Categoría: Críticas

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Crítica: ‘La cura del bienestar’

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Un joven y ambicioso ejecutivo es enviado a rescatar al presidente de su compañía de un idílico pero misterioso “centro de bienestar” perdido en un lugar remoto de los Alpes Suizos.  Pronto, empieza a sospechar que los milagrosos tratamientos del spa no son lo que parecen. Cuando empieza a descifrar sus secretos más aterradores, su cordura empieza a ser cuestionada y es informado de que padece la misma enfermedad que mantiene allí a todos los pacientes en busca de una cura.

Crítica

Bien está lo que bien acaba, pero no es el caso.

Antes de ver películas está bien leer críticas para que como sucede en este caso podáis curaros de espanto. No digo que no haya gente que no disfrute este largometraje de Gore Verbinski, sé de compañeros que lo han hecho, pero en mi humilde opinión pienso que es un relato desaprovechado que se pierde con tanta repetición y con tanta previsibilidad. Su planteamiento (muy semejante al de ‘Shutter Island’ pero lejos de su nivel) es interesante y podría haber estado a la altura de relatos clásicos de intriga. Pretende ser demasiado ambiciosa, tal vez se encuentre ahí su desmesurada duración.

Recordemos que Gore Verbinski ya se encargó del no tan malogrado remake de ‘The Ring’ (película en la que también incluía un choque ciervo-coche). En ‘La cura del bienestar’ emplea igualmente imágenes inconexas y una historia remota que se desvela o modifica muy poco a poco. Con esos elementos se suele conseguir generar intriga o por lo menos interés. Esta técnica o método suele funcionar pero solo cuando el resultado final es impredecible o se muestra con un giro sorprendente. En este largometraje podemos predecir constantemente lo que va a suceder o por qué ocurren ciertas cosas. Nada más completar la introducción y conocer a los protagonistas nos hacemos una idea del desenlace, no hacía falta alargarla durante casi dos horas y media. La pena es que su final parece propio novelas clásicas del siglo XIX pero se ha gestionado de manera muy bizarra y desesperada. Lo cierto es que en la época de Boris Karloff o Vincent Price este filme se habría ejecutado y disfrutado mejor.

Para estirar la idea entorno a la que se mueve la película se introduce al protagonista y por lo tanto al espectador en un bucle harto repetitivo y monótono del que da la impresión de que nunca se va a salir. Y no me refiero a que el personaje de Dane DeHaan se vea atrapado en el sanatorio, me refiero a que el esquema del filme se repite por lo menos cuatro veces sin proporcionar avances significativos.

En los tráilers ya nos planteaban una buena fotografía, o por lo menos más de una imagen que recordar. Pero no se le saca provecho ni argumentos a dichos fotogramas. La única función que se le encuentra a su diseño de producción es la de trasladarnos a una atmósfera fuera de nuestro tiempo y fuera de nuestro mundo «civilizado».

La película tiene unos cuantos actores de calidad pero el guión desmerece su talento. En particular tenía bastante puesto el punto de mira en el personaje central  de la historia. Esto es porque le interpreta la joven estrella Dane DeHaan, el cual va a encarnar próximamente a Valerian en la adaptación del cómic. Por mi parte creo que es de lo poco salvable del filme, le veo bien para abordar personajes con peso. Aunque ya me venía encandilando desde que le vi en ‘Chronicle’ o ‘The amazing Spider-Man 2’.

Me ha parecido casual, y que esto solo sirva como curiosidad de cierre, que Jason Isaacs se vea aquí relacionado con criaturas serpenteantes a la vez que con sucesos extraños en seres humanos. Encarnó al Lucius Malfoy de Harry Potter (lo digo por las serpientes) y al científico captor de ‘The OA’. Es como si hubiese cogido dos personajes y los hubiese fusionado en uno.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: A cure for wellness. Duración: 156 min. País: EE.UU. Dirección: Gore Verbinski. Guión: Justin Haythe, Gore Verbinski. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Bojan Bazelli. Reparto principal: Dane DeHaan, Jason Isaacs, Mia Goth, Susanne Wuest, Celia Imrie, Lisa Banes. Producción: New Regency Productions, Blind Wink Productions, Studio Babelsberg. Distribución: 20th Century Fox. Género: thriller. Web oficial: http://www.acureforwellness.com/

Crítica: ‘Una historia de locos’

Sinopsis

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París, 1981, un joven marsellés de origen armenio llamado Aram hace volar el coche del embajador de Turquía en París. Gilles Tessier, que pasaba en ese momento en bicicleta, queda gravemente herido. Aram huye y se une al Ejército de Liberación de Armenia en Beirut, hogar de la revolución armenia en esa época. Anouch, la madre de Aram, visita a Gilles en el hospital para pedirle perdón y él exige conocer a su verdugo. Una vez recuperado, va a Marsella en busca de venganza, pero la familia de Aram le da la bienvenida y acaba quedándose con ellos. Aram no está de acuerdo con sus compañeros en Beirut y decide conocer a Gilles, que acabará convirtiéndose en su portavoz.

Crítica

Multitud de exposiciones en multitud de minutos.

Antes de entrar en detalles y en especificar cosas concretas sobre el filme de Guédiguian he de decir que respira una gran universalidad. ‘Una historia de locos’ sirve de representación a escala de muchas historias vividas a lo largo del recorrido de la humanidad por la faz de la tierra. Es fiel reflejo de las miserias, dilemas y conflictos humanos vividos y por vivir. El retrato de una civilización desequilibrada que ha perdido el norte.

Con un estupendo prólogo en blanco y negro de casi media hora, Guédiguian nos pone en situación y sienta las bases de lo que nos va a plantear en las siguientes escenas. Nos enseña un juicio que los armenios tienen muy presentes y que el resto de países deberían recordar. Durante el resto del filme ese será el hilo conductor pues nos introduce en el conflicto entre armenios y turcos. La matanza silenciada y el exilio de sus tierras natales son las dos cosas que reivindican no solo los activistas armenios, sino también el director. Guédiguian tiene raíces armenias y alemanas y por lo tanto esta puede ser una película muy personal. Si con los atentados se busca no solo conseguir un propósito sino también que el mundo entero oiga estas reivindicaciones, con el filme el director puede procurar exactamente lo mismo. Con películas como esta se consigue un arma no violenta para luchar en este tipo de causas.

Pero aún hay más tras ‘Una historia de locos’ y está relacionado con España además. En esta historia de terroristas o justicieros (más adelante aclararé esto) hay inspiración real. El periodista Jose Antonio Gurriarán sufrió un atentado, indagó sobre aquellos que lo perpetraron, amén de sus causas, y ahora les apoya desde España. Esta historia resumida y que parece de locos está muy presente en la película, con nombres y nacionalidades cambiadas. Se destaca así la importancia de comprender antes de dictaminar algo. El comportamiento del periodista es de lo más civilizado y racional que podamos encontrar, sobre todo si tenemos en cuenta que está basado en una historia que sucedió de verdad. Es tan desconcertante como comprensible.

Y aún nos deparan más lecturas en esta película. En relación a la universalidad que comentaba al principio está la parte de la diferenciación entre justiciero o combatiente. Como en toda película basada en conflictos armados o violentos se busca encontrar la línea entre esos dos conceptos. También debatir sobre si el fin justifica los medios a la vez que se muestra el posible arrepentimiento producido por los daños colaterales.

La pena es que sea una película que para explicar todo esto se haya convertido en algo tan extenso. Esto es debido a que le sobran escenas que nos reinciden demasiado en lo mismo. El director de ‘Las nieves del Kilimanjaro’ o de ‘El ejército del crimen’, películas que también trataban temas políticos y violentos, a veces peca de resultar cargante y se deja llevar por el exceso. Han repetido con él Grégoire Leprince-Ringuet o Ariane Ascaride que demuestran estar muy en consonancia con las ideas de Guédiguian. Por el contrario nos decepciona Alexandre Desplat. El músico de ‘Harry Potter y las reliquas de la muerte’o ‘Argo’ nos ofrece una banda sonora un tanto plana y despreocupada. Sin duda en el último año no ha parado de trabajar, espero ver mejor resultado para la adaptación de ‘Valerian: agente espacio-temporal’.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: Une historie de fou. Duración: 134 min. País: Francia. Director: Robert Guédiguian. Guión: Robert Guédiguian, Gilles Taurand. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Pierre Milon. Reparto principal: Grégoire Leprince-Ringuet, Ariane Ascaride, Simon Abkarian, Syrus Shahidi. Producción: Agat Films, Cie. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.premiere.fr/film/Une-Histoire-de-Fou

Crítica: ‘La Bella y la Bestia’

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 Bella es una joven que vive con su padre, un peculiar inventor, en un pueblecito de Francia. Un día, su padre se pierde en el bosque y acaba buscando cobijo en un castillo que parece abandonado. Sin embargo, los habitantes del castillo siguen dentro, pero transformados en objetos por una maldición, su amo es ahora una temible bestia. Bella se intercambiará por su padre para que pueda escapar, y quizás pueda convertirse en la única capaz de que se rompa el maleficio.

Crítica

‘La Bella y la Bestia’ llega con mucha música y fuerza visual, pero con falta de carisma.

He de decir, antes de comenzar, que soy una gran fan de la película de dibujos animados, me encanta y la sigo disfrutando igual que cuando era pequeña, así que realmente esperaba mucho el estreno de esta versión.

Bueno, comencemos, ya no hay vuelta atrás, vista la película solo tengo que decir que me ha decepcionado un poco, no os equivoquéis, me ha gustado, pero me ha faltado fuerza y carisma a una película que lo podría haber tenido todo.

La película tiene muchísimas cosas buenas, vestuario, decorado, la música, los actores, todo, realmente todo, pero dentro de este todo hay muchos detalles que fallan. Sobre todo y lo que más me ha fallado es la falta de fuerza, muchas veces los personajes parecían muy apagados, y no solo a los personajes animados me refiero, Emma Watson, lo hace bien, canta bien, se mueve bien, pero le falta fuerza a su Bella. Bella es una persona dura y testadura, aquí muestran mucho más su lado frágil, que también lo tiene, pero creo que deberían de haber jugado más con su terquedad, más bien me ha parecido un personaje bastante soso.

En general los actores están bastante apagados, pero no todo va a ser malo, ya os he dicho que la película me ha gustado mucho, pero que sí es verdad, que hay cosas que no. En cuanto al doblaje de los personajes animados me ha encantado el doblaje de Ewan McGregor, su rudo acento escocés ha dejado paso a un acento francés bastante cuidado. Emma Thompson también está estupenda como la señora Pops. En cuanto al resto que decir, Sir Ian McKellen, Gugu Mbathan-Raw, Stanley Tucci… y por supuesto una mención especial para Dan Stevens, que escondido bajo la apariencia de la Bestia, hace una actuación más que aceptable.

En cuanto a la historia, nos muestran a la madre de Bella, un poco de la infancia de Bestia y el origen de Gastón, realmente creo que ha sido una manera de alargar la película, pero tampoco hace daño ni llega a aburrir.

Otro de los puntos a favor, son las canciones y su música, sigue siendo la misma pues es el mismo autor, Alan Menken, pero, si ya os he dicho que le he encontrado muchos peros, han añadido demasiadas canciones mal, no todas me sobran, también os digo, pero si que alguna me parece que no hacía falta.

Y hablando de los elementos técnicos, no está mal realizada, pero sí que el CGI es de peor calidad, por ejemplo, que ‘El libro de la selva’, pero no le quita espectacularidad a la cinta. Uno de las cosas que más me han gustado ha sido el vestuario, en general de todos, está muy bien escogido. Y los decorados, nos llevan a la época rococó francesa, extravagante y exagerada, lo han realizado bastante fiel a los castillos de aquella época.

Realmente merece mucho la pena el visionado de ‘La bella y la bestia’, sí, no es para nada como la de animación, pero es una cinta que tanto mayores como pequeños van  disfrutar.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de marzo Título original: Beauty and the Beast Duración: 123 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bill Condon. Guión: Stephen Chbosky, Evan Spiliotopoulos. Música: Alan Menken. Fotografía: Tobias A. Schliessler. Reparto principal: Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Emma Thompson, Ewan McGregor, Ian McKellen, Kevin Kline, Josh Gad, Audra McDonald, Gugu Mbatha-Raw, Stanley Tucci, Hattie Morahan, Adrian Schiller, Chris Adrew Mellon. Producción: Walt Disney Pictures, Mandeville Films. Distribución: Walt Disney Género: Musical, romance

Crítica: ‘Imperium’

Sinopsis

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Nate Foster (Daniel Radcliffe) decide aceptar el encargo de su superior, la agente del FBO Angela Zamparo (Toni Collette) trabajando encubierto para encontrar y detener a un grupo de supremacistas blancos sospechoso de preparar acciones terroristas. Nate, tendrá que entrar en una banda de la ultraderecha para conocer a sus miembros y qué es lo que se proponen. Su historia está basada en la vida de Michael German, quien pasó muchos años infiltrado dentro de grupos neo-nazis estadounidenses.

 

Crítica

Una historia muy reciente e interesante. 

Daniel Ragussis nos trae la historia del Michael German, que además juntos han escrito el guión. Un agente del FBI se infiltra para poder desarticular posibles atentados de supremacistas blancos.

Lo curioso de la cinta, es que te muestran otra cara, no solo un tipo de terrorismo, sino otra parte, en la que los supremacistas blancos están al borde  de comenzar a hacer ‘eventos’, vamos ataques terroristas para demostrar que están ahí.

Daniel Radcliffe de nuevo se nos presenta innovando, con un papel diferente y como siempre bordándolo.

Realmente ‘Imperium’ la veo con una cinta sin pretensiones, que simplemente quiere contarnos una historia que está ahí, y realmente lo consigue, además de atraer en sí solo la historia, te engancha.

En mi opinión, lo que le falta es un poco de fuerza, pues ya que se infiltra en bandas de neonazis, no se mete en peleas, no recoge la fuerza o la ira que podemos ver en cintas como en ‘American History X’. Aunque también es verdad que te muestran no solo el lado violento de estas bandas sino el lado intelectual. Los que están en la cumbre y mueven hilos para el adoctrinamiento.

Como son familias de bien, profesores, ingenieros, trabajadores normales y corrientes con sus ideas claras, que les da igual lo que les tenga que pasar para hacer llegar su mensaje.

Para ser la primera cinta de Daniel Ragussis, nos ha dado una película muy interesante, con una historia muy actual, por mucho que no la veamos, sobre todo en Estados Unidos está ahora muy de auge por la entrada de Trump en la Casa Blanca.

Muy recomendable para saber un poco del tema, disfrutar de las actuaciones y la historia que cuentan.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de marzo Título original:  Imperium. Duración: 109 min País: Estados Unidos Dirección: Daniel Ragussis. Guión: Michael German, Daniel Ragussis. Música:  Will Bates. Fotografía: Booby Bukowski. Reparto principal: Daniel Radcliffe, Toni Collette, Burn Gorman, Nestor Carbonell, SAm Trammell, Chris Sullivan, Tracy Letts, Linc Hand, Seth Numrich, Pawel Szajda, Jasson Finney, Devin Druid, Scott Christopher Kelly, Jennifer Marshall, Michael Aaron Milligan. Producción: Atomic Features, Green-Light International, Sculptor Media. Distribución: VerCine. Género: Drama. Web oficial: http://www.vercine.org/ficha/e/256/0/283/imperium.html

Crítica: ‘Your name’

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Ha pasado un mes desde que un cometa que vista la Tierra cada mil años se avistara desde Japón. Mitsuha es una estudiante que se lamenta de su vida en el campo junto a su hermana pequeña, su abuela y su padre, un político al que nunca ve. Detesta las pintorescas costumbres de su familia y sueña con el maravilloso estilo de vida de los habitantes de Tokyo. Por su parte, Taki es un estudiante que vive en Tokyo, tiene un trabajo a tiempo parcial en un restaurante italiano y necesita alejarse de su familia. Una noche, Mitsuha sueña que es un chico de Tokyo y Taki sueña que es una chica que vive en el campo ¿Cuál es el secreto que se oculta tras los sueños de dos personas que a pesar de que no se conocen de nada parecen buscarse desesperadamente?

 

Crítica

‘Your name’ es divertida, mágica y visualmente impresionante.

Os hablamos de la ganadora de Sitges a la mejor película de animación, que se estrena el 7 de abril en España.

Sin duda alguna una de las mejores cintas de animación del 2016, como todo, no es perfecta, pero sí que sus pocas pegas son tan mínimas que casi se podría decir que si que llega a la perfección.

Dos estudiantes descubren de un día a otro que se intercambian los cuerpos, ambos se ayudan mediante notas y mensajes que se van dejando tanto en papel como en el móvil. Poco más puedo contar, pues os estropearía la trama y os quitaría todo el misterio de la película.

Lo más impactante de esta película es sin duda la animación, increíble, el uso de la luz en las imágenes es impresionante y hace que todos los paisajes que aparecen en la película se conviertan en un protagonista más, que al fin y al cabo, es así, pues una de las cosas en las que más se incide es en las diferencias que tienen ambos personajes al vivir en distintos ambientes.

Otro de los puntos a su favor, es el tema musical, la banda sonora es muy buena, pop japonés, pero tampoco es histriónico como puede pasar en muchos animes, te adentra en la historia y no te la recarga. La música viene de la mano del grupo japonés Radwimps.

He de reconocer que iba predispuesta a ver una cinta un tanto ñoña, pero para nada me ha resultado así. Si, tiene un poco de romanticismo, pero no es exacerbado, sino que va poco a poco.

De lo que sí peca, como pasa en la mayoría de series o películas japonesas es de alargar el final de una manera innecesaria. Pues se podría haber cerrado de una manera más rápida y sin tantos giros.

Pero bueno, para mí es solo ese el fallo de la cinta, el resto me parece impecable, es más, me ha encantado el tono de humor que tiene cuando ambos personajes se adentran en el cuerpo de otro, un humor un tanto infantil según quien lo mire, pero sin duda para mí muy divertido.

Makoto Shinkai, nos deja una cinta llena de magia, diversión y un poquito de historia de la cultura japonesa. No dudéis en ir a verla. Aunque es una gran pena que no se estrene en muchas salas de cine, pero intentad aprovechar y verla en una sala de cine, merece muchísimo la pena.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de abril. Título original: Kimi no na wa. Duración: 106 min. País: Japón. Director: Makoto Shinkai. Guión: Makoto Shinkai. Música: Radwimps. Fotografía: Masashi Ando. Reparto principal: Animación (Doblaje internacional) Ryûnosuke Kamiki, Mone Kamishiraishi, Ryô Narita, Aoi Yuki, Nobunaga Shimazaki, Kaito Shikawa. Producción: CoMix Wave Films.  Distribución: Selecta Visión. Género: Animación. Web oficial: http://yournamethemovie.co.uk/

Crítica: ‘El Bar’

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Nueve de la mañana: un grupo de personas absolutamente heterogéneo desayuna en un café en el centro de Madrid. Uno de ellos tiene prisa: al salir por la puerta, recibe un disparo en la cabeza. Nadie se atreve a socorrerle. Están atrapados.

 

Crítica

Un bar para hacer feligreses de De la Iglesia.

Ya podemos irnos de bares al cine porque Álex de la Iglesia nos ha puesto uno en las carteleras. Aunque el hecho de que se titule o transcurra en un bar no tiene nada que ver con el desarrollo de los acontecimientos. Ese tipo de establecimiento solo sirve como punto de reunión para un reparto coral muy potente formado por nombres tan conocidos como Blanca Suárez, Mario Casas, Secun de la Rosa, Jaime Ordóñez, Carmen Machi, Terele Pávez, Joaquín Climent y Alejandro Awada.

Estamos ante el que puede ser el papel más introvertido de Casas, nada que ver con lo que le hemos visto últimamente en ‘Toro’ o ‘Contratiempo’. Blanca Suárez ha elegido trabajar de nuevo con De la Iglesia entre serie y serie para realizar un papel que la destaca como una de las principales protagonistas. Carmen Machi está como siempre magnífica mezclando drama y comedia, como ya pudimos ver en ‘La puerta abierta’, pero con un rol muy distinto. Terele Pávez y Secun de la Rosa ya saben lo que es trabajar con este director y demuestran su sintonía con él actuando muy compenetrados. Sin duda las interpretaciones de Joaquín Climent y Alejandro Awada son dignas de mención pero de toda la película quien más me ha parecido que despunta es Jaime Ordóñez. Su trabajo como mendigo se come al del resto y va a dejar pasmado a más de uno. Tanto por su toque demente como por su agresividad. Ni le vais a reconocer ni querríais conocer a su lunático personaje.

Los clientes del bar El Amparo irónicamente se quedan desamparados ante una situación desconcertante y ahí comienza el misterio y el peligro, que no ha de venir precisamente del exterior. Y aunque a mí personalmente las imágenes de los créditos ya me habían dado una pista demasiado grande de lo que estaba por venir, su historia me ha generado interés hasta cierto punto. Álex de la Iglesia ha sabido hacer de casi todos los personajes un sospechoso diferente en cada momento, generando así distintos tipos de coyunturas. Como en otros thrillers famosos juega a conveniencia con el desconocimiento, los prejuicios, la desconfianza y el miedo. Irremediablemente también hace uso de la comedia y la sátira. Todo para sacar a relucir los peores instintos y reacciones del ser humano. Con el director bilbaíno tenemos asegurada una visión del esperpento que pasa ante nuestros ojos cada día y que casi nadie quiere vislumbrar, aunque en esta ocasión lo haga más contenidamente.

Lo cierto es que esta sería una película muy fácil de trasladar al teatro. Posee solo tres localizaciones y además nos dividen la película en tres etapas muy reconocibles. Digamos que el filme comienza con suspense y pasa a través de una parte claustrofóbica para acabar como un survival horror. Todo ello aderezado con un humor que se va diluyendo.

Si soy sincero he de reconocer que últimamente no me convencía la manera de Álex de la Iglesia para cerrar sus películas. En esta ocasión, sin realizar un final memorable, me ha dejado satisfecho. Aunque su último tramo esté quizá algo estirado y resulte tópico nos puede valer. No esperéis un final esclarecedor ni directo. La conclusión se puede formar con el conjunto de cosas que se dicen y pasan durante la película. Lo más reconocible del director en ‘El bar’ es que conforme nos acercamos a la finalización del filme el relato se va transformando en un descenso a la locura. Acaba rozando el frenesí pero se queda algo desfogado.

Si tengo deciros rasgos por los que deberíais ver la película en el cine os destacaría la interpretación ya mencionada de Ordóñez y el juego de desconfianzas del guión de Álex de la Iglesia.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: El bar. Duración: 102 min. País: España. Director: Álex de la Iglesia. Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría. Música: Carlos Riera, Joan Valent. Fotografía: Ángel Amorós. Reparto principal: Blanca Suárez, Mario Casas, Secun de la Rosa, Jaime Ordóñez, Carmen Machi, Terele Pávez, Joaquín Climent, Alejandro Awada, Jordi Aguilar, Diego Braguinsky y Mamen García. Producción: Pokeepsie Films, Nadie es perfecto PC. Distribución: Sony Pictures. Género: thriller, comedia. Web oficial: http://elbarlapelicula.com/

Crítica: ‘Los Hollar’

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En este reconfortante drama con toques de comedia, John Hollar se ve obligado a dejar un trabajo sin futuro en Nueva York para volver a su ciudad natal del centro de los Estados Unidos cuando a su madre se le diagnostica una enfermedad. Sin su novia a punto de dar a luz, a la que no le está permitido viajar, John se ve obligado a navegar a solas en la loca vida que dejó atrás, cuando su familia disfuncional, su rival del instituto y su ex novia vuelven a entrar en su vida.

Crítica

Sencilla y sentimental.

Krasinski es bien popular por sus papeles como actor, como el que hizo en ‘The Office’ o en ‘Tierra prometida’. Pero como director también había formado parte de algún proyecto ya que dirigió algún episodio de mi amada ‘The Office’ y también la comedia ‘Brief Interviews with Hideous Men’. Ahora utiliza su habitual pillería para engatusarnos. Nos ha brindado una comedia dramática en la cual sabe cuando aplicar humor y cuando drama, de ese modo procura hacernos reír o intentar robarnos una lagrimilla.

La historia de basa en mostrarnos a una familia disfuncional, que suena a tópico, pero la película funciona. Esa disfuncionalidad de este grupo de personas es lo que nos hace reír. El problema que camuflan bajo capas de amor y risas es lo que nos trae a la tragedia. Tanto en los momentos de humor como en los de desgracia predomina el tono sensiblero. Esto se debe a que los principales temas que se tratan son la reconciliación y la necesidad de abrirse a los demás.

‘Los Hollar’ es una película muy candorosa. La música resulta muy sensible y abraza al espectador haciéndole sentir parte de la familia Hollar. Pero quizá la pega para esta película sin grandes pretensiones sea que tenga un fragmento en su parte central que resulta monótono. Durante esos minutos no percibimos progresos en la historia y parece algo estancada.

Por suerte dispone de un reparto rentable y bien elegido. Pese a no disponer de grandes estrellas hay un elenco del que podemos decir que son de esos actores a los que todos le tenemos cariño. El propio Krasinski la protagoniza acompañado de Shartlo Copley, Anna Kendrick, Richard Jenkins, Margo Martindale… El mejor en lo que se refiere a la parte humorística de este filme es Shartlo Copley. Ya ha demostrado que se le dan bien los papeles absurdos pero aquí nos da un plus interpretando a un hombre trágico o incluso patético. Quien más nos une al drama es Richard Jenkins, que ejerce de marido y padre de esta familia con claros problemas de comunicación.

En este segundo filme de Krasinski como director nos encontramos con escenas predecibles pero también con momentos inesperables. Demuestra el estadounidense saber dirigir y también conocer cuales son las cotas de ambición que puede alcanzar.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de marzo de 2017. Título original: The Hollars. Duración: 88 min. País: EE.UU. Director: John Krasinski. Guión: James C. Strouse. Música: Josh Ritter. Fotografía: Eric Alan Edwards. Reparto principal: Shartlo Copley, Charlie Day, Josh Groban, Richard Jenkins, Anna Kendrick, John Krasinski, Margo Martindale, Randall Park, Mary Elizabeth Winstead. Producción: Groundswell Productions, Sunday Night, Sycamore Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.sonyclassics.com/thehollars/

Crítica: ‘El fundador’

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El Fundador cuenta la verdadera historia de cómo Ray Kroc (Michael Keaton), conoció en 1950 a los hermanos Mac y Dick McDonald, quienes llevaban una hamburguesería al sur de California. Impresionado por la velocidad de su sistema de cocina, Kroc visualizó el potencial de la franquicia y hábilmente se fue posicionando para crear el que es, a día de hoy, el conocido y multimillonario imperio de comida rápida.

Crítica

Un american way of life demasiado light.

Ray Kroc es el protagonista de la nueva película protagonizada por Michael Keaton. La persona que fundó el imperio McDonald’s puede ser ahora más conocida gracias a este largometraje que nos trae Diamond Films a España. John Lee Hancock nos dibuja a un fundador de McDonald’s avaro, oportunista y crápula. Un hombre sin ideas originales, con mucho empeño eso si, pero que coge de aquí y de allí para construir su sueño. El nombre de El Fundador está bien elegido ya que si bien él no creo ni el restaurante ni su funcionamiento, fundó la cadena de franquicias. Su relato, el que nos transmite Hancock, está cargado de suertes y casualidades.

Pero para ser una película sobre el mayor representante del fast food se cocina muy a fuego lento. No me explico cómo hemos llegado al punto de necesitar siempre en torno a dos horas para contar una historia. Esto pasa por desgracia con la mayoría de películas que se estrenan y ‘El Fundador’ no es una excepción. Es muy interesante descubrir (al menos en mi caso por que no conocía la historia al completo) cómo se hizo con aquello que Dick y Mac McDonald crearon. Cómo poco a poco pasa por encima de los artífices de la idea original para hacer crecer no solo su negocio si no también su nombre. Su apellido se escribe casi como cocodrilo en inglés (Croc) y como si se tratase de ese depredador devoró los sueños, principios y aspiraciones de los McDonald. El largometraje centra buena parte de su duración en mostrar las inquietudes, miedos e intrigas personales del señor Kroc, lo cual no se que base o fundamento puede tener. El valor de este film, su mayor atractivo, reside en conocer la historia de la franquicia , sus tesituras personales están un poco de más.

Los fans de Michael Keaton se encontrarán aquí a su versión más contenida y menos arrolladora o alocada. El actor está plenamente reconocible, no hace su típico personaje histriónico pero es él, sin maquillaje ni cambios en su físico. Mérito suyo y del guionista Robert D. Siegel es que iniciemos el filme deseándole lo mejor y lo terminemos despreciándole. Al menos comprobamos al final del filme que su interpretación es cercana a como era realmente Ray Kroc. Porque para aquellos que no conozcan la figura del difunto dueño de los restaurantes se muestran imágenes reales, en formato de foto y vídeo.

Se salvan las interpretaciones de Nick Offerman y John Carroll como los sufridos hermanos McDonald. Sin conocer su vida personal en detalle, solo su relación con el mundo de la hostelería, nos aportan el contrapunto a la cadena de restaurantes. La lucha del hombre de a pie contra el progreso y la civilización consumista que aplasta al pequeño empresario. Para colmo acaban siendo víctimas de una gran injusticia fruto de su ingenuidad  y estos dos actores la transmiten muy bien.

Aunque las localizaciones y los escenarios recrean fielmente a la realidad transcurrida en los cincuenta nos topamos con que el montaje y el rodaje de la película no tienen nada del otro mundo. Este es un relato basado en una historia real y sobre una de las compañías más famosas del mundo. De ahí que podemos decir que los hechos son curiosos e incluso interesantes, pero la película, como obra de arte, no lo es tanto.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: The Founder. Duración: 115 min. País: EE.UU. Director: John Lee Hancock. Guión: Robert D. Siegel. Música: Carter Burwell. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Michael Keaton, Laura Dern, Nick Offerman, Linda Cardellini, Patrick Wilson, B.J. Novak, John Carroll Lynch, Lauren Denham, Catherine Dyer, Ric Reitz, Wilbur Fitzgerald, Valeri Rogers, David Silverman, Abbey Ferrell, Tracy Goode, Franco Castan. Producción: FilmNation Entertainment, The Combine. Distribución: Diamond Films. Género: biográfica, drama. Web oficial: http://thefounderfilm.com/

Crítica: ‘Seoul Station’

Sinopsis

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Precuela animada de la película ‘Train to Busan’. Durante la noche en Seúl los mendigos se refugian en la estación central. Algunos presentan síntomas extraños. Rápidamente aparecen zombies y una joven que ha roto con su novio se encuentra con ellos. Su padre y su ex-novio intentarán rescatarla.

Crítica

Un anime de los que te animan a ver animación.

Al igual que con otras películas sobre zombies (o infectados) que no transcurren en los Estados Unidos, como ‘[Rec]’ o ’28 días después’ el cambio de localización trae consigo también un cambio de concepto o tratamiento. Esta película, considerada precuela de la fantástica ‘Train to Busan’, nos aporta una nueva visión sobre un conflicto con personas zombificadas. Ambas funcionan como películas independientes pero ver los dos largometrajes nos aporta una visión más completa de esta especie de universo que ha iniciado Yeon Sang-ho.

La zombificación de la mente humana es un hecho real para el director coreano que nos arroja no solo ante muertos vivientes devoradores de personas si no ante humanos vivos aletargados y anestesiados por la civilización actual. Se retrata a un ser humano egoísta, ciego ante las desgracias de sus semejantes e incluso clasista. Al igual que en ‘Train to Busan’ Sang-ho plasmó el carácter o su opinión de la sociedad de Corea del Sur. No nos infunde mucha confianza o esperanzas hacia su gente pero es algo que ya hemos podido observar en otros cineastas del género.

Quizá el hecho de que sea animada le reste terror o la posibilidad de que nos metamos más en la historia. Pero si consigue trasladar sensación de agobio y desesperación. Los momentos de tensión son fácilmente reconocibles y en ocasiones se logra bastante espectacularidad. Innovar actualmente con la animación es muy relativo, pues se acaba por entender como innovación al despliegue de medios o la aproximación de esta a la imagen real. ‘Seoul Station’ está más cerca de los animes tradicionales pero con lo que sorprende es con sus movimientos de cámara, su fluidez y su bien escogida estética.

Pese a todo lo explicado lo que da lástima es que se queda en una historia demasiado aislada, en algo meramente episódico. Quizá por no querer ampliar sus fronteras más allá de Seúl carece de magnitud y grandiosidad. Pero si como he dicho antes nos la tomamos como apertura para ‘Train to Busan’ nos puede satisfacer.

En resumen, con lo que me quedo es con su giro final y con que resulta diferente al ofrecernos animación y zombies en Corea del Sur uniendo talento y originalidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2017. Título original: Seoul Station. Duración: 92 min. País: Corea del Sur. Director: Yeon Sang-ho. Guión: Yeon Sang-ho. Música: Young-gyu Jang. Producción: Finecut, Studio Dadashow. Género: animación, fantasía, terror.

Crítica: ‘La vida de Calabacín’

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Calabacín es un nombre extraño para un niño de 9 años, aunque su historia es sorprendentemente universal. Tras la repentina muerte de su madre, Calabacín se hace amigo de un simpático policía, Raymond, que lo acompaña a su nuevo hogar de acogida con otros huérfanos de su edad. Calabacín lucha al principio por adaptarse al extraño y hostil ambiente. Con la ayuda de Raymond y de sus nuevos amigos, Calabacín aprenderá a amar y a confiar en los otros.

Crítica

Un cuento para nada pueril.

Salida de una novela de Gilles Paris nos llega esta obra que ha sido adaptada por Céline Sciamma. Esta guionista puede que os suene pues recientemente os hemos hablado de otro trabajo suyo, bastante menos exitoso, con el título ‘Cuando tienes 17 años’. De nuevo se ha sumergido en una obra que habla de los miedos e inquietudes de personajes jóvenes, del auto descubrimiento y los cambios de la vida, la novela le viene como anillo al dedo. Con el mensaje que transmite y la temática que trata no es de extrañar que haya estado nominada al Oscar y que incluso muchos la tuviesen en sus quinielas como ganadora, pero ya sabemos lo que ocurre siempre con las películas de animación en la Academia. Tras ver esta y apostar por ‘Kubo y las dos cuerdas mágicas’ sigo sin explicarme cómo se siguen eligiendo ganadoras como ‘Zootrópolis’.

‘La vida de Calabacín’ es una historia con más trasfondo del que parece. A priori podría parecer un episodio de una serie infantil emitida en cualquier canal digital. Pero la narración rápidamente nos descubre una historia bastante dura, que por mucho que se endulce está lejos de estar preparada para mentes jóvenes. Nuestros protagonistas son personajes de nueve años, por lo tanto dicen y hacen cosas iguales que unos niños reales de nueve años. Ese realismo es el que puede herir la sensibilidad de un niño real. Las conversaciones casi adultas y las historias de cada niño son las que me hacen advertiros de que este pequeño filme no me parece apropiado para vuestros hijos e hijas que ronden los diez años. El mérito de Paris, y por extensión del director Claude Barras, es el de conseguir meter de tapadillo un drama potente en una película tan aparentemente inocente.

Este es un largometraje realizado en stop motion, con sus luces y sombras. El diseño de los personajes apoya el argumento que empleaba sobre el drama oculto. Su aspecto claramente simpático, ingenuo y colorido esconde expresiones lúgubres y tristes. Muy bien planteado el aspecto del filme, pero en ocasiones choca su peculiar toque con el realismo de algunos objetos.

Pese a ser un dramón mezclado con momentos cómicos que hacen que salga más a flote nuestra sensibilidad considero que en el fondo y a fin de cuentas la historia es muy simplona y sencilla. Y por eso yo personalmente le resto valor a la obra.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2017. Título original: Ma vie de Courgette. Duración: 66 min. País: Suiza. Director: Claude Barras. Guión: Celine Sciamma. Música: Sophie Hunger. Reparto principal: Gaspard Schlatter, Sixtine Murat, Paulin Jaccoud. Producción: Rita Productions, Blue Spirit Animation, Gébéka Films. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: animación, drama, comedia. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/la-vida-de-calabacin/

Crítica: ’31’

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De la mente visionaria del hombre que nos trajo ‘La Casa de los 1000 cadáveres’, ‘The Devil’s Rejects’ y ‘Halloween’ viene la horrible historia de cinco trabajadores de carnaval que son secuestrados la noche anterior a Halloween y hechos rehenes en un gran recinto.

A merced de sus captores, se ven obligados a jugar a un retorcido juego de vida o muerte llamado 31. Por las próximas 12 horas deben luchar por sus vidas contra un desfile sin fin de maníacos homicidas.

Crítica

Una simple historia de supervivencia y sangre.

Me parece muy bien que Rob Zombie siga haciendo películas, aunque sea como afición o como complemento a su principal ocupación musical. Sin duda él sí que sabe regalarnos slashers con el sabor de los mejores largometrajes sangrientos y de terror. ’31’ no es una obra excesivamente memorable pero su disfrute es más que evidente, si sabes a lo que vas cuando compras una entrada para verla. Nos regala muertes por doquier y sangre a borbotones, todo lo que aman muchos seguidores del director y del género.

Además, como muchos directores hacen, tiene la costumbre de rodearse de actores que controlan el género y dominan el tono que ha de emplearse en sus interpretaciones, no se ha complicado en contar con alguien que necesite iniciarse en esta materia. Nos acompañan en esta matanza nombres tan míticos como Malcolm McDowell (‘La naranja mecánica’, ‘Halloween, el origen’), Meg Foster (‘Masters del Universo’, ‘Están vivos’), Jeff Daniel Phillips (‘Westworld’, ‘The lords of Salem’) o la esposa del director Sheri Moon Zombie (‘The lords of Salem’, ‘Los renegados del diablo’). Y si siguiese nombrando miembros del reparto seguiríamos encontrando amigos suyos. Es por eso que este es un filme que me recuerda en algunos sentidos a ‘Balada triste de trompeta’, de Álex de la Iglesia. Muchos actores cercanos al director protagonizando una historia deforme y alocada, con algún que otro payaso de por medio.

Pero la historia de Rob Zombie es menos compleja que la del director español. Aquí no hay un trasfondo dramático. Lo que se pretende es mostrar una competición, un juego macabro, que si el director y guionista quisiese podría explotar en más entregas. De igual modo que se ha hecho con ‘Saw’ o ‘Battle Royale’.

Si nos ponemos cinematográficamente estrictos hay dos puntos fuertes y a destacar del filme. Uno de ellos la fotografía, con estampas muy siniestras y sanguinarias nos transporta a un mundo perturbado y corrupto. Y el otro la actuación de Richard Brake, con su desequilibrado personaje que en ocasiones nos puede parecer un Joker sanguinario. Curiosamente es el Joe Chill de ‘Batman Begins’, el asesino de los padres de Batman. Os diría que hay que seguir su carrera pero llevamos años haciéndolo casi sin darnos cuenta pues aparece en películas como ‘Kingsman’, ‘Thor: el mundo oscuro’ o incluso es el Rey de la Noche en ‘Juego de Tronos’. Habrá que prestarle más atención.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de marzo de 2017. Título original: 31. Duración: 102 min. País: EE.UU. Director: Rob Zombie. Guión: Rob Zombie. Música: John 5. Fotografía: David Daniel. Reparto principal: Elizabeth Daily, Malcolm McDowell, Torsten Voges, Daniel Roebuck, Sheri Moon Zombie, Meg Foster, Lawrence Hilton-Jacobs, Devin Sidell, Judy Geeson, Ginger Lynn, David Ury, Esperanza America. Producción: Bow and Arrow Entertainment / Protagonist Pictures / Spectacle Entertainment. Género: terror, slasher. Web oficial: http://robzombie.com/movies/31-movie/

Crítica: ‘Gold’

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El ganador del Oscar Matthew McConaughey es Kenny Wells, un fracasado hombre de negocios reconvertido en un moderno explorador desesperado por tener un golpe de suerte. En un último esfuerzo, Wells se asocia con un geólogo con la misma poca fortuna, interpretado por Edgar Ramírez, para ejecutar un plan grandioso: encontrar oro en la inexplorada selva de Indonesia.

Crítica

A veces las buenas herramientas no aseguran una exitosa prospección.

Stephen Gaghan con sus guiones nos suele dejar con la cabeza revuelta. Esta es una película menos potente que ‘Syriana’ o que ‘Traffic’, las cuales escribió. En este caso no dirige su propio libreto pero la película sigue claramente sus esquemas, aunque se ha dejado llevar más de lo habitual por cánones más comerciales. Tal vez sea por ello que, aunque admitamos que está basada en hechos reales pertenezca a este tipo de relatos en los que cuesta creer o en los que es difícil diferenciar dónde está la realidad y dónde el relleno para conseguir enganchar más al espectador.

McConaughey de vez en cuando rueda películas con pretensiones menores a las que nos tiene acostumbrados últimamente, como es el caso de ‘Los hombres libres de Jones’. Pero son trabajos que engrosan su carrera sin deslucir el brillo de su estrella. La película que nos presenta ahora, ‘Gold’, es una de estas. Suma en ella un par de escenas brillantes que dejan patente el buen actor que es. Pero parece que comienza a encasillarse en un tipo de rol concreto. Eventualmente oímos música de Iggy Pop (muy a lo Leonard Cohen) en la banda sonora reforzando este argumento. Desde luego sigue repitiendo en el papel de protagonista que rema a contracorriente, parece que se siente cómodo en ese tipo de historias. Le pega muy bien la degradación, tanto a él como al director junto al que ha trabajado en esta ocasión. Es por ello que dudo si la película estaba escrita para el director o para el actor, suele ser lo segundo.

El actor ganador de un Oscar también suele destacar por sus cambios de aspecto. Para ‘Gold’ ha adquirido una estética y físico muy desmejorados. Recuerda incluso al Tom Cruise de ‘Tropic thunder’, película en la que también sale él curiosamente.

Acompañan a la estrella hollywoodiense Edgar Ramirez (‘La chica del tren’) y Bryce Dallas Howard (‘Jurassic World’). Podríamos pensar que estos dos actores de reparto no son capaces de seguirle el ritmo y así es. Corey Stoll, Toby Kebbel o Stacy Keack completan el reparto de caras conocidas con incluso mejores momentos que los secundarios que he mencionado antes.

La historia que nos trae Tripictures a España es de soñadores y de luchadores. Por sacarle un mensaje podemos decir que nos transmite que el oro es tan brillante como pesado. Su brillo puede atraerte al río pero su peso tiende a arrastrarte hasta su fondo. Pero el oro puede cambiarse por otros muchos ideales que persiguen aquellos incomprendidos que buscan la consecución de sus cuasi imposibles metas.

Gaghan incluye unos cuantos giros argumentales, la mayoría al final, pero lo hace algo tarde. Estos suceden tras muchos minutos de una historia que tal vez habría que haber manejado de un modo algo más ágil. Personalmente nunca entenderé la fascinación por este elemento de la tabla periódica, su valor me puede ser tan confuso como las sensaciones que produce esta película.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: Gold. Duración: 121 min. País: EE.UU. Director: Stephen Gaghan. Guión: Patrick Massett, John Zinman. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Matthew McConaughey, Edgar Ramirez, Bryce Dallas Howard, Corey Stoll, Toby Kebbell, Rachael Taylor, Bruce Greenwood, Stacy Keach, Bill Camp, Joshua Harto,Steve Larese, Catherine Haun, John Pirkis, Shad Adair, Jamie H. Jung. Producción: Black Bear Pictures, Hwy61, Living Films. Distribución: Tripictures. Género: hechos reales, drama. Web oficial: http://gold-film.com/

Crítica: ‘Yo no soy Madame Bovary’

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Li Xuelian organiza un falso divorcio con el fin de conseguir un segundo apartamento, pero su marido se vuelve a casar de forma inesperada. Tras recurrir al juzgado sin éxito y ser acusada por su marido, Li se embarca en un absurdo viaje de diez años para restaurar su reputación.

Crítica

Una visión de china a través de una mirilla.

Xiaogang Feng me ha sorprendido con un experimento, principalmente en dos planteamientos que se distinguen muy claramente. Uno de ellos es la fotografía. El director chino nos presenta una película vista como a través de la mirilla de una puerta, de un catalejo o un de ojo de buey. La inmensa mayoría del filme transcurre dentro de un círculo y esto hace que centremos más nuestra atención en los detalles. La sensación es la de ver un posavasos en movimiento, pero de esos que están adornados con bellas estampas del país asiático. El formato cambia a uno cuadrado cuando la historia transcurre en Pekín, cuando entramos en los entramados burocráticos chinos. La composición de las escenas tiene un cuidado extremo y existen multitud de fotogramas que se quedan grabados en la retina. Aquellos que tienen verdadera manía por la simetría, como pudo tenerla Kubrick, encontrarán aquí muchas imágenes en las que deleitarse.

El otro aspecto que me ha impactado y que me extraña es el tono del filme. Sorprende que siendo una película china sea tremendamente irónica, crítica y sarcástica con el gobierno chino o al menos con el comportamiento de sus funcionarios. En este largometraje se muestra como una campesina le pone un ojo a la virulé a un sistema chino que la ignora e incluso castiga injustamente. Aunque también puede haber sido utilizada como intento de mostrar la capacidad de autocrítica, corrección y mejora de los chinos.

‘Yo no soy Madame Bovary’ es sinceramente larga y de lento progreso. El hecho de que la imagen esté constantemente estática y que haya muy pocos y sutiles movimientos de cámara hace acrecentar la sensación de estanqueamiento. El director y el guionista (Liu Zhenyun, el propio autor de la novela en la que se basa la película y que lleva como nombre ‘I did not kill my husband’) se ceban con algunas escenas a las que le sobran planos y palabras.

Fan Bingbing se llevó la concha en San Sebastián, al igual que esta película. No realiza un mal trabajo en este filme, pero para ser una actriz tan remunerada como ella tal vez cabía esperar un poco más de implicación. La desesperación de su personaje por desmarcarse de una etiqueta digna de la dama creada por Gustave Flaubert quizá habría necesitado un grado mayor de entusiasmo.

Como experimento cinematográfico y apuesta atrevida esta película es digna de admiración. Pero como narración de una historia necesitaría algunos arreglos.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: I am not Madame Bovary. Duración: 128 min. País: China. Director: Xiaogang Feng. Guión: Liu Zhenyun. Música: Wei Du. Fotografía: Lou Pan. Reparto principal: Chengpeng Dong, Bingbing Fan, Wei Fan. Producción: Sparkle Media, Huayi Brothers. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/yo-no-soy-madame-bovary/

Crítica: ‘Zona Hostil’

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A un convoy americano escoltado por la Legión española le estalla una mina al norte de Afganistán y el inexperto Teniente Conte (Raúl Mérida) queda al mando de una dotación para proteger a los heridos hasta que los evacuen. La Capitán médico Varela (Ariadna Gil) acude al rescate en un helicóptero medicalizado del Ejército Español, pero el terreno cede durante el aterrizaje y el helicóptero vuelca, dejando a los rescatadores atrapados junto a los legionarios en medio de la nada. El impulsivo Comandante Ledesma (Antonio Garrido) propone un arriesgado plan para rescatarlos a todos y, además, llevarse el aparato siniestrado. Pero con la noche llega el enemigo y el plan sólo será posible si el Teniente y la Capitán logran sobrevivir hasta el amanecer.

Crítica

Honorable intento de narrar una historia venerable.

Del mismo modo que llevamos toda nuestra vida tragándonos películas que enaltecen al ejército norteamericano (en guerras tanto ganadas como perdidas) nos llega ahora un filme que resalta la historia de héroes militares españoles. Que no os lleve a equívoco, no lo digo a modo de queja, uno está a favor de la inconmensurable labor humanitaria de muchas de nuestras unidades destinadas en el extranjero pero creo que había mejores maneras para contarla.

Esta ni es, ni esperaba que lo fuese, una película excepcionalmente de tiros y explosiones. Está dentro del cine bélico por su puesto pero durante casi una hora nos vamos olvidando del ejército pues se centra demasiado en establecer y adentrarnos en los lazos humanos y el trasfondo de los personajes. Cuando llega la acción ya estamos algo adormecidos y esta no llega con mucha fuerza. Los actores, no se si no muy habituados a la acción, no le ponen excesiva pasión al combate.

Por si fuese poco la música de la película no acompaña. De hecho me ha devuelto a los temas de algunas películas de la Cannon, por lo que a mí personalmente me ha costado quitarme de la cabeza títulos como ‘The Delta Force’. Me ha sorprendido que Roque Baños, el compositor de bandas sonoras de películas como ‘No respires’ u ‘Oldboy’ (2013) haya elaborado un conjunto musical tan desganado y poco acorde a lo que vemos en pantalla.

Adolfo Martínez ha tenido en sus manos un despliegue de medios de lujo. Vestuario, armamento, vehículos… todo ello totalmente realista. Ha volcado el peso de la cinta en Ariadna Gil muy apoyada por Roberto Álamo, Raúl Mérida y Antonio Garrido. Pero esta potente combinación no ha bastado para crear una narración más emocionante. Al igual que el ‘Black hawk derribado’ de Ridley Scott está basada en hechos reales, pero Martínez no ha sabido adornarla de un modo tan efectivo. No ayudan nada los norteamericanos casi paródicos, los extras que no saben morirse, ni la poca naturalidad de algunos actores al hablar de temas técnicos.

Me da rabia también que se haya incluido a Ingrid García Jonsson en el reparto. No quiero induciros a pensar que tengo algo en contra de esta actriz, más bien lo contrario. Me parece una estrella en potencia que lleva demostrando unas cuantas películas seguidas que merece mayor reconocimiento. En ‘Zona hostil’ está entre los secundarios, goza solo de unos escasos minutos que no nos permiten disfrutar de ella.

Ojalá se celebrasen más triunfos militares en pro de la paz y la salud de las personas como este. Lástima que no pase de ser una largometraje meramente entretenido.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: Zona Hostil. Duración: 120 min. País: España. Director: Adolfo Martínez. Guión: Luis Arranz, Andrés M. Koppel. Música: Roque Baños. Fotografía: Alfredo Mayo. Reparto principal: Ariadna Gil, Roberto Álamo, Raúl Mérida, Antonio Garrido, Ingrid García Jonsson, Jacobo Dicenta, Ismael Martínez, David de la Torre, Nasser Saleh, Mariam Hernández, Berta Hernández, Ruth Gabriel. Producción: Tornasol Films, Castafiore Films, Hernández y Fernández PC, RTVE, Movistar+. Distribución: eOne Films. Género: hechos reales, bélico. Web oficial: http://www.zonahostil.com/

Crítica: ‘Kong: la Isla Calavera’

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De la mano del director Jordan Vogt-Roberts (The Kings of Summer), esta emocionante y original aventura cuenta la historia de un variopinto equipo de científicos, soldados y aventureros que se unen para explorar una mítica y desconocida isla del Pacífico, peligrosa a la par que hermosa. Apartados de todo lo que conocen, el equipo se adentra en los dominios del poderoso Kong, desencadenando la batalla definitiva entre el hombre y la naturaleza. Cuando su cometido pasa del descubrimiento a una misión de supervivencia, deben luchar para escapar de un edén primigenio donde la humanidad no tiene cabida.

Crítica

Menos romanticismo y más salvajismo.

Vuelve el gorila más grande del cine y lo hace con toda la fiereza, como si del Kakaroto de ‘Dragon Ball’ se tratase. Desde luego el Kong de Jordan Vogt-Roberts está mejor planteado que el que realizó Peter Jackson pero sigue distando mucho del clásico. Esta nueva visión no tiene ese toque romántico de la película original, está más pensada para las nuevas generaciones que buscan emociones fuertes y espectacularidad. Vogt-Roberts, un director cuya obra nada tiene que ver con este tipo de cine, ofrece una visión de King Kong más parecida a la que se ofrecía de Godzilla en la versión de 2014 de Gareth Edwards. Es difícil explicar por qué sin desvelar nada de la película a si es que es una de las cosas que dejaré que descubráis por vosotros mismos.

Pero algo muy a tener en cuenta es que más que Kong la protagonista es su isla. Si, el simio está omnipresente pero el trozo de tierra rodeado de agua se presenta como el mayor atractivo de la cinta. Al islote se le rodea de misticismo, se le recrea de un modo fastuoso y se le llena de todo un abanico de nuevas criaturas. Y esos bichos colosales y variopintos son la gran diferencia con respecto a la última versión de Kong que vivimos. Su diseño es más creíble y por momentos le roban el protagonismo a Kong.

También percibimos un gran sabor a películas de los 70 o ambientadas en esa época. Con la guerra de Vietnam y la Guerra fría de fondo los protagonistas se sumergen en esta aventura. Es un planteamiento interesante pero ya cansa que siempre que se ruede algo transcurrido en este periodo utilicen a mis admirados Creedence Clearwater Revival.

Quizá los personajes más trabajados sean los de Samuel L. Jackson y John C. Reilly. El de Jackson se sale de los parámetros que suele interpretar el actor y nos brinda la cara más vengativa, violenta e irracional del ser humano. En el caso de Reilly la elaboración de su papel tiene mérito por el grado de humor que aporta. Figura también entre los protagonistas John Goodman y aunque su personaje es el que represente la introducción de una visión de futuro a la película está casi de pasada. Y ni que decir tiene el de Toby Kebbell que hace también de Kong. Brie Larson parecía que iba a interpretar a la chica en apuros que enamora a Kong, pero no. Su rol está más enfocado al de una mujer valiente y que no establece esa relación casi poética. Hiddleston por el contario parece ser solo el guaperas que está para lucirse en un par de escenas. Ambos acaban formando una pareja interpretativa no predecible y efectiva.

Entre tanta criatura por supuesto hay muertes. Algunas soluciones, planos e ideas parecen sacadas de la más marginal serie B. También hay momentos en el que la escala de las criaturas y objetos se va de madre. Con estas cosas con las que se nos saca un poco de la película pero algunas de ellas pueden resultar divertidas, sobre todo si se ve en grupo. Incluso hay una escena que puede recordar a ‘Holocausto Caníbal’.

En ‘Kong: la Isla Calavera’ se sientan las bases para futuras películas, es decir, queda claro que esto ya es una franquicia. Si antes he mencionado la película de Gareth Edwards no es por casualidad. Aquellos que estén bien atentos y recuerden bien la película de hace tres años encontrarán conexiones. Warner Bros. abre otra vía para expandir y enlazar franquicias que están bajo su control. Casualmente aquí nos encontramos con dos actores con personajes en películas de Marvel Comics y a pesar de que ese sello no les pertenece si nos encontramos con una de sus ya tradiciones, la escena post-creditos. Es muy jugosa para los fans del cine de kaijus a si es que quedaos hasta después de los créditos que tiene mucho que ver con la Tōhō.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: Kong: Skull Island. Duración: 120 min. País: EE.UU. Director: Jordan Vogt-Roberts. Guión: Dan Gilroy, Max Borenstein. Música: Henry Jackman. Fotografía: Larry Fong. Reparto principal: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman, John C. Reilly,Toby Kebbell, Thomas Mann, Corey Hawkins, Jason Mitchell, Shea Whigham, John Ortiz, Eugene Cordero. Producción: Warner Bros. Pictures, Legendary Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras, fantástico. Web oficial: http://kongskullislandmovie.com/

Crítica: ‘El guardián invisible’

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En los márgenes del río Baztán, en el valle de Navarra, aparece el cuerpo desnudo de una adolescente en una circunstancia que lo relaciona con un asesinato ocurrido un mes atrás… La inspectora Amaia Salazar (Marta Etura) dirige la investigación que la llevará de vuelta al pueblo de Elizondo, donde ella creció y del que ha tratado de huir toda su vida. Enfrentada con las complicadas derivaciones del caso y sus propios fantasmas, la investigación de Amaia es una carrera contrarreloj para dar con un implacable asesino, en una tierra fértil en supersticiones y brujería…

 Crítica

Cuando molestan al bosque, los guardianes aparecen. 

Basada en la novela de Dolores Redondo ‘El guardian invisible’ nos lleva al norte de España, donde la magia y la realidad se juntan para darnos un thriller intenso.

Fernando González Molina (‘Palmeras en la nieve’) nos trae esta historia en la que la inspectora Amaia Salazar es obligada a volver a su pueblo de origen Elizondo, donde tendrá que investigar el asesinato de unas niñas. Pero no solo tendrá que preocuparse por su trabajo, sino también por su pasado y esas pesadillas que tanto la están atormentando.

La historia se centra en Navarra, con una atmósfera muy bien creada, la lluvia, la niebla y los bosques, hacen que parezca que nos metemos de verdad en los bosques del norte. Aquí, gracias a la dirección de Fernando González Molina y a la fotografía de Flavio Martínez Libano, que ya hizo un estupendo trabajo en los ‘Cronocrimenes‘, vemos todos los detalles necesarios para que la película sea una maravilla visual.

Luis Berdejo, ha realizado un gran trabajo con el guión. Adaptar un libro que tiene miles de seguidores, debe ser bastante estresante, pero lo ha hecho muy bien, dándonos una historia clara y sencilla, pero sin que pierda el halo de misterio que necesita.

‘El guardián invisible’ es una película donde la magia está muy presente, las criaturas mágicas, el poder del bosque y las protectores del bosque como el Basajaun, son una parte muy importante para la cinta.

Otra de las figuras centrales de la cinta es la mujer, no solo por el peso protagonista, sino por sus personajes secundarios y en general por la trama, no quiero contar mucho mas, pues sería desvelar parte de la historia.

En cuanto a los actores, Marta Etura, está estupenda, como inspectora de policía, es fuerte y no deja que nadie la pise, mientras que como mujer, como Amaia Salazar, es más bien todo lo contrario, una mujer llena de miedos y que al volver a su lugar de origen comienza a sufrir de nuevo.

En cuanto a este papel hago un inciso, porque creo que en la película se han pasado bastante contándonos el pasado de esta mujer, se recrean demasiado y sí tiene parte importante en la trama, pero sí que había veces que te sacaba de la historia.

Y qué decir, está no es una cinta solo para la protagonista, sino que realmente está llena de grandes secundarios, como Pedro Casablanc, Elvira Mínguez con un personaje frío que hará que la odiemos desde el primer minuto que sale en pantalla, Paco Tous, Manolo Solo, Nene (Juan Carlos Librado) que nos muestra su lado serio en esta actuación. Y por supuesto, nombrar a Javier Botet, el cual como acostumbra, no nos mostrará su rostro.

Decir antes de terminar que ‘El guardián invisible’ es un thriller lleno de misterio y que sin duda os mantendrá en tensión hasta el final, no dudéis en ir a verla.

Ficha técnica

Estreno en España: 3 de marzo. Título original: El guardián invisible. Duración: 129 min. País: España. Director: Fernando González Molina. Guión: Luiso Berdejo (Novela: Dolores Redondo) Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Flavio Martínez Labiano. Reparto principal: Marta Etura, Javier Botet, Colin McFarlane, Elvira Mínguez, Miquel Fernández, Susi Sánchez, Arlette Torres, Pedro Casablanc, Manolo Solo, Paco Tous, Ramón Barea, Richad Sahagún, Mikel Losada, Juan Carlos Librado. Producción: Nostromo Pictures, Atresmedia Cine, ZDF. Distribución: DeAPlaneta. Género: Thriller. Web oficial: https://www.facebook.com/elguardianinvisible/

 

Crítica: ‘Un hombre llamado Ove’

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Ove es el gruñón de la urbanización. Un hombre solitario y obsesionado por las normas, que lleva de cabeza a todo el vecindario. Su mal humor empeora cuando es forzado a jubilarse de la empresa en la que ha trabajado toda su vida. Pero su vida da un giro cuando Parvaneh y su familia se convierten en sus nuevos vecinos. Lejos de hacer caso de sus continuas quejas, Parvaneh le responde siempre con su amplia sonrisa, dando pie a una amistad inesperada, devolviéndole la ilusión por disfrutar de la vida.

Crítica

Consigue que te encariñes de alguien aguafiestas e irascible.

Desconozco si la novela en la que está basada, una obra de Fredrik Backman, da la misma impresión que la película que ha escrito y dirigido Hannes Holm. Solo con leer sus sinopsis ya tenemos la sensación de que lo que tenemos delante es una especie de mezcla entre ‘Gran Torino’ y ‘El abuelo que saltó por la ventana y se largó’, dos excelentes películas. Por el carácter y trayectoria del protagonista en lo que se refiera a la primera y por el tono y espíritu de la segunda. Lo peculiar del cine sueco unido a rasgos característicos de una película hollywoodiense.

Pero la aleación continúa cuando evaluamos los géneros del filme. Domina el sarcasmo y la ironía que ha hecho famosos a cómicos como Les Luthiers. Nos transmite un modo muy singular, aunque no innovador, de ver la vida. Como en otras muchas películas a través de la tragedia y la amargura se nos sorprende con una narración humorística. El drama que vive este hombre llamado Ove está edulcorado, a decir verdad bastante dulcificado por la comedia que involuntariamente protagoniza al ser como es. Aunque finalmente esta acabe siendo una de esas películas en las que todo acaba forzosamente conectado nos engatusa con su principal actor y personaje.

El Ove que encarna Rolf Lassgård es un personaje extremadamente quisquilloso y gruñón. Su única ocupación es tener su entorno en regla, hacer que se respeten las normas y los valores que le han inculcado, sobre todo desde que le han arrebatado su trabajo. Es una de esas personas que necesitan un nuevo motivo para vivir y como en la película de Eastwood unos nuevos vecinos se lo facilitan. Ove no es un cascarrabias así porque si, durante el largometraje se fundamentan las razones de su malhumorado carácter. Como si de una versión larga del principio de ‘UP’ se tratase. Pero hasta el más inmóvil de los conservadores puede progresar y cambiar, eso es algo que descubriréis viéndola.

Directores como Hannes Holm hacen que más que aversión el publico sienta curiosidad y aceptación por el cine sueco. Su narrativa, no muy alejada del cine del sur de Europa, resulta fresca y ágil. ¿Mensajes o lecturas que nos transmite? Puede tener varias. Seguramente lo más ontológico del filme sea su empeño en mostrarnos que las casualidades pueden llevarnos a un destino diferente al que buscábamos o esperábamos. También que al final se puede pagar el hecho de tener un corazón grande.

Ya que publicamos esta crítica al filo de la celebración de los Oscars me aventuro a decir que en mi opinión la academia, en lo que se refiere a la Mejor Película de Lengua Extranjera, puede que se decante por un drama más contundente como ‘Land of mine’. Si de mi dependiese el resultado ganaría un trabajo como este, pero en mi corazón ‘Tony Erdmann’ declina la balanza.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2017. Título original: En man som heter Ove. Duración: 116 min. País: Suecia. Director: Hannes Holm. Guión: Hannes Holm. Fotografía: Göran Hallberg. Reparto principal: Rolf Lassgård, Zozan Akgün, Tobias Almborg. Producción: Film i Väst, Nordisk Film, Nordsvensk Filmunderhallning, Sveriges Television (SVT), Tre Vänner Produktion AB. Distribución: Emon Films. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.savor.es/es/cine/proximamente-en-cines/un-hombre-llamado-ove/c20r7984/

Crítica: ‘Logan’

 

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Dirigida por James Mangold e interpretada por Hugh Jackman,  la película está ambientada en un futuro desolador y oscuro donde la mayoría de mutantes han desaparecido, y presenta el lado más humano de Logan (verdadero nombre de Lobezno).
En un futuro cercano, un cansado Logan cuida del Profesor X en un escondite en la frontera de México. Los intentos de Logan por esconderse del mundo y ocultar su legado terminan súbitamente con la aparición de una joven mutante perseguida por fuerzas oscuras.

Crítica

Un final digno del Lobezno de una generación.

Decir que Lobezno, tanto el de los cómics como al que ha dado vida Hugh Jackman durante los últimos diecisiete años, es el personaje favorito de muchísima gente es una gran obviedad. Casi tanto como el hecho de que las dos películas que ha tenido en solitario no fueron bien recibidas, ya que parecía que no se les había puesto el mismo cariño que merecía el mutante canadiense. Por suerte, esto ha cambiado, y en Logan tenemos, por fin, la gran película de Lobezno. Su canto del cisne.

Sin duda uno de los puntos fuertes del film es su situación temporal. En Logan se nos presenta el futuro (quien sabe si no EL futuro sino UN futuro, ya sabemos que con los mutantes no hay nada escrito en piedra), el año 2029, con un James Howlett derrotado, cansado, y que simplemente quiere vivir en una relativa paz trabajando como chófer de limusina, mientras cuida de un nonagenario Charles Xavier con la ayuda de Calibán. Por supuesto, la vida de estos tres personajes sufrirá un terremoto cuando aparezca un nuevo mutante, la pequeña Laura, a la que tendrán que ayudar a escapar de la corporación representada por Donald Pierce.

El tono que nos ofrece James Mangold es bastante distinto a lo que nos ofreció en Lobezno: Inmortal, sobrevolando en ésta película un espíritu crepuscular que no se va a quitar en ningún momento, y un tono pausado, contando en cada momento lo que quiere contar y tomándose su tiempo para hacerlo. Se notan referencias a distintos tipos de géneros. En momentos nos parecerá que estamos ante una road-movie, para saltar a un western de un viejo vaquero, y por supuesto, una fabulosa película de acción.

Y es precisamente la acción la que más va a sorprender a los espectadores, ya que, por fin, tenemos a un Lobezno desatado en lo visual. Las escenas de lucha están coreografiadas de forma espectacular, sin necesidad de unos cambios de plano continuos y mareantes, y además es la primera vez que cuando se clavan las garras podremos ver la sangre que se espera de un corte de Lobezno.

Al hablar de la ambientación, también merece un punto muy destacable la música de Marco Beltrami, la cual está excelentemente aprovechada y nos va a ayudar a estar pegados a nuestra butaca en los momentos de tensión.

Para terminar, queda hablar de los actores. Hugh Jackman está simplemente maravilloso. Es el personaje al que ha representado durante muchísimo tiempo, y se nota que es parte de él, aunque no veremos la chulería a la que nos tenía acostumbrados, sino a un Lobezno derrotado, que simplemente espera a que llegue su momento para irse sin hacer ruido. Patrick Stewart recupera a un Profesor Xavier anciano, que ha visto demasiadas cosas, pero en el que seguimos viendo un destello de la esperanza que le llevó a crear a los X-Men. Boyd Holbrook está correcto como Donald Pierce, aunque como es habitual ya en los filmes de Fox su parecido con el personaje de los cómics es meramente testimonial.  Pero si alguien destaca es Dafne Keen en su personaje de Laura. Es increíble cómo ésta pequeña actriz puede dar tanta vida y transmitir tanto al público sin necesidad de abrir la boca durante la primera hora y pico de metraje.

Quizá sea ese precisamente el único pero que ponerle a la película. Aun respetando el tono pausado y de despedida que tiene, salimos con la sensación de que hubiera quedado aún más redonda con unos cuantos minutos menos. Pese a eso, estamos ante la mejor película en solitario de Lobezno, y probablemente una de las tres mejores películas de toda la saga de X-Men.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2017. Título original: Logan. Duración: 135 min. País: EE.UU. Director: James Mangold. Guión: David James Kelly. Música: Cliff Martinez. Fotografía: John Mathieson. Reparto principal: Patrick Stewart, Hugh Jackman, Boyd Holdbrook, Richard E. Grant, Stephen Merchant, Dafne Keen. Producción: 20th Century Fox, Donners’ Company, Marvel Entertainment, TSG Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: aventura, cómic, ciencia ficción, superhéroes. Web oficial: http://www.loganlapelicula.es/

Crítica: ‘Swiss Army Man’

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Hank (Paul Dano) está perdido en una isla desierta y no tiene ninguna esperanza de volver a casa. Pero todo cambia un día cuando un cadáver llamado Manny (Daniel Radcliffe) llega a la orilla; los dos se hacen enseguida amigos y acaban embarcándose en una aventura épica que devolverá a Hank la mujer de sus sueños.

Crítica

Cuando lo absurdo esconde algo más trascendental.

Llega a las carteleras ‘Swiss Army Man’, pero esta ganadora de Sitges y azote de los críticos de Sundance se estrena de un modo poco merecido pues va a estar muy poco presente. Y si, esta es una crítica y mi anterior argumento no pertenece a un artículo de noticias. Escribo y opino que va a poder ser vista por demasiada poca gente pues pertenece a un cine gamberro que no solo le gusta a mi perturbada mente, sino a toda una generación de personas que disfruta en el cine viendo algo sinvergüenza y distendido.

El público que ha crecido y madurado con el Harry Potter de Daniel Radcliffe puede comprobar cómo este actor ha dejado atrás a ese personaje (aunque ya lo viene haciendo con películas como ‘Horns’ o ‘Victor Frankenstein’ y lo hará con ‘Imperium’). Lo curioso es que tenga que recurrir a producciones a priori inmaduras como esta para conseguir sacar a delante una carrera más firme. Films que en principio pueden parecer que solo buscan provocar. Así lo sugiere el zombie que se tira pedos, tiene erecciones que se usan como brújula, emana agua por la boca…¡Y mucho más! Como el título indica, es una auténtica navaja suiza humana. Desde luego no estoy de acuerdo con la clasificación para mayores de 12 años que se le ha otorgado, ni se os ocurra llevar a mentes tan jóvenes a trastornarse con este largometraje. Las sucesivas ocurrencias de Kwan y Scheinert (los Daniels) mantienen expectantes al espectador. Es tremendo descubrir la serie de disparates que se pueden rodar con un naufrago y un muerto. Aunque el ritmo traza una onda casi sinusoidal por lo general se conserva muy por encima del de producciones mucho más destacadas y políticamente correctas.

Pero a pesar de lo hilarante que puede parecer todo ‘Swiss Army Man’ tiene un final sorprendente y con un giro de lo más serio y emocional. A medida que la película avanza se desenmascara un mensaje casi filosófico y existencialista. Y es que a veces hay que descender a la locura para hacer aflorar los dilemas que los humanos tienen y los animales no. «Pozos profundos deben ser cavados si quieres agua clara» que decía una canción de Rammstein.

El casi inmóvil trabajo de Radcliffe viene respaldado por la perpleja interpretación de Paul Dano, un actor que viene demostrando desde bastante antes su madurez artística. Y por si fuese poco otro talento joven da la puntilla, Mary Elizabeth Winstead.

Por desgracia hay quien se empeña en que este tipo de películas siga siendo motivo de culto y poco más. Parece que no se tiene en cuenta que haya ganado premios en festivales como Sitges o Sundance, del cual salieron nombres como Tarantino, James Wan o Kevin Smith). Lo cierto es que me ha costado y esto es lo más serio que me sale a la hora de escribir sobre esta locura de película, pero os la recomiendo si tenéis un sentido del humor abierto y buscáis algo radicalmente diferente. Ya me diréis si habéis conseguido evitar salir tarareando su pegadiza banda sonora.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2017. Título original: Swiss Army Man. Duración: 95 min. País: EE.UU. Director: Dan Kwan, Daniel Scheinert. Guión: Dan Kwan, Daniel Scheinert. Música: Andy Hull, Robert McDowell. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Paul Dano, Daniel Radcliffe, Mary Elizabeth Winstead, Timothy Eulich, Richard Gross, Marika Casteel, Aaron Marshall, Antonia Ribero, Shane Carruth. Producción: Cold Iron Pictures, Tadmor, Astrakhan Film SB, Blackbird Films. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: comedia, fantástico. Web oficial: http://swissarmyman.com/

Crítica: ‘Es por tu bien’

Sinopsis

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La peor pesadilla para un padre con una hija es que ésta crezca y llegue el día en el que le presente a su novio… que inevitablemente será un tipo despreciable, un tipo que busca una sola cosa de su preciada y amada niñita. Y ese día es precisamente el que les llega a Arturo, Poli y Chus: sus dulces hijas han decidido tirar su futuro a la basura emparejándose con tres novios abominables. Así que la única solución es aunar fuerzas para librarse de ellos como sea… ¡es la guerra!

Crítica

Como decía el risitas, ¡cuñaaaooo!

‘Es por tu bien’ nos llega bajo la dirección de Carlos Therón, director de ‘Olmos y Robles’, ‘El Chiringuito de Pepe’ o ‘Fuga de cerebros 2’. Pero lo que le da más empaque y esperanzas a la cinta son sus guionistas. Ellos son el escritor Josep Gatell (‘José Mota Presenta’, ‘En el aire con Andreu Buenafuente’) y el actor, y también guionista, Manuel Burque (‘Perdona si te llamo amor’, monólogo ‘Superman también se toca’). Han demostrado desde hace tiempo sus dotes para la comedia, sobre todo si hablamos a la hora de hacer chistes y monólogos. En esta ocasión lo vuelven a hacer pues nos mantienen constantemente riéndonos y además con un gusto popular y acertado.

Los cuñaos en uno u otro sentido están de moda y aquí tenemos tres. El de José Coronado es el  clasista y de comportamiento compulsivo, el de Javier Cámara el pesado y calzonazos y el de Roberto Álamo es el malhumorado tipo duro y currelante. No podrían haber elegido a mejores actores para encarnar a estos tres individuos. Entre ellos se apoyan y secundan ante una situación que no querían y que intentan remediar cueste lo que cueste pensando que es lo que mejor les viene a sus hijas. ¡Qué bien se le da la comedia a Cámara! Y qué bien se desenvuelve también Coronado. Álamo y algún actor más se quedan en el limbo entre la caricatura y la sobreactuactiación, pero hacen gracia.

Queda claro que los protagonistas aquí son los padres. La atención recae en segundo plano hacia hijas (Andrea Ros, Silvia Alonso, Georgina Amorós), sus novios (Miki Esparbé, Luis Mottola, Miguel Bernardeau) y las madres (Pilar Castro, Carmen Ruiz, María Pujalte). Me he molestado en nombrar a todos porque realmente quiero incidir en lo acertado del casting de la película. Pero si entre ellos no encontramos nombres y argumentos suficientes tenemos un reparto de extras y secundarios que quita el hipo. Luis Callejo, Mabuel Burque o Manolo Solo, va sobradísima la película.

En ‘Es por tu bien’ enemos todo multiplicado por tres. Padres, madres, hijas, novios, problemas… Lo cierto es que recuerda en varios aspectos a la gran película francesa ‘Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?’, pero a la española, incluso comparte algún chiste. Podríamos decir, por buscar un referente más actual, que también está en la línea de ‘¿Tenía que ser él?’, pero con mucho mejor gusto en cuanto al tipo de humor y al no caer en tópicos de nuestro cine, como los chistes verdes. Al ser una sátira sí que encontramos personajes estereotipados, sacados de las más conocidas tribus urbanas como los ninis vagos, los argentinos ligones o los perroflautas alborotadores (por cierto que el papel de Esparbé podría servir de precuela de esa excelente película que fue ‘El Rey Tuerto’).

Finalmente la película se toma la licencia de darnos algún momento adoctrinador a través del examen de conciencia de los personajes protagonistas. Pero lo hace sin abandonar la comedia por mucho rato, como he dicho a nuestra sonrisa no se le da mucho descanso. Cada uno puede extraer una moraleja más o menos parecida de la película. Yo me quedo con que en ocasiones los peores padres pueden ser aquellos que se comportan como los peores suegros. En lo que coincidiremos casi todos es en que ‘Es por tu bien’ se ha construido como una comedia de ideas, diálogos y situaciones hilarantes. Además con su justa duración resulta muy recomendable para ver en cines.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2017. Título original: Es por tu bien. Duración: 93 min. País: España. Director: Carlos Therón. Guión: Manuel Burque, Josep Gatell. Música: Javier Rodero. Fotografía: Miguel P. Gilaberte. Reparto principal: José Coronado, Roberto Álamo, Javier Cámara, Silvia Alonso, Georgina Amorós, Pilar Castro, Andrea Ros, Miki Esparbé, María Pujalte, Miguel Bernardeau, Carmen Ruíz, Luis Mottola. Producción: Telecinco Cinema, Quexito Films, Mediaset España, Movistar+. Distribución: Buena Vista International (Walt Disney). Género: comedia. Web oficial: https://www.quexito.com/esportubien/

Crítica: ‘El viajante’

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Ante el peligro de derrumbe del edificio en el que viven de alquiler, Emad y Rana se ven obligados a mudarse a otro lugar. Un incidente relacionado con la inquilina anterior cambiará dramáticamente la vida de la joven pareja.

Crítica

Humanismo coherente y buen cine.

Cuando una pareja se ve obligada a dejar su vivienda y cree tener la suerte de encontrar rápidamente otra casa les sucede algo traumático. Esa situación es el detonante de la verdadera razón de ser y de las pretensiones de ‘El viajante’. Se produce sin necesidad de mostrar, si no de sugerir y de poco a poco ir desgranando de un modo delicado todo lo sucedido. Lo que comienza como un duro suceso se torna en una obsesión y una búsqueda para uno de los dos protagonistas pero irónicamente para el otro supone una pugna por olvidar. Se logra así una dicotomía muy enriquecedora.

El guión también está firmado por el director y también en él se nota su sello. El ganador del Oscar Asghar Farhadi ha sabido comprender y casi por inercia también reflejar como alguien puede comenzar a comportarse de un modo lógicamente irracional. Una tarea muy difícil que ha conseguido gracias a la sutileza y profundidad. El hacer de Sahab Hosseini un esmerado, inquieto y preocupado marido y de Taraneh Alidoosti una traumatizada y atemorizada mujer solo puede ser fruto de la meticulosa observación de las contradicciones humanas. Todo está narrado a través del naturalismo y de varias metáforas o paralelismos. Bravo en ese sentido para Farhadi.

Este relato casi detectivesco nos plasma como se puede perder a quien se ama a través de lo que parecen buenos actos y decisiones. Si nos quedamos con lo superficial tendremos el desarrollo de una crisis de pareja. Pero si empezamos a quitar capas nos encontramos otras lecturas. Dilemas morales, apreciaciones sociopolíticas y la capacidad de perdonar parecen ser los principales pilares en los que se sostiene ‘El viajante’. Ante tales materias de tanto interés y peso puede parecer que la fotografía y la música sean muy simples, pero en mi opinión es algo intencionado que solo busca alejarse del espectáculo meramente entretenido.

Una de las pegas más destacables de la película es su final. No es que pueda parecer insuficiente o que esté mal narrado. Se prolonga innecesaria y agónicamente, en varios sentidos. Sin duda es resultado del esfuerzo de Farhadi por crear una cinta sumamente creíble.

Desde luego es de las que produce coloquios a la salida del cine. Se intenta desbancar de la cultura o idea retrógrada que se puede tener de la sociedad iraní. Farhadi sin duda hace escuela y no solo entre sus compatriotas.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de marzo de 2017. Título original: Forushande (The Salesman). Duración: 125 min. País: Irán. Director: Asghar Farhadi. Guión: Asghar Farhadi. Música: Sattar Oraki. Fotografía: Hossein Jafarian. Reparto principal: Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Mina Sadati. Producción: Arte France Cinéma, Farhadi Film Production, Memento Films Production. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=399

Crítica: ‘Fences’

Sinopsis

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La historia de ‘Fences’ tiene lugar en la década de 1950 y gira en torno a una antigua estrella del béisbol americano que, por circunstancias, ahora se ve obligado a trabajar recogiendo basura.

Crítica

Grandes interpretaciones a merced de un tupido guión.

Como norma general cuando un actor se pasa al rol de director (o a ambos a la vez) comienza a dar igual el resto del reparto o el guión, por ejemplo. Bien es cierto que el resultado final del largometraje depende en gran medida del director, pero no hay que menospreciar el resto de factores y personas pues en un caso como ‘Fences’ no son desdeñables.

Las interpretaciones de Viola Davis, Denzel Washington o Mykelti Williamson son soberbias. Todos han comprendido el carácter de este interesante drama y han modulado su intensidad acorde a él. Quiero creer que esto depende también del papel de Washington como director. Malo sería que no se le diese bien a él y Davis actuar en esta película ya que repiten el trabajo que hace siete años hicieron sobre un escenario. Lo cierto es que han ido a lo seguro pero la película tiene pegas.

‘Fences’ no es un intento de adaptar o enriquecer la obra original en la que se basa. Parece más bien un copia y pega realizado por el propio autor de la versión teatral, August Wilson, que aquí ejerce de guionista. En ese sentido resulta una cinta un poco vaga y Denzel Washington, experimentado o no como director, debería haber velado por traducir el lenguaje de un medio a otro.

El guión resulta espeso, sobre todo en su primera mitad. Durante hora y media todo lo que tenemos son conversaciones, sin descanso y en su mayoría discursos de Denzel Washington. Si la veis en versión original y necesitáis leer los subtítulos preparaos para leer rápido. Hay tanto diálogo que leeréis más de lo que habrá leído Messi en toda su vida. Solo hay algunas transiciones que duran escasos segundos. Pasada la mitad del filme recibimos un respiro y un cambio de ritmo acompañados de prácticamente la única canción de la banda sonora y de imágenes fotogénicas.

Es excesivamente teatral, con personajes entrando y saliendo en la única localización del filme. No sé si es intencionado o no pero tarda mucho en mostrarnos el quid de la cuestión, el sino de esta película. Y eso que da constantes saltos en el tiempo. Lo cierto es que al final se logra un resultado en el espectador. Denzel Washington consigue que simpaticemos u odiemos a unos y a otros, además de prepararnos para una preciosa escena final. Puede quedar para los anales cinematográficos el último momento de este filme, te pone los pelos de punta.

El personaje de Denzel Washington es el claro protagonista. Tiene casi todo el texto, es complejo y está castigado por diversas razones (racismo, infancia traumática, carrera deportiva frustrada, hermano problemático). Lo paga con los que cruzan su valla y entran en su propiedad, que es su mundo, un mundo que ha de funcionar como él dice. Pero no vayáis a pensar que todo es Washington. Como he dicho al principio otros actores nos ofrecen su mejor versión. La persona a la que encarna Washington en realidad está a merced de la de Viola, por motivos que no conviene decir para no quitarle la gracia a la película. Ella le da las réplicas más importantes y sin ella no habría película.

En referencia a los próximos Oscar creo que no se merece la nominación a guión adaptado y que es muy difícil que se lleve el de mejor película. En cuanto a las dos nominaciones de Davis y  Washington si que considero que son fuertes, si no claros candidatos. Los académicos podrán elegir sus ganadores, yo podré tener o no razón pero es mi sincera opinión fuera de postureos y gafapastismos.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de febrero de 2017. Título original: Fences. Duración: 133 min. País: EE.UU. Director: Denzel Washington. Guión: August Wilson. Fotografía: Charlotte Bruus Christensen. Reparto principal: Denzel Washington, Viola Davis, Mykelti Williamson, Russell Hornsby, Saniyya Sidney, Stephen Henderson, Jovan Adepo, Toussaint Raphael Abessolo, Mark Falvo, Christopher Mele, Phil Nardozzi, Dontez James, Terri Middleton, Malik Abdul Khaaliq, Chris McCail. Producción: Paramount Pictures, Scott Rudin Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: drama. Web oficial: http://www.fencesmovie.com/

Crítica: ‘T2: Trainspotting’

Sinopsis

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Han pasado 20 años. Muchas cosas han cambiado, pero otras muchas siguen igual. Mark Renton (Ewan McGregor) vuelve al único sitio que considera su “casa”. Allí le esperan: Spud (Ewen Bremner), Sick Boy (Jonny Lee Miller), y Begbie (Robert Carlyle). Otros viejos amigos también le esperan: pena, fracaso, alegría, venganza, odio, amistad, amor, deseo, miedo, remordimiento, diamorfina, autodestrucción y peligro mortal, todos ellos alineados para darle la bienvenida, preparados para unirse al baile.

Crítica

Un nuevo chute de buen cine que nos regala Danny Boyle.  

Para comenzar decir que ‘Trainspotting‘ es una de mis películas favoritas, me impactó, ya no solo la historia, sino su manera de ser rodada, sus actores, su música, todo en general. He ido a ver ‘T2: Trainspotting’ con la cabeza vacía, sin pensar que iba a ver la secuela de una de mis películas favoritas, sino una cinta nueva y ya está, sin pretensiones y he salido encantada.

Basada en la obra de Irvine Welsh ‘Porno‘ , ‘T2: Trainspotting’  regresa con el hijo pródigo, Renton regresa a Edimburgo, a reencontrarse con sus antiguos amigos, aquellos a los que traicionó. Unos acabaron en la cárcel, otros con negocios sucios y todos siguen metidos en el terrible círculo vicioso de la droga.

El director nos muestra un rodaje no tan frenético como en la primera parte, pues nos deja claro el paso de los años, el envejecimiento de los protagonistas es mostrado con los movimientos de cámara más lentos, sin dejar los primeros planos de los protagonistas que tanto le gustan a Boyle.

Realmente ‘T2: Trainspotting’ es una película muy nostálgica y ya no nostálgica hacia su primera parte, que también, sino más bien es una cinta en la que cualquiera nos podemos sentir identificados, pues es la nostalgia hacia un tiempo mejor, un tiempo sin preocupaciones, sin responsabilidades, donde quedar con los amigos es mejor que un trabajo, donde elegir la vida era una opción.

Danny Boyle ha logrado recuperar al antiguo elenco y como anteriormente he dicho, al igual que en la cinta, el hijo pródigo ha vuelto, y Ewan McGregor decidió volver a trabajar con Danny Boyle después de su enfado por no contar con él para ‘La Playa’, en las entrevistas que han dado han dicho ambos que estaban muy arrepentidos.

Todos están estupendos, hacer una mención especial para Ewen Bremner, que aunque después de la primera cinta, sabemos que es uno de los grandes secundarios del cine, en esta secuela tiene un papel muy importante y su actuación es impecable.

Una curiosidad acerca de las actuaciones y es que Irvine Welsh, el escritor de la saga, vuelve a aparecer en la cinta, así que curiosear y buscarle.

Otra de las cosas a nombrar su banda sonora, muy al estilo que la de la anterior cinta, con los temas principales como Lust for life de Iggy Pop o Born Slippy de Underworld y con temas nuevos como Radio Ga Ga de Queen.

Puede ser que ‘T2: Trainspotting’  no sea necesaria, pues después del final de su predecesora nos podíamos conformar, pero realmente me alegro que Danny Boyle haya ido a por todas para realizarla y conseguir hacer que nos reencontremos con los antiguos personajes y volver a disfrutar de ellos.

‘Si eres un adicto, eres un adicto. Pero engánchate a otra cosa. Elige a quien te quiere. Elige tu futuro. Elige la vida.’

 Ficha técnica

Estreno en España: 24 de febrero. Título original: T2: Trainspotting. Duración: 117 min. País: Reino Unido. Director: Danny Boyle. Guión: John Hodge (Novela: Irvine Welsh). Música: Rick Smith. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kelly Mcdonald, Shirley Henderson, Steven Robertson, Anjela Nedyalkova, Irvine Welsh. Producción: Tristar Pictures, Sony Pictures Entertainment, Film4. Distribución: Sony Pictures. Género: Drama. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/t2trainspotting/

 

Crítica: ‘El nacimiento de una nación’

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Ambientada en el Sur de Estados Unidos treinta años antes del estallido de la Guerra de Secesión y basada en hechos verdaderos, ‘El nacimiento de la nación’ narra la historia de Nat Turner (Nate Parker), un instruido esclavo y predicador cuyo propietario Samuel Turner (Armie Hammer), que atraviesa por dificultades económicas, acepta una oferta para utilizar la predicación de Nat para someter a esclavos rebeldes. A medida que va siendo testigo de innumerables atrocidades –de las que son víctimas él mismo, su esposa Cherry (Aja Naomi King) y sus compañeros de esclavitud—, Nat organiza un levantamiento con la esperanza de llevar a su pueblo a la libertad.

Crítica

Más mártires que héroes, más reiteración que revelación.

Jackie Earle Haley interpretó a Rorschach en ‘Watchmen’ y ahí llevaba una máscara donde la tinta negra se revolvía sobre una tela blanca. No es más que una simple metáfora de la que hago uso para hablaros de un actor que aparece en este filme que trata sobre la lucha del hombre afroamericano por su libertad. Una filmación sobre una de las muchas víctimas que sufrieron la esclavitud y cuya historia está documentada. No diré que fue uno de los detonantes de la guerra que posteriormente sucedió allí, pero si pudo significar una inspiración para muchos.

También quería comenzar hablando de Jackie Earle Haley pues su final representa una de las mayores ridiculeces del filme. Conste que estoy hablando de coherencia narrativa no de la fuerza y del significado del mensaje de la película. Pero a veces no basta con ofrecer un buen discurso, por mucho que se acompañe explícitamente de las mayores atrocidades. El primer largometraje dirigido y protagonizado por Nate Parker nos promete hablar del nacimiento de una nación. Que sí, uno de los gérmenes fue la lucha por la a abolición de la esclavitud, pero esta película permanece demasiado estancada en ese punto sin alcanzar estadios mayores, sin transcender a lo que nos promete. Esta es la historia de unos mártires que sentaron bases, más que de unos héroes luchando por forjar una patria. Se centra tanto en la espeluznante opresión de la raza blanca que por momentos se olvida de su objetivo. De hecho solo tenemos media hora sobre la sublevación que promovió Nat Turner, el resto es drama racial, familiar y amoroso. La crónica real queda supeditada por la crítica histórica.

La historia de Nat Turner es verídica y así se ha procurado mostrar con una visceral y cuidada fotografía. En ‘El nacimiento de una nación’ la imagen se convierte en una sierva a merced del discurso antiesclavista. Estampas religiosas, cruda realidad, bellos campos de algodón manchados de sudor y sangre… Sirven de apoyo a los argumentos tan manidos a los que me he referido antes. Hay que reconocer que el trabajo de Elliot Davis (‘La dama de hierro’) es muy rico.

La última media hora del filme tiene un cambio de ritmo que no consigue que nos emocionemos, seguramente debido a que ya sabíamos lo que iba a pasar. Lo absurdo de la trampa que se ha rodado y lo mal que se ha explicado el final liquida la película. A esto le incluimos más de una mala actuación, como la de Roger Guenveur Smith ejerciendo de mayordomo, que le restan brillantez al trabajo interpretativo de  Nate Parker y tenemos una película con pocos argumentos nuevos que ofrecernos. Si asombrosamente has esquivado las bombas de racimo con las que nos han insistido sobre las historias de esclavitud de Estados Unidos te podrá resultar curiosa.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2017. Título original: The birth of a nation. Duración: 120 min. País: EE.UU. Director: Nate Parker. Guión: Nate Parker, Jean McGianni Celestin. Música: Henry Jackman. Fotografía: Elliot Davis. Reparto principal: Nate Parker, Armie Hammer, Jackie Earle Haley, Gabrielle Union, Aja Naomi King,Penelope Ann Miller, Aunjanue Ellis, Mark Boone Junior, Colman Domingo, Roger Guenveur Smith, Griffin Freeman, Jeryl Prescott, Steve Coulter, Katie Garfield,Cullen Moss, Aiden Flowers. Producción: Bron Studios, Mandalay Pictures, Phantom Four, Tiny Giant Productions. Distribución: 20th Century Fox. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.foxsearchlight.com/thebirthofanation/

Crítica: ‘Animales Nocturnos’

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Susan Morrow (Amy Adams) es una galerista afincada en Los Ángeles que comparte una vida privilegiada, aunque vacía, con Hutton Morrow (Armie Hammer), su segundo marido. Un fin de semana en el que su marido está en uno de sus demasiado frecuentes viajes de negocios, Susan encuentra un paquete en el buzón. Se trata de una novela escrita por su exmarido Edward Sheffield (Jake Gyllenhall), del que lleva años sin tener noticias. En una nota le pide que lea la novela inédita y que se ponga en contacto con él, pues se quedará unos días en la ciudad. Es de noche. Susan, sola en la cama, empieza a leer. Su ex le ha dedicado el libro…

…Pero el contenido es violento, demoledor incluso. A medida que lee, Susan se siente profundamente conmovida por las palabras escritas y empieza a recordar momentos íntimos de su historia de amor con el autor. Intenta profundizar dentro de sí misma e ir más allá de la apariencia de una brillante carrera y una vida perfecta. Se da cuenta de que la novela es una venganza, una historia que le obliga a volver a evaluar sus decisiones pasadas y que despierta un amor que creía haber perdido a medida que la historia se acerca a un desenlace que definirá tanto al protagonista de la novela como a ella misma.

Crítica

Firme historia llevada a cabo por bestias de la interpretación.

Segundo trabajo de Tom Ford como director de cine tras haberse estrenado en 2009 con ‘Un hombre soltero’. En ‘Animales Nocturnos’, como diseñador de moda que es, cuida mucho la estética ofreciéndonos dos diseños de producción muy diferentes. Para la parte de Amy Adams ha empleado escenarios e imágenes contemporáneas y simbolistas. Sin embargo para lo que protagoniza Jake Gyllenhaal ha dispuesto un ambiente más realista, sucio y polvoriento. Este contraste es curioso ya que en las secuencias en las que vivimos la historia que en teoría es ficción parece un filme más realista o humano, sin embargo durante la narración que se nos presenta como real se nos adentra en una atmósfera más digna de ser vista en ARCO. Podría ser que la intención de Ford sea la de transmitirnos que en ocasiones lo ficticio es más verdadero que el mundo frívolo que nos rodea.

Pero no solo la ambientación refuerza mi teoría anterior. En ‘Animales Nocturnos’ Ford hace uso de una genialidad. Como si se tratase de una versión para adultos de ‘La historia interminable’ la mujer interpretada por Adams lee el libro que le ha enviado su ex-marido. Así pues vamos alternando entre lectura-reacción-lectura-reacción para poco a poco desgranar la historia. Vivimos una narración en presente y otra salida de la novela que se van  entremezclando cada vez más íntimamente. El nivel de cohesión llega a tal punto que Ford consigue mostrar cómo una persona puede vengarse de otra escribiéndole una novela. Esto lo hace obligándola no solo a empatizar si no también a hacer examen de conciencia y plantearse todas las decisiones de su vida.

El personaje de Gyllenhaal busca dar su merecido aquellos que se han cruzado en su vida y que como fieras nocturnas y salvajes le han despedazado el alma. Tenemos sendos relatos con mucha fuerza salidos de una novela de Austin Wright. El filme arranca con una burla al mundo consumista y superficial para terminar en lo más profundo de la psique humana. El amor, la crueldad, la venganza y la redención son las temáticas más buscadas en este tenso thriller. El conductor de ‘Animales Nocturnos’ es la vendetta y el descubrimiento de la verdad. Pero permanecemos con una constante dualidad ya que nos encontramos con dos represalias diferentes y dos revelaciones distintas.

Por si lo planteado no os parece suficiente os puedo asegurar que el reparto es de lujo. Entre ‘La llegada’ y este filme Amy Adams ha acabado 2016 por todo lo alto, sin despreciar su papel como Lois Lane, y sigue demostrando ser una de las mujeres que mejor se está fraguando su carrera en Hollywood, no defrauda. Por su parte, el otro protagonista, Jake Gyllenhaal se acerca a las mejores actuaciones de su carrera, otro que siempre deja el listón bien alto. Quizá el más flojo del equipo de actores sea Armie Hammer con su breve aparición como marido. Pero sobran buenos actores en ‘Animales Nocturnos’. No podemos perder ojo ni a secundarios ni a protagonistas. El villano de la obra ficticia encarnado por Aaron Taylor-Johnson deja patente por qué hay que confiar en este chico para papeles más allá de lo superheróico (ha sido Kick Ass y Quicksilver). Pero el que más brilla y despunta es Michael Shannon. Se merece por méritos propios su nominación al Oscar. Es una pena que no haya más hueco para este filme entre la lista de candidatos.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2017. Título original: Nocturnal Animals. Duración: 115 min. País: EE.UU. Director: Tom Ford. Guión: Tom Ford. Música: Abel Korzeniowski. Fotografía: Seamus McGarvey. Reparto principal: Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Aaron Taylor-Johnson, Michael Shannon, Armie Hammer, Isla Fisher, Michael Sheen, Laura Linney, Kristin Bauer van Straten, Karl Glusman, Ellie Bamber, Toni French, Amanda Fields, Karli Karissa, Carson Nicely, Lee Benton, Imogen Waterhouse, Jena Malone. Producción: Focus Features, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, thriller. Web oficial: http://www.animalesnocturnos-lapelicula.es/

Crítica: ‘Hedi – Un viento de libertad’

Sinopsis

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Hedi es un chico sencillo: no habla mucho, no tiene mucho carácter y no espera demasiado de una vida que ya tiene trazada. Indiferente ante todo lo que le rodea, acepta las cosas como se presentan: deja que su madre, autoritaria y avasalladora, organice su casamiento con Khedija;  que su jefe le mande a Mahdia la semana de su boda; y que su hermano mayor Ahmed, que ha venido de Francia para el enlace, le diga cómo debe comportarse.
En Mahdia conoce a Rym, una animadora de un hotel de playa en el que cada vez hay menos turistas. Hedi se sentirá atraído por su despreocupación y libertad, y acabarán teniendo una apasionada aventura. Pero los preparativos para la boda siguen su curso, y Hedi deberá elegir.

Crítica

Poca sustancia para una ópera prima.

Desde el Túnez más moderno nos llega la primera obra del tunecino Mohamed Ben Attia. ‘Hedi – Un viento de libertad’ viene de participar en diversos festivales en los que su temática encaja muy bien y ha suscitado todo tipo de opiniones. Nos revela una historia que precisamente trata de eso, de revelarse. A través de una persona sumisa se consigue una especie de catarsis familiar y cultural, toda una emancipación.

Hedi es el nombre del personaje protagonista, el único protagonista de la cinta. Es una persona anodina, insípida y sin sangre. Va apagado y sumiso por la vida. Nadie atiende o se preocupa de lo que quiere, está atrapado en la vida que le viene o le planifican. Su jefe, su madre, su hermano… todos le controlan. Si pensabais que la totalidad de los hombres gobernaban la vida de las mujeres en las sociedades tradicionalmente islámicas, por suerte esta película os cambiará esa mentalidad. Hedi tiene sus aspiraciones y sus ideas de futuro pero no le dejan hacer. Ben Attia ha hecho que con cada comentario y acto que hace Majd Mastoura (Hedi), cuando le dejan decir o hacer algo, sea un clamor por un cambio en su vida, por ser libre.

Entonces surge algo que lentamente nuestro protagonista comienza a emplear como una vía de escape, como un desahogo e incluso como una venganza. Pero aunque Ben Attia plasma bien la dificultad del paso que Hedi quiere dar no nos sorprende ni nos lleva a puntos que no se puedan prever tras los primeros compases. Este primer y bien dirigido discurso del director Mohamed Ben Attia es curioso por lo que he comentado antes, pero no es enormemente interesante. Me resulta carente de fuerza, está demasiado acotado en su protagonista, no tiene suficiente visión universal. Es en la narrativa, en la manera de contarlo todo, dónde está el problema. Aunque nos ha dispuesto un final idóneo para el debate y la libre interpretación nos deja al margen y lejos de empatizar con un personaje que tiene una historia demasiado delimitada.

También se liga a nuestro protagonista a la Revolución de los Jazmines, si no me ha parecido entender mal. Podemos intentar comprender la película como una metáfora del cambio sufrido en el país tras la Primavera Árabe. Por lo tanto puede tener más interés para aquellos que estudien la historia contemporánea, la cultura árabe o en concreto la sociedad tunecina.

Ganó dos premios en el festival de Berlín y ha pisado la Seminci, festivales en los que entusiasma este tipo de cine. Yo personalmente demando algo más de atractivo para salir satisfecho de la sala.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2017. Título original: Hedi. Duración: 93 min. País: Túnez, Bélgica, Francia. Director: Mohamed Ben Attia. Guión: Mohamed Ben Attia. Música: Omar Aloulou. Fotografía: Frédéric Noirhomme. Reparto principal: Majd Mastoura, Rym Ben Messaoud, Sabah Bouzouita, Hakim Boumessoudi, Omnia Ben Ghali. Producción: Dora Bouchoucha. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=398

Crítica: ‘Jackie’

Sinopsis

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Drama centrado en la figura de la señora Kennedy durante los cuatro días siguientes al famoso asesinato de su marido, el presidente de EEUU. En él se mostrará el impacto que causó el trágico suceso en su mujer, Jaqueline Kennedy, así como las repercusiones públicas y privadas que ésta tuvo en su vida. El resultado será un retrato de la que fuera Primera Dama, sin dejar de lado ninguna de sus facetas, haciendo especial hincapié en su faceta más humana.

Crítica

Da gusto ver películas con enfoques tan diferentes como esta.

Me consta que hay quien  puede considerar ‘Jackie’ aburrida pero si nos estamos fijando constantemente en los detalles y las referencias históricas es de lo más entretenida. Además ver como Portman cambia su interpretación tan radicalmente en función de los días que se han filmado es algo totalmente provechoso. Larraín consigue recrearnos el cerebro y la vista sin entrar en polémicas, chismorreos y teorías de la conspiración, que suele ser lo más recurrente a la hora de hablar de los Kennedy.

El director chileno nos relata la historia de una primera dama que tuvo que cambiar su rol de manera radical. Que buscó modelos pasados en los que apoyarse para tratar de reinventarse y de ese modo desarrolló una conducta ejemplar para sus sucesoras. Además lo ha hecho desde un punto de vista diferente al habitual, conste que digo diferente, no novedoso. A decir más no peca de reflejar a una heroína, pero tampoco a una persona mundana. Nos presenta a una mujer vulnerable pero también soberbia, dependiente pero valiente, soñadora pero realista.

Se encauza la cinta gracias a dos maneras diferentes de narrarla. Una es la entrevista que mantuvo con un periodista y la otra una charla con un párroco. A este segundo le interpreta el tristemente desaparecido John Hurt, en la que fue una de sus últimas películas. Ambas maneras de guiar la historia están acompañadas de flashbacks e imágenes de archivo. La una cede el paso a la otra conforme va acercándose el final del filme pero es la entrevista la que domina toda la narración. En relación a esto decir que el diseño de producción está muy acertado pues colores, luces, dinamismo… cambian en función de la época y situación vivida. Siendo más alegre y colorista en los días más felices de los Kennedy y más apagada y sosegada en las horas y días posteriores al magnicidio.

No estamos ante una obra maestra pero desde luego es inmensamente mejor que otros largometrajes centrados en desvelar entresijos de la Casa Blanca como ‘El mayordomo’. En una cinta tan carente de acción, aunque puede llegar a ser tremendamente explícita, necesitamos un apoyo rítmico que nos la haga llevadera. La música es esa herramienta a la que ha recurrido Larraín. Refleja a la perfección la desorientación, la consternación, el dolor y la ira que sufrió en esos días Jackie Kennedy. Su autora ha sido Mica Levi, compositora a la que ya habíamos escuchado en otras películas como ‘Under the skin’. No es de extrañar la nominación al Oscar que ha logrado.

Es casi obligatorio hablar también de otra de las nominaciones conseguidas. En este caso la de Mejor Vestuario. La pugna entre este filme y otros candidatos como ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’, ‘La La Land’ o ‘Aliados’ va a ser discutidísima. También cabe señalar que transcurre en los sesenta y trata sobre una figura más que fotografiada y grabada. El material documentado es grande y no habrá sido difícil discernir en cómo vestir a los protagonistas. Además Natalie Portman tiene la percha necesaria para lucir los modelos que han puesto a su alcance.

Pero no solo la ropa estaba a merced de Portman, toda la película gira en torno a ella, como era de esperar. Se ha ganado a pulso estar en la lucha por la estatuilla, sumando así tres nominaciones para el filme de Larraín. Como mencioné antes ha llevado muy bien el cambio del estado de ánimo de su personaje. Aunque no sea precisamente la actriz que más semejanza facial presente con la ex-primera dama nos hace ver a esa mujer que habitó durante varios años la Casa Blanca.

Resulta confuso averiguar la intención del director. Nos desvela las entretelas de aquellos que sufrieron más la muerte de Kennedy, nos acerca a la primera dama que marcó un punto de inflexión entre aquellas que han ostentado ese cargo, nos remarca la paranoia de todo un país, diferencia entre el orgullo de una mujer que se queda sola y el homenaje hacia el hombre que la mantenía ensombrecida… Tal vez todos estos matices se encontrasen en el checklist de Larraín, lo cierto es que componen un conjunto muy rico.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de febrero de 2017. Título original: Jackie. Duración: 95 min. País: EE.UU. Director: Pablo Larraín. Guión: Noah Oppenheim. Música: Mica Levi. Fotografía: Stéphane Fontaine. Reparto principal: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Billy Crudup, John Hurt, Greta Gerwig, John Carroll Lynch, Richard E. Grant, Max Casella, Beth Grant, Caspar Phillipson, Julie Judd, Sara Verhagen, Sunnie Pelant, Hélène Kuhn, Deborah Findlay, Corey Johnson. Producción: Coproducción USA-Chile; LD Entertainment, Fabula, Protozoa Pictures. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/jackie.html

Crítica: ‘Rings’

Sinopsis

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Llega un nuevo capítulo de la terrorífica saga Ring. Una chica joven, preocupada por su novio, se adentra en un oscuro mundo que gira alrededor de una misteriosa cinta de video que asesina a las personas tan solo 7 días después de verla. Ella se sacrificará asímisma para salvar a su novio y realizará un terrorífico descubrimiento: hay una película dentro de la película que nadie ha visto jamás…

Crítica

Vuelve Samara, mas rencorosa que nunca.

Como bien han dicho, ‘Rings‘ no es una precuela, sino una secuela de ‘The Ring’, no es que te lo digan, no lo necesitan, el video ya anda circulando por internet.

F. Javier Gutiérrez nos vuelve a traer a Samara y a intentar explicar porque esta niña sigue tan enfadada con todo el mundo y que lo único que quiera es matar. Si, es un poco más de lo mismo, pero para nada significa que eso sea algo malo, todo lo contrario, F. Javier Gutiérrez nos muestra la historia de otra manera.

La verdad que no voy a contar nada de la sinopsis, pues os desvelaría la trama y la manera con la que el director español nos sorprende. Solo decir que todo, aunque os parezca una locura, una tontería, algo demasiado rebuscado, todo tiene su porqué y está muy bien hilado.

La atmósfera de la cinta está bien, típica película de género, en tonos oscuros y sonidos estridentes para asustar, que como es de suponer logran su cometido. Aunque más que de terror se pude decir que es un película de misterio.

Los dos jóvenes protagonistas no están nada mal, Matilda Lutz y Alex Roe hacen buena pareja cinematográfica. Johnny Galecki vuelve a hacer de empollón, pero esta vez un poco perturbado.  Mientras que la sorpresa la ofrece un gran Vincent D’Onofrio, como siempre estupendo.

Y qué decir del director, F. Javier Gutiérrez en su segunda película como director ya ha dado el salto a Hollywood y encargándose de la tercera entrega de una saga que es muy querida en todos lados. Está claro que le queda mucho por ofrecer y en esta película lo ha hecho muy bien.

Una de las cosas que más me ha llamado la atención ha sido la fotografía. Del encargado de la fotografía de ‘Whiplash‘. Sharone Meir, nos ofrece encuadres muy interesantes en el filme. Creo que ha sido un acierto contar con él para una cinta con la necesidad de esos detalles.

En general una película muy entretenida y si eres fan de la saga, muy disfrutable. Sin duda alguna recomiendo su visionado.

Ficha técnica

Estreno en España: 10 de febrero de 2017. Título original: Rings. Duración: 102 min. País: EE.UU. Director: F. Javier Gutiérrez. Guión: Jacob Aaron Estes, Akiva Goldsman, David Loucka (Novela: Kôji Suzuki) . Música: Matthew Margeson. Fotografía: Matthew Margeson. Reparto principal: Matilda Lutz, Alex Roe, Johnny Galecki, Vincent D’Onofrio, Aimee Teegarden, Laura Wiggins, Bonnie Morgan, Zach Roerig, Brandon Larracuente, Surely Alvelo, Andrea Powell, Chris Greene, Adam Fristoe, Jill Jane Clements, Ricky Muse, Wing Liu. Producción: Macari, Edelstein, Parkes+Macdonald Imagenation. Distribución: Paramount Pictures. Género: Terror, thriller. Web oficial: http://ringsmovie.tumblr.com/

Crítica: ‘Batman la LEGO película’

 Sinopsis

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Con el espíritu irreverente lleno de diversión que convirtió a ‘La LEGO película’ en un fenómeno mundial, llega esta nueva aventura protagonizada por el mismo personaje que se consideraba el líder del grupo, LEGO Batman. Pero se están produciendo cambios en Gotham, y si quiere salvar a la ciudad de la conquista de El Joker, puede que tenga que dejar de actuar en solitario, intentar trabajar con otros y, tal vez, aprender a relajarse.

Crítica

Un batjuego de lo más gracioso.

Tras el éxito de ‘La LEGO película’ se comenzaron a proyectar diferentes largometrajes como una secuela que está en marcha o este filme que nos ocupa hoy. No esperéis una comparativa con la cinta de 2014 pues ni la he visto, ni está realizada por el mismo equipo. Tras salir del pase y preguntar a compañeros me consta que no hay referencias al mismo pero que si se mantiene la idea y el espíritu.

¿Tiene sentido hacer tanto producto audiovisual al estilo LEGO? ¿Da juego o se juega con el hecho de que sean muñecos? ¿O tan solo es un modo diferente de hacer animación con el fin de potenciar las ventas? Si, es claramente una manera de vender juguetes. Pero también se aprovechan las posibilidades de la «Construcción Maestra» como se viene haciendo desde hace tiempo en los videojuegos. Es decir, se aprovechan las posibilidades de construcción de este producto y  se hace en servicio de la historia. Se ha creado un argumento que desfigura la trama de muchos personajes de la saga de Batman en favor de crear un crossover divertido y apto los pequeños, demasiado macedonia, pero es divertido. Se nota que el responsable es el director de ‘Robot Chicken’ y que sus hasta cinco guionistas proceden de ‘Sombras tenebrosas’, ‘Padre made in USA’ o ‘¡Rompe Ralph!’.

Warner Bros. junto a la empresa danesa de juguetes ha creado una visión, no la primera, edulcorada de Batman. Aunque sepamos que nos aguarda un trabajo con un tono humorístico, satírico e infantil choca ver a un Batman tan parlanchín y chistoso. Por supuesto hay acción a raudales y no es la única cosa que se nos brinda en abundancia.

Hay una lluvia de huevos de pascua. Referencias al Batman de los 60, al de Tim Burton, al de Schumacher, al de Nolan, al de Snyder… Sacar a todos los enemigos de Batman sería imposible pero aparece una inmensa cantidad. ¡Hasta el Cabeza de Huevo de Vincent Price! También se ha incorporado a multitud de villanos que ahora se encuentran bajo el sello de Warner Bros. y pertenecen a los icónicos del cine. Dejaré que descubráis los que son porque su aparición es un subidón. Con todo esto se logra un impresionante catálogo de juguetes que muestra la variedad de muñecos que existen bajo el sello LEGO. También hay que admitir que se han dedicado a jugar y todos de pequeños hemos hecho crossovers mezclando los muñecos que teníamos en nuestra habitación, perteneciesen o no a la misma franquicia.

‘Batman la Lego película’ comienza por todo lo alto. Arranca de un modo muy gracioso, rompiendo la cuarta pared, continúa con un carácter muy épico, con muchos gags y un ritmo bastante movidito. Pero la cosa va decayendo poco a poco. No llega a hacerse aburrida pero el nivel no se mantiene igual hasta el final. La mojigatería y el mensaje sensiblero se apodera demasiado de la película. Tampoco ayuda su traducción al castellano. Algunas canciones resultan forzadas y el doblaje no me parece acertado en muchos personajes.

La animación no puede ser más moderna y provechosa en lo que se refiere a jugar con el mundo LEGO. Es muy dinámica, detallista y deslumbrante. También es verdad que a veces está algo recargada o puede aturullar. En ocasiones dan ganas de pausar la película para poder observar con detalle lo que pasa ante nuestros ojos porque no da tiempo a captarlo todo.

Pese a la peculiar visión de Batman, las fallas en el casting de doblaje y su continua bajada de resulta ser una película de lo más ocurrente y amena.

PD: la cinta tiene tanto humor que incluso se han atrevido a hacer una gracia con la archienemiga de DC Comics, Marvel Comics.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de febrero de 2017. Título original: The LEGO Batman movie. Duración: 104 min. País: EE.UU. Director: Chris McKay. Guión: Seth Grahame-Smith, Chris McKenna, Erik Sommers, Jared Stern, John Whittingon. Música: Lorne Balfe. Reparto principal (doblaje original): Jenny Slate, Will Arnet, Ralph, Zoë Kravitz, Channing Tatum, Rosario Dawson, Jonah Hill, Jemaine Clement, Zach Galifianakis, Michael Cera, Seth Green, Kate Micucci, Adam Devine. Reparto principal (doblaje al castellano): Claudio Serrano, José Coronado, J.A. Bayona, Berta Vázquez, Carlos Santos. Producción: Vertigo Entertainment, Warner Animation Group, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: animación, cómics, aventuras, comedia. Web oficial: http://www.batmanlalegopelicula.com/

Crítica: ‘Remake, Remix, Rip-off’

Sinopsis

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Cem Kaya creció con las películas Yeşilçam (industria cinematográfica turca) de los videoclubs turcos en Alemania. Su documental ilustra el origen de la cultura de la copia llevada a cabo por cineastas turcos, comenzando con Yeşilçam hasta las series de televisión de hoy. Porque el mercado turco de la serie de televisión es uno de los más grandes del mundo.

 

Crítica

Del cine cochambroso también se puede aprender.

No siempre resulta fácil realizar un documental. Encontrar una temática realmente interesante y con utilidad puede ser una tarea muy difícil. ‘Remake, Remix, Rip-off’ si tiene ese atractivo que hace que un documental sea provechoso. Este es un largometraje con gran encanto para todos aquellos estudiosos del cine e incluso para aquellos que puedan estar interesados en la cultura turca.

Nos habla del cine que se hacía durante el siglo pasado en Turquía. La intención de esta cinta es la de acercarnos a una práctica, no, mejor dicho, a toda una cultura de copias, plagios y reproducciones que se hacían en el país transcontinental. Y es que durante décadas se utilizaba el trabajo de la industria de Hollywood para completar las películas de allí. Así Cem Kaya, su director, nos puede mostrar ejemplos como el famoso ‘Star Wars’ turco, ‘Homoti’ la versión gay y pacifista de E.T. o mezcolanzas de todo tipo. Pero se queda algo corto y tal vez cabía esperar una enumeración mayor de las copias realizadas.

Y es que el documento va más allá, dedicando tal vez casi todo su espacio en esto, y nos da una clase muy divertida sobre la historia del cine de Turquía. Nos habla por ejemplo de cómo se las tenían que apañar con técnicas muy caseras de rodaje, hasta para improvisar un travelling. Si por lo general en las películas del mencionado país vemos cosas que nos sacan una sonrisa, este documental puede darnos carcajadas al ver la desvergüenza con que hablan sus responsables.

El documento se construye a base de testimonios de actores, productores y directores de la época. Gente que hizo centenares de películas y que sin ningún pelo en la lengua admite haber copiado, incluso haber usado escenas o bandas sonoras enteras de otras películas para incluirlas en las suyas. En su defensa alegan que en su país por aquel entonces, y hasta hace bien poco, no había leyes que protegiesen las obras de otros, es decir, todo el material audiovisual que entraba en Turquía era de dominio público.

El director y montador Cem Kaya se mueve con solvencia dentro del documental. Se nota que es alguien que ha mamado el cine desde pequeño, que se dedica a ello y que además ha estado siempre rodeado del género del que trata su obra. A demás de eso nos consta que ha estado en torno a siete años visualizando películas con factura turca y eso tiene mucho mérito.

Ficha de la película

Estreno en España: visualizada en festivales. Título original: Remake, Remix, Rip-off. Duración: 96min. País: Turquía. Director: Cem Kaya. Guión: Cem Kaya. Música: ANADOL, «Gurbet Bekçisi». Fotografía: Meryem Yavuz, Tan Kurttekin. Reparto principal: Cüneyt Arkin, Yilmaz Atadeniz, Çetin Inanç, Canan Perver, Giovanni Scognamillo, Kunt Tulgar, Memduh Ün. Producción: Cine Plus, Das Kleine Fernsehspiel (ZDF), Filmförderung Baden-Württemberg (MFG), Otomat, Sommerhaus Filmproduktionen, UFA Fiction. Género: documental. Web oficial: http://www.remakeremixripoff.com/

Crítica: ‘Land of Mine (Bajo la arena)’

Sinopsis

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Tras el fin de la II Guerra Mundial, un pelotón de jóvenes soldados alemanes se encuentra prisionero bajo la vigilancia del sargento danés Rasmussen. El grupo deberá desactivar miles de minas nazis para limpiar las playas danesas. Una tarea que se convertirá en una tensa ruleta rusa.

Crítica

¿Una mina de talentos?

El término mina se emplea en esta ocasión por las minas antipersona, pero de esta película podemos extraer muchas caras nuevas que podrían ser conocidas en el futuro, como si estuviésemos hablando de un yacimiento. Roland Møller (‘Secuestro’) apunta maneras, da un golpe en la mesa con su ruda pero sensible interpretación. Prueba de ello es que le veremos, aunque sea poco, en la próxima película de Jaume Collet-Serra con Liam Nesson, Vera Farmiga, Patrick Wilson, Sam Neil… Alguno de los muchachos protagonistas también despunta de entre los demás. Merece la pena fijarse en Louis Hofmann (‘Tom Sawyer’) que aquí interpreta a Sebastian Schumann o en Joel Basman (‘Monuments Men’) que encarna a Helmut Morbach.

Estamos más que saturados de historias sobre la II Guerra Mundial y puede que sea esa la razón por la que surgen trabajos que exploran las miles de historias acaecidas en la postguerra, véase ‘Las inocentes’ que se estrenó el pasado diciembre. En concreto ‘Land of mine’ nos aporta dos visiones o experiencias diferentes a las habituales. Por un lado, el vencedor se encuentra ante la posibilidad de vengarse de aquellos que le han ocupado y que han guerreado en su tierra. Y por otro se nos presenta la situación de los vencidos que bajo el mando de sus captores tienen la posibilidad expiar sus culpas, aunque sea de un modo inhumano. Ambas circunstancias hay que someterlas al factor de la edad de los protagonistas.

Atrae que sea una historia basada en hechos reales para nada carente de interés, pero su transcurso resulta manido. Se ve venir todo lo que va a suceder, cumple muchos tópicos de películas que también tratan sobre relaciones humanas conflictivas. Pese a su fácil pronóstico posee un guión verosímil, humano, duro y enternecedor. Además está ubicado en uno de los escenarios menos comunes de la gran guerra, Dinamarca. Sus líneas nos develan la crueldad del vencedor y la inocencia del vencido.

Esta no es la obra de un director novel. Martin Zandvliet ha dirigido y escrito esta obra tras llevar cuatro años sin presentar un largometraje. A día de hoy, lo que sabemos es que se ha logrado colocar ni más ni menos que en la última lista de las candidatas al Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa. ¿Merece ganar semejante galardón? No soy quien para decidir eso pero si me parece que está por debajo de ganadoras de este siglo como ‘Ida’, ‘Los falsificadores’ o ‘Mar adentro’. Dicho sea también, el trabajo del director me aumenta las expectativas para la futura ‘The Outsiders’ con Jared Leto, Emile Hirsch o Tadanobu Asano que se ambienta en la misma época que ‘Land of mine (Bajo la arena)’.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de marzo de 2017. Título original: Under Sandet. Duración: 100 min. País: Dinamarca, Alemania. Director: Martin Zandvliet. Guión: Martin Zandvliet. Música: Sune Martin. Fotografía: Camila Hjelm. Reparto principal: Roland Møller, Louis Hofmann, Mikkel Boe Følsgaard, Laura Bro, Joel Basman,Oskar Bökelmann, Emil Buschow, Oskar Buschow, Leon Seidel, Karl Alexander Seidel, Maximilian Beck, August Carter. Producción: Amusement Park Films, Nordisk Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, bélico. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/635/land-of-mine-bajo-la-arena/

Crítica: ‘Moonlight’

Sinopsis

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El 10 de febrero llega a nuestros cines esta personal y poética reflexión de Barry Jenkins sobre la identidad, la familia, la amistad y el amor, recientemente premiada con el Globo de Oro a Mejor Película (drama).  ‘Moonlight’ es una historia atemporal de relaciones humanas y autodescubrimiento, que narra la vida de un joven que crece en los suburbios de Miami, desde su infancia, hasta la edad adulta. Un retrato vital de la vida afroamericana contemporánea que resuena por su profundidad y sus verdades universales.

Crítica

Ruptura de estereotipos y retrato social.

Enfilamos la recta final hacia los Oscar y nos llegan los últimos estrenos que cuentan con nominaciones. ‘Moonlight’ figura como candidata a ganadora a la estatuilla a Mejor Película, a Mejor Director, a Mejor Actor de Reparto, a Mejor Actriz de Reparto, a Mejor Guión adaptado, a Mejor Fotografía, a Mejor Montaje y a Mejor Banda Sonora. 8 nominaciones que la han convertido en la gran adversaria ante ‘La La Land’ junto a ‘La llegada’. No estoy de acuerdo con todas sus nominaciones pero si con la mayoría.

Por ejemplo, esta es una película basada en el texto de una obra de teatro de Tarell McCraney. No he visto esa representación teatral pero si podemos decir que al contario de ‘Fences’ resulta una buena adaptación. Se nota que hay una correcta traslación del lenguaje y no percibimos el sabor de los escenarios. Salvo tal vez en el planteamiento temporal del filme ya que está dividido en tres actos, lineales y sin flashbacks, muy teatralmente.

El cartel no podría estar más acertado. ‘Moonlight’ está dividida en tres épocas, tres fases de la vida de una persona. Para ese personaje se emplean tres actores (Alex R. Hibbert, Ashton Sanders y Trevante Rhodes). Aunque los tres merecen muchísimos elogios por su contención y su manera de reflejar el dolor, yo destacaría a Ashton Sanders (quien refleja la etapa central, la de la adolescencia), no a Mahershala Ali, amigo del protagonista, como se ha hecho en las nominaciones de la Academia.

Con Mahershala Ali entroncamos con otra película candidata a los Oscar ya que apareció (junto también a Janelle Monáe) en ‘Figuras Ocultas’. Pero de poner en titulares a un secundario habría que seguir, ahora sí, la recomendación de los nominados. La madre de nuestro protagonista, en todas las fases del filme, está interpretada por Naomie Harris (’28 días después’) que por fin ha encontrado el papel que le otorgue el reconocimiento que merece su talento. Con una interpretación muy cruda nos aporta la parte más irracional y autodestructiva de la cinta. Eso lo hace en primera instancia, después nos aproxima a otras facciones de los pesares humanos que preferiría no desvelar.

Y es que ‘Moonlight’ es una película intimista, que indaga sin caer en tópicos en los misterios del autodescubrimiento y el aprendizaje emocional. La obra de Jenkins está exenta de sutilezas pero si está cargada de delicadeza sentimental. Ilustra de una manera fresca y novedosa un tema que ya se ha tratado este año en filmes como ‘Cuando tienes 17 años’.

También es verdad que Barry Jenkins ha ido a lo seguro tratando varios temas muy actuales. Me refiero a la marginación o el maltrato que sufren en EE.UU. diferentes grupos sociales como los homosexuales, los afroamericanos o todos aquellos relacionados con las drogas. Unido esto a la polémica que hubo el año anterior con la gran ausencia de afroamericanos en los Oscar la convierten en un filme bastante propenso a llevarse estatuillas. Sin olvidarnos del talento demostrado y al que he hecho referencia en los párrafos anteriores.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de febrero de 2017. Título original: Moonligth. Duración: 111 min. País: EE.UU. Director: Barry Jenkins. Guión: Barry Jenkins. Música: Nicholas Britell. Fotografía: James Laxton. Reparto principal: Trevante Rhodes, André Holland, Janelle Monáe, Ashton Sanders, Jharrel Jerome,Naomie Harris, Mahershala Ali, Shariff Earp, Duan Sanderson, Edson Jean. Producción: A24, Plan B Entertainment, Upload Films. Distribución: Diamond Films. Género: drama. Web oficial: http://www.moonlightpelicula.es/

Crítica: ‘Action Jackson’

Sinopsis

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Un rufián con una sorprendente habilidad para meterse en líos verá como su vida se complica aún más por culpa de su parecido imposible con un despiadado mercenario.

 

Crítica

Ha conseguido que me deje llevar por Bollywood más fantasioso.

Conste que no soy un fanático del cine Indio, lo miro desde la distancia e incluso me suele producir rechazo por su gran cantidad y repetición de bailoteo, colorido y musicalidad. Os prevengo de esta manera porque creo que me voy a dejar llevar por la euforia vivida en la pasada CutreCon durante el pase de esta película.

‘Action Jackson’ es una mezcla de géneros. En contra de lo que he dicho antes sobre el cine hindú he de admitir que tiene muchas canciones y es colorista. Además se flipa con la acción, si, flipa, no encuentro otra palabra más acorde. Pero posee un gran equilibrio entre acción, comedia, musical, drama y romance, se puede decir el tópico ese de «lo tiene todo». Se nota que el director y guionista, Prabhudheva, es consciente de que la película que ha hecho es casi paródica y por eso no resulta ser un producto cochambroso y si pasmoso.

Las canciones. Los temas musicales del cine bollywoodiense suelen ser las causantes de su poco éxito en Europa. Hay que decir que el filme está plagado de ellas pero mezcla géneros y más de una es endiabladamente pegadiza. Todos los temas inducen al buen rollo y al positivismo. En contraste tenemos las escenas de peligro. Acción fantasiosa y villanos al más puro estilo James Bond es lo que nos ofrece el lado más palomitero de ‘Action Jackson’.  Han creado para esta película movimientos imposibles, estampas videoclipistas, peleas asombrosas, personajes perversos o un matón que parece la versión india de The Rock.

El romance y el drama aquí van casi de la mano. Gracias a ellos experimentamos varios giros de guión bastante pasmosos. Lástima que se incluya un flashback que dura más que los discursos del difunto Fidel Castro. Y ahí llega la mayor pega de este sorprendente largometraje, y no es moco de pavo. Tras el apoteosis con el que empieza, que se va manteniendo durante más de la mitad del filme, pega un bajón de ritmo muy notable. Tras llevar un buen rato de película, es bastante larga, llega una vuelta de tuerca que nos cambia casi todo, nos induce a sentir pesadez y ganas de que concluya el filme.

Es ineludible hablar del protagonista, del trabajo realizado por Ajay Devgn, un actor con muchos seguidores en India. Interpreta a un tipo duro, con clase y con más de una cara que mostrar. Sale mucho más que airoso en una película en la que tiene que demostrar saber hacer gracia, saber pelear y saber bailar.

‘Action Jackson’ es una demostración de que una película de Bollywood puede gustar y estar acorde a los gustos occidentales. La prueba de que en la India cada día se acortan más las distancias con respecto al cine de Estados Unidos, tanto en presupuesto como en calidad. Está fuera de muchos de los estándares del cine Indio. Pertenece a ese cine que hay que ver de otro modo, de manera divertida y saltando de la butaca. Como he dicho pudimos verla en el festival CutreCon VI. Allí la gente le siguió el juego al filme, se puso en pie y coreó el nombre del protagonista. ¡A.J.! Ojalá se estrene en cines españoles para que viváis los mismos aplausos y jolgorio que viví yo.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de enero de 2017 (CutreCon). Título original: Action Jackson. Duración: 144 min. País: India. Director: Prabhudheva. Guión: A.C. Mughil, Prabhudheva, Shiraz Ahmed. Música: Sandeep Chowta, Himesh Reshammiya.Fotografía: Vijay Kumar Arora, R.D. Rajasekhar. Reparto principal: Ajay Devgn, Sonakshi Sinha, Aaron Brumfield, Yami Gautam, Prabhudheva,Manasvi Mamgai, Byron Gibson, Prabhas, Kunaal Roy Kapur. Producción: Eros International. Distribución: sin distribución en España. Género: acción, musical, romance, comedia. Web oficial: http://erosplc.com/?page_id=657

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