‘Muchos Hijos, un Mono y un Castillo’ son los deseos con los que soñó Julita desde niña, y los tres se han convertido en realidad.
Cuando el menor de sus hijos se entera de que su madre ha perdido la vértebra de su bisabuela asesinada, guardada a lo largo de tres generaciones, la familia emprende una estrafalaria búsqueda entre los más peculiares y extraños objetos que Julita ha ido acumulando a lo largo de sus más de ochenta años, mostrándonos una ágil y divertida galería de personajes.
Lo que en realidad Julita está a punto de encontrar es el verdadero significado de la vida.
Crítica
La familia numerosa de Julita crecerá con cada espectador que la vea.
Si tienes una buena colección de videos caseros grabados con equipos que van desde una cámara Super 8 hasta un iPhone 6 ya es buena señal de que tienes una gran cantidad de material, válido para hacer un documental casero. Si además lo que has grabado es una historia peculiar, con altibajos económicos y conversaciones políticas esos vídeos pueden reflejar de manera doméstica la historia de tu país. Pero si por encima de todo esto tu madre posee una personalidad arrolladora el éxito del filme o por lo menos la legión de fans está asegurada. Al igual que otras películas ‘Muchos hijos, un mono y un castillo’ se lo debe todo a su persona, me gustaría evitar la palabra personaje, más que a su historia. La figura de Julita Salmerón es tan carismática, disparatada, entrañable y singular que hace que cada comentario y escena sean dignas de atesorar. El descubrimiento de esta matriarca llega de igual modo que nos llegó el de Carmina Barrios, levantando pasiones entre los espectadores, casi ganándose aún más hijos entre el público, con la salvedad de que en esta ocasión no tenemos un protagonista semi-ficticio, sino a alguien totalmente real.
Pero la familia de Julita también tiene lo suyo de particular, como todas si las vamos conociendo en detalle. Lo único es que los deseos de la protagonista, hechos realidad gracias al azar y la fortuna, acentúan estas singularidades. Porque no es muy común vivir en un castillo, tener un mono o guardar las vértebras de un familiar muerto, lo cierto es que no. Pero aún así es entrañable, casi como ver los recuerdos de uno mismo, ver a este clan en situaciones la mar de hogareñas.
‘Muchos hijos, un mono y un castillo’ necesitaría algo más para traspasar la barrera de lo cotidiano, para ser algo más que un documento familiar o una serie de anécdotas, tal vez haber concluido la historia cerrando el círculo de algún modo más revelador. No obstante nos descubre a una persona de esas que siempre han vertebrado nuestro país con su carismática personalidad y peculiar visión de la vida, la cual ha ido transformándose con el paso de los años. Los continuos disparates que dice o hace Julita son lo mejor de la película, uno no sabe si son cosas de la edad o maneras de vivir, como decía aquel.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2017. Título original: Muchos hijos, un mono y un castillo. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Gustavo Salmerón. Guión: Gustavo Salmerón, Raúl de Torres, Beatriz Montaez. Música: Mastretta. Fotografía: Gustavo Salmerón. Reparto principal: Gustavo Salmerón, Julita Salmerón. Producción: Sueños despiertos P.C. Distribución: Caramel Films. Género: comedia, documental. Web oficial:http://www.caramelfilms.es/site/sinopsis/muchos_hijos_un_mono_y_un_castillo
Una fuerza oscura amenaza Ponyville, y las ponis (Twilight Sparkle, Applejack, Rainbow Dash, Pinkie Pie, Fluttershy y Rarity) se embarcan en un viaje inolvidable más allá de Equestria, donde encontrarán nuevos amigos y apasionantes desafíos en una búsqueda para usar la magia de la amistad para salvar su hogar.
Crítica
¡La serie de los juguetes ya tiene película!
‘My Little Pony’ es una serie de dibujos animados que, en su origen allá por los años 80, tenía el solo propósito de publicitar la línea de juguetes homónimos, pensados para niñas pequeñas. Mucho ha llovido desde entonces, particularmente desde que la animadora Lauren Faust tomara las riendas de la serie, logrando convertir una herramienta animada de promoción en un inesperado éxito internacional, responsable de la aparición de los “bronies”, una tribu urbana de fans acérrimos de la serie.
Tras seis temporadas, el primer largometraje de la serie llega a los cines con la misma premisa que esta, es decir: repartir entretenimiento sencillo con una fórmula que ha funcionado a la perfección. ¿Lo consigue en la gran pantalla? Sí, al menos en su mayor parte.
La película empieza en Canterlot la capital de Equestria. Cuando esta es atacada por una fuerza invasora comandada por Tempest Shadow, una unicornio renegada que trabaja para el misterioso Rey de la Tormenta, la Princesa Twilight Sparkle y sus cinco amigas tendrán que viajar allende las fronteras para detenerla. Por el camino conocerán nuevos aliados y enemigos, y se enfrentarán a peligros de diversa índole. Es, en definitiva, un argumento sencillo sobreexplotado, pero efectivo en su ejecución, y que gustará mucho a los fans y a los más jóvenes, si bien los adultos que no sean fans de la serie pueden encontrarlo demasiado conocido. Y es en los personajes principales, cada uno con su personalidad particular y su propia forma de ver las cosas, dónde encontramos el principal punto fuerte de la historia; mientras que los personajes secundarios, con dos notables excepciones, son indudablemente lo más desfavorable para la película, pues no terminan de dar la talla y su personalidad parece estar hecha sólo para cumplir con un rol y luego ser desechados.
En cuanto al apartado técnico, la animación en 2D está muy bien lograda, aunque la CGI puede hacerse demasiado evidente en ocasiones. El estilo artístico cumple al diseñar un universo en consonancia con la serie de dónde procede, si bien el diseño de personajes, con un aspecto más estilizado, con más líneas curvas y más claroscuro, puede resultar un cambio innecesario con respecto a la fuente original, que ya poseía unos modelos animados sobresalientes. Por su parte, la banda sonora hace un maravilloso trabajo y complementa el resto de la película con eficacia, siendo las canciones bastante entretenidas y pegadizas.
En definitiva, esta película infantil cautivará a su público objetivo y a sus fans, pero es complicado que contente a los neófitos en la serie, pues su argumento, si bien es muy efectivo, no aporta ninguna novedad a la serie en su conjunto. Su apartado técnico es excelente y se complementa a la perfección con su estilo artístico y su banda sonora. ¡Este pony está que arde!
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de diciembre de 2017. Título original: My Little Pony: The Movie. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Jayson Thiessen. Guión: Rita Hsiao, Meghan McCarthy, Michael Vogel, Bonnie Zacherle. Música: Daniel Ingram. Producción: Allspark Pictures, DHX Media, Hasbro Studios, Lionsgate. Distribución: Tripictures. Género: animación, aventuras. Web oficial:http://www.mylittlepony.movie/
‘Fe de etarras’ transcurre en el cálido verano de 2010 en una pequeña capital de provincias española. Un peculiar y disfuncional comando formado por un veterano que está deseando demostrar que no es un cobarde (Javier Cámara), una pareja cuyo compromiso depende de la continuidad de la banda (Miren Ibarguren y Gorka Otxoa) y un manchego que cree que entrar en el comando le hará sentir como si fuera Chuck Norris (Julián López) se atrincheran en un piso a la espera de recibir una llamada, que parece que nunca llega, para pasar a la acción. Mientras tanto, la selección española arrasa en el Mundial de Sudáfrica y todo el país lo celebra a su alrededor…
Crítica
Cobeaga y San José, oso ondo que cachondos.
No creo que sea encomiable hacer más chistes sobre explosiones y terrorismo de las que salen en la película o de las que se hayan escrito ya. De igual modo que lo hace la película no me voy a andar con rodeos. ‘Fe de etarras’ es una película valiente, que no tiene ningún miedo ni pone paños calientes a la hora de soltar su humor negro. No añade nombres concretos pero si momentos y datos en sus chistes a si es que a chincharse aquellos que se querellan contra todo tuitero o monologuista que no tiene miedo de formular sus gracias con todo tipo de eventos de la vida y a reírse de cualquier cosa. ‘Fe de etarras’ juega su mejor baza con el humor negro y antipatrio. Y eso no quiere decir que sea una película hecha para hacer daño a la gente o que sea separatista, para nada. Simplemente sabe reírse de determinada situación que vivimos en el pasado. Por lo tanto considero que esta es no solo una oda al humor negro si no un canto al hecho de pasar página a una etapa muy oscura de nuestra historia. Lo que han hecho en esta ocasión Borja Cobeaga y Diego San José, pese a un rato de bajón, me parece más acertado e inteligente que lo que hicieron en ‘Ocho apellidos vascos’, por lo menos a la hora de querer jugar con personajes de distintas zonas de España.
Yendo por una vertiente diferente que por la que nos llevaron en la comedia protagonizada por Lago y Rovira ‘Fe de etarras’ no cae en los clásicos chistes regionales. Los gags tienen mucho del país vasco y de las particularidades de la banda terrorista pero no nos cargan con innumerables clichés. La sutileza con que los protagonistas nos arrojan los chistes es muy peculiar y española al mismo tiempo, lo cual no deja de ser irónico.
Manejar este tipo de humor no es fácil y maestros como Javier Cámara hay pocos. Su personaje no solo hace gracia sino que a la vez intimida, ironiza, da lástima… genera un compendio de sensaciones en el marco de esta comedia. Pero Cámara no ensombrece a sus tres compañeros de reparto, Julián López, Miren Ibarguren y Gorka Otxoa. Los cuatro son necesarios para completar el afilado tetraedro que conforma este comando de humoristas.
Tenedme en cuenta que soy consumidor de cómics y que tengo muchas ganas de ver otra obra nuestra trasladada a la gran pantalla con el mismo éxito o mayor que le que consiguió Fesser con su ‘Mortadelo y Filemón’, por eso ansío ver el próximo trabajo de Cobeaga y San José juntos, ‘Superlópez’. Se están convirtiendo en expertos del retrato español desde la comedia y no dudo, que al igual que la obra de Jan, su próximo trabajo será una nueva plasmación de nuestro país tan acertada como esta.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de octubre de 2017 (Netflix) 8 de diciembre de 2017 (Cines). Título original: Fe de etarras. Duración: 89 min. País: España. Dirección: Borja Cobeaga. Guión: Diego San José, Borja Cobeaga. Música: Aránzazu Calleja. Fotografía: Jon D. Domínguez. Reparto principal: Javier Cámara, Julián López, Miren Ibarguren, Gorka Otxoa, Tina Sáinz, Ramón Barea. Producción: Netflix España, Mediapro. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80134526
Fernando y Margarita son un hombre y una mujer, una pareja que vive en un hogar en el que él manda y ella obedece. De estos roles establecidos nace un juego perverso en el que Fernando es libre de proponer y modificar la realidad a sabiendas de que su esposa acatará sus decisiones incondicionalmente.
Así, Margarita y Fernando llevarán este «juego» hasta sus últimas consecuencias.
Crítica
Película pequeña, actores grandes, tema capital.
Opera prima de Fran Arrárez. ‘Llueven vacas’ está basada en las palabras de Carlos Be (‘Exhumación’), las cuales nos narran una historia de amor que no es amor. Un claro ejemplo de violencia machista relatado por una sola pareja que es encarnada por diferentes actores. Lo que nos cuenta el texto es una relación basada en un absurdo, en una mentira autoinducida por una parte e impuesta por la otra.
A través de distintas parejas de actores y actrices se nos representan varias etapas y escenas de la vida de estas personas que se autodestruyen. Muchos de ellos nos dan secuencias desgarradoras, en su mayoría centradas en el maltrato psicológico. Aunque las edades de los intérpretes varíen aleatoriamente la historia es lineal. Pese a que la estética es muy de años cincuenta norteamericanos la crónica es totalmente atemporal y sirve para cualquier estado o nación. La película no tiene más que dos escenarios y son suficientes pues su localización no es lo importante. Es extremadamente teatral y se centra mayoritariamente en la mente rota, troquelada y arrinconada de la mujer.
Los actores que mencionaba antes son Maribel Verdú, Víctor Clavijo, Laia Marull, Secun de la Rosa, Gloria Muñoz, Pedro Miguel Martínez, María Barranco, Asier Etxeandia, Mónica Regueiro, Sergio Peris-Mencheta, Gemma Charines, Eduardo Noriega y Carmen Mayordomo. Merece la pena nombrarlos a todos pues ninguno de ellos tiene escena mala. Sin duda un equipo de ensueño para una película de tan bajo alcance y tanta transcendencia. A destacar, María Barranco en el momento más desquiciado de la película o Gloria Muñoz con su mirada perdida. Victor Clavijo o Asier Etxeandia dan nauseas de lo bien que representan su papel.
Los maridos hacen creer a sus mujeres que llueven vacas, pero para algunas mujeres las vacas que tienen encima son bacas con b pues llevan la carga, el peso, el lastre del maltrato en su camino y no pueden quitárselo pues hay veces que ni son conscientes de ello. Porque la aduana de la cotidianidad se pasa sin que una se dé cuenta incluso de que existe el miedo y la vergüenza se impone haciendo que el precio sea cada vez más caro. Y ese equipaje se compra, o más bien viene regalado por una educación y cultura regalada o heredada. Que si, se están dando pasos para que esto cambie, pero ‘Llueven vacas’ nos recalca como ocurre esto a los largo de distintas etapas y como aún persisten muchos casos, para que no tropecemos con la misma piedra ni confundamos el concepto de amor.
Ficha de la película
Estreno en España: 7 de diciembre de 2017. Título original: Llueven vacas. Duración: 75 min. País: España. Dirección: Fran Arráez. Guión: Fran Arráez. Música: Flavio Villani. Fotografía: Maysun. Reparto principal: Maribel Verdú, Víctor Clavijo, Laia Marull, Secun de la Rosa, Gloria Muñoz, Pedro Miguel Martínez, María Barranco, Asier Etxeandia, Mónica Regueiro, Sergio Peris-Mencheta, Gemma Charines, Eduardo Noriega, Carmen Mayordomo. Producción: Produccionesoff, Trisquel Escena, The Zombie Company. Distribución: Begin Again Films. Género: Drama, adaptación. Web oficial:https://www.produccionesoff.com/#!portfolio-item/llueven-vacas
Verano de 1959. La familia Lodge se muda a Suburbicon, una comunidad suburbana pacífica e idílica con viviendas asequibles y céspedes muy bien cuidados… el lugar perfecto para criar una familia. Pero la aparente tranquilidad esconde una realidad perturbadora. El cabeza de familia de los Lodge, Gardner (Matt Damon) se sumergirá en un pueblo oscuro lleno de traición, engaños y violencia. Es un cuento de gente imperfecta que comete muy malas decisiones.
Crítica
Clooney y su reparto por encima del texto de los Coen.
Gardner Lodge, no confundir con Garden Lodge, el lugar donde vivió Freddy Mercury, es el nombre del protagonista que encarna Matt Damon en ‘Suburbicon’. Y muy lejos de la majestuosidad de Queen o del ajetreo de la City está la modestia, la tranquilidad y la comodidad de esta ficticia ciudad norteamericana en la que habita el personaje de Damon. Tanto lugar como protagonista tienen algo en común, ambos parecen apacibles, prometedores y acogedores pero también esconden hostilidad y malas intenciones.
La ciudad no es más que el fiel reflejo del «American way of life» de los años cincuenta y no sirve más que como marco y excusa para una historia negra. Realmente la población de Suburbicon no es la protagonista del filme, tan solo el emplazamiento de un suceso que bien podría haber tenido lugar en una de las miles de urbes estadounidenses cuyo nombre acaba en «ville» o en el mismo Los Angeles de los 50, como tantas películas de este mismo corte. Esta nueva película que han creado en conjunto los hermanos Coen y George Clooney muestra que irónicamente en su «vida y ciudad perfecta» los estadounidenses son más viles entre ellos de lo que pueden llegar a ser con las personas de raza negra. Esto es debido a que se introduce en el filme una familia afroamericana que rompe los esquemas de la ciudad e inmediatamente son rechazados. Este es el único sentido que le veo a la inclusión de la historia de la familia afroamericana, el de mostrar ese ácido contraste, porque realmente no influye en el transcurso y el destino de los protagonistas principales.
En general la trama está algo molida si repasamos este género a lo largo de la historia del cine. Es cine negro puro y duro, sin mensaje ni novedad alguna. Personajes desdichados, cínicos, con aspiraciones a más y vidas que van a menos, todo ello sumergido en una espiral de decadencia. Lo mejor que capta Clooney de esta clase de películas es la puesta en escena. Ha conseguido una perfecta y cuidada ambientación, es imposible evitar retraernos a un pasado que cada vez se torna más lleno de claroscuros. Además tan solo con el brillante arranque pegamos un brinco a los años cincuenta y entramos en una dinámica de corrección y vidas felices que poco a poco se van yendo al garete.
La buena dinámica y sintonía reinante del filme es patente ya que todos los actores han trabajado juntos alguna vez y todos han estado inmersos en películas de los Coen en cierta ocasión o incluso en varias. Está bien y con un rol muy distinto al habitual Matt Damon, nos sorprende desde su papel doble Julianne Moore (me consta que hay más películas en las que la veremos hacer esto). Pero un gran descubrimiento podría ser el de Noah Jupe. Este jovencísimo actor que actualmente tiene otras películas en cartelera ni ha estado falto ni estoy seguro que le va a faltar trabajo pues apunta maneras. Su papel en esta película nos carga de temor y sentimientos encontrados.
En general es una película muy bien rodada. No es un grande pero sabemos Clooney también es muy bueno tras la cámara. Ya nos ha demostrado en películas como ‘Buenas noches, y buena suerte’ o ‘Monuments Men’ que sabe dirigir y que no tiene problema al manejar los egos de los actores que tiene a sus órdenes, incluido el suyo propio, de hecho aquí ya no se incluye a sí mismo en el reparto. En ‘Suburbicon’ nos deja geniales secuencias y planos. Sobre todo cuando cuando hacen acto de presencia Glenn Fleshler y Alex Hassell u Oscar Isaac. Se nota que tanto director como guionistas se saben regodear en la miseria y la mezquindad humana. La lástima es que ahora que por fin, tras haber actuado en cuatro de sus libretos, Clooney dirige un texto de los Coen y este no está del todo a la altura. Los hermanos están flojos en el guión ya que realmente no nos cuentan algo relevante. Este nuevo filme resulta menos cómico, aunque si bastante más negro, que anteriores trabajos como pudieron ser ‘Ladykillers’.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de diciembre de 2018. Título original: Suburbicon. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: George Clooney. Guión: Ethan Coen, Joel Coen, George Clooney, Grant Heslov. Música: Alexandre Desplay. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Matt Damon, Julianne Moore, Óscar Isaac, Karimah Westbrook, Glenn Fleshler, Michael D. Cohen, Noah Jupe, Gary Basaraba, Alex Hassell, Tony Espinosa. Producción: Black Bear Pictures, Silver Pictures, Smoke House Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, cine negro. Web oficial:http://www.suburbiconmovie.com/
Cuando una misteriosa y violenta secta amenaza con irrumpir en un hospital aislado, un policía y el personal médico se unen para encerrarse en su interior. Pero mientras se preparan para luchar por sus vidas, descubrirán que la auténtica pesadilla ya está dentro.
Crítica
Cine fantástico plagado de influencias clásicas del terror.
No es mala noticia que películas como esta, de género fantástico y bajo presupuesto, lleguen a nuestras carteleras, sobre todo tras haberse iniciado con un crowdfunding. Aunque su presencia no sea equiparable a la de las grandes producciones podrá ser vista en los cuatro puntos cardinales del país y eso es digno de elogio pues ‘El vacío’ merece ser vista. Es una película de tintes festivaleros, es decir, sin grandes pretensiones, muy ligera de argumento, con mucho disfrute para aquellos que busquen influencias clásicas y de corta duración.
A la hora de construir o identificar este filme las referencias están claras. La premisa es muy de Stephen King, unos personajes con un drama que se palpa entre ellos y que se ven obligados a enfrentarse a algo sobrenatural. La locura que persigue a los protagonistas es muy digna de Lovecraft. Las criaturas podrían formar parte de cualquier juego de la Capcom, con sus colmillos afilados, sus músculos a la vista, sus cabezas agujereadas… Todo el devenir de los acontecimientos está calcado de las películas de Carptenter, como si este hubiese estado inmiscuido en parte del guión o les hubiese asesorado. Incluso dos de los actores del filme (Kathleen Munro y Kenneth Welsh) actuaron en ‘La resistencia de los muertos’ del mítico y hace poco fallecido George A. Romero. Con todo esto no digo que sea una maravilla de película, pero desde luego se nota que sus máximos responsables, Steven Kostanski y Jeremy Gillespie, saben aprender de los grandes maestros e identificar aquello que hace momorable una película de terror.
Algo que han logrado y cabe destacar en ‘El vacío’ son sus monstruos contorsionados, casi sacados del imaginario japonés. Tal es así que nos pueden recordar a películas de terror asiáticas o a videojuegos como ‘Resident Evil’. Lo cual no es de extrañar pues su director Steven Kostanski trabajó en el departamento de arte, con su maquillaje de efectos especiales, de ‘Resident Evil 5: Venganza’, que aunque es una película norteamericana surge de los juegos orientales. El mayor recreo para los ojos por lo tanto está en el desfile de criaturas y de las vísceras que surge de estas o que ellas hacen surgir. A ello hay que sumarle la buena ambientación de la película que nos deja más de una estampa o fotograma digno de guardar en la memoria. Su otro director y guionista, Jeremy Gillespie, se encuentra trabajando en la serie ‘Star Trek: Discovery’ o ha estado involucrado en el aspecto del remake de ‘It’, lo cual son dos buenos indicadores de que ‘El vacío’ os puede entrar muy bien por los ojos.
Al margen de todo esto también hay que mencionar que la película respeta mucho las tradiciones empleando actores vestidos con prótesis para recrear a los monstruos, pero además les mezcla con las técnicas digitales actuales. Por eso el nombre de Carpenter y ‘La cosa’ surge mucho a la hora de hablar de esta película. Además porque esta cinta juega también con la claustrofobia y con el miedo a lo desconocido. Pero si hay que asemejarla a un título de Carpenter quizá hay que dirigirse más a ‘El príncipe de las tinieblas’.
Por supuesto tiene sus fallos. Los actores tienen sus altibajos y no mantienen bien la continuidad o la intensidad de sus personajes, además de sobreactuar un poco. Esto puede ser debido a una mala dirección o al talento de los intérpretes. Además de ello el filme pierde cuando se ve sometido a los discursos y las disertaciones de algunos personajes sobre temas místicos, fatalistas y oníricos. Pero si uno se deja llevar por la aventura y vive el amor por el terror como estos directores, partícipes del ‘ABCs of Death 2’, puede pasar un grato rato en el cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de diciembre de 2017. Título original: The Void. Duración: 90 min. País: Canadá. Dirección: Steven Kostanski, Jeremy Gillespie. Guión: Steven Kostanski, Jeremy Gillespie. Música: Joseph Murray, Menalon Music, Lodewijk Vos. Fotografía: Sammy Inayeh. Reparto principal: Aaron Poole, Kathleen Munro, Kenneth Welsh, Daniel Fathers. Producción: Cave Painting Pictures, JoBro Productions, Film Finance. Distribución: Segarra Distribución. Género: terror. Web oficial:http://segarradistribucion.com/el-vacio-2017/
Las siempre desbordadas Amy, Kiki y Carla se enfrentan a uno de los mayores retos de una madre: los preparativos de Navidad. Las “malas madres” intentan preparar las fiestas perfectas para sus respectivas familias a la vez que alojan e intentan cuidar de sus propias madres. Una peripecia que terminará redefiniendo las fiestas navideñas en familia.
Crítica
En esta ocasión son las mamás las que vuelven a casa por navidad.
Con una primera parte (crítica aquí) que tan solo en Estados Unidos en el primer fin de semana de su estreno ya superó su presupuesto de rodaje en taquilla podríamos esperar que tendríamos segunda entrega. A si es que las madres interpretadas por Mila Kunis, Kathryn Hahn y Kristen Bell están de vuelta y esta vez tienen motivos diferentes para ser «malas». Si en la anterior película ya superaron eso de tener que mantener un nivel de excelencia como madres perfectas ahora tendrán que hacer frente a la responsabilidad de crear un ambiente navideño óptimo para sus familias. Pero para colmo, y por suerte ya que es lo que le da más mordiente a la película, tienen que aguantar la presión y dolores de cabeza que les dan sus madres que aparecen por sorpresa. Es decir, esta película va de malas madres ya que ellas comienzan a romper lo que está visto como buena madre en época de Navidad y también va de lo mal que les tratan sus madres, que están interpretadas por Susan Sarandon, Christine Baranski y Cheryl Hines.
Por lo tanto la malas madres en esta ocasión tienen malas madres y necesitan desmadrarse el doble. Los nuevos personajes están bien presentados, de manera rápida y con dos frases ya sabemos de que pie cojean. Christine Baranski es quien hace de familiar de Mila Kunis y tiene más protagonismo, al igual que la actriz ucraniana. Su rol es muy similar al que interpreta en ‘The Big Bang Theory’, igual de criticona y elitista, aunque aquí esta forrada y no es tan inteligente, pero su personaje es muy parecido. Por el contrario en el caso de Cheryl Hines nos encontramos con un personaje con manía persecutoria que da algo de escalofríos, bastante más loco de atar y lejos de la realidad. Susan Sarandon es la que más marcha le da al reparto, pese a que su papel sea el más clásico.
A pesar de que los directores y escritores sean Jon Lucas y Scott Moore (‘Resacón en Las Vegas’) realmente no he visto un gran desmadre, como se pudo ver en películas de humor adolescente como ‘Malditos vecinos’ o ‘Resacón en las Vegas’, pero quizá por eso he agradecido que se haya bajado el tono. Esta segunda parte, dentro de lo surrealista de muchas de sus situaciones, tiene los pies más en la tierra y por eso puede hacer reír más. Su humor viene de descontrolar situaciones cotidianas y navideñas o de frases chocantes. Se centra más en buscar unas fiestas más tradicionales y tranquilas que en desbocarse y soltarse la melena.
Se nos envía el mensaje clásico de muchas películas. Ese de que los mejores hijos salen de los peores ejemplos y de que nunca es tarde para una segunda oportunidad o de que siempre se puede conectar entre personas por muy diferentes que estas sean. Por cierto que el final dulzón se ve venir. No me ha gustado el concepto de Navidad o de amor de una abuela que se manda a través de los hijos del personaje Mila Kunis ya que se muestra claramente que estos quieren a su abuela porque los tiene comprados. El filme es muy reiterativo en ese punto. Desconcierta pues a veces se critica el consumismo extremo en estas fechas y en otras lo incentiva como acabo de comentar. Haberse centrado más en lo machista que sigue siendo que se ocupen las mujeres de organizar todo en pleno siglo XXI habría sido quizá más acertado, pues lo dicen en alguna ocasión pero de pasada.
La película tiene algo de chispa, cae en las típicas obscenidades pero aún así hace gracia porque no se va a los extremos chabacanos, demuestra tener un mínimo de clase. Al fin y al cabo sigue un sota, caballo y rey, pero sale adelante.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de diciembre de 2018. Título original: A Bad Moms Christmas. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Jon Lucas, Scott Moore. Guión: Jon Lucas, Scott Moore. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Mitchell Amundsen. Reparto principal: Mila Kunis, Kristen Bell, Kathryn Hahn, Susan Sarandon, Justin Hartley, Oona Laurence, Emjay Anthony, Cade Mansfield Cooksey, Cheryl Hines, Christine Baranski, David Walton, Jay Hernandez, Peter Gallagher, Wanda Sykes, Lyle Brocato, Ariana Greenblatt. Producción: STX Entertainment, Huayi Brothers. Distribución: Diamond Films. Género: comedia. Web oficial:http://badmomsxmas.com/
Brigsby Bear Adventures es un programa de televisión para niños producido para una audiencia de uno: James. Cuando el espectáculo termina abruptamente, la vida de James cambia para siempre, y se propone terminar la historia él mismo.
Crítica
Una aventura emotiva y cinéfila.
Es palpable que muchos cineastas o miembros de la industria que se hacen llamar artistas han perdido el gusto por hacer cine, si algún día realmente lo tuvieron. Me refiero a aquellos que emplean el séptimo arte como un único medio para ganarse el pan. No lo condeno, para nada, es algo totalmente admisible, pero el cine merece seguir teniendo idealistas, soñadores y narradores que vayan más allá de las cifras en taquilla, que lo que cuiden sea la historia y que lo que amen sean sus personajes y el proceso de gestación de estos. Eso es lo que mima y pone de manifiesto ‘Brigsby Bear’ de un modo magistral y tierno. Ve en sus personajes algo que realmente está vivo, que tiene un fin útil y no les industrializa para monetizarles.
Por suerte la película de Dave McCary me permite contar muy poco de su argumento pues nada más arrancar nos sorprende con un giro muy chocante. Pero para poder argumentar mis impresiones si puedo decir que trata de una persona adulta que ha crecido obsesionada con un personaje cuyo equivalente en nuestra vida sería Espinete y cuya serie ha de ser cancelada por determinadas causas que no puedo revelar. ¿Qué puede hacer entonces? Nuestro protagonista se decide a finalizar la historia y ahí es donde comienzan no solo una serie de sorpresas sino una aventura reveladora y emotiva, tanto personal como cinematográfica. Con el protagonista emprendemos un camino de descubrimiento que además despertará, o avivará, en nosotros las ganas de rodar cine o de perseguir nuestros sueños sean cuales fueran, el rodaje del protagonista puede servirnos de metáfora para cualquier otra meta.
Muchos de los partícipes de esta película, incluido su director y protagonista, son habituales de Saturday Night Live. A si es que podéis estar seguros de que los artífices dominan bien las emociones del público y el tipo de ingenios que deben emplear para hacernos reír. Pero no hay que tomar ese programa como tal a la hora de buscar una referencia pues la comedia de esta película es mucho más peculiar y menos hilarante que la de ese late show. Es más, ‘Brigsby Bear’ tiene mucho drama y necesita un tono sensible, por lo que la vis cómica del programa no encaja en esta narración. Tampoco están incluidos en la saca del humor del programa que he citado dos de los nombres destacados del filme: Mark Hamill y Jane Adams. Pese a que son dos estrellas que pueden atraer a muchos fans a ver la película hay que advertir que el filme no bebe de ellas, aunque tienen varias escenas clave y bastante importancia en la trama.
Si acabáis la película y tenéis las mismas ganas de iniciar un rodaje o estáis con el mismo ímpetu de conseguir hacer realidad aquello que realmente disfrutáis del mismo modo que me sucedió a mi, estoy seguro de que la película habrá conseguido su meta. Dave McCary logra contagiarnos una pasión y eso es magia casi perdida en el cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2018 (Blu-ray y digital). Título original: Brigsby Bear. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Dave McCary. Guión: Kevin Costello, Kyle Mooney. Música: David Wingo. Fotografía: Christian Sprenger. Reparto principal: Kyle Mooney, Mark Hamill, Jane Adams, Greg Kinnear, Ryan Simpkins, Michaela Watkins, Matt Walsh, Jane Adams, Alexa Demie, Jorge Lendeborg Jr. Producción: 3311 Productions, Kablamo!, Lord Miller. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, drama. Web oficial:http://sonyclassics.com/brigsbybear/
David Lean dedicó los últimos seis años de su vida a poner en marcha un sueño titulado Nostromo. Basada en la novela del mismo título de Joseph Conrad, Nostromo iba a ser una película épica rodada con un cuidado y una atención al detalle que parecían de otra época en unos años dominados por la acción y los efectos especiales. El maestro británico, a punto de cumplir los 80, aspiraba a cerrar su carrera con una obra maestra a la altura de títulos como Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago o El puente sobre el río Kwai.
Crítica
Una clase magistral de cine con una historia trágica. ‘Nostromo; el sueño imposible de David Lean’
Con el guión de PedroGonzálezBermúdez y JuanZavala, ‘Nostromo: el sueño de David Lane’ es un documental sobre la película no realizada de este director, el cual estuvo durante 6 años preparando y al final todo quedó en saco roto.
Me ha parecido una manera estupenda de llevar esta historia a pantalla, no han caído en lo banal de llevar solo anécdotas, que sí, suele gustar, pero a veces el documental queda vacío, sino que han ido más allá y como he dicho al comienzo, nos han dado una clase magistral de cine gracias a las distintas entrevistas con las que han contado.
Nos dan la oportunidad de conocer los entresijos de la industria, no solo habla sobre el montaje o el guión, sino todo lo que va detrás, productores, el tema de la edad, pues DavidLane ya era muy mayor cuando se planteó hacer esta cinta y eso también influye a la hora de pedir seguros, también que cuando entra una productora grande, el director no puede elegir todo lo que él quisiera, como por ejemplo, en el tema actoral.
Por lo que cuentan David era muy meticuloso, hasta que no estaban las cosas como él quería se negaba a seguir adelante, si no le gustaba una historia simplemente no la hacía. Pero a la vez era una persona bastante fiel a sus compañeros de trabajo y durante la cinta, ves como muchas de las cosas que le pasaron durante toda la preparación de ‘Nostromo’, hicieron que también fuese desanimando.
Aparte de DavidLane, claro protagonista del documental, junto al libro de JosephConrad, ‘Nostromo’, tenemos otro gran protagonista, GeorgesCorraface, actor francés, que fue elegido por David para interpretar el papel protagonista de su película. Nos cuenta toda su experiencia, como esperó a que el proyecto saliera adelante, como se preparó durante años físicamente. Cuenta con mucho cariño su experiencia con David. No voy a contar todo, porque realmente el final de la cinta es bastante agridulce, está claro que no es spoiler decir que la cinta no se rodó, pero sí que es cierto que es interesante el porqué no se llevó a cabo.
En la cinta también aparecen SandraLean, la última mujer de DavidLane, ChristopherHampton, JonApaolaza, RobertHampson, HughHudson entre otros.
Además de todo el material de distintas entrevistas con el director, en el documental se puede ver las pruebas de casting de GeorgesCorraface y cartas entre los distintos productores que fueron yendo y viniendo, como StevenSpielberg o Serge Silberman y por supuesto muchas entrevistas a DavidLane, al cual es impresionante escucharle hablar y hablar sobre lo que más amaba en este mundo, el cine.
Un documental muy interesante, que os sorprenderá para bien y aprenderéis una historia muy curiosa sobre el cine, realmente te quedas con ganas de ver la película hecha.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de diciembre en Canal TCM. Título original: Nostromo: el sueño imposible de David Lean. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Pedro González Bermúdez. Guión: Pedro González Bermúdez, Juan Zavala. Música: Guillermo Farré. Fotografía: David Meléndez. Reparto principal: David Lane, Georges Corraface, Juan Gabriel Vásquez, Sandra Lean, Christopher Hampton, Hugh Hudson, Robert Hampson. Producción: TCM. Distribución: Canal TCM. Género: Documental.
Noche de verano, noche de luna llena… y noche de eclipse. Para disfrutar del espectáculo, cuatro parejas se reúnen en torno a una mesa para cenar, beber… y olvidar sus pequeños problemas por un rato. Una noche mágica, de amistad y risas… o eso es lo que todos esperan, hasta que de pronto surge la idea. ¿Por qué no hacer algo distinto, jugar a un juego? ¿Qué pasaría si se dejasen los móviles encima de la mesa, al alcance de todos? Llamadas, SMS, Whatsapps, notificaciones de Instagram o Facebook, vidas enteras compartidas al instante por todo el mundo. ¿Un juego inocente o una propuesta peligrosa? ¿Podrá soportar el grupo de amigos semejante grado de sinceridad, aunque sólo sea por un tiempo?
Crítica
Los móviles entre copas y cuchillos se convierten en las nuevas cartas sobre la mesa.
Parejas rompiéndose, amigos peleándose, jefes despidiendo empleados, nietos desheredados… Álex de la Iglesia no sabes la fechoría que acabas de hacer. Como se convierta en el juego del momento, estrenar esta película en unas fechas en las que juntarse para cenar es una actividad la mar de frecuente puede ser un bomba de relojería. En esta nueva cinta, remake de la publicada por Paolo Genovese en 2016, unos amigos se juntan a cenar y deciden jugar a tirarse el farol con eso de que no tienen secretos. Para demostrarlo todos ponen sus smartphones sobre la mesa y cada llamada o mensaje que llegue es atendido en voz alta para los oídos del grupo. La casa emplazada en la perfectamente reconocible Plaza de Alonso Martínez de Madrid se convierte en una olla a presión que estalla con cada risotada.
Esta es una cena de esas en las que vas comiendo platos y platos y cuando te das cuenta se ha pasado el tiempo volando hasta el punto de que ha llegado la hora de los chupitos y las copas. Solo que aquí el menú está compuesto de un gag tras otro, a cada cual más sabroso y adictivo. Casi no hay momento en el que un personaje no suelte una broma y De la Iglesia junto a Guerricaechevarría tienen en ‘Perfectos desconocidos’ el logro de no cargarnos. «Si te pasas ya no hay remedio» dice el personaje de Eduard Fernández en varias ocasiones. La película no nos satura, está bien medida y tiene algún descanso, muy breve. Y si aguantamos riendo constantemente es porque el largometraje tiene todo tipo de humor: negro, verde, inteligente… Reconocemos el toque de Álex de la Iglesia y Guerricaechevarría, con más chispa que la versión de Genovese, pero además se nota algo diferente, quizá un estilo menos cercano a la locura de otras de sus películas.
‘Perfectos desconocidos’ se pasa volando porque nos engancha con su ritmo y su comedia. Pero también enganchará a los amantes del salseo, como se dice ahora. Tiene ese morbo de destapar los trapos sucios de la gente y de descubrir que tras los buenos pueden estar los peores. Porque esta es una cena de los idiotas en la que todos piensan que son el listo o el enterado. Pero el grupo de amigos heterogéneo que se sienta en la mesa nos demuestra lo hipócritas y dependientes que nos pueden hacer las tecnologías. A lo mejor sirve para que muchos hagan examen de conciencia o por el contrario, se vuelvan más paranoicos y meticulosos. No sé si cambiará la moral de alguien pero desde luego temas trata unos cuantos. A parte de buscar divertirnos el filme tiene muchos mensajes que lanzarnos y no son para tomárselos a broma.
De la Iglesia también se ha movido entre «perfectos desconocidos» a la hora de rodar la película ya que no ha contado con sus habituales, solo repite con él Pepón Nieto. Y le da igual ya que como buen director y amante de los juegos de rol ha sabido gestionar a las personas sometidas a su historia. Gracias a su talento y al de los actores con los que ha contado se ha conseguido una buena complicidad y credibilidad actor/personaje. No es por menospreciar a ninguno de los intérpretes pues todos tienen momentos desternillantes y cada cual ha bordado su papel como si lo llevase dentro. Pero Eduard Fernández, Belén Rueda, Ernesto Alterio y Pepón Nieto se hacen notar superando a la original y resultan un poco más convincentes dentro de lo surrealista de su situación. Hay que ver que cuatro individuos tan distintos los que interpretan y cómo funcionan tan bien juntos en pantalla.
Si hay algo que me sigue descolocando es el final, que no lo tildo de malo, pero puede ser objeto de debate. ¿La vida no es justa? ¿Bendita ignorancia? ¿Segunda oportunidad? Aunque tratado de otro modo, aún más cercano al fantástico, sigue siendo igual que el de la película de 2016. Lo que si que cambia es el tipo de comedia, más acorde a nuestros gustos que al del público italiano. Me parece innegable que aquellos que siempre ponen en tela de juicio la razón de ser de los remakes se llevarán en esta ocasión un gran zasca. Comedias como esta salen pocas al año. Me deja sensaciones como las que tuve en ‘Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?’ o ‘Dos buenos tipos’. Es decir, dolor en la tripa y en las mejillas de tanto reírme y el recuerdo de unos personajes a los que me gustaría volver a ver.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de diciembre de 2017. Título original: Perfectos desconocidos. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Álex de la Iglesia. Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría. Fotografía: Ángel Amorós. Reparto principal: Ernesto Alterio, Juana Acosta, Eduard Fernández, Pepón Nieto, Dafne Fernández, Eduardo Noriega, Belén Rueda. Producción: Telecinco Cinema, Pokeepsie Films y Nadie es Perfecto con la participación de Mediaset España, Movistar+. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia. Web oficial: http://pokeepsiefilms.com/project/perfectos-desconocidos/
Steven (Colin Farrell), un eminente cirujano cardiológico, está casado con Anna (Nicole Kidman), una oftalmóloga respetada. A ellos les va bien y llevan una vida familiar feliz y sana con sus dos hijos, Kim, 14 (RaffeyCassidy) y Bob, 12 (SunnySuljic).
Steven entabla amistad con Martin (Barry Keoghan), un niño de dieciséis años sin padre y a quien ha tomado bajo su ala. Las cosas toman un giro siniestro cuando Steven presenta a Martin a su familia, su mundo gradualmente se convierte en un caos y Steven se ve forzado a hacer un sacrificio impactante o correr el riesgo de perderlo todo.
Crítica
Con afán de transgredir Lanthimos crea un thriller cercano al terror.
Yorgos Lanthimos, director de ‘Langosta’ y ‘Canino’ (si eres asiduo a la muestra Syfy seguro que por tu cabeza pasa una rima y por tu rostro se esboza una sonrisa), estrena filme y ya pasa los cinco largometrajes en su currículum. El cineasta griego empieza a grajearse una reputación gracias a la temática de sus películas y a lo controvertido de sus argumentos, lo cual también le está convirtiendo en un director de culto y eso le garantiza que no le van a escasear los seguidores. Esto es algo que le viene que ni pintado ya que para películas como ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’ muchas veces hay que echar mano de esos fieles pues la defensa de cintas tan crudas y soeces no es sencilla.
Capta nuestra atención la película cuando nos retrata a una familia estándar perfecta pero cuyo padre tiene un comportamiento que en ocasiones se sale de la norma. Nos sorprende cuando de repente la vida de este clan se ve trastocada al introducirse en su casa una persona a priori ajena a ellos. Y ahí empieza el juego psicológico de Lanthimos. ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’ es una película que va muy poco por la vía del despiste e intenta llevarnos más por el camino de la desesperación, lo metafórico, lo retorcido y lo perturbado. Es por eso que podemos ver a niños menores de edad experimentando, diciendo o viendo escenas bastante duras. De ahí que muchas de las secuencias rodadas estén casi fuera de lugar, emulando muchas veces a Kubrick, haciendo de esta película un trabajo un algo presuntuoso. Tanto es así que pretende con un filme tan sencillo, pero a la vez enigmático, hacernos meditar sobre lo inevitable de la muerte.
Los actores en gran medida han de ser sumisos a los caprichos y locuras de su director, por extravagantes o chocantes que estas sean. Que estrellas de renombre como Colin Farrell o Nicole Kidman se sometan a una apuesta como esta les hace más dignos de su oficio. Todos los intérpretes del largometraje han entrado en la dinámica del guión y se han convertido en utensilios una retorcida y maquiavélica mente de Lanthimos. La lástima es que esa transformación les haya quitado credibilidad como personas con comportamientos mínimamente naturales. Los personajes obran todos de un modo extremadamente excéntrico e incluso en algunos casos grotesco y así es más difícil simpatizar, sentir tensión o terror. Eso sí, la película abre debate si nos ponemos a dilucidar qué haríamos en la difícil situación del personaje de Farrell, ese es un logro que no le voy a quitar tampoco a Lanthimos.
No he podido evitar fijarme en las ventanas de la habitación del matrimonio y acordarme de Amityville. Quizá el director griego nos ha querido arrastrar también por un mismo camino hacia la locura e incluso lo sobrenatural. Porque pese a todo lo cosechado durante esta más que alargada película Lanthimos no da una completa explicación de cómo sucede todo. El director consigue así enfadarnos casi tanto como nos consigue enfadar Barry Keoghan con su personaje. Su actuación, aunque a veces algo sobreactuada, está por encima de la de Farrell y Kidman. Tras ver la película no me negaréis que no os gustaría agarrarle de la pechera y como poco cantarle las cuarenta. Eso es síntoma de que habéis visto una buena interpretación.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de diciembre de 2017. Título original: The killing of a sacred deer. Duración: 109 min. País: Reino Unido. Dirección: Yorgos Lanthimos. Guión: Yorgos Lanthimos, Efthymis Filippou. Fotografía: Thimios Bakatatakis. Reparto principal: Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, Alicia Silverstone, Bill Camp. Producción: Element Pictures, Film4, New Sparta Films. Distribución: Diamond Films. Género: thriller. Web oficial:http://killingofasacreddeer.movie
María tiene seis años, acaba de llegar a un nuevo colegio, pero algunos de sus compañeros han decidido amargarle la llegada. Le han puesto un mote y no la dejan en paz. Victoria tiene 14 años, pasó demasiado tiempo sufriendo todo tipo de vejaciones en su centro escolar, el resultado fue que padeció durante años un cuadro de estrés postraumático. Mario tiene ocho años, en el cole le llamaban gordo, tres niños de su clase le pegaban a diario. Perdió por completo su autoestima y comenzó a tartamudear. Emma tiene diez años, el protocolo de acoso escolar la convirtió en la niña señalada de su escuela, se quedó sin amigos.
Crítica
A veces la solución está en romper la barrera del silencio.
Quebrar la barrera que impide el diálogo con un abusón, conseguir abrir la puerta que nos abra a las inquietudes de un niño, lograr que un adulto ponga la mano en el fuego y diga basta… Son metas difíciles pero para las cuales existen vehículos y caminos a las que llegar. Piluca Baquero (‘Madrid, Above the Moon’) nos los enseña en su primer documental como directora tras haber trabajado en varias decenas de películas como productora.
A la directora y guionista no la hace falta decir una sola palabra, no necesita plasmar un solo dato en pantalla, son los protagonistas los que por sí mismos arrojando sus testimonios retratan la situación actual. Con esto es más que suficiente para hilar el documental y denunciar un problema de urgente atención. Algo que está sucediendo, no solo en países al otro lado del mundo, si no en los patios de nuestras escuelas, en la habitación que tenemos al lado, en la mente de nuestros hijos.
El reportaje es muy útil y creíble pues oímos a auténticas víctimas, pero no les vemos pues su identidad ha sido protegida. Niñas y niños contando sus casos tras la máscara de unos dibujos a animados creados por la mano del artista Javier de Juan. Sucesos que seguro que os suenan por haber vivido en el patio de vuestro colegio. Son ellos quienes nos enseñan. El largo rompe el silencio de los niños para enseñarnos a identificar y lidiar con una situación de abuso además de aprender los diferentes tipos de casos que existen: físicos, digitales, psicológicos… Hablan también profesores, especialistas… pero además va más allá y nos enseña que este tipo de conflictos pasan desapercibidos pues son tapados, a veces de manera refleja y otras por evitar un problema administrativo.
‘El silencio roto’ está todo basado en entrevistas y es muy divulgativo e ilustrativo. Por supuesto su creación está más que justificada y el tono en que trata el asunto me parece del todo correcto, ya que no es alarmista pero si incide en la urgencia de tomar cartas en el asunto. También es un acierto que ofrezca la opinión de varios representantes de partidos para no pecar de politizado, pues este es un tema del que los políticos huyen pues temen que produzca alarma social pero por el contrario si lo usan para hacer campaña.
El género documental no es solo tecnología y naturaleza, también es sociología. Por eso es importante no dejar al margen este tipo de documentos, en mayor medida si tratan sobre temas que afecten tanto psicológica como físicamente a los niños. Esta no es una lucha solo por hacerse oír, sino también contra un cambio de mentalidad y contra nuestro sistema, tanto legal como educativo. Estamos en una selva donde hay que pisarse para sobresalir. Hay que acabar con esa pugna y hay que disolver el miedo a romper el silencio y no temer represalias, consecuencias o el qué dirán. Sobre todo hay que enseñar a los jóvenes que de nada sirve el acoso, de nada sirve crearse enemigos.
Ficha de la película
Estreno en España: 2017. Título original: El silencio roto. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Piluca Baquero. Guión: Piluca Baquero. Música: Martín Carlés. Fotografía: Hermes Marco, en color. Reparto principal: María José Fernández, Mar Valdeita, Coral Cabezas. Producción: Azotea Films. Género: documental, entrevistas, animación.
Joe (Joaquin Phoenix) es un ex marine y ex agente del FBI, solitario y perseguido, que prefiere ser invisible. No se permite ni amigos ni amantes y se gana la vida rescatando jóvenes de las garras de los tratantes de blancas.
Un día recibe la llamada de un político comunicándole que su hija ha sido secuestrada…
Crítica
Implícitamente dura, constantemente tensa.
La directora Lynne Ramsay ha apostado por Joaquin Phoenix para ‘En realidad, nunca estuviste aquí’. El actor ha tenido que ejercer a sus órdenes una dura y concienzuda interpretación basada en los sentimientos pero también en un imponente y voluminoso físico. Para esta película hacía falta un actor capaz de interiorizar los traumas del personaje pero siendo consciente de que nunca iba a soltarlos en pantalla, no de manera vocalizada. Quien se hiciese cargo del rol principal y único protagonista debía saber que su individuo canalizaba todos sus problemas por vías poco convencionales y ese tipo de papeles tan desafiantes eran perfectos para este intérprete. Su físico además está tan marcado como su mente. Fragmentos de su memoria aparecen dispersos por la película de manera tan abrupta y deforme como las cicatrices que «decoran» su cuerpo. Así tanto directora como actor nos retratan una psique compleja que funciona a partir de retales y con ansia.
El filme es prácticamente un monólogo de Phoenix y con su personaje se basta para contar toda la historia. Lo única que la película habría necesitado descansar alguna vez en otros actores, para así al menos aliviar un poco al espectador de esa tensión y esa incomodidad que nos hace sentir Phoenix durante la hora y media que le seguimos. Para hacernos un poco a la idea de cómo es su personaje debemos imaginar a Skinner, el personaje de los Sipmsons. Un ex militar que vive con su madre, canta con ella, la cuida, es un buen hijo… pero cuando sale de casa se convierte en un tosco y aguerrido mercenario con buenas intenciones. Este se mueve por una ciudad y unas misiones muy turbias. Los asuntos en los que se ve envuelto para llevar a cabo su honroso cometido son bastante escabrosos y deshonestos. ‘En realidad, nunca estuviste aquí’ es además una película con momentos muy violentos, al más puro estilo ‘Old Boy’, martillo en mano, pero al contrario de la película de Park Chan-wook nada gráfica, cuya violencia es plasmada de manera intermitente e implícita.
Técnicamente está muy personalizada, con un estilo muy subjetivo y particular por parte de la directora y su equipo formado por Jonny Greenwood (música) y Thomas Townend (fotografía). La música nos dicta el paso en cada escena, casi como si nos marcase el latido del corazón del protagonista. La fotografía del todo cotidiana y con un sabor a cine asiático nos sumerge en un mundo deprimente y opresivo, en ocasiones trágicamente poético.
La película va acorde a la fama soez del escritor Jonathan Ames. Ramsay adapta su relato con una historia provista de personajes degradados, todos ellos corriendo por un camino a la perdición. Tras un sorprendente giro que acelera la película de repente es cuando de verdad nos ponemos en la piel del protagonista y empezamos a pensar eso de «borra todas las pruebas y haz que nunca hayas estado ahí», magnífica.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de noviembre de 2017. Título original: You Were Never Really Here. Duración: 95 min. País: Reino Unido. Dirección: Lynne Ramsay. Guión: Lynne Ramsay. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Thomas Townend. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Alessandro Nivola, John Doman, Judith Anna Roberts, Alex Manette, Ekaterina Samsonov. Producción: Why Not Productions, Film4. Distribución: Caramel Films. Género: drama, thriller, adaptación. Web oficial:http://www.caramelfilms.es/site/videos/en_realidad_nunca_estuviste_aqui
Tras el impactante asesinato de un rico hombre de negocios en el lujoso tren europeo que se dirige hacia el oeste en pleno invierno, el detective privado Poirot debe usar todas las herramientas a su alcance para descubrir cuál de los eclécticos pasajeros del tren es el asesino antes de que ataque de nuevo.
Crítica
Pocas veces se reúne tanto talento en un mismo vagón restaurante.
Nueva adaptación al cine de una las novelas más vendidas de Agatha Christie, ofrece altas dosis de misterio y cierto parecido con las últimas adaptaciones televisivas de Sherlock Holmes. La banda sonora por momentos recuerda a la serie de Benedict Cumberbatch, a lo que hay que añadir que el detective protagonista de la cinta Hercule Poirot está inspirado en las novelas de Arthur Conan Doyle – la propia Agatha Christie reconoció esta influencia -. En la intersección de ambos personajes y para dirigir la historia está Kenneth Branagh, protagonista y director. Ofrece una versión algo sobreactuada del detective del extraño bigote, pero que encaja con el tono, casi teatral y con cierto aire de superhéroe, de toda la película. Una cinta de suspense, pero con ganchos cómicos que mantiene al espectador distraído de la búsqueda constante del asesino.
En el apartado de la dirección resuelve con soltura y sin arriesgar demasiado el gran problema de la limitación de espacio. Prácticamente toda la historia se desarrolla en un tren y mediante planos cenitales dibuja un mapa de los distintos vagones que ayudan al espectador a situarse en cada momento, algo esencial cuando toda la trama se basa en resolver un misterio oculto a los ojos del espectador.
El plantel de actores promete más de lo que ofrece. Rostros que van desde Penelope Cruz a Willem Dafoe, pasando por Johnny Depp y Michelle Pfeiffer, todos fácilmente reconocibles pero con una caracterización y una interpretación que convierte a sus personajes en meras figuras del Cluedo, todos sospechosos y con mirada aviesa. Aunque suene a chiste, la película no está ausente de este tipo de plano o recurso tan empleado en el género.
En conclusión, tenemos un tren cuyo viaje incluye a un simpático protagonista, unos secundarios de lujo que también podrían estar en el vagón de cola y un destino, la resolución del misterio, que engancha por momentos al espectador.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de noviembre de 2017. Título original: Murder on the Orient Express. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Kenneth Branagh. Guión: Michael Green. Música: Patrick Doyle. Fotografía: Haris Zambarloukos BSC, GSC. Reparto principal: Tom Bateman, Lucy Boynton, Kenneth Branagh, Olivia Colman, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Johnny Depp, Judi Dench, Josh Gad, Manuel Garcia-Rulfo, Derek Jacobi, Marwan Kenzari, Leslie Odom Jr., Michelle Pfeiffer, Sergei Polunin, Daisy Ridley Producción: 20th Century Fox, Scott Free Films, Genre Films, Latina Pictures, The Mark Gordon Company. Distribución: 20th Century Fox. Género: adaptación, remake, thriller, misterio. Web oficial:http://www.fox.es/asesinato-en-el-orient-express
Jigsaw está de vuelta. En esta ocasión atrapará a cinco personas y las enfrentará en una serie de juegos sangrientos como castigo por sus delitos. Al mismo tiempo tiene lugar una investigación en la que científicos forenses tratan de encontrar y capturar al asesino, con la sospecha de que alguien del equipo puede ser el responsable.
Crítica
Saw continúa con su línea de escape rooms.
Sagas de terror y slasher hay muchas, pero que alcancen la longevidad de una manera medianamente solvente y con cierta rectitud no tantas. Si además tenemos el handicap de que todas las miradas se centren en un personaje principal el mérito es aún mayor. Ese es el caso de la serie de películas Saw ya que su asesino no ha transcendido la barrera de lo sobrenatural como Freddy Krueger o Chucky, pero sus guionistas se las han apañado de nuevo para rescatarle una vez más y perdurar su legado. ‘Legacy’, no ‘Jigsaw’ o ‘Saw VIII’ que es como finalmente nos ha llegado, es el título por el cual inicialmente conocimos este proyecto y precisamente de legar trata la película, aunque no es la primera entrega que lo hace.
Pese a que cada vez los argumentos van siendo menos o nada convincentes guionistas como Pete Goldfinger y Josh Stolberg (‘Piraña 3D’) aún se sacan algún as de la manga y logran sorprendernos mínimamente con unos cuantos giros y dos historias paralelas. De este modo la herencia de James Wan sigue viva y activa trece años después de la primera Saw, aparte de que el cineasta se lucre pues ejerce de productor. En esta ocasión son los hermanos Michael y Peter Spierig (‘Daybreakers’, ‘Predestination’), muy apegados al cine de terror y a la sangre, los que han cogido el testigo de la dirección de una película que les viene bastante a la medida. Y no lo hacen nada mal pues demuestran que les gusta este género y que saben el producto que tienen entre manos. Además, acostumbrados a trabajar con Ethan Hawke han contado con un actor de corte muy similar, como Callum Keith Rennie, que trabajó casualmente con Hawke en ‘Born to be Blue’.
Pero los protagonistas realmente están interpretados por Laura Vandervoort, Mandela Van Peebles, Brittany Allen y Paul Braunstein. Ellos son los que se ven encerrados en el juego que originó Jigsaw. De nuevo, como en anteriores películas, vemos un macabro escape room, como estos que están tan de moda pero a vida o muerte. Por supuesto las pruebas que tienen que superar los infames concursantes están personalizadas y relacionadas con sus vidas. De ahí parte de la pérdida de credibilidad de la película pues parece que el asesino tenga cualidades de vidente al saber datos sobre ellos imposibles de conocer. Pero a esta familia de películas nunca se le ha pedido una gran coherencia, si no poco más allá que otorgarnos el disfrute de unos miserables protagonistas a punto de sufrir la más ingeniosa de las muertes. Si bien decía que los guionistas mantenían viva la llama de Saw quien también hace que siga latente el espíritu de Jigsaw son sus fans. El morbo por la sangre en pantalla y los artificios de Jigsaw son un atractivo más y eso se toca en esta película.
‘Saw VIII’ respeta la historia y la línea de sus predecesoras. Tiene unos cuantos despistes y detalles desafortunados propios del género pero da lo que sus seguidores piden: ingenios, pruebas, personajes al límite, muertes y giros al final del filme.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de noviembre de 2017. Título original: Jigsaw. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Spierig, Peter Spierig. Guión: Josh Stolberg, Pete Goldfinger. Música: Charlie Clouser. Fotografía: Ben Nott. Reparto principal: Matt Passmore, Callum Keith Rennie, Clé Bennett, Hannah Emily Anderson, Laura Vandervoort, Brittany Allen, Mandela Van Peebles, Josiah Black, Tobin Bell. Producción: Lionsgate, Serendipity Productions, Twisted Pictures, A Bigger Boat. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial: http://jigsawsaves.com/
Cuando Gino conoce a Bénédicte, surge el amor a primera vista, apasionado e incondicional. Ella trabaja en el negocio familiar, pero su hobbie es conducir coches de carreras. Él es un chico normal y corriente que esconde un secreto que puede poner en peligro su vida y la de los que le rodean.
Juntos tendrán que hacer frente a su turbulenta historia y contra el destino, la razón y sus propios miedos para salvar su amor.
Crítica
‘El fiel’ demasiado trágica para ser verdad.
Básicamente ‘El fiel’ es la historia de amor entre una piloto de carreras y un atracador de bancos, cualquiera que escuche la sinopsis puede pensar que vamos a ver una historia de amor interesante, pero no. Estamos ante una historia de amor, sí, pero tan turbulenta, tan gafada que absolutamente todo entre ellos va mal. No su historia de amor, sino todo lo demás.
La cinta que representará a Bélgica en los Oscar está dirigida por Michaël R.Roskam, director de ‘La entrega’ y hace que sus dos protagonistas sufran todo lo indecible, tanto que llega un momento que ocurren tantas desgracias que es todo demasiado artificial, no es para nada creíble.
MatthiasSchoenaerts (‘Lachicadanesa’) y AdèleExarchopoulos (‘LavidadeAdèle) son los encargados de representar a estos dos protagonistas, que sí que nos transmiten todo el amor que sienten el uno por el otro. Quizá demasiado.
Realmente en esta cinta todo es demasiado, demasiado amor, demasiada tristeza, demasiadas tragedias, demasiado larga. Llega un momento en la película que después de ver sufrir tanto a los personajes por situaciones tan absurdas se hace aburrido y monótono.
Hay un momento clave en el que parece que vaya a terminar así, no es un buen final para la pareja, pero si aceptable para el espectador, que además hubiera dado de que hablar sobre como seguirán sus vidas ambos protagonistas. Pero no, el director decide seguir y enrevesar demasiado una historia que no hacia falta alargar más.
MatthiasSchoenaerts está estupendo, creo que este actor tiene mucho potencial y siempre lo aprovecha al máximo. Mientras tanto AdèleExarchopoulos está sobria. Cuando está con su compañero parece que gana un poco de fuerza, pero en general su actuación es bastante sosa.
En cuanto a los medios técnicos no son nada del otro mundo, la música es sencilla, la fotografía también. Eso sí, la dirección aunque sencilla es bastante bonita, tiene planos muy cuidados hecho para realzar la historia de amor.
‘El fiel’ es una película bastante aburrida que pierde interés según avanza. Se hace tediosa y por desgracia toda la historia de amor que está entre manos del director se hace pastelosa e irreal.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de noviembre 2017. Título original: Le fidèle. Duración: 130 min. País: Bélgica. Dirección: Michaël R. Roskam. Guión: Thomas Bidegain, Noé Debré, Michaël R. Roskam. Música: Raf Keunen. Fotografía: Nikolas Karakatsanis. Reparto principal: Matthias Schoenaerts, Adèle Exarchopoulos, Sam Louwyck, Stefaan Degand, Charley Pasteleurs, Corentin Lobet. Producción: Savage Film, Stone Angels, Kaap Holland Film, Submarine, Distribución: Vértigo Films. Género: Drama. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/el-fiel/
Impulsado por su nueva fe en la humanidad e inspirado por el acto altruista de Superman, Bruce Wayne consigue la ayuda de su nueva aliada, Diana Prince, para enfrentarse a un enemigo aún mayor. Juntos, Batman y Wonder Woman actúan rápidamente para encontrar y reclutar a un equipo de metahumanos con el fin de hacer frente a esta nueva amenaza. Pero, a pesar de la creación de esta liga de héroes sin precedentes (Batman, Wonder Woman, Aquaman, Cyborg y Flash), puede que ya sea tarde para salvar el planeta de una agresión de proporciones catastróficas.
Crítica
El universo DC se expande en la dirección adecuada.
Equipo Batman, equipo Superman… eso ya pasó, de igual modo que creo que pasará el debate sobre si este es el camino correcto para el universo cinematográfico DC (DCEU) de la Warner Bros. Con ‘Liga de la Justicia’ se marca un punto de inflexión pues se observa un cambio pero también un golpe en la mesa ya que se mantienen ciertas bases. Porque la productora se resiste a abandonar algunas decisiones que se tomaron cuando se arrancó de nuevo con ‘El hombre de acero’, y algunos nos alegramos de ello.
La película se ha desplazado en lo que se refiere a la seriedad y el rango de edades del filme, los gustos de cada uno decidirán si ese desplazamiento es hacia delante o hacia atrás. Para mi gusto estaba más cómodo con el matiz dramático de la franquicia, pero no me encuentro incómodo con el resultado de ‘Liga de la Justicia’, es mucho más optimista que las anteriores. De hecho tiene una canción de Leonard Cohen al igual que ‘Watchmen’ (quien sabe si al igual que está pasando en los cómics, véase la colección Renacimiento, no se fusionarán ambas historias) pero versionada por Sigrid, una pizca más animada. Con esto nos llega la primera curiosidad del filme: Billy Crudup ejerce como Henry Allen, padre de Barry Allen (Flash). Pero anteriormente ya interpretó a un personaje de DC, El Dr. Manhattan.
Y esas no son las únicas conexiones con ‘Watchmen’, ya que hay trajes y escenas que nos recuerdan a esa película. Era inevitable ya que como antes sucedió con el tomo de Alan Moore y con las películas ‘El hombre de Acero’ y ‘Batman V. Superman’ el director de esta cinta es Zack Snyder. En parte su estética, su diseño de producción y su fotografía se conservan. También por supuesto sus famosas cámaras lentas. Pero por avatares de la vida Joss Whedon tomó las riendas de la película y re-rodaron escenas. De ahí que el tono de la franquicia se haya suavizado más o tengamos mucho más ritmo y humor, sobre todo gracias a la inclusión del personaje de Flash. Esto ya comenzábamos a notarlo en ‘Wonder Woman’ y mi miedo era toparme con una película marvelizada, subiéndose al carro de la moda que a algunos nos tiene un tanto quemados, pero no es así. ‘Liga de la Justicia’ tiene un extraño equilibrio que solo se encuentra en películas animadas aptas para un público tanto infantil como adulto, que sabe identificar ciertas perlas en ella (véase: ‘Justice League Dark’ o ‘ Liga de la Justicia: Dioses y monstruos’). Es más, otra virtud que tienen esas películas es que se hacen fáciles de asimilar, lo cual fue una de las grandes protestas de ‘Batman V. Superman’. ‘Liga de la Justicia’ tiene un buen arranque, con una estudiada y desenfadada puesta en escena, lejos del extenuante inicio de ‘Escuadrón Suicida’. Los no lectores de cómics no se verán perdidos, aunque si es recomendable haberse visto antes ‘Wonder Woman’ y ‘Batman V. Superman’, la versión ampliada de esta a decir más.
Otra cualidad de ‘Liga de la Justicia’ es dotar a cada personaje de su propio ambiente, de su propia estética. Pero no hablo solo de su aspecto físico, sino de su entorno. Cada superhéroe tiene su tonalidad y por lo tanto cuando visionamos escenas de Aquaman nos adentramos en un mundo submarino salvaje, cuando tratamos con Cyborg nos rodea la tecnología y cuando se trata de Wonder Woman retrocedemos cientos de años en el tiempo pues su isla sigue estancada en otra época. En ese sentido Batman se lleva la palma. Sus escenas en Gotham son visualmente apabullantes. Si sois jugadores de la saga de videojuegos Arkham os van a encantar. Con todo esto ya se origina un microuniverso para cada personaje, algo que iba haciendo falta para que de verdad nos creamos que hay posibilidades de llevar a cabo películas individuales de todos estos personajes de manera solvente.
La historia camina por derroteros bastante convencionales pero tiene una duración razonable y nos ofrece constantemente alicientes para continuar pegados a la pantalla. Snyder y Whedon deberían aprender del giro que les ha dado el destino y trabajar de este modo más veces. No han realizado una película redonda, en cierto sentido da algo de rabia que no hayan arriesgado por ciertos aspectos por los que se había apostado, pero al menos han encontrado un punto que gustará a un público más numeroso. Lo que vemos en ‘Liga de la Justicia’ sigue las pautas y reglas de muchos cómics y eso nos transmite la sensación de vivir una aventura superheróica y épica.
Los actores y personajes que habíamos visto anteriormente se mantienen en su línea, todos ellos. Las novedades son Jason Momoa como Aquaman, Ezra Miller como Flash y Ray Fisher como Cyborg. De ellos el más carismático es Momoa pero el que le da más chispa, chistes con doble sentido al margen, es Miller. Su Flash es dinámico, creíble, divertido y bueno moviéndose en las escenas de acción. Como secundarios hay que destacar la inclusión de J.K. Simmons, sumando en su haber un personaje más de cómic, como Comisario Gordon, en un papel más comedido y rebajado que el que nos dejó Gary Oldman. Obviamente y como venía anunciado desde las escenas añadidas en ‘Batman V. Superman’ aparece Steppenwolf. En esta ocasión está mucho más presente y recreado de otro modo, pero podría estar mejor realizado, hemos visto CGI de más calidad. Su voz y movimientos faciales están interpretados por Ciarán Hinds, el Mance Rayder de ‘Juego de Tronos’, un actor que le pega bastante al personaje.
La banda sonora de Elfman si que resulta menos arriesgada, más conservadora. En ese sentido es inferior a la que hemos oído en las anteriores películas aunque nos conquista en determinadas escenas incluyendo acordes de las películas clásicas del siglo pasado. Podemos incluirlo como easter eggs si queremos para engrosar la lista porque no tiene excesivos este filme, para lo que estamos acostumbrados a ver. Lo que sí que debéis hacer es aguantar hasta el final de los créditos ya que hay dos escenas añadidas, una de ellas muy divertida y la otra nos da pistas sobre futuras películas.
Este crossover, esta película coral, define y determinará el futuro del DCEU, que muchos temían que podría estar tocando techo demasiado pronto, pero no es así, a partir de ahora se abren muchas posibilidades. No se ha reincidido en las historias ya conocidas y nos adentramos en territorios nuevos, teniendo aún mucho sabor a viñeta. Auguro una nueva supremacía para los miembros de la Liga.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. Título original: Justice League. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Zack Snyder, Joss Whedon. Guión: Chris Terrio, Joss Whedon. Música: Danny Elfman. Fotografía: Fabian Wagner. Reparto principal: Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Henry Cavill,Amber Heard, Amy Adams, Jesse Eisenberg, J.K. Simmons, Jeremy Irons,Willem Dafoe, Shalini Peiris, Connie Nielsen, Robin Wright, Diane Lane,Kiersey Clemons, Billy Crudup, Ciarán Hinds, Daniel Stisen, Samantha Jo. Producción: DC Comics, DC Entertainment, Dune Entertainment, Lensbern Productions, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: adaptación, cómic, aventura, ciencia ficción. Web oficial:http://ligadelajusticia.es
Álvaro quiere ser escritor, pero todo lo que escribe es falso, pretencioso, insípido. Trabaja como escribiente en una notaría de Sevilla y su vida es gris, coloreada sólo por sus sueños. Su mujer, Amanda, es todo lo contrario. Siempre ha tenido los pies en la tierra y nunca ha soñado con ser escritora. Sin embargo, es ella la que se pone a escribir y le sale un best-seller. Ironías de la vida.
La separación es inevitable. Y en ese momento, Álvaro decide afrontar su sueño: escribir una gran novedad. Pero es incapaz; no tiene talento ni imaginación. Guiado por Juan, su proesor de escritura, indaga en los fundamentos de la novela, hasta que un día descubre que la ficción se escribe con la realidad. Álvaro comienza a manipular a sus vecinos y amistades para crear una historia, una historia real que supera a la ficción.
Crítica
Atrevida y divertida, así es ‘El Autor’.
Es una alegría ver una película que llena tanto, visualmente, con el nivel interpretativo de los actores, con una música estupenda y ante todo una gran historia. ManuelMartínCuenca nos regala un relato lleno de misterio y humor negro en el que todos los personajes son protagonistas de este puzle que crea Álvaro (JavierGutiérrez).
Basada en el relato corto ‘ElMóvil’ de JavierCercas, ‘El Autor’ nos trae a Álvaro, un escribiente en una notaría, tiene el sueño de ser escritor, de poder llevar a cabo la gran novela. Cueste lo que cueste lo va conseguir, aunque tenga que espiar a sus vecinos y hacer que vivan su historia.
De esta película agradezco la naturalidad, te mete de lleno en situación y te crees a los personajes, esto sin duda es gracias al director, pero que no hubiera llegado a nada sin los grandes actores que tiene a su lado.
JavierGutiérrez suelta su rabia y frustración con grandes escenas, moviendo los hilos de la historia y jugando a ser Dios. Sin duda un gran acierto al cogerle como gran protagonista de la cinta.
AdelfaCalvo está para Goya, su portera hace las delicias de cualquier aficionado al cotilleo y a la vez nos muestra a una persona cansada de no vivir y de quedarse a la espera del amor y cariño de su marido. Una de las grandes escenas de la película es ella cantando «Se me enamora el alma«, cuando la veáis lo entenderéis, se dice tanto en tan poco tiempo.
Y para seguir con el reparto, que decir de AntoniodelaTorre, en fin, como siempre perfecto, lleno de esa fuerza que desprende con solo una mirada.
Visualmente está muy cuidada, sus fondos blancos impolutos, pocos muebles, poco color en la vida de ‘ElAutor’, el va de azul, toda la gama de este color aparece con Álvaro. Mientras que las personas que están a su lado, llevan distintos colores, llamativos o apagados, pero cada personaje lleva su propia gama de colores, algo muy curioso a la vista.
Un recurso cinematográfico que se utiliza en la película, son las sombras chinescas, con las que vamos conociendo la historia de los vecinos de Álvaro. Una manera bien bonita y curiosa para mostrarnos los secretos del edificio.
Y antes de acabar decir que Manuel Martín Cuenca, nos muestra dos escenas bastante impactantes, en el sentido del pudor que muchas veces los espectadores no están acostumbrados, muy valientes y con mucho significado en la película, dando, una vez más, realidad a la cinta.
En cuanto a la banda sonora, estamos ante la primera que ha realizado JoséLuisPerales, que tenemos que decir, nos ha gustado mucho, una mezcla de flamenco y jazz dando una música perfecta para la película.
‘ElAutor’ tiene mucho fondo, os lo vais a pasar estupendamente viéndola, con un final impecable. Una película que hará que no solo la disfrutéis en las salas, sino que fuera de ellas también, pues da para comentar y ver la opinión de cada uno.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de octubre de 2017. Título original: El autor. Duración: 112 min. País: España. Dirección: Manuel Martín Cuenca. Guión: Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández. Basada en la novela de Javier Cercas. Música: José Luis Perales. Fotografía: Pau Esteve. Reparto principal: Javier Gutiérrez, María León, Antonio de la Torre, ADriana Paz, Tenoch Huerta, Adelfa Calvo, Rafael Téllez, Craig Stevenson, Miguel Ángel Luque, Carmelo Muñoz Adame. Producción: Lazona, La Loma Blanca, Alebrije Cine y Video, Canal Sur Televisión, Televisión Española, Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales. Distribución: Filmax Entertainment. Género: Comedia. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/el-autor.78
El aventurero y carismático Robin Cavendish tiene toda la vida por delante cuando la polio le provoca una parálisis. Contra toda recomendación médica, su mujer, Diana, le saca del hospital. Su persistencia, ingenio y determinación le permitieron sobreponerse a la enfermedad y su actitud fue, para todos, un ejemplo de valentía y ganas de vivir. La obra, basada en hechos reales, narra la inspiradora historia de esta pareja que luchó cargada de optimismo y sin límites ante la enfermedad
Crítica
Una historia sencilla y bonita, un buen comienzo como director para Serkis.
AndySerkis nos trae su primer título como director, aunque ya ayudo en cintas como el ‘Hobbit’, podemos decir que este es su primer trabajo en solitario y no lo ha hecho mal del todo.
Con el guión de WilliamNicholson (‘Gladiator’), Serkis nos trae la historia de RobinCavendish, un hombre muy positivo y que se lanzaba a cualquier cosa sin temor, que a los 28 años, casado y esperando un hijo se queda tetrapléjico por culpa de la polio.
Así comienza lo que sería una gran tragedia y un drama lleno de actuaciones intensas y con un final lacrimógeno, pero no, la película es bastante optimista, llena de vitalidad y que demuestra que muchas veces las ganas de vivir vencen cualquier mal que llegue a nuestras vidas.
En un principio pensé que me dirigía a ver una historia de amor, pero no, realmente lo que vamos a ver es una historia de superación, sí, gracias a ese amor que se tienen ambos protagonistas logran superar la situación en la que se encuentran, pero se le da tan poca importancia a esto, que realmente ves que este hombre salió adelante no solo gracias a su mujer, sino que tuvo mucho más apoyo, como todos sus amigos, que gracias a todos ellos lograron sacar a Robin de su cama y que pudiera salir a respirar e incluso llegó a viajar.
Quizá la cinta peque un poco de optimismo, solo se ve la cara buena de la moneda, hasta el final no ves lo que realmente han estado sufriendo todos estos años. Aunque he de decir que tampoco es un defecto, si no algo hecho a propósito, al fin y al cabo es un homenaje a este hombre y su mujer Diana. JonathanCavendish (‘El diario de BridgetJones’, ‘TheRitual’) es el productor de la película e hijo de ambos y seguramente ha querido llevar la parte bonita de su vida para que la gente no pierda la esperanza.
En cuanto al reparto decir que todos están estupendos, Andrew Garfield ha tenido que sufrir bastante rodando sin poder moverse. Pero ante todo quiero mencionar a HughBonneville y TomHollander que están perfectos, dan vida a una parte de los amigos de Robin que tanto le ayudaron.
De la película solo ha habido una cosa que me ha chirriado demasiado y ha sido cierta visita que tuvieron a España la familia Cavendish en la cual se nos muestra a los españoles con los estereotipos de siempre, bailando flamenco y siendo nómadas. Además que entiendo que en Estados Unidos cueste mucho encontrar actores españoles, pero el acento latino se dejaba notar bastante en las escenas.
Para terminar decir que creo que el filme va a funcionar muy bien en las salas, la gente que vaya a verla va a encontrarse con una historia de alguien normal y corriente, que después de una tragedia consiguió un importante hito en la mejora de la vida de las personas discapacitadas y va a disfrutar sin duda de ella.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de noviembre 2017. Título original: Breathe. Duración: 117 min. País: Reino Unido. Dirección: Andy Serkis. Guión: William Nicholson. Música: Nitin Sawhney. Fotografía: Robert Richardson. Reparto principal: Andrew Garfield, Claire Foy, Tom Hollander, Hugh Bonneville, Diana Rigg, Miranda Raison, Kiera Bell, Ed Speleers, Ben Lloyd-Hughes, Emily Bevan. Producción: Imaginarium Productions. Distribución: Diamond Films. Género: Drama. Web oficial: http://diamondfilms.es/una-razon-para-vivir/
Un joven inmigrante recibe un disparo cuando está cruzando ilegalmente la frontera. Aterrorizado, herido y en estado de shock, Aryan se da cuenta de que es capaz de levitar. Le envían a un campo de refugiados del que escapa con ayuda del cínico Dr. Stern que quiere aprovecharse de su extraordinario secreto. Perseguidos por Laszlo, el enfurecido director del campo, se desplazan continuamente buscando la forma de ponerse a salvo y conseguir dinero. Inspirado por los asombrosos poderes de Aryan, Stern da un salto de fe en un mundo donde los milagros sirven de moneda de cambio…
Crítica
Un intento no tan vacuo como el espacio entre nosotros y Europa.
El cine es una herramienta como otra cualquiera para exponer los problemas que experimenta nuestra sociedad. Es más, es uno de los mayores escaparates y una de las mejores vías para llegar al gran público. Hoy en día además, las películas más consumidas tratan sobre superhéroes a si es que porqué no aunar un tema de crucial actualidad con una corriente de moda como es la de los personajes con poderes. Eso es lo que debió pensar Kornél Mundruczó cuando concibió ‘Jupitér’s Moon’. Lo que hace en esta película es darle a los desplazados, a los refugiados, una figura con un poder sobrehumano, el de levitar (aunque entiendo que lo que hace más bien es controlar la gravedad entorno a sí mismo).
En la nueva capacidad especial del protagonista vemos el primer problema del filme. Su nuevo talento para levitar tiene un cariz más mesiático que superheróico. Lo que para unos es un acierto para mi supone un gran error, pues ya comenzamos a mezclar fantasía con religión, pero eso es un tema al margen. Lo importante es que puedes pasar sin explicar el origen o el detonante de esta situación, pero no explotarla tanto tiempo y durante tantas y pausadas escenas haciendo que sea un filme demasiado alargado, pues una vez que has demostrado lo que quieres criticar o dicho lo que quieres decir (que no es nada excesivamente concreto) el resto de la película queda para explayarte en tus argumentos de la ciencia ficción y Kornél Mundruczó no los desarrolla. Por lo tanto la película está un tanto vacía, ni explota el fantástico ni profundiza en la tragedia social como cabría esperar.
También roza por unos momentos el tema del terrorismo de un modo más explícito que otros aspectos del filme que trata de un modo más metafórico. Si el guión de Kata Wéber se hubiese centrado más en determinadas historias y no se hubiese andado por las ramas o si ‘Jupiter’s Moon’ tuviese un drama más profundo y marcado si estaríamos hablando de una película mejor encauzada.
Dejando aparte su libreto visualmente es una gozada. Cuando el personaje de Zsombor Jéger levita su danza es hipnótica, aunque la mayoría de las veces podamos recordar que es un actor colgado de unos cables. Además las escenas de acción y los planos secuencia, pese a no tener el frenesí de un filme de Hollywood, nos extraen la adrenalina lo suficiente como para ponernos en la piel del protagonista y sumergirnos de manera sugerente en los lances del largometraje.
‘Jupiter’s Moon’ es una plausible y encomiable, aunque alargada y no del todo bien enfocada, manera de demostrar que todo el mundo merece una nueva vida. Que si el primer mundo tiene los ojos puestos en una posible nueva vida en Europa, luna de Júpiter, otros tienen puestos los suyos en reiniciar su vida en Europa, continente vecino.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. Título original: Jupiters’s Moon (Jupiter Holdja). Duración: 123 min. País: Hungría, Alemania. Dirección: Kornél Mundruczó. Guión: Kata Wéber. Música: Jed Kurzel. Fotografía: Marcell Rév H.S.C. Reparto principal: Zsombor Jéger, Móni Balsai, Merab Ninidze, György Cserhalmi. Producción: KNM, Match Factory Productions, Proton Cinema. Distribución: Wanda Visión. Género: ciencia ficción, social. Web oficial:http://www.wandafilms.com/site/sinopsis/jupiter_s_moon
¡El Yo-Kai Watch ha desaparecido! ¡Desesperados por recuperarlo, Nate y sus amigos siguen una pista que les conducirá a un lugar inesperado: el pasado!
Una noche, mientras Nate duerme, su Yo-Kai Watch se ilumina de repente y desaparece de su muñeca. Y por si fuera poco, aparece un Yo-Kai gato gigante llamado Dekanyan y le pide ayuda para salvar a sus amigos porque si no lo hace “ellos” se apoderarán del mundo. Así pues, Nate viaja al pueblo de Kemamoto, donde vive su abuela, en busca de pistas que le ayuden a aclarar la situación. Allí tiene la oportunidad de conocer al Yo-Kai Fuyunyan, quien parece poseer la clave acerca de la desaparición del Yo-Kai Watch. Ha llegado el momento de que Nate, Whisper, Jibanyan y Fuyunyan viajen 60 años en el pasado para recuperar su valioso reloj. Pero, ¿quién es el temible enemigo que les espera allí? ¿Y en qué se ha convertido exactamente el reloj?
Crítica
Es la hora de la película del reloj.
Los Yōkai son unos seres pertenecientes al folclore japonés que son utilizados en muchos medios visuales e historias. En Japón estos espíritus, demonios o fantasmas con aspecto animal o antropomórfico serán muy conocidos pero han llegado hasta nosotros a través de su arte de manera muy discreta. Tan solo los seguidores o expertos de la cultura nipona están más familiarizados con los Yōkai ya que conocen con más detalle sus escritos antiguos, sus grabados… Pero existe otra manera de llegar a conocer esta cultura y es a través del anime o el manga. Una obra que recurre mucho a los Yōkai es ‘Gantz’, con sus extraterrestres amorfos, el propio autor, Oku Hiroya, lo reconoce en uno de sus volúmenes que se inspira en ellos para el aspecto de sus dibujos. Pero es el videojuego ‘Yo-kai watch’ el que obviamente rinde más culto a este tipo de individuos. Ahora con una película más que aterriza en nuestros cines se culmina una franquicia que de momento no anuncia su fin y sigue viva en nuestro país con su serie emitida en el canal Boing.
Por que como he dicho todo arrancó con un videojuego. Un RPG (juego de rol) para la Nintendo 3DS en el que la mecánica no dista mucho del famoso Pokémon. Y en la película esa esencia se mantiene, por supuesto. Pero para que este no sea un capítulo más y los niños puedan ampliar los horizontes de este universo que están siguiendo se les llevará a los orígenes del reloj que lleva su protagonista y que le sirve para convocar a los simpáticos monstruos que le ayudan y le acompañan. A si es que se crea una paradoja temporal y se viaja al pasado, así se crean nuevos personajes y se sigue difundiendo el mensaje de la serie, que es el de muchas otras, promover el coraje, el amor y la amistad.
Una película como esta en la que los personajes cuando se abalanzan sobre el enemigo nombran sus ataques y hablan constantemente usando prefijos y sufijos como «mega» o «miau» podemos intuir que se puede hacer muy cargante para los adultos. Para paliar este tedio y hacer algo más atractiva la película a los padres se ha hecho lo habitual en el cine actual, que es introducir algún que otro gag para ellos. Se tira de nostalgia y se cita a Doraemon y se hace un largo homenaje a ‘Star Wars’. También la vista se ve agradecida de vez en cuando gracias a la animación ya que no solo se usan técnicas sencillas o digitales simples, si no que se emplean en algunas secuencias diestras en tecnologías 3D que nos ofrecen momentos bastante emocionantes.
‘Yo-kai watch: la película’ es un filme bastante fácil de ver para los niños, a pesar de transcurrir en Japón. Casi todos los textos mostrados en pantalla están en castellano (carteles de las calles, papeles…), es muy divertida y su doblaje en español tiene un buen casting. Por supuesto que también mete por los ojos mucho merchandising ya que es muy sencillo crear un reloj con medallas coleccionables de diferentes personajes, todo está pensado.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de noviembre de 2017. Título original: Yo-kai watch The Movie. Duración: 97 min. País: Japón. Dirección: Shigeharu Takahashi, Shinji Ushiro. Guión: Yoichi Kato. Fotografía: animación (OLM, Inc.). Reparto principal: Haruka Tomatsu, Tomokazu Seki, Etsuko Kozakura. Producción: Level-5, OLM, Inc. Distribución: Selecta Visión. Género: animación, aventuras, infantil. Web oficial:http://yo-kai-world.eu/
‘Oro’ es una aventura de época inspirada en las épicas expediciones de los conquistadores españoles del siglo XVI, Lope de Aguirre y Núñez de Balboa, a través de la selva amazónica en busca de una mítica ciudad que, según se creía, estaba hecha completamente de oro. La película retrata con crudeza la violencia existente tanto en los acontecimientos como en las personalidades de aquellos españoles que se embarcaron en la mayor proeza de la historia como fue el descubrimiento y la conquista de América, y la permanente búsqueda del mítico El Dorado.
Crítica
Aires de western sin el oropel de las superproducciones.
La obra de Arturo Pérez-Reverte puede ser plato de mayor o menor gusto, pero su riqueza y éxito es indiscutible dado que siempre suscita mucho debate, estimula la imaginación del lector y sobre todo fomenta la curiosidad histórica de aquellos que se adentran en sus tramas. En la mayoría de los casos logra extraer un enfoque diferente de una historia que creíamos ya harto conocida, de una época de sobra retratada o de un ámbito hasta todo límite explorado. Nos hallamos ante otra ocasión de esas en las que el escritor nos propone sumergirnos en una selva de aventuras y descubrimiento, de documentación y detalle, de ficción histórica, de la que tiene un pie en la orilla de lo auténtico y otro en el de lo imaginado. No cabe duda de que el relato de Pérez-Reverte tenía mucho de veraz y que junto al director Agustín Díaz Yanes han buscado resquicios de históricos que respalden esta película. De ahí que hayan logrado conseguir un enfoque tan realista, que lo que más me haya gustado de ‘Oro’ sea su tratamiento. No estamos ante el intento de limpiar el nombre del otrora imperio español, tampoco ante otra película cruenta sobre la aniquilación del pueblo indígena. Este es un filme mucho más equilibrado respecto a esas dos vertientes históricas que a unos les gustará y a otros no, pero que seguramente se adapte más a lo que realmente sucedió en el siglo XVI en Sudamérica.
Debido a lo anterior expuesto me alegra decir que esta película me ha parecido mejor que la que reunió anteriormente a Díaz Yanes y a Pérez Reverte, es decir, ‘Alatriste’. La historia está mejor trabajada y la ambientación está también dentro de lo que consideramos como verídico. Los días de rodaje por Canarias, Andalucía, Panamá y Madrid han servido para construir una creíble selva y el trabajo de la figurinista Tatiana Hernández (Peris Costumes) es excelente a la hora de vestir a los protagonistas. Puede que siga los pasos de ‘1898. Los últimos de Filipinas’, película de corte similar e histórico, que me dejó mejor sabor de boca, y se llevó el cabezón de mejor vestuario.
Porque ‘Oro’ tampoco es una película redonda. Mis expectativas eran altas si comparo con lo que al final me he encontrado. Es bastante menos intensa y tiene un ritmo muy distinto al esperado, sus pautas están más marcadas por el género del western, no el de la épica aventurera. De la determinación del tono pueden llegar los desaciertos. Lo más llamativo son algunos fallos de rodaje y montaje que presenta. Repite alguna que otra escena, algunas tomas se ven con poca calidad, otros encuadres son bastante desacertados, en el inicio de algunas secuencias los actores están demasiado colocados… La historia va narrada por el protagonista de Raúl Arévalo y por el personaje de menos peso de Andrés Gertrúdix. Este último al ser su rol el del representante del rey va anotando todo lo sucedido con una prosa más adornada que en determinados momentos se pierde. Todo este cúmulo de deslices le resta fuerza a una película que de haber sido objeto de alguien más perfeccionista dejaría una carga mucho más poderosa en el espectador.
A nivel interpretativo no he visto descuidos como los que he comentados antes. Las actuaciones están más cerca del nivel de la historia. Los protagonistas, los actores con papeles de más peso, son los que más nos pueden llamar la atención, pero entre ellos destacan Raúl Arévalo y Óscar Jaenada. Se pasan la película entera con un tira y afloja que se ve obligado a detenerse por el patriotismo, el instinto de supervivencia y el sentido del honor del soldado. Eso les ha forzado a crear una extraña relación entre sus personajes: son adversarios pero a la vez camaradas. Tal vez debería ir más allá para referirme a su conflicto pero entraría en los terrenos pantanosos del spoiler.
‘Oro’ tiene virtudes para brillar como los propios premios que puede llevarse. Pero también tiene fallos tan penalizables como los pecados que convirtieron a nuestros protagonistas o antepasados en soldados de fortuna en busca de el Dorado. Me quedo por encima de todo con el recado irreverente y sarcástico que viene a decir que como buenos españoles siempre seguiremos con las mismas rencillas y por si fuese poco querremos ser gallardos, estaremos haciendo alarde y mostrando bravuconería hasta en la más inútil de nuestras empresas.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de noviembre de 2017 (9 de noviembre Comunidad de Madrid). Título original: Oro. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Agustín Díaz Yanes. Guión: Agustín Díaz Yanes. Música: Javier Limón. Fotografía: Paco Femenía. Reparto principal: Raúl Arévalo, Bárbara Lennie, Óscar Jaenada, Jose Coronado, Antonio Dechent, José Manuel Cervino, Luis Callejo, Juan José Ballesta, Andrés Gertrúdix, Diego París, Ana Castillo, Juan Carlos Aduviri, Juan Diego. Producción: Apache Entertainment, Sony Pictures España, Atresmedia Cine. Distribución: Sony Pictures. Género: aventura, historia, adaptación.
A finales de los años 50 Florence Green decide hacer realidad uno de sus mayores sueños: abandonar Londres y abrir una pequeña librería en un pueblo de la costa británica. Pero para su sorpresa, esta decisión desatará todo tipo de reacciones entre los habitantes de la localidad.
Crítica
Protagonista luchadora a contracorriente de libro.
Isabel Coixet se está lanzando a hacer filmaciones tan modernas como ‘Spain in a day’ o ‘Proyecto tiempo’ pero tiene hueco para ofrecernos también películas de corte más clásico y basadas además en algo tan tradicional como lo son los libros. Ese es el caso de ‘La librería’, película que a su vez está extraída de una novela de Penelope Fitzgerald, una autora que casi gana con esta obra el premio Booker (de los más prestigiosos entre los angloparlantes), lo cual no es de extrañar pues esconde en ella muchas virtudes.
En líneas generales y por no destripar su historia diré que lo que Firzgerald, nos cuenta a través del filme que ha creado Coixet, es la odisea de una joven llamada Florence Geen (interpretada por Emily Mortimer) por abrir la primera librería de un pueblo ribereño apartado de la mano de Dios. Tendrá que remar no solo contra las dificultades de la época (ser una mujer solitaria, viuda, pobre…) si no contra los prejuicios de todo una villa y sus gentes. Una población repleta de cerrazón y paletismo adornado con buenas maneras. La riqueza de esta filmación se halla en cómo Coixet ha sabido interpretar e introducir a sus personajes: las cotillas, los caciques, los pelotas… Al fin y al cabo esto se convierte en una lucha de corrientes. Mientras que ella llega como aire fresco y renovador el pueblo se obceca en mantener sus aires invariables. Os puede dar rabia leerlo pero os dará más verlo ya que no os resultará difícil acercaros a la protagonista. Hierve la sangre contemplar cómo le hacen la palanca. Sistemáticamente el pueblo la ahuyenta, de un modo automático y casi inconsciente. La directora nos hace partícipes de su historia, esta es de esas películas en las que nos gustaría meternos.
Esa aproximación al personaje es tan viable gracias a la interpretación de Emily Mortimer. Aunque algo carente de intensidad sabe orientarnos en los pesares de su personaje, a los cuales se enfrenta con coraje, respaldada por la compañía de sus libros. Y por si acaso ella no es suficiente tenemos como apoyo a Bill Nighy, para el cual el apelativo de incombustible se le queda corto. En el otro lado de la balanza están la repulsiva Patricia Clarkson y el amanerado James Lance, refiriéndome por supuesto a la naturaleza de sus personajes. Entre todos conforman una pugna, un Yin Yang inglés donde el equilibrio se puede decidir en cualquier momento.
‘La librería’ es una película de gestos y personajes sutiles. Pero no esconde el devenir de sus acontecimientos y su final está anunciado, por las señales que vemos y por el realismo palpable e inevitable que al que nos condena, y eso le resta algo de emoción y misterio.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de noviembre de 2017. Título original: The Bookshop. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Isabel Coixet. Guión: Isabel Coixet. Música: Alfonso de Vilallonga. Fotografía: Jean-Claude Larrieu. Reparto principal: Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Bill Nighy, Jorge Squet, Charlotte Vega. Producción: Diagonal Televisió, A Contracorriente Films, Green Films AIE, Zephyr Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, adaptación. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/762/la-libreria/
Basada en hechos reales, ‘The Crucifixion’ cuenta la historia de un sacerdote que es encarcelado en Rumanía por el asesinato de una monja a la que realizaba un exorcismo. La periodista Nicole Rawlins investiga si el asesinato fue a una persona mentalmente enferma o, por el contrario, las acusaciones son falsas y simplemente perdió la batalla contra una presencia demoniaca. Una presencia que ahora podría estar experimentando ella misma…
Crítica
Terror de investigación.
Xavier Gens nos arroja su propuesta más religiosa y periodística. Una reportera (Sophie Cookson) viaja a Rumanía para indagar en un caso de supuesto asesinato por parte de unos religiosos en lo que se cuestiona si es un lance de posesión o salud mental. Una narración basada en un suceso real que tuvo lugar en 2005 y cuyos hechos son aquí detallados. Aunque el que esté basado en hechos reales tan solo es un aliciente menor para ver la película ya que como sucede en muchos de estos casos ya se sabe lo que pasa, que la espectacularidad y el efectismo deja supeditado al realismo de los largometajes. No obstante la cinta tiene mucho más sabor periodístico pues incluso tarda en encauzarse por la senda del terror.
Los guionistas de este trabajo son los hermanos Hayes y se nota pues su impronta es reconocible. El libreto de ‘The Crucifixion’ está lejos de ser tan bueno como el de las dos entregas de ‘Expediente Warren’ pero al igual que en esas películas, o que en otros títulos como ‘La cosecha’, nos han marcado un ritmo pausado, tranquilo, la historia se construye pista a pista, sospecha a sospecha, en ocasiones de un modo un tanto amenazador gracias a la atmósfera aportada por la cultura en la que nos sumerge. Lástima que arranque con un primer acto tan aburrido en el que la periodista no averigua nada que no hayamos visto en la introducción y esto nos haga pesado el inicio de la película. Sumado a esto tenemos el problema de que las primeras escenas terroríficas no llegan hasta casi la mitad del filme, pero esto es parte de la manera de trabajar de estos escritores.
Además, los diálogos sobre la fe suenan a demasiado manoseados en el género. Se convierte casi de pasada en una película más sobre la pugna entre el agnosticismo y la religión. Intenta crear un debate, una cuestión, con los cara a cara entre los personajes de Cookson y el religioso de Corneliu Ulici. Lástima que su pregunta no quede bien asentada pues sus constantes «poltergeist» y apariciones, a las que contribuye Javier Botet que suma y sigue, ya nos la van respondiendo con pasmosa obviedad. Todo esto lo que hace es situarnos en una película más de posesiones, con alguna perspectiva diferente que para algunos podría resultar novedosa, pero que para los que ya peinen canas resultará poco portentosa.
De todo corazón reconozco que he ido con recelos a ver las últimas películas de este director, cuyo trabajo pensaba me iba a costar un poco comenzar a apreciar. Pero no tenía difícil superarse con respecto a las impresiones que me había causado tras descubrirle hace diez años con el fiasco de ‘Hitman’ o al haber producido recientemente la calamidad que fue ‘Cell’. Después de haber producido ‘Hostile’, la cual vi en Sitges, su recién estrenada ‘La piel fría’ y ahora este título no me cabe duda de que le queda un trabajo de pico y pala, pero está dando pequeños pasos en la buena dirección, nunca mejor dicho. ‘The Crucifixión’ es uno de esos casos en los que la dirección supera a su propio guión.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de noviembre de 2017. Título original: The Crucifixion. Duración: 89 min. País: Rumanía, Reino Unido. Dirección: Xavier Gens. Guión: Carey Hayes, Chad Hayes. Música: David Julyan. Fotografía: Daniel Aranyó. Reparto principal: Sophie Cookson, Corneliu Ulici, Brittany Ashworth, Javier Botet. Producción: Motion Picture Capital, Premiere Picture, The Safran Company. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror, hechos reales. Web oficial:http://www.deaplaneta.com/es/the-crucifixion
Chucky, el muñeco diabólico, regresa para sembrar el pánico en el psiquiátrico donde está internada Nica, una de sus víctimas, por haber asesinado a toda su familia. Cuatro años después, Chucky reaparece y vuelve a asesinar. Nica volverá a encontrarse cara a cara con el asesino de sus seres queridos, y tendrá una oportunidad paravengarse.
Crítica
Cuatro años después vuelve Chucky a seguir dando caña.
Admito que tras el descubrimiento por mi parte, años después, de la saga de ‘El muñeco diabólico‘ me he vuelto fan de este pequeño asesino en serie. Sí, pensé que era una cinta sin apenas chicha, una cinta para coger miedo a los muñecos y ya está, pero no, la cinta es original y tiene un trasfondo bastante curioso.
Hoy os hablo de la última cinta, ‘Cult of Chucky ‘que en España sale directamente en DVD o Blu-Ray este 1 de noviembre.
La historia comienza con Nica, la protagonista de la última cinta. Esta lleva 4 años encerrada en un manicomio de alta seguridad, autoconvenciéndose a sí misma de que ella fue la que mató a su familia y no Chucky.
Lo que es la trama no es nada original, el muñeco con ganas de venganza y siguiendo en su afán de poseer un cuerpo humano. Eso sí, tiene una pequeña sorpresa en la que veremos como Chucky puede moverse de un lado a otro y en varios sitios a la vez.
Las muertes de la cinta son muy buenas, originales a la par que crueles, con imágenes muy limpias, pues el manicomio en el que se encuentra Nica es blanco impoluto y hace que todas las escenas en las que hay sangre parezcan mucho más llamativas.
Una de las cosas que más me ha gustado de esta saga en general es que los actores repiten, la voz de Chucky es la misma desde el principio, Brad Dourif le da ese toque cañero que necesita este delincuente. JenniferTilly vuelve a ser Tiffany, en un pequeño pero crucial papel y regresa Andy, el niño, que ya no lo es, pero que sin duda tiene las mejores escenas de esta cinta.
DonMancini, creador de el muñeco, vuelve a ocuparse del guion, además de la dirección. Y un gran acierto por parte de él ha sido la vuelta a la animatrónica, que nos da un muñeco muy real con una gesticulación bastante curiosa. Aunque su aspecto ha cambiado un poco en cuanto al original, pero sigue dando el mismo miedo.
No puedo negar que esta entrega me ha divertido mucho, me lo he pasado genial viendo de nuevo a Chucky, aunque creo que deberían haberse centrado mucho más en Andy, daría lo que fuera por tener una web serie o algo por el estilo viendo su día a día en su nueva y siniestra vida.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de noviembre 2017 DVD o Blu-Ray. Título original: Cult of Chucky. Duración: 91 min. País: Estados Unidos. Dirección: Don Mancini. Guión: Don Mancini. Música: Joseph LoDuca. Fotografía: Michael Marshall. Reparto principal: Brad Dourif, Jennifer Tilly, Fiona Dourif, Alex Vincent, Michael Therriault, Elisabeth Rosen, Zak Santiago, Summer H. Howell, Grace Lynn Kung, Allison Dawn Doiron, Adam Hurtig, Tom Anniko. Producción: Universal 1440 Entertainment. Género: Terror.
Una tímida joven tiene razones para sospechar que su enigmático novio le está siendo infiel. Decidida a revelar la verdad, descubrirá un siniestro secreto que convertirá su vida en una terrible pesadilla.
Crítica
Thriller formal y competente.
En festivales como Sitges se puede aprovechar para descubrir pequeños trabajos como ‘Compulsión’. Pequeños por pretensiones y por duración pero no por calidad. Y es que aunque su repercusión pueda ser mínima el calado y el sabor de boca que dejan estas obras puede ser mayor que títulos más anunciados del festival. En su sencillez radica su fuerza. Una propuesta simple, con pocos personajes que extrae todo sus argumentos de su título.
En principio la historia nos es presentada bajo varios puntos de vista pero finalmente se aúnan para que se desvele la verdad y se alcance el clímax del filme. Hay un personaje, si no habéis leído la sinopsis no sabréis quien es, que se dedica a matar gente por puro impulso. A eso se refiere la compulsión. Se utiliza este título a modo de impulso obsesivo por repetir algo. Ese ímpetu que siente determinado personaje genera tensión en el espectador y es lo que le da interés a la película. Suscita el suficiente atractivo y es tan obvio el motivo que le mueve como para que no haga falta que se dé una explicación. El otro día revisionaba ‘¿Quien puede matar a un niño?’ y en esa obra maestra no se esclarecía explícitamte cuál era la causa de la locura asesina del filme. A veces no hace falta una explicación concisa para que la película sea eficiente y este es otro ejemplo práctico.
‘Compulsión’ está coprotagonizada por tres actores. De ellos destaca Susana Abaitua como una factible muchacha universitaria que se gana la vida a costa de su cuerpo. Pero es Paco Manzanedo el que con un papel mejor incluso que el que nos mostró en ‘[REC] 4: Apocalipsis’ quien nos pone la piel de gallina.
Aunque este largometraje de Ángel González podría ser un episodio de una de las muchas series policíacas que vemos en televisión sirve como un thriller solvente. Una historia que nos demuestra que podemos creer tener nuestra vida controlada, pero nada podemos hacer ante los impulsos de los demás. Y nos deja una cuestión en el aire ¿hasta qué punto nos podemos parecer a nuestros progenitores? ¿la compulsión es hereditaria?
Ficha de la película
Estreno en España: próximamente. Título original: Compulsión. Duración: 75 min. País: España. Dirección: Ángel González. Guión: Ángel González. Música: Javier Carrasco. Fotografía: Rosana Torres. Reparto principal: Marina Esteve, Paco Manzanedo, Susana Abaitua. Producción: Shock Film Factory. Distribución: YAQ Distribución. Género: thriller. Web oficial:https://www.facebook.com/compulsionthefilm/
El aclamado director David Lowery, regresa a la gran pantalla con ‘A Ghost Story’, una curiosa historia en torno al legado, la pérdida y la necesidad esencial de todo ser humano de encontrar un significado y una conexión. El fantasma vestido con una sábana blanca de un hombre recientemente fallecido regresa a su casa para consolar a su esposa, pero descubre que en su nuevo estado espectral ya no pertenece a un tiempo concreto y solo le queda observar con
Crítica
Bonita, la palabra que mejor puede describir a ‘A Ghost story’.
DavidLowery (‘Peter y el dragón’), nos trae una historia de la vida, una historia sobre el amor, pequeña y llena de imágenes perfectas. También la de una historia triste pero tan bella que no dejará a nadie insatisfecho.
‘A Ghost story’ nos muestra lo difícil que es superar la muerte, no solo para los que se quedan, sino para los que se van. Nos enseña el paso de la vida, lo lenta que puede llegar a ser cuando solo estás para contemplarla.
Escenas que pueden llegar a poner de los nervios por la lentitud de estas, pero que tienen mucho sentido a la hora del final de la película.
DavidLowery nos deja una película llena de virtudes. Que nos da mucho para pensar, que llena mucho y deja un bonito recuerdo para cualquier cinéfilo que la vea.
Una de las cosas que más me ha gustado ha sido el tema del fantasma, es el típico con sabana y agujeros para los ojos. Impasible a la vida, ve como todo ocurre, lo lento que pasa todo y como deja poco a poco de existir su recuerdo para los demás. Vemos al fantasma que espera, que cuida a su amada, que la sigue por toda la casa y la aguarda. También le vemos perdido, vemos al fantasma aullador, al enfadado que da golpes por las paredes, el que mueve cosas. Me encanta la manera de retratar lo insignificantes que somos desde la vista de un fantasma, de alguien que ya no existe en el mundo y solo observa a los humanos que entran en su morada. Esto hace que la cinta pueda llegar a ser un poco pesada para su corta duración, pues el director te muestra lo aburrida que es la vida, o como comer una tarta puede ser algo larguísimo de mirar.
Pero este «defecto» es una de los grandes aciertos de la película, pues realmente te mete en la película y en las sensaciones que te quiere mostrar.
Como he mencionado, sus imágenes son preciosas, rodada como al estilo ‘Instagram’, a pantalla cuadrada y dentro la historia. Como si de fotos se tratara. De hecho, muchas de las escenas son largas y con poco movimiento, enseñándonos encuadres perfectos e imágenes idílicas o incluso duras, pero que se suavizan al estar dentro del contexto en el que las vemos.
En cuanto a las actuaciones, CaseyAffleck y RooneyMara están estupendos. El amor y la química que muestran en pantalla es magnífica y hacen que te creas toda la historia.
Como curiosidad, aparece otro espíritu en la cinta y debajo de esas sábanas encontramos a la cantante Kesha.
Sin duda alguna una película muy recomendable, aunque admito que al principio solo hacía que pensar que ‘A Ghost Story’ era un corto que se le había ido de las manos a DavidLowery, pero una vez vista, nos regala tanto, nos da tanto para pensar, que no os la podéis perder.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de noviembre 2017. Título original: A Ghost Story. Duración: 83 min. País: Estados Unidos. Dirección: David Lowery. Guión: David Lowery. Música: Daniel Hart. Fotografía: Andrew Droz Palermo. Reparto principal: Rooney Mara, Casey Affleck, Rob Zabrecky, Will Oldham, Liz Franke, Sonia Acevedo. Producción: Sailor Bear, Zero Trans Fat Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: Drama. Web oficial:https://a24films.com/films/a-ghost-story
La Tierra ha sido asolada por una epidemia y, en ella, solo quedan unos pocos miles de personas luchando por la supervivencia. Julie es una de ellas. A pesar de haberse curtido en esta situación, nada la había preparado para el encuentro con unas letales bestias noctámbulas.
Crítica
Una mezcla de géneros con un final realmente original.
El francés MatheiuTuri nos trae mundo post apocalíptico, en la que vemos referencias a ‘MadMax’ y a Tom Raider.
En ‘Hostile’ tenemos una historia de supervivencia sencilla, donde una mujer se queda atrapada en su coche en un desierto y tiene que intentar sobrevivir a los misterios que llegan de noche. Durante su encierro comienza a recordar la historia de amor con su pareja mediante flashbacks.
La ambientación de la cinta es muy buena, como he dicho, el mundo desértico que vemos en la cinta recuerda mucho a ‘Mad Max’, e incluso lo hace la ropa que ella lleva. En este mundo hay unas extrañas criaturas, y poco a poco se irá desvelando de donde aparecieron.
En general todo está muy cuidado, se denota un interés del director para que el espectador realmente se adentre en la historia.
Una cosa muy lograda, es la tensión, el estrés de vivir el encierro de la protagonista dentro del coche. Esto, aparte de la dirección, también es debido gracias a la dirección de fotografía de Vincent Vieillard-Baron, muy trabajada ya que juega mucho con la oscuridad y la luz, además por supuesto del gran trabajo de la actriz de la que hablamos a continuación.
La protagonista, BrittanyAshworth, a la que veremos en ‘TheCrucifixion’ de XavierGens (productor ejecutivo de ‘Hostile’), está fantástica. Físicamente bien podría haber hecho de Lara Croft, pues su personaje en su lucha por sobrevivir recuerda mucho a la protagonista del videojuego.
Y otro de los protagonistas en la sombra es nuestro JavierBotet, como siempre estupendo. Un monstruo diferente que hace que se te pongan los pelos de punta con los movimientos de su cuerpo.
En general la cinta convence, el único fallo que si que le veo es que debería de haberse centrado mucho más en la chica, en su desesperación por lograr sobrevivir en la noche, que en meter tantos flashback de su vida, pues realmente te sacan de la película y la tensión que tan bien logra crear en el presente
Pero admito que para ser el debut como director de MathieuTuri, el cual ya ha trabajado como segundo director para Tarantino, es bastante loable y nos muestra sin tapujos el mundo hostil en el que vivimos a diario.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de octubre 2017 (Festival Nocturna Madrid) . Título original: Hostile. Duración: 83 min. País: Francia. Dirección: Mathieu Turi. Guión: Mathieu Turi. Música: Frédéric Poririer. Fotografía: Vincent Vieillard-Baron. Reparto principal: Brittany Ashworth, Grégory Fitoussi, Javier Botet, Jay Benedict. Producción: Full Time Films, Title Media. Género: Terror. Web oficial:https://www.facebook.com/Hostilethemovie/
Han pasado 10 años desde de la primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.
Crítica
Pocos herreros controlan el arte de forjar maneras de perpetuar las historias populares tan bien como Urkijo.
Hacer que los niños entren al trapo, caigan en la dinámica de una película y se adentren en el cuento que les proponen puede ser una tarea relativamente fácil. Pero procurar que los adultos experimenten esas sensaciones, retornen a su infancia y disfruten con una fábula es una proeza mucho más difícil de lograr. Ese es uno de los méritos de ‘Errementari’. La película de Paul Urkijo empalma las historias clásicas con el modo de narrar moderno, rodando muy al estilo de su productor Álex de la Iglesia. Rescata no solo el espíritu de los cuentos tradicionales, sino una historia en sí misma.
El inicio animado de la película ya nos pone las expectativas por las nubes y de ahí no nos baja. Es inevitable no quedarse prendado de su narrativa. Es palpable el amor de Urkijo hacia el folclore vasco o las historias que relacionan el plano mortal con el divino. Sabe transmitirlo, y lo que es más, lo rodea de ese humor inocentón que siempre han tenido los cuentos y que nos dejan un recuerdo entrañable. Cosas tan sencillas como unos garbanzos, unas collejas, una campana… pueden servir para que nos riamos a carcajadas.
Por supuesto que la película tiene su mensaje, si no, no estaríamos hablando de un cuento. Los prejuicios, el hacer ver que donde otros ven un ogro una niña puede ver a un amigo puede ser su moraleja. Pero la obra da pie a más lecturas. Los diablos tienen sus propias preocupaciones, existen seres más astutos que las criaturas del infierno… cada uno extraerá diferentes enseñanzas de la película y ese es otro argumento que inclina la balanza hacia el lado de las fábulas.
El diseño de producción de la película junto a su rodaje en euskera alavés del siglo XIX nos transporta a otra época. Recomiendo verla en versión original pues ayuda bastante a meterse en toda esta aventura. Sin embargo, su ambientación y puesta en escena son lo suficientemente potentes como para depender del idioma. La atmósfera es de cuento, sobre todo la de la herrería que, además de poder utilizarse para un videoclip de una banda de heavy metal, evoca a los habitáculos de personajes tan entrañables como los aparecidos en obras como las de Esopo o los Hermanos Grimm.
Errementari significa herrero y por supuesto la figura de ese personaje es objeto de todas las miradas. Kandido Uranga interpreta a ese personaje de un modo atormentado pero a la vez intimidatorio. Pero no es el actor que más me ha llamado la atención. Eneko Sagardoy es quien logra tras la máscara arrancar más sonrisas e incluso que empaticemos con su personaje a pesar de encarnar al villano. Construye a un diablo cargado de una vis cómica infantil a la par que madura, un meritorio trabajo.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de marzo de 2018. Título original: Errementari. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Paul Urkijo Alijo. Guión: Asier Guerricaechevarría, Paul Urkijo Alijo. Música: Xabat Lertxundi. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Eneko Sagardoy, Jose Ramón Argoitia, Josean Bengoetxea, Gorka Aguinagalde, Iñigo de la Iglesia, Zigor Bilbao, Ortzi Acosta, Jon Ander Alonso, Itziar Ituño, Gotzon Sanchez, Maite Bastos. Producción: Pokeepsie Films, Gariza Produkzioak, Ikusgarri Films, Kinoskopik s.l. Distribución: Filmax. Género: fantástico. Web oficial:http://www.errementari.com
La película cuenta la historia de la joven Tree en el peor día de su vida. Una mañana de resaca despierta en la residencia de un compañero de Universidad, corriendo se viste y se dirige a su dormitorio para hablar con sus compañeras y comenzar a celebrar su cumpleaños. En la fiesta de esa misma noche es atacada y aparentemente asesinada, pero ese momento es interrumpido por el comienzo de un nuevo día.
Crítica
Versión moderna que se queda a una buena distancia de un gran clásico.
Qué poca gente puede decir que no le guste ‘Atrapado en el tiempo’ o ‘El día de la marmota’ como la conocen muchos al traducir literalmente su título original. El emblemático largometraje protagonizado por Bill Murray es historia del cine de comedia y viajes en el tiempo y es inevitable que surjan revisiones como la que hoy nos ocupa. ‘Feliz día de tu muerte’ se une a esas películas que homenajean abiertamente el filme dirigido por otro cazafantasmas, el fallecido Harold Ramis, pues finalmente se rinde a lo evidente e incluso cita en una de sus escenas a la película de los noventa.
Este nuevo estreno sigue en líneas generales las mismas pautas. Una persona a la que muchos no tacharíamos de Madre Teresa de Calcuta se despierta y se ve obligada a vivir día sí y día también la misma jornada. Se ha convertido al protagonista en una estudiante de universidad y se ha introducido un componente slasher. Curioso, más que original, resulta que se le añada una nueva variable a la ecuación como lo es la del asesino y el hecho de que el día se reinicie cada vez que la protagonista muera, aunque esto lo hemos visto muy bien explotado, literalmente, en películas recientes, como ‘Al filo del mañana’. Le aporta una nueva dimensión al tormento que sufre el protagonista que a su vez no deja de hacerle gracia al espectador. Sin embargo no esperéis que os expliquen la razón, el origen o la causa de tal calvario.
Ahí se acaba la aportación de Christopher Landon (escritor de ‘Paranormal activity 3’) al género. Lo que nos ofrece es una simple comedia universitaria que en cada crepúsculo tiene algo de muerte. Posee por lo tanto los clásicos chistes fáciles de su género basados en el alcohol, el sexo y las novatadas. Y tiene por supuesto los manidos sustos y escenas reutilizadas de las películas de asesinos enmascarados. Además cada día que vive el personaje interpretado por Jessica Rothe es interminablemente largo y repetitivo. Esto se hace pesado sobre todo porque casi nada más empezar nos dan los suficientes indicios como para saber quién es el villano/a de la cinta.
Pese a que Landon ya había trabajado en títulos de la Blumhouse como ‘Paranormal activity’ o ‘Viral’ no ha sido capaz de realizar un título a la altura. Y mucho más lejos se ha quedado del listón del clásico que intenta renovar pues su protagonista no tiene el carisma Bill Murray y su desarrollo no es tan hilarante. Habría cabido esperar más comicidad, menos insistencia en momentos triviales y algo más de razonamiento en lo que se refiere al bucle en el que se encierra a la protagonista.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de noviembre de 2017. Título original: Happy Death Day. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Landon. Guión: Christopher Landon, Scott Lobdell. Música: Bear McCreary. Fotografía: Toby Oliver. Reparto principal: Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine, Charles Aitken, Laura Clifton. Producción: Blumhouse Productions, Digital Riot Media. Distribución: Universal Pictures. Género: slasher, comedia, terror. Web oficial:http://www.universalpictures.es/es/peliculas/feliz-dia-de-tu-muerte-80/
Con ‘The Disaster Artist’, el director James Franco transforma la tragicómica historia real del aspirante a cineasta y el infame artista de Hollywood Tommy Wiseau -un artista cuya pasión era tan sincera como cuestionables sus métodos- en una celebración de amistad, expresión artística y sueños perseguidos contra probabilidades insuperables. Basado en la historia más vendida de Greg Sestero sobre la creación de la «obra de teatro» The Room (‘The Greatest Bad Movie Ever Made’), ‘The disaster artist’ es un recordatorio hilarante y bienvenido de que hay más de una forma para convertirse en una leyenda, y no hay límite para lo que puedes lograr cuando no tienes absolutamente ninguna idea de lo que estás haciendo.
Crítica
No hay desastre que no pueda aprovecharse.
Hace años que surgió el fenómeno de ‘The Room’ y hace menos que algunos pudimos experimentarlo, gracias a iniciativas como las de cinecutre.com. Y cutre es la película pues un drama romántico que costó entorno a seis millones de dólares no puede tener la cantidad de despropósitos que tiene este. Malabarismos del destino, efectos virales o mentirijillas de última hora hicieron que verla como comedia hiciesen de ‘The Room’ una película de culto, una nueva experiencia cinematográfica. Pero yendo más allá del fenómeno que ha generado la película está la figura de su creador, el artista del desastre y el desastre de artista. Tommy Wiseau es un peculiar personaje rodeado de misterios que él mismo ha querido generar. Ahora gracias a la más que acertada película de James Franco, basada en el libro de Greg Sestero, actor en ‘The Room’, aquí interpretado por Dave Franco, todos podréis conocer en detalle tanto el origen de esta calamidad de largometraje como la personalidad de su artífice.
Es tan excéntricamente chistosa la manera de ser de Wiseau y tan particular el transcurso del rodaje de su filme que a James Franco no le tiene que haber costado nada buscarle el humor a su película. Esta es una comedia que hace gracia por sí misma, para la que no hace falta pensar gags. Y eso que no nos cuentan muchas más cosas que seguro que podría haber incorporado a su película, pero tal vez haya sido mejor así, sin correr el riesgo de cargar al espectador ni caer en la extrema burla. Si ‘The Room’ es un filme soporífero y desastroso que puede matar si uno lo ve a solas, ‘The disaster artist’ es todo lo contrario. Esta nueva película resulta muy cómica, mucho más si has visto ‘The Room’ y aún más si has indagado en la historia de Wiseau. Pero todo dentro del respeto y la discreción pues también es patente la intención de complacer a Wiseau. Es por eso que esta película no tendría para mí un diez, ya que erróneamente informa mal en sus créditos finales, aunque si lanza más de una indirecta sobre los orígenes del «artista» y la financiación de su largo. Sin duda de ese modo se ha conseguido que aparezca en ella el director, el que fue su protagonista y algunas imágenes comparativas que nos demuestran que todo está clavado.
Pero lo que mejor ha sido calcado son los andares, la forma de mirar, de hablar, de pensar… de Tommy Wiseau. Por mucho que se piense que James Franco sea una estrella menor, centrado en el cine más irreverente, yo le admiro por alcanzar tales cotas de veracidad con su personaje.
Recuerdo una frase del documental ‘Room full of spoons’ en la que el supervisor de guión, director en la sombra, Sandy Schklair (que aquí encarna Seth Rogen) cuestionaba la concepción de ‘The Room’ como una de las peores películas de la historia. Decía algo así: «¿cómo va a ser la peor película de la historia si tiene millones de seguidores?». No es de extrañar que los tenga porque ver el filme de Wiseau en plan cachondeo y arrojando cucharas contra la pantalla es de lo más divertido que se puede hacer en un cine hoy en día. Tanto esas experiencias como ‘The disaster artist’ nos devuelven el amor por el cine, lo que es perseguir el sueño de contar historias. Es por eso, que tiene mérito la gente que ha sabido darle la vuelta a la tortilla, desde el propio Wiseau vendiendo su película, pasando por el espectador que sabe divertirse con ella hasta Franco que nos ha brindado una excelsa comedia.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de diciembre de 2017. Título original: The disaster artist. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: James Franco. Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber. Música: Dave Porter. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: James Franco, Dave Franco, Alison Brie, Josh Hutcherson, Seth Rogen, Zac Efron, Sharon Stone, Bryan Cranston, Kate Upton, Ari Grayner, Hannibal Buress, Jacki Weaver, Nathan Fielder, Jerrod Carmichael. Producción: New Line Cinema, Good Universe, A24. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia, hechos reales. Web oficial:https://www.facebook.com/DisasterArtistMovie/
Hace diez años, Jean dejó atrás a su familia y su Borgoña natal para dar la vuelta al mundo. Al enterarse de la inminente muerte de su padre, regresa a la tierra de su infancia. Allí se reencuentra con sus hermanos, Juliette y Jérémie.
Desde la muerte de su padre al comienzo de la vendimia, y en el espacio de un año al compás de las estaciones, estos tres jóvenes adultos recuperarán su fraternidad, evolucionando y madurando al mismo tiempo que el vino que producen.
Crítica
Una larga reflexión sobre la maduración y los lazos fraternales.
El título original, la traducción literal de ‘Ce qui nous lie’ nos da una visión más concreta de lo que nos ofrece esta película. Nos viene a decir ‘Lo que nos une’. En el caso de los protagonistas es una vida en la Borgoña francesa. Ellos son tres hermanos criados y adoctrinados para la elaboración de vinos. Y dentro de lo compleja que puede ser la confección de un buen caldo pueden caber muchas maneras de interpretar ese trabajo. Pero al fin y al cabo, en la raíz, los fundamentos y los orígenes son los mismos. Esos cimientos van ligados a periodos dictados por la naturaleza de igual modo que la vida se rige por ciertas etapas. Lo que ha intentado el director Cédric Klapisch es mostrar un paralelismo entre el cultivo de la uva y los diferentes ciclos de la vida.
Pero aparte de ilustrar muy visualmente esa correspondencia que conservamos entre nuestra naturaleza y nuestra vida, pretende hacer valer la importancia de mantener la esencia de la familia. Durante todo el filme se contempla un tira y afloja entre diferentes familias y sus correspondientes miembros. Algunos de estos conflictos resultan irrelevantes para la trama y otros si tienen el peso adecuado para el trasfondo de sus personajes. Lo importante es que se capta de sobra y de manera tal vez excesivamente reiterativa que el mensaje que Klapisch nos quiere transmitir es que es importante el buen entendimiento entre hermanos, el mantener vivo el lazo que une a aquellos que son hijos de los mismos padres, ya sean vivencias, propiedades…
Los tres protagonistas principales, los tres hermanos que se ocupan de vendimiar y producir los tradicionales vinos franceses son Pio Marmaï, Ana Giradot y François Civil. La película les brinda importancia en ese orden, volcando casi todo el protagonismo en Marmaï, lo cual considero un error pues el papel de Giradot podría haber estado mucho mejor explorado. No obstante el trío de actores pasa como familia, son creíbles como hermanos que además tienen un conflicto fruto de la distancia entre ellos y los problemas tanto familiares como económicos. Pero cabría mencionar a una cuarta persona, germen también de enfrentamientos y giros en la película, que está interpretada por la española María Valverde. Su papel tiene aquí más peso que en la reciente ‘The Limehouse Golem’, pero aún así ocurre como con el personaje de Giradot, te deja la sensación de que habría dado más juego.
Decir que hay personajes desaprovechados en un filme de casi dos horas no suele ser buena señal. La gran traba de ‘Nuestra vida en la Borgoña’ es que se toma con demasiada calma su propia historia, se entretiene excesivamente contemplando un paisaje que sabe captar con melancólica mirada. Esa remembranza la hace el personaje de Marmaï, cuya voz es empleada como narrador y es retomada esporádicamente, por lo que se nos olvida que estaba ahí, con lo cual, se descuida el punto de vista a ofrecer.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Título original: Ce qui nous lie. Duración: 113 min. País: Francia. Dirección: Cédric Klapisch. Guión: Cédric Klapisch, Santiago Amigorena. Música: Loïc Dury, Christophe Minck. Fotografía: Alexis Kavyrchine. Reparto principal: Pio Marmaï, Ana Girardot, François Civil, Jean-Marc Roulot, María Valverde, Karidja Toure, Yamée Couture, Florence Pernel, Eric Caravaca, Jean-Marie Winling. Producción: Ce Qui Me Meut Motion Pictures. Distribución: Wanda Visión. Género: drama. Web oficial:https://www.wanda.es/site/sinopsis/nuestra_vida_en_la_borgona
Basada en hechos reales, ‘Un golpe a la inglesa’ traslada a la gran pantalla la historia de cuatro delincuentes del East End londinense, liderados por Brian Reader (de 76 años) y un hombre misterioso cuya identidad nunca se desvela, que aprovecharon las festividades de Semana Santa para llevar a cabo el mayor atraco de la historia inglesa. Perseguidos por la mafia húngara y Scotland Yard, estos ladrones de pelo blanco lograron lo imposible: taladrar un depósito de seguridad de acero y hormigón en Hatton Garden, el barrio de las joyerías de Londres. Pero, ¿será el golpe del siglo o tanta osadía les saldrá cara?
Crítica
Thomson salva los muebles por los pelos.
Roonie Thomson estrena una nueva película que narra el intento de unos ancianos por robar en pleno Londres lo que para muchos sería el motín de su vida. Un robo que había que hacerlo con confianza ciega en quien les había dado el soplo o la información y no solo eso, dedicándole mucho tiempo y maquinaria ruidosa. He descubierto posteriormente que esta historia estaba basada en hechos reales y mi asombro ha sido mayúsculo. ¿Cómo unos ladrones tan entrados en años pudieron tener una idea tan osada y descabellada? Nunca sabes cuándo será la última vez que dirás que la realidad supera a la ficción. En ese sentido tiene cierto aliciente la película pero no basta con ello. La concepción de los personajes es en exceso convencional y el tono tampoco es nuevo.
Pese a que es la película más pulida y mejor concebida de Roonie Thomson, que nunca pierde sus raíces inglesas, lo que parece que ha hecho es coger el estilo de Guy Ritchie y lo ha limpiado. El ritmo, los planos, los diálogos, el color… todo se asemeja a la obra del director de éxitos como ‘Snatch’ o ‘RocknRolla’, pero con una estética algo más estilosa y aseada. Y aunque cuente con el apoyo de otros dos escritores, Ray Bogdanovich y Dean Lines, para la creación del guión no logran salirse de los esquemas y protagonistas arquetípicos de las películas de robos.
Posee actores cuyos rostros os van a sonar. Su protagonista es harto conocido, Mathew Goode (‘Watchmen’) y los compinches de los que se rodea han aparecido en producciones como ‘Juego de Tronos’, ‘Thor’ o ‘Sherlock Holmes’, como es el caso de Clive Russell. En segundo plano quedan Stephen Moyer (‘True Blood’) y Joely Richardson (‘Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres’). Como veis la película no tiene superestrellas pero no se queda corta en el reparto. Pese a ello no nos otorga grandes interpretaciones y eso va acorde a lo anodino de su historia. Es una más del montón, que puede pasar sin pena ni gloria. ‘Un golpe a la inglesa’ podría decirse que tiene el carácter típicamente conservador inglés, que sin aportar nada nuevo, ni arriesga y ni comete grandes errores.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Título original: The Hatton Garden Job. Duración: 100 min. País: Reino Unido. Dirección: Roonie Thomson. Guión: Ray Bogdanovich, Dean Lines, Ronnie Thompson. Música: Paul Arnold, Andrew Barnabas. Fotografía: Arthur Mulhern. Reparto principal: Mathew Goode, Larry Lamb, Phil Daniels, David Calder, Clive Russell, Jack Doolan, Mark Harris, Joely Richardson, Stephen Moter. Producción: Fiction Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller, comedia. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/un_golpe_a_la_inglesa
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