Un asesino a punto de jubilarse debe dejar a un lado la buena vida cuando su avaricioso jefe envía a una cuadrilla de jóvenes e implacables criminales a acabar con él.
Crítica
Mads Mikkelsen se convierte en The Black Kaiser
VíctorSantos, dibujante de cómics español, es el creador de la obra en el que se basa ‘Polar’ la nueva película de Netflix que se estrena el 25 de enero. Después de leer el cómic puedo decir que poco queda del espíritu y la fuerza que emanaba de sus páginas en esta versión.
Protagonizada por MadsMikkelsen, la película nos lleva a la vida de un asesino a sueldo que está a punto de jubilarse y al que no le dejan vivir en paz. La empresa en la que trabaja decide acabar con él. Lo que parece una película para LiamNeeson de tiros y venganzas, se convierte en una cinta gratuita donde el sexo y la sangre aparecen por todos los lados.
Me he aburrido bastante con la película y creo que es muy complicado hacer una cinta tediosa con el material que tenían. La panda de matones, el jefe de la empresa y todo lo que rodea al protagonista parece de película de serie B, donde nada tiene sentido y las cosas se hacen por hacer.
Está claro que no es el mejor papel de MadsMikkelsen pero viendo al resto de compañeros que tiene él sobresale por encima de todos. Otra de las protagonistas es VanessaHudgens, que lejos de su vitalidad en ‘High School Musical’ nos trae a una mujer depresiva y que mantiene una extraña relación con su vecino. El resto del reparto lo componen KaterynWinnick, MattLucas, Ruby O.Fee, ReiRen, AnthonyGrant, JoshCruddas.
La película está dirigida por JonasAkerlund, que, acostumbrado a dirigir videoclips de grupos famosos como Rammstein, cantantes como Beyonce, hace que la película tenga un color y unas coreografías bastante llamativas, pero se nota que no sabe como contar una historia en un formato de larga duración.
Poco más tengo que añadir, es una pena que no haya podido hablaros de una gran cinta de acción, donde todo es diversión, en cambio espero que ‘Polar’ sirva para dar a conocer a VíctorSantos, pues su obra merece mucho la pena.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de enero de 2019. Título original: Polar. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Jonas Akerlund. Guion: Jayson Rothwell. Música: Deadmau5. Fotografía: Pär M. Ekberg. Reparto principal: Mads Mikkelsen, Vanessa Hudgens, Katheryn Winnick, Matt Lucas, Ruby O. Fee, Fei Ren, Anthony Grant, Josh Cruddas, Robert Maillet, Julian Richings, Johnny Knoxville, Richard Dreyfuss. Producción: Constantin Film Produktion, Dark Horse Entertainment. Distribución: Netflix. Género: adaptación, cómic, acción, thriller. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80223052
La vida se ha convertido en una balanza para Adonis Creed (Michael B. Jordan). Entre las obligaciones personales y el entrenamiento para su próxima gran pelea, se enfrenta al desafío de su vida. Enfrentarse a un oponente con vínculos en el pasado de su familia, solo intensifica su inminente batalla en el ring. Rocky Balboa (Sylvester Stallone) estará a su lado a lo largo de todo el camino y juntos se enfrentarán a su legado, se cuestionarán por lo que merece la pena luchar y descubrirán que nada es más importante que la familia.
Crítica
Secuela con menos gancho pero que promete más asaltos
Seguimos con la saga del pupilo de Rocky pero sigue sin desaparecer la omnipresente figura del Rocky de Sylvester Stallone. El actor de míticos personajes como Rambo o Rocky ha realizado una segunda película con la que le tiende un puente ideal a Michael B. Jordan. El actor afroamericano, con un físico apoteósico, podría continuar la amplia saga en solitario pues su rol tiene suficiente consistencia y esta segunda entrega le da argumentos para hacerlo. Tal vez no sean argumentos tan grandes como su rival, el boxeador profesional Florian «Big Nasty» Munteanu, pero si para hacerse con su primer personaje icónico que con el tiempo tendrá que defender.
Stallone también va quitándose responsabilidades y tampoco dirige esta entrega que ha sido capitaneada por Steven Caple Jr. Un autor que coge el relevo de Ryan Coogler (ocupado con ‘Black Panther’), que para mí era desconocido y que tiene secuencias muy bien elaboradas en esta película. Por lo demás no veo que haya tenido gran trabajo en ‘Creed II’ pues los actores que trabajan en ella hacen roles muy similares o iguales a los que han llevado a cabo antes. Quizá su fallo ha sido caer en los tópicos del cine sobre deportes.
Ahí sí que entran Stallone y Juel Taylor que son quienes han escrito el guión. La estructura es más o menos la de siempre. El género de deporte, en concreto el del boxeo, siempre cumple ciertas pautas que no se saltan en ningún momento, salvo quizás en un final que se separa más de lo estereotipado, que emplea un giro nuevo. El momento de bajón en la carrera del boxeador, la secuencia de entrenamiento que parece un anuncio de Adidas, la presión del rival, la discusión con el entrenador… Nada nuevo en líneas generales, no como sucedió con la primera parte.
Entonces, por qué ‘Creed II’ no supone un batacazo ni un aburrimiento. Pues porque en sus tramos dramáticos se siente con bastante personalidad y saca jugo a lo acontecido en la saga, progresando además con las nuevas generaciones. En esta nueva entrega de la serie de Rocky el trasfondo se amplía y los personajes principales progresan, mostrando alguna vertiente distinta a la habitual. Me ha gustado el modo en cómo se introduce de nuevo la figura de Drago, incluyendo un prisma bastante curioso y elaborando un discurso diferente para mantener la famosa lucha de bloques.
Y en esa explotación de la leyenda de Rocky y de su legado encontramos muchos guiños en forma de fotos o secuencias re-aprovechadas, centradas obviamente en Apollo Creed, el personaje que interpretó Carl Weathers y el de Drago, Dolph Lundgren. Es entrañable la aparición también Milo Ventimiglia, quien ya hizo del hijo de Rocky.
Al final parece que se confirman las intenciones de Stallone para no volver a ser Rocky. Tal y como acaba, casi literalmente entregando el relevo a un sucesor, parece que no dará un paso atrás en sus declaraciones y no se enfundará de nuevo la piel del personaje que creó hace más de cuarenta años. Ha mantenido solventemente a ese tipo chapado al antigua que no suelta su pelota negra y visita el cementerio con rigurosa regularidad. Por mi creo que ya ha obtenido bastante partido de su boxeador sin llegar a quemarlo ni desfigurarlo, a si es que (coincidiendo con una parte importante del filme), buen momento para arrojar la toalla.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de enero de 2018. Título original: Creed II. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Steven Caple Jr. Guion: Juel Taylor, Sylvester Stallone. Música: Ludwig Goransson. Fotografía: Kramer Morgenthau. Reparto principal: Sylvester Stallone, Michael B. Jordan, Tessa Thompson, Wood Harris, Russell Hornsby, Florian «Big Nasty» Munteanu, Andre Ward, Phylicia Rashad, Dolph Lundgren, Milo Ventimiglia. Producción: MGM, Warner Bros., New Line Cinema. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama. Web oficial:https://www.warnerbros.es/creed-ii
Estados Unidos, años setenta. Seguimos al inteligentísimo Jack durante cinco incidentes y descubrimos los crímenes que le definen como un asesino en serie. Vivimos la historia desde la perspectiva de Jack. Considera cada asesinato como una obra de arte, pero su profunda inadaptación le plantea problemas con el mundo exterior. A pesar de la intervención de la policía, que se acerca inevitablemente, Jack se empeña en arriesgarse cada vez más contra toda lógica. A medida que la historia avanza, compartimos las descripciones que hace de su condición, sus problemas y pensamientos mediante conversaciones con el desconocido Verge: una mezcla grotesca de sofisticación, de una casi infantil autocompasión y de explicaciones detalladas de maniobras tan peligrosas como difíciles para Jack.
Crítica
La casa de Jack tiene cimientos macabros, desviadas vigas y desafiantes habitaciones
Escribo esta crítica unos meses después de haber visto ‘La casa de Jack’ en el pasado Festival de Sitges. Esto no es pompa festivalera que me doy, lo digo por remarcar que redacto mis opiniones tras un tiempo y en frío, al margen del subidón y fascinación que sentí al salir del cine, sentimientos que iban acompañados de turbación, ahora explicaré porqué.
Que Lars von Trier es un provocador nato no lo discute nadie. Pero que encima aún sea capaz de dejarte con dudas sobre ti mismo, poniendo además a prueba tu integridad, ya es llevar el desafío a unas cotas más altas. ‘La casa de Jack’ es una película sugerente pero a la vez trastornada, extremadamente retorcida. Me encantan este tipo de propuestas, no solo por la burla y el reto que representan, sino porque es todo un planteamiento casi nuevo tanto para versados como para inexpertos del cine nórdico.
‘La casa de Jack’ se construye a base de varios capítulos. Y es que originalmente este proyecto iba a ser una serie construida a base de episodios, o incluso una representación teatral. Ese aspecto se ha conservado en la película que se divide en 5 partes o incidentes y un epílogo que conversan con el espectador muy de cerca. Cada sección describe varios asesinatos en un lapso de doce años. Es el mismo protagonista quien a través de sus elucubraciones y conversaciones con Verge (cuyo nombre, «borde» en danés, tiene su doble sentido) nos va relatando sus obras artísticas con forma de crimen. Así hasta que se edifica, literalmente, una biografía de asesinatos y desafíos a las autoridades o cánones establecidos.
Jack es un asesino de costumbres arraigadas, de una falta de vida social manifiesta y de muchos TOCs, entre ellos el de ser impecáblemente limpio. El saber lo que pasa por la cabeza del protagonista y su condición particular de chapuzas y suertudo genera situaciones que son siniestramente hilarantes. El psicópata de Trier interpretado por Dillon es un actor social, alguien que abiertamente interpreta sus interacciones con el resto de la gente. Ese y otros detalles nos lanzan una invitación a la autocrítica y nos obligan además a hacer un gran acopio de gusto por el humor negro. Es una oscura y burlesca divina comedia.
Algunas escenas son realmente enfermizas. Soy consciente de que mucha gente considerará eso como algo malo y lo respeto, pero para mí no ser capaz de verlas solo demuestra no saber distinguir bien una ficción y no saber ver que hay mucho que aprender de secuencias así. Muchos aspectos deleznables de la mente humana se ponen en tela de juicio mostrándolos en su máximo exponente. Si se viesen por separado las imágenes de esta película, sacadas de contexto, entendería que se armase un escándalo, pero ‘La casa de Jack’ está lo suficientemente bien montada como para que se vea una verdadera maldad en ellas.
No he visto ni la mitad de la filmografía de Matt Dillon, pero creo que muchos coincidirán conmigo en que este es su mejor papel. Su Sr. Sofisticación está muy enlazado con la literatura y pintura clásica, nada que ver con su farsante de ‘Algo pasa con Mary’. Blake, Goethe, Virgilio, Dante, Delacroix… son referentes tanto psíquicos como ópticos. Visualmente es muy explícita, muy bien trabajada en todos sus encuadres y puestas en escena. Y Dillon aguanta el tipo, sostiene su personaje en cada momento manteniéndose a la altura de la calidad técnica de la cinta.
La película, aunque es larga me ha entretenido tanto que ni me he dado cuenta de que no tiene música. La única pega que le encuentro a ‘La casa de Jack’ es su epílogo. Por un lado es una auténtica catábasis pero por otro extiende más la película transportándola a un límite quizá presuntuoso y auto-referente que no necesitaba.
Sin ser de lejos seguidor de Lars von Trier he de otorgarle el mérito de demostrar una vez más que se puede hacer algo distinto, no solo dentro de su carrera, si no en el cine en general.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de enero de 2019. Título original: The house that Jack built. Duración: 155 min. País: Dinamarca Francia, Suecia, Alemania. Dirección: Lars von Trier. Guion: Lars von Trier. Fotografía: Manuel Alberto Claro. Reparto principal: Matt Dillon, Bruno Ganz, Uma Thurman, Riley Keough, Siobhan Fallon Hogan, Sofie Gråbøl, Ed Speleers, David Bailie. Producción: Zentropa Productions, Radio (DR), Film I Väst. Distribución: Golem Distribución. Género: frantástico, thriller, comedia negra. Web oficial:http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=428
Basada en la historia real de Forrest Tucker, un apuesto ladrón de bancos que en sus 80 años de vida logró escaparse 18 veces de prisión. Retirado del oficio, Tucker (Robert Redford) vive en un hogar de jubilados y ha encontrado en Jewel (Sissy Spacek) al amor de su vida.
Cuando un día ve al detective John Hunt (Casey Affleck) por televisión, el ex atracador siente la necesidad de dar un último golpe y demostrar que aún puede traer en jaque a los policías más competentes.
Crítica
Lowery ha elaborado una elegante despedida para Redford
David Lowery, el director de ‘A ghost story’, cambia totalmente de género cinematográfico y del terror más íntimo se pasa a una comedia ligera con alguna que otra pincelada de drama. Esta nueva película más que tener visos de convertirse en un título de culto, como su anterior largometraje, está destinada a rendir culto, en concreto a Robert Redford. Y lo hace convirtiéndole en un atracador de bancos que lejos de querer jubilarse bate récords de robos. En varios sentidos marca el fin de una carrera dedicada a robar corazones de un modo fino.
Aunque aún nos queda por oír su voz como narrador en ‘Buttons’ de Tim Janis, ‘The old man and the gun’ sabe a despedida. Es un adiós que además hace repaso a la carrera de Redford muy elegantemente y si uno ha seguido sus pasos también se puede decir que muy emotivamente. Mucha presión puede sentir un director a la hora de firmar el cierre de una filmografía de en torno a seis décadas. Muchos de los títulos de Redford han estado ligados al mundo de las cárceles y las fugas, eso nos lo recuerda Lowery en una secuencia magistral en los compases finales de la película. También se encuentran sutiles guiños a películas como ‘El golpe’, ‘La jauría humana’ o ‘Dos hombres y un destino’.
La historia de ‘The old man and the gun’ tiene algo más de interés aparte de ser la última en la que parece que veremos al actor de Santa Monica. Trata sobre Forrest Tucker, alguien que realmente existió y que llegó a acumular entorno a cuatro millones de dólares en atracos. Se pasó la vida entrando y saliendo de la cárcel pero lo más memorable fueron sus robos siendo ya un anciano. Él y su banda fueron perseguidos durante bastante tiempo. La película juega con esa realidad y la recrea a su manera, creando una comedia bastante entrañable.
Curiosamente esta película reúne a Sissy Spacek con Robert Redford. Y digo que les reúne porque ambos compartieron escenario al subir a recoger su Oscar el mismo año, por ‘Quiero ser libre y ‘Gente corriente’ respectivamente. El trío de protagonistas se completa con otro reencuentro, esta vez más reciente. Casey Affleck ya trabajó con el director y guionista en ‘A ghost story’ y se convierte en el tercer actor principal de la cinta. También hay que contar con nombres como Danny Glover y Tom Waits para comprender porque digo que el reparto tiene mucho peso y se rodea de un casting bien elaborado.
La película está hecha para Robert Redford y el rol que ha tenido que desempeñar es muy cómodo para él. Nada que no haya hecho antes: guaperas con clase, granuja irremediable pero buena persona en el fondo, con métodos de la vieja escuela… Su interpretación no nos aporta nada nuevo, pero creo que en un título de estas características, con lo que representa, podemos permitírselo e incluso agradecérselo.
Para remontarnos a la época dorada de Redford nos han llevado a principios de los ochenta. Años en los que recibió su Oscar y en los que era más que cotizado por haber realizado películas como ‘El golpe’, ‘El gran Gatsby’, ‘Los intocables’, ‘Dos hombres y un destino’ o ‘Todos los hombres del presidente’. Para retraernos a esos tiempos emplea títulos de crédito y cartelones propios de los años sesenta y setenta. También la calidad de su imagen y los tonos que vemos en la pantalla sumergen al espectador en un film que parece ser de hace varias décadas. El encanto de este filme es que nos devuelve a esos tiempos pasados, obligándonos a re-visionar títulos ya antológicos.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de enero de 2019. Título original: The old man and the gun. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: David Lowery. Guion: David Lowery. Música: Daniel Hart. Fotografía: Joe Anderson. Reparto principal: Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tom Waits, Tika Sumpter, John David Washington. Producción: Identity Films, Wildwood Enterprises, Endgame Entertainment, Conde Nast Entertainment, Sailor Bear. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/old-man-and-the-gun/
Los Alpes de Ötztal, hace más de 5300 años. Cerca de un arroyo, se ha asentado un poblado neolítico. Su líder Kelab tiene la responsabilidad de ser el guardián del santo sagrario,Tineka. Mientras Kelab está cazando, el asentamiento es atacado y los miembros de la tribu son brutalmente asesinados, entre ellos la mujer y el hijo de Kelab. Solo sobrevive un bebé recién nacido. ¡Y Tineka ha desaparecido!
Cegado por el dolor y la furia, Kelab solo tiene un objetivo:¡venganza!
La búsqueda de los asesinos se convertirá en una odisea para Kelab. Luchará para mantener con vida al bebé y contra las fuerzas de la naturaleza. Un error fatal lo convertirá de cazador a cazado. Además de todo ello, la soledad hará que Kelab dude de sus acciones cada vez más.
Cuando por fin Kelab se enfrente a los asesinos de su tribu, su mayor desafío será no convertirse en uno de ellos…
Crítica
Una manera de dar a conocer un hallazgo revelador de nuestro pasado
El gran e insólito hallazgo de la momia congelada en los Alpes italianos a principios de los 90 le ha valido su tercera película a Felix Randau. Quién le iba a decir a ese individuo que murió hace más de 5000 años que iba a protagonizar un filme. Ötzi es un hombre que se sabe con bastante aproximación cómo murió y que se conservó congelado, convirtiéndose en la momia natural más antigua de la edad de cobre europea. Gracias a ello se conocieron o confirmaron muchas teorías acerca de las costumbres y condiciones en las que vivíamos antes de las primeras civilizaciones que nos dejaron un legado escrito.
Esta es una película muy relacionada con la investigación pues los estudios del cuerpo de la momia así como de los objetos que portaba han revelado buena parte de su historia y hábitos. Pero también tiene circula por la vertiente de las pesquisas criminalísticas ya que supone uno de los asesinatos sin resolver más antiguos que se conocen. Muchas de las teorías que rodean a Ötzi son imaginadas por los arqueólogos o ficcionadas a partir de los signos hallados en su cuerpo o los vestigios de sus pertenencias. La película se dedica en buena parte a recrear una historia inventada pero con numerosos puntos basados en datos científicos. Angelika Fleckinger, directora del Museo Arqueológico e South Tirol, ha servido de asesora para que la película sea lo más aproximada posible a la realidad que se piensa vivió este hombre hallado en el valle de Ötz, cerca de Tirol, que es donde se ha rodado la película.
Pero aunque el director y guionista le haya echado algo de imaginación todo lo que vemos en pantalla es más que factible. Me parece que informativamente es una película con alto valor. No parece tener fallos científicos en lo que se refiere a que nos representa como una sociedad sedentaria, agricultora, con ganado, casas, caza, ritos… Tenían por entonces sentido de la propiedad y llegaron los primeros intercambios con otras aldeas y ese tipo de interacciones es lo que le da a la película un pequeño toque de intriga que se suma a la espera de ver cómo han recreado la muerte de Ötzi. No se le da respuesta por ejemplo a las decenas de tatuajes de este misterioso hombre pero si al porqué actualmente es posible encontrar a unas 19 personas genéticamente emparentadas con él.
El estudio del ADN de Ötzi nos aportó el posible aspecto de este protagonista del largometraje y se ha buscado un actor similar a las recreaciones. Jürgen Vogel (‘La ola’) es Ötzi. La película está apoyada en el personaje que le da título, al cual se han permitido la licencia de bautizar como Kelab. Interactúan con él otros personajes, cuyos actores interpretan bien, con la simpleza de un hombre poco complejo y de hace tantos siglos. Quizá reconozcáis a algún que otro rostro pero quien más os va a sonar es Franco Nero, que tiene un brevísimo papel.
En el filme no se habla una lengua reconocible actualmente. Los protagonistas hablan un idioma creado a partir del rético. No se entiende lo que dicen ni nos ponen subtítulos porque, aunque con un guión algo aburrido, se ha rodado con la suficiente habilidad como para que se emplee una manera de expresarse de lo más universal.
Podemos decir que esta es una película divulgativa para aquellos que estén faltos de conocimientos de prehistoria. Como largometraje necesita algo más de ritmo o emoción, se queda en ese sentido por detrás de estrenos recientes como ‘Alpha’ o clásicos como ‘El clan del oso cavernario’. Su nivel de detalles acordes a lo documentado es bueno e ir identificando esas particularidades es lo que la hace más llevadera. Sus instantes finales nos dejan un pormenor que puede que deje espacio para la reflexión, acerca de cómo nos vemos a nosotros mismos y cuál es el sentido de nuestros actos desde tiempos inmemoriales.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de enero de 2019. Título original: Der Mann aus dem Eis. Duración: 96 min. País: Alemania. Dirección: Felix Randau. Guion: Felix Randau. Música: Beat Solèr. Fotografía: Jakub Bejnarowicz. Reparto principal: Jürgen Vogel, André M. Hennicke, Sabin Tambrea, Susanne West, Franco Nero. Producción: Port au Prince Film, Kultur Produktion, Echo Films, Lucky Bird Pictures, Amour Fou Filmproduktion. Distribución: Festival-Films. Género: drama, historia. Web oficial:http://festival-films.com/el-hombre-de-hielo.html
Principios del siglo XVIII. Inglaterra está en guerra con Francia. Aun así, las carreras de patos y el gusto por la piña florecen. La frágil reina Ana (Olivia Colman) ocupa el trono y su amiga íntima, Lady Sarah Churchill (Rachel Weisz), gobierna el país en su lugar mientras se ocupa de la mala salud de Ana y su volátil temperamento. A la llegada de una nueva criada, Abigail Masham (Emma Stone), el carisma de esta se gana la simpatía de Sarah, que se convierte en su protectora y por su parte, Abigail ve en ello la posibilidad de regresar a sus raíces aristocráticas. A medida que la política de la guerra consume gran parte del tiempo de Sarah, Abigail llena el vacío que esta deja como compañera de la Reina. Su creciente amistad le brinda la oportunidad de cumplir sus ambiciones y no permitirá que ninguna mujer, hombre, política o conejo se interponga en su camino.
Crítica
Una cinta de época que os dejará impresionados
Puedo decir sin equivocarme, que ‘La Favorita’ es una de las mejores películas del año 2019 y que no va a cambiar mi opinión de aquí a diciembre.
Que reparto, que dirección y que guión lleno de humor ácido y retorcido que sin duda YorgosLanthimos ha utilizado tan bien. No había visto aún ninguna película de este director y después de ver ‘La Favorita’ no será la única.
La película nos lleva a la corte de Ana de Gran Bretaña, donde la soberana, última británica de la casa Estuardo, vive en su palacio donde es manipulada por cualquiera que aparezca por allí, pero sobre todo por su intima amiga Sarah Jennings, que no solo es la consejera, sino la manda más de todo el reino. Pero el destino pone en su camino a su prima Abigail, una joven que hace que toda su vida de un vuelco tremendo.
En la película vemos las triquiñuelas de los palacios, la corte tan ridícula, que mientras el pueblo se muere de hambre, los ricos juegan a malgastar tomates con el bufón de la corte. Cosas así van apareciendo entre la trama para demostrarnos lo absurdo que era todo y como esos ricos decidían por el pueblo.
RachelWeisz y EmmaStone están perfectas como siempre, además el papel de EmmaStone y su bajada a los infiernos es espectacular. Pero sin duda la gran Reina de toda la película es OliviaColman (‘The Crown’) que da fuerza a su papel, pero sobre todo, candidez, ingenuidad y tristeza al ver como todo el mundo se aprovecha de ella. Me parece un trabajo espléndido y esperemos que siga cosechando premios como hasta ahora.
Eso sí, no solo las actrices hacen un gran trabajo, pues en el reparto masculino está Nicholas Hoult, con un papel muy diferente a lo que nos tiene acostumbrados y que hará la vida imposible al personaje de Emma Stone para conseguir que todos sus planes salgan bien.
El guion lleva la mano de DeborahDavis y de TonyMcNamara. Esta es la única película que no ha firmado como guionista el director y aun así se ha movido como pez en el agua, ya que otro de los fuertes de la película es la dirección. Con unos giros de cámara que son una locura, ojos de pez, que hacen que podamos ver los grandes pasillos y salones del palacio en su totalidad, un gran acierto pues te introduce perfectamente en el ambiente. Eso y también el vestuario de la mano de SandyPowell es espectacular, todo el conjunto hace que nos creamos la película al cien por cien.
La película me ha entusiasmado en toda su totalidad, creo que es una buena opción para la carrera de los Oscar y sin duda va a dar más de una sorpresa.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de enero de 2019. Título original: The Favourite. Duración: 121 min. País: Reino Unido. Dirección: Yorgos Lanthimos. Guión: Deborah David, Tony McNamara. Música: Johnnie Burn. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz, Nicholas Hoult, James Smith, Mark Gatiss, James Melville, PJoe Alwyn, John Locke. Producción: Element Pictures, Scarlet Films, Film 4 Productions. Distribución: 20th Century Fox. Género: Drama, comedia. Web oficial:http://www.foxsearchlight.com/thefavourite/
‘Glass’ es un thriller basado en un cómic donde el director M. Night Shyamalan reúne las narrativas de dos de sus películas más sobresalientes: ‘El protegido’, de Touchstone Pictures (2000), y ‘Multiple’ de Universal (2016). Después de ‘El protegido’, Bruce Willis retoma el papel de David Dunn y Samuel L. Jackson encarna a Elijah Price, conocido también por su seudónimo de Mr. Glass. James McAvoy, que trabajó en ‘Múltiple’, vuelve a interpretar a Kevin Wendell Crumb y las múltiples identidades que residen en él, y Anya Taylor-Joy es Casey Cooke, la única cautiva que sobrevivió a un encuentro con La Bestia.
Enlazando con la conclusión de ‘Múltiple’, ‘Glass’ nos descubre a Dunn persiguiendo a La Bestia, la figura sobrehumana de Crumb, en una serie de encuentros cada vez más intensos, mientras que la sombría presencia de Price surge como un orquestador que esconde secretos cruciales de ambos hombres.
Crítica
La gran pregunta es ¿habrá más? Ojalá
Agradar y complacer a todos nunca es fácil. M. Night Shyamalan es verdad que tiene mi apoyo casi siempre y cuenta con un sobrado reconocimiento internacional, pero con una película que ha conseguido aunar tanto a Universal como a Disney tiene que haber consenso casi a la fuerza. En ‘Glass’ asistimos a la confirmación y consolidación de un universo Shyamalan con tintes comiqueros, un bollo glasseado para amantes de las historietas. Y se hace de un modo limítrofe a la mecánica de Marvel Studios pero permitiendo al director indio imponer su estilo, dejando claro que tiene su propio cine y que no cede ni a lo comercial ni al carácter de una superproducción. Por supuesto sin renegar a ninguno de los argumentos de ‘El protegido’ y ‘Múltiple’, todo encaja. Porque esta película no es un espectáculo desbocado ni una historia efectista, pero intuyo que es la idea del Dark Universe que a Universal Pictures le habría funcionado. Se acerca más a una obra de autor con las clásicas marcas que nos dejan siempre las películas de la Blumhouse.
El reparto de ‘Glass’, vestido por los diseños del español Paco Delgado, es pequeño pero sobradamente suficiente. Cuenta con actores con una larga experiencia en adaptaciones de cómics. Bruce Willis y Samuel L. Jackson ya habían trabajado juntos, malo sería con la cantidad de películas que han realizado, sobe todo Jackson. Se les une James McAvoy al protagonismo y el trío funciona como la seda. En teoría esta es la película para el personaje de Mr. Glass, pero de nuevo son las personalidades de McAvoy y su interpretación el plato fuerte. Su trabajo merece un largo etcétera de adjetivos, tan largo como la lista de personajes y matices que emplea. Juega al Dr. Jekyll elevado a una alta potencia. También es de admirar el valor de Shyamalan para dejar tanto tiempo en standby a Jackson. Pero eso es porque ha cuidado muy bien los detalles de sus personajes. El trabajo de SarahPaulson y Anna Taylor-Joy queda en un segundo plano y nos topamos con una ligera sorpresa con Sprencer Treat Clark.
El bueno, el malo y el indeterminado. La inspiración en las viñetas sobrepasa lo obvio con sus personajes. A parte de poder reconocer referencias a superhéroes y colecciones conocidas el argumento está centrado en el mundo del noveno arte. Incluso Shyamalan mantiene sus cameos, tan propios del mismo Stan Lee.
Pese a lo sobrenatural de sus protagonistas este no es un título efectista. Tampoco nos lleva de un sitio a otro, no nos muestra lugares abrumadores. De hecho posee muy pocas localizaciones y no acusa la constancia de su escenario principal. Se pasa muy rápido, sobre todo si eres lector asiduo a los cómics o si estás abierto a captar la mecánica tradicional de estos. Es más, entreveo un homenaje al mundo de las viñetas además de una intención aleccionadora, que aboga más por una mayor comprensión de las páginas de los superhéroes antes que por sus adaptaciones cinematográficas.
Al final hay dos momentos importantes. Uno muy valiente y otro arriesgado. M. Night Shyamalan sorprende con la conclusión de la película y además nos mete ganas de más. Entendería si surge una parte del público que no acepte su cierre. Pero a mí personalmente no me importaría una cuarta entrega si nos volvemos a encontrar con el guionista sesudo que ha cosechado éxitos tiempo atrás o lo hará con este título y si con eso rompemos la absurda tradición de las trilogías.
Hay que tener presentes ‘El protegido’ y ‘Múltiple’ para tener una visión de conjunto de esta película. Sobre todo el primer título coge más forma y justificación con ‘Glass’. Aunque emplea metraje de esas películas y genera nuevos flashbacks creo que hace falta haber visto los títulos del 2000 y 2016. La única lástima es que no existe la tensión y el misterio que consiguió en sus otros trabajos, ellos ceden al bizarrismo de los personajes. Con lo que solo me queda decir, dejad a Shyamalan hacer su cine. ‘Glass’ es autorreferente, cumple su meta de ser meta.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de enero de 2019. Título original: Glass. Duración: 129 min. País: EE.UU. Dirección: M. Night Shyamalan. Guion: M. Night Shyamalan. Música: West Thordson. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Bruce Willis, Sarah Paulson, James McAvoy, Anna Taylor-Joy, Samuel L. Jackson, Spencer Treat Clark, Charlayne Woodard, Luke Kirby. Producción: Blumhouse Productions, Blinding Edge Pictures, Touchstone Pictures. Distribución: Buenavista, Walt Disney Pictures. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial:https://twitter.com/GlassPelicula
Los nenúfares de Monet: la magia del aguay la luz cuentan la historia del origen de una obra de arte en serie que rompió con la convención de un artista que dedicó su vida a la pintura. Su esfuerzo desafió el espacio y las convenciones en sus obras maestras atemporales.
En un país devastado por la guerra, el genio indiscutible del arte francés trastornó el mundo del arte y lo cambió para siempre. Cuando se acercaba el final de la Primera Guerra Mundial, Monet comprendió que su obra de arte debía ser su último legado a Francia: un símbolo de paz, esperanza y resistencia en un mundo maltrecho y sangriento.
Este es el relato de una obsesión: la luz y el agua de la que el pintor no pudo escapar y de cómo la transformó en magia. Una historia de elementos radicales que revolucionaron el Arte Moderno. La intención clara de Monet era transferir a la tela la «primera impresión pura» de las formas y objetos, tal como se representan a ojos de quién nunca los había visto. Este largometraje muestra los Nenúfares de Claude Monet como nunca vistos hasta el momento.
Una mirada única y exclusiva de las obras maestras ubicadas en el Museo Orangerie, el Museo Marmottan, el Museo Orsay y Giverny, por primera vez en la gran pantalla para ofrecer una experiencia única e irrepetible.
Con la inestimable contribución de Ross King, autor del bestseller Mad Enchantment: Claude Monet y la pintura de los lirios de agua (2016).
Crítica
Monet y sus nenúfares, una historia llena de aventuras y desolación
Los días 14 y 15 podremos ver en las salas de cine ‘Los nenúfares de Monet: la magia del agua y la luz’. Documental dirigido por GiovanniTroilo, experto documentalista que nos trae la vida de este pintor obsesionado por el Sena.
El documental nos lleva en un viaje por Francia a conocer la vida de Monet, desde su más tierna infancia, donde se escapaba de la escuela para observar el mar y pintarlo, hasta su vejez, donde su obsesión por el agua llegó a tal punto de tener un lago lleno de nenúfares que a través de su borrosa mirada conocemos tan bien.
El documental está narrado por ElisaLasowski (‘Promesas del Este’), la cual a través del Sena y de una casa acuática como la que tuvo Monet, nos va contando la complicada vida de este pintor.
Ver su país en guerra hizo que se replanteara muchas cosas, su arte se volvió más oscuro pero a la vez lleno de vida y esperanza. También su mundo se tambaleó a la muerte de su esposa, a la cual en el documental se la representa como a ‘Ofelia muerta’ de John Everett Millais, aunque nada tenga que ver, pero es una bonita metáfora de los sueños que el pintor tenía de ella.
Una de las cosas que más me ha gustado del documental ha sido el poder observar el jardín real en Giverny ,de dónde sacaba sus pinturas e inspiración. Monet se dedicó a vivir a la rivera del Sena y de tenía una casa flotante que utilizaba como estudio de pintura.
Sinceramente, aunque la historia del pintor es interesante, tiene unas imágenes bien bonitas pues al fin y al cabo la fotografía va de la mano de SannedeWilde y el poder ver los lugares y compararlos con las pinturas me parece un gran acierto. Pero me falla la narrativa, el documental es bastante soso y la actriz ElisaLasowski no ayuda mucho a que se haga algo más ameno.
Pero quitando ese pequeño detalle, es un gusto poder conocer la vida de artistas, pues el contexto de su vida es importantísimo a la hora de poder entender su arte.
Monet amaba a los nenúfares, mas de 250 obras sobre este jardín infinito, el cual le daba paz y tranquilidad, pero que visitaba también en sus momentos más difíciles para poder intentar salir del infierno que en el que se encontraba.
Este último episodio de ‘Los Grandes del Arte en el Cine’ dura 80 minutos y en el entrareis en museos, estaréis en la naturaleza y sobre todo viajareis a través del Sena y los ojos vidriosos de Monet.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 y 15 de enero 2019.Título original: Water Lilies of Monet: The Magic of Water and Light. Duración: 80 min. País: Italia. Dirección: Giovanni Troilo. Guión: Giovanni Troilo Música: Remo Anzovino. Fotografía: Sanne de Wilde Reparto principal: Elisa Lasowski. Producción: Ballandi Arts. Distribución: A Contracorriente Films, The Film Agency, Arte en pantalla. Género: Documental.
En plena crisis de los cuarenta, un peculiar grupo de hombres decide formar el primer equipo nacional de natación sincronizada masculino. Desafiando estereotipos e ignorando la incomprensión de los que les rodean, se sumergen en una divertida e insólita aventura que les llevará a hacer frente a las dificultades y a sacar lo mejor de si mismos, gracias a la ilusión y el trabajo en equipo.
Crítica
Una estructura clásica con acertadas diferencias de forma
Desde Francia nos llega la historia real de un equipo de natación sincronizada que rompió moldes. La ubicación se ha cambiado pues los hechos auténticos sucedieron en Suecia, pero el cartel de la película se encarga de hacer honor a esa nación, por lo menos su versión española.
Un grupo de fracasados y decaídos hombres entrena para exhibir sus números de natación sincronizada. Ya sea por el deporte que practican o por lo decepcionante de su existencia son objeto de burla y vapuleo. El protagonista de la cinta es un padre de familia deprimido por su situación de desempleo que en el agua encuentra un alivio, una desconexión o aislamiento. Mathieu Amalric es ese nuevo integrante del equipo que se incorpora justo a tiempo de que este se establezca grandes metas. El esquema de este filme es el clásico. Un equipo de derrotados y derrotistas recibe un nuevo miembro y eso les supone aire fresco, por lo que su suerte cambia. El filme cumple varios tópicos y resoluciones muy vistas, pero también posee varias diferencias que hacen que se salga de los moldes.
En primer lugar esta película no se basa en mostrar el contraste entre unos perdedores y alguien exitoso o profesional. Es más, nadie en la película tiene un mínimo atisbo de notoriedad en su vida. Es decir, un manta se une a otros mantas. No como sucede en películas similares tales como ‘Somos los mejores’, ‘Equipo a la fuerza’ o ‘Campeones’. Por otro lado permuta el juego habitual cambiando las tornas entre hombres y mujeres. Es una mujer la que entrena a un equipo de hombres en un deporte tradicionalmente femenino. Eso además de generar alguna que otra situación graciosa sumerge al filme en el asunto del papel de la mujer en la sociedad.
No solo porque no haya ni un solo triunfador nato o porque sepa darle la vuelta a las cuestiones de género se sale de la norma. ‘El gran baño’ habla desde su inicio de romper lo cuadriculado, de dar rienda suelta a los que prefieren los bordes redondeados. Y aunque no consigue la circulatura del cuadrado en prácticamente todos sus personajes alcanza su objetivo enarbolando diferentes «maneras de vivir», como decía Rosendo. Porque «son tiempos difíciles para los soñadores», decía la francesa ‘Amelie’.
El humor del filme se centra principalmente en el patetismo de sus personajes. Individuos que usan sus clases de natación como terapia de grupo y que se aíslan de su triste realidad ahogando las penas en agua y cloro. Personas en crisis sin ánimo ni intención de recuperar su juventud pero si las ganas de vivir y sentir.
El mayor acierto de Gilles Lellousche es el casting de la cinta, sobre todo haber contado con Amarlic para el papel principal. Es una especie de Steve Buscemi francés. Con un rostro tan consternador como chistoso construye a un personaje creíble y entrañable. Así mismo el resto del reparto logra, mejor que el propio guión, que nos creamos a sus nadadores haciéndonos partícipes de sus ilusiones y perspectivas. Su musicalidad también se une al buen trabajo del elenco actoral y nos remonta a más de un tema clásico.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de enero de 2018. Título original: Le grand bain. Duración: 110 min. País: Francia. Dirección: Gilles Lellouche. Guion: Gilles Lellouche. Música: Jon Brion. Fotografía: Laurent Tangy. Reparto principal: Guillaume Canet, Matthieu Almaric, Virginie Efira, Beoît Poelvorde, Jean-Hugues Anglade. Producción: Studiocanal. Distribución: flins & Piniculas. Género: comedia, drama. Web oficial:http://www.flinsypiniculas.com/ficha.php?id=244
‘El vicio del poder’ explora la historia real jamás revelada sobre cómo Dick Cheney (Christian Bale) un callado burócrata de Washington, acabó convirtiéndose en el hombre más poderoso del mundo como vicepresidente de los Estados Unidos durante el mandato de George W. Bush, con consecuencias en su país y el resto del mundo que aún se dejan sentir hoy en día.
Crítica
McKay se consuma como un gran narrador y crítico de la Norteamérica contemporánea
Es un clamor que Christian Bale es un grandísimo actor, ya no solo por los premios que acapara, entre ellos un Oscar, sino por su capacidad para transformarse en otras personas hasta el punto de comprometer su propia salud o el aspecto de su cuerpo. Lo suyo más que una habilidad camaleónica son aptitudes de mímesis. Se mezcla con la historia de su personaje y con el entorno o reparto que ponen a su disposición. Esta vez, jugándose la salud hasta un límite opuesto al que llegó con ‘El maquinista’, sigue los pasos de uno de sus mentores, Gary Oldman, y se convierte en un político al que siempre hemos visto de buen año, Dick Cheney.
Bale es un tipo de extremos, de método. Aunque en ‘El vicio del poder’ le vemos con mucho maquillaje ha tenido que convertirse en un auténtico zampabollos para ganar peso. Con ese aspecto físico conseguido solo le quedaba calcar los ademanes del vicepresidente de George W. Bush hijo. Desde los andares hasta su tunante risa ladeada vemos al personaje hecho realidad. Pero no solo de Christian Bale es meritorio de ese logro. Otros actores como SamRockwell, Amy Adams o Steve Carell nos esbozan maravillosamente a las personas a las que interpretan, especialmente Rockwell que encarna ese sandio, embaucador y engreído que era Bush. Si la cinta deja claro que Bush llegó donde llegó por la gente que le rodeó también nos remarca que Cheney tenía en todo momento a su esposa que le aleccionó para llegar a las más altas esferas.
Ni de lejos esta película se apoya solo en sus intérpretes. ‘El vicio del poder’ es tan buena porque la ha elaborado un gran contador de historias. Si los estadounidenses son expertos en saber contarnos sus propias crónicas Adam McKay ya es un artesano en ese campo. Elabora un discurso bien estructurado, fácil de seguir y en muchos puntos revelador. Todos los actores de su equipo o han trabajado juntos o con el director en otras películas. Sobre todo hay que tener en cuenta el anterior título de Adam McKay, ‘La gran apuesta’, que tiene un carácter similar y que cuenta también con Bale y Carell.
La película está trabajada a través de la comedia y el biopic, desde una orientación política clara pero sin los métodos agresivos de un extremista. Es menos combativa que las obras Michael Moore pero desde su lectura también hace uso de una gran sátira. Se palpa mucha improvisación en las escenas, pero también premeditación en un guión en el que se reconoce ya una marca de la casa, un estilo reclamado por McKay. La complicidad del reparto también es evidente, imagino que el rodaje debe haber ido como la seda.
De antemano el director y guionista nos manifiesta con humor cuáles son sus intenciones e inclinaciones políticas, así como que hay algo de ficción en la cinta dada la inaccesibilidad de su protagonista. Pero por si acaso no queda claro en los post-créditos no los remarca. Espero con total sinceridad que esta película sirva para que en nuestro país muchos puedan hacer examen de conciencia, para que establezcan los claros paralelismos que tiene. Este filme nos habla de las responsabilidades de los políticos, de las repercusiones históricas de sus actos y decisiones, así como de aquellos que les votan. El título hace referencia no solo al ansia de poder de los mandamases, sino también del pueblo que escoge a quién le gobierna guiándose por la necesidad de nutrir su hambre de superioridad y supremacía sobre el resto del mundo o sobre quienes considera inferiores.
Otro puntazo a favor es su narrativa. Desde una tercera persona nos elaboran una biografía que por si resulta menos explicativa que ‘La gran apuesta’ está repleta de metáforas, tanto gráficas como orales. Veo este título mucho más fácil de seguir que el anterior estrenado por McKay y sus alegorías son del todo acertadas y aclaratorias.
En ‘El vicio del poder’ vais a recorrer las etapas de Nixon, de Bush padre, de las elecciones con recuento de votos, del 11-S, de la segunda guerra de Irak… En estos dos últimos tramos que menciono el filme pierde mucho su sarcasmo y hace peligrar su ritmo. Muy importante es también que trate temas personales como los infartos de Cheney, por algo que no quiero desvelar para no quitarle gracia y porque el propio director sufrió uno antes de finalizar el filme e insertó imágenes de su intervención en la película.
Este nuevo estreno que ya tiene varias nominaciones en los Globos de Oro nos da brillantes momentos. Entre ellos una gran escena en la que hace una breve aparición Alfred Molina. En ese momento vemos con meridiana efectividad la sátira y crítica de McKay. Con esta mención quiero hacer énfasis en el tono sarcástico del filme, en su búsqueda de remover conciencias sin dejar nada al azar y en su denuncia hacia el ciudadano medio que mira con indiferencia y anestesia los actos evidentes de destrucción que tiene ante él. Comedia histórica que no os debéis perder.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de enero de 2019. Título original: Vice. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Adam McKay. Guion: Adam McKay. Música: Nicholas Britell. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, Tyler Perry, Eddie Marsan, Jesse Plemons, Naomi Watts, Alfred Molina. Producción: Gary Sanchez Productions, Plan B Entertainment, Annapurna Pictures. Distribución: eOne Films. Género: drama, biográfico. Web oficial:https://www.vice.movie/
Cuando Panoramix se cae de un árbol mientras intentaba coger muérdago y se rompe las piernas, decide que debe buscar un sucesor. Con Astérix y Obélix a su lado, se embarca en un viaje a través de la Galia para encontrar un druida. Un druida que pueda entrenar y que sea digno de heredar la receta de la poción mágica…
El mismo equipo que estaba detrás de Astérix: la residencia de los dioses, se vuelve a reunir para llevar a la gran pantalla una nueva historia protagonizada por el irreductible pueblo galo creado por Goscinny y Uderzo.
Crítica
Los irreductibles galos vuelven para hacernos disfrutar
Poco nuevo os voy a contar de lo que os vais a encontrar en esta película, pues dudo mucho que no conozcáis a los galos que protagonizan esta historia. Una nueva entrega de Astérix y Obélix llega a nuestras pantallas y de nuevo se encargan de dirigirla AlexandreAsiter y LouisClichy, que fueron los encargados de volvernos a traer a estos héroes en 2014 con ‘Asterix : La residencia de los dioses‘.
En esta cinta cambia un poco el juego, si, los romanos siguen intentando acabar con Armórica, si, los galos siguen comiendo jabalíes y por supuesto, los pobres piratas siguen perdiendo su barco cada vez que Astérix u Obélix están cerca. Pero esta vez la historia se centra en Panorámix, el querido druida de la aldea, el cual está en horas bajas y monta un drama al caerse de una rama. En su búsqueda de un sustituto conoceremos a nuevos y divertidos personajes que harán las delicias de todo el público que se acerque a ver la película.
Los directores vuelven a confiar en el trabajo de MikrosAnimation, de los cuales hemos visto trabajos como ‘El Principito’ o ‘Astérix: La residencia de los dioses‘. Un verdadero acierto pues el trabajo es estupendo.
Se ha convertido en costumbre en la animación, que a la hora de contar una historia dentro de la historia que estamos viendo, el estilo del dibujo cambie y en este caso no es diferente. La animación digital deja paso a los bosquejos en lapicero que bien podrían ser meros bocetos de los dibujantes originales. Una bonita manera de mostrarnos que realmente esta película proviene del mundo del cómic.
ChristianClavier y GuillaumeBriat, vuelven a dar sus voces a los dos personajes protagonistas. El primero no solo ha dado su voz en las versiones animadas, si no que en dos de las versiones de imagen real pone también cuerpo a Astérix.
No perdáis como siempre de vista los nombres de los personaje secundarios, pues merecen mucho la pena, como Vitroceramix, pero no es el único y sin duda encontraréis a más de un héroe de acción.
Sin duda una buena opción para llevar a lo más pequeños al cine este fin de semana y divertiros en familia.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de enero de 2019. Título original: Astérix: Le secret de la potion magique. Duración: 86 min. País: Francia. Dirección: Alexandre Astier, Louis Clichy. Guión: Alexandre Astier, basado en el cómic de René Goscinny y Albert Uderzo. Música: Philipe Rombi. Fotografía: David Dulac. Reparto principal: Christian Clavier, Guillaume Briat, Alex Lutz, Alexandre Astier, Elie Semoun, Daniel Mesguich, Bernard Alane, Lionnel Astier. Producción: M6 Studio, Mikros Image, Canal +, Centre National de la Cinématographie. Distribución: Vertice 360. Género: Animación, aventura. Web oficial: http://www.vertice360.com/asterix-el-secreto-de-la-pocion-magica/
‘Memorias de un Hombre en Pijama’, es la historia de Paco, un cuarentón soltero empedernido, que en la plenitud de su vida consigue su sueño infantil: trabajar desde casa y en pijama.
Pero cuando creía haber encontrado el súmmum de la felicidad, irrumpe en su vida Jilguero, la chica de la que se enamora y que tendrá que luchar por permanecer al lado de un hombre cuyo máximo objetivo vital es quedarse en casa en pijama.
Es también la historia de los solteros y las parejas, amigos de ambos, que con sus divertidas anécdotas influyen en sus vidas y en su relación.
Crítica
Memorias no memorables
Quizás es más conocido por todos por ‘Arrugas’ y su versión animada, pero Paco Roca es un historietista que ha sido múltiplemente premiado, con el Premio Nacional del Cómic inclusive. En sus obras contempla reflexiones mezcladas con una cotidianidad de lo más mundana. En el caso de ‘Memorias de un hombre en pijama’ me decepcionó, pese a parecerme una manera original de narrar los trasuntos de la vida de un dibujante que en algunos sentidos me recordó a otros cómics como ‘Los profesionales’, pero con un tono menos políticamente cargado.
La animación de esta traslación del papel a la pantalla no es mala, al contrario que su doblaje. Aporta más texturas, luces y volumen a las imágenes del cómic original pero mantiene sus proporciones y atmósfera. Los muchos retazos de los que se componía el tebeo van apareciendo de manera reconocible en la película.
En mi caso el cómic cuando más me gustaba era cuando entroncaba con esas curiosidades que desvelan el día a día de un dibujante: los agobios por las entregas, la precariedad, la búsqueda de inspiración, las frustraciones del artista, la ingratitud hacia los autores… Con la película me sucede igual. El personaje ya venía desarrollado de las viñetas y para mí están claros cuáles son sus puntos fuertes y cuales los flacos. Estas memorias de un hombre en pijama las considero buena adaptación, pero no buena película porque cojea y brilla en los mismos aspectos.
Funciona cuando consigue conectar con ese lado tan real que reconocerán muchos lectores. Pero cuando trata de intentar hacer sensacional algo que es ordinario nos encontramos con una fórmula que no funciona, eso me pasó con la narrativa de Roca en el papel y tampoco me ha parecido lo suficientemente carismática en el caso del trabajo de Carlos Fernández de Vigo. El primer largometraje del director no creo que sea una historia en la que se pretenda que empaticemos con el personaje, aunque en muchos aspectos nos sentiremos alineados con él. Es un diario en movimiento que puede que para algunos tenga interés, pero al margen de los asuntos de artista que he mencionado antes no le veo relevancia. Este es un relato con patetismo, guiños generacionales, escenas de pareja… que no consiguen llenarse del «buenrollismo» y la auténtica complejidad que le corresponde. Su mensaje es vacuo, no se percibe un todo que defina la película de manera justificada.
La suma de anécdotas que vamos viendo están acompañadas de las canciones de ‘Love of lesbian’. En gran medida ‘Memorias de un hombre en pijama’ parece un vídeo promocional del grupo del que tampoco puedo decir que sea seguidor. Al margen de mi gusto musical hay que decir que las canciones no acompañan a las escenas. E irónicamente aunque tenga tantos temas del grupo español esta es una cinta muy arrítmica. Los planos dibujados son muy estáticos, la historia transcurre con un sonido pobre y la voz que ha empleado Raúl Arévalo tampoco ayuda a avivar el relato.
Me parece buena noticia que viñetas españolas se lleven a la gran pantalla pero en resumidas cuentas, parece que esta película, aunque surja de las páginas de un cómic, arte que tanto me gusta, no está hecha para mí.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de enero de 2019. Título original: Memorias de un hombre en pijama. Duración: 75 min. País: España. Dirección: Carlos Fernández de Vigo. Guion: Ángel de la Cruz, Paco Roca, Diana López Varela. Música: Love of lesbian. Fotografía: Carlos García Cabeza. Reparto principal: Raúl Arévalo, María Castro, Manuel Manquiña. Producción: Dream Team Concept, Ladybug Films, Movistar+, Televisión de Galicia (TVG), Televisión Española (TVE). Distribución: Begin Again. Género: comedia, animación, cómic, adaptación. Web oficial:https://twitter.com/UnHombrenPijama
Basada en la exitosa novela de Nick Hornby (Alta fidelidad), Annie (Rose Byrne) y Duncan (Chris O´Dowd) están cerca de la cuarentena y son pareja desde hace quince años. Ambos llevan una vida tranquila, pero a Annie le inquieta el paso del tiempo sin ninguna pasión. Duncan, en cambio, concentra toda su atención en Tucker Crowe (Ethan Hawke), un músico americano que desapareció tras publicar el exitoso álbum ‘Juliet’. Pero cuando los caminos de Annie, Tucker y Duncan comienzan a cruzarse, descubrirán que la vida nos da sorpresas y que todo puede cambiar.
Crítica
‘Juliet, desnuda’ una comedia a la antigua usanza.
Si estáis cansados de superhéroes, películas demasiado complicadas y queréis ir al cine a ver una cinta bonita, con humor ácido y buena música, ‘Juliet, desnuda’ es vuestra película.
Basada en la novela de NickHornby, escritor de ‘Alta fidelidad’, la cinta nos trae un trío amoroso en un pueblecito británico. La mitomanía obsesiva del personaje de ChrisO’Dowd, dejando de lado a su mujer por un cantante que desapareció hace años, es la clave de esta cinta donde vemos que pasados los cuarenta años seguimos con las mismas dudas que con veinte y que aun puedes coger la vida por los cuernos.
El gran acierto de JessePeretz es sin duda su reparto, RoseByrne, EthanHawke y ChrisO’Dowd, son los encargados de dar fuerza y veracidad a esta cinta.
El papel de hombre dejado, con miles de hijos y que vive de sus antiguos éxitos es para EthanHawke, que es el punto medio en este trío. La ternura de Annie hace que Tucker comience a fijar en ella y a darse cuenta de los muchos errores que ha cometido a lo largo de su vida. Mientras que Chris O’Dowd es el obsesivo marido de Annie que vive para y por su ídolo. Sus escenas de máster en un blog son estupendas.
En el reparto encontramos también a PhilDavis, DeniseGough, LilyNewmark, AyoolaSmart o EnoClienti.
Aparte del reparto que como he dicho es lo mejor, el pueblecito en el que vive Annie nos enseña el porqué de su personalidad, sencilla y calmada. Pues el lugar es tranquilo, pequeño y muy bucólico.
La película no es nada original, no os va a sorprender, pero sí que es verdad que de vez en cuando hace falta una película así, sencilla, divertida, sin más pretensiones que contarnos una historia bonita y entretenernos durante la hora y media que dura la película.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de enero de 2019. Título original: Juliet, Naked. Duración: 105. País: Estados Unidos. Dirección: Jesse Peretz. Guión: Tamara Jenkins, Evgenia Peretz, Jim Taylor basada en la novela de Nick Hornby. Música: Nathan Larson. Fotografía: Remi Adefarasin. Reparto principal: Rose Byrne, Ethan Hawke, Chris O’Dowd, Megan Dodds, Jimmy O. YAng, Lily Newmark, Ayoola Smart, Sascha Panknin, Thomas Gray. Producción: Apatow Producttions Distribución: Diamond Films. Género: Comedia. Web oficial:http://diamondfilms.es/juliet-desnuda/
En el verano de 1919, Jacques Morlac, un héroe de la Primera Guerra Mundial encarcelado, le cuenta su historia al juez, un aristócrata que duda de sus principios a causa de la guerra. Delante de la puerta del cuartel, el perro del soldado le espera, ladrando día y noche.
Crítica
Un título sin pretenciosidad y con humildes argumentos
En primer lugar me gustaría decir que agradezco que aparezcan películas sencillas como ‘El collar rojo’. No voy a soltar un discurso sobre el estado de la crítica del cine, sobre la tendencia de generarse grandes expectativas que parece generalizada y que hace que casi todos los comentarios sean extremos: o muy buena o muy mala. Este nuevo filme de Jean Becker (‘Mis tardes con Margueritte’) es normal y corriente.
‘El collar rojo’ es una película sin grandes pretensiones y no por eso se queda en algo mediocre. Funciona bien en varios de los argumentos extraídos de la novela de Jean-Christophe Ruffin y su duración es apropiada. Una película pequeña con pocas cosas que reprochar y con un rostro bien conocido como el de François Cluzet (‘Normandía al desnudo’, ‘Intocable’).
La historia nos narra la relación que se genera entre un juez militar (Cluzet) y un joven francés acusado de algo que en tiempos de la I Guerra Mundial podía tener graves consecuencias. La peculiaridad del filme es que mientras el inculpado permanece retenido en prisión su perro le aguarda a sus afueras cual Hachikō. La cuestión es que ese perro pertenece realmente a la amada del reo y mientras que el juez le interroga va descubriendo la historia de amor que vivió en el pasado y aquello que le ha llevado a su celda.
Una de las pegas del filme es que la historia de amor se impone bastante a la del perro que es el verdadero sino del filme. Es decir, lo que más interesa es averiguar por qué el largometraje se llama el collar rojo y por qué el personaje de Nicolas Duvauchelle ha sido encarcelado. Pero casi todo el tiempo estamos recibiendo novedades sobre su romance y el perro se convierte casi en un McGuffin.
Esta no es una película con fines animalistas. Su discurso transcurre más por las vías de la crítica ligera a los valores tradicionales, hacía la auténtica humanidad y el significado del verdadero honor. En cuanto la cinta esgrime dos o tres pinceladas en sus primeros compases sobre cuáles son sus manifiestos se hace evidente el desenlace. No obstante su ambientación, su cercanía y cordialidad nos permiten aguantar hasta el final sin aburrirnos.
Un poco de filosofeo y la habilidad de dejarnos ver al perro protagonista desde varios puntos de vista son varios de los puntos destacables de un filme que os puede hacer pasar un buen rato sin buscar la típica sensiblería que tanto nos hace sufrir por los animales en otros largometrajes.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de enero de 2018. Título original: Le collier rouge. Duración: 83 min. País: Francia. Dirección: Jean Becker. Guion: Jean Becker, Jean-Christophe Rufin, Jean-Loup Dabadie. Música: Johan Hoogewijs. Fotografía: Yves Angelo. Reparto principal: François Cluzet, Nicolas Duvauchelle, Sophie Verbeeck, Jean-Quentin Châtelain, Patrick Descamps, Lynn Collins. Producción: ICE3, K.J.B. Production, France 3 Cinéma. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, romance. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/925/el-collar-rojo/
Vuestra primera decisión la tomamos nosotros, vedla
Lo nuevo de ‘Black Mirror’ no es una temporada, es una película. Pero en cierto sentido si tenemos varias propuestas pues llega de manera fracturada, con varios finales distintos que podremos ver en función de lo que decidamos que haga el protagonista. Es una propuesta muy de videojuego pero también de juego de rol. ‘Bandersnatch’ es un gran experimento, una nueva propuesta de Netflix que funciona de manera interactiva, que va a acaparar bastante de vuestro tiempo y atención.
De nuevo Netflix tira de nostalgia como en otros de sus buques insignia, véase ‘Stranger things’, sobre todo con su ambientación pero también nos rememora a épocas de nuestra infancia en las que leíamos los libros de «Elige tu propia aventura». Ahora Netflix incorpora esa técnica a su plataforma digital. Un ejercicio que ya hacen desde hace tiempo algunos usuarios de Youtube consiguiendo bastantes visionados. Esta es una película que se basa en lo que pulsamos en determinados momentos. La plataforma nos ofrece distintas vías de elección y de ese modo encadenamos varias secuencias de escenas. Muchos videojuegos de hoy en día nos ofrecen conclusiones alternativas, determinadas por nuestros actos, pero al contrario que en un videojuego ‘Bandersnatch’ no está guiada por una inteligencia artificial, por lo tanto estamos un poco supeditados a la hora de elegir, es decir, da la impresión de que todas las decisiones que tomamos nos abren nuevas visualizaciones pero no todas nuestras respuestas determinan cuál de los múltiples finales vamos a ver. La serie tiene muchos callejones sin salida que os harán retroceder para intentar llegar a los títulos de crédito.
‘Bandersnatch’ es autorreferente, no solo porque su trama haga referencia a la interacción del espectador con la historia, si no porque también introduce abiertamente guiños a otros episodios de ‘Black Mirror’. Además el protagonista es un espectador y un creador de historias, pero el espectador también es creador de historia y protagonista de la trama. De ahí que se cree un círculo vicioso de referencias que os va a atrapar. Es una obra que a ilustres de la ciencia ficción como Philip K. Dick, al cual se hace alusión, le habría encantado.
Algo muy bueno es que, por suerte, nos impide poder despistarnos con el móvil o con nuestras mascotas ya que las opciones aparecen en pantalla durante el visionado y tenemos que decidir rápidamente qué camino seguir. Nada de distraerse pues va todo de manera fluida, continuada y sin cortes.
Os planteareis cuántas veces habréis querido redefinir vuestra vida eligiendo un camino diferente al que habéis escogido. Tiempo y poder. Tiempo para vislumbrar las opciones con claridad o perspectiva y poder para decidir y rectificar con conocimiento. Eso es lo que nos devuelve este nuevo juego cinematográfico. Por cierto que tampoco podréis mirar la barra de tiempo a ver cuánto queda del episodio porque eso también es una incertidumbre en esta ocasión.
El número de escenas, la cantidad de metraje que tiene que haber generado el director David Slade (‘Hard candy’, ’30 días de oscuridad’, serie ‘American Gods’) tiene que ser inmensa. Sé que hay películas complejas de rodar o muy extensas, con mucho material no utilizado, pero lo de este episodio tiene que haber sido una verdadera labor titánica de logística. Por supuesto todo está escrito por el guionista habitual y creador de ‘Black Mirror’, Charlie Brooker.
La elección del reparto también es un gran acierto. Will Poulter (‘Detroit’) tiene un gran papel y de nuevo realiza una interpretación digna de mención. Son muchas las expectativas que tengo en este actor y él no hace más que incrementarlas. Pero el verdadero protagonista, a parte de nosotros mismos, es Fionn Whitehead (‘Dunkerque’). Plasma a un personaje psicótico y obsesivo sin caer en tópicos.
‘Black Mirror’ vuelve a jugar con nuestra conciencia y consciencia, vuelve a jugar con nuestro corazón y nuestra mente haciéndonos además partícipes de la historia que vemos, convirtiéndonos en el gran hermano se un Show de Truman digital. El debate siempre está presente con esta franquicia y en esta ocasión llega de la mano de la historia de un joven creador de videojuegos que cuestiona su realidad y que no puede ser responsable de las consecuencias de sus actos, porque no son realmente suyos. A muy pocos les costará empatizar con el protagonista por aquello de querer rehacer su historia a partir de un punto u otro.
La faena para muchos puede ser que su móvil o dispositivo no sea compatible con este nuevo formato que si convierte a ‘Black Mirror’ en una producción original de la casa, más allá de haber sido una adquisición a Channel 4. Nosotros ya hemos desbloqueado varios finales, que no vamos a desvelar, aunque el spoiler no importará mucho si llegáis a conclusiones distintas. Hay usuarios que ya han realizado un diagrama de flujo de la película. Si quieres un consejo hacer un buen ejercicio de empatía o de interpretación para saber qué os puede llevar a un final distinto o al menos para no caer en un callejón sin salida.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de diciembre de 2018. Título original: Black Mirror: Bandersnatch. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: David Slade. Guion: Charlie Brooker. Música: Brian Reitzell. Fotografía: Jake Polonsky. Reparto principal: Fionn Whitehead, Will Poulter, Asim Chaudhry, Alice Lowe, Craig Parkinson. Producción: Netflix, Hose of Tomorror. Distribución: Netflix. Género: drama, ciencia ficción, thriller. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80988062
En el 9177, mil años arriba, mil años abajo –que tampoco hay que pillarse los dedos con estas minucias-, el mundo entero –y según algunos autores, el universo también- se ha visto reducido a un solo Edificio Representativo y a unas afueras cochambrosas habitadas por todos los parados y hambrientos del cosmos.
Entre todos estos desgraciados, José María decide que, con las dificultades que haya que salvar y mediante la venta en el Edificio Representativo de una riquísima limonada que él manufactura, otro mundo es posible.
Crítica
Cuerda, todos somos contingentes, pero tú eres necesario
La nueva película de Jose Luis Cuerda podría calificarse como una distopía, por eso de que transcurre en un futuro lejano en el que el mundo vive concentrado en un solo rascacielos marginando a sus afueras a todo aquel que no dispone de uno de los empleos predefinidos por el régimen establecido. Pero tiene más de real de lo que parece y la propia sinopsis que acabo de daros os puede orientar hacia el por qué. ‘Tiempo después’, que surge de una novela del propio Cuerda y podría estar ambientada en la misma realidad que ‘Amanece que no es poco’, retrata desde el futuro muchos de los males de nuestra actualidad e historia. Y esto sucede también con el tono del filme, que desde su sindiós nos hace cavilar sobre cosas muy sensatas.
Por supuesto que esta es una propuesta muy cómica pero también nos trae algo de drama en cuanto pensamos la situación que nos quiere plasmar. Entre gags y verborrea resabida Cuerda nos dice que nos desnaturalizamos en cuanto dejamos de ser humanos para responder a fines económicos o empresariales, en cuanto nos marcamos objetivos basados en cifras y en un sistema, por encima de cualquiera que sea la condición humana. Al grito de ¡taxidermia! nos dice que estamos disecados obedeciendo órdenes. Acomete contra una sociedad de clases, de ideas sesgadas o banalizadas y contra el control absoluto del sistema. Al menos eso he extraído yo al finalizar la película. En esta ocasión la crítica es mucho más abierta y menos implícita. En ocasiones esa condición es la que hace que sea una película inferior a un tan mitificado título como ‘Amanece que no es poco’, al que encontraréis muchos guiños.
‘Tiempo después’ nos devuelve al Cuerda que nos rodea de muchos personajes, todos ellos con la elocuencia de un experimentado literato y el manejo del lenguaje de un escritor del Siglo de Oro. La espontaneidad tan docta de sus personajes, por muy mundanos que sean, es lo que le da chispa a la película.
Su historia también está más definida que su comedia de 1989, la cual mezclaba tramas casi sin relación entre ellas. Aún así ‘Tiempo después’ es tan ilegible y tan galimatías que solo se puede describir como ejdidie krfiensosi sorjeoso eici fie ale.
No puedo dejar de creer que la elección de los edificios de la película también responde a un doble sentido crítico, que se suma a su particular estructura. Unidas las futuristas Torres Blancas y el peculiar edificio de la sede del Instituto del Patrimonio Cultural de España caricaturizan nuestro sistema tradicional y el futuro que creemos que vamos a tener como sociedad organizada. Desde el hall de patrimonio hasta el skyline de la torre, todo se presenta como desolador o predefinido y eso que son dos edificios que se saltan las normas arquitectónicamente hablando.
Los razonamientos y elucubraciones los personajes de ‘Tiempo después’ nos dan la gran ironía que hace falta en estos tiempos. Los actores escogidos para interpretarles tienen roles que les vienen como anillo al dedo. Si tenía que regresar Cuerda con una película de este estilo es ahora, cuando proliferan tantos cómicos versados en lo disparatado y chanante. Ellos recogen el guante arrojado por el director y escritor incorporando a su estilo las ideas del guión y no al revés, como pasa muchas veces en las que se desfigura el planteamiento en favor de hacer brillar a determinados nombres.
Solo un maestro como Cuerda puede demostrar con una comedia tan alocada lo cuerdo que está. Aunque no lo parezca el argumento tiene más sentido, pese a que visualmente es más estrambótica que ‘Amanece que no es poco’. A parte de a otros títulos harto conocidos, como he dicho antes hay referencias y guiños a Amanece. Así como repite algunas frases o escenas nos planta delante jóvenes rebeldes que dicen «Ortega y Gasset mola mazo» con la misma naturalidad con que sus pueblerinos adoraban a Faulkner. Al que no le gustase esa película… que no vea esta porque sigue su estela.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de diciembre. Título original: Tiempo después. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Jose Luis Cuerda. Guion: Jose Luis Cuerda. Música: Lucio Godoy. Fotografía: Pau Esteve Birba. Reparto principal: Blanca Suárez, Roberto Álamo, Arturo Valls, Miguel Rellán, Carlos Areces, Gabino Diego, Manolo Solo, Antonio de la Torre, María Ballesteros, César Sarachu, Secun de la Rosa, Andreu Buenafuente, Berto Romero, Daniel Pérez Prada, Raúl Cimas, Joaquín Reyes, Estefanía de los Santos, Nerea Camacho. Producción: Estela Films, Pólvora Films, Lanube Películas, El Terrat, Atresmedia Cine. Distribución: eOne Films. Género: comedia, adaptación. Web oficial:https://twitter.com/TiempoDespues_
Sam (Andrew Garfield) es un tipo desencantado de 33 años que descubre a una misteriosa mujer, Sarah (Riley Keough), bañándose en la piscina de su apartamento.
Cuando esta desaparece, Sam se embarca en una búsqueda surrealista a través de Los Ángeles para descifrar el secreto que hay detrás de su desaparición, llevándolo a las profundidades más oscuras del misterio, el escándalo y la conspiración de la ciudad.
Crítica
¡Vaya pulp-ería hay bajo Silver Lake!
Al igual que en un pulpo varias ramificaciones como si fuesen tentáculos se extienden por toda la película de David Robert Mitchell y nos van agarrando como si tuviesen ventosas. Esa extrañeza, esa fluidez de los pulpos, esa enigmática forma de nadar la tiene ‘Lo que esconde Silver Lake’. Su fantasía, su lascividad, su insolencia, su sarcasmo y su misterio se asemeja a las publicaciones pulp y eso a mí me engancha siempre. En ciertos aspectos nos puede recordar a ‘El Gran Lebowski’ y en otros a una absurda aventura gráfica. Este título que sucede a ‘It follows’ en la filmografía del director es una obra rara, atrevida y personal que demuestra que Robert Mitchell tiene talento.
‘Lo que esconde Silver Lake’ da juego para un montón de cavilaciones, algunas trascendentes otras más superficiales. Silver Lake tiene varias profundidades. Según vamos escudriñando el largometraje descubrimos estas ideas en primer plano o en el fondo de las escenas. Dependiendo de cómo estéis de receptivos os puede parecer que esta es una película que no tiene por donde cogerse o que la puedes enfocar de muchas maneras. Dentro de sus disparates y yo creo que analiza nuestra escala de valores, nuestra sociedad, los cánones establecidos, la vacuidad en la opulencia. Pero me gustará ver lo que se va comentando tras su estreno.
Tiene un muchos guiños y críticas a la cultura popular y a aquellas cosas con las que nos sentimos alineados día a día. La referencias cinéfilas están por todas partes, hay apuntes a Hitchcock así como a películas antiguas o modernas todo relacionado por supuesto con lo que decía antes de la cultura popular. Incluso hay guiños a Spider-Man, personaje que Garfield interpretó hace años. Llevaos una libreta a la película por si no queréis dejaros detalle que debatir tras su visionado pues son muchos. Lo que nos viene sugerir es que nos planteemos si elegimos nosotros el camino que recorremos y qué nos hace sentir bien durante nuestro trayecto.
Andrew Garfield está magnífico. Es el protagonista y la narración está siempre centrada en él. No siempre hace falta que un personaje nos haga llorar a chorretones o reír con la mandíbula desencajada. Su interpretación como un joven decaído, voyeur y vago funciona muy bien.
‘Lo que esconde Silver Lake’ es una locura, una ida de olla. Su trama desconcierta al personaje y desconcierta al espectador pero aún así engancha. Continuamente te preguntas ¿y por qué no? En su extravagancia y en sus rarezas encontramos multitud de componentes que nos mantienen a la expectativa y su resolución final me parece factible pese a ser una golosina para los amantes de las conspiraciones. Porque otra cosa no, pero paranoia no le falta al filme.
No es una obra maestra pero si es una película en la que se plasman buenas ideas y alusiones. Le sobran algunos tramos y tanto sexo gratuito. Tiene más erotismo que ‘It follows’ y eso que esa película parecía tratar sobre un cobrador del frac salidorro. Al igual que las publicaciones pulp, como el fanzine que lee el protagonista, lo más seguro es que este título quede para un público de culto, que seguro que con el tiempo irá sorprendiendo a todos aquellos a los que se lo recomienden.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de diciembre de 2018. Título original: Under the Silver Lake. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: David Robert Mitchell. Guion: David Robert Mitchell. Música: Disasterpiece. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Andrew Garfield, Riley Keough, Topher Grace, Jimmi Simpson, Grace Van Patten, Rex Linn, Sky Elobar, Stephanie Moore, Sibongile Mlambo, Laura-Leigh Claire, Patrick Fischer. Producción: Stay Gold Features, Michael De Luca Productions, Vendian Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: thriller. Web oficial:https://a24films.com/films/under-the-silver-lake
De la mano de Warner Bros. Pictures y del director James Wan, llega ‘Aquaman’, una aventura repleta de acción que abarca el gigantesco y sorprendente mundo subacuático de los siete mares. La película está protagonizada por Jason Momoa en el papel principal y cuenta la historia del origen de Arthur Curry, mitad humano y mitad atlante, que emprenderá el viaje de su vida. Esta aventura no sólo le obligará a enfrentarse a quién es en realidad, sino también a descubrir si es digno de cumplir con su destino: ser rey.
Crítica
Wan inunda la pantalla con una épica desenfrenada y un héroe irreverente
Las sirenas y tritones de DC Comics llegan a la gran pantalla. El mundo de Aquaman se abre por primera vez en película de acción real ante nosotros. Salvo vagas excepciones nunca me han atraído las historias de habitantes del mundo acuático y el propio nombre de ‘Aquaman’ ya me ha parecido siempre vago, víctima de una época más candorosa en la historia del mundo del cómic. El personaje que vemos en esta nueva versión poco tiene que ver tanto física como psicológicamente con aquel que crearon Paul Norris y Mort Weisinger en los años cuarenta. Un superhéroe que a veces parece hecho de broma y la alternativa que nos ofreció JasonMomoa en ‘Liga de la Justicia’ también tenía lo suyo de burlesco. Pero por mucho que este siga siendo un superhéroe pasota y que va de colegueo esta es una película que trata más en serio a Aquaman.
He dicho que el protagonista tiene muchas diferencias de carácter y aspecto con el de los cómics, pero la historia original de Aquaman en líneas generales sí que se mantiene. Le viene bien el cambio de personalidad por los tiempos que corren, este título está mucho más cerca de lo publicado en la colección The new 52 por Geoff Johns en 2011.
Este es el primer título de superhéroes de James Wan, que parece haberse intercambiado el género con James Gunn que va a hacer una especie versión terrorífica de Superman con ‘El hijo’. El director malayo australiano ha impreso un sello distinto tanto para el universo de DC como para su filmografía. Este nuevo largometraje está muy diferenciado de sus películas de terror y acción, pero a la vez lo mezcla en muchas ocasiones. Se palpa que la cinta está hecha por un buen cineasta que se ha permitido introducir momentos muy tontorrones y salidos (no subidos) del tono. Esta es más una película de aventuras en la que la épica está muy desbocada y se entremezcla con instantes de lo más videoclipistas, sin temer vestir a sus personajes de mayas y rodearles de todo tipo de criaturas marinas.
La trama, además de con algunos cómics de DC, tiene puntos en común con películas como ‘Tras el corazón verde’, ‘1000 leguas de viaje submarino’, ‘En busca del arca perdida’ o la serie ‘Cazatesoros’. Se ve claramente ese paralelismo con su par de protagonistas que buscan un objeto muy preciado mientras les acechan multitud de enemigos y exploran ruinas. Pero también tiene varias similitudes con ‘Balck Panther’, porque trata sobre herederos al trono de una civilización que pese a estar asombrosamente evolucionada permanece oculta. Cito ese título de Marvel por proximidad temporal, pero estas son cosas que han aparecido en otras historias anteriores, podríamos estar continuamente buscando referencias parecidas.
‘Aquaman’ tiene un reparto variopinto. Actores de bastante talento comparten plató con otros famosos no tan virtuosos. Jason Momoa, Amber Heard, Willem Dafoe, Parrick Wilson, NicoleKidman, Dolph Lundgren, Yahya Abdul-Mateen II… Con la mayoría podemos sentirnos perfectamente dentro de una película comiquera pues se han creído sus roles y los trasladan de un modo bastante bizarro. Por ejemplo, esta es la quinta película de Wan y Wilson juntos (‘Insidious’, ‘Expediente Warren: The Conjuring’, ‘Insidious: Capítulo 2’ y ‘Expediente Warren: El caso Enfield’). Wan saca del terror a Wilson para hacerle retomar un rol relacionado con los superhéroes como ya desempeñó cuando interpretó a Buho Nocturno en ‘Watchmen’, de Zack Snyder (productor de ‘Aquaman’). Es de los que mejor actúa en esta cinta de la que eliminaría el papel, no el personaje, de Nicole Kidman. Pero si buceamos en la filmografía del resto del elenco encontramos que casi todos han hecho de algún personaje de DC o de Marvel, por lo que sabían de qué iba el tema. Por otro lado es curioso el juego de palabras que encontramos cuando vemos que Momoa encarna al atlante de DC y ya estuvo en la serie ‘Stargate: Atlantis’. El actor de ascendencia hawaiana alemana-irlandesa no es el primero en repetir con eso de la Atlántida y con Wan pues Michael Beach también estuvo en esa serie y le acompaña en el reparto ejerciendo del padre del villano Manta.
El director de fotografía Don Burgess también ha retomado un trabajo con Wan y también eso le ha hecho volver a cultivar el género de los cómics, como ya hizo en ‘Spider-Man’ en el 2002. La calidad visual de las escenas era un punto importante, no solo para los trabajadores de postproducción, si no como parte de un universo visual, con mucha necesidad de saber colocar bien la cámara eligiendo una gama cromática y de luz adecuadas. Lo que vemos en los fotogramas de ‘Aquaman’ respira épica o historia clásica, rememorando dibujos de españoles como EstebanMaroto, trabajos de mitos como Alex Ross o la etapa Rebirth. Además el diseño de criaturas y vestuario son bastante modernos pero también en muchas ocasiones mantienen un aire tanto romántico como lovecraftiano bastante potente. Con todo esto se consigue un ambiente muy de cómic, aunque algunos detalles como los continuos hologramas estén de más.
Si estáis cansados de lo típico de Marvel y DC aquí os puede atraer la curiosidad de ver como la amenaza a la tierra no proviene del espacio, de una dimensión paralela o de alguna mente perturbada. En esta ocasión el mal acecha desde nuestros propios océanos. Con ‘Aquaman’ vivimos la amenaza de un ejército invasor aguardando justo bajo nosotros. Tal vez lo que más se sugiere en más de una ocasión no es que temamos a un ejército así, si no que nos temamos a nosotros mismos ya que como contaminadores de los océanos hemos gestado nuestro propio mal.
Para el próximo proyecto de DC Wan seguirá mojándose pues producirá la serie de ‘La Cosa del Pantano’. Conociendo el terror del director y viendo lo que ha hecho en ‘Aquaman’ tiene mi aprobado. Esta historia comienza en la Bahía Amnistía y eso proclama el universo cinematográfico de DC dirigiéndose hacia sus detractores con películas como esta o ‘Wonder Woman’, las cuales se adaptan al gusto de un público más general.
PD: tiene una escena post-créditos.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de diciembre de 2018. Título original:Duración: 139 min. País: EE.UU. Dirección: James Wan. Guion: David Leslie Johnson-McGoldrick, Will Beall. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Jason Momoa, Amber Heard, Willem Dafoe, Patrick Wilson, Nicole Kidman, Dolph Lundgren, Yahya Abdul-Mateen II, Temuera Morrison, Ludi Lun, Graham McTavish, Randall Park, Tainui Kirkwood, Otis Dhanji, Julie Andrews, John Rhys Davies, Dijimon Hounsou. Producción: DC Comics, DC Entertainment, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: aventuras, ciencia ficción, cómic, adaptación. Web oficial:http://www.warnerbros.es/aquaman
Phil Lord y Chris Miller, las mentes creativas detrás de ‘La LEGO Película’ e ‘Infiltrados en Clase’, vuelven a reunir sus extraordinarios talentos para traernos una nueva y diferente visión del Universo Spider-Man, con un revolucionario estilo visual nunca antes visto. ‘Spider-Man: Un Nuevo Universo’ presenta a Miles Morales, un adolescente de Brooklyn, y las ilimitadas posibilidades del Universo Spider-Man, donde más de uno puede llevar la máscara.
Crítica
Múltiples dimensiones, múltiples Spider-Man, múltiples niveles de diversión
Por normal general si buscamos una aceptación unánime en lo que se refiere a adaptaciones del hombre araña tenemos que remontarnos a la serie de dibujos de los años noventa. Aquella serie dirigida por el prolífico Rob Richardson (‘Dragones y Mazmorras’, ‘Mr. Magoo’, ‘Vengadores’) es capaz de recabar mejores críticas entre los amantes de Spider-Man que las películas que han protagonizado Tobey Maguire, Andrew Garfield o Tom Holland. A mí, aunque me gustan bastante algunos de los títulos de acción real siempre he encontrado alguna pega. En ‘Spider-Man: un nuevo universo’ me cuesta encontrar defectos importantes y esta me parece una cinta que va a gustar a una inmensa parte de los espectadores.
Ahora la animación vuelve para sumergirnos en Tierra-1610. Dentro del multiverso de Marvel este es el universo en el que reside Miles Morales. Protagoniza la película la versión de ascendencia latina y afroamericana del trepamuros que crearon Brian Michael Bendis y Sara Pichelli (bien referenciados en la película). Pero por supuesto hay muchísima presencia del Peter Parker de Steve Ditko y StanLee (en su último cameo de voz), ambos homenajeados en el filme pues los dos han fallecido este 2018.
Diferentes versiones de Spider-Man interactúan con los protagonistas en un mundo que se presenta distorsionado desde los mismos créditos. Haciendo un punto y aparte, no os perdáis la escena post-créditos pues tiene mucho que ver con esto que he dicho. Se recorren y parodian casi todas las películas oficiales publicadas pero los principales personajes son aquellos que provienen de realidades paralelas: Gwen Stacy, Spider-Man Noir, Spider-Ham y Peni Parker. Diversas personalidades del mismo héroe que aparte de dar mucho juego temperamental y argumentalmente nos aportan variedad de tipos de animación. Versiones que nos remontan desde el cine negro al género mecha.
La técnica de animación es marcadamente digital, visualmente muy estimulante e inspiradora. Realmente se ha logrado crear una animación novedosa o por lo menos muy poco vista en el cine. Estos dibujos nos sumergen en un auténtico cómic colorido y animado, en ocasiones un frenesí de movimiento y elementos pasando por delante de nuestros ojos. Las texturas, los volúmenes, las líneas de movimiento, los bocadillos, los cajetines, las onomatopeyas… Todos los elementos de un cómic aparecen en estas viñetas convertidas en fotogramas.
Me gusta que tenga momentos muy dramáticos y cómicos y aún así pueda valer para toda la familia y para cualquier conocedor o profano del personaje. Porque sobre todo es dinámica, moderna y divertida. Molona es quizá un adjetivo que le pegue más dado el carácter desenfadado y underground que tiene. El humor no puede faltar tampoco en una película de Spider-Man y ‘Spider-Man: un nuevo universo’ tiene varias maneras de hacernos reír, las cuales, surgen de todas las versiones del superhéroe neoyorkino. Con el carisma que tiene lo más probable es que enganche a más de uno a sus cómics, aunque sea por indagar algo más en la historia de los personajes. Espero que consiga hacer que más de uno vaya a las librerías especializadas a recabar material, a leer el germen de todo esto, yendo más allá del puro merchandising.
No le faltan villanos, como pasa siempre en los cómics de Spider-Man. Duende Verde, Escorpión, Merodeador, Kingpin, Doc Ock… El hombre araña siempre está asaltado por múltiples rivales a la vez y la película de Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rotham no ha descuidado este aspecto.
Si conoces los cómics del Spider-Verso te puedes imaginar más de una sorpresa, pero eso no te va a restar mucha diversión. Es una película de orígenes que cumple los «canones» del universo cinematográfico de Marvel pero también se ríe de esa situación. Sony Animation se ha marcado un gran tanto con la apertura de este universo. Es una película con unos tráiler muy bien justificados pues cumple lo que promete y eso no se puede decir mucho hoy en día.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de diciembre de 2018. Título original: Spider-man: into the spider-verse. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rotham. Guion: Phil Lord. Música: Daniel Pemberton. Reparto principal (doblaje original): Shameik Moore, Nicolas Cage, Mahershala Ali, Hailee Steinfeld, Liev Schreiber, Jake Johnson, Kimiko Glenn, Lily Tomlin, Brian Tyree Henry, Luna Lauren Velez. Producción: Sony Pictures Animation, Marvel Animation, Marvel Entertainment, Columbia Pictures, Pascal Pictures, Sony Pictures Entertainment, Lord Miller. Distribución: Sony Pictures. Género: animación, aventuras, ciencia ficción, cómic, adaptación. Web oficial:http://www.intothespiderverse.movie/
Una fuerza misteriosa arrasa con la población mundial. Solo hay algo claro: si la ves, tienes que quitarte la vida. Ante la incertidumbre, Malorie encuentra amor, esperanza y un nuevo comienzo, pero esa fuerza no hace más que expandirse. Ahora se ve obligada a escapar con sus dos hijos a través de un río traicionero para encontrar el único lugar que puede guarecerlos. Pero si quieren sobrevivir, deberán recorrer a ciegas el de por sí peligroso viaje de dos días. La ganadora del Óscar Sandra Bullock encabeza un elenco lleno de estrellas que incluye a Trevante Rhodes, Sarah Paulson y John Malkovich. ‘Bird Box: A ciegas’ es un apasionante thriller de la ganadora del Óscar Susanne Bier.
Crítica
Su punto de partida es un buen cebo pero su desarrollo no nos engancha como para mantener tan buena impresión inicial
Con ‘A ciegas’ tenemos un nuevo título postapocalíptico que surge de la primera novela publicada por Josh Malerman. Pero este nuevo título de Netflix no es el primero que dirige la directora Susane Bier, aunque si se estrena con este género tan de moda. Con un carácter muy similar al de ‘Un lugar tranquilo’ nos cuenta la historia de una mujer (Sandra Bullock) que se ve obligada a intentar sobrevivir sola con una niña y un niño pequeño. El gran problema es que la humanidad ha sido atacada por unos seres que hacen que simplemente con que les veas te suicides. Ya sea porque los protagonistas llevan siempre consigo a unos pajarillos que les avisan de la presencia de las criaturas o ya sea porque se ven confinados en casas sin poder salir libremente al exterior, el título original de este filme es ‘Bird box’.
‘A ciegas’ habría tenido más potencia y originalidad si se centrase en el momento en el que ella tiene que lidiar con el problema de ser el único adulto al cargo de dos pequeños y encima verse obligada a ir con los ojos vendados a todas partes. Pero la mayoría del metraje está ubicado en el pasado, en los momentos en los que empieza ese paranormal ataque y tanto ella como un grupo de personas necesitan encerrarse en una vivienda para sobrevivir. ‘A ciegas’ es un título con algunos detalles o escenas inéditas pero que tiene muchos convencionalismos de las películas en las que entran en juego los conflictos, estrategias y opiniones de distintos personajes.
Al final para salir adelante e incorporar nuevos elementos ‘A ciegas’ hace algo de trampa. Añade variables (más que giros argumentales) que le permiten aumentar su duración y forzar los acontecimientos. Además, cuando la veáis a todos se os pasará por la cabeza una manera de gestionar la «ceguera forzosa» que tienen todos, pero no se puede aplicar pues de ese modo se haría aún más obvio el final. No obstante y aunque suene a chiste fácil, la película se deja ver. Además, aunque el guión no aguante su premisa, el reparto que acompaña a Bullock está a un alto nivel pues cuenta con nombres como SarahPaulson (‘Ocean’s 8’), JohnMalkovich (‘Milla 22’), TrevanteRhodes (‘Predator’), BD Wong (‘Jurassic World: el reino caído’), Rosa Salazar (‘Alita: Ángel de combate’)…
El hecho de ver presente y pasado de manera intercalada nos deja entrever anticipadamente qué va a pasar con los personajes. Al menos a su favor está que se juega con el miedo por los niños, el miedo a lo desconocido o los desconocidos, introduce un tipo de agorafobia… Es una película atractiva pero nada sorprendente, su punto de partida es un buen cebo pero su desarrollo no nos engancha como para mantener tan buena impresión inicial.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de diciembre de 2018. Título original: Bird box. Duración: 124 min. País: EE.UU. Dirección: Susane Bier. Guion: Eric Heisserer. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: Sandra Bullock, Trevante Rhodes, Jacki Weaver, Rosa Salazar, Danielle Macdonald, Lil Rel Howery, Tom Hollander, Colson Baker, BD Wong, with Sarah Paulson, John Malkovich. Producción: Universal Pictures, Chris Morgan Productions, Bluegrass Films. Distribución: Netflix. Género: drama, ciencia ficción, adaptación. Web oficial:Netflix.com/BirdBox
Yuli es el apodo de Carlos Acosta. Su padre Pedro le llama así porque le considera el hijo de Ogún, un dios africano, un luchador. Sin embargo, desde pequeño, Yuli siempre ha huido de cualquier tipo de disciplina y educación. Las calles de una Habana empobrecida y abandonada son su aula particular. Su padre en cambio no piensa lo mismo, sabe que su hijo tiene un talento natural para la danza y por eso le obliga a asistir a la escuela nacional de Cuba. Pese a sus repetidas escapadas y su indisciplina inicial, Yuli acaba siendo cautivado por el mundo del baile, y así, desde pequeño comenzará a forjar su leyenda, llegando a ser el primer bailarín negro que logrará interpretar algunos de los papeles más famosos del ballet, originariamente escritos para blancos, en compañías como el Houston Ballet o Royal Ballet de Londres.
Crítica
Baile, color y Cuba, es lo que encontrareis en ‘Yuli’
‘Yuli’ no es una película para todos los públicos, a mí no me ha terminado de convencer y la verdad se me ha hecho bastante aburrida. Pero esto no hace que la película no cuente una historia interesante, todo lo contrario, pues si os soy sincera fui al pase sin conocer nada sobre este bailarín y me esperaba una historia al estilo ‘Billy Elliot’, un niño al que no le dejan bailar, pero es más bien lo contrario, un niño que es un estupendo bailarín, pero que no le gusta y es obligado a bailar.
Toda la parte en la que vemos su historia, su vida desde niño y todas sus vivencias, las buenas y las malas me han encantado, enganchan y están muy bien dirigidas. Lo que me ha tirado para atrás de la película son las coreografías contando esta historia que acabamos de ver.
Si, entiendo que al ser una película sobre el ballet, es interesante mostrar el trabajo de los bailarines y de que a partir de unos movimientos increíbles pueden contar no solo historias, sino sentimientos. Icíar, lo hace bien, va intercalando las escenas, pero aun así sacan totalmente de la película, o al menos es lo que me ha ocurrido a mí.
IcíarBollaín ha contado de nuevo con PaulLaverty (‘El Olivo’) como guionista para esta película, la cual está basada en la autobiografía de CarlosAcosta ‘No Way Home’.
CarlosAcosta es el protagonista de la cinta, actúa como él mismo y nos cuenta su vida. Una complicada vida de alguien que no quería marcharse de su país, de alguien que solo quería estar con su familia y al que tanto le instigaron para que fuera un gran bailarín.
Sin duda el papelón de la película lo tiene Santiago Alfonso, que hace de Pedro Acosta, padre de Yuli, el cual llega a dar bastante pena y a la vez se le llega a odiar. Sí que es cierto que todo lo hace por el bienestar de su hijo y por su futuro, pero nunca le dejó decidir por sí mismo. El actor vuelca toda su rabia y su bondad en este papel que nos deja con la boca abierta en más de una ocasión.
Toda la ambientación de La Habana, todos los sentimientos que el bailarín tiene durante su vida están perfectamente reflejados en la película, IcíarBollaín realiza un trabajo de dirección muy bonito y cuidado. Además por supuesto de contar con un equipo a su lado con nombres como AlbertoIglesias para la música o AlexCatalán para la fotografía, todo unido crea una auténtica delicia para nuestros sentidos.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de diciembre de 2018. Título original: Yuli. Duración: 109 min. País: España. Dirección: Icíar Bollaín. Guión: Paul Laverty. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Alex Catalán. Reparto principal: Carlos Acosta, Santiago Alfonso, Keyvin Martínez, Edion Manuel Olvera, Laura de la Uz, Yerlin Pérez, Mario Elías, Andrea Doimeadiós, Carlos Enrique Almirante, Cesar Domínguez. Producción: Morena Films, Galápagos Media, Hijo de Ogún, Movistar+, ICAIC, ICAA. Distribución: eOne Films. Género: Biografía. Web oficial:https://morenafilms.com/peliculas/yuli/?portfolioCats=79
Tara ama profundamente a sus hijos y para todos los que la rodean, su vida es aparentemente perfecta. Pero en realidad se siente atrapada. Le falta algo. Algo no cumplido y desconocido que le genera un vacío interior.
Mientras su familia y amigos no comprenden la profundidad de su desesperación, sus ideas y sentimientos son tan abrumadores que tiene que huir para encontrar un lugar donde poder volver a ser ella misma.
Emprende entonces un viaje íntimo y personal dejando atrás a su familia. A través de una serie de encuentros descubre la mujer que realmente es, lo que realmente siente y la vida que realmente quiere.
Crítica
Se perciben las intenciones pero su personaje las trastoca
Que Gemma Arterton es una actriz muy irregular y que no me ha terminado nunca de convencer es algo que mis allegados me habrán oído decir y que puede que haya escrito alguna que otra vez. La actriz inglesa ha participado en películas de toda índole, quizás sus más conocidas para el público general son aquellas de corte fantástico o de acción. Es en esos géneros es donde a mí más me ha gustado, donde tal vez se puede decir que tiene sus mejores interpretaciones, como sucedió hace poco con ‘Melanie. The Girl with All the Gifts’.
En la nueva película dirigida por Dominic Savage se aleja mucho del fantástico y se involucra en un drama que tiene bastante más de psicológico de lo que esperaba. Su personaje vive en una supuesta vida perfecta, según los cánones establecidos, pero no es feliz. Desde el principio se muestra como alguien desdichado, que busca una válvula de escape sin apenas saberlo. Se da por sabido que es alguien que ama a su familia, pero no queda claro en ningún momento si de verdad quiere a su marido o no. La película incluso nos da más motivos para simpatizar con el personaje de Dominic Cooper, salvo una escena que espero que todo el mundo de por supuesto que no es un ejemplo a seguir por parte de un esposo.
Ese es uno de los problemas de la película, que cuesta empatizar con la protagonista. Está mal definida, tanto por la interpretación como por las acciones que el guión le hace llevar a cabo. Más que alguien infeliz parece ser alguien que necesita un psicólogo, porque si no, no hay otra manera de interpretar al personaje de Arterton.
Yo entiendo que lo que se habrá querido hacer es una representación de alguien incomprendido y al borde de una seria depresión, con una crisis de identidad. Supongo que lo que se ha buscado es matizar que la madre y esposa de Arterton necesita ser escuchada para tener el apoyo necesario, para redefinir sus metas. Incluso creo entrever una crítica al modelo rutinario de familia. Pero todo esto se extrae dándole más vueltas de las necesarias a la película, imaginando como parece que se querría que fuese, no como ha sido.
Es de esas películas que busca retratar la situación de una pareja, de reflejar el complicado estado emocional de una de las personas que la componen. Para ello también se emplea una música de piano que es tan redundante y rutinaria como la vida que lleva Tara (Arterton).
Le concedo a la película el crédito de ser capaz de distraerme con el estado emocional de la protagonista sin apenas preguntarme por cuál es su nombre y darme cuenta de esto cuando ella se lo menta a un desconocido. Es decir, creo que este nuevo título debería haber intentado centrar su temática y objetivo de otra manera, porque las preguntas que se hace el espectador durante el largometraje no son las adecuadas.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de diciembre de 2018. Título original: The escape. Duración: 101 min. País: Reino Unido. Dirección: Dominic Savage. Guion: Dominic Savage. Música: Alexandra Harwood, Anthony John. Fotografía: Laurie Rose. Reparto principal: Gemma Arterton, Dominic Cooper, Jalil Lespert, Francesc Barber. Producción: Lorton Entertainment, Shoebox Films. Distribución: Filmax. Género: drama. Web oficial:http://lortonentertainment.com/projects/the-escape/
El aclamado actor y director Andy Serkis reinventa la gran obra maestra de Rudyard Kipling sobre el niño que vive entre la naturaleza y los hombres, pero finalmente acepta su destino y se convierte en una leyenda. Mowgli (Rohan Chand) nunca se sintió completamente parte del reino salvaje ni de la civilización. Ahora debe enfrentar los peligros de ambos mundos para descubrir quién es en realidad. Una aventura visualmente impactante y cargada de emociones con un elenco de intérpretes y voces en inglés que incluye a las estrellas Christian Bale, Cate Blanchett, Benedict Cumberbatch, Andy Serkis y a la revelación Rohan Chand en el rol protagónico.
Crítica
Oscura y ecologista, así es ‘Mowgli: La leyenda de la selva’
Hace ya un año pudimos ver la primera incursión como director de AndySerkis con ‘Una razón para vivir‘, con ella ya demostró que sabía bien lo que hacía. Hoy os vengo a comentar su segunda película, la cual podremos ver en Netlix, ‘Mowgli: La leyenda de la selva’.
No me he leído ‘El libro de la Selva’ de RudyardKipling, solo he visto las adaptaciones de la obra por parte de Disney, pero sin duda esta es totalmente distinta. Si, la historia base es la misma, la pantera Bagheera se encuentra con un bebe y decide dejarlo en manos de los lobos para que estos le críen. Al crecer, queda más constancia de lo diferentes que son y los problemas que todo esto acarrea.
La película es bastante oscura, actitud que vemos también en los personajes, además en esta cinta vemos muertes de animales, ya que nos muestran como cazan.
En lo que podría llamarse, un pequeño homenaje a ‘El Señor de los anillos’, CateBlanchett nos comienza a narrar la historia de cómo la selva está siendo invadida por los humanos y de cómo alguno de los animales que allí viven deciden ir a por ellos, como el tigre Shere khan, el asesino de los padres de Mowgli y que solo quiere terminar su trabajo y acabar con el pequeño.
El mensaje ecologista es palpable desde el minuto uno y el respeto hacia los animales también, sobre todo cuando Mowgli conoce a un cazador y puede ver con sus propios ojos las barbaries que el ser humano puede hacer.
Una de las cosas que más me ha gustado ha sido la personalidad de todos los personajes, con voces de actores famosos que logran crear un ambiente muy tenso entre ellos. ChristianBale es el encargado de dar voz a Bagheera, esa pantera llena de rencor hacia los humanos y que ve en Mowgli una esperanza hacia esa humanidad destructora. Baloo, un oso roñoso, estricto y bastante gruñón, es interpretado por el propio Serkis. Mientras que CateBlanchett a la cual nombramos al comienzo de la crítica, da voz a Kaa, la gran serpiente de la selva. Pero sin duda, la voz que más miedo da, es la de Shere Khan, BenedictCumberbatch hace que con pocas palabra se te pongan los pelos de punta.
TomHollander, NaomiHarris,EddieMarsan, JackRaynor, LouisAshbourneSerkis son parte del reparto de esta cinta llena de grandes estrellas. Mientras tanto, en el lado humano, RohanChand es Mowgli, un papel que hace a la perfección, un niño lleno de energía y con muchos altibajos, pues al fin y al cabo no se encuentra en su lugar, por mucho que haya sido criado en la selva.
Lo único malo que puedo decir de la película y no es poca cosa, es el CGI, no sé si habrá sido por tema de presupuesto, peor realmente es una pena. Pues hay cosas muy bien hechas, la captura de movimiento está genial, al fin y al cabo, estamos hablando de Andy Serkis, experto en este tema. Además la fotografía que tiene la película es muy bonita y cuidada, realizada por Michael Seresin, encargado también de la fotografía de ‘La guerra del Planeta de los Simios’.
Una cinta oscura donde podremos contemplar la rudeza de vivir en la selva y donde por muchas leyes que haya, al final es un todos contra todos para poder sobrevivir.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de diciembre de 2018. Título original: Mowgli: Legend of the Jungle. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Andy Sekis. Guión: Callie Kloves. Música: Nitin Sawhney. Fotografía: Michael Seresin. Reparto principal: Benedict Cumberbatch, Christian Bale, Cate Blanchett, Naomi Harris, Andy Serkis, Freida Pinto, Rohan Cand, Tom Hollander. Producción: The Imaginarium, Warner Bros. Distribución: Netflix. Género: Aventuras. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80993105
El curtido cruzado Robin de Loxley (Taron Egerton) y su antiguo enemigo John (Jamie Foxx) organizan una audaz sublevación contra la corrupta corona inglesa en una emocionante aventura de acción llena de increíbles proezas en el campo de batalla, alucinantes coreografías de lucha y un romance atemporal.
Crítica
Divertida y llena de acción
De nuevo vemos en pantalla grande al arquero y ladrón más famoso de todo el mundo, Robin Hood, esta vez interpretado por el joven actor TaronEgerton, que como siempre está estupendo. Nos trae a un Robin de Loxley gracioso y con un trabajo muy físico para el actor.
‘Robin Hood’ está dirigida por OttoBathurst, que fue el director del primer episodio de la serie ‘BlackMirror’ y no, no tiene un gran guión, tampoco es que la historia nos estremezca y los actores sin duda no van ir a los Oscar, pero me lo he pasado genial viendo las coreografías, las peleas infinitas, las flechas a cámara lenta y hasta una carrera con caballos en medio de una gran mina.
Este Robin Hood es un veterano de las cruzadas, que cuando vuelve a Nottingham todo el mundo le cree muerto y se ha quedado sin sus tierras. La historia está totalmente cambiada a como la conocemos, los personajes, aunque sean los mismos, cambian bastante los roles.
Las escenas de acción son bastante buenas y sin duda os harán pasar un buen rato. Sí que es cierto que la historia de amor, no es que sobre, es que es demasiado moñas, además que los dos actores no tienen nada de química entre ellos.
En el reparto principal, encontramos a JamieFoxx, el cual le enseña todo lo que sabe al joven Robin y le convierte en una máquina de lucha. Tenemos también a JamieDornan que esta vez hace un papel bastante distinto a su Christian Grey. EveHewson es la encargada de interpretar a Marian, que como he dicho, no tiene absolutamente nada de química con TaronEgerton y su personaje es bastante diferente a como podemos recordar, no termina de convencer.
No hace falta que os diga que históricamente no está para nada bien ambientada, comenzando por el vestuario que aunque lo han intentado adaptar, es simplemente eso, un vestuario moderno adaptado a la edad media. Pero también es parte de la gracia ver a los grandes lores con los que podrían ser modernas americanas.
La película no engaña, si habéis visto el tráiler, es lo que vais a ver en pantalla grande, pero como he dicho, tiene cosas tan buenas como toda las luchas y además ocurrencias como utilizar el arte callejero en contra sus opresores.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Título original: Robin Hood. Duración: 120 min. País: Estados Unidos. Dirección: Otto Bathurst. Guión: Ben Chandler, David James Kelly. Música: Joseph Trapanese. Fotografía: George Steel. Reparto principal: Taron Egerton, Eve Hewson, Jamie Foxx, Ben Mendelsohn, Paul Anderson, Jamie Dornan, Josh Herdman, Ian Peck, Charlie Vincent, Roderick Hill, Tim Michin. Producción: Lionsgate, Safehouse Pictures, Thunder Road Pictures, Appian Way. Distribución: eOne Films. Género: Aventuras. Web oficial: https://www.robinhood.movie/
El malo del videojuego Ralph (voz de John C. Reilly) y su compañera Vanellope von Schweetz (voz de Sarah Silverman) navegan por la gigantesca y dinámica red de redes en busca de una pieza de repuesto para salvar Sugar Rush, el juego de Vanellope.
Crítica
Ralph rompe Internet y probablemente también reviente la taquilla
‘Ralph rompe Internet’ puede tener varias lecturas y una de ellas nos la da el personaje doblado por Taraji P. Henson (‘Figuras ocultas’). Una residente del mundo virtual llamada Yesss (Sssi) que dice «regla número uno, nunca leas los comentarios de Internet». ¿En qué momento de los casi cincuenta años de vida de Internet tuvimos que llegar a ese punto? Una de las virtudes de la red es poder poner algo en común y debatirlo, pero todos sabemos que el anonimato a muchos les da alas para ser hirientes. ¿Quiere decir que mejor no miro qué opina la gente acerca de esta crítica por miedo a réplicas? No. Algunos nos negamos aún a sucumbir a los llamados «haters» y la película además no tiene una orientación alarmista, deja algunas pinceladas de ese estilo y me ha gustado la manera en como advierte sobre la red de redes. No es una película educativa al uso pero sí puede ser indirectamente orientativa, consiguiendo allanar el terreno para aquellos pequeños que cada día comienzan más temprano a acceder a los millones de conexiones digitales que se extienden por todo el mundo.
Valores como la amistad o la seguridad en uno mismo tienen más relevancia en el nuevo largometraje de Disney que ha sido dirigido por los responsables de la primera entrega, RichMoore y PhillJohnton. La historia que nos cuenta la aventura por salvar el videojuego de Vanellope tiene un carácter infantil pero también tiene conceptos y gags que se adaptan más a un público adulto, por lo menos es ligeramente más madura que la película que salió en 2012. Las redes sociales, los anuncios trampa, el consumo insaciable y masificado, la obsolescencia… Muchos aspectos a los que nos exponemos al conectarnos están materializados de una manera muy gráfica. El mero hecho de que los avatares de los usuarios estén representados con unos rostros sonrientes, casi drogados, me parece buena crítica eufemística a la voracidad con la que nos lanzamos a consumir contenido en línea. También nos muestra que hoy en día se aprecia más una idea tonta que el verdadero talento. Esa es una de las virtudes de ‘Ralph rompe Internet’ que me parece de las mejores representaciones del mundo virtual que he visto, mucho más eficiente que ‘Emoji la película’, título con el que comparte algún que otro chiste.
Por otro lado diseño de localizaciones y personajes es tan particular y sencillo que nos sorprende con trajes hechos con fibra óptica o edificios que escenifican de un solo vistazo un sitio web. Esto también ha llevado a Disney a hacer un ejercicio brutal de product placement con un desfile de marcas que nos rodea constantemente.
Personajes de ‘Zootrópolis’, ‘Toy Story’, ‘Star Wars’, ‘Vengadores’, lo clásicos de animación… Ya suponíamos que veríamos algo así por los tráilers publicados previamente y la verdad que la película es una demostración de músculo por parte de Disney. Son muchísimos los cameos introducidos en la película, incluido el recientemente fallecido Stan Lee. Hasta se incluyen guiños a Batman o Deadpool, sin olvidarse del clásico A113. Las princesas u otros personajes de la compañía de Burbank, así como otros seres del mundo de los videojuegos nos dan los mejores momentos de la película. Pero lo bueno es que ‘Ralph rompe Internet’ genera nuevos individuos que además son los que hacen progresar la trama. Y como virtud añadida hay que mencionar que su historia transcurre sin necesidad de generar a un villano, algo muy atípico en las películas de esta casa.
El filme también tiene como tema la salida de la rutina, escapar del aburrimiento. Y desde luego que con el espectador va a cumplir ese objetivo. Muchas ideas frescas y dos escenas post-créditos os darán para charlar a la salida del cine. En la película Ralph rompe Internet y probablemente también reviente la taquilla.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Título original: Ralph breaks The Internet. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección:Rich Moore, Phil Johnston. Guion: Phil Johnston, Pamela Ribon. Música: Henry Jackman. Fotografía: Nathan Warner. Reparto principal (doblaje original): John C. Reilly, Sarah Silverman, Gal Gadot, Taraji P. Henson, Jack McBrayer, Jane Lynch, Alan Tudyk, Alfred Molina, Ed O’Neill, Sean Giambrone, Flula Borg, Timothy Simons, Ali Wong. Producción:Walt Disney Animation Studios, Walt Disney Pictures. Distribución: Walt Disney. Género: animación, secuela, aventuras. Web oficial:https://disney.es/peliculas/ralph-rompe-internet
Susie Bannion (Dakota Johnson) es una joven bailarina americana que viaja a Berlín para cursar sus estudios de danza en la Markos Tanz Company, una de las escuelas más prestigiosas del mundo, dirigida por Madame Blanc (Tilda Swinton). El mismo día en el que ingresa en la escuela, una de las alumnas recientemente expulsada es asesinada. No se trata de un hecho aislado, lo que hace sospechar a la brillante estudiante sobre la implicación de la escuela en los homicidios. Su desconfianza aumenta cuando su compañera Sarah (Mia Goth) le cuenta que antes de que Pat muriera, ésta le confesó que conocía un terrorífico secreto. ¿Será solo talento lo que alberga la reconocida escuela?
Crítica
Capta la idea original del terror artístico, pero descuida su argumento
En 1977 Dario Argento estrenaba una película que durante décadas ha generado un fenómeno de culto y que supuso el inicio de su «trilogía de las madres». Un filme que surgió de un ensayo de Thomas de Quincey y que es una demostración de espanto refinado, de arte terrorífico. La película ha servido de referente para muchos cineastas y ha inspirado tanto musical como visualmente infinidad de largometrajes. Porque si hay algo que llama la atención del filme original es su estética, su composición y su iluminación.
Y ese es uno de los puntos fuertes de la nueva versión de Luca Guadagnino, su estilo. El diseño de producción está tan bien trabajado que nos sumergimos en una película de los setenta. Además, hablando de algo visualmente llamativo, esta sigue siendo una película con mucha danza y sus escenas de baile son magníficas. Tanto su ejecución captada con grandes tiros de cámara y el partido que se le saca a esta forma de expresión me parece que tiene la contundencia suficiente como para dejarnos boquiabiertos. En Sitges esas escenas levantaron más de una ovación. También nos devuelve a técnicas pasadas gracias a su ritmo, el cual lo he visto bastante mejor trabajado que en ‘Call me by your name’.
La narrativa y la trama de la película de Argento resultó bastante intrigante y chocante. Pero el guión de Dave Kajganich no obtiene el mismo resultado. Parece mentira que pase esto con un escritor capaz de enganchar como lo ha hecho con ‘The Terror’. Guadagnino y él han pecado de precipitados. Esta nueva ‘Suspiria’ se ha adelantado demasiado en su afán de mitificar la trilogía de las tres madres de Argento y mucho antes de eso se ha apresurado en su trama, que desvela desde muy pronto cual es el juego de la película. Se evita así que todo aquél que no haya visto la película italiana sea sorprendido o sienta el más mínimo suspense. Aunque algo de incertidumbre por la seguridad de la protagonista si sentimos. También sacan de la película algunos personajes que están de más. No es el caso de la protagonista interpretada por Dakota Johnson o la profesora Madame Blanc de Tilda Swinton, ambas soberbias. Son más bien algunos secundarios que parece que se han introducido erróneamente o de un modo inexplicable.
El final se les va de las manos, tanto en justificación como en calidad. Es un desborde de sangre y delirio en busca de la provocación que no funciona y menos después de haber mostrado tan pronto sus cartas.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Título original: Suspiria. Duración: 152 min. País: Italia. Dirección: Luca Guadagnino. Guion: Dave Kajganich. Música: Thom Yorke. Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom. Reparto principal: Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloë Grace Moretz, Mia Goth, Jessica Harper, Sylvie Testud, Angela Winkler, Malgorzata Bela, Renée Soutendijk, Ingrid Caven, Lutz Ebersdorf, Vanda Capriolo, Toby Ashraf, Fabrizia Sacchi, Elena Fokina, Christine Leboutte, Olivia Ancona. Producción: First Sun, Frenesy Film Company, MeMo Films, Amazon Studios, Mythology Entertainment, K Period Media, Muskat Filmed Properties, Vega Baby Releasing. Distribución: Diamond Films. Género: terror, remake. Web oficial:https://www.suspiria.movie/
Agosto de 2000. El submarino nuclear de la armada rusa K-141 naufraga durante un ejercicio en aguas del mar de Barents. Un desastre al que le sigue una marcada negligencia gubernamental internacional que tiene en vilo al mundo. Mientras los marineros luchan por sobrevivir atrapados dentro del submarino, sus familias se enfrentan desesperadamente contra los obstáculos políticos y las escasas probabilidades de rescatarlos.
Crítica
Sus escenas políticas y dramáticas la mantienen a flote durante todo el metraje
En la Rusia postsoviética sucedió un accidente cuyo final no quiero desvelar por si no conocéis el caso y queréis vivir la tensión de esta película. La cuestión es que allá por el año 2000 durante unas maniobras el submarino Kursk quedó aislado en las aguas del mar de Barents con toda su tripulación dentro. En la nueva película de Thomas Vinterberg se nos plantea una nueva versión de lo acontecido allí, con caras tanto dramáticas como políticas. Este director, del que hemos visto desde películas como ‘Lejos del mundanal ruido’ hasta videoclips de Metallica (a los que hace un guiño), se moja haciendo una crítica a los estamentos gubernamentales pero manteniendo un buen balance con la parte sentimental. De hecho la conclusión final que podemos extraer es que infortunios así crían a generaciones en el odio hacia sus gobernantes. Hay varias películas y documentales que exploran e indagan lo que pasó tanto dentro como fuera del vehículo nuclear. En este caso la visión en la que se apoya el director es la extraída de la novela de Robert Moore y de los testimonios de personas que realmente vivieron este incidente como el Comodoro David Russel, británico interpretado por Colin Firth.
Aunque cuente con nombres tan grandes como Colin Firth o Max Von Sydow, los dos principales protagonistas son Matthias Schoenaerts y Léa Seydoux. Ellos dos son los que nos guían por tierra y mar de un modo tan correcto que sentimos el malestar que se vive en casos como estos. En la película también interviene bastante el fallecido Michael Nyqvist en la que fue una de sus últimas películas, junto a la también en cartelera ‘Hunter killer’ y ‘Radegund’ en la que le veremos también compartiendo título con Schoenaerts. Vinterberg maneja bien a todo el reparto, tanto protagonista como secundario, aportándoles a todos matices con los que ejercer su rol.
‘Kursk’ se pasa rápido y eso que dura casi dos horas. No es que tenga una trama vibrante pero sabe enlazar las vicisitudes sufridas en un accidente como el del Kursk de manera que ni nos aburrimos ni sentimos repetitividad. Además alterna lo sucedido en el interior del submarino con toda la diplomacia que se puso en marcha en la superficie y con todas las reacciones suscitadas.
Esta es una película que ha escrito alguien como Robert Rodat, autor de películas patrióticas e históricas. Nos brindó el guión de ‘Salvar al soldado Ryan’ o el ‘Patriota’, pero mucho antes tendió puentes con Rusia con la comedia ‘Camaradas olímpicos’. Y aunque esta película también trata sobre la colaboración entre pueblos cobran mucha más importancia las trabas que puso en aquel momento el gobierno ruso para realizar las labores de salvamento por encima de proteger sus secretos militares, alimentando su orgullo, tapando su precariedad y procurando mantener su imagen lo más intacta posible. Puede que eso figurase tal cual en la novela pero lo que me parece más claro es que se habrá hecho más énfasis en ese aspecto tras los impedimentos puestos al equipo de rodaje por parte del gobierno actual. Por lo tanto estad seguros de que esta película va más allá del desastre mojándose con la vida política que hubo tras el suceso.
La técnica empleada por Vinterberg me parece inteligente. Sabe dividir bien las etapas del filme y relevar correctamente sus escenarios. Desde el detalle de mantener el inicio en formato scope pasando a 1,66:1 cuando entramos en el submarino hasta el ir permutando las escenas de unos y otros personajes sin detener el transcurso de la historia, consiguiendo que se mantenga la sensación de urgencia, aunque puede que si perdiendo algo de la claustrofobia que nos habría metido más en el thriller. Otro pormenor que le resta fuerza a la película es su rodaje en inglés. Creo que si hubiese estado interpretada en ruso e inglés habría resultado aún más creíble. Pero con lo que nos presenta es suficiente para ser una película solvente que no naufrague en tan inundada cartelera.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Título original: Kursk. Duración: 117 min. País: Francia. Dirección: Thomas Vinterberg. Guion: Robert Rodat. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Matthias Schoenaerts, Léa Seydoux, Colin Firth, Max von Sydow, Michael Nyqvist, Peter Simonischek, Martin Brambach, Guido De Craene, Geoffrey Newland, August Diehl, Matthias Schweighöfer, Fedja Stukan, Miglen Mirtchev, Jehon Gorani. Producción: Europa Corp, Belga Productions, VIA EST. Distribución: A Contracorriente Films. Género: hechos reales, drama, thriller. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/902/kursk/
Un estremecedor exorcismo se vuelve incontrolable, cobrándose la vida de una joven. Meses después, mientras Megan Reed (Shay Mitchell) trabaja en el turno de noche de la morgue, recibe un cadáver desfigurado. Sola y encerrada en los pasillos del sótano, Megan comienza a experimentar espeluznantes visiones, lo que le hace sospechar que el cuerpo que ha recibido está poseído por una despiadada fuerza demoníaca.
Crítica
Un cadáver que no te deja tieso
Si miramos el título original de ‘Cadáver’, el cual es ‘The possesion of Hannah Grace’ encontramos que no se sale nada de la norma. Y su escena inicial también se mantiene dentro de lo ya visto. Es en su argumento donde vamos encontrando menos tópicos. Una joven empieza a trabajar en una morgue, sola, de noche, para intentar superar un problema de su reciente pasado y aislarse de la mala vida. Le llega allí un cuerpo que empieza a producir fenómenos extraños y entonces pasa más de la investigación de las causas de la muerte a intentar evitar la suya propia.
Me ha sido inevitable entrar al filme recordando ‘La autopsia de Jane Doe’. Un título de hace apenas dos años con el que ‘Cadáver’ tiene varias similitudes y que nos sorprendió a propios y ajenos. No voy a detallar en qué radicó su sorpresa por si no la habéis visto pero si puedo adelantar que la ambientación de este nuevo estreno es inferior, no tiene sus excelentes giros y tampoco nos sumerge en una historia misteriosa como la que André Øvredal (‘Troll hunter’) realizó con Brian Cox y Emile Hirsch.
Esta es una historia donde podemos suponer más o menos lo que va a suceder. La fría y moderna morgue de hormigón y sistemas informatizados nos puede impedir sumergirnos en un ambiente más cotidiano pero si sirve para recrear un lugar amenazador, aislado y desguarnecido. En este ámbito se mueve ‘Cadáver’. Mucho eco, oscuridad, ruidos oclusivos… Un lugar donde hasta los nuevos compañeros te gastan bromas pesadas y las propias alarmas de rutina te dan sobresaltos. Es de imaginar que la protagonista pase por estrés y tensión, más aún si le introducen un componente sobrenatural.
Esta película, escrita por Brian Sieve, el guionista de las series ‘Teen Wolf’ y ‘Scream’, se basa bastante en darnos sobresaltos, muchos de ellos predecibles otros no tanto. También gana enteros con alguna que otra escena espeluznante y con su maquillaje. El cadáver en el que se centra la película es bastante aterrador y los sonidos que hace por otro lado dan mucha grima.
Talento interpretativo tampoco es que tenga. El rostro más conocido es el de Louis Herthum (‘Westworld’) o el de Grey Damon (‘Oldboy’, ‘True Blood’ o ‘The Flash’). Pero si que tiene más mérito que la muchacha de ‘La autopsia de Jane Doe’ Kirby Johnson. Ella ha tenido que moverse mucho más y la manera de desplazarse de su personaje le han obligado a hacer verdaderas contorsiones, lo cual es su especialidad.
Este nuevo estreno de Sony Pictures, que por cierto está totalmente rodado con una Sony A7S II, no es nada mediocre. Es bastante sencillo pero nos servirá para poder tener una película de terror entre tanto estreno navideño. Los amantes de festivales de género fantástico la disfrutarán más aunque hayan visto cosas similares y aquellos menos acostumbrados a los sobresaltos saldrán comentando más de una escena.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de noviembre de 2018. Título original: The possesion of Hannah Grace. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Diederik Van Rooijen. Guion: Brian Sieve. Música: Jon Frizzel. Fotografía: Lennert Hillege. Reparto principal: Shay Mitchell, Grey Damon, Kirby Johnson, Stana Katic, Jacob Ming-Trent, Maximillian McNamara, Nick Thune, Louis Herthum. Producción: Screen Gems, Broken Road Productions. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial:http://www.possessionofhannahgrace.movie/
Una interferencia entre dos tiempos provoca que Vera, una madre felizmente casada, salve la vida de un chico que vivió en su casa 25 años antes. Pero las consecuencias de su buena acción provocan una reacción en cadena que hace que despierte en una nueva realidad dónde su hija nunca ha nacido.
Crítica
Sus giros saben a poco cuando ya hemos descubierto los derroteros que va a tomar
Una familia que se muda a una nueva casa apartada de la ciudad encuentra una antigua televisión a través de la cual tienen una videoconferencia con el pasado. Ese encuentro cambia los hechos acontecidos en el pasado produciendo un efecto mariposa que hará que todo cambie en el presente para ellos y sus vecinos y que empiece así una odisea por devolver la historia a su curso original. Esa es la trama que nos propone Oriol Paulo (junto a Lara Sendim) cargándola mucho más de suspense que de ciencia ficción.
Paulo alcanza su tercera película como director tras habernos brindado en 2012 ‘El cuerpo’ y más recientemente, el año pasado, ‘Contratiempo’. Es un experto guionista en lo que se refiere a cintas con tensión y muchas de sus películas cautivan y sorprenden. Sin ir más lejos, con el título del año pasado que protagonizó Mario Casas nos cazó desprevenidos a más de uno con su final. En el 98 ya capitaneó un mediometraje titulado McGuffin, igual que ese recurso cinematográfico que nos introduce elementos a priori irrelevantes a lo largo de la trama. En ‘Durante la tormenta’ Paulo ha intentado hacer precisamente eso, incluir detalles que acompañen la historia, que la rodeen sin que parezca que son importantes. Pero le ha faltado perspicacia porque si se reconocen aquellos pormenores que parecen no tener peso cuando en realidad al final son importantes. Se puede imaginar qué se cuece desde muy pronto y los giros del final de la película ya carecen de fuerza y son incapaces de producirnos el pasmo esperado.
En esta tercera ocasión Oriol Paulo no tiene en su reparto a Jose Coronado pero ha contado con otros de sus habituales como Francesc Orella, Ana Wagener, Belén Rueda o Silvia Alonso. Ellos actúan bien, como suele ser habitual, no obstante no son los protagonistas. Quienes capitanean el reparto son Adriana Ugarte, Julio Bohigas-Couto, Chino Darín, JavierGutiérrez, Nora Navas y ÁlvaroMorte. El equipo actoral ha entrado bien en el juego de intriga que quiere generar el director, ha captado el drama, la desesperación y el desconcierto que genera una película que juega con las paradojas temporales. Pero como he mencionado antes el problema de este filme no está en su calidad artística, está en que las cartas se descubren más antelación de la intencionada.
La historia tiene sus visos de originalidad, está bien ambientada, viene cargada de giros y plantea su debate y reto para la protagonista que interpreta Adriana Ugarte. ‘Durante la tormenta’ tiene bastantes similitudes con ‘Frequency’ de Gregory Hoblit y coloca incluso guiños a ‘Regreso al futuro’ y ‘Mi vecino Totoro’, al fin y al cabo de jugar con el tiempo y de vecinos va la cosa. Pero a pesar de esos referentes la narración se hace larga al imaginar pronto cuál será la pauta a seguir y adivinar que giros finales nos aguardan.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de noviembre de 2018. Título original: Durante la tormenta. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Oriol Paulo. Guion: Oriol Paulo, Lara Sendim. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Xavi Giménez. Reparto principal: Adriana Ugarte, Chino Darín, Javier Gutiérrez, Álvaro Morte, Nora Navas, Miquel Fernández, Clara Segura, Mima Riera, Albert Pérez, Aina Clotet, Francesc Orella, Ana Wagener, Silvia Alonso, Belén Rueda. Producción: Atresmedia Cine, Colosé Producciones, Mirage Studio, Think Studio. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: thrilelr, ciencia ficción. Web oficial:https://www.warnerbros.es/durante-la-tormenta
Del Director Ganador de un Oscar® Steve McQueen (’12 Años de Esclavitud’) y Gillian Flynn, co-guionista y autora del bestseller ‘Perdida’, llega un thriller desgarrador y moderno con el telón de fondo del crimen, la pasión y la corrupción: ‘Viudas’ es la historia de cuatro mujeres con nada en común excepto una deuda heredada por las actividades criminales de sus difuntos maridos. Ambientada en el Chicago actual, en un tiempo de agitación, la tensión crece cuando Veronica (Ganadora de un Oscar® Viola Davis), Alice (Elizabeth Debicki), Linda (Michelle Rodriguez) y Belle (Cynthia Erivo) deciden tomar las riendas de su destino y conspiran para forjarse un futuro con sus propias reglas. ‘Viudas’ también cuenta en el reparto con Liam Neeson, Colin Farrell, Robert Duvall, Daniel Kaluuya y Brian Tyree Henry
Crítica
‘Viudas’ se sale puntualmente de la norma
Del director de ’12 años de esclavitud’, Steve McQueen, recibimos una original propuesta. Un thriller con algo de acción y política. El inicio del filme es apabullante, además de ser una verdadera demostración de cómo se presentar a unos protagonistas en una sola secuencia. Pero ‘Viudas’ no se queda ahí, posteriormente vemos otras escenas muy bien elaboradas a la altura de un director que ya sabe lo que es tener una película ganadora de premios.
‘Viudas’ es una cinta en la que las esposas de unos atracadores heredan la deuda de sus recientemente difuntos maridos y tienen que buscarse las vueltas para salir a flote ante tan acuciante situación. Una película que pensaba sería un profundo drama que podría funcionar como una especie de secuela de cualquier película de maleantes pero que realmente se asemeja más ‘Oceans 8’, pero con un tratamiento mucho más serio y oscuro, con una base más sólida. También podría ser una continuación de ‘Los Soprano’, con las cónyuges de los mafiosos acusando las fechorías de sus parejas y urdiendo planes en lugares secretos y saunas.
El machismo, el patriarcado y el racismo están muy presentes en la película. Los maridos de las protagonistas las maltratan de varias maneras y las personas de raza negra son atacadas también de distintos modos. De entre todo el reparto tan solo hay un hombre al que no se le muestre como alguien ruin y todo afroamericano que interviene recibe algún tipo de insulto o agresión por parte de blancos. Vemos vejaciones, acoso, prostitución, condescendiente caballerosidad… Las pretensiones del filme en este sentido están muy claras y muchas veces nos deja la sensación de buscar subirse al carro de corrientes demandadas por la sociedad, lo cual veo muy loable y razonable, pero muy trillado, sobre todo en los últimos años.
No quiero que lo anteriormente expuesto se considere una pega, si no más bien una falta de alteración del mensaje a transmitir. Porque por otro lado hay que reconocerle al filme que no es unilateral. La película coloca en posición de pérfidos también a hombres afroamericanos y más de un personaje femenino se sitúa en el bando rival. «La ignorancia es la nueva norma, la excelencia», esto no lo digo yo, lo dice el personaje de Jon Michael Hill. Me gusta ese concepto que expone en su discurso en el que ataca a los que se niegan a ver la verdad y se refugian en sus extremos.
La fortaleza de ‘Viudas’ reside en que presenta momentos duros, intensos, que están interpretados muy ágilmente, con sinceridad y contundencia. ¿Nombres a destacar? Pues como he dicho una de las cosas que eleva la puntuación de la película son las actuaciones, pero en general. McQueen ya no ha contado con su recurrente Michael Fassbender pero eso no ha importado, ha encontrado talento más que de sobra para ‘Viudas’. Es una elección difícil pero hay varios nombres indiscutibles de actrices o actores que se apropian aquí de todo el ancho y alto de la pantalla. ViolaDavis (con su candoroso y decidido personaje), ElizabethDebicki (que pasa creíblemente de la nulidad a lo resuelto) y DanielKaluuya (despiadado e intimidador) son buenos pilares, pero no las únicas columnas de este filme. ‘Viudas’ está basada en la serie de televisión de Lynda La Plante, en la que también intervinieron HansZimmer y AnnMitchell en su día. Esta película hace coincidir también a otros muchos actores: DanielKaluuya y Jon Bernthal, Michelle Rodriguez y Colin Farrell… con ellos y con varios nombres más, entre los que no tenemos que dejar para nada de lado al veterano Liam Neeson y la ascendente Cynthia Erivo, se completa un reparto que seguro que dentro de varios años recordamos como memorable.
Si conseguimos dejar a un lado los manidos discursos que atienden a las causas que están tan en boga (movimientos que por desgracia aún necesitan ser más manoseados para ser escuchados) o las casualidades que juegan a favor de la trama nos queda una gran película con un punto de partida novedoso y con una ejecución al más alto nivel. ‘Viudas’ se sale puntualmente de la norma para garantizarnos un relato de mujeres agobiadas y exasperadas por un mundo que pensaban que no era el suyo. Si ‘Viudas’ quiere candidaturas en los Oscar las tendrá pues tiene todo lo que se requiere hoy en día para tenerlas.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de noviembre de 2018. Título original: Widows. Duración: 128 min. País: Reino Unido. Dirección: Steve McQueen. Guion: Gillian Flynn, Steve McQueen. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Sean Bobbitt. Reparto principal: Viola Davis, Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki, Cynthia Erivo, Liam Neeson, Colin Farrell, Robert Duvall, Daniel Kaluuya, Brian Tyree Henry. Producción: 20th Century Fox, New Regency Pictures, See-Saw Films, Film 4. Distribución: 20th Century Fox. Género: drama, adaptación. Web oficial:http://www.fox.es/viudas
Mientras su matrimonio con Jack se hunde, la eminente juez de la Corte Suprema Fiona Maye tiene que tomar una decisión que cambiará su vida: si debe obligar a un adolescente, Adam, a recibir una transfusión de sangre que podría salvar su vida.
Su visita al hospital tiene un profundo impacto en ambos, provocando fuertes emociones en el chico y el resurgimiento de sentimientos que hacía tiempo que no sentían en ella.
Crítica
Interesante y desaprovechada, así es ‘El veredicto’
Basada en la novela de IanMcEwan, ‘El veredicto‘ llega a nuestras pantallas con una historia muy potente pero muy poco aprovechada. Esta claro que con este autor y guionista no termino de cuajar, pues ‘En la Playa de Chesil‘ también está basada en uno de sus libros y también se encarga de la escritura del guión y como recordaréis no logró convencerme.
La juez de la Corte Suprema Fiona Maye está dedicada a solucionar los asuntos entre hospitales y los tutores de menores que no quieren tratamiento para sus hijos.
La cinta se centra en uno de esos casos, en el que él propio menor, por motivos religiosos no quiere recibir una transfusión de sangre para poder salvar su vida.
La historia es interesante si no fuese porque al final termina por perderse para convertirse en una simple historia sobre la complicada vida de una mujer a la que lo único que la mantiene en pie día a día es su trabajo.
Tenemos como protagonista a Emma Thompson, no puedo decir que su actuación sea mala, interpreta a la Juez con una fuerza impresionante, pero sí que es cierto, que es un papel muy habitual en ella y nos ofrece nada nuevo.
FionnWhitehead (‘Dunkerque‘), el muchacho al que tiene que salvar de sí mismo, nos regala un personaje tierno, perdido y que necesita una ayuda para poder seguir adelante y reencontrarse.
StanleyTucci es quizá el golpe de aire fresco dentro de todo este drama, un personaje enamorado de su mujer, pero cansado de la vida que ella le da. Cada vez que entra en escena, el humor negro típico británico aflora por cada rincón de esa gran casa en la que se ven.
Me da mucha pena hacia donde se dirige la historia, pues debería haber seguido con el debate de si es justo o no decidir por un menor o incluso quitar la potestad a los padres de hacerlo. Al comienzo de la cinta vemos un montón de casos que ella cierra decidiendo por ambas partes y alguno de ellos es bastante peliagudo como para que no se tome la opinión de los padres en cuenta.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de noviembre de 2018. Título original: The Children Act. Duración: 105 min. País: Reino Unido. Dirección: Richard Eyre. Guion: Ian McEwan. Música: Stephen Warbeck. Fotografía: Andrew Dunn. Reparto principal: Emma Thompson, Stanley Tucci, Fionn Whitehead, Jason Watkins, Ben Chaplin, Rupert Vansittart, Anthony Calf, Rosie Cavaliero, Andrew Havill, Nicholas Jones, Alex Felton, Honey Holmes. Producción: BBC Films, Filmnation Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: Drama. Web oficial:https://www.thechildrenactfilm.com/
En un poblado andaluz que se ha quedado anclado en el tiempo, Concha y su hija Adela sueñan con una vida mejor. Harta del ambiente opresivo y de un marido cruel, Concha decide arriesgarlo todo y escapa con su hija a la ciudad. Su huida se convertirá en una aventura en la que lucharán por escapar de las jaulas que siempre han sido sus vidas.
Crítica
‘Jaulas’ es una cinta que ejemplifica muy bien el cautiverio de la mala vida
La España profunda, marginal y de extrarradio se hace con el protagonismo en el cine a través de la película ‘Jaulas’. El primer largometraje de Nicolás Pacheco nos traslada a través de su rodaje en Sevilla y alrededores a esas zonas y personas caídas en el olvido, atrapadas en la desidia y la miseria. ‘Jaulas’ es una cinta que ejemplifica muy bien el cautiverio de la mala vida.
A través de la historia de una mujer que huye con su hija de un marido opresor y anticuado llegamos a varias crónicas entrelazadas que comparten grandes pesares. Los protagonistas de estos relatos se sienten de un modo u otro cautivos. Ya sea sentimentalmente, económicamente, físicamente… Algunos personajes necesitan huir literalmente, otros apartarse del mal camino y otros incluso salir de su propio cuerpo. Están enjaulados en vidas que a veces son un laberinto lleno de callejones sin salida y en otras ocasiones un bucle del que es imposible escapar. Con una buena cantidad de actores se muestran varias maneras de sentir la angustia de estar encadenado a un lugar o personas.
‘Jaulas’ está muy bien contrastada, no me refiero solo al trabajo de información que debe tener detrás, si no también a lo visual. No es que solo saque partido a rincones andaluces que visitados a pie se nos pasarían inadvertidos, también dota a las barriadas de un carácter tragicómico que no es fácil de conseguir. El color de la película está muy bien empleado para contraponerse a los continuos infortunios mostrados. Porque ciertamente a la gente del filme parece que les ha mirado un tuerto pero mantiene un atisbo de esperanza que no les impide poner color en su día a día.
Este color también aligera el filme junto con las notas de humor introducidas. Unos instantes breves y cómicos que nos remontan a películas de los Coen o Ritchie. Momentos miserables pero enmascarados con comedia que nos llevan a enredos y cruces de caminos, sobre todo en su final, pero predominando las desventuras y el hostigamiento.
En el filme encontraréis rostros conocidos como el de Antonio Dechent, Manuel Tallafé o Manolo Caro. Pero la sufrida protagonista está interpretada por Estefanía de los Santos muy bien respaldada por Marta Gavilán y Manuel Cañada, que ejercen de hija y hermano de la protagonista. Tal variedad de intérpretes, ya sea por edades o experiencia, enriquece el filme y la aportación de cada uno sirve a buenas para narrar la historia. Actores enjaulados pero no encasillados en personajes grises rodeados de un mundo coloreado por las tonalidades de los pájaros, por el cántico de sus aves y el suyo propio.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de noviembre de 2018. Título original: Jaulas. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Nicolás Pachecho. Guion: Nicolás Pacheco. Música: Pablo Cervantes. Fotografía: Alejandro Espadero. Reparto principal: Estefanía de los Santos, Marta Gavilán, Manuel Cañada, Belén Ponce de León, Antonio Dechent, Manolo Caro, Antonio Estrada, Stefan Mihai. Producción: Suroeste Films, Spal Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/901/jaulas/
Tras pasar la noche esperando la llegada de Papá Noel, los hermanos Kate (Darby Camp) y Teddy Pierce (Judah Lewis), consiguen colarse en su trineo, causando un accidente y casi trastocando por completo los planes para la Navidad. A medida que avanza su alocada noche, Kate y Teddy ayudarán a un Papá Noel y a sus leales elfo a salvar la Navidad antes de que sea demasiado tarde.
Crítica
Muy divertida y con un Papa Noel muy distinto
Como todos sabemos el 25 de diciembre es Navidad y Netflix con más de un mes de antelación nos comienza a preparar para esta fecha tan esperada por mayores y pequeños y lo hace con el estreno mundial de ‘CrónicasdeNavidad’ el 22 de noviembre.
¿Y qué nos ofrece de nuevo ‘Crónicas de Navidad’? Pues la verdad que en cuanto a la historia nada, pero ver a KurtRussell como Papa Noel ya merece la pena.
Clay Kaytis nos trae a dos hermanos que están empeñados en grabar a Papa Noel en video y por supuesto lo consiguen, si no no tendríamos aventuras. A partir de ese momento y por culpa de un pequeño accidente de trineo puede que los regalos navideños no lleguen a sus futuros dueños.
Aventuras y diversión para los más pequeños y para los que adoramos la Navidad. ‘CrónicasdeNavidad’ es sencilla y sin pretensiones, da lo que nos promete y no engaña a nadie. El Papa Noel de KurtRussell es bastante canalla, solo os digo que durante unos minutos termina en la cárcel cantando a ritmo de blues.
Los niños DarbyCamp y JudahLewis se desenvuelven muy bien en la historia y dan buena réplica a KurtRussell poniendo el punto más inocente a la película.
La puesta en escena es muy bonita, siendo una película sobre la Navidad, está llena de color y luces por todos lados. Además el CGI utilizado está bastante bien trabajado, los renos o los elfos están bien introducidos en las escenas, dando una realidad llena de magia.
Los elfos merecen un pequeño inciso y es que si Papa Noel, como he comentado antes es algo canalla, estos elfos son bastante endemoniados. Están muy graciosos y la estética entre animales del bosque y gnomos de jardín les hace bastante originales.
Una buena película de Navidad para pasar la tarde y disfrutar de estos típicos cuentos de una manera diferente.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre 2018. Título original: The Christmas Chronicles. Duración: 103 min. País: Estados Unidos. Dirección: Clay Kaytis. Guión: Matt Lieberman. Música: Christopher Beck. Reparto principal: Kurt Russell, Kimberly Williams-Paisley, Judah Lewis, Darby Camp, Lauren Collins, Seth Mohan, Solla Park, Jack Bona, David Kohlsmith, Lamorne Morris. Producción: 1492 Pictures, Madhouse Entertainment, Ocean Blue Entertainment. Distribución: Netflix. Género: Comedia.
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