El pequeño Kun, de cuatro años, deja de ser el centro de atención de sus padres cuando nace su hermana Mirai. Frustrado y algo molesto, empieza a experimentar situaciones en casa que nunca había vivido. Pero las cosas cambian de forma mágica cuando la versión adolescente de su hermana viaja en el tiempo desde el futuro para vivir junto a Kun una aventura extraordinaria más allá de lo imaginable.
Crítica
Una animación preciosa con una historia demasiado pesada
Este fin de semana llega ‘Mirai, mi hermana pequeña’, película de la que ya os hablamos durante el Festival Nocturna de Madrid, donde la vimos mucho antes de su estreno.
MamoruHosoda se vuelve a posar en la familia y nos presenta a Kun, un niño bastante mimado de cuatro años al que de repente le cambia la vida con la entrada de su hermana recién nacida Mirai.
Sin darle oportunidad, el observa como Mirai le quita toda la atención de sus padres y la odia desde el minuto uno que entra por casa. Pero cuando ella llega del futuro para tener aventuras con él, la cosa va cambiando poco a poco.
La película tiene cosas buenas y cosas malas, una de las malas es que es aburrida por eso la hora y media que dura se hace bastante tediosa desde el principio. De las cosas buenas, me ha encantado como ha tratado la historia y los temas sobre la sociedad japonesa.
La trama principal de la película es la importancia de la familia, Kun va descubriendo su álbum familiar visitando diferentes momentos en el tiempo y a personalidades de su propia historia. Aprendiendo poco a poco a comportarse y a querer a sus más allegados. Pero no solo esto es lo que vemos, también nos introduce los cambios en la sociedad japonesa, machista de por si, poco a poco va cambiando y en Mirai vemos este tema perfectamente reflejado. El padre es el que trabaja desde casa para encargarse de todo y la mujer marcha a trabajar. Aun así vemos como el hombre sufre pero al igual que Kun, consigue hacerse con todo el control.
Como de costumbre en el cine japonés, bien lustrados en la animación, nos encontramos unas imágenes preciosas llenas de colores pasteles y flores. Poco más, no puedo decir que sea la mejor película anime que he visto en los últimos tiempos, más bien sencilla y con poco con lo que sorprendernos.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de marzo de 2019. Título original: Mirai. Duración: 100 min. País: Japón. Dirección: Mamoru Hosoda. Guión: Mamoru Hosoda. Música: Takagi Masakatsu. Reparto principal: Moka Kamishiraishi, Haru Koroki, Gen Hoshino, Kumiko Aso, Mitsuo Yoshihara, Yoshiko Miyazaki Koji Yakusho. Producción: Studio Chizu. Distribución: Sherlock Films, AContracorriente Films. Género:Web oficial:http://mirai-no-mirai.jp/
Laurel (Steve Coogan) y Hardy (John C. Reilly), el dúo de comedia más famoso del mundo, intentan reavivar sus carreras cinematográficas mientras se embarcan en una maratoniana gira teatral por la Gran Bretaña de postguerra.
Crítica
Una de las demostraciones más sensibles del manejo del humor como mecanismo de defensa
¿Se puede devolver a los muertos a la vida? ¿Podemos hacer que caminen otra vez para nosotros seres que dejaron este mundo? Obviamente ‘El Gordo y el Flaco’ no es una película de zombies, pero si es un encomiable trabajo de caracterización y mimetismo. Steve Coogan y John C. Reilly hacen dos interpretaciones fantásticas. ¿Cómo puede ser que dos actores que acaban de estrenar en España la desastrosa versión de los personajes de Arthur Conan Doyle (‘Holmes & Watson’) saquen ahora una película tan diametralmente diferente? De Reilly me sorprende un trabajo tan honesto y tierno, de Coogan si tenía expectativas a la altura de lo que vais a ver.
Me he permitido esa frivolidad con el mundo de los zombies porque no sabría estar con mis palabras a la altura de la emotividad de la película de Jon S. Baird. Un director capaz de hacer una comedia tan hedionda como ‘Filth, el sucio’ ha logrado tocar la fibra de aquellos que como yo nos hemos criado viendo multitud de humoristas que con su ingenio y picaresca han robado carcajadas. Artistas que solo con su mímica, con las argucias del género slapstick, nos hacían pasar ratos muy amenos. Este ‘El Gordo y el Flaco’ de Baird va más allá de los gestos y los protagonistas llegan a las palabras. Textos que han salido de la pluma de Jeff Pope, quien ya trabajó en su día con Coogan en ‘Philomena’ y quien ha conseguido enternecernos a través de las disputas y de la relación de amistad y compañerismo de dos artistas que están grabados a fuego en la conciencia colectiva de todo el planeta.
Por supuesto que esta es una crítica muy blanca, ‘El Gordo y el Flaco’ también lo es. No soy de esos que siempre que ven una película biográfica espera ver como se desangra a sus personajes o se destapan todos los trapos sucios. El filme salta los años en los que la pareja estuvo separada y bromea o trata casi como si fuese tabú con el tema del alcoholismo. Aborda la época en la que se fueron de gira por el Reino Unido donde a base de funciones y bromas intentaron recuperar su antigua gloria. Y es que este dúo acomodaba todo con comedia: situaciones desagradables, conversaciones difíciles, momentos delicados… Nos los muestran como dos trabajadores infatigables que siempre estaban haciendo bufonadas, ya sea para quedar bien ante el público o ya sea para suavizar la tensión en el ambiente. Su humor universal les ayudaba en cualquier coyuntura.
También descubriréis que a pesar de que en los shows Oliver Hardy llevaba la voz cantante era realmente Stan Laurel quién escribía los guiones, quien ideaba las gracias y quien apostaba por ambos en estudios que les proyectarían en cotas más altas. Es decir, quien hacía de tonto parece ser que era el más listo y emprendedor. Aún así este no es un pulso entre uno y otro, es más bien una lucha por mantener viva una amistad y a flote una carrera que se tuvo que enfrentar también a las nuevas corrientes y a rivales como ‘Abbot y Costello’.
Se os puede caer una lagrimilla nostálgica cuando volváis a ver el rostro tristón y de buenazo de Stan y el semblante socarrón y a su vez de ceño fruncido de Ollie. Estos reyes de la comedia clásica os van a hacer reír de nuevo pues repiten idénticamente muchos de sus tradicionales sketches pero sobre todo la película se ha concebido para conmover, y lo consigue. En relación a esto último, está dedicada a la memoria de Lois Laurel, la hija de Stan Laurel, la cual falleció en 2017.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de marzo de 2019. Título original: Stan & Ollie. Duración: 98 min. País: Reino Unido. Dirección: Jon S. Baird. Guion: Jeff Pope. Música: Rolfe Kent. Fotografía: Laurie Rose. Reparto principal: Steve Coogan, John C. Reilly, Shirley Henderson, Danny Huston, Nina Arianda. Producción: BBC, eOne Films, Sonesta Films, Fable Pictures. Distribución: eOne Films. Género: biográfica, comedia, drama. Web oficial:https://stanandollie.co.uk/
Un grupo de antiguos operativos de las Fuerzas Especiales (Ben Affleck, Oscar Isaac, Charlie Hunnam, Garret Hedlund, y Pedro Pascal) se reúnen para planificar un asalto a una zona fronteriza poco habitada en Sudamérica. Por primera vez en sus prestigiosas carreras, estos olvidados héroes asumen una peligrosa misión en su nombre y no en el de su país. Cuando la situación sufre un giro inesperado y amenaza con salirse de control, sus habilidades, su lealtad y sus principios llegarán al límite en una batalla épica por la supervivencia.
Crítica
Acción y aventuras en un título disfrutable
Netflix ya goza de la suficiente popularidad como para necesitar de grandes nombres con el fin de atraer público a sus producciones. Aún así, igual que cualquiera de las majors actuales, emplea actores de enorme popularidad en sus películas. ‘Triple frontera’ puede ser el caso en el que la plataforma online reúna a más superestrellas en una sola película.
Ben Affleck, Charlie Hunnam, Oscar Isaac, Pedro Pascal y Garret Hedlund. Todos ellos han aparecido en películas de gran calibre y todos ellos se han visto inmersos en alguna ocasión en escenas de acción. No hay necesidad de hacer destacar a ninguno de ellos, ni por virtudes ni por defectos, no es un filme en el que veamos grandes interpretaciones ni en el que se produzcan desatinos. Affleck, Hunnam e Issaac son los tres que tienen más peso en esta cinta pues ejercen a modo de líderes pero más o menos todos son parte de un equipo en el que van a partes iguales. Y eso es porque siendo miembros retirados del ejército se embarcan en una misión personal de la que obtendrán beneficio solo para ellos mismos. Es decir, tras una vida entera trabajando para el Tío Sam ahora deciden ser ellos quienes se aprovechen de los recursos aprendidos de manera furtiva. Hacen uso de información privilegiada y van a por el dinero de un narcotraficante.
Al reparto actoral hay que sumarle un gran elenco tras las cámaras. Todo surge de una historia de Mark Boal. De todas las que ha escrito hay que decir que esta quizá sea la película que menos profundiza en sus planteamientos. Tanto en ‘En tierra hostil’ como en ‘La noche más oscura’ como en ‘Detroit’ conseguía adentrase mejor en la mente de los agentes del gobierno. En este caso raspa solo la superficie y se queda más en el género de aventuras y de acción. En el caso del director J. C. Chandor también nos encontramos con su película más belicosa. No es lo que sucede con Roman Vasyanov, director de fotografía que ha empleado recursos parecidos a los que le vimos en ‘Corazones de acero’.
Pero no os engañéis, ‘Triple frontera’ no es una película de guerra y tampoco de narcotraficantes. Esta es una aventura con tintes de suspense que puede tener alguna similitud con otras películas de ladrones, yo me atrevería a decir que es una versión aguerrida y poco sofisticada de ‘The italian job’. Empieza con bastantes cosas de manual como sus tiroteos, sus persecuciones… pero después el guión nos lleva por derroteros algo distintos a los habituales y no nos topamos con la monotonía de las caras conocidas y de las historias repetitivas. Eso hace que la película sea disfrutable.
En la ficha de esta crítica no encontraréis un apartado para la banda sonora. Y es porque la música de ‘Triple frontera’ se compone de temas que parecen sacados también de un libro de instrucciones, en concreto uno del perfecto nativo norteamericano que indica que tiene que sonar Metallica, Creedence, Bob Dylan… Y es que la película de Chandor no transcurre prácticamente nada en su país pero desde luego tiene mucho sabor yankee (aunque esté lleno de hispanohablantes). A esto hay que añadirle que el filme también suda mucha testosterona pero los tiros no van ni por los gritos del ¡USA, USA! ni por excesivos tópicos machistas. Si acaso son más condenables algunos fallos de raccord. Yo me quedo con que nos narran una emocionante empresa de esas que en el siglo XVII darían origen a tesoros piratas.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de marzo de 2019. Título original: Triple Frontier. Duración: 125 min. País: EE.UU. Dirección: J. C. Chandor. Guion: J. C. Chandor, Mark Boal. Fotografía: Roman Vasyanov. Reparto principal: Ben Affleck, Charlie Hunnam, Oscar Isaac, Pedro Pascal, Adria Arjona, Garret Hedlund, Sheila Vand, Reynaldo Gallegos. Producción: Atlas Entertainment. Distribución: Netflix. Género: acción, thriller. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80192187
Diciembre de 2012. Al cabo de cuatro meses de cautiverio en Siria, dos periodistas franceses son liberados. Gabriel, el más joven, tiene algo más de 30 años. Después de pasar chequeos médicos y contestar a muchas preguntas, puede estar con su familia y su novia. Transcurren unas semanas, e incapaz de encontrar un rumbo, decide ir a Goa, donde creció. Allí conocerá a Maya.
Crítica
Da el espacio necesario al drama y al romance
Un joven consigue escapar de su secuestro por parte del ISIS y regresa a París, ciudad donde reside. Otros podrían haber realizado un dramón con esta película, otros podrían haberse centrado en los traumas que sufren las personas retenidas contra su voluntad o amenazadas de muerte y otros podrían haber generado un thriller político a partir de esta premisa. En lugar de ello lo que nos propone la parisina Mia Hansen- Løve en su sexta película es un tratamiento más valiente y menos desalentador. Se agradece este enfoque diferente que tiene ‘Maya’ sobre un tema actual y que en el cine siempre se ha ajustado a los términos de la tragedia o la desdicha.
El protagonista está interpretado por Roman Kolinka, quién ya trabajó con la directora y con Isabelle Huppert en ‘El porvenir’. Me ha encantado la manera en como el guión hace que este reportero afronte poco a poco la situación de la que se acaba de salvar. También me ha gustado cómo lo ejecuta el actor. Hay una frase que lo define: «el psicoanálisis lo necesitan mis captores», recuerdo que dice grosso modo. Rehuye el trato de víctima e intenta pasar página volviendo a sus raíces. Ese es el punto fuerte de ‘Maya’, la manera en cómo se diferencia de otros títulos con similar sinopsis.
En ese regreso al lugar donde se crió es donde el francés conoce a Maya, la hija de su padrino. A la India es donde se trasladó su madre en su infancia y allí es donde nos topamos con un choque de culturas. La debutante Aarshi Banerjee es quien interpreta a Maya. Tengo que reconocer que no me ha parecido una interpretación buena. Me ha resultado muy forzada, demasiado pausada. Su personaje cambia de tema con cada pestañeo y me ha costado creérmelo. Pero si me ha quedado claro que está tratada con una sensibilidad cuidada. Más que la interpretación del personaje tenemos que observar lo que representa para el protagonista.
El filme tiene virtudes, como una acertada música que funciona en cada momento en el que se introduce. También posee buenas tomas y buenas secuencias. Se me ha quedado grabada la transición que se realiza para pasar de París a la India con solo un plano contraplano en un coche.
Como en casi todas las películas podemos extraer varias lecturas de ella. Una de ellas es que alojarse en grandes urbes no tiene porque ser el sueño de toda persona inteligente o civilizada. Pero sobre todo me gustaría señalar que hay un momento en el que el protagonista consulta una web llamada Zero Censorship. Lo hace por motivos que no quiero desvelar pero me viene muy bien para deciros que esta es una película que nos dice que no pongamos censura ni a nuestros sentimientos ni a nuestros sueños.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de marzo de 2019. Título original: Maya. Duración: 107 min. País: Francia, Alemania. Dirección: Mia Hansen-Løve. Guion: Mia Hansen- Løve. Fotografía: Hélène Louvart. Reparto principal: Roman Kolinka, Aarshi Banerjee, Alex Descas, Pathy Aiyar, Suzan Anbeh, Judith Chemla, Johanna Ter Steege. Producción: Les Films Pelléas, Razor Films. Distribución: Golem. Género: drama, romance. Web oficial:http://www.lesfilmspelleas.com/film.php?id=173
Ya sea por el carácter de las películas, por el ambiente, por la predisposición del público o por el bagaje de 16 años que lleva este evento que le hace tener sus tradiciones esta ha sido una edición que deja la impresión de haber sido una de las más animadas de los últimos años. Las sesiones además han estado bastante llenas y no ha sido difícil crear esa atmósfera de fiesta que tanto le caracteriza.
Presentaciones como la del último día además ayudan a elevar la sensación de jolgorio. Tras lanzar sus huesitos y dejar la sala repleta de cereales LionLeticiaDolera dio paso a Itziar Castro, productora del cortometaje ‘Flotando’, que precedió a la decepcionante película de cierre ‘Escape Room’. La actriz nos contó con su habitual desparpajo algunas anécdotas del rodaje y dio caña al público mientras lo transmitía en su cuenta de Instagram. Estuvieron con ella el director Juan Francisco De Leonardis y su actor protagonista Daniel Horvath. Ambos alucinaron con la respuesta del público.
‘Quiero comerme tu páncreas’
De la técnica de animación del filme no hay nada que reprochar, raro sería en un anime de esta envergadura. Del argumento ya es otra cosa. Un libro sirve para que dos jóvenes se conozcan y se forje así una cruel historia de amor. Cruel porque la joven que lo escribe fuerza el romance insinuándose y buscando al chico que se lo encuentra sabiendo que le queda poco tiempo de vida y se va a morir dejándole solo.
Para más inri el joven protagonista es alguien al que le gusta vivir sin amigos, aislado en sus lecturas novelescas. Que la joven le saque de su zona de confort para que en un futuro se lleve ese gran palo me parece de lo más retorcido. El drama durante la historia se masca, es reiterativo y agotador. Es por eso que al final tenemos un guiño extenuantemente largo a ‘El principito’ que viene precedido de un giro absurdamente dramático, cogidísimo por los pelos, consistente en un texto escrito por la protagonista en el que inexplicablemente el chico responde.
Desde Portugal nos llega la historia de un futbolista que tiene a todo el país embelesado con su estilo de juego pero que tras rescatar en el mar a unos refugiados (fugados los llama él) queda impactado y falla el penalti decisivo en la final del mundial. Su apariencia y su nacionalidad hace que sea imposible el no compararle con CR7 y las risas están aseguradas. Más aún cuando se le interpreta con la personalidad de un niño y el guión tiene multitud de sinsentidos.
Perros sobre gases rosas, espías infiltrados, clones, gemelas malvadas, inteligencias artificiales… Por mucho que quieras darle un significado explícito en contra de la globalización y el neoliberalismo es imposible tomársela en serio. Aún me duelen los ojos de la estética hortera que tiene el filme.
La tarde sigue con ‘Hell is where the home is’ una cinta aburrida y absurda donde cuatro amigos están encerrados en una casa de lujo cuando alguien extraño llama a la puerta.
Tiene un comienzo rápido, en un momento te presentan a los protagonistas, su pasado y presente y no se andan con líos ni nada. Eso sí, tienen bastantes problemas entre ellos, que vamos, si llegáis a ver la película pronto os daréis cuenta que no hace falta que unos asesinos anden sueltos para que todo hubiese terminado mal entre ellos.
Dirigida por OrsonOblowitz, en la película vemos a JonathanHoward, al cual hemos visto en ‘Thor: El mundo oscuro’, también aparece JanelParrish, de ‘Pequeñas mentirosas’ o la conocida FairuzaBalk que sin duda no está en su mejor momento.
Poco más que decir de esta típica cinta donde sí que podéis ver muertes notables pero que se olvida nada más terminar su visionado.
Muy buena factura en una historia en la que ha pasado algo grave y el protagonista está constantemente en gravedad cero. Hecho el chiste fácil. Dos actores aparecen en pantalla para contar muy poquito con algo de humor absurdo. En pleno espacio uno sufre por mantenerse con vida y el otro se presenta con una tarta y sin escafandra a dar la bienvenida.
Daniel Horvath (‘Proyecto Lázaro’) y Secun de la Rosa (‘Arde Madrid’) comparten habitáculo en el vacío pero de un modo que tal vez no sospecheis.
Admito que iba con demasiado hype por esta película, la clausura de la Muestra SYFY no ha sido para nada lo mejor.
El argumento es sencillo, seis desconocidos son invitados al mejor escape room de todo el mundo, donde no solo se juegan 10.000 dólares, sino que también su vida corre peligro.
Una película que podría ser muy original, viendo la cantidad de acertijos que se podrían haber inventado, ha terminado siendo un refrito de un montón de películas que ya hemos visto, entre ellas ‘Hostel’ o ‘Saw’. Eso sí, sin muertes violentas.
El guionista Bragi F. Schut (‘En tiempo de brujas’) no se ha devanado los sesos en esta cinta y nos ha dado una historia que aunque nos deja para una segunda parte, no creo que nunca se lleve a cabo.
Colofón en el instituto de Salem y rodando con zombies japoneses sin cortes
La Muestra SYFY es un evento que año tras año va acumulando tradiciones. Cuando sale la luna los espectadores aúllan, cuando alguien manda callar todo el mundo hace shhhhh… Se van acumulando leitmotivs y este año hay varios que pueden calar. Como el vestido rojo de ‘In fabric’, gritar ¡la puerta! cuando alguien no cierra una a su paso, pedir zoom a gritos, por supuesto vociferar ¡no se oye! aunque el volumen esté a tope… Lo que también se suele acumular en el evento es público que abarrota la sala y tiempo entre una sesión y otra. Y eso ocasiona que las películas empiecen más tarde y siempre terminemos la última película a altas horas de la noche. Sea como fuere el espectador mandanguer aguanta y se lo pasa bien.
Se unieron ayer a la familia SYFY para presentar su cortometraje ‘El escarabajo al final de la calle’, premiado por SYFY en la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, Alexandra Lacaita Figueras (actriz), Joan Vives Lozano (director) y Artur Cruz Jardí (director de Fotografía).
‘La familia Adams’
Un clásico que parodia los clásicos de terror. Pocas versiones de los monstruos del cine por excelencia han conseguido tantos aciertos. Raro es el amante del género de terror o de las comedias que no disfrute con Miércoles, Gómez, Fétido, Cosa, Morticia, Pugsley… Un reparto de personajes peculiares interpretado por actores únicos: Anjelica Huston, RaulJulia, Christopher Lloyd, Christina Ricci…
Muchas risas y nada de terror con esta terrorífica familia de inadaptados sociales en un mundo moderno. Pese a lo que la estética sugiera y lo que muchos piensen este no es un título de Tim Burton, sino de Barry Sonnenfeld, director de ‘Wild Wild West’ o ‘Men In Black’.
Cortita, eficiente y al grano. Tuvimos ocasión de ver ‘Compulsión’ en la edición 2017 de Sitges y salimos bastante satisfechos. Es el primer largometraje de ficción de Ángel González y resulta ser bastante eficaz con pocos recursos escénicos y un reparto muy acotado.
Marina Esteve, Paco Manzanedo y Susana Abaitua son los protagonistas. Abaitua (‘4 Latas’) es la más destacable aunque Manzanedo resulta muy convincente.
Una película sobre el control de nuestra vida y sobre la influencia de las pulsiones de los demás.
Sophie Tatcher y Pedro Pascal se embarcan en un relato de mercenarios, recolectores, ladrones y lugareños. Ofertas y contraofertas, tratos con el enemigo y negocios turbios en una tierra por explorar. No es una película del oeste pero cumple todos sus requisitos. En vez de sombrero de cowboy los protagonistas portan escafandra y en vez de revólveres lanzaderas láser.
La extracción de unas piedras preciosas y la necesidad de escapar de una luna verde obliga a dos enemigos a aliarse en una tierra en la que el polvo que flota en el ambiente es tóxico.
Se carga tanto de historias con sabor a ciencia ficción que genera una atmósfera que nos remonta a relatos de Arthur C.Clarke o Isaac Asimov. Por el contrario no alcanza la magnitud de esos maestros ya que el carácter de este filme es básicamente aventurero, no busca hacernos pensar, no anida en nuestras cavilaciones.
La tercera película de S. Craig Zahler vuelve a reunir un reparto de excepción en el que algunos repiten con el director y guionista: Mel Gibson, Vince Vaughn, Jennifer Carpenter, LaurieHolden, Tory Kittles, Michael Jai White, Thomas Kretschmann, Udo Kier…
Para mí ha sido el peor trabajo de Zahler a pesar de que supera el aprobado. Normalmente alarga sus largometrajes y se toma con calma las historias para construir una buena base. Pero en esta ocasión no está tan justificada la duración y nos sobran infinidad de escenas o haría falta acortar secuencias.
Con una composición fotográfica muy elegante, bastante víscera y musicalidad se acerca al estilo de Tarantino. Incluye muchas más dosis de humor de lo habitual, comedia basada en sus personajes racistas por lo general, pero eso tampoco ayuda a llevar mejor tantos minutos de filme. Ni el talento de sus actores ni las capacidades narrativas del cineasta de Miami alcanzan para convertir ‘Dragged across concret’ en una obra maestra.
Al igual que el cortometraje RIP de Albert Pintó y Cayé Casas aborda bien la hipocresía y la falsedad de la gente. Y también al igual que lo hicieron esos dos autores lo hace desde un punto extremo y sarcástico, desde una visión humorística de la cercanía de la muerte.
Una pescadera tiene de vez en cuando visiones sobre el futuro y cuando van a suceder el pueblo se prepara. La cosa es que la premonición que hace sobre Amadeo (el protagonista) es de muerte y los favores o atenciones hacia el futuro fallecido comienzan a ser tan desmedidos que la cosa se va de las manos. Muy cómico y muy satírico.
Aunque la llamada a la autodeterminación del género femenino rompiendo la cuarta pared llegue al final durante toda la película se sueltan perlas con claros alegatos feministas. Pero ‘Nación salvaje’ no tiene un argumento que gire solo en torno a la lucha de los derechos de la mujer. Es un filme que habla tambien sobre la desaparición de la vida privada, la hipocresía de la sociedad o los juicios que se llevan a cabo en la red de redes donde condena sin contrastar y sin pruebas.
Una nueva caza de brujas se lleva a cabo en Salem cuando un hacker comienza a hacer público poco a poco el contenido de los teléfonos inteligentes de sus ciudadanos y estos empiezan a señalar con el dedo a raíz de todo aquello que ha sido publicado.
Película de instituto con cuatro protagonistas adolescentes que se enfrentan a los tradicionalismos rancios. En el reparto están actores conocidos comoSuki Waterhouse (‘Amor carnal’),Bill Skarsgård (‘IT’), Hari Ner (‘You’), Colman Domingo (‘Fear The Waliking Dead’)…
Mucho metacine en esta película que clama amor por rodar historias. Con un toque cómico y muy simpaticón que solo suelen conseguir los japoneses disfrutamos del rodaje y emisión de una película de zombies. No es una película con giros inesperados o sorprendentes pero que si da gusto ir descubriendo por uno mismo y de la que conviene no ir perdiendo detalle.
Comienza con un verdadero plano secuencia que para mí es un zasca a ‘Birdman’ y termina con entresijos, humanos y del cine. Se puede dividir en dos mitades pero hay sorpresa entre una y otra así es que es mejor no diferenciarlas. Muy original y muy sencilla a la vez. Merece la pena verla un par de veces para distinguir todos los pormenores. Un hurra por la dirección y guión de la segunda película de Shin’ichirô Ueda. Si no la has visto te la van a recomendar seguro. ¡Actiooooon!
De menos a más. Un chip, un manga y unas marionetas nazis coronaron el día
La jornada estuvo rodeada por los asistentes a la huelga y manifestación del día de la mujer. La cola típica para acceder al cine compartió espacio con la marea morada. Un movimiento que ha ocasionado que la tradicional presentadora de la Muestra SYFY, Leticia Dolera, no estuviese presente. El segundo día transcurrió amenamente y sin retraso, incluso se soplaron unas velas de cumpleaños. Aquellos que responden a la luna y a canino incorporaron nuevos gritos a su repertorio gracias a la hilaridad de alguna película que otra.
Finalmente se proyectó ‘El año de la plaga’ en la sala tres del Palacio de la Prensa y por sorpresa efectivamente se pasó ‘Gintama’ en las salas uno y dos. Con eso y con la proyección anterior que fue ‘Upgrade’ se levantó bastante el espíritu de la muestra que se había visto mermado tras los dos primeros títulos del día.
Una representante de Zentropa presentó la película española ‘El año de la plaga’ y la directora del corto ‘Cerdita’, Carlota Martínez Pereda, acompañó el visionado de su trabajo ganador del Goya pero no subió a hablar de él al secundar la huelga de mujeres. Si que subieron portando el cabezón miembros del elenco técnico o productivo del cortometraje que os comentamos junto al resto de trabajos que pudimos ver ayer.
‘In fabric’
Historia sobre un vestido asesino. Transcurre a caballo entre dos protagonistas siendo más entretenida en su segunda mitad. En los primeros compases te planteas si la cosa va en serio hasta que llegas a conocer a la vendedora de frases elaboradas que trabaja en un centro comercial de empleados victorianos cultistas pasados de rosca.
Todo el filme tiene partes que recuerdan a las obras de Dario Argento, con esos juegos suyos tan reconocibles de colores, luces y sombras totalmente sugerentes. Es como la versión cómica que Guadagnino debería haber hecho de ‘Suspiria’. Escenas oníricas, colores chillones, primeros planos largos, música y sonidos de sintetizador… Muy inquietante y turbadora pero por la vertiente de lo ridículo, causado carcajadas entre el público mandanguero (entiéndase de la sala 1 de la muestra).
En el filme participan rostros conocidos como Gwendoline Christie (‘Juego de Tronos’), Marianne Jean-Baptiste (‘Sin rastro’) o Sidse Babett Knudsen (‘Westworld’).
Serie que se emitirá en Sky a partir del próximo 19 de marzo y que constará de 8 episodios. Nos lleva a una sociedad futura atemorizada por unas criaturas que habitan la noche. Para evitar que los ciudadanos sufran daños todas las noches la megafonía de las ciudades avisa a la población que debe recluirse en sus casas por su seguridad, muy al estilo de ‘La purga’. Se organiza en esas noches y por todo el mundo una carrera a cuyo ganador se le promete la estancia en un lugar donde salir de noche es seguro.
Un punto de partida interesante que transcurre en Londres. El primer episodio no dice mucho de la serie, tan solo nos presenta a los personajes y sus autos locos que parecen casi sacados del Carmageddon. Si que nos ofrece sangre y nos demuestra hasta donde es capaz de llegar con su violencia pero hasta el momento solo nos podemos tomar el capítulo como carta de presentación.
El rostro más conocido de la serie es el de un envejecido y engordado Sean Bean, el cual se embarca también en la carrera. ¿Morirá y engrosará su lista de muertes?
La película no comienza con una luna de miel idílica, donde una jovencísima esposa entra en brazos del hombre de su vida.
Un cuento moderno que podría recordar a la historia de Barba Azul. El problema que no es una película simple y según avanza la historia se enreda demasiado llegando a hacerse excesivamente tediosa.
En el reparto de la cinta tenemos a 4 personajes principales, AbbeyLee que es Elizabeth, CiaránHinds su marido, CarlaGugino una ama de llaves que vive con ellos junto a un joven ciego MatthewBeard, que harán que pasemos una hora y 45 minutos sin entender demasiado lo que ocurre.
SebastiánGutiérrez dirige y firma el guión de esta película futurista. Una pena que se vaya tanto por las ramas con la historia porque creo que tenía mucho potencial.
Es de esas películas que mantienen el amor por el fantástico pintando mal el futuro. La humanidad duerme ya con la cibernética y es totalmente dependiente de ella. Pero algunos, como el personaje de Logan Marshall Green, se resisten a la actualización tecnológica. Ironía, alguien tan dado a lo analógico y lo manual se ve condenado a una silla de ruedas, hasta que de nuevo los avances de la ciencia le permiten evitar ese fatídico destino.
Igual que le sucede a su “gemelo” Tom Hardy en ‘Venom’ algo toma el control del cuerpo de Marshall Green. Se convierte en marioneta pero lo hace a placer. Cuando su implante entra en acción los movimientos de cámara y lo que esta filma es algo… brutal. Se convierte en un Iron Man sin armadura en unas escenas muy bien coreografiadas y culminadas con sangre. La inamovilidad pero también los andares cuadriculados de Marshall Green no resultan tan forzados al lado del arquetípico millonario que aparece en la película.
Asesino más karma más maltrato tanto psicológico como físico. Esos componentes son los que se unen en ‘Cerdita’. Un corto en el que la realidad se ceba con los más débiles y diferentes pero en el que también se contempla una justicia violenta que nos puede parecer realmente justa a todos.
En muy poco espacio de tiempo se observa a aquellos que en casos de acoso pasan fugazmente, aquellos que solo observan y a aquellos que se ceban. Y por supuesto está la mirada impasible e impotente de la agraviada.
No había visto el cortometraje, pero ahora aplaudo más que nunca la decisión de la Academia al darle el Goya tras descubrir su calidad y el género al que pertenece.
Adaptación de un manga y posterior anime creado por Hideaki Sorahi. Un live action que capta a la perfección el espíritu de los animes de los años setenta y ochenta. Golpetazos, escenas tontorronas, personajes estrafalarios, rupturas de la cuarta pared, referencias a otros mangas… Mucha mejor adaptación que el Jojo’s de Takashi Miike.
El Japón feudal se transforma mucho más rápido que con la apertura al mundo que vivió históricamente ya que es ocupado por unos extraterrestres. Esos alienígenas están caracterizados con disfraces de animales dignos de una función de colegio y han impedido que los humanos lleven armas, pero hay unos cuantos samuráis que se niegan a ese edicto. Olvidaos de toda lógica al ver esta película porque de lo contrario no la vais a disfrutar, dejaos llevar por lo absurdo y preparaos para aullar mucho a la luna.
Un colaborador nazi (Udo Kier) mudado a EE.UU. creaba retorcidas marionetas que ahora se van a subastar en una convención. Un divorciado vendedor de cómics (bastante obsesionado con ‘The Goon’) posee una de esas y acude al hotel donde están decenas de esos muñecos que cobran vida y empiezan a masacrar a los huéspedes. Una mezcla entre ‘Pequeños guerreros’ y ‘Muñeco diabólico’ con un argumento bastante sencillo y sanguinolento.
Es el guión más flojo de todos los que he visto de S. Craig Zahler. Pero claro, hay que admitir que es intencionadamente de serie B, tanto es así que cuenta con la famosa actriz del género Barbara Crampton del clásico ‘Re-Animator’. Sabiendo esto el festival de muertes que ofrece es totalmente disfrutable siempre y cuando sepas tomártelo con el debido cachondeo.
Capitana Marvel reparte… sensaciones en la inauguración de la Muestra SYFY
El preestreno de la película número 21 del universo cinematográfico Marvel ha inaugurado la 16 Muestra SYFY que se celebrará en Madrid del 7 al 10 de marzo. ‘Capitana Marvel’ abrió en las tres salas del Palacio de la Prensa una nueva reunión de seguidores de la ciencia ficción, de adoradores del terror, de soñadores con la fantasía, de aulladores a la luna.
Como siempre iremos contando día a día todos aquellas anécdotas que vayan aconteciendo y os comentaremos las películas proyectadas a modo de mini-críticas. Por ejemplo en la primera noche fuimos convidados a vino y queso. También debemos anunciar que la película ‘El año de la plaga’ va a ser proyecta simultáneamente con‘Gintama’ para el viernes a las 22h. Este título es un live action basado un manga y anime de ciencia ficción del mismo título en el que un Tokio feudal ha sido apresado por unos extraterrestres. La película data de 2017 y cuenta con una segunda parte.
‘Capitana Marvel’
BrieLarson encabeza el reparto de la nueva película de Marvel, ‘Capitana Marvel’. Llena de aventuras y muy divertida nos muestra a una heroína dispuesta a salvar a la Tierra de unos intrusos del espacio, los skrulls.
Dirigida por AnnaBoden y RyanFleck logran devolvernos la ilusión hacia las cintas de Marvel, demostrando que aún quedan buenas historias que contar de una manera entretenida. Un rejuvenecido Samuel L. Jackson acompaña a nuestra protagonista en todo momento durante sus aventuras. Ambos están estupendos, pero BrieLarson brilla en pantalla mostrándonos a una superheroína fuerte y que lucha por los débiles.
En el resto de reparto encontramos actores de la talla de BenMendelsohn, JudeLaw, AnnetteBening, ClarkGregg, LeePace y GemmaChan, entre otros.
Como apunte final no os perdáis las dos escenas post-créditos de la película.
Desde hace más de 30 años, Chela (66) y Chiquita (67) viven juntas. Como hijas de familias de buena posición social habían heredado suficiente dinero como para vivir cómodamente sin necesidad de trabajar . Pero ahora, cuando ambas tienen más de 60 años, ese dinero heredado se ha acabado. Cuando Chiquita va a la cárcel por no poder pagar las deudas que contrajo, Chela empieza a proveer a mujeres mayores de familias acomodadas con un servicio de taxi que le ayuda a poder mantenerse. Así conoce a Angy, una mujer 20 años más joven que ella, con quien conecta de inmediato. Esa conexión va transformando la relación de Chela consigo y con su entorno provocándole una revolución interna.
Crítica
Un viaje sentimental a la desesperada
Una pareja de mujeres ha convivido toda su vida en la misma casa. Se ha mantenido con un buen estatus social y con una posición cómoda gracias a las sustanciosas herencias que han poseído siempre. Pero todo se agota. El nivel de vida que llevan genera una deuda que hace que una de las dos (Margarita Irún) vaya a la cárcel y la otra (Ana Brun) se quede sola en casa con la necesidad de sacarse las castañas del fuego.
Ese esa es en líneas generales la trama de esta película. Pero con lo que hay que quedarse de ‘Las herederas’ es con razonamiento. Cualquier persona cabal entenderá los argumentos de este largometraje. Porque son muy humanos y porque ‘Las herederas’ se toma su tiempo para desarrollarlos. La cinta está planteada por parte del director y guionista Marcelo Martinessi con mucho sosiego y no corre ni se apresura en mostrar la desesperación de su personaje principal. Porque en quién se centra más el relato es en Chela, la persona de clase acomodada que interpreta Ana Brun. A mi modo de entender nos la retratan como alguien caprichosa, pudiente y orgullosa. Con la situación que se le presenta tiene que tragarse su endiosamiento y comenzar a servir como taxista para otras de su clase, pero en esa insólita situación se topa con una mujer más joven que ella y que Chela (Ana Brun) que despierta sentimientos que la obligan a tener que ser más determinada.
Todo ese discurso llega muy poco a poco, con pequeñas señales. Esta no es una voráz crítica social pero si un reflejo de una realidad local. Es un viaje sentimental a la desesperada que parte del hastío hasta el abandono hacia un modo distinto de vida. Si hay algo en lo que está minuciosamente acertado el cineasta y escritor es en el retrato de los personajes, lo cual nos permite contemplar detenidamente su evolución.
Esta es la primera película de Ana Brun. Sinceramente, desconozco si tiene tablas en teatro o series de televisión, me habría gustado disponer de tiempo para entrevistarla a ella o a su director para saberlo. Pero me parece muy encomiable la labor que hace en esta película. Con el papel tan desmoralizador que tiene que interpretar habría sido facilísimo que cayese en tópicos y extremos y sin embargo su actuación está totalmente circunspecta a lo discreto y comedido, como corresponde a la actitud del personaje que encarna. Brun ha entendido muy bien a la sexagenaria que también entiendo que Martinessi le ha explicado con claridad.
Si veis la película de un modo desconectado parecerá que todo vuelve al punto de partida. Pero es obvio que las cosas trascienden y es ineludible el cambio que sufren ambas mujeres, sobre todo Chela. Ese es el gran logro de Marcelo Martinessi, que al igual que como en la vida misma consigue que sucedan cambios sin que apenas se noten, solo que en vez de necesitar meses, años… solo precisa hora y media.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de marzo de 2019. Título original: Las herederas. Duración: 97 min. País: Paraguay. Dirección: Marcelo Martinessi. Guion: Marcelo Martinessi. Fotografía: Luis Armando Arteaga. Reparto principal: Ana Brun, Margarita Irún, Ana Ivanova, Nilda González, María Martins, Alicia Guerra. Producción: Pandora Film, Mutante Cine, La Babosa Cine, Norsk Filmproduksjon A/S, Esquina Filmes. Distribución: Bteam Pictures. Género: drama. Web oficial:http://bteampictures.es/las-herederas/
Eastwood encarna a Earl Stone, un hombre de unos 80 años solo y arruinado que se enfrenta a la ejecución hipotecaria de su negocio y al que ofrecen un trabajo en el que sólo tiene que conducir. Pero sin saberlo, Earl acaba de convertirse en un correo de drogas para un cártel mexicano. Earl lo hace tan bien, que su carga aumenta exponencialmente y se le asigna un controlador. Pero ese controlador no es el único que vigila a Earl. La nueva y misteriosa mula de la droga también ha llegado al radar de Colin Bates, un agente de la DEA. Y aunque sus problemas de dinero han desaparecido, los errores del pasado de Earl vuelven a la carga. No está claro si tendrá tiempo para corregir esos errores antes de que los agentes de la ley, o los sicarios del cártel, lo atrapen.
Crítica
Encantador y zalamero así vuelve Clint Eastwood al cine
Después de la malograda ’15:17 Tren a París’, ClintEastwood regresa con ‘Mula’, una de esas pequeñas historias que merecen la pena ser escuchadas y que el director sabe sacarle buen provecho.
Eastwood nos trae la vida de EarlStone, un vividor dedicado al 100% a la horticultura que por no saber actualizarse pierde todo lo que ama, su trabajo. Mediante juegos del destino y en mi opinión, introducido de una manera demasiado precipitada, termina de mula de uno de los mayores cárteles de México.
La historia tiene mucho trasfondo, como siempre, a Eastwood le gusta meter lo importante que es la familia, por mucho que lleves años sin hablar con los más allegados o enseñarnos que ni los malos son tan malos, ni los buenos tan buenos.
‘Mula’ también nos devuelve al ClintEastwood actor y puedo decir que está estupendo en este papel de un señor zalamero que lo único que tiene en mente es vivir y no perder ni un minuto de su vida. Pero también es un hombre egoísta y que nunca dio el amor que su familia necesitaba. La evolución de su personaje y la manera de ver todo está muy bien llevada y logra hacernos ver su arrepentimiento.
La película va ligera, no aburre ni un momento, con un humor bastante ácido y con sus típicos chistes racistas, la cinta se convierte en un drama amable que más de una vez sacara la sonrisa al espectador.
En el reparto podemos ver a BradleyCooper, el policía encargado de la investigación para detener a la mula, el actor está muy bien en su papel. MichaelPeña, hace del compañero de éste con un rol más serio que el que le hemos visto en ‘Ant-man’.
Pero no solo ellos resaltan en la película, tenemos a TaissaFarmiga, AndyGarcía, LaurenceFishburne, AlisonEastwood, DianneWiest, NoelGugliemi, entre otros.
Pero sin duda, lo mejor de todo es saber que la historia que vemos está basada en un hecho real. La vida de Leo Sharp «El Tata» es sin duda digna de película y si que difiere de lo que vemos en ‘Mula’ pero no deja de ser incluso más interesante que lo que podemos ver en la cinta.
ClintEastwood nos demuestra una vez más que sabe contar historias, detrás y delante de la cámara. Que sabe cómo hacernos reír con ese humor negro que le caracteriza con un drama que no hará que nos quedemos indiferentes.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de marzo de 2019. Título original: The Mule. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Clint Eastwood. Guion: Nick Schenk. Música: Arturo Sandoval. Fotografía: Yves Bélanger. Reparto principal: Clint Eastwood, Bradley Cooper, Taissa Farmiga, Manny Montana, Andy Garcia, Michael Peña, Lawrence Fishburne, Dianne Wiest, Alisson Eastwood, Noel Gugliemi, Clifton Collins Jr., Jill Flint, Robert LaSardo, Loren Dean, Ignacio Serricchio. Producción: Warner Bros. Pictures, Malpaso Productions, Imperative Entertainment, Bron Studios. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama. Web oficial:http://www.themulefilm.net/
Raquel (Emma Suárez) es una mujer desesperada. Su situación personal le ha llevado a una coyuntura en la que necesita 35.000 euros (conocidos coloquialmente como “70 binladens”), y los necesita en las próximas 24 horas. Su última esperanza es un préstamo bancario.
La irrupción de dos atracadores (Nathalie Poza y Hugo Silva) cuando está a punto de cerrar la transacción complicará su situación: El tiempo corre en su contra y Raquel debe salir de banco con el dinero, sea al precio que sea.
Crítica
Emma Suárez y Nathalie Poza están para estamparlas en un billete
Otras veces puedo recrearme más con otros asuntos, pero en esta ocasión no puedo aguantarme e ir directo a lo que digo en el titular de la crítica. Emma Suárez y Nathalie Poza son el alma de ’70 Binladens’. Tanto la concepción de sus personajes como la ejecución de las intérpretes es se salen de lo común. Ambas actrices de talento y ambos personajes diferenciados de otros muchos que hemos visto en situaciones similares. El de Emma Suarez se desgrana poco a poco y desafía tanto a los atracadores como al espectador. El de Nathalie Poza parece una imponente presa de ‘Vis a Vis’ (por usar un referente actual), enrabietada y dispuesta a todo. La dos protagonizan un cara a cara que no tiene desperdicio y que se hace con el protagonismo del filme intencionadamente desde el comienzo. Espero que la distancia con la próxima temporada de premios no sea un impedimento para ver nominaciones de este filme.
¿De qué va? Sencillo. En una sucursal ubicada en el País Vasco unos atracadores irrumpen con el plan de llevarse una gran suma de dinero de la caja fuerte dando así el palo de su vida. Cosas del azar, en el local se encuentra otra mujer que está igual o más desesperada que ellos por conseguir dinero, en concreto 35.000€, o lo que es lo mismo 70 billetes de 500, los que llamamos Binladens, por eso de que cuesta encontrarlos. Esa confluencia de desesperaciones hace que este atraco sea más largo de lo esperado.
El director Koldo Sera se ha llevado de nuevo al norte su historia y la ha conformado con buenos planos que la hacen reconocible a lo que vienen siendo sus maneras de rodar. Ha sabido completarla con personajes adecuados e incluso llenarla con algunos momentos tontorrones que por lo menos nos aporten algo de humor que hagan que este no sea un dramón, si no una historia de suspense con sabores muy clásicos. ’70 Binladens’ bebe de fuentes muy puras y puede que por eso sea una película mucho menos efectista e infinitamente más efectiva que el último título del director bilbaino, ‘Gernika’.
’70 Binladens’ se dedica a sembrar para después recoger. No es difícil perderse, pero sí que nos despistan. Es un thriller que engancha, atrapa, sorprende y no tiene desatinos. En resumen, te secuestra de puro interés. No es que tenga giros de guión a lo Shyamalan pero sí que te coge desprevenido. Tiene cambios de rumbo que evocan la maestría del cine de atracos de los sesenta y setenta y eso se lo achaco tanto a la capacidad de mantener el ritmo y la tensión de Koldo Serra como la planificación de sus guionistas.
De hecho cuando alcanza la hora de película yo he llegado a preguntarme qué más quedaba por hacer, cómo iban a estirar a partir de ahí el filme. Pero si, los guionistas AsierGuerricaechevarría, JavierEchániz y Juan Gil Bengoa han encontrado maneras de hilar una historia que se complica y se entrevesa cada vez más. Por cierto que actores como Hugo Silva, Juan Viadas o Kandido Uranga repiten con estos escritores o con el director, a los cuales se les ha unido un solvente reparto que cuenta con el buen trabajo de Daniel Pérez Prada, BábaraGoenaga, Susana Arbaitua o Fernando Albizu.
’70 Binladens’, la tercera película de Serra, su primera cinta sin reparto internacional, se me escapó en el pasado Festival de Sitges y ahora me está dando mucha rabia no haber podido verla antes. Os recomiendo que compréis su entrada, yo la re-visionaré ya que, aunque nos repasan bien todos los detalles es repetidamente disfrutable.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de marzo de 2019. Título original: 70 Binladens. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Koldo Serra. Guion: Asier Guerricaechevarría, Javier Echániz, Juan Gil Bengoa. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Unax Medina. Reparto principal: Emma Suárez, Nathalie Poza, Hugo Silva, Bábara Goenaga, Daniel Pérez Prada, Susana Arbaitua, Fernando Albizu, Kandido Uranga, Juan Viadas, Richard Sahagún. Producción: Sayaka Producciones Audiovisuales, Pokeepsie Films, Nahikari Ipiña, La Panda, Movistar+, ETB, TVE. Distribución: Filmax. Género: thriller. Web oficial:http://filmax.com/peliculas/70-binladens.89
En plena fiesta en un apartamento parisino, Sam cree que es hora de retirarse. Sin embargo, la noche se alarga y, a la mañana siguiente, cuando despierta y abre la puerta, descubre que los invitados se han convertido en no-muertos y que la ciudad ha sido asolada.
Crítica
Nos come el aburrimiento y eso que parecía que sobreviviríamos
‘La noche devora el mundo’ es el primer largometraje de Dominique Rocher y arranca muy al estilo ’28 días después’. Un joven visita a su ex-novia para recuperar algunas de sus cosas y se encuentra con que la casa en la que vivía está ocupada por una horda, pero no de zombies si no de jóvenes que están de fiesta. Él se queda dormido en un cuarto y cuando despierta al día siguiente todo el mundo está muerto. Ahí es cuando llegan los zombies y la similitud con la película de Danny Boyle. El protagonista sufre desconcierto y shock por la sangre que decora las paredes y por los cuerpos que alfombran el suelo. Igualmente que hizo Cillian Murphy sale a la calle y se encuentra con zombies (no con infectados) y en lugar de echar a correr o recibir ayuda se encierra en el edificio donde antes vivía. Ese es el punto de partida de este largometraje francés.
La premisa es interesante. El joven interpretado por Anders Danielsen Lie (‘Rodin’) se atrinchera cual jugador del ‘Plantas contra zombies’ y ese es un aspecto curioso, que podría explorarse. Se prepara como si hubiese leído un manual de supervivencia post-apocalíptico pero tras eso se acabó lo atractivo del filme.
El guión está carente de monologo interior o de giros suficientes como para mantener la expectación del espectador. Esta es una historia de aguante y demencia que ni está llevada a un límite diferente ni tiene giros constantes o suficientes. Diría que el protagonista se aburre solo pero los asistentes al cine también lo hacen.
Si hay algo valorable en el filme es que de un modo u otro consigue que pienses en la supervivencia del protagonista, en que te fijes en cómo se las va apañando en un lugar desprovisto de vida humana, encerrado en un edificio rodeado de zombies. Te olvidas de que te expliquen cuál ha sido el origen de este apocalipsis, porque cualquiera visto en otros filmes te puede valer.
El maquillaje también está logrado. No es que los muertos vivientes estén al nivel de maestros como Greg Nicotero pero si se ha conseguido un trabajo de caracterización solvente y por encima de un guión que debería haber sido más intrépido y menos simplista.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de marzo de 2019. Título original: The night eats the world. Duración: 94 min. País: Francia. Dirección: Dominique Rocher. Guion: Guillaume Lemans, Jéreme Guez, Dominique Rocher. Fotografía: Jordane Chouzenoux. Reparto principal: Anders Danielsen Lie, Golshifteh Farahani, Denis Lavant, Sigrid Bouaziz. Producción: Haut et Court. Distribución: La aventura. Género: terror, thriller. Web oficial:http://laaventuraaudiovisual.com/la-noche-devora-el-mundo/
Alain es un hombre de negocios respetado y un orador brillante. En su vida, no hay lugar para el ocio o la familia. Un día, sufre un derrame cerebral que da al traste con su brillante carrera profesional y le causa problemas profundos de habla y memoria. En su rehabilitación recibe el apoyo de Jeanne, una joven logopeda. Gracias al arduo trabajo y la paciencia, Jeanne y Alain llegarán a conocerse y cada uno, a su manera, tratará de reconstruirse y empezar una nueva vida.
Crítica
Una comedia luminosa y de manual
Hombre de negocios, diseñador de éxito, conferenciante resuelto… Alain (Fabrice Luchini) es una persona engreída y petulante, entregada a su empleo, de esas que dicen «descansaré cuando me muera». Tras ese respetado empresario del mundo de la automovilística hay un mal padre y un mal jefe. Un día este reputado hombre sufre un ictus y sus facultades se ven disminuidas. Aunque esta película no pretende ser muy realista el daño llega hasta tal punto que es incapaz de hablar con coherencia aunque las ideas estén ordenadas en su cabeza, por lo que todos sus planes, su carrera y su prestigio comienzan a peligrar.
Es obvio pensar que con esta premisa lo que nos espera es una clásica historia de trasformación. El antaño altivo directivo de repente se ve con los pies en la tierra y con la obligación de fijarse mejor en aquello que le rodea. Además tiene que aguantar las risas contenidas de aquellos que le oyen hablar. Lo que antes era respeto se torna en burla o lástima.
Resumiendo. En ‘Háblame de ti’ tenemos comedia y moraleja. Comedia que nos viene sobre todo de los disparates que dice el protagonista al ser incapaz de relacionar o pronunciar bien las palabras. Moraleja al transmitirse el mensaje de humildad, de tomarse la vida con calma y de dedicar tiempo a aquello que de verdad importa. También tiene algo de autocrítica pues viene de una novela autobiográfica de Christian Streiff que literalmente se llama «Un hombre de prisas».
Con todo lo que nos cuenta el filme podría habernos transportado a un drama lacrimógeno pero en ningún momento se nos sugiere que debamos sufrir por los personajes y eso se agradece. A eso me refiero con que es un título luminoso, se centra más en la luz de la situación del protagonista, es de las que ven el vaso medio lleno. Agradezco también que, al contrario de como es costumbre en el cine francés, no se haya introducido la clásica historia de amor metida con calzador. Hay que reconocer que cuesta mantener el tono cómico solo a partir de la nueva manera de expresarse del protagonista, pero al menos la historia se propaga por los personajes secundarios amenizando la trama central.
‘Háblame de ti’ podría ser una película del montón, que ni sorprende ni decepciona. En algunos aspectos me ha recordado a la reciente ‘Mi familia del norte’. Es decir, tenemos también a un reverenciado personaje del mundo de los negocios convertido en hazmerreír por su manera de hablar. Pero consigue ser menos cargante y sus maneras son más elegantes o comedidas y no es solo por sus continuas referencias a ‘Casablanca’, a ‘Cowboy de medianoche’ o a Bob Dylan.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de marzo de 2019. Título original: Un homme pressé. Duración: 100 min. País: Francia. Dirección: Hervé Mimran. Guion: Hervé Mimran. Música: Balmorhea. Fotografía: Jérôme Alméras. Reparto principal: Fabrice Luchini, Leïla Bekhti, Rebecca Marder, Igor Gotesman, Clémence Massart, Frédérique Tirmont, Yves Jacques, Micha Lescot. Producción: Canal+, Gaumont, Albertine Productions, France 2 Cinema. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia, adaptación. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/hablame-de-ti/
‘Free Solo’ es la obra de dos expertos en producciones documentales relacionadas con la escalada. La realizadora Elizabeth Chai Vasarhelyi y el mundialmente reconocido fotógrafo y montañero Jimmy Chin, directores también del documental ‘Meru’, en su día pre-seleccionado para los Oscar. ‘Free Solo’ es un sobresaliente, íntimo y retador retrato del escalador Alex Honnold, experto en escaladas en solitario sin cuerdas, durante el tiempo de su preparación para cumplir el gran sueño de su vida: escalar la escarpada cara suroeste de una de las rocas más famosas del planeta, los mil metros de El Capitán, en el parque nacional de Yosemite, en Californa… y hacerlo, por supuesto, sin ningún tipo de arnés.
Crítica
Despojado de cuerda y casi de cordura descubrimos al hombre alcanzando la excelencia
Nos llega ‘Free Solo’ tras haber ganado el BAFTA y haber resultado ganadora de Oscar a Mejor Documental. Conocía la hazaña de su protagonista, Alex Honnold, pero no basta con saber que nos van a relatar un hecho admirable, hace falta descubrir el cómo nos lo van a contar. Y el canal que mejor emplean Jimmy Chin y ElizabethChai Vasarhelyi es el de la vista. Con su fotografía consiguen extraer unas cuantas tomas que nos quitan el hipo del vértigo que dan. Lo cierto es que deben haber tenido una difícil selección de instantánea para emplear en el cartel final del filme.
Lo que percibo de ‘Free Solo’ no es que haya una intención de exaltar la figura de un excelente escalador o de predicar a los cuatro vientos su logro. Sí que es cierto que se analizan varios aspectos de la vida privada o personalidad de Honnold o que se habla de las repercusiones de su hazaña. Pero lo que nos transmite es que lo importante es la experiencia que se vive al hacer algo así, del camino que hay que recorrer.
Sin arnés, sin sogas, sin tienda de campaña. Del tirón en unas horas y solo con su calzado especial y su bolsa de magnesia Alex Honnold ascendió por la pared del emblemático monolito de El Capitan, en Yosemite. Lo cierto es que este escalador si parece estar un poco loco, pero nos demuestran como contrasta, estudia y sopesa las posibilidades de lo que afronta, de cada paso a tomar, tanto figurada como literalmente. Las impresionantes imágenes que nos ofrece el documental nos muestran como trepa cual cabra, cómo está como una cabra, sin cuerda por la dura piedra granítica pero haciéndolo con una naturalidad que hasta parece cuerdo.
Para narrarnos esta escalada de récord nos muestran apabullantes y a veces sobrecogedoras estampas captadas con drones o con cámaras que otros escaladores portaron mientras se colgaban en el vacío o las dejaban fijas a la pared. Todo lo que no son imágenes de Honnold ascendiendo por alguna cima para prepararse son entrevistas o momentos con su novia, Sanni McCadless. Instantes acompañándole como escaladora amateur, debatiendo sobre las repercusiones de una caída, hablando del estado sus lesiones… En esos momentos más íntimos en los que parece que la cámara está oportunamente presente es donde la película se hace más artificiosa o infructuosamente sensible. Es donde nos intentan demostrar también que la concentración no depende solo de aquello que te rodea en determinado instante.
El espectador podría intimar con las sensaciones del escalador pero pinta a Honnold como alguien fuera de lo común, no solo por sus hazañas si no por la manera de relacionarse con los demás o de expresar sus sensaciones. Es alguien que dice vivir en una caravana y se aloja en una furgoneta cuando dinero no le falta gracias a sus patrocinadores. Se nos da a conocer a una persona de gustos y objetivos inusuales, consciente de sus singularidades y con buen sentido del humor.
‘Free Solo’ hace un breve repaso por las personas que le han precedido en esta modalidad de escalada. Sirve para los amantes de las ascensiones como lección histórica pero también detalla técnicas y procedimientos seguidos por este exitoso escalador. Es escalofriante ver como avanza colocando dedo a dedo, midiendo con precisión suiza cada movimiento. El documental arranca con él ascendiendo por la pared sobre un inmenso vacío y acto seguido habla una presentadora de televisión, da hasta cosa que se rompa la imponente concentración del alpinista.
Lo mejor del documental son las imágenes que nos deja y la envidia que sientes al ver que alguien es capaz de tener una persistencia y una destreza que le lleva a prácticas tan intensas y límites como la de Honnold. Si queréis ver a qué me refiero ved el documental o visitad antes este vídeo en 360º sobre su ascensión.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de marzo de 2019. Título original: Free Solo. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Jimmy Chin, Elizabeth Chai Vasarhelyi. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Jimmy Chin, Matt Clegg, Clair Popkin. Reparto principal: Alex Honnold, Tommy Cladwell, Jimmy Chin, Sanni McCadless. Producción: National Geographic, Parkes + MacDonald Image Nation, Little Monster Films. Distribución: National Geographic. Género: documental. Web oficial:https://www.nationalgeographic.com/films/free-solo/
1886, Arlés. El pintor holandés post-impresionista, Vincent van Gogh (Willem Dafoe), huye del bullicio de París y se refugia en un pequeño pueblo de Francia. Allí es tratado amablemente por algunos y brutalmente por otros.
Madame Ginoux (Emmanuelle Seigner), la propietaria del restaurante del pueblo se apiada de su pobreza y le regala un libro de contabilidad, que Vincent llena de dibujos. Pero sus continuos cambios de humor hacen que varios vecinos le tengan miedo. Su mejor amigo Paul Gaugain (Oscar Isaac) le adora, pero acaba huyendo de su lado debido a la abrumadora personalidad de Vincent, y su hermano y comerciante de arte Theo (Rupert Friend) le apoya incondicionalmente, pero no logra vender ni una sola de las pinturas del artista.
En esta tumultuosa época, Vincent pinta las obras maestras espectaculares que son reconocibles en todo el mundo hoy en día.
Crítica
Realismo y fantasía, una historia perfecta de Van Gogh
Hace ya más de un año os dábamos nuestra opinión de la cinta ‘Loving Vincent’ y a día de hoy volvemos para hablaros de nuevo del famoso y atormentado pintor. Y como en aquella cinta, aquí también se va a dar una explicación a su trágico final.
‘Van Gogh, a las puertas de la eternidad’ es un reflejo de lo que fue esta maravillosa persona, que veía el mundo tan distinto a como lo vemos y supo plasmar su belleza en sus cuadros.
Como gran protagonista tenemos al gran WilliamDafoe, el cual ha estado nominado al Oscar por su papel, una merecida nominación pues nos regala una de sus mejores actuaciones en mucho tiempo. Muestra a un VanGogh con sus subidas y bajadas de ánimo, el actor se atreve hasta con los pinceles y vemos varias escenas con él pintando varios de los famosos cuadros del artista. Una actuación de diez para un WilliamDafoe que lo da todo dando vida al pintor.
Pero no solo el está perfecto en esta cinta, RupertFriend, que representa a su hermano Theo, nos muestra a un hombre cansado y muy preocupado por VanGogh, le quiere con locura, pero a su vez, el también tiene una vida y le pesa el tener que estar cuidando de su hermano.
También tenemos a OscarIsaac que se pone en la piel de otra de las personas más importantes de la vida de VanGogh, PaulGauguin, el pintor con el que vivió, discutió, volvió con él hasta que al final se marchó. La escena de ambos pintando es maravillosa enseñándonos a dos distintos pintores trabajar de manera totalmente diferente.
Tengo que admitir que es difícil que no me haya gustado, pues soy una gran amante de este pintor, su vida y su obra me parecen maravillosas y esta cinta da todo eso y más, pero sí que es cierto, que quizás para alguien que no sea tan entusiasta con el artista la película puede serle bastante pesada. Lo que a mí me parece maravilloso, como su búsqueda del paisaje perfecto, a otro espectador puede resultarle aburrido y seguramente este sea el gran punto débil de la película, por el resto me parece inmejorable.
Como acabo de comentar, el director, JulianSchnabel, ha querido mostrarnos como VanGogh comenzaba a trabajar, sus largos paseos hasta encontrar esa luz perfecta, ese lugar inaudito para dar a sus cuadros su toque personal. Todo esto lo consigue gracias a la fantástica labor de BenoîtDelhomme, que también trabajó en ‘La Teoría del todo’. El director de fotografía ha trabajado perfectamente con los colores, dando ese toque amarillo tan necesario para poder adentrarnos un poco más bajo la mirada de Vicent Van Gogh y sentir como él sentía el arte. Algo liberador y que le hacía mantener la paz.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2019. Título original: At Eternity’s Gate. Duración: 106 min. País: Reino Unido. Dirección: Julain Schnabel. Guión: Jean-Claude Carrière, Julian Schnabel, Louise Kugelberg. Música: Tatiana Lisovkaia. Fotografía: Benoît Delhomme. Reparto principal: William Daoe, Rupert Friend, Oscar Isaac, Mads Mikkelsen, Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner, Anne Consigny, Amira Casar, Vincent Pérez, Lolita Chammah, Stella Schnabel, Vincent Grass. Producción: Riverstone Pictures, SPK Pictures, Rahway Road Productions. Distribución: Diamond Films. Género: Biopic, Drama. Web oficial: http://diamondfilms.es/van-gogh-las-puertas-de-la-eternidad/
Dos hermanos, Sara y Lucas, viajan con la ayuda de su tío a Triskipolis, la ciudad de los duendes, que está escondida en algún lugar del mundo.
Crítica
Muy básica, con lo esencial para servir de canción de cuna
Unos niños viajan con su tío Triski en su globo y van a dar a parar a la ciudad de Triskipolis, que nos quieren hacer creer que nada tiene que ver con su tío. Allí conocen a los duendes y las hadas, los cuales necesitan su ayuda. Muy sencilla sinopsis pero es que esta historia es tan básica como cualquier cuento. Tal es así que antes de verla debéis tener muy claro que si no sois unos niños poco más grandes que un recién nacidos os aburriréis soberanamente.
La animación es sumamente básica. Todo el entorno y personajes está realizado con capas estáticas y para recrear su movimiento se alterna rápidamente por otras capas en distintas posiciones. Una manera muy «artesanal» de desplazar las imágenes por la pantalla. Repite partes o tomas enteras para simular el movimiento de las bocas o para ilustrar el desplazamiento de los protagonistas. Quizá el método empleado sea excesivamente básico para lo que se puede hacer hoy en día con cualquier programa o animación, pero para un público infantil es suficiente.
Toda la película está realizada por el director Pedro Alonso Pablos y cuando digo toda es absolutamente toda. Producción, música, animación, voz… Solo ha contado con Alba Peso para poner voz a los personajes femeninos. Me parece muy loable que alguien que quiere contar sus historias se haya valido de sus propios métodos para llegar hasta nosotros.
La película puede hacer las veces de canción de cuna. Y no lo digo solo porque a cualquier público adulto le adormecerá, yo la he sufrido ciertamente. Lo comento porque para los y las más pequeñas puede servir como gran distracción y como estímulo. Ante tanto dibujo perfecto y tridimensional hay que buscar alternativas para que los niños ejerciten tanto su imaginación como su creatividad. Con ‘Triskipolis’ pueden descubrir que otros métodos pueden ser empleados para contar las historias que les lleven a otros mundos.
Veo claras las pretensiones del filme, que no son otras que las de servir de entretenimiento a criaturas de muy corta edad. No culpo por eso a su autor del doblaje tan amateur, ni de las múltiples imágenes repetidas, ni de sus efectos de sonido «caseros», ni su atrevimiento a la hora de cantar… varias veces. ‘Triskipolis’ siendo una película muy simple nos deja dibujos que podría haberlos realizado un niño con sus pinturas de madera. Eso puede ser algo pobre para un filme pero también sirve de herramienta para que el espectador empatice visualmente. Sus conversaciones son triviales e ingenuas, acompañan a su corta capacidad de argumento y animación. Este es un filme escaso de medios pero que puede que guste a algún que otro menor, eso sí, no sé si su precio de venta estará bien medido.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de enero de 2019. Título original: Triskipolis. Duración: 65 min. País: España. Dirección: Pedro Alonso Pablos. Guion: Pedro Alonso Pablos. Música: Pedro Alonso Pablos. Fotografía: Pedro Alonso Pablos. Reparto principal: Pedro Alonso Pablos, Alba Peso. Producción: Pliski. Distribución: Amazon Prime Video, Filmin. Género: animación, infantil, fantasía. Web oficial:https://pliski.com/es/triskipolis/
Independiente y brillante, Wendy ve las cosas de otra manera. Tiene autismo y, para ella, la gente es un código indescifrable y el mundo es un lugar confuso. Pero inspirada por su amiga Scottie, Wendy escapa de su centro asistencial al alcanzar la mayoría de edad para viajar a Hollywood, con el objetivo de presentar en un concurso su guion sobre «Star Trek». Un viaje refrescante, audaz e íntimo que brinda una perspectiva única sobre la vida.
Crítica
Una historia de superación muy trekkie
El 1 de marzo llega esta bonita cinta de la que hoy os hablo, ‘Larga vida y prosperidad’ una de las cintas más ovacionadas en la última edición del Festival Nocturna de Madrid.
La historia nos trae a Wendy, una chica con autismo que vive en un centro donde a ella y a sus compañeros se les ayuda a valerse por sí mismos. La vida de Wendy da un giro cuando Paramount Pictures saca un concurso en el que los fans de Star Trek puedan mandar el guión de la próxima película de la saga. Wendy, fan incondicional y sobre todo de Spock se pone manos a la obra y por desavenencias tiene que marchar a los Ángeles a entregarlo ella misma en mano.
Me gusta mucho la manera de tratar el tema del autismo, dejan claro que la protagonista tiene ciertas dificultades al tratar con las personas, pero no dejan de mostrárnoslo como algo normal, sencillo y que al fin y al cabo podemos comprobar cómo la chica puede manejarse en su día a día. Tiene alguna situación dramática por culpa de la enfermedad, pero no deja de ser anecdótico y que además es el centro para que la protagonista decida marchar a vivir su particular viaje.
Aventuras y desventuras es lo que veremos en la gran pantalla con la gran DakotaFanning en un papel tan curioso como tierno y que al igual que Spock no termina de entender ciertos comportamientos humanos.
Me agradan bastante los trabajos que suele escoger esta actriz, siempre se salen de la normalidad, dando a su carrera un camino bastante curioso y dispar. La acompaña la gran ToniCollete con un papel muy sencillo que nos ayuda a conocer al personaje de Wendy.
BenLewin es el encargado de dirigir este viaje hacia los Ángeles y mostrarnos diferentes parajes y personas con las que Wendy va lidiando. Ladrones, embaucadores, pero también buenas personas que están dispuestos a ayudarla en su travesía.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo 2019. Título original: Please Stand By. Duración: 93 min. País: Estados Unidos. Dirección: Ben Lewin. Guión: Michael Golamco. Música: Heitor Pereira. Fotografía: Geoffrey Simpson. Reparto principal: Dakota Fanning, Toni Collette, Alice Eve, River Alexander, Jessica Rothe, Matt Corboy, Elliott James Thomas Moore. Producción: 2929 Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/952/larga-vida-y-prosperidad/
Jarvis Dolan (Eddie Marsan) es el periodista estrella del exitoso late night radiofónico londinense The Grim Reality (La cruda realidad). Al comienzo de su programa, unos macabros encapuchados irrumpen en el estudio, tomando el control a punta de pistola. Están allí para sacar a la luz un escándalo que podría suponer el final de Jarvis. Obligado a continuar con el programa, en directo, siguiendo el guion de los asaltantes, la noche se convertirá en una pesadilla.
Crítica
Descuida algunos detalles importantes dignos de recibir y corregir con feedback
Dos incendiarios presentadores de radio están enemistados por una razón que a priori desconocemos. Uno de ellos ha sufrido un ataque personal dadas sus controvertidas opiniones acerca del Brexit u otras cuestiones y está a punto de dejar el programa. Finalmente decide trabajar esa noche y dos enmascarados interrumpen su emisión en directo a punta de escopeta y navaja.
Jaume Collet-Serra ha estado más acertado con otras producciones como ‘Infierno azul’ o ‘Extinction’. Sabe oler un buen thriller pero en esta ocasión aunque palpamos la presión que sufren los personajes en varias escenas su guión no nos permite sentir sorpresa o no nos cautiva con algo atrevido. Nos salimos del filme principalmente en cuanto suceden dos cosas. Una de ellas es que todo transcurre realmente por motivos muy manidos. El acicate de los asaltadores es mucho menos prometedor y rompedor de lo que parecía inicialmente. La otra es que hay momentos en los que nos damos cuenta de que es imposible que todo lo que pasa en el estudio sea ajeno al resto de personas del edificio. De ese modo desaprovecha a un actor como Anthony Head (‘Buffy Cazavampiros’).
El programa radiofónico se llama «La cruda realidad» y eso provoca que a favor tenga una diatriba inicial que se basa en atacar a la yugular de la actualidad, de golpear a la posverdad con la que nos rodean. Tanto ese discurso como el resto del filme están muy bien tratados en el apartado de sonido. ‘Feedback’ nos deja momentos de total silencio ambiental, en los que lo único que oímos son las voces aisladas de sus protagonistas. De ese modo sus charlas suenan más sinceras y rotundas. Esto es debido a su radiofónico escenario y con eso puedo enlazar diciendo que una virtud del guión de Alonso,Marini y Bussi es saber entretenernos con un solo emplazamiento.
También encontramos alguna que otra interpretación digna de mención. Por ejemplo la de Richard Brake, al cual estamos acostumbrados a concebir siempre como alguien vil o terrorífico. Tiene algo de eso en esta película pero su rol es mucho más humano que de costumbre. Eddie Marsan también está muy solvente en su función de protagonista y eso que por lo general suele ejercer de secundario.
La puesta en escena del filme también es muy importante. No solo por el tratamiento de sonido que comentaba al transcurrir todo en una emisora, si no también por la luz, la claustrofobia que puede dar o lo escalofriantes que pueden parecer las máscaras de los asaltantes.
Los feedbacks han de ser constructivos para que sean útiles. La primera película de Pedro C. Alonso lleva este título porque los presentadores del programa ven en directo las aportaciones (dañinas por lo general) que les llegan desde las redes sociales. Tampoco es que el filme trate exactamente de eso, es un mínimo detalle que nos deja. Para hacer más justicia a su nombre ‘Feedback’ tendría que haber explorado más las posibilidades que ofrece el mundo virtual a la hora de comunicar opiniones y no ser simplemente un thriller en el que unos desconocidos van desvelando poco a poco la verdadera razón de su ataque.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2019. Título original: Feedback. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Pedro C. Alonso. Guion: Pedro C. Alonso, Alberto Marini, Beto Bussi. Música: Sergio Moure de Oteyza. Fotografía: Ángel Iguácel. Reparto principal: Eddie Marsan, Paul Anderson, Ivana Baquero, Richard Brake, Alexis Rodney, Oliver Coopersmith, Nacho Aldeguer, Alana Boden, Anthony Head. Producción: Jaume Collet-Serra, Vaca Films, Ombra Films. Distribución: eOne Films. Género: thriller. Web oficial:https://www.vacafilms.com/feedback/
Al saber que su amigo Joseba (Enrique San Francisco) está enfermo, Tocho (Hovik Keuchkerian) y Jean Pierre (Jean Reno) deciden ir a verlo a Mali. Recordando los viajes que hicieron los tres juntos en los 80, cruzando África en coches que luego vendían en Mali y Níger, se aventuran a atravesar el Sahara con un 4 Latas que aún conserva su hija, Ely (Susana Abaitua). Un viaje repleto de emociones y de divertidos encuentros que cambiará la vida de todos para siempre.
Crítica
Una aventura llena de sencillez y sinceridad en sus argumentos
Con el paso del tiempo algunos podrían decir que un 4 latas, es un vehículo antiguo o destartalado que se suele dejar para que un conductor novel dé sus primeros arañazos o para que algunos lo empleen de tal manera que lo «revienten» en las fiestas del pueblo. Sobre todo se llamaba así a los Renault 4L y con los años esos coches tuvieron un destino variopinto, como el que nos revela esta película.
Hace años se puso de moda o se popularizó en Francia la tendencia en ir a África a vender coches usados, con los inconvenientes de transporte, arreglos y aduanas que ello conllevaba. Gerardo Olivares, director de la película, descubrió esta tendencia cuando viajaba con un Seat Panda por el Shahara. Los protagonistas de este filme no buscan lucrarse con el coche en el que viajan, solo llegar hasta la residencia de un amigo (Quique San Francisco) que se muere y así despedirse de él haciéndole reencontrarse con su abandonada hija (Susana Abaitua). Para lograr su objetivo tienen que cruzar un desierto arañado por ruedas de viajeros y contrabandistas.
Gerardo Olivares nos transmite esa curiosa tendencia que llevaba a mucha gente a vivir historias que jamás pensarían que vivirían. Aventuras en tierra desconocida que les hará encontrarse con la gente que querrían haber conocido toda su vida. De nuevo el director nos lleva de viaje, como ya hizo en ‘El faro de las orcas’ para generar momentos extraordinarios y transformadores. Instantes que cambian el sino de las personas pero desde el más puro realismo, sin necesidad de acudir a la fantasía o a lo ilusorio, como también hizo en ‘Entrelobos’ o ‘La gran final’. Si a esto sumamos que Olivares tiene en su haber películas como ‘Caravana’ o ’14 kilómetros’ ya nos queda claro que es un experto en narrarnos travesías sin apenas repetirse en sus componentes, tonalidades o mensajes.
Quizá este sea el recorrido más cómico de todos los que ha elaborado el director. El reparto está formado por rostros conocidos que además siempre despiertan simpatía con su peculiar sentido del humor. En algunos momentos del filme podemos decir eso de… un francés, un vasco y un valenciano se encuentran en África, parece un chiste malo. En realidad está sopesado el carácter de los personajes para que tengamos la impresión de que son un equipo equilibrado: el pulcro y metódico, el bruto que está de calavera, la rebelde millennial…
Jean Reno ejerce de francés y la película está rodada en castellano por lo que no ha tenido que disimular su acento a la hora de expresarse. Tampoco cuesta entenderle dado lo bien que habla nuestro idioma al proceder de padres gaditanos. Su interpretación es muy simpaticona, alejada de otras versiones del actor en las que le veíamos como un tipo duro. Alejado del estilo del actor francés tenemos en la película a Quique San Francisco, cuya presencia se limita a unas escenas finales y un monólogo, tipo diatriba de barra de bar, que nos acompaña constantemente.
Parece que los dos nombres más destacados son los de Reno y San Francisco, con permiso de la actual popularidad de Arturo Valls. Pero los que acaparan el protagonismo son HovikKeuchkerian y Susana Abaitua. Funciona muy bien la pareja en pantalla.
Puede que penséis que Hovik Keuchkerian ni os suene pero le habéis visto en películas como ‘Assassin’s Creed’ o ‘El hombre que mató a Don Quijote’ además de en episodios de series como ‘La casa de papel’ o ‘El ministerio del tiempo’. Y fijo que habéis visto su monólogo con el gag de las croquetas. Su personaje está lleno de sentencias que parecen dichas por un poeta de la vida, las cuales me han recordado a poemas de Francisco M. Ortega Palomares. Pero seguramente con lo que se quede todo el mundo es con lo bien que hace de tipo tosco y guarreras. A Susana Abaitua realmente la conocí tras ver ‘Compulsión’ y me gustó su trabajo. La vitoriana ejerce de joven independiente e irreverente y también me ha parecido convincente. Ya estoy esperando verla en ’70 Binladens’.
A veces este es un largometraje con un estilo muy road trip, otras vitalista, con cruce de caminos… Desde el principio ‘4 Latas’ hace una apuesta por los tiempos más sencillos y nostálgicos. Busca transmitir una experiencia transformadora. Ciertamente no es una película que vaya a cambiaros pero la sencillez de su humor y la sinceridad de sus personajes a mi me ha parecido más que suficiente como para salir satisfecho.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2019. Título original: 4 Latas. Duración: 104 min. País: España. Dirección: Gerardo Olivares. Guion: Gerardo Olivares, Chema Rodríguez, María Jesús Petrement. Música: Yuri Méndez. Fotografía: Gonzaga Manso. Reparto principal: Jean Reno, Hovik Keuchkerian, Susana Abaitua, Arturo Valls, Enrique San Francisco, Bore Buika, Juan Dos Santos, Iliana Wilson, Himar González, Eric Nguyen. Producción: TVE, Es.docu, Cruzando el desierto A.I.E., Wanda Films, Netflix. Distribución: Wanda Visión, Netflix. Género: aventuras, drama. Web oficial:http://www.wandafilms.com/site/sinopsis/4_latas
‘Una cuestión de género’ está inspirada en la historia real de Ruth Bader Ginsburg (Felicity Jones), una joven abogada y madre de familia. Ruth, junto a su marido el abogado Martin Ginsburg (Armie Hammer), cambió el curso de la historia con un singular caso sobre discriminación de género que abrió el camino para la igualdad en los Tribunales.
Crítica
Una abogada que recibió todo tipo de rechazos, un filme que no tendrá el mío
De la mano de la directora Mimi Leder y del guionista Daniel Stiepelman llega a nuestros cines ‘Una cuestión de género’. Tal vez un hecho reseñable sobre este filme sea que supone el regreso a la gran pantalla de una directora que ha estado dedicada en los últimos diez años la televisión y nos brindó en su día éxitos como ‘Deep impact’, ‘Cadena de favores’ o ‘El pacificador’. Pero me parece más curioso que el escritor del filme es familia directa de Ruth Bader Ginsburg, la protagonista interpretada por Felicity Jones.
Por lo tanto era de esperar que la película estuviese tratada desde cierto cariño y consideración. También podemos confiar en que todo se cuenta con la máxima veracidad posible. El tema que trata está harto documentado y merece el máximo respeto. Desde el minuto cero nos muestran a una Norteamérica falocentrista en los años sesenta y setenta. En ella se abrió paso Ruth Bader Ginsburg como abogada recibiendo todo tipo de tratos vejatorios y condescendientes. Las antiguas tradiciones machistas le impedían ejercer la profesión que ella quería y un caso le dio la oportunidad de hacer probar al hombre su propia medicina y darle la vuelta a la tortilla.
‘Una cuestión de género’ tiene muy bien ejemplificados desde los clásicos comentarios sexistas hasta los más sutiles micromachismos. Pero el filme también lucha contra todo aquello que está impuesto por ley o costumbre y aboga por el derecho a cambiar de todo un país. Muestra el temor de un mundo patriarcal que tiene miedo a perder su posición de seguridad y supremacía. Pero lo hace sin dejar ver también que no todos los hombres son malos ni todas las mujeres del carácter transgresor de Bader Ginsburg.
Arnie Hammer sigue aprovechando esa percha de galán que tiene y que se ha explotado en películas como ‘Call me by your name’. En su caso no me aporta nada nuevo pero su intervención es más que útil. Su papel sigue siendo portador de un carácter comprensivo y abierto, su papel es sutil y es ejemplo de un hombre distinto a los de su época. Al igual que discrepante era la hija que ha sido interpretada por Cailee Spaeny la cual ha empezado hace nada su carrera en el cine pero ya la hemos visto mucho: ‘Malos tiempos en El Royale’, ‘El vicio del poder’ o ‘Pacific Rim: Insurrección’.
A quien si que hemos visto en numerosas ocasiones es a Felicity Jones. Nos llegó tarde su ‘Persecución al límite’ y a muchos nos gustó su trabajo en ‘Rogue One’ a si es que por mi parte estaba deseando verla en un papel tan serio y cargado de responsabilidad como este. No estamos ante una actuación de Oscar como se suele decir pero capta bien el peso de su personaje, sin necesidad de hacerlo suyo, sino de todo el colectivo al que representa.
Algún fallo de raccord y alguna escena torpemente desarrollada no ensombrecen una película con bastante valor histórico. Como títulos de crédito habría estado bien que mostrasen las más de cien leyes que en aquella época (estoy seguro que alguna vigente hoy en día) hacían que la discriminación de sexo fuese legal. ‘Una cuestión de sexo’ es un drama digno de óperas como a las que alude: La bohème, Aida o Las bodas de Fígaro. Actualmente a causa de una caída Ruth Bader Ginsburg ha tenido que dimitir de su cargo en la Corte Suprema lo cual ha permitido a Donald Trump introducir a un juez ultraconservador. Lo dicho, todo un drama de esos que tienen eco en generaciones, pero aunque la jueza se haya caído su película demuestra que otras muchas permanecerán en pie.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de febrero de 2019. Título original: On the basis of sex. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Mimi Leder. Guion: Daniel Stiepelman. Música: Mychael Danna. Fotografía: Michael Grady. Reparto principal: Felicity Jones, Arnie Hammer, Justin Theorux, Jack Reynor, Cailee Spaeny, Sam Waterson, Kathy Bates. Producción: Amblin Partners, Focus Features, Participant Media. Distribución: eOne Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial:http://focusfeatures.com/on-the-basis-of-sex
Los ‘Hermanos por Pelotas’ se vuelven a reunir, esta vez interpretando al mejor detective del mundo y a su leal biógrafo. Will Ferrell y John C.Reilly protagonizan ‘Holmes & Watson’.
Crítica
Flo y Segura al rescate del guión de Cohen
Cuando vas a un pase de prensa lo normal es que se proyecte lo que se proyecte, se haga en versión original con subtítulos. Cuando asistes a un pase de una película extranjera ya doblada uno puede interpretar que lo más relevante de la cinta son los dobladores, que en el caso de ‘Holmes & Watson’ son Florentino Fernándezy Santiago Segura, unos tipos, sin duda, capaces de animar un entierro.
En cuanto al trabajo de Fernández y Segura, podemos decir que han cumplido, le dan cierta gracia a sus personajes, cosa que no se puede decir del flojo guión escrito por Etan Cohen, que incluye un par de chistes ácidos sobre la sociedad actual, y tres o cuatro pullitas políticas graciosas, alguna referencia cinéfila y por sumar, sumamos algún plano de humor más surrealista (la escena en la morgue) para rescatar todo lo bueno de la película.
Digamos que como premisa, ofrecer una versión humorística para el personaje ideado por Sir Arthur Conan Doyle, podría dar mucho juego y a mi juicio el resultado final es falto de ambición, soso. Una comedia que te hace reir poco. La obsesión de Holmes por guiarse por la lógica nos hace un guiño a el señor Spock de ‘Star Trek’ pero un personaje tan brillante como Sherlock Holmes podría parecer menos tonto de lo que nos quieren proponer en la película. Se han equivocado de enfoque. Una pena.
Podemos mencionar a Ralph Fiennes, porque aparece en la película, pero no es relevante para nada más que para completar un reparto con nombres que no alteran el pobre resultado final. Will Ferrell y John C. Reilly no tienen mucha química para mi gusto, y en todo caso me inclino por el segundo en lo que a cómico se refiere. Si hay algún momento bueno, tiene a Watson en él.
Nada que destacar de la película en aspectos técnicos o de otro tipo, con lo cual podemos llegar a la conclusión que lo mejor de ‘Holmes & Watson’ es el guión que aún siendo indolente, consigue robarnos alguna sonrisa con su humor gamberro, pero que desde luego, no sostiene una cinta que te parece tan larga como ‘Titanic’ y que dura tan sólo 89 minutos.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de febrero de 2019. Título original: Holmes & Watson. Duración: 89 min. País: EE.UU. Dirección: Etan Coen. Guion: Etan Coen. Música: Christophe Beck. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Will Ferrell, John C. Reilly, Rebecca Hall, Rob Brydon, Kelly McDonald, Ralph Fiennes. Producción: Columbia Pictures, Gary Sanchez Productions, Mosaic. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, aventuras. Web oficial:https://www.holmesandwatson.movie/
En ¿PODRÁS PERDONARME ALGÚN DÍA? Melissa McCarthy interpreta a Lee Israel, la biógrafa de famosos superventas (y amante de los gatos) que se ganó la vida en la década de los 70 y 80 realizando las biografías de artistas como Katherine Hepburn, Tallulah Bankhead, Estée Lauder o la periodista Dorothy Kilgallen. Cuando Lee ve que ya no le publican sus libros porque no está a la altura del mercado, cambia su método y empieza a realizar falsificaciones instigada por su leal amigo Jack (Richard E. Grant).
Crítica
Israel Lee una mujer digna de conocer
‘¿Podrás perdonarme algún día?‘ nos trae una parte de la vida de Israel Lee, famosa por dedicarse a escribir las biografías de distintos artistas de Hollywood, y por ser una falsificadora de primera.
No conocía nada acerca de esta mujer, en la cinta de MarielleJelle, nos la muestra grosera, sucia y una persona que se negaba actualizarse en su vida general, ya fuera en el trabajo, con su máquina de escribir bajo el brazo o en su vida personal, que más que actualizarse era simplemente cuidarse y ser un poco social, pues trataba a todo el mundo como si fuese un trapo viejo.
Cuando es despedida de su trabajo, según ella por ser una persona mayor, desesperada comienza a vender sus pertenencias, entre ellas viejas cartas que han llegado a sus manos de su época con las estrellas. Se da cuenta que este tipo de adquisiciones dan mucho dinero y comienza a falsificarlas.
Con una trama muy interesante, vamos conociendo a esta mujer llena de desperfectos y a su colega de fechorías y bares, Jack Hock al que da vida el actor RichardE.Grant. Pero sí que es cierto que se va volviendo muy repetitiva según llega el desenlace.
La película está muy bien dirigida, ambos actores están de diez y desde el principio y gracias a todo el equipo de diseño de producción, fotografía, vestuario y música, te adentras en Nueva York. El jazz, el color gris, los grandes rascacielos, consiguen que la Gran Manzana se convierta en un personaje más en esta cinta.
Pero ahora vamos a hablar de los actores, MelissaMcCarthy, que está estupenda y lo da todo en esta cinta, nos presenta a esta mujer anti heroína, que no se cuida, que no se adapta a lo nuevo y además es totalmente antisocial. Una persona que desesperada de pensar que va a perder todo lo que ha conseguido con tenacidad decide convertirse en una delincuente. Sin duda de sus mejores trabajos hasta ahora.
A su lado tenemos a Richard E. Grand, merecida es su nominación a los Oscar y de verdad ojalá se lo dieran, porque está espectacular. Nos trae a Jack Hock, un vividor, un hombre que sabía seducir con sus palabras a cualquiera y que se aprovechaba de ello. Un hombre coqueto hasta el final. Está maravilloso y es al personaje que coges más cariño, aunque meta mucho la pata, es un hombre perdido y le da a Israel Lee la oportunidad de tener que confiar en alguien.
Como apunte final os comento que el título de la cinta viene dado por ser una frase que puso en una de las cartas que falsificó de DorothyPaker. Además la escritora, no solo falsificaba, estudiaba hasta el mínimo detalle todos los escritos sobre el personaje al que iba a imitar, haciendo todas sus falsificaciones muy reales.
Os recomiendo quedaros a los créditos, pues os cuentan retazos de la vida de Israel y de Hock que son bastante curiosos.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de febrero 2019. Título original: Can You Ever Forgive Me? Duración:País: Estados Unidos. Dirección: Marielle Heller. Guión: Nicole Holofcener, Jeff Whitty, basado en las memorias de Lee Israel. Música: Nate Heller. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Melissa McCarthy, Richard E. Grant, Julie Ann Emery, Jane Curtin, Anna Deavere Smith, Marc Evan Jackson. Producción: 20th Century Fox. Distribución: 20th Century Fox. Género: Drama. Web oficial:https://www.podrasperdonarmealgundia.es/
En el fascinante nuevo juego de terror ‘Destroyer’ de Karyn Kusama, el recibo de un recibo en el correo de la oficina impulsa a la veterana detective de la policía de Los Ángeles Erin Bell (Nicole Kidman) en un peligroso viaje para encontrar al asesino y líder de la pandilla, Silas (Toby Kebbell), y tal vez finalmente hacer las paces con su pasado torturado.
Escrito por Phil Hay y Matt Manfredi que también produjo la película junto a Fred Berger (La La Land, Operation Finale), la odisea ricamente compleja a través de la parte baja de Los Ángeles y las comunidades cercanas del desierto reúne a Bell con los miembros de la banda criminal a la que una vez se unió como agente encubierta del FBI; una designación que terminó desastrosamente y ha tenido un alto costo emocional y físico en su vida.
Crítica
Un desconcierto bien ordenado con aciertos y desaciertos
Pero cuántos sentimientos encontrados tengo cuando veo una película de Karyn Kusama. La directora que me cautivó tanto con películas como ‘La invitación’ me ha causado también ojeriza por títulos como ‘Aeon Flux’. La considero alguien capaz de hacer lo mejor y lo peor y en ‘Destroyer’ hace ambas cosas.
En este nuevo y largo título conocemos a Erin Bell (Nicole Kidman), una detective que está por debajo de la expresión «de capa caída». Está rodeada de compañeros incómodos por su presencia, cansada de la vida y con un patentemente escabroso pasado que quiere zanjar. La película nos lleva por sus investigaciones a cerca de un crimen del que sabe más que el resto de la policía y mientras nos va soltando largos flashbacks. Entre esas escenas esta agente va teniendo encuentros con su conflictiva hija (Jade Pettyjohn). Cuando confluyen pasado y presente llegan varias de las vueltas de tuerca, tanto las predecibles como las que no presuponíamos.
‘Destroyer’ por un lado tiene giros que eran de esperar pero por otro tiene sorpresas que me han pillado desprevenido. Por supuesto no os voy a contar en qué consisten, pero si que el montaje de la película está muy bien elaborado. En su final experimentamos un cambio en cuanto a la manera de enfocarla y vemos que todo está correctamente narrado, sin líos y haciendo encajar las piezas estupendamente. Al final conectas todo de un modo automático, no cuesta nada entender qué es lo que ha pasado. Nos mantiene atentos con varias incógnitas abiertas que se resuelven casi en su totalidad en los compases finales y no quedan flecos ni agujeros de guión.
También nos atrapa con la interpretación de Nicole Kidman. Kidman tiene muchos papeles que no me gustan en su carrera, o más bien pocos que me hayan convencido de verdad, como dije hace nada al hablar de ‘Aquaman’. Pero en esta ocasión, aunque roza lo artificial si me ha persuadido. A veces está irreconocible, desastrada y consumida, pero aún así ruda.
Es un error a mi entender darle tantos minutos a las disputas con su hija, no habría hecho falta sentar tantas bases, con alguna pequeña pincelada nos habrían asegurado un resultado más impactante o emotivo. Ese fallo se lo atribulo más al guionista Phil Hay con quien me pasa lo mismo que con la directora: genial por ‘La invitación’ o ‘R.I.P.D.’ de cero por ‘Furia de titanes’ o ‘Aeon Flux’.
‘Destroyer’ tiene algo de acción pero sobre todo nos ofrece drama e investigación. En algunos aspectos, en los que tampoco puedo entrar por no desvelar su argumento, me ha recordado a ‘Tarde para la ira’. En resumen, mal por su parte predecible y la trama de la hija, bien por Kidman y la manera de narrar la historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de febrero de 2019. Título original: Destroyer. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Karyn Kusama. Guion: Phil Hay, Matt Manfredi. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Julie Kirkwood. Reparto principal: Nicole Kidman, Sebastian Stan, Tatiana Maslany, Toby Kebbell, Scoot McNairy,Bradley Whitford, James Jordan, Toby Huss, Jade Pettyjohn, Shamier Anderson,Jan Hoag. Producción: 30West, Automatik Entertainment. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, acción. Web oficial:https://www.destroyer.movie/
La película cuenta la historia del surgimiento y caída del carismático senador que capturó la ilusión de los jóvenes votantes y fue considerado el candidato favorito para la nominación presidencial demócrata de 1988. Su campaña fue boicoteada por la historia de su relación extramatrimonial con Donna Rice, en la que puede ser considerada como la primera vez en la que el periodismo político se mezcló con el periodismo de tabloides, y Hart tuvo que abandonar la campaña – eventos que causaron un profundo y duradero impacto en la política estadounidense y en el escenario político mundial.
Crítica
Muy importantes sus mensajes, poco relevante el personaje
Echar mano de argumentos políticos casi siempre ha dado buen resultado. Malo es que no haya una parte de la audiencia que no empatice con la ideología o alegatos de los personajes en pantalla. Con esta nueva película de Jason Reitman (‘Up in the air’) profundizamos en los acontecimientos que rodearon el intento de candidatura de Gary Hart, pero no es el personaje como tal lo que más importa, si no los hechos o planteamientos que presenta.
Gary Hart era alguien receloso de contar su vida personal, como deberíamos ser todos con la vida privada de los demás. ‘El candidato’ surge de una novela del también guionista Matt Bai titulada ‘All The Truth Is Out (Toda la verdad está fuera)’. En ella hay muchas escenas íntimas que se supone que tienen mucho de imaginación o se han recreado a partir declaraciones o entrevistas de los protagonistas. Pero también analiza lo sucedido a partir la repercusión de dichos actos públicos.
Hart es un político cuya carrera para mí me es indiferente, que no tiene trascendencia o no es muy conocida si no estás muy metido en política. Es más, la película lo que expresa en líneas generales es que a nosotros no nos debería importar su vida, por lo que en ese sentido me deja igual que antes de verla. Lo que sí que marca un punto de inflexión es el modo en el que los periodistas le acecharon y como explotó la exhibición de los trasuntos personales de los políticos desde entonces. A priori esta puede parecer la recreación de la gestación y posterior caída de una carrera política, desde las razones y elección del candidato hasta los motivos por los que no llegó a la Casa Blanca. Pero en realidad la vida de Hart es solo la excusa para enarbolar determinadas moralejas y materias.
Están muy bien varios de los discursos que proyecta ‘El candidato’ hacia nosotros. No me refiero solo a los mítines políticos, si no a problemáticas que pone sobre la mesa y que hoy en día siguen vigentes. Uno de los más tratados es la prostitución de los medios de comunicación. La caída en el sensacionalismo. El foco en temas equivocados, que se alejan de lo que es realmente importante. Una manera de rebajarse por parte de los noticieros que por otro lado está legitimada y pagada por los lectores o espectadores que consumen más temas morbosos que provechosos. De eso trata en gran medida ‘El candidato’, de la comercialización y faranduleo del mundo de la política. De que al final tendremos los políticos que nos merecemos. Un dicho que seguramente podría emplearse en cualquier país y época pero que con Trump se ha materializado más que nunca.
También se pone muchas veces sobre la mesa la dignidad y respeto de la mujer. Las consecuencias de un político mujeriego no repercuten solo sobre su carrera, sino también sobre su esposa e hija. Respeto por parte de la persona que hace daño a su pareja y respeto por aquellos que también aprovechan para hacer leña del árbol caído. También se habla en determinados puntos sobre la importancia de no prejuzgar por las apariencias o por las intenciones de aquellos que hipócritamente se acercan a los que parece que tendrán éxito.
Para encarnar al político demócrata no es que se haya planteado un papel excesivamente difícil pero Hugh Jackman lo interpreta bien. Es fácil que con un rostro tan conocido como el suyo nos cueste toparnos con el personaje más que con la persona. Pero se diferencia mucho de otros papeles que ha ejecutado.
Ayudan mucho a sumergirse en los ochenta y en el político que interpreta Jackman las diferentes imágenes televisivas que se intercalan con las escenas de otros personajes. Nos sitúa así en uno de los momentos en los que las campañas electorales se convirtieron más en un tablón sentimentaloide que en una apuesta de futuro para una nación. Reitman marca aquí un buen punto de inflexión en la historia política para que se haga examen de conciencia y algunos procuren cambiar los hábitos de consumo.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de febrero de 2019. Título original: The front runner. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Jason Reitman. Guion: Jason Reitman, Matt Bai, Jay Carson. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Eric Steelberg. Reparto principal: Hugh Jackman, Vera Farmiga, J. K. Simmons, Alfred Molina, Mark O’Brien, Molly Ephraim, Kaitlyn Dever, RJ Brown, Mamoudou Athie. Producción: Columbia Pictures, Bron Studios, Right of Way Films, Stage 6 Films, Creative Wealth Media Finance. Distribución: Sony Pictures. Género: política, drama, adaptación. Web oficial:http://www.sonypictures.com/movies/thefrontrunner/
En ‘Feliz día de tu muerte 2’, la secuela de la exitosa película revelación de Blumhouse (Múltiple, Déjame salir, la saga La noche de las bestias), Jessica Rothe vuelve a encabezar el reparto de una película plagada de fascinantes giros recurrentes y golpes de humor. Esta vez, nuestra heroína Tree (Jessica Rothe) descubre que morir una y otra vez era sorprendentemente más fácil que afrontar los peligros que le aguardan.
Crítica
Divertida y sorprendiéndonos de nuevo
Cuando supe del próximo estreno de la segunda parte de ‘Feliz día de tu muerte’, pensé, «si no le pueden sacar más jugo a esta historia». Pues debo admitir que estaba totalmente equivocada y de manera inesperada nos deleitan con una explicación lógica sobre todo lo que ocurre gracias a la ciencia.
En ‘Feliz día de tu muerte 2’, se pierde el género slasher que quizás predominaba en su primera parte, dejando paso a la comedia tonta y adolescente pero que sin duda funciona desde el principio de la película. Aunque seguiremos viendo esa careta de bebé que tanta grima da.
Nos volvemos a encontrar en el reparto con JessicaRothe, la joven actriz a la que hemos podido ver en películas como ‘La la land’ y que próximamente veremos en ‘Larga vida y prosperidad’, en un papel secundario. Sigue siendo la estrella de la película, con sus exagerados comportamientos y sus imaginativas muertes.
Pero por supuesto ella no es la única que vuelve en esta historia, IsraelBroussard, PhiVu, RubiModine, RachelMatthews, son parte del reparto que regresa para hacérnoslo pasar bien.
Tanto PhiVu como RachelMatthews vuelven con papeles más protagonistas que en la anterior y lo dan todo en sus actuaciones, sobre todo ésta última que nos da una secuencia absurda y muy cómica intentando recuperar unas llaves.
Tenemos varias referencias cinematográficas en la película, ya en la anterior se mencionó ‘Atrapado en el tiempo’, una película con una trama muy parecida en su base, aquí se nos nombran películas como ‘Origen’ o ‘Regreso alfuturo 2‘. Pero sin duda parte de la película me ha recordado mucho a la serie ‘The Big Bang Theory‘.
Christopher Landon vuelve a ponerse tras las cámaras en esta historia y esta vez se anima también con el guión. Para mí es un verdadero logro que repitiendo la misma fórmula que la primera película sea capaz de sorprendernos. Aunque sigamos odiando el terrible tono musical que la protagonista tiene en su teléfono.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de febrero de 2019. Título original: Happy death day 2U. Duración: 100min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Landon. Guion: Christopher Landon.Música: Bear McCreary. Fotografía: Toby Oliver. Reparto principal: Jessica Rothe, Israel Broussard, Phi Vu, Suraj Sharma, Sarah Yarkin, Rubi Modine. Producción: Blumhouse, Digital Riot Media. Distribución: Universal Pictures. Género: thriller, comedia. Web oficial:https://www.happydeathday.com/
El perturbador comportamiento del pequeño Miles hace sospechar a su madre, Sarah (Taylor Schilling), que una fuerza maligna y probablemente sobrenatural se ha apoderado de él.
Temiendo por la seguridad de su familia, Sarah debe elegir entre su instinto maternal de amar y proteger a Miles y la desesperada necesidad de investigar qué o quién le está provocando ese inquietante comportamiento. Pronto descubrirá que para poder salvar a Miles se verá obligada a buscar respuestas en un pasado muy peligroso y aterrador.
Crítica
Explota medianamente bien un nuevo y terrorífico concepto de niño superdotado
La trama de ‘The prodigy’ me ha parecido una mezcla entre ‘Muñeco diabólico’, ‘La profecía’ y ‘El pequeño Tate’. En la película de Nicholas McCarthy se juntan los temas paranormales, los psicópatas y los niños prodigio. En ella un niño muestra desde bebé que es capaz de aprender muy rápido y a sus ocho años empieza a inquietar a sus padres, los cuales se encuentran con un serio debate que enfrenta su paternidad y su buen juicio.
Lo cierto es que con el título que tiene más cosas en común es con el del muñeco asesino, de hecho podría funcionar como secuela o historia alternativa a lo que sucede tras la primera parte de la criatura de Don Mancini. No me gustaría destripar nada y entrar en demasiados detalles pues lo cierto es que el filme esgrime buenos argumentos y además hace uso de acertadas herramientas. En este título nos encontramos con un equilibrio entre escenas que ya son clásicas en las películas de terror de la época y momentos realmente originales. Se pueden reconocer varios referentes cinematográficos y aún así el filme evita repetirse demasiado, no podemos decir mucho eso de «¡qué topico!». Sí que es cierto que con algunas escenas y con varios detalles nos salimos del ambiente generado en la cinta. Pero no es difícil volver a enganchar la senda del thriller y del terror y eso que no emplea una atmósfera excesivamente oscura. ‘The prodigy’ tiene varias escenas que intrigan o incluso inquietan lo suficiente como para que estemos pendientes de lo que va a pasar con el niño.
Un chico que está interpretado por Jackson Robert Scott. Este joven al que hemos conocido en ‘IT’ o en ‘Fear the Walking Dead’ está bastante más que acertado. En esta ocasión tiene que jugar aún más con su rostro angelical para alternarlo con miradas aviesas. Aunque ha contado con la carta de la heterocromía (un ojo de cada color), que no es lo que tenía David Bowie como muchos piensan o como se apunta malamente en el filme.
En el reparto adulto tenemos a Taylor Schilling ejerciendo de madre que se ve ante la seria duda de si recurrir a la protección materna o al sacrificio. Menos presente está quien ejerce de padre, Peter Mooney (‘Heroes Reborn’) al contrario que Colm Feore (‘The Umbrella Academy’, ‘House of cards’) que protagoniza uno de los mejores momentos del filme. Esperaba ver más a Brittany Allen, sobre todo después de que me gustase su trabajo en ‘Saw VIII’ o sobre todo en ‘Extraterrestrial’ o ‘What keeps you alive’, pero su participación aquí, aunque indispensable, es escueta. Aún así me queda constancia de lo bien que se le da interpretar a alguien con dolor. Y como curiosidad me gustaría decir que uno de los personajes está interpretado por alguien que actuó en la serie que se hizo sobre ‘La profecía’, Elisa Moolecherry.
Muy bien el niño, pero en quien tengo puesto mi foco de atención es en el guionista. JeffBuhler es quien ha escrito esta historia, que como he dicho tiene aciertos y desaciertos. Vamos a poder ver su trabajo en la adaptación de la obra de George R. R. Martin, ‘Nightflyers’ o en la nueva versión del ‘Cementerio de animales’ de Stephen King. Me han gustado los cánones de terror a los que ha recurrido añadiendo además algún toque nuevo. Al final emplea una solución que nos llega a través de un buen giro pero que podría haber ido un poco más allá, podría haber sido más intrépida, estando más alejada de desenlaces comerciales o frecuentes.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de febrero de 2019. Título original: The prodigy. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Nicholas McCarthy. Guion: Jeff Buhler. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Bridger Nielson. Reparto principal: Taylor Schilling, Jackson Robert Scott, Colm Feore, Brittany Allen, Peter Mooney, Paula Boudreau, Oluniké Adeliyi. Producción: Vision Films, Orion Pictures. Distribución: Filmax. Género: terror, thriller. Web oficial:https://whatswrongwithmiles.com/http://theprodigy.filmax.com/
Un vagabundo se hace amigo se hace amigo de un empleado de una funeraria bastante peculiar. Entre ellos surge una asociación bastante improbable. Sin embargo entre ellos surge la paranoia y empiezan a cuestionarse conceptos como la amistad y la lealtad.
Crítica
La mejor película en la que aparece e intenta actuar Tommy Wiseau
Ya me he topado las suficientes veces en el cine con Tommy Wiseau y hablado con gente que ha trabajado con él como para tener una opinión sólida sobre su persona y talento. Tras haberle visto, por supuesto, en ‘The Room’ y posteriormente en ‘Samurain Cop 2’, ‘Cold Moon’ o ‘The disaster artist’ puedo decir con mucho esfuerzo, aunque haciendo justicia, que este es el mejor título en el que aparece Tommy Wiseau. Pero puedo ir más allá, si no me había gustado ninguna de las películas en las que ha intervenido, aunque sea solo con un cameo, con ‘Best F(ri)ends’ debo admitir contra todo pronóstico que incluso me ha gustado.
Tommy Wiseau es una persona tan peculiar que es capaz de convertir un viaje entre amigos en una lucha por su supervivencia llena de paranoia. Eso nos aseguran que pasó realmente en esa excursión que hizo con Greg Sestero, en la cual se basa ‘Best F(r)iends’. Sestero ha escrito el guión y Justin MacGregor lo ha dirigido. Un desconocido y primerizo director con mucho más talento que Wiseau, eso queda claro nada más ver el plano aéreo que abre el filme.
La película comienza con una misteriosa situación para el personaje de Sestero y toda ella está rodada desde su punto de vista. Él es un vagabundo que conoce a un funerario (Wiseau) que le acoge y da empleo. Arranca ahí una historia de amistad con más de una referencia a ‘De ratones y hombres (Of Mice and Men)’ de John Steinbeck. A partir de entonces los elementos enigmáticos se amplían ya que Harvey Lewis (Wiseau) también tiene sus cosas raras y ocultas. La trama avanza de manera correcta e incorpora elementos de thriller a un ritmo adecuado y sin necesidad de elipsis o flashbacks. Vi esta película tras una maratón de CutreCon a las doce de la noche y cuando llegó el final me di cuenta de que no es que no me hubiese dormido, si no que me había entretenido. Y es más, me quedé con ganas de ver cuanto antes la segunda parte porque te dejan con intriga. Curiosidad que fue en aumento con la extrañísima escena final y su escena post-créditos.
Pero aparte de suspense con la película puedes sentir ganas de reír. Principalmente por las incoherentes frases que dice Wiseau con su inconfundible acento y por la manera de actuar tan horrible que tiene. Es una persona tan peculiar y extravagante que el personaje raroso que le han dado le viene como anillo al dedo. No sé porqué se empeña en hacer esas risas tan falsas y en cantar de ese modo tan esperpéntico.
Salta a la vista que ‘Best F(r)iends’ tiene mejor factura que ‘The Room’, por lo menos tiene más escenarios y el diseño de producción es mucho más pulido y convincente. Y desde luego está claro que intenta vivir del fenómeno generado por sus dos protagonistas con ‘The Room’. Ya no solo conservando unas actuaciones bastante malas si no introduciendo guiños muy reconocibles por aquellos que hayan visto la desastrosa obra de Wiseau. Está el absurdo momento pasándose la pelota o la manera de saludar con un «oh! Hi…». También aparece el DVD de la película en una de las habitaciones del filme. Lo curioso es que en todo el filme, tiendo a pensar que de manera intencionada, no aparece ninguna cuchara, hasta el punto de comer una tarta con tenedor. Ahora es cuando podemos dudar de si Wiseau se aprovecha del personaje que ha creado involuntariamente para seguir explotándolo o si realmente es tan malo. Me da la espina que sucede un poco de cada.
Aunque está bien rodada y la historia es interesante hay alguna que otra pega que va a parte del trabajo de sus actores protagonistas. La banda sonora está compuesta de una música pop que parece sacada de un anuncio de ropa. No es que no sea partidario de ese tipo de música, es que la mayoría de veces no pega ni con cola. No me extraña que suceda esto pues su compositor es Daniel Platzman, al que seguro que habéis oído en títulos como ‘Escuadrón Suicida’ o escuchado en algún concierto ya que es el batería del grupo Imagine Dragons.
La verdad es que puedo entender que tenga medias de puntuaciones en torno a un seis en páginas como IMDB o Rotten Tomatoes y eso que nosotros no somos de dar puntuaciones, pero las impresiones son satisfactorias. Pensaba que el fenómeno de culto de ‘The Room’ y el éxito de ‘The Disaster Artist’ habrían producido daños colaterales con otra majadería de Tommy Wiseau y Greg Sestero. Pero ciertamente si me pones esta película con unos actores diferentes, actuando como es debido, podría decir que es un título muy bueno. Pero esas interpretaciones que responden al intento de continuidad de unos personajillos o a la falta de talento hacen que se quede en un «necesita mejorar». Tengo que reconocer que me he entretenido con el guión de Sestero, pero los encuentros con el inconfundible Wiseau distraen mucho la atención, además de causar carcajadas.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de enero de 2019 (CutreCon). Título original: Best F(r)iends: Volumen 1. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Justin MacGregor. Guion: Greg Sestero. Música: Daniel Platzman. Fotografía: Justin MacGregor, Farhman Umedaly. Reparto principal: Tommy Wiseau, Greg Sestero, Kristen StephensonPino, Paul Sheer. Producción: Sestero Pictures. Distribución: proyectada en festival. Género: thriller. Web oficial:https://www.bf-movie.com/
Ambientada en el Detroit de los años 80, en pleno apogeo de la epidemia del crack y la guerra contra las drogas, ‘White Boy Rick’ está basada en la conmovedora historia real de un padre obrero y trabajador y su hijo adolescente, Rick Wershe Jr., quien tras convertirse en informante encubierto de la policía y luego en un traficante de drogas, acaba siendo abandonado por sus protectores y condenado a cadena perpetua.
Crítica
La droga está de moda
De manera casi seguida vemos en ‘White Boy Rick’ referencias a ‘Scarface’ y a ‘Serpico’. La razón de la mención a la primera es obvia tratándose de un título sobre las drogas. La segunda es una película muy solvente y sonada en 1973 en la que Al Pacino interpretaba a un policía que llegaba a una nueva comisaría donde todos le recriminaban no entrar en sus corruptelas. Aunque ese agente se las tenía que ver con el mundo de las drogas no van del todo por ahí los tiros con esta alusión en ‘White Boy Rick’. Tiene en común con la película de Sidney Lumet que sus protagonistas se adentran en territorio hostil y traicionero viéndose casi en solitario ante el peligro. Esa es la situación del menor de edad que se ve empujado a entrar en un mundo que sabe que no es bueno pero que le puede venir bien.
No sé si ‘Breaking Bad’ abrió la veda a lo grande, pero desde entonces no paran de salir películas y series sobre camellos o narcotraficantes. En este caso, aparte de ser una historia real como sucedía con éxitos como ‘Narcos’, parece que ya nos pasa como con ‘Cuéntame’, que la ficción alcanza la realidad. Porque lo que nos cuenta ‘White Boy Rick’ sucedió en los ochenta y podemos seguir el rastro del protagonista hasta hoy en día.
Con esta película de Yann Demange tenemos ante nosotros una narración centrada en un padre y un hijo. A si es que no solo descubrimos detalles sobre el movimiento de droga en Detroit durante los 80 si no que se nos revela una crónica paternofilial dramática. Es un «el fin justifica los medios» en el que los dos integrantes de la familia buscan fines loables pero toman malas decisiones o son traicionados. No solo fallan las amistades si no también el sistema. En ese discurso la película tendría que haber sido más incisiva para así lograr captar más la atención y sentimientos del espectador. No se percibe un componente intrigante, carismático o afectivo que haga que realmente sintamos algo por la historia o protagonistas. Me sorprende que esté hablando de falta de intensidad o emotividad en una película que ha sido producida por Darren Aronofskiy.
Jennifer Jason Leigh forma parte del reparto y podemos decir que está en racha desde que hizo la serie de ‘Twin Peaks’ ya que en títulos como ‘Aniquilación’, ‘Patrick Melrose’ o ‘Los odiosos ocho’ está que se sale. Otro que también suma y sigue es Brian Tyree Henry (‘Viudas’, ‘El blues de Beale Street’). Los nombres de ambos actores son bastante vistos actualmente en las carteleras pero no son los protagonistas y sobre ellos no recae el peso de la película. Las principales caras del filme están interpretadas por Ricchie Merritt, Matthew McConauhey y Bel Powely. Esta no es la mejor versión de McConauhey, que hace un papel en el que coge el sentido de la responsabilidad de su padre de ‘Interstellar’ y las ensoñaciones de su empresario de ‘Gold’. En el caso de Bel Powely me ha convencido más que en ‘Mary Shelley’ con un personaje que si es más común en las historias de Aronofsky. No puedo decir si mejor o peor Ricchie Merrit ya que es la primera vez que le veo actuar pero si me ha gustado como ha asimilado su rol sin llevárselo a los tópicos.
La banda sonora es un apartado que también merece la pena en ‘White Boy Rick’, no esperaba menos cuando vi que era obra de Max Richter, quien también compuso la de ‘Shutter Island’ o ‘Morgan’. No hay sorpresas por lo tanto en una película en la que ya nos están predisponiendo a pensar cuales van a ser los derroteros que va a tomar, sobre todo cuando vemos que el protagonista ha crecido en una zona marginal llena de ordinariez, inmundicia y decadencia. No es un filme mal rodado, obtiene buenas tomas y tiene su gracia cuando se lo propone. Si hubiésemos notado algo del sello de Aronofsky esta sería una película de la que tal vez estaríamos hablando días. Pero para ser un filme que habla de riesgos y de las consecuencias de los actos no es excesivamente osada.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de febrero de 2019. Título original: White Boy Rick. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Yann Demange. Guion: Logan Miller, Noah Miller, Andy Weiss, Steve Kloves, Scott Silver. Música: Max Richter. Fotografía: Tat Radclife. Reparto principal: Matthew McConaughey, Richie Merritt, Jennifer Jason Leigh, Brian Tyree Henry, RJ Cyler, Bel Powley, Eddie Marsan, Bruce Dern, Taylour Paige, Jonathan Majors. Producción: Protozoa Pictures, Studio 8, LBI Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial:http://www.sonypictures.com/movies/whiteboyrick/
Tras el Torneo de Poder, un saiyan al que nunca antes han visto se presenta ante Goku y Vegeta. Esta es la historia de Broly, un saiyan sin límites…
La paz ha regresado una vez más a la Tierra después del Torneo de Poder. Tras descubrir que en los diferentes universos hay seres increíblemente poderosos que aún no ha visto, Goku tiene intención de seguir entrenando para hacerse aún más fuerte. Entonces, un día, un saiyan llamado Broly al que nunca antes han visto se presenta ante Goku y Vegeta. Pero se suponía que los saiyans habían quedado prácticamente extinguidos en la destrucción del Planeta Vegeta, así que, ¿qué está haciendo este en la Tierra? Incluso Freeza, de vuelta del infierno, se ve involucrado en este encuentro entre tres saiyans que han seguido destinos completamente diferentes y que no tarda en convertirse en una feroz batalla contra un guerrero que no parece tener límites.
Crítica
Gran regreso de Broly y mejora respecto a las anteriores OVAs
Esta vez es Akira Toriyama, creador de Dragon Ball y guionista del filme, el que nos re-presenta en solitario al personaje de Broly. En las anteriores películas en las que había aparecido este guerrero Toriyama solo había tenido una pequeña parte de participación, quien le había dado una historia fue Takao Koyama, a si es que en esta ocasión si podemos decir que es un personaje genuino surgido de la imaginación del padre de este manga/anime clásico. Y el artífice de estos personajes se ha asegurado de que haya guiños o referencias a las películas anteriores, como un repaso fugaz a todo lo ocurrido o las cicatrices que luce Broly en su cuerpo.
No estoy siguiendo la nueva etapa del anime que se llama «Super» a si es que no se si esta película continúa con los dibujos de la serie televisiva, aunque entiendo que si por las referencias que se hacen a un torneo, el multiverso o los personajes que aparecen. Pero si conocí en su día a Broly en su aparición fuera del canon actual. Ahora que se quiere incluir a este personaje en el universo principal de ‘Dragon Ball’ se le han dado unos orígenes algo diferentes a los vistos en las OVAs. Continúa siendo el hijo de Paragus que pero no es alguien «afectado» por el contacto de las lágrimas de Goku. Broly se ha rediseñado y su llegada a la Tierra se ha cambiado, aunque se mantiene su vengativa motivación. Tanto física como psicológicamente es parecido ya que no es ese villano que rozaba las características de un psicópata pero si está mentalmente perturbado. Se ha moderado su nivel de crueldad y eso para mí le ha hecho perder algo de carisma con respecto a sus versión anterior.
También he notado que los dibujos se han suavizado. No es que ‘Dragon Ball’ fuese sangriento como para calificarlo de seinen. Pero si que morían personajes o algunos sufrían amputaciones. Aún me acuerdo de la muerte de Goku a manos de un Picolo sin brazo, el cual atravesó el pecho del protagonista para poder acabar con Raditz. Si no me equivoco esta es la primera historia de ‘Dragon Ball’ en el que no veo sangre. Lo que si que es cierto es que a nivel dramático con ciertas escenas si se alcanza un punto más extremo que en otros episodios o películas. Esa clase de momentos, junto a su rico trasfondo, es lo que nos demuestra la madurez de esta saga. Pero no se olvida de sus orígenes y mantiene escenas bastante tontorronas o infantiles, incluso hay un momento que los personajes parecen dibujados al estilo chibi.
Broly no es el único personaje mítico involucrado en el filme, también interviene Freezer y un gran elenco de secundarios: Raditz, Piccolo, Bulma, Vegeta padre, Bardock, Gine… Muchos nombres conocidos que aparecen para recordarnos por qué nos gustaba de pequeños la historia de Goku (Kakarotto, como se le llama mucho más ahora) y también para reescribir algunas líneas. En esta ocasión Goku no es el centro de atención del filme ni la principal motivación del villano y ese es un gran punto a favor de la película.
‘Dragon Ball Super: Broly’ además aporta nuevas estéticas para los Super Saiyan. ¿Esto se debe a un simple toque estilístico nuevo? ¿Es una nueva cota de poder? No os lo voy a desvelar pues es una de las curiosidades atractivas de la película. El modo en que se incorpora Broly también es importante para el universo de Dragon Ball. Pero por encima de todo lo que rodea a la nueva aparición de este guerrero están los datos que se aportan sobre el origen de los Saiyan más famosos. Algunos personajes del manga, tales como hermanos o madres, reaparecen o son mencionados. Por lo que me ha gustado y aprecio como ‘Dragon Ball Super: Broly’ amplía o rememora ciertas claves del mundo de Toriyama, haciendo que esta película sea un gusto para los fans acérrimos pero también un buen entretenimiento para los que no han seguido nunca la serie (los pocos que haya en el mundo).
En cuanto a la animación he notado mezcla entre animación tradicional y diseño por ordenador. No es una unión que chirríe, queda bastante bien y permite devolvernos más a los ochenta incorporando nuevas texturas a la energía de los guerreros. Tiene un toque más clásico que títulos recientes como ‘Dragon Ball Z: la resurrección de F’ y eso también lo agradezco. Además en los combates incorpora algunos enfoques y perspectivas que permiten que la larguísima pelea final no se haga demasiado tediosa.
Por lo demás se mantienen las pautas tradicionales de Dragon Ball: nuevas canciones asociadas al filme, esquema de peleas casi calcadas a las habituales, relación entre personajes idéntica… Me ha gustado el atractivo de su animación, los datos que expanden el universo Saiyan y la aparición de un personaje que ahora fijo que si continuará participando en la saga de un modo u otro. Al fin y al cabo con el deseo que se puede pedir a Shenlong con las bolas reunidas se puede hacer de todo.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de febrero de 2019. Título original: Doragon bôru chô: Burorî. Duración: 100 min. País: Japón. Dirección: Tatsuya Nagamine. Guion: Akira Toriyama. Música: Norihito Sumitomo. Reparto principal (doblaje original): Masako Nozawa, Aya Hisakawa, Ryô Horikawa, Toshio Furukawa, Takeshi Kusao, Ryûsei Nakao, Yukiko Morishita, Bin Shimada. Producción: Toei Animation, Bandai Co., Shueisha. Distribución: SelectaVisión. Género: aventuras, animación, ciencia ficción. Web oficial:http://www.dragonballsuperbroly.es/
Un temido crítico, una gélida galerista y una ambiciosa asistente se adueñan de los cuadros de un artista recientemente fallecido… con terribles consecuencias.
Crítica
El arte se vuelve peligroso en ‘Velvet Buzzsaw’
Llega a Netflix ‘VelvetBuzzsaw’ , la nueva película de DanGilroy, director de ‘Nightcrawler’ o ‘Roman J. Israel, Esq’, donde el arte es el gran protagonista de esta película.
El director nos lleva hacia el mundo de los artistas, de los críticos y de los coleccionistas de arte moderno donde las grandes cantidades de dinero se van moviendo de un lado a otro. Eso sí, hasta que entra en pantalla la obra de un artista desconocido que hará que todo ese mundo vaya poco a poco desmontándose.
Como si de una secuela de ‘Destino final’ se tratara, vamos viendo como poco a poco todos los personajes, por cierto, muy bien estudiados, van muriendo de una manera cada vez más oscura y original.
La película está llena de críticas hacia ese mundillo, donde muchas obras no significan nada mientras que en otras donde el artista se deja el alma pasan desapercibidas.
Las críticas también van dirigidas a los esnobs que suelen trabajar con las obras de arte. Quienes se creen mejores que todo el mundo y realmente no dejan huella en ningún sitio.
En el reparto encontramos a JakeGyllenhaal, estupendo como siempre, que repite junto a ReneRusso y con el director. Pero aparte tenemos a ToniCollette, JohnMalkovich, NataliaDyer, DaveedDiggs y ZaweAshton entre otros.
Sí que es cierto, que la película está un poco desaprovechada, sobre todo teniendo una buena historia y a unos personajes tan trabajados. Se podría haber conseguido una atmósfera de más misterio y terror, no simplemente escenas de muertes, que sí, convencen, pero le falta algo para ser una cinta redonda.
Y es una pena, porque la historia me parece de los más original y los actores están impresionantes. También mencionar la fotografía de Robert Elswit y por supuesto todo el departamento artístico, entre ellos al de vestuario, que se han dejado los cuernos para darnos unas imágenes geniales que hace que todo el postureo artístico quede perfectamente reflejado en cada fotograma de la película.
Para terminar, comentaros que intentéis verla sin ver el tráiler, pues la verdad que logra fastidiarte las mejores imágenes de la cinta.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de febrero 2019. Título original: Velvet Buzzsaw. Duración: 112 min, País: Estados Unidos. Dirección: Dan Gilroy. Guión: Dan Gilroy. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Jake Gyllenhaal, René Russo, Toni Collette, John Malkovich, Tom Sturridge, Zawe Ashton, Natalia Dyer, Pisay Pao, Billy Magnussen, Daveed Diggs. Producción: Netflix. Distribución: Netflix. Género: Thriller. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80199689
Cuando Tony Lip (Viggo Mortensen), un rudo italoamericano del Bronx, es contratado como chófer del virtuoso pianista de color Don Shirley (Mahershala Ali), durante una gira de conciertos por el Sur de Estados Unidos, deberá confiar en «El libro verde», una guía de los pocos establecimientos seguros para los afroamericanos, para encontrar alojamiento. Son dos personas que tendrán que hacer frente al racismo y los prejuicios, pero a las que la bondad y el sentido del humor unirá, obligándoles a dejar de lado las diferencias para sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida.
Crítica
Como el Jazz, está llena de desafíos y notas contra los prejuicios
Un experto en comedias disparatadas, Peter Farrelly, es quien nos trae la ya premiada narración de Tony «Lip» Vallelonga (Viggo Mortensen) y Don Shirley (Mahershala Ali). Un relato de amistad surgido en la realidad del que podemos decir que hay más que inspiración, hay veracidad.
No se le dan mal las comedias y las historias de amistad a Farrelly pues de su puño y letra salieron ‘Dos tontos muy tontos’ o ‘Algo pasa con Mary’. ‘Green Book’ es muy distinta en cuanto a discurso y género pero contiene también bastante humor. Puede que sea porque es la primera vez que Farrelly dirige un largometraje en solitario, sin el trabajo de su hermano. Se nota mucha más contención para poder centrarse en el verdadero objetivo del filme, que no es el de causar carcajadas, si no el de, desde una clara jovialidad, sensibilizar al espectador.
En España, como nación, tenemos muchas cosas de las que sentirnos avergonzados, sobre todo en la actualidad. Pero en países tan grandes como Estados Unidos también hay muchas historias que les hacen agachar la cabeza y son ellos mismos quienes nos las cuentan. Uno de esos sucesos nos revela que existió en un país «civilizado» como el yanki un libro que indicaba a los afroamericanos los lugares más adecuados para alojarse, comer o encontrar servicios. Ese es el libro verde que Tony como chofer tiene que seguir para llevar a su jefe de raza negra por el hostil sur del país mientras él interpreta su música para ricos hipócritas y racistas.
Esta es la crónica de la transformación de un hombre y de una cultura en general. Se tratan conceptos como la hipocresía, los prejuicios, la amistad, el clasismo y el racismo por supuesto. Con otras películas me he quejado de que se esgrimen argumentos muy manidos pero sin preocuparse por cambiar el modo. Con ‘Green Book’ no sucede eso ya que si se cambian las formas procediendo de un modo acertado y fresco. Puede que eso se note también porque una de las productoras es Octavia Spencer, cuya película ‘Figuras Ocultas’, me pareció una gran reivindicación en muchos aspectos.
A parte de todo el sabor afroamericano que tiene la cinta, otra cultura acapara un buen porcentaje del largometraje de Peter Farrelly. Lo italoamericano tiene una gran presencia. Y es que Tony Lip fue un estadounidense de ascendencia italiana criado en el Bronx. Incluso seguro que os suena su rostro al buscarle en Internet pues ha aparecido en sonadísimos títulos como ‘Los Soprano’, ‘Uno de los nuestros’ o ‘El Padrino’. Esta historia es tan real y tan actualmente tangible que los familiares del personaje de Viggo Mortensen están interpretados por los auténticos miembros de la familia de Tony.
La música del filme es una parte importante. No solo porque suenen algunos clásicos norteamericanos o porque nos ambiente en un 1962 convulso y lleno de cambios. Si no porque incluye mucho Jazz, con todo el caos y la sofisticación que ello conlleva. El responsable de las notas que oímos es Kris Bowers y tiene doble mérito pues es él quien sustituye a Mahershala Ali en muchas escenas de piano. La sonoridad del filme es un continuo desafío contra lo tradicional y lo culturalmente aceptado como normal.
Viggo Mortensen además de hablar muy bien en inglés con acento italiano ha engordado para interpretar a este tragón embaucador del que se ha documentado hasta conocer a la misma familia Vallelonga. Un tipo que si no está fumando está comiendo y si no hace ninguna de esas dos cosas es porque está soltando algún mamporro. Ese individuo tan mundano o chabacán choca con el músico culto, estirado y exigente que tan maravillosamente interpreta Mahershala Ali. Estos dos actores no hacen más que demostrarme que saben escoger sus películas.
Me parece digno de alabanza que un director acostumbrado a hacer títulos de carácter tontorrón como ‘Pegado a ti’, ‘Amor ciego’ o ‘Yo, yo mismo e Irene’ haya hecho una película tan sutil y eficiente. Espero más películas que cuenten con Peter Farrelly como único director y digo esto sin ánimos de romper una familia, si no por demostrar también con ello que no hay que prejuzgar a un artista por todas sus obras anteriores.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de febrero de 2019. Título original: Green Book. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Peter Farrelly. Guion: Peter Farrelly, Brian Hayes Currie, Nick Vallelonga. Música: Kris Bowers. Fotografía: Sean Porter. Reparto principal: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Linda Cardellini, Sebastian Maniscalco, Dimiter D. Marinov. Producción: Participant Media, Dreamworks, Amblin Partners, Innisfree Pictures, Wessler Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: hechos reales, comedia, drama. Web oficial:https://www.uphe.com/movies/green-book
Martin (Jean-Pierre Darroussin), entrenador del equipo francés de jugadores de baloncesto con discapacidad intelectual, se encuentra en crisis. En plena preparación para los Juegos Paralímpicos de Sídney, sus mejores jugadores lo abandonan. Negándose a perder el subsidio que recibe su federación, decide hacer trampa para participar en la competición a toda costa.
Crítica
Una desalentadora verdad tras una película con más calamidad que comedia
Un seleccionador nacional se queda sin equipo para las olimpiadas y decide coger a los peores jugadores que se encuentra en los barrios y hacerles pasar por su selección de discapacitados intelectuales. Esa idea podría parecer una locura e incluso un despropósito si no fuese porque surge de una historia real. Y para vergüenza y escarnio nos hace recordar que se basa en un suceso que ocurrió con un combinado español, durante los Juegos Paralímpicos de Sidney. Una vez más servimos de ejemplo, de mal ejemplo.
Este lance ya se trató en ‘Campeones’ y esta película podría hacer las veces de precuela suya, en concreto del jugador que interpretó Roberto Chinchilla, el personaje que ya había sido olímpico y cuya medalla le fue arrebatada por el fraude de su equipo. En el extranjero tal vez no pase pero aquí tenemos lo suficientemente cerca el éxito de la película de Fesser como para no tenerla presente mientras vemos ‘Todos a una’. De no ser porque el tiempo entre un estreno y otro nos indica que se deben haber rodado con muy poca diferencia entre ellas estaríamos hablando de un título que se suma a una corriente exitosa. A su vez podemos decir que como tenemos ya en las carteleras otra historia real sobre un equipo atípico con ‘El gran baño’, parece que tenemos nuevo género de moda.
Los otros largometrajes de Vianney Lebasque también hablan o bien del trabajo en equipo o bien de las virtudes del ser humano. ‘Todos a una’ no es una excepción en temática para el director y por otro lado se diferencia de otros títulos sobre equipos y experiencias conjuntas en que los protagonistas del filme son unos auténticos tramposos que se auto-convencen de que están ayudando a unos pocos, cuando en realidad están causando una tremenda afrenta a unos muchos. El guión trata en determinados y escasos momentos ese aspecto pero como suele pasar en muchos títulos franceses se cede demasiado a la sutileza y a temas amorosos. También deja algo de espacio al a crítica hacia la poca repercusión que tienen los deportes de discapacitados en nuestra sociedad.
Intenta mantener su comedia a través de situaciones en las que todos procuran sacar adelante su mentira. Pero cuesta creerse a los actores haciendo precisamente de individuos que actúan como algo que no son. Cabe, eso sí, destacar el papel de Jeremie Denicola y Clément Langlais que con más o menos capacidades han sabido interpretar mejor cuál es el gancho de la película. Introduce, como era de esperar, una moralina que intenta darnos una lección de humildad pero esta queda tapada por el relato y resolución de esta gran ofensa.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de febrero de 2019. Título original: Chacun pour tous. Duración: 93 min. País: Francia. Dirección: Vianney Lebasque. Guion: Vianney Lebasque, Frank Bellocq, Victor Rodenbach. Música: Thomas de Pourquery, Bastein Burger, Audrey Ismael. Fotografía: Martin De Chabaneix. Reparto principal: Ahmed Sylla, Jean-Pierre Darroussin, Olivier Barthélémy, Camélia Jordana, Vincent Chalambert, Clément Langlais, Jeremie Denicola, Esteban. Producción: Monkey Pack Films, M.E.S. Productions. Distribución: Tripictures. Género: comedia, drama. Web oficial:https://es.unifrance.org/pelicula/45074/todos-a-una
Un grupo de adolescentes sospecha que un agente de policía vecino del barrio donde viven es en realidad un asesino en serie. Deciden que pasarán el verano vigilando a este hombre, con la intención de obtener las pruebas que confirmen su teoría. Pero a medida que se van acercando a la verdad, aumenta también el peligro que se cierne sobre sus vidas.
Crítica
Explotando un concepto manido sin aportar casi nada nuevo
Si os gustan las películas consideradas «de culto» con un toque de sangre y distopía seguro que conocéis ‘Turbo Kid’. Una película que exhibía varios elementos muy típicos de las películas de los 70 y 80 pero combinándolos con aspectos modernos y con un argumento original. El mismo trío de directores de esa cinta (Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell) conocidos como RKSS, son los que han rodado ‘Verano del 84’. Pero en esta ocasión, salvo en su final, no aportan nada nuevo y con su título ya nos adelantan que esta es una cinta de lo que me gusta llamar pura «nostalgia explotation».
Seguro que en mil y una críticas se citan tanto ‘Los Goonies’ como ‘Stranger Things’ para referirse a este filme. ‘Verano del 84’ es una flojísima copia de esos adorados títulos que mantiene sus tópicos y solo intenta innovar con el último giro del guión de Matt Leslie y Stephen J. Smith. Quizá el problema ha estado en que los directores de ‘Turbo Kid’ si eran los autores también del libreto. Tal vez en esta ocasión no han tenido esa frescura y libertad que hizo de su primera película algo apoteósico y atractivo.
Uno de los mayores problemas de la ‘Verano del 84’ es que su reparto no tiene ni gancho ni gracia. Como en otras tantas películas en ‘Verano del 84’ tenemos un grupo de cuatro niños que suelen pasar inadvertidos, que van equipados con linternas y bicicletas bmx investigando un caso raro que sucede justo en su barrio. No es que la comedia sea muy endeble, es que el componente de thriller o de terror se disuelve rápido a través la obviedad de sus escenas. El caso está resuelto para el espectador mucho antes que para los personajes y no se ha procurado aportar nada más interesante y terrorífico hasta el final de la película.
‘Verano del 84’ es excesivamente convencional y nada novedosa. Ni la música de Le Matos, que tanto gustó en ‘Turbo Kid’, consigue entretenernos. Tampoco el giro final, que se sale de la tónica de la película y de las clásicas aventuras infantiles de los 80 salva una película monótona e insustancial. Confío en que el éxito de su primera cinta no haya sido casual, se percibe talento en este trío de directores. Veremos si para su siguiente proyecto se salen de un género que empieza a colmar el vaso de la repetitividad y nos sorprenden.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de febrero de 2019. Título original: Summer of 84. Duración: 105 min. País: Canadá, EE.UU. Dirección: RKSS, Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell. Guion: Matt Leslie, Stephen J. Smith. Música: Le Matos. Fotografía: Jean-Philippe Bernier. Reparto principal: Graham Verchere, Judah Lewis, Caleb Emeri, Cory Grüter-Andrew, Tiera Skovbye, Rich Sommer. Producción: Brightlight Pictures, Gunpowder, Sky. Distribución: A Contracorriente Films. Género: aventuras, thriller. Web oficial:http://gunpowdersky.com/summerof84
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