Categoría: Críticas

Las críticas más sinceras y respetuosas de la red.

Crítica: ‘Goodbye Berlín’

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Mientras su madre está en una clínica de rehabilitación y su padre en un «viaje de negocios», Maik, de 14 años, pasa las vacaciones estivales aburriéndose en la casa de sus progenitores. Entonces aparece Tschick, un adolescente rebelde, inmigrante ruso y marginado. Decide robar un coche para alejarse de Berlín y se lleva a Maik. Aquí empieza una loca aventura y un verano que jamás olvidarán.

Crítica

Una catarsis hacia la adultez más pasotista.

El cine buenrollista suele encontrar siempre nicho de mercado. Las películas con afán motivacional a menudo calan en el espectador si están bien construidas e interpretadas. Logran un sursum corda que saca una sonrisa a aquellos que lo experimentan. En el caso de ‘Goodbye Berlín’ casi se consigue ese efecto, lo roza pues no tiene brillantes interpretaciones ni una estructura particular o íntima, pero si alcanza cotas muy afectivas en determinados momentos.

Esta es una road movie de libro. Vivimos una experiencia liberadora mientras nuestro adolescente se adentra en lo desconocido. Él es un personaje convencido de ser un cobarde y un aburrido. Fatih Akin y Lars Hubrich resuelven a modo de metáforas los miedos del protagonista: se enfrenta a la autoridad, a sus límites, a las mujeres… Este viaje iniciático arranca con el encuentro de un amigo que le sirve de vía de escape y de canal para exorcizar sus miedos. Una figura que hace las veces de Mary Poppins para adolescentes, haciéndole ver aquello que pese a no ser exactamente lo correcto si es lo conveniente, abriéndole los ojos ante la falsedad que le rodea. Él le embarca como pasajero en un viaje a la adultez en el que el coche es otro de los protagonistas pues también es capaz de cambiar con el tiempo y ser artífice de su destino. En resumen, lo que vive el personaje interpretado por Tristan Göbel es un verano transformador.

Si digo que no tiene un esquema muy particular es porque se enmarca en demasía dentro de las populares películas sobre incomprendidos e incluso sobre el actual bullying. Su argumento es extremadamente convencional y su tono tiene el mismo carácter de una onda sinusoidal, sube y baja sin aclararse realmente con su intención final. Los padres disfuncionales y complacientes que tiene el chaval alemán nos transportan a un drama que rompe el personaje de Anand Batbileg adentrándonos en una trama tan surrealista como las películas de los Coen. Se queda en tierra de nadie entre la comedia y las películas de autoayuda.

La música por el contrario si parece tener un propósito más claro. Procura imbuir en el espectador ciertas sensaciones o emociones de un modo acertado, cambiando según la etapa en la que nos encontremos. Pero también hay un leitmotiv musical al que te amoldas y se acostumbran los protagonistas. Un tema que es el mismo pero que parece cambiar con tan solo estar ubicado en distintos puntos y climax del filme. Al igual que el protagonista, es el miso pero realmente ha mutado gracias a la visión de Akin.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de mayo de 2019. Título original: Tschick. Duración: 93 min. País: Alemania. Dirección: Fatih Akin. Guión: Lars Hubrich. Música: Vince Pope. Fotografía: Rainer Klausmann. Reparto principal: Tristan Göbel, Anand Batbileg, Nicole Mercedes Müller. Producción: Lago Films. Distribución: Golem Distribución. Género: comedia. Web oficial: http://www.studiocanal.de/kino/tschick

Crítica: ‘Alien: Covenant’

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Todo está tranquilo a bordo de la nave espacial Covenant. La tripulación y el resto de las 2.000 almas que viajan en la pionera nave, están sumidos en un profundo hipersueño, dejando que el sintético Walter recorra él solo los pasillos. La nave está en ruta al remoto planeta Origae-6, donde, en el lejano extremo de la galaxia, los colonos esperan establecer una nueva avanzadilla de la humanidad. La tranquilidad queda hecha añicos cuando el estallido de un incendio en una estrella cercana destroza las velas recolectoras de energía de la Covenant, provocando docenas de bajas y desviando la misión de su curso.

Los miembros de la tripulación que sobreviven no tardan en descubrir lo que parece ser un paraíso inexplorado, un tranquilo Edén de montañas coronadas por nubes y árboles que se alzan, inmensos; mucho más cercano que Origae-6 y, potencialmente, igual de viable como hogar. Sin embargo, lo que han encontrado es un mundo mortífero y siniestro lleno de vueltas y revueltas inesperadas. Enfrentándose a una terrible amenaza que rebasa su imaginación, los exploradores, acuciados por las dificultades, deben tratar de llevar a cabo una angustiosa huida.

Crítica

El sastre corta con el mismo patrón pero empleando distintas telas.

‘Alien: Covenant’ sigue el mismo corte que la película original de ‘Alien’ y de muchas que le precedieron. A saber, un grupo de personas ajenas a lo que se les avecina es atraída por algo misterioso que les hará huir despavoridos mientras uno a uno van cayendo. Ahora bien, ¿porqué no leeréis una crítica totalmente destructiva a partir de ahora? En primer lugar porque ese no me parece un estilo respetuoso y en segundo lugar porque hay cosas que me han agradado y las justificaré.

Por si no os ha quedado claro la saga de Ridley Scott ya no pertenece al género del terror. Por supuesto que sigue siendo ciencia ficción, de la buena, pero esa ambientación y ritmo que la hacían ser aterradora se ha abandonado. Esto se ha hecho a favor de narrarnos la historia de la creación de los xenomorfos, algo que se nos prometió y que por fin hemos visto. Eso me ha agradado mucho por la coherencia que se le ha dado pero… ¿hacen falta tres películas para ello y para conectar con las películas originales? Porque en esta segunda entrega de la nueva tanda de películas aún no se ha conectado del todo.

Se sigue con el reto de enfrentar al hombre con sus creadores, pero me ha decepcionado el hecho de que no se ahonde en la civilización de los ingenieros. En lugar de ello todo gira en torno al papel que ejerce Fassbender. En esta película ha tenido que interpretar dos vertientes diferentes de los robots de la Weyland Industries. Por un lado le podemos etiquetar como un autómata con complejo de replicante y por otro como uno mucho más fiel a las tres leyes de la robótica de Asimov. Dicho esto me gustaría añadir que en el tráiler de ‘Blade Runner 2049’ aparece un ingeniero ¿también va a conectar con esas películas o es un simpático guiño? En cualquier caso la actuación del actor alemán es impecable y el guión de Michael Green para él no podía ser más interesante, aunque no novedoso.

Esta película no es una obra maestra, posee más de un error. Pero si se ha visto antes ‘Promethus’ se disfruta y entiende mejor. Es más, para aquellos que hayan visto poco cine o solo hayan visto el anterior filme de la saga ‘Alien’ les puede pillar desprevenidos el cliffhanger y giro final. Al resto no les parecerá ni cliffhanger, de previsible y obvio que es. Esto puede ocurrir con los espectadores jóvenes que seguramente también disfruten de las criaturas y naves recreadas con un CGI bastante competente. Pero los amantes de las cintas del siglo pasado echarán en falta la animatrónica y los trajes, por muy bien que haya realizado los movimientos de los aliens el español Javier Botet.

Pero no quiero cerrar la crítica sin hablar de un nombre muy sonado en el reparto, James Franco. Vale que aceptemos que el rol de Franco no es el de ser el padre de Ripley como apuntaron muchos rumores, eso habría sido demasiado casual además. Pero su intervención en la cinta es más sorprendente de lo que esperaba, y me refiero a una sorpresa temprana de estupefacción o desconcierto.

Y hablando de cosas breves os invito a ayudarme con unas ilustraciones que aparecen en el filme. No he logrado averiguar si son originales de H.R. Giger o si son imitaciones de su estilo. En cualquier caso es buen homenaje. Como lo ha sido también la dedicatoria final a la también fallecida Julie Payne. Una colaboradora de Ridley Scott en películas como ‘Gladiator’ o ‘Thelma & Louise’.

Si queréis que sintetice diré que precisamente lo relacionado con los sintéticos, con Fassbender, es lo más original (dentro de lo que es esta saga, no del cine en general). Lo que sucede con el resto de la tripulación es lo peor pues resulta monótono.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2017. Título original: Alien: Covenant. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Guión: John Logan, Dante Harper. Música: Jed Kurzel. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Katherine Waterston, Michael Fassbender, Demián Bichir, Danny McBride, Noomi Rapace,  Billy Crudup, Carmen Ejogo, Jussie Smollett, Amy Seimetz, Callie Hernandez, Benjamin Rigby, Alexander England, James Franco. Producción: 20th Century Fox, Scott Free. Distribución: 20th Century Fox. Género: ciencia ficción, terror. Web oficial: http://www.alien-covenant.com/

Crítica: ‘Le llamaban Jeeg Robot’

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¿Qué ocurre cuando un delincuente de poca monta entra en contacto con una sustancia radiactiva y recibe poderes sobrehumanos? Pues que se convierte en un delincuente de poca monta capaz de arrancar cajeros automáticos con sus propias manos y convertirse en un fenómeno de las redes sociales. Este es el caso de Enzo Ceccotti, un solitario encerrado en sí mismo, que recibe sus nuevos poderes como una bendición para su carrera delictiva. Pero todo cambia cuando conoce a Alessia, una joven trastornada convencida de que él es el héroe de Jeeg Robot, la famosa serie de animación japonesa creada por Go Nagai. Ambos tendrán que hacer frente al Zingaro, un mafioso exconcursante de reality show dispuesto a cualquier cosa para alcanzar la fama y la notoriedad.

Crítica

Combinación de lo italiano, lo japonés y lo gamberro.

Si alguien dirige, escribe, produce e incluso pone música a su propio proyecto ya podemos prepararnos que va a ser algo muy personal y probablemente arriesgado. Gabriele Mainetti realizó ‘Le llamaban Jeeg Robot’ tras mucho tiempo de preparación y búsqueda de fondos. Finalmente hemos podido verla, como si del Deadpool o el Kick-Ass italiano se tratase pues su tono es muy desvergonzado y la sangre corre a raudales. Ahora es fácil decir que una película así puede funcionar, pero hace unos años mucha gente no se atrevía a poner la mano en el fuego por ellas o ni se acercaba a ese tipo de largometrajes.

Pero no es del todo una película que imite a esos personajes, que va. El héroe que aquí se nos plantea es más bien un antihéroe, aunque se asemeje en eso de ser un delincuente con una clara obsesión por el porno. El enfoque de la película sigue por la vía de los antiguos animes de mechas como ‘Mazinger Z’ o ‘Steel Jeeg’ (‘El Vengador’ como se le conoce en castellano). Un ser de carácter inocente y débil se topa con un tipo más poderoso, el cual, le ayuda pero a su vez necesita de su ayuda. Todo muy en la línea de los dibujos de la Toei Animation pero de tal modo que se pervierte, o dicho de un modo más suave, se traduce al público adulto. Además se le aplican adecuadamente las costumbres italianas de hacer cine.

Curiosamente el superhéroe de este filme está interpretado por alguien que no es la primera vez que se enfunda ese rol. Claudio Santamaría anteriormente puso voz al Batman de Nolan y al de ‘La LEGO película’. Como buena película de superhéroes eso se incluye a modo de huevo de pascua que seguramente identifiquéis tras leer esto.

Hablando de actores hay que decir que el trabajo que aquí vemos está más cerca de lo bizarro o de la serie B. Principalmente en el histriónico villano de Luca Marinelli vemos un carácter burlesco y caricaturesco del género. Pero aunque no haya visualizado ninguna actuación brillante el cariño de los actores y del director por la producción se nos transmite y podemos sentirnos cerca de la historia.

Técnicamente, sobre todo en efectos visuales, no tiene nada que envidiar a muchas producciones de mayor presupuesto. Tampoco son de extrañar los premios que cosechó en los David di Donatello. Quizá tenga momentos demasiado pesados o su ritmo sea demasiado desigual pero el ser una película que no va acorde precisamente con lo políticamente correcto la hace más apetecible. Alabo a la Academia Italiana de Cine por atreverse a darle tantos galardones.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2017. Título original: Lo chiamavano Jeeg Robot. Duración: 112 min. País: Italia. Dirección: Gabriele Mainetti. Guión: Nicola Guaglianone, Menotti. Música: Michele Braga, Gabrielle Mainetti. Fotografía: Michele D’Attanasio. Reparto principal: Claudio Santamaria, Luca Marinelli, Stefano Ambrogi, Maurizio Tesei,Ilenia Pastorelli, Francesco Formichetti, Daniele Trombetti, Antonia Truppo,Salvatore Esposito, Gianluca Di Gennaro. Producción: Goon Films, Rai Cinema, Ministero per i Beni e le Attività Culturali (MiBAC). Distribución: Selecta Visión. Género: drama, comedia, fantástico. Web oficial: http://www.selecta-vision.com/Television/Le-llamaban-Jeeg-Robot

Crítica: ‘Maravillosa familia de Tokio’

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El día de su cumpleaños, la mujer del pater familias de una tradicional familia de Tokio, le pide a su cascarrabias marido como regalo, el divorcio. Esta revelación no sólo chocará a su incrédulo marido, sino a toda la familia, quienes intentarán por todos los medios evitar la catástrofe familiar.

Crítica

De maravillosa poco, de entrañable mucho.

Yôji Yamada continúa contando las peripecias de esta familia con ‘Maravillosa familia de Tokio’, película que es secuela de su obra ‘Una familia de Tokio’ que a su vez era un remake de ‘Cuentos de Tokio’, de Yasujiro Ozu. Ya os dejo ahí un hilo de películas del que tirar por si queréis documentarios antes. Pero aunque esta nueva cinta continúe la anterior y conserve el reparto original no es necesario conocer a las predecesoras. Yo personalmente no he visto ninguno de los dos filmes anteriores, no voy a ir de listo, y puedo decir que sin tener en mente esa precuela he disfrutado de esta nueva entrega. Simplemente con documentarse un poco se pueden reconocer los guiños visuales que ha usado Yamada.

El director y guionista nos reúne en torno a una familia tragicómica y frágilmente funcional con tintes muy disparatados. El argumento de ‘Maravillosa familia de Tokio’ es tan sencillo como gracioso, pero a la vez aleccionador. La esposa de la cinta no es la protagonista principal pero da origen y pie a la melodramática historia del que si es el protagonista, el padre. Aunque a veces parece estar sacada de un dorama (serie o telenovela japonesa) se desarrolla una trama realista y cargada de provincianismos. Lo dicho, no es un dramón, para nada. Es una comedia que aunque no resulta hilarante si alcanza cotas surrealistas dentro de la cotidianidad en la que está enmarcada. También da muestras de un carácter infantil con numerosos gags de humor físico.

Como he mencionado el personaje protagonista es el del padre. Un hombre gruñón y vividor que cree tener siempre la razón. Aunque cada miembro de la familia tiene su peculiaridad, explotada en pro de la comedia, él se lleva la palma. Su intérprete es Isao Hashizume, un perspicaz y veterano actor con más de cien películas a sus espaldas. Sin duda una apuesta segura para hacerse cargo del timón de esta familia.

Varios de los personajes hacen gala de comportamientos machistas, pero no se les representa así para convertir la película en un discurso feminista. Son muestra de que en Japón aún se siguen las tradiciones hasta en cosas tan básicas como el papel del hombre y la mujer en el hogar. De hecho, como muestra de la pluralidad y cambio que va adquiriendo el país del sol naciente también hay alguna pareja de la película en la que la mujer lleva la voz cantante.

Tal vez haya que estar algo acostumbrado al estilo de cine y humor japoneses para disfrutarla al máximo. Pero ‘Maravillosa familia de Tokio’ respira la suficiente visión de conjunto como para que podamos extender su concepto al resto de países del mundo.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2017. Título original: Kazoku wa tsuraiyo. Duración: 108 min. País: Japón. Dirección: Yôji Yamada. Guión: Yôji Yamada, Emiko Hiramatsu. Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Shinji Chikamori. Reparto principal: Satoshi Tsumabuki, Yû Aoi, Yui Natsukawa, Kazuko Yoshiyuki,Masahiko Nishimura, Isao Hashizume, Tomoko Nakajima, Shozo Hayashiya. Producción: Shochiku Company. Distribución: Sherlock Films, A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/pelicula/529/maravillosa-familia-de-tokio/

Crítica: ‘Nunca digas su nombre (Bye Bye Man)’

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La gente comete actos inimaginables. Una y otra vez, intentamos entender qué les lleva a realizar tales atrocidades. Pero la cuestión no es “qué”, si no “quién”. Cuando tres estudiantes universitarios se mudan a una vieja casa fuera del campus, sin querer, liberan a “Bye Bye Man”, un ente sobrenatural que persigue a quien descubre su nombre. Intentarán mantener su existencia en secreto para alejar al resto de una muerte segura.

Crítica

Se recomienda hacer uso del olvido.

Parece que en toda carrera de actor, hablando sobre todo de aquellos que se quieren abrir paso en Hollywood, tiene que haber dos cosas imprescindibles: haber trabajado de camarero y hacer una película repleta de tópicos. Desconozco cuántos platos del día han servido los protagonistas de ‘Nunca digas su nombre’ pero estoy seguro de que en sus currículos ya han cumplido el segundo requisito.  Tras aparecer en el filme de Stacy Title ya pueden decir que arrancan como otras estrellas que de muy jóvenes tuvieron que pasar por producciones tan poco trascendentes como esta. De hecho en esta película aparece Faye Dunaway, que tiene en su haber algunos títulos relacionados con el género fantástico, sin querer desmerecer su trabajo en grandes obras como ‘El coloso en llamas’, ‘Bonnie & Clyde’ o ‘Chinatown’.

Si echamos la vista atrás y miramos películas como ‘Se lo que hicisteis el último verano’, ‘Scream’, ‘The Ring’, ‘Llamada perdida’… y otros títulos slasher o de carácter paranormal, encontraremos multitud de pautas e incluso errores que aquí se siguen. De inicio la película establece una norma que no se sigue y que de haberse respetado no podría haber arrancado del modo en que se arranca o al menos habría que haber empleado otro tipo de eventos más fáciles y creíbles para el espectador. Pero si obviamos ese fallo de guión tampoco nos encontramos ante una trama interesante. Desconozco si el texto de Robert Damon Schneck en el que se basa está más trabajado, pero desde luego Jonathan Penner, escritor de otras películas de su cónyuge, Title (‘El diablo viste de negro’), no se ha devanado los sesos a la hora de adaptarlo o de preocuparse en ofrecer un entretenimiento mínimamente potable o sorprendente.

Nos podemos quedar, por salvar algo, con su ritmo y con la criatura recreada por uno de los «grandes monstruos tras la máscara» de hoy en día. No me refiero al español Javier Botet, por suerte no cuenta con esta película en su haber, si no de Doug Jones. El estadounidense aparece muy bien maquillado pero le resta calidad su acompañante, un perro torpemente recreado con CGI. Torpemente para las posibilidades que ofrecen las tecnologías de la época y para una película que ronda los 7 millones de dólares de presupuesto. Si la comparamos con cintas que contaron con menor inversión y mejores resultados tenemos que ponerla muy por detrás de títulos como ‘Insidious’ o ‘The Witch’.

Para colmo nos deja con la sensación de pretender crear saga y no nos ofrece ningún detalle sobre los orígenes o motivaciones de este nuevo ente asesino. Puede enfadar mucho pues me parece pretencioso que crean que los espectadores se vayan a implicar con entusiasmo en una segunda parte.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2017. Título original: The Bye Bye Man. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Stacy Title. Guión: Jonathan Penner. Música: The Newton Brothers. Fotografía: James Kniest. Reparto principal: Douglas Smith, Lucien Laviscount, Cressida Bonas, Michael Trucco, Doug Jones, Carrie Anne Moss, Faye Dunaway, Jenna Kanell, Erica Tremblay y Cleo King. Producción: Intrepid Pictures, Los Angeles Media Fund (LAMF). Distribución: Diamond Films. Género: terror, thriller. Web oficial: http://diamondfilms.es/project/nunca-digas-su-nombre-bye-bye-man/

Crítica: ‘Casi leyendas’

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Diego Peretti (‘No sos vos, soy yo’), Santiago Segura (saga ‘Torrente’) y Diego Torres (‘Papeles en el viento’) encabezan el reparto de esta coproducción hispano-argentina dirigida por el responsable de ‘Días de vinilo’. Una comedia de trasfondo musical y nostalgia generacional.

 

Crítica

Divertida, emotiva y sobre todo llena de música.

Gabriel Nesci tira de la nostalgia en esta divertida comedia, donde tres viejos compañeros deciden volver a reunir a su banda de música para intentar salir un poco de sus vidas.

‘Casi leyendas’ es una comedia sin pretensiones, sin complicaciones, solo divertirnos y hacernos reír y si, lo consigue. Tampoco es que sea la comedia del año, pero si logra sacar bastante de la realidad al espectador.

Gabriel Nesci hace de la música una protagonista más y esta música está realizada por él, que además de dirigir, también es el guionista.

Sus tres actores están estupendos, Diego Peretti acaba de quedarse viudo y tienen que lidiar con su depresión y con su hijo. Diego Torres, nos presenta a un abogado que está teniendo problemas y es despedido de su buffet y el verdadero protagonista Santiago Segura, que da vida a Axel, un hombre con síndrome de Asperger que solo intenta encajar en un mundo bastante complicado para él.

Le da el toque de humor gracias a sus ocurrencias, que son muy inocentes pero que llevan a situaciones que complican un poco la vida de sus compañeros. Además que es él quien lía todo el jaleo de la reunión del grupo.

Nos encontramos ante una bonita historia sobre la amistad, la familia y cómo dejar de ser egoístas y ver un poco más allá de nosotros mismos.

Quizá la única pega para mi es el tramo final, un poco alargado innecesariamente. Bueno y que me hubiera encantado es que hubieran sacado un videoclip que el personaje de Santiago Segura se imagina, hubiera sido genial.

Por más deciros que ‘Casi leyendas’ es una gran opción para verla en pantalla grande, disfrutarla y degustarla, no lo dudéis, las canciones se os pegarán y además podréis ver a un gran Santiago Segura.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo. Título original: Casi leyendas.  Duración: 116 min. País: Argentina. Director: Gabriel Nesci. Guión: Gabriel Nesci. Música: Gabriel Nesci. Fotografía: Sol Lopatin. Reparto principal: Diego Peretti, Santiago Segura,Diego Torres, Claudia Fontán, Florencia Bertotti, Uma Salduende, Julieta Cardinalli, Rafael Spregelburd, Arturo Bonín, Bebe Sanzo.  Producción: Está por venir, Bowfinger, Telefé, Dk Group, Benteveo Producciones Audiovisuales. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/712/casi-leyendas/

Crítica: ‘El Círculo’

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Cuando contratan a Mae (Emma Watson) para formar parte de la empresa tecnológica y social más grande y poderosa del mundo, ella lo ve como la oportunidad de su vida. Mientras va subiendo puestos, el fundador de la compañía, Eamon Bailey (Tom Hanks), la anima a formar parte de un experimento innovador que va más allá de los límites de la privacidad, de la ética y, en última instancia, de su libertad personal. Su participación en el experimento, y cada decisión que tome, afectará a las vidas y al futuro de sus amigos, su familia y de la humanidad.

Crítica

Aunque cierres un círculo no quiere decir que este te haya quedado redondo.

De nuevo llega a nuestras carteleras una adaptación de una novela, en este caso de Dave Eggers. Un libro que tiene tan solo 4 años y que está muy acorde con muchas realizaciones audiovisuales de hoy en día, con el rápido avance de las tecnologías y con la filosofía de muchas de las grandes empresas que producen los productos que consumimos.

El director James Ponsoldt ha reunido a Tom Hanks, Emma Watson y John Boyega en una película llena de extras de bajo talento. Aún así vemos a un equilibrado reparto en cuanto a calidad se refiere, que nos da además el añadido y el gusto de ver una buena interpretación de Bill Paxton. Siempre llama la atención o el interés ver la que fue la última película de un actor tristemente fallecido a los 61 años.

A parte de su reparto, del cual he de decir sentirme decepcionado en lo que se refiere a la interpretación de Watson, tiene varias virtudes más. Esto se debe principalmente a la hora de plantear cuestiones morales, tecnológicas y sociales. Pero no basta con quedarnos con las ideas o el talento de sus actores, el de Hancks algo desaprovechado dicho sea también. Su desarrollo y los caminos que toman algunos personajes se salen de lo planteado o cambian tan drásticamente que ‘El Circulo’ no termina de ser creíble. Su guión no está bien estructurado y  no resulta convincente. Ni siquiera la música de Danny Elfman ayuda a mejorar este aspecto.

A parte de hablar en segundo plano de la hipocresía de la gente en la red o en espacios donde se supone que hay que comportarse de cierto modo, ‘El Círculo’ toca cuestiones más importantes y de tremenda actualidad. Podríamos considerar a esta película como un episodio largo de ‘Black Mirror’ por el tratamiento del que hace uso y el diseño de producción que emplea, pero no por su resultado final. Aún así nos puede hacer pensar y yo destaco tres cosas muy importantes en las que se hace hincapié.

La primera de ellas es lo bastante bien caladas que se tienen a las grandes multinacionales de ahora. Estas tienen procesos y metodologías muy absorbentes y se aproximan a las corporaciones que vemos en muchos films, de las cuales, podemos decir que son prácticamente sistémicas. Otra cuestión, relacionada con la anterior, es el lavado de cerebro al que se somete la gente idealizando a ciertas personas o a algunos avances de la tecnología. Y por último nos propone que pensemos dónde tenemos que poner la línea para no perder la privacidad. Solo hay que buscar en la red y toparnos con el innumerable número de youtubers que cuentan su vida a todo el mundo, mostrándose casi como si se tratase de un reality show.

En definitiva. Gran puesta en escena, poderoso mensaje y mucho talento a disposición de una historia que se desarrolla sin las pautas y la organización adecuada.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2017. Título original: The Circle. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: James Ponsoldt. Guión: James Ponsoldt. Música: Danny Elfman. Fotografía: Mathew Libatique. Reparto principal: Tom Hanks, Emma Watson, Karen Gillian, John Boyega, Bill Paxton. Producción: Image Nation, Likely Story, Playtone. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: http://www.deaplaneta.com/es/el-circulo

Crítica: ‘El jugador de ajedrez’

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Diego Padilla, campeón de ajedrez de España, huye de la Guerra Civil española a Francia junto a su mujer, la periodista francesa Marianne Laotur y la hija de ambos. Allí será acusado de espía por los nazis y encerrado en una prisión de las SS,  donde conocerá al coronel Maier, aficionado al ajedrez. Entre ambos se desarrolla una estrecha y dura relación en torno al tablero…

Crítica

La relevancia de un juego de tablero por encima de las tablas.

Con la Guerra Civil Española como punto de partida y la II Guerra Mundial como marco nos llega ‘El jugador de ajedrez’. Un filme en el que disfrutamos del antiquísimo juego de tablero siendo este utilizado como medio de vida, como cautiverio y como tabla de salvación. La película de Luis Oliveros adapta la novela de Julio Castedo, autor que ejerce en el filme como guionista.

Pero esta no es una película sobre partidas de ajedrez, como pudo serlo en mayor medida ‘El caso Fischer’. En esta ocasión el ajedrez, estando muy presente, deja paso a una historia de amor de corte muy clásico. El drama está compuesto por una narración cargada de tragedia, desesperanza y desolación. Los giros de la película son extremadamente telenovelescos, haciendo esto imposible que veamos una trama más profunda o personal.

A pesar de su tono melodramático su argumento y su historia en líneas generales podría formar parte de alguna de esas aventuras y crónicas que tanto nos han narrado nuestros abuelos sobre el sufrimiento de familiares o amigos durante la guerra. Su realismo es palpable y su credibilidad está apoyada por una buena ambientación. En ese sentido nos ganan desde el principio. Con la recreación de la Gran Vía (o Avenida de la CNT como llegó a llamarse por entonces) y el resto del diseño de producción o puesta en escena. Desde luego la época en la que transcurre todo está bien recreada.

Marc Colet se halla bajo la responsabilidad de encabezar una película muy llena de nombres extranjeros, aunque no por eso quiero decir que sean actores desconocidos en nuestro país. Véase por ejemplo a Christian Stamm (‘Vampyres’). Colet no realiza una interpretación fuera de lo normal aunque tiene algunos momentos deslumbrantes. Alejo Sauras por el contrario está casi de paso por la película. En el caso de la protagonista femenina, Melina Matthews, me ha faltado algo más de credibilidad pese a su trabajado acento. Actores como Mike Hoffman o Stefan Weinert harán que cojáis aún más tirria a los nazis, por lo tanto, buen trabajo.

No me ha quedado claro, por guión o por interpretación, si el personaje de Colet emplea a propósito o intenta manipular su destino a través del ajedrez o esto le sucede por algo fortuito. Tal vez un segundo visionado me ayudase a discernir esto. Aunque sea por ver su última secuencia lo haría. Pese a que me resulte algo sensiblera y esté precedida de un considerable fallo de guión me quedo con la escena final, de la cual no querría compartir de momento por quién está interpretada pero si os puedo adelantar que puede hacer saltar alguna lagrimilla.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2016. Título original: El jugador de ajedrez. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Luis Oliveros. Guión: Julio Castedo. Música: Alejandro Vivas. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Reparto principal: Marc Colet, Melina Matthews, Alejo Sauras, Lionel Auguste, Stefan Weinart, Pau Durà, Mike Hoffman, Maarten Dannenberg, Christian Stamm, Andrés Gertrudix, Blanca Zurdo. Producción: Ishtar Films, Tornasol Films, Hernández y Fernández P.C., Gomera Producciones AIE. Distribución: Tornasol Films, Syldavia Cinema. Género: drama.

Crítica: ‘Un reino unido’

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La historia real del Príncipe de Botswana, Seretse Khama, quien generó un conflicto internacional cuando se casó por amor con una mujer blanca de Londres a finales de los años 40.

Crítica

Más romance, más racismo y añadimos componente político.

Últimamente estamos recibiendo mucho material cinematográfico relacionado con temas de racismo. Dentro de poco podremos ver ‘Déjame salir’ y si volvemos la vista atrás nos desbordamos con la cantidad de películas que hemos visto a cerca de este problema a lo largo del año pasado y lo que llevamos de este: ‘The Inmortal life of Henrietta Lacs’, ‘Imperium’, ‘El nacimiento de una nación’, ‘Figuras Ocultas’, ‘Loving’… Precisamente a esta última es a la que más se parece el argumento de ‘Un reino unido’. Pero no voy a comparar ambos filmes pues no he visto ‘Loving’ y por lo que tengo entendido el carácter político de la cinta que nos ocupa marca una gran diferencia.

Porque esta no es una historia únicamente de amor o que se centre en exclusiva en los derechos raciales. Está todo muy relacionado pero entra en juego el carácter diplomático. Uno de sus protagonistas, el masculino, interpretado por David Oyelowo, es el heredero de un reino de África que retorna a su tierra casado con una inglesa de raza blanca tras pasar un tiempo educándose en Londres. Ni la gente del Imperio Británico lo vio con buenos ojos ni la gente de la actual Botswana lo aprobó. Contra viento y marea, la decisión de convertir a una blanca en reina levantó asperezas y desafió el sistema de apartheid de los británicos, rompiendo moldes y uniéndose a la revolución social y cultural que tanto conocemos de los Estados Unidos. Poco a poco la sociedad se separó y se abrió el debate sobre si debía consentirse ese enlace y esa regencia, y es ahí donde veo interés en la película. En eso y en cómo las diferentes facciones del parlamento inglés llevaron el asunto.

Por lo tanto nos encontramos con esa división en un título que redunda y hace sarcasmo. Transcurre en un país cuyo imperio nunca estuvo unido y que actualmente siempre va acompañado de la palabra separación. No llega a ser una película romántica del todo pero tampoco un intenso thriller político. Se queda a caballo entre ambos géneros transmitiéndonos varios mensajes.

Mensajes que encuentran su mejor transmisor en las interpretaciones de David Oyelowo y Jack Davenport. Ambos contemporizan muy bien la intensidad y el carácter de sus personajes, sabiendo captar lo importante de su papel en la historia. ‘Un reino unido’ posee un potente e intenso discurso como hacía mucho que no veía. La voz de ese discurso es Oyelowo y te puede poner los pelos de punta. Sin duda sin el apoyo y la presencia de Rosamund Pike no habría equilibrio, pero a ella la he encontrado contenida en demasía. Os llamará también la atención el papel que hace aquí Tom Felton, al cual recordaréis de la saga ‘Harry Potter’ y que aquí vuelve a trabajar a las órdenes de Amma Asante.

Esta historia real marcó el inicio de la Botswana independiente, país que se muestra muy democrático y pacífico en la película y que en la realidad figura como el único de África que no ha sufrido golpes de estado. Por lo tanto podemos recibir más de una lección de esta gente que lleva una vida más sencilla y transmite otro tipo de valores. En concreto podemos destacar el de priorizar el amor y la familia por encima de todo un reino y del desafío a un imperio.

Personalmente el género romántico no entra dentro de mis gustos habituales. Y estoy algo cargado de tanta película sobre el racismo, por benignas y necesarias que sean. Ya va siendo hora de darles un enfoque diferente para de verdad conseguir calar en el espectador. ¿Entonces por qué me ha gustado ‘Un reino unido’? Porque aporta la variable de la política, lo cual, la hace más interesante, principalmente por qué está bien y suficientemente incluida.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2017. Título original: A United Kingdom. Duración: 105 min. País: Reino Unido. Dirección: Amma Asante. Guión: Guy Hibbert. Música: Patrick Doyle. Fotografía: Sam McCurdy. Reparto principal: David Oyelowo, Rosamund Pike, Jack Davenport, Terry Pheto, Tom Felton. Producción: Pathé. Distribución: Tripictures. Género: romatico, drama, biopic. Web oficial: http://www.aunitedkingdomfilm.com/

Crítica: ‘Guardianes de la galaxia Vol.2’

Sinopsis

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Awesome Mix Vol. 2 es el nuevo telón de fondo sonoro de «Guardianes de la Galaxia Vol. 2» de Marvel que narra las aventuras del equipo mientras atraviesan los confines del cosmos. Los Guardianes deben luchar para mantener unida a su nueva familia mientras desentrañan el misterio de la verdadera filiación de Peter Quill. Los viejos enemigos se convierten en nuevos aliados y los personajes favoritos de los fans provenientes de los cómics clásicos acudirán en ayuda de nuestros héroes mientras el Universo Cinematográfico Marvel sigue expandiéndose.

Crítica

Más de lo mismo ¿bien?

Antes de que los marvelitas me empiecen a tirar piedras, tranquilos. Me ha gustado esta segunda entrega de los héroes que salieron de la mente de Arnold Drake y Gene Colan, o más bien de Dan Abnett y Andy Lanning porque esta es la nueva generación de personajes. Pero hay un problema que he visto en algunas películas de Marvel Studios y que en este nuevo filme he visto incrementado. Y es que se ha progresado en las historias personales, pero no en la universal, refiriéndome no a la galaxia si no al conjunto de películas Marvel/Disney. Pienso que se ha desaprovechado una oportunidad teniendo en cuenta que estos personajes son los más relacionados con Thanos, villano de la gran película que esperamos, ‘Vengadores: La Guerra del Infinito’.

Dicho esto. El éxito de las adaptaciones comiqueras de Marvel por parte de la Disney nos llevó a ver en acción real a los Guardianes de la Galaxia. Y el éxito de esta nos ha llamado de nuevo a los cines para ver una secuela que repite paso a paso las pautas que hicieron que casi la totalidad de los espectadores le diesen como mínimo un aprobado. Uno de sus trucos es tener un elenco de personajes con el que todos puedan sentirse identificados o que siembren la conversación sobre cuál es el favorito de unos u otros. Valoro positivamente el que haya más roles femeninos que en otras películas de superhéroes, aunque aún les falte más protagonismo. Además se tira de nostalgia y espectacularidad, que es algo que en novelas como ‘Ready Player One’ o en series como ‘Stranger Things’ está funcionando a la mil maravillas.

Por otro lado de esta nueva entrega esperaba un tono aún más grave. Derrocha tanta comedia cínica que más que acercarse a las cintas de Iron Man, Capitán América y compañía se parece más a un capítulo de ‘Futurama’. Como he dicho al principio, esto me ha divertido mucho pero no me parece nada novedoso. Gran responsable de restarle épica y seriedad es la música del Awesome Mix Vol. 2, no por tener malos temas si no por estar introducidos en momentos inadecuados y en demasía.

Todo en este «volumen dos» es más familiar. Por eso digo que se progresa en tramas individuales. En el conjunto se ha ido a lo de siempre, en salvar al universo, en vez de ir un paso más allá e intentar innovar o sorprender. Relacionado con todo esto aparece Ego. Un nuevo personaje que no voy a indicar que rol cumple pero está muy bien introducido e interpretado. Y con esto llegamos a los villanos, uno de los problemas o errores más frecuentes que muchos encuentran en las películas basadas en cómics. Los he encontrado mejor que en la anterior, incluso todos estos que parecen un conjunto de premios Oscar.

Por supuesto, hay muchos huevos de pascua, escenas post-créditos (hasta cinco), guiños, cameos… Tengo que revisionar todos los que ha realizado Stan Lee por que este me parece a priori el mejor que ha realizado hasta la fecha. Y también por supuesto se ha dispuesto un CGI y un maquillaje excelentes. Si no le dieron el Oscar a maquillaje a ‘Star Trek: Más Allá’, cometiendo la atrocidad de dárselo a ‘Escuadrón Suicida’, pongo el grito en el cielo si no le cae a esta tampoco, aunque aún quedan muchos trabajos por ver.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2017. Título original: Guardians of the Galaxy Vol. 2. Duración: 137 min. País: EE.UU. Dirección: James Gunn. Guión: James Gunn. Música: Tyler Bates. Fotografía: Henry Braham. Reparto principal: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Bradley Cooper, Vin Diesel, Michael Rooker, Karen Gillan, Kurt Russell, Sylvester Stallone, Elizabeth Debicki, Tommy Flanagan, Sean Gunn, Pom Klementieff, Chris Sullivan. Producción: Marvel Enterprises / Marvel Studios / Moving Picture Company (MPC). Distribución: Walt Disney Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras, adapración. Web oficial: https://marvel.com/guardians

Crítica: ‘La excepción a la regla’

 Sinopsis

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Una aspirante y joven actriz (Lily Collins) y su ambicioso y joven chófer (Alden Ehrenreich) luchan con esperanza bajo las absurdas excentricidades del feroz e impredecible millonario Howard Hughes (Warren Beatty), el hombre para el que trabajan. Hollywood, 1958. Marla Mabrey (Collins), una compositora, devota baptista y reina de la belleza de su pequeña ciudad, llega a Los Ángeles para trabajar para el infame Howard Hughes (Beatty). En el aeropuerto, conoce a su chófer, Frank Forbes (Ehrenreich), un metodista de profundas creencias religiosas, que está comprometido con su amor del instituto.

Su atracción instantánea no sólo pone a prueba sus creencias religiosas, sino que desafía la regla número 1 de Hughes: está prohibido que sus empleados mantengan cualquier tipo de relación con las actrices que trabajan para él. El comportamiento de Hughes se cruza con Marla y Frank de modos muy distintos e inesperados. A medida que van entrando en ese mundo extraño, sus valores se ven cuestionados y sus vidas cambian por completo.

Crítica

Película romántica que esconde un biopic melodramático y decadente.

Esta no es la primera vez que el mítico, y ahora más conocido por los jóvenes tras los últimos Oscar, Warren Beatty dirige. Su carrera como máximo responsable de películas no es muy copiosa y en mi opinión es bastante irregular. En el caso de ‘La excepción a la regla’ nos topamos con su término medio, y dado el nivel que nos ofrece dirigiendo e interpretando visionamos un filme muy regulero.

Dirección, guión, producción y protagonismo corren a cargo de Warren Beatty que se ha apoyado en Bo Goldman (‘Alguien voló sobre el nido del cuco’) para elaborar la historia. ‘La excepción a la regla’ es una cinta con momentos verídicos pero que tiene en su gran mayoría nombres y fechas cambiadas, aunque en realidad no se aportan muchos datos. De ahí su montaje errado. La narración tiene varios saltos en el tiempo que no están nada bien ejecutados y que no percibimos hasta bien entradas las secuencias. Este y otros detalles nos dejan a las puertas de intentar hacer una película del estilo a las que se hacían en los tiempos mozos de Beatty.

Todo comienza como un romance en el mítico Hollywood y acaba como una biografía cada vez más destructiva. Esto es lógico pues las manías de Hughes no permitirían otro tipo de biopic. Con el personaje de Howard Hughes se hace coincidir a dos jóvenes que desarrollan una historia de amor prohibido. Es decir, podríamos entender que el marco es el mundillo del multimillonario y el objetivo es hablar de un romance. Pero la cosa se queda a caballo entre lo amoroso y lo biográfico.

El empresario e ingeniero que interpreta Warren Beatty es más histriónico todavía que el que interpretó DiCaprio en el filme de Martin Scorsese. Más que sus logros cinematográficos, que se dejan intuir o tienen varios guiños, se muestra su afán por la aviación y los dolores de cabeza que esta le trajo. Aquí lo que se ha buscado es remarcar que era un genio condenado a estar sentimentalmente solo, de carácter cambiante y costumbres excéntricas, nada lejos de la idea que teníamos de él, dicho sea de paso. Un personaje obsesionado por la fidelidad matrimonial, la religión y su creciente manía de que nadie le viese. Me gustaría señalar que llega en un momento muy  oportuno ahora que está en todas las portadas un hombre igual de polémico, conocido y poderoso, aunque con objetivos y rarezas bien diferentes.

Los protagonistas que acompañan a Beatty son Lily Collins y Aldren Ehrenreich pero poco a poco el director les roba el protagonismo. Cuando más se pueden lucir ambos es en la primera mitad del filme y no lo hacen. Y eso que la inclusión de Beatty se hace desear, nos meten casi tantas ganas de verle como las que tienen los personajes ficticios del filme. No esperéis grandes interpretaciones salvo algunos picos en el trabajo de Beatty, que está lleno de altibajos. Forman parte del reparto también, en mayor o menor medida, Matthew Broderick o Alec Baldwin. Y encontraréis cameos de amigos como Martin Sheen, Candice Bergen o Ed Harris.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2017. Título original: Rules Don’t Apply. Duracivón: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Warren Beatty. Guión: Warren Beatty. Fotografía: Caleb Deschanel. Reparto principal: Warren Beatty, Lily Collins, Alden Ehrenreich. Producción: Fox, New Regency Pictures, RatPac Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.fox.es/excepcion-a-la-regla

Crítica: ‘Las películas de mi vida, por Bertrand Tavernier’

Sinopsis

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El gran Bertrand Tavernier nos adentra en el mundo del cine hablando de las películas que le marcaron su vida y convirtieron en el cineasta que es hoy. Responsable de grandes títulos como ‘Alrededor de la medianoche’, ‘La vida y nada más’, ‘Hoy empieza todo’ o las más recientes ‘Salvoconducto’ y ‘Crónicas Diplomáticas’, Tavernier nos muestra y recuerda aquellas obras del séptimo arte que no deberíamos olvidar.

Crítica

Como cuando estudias una materia que te encanta pero te topas con un libro gigantesco.

Poder escuchar el testimonio de un cineasta laureado que habla sobre cine suele ser todo un lujo. En esta ocasión ese regalo nos lo hace Bertrand Tavernier y lo hace entrevistándose a sí mismo. Esta filmación nos llega bajo el título de ‘Las películas de mi vida’ transformando la versión original que traducida literalmente sería algo así como ‘viaje a través del cine francés’. Por primera vez en mucho tiempo ,y no sé si por primera vez en mi vida, me parece más acertado el título en castellano que en versión original.

Me explico. Esta película dura más de tres horas y aún así hay que decir que no es un recorrido a través de la totalidad del cine galo. Solo se repasa la época del séptimo arte que ha influido al director, de un modo extremadamente personal. Esta es una retrospectiva que nos trae las películas que a Tavernier le han influenciado o impactado más, no es una revisión objetiva, neutral o rigurosa del cine de nuestro país vecino. Por lo tanto tenemos una larga opinión personal sobre un tramo de la cinematografía francesa. Pese a ser tan extensa se hace mucho menos pesada de lo que cabe imaginar, aunque su pauta o esquema sea excesivamente monótono. Rompen un poco la homogeneidad del documental varias comparativas con el cine estadounidense y algunos testimonios.

Por otro lado, para digerir mejor este holgado documento, se puede enfocar como un vistazo o una lección también de las técnicas, novedades y claves del éxito de muchos largometrajes. Este trabajo funciona tanto como entrevista como documental, aunque cueste discernir si su intención busca alimentar el ansia informativa de unos o el ego de otros. Aunque por otro lado ya admitió el director que lo que buscaba con esta cinta era agradecer a todos los cineastas su trabajo al pasar por su vida.

Con la sapiencia que demuestra aquí Tavernier a uno no le extraña que él sea un director ganador de muchos premios y con una larga carrera cinematográfica. Además queda muy claro que es un cineasta de corazón y no de bolsillo. Con este trabajo suyo vislumbramos el cine bajo la lente de un director como pocas veces se puede ver, y eso es de agradecer viniendo de una persona fundadora del Nickelodéon, no del canal televisivo de carácter infantil, si no de un cine club pionero en su época.

Como añadido y presente para los más amantes o estudiosos del cine y su historia puedo decir con regocijo que este es un filme con muchos retazos de películas que debemos agradecer a la Pathé y Gaumont, productoras vivas desde la mismísima época de los hermanos Lumière. ‘Las películas de mi vida’ está concebida para verse con papel y bolígrafo a mano ya que muchos anotaríais gran cantidad de películas, directores y actores que se citan. Casi constantemente lo que oímos son las palabras de Tavernier, en algunas ocasiones, muy pocas, el testimonio de otros cineastas y se llega a tocar a Jacques Becker, Jean Renoir, Melville, Claude Sauset… Lástima que sea un documento tan cargante y largo.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de mayo de 2017. Título original: Voyage à travers le cinéma français. Duración: 190 min. País: Francia. Dirección: Bertrand Tavernier. Guión: Bertrand Tavernier. Música: Bruno Coulais. Fotografía: Reparto principal (documental): Bertrand Tavernier, Jean Gabin, François Truffaut, Marcel Carné, Jacques Prévert, Jean Luc Godard, Jean Pierre Melville, Eddie Constantine, etc. Producción: Little Bear, Canal Plus, Gaumont, Pathé. Distribución: Sherlock Films. Género: documental. Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/pelicula/527/las-peliculas-de-mi-vida-por-bertrand-tavernier/

Crítica: ‘Stefan Zweig, adiós a Europa’

Sinopsis

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Stefan Zweig  fue uno de los personajes más irrepetibles del siglo XX. Escritor, biógrafo y activista social, este intelectual austríaco y  judío  se vio obligado a huir de su país debido al régimen nazi.

En su huída hacia adelante,  se refugió en París primero y, más tarde, en Londres, pero Zweig acabó huyendo de Europa junto a su esposa a Sudamérica, instalándose finalmente en Brasil, donde acabará suicidándose en 1942 debido a su miedo a que el nazismo se extendiera por todo el mundo.

Crítica

Una viva representación del fruto de la guerra sin imágenes de esta.

Con todo lo que se ha explotado en el cine la II Guerra Mundial se están buscando nuevas historias y si están basadas en hechos reales como esta pues son aún mejor recibidas. Por casi todos es compartida la aversión por las atrocidades del gobierno de Hitler y por eso es más sencillo empatizar con personajes como el de Stefan Zweig. La directora Maria Schrader nos le presenta como un hombre intelectual, prudente, políticamente importante y ante todo, amante de Europa. Así, además de mostrarnos una de las muchas tragedias que generan los enfrentamientos armados nos acerca la figura de este notable escritor.

Un judío y austriaco que se codeaba y era nombrado junto a las personalidades más doctas de su época. Un erudito que buscaba un mundo en paz, una Europa unida que no llegó a ver y que muchos de nosotros puede que tampoco veamos nunca, no al menos tal y como soñaba él. El de Josef Hader es un Stefan Zweig con el que comparte un parecido físico bastante aproximado y que  sufre en su carne y espíritu la situación tan convulsa y dramática que vivía el viejo continente. Por lo tanto en el filme vemos bastantes pinceladas de esa angustia pero tal vez no las suficientes como para llevarnos correctamente al desenlace. Ignoro si Schrader ha dispuesto de mucho material verídico o documental, pero me ha parecido excesivamente áspero el cambio a la última escena. Pese a ello sí que hay elementos conocidos y reales como su conocida frase «Si el paraíso existe en algún lado del planeta, ¡no podría estar muy lejos de aquí!» que dijo sobre Brasil.

Realmente lo que se ha querido remarcarse más es la situación del viejo continente durante esos años a través del modo en como afectaba al escritor. Para ello la directora ha rodado cuatro largas secuencias, algo sobradas de duración, concluidas con un epilogo que goza de un magistral plano perpetuo y estático. Durante estos episodios comprobamos el exilio de Zweig y su esposa. Un exilio cargado de melancolía por el hogar, de incertidumbre por los seres queridos y de temor por el futuro. Pero también está nivelado con una cínica esperanza, con multitud agasajos y con el cariño de la familia en tierra ajena. Todos estos elementos son los que nos transportan a una guerra sin guerra. Gracias a esta obra de Maria Schrader podemos ver reflejado el daño de la espeluznante contienda sin que pase ante nosotros un soldado u oigamos un solo disparo. Es un buen ejercicio mental e introspectivo.

La propuesta es firme y no cae en el sensacionalismo o la espectacularidad. Juega dentro de un ámbito intelectual y existencialista que la convierte en una cinta lejos de lo baladí. Si os gusta que se exploren dramas como la II Guerra Mundial pero estáis hastiados del cine bélico o efectista podéis tirar de narraciones como esta. Así además comprobaréis que no solo los nazis se exiliaron a Sudamérica, antes lo hicieron muchos judíos.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de abril de 2017. Título original: Stefan Zweig: Farewell to Europe. Duración: 106 min. País: Austria. Dirección: Maria Schrader. Guión: Maria Schrader, Jan Schomburg. Música: Tobias Wagner. Fotografía: Wolfgang Thaler. Reparto principal: Josef Hader, Barbara Sukowa, Tomas Lemarquis, Lenn Kudrjawizki, Harvey Friedman, Matthias Brandt, Charly Hübner. Producción: X-Filme Creative Pool, Idéale Audience, Maha Productions. Distribución: Caramel Films. Género: biográfico, drama. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/sinopsis/stefan_zweig_adios_a_europa

 

Crítica: ‘The immortal life of Henrietta Lacks’

Sinopsis

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La película relata la historia de Henrietta Lacks, una mujer afro americana cuyas células sirvieron para cultivar la primera cadena celular inmortal. Narrada a través de los ojos de su hija, Deborah Lacks (Winfrey), el largometraje es la crónica de su investigación, con la ayuda de la periodista Rebecca Skloot (Byrne), con el objetivo de conocer a una madre que nunca conoció y entender cómo la utilización sin consentimiento de las células cancerígenas de Henrietta en 1951 llevó a la consecución de innovadores descubrimientos médicos, que salvaron un sin número de vidas y marcaron la investigación médica para siempre.

Crítica

Significativa historia con monótona ejecución.

El de Henrietta Lacks es uno de los casos que sentaron las bases de las regulaciones no solo médicas y científicas si no también éticas en lo que se refiere a la investigación con seres humanos. La suya y la de su familia puede resultar una historia desgarradora, sobre todo si nos quedamos con su idea y argumento, más que con el modo en que se ha rodado.  Pero aunque esté protagonizada por dos buenas actrices (Oprah Winfrey y Rose Byrne) que realizan dos grandes interpretaciones y ofrezca bellos momentos (como el que viven los hijos de Enrietta en el laboratorio) resulta bastante tediosa. Este es un descubrimiento revelador y de ardua investigación, como también lo fue ‘Spotlight’ pero sin el ritmo, la agilidad y el mordiente de esta. Las películas de este género son por lo general cintas con guiones espesos, con mucho más diálogo que acción. Para que un filme tan conversacional como este se haga entretenido el ritmo de inclusión de novedades o de situaciones dramáticas ha de ser dinámico. ‘The immortal life of Henrietta Lacks’ carece de esa cualidad y puede llegar a entumecer.

Por supuesto nos encontramos ante otro episodio de racismo y discriminación social, otro destapado por el cine, y no son pocos los que vemos últimamente. Esta es una historia de reconocimiento, de respeto y de indignación. Muestra como no solo se marginaba a las personas negras por su color de piel limitando cosas tan importantes como el número de hospitales al que podían acudir, si no que se les utilizaba para investigaciones médicas, que por muy fructíferas que pudiesen ser, se hacían sin su consentimiento y conocimiento. Por lo tanto nos ofrece una nueva visión del racismo que se vivió hasta hace no tanto en el «país más poderoso de la Tierra».

Al menos podemos decir que el filme tiene bastante rigor. Está basado en el libro de Rebecca Skloot, la periodista que encarna Rose Byrne. Sale de una obra de no ficción, y a su vez muestra la elaboración de ese Best-Seller. Además tiene hasta su propio asesor científico, Winston E. Thompson, una práctica cada vez más habitual en Hollywood.

Esta no es solo una película de labor periodística y humana, también tiene la virtud de poner un tema científico en términos y contextos más sencillos. Pero es un trabajo técnicamente un poco descuidado, principalmente en su montaje. Incluso tiene algún que otro fallo de raccord.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de abril de 2017. Título original: The Immortal Life of Henrietta Lacks Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: George C. Wolfe. Guión: Peter Landesman, George C. Wolfe, Alexander Woo. Música: Branford Marsalis. Fotografía: Sofian El Fani. Reparto principal: Oprah Winfrey, Rose Byrne, Courtney B. Vance, Renée Elise Goldsberry, Lisa Arrindell, Reed Birney, Ninja N. Devoe, L. Warren Young, Kate Bond, Earl Poitier, Kyanna Simone, Alpha Trivette, Patrick R. Walker, David Shae, Jock McKissic, Sylvia Grace Crim. Producción: Cine Mosaic, HBO Films, Harpo Films. Distribución: HBO. Género: drama. Web oficial: http://www.hbo.com/movies/the-immortal-life-of-henrietta-lacks

Crítica: ‘Garantía personal’

Sinopsis

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En un contexto de provincias, con una crisis económica y social devastadora y una banca inoperante, cada personaje de “Garantía Personal” llevará hasta el límite la defensa de sus intereses particulares.

Mara (Belén López) es una mujer madura que empujada por la quiebra y hospitalización de su marido, tendrá que defenderse “a cara de perro” de sus acreedores, y salvaguardar aquello por lo que ha luchado toda la vida.

Crítica

Cine negro ambientado en esta nuestra gran depresión.

Garantía personal es esa expresión de la que habría que hacer uso como eufemismo para indicar que alguien está «haciendo un favor» a otra persona «desinteresadamente». Es algo que hemos visto en muchas películas, lo clásico: te doy algo pero a cambio quiero un favor, o te meto intereses, o no te retrases en el pago… Algo a lo que muchos españoles habrán recurrido en estos últimos años echando mano de, o echando una mano a amigos. La crisis económica actual es el telón de fondo, el punto de partida y el detonante de ‘Garantía personal’.

Con un planteamiento muy neo-noir o de novela negra moderna se nos plantea una historia tensa e incierta. Pero esto no quiere decir que nos guarde grandes sorpresas ya que las cartas están en todo momento sobre la mesa y podemos imaginar con facilidad lo que va a suceder. No obstante, aunque esta sea una película pequeña no se la puede etiquetar del todo como sencilla. En varios momentos maneja diferentes variables derivadas del carácter de algunos de sus personajes. Muchos guionistas caen en errores al querer introducir elementos atractivos y acaban presentando incoherencias en sus historia. Pero en el caso de Rodrigo y Julio Rivas esto no sucede. Aunque no nos encontremos ante giros magistrales de guión la trama al menos es lógica y realista.

En el campo interpretativo tenemos un poco de todo. Me ha gustado mucho la naturalidad y el arraigo del que ha hecho gala Carlos Tristancho. También la intensidad de la protagonista Belén López. Pero hay varias actuaciones, como la de Pablo Bigeriego, que me sacan de la película dejando un sabor amateur. En general se ha reunido un reparto muy acostumbrado a trabajar en series para una película con mucho sabor a estas. Salvo por su final shakesperiano, el cual me parece un buen desenlace, todo podría dividirse en varios episodios y emitirse en formato serie. De este modo se podrían haber incluido varios cliffhanger que habría hecho de esta producción algo más intrigante.

Pero no penséis que su rodaje es de poca monta. Los planos de gran calidad visual dejan al descubierto un escenario que, por ejemplo, saca disimuladamente lo mejor de la ciudad de Plasencia, que por ser tierra de vetones, como lo es también mi tierra, ha sido rebautizada como Vetonia.

Una lástima que la película cojee algo en el reparto y que le sobren algunas escenas reiterativas o demasiado alargadas que impiden que el ritmo sea más vivo y cautivador. Sin embargo puede acaparar la atención de todo aquel aficionado al cine policíaco.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de abril de 2017. Título original: Garantía Personal. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Rodrigo Rivas. Guión: Rodrigo Rivas, Julio Rivas. Música: Óscar López Plaza. Fotografía: César Pérez. Reparto principal: Belén López, Roberto Enríquez, Valentín Paredes, Carlos Tristancho, Raquel Infante, Pablo Bigeriego, Juan Carlos Tirado, Darko Peric, Diego Ramos. Producción: Derivas Films, Estudios Auriga. Distribución: Derivas Films. Género: drama, thriller. Web oficial: http://derivasfilms.com/garantiapersonal/

Crítica: ‘Smoking Club (129 normas)’

Sinopsis

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Óscar, cerca de los cuarenta, tras una “crisis vital”, deja su trabajo de funcionario y a su novia para montar un club de fumadores de cannabis junto a un amigo de la universidad, Danny.
Para Óscar, su “Smoking Club” es “un espacio de libertad”, aunque para ello deba imponer 129 normas que aseguren el buen funcionamiento del local.

Crítica

Soliloquios insustanciales de un fumeta.

Con una sensación de que lo que se quiere transmitir es el buen rollo llega ‘Smoking Club (129 normas)’. Una película independiente, cargada de ideas liberadas y neutrales dominadas, eso se supone, por 129 normas. Y digo se supone por que las normas están ahí, se traen a colación de algunos sucesos durante la película pero en realidad no influyen en el devenir de la historia. A mi parecer sirven solo como tagline y como relleno narrativo.

El filme trata de dos socios que montan un bar donde se puede fumar marihuana. Trabajan dentro de la alegalidad y admiten en el club personas de todo tipo. De este modo se juntan en ese local, única localización del filme, un grupo heterogéneo y variopinto de personas que promete con su confluencia un resultado humorístico. Y humor hay, pero muy poco eficiente. Con el reparto coral y la diversidad de personajes se podría haber conseguido una interacción más verosímil, singular y chocarrera. Sin embargo se tramita todo con historias aisladas, algunas extremadamente forzadas y casuales entre ellas, resueltas además de un modo un tanto ingenuo.

Sin embargo lo que más abunda es la filosofía barata que nos suelta el personaje de Rodrigo Poisón en sus monólogos. Lo que dice es muy propio de un porrero y realmente está bien recreado, tanto en texto como en interpretación, pues cuando alguien se encuentra colocado con marihuana suelta retahílas pseudoprofundas muy semejantes. Muy del estilo a lo que se hacía en ‘Año Mariano’ pero sin esa gracia y con otro tipo de intención. Está claro que lo que se ha intentado es «molar», buscando además el toque de Guy Ritchie o el modelo de ‘Trainspotting’. Pero no ha salido del todo bien pues le falta carisma, ritmo y gancho.

Un ambiente enrollado, cargado hasta arriba de product placement, alguna que otra buena interpretación y una buena idea original no suplen la falta de interés en el desarrollo de la historia y el uso de sus propias herramientas.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril de 2017. Título original: Smoking Club (129 normas). Duración: 80 min. País: España. Dirección: Alberto Utrera. Guión: Carlos Soria, Sergio Granda, Albeto Utrera. Fotografía: Miguel Ángel García. Reparto principal: Rodrigo Poisón, Jimmy Castro, Natalia Mateo, Silvia Vacas, Álvaro Lafora, Edu Díaz, Marta Balón, Margarita Lascoiti, Úrsula Gutiérrez, Clara Alvarado, Ángela Chica. Producción: MoA Studio. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: comedia. Web oficial: http://www.smokingclub.org/

Crítica: ‘John Wick. Pacto de sangre’

Sinopsis

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El legendario sicario John Wick (Keanu Reeves) se ve forzado a abandonar su retiro por un antiguo socio que trama hacerse con el control de una siniestra cofradía internacional de asesinos. Obligado a ayudar por un juramento de sangre, John viaja a Roma, donde se enfrentará a algunos de los asesinos más letales del mundo.

Crítica

‘John Wick’ fue una película que nos contaba allá por el año 2014 una historia de venganza de un asesino letal retirado (Keanu Reeves)  que se veía forzado a volver a la acción al perder lo único que hacía que su vida tuviese sentido. Siguiendo las líneas de un western moderno, no le queda otra que acabar con los que le hicieron eso. Este es el punto de partida de una historia que nos marca el devenir de este segundo capítulo. Una película poco conocida, con poca distribución a nivel internacional y que pasó directamente al DVD en España, pero que recibió críticas favorables y tuvo impacto en la comunidad de internet donde sí triunfó a nivel mundial.

Chad Stahelski, codirector de la primera, dirige esta segunda entrega que no pierde el sello de la original. Doble de Keanu Reeves en ‘The Matrix’ (donde se conocieron), dirige de forma brillante el espectáculo de luchas, tiros y persecuciones con el que nos encontramos. Las coreografías de las escenas de acción son espectaculares, imprimiendo un sello característico y un estilo propio que ya caracteriza a la saga y que se quedará para siempre en la retina del espectador.

Laurence Fishburne y Reeves coinciden en esta producción desde que lo hicieran en 2003 en ‘The Matrix’, y las referencias a la trilogía son evidentes en este filme, y no son las únicas. El elenco cumple con nota, cosa que no hace más que mejorar la calidad del conjunto. En especial Keeanu Reeves, el cual realiza prácticamente todas las escenas de acción sin doble y le da consistencia al personaje, el gran Ian McShane y el mítico Franco Nero entre otros.

En este nuevo capítulo de lo que pretende ser una trilogía, nos ponen en situación rápidamente con unos 10-15 primeros minutos de acción espectacular que viene a ser una continuación del primer capítulo. Es decir, la película empieza fuerte. Luego apenas da tiempo para relajarse ya que la “paz” de John vuelve a ser perturbada por un antiguo pacto de sangre que, según las normas de esa extraña organización de asesinos que ya pudimos conocer en la primera parte, está forzado a cumplir. A partir de ahí la cosa va de mal en peor y el número del contador de muertes asciende como el mercurio un día de verano cualquiera.

‘John Wick: Chapter 2’ nos da más, pero te encuentras con esa sensación de que en realidad quieres más, quieres ver cómo se las apaña nuestro protagonista para dar fin a sus múltiples víctimas, con ese estilo al que yo denomino “combate cuerpo a cuerpo con disparos a quemarropa” aunque también nos reserva alguna escena de asesinato de la que prescinde de las armas convencionales, y no quiero deciros más… Es una versión vitaminada del capítulo uno, salpicada con toques de humor negro, que en líneas de argumento y originalidad no aporta nada nuevo pero es que realmente no te importa. Tienes claro lo que has ido a ver, y de eso te dan de sobra.

Para los más frikis debo comentar que se hace referencia a los videojuegos ‘Payaday 2’ y al mapa de Roma de ‘Counter Strike’ (recordad las escaleras), además de las influencias ya mostradas desde el primer capítulo a Sergio Leone, John Woo y el filme neo noir ‘Point Black’ (con Lee Marvin) entre otras.

Decir que nuestro asesino a sueldo preferido se ha superado. Si en ‘John Wick’ se hablaba de entre 77 y 84 personas muertas por su letal talento, en esta, el contador de muertos asciende a 123 muertes. Supera así a las 118 del personaje de John Preston (Christian Bale) en ‘Equilibrium’, pasando, según la información que he podido recabar, a la tercera posición de más muertes en una película causada por un solo personaje.

En resumen, ‘John Wick: Pacto de sangre’ es una película notable dentro de su género, que hará las delicias de los más cinéfilos por las referencias de las que os hablaba, y que gustará al público que sepa lo que va a ir a ver. Unas escenas de acción de nivel, coreografías de lucha que no son al uso y que resultan espectaculares y un conjunto tanto visual, como de sonido y banda sonora que os hará pasar un buen rato en la sala sin tener que pensar mucho.

Que decir tiene que aunque no es estrictamente imprescindible ver la primera película, si es recomendable hacerlo. Si os gusta, os gustará el capítulo dos y querréis que en un futuro no muy lejano, la supuesta trilogía de la que os hablaba al principio sea una realidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de abril de 2017. Título original: John Wick: Chapter Two. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Chad Stahelski. Guión: Derek Kolstad. Música: Tyler Bates, Joel J. Richard. Fotografía: Dan Laustsen. Reparto principal: Keanu Reeves, Riccardo Scamarcio, Laurence Fishburne, Bridget Moynahan, John Legizamo, Ian McShane. Producción: 87Eleven, Lionsgate, Thunder Road Pictures. Distribución: eOne Films. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.johnwick.movie/

Crítica: ‘Lo tuyo y tú’

Sinopsis

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Una noche Youngsoo y su novia Minjung discuten por el supuesto flirteo de la chica con un desconocido y ella termina marchándose de casa. Al día siguiente Youngsoo vaga por las calles con la esperanza de encontrarla; mientras tanto Minjung (o una chica idéntica a ella) tiene citas con distintos hombres que dicen conocerla.

Crítica

En ‘Lo tuyo y tu’, nueva película de Hong Sang-Soo, nos volvemos a encontrar con la mayoría de sus actores y actrices fetiches de sus anteriores obras, como son:  Kim Joohyuck (‘Like for Likes’, ‘The Beauty Inside’) y Lee Youyoung (‘The Treacherous’, ‘Late Spring’), Kwon Haehyo (‘En otro país’), Yoo Junsang (‘Ahora sí, antes no’) y Kim Euisung (‘Train to Busan’).

La trama en si nos puede recordar e incluso enlazar a su película anterior ‘Ahora sí, antes no’ (crítica aquí). En ella vuelve a introducir a un secundario que también es director de cine. Esto sucede en una de las diferentes historias de las que consta la película, recurso que utiliza a menudo en sus obras.

ATENCION SPOILERS

‘Lo tuyo y tu’ se podría dividir en tres partes. En la primera el protagonista está sufriendo un momento familiar difícil y se le añade otro sentimental. Se entera por un querido amigo de la doble vida social que lleva su novia, la cual, por lo visto tiene un especial amor por la bebida. Se crea un conflicto entre la realidad y lo especulado que desata la ruptura entre los dos y nos lleva a la parte media de la cinta. En ella vemos como lleva cada uno de los dos la ruptura. Para finalizar, en la última parte Hong Sang-Soo nos acaba llevando a una especie de punto de partida.

FIN DE SPOILERS

Los diálogos entre los distintos personajes son algo repetitivos y se alargan demasiado, lo que lleva a adormecer un poco. Casi toda la película está constituida por escenas entre dos personajes. La parte que le toca a Lee Youyoung es una sucesión de situaciones bastantes parecidas entre sí, lo que unido a los diálogos repetitivos hace parecer que has entrado en bucle en mitad de la sala.

La música que emplea es solamente instrumental y también es la misma pieza corta entre unión de escenas pero si era formidable, o al menos, a mi me encanto.

La historia es algo bastante cotidiana y algo que nos podría pasar a cualquiera. Simplemente ese hecho y la profundidad que pretende dar a sus personajes podría haberla hecho considerar como una gran película dramática, pero se pierde y desvanece en los diálogos y la duración interminable de las escenas.

La metáfora principal de la cinta se podría entender que es: ¿cómo es el no juzgar a las personas que amamos por las palabras de otros y aceptar al ser amado con sus defectos y virtudes? Pero se pierde en el visionado por la desorientación de la que hace gala en algunas escenas, de las cuales ya no sabes que es real y que es imaginado por el protagonista.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2017. Título original: Yourself and Yours. Duración: 86 min. País: Corea del Sur. Dirección: Hong Sangsoo. Guión: Hong Sangsoo. Música: Dalpalan. Fotografía: Park Hongyeol. Reparto principal: Kim Joohyuck, Lee Youyoung, Kwon Haehyo, Yoo Junsang, Kim Euisung. Producción: Distribución: Good Films y La Aventura. Género: comedia, drama, romántico. Web oficial: http://www.goodfilms.es/catalogo/lo-tuyo-y-tu/

Crítica: ‘Negación’

Sinopsis

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Basada en el alabado libro ‘Denial: Holocaust History on Trial’, ‘Negación’ cuenta la batalla legal de Deborah E. Lipstadt (Rachel Weisz) por defender la verdad histórica contra David Irving (Timothy Spall), que la denunció por difamación cuando ella lo acusó de negacionista del Holocausto. En el sistema legal británico, en casos de difamación, el peso de la prueba recae en el demandado, por lo que Lipstadt y su equipo legal, encabezado por Richard Rampton (Tom Wilkinson), tuvieron que demostrar la verdad esencial de que el Holocausto sucedió realmente.

Crítica

Inquietante relato de como un solo individuo puede tergiversar la historia universal.

Ahora que está todo el asunto de los chistes sobre Carrero Blanco nos llega ‘Negación’ que arranca con un chiste o gracia sobre Auschwitz. Y hay más cosas en relación con nuestra actualidad en esta película de Mick Jackson (‘Volcano’, ‘El guardaespaldas’). Y es que este nuevo estreno no podría llegar en mejor momento, en una época de controversia política y social. Porque trata sobre la importancia de hacer desvelar la auténtica verdad, de respetar las ideologías y de cuidar lo que se hace con la libertad de expresión. Parece pensada para criticar a los dirigentes de ahora pero se ha empleando para ello un marco y una época diferentes, de las cuales no se sale. Mostrando lo que sucedió, porque ocurrió de verdad, en aquel episodio histórico se nos recuerda como hay un auge de técnicas populistas y como somos al abordar o negarnos cierta información que nos llega en los libros y medios de comunicación de mano de los supuestos «escritores objetivos». También es la prueba de que  muchos pueden obcecarse hasta en negar lo obvio haciéndonos ver que incluso hoy en día muchos también hacen eso. De paso el equipo del filme se indigna ante el tradicionalismo del sistema inglés a través de las desquiciadas reacciones del personaje de Rachel Weisz.

Casi todo el filme es un vibrante, tenso e incierto juicio. Por supuesto tenemos unos primeros compasases en los que se sientan las bases del conflicto que da origen y sentido a esta película y es ahí donde brilla más Weisz. Pero en cuanto arrancan las escenas en el juzgado toman las riendas del filme Tom Wilkinson, Andrew Scott y Tomothy Spall. Es este último es el que realiza la mejor interpretación de la película. He llegado a odiar a su personaje de lo rastrero, irritante y malicioso que le ha salido.

No queda de lado cinematográficamente Rachel Weisz, es la clara protagonista sin que a su personaje la dejasen serlo. Es la ironía y la sátira que tiene esta película contra los sistemas jurídicos y del modo de pensar de la gente de ahora. Es más, con un último plano irrefutable Jackson nos remarca el carácter del filme. El hecho de incluir en la cinta el significado del nombre Deborah (personaje de Weisz) también nos da pistas de que su intención era la de darle de nuevo voz al sufrido pueblo y pedir que no vuelvan a suceder ni crímenes ni olvidos tan atroces, más dignos del mayor de los esperpentos de Valle-Inclán que de una sociedad civilizada.

La banda sonora es de Howard Shore que ha limitado sus trabajos como compositor a uno al año y ha dejado un poco de lado la épica que tantos éxitos le ha dado. Tras poner música brillantemente a ‘Spotlight’ se puso manos a la obra con ‘Negación’. En este caso no estamos ante una de sus mejores composiciones pero al menos la música acompaña bien a las imágenes que vemos.

Os va a sorprender como algo que ahora nos parece tan conocido, flagrante y obvio estuvo a punto de ser negado por buena parte de los ciudadanos. Y esto no fue hace mucho, ¡fue a principios del siglo XXI!

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2017. Título original: Denial. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Mick Jackson. Guión: David Hare. Música: Howard Shore. Fotografía: Haris Zambarloukos. Reparto principal: Rachel Weisz, Tom Wilkinson, Timothy Spall, Andrew Scott. Producción: Krasnoff, Foster Entertainment, Participant Media, Shoebox Films. Distribución: eOne Films. Género: drama. Web oficial: http://es.eonefilms.com/films/negacion

Crítica: ‘Un golpe con estilo’

 Sinopsis

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Willie, Joe y Al, unos amigos de toda la vida que deciden rechazar la jubilación y desviarse del buen camino por primera vez en sus vidas cuando sus fondos de pensiones se convierten en humo como consecuencia de una crisis empresarial, en la comedia Un golpe con estilo, del director Zach Braff.Desesperados por pagar las facturas y seguir adelante con sus seres queridos, los tres lo arriesgan todo al embarcarse en una temeraria oferta de atracar al mismísimo banco que se  quedó con su dinero.

Crítica

Simpaticona comedia en la que se roba algo más que el dinero.

Para mi gusto y opinión Theodore Melfi está de racha. No es que esté realizando taquillazos pero si está sacando adelante películas solventes como esta, la cual ha escrito, o llegando a nominaciones al Oscar como le ha ocurrido al producir, dirigir y escribir también ‘Figuras Ocultas’. En este nuevo largometraje vuelve a la comedia. Realmente es un género que no deja de lado nunca pues en ‘Figuras Ocultas’ introdujo bastantes momentos humorísticos, pero este filme tiene una clara intención de obtener risas del espectador y en muchas ocasiones lo logra.

‘Un golpe con estilo’ se centra en el plan y la coartada de los protagonistas. En ese sentido no le veo fallos, si acaso algo más de potencia en su humor me habría conquistado más. Posee un carácter quizá demasiado familiar, aunque con esto se logra que tenga un equilibrio suficiente como para gustar a todo el mundo. Es hilarante pensar y ver como a tres mayores se les puede ocurrir robar un banco. Al estar en una edad tan avanzada solo cabe la posibilidad de que se logre algo así con cabeza y eso es lo que usan en su plan. Esto también entra a colación del inicio de este párrafo pues con cabeza está realizada la película. Está creada sesudamente para generar situaciones que cuadren y que de paso nos puedan hacer gracia.

Pero no es todo humor. Podemos descubrir algo evidente en segundo plano. Esta es otra crítica contra los bancos de USA, como vimos en ‘Comanchería’. Obviamente el tono es muy diferente al tratarse de una comedia familiar. En esta ocasión los perjudicados son los más mayores. Personas que juegan a averiguar cuánto les queda de vida y que está indignada con el sendero que sigue su país, económicamente hablando. Aún así tenemos como protagonistas a actores que cara al público no suelen ser problemáticos ni críticos, como Morgan Freeman y Michael Caine. Gran prueba de esta otra lectura que se puede hacer del filme son frases como «Sistema corrupto que ya no está al servicio de los ciudadanos» o «Es deber de la sociedad cuidar de los mayores» o «Todo el mundo merece un trozo del pastel». De todos modos no olvidemos que este es un remake del ‘Going in style’ de 1979 y lo que parece que se le ha querido aportar son detalles de la situación actual.

Con gusto puedo decir que además de los protagonistas se ha contado con otro veterano actor. Aparece Christopher Lloyd y como siempre es uno de los más graciosos. Lástima que sea el eterno encasillado en personajes con mentes perturbadas como ha seguido demostrando con ‘Cold Moon’ o ‘Sin City 2’. Al menos en ‘I am not a serial killer’ tenía un cariz diferente.

Acompañando de una buena banda sonora se recurre a otros clásicos del cine de atracos y robos. Es decir, intenta ir algo más allá de ser un remake para hacer algo de homenaje. Los protagonistas, por ejemplo, imitan a los atracadores de ‘Le llaman Bodhi’ enmascarándose con caretas del Rat Pack de Sinatra y compañía. Incluso se recrea de un modo muy parecido una escena de ‘Una historia del Bronx’.

Un problema del final es caer en el convencionalismo de las películas de este género. Se cierra un círculo muy casual, algo forzado, con el fin de generar una situación cómica y tensa. Pero con lo que más me quedo es con la habilidad que parece será la firma del director, Zach Braff. En todo lo que ha dirigido ha sabido robarnos el corazón, no solo el dinero y el tiempo, variables con las que también juegan sus protagonistas. Para ello siempre nos rodea de personajes tiernos que aunque no sean memorables si son entrañables.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2017. Título original: Going in style. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Zach Braff. Guión: Theodore Melfi. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Rodney Charters. Reparto principal: Michael Caine, Morgan Freeman, Alan Arkin, Joey King, Matt Dillon, Ann-Margret, Maria Dizzia, Christopher Lloyd, Josh Pais, Katlyn Carlson, Raina Cheng, John Ortiz, Peter Serafinowicz. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), New Line Cinema, Village Roadshow Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.warnerbros.com/going-style-2017

Crítica: ‘Nieve negra’

Sinopsis

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Salvador vive aislado en su refugio de montaña. Tras décadas sin verse, su hermano Marcos y su mujer Laura, que está embarazada, viajan a Argentina para convencerle de vender las tierras que comparten por herencia de su padre. Pronto se produce el enfrentamiento de los dos hermanos y reaparecen oscuros secretos del pasado, ante la asustada mirada de la indefensa Laura.

Crítica

Poca estupefacción y mucha apatía.

‘Nieve negra’ es un filme cuya historia se adentra perfectamente en los cánones del cine negro. Pero su corrección termina ahí, en que cuesta poco clasificarla y enmarcarla en un género. Esto sucede porque todo gira en torno a un secreto y a una tragedia muy arraigada, pero a pesar de ello carece del factor sorpresa y de la capacidad de generar tensión en el espectador. Su guión es tan monótono y endeble que sin tener errores o fallos resulta tedioso.

Martín Hodara (acostumbrado a trabajar con Darín) transmite una historia desmoralizadora, sin mensaje y con la única capacidad de otorgar un drama familiar para nada transgresor ni dinámico. Ese es el problema de ‘Nieve Negra’, que le cuesta avanzar y que no nos intriga ni sorprende. Tan solo tiene algunos momentos en los que plantea algún enigma que a posteriori resulta que ya habíamos previsto. Me he pasado la película dándole un voto de confianza, diciéndome a mí mismo que las historia estaba a punto de progresar o que iba haber un giro interesante. Pero no. Todo se ha guardado para los últimos minutos y no es nada del otro mundo.

Uno de los grandes problemas que arrastra el filme es Laia Costa. En este trabajo resulta muy inexpresiva y poco natural. No ha hecho suyas unas frases que si bien no son nada del otro mundo, podría haber enfatizado más para al menos así tapar la poca coherencia de su personaje. Salvo en su última mirada nos ofrece un trabajo muy plano. Por el contrario Darín, Sbaraglia y Luppi han dado algo más de sí. No les falta intensidad ni talento pero se encuentran sometidos a un guión que les lleva por un sendero que poco hace evolucionar a sus personajes.

La forma en que se narra el filme parece lo más acertado. Cuenta una historia de la infancia de nuestros protagonistas a la vez que ellos pasan por los mismos puntos en el presente. En esos flashbacks son donde realmente se esconden las claves, aunque estas no sean tremendamente ingeniosas. Cuando se destapan los secretos o «misterios» ya estamos muy enterados de ellos o hemos perdido el afecto por los personajes.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2017. Título original: Nieve Negra. Duración: 90 min. País: Argentina. Dirección: Martín Hodara. Guión: Martín Hodara, Leonel D’Agostino. Música: Zacarías M. de la Riva. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Reparto principal: Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Laia Costa, Dolores Fonzi, Federico Luppi, Biel Montoro, Mikel Iglesias, Liah O’Prey, Andrés Herrera. Producción: Pampa Films, Telefe, Directv, Tieless Media, Gloriamundi Producciones, Bowfinger, A Contracorriente Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: thriller. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/675/nieve-negra/

Crítica: ‘El bebé jefazo’

Sinopsis

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Desde el estudio que trajo a nuestras pantallas ‘Shrek’, ‘Kung Fu Panda’ y ‘Madagascar’, llega ahora ‘El bebé jefazo’, de DreamWorks Animation, una desternillante comedia familiar sobre la repercusión que tiene en el hogar la llegada de un nuevo hijo, contada desde el punto de vista de un narrador deliciosamente indigno de confianza: un niño de 7 años llamado Tim, dueño de una imaginación desenfrenada. El singularísimo Bebé Jefazo llega al hogar de Tim en un taxi, luciendo un traje, maletín en mano y hablando con la voz de Alec Baldwin. La rivalidad que surge entre los dos hermanos queda, a regañadientes, a un lado cuando Tim descubre que el Bebé Jefazo es en realidad un espía en misión clandestina y secreta y que sólo él puede ayudarle. A continuación, tiene lugar una estrafalaria aventura cuando los diminutos socios se disponen a frustrar una ruin trama que incluye una épica batalla entre mascotas y niños.

Crítica

Juguetona y animada comedia familiar.

Me acerqué a ver ‘El Bebé Jefazo’ con unas expectativas muy distintas de las que salí de la sala de proyección. Siendo de la 20th Century Fox y sabiendo el tema del largometraje me esperaba una especie de ‘Padre de Familia’ pero con otro tipo de animación adulta y grosera. Por supuesto esperaba algo menos hiriente que la serie y me encontré con otra cosa.

La película es muy entretenida desde sus inicios y tiene momentos contados desde la imaginación de un niño que están genialmente realizados. La trama se explica y se desarrolla de una forma muy fluida haciendo que sea un encanto verla de principio a fin.

Los momentos de imaginación del niño unidos a los muchos gags que se hacen basándose u homenajeando a otras películas te mantienen atento para identificar la realidad del momento o la referencia cinéfila.

Un gran acierto es el doblaje de José Coronado poniendo voz al bebé jefazo. Le da un realismo grandísimo y de inmediato le identificas como un auténtico jefazo.

La única pega que le pondría, y es menor, es la canción principal de la banda sonora. Pese a sonar solo un par de canciones en toda la película tiene una en particular que se repite varias veces. Esta tiene su sentido en lo que es el largometraje, pues parece que una cinta de animación o para niños no lo es realmente si nadie canta en toda la película.

Desde luego ‘El Bebé Jefazo’ es muy recomendable para ir con amigos o incluso en las vacaciones de Semana Santa (semana que se estrena) para disfrutar con la familia.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2017. Título original: The Boss Baby. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Tom McGrath. Guión: Marla Frazee, Michael McCullers. Música: Hans Zimmer. Fotografía: animación. Reparto principal (doblaje original): Alec Baldwin, Miles Christopher Bakshi, Steve Buscemi, Eric Bell Jr., Jimmy Kimmel, Lisa Kudrow, Tobey Maguire, ViviAnn Yee. Producción: DreamWorks Animation / 20th Century Fox. Distribución: 20th Century Fox. Género: comedia, aventuras, animación. Web oficial: http://www.dreamworks.com/thebossbaby/

Crítica: ‘Últimos días en La Habana’

Sinopsis

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Centro Habana, el corazón de la Habana de hoy. Miguel (45 años) sueña con huir a New York. Mientras espera un visado que nunca llega, trabaja como lavaplatos en un restaurante particular. Diego (45 años) sueña con vivir. Postrado e inmóvil por el SIDA, libera toda su energía desde el estrecho camastro del cuarto más pequeño del solar. Mientras Miguel le da la comida a Diego, vamos descubriendo que ambos viven juntos como si fueran la noche y el día. Diego es gay, positivo, luminoso, Miguel es asexual, negativo, oscuro. Diego es el héroe, Miguel el antihéroe. Pero entre ambos existe una amistad contradictoria e indestructible, sostenida por un pasado compartido del que sólo ellos conocen sus secretos.

Crítica

Tristeza, esperanza y vida es lo que nos da ‘Últimos días en La Habana’

Fernando Pérez nos trae una gran crítica hacia la vida en Cuba, pero mostrándonos lo mejor que tiene, su gente.

Diego y Miguel, dos amigos que no son nada el uno sin el otro, Diego, es un hombre con unas ganas terribles de disfrutar y vivir al cual se le está escapando la vida por culpa de su enfermedad. Miguel, su compañero, es un hombre muerto en vida que lo único que hace es cuidar de su amigo y esperar su visado para los Estados Unidos.

Con estos dos personajes, se nos adentra en los problemas que hay en Cuba y en la propia Habana. Sus casas casi destruidas nos muestran la pobreza de la ciudad, pero a la vez, entre esas casas vive gente llena de vida y música. También se nos muestra como los que no están de acuerdo con el régimen son apestados por la sociedad.

Uno de los puntos a favor de la película es la manera en cómo está dirigida y presentada, la historia va pasando según pasan los días, vemos como los protagonistas viven sus vidas como buenamente pueden y esto hace que todo sea muy real.

A mitad de película se nos presenta a la sobrina de Diego, que viene dispuesta a todo para quedarse con la herencia de este, Yusisleydis nos muestra como es el futuro de Cuba, pues con ella entran  jóvenes más, que no tienen verdadera importancia en el filme, pero que hace que veamos las distintas opciones que barajan los jóvenes cubanos, unos optan por estudiar y marcharse, otras en tener familia y dejar todo.

Esta manera de narrar los acontecimientos, sin dar importancia a nada, pero realmente contando todo, es algo que hace que la película se haga muy amena, en un momento, sin darte cuenta, te sabes el pasado de cada uno de los protagonistas y el por qué de su actual situación.

Aunque solo tengo una cosa que objetar y es el discurso final, no quiero decir mucho más, pero me sacó por completo de la película, está bien lo que cuentan en él, pero creo que no fue una buena solución para el final.

‘Últimos días en La Habana’ no sería lo mismo sin sus actores protagonistas, Jorge Martínez y Patricio Wood dotándola de fuerza, vida y esperanza . La joven actriz Gabriela Ramos fue ganadora de la Biznaga de Plata a la Mejor Actriz de Reparto por esta película en el Festival de Málaga y ciertamente bien merecido, está arrolladora.

La banda sonora, la fotografía, todo hace que nos adentremos en Cuba, en ese mundo tan distinto al nuestro, pero lleno de gente tan buena y con tantas ganas de vivir como nosotros. Sin duda alguna muy recomendable la visión de ‘Últimos días en la Habana’.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril. Título original: Últimos días en La Habana. Duración: 93 min.  País: Director: Fernando Pérez. Guión: Fernando Pérez y Abel Rodríguez. Fotografía: Raúl Pérez Ureta. Reparto principal: Jorge Martínez, Patricio Wood, Gabriela Ramos. Producción: Coproducción Cuba-España, Besa Films, Instituo Cubanodel Arte e Industrias Cinematográficos (ICAIC), Wanda Visión S. A.  Distribución: Wanda Visión Género: Drama Web oficial: www.wandafilms.com/site/sinopsis/ultimos_dias_en_la_habana

Crítica: ‘Life (Vida)’

Sinopsis

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‘Life (vida)’ cuenta la historia de seis miembros de la tripulación de la Estación Espacial Internacional que está a punto de llevar a cabo uno de los mayores descubrimientos de la historia de la humanidad: la primera prueba de vida extraterrestre en Marte. Al comenzar a conducir sus investigaciones, sus métodos acabarán teniendo consecuencias inesperadas, y esa forma de  vida probará ser mucho más inteligente de lo que nunca se habría esperado.

Crítica

Otra concepción de las clásicas aventuras espaciales de terror.

La ciencia ficción experimenta un aumento de producciones y seguidores, se está poniendo muy de moda en los últimos años. Puede que se deba a que la ciencia ficción de hoy en día es diferente a la de hace unas décadas, al igual que pasa con el resto de géneros cinematográficos. En el caso de este campo vivimos una oleada de films, casi de obligado cumplimiento anual, que procuran estar muy cerca de la realidad o de lo científicamente conocido. Siguiendo esa corriente nos llega ‘Life (Vida)’. Un filme un poco alienado por películas como ‘Alien’ en cuanto al desarrollo de su acción, es el claro ejemplo que se viene a la cabeza al ver ‘Life (Vida)’. Pero la película funciona gracias a lo que he mencionado, que intenta aproximarse a lo científicamente correcto. Siendo consciente de su carácter imaginario tiene algunas incorrecciones pero también introduce conceptos e instrumentos muy auténticos. Es claramente ciencia ficción pero muy al margen de la fantasía, dando pie a dilemas y posibilidades reales.

Por supuesto que el planteamiento de la película es muy similar a la clásica película de Ridley Scott, eso es innegable. Puede que este punto le reste atractivo a muchos espectadores. Nos podemos tomar ‘Life (Vida)’ como una actualización, homenaje o modernización de esa película. También, y tengo entendido que ya lo ha hecho, podría dar pie a teorías cinematográficas pues funcionaría como precuela de ‘Gravity’ (si en esta no hubiese aparecido ya la ISS) o secuela para Spider-Man, introduciendo una especie de Venom. Curiosa y casualmente estos títulos nos llegaron también de la mano de Sony Pictures.

Visualmente está muy trabajada. Nos sumergimos en un espacio muy imponente, aunque lo que más descubrimos es el interior de la estación que orbita nuestro planeta. La persecución y huída de la criatura creada por los guionistas Rhett Reese y Paul Wernick nos da un completo viaje turístico a través de la ISS. Agradezco en mayor grado que el marciano no sea humanoide. Por supuesto ese nuevo bichejo es el gran protagonista de la cinta, por encima incluso de los actores de renombre que la protagonizan. Un superviviente que evoluciona rápido, tanto física como intelectualmente. Pero… ¿Es un ser inteligente y capaz de almacenar sabiduría o solo es hábil y apto para imitar lo que ve con el fin de llegar a su alimento y ambiente adecuados? También me gustaría que intentaseis discernir si este alien actúa irracionalmente como un animal que intenta sobrevivir o si ve alguna señal que le induce a pensar que el ser humano le quiere dañar. Os dejo esas reflexiones a vosotros para que le deis vueltas mientras veis la película, porque da juego a ello. Es uno de los grandes aciertos del filme, esa mezcla de ciencia con teorías éticas planteadas a raíz de nuestra intromisión más allá del planeta que nos vio nacer.

Si hablamos de los protagonistas tenemos varios a destacar. Daniel Espinosa ya había trabajado con Ryan Reynolds en ‘El invitado’. Pero no es este actor tan de moda el que acapara las miradas. Gyllenhaal, que nos tiene acostumbrados a películas más rarosas, ha vuelto con buenas maneras a la acción más movida desde su trabajo en ‘Prince of Persia: Las arenas del tiempo’. Pero su compañera Rebeca Ferguson le coge de la mano y le acompaña como mejor valor humano del filme. Algo más en segundo plano, pero sin disimular su talento, están Hiroyuki Sanada y Ariyon Bakare.

Sin ser tan precisa como ‘Interstellar’ o ‘Gravity’ mezcla conocimientos fidedignos con invenciones dignas de una película que habría sido muy terrorífica allá por los setenta, antes de experimentar el primer encuentro con los xenomorfos.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril de 2017. Título original: Life. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Daniel Espinosa. Guión: Rhett Reese, Paul Wernick. Música: Jon Ekstrand. Fotografía: Seamus McGarvey. Reparto principal: Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson, Ryan Reynolds, Hiroyuki Sanada,Ariyon Bakare, Olga Dihovichnaya, Alexandre Nguyen. Producción: Skydance Productions, Columbia Pictures, Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial: http://www.lifemovie.com/

Crítica: ‘Órbita 9’

 Sinopsis

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Helena lleva preparándose para una misión de supervivencia desde que nació. Su destino cambiará cuando Álex se cruce en su vida y le haga descubrir una nueva realidad. Su historia de amor pondrá en riesgo un experimento de vital importancia para toda la humanidad…

Crítica

Órbita con una trayectoria mal trazada.

La ciencia ficción no es un género muy cultivado en el cine español. Dentro de esa categoría encontramos pocas obras que merezcan la pena y si hay que destacar títulos, sobre todo recientes, que resulten interesantes encontramos escasos ejemplos como lo es ‘Autómata’ o ‘Eva’. En el caso de ‘Órbita 9’ a priori me habían convencido con la sinopsis. Pero nada más ver el tráiler se destripa el mejor giro que tiene el filme, que sucede a la media hora de película y que da paso a una cadena de sin sentidos y tropezones que hacen de este filme un fallido intento de sumergimos en una historia futurista.

El desarrollo de la película tiene muchos parecidos o paralelismos con ‘Moon’ y con ‘La isla’. No os voy a indicar detalladamente en qué se asemeja por no destriparos los giros de guión del filme, pero si os puedo adelantar que la película de Hatem Khraiche trata sobre si el fin justifica los medios o sobre el bien común enfrentado al de una persona en particular. Pero todo ello muy aplastado por una historia de persecución y amor. Pese a seguir esquemas vistos en otras películas se podría haber sacado más punta a los elementos originales que introduce o haber trabajado más el origen del romance. Sus incongruencias hacen que no resulte coherente en varias de sus resoluciones. Tan pronto se hace primar el bien de uno por encima del de otros como viceversa. Los personajes protagonistas parece que no se aclaran. Si queda patente que quieren evitar algo que les parece una injusticia, lo que no parece claro son sus motivaciones, es decir, si lo hacen por interés propio para poder mantener su romance o si lo hacen porque de verdad tienen cargo de conciencia. Esta falta de indecisión a la hora de mostrar realmente los acicates de los personajes es lo que hace que sea algo confusa e incoherente consigo misma.

Reconozco que algunas de las contradicciones pueden salir de la mente de alguien demasiado tiquismiquis como yo. Pero si las sumamos a lo pronosticable que se va haciendo la película resultan algo más enervantes. Durante la introducción y nudo de la película podemos observar algunos elementos que si bien nos ambientan y nos ofrecen una idea de cómo es este futuro planteado por Khraiche, también nos dan pistas de lo que sucederá más adelante y de por que puntos van a pasar los protagonistas, haciéndola predecible.

El reparto también me daba ciertas esperanzas. Actores jóvenes y talentosos como Clara Lago o Álex González acompañados de una gran actriz como es Belén Rueda. Ninguno de ellos actúa mal, aunque no entiendo por qué González se empeña en emplear una voz tan susurrante. Son las decisiones de sus personajes, el modo en que se comportan, lo que hace que este trabajo desmerezca sus capacidades.

También considero un fallo o un descuido el contraste entre las distintas localizaciones. No sé si se debe al presupuesto o a gustos del equipo técnico pero posee un diseño de producción irregular e inexplicable. Tan pronto nos muestran una nave la mar de futurista o un barrio que por momentos recuerda a ‘Blade Runner’ como que nos introduce en una barriada de Colombia o cierra sus planos para no mostrar un escenario claramente actual. Choca como algunas localizaciones son mostradas con detalle y otras tienen una contemporaneidad mal disimulada.

Me da rabia pues soy de los que confían en que se puede hacer buena ciencia ficción en España y me cuesta horrores escribir mal sobre una película. Pero hay que trabajarse más las historias o por lo menos ser más concienzudo a la hora de desarrollarlas para que parezcan frescas y realmente sorprendan al público. Independientemente de los fondos que se tengan para realizarla o del derroche de efectos especiales o decorados que se puedan emplear, podríamos haber tenido una ‘Órbita 9’ más inesperada y cuidada.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril de 2017. Título original: Órbita 9. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Hatem Khraiche. Guión: Hatem Khraiche. Música: Federico Jusid. Fotografía: Pau Esteve. Reparto principal: Clara Lago, Álex González, Belén Rueda, Andrés Parra. Producción: Cactus Flower Producciones, Mono Films, Telefónica Studios, Dynamo. Distribución: Filmax. Género: romantico, ciencia ficción. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/orbita-9.70

Crítica: ‘El otro lado de la esperanza’

Sinopsis

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La película cuenta dos historias que se cruzan. La primera habla de Khaled, un joven refugiado sirio que ha perdido a toda su familia llega a Helsinki por casualidad y pide asilo. La segunda gira en torno a Wikström, un comercial que abandona su profesión, gana un poco de dinero jugando al póquer y abre un restaurante al fondo de un callejón.

Crítica

Pese a poder hacerse lenta ofrece buenos contrastes entre un humor peculiar y el drama social.

‘El otro lado de la esperanza’ despertaba en mí ciertas incógnitas sobre qué me iba a encontrar en esta historia escrita y dirigida por el finlandés Aki Kaurismäki.

Sentía cierta curiosidad porque era la primera película finesa que veía. Rodada íntegramente en ese país, nos muestra un cuadro que retrata la historia de un refugiado sirio, Khaled (Sherwan Haji) que llega a Helsinki después de un largo y duro viaje a través de Europa.

Por otro lado, tenemos a Wikström (Sakari Kuosmanen), un hombre de negocios con recursos muy variopintos que se encuentra en un punto y aparte de su vida, algo desubicado pero resolutivo, que se ve en las circunstancias de realizar un cambio personal y profesional.

Estas dos historias paralelas llegan a juntarse, como el espectador ya se imagina, aunque en mi opinión tardan demasiado en hacerlo. Creo que los dos personajes deberían haberse conocido antes y que esa extraña relación hubiera ido a más, dándonos momentos muy interesantes. Quizás no es lo que el director quería contar, pero es la sensación que me dejó a mí.

Esta curiosidad de la que hablaba antes, también venía dada por mi propia experiencia personal, que me ha dado cierto conocimiento del carácter del finlandés. Y debo decir que me parece una película (y ahora os vais a reír) muy finlandesa. Tiene elementos reconocibles de ese carácter tan diferente al del sur de Europa, si concreto más, al español. Es una película fría, de personajes fríos salvo los que son de otro lado como el sirio Khaled o su amigo iraquí (Simon Al-Bazoon). Tiene un humor curioso, casi surrealista en algunos puntos (mención especial al trío de trabajadores y todo lo relacionado con el restaurante), que contrasta con esos diálogos parcos en palabras en muchas ocasiones, donde el actor y la propia atmósfera hacen el resto.

El filme nos presenta también el choque de culturas, la indiferencia por parte de las autoridades en muchos casos ante la situación tan dramática que se vive en Siria y otros países en guerra, la indefensión que ese hecho causa en los refugiados, y se muestran situaciones tanto del racismo que provoca la inmigración en unos, como de la voluntad de ayudar en otros.

Es una historia de personas más que de personajes (que también los hay), de una realidad cotidiana que afecta a muchos países y refugiados, pero también es una historia que se simplifica en una búsqueda. La búsqueda de Khaled para encontrar a su hermana, la de Wikström en encontrar su propio camino y descubrir qué necesita en realidad. Porque esa “frialdad” de la que hablaba antes no implica que sea una película sin alma.

Interesante ver la composición de algunos planos, así como los elementos de decorado usados en la película, que le da ese aire, esa atmósfera tan especial. Sin hacer spoilers, quiero hacer mención al último plano de la película, para invitar a la reflexión con estas preguntas. ¿De dónde viene? ¿A dónde ha llegado? ¿Cómo está? Mirad bien ese plano.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril de 2017. Título original: Toivon tuolla puolen. Duración: 98 min. País: Finlandia. Dirección: Aki Kaurismäki. Guión: Aki Kaurismäki. Fotografía: Timo Salminen. Reparto principal: Kati Outinen, Tommi Korpela, Sakari Kuosmanen, Janne Hyytiäinen, Ilkka Koivula, Kaija Pakarinen, Nuppu Koivu, Tuomari Nurmio, Sherwan Haji. Producción: Sputnik. Distribución: Golem Distribución. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=402

Crítica: ‘Power Rangers’

Sinopsis

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Cinco jóvenes estudiantes van a descubrir que no sólo su pequeña ciudad, Angel Grove, sino todo el mundo está al borde de la extinción por una amenaza alienígena. Elegidos por el destino, los jóvenes pronto descubrirán que son los únicos que pueden salvar el planeta. Pero para poder lograrlo deberán superar sus diferencias y unirse como los Power Rangers antes de que sea demasiado tarde.

Crítica

Los rangers metamorfosean su tono a uno adolescente con un planteamiento infantil.

La Saban vuelve a la carga con su adaptación de los héroes japoneses de los setenta. En esta ocasión los Power Rangers regresan con unas pintas que mezclan la estética de Iron Man con un tarje de motero.

Pese a que de niño yo era más seguidor y defensor de los Bioman he de decir que me han entretenido más estos nuevos Power Rangers que los de la versión norteamericana de los noventa. Aunque alcance dos horas de duración la película engancha pero se acumulan muchas pegas, no basta con hacer retroceder tu mente a unos años atrás. Hay que picar y entrar en la dinámica planteada para no desbordarse con los muchos sin sentidos del filme. Desde luego el patrón a seguir está fijado por el esquema que marcaron los episodios de la serie pero aquí nos encontramos con varias cosas que o bien no tienen explicación o bien cuesta creer. Escenas con saltos no explicados, personajes que aprenden idiomas por arte de magia, cambios en la mecánica de la metamorfosis… Todo resulta demasiado casual o conveniente para poder seguir narrando la historia o introducir elementos, como sucede en muchas obras para el público infantil. Pero ojo, no me ha parecido un largometraje idóneo para los más pequeños, aunque tampoco se queda lejos de ese rango de edades.

Esta nueva adaptación llega con muchísimo más presupuesto que la que vimos en el 95. Nada más y nada menos que 100 millones de dólares, cercano al de películas como ‘Watchmen’. Seguro que Bryan Cranston o Elizabeth Banks tienen buena parte de culpa de esta cifran tan abultada por que el CGI, por ejemplo, no da muestra de grandes inversiones de dinero. ‘Power Rangers’ no tiene unas imágenes generadas por ordenador  tan malas como el del original, pero cojea en unos cuantos aspectos. No llega a tener esos efectos especiales deficientes de los que hacían alarde todas las series Tokusatsu pero si se le ve el truco en más de una ocasión. Su diseño de producción y de vestuario, mucho menos colorista y más adulto, resulta muy caótico y cuesta diferenciar detalles. Eso sí, las formas de los robots están justificadas, recordando bastante a ‘Transformers’, además el megazord aparece de un modo bastante épico.

Parece obligatorio buscar también la risa del espectador, aunque en este caso está justificado. Dean Israelite (‘Project Almanac’) ha cuidado los toques de humor para conferir a su versión un tono gamberro y despreocupado, como le gusta al público imberbe de ahora. El hecho de que se haga más énfasis en los dramas personales que en las habilidades que destacan a cada uno remarca más la intención de llegar a un público casi adulto o de entretener a los que vieron esta serie cuando eran niños. Todos los protagonistas comparten algo, que se sale de los cánones del cine infantil, como es el dramón de situación familiar que les convierte en incomprendidos o rebeldes.

Estos nuevos rangers son unos personajes  y actores con diferentes niveles de carisma que han sido vistos en series y películas de gran éxito, sobre todo entre los jóvenes. El robot Alpha 5 (doblado por Bill Hader) es el más cómico, contrastando con el dramatismo del Zordon de Bryan Cranston. ‘Power Rangers’ tiene un poco de todo, aunque predomina el carácter desenfadado de las aventuras adolescentes de hoy en día. Aquellos que vayan con una mente en modo infancia a verla podrán pasar por alto las sobreactuaciones, el guión cargado de falta de información y las inconsistencias.

Cierto es que comienza muy a lo ‘Chronicle’, tiene varios momentos sentimentaloides y los héroes no aparecen con los trajes hasta que no queda media hora de película. Pero al menos se hace amena y el último tramo tiene mucha acción. Y como ahora gusta eso de introducir referencias, ‘Power Rangers’ ha usado las suyas. Por eso los más fans reconocerán algunas, sobre todo el cameo de dos actores o una alusión a otra gran franquicia en esto de los mechas, ‘Transformers’. Si sois muy seguidores o esperáis que esta película continúe como saga no os perdáis la escena postcréditos.

                                                                           Ficha de la película                                               

Estreno en España: 7 de abril de 2017. Título original: Power Rangers. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Dean Israelite. Guión: John Gatins. Música: Brian Tyler. Fotografía: Matthew J. Lloyd. Reparto principal: Dacre Montgomery, Naomi Scott, RJ Cyler, Ludi Lin, Becky G., Elizabeth Banks, Bryan Cranston, Bill Hader, Matt Shively, Cody Kearsley, David Denman, Robert Moloney, Anjali Jay, Sarah Grey, Morgan Taylor Campbell, Caroline Cave. Producción: Lionsgate, Saban Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.powerrangers.com/

Crítica: ‘Ghost in the Shell: El alma de la máquina’

Sinopsis

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En un futuro próximo, la Mayor (Scarlett Johansson), considerada primera de su especie, es una humana que, tras perecer en un terrible accidente, es sometida a una ciber-evolución gracias a la cual se convierte en unacíborg (mente humana en cuerpo de máquina) consagrada a detener a los criminales más peligrosos del mundo.

El nuevo terrorismo es capaz de hackear la mente de las personas, apoderarse de su voluntad y controlarlas. La Mayor es la única cualificada para acabar con él. Mientras se prepara para enfrentarse al nuevo enemigo, descubre que lo que cree saber sobre su pasado es mentira; no le salvaron la vida, se la robaron.

Nada la detendrá para recuperar su pasado, averiguar quiénes son los responsables y detenerlos antes de que repitan la operación con otros humanos.

Crítica

Se ha captado muy bien la idea pero no tanto el concepto.

Soy un declarado admirador desde mi adolescencia de la obra de Mamoru Oshii y conste que con esto no quiero decir que sea un experto o que vaya a realizar una valoración fanática sobre la obra que Rupert Sanders nos trae a modo de adaptación. Este director no me convencía para nada pues su única película es ‘Blancanieves y la leyenda del cazador’, pero todo el mundo merece una segunda oportunidad. Y tras acudir con miedo a ver la película debo reconocer ha resultado ser un producto muy disfrutable. Y empleo la palabra producto porque artística e intelectualmente está distante de la obra original. Pese a su tagline está algo exenta del alma que le imbuyeron el mangaka Shirow o el director Oshii.

Esa pérdida de la esencia está probada en primer lugar por el desarrollo del guión. En su versión dibujada ‘Ghost in the Shell’ poseía unos villanos y una trama basados en conceptos muy originales y peculiarmente relacionados con la tecnología, se salían de los cánones. En el caso de esta adaptación a imagen real se ha optado por un desarrollo en exceso convencional y muy manido. Lo segundo, que le resta fuerza y sustancia al filme y que lo convierte casi en una oportunidad perdida, es que pese a que se hable de la deshumanización a raíz de la cibernética se pierde mucho carácter filosófico cyberpunk, pues no se profundiza en demasía. Aún así roza lo que debería haber sido para ponerse a la altura del manga/anime original y puedo decir, estando casi de acuerdo con las recientes palabras de Takeshi Kitano, que por fin una producción hollywoodiense adapta medianamente bien un manga. Aunque todavía los japoneses hacen mejores adaptaciones de sus cómics, cada vez con más potencial por cierto.

El valor memorable de este ‘Ghost in the shell’ es su diseño de producción, que es apabullante, te deja con la boca abierta. La fotografía sale de la mente de Jess Hall, el único que se salvó de aquel desastre llamado ‘Trascendence’. En muchas escenas se logra calcar el anime original y en otras se mejora incluso. La película está influenciada por la ciencia ficción occidental que la precede, pero recordemos que viene inspirada por un manga y anime japoneses que a su vez dieron ideas a películas como ‘Matrix’ o a videojuegos como ‘Deus ex’ o bebían también claramente de fuentes como ‘Blade Runner’. Con esto quiero decir que se ve una clara realimentación que le da un toque referencial y placentero al gusto de los amantes de la ciencia ficción.

La música no es la empleada en la película en la que se basa, salvo en los créditos. Para componerla se ha fichado a Clint Mansell compositor de ‘Requiem por un sueño’, ‘Moon’ o ‘Cisne negro’. Pedazo de currículum que ahora se infla muy meritoriamente gracias a una banda sonora que me ha recordado mucho a la del juego ‘Mass Effect’.

Me es igual que sean actores japoneses u occidentales si su aspecto está justificado en la cinta. Además la producción es norteamericana y si han logrado adquirir los derechos pueden hacer casi lo que quieran, pensemos lo que pensemos los seguidores de la obra original. Hay sustanciosos cambios, sobre todo en la trama, pero también hay guiños y huevos de pascua. Como por ejemplo la aparición periódica de un perro de la raza basset hound homenajeando y siguiendo la costumbre de Oshii.

En cuanto a las interpretaciones también puedo decir sentirme muy complacido. Podría tratarse de uno de los mejores trabajos de Scarlett Johansson, principalmente si nos centramos en su trayectoria dentro del cine de acción. Y tenía muchas ganas de ver juntos a Takeshi Kitano y a Juliette Binoche. Aunque no compartan escenas cargan con la responsabilidad y etiqueta de actores maduros que nunca defraudan y que le viene bien a todo largometraje. Reconoceréis a Pilou Asbæk si os gusta ‘Juego de Tronos’ o si por desgracia visteis la otra película donde coincidió con Johansson, ‘Lucy’. Si no a partir de ahora seguro que le seguís ya que en ‘Ghost in the Shell’ se hace valer.

En resumen, me ha gustado como película pero defraudado en parte como seguidor. Las buenas obras de ciencia ficción suelen plantear debate. En este caso sin demasiada metafísica y existencialismos relacionados con las inteligencias artificiales o el big data no hay mucho margen para generar controversia. Se ha perdido un atractivo que además habría estado relacionado con temas muy de actualidad. De hecho parte de la comunidad científica está muy preocupara por el desarrollo de las IAs, lo cual es tema importante en el filme.

Por cierto, pude ver los primeros minutos en 3D y no tienen nada excepcional. Puede que escenas del resto de la cinta resulten más espectaculares con esa técnica porque visualmente dan para ello.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2017. Título original: Ghost in the Shell. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Rupert Sanders. Guión: Jamie Moss, William Wheelery, Ehren Kruger. Música: Clint Mansell. Fotografía: Jess Hall. Reparto principal: Scarlett Johansson, “Beat” Takeshi Kitano, Michael Carmen Pitt, Pilou Asbæk, Chin Han, Juliette Binoche. Producción: DreamWorks SKG, Grosvenor Park Productions, Seaside Entertainment. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras, cyberpunk. Web oficial: http://ghostintheshell.tumblr.com/

Crítica: ‘David Lynch The art life’

Sinopsis

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El genuino director nos lleva a un viaje íntimo a través de los años formativos de su vida. Desde su idílica formación en Montana hasta las oscuras calles de Philadelphia, seguimos a Lynch mientras describe los momentos que le han llevado a ser uno de los artistas más personales de la historia.

‘David Lynch The art life’ muestra los retratos, la música y las primeras películas de Lynch, iluminando los rincones tétricos de su mundo peculiar y facilitando al público una mejor comprensión del hombre y el virtuoso.

 

Crítica

Documento especial para fans de Lynch.

Al tratarse de una figura tan importante del cine esperaba un documental más ilustrativo sobre el director o sus inspiraciones a la hora de crear cine. En parte eso parece pretender ser la película pero acaba siendo una muestra del arte plástico del estadounidense y una retahíla de batallitas sobre su infancia y juventud. Sí que es cierto que se muestra como se formó y forjó el artista, pero hay que ser muy seguidor de Lynch para que esta película te entusiasme.

Aunque se presente al cineasta como uno de muchos mundanos artistas o artesanos, el modo en como cuenta sus historias resulta pretencioso y ególatra. Muchas de sus narraciones son solo partes de sus recuerdos o anécdotas que no nos aportan gran cosa sobre su obra. Todo se transmite de un modo muy lento y pausado. Sorprende alguna imagen o audio de archivo pero no pasan de ser de algo meramente llamativo. Al menos Barnes ha sabido ubicar imágenes del arte del director acorde a cada etapa que se narra.

Sus pinturas son originalmente perturbadoras. Lynch se crió, palabras textuales suyas, con un padre que no podrías ser más bueno y una madre cálida. Por eso se acentúa el hecho, y queda patente, de que tanto en el cine como en el lienzo ha desarrollado su propio e inquietante estilo. En su estudio tiene una reproducción a escala de ‘El jardín de las delicias’ de El Bosco y no quiero decir que sea su inspiración o que esté a su nivel. Lo que quiero indicar es que por las cabezas de ambos artistas, separados por siglos en el tiempo, pasan semejantes enajenaciones. Como si ambos fuesen iconos surrealistas de sus épocas.

Por si había dudas ‘David Lynch: The art life’ deja claro que Lynch es un artista polivalente. Pero lo hace de un modo tedioso y poco interesante para aquellos que busquen aprender algo sobre cine o no sean seguidores del director.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2017. Título original: David Lynch The art life. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Rick Barnes, Jon Nguyen, Olivia Neergaard-Holm. Guión: Jonatan Bengta. Fotografía: Jason S. Reparto principal: David Lynch (documental). Producción: Duck Diver Films, Hideout Films, Kong Gulerod Film. Distribución: Vértigo Films. Género: documental. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/david-lynch-the-art-life/

Crítica: ‘Los pitufos: La aldea escondida’

Sinopsis

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En esta cinta completamente animada, un misterioso mapa coloca a Pitufina y a sus mejores amigos Pitufo Filósofo, Pitufo Torpe y Pitufo Fortachón en una emocionante e intrigante carrera a través de El Bosque Prohibido, lleno de mágicas criaturas, para encontrar la misteriosa aldea escondida antes que el malvado mago Gargamel. Embarcados en un trepidante viaje lleno de acción y peligro, están a punto de descubrir uno de los mayores secretos de la historia de Los Pitufos.

Crítica

Niños y niñas, a la tercera va la vencida.

Este es el tercer largometraje sobre Los Pitufos lanzado en la segunda década de este siglo XXI. Tras ‘Los Pitufos’ y ‘Los Pitufos 2’ llega ‘Los Pitufos: La aldea escondida’. Todas ellas introducen novedades e intentan modernizar la obra que Peyo creó en el 58 pero es esta última la que considero que lo hace de un modo acertado. El tono empleado por el director Kelly Asbury es más fiel que el de Raja Gosnell. Tal vez esto tenga que ver con que la película está totalmente realizada en animación y no sea una mezcla con imagen real, pero lo cierto es me ha devuelto al niño que leía las historietas de estos azulados y alborozados personajes. Sony Pictures Animation ha reculado a este formato, habrá que tirar del refrán «rectificar es de sabios».

Pese a las novedades incluidas se ha respetado más el espíritu de los tebeos de Peyo. Vivimos una aventura en un bosque donde personajes alegres viven en una armonía amenazada por un malvado hechicero, todo ello enfocado a agradar a una mente pueril. Además se ha volcado el rol de protagonista en Pitufina, ese personaje tan enigmático cuyo origen y sentido se desvela en la película (muy fielmente al cómic). Ella siempre ha sido parte esencial de Los Pitufos pero en esta ocasión los es aún más. Acapara casi toda la atención y junto a lo que nos ofrece el guión se forma la película más feminizada hasta el momento, refiriéndome solo a las adaptaciones de estos pequeños personajes azules. También hay que decir que de ese modo se ha creado algo más moderno y políticamente correcto.

Los personajes de Gargamel y el gato Azrael son dos de los más graciosos, gruñones y patosos, otra razón más para devolvernos a los cómics originales. Vuelven a hacerse cargo de la parte más cómica y divertida sin que los Pitufos les roben esa responsabilidad. Además conservan el carisma y la singularidad que les convertía en una pareja malvada y entrañable. Causantes también de su buen resultado son sus dobladores. Extendiéndome a todo el reparto y centrándome en la versión en castellano (que es la que he visionado) cabe destacar a Luis Piedrahita como Filósofo y a Jordi Sánchez como Gargamel.

El director de la cinta es Kelly Asbury, que anteriormente ha dirigido ‘Shrek 2’ o ‘Gnomeo y Julieta’. Stacey Harman (‘Los Goldberg’) se ha encargado del guión. De ellos dos podemos destacar producciones que no son de calificación R pero que si tienen mucho contenido comprensible y pensado para adultos. Se podrían haber incluido frases o guiños para que estos no se aburran al acompañar a sus menores al cine, como es habitual últimamente, pero en esta ocasión no han ido por esa vía. Han hecho uso de gracias más tontorronas e inocentes, causando que esta cinta esté mucho más centrada en el público infantil. El de ‘Los Pitufos: La aldea escondida’ es un humor slapstick, muy físico y dinámico, con sobrecarga de coscorrones.

Otra cosa que particular y personalmente agradezco es que hay pocas canciones, que no nos pasamos un tercio de la película viendo un videoclip. Nada más empezar se hace un guiño al tema de las últimas películas, resistiéndose a renegar de ellas. Se agradece que sin haber un exceso de canciones tengamos una película muy rítmica.

Este nuevo mundo de Pitufos derrocha vistosidad y creatividad. La cinta tiene mucha aventura y no se ceba con el mensaje que transmite. No me ha parecido perfecta o una obra maestra, creo que les falta algo más gancho a los gags, pero aseguro que los niños se divertirán mucho.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2017. Título original: Smurfs: The Lost Village. Duración: 89 min. País: EE.UU. Dirección: Kelly Asbury. Guión: Stacey Harman. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: animación. Reparto principal (doblaje al castellano): Luis Piedrahita, Eva Hache, Macarena García, Pablo Ibañez, Jordi Sánchez. Reparto principal (doblaje original): Demi Lovato, Rainn Wilson, Joe Manganiello, Jack McBrayer, Danny Pudi, Mandy Patinkin, Julia Roberts, Michelle Rodríguez, Ellie Kemper, Ariel Winter, Meghan Trainor, Gordon Ramsey, Jake Johnson, Tituss Burgess, Jeff Dunham, Kelly Asbury. Producción: Columbia Pictures, Kerner Entertainment Company, Sony Pictures Animation. Distribución: Sony Pictures. Género: cómic, animación, aventuras, comedia. Web oficial: http://www.smurfsmovie.com/

Crítica: ‘Últimos días en el desierto’

 Sinopsis

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Ewan McGregor interpreta a Jesucristo después de los cuarenta días de ayuno y rezo en el desierto, donde se verá acosado por la tentación del Diablo y al que deberá enfrentarse como prueba para demostrar su fe.

Crítica

Una curiosa y no homologada versión de Cristo que creará debate pero no ovaciones.

Una nueva película sobre la figura de Jesucristo llega a nuestras pantallas. En esta ocasión se nos ofrece el rodaje y la interpretación de una etapa poco o nada reflejadas en los largometrajes sobre este personaje bíblico. Según la sagrada escritura de los creyentes católicos, Jesús pasó cuarenta días en el desierto. Lugar donde fue tentado por el diablo y dónde se preparó o examinó para su posterior etapa de predicación y martirio. Lo que le pudo suceder en los últimos días de ese período está aquí narrado, no de un modo muy acertado he de adelantar.

En la película de Rodrigo García no se ha reflejado al pie de la letra la escritura sagrada. No se representan las tres tentaciones de Jesús según figuran en los evangelios. Esta es una versión algo distinta que nos deja un sabor perpetuo de parábola o fábula sin llegar a deslumbrar con milagros o fantaseos. Al contrario, aunque resulte ser muy espiritual esta es una visión muy terrenal, de las que más humaniza a Jesucristo. El Cristo de Ewan McGregor no viste una túnica blanca inmaculada, ni deslumbra seguridad en sí mismo, ni muestra un perpetuo semblante sosegado. Él es vulnerable y humano, precisamente la solución adoptada para mostrar al diablo refuerza más esos aspectos, casi hasta el punto de convertir la cinta en una intriga psicológica. Puede que esto levante la ira de muchos creyentes pero alegra ver como alguien se ha atrevido a mostrar al llamado hijo de Dios de un modo tan desvalido, mental y religiosamente.

El ver algo no rodado anteriormente y realizado además del modo en que se ha hecho resulta interesante, pero ha habido tramos en los que me he aburrido. Aunque cuentes en el equipo técnico, para hacer la fotografía del filme, con el triple ganador del Oscar Emmanuel Lubezki, no quiere decir que debas insertar tantos planos de paisajes y alargar tanto las transiciones entre unas y otras escenas. Sin ser larga ni lenta se nos transmite esa sensación, da la impresión de que podría haberse contado más rápidamente. No hay tanto contenido para asimilar como para que nos den tantos respiros.

Lo más meritorio es la interpretación de McGregor. Como he dicho antes, en la película hay un modo curioso de representar al diablo y esto le ha aportado al actor una dificultad añadida. Él ha superado bien este handicap interpretativo y gracias a eso se logra un juego muy curioso. Lástima que se perciba tanto su acento escocés en la versión original.

Occidente continúa haciendo suya la imagen de una figura que debió tener rasgos más orientales. Es más, en su afán de actualizar y acercar la figura de Jesús se nos aporta una escena final que yo he interpretado como la banalización de un lugar precioso y por el cual pudo pasar ese ser divino que tantos adoran. También tiende un puente entre pasado y presente y entre las relaciones padre e hijo.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2017. Título original: Last days in the desert. Duración: 98 min. País: EE.UU. Dirección: Rodrigo García. Guión: Rodrigo García. Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans. Fotografía: Emmanuel Lubezki. Reparto principal: Ewan McGregor, Tye Sheridan, Ciarán Hinds, Ayelet Zurer. Producción: Mockingbird Pictures. Distribución: La Aventura. Género: religión, drama. Web oficial: http://www.lastdaysinthedesert.com/

Crítica: ‘Redención’

Sinopsis

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Billy “El Grande” Hope, campeón del mundo de los pesos semipesados de boxeo (Jake Gyllenhaal) lo tiene todo: una impresionante carrera, una hermosa y enamorada esposa Maureen Hope (Rachel McAdams), una hija adorable (Oona Lawrence) y un estilo de vida con todo tipo de lujos.

Pero cuando su mánager y amigo de toda la vida Jordan (50 Cent) le abandona, Hope toca fondo y se presenta ante un inusual salvador en un decadente gimnasio local: Tick Willis (Forest Whitaker), un bombero retirado y entrenador de los boxeadores amateur más duros de la ciudad.

Con su futuro dependiendo de la dirección y la tenacidad de Tick, Billy se enfrenta a la batalla más dura de su vida, en la que luchará por su propia redención y por recuperar la confianza de los que ama.

Crítica

El protagonista de nuestra película es un gran campeón del boxeo, Billy Hope, interpretado por Jake Ghyllenhaal, que posee una vida de ensueño gracias a su exitosa carrera en el deporte y en especial a su familia, su amada esposa Maureen (Rachel McAdams) y su hija Leila (Oona Laurence).

No todo es perfecto y cuando su vida está a punto de tomar un rumbo más tranquilo incluso en el mundo del boxeo, ocurre una desgracia que pone patas arriba todo su mundo de un modo que emocionará al espectador en todos los sentidos. La interpretación de Jake Ghyllenhaal es extremadamente acertada, haciéndote olvidar al actor y creyendo de verdad que no existe y sólo es Billy Hope. Dado que es una película con una trama intensa, no puedo revelar muchos más detalles sobre ella para que se disfrute por completo, pero hay que decir que es una película bien construida en todos los sentidos, y muy realista en cuanto a las reacciones humanas.

No sólo Jake Ghyllenhaal es merecedor de halagos, y no es Forest Whitaker precisamente quien se los lleva (su papel es correcto pero sencillo, sin destacar demasiado), sino la pequeña Oona Laurence, que a su edad ya promete much, de nuevo sin decir demasiado de la trama, al interpretar el papel de Leila y todas las emociones que debe sufrir tras los cambios en su vida.

Es una peli emocional, que te hace pensar, y también aprender del mundo del boxeo, no faltan los clásicos combates. Nuestro protagonista atravesará un duro camino para recuperar lo perdido, evitar perder lo más valioso que posee, y todo quizás gracias a su vocación, causante y a la vez solución de sus problemas. Altamente recomendada si se es amante de este tipo de películas, que se hace amena por la parte deportiva. Bien estructurada, con banda sonora adecuada a la escena, disfrutaréis de la experiencia y es mucho más que una película de entretenimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: Southpaw. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: Antoine Fuqua. Guión: Kurt Sutter. Música: James Horner. Fotografía: Mauro Fiore. Reparto principal: Jake Gyllenhaal, Rachel McAdams, Forest Whitaker, Oona Laurence, Curtis «50 Cent» Jackson, Skylan Brooks, Naomie Harris. Producción: Escape Artists / Fuqua Films / Riche Productions. Distribución: Filmax. Género: drama, deporte. Web oficial: http://southpawfilm.com/

Crítica: ‘Ghost in the shell’ (1995)

Sinopsis

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En el 2029 la cibernética y la informática dominan el mundo. Un hacker está asediando la gran red de información con fines desconocidos. Kusanagi es una policía cibernética que trata de detenerle junto a sus compañeros de la Sección 9.

Crítica

Indispensable y obligatorio filme para los fans de la ciencia ficción.

Surgido de la imaginación del mangaka Masamune Shirow surgió un manga que poco tardó en tener adaptación en forma de anime, tanto en formato de serie como en cinematográfico. La primera película que se lanzó sobre ‘Ghost in the shell’ es esta que nos ocupa hoy, un largometraje de 1995. Pero esta obra maestra del cyberpunk no ha parado de generar historias y hoy en día sigue teniendo novedades como la serie ‘Arise’ o la adaptación a imagen real que traerá a España la Paramount Pictures con Scarlett Johansson como protagonista. Es por esta última por lo que os hablo del filme que en el 95 dirigió Mamoru Oshii, ya que los tráilers nos muestran que muy probablemente se base en él, al menos las imágenes que hemos visto son un calco perfecto.

El éxito de ‘Ghost in the shell’ no tuvo solo que ver con la calidad bella y evocadora (casi poética) de su animación y con su gran diseño de producción. Allá por os noventa llegaba a su adolescencia la generación más ligada a las tecnologías y la informática que se había visto hasta la fecha. Cobraban fuerza fuera del mundo anglosajón movimientos como el geek, muy relacionado a la electrónica y el mundo digital en nuestro país. Es por eso que se acogió muy bien esta producción por todo el mundo. La manera en como incorpora conceptos como la cibernética, el Big Data (sin mencionarlo como tal), la robótica, el espionaje digital, la inteligencia artificial… no tenía precedentes. Además la obra abarca estas ideas no solo explotándolas para las escenas de acción que posee si no dotándolas de un carácter filosófico y existencialista. Una visión que pocos artistas pueden materializar, no al menos con el espíritu del que le dotan los japoneses. Podemos decir que este es un filme que ha envejecido muy bien a pesar de tener ya más de 20 años, su temática aún no ha pasado de ser relevante y tema de debate en la actualidad.

Otro punto a tener en cuenta es quien ejerce el papel de protagonista. Una mujer, o al menos un ser de forma femenina, resulta ser la heroína. Un rol que tanto se demanda ahora, no sin falta de argumentos, pero que sirve de prueba de que mujeres protagonistas, líderes y avezadas a la acción haberlas haylas, no están tan ausentes como muchos o muchas afirman. La chica que dio a luz Shirow posee la fuerza, el carisma y el diseño adecuados para convertirse en una de las gran recordadas, lástima que nació en un género donde solo una relativa minoría la conocíamos. Además su trasfondo está dotado del misterio y la profundidad precisos para lograr un personaje muy bien construido. Y no se quedan atrás el resto de sujetos que aparecen en la cinta. Todos ellos tienen mucho background y Oshii supo mostrarlo sin andar con rodeos y sin prolongarlo innecesariamente como hemos podido sufrir recientemente en ‘Escuadrón Suicida’. Si tengo que poner una pega sería que en este largometraje no aparecen los Tachikomas, unos robots vehículo que resultan la mar de simpáticos y que puede que no se incluyesen por que le restarían seriedad a la cinta.

Muestra de la gran relevancia de ‘Ghost in the shell’ es lo larga que es su sombra. Por supuesto está influenciada por trabajos previos pero ha podido influir en realizaciones recientes como ‘Westworld’. La lista puede ser larga pero donde se ve más claramente su huella en éxitos como ‘Matrix’ o ‘Johnny Mnemonic’, ambas con Keanu Reeves como protagonista. Casualmente en este último título aparece Takeshi Kitano, el cual encarnará al jefe Aramaki en la versión estadounidense de acción real.

Ahora que veremos su live action seguramente muchos busquen información sobre la base en la que se apoya ‘Ghost in the shell’, sobre esta película de culto entre los fans del anime y la ciencia ficción. Está bien informarse con críticas como esta pero por favor, os ruego encarecidamente que os la veáis.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de noviembre de 2002 (DVD). Título original: Kokaku Kidotai. Duración: 85 min. País: Japón. Dirección: Mamoru Oshii. Guión: Kazunori Itô. Música: Kenji Kawai. Fotografía: Hisao Shirai. Reparto principal (doblaje al castellano): Concha García Valero, Juan Antonio Bernal, Salvador Vives, Juan Carlos Gustems, Manuel Lázaro, Alfonso Vallés. Producción: Bandai Visual Company, Kodansha, Manga Video, Production I.G.. Distribución: Selecta Visión. Género: ciencia ficción, animación. Web oficial: http://www.selecta-vision.com/Television/Ghost-in-the-Shell-2.0

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