Categoría: Críticas

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Crítica: ‘La comuna’

Sinopsis

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Erik, un profesor de arquitectura, hereda el viejo caserón de su padre al norte de Copenhague. Su esposa Anna, una conocida presentadora de televisión, le sugiere que inviten a sus amigos a vivir con ellos. Con esto espera alejar el aburrimiento que ha empezado a infiltrarse en su matrimonio. Muy pronto, unos cuantos de ellos se instalan en la casa. Se toman decisiones en común, se habla de todo y se discrepa en mayor o menor grado debido a sus idiosincrasias. Pero el frágil equilibrio amenaza con romperse cuando Erik se enamora de Emma, una alumna suya, que se muda a la casa.

Crítica

Esta nueva película de Thomas Vinterberg sigue los pasos de ‘Celebración’ y ‘La caza’ pese a que formen parte de dos etapas distintas en la trayectoria del director. Se acerca más a ‘Celebración’ pues empiezan con una buena noticia que acaba derivando en una catarsis final llena de tristeza que se convierte en ceniza en la boca, como diría Tyrion Lannister.

Trata de cómo un matrimonio, más menos acomodado pero ya entrado en rutina, hereda la casa familiar paterna y en vez de venderla o usarla deciden montar un conglomerado de amigos en plan comuna. Deciden hacerlo para darle un nuevo aire a su vida pero la convergencia de las personalidades de cada uno, la escasa capacidad monetaria de los compañeros y el distanciamiento del matrimonio original, hacen que acabe haciendo aguas.

La historia de la ruptura del matrimonio y como deben de aprender a vivir el futuro cada uno está bastante acertada. Capta genialmente el grado de locura o el camino al autoengaño en el inicio del filme. Y como puede todo llevar a las personas a enfrentarse a su propia locura o apagarse en esa lucha en el tramo final de ‘La comuna’.

El mayor peso de la película lo lleva el dúo que forman los menores de la comuna, Freja y Vidja, y sobre todo la mujer, Anna, una Trine Dyrholm sin la que la mitad del largometraje se volvería algo gris. También vemos como miembro de la comuna a Fares Fares, conocido por las películas del Departamento Q, pero en esta ocasión está relegado a un papel mucho más secundario.

No es una película con un gran guión ni grandes medios pero si llena de los sentimientos que el director desea retratar.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de diciembre de 2016. Título original: Kollektivet. Duración: 107 min. País: Dinamarca. Director: Thomas Vinterberg. Guión: Tobias Lindholm, Thomas Vinterberg. Música: Fons Merkies. Fotografía: Jesper Tøffner. Reparto principal: Ulrich Thomsen, Trine Dyrholm, Martha Sofie Wallstrøm Hansen, Helene Reingaard Neumann, Lars Ranthe, Fares Fares, Julie Agnete Vang, Lise Koefoed,Adam Fischer, Magnus Millang, Oliver Methling Søndergaard, Rasmus Lind Rubin,Sebastian Grønnegaard Milbrat. Producción: Zentropa Entertainments. Distribución: Golem Distribución. Género: Drama. Web oficial: http://www.kino.dk/film/k/ko/kollektivet

Crítica: ‘Fiesta de empresa’

Sinopsis

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Con el fin de conseguir un gran cliente para la empresa, un grupo de ejecutivos organiza lo que tendría que ser una épica fiesta de empresa, pero se les acabará yendo de las manos, convirtiéndose en un desmadre fuera de control.

Crítica

Si queréis hacer una no dejéis que vuestros jefes vean esto.

Cuando hablamos de imagen real y no de animación Dreamworks cuenta en su haber con un buen número de películas disparatadas como ‘Ahora los padres son ellos’ o ‘Tropic Thunder’. ‘Fiesta de empresa’ no es menos disparatada, de hecho, merece un calificativo más alocado como incontrolada o desbocada. El humor norteamericano está otra vez de moda, principalmente desde que muchos intentan seguir los pasos de ‘Resacón en Las Vegas’. Últimamente hemos visto películas de desfase como ‘Malas madres’, ‘Un espía y medio’, ‘Malditos vecinos 2’ o ‘Mike y Dave buscan rollo serio’.

Para que te sientas cómodo en esta ‘Fiesta de empresa’ te tiene que gustar ese tipo de comedia cargada de sexo, drogas, groserías y música discotequera. Es como si estuviese sacada de la imaginación de Charlie Sheen. Todo se sale de madre y cada empleado saca sus demonios expresando o haciendo todo aquello que se tenía callado. Personalmente este tipo de películas no me aporta nada más allá que alguna que otra carcajada. Al menos puedo decir que hacía mucho que no veía que los norteamericanos acertasen a la hora de insertar una flatulencia.

Para que estas cintas resulten chocantes y chistosas hay que crear escenas disparatadas en un escenario real. En gran parte de la película esto se consigue pero existen muchas situaciones, como la de las escenas finales, que ya resultan poco convincentes. Toman derroteros demasiado surrealistas.

Aunque sea una película de guasa los actores se han tomado muy en serio sus roles. Especialmente T.J. Miller (‘Deadpool’), Kate McKinnon (‘Cazafantasmas’) y Jennifer Aniston (‘Cómo acabar sin tu jefe 2’). Aniston hace de algo así como el Grinch o el personaje dickensiano de Ebenezer Scrooge transportado al mundo actual. McKinnon está irreconocible en su papel de recatada extravagante. Por su parte T.J. Miller interpreta a un jefe bastante incompetente e insensato que en muchos aspectos me ha recordado a Matt Berry cuando hizo de presidente en ‘The IT Crowd’.

A parte de la curiosidad de la aparición del jugador de los Bulls Jimmy Butler, no resulta un filme interesante, simplemente otra comedia más que no alcanza el calificativo de descacharrante, pero si de divertida. No sé si desearle a alguien una fiesta de empresa como esta, totalmente impredecible, que para bien o para mal sería memorable.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de diciembre de 2016. Título original: Office Christmas Party. Duración: 105 min. País: EE.UU. Director: Josh Gordon, Will Speck. Guión: Guymon Casady, Timothy Dowling, Lee Eisenberg, Gene Stupnitsky. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Jeff Cutter. Reparto principal: Jennifer Aniston, Jason Bateman, Olivia Munn, T.J. Miller, Jamie Chung, Kate McKinnon, Abbey Lee, Jillian Bell, Karan Soni, Randall Park, Matt Walsh, Vanessa Bayer, Rob Corddry, Courtney B. Vance, Adrian Martinez. Producción: DreamWorks Pictures. Distribución: eOne Films. Género: comedia. Web oficial: http://www.officechristmasparty.com/

Crítica: ‘El editor de libros’

Sinopsis

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Thomas Wolfe es un diamante en bruto, un escritor de gran talento, pero incapaz de gestionar su creatividad. Su éxito y reconocimiento llegarán gracias a su editor, el gran Max Perkins, descubridor también de Hemingway, Steinbeck y Fitzgerald. Perkins dedicó miles de horas a pulir los defectos de la literatura del genial Wolfe. Pero sobre todo, con él y su esposa compartieron una extraordinaria historia de amistad.

Crítica

Inspiradora y fotogénica.

Los protagonistas de las películas literarias en ocasiones son los autores, en ocasiones los propios personajes de las obras, en otras la fuente de inspiración… Pero en ‘El editor de libros’ es el editor el que recibe homenaje. Una persona que suele permanecer en la sombra o que no suele ser conocida entre el público general y que gracias a filmes como este puede verse más recompensada. «Los editores deberían ser anónimos» dice el personaje de Colin Firth, tal vez algunos así lo deseen.

Firth se mete en la piel de alguien que existió realmente (el filme se basa en hechos reales y en una novela de A. Scott Berg). Nos muestra la auténtica labor del editor, al menos en la época de escritores como Hemingway o Wolfe. A parte de su parecido físico (no es el único logrado en el filme) con este trabajador del mundo editorial, Firth nos muestra a un hombre parco en palabras, a pesar de vivir rodeado de libros. Es alguien que se rodea y trabaja con autoridades de la palabra escrita como Scott Fitzgerald o Ernest Hemingway y que mantiene siempre el sombrero sobre su cabeza. Cuando conoce a alguien tan estrafalario y vertiginoso como Thomas Wolfe, interpretado aquí por Jude Law, su firme e ilustre monotonía se rompe.

Casi más que centrarse solo en el editor se habla de la gestación de la obra de Wolfe. Se emplea esta relación comercial y artística para narrarnos una historia veraz sobre la amistad. Los títulos originales de la película y de la novela en la que se basa son ‘Genius’ y ‘Max Perkins: Editor of Genius’ respectivamente. Y es que se quiere plasmar a este editor como un genio descubre genios pero principalmente se le ha retratado como el preocupado y entregado amigo de sus autores.

John Logan ha escrito esta historia íntimamente relacionada con la literatura norteamericana haciendo uso de un humor afable. Inspira o alienta a escritores y editores a enfrentarse a la ardua tarea de dar a luz a un libro. Además la película nos viene acompañada de una fotografía icónica, obra de Ben Davis, responsable de trabajos como ‘Kick Ass’, ‘Guardianes de la galaxia’ o ‘Stardust’ entre muchas otras.

A nivel interpretativo nos encontramos con un Jude Law soberbio. Está extravagante, impetuoso, vivo. El suyo es un Wolfe encabezonado en plasmar su país en sus obras a través de su extensa prosa descriptiva. Como he dicho, Colin Firth actúa como hombre sobrio e inquebrantable, pero también como preocupado padre absorbido por su trabajo. Como mayor apoyo está Nicole Kidman, en un papel casi de persona desequilibrada por los delirios del amor. Laura Linney es una madre entregada y una esposa regañona que vela por la unidad de su familia. Guy Pierce parece poco y está muy comedido.

Por medio de la relación que guarda con sus escritores Perkins descubre los distintos matices de la vida y no lo hace siempre leyendo sus escritos. Esta es la afinidad que puede sentir el espectador que acuda al cine a hacer lo mismo a través de las películas proyectadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de diciembre de 2016. Título original: Genius. Duración: 104 min. País: Reino Unido. Director: Michael Grandage. Guión: John Logan. Música: Adam Cork. Fotografía: Ben Davis. Reparto principal: Colin Firth, Jude Law, Nicole Kidman, Laura Linney, Guy Pearce, Dominic West, Vanessa Kirby. Producción: Riverstone Pictures, Michael Grandage Company, Desert Wolf Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, biográfica. Web oficial: http://www.genius-thefilm.com/

Crítica: ‘Paterson’

Sinopsis

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Paterson es un conductor de autobús en la ciudad de Paterson, Nueva Jersey -ambos comparten nombre.

Cada día, Paterson sigue una simple rutina: Hace su ruta diaria, observando la ciudad a través de su parabrisas y oyendo fragmentos de conversaciones fugaces a su alrededor; escribe poemas en un cuaderno; saca a pasear al perro; va al mismo bar a tomarse siempre esa misma cerveza; y se va a casa con su esposa, Laura.

Por el contrario, el mundo de Laura es siempre cambiante. Cada día le surge un nuevo sueño, un proyecto diferente e inspirador. Paterson ama a Laura y ella le ama a él. Él apoya sus nuevas ambiciones; ella ensalza su don para la poesía.

Crítica

La poesía que nos enseña a vivir.

¿Qué o quién es Paterson? A parte de ser una localidad de New Jersey, cuna de celebridades como Lou Costello, Rubin (Huracán) Carter, Frederick Reines, John Pizzarelli o Mindy Sterling; es el personaje de la nueva película de Jim Jarmusch (‘Dead man’). Quien le da rostro, cuerpo y alma es Adam Driver. Su trabajo ha consistido en interpretar a un exmilitar y conductor de autobús que lleva dentro a un talentoso poeta. Un artista que deja pasar el mundo delante de él sin intervenir de manera significativa, pasando casi inadvertido para los que le rodean, como si fuese una pieza más de su viejo autobús. De este modo observa su realidad y la plasma en los versos que escribe en su libreta. Versos que nos lee como una voz en off que sin llegar a ser Pablo Neruda nos deleita los oídos.

Al igual que la poesía ‘Paterson’ puede sentirse de diferentes modos y pude tener varias lecturas. Esto es debido a que pese a parecer que se narra de un modo manido, como es el mostrar un día a día, Jarmusch nos desvela una nueva manera de contar historias. En cada secuencia diaria descubrimos junto con el protagonista nuevos aspectos y detalles de la vida. Es decir, con la monotonía y la rutina descubrimos a Paterson. La poesía puede tener esquemas fijos, como los hábitos de Paterson, pero si todo se sale de lo establecido se pueden tener pequeñas revelaciones sobre uno mismo.

De nuevo Jim Jarmusch se recrea con el interior de sus personajes pero sin exponerlo abiertamente. Cada individuo tiene algo a lo que agarrarse para soportar el peso del mundo real. Paterson la poesía, el camarero de su garito habitual el ajedrez y las curiosidades locales, su mujer los cupcakes, su supervisor del trabajo se desahoga quejándose de banalidades… incluso su perro tiene sus manías. En algunos casos nos demuestran que cualquiera, sin ser ningún genio, puede hacer arte de un tipo o del otro.

A parte de la sucesión rigurosa de los días de la semana encontramos pautas que ponen de manifiesto un ritmo metódico y estudiado. Paterson siempre empieza el día con el poema del día anterior y luego escribe otro nuevo, siempre escucha alguna conversación de sus pasajeros, siempre ve algunos gemelos… La cadencia y la métrica están cuidadas como en los mejores poemas de la historia universal, para que nos sintamos dentro de una pieza literaria.

Con este largometraje tenemos reflexión e inspiración envueltos en un lenguaje coloquial. Tal vez haría falta más pausa y tiempo para analizar cada una de las composiciones del poeta. ‘Paterson’ nos ofrece una realidad sin asonancia ni consonancia, al fin y al cabo, el mundo no rima.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de diciembre de 2016. Título original: Paterson. Duración: 115 min. País: EE.UU. Director: Jim Jarmusch. Guión: Jim Jarmusch. Música: Sqürl. Fotografía: Frederick Elmes. Reparto principal: Adam Driver, Golshifteh Farahani, Kara Hayward, Sterling Jerins, Luis Da Silva Jr.,Frank Harts, William Jackson Harper, Jorge Vega, Trevor Parham, Masatoshi Nagase, Owen Asztalos, Jaden Michael, Chasten Harmon, Brian McCarthy. Producción: Amazon Studios, Animal Kingdom, K5 Film. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/paterson.html

Crítica: ‘Hasta el último hombre’

Sinopsis

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Japón, 1945. Desmond Doss (Andrew Garfield), un hombre contrario a la violencia, se alista en el ejército de EEUU para servir como médico de guerra en plena II Guerra Mundial. Tras luchar contra todo el estamento militar y enfrentarse a un juicio de guerra por su negativa a coger un arma, consigue su objetivo y es enviado a servir como médico al frente japonés. A pesar de ser recibido con recelo por todo el batallón durante la salvaje toma de Okinawa, Desmond demuestra su valor salvando a 75 hombres heridos consiguiendo el respeto de los soldados.

Crítica

Mel Gibson ha vuelto.

Han pasado 10 años desde ‘Apocalypto’, la última película dirigida por Mel Gibson. Una década de sequía, a modo de castigo, provocada por las constantes polémicas sobre el supuesto antisemitismo de Gibson, que han levantado el recelo en un Hollywood mayoritariamente judío. El que fuera detenido (precisamente hace 10 años) por conducir borracho y se dedicara a insultar a los agentes, tampoco ha sido de mucha ayuda. Pero Gibson asegura que lleva estos 10 años sobrio y pretende recuperar el prestigio perdido a través de su talento tras las cámaras. Y parece que lo conserva intacto, al igual que sus fuertes influencias religiosas.

Uno de los problemas que pueden surgir al adaptar una historia real es que tiene que ser lo suficientemente interesante (o contarse de manera que lo llegue a ser) para entretener a un espectador que ya sabe lo que va a pasar. Y Gibson lo consigue con creces durante 133 minutos. ‘Hasta El Último Hombre’ adapta, a través de una interpretación notable de Andrew Garfield, la vida de Desmond Doss, un combatiente en la batalla de Okinawa de la II Guerra Mundial que se convirtió en el primer objetor de conciencia condecorado con la Medalla de Honor del Congreso norteamericano (el máximo galardón que puede recibir un militar por su desempeño en el campo de batalla). Y lo hace en dos partes muy diferenciadas, dividiendo como hiciera Kubrick en ‘La Chaqueta Metálica’ la formación militar de la propia guerra. En la primera parte nos encontramos ante un biopic de superación bastante convencional, en el que se nos presenta la infancia de Doss, los problemas con la ira de su padre (un veterano de la I Guerra Mundial), el romance idílico con una enfermera que le hace interesarse por la medicina y, sobre todo, la ferviente fe que profesa desde pequeño. Doss se obsesiona con el quinto mandamiento, “no matarás”, que junto a su patriotismo le llevarán a alistarse en el ejército con una condición: no tocar un arma. Esta decisión le conllevará numerosos problemas, tanto con sus superiores (un sorprendente Vince Vaughn) como con sus compañeros, que le toman por cobarde. Es en ese momento cuando Doss comienza a desarrollar una determinación casi suicida por sus convicciones morales y sus creencias que se verá potenciada en la segunda parte de la película.

Tras una hora bastante convencional en la que Gibson repite algunos tópicos cinematográficos para dar ritmo (la carta en el último momento, los insultos graciosos del general a su tropa, el protagonista dando la cara por los compañeros que le hacen la vida imposible para ganarse su respeto, etc), llegamos a la parte puramente bélica. Y aquí parece empezar una película totalmente nueva. Cambiamos directamente al género de terror en una brutal carnicería, en la que el gore haría las delicias de cualquier seguidor de Tom Savini (que se influenciaba para sus sangrientas creaciones en su etapa como fotógrafo de guerra en Vietnam). Una masacre interminable que pasa a competir con las más crudas recreaciones bélicas que se hayan rodado. Que no son pocas. A la casquería se le unen otros elementos típicos del terror como sustos, ensoñaciones, suspense y un asesino casi sobrenatural, en este caso unos japoneses que son presentados como fantasmas inmortales. Después el tono se va suavizando para dejar paso a la heroica, al patriotismo exacerbado y a glorificar al Tío Sam, para terminar con las declaraciones en formato documental del propio Desmond Doss en las que podemos relacionar sus vivencias con la adaptación que acabamos de presenciar.

Doss falleció con 87 años en 2006. Hace 10 años. Una fecha que parece no escogida al azar por un autor que quiere volver a sentirse importante en un panorama cinematográfico que le daba por muerto. Mel Gibson ha vuelto.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de diciembre de 2016. Título original: Hacksaw Ridge. Duración: 131 min. País: EE.UU. Director: Mel Gibson. Guión: Robert Schenkkan, Randall Wallace, Andrew Knight. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Simon Duggan. Reparto principal: Andrew Garfield, Teresa Palmer, Sam Worthington, Luke Bracey, Vince Vaughn, Hugo Weaving, Rachel Griffiths, Richard Roxburgh, Matt Nable, Nathaniel Buzolic, Ryan Corr, Goran D. Kleut, Firass Dirani, Milo Gibson, Ben O’Toole. Producción: Lionsgate, Pandemonium Films, Permut Productions, Vendian Entertainment, Kylin Pictures. Distribución: DeAPlaneta Género: bélico, drama, hecho real. Web oficial: http://www.hastaelultimohombre.com/

Crítica: ‘Aloys’

Sinopsis

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Aloys Adorn es un detective privado taciturno, un lobo solitario cuyo trabajo consiste en filmar a otras personas, observándolas en secreto y permaneciendo invisible. Un día se emborracha y se duerme en un autobús, y al despertarse descubre que su cámara y sus cintas han sido robadas. La misteriosa mujer que le llama poco después parece tener algo que ver con ello.

Crítica

Un detective privado sin vida privada.

Si la sinopsis ya resultaba atractiva o enigmática, la película consigue potenciar aún más esos dos calificativos. El director y guionista Tobias Nölle nos presenta a Aloys, un personaje raro, introvertido. Su vida privada se ve consumida por su trabajo, hasta el punto de ser casi nula. Posee un empleo que le obliga a mantener las distancias con el mundo que le rodea, impidiéndole tener una existencia normal. Además acaba de sufrir una tragedia que fortifica su problema social. El protagonista, un detective privado, trabaja explotando los mayores e inconfesables secretos de la gente y le ha llegado el momento a él de salir de su aislamiento y no solo de crearse una privacidad si no de sacarla a relucir.

El aislamiento es uno de los sentimientos o acciones que Nölle ha querido tratar. Los planos de interiores son los que dominan la película. Planos que nos retratan el interior de una persona y que podrían formar parte de catálogos. Nos transmiten una sensación de soledad, encierro y casi misantropía. Unidos al orden y rigor de las rutinas de nuestro detective, el director consigue enfrascarnos en un personaje difícil de asediar. El voyerismo, el existencialismo o la liberación del verdadero yo son los otros grandes temas del filme.

El gato se convierte en ratón en determinado momento de la película y es entonces cuando vislumbramos una suerte de revelación. Sin llegar a sufrir una catarsis Aloys, interpretado por Georg Friederich, vive una reinvención y una fragmentación de su personalidad. Lo que experimenta realmente es una reconquista de su humanidad a partir de la evasión al mundo de la fantasía y la imaginación. Su mente se va despejando de igual modo que apartamos el vaho de un cristal empañado.

La influencia de David Lynch y su ‘Cabeza borradora’ es más que evidente. Desde luego esta película lleva dos sellos muy claros que también tenía Lynch en los setenta: el de ser una ópera prima y el de pertenecer al más genuino cine independiente.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2016. Título original: Aloys. Duración: 91 min. País: Suiza. Director: Tobias Nölle. Guión: Tobias Nölle. Fotografía: Simon Guy Fässler. Reparto principal: Georg Friedrich, Tilde von Overbeck. Producción: Georg Friedrich, Tilde von Overbeck, Kamil Krejcí, Yufei Li, Koi Lee, Sebastian Krähenbühl, Karl Friedrich, Peter Zumstein, Agnes Lampkin, Rahel Hubacher. Distribución: Atera Films. Género: thriller, drama. Web oficial: http://www.aterafilms.com/es/aloys

Crítica: ‘La madriguera’

Sinopsis

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Carlos es un escritor de éxito que está encerrado en su casa, no puede acabar su siguiente novela, está bloqueado. Debido a un trágico suceso ha perdido toda la inspiración. La editorial le insiste para que cumpla con su contrato. Carlos es incapaz de salir de esta situación por sí solo, y su editor decide enviarle a Caterina, una joven ayudante que conoce y admira todo su trabajo. La presencia de Caterina hace que Carlos recupere algo de orden en su vida, realizando verdaderos esfuerzos para superar los miedos que lo paralizan, llevando a cabo rutinas que lo ayuden a concentrarse. Pese a ello, Carlos sigue siendo incapaz de salir de su casa, ve en Caterina la única oportunidad de acabar la novela y no está dispuesto a perderla. Carlos empieza a construir la madriguera, de la que Caterina intentará escapar a toda costa.

Crítica

La tensión está escrita.

‘La madriguera’ es una película que podríamos decir que entra dentro de “pequeñas películas” españolas recién estrenadas como ‘El destierro’ o ‘Anomalous’. Filmes que pese a su falta de presencia publicitaria y de su notablemente reducido presupuesto pueden sorprender a más de uno.

Kurro González se estrena con una pequeña pero calculada propuesta. Se nos presenta una historia de tensión y emociones contenidas. Únicamente tenemos dos protagonistas (Francisco Conde y Adriana Torrebejano), una localización (la casa) y una motivación (escribir un libro). Una editorial envía a una ayudante para que su preciado escritor consiga terminar su próxima obra, pero este está traumatizado y bloqueado. Este es el punto de partida para una historia que poco a poco se vuelve más tirante e inquieta. El personaje de Conde sufre agorafobia debido a un trauma que está bien justificado y bien hilado. El espectador es consciente en todo momento de cuál es el problema que sufre pero el personaje de Torrebejano no, y es por eso que aquellos que sean más empáticos podrán sufrir con ella.

La interpretación de la actriz, nueva en esto de los largometrajes, es superior a la de Conde, que a su vez ejerce de guionista y de productor. Pero es Carlos Santos quien nos brinda la mejor escena. Sin duda el interrogatorio de Carlos Santos y Javier Mora al personaje de Francisco Conde nos ofrece la mejor cara de esta película. Es ahí donde vivimos la situación más tensa e ingeniosa del filme y donde el talento de Santos hace salir al mejor Conde que en muchas ocasiones resulta poco espontáneo o natural.

En una película como esta es difícil controlar el raccord emocional, sería más sencillo si estuviésemos hablando de una obra de teatro en la que los actores se van cargando o viven al momento lo que le ocurre a su personaje. Pero en ningún momento notamos que decaiga el ritmo y la progresión de los individuos. Además la “madriguera” ayuda a mantener encerrada esa tensión, como si ese propio sentimiento tuviese miedo a salir fuera. Este emplazamiento ha obligado a González a realizar muchos juegos con los ángulos, los marcos y los espejos.

No tenemos grandes giros de guión, solo una atmósfera y unos personajes que poco a poco van subiendo su nivel de crispación e incluso de desesperación. Uno de los fallos, que rompe este ambiente, es la desacertada música. En ocasiones las melodías que acompañan a las escenas pueden inquietar por lo extraño de su elección, pero por lo general nos sacan de la película. Por mucho que los títulos de las sinfonías tengan que ver con la escena que vivimos no resulta convincente su uso.

Kurro González ha demostrado ser capaz de ser director (a parte de montador) en un proyecto muy personal. Esta especie de ‘Misery’ a la inversa es una buena manera de redirigir una carrera que podría ser larga en este nuevo rol.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2016. Título original: La madriguera. Duración: 102 min. País: España. Director: Kurro González. Guión: Curro González, Francisco Conde. Música: Luis Herrero ‘The youth’. Fotografía: Alberto Muñoz. Reparto principal: Francisco Conde, Adriana Torrebejano, Cristina Castaño, Carlos Santos, Javier Mora. Producción: Francisco Conde, 32historias Producciones. Distribución: Syldavia Cinema. Género: thriller. Web oficial: http://32historias.com/lamadriguera/

Crítica: ‘Igelak (Ranas)’

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Pello, director de una sucursal bancaria, es detenido por delitos económicos. Abandonado por el superior que le enredó en el delito, huye para evitar la cárcel y se convierte en fugitivo. Por azar acabará escondido en un edificio ocupado por desahuciados en lucha. Pello se gana la confianza del colectivo, con el objetivo de robarles el dinero suficiente para pagarse una documentación falsa, huir al extranjero y empezar una nueva vida.

Crítica

Una película de fábula, pero no fabulosa.

Tellería no encuentra al príncipe, pero tampoco le sale rana esta tercera obra como director, desconozco si es la más ambiciosa de las tres que ha dirigido. Ha hecho suya la fábula del escorpión y la rana adaptándola y convirtiéndola en una historia que enfrenta a personas oportunistas y sin escrúpulos frente a personas humildes y luchadoras. Está claro en todo momento quién es rana y quién escorpión. Todo ello está hecho, o se ha pretendido, en clave de comedia.

Gorka Otxoa, un tipo que demuestra estar concienciado y comprometido con causas verdaderamente valiosas, se mete en la piel de un personaje tragicómico que maneja muy bien. Irónicamente su personaje es un mezquino que pisotea a todo aquel que no tiene dinero o que está fuera de sus intereses. Con este cambio de personalidad demuestra una vez más lo buen actor que es. Él aporta un buen balance de humor y drama, pero la película deja poco margen para la comedia a causa de la cantidad de canciones que posee. Conste que no tengo nada en contra de la música del filme, a decir más, Gatibu se encuentra entre mis bandas preferidas, pero puede resultar algo cargante tanta musicalidad. Llegamos a tener amagos de flashmobs que no terminan de arrancar. La banda sonora y el drama se comen una comedia en la que faltan gags. Sin embargo, me quedo con que las canciones son una vía óptima para promocionar el euskera y sobre todo la música de Euskadi. Eso queda patente, la intención de Patxo Tellería es la de exponernos a los artistas tan buenos que hay en su tierra.

Ya de paso se tiran algunos dardos contra el sistema actual, los bancos y la situación de crisis aún persistente. La explicación porreta que ofrece el personaje de Gorka Otxoa no tiene desperdicio. En ese aspecto Tellería nos ha pintado una caricatura de la realidad cargada de mendigos y miserables. Tal vez ha colocado demasiados mendigos por las calles y dicho sea de paso resultan ser demasiado artificiales, muy colocados y poco naturales. Puede parecer una nimiedad pero es algo que está constantemente presente en la cinta. Aunque irónicamente ha logrado transmitirnos una sensación de optimismo materializada en las ranas, o lo que es lo mismo, la gente que conforma la comunidad antisistema.

Al igual que en ‘Bypass’ Otxoa repite con el director, pero también lo hacen Itziar Atienza (‘El hombre de las mil caras’), Mikel Losada (‘Cuéntame como pasó’) y Javi Alaiza (‘La herida’). No son los únicos nombres que apoyan al protagonismo de Otxoa pues también figuran Miren Gaztañaga (‘Goenkale’), María Cruickshank (‘Vis a vis’), Gurutze Beitia (‘El primer último día’), Josean Bengoetxea (‘Celda 211’, ‘Loreak’) o Iñaki Rikarte (‘Lasa y Zabala’). Como podéis comprobar todo un reparto coral que no resulta despreciable dado su talento.

Si, ‘Igelak’ nos hace reír en contadas ocasiones y cuenta con su moraleja. Pero por encima de todo con ‘Igelak’ comprobamos que merece la pena apostar por Gorka Otxoa y por los rodajes en una lengua tan bonita como el euskera. Lástima que por intentar centrarse en el mensaje y la música se ha descuidado el tono cómico.

PD: no sé si sería la primera vez, pero anímense señores de la Academia a nominar a un tema rockero y además en euskera para los Goya.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2016. Título original: Igelak. Duración: 97 min. País: España. Director: Patxo Tellería. Guión: Patxo Telleria. Música: Iñaqui Salvador. Fotografía: Aitor Mantxola. Reparto principal: Gorka Otxoa, Miren Gaztañaga, Mikel Losada, María Cruickshank, Gurutze Beitia, Josean Bengoetxea, Iñaki Ricarte, Eneko Arcas, Itziar Atienza, Elena Irureta, Itziar Ituño, Ramón Agirre, Javier Tolosa, Javier González de Alaiza, Estibaliz Curiel, Itziar Sanchez, Anaut Patterson, Vega Iguaran. Producción: Abra Produkzioak, ETB. Distribución: Filmax, Barton Films. Género: comedia. Web oficial: http://www.blogseitb.com/igelakpelicula/

Crítica: ‘1898. Los últimos de Filipinas’

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A finales del siglo XIX España entró en guerra con Estados Unidos y sufrió la derrota que supuso la pérdida de las últimas colonias. Ya no podría volver a repetirse la frase de que “en España nunca se pone el sol”.

Crítica

Salvador Calvo ha capitaneado a un ejército de talento.

Estamos viviendo una oleada de filmaciones basadas en personajes y episodios de nuestras crónicas. Tenemos buenos ejemplos rodados en el pasado pero podemos decir que por fin estamos sintiéndonos orgullosos de nuestra historia o que al menos ya estamos sacándole partido y enseñando al mundo cosas que seguramente desconocían. De igual modo que los norteamericanos han exportado producciones hasta aburrirnos sobre capítulos como la Guerra de Vietnam o la batalla de El Álamo hoy podemos hablar de ‘Los últimos de Filipinas’, como ya hicimos con ‘El Ministerio del Tiempo’. No debería ser spoiler narrar el destino de este ejército, pero por si acaso no lo mencionaré, que todavía puede haber algún ignorante que lo desconozca.

Para el talento del gran reparto de la película daría para un capítulo a parte. Figuran nombres de intachable capacidad y talento como Karra Elejalde, Eduard Fernández o Carlos Hipólito, todos ellos apoteósicos. Pero es Luis Tosar, Javier Gutiérrez y el reparto joven conformado por Álvaro Cervantes, Patrick Criado, Ricardo Gómez, Miguel Herrán y Emilio Palacios el que se lleva la palma. Especialmente Cervantes, acapara protagonismo y lo hace sobradamente bien. Una serie de nombres que quita el hipo y tras ver la película y dejarnos sin respiración aún más. Por otro lado me sobra la mayoría de las escenas de la triunfito Alexandra Masangkay. También me habría gustado ver más a Pedro Casablanc.

‘1898. Los últimos de Filipinas’ es una grandiosa opera prima la de Salvador Calvo. Ha transformado lugares de Guinea Ecuatorial, Tenerife y Gran Canaria en uno de nuestros más humillantes escenarios de guerra. Conste que estoy históricamente hablando por que cinematográficamente se ha realizado un trabajo formidable. Localizaciones, vestuario y decorados son magníficos. No es de extrañar que Alejandro Catalán haya podido lucirse con la fotografía. Calvo se postula para una nominación a Goya a Mejor Director Novel. Pronostico que el ganador estará entre él y Raúl Arévalo, Marina Seresesky, Jordi Frades o Marc Crehuet, en mi modesta opinión, a día de hoy no conocemos los nominados. También puedo afirmar que más de una frase escrita por Alejandro Hernández os calarán muy hondo.

En determinados momentos de ‘1898. Los últimos de Filipinas’ también vemos paralelismos entre la España de antes y la de ahora. Se insinúa que gobiernan incompetentes, que lo que manda es el dinero y que quien paga siempre es el pueblo. Seguimos siendo ese país que pese a fracasar vuelve cantando. No quiero politizar la cinta y ni de lejos será la intención de sus autores, solo es una lectura que he sacado.

‘1898 los últimos de Filipinas’ realiza una tarea divulgativa, aunque hay que tener en cuenta que algunos hechos y personajes son ficticios. Sí que parece más próximo a la realidad la tozudez española y la negación a aceptar nuestro destino, las enfermedades, las dudas, la desesperación, incluso la estupidez cometida y que llevó a estos soldados a pasar por un infierno. Personalmente considero este episodio como una hazaña bélica, no heroica y aquí queda reflejado como tal. Lo que está clarísimo es que esto con un smartphone no habría pasado.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de diciembre de 2016. Título original: 1898, los últimos de Filipinas. Duración: 100 min. País: España. Director: Salvador Calvo. Guión: Alejandro Hernández. Música: Roque Baños. Fotografía: Alejandro Catalán. Reparto principal: Luis Tosar, Javier Gutiérrez, Álvaro Cervantes, Karra Elejalde, Carlos Hipólito, Ricardo Gomez, Patrick Criado, Miguel Herrán, Emilio Palacios, Eduard Fernández, Alexandra Masangkay. Producción: Manila Producciones A.I.E., ECPC y C.I.P.I Cinematográfica S.L., cuenta con la colaboración de TVE, 13 TV, Gobierno de Canarias, ICAA. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, bélico, drama. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Qué invadimos ahora?’

Sinopsis

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Michael Moore (‘Bowling for Columbine’, ‘Fahrenheit 9/11’) viaja a Europa dispuesto a “invadir” el continente en busca de soluciones a los problemas internos de Estados Unidos.

En ‘¿Qué invadimos ahora?’, Italia, Finlandia, Portugal, Eslovenia o Alemania son algunas de las paradas del cineasta, dispuesto a robar lo mejor de sociedades basadas en el estado del bienestar. El derecho de los trabajadores a vacaciones pagadas, la educación o la alimentación en los colegios, la desregularización del consumo de drogas, la educación universitaria gratuita o la capacidad de autocrítica de los gobiernos son algunos de los temas que Moore identifica en este viaje como grandes avances que pueden ayudar a Estados Unidos en su política.

Crítica

Michael Moore hace un compendio de lecciones a tener en cuenta a nivel mundial.

Michael Moore vuelve casi seis años después de su último trabajo como director para hacer lo que más le gusta, meter el dedo en la llaga. Ha retornado con su habitual sentido del humor y sus ganas de criticar a su propia nación. ‘¿Qué invadimos ahora?’ es su obra más comparativa y constructiva de todas las que ha realizado hasta la fecha. Dudo que alcance la envergadura de ‘Bowling for Columbine’ o ‘Fahrenheit 9/11’ pero eso no le resta interés y valor.

Desde el minuto cero arranca con sarcasmo, irguiéndose como enviado al extranjero con la misión de encontrar allí solución para los problemas norteamericanos, para conquistar no países si no ideas. Hace autocrítica desde una tendencia pesimista, aunque no pierde de vista el humor ácido que siempre ha empleado.

Su búsqueda se ha basado en entrevistarse con profesores, políticos, policías… de diferentes naciones, en su mayoría europeas. Allí donde ha ido ha buscado a los más eficientes en educación, economía, derechos sociales… para encontrar soluciones que aplicar en Estados Unidos. También coteja datos que nos dan una idea de la brecha que existe entre la calidad de vida de su país frente a la del resto de naciones que visitó.

Trata el problema de cómo los ciudadanos de EE.UU. confunden libertad con libertinaje, se queja de la mala educación de su país, de cómo se trata a los presos o a las personas de raza negra… Llega incluso a mencionar y acusar directamente de malas prácticas a empresas estadounidenses. En general da un buen toque a su tierra de las oportunidades.

Por otro lado, mientras muestra asombro por nuestras vacaciones o nuestras pagas extra resulta algo imparcial pues, por ejemplo, se deshace en elogios hacia costumbres de Italia o Portugal mientras se olvida de las crisis de estos. Estamos de acuerdo en que Estamos Unidos tiene mucho trabajo que hacer para mejorar, pero los países europeos no son perfectos, ni de lejos. Según va relevando diferentes praxis nos damos cuenta de que muchas deberían aplicarse en nuestro propio país. Ahora que está en boca de todos, se habla de lo beneficioso que fue para Finlandia (de los primeros del mundo en educación) reducir casi a cero el tiempo de deberes.

Nos puede impresionar que la mayoría de los impuestos de los estadounidenses van dirigidos para subvencionar la guerra pero no hospitales públicos. Aún así llevan años perdiendo guerras en territorio ajeno y nosotros consumiendo sus productos. Pero como decían los Monty Python ¿Qué nos han dado los romanos?

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de noviembre de 2016. Título original: Where to invade next. Duración: 119 min. País: EE.UU. Director: Michael Moore. Guión: Michael Moore. Fotografía: Jayme Roy, Richard Rowley. Reparto principal: Michael Moore. Producción: Dog eat dog films, IMG. Distribución: Movistar Estrenos (televisión), Avalon Distribución Audiovisual (DVD). Género: documental. Web oficial: http://wheretoinvadenext.com/

Crítica: ‘Aliados’

Sinopsis

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“ALIADOS” es la historia del oficial de inteligencia Max Vatan (Brad Pitt) quien en 1942, en el norte de África, conoce a Marianne Beausejour (Cotillard), miembro de la resistencia francesa, en una misión mortal tras las líneas enemigas. Reunidos en Londres, su relación se ve amenazada por las presiones extremas de la guerra.

Crítica

Tan creíble que podría haber sido real.

Decir que un guión o una historia son redondos puede ser aventurado y sin duda podría ser una opinión muy subjetiva, hay que aplicar diferentes criterios y estos variarán según a quien escojamos preguntar. Pero no me arriesgo a quemarme si digo que la coherencia con la que se ha escrito ‘Aliados’ es un gigantesco acierto. La película despierta interés sin aplicar sustanciales giros de guión y su realismo es tal que podríamos estar viendo la adaptación de alguna curiosidad histórica perdida en los libros.

La película arranca de tal modo que podría tratarse de una modernización de ‘Casablanca’ con guiños a otras películas de agentes secretos. De hecho el largometraje arranca como si Brad Pitt hubiese saltado del mismísimo avión de la obra de Michael Curtiz. Poco a poco las tramas de espionaje y guerra van dejando paso a un romance que estalla como una tormenta de arena, escena ilustrando esto incluida. Posteriormente y tras el idílico amorío volvemos a la trama enmarcada en el conflicto de la II Guerra Mundial. En la primera mitad del filme Zemeckis nos mantiene enganchados con una mascarada y en la segunda con un juego de paranoia y sentimientos enfrentados. Casi volvemos a recuperar al Zemeckis de ‘Forest Gump’ o ‘Regreso al Futuro’. Steven Knight (‘El caso Fischer’, ‘Promesas del este’), el guionista de este romance en tiempos de guerra, demuestra de nuevo porqué es bueno escribiendo thrillers. La creación de estos dos rentables cineastas resulta ser inteligente, todo lo que les permite el cine comercial, factible y deslumbrante. Su obra es un romance expuesto y gestado por los elementos de un thriller inmerso en una trama bélica.

La grandiosa ambientación hace compañía a los actores haciéndoles partícipes de los cambios de localización. Tanto Brad Pitt como Marion Cotillard saltan de un idioma a otro con soltura e incluso juegan con ello, vedla en versión original para apreciar esto. Ellos forman una pareja que, cotilleos de marujas a parte, funciona en pantalla. Este no es un ‘Sr. y Sra. Smith’, es una película bien diferente. No tenemos tanta acción ni existe un jugueteo descarado entre los protagonistas. Este es un filme en el que no sabemos si los dos personajes tienen las cartas al descubierto o no, la gracia y diferencia reside en esperar a que se desvele esto.

He de decir que me he enamorado de más de una toma. ‘Aliados’ nos deja varias estampas para enmarcar emulando el gran trabajo que antaño hizo ya Arthur Edeson con ‘Casablanca’. Don Burgess se merece un aplauso aparte.

Buena fotografía, un guión que se sostiene y dos grandes interpretaciones son las mayores bazas de ‘Aliados’. Hay quien se emocionará, hay quien vibre con algunas escenas de acción y hay quien llorará emocionado, hay lugar para todos.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de noviembre de 2016. Título original: Allied. Duración: 124 min. País: EE.UU. Director: Robert Zemeckis. Guión: Steven Knight. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Brad Pitt, Marion Cotillard, Lizzy Caplan, Matthew Goode, Jared Harris, Jason Matthewson, Angelique Joan, Sally Messham, Iain Batchelor, Miroslav Zaruba, Raphael Acloque, Angus Kennedy, David Bonneville, Tiar Lounis. Producción: GK Films, New Regency Pictures, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: thriller, drama, romance. Web oficial: http://www.alliedmovie.com/

Crítica: ‘Los exámenes’

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Romeo Aldea (49), un médico que vive en un pequeño pueblo de montaña en Transilvania, ha educado a su hija Eliza con la idea de que, cuando cumpla 18 años, se vaya a estudiar al extranjero.

Su plan está cerca de tener éxito: Eliza ha conseguido una beca para estudiar Psicología en Reino Unido. Solo tiene que pasar sus exámenes finales, un trámite para una buena estudiante como ella. El día previo a su primer examen escrito, un incidente pone en peligro los resultados de Eliza.

Ahora Romeo tiene que tomar una decisión. Hay varias maneras de resolver el problema, pero ninguna de ellas respetando los principios que él, como padre, ha intentado trasmitir a su hija.

Crítica

Una larga cotidianidad desesperada y corrupta.

El director rumano Cristian Mungiu nos trae una historia cotidiana y acusatoria. El modo de proceder de las gentes de Rumanía no debe ser del agrado de Mungiu. Ha filmado una película que bien podría ser un episodio largo de ‘Los Soprano’, hasta se oye eso de “estar en deuda con alguien” más de una vez. Lo que nos viene a decir es que a base de favores y protecciones se puede conseguir casi cualquier objetivo. Incluso el ritmo de la película puede evocar a tan afamada serie. Creo recordar que el personaje protagonista, el padre en esta cinta que está interpretado por Adrian Titieni, dice en algún momento “aún queda esperanza” refiriéndose a la honradez y dedicación de dos agentes de la ley. Esa es una de las mayores señales de que esta cinta pretende lanzar una crítica contra las malas costumbres de Rumanía.

Tenemos la historia de un padre que quiere hacer lo que sea para sacar a su hija de la localidad en la que viven. Este personaje lleva con tanta contención el contratiempo que sufre su hija que se hace imposible empatizar con ninguno de ellos dos. Se le presenta la oportunidad de una beca de estudios en el extranjero, pero para ello debe obtener una alta nota en un examen. Por desgracia antes de examinarse le sucede algo a la muchacha que impide que vaya en plenas condiciones a realizar la prueba. Es ahí cuando se presentan los temas que dominan la cinta.

Las preocupaciones y los favores, la honradez y las decisiones de la vida, el respeto por los principios y por transmitir valores correctos a los hijos. Con todo esto se nos plantea que la vida es un continuo examen en el que algunos deciden hacer trampas para pagar al sistema con su propia moneda y otros directamente deciden hacer lo correcto sean cuales sean las consecuencias. Las metáforas están muy presentes en el largometraje y no es que precisamente se emplee un lenguaje de sutilezas pero si se mantiene un tono muy conservador.

Con todo esto la película resulta ser muy extensa. Pese a ello está bien dirigida, de hecho, se ha llevado premio en ese aspecto en el Festival de Cannes. Personalmente Mungiu me ha descubierto al talentoso (u acertado en ‘Los exámenes’) Adrian Titieni. Sonoramente también ha conseguido que resulte realista pues curiosamente ‘Los exámenes’ carece de banda sonora, tal como ocurre con nuestra vida diaria. Las únicas canciones que se escuchan salen de la radio o de los móviles.

Lo que los norteamericanos habrían solucionado con Liam Neeson a base de mamporros y tiros, los rumanos lo han desarrollado con el ajetreo y el parlamento de un preocupado padre. Pese a ello nos deja varias cuestiones en el aire o a leer entre líneas. Quizá por querer reflejar con tanto ahínco las incógnitas de la vida resulte en muchos aspectos inconclusa, interminable, eterna.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de noviembre de 2016. Título original: Bacalaureat. Duración: 128 min. País: Rumanía. Director: Cristian Mungiu. Guión: Cristian Mungiu. Fotografía: Tudor Vladimir Panduru. Reparto principal: Vlad Ivanov, Maria-Victoria Dragus, Ioachim Ciobanu, Adrian Titieni, Gheorghe Ifrim, Emanuel Parvu, Valeriu Andriuta, Claudia Susanu, Adrian Vancica, Liliana Mocanu, Lia Bugnar, Tudor Smoleanu, Andrei Morariu, Rares Andrici, Constantin Cojocaru, Robert Emanuel. Producción: Les Films du Fleuve, Mobra Films, Romanian Film Board (C.N.C.), Why Not Productions. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: http://www.losexamenes-lapelicula.es/

Crítica: ‘Marea negra’

Sinopsis

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En abril de 2010, la plataforma petrolífera Deepwater Horizon, situada en el Golfo de Méjico, sufrió un terrible accidente que desencadenó una de las peores catástrofes medioambientales de la historia, y que costó la vida a 11 de sus trabajadores. ‘Marea Negra’ cuenta la historia de los hombres y mujeres que con su valor lograron salvar a muchos otros, cambiando sus vidas para siempre.

Crítica

Catástrofe flagrante, película trepidante.

‘Marea negra’ nos llega desde Estados Unidos dirigida por Peter Berg, un director capaz de pasmarnos con películas como ‘Hancock’ pero también de horrorizarnos con otras como ‘Battleship’. Ha dejado patente que es un patriota hasta la médula y ahora nos trae una historia real que supuso uno de los mayores vertidos de petróleo de la historia. Pero aquí no se plantea como esa calamidad de desastre natural, si no que Berg prácticamente esconde esto y nos ofrece una película de lucha y supervivencia. Tal vez no quiera herir en demasía a EE.UU. Si os parece que veis demasiadas banderas estadounidenses preparaos para su siguiente filme, ‘Día de patriotas’.

Berg se lo ha tomado con calma para después llevarnos por un fulminante desenlace. Tras más o menos una hora de presentación de personajes y de clase de perforación petrolífera para tontos vivimos una explosión colosal. Se nos pinta un panorama sentimental pero también se nos explica casi al dedillo como funciona una torre petrolífera en el mar y cuáles fueron las causas del desastre. Por lo demás, el tercio final de la película es todo fuego y prisas.

A pesar de haber podido tirar por las ramas de la heroicidad, esta es una película en la que siempre tenemos trabajadores del sector petrolífero, no héroes de acción y es por eso que en cierto sentido marca la diferencia. Malkovich no hace de loco si no de crudo empresario. Kurt Russell interpreta a un tipo trabajador, recio y responsable, tampoco está en la línea de lo que le vemos habitualmente. Lo que sí vemos es a Wahlberg haciendo de tipo duro y buen esposo. Kate Hudson mantiene los pies en la tierra y se conforma con un papel de esposa preocupada.

Se podría decir que ‘Marea negra’ tiene un corte similar a otras películas de desastres como el ‘Coloso en llamas’ o ‘Pánico en el túnel’. Tal vez presente menos laberintos y obstáculos a favor de que los temas técnicos sean los protagonistas. Resulta claustrofóbica, desesperada, como un náufrago en una isla en llamas. Berg muestra la plataforma para que momentos después contemplemos un escenario completamente desfigurado.

Jablonsky completa el equipo profesional junto a los ya conocidos Berg y Wahlberg, solo faltaría que se uniese Michael Bay para cerrar el círculo de amigos. Su banda sonora no nos ofrece grandes temas pero está a la altura de una película de estas características, cumple.

Al margen de ser tan superficial hasta llegar al punto de olvidarse del verdadero drama ecológico, a parte de las muertes humanas (al final se hace homenaje a los fallecidos y se ofrecen algunas imágenes de los testimonios de los supervivientes) es un largometraje emocionante. Seguramente no consiga concienciar a todo el mundo del daño del petróleo ni de comenzar usar vehículos eléctricos, no está enfocada así. Pero al menos dará a conocer el funcionamiento y peligro de las plataformas petrolíferas acompañándolo de buenas dosis de acción. ¿Es para verla en Imax? Tal vez no pero su espectacularidad se disfruta mejor a pantalla grande.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de noviembre de 2016. Título original: Deepwater Horizon. Duración: 107 min. País: EE.UU. Director: Peter Berg. Guión: Matthew Sand, Matthew Carnahan. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Enrique Chediak. Reparto principal: Mark Wahlberg, Kurt Russell, Gina Rodríguez, John Malkovich, Kate Hudson, Dylan O’Brien, Ethan Suplee. Producción: Summit Entertainment, Participant Media, di Bonaventura Pictures. Distribución: eOne Films. Género: hechos reales, drama, acción. Web oficial: http://www.deepwaterhorizon.movie/

Crítica: ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’

Sinopsis

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Animales fantásticos y dónde encontrarlos comienza en 1926 cuando Newt Scamander acaba de completar un viaje por todo el mundo para encontrar y documentar una extraordinaria selección de criaturas mágicas. Llegando a Nueva York para hacer una breve parada en su camino, donde podría haber llegado y salido sin incidente… pero no para un Muggle llamado Jacob, un caso perdido de magia, y la fuga de algunas criaturas fantásticas de Newt, que podrían causar problemas en el mundo mágico y en el mundo muggle.

Crítica

Newt Scamander nos devuelve la magia a las salas y nos trae un montón de criaturas para entretenernos.

Cuando me enteré de que iban a realizar una película sobre el libro ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos‘, pensé que iba a tratar sobre las aventuras del famoso magizoólogo Newt Scamander. A ver si, la película trata sobre este curioso personaje, pero para nada era lo que yo me imaginaba. Yo me imaginaba a un Indiana Jones pero buscando y capturando criaturas en las selvas, pero no, nos lo encontramos en plena ciudad y remendando sus errores.

K. Rowling, nos presenta a este peculiar escritor en su llegada a Nueva York, donde por un descuido deja que unas cuantas criaturas que lleva escondidas en su maleta se escapen por la ciudad causando el caos de los pobres muggles, o nomaj.

Los actores están perfectos, todos ellos, me ha gustado en particular el papel de Ezra Miller, poco puedo decir de su papel, solo que está impecable. Y Colin Farrel como auror, sin palabras, duro, sin escrúpulos y sin miramientos a los que infringen la ley.

‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos’ trae muchas sorpresas, no es solo mostrarnos a un sin fin de criaturas mágicas, sino que es mucho más, Scamander es un pretexto para presentarnos mucha más historia del mundo mágico.

Si que es cierto que el comienzo de la película es un bastante lento, la presentación es bastante larga, al menos para mi gusto, pero en cuanto la película coge rodaje, funciona estupendamente.

Debo de admitir que como fan de Harry Potter, no solo de los libros, sino de las películas, me daba bastante miedo lo que pudieran hacer en esta película, al fin y al cabo, del libro del que se sacó, es simplemente un compendio de animales y ya está. Pero J.K. Rowling ha sabido hacer mucho mas.

No quiero contar mucho más, solo decir que os encontrareis bastantes sorpresas en la película, yo las he disfrutado mucho y sobre todo vamos a ver a personajes ya conocidos, y sin duda eso es lo que más he disfrutado.

En el ámbito técnico, las criaturas están muy logradas, no la he visto en 3D, pero hay muchas escenas que están totalmente preparadas para ello. El nuevo mundo mágico es bastante diferente al londinense, más luminoso, más ostentoso y sobre todo mucho más moderno.

La música sigue la línea de Harry Potter, el tema central es el de siempre y eso hace que sepamos que seguimos en el mundo mágico, en el mismo mundo, no en la misma época, pero si son las mismas historias.

Realmente es una película para los fans de este mundo, para los que hemos disfrutado sobre todo de los libros. Tanto David Yates como J. K. Rowling han logrado devolver la magia, no es una película tan oscura como últimas de la saga, pero sí que nos comienza a mostrar cómo puede ser el futuro para los magos.

Puedo decir definitivamente que merece la pena su visionado, que se disfruta desde el principio hasta el final y que os quedaréis con ganas de más aventuras. La magia ha vuelto al cine.

Ficha Técnica

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Fantastic Beasts and Where to Find Them Duración: 140 min. País: Reino Unido. Director: David Yates. Guión: J.K.Rowling.  Música: James Newton Howard. Fotografía: Philippe Rousselot. Reparto principal: Eddie Redmayne, Katherine Waterston, Dan Fogler, Alison Sudol, Colin Farrel, Carmen Ejogo, Samantha Morton, Ezra Miller, Ron Perlman, Zoë Kravitz, Gemma Chan, Jon Voight, Christine Marzano, Lucie Pohl, Johnny Depp. Producción: Coproducción Reino Unido-EEUU; Heyday Films/ Warner Bros Distribución:  Warner Bros Pictures. Género: Fantástico, aventuras. Web oficial: http://www.animalesfantasticos.es/

Crítica: ‘La doctora de Brest’

Sinopsis

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LA DOCTORA DE BREST cuenta la historia real de la doctora Irène Frachon, la mujer que se atrevíó a plantarle cara a la industria sanitaria y farmaceútica francesa, cuando en 2010 se destapó el escándalo mediático en torno a la comercialización de un controvertido medicamento cuyos efectos secundarios provocaron la muerte de más de 500 personas.

Crítica

Una dosis desmesurada.

Basada en el libro autobiográfico ‘Mediator 150mg: Combien de morts?’ nos llega ‘La doctora de Brest’. El libro al que he hecho referencia nace durante las más de dos horas de película pues está escrito por la doctora Irène Frachon. Esta profesional de la medicina afincada en Brest se percató de la toxicidad de un medicamento recetado para los diabéticos que muchos empleaban para adelgazar. El Mediator (Modulator como se llamaba en España hasta que fue retirado en 2003) estuvo algo más de 30 años recetado en Francia, hasta que en 2009 fue anulada su comercialización. ¿Muy reciente y te sorprende no conocer el caso? No te preocupes, el director Emmanuelle Bercot y los guionistas Séverine Bosschem y Romain Compingt te lo explican largo y tendido con la película.

Una obra basada en un hecho muy cercano que se alarga más de lo necesario. 120 minutos son excesivos para narrar el proceso, o mejor dicho el vía crucis, que vivió Frachon desde que sospechó del medicamento hasta que consigue que lo prohíban, pasando por la laboriosa publicación de su libro. La propia distribuidora nos la referencia como si fuese la “Erin Brockovich francesa” y lo cierto es que eso no ayuda pues hace que se afiance la sensación de que esto ya nos lo han contado, que es algo que ya hemos visto.

Al menos se aprovecha para hacer una crítica en contra de los gobiernos y las farmacéuticas. ¿Os habéis preguntado quién y cómo se controla la salud de los ciudadanos? Para que todo esto resulte más realista Bercot nos ofrece imágenes reales de escáneres o recreaciones crudas de autopsias y operaciones. Aun así todo está expuesto bajo el microscopio de la sensibilidad francesa. La cantidad de terminología médica y farmacológica en conversaciones ágiles puede hacer que el espectador se pierda o incluso aburra.

Para interpretar a esta tozuda, cabezota y perseverante doctora se ha fichado a la danesa (recordad esto cuando oigáis su excelente acento francés) Sidse Babett Knudsen. Quizá muchos la conozcáis de trabajos recientes como ‘Westworld’, ‘Inferno’ o ‘Esperando al rey’. Bercot la ha plantado frente a un titán empresarial y la hace nadar en un mar contra corriente para mostrar el esfuerzo y la dificultad de la hazaña que pretende reverenciar. Benoît Magimel también aparece en el filme y nos deja más de una escena brillante. Ellos dos son los que hacen que merezca la pena ver esta película.

Si, este es un escándalo médico semejante a otros que hemos vivido en España relacionado con la salud pública. Ya ocurrió recientemente que murió gente por la negativa del gobierno a administrar el Sovaldi, por ejemplo. Desde luego son historias que merecen ser contadas pero en su justa medida.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: La fille de Brest. Duración: 128 min. País: Francia. Director: Emmanuelle Bercot. Guión: Emmanuelle Bercot, Séverine Bosschem, Romain Compingt, Irène Frachon. Música: Martin Wheeler, Bloum. Fotografía: Guillaume Schiffman. Reparto principal: Sidse Babett Knudsen, Benoît Magimel, Charlotte Laemmel, Isabelle De Hertogh,Lara Neumann, Philippe Uchan, Patrick Ligardes, Olivier Pasquier, Gustave Kervern, Myriam Azencot, Pablo Pauly, Eddie Chignara, Raphael Ferret, Christophe Meynet, Gilles Treton, Garance Mazureck. Producción: Haut et Court, France 2 Cinéma, Cofinova 12, Soficinema 12, SofiTVCine 3, Palatine Etoile 13, Cinemage 10, Canal +, Cine +, France Televisions, Région Bretagne. Distribución: Caramel Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/sinopsis/la_doctora_de_brest

Crítica: ‘La isla del viento’

 Sinopsis

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Miguel de Unamuno es exiliado a la isla de Fuerteventura por sus críticas al dictador Primo de Rivera (1924). Allí vivirá en el pequeño pueblo de Puerto Cabras.

Hastiado por la situación, el escritor se empeña en mostrarse huraño y encerrado en sí mismo.

Sin embargo, su relación con los isleños, el conocimiento de la realidad del lugar y el contacto con la isla, provocarán su salida del aislamiento. Aprenderá de manera casi inadvertida una lección que no olvidará hasta el final de su vida, en los albores ya de la dictadura franquista.

Crítica

Un retazo de la historia que no deberíamos olvidar y que se tiene que conocer.

En ‘La isla del viento’ vemos a un Unamuno exiliado de su querida Salamanca y a un Unamuno ya de regreso y que nunca se puede callar, pues según él dice «A veces, quedarse callado equivale a mentir«.

Una película que bien merece su visionado, para conocer a un Unamuno diferente, más humano, menos político y con demasiados sentimientos encontrados.

Cuando fue exiliado, la isla de Fuerteventura estaba en plena sequía, una de las más grandes de toda la historia de las islas. Sus habitantes, luchaban por el agua y por poder mantenerse con vida. Unamuno allí conoce a todos los habitantes de Fuerteventura, disfrutando de ellos y sobre todo aprendiendo de ellos.

El escritor llega a la isla con una gran coraza, sigue vistiendo de negro todos los días, su sombrero no se pierde y no se quita los zapatos casi ni para dormir. Poco a poco vamos viendo la evolución del personaje. Como en esos cuatro meses en los que estuvo allí, logró respirar y disfrutar del aire fresco, del paisaje que le rodeaba y de las gentes con las que convivía.

Todo esto nos lleva a un final, en el que atrás queda toda la esperanza, la realidad vuelve y esta vez en el Paraninfo de Salamanca, Unamuno suelta un gran discurso lleno de rabia y de verdad.

Manuel Menchón ha realizado un gran trabajo, vemos perfectamente la evolución del escritor, vemos como en Fuerteventura, que aunque fuera una prisión para él, logró respirar, logró pensar bien las cosas y salir adelante. Mientras que ya en el final de su vida, en su querida ciudad, la ve sitiada, ve que su amada inteligencia era derrotada por ignorantes, y el no puede callarse más, no puede hacer como si nada, le da igual morir, no lo piensa, sino que simplemente utiliza sus palabras como arma.

La escena en el Paraninfo de Salamanca es espectacular, da rabia ver cómo le trataron y no le escucharon, cuando la mayoría eran alumnos suyos. Todos al grito de «Viva la ignorancia» o «Viva la muerte«.

José Luis Gómez nos deja una imagen ejemplar de Unamuno, nos muestra su lado más humano, sus miedos y también su mal carácter. Una gran elección sin duda por parte del director.

En el panorama técnico, la fotografía es perfecta a la par de necesaria para mostrarnos tanto la sequía de la isla, como a su vez toda su belleza. Todo esto acompañado de una banda sonora muy bien llevada.

Como he mencionado, Manuel Menchón ha sabido escoger un buen trozo de historia para traernos de vuelta a Unamuno, una bonita manera de conocer un poco al autor y de que mucha gente conozca su historia.

Ficha técnica

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: La isla del viento Duración: 105 min. País: España. Director: Manuel Menchón. Guión: Dionisio Pérez, Manuel Menchón, José Javier Rodríguez. Música: Santiago Pedroncini. Fotografía: Alberto D. Centeno. Reparto principal: José Luis Gómez, Ana Celentano, Enekoiz Noda, Ciro Miró, Víctor Clavijo, Didier Roussel, Suamira Gil, Fabián Álvarez, Juan Carlos Tacoronte, Pepe Batista, Isidro Morales, Isabel Prinz, Laura Negrin, Ruth Armas, Javier Semprún, Miguel Cubero. Producción: 6M Films/ MGC/ Mediagrama/ Manoneta Cine. Distribución:  Begin Again Films. Género: Drama. Web oficial: http://laisladelviento.com/

Crítica: ‘La llegada’

Sinopsis

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Cuando una misteriosa nave toca tierra a lo largo de la Tierra, un equipo de élite, liderado por la experta lingüista Louise Banks (Amy Adams), es reclutado para investigar. Mientras la especie humana está al borde de una guerra mundial, Banks y su equipo buscan a contrarreloj respuestas, y de encontrarlas correrá un riesgo que podría amenazar su vida y posiblemente la de la humanidad.

Crítica

Un planteamiento conocido explorado de diferente manera.

Amy Adams se topa de nuevo con algo alienígena (‘El hombre de acero’), pero no es la única que repite encuentro pues Forest Whitaker también se relaciona de nuevo con una historia de otra galaxia ya que también le veremos en ‘Rogue one: A Star Wars Story’. Al margen de anécdotas, ambos se embarcan, junto a Jeremy Renner, en una historia de ciencia ficción, misterio y eventos extraños. Un trabajo dirigido por Denis Villeneuve que personalmente me da un rayo de esperanza para la futura ‘Blade Runner 2049’.

Si habéis visto el tráiler puede llevaros a engaño ya que puede inducir a pensar es que vais a ver mucha espectacularidad. El CGI no es el mayor punto de esta película, tampoco se adentra en el campo de la acción o del cine bélico. Sí, hay un trabajo de fotografía que en ocasiones puede rememorarnos a ‘2001 una odisea en el espacio’, pero no olvidemos que el director de la cinta es Villeneuve y a él le gusta jugar más con nuestra mente que con nuestros ojos, aunque no se le dé mal ni lo uno ni lo otro. Al igual que la cinta de Kubrick, ‘La llegada’ alcanza un clímax inesperado, pero en este caso estaréis más preparados pues el guión nos mantiene constantemente atentos a la evolución de este peculiar primer contacto. También su banda sonora os sumergirá en un ambiente extraño e incógnito.

Nos podemos comer el coco durante buen rato de la película y encontraremos explicación a todas las cuestiones planteadas, no queda nada en el aire, algo que se agradece. El concepto de esta película de alienígenas es diferente al del cine comercial, no es totalmente nuevo ya que encontramos ejemplos similares, pero si está explorado de diferente modo.

Desde luego el protagonismo y el peso dramático de la película recae en la heterogénea interpretación de Adams. Ella sirve de contrapeso, de baza emocional frente a las referencias científicas. Pero he de admitir la aportación de Renner con el enfoque que va dando a su carrera, que si bien me parecía plagada de actuaciones insulsas va dotándola de mejores actuaciones. En este caso su papel es mucho menos dependiente de la acción física, e irónicamente la física es la especialidad de su personaje.

Esta es una propuesta que se sale de lo convencional siendo modesta, hollywoodiensemente hablando, me ha fascinado y satisfecho. Aunque repite el manido discurso que nos dice que siempre son los yankis los que tiran del carro o se cargan el destino del mundo a sus espaldas. Pese a esto último, ¿tendrán que ver las diferencias del filme con que el director sea canadiense y no estadounidense? Os encontraréis con peculiares naves como hechas de piedra de pizarra, con la forma de un elipsoide de revolución. Tropezareis con un modo de proceder alejado del mundo precipitadamente bélico en el que vivimos. Y os toparéis también con un nuevo orden mundial, pero no me atrevo a decir más pues la película tiene varias cosas que exponeros y desvelaros. La mejor manera de descubrir a qué me estoy refiriendo es aceptar la llamada de ‘La llegada’ e ir al cine a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Arrival. Duración: 116 min. País: EE.UU. Director: Denis Villeneuve. Guión: Eric Heisserer (Relato: Ted Chiang). Música: Jóhann Jóhannsson. Fotografía: Bradford Young. Reparto principal: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Tzi Ma. Producción: Paramount, FilmNation, Lava Bear Films, 21 Laps Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción, thriller. Web oficial: http://www.arrivalmovie.com/

Crítica: ‘Un traidor como los nuestros’

Sinopsis

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Gail (Naomie Harris) y Perry (Ewan McGregor) son una joven pareja inglesa que durante sus vacaciones en Marrakech entablan amistad con Dima (Stellan Skarsgård), un millonario que resulta ser miembro de la mafia rusa. A cambio de conseguir asilo político en Inglaterra, Dima está dispuesto desvelar todos los secretos de la organización criminal. Perry y Gail pronto se verán atrapados entre la mafia rusa y el Servicio Secreto Británico, envueltos en un juego mortal del que no hay salida.

Crítica

Un moderado thriller de presiones y traiciones.

John le Carré puede decir que otra de sus obras ha sido llevada a la gran pantalla. Seguro que alguna habréis visto ya que son grandes conocidas: ‘El topo’, ‘El sastre de Panamá’ o ‘El jardinero fiel’. Al igual que en muchas de sus obras, en ‘Un traidor como los nuestros’ nos encontramos un juego de espías, pero en esta ocasión tenemos a unos espías involuntarios sumergidos en una trama de traiciones.

Los personajes de Ewan McGregor y de Naomie Harris son dos civiles normales y corrientes, con sus problemas personales (aquí reflejados sin gran relevancia) y sus aspiraciones en la vida. Tienen la suerte o desgracia de cruzarse con un mafioso ruso (Stellan Skarsgård) que les engancha para cambiar por completo sus vidas.

Ya hemos visto películas semejantes, en las que personas normales y corrientes tienen que trabajar al servicio de su gobierno, sirva de ejemplo ‘9 días’ con Chris Rock y Anthony Hopkins. Aunque con un tono distinto el filme de Susanna White refleja las tensiones que podrían vivir este tipo de personas al adentrarse en un mundo tan radicalmente diferente al suyo.

Este es un thriller con todas las de la ley. Pero no es una película de suspense, en todo momento White y su guionista (Hossein Amini) ponen las cartas sobre la mesa. Tampoco podemos decir que sea una película muy tensa. Con lo que nos distrae es con el desasosiego que sufren sus personajes, con la posibilidad de que todo se trunque a la primera de cambio. Con esto y con la interpretación de Skarsgård, muchísimo más apreciable en versión original gracias al acento ruso que emplea, recordemos que él es sueco. Tanto ese actor como Damien Lewis deberían ser la cabeza de cartel de este filme.

‘Un traidor como los nuestros’ peca de caer en más de un tópico del género pero también nos congratula con una historia ligeramente diferente a las habituales. Realmente la acción es escasa. No se basa en persecuciones o en tiroteos. Se basa en falsedades, tejemanejes y negociaciones. Se centra en exponer como una pareja de civiles es usada como una marioneta manejada por dos titiriteros. Desarrollando aún más esa idea se evidencia como una persona en esa situación puede sufrir tal tensión que los hilos se romperían y surgiría el riesgo de que actuase libremente.

¿Aporta algo nuevo? Es una aleación más del cine de espías y de mafiosos ubicada en un marco actual. Actualidad que está comandada por los bancos y el dinero y que tiene aquí una ligera crítica haciendo casi más hincapié en la corrupción sistémica que sufrimos.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Our kind of traitor. Duración: 107 min. País: Reino Unido. Director: Susanna White. Guión: Hossein Amini (Novela: John le Carré). Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Ewan McGregor, Stellan Skarsgård, Damian Lewis, Naomie Harris. Producción: The Ink Factory, Potboiler Productions. Distribución: eOne Films. Género: thriller. Web oficial: http://www.ourkindoftraitor-movie.com.au/showtimes

Crítica: ‘Amor y amistad’

 Sinopsis

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Ambientada en 1790, Amor y amistad (Love & Friendship) cuenta la historia de Lady Susan Vernon. Una bella viuda de la alta sociedad inglesa que viaja hasta la casa de campo de su familia política con la intención de conseguir un marido para su hija.

Adaptación del relato corto de Jane Austen, ‘Lady Susan’.

Crítica

Un enfoque insólito para una obra de Jane Austen.

Muchos años de trabajo intermitente han llevado al director Whit Stillman a escribir y dirigir su primer guión adaptado. ‘Amor y amistad’ es la filmación que se basa en una novela que Austen escribió pero no llegó a titular, lo haría posteriormente su sobrino bajo el título de ‘Lady Susan’.

Como es de imaginar, Lady Susan (Kate Beckinsale) es la protagonista de esa obra. En el trabajo de Stillman nos encontramos con que no todo se basa necesariamente en ese personaje pero su intervención es constante y a veces secreta. Beckinsale encarna a una dama capaz de manipular desde la discreción, la sutileza, el coqueteo y la circunspección. Ella es una cautivadora y persuasiva mujer que juega a un complejo ajedrez con sus familiares y conocidos.

La obra conserva una gran comicidad, en muchas ocasiones sello de Jane Austen. Al ser una novela inacabada Stillman ha tenido margen para improvisar o modificar a placer. Nos ofrece así una obra personalizada en la que la naturalidad interpretativa de sus actores eleva la calificación del filme. El más gracioso de todos, sin lugar a dudas, es Tom Bennett en el papel de Sir James. Su vis cómica, cercana a la del comediante Ricky Gervais, aporta un tono inusual para una obra surgida a partir de las palabras de Austen. Muy apropiados y acertados todos los matices cómicos de la cinta. Por supuesto el amor y el orgullo son el eje central de la obra, como no podría ser de otra manera.

Tal vez en algunos compases del largometraje suframos una serie de múltiples escenas, fruto de la materialización de las epístolas, que nos resulten excesivamente breves o rápidas. Pero el guión de ‘Amor y amistad’ tiene mucho que admirar ya que parte de un conglomerado de cartas y su construcción no debe de haber resultado sencilla.

El equipo de la película nos traslada a otra época gracias al diseño de producción y la puesta en escena. Tanto las luces empleadas, como el vestuario femenino, como la música barroca (anterior a los años en los que está ambientado el filme) nos hablan de cuál es la atmósfera y los sentimientos que reinan en cada momento.

Esta es una comedia de situación, pero de situaciones de otra época. Posee muchas argucias y sutilezas aderezadas de un humor refinado. No hay que ser muy seguidor de Austen para degustarla pero si ser partidario de este tipo de comedias románticas.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de noviembre de 2016. Título original: Love and friendship. Duración: 94 min. País: Irlanda. Director: Whit Stillman. Guión: Whit Stillman (Jane Austen, adaptación de «Lady Susan»). Música: Mark Suozzo. Fotografía: Richard Van Oosterhout. Reparto principal: Kate Beckinsale, Chloë Sevigny, Xavier Samuel, Stephen Fry, Emma Greenwell, James Fleet, Jemma Redgrave, Jenn Murray, Tom Bennett, Morfydd Clark, Lochlann O’Mearáin, Kelly Campbell, Justin Edwards, Conor MacNeill, Ross Mac Mahon. Producción: Blinder Films, Chic Films, Revolver Amsterdam. Distribución: Avalon Distribución Audiovisual. Género: comedia, romance. Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/amor-y-amistad-love-and-friendship

Crítica: ‘El ciudadano ilustre’

Sinopsis

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Daniel Mantovani es un Premio Nobel de Literatura argentino que vive en Barcelona desde hace décadas. Sus novelas se caracterizan por retratar con crudeza la vida de su pequeño pueblo, al que no ha regresado en 40 años. Un día llega una carta invitándole a recibir la distinción de Ciudadano Ilustre y sorprendentemente decide volver. En el pueblo, a su llegada, no lo reciben con el entusiasmo y cariño que se esperaba.

Crítica

La gracia de ver a un gran ego en un pequeño pueblo.

Justo ahora que ha surgido el debate por el nombramiento del Nobel de Literatura (Bob Dylan) y el de La Paz (Juan Manuel Santos) vengo a hablaros de un filme que habla sobre un ficticio y también polémico ganador de tan excelso reconocimiento. Daniel Mantovani (Óscar Martínez) es un escritor de renombre que recibe el Nobel de Literatura y da un discurso contestatario en la ceremonia de entrega, haciendo alarde de su fuerte personalidad controvertida. ‘El ciudadano ilustre’ plantea la situación agridulce de alguien que ha tocado techo en su carrera pero que no se siente dichoso ni recibe un reconocimiento unánime. De este modo los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat, pareja ha dado luz a títulos como ‘El hombre de al lado’ o ‘El artista’, plantean una situación agridulce y hacen uso de una ironía y un sarcasmo que están presentes durante toda la cinta.

Casi siempre se da por hecho que cuando un autor basa su arte en su ciudad natal, ambos están congratulados, que se sienten orgullosos de ese vínculo al cien por cien, pero ¿y si no es así? El escritor en cuestión vuelve a su tierra natal picado por la curiosidad, se adentra en la senda del reencuentro con su pasado y de la inspiración literaria que le falta, pero no le llega todo del modo que espera. Se nos muestra un pedazo de la Argentina humilde, y campechana. Esta sátira de la cúspide cultural sirve también como un retrato naturalista de esa sociedad latina. Están presentes elementos como el orgullo del hombre rural, el mate, el fútbol, la religión, la incultura… Todo esto choca como un vendaval que se va embraveciendo poco a poco en el sentido contrario al que lleva nuestro escritor, un aburguesado en Europa.

Óscar Martínez, protagonista no solo por su guión sino también por su interpretación, deja patente que está en su elemento. Maneja este tipo de comedia perfectamente. Puede ser capaz de encarnar las tragedias más humanas, como vimos ‘El espejo de los otros’, pero a la vez de hacer uso de un humor reflexivo y mordiente. El otro gran nombre de la película es la española Nora Navas, pero su papel dista de tener mucho peso, es casi anecdótico.

En ‘El ciudadano ilustre’ encontramos una comedia casi negra donde se mezcla la mordacidad con la tragedia. Según nos aproximamos al final de la cinta el drama vence a la comedia, pero género que me viene a la mente tras finalizarla es el de “drama burlesco”.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre de 2016. Título original: El ciudadano ilustre. Duración: 118 min. País: Argentina. Director: Mariano Cohn, Gastón Duprat. Guión: Andrés Duprat. Música: Toni M. Mir. Fotografía: Mariano Cohn. Reparto principal: Óscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne, Nora Navas, Iván Steinhardt, Manuel Vicente, Marcelo D’Andrea, Gustavo Garzón, Emma Rivera. Producción: Aleph Media, Televisión Abierta, A Contracorriente Films, Magma Cine. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/629/el-ciudadano-ilustre/

Crítica: ‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’

 Sinopsis

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A Sara le gusta planificar y quiere todo salga perfecto para la visita de su novio que lleva un año fuera.  Pero una semana antes de su llegada, la vida de Sara, y su piso, se convierten en un caos. Sus padres al borde del divorcio y una hermana menor a punto de casarse con Aarón, un famoso cantante que resulta ser el amor de instituto de Sara. ¿Qué ha hecho mal para que el karma le devuelva todo esto?

Crítica

Colores pastel para un pastelazo moderno.

Verónica Echegui ya nos ha demostrado ser una actriz cualificada para despuntar en diferentes registros (‘Yo soy la juani’, ‘Verbo’, ‘Kamikaze’). Aquí hace honor a ese concepto que tenemos de ella incorporando a su currículo el haber interpretado a un bicho raro o peculiar. Lástima que la película de María Ripoll no esté a la altura.

Este es un filme de situaciones surrealistas, en ocasiones llevadas al extremo. La mayor de ellas, la que parece más difícil de creer y esta forzada al límite es la que sucede en la escena final. Reina el humor verde, disparatado y tontorrón. He de reconocer que las pocas veces que se sale de estos calificativos me he reído, pero el resto de gags acaban siendo cargantes. Como mayor representante de este tipo de humor está Alba Galocha que es la que tiene más chistes picantes e incluso ordinarios.

‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’ está basada en una novela éxito de ventas salida de la mente de Laura Norton. Está hilada con la voz en off de la protagonista y posee un diseño de producción muy cuidado y astutamente estudiado. Es moderna y vintage al mismo tiempo, es decir está a la moda y además tiene moda. ¿Qué nos sugiere todo esto? Pues que se ha hecho para simpatizar con una corriente, llámese moderna, cool o hípster que tiene como centro epicentro el madrileño barrio de Malasaña. La película fluye por sus calles y está en boga, pero solo con ambientación no se logra todo.

Cuesta identificarse o empatizar con los protagonistas, salvando a los de Echegui y Jordi Sánchez. El ritmo no está descuidado, aunque no me refiero precisamente al musical ya que está repleta de canciones de rima fácil. Las incoherencias en el guión tampoco están ausentes al igual que algunos fallos de raccord, tanto visual como emocional.

El título está más que justificado. La protagonista sufre las consecuencias de lo que hace o más bien de lo que se deja hacer. Durante todo el largometraje se nos transmite el mensaje de que hay que lanzarse y vivir la vida sin preocuparnos de porque nos pasan las cosas o de a dónde nos llevarán nuestros actos. Es decir, que no seamos gilipollas y no tengamos miedo del karma. Por lo demás yo no sé si no soy moderno o no tengo sentido del humor que ahora es popular, no me parece en exceso graciosa. Al margen de mi gusto personal no me ha parecido tampoco un buen producto cinematográfico.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre. Título original: No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas. Duración: 94 min. País: España. Director: María Ripoll. Guión: Carlos Montero, Breixo Corral. Música: Simon Smith. Fotografía: Pau Castejón. Reparto principal: Verónica Echegui, Álex García, David Verdaguer, Alba Galocha, Jordi Sánchez, Cecilia Freire, Elvira Mínguez. Producción: Zeta Cinema. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, romance.

Crítica: ‘Anomalous’

 Sinopsis

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David, un joven que padecía una extraña variante de esquizofrenia, ha aparecido muerto en su bañera de forma terrible. Se sentía perseguido y amenazado por una presencia que era incapaz de definir. Todo coherente con su enfermedad. Su psiquiatra, el doctor Friedhoff, consciente de sus escasos progresos, decidió someterle a una novedosa e inusual terapia: que se grabase en vídeo, él mismo, durante una semana. Siete días de su vida normal, cotidiana, tratando de captar esa presencia a través del ojo frío y objetivo de la cámara. El médico pretendía así demostrarle que todo lo que le sucedía no era más que fruto de su imaginación, de su mente alterada y enferma.

Crítica

Intrigando y sorprendiendo, realmente es anómala.

No son pocas las veces en las que nos encontramos que un producto de menor presupuesto resulta mucho más satisfactorio que las grandes superproducciones. ‘Anomalous’ es uno de esos casos en los que gratamente vemos que no se abusa de los efectos generados por ordenador ni se busca el susto fácil para conseguir mantener atento al espectador.

No es una película de terror, y menos es de esas que se basan solo en los sobresaltos, que algunos tiene. Tampoco penséis que es del estilo ‘Paranormal Activity’ o ‘El proyecto de la bruja de Blair’ por eso de que emplea, solo en parte, el metraje encontrado. Este largometraje es un thriller psicológico a medio camino entre ‘Los límites de la realidad’ y ‘Fringe’. Se une el tema parnormal con un asunto psicológico y policial. Podría ser un relato moderno de Allan Poe por el uso que hace de las triquiñuelas de la mente humana y de lo paranormal.

Tanto el director Hugo Stuven, como los actores Christy Escobar (‘Bindspot’) y Edgar Fox (‘The american west’) están ante su opera prima, en lo que a largometrajes se refiere. Presentan algunas de las pifias de los primerizos, pero pasan bastante desapercibidas ante el buen hacer demostrado tanto en el set de rodaje como en la postproducción. La cinta posee un buen equilibrio entre el rodaje tradicional y el metraje encontrado, del cual no abusa. El diseño de producción tiene muy buena hechura y el ritmo aplicado resulta extraño, opresivo, de manera que consigue incomodar al espectador tanto o más de lo que están alguno de los personajes. Ofrece constantemente vistas contrapuestas, va cerrando los planos y juega con los sonidos para poco a poco crear un ambiente cada vez más pesado e incómodo. Con estas técnicas y con todas las intrigas que va generando el guión, consigue que la duda del culpable sea también la duda del espectador.

Antes de cerrar esta crítica no puedo evitar señalar el cuidado trabajo de Lluis Homar haciéndonos viajar por la evolución de un personaje elaborado y que tiene que mostrar varias caras. Muy bien en eso de mantener el tipo, muy fría Christy Escobar, con un carácter bastante similar al que originalmente tenía Olivia Dunham en Fringe, la serie de J.J. Abrams. Y dicho sea de paso muy teatral el papel de Edgar Fox haciendo de esquizofrénico, teniendo que realizar la difícil tarea de actuar prácticamente siempre solo fingiendo estar con alguien.

Si tuviese que definirla con una sola frase, excluyendo el titular empleado, sería: óptima para los fans del misterio y de lo oculto.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre 2016. Título original: Anomalous. Duración: 96 min. País: España. Director: Hugo Stuven. Guión: Hugo Stuven, David Zurdo, Fernando Acevedo. Música: Sergio Jiménez Lacima. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Lluis Homar, Christy Escobar, Edgar Fox, Adria Arjona, Ben Temple. Producción: Numérica Films, Visiona Tv. Distribución: World Line Cinema. Género: thriller psicológico, fantástico. Web oficial: www.facebook.com/AnomalousTheMovie/

Crítica: ‘Jack Reacher: nunca vuelvas atrás’

Sinopsis

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Jack Reacher, ex policía militar, regresa de nuevo al cuartel general de su antigua unidad para reunirse con la comandante Susan Turner (Cobie Smulders) pero ésta ha sido arrestada por traición y encarcelada. Reacher, sabiendo que es inocente, le ayudará a escapar de la cárcel para finalmente destapar la verdad detrás de una gran conspiración del gobierno que incluye el asesinato de soldados. Basada en la obra de Lee Child, «Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás» que supone su décimo octava novela de la serie de bestsellers sobre Jack Reacher y que ha vendido más de 100 millones de libros en todo el mundo.

Crítica

Compro al Smulders el resto te lo quedas.

‘Jack Reacher’ surgió hace cuatro años para devolvernos al Tom Cruise más luchador y fuera de la ciencia ficción de los últimos años, al margen de su Ethan Hunt de ‘Misión Imposible’. Edward Zwick (‘El caso Fisher’) ha cogido el relevo de Christopher McQuarrie (‘Misión Imposible: nación secreta’) y lo cierto es que me cuesta decidir quién ha hecho mejor o peor trabajo. Lo que sí que es seguro y obvio es que al libreto se ha mantenido al mismo responsable, Lee Child, que intenta crear saga cinematográfica con este segundo trabajo basado en sus novelas. Si tengo claro que en conjunto la primera parte fue mejor y que consiguió intrigarme más desde el comienzo con la escena del francotirador. Dentro de lo que hoy clasificamos como “cine palomitero” están tanto la película del 2012 como la que se estrena este año. Peleas, disparos, persecuciones, explosiones… lo clásico en una película de acción.

En esta ocasión el personaje de Cruise tiene un cariz más humano, menos impasible y calculador. Este trotamundos que parece pertenecer al Equipo A sigue haciendo justicia a mamporro limpio y procurando no dejar huellas. Usa menos el arte marcial del Keysi y ese es otro atractivo perdido, aunque las coreografías de las peleas siguen siendo buenas y los tiroteos bastante convulsos.

Probablemente para aportar una variable más impredecible en la vida de este cuidadoso exmilitar se incluye al personaje de Danika Yarosh, que tiene un registro muy diferente al que le vi en ‘Heroes Reborn’ o al de ‘Shamless’. Su inclusión me parece bastante poco meditada y su relevancia es rebatible. El otro rol femenino importante de la película si está planteado de un modo bastante más consistente. Cobie Smulders se postula como una de las nuevas heroínas del cine de acción tras este trabajo y lo que la hemos visto anteriormente como agente de S.H.I.E.L.D. Tiene todas las características para poder protagonizar una cinta como protagonista y ofrecernos algo disfrutable, revindicando así el papel de la mujer dentro de este género. Esta película podría haber llevado también el nombre de su personaje, algo así como ‘Reacher y Turner’. Aldish Hodge, Patrick Heusinger y Robert Knepper completan un reparto bastante consistente para el menester de este filme.

Habrá discusión sobre si esta entrega es más o menos inconexa que la anterior, pero me parece indiscutible que ambas se hacen muy pesadas de seguir con su duración que ronda las dos horas. Tiene las incongruencias de las películas de este género que a mí personalmente me suelen parecer descuidos que demuestran una carencia total de afecto e interés por el producto final.

Pese a carecer de declaración de intenciones funciona bien como película de acción y sirve como película independiente de la otra. Este filme, que digamos que sigue la estela de otras sagas como el Borune de Matt Damon, podría tener sus continuaciones, sobre todo si se la sigue produciendo el propio Cruise.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de noviembre de 2016. Título original: Jack Reacher 2: Never go back. Duración: 118 min. País: EE.UU. Director: Edward Zwick. Guión: Richard Wenk, Marshall Herskovitz, Edward Zwick. Música: Henry Jackman. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Tom Cruise, Cobie Smulders, Danika Yarosh, Aldis Hodge, Sue-Lynn Ansari, Teri Wyble, Holt McCallany, Robert Knepper, Tilton Lipoma, Madalyn Horcher, Michael Papajohn, Patrick Heusinger. Producción: Paramount Pictures, Skydance Productions, TC Productions. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, thriller. Web oficial: http://www.jackreacher.es/

Crítica: ‘Sully’

Sinopsis

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El 15 de enero de 2009, el mundo fue testigo de “El milagro del Hudson” cuando el Capitán “Sully” Sullenberger hizo amerizar su avión averiado sobre las gélidas aguas del río Hudson, salvando la vida de las 155 personas a bordo. Sin embargo, mientras Sully era aclamado por el público y por los medios por su hazaña nunca vista en habilidades de aviación, se desarrolló una investigación que amenazaba con destruir su reputación y su carrera.

Crítica

Héroe hasta que se demuestre lo contrario.

Clint Eastwood vuelve a la dirección tras coleccionar éxitos como ‘Million Dollar Baby’ o ‘Gran Torino’, por citar sólo un par, su trayectoria como director nos tiene tan enamorados que podríamos continuar la lista párrafos y párrafos. En esta ocasión se ha enfrentado a la difícil tarea de crear un largometraje a partir de una hazaña de la aviación como fue la del amerizaje en el río Hudson. Las películas sobre aviones son una constante en la historia del cine, pero pocas tienen tanta base real como esta. La cercanía temporal con el acontecimiento denota la falta de originalidad en el cine de Hollywood. Basarse en hechos reales cuando han ocurrido hace realmente poco es tan arriesgado como sencillo. En el caso de ‘Sully’ se cuenta con la novela escrita por el propio Chesley Burnett «Sully» Sullenberger III y el columnista Jeffrey Zaslow, y esto puede ser sinónimo de veracidad. Por otro lado es un acontecimiento que podría no dar para meter mucha paja, algo que temíamos todos y que más adelante rebatiré. Puede que por todo esto estemos ante una película más corta de lo que nos tiene acostumbrados Eastwood, que casi siempre pasa de las dos horas.

Para esta ocasión ha contado con otro incontestable de Hollywood como es Tom Hanks. Aquí no vemos al típico personaje de Hanks con mente ágil y carisma envolvente, esa es una de las razones por las que podemos seguir considerándole un gran actor. Los grandes y pequeños personajes de ‘Sully’ están interpretados por actores harto conocidos como Aaron Eckhart, Anna Gunn, Lura Linney, Mike O’Malley, Chris Bauer o Michael Rapaport. Pero el protagonista indiscutible, como reza el título, es Hanks. Realiza una interpretación dramática, pero desde la contención, sin caer en lloreras o en escenas apasionadas. El suyo es personaje angustiado y atosigado por cumplir su deber y soportar la presión, se sale de lo que le hemos visto en los últimos años (excluyendo ‘Capitán Phillips’).

La cinta pone en cuestión la labor del piloto como ocurrió en los días sucesivos al incidente. Nos induce a dudar si este tenía o no otras opciones viables. Para ello en vez de emplear un montaje lineal, Eastwood ha optado por un método más aturullado. Pesadillas, recuerdos, charlas e investigaciones se mezclan para mostrarnos todas las caras de una proeza como esta. Desde luego una buena parte de la película se va en mostrar el amerizaje y rescate en las aguas del Hudson. Esta es señal de que tampoco podía haber mucho donde rascar. Todo lo narrado al margen de la proeza sirve para acercárnosla a aquellos que no nos enteramos de las causas y repercusiones de este amerizaje. Narra la hazaña sí, pero también narra todas las sensaciones e investigaciones posteriores. Esto le da otra dimensión al suceso, le aporta un sentido más especializado y realista de lo que muchos teníamos en la cabeza. Con todo lo que he mencionado creo que he demostrado que es un filme justificado.
Cuando ocurrió esto a muchos se le pasaría por la cabeza el 11-S y las imágenes que ha rodado Eastwood así lo reflejan, en ese sentido no se ha andado con contemplaciones, no sería propio de él. Y algo que sí es típico en sus películas es el patriotismo, muestra a los norteamericanos como una sola entidad que se ayuda a sí misma y que para más inri lo hace en tiempo récord.

No quiero decir que las películas de superhéroes hayan inventado los easter egg ni la escena postcréditos, ni mucho menos, pero son las que más uso hacen de estos recursos en la actualidad. Sí que puedo decir que ‘Sully’, al tratarse de un filme sobre un héroe, tiene algún huevo de pascua e incluye en sus títulos finales a los protagonistas reales de esta historia.

Podría usar la ya famosa frase del piloto, “prepárense para el impacto”, como herramienta para indicar que esta es una película que puede conmocionar, pero no es para tanto. Esta es una demostración de que no hay ni aeroplanos ni filmes pequeños. La veteranía es un factor muy importante, no sólo a la hora de pilotar correctamente un avión sino también a la de conseguir dirigir una película que sea irrefutable.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de noviembre de 2016. Título original: Sully. Duración: 96 min. País: EE.UU. Director: Clint Eastwood. Guión: Todd Komarnicki. Fotografía: Tom Stern. Reparto principal: Tom Hanks, Aaron Eckhart, Laura Linney, Anna Gunn, Autumn Reeser, Sam Huntington, Chris Bauer, Holt McCallany, Mike O’Malley, Chris Bauer, Michael Rapaport. Producción: Warner Bros. Pictures, Village Roadshow, Malpaso Flashlight Films. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.sully-movie.com/

Crítica: ‘La bailarina’

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«La bailarina» centra su historia en torno al éxito y posterior declive de Loïe Fulle. La joven que llegó a convertirse en un icono de la Belle Époque y en bailarina del teatro de la Ópera de París no dejó nunca de perfeccionar su danza, a pesar de sufrir dolores de espalda y de tener los ojos dañados por las luces del teatro. Sin embargo, todo su esfuerzo se verá amenazado con la llegada de Isadora Duncan, una joven prodigiosa sedienta de éxito que se convertirá en su mayor rival.

Crítica

Más informativa que artística.

Stéphanie Di Giusto se estrena dirigiendo y escribiendo ‘La bailarina’, un filme muy poco ambicioso que viene sacar a la palestra otra figura femenina caída en el olvido. Loie Fuller fue una bailarina y actriz estadounidense que despuntó en Europa por su nuevo concepto de baile, principalmente por el movimiento que realizaba con sus telas y por como jugaba con luces eléctricas de colores. Fue alguien que inventó muchos bailes y que exprimió su imaginación para sacar partido a las nuevas tecnologías (por entonces se comenzaban a instalar redes eléctricas en ciudades y locales).

Con este currículo se podría haber logrado un filme con un mensaje mucho más potente o por lo menos con una moralina más definido. Sin embargo Di Giusto se conforma con hacer más de lo mismo. Mujer que se abre paso en un mundo falocéntrico, persona que quiere hacer algo nuevo y choca contra un muro de conservadurismo… Para tratarse de una película sobre una bailarina rompedora, no rompe los moldes. Este es el relato de una auténtica hacedora de danzas y la película se centra principalmente en la competencia y los achaques físicos que sufrió, además de incluir una historia de amor que no viene al caso.

La actriz que interpreta a Loie Fulle, Soko (‘Her’), guarda cierto parecido con la artista. Si ella fue una gran y exitosa líder, capaz de hacer que muchas la siguiesen la corriente, Soko no ha sabido transmitirlo, no le ha impreso al personaje ni el carisma ni el sentimiento adecuado.

Cuando ella baila la película se transforma en un espectáculo visual de máxima belleza artística. Tenemos imágenes experimentales, estampas bucólicas, bailes desenfrenados… Ahí radica la escasa gracia del largometraje que también tiene una exquisita ambientación con esplendidos decorados y detallado vestuario.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de noviembre de 2016. Título original: La danseuse. Duración: 108 min. País: Francia. Director: Stéphanie Di Giusto. Guión: Stéphanie Di Giusto, Sarah Thibau. Fotografía: Benoît Debie. Reparto principal: Soko, Lily-Rose Melody Depp, Mélanie Thierry, Gaspard Ulliel, François Damiens, William Houston, David Bowles, Louis-Do de Lencquesaing, James Flynn, Petra Buckova, Frans Boyer, Charlie Morgan. Producción: Les Films du Fleuve, Les Productions du Trésor, Sirena Film, Wild Bunch. Distribución: Vértigo Films. Género: musical, drama. Web oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/la-bailarina.html

Crítica: ‘La historia de Jan’

Sinopsis

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Jan nació el 4 de noviembre de 2009 cambiando la vida de sus padres. La inesperada noticia de que Jan tenía síndrome de Down llevó a su padre a escribir un blog y a grabar a su hijo para compartir su día a día y superar sus miedos. Esta película, resultado de ese blog y de esas filmaciones durante 6 años, nos cuenta una historia de superación y aceptación desde el optimismo, el sentido del humor y la ternura.

Crítica

La de Jan es una vida de luchas y logros que merece ser contada.

‘La historia de Jan’ no es una historia convencional pero si es una historia que se vive en muchos hogares españoles. La diferencia con todas las demás es que los padres del aún pequeño Jan nos han abierto las puertas de su casa y de su corazón. Y lo hacen de un modo tan abierto que debemos sentirnos honrados de ser espectadores de ello. Desde que nació hasta prácticamente hoy podemos ver en el filme el devenir de este niño de seis años con síndrome de Down. No voy a compararla con ‘Boyhood’ ya que es lo que está sugiriendo todo el mundo, y aparte de que no he visto ese filme estadounidense no voy a ofrecer una crítica comparativa y redundante.

Es enternecedor ver cómo rapea, cómo reacciona al himno del Atlei, cómo juega con otros niños, como gatea… Cada logro se celebra como cualquier otro celebraría el gol de Iniesta o el año nuevo. Para Jan es algo más que remarcable el hecho de conseguir tareas que son comunes o automáticas para los niños ordinarios. Para mostrar estos momentos la película nos muestra multitud de piezas de vídeos caseros. Posteriormente se han filmado otros fragmentos de ficción en los que el padre de Jan, Bernardo Moll Otto, hace una retrospectiva recorriendo los lugares clave por los que ha pasado su hijo hasta ahora. Para esto ha contado con profesionales como Alfonso Postigo (‘Pagafantas’) en la fotografía que tanto contrasta con las grabaciones familiares. Pese a esta ayuda el propio Bernardo Moll resulta ser protagonista innecesario de la cinta en más de una ocasión.

Como he dicho antes Jan tiene seis años, el filme se estrena el día de su cumpleaños, el día que hace los siete. Un detalle más para esta película cercana, tierna y práctica. A mi entender, a parte de un homenaje a un niño luchador, puede servir para abrir los ojos a los intolerantes, para que vean con otros ojos a estas personas. Y también para los desconsiderados, para que sepan lo que es criar a alguien con este síndrome.

Este largometraje, en parte financiado con un crowdfunding llevado a cabo en Verkami, podría ser un fuerte candidato a los Goya, por su valor humano y por su valor documental. Seguro que ‘La historia de Jan’ va a estar en muchas quinielas. Si queréis conocer de primera mano su historia ved la película y seguid su blog.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de noviembre de 2016. Título original: La historia de Jan. Duración: 90 min. País: España. Director: Bernardo Moll Otto. Guión: Bernardo Moll Otto. Música: Mayor Tom y Guille Mostaza. Fotografía: Alfonso Postigo. Reparto principal: Jan Moll Vic, Bernardo Moll Otto, Mónica Vic. Producción: Belén Bernuy, Fernando Riera y Eduardo Escudero. Distribución: Sherlock Films, A contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: http://lapelicula.lahistoriadejan.com/

Crítica: ‘Blair Witch’

 Sinopsis

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Han pasado veinte años desde que la hermana de James (James Allen McCune) y dos amigos suyos desaparecieran sin dejar rastro en los bosques de las Colinas Negras, en Maryland, mientras investigaban la leyenda de la bruja de Blair. Ahora, el propio James y sus amigos Peter (Brandon Scott), Ashley (Corbin Reid) y la estudiante de cine Lisa (Callie Hernandez) se adentran en esos mismos bosques cámara en mano con intención de desentrañar el misterio de su desaparición.

Al principio, el grupo se muestra esperanzado, sobre todo tras conocer a un par de lugareños, Lane (Wes Robinson) y Talia (Valorie Curry), que se ofrecen para hacer de guías por los oscuros y sinuosos bosques. Pero, a medida que avanza la interminable noche, sienten el acecho de una amenazadora presencia..

Poco a poco, los jóvenes se van dando cuenta de que la leyenda es mucho más real y siniestra de lo que podrían haber imaginado.

Crítica

Si la original es de tu gusto y no la hubieses visto te gustaría esta.

Os acordáis de aquella película de terror en la que los protagonistas se separan, en las que hay sonidos estridentes, linternas que se apagan, una eterna noche, distorsión en las cámaras… pues si no la recordáis no os preocupéis que para eso está ‘Blair Witch’. La cinta que retoma el bosque en el que desaparecieron unos jóvenes, en el falso documental que fue ‘El proyecto de la Bruja de Blair’ claro está, ha estado dirigida por Adam Wingard (serie ‘Outcast’, ‘V/H/S’) y escrita por Simon Barrett (‘Tu eres el siguiente’, ‘V/H/S’). Una buena pareja que ha dado resultados satisfactorios y que ha asumido la tarea de continuar con una película que en su época marcó tendencia y puso de moda el metraje encontrado. Lo que sencillamente han hecho en ‘Blair Witch’ es no tomársela en serio ni tener el mínimo interés en innovar o considerar las nuevas corrientes del género. Actualiza la original pero no mantiene su espíritu rompedor que la llevó a ser uno de los títulos más rentables del terror.

Las referencias y homenajes a la película del 99 eran inevitables. Pero lo que sí que se podrían haber ahorrado son los sustos que no vienen a cuento, las paradojas temporales a lo ‘Paranormal activity’, las tomas a lo REC… De hecho, aunque lo parezca, la bruja no está recreada por Javier Botet, ser parece a la niña de Medeiros pero nada más. Incorpora las nuevas tecnologías para ponerlas a disposición de los jóvenes e incautos protagonistas, eso es lo único novedoso. Un dron, videocámaras de oreja, GPS… todo lo posible para dejar patente que cualquier recurso es inútil contra esta singular bruja.

El filme se pone intenso a la hora casi justa de duración. Es cuando aparecen las escenas trepidantes. La mejor parte de ‘Blair Witch’ llega cuando los personajes se adentran en una casa que resulta tener una atmósfera envolvente y unas secuencias agobiantes. Es como un túnel del terror en medio de un bosque. A aquellos a los que les pille de nuevas este tipo de películas, que no habrá muchos, si tendrán unas dosis de sustos y miedo.

Si se salva de ser quemada en la hoguera es porque no está mal rodada ni interpretada. Tiene más de un sobresalto y sensación fuerte. Podría resultar maravillosa y sorprendente si la trasladamos a finales del siglo XX, pero ahora no nos aporta nada nuevo. ¿Hemos de suponer que este es el punto de partida de una serie de películas en las que se investigará o combatirá aún más a esta escurridiza bruja? Miedo me da.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de noviembre de 2016. Título original: Blair Witch. Duración: 89 min. País: EE.UU. Director: Adam Wingard. Guión: Simon Barret. Música:  Adam Wingard. Fotografía: Robby Baumgartner. Reparto principal: James Allen McCune, Callie Hernandez, Corbin Reid, Brandon Scott, Wes Robinson, Valorie Curry. Producción: Lionsgate, Vertigo Entertainment, Room 101, Snoot Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: terror. Web oficial: http://www.blairwitch.com/

Crítica: ‘Maggie’s plan’

 Sinopsis

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En la ingeniosa comedia romántica moderna de Rebecca Miller MAGGIE’S PLAN, Greta Gerwig interpreta a Maggie Hardin, una neoyorquina de treinta y tantos años, dinámica y práctica, que trabaja en la New School y que, en vista de que no consigue encontrar el amor, decide que ha llegado el momento de tener un hijo por su cuenta. Pero, cuando conoce a John Harding (Ethan Hawke), un “antropólogo fictocrítico” que lucha por triunfar como novelista, Maggie se enamora por primera vez y se ve obligada a modificar sus planes de maternidad. Para complicar aún más la situación, John está casado, aunque no felizmente, con Georgette Nørgaard (Julianne Moore), una brillante académica danesa. Con un coro griego compuesto por los excéntricos y desternillantes amigos de Maggie, Tony y Felicia (interpretados por Bill Hader y Maya Rudolph), observando irónicamente desde el margen, Maggie pone en marcha un nuevo plan que la sume en un tenso triángulo amoroso con John y Georgette, entrecruzando sus vidas y conectándolos de formas sorprendentes y divertidas. Maggie descubre que a veces convendría dejar en paz al destino. MAGGIE’S PLAN es una exploración dulce, sofisticada y divertida de las inesperadas complejidades del romance moderno, que mezcla corazón y humor en una historia sobre la encantadora variabilidad de las relaciones a lo largo del tiempo.

Crítica

Imprevisiblemente graciosa.

La directora Rebecca Miller firma también el guión de esta cinta que tanto en libreto como en dirección es muy recomendable. No se recrea en modas ni en corrientes actuales de cine, si no que se regocija en su propio universo y deja fluir a unos actores que se muestran con total naturalidad. Esta es una sencilla pero ingeniosa historia de personajes urbanitas que nos puede llegar a deleitar con un sentido del humor cuidado y perspicaz.

Como decía los actores que trabajan en ‘Maggie’s Plan’ lo hacen de un modo muy natural y abierto. Greta Gerwig y Julianne Moore representan dos ejemplos claros, realistas y creíbles de lo que es una personalidad femenina fuerte.  Aunque en sus personajes se denota un carácter manipulador, ambas demuestran ser maternales, luchadoras y comprensivas, pero cada una de un modo diferente. Ethan Hawke huye en este filme de los personajes peculiares para adentrarse de nuevo en los complejos. La vis cómica más descarada la aportan los comediantes Maya Rudolph y Bill Hader. Destaca, claro está por su protagonismo, el trabajo de Gerwig ante el del resto de sus compañeros. Con mucha sencillez todos logran agradar.

El ritmo de la película es constante, en ningún momento se dispara ni cae en los códigos de la sitcom. El esperado plan de Maggie tarda como una hora en llegar y eso podría haber hecho que la espera sea aburrida pero se emplean buenas dosis de humor cuya frecuencia decae conforme nos acercamos al final. Miller se toma su tiempo para ponernos en situación y fraguar su película.

Finalmente, lo que tenemos son muchas idas y venidas amorosas. En ese sentido sí que parece una comedia de situación o de enredos. Podríamos decir incluso que, aunque con menos cachondeo, es como una serie que recientemente finalizó y cuya conclusión ni agradó, ni quiero ni nombrar, ni recordar cómo conocí… Este es un filme que trata sobre las casualidades e imprevisibilidades de la vida, tanto las que provocamos como las que llegan por sí solas.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de octubre de 2016. Título original: Maggie’s plan. Duración: 92 min. País: EE.UU. Director: Rebeca Miller. Guión: Rebeca Miller. Música: Michael Rohatyn. Fotografía: Sam Levy. Reparto principal: Greta Gerwig, Julianne Moore, Ethan Hawke, Travis Fimmel, Bill Hader, Maya Rudolph, Alex Morf, Jackson Frazer, Mina Sundwall, Leetopher Scott, Tommy Buck, Monte Greene. Producción: Round Film, Specialty Films. Distribución: Sony Pictures. Género: romance, comedia, drama. Web oficial: http://sonyclassics.com/maggiesplan/

Crítica: ‘Yo, Daniel Blake’

Sinopsis

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Por primera vez en su vida, y víctima de problemas cardiacos, DANIEL BLAKE, carpintero inglés de 59 años, se ve obligado a acudir a las ayudas sociales. Sin embargo, a pesar de que el médico le ha prohibido trabajar, la administración le obliga a buscar un empleo si no desea recibir una sanción.

En el transcurso de sus citas al «JOB CENTER», Daniel se cruza con KATIE, una madre soltera de dos niños que tuvo que aceptar un alojamiento a 450 km de su ciudad para evitar que la envíen a un hogar de acogida.

Prisioneros de la maraña de aberraciones administrativas actuales de Gran Bretaña, Daniel y Katie intentarán ayudarse mutuamente.

Crítica

Tan insultante y monótona como nuestro sistema actual.

‘Yo, Daniel Blake’ llega para recordarnos, no para mostrarnos, algo que ya sabíamos. Es ofensivo el modo en cómo nos trata nuestro sistema, convirtiendo a las personas en simples nudos de una red que las envuelve y aturulla con trámites cíclicos. Esta película protesta, insulta, a los responsables de esta situación, clamando por funcionarios más humanos y menos sistemáticos. Pero a la hora de plantear este asunto peca de ser excesivamente fiel a la realidad, causando una verdadera sensación de pesadez y rutina.

El filme tiene la virtud de hacérnoslo pasar mal, de reflejar que hay gente buena pasándolas canutas y que, además casi siempre, los buenos son los que lo pasan peor. Aquellos que conocemos la situación que plantea, que tenemos a alguien cercano que la sufre o que simplemente nos molestamos en informarnos en cómo está realmente la sociedad; podemos sentirnos identificados con los protagonistas. Empatizamos con el modo en el que crece poco a poco su desprotección, crispación y desesperación.

Que Ken Loach y Paul Laverty trabajen juntos no es ninguna novedad, son una pareja casi inseparable. Nos narran otro drama actual, un drama que es necesario denunciar, que ocurre también en nuestro país, pero que quizá hubiese necesitado otra técnica para ser contado. Loach ha optado por ir directamente a la raíz del problema, sin andarse con metáforas o excesivas pinceladas de humor. Casi cada escena es un acto de disconformidad en el que no hay opción al debate. Con este guión Laverty nos encandila menos que con trabajos recientes como ‘El olivo’. A ‘Yo, Daniel Blake’ le falta fuerza e intensidad.

El reparto contribuye con su modesto trabajo a retratar a la comunidad del Reino Unido. Los que mejor han entendido estas intenciones son principalmente Dave Johns, que encarna al protagonista, u otros actores como Hayley Squires o Sharon Percy que representan otros eslabones de esa cadena oxidada que lucha por amarrar los disputados benefits.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de octubre de 2016. Título original: I, Daniel Blake. Duración: 100 min. País: Reino Unido. Director: Ken Loach. Guión: Paul Laverty. Música: George Fenton. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Hayley Squires, Dave Johns, Dylan McKiernan, Briana Shann, Kate Rutter, Sharon Percy, Kema Sikazwe. Producción: BBC, BFI, Sixteen Films. Distribución: Caramel Films. Género: drama. Web oficial: https://www.facebook.com/IDanielBlake/

Crítica: ‘La Madre’

Sinopsis

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Miguel es un crío de 14 años perseguido por los Servicios Sociales. Su madre, sin trabajo y con una vida personal inestable, es incapaz de ocuparse de él. Por eso le obliga a buscar refugio en casa de Bogdan, un rumano ex amante de ella que vive en una localidad cercana. Todo se precipita cuando la madre desaparece súbitamente.

Critica

Una historia muy real, que muchos chavales sufren.

Un chaval, un menor se tiene que ganar la vida para que no le aparten del lado de su madre.

Esta es la premisa, sencilla, si, pero muy dura, cuando ves que Miguel, hace todo lo posible para no pasar hambre, para tapar que su madre no le trae de comer y no se preocupa del bienestar del chaval, da mucha pena.

Realmente salí de esta película pensando eso, que era una historia muy triste y lo peor de todo que son muchos los casos, que como Miguel, están desatendidos y ellos mismos se llegan a plantear si es mejor una vida así o acabar en un centro para menores, porque realmente la película trata de esto.  Miguel tiene que llegar a sopesar realmente si le conviene seguir viviendo como hasta ahora o abandonar la vida con su madre e intentar tener una suya propia.

Técnicamente la película no es una gran maravilla, es sencilla, sin grandes planos, con una trama demasiado lenta, si, te cuenta todo lo que quiere contarte, pero es demasiado lenta. El papel de Nieve de Medina me ha gustado bastante, un personaje con mucha alegría, que le intenta dar una oportunidad al chaval, pero durante el poco tiempo que le conoce, se da cuenta de que el chaval tiene demasiados problemas como para poder cambiar.

Miguel en sus andanzas huyendo de los servicios sociales, se encuentra de bruces con la realidad, trabajar duro para sacar dinero y de cómo viejos conocidos le cuentan como es su madre y como él va a terminar igual si no decide cambiar su futuro.

Una historia social donde el abandono está muy presente, pero ya no es que la madre abandone a su hijo, o deje de preocuparse si va a comer o no, la película también habla del abandono de ella misma, pues el personaje de Laia Marull se abandona totalmente, llega a su casa a la mañana, se tumba en la cama y se olvida totalmente de todo. Quizá también la película lleve ese ritmo tan pausado, para darnos una visión de las pocas ganas de vivir de esa mujer, de como ha decidido abandonarse a ella y todo lo que hay a su alrededor.

Ficha técnica

Estreno en España: 28 de noviembre de 2016 Título original: La Madre. Duración: 89 min. País: España. Director: Alberto Morais. Guión:  Alberto Morais, Verónica García, Ignacio Gutiérrez-Solana. Música: Xema Fuertes. Fotografía: Diego Dussuel. Reparto principal: Laia Marull, Nieve de Medina, María Abiñana, Sergio Caballero, Javier Mendo. Producción: Coproducción España-Rumanía; Olivo Films / Fundatia Teatru Contemporan / Alfama Films / IVAC / ICAA. Distribución: Syldavia Cinema Género: drama. Web oficial:  http://www.lamadrepelicula.com/

 

Crítica: ‘Trolls’

Sinopsis

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De los creadores de Shrek llega la más divertida, inteligente e irreverente comedia animada, Trolls de Dreamworks. Descubre un sorprendente y colorido mundo poblado por personajes divertidísimos e inolvidables y conoce la historia de los excesivamente optimistas Trolls, con una canción constante en sus labios y a los cómicamente pesimistas Bergens, que solo son felices con un Troll en su estómago. Con la música original de Justin Timberlake, y una mezcla de un montón de canciones, ya casi clásicas, de artistas populares y las voces originales de Anna Kendrick, Justin Timberlake, Russell Brand, James Corden, Kunal Nayyar, Ron Funches, Icona Pop, Gwen Stefani, y muchos más. TROLLS de DreamWorks es una comedia fresca y divertida llena de música, corazón e impresionantes aventuras.  Nadie está preparado para el mundo TROLL.

Crítica

Unos trolls que no se dejan trolear.

Colorines, purpurina, canciones, abrazos, fiestas… no, no estoy hablando del Día del Orgullo Gay en Madrid, estamos ante la última propuesta de Dreamworks, ‘Trolls’. Aquellos que vivimos los finales de los 80 o principios de los 90 recordamos haber jugado o incluso coleccionado unos simpáticos muñecos de aspecto canalla y colorido conocidos como trolls. También podemos recordar incluso haber usado riñonera para guardarlos y esto es lo que sucede precisamente en esta nueva película infantil.

Ya vivos desde los años 60 estos personajillos se ganaron la simpatía del mundo gracias a la alegría que transmitían y a su colorido y suave pelo. Incluso algunos tenían una piedra en la tripa para pedir deseos o favorecernos en algún aspecto de la vida. Precisamente esa alegría y esos colores son lo que buscan los malvados Bergens, criaturas enemigas de los Trolls que por supuesto, se los quieren comer para absorber así su felicidad.

La animación empleada nos recrea a unos trolls que están hechos como de peluche y visten trajes de fieltro. Aunque viven entre luces, felicidad y abrazos la historia de los trolls tiene peligros, aventura y música, sobre todo mucha música. Estos trolls son más risueños que otros diminutos personajes boscosos como pueden ser los pitufos o los gnomos. Pueden llegar hasta límites mojigatos o empalagosos con su forma de vida y sus canciones. La banda sonora del filme es muy amplia y de estilos poco variados dadas sus adaptaciones. Son múltiples los flashmobs que se producen y que harán bailar a los niños/as de las salas de cine. Gorilaz, Simon and Garfunkel, Lionel Richie, Kool and the Gang, Donna Summer, Justin Timberlake… son algunos de los nombres que suenan a lo largo del filme, además de alguna canción original en la que se luce Anna Kendrick.

Para tratarse de los directores de ‘Shrek, felices para siempre’ o ‘Bob Esponja’ (Mike Mitchell y Walt Dohrn) o de los escritores de ‘Kung fu panda’ o ‘Monstruos contra alienígenas’ (Jonathan Aibel y Glenn Berger) la historia no resultará muy novedosa e incluso se hace una copia descarada de ‘Cenicienta’. Personajes como el Rey Peppy o la nube están desaprovechados para el partido que se les podría haber sacado. Aunque en determinado momento se envía el equívoco mensaje de que el aspecto exterior es lo que da la confianza en uno mismo, ‘Trolls’ es sin duda un entretenimiento más que simpático para nuestros pequeños. Este éxito del merchandising y el coleccionismo ha vuelto para quedarse en muchas estanterías.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de octubre de 2016. Título original: Trolls. Duración: 92 min. País: EE.UU. Director: Mike Mitchell. Guión: Erica Rivinoja. Música: Christophe Beck. Fotografía: Young Duk Jhun. Reparto principal (doblaje original): Anna Kendrick, Zooey Deschamel, Gewn Stefani, Justin Timberlake, Christopher Mintz-Plasse, Christine Baranski, Jeffrey Tambor, James Corden, Kunal Nayyar, John Cleese, Russel Brand, Quvenzhané Wallis. Producción: DreamWorks Animation, 20th Century Fox. Distribución: 20th Century Fox. Género: animación, infantil, fantasía. Web oficial: http://www.trollslapelicula.es/

Crítica: ‘Hardcore Henry’

Sinopsis

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Minuto 1. No recuerdas nada. Tu esposa (Haley Bennett) te acaba de resucitar. Te dice que te llamas Henry. Cinco minutos más tarde, te han disparado, la han secuestrado y debes rescatarla. ¿Quién la tiene? Su nombre es Akan (Danila Kozlovsky), un poderoso señor de la guerra que cuenta con un ejército de mercenarios y un plan para dominar el mundo. Estás en la, para ti, desconocida Moscú y todos te quieren muerto. Todos, menos un misterioso británico llamado Jimmy (Sharlto Copley). Parece que está de tu lado, pero no estás seguro. Si puedes sobrevivir a la locura y desvelar el misterio, tal vez puedas descubrir la verdad acerca de tu identidad.

Crítica

Especial FPS (Filme en Plano Subjetivo).

De la mano de un desconocido y primerizo en esto de los largometrajes, Ilya Naishuller, nos llega un filme que tiene todos los visos de pasar a engrosar las filas de ese cine que se llama “de culto”, sobre todo para aquellos que son considerados gamers. Partiendo de un planteamiento muy de videojuego, un protagonista en un lugar desconocido y con un pasado desconocido, se nos plantea una historia poco profunda pero muy trepidante.

La cinta está rodada al completo con cámara subjetiva, como si de un juego de tiros en primera persona se tratase, FPS (First Person Shooter) como se conoce en el mundo de los videojuegos. El protagonista de la cinta ha sido reconstruido con partes robóticas y esto nos puede referenciar, cinematográficamente hablando, al ‘RoboCop’ de Verhoeven. Pero si recurrimos al mundo de las consolas tenemos ejemplos más recientes como el ‘Deus ex: human revolution’, al menos en lo que se refiere al cuerpo de Henry. Pero el filme, como es obvio, nos hace retroceder en nuestra memoria de jugones hasta títulos como ‘Half-life’, ‘Counter Strike’, ‘Call of Duty’… pero con el que sin duda tiene más semejanzas es con ‘Mirror’s Edge’, por eso de que hace un uso continuo del Parkour.

Sin embargo, se aleja mucho del tono del último videojuego que he nombrado en el anterior párrafo pues es tremendamente agresiva. En ese sentido está más cerca de producciones como ‘Blood’, ‘Duke Nukem’ o ‘Postal’, sin ofrecer claras referencias a ninguno de estos juegos en concreto. ‘Hardcore Henry’ arranca con unos títulos de crédito que podrían ser obra del propio Tarantino y hace gala durante su más de hora y media de una violencia extrema y explícita. Este aspecto es otra razón más para pensar que los videojugadores serán los que más disfruten el largometraje. Pero también hay hueco para otros elementos famosos en la cultura popular como el Joker, Darth Vader o el tema de ‘Los 7 magníficos’.

Si nos centramos en el funcionamiento de la película nos encontramos con una trama cyberpunk basada en la acción pura y dura. Si tenemos este tipo de historias en un videojuego las disfrutamos pues tenemos el control del protagonista, pero esta fórmula llevada a las claves del cine se puede hacer monótona. Aunque también hay que indicar que están bien contemporizadas las escenas de acción con las “tranquilas”, lo que serían las cinemáticas de los juegos de hoy en día.

En Estados Unidos ha conseguido una recaudación considerable, propiciada sin duda por la originalidad de su planteamiento, aunque ya existían películas como ‘FPS’ realizada en 2014. Sin duda el buen arranque y la buena acogida de este filme también se debe a la presencia de Tim Roth y Sharlto Copley. Aunque es el segundo el que lleva el peso de la cinta y no solo por su talento sino también por la cantidad de papeles que realiza, al más puro estilo del Cylo de los cómics de ‘Darth Vader’. Tienen también algo más de relevancia en la trama la chica del filme, Haley Bennett (‘Los 7 magníficos’, ‘La chica del tren’) y al gran villano o jefe final, Danila Kozlovsky (‘Vampire Academy’), pero no realizan grandes interpretaciones.

A pesar de no tener el presupuesto de una gran superproducción ‘Hardcore Henry’ saca pecho y presenta buena factura, sobre todo buen CGI. Y no debo adular solo a los efectos generados por ordenador, también a los FX tradicionales pues tiene unos cuantos bien realizados.

Pero no todo son laureles, esta película tiene todas las virtudes de un juego en primera persona pero todos sus defectos. A muchas personas les marea ese tipo de juegos y con este largometraje no va a pasar algo diferente. Puede a aturdir tanto movimiento de cámara e incluso molestar con la aberración de distorsión que presenta, como ocurre con muchas filmaciones realizadas con action cameras. Además si nos fijamos bien la altura del protagonista varía en algunas escenas. Hay que mencionar también el montaje pues se notan algunos cortes en los que se delatan bruscos cambios de localización para recrear un mismo espacio.

Es curioso que por lo general (salvo excepciones como ‘Silent Hill’ o ‘Tomb Raider’) el cine que adapta videojuegos suela ser un fracaso y la formula de un buen largometraje haya radicado solo en copiar el estilo, no la historia ni la estética. Así deberían haber sido películas como ‘Doom’. Dicho sea de paso este filme ya ha influido en el mundo de los videojuegos pues hay un DLC surgido a partir de él para PayDay 2. No es de extrañar pues el director de esta cinta fue escritor de ese juego.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de octubre de 2016. Título original: Hardcore Henry. Duración: 96 min. País: Rusia, EE.UU. Director: Ilya Naishuller. Guión: Ilya Naishuller, Will Stewart. Música: Darya Charusha. Fotografía: Pasha Kapinos, Vsevolod Kaptur, Fedor Lyass. Reparto principal: Sharlto Copley, Haley Bennett, Danila Kozlovsky, Tim Roth. Producción: Versus Pictures, Huayi Brothers, Bazelevs Production. Distribución: Diamond Films. Género: acción, ciencia ficción. Web oficial: http://stxmovies.com/hardcorehenry/

Crítica: ‘El contable’

Sinopsis

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Christian Wolff (Affleck) es un erudito de las matemáticas que siente mayor afinidad por los números que por las personas. Bajo la tapadera de una gestoría de un pequeño pueblo trabaja como contable autónomo para varias de las organizaciones delictivas más peligrosas del mundo. Con el Departamento Jurídico del Ministerio de Hacienda dirigido por Ray King (J.K. Simmons) pisándole los talones, se hace cargo de un cliente legal: una vanguardista sociedad de robótica en la que una secretaria de contabilidad (Anna Kendrick) ha descubierto una discrepancia por importe de millones de dólares. A medida que Christian va examinando los libros de contabilidad y aproximándose a la verdad, el número de muertos empieza a aumentar.

Crítica

Prometedora propuesta con perezoso final.

Ben Affleck es alguien capaz de tenerme siempre en un limbo y de mantener una relación de amor odio con los espectadores. Ha convencido tras trabajos interpretativos como el realizado en ‘Batman v Superman’, ‘Argo’ o incluso ‘Dogma’ pero también ha horrorizado con actuaciones como la de ‘Runner, runner’ o ‘Daredevil’. En este caso, su protagonismo en ‘El contable’ pertenece al primer grupo de películas puestas como ejemplo.

Este actor de irregular carrera se enfunda el papel de asesino en la sombra. Nos ofrece un protagonista, escrito por Bill Dubuque (‘El juez’), que resulta ser diferente e incluso tiene carisma, pese a pecar de Robin Hood. Sentimentalmente no habrá tenido dificultades a la hora de interpretarlo pues es alguien taimado, introvertido y casi frío. Tiene el síndrome de Asperger, es autista y posee multitud de manías, rarezas y trucos para mantener su concentración, además de un gran trastorno obsesivo-compulsivo, es decir, un TOC. Esto último permite lucirse algo a Seamus McGarvey (‘Los Vengadores’) con la fotografía incidiendo aún más en la personalidad del personaje de Affleck. Existe a parte algún fotograma notable y muy estudiado, pero por lo general se pierde una oportunidad muy buena de crear un filme más rico, visualmente hablando.

La historia que vive este peculiar contable se desarrolla a la par que se nos van ofreciendo fragmentos de su pasado. Y también paralelamente va sucediendo la trama de otro asesino y de otros personajes que siguen su pista. La película juega mucho con el concepto de rompecabezas y todos ellos son parte de uno que no se resuelve hasta el mismo final. El problema es que esa resolución es demasiado casual. En un esmero de ligar a todos los personajes y de cerrar un círculo han forzado el desenlace de un modo que desafía cualquier tipo de probabilidad.

Como curiosidad, Affleck deja su impronta friki. En un mismo espacio aparecen grapas de Action Comics o un sable laser de Star Wars firmado. Incluso su personaje repite desde pequeño una canción infantil sobre Solomon Grundy, nombre que los lectores de cómics conocerán por ser también un villano de Batman, Green Lantern… del universo DC Comics en general. “Aquí está todo lo que quiero en la vida” dice en una ocasión el contable. Incluso podemos decir que J.K. Simmons ejerce en esta cinta de Comisario Gordon antes de lo previsto y tal vez, para que no resulte ser tan obvio, aparece sin bigote.

En resumen ‘El contable’ sugiere ofrecer una película diferente a las clásicas de asesinos y acción, pero acaba brindando lo mismo. Finalmente queda casi a la misma altura o categoría de películas como ‘Mechanic: Resurection’.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de octubre de 2016. Título original: The Accountant. Duración: 128 min. País: EE.UU. Director: Gavin O’Connor. Guión: Bill Dubuque. Música: Mark Isham. Fotografía: Seamus McGarvey. Reparto principal: Ben Affleck, Anna Kendrick, J.K. Simmons, Jon Bernthal, John Lithgow, Jeffrey Tambor, Cynthia Addai-Robinson, Fernando Chien, Seth Lee, Michael Beasley,David Anthony Buglione, Jason MacDonald, Ron Prather, Alex Collins, Johnny Giacalone, Nick Arapoglou. Producción: WB, Electric City Entertainment, Zero Gravity Management. Distribución: Warner Bros. Género: thriller, drama. Web oficial: http://www.accountantmovie.com/

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