Categoría: Críticas

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Crítica: ‘La inocencia’

Sinopsis

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Lis, una adolescente que sueña con convertirse en artista de circo y salir de su pueblo, aunque sabe que para conseguirlo tendrá que pelearlo duramente con sus padres. Es verano y se pasa el día jugando en la calle con sus amigas y tonteando con su novio, unos años mayor que ella. La falta de intimidad y el chismorreo constante de los vecinos obligan a Lis a llevar esa relación en secreto para que sus padres no se enteren. Una relación que cambiará su vida para siempre.

Crítica

Un pulso entre lo pueril y lo maduro

Que Carmen Arrufat es una clara candidata al Goya a Actriz Revelación ya no me lo va a discutir nadie después de ver ‘La inocencia’. La actriz que debuta en esta película ha representado un personaje que nos lleva por todo un abanico de emociones, pero además ha interpretado muy bien las intenciones de su directora llevándonos de un modo veráz por una historia que transcurre en tiempo de estío en época de adolescencia, cuando todos nos sentimos más relajados y también cuando somos más vulnerables a desinhibirnos. Nos hace recordar por ejemplo nuestros momentos de desfase veraniego o las veces que lo pasamos mal viendo como se maltrata a un animal con tradiciones absurdas como el toro embolado.

‘La inocencia’ nos cuenta la historia de una adolescente que pasa el verano en su pueblo con sus amigas, mientras el sol calienta de día y Paco Pil templa la noche. Una joven que aprende a reconocer que tiene su primer novio, que batalla contra las normas de su padre arisco y conservador, que sueña con vivir en Barcelona y algún día ser artista de circo. Está en una época de expectativas y en un momento en el que aparecen de verdad las primeras vergüenzas: avergonzar a sus mayores por su comportamiento, avergonzarse de que la vean con su chico, hacer que su vecino se avergüence de que descubran una cara que oculta…

Cuando uno quiere hacer su primera película a veces tiene muy claro qué es lo que quiere hacer, procura contar algo muy enriquecido para dejar una buena impresión y no dejarse nada en el tintero. Quiero pensar que ese es el caso de Lucía Alemany y que esta es además una película que se puede sentir como personal, con aportaciones de vivencias propias o vistas que hacen de este un filme más completo.

No puedo hablar con detalles de los asuntos a los que se tiene que enfrentar la protagonista porque os desvelaría cosas importantes de la película. Pero si puedo decir para vuestro interés que toca temas diversos, muchos, de gran actualidad, feminidad, sociedad y familiaridad. No aturulla con sus discursos, para nada, los expone muy bien, paulatinamente y a través de diferentes actores y actrices. Seguro que salís comentando más de una de las frases que se mencionan.

‘La inocencia’ cuenta con actores que podrían haber sido perfectamente paisanos del pueblo en el que se ambienta la película. Con ellos nos metemos en un lugar de motes, estigmas, cotilleos, recelos, costumbres… Para la gente que ha vivido en un pueblo o que veranea en uno es una muy buena película pues refleja esos pequeños detalles que construyen la vida rural. Están auténticos Laia Marull, Sergi López y Sonia Almarcha. Pero el mérito de esta película yo se lo concedo a la gente joven. Con el papel del novio interpretado por Joel Bosqued, por ejemplo, se salen de los estereotipos, aunque cumplan algunos de ellos para hacer que la protagonista sienta ciertos vínculos, me parece bien tratado su personaje.

La trama del filme es muy predecible. Pero esa predictibilidad es permisible cuando reflexionamos sobre la película y descubrimos que tiene un tratamiento actual y auténtico, no amoldado en exceso a otras influencias cinéfilas. Toda la película es un continuo contraste entre lo pueril y lo maduro. Y si no os dais cuenta de ello la escena final es perfecta para que lo hagáis. No se trata de reflejar una pérdida de la inocencia como podríamos pensar al ver el título o al leer la sinopsis. Se trata observar como alguien lidia con su inocencia mientras afronta nuevos retos, es decir el toma y daca de la vida.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de enero de 2020. Título original: La inocencia. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Lucía Alemany. Guion: Laia Soler, Lucía Alemany. Música: Òscar Senén. Fotografía: Joan Bordera. Reparto principal: Carmen Arrufat, Laia Marull, Sergi López, Joel Bosqued, Estelle Orient, Laura Fernández, Lidia Moreno, Sonia Almarcha, Bogdan Florin Guilescu, Josh Climent. Producción: Turanga Films, Un Capricho de Producciones, Lagarto Films, Institut Valencià de Cultura, Movistar+, TVE, TV3. Distribución: Filmax. Género: drama. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/la-inocencia.122

Crítica: ‘El Faro’

Sinopsis

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Robert Eggers, el visionario cineasta tras la obra maestra moderna del cine de terror La bruja, nos trae la hipnótica y espectral historia de dos fareros en una remota y misteriosa isla de Nueva Inglaterra a finales del siglo XIX

Crítica

Hipnótica, extraña y muy bien rodada, Robert Eggers nos regala una maravilla visual

Extraña, rodada en blanco y negro y con un formato en 1.19:1, así es la nueva cinta de Robert Eggers, ‘El Faro’.

Después de sorprendernos con ‘La Bruja’, Eggers se mete de lleno en una historia a la que lleva dándole vueltas muchos años. Dos fareros quedan atrapados en la isla donde son los encargados de cuidar el Faro por culpa de una tormenta.

Desquiciados, incómodos, dos personas completamente diferentes, son obligadas a aguantarse durante más tiempo del estipulado, algo que minará la mente de ambos.

La soledad, la locura y la superstición son los grandes protagonistas de esta cinta. Pero no solo esto, si no las luces y sombras que nos da El Faro, esa luz tan hipnótica y bella como peligrosa.

Gracias a los actores todo este desequilibrio emocional y locura que vamos viendo es posible. Robert Pattinson está perfecto. Su desesperación, incomodidad y locura van evolucionando a lo largo de la cinta, dejándonos ver lo gran actor que es cuando le dan una gran oportunidad.

Qué decir de Willem Dafoe, tiene un monólogo en la película, que fue aplaudido en Sitges, un festival en el que se suele aplaudir cuando la sangre brota de cualquier cuerpo. Da verdadero pavor verle en escena, nunca sabes por dónde va a salir su personaje. Obsesionado con la luz del faro, veremos su lado más fiero cuando su compañero se quiere acercar a este edificio.

La complicidad entre ambos es estupenda, ese amor-odio que se procesan lo muestran desde el primer minuto. Se deja ver un trabajo de lectura de guión previo muy esmerado.

Tengo que decir, que después de ver ‘La bruja’ Eggers ha demostrado que es un gran director de actores, pero no solo eso, sino que también se rodea de los mejores a la hora de crear toda la ambientación que quiere mostrar en sus filmes.

Mark Korven es el encargado de dar la música, el compositor de su primera película, también es el creador de la banda sonora de ‘Cube’ y sin duda en esta cinta logra meternos bastante en tensión gracias a los sonidos chirriantes y estridentes que podemos escuchar durante toda la cinta.

Mientras que el gran trabajo de Jarin Blaschke como director de fotografía, nos deja sin duda unos de los mejores trabajos que veremos este año. Me parece impresionante como ha logrado hacer que parezca que estemos viendo una cinta de cine mudo, sin serlo, por supuesto. La estética, los primeros planos tan terroríficos, los juegos de luces y sombras, me parece sin duda de lo mejor de la película, una verdadera maravilla.

No puedo dejar de dar elogios a esta cinta, me ha gustado, es extraña pero como he dicho, engancha desde el principio dándonos uno de los mejores relatos de fareros que podamos ver en  mucho tiempo.

 Ficha de la película

Estreno en España: 10 de enero 2020. Título original: The Lighthouse. Duración: 110 min. País: Estados Unidos. Dirección: Robert Eggers. Guión: Robert Eggers, Max Eggers. Música: Mark Korven. Fotografía: Jarin Blaschke. Reparto principal: Willem Dafoe, Robert Pattinson. Producción: New Regency Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: Drama, fantástico. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/el-faro

Crítica: ‘1917’

Sinopsis

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En lo más crudo de la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman) tienen que llevar a cabo lo que parece una misión imposible. En una carrera contrarreloj, deberán atravesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará un mortífero ataque contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake.

Crítica

Seguro que ‘1917’ estará en nuestro top ten de 2020

No se puede comenzar de mejor manera 2020 que viendo ‘1917’. La nueva obra de Sam Mendes (‘Spectre’, ‘Skyfall’) es una magnífica película que consigue ser épica a pesar de hablarnos de una gran retirada. Como pudo serlo en su día ‘Dunkerque’ ya que de un episodio no victorioso, si no derrotista se extrae una historia emocionante, emotiva y trepidante. La gran diferencia con la película de Nolan es que el lenguaje aquí no es solo la gran música de Zimmer si no el falso plano secuencia que magistralmente han orquestado.

‘1917’ es un gran trabajo logístico. Está organizada para ser vista como si fuese una gran obra teatral sin interrupciones. Su historia transcurre en completa continuidad, sin apenas paradas y por lo tanto sin apenas respiros. Solo se perciben unas cuantas tomas en las que algunos movimientos de cámara dejan evidente una transición o el trucaje digital para poder partir de nuevo desde cero. No van a ser pocas las veces en las que vais a preguntaros cómo han rodado lo que acabáis de ver. La cámara rarísima vez pierde de vista a uno de los dos actores protagonistas interpretados por Dean-Charles Chapman (‘Juego de Tronos’) y George MacKay (‘Captain fantastic’). Ellos dos nos llevan sin pausa e incansablemente por uno y otro escenario, descubriendo con cada giro de cámara nuevos personajes, nuevas localizaciones, nuevas y palpitantes situaciones.

La película empieza con calma, a mi me gusta decir con la pachorra de dos ociosos soldados. Pasa, como si se tratase de un videojuego, a la transmisión de una misión de vital importancia e inmediatamente a meterse manos a la obra, pasando de un checkpoint a otro. Así transcurre la película por el 6 de abril de 1917, fecha de la Primera Guerra Mundial en la que dos soldados británicos intentan evitar una catástrofe.

Como decía Dean-Charles Chapman y George MacKay son las principales caras de ‘1917’. Funcionan muy bien wn pantalla como compañeros y aguantan en tándem el racord emocional estupendamente. Esto es de vital importancia en una película que pretende tener una continuidad ininterrumpida y mantenida solo por algunos puntos de control que están sostenidos a través del contacto con rostros conocidos, como los de Mark Strong, Andrew Scott, Richard Madden, Colin Firth o Benedict Cumberbatch así como por algún fundido a negro. Las interpretaciones tan intrépidas y osadas de los protagonistas junto con el montaje y movimientos de cámara son lo mejor de este filme que podríamos decir a principios de enero que ya va a estar en nuestro top ten de 2020.

En alguno aspectos nos remonta a películas bélicas recientes, sobre todo a ‘Dunkerque’. Por lo que decía al principio, por no tratar acerca de una batalla conocida y por no manejar una victoria. También porque algún tema musical nos sugiere el sonido del tic tac del reloj, porque aquí el tiempo también es de vital importancia ya que los dos soldados protagonistas tienen una misión a contrarreloj para evitar que sus miles de compañeros caigan en una trampa alemana. Acierta Thomas Newman (‘Tolkien’) con su abanico de sonidos intrigándonos, poniéndonos los pelos de punta o el corazón en un puño. También podemos decir que tiene en común con la película de Nolan que no vemos en ningún momento al bando rival.

En conjunto Sam Mendes ha hecho una gran obra de arte audiovisual inspirándose además en las historias que pudo recoger de su abuelo (Alfred H. Mendes), una bonita manera de hacerle honores. Se ha unido a esa nueva «moda» de hacer planos secuencia y ha retornado al género bélico como hizo ya en ‘Jarhead’ rodeándose de explosiones y disparos, con un diseño de producción apabullante. No es nada fácil, al contrario, es muy compleja la tarea que ha llevado a cabo, son dos horas de compenetración actoral, de efectos especiales, de post-producción y de todo el montaje, banda sonora y demás. Es decir, todo un equipo bien escogido que hacen que podamos decir que esto sea CINE con mayúsculas.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de enero de 2020. Título original: 1917. Duración: 119 min. País: EE.UU. Dirección: Sam Mendes. Guion: Sam Mendes, Krysty Wilson-Cairns. Música: Thomas Newman. Fotografía: Roger Deakins. Reparto principal: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Mark Strong, Andrew Scott, Richard Madden, Colin Firth, Benedict Cumberbatch. Producción: Amblin Partners, Neal Street Productions, DreamWorks SKG, New Republic Pictures. Distribución: eOne Films. Género: bélico. Web oficial: http://www.1917.movie

Crítica: ‘Jojo Rabbit’

Sinopsis

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El director y guionista Taika Waititi imprime su sentido del humor y patetismo en su nueva película ‘Jojo Rabbit’, una sátira de la Segunda Guerra Mundial que sigue a un solitario muchacho alemán llamado Jojo (Roman Griffin), cuya visión del mundo se pone patas arriba cuando descubre que su madre soltera (Scarlett Johansson) está escondiendo a una joven judía (Thomasin McKenzie) en el ático. Con la única ayuda de su estúpido amigo imaginario Adolf Hitler (Taika Waititi), Jojo deberá enfrentarse a su nacionalismo ciego.

Crítica

Una sátira anti-odio a la que es imposible odiar

A partir de la novela ‘Caging Skies’ de la escritora Christine Leunens el neozelandés Taika Waititi ha creado el guión de ‘Jojo Rabbit’, el cual él mismo ha dirigido e interpretado como actor secundario (es el amigo imaginario al que Johannes «Jojo» ve con forma de Hitler). No es la primera vez que Taika adapta material escrito pues como todos sabemos realizó ‘Thor: Ragnarok’ pero en esta ocasión se acerca a un material mucho más sensible y su trama es menos épica aunque no exenta de apoteosis. También hay que señalar que su comedia se aleja del tipo de humor marveliano y se amolda más a su estilo, a lo que nos tiene acostumbrados cuando vemos la magnífica ‘Lo que hacemos en las sombras’.

Waititi demuestra de nuevo y con personajes ajenos a su imaginario que lo suyo es aplicar un tipo de humor macabro, que sabe moverse entre lo triste, lo turbio y lo espeluznante con muchísima gracia. Es digno de elogio que nos partamos de risa mientras nos introduce de manera tan alegre y burlesca en una época y región en la que los niños eran entrenados como vemos que lo son hoy en día en algunas regiones de África. Ridiculiza la filosofía del nacionalsocialismo y deja patente como el de la Segunda Guerra Mundial debería ser ya un conflicto superado (como ya hace toda una generación en las redes y en las obras audiovisuales) y se salta a la torera cualquier barrera o límite que coarte su capacidad de hacernos reír.

Probablemente con el paso de los minutos ‘Jojo Rabbit’ os parecerá menos graciosa. No olvidéis esas sensaciones iniciales tan divertidas que consiguen darnos la pareja formada por Waititi y el adorable niño protagonista (Roman Griffin Davis) porque aunque se intentan recuperar al final con una especie de clímax delirante lo que percibo es que también se ha procurado crear una película muy tierna y algo emotiva. Es por eso que se introduce la canción de David Bowie sobre el Muro de Berlin y todos los eventos que vive Jojo en sus peculiares circunstancias y que por supuesto no os voy a destripar.

Juegos infantiles, antisemitismo, cuidados paternofiliales… es natural que se nos venga a la cabeza la inolvidable y festejable película de Benigni, ‘La vida es bella’. Esta es una película donde la inocencia de un niño se entremezcla con la iniquidad de la Alemania de Hitler. Pero la obra de Waititi es mucho más luminosa y risueña. Por supuesto hay una vertiente dura, sobre todo la que nos recuerda constantemente Scarlett Johansson, pero ante todo el tono del filme nos muestra la villa de Jojo como un lugar en el que los tiempos de guerra eran como tiempos de bonanza y como si se estuviesen preparando para un festival. Obvio, la película habla mucho de los idealismos, los engaños masivos, la educación hacia el desprecio, la dureza de aquellos tiempos… Tiene un toque de color que evita tener que recurrir a los clásicos argumentos lacrimógenos contando aún así el mismo tipo de tropelías.

Con ‘Jojo Rabbit’ tenemos un caramelo muy tierno escondido en un retorcido envoltorio. Ese embalaje al desenvolverlo suena a la música de Michael Giacchino y es capaz de mezclar el grito de «hell Hitler» con los hits de The Beatles. Yo a esto lo llamo intrépido, lo distingo entre lo común y lo pido a gritos.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de enero de 2020. Título original: Jojo Rabbit. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Taika Waititi. Guion: Taika Waititi. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Mihai Malaimare Jr. Reparto principal: Roman Griffin Davis, Taika Waititi, Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Rebel Wilson, Thomas McKenzie, Alfie Allen, Stephen Merchan. Producción: Fox Searchlight, Defender Films, Piki Films, Czech Anglo Productions. Distribución: 20th Century Films. Género: comedia, bélico, aventuras. Web oficial: http://www.fox.es/jojo-rabbit

Crítica: ‘La maldición’

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Producida por Sam Raimi, nos presenta una perversa nueva visión del clásico de terror.

Crítica

Sin discurso, sin novedad… no le veo razón de ser a esta maldición

El cine estadounidense es muy capaz de generar su propia pila de películas terroríficas pero aún hay muchos cineastas que más allá de querer aplicar una influencia nipona en sus películas intenta sacar jugo del terror japonés que tanto éxito tuvo a finales del siglo XX y principios del XXI. Pero este es un campo muy cosechado y necesita nuevas semillas, precisamente la que Sam Raimi ha querido sembrar con Nicolas Pesce no ha germinado.

Antes que nada hay que indicar que esta película realizada por Pesce se une a las versiones norteamericanas que se iniciaron en 2004, aquellas que nos llegaron a España bajo el título de ‘El grito’ y tenían como protagonistas a Sarah Michelle Gellar y Bill Pullman. Ya por entonces el propio artífice de la película original, Takashi Shimizu se hizo cargo del remake y quedó patente el hecho de estar intentando estirar demasiado el chicle. Incluso hasta hace poco más de tres años se ha estrenado uno de esos desesperados crossover entre la niña de ‘The ring’ y el espectro de ‘La maldición (The grudge)’. En el caso de esta nueva intentona los acontecimientos se componen entre las dos primeras películas norteamericanas y descubrimos de un modo trivial como se transfiere la maldición, pero no se profundiza ni en sus orígenes ni en su exterminio.

Es decir, ‘La maldición’ no ha llegado para ampliar el universo de Kayako, la mujer que persigue a los malditos. Tampoco se esfuerza en hacer girar la trama entorno a un discurso, aunque muestra en determinados momentos cierto empeño en el tema de la eutanasia o del suicidio con el fin de acabar con el sufrimiento. Esta es una película que si acaso te dará algún susto con sus sobresaltos… y si eso. Porque sus «argucias terroríficas» están más que vistas. Es muy cándida o inocente en ese sentido, es un título que piensa que nos va a asustar cuando las cartas están totalmente sobre la mesa. Por ejemplo es obvio el cómo deja en pantalla espacios vacíos para rellenarlos constantemente de fantasmas que aparecen y desaparecen.

Ni siquiera veo la mano de Sam Raimi, no más allá de ligero toque sanguinolento y asquerosito de sus habituales películas de miedo. Y esa víscera que siempre nos regala nos gusta, aunque tiren al vacío algo que se ve descaradamente que es un maniquí. Pero al filme no le pega, no es el tono que tenía esta saga y por supuesto ni de lejos está acorde a la inquietante atmósfera en la que nos imbuía la película original de 2002. Nos llevan a saltos de una época a otra y nos cuentan pronto quién o cómo han fallecido los personajes. Por lo que no hay misterio ninguno, cosa que también rompe el encanto y le resta importancia a las secuencias de muertes que nos muestran en la recta final.

Es una pena tener ahora estas sensaciones ya que mi primer contacto con Pesce fue ‘Piercing’ y ahí hizo un trabajo mucho mejor acabado y aunque también bastante confuso si se veía que tenía una intencionalidad más valorable. Si inicialmente se plantearon hacer un reinicio de la saga o una reinterpretación más, tal vez, como en otros muchos casos, se podrían haber planteado hacer una historia totalmente nueva y diferente. Porque ¿año nuevo película nueva? Que va, es más de lo mismo.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de enero de 2020. Título original: The grudge. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Nicolas Pesce. Guion: Nicolas Pesce. Música: The Newton Brothers. Fotografía: Zack Galler. Reparto principal: Andrea Riseborough, Demián Bichir, John Cho, Betty Gilpin, Lin Shaye. Producción: Screen Gems, Ghost House Pictures, Stage 6 Films, Good Univers. Distribución: Sony Pictures. Género: terror, secuela. Web oficial: https://www.thegrudge.movie/

Crítica: ‘El oficial y el espía’

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5 de enero de 1895.

El capitán Alfred Dreyfus, un joven oficial judío, es degradado por espiar para Alemania y condenado a cadena perpetua en la isla del Diablo, en la Guayana Francesa. Entre los testigos que hacen posible esta humillación se encuentra el coronel Georges Picquart, encargado de liderar la unidad de contrainteligencia que descubrió al espía.

Pero cuando Picquart se entera de que se siguen pasando secretos militares a los alemanes, se adentrará en un peligroso laberinto de mentiras y corrupción, poniendo en peligro su honor y su vida.

Crítica

Interesante historia sobre el espionaje y el antisemitismo

Roman Polanski vuelve a la gran pantalla con ‘El oficial y el espía’, una cinta basada en una historia real de la Francia de 1895, cuando el capitán Alfred Dreyfus es desterrado del ejército francés acusado de espionaje. Este episodio conmocionó a toda la sociedad francesa, pues tenemos como telón de fondo una historia antisemita y un largo juicio en busca de su libertad.

Jean Dujardin lleva todo el peso de la película, un oficial que intentará llegar al fondo de toda una trama de espionaje donde la víctima ha sido encarcelada.

No faltan los detalles en la película, la historia está muy bien narrada, cronológicamente vamos viendo como Dreyfus va perdiendo la esperanza pese a ser inocente y como el Capitán Picquart es encarcelado por defender a un judío.

Por poner una pega, tengo que decir que cuesta un poco entrar en la película, al menos en mi caso. Se me hizo un poco pesada al principio, pero luego va todo rodado y las escenas de los juicios me parecieron de lo mejor. Muy bien montadas, ejecutadas y con una puesta en escena impresionante.

El vestuario está maravilloso, los planos son calcados a los antiguos grabados que podemos ver del caso Dreyfus. Se nota mucho lo bien documentada que está la película. Los escenarios, la colocación de los actores, está todo totalmente medido para no perder nada de credibilidad.

Ya hemos hablado de Jean Dujardin, pero su compañero en la distancia, Louis Garrel (‘Mujercitas’), nos deja a un Alfred Dreyfus abatido y desdichado. Decir que el trabajo de caracterización es magnífico. Si tenéis curiosidad podéis buscar imágenes del protagonista real y está calcado.

Como curiosidad, el título original de la cinta es ‘J’accuse’, que es el título que el escrito Èmile Zola escribió en defensa de Dreyfus y por el que fue acusado y encarcelado.

Aunque tenga sus fallas, ‘El oficial y el espía’ es una buena película, quizás demasiado larga, pues se mete en historias secundarias que en mi humilde opinión alargan la película sin necesidad. No es la mejor película de Polanski, pero sí que es cierto que esta historia desconocida es bastante interesante y merece mucho la pena conocerla.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de enero 2020. Título original: J’accuse. Duración: 126 min. País: Francia. Dirección: Roman Polanski. Guión: Roman Polanski (novela: Robert Harris). Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Pawel Edelman. Reparto principal: Jean Dujardin, Louis Garrel, Emmanuelle Seigner, Grégory Gadebois, Didier Sandre, Eric Ruf. Producción: Lègende Films, Eliseo Cinema, Canal+, France 2. Distribución: Caramel Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/pelicula/el_oficial_y_el_espia

Crítica: ‘Richard Jewell’

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«Hay una bomba en Centennial Park. Tienen treinta minutos”. Richard Jewell es el guardia de seguridad que informa de haber encontrado el dispositivo del atentado terrorista que tuvo lugar en los Juegos de Atlanta de 1996; su informe lo convierte en un héroe ya que su reacción rápida permite salvar muchísimas vidas. Pero en cuestión de días, el aspirante a policía se convierte en el sospechoso número uno del FBI. Vilipendiado por la prensa y la gente por igual, su vida queda destrozada. Jewell contacta con el abogado independiente y anti-establishment Watson Bryant y le confiesa que es absolutamente inocente. Pero Bryant descubre lo difícil que es luchar contra el poder del FBI, del GBI (Georgia Bureau of Investigation) y del APD (Atlanta Police Department) para limpiar el nombre de su cliente. Además, debe evitar que Richard confíe en las personas que intentan destruirlo.

Crítica

Richard Jewell nos hace reencontrarnos con el mejor Eastwood

Empieza la película con una secuencia que nos explica básicamente la trayectoria profesional de Richard Jewell y nos le ubica en las Olimpiadas de Atlanta 96. Todos empiezan a bailar ‘La Macarena’ y literalmente he dicho «pero Clint, qué es esto Clint». No ha pasado nada, es normal, fue la canción de aquel año y la bailó hasta Clinton, la película ha continuado bien. Al final he agradecido que haya sido finalmente Clint Eastwood quien tras idas y venidas de proyectos y quien tras bailes de unos directores u otros se haya hecho cargo de ‘Richard Jewell’. El filme es una muy buena conjunción de talentosos actores, de gran ritmo, de acierto en el enfoque y de argumento diferente.

Durante los Juegos Olímpicos de Atlanta 96 hubo un atentado cuyo daño se minimizó al detectar la bolsa en la que había un artefacto explosivo. El ahora ya fallecido señor Jewell fue el que detectó la mochila. Sería más o menos resuelto o diligente en los momentos previos al atentado pero esa heroicidad está probada. De lo que trata la película y por lo que merece la pena rescatar este hecho es por hablar de la capacidad que tienen las autoridades o los medios de comunicación de destrozar una vida o de trastocar la verdad para sacar beneficio o poder rendir cuentas ante sus superiores. Podemos hablar de Richard Jewell pero ¿cuántos casos habrá de acusados injustamente a los que se les ha trastocado toda su existencia, se les ha exculpado y sin embargo los medios no han usado la misma fuerza para restaurar el daño ocasionado? Pasó de héroe nacional a lo que se denominó «person of interest», sospechoso de terrorismo. La prensa amarilla que por desgracia tanto pulula por ahí hoy en día o que tanto se ejercita en las redes sociales en los noventa pulverizó a esta persona.

Esta historia basada en hechos reales que se ha hilado basándose en una novela y en un artículo de una revista escrito por Marie Brenner os va a llegar muy a fondo. Tiene un par de discursos sobre la privacidad o la verdad que están muy en boga, que se tendrían que haber revisado años atrás. Diversas escenas, como la que protagoniza Kathy Bates en rueda de prensa o en la que Paul Walter Hauser habla sobre las implicaciones de declararle culpable por detectar una mochila peligrosa, os van a poner los pelos de punta. Personas que en España hayan vivido atentados como el 11M por ejemplo van a poner aún más en valor lo que pueden implicar casos como este.

Es muy grande, enorme, el parecido físico entre el Jewell original y el actor y monologuista Paul Walter Hauser (‘Yo, Tonya’). Tal es así que nos mezclan secuencias de archivo con entrevistas y de escenas rodadas por Clint Eastwood y no nos damos cuenta. Es una muy buena tarea de montaje y rodaje que se nota sobre todo cuando saltamos de imágenes en alta calidad a las antiguas o a las que se les ha puesto un filtro con el color y las características rayas de las televisiones de tubo. Todo esto le da una gran veracidad al filme, a lo que se suma el hecho de que se ha grabado el atentado en el mismo lugar en el que sucedió.

Paul Walter Hauser ejemplifica a un hombre honesto, trabajador, enmadrado y obsesionado con el orden y la ley. Supongo que han extraído algo de su personalidad de las entrevistas que concedió cuando adquirió fama y con eso han esbozado un personaje que se acercará más o menos a la realidad. Lo cierto es que me viene a importar más bien poco esa exactitud, lo que valoro más es como se adecua su actuación al discurso de la película que va en contra del abuso del sistema y del acoso de la prensa. Le apoya muy bien en ese sentido Sam Rockwell que como siempre está espléndido.

Clint Eastwood acude a uno de sus temas recurrentes, las personas más vulnerables son hostigadas por los poderosos. Por el camino hace uso de herramientas que sabe emplear muy bien como la rabia o el humor irónico. Jonah Hill y Leonardo DiCaprio entre otros avalan como productores esta película aunque en su momento barajaron interpretar algún papel en ella. Prefiero verla tal y como nos la han presentado pues me gusta la sintonía que ha conseguido Eastwood en pantalla, la cual se acerca sin superar a la de sus grandes títulos como director.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de enero de 2020. Título original: Richard Jewell. Duración: 131 min País: EE.UU. Dirección: Clint Eastwood. Guion: Marie Brenner, Billy Ray. Música: Arturo Sandoval. Fotografía: Yves Bélanger. Reparto principal: Paul Walter Hauser, Sam Rockwell, Olivia Wilde, Kathy Bates, Jon Hamm. Producción: 75 year plan productions, Appian way, Misher Films, The Malpaso Company, Warner Bros. Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama. Web oficial: http://www.richardjewellmovie.net/

Crítica: ‘Mujercitas’

Sinopsis

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La directora y guionista Greta Gerwig (Lady Bird) ha creado una Mujercitas que se inspira tanto en la novela clásica como en los escritos de Louisa May Alcott, y se desarrolla mientras el alter ego de la autora, Jo March, reflexiona sobre su vida ficticia. En la versión de Gerwig, la querida historia de las hermanas March -cuatro jóvenes mujeres decididas a vivir la vida según sus propias normas- es atemporal y a la vez de total actualidad. Los personajes de Jo, Meg, Amy y Beth March, están interpretados por Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh y Eliza Scanlen, con Timothée Chalamet como su vecino Laurie, Laura Dern como Marmee, y Meryl Streep como la Tía March.

Crítica

Greta Gerwig nos da una preciosa visión de ‘Mujercitas’

Es una de la películas que más esperaba este año y por fin la he podido ver y disfrutar. Os hablo de ‘Mujercitas’, una nueva adaptación de la novela de Louisa May Alcott la cual nos cuenta sus propias experiencias de su niñez. La película nos lleva a la vida de cuatro hermanas, Meg, Jo, Beth y Amy, desde su adolescencia hasta llegar a la adultez, con la Guerra Civil de los Estados Unidos como telón de fondo.

Greta Gerwig crea una magnífica y novedosa adaptación, con todo el amor y cariño hacia la obra, nos muestra mediante flashback toda la vida de nuestras protagonistas. Sin perder ningún detalle de la historia original.

Me ha gustado toda la ambientación, una película muy luminosa, llena de colores preciosistas y con unas imágenes que bien podría haberlas sacado de cuadros de Joaquín Sorolla o de Pierre–Auguste Renoir.

Todo esto acompañado por la magnífica música de Alexandre Desplat (‘La forma del agua’), que decir de él que no se haya dicho. Me encantan todos los temas a piano que ha creado para la cinta, dando más vida, si se puede, a la historia que Greta nos está contando.

Creo que es una película que va a gustar a todo el mundo. Bastante actual en su tema principal, la cinta nos muestra a cuatro mujeres con muchos sueños, que quieren trabajar y no tener que ser dependientes de sus maridos. Aunque la mayoría de ellas quieran casarse y formar una bella familia. Todas ellas bien entrenadas en diferentes artes, actuación, pintura, música y escritura. Es una época demasiado difícil para tener este tipo de pensamientos, pero aún así nos muestran muy bien como con pequeños detalles ellas van tomando iniciativas en algunas decisiones.

En este caso el papel de Jo, interpretado por Saoirse Ronan, nos demuestra que con constancia y mucho sufrir, los sueños se cumplen, aun estando en un mundo que aún no está preparado para ella. La actriz le da la fuerza necesaria a este personaje tan tenaz y luchador.

Otro de los nombres a destacar en la cinta es el de Florence Pugh, actriz a la que aún no había tenido el honor de ver actuar y me parece impecable. Adoro su interpretación como Amy, ese descaro, esa maldad de la adolescencia y a la vez bondad que refleja con solo una mirada. De lo mejor de la película sin ninguna duda.

Del resto del reparto femenino podemos ver a Meryl Streep, con un personaje bastante caricaturizado. Laura Dern en el papel de la madre nos regala una interpretación muy bonita y tierna. Emma Watson y Eliza Scanlen, son las encargadas de dar vida a Meg y Beth respectivamente.

En el reparto masculino encontramos grandes nombres como Tracy Letts, Bob Odenkirk, James Norton, Louis Garrel o Chris Cooper. Pero destacamos a uno de ellos por encima de todos, para mi sorpresa, pues no es un actor santo de mi devoción (lo sé muchos me odiaréis), tengo que decir que Timothée Chalamet está magnífico como el joven Laurie.

Como he dicho al comienzo, creo que al amor que procesa Greta Gerwig a esta historia es tan grande que ha creado una obra preciosa. Un buen regalo de Navidad y un buen día sin duda para disfrutar del cine en familia. 

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de diciembre de 2019. Título original: Little Women. Duración: 135 min. País: Estados Unidos. Dirección: Greta Gerwig. Guión: Greta Gerwig (novela Louisa May Alcott). Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Yorick Le Saux. Reparto principal: Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Laura Dern, Timothée Chalamet, Tracy Letts, Bob Odenkirk, James Norton, Chris Cooper, Meryl Streep. Producción: Columbia Pictures, Sony Pictures Entertainment, Regency Enterprises. Distribución: Sony Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://www.littlewomen.movie/

Lo que más nos ha gustado del cine de 2019 por categorías

Recapitulación de todo un año de estrenos

Nunca nos ha gustado otorgar puntuaciones ni hacer rankings, no nos gustan los balances cuantitativos si no cualitativos. Es por eso que a finales de año simplemente nos gusta recoger ese montón de películas que más huella nos ha dejado, sin más orden que las categorías o géneros al que pertenecen, como hacemos año tras año.

El equipo de Moviementarios se ha reunido haciendo gala de su pluralidad y ha hecho recapitulación de todo lo que se ha estrenado en España durante este 2019, intentando no dejarse en el tintero nada de lo aparecido ni en salas ni en plataformas digitales, perdonen los descuidos.

Este año hemos podido ver y reseñar más de dos centenares películas, si no están las que os gustan o bien es porque no coincidimos en criterio o bien es porque no las hemos visto. En 2018 incluimos entre nuestros favoritos una grandísima parte de títulos que luego fueron premiados, esperamos tener el mismo tino esta temporada.

Españolas

Comedia

Ciencia ficción

Terror

Thriller

Drama

Animación

Documental

Peores

Crítica: ‘Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho, ahora?’

Sinopsis

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Tras ver a sus hijas casarse con un musulmán, un judío, un chino y un africano, Claude y Marie Verneuil se enfrentan a una nueva crisis. Sus cuatro yernos, Rachid, David, Chao y Charles, están decididos a abandonar Francia con sus esposas e hijos para probar fortuna en el extranjero. Incapaces de imaginar a su familia lejos de ellos, Claude y Marie harán todo lo posible para retenerlos.

Crítica

La familia crece y se desmorona en esta maravillosa comedia francesa

Hace unas semanas tuvimos la gran oportunidad de estar con Christian Clavier y Philippe de Chauveron (aquí tenéis el enlace a las entrevistas) para charlar sobre ‘Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho, ahora?‘ y ya por fin os hablamos de esta divertida secuela.

Estamos en una época en la que las segundas partes están al orden del día y es algo que suele dar bastante miedo por si pierden la esencia de su predecesora. Podemos decir que con esta cinta no ha sucedido, la esencia sigue y el humor tan característico que pudimos ver en la primera parte sigue aquí.

Una familia que crece y se desmorona a la vez, es lo que vamos a poder ver esta vez en las salas de cine. Los yernos de nuestros protagonistas deciden poner tierra de por medio para poder rehacer una vida que Francia les está poniendo muy difícil. Los negocios van mal, el no poder encontrar un trabajo normal a causa del color de piel o incluso el miedo hipócrita racial de uno de estos personajes hace que todos lleguen a la misma conclusión. Volver a los países que vieron nacer a sus padres.

A partir de aquí Marie y Claude Verneuil se ponen manos a la obra para convencerles de que Francia no es el mal y que podrían vivir como ellos quisieran siempre y cuando se alejaran de la gran ciudad.

Una verdadera oda a la provincia francesa, gran protagonista de esta cinta y es que si no termináis deseando viajar a la zona del Loira, es que no habéis prestado atención a la película. Bellos paisajes, castillos y por supuesto su gastronomía hacen que ‘Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho, ahora?‘ sea además de una gran comedia, una guía turística por esta zona tan bonita de Francia.

El humor no se pierde en esta nueva historia, aunque tanto Marie como Claude evolucionan bastante desde la boda de su hija pequeña, aun tienen detalles que afinar para no ofender a sus yernos.

El personaje de Chantal Lauby se convierte en una abuela 2.0 capaz de manejarse maravillosamente con las nuevas tecnologías, para poder entender a sus nietos y no quedarse atrás en su aprendizaje. Mientras que Claude se jubila y ha encontrado una nueva meta en la vida.

Vuelve a repetir todo el reparto, incluso Pascal N’Zonzi se vuelve a pasear por Francia, dándonos el toque más exagerado a la cinta. Pero no todo son caras conocidas, si no que tendremos al pobre Arash, un inmigrante que acaba viviendo junto al matrimonio Verneuil.

Se acercan bonitas fechas para estar con la familia y sin duda ir al cine a ver esta cinta es uno de los mejores planes que podréis hacer todos juntos.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de diciembre 2019. Título original: Qu’est-ce qu’on a encore fait au bon Dieu? Duración: 99 min. País: Francia. Dirección: Philippe de Chauveron. Guión: Guy Laurent y Philippe de Chauveron. Música: Marc Chouarain. Fotografía: Stéphane Le Parc. Reparto principal: Christian Clavier, Chantal Lauby, Ary Abittan, Medi Sadoun, Fréderic Chau, Noom Diawara, Frédèrique Bel, Julia Piaton, Émile  Caen, Élodie Fontan, Pascal N’Zonzi. Producción: Les Films Du Premier. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/1037/dios-mio-pero-que-te-hemos-hecho-ahora/

Crítica: ‘Peckinpah suite’

Sinopsis

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Peckinpa Suite se acerca a la figura de Sam Peckinpah, director de películas como ‘Grupo salvaje’ o ‘La balada de Cable Hogue’, a través de la mirada de su hija menor, Lupita Peckinpah.

Crítica

Conociendo a Sam Peckinpah desde su habitación

Hace ya 35 años que Sam Peckinpah murió en Los Ángeles, después de dejar cintas como ‘Grupo Salvaje’, ‘La balada de Cable Hogue’ o ‘Perros de paja’. Y hemos podido ver el documental que Pedro González Bermúdez (‘Nostromo: el sueño imposible de David Lean’) ha creado para rescatar esta figura del cine de acción y del western.

El documental nos lleva a un viaje hacia Montana, exactamente hacia Livingston, una ciudad bastante estancada arquitectónicamente en el tiempo. Aquí pasó sus último días Sam Peckintpah y aquí nos vamos junto a su hija, Lupita Peckinpah para conocer la historia de este director.

La primera parada es en el Hotel Murray, aquí Sam vivió en una de sus habitaciones, que hoy en día lleva su nombre, Suite Sam Peckinpah, y es donde conocemos las primeras leyendas de este hombre. Su mal humor, sus paranoias por culpa de distintas adicciones…

Paseamos por las calles de la ciudad y vamos conociendo a distintas personas, ciudadanos que no conocen nada acerca de este director y jóvenes que sí, estudiantes de cine que nos muestran lo importante que fue Peckinpah. Pues muchas películas actuales beben de sus filmes y de sus recursos. Tanto las cámaras rápidas como las lentas, eran utilizadas en el cine de Sam para dar la sensación de acción real en las películas.

Lupita también nos va contando la vida de sus padres, como se conocieron y como vivieron una historia de amor eterna y distante. No voy a contar mucho acerca de esto pues merece la pena enterarse por la melodiosa voz de Lupita ya que es una bella historia.

El documental es muy ameno, no es el primero que veo de Pedro González Bermúdez y está claro que siempre se junta con los mejores. La película técnicamente es preciosa. Las imágenes, los reflejos, las luces, todo ello unido a una preciosa banda sonora hace que esta historia sea una delicia para todos los gustos.

Una de las cosas que más me ha gustado, han sido las distintas entrevistas que hemos podido ver. Sam Peckinpah era un hombre bastante complicado y se ve perfectamente como los periodistas le llegaban a tener bastante respeto e incluso temor.

No conocía nada acerca de este director y puedo decir que gracias a este documental no es que me hayan entrado ganas de ver su cine si no que también nos dan ganas de adentrarnos y conocer más acerca de la vida de este cineaseta adelantado a su tiempo. 

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de diciembre 2019. Título original: Peckinpah Suite. Duración: 65 min. País: España. Dirección: Pedro González Bermúdez. Guión: Pedro González Bermúdez, Lupita Peckinpah. Fotografía: Raúl Cadenas. Reparto principal: Lupita Peckinpah. Producción: TCM Distribución: TCM. Género: Documental. Web oficial: https://canaltcm.com/descubriendo-a-sam-peckinpah/

Crítica: ‘Jumanji: siguiente nivel’

Sinopsis

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En ‘Jumanji: Siguiente nivel’, vuelve la pandilla, pero el juego ha cambiado. Cuando regresan a Jumanji para rescatar a uno de los suyos, descubren que nada es lo que esperaban. Los jugadores deberán enfrentarse a lugares desconocidos e inexplorados, desde áridos desiertos hasta montañas nevadas, para escapar del juego más peligroso del mundo.

Crítica

Un juego de roles adaptado y divertido

Con el remake/continuación que se lanzó en 2017 (crítica aquí) Sony Pictures encontró la fórmula para reinventar o más bien habría que decir, adaptar a nuestros tiempos, una película tan entrañable y mítica como es ‘Jumanji’. Superado ese reto, que no quiero decir con eso que superada la original, nos llega ‘Jumanji: siguiente nivel’ para ampliar horizontes. Continúa así la comedia y el espectáculo que tanto se amolda a los gustos actuales, consiguiendo embelesar mínimamente a grandes que pueden sentir nostalgia por la película que contaba con Robin Williams y a pequeños que están descubriendo un nuevo mundo.

Sera por tan buen resultado que Sony ha contado con el mismo elenco de responsables: el director Jake Kasdan (‘New Girl’) y como guionistas el mismo Kasdan con Scott Rosenberg y Jeff Pinkner. Incluso en la fotografía y en la música encontramos a los dos mismos artífices, Gyula Pados y Henry Jackman. Para que cambiar si todo ha ido como la seda en el primer intento.

También regresan los mismos protagonistas y como decía antes, haciendo las delicias de los nostálgicos sumando a actores como Danny DeVito o Danny Glover. Por lo tanto contamos en el reparto con Dwayne Johnson, Karen Gillan, Jack Black, Kevin Hart, Alex Wolff, Nick Jonas, Madison Iseman, Ser’Darius Blain, Morgan Turner, Rhys Darby, Colin Hanks… A ellos se le suman nombres conocidos como Awkwafina, John Ross Bowie o Rory McCann, el cual tiene su propio guiño a ‘Juego de Tronos’.

Se podría decir que esta es la cuarta entrega de la saga junto con el ‘Jumanji’ original, la de 2017 y la olvidable ‘Zathura’. El espíritu de la película de Joe Johnston y la novela de Chris Van Allsburg ya está muy diluido y salvo por algún que otro gesto o cameo no se percibe. El humor es más desenfadado, algo más atrevido que en las películas que han hecho antes. La acción solo es ligeramente más espectacular y se van casi a lo postapocalíptico. Sí que es verdad que este Jumanji sigue siendo algo tramposete y también se dedica a darles a sus protagonistas una buena lección de karma y reconciliación pero el canal es marcadamente diferente. Se llama ‘Siguiente nivel’ pero no por el hecho de que el reto sea más difícil para los protagonistas sino porque nos lleva a lugares nuevos que no están ubicados en la clásica jungla de Jumanji.

El elenco actoral parece que se lo ha pasado pipa y no solo por participar en una película tan cómica y aventurera, si no por ejercer este juego de roles. A veces parece que hacen falta estas propuestas para recordarles que su trabajo es interpretar personajes, no que sus personajes deben ser como la imagen que intentan vender de sí mismos. Si en la anterior parte nos partimos de risa con Jack Black haciendo de chica encerrada en su rechoncho cuerpo en esta no ha sido para menos con su nuevo papel. Pero debería decir que con quién más me he reído en esta ocasión es con Awkwafina en los momentos en los que hace de viejo cascarrabias o con Kevin Hart metido en el papel de carroza parlanchín. También te tronchas con Danny DeVito dando vueltas por su casa.

La copla de ‘Jumanji: siguiente nivel’ es la misma. Perplejidad de los protagonistas cuando se les incluye en el juego, cachondeo con el personaje que les ha tocado a unos y a otros y al igual que en los juegos de rol cabreo o sorpresa cuando unos u otros tienen que hacer uso de sus habilidades con más o menos eficiencia. Sí que es una novedad la inclusión de los familiares o los nuevos territorios pero no va mucho más allá, ni falta que le hace para ser un entretenimiento familiar, como lo era la original, solo que las familias de hoy en día demandan este otro tipo de esparcimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de diciembre de 2019. Título original: Jumanji: next level. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Jake Kasdan. Guion: Scott Rosenberg, Jake Kasdan, Jeff Pinkner. Música: Henry Jackman. Fotografía: Gyula Pados. Reparto principal: Dwayne Johnson, Karen Gillan, Jack Black, Kevin Hart, Awkwafina, Danny DeVito, Colin Hanks, Alex Wolff, Nick Jonas, Danny Glover, Madison Iseman, Ashley Scott, Dania Ramirez, Rhys Darby, Rory McCann, Morgan Turner, Ser’Darius William Blain, John Ross Bowie. Producción: Sony Pictures, Radar Pictures, Seven Bucks Productions, Matt Tolmach Productions. Distribución: Sony  Pictures. Género: aventuras, comedia. Web oficial: https://www.jumanjimovie.com/

Crítica: ‘Próxima’

Sinopsis

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Sarah es una astronauta francesa que se entrena en la Agencia Espacial Europea en Colonia. Es la única mujer dentro del exigente programa. Vive sola con Stella, su hija de siete años. Sarah se siente culpable por no poder pasar más tiempo con la niña. Su amor es abrumador, inquietante. Cuando Sarah es elegida para formar parte de la tripulación de una misión espacial de un año de duración llamada Próxima, se produce el caos en la relación entre madre e hija.

Crítica

No está basada en hechos reales pero se diría que trata sobre una realidad muy próxima

Una astronauta francesa (Eva Green) se prepara para realizar un viaje de un año por el espacio. Se enfrenta a duras pruebas físicas y psicológicas y a la vez ha de lidiar con el futuro que le espera, dejar a su hija Stella atrás en la Tierra. Mientras intenta compaginar su complejo trabajo con los sentimientos de su hija es tratada con deferencia por alguno de sus compañeros, lo cual no pone las cosas nada fáciles.

Cabe destacar que ‘Próxima’ es más que un acercamiento al mundo de los astronautas. Alice Winocour, con la colaboración del guionista Jean-Stéphane Bron, realizan una visión muy detallada de todos los pormenores, ambientes y dilemas en los que se ve inmersa cualquier persona que quiera llegar a subirse a un cohete y salir de nuestra atmósfera. Y voy más allá de la puesta en escena o los lugares donde se ha rodado, pues han estado filmando en el centro de entrenamiento de la ESA. Me refiero a que Winocour consigue retratar de manera muy íntima y profunda la mente de un futuro tripulante de nave espacial.

Sobre todo el discurso de esta tercera película de Winocour transcurre por las vías de lo maternal y lo femenino. Es obvio que la película tiene un fuerte alegato feminista debido no solo a su protagonista, sino a los que la rodean. Esto es debido a que se plasman multitud de micro-machismos y de comportamientos o protocolos desconsiderados para con la mujer. Sutiles miradas a sus pechos, caballerosidad condescendiente, situaciones incomodas por frases desatinadas en público… Toda exposición que la directora ofrece a través del personaje de la aspirante a astronauta se centra en mostrar los impedimentos (tanto voluntarios como involuntarios) que tiene su principal personaje para alcanzar su sueño.

Relación madre e hija con mucha comprensión de por medio. Así es como se percibe la historia entre la científica francesa y su niña de siete años. Ambas se ven forzadas a ponerse en el lugar de la otra pero los sentimientos florecen en momentos puntuales, como es razonable. Winocour ha entrenado muy bien tanto a sus actores como a sus personajes para asimilar la magnitud de la historia que tenían por delante. La escena en la que Zélie Boulant (Stella) habla a su próxima cuidadora o responsable mientras que Eva Green mira contenida y preocupada me parece que dice casi todo de la película.

Por estos dos alegatos puedo afirmar que esta película ya ha transcurrido en la realidad, sin necesidad de colocar a Marte en el punto de mira. Es la historia real de muchas mujeres, no solo astronautas, que en sus trabajos o entornos sociales sienten faltas de respeto y son subestimadas. Uno llega a estas conclusiones sin que la película sea exacerbadamente agresiva o se plante a soltar diatribas. La mesura que ha demostrado Alice Winocour marca un punto a seguir a la hora de defender su causa.

Eva Green está de diez. Eclipsa a compañeros tan talentosos como Matt Dillon y acalla a aquellos que la creían capaz solo de hacer papeles de femme fatale. Te crees su rol materno y te crees su labor como astronauta. Es curioso el juego de palabras pero para unas personas a las que les va a sobrar el espacio en su alrededor no hay espacio para las dudas o la indecisión. Esa ironía está muy presente en un personaje que claramente está en una continua encrucijada.

A la película solo le sobran algunos tópicos enmarcados en localismos o en meros detalles como el nombre de la niña Stella o su gata Laika. Pero no le restaría ninguna de sus escenas en las que queda patente que algunos asumen ciertas cosas como quien asimila el efecto de la gravedad como inevitable. No es una película pionera en aquello que quiere fundamentar, pero si la considero única en emplear un modo destacadamente diferente y acertado.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de diciembre. Título original: Proxima. Duración: 107 min. País: Francia. Dirección: Alice Winocour. Guion: Jean-Stéphane Bron, Alice Winocour. Música: Ryuichi Sakamoto. Fotografía: Georges Lechaptois. Reparto principal: Eva Green, Matt Dillon, Lars Eidinger, Sandra Hüller, Jan Oliver Schroeder, Nancy Tate, Marc Fischer, Zélie Boulant, Alexey Fateev, Vitaly Jay, Birger Frehse. Producción: Dharamsala, Pandora Films. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama. Web oficial: https://www.pandorafilm.com/filmography/proxima.html

Crítica: ‘La gran mentira’

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El estafador profesional Roy Courtnay (Ian McKellen) tiene en su punto de mira a Betty McLeish (Helen Mirren), una adinerada mujer que acaba de quedarse viuda. Y su objetivo es quedarse con todo. Pero a medida que van conociéndose, lo que tenía que ser otra sencilla estafa en su carrera delictiva, se convierte en un juego peligroso.

Crítica

Dos veteranos actores muy en forma

Dos grandes de la interpretación como Ian McKellen y Helen Mirren protagonizan casi en solitario ‘La gran mentira’. Les acompañan actores muy conocidos sobre todo por sus series como Russell Tovey  (‘Years and years’), Jim Carter (‘Dowton Abbey’), Mark Lewis Jones (‘Chernobyl’), Lucian Msamati (‘La materia oscura’) pero son los dos actores más veteranos de la cinta los que llevan con mucha gracia y elegancia este simpaticón thriller.

‘La gran mentira’ es un juego del gato y el ratón con un tono muy distendido en el que sus personajes y actores demuestran mucha clase, tanto que acaban metidos en la célebre sombrerería Lock & Co. La trama gira en torno lo poco fortuito y lo muy meditado, a una estafa llevada a cabo por un solterón timador chapado a la antigua y una supuesta desprotegida viuda que quiere hacer borrón y cuenta nueva. ‘La gran mentira’ nos tiene continuamente en vilo y con las sospechas detrás de la oreja mientras nos brida escenas muy amenas, con bastante estilo nos mantiene entretenidos.

Son curiosas las referencias cinematográficas que Bill Condon ha introducido en el filme. Probablemente de un modo satírico vemos a McKellen y a Mirren saliendo del cine tras ver ‘Malditos bastardos’. Sobre todo es curioso pensar en ello cuando llegamos al final de la película. Una conclusión que me ha parecido viable pero que dadas las pistas que hemos ido recogiendo está un poco sacada de la manga, es mucho más compleja y enrevesada de lo que podríamos imaginar, no da lugar a tener la sensación de encaje de piezas o que hayamos podido familiarizarnos con sus detalles. Esta es una película de mentirosos y desesperados donde el espectador quizá habría agradecido algún que otro indicio más de cómo iba a resolverse, por hacer pensar y por preparar mejor su sorpresa. Ir más allá de algo tan sutil como ver a McKellen leyendo Der Spiegel habría sido más eficiente. Pero en líneas generales la trama atrapa por su sinvergonzonería.

La novela de Nicholas Searle ha sido adaptada por el director de películas como ‘Chicago’, ‘La bella y la bestia’ o ‘Crepúsculo: Amanecer’. Un cineasta capaz de lo mejor y lo peor que ha dirigido varias veces a McKellen, esta es la cuarta en concreto. En esa elección, en la de sus actores en general, está el mayor acierto de la película. En ‘La gran mentira’ nos demuestran todos un gran estado de forma. Es una de esas películas donde los actores actúan mientras sus personajes también interpretan un papel.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2019. Título original: The good liar. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Bill Condon. Guion: Jeffrey Hatcher. Música: Carter Burwell. Fotografía: Tobias A. Schilessler. Reparto principal: Helen Mirren, Ian McKellen, Russell Tovey, Jim Carter, Mark Lewis Jones, Phil Dunster, Lucian Msamati. Producción: New Line Cinema, BRON Studios, Creative Wealth  Media Finance. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: thriller, drama. Web oficial: https://www.warnerbros.es/la-gran-mentira

Crítica: ‘Los ángeles de Charlie’

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Elizabeth Banks toma las riendas de la dirección mientras la nueva generación de intrépidas Ángeles de Charlie levanta el vuelo. En la atrevida visión de Banks, Kristen Stewart, Naomi Scott y Ella Balinska trabajan para el misterioso Charles Townsend, cuya Agencia de seguridad e investigación se ha expandido internacionalmente. Con las mujeres más valientes, inteligentes y mejor entrenadas, ahora hay equipos de Ángeles dirigidos por múltiples Bosleys realizando los trabajos más duros por todo el mundo. El guion es de Elizabeth Banks, escrito desde una historia de Evan Spiliotopoulos y David Auburn.

Crítica

La franquicia renace para posiblemente morir en el intento

Allá por 1976 nació la serie original que duró 5 temporadas. Se trataba de una agencia de detectives que tenía a tres mujeres ex policías que no podían sacar todo su potencial en el cuerpo y que son contratadas por una agencia privada de detectives con un misterioso jefe (Charlie) al que solo se le escuchaba la voz y nunca se le veía.

La serie de ‘Los Ángeles de Charlie’ no es que fuera nada del otro mundo pero en aquella época mostraba a tres mujeres que tenían la oportunidad de mostrar todo su potencial utilizando su atractivo físico y sus habilidades policiales. También tenía su mensaje feminista, teniendo en cuenta el contexto histórico y todo el peso de la serie recaía en sus protagonistas.

Una banda sonora pegadiza y unas protagonistas féminas con cierto carisma, vestidas con conjuntos de lo más vistosos que marcaron cierta tendencia de moda, más que preparadas y metidas en un coctail de acción dramática era todo lo necesario para que la serie cosechase éxitos de audiencia.

En el año 2000, 19 años después del final de la serie, se hizo la adapatación a la gran pantalla.

En este caso eran Drew Barrymore, Camerón Diaz y Lucy Liu las actrices que tomaron el relevo de ‘Los ángeles de Charlie’. Decir que eran actrices que en ese momento gozaban de fama y aportaban su carisma para que la cinta resultara más atractiva al público de aquel entonces. Pese a todo, la película no cosechó buenas críticas pero no puedo negar que visualmente estaba repleta de acción con escenas coreografiadas de cierta calidad que nos podían recordar a la cinta ‘Matrix’. Eso hacía que fuera entretenida de ver y tampoco creo que tuviera más pretensiones. Tuvo una secuela que no superó el nivel de la primera y quedó en el olvido hasta 2011 donde sacaron un reboot de la serie original. Una temporada y 8 episodios.

La historia no parecía que diese para más… hasta hoy.

El reto parecía claro: mejorar guión, mejorarla técnicamente con los medios actuales y escoger un trío de protagonistas solvente.

Y aquí nos encontramos con las nuevas ángeles: Kristen Stewart, Naomi Scott y él bellezón de Ella Balinska, ayudadas por la más veterana Naomi Scott.

A mi entender no superan a las de la película del año 2000 ni en carisma ni en interpretaciones. Bastante planas excepto Kristen Stewart, a la que se le ve esforzarse más por darle un matiz diferente a su personaje, pero que consigue en varios momentos sobreactuar más que otra cosa.

El reparto tiene nombres conocidos como el de Patrick Stewart (desdibujado en esta historia) y actores de probado talento como Jonathan Tucker (véase la serie ‘Kingdom’) que solo tienen una palabra en su guión (ni siquiera una frase). Es algo que me cuesta entender.

El guión que es de usar y tirar. Quiere mostrarnos un nuevo comienzo uniendo a tres ángeles otra vez con diversas capacidades especiales. Da lo suficiente como para entretener pero el montaje y la dirección se queda a la misma altura: Pobre.

Me atrevo a decir que aunque el comienzo de estos ‘Ángeles de Charlie’ promete con la típica secuencia de acción inicial, luego se desinfla y lo que es peor, no está ni siquiera en su conjunto a la altura del remake del principio del año 2000. Las escenas de acción visualmente son peores, el montaje más alocado que coherente y el resto tampoco ayuda a que despegue la cinta.

No niego que pude pasar un rato entretenido, pero ni siquiera el humor de este tipo de películas llega a ser un punto destacado, con apenas 2 o 3 momentos simpáticos. Producción en resumen floja (tampoco lo anterior visto había puesto el listón muy alto), falta de carisma y eficiencia a la hora de la dirección y el montaje, con poca química en general entre sus personajes y que no aporta nada al género.  Si la intención era resucitar la franquicia en estos tiempos de falta de ideas, me temo que quizás le hayan dado el golpe de gracia para enterrarla para siempre.

Un quiero y no puedo, que no deja de entretener y que acabará en un cajón de nuestra memoria olvidada en poco tiempo.

Si Charlie asomara la cabeza…

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2019. Título original: Charlie’s Angels. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Elizabeth Banks. Guion: Elizabeth Banks. Música: Brian Tyler. Fotografía: Bill Pope. Reparto principal: Kristen Stewart, Naomi Scott, Ella Balinska, Elizabeth Banks, Djimon Hounsou, Sam Claflin, Noah Centineo, Patrick Stewart. Producción: Columbia Pictures, Studio Babelsberg, 2.0 Entertainment, Brownstone Pictures, Sony Pictures, Perfect World Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: acción. Web oficial: https://www.charliesangels.movie/

Crítica: ‘Le Mans ’66’

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En 1959, Carroll Shelby (Matt Damon) está en la cima del mundo tras ganar la carrera más difícil del automovilismo, las 24 horas de Le Mans. Pero su mayor triunfo ve acompañado seguidamente de un duro golpe—los médicos le advierten al intrépido tejano que tiene una cardiopatía que le impedirá pilotar. En lugar de hundirse Shelby se reinventa ingeniosamente como diseñador de coches y comercial en una fábrica de Venice Beach con un equipo de ingenieros y mecánicos entre los que se encuentran el irascible conductor de pruebas Ken Miles (Christian Bale).Premiado piloto de carreras de nacionalidad británica, Miles es un hombre de familia y es brillanteal volante, pero también desmesuradamente franco, arrogante, e inflexible.

Cuando un vehículo de Shelby sorprende en Le Mans frente al venerable italiano Enzo Ferrari, Ford Motor Company recluta al visionario para diseñar el coche de carreras más avanzado, una máquina capaz de ganarle incluso a Ferrari en la implacable pista francesa. Listos para triunfar aunque tienen todas las de perder, Shelby, Miles y su ecléctico equipo desafiarán las interferencias corporativas, las leyes de la física y hasta sus demonios personales para desarrollar un vehículo revolucionario capaz de vencer a todos sus competidores. Pero su incansable esfuerzo tendrá sus consecuencias—para estos valientes la victoria tiene un precio.

Crítica

Una de locos por alcanzar metas, pero sin una visión relevante

Un pedazo de historia automovilística es lo que nos cuenta James Mangold a través de sus protagonistas interpretados por Christian Bale (Ken Miles) y Matt Damon (Carroll Shelby). Me gustaría poder decir que lo de pedazo lo empleo como sinónimo de grande o brillante pero realmente poco puedo usar esos calificativos ya que aunque narra muy bien una parte del mundo de las carreras y el desarrollo tecnológico de los coches no me ha parecido nada innovadora ni diferenciada con respecto a otras muchas películas deportivas.

La trama se centra en dos locos de los coches que en varios sentidos solo buscan alcanzar sus metas. Uno impulsivo y otro con don de gentes. Dos personajes talentosos, con amplios conocimientos de la mecánica de autos que se miran el uno al otro para contenerse o lidiar con las trabas que impiden alcanzar sus objetivos. Los logros que persiguen no solo constan en llegar el primero a la meta, sino también en ser los mejores desarrollando coches y aplicar sus ideas por encima de lo impuesto por grandes y tradicionales marcas. En ese enfrentamiento si encuentro un discurso curioso, que nos enfrenta lo corporativo a lo deportivo, que hace luchar los bolsillos contra las pasiones. En ‘Le Mans ‘66’ se ilustra con meridiana claridad por qué a veces se antepone lo comercial y la prioridad de marca por encima del genuino talento. Y por qué no, también se podría decir que hay alguna que otra escena en contra del llamado postureo.

Por lo demás solo veo el clásico David contra Goliat (de ahí el título original ‘Ford v Ferrari’ que remarca la diferencias de ambas casas en los circuitos) en un estreno que viniendo de quien viene irónicamente puja contra la supremacía corporativa. Lo modesto y eficiente contra lo opulento y desfasado. Es una película en la que casi todos son rápidos y astutos como zorros pero en la que hay pocos grises, es casi todo blanco o negro.

Y me da rabia porque el director de películas tan buenas como ‘Logan’ o ‘En la cuerda floja’ es capaz de narrar muy bien cómo es una competición. Pero se pasa y se recrea con un tramo final que roza los cuarenta y cinco minutos de coches en Le Mans. Los pormenores de un enfrentamiento como las 24 Horas de Le Mans están bastante bien explicados, pero alguna elipsis no habría venido mal. También me fastidia porque para mí esta era una película encabezada por dos actores a los que considero con talento y carisma. Pero no he sentido esta vez nada especial por sus personajes.

En resumen podríamos decir que esta habría sido una gran visión sobre la competencia deportiva convertida en comercial. De cómo un juego y una disputa mecánica se convirtió en el campo de batalla de egos y logotipos. Pero el esquema predecible y nada novedoso que tiene impide que sus virtudes destaquen o sirvan solo como mera curiosidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de noviembre de 2019. Título original: Ford v Ferrari. Duración: 152 min. País: EE.UU. Dirección: James Mangold. Guion: Jason Keller, James Mangold, Jez Butterworth, John-Henry Butterworth. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Phedon Papamichael. Reparto principal: Christian Bale, Matt Damon, Jon Bernthal, Caitiona Balfe, Tracy Letts, Josh Lucas. Producción: Chermin Entertainment, 20th Century Fox. Distribución: 20th Century Fox. Género: hechos reales, drama, deportes. Web oficial: http://www.fox.es/le-mans-66

Crítica: ‘Midway’

Sinopsis

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1942, Segunda Guerra Mundial. Después del devastador ataque sorpresa que destruyó Pearl Harbor, la Armada Imperial Japonesa se prepara para un nuevo ataque. Pero el Almirante Nimitz (Woody Harrelson) y Dick Best (Ed Skrein), el mejor piloto de la armada estadounidense, preparan un contraataque al imponente ejército japonés. Dick encabezará un ataque masivo que hará que Japón se dé cuenta de su error. Una decisión que cambió el curso de la historia para siempre.

Crítica

El exceso de un director alemán con un patriotismo norteamericano desorbitado

La contienda sucedida en Midway ha encontrado de nuevo su lugar en el cine más de 75 años después de que tuviese lugar en el marco de la II Guerra Mundial. Roland Emmerich nos tiene acostumbrados a las películas bélicas o con mucha destrucción, pero lo cierto es que no nos sumergía en una contienda armada y basada en hechos reales desde que en el año 2000 estrenase ‘El patriota’. Vuelve por lo tanto a los derroteros del cine de explosiones y exaltación del patriotismo norteamericano con una película que se estrena poco después de haber sido hallados en el mar varios navíos de esta batalla.

Emmerich y el guionista Van Tooke (‘Colony’) han querido ser muy fieles a la realidad. Hay algo que se percibe en la película y son los muchos detalles, gestas y eventos que son históricamente muy exactos. Muchos datos de hecho surgen del libro ‘Batalla de Midway’ escrito por el soldado Geoge Gay, que tuvo que ser rescatado de las aguas del Pacífico tras la batalla y al cual vemos en la película interpretado por Brandon Sklenar.

Esa re-construcción de un lance históricamente aproximado es lo que ha hecho que la película no sea tan emocionante ni espectacular como suelen ser los títulos de Emmerich. De hecho se deja muchos flecos a cerrar con los cartelones finales e introduce muchas partes que realmente no nos aportan gran cosa. Como el ver de nuevo el ataque a Pearl Harbor, las escenas del submarino, las de las esposas de los aviadores o la presencia de John Ford (Geoffrey Blake) en el frente grabando el documental que luego fue galardonado con el Oscar. Se podría decir que toda la película es como una expansión del documental de Ford. Porque, eso sí, los pormenores, la estrategia, los aciertos y errores, todo lo acontecido en esos días sobre el océano está muy bien explicado.

Si lo que buscáis es un patriotismo desorbitado aquí lo tenéis. Todos y cada uno de los personajes interpretados por Ed Skrein, Woody Harrelson, Patrick Wilson, Luke Evans, Aaron Eckhart, Nick Jonas, Dennis Quaid… contribuyen a reproducir los tópicos de los militares norteamericanos que habitualmente hemos visto en cine. Sus frases, posturas y gestos construyen una alabanza a aquellos soldados que consiguieron provocar la huída de los japoneses. Y por otro lado la película también hace un esfuerzo por congratularse con los chinos ofreciendo una pequeña trama en la China invadida por el país del sol naciente. Algo que no me extraña tampoco que se haga pues la producción del filme se debe en buena parte a capital chino.

Emmerich ha vuelto a las hazañas aéreas repletas de héroes como en ‘Independence Day’, solo que esta vez sus armas apuntan hacia el mar y no hacia el espacio. De nuevo deja claro que la construcción de los dramas y los personajes no son lo suyo, que el espectáculo visual es lo que se le da mejor. Porque cuando de verdad se sumerge en la acción es cuando la cinta realmente tiene algunos destellos de luz. Sobre todo si hay algo que me gusta de ‘Midway’ es su nivel de detalle y exactitud con los aviones, los barcos o las armas de la época.

Esta es una historia de testosterona, de aguerridos, de osados y de comprometidos. Parece que hay que tener un poco de todo eso para trabajar realmente con Emmerich y es por eso tal vez que repiten con él actores como Dennis Quaid o Woody Harrelson. Pero también repiten habituales que están tras las cámaras como los compositores Harald Kloser o Thomas Wanker, quienes han puesto música a casi toda la filmografía del director. En ‘Midway’ si que hacen un buen trabajo que dista de la música que John Williams hizo para la película que protagonizaron Charlton Heston, Henry Fonda, Glenn Ford y compañía.

Casi siempre he gozado las películas desatadas de Emmerich como ‘Independence Day’ o ‘El día de mañana’, yo le guardo cariño por ‘Stargate’ o su ‘Godzilla’. Pero últimamente tras la segunda parte de ‘Independence Day’ y esto, aunque haga taquilla, en lo que a mí respecta se le va acabando el crédito.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre de 2019. Título original: Midway. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Roland Emmerich. Guion: Wes Tooke. Música: Harald Kloser, Thomas Wanker. Fotografía: Robby Baumgartner. Reparto principal: Ed Skrein, Woody Harrelson, Patrick Wilson, Luke Evans, Aaron Eckhart, Nick Jonas, Mandy Moore, Dennis Quaid, Darren Criss, Luke Kleintank, Alexander Ludwig, Mark Rolston, James Carpinello, Tadanobu Asano, Jake Manley, Ellen Dubin, Keean Johnson, Kevan Ohtsji, Brandon Sklenar, Russell Dennis Lewis, Tyler Elliot Burke, Nobuya Shimamoto, Garret Sato, Robert Crooks, Johan Strombergsson-Denora, Alexandre Dubois, Michael Daniel Murphy, Jason Smiley, Dean Schaller, Adam Rogers, Svitlana Campbell, James Hicks. Producción: Centropolis Entertainment, Starlight Culture Entertainment Group, The Mark Gordon Company, Entertainment One, RuYi Media, Street Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: hechos reales, bélico. Web oficial: https://www.diamondfilms.es/pelicula/midway

Crítica: ‘El irlandés’

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En esta aclamada película de Martin Scorsese, el sicario Frank Sheeran rememora los secretos que guardó por lealtad a la familia mafiosa de los Bufalino.

Crítica

Sobredosis de Scorsese a visionar acompañado de café irlandés

Los primeros comentarios eran ciertos, la expectativa por el reparto se ha cumplido, el talento de Scorsese sigue intacto, efectivamente ‘El irlandés’ es una gran película. A estas alturas después de vítores y adulaciones sobra decirlo, ahora solo falta que algún premio grande respalde esta producción de Netflix que hasta se plantea en forma de serie para su visionado en la plataforma tras su paso por salas de cine.

Engancharse a esta película es quedarse sumergido en los trasuntos de toda una vida. Una vida de los protagonistas y del propio cineasta que la ha creado, Martin Scorsese. Como un estudiante loco por mostrar todo lo aprendido el director neoyorkino aplica todo lo asimilado durante una excelsa carrera. ‘El irlandés’ goza de todas las virtudes de un excelente narrador de historias, de esos que hacen que una película parezca el recuerdo de nuestras propias vivencias, más real que la misma historia real en la que se basa. Esto tampoco sería posible sin la mano en la escritura de Steven Zaillan (‘American Gangster’, ‘Gangs of New York’), que hace que en tres horas y media no necesitemos un clímax concreto y que no se perciba en ningún momento que nos cuentan lances sobrantes. Eso sí, para los no acostumbrados a un cine sosegado y construido quizá es recomendable cambiar las palomitas por un café bien cargado.

En ‘El irlandés’ vemos una vez más esa especie de obsesión del director y el guionista por las historias cotidianas de los bajos fondos y la mafia. Muy unido a la realidad está el relato que se atreve a arrojar luz sobre la desaparición de un nombre muy incrustado en la cultura popular norteamericana como es el de Jimmy Hoffa. Hemos oído citarle, casi siempre con humor negro, en ‘Los Simpsons’, ‘Los Soprano’, ‘Breaking Bad’, ‘Fringe’, ‘Frasier’, ‘Ghost’… Y ahora Scorsese arriesga sabiendo el magnetismo y el morbo que despierta esa figura.

Aunque realmente ha hecho algo cómodo para él. Ha contado con un elenco que cuenta con muchos de sus amigos o habituales (Robert de Niro, Joe Pesci) y se ha rodeado de un diseño de producción muy propio de su filmografía. Pero por otro lado me encanta ver como un director con tanta solera es capaz de adaptarse a los nuevos tiempos en lo que a técnica se refiere. Y es que además del modo en cómo está rodado el filme vemos caras rejuvenecidas digitalmente. La película se abre y cierra con el título ‘I heard you paint houses’ haciendo referencia a la novela de Charles Brandt de la que se extrae. Y efectivamente el principal protagonista de la cinta, Frank Sheeran (Robert de Niro) parece que además de contarnos la historia a nosotros se la narra al escritor para que transcriba sus palabras. En ese recorrido vemos varias etapas de la vida del sicario de la mafia y es por eso que se ha rejuvenecido digitalmente a varios de los principales actores. El trabajo de CGI es apabullante, deja como un trabajo con Paint a muchos de los deepfakes que pululan por Internet. El problema es que, sobre todo en casos como el de De Niro, los movimientos del cuerpo son excesivamente de hombre de avanzada edad, no concuerdan con el rostro joven que vemos. Sin embargo Pesci lo ha hecho mejor en casi toda la película, si se me permite decirlo, ostenta para mí la mejor interpretación. Podría parecer que a quien más se le debería exigir es a Al Pacino, que es quien interpreta al famoso Hoffa, pero este se sale muy poco de su estilo habitual, aunque con ello brille.

‘Joker’ referenciaba mucho al cine de Scorsese y lo imitaba hasta el punto de conseguirle nuevos fans al director. Pero ‘El irlandés’ llega justo después para demostrar que no hay nada como el propio Scorsese para hacer uso de lo que hasta se puede considerar una auténtica imagen de marca.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de noviembre de 2019 (cines) 27 de noviembre de 2019 (Netflix). Título original: The irishman. Duración: 210 min. País: EE.UU. Dirección: Martin Scorsese. Guion: Steven Zaillan. Música: Robbie Robertson. Fotografía: Rodrigo Prieto. Reparto principal: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel, Ray Romano, Bobby Cannavale, Anna Paquin, Stephen Graham, Stephanie Kurtzuba, Jack Huston, Kathrine Narducci, Jesse Plemons, Domenick Lombardozzi, Paul Herman, Gary Basaraba, Marin Ireland. Producción: Netflix, Sikelia Productions, Tribeca Productions. Distribución: Netflix. Género: drama, hechos reales. Web oficial: www.netflix.com/theirishman

Crítica: ‘Legado en los huesos’

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Un año después de resolver los crímenes que aterrorizaron al pueblo de Baztán, la inspectora Amaia Salazar acude embarazada al juicio contra Jason Medina, el padrastro de Johana Márquez, acusado de violar, mutilar y asesinar a la joven imitando el modus operandi del basajaun. Pero, tras el suicidio del acusado, el juicio debe cancelarse, y Amaia es reclamada por la policía porque se ha hallado una nota suicida dirigida a la inspectora, una nota que contienen un escueto e inquietante mensaje: “Tarttalo”. Esa sola palabra destapará una trama terrorífica tras la búsqueda de la verdad.

Crítica

‘Legado en los huesos’ nos hace regresar a un Elizondo mucho más oscuro

Dos años después volvemos al Valle del Baztán y de nuevo coincidimos con Amaia Salazar unos meses después de haber logrado terminar el caso del Basajaun. Volviendo a su trabajo después de ser madre, la investigadora tendrá que enfrentarse a un nuevo misterio que esta vez viene a atacarla directamente a ella y a su familia.

En esta trama conoceremos mucho más del pasado de Amaia y entenderemos muchos de los sueños que pudimos ver en ‘El guardián invisible’ . Con ellos comprenderemos los grandes miedos y obsesiones de esta mujer.

‘Legado en los huesos’ sigue la estela de su primera parte y no ha perdido para nada el espíritu y sobriedad que ‘El guardián invisible’ tenía.

Continuando con el anterior párrafo, todo sigue igual de bien gracias a que tanto director, guionista y actores siguen dentro del proyecto, tanto, que está cinta se ha grabado conjuntamente con la tercera parte.

Marta Etura vuelve a reencarnarse en Amaia Salazar, una mujer fuerte y sin escrúpulos que en esta segunda parte vemos como evoluciona al tener una pequeña criatura a su cuidado. Sus miedos salen de su escondite para demostrarnos que en el fondo es una mujer frágil.

Elvira Mínguez, Miquel Fernández, Francesc Orella, Pedro Casablanc, Nene, Itziar Aizpuru, vuelven a la saga con más misterio del norte español. Pero también tenemos caras nuevas en esta cinta que vienen para quedarse, Leonardo Sbaraglia e Imanol Arias nos regalan dos personajes misteriosos e interesantes a partes iguales.

Como lectora del libro debo de decir que pese a que la película puede ser algo liosa, al final todo cuadra y se debe de reconocer el buen trabajo de Luis Berdejo a la hora de escribir el guión. El libro tiene un montón de historias secundarias que el guionista ha sabido compactar o quitar sin desmerecer nada la historia principal y el relato de Dolores Redondo.

Otra de las cosas a destacar es toda la atmósfera de la película, no solo nos la muestran los actores con su sobriedad, si no también toda la lluvia, la oscuridad, esa sensación que da ver Elizondo todo el día con agua por todos lados, como si una maldición estuviese acuciando no solo a las personas que viven allí, sino a todo el entorno natural.

Xavi Giménez es el encargado de la dirección de fotografía. Esta vez no se impone tanto la naturaleza como las personas, el daño que está haciendo el Tartallo es más psicológico y eso lo podemos ver gracias a los retratos de todos nuestros protagonistas que Xavi Giménez compone en la cinta.

Fernando González Molina nos da un buen thriller para poder ver en el cine. Una historia muy interesante y misteriosa que nos dejará con ganas de más.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de diciembre 2019. Título original: Legado en los huesos. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Fernando González Molina. Guion: Luis Berdejo (novela de Dolores Redondo). Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Xavi Giménez. Reparto principal: Marta Etura, Leonardo Sbaraglia, Elvira Mínguez, Pedro Casablanc, Francesc Orella, Paco Tous, Carlos Librado “Nene”, Itziar Aizpuru. Colin McFarlane, . Producción: Atresmedia Cine, Nadcon Film, Nostromo Pictures. Distribución: DeAplaneta. Género: Misterio. Web oficial: http://www.legadoenloshuesos.com/

Crítica: ‘La hija de un ladrón’

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Sara (Greta Fernández) ha estado sola toda su vida. Tiene 22 años y un bebé, su deseo es formar una familia normal junto a su hermano pequeño y el padre de su hijo. Su padre, Manuel (Eduard Fernández), tras años de ausencia y al salir de la cárcel, decide reaparecer en sus vidas. Sara sabe que él es el principal obstáculo en sus planes y toma una decisión difícil: alejarlo de ella y de su hermano.

Crítica

No me ha robado ni el corazón ni el interés

Padre e hija en la realidad y ahora también por primera vez en la ficción. Eduard y Greta Fernández actúan juntos en ‘La hija de un ladrón’. Si Eduard Fernández acostumbraba a robarnos nuestros aplausos ahora ejerce de auténtico ladrón en la película de Belén Funes en la que el personaje de Greta tiene la difícil papeleta de marcar las distancias con un padre que puede ser el impedimento para llevar la vida que ella quiere. Funes ha estado haciendo las veces de asistenta de dirección de autores como Jaume Balagueró o Paco Plaza y ahora se estrena con su primera película dirigida íntegramente por ella.

El filme está sobre todo protagonizado por Greta Fernández. En torno a ella giran los actores que hacen del padre de su hijo, de su hermano, de sus compañeras de piso… La historia no profundiza en otros personajes que no sea el suyo, como era de esperar al leer el título. Ni siquiera necesita hablarnos de ese padre, delincuente, que ha salido de la cárcel y no nos dicen debido a qué, se intuye evidentemente que por haber robado algo como indica el título. Pero el título a mi me hace también referencia al tiempo robado, a esa vida familiar que les ha arrebatado el personaje de Eduard Fernández a sus hijos dejándoles solos. Porque al fin y al cabo la película el único discurso que maneja bien es el de alguien que tiene miedo a quedarse desamparado o solo. Y para eso desarrolla un continuo tira y afloja de la protagonista con el resto del mundo.

‘La hija de un ladrón’ nos habla de una historia totalmente mundana, ordinaria, que puede ser aquel chismorreo sobre un conocido o vecino que te han llegado a contar. De igual modo que la película es realista, muy creíble, muy tangible tenemos la sensación de que vemos una historia poco trascendental, poco transgresora y carente de interés. Esa falta de atractivo en su argumento no va acompañada de unas interpretaciones fuera de lo común. De hecho, sobre todo en el caso de Greta Fernández, tenemos una actuación en la que vuelve a llevarse a su personaje a lo mismo de siempre. Esto es. Cada vez que interpreta un nuevo papel lo aborda desde un tono que dota a sus personajes de bordería e inexpresividad. Y esto lo he podido comprobar en trabajos recientes y relevantes como ‘Matar al padre’ o ‘Elisa y Marcela’.

‘La hija de un ladrón’ ya le ha servido a Greta Fernández para ganar algún que otro premio, entre los que destacan la Concha de Plata. Personalmente no comparto esos reconocimientos. No me ha transmitido emoción ni le he visto sustancia al filme.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de noviembre de 2019. Título original: La hija de un ladrón. Duración: 102 min. País: España. Dirección: Belén Funes. Guion: Belén Funes, Marçal Cebrian. Fotografía: Neus Ollé. Reparto principal: Eduard Fernández, Greta Fernández, Álex Monner, María Rodríguez Soto. Producción: Oberon Cinematográfica, BTeamProds. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: http://bteampictures.es/la-hija-de-un-ladron/

Crítica: ‘El tiempo contigo’

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Primer año de instituto, verano. Hodaka huye de su casa en una isla periférica para asentarse en Tokio. Sumido en la pobreza y tras muchos días de soledad, al fin encuentra trabajo como escritor freelance en una dudosa revista de ocultismo. Un día tras otro, llueve sin cesar como si siguiera el ejemplo de su vida. Sin embargo, Hodaka conoce a una chica entre el ajetreo y el bullicio de la gran ciudad. Hina es una chica alegre y de carácter fuerte que vive sola con su pequeño hermano por una serie de circunstancias. Ella también tiene un extraño poder. «Oye, todo se despejará ahora». Poco a poco, la lluvia se detiene y el paisaje urbano emite un hermoso resplandor. Hina tiene el poder de despejar el cielo simplemente rezando…

Crítica

Makoto Shinkai se consolida como un poeta de lo visual y de lo fantástico

Makoto Shinkai fue el director del gran éxito de animación japonesa ‘Your name’. Ahora bajo el sello de la misma productora, CoMix Wave Films, estrena nueva película en España tras pasar por varios festivales permaneciendo muy en la línea de su último trabajo. ‘El tiempo contigo’ supone una historia de amor con mucho toque fantástico que además rinde homenaje a aquellos que aman lo misterioso y lo desconocido.

A parte de ‘Your name’ (algunos personajes de esta se cruzan con los de ‘El tiempo contigo’) va muy en sintonía con películas modernas como ‘A silent voice’, ‘Quiero comerme tu páncreas’, ‘Mirai’ o ‘Fireworks’. Simulación de amplios movimientos de cámara, ambientes realistas, argumentos con protagonistas adolescentes, muy vivarachos y casi siempre, no en todos los casos, con un componente de ciencia ficción que les une. Pero sobretodo es la gran capacidad visual de los estudios nipones la que hace que estemos ante una nueva generación de portentos animados. En concreto en ‘El tiempo contigo’ se ha hecho un espectacular trabajo con la ciudad de Tokio, las nubes y con elementos como el agua o la luz. Son muchas las escenas en las que el líquido elemento está muy presente, constantemente diría yo, pero hay otros espectáculos como los fuegos artificiales, que últimamente aparecen en casi todos los animes.

Esta película que Japón quiere poner en los Oscars 2020 se ambienta en un extraño verano de aguaceros y tormentas. La lluvia no cesa mientras conocemos a un huidizo chiquillo, un reportero de lo insólito que trabaja con su sobrina y una joven que es capaz de detener la lluvia por unos instantes en la zona en la que se halla. La concepción de los personajes está bastante estilizada y siempre están rodeados de ricas texturas y de una alta cantidad de detalles. Los japoneses son considerados por películas así como maestros de la animación.

Reconozco que me trago todo tipo de cine, pero en concreto en el anime me ganan más con una narración tipo Seinen o Shōnen. Está claro que el género al que pertenece ‘El tiempo conmigo’ no es mi género, está más cerca del anime del tipo Shojo con una historia de amor como hilo central. El título no habla solo de la capacidad de la protagonista para parar la lluvia, también habla del periplo de tiempo que pasan los protagonistas juntos y que sirve para desarrollar un amorío. El filme tiene también un ligero toque de los animes Ecchi, por el carácter tontorrón y a veces mirón de su protagonista masculino. Es un anime que puede parecer para adolescentes pero tiene toques muy adultos . Shinkai ha logrado moverse bien en estos parámetros generando un interés continuo, no aburre, no llega a ser pasteloso, del tipo Shojo i josei.

El director ha vuelto a emplear una banda sonora realizada por Radwimps. No es que yo tienda a disfrutar los temas pop pero al menos los de este filme no te sacan de la historia y no se abusa de ellos. En lo que se refiere al resto de canciones que componen la música de la película me parece muy correctos, acompañan a la poesía visual que domina el filme.

No sé si llegará a los Oscar, desde luego de hacerlo no creo que se imponga a películas como ‘Parásitos’. Pero al menos ya ostenta el logro de ser la primera película anime estrenada de un modo oficial en cines de la India, alguna tenía que conseguirlo y esta no es moco de pavo.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de noviembre de 2019. Título original: Tenki no ko (Weathering With You). Duración: 112 min. País: japón. Dirección: Makoto Shinkai. Guion: Makoto Shinkai. Música: Radwimps. Fotografía: Ryôsuke Tsuda. Producción: CoMix Wave Films. Distribución: SelectaVisión. Género: animación, drama, fantasía. Web oficial: https://www.selecta-vision.com/prensa/post/el-tiempo-contigo

Crítica: ‘Puñales por la espalda’

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Cuando el renombrado novelista de misterio Harlan Thrombey (Christopher Plummer) es encontrado muerto en su mansión justo después de su 85 cumpleaños, el inquisitivo y cortés detective Benoit Blanc (Daniel Craig) es misteriosamente reclutado para investigar. Entre la familia disfuncional de Harlan y su devoto personal, Blanc se mueve entre una red de pistas falsas y mentiras interesadas para tratar de descubrir la verdad tras la prematura muerte de Harlan.

Crítica

‘Puñales por la espalda’ es una magnífica modernización de un género muy clásico

Podría decir que esta es la primera película en la que aparece Ana de Armas que quedo completamente contento y además satisfecho con la actuación de la protagonista. ‘Puñales por la espalda’ tiene un reparto enorme pero la atención recae claramente en la actriz cubana. La película escrita y dirigida Rian Johnson abre con la actriz para dejarla después un poco en suspense y seguidamente emplearla permanentemente como el centro de atención. Esta es una película muy coral donde vamos dados de la mano a De Armas y un excelente Daniel Craig.

Es un filme en el que hay que desentrañar una muerte, el enigma a resolver son sus causas y sus ejecutores, si es que los hay. Para ello se tira de manual y se ponen sobre el tablero unas fichas que parecen sacadas del cluedo o de cualquier otra historia clásica de Agatha Christie, Sherlock Holmes o Jessica Fletcher.  Un detective perspicaz y peculiar reúne a un variopinto clan para esclarecer lo que ha sucedido en la casa del cabeza de familia. Una casa con mucho atractivo visual, llena de detalles y de los recuerdos de un escritor de novelas de secretos y asesinatos. Puede parecer algo muy trillado pero ‘Puñales por la espalda’ está muy lejos de resultar manida. Es una película muy fresca que hace constantemente referencia y homenaje al cine policíaco y de misterio. Se ríe abiertamente del tipo de películas a las que pertenece pero desde un respeto auténtico.

El tono del filme es cómico pero mantiene paralelamente un tenso drama y por supuesto una intriga que va despejándose o complicándose según van apareciendo más y más giros de guión. El libreto tiene la maestría de hacernos sentir ante un relato con elementos muy previsibles y en esa predisposición en la que nos coloca nos pilla desprevenidos. Rian Johnson consigue sorprender, encaja muy bien las piezas, mucho mejor que en complejas producciones como ‘Looper’ o ‘Los últimos jedi’.

‘Puñales por la espalda’ es una grata modernización de un género muy clásico. Es capaz de saltar con un ritmo actual de un personaje o de un momento a otro. Cuando pensamos que hemos cerrado la historia de alguno de sus protagonistas nos aborda con novedades y no se deja ningún detalle por cerrar o explicar. Esa es la razón por la que, aunque tengamos gran parte de la verdad ante nosotros, necesitamos seguir viéndola, para saber cómo acaba todo el intríngulis que se ha generado y para descubrir al cien por cien cómo ha llegado cada trama del punto de partida al instante final. Y con un reparto tan simpaticón, carismático y entregado a esta comedia tan elaborada no es de extrañar que la película enganche: Ana De Armas, Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collete, Christopher Plummer, Jaeden Martell… Todos son capaces de ejercer las extravagancias de la familia Thrombey, de aportar su granito de misterio y de contribuir poco a poco y con gracia a la gran revelación final.

Al margen de involucrarnos con nuestras sospechas y teorías en la película, Rian Johnson es capaz de introducir en este filme un mensaje social. Una lección de karma, prejuicios y sesgos que mantiene hasta el final con un plano muy clarificador en el que Ana de Armas está por todo lo alto. Me gusta como ha tirado de sarcasmo en ‘Puñales por la espalda’ y en cómo juega con el espectador. Siempre tendría que haber propuestas así de alocadas y tan bien planificadas en el cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de noviembre de 2019. Título original: Knives Out. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Rian Johnson. Guion: Rian Johnson. Música: Nathan Johnson. Fotografía: Steve Yedlin. Reparto principal: Ana De Armas, Daniel Craig, Chris Evans, Jamie Lee Curtis, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collete, Christopher Plummer, Jaeden Martell, Katherine Langford, Rikki Lindhome, Lakeith Stanfield, Frank Oz, Noah Segan, M. Emmet Walsh. Producción: Filmnation Entertainment, Ram Bergman Productions, Media Rights Capital (MRC). Distribución: eOne Films. Género: misterio, crimen. Web oficial: https://knivesout.movie/

Crítica: ‘Pirámides murcianas’

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¿Existen restos de pirámides alienígenas en la región de Murcia? Descúbrelo en el insólito documental ‘Pirámides Murcianas’. Un recorrido por los lugares más enigmáticos de Murcia, tratando de dar respuesta a lo inexplicable.

Exponemos nuestro periplo sucedido en los lugares más enigmáticos de la Región de Murcia.

Barajando diferentes hipótesis, planteamos la posibilidad de la existencia de estructuras piramidales modificadas por el paso del tiempo; atravesando el prisma de la traslación temporal, encontramos los lugares que dan pie a nuestra teoría.

Este documental está conducido por el investigador Miguel G. Díaz, quien recorriendo la Región, encuentra las localizaciones que demuestran la viabilidad de este planteamiento; cruzando unas veces la frontera de lo quimérico y explorando otras opciones que anteriormente podríamos considerar intransitables.

Asimismo, cuenta con la cooperación de expertos en materias diferentes, como son: Isabel de Farnesio, Liana Guadaño e Íñigo Rodríguez.

Sin dejar de lado el humor, Las Pirámides Murcianas nos sumergen en un universo nuevo, donde nada es lo que acostumbramos a ver y todo toma un nuevo significado.

Nuestra propuesta comienza a finales del verano de 2016 en el núcleo de dos formaciones de música electrónica que cuentan con un amplio bagaje en la escena de clubes y festivales: Substuff y Los Puzzle.

Nace con la intención de proyectar sus temas a una nueva dimensión, repleta de misticismo, proporcionando un reto intelectual para ellos, como es la creación de una obra cinematográfica de calidad.

Esta iniciativa crece a lo largo de los años sucesivos entre un equipo artístico de profesionales de la imagen y del sonido, que incorporan en cada pieza una porción de sí mismos, consiguiendo así que el espectador no quede indiferente.

Esperamos que disfrutéis tanto como nosotros con esta experiencia.

Crítica

De pirámides murcianas con marcianos

Nacida realmente como una iniciativa para promocionar un álbum musical y surgida de la imaginación del director que mientras iba al trabajo vio una montaña con forma piramidal, se ha gestado ‘Pirámides murcianas’. Un documental de ficción con un inmenso sentido del humor y una forma de narrar tan descabellada como los argumentos que esgrime.

La banda sonora de ‘Pirámides murcianas’ realizada por formaciones de música electrónica podría formar parte de un space opera de los ochenta. Y precisamente al espacio nos lleva una y otra vez, pues como si de un documental del Canal Historia se tratase, alude una y otra vez a la mano de los extraterrestres para dar voz a este pasmoso descubrimiento que se llega a relacionar con el mismísimo origen del ser humano.

Nombres como los Anunnaki, los cartaginenses o los egipcios están entremezclados con los «alienígenas ancestrales» y los pachequeros en esta disparatada teoría que afirma que podría haber diferentes pirámides en la región de Murcia. Tapadas con el paso del tiempo por la naturaleza, degradadas por la acción minera del hombre estas pirámides permanecen ocultas a nuestra vista y a nuestra lógica. El documental expone un sin fin de explicaciones y razonamientos de lo más disparatados entorno a enclaves como el Cabezo Gordo. Para ello pone sobre la mesa datos o casos reales como las pirámides bosnias para después usarlas a su favor de un modo treméndamente hilarante, inventándose razonamientos o tirando de pseudociencia.

Un investigador vestido como un Coronel Tapioca de Decathlon interpretado por el mismo director Miguel Guirado nos va explicando sus hipótesis. En ‘Pirámides murcianas’ estamos rodeados de simulaciones y recreaciones generadas por ordenador, es como si estuviésemos viendo un programa de las primeras temporadas de Cuarto Milenio, sin necesidad de aludir o reírse de este tipo de periodismo. Os podría decir que esta es una historia donde te empiezas a creer lo increíble, pero es que es todo tan descabellado que se percibe su evidente carácter paródico.

Si tenéis ocasión de ver la película en algún pase especial y os ponen la escena eliminada (por motivos de calidad de audio) en la que aparece Gustavo Biosca (el cómico suicida) la disfrutaréis aún más. Y si se lanzan a hacer la segunda parte que ya barruntan sus creadores os prometemos que nos la vemos en maratón con esta primera.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de marzo de 2019 (festivales). Título original: Pirámides murcianas. Duración: 7 min. País: España. Dirección: Miguel Guirado, Liana Guadaño. Guion: Miguel Guirado, Liana Guadaño. Música: Igor Gayarre, Technebro, Substuff, Los Puzle, Dr. Nipples. Fotografía: Simón Escudero. Reparto principal: Miguel Guirado, Liana Guadaño, Isabel de Farnesio, Íñigo Rodríguez, Gustavo Biosca. Producción: Biterat, Substuff. Género: documental, comedia. Web oficial: http://substuff.es/piramides-murcianas/

Crítica: ‘Historia de un matrimonio’

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Historia de un matrimonio es un retrato sensible e incisivo del cineasta nominado al Óscar, Noah Baumbach, sobre un matrimonio que se rompe y una familia que permanece unida. La película está protagonizada por Scarlett Johansson y Adam Driver. Completan el reparto Laura Dern, Alan Alda y Ray Liotta.

Crítica

Excelente película donde el amor y el dolor van de la misma mano

Según avanzaba ‘Historia de un matrimonio’ me venía todo el rato esta estrofa de M-Clan a la cabeza «Pero la realidad es que un muro de amor, no ha podido aguantar tanto tiempo la erosión«. Y es que está cinta va de eso, de un matrimonio que se quiere pero que ya no da más, la erosión ha destrozado todo lo que tenían y lo vas viendo segundo a segundo.

Noah Baumbach nos trae una historia demoledora, un relato de amor lleno de dolor. Capaz de hacerte llorar y a los pocos segundos tener que soltar una carcajada gracias a un guión que recorre la vida de dos personas durante el duro trámite de su divorcio. Ninguno de los dos quiere hacerse daño. Ninguno de los dos quiere dejar de ver a su hijo y al final deciden acudir a abogados para llegar a un acuerdo.

Una dura crítica hacia el mundo de las leyes, donde los abogados son auténticos monstruos que convencen a unos y a otros de como se tienen que hacer las cosas, que pedir o intentar hundir al contrincante con tal de no perder y llevarse el renombre.

Scarlett Johansson y Adam Driver están fabulosos, de nominación al Oscar obligados ambos y ojalá se lo llevaran. Ambos dan naturalidad a esta historia, sus miradas, sus gestos de cariño y de odio, sus lágrimas, son tan reales que te crees todas las situaciones que ocurren en la cinta. Ojalá verles trabajar juntos de nuevo, tienen una química estupenda.

Y qué decir de Laura Dern, si pido el Oscar para los dos protagonista, sería un error no dárselo esta mujer. Está impresionante como la abogada Noah, un papel de una mujer segura de sí misma, despiadada y que se desvive por su trabajo.

En el reparto también encontramos a Ray Liotta, otro de los abogados que tan mal hacen en esta relación y a Julie Hagerty (‘Aterriza como puedas‘) como la madre hippie y extraña de Nicole, el personaje de Scarlett. También encontramos nombres como Merritt Wever, Wallas Shawn, Alan Alda o Robert Smigel.

El guión es una verdadera montaña rusa de tantas emociones que sentimos al verla, me parece un gran acierto introducir esos momentos humorísticos para despejarnos un poco de tanto sufrimiento.

Pero no solo el guión consigue esto, sino que la música de Randy Newman, que decir del compositor de las bandas sonoras de ‘Toy Story’ o ‘Pleasantville’. Una maravilla, llena de tristeza sí, pero también llena de esperanza.

Poco más que decir, que ojalá se lleve muchos premios, por muy difícil que lo tenga este año. El 22 de noviembre la tendréis en varias salas de cine y a partir del 6 de diciembre podréis disfrutadla en Netflix, no perdáis la oportunidad e ir a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre. Título original: Marriage Story. Duración: 136 min. País: Estados Unidos. Dirección: Noah Baumbach. Guión: Noah Baumbach. Música: RAndy Newman. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Scarlett Johansson, Adam Driver, Laura Dern, Merrit Wever, Alan Alda, Mary Hollis Inboden, Amir Talaj, Ray Liotta. Producción: Netflix. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80223779

Crítica: ‘Un año más’

Sinopsis

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Desde muy joven, Paco ha sufrido problemas de pulmón. A los 24 años padeció un serio problema que lo colocó a las puertas de la muerte. Los médicos informaron que no había muchas expectativas. Rosa, su hermana, le comentó entonces que había que resistir, que la vida era demasiado valiosa como para dejarla escapar. Se prometieron mutuamente que, a partir de ese año, celebrarían cada anualidad su fiesta de cumpleaños como un festejo por haber resistido un año más. Y así lo hicieron, ese año celebraron el 25º aniversario por todo lo alto y así han seguido hasta el día de hoy.

Paco falleció a los 54 años de edad en pleno rodaje del documental pero se pasó la vida resistiendo. Además de sus problemas de salud, se enfrentó a los repudios de un sistema por el solo hecho de tener un cromosoma más en el par 21. En este sentido, en el sistema actual, ha habido avances, no los suficientes y el debate aún sigue vigente, pero Paco ha tenido que sufrir en sus carnes los señalamientos a su persona durante muchos años, en un país que intentaba dejar atrás una dictadura. Resistir por ser advertido como…diferente.

Crítica

Un tierno tratamiento de una lucha contra las barreras

Año 19 del siglo XXI, España. Dentro de un país que se tiene como avanzado o del primer mundo hay que dar ejemplo y romper barreras para acabar con todos aquellos sesgos, tópicos y tabúes con los que hemos crecido, que hemos heredado y eso hay que admitirlo sin pelos en la lengua. Para crecer como sociedad hemos de normalizar determinadas situaciones que hoy en día se distinguen como raras o diferentes. Uno de esos casos es el de personas con síndrome de down y ‘Un año más’ destaca una lucha entre muchas otras para intentar acabar por fin con todos los obstáculos.

Paco convivía con su hermana y con una afección pulmonar. Su gran pasión era la música como la de Manolo Escobar y la pintura. Su estilo de dibujo limpio y cubista le valió varios premios y exposiciones incluso en el extranjero. Premios que ganó sin tener que dar lástima por su síndrome de down y que han hecho que se ganase el respeto de muchos.

Lo que nos cuenta la película es una historia de resistencia que Paco Bernal mantuvo hasta su muerte durante el rodaje de este mismo documental. Una lucha en la que junto a su hermana Rosa Bernal se enfrentó a prejuicios y dificultades físicas causadas por un adenocarcicoma producido cuando él tenía 24 años. Tras aquella enfermedad Paco y sus amigos celebraron cada cumpleaños por todo lo grande, así hasta los 54, fiesta que vemos cómo se vive y se prepara.

El mensaje al que da voz Julio Suárez me parece claro. El modo no me parece del todo correcto. Está bien que haya imágenes que filmen fotografías o vídeos caseros que nos muestren el carácter tan afable del pintor afincado en Denia. Pero el documental tiene demasiado relleno, hay escenas que están excesivamente alargadas, pero puedo entender que tal vez no se consiguió metraje suficiente.

‘Un año más’ me parece un sentido homenaje pero por encima de todo me parece un tratamiento de una persona adulta con síndrome de down rara vez había visto antes en cine. Una manera de inmortalizar una lucha de él y de aquellos que le acompañaron hasta tal modo que se elimine el estigma que sufren aquellos que son como Paco, que como decía el título del documental de ‘Campeones’, no son ni distintos ni diferentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2019. Título original: Un año más. Duración: 73 min. País: España. Dirección: Julio Suárez. Guion: Julio Suárez. Fotografía: Aniol Pla-Gilbert Agüero. Reparto principal: Paco Bernal, Rosa Bernal, Angi Salazar, Jordi Mata, Carlos Muñoz. Producción: LGC Films. Distribución: Begin Again Films. Género: documental. Web oficial: http://beginagainfilms.es/un-ano-mas/

Crítica: ‘Historias de nuestro cine’

Sinopsis

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El 11 de mayo de 1896, en el circo Price, propiedad del ciudadano inglés William Parish, el húngaro Edwin Rousby, utilizando un animatógrafo, proyecta las primeras imágenes en movimiento que pudieron verse en España. A partir de este hecho, nuestro narrador, Antonio Resines, va desgranando anécdotas hasta lograr componer una asombrosa historia, la de nuestro cine. Esta narración se mezcla con testimonios de directores, actores y productores que van ilustradas con imágenes de las películas a las que se va haciendo referencia.

Crítica

Antonio Resines entre amigos nos cuenta la historia de nuestro cine

Hace poco os hablábamos de ‘Sesión salvaje’ un documental sobre el cine de «serie B» español. Hoy os traemos ‘Historias de nuestro cine’, un documental bastante más extenso dirigido por Antonio Resines y Ana Pérez-Lorente, que fue presentado en la sección Made in Spain del Festival de San Sebastián,

Durante dos horas daremos una pequeña vuelta sobre la historia del cine en España. La primera película rodada aquí, la primera cinta expuesta en una sala española, en concreto en el Circo Price, la censura y varias curiosidades que se nos irán mostrando durante las dos horas de documental.

Antonio Resines se encarga de llevar un sin fin de entrevistas con artistas de la talla de Fernando Trueba, David Trueba, Gracia Querejeta, Carlos Boyero, Jesús Bonilla, Fernando Colomo, Loles León, Enrique Cerezo, Ana Belén, Maribel Verdú, Carmen Maura o José Coronado entre otros.

La verdad que se hace muy ameno, divertido y con grandes anécdotas de los rodajes y de las películas.

Nos hablan de Segundo de Chomón, Chapalo Films, como apareció el doblaje en las películas, también conoceremos las películas favoritas de los artistas invitados.

Me ha gustado mucho la manera de cómo han llevado el documental, como he dicho muy divertido, se nota que son amigos entre sí y contestan libremente y entre risas a todas las preguntas que les hace Resines. La naturalidad ante todo es lo que vemos en este documental.

Gracias a estos «interrogatorios» a los artistas conocemos cosas como que Franco guionizó una película que el mismo censuró. O lo divertido que era Fernando Fernán Gómez o las primeras películas de Carmen Maura o Verónica Forqué.

Quizás sea difícil hacer llegar este documental al público general de las salas de cine, lo veo un poco específico para un público más cinéfilo y con ganas de aprender sobre el cine patrio. Pero no quita que pueda divertir y entretener a todo el mundo. Es muy interesante y ameno. Sin duda una muy buena opción para ver en las salas y salir deseando ver las películas sobre las que se hablan.

Yo solo espero que Antonio Resines y Ana Pérez-Lorente se decidan hacer una segunda parte de este documental para seguir conociendo nuestro cine y sus divertidas historias.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre 2019. Título original: Historias de nuestro cine. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Antonio Resines y Ana Pérez-Lorente. Guión: Ana Pérez-Lorente, Antonio Resines. Música: Emilio Aragón. Fotografía: Juan Molina. Reparto principal: Verónica Forqué, Maribel Verdú, Carmen Maura, Julia Gutiérrez Caba, David Trueba, Fernando Trueba, Antonio Resines, Gracia Querejeta, Carlos Boyero, El Gran Wyoming, Emilio Martínez-Lázaro, Emilio Gutiérrez Pereira, Fernando Colomo, Ana Belén, Fernando Méndez-Leite, Loles León, José Luis García Sánchez, Luis Alegre, Enrique Cerezo. Producción: Enrique Cerezo P.C. Distribución: Universal Pictures. Género: Documental.

Crítica: ‘Adiós’

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Sevilla. La muerte accidental de una niña en la barriada de Las Tres Mil Viviendas cae en manos de Eli, una inspectora que tendrá que lidiar con los recelos de Juan, padre de la niña fallecida y cabeza de familia del clan de Los Santos. El choque entre Eli y Juan por esclarecer la muerte de la pequeña, destapará ante ambos toda una red de secretos y mentiras que transitan a lo largo de la delgada y difusa línea que es la justicia.

Crítica

He sentido la pena y la ira de sus personajes

A todos los que tenéis prejuicios contra actores jóvenes españoles, yo os digo Adiós. A todos los que a estas alturas no conocéis el nombre de Paco Cabezas, yo os digo Adiós. Así de contundentemente os recomiendo este último estreno producido por Apache Films. No calificaría la nueva película del director sevillano como el filme del año pero si me parece una buena demostración de cómo puede hacerse cine en nuestra España más arraigada sin caer en los viejos tópicos y reforzando el valor de actores tan potentes como Mario Casas y Natalia de Molina.

Esta es una historia de cólera y dolor, de padres hijos y matriarcas, donde la ley callejera y gitana mantiene un pulso con los designios de la policía. Las Tres Mill Viviendas se presentan como un marco ideal en el que sus residentes arrojan lo poco que tienen, los escombros de su existencia a aquellos que no son bienvenidos. En ese escenario los protagonistas pierden la estrella polar que orientaba su vida y esta se llena de un ansia ciega de venganza, justicia y consuelo.

En esta historia de redención, custodia paternal y daño colateral nos rodea una vileza muy bien plasmada por Paco Cabezas y su excelente manera de rodar. Quizá a mi me sobren sus momentos musicales o las demasiadas escenas íntimas que se emplean para procurar sostener el drama a través de las apariciones de Natalia de Molina, pero es indudable que no hay escena en la que la cámara esté mal puesta o la secuencia no tenga el ritmo apropiado.

Sí que hay que admitir que el guión se amolda a muchas y muy estereotipadas historias de venganza, en las que el malo puede ser cualquiera, pero ‘Adiós’ no va de descubrir al malhechor teniendo una sorpresa final, va de acompañar a dos padres en su camino de despedida, o al menos así lo entiendo yo. Es un duelo cubierto de vendetta y supervivencia. Yo he sentido la pena y la ira de todos y cada uno de sus personajes.

He mencionado a Casas y Molina pero Ruth Diaz también vuelve a perfilarse como otra de las puestas seguras de nuestro cine. Papel que coge papel que hace que gane presencia en pantalla y en la trama. Obviamente los protagonistas son los padres que buscan justicia y sus actores lo hacen notar con interpretaciones en las que su acento andaluz no está exagerado ni estereotipado, como había oído decir a algunos que habían visto antes la película, no es esa mi opinión y lo ponía en duda siendo el director y algunos actores naturales de Andalucía.

Los tres actos del filme nos llevan por unas barriadas de luces y sombras en las que la luz que pasa a través de sus preciosas cristaleras deja pasar solo pequeños rayos de esperanza a sus habitantes. El viaje dura lo que una calcomanía y la vileza o la bajeza se adhiere de igual manera a la piel. A la salida de la película querríais daros un buen baño de agua y luz pero la última escena os va a ahorrar esa sensación porque se despide de un modo renovador y emotivo.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre. Título original: Adiós. Duración: 111 min. País: España. Dirección: Paco Cabezas. Guion: José Rodríguez, Carmen Jiménez, Paco Cabezas. Música: Zelita Montes. Fotografía: Pau Esteve Birba. Reparto principal: Mario Casas, Natalia de Molina, Ruth Díaz, Carlos Bardem, Mona Martínez, Vicente Romero. Producción: Apache Films, Adiós La Película AIE, La Claqueta, Sony Pictures International Productions, RTVE, Movistar+, ICAA, Orange, Junta de Andalucía. Distribución: Sony Pictures. Género: thriller, drama. Web oficial: http://www.sonypictures.es

Crítica: ‘Los miserables’

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Stéphane acaba de unirse a la Brigada de Lucha contra la Delincuencia de Montfermeil, un suburbio al este de París. Allí conoce a sus nuevos compañeros, Chris y Gwada, dos agentes experimentados en las enormes tensiones que existen entre los distintos grupos organizados por el control del barrio.

Crítica

A estos miserables les falta pan y les sobra circo

A partir de la incorporación de un policía de provincias a su nuevo puesto en una unidad de París Ladj Ly nos sumerge en las zonas más marginales de la capital francesa. Con una mecánica muy similar a la de ‘Training day’ vemos a través de los ojos del nuevo agente la situación que se vive en los barrios y sobre todo el cómo se gestiona de manos de la policía y de los que mandan realmente en las calles.

Al contrario que en la película de Fuqua no llegamos a una intensidad asfixiante aunque si a una tensión palpitante. Tenemos un mensaje mucho más trabajado que obviamente tiene que ver y no pierde de vista la obra de Victor Hugo.

‘Los miserables’ comienza hasta bromeando con tópicos propios de barrios marginales, con estereotipos sobre los inmigrantes e incluso con conceptos fascistas y racistas. Pero rápido vemos que sus intenciones son serias y que tiene protestas y virtudes muy modernas o actuales. Una de las cosas más importantes que ilustra es la presencia de la miseria en todos los bandos de la contienda que día a día se libra sobre el sucio asfalto, los rellanos en ruinas, las desprotegidas azoteas y las canchas de baloncesto al aire libre.

La apertura de ‘Los miserables’ nos señala que el opio del pueblo es el fútbol y cuando este va bien todo el mundo parece no tener de qué preocuparse. «Pan y circo» decía la locución latina y se podría aplicar eso mismo a la visión de Francia que nos ofrece Ladj Ly. La diferencia es que en esta parte del país galo falta pan y sobra circo. Tras hacerse los gallitos, tras intentar vivir bajo su propia ley, tras huir de lo impuesto… todos deben volver a su hogar y enfrentarse a lo miserables o mundanas que pueden ser sus vidas.

Me gusta su final no resuelto pues al fin y al cabo abarca un problema que aún no está zanjado. Nadie se libra de poder ser ajusticiado por unos o por otros. Eso nos gritan los planos cenitales a ojo de dron que nos dicen que desde arriba todos parecemos igual de culpables y de inocentes. ‘Los miserables’ mantiene su mirada fija en los disturbios franceses de 2005. Para ello el guión acierta a llevarnos por dos días multiculturales y llenos de rabia u odio contenido. Retrata la relación entre unos policías de diferente índole con unos ciudadanos de múltiples facetas, todos ellos con la firme creencia de creerse con toda la razón y tener todas las de ganar, es decir, infelices, incrédulos, miserables.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2019. Título original: Les misèrables. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: Ladj Ly. Guion: Ladj Ly, Giordano Gederlini, Alexis Manenti. Fotografía: Julien Poupard. Reparto principal: Damien Bonnard, Alexis Manenti, Djibril Zonga. Producción: Lily Films, Rectangle Productions, Srab Films, Canal+, Le Pacte. Distribución: Caramel Films. Género: dama, crimen. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/pelicula/los_miserables

Crítica: ‘Cómo ser un french lover’

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¿Cómo ser feliz y rico, sin trabajar? Siendo un gigoló.

Pero tras 25 años de vida en común con Denise, Alex, el gigoló, es despedido de la noche a la mañana, y se queda en la calle.

Obligado a irse a vivir a casa de su hermana y de su sobrino de 10 años, Alex solo piensa en una cosa: encontrar a otra rica heredera.

Crítica

A los franceses siempre se les ha dado mejor el arte de seducir

Olivier Baroux, El director de la saga ‘Le tuche’, continúa con las comedias versionando esta vez la película estadounidense ‘Instrucciones para ser un latin lover’. El argumento es muy similar, más familiar si cabe y el resultado se puede tachar igualmente como entretenido, aunque no realmente memorable. Es un caso raro, pues normalmente son los norteamericanos los que hacen remakes del cine europeo y esta vez se demuestra que en el viejo continente las cosas se pueden hacer mejor.

‘Cómo ser un french lover (Just a gigolo)’ cuenta la historia de un gigoló que se dedica a perseguir a ancianas adineradas. La fortuna se le acaba cuando se la juega a una carta esperando heredar de una arrugada ricachona, pero esta se la devuelve dejándole por alguien más joven, donde las dan las toman.

Para el papel protagónico Baroux vuelve a contar con el actor Kad Merad quien también ha trabajado con el director en ‘Quiero ser italiano’, ‘On a marché sur Bangkok’ o ‘Safari’. Sabe llevar a un personaje que hace alarde de jeta y vaguería, que debe renovarse y reconocer que no es el mismo de hace varias décadas, que ha descuidado aspectos importantes de su vida. Un tipo que debería ser pulcro y elegante que se ha dejado debido a su situación de comodidad hasta tal punto que ya resulta difícil de mirar. Merad tiene gracia y el papel le pega bastante.

‘Cómo ser un french lover’ desarrolla su comedia a través del patetismo de aquellos que viven del dinero de otros o que no tienen amor propio o no saben apreciar las cosas realmente buenas de la vida. Intenta partir de situaciones ridículas o paródicas, buscando un humor refinado que a veces se consigue y otras se pasa al lado de lo manido. Su esquema es bastante típico y conforma la clásica historia de reconciliación y examen de conciencia, algo que era de prever.

Lo que es innegable es su explosivo inicio. Pero luego es menos espectacular, aunque si muy lujosa y derrochona. Le han venido bien los estilismos franceses a esta idea, que sin conformar una propuesta muy original puede seducir y conquistar a amantes de las comedias ligeras.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre de 2019. Título original: Just a gigolo. Duración: 94 min. País: Francia. Dirección: Olivier Bardoux. Guion: Olivier Baroux, Kad Merad, Jon Zack. Música: Martin Rappeneau. Fotografía: Christian Abomnes. Reparto principal: Kad Merad, Anna Charried, Pascal Elbé, Thierry Lhermitte, Anny Duperey, Lionel Abelanski, Guy Lecluyse. Producción: Chapter 2, Eskwad Productions, Globalgate Entertainment. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/como_ser_un_french_lover

Crítica: ‘Madre’

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Elena recibe una llamada de Iván, su hijo de seis años, quien le dice que está perdido en una playa en Francia y que no encuentra a su padre. Esas palabras desesperadas de su hijo fueron lo último que supo de él.

Diez años más tarde, Elena vive en la misma playa donde desapareció su hijo, trabaja de encargada en un restaurante y está empezando a salir de ese oscuro túnel donde lleva anclada tanto tiempo.

Su vida se agita de nuevo cuando conoce casualmente a Jean, un adolescente francés que le recuerda a su hijo. Entre ellos surge una fuerte conexión que acabrá sembrando el caos y la desconfianza a su alrededor.

Crítica

Un ‘Call me by your name’ malsano

Al igual que el filme con el que he hecho un símil en mi titular, ‘Call me by your name’, la película tiene instantes donde es claramente contemplativa y otros donde la intensidad está muy medida. El filme es igual de cristalino, de veraz y de emotivo. Pero de manera muy diferente a la película de Guadagnino ‘Madre’ se torna en algo bastante insano, algo que es perjudicial para la salud mental y sentimental de la protagonista interpretada por Marta Nieto. Ella está inmersa en una ofuscación y un trauma que solo se puede quitar con una catarsis. Lo malo es que para encontrar ese punto de inflexión el modo que elige o más bien se encuentra, es del todo nocivo o perjudicial, tanto para ella como para los que la rodean. No obstante se detecta entre ella y el joven que conoce una simbiosis que a ambos les da la vida.

Sorogoyen resuelve el cortometraje tan agobiante y fuerte que le llevó a estar nominado al Oscar. Nos da un final pero es muy distinto a como muchos habrían imaginado que podría haber sido, quizá de ahí puedan venir muchas decepciones con esta versión extendida en forma de largometraje de más de dos horas. También es cierto que por el modo en como acaba el corto o empieza la película la imaginación del espectador puede volar por muchas vías y eso hacer que esté predispuesto a desilusionarse con la resolución de Sorogoyen y Peña. Explica poco y también explica mucho. No cuenta cómo o qué pasó con el niño perdido en el corto. Está más centrado en el impacto que tuvo esa pérdida. Por eso podemos decir que si explica mucho ya que si ahonda en una obsesión que condena a la vida sentimental de la protagonista casi al suicidio.

El filme comienza con la repetición del cortometraje, al espectador no le hará falta rebuscar para verlo, y acaba con casi una repetición de este. Está lleno de momentos de calma con largos paneos pero también de agitadas situaciones. Se vuelca una y otra vez en los mismos argumentos y le resta razón de ser a esta expansión a largometraje.

De la película salvo la gran interpretación de Marta Nieto. Ella se lleva casi todo el peso del filme con una interpretación la mar de emotiva. Hace que el ‘Madre’ resulte interesante aunque sea redundante. Sin ella o sin sus aportaciones como actriz esta ‘Madre’ nos habría dejado huérfanos de entretenimiento y sentimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de noviembre de 2019. Título original: Madre. Duración: 129 min. País: España. Dirección: Rodrigo Sorogoyen. Guion: Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña. Música: Olivier Arson. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Marta Nieto, Álex Brendemühl, Jules Porier, Anne Consigny, Frederic Pierrot, Guillaume Arnault. Producción: Amalur Pictures, Arcadia Motion Pictures, Caballo Films, Le Pacte, Malvalanda, Noodles. Distribución: Wanda Films. Género: drama. Web oficial: https://www.wandafilms.com/site/sinopsis/madre

Crítica: ‘La audición’

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Anna Bronsky es profesora de violín en un instituto de secundaria especializado en educación musical. A pesar de la oposición de todos los demás profesores, Anna impulsa el ingreso de un alumno, Alexander, en el que detecta un talento singular, y se compromete a ayudarle con la preparación para el examen intermedio, descuidando a su familia, su hijo Jonas, al cual hace competir con su nuevo alumno, y su marido Philippe. Su colega Christian, con el que tiene una aventura, la convence para que se una a un quinteto. Cuando fracasa en el concierto que dan, la presión se dispara y ella centra toda su atención en su alumno Alexander. Cuando llega el día del examen, los acontecimientos toman un rumbo inesperado.

 

Crítica

Nina Hoss sorprende con esta interpretación de una mujer bastante desiquilibrada

Ina Weisse nos trae ‘La audición’, aquí conocemos a Anna, una profesora de violín que se arriesga con un alumno con mucho talento, pero poca técnica para que en poco tiempo se pueda presentar a una audición y así hacerle llegar a lo más alto.

La película es bastante compleja y se hace bastante pesada. El personaje al que interpreta Nina Hoss, ganadora de la Concha de Plata a Mejor actuación en San Sebastián, es bastante insoportable. Una mujer perfeccionista, hipócrita y que cuida muy poco a su familia, ella solo vive por y para la música.

Según avanza la historia vamos conociendo a todos los personajes y el mundo en el que se mueve esta mujer llena de imperfecciones, las cuales la tienen atormentada.

Su familia consta de su hijo, que sufre esta obsesión por la perfección de la madre al ser obligado a tocar el violín. Su marido, un trozo de pan que la consiente todo, hasta una infidelidad, que aunque realmente no es para nada relevante, nos demuestra que ella no tiene sentimientos hacia nadie.

También nos adentramos en lo complicado que es la vida en los conservatorios de música, donde ser el mejor nunca vale, siempre hay que aprender y además de las horas de escuela, fuera de ella tienes que vivir por y para tu instrumento musical y así poder dominarlo bien.

Está claro porque recibió el premio en San Sebastián Nina Hoss y es que está increíble, llegas a coger bastante manía a un personaje que solo piensa en ella misma, en sus temores, en su obsesión en la música y en intentar que todos lleguen a una perfección a la que ella nunca llegará.

La película también trata el tema de la vida con los padres, de lo que puede marcarnos en nuestra vida una mala relación con estos.

Me gusta mucho la relación que llega a tener con el muchacho que acoge como aprendiz, pero hay cosas que tampoco he llegado a entender muy bien por cómo están contadas en la cinta. No he llegado a entender para nada a esta mujer.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de noviembre 2019. Título original: The audition. Duración: 98 min. País: Alemania-Francia. Dirección: Ina Weisse. Guión: Daphne Charizani e Ina Weisse. Música: Guillaume Sciama y Bruno Tarrier. Fotografía: Judit Kaumann. Reparto principal: Nina Hoss, Simon Abkarian, Jens Albinus, Ilja Monti, Serafin Mishiev. Producción: Lupa Film, Ideale Audience, Port-Au-Prince, ZDF-Arte, DFFF, MBB, Panoptimo. Distribución: Syldavia Cinema. Género: Drama. Web oficial:www.syldaviacinema.info/la-audicion/ 

Crítica: ‘La casa del terror’

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En Halloween, seis amigos deciden entrar en una casa encantada que promete ofrecer una experiencia extrema a base de explotar sus miedos más profundos. La noche se volverá mortal cuando se den cuenta de que algunos monstruos son reales.

Crítica

Una película de primos

Los guionista de ‘Un lugar tranquilo’ (Scott Beck y Bryan Woods) nos llevan irónicamente a un emplazamiento totalmente opuesto, lleno de gritos y ruidos. Una moderna casa del terror en la que unos incautos jóvenes intentan pasar un gran Halloween. En el grupo se hallan los tópicos de este tipo de películas juveniles: la joven traumatizada, el guaperas, la amiga fiel, el graciosete, los que se ven que son carne de primera muerte… Todos ellos interpretados por un reparto bastante flojo.

El nombre de Eli Roth va perdiendo fuelle y sensación de calidad. Produce esta película y lo cierto es que tanto como productor y como director está acumulando últimamente títulos a los que cuesta encontrarle fans. Películas como ‘Toc toc’ o ‘Los vigilantes de la playa’ están muy lejos del nivel de éxitos del tipo ‘Hostel’. Lo que sí que está claro es que tiene buen ojo para encontrar proyectos con un toque grotesco o drásticamente sangriento.

Como en otros films que han pasado por las manos de Roth distinguimos, yo por lo menos lo he leído así, un mensaje dramático y bastante actual. En este caso nos hace un símil entre la permisibilidad que hay en relaciones en las que hay maltrato y la exención de responsabilidad que se puede firmar al entrar en una atracción bastante extrema. La correlación que establece me parece buena pero muy poco y ligeramente aprovechada.

Subtitulo la película como una película para primos no porque pueda parecerlo aquel que pique y vaya a verla (para gustos los colores) si no porque los propios protagonistas y villanos (que llegan a ser más que las víctimas) son muy pringados. Llevan a cabo acciones ilógicas, torpes y no parecen estar causadas por la adrenalina o el miedo. Eso hace que la película te parezca torpe. Pero es que además los jóvenes atrapados en este ominoso túnel del terror están constantemente haciendo alusiones a sus primos: que si uno es ingeniero del petróleo, que si otro es psiquiatra, que si otra es proctóloga…

Tiene una buena escenografía que nos hace pasar de lugares llenos de óxido o madera a otros plagados del color plateado brillante de las hojas de metal. Desde luego esta casa del terror es un lugar que, salvo por su peligro de muerte, dan muchas ganas de visitar. Tiene buenas ideas y también buen maquillaje (en el equipo hay gente de ‘Star Trek’, ‘Saw’ o ‘Bright’). La cosa no se limita al payaso del cartel, de hecho creo que habría más éxito de marketing si hubiesen empleado otras máscaras o rostros del filme. Hace poco vimos una película de corte similar, mucho menos dura y extravagante llamada ‘Hell Fest’ que tenía sus pretensiones más claras y unas secuencias menos confusas y por lo tanto (aunque no tenía las chocantes muertes de esta película) resultó más entretenida.

‘La casa del terror’ llega a España pasada de fecha pues esta película podría haber rascado más espectadores si se hubiese estrenado en Halloween. Sin embargo captará a aquellos que tengan resaca y ganas de terror pasada la festividad norteamericana. Para los que sean muy adeptos de las películas de género les atraerá la combinación Roth más guionistas de ‘Un lugar tranquilo’ más la presencia de un compositor de banda sonora tan prometedor como lo es Tomandandy. Pero a ellos les digo, como me obligo a decirme a mí mismo, si entráis en esta casa del terror procurad disfrutar de sus «momentos de muerte», para bien o para mal, porque si le buscáis coherencia o explicación os va a defraudar mucho.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de noviembre de 2019. Título original: Haunt. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Scott Beck, Bryan Woods. Guion: Scott Beck, Bryan Woods. Música: Tomandandy. Fotografía: Ryan Samul. Reparto principal: Katie Stevens, Will Britain, Andrew Caldwell, Laurym McClain, Shazi Raja, Schuyler Helford. Producción: Broken Road Productions, Nickel City Pictures, Sierra / Affinity. Distribución: eOne Films. Género: terror. Web oficial: https://nickelcitypictures.com/upcoming-projects/

Crítica: ‘Ventajas de viajar en tren’

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Helga Pato acaba de internar a su marido en un psiquiátrico. En el tren de vuelta, un desconocido se le presenta como Ángel Sanagustín, psiquiatra que trabaja investigando trastornos de personalidad a través de los escritos de los pacientes. Le cuenta entonces la historia de un enfermo paranoico extremadamente peligroso obsesionado, entre otras cosas, con la basura. Un delirio sórdido pero fascinante, repleto de obsesión, perversión, sarcasmo, diversión, demencia y sofisticación que son, en definitiva, algunas de las ventajas de viajar en tren.

Crítica

Delirante, profunda y muy bien construida

Aritz Moreno ha adaptado en su primer largometraje lo que debe ser una locura de novela realizada por Antonio Orejudo Utrilla. Locura por lo que sucede en ella y por el puzle que compone, por la prospección que hace de la psique humana. Y para llevar a cabo este estrambótico proyecto ha contado con Javier Gullón, guionista de películas como ‘Una historia de venganza’, ‘La cueva’ o el cortometraje ‘Graffiti’, que al igual que esta película os recomiendo mucho que veáis.

‘Ventajas de viajar en tren’ es una cinta que nos descoloca en varios sentidos. Nos hace reír con situaciones absurdas pero también nos pone un nudo en el estómago con sus cruentas historias. Es un relato delirante, interconectado entre muchos personajes, tiempos y lugares que no se hace confuso y que nos sumerge en una locura similar a la que sufren sus personajes. Su meta no es solo hacernos reír, si no también explorar los desvaríos de las personas, su discurso es de tremenda actualidad.

Cuando rememoro lo que he visto en ‘Ventajas de viajar en tren’ a la mente se me vienen maestros del humor descacharrante como Jose Luis Cuerda, Francisco Ibáñez o Javier Fesser. Este relato da rienda suelta a lo disparatado pero siempre podemos leer de fondo un mensaje la mar de cabal. También su colorido pero sombrío diseño de producción me recuerda a los autores citados, otorgando al filme un sabor tristemente simpático.

¿Os gusta ‘Aterriza como puedas’? La película de Aritz Moreno me recuerda a esas escenas en las que el protagonista interpretado por Robert Hays daba la chapa a los pasajeros del avión. En este caso el tren, interpreto, sirve como metáfora de la sala de un manicomio donde un loco habla a otros locos y entre todos construyen esta pasarela de desvaríos.

Me ha encantado la vis cómica que demuestra aquí Luis Tosar saliéndose de sus habituales roles y demostrando que es delirantemente bueno. En la comedia hemos visto más a Ernesto Alterio y en este caso con múltiples facetas se convierte en una pieza indispensable. Pilar Castro quizá es la que menos comedia aporte pero hay que destacarla por lo bien que se ha movido en su trama desconcertante. Y hay que citar también al graciosísimo Javier Botet al que por tercera vez en menos de un año le veo actuar a cara descubierta y tumbado en una cama, como es el caso de ‘Amigo’ y ‘Justo antes de Cristo’.

Con el chacachá del tren nos invitan a explorar un cine del que se puede decir que no solo es raro, si no también agradecidamente diferente. ‘Ventajas de viajar en tren’ es un gustazo de película, de esas en las que se ve que han disfrutado los actores y lo hacen también los espectadores. Así pudimos comprobarlo en su proyección en el Festival de Sitges donde dio que hablar y todo el mundo salía repitiendo sus gags. No hay mejor síntoma para detectar el éxito de una película.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de noviembre. Título original: Ventajas de viajar en tren. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Aritz Moreno. Guion: Javier Gullón. Música: Cristobal Tapia de Veer. Fotografía: Javier Agirre. Reparto principal: Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta, Javier Botet, Macarena García, Ramón Barea. Producción: Morena Films, Logical Pictures, Consejería del Gobierno Vasco, Euskal Irrati Telebista, ICAA, Movistar+, Señor & señora. Distribución: Filmax. Género: comedia, drama, adaptación. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/ventajas-de-viajar-en-tren.106

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