocultan sus dobles vidas mientras fingen ser la familia perfecta. Sin embargo, su hija adoptiva, Anya, que es telépata, conoce los emocionantes secretos de ambos sin que lo sospechen. Bajo la excusa de llevar a su familia a una escapada invernal, los intentos de Loid por avanzar en su misión en curso, Operation Strix, se complican cuando Anya se involucra por error, desencadenando acontecimientos ¡que amenazan la paz mundial!
Crítica
Divertidísima y atiborrada de referencias
Una peculiar «familia» es la protagonista de ‘Spy x Family código: blanco’. Para muchos no necesita presentación pues la afamada creación de Tatsuya Endo ha dado la vuelta al mundo con su manga y su anime consiguiendo legiones de fans. Pero por si acaso os explico rápido. La acción transcurre en dos países que guardan una tensa paz y se espían mutuamente conservando un gran parecido con la Alemania del Muro de Berlín. La familia protagonista está formada por un matrimonio de conveniencia, una niña y un perro. El “marido” es un espía, la “esposa” una asesina, la “hija” una telépata y el perro ve el futuro. Ninguno conoce los que esconden los otros y viven felizmente. Un resumen más o menos como este es el que hace ‘Spy x Family código: blanco’ para ponernos al día. No hay manera de contar esta historia como algo normal pues la serie es peculiar con ella sola, aunque ahora os contaré como con todo y con eso a veces peca de falta de originalidad.
Lo que no cabe duda es que el manga de 2019, el anime y esta película actual son divertidísimos. Esta familia ha pasado por muchas aventuras, generadas sobre todo por los malentendidos y por la doble vida que llevan. Sobre todo es el personaje de la niña el que más gracia hace, en especial en ‘Spy x Family código: blanco’ con la escena el rey de la caca. La criaturilla de pelo rosado no para con sus bufonadas y nos hace reír constantemente gracias a ello y a la manera en cómo se mueve “inocentemente” por un mundo lleno de peligros. Lo hilarante de esta película es como se entrecruzan los intereses de lo que a priori son deberes para la escuela con los objetivos de los agentes secretos.
En esta nueva etapa de ‘Spy x Family’ la integridad y conservación del núcleo familiar corre peligro. Esto sucede también en obras de corte similar como ‘Spy Kids’ o ‘Sr. y Sra. Smith’. Y es que la falta de originalidad de esta serie se percibe siempre y cuando vemos que bebe en exceso de fuentes muy afamadas, aplicando por supuesto su filtro kawaii. Entiendo el fandom que ha generado esta serie pero ver los momentos bobalicones mezclados con sangre, erotismo y algunas muertes me hace pensar que este no es un producto infantil, sino más bien enfocado a adolescentes con mente pueril y sin excesiva cultura cinematográfica. La banda sonora casi se fusila temas de ‘James Bond’ y ‘Misión: imposible’, el protagonista se pone máscaras a lo Tom Cruise, el perro se llama Bond, la niña surge de un experimento llamado 007, la relación es completamente Pitt y Angelina, acceden a su base a lo ‘Superagente 86’, la niña tiene semejanzas con Niu de ‘Elfen Lied’ e incluso se copia la escena más famosa de ‘Misión: imposible’ que originalmente vimos en el ‘Robobo de la jojoya’. Con esto no señalo que el filme sea malo, pero tiene tantas referencias que más que alusiones son dependencias.
Todo lo anterior en su justa medida podrían haber sido influencias, pero se pasa de largo. Lo que sí que es una influencia, muy habitual en los animes, es el ambiente europeo de los escenarios y ropajes. Como decía antes estamos en dos países que recuerdan a los del telón de acero. En ese escenario surgen gags propios y personajes de lo más variopintos, no todo iban a ser reproducciones de clásicos. El director es Takashi Katagiri y el guionista Ichiro Okouchi. Ambos han trabajado en capítulos de la serie, los seguidores de esta no tienen que preocuparse que la historia, la dinámica y la continuidad de la franquicia está asegurada. Esta película puede transcurrir perfectamente entre episodios de la serie ya que no altera el canon ni inserta ningún evento trascendental. Habrá que seguir esperando el ansiado beso.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Gekijōban Spy×Family Code: White. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Takashi Katagiri. Guion: Ichiro Okouchi. Música: Know Name. Fotografía: Akane Fushihara. Reparto principal (doblaje original): Takuya Eguchi, Atsumi Tanezaki, Saori Hayami, Ken’ichirô Matsuda, Hiroyuki Yoshino, Yûko Kaida. Producción: Wit Studio, CloverWorks, TOHO animation. Distribución: Sony Pictures, Crunchyroll. Género: acción, comedia. Web oficial:https://spy-family.net/codewhite/
De la mano de la directora Rose Glass llega una nueva y electrizante historia de amor: Lou, el solitario director de un gimnasio, se enamora de Jackie, una ambiciosa culturista que se dirige a Las Vegas en busca de su sueño. Pero su amor enciende la violencia, arrastrándolos profundamente en la red de la familia criminal de Lou.
Crítica
Katy O’Brian se postula sin querer para Hulka en una película con momentos tan fuertes como ella
Kristen Stewart y Katy O’Brian protagonizan ‘Sangre en los labios’, el segundo largometraje de Rose Glass. Tras ‘Saint Maud’ da el salto a la américa profunda, esa de la NRA, el pelo mullet y los esteroides. Allí se conocen dos mujeres que rápidamente se atraen la una a la otra. Suplen necesidades o carencias que les faltan mutuamente, sin tener en cuenta los pormenores, consecuencias o repercusiones que tiene la relación que acaban de empezar. ‘Sangre en los labios’ ha sido comparada por algunos de sus detalles con ‘San Junipero’ de Black Mirror. Puedo comprar que son dos personalidades a priori incompatibles que hacen match contra too pronóstico y hacen lo que sea por estar juntas, pero yo compararía esta película con ‘Monster’, de Patty Jenkins, pues también tiene su camino hacia la violencia y venganza, el tema de la violencia de género o una relación destructiva.
Indignará a puritanos y a quienes aún con mentalidad caduca no sepan ver que lo que hace aquí la directora Ross Glass es lo que se ha hecho toda la vida en el cine que mezcla suspense, criminales y romances fatales pero poniendo sobre la mesa personajes de géneros más tolerados por los productores de la vieja escuela. Aquí llega A24 para dar otro paso más en pro de la diversidad y la originalidad. Sin que me haya vuelto loco hay que reconocer que hay originalidad en cuanto a la temática LGBT, el ejercicio e intencionalidad no dista mucho de películas como ‘Brokeback mountain’. Sin embargo su guión es más sencillo y sintetizable. La que plantea ‘Sangre en los labios’ es la habitual historia de personaje que sin verlo venir se sumerge en un mundo de conflictos y secretos. Y es normal que no lo vea venir pues ni siquiera los espectadores tienen muchas pistas. Rose Glass plantea una estructura similar a la de ‘Saint Maud’, sin lograr su sacar brillo a su capacidad de inquietar. Nos presenta personajes que parecen martirizados y nos ofrece flashes que nos dan pistas evidentes de qué los ha llevado hasta el presente del filme. Pero sobre todo es cuando nos ofrece momentos fantásticos que exteriorizan la psique de los personajes cuando se parece a su película debut. Para mi es de lo mejor del filme. Lástima que con todo y con eso falte impactar más con su discurso.
Porque de lo que trata al fin y al cabo ‘Sangre en los labios’ es de las relaciones tóxicas, de todo tipo. Entre padres e hijas, con maridos maltratadores, entre parejas que se guardan secretos, entre aquellos que son cómplices silenciosos, entre autoridades y confidentes… Todo gira en torno a secretos y heridas. El título original era mucho más revelador ya que traducido literalmente significa algo así cono “las mentiras de amor hacen sangre” o “el amor sangra”. Toda la película es un alegato de desamor hacia el propio amor al que le falta desbocarse o confiar más en su potencial.
Evidentemente hay también espacio para hablar del rechazo a la comunidad LGBT y la negación de la violencia de género, algo aún más presente en los 80. Probablemente sea por eso que ‘Sangre en los labios’ ensalza la figura de las mujeres de un modo inusual y provocador, consiguiendo momentos de una belleza salvaje. No me refiero a los instantes de violencia y sangre, que he disfrutado puntualmente, sino a cómo Katy O’Brian se luce en pantalla, en el gimnasio y sobre el escenario, pero sobre todo postulándose sin querer a la Hulka que habría necesitado Disney. Aunque esta película sea un paso atrás para la directora por lo menos hay que reconocerle ese descubrimiento.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: Love Lies Bleeding. Duración: 104 min. País: Reino Unido, Estados Unidos. Dirección: Rose Glass. Guion: R. Glass, Weronika Tofilska. Música: Clint Mansell. Fotografía: Ben Fordesman. Reparto principal: Kristen Stewart, Katy O’Brian, Ed Harris, Dave Franco, Jena Malone, Anne Baryshnikov, Orion Carrington. Producción: A24, Film4, Escape Plan Productions, Lobo Films. Distribución: Filmin. Género: drama. Web oficial:https://www.instagram.com/loveliesbleedingmovie/
Kid (Dev Patel) es un delincuente que acaba de salir de prisión y vive en la India, intentando adaptarse a un mundo marcado por la avaricia y carente de valores espirituales. Allí luchará por buscar venganza por la muerte de su madre y defender a las clases más desfavorecidas.
Crítica
Dev Patel se monta su propio John Wick… a medias
Con la curiosidad de que es la primera película que dirige Dev Patel y que él mismo protagoniza saliéndose también de sus habituales roles pues es un filme de acción, llega ‘Monkey Man’. En ella seguimos a un huérfano que se mueve por los bajos fondos ganándose la vida como luchador callejero mientas intenta hacerse un hueco en un famoso local de lujo. Esta es una historia de venganza pero que va acompañada de otras tantas inquietudes para el actor.
Para Patel, según declaraciones suyas, la industria cinematográfica ha creado demasiado cine de acción con violencia porque sí. Haciendo entender que las considera películas sin alma ni trasfondo. Es por eso que este filme no es puramente de tiros, peleas y persecuciones. Ha querido que sea una cinta con personajes trabajados que deje algo de poso. Y efectivamente ‘Monkey Man’ tiene discurso y una intencionalidad que va más allá de las escenas trepidantes y agresivas, pero se le ha ido la mano.
Las raíces del actor británico están muy presentes, a veces literalmente. En ‘Monkey Man’ nos viene a decir que en el país de sus antepasados sigue existiendo una diferencia de clases desproporcionada, alimentada hoy en día por los intereses corporativos y favorecida por las mafias y la corrupción. Esta historia a parte de tener mucha acción trata en el fondo de rescatar los valores espirituales de su cultura a través de una visión que nos hace recelar de líderes y gurús.
Os esperan dos segmentos de acción sin parar. Podríamos decir que tenemos dos películas en una, cada una de ellas dividida en una fase previa de construcción y retrato del personaje culminadas con una escalada de violencia explícita. Cuando la cosa se pone al rojo vivo en ‘Monkey Man’ las sensaciones son muy similares a las de películas como ‘John Wick’ (citado literalmente durante el filme), con detalles al estilo de Park Chan-wook o de la saga Ong-Bak. Sobre todo está presente la trilogía de Keanu Reeves por la presencia de neones, organizaciones criminales con matones que no se acaban, escenarios que van desde los bajos fondos al lujo, coreografías de lucha frenética, un protagonista que parece ser inmortal… Bien es verdad que Patel maquilla la acción con mucho movimiento de cámara, como hacen películas como la saga Bourne, por ejemplo, pero distinguimos unos cuantos movimientos buenos obra del coreógrafo y especialista Brahim Chab.
El problema de la película son los tiempos muertos. En ese afán por huir del cine de acción gratuito y sin alma Dev Patel introduce momentos que se supone que sirven para la progresión del personaje pero que resultan excesivamente alargados y reiterativos, sobre todo teniendo en cuenta que con unos pequeños flashes ya nos habían explicado lo mismo. Esto puede responder a que ‘Monkey Man’ respira cine indio en muchos aspectos. Más allá de lo superficial como puede ser la localización o los protagonistas está la costumbre de ese cine a la hora de introducir numerosos y largos flashbacks que por lo general aportan poco. Por lo menos no hay escena de baile tipo flashmob, aunque hay muchísima música en forma de covers y una secuencia a ritmo de tabla de la India que también se alarga más de lo necesario. Dese luego queda claro que el resultado final de la película se debe a lo mucho que se ha entregado el ahora director con su pueblo y con las escenas de acción, que le han valido más de una lesión.
Produce Monkeypaw, es decir Jordan Peele. Pero no es un producto original del cineasta. La cuestión es que una vez estaba rodado el filme Peele lo vio y se lo compró a Netflix para que no fuese directo a la plataforma teniendo así un merecido recorrido por cines. Por lo tanto ‘Monkey Man’ no tiene nada del sello de Peele ya que no ha estado involucrado en la gestación de la película, solo en su distribución. La historia es realmente de Dev Patel y cuenta con un guionista hollywoodiense como es John Collee (‘Master and commander’, ‘Happy feet’) pero también con uno que tiene los mismos orígenes que Patel como es Paul Angunawela, otra muestra más de que la película se divide en dos partes muy diferenciadas. Por lo demás hay que reconocer que sabe disimular muy bien las escenas grabadas con smartphone o GoPro por falta de presupuesto, que tiene los momentos justos y atinados de humor (que viva Sharlto Copley) y que es un muy digno debut en la dirección.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: Monkey Man. Duración: 113 min. País: EE.UU. Dirección: Dev Patel. Guion: Dev Patel, Paul Angunawela, John Collee. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Sharone Meir. Reparto principal: Dev Patel, Sharlto Copley, Pitobash, Vipin Sharma, Sikandar Kher, Sobhita Dhulipala, Ashwini Kalsekar, Adithi Kalkunte, Makarand Deshpande. Producción: Universal Pictures, BRON Studios, Creative Wealth Media Fiance, Lost Winds Entertainment, Lucky Elephant Media, Minor Realm, Monkeypaw Productions, S’YA Concept, Thunder Road Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: suspense, acción. Web oficial:https://www.instagram.com/monkeymanmovie/
Valentina es una joven pianista que comienza una nueva vida. Su vecino David, es un inventor que detesta el ruido. Y la celestina: el delgadísimo tabique que los separa.
Crítica
Llena de música y color
Ha llegado la primavera y con ella las historias románticas y es que ‘Pared con pared’ es sencillita pero una muy tierna historia de amor. La tranquila vida de David, un inventor que trabaja en casa, se ve envuelta en un ruido espantoso cuando Valentina se muda al piso de al lado. Ella una gran pianista intenta conseguir pasar un examen, el un hombre bastante huraño que no sale de su apartamento, quiere terminar su proyecto. No empiezan con buen pie, pero tiene que limar sus perezas para conseguir sus objetivos.
‘Pared con pared’ me ha gustado mucho, no da nada nuevo, es como digo, muy simple, pero dentro de la simpleza se convierte en una película muy bonita. No necesita contar demasiado para entretenernos y hacernos disfrutar de estos dos personajes tan dispares entre sí.
Dirigida por PatriciaFont (‘El maestro que prometió el mar’) y escrita por MartaSánchez (‘Como Dios manda’), la película junta a un elenco de actores bastante curioso y divertido. PacoTous, MiguelÁngelMuñoz, NataliaRodríguez, JoanSentís, AdamJezierski y EduardoFerrés.
Y por supuesto a los dos protagonistas, Aitana, en su primer papel protagonista, nos muestra que además de tocar el piano y cantar, no se le da mal actuar. No es un papel complicado, pero aun así no hay que quitarla mérito ya que realiza muy buen trabajo. Su compañero FernandoGuallar al que hemos visto en ‘Reina Roja’, tiene un papel muy gruñón y la verdad que lo interpreta de manera muy graciosa. Ambos tienen bastante buena química en pantalla.
‘Pared con pared’ es luz, la película tiene una luminosidad impresionante, incluso en el piso oscuro en el que vive David (FernandoGuallar), sigue teniendo algo mágico que le da una luz especial. Los colores vivce la película muy atractiva visualmente y que logra una armonía muy bonita en pantalla.
Para terminar, comentaros que es un remake de la comedia romántica francesa ‘Tras la pared’. La tendréis a partir del 12 de abril en Netflix y la verdad que es una buena opción para quedarseos resaltan por todos lados, sobre todo en el mundo de Valentina (Aitana). Su casa, su maravilloso vestuario todo es color. Algo que ha tranquilos en casa con unas buenas palomitas sentados en el sofá.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: Pared con pared. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Patricia Font. Guion: Marta Sánchez. Música: Arnau Bataller. Reparto principal: Aitana, Fernando Guallar, Paco Tous, Miguel Ángel Muñoz, Natalia Rodríguez, Joan Sentís, Adam Jezierski, Eduardo Ferrés. Producción: Tripictures, Second Gen Pictures, Blind Date Productions. Distribución: Netflix. Género: Romance. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81478545
A pesar de sus diferentes orígenes sociales, Amina, Djeneba y Zineb son tres adolescentes inseparables y mejores amigas desde que tienen uso de razón. Cuando Zineb sufre acoso por parte del mejor amigo de su hermano, Amina decide publicar un vídeo comprometedor en las redes sociales con la esperanza de que deje de acosarla. Lo que no sabe es que el vídeo no solo pondrá en peligro su seguridad, sino que también pondrá a prueba su amistad.
Crítica
Conflictivo y valioso retrato generacional
Habitualmente las películas francesas que nos llegan protagonizadas por jóvenes de fuera de París o de clase obrera suelen tener una temática marginal. No es el caso de ‘HLM Pussy’ pero eso no quita para que sea una película comprometida y de carácter social. Además hay que añadir que aunque sea una obra juvenil o trate tendencias actuales atribuidas normalmente a los adolescentes, es un filme que nos atañe a todos. Ya sea por responsabilidad social, por educación digital o por progreso en temáticas de igualdad, es una obra que alcanza cualquier cultura, sexo o edad.
‘HLM Pussy’ es el debut en largometrajes de Nora el Hourch. Cuenta en su reparto con la conocidísima Bérénice Bejo (‘The Artist’, ‘Corten’) pero las protagonistas son las jovencísimas Leah Aubert,Salma Takaline y Médina Diarra. La trama va de tres amigas que son uña y carne. Una de ellas publica en internet un vídeo que muestra cómo su amiga tiene que aguantar el constante asedio de un pretendiente. “¿Me la habéis jugado?” pregunta el acosador de la película sin ser consciente de que quien se la ha jugado es todo el entorno que ha permitido que crezca creyendo que se puede vulnerar el espacio personal de otra persona sin su consentimiento.
Lo que a unos les puede parecer una broma, un acto de cariño o una declaración de amor a otros les puede hacer sentir una vergüenza imborrable. Igual pasa con lo publicado en Internet. Nadie puede sentirse en posesión de la vida otra persona, parece decir ‘HLM Pussy’ en varios sentidos. Más allá de percepciones personales o lo blindados que podamos sentirnos ante cualquier vulneración de nuestra intimidad, está la capacidad de las redes sociales de convertir cualquier situación en pesadilla. Es fácil que una publicación en redes se salga de madre o que se interprete sin que los usuarios busquen contexto o contrastar. ‘HLM Pussy’ atina a mostrar esa asignatura que tenemos todos pendiente como usuarios de esos foros a los que accedemos desde los dispositivos que tenemos en el bolsillo y por supuesto a retratar un caso de acoso, de esos que se podrían evitar con una buena educación de base.
HLM Pussy es el nick que usan las amigas para hacerse las malotas. Buscando el significado de HLM encontramos que se usa para referirse a viviendas de renta baja. Junto con la palabra “pussy” podría tener la connotación de como se devalúa a la mujer en redes a través de la cosificación, el piropo baboso y el fantaseo que proporciona el acceso temprano al porno. Sobre la mesa aparecen entre líneas cuestiones como a qué edad se debería acceder a las redes sociales o cómo saber si se tienen las nociones adecuadas para usarlas. Por supuesto que la red de redes es una herramienta potente y útil, pero hoy en día está viciada y también sucede que con nuestros dedos podemos hacer pequeños gestos que alcanzan a tener repercusiones que pueden cambiar una vida entera. En ese aspecto la película recuerda terriblemente a ‘Nación Salvaje’. ‘HLM Pussy’ es un retrato generacional que viene una vez más a mostrar el peligro de las redes o la importancia de la educación y el respeto, tanto en el mundo real como en el digital.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: HLM Pussy. Duración: 101 min. País: Francia. Dirección: Nora el Hourch. Guion: Nora el Hourch, Éléonore Gurrey, Sara Wikler, Raphaëlle Richet, Violaine Bellet, Nathalie Saugeon. Música: Clément Tery. Fotografía: Maxence Lemonnier. Reparto principal: Leah Aubert, Salma Takaline, Médina Diarra, Bérénice Bejo. Producción: Manny Films, La Prod, Moon A Deal Films, Cinéventure 8, Red Sea Film Fund. Distribución: Mirror Audiovisual. Género: drama. Web oficial:https://mirroraudiovisual.es/hlm-pussy
¿Podrá Dethklok elegir entre sus egos y el bien mayor del mundo para embarcarse en una aventura llena de peligros que pondrá a prueba sus propias almas y escribir finalmente la canción que será su salvación?
Crítica
Con su energía implacable, su humor irreverente y su banda sonora es un merecido homenaje a la brillantez caótica de Dethklok
Aunque había visto antes algún que otro título de Adult Swim, ‘Metalocalypse’ fue la serie con la que me hice fan de la factoría de animación. Es por eso que a pesar de ser un entretenimiento muchas veces chanante, retorcido y absurdo le guardo cierto cariño. Descubrir que habría una nueva película ambientada en la carrera de la banda de metal más famosa del mundo de la animación me causó cierta alegría.
‘Metalocalypse: Army of the Doomstar’ llega para postularse como una película crepuscular. Para aquellos que no lo conozcan, Dethklok es la banda protagonista de la serie ‘Metalocalypse’. Son un grupo de death metal que existe en la realidad y que en la ficción a alcanzado cotas de fama tales que tienen su propia fortaleza, ejército e incluso PIB. Y eso a pesar de que sus conciertos son tan brutales que los asistentes han de firmar un descargo de responsabilidad asumiendo que en ellos se pueden perder miembros del cuerpo e incluso morir. Con esta nueva película de HBO Max descubrimos que sucede en sus últimos días. La película reúne dentro de su caos muchos elementos vistos durante la serie y recupera personajes para hacer las veces de cierre. Aunque sus creadore le tienen tanto cariño a Nathan Explosion, Murderface y compañía que han sido incapaces de escribir una conclusión definitiva.
Tommy Blacha y Brendon Small son los responsables de la serie y por supuesto de esta película que conserva su estilo de animación y lo que es más importante, su sentido del humor sin tapujos ni censuras. Llegados a estas alturas lo que han intentado hacer es una especie de crisis de identidad, de búsqueda de un sino, que puede definir el devenir de la banda y como no, del mundo entero. El planteamiento de la película es tan disparatado como el resto de la serie. No faltan las palabrotas, la sangre y los giros de guión locos. Por supuesto hay temas pegadizos para los fans del metal e imágenes de lo más épicas. ‘Metalocalypse: Army of the Doomstar’ es una atronadora explosión de caos metálico que hará las delicias de los fans. Ojalá saliese un videojuego inspirado en esta historia, tipo ‘Brutal Leyend’, eso si que sería brutal.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de abril de 2024. Título original: Metalocalypse: Army of the Doomstar. Duración: 83 min. País: EE.UU. Dirección: Brendon Small. Guion: Brendon Small. Música:Reparto principal (doblaje original): Tommy Blacha, Victor Brandt, Thundercat, King Diamond, Mark Hamill, Kirk Hammett, Jon Hamm, Scott Ian, Malcolm McDowell. Producción: Warner Bros. Discovery, Williams Street, Timouse. Distribución: HBO Max. Género: animación, comedia. Web oficial:https://www.adultswim.com/videos/metalocalypse/metalocalypse-the-doomstar-requiem-a-klok-opera
El guion de Jacob Lentz (‘Jimmy Kimmel Live!’) supone su inusual debut en un largometraje después de haber sido guionista del programa de entrevistas de Jimmy Kimmel, uno de los más vistos de Estados Unidos y todo el continente americano.
Al estar ambientada en una dictadura ficticia de algún país tropical de Latinoamérica, el rodaje de la película tuvo lugar en Colombia. Desde producción pensaron que el país caribeño, de donde es Juan Pablo Raba, quien interpreta al cruel dictador, sería el lugar idóneo para que se desarrolle la acción.
Crítica
Solo el desnudo de los Oscars tuvo más gracia que todo ‘Freelance’
‘Freelance’ tenía todos los ingredientes para ser una película de acción cargada de adrenalina y risas: un prometedor director como Pierre Morel acostumbrado a rodar con su cámara escenas con todo tipo de estrellas del género, el tan de moda John Cena en el papel protagonista y un montón de efectos prácticos. Por si fuese poco arranca con una escena en primera persona evocando películas como ‘La chaqueta metálica’. Sin embargo, lo que debería haber sido un emocionante viaje ha terminado siendo una decepción sin brillo.
La trama es un batiburrillo reciclado de clichés, carente de toda originalidad, gracia o profundidad. John Cena, siguiendo los pasos de otros forzudos del cine como Schwarzenegger, se sumerge en una nueva película de acción que mezcla una vida cotidiana con otra bélica. Lo que podría haber sido un nuevo ‘Fubar’ o un título descacharrante en la línea de ‘La ciudad perdida’, por citar títulos actuales que han funcionado muy bien, acaba siendo una película más del montón, de esas que hacen los actores para ir cambiando paulatinamente su imagen. El personaje de Cena, supuestamente un rudo mercenario independiente, ha resultado unidimensional y poco inspirado, no logra evocar ninguna empatía o interés real por parte del público. Es mucho más memorable su aparición en los Oscars que todo su trabajo aquí, incluso teniendo en cuenta que repite aparición en cueros.
Las secuencias de acción, que suelen ser la gracia salvadora de este tipo de películas, están olvidables por estándar que son. En especial para borrar de la memoria está la persecución a caballo. En ningún momento se saca partido a la presencia física y el atletismo de Cena. Es como si el filme surgiese de un guión descartado para ‘El Pacificador’.
‘Freelance’ es una oportunidad perdida. A pesar de su potencial falla hasta cuando intenta parodiar a las repúblicas bananeras y a los dictadores sudamericanos, a pesar de que el mejor de todo el reparto, el único que parece haber comprendido a su personaje es Juan Pablo Raba. La gracia acaba rebotando y ‘Freelance’ termina siendo una parodia inconsciente de sí misma y del poder norteamericano repleto de luz de gas.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de abril de 2024. Título original: Freelance. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Pierre Morel. Guion: Jacob Lentz. Música: Geoff Zanelli, Elliot Leung. Fotografía: Thierry Arbogast. Reparto principal: John Cena, Alison Brie, Juan Pablo Raba, Christian Slater, Alice Eve. Producción: Yorkshire Film Services II, AGC Studios, Endurance Media, Wideangle Films, Sentient Entertainment. Distribución: Vértice Cine. Género: acción. Web oficial:https://freelance.movie/
Esta dramatización ficticia basada en hechos reales muestra cómo las periodistas de ‘Newsnight’ consiguieron la famosa entrevista con el príncipe Andrés.
Crítica
Interesante historia basada en hechos reales
Llega a Netflix ‘La gran exclusiva’, una cinta basada en una historia real donde vemos la gran importancia del periodismo actual. La película dirigida por Philip Martin y con guion de Geoff Bussetil y Peter Moffat, nos trae la historia que hay detrás de la famosa entrevista de la BBC al príncipe Andrés de Inglaterra, el cual en la actualidad se encuentra fuera de la familia real, por culpa de su vinculación con Jeffrey Epstein.
‘La gran exclusiva’ nos relata como las periodistas de ‘Newsnight’ consiguieron esta famosa entrevista. Y como Sam McAlister, no paró hasta conseguirla.
La película me ha gustado mucho, nos muestra muchas caras del periodismo actual. Los paparazzis, los periodistas que se quedan en el estudio buscando noticias en las redes, los periodistas de campo o los periodistas que son los encargados de entrevistar y que son los que muestran su cara al público. Todos y cada uno de ellos forman una cadena que hace que nos llegue toda la información posible a nuestras casas.
‘La gran exclusiva’ engancha desde el principio. Todos sabemos como termina, pues la entrevista se hizo y la podemos encontrar en el canal de Youtube de la cadena BBC, pero aun así, como se va tejiendo toda la red para conseguir este objetivo, es muy interesante.
El reparto está espectacular, Rufus Sewell encargado de dar vida al Príncipe Andrés, está increíble. He visto la entrevista original y los gestos del actor, ya no solo de la cara, sino las manos y la manera de hablar está muy trabajada. Además, claro está, del gran trabajo de maquillaje al que ha sido sometido.
GillianAnderson hace un papel de una mujer dura y fría, interpreta a Emily Maitlis la encargada de sacar todo lo posible de esta entrevista. Además de ser la cara en ese momento de la cadena, pues al final la que aparece en la pantalla es ella.
BilliePiper nos da a una Sam McAlister con muchas ganas de trabajar y de la suficiente entereza para atreverse a dar temas complicado para su programa.
Vestuario y decoración son perfectos. Es verdad que lo tenían “fácil” en el sentido de que está muy documentado, pero aun así logran clavar completamente los diferentes escenarios y trajes que se ven en aquella entrevista.
Para mi un gran logro de esta película, es que pese a ser una noticia muy reciente, tampoco es que haya sido muy divulgada en los telediarios. Y os aseguro que después de ver ‘La gran exclusiva’ vais a querer saber más del tema. Una historia que pone los pelos de punta y que da verdadero terror por lo que pasaron muchas jóvenes en aquellas casas.
Ficha de la película
Estreno en España: 08 de abril de 2024. Título original: Scoop. Duración: 110 min. País: Reino Unido. Dirección: Philip Martin. Guion: Geoff Bussetil, Peter Moffat. Música: Anne Nikitin, Hannah Peel. Fotografía: Nanu Segal. Reparto principal: Gillian Anderson, Rufus Sewell, Connor Swindells, Billie Piper, Keeley Hawes, Romola Garai, Aoife Hinds, Gavin Spokes, Richard Goulding, Tim Bentinck. Producción: The Lighthouse, Voltage TV. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81600418
«Envejecer es inevitable, madurar es opcional». Esa es la máxima de «El Álber», un rapero que a sus 44 añazos se matricula en la universidad por una apuesta con su padre. Si no aprueba todas deberá dejar «esa tontería del rap» para siempre. En la universidad, el Álber se reencuentra con Amaia, locutora de radio y profesora allí, y descubre que le faltaba algo muy importante en su vida: el amor.
Esta es la historia de un rapero cuarentón considerado un niño por sus padres y un abuelo por sus compañeros de clase. Le mandaron a la universidad para que cambiase, y fue él el que cambió a todos los demás. Es la historia de… MATUSALÉN.
Crítica
Julián López rima en armonía con un variopinto reparto
Me acuerdo del show de Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla titulado “Viejóvenes”, que en cierto modo, venía a largar su sketch animado, ‘Cabeza de Viejo cuerpo de joven’ y otras bromas de sus programas. El argumento de ‘Matusalén’ va por esos derroteros y no cuenta con los dos cómicos pero si con muchos de sus compañeros chanantes. Aunque el guión de esta película no lo han escrito ellos se lo llevan en parte a su terreno jugando con el absurdo y lo patético. Eso es lo que le da más gracia la película, el hecho de que Julián López sea el protagonista y junto a Carlos Areces y Raúl Cimas tenga los mejores momentos, propiciado sobre todo a la buena compenetración entre ellos. No obstante cabe señalar que esta comedia no sigue los derroteros o el estilo de cuando se emitían series como Muchachada Nui. Y eso ayuda a que también tengan oportunidad de hacernos reír actores con más gags en el guión como Resines o Adrián Lastra, que hace un papel que a buenas me ha recordado al de Mario Casas en ‘Mi gran noche’. Y es que la lista de nombres que se han rendido a esta comedia es enorme y variopinta, podéis consultarla en la ficha al pie de esta reseña.
Decía que Joaquín Reyes y sus compañeros de orígenes en la comedia no están a cargo del guion y ello es debido a que el director de ‘Matusalén’ es David Galán Galindo, el cual, sí que se ha encargado siempre de escribir guiones. Hablaba por ejemplo de unos inicios cómicos y este director es el autor de ‘Orígenes secretos’, película con la que no acabé de comulgar, pero también de ‘Gora Automatikoa’, título que por otro lado me encantó. Así es que acudía abierto a todo con esta nueva propuesta. Y no me arrepiento pues me ha divertido. Es una comedia repleta de escenas y personajes con los que va interactuando el fracasado que interpreta Julián López, con todos ellos explorando una faceta de la inmadurez.
Y es que ‘Matusalén’ trata sobre cómo la sociedad nos obliga a “madurar” y a abandonar aquello que realmente nos hace felices. Aunque es una comedia donde hay muchos gags bobalicones parece que nos invita a reflexionar si lo que nos interesa es seguir ese plan contra el que también cargaba ‘Trainspotting’ en su inicio o el hecho de perseguir el sueño que te hacía feliz cuando aún no estabas contaminado por los convencionalismos u obligaciones sociales. La percepción que da la película es como si Galán Galindo se hubiese tragado a Santiago Segura: comedia casi familiar, con toques frikis y repleta de amiguetes. Pero cabe señalar que es un filme algo más adulto que los últimos “bombazos” de quien en su día se descolgó del cartel de Schweppes. Nos lleva a un terreno más juvenil y nos gana a los que empezamos a peinar canas solo por el hecho de ser capaz de introducir el horror cósmico lovecraftiano y por supuesto por dedicar un guiño u homenaje a George Pérez y a Carlos Pacheco. Al director le gusta tanto el mundo del cómic, que no puede evitar hacer algo tan característico del género como los cameos, incluyéndose a sí mismo o uno con forma de Funko del superhéroe creado para su primer largometraje.
Pero sobre todo la película rinde homenaje al rap. Están muy presentes Kase.O, que incluso hace un cameo, o Haze que suena durante todo el filme. El protagonista enumera los principios que ha de tener un rapero a través del personaje de Elpho-K y nos rodea constantemente de las melodías y rimas que aún hoy en día pueblan nuestros barrios, a pesar de que las radios, redes y discotecas inunden a las nuevas generaciones con músicas menores y vagas. Es por todo esto que ‘Matusalén’ está dedicada a Jota Mayúscula.
Te saca de le película que Resines lleva estancado en el papel de ‘Los Serrano’ desde 2003 (aunque hay que decir que el maillot ciclista le da su gracia), el recurso fácil de la guapa de la universidad siendo una capulla insoportable o el tener a Miren Ibarguren sin momentos cómicos. Pero son detalles que pasan desapercibidos ante lo bien que congenia Julián López con todo el reparto. Como también pasa inadvertido el instante en que se habla de cómo la generación de cristal ha asumido su carácter de ofendidita y hasta se aprovecha haciendo uso de la discriminación positiva, me habría gustado que se explorase más eso una vez puesto sobre la mesa. No me ha parecido una comedia fallida ni tan inteligente o mordaz como ‘Gora automatikoa’, pero ojalá se sitúe en los rankings por encima de las comedias con las que compartirá cartelera.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de abril de 2024. Título original: Matusalén. Duración: 119 min. País: España. Dirección: David Galán Galindo. Guion: David Galán Galindo, Fernando Hernández, María José Moreno. Música: Eric Cunningham, Javier Colmen. Fotografía: Jesús Haro. Reparto principal: Julián López, Miren Ibarguren, Raúl Cimas, Antonio Resines, Carlos Areces, Lucía de la Fuente, Jason Fernández, Elena de Lara, Judith Fernández, María Barranco, Manuel Galiana, Adrián Lastra, Maite Sandoval, Alberto San Juan, Roberto Álamo, Miguel Rellán, Emilio Buale, Jorge Sanz, Alberto Casado, Rober Bodegas, Enrique Villén. Producción: Vuelta a la universidad AIE, TVE, Amazon Prime. Distribución: F&P Media. Género: comedia. Web oficial:http://www.flinsypiniculas.com/ficha.php?id=317
Un veterano de las fuerzas especiales, una tensa promotora inmobiliaria, una influencer con medio millón de seguidores y un acabado creador digital son enviados a un curso especial para afrontar su miedo a volar. El reto principal del curso incluye participar en un vuelo que va desde Londres a Islandia pero que terminará siendo una terrible experiencia. Perdidos en aquel remoto país, congelados y aterrorizados, entre todos deben encontrar la manera de enfrentarse a sus miedos y trabajar juntos para desplegar las alas… y volar.
Crítica
Solvente comedia que evita estrellarse gracias a un par de personajes
‘Mayday club’ nos lleva de viaje con un grupo de personas a los que les da miedo volar. Pocas películas han intentado basar su argumento en la aerofobia y en el caso del filme de Hafsteinn Gunnar lo consigue a medias. El inicio de la historia sigue al personaje de Lydia Leonard pero pronto nos sumerge en el grupo de personas que no es que sean raras o peculiares, es que las conocemos en una situación extrema para ellos. Eso es gracioso y el guión lo explota bien en líneas generales, pero por desgracia el tramo central del filme se olvida de que esto va sobre el pánico a despegar y se convierte en la historia de unas personas atrapadas en una situación que no controlan.
‘Mayday club’ tiene sus momentos graciosos y su clímax disparatado. La cuestión es que durante casi toda la película se olvida de sus running gags, como por ejemplo la goma que utiliza Timothy Spall. Quizá si los derroteros del largometraje hubiesen ido por los mismos que otras comedias como ‘Toc toc’ habríamos tenido una historia más hilarante. Este proyecto islandés intenta seguir los pasos de las comedias de enredos francesas o inglesas pero no es capaz de liberarse del todo, de convertirse en un desenfreno. Y eso que tiene más de una escena subida de tono y personajes añadidos que resultan bastante surrealistas.
Algo que no juega en favor de extraernos carcajadas es la falta de color. El ambiente es excesivamente triste y frío. Vamos del Londres gris a la Islandia nublada por las tempestades de nieve. Sigurðsson estuvo más acertado con el esbozo de personajes y la tonalidad de ‘Buenos vecinos’.
‘Mayday club’ es capaz de hacernos pasar un rato agradable. Sobre todo funciona cuando el guión recupera la trama del pánico a montarse en un avión. Y consigue sorprendernos en el sentido de que por tiempo de cámara y por ser quien abre y cierra la película la protagonista es Leonard, todo hacía pensar que el actor con más caché (Spall) acapararía toda la atención y finalmente resulta que el actor menos conocido y a priori el personaje más normal de todos Simon Manyonda, es el que capta mejor dónde está el filón de esta idea. Es algo muy similar a lo que pasó con la primera temporada de ‘The White Lotus’ con el personaje de Murray Bartlett. Si te gustan esas historias donde hay algo de drama y locura entremezclados puede que goces de este club.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de abril de 2024. Título original: Northern Comfort. Duración: 97 min. País: Islandia. Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Guion: Halldór Laxness Halldórsson, Tobias Munthe, Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Música: Daníel Bjarnason. Fotografía: Niels Thastum. Reparto principal: Timothy Spall, Lydia Leonard, Ella Rumpf, Rob Delaney, Emun Elliott, Gina Bramhill, Sverrir Gudnason, Björn Hlynur Haraldsson, Simon Manyonda. Producción: Good Chaos, Netop Films, ONE TWO Films. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/mayday-club/
¡La batalla épica continúa! El Monsterverse cinematográfico de Legendary Pictures retoma el explosivo enfrentamiento de «Godzilla vs. Kong» con una aventura totalmente nueva que enfrenta al todopoderoso Kong y al temible Godzilla contra una colosal amenaza aún por descubrir que se oculta en nuestro mundo, poniendo en peligro su propia existencia… y la nuestra.
Crítica
Grandes peleas y más kaijus, no se puede pedir mas
Soy fan declarada de cualquier película en la que salga Godzilla, lo admito, no me resisto a ese gran monstruo nuclear que destruye ciudades de un coletazo. Y si añadimos a ese gorila gigante sacado de Isla Calavera ¿Qué más le puedes pedir a una película?
Pues si, puedes pedirle más. Más titanes, más destrucción, más simios. Todo lo que tu quieras. Eso es ‘Godzilla y Kong: El nuevo Imperio’ una cinta en la que crean una mitología propia para la Tierra Hueca y en donde nos reencontraremos con titanes que pensábamos perdidos.
Adam Windgard, director de la olvidable ‘Death Note’ y por supuesto de ‘Godzilla Vs Kong’, nos trae esta estupenda aventura en la que vemos grandes titanes por todos lados luchando por que sí, sin más. Son monstruos y es su manera de vivir.
Regresamos a la Tierra Hueca, un mundo en el que King Kong, está aprendiendo a vivir en soledad, algo que no le hace demasiada ilusión. Es un animal familiar y demanda compañía. Pero pronto tendrá con quien no aburrirse y es que encuentra una civilización de simios muy peligrosos que se lo pondrán muy difícil.
Mientras tanto, Godzilla anda por todo el mundo acabando con las distintas amenazas que asolan a la humanidad. Cádiz, Roma, Gibraltar o Egipto, son algunas de las ciudades que este ser termina destruyendo a la vez que salvando. Eso sí, por supuesto, no se dice en este tipo de películas, pero la cantidad de seres humanos que mueren debe ser tremenda, pero aquí no importan. Importan los titanes.
Y es que, muchas veces en esta saga de películas, siempre lo digo, me sobra la trama de humanos, aunque en este caso, han sabido que ambas congenien bien. Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, regresan a este universo de kaijus. Mientras que Dan Stevens comienza su aventura en esta nueva cinta, dándonos un papel maravilloso como veterinario de Kong. Además hacen alguna alusión a Ace Ventura, ese gran detective de mascotas que nos gusta a tantos.
Los efectos visuales son una tremenda pasada. Al final casi toda la película es CGI y está tan bien realizados que es una maravilla. Los nuevos diseños de kaijus están genial. Por no decir los nuevos simios, que dan verdadero pavor. Estos simios que muestran el lado oscuro de la humanidad. Al contrario que Kong, que nos muestra su lado más bondadoso, pese a su gran fuerza bruta.
‘Godzilla y Kong: El nuevo Imperio’ hay que verla en las salas de cine, no os defraudará. Uno de los estrenos de la semana, divertida, llena de aventuras y con unas grandes peleas en las que se destruyen ciudades sin ton ni son.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de marzo de 2024. Título original: Godzilla x Kong: The New Empire. Duración: 114 min. País: EE.Uu. Dirección: Adam Wingard. Guion: Terry Rossio, Simon Barrett, Jeremy Slater. Música: Junkie XL, Antonio Di Iorio. Fotografía: Ben Seresin. Reparto principal: Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Dan Stevens, Kaylee Hottle, Alex Ferns, Fala Chen. Producción: Legendary Entertainment, Screen Queensland, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial:https://godzillaykong.entradaswb.com/
En Cazafantasmas: Imperio Helado, la familia Spengler regresa al lugar donde empezó todo-el icónico parque de bomberos de Nueva York- para formar equipo con los Cazafantasmas originales, que han desarrollado un laboratorio de investigación ultra secreto para llevar la caza de fantasmas al siguiente nivel. Pero cuando el descubrimiento de un antiguo artefacto desata una fuerza maligna, los nuevos y los viejos Cazafantasmas deben unir sus fuerzas para proteger su hogar y salvar al mundo de una segunda Edad de Hielo.
Crítica
El pasado está presente, pero su espíritu no
Jason Reitman dio con la tecla correcta y cogió el testigo de su padre, Ivan Reitman, con ‘Cazafantasmas: más allá’. Fue un filme que introducía sangre nueva pero a la vez supo reconciliarse con los amantes del impecable clásico de los ochenta. Ahora con ‘Cazafantasmas: imperio helado’ pasamos del precioso y bien ejecutado homenaje a Harold Ramis a una fría explotación de la nostalgia. Lo mismo que a muchos les causó rechazo por ‘Stranger Things’, que no se introduzca nada nuevo y el soporte de la historia era un chorreo de guiños y referencias sin ton ni son, es lo que en parte tenemos en esta entrega que a priori es la cuarta del canon original. Muy presentes los elementos del pasado, pero irónicamente siendo una película sobre fantasmas, el espíritu que las hizo famosas está ausente.
No es que este filme que ha dirigido Gil Kenan sea malo. Es una aventura juvenil en la que hay sorpresas, conexiones con los títulos del 84 y el 89 y algo más de presencia para Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson y Annie Potts. Eso suscita por supuesto mucho interés ya que todos tienen un gran cariño a sus personajes y si han aceptado retomarlos es porque están respetados. Pero ninguno de ellos progresa o tiene peso, ni siquiera como en el videojuego que escribieron Dan Aykroyd y Harold Ramis. Quien sí progresa es el personaje de MckennaGrace. Su papel va pasando a la adolescencia y con ello nos llegan numerosas escenas sentimentales que por desgracia se alejan del tono de las películas clásicas.
Nadie duda que la vis cómica de Paul Rudd está en sintonía con Los Cazafantasmas. Su carácter siempre familiar pero algo gamberrete funcionó en la tercera entrega y ahora sigue brindándonos algunos gags en esa línea. Igual sucede con todo el reparto infantil, que con estas películas muy probablemente se conviertan en los ídolos de una generación. La pena es que el filme es incapaz de crear momentos memorables, ya sea cómicos o dentro de la épica patética de la que siempre han hecho uso estos héroes neoyorquinos. Ello es debido sobre todo al poco carisma de los nuevos protagonistas y a la ausencia de escenas de terror. La gran gracia de esta franquicia siempre ha residido en cómo se afrontaban terroríficos encuentros con sorna y extravagancia. ‘Cazafantasmas: imperio helado’ es un título inferior a sus predecesoras, como decía, una película que no es mala pero se queda en ese montón que por poco se salva del fondo de catálogo.
Su escena postcréditos es claro síntoma de cómo el gancho de antaño se ha perdido, intentando tirar de artificios tipo minions. Incluso la banda sonora es tan anodina y estándar como los chistes del guión. A la franquicia le vino bien oxigenarse en el campo, lejos de la gran ciudad pero ahora que ha vuelto a la Gran Manzana y recuperado incluso a William Atherton como funcionario tocanarices, nos aburre con demasiados dramas y un arco argumental tipo Casper.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de marzo de 2024. Título original: Ghostbusters: Frozen Empire. Duración: 125 min. País: EE.UU. Dirección: Gil Kenan. Guion: Gil Kenan, Jason Reitman. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Eric Steelberg. Reparto principal: Paul Rudd, Mckenna Grace, Annie Potts, Carrie Coon, Finn Wolfhard, Bill Murray, Dan Aykroyd, Ernie Hudson, Kumal Nanjiani, Celeste O’Connor. Producción: Columbia Pictures, BRON Studios, Ghostcorps, Right of Way Films, Sony Pictures Releasing. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial:http://www.ghostbusters.com/
En esta epopeya invernal sobrenatural del siglo XIX, un vendedor de aguardiente de manzana borracho debe pasar de cero a héroe y convertirse en el mayor trampero de pieles de Norteamérica derrotando a cientos de castores.
Crítica
Original y llena de gags bastante interesantes
Dirigida por MikeCheslik, llega aFilmin‘Cientos de castores’, una de las cintas que pudimos ver este pasado Festival de Sitges. Fue una de las películas que más me sorprendió y a la vez decepcionó un poco. Y es que, pese a que es muy original, termina haciéndose bastante pesada por lo repetitiva que es.
Pero voy a contaros un poquito acerca de ella. La película nos presenta a un hombre, que tras perder lo mas amado que tenía, una fábrica de sidra, debe hacerse cazador de castores para sobrevivir y poder tener a su amada.
‘Cientos de castores’ es muda, rodada en blanco y negro y puede recordar a cintas de CharlesChaplin o BusterKeaton. A todo esto, le añadimos su claro homenaje a el Coyote y el Correcaminos.
Castores, conejos, lobos y mapaches de peluche, van muriendo terriblemente tras caer en las trampas de este nuevo cazador. Trampas por supuesto, como las de ACME, que fallan más que una escopeta de feria. El cazador se irá haciendo cada vez menos torpe y podrá poco a poco, acercarse a su objetivo. Pero estos animales del bosque no se lo van a poner fácil.
Como he dicho antes, para mi fue una gran sorpresa, iba a ciegas y disfruté un montón su primera hora. ¿Por qué he dicho que me ha decepcionado entonces? Porque al final se repite mucho. Es como lo que digo, al final es como el Coyote y el Correcaminos, siempre es lo mismo, pero son episodios cortos que vas viendo y ya está. Esto es una película de hora y media y resulta un poco pesado.
Pero, aun así, os digo, que merece mucho la pena verla. Porque está muy bien hecha y es una idea bastante divertida. Logran una gran comunión entre los efectos visuales prácticos y a ordenador, la música y la mímica de los actores, que realmente nos hacen pasar muy buenos ratos. Este viernes 22 de marzo la podréis ver en Filmin. Aquí os dejo enlazado un vídeo de la presentación que hicieron en Sitges.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de marzo de 2024. Título original: Hundreds of Beavers. Duración: 108 min. País: Estados Unidos. Dirección: Mike Cheslik. Guion: Mike Cheslik y Ryland Brickson Cole Tews. Música: Chris Ryan. Fotografía: Quinn Hester. Reparto principal: Ryland Brickson Cole Tews, Olivia Graves, Wes Tank, Doug Mancheski, Luis Rico, Daniel Long, Erick West, Jay Brown. Producción: SRH. Distribución: Filmin. Género: Comedia. Web oficial: Hundreds of Beavers | Official Website
La profesora Novak se une al equipo de docentes de un internado internacional para impartir clases sobre “alimentación consciente”. Uno de sus objetivos principales es enseñar que “comer menos es más saludable”, una práctica con la que se va ganando la confianza de sus alumnos hasta que saltan las alarmas entre el profesorado y los padres. Demasiado tarde: el Club Zero se ha hecho realidad y no será sencillo romperlo.
Crítica
Una película incómoda llena de colores pasteles y snobs
‘Club Zero’ la nueva película de Jessica Hausner llega a nuestras salas de cine. Una película que es bastante perturbadora, en donde podemos ver una crítica hacia las dietas extremas y también a las personas que las siguen con los ojos vendados.
Todo comienza en un internado en el que contratan a una joven profesora, Novak, para que imparta clases sobre “alimentación consciente” a unos adolescentes. Sus padres, snobs, quieren lo mejor para sus hijos y que tengan una gran alimentación, ya sea para no engordar por el deporte, para que no caigan enfermos o para simplemente controlar sus impulsos. La profesora tiene como objetivo enseñarles que “comer menos es más saludable”. Desde este momento la cosa se pone bastante difícil.
‘Club Zero’ tiene muchas cosas buenas, entre ellas, como digo al comienzo de esta crítica, es la crítica hacia esas dietas locas y extremas. Desayunos intermitentes, la dieta de los potitos o dietas según el grupo sanguíneo, son algunas de las que podemos escuchar diariamente en nuestros círculos cercanos. Dietas que se necesitan para ser más productivos, más delgados y fuertes, en general, más perfectos. Pero también nos adentra en el peligroso mundo de las sectas, esas en las que te comen el cerebro y te alejan de todas las personas a las que quieres.
Todos estos temas son bastante interesantes, pero aun con esas, ‘Club Zero’ me ha costado bastante y me esperaba algo más visceral y aunque tiene una secuencia algo desagradable no termina de impactar tanto como para que sea una película para recordar. Y podría haber lo sido.
Visualmente está bastante chula, tienen planos muy sencillos y repetitivos, pero necesarios para mostrarnos la vida en este internado, todos los días igual, donde los chavales van a las mismas clases y hacen exactamente lo mismo día a día. Esto también nos los representa con los colore, pese a que el uniforme es amarillo, es muy tenue y esto también hace que veamos a una sociedad muy apagada.
En el reparto encontramos a MiaWasikowska, que la verdad que está muy bien, dando vida a esta profesora obsesionada con el no comer y totalmente convencida de todo lo que cuenta. Junto a ella están, SamuelD Anderson, KseniaDevriendt, LukeBarker, GwenCurrant y FlorenceBaker. Para todos estos jóvenes es su primera película y no defraudan en su actuación.
‘Club Zero’ no es una película para todo el mundo y aunque a mi no me ha terminado de convencer, es una de esas cintas que merece ver al menos una vez por el mensaje que tiene tan actual.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de marzo de 2024. Título original: Club Zero. Duración: 103 min. País: Austria. Dirección: Jessica Hausner. Guion: Jessica Hausner, Géraldine Bajard. Música: Markus Binder. Fotografía: Martin Gschlacht. Reparto principal: Mia Wasikowska, Camilla Rutherford, Sidse Babett Knudsen, Amir El-Masry, Sam Hoare, Florence Baker, Samuel D Anderson, Ksenia Devriendt, Luke Barker. Producción: Coop 99, Coproduction Offlice, Essential Filmproduktion, BBC Film. Distribución: Karma Films. Género: thriller, drama. Web oficial:https://karmafilms.es/catalogo/club-zero/
Toni, un cascarrabias en sus cincuenta, soltero y sin hijos, huye de los niños a toda costa. Su vida da un giro inesperado cuando su hermana fallece y de la noche a la mañana se convierte en tutor temporal de sus cinco hijos adoptados: cada uno de un país y procedencia diferente. Toni tendrá que enfrentarse a las diferencias culturales y a los retos de paternidad en el mundo moderno y descubrirá que la verdadera familia, es la que uno elige.
Crítica
Para mantener a la audiencia en ese bucle de tópicos en el que le encanta regodearse
Un buscavidas de costumbres sencillas y despreocupadas se ve en la tesitura de tener que cuidar a cinco niños. Contra todas sus creencias y planes de vida ha de asumir una responsabilidad que hasta entonces ha eludido. Y para colmo esas pobres criaturas que han dado a parar a la custodia de un tiastro que ni siquiera sabía que existían, tienen ascendencia extranjera, algo que no acaba de comprender muy bien el protagonista interpretado por LeoHarlem. ‘La familia Benetón’ es una comedia de contrastes repleta de chistes de cuñado en cena de Navidad. Es una comedia familiar cuyo público objetivo son aquellas familias que acostumbran a dejarse el dinero en películas como las de Santiago Segura.
Leo Harlem encabeza esta comedia encarnando a un hombre retrógrado que vive bajo sus propios principios, bastante añejos. Todo lo que hace va en contra de las nuevas corrientes educativas e inclusivas. Evidentemente hay una intención caricaturesca, como pudieron tener películas como ‘Papá por sorpresa’ o ‘Un papá genial’, pero también un empacho de chistes interculturales e interraciales. Con la consigna de abrir la mente la idea es romper moldes como se hizo en ‘Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?’. Por desgracia la sutileza brilla por su ausencia. Un árabe queriendo saltar una valla, una china diestra con las tecnologías, un latino que viene de una banda callejera… Es una comedia familiar repleta de chistes que atentan contra cualquier iniciativa de igualdad y diversidad, evidentemente sin mala intención pero con muchos gags que sin contexto serían cancelados en cualquier red social.
Los derroteros son de manual. Parte desde el desencuentro, la confrontación y la falta de entendederas hacia una predecible historia de amistad y transformación mutua. Es la película menos arriesgada de Joaquín Mazón y tal y como está la audiencia quizá se convierta en la más taquillera.
Pocas carcajadas es capaz de sonsacarte esta película si tienes unos pocos años pues está repleta de tópicos y chistes trillados. ‘La familia Benetón’ es tan disfuncional como la ONU. Las únicas escenas que funcionan son aquellas en las que El Langui y Pepe Viyuela ejercen de escuderos o voz de la conciencia. Por lo demás es un crisol de niños como sacados de Disney Channel vestidos uno de cada color como si hubiese que distinguirles cual Tortugas Ninja rodeados de gracietas básicas.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de marzo de 2024. Título original: La familia Benetón. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Joaquín Mazón. Guion: Benjamín Herranz, Curro Velázquez. Música: Maria Vertiz. Fotografía: Chiqui Palma. Reparto principal: Leo Harlem, El Langui, Alí Dia, Diego Montejo, Gala Bichir, Meilin Chen, Kamsiyochi Ngene, Diana Bovio, Damián Alcázar. Producción: ATRESMEDIA Cine, Mamá Se Fue De Viaje La Película AIE, Bowfinguer International Pictures, Esto También Pasará, Glow, BTF Media, Mogambo, AF Films. Distribución: Beta Fiction Spain. Género: comedia. Web oficial:https://www.bowfinger.es/es/coproduccion/la-familia-beneton
Hoy hemos pasado el día metidos en los mk2 Cines Paz. Todo el Sombra Madrid ha celebrado allí su día de clausura un día después del anuncio de su palmarés. Y salvo en ‘Mars Express’, la película de animación que debéis ver en cuanto se distribuya por España, hemos estado acompañados por los artífices de los filmes. Sofía Alaoui ha presentado ‘Animalia’, Richard Stanley nos ha hablado de ‘Hardware’ y el equipo de ‘Os reviento’, con su protagonista Mario Mayo, nos ha hablado de su película en el momento más loco de todo el festival. Gran cierre. A continuación, tenéis entrevista con todos ellos y opinión de las películas.
Esta primera incursión del festival Sombra en Madrid ha sido notable. Con una selección de películas muy buena y una cantidad de invitados potente, los cuales además han estado accesibles en todo momento, que es lo que caracteriza y agradece siempre el público de este tipo de eventos. Por fin la familia del fantástico se ha podido reunir en torno al género que le apasiona. Salvo catástrofe es fácil pronosticar que viviremos otra edición en 2025.
Animación europea al más puro estilo ‘Ghost in the shell’, ‘Appleseed’, ‘Blame’ y similares. Implantes cibernéticos, robots, paneles holográficos y cables hasta en la sopa. Un mundo cyberpunk que ha llegado a Marte, lugar donde una agente de la ley ha de llevar a una prisionera y desentrañar una trama de conspiraciones y muertes. El diseño es distinto que el de la animación japonesa, como vemos en los ojos o en las texturas, pero esta película bien podría estar ambientada en el universo de Motoko Kusanagi o de Korben Dallas.
Es un no parar de descubrir inventos e ideas tecnológicas. Consiste en un neo noir con tintes de Asimov y ‘Cyberpunk 2077’, de hecho bien podría ser una O.V.A. relacionada con el videojuego de CD Projekt. Pero la trama policial, al consistir en la resolución de un asesinato y la persecución de un ser artificial, recuerda más a ‘Blade Runner’. Y todo el entramado de hackers y e inteligencias artificiales nos remonta al anime de Masamune Shirow. La estética es cromáticamente más optimista pero muchas de las cuestiones que planteaban Philip K. Dick y el famoso anime salen a la luz. Jéremie Perin crea su propio mundo futurista en el que la humanidad está sometida a la tecnología y a un destino que hemos visto en anteriores producciones. Pero ‘Mars express’ es capaz de volar por su cuenta y ser constantemente sugerente.
‘Animalia’ es el primer largometraje de la guionista y directora marroquí Sofia Alaoui. Con este filme embarca al público en un enigmático y desconcertante viaje a través de un fenómeno meteorológico nunca identificado que trastoca la vida de la protagonista. Alaoui subvierte las expectativas alejándose de los típicos clímax llenos de acción. Se adentra en un territorio casi ascético, dejando al espectador con preguntas persistentes. Los pormenores de la película sobre la religión, las clases sociales y el papel de la mujer en el Marruecos contemporáneo añaden profundidad a la narración. ‘Animalia’ es una película de contrastes entre los nuevos ricos y los orígenes humildes.
Si ‘Animalia’ engancha es gracias a como juega con la ambigüedad de las preguntas que plantea. Y sobre todo por como Alaoui capta la belleza descarnada del paisaje marroquí. Visualmente es cautivadora, con una fotografía potente, una escenografía cuidada y un tratamiento de la imagen muy conciso. Con todo esto lo que parece que está subrayando la directora es la vulnerabilidad de Itto frente a la furia de la naturaleza. Extrae el carácter fotogénico de la actriz protagonista, Oumaïma Barid, que destaca entre múltiples planos de simetría kubrickiana.
De contenido fantástico ‘Animalia’ va muy justa, pero de valores que desafían las convenciones está muy bien armada. Si nos atenemos a esa faceta podríamos decir que va en la línea de ‘Jupiter’s moon’.
Siendo el día del cómic teníamos que tener alguna cinta que le hiciese honor en Sombra Festival que junto a Aeterna, han traído ‘Hardware’ de Richard Stanley. Está basada en el cómic ‘SHOK!’ de Steve MacManus y Kevin O’Neill.
La primera película del director, nos lleva a un futuro apocalíptico, en el que sobreviven unos pocos pese a la sequía y las guerras que ha habido en toda la Tierra. Viven como chatarreros buscando pequeños tesoros electrónicos para reutilizarlos. Uno de ellos encuentra una extraña cabeza robótica que se convertirá en un gran peligro, ya que es una máquina de matar.
La película se me ha hecho un poco densa la verdad, hay momentos en los que no avanza absolutamente nada. Pero sí que es cierto que tiene imágenes muy potentes. Con una gama de colores bastante oscura, nos muestra una ciudad bastante sucia y demacrada por todo lo que ha sucedido a lo largo de los años.
El diseño del robot es muy chulo y en general toda la producción está cuidada al detalle. La música es bastante onírica y llamativa.
Ya lo decía Will Smith en ‘Cocussion’, que tantos golpes en la cabeza no son buenos. El protagonista de esta película es un exboxeador que se ha ganado a pulso el nombre de “Tarado”. Kike Narcea nos brinda una película llena de acción y comedia en la que esboza a un antihéroe, de esos que están resignados a un destino vinculado a la delincuencia. Una propuesta sencilla que viene edulcorada con nombres clásicos del fantástico español como son Antonio Mayans, Lone Fleming y Javier Botet, el cual marca la pauta cómica desde la primera escena y para el resto del filme.
Es de esa acción cruda que está rodeada de enredos y lances fortuitos. Evidentemente se puede asociar a películas para fans de la acción pura y dura pero quizá también habría que decir que se percibe influencia de Guy Ritchie por esos personajes que filosofean mientras vomitan jerga callejera y sus continuas situaciones confusas. Mario Mayo está estupendo como protagonista, pero ‘Os reviento’ podría estar perfectamente protagonizada por Vinnie Jones.
Si antes decía que los golpes no son buenos para el cerebro, yo pido porque me den más bofetadas como esta. Lo de ‘Os reviento’ se agradece, su sinceridad, su entrega, su sentido del humor, su sencillez, su españolización de un género monopolizado por el mercado anglosajón… una propuesta que debería ser más frecuente.
Itto, una joven marroquí de origen modesto, se ha adaptado a la opulencia de la familia de su marido, con quien vive. Justo cuando esperaba pasar un día tranquilo sin su familia política, unos sucesos sobrenaturales sumergen al país en un estado de emergencia. Fenómenos cada vez más inquietantes sugieren que se acerca una presencia misteriosa. Sola, lucha por encontrar ayuda…
Crítica
Cuidadosa propuesta visual y social con ligeros trazos fantásticos
‘Animalia’ es el primer largometraje de la guionista y directora marroquí Sofia Alaoui. Con este filme embarca al público en un enigmático y desconcertante viaje a través de un fenómeno meteorológico nunca identificado que trastoca la vida de la protagonista. La película representa una disputa contra las convenciones del género, mezclando elementos de las películas de catástrofes con una narración que mezcla la mística y lo social.
La narración de ‘Animalia’ gira en torno a Itto, una joven embarazada sometida a los designios del negocio de su marido y a las exigencias de sus suegros ricachones, anclados en épocas más retrógradas. La siempre oculta catástrofe sobrenatural que incluye a esta película dentro del género fantástico atrapa a esta mujer en la casa de montaña de sus suegros. En solitario se tiene que enfrentar al aislamiento y la incertidumbre.
Alaoui subvierte las expectativas alejándose de los típicos clímax llenos de acción. En su lugar, se adentra en un territorio casi ascético, dejando al espectador con preguntas persistentes. Los pormenores de la película sobre la religión, las clases sociales y el papel de la mujer en el Marruecos contemporáneo añaden profundidad a la narración. ‘Animalia’ es una película de contrastes entre los nuevos ricos y los orígenes humildes. Finalmente, por lo que un servidor interpreta, parece que quiere decirnos que el mundo pertenece a aquellos que sobreviven de manera sencilla y en mayoría, y no somos precisamente los humanos.
Además de la más que evidente vertiente humanista del filme está el sentido del misterio y el suspense de la directora. Quizá con excesiva reserva nos lleva por un rompecabezas en el que la mayor pista es el título del filme y el comportamiento de la fauna con la que se va cruzando la protagonista. Es por ese carácter enigmático que ‘Animalia’ se hace difícil de clasificar. Por momentos parece que la historia va a desembocar en algo más espectacular pero cada vez gana más el pulso la vertiente sensible.
Si ‘Animalia’ engancha es gracias a como juega con la ambigüedad de las preguntas que plantea. Y sobre todo por como Alaoui capta la belleza descarnada del paisaje marroquí. Visualmente es cautivadora, con una fotografía potente, una escenografía cuidada y un tratamiento de la imagen muy conciso. Con todo esto lo que parece que está subrayando la directora es la vulnerabilidad de Itto frente a la furia de la naturaleza. Extrae el carácter fotogénico de la actriz protagonista, Oumaïma Barid, que destaca entre múltiples planos de simetría kubrickiana.
‘Animalia’ invita a la reflexión y procura no maltratar al espectador con explicaciones evidentes. Es digno de mención que mientras el mundo del entretenimiento presenta una superpoblación de contenidos catastrofistas, este filme explora el espíritu humano ante lo desconocido de un modo mucho más introspectivo. De contenido fantástico ‘Animalia’ va muy justa, pero de valores que desafían las convenciones está muy bien armada. Si nos atenemos a esa faceta podríamos decir que va en la línea de ‘Jupiter’s moon’.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de abril de 2024. Título original: Animalia. Duración: 90 min. País: Marruecos. Dirección: Sofia Alaoui. Guion: Sofia Alaoui, Laurie Bost, Raphaëlle Valbrune-Desplechin. Música: Amin Bouhafa, Amin Bouhafa. Fotografía: Noé Bach. Reparto principal: Oumaima Barid, Mehdi Dehbi, Fouad Oughaou, Souad Khouyi, Rajaa Essaaidi. Producción: Wrong Films, Srab Films, Dounia Productions, Jiango Films, Arte France Cinéma. Distribución: Surtsey Films. Género: drama, ciencia ficción. Web oficial:https://wrongfilms.com/parmi-nous/
Durante el fin de semana Sombra Madrid se afinca en el centro de la ciudad manteniendo sus proyecciones en los mk2 Cines Paz y en la Sala Berlanga, además de añadir encuentros en la tienda de cómics Generación X.
Entre las distintas proyecciones del día, Gonzalo López Gallego nos ha presentado su película ‘La sombra del tiburón’. Según él mismo ha dicho ha sido una película muy personal que le ha permitido disfrutar como hacía mucho. Un proyecto cuyo estilo repetirá pero sin dejar de hacer el tipo de largometrajes a los que nos tiene acostumbrados, como ‘The Hollow Point’, película por la cual le entrevistamos en Nocturna 2016.
Posterior y simultáneamente han tenido lugar algunos de los encuentros más esperados del Sombra Madrid. Por un lado arrancó en la Sala Berlanga un homenaje al festival que ha cedido su espacio a Sombra Madrid, Nocturna. El extinto festival Nocturna da nombre al premio de la edición madrileña de Sombra y como no podía ser de otra manera sus artífices han recibido el galardón como reconocimiento. Han recogido este honor Sergio Molina director de la última edición celebrada en 2019 el productor del festival en sus orígenes, José Luis Alemán. Seguidamente se ha proyectado ‘El retorno del hombre lobo’ realizada por el padre de Molina, el mítico e inmortal Paul Naschy. Seguidamente en la misma sala se ha vivido otra retrospectiva con la proyección de ‘No Profanar el Sueño de los Muertos’ de Jorge Grau cuyo hijo, Carlos Grau, también ha estado presente.
Y poco después hemos podido conocer al mítico autor de cómics, Peter Miligan. En una sesión de firmas acogida por la tienda Generación X de Tirso de Molina una gran cantidad de fans han ido a conocer a quien ha dado vida a personajes como Constantine, Batman, X-Men o Spider-Man. Milligan ha valorado la inmediatez del formato cómic a la hora de tratar la actualidad por encima de las novelas o el cine, su etapa firmando el último número de Hellblazer y las adaptaciones de cómics a cine como ‘Black Panther’ o ‘Viuda Negra’ por cambiar los códigos o la manera de contar las historias.
Para nosotros el broche ha sido ver ‘Frontiére[s]’ con la presencia de su director Xavier Gens. El francés, autor de películas como ‘La piel fría’, ‘Hitman’ o ‘The crucifixion’ recibió uno de los premios de esta primera edición madrileña y charló posteriormente con todo el público asistente.
Suecia, años 80. Un hombre roba papeles sensibles de un centro que bien podría ser el Area 51 sueca pero realmente es un instituto meteorológico. Se entiende que esos documentos son los causantes de la muerte de ese amante de la ufología pues ya en el 96 su hija vive en adopción en un ambiente de delincuencia juvenil. Para ella su padre no la abandonó y recientes sucesos desconcertantes empiezan a apoyar su teoría de fue abducido o por lo menos que tenía razón cuando afirmaba que existen los extraterrestres.
Un caso ideal para ser investigado por Mulder y Scully. Solo que aunque estemos en tiempos del Windows 95, la música, la Game Boy, la ropa y todo el regodeo en la cultura pop de los ochenta la hacen parecer el Stranger Things sueco. UFO Sweden es el nombre de la asociación de desacreditados amigos a la que pertenecía el padre de la protagonista. Contra la desinformación de los poderes fácticos secretos han de luchar para conseguir que sus conciudadanos crean que hay algo más de lo que vemos o sabemos.
La sordidez sueca impide que esta sea una aventura más divertida y se amolda sobre todo a posibilidades terrenales, plausibles y falibles. La película tiene altibajos y le cuesta retomar el ritmo. Tiene demasiados giros para lo poco que progresa la trama. Por si fuese poco le falta carácter a este equipo de conspiranoicos, algo más de chispa. El acierto de este filme que habla de la búsqueda de extraterrestres es el enfocarse en aquellos que se mueven fuera de la órbita de lo normal, quienes reciben el nombre de freaks solo por tener una afición o un comportamiento que parece de otro mundo. Eso y su final al más puro estilo Nolan/Zimmer.
Alba Galocha y Denis Gómez protagonizan la nueva película de Gonzalo López-Gallego. Con cada título que veo de este director se me hace más incomprensible el hecho de que no sea más conocido en España. Lo fácil sería decir que la película tiene reminiscencias de ‘Paranormal activity’ o de ‘Sleep’, esta última recién proyectada en este festival, pero sería quedarse en la superficie. Esta película va más allá, explorando caminos íntimos y personales, sin que con ello quiera decir que sea una película aburrida, porque a la mayoría de espectadores les repele ese tipo de términos que les obligan a discurrir sobre lo que acaban de ver. Más aún cuando la temática del filme es actual e incómoda, cuando se trata de algo que socialmente está costando erradicar. Con que el público salga capaz de observar como lo ha hecho el director para llegar hasta lo que nos expone ya se podría considerar un logro.
Sin duda es la película más terapéutica y abstracta de su carrera, en la que se ha encargado más personalmente de los detalles, esto último muy importante. A través de escenas desconcertantes y personajes perturbados que ocultan de un modo u otro qué les ha llevado hasta el punto actual, nos mantiene intrigados. El cansancio y fustigamiento de los protagonistas se consigue transmitir y es por eso que el espectador explota junto con el clímax, todo correcto.
La primera película de Xavier Gens, a quien vimos en el Festival de Sitges cuando presentó la película protagonizada por Aura Garrido ‘La piel fría’. ‘Frontière(s)’ comienza de manera frenética, en un París con grandes conflictos en los suburbios, algo que como ha comentado el director sigue siendo tristemente actual.
No había visto esta cinta y la verdad que está muy bien dirigida, es muy visceral. En ella conocemos a cuatro amigos que aprovechan los grandes disturbios para perpetrar un robo, en su huida de Francia se encuentran en el camino con una familia terriblemente peculiar que no se lo va hacer pasar nada bien.
Entre ‘La matanza de Texas’ y ‘Hostel’, el director nos trae una película con mucha acción, suciedad y sangre. Con verdaderos momentos llenos de tensión, he disfrutado bastante del visionado. Una cinta que no ha caducado y se conserva bastante bien.
Un maestro como Jaume Balagueró ha sido el director que ha abierto esta jornada de Sombra Madrid que de nuevo a amanecido en la Facultad de Ciencias de la Información de la UCM. Los dos primeros cortometrajes del director se han proyectado para que los asistentes, entre ellos muchos estudiantes, descubran cómo fueron los inicios de quien se ha convertido en un referente del terror en nuestro país. Nos ha brindado una charla que ha sobrepasado la hora y media. Y como ‘Los sin nombre’ cumple 25 años ese otro título del director ha sido proyectado de nuevo en pantalla grande en la Sala Berlanga de la SGAE con presencia de nuevo de su autor.
Nuestra previa a la pausa para comer en esta tercera jornada de Sombra Madrid ha sido la mar de agradable e interesante. Hemos podido entrevistar a la directora marroquí Sofia Alaoui. Su película ‘Animalia’ está presente en la programación de los próximos días y podremos hablaros de ella pronto así como mostraros en vídeo de la entrevista. Atentos a esta directora y a su película que se estrena en cines el 5 de abril.
La tarde no ha podido ser más interesante y llena de color y horror cósmico. Tras ver ‘Color out of space’, la cual ha estado presentada por Richard Stanley, hemos acudido un coloquio junto a especialistas en el arte del etalonaje y los VFX como Raúl Monge y Adriana Solé. Hemos tenido la humilde suerte de poder moderar este encuentro y lo mostraremos en vídeo.
Este viernes de Sombra Madrid se cerró con el concierto de Claudio Simonetti, el cual, llenó el teatro Sanpol de Madrid. Previamente el principal invitado del festival tuvo un encuentro con sus fans en la céntrica tienda de cómics Generación X Tirso de Molina. El compositor estuvo presente en Madrid para tocar en directo la música de ‘Profondo Rosso’ la mítica película de Dario Argento. Un concierto durante el cual se ha proyectado la película de manera simultanea, .
‘Días sin luz’ (cortometraje)
Uno de los primeros trabajos publicados de Balagueró. En él ya vemos algunas pistas de lo que sería el cine del director catalán. Un corto con algo de experimental que en su época resultaría rompedor o impactante. Una historia de maternidad ausente con un tartamiento estético muy personal.
JaumeBalagueró se ha acercado a la sala Berlanga para presentarnos ‘Los sin nombre’, una película basada en la novela de RamseyCampbell.
Protagonizada por EmmaVilarasau, KarraElejalde, TristánUlloa o PepTosar entre muchos otros. Nos trae la historia de una madre que cinto años después del asesinato de su hija, recibe una llamada que cambiará su vida completamente.
Un thriller entretenido en el que vemos las primeras pinceladas de lo que será el cine de Balagueró, pues ésta es su primer largometraje del director. Mostrándonos lo bien que se le da el suspense, pero también la acción, que aunque no hay muchos, los que momentos que tiene de acción están muy bien rodados.
Yo no había visto la película y la verdad que he visto ya tanto cine, que al final no me ha terminado sorprendiendo, pero admito que en su época tuvo que ser un golpe duro el final de la misma.
¿Qué da más miedo, una interpretación de Nicolas Cage o una historia de H.P. Lovecraft? Cuando vi esa combinación pensé “historia de Lovecraft, bien. Nicolas Cage, bien (pero en plan cómico)”. Cage es capaz de arruinar muchas historias buenas, pero por suerte este no ha sido el caso. Durante toda la película se mantiene un pulso entre lo inquietante de la trama y la siempre turbadora interpretación del sobrino de Francis Ford Coppola.
Basada con bastante fidelidad en un relato de Lovecraft ‘Color out of space’ nos cuenta el episodio que vive una familia cuando un meteorito cae en su granja. Un perturbador color desconocido (que se ejemplifica con un magenta) les deslumbra y en la zona todo empieza a cambiar de un modo inimaginable. La ecuación de este largometraje se resume con la suma entre ‘Aniquilación’ más ‘La cosa’ más ‘Poltergeist’.
El filme tiene una buena puesta en escena y en ocasiones supone un verdadero tripi visual. La película tiene unos magníficos y oníricos efectos especiales realizados por los españoles de User T38. En su exploración de lo extraño, tanto en el plano mental como en el físico, nos ofrece amorfas aberraciones muy bien maquilladas con sabor del terror de antaño. Eso sí, hay que advertir que en una de las variaciones del relato original sucede algo no apto para animalistas.
La mañana (y parte e la noche) del segundo día de Sombra Madrid hay que calificarla de angustiosa pues hemos visto el corto ‘Angustias’ de Aída Cordero y la más que angustiosa película ‘La mesita del comedor’ de Caye Casas, la cual, ha causado sensación allí por donde ha pasado y no podía faltar en este festival. Las proyecciones han tenido lugar en el mismo salón de la Facultad de Ciencias de la Información de la UCM donde arrancó el festival.
Simultáneamente en FNAC Callao ha tenido lugar la charla titulada Laboratorios de Creación y Desarrollo: Guía de Supervivencia. Elena Muñoz y Óscar Martín, artífices de ‘Amigo’, han trasladado sus experiencias vividas de primera mano sobre el mundo de la producción, financiación y estrenos cinematográficos.
Por la tarde nos hemos repartido entre la Sala Berlanga de la SGAE y los mk2 Cines Paz para ver las propuestas, nuevas y rescatadas del recuerdo, que tenía la programación reservada para nosotros. El final el día ha sido similar al de la mañana, tenso y angustioso por lo bien planteada que está la película coreana ‘Sleep’.
‘Angustias’ (cortometraje)
Comedia negra llena de vampirismo. Humor macabro made in spain con sorna y guiños hacia todo aquello que rodea a los chupasanges. Aída Cordero Domínguez dirige este divertido cortometraje que tiene sabor a fantaterror y a las ‘Historias para no dormir’. ¿Lo mejor? Cómo juega con las sombras y su carácter burlesco.
El director Caye Casas nos ha hecho pasar los mejores peores momentos en una sala de cine de los últimos años con ‘La mesita del comedor’. Este filme más que una película es una experiencia pues su repercusión en el espectador es demoledora, transmite una tremenda angustia. Se rodó en diez días y tiene ya casi una treintena de premios internacionales, eso debería indicarle a los académicos y miembros de la industria que se están dejando pasar una joya de nuestro cine.
Nos lleva a conocer a una pareja en la que él, interpretado por David Pareja, toma una decisión que se tornará en la peor de su vida. Es una obra que nos habla de cómo en un abrir y cerrar de ojos la vida puede convertirse en una pesadilla. Su relato no necesita elementos fantásticos ni toques de terror ya que está revestido de una cotidianidad y pertenece a una crónica de sucesos que nos llama a la puerta con una crudeza tremendamente real. Gran trabajo de guión y grandísimas interpretaciones de Pareja, Estefanía de los Santos y Josep Riera.
Si pensabas que estabas insensibilizado tras años y años de ver películas gore, de vivir todo tipo de giros de guión o de ver violencia en los telediarios yo te digo que te atrevas con esto pues quizá dentro de ti aún seas muy impresionable. Hay que emplear el término arriesgado pero eso no quiere decir que sea una película malsana, que podría confundirse sobre todo por mezclar drama, tragedia y comedia negra.
Para muchos esta es realmente la mejor película de Darío Argento. Yo sigo prefiriendo ‘Suspiria’, ‘Phenomena’, ‘Rojo oscuro’ o incluso ‘Los ojos del diablo’. Aún así esta película se puede meter dentro del mismo saco que todas aquellas que sentaron cátedra y fueron precursoras de géneros como el slasher. Un clásico entre los títulos del giallo que se centra más que nunca en la historia y menos que de costumbre en resaltar los artificios estéticos del género.
Novelesca y detectivesca. La historia de ‘Tenebre’ nos mantiene en suspense como las mejores novelas policiales o las series de investigadores más intrincadas. El guión no es parco en giros y resulta tan sugerente como la música, como no, obra de Simonetti y los Goblin.
Una familia se prepara para recibir a un tío que viene desde Alemania para celebrar la Navidad. Un familiar al que aman, temen y respetan por igual. La situación que viven es asfixiante y el ambiente está enrarecido, más aún cuando experimentamos un anacronismo que nos introduce smartphones en un ambiente ochenteno, más propio de la época de los últimos coletazos de la URSS que de la era postpandemia. Los nervios y la tensión por tener todo perfecto pasan a convertirse en una fiesta teñida de rojo sangre. Bien podría ser esta una metáfora de la tensión que vivían los ciudadanos contra un régimen que se supone que existía para ellos pero les tenía sofocados entre tanta norma. Y es que la relación tóxica y patriarcal es tan extraña que vive esta familia yugoslava tenía que explotar en algún momento. Y lo hace por motivos evidentes pues la rutina navideña de esta familia es peor que el día de la marmota.
Seguir la senda de directores controvertidos como Haneke o Lanthimos ni es fácil ni está exento de riesgo. La dupla formada por DavidKapac y AndrijaMardesic ha orquestado una película incómoda y con una narrativa peculiar, quizá habría que decir que muy dirigida al público de su cultura. Un filme con personajes fríos pero no exento de algo de comedia, de la extraña también hay que decir. Este es un filme en el que se percibe cierta intencionalidad y va más allá de lo meramente recreativo, pero le falta universalidad.
Los directores de ‘Turbo kid’ y ‘Verano del 84’, regresan con esta divertida película de zombies. En un mundo en el que humanos y no muertos conviven, unos estafadores tendrán que luchar para salvar a su abuela de una gran corporación que intenta mancillar el nombre de los zombies.
Con una idea muy buena, seguimos a nuestros tres protagonistas en esta aventura en la que los zombies son un colectivo pacífico y vulnerable. Algunos humanos luchan por su integración social. La Madre Teresa, prostitutas, cocineros, todos ellos zombies que intentan vivir su vida lo más normal posible.
El maquillaje es de lo mejor que he visto en mucho tiempo y algunos zombies tuneados parecen sacados de nuestras peores pesadillas, aun siendo buena gente.
‘We are zombies’ sorprende en un género muy explotado y eso es algo bueno en un mundo con pocas ideas originales. Ojalá que estos chicos sigan haciendo películas y no se les terminen sus maravillosas ideas. Y que estrenen pronto la película para que la podáis ver, pues la lleva A Contracorriente.
Un joven matrimonio a punto de ser padres, comienza a ver dañada su estabilidad por culpa de los hábitos de sueño del marido. Poco a poco vamos viendo como el pobre hombre comienza a tener un comportamiento bastante peligroso para toda la familia.
Decir que me ha gustado, es poco. Me ha mantenido en tensión desde el primer momento y logra que ese nerviosismo no se te vaya durante los 95 minutos de duración de la cinta.
‘Sleep’ nos muestra los peligros de no dormir y de las obsesione y pesadillas que se pueden crear a partir del poco descanso.
La película está muy bien rodada, utilizando una pequeña casa como una protagonista más, creando una localización bastante claustrofóbica y tenebrosa en un lugar que debería ser el sitio más seguro del mundo para una familia.
La semana pasada el Festival Sombra arrancó en Murcia y ayer ha empezado su andadura en Madrid. Durante toda la semana los amantes del fantástico transitarán los trayectos que separan la Facultad de Ciencias de la Información Universidad Complutense de Madrid, la Sala Berlanga de la SGAE y el mk2 Cines Paz ávidos de vivir experiencias terroríficas y fantasiosas. Sombra Madrid llega para recuperar el fantástico en la capital española y volver a reunir a aquellos que aman el género con los artistas que generan las mejores historias.
Sombra Murcia ha alcanzado su edición 13 y precisamente el 13 de marzo de 2024 da sus primeros pasos por Madrid. Para comenzar esta nueva aventura del evento que coge el testigo del Festival Nocturna nos han citado en la UCM. Durante la mañana se celebró allí competición de cortometrajes teniendo lugar dos sesiones de hora y media repletas de historias. Han sido tres horas de acceso gratuito durante las cuales vimos trabajos de lo más interesantes. Los encargados de decidir quiénes serán los ganadores son el productor José Luis Alemán y la actriz Almar G. Sato.
La noche terminó con una proyección en los céntricos cines Paz. ‘Club Zero’, protagonizada por Mia Wasikowska fue el primer largometraje proyectado en esta nueva edición madrileña. Una película sobre los peligros de la autofagia que irónicamente sació o sirvió de entrante para los fans del cine fantástico.
Durante la semana iremos viendo títulos tanto dentro como fuera de sección oficial, tanto nuevos como reposiciones. El jurado para la sección oficial de largometrajes para este año está compuesto por el director Koldo Serra, el también director Ioan Big y el actor y músico Adán Latonda.
‘Sección oficial de cortometajes’
‘Intercanvi’: si eres seguidor del cine de Paco Plaza no te cogerá desprevenido. No obstante tiene sus virtudes, alojadas sobre todo en lo bien que se mueve la cámara o la puesta en escena.
‘Nap’: una especie de ‘Juego del Calamar’ patrocinado por Pikolin. Una de esas propuestas que aunque sean sencillas o escuetas son capaces de alojar alegatos.
‘Dolores’: otro corto que pone en relevancia otro de nuestro males sociales sistémicamente ocultos. Con un guiño a ‘Juego de Tronos’ que sabe a justicia vengativa.
‘Silencio’: capaz de transportarnos a otra época con solo un bosque, el vestuario y simbolismo religioso. Por desgracia es demasiado críptico.
‘Alicia’: escueto pero eficiente. Jugando con la infancia, los miedos y la imaginación.
‘Mortelli, un cas perdut’: talentoso corto de animación en el que todo parece estar hecho de recortes de papel. Cine negro detectivesco con ciencia ficción, humor negro y muy buen texto. Muy pulp.
‘Apotemnofilia’: el título lo dice todo. Una historia de psiquiatra con mucho gore. Duele ver las escenas de lo bien que están hechos los prostéticos.
‘La última caja’: una sencilla caja de cartón sirve de excusa para desarrollar una disertación sobre la influencia y presión del mundo digital en un mundo en el que el los monstruos se esconden cada vez con más facilidad.
‘Book worm (ratón de biblioteca)’: basado en un manga de Amagappa Shoujogun y superando todo lo que ha hecho Netflix con su serie sobre la obra de Junji Ito. Una fantasmagórica historia con un crudo mensaje y un aún más descarnado final.
‘Bebé’: pequeña idea que bebe mucho el slasher americano tan recuperado ahora por ‘Terrifier’. Con poca moraleja pero con mucho sentido de lo macabro.
‘Mi zona’: caras conocidas en un cortometraje que trata acerca de confiar en desconocidos. Perderse en medio de la nada puede ser aterrador, pero también el hecho de no saber con quién estás hablando o de pensar que vivimos en un mundo en el que, de antemano, desconfiamos del buen samaritano.
‘El padrastro’: animación tipo Adult Swim con todo lo que ello conlleva: trazo irregular, escenas asquerositas, palabrotas… Como si al Patrick Bateman de Christian Bale se le hubiese ido la olla contra sí mismo.
‘Leviticus 20:13’: literalmente una hostia contra ese sector para el que muchos marcan la casilla en su declaración de la renta. Aunque el audio hace incomprensibles algunas frases el mensaje es alto y claro.
‘Turno de noche: El lugar equivocado’: Juanjo Avi, también productor de ‘El padrastro’, amplía el mundo de su corto de 2018. La matanza de Texas en plan Street Fighter. Con un cierre que promete tercera entrega. ¿Crowdfunding para cuando?
‘Evil Dinner’: gran homenaje al cine de monstruitos de los años ochenta. Sobredosis de esa época que rememora a películas como ‘Gremlins’ o ‘Los Critters’.
La profesora Novak entra a trabajar en un internado internacional para impartir clases sobre “alimentación consciente”. Para ella comer menos es más saludable, algo que va calando poco a poco en sus alumnos. Con todo esto, van saltando las alarmas entre los profesores y padres.
Mindfulness, medioambiente y fanatismo healthy son los temas principales que se tratan en esta cinta dirigida por JessicaHausner y protagonizada por una estupenda MiaWasikowska.
Una película bastante oscura en su trasfondo, pero muy luminosa en su forma. Con colores apastelados y a la vez muy llamativos, ‘Club Zero’ se adentra también en las sectas y en cómo se va lavando el cerebro a gente sin que estos se den cuenta.
Admito que no me ha entusiasmado demasiado, la idea está bien, pero le da demasiadas vueltas a todo y al final termina siendo bastante repetitiva. Pero es cierto, que está muy bien rodada y el reparto en general está fantástico.
Pero como siempre digo, hay que darles una oportunidad a todas las películas, ya que esto, al fin y al cabo, es mi opinión, así que el 22 de marzo, tendréis esa oportunidad en los cines.
Remedios Buendía defiende su patria y luchará por ello por encima de todos. Este fatídico día del otoño del 45, un grupo de maquis a la fuga ha tenido la mala idea de tomar la estafeta donde Remedios, ilusionada, se prueba su vestido de novia. Hoy será el día en el que Remedios demostrará hasta donde puede llegar defendiendo sus valores. Y nadie podrá pararla. Ni siquiera este batallón de rebeldes con fusiles humeantes y puños en alto.
Crítica
Se agradece la ausencia de dogmatismo y su carácter paródico
Podría haber encabezado este texto con una frase de adulación o reconocimiento hacia Carmen Machi. Pero creo que sería caer en lo evidente. Además he hablado tantas veces bien de su versatilidad como actriz que ya me estoy repitiendo. Aquí tiene un papel con muy mala baba pero que hace que la queramos. Lo mismo puedo decir de Antonio de la Torre y su compañero de reparto Isak Ferriz. Ellos tres mantienen un gran nivel en esta comedia negra que demuestra que por fin estamos madurando y conviviendo con las heridas que algunos no dejan que terminen de sanar.
‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’ es un remake de la película francesa ‘On est toujours trop bon avec les femmes’ (1971), que a su vez es una adaptación de la novela de Raymond Queneau. Es una historia sobre los fanatismos, las condescendencias y los recelos que tiene su propio caballo de Troya. Los republicanos que lucharon infructuosamente contra el fascismo, aunque fracasados, se han llevado siempre el reconocimiento y gloria por mantener una causa que el tiempo y la civilización han reconocido como justa. A pesar de ello, no eran santos. En todas casas cuecen habas y quien esté libre de pecado que tire la primera piedra. ‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’ utiliza a un grupo de maquis para dar vida a esas dos expresiones. Subvierte los tópicos del cine circunciso a la Guerra Civil. En torno al cine español siempre ronda el comentario aquel que dice con bastante hartazgo… “otra película sobre la Guerra Civil”. Pero al igual que con ‘Malnazidos’ o como dijimos en su día con ‘El laberinto del fauno’ podemos decir que la película de Clara Bilbao es un título muy diferente al resto.
Clara Bilbao dirige su primer largometraje. Quien se ha dedicado hasta ahora al diseño de vestuario en títulos como ‘Zorro’ o ‘Maixabel’, ha trabajado en otros títulos ambientados en el pasado y en los que había que hacer un trabajo de documentación importante para que el espectador se traslade a otra época. Con ‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’ cumple de nuevo gracias a la labor de Maite Tarilonte, con quien ya trabajó en ‘Tiempo después’. Sus quehaceres como directora no impiden que gocemos de una buena traslación, especialmente cuando tenemos a una protagonista ataviada de novia. El papel de Julián Villagrán se percibe como un tierno guiño hacia su profesión.
En las interpretaciones paródicas y en los diálogos divagantes, sobre todo en los de Óscar Ladoire, es donde reside la principal gracia de ‘Tratamos demasiado bien a las mujeres’. Es un discurso sobre la mezquindad, el odio, la manipulación y la violencia que no nos descubre nada nuevo, pero que emplea al menos una perspectiva diferente.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de marzo de 2024. Título original: Tratamos demasiado bien a las mujeres. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Clara Bilbao. Guion: Miguel Barros. Música: Nacho Masttreta, Marina Sorín. Fotografía: Imanol Nabea. Reparto principal: Carmen Machi, Antonio de la Torre, Luis Tosar, Isak Férriz, Oscar Ladoire, Julián Villagran, Diego Anido, Cris Iglesias, Camilo Rodríguez, Oleg Kricunova, Ayax Pedrosa, Gonzalo De Castro, Iván Marcos, Nicolas Grandhomme, Felipe Pirazán, Juan Luis Cano. Producción: Ficcion Producciones, Noodles Production, Xunta de Galicia, TVG, RTVE, Prime Video. Distribución: Filmax. Género: comedia negra. Web oficial:https://www.filmax.com/distribucion/tratamos-demasiado-bien-a-las-mujeres.281
Cuando Jessica vuelve con su familia a la casa de su infancia, Alice, su hijastra más pequeña, comienza a desarrollar un extraño apego hacia Chauncey, un oso de peluche que encuentra en el sótano.
En un primer momento, Alice y Chauncey se entretienen con juegos aparentemente divertidos que, poco a poco se volverán más siniestros y peligrosos. A medida que el comportamiento de Alice se torna más inquietante, Jessica decide intervenir, pero cuando lo hace se da cuenta de que Chauncey es mucho más que un inofensivo oso de peluche.
Crítica
Con sus aciertos y sus errores me ha parecido una película muy palomitera
Jessica decide volver a la casa de su infancia, un lugar en el que fue feliz y que quiere compartir con su nueva familia. Alice, su hijastra más pequeña, comienza a hablar con Chauncey, un oso de peluche que había en la casa. A partir de este momento, las cosas pasan de ser tiernas a tenebrosas.
Antes de nada, deciros que, pese a sus fallas, ‘Imaginary’ ha conseguido entretenerme. Es una película con una buena premisa y tiene un giro bastante curioso. Pero, es cierto que no es lo que me esperaba. Con el argumento y el final que tiene podría ser una cinta muy buena de terror, y no lo consigue. Es más, hemos tenido momentos de risas que por supuesto, no eran escenas de comedia. Si no que el reparto de la película no ayuda demasiado ha hacer la película seria.
Es una pena, me ha recordado a ‘Los mundos de Coraline’, bastante, pero lo dicho, bastante más floja que esta.
Si que tiene cosas buenas, como su imaginativa, el CGI, es bastante curioso y hay un momento en el que nos adentramos en un mundo de “diversión” lleno de todo tipo de locuras que puede pensar un niño y está muy bien ambientado. Mola, porque pasas de lugares llenos de luz y felicidad a grandes pesadillas. Esta es por una de las cosas que no suspendo la película. Eso, y que creo que al igual que me pasó con ‘Smile’ que tampoco era algo novedoso, viéndola en el cine la disfruté un montón. Y creo que ‘Imaginary’ es de estas películas que creo que van a ganar con una sala llena de gente pegando saltos con los sustos fáciles que nos ofrecen, pero muy efectivos.
DeWanda Wise, Taegen Burns y Pyper Braun, son las tres protagonistas principales. Lo dicho, tampoco es que sean lo mejor del mundo. Mencionar a la joven Pyper, que bueno, su extraña amistad con Chauncey da bastante mal rollo y es la que mejor está.
Tiene un pequeño homenaje a ‘Pesadilla en Elm Street’, y es que la casa se encuentra en Elm St en Springwood. Al final tiene mucho que ver con el mundo imaginario.
Así que, sin más, os animo a verla, al final yo la apruebo, pero creo que hay que vivirla en el cine y adentrarte en ese mundo imaginario que nos ofrece Jeff Wadlow. Este próximo 12 de marzo la tendréis en las salas.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de marzo de 2024. Título original: Imaginary. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jeff Wadlow. Guion: Greg Erb, Bryce McGuire, Jason Oremland, Jeff Wadlow. Música: Bear McCreary. Fotografía: James McMillan. Reparto principal: DeWanda Wise, Tom Payne, Taegen Burns, Pyper Braun, Veronica Falcón, Betty Buckley, Matthew Sato. Producción: Blumhouse Pruductions, LionsGate Films, Tower of Babble Entertainment. Distribución: Vertice 360. Género: Terror. Web oficial:https://vertice360.com/es/ficha/0/imaginary
Un adorable perezoso se convierte en un maníaco homicida sediento de venganza en este divertidísimo ‘slasher’ ambientado en una hermandad universitaria, un lugar gobernado por las redes sociales y la popularidad a cualquier precio y sumido en el critiqueo, las falsedades y el alcohol.
Crítica
Divertido slasher con un perezoso homicida muy cuqui
Durante el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, CutreCon, tuvimos la oportunidad de poder ver en primicia y en pantalla grande ‘Perezoso amoroso’, un divertidísimo slasher, en el que el asesino es una adorable perezosa llena de venganza.
Conocemos a Emily, una joven adolescente que necesita ser la presidenta de su hermandad. En una época donde las redes sociales son tan importantes, necesita una inmensa cantidad de seguidores para lograr su fin. Después de conocer a un extraño hombre en un centro comercial, se le ocurre que comprar un adorable perezoso para lograr seguidores. Animal cuqui, lento y muy suave.
Lo admito, iba a que me gustase y no me decepcionó en ningún momento. Es de estas películas que no se toman en serio para nada y lo que hacen es que disfrutemos desde el principio y no se cortan en ningún momento con las chorradas. Alfa, la perezosa vengativa, conduce, comparte fotos en redes y por supuesto, se integra perfectamente a la vida universitaria.
‘Chucky’ y ‘E.T.’ son grandes referentes para esta película, con grandes homenajes a ambas. Es muy divertida, no solo nos demuestran que un argumento tan chorra puede funcionar, si no que además, estás todo el rato queriendo que la perezosa aniquile a más gente. Es una película muy canalla, a la que le da igual el raccord y la lógica.
El reparto, pues ni tan mal, lo dicho, es una película en la que no necesitas ver grandes actuaciones, simplemente quieres ver a esa perezosa y sus ideas homicidas. Como curiosidad, podemos ver a Stefan Kapicic, actor que interpretó a el Coloso de las películas de ‘Deadpool’.
El perezoso, pues oye, no está ni tan mal hecho la verdad. Sabemos que es un peluche, si, pero es un peluche bien hecho, también- Da el pego perfectamente y coges mucho apego a este animal.
‘Perezoso amoroso’ llega a nuestras casas gracias a Movistar Plus+ este próximo 12 de marzo y es un plan estupendo para ver con amigos en casa.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de marzo de 2024. Título original: Slotherhouse. Duración: 93 min. País: Estados Unidos. Dirección: Matthew Goodhue. Guion: Bradley Fowler, Katie Lanigan. Música: Sam Ewing. Fotografía: Mark David. Reparto principal: Lisa Ambalavanar, Sydney Craven, Bianca Beckles-Rose, Olivia Rouyre, Tiff Stevenson, Stefan Kapicic, Grace Patterson, Milica Vrzic, Jelena Kosara, Juliana Sada. Producción: Talking Wolf Productions, Buffalo Speedway Film Company, Cinema Relics Productions. Distribución: Cinetel. Género: Comedia, slasher. Web oficial:https://www.movistarplus.es/cine/perezoso-amoroso/ficha?tipo=E&id=3226489
Basada en la vida de los inseparables hermanos Von Erich, que hicieron historia en el competitivo mundo de la lucha libre profesional a principios de la década de los 80. A través de la tragedia y el triunfo, bajo la sombra de su dominante padre y entrenador, los hermanos buscan la inmortalidad en el escenario más importante del deporte.
Crítica
Una familia con tanta cohesión y mal augurio que podríamos bautizarles como los Kennedy del cuadrilátero
‘El clan de hierro’ (‘The iron claw’ en versión origial) es el relato en la gran pantalla de la vida de los hermanos texanos VonErich. Estos fornidos deportistas ejercieron la lucha libre sometidos a los dictados de su exigente y competitivo padre, como tantos otros deportistas tipo Schwarzenegger o las Williams. Sufrieron varapalos, presión, escarnio y tragedia hasta tal punto de hablar de maldición familiar. Casi siempre que hablamos de historias así, provenientes de los Estados Unidos, nos vienen con un giro de los acontecimientos que hacen de esta otra narración de éxito norteamericano. Sin embargo ‘El clan de hierro’ sigue otros derroteros alejados de ese tipo de ensalzamientos yanki.
Esa diferenciación nos la garantiza como siempre A24. ‘El clan de hierro’ se diferencia de películas sobre el ring como ‘Rocky’ y sus derivadas o de dramas más modernos como ‘El luchador’ (2008) para parecerse más a ‘Foxcatcher’ (2015). Es un drama familiar que bucea detrás de esos personajes que se camuflan de machacahuesos ataviados solo con unos slips. Sobre todo es una historia de profunda fraternidad. Es el relato de una familia con tanta cohesión y a la vez mal augurio que podríamos bautizarles como los Kennedy del cuadrilátero. ‘El clan de hierro’ rememora a unas figuras clave de este tipo de shows, de hecho su título original alude al golpe especial que caracterizaba a esta familia, pero a través de valores como la hermandad y de mostrar qué sucede cuando nos negamos a aceptar lo que la vida nos depara.
Para conocer con bastante exactitud cuál fue el devenir de este clan que ahora figura en el Salón de la Fama de la WWE escucharéis nombres como la NWA o la WCCW. Y es que todo esto sucedió a finales de los 70 y principios de los 80, en los tiempos de autógrafos y no de selfies, anteriores a Tbe Undertaker, Hulk Hogan, El Poli Loco y compañía. Los que sean versados en el tema del wrestling reconocerán a luchadores como Harley Race, Rick Flair, Fabulous Freebirds o el promotor Sam Muchnick. Y por supuesto movimientos como el doble dropkick, el crossbody, el clothesline, el suplex, el headlock y the iron claw por supuesto.
Pero la película de Sean Durkin no se centra en el show o espectáculo violento que como todos sabemos está impregnado de teatralidad. El autor de ‘Inseparables’ construye una historia de cuatro hermanos con una vida dedicada al wrestling pero lejos de ser un alarde de venas hinchadas y testosterona luce una sensibilidad magnífica. Y eso que tenemos a un Zac Efron con músculos de mastodonte hasta tal punto que podría hacer perfectamente un live action de He-Man. Si queréis quitaros de la mente su imagen happy de los tiempos de High School Musical esta es la película. La secuencia en la que coge a su hermano en volandas me parece una de las más emotivas de este año. Física e interpretativamente va a sorprender a muchos.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de marzo de 2024. Título original: The iron claw. Duración: 130 min. País: Reino Unido. Dirección: Sean Durkin. Guion: Sean Durkin. Música: Richard Reed Parry. Fotografía: Mátyás Erdély. Reparto principal: Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson, Stanley Simons, Lily James, Holt McCallany. Producción: A24, Access Entertainment, Access Industries, BBC Film, House Productions. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: hechos reales, drama. Web oficial:https://www.youplanetpictures.com/the-iron-claw/
Tras acceder a casarse con un príncipe muy guapo, una damisela obediente descubre que la familia real solo la quiere como sacrificio para saldar una antigua deuda. Arrojada a la cueva de un dragón escupefuego, la joven debe recurrir a toda su astucia y voluntad para sobrevivir.
Crítica
Princesa y dragona se enfrentan en este cuento renovado
Para el día de la mujer nos llega ‘Damsel’, un cuento moderno en el que la princesa no necesita ningún salvador, sino que lucha para poder salir adelante ella sola.
Elodie, una damisela casadera, tiene que abandonar su pueblo para salvarlo. Casándose con un príncipe y así poder conseguir la dote para que su pueblo no muera de hambre. Todo parece muy bonito, un reino soleado, con una familia perfecta y un futuro marido joven y guapo. El problema, que la quieren para saldar una antigua deuda con una dragona, a partir de ahí, tienen que salvar su vida de las temibles garras de este gran monstruo.
‘Damsel’ tiene un argumento bastante sencillo y tampoco nos trae nada nuevo. Pero aun así, logra entretener, que es lo importante. Además la película, está muy bien dirigida. Tiene unos planos muy buenos y las persecuciones en la cueva entre dragona y doncella están muy estudiadas. Juan Carlos Fresnadillo es el encargado de este trabajo y como digo, crea una atmósfera de cuento moderno que va a gustar a muchos.
Por supuesto, contamos con Millie Bobby Brown como actriz principal, saliéndose un poco de todo lo que ha hecho hasta ahora. Lo da todo en la película, tiene bastantes escenas de acción y se nota que se ha preparado para ello. En el resto del reparto vemos a Nick Robinson, a Robin Wright, Angela Bassett o Ray Winstone. Entre muchos otros.
El diseño de la dragona me ha encantado, tiene un estilo muy diferente a los dragones que estamos acostumbrados y la verdad que es bastante temible. Si que es cierto, que aunque el CGI es bastante bueno, los movimientos de la dragona, sobre todo cuando la vemos volar, son algo torpes. Son bastante planos y se nota que hay poca naturalidad. En cambio, cuando la vemos en suelo, los movimientos están bastante cuidados.
La fotografía, realizada por Larry Fong, es oscura y llena de colores azules y verdes, dando una sensación de atmósfera fantasmal y terrorífica en la cueva en la que se encuentra la dragona. En cambio, vemos la luz brillante en ese supuesto reino de ensueño al que llevan a la joven Elodie. Unos contrastes muy bien diferenciados.
‘Damsel’ va a gustar a los jóvenes fans de Millie Bobby Brown y también a los que les guste la fantasía. Como he comentado, no es nada novedosa, pero sí que consigue demostrarnos que las princesas no siempre son débiles.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de marzo de 2024. Título original: Damsel. Duración: 108 min. País: Estados Unidos. Dirección: Juan Carlos Fresnadillo. Guion: Dan Mazeau. Música: Jane Antonia Cornish. Fotografía: Larry Fong. Reparto principal: Millie Bobby Brown, Ray Winstone, Robin Wrigth, Angela Bassett, Shohreh Aghdashloo, Nick Robinson, Sam Sharma, Brooke Carter. Producción: PCMA Productions, Roth/Kirschenbaum Films. Distribución: Netflix. Género: Fantasía. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/80991090
Después de tres peligrosas aventuras desafiando a la muerte y derrotando a supervillanos con su inigualable coraje y su impresionante dominio de las artes marciales, Po, el Guerrero del Dragón (con voz en VO del nominado a los Globos de Oro Jack Black y de Florentino Fernández en la versión doblada al español) se encuentra con que el destino le llama… a tomarse un respiro. Más concretamente, le ofrecen convertirse en el líder espiritual del Valle de la Paz.
La propuesta le plantea un par de problemas obvios. Primero, Po sabe tanto de liderazgo espiritual como de dietas, y segundo, necesita encontrar y entrenar lo más rápido posible a un nuevo Guerrero del Dragón antes de poder ocupar su prestigioso y flamante nuevo cargo.
Por si fuera poco, últimamente ha aparecido una malvada y poderosa hechicera llamada la Camaleona (Viola Davis en VO, ganadora del Premio Oscar®), una diminuta sabandija que puede transformarse en cualquier criatura, grande o pequeña. Y la Camaleona ha puesto sus codiciosos y minúsculos ojos de canica en el Báculo de la Sabiduría de Po, que podría darle el poder de invocar a todos los maestros villanos que Po derrotó y desterró en su día al reino de los espíritus.
Crítica
Una cuarta entrega que sigue dando el mejor kung fu
Dirigida por MikeMitchell (‘Trolls’) y codirigida por StephanieMaStine (‘She-Ra y las princesas del poder’), la película nos trae de nuevo a nuestras salas de cine a Po, esta vez para enfrentarse a una gran enemiga que se lo va a poner muy difícil.
La película comienza con un gran problema para nuestro gran oso panda y es que debe buscar su relevo como Guerrero del Dragón y así poder ser un gran líder espiritual del Valle de la Paz. Algo que no le hace demasiada gracia a Po. Mientras tiene que resolver este pequeño asunto, una despiada hechicera, Camaleona, quiere hacerse con el dominio del mundo. Pero Po, no estará solo, conocerá a la astuta ladrona, Zhen, un ejemplar de zorro corsac, que le ayudará a salvar todo su mundo conocido.
JonathanAibel y GlennBerger (guionistas de toda la saga ‘Kung Fu Panda’) junto con DarrenLemke (‘Shrek 4’) firman un guion muy divertido y con muchos nuevos personajes, pero también recuperan antiguos villanos de las anteriores películas.
No pierden el espíritu de la saga, donde conocemos un Po entusiasta por todo, muy positivo y al que le gusta su trabajo como Guerrero del Dragón. Pero también sigue siendo bueno y por ello muchas veces se deja engañar de la manera más fácil.
La película nos habla de la amistad, de esa que aparece de repente y sin pensarlo y también del aprendizaje, de saber terminar las cosas, aunque nos encanten y dar un paso hacia una nueva aventura.
La película la hemos visto con el doblaje en castellano, en la que escuchamos a FlorentinoFernández como el gran oso panda. En el doblaje original encontramos las fantásticas voces de JackBlack, como Por, Awkwafina, como Zhen y ViolaDavis como la malísima Camaleona.
La música vuelve a estar en manos de HansZimmer esta vez junto a SteveMazzaro, los cuales crean una banda sonora bastante divertida y nueva. Por supuesto con canciones de las anteriores películas, pero sin repetir demasiado.
En el ámbito de la animación, algo que me gusta cuando veo diferentes secuelas, es como va mejorando ésta. En este caso vemos la perfección de los pequeños detalles, el pelo de los animales, los movimientos, se hacen más gráciles y reales.
En general me lo he pasado genial viendo ‘Kung Fu Panda 4’. Muchas veces cuando hay tantas secuelas suelen perder fuerza y sin duda esta ha sido la excepción. La película llega el próximo 8 de marzo y ya no solo la recomiendo a los más pequeños, sino también a los mayores. Además, aunque sea la cuarta entrega no hace falta haber visto el resto de películas y eso se agradece.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de marzo de 2024. Título original: Kung Fu Panda 4. Duración: 94 min. País: Estados Unidos. Dirección: Mike Mitchell, Stephanie Ma Stine. Guion: Jonathan Aibel, Glenn Berger y Darren Lemke. Música: Hans Zimmer y Steve Mazzaro. Reparto principal: Jack Black, Awkwafina, Viola Davis, Dustin Hoffman, Bryan Cranston, James Hong, Ian McShane, Ke Huy Quan. Producción: DreamWorks Animation, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: Comedia. Web oficial:https://www.universalpictures.es/micro/kung-fu-panda-4
De la noche a la mañana, Vincent empieza a ser atacado por personas desconocidas sin motivo aparente. Cuando las agresiones se descontrolan, se ve obligado a huir. Pero ¿a dónde?
Crítica
Capaz de desconcertar al espectador y al protagonista con su repentina violencia
Se acaba de estrenar ‘Dream Scenario’ con Nicolas Cage como protagonista. Una película de la cual se pueden extraer múltiples lecturas, una de ellas guarda una estrecha relación con ‘Vincent debe morir’. Y es que ambos protagonistas, así sin comerlo ni beberlo, empiezan a sufrir una ofensa en público. En ambos filmes podemos establecer una metáfora con nuestra actualidad, con nuestra realidad digital. Y es que muchas veces en las redes sociales se apalea verbalmente y se acosa a personas, por desgracia estamos acostumbrados a las ya popularmente llamadas “cancelaciones”. Muchas veces el disparador que da voz a los ofendiditos es algo a priori trivial, en otras las personas que son el foco del odio anónimo ni siquiera saben de dónde viene esa oleada de ataques. Todos sabemos que es muy fácil cargar contra una persona escondiéndose en el anonimato y el amparo de la turba. Por eso lo que ‘Vincent debe morir’ nos pide es que no cedamos ante esa especie de desahogos malsanos y procuremos antes conocer a las personas y la historia que hay detrás, fomentando así una sociedad más sana.
Stéphan Castang intenta transmitirnos eso y más a través de una historia de vertiente fantástica en la que el protagonista comienza a sufrir ataques esporádicos y violentos allá donde va. Metáfora, humor negro y algo acción que va muy lentamente in crescendo son las herramientas de esta incómoda y enigmática película. Vincent se encuentra rodeado de peligro por todas partes, a lo Keanu Reeves (perseguido por los asesinos de John Wick o por las múltiples posesiones de cuerpos del Agente Smith). Eso hace que nos transmitan que prácticamente no hay cobijo cuando todo se vuelve inexplicablemente en contra tuya. No es difícil ponerse en la piel del protagonista.
‘Vincent debe morir’ empieza rápido pero le cuesta mantener el ritmo, quizá porque intenta ser introspectiva y no ser otro filme postapocalíptico más. La espiral de odio aparece pronto y crece poco a poco pero no aprovecha la tensión acumulada o el impacto de algunas escenas duras y reales que injerta en el montaje. La agresividad es un recurso fácil y contagioso, por eso parece que ser un hater es cada vez algo más común y aceptado. Igual sucede con la violencia explícita que se reproduce gratuitamente en nuestros smartphones. Es algo que todos sabemos que está mal y nos parece incomprensible que suceda, ese mismo desconcierto siente Vincent. Es una película sencilla pero con medios bien empleados, si consigue transmitirte eso mismo digo yo que habría que considerarla por lo menos como una película que debería tener una buena vida en las salas de cine y no sufrir ningún escarnio como el que experimenta su protagonista, obligado a huir a lo más recóndito.
Eso sí, por muchas interpretaciones que le puedas dar ‘Vincent debe morir’ cierra sin ser implícita, se acota demasiado a al subtexto. Nos podemos quedar conque esto consiste en dotar de algo de comicidad negra a una reflexión sobre la violencia y la condición humana. Pero toda reflexión debe llevar a una conclusión, aquí no la vemos.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de marzo de 2024. Título original: Vincent doit morir. Duración: 115 min. País: Francia. Dirección: Stéphan Castang. Guion: Mathiew Naert. Fotografía: Manuel Dacosse. Reparto principal: Karim Leklou, Vimala Pons, François Chattot, Jean-Rémi Chaize, Ulysse Genevrey, Karoline Rose Sun. Producción: Capricci Films, Bobi Lux, Gapbusters, Arte France Cinema, Auvergne Rhône-Alpes Cinéma. Distribución: La Aventura. Género: drama, comedia, fantástico. Web oficial:https://laaventuracine.com/vincent-debe-morir/
Alejandro, piloto de avión, esconde un secreto. Cuando los agentes del Servicio de Inteligencia lo descubren, le chantajean. Alejandro se verá sumergido en un universo de intriga y corrupción, que le pondrá a él y a sus seres queridos en peligros, mientras intenta escapar con vida, sin importar el precio
Crítica
Divertida e inquietante
En el Festival de Sitges 2023 pudimos ver ‘La extorsión’, un thriller argentino con un toque de humor negro. En ella conocemos a Alejandro un piloto que está deseando jubilarse por la puerta grande, tiene una mujer increíble, una vida despreocupada y parece que todo el mundo le quiere. Hasta que un día le intercepta el servicio de inteligencia de su propio país, el cual le requiere ocultar contrabando en sus aviones bajo la amenaza de revelar información que destruirá toda su tranquilidad.
Dirigido por Martino Zaidelis (‘Los Enviados’), logra una película bastante inquietante y la verdad que no te aburres ni un segundo. Todo ello acompañado del guion de Emanuel Diez (‘Nada’) que crea un gran equilibrio entre comedia y thriller.
‘La extorsión’ está muy bien dirigido, nos adentra el en mundo del espionaje a través de los ojos de un pobre hombre, que pese a todos sus errores, no es mala persona. Con un poco de humor, vamos viendo como nuestro protagonista debe ir pisando con pies de plomo, para no terminar en la morgue.
La película no sería nada sin su reparto y por supuesto por su gran protagonista. Guillermo Francella está divertidísimo, a la vez que logra darte bastante pena. Lleva todo el peso de la trama y la verdad que logra un papelón. Me encanta lo vulnerable que parece y a la vez lo fuerte que tiene que parecer para poder salir del atolladero en el que le han metido.
Pablo Rago, Andrea Frigerio, Alberto Ajaka, Guillermo Arengo, Carlos Portaluppi,Mónica Villa, Juan Lo Sasso, Joselo Bella o CarlaPandolfi, son parte del reparto que acompaña a nuestro desgraciado piloto.
Aunque cuando la vi en Sitges, me quedé un poco fría, si que es cierto, que puede ser por no verla para el Festival en si. Al final es un thriller, muy bueno, pero sigue siendo una cinta de acción algo cómica que no me esperaba ver en este festival.
Pero sin duda, os recomiendo que el próximo 8 de marzo os acerquéis a ella y la disfrutéis. Sin duda os va a dar una hora y media de mucho entretenimiento.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de marzo de 2024. Título original: La extorsión. Duración: 105 min. País: Argentina. Dirección: Martino Zaidelis. Guion: Emanuel Diez. Música: Pablo Borghi. Fotografía: Lucio Bonelli. Reparto principal: Guillermo Francella, Pablo Rago, Andrea Frigerio, Carlos Portaluppi, Alberto Ajaka, Romina Pinto, Mónica Villa, Guillermo Arengo, Juan Carlos Lo Sasso. Producción: 100 Bares, Cimarrón Cine, Infinity Hill, Particular Crowd. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Thriller. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/la-extorsion
A los seis meses de una solitaria misión de investigación en los confines del sistema solar, el astronauta Jakub (Adam Sandler) se desespera cuando se da cuenta de que su matrimonio quizá no aguante hasta su regreso a la Tierra. Pero en las entrañas de la nave anida un misterioso ser ancestral que lo ayudará a arreglar las cosas con su mujer, Lenka (Carey Mulligan). La criatura, llamada Hanuš (con la voz de Paul Dano en la versión original), repasa con Jakub los escollos de su relación antes de que sea demasiado tarde.
Crítica
Tediosa sesión de psicólogo pseudocientífico de una tristeza constante
‘Spaceman of Bohemia’, el libro de Jaroslav Kalfar, sirve de base para ‘El astronauta’. Para esta adaptación se ha mantenido el origen del protagonista, la República Checa, e incluso se le ha brindado un ambiente propio de la Checoslovaquia soviética. Es una obra donde el escritor volcó muchas inquietudes de su pasado y el director Johan Renck ha mantenido el toque intimista. La propuesta parece sobria y aburrida y el resultado es tal y como suena. Era de esperar la parsimonia que presenta el montaje, pues este director ha trabajado en series como ‘Breaking Bad’ o ‘Chernobyl’, pero lo que mata a ‘El astronauta’ es su continuo carácter meditabundo, filosófico, pseudocientífico y ante todo, triste.
A muchos les chocará ver a Adam Sandler en una película tan apesadumbrada, pero alguno de los últimos trabajos que ha hecho para Netflix, ‘Diamantes en bruto’ o ‘Garra’, ya auguraban que el actor se encuentra en la fase más “seria” de su carrera. En esta ocasión se mete en la piel de un cosmonauta checo que se haya en una misión por nuestro sistema solar. A bordo de la nave Jan Hus 1 viaja para investigar la nube Chopra, la cual ha aparecido en el firmamento de la Tierra y se haya más allá de Júpiter. Parece que el nombre de la nube hace alusión a los discursos del escritor indio Deepak Chopra, también creyente de la pseudociencia que tan presente está en ‘El astronauta’, pues todo gira en torno a la búsqueda del lugar donde empiezan los pensamientos, de a qué debemos prestar atención en la vida y de cómo nuestra mente puede sanarnos en todo los aspectos. Es un viaje tan lento y agotador que cuando termina nuestros pensamientos realmente ya se hayan en otra parte.
Metafóricamente o no el guía y psicólogo del protagonista está materializado por Hanuš, una araña gigante que parece hija de Ella-Laraña, con mejoras de CGI inherentes a los progresos de la tecnología. Se comunica a través telepatía y el doblaje de Paul Dano y con esto llego a lo que más me ha gustado de ‘El astronauta’, las voces. Desde el trabajado acento que emplea Sandler hasta la manera en cómo Paul Dano controla su tono con moderación, de un modo similar a lo que hizo con Acertijo en ‘The Batman’, los diálogos son lo mejor del filme. Y quizá es cosa de que pertenezco a una generación desengañada con el neoliberalismo y el capitalismo, pero otro acierto que se ve de respagilón es el mostrar como el ser humano es capaz de meter publicidad hasta en el espacio, aun cuando se trata de comunicarse con alguien que está completamente aislado a millones de kilómetros. Mostramos así más frialdad y vacío que el propio espacio, pero sobre todo egoísmo.
El egoísmo es un tema importante en la película. Las decisiones que hacen huir de los problemas, romper promesas y perder la confianza de los allegados a veces llegan de una manera premeditada. Ese tipo de contradicciones están voluntariamente plasmadas en el guion para desarrollar un discurso sobre el individualismo y el miedo. El diván cósmico sobre el que se tumba el protagonista junto a su arácnido acompañante durante su misión redentora hace surgir miedos subyacentes pero también nuestros bostezos. Y se abordan también los intereses propios cuando surge una ruptura por vídeomensaje a distancia y sin posibilidad de respuesta.
‘El astronauta’ puede recordarles a muchos algunos aspectos de películas como ‘Moon’ o ‘Ad Astra’. Es lenta, meditabunda e intimista a más no poder. Paul Dano ya se ha embarcado en introspecciones similares, como fue ‘Swiss army man’. Lástima que aquí no aparezca la gracia de los Daniels.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2024. Título original: Spaceman. Duración: 106 min. País: EE.UU. Dirección: Johan Renck. Guion: Colby Day. Música: Max Richter. Fotografía: Jakob Ihre. Reparto principal: Adam Sandler, Paul Dano, Carey Mulligan, Kunal Nayyar, Lena Olin, Isabella Rossellini. Producción: Free Association, Stillking Films, Tango Entertainment. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama, romance. Web oficial:ver en Netflix.
Se adentrará en el viaje mítico de Paul Atreides cuando se une a Chani y a los Fremen en una guerra de venganza contra los conspiradores que destruyeron a su familia. Tendrá que elegir entre el amor de su vida y el destino del universo conocido mientras lucha por evitar un horrible futuro que solo él puede prever.
Crítica
Más completa y espectacular que la primera y pidiendo tercera
Tenemos a un príncipe caído en desgracia al que se le abre un mundo que hasta entonces le era desconocido, la profecía de un elegido y una historia de amor más que pronosticable. Los pasos que sigue ‘Dune’ no dejan de ser arquetípicos y el libro, a mi gusto es más que mejorable. Estamos ante uno de esos casos en los que la película mejora el material original siendo mucho más dinámica, menos espesa y por otro lado mucho más espectacular de lo que podríamos ser capaces de imaginar a través de las líneas de la novela. No estamos hablando de que se amolde más a los gustos actuales, es que es una opinión más que extendida que la primera parte de ‘Dune’ (novela) se hace bola por lo poco que progresa y la narrativa que tiene. Otra razón por lo que esta película se antoja como uno de los mayores logros de DenisVilleneuve es lo beneficiada que sale con las comparativas con la película de David Lynch o la que iba a hacer Jodorowsky. Pero no olvidemos que estas películas no habrían sido lo mismo ni de lejos si no fuese por la música (o sonidos) de Hans Zimmer y la fotografía de Greig Fraser.
La aportación de Zimmer pesa más en la primera parte. En esta continuación el trabajo del compositor se hace notar pero no juguetea tanto con el sonido. Su banda sonora es reconocible completamente pues introduce sus famosos tic tacs y sus efectos sonoros pero la fotografía gana de calle en esta segunda parte. Y es que ‘Dune: parte 2’ tiene fotogramas que son un sueño húmedo para los fans de la ciencia ficción. Sobre todo al mostrar determinados escenarios y principalmente cuando los vehículos Harkonnen llenan la pantalla con formas que recuerdan a las de Giger. El diseño de armamento, atrezo, escenografía y vestuario son impresionantes. Por otro lado está la licencia artística que nos trae una secuencia en escala de grises que además de ser un gustazo estético responde a la hipotética existencia de un sol negro capaz de arrojar luz sin el colorido especto que conocemos, solo con las longitudes de onda blancas y negras. Hablando de estética, los tocados que luce Florence Pugh en el papel de la hija del Emperador recuerdan mucho al que lucía la Emperatriz infantil de ‘La Historia Interminable’, preciosos ambos.
Antes comentaba que esta película es más dinámica que la novela pero con todo y con eso tiene momentos en los que la trama se adormece o redunda en exceso sobre los mismos puntos. Villeneuve ha querido cimentar bien la guerra de guerrillas y toda la parte religiosa de la obra. Probablemente eso le traiga algunos de los pocos malos comentarios que va a tener este filme. En parte por lo que decía, el ritmo se ve perjudicado y en parte porque puede salir más de un islamófobo. Y es que esta es una historia de religión y fanatismos con muchas influencias de oriente medio. Gran parte de los lectores conoce el hecho de que la Revuelta Árabe pudo inspirar a Frank Herbert de igual modo que a R.R. Martin le sirvió de base ‘La Guerra de las Dos Rosas’.
Este filme se siente aún más parte de la saga de Herbert. No solo por todo lo que se desarrolla su parte mediática. También porque se distingue algo más la auténtica magnitud y profundidad. Es la antesala de una saga galáctica llena de personajes, familias y planetas y después de verla cruzo los dedos para que Warner de luz verde a la tercera entrega. Aunque con ‘Dune: parte 2’ se finiquita el primer libro, con unas cuantas licencias argumentales, nos entran ganas de ver una conclusión que cierre absolutamente del todo la trama. También por aprovechar algo más a los gusanos de arena, que al fin y al cabo son la marca de la franquicia.
Además de todo el poder técnico en esta segunda parte se agradece la irrupción de nuevos personajes. Casi todos los partícipes del filme han tenido que trabajar una buena evolución para sus personajes y eso está interesante pero hay aire fresco con incorporaciones como la ya mencionada Florence Pugh, el emperador que interpreta Christopher Walken y sobre todo Austin Butler. El actor ahora archiconocido por su papel como Elvis hace un papel tremendamente físico y además de esos en los que ha de parecer un psicópata, nada fácil. Como válvula de escape hemos tenido a un Bardem imponente que a veces parecía que estaba parafraseando ‘La Vida de Brian’ o las palabras del Walter Sánchez de Les Luthiers.
Como sorpresa ya destripada por las premieres, Anya Taylor-Joy aparece en esta película antes de figurar en otra desértica película de Warner como es ‘Furiosa’.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2024. Título original: Dune: part 2. Duración: 166 min. País: EE.UU. Dirección: Denis Villeneuve. Guion: Jon Spaihts, Denis Villeneuve, Craig Mazin. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Oscar Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Dave Bautista, Christopher Walken, Léa Seydoux, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling, Javier Bardem, Souheila Yacoub, Alison Halstead. Producción: Legendary Entertainment, Warner Bros. Pictures, Villeneuve. Distribución: Waner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/dune-part-two
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