Categoría: Críticas

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Crítica: ‘Los Increíbles 2’

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En «Los Increíbles 2» de Disney•Pixar regresa la familia de superhéroes pero esta vez la protagonista es Helen (voz de Holly Hunter). Bob (voz de Craig T. Nelson) se queda en casa con Violeta (voz de Sarah Vowell) y Dash (voz de Huck Milner) y se ve obligado a convertirse en un héroe de la vida «normal». Es una transición difícil para todos, y lo será más aun cuando la familia se dé cuenta de los súper poderes del bebé Jack-Jack. Además, aparece un nuevo villano que trama una conspiración brillante y peligrosa. La familia y Frozono (voz de Samuel L. Jackson) deben encontrar la forma de volver a trabajar juntos, algo bastante complicado a pesar de que todos son Increíbles.

Crítica

Reíd y disfrutad con ‘Los Increíbles 2’

Hace ya 14 años se estrenó la que sería una de las cintas más serias de Pixar, no es un drama ni mucho menos, pero si que quizás le faltase algo del humor al que nos estaban acostumbrando. Admito que cuando la vi en el cine salí bastante desencantada, es más no la había vuelto a ver hasta hace muy poco. Al revisarla puedo decir que aunque en los temas técnicos no ha envejecido nada bien, su historia engancha y divierte.

Dicho todo esto como una pequeña introducción, esta familia de superhéroes que no solo tiene que acabar con los malvados, sino que además deben tener una vida familiar «normal», vuelve de una manera apoteósica. Quizá la historia puede ser previsible, quizás haya muchas cosas que os puedan recordar a la primera, pero da igual, las risas que os vais a echar con estos superhéroes van a ser tantas que os vais a olvidar de las pequeñas fallas.

Brad Bird vuelve a encargarse del guión y de la dirección, el director de ‘Misión Imposible: Protocolo Fantasma’ nos trae una cinta muy fresca para estos calores que estamos teniendo este año en España. Decir que es una verdadera pena que se haya estrenado tan tarde por culpa del Mundial de Futbol, los niños merecían ver esta película mucho antes que el 3 de agosto. Pero bueno, quizás así la cojan con muchas más ganas.

El tema feminista entra en la película de una manera muy directa, donde una Elastigirl, cansada de tanta tarea del hogar, es llamada para que comience una gran campaña para que los superhéroes vuelvan a ser bien vistos después de todo lo ocurrido en la primera cinta. Así que vemos las dos caras, una mujer que se siente realizada al poder volver a su trabajo como heroína y a un padre con superpoderes que se ve colapsado y un poco envidioso de la fama de su mujer, eso sí, se le va olvidando todo según pasa la trama, pues a su hijo Jack Jack, le van apareciendo los poderes poco a poco y no tiene momento de aburrimiento.

Los personajes están bien diferenciados y a la vez se complementan bien, los hijos que han descubierto que lo de ser héroes les gusta mucho, no entienden como les pueden obligar a no mostrar sus habilidades. Se les da mucho más protagonismo en esta cinta, la frustración y el nerviosismo por ayudar se ve claramente en ellos.

Luego tenemos como siempre a una perfecta Edna, esa pequeña modista que no hace más que criticar a sus clientes. Además conoceremos a dos hermanos que están dispuestos a ayudar a la familia con su increíble marketing. Una clara referencia a la actualidad donde sin publicidad no eres nada.

Como he dicho anteriormente, la primera parte de ‘Los Increíbles’  ha envejecido bastante mal a nivel técnico, las texturas y movimientos de los personajes son bastante rudos, pero claro, han pasado ya 14 años y puedo decir que el cambio es notable y que sin duda os asombrarán mucho la nueva animación.

La música vuelve a ser de Michael Giacchino, además del tema principal podremos escuchar nuevas canciones llenas de acción y diversión.

Antes de terminar comentaros que antes de la proyección de la cinta tendréis el visionado, como nos acostumbra Disney-Pixar, de un corto llamado ‘Bao’, no lleguéis tarde porque os va a encantar.

Poco más que añadir a esta crítica, que llevéis a vuestros hijos, que la disfrutéis y que si os piden de nuevo ir al cine, hacedles caso, merece mucho la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de agosto de 2018. Título original: ‘The Incredibles 2’ Duración: 118 min. País: Estados Unidos. Dirección: Brad Bird. Guión: Brad Bird. Música: Michel Giacchino. Reparto principal: Voces de Craig T. Nelson, Holly Hunter, Sarah Vowell, Huck Milner, Catherine Keener, Samuel L. Jackson, Bob Odenkirk, Brad Bird. Producción: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: Animación.

Crítica: ‘Misión: Imposible – Fallout’

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En ocasiones, hasta las mejores intenciones pueden volverse contra nosotros. En ‘Misión: Imposible – Fallout’ nos encontramos a Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo en el FMI (Alec Baldwin, Simon Pegg, Ving Rhames), junto con algunos aliados conocidos (Rebecca Ferguson, Michelle Monaghan) en una carrera contrarreloj después de una misión fallida. Henry Cavill, Angela Bassett y Vanessa Kirby también se unen al dinámico reparto, mientras que el director Christopher McQuarrie vuelve a ponerse al timón.

Crítica

Cruise fascina con su entrega pero Cavill y Ferguson dejan extasiados

El Ethan Hunt de Tom Cruise ya ha alcanzado seis películas, hemos llegado a la Misión Imposible 6, MI6 si lo reducimos, como el servicio secreto para el que trabaja James Bond. Bromas aparte, Cruise aparece dando un extra y con ganas de aportar aún más. Acción desbordante y mucho humor se vive en las más de dos horas de esta nueva ‘Misión Imposible’ que está cargadísima de proezas inimaginables que se pasan en un suspiro. Persecuciones, peleas, tiroteos, saltos al vacío… Pocas cosas le faltan a esta película que ha sido dirigida de nuevo por Christopher McQuarrie y escrita también por él.

La traslación al cine basada en los personajes de la serie de Bruce Geller continúa bajo la batuta de McQuarrie  bajo la atenta mirada de J. J. Abrams. Y es que parece que desde que el propietario de Bad Robot se comprometió con la franquicia esta metió la directa y desde que se involucró Christopher McQuarrie la cosa se aceleró de una manera logarítmica. Si la anterior película, ‘Nación secreta’, ya fue una sorpresa en todos los sentidos, ‘Misión: Imposible – Fallout’ no se queda atrás. En la mayoría de los aspectos la saga se supera. Tan solo peca en que en esta ocasión lo que tenemos ante nosotros no es una historia elaborada, de hecho es de lo más simple y aunque como siempre no puede ir más directa al grano se convierte en una trama la mar de sometida al espectáculo. Es muy fácil encontrar películas de agentes en la sombra mucho más intricadas que esta, eso desde luego, pero la virtud de este filme es introducirnos en una concatenación de persecuciones y contiendas. Tiene una cascada de secuencias de acción que parece no tener fin.

En esa serie de hazañas que vamos viendo rodadas con más de un plano impecable contemplamos como realmente Tom Cruise se ha desvivido por la veracidad de lo que sucede delante de la cámara. Me quito el sombrero por la dedicación de Tom Cruise no solo hacia esta saga sino hacia ‘Misión: Imposible – Fallout’ en particular. Sabemos que se ha jugado el tipo (de hecho se ve en pantalla), se ha entregado a fondo para que parezca que por su personaje no han pasado los años y tendrá algunas escenas con dobles pero en su mayoría se palpa claramente que es él quien ejecuta los movimientos. Y ni los efectos visuales ni los trucajes de ordenador pueden maquillar eso. Cuando alguien siente tanto amor por un personaje se nota y se agradece ¡bravo!

Ya queda demostrado que los deportes de riesgo deben ser pecata minuta para Ethan Hunt. Pero algo muy importante que vemos en ‘Fallout’ es que no solo Cruise es el que nos monta el show. Esta cinta tiene todo lo que un largometraje de agentes secretos debe tener. Escenas peligrosas, affaires, mentiras arriesgadas, juego de traiciones, momentos de tensión… Sobre todo cierra tramas estableciendo un nuevo punto final con un villano que apenas abre la boca. Sean Harris demuestra ser un enemigo a la altura de la saga pero aún así no es a quien me refiero, no es la estrella de la película. Obviando el claro protagonismo de Tom Cruise, destacan Henry Cavill y Rebecca Ferguson. El primero con el mostacho que tanto dio que hablar en el momento de ver ‘Liga de la Justicia’. La segunda continuando con su impertérrito personaje de esta saga. Soy muy defensor del Superman de Cavill pero tras haberle visto en esta película me alegro de que haya conservado ese bigote que ha evitado fallos de rácord en ‘Fallout’. Ambos actores nos dan unas escenas de lo más vibrantes y están inmiscuidos en los momentos más destacados del filme: la lucha a tres en el baño, la amplísima y turística persecución por París, el impresionante salto en paracaídas, las peleas cuerpo a cuerpo…

Este filme podría considerarse como un cierre de saga pero lo cierto es que continúa con una serie de películas que siguen entrelazándose entre sí. Largometrajes que continúan respetando el espíritu de seguir haciendo el más difícil todavía consiguiendo que el espectador pase por el aro, ya sea con la vistosidad de sus imágenes, con el carisma entrañable de sus personajes o con el mero hecho de abarcarnos con su música, que en esta entrega por cierto Joe Kraemer lo borda incluso hasta cuando recicla el famoso tema de la serie. Sin duda ‘Fallout’ es una entrada bien rentabilizada, tanto para el que busca emociones fuertes como para el que gusta del cine de espías, que si bien no se podrá comer mucho el coco al menos verá algunos guiños a otros títulos de esta licencia o de otros éxitos del género.

Ya viene siendo una sospecha habitual que cuando trabajan juntos McQuarrie y Cruise funcionan muy bien, pero es importante que les dejen hacer con libertad creativa lo que aman y lo que se les da mejor, ya se llame ‘Jack Reacher’, ‘Misión: Imposible’ o ‘Al filo del mañana’. El problema es cuando vemos que se salen de su ámbito ordinario. Queda claro que con este equipo reunido por Abrams se han conseguido mejores películas que las surgidas en los noventa y podemos considerarla una de las franquicias más efectivas y sinceras de la actualidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de julio. Título original: Mission: Imposible – Fallout. Duración: 147 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher McQuarrie. Guion: Christopher McQuarrie. Música: Joe Kraemer. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Tom Cruise, Rebecca Ferguson, Henry Cavill, Simon Pegg, Vanessa Kirby, Michelle Monaghan, Alec Baldwin, Angela Bassett, Sian Brooke, Ving Rhames. Producción: Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción. Web oficial: https://www.missionimpossible.com/

Crítica: ‘Siberia’

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Lucas (Keanu Reeves) se dedica al tráfico de diamantes y viaja a San Petersburgo para vender una rara variedad de diamantes azules de dudosa procedencia. Cuando el trato se va a pique, Lucas pone rumbo a Siberia para encontrar a su socio y recuperar los diamantes. Allí conoce a Katya (Ularu), propietaria de una pequeña cafetería, con quien empieza una relación. Según va aumentando la pasión entre Lucas y Katya, también van complicándose las ramificaciones del traicionero mundo de los diamantes. En medio de ese cóctel explosivo, Lucas intenta escapar de un mundo en el que parece estar atrapado.

Crítica

‘Siberia’ nos deja helados.

Hoy os hablamos de ‘Siberia’ la nueva cinta de Keanu Reeves, dirigida por Matthew Ross (‘Frank & Lola’), el cual nos trae una película fría y que no convence al espectador.

Lucas (Keanu Reeves) es un traficante de diamantes con el que vamos hasta Rusia y allí, además de complicársele el negocio, se enamora de Katya. Hasta aquí todo bien, un thriller sin más, entretenido para el verano, pero no, la historia se pierde según avanza el metraje y lo único que hace es entrar en un eterno bucle del que no sabe cómo salir para llegar a un final desesperado.

El guión está escrito por Scott B. Smith, a partir de una historia de Stephen Hamel, productor de la película y socio de Keanu Reeves en la empresa Company Films, es de una muy baja calidad, donde lo único bueno que encontramos es el humor de los rusos, lleno de barbaridades, violento y sarcástico, pero que al menos ameniza los 104 minutos que dura la película.

Una de las virtudes de esta cinta es lo bien que han escogido los exteriores, la creación de la atmósfera y todo el vestuario, te adentran en Rusia, sus frías calles y su gente. Esto también lo logra la música, que aunque no me ha convencido, sí que es cierto que se identifica perfectamente con el país cuando la escuchas. Esta banda sonora está compuesta por Saunder Jurriaans y Danny Bensi, los cuales trabajan siempre juntos y nos han dado obras como las de ‘La autopsia de Jane Doe‘ o ‘Enemy’ entre otras muchas.

En el reparto, además de ver a Keanu Reeves, que está bastante flojo, tenemos a Ana Ularu, a la cual ya vimos en ‘Inferno’ y en la última película de Jaume Balagueró ‘Musa’. Su papel es sencillo y sin complicaciones, pasa la mayor parte del metraje desnuda y sirve como protagonista femenina del film, donde los hombres son los que mandan en una cultura machista y que no hace miramientos al sexo opuesto. Pasha D. Lychnikoff, Boris Gulyarin o Rafael Petardi son otros de los actores que podemos ver y que realmente hacen todo lo que pueden con un guión tan flojo como el que se les ha dado.

Creo que si se hubiesen centrado en la trama de los diamantes y poco más, hubiese sido un thriller bueno para el verano, pero intentan complicarse con la historia de amor, para terminar siendo una cinta donde el sexo se convierte en el verdadero protagonista de todo y nada más. Poco más que decir de esta cinta, que se estrena el 20 de julio en las salas de cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio 2018. Título original: Siberia. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Matthew Ross. Guión: Scott B. Smith. Música: Danny Bensi y Saunder Jurriaans. Fotografía: Eric Zoretz. Reparto principal: Keanu Reeves, Ana Ularu, Veronia Ferres, Pasha D. Lychnikoff, Dmitry Chepovetsky, Derek James Trapp, Pascal Petardi, Vlad Stokanic.  Producción: Company Films, Saban Films, Mars Town, Elevated Films, Unbound Films, The Fyzz Facility, Buffalo Gal Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: Thriller, romance. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/siberia

 Crítica: ‘Persecución al límite’

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Casey (Nicholas Hoult), un joven mochilero estadounidense que se encuentra en Alemania, se ha enamorado de Juliette (Felicity Jones). Cuando a ella le diagnostican una enfermedad mortal, Casey elabora un plan para robarle a Hagen (Anthony Hopkins), un peligroso criminal, y poder pagar el tratamiento médico que salvaría la vida de Juliette.

El plan de Casey, sin embargo, no sale como él espera. Tendrá que emprender una huida en coche por toda Alemania para salvar su vida y llegar a Juliette antes de que los hombres de Hagen la encuentren primero.

Crítica

Sus artífices no vieron el límite y se chocaron

Con el amor por bandera se genera una historia de coches, drogas, dinero, matones y mandamases entre Nicholas Hoult y Felicity Jones. Un filme que nos promete ser excitante pero que ni de lejos es tan adrenalítico como la versión de ‘Mad Max’ en la que participó Nicholas Hoult hace pocos años. Busca dejar un sabor carismático, de autor, arrancando desde un punto que retomaremos a partir de la mitad de la película y con narraciones en off o frases que pretenden ser resultonas. Podría haber sido una sencilla película de acción pero algún fallo de guión garrafal y su carácter caricaturesco para actores tan consagrados o por otro lado para actores tan prometedores lo echan todo por tierra.

Esta es una película muy inferior, de relleno o compromiso para todos los actores que aparecen en su cartel. Por el contrario habrá sido un regalo para su director Eran Creevy quien si bien había dirigido antes a James McAvoy, Mark Strong o Daniel Kaluuya en esta película reúne a su mejor elenco hasta la fecha. Convierte a veteranos como Kingsley y Hopkins en gangsta o mafiosos de esos que hacen que las palabras estereotipo y parodia pierdan hasta su significado de lo que se repiten.

Los efectos visuales están un poco maquillados con cortes en el montaje y movimientos de cámara, lo cual puede parecer que juega a favor del ritmo de la secuencia pero también nos corta un poco la acción y nos resta información a la escena. Se nota que el director Eran Creevy intenta desbancarse de la espectacularidad del cine de acción norteamericano, buscando algo más la veracidad de las historias europeas. Pero en ese intento lo que consigue es una película de acción con protagonistas terrenales frente a villanos caricaturescos y cargados de clisés, como he señalado antes. Y pese a ello hay algún momento en el que el director se quiere lucir buscando momentos bellos, dentro del romance que viven ambos protagonistas.

El título original de la película es ‘Collide’, colisión y de eso no le falta al filme pues hay multitud de choques en las escenas con coches. Varios de ellos los sufre el protagonista interpretado por Hoult que milagrosamente sale prácticamente sin un rasguño y apenas mareado, para ser un largometraje que busca algo de realismo. Pero el otro título que se manejaba para el filme era ‘Autobahn (autopista)’ que es donde transcurre buena parte de la película. En esas autopistas alemanas con tramos libres de límites de velocidad donde no nos debe extrañar que no aparezcan policías debido a que haya unos cuantos descerebrados corriendo a toda mecha pero si debería llamarnos la tención que no haya nadie intentando detener a aquellos que están liándose a tiros. Aunque en este caso el director Eran Creevy si procura colocar a las autoridades en su sitio, por muy torpes que parezcan o a destiempo que lleguen.

Momentos románticos que provocan casi el vómito, persecución que no empieza hasta casi la mitad de la película, estrellas veteranas venidas a menos, guión cogido con pinzas… Lo peor de todo es que esta película se podría haber salvado con muy pocos arreglos, pero parece que con tanta velocidad nadie vio dónde estaba de verdad el límite.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio de 2018. Título original: Collide. Duración: 99 min. País: Reino Unido. Dirección: Eran Creevy. Guion: Eran Creevy, F. Scott Frazier. Música: Ilan Eshkeri. Fotografía: Ed Wild. Reparto principal: Nicholas Hoult, Felicity Jones, Ben Kingsley, Anthony Hopkins, Clemens Schick, Chico Kenzari, Aleksandar Jovanovic, Joachim Król. Producción: 42, Automatik Entertainment, Silver Pictures, MG Entertainment, DMG Entertainment, Hands-on Producers. Distribución: eOne Films. Género: acción, romance.

Crítica: ‘Happy end’

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A nuestro alrededor, el mundo, y nosotros en medio, ciegos. Una instantánea de la vida de una familia burguesa europea.

Crítica

Haneke contra los acomodados

La familia Laurent os da la bienvenida a su casoplón. El clan aburguesado que ha ideado Michael Haneke recibe a sus visitantes con los brazos abiertos, pero no tanto a sus familiares más cercanos. Michael Haneke se ha hecho esperar cinco años desde su última película, uno por cada miembro de los Laurent. Esta familia posee unos individuos que en su afán de guardar las formas se relaciona más y mejor con personas fuera de su entorno cotidiano que con aquellos de su misma sangre. Pero dentro de ‘Happy end’ esta no es la crítica más voraz que lanza el cineasta contra la sociedad acomodada europea y para ello prepara diversas historias que le sirven de vituperio.

En buena parte de su inicio la película es cotidianamente aburrida. Muestra las desventuras y apuros ordinarios de personas normales y corrientes, teniendo en cuenta el alto nivel de vida de los Laurent. Solo descoloca el uso de tomas al estilo metraje encontrado o stories y ciertos comentarios que van a pareciendo. Hasta bien avanzado el filme no aparece el clásico Haneke, aquel que se dedica a desconcertarnos y a turbarnos. Con cada personaje procura crear un caso cada vez más retorcido con el cual burlarse de la clase media alta o de la humanidad actual por extensión. Lanza sus improperios camuflados en las taras de sus individuos y al final uno acaba hasta riéndose con las ideas tan macabras que pueden salir de la cabeza de este artista.

Trabajar  ambiguamente con la ironía y casi con la afrenta siempre ha sido algo que se le ha dado bien a este austriaco que además ha procurado trabajar con actores y actrices de otras de sus películas para que lo de siempre le salga bien. Jean-Louis Trintignant e Isabelle Huppert son dos de ellos que además vuelven a reunirse. En el caso de Trintignant su participación es esencial e inquietante, pero en el caso de Huppert su trabajo es algo menos relevante. Dejan más poso los papeles de Mathieu Kassovitz o de la joven Fantine Harduin. Me sobra por ejemplo toda la parte de Franz Rogowski, quien si bien nos ha demostrado lo buen actor que es en películas tan recientes como ‘En tránsito’ no tiene aquí una oportunidad tan buena. El guion peca de que varias de las temáticas giren en torno a lo mismo aunque por lo general podemos distinguir tres o cuatro asuntos. Las narraciones están entremezcladas, pero Haneke es tan buen director que pese a ello es capaz de contárnoslas sin que nos perdamos, clarificando poco a poco cada cuestión planteada.

Haneke es un director que contraría, de eso no hay duda. Es capaz de transportarnos de una comida en un lujoso comedor a la incómoda familiaridad de orinar con la puerta abierta. ¿Por qué separado  se escribe todo junto y todo junto se escribe separado? Haneke a veces es tan insondable y a la vez tan sencillo como esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio. Título original: Happy End. Duración: 107 min. País: Austria, Francia. Dirección: Michael Haneke. Guion: Michael Haneke. Fotografía: Christian Berger. Reparto principal: Isabelle Huppert, Jean-Louis Trintignant, Mathieu Kassovitz, Fantine Rogowski, Laura Verlinden, Aurelia Petit, Toby Jones, Hassam Ghancy, Nabiha Akkari, Philippe du Janerand, Dominique Besnehard. Producción: Les Films du Losange, X Filme Creative Pool, Wega-Film, arte France Cinéma, France 3 Cinéma, Westdeutscher Rundfunk (WDR), Bayerischer Rundfunk (BR), Arte France, Le Studio Canal+, Ciné+, Centre National du Cinéma, France télévisions, ORF Film, Fernseh-Abkommen, Filmförderungsanstalt, Eurimages. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=422

Crítica: ‘Hotel Transilvania 3: unas vacaciones monstruosas’

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Toda la familia de monstruos se embarca en un crucero de lujo para que por fin Drac pueda tomarse un descanso de proveer de vacaciones al resto en el hotel. Es una navegación tranquila para la pandilla de Drac, ya que los monstruos se entregan a toda la diversión a bordo que ofrece el crucero, desde el voleibol de monstruos y las excursiones exóticas, a ponerse al día con sus bronceados de luna. Pero las vacaciones de ensueño se convierten en una pesadilla cuando Mavis se da cuenta de que Drac se ha enamorado de la misteriosa capitana de la nave, Ericka, quien esconde un peligroso secreto que podría destruir a todos los monstruos…

Crítica

Los residentes el hotel no pierden su frescura a la hora de refrescarnos

Recibimos en pleno verano la tercera parte de ‘Hotel Transilvania’, la saga animada de Sony Pictures Animation que tal vez le haya salido más eficiente a esta factoría en todos los sentidos. Pero en una tercera entrega ya toca transformar conceptos o introducir personajes, renovarse o morir, y de la muerte sabe mucho Drácula, el rey de los vampiros.

Precisamente Drácula acapara la mayoría del protagonismo en esta ocasión definitivamente y cae presa no de la muerte, si no de otras cosas: del estrés y del amor. A lo primero le ponen remedio unas impuestas vacaciones en un hotel flotante que es lo que le da título a esta tercera entrega. A lo segundo se le da salida de otro modo que descubriréis si vais a ver a la pandilla simpáticos engendros y no muertos. En las anteriores películas se jugaba con el miedo de los monstruos a ser descubiertos en su hotel por los humanos o a dejar de ser temidos por estos. Seguir quemando la interacción entre monstruos y humanos sería hervir demasiado la fórmula. Me parece correcto que se saque por completo a todos los personajes de su entorno y se haga mofa con ellos y con cada actividad de la época de estío. Además se hace uso de algunos elementos clásicos del terror y del misterio, sin profundizar en ellos, pero si de manera que a los pequeños ya les sonarán sus nombres cuando echen mano de las verdaderas obras clásicas u oigan hablar de las auténticas leyendas. Tendrán en su mente grabados ciertos nombres de igual modo que a nosotros nos han ido sonando otras icónicas historias tras ver títulos como ‘Buenas noches señor monstruo’ o ‘The monster squad’.

Pero no solo se familiarizan los pequeños con las leyendas urbanas, las criaturas del terror clásico o de la literatura. Con ‘Hotel Transilvania 3: unas vacaciones monstruosas’ pueden descubrir lo que es desde el steampunk hasta las rave, por mucho que estas últimas entren en un final que me ha dejado bastante disconforme. Y por supuesto  tienen su mensaje, aunque no demasiado potente en esta ocasión. Lo importante es que ven multitud de payasadas macabras que pueden hacer gracia también a los adultos que entren a la sala equipados con un chip ingenuo o con ganas de ver a las criaturas más terroríficas desde un punto de vista tontorrón.

En la versión original es Adam Sandler quien sigue poniendo voz a Drácula. Comparar voces tan chistosas como la suya o la de Mel Brooks o Steve Buscemi es bastante arriesgado. Pero los registros que aportan Dani Martínez, Santiago Segura o Mario Vaquerizo son más que competentes, en el caso de Vaquerizo lo he dicho en anteriores ocasiones y no me da reparo repetirme por mucho hater que haya. Me pega la voz del personaje para Macarena García pero ya sea por costumbre o por que se le daba mejor he echado en falta a Clara Lago.

En el plano técnico si se percibe alguna bajada de calidad. No solo en la recreación de los fluidos o pelos, si no al darnos cuenta en los muchos fondos que vemos vacíos o desenfocados y las muchas localizaciones estáticas que se han empleado.

En líneas generales, como comentaba al principio, me parece una buena salida la que se ha escogido para airear a la saga, para ventilar el hotel y que no comience a oler a rancio o a manoseado. Lo dicho, el tramo final y la resolución del filme lo más reprochable para el director y guionista Genndy Tartakovsky que cierra así su monstruosa trilogía, cogiéndose un tiempo de asueto con sus criaturas. Pero oye, cuando lo veáis ya me diréis si no hay paralelismos con la realidad, si no tenemos ciertos bellacos que se han ido de rositas con un simple «lo siento mucho» y aquí no ha pasado nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de julio de 2018. Título original: Hotel Transylvania 3: Summer Vacation. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Genndy Tartakovsky. Guion: Michael McCullers, Genndy Tartakovsky. Música: Mark Mothersbaugh, Tiësto. Reparto principal (doblaje español): Santiago Segura, Arturo Fernández, Dani Martínez, Mario Vaquerizo, Alaska, Macarena García, Cristina Castaño. Producción: Columbia Pictures, Sony Pictures Animation. Distribución: Sony Pictures. Género: animación, secuela, comedia. Web oficial: www.hotelt3.com

Crítica: ‘No quiero perderte nunca’

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A raíz de la pérdida de su madre, Paula tratará de encontrar y expulsar de su casa, y sobre todo de su cabeza, a sus propios fantasmas. En ese viaje interior ella se perderá en el mundo de la confusión y oscuridad en el que acabó su madre. Dirigida por Alejo Levis y protagonizada por María Ribera, Carla Torres, Aida Oset  y Montse Ribas. Un drama sensorial sobre nuestros propios fantasmas.

Crítica

Fantasmas del pasado que nos arrastran a la locura.

Alejo Levis nos trae una cinta donde la cordura se pierde para dar paso a una locura incesante que logra introducirnos en la mente de Paula, una muchacha que busca a su madre, y demostrarnos como nuestros propios fantasmas pueden destruirnos.

He de decir, que ‘No quiero perderte nunca’ quizás no sea una cinta para todos los públicos, pero sí que merece la pena el visionado, pues aunque en un principio no sea la película que vais buscando, os dejará huella sin duda.

Tiene como protagonistas a tres mujeres, Paula (María Rivera) y su pareja Malena (Carla Torres) que se van a vivir a la antigua casa de la primera y la madre de ésta, pero otra de las grandes protagonistas es esa casa, llena de fantasmas, de recuerdos que pesan y no dejan avanzar.

Alejo Levis hace un gran trabajo de rodaje, es impresionante, no es una película de terror pero sí que hay secuencias en la que logra crear una tensión digna de una cinta de género, el encierro de Paula en su propia mente, él como la casa se convierte en gran laberinto del que la protagonista no puede escapar.

María Ribera da la cara en esta película y nos muestra a una actriz dura y que logra en un momento mostrarnos todas sus caras, drama, comedia, locura.

Sí que es cierto, que lo que quizás menos me ha gustado de ‘No quiero perderte nunca’ es su teatralización, parece una obra de teatro y creo que para una película que te da tanto sensitivamente, hace que pierdas un poco esas sensaciones al ver conversaciones un poco forzadas o tan exageradas.

La fotografía es muy bonita, sencilla, llena de pequeños detalles, logra confundirte, hace que estés atento a objetos que no sirven para nada, pero que toman su sentido según avanza la historia. Los colores son muy apagados y con ello también nos da la visión de la gran depresión que tiene Paula. Gina Ferrer, que ha trabajado en ‘Matar al padre’ es la encargada de regalarnos estas imágenes.

Otro de los puntos a destacar es la música, llena de blues y sintetizadores que hace que haya escenas en las que te explote la cabeza, pero que realmente es lo que pretenden, hacernos enloquecer y que no sepamos que es verdad o lo que no es.

‘No quiero perderte nunca‘ es un ejercicio magnífico donde su director logra hacernos sentir, ya sea miedo, estrés, tensión, pena, e infinidad de sentimientos. Una obra que como he dicho al principio, no es para todo los públicos, pero que transmite tantas cosas que aunque sea extraña, una vez terminado el visionado da mucho que hablar.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de julio de 2018. Título original: No quiero perderte nunca. Duración: 78 min. País: España. Dirección: Alejo Levis. Guión: Alejo Levis. Música: Jordi Joan García. Fotografía: Gina Ferrer. Reparto principal: María Ribera, Carla Torres, Aida Oset, Montse Ribas. Producción: Life and Pictures. Distribución: Begin Again Films. Género: Drama.

Crítica: ‘Mary Shelley’

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Mary Shelley desvela la historia de la joven Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning) y su ardiente y tempestuosa relación con el poeta romántico Percy Bysshe Shelley (Douglas Booth). Ambos sienten un flechazo inmediato al conocerse y ante la oposición de la familia de Mary a su noviazgo, la pareja decide huir, acompañados por la hermanastra de ella, Claire (Bel Powley).

Los altibajos en su relación se agudizan durante su estancia en la casa de Lord Byron (Tom Sturridge) en Ginebra y es allí donde Mary concibe la idea de Frankenstein, cuando, como juego, se propone a todos los invitados escribir una historia de fantasmas.

Pero la sociedad de ese momento concede un nulo valor a las mujeres escritoras y con tan solo 18 años, Mary se verá obligada a desafiar estos prejuicios  para proteger su trabajo y forjar su propia identidad.

Crítica

Cuando la inspiración es consecuencia de causas y efectos

Al igual que su monstruo de Frankenstein, Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning), posteriormente conocida como Mary Shelley, nació con la necesidad de forjarse una identidad a marchas forzadas en un mundo que le rechazaba como novelista e incluso como lectora de terror. La autora debía hacer valer su peso como escritora y mujer creadora de ficción. A su vez, la directora Haifaa Al-Mansour fue la primera mujer en Arabia Saudí en dirigir una película con su opera prima ‘La bicicleta verde’ (2012). Por lo tanto esta es una película que habla sobre la incomprensión, sobre la detección de los verdaderos monstruos y sobre el maltrato del mundo falocentrista. La película abarca tres planos diferentes, uno ficticio y metafórico (el de la criatura hecha a retales de cadáveres), otro basado en hechos reales y otro que transita por nuestra actualidad. Esta trilogía de historias comparte el mismo eje temático que con los años por desgracia sigue siendo causa de lucha social.

Pero tampoco es que ‘Mary Shelley’ sea una película que se haya rodado con fines propagandísticos. Cuesta percibir realmente si se ha querido narrar el germen de ‘Frankenstein’, una biografía con una historia de amor, una pugna de una mujer en un mundo de hombres o un compendio de todo ello. La verdad es que le falta algo de sustancia al filme. Sí que es cierto que el feminismo está muy presente ya que se hace hincapié en la figura de su madre la feminista Mary Wollstonecraft, mostrando por ejemplo que lee y escribe recostada en su tumba. Y por supuesto su carácter reclama una posición de independencia y reconocimiento constantemente. Pero la narración expone esos otros puntos a los que prestarles atención durante sus dos horas de duración, diluyendo bastante el tono y haciendo predominar el amorío y la vida de infortunios ante todo.

En la película vemos a dos de ‘Juego de Tronos’ que irónicamente a pesar de volver a compartir título aún así no son capaces de coincidir en un set de rodaje. Maisie Williams como Isabel Baxter y Stephen Dillane como el político y escritor William Godwin, padre de la protagonista. Al segundo le oímos decir «el que ama la lectura, tiene todo a su alcance». El filme persigue un ideal tan idílico de la época como ese. Palabras que le vienen que ni pintadas a la vida de Mary Shelley ya que su relación con el poeta Percy Shelley (Douglas Booth) le hizo llevar una vida de lo más anárquica. Los ideales románticos y el amor libre se intentan imponer ante las exigencias y prejuicios sociales. En ese descontrol la película se sumerge y pierde varias veces su ritmo y el dominio de su duración. Toca temas muy importantes que se pueden extrapolar a nuestros días, aunque podría haber resumido varios de sus tramos.

Estamos enmarcados en una época de poemas, creencias en el espiritismo, supersticiones… Actores como Douglas Booth ya se están doctorando en el siglo XIX tras películas como ‘Loving Vincent’, ‘Orgullo, prejuicio y zombies’ o ‘The Limehouse Golem’. Unos años en los que avances tecnológicos como el galvanismo encendieron las neuronas de algunos visionarios y dieron vida a obras tan alegóricas e icónicas como la que James Whale llevó al cine en 1931. Tanto entonces como ahora la ambientación es excelente. La elección de las texturas, luces y colores me parecen un acierto de lo más exquisito. La fotografía de David Ungaro y la música de Amelia Warner nos sumergen en un mundo de abandono, dejadez y represalias. Las mismas sensaciones que va sintiendo tanto el monstruo de Frankenstein, como las que siente Mary Shelley por su amado y editores, como las que ha sentido la directora Haifaa Al-Mansour en su país.

Con todo esto la película me ha gustado pues pensaba que pecaría de ser demasiado gótica o romanticona. Además sigo viendo que Elle Fanning es una actriz que me agrada en papeles que marcan la diferencia, como fue la sorpresa de la excéntrica ‘How to talk to girls at parties’ y eso que aún tengo pendiente ‘The Neon Demon’. Es capaz de sobrellevar la evolución de su personaje, pese a que se ve enmarcada en etapas muy dispares en un corto espacio de tiempo. Con una duración filmica más corta y algo más de definición en sus pretensiones la película habría sido más redonda, pero su mensaje llega sin necesidad de ser simbólica, algo que demuestra que por suerte en estos 200 años algo hemos avanzado.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de julio de 2018. Título original: Mary Shelley. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Haifaa Al-Mansour. Guion: Emma Jensen. Música: Amelia Warner. Fotografía: David Ungaro. Reparto principal: Elle Fanning, Douglas Booth, Bel Powley, Tom Sturridge, Ben Hardy, Maisie Williams, Joanne Foggatt, Stephen Dillane. Producción: Gidden Media,  HanWay Films, Parallel Films, Head Gear Films, Juliette Films, Metrol Technology, Sobini Films. Distribución: Filmax. Género: drama, romance. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/mary-shelley.91

Crítica: ‘El mejor verano de mi vida’

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Curro es un fantasioso vendedor de robots de cocina que sueña con un trabajo en el mundo financiero. En plena crisis de pareja y con fuertes deudas hace una promesa que no puede cumplir: si su hijo Nico de 9 años saca todo sobresaliente, le llevará a unas vacaciones inolvidables. El niño lo consigue y padre e hijo emprenden un viaje que les llevará a conocer gente y a vivir situaciones que jamás hubiesen imaginado y que cambiarán sus vidas.

Crítica

Leo Harlem empuja con su chispa para que la película permanezca en marcha.

Hay actores o personajes que empiezan como secundarios pero cuyo éxito e impacto en el público hacen que de repente se conviertan en las estrellas de su show. Igual que Bart Simpson se ganó su protagonismo en ‘Los Simpson’ gracias a su carisma o Javier Cámara hizo lo propio en ‘7 vidas’ Leo Harlem acapara la atención de los focos allá por donde va. Tras haber eclipsado a todos en televisión con sus sketches y monólogos y haber estado presente en ‘Villaviciosa de al lado’, ‘Gym Tony’ o ‘Torrente 5’ con más o menos relevancia ahora Leo Harlem tiene por fin un papel de protagonista absoluto en ‘El mejor verano de mi vida’.

La película de Dani de la Orden le convierte en Curro. Un manchego licenciado en empresariales y optimismo que a base de vivir de sus sueños o aspiraciones se endeuda hasta las cejas y se halla al borde de perder a su mujer e hijo. Para colmo si no consigue muchas ventas en su frustrante trabajo será despedido. Para levantar el ánimo de su hijo e incentivarle en sus estudios le promete unas vacaciones de ensueño. El problema llega cuando se ve en el compromiso de cumplir dicha promesa desde la situación de estar sin blanca. Como en la anterior película del director, ‘El pregón’, hace uso de la comedia, aunque busca hacernos reír a partir de un tipo de humor diferente.

Leonardo González Feliz, Leo Harlem, actúa aquí interpretando a Curro. Un currante, que se haya en un trabajo que es tan voraz como la jungla del pasado Harlem pero que siempre está feliz y transmite buen rollo. No conozco a Leo Harlem en persona y no sé si está haciendo de si mismo en la película. Pero desde luego su humor si está muy presente y es el gran atractivo del filme. El punto fuerte de la película son los chistes rápidos y campechanos del humorista, siguiendo la estela de sus monólogos. Su estilo sanote y nada ofensivo está en la línea del buen gusto de esta película que tengo entendido que es remake de una cinta italiana titulada ‘Sole a catinelle’. Su excelente secuencia inicial dotada de un gag tras otro nos introduce en una dinámica muy graciosa que tarda mucho en decaer.

Le siguen la estela a Harlem con muy buenos puntos los niños del filme, Alejandro Serrano y Stephanie Gil. Sobre todo está más presente y con momentos de gran naturalidad Alejandro Serrano, cuya voz nos narra la película. Ya estoy deseando verle en ‘Superlópez’ interpretando al héroe de Jan durante su infancia. También son un valor añadido los cameos o los pequeños papeles de actores como Berto Romero, Silvia Abril, Salva Reina… Aparecen muchos compañeros de ‘La que se avecina’ y de otras películas de Dani de la Orden. En especial me gustaría destacar el rol de Gracia Olayo que nos da unos instantes muy entrañables.

Lástima que este largometraje decaiga tanto a partir de la incorporación de los personajes de Maggie Civantos y Stephanie Gil, no por ellas si no por lo aún más inverosímil y enrevesada que se vuelve la historia y sus entornos. Sobre todo cuando vemos que a medida que se acerca su final la cosa se va convirtiendo en algo aún más casual e inverosímil. Ese es el problema de esta película, la crónica que nos narra, que es muy pobre y poco trabajada, demasiado circunscrita en los mismos personajes.

Dentro de la casi road movie acompañada de la desbocada lengua de Harlem hay una historia sobre la paternidad, la ambición, el optimismo, la vuelta a lo rural, lo tradicional y lo perjudicial de todo aquello que hacemos simplemente por postureo. Vamos, que Dani de la Orden nos quiere devolver a lo sencillo. Pero más que la historia o el mensaje de ‘El mejor verano de mi vida’ me han llegado sus gracias. Con un protagonista así se puede agradar a casi cualquier público, independientemente de lo que quieras contar, aunque habría sido redondo haber tenido una historia una pizca más cuidada. Si no fuese porque la chispa de Leo Harlem mantiene el motor de la película encendido al igual que lo haría en un motor de combustión el largometraje se habría apagado muy pronto.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2018. Título original: El mejor verano de mi vida. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Daniel de la Orden. Guion: Daniel Castro, Marta Suárez, Olatz Arroyo. Música: Zacarías M. de la Riva. Fotografía: Valentín Álvarez. Reparto principal: Leo Harlem, Alejandro Serrano, Toni Acosta, Maggie Civantos, Isabel Ordaz, Stephanie Gil, Jordi Sánchez, Gracia Olayo, Arturo Valls, Salva Reina, Antonio Dechent, Silvia Abril, Ricardo Castella, Berto Romero, Juana Cordero, Nathalie Seseña, Mariam Hernández. Producción: Álamo, Atresmedia Cine. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, remake.

Crítica: ‘Ocean’s 8’

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Cinco años, ocho meses, 12 días… y contando. Ese es el tiempo que lleva Debbie Ocean (Sandra Bullock) planeando el mayor robo de su vida. Y sabe muy bien lo que necesita: un equipo de las mejores en su campo, empezando por su compinche Lou Miller (Cate Blanchett). Juntas, reclutan a un equipo de especialistas: la joyera Amita (Kaling); la timadora callejera Constanza (Awkwafina); la perista Tammy (Paulson); la hacker Nine Ball (Rihanna); y la diseñadora de moda Rose (Bonham Carter). El objetivo es la bonita suma de 150 millones de dólares en diamantes, unos diamantes que colgarán del cuello de la actriz mundialmente famosa Daphne Kluger (Hathaway), que será el centro de todas las miradas en el evento benéfico del año, la Gala del Met. El plan es prácticamente infalible pero todo deberá ser perfecto si el equipo va a entrar y salir con el botín. Y todo a la vista.

Crítica

Cuidado si conoces a algún Ocean que te puede desplumar o enganchar a sus correrías

Los Ocean vuelven a la carga pero esta vez no de la mano de George Clooney, si no de Sandra Bullock que de varias maneras coge el testigo. Ahora sabemos que la estirpe de los Ocean lleva en la sangre el placer por robar y también que son capaces de arrastrar a otros a sus elaborados planes. ¿Qué nos ofrece la secuela tras tres películas de ‘Ocean’s’ a parte de todo un elenco nuevo compuesto por mujeres? Se planifica un robo distinto e imposible y se incorporan personajes nuevos que refrescan la saga que partió de un filme de 1960 también repleto de estrellas. La conexión entre los personajes está menos fundamentada y la relación entre las actrices despierta menos simpatía al tener peor dinámica entre ellas. Pero esta secuela, hay que tener presente que esto es una continuación directa, tiene la capacidad de entretenernos y posee varios atractivos.

La película la mantienen momentos puntuales de unas u otras protagonistas o todo el trabajo de Anne Hathaway. De todas las intérpretes es la que mejor encarna su rol y más creíble resulta. Rihana sigue sin encontrar la senda de la interpretación pero esta película le hará bien a la carrera de otras actrices, como es el caso de Mindy Kaling que a pesar de proceder de algo tan bueno como ‘The Office’ ha tenido el patinazo de ‘Un pliegue en el tiempo’. Y para ayudar a ganar interés además del elenco principal se ha mantenido la costumbre de la trilogía anterior. Se hace todo un desfile, a veces casi literal, de famosos y famosas que le dan a la película ese juego de huevos de pascua que tanto gusta. Tiene detalles del estilo como que en una toma en la que aparece una pared de nichos los nombres de los fallecidos son miembros vivos del equipo, como los responsables de los efectos visuales Frederick Lissau o Julie Long. También aparece la fallecida madre de Sandra Bullock, la soprano Helga M. Meyer. Además, como sospechábamos, tenemos algún cameo de las anteriores entregas.

En su aparición James Corden levanta bastante tanto el ritmo como la gracia de un filme que si bien es muy simpaticón no es una comedia pura y dura. Pero esa es la línea que marcó Steven Soderbergh en sus películas y como productor de esta habrá velado por que se conserve. En esta ocasión ya no dirige su trilogía pues ha sido capitaneada por Gary Ross. Un director muy solvente y eficiente que antes ya obtuvo buenos resultados con películas como ‘Seabiscuit’, ‘Los hombres libres de Jones’ o ‘Los Juegos del Hambre’. Se ha hecho cargo de la dirección y la escritura de ‘Ocean’s 8’ junto a Olivia Milch manteniendo el estilo original aunque con menos gancho. Incluso se repite algo el esquema de ‘Ocean’s eleven’ comenzando con la vista de una presidiaria, incluyendo un despecho amoroso y destacando a dos personajes del resto como cabecillas (Sandra Bullock y Cate Blanchet).

El plan de robo lo he visto menos elaborado que en otras entregas, por lo menos más falto de sofisticación y en su ejecución con algunos fallos. Pero se conserva la elegancia y la limpieza de la saga, así como el descaro y picaresca de los guiones. Es más, no tiene ninguna prisa para presentar y recolectar a todo el reparto y nos lo va presentando con calma. Eso se agradece pues ya hemos visto demasiadas películas que se tropiezan en su furor por poner a todos los personajes sobre la mesa.

Aparte de que tenga que soportar comparaciones con las originales y antigua esta continuación me da la impresión de que de haber sido la primera en estrenarse no habría tenido tanto éxito. En parte juega en su contra su título pues constantemente vemos a siete ladronas en el equipo y al final este número se amplía, a mi parecer a más de ocho y podemos imaginar quién falta. Pese a ello consigue ser una película de robos ágil, con los egos bien gestionados y con algunos atisbos de originalidad que le darán ideas al ladrón más pillo.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de julio. Título original: Ocean’s Eight. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Gary Ross. Guion: Olivia Milch, Gary Ross. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Eigil Byld. Reparto principal: Sandra Bullock, Cate Blanchet, Anne Hathaway, Mindy Kaling, Sara Paulson, Awkwafina, Rihana, Helena Boham Carter, Richard Armitage, Elliot Gould, James Corden, Dakota Faning, Shaobo Qin, Olivia Munn, Kim Kardashian, Katie Holmes.  Producción: Warner Bros. Pictures, Village Roadshow Pictures, Smoke House Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia, acción. Web oficial: http://www.warnerbros.es/oceans-8

Crítica: ‘No te preocupes, no llegará lejos a pie’

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John Callahan (Joaquin Phoenix), un chico de 21 años que tiene problemas con el alcohol sufre un grave accidente de tráfico en el que casi pierde la vida. Animado por su novia (Rooney Mara) y un carismático patrocinador (Jonah Hill) ingresa en un centro de rehabilitación. Allí, John descubrirá que tiene un don y se convertirá en uno de los dibujantes más reconocidos del mundo.

Crítica

Una autodestrucción constructiva

Joaquin Phoenix se convierte en el caricaturista cuadripléjico John Callahan. Esta nueva película de Gus Van Sant (‘El indomable Wil Hunting’) se basa en las memorias que el propio Callahan redactó. Robin Williams tenía los derechos del libro y hace ya 20 años que le propuso al director llevar a cabo una adaptación. Es por eso que esta biografía del dibujante está dedicada al fallecido actor. Coincidí con el director a su paso por Madrid y oí de su boca decir que si hubiese hecho la película en el pasado habría sido aún más delirante que el resultado que vemos en ‘No te preocupes, no llegará lejos a pie’. El cineasta de aspecto caricaturesco ha realizado un íntimo retrato de un caricaturista de la vida.

Aunque esté realizada con saltos en el tiempo y diferentes retrospectivas el filme se sigue con suma facilidad. Se centra en la etapa del humorista en la que sufre su fatal accidente e intenta dejar de ser alcohólico. Nos hace ver el momento en que Callahan es una persona compulsiva que agoniza al no poder moverse ni llevar la descontrolada vida de antes incluyendo sus más intensas epifanías y éxito artístico. No estamos hablando de un artista conocido a nivel mundial pero si de alguien que con su peculiaridad hacía destacar su singularidad.

Esta es otra película más que demuestra que reírse de uno mismo y hacer humor negro si tiene cabida en una sociedad avanzada. Con tanto tuitero condenado por dar rienda suelta a su ingenio no se me ocurre un título más ejemplar que este. Gus Van Sant se ha comprometido de lleno con la película, hasta el punto de aparecer en ella y sin ocultar ninguna luz ni ninguna sombra. En el destructivo camino que llevaba Callahan, tanto física como socialmente, encontramos una historia edificante, con muchas lecciones de empatía y juicios de valor.

La mayoría del gran humor de la película proviene de sus viñetas, que por otro lado es mérito del John Callahan original pues son todas reales. Unos dibujos sencillos, como los que podíamos ver de Mingote o Forges. La gran diferencia que tiene con ilustres humoristas gráficos es su falta de tacto, su veraz y drástico sentido de la vida. Un artista que era totalmente impermeable a las críticas o consejos de aquellos que estaban en contra de su sentido del humor.

Nos hallamos ante un Joaquin Phoenix en uno de los mejores papeles de su carrera. Para mí su trabajo aquí solo es equiparable en intensidad e introspección a lo que interpretó en ‘Her’ o ‘En la cuerda floja’. Con su caracterización y compromiso nos ayuda a entender la delicada historia de alguien que dependía del caos para ser feliz. Si dibujar es una tabla de salvación para Callahan en esta película el personaje que interpreta Rooney Mara supone el motor para una barca a la deriva. Pero es Jonah Hill quien en su radical salida de las comedias descaradas eleva su caché con un papel omnipresente y profundo. Jack Black, el otro gran nombre del cartel, se convierte en el amigo de parranda ideal y a pesar de tener un personaje bastante alocado tiene en ‘No te preocupes, no llegará lejos a pie’ un registro bastante dramático, aunque no tan serio como en ‘Bernie’ y demuestra en pocos minutos de nuevo lo buen actor que es.

Este dibujante además de ser músico tenía una serie con su ideas en Nickelodeon, ‘Pelswick’. Si hasta los niños pueden admitir un humor tan accesible como este, ¿por qué el resto no? Al son de la música de Danny Elfman vemos locuras muy cartoon, como el recorrer las calles con su silla de ruedas a toda pastilla con skateboarders agarrados a ella. Tiene ideas tan disparatadas o retorcidas que llegan a ser entrañables e incluso tiernas. ‘No te preocupes, no llegará lejos a pie’ es una verdadera historia real sobre los límites del humor.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de julio de 2018. Título original: Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot. Duración: 114 min. País: EE.UU. Dirección: Gus Van Sant. Guion: Gus Van Sant. Música: Danny Elfman. Fotografía: Christopher Blauvelt. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Rooney Mara, Jonah Hill, Jack Black, Udo Kier, Tony Geenhand, Beth Ditto, Ronnie Adrian, Carrie Brownstein, Mark Webber, Peter Banifaz. Producción: Amazon Studios, Anonymous Content, Iconoclast, Big Indie Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: comedia, drama, biográfica, adaptación. Web oficial: http://diamondfilms.es/no-te-preocupes-no-llegara-lejos-pie/

Crítica: ‘Oh! Mammy Blue’

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Laura es una joven de 70 años. Vive retirada en una residencia que revoluciona cada día para disgusto de su directora. Tan pronto pone a todos los ancianos a hacer yoga, como les enseña las bondades terapéuticas de la marihuana, o monta un grupo de música. Es una hippie irreductible…

Pero lo que no sabe nadie es que ella era Laurie Amnesia, la musa del rock patrio de los sesenta. La más moderna de su época, que incluso hizo soñar a Jimi Hendrix en un verano mallorquín.

Ese es su secreto hasta que aparece Juan, el único residente con sensibilidad musical y fan incondicional de Laurie Amnesia. Para colmo, el nieto de Laura (convencido de que es el nieto secreto del genial guitarrista americano) está empeñado en que ella vuelva a los escenarios. Se ha presentado al festival Alcachofa Rock pero su grupo necesita una vocalista…

Crítica

Carmen Maura se viste de rockera en ‘Oh! Mammy blue’.

‘Oh! Mammy Blue’  es una decepción con buena música. He ido con la mente abierta, sé que no es el tipo de película que más me gusta, pero aun así he ido a divertirme. Y admito que al principio he entrado en la película, las situaciones me han parecido graciosas pero según ha ido avanzando todo ha ido perdiendo el sentido

Es una pena, porque sí, la historia tampoco es que sea una obra maestra pero tiene su gracia, una antigua cantante de rock llena de vida metida en un asilo donde todo el mundo simplemente quiere ver la tele. Las situaciones en las que mete a sus dos amigas son descabelladas y bastante saladas. Decir que lo mejor de la película son estas dos entrañables ancianas a las que dan vida Mª José Alfonso e Itziar Aizpuru.

Carmen Maura vuelve dando guerra, ya no sólo por la música que su personaje canta, sino porque Laura es una rebelde sin causa. Eso sí, el playback de la actriz es malísimo y cuando tiene que cantar en la cinta se nota demasiado lo mal doblada que está y la verdad una película en la que no hacen más que cantar pase esto, hace que el desencanto sea mayor.

Ramón Barea y Milton García son otros dos de los protagonistas, que están algo sosos en sus interpretaciones y no dejan huella para nada en la cinta. Y por supuesto el cameo de Phil Trim, autor de la canción Mamy Blue y cantante de los Pop-tops que da nombre a la película cuya canción aparece en varias ocasiones durante toda la historia.

Como he dicho, según avanza la película, pierde toda la gracia que podría tener, lo mejor sin duda toda la parte del asilo, donde los pobres ancianos tienen que lidiar con Elena (María Pujalte), la directora de la residencia y que no les deja hacer casi nada y tienen que intentar escapar de ella para poder cumplir sus sueños.

El responsable de la banda sonora es Nacho Mastretta (‘Muchos hijos, un mono y un castillo’) y las canciones que escuchamos cantar a los protagonistas son de Federico Pájaro. Ambas están bien introducidas en la película y están muy bien, quitando lo que he dicho anteriormente, el doblaje es malísimo.

Poco más que decir de esta película, es una pena que se pierda y de tantas vueltas, porque realmente si hubiese seguido como su primera mitad, merecería mucho la pena. Pero bueno, si queréis ver de nuevo a Carmen Maura en el cine y escuchar Mamy Blue, esta es vuestra cinta.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de junio 2018. Título original: Oh! Mammy Blue. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Antonio Hens. Guión: Julio Carrillo, Antonio Hens, Patricia Roda, Antonio Álamo. Música: Nacho Mastretta. Fotografía: Alfonso Sanz. Reparto principal: Carmen Maura, Ramón Barea, María Pujalte, María José Alfonso, Milton García, Itziar Aizpuru. Producción: Plenilunio Films, Canal Sur Andalucía. Distribución: Syldavia Cinema. Género: Comedia.

Crítica: ‘El Infinito (The Endless)’

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Años atrás, los hermanos Justin y Aaron lograron escapar de la secta donde se habían criado. Ahora, malviven en un apartamento de Los Ángeles, hasta que un día reciben una cinta de video de la misma secta, y a Aaron le entran las dudas de si deberían regresar al campamento del que huyeron.

Crítica

El tiempo se para mientras ves ‘El Infinito (The Endless)’

Ya quedamos encantados con ella en la Muestra SYFY y esta semana por fin podremos verla en las salas, ‘El Infinito (The Endless)’ es una cinta de ciencia ficción que os dejará durante 111 minutos pegados a la pantalla del cine, primero porque no entiendes nada, y segundo porque poco a poco todo el puzzle se va montando perfectamente para dejarnos con la boca abierta.

Aaron Moorhead y Justin Benson son los encargados de hacer que nuestra cabeza explote. No solo la dirigen y escriben sino que también la protagonizan. Años atrás, Justin y Aaron lograron escapar de una secta con la que se habían criado pero malviven atormentados por los recuerdos. Un día reciben una cinta de vídeo de la misma secta y regresan al campamento donde vivieron tantos años.

Esta premisa ya es interesante, pero si le introduces todas las situaciones extrañas, la buena fotografía, las buenas actuaciones y por supuesto la buena historia que Justin Benson nos regala, ‘El Infinito (The Endless)’ se convierte en un film de ciencia ficción imprescindible.

Decir que antes que esta película los directores ya hicieron una cinta que se llamaba ‘Resolution’ y que está completamente ligada a ‘El Infinito (The Endless)’, pero no hace falta verla antes para entender esta última. Yo fui sin conocer nada y me enteré perfectamente de toda la trama y después de ver ‘Resolution’ os aseguro que  no hace falta, eso sí, en esta cinta nos cuentan un poco más desarrollado una de las historias que aparecen en ‘El Infinito’

Solo puedo alabar esta cinta, iba con miedo pues la gente que la había visto en Sitges hablaban de ella como que era muy liosa y que costaba mucho coger el hilo, y al principio parece eso, pero como he dicho poco a poco se van ensamblando todas las piezas.

Como he dicho las actuaciones son de lo mejor, los personajes son a cada cual más extraño, al fin y al cabo, recordad que estamos adentrándonos en el mundo de una secta y no todo es lo que parece. El reparto es más bien desconocido, pero esto lo hace más interesante y creíble.

Antes os he mencionado la buena fotografía que tiene esta cinta, si el guión lo realizó Justin Benson, el encargado de la fotografía es el otro director, Aaron Moorhead y sin duda ha hecho un trabajo estupendo, mostrando una atmósfera cuidada, llena de oscuridad, con escenas para rememorar como en la que aparecen dos lunas en el mismo cielo, hasta aquí puedo decir, pero sin duda el director ha realizado un bonito trabajo con las imágenes de la cinta.

Con detalles muy a las historias de Lovecraft, misterios paranormales, cintas de vídeo misteriosas, paisajes imposibles, ‘El Infinito (The Endless)’ nos lleva a un mundo que te atrapa y desquicia, que está tan bien hecha que solo querrás recomendarla. No dudéis en acercaros a las salas de cine y disfrutar de ella.

 Ficha de la película

Estreno en España: 29 de junio de 2018. Título original: The Endless. Duración: 111 min. País: Estados Unidos. Dirección: Justin Benson, Aaron Moorhead. Guión: Justin Benson. Música: Jimmy Lavalle. Fotografía: Aaron Moorhead. Reparto principal: Aaron Moorhead, Justin Benson, Tate Ellington, Callie Hernandez, James Jordan, Lew Temple. Producción: Snowfort Pictures, Pfaff Productions. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: Ciencia ficción. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/el-infinito/

Crítica: ‘A la deriva’

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Tami Oldham y Richard Sharp partiran en un viaje a través del océano sin imaginar que navegarán directamente hacia uno de los huracanes más catastróficos de la historia. A raíz de la tormenta, Tami despertará y encontrará a Richard gravemente herido y su barco en ruinas. Sin esperanzas de rescate, Tami deberá encontrar la fuerza y la determinación para llegar a tierra a salvo junto con el hombre que ama. ¿Los encontrarán o naufragarán por un largo tiempo?.

Crítica

Cuando el amor logra salvar vidas

Baltasar Kormákur (‘Everest’) nos trae la historia real de Tami Oldham y Richard Sharp, dos espíritus libres que viven al día que un día iniciaron un viaje en barco desde Tahití hasta San Diego, sin pensar que se les venía encima una de las peores tormentas de la historia.

Durante 47 días estuvieron a la deriva intentando sobrevivir sin apenas comida, escaseándoles el agua e intentando que las alucinaciones no les jueguen malas pasadas.

Ante todo ‘A la deriva’ es una historia de amor, además muy bien contada, a través de flashbacks vamos viendo el pasado de estos dos jóvenes enamorados y el presente, de cómo dos almas gemelas se conocieron y decidieron vivir la vida a su manera, pues el título no solo nos nombra el naufragio que tienen ambos, sino que los dos protagonistas vivían a la deriva, sin rumbo y viviendo día a día. El naufragio hizo que sus vidas cambiaran para siempre.

El director logra que una historia que ya hemos visto muchas veces, se haga amena y disfrutes de ella, bueno, disfrutes o sufras, porque la verdad pasarlo bien, nuestros protagonistas no lo pasan muy bien. Gracias a los saltos en el tiempo, a que las actuaciones están muy trabajadas y que además el montaje es muy bueno, ‘A la deriva’ consigue que no nos despeguemos de los asientos del cine.

Como he dicho, las interpretaciones de Shailene Woodley (‘Divergente’) y Sam Claflin (‘Los juegos del hambre’) son estupendas, ambos tienen mucha química y te crees perfectamente todo su sufrimiento y el amor que se procesan el uno hacia el otro.

Además el trabajo físico de ambos, sobre todo el de Shailene, hace que todo nos parezca a un más real. La actriz lleva todo el peso de la película y vemos como poco a poco va perdiendo peso y a estar más demacrada.

Eso sí, si las historias de amor no son lo vuestro, la película os puede parecer muy pesada, porque la verdad todo se centra en eso. El naufragio queda un poco en segundo plano. Y realmente lo sorprendente pasa al final.

La fotografía es impecable, y es que de ella se encarga Robert Richardson, el encargado de varias cintas de Quentin Tarantino, como ‘Los odiosos ocho’, ‘Django Desencadenado’ u otras cintas como ‘El aviador’.

No dejéis pasar de ver esta cinta si las historias de amor es lo vuestro, porque realmente merece la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de junio 2018. Título original: Adrift. Duración: 96 min. País: Estados Unidos. Dirección: Baltasar Kormákur. Guión: Aaron Kandell, Jordan Kandell , David Branson Smith. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Robert Richardson. Reparto principal: Shailene Woodley, Sam Claflin, Jeffrey Thomas, Elizabeth Hawthorne. Producción: RVK Studios, Distribución: Diamond Films. Género: Drama. Web oficial: https://www.adrift.movie/

Crítica: ’78/52. La escena que cambió el cine’

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Documental a cerca de la famosa escena del asesinato en la ducha de ‘Psicosis’ que cambió para siempre el cine en tantos aspectos. Análisis de los 52 planos que la conforman a través de la visión de muchos cineastas.

Crítica

Un despiece ejemplar de una escena rompedora

Ya había ganas de que llegase a los cines este documental que pudimos descubrir en la pasada edición de Nocturna para que todos podáis disfrutar de este análisis y descubrimiento de secretos de un momento histórico de la cinematografía. ’78/52. La escena que cambió el cine’ es un profundísimo estudio de todos los pormenores que rodean al famoso acuchillamiento de ‘Psicosis’.

Uno se plantea a la hora de escribir esta crítica qué es lo que va a comentar, si la escena o el documental, ya que dan ganas de ponerse junto a los protagonistas del largometraje a comentar tan icónica secuencia. Y es que se analiza con suma pasión y al dedillo el contexto social en el que se estrenó el filme así como todo lo que sucede antes del asesinato. No se deja nada sin examinar: los mensajes que esconde, la época de cambio en que llega, los planos, el uso del blanco y negro, la música de Bernard Herrmann, los dobles, el montaje… hasta los azulejos del baño.

Con esta escena ocurre lo mismo que con la ‘Mona Lisa’ de Da Vinci. Se ha observado tanto y se le ha dado tantas vueltas que se le extraen multitud de significados y se la conoce como si se hubiese estudiado bajo un microscopio. Pero también se le encuentran defectos y en el documental de Alexandre O. Philippe los vemos. Con esto no digo que la película desmonte la escena, al contrario, el largometraje es toda una oda a Hitchcock, pero si tiene unos segundos en los que se demuestra que el cineasta a pesar de su perfeccionismo tenía sus defectos. Porque es innegable que incorporó en ‘Psicosis’, y en este asesinato en concreto, elementos nunca vistos y marcó un antes y un después no solo en el género si no en el cine en general. Quién si no habría tenido el valor de contratar a una estrella como Janet Leigh y matarla en los primeros compases de la película.

Para plasmar cómo una escena tan escalofriante ha hecho tanta historia, como la muerte de una mujer tan bella e indefensa se ha arraigado en nuestra cultura popular tan profundamente hacen falta muchos puntos de vista y en la cinta tenemos todas las perspectivas posibles. Directores, actores, compositores, guionistas… Por eso cuenta con un conjunto de entrevistas  a expertos y famosos como Peter Bogdanovich, Eli Roth, Elijah Wood, Guillermo del Toro, Jaimie Lee Curtis, Danny Elfman, Mick Garris, Leigh Whannell, Mick Garris, Karyn Kusama… Todos ellos son entrevistados mientras como unos mirones van visionando el famoso crimen.

52 cortes tiene la escena que se consiguió tras 78 tomas. La legendaria escena de ‘Psicosis’ se rodó en nada más y nada menos que 7 días de rodaje. Si os gusta el cine y más si sois apasionados al terror, miraréis este documental como auténticos voyeristas. Y es que ese es uno de los temas importantes del filme, el voyerismo, como también se demuestra con la comparación de lo rodado y el cuadro ‘Susana y los viejos’ que tapa el agujero a través del cual observa Norman Bates (Anthony Perkins). Pero ojo que el cuchillo de ‘Psicosis’ también se dirige a la cámara castigando a todos aquellos observadores indiscretos, captar los detalles y aprender esta valiosa lección de cine y vida.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de junio de 2018. Título original: 78/52. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Alexandre O. Philippe. Guion: Alexandre O. Philippe. Música: Joh Hegel. Fotografía: Robert Muratore. Reparto principal: Peter Bogdanovich, Jamie Lee Curtis, Guillermo del Toro, Danny Elfman, Illeana Douglas, Bret Easton Ellis, Jeannie Epper, Margo Epper, Mick Garris, Norman Hollyn, Chris Innis, Jim Hosney, Karyn Kusama, Bill Krohn, Neil Marshall, Geoff Marslett, Aaron Moorhead, Bob Murawski, Walter Murch, Daniel Noah, Oz Perkins, Fred Raskin, Eli Roth, Gary Rydstrom, Scott Spiegel, Josh C. Waller, Elijah Wood, Leigh Whannell. Producción: ARTE, Exhibit A Pictures, Milkhaus. Distribución: Sherlock Films. Género: documental.

Crítica: ‘Sicario: el día del soldado’

Sinopsis

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En ‘Sicario: el día del soldado’, comienza un nuevo capítulo de la serie. En la guerra de las drogas no hay reglas, y como los cárteles han comenzado a traficar con terroristas a través de la frontera con Estados Unidos, el agente federal Matt Graver (Josh Brolin) llama al misterioso Alejandro (Benicio Del Toro), cuya familia fue asesinada por un capo del cártel, con el objetivo de intensificar la guerra de una manera perversa. Alejandro secuestra a la hija del capo del cártel para avivar el conflicto, pero cuando la niña es vista como un daño colateral, su destino se interpone entre los dos hombres mientras se cuestionan todo por lo que están luchando.

Crítica

Muy buena continuación que sin embargo no causa el mismo efecto

En ‘Sicario’ oíamos a Victor Gramer decir al personaje de Emily Blunt «Si te da miedo que nos estemos pasando del a raya, no temas, tranquila, las rayas se han movido». Pues bien, en ‘Sicario: el día del soldado’ esas rayas desaparecen por completo y la lucha contra el cártel se equipara a la guerra anti-terrorista, pero desde la clandestinidad y el juego sucio.

Al poco de estrenarse la primera entrega ya supimos de la intención de realizar esta. Lo que no estaba tan claro es la posibilidad de una trilogía. Tras ver ‘Sicario: el día del soldado’ ya tenemos claro que con unos u otros personajes, siguiendo unas u otras tramas (no destripo nada) habrá tercera entrega. La segunda parte de la obra que creó Villeneuve tiene sabor a serie, por la evolución de sus personajes, por lo coral que resulta, por la fragmentación en diferentes localizaciones de las historias individuales… Esta no es una película meramente episódica, es un filme que respeta muy bien la línea de su predecesora, pero que no alcanza las cotas de excelencia de esta. Sigue siendo igual de dura pero hace un retrato menos visceral, impactante y está algo más al servicio de la espectacularidad.

La historia está bastante fraccionada entre los personajes, tanto nuevos como viejos. Lo bueno de poder dedicarle tiempo casi en solitario a cada uno de los individuos es que tenemos el aliciente de poder ver evolucionar a los personajes, razón de ser de toda continuación. Sobre todo quien lleva más allá a su papel y desentraña bien además el pasado de este es Del Toro. Su sicario está llevado con mucho estilo, alejado de los tópicos del cine de este género, llevándolo a su terreno pero sin repetirse con lo que ha interpretado anteriormente. Habiéndose convertido en el eficiente y despiadado Alejandro, Del Toro se asegura un nuevo lugar en el imaginario cinematográfico.

Por su parte es la cuarta película que estrena Josh Brolin en España tras ‘Héroes en el infierno’, ‘Vengadores: Infinity War’ y ‘Deadpool 2’. Quizá sea que el hecho de haberse preparado para interpretar a un bombero, Thanos y Cable lo que haya hecho que parezca más rudo y musculoso. No obstante su personaje no varía ni un ápice y sigue siendo el guardián en la sombra de los valores norteamericanos que emplea cualquier recurso que esté a su alcance y al que recurre el gobierno para trabajos peliagudos. Muy bueno Brolin enfundado en esta piel que no se contagia de las peculiaridades de sus anteriores trabajos.

Queda patente que los dos personajes principales son los que le dan valor a este filme. Porque el nuevo casting no ha sabido suplir la falta de Emily Blunt. Principalmente el error se percibe en las incorporaciones adolescentes del reparto. A Isabela Moner le falta credibilidad y eso que su personaje se llama casi como ella. Y demasiado sobreactuado cuando quiere parecer malvado resulta Elijah Rodriguez en este su primer largometraje en el que aparece (ya dobló en ‘El libro de la vida’). Las historias de ambos transcurren paralelas a las de los actores destacados. Se salva su intervención porque en esta ocasión, en eso se supera a ‘Sicario’, las tramas confluyen con más trascendencia.

Se nota que se mantiene el mismo guionista, Taylor Sheridan (‘Comanchería’). Espero que se siga explotando de vez en cuando el talento de este actor como escritor, sin que lleguen a agotarse sus ideas porque su trabajo es impecable. Él cumple con su parte en este segundo episodio con una historia interesante, aunque con giros menos impactantes y menor suspense. Se ha perdido el toque de thriller original pero se ha ganado en acción y en conflicto político. Aunque me gustará verle inmerso en alguna historia alejada de los cowboys y los clichés fronterizos.

Se mantienen los planos aéreos, cenitales y subjetivos de ‘Sicario’, pero no llega a ofrecer las grandes tomas que conseguía extraer Villeneuve de sus escenarios. Tampoco se llega al nivel de las vibrantes secuencias de acción que estaban a medio camino entre lo real y lo cinematográficamente bélico. Y eso que cuenta con Dariusz Wolski, que si bien no intervino en la película original es autor de la fotografía de ‘Marte’, ‘Alicia en el País de las Maravillas’ o ‘Dark City’. No obstante las imágenes conservan la línea narrativa marcada como estándar para esta saga y seguimos viendo el mismo ambiente desolador y amenazador.

‘Sicario: el día del soldado’ está dedicada a Jóhann Jóhannsson, aclamado compositor fallecido y autor de la banda sonora de la primera entrega. Al igual que se ha seguido el aspecto visual del filme en esta continuación, el compositor Hildur Guðnadóttir ha procurado mantener el estilo musical de Jóhannsson. La música aporta tensión y emoción, se nota que Guðnadóttir ya trabajó con Jóhannsson en la primera parte e incluso que ha participado en películas de Villeneuve como ‘La llegada’ o ‘Prisioneros’, habiéndose contagiado de la clase de música que piden sus filmes.

Quién sabe si la agenda de Villeneuve le dejará dirigir una tercera parte de ‘Sicario’. Se ha echado en falta su técnica. El director Stefano Sollima mantiene a flote esta crónica pero nos deja algo de añoranza por la película que en 2015 nos impactó. Por mucho que la película esté bien dirigida e interpretada y contenga un tema candente y en constante debate se echa en falta algo más de innovación o talento para dejarnos igual de conmocionados.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de junio de 2018. Título original: Sicario: day of the Soldado. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Stefano Sollima. Guion: Taylor Sheridan. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Benicio del Toro, Josh Brolin, Isabela Moner, Elijah Rodriguez, Jeffrey Donovan, Manuel García-Rulfo, Catherine Keener. Producción: Thunder Road Pictures, Black Label Media, RAI. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, thriller. Web oficial: https://www.soldado.movie/

Crítica: ‘En la Playa de Chesil’

Sinopsis

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Inglaterra, 1962. Florence y Edward, tienen poco más de 20 años. Ella de clase media alta, él de clase baja. Inocentes, vírgenes y enamorados cuando aún no se había publicado el primer LP de los Beatles y ‘El amante de Lady Chatterley’ estaba prohibido, se caan y pasan su primera noche de bodas en un hotel, junto a la famosa Chesis Beach. Lo que sucede esa noche, entre sus palabras y sus silencios, cambiará sus vidas para siempre.

Crítica

Los traumas y miedos se unen en esta cinta de amor

Basada en la novela de Ian McEwan, también guionista de la cinta, el director Dominic Cooke nos trae a dos enamorados que se casan y pasan su primera noche juntos en un hotel. Estamos a principios de los años 60, donde aún el sexo era tabú y los miedos por ambas partes dejaban echar alas a la imaginación y a los traumas.

La historia va de un tiempo a otro en modo de flashback, esto hace que aunque sea una historia de amor un poco opulenta, se haga amena y poco a poco vayas descubriendo más sobre los personajes y sus familias.

He de decir que la historia no me ha gustado, no me he creído para nada el final, no quiero desvelar nada, pero todas las consecuencias a esa noche de boda para mí no son creíbles, después de demostrarme que es una pareja que se contaba absolutamente todo, no me puedo creer que no sean capaces de hablar de una situación tan simple, que sí es otra época, pero aun así el personaje de Saoirse es bien decidido y te demuestran durante la película que es muy moderna para la época en la que vive. A mí al menos no me ha convencido.

Decir, que aunque como he dicho, su historia no me ha convencido, la película es  verdadera poesía, la manera en la que se introduce la música en la cinta, tanto los temas clásicos como el rock todo ello junto a una fotografía llena de detalles y metáforas que no deja imágenes preciosas a la par que tristes. Esto se lo debemos a Dan Jones (‘La casa de las miniaturas’), que es el encargado de la música y a Sean Bobbitt (‘Old Boy’ la nueva versión) encargado de la fotografía.

Sin duda esto es lo mejor de la cinta, porque ni los actores están a la altura. La película está demasiado teatralizada y llega un momento que no hay emoción en las palabras, ni gestos que te indiquen el menor ápice de sentimiento. Lejos queda una Saoirse Ronan nominada a los Oscar en repetidas ocasiones. Quizás la mejor actuación que hay dentro de la cinta es de Anne–Marie Duff que nos regala un personaje lleno de ternura y amor.

No me he leído la novela, pero al estar el escritor como guionista de la cinta, está claro que tiene que ser bastante fiel y que el director poca libertad habrá tenido a la hora de cambiar la historia.

Está claro que el silencio, el miedo y la hipocresía, cuando veáis su final lo comprenderéis, van de la mano en esta cinta que promete una historia de amor y que sin duda, sorprende con un final que casi roza lo ridículo.

 Ficha de la película

Estreno en España: 29 de junio de 2018. Título original: On Chesil Beach. Duración: 110 min. País: Reino Unido. Dirección: Dominic Cooke. Guión: Ian McEwan, basada en su novela. Música: Dan Jones. Fotografía: Sean Bobbitt. Reparto principal: Saoirse Ronan, Billy Howle, Emily Watson, Samuel West, Anne-Marie Duff, Simon North, Adrian Scarborough. Producción: BBC Films, Number 9 Films.  Distribución: Bteam Pictures. Género: Drama, romance. Web oficial: http://bteampictures.es/chesil-beach/

Crítica: ‘El mundo es suyo’

Sinopsis

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Rafi llega a casa de Fali con la maleta a cuestas porque su mujer le ha echado de casa. No es la primera vez que esto sucede, aunque en esta ocasión todo será diferente, ya que el lío en el que se ha metido Rafi esta vez… es de los gordos. A Fali le gustaría ayudar a su compadre, pero tiene mucha prisa: mañana será la Primera Comunión de su hijo y lo único que tiene que hacer como padre es llevar el traje del niño a la finca donde se celebrará el evento.

Durante las siguientes veinticuatro horas, y con la cuenta atrás del reloj acechándoles, los compadres conseguirán salir de varios embrollos para meterse en nuevos enredos.

En sus andanzas, los compadres nos mostrarán su particular y sinvergüenza visión de la vida, la del más extremo y desenfado caradura.

Crítica

La buddy movie del enterismo y la repetitividad

Alfonso Sánchez y Alberto López regresan con sus personajes recurrentes, el Rafi y Fali, aparecidos como tal en la web serie «Los Compadres», aunque ya les hemos visto con personajes muy parecidos en ‘Ocho apellidos vascos’, ‘Allí abajo’ o sus otros vídeos del canal de Mundoficción en Youtube. El duo cómico se adentra en una nueva comedia que sigue explotando con burla de la idea del «típico» sevillano rodeándola de sátira a cerca del panorama actual. Los pioneros del crowdfunding cinematográfico en España juegan con el humor y la crítica pero con menos efectividad que en anteriores empeños.

En ‘El mundo es suyo’ Sevilla vuelve a ser el escenario de las correrías de los compadres. La ciudad andaluza sirve de buen marco para esta historia cómica que tiene unas cuantas ráfagas de acción. Alfonso Sánchez (como guionista y director) ha ido más allá con esta producción al transportar a sus personajes por más emplazamientos y hacerles interactuar con todo un elenco de personajes de lo más cañí. En ese retrato que pretende ser mordaz dentro de su caricaturización encontramos un sin fin de topicazos. Este episodio acaba siendo cargante pues no descansa lo suficiente en sus secundarios y gran parte de ellos suenan a algo que hemos visto en repetidas ocasiones. Incluso se atreve con una imitación a Julio Iglesias, que además de ser un personaje de lo más manido está muy mal imitado. Se pierde todo el mordiente que cabría esperar al caer en toda esta redundancia.

Más buddy movie que esta nos va a costar encontrar este año entre los estrenos españoles. La película es una narración de las aventuras de dos amigos hasta la muerte que se quieren más entre ellos que a sus parejas amorosas. Sinceramente, a los 40 «compadre» mi cerebro casi desconecta. Lejos de ser extraña esta pareja encarna muchos de los clichés rancios que circulan por España sobre los andaluces. El liante y el calzonazos, dos señoritos repeinados y chupasanges entregados a la vagancia, la buena vida y la dependencia de los demás. A sabiendas de que esta estampa sirve a intereses cómicos, no retratistas, me cuesta entrar en un juego que parece que llega a destiempo, sobre todo por los estrenos que le preceden.

Intenta explotar casi todo el rato la misma fórmula. Catetismo, juegos de palabras fácilones, histeria, discursos de reprimenda… La verborrea de Alfonso Sánchez  se pone en disputa con la del resto de personajes. Lo que el director demuestra es saber plantar la cámara delante de sus intérpretes y dejar a estos empezar a divagar sobre la España folclórica. De ese modo nos olvidamos por completo de su trama central, de esa carrera por entregar a tiempo el traje de comunión. ‘El mundo es suyo’ deja patente que Rafi y Fali funcionan mejor como secundarios o en pequeñas dosis, como en ‘Ocho apellidos vascos’ u ‘Ocho apellidos catalanes’. A Alfonso Sánchez se le da bien crear secundarios pues algunos de los que vemos aquí tienen más frescura y saben sacar mejor la comedia desde su sátira. Esos personajes satélite tienen más verdad que los protagonistas y merecerían tal vez más minutos o su propios capítulos aparte. Reconozco haberme reído un par de veces y que el trabajo en dirección es bueno, pero solo adoptaría de buen grado esta idea como web serie o en cápsulas, en un formato de largometraje la gracia se diluye y cansa.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de junio de 2018. Título original: El mundo es suyo. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Alfonso Sánchez. Guion: Alfonso Sánchez, Sergio Rubio, Ana Graciani. Música: Pepe Begines. Fotografía: Fran Fernández. Reparto principal: Alfonso Sánchez, Alberto López, Carmen Canivell, Mar Saura, Javier García Pelayo, Carlos Olalla, Mari Paz Sayago, Alfonso Valenzuela. Producción: Mundoficcion Producciones S.L, Sacromonte Films, Atresmedia Cine. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia. Web oficial: http://www.warnerbros.es/el-mundo-es-suyo

Crítica: ‘Con amor, Simon’

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Todos merecen una gran historia de amor. Pero la de Simon Spier es, a sus diecisiete años, un poco más complicada: todavía no le ha dicho a su familia ni a sus amigos que es homosexual, y tampoco conoce la verdadera identidad del anónimo compañero de clase del que se ha enamorado por Internet. La resolución de ambos problemas resulta hilarante, terrorífica y capaz de cambiarle la vida a cualquiera. Dirigida por Greg Berlanti (Everwood, The Flash, Riverdale), con guión de Elizabeth Berger e Isaac Aptaker, y basada en la elogiada novela de Becky Albertalli, ‘Con amor, Simon’ es una historia divertida y con corazón sobre el final de la adolescencia y la emoción de descubrirse a uno mismo y enamorarse.

Crítica

SIMON es: Sutileza, Inteligencia, Moralidad, Originalidad y Normalidad

Muy cerca de la celebración del Madrid Gay Pride 2018 se estrenará en España ‘Con amor Simon’. Una película que va muy de la mano con la temática del Orgullo Gay pues nos habla muchísimo a cerca de la naturalidad, la tolerancia, la tranquilidad, el respeto y la comprensión que debería haber entorno al mundo homosexeual. Llega a los cines algo más de año después de ‘Call me by your name’, la cual tocaba temáticas muy similares pero en este caso el tratamiento es radicalmente distinto.

En ‘Con amor, Simon’ no esperéis ver una película reflexiva, contemplativa, sensual o romanticona, a pesar de su título. El amor está presente pero este es un título mucho más desvergonzado, divertido, contemporáneo y aún así delicado de lo esperado. El director Greg  Berlanti pega un volantazo a su carrera tras estar en estos últimos años produciendo las series de los superhéroes de DC Comics (Flash, Arrow, Supergirl o la futura Titans) y vuelve a la dirección con una comedia romántica, algo que había hecho con sus dos anteriores películas como director: ‘El club de los corazones rotos’ y ‘Como la vida misma’.

En este nuevo filme el protagonista Simon, sabe a ciencia cierta que es gay y a través de Internet descubre que en su mismo centro de estudios hay otra persona de su misma orientación sexual con quien además entabla contacto anónimamente. De este modo se establece el punto de partida con el fin de encontrar no solo a esa otra persona si no también en pos del autoconocimiento y del primer enamoramiento.

La presente película está muy lejos tener pretensiones provocativas o rompedoras. Está creada con un simple afán de buscar la normalidad en un tema que ya debería estar incorporado totalmente en nuestra sociedad y no tendríamos que necesitar que fuese el epicentro de ninguna película. Tanto el director como los guionistas Elizabeth Berger e Isaac Aptaker (‘This is us’) han elaborado una forma brillantemente sutil de manejar los conflictos internos y externos. Demuestran de una manera muy inteligente que saben comprender a los adolescente y las cuestiones que tienen estos, sobre todo a la hora de abrirse al mundo y a su familia o amigos cuando quieren exponer sus asuntos más íntimos, cuando quieren contar algo tan importante como su orientación sexual. Se desmarca así de otras películas de temática semejante con una frescura y contemporaneidad muy diferentes.

Nick Robinson en el papel de Simon actúa infinitamente mejor que en ‘Jurassic World’ o que en ‘La quinta ola’, que son trabajos más mediáticos en su currículum. Canaliza muy bien todos los sentimientos de su personaje. La rabia contenida por las bromas inadecuadas, la ira por los rumores a los que tiene que hacer oídos sordos, los nervios por la espera de un nuevo mensaje… Este actor va adquiriendo la madurez para afrontar nuevos roles y aquí ya se nota en algunas escenas en las que aparece como un auténtico «rebelde con causa» haciendo una especie de alusión a ‎James Dean.

Si hay otro acierto en la película es en el reparto, casi todo él muy juvenil y proveniente de éxitos o historias tan frescas como la serie ‘The Flash’, ‘Spider-Man: Homecoming’, ‘Annabelle: creation’, ‘La serie Divergente’ o incluso ‘Brigsby Bear’. Y es que a pesar de tener varios actores de ‘Por trece razones’ (Katherine Langford y Miles Heizer), esquiva de manera perspicaz el tono dramático de las historias sobre acoso escolar pero aún así ejemplifica bien casos de esas características. Es más, enumera claramente elementos como el efecto mirón o la coacción. Incluso da herramientas o patrones a seguir para romper con esos obstáculos. Por lo tanto podemos decir que esta película es una buena lección de moral, no solo en este, si no en otros sentidos, pues las reacciones de los padres también son para quitarse el sombrero (por cierto que Josh Duhamel repite con el director). No olvidemos que ‘Con amor, Simon’ es un caso que viene a decirnos que en cualquier familia, incluso en una familia americana prototipo perfecta, puede haber un hijo homosexual.

Para que esta no sea una película lacrimógena ni centrada en el bullying se han incorporado varios personajes bastante cómicos, que se salen de lo escrito en la novela de Becky Albertalli. Principalmente son el descarado y mezquino interpretado por Logan Miller (‘The Walking Dead’) y el estrafalario director al que da vida Tony Hale (‘Veep’). También Alexandra Shipp con su carisma y personaje introvertido pero a la vez carismático nos engancha al igual que lo hizo en películas como ‘X-Men: Apocalipsis’ , ‘Straight Outta Compton’ y por supuesto su papelón de ‘Tragedy girls’.

‘Con amor, Simon’ llega en buen momento para luchar contra los tópicos y aunque como haya dicho no deberíamos tener que necesitarla, si podría servir como guía orientativa para muchas nuevas generaciones. También os servirá para descubrir una buena cantera de actores que está labrándose un buen porvenir y que en esta película suben un escalón hacia su madurez profesional.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de junio de 2018. Título original: Love, Simon. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Greg Berlanti. Guion: Isaac Aptaker, Elizabeth Berger. Música: Rob Simonsen. Fotografía: John Guleserian. Reparto principal: Nick Robinson, Jennifer Garner, Josh Duhamel, Katherine Langford, Alexandra Shipp, Logan Miller, Keiynan Lonsdale, Jorge Lendeborg Jr., Talitha Bateman, Tony Hale, Natasha Rothwell, Miles Heizer, Joey Pollari, Clark Moore. Producción: 20th Fox Pictures, Temple Hill Entertainment. Distribución: 20th Fox Pictures. Género: drama, romance, comedia. Web oficial: https://www.conamorsimon.es/

Crítica: ‘Hereditary’

Sinopsis

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Cuando Ellen, la matriarca de la familia Graham, muere, su familia comienza a descubrir secretos extraños y cada vez más aterradores sobre sus antepasados. Cuanto más descubren, más tendrán que enfrentarse al siniestro destino que parecen haber heredado.

Crítica

Tan enigmática y desgarradora que da canguelo

No conocía el trabajo de Ari Aster, no me avergüenza reconocerlo y de hecho me alegro. Esta es la primera película larga del director y descubrir su estilo y técnica con ‘Hereditary’ me parece la mejor tarjeta de presentación. Sorprendentemente uno se encuentra al navegar en su currículo que hasta ahora todos los cortometrajes que había rodado pertenecen de un modo u otro al género de la comedia. En su opera prima cambia totalmente pues ha creado una película de terror con absolutamente nada de humor, salvo que uno tenga un sentido muy negro de ver las cosas.

Con el caso de ‘Hereditary’ nos puede engañar el tipo de miedo que promete que va a hacer sentir tras ver sus tráilers y cartel. Incluso en sus inicios nos marcan unas pautas que luego no se siguen. Pero igualmente toda la película tiene una técnica invariable que nos pone en tensión, inquieta y aterroriza. Ante todo hay que saber que esta no es una película basada en sobresaltos, que es un filme fundamentado en las emociones, en el desasosiego que genera lo desconocido y en el drama familiar, aunque ofrezca algún que otro susto muy bien traído.

Sucede que la familia protagonista acaba de perder a la abuela. Los Graham son un clan bastante peculiar cuyas rarezas y singularidades nos va desgranando Ari Aster muy mediatamente. Posee tales insinuaciones de genialidad que empieza con una esquela. La de esa matriarca que acaba de fallecer y deja muy tocados a todos sus parientes, no con su muerte sino con la vida tan maniática que les ha hecho vivir. Están tan desgarrados que el drama que nos hacen vivir se convierte en algo casi torturador, tanto para ellos como para nosotros.

Hay multitud de panorámicas, zooms y travellings que nos mueven con sutileza y sin excesiva prisa por la casa en la que sucede prácticamente todo el filme. Unos movimientos de cámara que estando unidos a la excelente puesta en escena nos confunde tanto como a los protagonistas hasta el punto de no saber si estamos viendo una casa de muñecas o un escenario real. Tan drástico e inesperado es además su montaje que pasamos de la noche al día como quien pasa de negativo a positivo una imagen con Photoshop.

Posee una simbología propia de las obras maestras del terror de los años 70. Es un filme muy sugerente, tan amenazador como turbador y enigmático. Pese a ello ofrece pistas más que suficientes para ser entendido y todas las piezas encajan a la perfección, aunque hasta casi su final es difícil averiguar sus pretensiones. A todo ello contribuyen no solo los acontecimientos descritos por el guión, sino también las interpretaciones de unos personajes de lo más desconcertantes. Llaman más la atención los dos roles femeninos principales, los que interpretan Toni Collete y la debutante Milly Shapiro. Dejando al margen ‘El Sexto Sentido’ este me parece el mejor trabajo de la actriz australiana. Sus rostros de horror puro y las escenas tan escalofriantes que protagoniza son tan eficientes que casi sentimos lo que ella. En el caso de la actriz de tan solo 15 años nos causa aversión y no por su peculiar rostro, si no por lo retorcida que es. Si una joven actriz como ella aficionada al anime (como un servidor, no me malinterpretéis) y cuyo primer debut teatral fue el musical de Matilda ha conseguido intimidarnos o desconcertarnos así en su primer largometraje no nos queda otra que quitarnos el sombrero.

Los sonidos introducidos en la película, ya sea por artificio, por su banda sonora o por los propios actores son una parte muy significativa a la que no hay que restarle nada de importancia. Antes de impactarnos con algunas de sus escenas está el trabajo de música de Colin Stetson, quien ya estaba inmiscuido en otros perturbadores trabajos como ‘La llegada’.

A los amantes del género de terror les va a entusiasmar ‘Hereditary’. Entre el público general seguramente no se genere tanto el retorcido romance por esta película. Quizá es demasiado aclaratoria en su afán de no dejar ningún cabo suelto, tal vez habría dejado un poso total a Polanski , Friedkin o Brian de Palma si hubiese abandonado a la imaginación alguno de sus detalles. Incluso aquellas personas conocedoras de determinadas particularidades que se muestran sabrán qué es lo que se avecina, pues hay una «base real» para todo el filme. Pero aún así te mantiene prendido hasta el final con el ansia de pasarlo mal y de obtener respuestas.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de junio de 2018. Título original: Hereditary. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: Ari Aster. Guion: Ari Aster. Música: Colin Stetson. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Reparto principal: Toni Collete, Gabriel Byrne, Alex Wolff, Milly Shapiro, Ann Dowd. Producción: PalmStar Entertainment, Windy Hill Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial: http://www.hereditarylapelicula.com

Crítica: ‘En tránsito’

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Segunda Guerra Mundial. En Marsella, refugiados de toda Europa embarcan rumbo a América, huyendo de la ocupación nazi. Entre ellos, el joven alemán Georg, quien suplanta la identidad de un escritor muerto para utilizar su visado y viajar a México. En Marsella se enamora de Marie, una joven que busca desesperadamente al hombre a quien ama, sin el que no está dispuesta a irse.

Crítica

Refinado ejercicio de abstracción

Christian Petzold  cierra su trilogía ‘El amor en tiempos opresivos’ con una película curiosamente atemporal. Preceden a este film ‘Barbara’ y ‘Phoenix’, dos filmes ambientados en la Alemania de los 80 y de postguerra. Peculiarmente ‘En tránsito’ nos transporta unos años más atrás pero de un modo intemporal. Y curiosamente el protagonista de ‘En tránsito’ tiene cierto parecido con Joaquin Phoenix. Franz Rogowski (‘Victoria’) es quien encabeza esta película y quien conecta con otros intérpretes como Paula Beer (‘Frantz’) o Godehard Giese (‘Inmersión’).

En esta nueva propuesta un alemán huye del avance de las tropas nazis hacia el sur de Francia. Para poder salir del país necesita no solo billetes de embarque si no también el permiso de tránsito que garantiza a los países donde va a hacer escala que solo está de paso. Y para ello usurpa la vida de un fallecido escritor, lo cual le aporta más crédito ante los trámites burocráticos. Pero en ese recorrido se cruza con muchas personas, como la bella Marie o un afectivo niño llamado Driss (Lilien Batman) que le hacen replantearse sus planes. Todos ellos son personas intentando sobrellevar una situación, encontradas en el transcurso de un viaje, hallados por cruces fugaces, porque cuando se en tránsito no hay tiempo para nada duradero.

A pesar de que esta sea una historia con un contexto sacado de los años de la invasión de los nazis está ambientada en nuestra actualidad. Se habla del avance de las tropas alemanas, de los refugiados de guerra, de los campos de concentración… Pero todo transcurre en nuestros días. De este modo Christian Petzold nos demuestra que no hace falta invertir en una cara puesta en escena que nos sitúe visualmente en el pasado para abstraernos a esa época. A parte de ese ejercicio de traslación al pasado el director también nos dice con este experimento que estamos en una situación bastante similar. Aunque por motivos diferentes a los de entonces circulan por Europa cantidades ingentes de refugiados cuya acogida es motivo de debate en todos los países.

El título no hace solo referencia a la situación de huída y viaje del protagonista. También a la cantidad de personas que pasan por delante de él, que entran y salen de su vida. Están cuidadas todas las localizaciones del largometraje, todo transcurre por lugares de tránsito: el hotel, el puerto, el vagón, los consulados… Pero no solo eso si no que cada individuo se encuentra sentimentalmente en tránsito. Personas que necesitan contar su vida, vaciarse para sentirse acompañados en su itinerario.

‘En tránsito’ está narrada con una cada vez más presente voz en off. Esta cuenta en tercera persona no solo lo que hace y ocurre a su alrededor, si no también lo que siente el protagonista. Por como cuenta la historia es alguien que le sirvió de confidente a este fugitivo, como sirven de oyentes muchas veces los camareros de los bares, otro lugar de tránsito. Un narrador que podría ser el receptor de la novela de Anna Seghers, en la cual se basa el filme, haciendo así un poco de meta. Él es testigo y confesor de las vidas que ve pasar por su barra. Por eso esta es una película con varios personajes secundarios que darían para una película propia. El mismo director asegura que para cada uno de ellos escribe una biografía completa, para que los actores se puedan preparar el papel y se palpe el realismo y el trasfondo.

Son varios los momentos entrañables, heroicos y sensibles. Me quedo con la secuencia en la que reparan el niño y el inmigrante juntos una radio y este canta una canción de su infancia. Faltan quizá más instantes de este tipo en la película o un giro que la haga aún más interesante y mantenga la tensión inicial del filme, la sensación de peligro que debería también haberse sentido mayor conforme avanza la película y con ella los nazis hacia Marsella. Pero sin duda este ejercicio me parece una forma refinada de tratar la Segunda Guerra Mundial sin caer en estereotipos.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de junio de 2018. Título original: Transit. Duración: 101 min. País: Alemania. Dirección: Christian Petzold. Guion: Christian Petzold. Música: Stefan Will. Fotografía: Hans Fromm. Reparto principal: Frank Rogowski, Paula Beer, Godehard Giese, Lilien Batman, Maryam Zaree, Barbara Auer, Matthias Brandt, Sebastian Hülk, Emilie de Preissac, Alex Brendemühl, Trystan Pütter. Producción: Neon Productions, Schramm Film. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.neoncinema.com/production-film/transit/fr/

Crítica: ‘No dormirás’

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En un hospital psiquiátrico abandonado, un grupo de teatro radical experimenta con el insomnio para la preparación del montaje de una obra.  Con el paso de días sin dormir, alcanzan nuevos umbrales de percepción, que los enfrentan a energías e historias ocultas del lugar.

Cuando Bianca, una joven promesa del teatro, se incorpora al elenco compitiendo por el papel principal, debe sobrevivir no solo a la intensidad del trabajo y sus compañeros, sino a una fuerza desconocida que la empuja, como a los demás, a un trágico desenlace.

Crítica

Ni te quitará el sueño con su terror ni te hará dormir de aburrimiento.

Ambientada en los ochenta y casi con la intención de causar la sensación en el espectador de estar observando un relato basado en hechos reales se ha realizado ‘No dormirás’. La película del uruguayo Gustavo Hernández es pura ficción pero si que se palpa en ella cierta veracidad y búsqueda de lo auténtico en lo que a parte de la película se refiere. No obstante el filme busca tener un halo de misterio transmitido por su vertiente fantástica. Lo supuestamente paranormal y lo psicosomático se entremezclan en una cinta que encaja dentro del grupo del terror psicológico.

En este filme se exploran los límites de los artistas. Más que hacerlo de los intérpretes reales lo hace de sus personajes que son sometidos a un experimento de insomnio que pretende hacerles conectar con los papeles que van a interpretar y que están basados en personas que habitaron el lúgubre edificio en el que van a hacer su performance. Es decir, método Stanislavski  llevado al extremo. Según van llevando más horas despiertos comienzan los inquietantes sucesos extraños. Gustavo Hernández ha pretendido mantener un equilibrio entre lo mental y lo fantasmagórico para que dudemos hasta el final de la cinta pero su estratagema se descubre antes a poco que uno sea conocedor de la dinámica de este tipo de películas y llegamos al final del filme casi sin sorpresa. Y todo esto a pesar de los múltiples giros de guión que añade en cascada según nos precipitamos en el desenlace. Cambios en la historia que no son suficientes para aterrorizarnos, turbarnos o tan siquiera sobresaltarnos.

Los puntos buenos de este filme son su planteamiento inicial que prometía una trama más enloquecedora aún y su atmósfera. La idea de jugar con la vigilia para conseguir ciertos estados tiene su fundamento y hasta cierto punto atrapa. Con la fotografía de Guillermo Bill Nieto el experimento se antojaba prometedor. Esta si tiene una personalidad lo suficientemente fuerte como para hablar por sí misma y la película va manteniendo cierto nivel gracias a algunas de las estampas que en ella se ven. Las secuencias de la bañera o la vela son prueba de ello. Pero sus argumentos no pesan tanto como para complementarse con la imagen de un modo lo suficientemente interesante.

Esta es una película de regresos, estrenos y confirmaciones. Gustavo Hernández se reafirma casi sin quererlo como un director entregado al género y Belén Rueda regresa a un tipo de cine que siempre ha manejado con destreza. Para Eva de Dominici, Natalia de Molina y María Zabay es su primera película de terror, su primera película a secas si nos centramos en el caso de Zabay. Las tres están menos resueltas que Rueda pero no cabe duda que casi igual de entregadas que sus personajes a la interpretación.

Al igual que les sucede a sus semidormidos protagonistas  la película se queda en un limbo, ni aterroriza ni aburre. Se agradece la originalidad de su propuesta pero se podría haber explotado de un modo más tenso y aterrador sin la necesidad de rizar tanto el rizo en su conclusión.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de junio de 2018. Título original: No dormirás. Duración: 105 min. País: Uruguay, España, Argentina. Dirección: Gustavo Hernández. Guion: Jumma Fode. Música: Alfonso Aguilar. Fotografía: Guillermo Bill Nieto. Reparto principal: Belén Rueda, Eva de Dominici, Natalia de Molina, María Eugenia Tobal, Juan Manuel Guilera, María Zabay, Germán Palacios. Producción: Pampa Films, FilmSharks International, Gloriamundi Producciones, Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), Bowfinger International Pictures, Tandem Films, Mother Superior, ICAA, ICAU, Tieless Media. Distribución: Filmax. Género: terror. Web oficial: nodormiras.filmax.com

Crítica: ‘Jurassic World: el reino caído’

Sinopsis

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Hace tres años que el parque temático y lujoso complejo turístico Jurassic World fue destruido por dinosaurios fuera de control. Isla Nublar ha sido abandonada por los hombres y los dinosaurios sobreviven como pueden en la jungla.

Crítica

El pasado se entrelaza con el futuro como en una espiral de ADN.

Definitivamente la quinta entrega de ‘Jurassic Park’ ha llegado. ‘Jurassic World: el reino caído’ no supone solo la continuación de ‘Jurassic World’, una saga re-lanzada para los nuevos espectadores y amantes de la nostalgia, la película que Universal ha colocado en cines está preparada para todo un abanico de generaciones y cinéfilos que podrá ir a desvelar cada uno de sus secretos y detalles. Pero… ¿Por qué desgranamos y analizamos tanto estas películas? Para mí la explicación reside en que son parte de la historia de nuestra infancia, en que ya no tocan solo la arqueología más fantástica o la añoranza por de unos animales perdidos y nunca conocidos realmente. Esta saga llega también a lo más profundo de nuestra memoria al manejar entre sus manos un material latente entre nuestros mejores recuerdos cinéfilos y aventurarse con ello es todo un reto.

Por todo esto era importante que la nueva entrega de ‘Jurassic World’ conservase el espíritu de los orígenes concebidos por Steven Spielberg cuando adaptó la novela de Michael Crichton. Pero son ya cinco películas a si es que vientos nuevos y enfoques diferentes eran bienvenidos, por lo tanto hacía falta una mano diferente pero en la onda del director para continuar la historia. La elección de Bayona tras ver la película no me puede parecer más acertada. Ha sabido coger la aventura, el humor, el tono familiar de los inicios y mezclarlos con sus colores, su emotividad y su grandiosidad.

Tras una excelente apertura de película que rememora en gran medida el estilo de las películas de la Amblin tenemos unos compases más convencionales. Pero la segunda fase del filme, que arranca justo a mitad de duración de la película, está cargada de momentos de emoción, ternura, drama y comedia. Bayona se ha preocupado de introducir sin ningún disimulo muchos guiños a la primera parte combinándolos con los nuevos elementos de la serie de películas. Viendo estas nuevas correrías de los des-extintos animales uno se explica por qué el director español le da las gracias a Trueba y a Del Toro. De ellos reconocemos claras influencias, principalmente del segundo ya que vislumbramos secuencias y movimientos de cámara bastante reconocibles. Con todo esto Bayona ha alcanzado la iconografía necesaria para dejarnos más de una estampa clavada en la retina incluso cuando evoca a sus propias películas. Y eso que por cierto esta entrega es mucho menos cruenta y encarnizada que sus anteriores.

Toda la película es un trabajo de acoplamiento entre lo tradicional y lo nuevo. Un pulso por satisfacer la demanda de los fans más exigentes de los dinosaurios pero también de sorprenderles con ideas no exploradas. Fruto también de esa unión es la combinación de animatrónica e imágenes generadas por ordenador. Al margen de todo el CGI para recrear la isla y toda la erupción del volcán están por supuesto las reptilianas criaturas. Los saurios, tanto los de la vieja como los de la nueva hornada, tienen una calidad superior a la de sus predecesores, capaz de transmitir candidez y a la vez pavor. En este trabajo han participado empresas como la española El Ranchito, quienes ya han trabajado con Bayona en películas como ‘Un monstruo viene a verme’ o ‘Lo imposible’.

La música de Michael Giacchino está muy al nivel de lo que había hecho previamente para ‘Star Trek: Más allá’ o ‘Rogue One: Una historia de Star Wars’, donde tenía que crear nuevas partituras pero a la vez también que respetar un sonido muy emblemático. Continúa a partir de lo que compuso para la primera parte, pero con menos referencias hacia la banda sonora original de John Williams.

Pese al efectivo esfuerzo del director, equipo técnico y actoral nos topamos en varias ocasiones con el texto de Colin Trevorrow y Derek Connolly. Podríamos habernos olvidado de películas anteriores y este argumento habría valido como secuela incluso de ‘Jurassic Park’. Pero ese no es el fallo del libreto que peca de rozar a veces la serie B y de mover a sus personajes de manera errática. El guion cae en ocasiones en las soluciones oportunistas o descuidadas.

A todos nos agrada ver películas de dinosaurios pues al contrario que los alienígenas, los fantasmas, los kaijus… son criaturas que sabemos a ciencia cierta que pisaron el mismo suelo que nosotros y aunque sean seres aterradores nos gustaría recuperarles. Bayona potencia eso con un discurso aun más animalista que nunca y con su terror más fiero. Aunque para miedo el que dan las posibilidades que quedan abiertas para la tercera parte que ya están escribiendo Trevorrow y Connolly para 2021. Pero ante todo el director ha potenciado la importancia y grandiosidad de los verdaderos héroes de la saga, demostrando que es un cineasta capaz de abarcar una producción de gran magnitud y simbolismo. Puntos para dirigir su Superman tiene más que de sobra.

Por último. No se os olvide aguardar hasta el final de los créditos para ver la breve escena que han filmado. Así de paso podéis leer la gran cantidad de talento español que hay en esta película.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de junio de 2018. Título original: Jurassic World: fallen kingdom. Duración: 128 min. País: EE.UU. Dirección: J.A. Bayona. Guion: Colin Trevorrow, Derek Connolly. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Óscar Faura. Reparto principal: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Ted Levine, Jeff Goldblum, Toby Jones, Rafe Spall, BD Wong, James Cromwell, Daniella Pineda, Justice Smith, Geraldine Chaplin. Producción: Universal Pictures, Amblin Entertainment, The Kennedy/Marshall Company, Perfect World Pictures, Legendary Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: secuela, aventuras, ciencia ficción. Web oficial: http://www.jurassicworld.es

Crítica: ‘Salyut-7, héroes en el espacio’

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En 1985, la estación soviética no tripulada Salyut-7, en órbita alrededor de la Tierra, es un orgullo para la industria espacial de la URSS. De repente, se pierde la comunicación con el centro de control. La posible caída de la estación puede acabar en una catástrofe en la que pierdan la vida muchas personas. Dos astronautas son enviados para acceder a la estación y descubrir qué ha ocurrido, en una arriesgada misión sin precedentes en la historia de la navegación espacial.

Crítica

‘Salyut 7, héroes en el espacio’, impactante, divertida y real.

Ya tuvimos la oportunidad de poder ver esta cinta en Sitges y también en la 15 Muestra Syfy de Madrid. Dirigida por Klim Shipenko, ‘Salyut 7, héroes en el espacio ‘ es una mezcla entre ‘Apolo XIII’ y ‘Gravity’ muy bien realizada y que extrae lo mejor de ambas películas para crear un gran blockbuster. Eso sí, tiene un humor ácido que hace que toda la tensión baje y disfrutes de las situaciones tan complicadas que vivieron estos dos hombres.

En 1985, la posible caída esta estación soviética no tripulada, puede acabar en catástrofe y hacer que muchas personas pierdan la vida. Por ello, estos dos astronautas son enviados para acceder a la estación y descubrir que ha podido ocurrir e intentar arreglarla.

Admito que no soy mucho de este estilo de citas, se me suelen hacer muy pesadas, pero Shipenko, ha realizado un gran trabajo de dirección y el montaje de la cinta es muy bueno y ameno. La historia se va moviendo entre flashback y realidad, entre el espacio y la Tierra, para mostrarnos las todas las situaciones que se vivieron y a la vez hacer la historia más dinámica, y no solo enseñarnos a los dos astronautas encerrados en una nave.

Sus 119 minutos de duración pasan rápido y se disfrutan mucho gracias al guionista que ha sabido introducir humor en situaciones realmente dramáticas. Además esto también se debe  a la buena química que tienen los actores principales, Vladimir Vdovichenkov y Pavel Derevyanko, que logran enseñarnos todo el estrés de sus personajes y a la vez divertirnos.

Sin duda el mayor acierto de la película es el trabajo de CGI, las imágenes que vemos en la película son espectaculares. Los 7 millones de dólares de presupuesto, están sin duda bien utilizados y nos regalan unas panorámicas del espacio que dejarán a más de uno con la boca abierta. Nos hace darnos cuenta de lo pequeños que somos y de la agonía que sintieron estos dos hombres al estar allí atrapados, viendo tan de cerca la Tierra y sabiendo que no podían volver a ella.

No creo que toda la película sea completamente fiel, de hecho, tanto al comienzo como al final se nos introduce un pequeño detalle fantástico. Pero lo que sí nos muestra son los peligros a los que los astronautas se enfrentan en sus viajes, en cómo romperse un guante puede ser totalmente mortal para alguien en el espacio, él como un simple insecto puede causar horrores y que realmente todo tiene que estar bajo control, el más mínimo error puede ser fatal.

No dudéis en acercaros a las salas de cine para ver esta aventura espacial, seguramente no os muestre nada nuevo, pero su humor, sus imágenes y realmente su historia os engancharán y no os arrepentiréis de verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de junio 2018. Título original: Salyut-7. Duración: 119 min. País: Rusia. Dirección: Klim Shipenko. Guión: Natalya Merkulova, Klim Shipenko. Música: Alexander Mikhlin. Fotografía: Sergei Astakhov e Ivan Burlakov. Reparto principal: Vladimir Vdovichenkov, Pavel Derevyanko, Lyubov Novikova, Oksana Fandera, Vasiliy Ignatich, Sergey Korenvok.  Producción: Kinokompaniya CTB, Lemon Films Studio.  Distribución: A Contracorriente Films. Género: Acción. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/853/salyut-7-heroes-en-el-espacio/

Crítica: ‘Normandía al desnudo’

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Los ganaderos de Mêle-sur-Sarthe, un pequeño pueblo de Normandía, se han visto afectados por la crisis agrícola. Su alcalde, Georges Balbuzard (François Cluzet), busca la manera de que su pueblo se haga oír para salvarle. Por casualidad, Blake Newman, un famoso fotógrafo especializado en desnudos en masa, pasa por la zona y Balbuzard ve la oportunidad de llamar la atención. Por delante le queda la difícil tarea de convencer a todo el pueblo para que se desnude… por una buena causa.

Crítica

Un desnudo protesta con menos eficacia de lo esperado.

En ‘Normandía al desnudo’, François Cluzet (‘Intocable’) se echa de nuevo al campo y se desvive también por sus habitantes, aunque a través de unas herramientas diferentes a las empleadas en ‘Un doctor en la campiña’. Esta película busca también mezclar drama y comedia, con una pizca más de hilaridad que ese título anterior de 2016 aunque sin explotarla en la medida deseada. De hecho ‘Normandía al desnudo’ se queda bastante corta en lo que a comedia se refiere.

La crisis de los agricultores franceses es el marco de esta historia en la que Cluzet es el paternalista, desvivido y omnipresente alcalde de todos ellos. En medio de todo el revuelo y esa gran desesperación económica llega el talentoso Toby Jones convertido en un Spencer Tunick, el fotógrafo que retrata masas de personas desnudas por todo el mundo. Enamorado del paisaje les propone hacer una de sus famosas fotografías con todo el poblado despojado de sus ropas en ella, con fines artísticos para él y como un reclamo mediático para los agricultores que demandan atención por parte de su país. Pero claro, la mentalidad ambigua de los residentes choca con la idea del artista.

En esta ocurrencia del director Philippe Le Guay vemos un aspecto bastante divertido. Pero cabía esperar que el cineasta explotase mucho más la confrontación entre el mundo rural y el moderno. La película podría haber acabado siendo una especie de «Full Monty galo» y en lugar de ser tan graciosa o disparatada como la cinta de 1997 se inclina más hacia lo anecdótico y melodramático. El filme se dedica más a narrar las controversias personales o a demandar las tragedias nacionales. Al fin y al cabo trata de desnudar los secretos o sentimientos de cada uno. «Los que siempre os han alimentado ahora se mueren de hambre» resume uno de los agricultores de la película en un arrebato de exasperación. Los prejuicios, la vergüenza, la mentalidad retrógrada, los viejos rencores, los celos… Son muchos caballos de batalla que junto a la política o los distintos estilos de vida expuestos desplazan la comedia a un segundo plano.

La película está narrada a trozos por una niña que cuenta la historia de su familia, la cual se ha mudado recientemente a esa campiña en crisis. Dicha historia permanece bastante descolgada del largometraje a pesar de parecer ser el hilo central y finalmente está metida únicamente con el fin de incluir un argumento protesta más, el del vegetarianismo. Sin la inclusión de este arco narrativo ‘Normandía al desnudo’ habría transcurrido igual y tampoco aporta nada importante a la trama ni al conjunto de los gags.

Sí que me agrada más la metáfora artística de la película. Aquellos que están quedándose sin nada ahora se lanzan a por todas despojándose de lo que les queda ante todo el mundo. Aunque hay cierto valor en que algunos actores se lancen a mostrarse como vinieron al mundo también habría cabido esperar que ese coraje fuese ligado a un tono más sarcástico ya que se ha hecho tanto hincapié en los dramas planteados. Lo dicho, para ser un a película sobre agricultores a ‘Normandía al desnudo’ le ha faltado arar un poco más sus tierras para que la semilla de su comedia enraíce más hondo y su protesta crezca más alto.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de junio de 2018. Título original: Normandie nue. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Philippe Le Guay. Guion: Philippe Le Guay. Música: Bruno Coulais. Fotografía: Jean-Claude Larrieu. Reparto principal: François Cluzet, Toby Jones, François-Xavier Demaison, Arthur Dupont, Grégory Gadebois, Philippe Rebbot, Patrick D’Assumçao, Julie-Anne Roth, Vincent Regan, Daphné Dumons. Producción: Les Films des Tournelles. Distribución: Vértice 360. Género: comedia, drama.

Hemos visto ‘J.A. Bayona entre dinosaurios’

El 3 de junio podréis disfrutar de esta entrevista en Movistar+

Sin duda es una delicia que un director como Juan Antonio Bayona dirija la nueva película de la saga de ‘Jurassic Park’. Sin duda el aire nuevo y terrorífico se va a notar en cada fotograma de la cinta, como ya hemos podido observar en los distintos tráilers, y está claro que Steven Spielberg no se ha equivocado al escogerle para llevar las riendas de esta segunda cinta de la nueva trilogía.

‘Jurassic World: el reino caído’  llega el 7 de junio a las salas españolas, y sin duda es una de las películas más esperadas del año. Para conmemorar este estreno, Movistar+ nos trae un programa exclusivo llamado ‘J.A. Bayona entre dinosaurios’, en el que el director concede una entrevista a Movistar+ y nos habla sobre su trayectoria cinematográfica, sus referencias del cine y porque Steven Spielberg le eligió.

Nos queda claro que todas las películas de Bayona son grandes, espectaculares y tienen un fondo lacrimógeno, incluso ‘El Orfanato‘ con la que nos sorprendió a todos y logró un gran reconocimiento, con una historia muy sencilla, pero muy bien trabajada.

Después vino ‘Lo Imposible’ y por supuesto la gran ‘Un monstruo viene a verme’, con estas dos cintas el director demostró que no sólo sabe contar historias, sino que también logra hacer un cine espectacular, lleno de efectos especiales que logran la admiración de todos los espectadores.

En la entrevista con la periodista María Guerra, recoge también momentos muy importantes para el director, como su momento en la alfombra roja de los Oscar; con Guillermo del Toro, al cual nombre innumerables veces, pues es su mentor y es el que apostó por él desde el principio; o el momento de recibir los tres premios Goya como director por ‘El orfanato’, ‘Lo imposible’ y ‘Un monstruo viene a verme’.

No os la podéis perder, vemos a un Bayona, nervioso al principio, serio y muy comedido, hasta que se va relajando y poco a poco nos va contando grandes anécdotas, como la primera vez que pudo hablar con Guillermo del Toro en el Festival de Sitges o sus propios miedos de niño que han sido bastante importantes para poder sacar más de una de las escenas de sus películas.

Está claro que vamos a disfrutar de una gran cinta donde las aventuras, las emociones y por supuesto los grandes reptiles no van a faltar. Además de que vuelve la animatrónica, algo que los fans pedían a gritos después de todo el CGI que se pudo ver en ‘Jurassic World’

Ya sabéis el próximo 3 de junio en a las 19:15 en Movistar Estrenos (dial 30) y en el servicio bajo demanda, no dejéis de verla.

Crítica: ‘El malvado zorro feroz’

Sinopsis

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Un zorro que es incapaz de asustar a nadie y de cazar nada, no tiene otra ocurrencia que robar -de una granja muy peculiar- unos huevos de gallina para, tras incubarlos y criar a los pollitos…, comérselos. Pero al nacer, los pollitos creen que el zorro es su madre y este se encariña de ellos lo que complicará las cosas a este zorro que, ni es malvado ni feroz. En esa divertida granja también encontraremos a un conejo que actúa como una cigüeña bajo la dirección de un pato loco».

Crítica

Es muy fácil dejarse llevar por la sencillez de estos cordiales animales.

En casos como estos no se puede decir que estemos ante una película basada en un cómic, lo que debemos decir es que un artista total, es decir, dibujante, colorista y guionista ha traspasado, no adaptado ni basado, su obra a la gran pantalla. Benjamin Renner dirige junto a Patrick Imbert (‘Corto Maltés: la película’) y guioniza junto a Joan Regnaud (‘Ernest et Célestine, La Collection’) esta película de animación que ha venido a titularse ‘El malvado zorro feroz’. Pero ese en realidad es el título de uno de los tres relatos que nos presenta el simpaticón zorro protagonista de la película a modo de maestro de ceremonias.

El título original es más concreto con el contenido de la película. ‘El malvado zorro feroz y otros cuentos’ viene a decir si lo traducimos. En realidad tenemos tres historias por el precio de una. Se titulan: ‘La entrega del bebé’, ‘El malvado zorro feroz’ y ‘Hay que salvar la Navidad’. El conjunto de todas ellas trata sobre la paternidad o la tutela, amén de otros temas como el respeto a las creencias de otros, la confianza, la protección o el tesón. La temática de la película la vemos identificada en una madre que cuida a sus progenitores, en un padre adoptivo que se encariña de unas criaturas que no son ni de su especie, en un amigo que tiene unos colegas que le avergüenzan constantemente e incluso en la figura de Papá Noel.

Lo más importante es que el filme llega de manera espontánea a todas las edades. Tiene algunos momentos desopilantes, es cordial, muy natural y sabe a fábula. Por supuesto que lo que más ayuda es que entra muy bien por los ojos. Está realizada con un estilo tan claro, sencillo y limpio como las intenciones que pretende transmitir. La expresividad de sus personajes es también una de las claves. Los rostros de los animales tienen las facciones de un mimo. Son criaturas no excesivamente antropomórficas, pero si obviamente caminan erguidas y tienen útiles del ser humano. Su bonachón aspecto nos ayuda a desdramatizar temas que de otro modo nos habrían resultado más trágicos. Una pareja que da vergüenza ajena, un cerdo diligente pero casi igual de torpe, un zorro nada despiadado… Los personajes son tan tontorrones, tiernos y suelen estar tan desvalidos que dan ganas de achucharles. Si estuviésemos hablando de una superproducción ya estaríamos viendo toda una línea de monísimos peluches en todas las tiendas de juguetes. Pero la virtud de esta película es que se queda al margen de frivolidades y está dentro de lo parabólico y entrañable.

En muchas ocasiones ‘El malvado zorro feroz’ pierde los bordes de igual modo que lo pierden las viñetas de Renner, para así conseguir diferentes efectos (velocidad, aislamiento, oscuridad…). Nos encontramos así ante una viñeta sin barreras, frente un celuloide sin obstáculos. Realmente si uno curiosea las páginas del cómic se da cuenta de que solo faltaba rellenar las animaciones intermedias entre una viñeta y otra. Animar la película para el autor debe haber sido muy fácil pues la pre-producción la tenía ya hecha con su cómic a modo de storyboard. Además que Renner sabe el terreno que pisa pues ya ha dirigido animación anteriormente. Sin duda la ayuda del director Patrick Imbert y del guionista Joan Regnaud ha servido para rellenar esos huecos y trasladar correctamente ‘El malvado zorro feroz’ del noveno al séptimo arte.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: Le Grand Méchant Renard et autres contes. Duración: 79 min. País: Francia. Dirección: Patrick Imbert, Benjamin Renner. Guion: Benjamin Renner, Joan Regnaud. Música: Robert Marcel Lepage. Producción: Folivari. Distribución: Sherlock Films. Género: animación, comedia, cómic, adaptación. Web oficial: http://folivari.com/en/projet/the-big-bad-fox-and-other-tales/

Crítica: ‘El intercambio’

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Como regalo por su quince aniversario Jaime y Eva se dirigen a una noche de intercambio de parejas para “oxigenar su relación matrimonial”. Lo que se postulaba como una noche de juego, desinhibición y revitalización para este matrimonio, se convierte en un enredo entre cuatro paredes cuando Jaime descubre que los compañeros de juego no son quienes decían ser…

Crítica

Picarona y surrealista comedia.

Las tecnologías de hoy en día facilitan el acceso a oportunidades antaño tan inaccesibles o tabúes como el intercambio de parejas. Pero también hacen que esa promiscuidad esté abierta a sorpresas engañosas. El anonimato de la red es un arma de doble filo, en este caso nunca mejor dicho ya que la sorpresa que tienen Jaime y Eva, Pepón Nieto y Natalia Roig respectivamente les llega a los dos a la vez. Esa pareja busca romper su rutina, dar un golpe en la mesa en su relación durante su quince aniversario con algo tan rompedor como un intercambio de parejas. Una demostración de amor y confianza a través de una cita con unos desconocidos por internet que cuando pasan a ser conocidos en el plano físico resultan ser muy distintos a como esperaban, lo cual trastoca sus planes.

Esta es la premisa de la película de Ignacio Nacho. ‘El intercambio’ es una comedia que se va enredando más y más. Parece que según se acerca el final va a terminar como esas películas clásicas de Álex de la Iglesia, desembocando en locura. Pero en lugar de ello se va oxigenando y encauzando para que todo desemboque en un correcto mutis por el foro. Salta de un tema a otro de un modo bastante ágil. La falsedad, los prejuicios, el pudor, los celos, la envidia, la generosidad, la hipocresía, la pasión… Son asuntos que a veces se plantan concisos y otras veces pasan fugazmente, pero que a través del humor se analizan.

Por supuesto y como cabía esperar, al ser una película sobre un intercambio de parejas el sexo está siempre presente pero la película no es soez. No va a incomodar excesivamente a nadie, no es un largometraje que vuelva a los años del destape. En ese sentido Ignacio Nacho también acierta con su guión. Tiene buen gusto y sabe elegir a las conversaciones y las escenas.

En realidad juega con 4 localizaciones. El coche en el que transcurre el prólogo. El salón donde se desarrolla el grueso de la película y las dos habitaciones de la casa, una que vemos y la otra que permanece oculta y que es la que nos aporta un ligero toque de thriller cómico. Todo esto para desarrollar un filme teatral. Es indudable que la puesta en escena y el libreto beben mucho de las artes escénicas y de la obra de teatro de la que surge esta película. El hecho de que casi nunca veamos una de las cuatro paredes de la casa nos da la impresión de encontrarnos ante un escenario. Y seguramente ‘El intercambio’ se disfrutaría mucho si se ve interpretada en directo con la continuidad que eso supondría. Pero los cuatro protagonistas de la cinta de Ignacio Nacho, creador también de esta historia, se han creído tanto sus personajes que en ningún momento sentimos interrupciones en el tiempo fílmico.

Quizá si los personajes de Hugo Silva y Rossy de Palma no hubiesen sido tan extremadamente surrealistas, más aún que la situación planteada, la película habría resultado más creíblemente cómica. Pero con la escena final si se consigue introducir un adagio extrapolable a la realidad. En contrapunto, los personajes de Pepón Nieto y Natalia Roig son más terrenales y creíbles. Lleva el peso de casi toda la película el de Pepón Nieto pero sin Roig no sería nada ya que ambos se complementan. Los dos pasan por muchas etapas, sin embargo, es el de Nieto el que permanece más tiempo en pantalla y el que aborda la mayoría de las materias que quiere exponer el director.

‘El intercambio’ es un episodio divertido, anecdótico, como acierta a decir al principio Pepón Nieto. Trascendental para la pareja que forman Nieto y Roig. Puede plantear picaronas y comprometidas preguntas a las personas que acudan en pareja a verla al cine. Pero sobre todo la intención del filme es clara, hacer reír al espectador aportando algo más que simples escenas de situación.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: El intercambio. Duración: 84 min. País: España. Dirección: Ignacio Nacho. Guion: Ignacio Nacho. Música: Antonio Meliveo, Pablo Cervantes. Fotografía: Antonio Sanz Luque. Reparto principal: Pepón Nieto, Hugo Silva, Rossy de Palma, Natalia Roig, Paco Tous, Mara Guil, Salva Reina. Producción: Marila Films. Distribución: Marila Films. Género: comedia.

Crítica: ‘Algo celosa’

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Nathalie es una agradable profesora divorciada que, en plena crisis de la mediana edad, comienza a sentir unos exagerados celos de las personas de su entorno. El drástico cambio de personalidad de Nathalie pronto tendrá inesperadas consecuencias para sus vecinos, colegas y amigos.

Crítica

A pesar de su inicio y buena construcción del personaje le falta constancia con su comedia.

Nathalie, el personaje interpretado por Karin Viard, es una respetada profesora y amante madre que de repente comienza a ser una persona celosa de la nueva novia de su ex-marido, de la juventud y el triunfo artístico de su hija, de su nueva compañera de profesión, de la feliz vida de sus amigos… Empieza a dinamitar con comentarios inoportunos la vida de todos, ridiculiza a los que la rodean y se convierte en alguien insoportable y negativa. Con un personaje así entre manos David Foenkinos y Stéphane Foenkinos ,directores de ‘La delicadeza’, tienen una bomba cómica entre manos, pero que no saben detonar.

Sí que es cierto que en los primeros compases hay muchas escenas tan chocantes que nos hacen reír. La actriz interpreta muy bien a su personaje, se nota que no le ha juzgado moralmente y se lo ha creído en su totalidad, de tal modo que le llegas a coger manía. El pasmo que sufren todos sus conocidos con cada desplante es muy gracioso. Ella no se corta a la hora de demostrar que tiene envidia de otros, aunque no sea consciente realmente de ello y eso es hasta cierto punto chistoso. Pero hay dos cosas que hacen que la película no tenga siempre el gancho inicial y que pierda fuerza.

En primer lugar, aunque la comicidad sobria de Karin Viard tenga su punto no se ve respaldada por nadie más. Ningún secundario le sigue el juego y eso es mucho peso a soportar. Sobre todo si tenemos en cuenta el otro aspecto a tener en cuenta. La película se carga mucho de drama a partir del segundo acto, no de uno especialmente trágico pero si del suficiente como para olvidarnos de toda la comedia cosechada y recogida anteriormente. En el tercer y final acto de la película, cuando el personaje supuestamente debe librarse de ese drama y redimirse no retornamos a ese punto tan cómico y ‘Algo celosa’ nos deja un sabor demasiado amargo, nos hemos aburrido demasiado de un personaje con el que no empatizamos.

Pese a que ‘Algo celosa’ va bastante rápido de un estadio a otro se echa en falta que regrese a sus inicios, se hace monótona. Esgrime además algún que otro argumento que no es muy considerado para con la mujer o sabe a rancio, lo cual me extraña teniendo tantas actrices femeninas en el reparto. Lo bueno de esta película, a parte de su inicio, es el hallazgo de Dara Tombroff. Lo suyo es realmente vivir paralelamente su vida real con su personaje pues es bailarina y a partir de ahora puede que se dedique a interpretar. En ‘Algo celosa’ tiene un buen punto de partida.

Los hermanos Foenkinos han concebido una película que parece más apta para la sobremesa que para una sala de cine pues ni la fotografía de Guillaume Deffontaines nos la hace más notable en pantalla grande. Regresan de nuevo a un filme en el que lo importante es retratar a la mujer tras su trabajo en ‘La delicadeza’, con un personaje al que le falta precisamente eso, delicadeza.  Y el retrato está muy bien construido y ejecutado, pero su marco e historia no son lo suficientemente notables.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: Jalouse. Duración: 102. País: Francia. Dirección: David Foenkinos, Stéphane Foenkinos. Guion: David Foenkinos, Stéphane Foenkinos. Música: Paul-Marie Barbier, Julien Grunberg. Fotografía: Guillaume Deffontaines. Reparto principal: Karin Viard, Dara Tombroff, Anne Dorval, Thibault De Montalembert, Bruno Todeschini, Marie-Julie Baup, Corentin Fila, Anaïs Demoustier. Producción: Mandarin Cinéman. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/852/algo-celosa/

Crítica: ‘El hombre que mató a Don Quijote’

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Toby, un director de anuncios muy cínico, se ve envuelto en los estrafalarios delirios de un viejo zapatero español que se cree el mismo Don Quijote. A lo largo de sus aventuras cómicas, y cada vez más surrealistas, Toby se ve abocado a enfrentarse con las trágicas repercusiones de la película que rodó cuando era un joven idealista – una película que cambió los sueños y esperanzas de un pequeño pueblo español para siempre. ¿Podrá Toby reparar los daños y recuperar su propia humanidad? ¿Podrá Don Quijote sobrevivir a su propia locura y muerte inminente? ¿El amor lo conquistará todo?

Crítica

Me encantan las chifladuras de Gilliam con un Pryce de locura perturbando a Driver.

Han sido diecisiete años de preproducción y rodajes. Nada más empezar la película el propio Gilliam da carpetazo a ese tema con buen sentido del humor. Todos estos años han pasado para que consiga narrar su versión de la obra cumbre de nuestra literatura, la cual habla mucho sobre la locura. Por supuesto demencia hay a raudales en el filme de Gilliam un director que nos tiene acostumbrados a excentricidades y argumentos muy poco cuerdos y al que le venía que ni pintada la obra de Cervantes.

En una historia con mucho metacine, en la que tenemos una película dentro de otra película, acompañamos a un Adam Driver convertido en director de cine desapegado de sus orígenes y con bastantes paralelismos con la trayectoria que ha llevado ‘El hombre que mató a Don Quijote’. En su periplo por España se topa con un anciano zapatero al que conoció en su época de estudiante y al cual le hizo interpretar al Quijote, pero este ha permanecido en ese rol desde entonces. Zapatero a tus zapatos parece querer decir el filme de Guilliam a algunos de sus personajes ya que al igual que el hidalgo de Cervantes acaban locos por embarcarse en una aventura que no es la suya.

Ese Quijote tras años de rodajes fallidos y actores que se nos han ido es Jonathan Pryce. No solo su semblante y figura son quijotescos si no que su aptitud es asombrosa. De principio a fin ves al personaje que lees en la novela o que tanto hemos imaginado en nuestra cabeza desde que nos enseñaron de pequeños quien era este caballero. Pero si Pryce es la locura andante Driver nos hace vivir una aventura hacia la locura. Todo ese proceso que sufre el personaje del escritor español tras años de lectura de novelas de caballería lo ejemplifica el actor con su paulatina interpretación.

Entre rupturas con la cuarta pared y fragmentos que tienen esa plasticidad insana de los Monty Python hay tomas que recuerdan al clásico de animación del 79 que todos mamamos en nuestra infancia con las voces de Fernando Fernán Gómez y Antonio Ferrandis. Porque otra cosa no pero la película sabe mucho a España, casi tanto como el Coloso de Goya, presente también en ‘El hombre que mató a Don Quijote’. Esta es sin duda la película más afín con nuestro país de este director, como era de esperar. En el reparto a parte de actores como Stellan Skarsgard, Joana Ribero u Olga Kurylenko aparecen Oscar Jaenada, Jordi Molla, Hovik Keuchkerian, Sergi Lopez, Rossy de Palma, Rodrigo Poisón, Bruno Sevilla… Todos al servicio de las extravagancias del director que al igual que en ‘El imaginario del Doctor Parnassus’ no son pocas y al igual que en esa película nos transportan a veces a momentos de lo más descabellados.

Pero aunque ‘El hombre que mató a Don Quijote’ se desboque en varias ocasiones están presentes los ideales de caballería, amor y justicia de la novela. Gilliam coge parte de las temáticas de Cervantes y las aplica en una película que trata acerca del reencuentro con la humanidad y los sueños perdidos. Y porque no, también una obra como esta puede servir como afrenta al pesimismo y como lucha ante las gigantescas contrariedades pues ha salido para delante ante todo lo que le ha sucedido de igual modo que un caballero andante se abre paso ante cualquier adversidad.

Por mucho que me haya agradado y la música de Roque Baños nos la magnifique no es una obra maestra y después de haberla hecho tras varias intentonas me sorprendería un resultado como ese. El montaje es algo descuidado y al menos un tercio de la película pierde conexión con sus propios argumentos. No es tan hilarante como otras películas del director de Minneapolis, tiene un tono diferente a otras de sus comedias, pero aún así se las ha arreglado para introducir guiños a estas como las mujeres barbudas o el guardia tartamudo de ‘La vida de Brian’.

Jamás sabremos cómo habría sido la película de haber sido terminada hace casi veinte años o de haber contado con John Hurt o Jean Rochefort, a los cuales está dedicado este filme. Pero desde luego está claro que Gilliam ha tenido tiempo para analizar la obra de Cervantes y por lo menos saber colocar algunas de sus intenciones en este largometraje final que si tiene visos de convertirse en algo más que en una obra supuestamente maldita.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: The man who killed Don Quixote. Duración: 133 min. País: Reino Unido. Dirección: Terry Gilliam. Guion: Terry Gilliam, Tony Grisoni. Música: Roque Baños. Fotografía: Nicola Pecorini. Reparto principal: Adam Driver, Jonathan Pryce, Stellan Skarsgard, Joana Ribero, Olga Kurylenko, Oscar Jaenada, Jordi Molla, Hovik Keuchkerian, Sergi Lopez, Jason Watkins, Mario Tardón, Lidia Franco, Paloma Bloyd, Rossy de Palma, Rodrigo Poisón, Bruno Sevilla, Jimmy Castro, Juan López-Tagle, William Miller, Jose Luis Ferrer, Bruno Schiappa. Producción: Tornasol Films, Entre Chien et Loup, Ukbar Filmes, Proximus, Recorded Picture Company (RPC). Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventura, fantasía, adaptación. Web oficial: http://www.warnerbros.es/el-hombre-que-mato-don-quijote

Crítica: ‘Los extraños. Cacería nocturna’

Sinopsis

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Cindy (Christina Hendricks) y Mike (Martin Henderson) se embarcan en un viaje por carretera y planean pasar una temporada en un campamento de caravanas antes de dejar a su problemática hija Kinsey (Bailee Madison) en un internado. Pero el viaje se ve interrumpido por la llegada de tres psicópatas enmascarados que atacan y matan sin piedad.

Crítica

Johannes Roberts sigue demostrando haber aprendido de los maestros.

El director Johannes Roberts coge el testigo de Bryan Bertino que en esta ocasión solo escribe la película que supone la secuela del filme que estrenó allá por 2008. Roberts me era familiar por haber estrenado en nuestro país el año pasado ‘A 47 metros’. Un filme que pese a su previsibilidad presentaba buenas maneras de hacer cine y una historia bastante plausible y creíble. Con ‘Los extraños. Cacería nocturna’ mantiene esa línea de acierto a la hora de crear momentos de terror o inquietud y además ubicando todo en un marco terrenal, tanto que en esta ocasión la historia se inspira en hechos reales.

Más que el hecho de que esté escrita a partir de algo que ha pasado realmente lo que nos aporta más terror o es más eficiente son las escenas que han rodado siguiendo los arquetipos del género. Ese tipo de planos o tomas en las que crees que va a pasar algo y se alarga el zoom o el corte a la siguiente secuencia, esos instantes de desconcierto en los que los protagonistas van descubriendo cosas raras.

Al margen de lo que sucede tras las cámaras. Esta es una película hecha con solo siete actores: los cuatro familiares y los tres asesinos. Uno de los desatinos de la película proviene del casting más joven precisamente. Bailee Madison pasa de sobreactuar a olvidarse de las taras de su personaje. Además, como pasó hace poco en ‘Amityville: el despertar’ volvemos a tener personaje principal con tintes de deprimida y destroyer, que poco típico… También tiene algo que mejorar Lewis Pullman, hijo de Bill Pullman, pero al menos a él le debemos la mejor escena de la película, la cual es una toma muy bien elaborada en muchos sentidos. Una secuencia en una piscina con un diseño singular, una coreografía muy bien estudiada y la música de Bonnie Tyler que culmina toda la serie de instantes perturbadores del filme. De nuevo gracias a la técnica.

Un fallo en el que cae también es aquel en el que pecan muchas películas y el que hace que nos planeemos todos si nos hemos equivocado de oficio. Porque seguramente ser adiestrador de víctimas en Estados Unidos debe ser muy rentable ya que los asesinados en las películas siempre toman las decisiones más inapropiadas y obvias posibles.

Hay un algo del ‘Christine’ de Carpenter, del ‘Scream’ de Craven o de ‘La Purga’ de DeMonaco. De hecho el parque de caravanas se llama Gatlin Lake y Galin es la ciudad de ‘Los niños del maíz’ de Stephen King, autor de ‘Christine’. Las buenas referencias están muy presentes para Johannes Roberts. Coge un poco de esto y un poco de aquello, no solo para sus planos, si no también para el funcionamiento de sus implacables y trastocados villanos.

La atmósfera está muy trabajada. El camping de casetas o caravanas rodeado de una luz tenue y una oportuna niebla aportan una ubicación bastante acertada. Se ha perdido lo único bueno que tenía la primera parte, que era el sentimiento de inseguridad que había al introducirse en una casa el conjunto de los antagonistas, pero en el resto de los aspectos la película mejora a su predecesora. El  filme inquieta, a pesar de que se eche en falta un móvil más poderoso para los criminales que le dote de más alma.

Sin olvidar mencionar que como en casi todas las películas de este tipo el final está innecesariamente alargado para poder introducir una ridícula metáfora. Mucho mejor que en el guión o que en el trato con actores está Johannes Roberts en el plano técnico ya que algunos de sus intérpretes o bien no daban más de sí o bien no ha sabido extraer el suficiente jugo de ellos. Me quedo con el recurrente ardid de la música ochentera de «El hombre de la máscara» y los trucos de los maestros de la nostalgia rescatados aquí que son los que realmente siguen funcionando y salvando películas como esta.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: The Strangers: Prey at night. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Johannes Roberts. Guion: Bryan Bertino, Ben Ketai. Música: Adrian Johnston. Fotografía: Ryan Samul. Reparto principal: Christina Hendricks, Martin Henderson, Bailee Madison, Lewis Pullman, Emma Bellomy, Lea Ensil, Damian Maffei. Producción: Intrepid Pictures,  Mandate Pictures, Relativity Studios, thefyzz. Distribución: Diamond Films. Género: terror, hechos reales. Web oficial: https://thestrangers2018.com/

Crítica: ‘El Doctor de la felicidad’

Sinopsis

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Knock, un estafador arrepentido y reconvertido a médico, llega al pequeño pueblo de Saint-Maurice para aplicar un «método» destinado a hacerle rico: va a convencer a la gente de que un paciente sano es un enfermo que ignora serlo. Y para ello debe encontrar a cada uno la enfermedad real (o imaginaria) que sufre. Como maestro en el arte de la seducción y de la manipulación, Knock está a punto de alcanzar sus fines. Todo esto cambiará cuando en su camino se cruce una joven que le hará plantearse sus decisiones y una persona de su turbulento pasado que llegará para desenmascararle.

Crítica

Omar Sy vuelve a darnos lecciones de moral con este ‘El Doctor de la felicidad’

Lorraine Lévy nos trae la historia de Knock, un canalla estafador convertido en médico que piensa llevar un nuevo método de negocio a una pequeña villa francesa en los años 50.

Basada en el libro ‘Knock’ de Jules Romains, la historia está bastante cambiada, pues el libro es una dura crítica hacia la tiranía nazi. Aquí puedes ver como el doctor logra convencer a todo el mundo para poder sacarles el dinero gracias a su forma de ser, pero no llega a ser un villano, todo lo contrario.

La directora ha conseguido hacer una película positiva y llena de moralejas, de una historia oscura y muy real, con un Doctor bien distinto al de la novela. Divertida y sencilla y con ninguna pretensión más que la de entretener al espectador.

Para el papel del Doctor Knock ha escogido a Omar Sy (‘Intocable’) que como acostumbra nos muestra como un don nadie arrepentido de su pasado puede llegar a lo más alto si se lo propone. Cuando la medicina se tropezó en su camino, su vida cambió por completo.

A Omar Sy también le acompañan Ana Girardot (‘Nuestra vida en la Borgoña‘), Alex Lutz (‘Los visitantes la lían: ¡En la Revolución Francesa!‘) o Sabien Azéma (‘Una policía en apuros’) entre otros. Todos y cada uno de los personajes del pueblo son importantes, cada uno más peculiar y enfermos a su manera, consiguen encontrar consuelo en las manos de este médico que trae una curiosa felicidad a un lugar en el que estaban completamente aburridos.

En la fotografía encontramos a Emmanuel Soyer, simple y luminosa, como la historia de la película. En cuanto a la banda sonora, es bastante sosa y no da emoción ninguna.

La cinta dura 113 minutos y hacia la mitad ha comenzado a ser algo aburrida, pues introducen una historia de amor que no dice mucho y es bastante insípida, no tiene fuerza y lo que hace es alargar bastante el metraje. Pero sí que es cierto que esta historia, por insulsa que sea, es importante para el final de la película.

Así que ya sabéis, el 25 tenéis cita con el cine francés en las salas de cines españolas. Una comedia que nos dará un soplo de aire fresco, para disfrutar sentado con unas palomitas y no pensar en nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de mayo de 2018. Título original: Knock. Duración: 113 min. País: Francia. Dirección: Lorraine Lévy. Guión: Lorraine Lévy, adaptación de la novela de Jules Romains. Música: Cyrille Aufort. Fotografía: Emmanuel Soyer. Reparto principal: Omar Sy, Ana Girardot, Alex Lutz, Hélène Vincent, Pascal Elbé, Audrey Dana.  Producción: Curiosa Films. Distribución: Filmax. Género: Comedia. Web oficial: http://filmax.com/peliculas/el-doctor-de-la-felicidad.86

Crítica: ‘Sweet country’

Sinopsis

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Sam, un hombre aborigen de mediana edad, trabaja para un predicador en el interior del Territorio Norte de Australia. Cuando Harry, un amargado veterano de guerra, se muda a un rancho vecino, el predicador envía a Sam y a su familia para ayudar a Harry a rehabilitar sus corrales para el ganado. Pero la relación de Sam con el cruel e irritable Harry se deteriora rápidamente y termina con un violento tiroteo en el que Sam mata a Harry en defensa propia.

Así es como Sam se convierte en un criminal buscado por el asesinato de un hombre blanco. Se ve obligado a huir con su esposa por el peligroso interior del país, recorriendo un espléndido pero durísimo desierto. Para encontrar a Sam se forma una cuadrilla de búsqueda encabezada por el Sargento de la policía local Fletcher. Pero cuando empiezan a conocerse los verdaderos detalles del asesinato, la comunidad se pregunta si se está haciendo justicia.

Crítica

Irónico y metafórico western desde las antípodas.

El director Warwick Thornton nos narra una historia de racismo y odio en forma de western que se desarrolla en Australia en los años 20. Sigue el esquema de “en un pueblo tranquilo donde todo iba más o menos bien, irrumpe un forastero y acaba en tragedia. Todo lo demás viene a consecuencia de eso…”.  Y aunque no sea la típica peli del oeste de “indios y vaqueros” sí que tiene claros paralelismos.

Quiero empezar por la escena inicial del filme. Creo que resume TODO lo que es la esencia de lo que se quiere contar. No pienso destriparos ni un detalle así que lo dejo ahí para que juzguéis por vosotros mismos. Ojo, de igual manera, el valor visual de la última escena de la película es igual de importante.

Esta es una historia inspirada en hechos reales. Como siempre digo, para mí es un valor añadido importante, porque al fin y al cabo te están contando un trocito de la historia del hombre sobre la tierra. Algo que nos concierne a todos conocer.

Y de hombres va la cosa. Hombres profundamente marcados por la guerra, el odio, la educación recibida o la falta de ella, la violencia, la religión, el miedo y la codicia. Y toda esa amalgama de sentimientos y pensamientos se mezclan en un drama que destaca por el uso inteligente de las palabras y unas imágenes que nos sugieren más cosas de lo que parece a simple vista.

Una película que nos habla del colonialismo (británico en este caso) y el poso de racismo que dejó con los aborígenes australianos. La situación o situaciones de injusticia que se relatan te dejan un trasfondo amargo, lleno de ironía, que te muestra la naturaleza más salvaje del ser humano y que te hace reflexionar.

Desde una de las primeras frases de la película en boca de Sam Neill “todos somos iguales aquí. Todos somos iguales ante los ojos del Señor” hasta la última escena, se hace un viaje a través de las áridas tierras australianas dónde se nos muestra desde el punto de vista de los nativos del continente la influencia del hombre blanco. Esta perspectiva me parece muy interesante y lo corrobora un guión cuidado en este sentido.

El trabajo de los actores está a la altura y destaco si la veis en versión original los acentos y ese idioma propio que hablan los aborígenes que es realmente curioso.

‘Sweet Country’ es una película algo lenta, que nos relata de forma inteligente lo que nos quiere contar, y se ampara en un guión competente para ello, en una fotografía muy buena de la que también es parte responsable Warwick Thornton y en unas imágenes a modo de metáfora que hacen que el conjunto sea de una calidad notable.

Una amarga ironía, hasta el título de la película va en consonancia con el resto.

Lo bueno: El trabajo de Warwick Thornton en la dirección y la fotografía. Compone una película inteligente del primer al último plano, destacando por si no ha quedado claro, el contenido de ambos planos que invita a pensar.

Lo menos bueno: El desarrollo de algún personaje como el del sheriff, que no acabo de entender del todo y que se pueda hacer lenta a más de uno. En mi caso el ritmo es el que tiene que ser.

La reflexión: No es más salvaje el que menos conocimiento tiene, si no quien no sabe usarlo para hacer el bien o quien piense que está por encima de otro ser humano.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de mayo de 2018. Título original: Sweet Country. Duración: 110 min. País: Australia. Dirección: Warwick Thorton. Guion: David Tranter, Steven McGregor. Fotografía: Warwick Thorton, Dylan River. Reparto principal: Bryan Brown, Hamilton Morris, Sam Neil, Thomas M. Wrigth, Ewen Leslie, Gibson John, Natassia Gorey-Furber, Matt Day, Anni Finsterer, Termayne Doolan, Trevon Doolan. Producción: Bunya Production. Distribución: Wanda Vision. Género: western, drama. Web oficial: https://www.wanda.es/site/sinopsis/sweet_country

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