Críticas archivos ⋆ Página 38 de 53 ⋆ Moviementarios

Lili Cassen era la cantante española con más éxito de los noventas hasta que desapareció misteriosamente de un día para otro. Diez años después Lila prepara su triunfal vuelta a los escenarios pero, poco antes de la esperada fecha, pierde la memoria al sufrir un accidente. Violeta vive dominada por su conflictiva hija Marta. Cada noche escapa de su realidad haciendo lo único que la hace feliz, imitar a Lila Cassen en el karaoke donde trabaja. Un día Violeta recibe una fascinante propuesta: enseñar a Lila Cassen a volver a ser Lila Cassen

Crítica

Carlos Vermut logra hacer brillar a 4 estrellas por sí solas

‘Quién te cantará’ es la búsqueda de uno mismo, los miedos, los éxitos, los fracasos. Carlos Vermut logra que te quedes perplejo escuchando esta historia llena de música y mirando cada fotograma durante sus 124 minutos de duración y es que los fantasmas que uno mismo esconde son terribles y Vermut los proyecta de una manera impresionante

‘Quién te cantara’ aparte de ser una gran película es un gran regalo para las 4 artistas que salen en ella. Personajes preciosos, o no, como en el caso del de Natalia de Molina, que bordan desde el primer segundo en pantalla.

En la película se cruzan las vidas de 4 mujeres, comenzamos con Lidia, interpretada por Najwa Nimri, una mujer que ha perdido la memoria y necesita volver a recordar. La actriz está fabulosa, nos enseña a una mujer decaída, sin fuerza, pero que en el fondo quiere volver a aprender y conocerse a sí misma. Lidia tiene un gran peso en su pasado que no quiere recordar y eso hace que todo le sea más difícil. A su lado está Blanca, su manager y compañera. Está para ella las 24 horas del día, ella es la fuerza que le falta a Lidia y le da vida Carme Elias con un personaje muy sincero y seguramente el que tiene los pies más en la tierra de estas 4 mujeres.

Pronto conocerán a Violeta, que junto a Lidia son las grandes protagonistas de ‘Quién te cantará’. Eva Llorach, la cual ya ha aparecido en los otros dos filmes del director, nos da una lección de actuación impresionante, sus miradas, sus movimientos llenos de pasión esa tristeza que desprende no solo por los ojos, sino por su cuerpo, su miedo y a la vez la ilusión de poder conocer a su cantante favorita y poder ayudarla en estos momentos tan difíciles. A su lado encontramos a uno de los monstruos de la película, Marta, la hija de Violeta y monstruo no solo por el personaje tan terrible que encontramos en pantalla, sino que Natalia de Molina es un verdadero monstruo de la interpretación y papel que acepta, papel que hace a la perfección.

Espero que todas y cada una de las actrices terminen premiadas, es imposible, pero se lo merecen tanto…

Pero aparte de su dirección, que es perfecta, su música hace que nos adentremos en la mente de Lidia y Violeta, que veamos cómo piensan a través del sonido, de las melodías que escuchamos. Alberto Iglesias logra que toda la cinta tenga una buena base musical.

Eduard Grau logra que cada imagen sea perfecta, que los encuadres sean parte de esa poesía que ha creado Alberto Iglesias con su música. Detalles que pueden ser invisibles, los vemos gracias a él.

Poco más que decir de esta cinta que sin duda va a cosechar grandes premios durante su carrera hacia los Goya y no es para menos, merece mucho la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de octubre 2018. Título original: Quién te cantará. Duración: 124 min. País: España. Dirección: Carlos Vermut. Guión: Carlos Vermut. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Eduard Grau. Reparto principal: Eva Llorach, Natalia de Molina, Najwa Nimri, Carme Elias. Producción: Apache Films. Distribución: Caramel Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/videos/quien_te_cantara

Crítica: ‘El fotógrafo de Mauthausen’

Sinopsis

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Con la ayuda de un grupo de prisioneros españoles que lideran la organización clandestina del campo de concentración de Mauthausen, Francesc Boix (Mario Casas), un preso que trabaja en el laboratorio fotográfico del campo arriesga su vida al planear la evasión de unos negativos que demostrarán al mundo las atrocidades cometidas por los nazis en el infierno del campo de concentración austríaco. Miles de negativos que muestran desde dentro toda la crueldad de un sistema perverso. Las fotografías que Boix y sus compañeros lograron salvar fueron determinantes para condenar a altos cargos nazis en los juicios de Núremberg en 1946. Boix fue el único español que asistió como testigo.

Crítica

Buena fuente de partida pero un agua demasiado dulce de beber

Mar Targarona vuelve a las carteleras tras ‘Secuestro’ y lo hace de nuevo con una historia de cautiverio, pero de uno masivo y más truculento. ‘El fotógrafo de Mauthausen’ nos acerca a la historia de unos presos españoles en Alemania. Tras la Guerra Civil Española muchos soldados republicanos y militantes del Partido Comunista se vieron exiliados. Franco les arrebató la nacionalidad y para los alemanes que les capturaron no eran más que gente sin una patria o bandera a la que acogerse.

Todos hemos tenido siempre una visión muy cruel de la Alemania nazi y de sus campos de concentración. Ya sea por testimonios de ancianos, películas o documentales la imagen que nos ha llegado del tratamiento que le daban a sus presos de guerra es terrible. Y si recientemente habéis acudido a exposiciones como la de Auschwitz seguro que os habéis dado cuenta de que en realidad las atrocidades que se les hicieron a los presos eran aún peores e inimaginables, mucho más difíciles de asimilar que lo que hemos visto en el cine. Es por eso que siempre que tenemos material gráfico real nos sensibilizamos aún más. Esta película se fundamenta en la obra gráfica que un español realizó durante su cautiverio, la cual podemos ver en los títulos de crédito. F. Boix en su trabajo como fotógrafo de Mauthausen inmortalizó la miseria y degradación que tuvo lugar allí. Con semejante base se podría haber conseguido algo desgarrador e incluso difícil de ver. La película muestra auténticas canalladas y burradas, recrea las instantáneas rescatadas por Boix, pero el carácter dramático de la cinta no es lo suficientemente intenso o profundo, demasiado suavizado como para calar en ese sentido.

Sobre todo nos saca de la tragedia el carácter risueño que le ha impreso Mario Casas al protagonista. Sin duda se ve que se ha entregado a su papel (aprendiendo alemán y perdiendo bastante peso) y soy de los que le defienden como actor polivalente. Pero o bien su interpretación o bien las instrucciones de Mar Targarona le acercan a una especie de ‘La vida es bella’ y no se consigue el mismo efecto que en la película de Benigni.

Es valioso que podamos ver un episodio de la historia de España que no es extremadamente popular y que además transcurre lejos de nuestras fronteras. El valor humano, informativo y educativo del filme es innegable. Enseña bien el peso que tuvieron unas fotografías que el catalán tuvo que tomar con cierta inconsciencia y pesar y que más adelante se volvieron en contra de los miembros del ejército de Hitler y las SS de Himmler.

Es muy buen recurso y elección de casting el haber contado con actores como Alain Hernández o Macarena Gómez, entre muchos otros, que si que han tenido papeles más sobrecogedores. También es adecuado hacer un guiño o aludir a ‘La vida es sueño’, obra en la que los sueños e ilusiones impiden ver la realidad, como si el desempeñar su trabajo de fotógrafo hubiese sido para Boix una burbuja en la que refugiarse eludiendo así un destino que conoce. El problema de ‘El fotógrafo de Mauthausen’ es que cuando el protagonista es realmente consciente de lo que se les viene encima o lo que realmente se hace allí no se le da el dramatismo necesario. Este fue un capítulo muy triste del siglo pasado y vital en muchos de los Juicios de Nuremberg que habría merecido un tratamiento más sucio y oscuro. Además, pasa de decorados muy fieles a lo documentado a cromas bastante pobres que la deslucen casi tanto o más que el tono emotivo empleado.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de octubre de 2018. Título original: El fotógrafo de Mauthausen. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Mar Targarona. Guion: Roger Danès, Alfred Pérez Fargas. Música: Diego Navarro. Fotografía: Aitor Mantxola. Reparto principal: Mario Casas, Alain Hernández, Macarena Gómez, Richard Von Weyden, Emilio Gavira, Luka Peros, Stefan Weinert, Richard van Weyden, Frank Feys, Adrià Salazar. Producción: TVE. Distribución: Filmax. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/el-fotografo-de-mauthausen.82

Crítica: ‘Pesadillas 2: Noche de Halloween’

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‘Pesadillas 2: Noche de Halloween‘, una nueva entrega dirigida por el ganador de un Oscar al Mejor Cortometraje, Ari Sandel. Protagonizada por Madison Iseman (‘Jumanji: bienvenidos a la jungla‘), Jeremy Ray Taylor (‘It’) y Caleel Harris (‘Castle Rock’) entre otros. Basada en la serie de libros de aventuras de R.L. Stine, la cinta nos mostrará como el día de Halloween se hace realidad y todas nuestras pesadillas van a por nosotros.

Crítica

Divertida y para toda la familia.

Llega Halloween y con ello los estrenos para los más peques. Como tienen que ir acompañados, qué mejor manera que ir a ver una cinta para todos los públicos. Por eso nos llega la propuesta de ‘Pesadillas 2: La noche de Halloween’.

En la misma onda que la primera parte, volvemos a tener de villano a ese muñeco ventrílocuo llamado Slappy, el cual esta vez tiene un malvado plan que es hacer realidad Halloween.

La película da lo que te promete, una aventura para toda la familia, divertida, sin complicaciones y que va al grano, cosa que se agradece porque tenemos una película de hora y media en la que no nos aburrimos ni un solo momento.

Soy una gran fan de la saga de libros de ‘Pesadillas’ de R.L. Stine y aunque esta película no de tanto mal rollo como los libros en la que se basan, logra captar la atmósfera de estos y crear historias bastante curiosas para ir introduciendo a los pequeños de la casa en las historias de terror.

Lo bueno de esta película es que funciona sin Jack Black, cuando la veáis lo veréis y simplemente con un guión ingenioso han logrado que nos olvidemos por completo de que él hace del pobre escritor que logra que sus pesadillas se vuelvan realidad.

Los actores jóvenes ya llevan una carrera a sus espaldas, Madison Iseman(‘Jumanji: Bienvenidos a la jungla’), Jeremy Ray Taylor (‘IT’) y Caleel Harris (‘Castle Rock’) nos dan unos papeles simpáticos con los que encariñarse desde el principio. Wendi McLendon-Covey (‘The Goldbergs’) hace de la madre que no cree a sus hijos y lo único que hace es trabajar.

Ari Sandel logra un buen entretenimiento para la noche de Samhain, donde los niños y adultos van a disfrutar de muchos monstruos típicos de Halloween y otros no tan comunes frecuentes de esta celebración, la escena con los ositos de gominola es muy divertida y sin duda vais a ver de otra manera a esos bonitos caramelos.

Ya sabéis, a partir del 26 de octubre en las salas españolas, no perdáis ni un minuto y disfrutadla con los más peques.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de octubre. Título original: Goosebumps 2: Haunted Halloween. Duración: 90 min. País: Estados Unidos. Dirección: Ari Sandel. Guión: Darren Lemke, Rob Lieber. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Barry Peterson. Reparto principal: Madison Iseman, Wendi McLendon-Covey, Jeremy Ray Taylor, Chris Parnell Ken Jeong, Shari Headley, Peyton Wich, Tyler Silva, Courtney Lauren Cummings, Caleel Harris, Kendrick Cross, Sidney Bullock, Jack Black. Producción: Columbia Pictures, Sony Pictures Animation, Original Film. Distribución: Sony Pictures Animation. Género: Comedia. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/goosebumps2hauntedhalloween/

Crítica: ‘Slender Man’

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En un pequeño pueblo de Massachusetts, cuatro estudiantes de instituto llevan a cabo un ritual en un intento de desmentir la leyenda de Slender Man. Cuando una de las chicas desaparece misteriosamente, empiezan a sospechar que ella puede ser su última víctima.

Crítica

Una creepypasta bastante floja para lo que podría haber sido

La criatura creada por el usuario Víctor Surge (nombre real Eric Knudsen) llega a nuestras salas el 19 de octubre de la mano de Sony Pictures. Y con toda la historia que podrían haber creado, ha quedado en una película simple y sin emoción ninguna.

Antes de nada contaros que Slender Man es un personaje creado en el foro «Something Awful» en 2009. Es una creepypasta en la que sus víctimas preferidas son los niños. Este personaje se hizo bastante famoso a nivel mundial cuando en 2014 dos niñas apuñalaron 19 veces a una compañera, según ellas para demostrar que estaban preparadas para ser seguidoras de Slender Man. De este suceso no se escucha absolutamente nada en la película y es algo que me ha llamado la atención, pues al final podemos ver las imágenes que se pueden encontrar en Internet como si fuesen reales, pero nada más.

Ahora que ya conocéis un poco la historia del personaje seguimos con el comentario de la película. El guionista David Birke, nos trae a cuatro amigas que deciden invocar a Slender Man, un ser alto y delgado que siempre va elegante para la ocasión y que se lleva a los niños que hayan visto su rostro (un rostro pálido y totalmente en blanco). La película no ha comenzado mal del todo, típica para adolescentes, con pequeños sustos gracias al sonido de la cinta y poco más, pero al final terminan mareando la perdiz para dejar la película con un final predecible pero para nada bien desarrollado. Es una verdadera pena, porque podrían haber explotado muy bien el fenómeno, de hecho, comienzan a nombrar temas psicológicos y al final los dejan a un lado y si la película hubiese tomado esa dirección creo que hubiésemos visto algo mucho más interesante.

La verdad que después de haber visto series como ‘Channel Zero: Candle Cove’, donde nos comentan un fenómeno creepypasta de una manera tan tétrica y con tan mal rollo me esperaba algo del estilo con este personaje, que con solo su apariencia, poco más hacía falta para darnos verdaderos sustos.

Pero no todo es malo, hay que reconocer que la atmósfera está bastante trabajada, el bosque en el que se introduce, con sus formas alargadas en donde Slender Man se puede camuflar, está muy bien escogido. Además de la oscuridad de la película y las casas con muchos pasillos que hacen que haya momentos con un poco de tensión. Y hay una escena que ocurre en una biblioteca que está muy bien rodada y es digna de mencionar, al menos desde mi punto de vista.

Sylvain White (‘Los perdedores’), ha contado en el reparto con Joey King, Julia Goldani Telles, Jaz Sinclair y Annalise Basso, en los papeles de las jóvenes atormentadas por Slender Man, las cuales están bastante correctas en su interpretación y no sobreactúan en ningún momento. Mientras que para lograr veracidad, ha contado con Javier Botet para meterse en la piel de este ser. Por cierto, si os fijáis no solo aparece como este personaje, sino que podemos ver al actor sin maquillaje en una de las escenas de la película.

Eso sí, el CGI es bastante malo para lo fácil que lo tenían, pues el cuerpo de este monstruo ya lo tenían y no hacía falta mucho más para conseguir los sustos y la tensión.

Poco más que decir, un poco decepcionada de algo que podría haber sido bastante entretenido y que no ha terminado de cuajar.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de octubre 2018. Título original: Slender Man. Duración: 92 min. País: Estados Unidos. Dirección: Sylvain White. Guión: David Birke. Música: Ramin Djawadi. Fotografía: Luca Del Puppo. Reparto principal: Joey King, Annalise Basso, Javier Botet, Julia Goldani Telles, Jaz Sinclair, Kevin Champman, Michael Reilly Burke, Alex itzalan, Kayla Caulfield, Jessica Blan. Producción: Madhouse Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: Terror. Web oficial: https://www.slenderman.movie/

Crítica: ‘Matar o Morir. Peppermint’

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Riley North (Jennifer Garner) despierta de un coma después de que su marido y su hija hayan sido brutalmente asesinados. Cuando el sistema que debe juzgar a los asesinos fracasa, Riley decide tomarse la justicia por su mano.

Crítica

Jennifer Garner imparte justicia con contundencia

Aún recuerdo con mucho cariño el cortometraje ‘Dirty laundry’, aquel en el que El Castigador (The Punisher) de Thomas Jane residía en una cochambrosa furgoneta y además de dejar entrever que piensa en sus asuntos se convertía en un héroe improvisado protegiendo a los más desfavorecidos que habitaban el barrio en el que estaba aparcado. Y ahora lo recuerdo mucho más tras ver ‘Matar o Morir. Peppermint’ pues no es solo que ambos títulos compartan guionista (Chad St. John) sino que el personaje protagonista, interpretado por Jennifer Garner, parece que sigue la estela del justiciero de Marvel.

La actriz texana vuelve a embarcarse en un título de acción tras películas como ‘Con amor, Simon’ o ‘Los milagros del cielo’. Y lo vuelve a hacer con la misma solvencia que cuando se embarcó en filmes como ‘Elektra’, ‘Daredevil’ o ‘Alias’. Demuestra que es muy hábil y capaz para las escenas de acción y que a sus 46 años aún está en forma para dar leña. Ella es sin duda lo mejor de la película, por encima de su guión y de cualquier otro aspecto técnico. Su personaje reacciona de manera correcta a la historia y la intérprete maneja equilibradamente la acción y el drama, la perturbación de una madre a la que la justicia le ha fallado.

Y es que el argumento de la película es bastante sencillo y recuerda también a la historia de The Punisher. Una madre, en este caso, pierde desconcertante y brutalmente a su familia y el sistema corrupto no le aporta el veredicto que necesita, a si es que se pone manos a la obra y empieza a impartir justicia, sumergiéndose así en un mundo de narcotráfico y manchándose las manos de sangre. Pese a que esta es una película bastante simple y convencional tiene unas escenas con mucha fuerza y cuya coreografía no es moco de pavo.

‘Matar o morir. Peppermint’ es muy básica y no se anda con complicaciones. De hecho, por salirse un poco de la tónica habitual, nos han ahorrado esas escenas en las que la heroína se prepara y entrena a fondo al son de canciones tipo ‘Eye of the tiger’ para pasar directamente a los tiroteos y peleas que nos interesan de este tipo de largometrajes. Correcta decisión a la hora de contarnos esta historia que por otro lado tampoco tiene flecos y nos da cierto sabor a cómic o filme clásico de justicieros.

Mucho guitarreo acompaña a esta película de Pierre Morel que al igual que con títulos como ‘Venganza’ o ‘Distrito 13’ sabe sacar partido de algo muy evidente y elemental. Intenta ser incesante y contundente en su ritmo y está muy cerca de conseguirlo, el carácter impreso por Garner es lo que más ayuda a creernos la transformación de una madre protectora que se torna totalmente violenta.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de octubre de 2018. Título original: Peppermint. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Pierre Morel. Guion: Chad St. John. Música: Simon Franglen. Fotografía: David Lanzenberg. Reparto principal: Jennifer Garner, John Gallagher Jr., John Ortiz, Juan Pablo Raba, Annie Ilonzeh, Jeff Hepner, Cailey Fleming, Eddie Shin, Method Man, Kyla-Drew, Johnny Ortiz. Producción: Laskeshore Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: thriller, acción. Web oficial: https://www.peppermint.movie/

Crítica: ‘Along with the gods’

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Después de una muerte heroica, un bombero navega por la otra vida con la ayuda de tres guías.

Crítica

Cautiva con sus mundos y con la frescura de su historia

En el festival de Sitges pudimos ver en sesión doble continuada los dos títulos de ‘Along with the gods’ que llevan como tagline ‘Los dos mundos’ y ‘Los últimos 49 días’, ambos dirigidos y escritos por Yong-hwa Kim. El próximo 18 de octubre Diamond Films ha organizado en colaboración con Yelmo Cines pases en los que se podrán ver de manera seguida las dos partes de esta saga que apunta a trilogía. Podrán visualizarse en más de una decena de salas y a continuación os detallo por qué merece la pena acercarse a ver esta aventura oriental.

La película surge de un cómic digital (webtoon) de Ho-min Ju. En él nos descubren un más allá bastante estricto pero espectacular. Cada muerto ha de pasar siete juicios para alcanzar la reencarnación y para superar esos juicios se le asignan tres guardianes (que son esos actores que en el cartel aparecen vestidos a lo Matrix). La cuestión es que hay ciertas almas que se consideran «virtuosas» y el protagonista tiene una de esas almas. El rey Yeomra prometió a los guardianes que si reencarnaban a 49 virtuosos les daría a ellos también la reencarnación. Las dos películas nos narran la búsqueda de esos guías por conseguir las dos últimas almas virtuosas.

Como si fuese el infierno de Dante el más allá está dividido en varios infiernos. Solo que para ir de uno a otro es como si estuviésemos en un mundo continental, con sus diferentes paisajes y retos. La película se recrea en esas localizaciones y es ahí donde tiene uno de sus puntos fuertes. A través de imágenes generadas por ordenador nos trasladan a lugares desérticos o a selvas frondosas. Cada infierno tiene su dios con su vestuario diferente y condena que aplicar al juzgado. Esos castigos aportan una espectacularidad a la película que solo hemos visto en películas de Hollywood, no solo por su grandiosidad, si no por la calidad de sus efectos especiales.

Se me ha antojado muy original esta historia, sobre todo durante la primera parte que tiene mejor ritmo y sorpresas. La segunda intenta estirar el argumento y se hace bastante más plomiza. Aún así el sabor a leyenda y cuento tanto épico como cómico lo mantiene.

Actoralmente no es ninguna maravilla, las interpretaciones no son excelentes pero tampoco tienen mucho que reprochar, sobre todo si tenemos en cuenta que atienden a unos códigos y una naturalidad más asiáticos. Pero de todos modos el filme resulta bastante universal y sus conceptos se pueden aplicar de un modo internacional.

Entre las dos entregas encontramos a actores muy jóvenes, pero el rostro más conocido aquí es Mak Dong Seok al cual vimos hace muy poco en la sorpresa de ‘Train to Busan’. El resto del reparto es bastante desconocido y si no estáis familiarizado con el cine coreano no os sonará nada. Tal vez ese es un punto a favor de la película, ya que no nos dejamos llevar por este u aquel famoso, si no que tenemos personajes desconocidos para nosotros que también nos cuentan una historia bastante fresca y nueva.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de octubre de 2018. Título original: Along with the gods. Duración: 140 + 140 min. País: Corea del sur. Dirección: Kim Yong-Hwa. Guion: Kim Yong-Hwa. Música: Jun-seok Bang. Fotografía: Byung-seo Kim. Reparto principal: Cha Tae-hyun, Kyung-soo Do, Ha Jung-Woo, Lee Joon-Hyuk, Won-hie Lim, Gwang Jang, Ji-hun Ju, Hae-Kyun Jung, Kim Dong-uk, Ha-Neul Kim, Kim Hae-suk, Hyang-Ki Kim, Kim Soo-an, Lee Jung-jae, Ma Dong-seok, Oh Dal-su. Producción: Dexter Studios, Realies Pictures. Distribuida por Lotte Entertainment, Well Go USA Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: aventura, fantasía, adaptación.

Crítica: ‘La sombra de la ley’

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Año 1921. España vive un momento agitado y caótico: son los años del plomo, fruto de los violentos enfrentamientos callejeros entre matones y anarquistas. El gansterismo y los negocios ilegales están instalados en la sociedad. En esta situación de disturbios y crímenes, Aníbal Uriarte es un policía enviado a Barcelona para colaborar con la comisaría local de policía en la detención de los culpables del robo a un tren militar. Aníbal y sus formas no encuentran mucho apoyo entre sus compañeros y enseguida comienzan los enfrentamientos y desconfianzas con el inspector Rediú, un superior corrupto. Aníbal entrará en contacto no sólo con los bajos fondos de la sociedad barcelonesa entre ellos con un Barón alemán, un mafioso con importantes conexiones, sino también con el mundo anarquista más radical, dispuesto a todo para conseguir sus objetivos. Allí conocerá a Sara, una joven luchadora y temperamental, cuyo encuentro tendrá consecuencias inesperadas para ambos.

Crítica

Dani de la Torre nos trae una cinta de gánsters en plena Barcelona con una impresionante puesta en escena.

Dirigida por Dani de la Torre, llega ‘La sombra de la ley’. El director de ‘El desconocido’ nos trae una historia de gánsters en la Barcelona de los años 20.

Sin duda alguna la cinta recuerda mucho a ‘Los Intocables’ de Eliot Ness’ pero no en su historia, sino en su estética, en su cuidado vestuario, en sus situaciones y ubicaciones. Dani de la Torre ha conseguido transportarnos en el tiempo a una época que no se trata en nuestro cine, tan centrado en la Guerra Civil y perdiendo historias tan buenas como esta.

El trabajo de investigación por parte del director sobre los años 20 en Barcelona es alucinante, nos adentra de lleno en toda esa vida de excesos y violencia donde la gente tenía muchas veces que sobrevivir. Sobornos, asesinatos, esquiroles, huelgas, robos a trenes… todo lo que se puede tener para una gran historia y Dani de la Torre utiliza todos los elementos de manera muy correcta.

En el reparto tenemos a Luis Tosar, Ernesto Alterio, Xosé Barato, Fernando Cayo, Michelle Jenner, Jaime Llorente, William Miller, Manolo Solo, Adriana Torrebejano, Paco Tous entro otros muchos que hacen que toda la cinta sea muy verosímil. No me puedo poner ha hablar de uno a uno de los actores y actrices de la cinta porque no terminaría, pero está claro que han dado lo mejor de cada uno en la película, una maravilla de casting.

Para el vestuario, que es estupendo, el director ha contado con Clara Bilbao, que ha trabajado en cintas como ‘En las estrellas’, ‘Nadie quiere la noche’ o ‘Blackthorn: Sin destino’ entre otras muchas cintas. Clara ha conseguido un vestuario oscuro, elegante y lleno de pequeños detalles que lo hacen todo perfecto.

La dirección de Dani de la Torre es magnífica, los planos secuencias son estupendos, hay uno de ellos que nos adentra en el mundo de la noche de Barcelona que me ha parecido de lo mejor de la película. Es impecable y se nota todo el trabajo que han tenido que hacer actores y el equipo técnico para que todo saliese perfecto.

Solo le pongo una pega a la película y es que me sobraron minutos, la trama de Michelle Jenner me parece innecesaria, solo la parte con su padre es interesante para la historia y el resto aporta bastante poco.

La película tiene muchos detalles a otras películas, pequeños homenajes que se ven muy claros, pero uno que sin duda me ha hecho bastante gracia ha sido el que han hecho a ‘Blade Runner‘, no digo más, así cuando la veáis estáis atentos durante la proyección.

Quitando la duración de la cinta, tengo que decir que por lo demás ‘La sombra de la ley’ nos da una buena historia y muy diferente acerca de la historia de España. No dudéis en acercaros a verla y disfrutarla, merece mucho la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de octubre 2018. Título original: La Sombra de la ley. Duración: 126 min. País: España. Dirección: Dani de la Torre. Guión: Patxy Amezcua. Música: Manuel Riveiro, Xavier Font. Fotografía: Josu Inchaustegui. Reparto principal: Luis Tosar, Michelle Jenner, Vicente Romero, Ernesto Alterio, Paco Tous, Manolo Solo, Jaime Llorente, Pep Tosar, Fernando Cayo, William Miller, Adriana Torrebejano, Xosé Barato, Ricardo de Barreiro, Elías Pelayo, Albert Pérez, José Manuel Poga. Producción: Vaca Films, Atresmedia Cine, Movistar+, Televisión de Galicia. Distribución: 20th Century Fox. Género: Thriller. Web oficial: http://www.fox.es/lasombradelaley

Crítica: ‘Venom’

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Uno de los personajes más complejos y populares de Marvel asume el protagonismo cuando Eddie Brock (Tom Hardy) se convierte en el anfitrión del simbionte alienígena conocido como Venom. Como periodista, Eddie lleva tiempo intentando desenmascarar al creador de la Fundación Vida, el famoso genio científico Carlton Drake (Riz Ahmed), una obsesión que ha arruinado su carrera y su relación con su novia, Anne (Michelle Williams). Al investigar uno de los experimentos de Drake, el ente alienígena Venom se fusiona con el cuerpo de Eddie, y el reportero adquiere de pronto nuevos e increíbles superpoderes, así como la oportunidad de hacer prácticamente lo que se le antoje. Retorcido, oscuro, impredecible e impulsado por la cólera, Venom obliga a Eddie a luchar por controlar unas habilidades sumamente peligrosas que, al mismo tiempo, también resultan embriagadoras y le hacen sentir poderoso. Dado que Eddie y Venom se necesitan mutuamente para conseguir lo que quieren, se van entremezclando cada vez más… ¿Dónde acaba Eddie y empieza Venom?

Crítica

Es el protector letal que imaginó David Michelinie y el tipo de bestia que dibuja McFarlane

A través de Sony Pictures, Marvel Entertainment lanza la película en solitario de uno de sus más icónicos villanos. Es el caso de Venom, la criatura extraterrestre que tanta guerra le ha dado a Spider-Man y del que muchos vais a descubrir nuevas facetas.

La vertiente del personaje que descubrimos en la película de Ruben Fleischer (‘Bienvenidos a Zombieland’) es la que nos aleja de la bestia sádica y casi irracional que parece que todo el mundo piensa que es. Estamos ante un anti-héroe compuesto de dos mitades: la humana que pretende ser buena y correcta y la alienígena que solo busca comer y sobrevivir. Eddie Brock, el personaje interpretado por Tom Hardy se debate entre su ética y los impulsos a los que da rienda suelta la criatura negra. Están bien ejemplificadas las interacciones entre el humano y el ente extraterrestre pero me habría gustado que la película tuviese más debate moral, más psicología y contienda entre ellos. Seguramente entrar en el terreno de la lucha de personalidades nos habría generado una película más cerca de lo independiente que de lo comercial y eso no suele responder a los requisitos de Marvel.

Lo que sí que tenemos es una película con acción y algo de humor (ahí está el sello de Marvel inflexible e inamovible). El guión es sencillo y bastante ameno, mucho más alejado del terror de lo que nos habían hecho imaginar. Aunque bien podría desembocar en la miniserie de cómics ‘Planeta de simbiontes’ adapta en su mayoría el título ‘Protector letal’ que escribió también su guionista original David Michelinie. Pero como se ha querido hacer una historia de orígenes se ha simplificado y modificado en buena parte. Esto pienso también que responde a motivos temporales pues los argumentos que esgrimía ese cómic no los veo acordes a los gustos de hoy en día. El sabor de las tramas de los años noventa está presente pero no tiene las extravagancias del cómic. Lo que sí que es bastante fiel al personaje original es su estética. Este Venom es esa bestia gomosa, de ojos grandes, lengua larga, con decenas de dientes y músculo que generó Todd McFarlane en su día. Su manera de moverse y sus «armas» hacen que haya rememorado el videojuego ‘Prototype’, en el cual uno podía llegar a ser tan devastador como este híbrido.

Pero al recrear al ser del espacio y todas sus contiendas viene una de las mayores pegas del filme, su CGI. A veces la criatura resulta excesivamente plástica o incluso notamos que lo que tenemos delante es un doble de acción o especialista. Por lo demás: interpretaciones, diseño de producción, montaje, ritmo… está correcta. Incluso su música va bastante acorde al tono que se busca transmitir. Ludwig Göransson incluye temas modernos pero también añade compases que nos introducen en un ligero ritmo aterrador y palpitante. Una mezcla más efectiva que la que utilizó en ‘Black Panther’.

‘Venom’ es el largometraje de un antihéroe que se tiene que enfrentar a algo más poderoso que él. Entre las dificultades a las que se enfrenta el simbionte está un millonario interpretado muy bien por Riz Ahmed y que parece un Elon Musk demonizado. Es el propietario de la Fundación Vida y para los curiosos podría decir que hace que esta película tenga una especie de conexión con ‘Life (Vida)’. El trabajo de Ahmed se hace notar pero obviamente Hardy tiene todas las de ganar a la hora de elegir un mejor intérprete en esta película, pues no solo ha hecho de periodista hecho polvo si no que también ha aportado su voz para el ser que le posee, un dos en uno. Se nota que es alguien ducho en hacer de villano, como vimos en ‘El Caballero Oscuro: la leyenda renace’ cuando hizo de Bane (personaje que por cierto en los cómics ingiere el suero llamado Venom para ser más fuerte).

La cinta tiene pocos huevos de pascua pero por supuesto cuenta con Stan Lee. Y al ser una película producida por Sony pero también por Marvel tiene escena post-créditos, dos en concreto. La primera asegura la intención del estudio por mantener al personaje vivo. La segunda es un pedazo de regalo para todos aquellos que aman el Spider-Verso y además juraría que es la más larga de la historia de Marvel.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de octubre de 2018. Título original: Venom. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Ruben Fleischer. Guion: Scott Rosenberg, Jeff Pinkner, Kelly Marcel, Will Beall. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Matthew Libatique. Reparto principal: Tom Hardy, Michelle Williams, Woody Harrelson, Jenny Slate, Riz Ahmed, Ron Cephas Jones, Mac Brandt, Scott Haze, Jared Bankens. Producción: Sony Pictures, Columbia Pictures, Marvel. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: http://www.venom.movie/site/

Crítica: ‘Superlópez’

Sinopsis

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Con superpoderes es difícil no destacar. Poder volar, tener súper-visión o detener un convoy del metro para que no descarrile… y regresar luego a la oficina, esforzándose en ser un tipo normal, no ha sido fácil para Juan López… o quizás sí, porque Juan no necesita más que su cruasán matinal para ser feliz…

…y porque Juan no sabe que es el portador de un vital secreto que salvará a su planeta, Chitón, del malvado Skorba y de su sibilina hija, Ágata. Un secreto que corre peligro de desvelarse cuando en la ordenada vida de López aparece Luisa, un antiguo amor de juventud. Ya no es momento de pasar inadvertido. Juan debe llamar su atención, sin saber que eso hará que Skorba y Ágata puedan por fin localizarle, darle caza y destruir Chitón.

Ha llegado el momento de convertirse en… ¡Superlópez!

Crítica

Es el patético y épico extraterrestre del cómic

Conocido por casi toda España, ha sido rescatado de nuestro pasado, siempre encuentra problemas y luce un tupido mostacho. No, no es José María Aznar ni Paco Lobatón. Y aunque tenga poderes tampoco es Cálico Electrónico. Es Superlópez. Javier Ruiz Caldera vuelve a adaptar un tebeo de Bruguera. Pero en esta ocasión se ha mantenido más fiel al tono e historia original que cuando rodó ‘Anacleto: agente secreto’. Puede que eso se deba a que en esta ocasión los guionistas han sido Borja Cobeaga y Diego San José. Los escritores de ‘Ocho apellidos’ vuelven disponer una historia para Dani Rovira que está llena de patetismo y parodia.

Cuando se anunció el proyecto que adaptaría el cómic de Jan yo apostaba por Julián López como el paródico superhéroe. Fallé en mi pronóstico pero para mi sorpresa se eligió al manchego para ejercer del pelirrojo Jaime, amigo del héroe. En su lugar, como ya es sabido por todo el mundo, se escogió a Dani Rovira para encarnar al protagonista. Y he de decir que me ha gustado esta versión del Superman español.

No pertenezco al grupo de detractores de Rovira y tampoco soy un admirador. Tal y como aborrezco ‘El futuro ya no es lo que era’ he disfrutado de ‘Ocho apellidos vascos’ y otros de sus trabajos. La interpretación del actor malagueño me ha devuelto a los cómics de mi infancia. El actor y cómico ha sabido ser un personaje torpe y pringado, que es lo que siempre ha sido este perdedor de los cómics.

Pero es que ‘Superlópez’ no depende solo de su bizarro protagonista. Está muy bien apoyada en todos los personajes que le rodean. Si que es verdad que a algunos de sus secundarios habría que haberlos enfocado de otro modo, pero gracias a los momentos que nos brindan Pedro Casablanc y Gracia Olayo, por ejemplo, nos reímos en muchas ocasiones. El largometraje sabe que siempre hemos maltratado a nuestros héroes y que además este en concreto es muy de estar por casa. Me lo he pasado muy bien viendo como en esta primera incursión cinematográfica se dedican mucho a parodiar los orígenes de El Hombre de Acero. No tiene una gran narración ni expone ninguna moraleja, más allá de demostrar que en nuestro país la felicidad se suele obtener a través de la mediocridad. Se aproxima tanto a lo mundano que nos recuerda fenómenos tan tragicómicos como aquella famosa pelea entre Bob Espoja y Hello Kitty en plena Puerta del Sol.

Los que esperen una película con giros sorprendentes o no soporten a Dani Rovira no van a disfrutar ‘Superlópez’. En cambio, aquellos que hemos ido a ver la película sin esas barreras si lo hemos pasado bien pues el humor de su director y guionistas con las constantes burlas hacia el mundo de los superhéroes y la españolización de muchos de sus tópicos hacen que se pase bastante rápido. Solo hay algunas ocasiones en las que la comedia romántica nos saca del carácter fantástico del filme.

Por supuesto hay muchos detalles sacados de la obra de Juan López Fernández, Jan. Podréis ver en más de una ocasión a sus petisos, Jaime y Luisa son como en el cómic, con sus clásicos bolsazos… E incluso ‘Star Wars’ tiene su hueco en el apartado de guiños. Porque si hay algo que tienen las aventuras de Superlópez son referencias.

Me ha gustado el tono, el diseño y los efectos digitales. En ocasiones son muy similares a los que empleó Fesser en sus películas de Mortadelo y Filemón. Se permiten los cambios con respecto a los argumentos del cómic original y se acepta la actualización del personaje. Hay esperanzas de tener una buena saga, de que lleguemos a ver a todo el Supergrupo o más aventuras de Superlópez, al menos así parece desearlo la escena post-créditos. Hay luz al final del túnel a la hora de pensar que llegaremos a ver en pantalla grande una gran parte de el universo Bruguera.

¿Dejará este superhombre que un vendaval se lleve a su padre? ¿Cómo conseguirá su traje? ¿De qué manera aprenderá a volar? Buscad esas respuestas en la película y seguro que os reís con las soluciones que se han rodado.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de noviembre de 2018. Título original: Superlópez. Duración: 107 min. País: España. Dirección: Javier Ruiz Caldera. Guion: Borja Cobeaga, Diego San José. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Arnau Vals Colomer. Reparto principal: Dani Rovira, Alexandra Jiménez, Julián López, Pedro Casablanc, Gracia Olayo, Maribel Verdú, Nao Albet, Gonzalo de Castro, David Fernández. Producción: Zeta Cinema, Mediaset España, Movistar+, Telecinco Cinema. Distribución: Buena Vista International. Género: comedia, cómic, ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://twitter.com/superlopezpeli

Crítica: ‘Christopher Robin’

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En esta nueva aventura de acción real, el niño que se embarcó en innumerables aventuras en el bosque de los Cien Acres con su banda de animales de peluche, ha crecido y… ha perdido el rumbo. Ahora les toca a sus amigos de la infancia aventurarse en nuestro mundo y ayudar a Christopher Robin a recordar al niño que aún tiene dentro.

«Christopher Robin» de Disney está dirigida por Marc Forster a partir de un guion de Alex Ross Perry y Allison Schroeder basada en personajes creados por A.A. Milne. Los productores son Brigham Taylor y Kristin Burr con Renée Wolfe y Jeremy Johns como productores ejecutivos. La película está protagonizada por Ewan McGregor como Christopher Robin; Hayley Atwell como su esposa Evelyn; Bronte Carmichael como su hija Madeline y Mark Gatiss como Keith Winslow, el jefe de Robin.

Crítica

Un cuento lleno de miel y madurez

Esta semana se estrena ‘Christopher Robin’, el camino hacia la adultez del protagonista de los libros de ‘Winnie de Pooh’ hijo del creador de los libros, Alan Alexander Mine.

La película dirigida por Marc Foster (‘Descubriendo nunca jamás’) nos trae de nuevo una historia basada en un cuento infantil. En este caso es una historia de ficción, donde los peluches de nuevo cobran vida para ayudar a su antiguo amigo a darse cuenta de que la vida no solo es trabajar.

Con una fotografía preciosa, llena de colores pasteles y un leve difuminado, el director de fotografía Matthias Koenigswieser, nos muestra un mundo de cuento siempre que vemos a los peluches en acción, mientras tanto, logra crear un contraste estupendo con el estresante mundo de un Londres, oscuro, lluvioso y lleno de gente.

Marc Foster, que lo hizo de maravilla en ‘Descubriendo Nunca Jamás’, no ha logrado crear una película para niños, ni para adultos, el equilibrio se pierde y realmente ‘Christopher Robin’ es complicada de etiquetar. En mi opinión es una cinta con un ritmo demasiado pausado para el público infantil, mientras que para el público adulto puede resultar demasiado edulcorada.

Aunque eso sí, el mensaje es bastante directo para esos padres que solo tienen tiempo para el trabajo y solo inculcan a sus hijos que tienen que estudiar y olvidan que también deben jugar y divertirse. En ese sentido me ha recordado a cintas como ‘Mary Poppins’ o la película de Steven Spielberg ‘Hook’.

Ewan McGregor es el encargado de dar vida a Christopher, este hombre que a crecido y olvidado todo lo que era ser feliz. Logra convencernos y crea una imagen bastante amable de un padre que no sabe gestionar su estrés.

En el reparto también vemos a Hayley Atwell, Bronte Carmichael, Mark Gatiss entre otros y escuchamos a Jim Cummings, Brad Garrett, Nick Mohammed, Peter Capaldi, Sophie Okonedo, Sara Sheen y Toby Jones, sus voces dulzonas y pausadas son las encargadas de dar vida a todos los peluches de Christopher.

Antes de terminar, me gustaría hablaros de los verdaderos protagonistas de la cinta, los peluches de Christopher, liderados por Winnie de Pooh. No me ha gustado mucho el diseño de los muñecos, sí que es muy parecido al diseño original, pero los peluches los han hecho bastante más sucios y tétricos, les falta un poco color. Lo bueno que tienen es que el CGI es bastante bueno y está muy bien introducido en la película junto con la imagen real.

Poco más que añadir, la película entretiene, pero no va a ser una película inolvidable, un cuento que sin duda va a hacer que quieras conocer la vida del protagonista.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de septiembre de 2018. Título original: Christopher Robin. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Marc Foster. Guión: Tomas McCarthy, Alex Ross Perry, Allison Schroeder. Música: Klaus Badelt. Fotografía: Matthias Koenigswieser. Reparto principal: Ewan McGregor, Hayley Atwell, Mark Gatiss, Adrian Scarborough, Paul Chahidi, Brad Garret, Nick Mohammed, Peter Capaldi, Jim Cummings, Sophie Okonedo, Sara Sheen, Toby Jones. Producción: Walt Disney Pictures. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: Animación. Web oficial: https://disney.es/peliculas/christopher-robin

Crítica: ‘Hell Fest’

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Un asesino en serie enmascarado convierte un parque de atracciones con temática de terror en su propio patio de recreo personal, aterrorizando a un grupo de amigos mientras el resto de los visitantes creen que todo es parte del espectáculo.

La estudiante universitaria Natalie está visitando a su mejor amiga de la infancia, Brooke, y a su compañera de cuarto, Taylor. Si fuera otra época del año, estas tres amigas y sus novios irían a un concierto o a un bar, pero es Halloween, lo que significa que, como todos los demás, irán al Hell Fest: un inmenso parque de atracciones con juegos y laberintos y que coincide que está en la ciudad. Cada año, miles de personas visitan Hell Fest para experimentar el miedo en este macabro carnaval de pesadillas.

Pero para uno de los visitantes, Hell Fest no es un parque de atracciones sino un coto de caza. Una oportunidad para matar a la vista de un público embobado, tan sumido en la terrorífica y divertida atmósfera que no se dan cuenta de la horrible realidad que se desarrolla frente a sus ojos. A medida que la cantidad de cadáveres y la excitación frenética de la multitud continúan elevándose, el asesino irá a por Natalie, Brooke, Taylor y sus novios, quienes lucharán para sobrevivir a la noche.

Crítica

Aporta muy buenas ideas a los parques temáticos pero muy malas a los psicópatas

Yo no sé si aquella noticia fue un fake o no, o incluso si pertenecía a algunos de mis retorcidos sueños. Pero hace unos meses se habló de un parque temático temporal que estaría centrado en el terror y ubicado en un lugar abandonado de Cataluña. Sea como fuere un sitio así atrae a todo amante de los sustos y lo tétrico y eso es lo que se muestra en ‘Hell Fest’.

El lugar empleado para esta película de Gregory Plotkin (‘Paranormal activity: dimensión fantasma’) es un recinto lleno de zonas terroríficas, de actores disfrazados, de animatrónica y de luces de neón. De esto último nos saturan bastante y hay veces que entre tanto fluorescente y láseres parece que vamos a entrar en el mundo de Tron. Pero lo divertido de ‘Hell Fest’, a pesar de que el verdadero slasher solo esté presente en su último tercio, es ir descubriendo cada una de las atracciones. Si os pasáis a ver la película lo que más vais a pensar es que os encantaría que existiese un lugar así. De barraca en barraca la película va avanzando, enseñando susto tras susto y cruzándose con el asesino de diferentes maneras, muchas de ellas cómicas. Los pasajes que tienen que atravesar los protagonistas son de lo más original y eso nos entretiene de buena manera.

El grupo de jóvenes protagonistas no es arquetípico y eso se agradece. Jóvenes actores como Amy Forsyth (serie ‘Channel Zero’), Reign Edwards (serie ‘Snowfall’), Bex Taylor-Klaus (serie ‘Scream’), Matt Mercurio (‘Black lightning’), Christian James (‘Legal action’) y Roby Attal (‘El largo camino a casa’) conforman el grupo de amigos que sufre la persecución del nuevo asesino y ninguno de ellos esgrime los tópicos de las películas de este tipo. Pero si miramos en líneas generales el largometraje si que empuña los clásicos argumentos de las películas juveniles de asesinatos y su criminal también tiene las características del género: máscara como de cuero y tarareo de una canción (Pop goes the Weasel) antes de asesinar. Pese a cumplir muchos clichés ‘Hell Fest’ tiene pocas incongruencias, cosa sorprende y es también bien recibido.

La verdad es que cuando estaba seleccionando la fotografía que iba a encabezar esta crítica me costaba elegir entre todas las imágenes de las que disponemos en la sección de prensa de Tripictures. Porque si hay algo que no se le puede negar a ‘Hell Fest’ es que tiene una estética muy atractiva. Me sucede un poco como con la escena de la piscina de ‘Los extraños. Cacería nocturna’, que mezcla mucho color, luz y nitidez pero genera un ambiente que no es nada acogedor. Sin conseguir un momento tan mítico como el de la película de Johannes Roberts si nos aporta lugares de pesadilla. Buena parte de ese mérito es del director de fotografía, que es el español Jose David Montero.

A casi todos nos gusta «pasarlo mal» en una casa del terror o ver los parques de atracciones transformados en Halloween con multitud de artículos y zonas tematizadas para que sintamos terror. Sea la celebración del 31 de octubre algo que nos han vendido desde Norteamérica o no hay que reconocer que las masas acuden como las polillas a la luz a las convocatorias de eventos de carácter aterrador. En cualquier esquina de estos lugares ambientados para la ocasión podemos sufrir un jumpscare y esto es lo que explota ‘Hell Fest’ para generar su slasher. Es una película más juvenil que otras en las que se ha visto inmerso el director en condición de montador, véase ‘Déjame salir’ o la saga ‘Paranormal activity’. Está más cerca de otros de sus trabajos más recientes como ‘Noche de juegos’ o ‘Feliz día de tu muerte’ pero sin esgrimir tanta comedia.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de septiembre de 2018. Título original: Hell Fest. Duración: 90 min. País: Estados Unidos. Dirección: Gregory Plotkin. Guion: Seth M. Sherwood, Blair Butler, Akela Cooper. Música: Bear McCreary. Fotografía: Jose David Montero. Reparto principal: Amy Forsyth, Reign Edwards, Bex Taylor-Klaus, Christian James, Roby Attal, Matt Mercurio, Tony Todd. Producción: Valhalla Motion Pictures. Distribución: Tripictures. Género: terror. Web oficial: http://www.tripictures.com/web/hell-fest/

Crítica: ‘Searching…’

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Después de que la hija de 16 años de David Kim (John Cho) desaparece, se abre una investigación local y se asigna una detective al caso. Pero 37 horas más tarde y sin una sola pista, David decide buscar en el único lugar donde nadie ha buscado todavía y donde se guardan todos los secretos hoy en día: el ordenador portátil de su hija. En un thriller hipermoderno contado a través de los dispositivos tecnológicos que usamos todos los días para comunicarnos, David debe rastrear las huellas digitales de su hija antes de que desaparezca para siempre.

Crítica

Inquietante y muy entretenida, así es ‘Searching’.

La vida de David Kim da un vuelco cuando su joven hija desaparece, después de que ella le intentara llamar por la noche, David no vuelve a saber nada de ella. Con la ayuda de una de las policías más destacadas de la ciudad y de las redes sociales, este padre desesperado va intentar conocer el paradero de su hija. ¿Ha huido? ¿La han secuestrado? ¿Seguirá con vida? Todas estas preguntas estarán en alza durante la hora y cuarenta minutos de duración de la cinta, donde la desesperación y la esperanza van juntos de la mano.

La película tiene un precioso comienzo, en donde te explican la vida de ambos personajes, una pequeña introducción que sin duda recuerda muchísimo a la cinta ‘Up’, de Pixar. Lleno de sentimientos y muy ligero, este comienzo hace que veamos la situación del padre y la hija antes de la desaparición de ésta última.

El guión es sencillo, sin complicaciones y poco a poco todo se va hilando perfectamente. La gran curiosidad de ‘Searching’ es que ves toda la historia a través de pantallas, ya sea la del ordenador, móvil, cámaras de seguridad e incluso de la televisión y esto hace que se haga muy amena.

Una de los temas que trata son las redes sociales y hasta qué punto pueden engañarnos, tener 200 amigos en Facebook, no significa que sean reales, o la felicidad mostrada en las fotografías de Instagram pueden esconder una tristeza infinita. También nos demuestra que todo, absolutamente todo queda grabado y por mucho que borres las huellas digitales, al final la red saca toda la verdad, de una manera u otra. Da un poco de miedo, porque una vez terminada la película da mucho que pensar y os va a pasar, el salir y comenzar a pensar en las cosas que colgáis en las redes y la manera en la que lo hacemos, o a mirar a esos «amigos» en Facebook y pensar en cómo han llegado hasta allí.

Como he dicho, todo se hila a la perfección, con el pequeño fallo, para mi gusto, de que te vas dando cuenta de por dónde van los tiros del desenlace y quizás eso le quite emoción. Aunque tengo que admitir, que aun así, me ha entretenido mucho y esto es gracias al montaje y al reparto de la misma. El protagonistas es John Cho, el actor es el encargado de dar vida a este padre desquiciado, conocido por su papel en la nueva generación de ‘Star Trek’. Cho nos demuestra que es capaz de realizar cualquier tipo de actuación, pues en esta cinta tiene casi todos los minutos para él.

Debra Messing, es la encargada de acompañarle como la policía que intenta ayudarle y calmarle durante una situación tan complicada. La actriz conocida por la versión estadounidense de ‘Los misterios de Laura’, hace un papel de mujer dura pero a la vez comprensiva al ser ella también madre.

Uno de los puntos buenos de la película es sin duda la música, realizada por Torin Borrowdale, el sonido del piano durante toda la historia, nos va contando cómo se siente este padre que ha perdido a lo que más quiere y como poco a poco la tristeza se va adueñando de él.

Para ser su primer largometraje, Aneesh Chaganty ha sabido llevar muy bien una historia tan sencilla que con su originalidad logra que estés pendiente de las pantallas hasta el final. Sin duda una buena opción para ir al cine este fin de semana y recomendar la película a todo el mundo que quiera ver algo nuevo en el cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de septiembre 2018. Título original: Searching. Duración: 101 min. País: Estados Unidos. Dirección: Aneesh Chaganty. Guión: Aneesh Chaganty, Sev Ohanian. Música: Torin Borrowdale. Fotografía: Juan Sebastian Baron. Reparto principal: John Cho, Debra Messing, Joseph Lee, Michelle Le, Sara Sohn. Producción: Stage 6 Films, Bazelevs Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: Thriller. Web oficial: http://www.searching.movie/site/

Crítica: ‘Un pequeño favor’

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Emily (Blake Lively) le ha pedido un pequeño favor a su mejor amiga Stephanie (Anna Kendrick): que cuide de su hijo una tarde. Cuando Emily no pasa a recoger a su hijo, Stephanie comienza a preocuparse. Stephanie buscará descubrir la verdad detrás de la repentina desaparición de Emily.

Crítica

Feig evita el dramón gracias a dos protagonistas que ejecutan un combo muy cómico

De la mano de Paul Feig (‘Espías’, ‘Cuerpos especiales’, ‘Cazafantasmas’) nos llega el título ‘Un pequeño favor’. El director de Michigan ha capitaneado y escrito un proyecto que crea a partir de una novela de Darcey Bell. En ella un ama de casa con energía para dar y regalar y con un video blog (Anna Kendrick) se hace amiga de una mujer ejecutiva que parece totalmente su antítesis (Blake Lively). Esta relación surge gracias a que los hijos de ambas van juntos a clase. Debido a esto el personaje interpretado por Lively llega un momento que pide a su nueva amiga algo. Esta ayuda consiste en que cuide de su hijo durante una noche. El problema llega cuando esta última desaparece de la faz de la tierra.

A priori esta premisa suena a dramón para la sobremesa del sábado. Mezcla argumentos muy telenovelescos con resoluciones dignas de cualquier serie policíaca de éxito. Pero lo cierto es que es una película muy cómica. No por que haga alarde de un humor negro, si no por el sello de Feig. Si no fuese por la capacidad del director para hacer que entre sus personajes se dejen boquiabiertos habría sido un largometraje para llorar a moco tendido.

Como decía, ambos personajes protagonistas son polos prácticamente opuestos y la película se fundamenta en esa disparidad, sobre todo para exponer sus argumentos cómicos. El papel de Kendrick consiste en ser muy mojigata, afable y confiada. Por el contario Lively ha tenido que mostrarse como una tiburón, agresiva y perniciosa. De esta confrontación, muy digna de cualquier buddy movie, se originan muchas situaciones peliagudas, incómodas y desafiantes que hacen bastante gracia. Poco a poco esa comedia se diluye, pero no desaparece, para dar paso a un suspense bastante cargado de tópicos.

Tanto Lively como Kendrick están muy bien enfundadas en su cometido. Quizá es Blake Lively quién cambia más de registro, algo que también es usual en ella ya que va de la acción al drama o a la comedia con la facilidad con la que nos mudamos de calcetines a diario. Ambas bailan bien la música que les ponen Feig y Theodore Shapiro y resultan la mar de creíbles.

Con ‘Un pequeño favor’ disfrutamos de un Feig más comedido que en otras comedias. No está en un estado tan absurdo y ácido como cuando realizó ‘The Office’ ni tan tosco como en ‘Cuerpos especiales’. Se sobra en múltiples ocasiones pero no llega a un nivel grosero, lo ideal para que esta cinta surgida de una novela no parezca una telenovela.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de septiembre de 2018. Título original: A simple favor. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Paul Feig. Guion: Paul Feig, Jessica Sharzer. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Anna Kendrick, Blake Lively, Henry Golding, Andrew Rannells, Jean Smart, Bashir Salahuddin, Joshua Satine, Ian Ho, Aparna Nancheria, Kelly McCormack, Rupert Friend. Producción: Feigco Entertainment, Bron Studios. Distribución: eOne Films. Género: suspense, drama, adaptación. Web oficial: https://www.asimplefavor.movie/

Crítica: ‘Milla 22’

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James Silva (Mark Wahlberg) es un experimentado agente perteneciente a un comando secreto de la CIA, que es enviado a un país sospechoso de realizar actividades nucleares ilegales. Cuando el agente local LI (Iko Uwais) llega a la embajada americana buscando intercambiar información vital a cambio de su traspaso a los EE. UU., James deberá llevarle en una peligrosa y frenética misión, desde el centro de la ciudad hasta una pista de aterrizaje a 22 millas de distancia.

Crítica

Iko Uwais recorre con más notoriedad las 22 millas de Wahlberg y Berg

‘Milla 22’ nos genera una nueva historia de soldados que actúan al margen de cualquier ley y que tienen carta blanca a la hora de disponer de cualquier recurso o tecnología. Un equipo de esos que no existe para el ciudadano, que protege todas las comodidades del norteamericano y que siempre es eficiente, concienzudo y rápido. Con esto nos propone una yincana a contrarreloj que arranca cuando la película está más bien avanzada pero que empieza su contador de muertes desde muy temprano. Son 22 millas de persecución y tiros contenidas en 95 minutos y capitaneada a priori por Mark Wahlberg.

El personaje de Wahlberg se plantea como un superdotado que tiene verborrea y gasta muy mala uva, hasta el punto de machacar a sus compañeros con una enorme presión. Es de esos de los que durante sus discursos le gusta dar datos específicos, soltar citas lapidarias o remontarse a momentos históricos para así conseguir intimidar o mostrar su superioridad. Pero por si no nos había quedado claro que tenemos a un protagonista que se sale intelectualmente de la norma o es un tanto especial se le ha puesto un tic o una dependencia que le hace estar constantemente tirando de una goma que lleva en la muñeca. Aunque esto se enseña de manera constante y descarada se olvidan del detalle durante buena parte del filme.

El personaje de Wahlberg se plantea como el cabeza de cartel de ‘Milla 22’ y está muy bien respaldado por Lauren Cohan e incluso en la distancia y en menor medida por un John Malkovich, mucho menos histriónico que de costumbre. Pero quien mantiene más viva la cinta es Iko Uwais. Este actor indonesio quizá os suene de alguna escena de ‘Star Wars: episodio VII – El despertar de la Fuerza’ pero donde de verdad ha destacado es con las dos entregas de ‘The Raid’. Esa acción que lucía en las películas de Gareth Evans la traslada a este filme, de hecho tiene una secuencia bastante similar. Con coreografías muy trabajadas, bastante rudeza y una pizca de sangre consigue mantenernos más enganchados que todo el resto del reparto.

Muchas son las ocasiones en las que el director Peter Berg y el actor Mark Wahlberg han trabajado juntos: ‘El único superviviente’, ‘Marea negra’ o ‘Día de patriotas’. Este es otro título que ensalza las capacidades de los estadounidenses y que intenta mantener esa línea de realismo adornado. Aunque de todas ellas es la que tiene un argumento menos interesante podríamos decir que es la que más consciente es de sus capacidades y va más directa a lo que promete.

Esta película que a los más jugones les recordará a esas clásicas misiones en las que tienen que proteger a un personaje a toda costa está llena de ilimitados villanos que por supuesto controlan desde artes marciales hasta manejo de armas de gran potencia, pasando por conducción temeraria. Un filme bien medido que nos puede engañar en algún que otro sentido y que no debería ser menospreciado pues podría originar saga.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de septiembre. Título original: Mile 22. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Peter Berg. Guion: Graham Roland, Lea Carpenter. Música: Jeff Russo. Fotografía: Jacques Jouffret. Reparto principal: Mark Wahlberg, John Malkovich, Ronda Rousey, Iko Uwais, Lauren Cohan. Producción: STX Entertainment, Closest to the Hole Productions, Film 44, The Hideaway Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: suspense, acción. Web oficial: http://mile22.movie/

Crítica: ‘Matar a Dios’

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Una familia se prepara para celebrar el fin de año en una aislada casa en medio del bosque. De pronto irrumpe en la casa un misterioso vagabundo, es enano y dice ser Dios. El vagabundo amenaza con exterminar a la especie humana al amanecer: sólo se salvarán dos personas y ellos han sido los elegidos para escoger a esos dos únicos supervivientes. Ahora el destino de la humanidad recae en cuatro desgraciados que evidentemente van a querer salvarse. ¿A quién salvarías tú?

Crítica

Es de esas películas en las que no hay espacio para la candidez

La culpa, el egoísmo, los prejuicios, los reproches, el odio, el miedo… Con todos estos términos parece que de lo que vamos a hablar es de una película dramática. Pero ‘Matar a Dios’, además de al género fantástico, a lo que recurre es a la comedia. La película de Caye Casas y Albert Pintó es un original y desconcertante thriller con mucho debate y dosis de humor negro. También podría catalogarse como un nuevo episodio de la Biblia transcurrido en nuestra época y muy apto tanto para ateos como para creyentes.

¿Qué haríais en el lugar de sus protagonistas? ¿Pensaríais en vuestro propio bien o en el de vuestra especie? ¿Creeríais de verdad que Dios se ha presentado en vuestra casa de campo bajo la forma de un mendigo enano para anunciar el fin de la raza humana? Dudas, genera muchas dudas la película que aborda sus cuestiones muy bien a través de sus personajes.

Todos los intérpretes aparecen sin caer en caricaturas ni tópicos extremos. ‘Matar a Dios’ tiene frases toscas y poca acción pues la película transcurre en una familiar cena de nochevieja que ya era bastante conflictiva y tensa antes de que llegase Dios a torcerlo todo más aún.

Lo de Emilio Gavira es marcar la diferencia. De tantos actores que han hecho de Dios podría haber cogido dejes y tópicos, pero lo que hace es algo distinto y se agradece, no tiene nada que envidiar a otros actores que desde norteamérica nos han recreado al ser divino. Todos los protagonistas tienen su peculiaridad o manejan el gigantesco conflicto de un modo u otro. Pero algunos destacan algo más del resto, no solo por interpretaciones como las de Emilio Gavira o Itziar Castro (excelentemente presente en el corto ‘RIP’ de los mismos directores), si no porque sus personajes dan pie a frases o momentos más graciosos. Es de esas películas en las que no hay espacio para la candidez. Se construye a base de riñas constantes y muchos comentarios hirientes entre todos los miembros de la familia. Pero se consigue que la historia suceda con mucho «buen rollo» y transmitiendo muchas ganas de reírse de todo.

Desde que estuvimos en compañía de sus artífices y vimos la película en los festivales de Sitges o Nocturna llevaba tiempo queriendo hablaros de esta descacharrante película. Muy hilarante pero solo si consigues entrar en la dinámica de su humor negro y áspero. Lúgubre cinta con aciaga premisa que también tiene un cierre cargado de incógnita. No la veo para todos los públicos y no lo digo solo por el rango de edades si no porque hay que ser capaz de empatizar con el elenco de esta familia y por la propuesta cómica sin tabúes que ofrece. Pero para aquellos a los que les sea posible jugar en la misma liga humorística que Casas y Pintó será una hora y media muy amena.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de septiembre de 2018. Título original: Matar a Dios. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Caye Casas, Albert Pintó. Guion: Caye Casas, Albert Pintó. Música: Francesc Guzman. Fotografía: Miquel Prohens. Reparto principal: Emilio Gavira, Itziar Castro, Eduardo Antuña, Boris Ruiz, David Pareja. Producción: Alhena Production. Distribución: Festival Films. Género: fantástico, comedia.

Crítica: ‘Predator’

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Desde lo más profundo del espacio exterior hasta las calles de una pequeña ciudad en las afueras. La caza vuelve a casa con la explosiva reinvención de la saga de Predator de Shane Black. Después de mejorar sus capacidades con ADN de otras especies, los cazadores más letales del universo son más fuertes, más inteligentes y más mortíferos que nunca. Cuando un chaval activa accidentalmente su regreso a la tierra, sólo un dispar grupo de exsoldados y una profesora de ciencias desencantada pueden evitar el fin de la raza humana.

Crítica

En ‘Predator’ el letal alienígena se enfrenta a un Equipo A en el que todos son Murdock

He de admitir que como pureta de las sagas Predator y Alien me daba mucho miedo esta nueva entrega. A pesar de contar con un director con el que siempre suelo congeniar como Shane Black (‘Arma letal’, ‘Dos buenos tipos’) sentía mucho reparo ante el anuncio del cambio de funcionamiento de las criaturas extraterrestres. Y la verdad es que esas dudas se disiparon al poco de empezar la película. Se agradece la nueva dinámica en una serie de películas que ya ha tenido varias secuelas y crossovers. Cambia la mecánica con respecto a otros filmes pero cambia también la visión que teníamos de los Predators y su paso por la Tierra. Quizá cabría puntualizar que más que un cambio es una evolución, un descubrimiento de más cosas de esta raza guerrera de extraterrestres, por lo que pienso que será bienvenida la nueva información que aporta este nuevo estreno de Fox.

Lo bueno de la nueva cinta es que a veces parece que se da la vuelta a las películas tradicionales de monstruos y es Predator quien es perseguido y se convierte en el objetivo de un survival horror. Hay nuevas reglas del juego que han llegado además con un director que hace honor al estilo a las películas de los 80. El maquillaje, la animatrónica, las frases, los tipos duros, los tiroteos… hasta los nombres y apellidos rememoran a la época dorada del cine de acción. Todo ello aparece mezclado con más trabajo de imágenes generadas por ordenador y gran cantidad de chistes fáciles.

Shane Black se mantiene fiel a sus maneras de hacer y se nota que le han dejado concebir las cosas como a él le gustan. Como menciono en mi titular ‘Predator’ tiene a un completo equipo de soldados que están bastante desequilibrados. En esta ocasión Black no ha escrito una película tan demente como ‘El último gran héroe’, ni una budy movie como ‘Arma letal’ o ‘Dos buenos tipos’. Quizá en ese sentido le han frenado el otro guionista Fred Dekker (‘Una pandilla alucinante’) o los requisitos de la productora. Pero sus personajes sí que están más chiflados que todos los que ha generado anteriormente y en conjunto representan una locura de las buenas. ‘Predator’ tiene muchos personajes a favor de los protagonistas y están casi todos tocados del ala, pero también ofrece varios antagonistas que hacen de la película una constante caza y huida.

«Eres una auténtica belleza». Eso lo dijo ya en su día Arnold Schwarzenegger y aquí se repite. ‘Predator’ no pierde de vista la película original de los Predator en la que el propio Shane Black probó como actor lo que era enfrentarse a los alienígenas. Incluso alude a las primeras entregas que transcurrían en el 87 y 97 o incluye en su reparto al hijo de Gary Busey, Jake Busey (‘Starship Troopers’). Pero no solo eso si no que no pierde de vista las otras continuaciones porque este nuevo título es una clara secuela. Parece eso sí, que obvia el ‘Predators’ de Nimród Antal, lo cual no es de extrañar.

Al igual que en otras ocasiones este es un filme bastante coral. Muchos de los personajes están cortados por el mismo patrón pero encontramos diferencias como la de Jacob Tremblay (‘Wonder’) quien ejerce un papel muy a lo ‘Mercury Rising’. El protagonista principal, aparte de la criatura espacial, es Quinn McKenna (Boyd Holbrook) y alrededor de él va apareciendo todo el reparto, incluida una Yvonne Strahovski con un papel bastante accesorio. Os dará tiempo a disfrutar de las chifladuras y majaderías de los personajes de Alfie Allen, Thomas Jane, Trevante Rhodes, Keegan-Michael Key…

Pero hay que tener cuidado con este largometraje. Si no te gustan las películas que se recrean en lo sangriento y son casi totalmente caóticas no disfrutarás. ‘Predator’ tiene un gran inconveniente y es su ritmo y su montaje. De manera alocada y casi sin explicación los actores van de un sitio a otro. Transcurre de un modo atropellado y se deja algunas cosas al servicio de lo casual o fortuito. Quizá tenga que ver con esto la regrabación que hubo que hacer del último tercio del filme, el cual ha quedado un tanto desordenado pero al menos nos deja listos para más.

Comparte director de fotografía con ‘Watchmen’, ‘300’ o ‘Batman v. Superman’. Pero la película está más cerca de otros trabajos de Larry Fong como ‘Kong: La Isla Calavera’ o incluso la serie ‘Perdidos’. Si seguimos con los detalles técnicos y en el apartado musical también tenemos a un avezado compositor acostumbrado a las películas con mucha acción. Henry Jackman ha puesto banda sonora a películas como ‘Kingsman’, ‘Jumanji: bienvenidos la jungla’ o ‘X-Men: primera generación’. No ha creado ni siquiera un leitmotiv para la película pero al menos tiene algunas similitudes con la obra de Silvestri para las dos primeras entregas.

Shane Black sigue a su bola. No procura «molar» si no que va a lo suyo, con sus locuras y momentos de épica de poca monta. Con el «escuadrón suicida» que se ha montado convencerá a los seguidores de la saga que disfruten de los momentos teñidos de rojo y las ejecuciones ingeniosas. Pero puede decepcionar a los que busquen una película mejor construida.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de septiembre de 2018. Título original: The Predator. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Shane Black. Guion: Shane Black, Fred Dekker. Música: Henry Jackman. Fotografía: Larry Fong. Reparto principal: Boyd Holbrook, Trevante Rhodes, Jacob Tremblay, Keegan-Michael Key, Olivia Munn, Sterling K. Brown, Alfie Allen, Thomas Jane, Augusto Aguilera, Jake Busey, Yvonne Strahovski. Producción: 20th Century Fox, Davis Entertainment, TSG Entertainment, Canada Film Capital, Dark Castle Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: acción, ciencia ficción. Web oficial: https://www.foxmovies.com/movies/the-predator

Crítica: ‘La Monja’

Sinopsis

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Una joven monja de clausura de una abadía en Rumanía se quita la vida. Para investigar lo sucedido, el Vaticano envía a un sacerdote con un pasado tormentoso y a una novicia a punto de tomar sus votos. Juntos van a descubrir el profano secreto de la orden. Arriesgan no solo sus vidas sino también su fe y sus almas al enfrentarse a una fuerza maléfica que se encarna en esa misma monja endemoniada y que aterrorizó a los espectadores en «Expediente Warren: El caso Enfield». La abadía se convierte así en un aterrador campo de batalla entre vivos y condenados.

Crítica

Una fantástica puesta en escena es lo que nos regala ‘La Monja’

He de reconocer que hacía mucho tiempo que no me lo pasaba tan bien con una película de miedo. Muy distinta a sus predecesora, pero aun así se reconoce ese toque particular de la saga de los Warren. El 7 de septiembre llega a nuestras salas ‘La Monja’.

En esta cinta conoceremos el origen de esta demoníaca Monja Valak, a la cual conocimos en ‘Expediente Warren: El caso Enfield’. Dirigida por Corin Hardy y guionizada por Gary Dauberman, la película es bastante más divertida que las anteriores, pues le han introducido bastante humor. No viene mal, porque la sesión de sustos qué vais a tener es bastante larga y la mayoría de ellos bastante impredecibles.

Esta vez, marchamos a Rumanía en los años 50, donde una monja se ha suicidado en una abadía. El Vaticano decide investigar y manda a una joven novicia y a un sacerdote con un pasado bastante turbulento. El argumento no es nada original, pero tampoco le hace falta, pues han realizado un buen trabajo y entretiene hasta el final.

No solo tenemos a estos dos protagonistas, pues el encargado de amenizar la tensión y los sustos será el personaje que encontró el cadáver de la monja, un personaje al que han llamado ‘El franchute’, suena bastante a chiste, pero bueno, al final funciona muy bien. Me ha recordado mucho al personaje de Brendan Fraser en ‘La Momia’, al fin y al cabo, ‘La Monja’ tiene mucho del espíritu aventurero de la película de Stephen Sommers.

Como he dicho antes vamos a tener muchos sustos, todos ellos encerrados dentro de una atmósfera gótica dignas de las cintas de cine B que tanto nos han divertido y entretenido hace tiempo. Veremos pequeños homenajes a películas como ‘Drácula de Bram Stoker’ e incluso a películas más modernas de la talla de ‘Silent Hill’.

Zombies, sombras que se mueven, puertas que encierran a nuestros protagonistas y les hacen sufrir o incluso fantasmas, es lo que vamos a encontrarnos en ‘La monja’.

Demian Bichir, el encargado de dar vida al Padre Burke , Taissa Farmiga, hermana en la vida real de Vera Farmiga (Lorraine Warren) y Jonas Bloquet hacen muy buena química en pantalla y está claro que gracias a esto la película funciona. Los sustos que se lleva la hermana Irene son muchos y esa manera de correr por los largos pasillos de la abadía, hacen que nos creamos perfectamente todo lo que está ocurriendo.

Y por supuesto tenemos de nuevo a Bonnie Aarons que vuelve a repetir su papel de monja endemoniada, y sí, sigue dando muy mal rollo durante toda la película. Siempre está presente, de una manera u otra no dejan que te olvides de ella.

En los elementos técnicos decir que el diseño de producción es una maravilla, como he dicho, nos lleva al cine gótico de los años 50, esa niebla que aparece de la nada, esos cementerios en medio de los bosques e incluso detalles como tener tapados los espejos y jugar con el tema religioso. Además a todo esto se le añade la fotografía de la cinta, el encargado de dirigirla ha sido Maxime Alexandre (‘Annabelle: Creation’) el cual se ha encargado de mostrarnos detalles y grandes planos de todos los decorados que se han realizado, introduciéndonos más así en la historia.

Otro punto fuerte, como siempre ha ocurrido en la saga de los Warren, es la música, la banda sonora que va de la mano de Abel Korzeniowski, nos introduce en la Rumanía profunda y al igual que toda la película, en estas cintas antiguas de terror, donde los grandes sustos van acompañadas de un gran resalto musical.

Poco más que decir, este viernes se estrena ‘La Monja’ y estoy segura que a muchos os va a divertir. No es terror puro, no penséis qué vais a ver ‘El Exorcista’ porque si es el cine que tenéis intención de ver, esta no es vuestra película. Pero ‘La Monja’ no os va a defraudar si buscáis una cinta dinámica, acción, sustos y diversión. No os la podéis perder.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de septiembre 2018. Título original: The Nun. Duración: 96 min. País: Estados Unidos. Dirección: Corin Hardy. Guión: Gary Dauberman. Música: Abel Korzeniowski. Fotografía: Maxime Alexandre. Reparto principal: Taissa Farmiga, Demian Bichir, Bonnie Aarons, Charlotte Hope, Jonas Bloquet, Jonny Coyne, Manuela Ciucur, Jared Morgan. Producción: Warner Bros, Atomic Monster, New Line Cinema, The Safran Company. Distribución: Warner Bros Picture. Género: Terror. Web oficial: https://www.warnerbros.es/la-monja

Crítica: ‘Un océano entre nosotros’

Sinopsis

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En 1968 el navegante aficionado Donald Crowhurst (Colin Firth) se impone un objetivo épico: ganar la Sunday Times Golden Globe Race dando la vuelta al mundo en su velero, en solitario y sin escalas. En tierra deja a su mujer Clare (Rachel Weisz), su mayor defensora, que como él se enfrenta en solitario a otra aventura: seguir adelante con sus hijos y sin el amor de su vida. Mientras Claire se mantiene firme en su hogar, Donald continua su carrera en alta mar a pesar de los múltiples obstáculos… pero su meta, hoy, continúa siendo un gran misterio…

Crítica

Un hombre atrapado en una eterna soledad.

Cuando las mentiras y la eterna soledad se unen, crean monstruos en la mente del hombre, llevándole a la oscuridad y destruyendo toda su cordura. Esto es lo que debió pasarle a Donald Crowhurst, un navegante aficionado que decidió salir a la mar para competir en la Sunday Times Golden Globe Race, que consistía en dar la vuelta al mundo sin hacer ninguna parada en tierra.

James Marsh (‘La teoría del todo’) vuelve a traernos un biopic, después de mostrarnos la vida de Stephen Hawking. La vida de Donald Crowhurst, no estaba en su mejor momento y a la locura decidió poner toda su vida en una regata que él mismo sabía que no iba a ganar y de echo el decía todo el rato que solo tenía un 50% de posibilidades de acabar la carrera con vida.

La película puede parecernos lenta, si que es cierto que hasta pasada la primera media hora se hace un poco pesada, pero es necesaria, pues ves todo lo que se jugó por conseguir dinero para su familia y además por su propio orgullo, pues el veía que sus hijos tenían que tener una figura a la que seguir y si lograba terminar la regata sería un auténtico héroe.

La película está muy bien dirigida, nos va mostrando ambas partes, a Donald, cada vez más destrozado y a su familia, llena de esperanza y ganas de volver a ver a nuestro protagonista. Decir que el director ha podido contar con infinidad de materiales para hacer muy real la cinta. Los cuadernos de bitácora, vídeos que el propio Donald grabó mientras navegaba o fotografías.

Hace unos años ya se estrenó un documental sobre este hombre, en el que podemos ver parte de los vídeos, escuchar a este hombre que intentó por todos los medios hacer que daba la vuelta al mundo. La desesperación hace que los problemas mentales comiencen a aparecer y que las palabras y acciones fueran cada vez más raras y dejan ver que poco a poco va desequilibrándose. A la vez que se le ve cada vez más demacrado físicamente.

Colin Firth, está estupendo, adopta su manera de hablar, pausada y clara, sus gestos, su sonrisa, cuando se marcha, esa sonrisa nerviosa que no puede esconder. Me parece la elección acertada para este papel, aparte de que se le parece un poco, el actor ha logrado devolver a la vida a este hombre.

Su mujer en la ficción, Rachel Weisz, está maravillosa como siempre, su fortaleza, vemos como le cuesta apoyar a su marido en esta aventura y hasta el 31 de octubre de 1968, día en el que Donald zarpa, mantiene la esperanza de que su marido se de cuenta de que todo esto es una locura.

Si esperáis encontraros con una historia de superación, esta no es vuestra película, realmente es una cinta donde se muestra toda la debilidad del ser humano, de cómo nuestra cordura se marcha al estar en soledad y crear nuestros propios demonios, en este caso por culpa de las mentiras que el mismo estaba urdiendo. Merece mucho la pena su visionado y si podéis en su versión original, el trabajo de Colin Firth es estupendo. Además y si tenéis la oportunidad de poder acceder al documental sobre la vida de Donald Crowhurst, vedlo también, una vida triste pero que merece la pena conocer.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de septiembre de 2018. Título original: The Mercy. Duración: 101 min. País: Reino Unido. Dirección: James Marsh. Guión: Scott Z. Burns. Música: Jóhann Jóhannsson. Fotografía: Eric Gautier. Reparto principal: Colin Firth, Rachel Weisz, David Thewlis, Jonathan Bailey, Tim Downie, Finn Elliot, Laurence Spellman, Adrian Schiller, Oliver Maltman, Kit Connor. Producción: Blueprint Pictures, BBC Films. Distribución: Vértice 360. Género: Biopic, drama. Web oficial: http://www.vertice360.com/un-oceano-entre-nosotros-en-cines-el-7-de-septiembre/

Crítica: ‘Cuando los ángeles duermen’

Sinopsis

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Germán, un honrado padre de familia que conduce de regreso a casa, verá tambalear su mundo cuando, en un accidente de carretera, su destino se cruza con el de dos chicas adolescentes, convirtiendo la noche en la peor de las pesadillas.

Crítica

Estupendo thriller de ficción lleno de realidad

Gonzalo Bendala (‘Asesinos inocentes’) escribe y dirige este thriller, donde Germán (Julián Villagrán) víctima de la mala suerte, se ve envuelto en un accidente que se le va claramente de las manos.

La película comienza con un estresado padre de familia, el cual, trabaja duro y lejos de casa el día del cumpleaños de su hija, al estar su mujer insistiéndole para que vuelva con su familia, decide coger un coche de empresa de noche, sin dormir y en una mala carretera, aquí es cuando su vida se tuerce al encontrarse con dos adolescentes en el camino.

La película está bien dirigida, me ha parecido muy amena y ha logrado mantenerme en tensión durante todo el metraje. Aunque realmente la situación en la que vemos a nuestro protagonista es muy extrema, la historia es bastante verosímil y da bastante miedo el pensar que realmente una situación así ha podido ocurrir. La noche, los malentendidos, el shock de un accidente, el miedo, hacen que los dos protagonistas principales, luchen entre ellos para conseguir llegar al pueblo más cercano y así poder salir de esa pesadilla.

Julián Villagrán nos demuestra que detrás de su vis cómica hay un actor dramático que convence. Da mucha pena como un buen hombre acaba desquiciado y sobrepasado por la situación y Julián ha conseguido mantener el equilibrio y mostrarnos las dos caras de Germán.

En el reparto también encontramos a la otra protagonista, que junto a Julián, ocupa la mayor parte del metraje, Ester Expósito, la cual va a aparecer en la serie de ‘Élite’. No puedo decir tan buenas palabras para ella, pues no me ha convencido nada y es el único fallo que le he encontrado a la cinta, demasiado intensa ha sido su actuación, le faltan tablas, que sin duda siendo una actriz tan joven, no tardará en coger. Pero su papel es crucial para esta historia de locos y realmente debería haber dado mucho más a la hora de su actuación.

En un papel más secundario, pero bastante importante vemos a Marian Álvarez, la mujer de Germán, que al final de la película, al menos a mí, me ha sorprendido mucho. Pues su última acción en la cinta, da mucho que pensar.

Como he dicho al comienzo, lo que más me ha gustado sin duda, es que pueda estar perfectamente basada en un hecho real. Hace que se nos planteen dudas e intentar pensar en las soluciones a las que Germán no llega, estoy segura que dará mucho que hablar al salir de la sala del cine. Totalmente recomendable.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de septiembre de 2018. Título original: Cuando los ángeles duermen. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Gonzalo Bendala. Guion: Gonzalo Bendala. Música: Pablo Cervantes. Fotografía: Sergi Gallardo. Reparto principal: Julián Villagrán, Marian Álvarez, Ester Expósito, Asia Ortega, Sira Alonso de Alarcón, Adolfo Fernández, Marison Membrillo, Ramiro Alonso, Christian Mulas, Daniel Jumillas, Javier Ruiz de Somavía, Antonio Márquez, Daniel Mantero, Helena Castañeda, Font García, Juan Carlos Villanueva. Producción: Áralan Films, Cuando los ángeles duermen AIE. Distribución: Filmax. Género: Thriller. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/cuando-los-angeles-duermen.97

Crítica: ‘En las estrellas’

Sinopsis

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Víctor es un director de cine alcohólico, sin trabajo y deprimido desde la muerte de su mujer. Sólo tiene a su hijo de nueve años, Ingmar, a quien le cuenta los guiones de las películas que espera rodar algún día: un mundo maravilloso plagado de seres fantásticos, robots y lugares imposibles procedentes de los cientos de películas que han visto juntos. Sin embargo, el mundo real se presenta cada vez más difícil de sobrellevar.

Padre e hijo tendrán que madurar… a riesgo de dejar atrás sus sueños.

Crítica

Libertad creativa que da a luz a lo inusual

‘En las estrellas’ es la segunda película de Zoe Berriatúa como director y guionista, si no me equivoco también se convierte en una de las primeras en la que Luis Callejo ejerce como protagonista principal, tras títulos tan mayúsculos como ‘Tarde para la ira’. Pero comparte ese protagonismo absoluto con Jorge Andreu, un pequeño actor novel que le acompaña prácticamente en todas sus escenas. Juntos nos narran una película que parece un cuento moderno pero que evoca a tiempos pasados. Temporadas para soñadores, creadores y bohemios, épocas en las que la técnica cinematográfica dependía más del humano que de la máquina.

Victor, el personaje de Luis Callejo, es un hombre de aspecto desastrado, acomodado en la miseria mientras disfruta del cine, nada rodeado de estrellas, si no de penurias. Desde el olvido y el fracaso intenta llevar a cabo sus películas, arrastrando con él a una vida de desventuras y rechazo a su propio hijo. Pero toda la serie de malogrados intentos, sumados a la ya lejana pérdida de su mujer, no conllevan frustración ni desánimo en un personaje que vive dentro de sus propias ilusiones que busca un refugio a sus penas en el fondo de una botella, en sus proyectos fílmicos y su pasado otrora exitoso . Abstraerse en las estrellas es su tabla de salvación más importante, pero no la de su hijo que aunque comparte su entusiasmo demuestra continuamente mejor juicio y entereza.

La casa del protagonista sumada a infinidad de detalles del diseño de producción declara a gritos que esta película tiene un público que se sentirá especialmente identificado. Todo aquel coleccionista o consumidor de cine fantástico percibirá en muchos momentos que esta historia está inspirada en gente como él. Pero aparte de eso ‘En las estrellas’ se puede convertir en un obsequio de juego para los amantes del cine tras bambalinas. Aquellos que amen sobre todo los procedimientos para crear efectos especiales de la vieja escuela apreciarán más este filme. Alude mucho a obras de Charles Chaplin como ‘Tiempos modernos’, a la ‘Metrópolis’ de Fritz Lang, al ‘Viaje a la luna’ de Georges Méliès, a las figuras de Ray Harryhausen o algunos diseños de H.R. Giger. Pero no deja de perder de vista a artífices contemporáneos y nacionales como Emilio Ruiz del Río, Reyes Abades o el equipo de Artefacto Escenografía (partícipes además de los decorados del filme).

El tono y la trama de la película puede recordarnos a ‘La vida es bella’ o a ‘Big Fish’. Algunas escenas rozan el terror, pero un terror sin malicia que proviene del personaje de Macarena Gómez. Sin embargo una de las sensaciones que deja la película es que a veces hacer cine como uno quiere puede ser una labor quijotesca, como bien recuerdan las imágenes del ‘Don Quixote’ de Ub Iwerks.

Todo esto para relatar una historia de paso a la madurez pero sobre todo para contar un viaje a través del cual se intenta olvidar el gran amor a una mujer y a las metas imposibles, cayendo para ello en lo más oscuro y profundo, dejando así de hacerse ilusiones y montar castillos en el aire, sean estas fortalezas de cartón pluma, corcho o el material del que cada uno construya sus sueños. Callejo ha captado muy bien esos aspectos de este largometraje y personifica con claridad todas las metas buscadas por Berriatúa.

Además de los ya mencionados guiños y homenajes podemos ver a muchos actores y actrices del círculo habitual de Álex de la Iglesia (productor de la cinta) y Zoe Berriatúa o incluso compañeros que han compartido títulos con Luis Callejo. Por eso sumamos una lista con Pablo Turégano, Magüi Mira, Ingrid García-Jonsson, José Luis García Pérez, Kiti Mánver, Claudia Placer, María Morales, Álvaro Roig, Ismael Fritschi y Liz Lobato. Incluso vemos de fondo a camaradas como Borja Cobeaga o amigos de nuestra web como Toni Rodriguez McGinty.

Hay un plano contraplano en el que descubrimos como el asfalto húmedo se asemeja a un cielo estrellado. Define bastante la película ya que en él Luis Callejo comienza a andar por las ramas de la imaginación. Como si la gravedad fuese un lastre para la creatividad impidiendo llegar a las estrellas. Como dicen en el filme, «a los cineastas les hace ilusión que se crean sus mentiras» y aquí tenemos una bien contada con animación, planos con CGI, maquetas… Lo moderno y lo antiguo bien mezclado para transmitirnos determinadas críticas y sobre todo para contarnos una aventura de fantasía y realidad enfrentadas la una a la otra.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de agosto de 2018. Título original: En las estrellas. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Zoe Berriatúa. Guion: Zoe Berriatúa. Música: Iván Palomares. Fotografía: Iván Román. Reparto principal: Luis Callejo, Jorge Andreu, Macarena Gómez, Magüi Mira, José Luis García Pérez, María Morales, Kiti Mánver, Álvaro Roig, Liz Lobato. Producción: La Bestia Produce, Nadie es perfecto, Pokeepsie Films. Distribución: Vercine. Género: drama, comedia, fantástico. Web oficial: http://nadieesperfecto.com/nep/largometrajes/en-las-estrellas/

Crítica: ‘Mamá y papá’

Sinopsis

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Una misteriosa epidemia en forma de locura masiva de origen desconocido provoca que los padres ataquen violentamente a sus hijos. Carly Ryan, de 16 años, y su hermano Joshua, de 9, se encuentran atrapados en su propia casa y deben sobrevivir durante 24 horas. Durante ese tiempo, deberán resistir velando por sus vidas y, a la vez, evitando matar a las dos personas en quienes más confiaban: su madre y su padre.

Crítica

Divertida, gore y con Nicolas Cage, no se puede pedir más.

La pudimos ver en el Festival de Sitges y en el Festival Nocturna de Madrid y por fin ‘Mamá y papá’ llega este viernes 31 a las salas españolas.

La sinopsis de la cinta es sencilla y a la vez muy macabra, pues una misteriosa epidemia en forma de locura hacen que los padres ataquen violentamente a sus hijos, hasta llevarlos a la muerte.

Brian Taylor se lanza a la dirección en solitario, después de participar en la dirección de películas como ‘Crank: Veneno en la sangre’, ‘Crank: Alto Voltaje’ o actualmente en la serie ‘Happy!’ y la verdad que no lo hace nada mal. Deja ver claramente qué clase de historia le gusta contar, cintas donde la acción y la violencia son los protagonistas.

Así es ‘Mamá y papá’ una cinta muy dinámica, gore, llena de humor negro y mucha acción. La historia se centra dentro de la casa familiar, donde los dos protagonistas semiadoslescentes, Anne Winters y Zackary Arthur tendrán que trabajar juntos para poder sobrevivir al ataque de sus padres.

En su hora y media de duración veremos las mejores caras de Nicolas Cage, el cual se autoparodia a sí mismo y hará que disfrutemos con sus gestos, sus gritos y con todos los memes que se podrán crear a partir de esta cinta.

Su mujer en la ficción es Selma Blair, la cual tiene un papel muy distinto al que nos tiene acostumbrados y lo hace muy bien, logra desconcertarnos y hacernos pasarlo mal. Durante la hora y media se sufre mucho por los pobres muchachos que intentan escapar de estos dos padres a los que no quieren hacer daño y las trampas que ambos crean para que sus hijos no puedan escapar son de lo más retorcidas.

El guión es divertido, tiene escenas, que aunque como he dicho antes, son gores y sabes que están matando a críos, son tan divertidas que da hasta apuro reírse, pero es inevitable. Una de las cosas que más me ha gustado es que no se complica con explicaciones, aparece este brote y a partir de ahí comienza la diversión. El humor negro introducido por Brian Taylor es el punto fuerte de la película, sin duda logra el equilibrio perfecto entre toda la sangría que se está cometiendo en la historia.

Totalmente recomendadísima, os lo vais a pasar fenomenal y veréis a un Nicolas Cage en estado puro, disfrutando de lo que hace.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de agosto de 2018. Título original: Mom and dad. Duración: 83 min. País: Estados Unidos. Dirección: Brian Taylor. Guión: Brian Taylor. Música: Mr. Bill. Fotografía: Daniel Pearl. Reparto principal: Nicolas Cage, Selma Blair, Anne Winters, Zackary Arthur, Joseph D. Reitman, Olivia Crocicchia, Lance Henriksen, Brionne Davis, Tyler Sopland, Bishop Stevens. Producción: Armory Films, Three Point Capital, Zeal Media. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia, Terror. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/879/mama-y-papa

Crítica: ‘Kings’

Sinopsis

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Basada en hechos reales, ‘Kings’ se centra en los terribles disturbios raciales sucedidos en Los Angeles en 1992, a raíz de la absolución de varios policías implicados en la paliza al taxista Rodney King. En medio del caos, Olli (Daniel Craig), uno de los pocos residentes blancos que vive en South Central, ayudará a su vecina y madre divorciada (Halle Berry) a encontrar y proteger a sus hijos en una ciudad que clama venganza.

Crítica

Una crítica con mucha realidad pero sin explorar nuevos canales de concienciación

La directora Deniz Gamze Ergüven obtuvo mucho éxito traducido también en nominaciones con su anterior película llamada ‘Mustang’. Con ella luchaba contra tradiciones y prejuicios al narrar la historia de cinco jóvenes que eran empujadas a matrimonios concertados y otros convencionalismos religiosos. ‘Kings’, su segunda película, vuelve a optar por el cine protesta dando voz a acontecimientos que sucedieron en EE.UU. El racismo y la brutalidad policial son el hilo central de esta producción franco belga.

La película protesta contra la discriminación racial y todos los problemas sistémicos y sociales relacionados. Para ello emplea la injusticia que se sufrió tras el veredicto del caso de Rodney King. Este es un filme muy necesario ya que sigue siendo extrapolable hasta nuestros días pues nos continúan llegando vídeos y noticias muy similares la del 91 y 92. Pero Deniz Gamze Ergüven no le ha dado a su película un giro tan sorprendente u opuesto a lo convencional como fue el caso de ‘Detroit’. De haber buscado un enfoque distinto al habitual su película calaría más hondo y se alejaría de la repetitividad de las películas del mismo corte.

Es obvio que cuando narras un atropello legal que tanto afecta a toda una comunidad tienes que ubicar a los malos de la película con facilidad. En este caso la directora y guionista no lo ha tenido difícil. Con introducir injertos reales en su largometraje basta. Muy bien intercalados con la historia ficticia vemos imágenes de archivo de disturbios o crímenes de aquellos días y por supuesto partes del calamitoso juicio. Pero es muy de agradecer, aunque esta sea la única nota discordante con otras películas, que también se haya tenido en cuenta la sinrazón y locura que puede poseer a muchos de los indignados habitantes de Los Angeles. Ante los ojos de los protagonistas, tanto desconocidos como amigos ceden a la vorágine de los disturbios y la ira acumulada por la espera del deseado veredicto que no llegó, causando a su vez otras tropelías contra inocentes.

La película se va cargando poco a poco mientras avanza y según nos aproximamos al día en que el jurado declaró como no culpables a los policías que propinaron la paliza que además estaba grabada en vídeo. Para que vayamos viendo como los ánimos se van crispando se disponen de varios protagonistas entre los que destaca Lamar Johnson, incluso por encima de Halle Berry y Daniel Craig, el cual solo interviene de verdad en la última media hora de película. A pesar de que no está mal interpretada los lances de la mayoría de los protagonistas resultan episódicos, no emiten un mensaje lo suficientemente potente como para que esta obra marque la diferencia. Tan solo en algunos compases de Lamar Johnson nos sentimos espectadores transportados a momentos de vorágine, enajenación o desconcierto.

Aunque se narren acontecimientos dramáticos o indignantes, aunque le dediques la película a Ryan De’Juan Dunbar, fallecido también en un tiroteo en Los Angeles, considero que hay que intentar salirse de la norma en varios aspectos para conseguir calar en la mente de los espectadores. ‘Kings’, a pesar de que no es ningún descalabro de película, no consigue dejar un poso de originalidad que remueva a más personas de las ya concienciadas o que vaya a marcar la diferencia.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de agosto. Título original: Kings. Duración: 92 min. País: Francia, Bélgica. Dirección: Deniz Gamze Ergüven. Guion: Deniz Gamze Ergüven. Música: Nick Cave, Warren Ellis. Fotografía: David Chizallet. Reparto principal: Daniel Craig, Halle Berry, Lamar Johnson, Isaac Ryan Brown, Rick Ravanello, Kirk Baltz, Reece Cody, Douglas Spain, Richie Stephens, Charlotte Ubben, Rachel Hilson, Quartay Denaya, Heidi Levitt, Lorenz Arnell, Eric Watson. Producción: Bliss Media, CG Cinéma, Maven Pictures. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/kings/

Crítica: ‘El último Sharknado: ya era hora’

Sinopsis

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‘Sharknado 5: Aletamiento global’ terminaba con Fin paseando solo entre los escombros de lo que quedaba de la Tierra. Ahora, en #Sharknado6, deberá viajar en el tiempo para evitar la tormenta de tiburones primigenia. ¿Conseguirán Fin y sus compañeros encauzar el desastre y salvar el mundo?

Crítica

Regresando al futuro, regresando a lo más disparatado

Ya se ha emitido en SYFY la última entrega de la saga de tiburones voladores en huracanes. Sobra decir que estoy hablando de ‘Él último Sharknado: ya era hora’. La cifra de seis largometrajes ha alcanzado la serie de películas de The Asylum, la productora famosa por sacarle jugo a los argumentos más inverosímiles y las producciones más cochambrosas. Y esta nueva cinta de Anthony C. Ferrante no iba a ser menos. Frases ridículas, cromas chapuzas e interpretaciones aún peores al servicio del divertimento de una legión de seguidores que solo busca pasar el tiempo riéndose de las mezcolanzas más surrealistas.

Recordemos que al final de ‘Sharknado 5’ aparecía Dolph Lundgren interpretando en el futuro al hijo de Fin Shepard (Ian Ziering). Nada más arrancar la nueva película nos da el bajón al ver que esta presencia no tiene continuidad y se elimina cualquier esperanza de ver al actor de ‘He-Man’ luchando contra los tiburones. Pero eso se nos pasa rápido pues inmediatamente empieza la loca aventura espacio-temporal de los Shepard.

Contamos de nuevo con Ian Ziering, Tara Reid, Charles Hittinger, Vivica A. Fox, Judah Friedlander y Cassandra Scerbo, la cual canta incluso una canción de las que suenan en la banda sonora. La familia Shepard casi al completo y sus amigos viven unas increíbles y absurdas hazañas por el tiempo. Me gustaría decir que esta es una película que gira en torno a los amigos y la familia, pero ¡que caray!, es una serie de sinrazones de lo más demenciales que no necesitan moralina ni moraleja.

Al viajar por distintas épocas los protagonistas se encuentran con todo tipo de personajes históricos o legendarios. Merlin y Morgana, George Washington y Benjamin Franklin, María Antonieta, Billy el Niño, Cleopatra y Julio Cesar, Muhammad Ali… así hasta crear un torbellino inconcebible de nombres. Junto a estos individuos tenemos guiños a ‘La princesa prometida’, ‘Star Wars’, ‘Jungla de Cristal’, ‘Jurassic World’ o ‘Impacto súbito’. Pero las películas que están más presentes en este ‘Sharknado 6’ a modo de parodia son las de ‘Regreso al Futuro’. Fijaos bien porque veréis carteles de Doc Brown en el oeste, los protagonistas tendrán que viajar a más de 140 Km/h, utilizarán el condensador de flujo e incluso recurrirán al truco del rayo para alcanzar más velocidad.

Tras haber tenido en la saga a estrellas como George R.R. Martin, Dolph Lundgren, Frankie Muniz, Tony Hawk, David Hasselhoff y un largo etcétera, se espera siempre que en torno al tornado de tiburones haya sorpresas mayúsculas. En esta película de cierre encontramos también a muchos famosos que conforman una buena lista de cameos, tanto nuevos como de anteriores títulos de la saga. Incluso algunos actores como Ian Ziering o Cassandra Scerbo han incluido en la película a sus propios familiares. Os los enumero a continuación en esta lista desplegable por si alguien lo considera spoiler o por si queréis reservaros las sorpresas.

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Anthony C. Ferrante: director de toda la saga ‘Sharknado’

Neil Degrasse Tyson: astrofísico y divulgador

Chris Owen: actor en ‘American Pie’ o ‘La niebla’

La Toya Jackson: cantante y hermana de Michael Jackson

Alaska Thunderfuck: actriz de ‘RuPaul’s Drag Race’

Dee Snider: cantante de Twisted Sister

Gary Busey: actor en ‘Arma letal’

Tori Spelling: actriz en ‘Sensación de vivir’ y ‘Scary Movie 2’

Dean McDermott: actor en ‘Rumbo al sur’

Leslie Jordan: actor en ‘Will & Grace’

Gilbert Gottfried: actor en ‘Este chico es un demonio’ y ‘Sharknado 4 y 5’

James Hong: actor en ‘Golpe en la pequeña China’ o ‘Blade Runner’

Darrell Hammond: actor en ‘Epic Movie’, ‘Blues Brothers 2000’ o ‘Scary Movie 3’

Dexter Holland y Noodles: miembros de la banda The Offspring

John Heard: actor en ‘Solo en casa’ y ‘Sharknado’

Bo Derek: modelo y actriz en ‘Bolero’

Ben Stein: actor en ‘La Máscara’

Al Roker: meteorólogo, productor y actor en la saga ‘Sharknado’

Robbie Rist: Michaelangelo en la saga antigua de ‘Tortugas Ninja’

Christopher Knight: actor en ‘La tribu de los Brady’

Debra Wilson: actirz de doblaje famosa y actirz en ‘Scary Movie 4’

Eileen Davidson: actriz en ‘Days of our lives’

Patrick Labyorteaux: actor en ‘Di que si’

Jonathan Bennett: actor en ‘Otro cuento de navidad’

Raine Michaels: hija del cantante de Poison

Charles Hittinger: actor en ‘American Pie: el reencuentro’ y ‘Sharknado’

Shad Gaspard y Jayson Paul: luchadores de la WWE

Mark McGrath: cantante de la banda Sugar Ray

Han sido seis años de películas, nos han tenido con un ‘Sharknado’ por año y no sería de extrañar que el «sharkexploitation» continuase con alguno de sus personajes de manera independiente, quién sabe, si las redes hacen de las suyas de nuevo a lo mejor se mantiene viva la historia. ‘Sharknado 6’ enlaza con la primera parte de este repertorio de sinsentidos con lógica cero y sin haber evolucionado en sus formas, lo que esperábamos. Por lo menos se ha explicado el origen de los Sharknados y os aseguro que muchos no os lo imaginábais.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2018. Título original: The Last Sharknado: It’s About Time. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Anthony C. Ferrante. Guion: Scotty Mullen. Música: Fotografía: Patru Paunescu. Reparto principal: Ian Ziering, Tara Reid, Vivica A. Fox, Cassandra Scerbo, Charles Hittinger, Judah Friedlander. Producción: The Asylum, SYFY. Distribución: SYFY. Género: ciencia ficción, comedia, acción. Web oficial: https://twitter.com/SharknadoSYFY

Crítica: ‘¿Quién está matando a los moñecos?’

Sinopsis

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En el barrio más vulnerable de Los Ángeles, donde cohabitan moñecos y humanos, dos detectives enfrentados, una humana (Melissa McCarthy) y un moñeco, se ven obligados a trabajar juntos para tratar de averiguar quién está asesinando brutalmente al antiguo elenco de «La Pandilla Dicharachera», un exitoso programa de marionetas de los años 80.

Crítica

Si hay una película que admite chistes de «relleno» es esta

‘El show de los teleñecos’ y ‘Bario sésamo’ han sido pervertidos. La imaginación y el talento de los herederos del creador Jim Henson se han puesto a merced de una película solo para adultos, para aquellos que crecieron en su día con los míticos programas de marionetas. El hijo y heredero del productor y titiritero Jim Henson, Brian Henson, se ha encargado de dirigir esta versión no apta para menores y pudorosos a través de un guión de Todd Berger y Dee Robertson. Retorciendo a los seres que nos acompañaron en tantas tardes de merienda han elaborado una película de lo más irreverente y desvergonzada.

Se emplea el mismo método de la legendaria película ‘¿Quién engaño a Roger Rabbit?’. Tenemos una mezcla de personajes inspirados en producciones infantiles (pero pervertidos) con una historia detectivesca. Cambia el tono del film ya que ‘¿Quién está matando a los moñecos?’ se mueve por un Los Ángeles mucho más degenerado. Pero si hay algo que se impone es el tono pulp, el sabor a novela negra muy extrema y desfasada. Sexo, violencia explícita, racismo y muchos juegos de palabras facilones rodean a los protagonistas. Es un hard boiled moderno en toda regla.

No os alarméis por lo de racismo, el que vemos en la película procede de los humanos hacia los «moñecos». De lo que sí que hay que preveniros es por la cantidad ingente de escenas lascivas del filme. Aquí no hay espacio para la timidez. Se proyectan muchos gags verdes y negros con todas las partes de las marionetas, desde el fieltro que les recubre hasta el relleno de poliéster que hay en su interior. En algunas ocasiones pueden cargar las secuencias de groserías que se sueltan, pero es innegable que esta película tiene momentos desternillantes.

¿Pero qué hay de la historia? Detectives que se autocompadecen, yonkis, bailarinas de striptease, artistas en decadencia, femme fatales… todos estos personajes se juntan para narrarnos una buddy movie. El protagonista (muy bien concebido y doblado en versión original) se ve inmerso en diversos casos de carácter soez y sangriento. Para aquellos que hayan visto muchas películas de investigadores la trama puede parecerle sencilla e incluso predecible, pero intuyo que nadie le va a pedir a ‘¿Quién está matando a los moñecos?’ un guión excesivamente entramado. Destacan en esta película, a parte del carismático detective de trapo, su compañera interpretada por una Melissa McCarthy que sigue con su chocante humor y su incontrolable lengua. Pero también hay que dedicar unos instantes y líneas para elogiar a Maya Rudolph por hacérnoslo pasar bien notándose que ella también ha disfrutado de este trabajo.

Muchos detalles relacionados con la obra de Henson se han mezclado con lo escatológico. Aquí no se salvan ni las golosinas. En la película intervienen titiriteros de ‘Los Teleñecos’ como Bill Barretta o Kevin Clash. Aparece también Ben Falcone, esposo de Melissa McCarthy y compañero de reparto de ella al igual que Mitch Silpa o Michael McDonald. Pero quizá el guiño más curioso es el cuadro de Jacques Voyet que vemos en una de las escenas. No por el cuadro en sí, si no porque este pintor y escultor también fue marionetista en teatro. Por supuesto el propio Brian Henson no se ha resistido a aportar su voz para uno de tantos personajes.

El realismo sucio de Charles Bukowski reaparece en esta película ambientada además en el lugar en el que el poeta residió muchos años. Títeres rellenos y cubiertos de depravación que seguramente os harán reír desde los bajos fondos.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de agosto de 2018. Título original: The Happytime Murders. Duración: 91 min. País: Reino Unido. Dirección: Brian Henson. Guion: Todd Berger, Dee Robertson. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Mitchell Amundsen. Reparto principal: Melissa McCarthy, Elizabeth Banks, Maya Rudolph, Leslie David Baker, Joel McHale, Cynthy Wu, Michael McDonald, Mitch Silpa, Hemky Madera, Jimmy O. Yang. Producción: Jim Henson Company, Henson Alternative, On The Day Productions, STX Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.thehappytimemurders.movie/

Crítica: ‘Alpha’

Sinopsis

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Europa, 20.000 años atrás. En mitad de su primera cacería con el grupo de élite de su tribu, un joven es herido y dado por muerto. Al despertar se encontrará débil y solo, y deberá aprender a sobrevivir y abrirse camino ante la dura y cruel naturaleza. Acompañado a regañadientes de un lobo abandonado por su manada, los dos aprenderán a confiar el uno en el otro, convertirse en aliados y superar los innumerables peligros para, contra toda posibilidad, encontrar el camino a casa antes de que llegue el letal invierno.

Crítica

Una habilidosa foto de cuando evolucionamos incorporando a nuestra vida el respeto por los animales

Hace 20.000 años, en época de la última glaciación. En ese marco temporal está ‘Alpha’. Ubicada en Europa, probablemente en el norte por las auroras boreales que nos enseña y por el arte con espirales tan propio de culturas de la zona y que podemos ver varias veces en la película. Una época de la que tenemos constancia científica de sus dietas, tipos de caza e incluso instrumentos musicales. ¿Por qué no suponer que surgieron entonces los primeros indicios de colaboración entre el perro o el hombre? Hay estudios genéticos que respaldan esta afirmación, que nos relacionan con lobos hace miles de años en lugares como el mítico túmulo de Newgrange.

Aunque esto que os diga os pueda parecer sacado de un documental y el inicio de la película parezca uno al estar acompañado de la voz de Morgan Freeman, quien ha narrado muchos reportajes, ‘Alpha’ solo emplea todos estos elementos para ubicarnos. Tras el arranque y presentación la película deja de lado cualquier sensación didáctica para entrar en una ficción de supervivencia.

El relato de la película de Albert Hughes (‘El libro de Eli’) es muy clásico en lo que se refiere a la concepción de sus personajes. Pero emplea argumentos mucho menos manidos al generar la relación de amistad entre la criatura cuadrúpeda y el humano. Se basa en pequeños gestos que tienen grandes consecuencias. No corre para ir al meollo de la cuestión si no que hasta la mitad de la película no empieza con ese vínculo que convierte a los enemigos en aliados. Con algunos espectadores esta tardanza en alcanzar el tema del filme puede ser un factor en contra.

No se ha intentado centrar la atención en la típica camaradería entre el cánido y el humano. Cada uno tiene su motivación y aprovecha la compañía y sorprendente colaboración del otro para salir adelante. De este modo se ha conseguido una historia más creíble y plausible. Pensaba que me iba a encontrar además con una cinta sentimentaloide o con ánimos de pintarlo todo hermoso, pero no ha sido así. Lo que se ha rodado me parece bastante coherente.

Pese a ello la historia, aunque bien contada, se queda en algo un tanto sencillo. Tenemos una búsqueda del valor, un paso a la madurez, un anhelo por el reconocimiento paterno y una amistad inaudita. En torno a esos temas universales se ha narrado una aventura de resistencia a vida o muerte y en equipo que se consume bien gracias a su fotografía.

Desde el principio Martin Gschlacht, responsable de las imágenes que vemos, se gusta con el paisaje y las escenas. Ha dado al filme un tono tosco, sucio y duro. Empleando una colección de tomas de alto contraste y varias cámaras lentas nos transporta a nuestro gélido pasado. Sin duda el mayor valor de este filme es su arte visual.

A su protagonista, Kodi Smit-McPhee, le habéis podido ver antes en ‘X-Men: Apocalipsis’, ‘Déjame entrar’ o ‘The Road’. En esta película encarna a alguien que podría llamarse el primer animalista de la historia. Le ha tocado trabajar con animales, imágenes generadas por ordenador y bastante acción. No se desenvuelve mal y mantiene bien el tipo durante toda la película, es bueno poder decir que no nos hartamos de su actuación ni de su personaje y eso que acapara casi todo el tiempo de pantalla.

Humanos salvajes que se ganan el respeto entre ellos y que adquieren respeto por los animales. Esa podría ser una frase que sintetice la película y que lamentablemente a veces no podríamos aplicarla al día a día.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de agosto de 2018. Título original: Alpha. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Albert Hudges. Guion: Dan Wiedenhaupt. Música: Joseph S. DeBeasi, Michael Stearns. Fotografía: Martin Gschlacht. Reparto principal: Kodi Smit-McPhee, Jóhannes Haukur Johannesson, Natassia Malthe, Leonor Varela, Jens Hultén, Priya Rajaratnam, Spencer Bogaert, Marcin Kowalczyk. Producción: Studio 8. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras. Web oficial: http://www.alpha-themovie.com/

Crítica: ‘Los Futbolísimos’

Sinopsis

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Pakete, Helena y sus compañeros de colegio se meten en todo tipo de aventuras en las que su ingenio y su amistad serán puestos a prueba. Todo para descubrir el misterio que podría acabar con su equipo de fútbol y con la continuidad de la pandilla. ¿Son víctimas de una conspiración o es todo fruto de la casualidad? Ha llegado el momento de hacer un pacto secreto y crear Los Futbolísimos con un objetivo claro: resolver el enigma y poder mantenerse juntos.

Crítica

Del fútbol de libro al fútbol de sala sin lograr golear

Aún me acuerdo de aquellas películas que de pequeño podía ver estando protagonizadas por otros niños y niñas de mi edad o similares. Grupos como Parchís o Regaliz fueron lanzados por la discográfica Belter y acompañando a sus promociones y espectáculos se incluían largometrajes. En este caso, en lugar de que la historia provenga de una discográfica surge de una editorial y por eso se ha tenido que hacer un casting para elegir a los protagonistas reales. La diferencia de tablas ante las cámaras se nota si les comparamos y los principales actores de ‘Los Futbolísimos’ aunque si tienen frescura y descaro no tienen la soltura necesaria.

No es que los protagonistas infantiles puedan o no tener talento, es que les ha faltado una dirección por parte de Miguel Ángel Lamata (‘Isi & Disi, alto voltaje’) que extraiga de ellos una interpretación más natural y espontánea. Es más, para intentar evitar que todo parezca tan artificial se podría haber hecho uso de un mejor montaje. O por lo menos haber intentado rodar más escenas reales de juego sin tener que recurrir a un balón generado por ordenador, que por mucho que esté detrás la mano del talentoso equipo de User t38 se nota y eso no hace más que incrementar la sensación de ficción impidiendo que el espectador se sumerja en la aventura.

Las historias de los grupos que mencionaba antes estaban llenas de ingenuidad, pillería y valores. Habrán envejecido bien o mal, se considerarían en su época mejor o peor hechas, pero tenían un componente de comedia que hacía pasar todo eso inadvertido y funcionaban para el público objetivo que buscaban. En el caso de esta nueva adaptación podría suceder lo mismo. Cabe esperar que haya un rayo de esperanza si aún confiamos en que los niños de ahora todavía pueden divertirse con historias sencillas y candorosas. Es más, ‘Los futbolísimos’ tiene un pequeño sabor a las novelas de ‘Los cinco’ o ‘Los Hollister’, con esa vertiente de aventura e investigaciones. Podríamos pensar que inculca los mismos principios de curiosidad y amistad. La lástima es que sea tan obvia al delatar quienes juegan el papel de buenos y malos desde el principio. De no haberlo hecho los niños y niñas que verán la película podrían haber tenido también un misterio que resolver y la película captaría aún más su atención.

Doce publicaciones tiene ya la colección de novelas ilustradas de ‘Los futbolísimos’. Seguro que en todos esas aventuras los personajes están más o menos aprovechados. En la película algunos miembros del equipo y algunos personajes se quedan fuera de juego mucho tiempo. Y otros, sobre todo en el caso de los roles de los adultos, quedan algo ridículos de tanto que se ha exagerado su comicidad.

El propio autor de los libros, Roberto Santiago, es el guionista de la película y no se ha resistido esta vez a hacer una aparición. En anteriores películas suyas no hizo lo propio a pesar de que varias de ellas también trataban sobre el deporte rey (‘El penalti más largo del mundo’, ‘El sueño de Iván’) algo que parece que le apasiona. Y como cada uno protege sus obras y pasiones lo que también ha procurado es que se mantengan los matices originales. El tono de los libros es muy acertado y eso se ha trasladado al cine con un humor cargado de chistes fáciles, situaciones granujas y personajes payasiles. Para niños de ocho años que vean la película con un punto de vista más crédulo ‘Los Futbolísimos’ puede valer. Pero en el plano técnico e interpretativo no ha estado igual de atinada y para unos espectadores más mayores la veo difícil de vender.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de agosto. Título original: Los Futbolísimos. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Miguel Ángel Lamata. Guion: Roberto Santiago, Pablo Fernández, Miguel Ángel Lamata. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Teo Delgado. Reparto principal: Joaquín Reyes, Carmen Ruiz, Toni Acosta, Jorge Usón, Antonio Pagudo, Norma Ruiz, William Miller, Gerald Follmore, Carlota Callén, Samuel Miró, Julio Bohigas, Milene Mayer, Iker Castiñeira, Roberto Rodríguez, Marcos Milara, Samantha Jaramillo, Pablo Isabel, Martina Cabrera, Daniel Crego. Producción: Atresmedia Cine, Chester Media, Wandermoon. Distribución: Paramount Pictures. Género: comedia, infantil, adaptación. Web oficial: https://twitter.com/LosFutbolisimos

Crítica: ‘Rodin’

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París, 1880. Después de 40 años, Auguste Rodin recibe un encargo del estado que dará pie a algunas de las esculturas más relevantes de la historia. Mientras tanto, comparte su vida con Rose, su amor de toda la vida, hasta que conoce a Camille Claudel, una destacada alumna que se convierte en su asistente y, más tarde, su maestra, con la que además iniciará una relación de amor y admiración mutua que marcará su vida y su carrera. La obra de Rodin supuso el punto de partida de la escultura moderna, y su vida estuvo impregnada por la pasión y la lucha entre aquellos que supieron admirar su arte y quienes rechazaban la sensualidad de su escultura.

Crítica

La insistencia francesa de esculpir el amor desluce al magnífico Rodin

Han pasado cien años desde la muerte del escultor Auguste Rodin y desde Francia nos llega una película sobre el gran escultor. Vincent Lindon (‘La ley del mercado’) se convierte en el artista que realizó grandes obras de la escultura moderna que hoy en día son iconos para todo el planeta.

‘Rodin’, que está dirigida y escrita por Jaques Doillon (‘Le petit criminel’), no nos ofrece una visión grandilocuente del creador francés. Nos baja del mito a la tierra pero ni siquiera atina en su afán de sumergirse en sus intimidades o en su retrato de un artista. ¿Cuál es la diferencia entre el artista y el artesano? El artesano crea basándose en la repetitividad y la funcionalidad, en dar lo que quieren otros. El artista trabaja creyendo en la creatividad y la sinceridad de sus propios pensamientos. Lo que hace Doillon, cual artesano, es repetir de manera cronológica la vida del artista, pero poniendo su foco en algo totalmente erróneo y a merced de un público gustoso de la información amarilla. La vida amorosa de Rodín absorbe casi todo el metraje y diluye cualquier argumento divulgativo o entusiasta que pudiese tener el filme.

Aunque casi toda la acción transcurre en su traller, y de camino o de fondo vamos viendo muy bien recreadas míticas obras de Rodin como «Los burgueses de Calais» o «El adiós», el largometraje se centra sobre todo en las relaciones de Rodin con sus aprendices y modelos. Se pretende mostrar las abstracciones y motivaciones del artífice de «El pensador», pero sus amores Rose Beuret y Camille Claudel acapararon la atención del artista y también lo han hecho ahora con Jaques Doillon quien quizá debería haber buscado argumentos de más peso a la hora de retratar al artista. Quedan fuera muchos acontecimientos importantes de su vida o aparecen de manera casi fugaz.

Este no es un biopic completo de Rodin. No abarca desde su nacimiento hasta su muerte. Arranca desde que recibe el encargo de hacer «La puerta del infierno» a sus cuarenta años. Y es esta obra la que permanece como un leitmotiv y casi espectador a lo largo de toda la película, de tal modo que vemos como va creciendo cerca de parecer un recurso subliminal. La forma en cómo está narrada la película también es fallida. Recurre repetidamente a momentos semejantes y no hay un hilo argumental que seguir con verdadero interés. Ni siquiera cuando hacen acto de presencia grandes nombres como Claude Monet, Balzac, Victor Hugo o Paul Cézanne logramos desconectar del tono romántico o melodramático.

Aunque extrae algunas imágenes con muy buen tratamiento de la luz no roza la magnitud que debería tener una película sobre un modelista de tal renombre. No está a la altura de la huella histórica que dejaron sus obras. Ni siquiera Lindon se aproxima estéticamente al barbudo autor de manos prodigiosas. Me niego a creer que Rodin no tuviese una vida lo suficientemente inspiradora o conflictiva como para sacar de ella una película más fructífera. En lugar de ello lo que vemos es un largometraje que roza lo presuntuoso con unas maneras además algo aparatosas y extenuantes para contar una historia.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de agosto. Título original: Rodin. Duración: 119 min. País: Francia. Dirección: Jaques Doillon. Guion: Jaques Doillon. Música: Philippe Sarde. Fotografía: Christophe Beaucarne. Reparto principal: Vincent Lindon, Izïa Higelin, Séverine Caneele, Bernard Verley, Anders Danielsen Lie, Arhur Nauzyciel, Olivier Cadiot, Alexandre Haulet, Pierre-Yves Desmonceaux, Svetlana Semusheva, Maxence Tual. Producción: Les Films du Lendemain, Artémis Productions, France 3 Cinéma. Distribución: Caramel Films. Género: drama, romance, hechos reales. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/videos/rodin

Crítica: ‘Megalodón’

Sinopsis

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Un sumergible de aguas profundas que forma parte de un programa internacional de vigilancia submarina, ha sido atacado por una enorme criatura que se creía extinta. Ahora está averiado en el fondo de la fosa oceánica más profunda del Pacífico con su tripulación atrapada en el interior. El tiempo se acaba y, en contra de los deseos de su hija Suyin (Li Bingbing), un visionario oceanógrafo chino (Winston Chao) contrata a Jonas Taylor (Jason Statham), un especialista en rescate en aguas profundas. Su misión será salvar a la tripulación y también al océano de una amenaza imparable: un tiburón prehistórico de 23 metros conocido con el nombre de Megalodón. Pero lo que nadie podía imaginarse es que unos años antes Taylor ya se había enfrentado a esta misma criatura aterradora. Ahora, formando equipo con Suyin, debe superar sus miedos y arriesgar su vida para salvar a todos los que están atrapados en las profundidades, lo que le obligará a volver a enfrentarse al depredador más enorme y más temible de todos los tiempos.

Crítica

Divertida y poco sangrienta, así es ‘Megalodón’

Basada en la novela de Steve Alten, llega la película del verano, protagonizada por Jason Statham, ‘Megalodón’ , un grandioso tiburón prehistórico que decide darse una vuelta por el océano después de salir de su escondite.

Antes de comenzar con la crítica, decir, que la película como tal me ha gustado, no era para nada lo que me esperaba, pero me ha gustado. Tenía unas expectativas muy altas, quería grandes dosis de humor, sangre y acción. La acción la tenemos del resto se queda más bien corto.

Es una pena, que en la primera hora de la película no se aproveche el tema del tiburón, está bien que te pongan en situación y aunque realmente se haga corto, no necesito una hora de explicaciones, con media me da de sobra para saber de dónde venía el tiburón y lo que va a hacer, alimentarse.

Ese es uno de los grandes fallos, otro, el tiburón, mola mucho, pero sí que es cierto que en la escena de la playa parece mucho más grande de lo que es en realidad. Esperaba un bicho gigantesco y sí es grande, pero tampoco es para tanto. Además la película es muy blanca, con esto quiero decir, que no hay nada de sangre, solo cuando al animal se come a otros animales marinos, pero cuando se trata de un ser humano, nada, es como si fuésemos especiales y no sangráramos. Un poco más de sangría le hubiese venido bien.

La película como he dicho me ha gustado, por mucho que tenga esas fallas, Jon Turteltaub hace una cinta divertida, entretenida y con acción, donde Statham y Bingbing Li lo dan todo en las escenas contra el monstruo.

Hay que decir que el tema del CGI es lo que más me ha impresionado, hacía tiempo que no salía satisfecha con el trabajo de efectos digitales y es que últimamente todo es muy espectacular pero se nota mucho la mano del ordenador. En esta, es evidente que hay computadora de por medio, pero está muy bien realizado. La textura de la piel es fantástica, darle ese toque tan real, me parece de lo mejor de la película, pero no solo el tiburón es lo que está tan bien sino el paisaje marítimo, cuando llegan al fondo del mar, la cantidad de especies que aparecen son muy reales. Es algo de la cinta muy digno de admirar, el tener a una española dentro del proyecto, que ya es veterana en las grandes producciones, Carolina Jiménez (‘El Hobbit’, ‘Ant-Man y la Avispa’ o la temporada 8 de ‘Juego de Tronos’).

En la cinta además de tener como protagonista a Jason Statham, tenemos a Ruby Rose, Rainn Wilson, Bingbing Li, Jessica McNamee, Robert Tylor, Cliff Curtis, Ólafur Darri Ólafsson y Masi Oka que siempre me hace especial ilusión verle después de cogerle tanto aprecio en la serie de ‘Héroes’.

No busquéis por nuestros cines este largometraje en versión original ya que Warner solo la estrenará en España en versión doblada. Por lo demás poco más que añadir, ‘Megalodón’ es una cinta entretenida, con acción y un tiburón, que aunque no sea tan gigante como en sus distintas promociones, merece la pena un visionado teniendo estos calores de pleno agosto. Que mejor que estar en una sala fresquito viendo el océano en una gran pantalla.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto 2018. Título original: The Meg. Duración: 113 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jon Turteltaub. Guión: Belle Avery, Denan Georgaris, Erich Hoeber, Jon Hoeber, James Vanderbilt. (Novela de Steve Alten). Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Tom Stern. Reparto principal: Jason Statham, Bingbing Li, Rainn Wilson, Ruby Rose, Winston Chao, Masi Oka, Robert Taylor, Cliff Curtis, Ólafur Darri Ólafsson, Jessica McNamee, Page Kennedy. Producción: Gravity Pictures, Maeday Productions, Flagship Entertainment Group. Distribución: Género: Warner Bros. Web oficial: http://www.warnerbros.es/megalodon

Crítica ‘Una relación abierta’

Sinopsis

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Anna y Will lo son todo el uno para el otro: el primer beso, el primer amor, su primera y única relación. Cuando su mejor amigo le sugiere a Anna que debería salir con alguien más antes de pasar el resto de su vida con un solo hombre, es el principio de un viaje romántico inesperado.

Crítica

Real como la vida misma, ‘Una relación abierta’ no nos ofrece sorpresas.

Cuando la monotonía os coge de lleno en una relación de toda la vida y encima el novio de tu cuñado te hace duda, nada puede salir bien, ¿o sí?. De esto trata ‘Una relación abierta’, de si pasar el resto de tu vida con la misma persona es bueno o no, de si llevar una relación abierta, donde el sexo con otras parejas puede hacer mella en una relación tan consolidada ¿o no?.

Anna y Will deberán hacer frente a esta situación, a los celos, al amor inesperado, las dudas, los deseos secretos, las fantasías, el hacer daño a otras personas y un gran etcetera más que Brian Crano maneja bastante bien, eso sí, con un lenguaje muy visual nos va dando las pistas de cómo va a terminar la película, y este es el gran fallo, las va dando demasiado pronto, viendo el desenlace casi desde el principio.

Una de las cosas que más me ha gustado ha sido su suave melodía, su banda sonora, sencilla y nada pesada y poco a poco vamos cayendo como los protagonistas en ese mar de celos o en las nuevas experiencias vividas de cada uno.

La fotografía también me ha encantado, ya he comentado que el lenguaje es muy visual y está muy bien trabajado. Adam Bricker separa perfectamente ambas situaciones, la nueva vida de noche de ella, de luces tenues donde las luces de neón nos muestran pequeños detalles que quizás no viésemos con tanta oscuridad. Mientras que la de él, de día, donde va perdiendo la cabeza y cada vez ve como la situación se le va de las manos.

La cinta está protagonizada por Rebecca Hall, que le da una elegancia estupenda a su personaje, lleno de dudas pero que despierta en medio de toda esta locura. Su compañero y amor de vida Dan Stevens, es un poco el toque de humor de esta historia tan realista, un soñador que poco a poco va perdiendo toda la fuerza que tenía.

Morgan Spector y David Joseph Craig son el cuñado y el hermano que al principio tienen bastante que ver en toda la historia, pero que luego no entiendo porque han tenido que contarnos su vida, realmente interesa bastante poco.

Como secundarios encontramos a Jason Sudeikis que da vida a un personaje que igualmente pasa desapercibido, pero que como acostumbra está estupendo, también tenemos a Gina Gershon y François Arnaud.

Poco más que decir de la película, realmente no me ha gustado demasiado porque no me ha sorprendido y quizás por eso haya acabado muy desencantada. Pero bueno, es mi opinión y al fin y al cabo entrar en la sala de cine a ver una película romántica tampoco suena tan mal en estos días que se estrenan muchas cintas de acción.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto de 2018. Título original: Permission. Duración: 96 min. País: Estados Unidos. Dirección: Brian Crano. Guión: Brian Crano. Fotografía: Adam Bricker. Reparto principal: Rebecca Hall, Dan Stevens, David Joseph Craig, Morgan Spector, Jason Sudeikis, Gina Gershon, François Arnaud. Producción: Chain Productions, Circadian Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Romance. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/877/una-relacion-abierta/

Crítica: ‘The Equalizer 2’

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Robert McCall garantiza una justicia inquebrantable para los explotados y oprimidos, pero ¿cuánto de lejos llegará cuando se trate de alguien a quien ama?

Si tienes un problema y no sabes a quién acudir, Robert McCall es tu hombre. Él es The Equalizer. McCall asegura una justicia inquebrantable para los apaleados, explotados y oprimidos, pero cuando su peligroso pasado llama a la puerta, necesitará de todas sus habilidades para ajustar las cuentas. Esta vez deberá enfrentarse cara a cara con asesinos altamente entrenados que no pararán hasta acabar con él. Denzel Washington retoma uno de sus personajes más característicos en la primera secuela de su carrera.

Crítica

Divertida y llena de acción, así es ‘The Equalizer 2’

En 2014 se estrenó la primera parte de esta cinta, donde conocimos a Robert McCall, un antiguo agente de la CIA, que abandonó su retiro para ayudar a gente de a pie que está indefensa.

Basada en la serie de televisión de los 80 ‘ El Justiciero’ creada por Richard Lindheim y Michael Sloan, ‘The Equalizer 2’ baja el ritmo y el nivel de la primera, pero tampoco decepciona. Sabemos lo que vamos a ver, a Denzel Washington pegando mamporros por doquier y utilizando su astucia e imaginación de la manera más insospechada posible.

Esta vez nuestro protagonista tendrá que vérselas con la traición, tendrá que revivir para poder ayudar a su gente e intentar que no le maten.

Dirigida de nuevo por Antoine Fuqua y con guión de Richard Wenk, esta vez se centran mucho más en el pasado del protagonista, haciendo quizás que perdamos la acción que teníamos en la primera parte. Pero tampoco quita que las luchas que veamos no sean buenas, todo lo contrario, si lo que os gusta es la acción esta cinta es lo que os va a dar. Eso sí, el final se les va un poco de las manos, una cosa es meter acción por todos lados, pero ya introducir un huracán me parece demasiado. Pero para gustos los colores.

Denzel Washington vuelve a ponerse en la piel de este chófer que solo quiere estar tranquilo, pero lo único que ve son injusticias por todos lados. Su personaje está obsesionado con el orden y además una de las curiosidades que tiene es que en las peleas en las que se mete utiliza cualquier cosa que esté de su mano para poder ganar. Espero que siga haciendo muchas películas más como esta, realmente se le da bien y en pantalla no decepciona.

En el reparto nos volvemos a encontrar con Bill Pullman y Melissa Leo, los únicos amigos del protagonista, además de tener como nuevos personajes a Pedro Pascal, al cual cada vez podemos ver más en Hollywood, Jonathan Scarge, Kazy Tauginas, Ashton Sanders u Orson Bean.

El CGI de la cinta es bastante bueno, las escenas de acción, están muy bien coreografiadas, me ha impactado sobretodo una realizada en un coche, muy divertida y hace que disfrutes un montón del cine de acción.

Poco más que decir, ‘The Equalizer 2’ nos devuelve a Denzel Washington en este curioso papel y nos hace vibrar de la emoción, si, como he dicho, inferior a su primera parte, pero eso no quita que sea una película que no nos debemos perder este verano en las salas.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto de 2018. Título original: The Equalizer 2. Duración: 120 min. País: Estados Unidos. Dirección: Antoine Fuqua. Guión: Richard Wenk (Personaje de Richard Lindheim y Michael Sloan). Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Denzel Washington, Ashton Sanders, Pedro Pascal, Bill Pullman, Melissa Leo, Jonathan Scarfe, Sakina Jaffrey, Lexie Roth, Donald Cerrone. Producción: Columbia Pictures, Fuqua Films, Escape Artists, Sony Pictures Entertainment. Distribución: Sony Pictures Spain. Género: Thriller, acción. Web oficial: http://www.equalizer.movie/site/

Crítica: ‘Buenos vecinos’

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Tras una supuesta infidelidad, Atli es expulsado de casa por su mujer, quien no le permite ver más a su hija. Se ve obligado a mudarse a casa de sus padres, que están envueltos en una pelea con sus vecinos debido a que su imponente y hermoso árbol da sombra en el patio de los mismos. Mientras Atli lucha por ver a su hija, la confrontación vecinal se intensifica hasta límites insospechados.

Crítica

Gunnar Sigurðsson nos muestra con agudeza que no podemos llevarnos como perros y gatos

‘Buenos vecinos’ nos llega principalmente desde Islandia bajo la batuta de Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Que no os engañe el título de esta película, no vais a ver ningún manual de civismo ni vais a contemplar la buena convivencia que tanto se prodiga cuando se habla de los países nórdicos. De hecho el título original del largometraje es ‘Under the tree (bajo el árbol)’. Y esto se puede interpretar como indicativo no solo de lo que transcurre bajo el árbol de la casa de los protagonistas, si no de lo que le sucede al árbol familiar, de cuáles son las consecuencias de las acciones de los mayores en las ramas inferiores del árbol genealógico. Que sí, que el título empleado en España dota a la película de un carácter irónico, pero el título original también puede tener ese sentido metafórico, que quizá yo he encontrado de manera más rebuscada pero no carente de significado.

En ‘Buenos vecinos’ tenemos básicamente dos historias paralelas. La de un hijo en pleno proceso de desesperante separación y la de sus padres en creciente conflicto con unos vecinos por culpa del árbol de su jardín. Ambas historias comienzan de un modo bastante incómodo, con situaciones sentimentalmente violentas y conflictivas. Los artífices de esas circunstancias no se andan con ningún tapujo por lo que el guión nos da momentos tanto de drama crudo como de humor casi retorcido. Sus acciones tienen repercusiones en la vida de los que les rodean, sobre todo en sus descendientes, al menos así lo va señalando poco a poco el director a través de varias reflexiones. Es decir, lo que viene a decir el comportamiento de sus personajes es que el no ser empático o no dialogar puede ocasionar daños colaterales a tus seres queridos.

Mucho más cómica y entretenida es la parte de los padres que le da más sentido tanto al título original como al empleado en nuestro país. Hay que señalar que tampoco está exento de importancia el mensaje de la historia del personaje de Steinþór Hróar Steinþórsson, el cual ejerce de marido en pleno divorcio, padre a punto de entrar en cólera e hijo refugiado en casa de sus padres. Pero se imponen el sarcasmo y la locura que están bastante presentes en esta película, sobre todo personificados en el personaje de Edda Björgvinsdóttir.

No te das ni cuenta de cómo Hafsteinn Gunnar Sigurðsson te pasa del drama a la comedia y de ahí a una tragedia de lo más desconcertante e incluso hilarante para aquellos que gusten del género negro. Y es que el desenlace de la película está totalmente desbocado en dos escenas que pueden dejar trastocado a cualquiera, convirtiéndose en una cinta casi de género para culminar con una escena final totalmente sarcástica. Muy mordaz el estilo de este director al que reconozco que he descubierto en esta su tercera película y del que intentaré ver sus anteriores trabajos de algún modo.

Ambas historias se podrían haber solucionado con diálogos y comprensión por ambas partes, siendo buenos vecinos o cohabitantes. Sin embargo lo que demuestra este filme, que roza el estilo de Haneke, es que el ser humano a lo que tiende es a hacerse daño, a hacer la vida del otro imposible. Señoras y señores, esta película, no les va a parecer merecedora de un Oscar, pero desde luego les va a enseñar que la empatía y la escucha es muy importante para no acabar mal con los que duermen a su lado.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto de 2018. Título original: Under the tree / Undir Trénu. Duración: 89 min. País: Islandia, Dinamarca, Polonia, Alemania. Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Guion: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson, Huldar Breiðfjörð. Música: Daníel Bjarnason. Fotografía: Monika Lenczewska. Reparto principal: Steinþór Hróar Steinþórsson, Edda Björgvinsdóttir, Sigurður Sigurjónsson, Lára Jóhanna Jónsdóttir, Þorsteinn Bachmann, Selma Björnsdóttir. Producción: Netop films, Profile Pictures, Madants, One Two films. Distribución: La Aventura. Género: drama, comedia. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/buenos-vecinos/

Crítica: ‘Mentes poderosas’

Sinopsis

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Cuando unos adolescentes desarrollan misteriosamente unas poderosas habilidades, son declarados una amenaza por el gobierno y detenidos. Con dieciséis años, Ruby, una de las jóvenes más poderosas que jamás se han encontrado, escapa de su encierro y se une a un grupo de adolescentes fugitivos que buscan un refugio seguro. Pronto su nueva familia se da cuenta de que, en un mundo en el que los adultos en el poder les han traicionado, escapar no es suficiente, y deberán iniciar una resistencia usando sus poderes para volver a tener el control de su futuro.

Crítica

Romance y fantasía adolescente con poderes y poco gancho.

Tras haber estado inmiscuida en la animación de la primera parte de ‘Kung Fu Panda’ y sido la directora de la segunda o formado parte de proyectos como la serie animada de Spawn ahora Jennifer Yuh Nelson se ha embarcado en su primer proyecto con actores reales. ‘Mentes poderosas (The Darkest Minds)’ surge de la adaptación de la novela de Alexandra Bracken y narra la huída de una joven llamada Ruby en unos Estados Unidos en los que ha fallecido el 98% de los niños y el 2% de los supervivientes tiene poderes. Pero esos poderes son considerados una enfermedad y aquellos que la poseen son capturados y clasificados por colores y capacidades en campamentos que parecen casi campos de concentración.

Al ser estas habilidades tratadas como una enfermedad estamos ante una versión de súperhumanos del tipo ‘X-Men’ o ‘Héroes’. De hecho al igual que en la película ‘X-Men orígenes: Lobezno’, que también era de Fox, sucedían algunas cosas que vemos calcadas en esta película, como el final del personaje interpretado por Gwendoline Christie, la famosa Brienne de ‘Juego de Tronos’ o el Capitán Phasma de ‘Star Wars’ que se convierte aquí en toda una implacable caza recompensas. O se intuye también un guiño a la famosa escena del campo de concentración en el que Magneto está recluido de pequeño. Y no son solo estas casualidades las que nos dan un sabor a cómic o serie. El colorido del diseño de producción, nombres de entidades como «La Liga» o la aventura tan juvenil que vamos viendo nos dan la sensación de que en un formato más fraccionado esta historia se habría consumido mejor. De hecho hay partes, como la del campamento inicial o el viaje en furgoneta que me da la impresión que se desarrollan de una manera más extensa en la novela y en la película se han plasmado de un modo más atropellado.

La película cuenta con rostros conocidos como Bradley Whitford (‘Déjame salir’), Wade Williams (‘Prison break’), Gwendoline Christie (‘Juego de Tronos’), Mark O’Brien (‘La llegada’)… e incluso la protagonista, Amandla Stenberg, que ya trabajó en ‘Los juegos del hambre’. Porque si hay una tónica que se repite en ‘Mentes poderosas’ es la de las sagas de adolescentes. El sabor a películas como ‘El corredor del laberinto’ o ‘Divergente’ está muy presente, mejorando o viéndose superada en diferentes aspectos a esos títulos. Al igual que esas recientes películas ‘Mentes poderosas’ no está mal ejecutada técnicamente pero si tiene algunos fallos argumentales y clichés machacados que se ponen de manifiesto desde su inicio.

Pero más que su narrativa, que atiende a la demanda de las modas actuales, lo que lastra la película es el poco gancho de sus protagonistas. Jóvenes actores que no tienen una fuerte personalidad ni una gran presencia ante la cámara y cuyos roles hemos visto representados muchas veces en otras películas. Se salva como siempre el secundario cómico que es sobre el que se descargan las frases más «ingeniosas». No lo tienen nada fácil tampoco estos intérpretes que además se enfrentan al reto de contar una historia que no es solo de ciencia ficción o fantasía si no que también es romántica y se ve frenada bastante por sus escenas amorosas y ya de por sí tiene poca acción.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto de 2018. Título original: The darkest minds. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Jennifer Yuh. Guion: Chad Hodge. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Kramer Morgenthau. Reparto principal: Amandla Stenberg, Harris Dickinson, Mandy Moore, Gwendoline Christie, Bradley Whitford, Wade Williams, Mark O’Brien. Producción: 21 Laps Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: adaptación, ciencia ficción, romance. Web oficial: https://www.mentespoderosas.es/

Crítica: ‘El rehén’

Sinopsis

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Un antiguo diplomático norteamericano (Jon Hamm) se ve envuelto en una operación de espionaje en el Líbano que le hará enfrentarse a un pasado traumático. Deberá rescatar a un viejo amigo, agente de la CIA, secuestrado por unos terroristas. En el camino se enfrentará a una trama llena de engaños y traiciones y con implicaciones de alto nivel político.

Crítica

Un thriller político donde cada minuto vale oro

Dirigida por Brad Anderson (‘El Maquinista’) y con guión de Tony Gilroy (‘Saga Bourne’) nos llega esta semana ‘El Rehén’, un thriller que no va a dar mucho que hablar, pero que si es merecido su visionado.

Realmente es una cinta que no nos cuenta nada nuevo, una guerra, un rehén y las típicas conspiraciones de distintos países intentando cada uno conseguir beneficios de toda esta situación. Pero aunque la historia sea tan sencilla reconozco que la película me ha tenido enganchada desde el principio.

Cuenta con un ritmo muy llevadero, poco a poco vamos conociendo a todos los personajes con los que vamos a lidiar durante 109 min. El pasado de Mason Skiles, el protagonista de la película, es un punto clave para conocer por donde van a ir los tiros en este thriller donde la política, los espías y las negociaciones con terroristas harán que disfrutemos de una buena sesión de cine al más puro estilo de las novelas de John Le Carré.

Jon Hamm (‘Mad Men’) es el encargado de dar voz y cuerpo a un hombre destrozado que es de nuevo requerido en su antiguo trabajo, Mason Skiles. La desesperación y tristeza de su mirada hacen posible que nos creamos realmente esta historia.

Rosamund Pike (‘Perdida’) es su compañera en esta aventura en la que se ha visto metido, tampoco es que haga un papel enorme, pero sí que es cierto que se agradece ver un personaje como el de Rosamund que tiene todo bajo control en esta historia llena de incertidumbres.

En el reparto también encontramos a Dean Norris (‘Breaking Bad’), irreconocible por su apariencia pero estupendo como siempre, Mark Pellegrino, Colin Stinton, Nick Holder, Kate Fleetwood, Leia Behti, Hichame Ouraqa, Khalid Benchagra o Yoav Sadian, entre otros.

La historia no está basada en hechos reales, pero te introducen tan bien en el contexto de la Guerra Civil de Beirut, que bien podría ser una historia real. Además también utilizan el caso de la masacre de Munich, para darle más consistencia a todo lo que nos están contando, tanto que dudas si realmente si es algo que ocurrió en la realidad. Es algo muy loable y que me ha gustado mucho, pues han creado una historia muy veraz.

En general como he dicho nada más comenzar, ‘El Rehén’ no va a dar mucho que hablar, pero sí que es una muy buena opción para meternos en la sala de cine y disfrutar de un buen thriller.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto 2018. Título original: Beirut. Duración: 109 min. País: Estados Unidos. Dirección: Brad Anderson. Guión: Tony Gilroy. Música: John Debney. Fotografía: Björn Charpentier. Reparto principal: Jon Hamm, Rosamund Pike, Mark Pellegrino, Dean Norris, Shea Whigham, Jonny Coyne, Larry Pine, Jay Potter, Alon Abourboul. Producción: Radar pictures, Bleecker Street MEdia. Distribución: DeAPlaneta. Género: Thriller. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/el_rehen

Carlos Vermut logra hacer brillar a 4 estrellas por sí solas

Buena fuente de partida pero un agua demasiado dulce de beber

Divertida y para toda la familia.

Una creepypasta bastante floja para lo que podría haber sido

Jennifer Garner imparte justicia con contundencia

Cautiva con sus mundos y con la frescura de su historia

Dani de la Torre nos trae una cinta de gánsters en plena Barcelona con una impresionante puesta en escena.

Es el protector letal que imaginó David Michelinie y el tipo de bestia que dibuja McFarlane

Es el patético y épico extraterrestre del cómic

Un cuento lleno de miel y madurez

Aporta muy buenas ideas a los parques temáticos pero muy malas a los psicópatas

Inquietante y muy entretenida, así es ‘Searching’.

Feig evita el dramón gracias a dos protagonistas que ejecutan un combo muy cómico

Iko Uwais recorre con más notoriedad las 22 millas de Wahlberg y Berg

Es de esas películas en las que no hay espacio para la candidez

En ‘Predator’ el letal alienígena se enfrenta a un Equipo A en el que todos son Murdock

Una fantástica puesta en escena es lo que nos regala ‘La Monja’

Un hombre atrapado en una eterna soledad.

Estupendo thriller de ficción lleno de realidad

Libertad creativa que da a luz a lo inusual

Divertida, gore y con Nicolas Cage, no se puede pedir más.

Una crítica con mucha realidad pero sin explorar nuevos canales de concienciación

Regresando al futuro, regresando a lo más disparatado

Si hay una película que admite chistes de «relleno» es esta

Una habilidosa foto de cuando evolucionamos incorporando a nuestra vida el respeto por los animales

Del fútbol de libro al fútbol de sala sin lograr golear

La insistencia francesa de esculpir el amor desluce al magnífico Rodin

Divertida y poco sangrienta, así es ‘Megalodón’

Real como la vida misma, ‘Una relación abierta’ no nos ofrece sorpresas.

Divertida y llena de acción, así es ‘The Equalizer 2’

Gunnar Sigurðsson nos muestra con agudeza que no podemos llevarnos como perros y gatos

Romance y fantasía adolescente con poderes y poco gancho.

Un thriller político donde cada minuto vale oro

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