Categoría: Críticas

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Crítica: ‘Los Siete Magníficos’

 Sinopsis

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El director Antoine Fuqua aporta su visión moderna a una historia clásica de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer Pictures y Columbia Pictures, LOS SIETE MAGNÍFICOS. Cuando el tranquilo pueblo de Rose Creek queda bajo el control letal del industrial Bartholomew Bogue (Peter Sarsgaard), los desesperados habitantes del lugar contratan la protección de siete forajidos, cazarrecompensas, tahúres y sicarios: Sam Chisolm (Denzel Washington), Josh Farraday (Chris Pratt), Goodnight Robicheaux (Ethan Hawke), Jack Horne (Vincent D’Onofrio), Billy Rocks (Byung-Hun Lee), Vasquez (Manuel García Rulfo) y Red Harvest (Martin Sensmeier). Mientras preparan el pueblo para la violenta confrontación que saben se avecina inevitablemente, estos siete mercenarios se encontrarán luchando por algo más que el simple dinero.

Crítica

Más espectáculo y menos cháchara.

Lejos de haceros pensar que esta es una maravilla de película, en primer lugar, hay que decir que Sony vuelve a cerrar bocas con el tema de los refritos tras el éxito de ‘Cazafantasmas’. ‘Los Siete Magníficos’ es el remake de la película de John Sturges que a su vez ya era una especie de remake o adaptación de ‘Los Siete Samuráis’ de Akira Kurosawa. A si es que tenemos remake del remake, remake al cuadrado. Y la verdad es que el film se aproxima más a lo redondo que a lo cuadrado. La película es una modernización con menos alma pero bien completa y competente.

Con una duración muy similar a la versión de 1960 el filme nos narra de nuevo una historia de justicia y sacrificio. Si la antigua se preocupaba más por presentar a los personajes e incluso nos mostraba mucho mejor sus motivaciones, la obra de Antoine Fuqua está bastante más entregada a la acción, es más espectacular. Pierde profundidad y credibilidad en determinado momento pues si lo épico de este film es que los magníficos actúan desinteresadamente y a sabiendas de lo suicida que es la misión, en la versión moderna han caído en convertirlo en algo personal. De ahí que pierda mucha de la esencia primordial.

Se crean siete personajes de distinta índole que los de la película de Yul Brynner, Steve McQueen y Charles Bronson, pero están bien ideados, funcionan. Enlazando con sus predecesores todos ellos repiten el mismo patrón e incluso calcan frases como esa que definía al personaje de Brynner en particular y a la película en general… “me habían ofrecido mucho dinero, pero no todo” (que aquí pronuncia Washington). A Fuqua le sale bien la jugada de trabajar una vez sí y otra también con Denzel Washington. Si además se le suma a la ecuación a Ethan Hawke podemos esperar una dupla tan buena como la de ‘Training Day’. En los tiempos que corren el humor se consiente e incluso exige en casi todas las producciones, puede que por eso se haya fichado al siempre jocoso Chris Pratt. También de moda y en racha está Vincent D’Onofrio que en esta ocasión nos aporta un cambio de voz no habitual en él. Mejor villano resultó Eli Wallach que Peter Sarsgaard, pero claro, uno interpretaba a un bandido y el otro a un empresario.

Si la cinta de hace cincuenta y seis años nos trasladaba a un western fronterizo con mucho folclore mexicano, esta nos acerca de nuevo al típico oeste de indios y vaqueros. Pero lo hace de un modo que busca lo políticamente correcto pues introduce a un personaje afroamericano, a uno mexicano, a uno indio, a uno asiático e incluso a una mujer de armas tomar, cosa que en la anterior no aparece ni por asomo ya que el rol de las actrices femeninas era muy inferior al de los actores secundarios.

Por último, no podemos olvidarnos de la clásica canción que compuso Elmer Bernstein y que aquí aparece versionada con otros acordes de James Horner, cuyo sello ha quedado reflejado a pesar de su muerte en 2015.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre de 2016. Título original: The Magnificent Seven. Duración: 130 min. País: EE.UU. Director: Antoine Fuqua. Guión: John Lee Hancock, Nic Pizzolatto. Música: James Horner. Fotografía: Mauro Fiore. Reparto principal: Denzel Washington, Chris Pratt, Ethan Hawke, Peter Sarsgaard, Haley Bennett, Matt Bomer, Vincent D’Onofrio, Luke Grimes, Cam Gigandet, Byung-hun Lee, Kevin Wayne, Thomas Blake Jr., Miles Doleac, Jonathan Joss, Martin Sensmeier, Manuel García-Rulfo. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Sony Pictures, Village Roadshow Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, western, remake. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/themagnificentseven/

Crítica: ‘The Beatles: eight days a week’

 Sinopsis

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Se centra en la carrera de The Beatles entre 1962 y 1966. Por primera vez se muestran muchas de las interioridades del grupo de Liverpool e incluye desde sus primeras actuaciones en The Cavern Club hasta su último concierto en Candlestick Park (San Francisco). Cuando acabó su gira el 29 de agosto de 1966, The Beatles habían hecho 166 conciertos en 15 países y 90 ciudades.

Crítica

Jóvenes de hoy, conoced de verdad a los grandes de antes.

Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr y George Harrison, The Beatles, vuelen a ser noticia gracias a Ron Howard y a Apple Corps. La corporación con sede en Londres se ha volcado con el proyecto de ‘The Beatles: eight days a week’ e incluso pidió la colaboración de los fans poniendo un espacio en su web para que enviasen fotografías y vídeos. También se han involucrado activamente Paul McCartney, Ringo Starr, Yoko Ono Lennon y Olivia Harrison.

El director de Oklahoma ha realizado un recorrido por la historia de The Beatles que abarca desde sus primeros conciertos hasta el último que dieron precisamente en la azotea de Apple Corps, en el 66. Durante toda la película nos ubica a la banda en su marco histórico relacionándola con acontecimientos importantes como el asesinato de Kenedy. Sin entrar en intimidades de los artistas nos muestra su juventud consumida por una fama que vino rápidamente. Un éxito que produjo todo tipo de reacciones, tanto buenas como malas. Se contempla por ejemplo de donde surgió, y lo que produjo, la expresión “más populares que Jesús”, palabras de Lennon que rápidamente se extendieron y malinterpretaron.

No entra tampoco en el momento de su disolución ni se menciona a Yoko Ono. Otros ámbitos explorados y mostrados en el documental son los de su preferencia por estar experimentando en el estudio a tocando en los conciertos, la relación con su manager (Neil Aspinal), la gira con el periodista Larry Kane y las películas que rodaron. Además se ofrecen testimonios de personalidades de la cultura como Elvis Costelo, Sigourney Weaver o Whoopi Goldberg que estuvo en el concierto del Shea Stadium.

Al final del filme se proyectan 30 minutos del concierto del Shea Stadium. Se han escaneado los negativos de las cámaras presentes y se han restaurado a calidad 4k. Esta es una mejora muy valorable, pero hay que tener en cuenta que la imagen obtenida no es moderna ni la mejor que se pueda obtener con esta tecnología pues la materia prima sale de cámaras de los sesenta. Aún así el resultado es mejor que el visto hasta ahora, todo un lujo que los fans de los de Liverpool no deben desperdiciar. Esto es debido a que por decisión de Apple Corps este material solo estará disponible en cines, una restricción que se une a la única semana improrrogable que estará en cartelera.

Además de todo esto los que acudan a ver la película el día del estreno, el jueves 15, podrán ver en directo la alfombra roja de Londres desde las 19h. No dudéis en consultar la lista de cines en los que se pondrá la película (aquí) e ir a disfrutar de la buena música al cine. ‘The Beatles: eight days a week’ es un documento imprescindible, un regalo para los seguidores de The Beatles y para cualquier melómano.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de septiembre de 2016. Título original: The Beatles: Eight Days a Week – The Touring Years. Duración: 138 min. País: Reino Unido. Director: Ron Howard. Guión: Mark Monroe (Historia: P.G. Morgan). Música: The Beatles. Fotografía: Michael Wood. Reparto principal: Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr, George Harrison. Producción: Apple Corps, Imagine Entertainment, White Horse Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/606/the-beatles-eight-days-a-week/

Crítica: ‘Gernika’

Sinopsis

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GERNIKA, se desarrolla entre Bilbao y Guernica y cuenta una historia de amor entre periodistas en tiempos de guerra. La película narra el bombardeo de la ciudad Vizcaína en un entorno de guerra fría, como un preludio de la Segunda Guerra Mundial.

Henry (James D’Arcy), un periodista americano en horas bajas está cubriendo el frente norte cuando conoce a Teresa (María Valverde), una editora de la oficina de prensa republicana. Teresa, cortejada por su jefe, Vasyl (Jack Davenport), un asesor ruso del gobierno republicano, se sentirá atraída por el idealismo durmiente de Henry y querrá despertar en él la pasión por contar la verdad que un día fue su único objetivo.

Crítica

La historia de un bombardeo como marco de un romance.

A estas alturas el cine español intenta rendir un completo homenaje a unos supervivientes con los que tengo entendido que el equipo de la película tuvo ocasión de hablar. El bombardeo de Gernika es uno de los episodios más tristes y graves de nuestra pasada, y harto recordada, Guerra Civil. La película de Koldo Serra en parte le rinde homenaje pero se pierde mucho por las ramas del romance.

Hablar del conflicto que vivimos en el siglo pasado esta algo más que manido. Gernika podría salvarse por ofrecer la perspectiva de los periodistas, tanto nacionales como internacionales. Gernika y la prensa son dos temas muy interesantes, muy poco o nada tratados en nuestro cine, pero que Serra ha dejado en segundo plano para mostrarnos una espesa historia de amor. El filme nos adentra por momentos en el género romántico y deja de lado el drama histórico, pero otras ocasiones nos intenta meter en una narración histórica. Todo esto hace que no llegue a definirse bien el género de la película y se despiste al espectador.

Sí que es cierto que se cuida la puesta en escena. Además posee un diseño de producción cuidado para que esta parezca una película moderna y se desmarque de otras representaciones de la Guerra Civil. Se hace convivir por ejemplo al euskera, castellano, inglés y alemán. Se nos introduce en la historia con esa especie de Nodo con imágenes a lo Bardasano, pero todo en versión republicana. Se nos muestra a una España empleada como gran ensayo y preludio de la II Guerra Mundial. Pero todos estos detalles quedan eclipsados por la historia de amor.

En esta ocasión Serra ha mostrado un estilo muy clásico de hacer cine, puede que tenga que ver con que lleva diez años sin trabajar en un proyecto para cine, no le han faltado trabajos en televisión. Desde las interpretaciones que ha extraído de James D’Arcy, Jack Davenport o María Valverde, hasta el ritmo del film nos recuerdan a aquellas películas románticas rodadas en blanco y negro. Quizá ese modus operandi ha marcado un ritmo atópico para los días que corren y que puede hacer del filme algo denso. A casi la mitad de la película parece que la historia no ha acabado de arrancar, se cuece todo demasiado a fuego lento para después querer hacer reventar una olla a la que le falta presión.

Supongo que la tentación de evocar al cuadro de Picasso era muy seductora y casi inevitable. Pero ni la película está a la altura ni las formas son las más agraciadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre de 2016. Título original: Gernika. Duración: 110 min. País: España. Director: Koldo Serra. Guión: José Alba, Carlos Clavijo, Barney Cohen. Música: Fotografía: Unax Mendia. Reparto principal: María Valverde, James D’Arcy, Jack Davenport, Burn Gorman, Irene Escolar, Ingrid García Jonsson, Julián Villagrán, Álex García, Joachim Paul Assböck, Bárbara Goenaga, Víctor Clavijo, Natalia Alvarez-Bilbao. Producción: Pecado Films, Travis Producciones, Sayaka Producciones, Gernika The Movie. Distribución: Betta Pictures. Género: romance, drama. Web oficial: https://www.facebook.com/GernikatheMovie/

Crítica: ‘Blood Father’

 Sinopsis

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Después de que su novio traficante de drogas le tienda una trampa tras robar una fortuna a un cártel, Lydia (Erin Moriarty), una joven de 18 años, se ve obligada a escapar. En su huida, solo encontrará un aliado: su desastroso padre, John Link (Mel Gibson), un borracho, ex convicto que desea ejercer de buen progenitor. Ahora tiene la oportunidad de hacer lo correcto y salvar la vida de su hija, aunque ello ponga en peligro la suya.

Crítica

Mel Gibson lo lleva en la sangre.

En 2008 se publicó ‘Gran Torino’, una película en la que se decía que Eastwood interpretaba, bajo su propia dirección, a una versión de su famoso Harry el Sucio entrado en años, jubilado. Ocho años después Mel Gibson hace algo semejante volviendo a un registro muy semejante al de su Martin Riggs de ‘Arma Letal’ y con algunas pinceladas de su famoso ‘Mad Max’. ¿No suena mal verdad? Esta combinación resulta ser lo mejor, y casi lo único brillante, de ‘Blood Father’.

Esta es una película con elementos clásicos del cine negro, con una representación violenta y corrupta del sistema y de los ciudadanos estadounidenses. También distinguimos a un padre agresivo y protector, algo que lleva unos cuantos años explotando Liam Neeson. Lo que quiero manifestar con estos argumentos es que ‘Blood Father’ pone barreños en una mina donde hay poco oro que sacar. Pertenece a un género harto explotado, en el que para triunfar debes ser original o reunir un guión e intérpretes excelentes.

Por el texto no encuentro problemas, pero tampoco genialidades. Ha sido escrito por Peter Craig (autor de la novela en la que se basa la película) junto a Andrea Berloff (‘Straight Outta Compton’). Una pareja que ha dejado constancia de un gran amor por esta historia. Es en las interpretaciones donde cojea más el film de Richet. Erin Moriarty (‘Jessica Jones’) actúa sin naturalidad y de un modo bastante pueril. Algo mejor está el mexicano Diego Luna, actor que tiene muchos focos fijados en él por ‘Rogue One’. Gibson es la columna vertebral del filme y con quien mejor conecta es precisamente con el actor (secundario) que menos aparece, con el siempre conmovedor William H. Macy. El estupendo diseño de producción llevado a cabo por el equipo de Jean-François Richet ha quedado ensombrecido por todos estos aspectos, haciendo de la cinta algo meramente decente.

La película también juega y da más de un rapapolvo sobre la religión o la inmigración, temas que a Gibson le han ocasionado problemas. Este tipo de ideas que se arrojan en ‘Blood Father’ podrían ser las causantes del inusitado pequeño goteo de películas en las que ha aparecido este siglo. Por fortuna en este trabajo hemos podido disfrutar del Mel Gibson actor y próximamente esperemos hacerlo con el Gibson director en el drama histórico ‘Hacksaw Ridge’.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre de 2016. Título original: Blood Father. Duración: 88 min. País: EE.UU. Director: Jean-François Richet. Guión: Peter Craig, Andrea Berloff. Música: Sven Faulconer. Fotografía: Robert Gantz. Reparto principal: Mel Gibson, Erin Moriarty, Diego Luna, Elisabeth Röhm, William H. Macy, Michael Parks, Dale Dickey, Raoul Trujillo. Producción: Why Not Productions, Icon Film Distribution. Distribución: Vértigo Films. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/blood-father.html

Crítica: ‘Cell’

Sinopsis

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Clay Riddel, un artista de Nueva Inglaterra, es testigo de un fenómeno muy feo: una misteriosa emisión de una señal por la red mundial de celulares convierte a la mayoría de los humanos en animales feroces y sin sentido. Ahora, él y unos pocos supervivientes deben encontrar y detener “El Pulso”, y a la persona que lo controla, y reunirse con su hijo antes de que sea demasiado tarde.

Crítica

Mejor no cojas la llamada.

John Cusack y Samuel L. Jackson han vuelto a coincidir casi diez años después en una adaptación de una novela de Stephen King. En ‘1408’ el director Mikael Håfström obtuvo con ellos una película bastante potable. En esta ocasión Tod Williams ha logrado un filme de inferior calidad que mancha la buena impresión que nos dejo con ‘Paranormal Activity 2’.

Tras ver ‘Cell’ entiendo por qué Cuatro decidió emitirla sin promoción alguna y a horas intempestivas, por desgracia sintonicé su canal. También entiendo el retraso de varios años que lleva para estrenarse. El texto de la película no llega a la altura de la novela, la cual conseguía crear suspense e incluso algo de terror. Diría que Stephen King se disgustaría al ver esta versión, pero más bien tendré que decir que se habrá muerto de vergüenza pues ha estado involucrado en el guión. Él escribe muy rápido y a veces sus novelas defraudan, pues ocurre lo mismo con sus guiones, tal vez debería tomarse sus escritos con más calma.

No es que la película sea desastrosamente mala, tiene un presupuesto bajo y por eso hay que disculpar la mala calidad de los efectos especiales, por ejemplo. La cuestión es que el resultado es un producto más apto para el mercado televisivo o de video bajo demanda, tal y como se va a distribuir. La historia está mal presentada e incluso tiene fallos ridículos de montaje. Los personajes llegan a conclusiones que tan solo el espectador podría poseer. Introduce en ellos la idea de El Pulso sin ton ni son, por ciencia infusa. Por si necesitáis más pistas de las cotas que alcanza ‘Cell’ os indico que en determinado punto aparece la canción de Eduard Khil, el ‘Trololo’, esa que se hizo viral hace años. Y por si fuese poco tiene el atrevimiento bufonesco de finalizar con el ‘You’ll never walk alone’, el adoptado himno del Liverpool.

No merece la pena hacer más sangre de la película, tal vez sea mejor hablar de las más de una peculiaridades que tiene. Una de ellas es el caso de Stacy Keack que también estuvo en una película salida de la imaginación de Stephen King, ‘Los chicos del maíz 666 – El regreso de Isaac’. La novela está dedicada al fallecido Richard Matheson y aquí se le hace justo homenaje. También lo está a George A. Romero pero si hay homenaje, al margen de los zombies, no lo he visto. Por otro lado tenemos un cameo de Lloyd Kaufman, director de ‘El Vengador Tóxico’, ese es el nivel…

Samuel L. Jackson y otras estrellas se prestan a películas de bajo presupuesto como esta, o como hizo con ‘Big Game’, y eso es algo que les honra. Pero también deberían cuidar de la calidad final de sus trabajos pues puede disminuir mucho su reputación. ‘Cell’ es una buena novela que ahora tiene un largometraje bastante errado, merece tener una adaptación mejor e incluso una serie televisiva de mayor calidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2016 (en Cuatro). Título original: Cell. Duración: 98 min. País: EE.UU. Director: Tod Williams. Guión: Adam Alleca, Stephen King. Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Michael Simmonds. Reparto principal: John Cusack, Samuel L. Jackson, Isabelle Fuhrman, Ethan Andrew Casto, Joshua Mikel, Owen Teague, Stacy Keach, Anthony Reynolds, Erin Elizabeth Burns. Producción: The Genre Co., Benaroya Pictures, Cargo Entertainment. Género: terror, suspense. Web oficial: https://www.facebook.com/CellMovie/

Crítica: ‘El espejo de los otros’

 Sinopsis

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Existe en Buenos Aires un lugar que pocos conocen, pero del que casi todo el mundo habla. Es Cenáculo, un restaurante único que se encuentra en las ruinas de una catedral gótica. Tiene únicamente una mesa y todas las noches ofrece una “última cena”. Nadie viene sólo a disfrutar de la comida, los vinos y la música, los comensales que se sientan a cenar, transforman sus vidas. Por Cenáculo pasa el amor, la vida, la muerte, la codicia y la soledad.

Crítica

El teatro de la vida rotando entorno a una mesa.

Lo feo es parte de lo bello. En las historias que nos ha rodado en esta ocasión Marcos Carnevale encontramos mucha fealdad humana, muchas faltas hacia el prójimo y hacia uno mismo, pero a la vez belleza, surgida principalmente de las diferentes visiones del amor. Esta es una película muy teatral, al igual que lo era el ‘Luces de Bohemia’ de Ramón del Valle Inclán. Como ocurre esa esperpéntica obra, ‘El espejo de los otros’ nos devuelve una realidad deformada que puede resultar divertida y dramática al mismo tiempo. Es más, el humor negro está muy presente, pero a la vez se le impone un drama profundo y humano.

Se nos representan cuatro historias que suponen ser una última cena en uno u otro sentido. No son todas de amor, aunque el amor juega su papel en todas. El restaurante donde sucede toda la acción recibe el nombre de El Cenáculo y como en todas las obras que representan la Ultima Cena (estampada en las vidrieras de la catedral donde se encuentra este negocio) está presente la sinceridad, la muerte, la traición, la lealtad… Jugando con diferentes argumentos, el guión de Carnevale se balancea entre el surrealismo y el realismo, haciéndonos caer en esos dos movimientos con cada secuencia.

En dichos relatos aparecen muchos rostros talentosos con los que la audiencia española puede que no esté muy familiarizada. Es una buena ocasión para conocer a un elenco de estrellas latinas entre las que podemos destacar la labor de Alfredo Casero, Graciela Borges, Norma Aleandro, Pepe Cibrián u Oscar Martínez. Quizá el número de historias y la manera de dilatarlas sea el punto débil de esta película pues esto hace que nos pueda parecer un tanto larga y pesada. Incluso su epílogo podría quedarse fuera del montaje, está descolgado del resto de historias, sirve únicamente como herramienta de conclusión.

En el film se menciona al autor argentino y así es, ‘El espejo de los otros’ rezuma sabor borgiano, de tal modo que resulta poética y paradójica.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre de 2016. Título original: El espejo de los otros. Duración: 119 min. País: Argentina. Director: Marcos Carnevale. Guión: Marcos Carnevale. Música: Gipsy Bonafina. Fotografía: Horacio Maira. Reparto principal: Norma Aleandro, Graciela Borges, Leticia Brédice, Alfredo Casero, Pepe Cibrián, Mauricio Dayub, Julieta Díaz, Luis Machín, Oscar Martínez, Javier de Nevares, Ana María Picchio, Favio Posca, Carola Reyna, Marilina Ross. Producción: Varsovia Films, Millecento, Miracine, TELEFÉ, AZ Films, HD Argentina. Distribución: Sherlock Films, A Contracorriente Films. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.sherlockfilms.com/pelicula/514/el-espejo-de-los-otros/

Crítica: ‘Tarde para la ira’

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Madrid, agosto de 2007. Curro entra en prisión tras participar en el atraco de una joyería. Ocho años después sale de prisión con ganas de emprender una nueva vida junto a su familia, pero se encontrará con una situación inesperada y a un desconocido: José, que le llevará a emprender un extraño viaje donde juntos se enfrentarán a fantasmas del pasado y se hundirán en el abismo de la venganza.

Crítica

Una película llena de estoicismo, profundidad y arraigo.

‘Tarde para la ira’ puede engañarnos con su título y presagiarnos una película encolerizada y rabiosa, pero no es así. Nuestro protagonista no es un héroe de acción, no es un John McClane ni un Martin Riggs, pero si un ciudadano de a pie con la suficiente motivación como para llevar a cabo una venganza con todo lo que esto supone. Antonio de la Torre (‘Felices 140’) lleva a cabo la recreación de un personaje creíble, estoico. Ha logrado encarnar a alguien introvertido pero expresivo a la vez. La paciencia, el dolor, la contención de la ira, la tensión, la indignación son patentes en cada plano y en cada momento en el que está presente el actor malagueño que continúa exhibiendo su más que demostrada gran calidad interpretativa.

La película de Raúl Arévalo (‘La isla mínima’) consigue sumergirnos en un ambiente marginal y lleno de cobardes. Parte de la cotidianidad para llegar a lo inusitado. El guión de Arévalo y Pulido está bien construido y todo encaja. Puede resultar veraz, engaño que forma parte de todo buen thriller, hasta el punto de instalar el desasosiego en la sala. El lenguaje cinematográfico empleado no podría ser más correcto. Arévalo controla con pericia el ritmo, el tiempo, los ángulos o el movimiento.

Pero si antes mencionaba a Antonio de la Torre, estrella indiscutible de este film junto a su director, no he de olvidarme del reparto deleitable que tiene ‘Tarde para la ira’. Ruth Díaz (El Caso. Crónica de sucesos’) y Luis Callejo (‘Kiki, el amor se hace’) son dos buenos pilares sobre los que se apoya De la Torre. Se mantienen dentro de su rol de secundarios, pero se desmarcan en más de una ocasión. Manolo Solo (‘B’) merece más que estas simples líneas. Su conversión es muy creíble y pese a que aparece solo en una secuencia su recuerdo permanece constante para el resto de la película.

Es una obra casi inmejorable, no redonda, pero si digna de grandes alabanzas y más que meritoria para tratarse de una opera prima. En los créditos de esta gran historia de venganza Arévalo expresa su agradecimiento hacia los directores que le han enseñado durante todo este tiempo. Regalarles esta primera película a ellos y a los espectadores me parece una mayúscula muestra de gratitud. Podría llegar a ser la mejor producción española de esta temporada.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre de 2016. Título original: Tarde para la ira. Duración: 92 min. País: España. Director: Raúl Arévalo. Guión: Raúl Arévalo, David Pulido. Música: Lucio Godoy. Fotografía: Arnau Valls. Reparto principal: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Raúl Jiménez, Manolo Solo, Font García. Producción: La Canica Films, Televisión Española. Distribución: eOne Films. Género: Thriller. Web oficial: http://es.eonefilms.com/films/tarde-para-la-ira

Crítica: ‘Ben-Hur’

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BEN-HUR es la épica historia de Judah Ben-Hur (Jack Huston), un príncipe falsamente acusado de traición por su hermano adoptivo Messala (Toby Kebbell), tribuno del ejército romano. Despojado de su título, separado de su familia y de la mujer a la que ama (Nazanin Boniadi), Judah tiene que vivir como un esclavo.  Después de varios años en el mar, Judah regresa a su tierra en busca de venganza, pero encuentra la redención. Basada en la intemporal novela de Lew Wallace, Ben-Hur: A Tale of the Christ. También la protagonizan Morgan Freeman y Rodrigo Santoro.

Crítica

Muchos más pecados que virtudes.

No me gustaría poner a ‘Ben-Hur’ tan mal que después, tras verla, penséis que me he pasado de largo. Pero tan poco quiero suavizar esta crítica tanto que luego perdáis la credibilidad en un servidor. El film arranca con el título ‘Ben-Hur 2016’, en vez de con ‘Ben-Hur’ a secas, un modo deslucido que no augura nada bueno.

La cuestión es que el diseño de producción y la puesta en escena no están nada mal. Se hace algo de uso de decorados pero mucho más de imagen generada por ordenador y el resultado no es malo. El reparto no es moco de pavo, aunque se haya desperdiciado la presencia de un poderoso James Cosmo (‘Juego de Tronos’). Toby Kebbell (‘RocknRolla’), Morgan Freeman (‘Millon Dollar Baby’), Ayelet Zurer (‘El hombre de acero’) o Rodrigo Santoro (‘300’) conforman un equipo competente que ha estado atado a un libreto más que fallido.

Y es que no hay malas interpretaciones si no mal guión. Si has visto versiones anteriores, excluyendo la novela original de William Wyler, comprobarás que en líneas generales la historia de Ben-Hur está ahí. Es por eso que no se comprende la gran cantidad de sucesos que no sabes porqué ocurren como ocurren, lo que vienen a llamarse desatinos o incoherencias. La película está plagada de ellos. Por ejemplo, está mal ubicada en el tiempo la guerra entre Grecia y Roma, además, en la novela simplemente luchaban contra unos piratas griegos. Por poner un desacierto técnico, de repente hay tomas inexplicables que parecen grabadas con una GoPro, no vienen a cuento. Aun así, salvo momentos como la última frase, lapidaria, del Poncio Pilato de Pilou Asbæk (el Euron Greyjoy de ‘Juego de Tronos’) dirigida al personaje de Freeman.

El climax, porque lo tiene, llega con la carrera de cuadrigas. La competición de carros tiene intensidad, esplendor y espectacularidad. Se nota que al director le van más las escenas de acción, se recrea en ellas como ya hizo en ‘Abraham Lincoln: cazador de vampiros’, en ‘Wanted – Se busca’ o en ‘Guardianes de la noche’.

Esta es una historia con tintes bíblicos y la Iglesia estará contenta con la película en general y con el Jesús de Rodrigo Santoro en particular. El actor brasileño lleva bien la piel de profeta y ha asumido del todo la imagen de esta figura imprescindible para esta historia. Además esta versión de ‘Ben-Hur’ tiene un final más bíblico que el de las otras versiones, tratando seguramente de aproximarse a la novela.

Pero ese final nos viene edulcorado, en formato cuento de hadas, con fallo de raccord garrafal incluido y una canción para los créditos que no pega ni con cola. En resumen, no llega al nivel de la conocidísima película protagonizada por Charlton Heston y no me gustaría entrar en comparaciones con la ideada por Steve Shill (‘Dexter’) y Alan Sharp (‘La noche se mueve’) en 2010.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2016. Título original: Ben-Hur. Duración: 124 min. País: EE.UU. Director: Timur Bekmambetov. Guión: Keith Clarke, John Ridley. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Jack Huston, Toby Kebbell, Morgan Freeman, Rodrigo Santoro, Nazanin Boniadi, Ayelet Zurer, Sofia Black D’Elia. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Sean Daniel Company. Distribución: Paramount Pictures. Género: drama, aventuras. Web oficial: http://www.benhurmovie.com/

Crítica: «El Principito»

 Sinopsis

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Una de las historias más entrañables de todos los tiempos. De la mano de Mark Osborne, el director nominado al Oscar por Kung Fu Panda, llega la primera adaptación animada de El Principito, la obra maestra de .

La amistad entre una Niña a la que su exigente madre está preparando para vivir en el mundo de los adultos y su vecino, un anciano Aviador, bondadoso y excéntrico que revela a su nueva amiga un mundo extraordinario donde todo es posible. Un mundo que él conoció hace mucho tiempo gracias al Principito. Ahí es donde empieza el viaje mágico y emocional de la Niña al universo del Principito que le lleva a reencontrarse con su infancia y acaba comprendiendo que lo más importante son las relaciones humanas, y que sólo se ve bien con el corazón porque lo esencial es invisible a los ojos.

Crítica

Una obra maestra que nos hará volver a la infancia.

«El Principito» es de esos libros que siempre te dicen qeu tienes que leer, pero que cuando eres un niño, no lo entiendes. Al menos eso me ocurrió a mí, mi madre me dio el libro, me dijo que lo leyera y apenas entendía el mensaje que Antoine de Saint-Exupéry me quería dar. Años después, ya más mayor, con más ocupaciones y con más preocupaciones, volvió a caer en mis manos y admito que me encantó, el mensaje quedó claro y caló hasta el fondo.

Mark Osborne, no solo nos cuenta la historia de El Aviador y El Principito a la perfección, sino que aparte, introduce dos personajes nuevos, pero imprescindibles para que los niños que vayan a ver la película se sientan identificados y además entiendan bien el trasfondo de la historia. Aquí conocemos a una Niña y su Madre, ambas atareadas siempre, la Niña va a entrar en la mejor escuela porque ese es el plan de su Madre para que tenga la mejor vida posible, y sea la mejor adulta. Pero entonces un vecino se les cruza en su camino, El Aviador, dispuesto a torcer todos sus planes para devolver a la infancia a la Niña.

Sin lugar a dudas, el director de «Kung Fu Panda» ha logrado llevar toda la magia del libro de Antoine de Saint-Exupéry a la pantalla, haciéndonos disfrutar de una historia impresionante que hará que volvamos a pensar en si no nos preocupamos demasiado por las cosas y cada vez vivimos menos.

Como he dicho esta cinta me ha parecido una verdadera obra maestra, sus 106 minutos no aburren en absoluto, artísticamente solo puedo decir de ella que me parece una maravilla. La música de Hans Zimmer hace que te pierdas en las arenas del desierto con el Aviador y que disfrutes de todas las aventuras que vivieron el Principito y él. Y la animación, un total acierto, la historia de la niña está rodada con una animación digital impecable, pero sin duda alguna la parte que más me ha gustado y que sin duda más van a disfrutar los pequeños es la animación con stop-motion (una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas) y es que está animación, los personajes están creados con papel maché y sin duda alguna os devolverá a la infancia de inmediato, con una estética muy cuidada y todo en tonos pasteles hará las delicias a más de uno.

No os podéis perder esta película, llena de esperanzas y que os va a enseñar a no olvidar, os va a ayudar a seguir creyendo en los sueños y si tenéis hijos, os va a ayudar a que ellos no pierdan su infancia. Un mensaje muy actual y una película que podréis disfrutar toda la familia, eso sí, os aviso que hay dos momentos que la lagrimilla puede aflorar.

A partir del 9 de septiembre, se podrá disfrutar en las salas de cine españolas, la podréis ver doblada al castellano, en versión original inglesa y francesa.

Nunca olvidéis «que solo se ve con el corazón, lo esencial es invisible a los ojos» entrad en la sala, olvidaos de todo y disfrutad.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de septiembre. Título original: Le petit Prince. Duración: 106 min. País: Francia. Director: Mark Osborne. Guión: Irena Brignull (Novela: Antoine de Saint-Exupéry). Música: Hans Zimmer y Richard Harvey. Fotografía CG: Kris Kapp y Adel Abada. Reparto principal: André Dussollier, Florence Foresti, Vicent Cassel, Marion Cotillard, Guillaume Galliene, Laurent Lafitte, Vincent Lindon. Producción: Onyx Films/ Orange Studio / M6 Films. Distribución: Wanda Vision. Género: Animación. Web oficial: http://www.lepetitprince-lefilm.com/

Crítica: ‘Criminal’

Sinopsis

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Criminal es la historia del hombre adecuado en el cuerpo equivocado. En un último esfuerzo para detener una conspiración diabólica, implantan los recuerdos, secretos y habilidades de un agente de la CIA, que ha fallecido en medio de una misión, en un impredecible y peligroso convicto con la esperanza de que complete el trabajo.

Crítica

Un thriller interesante con un reparto espectacular.

Criminal nos ofrece un thriller de acción con toques de ciencia ficción, bastante curiosa. Jericho (Kevin Costner), un criminal sin sentimientos por un problema cerebral, se ve envuelto en una operación de la CIA. Es operado por el Dr. Franks y se le introduce los recuerdos de un agente muerto (Ryan Reynols), para que pueda recordar y salvar al mundo.

Si, puede parecer muy típico, quizá leyéndolo así, hasta puede parecer rebuscado, pero la película tiene gancho y además cuando la operación para rescatar los recuerdos de el agente de la CIA te la explica Tommy Lee Jones, os puedo asegurar que todo toma sentido.

La película es muy entretenida, desde el principio no se andan parando en explicarte las cosas tranquilidad, es rápida y directa, pero no significa que se te queden las cosas a medias. Quizá en lo que pecan bastante es en mostrar demasiado los recuerdos de la familia del agente de la CIA y hacer que Jericho comience a tener demasiadas emociones con la familia del fallecido. En mi opinión, cortan el ritmo de la cinta y muchas de ellas no son necesarias para la trama.

En cuanto al elenco de actores, sin duda han apostado fuerte por ella, como claro protagonista tenemos a Kevin Costner, haciendo un papel muy diferente al que solemos verle y en el que se desenvuelve bastante bien, sin duda lo mejor de la película. Admito que Jordi Mollà también me ha sorprendido bastante, no suele ser un actor que me entusiasme porque a mi parecer sobreactúa demasiado, pero aquí le vemos bastante comedido y metido en su papel de antagonista. Mientras que el que más me ha decepcionado sin duda alguna ha sido Gary Oldman, que parece que no ha soltado al James Gordon de Batman y continúa haciendo el mismo papel que en la saga de películas de Cristopher Nolan.

Gal Gadot y Ryan Reynols, están muy bien en sus papeles, pero si que es cierto que no tienen demasiado protagonismo. Gal Gadot, hace de la viuda y Ryan Reynols es un personaje introductorio para la película, no significa que sea innecesario, todo lo contrario, al fin y al cabo la película gira en torno a su personaje.

La película lo que os ofrece es acción, persecuciones y diversión. Un gran elenco de actores y muy entretenida. Espero que la disfrutéis.

Ficha técnica

Estreno en España: 2 de septiembre. Título original: Criminal Duración: 113 min. País: Reino Unido. Director: Ariel Women. Guión: Dougla Cook, David Weisberg. Música: Keith Power, Brian Tyler. Fotografía: Dana Gonzales. Reparto principal: Kevin Costner, Gary Oldman, Tommy Lee Jones, Alice Eve, Gal Gadot, Ryan Reynolds. Producción: BenderSpink/ Campbell Grobman Films/ Lionsgate. Distribución: TriPictures. Género: Fantástico. Web oficial: www.tripictures.com/web/criminal/

Crítica: ‘La puerta abierta’

Sinopsis

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Rosa (Carmen Machi) es prostituta, heredó el oficio de Antonia (Terele Pávez), su madre, quien ahora se cree Sara Montiel y convierte su vida cotidiana en un infierno.
Rosa no sabe ser feliz. No puede. Pero la llegada inesperada de un nuevo integrante a su particular (y absurda) familia le dará una oportunidad única para lograrlo.

Crítica

Marina Seresesky logra una tragicomedia equilibrada en su opera prima.

La buena combinación entre comedia y drama es el logro de Marina Seresesky en una película para la que ha ido a lo seguro y ha escogido a dos actrices muy familiarizadas con estos géneros: Carmen Machi y Terele Pávez. Gran elección la de estas dos intérpretes pues son capaces de reírse de las desgracias de la vida y de llorar las alegrías de esta, muy humanas. Todo ello sin llegar a la burla o a lo lacrimógeno.

Es la tercera película de este año en la que Carmen Machi se adentra en el mundo de la prostitución. Más allá de querer reflejar la anécdota quiero manifestar lo capaz que es de hacer un papel semejante en diferentes películas, de modo que resulten distintos. Ella es capaz de atreverse a mostrar exitosamente la profesión más antigua del mundo desde la comedia, el drama y el romance, como ya hizo en ‘Rumbos’ y como sin duda la veremos hacer en ‘Villaviciosa de al lado’.

Terele hace el papel que en principio estaba destinado a Amparo Baró y que esta le cedió a causa de su enfermedad. No ha sido necesario guiño alguno (o al menos yo no lo he percibido) hacia la gran actriz que se nos fue, pues Pávez hace una actuación soberbia, a la altura de la huella que nos dejó su amiga. Personifica a una madre, que parece tener demencia senil y que la única herencia que le ha dado a su hija es la de la profesión de prostituta.

Pero hay otra gran mujer en el film, Asier Etxeandia. Vivimos en el siglo XXI y esta película también puede servir para normalizar la imagen de los travestis junto a otras películas como ‘Viva’. Totalmente transformado el actor realiza una interpretación nada sorprendente pues ya sabemos cuál es su calidad, excelente.

Pero en una película que trata un tema tan duro como la prostitución o el mal de amores también encontramos ternura. Para ello Seresesky ha contado con Hugo Ndiaye y con Lucía Balas, criaturas de las que oiremos hablar años si siguen por este camino. Los personajes de este film mantienen abierta una puerta abierta a la felicidad y Lucía Balas representa precisamente ese sentimiento, ese cambio que ellas esperaban que entrase en su vida.

La cinta está muy limitada en cuanto a localizaciones. Cuenta prácticamente solo con dos: la casa de las protagonistas en una corrala y la calle que todas las noches tienen que recorrer estas. Con esto le basta a la directora para contarnos la historia. Me extrañaría que este film se diese un batacazo, por su calidad y por el buen colchón de laureles con el que llega.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2016. Título original: La puerta abierta. Duración: 86 min. País: España. Director: Marina Seresesky. Guión:  Marina Seresesky. Música: Mariano Marín. Fotografía: Roberto Fernández. Reparto principal: Carmen Machi, Terele Pávez, Asier Etxeandia, Mar Saura, Emilio Palacios, Christian Sánchez, Paco Tous, Yoima Valdés, Monika Kowalska, Sonia Almarcha, Hugo Ndiaye, Lucía Balas. Producción: Meridional Producciones, Chester Media Producciones, Stop&Play Europa, Milciclos & Babilonia, con la participación de Telemadrid. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.meridionalproducciones.com/la-puerta-abierta/

Crítica: ‘No respires’

 Sinopsis

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Un grupo de amigos asaltan la casa de un hombre rico, y ciego, pensando que lograrán el robo perfecto. Están equivocados.

Crítica

Slasher del siglo XXI.

Reuniendo prácticamente el mismo equipo que para ‘Posesion Infernal’, Fede Álvarez nos trae una nueva película donde también se intuye que los protagonistas no van a pasar un rato agradable.

Tres jóvenes ladrones se cuelan en la casa de un ciego. El título nos sugiere que va a tratar sobre los silencios, la tensión emocional, los nervios y la rabia de los personajes. Y si, en determinados momentos el director utiliza esos elementos, muy acertadamente, pero no explota su premisa ni juega tanto con el título como parecía que haría. En lugar de aprovechar eso y crear una cinta terror intenso la ha llevado por el camino del slasher. Aunque en algún momento puntual puede inspirar temor en el espectador no es una película de miedo al uso, sino algo más cercano al survival horror, que además se vuelve cada vez más estrambótico y roza la serie B, de hecho, costó hacerla solo 9 millones de dólares. A causa de esas excentricidades es donde pierde fuerza el terror y gana puntos el slasher. Cuando veáis el momento “pipeta con pera” entenderéis a que me refiero. Desde luego ahí la película alcanza un clímax insospechado.

Entre tantas películas de terror que nos llegan, ‘No respires’ podría tomarse como una demostración de que no hace falta recurrir a lo paranormal para crear una curiosa historia de terror, persecución y tensión. Sigue una técnica parecida a la empleada en ‘Green Room’ aunque en este caso se comete el error de comenzar con un flashforward, haciendo previsible su final.

Enmarcar a ‘No respires’ dentro de la categoría del cine de explotación no significa que no tenga coherencia, de hecho, se crea un conflicto de intereses para el espectador. Normalmente en un slasher queda claramente diferenciado el villano, aunque no nos presente sus motivaciones, aquí no. En este caso el “villano” posee sus razones para comportarse como se comporta y llega a tener incluso más legitimidad que los “buenos”. ¿O no? Mejor no entrar en detalles.

Stephen Lang está apoteósico encarnando a un invidente realmente imponente que, aunque se mueve de un modo extremadamente fluido, se convierte en el protagonista por méritos propios. El reparto de actores escogido para hacer de ladronzuelos (Jane Levy, Dylan Minnette y Daniel Zovatto) está experimentado en el género de terror: ‘It Follows’, ‘Posesión Infernal’, ‘Déjame entrar’… Esto se nota pues saben controlar sentimientos como el pánico o el dolor. Fede Álvarez les ha convertido en unos ladrones poco sofisticados, pero si ingeniosos y resueltos.

Si te gusta el género slasher te encantará esta cinta. Si no estás acostumbrado a ver demencia, excentricidad y brutalidad o bien no la disfrutarás o bien descubrirás un nuevo género.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2016. Título original: Don’t Breathe. Duración: 88 min. País: EE.UU. Director: Fede Álvarez. Guión: Fede Álvarez, Rodo Sayagues. Música: Roque Baños. Fotografía: Pedro Luque. Reparto principal: Stephen Lang, Jane Levy, Dylan Minnette, Daniel Zovatto. Producción: Distribución: Género: Web oficial: http://www.dontbreathe-movie.com/site/

Crítica: ‘Lejos del mar’

 Sinopsis

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Lejos del Mar narra la historia de Santi, un hombre que sale de la cárcel y viaja al sur para visitar a Emilio, su antiguo compañero de celda el cual está enfermo. La casualidad hace que tropiece con Marina, la doctora que atiende a su amigo, con quien Santi tuvo un encuentro terrible hace muchos años y que ha marcado desde entonces la vida de ambos. Este reencuentro les hará enfrentarse a su pasado.

Crítica

Un film abierto a todo tipo de debates.

Hablar sobre el terrorismo nunca debió ser una especie de tabú, pero por desgracia lo ha sido años y tiempo después, películas como esta deben ser calificadas como osadas, controvertidas o arriesgadas. Publicar esta película cuando el panorama político está tan convulso con el tema de Arnaldo Otegi me parece una buena manera de intentar abordar el tema. Se podría decir que Imanol Uribe cierra un ciclo de películas sobre este asunto con ‘Lejos del mar’ (junto a ‘La muerte de Mikel’ y ‘Días contados’). La película maneja sensaciones y momentos que pueden llegar a despertar sentimientos encontrados.

Por un lado, agrada el hecho de tener una temática y una propuesta interesante llevada a cabo por un conjunto de actores de primera categoría. Esta es una de esas películas en las que se ve claramente cuando cambia la concavidad de la línea argumental. En esos momentos brilla Elena Anaya con una interpretación potente a la par que profunda. Pero no se queda atrás Eduard Fernández que es un profesional como la copa de un pino y sabe manejar muy bien el ritmo de las escenas.

Pero ‘Lejos del mar’ tiene también una cara mala. Desagrada el giro que toma el film cuando lleva más o menos la mitad de su duración, en el momento en el que la expectación creada encuentra respuesta. Por incoherencia y por caer en lo típico, queda todo demasiado forzado. Los primeros giros que nos ofrece Uribe, junto a Daniel Cebrián en el guión, personalmente me sorprendieron, me dejaron estupefacto a pesar de tener toda mi atención centrada en la historia. Pero posteriormente me chocó ver como se tira todo por la borda, en el momento en el que el devenir de los acontecimientos acaba yendo por derroteros muy clásicos.

A pesar de las contradicciones que tiene la cinta y de desperdiciar algunas de sus virtudes, Uribe demuestra la capacidad de generar intriga en el espectador, de saber concluir una película y de crear debate entre la audiencia. ¿Merece una segunda oportunidad un terrorista? ¿Es posible que encuentre el perdón entre sus víctimas? ¿Puede alguien tan radical como un terrorista arrepentirse de lo que ha hecho? Guardo para el recuerdo la última escena en la que coinciden Elena Anaya y Susi Sánchez, realmente rompedora.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre de 2016. Título original: Lejos del mar. Duración: 105 min. País: España. Director: Imanol Uribe. Guión: Daniel Cebrián, Imanol Uribe. Música: Javier Rubial (canción final). Fotografía: Kaldo Berridi. Reparto principal: Elena Anaya, Eduard Fernández, José Luis García Pérez, Ignacio Mateos, Juan Motilla, Olivia Delcán, Susi Sánchez, Manuel Tallafé. Producción: Suroeste Films, Maestranza Films. Distribución: Suroeste Films. Género: Drama. Web oficial: http://lejosdelmar.com/

Crítica: ‘Las lágrimas de África’

 Sinopsis

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La actriz y artista valenciana Amparo Climent da voz a los refugiados subsaharianos desde una perspectiva nada dramática y alejada del amarillismo. En una visita al monte Gurugú, punto de encuentro de los inmigrantes que se disponen a cruzar la frontera con Melilla, Climent se encuentra con cientos de personas que huyen de sus países de origen y que intentan cruzar el Mediterráneo. Allí, tras largas conversaciones para comprender sus anhelos y circunstancias le regalan varios dibujos y cartas, en los que ilustraban sus deseos de encontrar un hogar y en los que pedían ayuda «a Europa y al mundo».

Crítica

¡Boza!

La artista Amparo Climent recoge el testimonio abandonado de miles de inmigrantes que aguardan la oportunidad de vivir dentro de un estado de bienestar. Con ‘Las lágrimas de África’ no solo nos muestra la odisea plagada de injusticias que tiene que superar la gente pobre de África, sino también las miserables condiciones en la que se encuentran antes de iniciarla. Debido a esto hay que advertir que en ocasiones el documental proyecta crudas imágenes de una rigurosa realidad.

Rodada cámara en mano, esta película nos introduce en lugares tan descorazonadores como el monte Gugurú y la zona de Bolingo. Zigzaguea entre los atormentados que intentan cruzar la frontera arrastrando fardos como si se tratasen de escarabajos que hacen rodar su penuria. Da voz a voluntarios que luchan al pie del cañón para evitar esta calamidad. En ocasiones la música parece sacada de una película clásica de terror pues en verdad lo que nos revela es la pesadilla que muchas personas viven. Además, se incluyen canciones protesta de compositoras como Edith Salazar, Macu Sanz e incluso posee un tema escrito por la propia Amparo Climent que está interpretado por Gloria Vega y J. Manuel Conde.

Resulta irritante ver como a un lado de la valla de Melilla unos luchan por sobrevivir y justo al lado otros tienen un campo de golf. Es un sobrecogedor documento cargado de denuncia y experiencias personales que, a pesar de haber sido presentado en el Parlamento Europeo, aún habría que restregar por la cara al gobierno marroquí y a nuestras olvidadizas autoridades.

La obra no tiene ni un brillante montaje ni unos planos maravillosos. El largometraje está narrado con la voz de la propia directora que en ocasiones peca de individualismo restando potencia al efecto buscado. Pero se nos ofrece algo más que imágenes duras y vivencias propias Climent. Ofrece la posibilidad de dar voz a los verdaderos protagonistas y además pretende hermanarse con otro tipo de refugiados como como los sirios, que también encuentran su apoyo en el documental “Los sueños de Idomeni”.

Todas las filmaciones que se hagan sobre este tema son pocas.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de septiembre de 2016. Título original: Las lágrimas de África. Duración: 70 min. País: España. Director: Amparo Climent. Guión: Amparo Climent. Música: José Manuel Conde, Sergio Kuhlmann. Reparto principal: Documental. Producción: Amparo Climent. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: Documental. Web oficial: http://www.laslagrimasdeafrica.es/

Crítica: ‘Café Society’

 Sinopsis

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Nueva York en los años 30. A medida que los problemas crecen con sus pendencieros padres, su hermano gánster y la joyería de la familia, Bobby Dorfman siente que es el momento de cambiar de escenario. Así que decide marcharse y probar fortuna en Hollywood, donde su tío Phil, un poderoso agente, lo contrata como chico de los recados. En Hollywood pronto se enamora, pero la chica en cuestión tiene novio. Comienza así una amistad, hasta que un día la chica llama a su puerta y le cuenta que su novio ha roto con ella. De repente, la vida de Bobby da un giro muy romántico.

Crítica

Una monótona visión del amor enfrentado a las circunstancias sociales.

Parece que se han puesto de acuerdo algunos cineastas para mostrarnos la época dorada de Hollywood. Hemos tenido recientemente películas sonadas como ‘¡Ave, César!’ o ‘Trumbo. La lista negra de Hollywood’, pero la que más nos sumerge en aquella época de fiestas, glamour, falsedad y sueños es ‘Café Society’.

Si Greg Mottola nos podía hacer sentir morriña por vivir los ochenta con su ‘Adventureland’, Allen puede hacernos pasar por lo mismo solo que con la década de los 30. La excelente ambientación y el vestuario conforman el gran atractivo de este film. Estos dos logrados elementos hacen que el director de fotografía, Vittorio Storaro, pueda lucirse con unos excelentes planos y unas abrumadoras secuencias. Nos introduce de lleno en el Hollywood de los años 30. Una gran muestra de ello es el modo tan despampanante y arrebatador en que se nos muestra a Blake Lively (‘Infierno Azul’).

Rescatando el título de Mottola debo señalar que vuelven a coincidir tras esa comedia Jesse Eisenberg y Kirsten Stewart. Lo cierto es que estas dos películas pueden tener ciertos puntos en común, sobre todo cuando coinciden ambos en pantalla. Jesse Eisenberg continúa con sus muecas y gesticulaciones de siempre, pero alejándose de sus otros personajes histriónicos. Kirsten Stewart con sus caras bobaliconas sigue demostrando las limitaciones que tiene, pero por suerte para ella el personaje que Allen le ha escrito se ajusta bien a sus cualidades. Entre ambos conforman una pareja creíble, no encantadora, pero tan realista que muchos podrán sentirse identificados con sus sentimientos.

Para contarnos esta historia, Woody Allen utiliza un método muy similar a la narrativa clásica de Hollywood. Fragmento a fragmento compone una historia que él mismo va narrando como personaje anónimo. El director ganador del Oscar en cuatro ocasiones no podrá negar ser el padre de esta cinta ya que tiene casi todos los elementos que definen su cine. Por eso están presentes los chistes sobre judíos o su amada Nueva York. La comedia también forma una parte importante en este relato y es Corey Stoll (‘The Strain’) el más gracioso gracias a su caricatura del cine de mafiosos, con aparición de Tony Sirico (‘Los Soprano’) incluida. Steve Carell por el contrario, más acostumbrado a hacernos reír, nos ofrece la cara irónica del amor.

La de ‘Café Society’ es una buena propuesta que está muy bien planteada, pero que se desarrolla de un modo un tanto tedioso. Se refleja a la perfección la lucha del magnetismo del poder social y el glamour contra los sentimientos amorosos. La película posee muchas idas y venidas románticas, pero sin aportar grandes giros narrativos, de hecho, los que hay se ven venir a la legua.

Sin duda a Allen le encanta bucear en este género, se recrea con él, en ocasiones demasiado, y como es costumbre nos deja más de una frase para los anales del cine que merecen ser oídas.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de agosto de 2016. Título original: Café Society. Duración: 96 min. País: EE.UU. Director: Woody Allen. Guión: Woody Allen. Música: Varios. Fotografía: Vittorio Storaro. Reparto principal: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, Blake Lively, Parker Posey, Corey Stoll. Producción: Amazon Studios, Gravier Productions, Perdido production. Distribución: eOne Films. Género: comedia, romance. Web oficial: http://www.cafesocietymovie.com/

Crítica: “Elvis & Nixon”

 Sinopsis

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En una mañana de diciembre de 1970, el rey de Rock n Roll se presenta en el patio de la Casa Blanca para solicitar una cita con el hombre más poderoso del mundo, El Presidente Richard Nixon. Protagonizada por el nominado a un Oscar®, Michael Shannon, interpretando a Presley y el ganador de dos premios de la Academia, Kevin Spacey, cómo Nixon, Elvis & Nixon relata la historia nunca contada que hay tras ese revelador momento histórico en el despacho Oval, inmortalizado en la fotografía más solicitada de los archivos nacionales.

Crítica

Elvis is in the House.

Un Elvis preocupado por el comunismo, la juventud, las drogas, el racismo… decide visitar a Nixon para poner su personaje al servicio del estado. Para ello pide una placa con la que ejercer de agente federal autónomo y así poder trabajar de incógnito. ¿Quién iba a sospechar que Elvis se infiltrase en el mundo de la droga para acabar con los traficantes a golpe de karate? Así de surrealista es el encuentro que sucedió realmente y que se representa en esta película que bien podría haber sido una obra teatral.

No se puede tomar por la vía del drama una historia tan cómica, real sí, pero cómica. Al margen de las situaciones absurdas y burlescas se incluye la historia de Jerry (Alex Pettyfer) que nos muestra cómo puede haber gente a la sombra de artistas tan grandes como el Rey que tienen que renunciar a su vida privada para realizar su trabajo. Han tirado por lo disparatado al no tener la transcripción del encuentro, como se advierte al comienzo. Pero se conocen los detalles de la petición de la placa, algunas palabras o la insistencia del Rey por culpar a los Beatles de muchos de los males de Norteamérica. Es por ello que le ha faltado algo más de hilaridad a la cinta para hacerla más divertida aún ya que el resultado la deja entre lo delirante y lo trágico.

Pese a ser una película menor podría ser la primera de gran calado para su directora, Liza Johnson. Michael Shannon (irreconocible tras su General Zod) interpreta a un Elvis infantil, perturbado y excéntrico que se encuentra afectado por el trato de objeto que recibe de la sociedad. Gesticula y emula bien a Elvis pero no llegamos a ver realmente al cantante. Mucho más acertado esta Kevin Spacey, cuyo parecido físico podría haberse arreglado con más caracterización, detalle que sin duda el actor suple con una soberbia imitación de posturas y voz.

“Elvis & Nixon” supone una anécdota curiosa de la historia de Estados Unidos, merecía la pena ser contada, para ello se ha acertado en el formato y en la puesta en escena, pero no tanto en el libreto.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de agosto de 2016. Título original: Elvis & Nixon. Duración: 86 min. País: EE.UU. Director: Liza Johnson. Guión: Joey Sagal, Hanala Sagal, Cary Elwes. Música: Ed Shearmur. Fotografía: Terry Stacey. Reparto principal: Michael Shannon, Kevin Spacey, Evan Peters, Ashley Benson, Alex Pettyfer, Colin Hanks, Johnny Knoxville, Tate Donovan, Ahna O’Reilly, Justin Lebrun, Candice Harrison, Tracy Letts, Dylan Penn. Producción: Jellyfish Bloom, Autumn Productions, Elevated Films. Distribución: Sony Pictures. Género: Comedia. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/elvisnixon/

Crítica: “Kubo y las dos cuerdas mágicas”

 Sinopsis

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El inteligente y bondadoso Kubo se gana la vida como puede contando historias tan maravillosas como fantásticas a los habitantes de un pueblecito costero. Pero su tranquila existencia cambia de golpe cuando, accidentalmente, llama a un espíritu mítico que regresa de los cielos decidido a llevar a cabo una venganza milenaria.

Kubo no tiene más remedio que huir y unirse a Mona y a Escarabajo para salvar a su familia y resolver el misterio que rodea a su deshonrado padre, el más grande de todos los samuráis que jamás ha existido. Con la ayuda de su shamisen, un instrumento mágico, Kubo se enfrenta a dioses y a monstruos como el vengativo Rey Luna y las malévolas gemelas para descubrir el secreto de su herencia, reunirse con su familia y cumplir el heroico destino que le está reservado.

Crítica

Una leyenda oriental y ancestral ideada en el presente.

El protagonista de hoy cuenta historias, va con su instrumento musical a todas partes y hace magia, no, no es el Kvothe de Patrick Rothfuss, aunque su nombre también empieza por K. Hablamos de Kubo, el niño que da nombre a la película “Kubo y las dos cuerdas mágicas”.

Los responsables de adaptar a la gran pantalla la novela “Los mundos de Coraline”, Laika Entertainment, han contado con uno de sus experimentados animadores de stop motion, Travis Knight, para la dirección de otra de sus producciones. Y en esta ocasión superan a otros trabajos en los que también estuvo involucrado este artista como pueden ser “El alucinante mundo de Norman” o “Los Boxtrolls”. “Kubo y las dos cuerdas mágicas” resulta ser un cuento original, con un gran regusto a las ancestrales historias y cuentos orientales.

La narrativa del film resulta encantadora. Sale a la luz una mitología cargada de simbología y magia oriental. Pero los guionistas Marc Haimes y Chris Butler no nos arrojan la información de todo este nuevo universo en el intrigante epílogo, como suele suceder en cintas de esta índole. En esta película los misterios se van desgranando poco a poco, si bien es verdad que uno de los grandes secretos se ve venir a mitad del film. Esta no es una mera aventura efectista. Es un cuento muy bien pensado y relatado. Es digno de alabar el que hayan creado una fábula interesante y que podría formar parte de los más antiguos apólogos.

En el doblaje original figuran actores como Art Parkinson, Charlize Theron, Ralph Fiennes o Matthew McConaughey. Al doblarlo al castellano han cuidado de emplear a los dobladores de estas estrellas transportando así su carisma con ellos. Entre todos nos presentan a un elenco de novela clásica que nos aportan emoción, humor y heroicidad.

La animación Stop Motion es una especialidad de Laika y con esta producción lo han demostrado y además han sabido incorporar por primera vez las técnicas de CGI. No solo logran un gran resultado con sus personajes, sino también con sus “localizaciones” y su estética. Desde luego es una película bella y sesudamente diseñada, una obra de arte en movimiento.

Como buena fábula o cuento tiene su moraleja. Personalmente me quedo con la escena final en la que nos demuestran lo importante que es valorar una familia y sobre todo el ser misericordioso con todos, incluso con los que nos desean mal. Es por ello que, pese a tener muchos conceptos dignos de ser reflejados en un haiku, es un buen producto para los niñ@s pero también para los padres que encontrarán un hermoso entretenimiento.

Para colofón, en los créditos, figura una canción compuesta por el Beatle (muy apropiado) George Harrison, pero cantada por Regina Spektor e interpretada con un shamishen. No sé si podría optar al Oscar al ser una versión, desde luego se lo merecería.

Parece que quiero persuadir a todos y cada uno de nuestros lectores a ver “Kubo y las dos cuerdas mágicas” pero es que me ha fascinado y por eso espero que mis palabras os hayan transmitido las buenas vibraciones que a mí me han llegado de las cuerdas de Kubo.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de agosto de 2016. Título original: Kubo and the Two Strings. Duración: 101 min. País: EE.UU. Director: Travis Knight. Guión: Marc Haimes, Chris Butler. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Frank Passingham. Reparto principal (doblaje original): Art Parkinson, Charlize Theron, Ralph Fiennes, George Takei, Rooney Mara, Matthew McConaughey, Brenda Vaccaro, Cary-Hiroyuki Tagawa, Minae Noji. Producción: Laika Animation. Distribución: Universal Pictures. Género: animación, aventuras, comedia. Web oficial: www.kuboylasdoscuerdasmagicas.es

Crítica: Pelé, el nacimiento de una leyenda

Sinopsis

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Rodada íntegramente en Brasil, cuenta la emocionante e inspiradora historia de cómo un muchacho que vive en las Favelas es capaz de superar las dificultades de su precaria forma de vida hasta convertirse en el sueño y la esperanza de todo un país, al dirigir al equipo brasileño a su primera Copa del Mundo en 1958. Escrita y dirigida por los hermanos Michael y Jeff Zimbalist, ha contado con la participación del propio Pelé, que no ha dudado en mostrar al mundo los más profundos recuerdos de su infancia y de un Brasil lleno de problemas raciales y de miseria, en el que su trabajo, espíritu de superación y esa forma tan especial de jugar (la ginga) unió a aquel grupo de jugadores y a todo el país de una forma inquebrantable.

Crítica

Intentar sacar brillo a una estrella puede quemar.

Edson Arantes do Nascimento, O Rei, La Perla Negra o como más se le conoce, Pelé, fue un deportista y es una personalidad del mundo del fútbol que ha recibido a lo largo de su vida mucho reconocimiento internacional. Pero no siempre tuvo las cosas fáciles ni vivió una buena vida. “Pelé, el nacimiento de una leyenda” pretende mostrar los años de la infancia y juventud del astro brasileño que no solo inspiró a todo un país en su época, sino que también ha dado esperanza a muchos niños de las favelas brasileñas.

El talento o los logros de Pelé son indiscutibles, pero la película peca de sobrarse en el enaltecimiento de su figura desde el mismísimo título. El rodaje de los hermanos Zimbalist (“30 for 30”) se parece, en demasiadas ocasiones, a un episodio de “Capitán Tsubasa” o se sobra empleando una espectacularidad semejante a la de los famosos anuncios de Nike. Tanto es así que prácticamente ningunea a otros jugadores de la quinta de Pelé como Vavá o Garrincha. Ni que decir tiene que los jugadores rivales, los de las selecciones de Suecia o Francia, parecen mancos. Se olvida por ejemplo de que el francés Just Fontaine marcó más del doble de goles que Pelé en el mundial del 58. Se endiosa tanto su juego que llega a parecer poco creíble, aunque esté basado en hechos reales.

Pero la película no solo sirve para mostrar los inicios de Pelé. Es un medio para revindicar la ginga o lo que se conoció más adelante como el jogo bonito. El Rey fue un embajador y maestro de este estilo de fútbol que a tantos maravilla y su historia está ligada a él. Un problema del film es que se recurre tanto a la ginga que a veces parece que se refieran a ella como si fuese la Fuerza, “usa la Fuerza ginga”.

También se puede considerar el film como un vehículo para hacer ver al público que Brasil no siempre ha sido el amo de este deporte (aunque sea cargándole todo el mérito a Pelé). Que tal y como ocurre ahora, los padres forman un papel fundamental en las carreras de las estrellas brasileñas. El padre de Pelé, Dondinho, le instó a jugar al fútbol y tiene uno de los records que él no pudo batir, marcar cinco goles con la cabeza en un solo partido. Además, nos muestra cómo el fútbol influye en todo un país, en la moral y vida de las personas, una triste realidad.

Cabe destacar el papel de Seu Jorge (“Life Aquatic”) como Dondinho, muy afectivo y paternal. Vincent D’Onofrio (“Daredevil”) se desprende solo de parte del malhumorado Fisk que le ha dado tanta fama para ponerse a ritmo de samba en la piel del entrenador Vicente Feola. El mexicano Diego Boneta vuelve a ganar puntos conmigo tras haberle visto también en “Summer Camp”.

Según los directores Pelé ha contribuido con sus recuerdos, pero no se ha inmiscuido en el guión. Sin embargo, figura como productor ejecutivo, habrá que tomarse esta película como un «homenaje que él mismo se ha dado», haciendo un cameo en ella por cierto. De un modo original, el cartel de «Pelé: el nacimiento de una leyenda» no tiene laureles por los premios que ha ganado el film, si no por los que ha ganado el jugador, para muchos son un motivo más que suficiente como para dedicarle una película. No hay duda de que esta cinta ensalza a Pelé. Algunos pueden pensar que ya tenemos multitud de material videográfico con sus partidos como para necesitar ver su juego recreado. Pero sí puede resultar interesante descubrir sus orígenes desde niño y ver que hay algunas cosas que desde hace mucho tiempo no cambian.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de diciembre de 2016. Título original: Pele birth of a legend. Duración: 107 min. País: EE.UU., Brasil. Director: Michael Zimbalist, Jeff Zimbalist. Guión: Michael Zimbalist, Jeff Zimbalist. Música: A.R. Rahman. Fotografía: Matthew Libatique. Reparto principal: Leonardo Lima Carvalho, Kevin de Paula, Vincent D’Onofrio, Rodrigo Santoro, Seu Jorge, Diego Boneta. Producción: Imagine Entertainment, Seine Pictures, Exclusive Media Group. Distribución: F&P Media. Género: Deportes, Familiar. Web oficial: http://www.flinsypiniculas.com/ficha.php?id=199

Crítica: “Secuestro”

 Sinopsis

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Patricia de Lucas (Blanca Portillo), una prestigiosa abogada, ve como su vida se convierte en una pesadilla cuando su hijo Víctor (Marc Domenech) desaparece del colegio sin dejar rastro. Horas más tarde, el niño reaparece magullado y perlado en sudor, confesando que un hombre le ha intentado secuestrar, pero que ha logrado escapar. La policía se moviliza y, tras una rueda de identificación con Víctor, logran dar con el aparente responsable. Sin embargo, las pruebas no son suficientes, y el presunto secuestrador queda en libertad. Es entonces cuando Patricia, asustada y temiendo por su hijo, decide hacer lo que no ha hecho nunca: tomarse la justicia por su cuenta. Pero la situación se le escapará de las manos y las consecuencias de sus actos serán imprevisibles…

Crítica

Un drama infantil secuestrado por el género policial.

Los secuestros son un tema muy recurrido en el cine. Es muy fácil para el espectador, que siempre es posible que tenga un hijo o sobrino, empatizar con el, o la, protagonista de la cinta. Alejándose de películas de acción como “El fuego de la venganza” o “Venganza”, “Secuestro” se encuentra dentro de esos thrillers que como “Rescate” o “Cautivos” nos intrigaron y nos acongojaron por temer por la seguridad del personaje infantil de la cinta. Por suerte no es una película de buenos y malos, si no una historia realista con personajes con claroscuros con los cuales el espectador tendrá que decidir si empatizar o no.

Al menos esta parece la idea que ha buscado plasmar Oriol Paulo (“Los ojos de Julia”) con el guión que ha escrito. Lo obvio sería que la trama girase entorno a Victor, el niño que interpreta muy bien Marc Domenech. Pero a mediados del film la historia cambia su curso, a raíz de una revelación que habría sido buen final de historia. A partir de ese instante en quien se centra la atención es en el personaje de Blanca Portillo, perdiendo de este modo casi todo el gancho o el atractivo que tenía. Bien es cierto que la personalidad y la sordera del niño contribuyen a crear un personaje aún más vulnerable para la película. Pero también contribuye esto a ver una figura más humanizada de la abogada sin escrúpulos que es Patricia de Lucas (Blanca Portillo), por lo que parece más bien incluido como un personaje satélite de esta. El título y tráiler nos habían vendido algo diferente. Ya nos avisaba la inclusión final de Blanca Portillo en el cartel de quien iba a ser realmente la protagonista. Eso sí, el tagline, que tengo entendido está inspirado en una frase de Angelina Jolie, deja bien claro que su personaje no se anda con medias tintas.

Quien se lleva la película de calle es la premiada actriz protagonista. Con su personaje y con su interpretación acapara la cinta. Ha entendido bien que su papel no es el de una abogada que se dedique a ser una picapleitos, sino que es una depredadora que hace lo que sea para ganar sus litigios. Esto también lo extrapola a su vida cotidiana donde procura mantener un control absoluto de todo y de no lograr esto recurre a las prácticas que sean necesarias. Blanca Portillo ejecuta con rigor a este personaje llevándolo a su terreno y poniéndole al límite.

Coronado figura en la película como una “aparición especial” pero por relevancia y por tiempo en pantalla es mucho más que eso. El actor madrileño realiza un papel cambiante y que gradualmente va a más. Otro gran nombre que aparece en la película es el de Macarena Gómez, haciendo alarde de sus dotes para el drama pero interviniendo más bien poco. Pero también cabe destacar la labor de Antonio Dechent, con su fuerte presencia se convierte en coprotagonista.

Es por todo esto que podemos decir que la película de Mar Targarona juega al despiste y si uno la enfoca como una trama policial, más que como la historia de un secuestro, puede salir satisfecho de la sala de cine. “Secuestro” es una película de policías, de corruptos, de maleantes y de mentirosos. Su atractivo reside en ir viendo quien desempeña realmente todos estos papeles. Salvo algún fallo de raccord, la duración de la película y como se aleja de la trama propuesta, podemos decir que “Secuestro” es una película bien hecha que presenta varias cuestiones y temas muy de actualidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de agosto de 2016. Título original: Secuestro. Duración: 105 min. País: España. Director: Mar Targarona. Guión: Oriol Paulo. Música: Marc Vaillo. Fotografía: Sergi Bartoli. Reparto principal: Blanca Portillo, Marc Domenech, Antonio Dechent, Vicente Romero, José Coronado, José María Pou, Andrés Herrera, Macarena Gómez, Paco Manzanedo. Producción: Rodar y Rodar. Distribución: Sony Pictures. Género: Thriller.

Crítica: ‘Nerve’

 Sinopsis

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Cuando Vee (Emma Roberts) comienza a concursar en Nerve, un juego anónimo de retos que se retransmite on line, descubre que el juego sabe cosas de ella. La tienta con los premios que más desea y la empareja con Ian (Dave Franco), su chico ideal. Al principio todo es genial: los fans de Vee e Ian los animan mientras ellos superan retos más y más arriesgados. Pero todo da un giro inesperado cuando lo que empiezan a jugarse es su propia vida. ¿Hasta dónde será Vee capaz de llegar?

Crítica

La película “Nerve” tiene dos partes diferenciadas.

Una primera de romance y algo de comedia para ir conociendo a los protagonistas, y sentar las bases de la historia, y una segunda parte que gira hacia el drama y el thriller.

En la película subyace lo peligrosas que se están volviendo las redes sociales actualmente. En el mundo actual, qué apenas nadie sobrevive dos horas sin mirar el móvil, todo el mundo está inscrito en alguna red social o foro, y se conecta a él a diario. Lo que debería ser una forma más de mejorar las relaciones o expandir limites, en realidad nos está convirtiendo en seres más crueles, sin darnos cuenta de que, aun siendo meros lectores o espectadores, nosotros somos responsables en menor medida de que mucha gente hace lo que hace solo por sus cinco minutos de gloria o alcanzar cada vez más seguidores; somos también cómplices, a veces.

Esa podría ser la moraleja del film, qué cuantas más herramientas tenemos para relacionarnos y mejorar, más solitarios y sin sentimientos nos volvemos.

La pareja formada por Emma Roberts y Dave Franco tiene una perfecta química en la pantalla y llena toda la historia, y pese a ser una historia que transcurre en menos de un día, las escenas están secuenciadas de forma muy natural y sin aturullar ni meter prisas.

La banda sonora es muy buena (para mi gusto, claro) y pese a estar ambientada en la época actual, tiene una estética de peli de los años ochenta, incluso os pueden venir flashbacks de alguna de ellas.

Estoy seguro de que la mayoría saldréis impactados o meditabundos de verla y os encantara. Entretiene todo el rato.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto de 2016. Título original: Nerve. Duración: 96 min. País: EE.UU. Director: Henry Joost, Ariel Schulman. Guión: Jessica Sharzer. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Michael Simmonds. Reparto principal: Emma Roberts, Dave Franco, Juliette Lewis. Producción: Lionsgate Films, Allison Shearmur Productions. Distribución: eOne Films. Género: Thriller. Web oficial: http://www.playnerve.com/

Crítica: «Los Visitantes la lían (en la Revolución Francesa)»

Sinopsis

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Atascados en los corredores del tiempo, el conde Godofredo “el Audaz” y su cafre escudero Delcojón “el Bribón” llegan a la Revolución Francesa. A un momento en el que los descendientes de Delcojón (ahora apellidados ”DelCojoné”), confiscan el castillo y todos los bienes de los descendientes del conde, aristócratas que huyen de “Madame La Guillotine”.

 

Crítica

Los viajes en el tiempo y las risas vuelven gracias a Delcojón y Godofredo de Miramonte.

Quien no haya visto las anteriores películas, creo que se pierden dos buenas comedias francesas. Esta última sigue el mismo patrón que las anteriores, en la que el pobre Godofredo con su «leal» lacayo, intentan volver a su época para poder casarse de una vez con su amada.

La Revolución francesa tiene atrapado a nuestros curiosos protagonistas, una época en la que todo es demasiado remilgado, pues ellos dos venidos de la gran Edad Media, no ven con buenos ojos que los caballeros de «ahora» lleven medias y pelucas , bueno y qué decir del perfume, todo demasiado extraño para dos hombres que van oliendo a pocilga.

Los Visitantes vuelven con fuerza, las risas están aseguradas con la tercera parte de esta comedia francesa. Si que es cierto que no vais a encontrar nada nuevo, la trama de la película como he dicho se repite con las anteriores, pero lo importante de esta película no es realmente lo que vaya o no a ocurrir, sino más bien sus gags y todas las risas que os vais a echar.

Jean Reno y Christian Clavier, están en su salsa, ya es la tercera vez que repiten personajes y está claro que los iban a clavar. Las puyas que se lanzan el uno contra el otro siguen siendo buenísimas y realmente te hace pensar muchas veces quien es el lacayo de quien. La picaresca Delcojón hace que el resto de personajes enloquezcan. Su mal humor, el ser tan burro y sobre todo su mal olor, dará más de un dolor de cabeza a los nuevos personajes de la historia.

La manera de reírse de ellos mismo es espectacular, y las escenas en las que aparece Marat son graciosísimas, sí que es cierto que llega un punto que la película pierde. Quizá sea porque son casi dos horas de metraje, para mí ese ha sido el punto negativo de la cinta. Pero quitando ese detalle decir que no os vais a arrepentir de ir a verla, os vais a reír y disfrutar y si sois fans de las anteriores no os va a defraudar, repiten actores, director y guionistas, no se puede pedir más.

 

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de septiembre. Título original: Les Visiteurs: La Révolution. Duración: 110 min. País: Francia. Director: Jean-Marie Poiré. Guión: Jean-Marie Poiré, Christian Clavier. Música: Eric Levi. Fotografía: Stéphane Le Parc. Reparto principal: Jean Reno, Christian Clavier, Franck Dubosc, Karin Viard, Sylvie Testud, Merie-Anne Chazel, Ary Abittan, Alex Lutz, Fréderique Bel, Lorànt Deutsch, Stéphanie Crayencour, PAscal N’Zonzi. Producción: Gaumont  / Nexus Factory / Oko Productions / Ouille Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género:Comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/580/los-visitantes-la-lian-en-la-revolucion-francesa/

 

Crítica: “Escuadrón Suicida”

 Sinopsis

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Qué bien sienta ser malo… Reúne a un equipo con los más peligrosos y encarcelados Súper Villanos, pon a su disposición el arsenal más poderoso del gobierno, y envíalos a una misión para derrotar a un ente enigmático e invencible. La oficial de inteligencia de EE.UU. Amanda Waller ha creado un grupo secreto que reúne a individuos diversos y despreciables que no tienen nada que perder, y que servirán perfectamente para la misión. Sin embargo, una vez se dan cuenta de que no habían sido escogidos para triunfar, sino por su evidente culpabilidad cuando fracasen de forma inevitable, ¿decidirá el Escuadrón Suicida morir en el intento o será un «sálvense quien pueda»?

Crítica

Villanos a gogó.

Sí, sale Batman, sale Joker, sale Deadshot y salen muchos otros pero es una película que no respeta el producto en el que está basada. No basta con escoger a personajes “chulos” y sacarles a jugar. Por esa y otras razones, provenientes de fuera del fenómeno fan del cómic, resulta un producto decepcionante. Antes de que califiquen a un servidor como marvelita o como conspirador contra Warner/DC, he de decir que soy de los pocos que han defendido “Batman v Superman” y que aún conserva esperanza por el descabezado plan cinematográfico que hay en marcha para adaptar las publicaciones de DC comics, que puede que mejore si se pone las pilas Geoff Johns, presidente de DC Entertainment. Que Warner no tiene un proyecto sólidamente edificado para desarrollar su universo está más que claro. La construcción de toda su red de películas se está realizando a marchas forzadas, por exigencias de la competencia, y esto la convierte en una arriesgada apuesta que se está quedando en el suficiente.

“Escuadrón Suicida” si respeta la idea original del cómic, la de reunir un grupo de villanos o súper villanos, gente prescindible, y enviarles a una misión de la que probablemente no vuelvan pero sí que resuelvan. Ese es el concepto, pero su traslación al mundo cinematográfico exige facilidad de comprensión hacía los espectadores y una fidelidad hacia los lectores en su desarrollo. El film de David Ayer no cumple ni lo uno ni lo otro.

Ofrece un mero entretenimiento basado en la acción y el deslumbramiento de sus escenas. Muchos tiros, muchos efectos, algo menos de humor y ya está. Pero decepciona porque a priori nos ofrecía algo distinto y no lo llega a explotar. Se pierde el gancho de un cómic que juega con las triquiñuelas, los vínculos entre personajes, las trampas y los cambios de bando de sus protagonistas. No se explica bien la fuente de los enemigos a batir y se pretende que los que ven la película empaticen con unos antihéroes que son totalmente nuevos en la gran pantalla sin ofrecer una buena panorámica de todos ellos. Con todo esto lo que se hace es aturullar y guiar al espectador por el camino erróneo. Conclusión, sobran personajes, por eso la cinta se centra demasiado en algunos y desaprovecha otros. Seguramente no llegue a formar parte de las películas preferidas de mucha gente pero si será recordada como la introducción no solo de un nuevo Joker si no de una nueva remesa de caras que seguro estarán en futuras películas haciendo de las suyas y entonces sí se logre cierta simpatía.

Por ejemplo, Deadshot, Capitán Boomerang o Rick Flag son miembros indispensables y que no podían faltar. Pero Will Smith debería haber demostrado ser el buen actor que muchos le consideramos y no hacer el mismo personaje que tanto ha hecho pero con distinto traje. No tiene la clase ni el carácter del Deadshot original y tampoco la relevancia que sugiere su tiempo en pantalla. Además, está eclipsado por Margot Robbie. Ella sí que acierta en su encarnación de una de las villanas más famosas de la actualidad comiquera, enseñando más carne de la que debería para ser tomada realmente en serio. En algunos momentos resulta caricaturesca, aproximándose a la Harley de la saga de videojuegos Arkham, pero es la pillastre que debe ser.

Y es que el director y guionista ha intentado presentar a los principales miembros del escuadrón con una extensa, arrítmica y tediosa introducción, alargando una cinta que debería haber sido más dinámica en sus inicios para lograr enlazar bien con sus logradas escenas de acción, alcanzando así un tono épico. Con menos intérpretes y un prólogo más condensado habríamos quedado más complacidos.

Hay que hacer una mención especial para Viola Davis (Amanda Waller) que ha ejecutado muy bien a un personaje clave, una mujer de armas tomar como pocas se ven y que podrá tener voz y voto en futuras películas. También me ha gustado el Joker de Jared Leto. Pese a estar por detrás de otros actores que le han encarnado refleja bien la locura del personaje, lástima que el libreto le convierta en un jefe del hampa alejado del líder caótico que acostumbra a ser. Eso sí, recomiendo ver la película en versión original porque el doblaje para el Joker es muy mejorable. Cara Delevingne también ha afrontado la difícil tarea de interpretar a dos personajes en uno resultando ser una gran bruja y una excelente mujer atormentada.

Otra lacra que arrastra la cinta es su batiburrillo musical. Pese a conformar un grupo de buenos temas estos están usados sin buen criterio e introducidos de mala manera. Resulta ser una sobrecarga de escenas videoclipistas. Con esto Ayer, se aleja de la profundidad e intensidad lograda en “Training day” o en “Corazones de acero” y se acerca más a la acción facilona de “Sabotage”. En el campo de la composición cinematográfica hay que admitir que se logra una estética muy acertada, una muestra más de a quién va dirigida realmente la cinta. Usar los trajes y props de la versión inicial del cómic habría sido un error. Además Roman Vasyanov ha estado muy bien con su fotografía.

No podrían faltar los múltiples huevos de pascua, siempre agradecidos. El guiño al Joker de Alex Ross es el más destacable unido al pequeño reconocimiento hacía John Ostrander (autor del cómic) que se puede ver en un edificio.

La primera escena y la escena post créditos están empleadas para incluir a «Escuadrón Suidida» en la continuidad de los nuevos films de DC. Ahí hay que reconocerles un acierto que habría sido imperdonable de haber faltado. Lástima que una película que parte de tan buena materia prima y con la que nos han estado bombardeando tantos meses se haya quedado en entretenida y confusa. Esperemos cambien las cosas, al menos el material publicado sobre las novedades de DC presagia un mañana mejor.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: Suicide Squad. Duración: 123 min. País: EE.UU. Director: David Ayer. Guión: David Ayer. Música: Steven Price. Fotografía: Roman Vasyanov. Reparto principal: Will Smith, Jared Leto, Margot Robbie, Jai Courtney, Joel Kinnaman, Viola Davis, Cara Delevingne, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Adam Beach, Jay Hernandez, Karen Fukuhara, Scott Eastwood, Jim Parrack, Ike Barinholtz, Ben Affleck, Corina Calderon, Alex Meraz, David Harbour. Producción: Warner Bros. Pictures, DC Comics. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, cómic. Web oficial: http://www.suicidesquad.com/

Crítica: “Sharknado: que la 4ª te acompañe”

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Sharknado: Que la 4ª te acompañe tendrá lugar cinco años después de que la Costa Este de Estados Unidos fuera devastada en Sharknado 3. Fin, su familia y el universo han estado felizmente libres de sharnados en los años intermedios, pero ahora los tiburones (¡y tornados!) se están multiplicando en los lugares (y formas) más insospechados. Como los sharknados vuelven con más fuerza que nunca, Fin Shepard (Ian Ziering) necesitará la ayuda de algunos nuevos amigos en su incansable lucha para proteger el mundo de la amenaza sharknádica.

Crítica

Macedonia de tornados para todos.

Bajo la batuta del mismo director de las tres anteriores, Anthony C. Ferrante, y el libreto del mismo guionista, Thunder Levin, vuelve Sharknado. Regresa Fin Shepard, el único hombre capaz de surfear un tornado de tiburones con un coche. Esta vez lo ha hecho acompañado de toda su familia. Vuelve además con su esposa, Tara Reid, tras las votaciones positivas de los fans de la saga. Pero no es el único que tiene esposa, su hijo, interpretado por Cody Linley se ha casado y su pareja lleva un peinado que recuerda a la nueva Tormenta de los X-Men, muy apropiado.

Tras sus títulos de crédito comiqueros he disfrutado, aunque en menor medida que con las anteriores entregas, con los guiños a “Star Wars”, obligatorios ya que se aprovecha el juego de palabras para el título, los tiburones holográficos como el de “Regreso al futuro”, las referencias a “El Mago de Oz” o a “Los vigilantes de la playa”, incluso a “Iron Man”. Como en anteriores ocasiones tenemos gran variedad de cameos, algunos muy difíciles para los no expertos en cultura norteamericana. Aparecen por ejemplo David Faustino (“Atomic Shark”, “Matrimonio con hijos”), Gary Busey (“Arma Letal”), Gilbert Gottfried (“Este chico es un demonio”, Steve Gutenberg (“Lavalantula”, “Loca academia de policía”) o Christine el coche de Stephen King.

Mucha casquería, efectos especiales de poca monta, escenas incoherentes, pésimas interpretaciones… vamos, lo normal en Sharknado. Se mantiene el reparto, se mantienen los chistes recurrentes y se mantiene el esquema. Esta cuarta entrega, pese a ser más floja, contribuirá a perpetuar la huella que está dejando esta saga en la serie B moderna.

Marca la diferencia con el resto de películas le hecho de que la humanidad parece haber encontrado la manera de combatir los Sharknados. Pero en esta ocasión Ferrante nos brinda un despliegue totalmente disparatado de tornados: petronado, tiburoarenanado, fuegonado, electronado, lavando… hasta un vacanado y nuclearnado. Si es que, pese a que podamos progresar tenemos que estar semper paratus.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: Sharknado: The 4th Awakens. Duración: 80 min. País: EE.UU. Director: Anthony C. Ferrante. Guión: Thunder Levin. Música: Christopher Cano, Chris Ridenhour. Fotografía: Laura Beth Love. Reparto principal: Ian Ziering, Tara Reid, Masiela Lusha, Ryan Newman, Cody Linley, David Hasselhoff, Gary Busey, Mindy Robinson, Carrie Keagan, Imani Hakim, Caroline Williams, Tommy Davidson, Cheryl Tiegs, Nicole Chauvet, Duane ‘Dog’ Chapman,T’Keyah Crystal Keymáh, David Faustino, Duane Chapman, Corey Taylor, Stacey Dash, Drew Pinsky, Gena Lee Nolin, Alexandra Paul, Cynthia Bailey, Robert Herjavec, Jay DeMarcus, Lori Greiner, Frank Mir, Vince Neil, Wayne Newton, Todd,Savannah, Grayson Chrisley, Patti Stanger, Kym Johnson. Producción: The Asylum, Syfy. Distribución: SyFy (televisión). Género: serie B, ciencia ficción. Web oficial: http://www.syfy.com/sharknado4

Crítica: “Star Trek: Más allá”

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«Star Trek: Más Allá», la esperadísima nueva entrega de la franquicia Star Trek –que ha gozado de enorme popularidad en todo el mundo– creada por Gene Roddenberry y lanzada nuevamente por J.J. Abrams en 2009, vuelve de la mano del director Justin Lin (“Fast and Furious”) contando el épico periplo de la nave U.S.S. Enterprise y su intrépida tripulación. En «Star Trek: Más Allá» la tripulación del Enterprise se dispondrá a explorar los últimos confines del espacio, donde nadie más ha llegado. Una vez allí se enfrentarán a un nuevo y misterioso enemigo que los pondrá a prueba, tanto a ellos como a la Federación y lo que ella representa.

Crítica

El sabor de la serie en un largo con mucha dedicación y dedicatoria.

Una historia simple, quizá demasiado larga, clásica y con tintes modernos es una descripción que seguramente encaje muy bien con “Star Trek: Más allá”. Volvemos a sentir que este es un relato de exploración espacial, abraza el estilo tradicional de la franquicia. “Más allá” es un Star Trek de libro. Tiene esas soluciones con elementos fútiles que antaño funcionaban. No hay otra manera de describir la presencia de temas de “música clásica” como el Fight The Power de Public Enemy  o el Sabotage de los Beastie Boys.

Y no solo me atrevo a decir esto por los muchos guiños (a películas, a la serie e incluso a algún cómic) que como seguidores de la serie agradeceréis y que no os detallaré para no chafaros la sorpresa. Entre ellos, estaba claro que estaría, el homenaje a Leonard Nimoy que llega incluso a formar parte importante de la historia personal y de la relación entre Spock (Zachary Quinto) y Kirk (Chris Pine). Star Trek sigue centrándose en estos dos personajes y resulta interesante la manera en como muestran que Kirk está hastiado y que Spock está más decidido que nunca a comprometerse con su raza.

Star Trek es experta en perpetuarse, sabemos ahora sí, que hay vida después de Abrams. Justin Lin director insignia de “Fast & Furious 6” ha tenido la oportunidad de manejar un vehículo más rápido que los de su saga de coches. Ha dirigido bien la cinta aunque en algunos momentos se olvida de que tiene tripulación, que Star Trek no es solo un grupo de protagonistas. Para estos últimos ha reservado más minutos, exigencia también del guión. Sobre todo ganan minutos Uhura (Zoe Saldana) y Scotty (Simon Pegg). El personaje de Karl Urban, Bones, ha cedido totalmente al tono cómico de la cinta. Y el de Sulu (John Cho) destaca por la polémica de su homosexualidad, para disgusto de George Takei, actor homosexual que le dio vida en la versión original y que no está muy de acuerdo con esto.

Por supuesto hay mucha acción. Pero Star Trek siempre ha tenido humor y en esta ocasión lo hay a raudales. Es mucho más divertida que sus predecesoras y habrá quien la tache de excesivamente cómica. Simon Pegg, que también ha ejercido como guionista junto a Doug Jung (“Dark blue”), ha sabido entender cómo debe comportarse cada personaje y cuáles debían ser las relaciones entre unos y otros.

Decepción también hay. Porque, ya no que sean los enemigos principales, sino porque apenas se mencione a los klingon tras sacarlos en su anterior película. ¿Consideramos entonces que quieren incluirlos en este universo pero da miedo tocarlos por las comparaciones o por no manchar un clásico? Desde luego el villano de Idris Elba, esto me pesa decirlo por lo que me gusta este actor, está por debajo del de Cumberbatch. Su historia se sostiene a duras penas, está poco trabajada. Pero también hemos de entender que no vamos a estar siempre en compañía de un malo absoluto. Sin embargo el otro personaje nuevo, Jaylah, el de Sofía Boutella (“Kingsman: servicio secreto”) tiene más futuro en la saga. Su personaje es consistente, carismático y útil para futuras entregas en las que seguro se ahondará sobre sus orígenes y raza.

Pese a que la película tiene ese sabor sesentero que puede recordar al modus operandi de la serie, los efectos digitales la dejan por los suelos. En “Star Trek: Más allá” disponemos de multitud de escenas que suponen un espectáculo visual que contribuye a la acción. Por poner unos ejemplos no relevantes: podemos ver enjambres como los que vimos en “El juego de Ender, trajes semejantes a los del videojuego “Dead Space” o una base que recuerda a la Ciudadela del “Mass Effect”. A toda esta grandeza se suma la banda sonora de Michael Giacchino (“Zootrópolis”, “Jurassic World”). Cuando indagué sobre el equipo técnico del film me pareció una elección más que correcta y no creo que haya mucha gente que pueda decir que ha defraudado, pese a que abusa un poco del tema central.

La película tiene algunos fallos que os he descrito, además de algún retoque que haría falta en el guión y que patina con el ritmo, pero “Star Trek: Más allá” es disfrutable y no hace falta ser un trekkie para hacerlo. Una buena película para dedicar a los fans pero sobre todo a Nimoy y a Yelchin.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de agosto de 2016. Título original: Star Trek Beyond. Duración: 120 min. País: EE.UU. Director: Justin Lin. Guión: Simon Pegg, Doug Jung. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Stephen F. Windon. Reparto principal: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Karl Urban, Simon Pegg, Anton Yelchin,John Cho, Idris Elba, Sofia Boutella, Joseph Gatt, Deep Roy, Lydia Wilson, Joe Taslim, Adam DiMarco, Ashley Edner, Christian Sloan, Jodi Haynes. Producción: Paramount Pictures, Bad Robot, Skydance Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia Ficción, aventuras, humor. Web oficial: http://www.startrekmovie.com/

 Crítica: “El profesor de violín”

Sinopsis

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Sâo Paulo , años 90:

Laertes, un violinista de gran talento, da clases de música a adolescentes de una escuela pública en Heliópolis, un barrio de una zona deprimida de São Paulo, tras ser rechazado en la prestigiosa Orquesta Sinfónica del Estado.

A pesar de las dificultades, el poder transformador de la música y la amistad que surge entre el profesor y sus alumnos les abre las puertas a un nuevo mundo.

Inspirada en la verdadera historia de la orquesta creada por el maestro brasileño Silvio Bacarelli en los años 90, que consiguió estimular la inclusión social y cultural de los jóvenes en la favela más grande de São Paulo, más conocida como HELIÓPOLIS.

Crítica

Seguro que la copla te suena, pero la historia no la conocías.

En “El profesor de violín” vemos como un violinista con grandes aspiraciones acaba dando clases, resignado, a un grupo de jóvenes conflictivos en una zona humilde de São Paulo. Allí aprenderá de sus alumnos a la vez les ayudará a sobrellevar su infortunada vida. Esta sinopsis personalizada por un servidor podría recordarnos otros títulos de temática educativa como “Mentes Peligrosas” o a fenómenos musicales como “Sister Act”. Y además no solo rememora, si no que tiene muchos paralelismos con esas películas, pero hay que hacer notar dos puntos muy importantes: algo así pasó de verdad, está basada en la historia real de Silvio Bacarelli, y esto ocurre en un país y ambiente muy diferente al de las películas de Hollywood. La historia nos recuerda mucho a la de “El milagro de Candeal” de Carlinhos Brown, que Fernando Trueba nos mostró de un modo diferente. Hay que reconocer que no resulta una narración novedosa, pero no por ello es innecesaria pues nos acerca a algo verídico y nos expone de nuevo una realidad que está por encima de la ficción.

Además de la historia del profesor, el director y guionista de la cinta, Sérgio Machado, nos introduce la de un joven, interpretado por Kaike Jesus Santos, que tiene un duro conflicto con su padre. En un país futbolero y con un claro problema socioeconómico, el padre de dicho chico no quiere dejarle tocar el violín. Esta es otra historia que nos puede recordar a algún éxito de taquilla como “Billy Elliot” pero que va por otros derroteros, que es necesaria para la culminación de este relato y para la que Machado no ha empleado un tiempo excesivo.

Ahora que tanto se habla de Brasil por las olimpiadas y que seguro veremos una imagen de esta república muy distante de la auténtica realidad, no viene mal comprobar que las cosas siguen igual por allí. Y es que, aunque esta película está ambientada en los noventa, tristemente puede servir como toque de atención para un país que aún tiene mucho por hacer para alcanzar el orden y el progreso, y como un grito de amparo dirigido hacia la comunidad internacional. Ya de paso también podemos encontrar otra lectura, la necesidad de profesores no solo cualificados, si no también motivados.

Técnicamente la película es muy correcta. Buenos planos, agudo montaje, buena selección de temas musicales y diálogos bien ideados para lograr conseguir unos protagonistas realistas. Pero esencialmente lo que nos cuenta Machado es una historia sencilla, muy melódica, que acaba por manifestar que el talento se puede encontrar en cualquier parte o persona. La sutileza del violín y la emotividad de la música clásica pueden llegar a tocar la fibra del espectador. Esta es una película con un potente drama y unas escasas notas de humor piadoso.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto de 2016. Título original: Tudo Que Aprendemos Juntos. Duración: 100 min. País: Brasil. Director: Sérgio Machado. Guión: Maria Adelaide Amaral, Marcelo Gomes, Sérgio Machado y Marta Nehring. Inspirado en la obra “Acorda Brasil”, de Antonio Ermírio de Moraes. Música: Alexandre Guerra y Felipe de Souza. Fotografía: Marcelo Durst, ABC. Reparto principal: Lázaro Ramos, Fernanda de Freitas, Sandra Corveloni, Elzio Vieira, Kaique de Jesus. Producción: Gullane Filmes. Distribución: Caramel Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/videos/el_profesor_de_violin

Crítica: «Cazafantasmas»

Sinopsis

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Treinta años después de que la película original arrasara en todo el mundo, vuelve CAZAFANTASMAS, totalmente renovada para las nuevas generaciones. El director Paul Feig combina todos los elementos de la lucha paranormal que tanto gustaron en la franquicia con un reparto de nuevos personajes interpretados por las actrices más divertidas del momento. ¡Prepárate para verlas salvar el mundo este verano!

 

Crítica

Gran reinicio de la saga. Cazafantasmas nos da risas y entretenimiento desde el principio.

He de admitir que era una de esas personas a las que no les gustó nada la idea de un reboot de Cazafantasmas, y no porque fueran mujeres ni nada por estilo, simplemente porque no veía necesario rehacer algo que ya era bueno. Pero también es cierto que hay que pensar en esas nuevas generaciones, que sí, seguro que ven las antiguas películas y les van a gustar, pero quizá para ellos los efectos especiales les tiren para atrás o simplemente el humor ya no les haga tanta gracia, y todo hay que decirlo, después de ver Cazafantasmas puedo decir que es un buen reinicio y os aseguro que os lo vais a pasar bien.

La película comienza como las dos antiguas, mostrándonos una primera escena con un fantasma. Creo que a todos nos ha pasado que después de ver al ente atacar al guía del museo y escuchar la canción original de la película, hemos dicho, esto empieza bien. Y efectivamente, ha seguido con muy buen ritmo, quizá lo pierda un poco a la mitad, pero enseguida se recupera y no paras de disfrutar la historia.

Melissa McCarthy y Kristen Wiig son las dos principales científicas que siempre han intentado contactar con el mas allá, junto a ellas está una ingeniera interpretada por Kate McKinnon y una empleada del metro que se conoce absolutamente toda la historia de Nueva York, Leslie Jones, las cuales han debutado en su primera película pues están sacadas del programa Saturday Night Live. Pero sí que es cierto que el más me ha sorprendido a sido Chris Hemsworth, no parareis de reír con él, su personaje es un auténtico payaso a la par de encantador.

Si sois de los que visteis la serie de dibujos animados, hay varias escenas y detalles que me han recordado mucho a ella, entre ellas son que no solo utilizan los cañones de protones de sus mochilas como armas, sino que también tienen pistolas y distintas artimañas para atrapar y acabar con los fantasmas. Todas ellas creadas por Jilian Holtzmann (Kate McKinnon) que también me recuerda un poco su peinado y estética al Egon Spengler de aquella serie.

Eso sí, los fantasmas esta vez no aparecen porque sí, no son almas atraídas por un moco rosa o por un espíritu mayor, no, esta vez el factor humano entra en acción y un hombre pisoteado por la sociedad, amargado y totalmente recluido decide vengarse de la humanidad sumergiéndola en un mundo lleno de fantasmas.

Los efectos especiales están bastante bien cuidados, los guiños a las películas viejas aparecen, pero de manera que tampoco aturulla y como he dicho el humor es muy bueno y no hace que te aburras ni un momento.

Eso sí, cuando acabe la película no os marchéis corriendo, aparte de ver una coreografía montada por Chris Hemsworth y la policía de Nueva York, después podréis ver una escena que nos prepara para la segunda parte.

Así que ya sabéis, ¿A quién vais a llamar? Cazafantasmas una de las películas del verano.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto. Título original: Ghostbusters. Duración: 117 min. País: Estados Unidos. Director: Paul Feig. Guión: Katie Dippold, Paul Feig (Personajes de Harold Ramis y Dan Aykroyd). Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Robert D. Yeoman. Reparto principal: Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Leslie Jones, Kate McKinnon, Cecily Strong, Chris Hemsworth, Andy García, Michael Kenneth Williams, Neil Casey, Matt Walsh, Nate Corddry, Mark Burzenski, Pat Kiernan, Nick Austin, Bill Murray, Ernie Hudson, Sigourney Weaver. Producción: Sony Pictures Entertainment (SPE) / Pascal Pictures. Distribución: Sony Pictures . Género: Fantástico. Web oficial: www.sonypicturesreleasing.es/watch/cazafantasmas

Crítica: “El caso Fischer”

Sinopsis

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En 1972, en plena Guerra Fría, el campeonato mundial de ajedrez cobró proporciones mediáticas y tintes políticos sin precedentes. El enfrentamiento en Reikiavik entre el mítico jugador norteamericano Bobby Fischer y el campeón soviético Boris Spassky fue más allá de la pura competición, calificándose como la “Partida del Siglo”.

Crítica

La película de un figura que sirvió de peón.

“El caso Fischer” nos habla de la magnitud y relevancia que de repente cobró el ajedrez para un país como Estados Unidos que lo tenía menospreciado. Esto surge al mostrarse la posibilidad de poder utilizarlo como una herramienta desmoralizadora contra los soviéticos. El artífice destinado a tal proeza era Bobby Fischer (Tobey Maguire), un portento en ese juego, pero todo un caso de persona (puede que de ahí el cambio del título original).

Moralmente hablando, la película coloca a Fischer como uno de los mejores peones de la historia de la guerra fría. Es una ironía que manejasen al mejor jugador norteamericano de ajedrez de la época como a un peón. Teniendo en cuenta que fue una guerra muy semejante a una partida de ajedrez, con mucha estrategia, faroles, tensión y resolución; podríamos decir que Edward Zwick nos quiere mostrar a Fischer como uno de los peones decisivos. Está claro que nos presenta un doble sentido, unas similitudes entre el enfrentamiento político y el juego de piezas. Para ello nos entremezcla tramas políticas, alucinaciones y matchs, creando así una ambientación más que conveniente. Aunque hay que decir que el film no está al nivel de otras filmaciones suyas tales como “El último samurái” o “Diamante de sangre”.

Si solo se tratase de una película de partidas de ajedrez el aburrimiento habría sido máximo. Está claro que ya sea por moda o por obsolescencia, este juego de tablero no es nada popular hoy en día. Pero la película cuenta con el componente de la guerra fría y los problemas mentales del personaje de Maguire. Si hablamos de espionaje, cerebros prodigiosos, paranoia… se nos puede venir a la cabeza “Una mente maravillosa”, pero para nada. O incluso si describimos también las peculiaridades, exigencias o extravagancias de Robert James Fischer podemos pensar en un Sheldon Cooper a la antigua, y también debemos quitarnos de la cabeza esa idea. El trabajo de Tobey Maguire tiene elementos comunes con lo citado, pero se ha salido de los estereotipos o de lo prefijado para hacer suyo este personaje basado en hechos reales y realizar una actuación ejemplar. Eso sí, su peculiar manera de andar no hay dios que se la quite.

Le acompañan en el reparto diversos actores dignos de admiración, pero sobretodo merece la pena mencionar a Liev Schreiber (“Spotlight”) y a Peter Sarsgaard (“Black Mass: estrictamente criminal”). El primero interpreta a un Spassky con un parecido físico más logrado, tremendamente soviético, con un carácter frío y calculador, desbordado por la soberbia y por la presión de ser utilizado también como un peón. El segundo a un sacerdote (Bill Lombardy) que sirve de pilar de carga tanto para Maguire como para su personaje.

Tal vez la ya mencionada poca popularidad del ajedrez entre la juventud actual y el hartazgo del público por ver películas en las que se enfrentan EE.UU. contra la Unión Soviética pueda jugar en contra de sus resultados en taquilla. Pero sin duda esta película ya forma parte de las buenas biografías de personajes ilustres norteamericanos.

La elite del ajedrez está destinada a los estrategas, inteligentes y calmados. Estas no son condiciones indispensables para ver “El caso Fischer”, pero si hay que armarse de un poco de paciencia y fortaleza mental para poder apreciar todas las jugadas que nos ofrece.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de agosto de 2016. Título original: Pawn Sacrifice. Duración: 114 min. País: EE.UU. Director: Edward Zwick. Guión: Steven Knight. Música: James Newton Howard. Fotografía: Bradford Young. Reparto principal: Tobey Maguire, Michael Stuhlbarg, Peter Sarsgaard, Liev Schreiber, Lily Rabe,Conrad Pla, Seamus Davey-Fitzpatrick, Sophie Nélisse, Robin Weigert, Evelyne Brochu, John Maclaren, Andreas Apergis, Ilia Volok, Alexandre Gorchkov, Aiden Lovekamp. Producción: Gail Katz Productions, Material Pictures, MICA Entertainment, PalmStar Entertainment, Saga Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Thriller. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/579/el-caso-fischer/

Crítica: “Jason Bourne”

Sinopsis

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Matt Damon regresa a su papel más icónico en JASON BOURNE. Paul Greengrass, el director de El mito de Bourne y El ultimátum de Bourne, vuelve a colaborar con Matt Damon en este nuevo capítulo de la franquicia Bourne, de Universal Pictures, en la que el agente más letal de la CIA se ve obligado a salir de entre las sombras.

Crítica

Un intento por rescatar la memoria de Bourne.

Catorce años después de “El caso Bourne” vuelve la franquicia del espía que supo salirse de los cánones establecidos. Pero desafortunadamente parece que es ahora la saga Borne la que se encuentra estancada. No nos confundamos, “Jason Bourne” es una buena película, pero como episodio de una franquicia no satisface.

Tiene el mismo actor y mismo director de su segunda y tercera parte, es decir Paul Greengrass y Matt Damon, y sigue también el mismo patrón. Jason Bourne está desaparecido y se presenta un detonante que le hace volver dispuesto a arrasar con todo. De nuevo volvemos a oír eso de “¡es Jason Bourne!”. Se han sacado de la chistera una historia sobre el pasado de Bourne que, por supuesto no recuerda para variar, y un nuevo villano interpretado por Tommy Lee Jones. Ya no cuela que haya tanto gerifalte de la CIA que haya mangoneado la vida de Jason Bourne. Además, sucede también lo del personaje de Vincen Cassel que guarda una demasiado casual relación con Bourne y su pasado. Podemos decir, eso sí, que estos dos actores están bien en su papel y que es la película que más intenta abordar el pasado personal del personaje de Matt Damon. Sí que es cierto que la gran revelación que descubre el personaje puede suponer un cambio en su modo de vida, pero esto podremos verlo desarrollado en una posible próxima entrega, ya que no se ha explotado en esta.

Tras el inmutable rostro de Jeremy Renner, Matt Damon retoma a uno de sus personajes más icónicos. En esta ocasión un personaje más dubitativo y desgastado que parece que nos va a dar una sorpresa final, pero se queda con lo de siempre. Matt Damon maneja bien este registro, pero el libreto no le permite llevarlo más allá. También vemos a una Alicia Vikander más fría de lo habitual, si tenemos que elegir un papel próximo al que realiza aquí deberíamos elegir el de Ava en “Ex machina” ya que su personaje es casi igual de flemático y tecnócrata.

En esta ocasión se citan más casos reales (como el de Snowden) y la cinta parece casi saltarse “El legado de Bourne”, salvo vagas referencias. La ambientación, al igual que en las otras películas de Greengrass, está lograda. El director, también guionista en esta ocasión, nos introduce en un mundo de espionaje y control de la información muy bien recreado. Incluso la revuelta Grecia, rodada en Tenerife, resulta convincente. Se nos ofrece una persecución de coches tan espectacular como excesiva. Lo mismo se puede decir del poder que tiene la CIA, mucho más que antes, la peor pesadilla para George Orwell. Es decir, muchos fuegos de artificio para tapar un guión menos sesudo que el de la trilogía original. Se hace patente la ausencia de Tony Gilroy (“Pactar con el diablo”).

Pese a todo lo anterior se ha introducido una historia derivada, un dolor más de muelas para la Agencia, cuyo peso recae sobre los hombros de Riz Ahmed (“Nightcrawler”). Esta historia puede servir como complemento o como distracción de la trama central, como os la queráis tomar, pero resulta bastante más interesante y supone una de las pocas novedades de la franquicia.

Una película no apta para conspiranoicos. Es buena como película, pero floja como entrega de una saga que pide a gritos evolucionar y sorprender.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de julio de 2016. Título original: Jason Bourne. Duración: 123 min. País: EE.UU. Director: Paul Greengrass. Guión: Paul Greengrass, Christopher Rouse. Música: David Buckley, John Powell. Fotografía: Barry Ackroyd. Reparto principal: Matt Damon, Alicia Vikander, Julia Stiles, Tommy Lee Jones, Vincent Cassel, Ato Essandoh, Riz Ahmed, Scott Shepherd, Bill Camp, Vinzenz Kiefer, Stephen Kunken, Ben Stylianou, Kaya Yuzuki, Matthew O’Neill, Lizzie Phillips, Paris Stangl. Producción: Universal Pictures, The Kennedy/Marshall Company, Captivate Entertainment. Distribución: Univsersal Pictures. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.jasonbourne.es/

Crítica: «Malas Madres»

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Como la mayoría de las madres modernas, Amy cuida de todos menos de sí misma. Su vida es perfecta: un matrimonio feliz, hijos de sobresaliente, una casa preciosa y un pelo perfecto los 365 días del año. Colabora en todas las actividades de la escuela y asiste a cada reunión de padres y madres de alumnos, todo mientras mantiene su carrera profesional. Y además hace que todo parezca fácil.

Pero todo esto es solo apariencia y Amy está a punto de estallar: sobrecargada de trabajo y de compromisos y demasiado cansada para aguantar una sola petición más, arrastra a otras dos madres superadas a un atracón de locura, libertad, diversión y comprensión.

Pero accidentalmente se cruzan con la líder de la asociación de padres y madres, una devota del ideal de “madre perfecta”.

Un desmadre en toda regla.

Esa sensación de tener que ser perfectos, de que nuestros hijos sean perfectos, de que nuestras vidas tengan que ser los mejores por miedo  las críticas, estas sensaciones son las que terminan por hacer que Amy, la protagonista de la película termine de los nervios.

Marido «perfecto», vida «perfecta», hijos «perfectos», en su trabajo es la mejor y sobre todo nunca se despeina, todo para estar perfecta las 24 horas del día, pero un mal día hace que todo cambie, Amy explota y decide tomarse la vida de otra manera.

Supongo que esto es lo que muchas madres al ver la película se darán cuenta, de que también hay tiempo de relajarse y vivir. «Malas Madres» es la vida de cualquier persona con hijos, lleva a los niños de aquí para allá, ve a las reuniones de padres, haz las cosas de casa, hasta que no tienes vida y tampoco dejas tenerla.

Además de dejarnos un pequeño mensaje, la película es divertida. Esa guerra de madres perfectas contra las malas madres, las triquiñuelas que usan para pisarse las unas a las otras, nos darán varias escenas muy graciosas. El papel de Mila Kunis como madre desesperada y de Christina Applegate como madre perfecta, chocan todo el rato para mostrarnos que luego en el fondo ambas tienen demasiado en común.

Los secundarios también están estupendo, nombrando especialmente a Kathryn Hahn, con un papel muy excesivo, pero que hará que nuestra protagonista Amy abra los ojos y aprenda a vivir y bueno, también a desmadrarse demasiado.

Después del final de la película no os perdáis las escenas que nos han preparado con las actrices y sus madres, las curiosidades que cuentan y las pequeñas anécdotas son divertidísimas.

Malas Madres es una película para entrar en el cine y divertirte, aprender que no todo es ser perfecto y disfrutar de una comedia dedicada a esas madres desesperadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de julio de 2016. Título original: Bad Moms. Duración: 91 min. País: EE.UU. Director: Jon Lucas, Scott Moore. Guión:  Jon Lucas, Scott Moore. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Jim Denault. Reparto principal: Mila Kunis, Kristen Bell, Kathryn Hahn, Annie Mumolo, Jada Pinkett Smith, Christina Applegate, Eugenia Kuzmina, Emjay Anthony, Christina DeRosa, Jay Jablonski,Billy Slaughter, Mike R. Moreau, Hawn Tran. Producción: Block Entertainment, Merced Media Partners, PalmStar Media, STX Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: Comedia. Web oficial: http://diamondfilms.es/project/malas-madres/

Crítica: “El verano de May”

 Sinopsis

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EL VERANO DE MAY sigue a May Brennan, una sofisticada neoyorquina que vuelve al hogar de su infancia en Amman, Jordania, con motivo de su boda. Poco después de reunirse con sus hermanas y sus padres divorciados, los innumerables conflictos familiares y culturales llevan a May a cuestionarse el gran paso que está a punto de dar.

Crítica

Según empieza el verano de May y se inicia la primera parte de la película, uno piensa que trata sobre el conflicto entre musulmanes y cristianos y por la zona donde se desarrolla, también con el pueblo palestino, pero vamos descubriendo poco a poco su verdadero leit motiv, una oda a las difíciles a veces, relaciones entre padres, hijos y hermanos.

Es una especie de Mujercitas al estilo oriente medio mezclando un poco de Kramer contra Kramer.

Todo en la película es conflicto para May… entre sus padres, con sus hermanas laboralmente hablando, entre sus creencias y las de su madre… y vamos viendo una evolución de ese conflicto a una búsqueda de la paz. Como ya he dicho, los tópicos de religión y regionales van surgiendo en la película, pero más como un relleno o una obligatoriedad de aparición que por darle algún sentido a la película.

Es una película dedicada a los sentimientos de de todo tipo, y solo a ellos se debe.

Está dividida en fragmentos, tipo película de Tarantino, cada uno correspondiente a un refrán árabe jugando con la profesión de la protagonista, y todo lleva a un final muy lógico, sin escenas sobrantes o aturulladas como suele suceder a veces.

Es una sorpresa encontrarse a Bill Pullman como padre diplomático de May después de verle hace poco enfrentándose de nuevo a alienígenas y los más seriófilos también disfrutaran reconociendo la identidad del prometido de May.

En definitiva es una película muy placentera de ver.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: May in the summer. Duración: 99 min. País: EE.UU. Director: Cherien Dabis. Guión: Cherien Dabis. Música: Fred Avril. Fotografía: Brian Rigney Hubbard. Reparto principal: Cherien Dabis, Hiam Abbass, Bill Pullman, Alia Shawkat, Nadine Malouf, Alexander Siddig, James Garson Chick, Alaadin Khasawneh, Elie Mitri, Ritu Singh Pande,Nasri Sayegh, Laith Soudani. Producción: Displaced Pictures, Durga Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.elveranodemay.es/

Crítica: «Mascotas»

 Sinopsis

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En su quinta colaboración para una película de animación, Illumination Entertainment y Universal Pictures presentan MASCOTAS, una comedia acerca de lo que hacen nuestras mascotas cuando cerramos la puerta de casa para afrontar nuestra rutina diaria.

Crítica

Una locura a medias.

Aquellos que convivimos con perros, gatos, conejos, cobayas… nos podemos sentir identificados, o cuanto menos compartiremos más de una anécdota con los protagonistas de “Mascotas”. Esta es una película que medio explota la idea de mostrar un supuesto comportamiento peculiar en los animales de compañía cuando se encuentran solos en nuestros domicilios. Y digo medio explota porque gran parte de la película acaba siendo convertida en una aventura urbana y no hogareña como podría parecer o como nos la venden. La película pierde el hilo su premisa para aventurarse a narrar una hazaña por la ciudad que nunca duerme, de hecho, la primera secuencia nos muestra un Nueva York muy entregada a los animales. Me habría resultado mucho más atractivo y original (salvando el paralelismo con “Toy Story”) si el film hubiese estado más enfocado a aprovechar o desarrollar más ideas entorno a la morada donde viven los protagonistas. Con todo esto quiero decir que, “Mascotas” explora una propuesta pero a mitad de la expedición pierde su rumbo.

No obstante, el film puede resultar divertido por lo disparatado e hilarante que puede llegar a ser. Muestra de ello es la escena al son de “We go together” (de “Grease”) en una fábrica de salchichas, una pérdida de cordura total, en el buen sentido. Posee un protagonista carismático, simpaticón, con muchos amigos y cuya atención está puesta siempre en él, muy estándar. El que destaca más es Snowball (Pompón) un singular conejo trastornado e impulsivo que bien podría hacerle frente al homicida Conejo de Caerbannog, que tantos problemas les dio a los Caballeros de la Mesa Cuadrada. Le dobla Kevin Hart en su versión original, muy adecuado para el estilo del personaje.

Los directores, Yarrow Cheney y Chris Renaud han sido inteligentes al ser conscientes de la corriente que guía en los últimos años al cine de animación introduciendo algo de humor para adultos, en algunas ocasiones rozando un tono casi negro. Pero que no se preocupen los padres que lean esto, que no tiene nada que ver con ficciones como “Happy Tree Friends”.

La animación no humaniza físicamente a los animales, pero si se les dota de un comportamiento digno de sus dueños, con sus sentimientos, problemas e inquietudes. Esto no es nuevo, al igual que la animación empleada, pero si es necesario para poder contar la historia. Además, se introducen las moralejas y mensajes que a todos nos gusta que lleguen a nuestros pequeños, como que es indiferente como sean las personas para tener un tipo u otro de mascotas o que estos animales no son nuestra posesión sino más bien un compañero más con el que convivimos.

Se aprecian guiños que tienen que ver con películas como “Jurassic Park”, “Los pájaros” o, en gran medida, con “Minions” e incluso con el simpático corto de los Minions, que se titula “Mowe Minions” y que nos proyectaron antes de “Mascotas”. Se puede hasta ver el cartel de “¡Canta!” película que aún no ha estrenado Universal (tiene prevista su llegada el 23 de diciembre). Desde luego se ha puesto mucho esmero en esta película por conservar el universo que gira entorno a las películas del estudio.

En conclusión. “Mascotas” no es una película desternillante ni sobresaliente, pero si lo suficientemente disparatada y sentimental como para deleitar a buena parte de la sala.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de agosto de 2016. Título original: The secret life of pets. Duración: 90 min. País: EE.UU. Director: Chris Renaud, Yarrow Cheney. Guión: Cinco Paul, Ken Daurio, Brian Lynch. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Animación. Reparto principal (doblaje): Louis C.K., Eric Stonestreet, Kevin Hart, Jenny Slate, Ellie Kemper, Lake Bell, Dana Carvey, Hannibal Buress, Bobby Moynihan, Steve Coogan, Albert Brooks. Producción: Universal Pictures, Illumination Studios, Illumination Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, animación. Web oficial: thesecretlifeofpets.com

Crítica: “Miles Ahead”

Sinopsis

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En la cima de una brillante y prolífica carrera a la cabeza de la vanguardia y modernidad de la innovación del jazz más actual, Miles Davis (Cheadle) desaparece repentinamente del ojo público durante cinco años a finales de la década de los 70. Solo, atrincherado en su casa, plagado por el dolor crónico producido por el deterioro de su cadera, con la voz mermada y entumecida por las drogas y los analgésicos, vive atormentado por los fantasmas de su pasado.

Es entonces cuando un avispado reportero musical, Dave Braden (Ewan McGregor) allana la morada de Davis, y en el transcurso de un par de días, los dos hombres emprenden involuntariamente una aventura intensa, y en ocasiones angustiosa, para intentar recuperar una cinta sustraída que contenía la grabación de las últimas composiciones musicales del artista. Los recuerdos de su matrimonio fallido con la talentosa y hermosa bailarina Frances Taylor (Emayatzy Corinealdi) alimentan el cambiante comportamiento de Davis. Durante su romance y posterior matrimonio, Frances fue su musa. Fue durante este periodo que el artista lanzó algunas de sus grabaciones más insignes tales como las innovadoras “Sketches of Spain” y “Someday My Prince Will Come”.

Pero el idilio no duró. El matrimonio de ocho años estuvo marcado por infidelidades y abusos, y Frances se vio obligada a huir para salvaguardar su integridad, dado el deterioro de la salud mental y física de Miles.

A finales de los 70, plagado por años de remordimientos y pérdidas, Davis flirtea con la autodestrucción hasta que una vez más halla su salvación en su arte.

Crítica

Cheadle conoce bien el jazz que emanaba de los pulmones de Miles Davis.

Está muy claro que Don Cheadle nos tiene a todos ganados con sus divertidos papeles como Máquina de Guerra o Capitán Planeta. Pero sin duda su faceta dramática (“Crash”, “Hotel Rwanda”) es la que le hace ganar más seguidores. “Miles Ahead” se une a este segundo grupo de películas que además sorprende por el excelente trabajo de dirección y guión que ha realizado el actor de Kansas, sobre todo teniendo en cuenta que es la primera vez que dirige y escribe un largo. ¡¿Por qué no has hecho esto antes Don?!

La película está rodada manifestando audacia, salvajismo, maestría e incluso elegancia. Como reza el mismo Miles Davis (Don Cheadle) en la película “si quieres contar una historia, hazlo con la actitud correcta”. Y así lo hace Cheadle apoyándose en este aspecto en Steven Baigelman (“I Feel Good: La historia de James Brown”) para escribir el guión y en el acertado montaje de John Axelrad (“Krampus”) y Kayla M. Emter (“Una madre imperfecta”).

El jazz fue tabla de salvación en la improvisada musical y sentimental vida de Miles Davis. Cheadle le considera tanto a él como a su obra inmortal como pone de manifiesto al negarse a mostrar la fecha de su muerte. Por lo tanto, este es el trabajo de un admirador que capta la espontaneidad, la inspiración, las carencias del músico… rodeándole del humo del tabaco, las drogas, los moscones de la industria discográfica, el amor maltratado… El parecido y la caracterización son lo de menos. Lo que nos trae de vuelta a Davis es la interpretación y la voz que nos brinda Don Cheadle. No solo se ha trabajado el degradado sonido de las cuerdas vocales del artista, sino que también sus gestos y, sobre todo, su manera de tocar la trompeta.

Observamos como el genio de Illinois encuentra la inspiración en distintos momentos de su vida. Probablemente sea por eso que no se ha concebido esta película como un biopic al uso, más bien como una evidencia de la transgresión y transformación constante de la música de Davis. Como no podría ser de otra manera “Miles Ahead” brinda una larga lista de temas como “So What”, “Duran”, “Teo” o “Solea”. Era imprescindible que la discografía del trompetista estuviese omnipresente. Es por eso que engancha hasta los mismos créditos donde nos despiden con un “meta concierto” con músicos de la talla de Wayne Shorter o Herbie Hancock.

El metraje nos lleva adelante y atrás en el tiempo. Al pasado y presente (años setenta) del artista. En esta etapa de Davis sirven de hilo conductor su relación con la bailarina Frances Taylor (Emayaty Corinealdi), la entrevista con David Braden (Ewan McGregor), el día que se conocieron y el robo de su última grabación. Se hace casi cómico ver a McGregor y Cheadle convertidos en compañeros de correrías y resulta penetrante la relación de pareja que nos muestra con Corinealdi. Aunque aquí salga en contadas escenas, no puedo dejar pasar la ocasión para poner de manifiesto mi creciente admiración por Michael Stuhlbarg (“Trumbo”, “Steve Jobs”, “El caso Fisher”, “Men in Black 3”).

En lo que va de año no he podido decir que haya visto películas dignas de estar en los Oscar. Por fin puedo decir con rotundidad que hay una, “Miles Ahead” podría recibir varias nominaciones. Puede que no fuese una clara candidata a ganarlos pero desde luego yo la metería en mis quinielas para que se uniese a la nominación que ya tuvo Cheadle por “Hotel Rwanda”. Sería curioso que se llevase el Oscar que una vez perdió contra un actor que también hacía de músico, Jaime Foxx por “Ray”.

El film maneja los contrastes que ofrece el jazz entre las melodías suaves y los tonos salvajes transportándonos a la gran pantalla. No recurre un gran número de actores ni a monumentales localizaciones, es una cinta muy bebop. Uno de los mejores músicos de la historia del jazz se merece una película como esta realizada con alma y con pasión.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de julio de 2016. Título original: Miles Ahead. Duración: 100 min. País: Director: Don Cheadle. Guión: Steven Baigelman, Don Cheadle. Música: Herbie Hancock. Fotografía: Roberto Schaefer. Reparto principal: Don Cheadle, Ewan McGregor, Emayatzy Corinealdi, Lakeith Lee Stanfield, Michael Stuhlbarg. Producción: Bifrost Pictures, Crescendo Productions, Naked City Films. Distribución: Sony Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://www.milesdavis.com/miles-ahead/

Crítica: “Election: La noche de las bestias”

Sinopsis

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Hace dos años que Leo Barnes (Frank Grillo) decidió no cometer un lamentable acto de venganza en “La Noche de las Bestias”. Ahora es el jefe de seguridad de la senadora Charlie Roan (Elizabeth Mitchell) y debe protegerla durante la campaña presidencial, además de sobrevivir el ritual anual en el que pobres e inocentes se convierten en blancos. Pero una traición inesperada les deja en las calles de Washington D.C. durante la única noche en la que nadie puede ayudarlos. Deben sobrevivir hasta el amanecer… o ser sacrificados por el bien del Estado.

Crítica

Adiós al dilema moral, hola a la distopía política.

La saga de la Purga surgió con una idea muy original que tras dos películas es muy difícil de seguir explotando. En “Election: La noche de las bestias” se exploran nuevas vías y se profundiza más en la situación política que viviría el desfigurado Estados Unidos que nos muestra DeMonaco. Esta tercera parte puede estar justificada ya que ahonda más en el tema de los Padres Fundadores y plantea otros problemas que pueden encontrarse ciudadanos de a pie. Si en las otras entregas predominaban los perfiles de los personajes purgadores o los que intentaban sobrevivir a esa noche, en esta ocasión encontramos otras facciones y otro punto de vista ante esta macabra tradición.

La saga ha progresado de un modo coherente dentro de la locura que plantea. Aparecen ideas originales (afectando a las altas esferas políticas o al turismo) y la historia evoluciona en algo que le habría encantado a Charlton Heston y su Asociación Nacional del Rifle. El problema es que las anteriores entregas, con sus situaciones y personajes, podían hasta plantear un reto ético para el espectador, además de suponer un novedoso thriller. Pero en este caso ya tenemos muy claro quiénes son buenos y malos, no hay margen para las dudas. Se pierde ese toque que despierta el dilema moral, el morbo y la curiosidad de las personas por ver la maldad y la rabia que puede haber encerrada en los seres humanos. Es menos detallista, definitivamente se pierden pinceladas como el “Safe Night” que se decían unos a otros en la primera.

Esa evolución lógica se ve reflejada en el personaje de Edwin Hodge, el único presente en las tres películas, que comenzó como un vagabundo en “La Purga: La noche de las bestias” y ha pasado a personificar la razón de ser de “Election: La noche de las bestias”. Ese estandarte también se ve materializado con la imagen de Elizabeth Mitchell, que si bien parece más preocupada por colocarse las gafas (he perdido la cuenta por seis), realiza una buena pareja con Grillo, pero no convence como senadora. Frank Grillo repite también tras su trabajo en la segunda parte y deja más que claro que sirve como protagonista y duro del cine. Existen otros personajes secundarios muy correctos que mejoran el casting de la segunda entrega, no de la primera, pero actores como Brittany Mirabile o Kyle Secor rozan lo ridículo.

En líneas generales la nueva película de Universal ofrece lo mismo que las anteriores: muertes, humor negro, lucha de clases, mucho postureo con las máscaras, ciudadanos con complejo de psicokillers jugando con sus víctimas en vez de matarlas yendo al grano… y acción, una pizca más de acción.

James DeMonaco ya se desligó en la segunda parte de Ethan Hawke con quien ha trabajado en varias películas (“La purga: La noche de las bestias”, “Asalto al distrito 13”, “Staten Island”) y tras ello ha logrado lo que muchos directores querrían, dirigir y escribir su propia trilogía. Si, he dicho bien, trilogía. Porque pese a que esta película juega con un efecto cliffhanger en su último compás, podríamos decir que no da para más de sí en el caso de plantearse futuras entregas. Aunque en la producción está Michael Bay y con él nunca se sabe. Eso sí, de materializarse una cuarta, puedo pronosticar que no habrá segundas elecciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de julio de 2016. Título original: The purge: Election year. Duración: 109 min. País: EE.UU. Director: James DeMonaco. Guión:  James DeMonaco. Música: Nathan Whitehead. Fotografía: Jacques Jouffret. Reparto principal: Elizabeth Mitchell, Frank Grillo, Mykelti Williamson, Edwin Hodge, Joseph Julian Soria, Kyle Secor, Betty Gabriel. Producción: Blumhouse Productions, Platinum Dunes, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: Thriller. Web oficial: http://www.election-lanochedelasbestias.es/

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