El próximo miércoles 4 de octubre a las 22h podrá verse en Movistar Estrenos el documental ‘I am Heath Ledger’ y para aquellos que no puedan estar frente a su televisor en ese momento estará disponible en vídeo bajo demanda. Pero hemos tenido la suerte de ver de manera anticipada el documental que recorre la carrera del actor, casi una década después de su fallecimiento.
La filmación supone un viaje narrado de manera lineal a través de su carrera mostrando cómo consiguió papeles, qué supusieron para él, anécdotas, problemas que tuvo… Pero también se muestra el punto de vista, la perspectiva de aquellos que le conocían tanto personal como profesionalmente. Supone ver por lo tanto algunos testimonios desgarradores, chascarrillos, curiosidades… Entre los entrevistados tenemos a familiares, amigos (íntimos, famosos o no), nombres como Ben Harper, Matt Amato, Naomi Watts, Ben Mendelsohn, Ang Lee, Djimon Hounsou…
El reportaje de hora y media dirigido por Adrian Buitenhuis (‘Fancing’) y Derik Murray (‘I am Bruce Lee’) deja clara la energía y creatividad apabullante del actor, hace mucho énfasis en ello. Si buscáis el morbo de obtener más detalles acerca de su muerte no es el documento que esperáis. Si se trata ese momento de su historia, por supuesto, es algo que le ha elevado al nivel de mito del cine, pero lo que se muestra es el testimonio de familiares y amigos que cuentan como recibieron la noticia o qué supuso para ellos, nada más.
Los fragmentos más valiosos son los vídeos que están grabados personalmente por él mismo, por Heath Ledger. Proceden desde la época en la que empezó con sus primeras películas, antes de que existiesen los stories de instagram, hasta momentos en los que ensayaba su grandioso papel del Joker de Nolan. Como dice la modelo Christina Cauchi «lo documentaba todo».
Mitificado o no el documental deja claro que es alguien que hizo historia en el cine y que apuntaba a ser un artista de cabo a rabo, tanto delante como detrás de las cámaras. Nos perdimos un cineasta de los grandes señores.
Segovia. Campamento cristiano “La Brújula”. Bernarda, una monja recién llegada, quiere salvar el campamento con su canción “Viviremos firmes en la fe”. La hermana Milagros, una joven con dudas, recuerda lo mucho que le gustaba Presuntos Implicados. Y María y Susana, dos adolescentes castigadas, tienen un grupo que se llama Suma Latina. Pero desde que Dios se le aparece a María una noche, todo está cambiando. Y es que a Dios le encanta Whitney Houston.
Crítica
Un elenco que lo borda con una destacada Belén Cuesta y una música que cataliza a sus personajes.
Monjas, adolescentes, campamento de verano… Sin saber nada de la película y sin haber visto previamente el musical uno pensaría que iba a ver una película mojigata de Disney. Y es que ‘La llamada’ tiene los ingredientes para ello. Luego una vez que empiezas la película vas olvidando de forma gradual esos «prejuicios» que tenías en un principio en pos de una entretenida película donde se mezclan temas como la religión, las drogas, la sexualidad y el amor, la búsqueda de una identidad propia y con la música como vía expresiva de todo ello, como elemento catalizador en cada personaje.
Así que me voy encontrando con una historia que gira alrededor de cuatro protagonistas, un par de monjas y un par de adolescentes en edad difícil, amantes del electro latino o como se quiera llamar a ese tipo de música, y además con aspiraciones musicales, o más bien sueños, de triunfar con su propio grupo.
Pero pronto veo que la vida de María se ve alterada a través de canciones de la gran Whitney Houston. Digámoslo de alguna manera que son esa “llamada” a la que alude el título de la película. Y aquí empieza el lío.
No me gusta destripar las películas, y aquí no va a ser una excepción. Me gusta hablar de sensaciones y ‘La llamada’ me las ha dado en su mayor parte positivas. El elenco principal lo borda en sus papeles. Quizá los que la vayáis a ver os quedéis con dos de las actrices:
Belén Cuesta: que destaca por la candidez, bondad y lo entrañable de su personaje, además de una vis cómica genial, interpretando a la hermana Milagros.
Anna Castillo: pone personalidad y fuerza a su personaje de Susana, y brilla con luz propia en el filme.
Yo personalmente me quedo con Belén, que queréis que os diga, me encanta esta chica. Diciendo esto no quiero desmerecer para nada el trabajo de Macarena García como María (quien le quiera ver la conexión a través del nombre del personaje es libre de interpretarlo) y Gracia Olaya (Sor Bernarda) la monja en teoría «mala» que viene a ser un sargento tipo ‘Oficial y caballero’ o de la guardia civil pero que pronto se nos descubre su verdadera personalidad intentando buscar la unión espiritual a través de unos métodos musicales un poco pasados de moda.
Y es que ‘La llamada’ va de una búsqueda interior para las cuatro, una búsqueda que tiene como objetivo dar un nuevo sentido a sus vidas viéndose arrastradas en cierta manera por el devenir de los acontecimientos, unos hechos que van a despertar en ellas cosas que desconocían y que van a requerirles un acto de fe y valentía para poder alcanzarlas.
A mí como espectador me ha dado momentos de risas sobre todo en esos diálogos entre las protagonistas, aunque debo reconocer que me hubiera gustado un poco más de desarrollo para Sor Bernarda, para mí el personaje más flojo del guión. Tampoco aconsejo buscarle sentido al reggaeton mezclado con monjas, algo de drogas, un poco de amor, pasando por Whitney Houston y terminando en Dios. De hecho, es mejor abrazarlo todo y dejarte llevar por una comedia fresca que no se queda solo en eso, con un final que no dejará satisfecho a todo el mundo aunque para semejante batido, seguro que no es el menos adecuado ni mucho menos.
Al final no sé si el mojigato soy yo, o la película, pero siempre que te preguntas cosas cuando sales del cine no es mala señal. Yo he pasado un rato muy agradable y me pregunté por qué no conocía a Belén Cuesta y le doy las gracias a ‘Sister act’, ‘El guardaespaldas’ y al equipo de esta película por ello, que gracias a sus actrices hace que cualquier cosa cobre sentido.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de septiembre de 2017. Título original: La llamada. Duración: 108 min. País: España. Dirección: Javier Calvo, Javier Ambrossi. Guión: Javier Calvo, Javier Ambrossi. Música: Leiva. Fotografía: Migue Amoedo. Reparto principal: Anna Castillo, Belén Cuesta, Esti Quesada, Gracia Olayo, Macarena García, María Isabel Díaz, Richard Collins-Moore, Secun de la Rosa. Producción: Apache Films, Sábado Películas, Tve. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia, musical, adaptación. Web oficial:http://www.deaplaneta.com/es/la-llamada
La relación de una pareja se pone a prueba cuando unos invitados, no invitados, llegan a su casa, interrumpiendo su tranquila existencia. Del cineasta Darren Aronofsky (‘Cisne Negro’, ‘Requiem por un sueño’), ‘Madre!’ llega con las estrellas Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Ed Harris y Michelle Pfeiffer en este fascinante thriller psicológico sobre amor, devoción y sacrificio.
Crítica
Aronofsky se sale de las representaciones tradicionales.
El cine es arte y el arte es un medio a través del cual manifestamos o recibimos por parte de otros inquietudes, miedos, sentimientos, ideas… me parece exacerbante que un mindundi como yo tenga que recordar esto a estas alturas debido a la gran cantidad de reprimendas y rechazo que está recibiendo Darren Aronofsky dada a la división de opiniones que ha generado ‘madre!’. Si una filmación ha sido tan cuestionada, tan debatida, tan deliberada… tras su paso por festivales es que se ha ganado el calificativo de obra de arte. Ojo, que no estoy diciendo obra maestra, si no de arte, aún no he comenzado con ninguna crítica ni juicio de valor.
Efectivamente ‘madre!’ es de esas películas de las que sales meditabundo. Pero no como en otras obras de Aronofsky, como pudo ser ‘Réquiem por un sueño’ que por su final, drama o ruptura acababas impactado. Más bien fascina por el entramado de metáforas (pronosticadas por los carteles) y mensajes que ha elaborado. Estas no son difíciles de desvelar pero si son interesantes de ir descubriendo y si alguien no está atento a las primeras claves puede tener una gran sensación de desconcierto para el resto de la película. Porque en ‘madre!’ tiene importancia hasta que la «m» del título esté en minúscula. Fijaos que no se menciona ni un solo nombre propio en todo el filme y eso es un logro ya que resulta extremadamente complicado recrear escenas cotidianas, navegar por historias a priori ordinarias sin caer en convencionalismos y tópicos sociales que te obliguen a usar sustantivos.
En ‘madre!’ cabe una visión rápida y localizada de la historia y la psique humana, bastante cargada de simbolismo y alegorías, pero decir eso es quedarse corto. Siempre advierto, no sea que ponga el circo y me crezcan los enanos, que lo que explico a continuación se puede considerar spoiler, aunque es más mi interpretación de la película que lo que sucede en ella. Su lectura más clara es la que se carga los estándares y sitúa a Javier Bardem como un dios cristiano más pendiente de sus hijos humanos que de su pareja, Jennifer Lawrence, la cual, es co-artífice de su creación como madre naturaleza. Ambos cohabitan en la Tierra que es la casa con la que ella está en comunión y cuyo pálpito siente. Es un concepto que puede recordar a la serie recién estrenada ‘American Gods’ pero que aquí está tratado de un modo más pulcro. Por lo tanto vivimos durante la película escenas harto conocidas aunque disimuladas de la Biblia que no voy a relatar, pero es ahí donde veréis claras las señales que os comentaba.
Curiosamente otra de las lecturas que se puede hacer del largometraje guarda una estrechísima relación con un título que dentro de poco Paramount Pictures también pondrá en nuestras carteleras ‘Una verdad muy incómoda: ahora o nunca’. Darren Aronofsky nos lanza un alegato ecologista en toda regla. Acusa al ser humano, incluyéndose a él, espero, de egoísta. Como criatura de este planeta le dan la mano y se toma el brazo. A sabiendas de que su creador tiene que atender otros asuntos demanda toda su atención, conocedores de que su entorno tiene unos límites lo explota al máximo… Aronofsky llega a agobiarnos incluso tratando también el tema de la sobrepoblación y otros inconvenientes sociales. El ritmo de la cinta se acelera según se ha apresurado el transcurso del progreso de las civilizaciones modernas.
Pululan varios actores por el único escenario de la película pero obviamente son dos los principales protagonistas. En primer lugar Jennifer Lawrence me ha parecido lo más seria, centrada en su personaje y asentada que he visto nunca, mucho más que en ‘Joy’ y por esa película estuvo bastante nominada/premiada. Bardem da una clase magistral de interpretación y os voy a decir porque. Es muy difícil controlar los matices de un personaje que juega al despiste como el suyo, que ha sido tan tratado en la historia del cine y que maneja de forma tan inusual y nunca vista, con un estilo tan moderadamente contenido pero a la vez omnipresente.
Desde luego ‘madre!’ es una cinta incómoda, no de terror como muchos la han tachado. Requiere toda nuestra atención, son dos horas de incertidumbre y enigmas que personalmente he disfrutado y atesorado. Lo único que puedo apuntar ya es la frase que decía Mr. T en su canción: «Madre no hay otra, a si es que trátala bien».
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de septiembre de 2017. Título original: mother! Duración: 121 min. País: EE.UU. Dirección: Darren Aronofsky. Guión: Darren Aronofsky. Música: Jóhann Jóhannsson. Fotografía: Matthew Libatique. Reparto principal: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris, Domhnall Gleeson, Kristen Wiig, Brian Gleeson, Cristina Rosato, Marcia Jean Kurtz, Ambrosio De Luca, Hamza Haq, Anana Rydvald, Arthur Holden, Bineyam Girma, Jaa Smith-Johnson, Xiao Sun. Producción: Protozoa Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: thriller, drama. Web oficial:http://www.mothermovie.com/
La Cordillera se desarrolla durante una cumbre de presidentes latinoamericanos en Chile, donde se definen las estrategias y alianzas geopolíticas de la región. Hernán Blanco, el presidente argentino, vive un drama político y familiar que le hará enfrentarse a sus propios demonios, y deberá tomar dos decisiones que podrían cambiar el curso de su vida en el orden público y privado: por un lado, una complicada situación emocional con su hija; por otro, la decisión política más importante de su carrera.
Crítica
Para subir a esta cordillera no hay atajos, solo rodeos llenos de confusas señales.
Desconociendo las anteriores películas del director argentino Santiago Mitre he de decir que me ha parecido que, por lo menos en ‘La cordillera’, es un artista que se recrea mucho en conseguir reproducir los ornamentos del tipo de cine que rueda. No obstante si es capaz de captar el interés del espectador. En esta ocasión emplea dos armas: la trama política y la íntima.
Y es que ‘La cordillera’ es un thriller político en el que se va más allá de la charlatanería de presidentes petulantes y de los tejemanejes diplomáticos. Se busca ahondar en el aspecto personal de un presidente de toda una república pero se hace de manera errática, confusa, tanto para él personaje principal como para el espectador. Las intenciones de Mitre y su coguionista Mariano Llinás no son para nada translúcidas, al igual que en la política las pretensiones están como tapadas con una cortina de humo.
Mitre ha querido dar mucho peso a muchos pesos iberoamericanos y todos ellos mientras han estado girando en torno a Darín. A saber: Dolores Fonzi, Elena Anaya, Daniel Giménez Cacho, Erica Rivas, Alfredo Castro, Gerardo Romano, Leonardo Franco… Incluso se permite el fichaje de un Christian Slater que cuando hace acto de presencia parece que va a desatascar la cinta, pero no… Esa intención ha hecho que su guión abra varios frentes y posteriormente no los cierre con claridad o satisfactoriamente, o dicho de otro modo, sin conectarlos debidamente. Incorpora multitud de factores y piezas que al final de la cinta no terminan de saberse si son mero atrezo o esconden algún profundo enigma.
Ricardo Darín y Dolores Fonzi coinciden de nuevo tras haber trabajado juntos en ‘Truman’ y aunque aquí su interacción es diferente, si que se nota cierta complicidad entre ambos. Las escenas que protagonizan juntos generan cierta intriga, son de lo más salvable del filme, pero a su vez también son las más desconcertantes. Introducen aún más suspense, incluso llegando a rozar lo surrealista sacándonos totalmente de lo que venía siendo la película. La cuestión es que algo de lo que sucede entre ellos se deja en parte pendiente y por eso no le encuentro motivos para dedicarle tanto tiempo de metraje.
En lo técnico, en el plano fotográfico, musical y del sonido, ‘La cordillera’ es mucho mejor. Pero esto son solo distracciones baladís, no vienen al caso, sirven de interludio, no de soporte argumental e incluso en ocasiones de relleno.
Lo que en principio parecía que iba a ser una narración perfectamente comprensible se convierte en un galimatías de intenciones. Tanto talento no logra suplir una película que acto a acto se va enrareciendo.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de septiembre de 2017. Título original: La cordillera. Duración: 114 min. País: Argentina. Dirección: Santiago Mitre. Guión: Santiago Mitre, Mariano Llinás. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Javier Juliá. Reparto principal: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Érica Rivas, Gerardo Romano, Paulina García, Alfredo Castro, Daniel Giménez Cacho, Elena Anaya, Leonardo Franco, Christian Slater. Producción: Kramer, Sigman Films, La Unión de los Ríos, Telefé, Telefonica Studios, Maneki Films, Mod Producciones. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: intriga, drama. Web oficial:https://www.warnerbros.es/la-cordillera
Basada en la novela de Kent Haruf y adaptada por Scott Neustadter y Michael H. Weber (Bajo la misma estrella), Nosotros en la noche se desarrolla en Colorado y comienza cuando Addie Moore (Jane Fonda) le hace una visita sorpresa a su vecino Louis Waters (Robert Redford). Su esposo falleció hace años al igual que su mujer y, a pesar de vivir en un pequeño pueblo y ser vecinos desde hace décadas, mantenían poco contacto. Sus hijos viven lejos y se ven obligados a vivir solos, pero ella quiere entablar una relación y aprovechar al máximo el tiempo que les queda.
Crítica
Película sencilla que nos muestra la soledad desde el punto de vista de nuestros mayores.
De los guionistas de los éxitos ‘Bajo la mismaestrella’, ‘CiudadesdePapel’ o de la esperada ‘TheDisasterArtist’, ScottNeustadter y MichaelH. Weber nos cuentan una historia de amor, basada en la novela de Ken Haruf, pero más que de amor, de la necesidad de compañía y cariño, para sobrellevar la soledad de nuestras vidas.
RiteshBatra, el director de la cinta, reune de nuevo a RobertRedford y Jane Fonda dos ancianos viudos que viven solos, sus familias están lejos y no tienen nada de compañía.
Addie (JaneFonda) decide pasar a hablar con su vecino Louis (RobertReford) y comentarle lo bien que les vendría el dormir juntos, él tiene problemas de insomnio y ella echa en falta las conversaciones de cama típicas de cuando su marido estaba en casa.
A partir de aquí, la historia como he dicho es muy sencilla, no tiene complicaciones, nos muestra la vida tal como es y como dos personas, con el único gesto de dormir en la misma cama, rehacen sus vidas poco a poco.
La película es bastante austera, sin grandes actuaciones, supongo que la historia tampoco lo pide, pero no sé, quizá algo de emoción no le hubiera venido mal. La nota sobresaliente la pone un joven IainArmitage, el cual hace honor al personaje que le han asignado, Sheldon Cooper, hay una escena con trenes que sin duda recuerda a este último personaje.
La película me ha parecido bastante larga para lo que cuenta, sí que es cierto que también nos comentan los problemas familiares de ambos y de cómo muchas veces los hijos no ven bien que sus padres rehagan su vida con otra persona, ese papel lo representa perfectamente Matthias Schoenaerts.
Una de las cosas que menos me ha gustado, ha sido el tema de lo maquillada que aparecía Jane Fonda y de las pelucas tan sumamente repeinadas. Es solo una opinión personal, pero realmente me quitaba credibilidad a la historia de una anciana deprimida y sola.
En el trabajo técnico lo único que destacar la fotografía, sencilla, sí, pero te muestra los detalles de la vida en Estados Unidos, las casas y las carreteras interminables.
‘Nosotrosenlanoche’ se estrena el 29 de septiembre en Netflix, una película para la sobremesa.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de septiembre. Título original: Our Souls at Night. Duración: 101 minutos. País: Estados Unidos. Dirección: Ritesh Batra. Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber. Música: Elliot Goldenthal. Fotografía: Stephen Goldblatt. Reparto principal: Jane Fonda, Robert Redford, Bruce Dern, Matthias Schoenaerts, Judy Greer, Iain Armitage. Producción: Netflix. Distribución: Netflix. Género: Romance. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80104068
‘Kingsman: Servicio secreto’, presentó al mundo a Kingsman, una agencia de inteligencia internacional e independiente que trabaja con la máxima discreción, y cuyo objetivo final es mantener el mundo seguro. En ‘Kingsman: El círculo de oro’, nuestros héroes se enfrentan a un nuevo reto. Cuando su cuartel general es destruido y el mundo está en peligro, sus andanzas les llevan al descubrimiento de una organización de espionaje aliada en EE.UU. llamada Statesman, cuyo origen se remonta a la fecha en que ambas fueron fundadas. En una nueva aventura que pone a prueba la fuerza y el ingenio de sus agentes hasta el último extremo, ambas organizaciones secretas de élite aúnan sus esfuerzos para derrotar a un implacable enemigo común, con el fin de salvar al mundo, algo que está convirtiéndose en una especie de hábito para Eggsy…
Crítica
Todo sabe mejor cogido a lazo.
A medida que ciertas generaciones se van haciendo con el control de la industria cinematográfica y otras dictan los hábitos de consumo que rigen el mercado se va imponiendo un tipo de cine u otro en las carteleras. Si hace décadas se viesen películas como ‘Kick-Ass’ o ‘Kingsman’ se habrían calificado de groseras e incluso de gore. Pero ahora el público que manda es uno más insensibilizado y se va normalizando este tipo de entretenimiento y por suerte directores o productores como Matthew Vaughn nos pueden regalar semejantes adaptaciones, porque no olvidemos que las películas de los «hombres del rey» salen de unos cómics de Dave Gibbons y Mark Millar. Y es curioso porque las generaciones actuales no es que encajen precisamente con la caballerosidad que predican los Kingsman.
En ‘El circulo de oro’ volvemos a contar con el protagonismo de Taron Egerton. ¿Qué decir de este joven actor inglés? Sinceramente, le va mucho más la comedia que el cine serio. Ya lo demostró en ‘Eddie el Águila’, aunque esa película tuviese su sabor agridulce. La acción no se le da nada mal, de momento es joven y está en forma, pero debería trabajar aún su calidad dramática. Veremos si no queda eclipsado cuando tenga que dar la talla entre tanta estrella en películas como ‘Robin Hood’, aunque sinceramente, espero verle de nuevo como Eggsy, todo puede ser.
Tanto el diseño de producción, las características de sus personajes, el ritmo, el guión… en general la película es muy comiquera, incluso su banda sonora tiene acordes que recuerdan a los de Los Vengadores. No he leído la obra original, lo cual no es habitual en mi en estos casos, a si es que desconozco si es fiel. Pero si puedo asegurar que el carácter de la película si es muy de viñetas, todo muy bizarro. Está dotada de toda la parafernalia de un universo ilustrado. La primera parte ya era consciente de su carácter fantástico, cómico, gamberro y de ciencia ficción y esta incluso se supera en ese sentido. Por lo que esperaos encontrar alguna incoherencia o soluciones pilladas por los pelos pues este tipo de películas se permite esas licencias. ‘Kingsman: El círculo de oro’ no es una película que deje poso u os haga pensar, nadie cree eso ¿verdad? Es puro divertimento basado en acción y humor, todo encadenado por una trama de agentes secretos y villanos que quieren dominar el planeta. Así pues este nuevo Kingsman podrá remontarnos a ese James Bond que salva in extremis al mundo, pero con tanta parafernalia, humor e incluso excentricidad que se suele aproximar incluso al Austin Powers más paródico. Su dinamismo le da también mucho sabor a videojuego, donde el último «boss», encubierto por cierto, nos regala una brillantísima escena final. Quizá no se alcanza el climax y la vistosidad de ‘Servicio secreto’ pero si se llega a un dinamismo mayor.
Si os pareció carismático y peculiar el papel de villano de Samuel L. Jackson en ‘Kingsman: Servicio secreto’ esperad a ver a Julianne Moore. Se ha transformado en una reina narcótica anclada en los cincuenta y por si fuese poco tiene a su merced un buen repertorio de juguetes y un singular hogar. Todo muy extravagante. Las incorporaciones que gana y los personajes que hereda este largometraje de la anterior entrega no hacen más que ampliar un universo que ya huele a trilogía. ¡Hasta Elton John se ha subido a este repertorio de locura y de lo encarnizadamente gracioso! Pero no es el único pasado de rosca, otros actores más acostumbrados a comedias y disparates se han unido: Jeff Bridges, Halle Berry, Channing Tatum… Pero sin duda a quien más considero que le pega el tono de la película y que además es un actor que está en boca de todos es Pedro Pascal. Como reza mi titular y dicen en otra producción de la Fox, todo sabe mejor cogido a lazo.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de septimbre de 2017. Título original: Kingsman: The Golden Circle. Duración: 141min. País: Reino Unido. Dirección: Matthew Vaughn. Guión: Matthew Vaughn, Jane Goldman. Música: Henry Jackman, Matthew Margeson. Fotografía: George Richmond. Reparto principal: Taron Egerton, Colin Firth, Sophie Cookson, Channing Tatum, Pedro Pascal, Halle Berry, Mark Strong, Julianne Moore, Jeff Bridges, Poppy Delevingne, Elton John. Producción: Twentieth Century Fox Film Corporation, Marv Films, TSG Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: comedia, acción. Web oficial:http://www.kingsmanelcirculodeoro.es/
Nueva York, s. XXI. Leo, un inmigrante judío polaco, vive con el recuerdo del gran amor de su vida. Pese a su dolorosa historia, vive alegremente gracias su díscola relación con su mejor amigo, Bruno. Al otro lado de la ciudad, Alma, una adolescente llena de vitalidad, encuentra el amor por primera vez y está decidida a encontrar al hombre ideal para que su madre vuelva a casarse.
Nada parece vincular al viejo Leo y a la joven Alma. Sin embargo, desde la Polonia de los años 30 hasta el Central Park de la actualidad, el manuscrito de un libro llamado ‘La Historia Del Amor’ viajará a través del tiempo para unir sus destinos.
Crítica
Menos grandilocuente y mucho más melosa de lo esperado.
Radu Mihaileanu y Marcia Romano han escrito una película en la que plasman distintos tipos y etapas del amor. Pero no es lo único en lo que quieren abarcar más de lo que pueden, pues han procurado crear una película universal, un filme que abarca excesivos clichés y que nos pide mucha más atención de la que en realidad necesita. Desconozco si la novela homónima de Nicole Krauss tiene las pretensiones y la envergadura de la película pero con un libro te marcas tu los ritmos, tal vez tanto director como guionista tendrían que haber intentando ser menos fieles a la obra, aunque tampoco es tan extensa, posee tan solo 288 páginas.
Cautiva mucho a priori el largometraje: su premisa, su fotografía, su reparto… incluso sus primeras palabras parecen sacadas de un cuento moderno, como si las hubiese escrito Patrick Rothfuss para su famosa trilogía del Asesino de Reyes. Pero lo que nos engatusa es su historia en líneas generales, no el modo de tratarla. Se puede dividir la película en tres partes, mezcladas entre sí y montadas alborotadamente a modo de puzle. Una de ellas está descolgada en el tiempo y nos la van desgranando a modo de flashbacks narraciones que nos van llegando según se desvelan párrafos de ‘La historia del amor’. Son esos fragmentos del pasado los más plomizos debidos a su sensiblería y espeso romanticismo. Las otras dos fracciones suceden en la actualidad y se reparten entre el protagonista encarnado en su ancianidad por Derek Jacobi y por la poco carismática Sophie Nélisse (‘La ladrona de libros’), quien vuelve a tener oportunidad de actuar relacionándose con obras escritas pero con un trabajo mucho más desatinado. Las escenas de Jacobi nos dan la vida pues resultan ser las más vivarachas y con personalidad, las que nos aportan algo de frescura. Sin embargo el guión que le ha correspondido a Nélisse no se sale de los tópicos del cine romántico adolescente.
Si resumimos ‘La historia del amor’ se queda en una narración de casualidades, no de situaciones, ya que esta no es una sitcom romántica. Posee algo de comedia pero es para aligerar el drama. Se construye a base de cierto cúmulo de azares o eventualidades que van acercando a los protagonistas. El caso es que Radu Mihaileanu nos sobrecarga demasiado por el camino con desmesurado romance, dotado de inverosimilitud, con tintes excesivamente telenovelescos. La duración de la película además es exorbitante para su tono y digerir algo tan dulce durante tanto tiempo puede hacerse muy pesado para estómagos poco preparados.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de septiembre de 2017. Título original: The history of love. Duración: 134 min. País: Francia. Dirección: Radu Mihaileanu. Guión: Radu Mihaileanu, Marcia Romano. Música: Armand Amar. Fotografía: Laurent Dailand. Reparto principal: Derek Jacobi, Sophie Nelisse, Gemma Arterton, Elliott Gould. Producción: 2.4.7. Films, Oï Oï Oï Productions, Caramel Film. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, fantástico, romance, adaptación. Web oficial:https://www.vertigofilms.es/movie/la-historia-del-amor/
1948. Jacques Cousteau (Lambert Wilson) y su esposa (Audrey Tautou) deciden lanzarse a la aventura y cumplir el sueño de Jacques de recorrer los océanos e investigar lo inexplorado, el mundo submarino.
Este trayecto, a bordo del Calypso, se convertirá en la odisea de toda una vida dedicada a la ciencia, la fama y la televisión, que convertirá a Cousteau en todo un mito y lo llevará a auténticos paraísos remotos. Pero la de Cousteau es una historia de luces y sombras, también marcada con los conflictos de Jacques con su pareja y sus hijos Philippe (Pierre Niney) y Jean-Michel y por la terrible tragedia que los golpearía unos años después.
Cousteau descubrió un nuevo mundo, llega el momento de descubrirlo a él.
Crítica
Un esfuerzo por humanizar al símbolo de las cruzadas ecologistas modernas.
Todos aquellos que crecieron fantaseando con los portentos, las ocurrencias y los descubrimientos que Cousteau fue trayendo al mundo, o simplemente aquellos que fuimos viendo, como yo, sus documentales en La2 ahora podremos descubrir una nueva cara del investigador francés. Pero esta fachada es diferente a la que podíamos imaginar, al menos así ha procurado que sea el director Jérôme Salle.
Ya en los inicios del filme vemos asombrosas y bellísimas imágenes. ‘Jacques’ es capaz de deleitarnos desde el mismo momento en que arranca con estampas familiares en las cuales enseña a sus hijos a manejarse bajo el agua y así continúa hasta que llega en sus compases finales a tomar conciencia en la Antártida de que hay que proteger el planeta. Pero para llegar a esto hay todo un viaje en el que pasamos por todo un sin fin de localizaciones por las que se han movido Jérôme Salle y su equipo y en ese periplo nos deleitan la vista casi de igual modo que Cousteau deleito a la gente en su época. Incluso el barco en el que navegaba, el Calipso, el que fue el hogar de su esposa Simmone Cousteau (interpretada por Audrey Tautou) nos ofrece bucólicos momentos. Este goce visual es uno de los mayores recreos de la película, pero no su única función.
La película se basa mucho más en escarbar en los conflictos familiares, centrándose sobre todo en la disputa continua entre padre e hijo, en la que existía entre Philippe (interpretado por Pierre Niney en su etapa más adulta) y Jacques (muy bien encarnado por Lambert Wilson). Antepone esto a su consabida fama como explorador y documentalista. El acierto es que no se cae en el sensacionalismo, haciendo uso de la famosa delicadeza francesa o pecando de ser excesivamente prudente ya que tal vez se ha pasado de comedido. Por lo menos no se pierde de vista la perspectiva histórica y la progresión de los descubrimientos y la carrera del famoso cinematógrafo. Este hombre que en su día podía ser considerado tanto visionario como extravagante al ser inventor pero a su vez concebir ideas como la colonización de los mares fue un personaje muy popular, incluso una estrella, con todo lo que ello rodea: rumores, verdades, secretos… Jérôme Salle ha investigado lo suyo y nos lo expone de manera prudente, pidiendo ayuda a buenos actores como Lambert Wilson, Audrey Tautou o Pierre Niney que también han sabido interpretar el enfoque del director.
Obviamente y leyendo la frase que acompaña el cartel de la película («Quería conquistar los océanos… cuando sólo tenía que protegerlos.») nos habla del cuidado del medio ambiente. No es el principal foco de la película pero era algo inevitable tratándose de Jacques Cousteau. Sus imágenes hablan por sí solas. Si lo que ves en pantalla no te impulsa a proteger tu entorno es que no aprecias tu hogar. Lo deja caer y habría estado bien haber explorado más la idea, por hurgar en la ironía, pero si se menciona que por entonces nadie compraba cine que hablase de ecología, y ahora que hemos visto las orejas al lobo sí, ‘Jacques’ podría ser un claro ejemplo.
El trabajo de maquillaje también es digno de mención. En el caso de Lambert Wilson es obvio que se han centrado más siendo el protagonista. Le han envejecido bastante eficazmente, habiendo adelgazado este bastante para aproximarse a la languidez del marinero. Pero con Audrey Tautou también se han aplicado a fondo, haciendo que ella vaya decayendo, procurando que su rostro se vaya descascarillando de igual manera que lo iba haciendo su amado Calipso.
El ritmo del filme nos hace navegar de un modo bastante ágil. Parece que pasa excesivamente rápido por la juventud de Cousteau, que la película vaya a dejarse cosas. Pero el tramo en el que presta más atención es el que tiene más sustancia. Aunque como he dicho antes da la sensación de que se pasa a propósito ciertas partes en las que no profundiza adrede o no quiere entrar al trapo, olvida ciertos aspectos escabrosos. Al fin y al cabo esto no es prensa amarilla.
La obra de Cousteau para con el planeta igualmente permanecerá inamovible, sus palabras y sus actos siguen teniendo validez. Esta película no debería cambiar un ápice de eso, viene a demostrar que fue una persona con luces y sombras, como otra cualquiera. Por lo tanto se puede tomar este trabajo como un esfuerzo por humanizar al símbolo de las cruzadas ecologistas modernas.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de septiembre de 2017. Título original: L’Odyssée. Duración: 122 min. País: Francia. Dirección: Jérôme Salle. Guión: Jérôme Salle, Laurent Turner. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Matias Boucard. Reparto principal: Lambert Wilson, Pierre Niney, Audrey Tautou, Michael Bundred, Chloe Hirschman, Jenna Saras. Producción: Fidélité Films, Pan Européenne, TF1 Films Production. Distribución: VerCine Distribución. Género: drama, biopic. Web oficial:http://www.lodyssee-lefilm.com/
‘Hotel Cambridge’ cuenta la historia de unos refugiados que han llegado recientemente a Brasil y que, junto con un grupo de trabajadores de escasos recursos, ocupan un viejo edificio abandonado en el centro de São Paulo.
Los dramas cotidianos, las situaciones cómicas y los diferentes puntos de vista sobre el mundo se mezclan con la amenaza de un desalojo inminente.
Crítica
Veraz retrato de la realidad okupa fuera de los clichés rancios.
Curiosamente me fijo que voy visitar el ‘Hotel Cambridge’ y justo enfrente tengo el Ayuntamiento de Madrid, el Palacio de Comunicaciones, donde aún cuelga la pancarta que reza «refugees welcome». Y es curioso porque al entrar uno la ve de una manera y al salir la vislumbra de otra, no piensa que lleve tanto tiempo ahí puesta. Tampoco es que esta sea una película trascendental o metafísica, pero si puede recordar o mostrar ciertos aspectos que podíamos no conocer o tener olvidados del tema de los refugiados y los sintecho. Aunque veáis en ella o en esta crítica términos como okupa o activista no va de perroflautas y antisistemas con afán de destruir así porque sí. Da voz a una parte del movimiento okupa, sobre todo a la de los desplazados, a la de los refugiados e inmigrantes. Pronto descubriréis que los habitantes del este edificio no son antisistema ya que realmente forman un sistema, organizado y estructurado, que tan solo son luchadores que pretenden corregir una serie de injusticias de la manera más desesperada, pacífica, y casi extrema posible. Ojo, no procura mostrar mártires. Sus personajes tienen claroscuros, no son santos.
La película de Eliane Caffé nos muestra un lugar habitado por gente procedente de multitud de lugares del mundo, a los cuales utiliza también para lanzar una buena diatriba. Todos ellos empujan a una por el derecho fundamental de tener una vivienda digna y además, sin querer, demuestran que se puede vivir en relativa paz, aunque sea a pequeña escala. Y todo esto sin pertenecer a las mismas culturas o sin tan siquiera hablar el mismo idioma. En muchas ocasiones tienen que avocar a la lengua de los sentimientos o de los derechos humanos para expresarse y eso es lo que quieren hacer entender al resto del mundo. Es por ello que el largometraje está rodado buscando la máxima veracidad posible. Muestra testimonios que están sacados de la más severa realidad, que podemos buscar en titulares de periódicos, en trending topic… Ofrece también las reacciones de la sociedad para con ellos en diversos momentos. El guión de Caffé puede ser muy tragicómico y agridulce, alcanzando momentos muy irónicos y sarcásticos, e incluso poéticos. Además secciona la película por capas y pisos, como una cuenta atrás inexorable hacía un final inevitable: así como se van acercando los créditos finales sabemos que llegará el desahucio, pero también advertimos que habrá un próximamente por que esta es una historia que emana continuidad.
La película mezcla de manera inusual y llamativa el documental y la ficción. No merece la pena que yo os diseccione aquí lo real de lo rodado. Se puede discernir entre lo uno y lo otro de sobra, pero sobre el papel todo podría pertenecer a fragmentos de la memoria o a sucesos transcurridos ahora. El caso es que la filmación parece documental casi en su totalidad, solo la calidad de algunos actores nos devuelve a la butaca. Con películas como esta olvidaos de ser tan exquisitos con lo técnico y limitaos a visionar, reflexionar y comentar.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de septiembre de 2017. Título original: Era o Hotel Cambridge. Duración: 93 min. País: Brasil. Dirección: Eliane Caffé. Guión: Eliane Caffé, Luiz Alberto de Abreu, Inês Figueiró. Música: Vapor 324. Fotografía: Bruno Risas. Reparto principal: Carmen Silva, José Dumont, Isam Ahmad Issa, Suley Franco, Lucía Pulido, Ibtessam Umran. Producción: Aurora Filmes, Tu Vas Voir. Distribución: Wanda Visión. Género: drama, documenta, hechos reales. Web oficial:https://www.wanda.es/site/sinopsis/hotel_cambridge
La ganadora del Óscar, Kathryn Bigelow dirige esta impactante historia sobre uno de los momentos más oscuros durante los disturbios civiles que sacudieron Detroit en el verano de 1967.
Crítica
Saldrás complacido del cine, pero su mensaje te va a indignar.
Detroit ha sido una ciudad que ha luchado durante su historia por muchas causas. Actualmente pelea por renacer tras quedarse en parte desierta, dejando estampas que harían las delicias de cualquier amante de las historias post apocalípticas. Esto ha sido debido a la decadencia de la industria del motor e irónicamente la película que hoy nos ocupa se centra en el momento de uno de los apogeos de ese sector. La convulsa ciudad de Detroit vivió en el 67 una revuelta civil muy agresiva que tuvo como respuesta una serie de reprimendas sin justa medida. Respecto a esto podríamos decir que este es un largometraje osado ya que ciertos sectores de la sociedad estadounidense pueden ponerse en contra pero otra buena parte de la sociedad y en concreto la comunidad afroamericana estoy seguro que agradecerán el estreno.
Pero la premisa puede engañar, en el buen sentido. Los disturbios son el punto de partida y el marco del resto de la película, ya que lo que realmente esconde es un thriller. Este es un drama, basado en hechos reales, pero si no conoces lo que pasó en el suceso en el que se localiza toda la película para ti como espectador se convierte todo en una narración de suspense muy tensa. Los personajes se ven inmersos en una situación muy peligrosa, no solo por lo que pasa en la ciudad si no por lo que les empieza a suceder en el lugar donde iban a pasar la noche. Vivirás además momentos duros a cerca de la brutalidad policial, el racismo o la ética profesional y personal. La película te llevará hasta descubrir la corrupción y el velo que puede cubrir los ojos de la justicia norteamericana. Pero no es una venda que se imponga para lograr una imparcialidad y una objetividad… Y sentiréis rabia porque hoy en día se siguen viendo casos así y por supuesto ‘Detroit’ vendrá a nuestras carteleras a denunciar precisamente esto.
Para conseguir esbozar lo que fue aquella noche Kathryn Bigelow (‘La noche más oscura’) ha escogido a un grupo de personajes bastante variado. Personas que durante aquellas horas estuvieron comprometidas o involucradas en los altercados. Un grupo musical cuya actuación se vio truncada, dos jóvenes turistas, unos amigos que se habían reunido, un vigilante nocturno, policías asalvajados, soldados… Como se dice en estos casos, es una película muy coral y todos ellos confluyen en un solo escenario. A pesar de ello el guión de Mark Boal (‘En tierra hostil’) se las apaña para irse de vez en cuando por las ramas, no está del todo enfocado en el mensaje. Si que se reconoce qué es lo que nos quiere transmitir pero en ocasiones se desvía demasiado la atención.
John Boyega preside el cartel y no es para menos. Su trabajo interpretativo no es moco de pavo. Aunque tampoco es que tenga muchas frases, de hecho si contamos sus líneas será el que menos hable de todo el filme. En realidad hay que valorar como ha trabajado su contención, como ha sabido trabajar los silencios. En cada momento su cara expresa odio, miedo, rabia, cavilación… Gran labor de fisionomía por parte de Boyega. Pero no sería justo hablar solo del actor londinense. Si te gustan las interpretaciones crudas y pérfidas os encantará el personaje de Will Poulter. Si su personaje realmente era como se le representa chapó, porque se le coge realmente asco y manía. También es brillante la pasión, el desconsuelo, la desesperación, la rabia y la morriña que es capaz de llegarte a hacer sentir Algee Smith con su cantante en cada una de sus etapas.
Todo lo anterior mencionado no habría sido posible sin el talento de esos tres actores, pero sin duda ha surgido también gracias a que Kathryn Bigelow ha sabido sacar lo mejor de ellos. Maravillosamente dirigida ‘Detroit’, muy bien buscados los matices de los personajes. A parte de eso la elección de los planos me parece de lo más acertada, cerrándolos más en el tramo central de la película, para incomodar más al espectador durante el intervalo de intriga que os mencionaba. Además que ha acertado al contar con James Newton Howard (‘Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos’) para que la música sea un aliado suyo.
La dupla formada entre Kathryn Bigelow y Mark Boal para volver a narrar un hecho real vuelve a ser potente. Llega a la hora de transmitir su mensaje, de irritar al espectador, pero se prolonga en exceso al querer aderezarlo demasiado. Aún así la película es muy enérgica e intensa.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de septiembre de 2017. Título original: Detroit. Duración: 143 min. País: EE.UU. Dirección: Kathryn Bigelow. Guión: Mark Boal. Música: James Newton Howard. Fotografía: Barry Ackroyd. Reparto principal: John Boyega, Anthony Mackie, John Krasinski, Kaitlyn Dever, Will Poulter, Jack Reynor, Hannah Murray, Tyler James Williams. Producción: Annapurna Pictures, First Light Production. Distribución: eOne Films. Género: drama, thriller, hechos reales. Web oficial:http://detroit.movie/
La película narra la historia de siete jóvenes marginados pasando su infancia en el pueblo de Derry, Maine, quienes se autodenominan el Club de los perdedores. Cada uno de ellos ha sido marginado por un motivo u otro; cada uno está considerado un blanco por la pandilla local de matones…y todos han visto sus peores miedos hechos realidad en la forma de un antiguo depredador que cambia de apariencia, a quien solo pueden llamar ‘It’ (eso).
Desde sus inicios, el pueblo de Derry ha sido el coto de caza para la entidad que emerge desde las alcantarillas cada 27 años para alimentarse de los terrores de sus presas preferidas: los niños de Derry. Uniendo sus esfuerzos durante un verano a la vez horroroso y animado, los Perdedores se unen para superar sus propios miedos y detener el ciclo de matanzas que comenzó un día lluvioso, mientras un niño pequeño perseguía un barquito de papel que se arrastraba por un desagüe de lluvia…y acabó en las manos de Pennywise el Payaso.
Crítica
Bajo las mismas pautas y con nuevos códigos, sigue siendo Eso.
Treinta y un años después de la salida de la novela y veintisiete de la mini serie de televisión regresa ‘IT’. En esta ocasión lo hace a lo grande con una película cinematográfica (próximamente tendrá continuación) que nos trae Warner Bros. Pictures y que ha dirigido Andrés «Andy» Muschietti. En su versión, el director argentino ha querido ser más duro, más violento, al igual que lo era la obra escrita. Pero no con ello ha logrado un resultado aterrador.
El también director de ‘Mamá’ es hijo de su época y a aplicado los códigos del género de terror actual a ‘IT’. Con ellos han logrado una ambientación y unas escenas realmente poderosas pero le han restado tensión y nos han alejado del género y del misterio que tan famosa hicieron tanto a la novela como a la película de Tommy Lee Wallace que contó con el famoso Pennywise de Tim Curry. Si, el filme tiene ese sólido drama familiar y esas impactantes secuencias a las que siempre da pie Stephen King pero está más cargada de predecibles sustos, de efectos especiales y de sonido a todo trapo, factores comunes en el cine contemporáneo. En ese sentido Muschietti estuvo mucho más contenido en ‘Mamá’, aunque en ambas películas haya incluido sus propios miedos, reflejados en el cuadro que infunde tanto temor al personaje de Wyatt Oleff.
El equipo de la película parece más centrado en rescatar el espíritu aventurero y nostálgico de los ochenta. Todos sabemos que el cine vive ciclos y modas, sobre todo el terror y la ciencia ficción. Vivimos en su día la de los vampiros, hace poco pasamos la de los zombis y ahora estamos sumergidos en la de la nostalgia. ‘IT’ no pasa inmune a ese fenómeno. Por lo tanto el tono es diferente. Tiende más a ser una aventura infantil con tintes de terror. Os va a recordar a ‘Los Goonies’ o a ‘Cuenta conmigo’, también salida de una obra Stephen King. Aunque si posee la brutalidad y la violencia de la novela, la cual se elimino de la mini serie. También, para los más acérrimos de King puedo adelantar que aparecen guiños e iconos como la tortuga, aunque sería mucho aventurar que en la segunda parte se acaben adentrando más allá de las luces mortíferas explicando los orígenes del payaso. Si sois lectores de la obra escrita os toparéis con más de un desatino, ya sabemos lo que sucede cuando se abusa del término remake o adaptación, pero también descubriréis con agrado que se han molestado en incorporar algunas cosas que no se atrevieron a introducir en los noventa. Por cierto que una de esas incorporaciones tiene que ver con la «aparición» del español Javier Botet. Aquellos que hayan leído el libro entenderán por qué digo que se ha desaprovechado bastante esa escena.
Muschietti no da descanso ni respiro al espectador en casi ningún momento. En prácticamente cada escena tenemos un nuevo momento espeluznante o con sobresalto, parece que a cada esquina nos aguarda un susto. Quizá no he tenido miedo por haber visto infinidad de veces la película clásica, tal vez alguien que descubra a Pennywise por primera vez salga aterrado de la sala, es muy probable. Miento, si he tenido un temor. Durante toda la película he pensado «tengo miedo de que se carguen la película que tanto he amado y el clásico de terror que me he leído para prepararme esta nueva adaptación». Y no ha sido así. He disfrutado esta nueva versión como una interpretación de lo que se entiende ahora como terror. Lo dicho, los nuevos espectadores seguramente salgan deslumbrados y estremecidos por partes iguales.
La calidad del nuevo Pennywise está garantizada. El trabajo de Skarsgård es demencial. Los gestos de su cara son espeluznantes, su abanico de tonalidades vocales da grima (en el buen sentido)… Ha estado a la altura, aunque como decía antes sobre los efectos especiales, gran parte de su potencial depende de eso, no como en el caso de Tim Curry. También podemos alardear de buen grupo de «perdedores», como se llama el grupo de niños protagonistas. Alguno de ellos no alcanza el nivel de sus predecesores pero en conjunto mantienen las expectativas que muchos esperábamos.
Al contrario que la mini serie o el libro esta es una narración totalmente lineal, no está compuesta de flashbacks. A su final ya nos aseguran que es una primera parte de dos. La siguiente continuará con la parte adulta que no nos han contado de la novela, ese pedazo de texto que nos aprieta la agenda a aquellos que nos gusta documentarnos bien antes de ver una película. Porque IT es un ejemplar de los gordos, de los que automáticamente vuelven a nosotros leyendo nuestras mentes y avocando a nuestros miedos cada X años, como Pennywise.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de septiembre de 2017. Título original: IT. Duración: 135 min. País: EE.UU. Dirección: Andrés Muschietti. Guión: Chase Palmer, Gary Dauberman. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Chung-hoon Chung. Reparto principal: Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Finn Wolfhard,Jack Grazer, Chosen Jacobs, Nicholas Hamilton, Javier Botet. Producción: New Line Cinema, KatzSmith Productions, Lin Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terror, adaptación, remake. Web oficial:http://itthemovie.com/
Situado en las implacables y miserables calles del Londres victoriano en 1880, ‘The Limehouse Golem’ comienza en la barroca sala de música donde sube al escenario el intérprete más famoso de la capital, Dan Leno (Douglas Booth).
En su monólogo cuenta el horrible destino de una joven que actuaba en ese escenario, su querida amiga Elizabeth Cree (Olivia Cooke), quien se enfrenta a ser ejecutada en la horca acusada de asesinar a su esposo, John Cree (Sam Reid).
La muerte de Lizzie parece inevitable, hasta que el inspector John Kildare (Bill Nighy) se hace cargo del caso de The Limehouse Golem, un asesino en serie nefasto y calculador, que mata inocentes sin ninguna conexión, dejando tras de sí cadáveres apenas identificables y una marca: «M». Nada es lo que parece, todo el mundo es sospechoso y tiene un secreto.
Crítica
Correcta historia de pesquisas y recelos.
Juan Carlos Medina ha sacado a la palestra una de las novelas del escritor y biógrafo Peter Ackroyd y nos ha brindado una historia en la que se mezcla crimen y folclore de un modo bastante correcto. Una narración en la que se gesta una combinación de nuevo Jack el Destripador con la tradición judía y el cine más clásico, con algún tinte de Se7en, si se me permite.
El largometraje está excelentemente bien ambientado. Se ubica en una época que los ingleses (es una producción de Number 9 Films) controlan y tienen de sobra explotada. Todo transcurre en un Londres que exhuma ese aroma seductor que desprende el peligro y puede recordar a series recientes como ‘Penny Dreadful’. Al igual que esa exitosa serie también se apoya en poderosos personajes femeninos (entre ellos el de María Valverde) y curtidos actores masculinos. Pero cuenta con jóvenes actores como Douglas Booth, el cual me cuesta creer que nadie haya pensado para un papel como Freddie Mercury, y mucho menos después de verle aquí como rey del escenario.
De similar modo que en la película de Carl Boese el Golem servía de pretexto o escudo para proteger a su creador en esta película se juega a la ocultación y se hace uso de las pantomimas y las mascaradas. Todos pueden ocultar algo aunque no necesariamente eso quiera decir que tengan un móvil para cometer un crimen. Por lo tanto entramos en un laberinto, en ocasiones excesivamente caótico y no por eso eficaz en el cual buscamos al autor de los asesinatos de Limehouse. Durante esa búsqueda Carlos Medina se pierde demasiado con romances y teatrillos, haciendo que nos tropecemos con tramos algo pesados o carentes de interés y con elipsis a priori insustanciales.
Cuando el guión de Jane Goldman (‘La mujer de negro’) se centra en la criminalística y lo detectivesco si es mucho más eficiente, aunque poco a poco nos va aventurando un final imaginable. También resulta más cautivadora cuando mezcla lo victoriano con las técnicas de imagen más modernas. El equipo de la película es claro conocedor de las nuevas tendencias y ha sabido centrarse en la fuerza de las imágenes. ‘The Limehouse Golem’ muestra su mayor potencial en su puesta en escena y en sus tramos más perversos.
La cinta sirve para que Bill Nighy de una nueva lección de cómo se actúa a modo de típico caballero inglés, mientras que el resto del reparto se compenetre muy bien y se pueda recuperar el espíritu de las series de misterio, crimen y época.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de septiembre de 2017. Título original: The Limehouse Golem. Duración: 109 min. País: Reino Unido. Dirección: Juan Carlos Medina. Guión: Jane Goldman. Música: Johan Söderqvist. Fotografía: Simon Dennis. Reparto principal: Bill Nighy, Maria Valverde, Douglas Booth, Olivia Cooke, Sam Reid. Producción: Number 9 Films. Distribución: Alfa Pictures. Género: adaptación, terror, thriller. Web oficial:http://alfapictures.com/Alfa/thelimehousegolem.html
Isla de la Gomera. El cadáver de un joven aparece en un bosque de la pequeña isla. El caso se cierra rápidamente con la acusación a un político local que queda exonerado en el juicio posterior. Tres años más tarde, el sargento de la Guardia Civil Bevilacqua (Quim Gutiérrez) y su ayudante, la cabo Chamorro (Aura Garrido) son enviados a la isla para reactivar la investigación. Les acompaña la cabo Anglada (Verónica Echegui), la última persona que vio al joven con vida.
Todas las pistas siguen apuntando al político, pero a pesar de la aparente contundencia de las primeras pesquisas los investigadores tendrán que superar un muro de silencios y mentiras para esclarecer el caso. Una investigación en busca de un asesino que se oculta tras la niebla de una isla que también esconde los secretos terribles de sus habitantes…
Crítica
Un thriller muy mal aprovechado.
‘La niebla y la doncella’ es una película de AndrésM. Koppel, guionista de ‘Zonahostil’ y basada en la novela de LorenzoSilva titulada con el mismo nombre.
Hay cosas que odio y una de ellas es tener que hablar mal de una película, pero con esta me es casi imposible no hacerlo, pues solo tiene dos cosas buenas, el principio, que no niego, te engancha y los paisajes que vamos viendo durante la cinta, que la verdad te adentran en los bosques densos y logran que te recrees.
La historia nos trae el asesinato de un joven en la Gomera, se culpa a un político pero no se puede demostrar que es culpable y queda absuelto. Tres años después se pide reabrir el caso y es ahí cuando entran el Sargento Bevilacqua y la cabo Virginia Chamorro.
El comienzo es como he dicho antes lo mejor de la película sin lugar a dudas, transcurre rápido y te llena de incógnitas muy dignas de un buen thriller. Pero ya, a partir de aquí todo cambia, se olvidan de la investigación para centrarse en las relaciones personales y por culpa de esto el misterio se resuelve rápido y mal. Sí, mal, lo reitero, porque ves el comienzo y el final y, o a sido un mal montaje de la cinta o simplemente es un sinsentido.
Además hay una escena de sexo que es importante para el caso pero llega un momento que te ponen la escena tantas veces que parece que la utilizan como relleno para meter más minutos innecesarios a la película.
Hablemos del reparto, en un principio bastante bueno, tenemos a un QuimGutiérrez, bastante soso, pero que dentro de lo que cabe hace creíble a su Sargento Bevilaqua. VerónicaEchegui demasiada exagerada en su papel, además no tiene nada de química con Quim y toda la historia que cuentan pierde credibilidad. Quizá la que mejor ha estado, dentro de un papel bastante moderado es AuraGarrido, pero sabemos que esta chica nunca decepciona. El resto del elenco lo forman RobertoÁlamo que no termina de convencerme y en un papel pequeñito MarianÁlvarez.
En general creo que la historia tenía bastante potencial una pena que lo hayan desaprovechado haciendo siempre lo mismo y además que el montaje de la película no ayuda nada.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de septiembre 2017. Título original: La niebla y la doncella. Duración: 104 min. País: España. Dirección: Andrés M. Koppel. Guión: Andrés M. Koppel. Fotografía: Álvaro Gutiérrez. Reparto principal: Quim Gutíerrez, Verónica Echegui, Roberto Álamo, Paola Bontempi, Aura Garrido, Sanny van Heteren, Isak Férriz, Cristóbal Pinto, Santi López, Quique Medina, Beneharo Hernández, Jorge Kent, Elena Di Felice Benito, Fernando Navas, Adrián Galván. Producción: Atresmedia Cine, Tornasol Films. Distribución: DeAplaneta. Género: Thriller. Web oficial: http://www.tornasolfilms.com/noticias/la-niebla-la-doncella-8-septiembre-cines/
Toma y Ana se conocen en la universidad, se enamoran y se casan. Ana tiene un pasado complicado y padece graves ataques de pánico. La debilidad de Ana parece dar fuerzas a Toma, quien aparenta ser el que controla la relación, pero en realidad, únicamente está gravitando en torno a una mujer a la que no puede comprender. Cuando Ana vence sus miedos y logra triunfar, Toma permanece aislado, intentando comprender el torbellino que ha sido su vida con ella.
Crítica
Será su amor, pero no el mio.
Si la monotonía de la vida os arrastra al cine y buscáis refugio en extraordinarias historias ajenas no lo hagáis en ‘Ana, mon amour’ pues su relato es aún más mundano que el nuestro y se basa en el psicoanálisis más tedioso y repetitivo que os podáis imaginar. Si por el contrario lo que necesitáis es que vuestra pareja se vea reflejada en otra y queréis hacer terapia en el cine ahorrándoos el psicólogo os puede venir de perlas. Pero muy concreto y parecido ha de ser vuestro caso pues la película de Călin Peter Netzer es excesivamente particular.
Me ha costado muchísimo entrar en la narración, tener algo de interés por las vidas de los dos protagonistas, Ana y Toma. Ambos están muy bien interpretados por Diana Cavallioti y Mircea Postelnicu respectivamente. Por ellos pasa el tiempo y los actores reflejan estupendamente los diferentes estados de ánimo que les han exigido, su físico cambia, la enfermedad de Ana evoluciona, las tornas cambian… Pero el problema llega cuando te preguntas ¿qué me importan a mí la vidas de estas dos personas? No he encontrado interés ni sustancia en esta relación amorosa, no ha suscitado nada en mi como espectador. Es todo en exceso trivial.
Se nos intenta vender una historia de dependencia, de evolución personal. En lugar de ello lo que ha logrado suscitar en mi es apatía hacia un personaje egoísta, que incluso abusa de su título. Pues realmente el protagonista, quien dice esas palabras, el personaje de Toma, es quien ciertamente sacrifica su vida. Ana tiene una dolencia o un problema, al principio tiene toda nuestra compasión, pero poco a poco se ha ganado mi desprecio por cómo trata a su amante, es muy hipócrita y desagradecida. Desconozco si esta reacción que describo es el debate que busca crear el director pero a mí me ha aburrido tener que pasar más de dos horas para llegar a esto.
Si acaso esta película puede servir como ejemplo del cine rumano actual. Costumbres, personajes, pautas… incluso actores muy utilizados en películas del país europeo, como Adrian Titieni, del que os hablé en ‘Los exámenes’, aparecen en el filme.
Intenta ser un trabajo muy profundo pero eso se volatiliza cuando se recrea en lo gratuito. Esto se une a la uniformidad y la torpeza del montaje a la hora de mezclar las ensoñaciones y los brincos en el tiempo. Para querer caer en el freudismo primero hay que tener mucho más claro lo que se quiere contar, sobre todo si no deseamos que el público se tenga que montar sus propias películas.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de agosto. Título original: Ana, mon amour. Duración: 127 min. País: Rumanía. Dirección: Călin Peter Netzer. Guión: Călin Peter Netzer, Cezar Paul Bădescu, Iulia Lumânare. Fotografía: Andrei Butică. Reparto principal: Mircea Postelnicu, Diana Cavallioti, Carmen Tanase, Vasile Muraru, Adrian Titieni,Tania Popa, Igor Caras-Romanov, Ionut Caras, Ioana Flora, Vlad Ivanov,Elena Voineag, Razvan Vasilescu, Irina Noaptes, Meda Andreea Victor,Iulia Lumânare, Anghel Damian. Producción: Parada Film, Augenschein Filmproduktion, Sophie Dulac Productions. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial:http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=409
Madrid, años 90. Tras hacer una Ouija con unas amigas, una adolescente es asediada por peligrosas presencias sobrenaturales que amenazan con hacer daño a toda su familia. Inspirado en aterradores archivos policiales nunca resueltos.
Crítica
‘Verónica’ es lo que muchos plantean pero de un modo centelleantemente mejor ejecutado.
Si tan emocionada está la audiencia española y tan atraída se siente por lo retro y lo nostálgico ‘Verónica’ le tiene preparada una buena dosis al estar basada en historias transcurridas hace ya más de veinte años y al tener lugar en territorio español. Además tiene el aliciente de estar basada en dos hechos reales que están avalados por informes policiales y por reportajes periodísticos que han sido verificados por policías en programas como Cuarto Milenio (véase el Expediente Vallecas), que si bien os pueden sonar a cuentos de fanáticos del más allá os dejarán bien claro que son hechos constatados y que se definieron como claramente inexplicables.
Es pues una película bien documentada y con un diseño de producción muy cuidado. ‘Verónica’ os atrapará visualmente pues no deja un detalle ni un rincón al azar. Su ambientación os sumergirá en una historia de puro terror con sustos, criaturas, juegos macabros y temores. Pero también posee, como suele ser costumbre, su trasfondo y mensaje. Sucede todo en ese momento en el que la niña pierde su niñez. Momento en el que la mujer sirve, espiritualmente hablando, de umbral al más allá o cuando muchos dicen se encuentra en un momento más perceptivo para toparse con seres de otros planos. Se podría interpretar como un intento de mostrar el temor al cambio, al paso de una etapa a otra de la vida, sobre todo a raíz de la falta que sufre la protagonista de una figura adulta o de un guía.
Sé que Héroes del Silencio pegaba fuerte en aquella época y que ‘Hechizo’ describe bien el estado de Verónca, incluso hace las veces de mantra con todas las veces que se repite. Pero no me parece acorde al tono que lleva el largometraje y tampoco hace buenas migas con el resto de temas de sintetizador que suenan en el filme. Esto y que el CGI (de muy alta calidad) a veces delata los sustos que están por venir, son las dos únicas pegas que le puedo encontrar a una película mucho más que recomendable para refugiaros en una noche de este caluroso verano.
Pero si algo me ha sorprendido de ‘Verónica’ y por eso lo he dejado para el final, como quien reserva su parte preferida de un plato combinado es, la protagonista, Sandra Escacena. En este su primer trabajo representa su papel de un modo muy natural, controlando correctamente los momentos más intensos. Pero ampliando mi asombro he de decir que los tres niños que la acompañan están excelentes. Ellos son muy responsables de que sintamos escalofríos y miedo, sin que sean directamente artífices del terror que realmente se gesta en la casa. Se nota que no son muchachos norteamericanos adoctrinados desde su nacimiento para actuar cual miliciano africano secuestrado desde bebé para las guerrillas. Los cuatro calcan el modo de comportarse de los hermanos de esa época.
Sin duda es una película que parte de una base real, aunque luego se la haya maquillado con la espectacularidad del cine. Una vez más Paco Plaza demuestra ser tan hábil incorporando giros de cámara y secuencias hipnóticas como añadiendo comedia a un género que parece no admitirla. Tampoco se resiste a sumar algún que otro momento sangriento. Queda constancia de que es alguien que vive el género y ama una determinada época o estilo.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de agosto de 2017. Título original: Verónica. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Paco Plaza. Guión: Fernando Navarro. Música: Chucky Namanera. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Sandra Escacena, Bruna González, Claudia Placer, Iván Chavero, Ana Torrent, Sonia Almarcha, Maru Valdivielso, Leticia Dolera. Producción: Apaches Entertainment, Televisión Española (TVE). Distribución: Sony Pictures. Género: terror, basado en hechos reales.
un joven estudiante se encuentra un misterioso cuaderno, el cual pertenece al aburrido shinigami Riuk, con unas curiosas instrucciones. Si uno escribe el nombre de una persona en él, esa persona morirá. ¿Qué hará Light con él?.
Crítica
Cuando una historia buenísima termina siendo mala.
Hemos podido ver la versión estadounidense de ‘Death Note’ para Netflix que ha realizado el director de la fallida ‘BlairWich’AdamWingard y aquí os dejo mi opinión.
Ante todo decir que soy una gran fan de la obra original, en primer lugar lectora del manga y después seguidora del anime, pero vi la película de Netflix con la mente abierta, sin pensar para nada en la original y dando una oportunidad a una adaptación que podría haber sido tremenda. Sí, digo podría, porque por desgracia lo que tenemos ante nosotros es un gran despropósito, me da una rabia enorme, porque la historia original es tremenda.
La base de la historia nos cuenta como Light Turner, un joven estudiante se encuentra un misterioso cuaderno, el cual pertenece al aburrido shinigami Riuk, con unas curiosas instrucciones. Si uno escribe el nombre de una persona en él, esa persona morirá. ¿Qué hará Light con él?.
No quiero andar comparando con la obra original porque no acabaría, como película ‘Death Note’ deja mucho que desear. Me ha recordado mucho a lo que sucedió con ‘Dragon Ball: Evolution’, algo que es fácil de hacer lo han convertido en complicado y malo.
Han intentado crear una historia para un público más adolescente, al que las muertes al estilo ‘DestinoFinal’ seguro le vuelve loco, pero por buscar ese tipo de público han olvidado que esta historia era muy adulta y no han sabido sacarle partido para nada.
El reparto en general es bastante malo, las actuaciones dejan mucho que desear, sobre todo me ha decepcionado Nat Wolff, en realidad no me he visto ninguna película suya, pero mucha gente me había hablado genial de él por sus papeles en ‘Ciudades de papel’ o ‘Bajo la misma estrella‘, pero aquí realmente está fatal. No queda nada de ese Light atractivo, inteligente y malévolo que nos muestran en el anime, absolutamente nada.
Y ya no digo del personaje de L, totalmente desperdiciado.
Sí que es cierto que podemos salvar al gran William Dafoe, en su papel como shinigami, el cual llega a crear cierta simpatía por este dios de la muerte y a la vez cierto miedo. Creado en CGI, decir que está bastante bien.
Si sois fans de la historia original avisados quedáis que si vais en busca de esa lucha de mentes, de esa lucha entre el bien y el mal, el uso de la inteligencia y engaños para ganar, aquí no vais a encontrar nada de eso. La historia de Death Note tenía muchas cosas buenas, que aquí se han perdido para pasar a ser simplemente una persecución que no lleva a ningún sitio.
Después de la grata sorpresa que nos llevamos con la adaptación de ‘Gosth in the shell’, que lo sé, tampoco es perfecta, pero tiene muchas virtudes, me esperaba mucho de esta película pues tenía un material muy bueno para aprovechar y lo podrían haber hecho mucho mejor.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de agosto 2017. Título original: Death Note. Duración: 101 min. País: Estados Unidos. Director: Adam Wingard. Guión: Charley Parlapanides, Vlas Parlapanides, Jeremy Slater. Música: Atticus Ross, Leopold Ross. Fotografía: David Tattersall. Reparto principal: Natt Wolff, Williem Dafoe, Margaret Qualley, Shea Whigham, Keith Stanfield, Michael Shamus Wiles, Matthew Kevin Anderson, Tony Ali, Ash Lee. Producción: Netflix, Vertigo Enterntainment. Distribución: Netflix. Género: Thriller. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/80122759
Tadeo Jones viaja hasta Las Vegas para asistir a la presentación del último descubrimiento de la arqueóloga Sara Lavroff: el papiro que demuestra la existencia del Collar de Midas, el mítico Rey que convertía en oro todo aquello que tocaba. Pero el feliz reencuentro se verá enturbiado cuando un malvado ricachón secuestra a Sara para poder encontrar el talismán y conseguir riquezas infinitas. Junto a sus amigos el loro Belzoni y su perro Jeff, Tadeo tendrá que hacer uso de su ingenio para rescatar a Sara, en un viaje por medio mundo, donde encontrará nuevos amigos… ¡y nuevos villanos!
Crítica
Aprendiendo de la técnica pero no de los errores anteriores.
Segunda entrega de la versión torpona española (afincada en Estados Unidos) y animada de Indiana Jones. Hace cinco años que Tadeo Jones se dio a conocer y ahora volvemos a toparnos con él en una aventura de corte muy similar, con patrones muy semejantes y con las mismas virtudes y defectos, si acaso ambos llevados más al extremo.
Si la anterior entrega ya se sometía a los cánones del cine de animación norteamericano esta lo hace hasta llegar al punto de cometer errores que a muchos españoles nos suelen irritar. Concretando. Estamos hartos de que la única imagen que se vea de nuestro país en el extranjero sea la de las sevillanas, las paellas, el flamenco… ¿y somos nosotros los primeros en exportar eso? Sin tener nada en contra hacia ese tipo de arte y gastronomía, faltaba más, pero basta ya. Sabemos de sobra que somos un país mucho más rico y variado, seamos los primeros en demostrarlo, acabemos con los tópicos, por favor.
Pero irónicamente creo que quien es objeto y artífice de la mayoría de esos chascarrillos, Momia, es quien le da más vida a una película que sin ella habría resultado muy sosa. No es raro que en una película de animación destaque más el actor cómico secundario. Este individuo posee una vis cómica muy a lo Jim Carrey en ‘La Máscara’ (de hecho le dobla también Luis Posada). Su humor tontorrón es muy cargante pero al menos es el que le dota de sentido al filme dirigiéndole a un público más infantil.
Técnicamente se ha logrado un mejor resultado que en la anterior entrega. Las texturas, las luces, las localizaciones… tienen más calidad. Aunque aún hay elementos por pulir, como algunos líquidos y determinados personajes. Han quedado algo atrás algunos fallos de la anterior entrega que no distaban mucho de algunos juegos de principios de siglo. Aunque mirando bien todavía se encuentra algún que otro fallo de raccord y eso que estamos hablando de una película de animación.
Otras dos virtudes que conserva la película, heredándolas de su anterior entrega, son su ritmo y la calidad de su doblaje, como es tradición en las producciones de animación en España. Pero no son suficientes para suplir un guion excesivamente convencional que no soporta el peso de un humor pueril y demasiado ñoño para un público adolescente o adulto.
Si querían ubicar a Tadeo en un escenario nacional lo habían logrado bien con su paso por Granada, no hacía falta introducir toda la parafernalia flamenca y gitana. Es una pena que caigamos siempre en los mismos errores. Por lo demás es una película de animación sencilla bien dotada de guiños para entretener a los más pequeños e introducirles alguna leyenda antigua, aunque sea de un modo desfigurado.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de agosto de 2017. Título original: Tadeo Jones 2. El secreto del Rey Midas. Duración: 81 min. País: España. Dirección: Enrique Gato. Guión: Jordi Gasull. Música: Zacarías M. de la Riva. Fotografía: Animación. Reparto principal (doblaje original): Óscar Barberán, Michelle Jenner, Adriana Ugarte, Luis Posada, Miguel Ángel Jenner, José Corbacho. Producción: Telecinco Cinema, LightBox Entertainment, Toro Pictures, Ikiru Films, StudioCanal. Distribución: Paramount Pictures. Género: animación, aventuras, comedia.
Existen otros mundos además de este. La Torre Oscura de Stephen King, la extensa y ambiciosa historia de uno de los autores más célebres del mundo, prepara su lanzamiento a la gran pantalla. El último Caballero Guerrero, Roland Deschain (Idris Elba), ha estado enfrascado en una batalla eterna con Walter O’Dim, también conocido como El Hombre de Negro (Matthew McConaughey), decidido a impedir que éste derribe la Torre Oscura, que mantiene unido al universo. Con el destino de los mundos en juego, el bien y el mal colisionarán en la batalla final en la que sólo Roland podrá defender la Torre de El Hombre de Negro.
Crítica
Simplona en unos sentidos y satisfactoria en otros.
No es difícil encontrar a lo largo de la historia obras de Stephen King adaptadas para la gran y pequeña pantalla. Incluso entre los estrenos de este año existen diversos títulos como ‘La niebla’ o ‘IT’. Nos topados con grandes batacazos como la serie de ‘La cúpula’ o la inadvertida ‘Cell’ y con conocidísimos éxitos como fueron ‘Carrie’ o ‘El resplandor’ (la cual tiene mucho que ver con esta película que nos ocupa hoy). Y ahora en 2017 le ha llegado el turno a la obra más amplia y compleja del autor, la más arriesgada de adaptar si se trata de satisfacer a los lectores y si miramos la cantidad de volúmenes y páginas, ‘La Torre Oscura’. Quizá sea por toda esta dimensión que se ha optado escribir una historia novedosa, no salida exactamente de un libro de la serie. No es una adaptación como tal, sino más bien una continuación inspirada en ese multiverso creado por el autor. Como ya se dijo, esta película es una secuela de los libros, en concreto del séptimo, pero no paréis de leer aquí si no sois coleccionistas de estos.
No es de extrañar que para hacer esta película hagan falta varios guionistas. Intentar resumir, sintetizar y expresar lo enrevesado y complejo que es este universo de Stephen King en una sola película es muy difícil para una sola persona. La saga de ‘La Torre Oscura’ (la cual os hemos ido reseñando aquí) posee una complejidad que daría para una saga de películas de dimensiones descomunales y es por eso que se agradece que se haya tomado la decisión de crear algo nuevo. Pero no se ha logrado algo tan rompedor como la novela. Decepcionará a aquellos que se maravillaron con los argumentos y giros cada vez más desconcertantes de las sucesivas entregas. En ese proceso de simplificación se han eliminado conceptos, elementos e infinidad de personajes que enriquecen mucho las obras escritas y que se explican mejor con palabras. Pero aún así ‘La Torre Oscura’ de Nikolaj Arcel satisfará a muchos lectores que encontrarán algunas respuestas pendientes.
Se ha cuidado mucho de no perder de vista al lector. Se respeta todo el pasado de los personajes y hay coherencia en la historia. Todo cuadra y hay quien tomará la cinta como un broche. Es por eso también que hay muchos guiños a ingredientes de los relatos de Stephen King, pero no solo de los que componen la saga de ‘La Torre Oscura’, si no de los que forman parte de otros muchos. De ese modo se consigue aumentar ese sabor a multiverso, esta película, al igual que la saga de novelas, es en sus detalles una gran confluencia. Así pues aquellos que hayan leído o visto el trabajo de Stephen King subirán más niveles de esta Torre Oscura.
Pero esta película se puede ver como una película de ciencia ficción o de fantasía como otra cualquiera, sin ser experto en el escritor de Portland. Por que como cinta de género con su funcionamiento particular está bien explicada, no hay que haberse leído las 8 obras publicadas. Eso sí, en ese trabajo de reducción de síntesis han caído en el error de cumplir con patrones bastante repetidos en el cine: protagonista que descubre habilidades, se abre a un nuevo mundo, le asaltan nuevos peligros/enemigos, conoce a un mentor, se enfrenta a sus peores temores… Se convierte pues en una película muy convencional, con un trasfondo muy potente, que probablemente hará que corráis a leer las novelas como locos para comprender muchos de los guiños que posee.
Por supuesto otro de sus aciertos es su reparto. Mucha fuerza tienen en pantalla y se compenetran muy bien Idris Elba y Matthew McConaughey. Ambos han tenido mejores interpretaciones pero comprenden y representan bien sus papeles. No obstante el peso de la película no recae en ellos. El principal protagonista, Jake, está interpretado por un emergente Tom Taylor, y ya apunta maneras. Pongo la mano en el fuego por este chico que en un futuro podría darnos grandes sorpresas y que muchos de vosotros seguro que ya le habéis visto en series como ‘Taboo’. En ‘La Torre Oscura’ tiene sus pequeños momentos para mostrar algún que otro destello, pocos pero no hace falta ser un lince para verlos.
Como lector de parte de la saga por supuesto que os recomiendo ver la película, sobre todo si ya habéis leído el séptimo libro. Y como seguidor de películas de ciencia ficción también. Consiste en una narración rápida, con mucho espectáculo, un buen acabado y algunos enigmas que solo entenderán los lectores, pero sin complicaciones. Es la clásica historia de la lucha entre el bien y el mal pero bajo la enrevesada mirada de Stephen King.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de agosto de 2017. Título original: The Dark Tower. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Nikolaj Arcel. Guión: Akiva Goldsman, Nikolaj Arcel, Anders Thomas Jensen. Música: Junkie XL. Fotografía: Rasmus Videbæk. Reparto principal: Idris Elba, Matthew McConaughey, Katheryn Winnick, Abbey Lee, Tom Taylor,Jackie Earle Haley, Nicholas Hamilton, Fran Kranz, Claudia Kim, Michael Barbieri,José Zúñiga, Alex McGregor, Dennis Haysbert. Producción: Columbia Pictures, MRC, Imagine Entertainment, Weed Road. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, fantástico, adaptación. Web oficial:http://www.thedarktower-movie.com/site/
Valerian (Dane DeHaan) y Laureline (Cara Delevingne) son agentes especiales del gobierno de los territorios humanos, encargados de mantener el orden en todo el universo. Valerian busca algo más que una relación profesional con su compañera, por lo que la persigue abiertamente con constantes proposiciones románticas. Sin embargo, el amplio historial de Valerian con las mujeres, junto con los valores tradicionales de Laureline, la llevan a rechazar todos sus intentos.
Bajo las órdenes de su comandante (Clive Owen), Valerian y Laureline emprenden una misión en la impresionante ciudad intergaláctica de Alpha, una metrópolis en constante crecimiento compuesta por miles de especies distintas, procedentes de todos los rincones del universo. Los diecisiete millones de habitantes de Alpha han convergido con el tiempo, uniendo sus talentos, tecnología y recursos por el bien común. Por desgracia, no todo el mundo comparte esos mismos objetivos en Alpha; de hecho, hay en marcha unas fuerzas ocultas que ponen en grave peligro a nuestra raza.
Crítica
Una aventura de LucBesson al que se le van las tramas de las manos
Lejos de lo que había leído antes de ir a ver la película, Valerian ha resultado ser una película de aventuras bastante divertida y con unos puntos realmente interesantes, pese a que nos han intentado meter el romance con calzador y poca química.
El planteamiento de la película resulta interesante desde su inicio, en el que veremos la fundación de Alpha, la nave ciudad de los mil planetas que da título a la cinta y en la que nos presentan de una forma muy visual bastantes de las razas que viven y comparten espacio en esa nave, y cómo va evolucionando la propia ciudad, para después pasar a un mundo idílico en el que se nos presentará el problema que amenaza la ciudad y que dará el pistoletazo de salida a la aventura.
El aspecto visual es simplemente espectacular. No soy un gran fan de ‘El Quinto Elemento’, y me parece una película demasiado recargada, pero por suerte en ésta ocasión se nota que los años han pasado y han servido para pulir esas cosas que en aquella película resultaban excesivas, y que aquí funcionan muchísimo mejor.
Respecto del guion, baste decir que es bastante simple, pero es lo que se espera de una buena película de aventuras espaciales. No olvidemos que los personajes están basados en una serie de álbumes de cómic francés de los años 60, de los cuales ha bebido la ciencia ficción desde entonces. Desde ‘Star Wars’ (pese a que George Lucas lo ha negado siempre) hasta ‘El Quinto Elemento’, donde el dibujante de la serie, Jean Claude Mézières, trabajó con Besson, la influencia de Valerian se deja ver por toda la ci-fi moderna.
Desgraciadamente, como decía, en el guion está uno de los puntos débiles de la película. Pese a ser divertida, hay varios momentos en los que parece que los guionistas querían meter varias historias y no sabían cómo. De repente en dos ocasiones la trama principal desaparece, y lo que es peor, parece que los personajes se olvidan por completo de ella, para empezar y terminar una subtrama que, desgraciadamente, no aporta nada, y lo que es peor, resulta repetitiva en las dos ocasiones en las que ocurre.
Hablando de las fallas de la película, el otro problema reside en el cásting. Pese a que muchos critican las capacidades actorales de Cara Delevigne, me ha parecido que en ésta ocasión está más que correcta, presentándonos un personaje duro y tierno a la vez, Laureline, a la que cogemos cariño rápidamente.
Respecto a Valerian, DaneDeHaan no está tan bien como cabría esperar. En teoría Valerian es un personaje canalla y aventurero, pero no llega al nivel. En ningún momento te crees que tenga una agenda de amantes esperando por él, y tampoco parece un gran héroe.
Mención aparte merece Rihanna. También se anunció su presencia como clave para la película, y la realidad es que su aparición es un cameo sobrecafeinado, con una trama propia que no aporta absolutamente nada a la trama principal, y que parece hecho a medida para lucimiento personal de ella.
Con todo, Valerian es un film entretenido, que el público fan de las películas de aventuras sabrá disfrutar, y al cual le sobra un buen rato de metraje. Además, cualquier espectador será capaz de decir exactamente dónde se hubiera podido cortar para hacer una película mucho más redonda.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de agosto de 2017. Título original: Valerian and the City of Thousand Planets. Duración: 137 min. País: Francia. Dirección: Luc Besson. Guión: Luc Bisson. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Thierry Arbogast. Reparto principal: Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Rihanna, Ethan Hawke, Herbie Hancock, John Goodman, Rutger Hauer, Kris Wu, Emilie Livingston, Aurelien Gaya. Producción: EuropaCorp, Fundamental Films, Grive Productions. Distribución: eOne Films. Género: adaptación, comic, ciencia ficción, fantasía. Web oficial:http://valerianmovie.com/
El aclamado cineasta Guy Ritchie lleva a su estilo la épica aventura de acción y fantasía Rey Arturo: La leyenda de Excalibur. Protagonizada por Charlie Hunnam en el papel principal, la película es un toque iconoclasta del clásico mito de Excalibur, trazando el viaje de Arthur desde las calles hasta el trono.
Cuando asesinan al padre de Arthur, siendo este un niño, Vortigern (Jude Law), el tío de Arthur, se hace con la corona. Desposeído de su derecho de nacimiento y sin las ideas claras sobre quién es realmente, Arthur se adentra en las profundas calles de la ciudad. Pero una vez que saca la espada de la piedra, su vida se pone patas arriba y se ve obligado a reconocer su verdadero legado… tanto si le gusta como si no.
Crítica
A Guy Ritchie no le viene bien la megalomanía.
Está claro que con la trilogía formada por ‘Lock & Stock’, ‘Snatch: Cerdos y diamantes’ y la más tardía ‘RocknRolla’, Guy Ritchie puso su impronta en el cine y marco las bases para un estilo que ha marcado sus sucesivas y exitosas películas. Y distintos estilos hemos visto en largometrajes acerca del mito artúrico a lo largo de la historia del séptimo arte, pero unir esa historia al carácter del director inglés se imponía harto complicado. Conocemos tanto el mito artúrico que lo tenemos interiorizado como si hubiese formado parte de nuestra propia historia. Por eso cuesta tanto digerir el resultado tan estrafalario e impreciso en sus ideas que exhibe ‘Rey Arturo: La leyenda de Excalibur’.
Nada más ver la secuencia que cierra el epílogo ya vemos al Guy Ritchie de siempre. Y es que sacar al director inglés de su amado Londres es muy difícil. Donde mejor se desenvuelve es en los bajos fondos de la capital británica, da igual la época. Si le dejas introducir pillos y granujas ingleses, el támesis, alguno de sus amigos personales y toda la parafernalia de la cultura anglosajona él se encuentra cómodo. El problema es que en ‘Rey Arturo: La leyenda de Excalibur’ sale de ese ambiente. Pero no solo se aventura en un mundo distinto como ya hizo en ‘Operación U.N.C.L.E.’ o en una época diferente como en las dos entregas de ‘Sherlock Holmes’, si no que la magnitud alcanza cotas megalómanas y la película se le ha ido de las manos en ese sentido.
Tras esa escena que mencionaba al principio del anterior párrafo parecía que esta iba a ser una interesante versión gamberra a cerca de la leyenda del Rey Arturo y su espada, pero no ha sido así. En lugar de ello la película ha resultado ser muy fantasiosa, genérica, tremendamente desigual en su diseño de producción, en ocasiones hortera y por desgracia cansinamente redundante. Se recrea en determinadas escenas y en aportar demasiada suntuosidad y magnitud a una historia que no la necesitaba.
Hay tantas versiones de la leyenda que esta podría ser una más. Comparte momentos clave y reconocibles de los relatos de Arturo Pendragon, incluso si indagamos comprobamos que el villano tiene sus lazos y rumores históricos con Merlín. A si es que si aceptamos ver y disfrutar la ‘Excalibur’ de John Boorman o ‘El primer caballero’ de Jerry Zucker e incluso ‘Los caballeros de la mesa cuadrada’ de los Monty Python porqué no la interpretación de Ritchie. Bien, en ese sentido hay que darle algún punto a favor. La imagen de Camelot, de Excálibur y del mismo Arturo dista de la clásica, pero en esencia vienen a ser lo mismo. Un lugar donde todos puedan llegar a ser iguales, un hombre que sea un ejemplo a seguir y una espada que sea un símbolo de poder. Todos esos elementos están presentes pero de tal forma que la película parece inspirada más en un anime que en una leyenda británica. Incluso la estética de algunas localizaciones y criaturas puede recordar al afamado videojuego ‘Dark Souls’. Y es que muchísimas escenas son más de videojuego que de cine. Añado además que no son pocas las voces que oiréis diciendo que hay detalles sacados de ‘El Señor de los Anillos’.
Da un poco de rabia vislumbrar este resultado con el reparto que figura en la película. Charlie Hunnan puede parecer a mucha gente buen actor pero sus andares chulescos no le van al rey Arturo. Está acompañado de grandes actores, algunos de ellos aparecidos en ‘Juego de Tronos’, compartiendo incluso escena. La única que despunta algo más de lo habitual, sabiendo de que iba el tema, es la española Astrid Bergès-Frisbey en el papel de maga.
Elementos de Ritchie hay muchos. Los guantazos a mano abierta, los delincuentes, las carreras con la cámara pegada a la cara… Pero faltan muchos caballeros y personajes clásicos de la historia de Arturo, quién sabe, a lo mejor les vemos en una segunda parte. Películas peores han hecho saga.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de agosto de 2017. Título original: King Arthur: Legend of the sword. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Guy Ritchie. Guión: Joby Harold, Guy Ritchie, Lionel Wigram. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: John Mathieson. Reparto principal: Charlie Hunnam, Jude Law, Eric Bana, Hermione Corfield, Astrid Bergès-Frisbey, Djimon Hounsou, Geoff Bell, Aidan Gillen, Michael McElhatton, Annabelle Wallis, Mikael Persbrandt, Kingsley Ben-Adir, Freddie Fox, Craig McGinlay, Tom Wu, David Beckham, Neil Maskell, Bleu Landau, Rob Knighton, Tom Metcalfe, Daniel Harland, Peter Stacey, Nigel Murfitt, Chris Marchant. Producción: Warner Bros., Village Roadshow Pictures, Weed Road Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: acción, fantasía. Web oficial:http://www.reyarturolaleyendadeexcalibur.com/
En ‘Sharknado 5’, Fin Shephard (Ian Ziering) y su mujer biónica April (Tara Reid) se toman esta nueva misión como algo personal cuando el más joven de sus hijos queda atrapado en un “viajenado” y transportado por todo el mundo. De Londres a Rio de Janeiro, Tokio, Roma, Amsterdam y más allá, nuestros héroes trotamundos necesitarán la ayuda de un grupo altamente cualificado: gente de la realeza, estudiosos y deportistas olímpicos; junto con caras conocidas del mundo de la comunicación, el entretenimiento y los deportes en su batalla más épica hasta la fecha.
Crítica
Que no pare el ciclón de sinsentidos.
Poneos a cubierto, ya está aquí el ataque anual del tornado escualo. Como cada año desde 2013 sufrimos una oleada de sharknados y este 2017 no iba a ser menos. De nuevo de la mano de Syfy y del director Anthony C. Ferrante contemplamos como un huracán compuesto de enfurecidos tiburones arrasa nuestro planeta. Y en esta ocasión lo hace a niveles globales pues los protagonistas se desplazan por todo el mundo para intentar salvarnos. Durante la película viajaréis por varias naciones y está estará presente en más de 100 países en su estreno, un síntoma de que realmente asistimos a un «aletamiento global», a una fiebre mundial por Sharknado.
Como he dicho mismo director pero cambiamos de guionista. Si las cuatro anteriores entregas estuvieron gestadas y escritas por Thunder Levin (‘Mutant Vampire Zombies from the hood!’) ahora el responsable del guión ha sido Scotty Mullen. Este escritor especializado en comedias de acción ya despuntó dentro del género con ‘Zoombies’ y se enfrentaba al reto de superar una cuarta entrega que nos transportó al espacio. Pero con esta quinta producción de ‘Sharknado’ ha hecho bajar algo el nivel de la saga. Si, vemos las mismas locuras y los mismos disparates, pero no vivimos momentazos del mismo calibre o chispa que los que se rodaron en las anteriores películas. Los largometrajes del tipo ‘Sharknado’ no son para tomárselos en serio, por eso donde radica su gracia es en sus instantes de demencia y desvarío, algo exentos esta ocasión. Al menos sí que tiene la ocurrencia de mezclar cosas como el steampunk, las hermandades, las estaciones de combate, los tornados nucleares, un Sharkzilla, los mundos postapocalípticos, el snowboard al son de Offspring… y por supuesto las parodias de películas clásicas. Pero yo me quedo con el momento que une Los Diez Mandamientos con Dragon Ball y una Tara Reid ataviada como una cyborg Monster High.
Lo que atrae a mucha gente a ver las películas de ‘Sharknado’ son las celebrities. Los famosos son los que le dieron vidilla a este fenómeno al principio en Twitter y ellos son los que con sus apariciones llaman a los espectadores. La mayoría es masacrada por tiburones pero alguno logra salvarse, como Al Roker que ya ha salido en varias películas. En esta entrega podréis ver a Chris Kattan (‘Movida en el Roxbury’), Tony Hawk, Dan Fogler (‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’) u Olivia Newton-John (‘Grease’), pero quien se lleva la palma es Dolph Lundgren, no os diré por qué. Podéis consultar algunos más aquí. Lo cierto es que con o sin famosos este ‘Sharknado’ número cinco es el más plástico, y no lo digo por el carácter cambiante de sus tornados, si no por el desfile de silicona y botox que vais a ver.
Esta saga también va de sagas familiares, la de los Shepard en concreto. La familia de Fin está más separada y en peligro que nunca y sobre todo en su final es cuando esta adquiere más importancia. Es su hijo menor el hilo conductor de toda la película y el que dará pie a la sexta entrega de la saga, ¡por supuesto que habrá más! Esperemos que en esa próxima película se profundice en el origen de los sharknados, del cual ya se comienza a hablar aquí.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de agosto de 2017. Título original: Sharknado 5: Global Swarming. Duración: 90 min, País: EE.UU. Dirección: Anthony C. Ferrante. Guión: Scotty Mullen. Música: Christopher Cano, Chris Ridenhour. Fotografía: Ryan Broomberg. Reparto principal: Ian Ziering, Tara Reid, Masiela Lusha, Cassandra Scerbo, Cody Linley,David Naughton, Russell Hodgkinson, Jena Sims, Daniel Eghan, Benny Bereal,Jag Patel, Kate Garraway, Kishore Bhatt, Charlotte Hawkins, Paul O’Kelly. Producción: The Asylum, Syfy. Distribución: Syfy. Género: ciencia ficción, serie B, comedia. Web oficial:http://www.syfy.es/videos/sharknado-5
Emoji la película descubre los secretos nunca antes vistos del mundo interior de tu smartphone. Oculta tras la aplicación de mensajes de texto, Textópolis, es una ciudad bulliciosa en la que conviven todos tus emoticonos preferidos, a la espera de ser seleccionados por el usuario del teléfono. Se trata de un mundo en el que cada emoji tiene una única expresión facial, salvo en el caso de Gene, un entusiasta emoji que nació sin filtro alguno y tiene distintas expresiones. Dispuesto a ser “normal” como todos los demás, Gene pide ayuda a su mejor amigo “Choca esos 5” y el descifrador de códigos de mala fama, “Rebelde”. Juntos, se embarcarán en una épica “app-ventura” paseándose por todas las apps del teléfono, cada una en su contexto alocado y divertido, para dar con el código que reparará a Gene. Pero cuando surge una amenaza inesperada que pondrá en peligro al teléfono, el destino de todos los emojis dependerá de estos tres amigos que harán todo lo posible por salvar el mundo antes de que sea eliminado para siempre.
Crítica
Mejor de lo esperado, pero aún así poco eficiente.
No hay duda de que los emoticonos forman parte de nuestra vida. Difícil es que podamos decir que hemos pasado un día sin encontrarnos alguno en nuestras conversaciones telefónicas. Estos jeroglíficos modernos expresan en el mundo digital nuestro estado de ánimo, reacciones, ideas… Ahora, a través de una aventura animada, podemos obtener otra visión de ellos, mucho más fantasiosa e infantil de la que puede tener un programador informático, por supuesto. Pasando de este modo a formar parte del imaginario cinematográfico, superando en algunos sentidos mis bajas expectativas pero quedándose muy corta en sus pretensiones.
La selección de los personajes debió de ser como entrar en un buffet libre. El menú de nuestro teclado ofrece multitud de posibilidades y la elección de los guionistas (Eric Siegel, Anthony Leondis) está acertada. Han creado un protagonista con el que sentirse identificado y le han rodeado de carismáticos amigos de diversa índole. Pero no son sus criaturas, si no sus palabras, donde reside el desatino de ‘Emoji la película’.
El rango de edades al cual está dirigido la película no está bien definido. Los que fuimos a la E.G.B., las generaciones criadas en el siglo pasado, entenderemos mejor el mensaje de la película, pero somos ya demasiado adultos para el tipo de humor empleado. Sin embargo los más jóvenes se reirán de la gran cantidad de chistes fáciles y simplones que tiene la película, pero se perderán con el sentido de algunas frases y con muchas de las decisiones de los protagonistas.
Los únicos chascarrillos y recados que nos deja casi sin querer ‘Emoji la película’ para un público adulto tienen que ver con el uso prematuro de las tecnologías y lo absorbidos que estamos por el mundo digital, reduciendo nuestras relaciones humanas al mínimo incluso cuando el receptor de nuestro mensaje está en la misma sala. Podría servir para que un adulto haga autocrítica y reflexión, pero nuestros bisoños no se percatarán de esto por el modo en que está presentado, si acaso correrán a redactar mensajes con emoticonos. Si que es cierto, y se agradece, que en determinada escena y en su climax intente mandar el mensaje, nunca mejor dicho, de que es mejor un amigo real que muchos seguidores en las redes sociales. Pero eso no parece que impacte en nuestro protagonista humano.
Las voces tras las bambalinas de estos seres que cobran vida tras las bambalinas de nuestro teléfono llegan realizadas por estrellas muy conocidas. En su versión original figuran en el reparto T.J. Miller, Anna Faris, Sofía Vergara, Patrick Stewart, Jennifer Coolidge, James Corden, Cristina Aguilera… Pero yo la he visto doblada y he de decir que las personas elegidas para las voces en castellano han realizado un trabajo muy bueno. A parte de que el casting de doblaje me parece bien configurado, los actores que han estado involucrados en la película han hecho un buen uso de sus voces. En especial destaca la labor de Macarena Gómez como Rebelde y de Quim Gutiérrez como Gene, el protagonista, aunque él está más reconocible. No creo que haga falta decir que Carlos Latre está muy atinado con sus cuerdas vocales.
Gráficamente está lograda, incluso podría decirse que sirve de ejemplo visual del mundo digital para los más pequeños. Es una manera original de dar vida a algo tan estático como son los emojis de nuestros smartphones. Desde que tenemos constancia de un emoticono gráfico (en 1881) hasta la fecha mucho han cambiado estos caracteres ilustrados. Ahora tenemos una nueva concepción de ellos, menos aguda y cómica de lo que cabría esperar, pero con alguna que otra virtud.
‘Emoji la película’ no está mal concebida, por mucho que oigamos eso de «ya no saben de qué hacer películas». El problema del filme es que no tiene un público objetivo claro en cuanto a su humor o le falta más chispa. La idea y la historia esta sorprendentemente bien desarrollada, aunque no suficientemente bien explotada. Tal vez dentro de varias décadas miremos esta película y con nostalgia recordemos las aplicaciones que aparecen en ella.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de agosto de 2017. Título original: The Emoji Movie. Duración:País: EE.UU. Dirección: Anthony Leondis. Guión: Eric Siegel, Anthony Leondis. Música: Patrick Doyle. Reparto principal (doblaje original): T.J. Miller, Anna Faris, Sofía Vergara, Patrick Stewart, Jennifer Coolidge, James Corden, Maya Rudolph, Cristina Aguilera. Reparto principal (doblaje español): Quim Gutiérrez, Macarena Gómez, Úrsula Corberó, Carlos Latre, Mario Vaquerizo. Producción: Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, animación. Web oficial:http://www.theemoji-movie.com/
Carmen y Carlos son una pareja del extrarradio de Madrid. Ella, ama de casa entregada a su familia. Él, un gruista que vive por y para el Real Madrid. Resignados a la rutina, todo cambia el día de la boda del sobrino de éstos. Durante la celebración, Pepe, primo de Carmen e hipnotista aficionado, hace una demostración, a la que Carlos incrédulo, se presta como voluntario. A la mañana siguiente, Carlos se comporta de una manera insólita. Empieza entonces una surrealista y divertida investigación por parte de los primos para recuperarlo. Mientras, Carmen comienza a sentirse extrañamente atraída por su ‘nuevo’ marido.
Crítica
Un film hipnótico donde todos sus actores deslumbran con luz propia.
Si ‘Blancanieves’ es muda, austera y en blanco y negro, ‘Abracadabra’ es todo lo contrario, llena de color, de ruido, de vida y sobre todo con unos personajes muy chonis. PabloBerger aborda una historia sobre el machismo de una manera original y a la vez muy directa.
No quiero contar mucho, pero ‘Abracadabra’ nos trae la historia de Carmen, una mujer que vive por y para su marido, lo único que intenta es gustarle mientras que éste, en lo único que piensa es en el futbol y en su Real Madrid. Estos dos personajes son el centro de atención de esta historia que está llena de personajes secundarios perfectos, pero aún me queda por hablar de un protagonista en discordia, Pepe, el primo de Carmen, el hombro donde ésta llora siempre que puede y el culpable de que la vida de Carmen y Carlos se complique al hipnotizar a éste último y hacer que la vida de Carmen cambie de una manera que ni ella misma se espera.
Pablo ha hecho un trabajo increíble creando esta película que no para de sorprender, es divertida, sencilla y sin trampas. Tiene una dirección impresionante, todo está medido al milímetro, el decorado, la música que es una delicia, el vestuario y sobre todo hay dos escenas que me han encantado, de lo bien rodadas que están. Una es un baile en una discoteca, todo, la luz, los movimientos, las miradas, lo tiene todo para poner los pelos de punta, para saber los sentimientos de los personajes en ese momento. La otra escena es una video casero de una boda, no puedo contar nada, solo que mientras la ves no sabes si reír a sentir miedo.
El tema del hipnotismo está presente todo el tiempo durante la cinta, para ello han contado con JorgeAstyaro, un reconocido mentalista internacional .
No puedo, ni quiero, acabar sin hablar de los actores, están sublimes. Pablo ha sacado lo mejor de todos ellos. Carmen es un caramelo que MaribelVerdú ha moldeado a la perfección y le ha logrado dar una personalidad arrolladora.
Qué decir de AntoniodelaTorre, está perfecto. Dejando atrás el thriller que tanto bien le ha dado, aquí nos demuestra que sabe hacer mucho más, incluso bailar.
JoséMota nos muestra a un hombre dulce y a la vez el eterno enamorado de su prima Carmen, se nota que poco a poco coge tablas en la actuación y en ‘Abracadabra’ está estupendo.
Y para terminar hablaros de tres secundarios, JosepMariaPou, con un papel extravagante y muy exagerado pero necesario para la trama.
QuimGutiérrez, el cual apenas aparece, pero lo poco que está en pantalla es espectacular.
Y terminar con JuliánVillagrán, adoro su Velázquez en ‘ElMinisteriodelTiempo’, pero aquí tiene un papel tremendo, muy breve, pero sin duda muy divertido.
En general los personajes son muy exagerados al igual que las situaciones de la película, Pablo ha hecho de un tema muy serio una comedia negra y esas situaciones y esos personajes son necesarios.
‘Abracadabra’ va a dar mucho que hablar, os hará reír y a la vez mucho que pensar, una película muy disfrutable y muy recomendable.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de agosto 2017. Título original: Abracadabra. Duración:País: España. Director: Pablo Berger. Guión: Pablo Berger. Música: Pablo Berger, Alfonso de Vilallonga. Fotografía: Kiko de la Rica. Reparto principal: Maribel Verdú, Antonio de la Torre, José Mota, Josep ;aría Pou, Quim Gutiérrez, Priscilla Deslgado, Saturnino García, Ramón Barea, Javivi, Julián Villagrán, Rocío Calvo, Javier Antón, Janfri Topera, Fabia Castro. Producción: Arcadia Motion Pictures, Atresmedia Cine, Movistar+. Distribución: Sony pictures. Género: Comedia negra. Web oficial:http://cine.atresmedia.com/peliculas/abracadabra/
‘Transformers: El último caballero’ hace que salten por los aires los mitos esenciales de la saga Transformers a la vez que plantea una definición radicalmente diferente de lo que supone ser un héroe. Los humanos y los Transformers están en guerra, Optimus Prime ya no está. La salvación de nuestro futuro depende de una clave enterrada entre los secretos del pasado, oculta en la ignota historia de los Transformers en la Tierra. La titánica tarea de salvar nuestro mundo recae sobre una alianza impensable: Cade Yeager (Mark Wahlberg), Bumblebee, un Lord inglés (Anthony Hopkins) y una profesora de Oxford (Laura Haddock).Todo el mundo llega a un momento en la vida en el que el destino le ofrece la oportunidad de marcar la diferencia. En “Transformers: El último caballero”, los perseguidos se convierten en héroes. Los héroes mutan en villanos. Solo puede quedar un mundo en pie: el suyo, o el nuestro.
Crítica
Lejos de lo Optimus, ha sido una decepticon.
Si no eres muy seguidor de los Transformers deberás cambiar en mi titular Optimus por óptimo y Deception por decepción para entenderlo mejor. Yo siempre he defendido el inicio de esta saga que da vida a los muñecos de la Hasbro. Y siempre digo que es una adaptación palomitera de ese producto, no de las series o los cómics que tanto nos gustaron cuando un servidor era niño ya que siempre ha sido meramente parecida. Pero ha llegado un punto muy difícil o casi imposible de justificar. Tal es el resultado que la franquicia ha sido absorbida por la B, pero no por la inicial del cada vez más protagonista Bumblebee, si no por la Serie B. Por supuesto, como esta es una película mucho más cara que las típicas de ese género la calidad del CGI es muy buena. Pero todo lo demás parece pertenecer más a esa categoría cinematográfica. Dirección, interpretación, guión… casi todo hace las mismas aguas que muchos telefilms de ciencia ficción. Hasta Anthony Hopkins realiza más de una escena de chiste.
De entrada se incorporan personajes a la trama, incluido Optimus Prime, que permanecen desaparecidos durante casi la totalidad del metraje. Saltamos rapidísima y desconcertantemente por gran variedad de historias y localizaciones. Conspiraciones, el mito artúrico, nazis, invasiones, alienígenas, cyborgs, bombas temporales… La lista elementos que se han adosado a los Transformers es tan larga que me cuesta acordarme de todos. El tono del filme también muta bastante según va avanzando. Predomina la acción, por supuesto, pero pasa por la comedia, la aventura a lo más Tomb Raider, las pandillas infantiles, el drama familiar… hasta tiene una secuencia a lo ‘Código Da Vinci’. Solo habría faltado que convirtiesen en Transformer a la silla de Stephen Hawking.
‘Transformers: El último caballero’ es tan inconexa que llega un momento en el que no se sabe quién disparaba o a quién disparaban los protagonistas. Tiene varias secuencias en las que se cambia de escenario o aparecen personajes sin ton ni son. Por no enumerar la gran cantidad de fallos de raccord que posee. No sé si culpar de esto al montador de la película o al plan de rodaje de Michael Bay. La cosa es que gran parte de la responsabilidad de este desbarajuste la tendrán los tres guionistas del filme, que ni cortos ni perezosos han llegado al límite de faltar a la coherencia con respecto a la primera película. Aún así tenemos imagen de Shia LaBeouf y alguna que otra referencia a anteriores películas.
La banda sonora de Jablonsky también se ha resentido con cada estreno. Siempre me ha parecido excelente la música de la primera y tercera entrega. Sus temas han sido utilizados en cuñas, anuncios, reportajes, programas de televisión… y eso lo considero tan buen síntoma como que se hayan empleado todos estos años temas de Queen o los Creedence para los mismos fines. Pero en esta ocasión ha compuesto canciones bastante planas, edulcoradas con compases de las otras películas. Como el famoso ‘Sin sacrificio no hay victoria’, frase que tanto se repite en este filme.
En cuanto a la fotografía, que siempre llama la atención en las películas de Bay, ha estado como responsable Jonathan Sela (‘John Wick’). Este demuestra entender bien el estilo de fotografía del director para captar las peleas, las explosiones por doquier o los momentos épicos. Porque continúa ese intento de Michael Bay por destruir y recomponer el planeta más veces que Roland Emmerich. El cine catastrofista también está presente en esta entrega. Y es en el espectáculo visual donde nos podemos recrear de lo lindo. La película no anda corta de grandiosidad y espectacularidad. También nos ofrece un elenco muy trabajado de nuevos robots que seguro que más de uno querrá tener en su estantería.
Parecía que ‘Transformers: El último caballero’ aportaría un trasfondo más profundo, coherente o diferente a la saga, algo que le daría más sentido a la franquicia, pero no. También se nos hizo entrever que sería la entrega que más elementos utilizaría de la serie original y eso si se ha cumplido. Pero ha desfigurado el material que muchos recordamos e incluso ha ocultado el concepto que Bay le ha dado para desvelarlo en siguientes películas. ¡Sí! Tal y como acaba el filme se nos prometen más capítulos de ‘Transformers’ (aparte del spin-off de Bumblebee), esperemos que con un cambio abismal de rumbo.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de agosto de 2017. Título original: Transformers: The Last Knight. Duración: 149 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Bay. Guión: Art Marcum, Matt Holloway, Ken Nolan. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Jonathan Sela. Reparto principal: Mark Wahlberg, Anthony Hopkins, Isabela Moner, Laura Haddock, Stanley Tucci,John Turturro, Josh Duhamel, Gil Birmingham, Santiago Cabrera, Liam Garrigan,Jason Matthewson, Mark Ryan, John Hollingworth, Andy Bean, Jerrod Carmichael. Producción: Hasbro, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, accion, adaptación. Web oficial:http://www.transformersmovie.com/
Lorraine Broughton (Charlize Theron) es la agente del servicio secreto de inteligencia británica considerada como la joya de la corona. Lorraine es enviada a Berlín a recopilar información sobre el extraño asesinato de otro agente encubierto. Ella es espionaje, sensualidad y fiereza en partes iguales y está dispuesta a utilizar cualquiera de sus habilidades para mantenerse viva en esta misión imposible.
Crítica
Superando sin sorpresa a las viñetas.
Ya comenté cuando hablé del cómic de ‘La ciudad más fría’, obra en que se basa ‘Atómica’, que esta es una historia muy convencional, con giros argumentales que nos podemos esperar. Una trama de espionaje al uso enmarcada en los días previos a la caída del muro de Berlín. Pero a pesar de su pronosticable resultado la película ha conseguido superar a las viñetas enfatizando otros aspectos que el cómic no supo explotar.
Uno de ellos es su vistosidad. Para salir de unos dibujos tan sosos como eran los de la obra de Antony Johnston y Sam Hart, se ha trabajado con un diseño de producción muy llamativo, en el cual, las luces de neón coloridas contrastan con un frío ambiente, una fría ciudad. Se nota que en la fotografía está Jonathan Sela, cuyo trabajo veréis en breve en ‘Transformers: El último caballero’ y habréis visto en películas como ‘John Wick’ (que tiene similitudes con este filme). Alejándose mucho de otras adaptaciones como ‘Sin City’ en las que calcaban las imágenes de su obra original, ‘Atómica’ crea su propio estilo visual, sin lograr ser una maravilla, pero si adquiriendo mucha personalidad. Incluso se permite hacer guiños a otros cómics e introducir referencias visuales de la cultura popular de la época. Haciendo un inciso, fijaos en una escena que comparten Charlize Theron y Sofia Boutella en un mugriento baño, ¿hay un guiño a ‘Juego de Tronos’ con un trono menos higiénico que el de hierro?
Posee un carácter que va muy acorde a un acierto que esta vez si encontramos tanto en las viñetas como en el celuloide. Me refiero a la gestación de un personaje femenino que realmente es protagonista de su propia historia, que está muy bien definido y al cual no se le caen los anillos a la hora de liarse a puñetazo limpio. Por supuesto me refiero al personaje de Charlize Theron, que ya acumula tantos y tan buenos papeles dentro del género de acción que se está convirtiendo una legendaria, igual que se forjaron otros héroes masculinos en el siglo pasado. Como heroína cumple por encima de las expectativas de muchos. A mí personalmente me parece que le da carácter y fuerza a sus personajes, pero en ocasiones, como es el caso, la película no acompaña demasiado. Y eso que Theron tiene escenas de lucha muy completas y muy rítmicas. En concreto hay una secuencia que sucede entre rellanos de un edificio que me ha impactado por su coreografía y su crudeza, muy potente ahí la actuación de la actriz sudafricana.
Al margen de lo visual o lo musical, como decía al principio, hay muchas señales que nos van adelantando con demasiada antelación algunos giros de guión. Eso hace que nos simporte menos la historia y nos concentremos únicamente en su imagen y sonido. Me parece un artificio un tanto vago, la historia nunca debe quedar tanto en un segundo plano. Y ya no es solo su previsibilidad, si no su cantidad de cambios de rumbo lo que puede marear. Además de con su carácter videoclipista nos intenta impactar con sorpresas en cuanto a las intenciones reales de sus personajes pero no resultan nada novedosas.
Todas estas virtudes y defectos encajan a la perfección con un director cuya carrera está repleta y curtida en papeles de especialista en escenas peligrosas o de acción. David Leitch ha ejercido de stunt en películas como ‘Van Helsing’, ‘300’ o ‘Sr. y Sra. Smith’. Lo cual apoya más mi concepción de ‘Atómica’ como una película de acción más que de intrigas elaboradas.
No están exentos de buenas interpretaciones James McAvoy, Sofia Boutella y John Goodman, aunque en mejores plazas han lidiado. Lo que me parece más valioso de ‘Atómica’ es que con una historia muy parecida se ha sabido conseguir un tono distinto al del cómic, que es muchísimo más pausado. La película habla menos del machismo de la época y deja que sea la protagonista la que demuestre las capacidades que tiene como mujer. Porque como he indicado en anteriores párrafos y también dije en mi reseña del cómic, lo más destacado de esta narración es la creación de un personaje femenino potente.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de agosto de 2017. Título original: Atomic Blonde. Duración: 115 min. País: EE.UU. Dirección: David Leitch. Guión: Kurt Johnstad. Música: Tyler Bates. Fotografía: Jonathan Sela. Reparto principal: Charlize Theron, James McAvoy, Sofia Boutella, John Goodman, Eddie Marsan,Toby Jones, Bill Skarsgård, Roland Møller, Attila Árpa, Sam Hargrave, Jóhannes Haukur Jóhannesson. Producción: Focus Features, 87Eleven, Closed on Mondays Entertainment, Denver and Delilah Productions, Sierra, Affinity. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller, acción, adaptación, cómic. Web oficial:http://www.atomicblonde.com/
El escritor Max Zorn regresa a Nueva York para la promoción de su última novela, donde le espera su joven esposa Clara, quien lleva meses trabajando allí. El libro cuenta una historia de amor que ocurrió en esta misma ciudad hace 17 años. Max vuelve a ver a Rebecca, la mujer de la que se enamoró entonces. Ella, reticente al principio, le invitará a acompañarla a Montauk, al final de Long Island, donde vivieron su romance: un lugar donde solo quedan el mítico faro, el cielo y una playa interminable.
Crítica
Una narración adornada y baladí.
‘Regreso a Montauk’ no hace honor a la reputación de Volker Schlöndorff, que si bien no es mi estilo de director tiene buen hacer y una larga lista de seguidores de sus más de cuarenta películas. De alguien tan rompedor y atrevido como para adelantarse a tu tiempo y adaptar en 1990 ‘El cuento de la doncella’ antes de que lo hiciese HBO esperaba algo mejor, sobre todo al generar la película a partir de una obra que en su día causó una supuesta provocación.
Mucho se prolonga la espera del regreso a Montauk y demasiado tiempo se toma Schlöndorff para sentar las bases de algo que quizá es más trivial de lo que él pretendía. Mucha palabrería y mucho encuentro fortuito para que el resultado final no esté condicionado por ello. Filosofía barata y algunas frases provechosas aparecen por doquier durante la película. Un intento de adornar una historia de amor desaprovechado, un despecho y un desquite para un personaje que va sin un rumbo claro. Esta es una historia de remembranza con un compás extenuantemente sosegado. Da la impresión de que ha querido sembrar momentos en los que hace falta leer entre líneas, pero o bien no ha sido lo suficientemente sutil o esos instantes carecen de relevancia.
Pese no haber sabido generar interés el escritor saca el lado más encantador y puramente actoral de Stellan Skarsgård, al cual estamos más acostumbrados a ver en películas comerciales como ‘Thor’ o ‘Un traidor como los nuestros’. Realiza varios monólogos no fáciles de recordar y tampoco de interpretar. Con la modulación de su voz consigue transmitir mensajes que van por caminos diferentes a los de sus palabras. El director también ha conseguido una buena interpretación por parte de Susanne Wolff, impulsiva, salvaje y enérgica en su papel. Nina Hoss por su parte es la tercera persona en discordia de este triángulo amoroso. Maneja bien los momentos quebradizos de su personaje.
‘Regreso a Montauk’ no exhibe gracia alguna entre la futilidad de sus argumentos. Y todo ello pese a haber dispuesto un apropiado elenco de personajes. Una obra que a quién más habría gustado sería al homenajeado, Max Firsch, que habría visto con este filme a los personajes de su novela en movimiento. Pero él mismo debió contar mejor su propia historia y la controversia que supuso en su tiempo no tendrá efecto en esta década del siglo XXI.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de agosto de 2017. Título original: Rückker Nach Montaux. Duración: 106 min. País: Alemania. Dirección: Volker Schlöndorff. Guión: Volker Schlöndorff, Colm Tóibín. Música: Max Richter, Thomas Bartlett, Caoimhin O’Raghallaigh. Fotografía: Jérôme Alméras. Reparto principal: Stellan Skarsgård, Nina Hoss, Susanne Wollf, Niels Arestrup. Producción:Distribución: Golem Distribución. Género: romantico, adaptación. Web oficial:http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=408
Una mujer en su tercer trimestre de embarazo es acosada por una extraña que está obsesionada con su hijo nonato.
Crítica
Un gran acierto esta adaptación, Miguel Ángel Vivas nos trae una versión más tensa y dinámica.
Del director de ‘Extinction‘, llega ‘Inside‘ adaptación de la cinta de terror francesa ‘AlInterior’ con guión del gran Jaume Balagueró (‘REC‘, ‘Musa’) y ManuDíez (guionista de ‘REC4‘). Miguel Ángel Vivas hace de ‘Inside’ un verdadero thriller, donde la situación es tan real que verdaderamente lo pasas mal.
Una madre es acosada por una mujer que lo único que busca es conseguir el bebé que la primera lleva en su vientre. La historia podría pasar en cualquier casa, por eso es tan terrorífica, no es una película de grandes sustos, sino la tensión es la que juega con el espectador en esta cinta.
Esto ha sido gracias en parte a la dirección técnica, los planos, la música, la casa en general se puede convertir perfectamente en una gran tumba para nuestra protagonista.
Como en sus anteriores películas el tema de la familia vuelve a salir a flote, el proteger a los seres que más quieres ya sea de personas o de seres monstruosos como en el caso de ‘Extinction’.
Y por supuesto, esta gran atmósfera y tensión ha sido gracias a las dos actrices, ambas están estupendas. RachelNichols (‘Star Trek’) con su imagen frágil, sola en una gran casa, con un estado de ánimo terrible por culpa de lo ocurrido durante el viaje, hace que estés todo el rato preocupado por ella y por su bebé. Mientras que Laura Harring (‘Mulholland Drive‘) está estupenda, su frialdad, su mirada, sus gestos, toda su actuación es impresionante y logra meternos el miedo en el cuerpo.
No me gustan las comparaciones, pero sí que es cierto que al ser una adaptación es imposible no hacerlo. Miguel Ángel logra una cosa que no se logró ver en la cinta francesa y es que a ambas protagonistas les da un lado humano y otro deshumanizado. Se ve como en esa noche el personaje de ambas evolucionan, una de ellas para poder sobrevivir y quedarse con su bebé, la otra por lograr su cometido y robar a la criatura.
Quizá lo único que le puede sobrar a la cinta es que se introducen varios giros de guión que quizá no eran necesarios, llega un momento que se puede perder un poco el interés de lo que va a ocurrir a continuación.
La sangre desaparece, su predecesora es mucho más visceral, esta se centra mucho en el suspense, cosa que en mi opinión es una verdadera mejora. Es una película muy disfrutable, para ir al cine dejar de pensar y simplemente pasarlo mal.
Eso sí, ‘Inside‘ logra ser totalmente distinta a ‘Al interior‘ y eso es algo bueno, pues tenemos dos películas que disfrutar, con la misma historia pero totalmente diferentes la una a la otra.
No os la podéis perder.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de julio 2017. Título original: Inside. Duración: 91 min. País: España. Director: Miguel Ángel Vivas. Guión: Jaume Balagueró y Manu Díez. Música: Víctor Reyes. Fotografía: Josu Inchaustegui. Reparto principal: Rachel Nichols, Laura Harring, Andrea Tivadar, Stany Coppet, BenTemple, Craig Stevenson, Richard Felix, Maarten Swan, David Chevers, Steve Howard. Producción: Nostromo Pictures. Distribución: eOne Films. Género: Terror, thriller.
Un joven Peter Parker/Spider-Man (Tom Holland), quien hizo su sensacional debut en ‘Capitán América Civil War’, comienza a experimentar su recién descubierta identidad como el superhéroe Spider-Man. Después de la experiencia vivida con los Vengadores, Peter regresa a casa, donde vive con su tía (Marisa Tomei). Bajo la atenta mirada de su supervisor Tony Stark (Robert Downey Jr.) Peter intenta mantener una vida normal pero irrumpe en su rutina diaria el nuevo villano Vulture (Michael Keaton) y con él, lo más importante de la vida de Peter se verá amenazado.
Crítica
El Spider-Man que muchos estaban esperando.
Ciertamente me supo a poco lo que vi del Spider-Man de Tom Holland en ‘Capitán América: Civil War’, por cantidad de minutos más que por calidad. Desde ese mismo punto arranca la película de Jon Watts que supone la consagración del matrimonio entre Sony y Marvel/Disney, que ha dado a luz esta película, la cual, entra en la onda y el estilo de todo el universo Avengers. Pero lo hace aportándole nuevas formas. No supone un cambio tan eficiente ni rompedor como el que Fox consiguió con ‘Deadpool’ pero está ahí ahí.
Malo sería que no atinasen a conseguir algo satisfactorio y a elaborar bien la historia o conseguir dar forma a un Spider-Man adecuado con seis guionistas que tiene el filme, entre ellos el director. También era de esperar que tomasen nota de los fallos anteriores, tanto de la saga de Raimi como de la del cercano reinicio de Marc Webb. He de decir que además del cómic me gustaba mucho la serie de animación de los noventa y este Spider-Man recuerda mucho más al de los dibujos que al de Tobey Maguire o Andrew Garfield. Tiene esa personalidad adolescente, pilla, burlona y parlanchina que muchos lectores demandan. Ahora solo falta que la franquicia adquiera ese carácter tan coral que han tenido siempre con respecto a los villanos, tanto en cómics como ‘Los enemigos letales de Spider-Man’, como en la serie televisiva. Poco a poco se irá construyendo.
Como he mencionado ‘Spider-Man: Homecoming’ está muy integrada en el universo de Marvel Studios. Cada dos por tres vemos elementos, se citan acontecimientos o aparecen personajes de la saga de superhéroes, en su mayoría de veces quien aparece es Robert Downey Jr. / Iron Man. Pero lo hace a título de tutor del mundo de las mallas y no está tan presente como temía, queriendo que esta fuese de verdad una película en solitario de Spider-Man. Pero, aunque me ha parecido muy buena película, peca de estar obsesionada con la integración del personaje en la ya mencionada franquicia. Si analizamos y le quitamos todo el trasfondo de Los Vengadores se convierte en episódica.
Consecuencia de ello es la adaptación del personaje de El Buitre que ha interpretado correctamente Michael Keaton. Se le ha cambiado ligeramente para darle coherencia con el universo cinematográfico al que entra a formar parte. Keaton ejerce de malvado con motivaciones realistas, nada megalómanas. La lástima es que al final se juega a lo mismo que a lo que se jugaba con el Duende, esto lo entenderéis mejor viendo el filme. Pero las maneras del actor están acorde al personaje y de acumular más películas podría convertirse en un clásico.
Que por cierto, que hablando de actores del filme, Laura Harrier, la supuestamente elegida para arrebatar el corazón a Peter Parker, parece poseer menos calidad actoral que la «MJ» de Zendaya, que se mantiene en segundo plano y seguro que en posteriores películas adquirirá peso.
Haciendo un popurrí de otros detalles del filme. La tonalidad de la película también es un acierto: ágil, ajetreada, colorista, amena… Junto a ella va la música de Giacchino, que sin lograr construir un leitmotiv pegadizo nos transporta a un mundo heroico. Desconocedora de ese tinglado es la nueva tía May. Todo el mundo cuestiona su edad pero recordemos que Marisa Tomei tiene ya más de cincuenta años. Otra cosa es que como a mí, no convenza su calidad y candor. Mejor actor me parece Logan Marshall-Green, al que prácticamente le pasa casi como a James Franco en ‘Alien: Covenant’.
Por supuesto hay huevos de pascua y curiosidades. El filme tiene varios guiños a las anteriores entregas de Spider-Man y de manera casi obligada a los cómics. La nueva miscelánea de Marvel Studios se presenta con la clásica sintonía de 1967 (podéis oírla aquí con la orquesta de Giacchino). Se han montado dos escenas post-créditos, una a mitad y otra al final de estos. Ambas relacionadas con el futuro de esta franquicia salida de la mente de Stan Lee. Como no, el artista tiene su tradicional cameo. Como parece ser tradición también que la voz de las IA’s estén relacionadas con Paul Bettany, que ponía voz a Jarvis antes de encarnar a Visión. No porque aparezca él si no porque hay otra llamada Karen a la cual dobla Jennifer Connelly, esposa de Bettany.
Le ha venido bien a Spider-Man esta vuelta a casa, esta graduación. No reincide en los consabidos inicios del héroe ni el drama del tío Ben. Me ha quedado la tesitura de si es la que más me ha gustado hasta la fecha. Solo sé que si a la segunda de Sam Raimi le hubiesen incluido este Spider-Man habríamos tenido un coctel explosivo.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de julio de 2017. Título original: Spider-Man: Homecoming. Duración: 133 min. País: EE.UU. Dirección: Jon Watts. Guión: John Francis Daley, Jonathan Goldstein, Christopher Ford, Chris McKenna, Jon Watts, Erik Sommers. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: Tom Holland, Michael Keaton, Zendaya, Marisa Tomei, Robert Downey Jr. Producción: Columbia Pictures, Marvel Studios, Pascal Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: cómic, adaptación, ciencia ficción. Web oficial:http://www.spidermanhomecoming.com/
En “Diario de Greg: Carretera y manta”, el viaje de la familia para asistir a la fiesta del 90 cumpleaños de la abuela, se sale jocosamente de lo previsto gracias al último plan de Greg de acudir a una convención de videojuegos. Basada en una de las series de libros más vendidas de todos los tiempos, esta aventura familiar a través del país se convierte en una experiencia que sus protagonistas no olvidarán jamás.
Crítica
Fresca y divertida para este verano tan caluroso
La familia Heffley hace el viaje de sus vidas, lo que no saben es que absolutamente todo va a ir en su contra.
Basada en los libros de Jeff Kinney, es la cuarta película que se hace sobre este personaje y la primera que veo. Tampoco soy lectora, pero sí que admito que sí los libros son como la película de la que aquí hablamos, entiendo perfectamente el éxito que han tenido hasta ahora.
La película es divertida, sencilla y a la vez llena de situaciones surrealistas que hacen que el viaje de nuestros protagonistas sea un auténtico desastre.
La cinta trata un tema actual, la entrada de la tecnología en la vida de las familias con niños. Una madre que quiere un viaje normal sin que los móviles, ordenadores o consolas interrumpan la vista de la naturaleza. Una misión bastante complicada en un mundo lleno de redes sociales y donde no subir una foto diaria a Instagram significa que algo malo ha ocurrido.
Además de otro tema que tiene que ver también con las redes sociales que son los memes, el convertirse en un meme en internet y como sobrevivir a ello.
Me ha llegado a recordar a la serie de ‘Malcom in the middle’, eso sí, más edulcorada, pero con situaciones absurdas que tienen que solucionar en familia.
David Bowers, realizador ya de tres de las películas sobre este personaje, incluyendo esta, se mueve como pez en el agua y sin duda hace el deleite de los fans y no fans de esta saga.
Una de las cosas que más me ha gustado ha sido la manera de meter imágenes animadas con la realidad.
En cuanto a los actores el encargado de dar vida a Greg, Jason Drucker está estupendo, pero sin duda el que más me ha encandilado ha sido el que ha hecho de su hermano, Charlie Wright, con un papel estúpido y exagerado, pero necesario en la trama y que me ha hecho reír un montón.
Mencionar también a la actriz Alicia Silverstone en el papel de la madre que solo queire disfrutar de su familia.
Sin duda, ‘El diario de Greg’ es una gran película para toda la familia y muy recomendable para estos días de tanto calor. Os divertiréis.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de julio 2017. Título original: Diary of a Wimpy Kid: The long haul. Duración: 90 min. País: Estados Unidos. Director: David Bowers. Guión: Adam Sztykiel , basado en el libro de Jeff Kinney. Música: Ed Shearmur. Fotografía: Anthony B. Richmond, Tony Richmond. Reparto principal: Alicia Silverstone, Tom Everett Scott, Juan Gaspard, Charlie Wright, Jason Drucker, Joshua Hoover, Ryan Newton. Producción: Color Force, Dune Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: Comedia. Web oficial: http://www.diariodegregcarreteraymanta.es/
El viejo capataz de una estancia patagónica es despedido de su trabajo. Un peón más joven toma su lugar. El cambio no será fácil para ninguno de los dos. El paisaje se cubre de blanco, la nieve y el viento aíslan por completo el lugar y ya no se trata de trabajar o de vivir, sino de resistir. Cada uno a su manera deberá resistir al siguiente invierno.
Crítica
Cuando la soledad invade al ser humano y la locura toma el control de nuestra mente.
Un antiguo capataz es relegado por su edad por un nuevo peón más joven y sin familia. Una manera de mostrarnos lo que la soledad nos puede llegar a pesar, lo que el clima puede lograr hacer en nuestros pensamientos, como puede hacernos delirar si no logramos centrarnos en algo.
‘El Invierno’ me ha decepcionado bastante, no me ha contado nada, sí, la manera de trabajar de un capataz y que se trabaja muy parecido a como se trabaja en España en la zona de campo. Me ha parecido más un documental que una película, pues no me ha contado nada.
Pero en general la historia no es nada, simplemente el día a día de un capataz y de su locura en una soledad infinita y de cómo las vidas de dos personas que no se conocen de nada, al final terminan con un clímax inesperado.
En lo que sí puedo laurear la película es en su trabajo técnico, el director Emiliano Torres, cuida con mimo cada mínimo detalle y para ello utiliza a su director de fotografía Ramiro Civita, el cual nos desvela las miradas de los protagonistas, esas miradas que nos dicen mucho de lo que va a ocurrir al final de la cinta. Además de mostrarnos lo dura que puede ser la naturaleza.
Todo esto le hizo merecedora del premio a Mejor Fotografía en el Festival de San Sebastián, aparte del Premio Especial del Jurado.
También los actores, sobre todo mencionar a Alejandro Sieveking, que sin apenas palabras, sus gestos, su actuación completa hace que la parte de la película en la que él aparece se haga menos tediosa. Gracias a esta actuación ganó el premio Mejor Actor en el Festival de Biarritz.
‘El Invierno’ es complicada, demasiado poco dialogo para una cinta tan larga y que cuenta una historia muy simple, opino que los dos protagonistas deberían haber interactuado más entre ellos y quizá otro gallo cantaría.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de julio 2017. Título original: El Invierno. Duración: 96 min. País: Argentina. Director: Emiliano Torre. Guión: Emiliano Torres y Marcelo Chaparro. Música: Cyril Morin. Fotografía: Ramiro Civita. Reparto principal: Alejandro Sieveking, Cristian Salguero, Adrán Fondari, Pablo Cedrón, Mara Bestelli, Violeta Vidal. Producción: Ajimolido Films, Cité Films. Distribución: Film Buró Producciones Internacionales. Género: Drama. Web oficial:http://film-buro.com/el-invierno/
De la mano del director Christopher Nolan llega a las salas el épico thriller de acción Dunkerque.
Nolan ha dirigido Dunkerque a partir de un guion original suyo, utilizando una mezcla de IMAX y película de 65 mm para llevar el largometraje a la gran pantalla.
Dunkerque empieza con una escena en la que cientos de miles de tropas británicas y aliadas se encuentran rodeadas por tropas enemigas. Atrapados en la playa, con el mar cortándoles el paso, se enfrentan a una situación imposible a medida que el enemigo se acerca.
Crítica
Una historia sencilla y claudicante contada de manera sublime.
Innovar en el cine bélico es harto difícil con la gran cantidad de perspectivas y versiones que hemos visto ya. Atraer a grandes masas de espectadores para ver una película más sobre la trillada Segunda Guerra Mundial se podría considerar tarea de titanes. E intentar sacar además partido e interés de una historia de derrota es sumar más piedras en el camino. Pero un coloso como Nolan no es que se haya saltado esas piedras, es que encima las ha empleado para construir este pedazo de monumento al cine de guerra que es ‘Dunkerque’.
Que no engañe el adjetivo que empleo para referirme al director, no soy un fanático de su trabajo, tan solo un admirador que sabe rendirse a lo obvio. Hay que reconocer, y en esta ocasión sus detractores tendrán que retractarse de todo lo dicho hasta la fecha, que en este filme, al igual que en gran parte de muchos de sus últimos trabajos, arroja una visión novedosa sobre un género que parecía no poder exprimirse más.
Encontrar un largometraje sobre una hazaña bélica en el que no se vea al enemigo me parece que sería buscar entre lo excepcional. En ‘Dunkerke’ se logra narrar una historia de soldados que huyen con el rabo entre las piernas sin necesidad de mostrar a un solo enemigo. Vemos sus disparos, sus aviones, sus bombas… pero no hay ni un solo momento en el que se muestre el rostro del rival que tiene acorralado y desesperado al ejército inglés. Y todo esto Nolan lo cuenta sin apenas diálogos, consiguiendo de este modo plasmar el sentimiento de abatimiento que sufren los soldados que tienen que volver a casa sin haber logrado la victoria en el campo de batalla y encima siendo rescatados.
Si leíais esto con un tono encendido como el que empleo yo al escribirlo ahora tendréis que subir de escala. Uno de los puntos fuertes de la película es la banda sonora del habitual de Nolan, Hans Zimmer. Este genio de la música funciona como una máquina de hacer éxitos, al son de un tic tac imparable como el tiempo. Haciendo algo casi exótico de encontrar, reemplaza las conversaciones con sus compases. Y no solo eso, sus notas se solapan de tal manera con el sonido del filme hasta el punto de que podemos hablar de «banda de efectos de sonido». No sabría tararear alguna de las canciones que aparecen como si puedo hacer con las de ‘El código Da Vinci’, ‘Interstellar’ u ‘Origen’, pero os aseguro que es memorable. Con todo esto el compositor nos influye y transmite sensaciones que convierten la película en una experiencia para todos los sentidos. Porque la vista también se deleita en ‘Dunkerque’. Christopher Nolan ha rodado secuencias y planos fuera de lo ordinario. Ha buscado perspectivas y métodos que nos sumergen en la película de un modo absorbente. Estas escenas han sido montadas con maestría, tanto que parece que vivimos una sola historia y no varias (ahora hablaré de eso). Chapó por lo tanto no solo por Zimmer si no también por el editor de sonido y el montador, Richard King y Lee Smith respectivamente, ambos también habituales de Nolan.
Hasta ahora no he dicho, no siendo yo muy partícipe de hablar del argumento, que la historia se divide entre tres protagonistas, tres historias ubicadas en distintos lugares y momentos de este episodio de nuestra triste historia. Rápidamente se les ubica por sus localizaciones en tierra, mar y aire. Pese a estar sus andanzas desplazadas en el tiempo y espacio no nos perdemos. Es más, la perspectiva de todas ellas nunca desaparece pues comparten instantes clave, incluido el clímax del filme, que es cuando nos damos cuenta de que todo ha confluido de la manera más natural.
Actoralmente tampoco hay por dónde buscarle pegas. Fionn Whitehead, Mark Rylance, Cillian Murphy, James D’Arcy o Kenneth Branagh son buenos actores que con sus pocas frases retratan magníficamente a sus personajes. Pero son Tom Hardy y Tom Glynn-Carney los que tienen más mérito. Sobre todo Hardy, sin que nunca se le vea de cuerpo entero, con un más difícil todavía tras su papel de Bane, actúa con poco más que su mirada.
En esta historia de soldados abatidos y desesperados que tienen casi a la vista su hogar está claro que lo técnico sobrepasa a lo argumental con creces. Es por eso que se pasa literalmente volando. Hacía mucho que cuando se acercaba el final de una película miraba el reloj y decía ¿ya?
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de julio de 2017. Título original: Dunkirk. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Nolan. Guión: Christopher Nolan. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Hoyte Van Hoytema. Reparto principal: Kenneth Branagh, Cillian Murphy, Fionn Whitehead, Mark Rylance, Tom Hardy, Tom Glynn-Carney, Jack Lowden, Harry Styles, Aneurin Barnard, James D’Arcy, Barry Keoghan. Producción: Warner Bros. Pictures, Syncopy. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: bélico, thriller, hechos reales. Web oficial:http://www.dunkirkmovie.com/
Lord Mountbatten, bisnieto de la reina Victoria, asumió el puesto de último Virrey de la India, con el encargo de devolver la antigua colonia a su pueblo. Viceroy’s House en Delhi era la sede del gobierno británico. En 1947, después de 300 años, el Imperio llegó a su fin. Mountbatten vivía en la planta superior del palacio, con su esposa y su hija. En la planta baja vivían sus 500 criados hindúes, musulmanes y sij.
La película relata estos acontecimientos a través de un matrimonio -el de Louis y Edwina Mountbatten- y de una historia de amor entre Jeet, un joven criado hindú y Aalia, su novia musulmana. Los jóvenes enamorados se ven atrapados en el cataclismo final del Imperio, en conflicto con los Mountbatten y con sus propias comunidades, pero no renuncian nunca a la esperanza…
Crítica
Una visión nueva y más cierta de la separación de la India.
Dirigida por Gurinder Chadha, directora de la exitosa ‘Quiero ser como Beckham’, se estrena una interesante película en especial desde un punto de vista histórico en ‘El último virrey de la India’. Aunque pareciera que la trama pudiese girar en torno a la relación amorosa entre el joven hindú Jeet y Aalia la joven musulmana, lo cierto es que el trasfondo histórico devora esta pequeña trama y ofrece una visión muy amplia de todo el proceso de independencia de la India y su consecuente división.
No sólo se muestran todos los líderes históricos con un casting asombrosamente parecido a las personas que estuvieron en la India en aquel instante, como mención especial el líder musulmán Jannah y Gandhi . La historia se centra en el último virrey, bisnieto de la reina Victoria, Lord Mountbatten, un hombre sincero y preocupado por el futuro de la India que se verá en un problema diplomático difícil de igualar, en un país que sólo sabe destruirse a sí mismo desde dentro, tratará de evitar la segregación y la guerra civil dentro de un contexto de odio entre religiones y desorden total.
Las interpretaciones y el casting son realmente apropiados y aunque pareciera al principio que se da una visión favorecedora hacia un bando, lo cierto es que la película nos muestra un punto de vista totalmente neutral. Podemos comprobar los intereses de todos los bandos y los puntos de vista del pueblo indio al completo y su fase de separación de Reino Unido.
Es una película recomendable, se hace entretenida y en ningún momento se hace larga o pesada. Lo mejor de todo es el contexto histórico y cómo se entremezcla la película con imágenes reales de la época, dando una visión completa de lo que sucedió en la India en aquel histórico instante y sobre todo, por qué sucedió.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de julio de 2017. Título original: Viceroy’s House. Duración: 106 min. País: Reino Unido. Dirección: Gurinder Chadha. Guión: Paul Mayeda Berges, Gurinder Chadha, Moira Buffini. Música: A.R. Rahman. Fotografía: Ben Smithard. Reparto principal: Hugh Bonneville, Gillian Anderson, Manish Dayal, Huma Qureshi, Michael Gambon, Lily Travers, Jaz Deol, Om Puri, Neeraj Kabi, Denzil Smith, Simon Callow, David Hayman. Producción: BBC Films, Bend It Films, Pathé. Distribución: Wanda Visión. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://www.wanda.es/site/sinopsis/el_ultimo_virrey_de_la_india
Clare Shannon (Joey King), de 17 años, sobrevive como puede al infierno que es el instituto junto a sus amigas Meredith (Sydney Park) y June (Shannon Purser). Cuando su padre (Ryan Phillippe) le regala una vieja caja de música con una inscripción que promete conceder los deseos de su dueño, ella piensa que no tiene nada que perder. Clare pide su primer deseo y, para su sorpresa, se hace realidad.
En poco tiempo lo tiene todo: dinero, popularidad y el chico de sus sueños. Todo parece perfecto hasta que las personas más cercanas a ella empiezan a morir de manera espantosa y retorcida. Ahora, con sangre en sus manos, Clare se tiene que deshacer de la caja, antes de que le cueste su vida y la de sus seres más queridos.
Crítica
De desear no haber deseado.
Una clarísima versión de ‘La zarpa del mono’, el célebre cuento de W. W. Jacobs que seguro recordaréis de la parodia de ‘Los Simpsons’. Tanto en esa caricatura como en el texto original se nos ofrecen ingeniosos «castigos» para aquel que pide egoístamente sus deseos. En este caso el ingenio da paso al morbo ya que lo único que se le ocurre al guionista del filme (Barbara Marshall) es que la caja asesine. Con morbo me refiero al interés que suscita ver como alguien va a perder la vida en la gran pantalla de la manera más enrevesada.
‘Siete deseos’ es cine de muertes con adolescentes cien por cien made in USA. De hecho uno de los actores que hace de «adulto» es Ryan Phillippe, el cual participó en películas de corte similar como ‘Sé lo que hicisteis el último verano’. Como leeréis por todas partes recuerda a otras películas como ‘Destino final’, es decir, un ente, llámese muerte, karma o demonio, va eliminando a gente relacionada con la protagonista enmascarando esas muertes como accidentes, de tal modo que nadie, salvo la protagonista, sabe que está su mano detrás.
No es de extrañar este resultado pues el director, John R. Leonetti, cuenta en su haber con películas como ‘Annabelle’, ‘El efecto mariposa 2’ o ‘Mortal Kombat: Aniquilación’. Es decir si cogemos cosas de las tres películas podemos construir esta: objeto inanimado con poder paranormal, peligro con las consecuencias de nuestros actos y muertes a cholón. Director que además se nota que ejerce de en otros trabajos como director de fotografía pues se preocupa de darle mucho peso a la imagen. Por ejemplo cuida que las luces y los colores sean diferentes según cómo le estén yendo las cosas al personaje de Joey King.
No lo había dicho pero la chica que se topa con el objeto que concede deseos es Joey King, a la cual la recordaréis de películas como ‘Expediente Warren: The Conjuring’, ‘Independence Day: Contraataque’ o las más recientes ‘Fargo’ o ‘Un golpe con estilo’. En todas ella tiene mucho menos peso que ahora, pues es la única protagonista principal. Es posible que no sea falso afirmar que se encuentra cómoda en el terror ya que también se encuentra inmersa en la filmación de ‘Slender Man’. Al menos en ‘Siete deseos’ parece haberlo dado todo.
Algunas escenas o muertes consiguen hacernos reír más que asustar, no por malas si no porque parece que ese es efectivamente su cometido. Como película fantástica cumple, pero no más. Está cargada de casualidades y clichés, como el clásico bullying de instituto norteamericano. Posee un predecible desenlace, prometiendo más con un ridículo cliffhanger.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de julio de 2017. Título original: Wish Upon. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: John R. Leonetti. Guión: Barbara Marshall. Música: Toby Chu. Fotografía: Michael Galbraith. Reparto principal: Sherilyn Fenn, Joey King, Ryan Phillippe, Elisabeth Röhm, Shannon Purser,Ki Hong Lee, Sydney Park, Alice Lee, Daniela Barbosa, Michelle Alexander,Raegan Revord, Sean Jones, Natalie Prinzen-Klages, Josephine Langford,Mitchell Slaggert, Alexander Nunez. Producción: Broad Green Pictures, Busted Shark Productions. Distribución: Filmax. Género: fantástico. Web oficial:http://www.wishuponmovie.com/
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