Críticas archivos ⋆ Página 49 de 49 ⋆ Moviementarios

“Toro” es un thriller de acción que transcurre durante 48 frenéticas horas. Dos hermanos se reencuentran después de cinco años. Uno ha estado en la cárcel. El otro ha robado a un peligroso perista y ahora huye junto a Diana, su hija pequeña. Los tres emprenden un viaje por una Andalucía violenta, mítica, agreste y salvaje. Un viaje en el que aparecen las viejas heridas del pasado y en el que los hermanos se ven obligados a reconciliarse para salvar la vida.

Crítica

Una floja embestida.

El planteamiento inicial y los títulos de crédito de “Toro” producen un subidón y unas expectativas muy diferentes a la impresión con la que acabamos después del film. Si bien la película comienza con un opening al más puro estilo James Bond, con una belleza visual asombrosa, con una presentación de los personajes magistral y una trama digna de lo mejor de Hollywood; el tratamiento del argumento y el ritmo del film va decayendo conforme nos acercamos al final.

No hace falta mencionar que la cinta tiene un potencial asombroso. Estrellas consagradas como Luis Tosar o José Sacristán capitanean una historia protagonizada por una estrella rentable como lo es Mario Casas. Si a eso además le sumamos el talento de Kike Maíllo o el de la actriz Ingrid García Jonsson el cóctel puede ser explosivo. Pero pese a que el film tiene momentos realmente interesantes, muy bien buscados y originales, el tono elegido para la segunda mitad del film puede dejarnos indiferentes. Nos quedamos con la impresión de que le falta una vuelta de tuerca a la película.

Con su constante acción, sus mafiosos del siglo XXI, sus protagonistas desgastados y su gran puesta en escena nos sumerge en una historia de venganza a caballo entre “RocknRolla” y “Hasta que llegó su hora”, pero necesita un plus de intensidad para poder dejar huella como estos títulos. A pesar de que podemos ver en “Toro” a un magistral Luis Tosar y a un comedido pero correcto José Sacristán, sufrimos una ligera falta de fiereza por parte de Mario Casas, sobre todo si tiene que hacer justicia al apodo de “Toro”.

Puede que buena parte de la causa de estas faltas mencionadas se deba a la banda sonora y temas escogidos. Vale, transcurre en zonas muy flamencas de España (sin referirme a las escenas rodadas en Galicia), pero existe una carga excesiva de música folclórica y religiosa.

No voy a decir que el cine español esté de enhorabuena con el estreno de Toro, tampoco que sea un fiasco, merece la pena verse si uno no tiene puesto el listón demasiado alto. Aun así, podemos afirmar que hay talento, hay medios, hay maneras, hay vocación… estamos ante una película que demuestra que merece la pena seguir apostando por nuestra industria cinematográfica.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de abril de 2016. Título original: Toro. Duración: 110 min. País: España. Director: Kike Maíllo. Guión: Rafael Cobos, Fernando Navarro. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Reparto principal: Mario Casas, Luis Tosar, José Sacristán, Ingrid García Jonsson, Claudia Vega, Nya de la Rubia, Ignacio Herráez, José Manuel Poga, Manuel Salas. Producción: Apaches Entertainment, Atresmedia Cine, Escándalo Films, ZircoZine. Distribución: Universal Pictures. Género: Thriller, Acción. Web oficial: http://www.universalpictures.es/es/peliculas/toro-49/

Crítica: El hombre que conocía el infinito

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India colonial, 1913. Srinivasa Ramanujan (Dev Patel) es un joven genio autodidacta de 25 años, que fracasó en la universidad debido a su estudio casi obsesivo y aislante de las matemáticas. Decidido a dedicarse a su pasión, a pesar del rechazo y la burla de sus compañeros, Ramanujan ingresa en el Trinity College de Cambridge bajo la tutela de G. H. Hardy (), un eminente y excéntrico profesor de matemáticas que reconoce su brillantez y peleará sin descanso para conseguir el reconocimiento que su pupilo merece. Con la ayuda de Hardy, el trabajo de Ramanujan evoluciona de tal manera que revolucionará las matemáticas y transformará la forma en la que los científicos explican el mundo.

Una sorprendente y verdadera historia de un intelecto único, cuyas teorías surgieron desde la oscuridad en un mundo al borde de la guerra

Crítica

Una mente maravillosa que viene de Oriente.

El hombre que conocía el infinito, nos invita a conocer una parte de la vida de Srinivasa Ramanujan, un matemático autodidacta indio, con una mínima educación en matemáticas puras, pero que tenía un don especial y gracias a ello logró extraordinarias contribuciones al análisis matemático, la teoría de números, las series y las fracciones continuas.

Nos cuenta la historia de cómo consigue ir hacia Inglaterra y lograr que le ayudan, pero como he dicho tiene un gran ego, y todo lo que intentan hacer para ayudarle le frustra cada vez mas. Aparte, conoció al profesor Godfrey Harold Hardy, el cual tampoco se lo puso fácil, pero no porque quisiera amargarle, sino porque realmente era un hombre bastante complicado, aunque llegaron a ser grandes amigos.

La película nos muestra la vida que Ramanujan tiene en la India, sin trabajo, con su mujer viviendo con su madre, mientras él tiene que vivir fuera para poder encontrar un hogar adecuado. Sería como una primera parte, que nos muestra su religión, sus costumbres, todo lo que lucha para enseñar sus cuadernos y que le hagan caso. La segunda parte sería en Inglaterra, cuando ha dejado atrás todo, su religión, su mujer, su madre y su tierra, todo por su cumplir su sueño y poder publicar sus trabajos.

He de decir que me Dev Patel, está fantástico, realmente ves la frustración del pobre Ramanujan, pero también ves su esfuerzo y ganas cada día que pasaba. Pero no solo pasó frustración por las matemáticas, pues mucha gente no daba crédito a sus estudios, no creían que pudiera haber alguien que sin apenas estudios hubiera logrado las teorías que consiguió Ramanujan, ya sea por racismo o por envidia muchos profesores le trataban mal, o incluso no le dejaban expresarse en sus clases como él quería o tenía que fingir que apenas sabía de la materia que el profesor les estaba enseñando.

Una verdadera pena la verdad, durante la película sufres mucho por él, ves lo mal que lo pasa, además justo cuando él está allí comenzó la Gran Guerra y le pilló en Inglaterra sin apenas poder comunicarse con su familia, en un mundo que tampoco entendía del todo bien, le fue muy complicado el adaptarse, sus ganas de publicar su trabajo se multiplicaban, pero también era porque una vez que hubiera publicado podría volver a casa.

Mención especial al gran Jeremy Irons, le llegas a odiar a ratos, pero al final logras ver que tiene un pequeño corazón dentro de esa persona tan terca.

La banda sonora es muy buena, las canciones están muy bien introducidas y en cuanto a la fotografía creo que podría estar mejor. Pero en general El hombre que conocía el infinito no te dejará con mal sabor de boca, todo lo contrario, una película que se hace muy amena y que logra que conozcamos a este personaje tan peculiar que era Ramanujan.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de mayo 2016. Título original: The Man Who Knew Infinity. Duración: 108 min. País: Reino Unido. Director: Matt Brown. Reparto principal: Jeremy Irons, Dev Patel, Toby Jones. Distribución: Vertigo Films Género: Biografía, drama.

Crítica: Trumbo

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“TRUMBO” es el biopic del famoso guionista Dalton Trumbo, autor del libreto de títulos tan emblemáticos en la historia del cine como “Vacaciones en Roma” o “Espartaco”. Su carrera casi llegó a su fin en 1940 tras ser incluido en la lista negra acusado de comunista. A partir de ese momento toda su vida dará un giro radical y tendrá que utilizar todo su talento para sobrevivir en una sociedad que le ha vuelto la espalda.

Crítica

Justicia cinematográfica para un gran embustero.

Debemos recurrir al propio guionista y a lo que decían Audrey Hepburn y Gregory Peck en “Vacaciones en Roma”: -También soy una gran embustera -La mayor que he conocido en mi vida. Trumbo hace justicia para alguien que tuvo que vivir entre embustes y mascaradas para poder sacar su talento a la luz. Una película que al igual que los escritos de Dalton Trumbo nos deja citas emblemáticas, un guión que podría haber sido obra de un Trumbo del siglo XXI.

Tradicionalmente hemos visto películas en las que los comunistas eran demonizados, combatidos y convertidos en el enemigo a batir. Este es el caso de “Trumbo”, un caso en el que los sospechosos no están en la pantalla, si no tras ella. Pero además lo que denuncia este film es algo que sucedió realmente, algo tremendamente paranoico que destrozó carreras, familias e incluso vidas; y que sucedió en el Estados Unidos de la postguerra.

Que el director de la saga “Austin Powers” o “Los padres de ella” pueda hacer un drama como este, con bastantes momentos de ingeniosa comedia, demuestra un talento camaleónico. A ello le sumamos el guionista de la serie “Lois y Clark” o “The Magicans” y nos quedamos perplejos ante tan buen resultado. Una película con tono amable, pero con carácter mordaz y sarcástico. Ahora bien, esta no es su única virtud. Hay que señalar que posee un reparto minuciosamente seleccionado que la hace sostenerse aún más. Sin el trabajazo de Diane Lane el personaje de Trumbo no sería el mismo. Como secundarios destacan Helen Mirren y John Goodman, pero no hay que desmerecer la labor de Dean O’Gorman imitando a Kirk Douglas o la de David James Elliott haciendo lo mismo con John Wayne. El montaje que se ha realizado con estos dos actores para mezclarles con imágenes reales de películas de estas estrellas del cine clásico es digno de aplaudir.

La banda sonora es acertadísima, nos sumerge en el Hollywood dorado, bravo por el trabajo de Shapiro y la selección de temas que ha realizado. El montaje, aunque puede resultar extremadamente lineal no desmerece la brillante actuación Cranston que pudo haberse llevado el Oscar perfectamente en la pasada edición. Tristemente DiCaprio y todo el fenómeno que llevaba consigo le restaron protagonismo, sin desmerecer el trabajo de Leonardo. De igual manera que con “Breaking Bad” nos borramos de la cabeza su imagen de padre tontorrón que teníamos de él tras su paso por “Malcolm”, en “Trumbo” nos olvidamos casi por completo de que este actor interpretó a Walter White. Supongo que algún día haremos también justicia con este actorazo, todo no puede ser pues, citando de nuevo a Gregory Peck en “Vacaciones en Roma”: La vida no es siempre como a uno le gustaría.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de abril de 2016. Título original: Trumbo. Duración: 124min. País: EE.UU. Director: Jay Roach. Guión: John McNamara. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Jim Denault. Reparto principal: Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, John Goodman, Elle Fanning, Louis C.K., Michael Stuhlbarg, David James Elliott, Roger Bart, J.D. Evermore, Mark Harelik, Peter Mackenzie, Toby Nichols, Becca Nicole Preston, Elijah Miskowski. Producción: Groundswell Productions / Inimitable Pictures / ShivHans Pictures. Distribución: eOne Films. Género: Biopic, Drama, Comedia. Web oficial: http://es.eonefilms.com/films/trumbo

Crítica: Los milagros del cielo

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Los milagros del cielo presenta la conmovedora historia de Kevin (Martin Henderson) y Kristy (Jennifer Garner), un matrimonio que descubre que su hija Anna de 10 años tiene una enfermedad incurable y comienza la búsqueda de una posible cura.

En este recorrido, todo se agrava cuando Anna sufre un accidente, pero será el momento en el que comiencen a suceder una serie de milagros que dejarán a la familia y a la comunidad desconcertados y conmovidos.

Los milagros del cielo está basada en la sorprendente historia real de la familia Beam.

Crítica

El milagro de creer que hay alguien bueno entre nosotros.

Esta es la historia de Annabel Beam, una niña que presumiblemente vivió un milagro. Está basada en hechos reales y a poco que se busque en internet se pueden encontrar entrevistas y noticias dándole bombo a su historia. Pero no nos confundamos, “Los milagros del cielo” no es una película para fundamentalistas religiosos. Tampoco desacredita la fe católica. Expone hechos y vivencias para la libre interpretación del espectador bajo un prisma más cercano a los creyentes que a los ateos. Quizá sea por eso que posee dos escenas realmente místicas, una de ellas rebosa belleza visual y efectos digitales. Si estas dos escenas hubiesen sido más moderadas la cinta habría tenido el encanto o la credibilidad de otras películas similares como “El tercer milagro”.

Nos va mostrando poco a poco que pueden existir buenas personas, tanto dentro como fuera de los círculos religiosos, dispuestas a ayudarnos o por lo menos a animarnos la existencia. Poco a poco el espectador se dará cuenta de algo que pone de manifiesto el personaje de Jennifer Garner en sus palabras finales y que sin duda es el objetivo de este film, por encima de narrar la historia de Annabel.

La puesta en escena es vitalista, la directora, Partricia Riggen, maneja bien los tiempos y las emociones. Nos guía y nos hace empatizar con la familia según su desesperación va en aumento y según la madre va perdiendo la fe en todo lo que creía. Uno de los puntos de inflexión se encuentra en un intenso momento en el que Kylie Rogers (Anna Beam) realiza una emotiva actuación. Todo el elenco está acertado en sus interpretaciones. Desde Queen Latifah (“La jugada perfecta”) ejerciendo de inyección de moral, pasando por Eugenio Debez (“El libro de la vida”) convertido en un Patch Adams moderno, hasta la familia protagonista, todos ellos muy metidos en su papel. La más convincente de todas es Garner. En ocasiones la niña protagonista (Anna) tiene algunas frases demasiado maduras para su edad, pero no suceden en momentos clave de la película y es algo que pasa desapercibido. Muy creíble también la actuación de John Carroll Lynch (“La invitación”) como el pastor de la parroquia a la que acude la familia regularmente.

Para Riggen parece que los milagros son el hecho de que haya gente dispuesta a jugarse lo suyo por ayudar a los demás. Desconozco hasta qué punto es real esta parte, pero realmente hoy en día es difícil encontrar a alguien dispuesto a arrimar el hombro por sus semejantes con ese nivel de compromiso, podría ayudar a muchos a sacar lo mejor que llevan dentro. Como dije al principio no es una película espiritual ni anticatólica. Es una historia emotiva, para algunos lacrimógena, sobre la fe tanto en Dios como en la medicina como en la familia.

Al final podemos ver unos créditos especiales, con imágenes de la auténtica familia que vivió este caso.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de abril de 2016. Título original: Miracles from Heaven. Duración: 109 min. País: EE.UU. Director: Patricia Riggen. Guión: Christy Beam, Randy Brown (Libro: Christy Beam). Música: Carlo Siliotto. Fotografía: Checco Varese. Reparto principal: Jennifer Garner, Martin Henderson, Brighton Sharbino, John Carroll Lynch, Queen Latifah, Hannah Alligood, Eugenio Derbez, Kylie Rogers, Gregory Alan Williams,Rhoda Griffis, Kevin Sizemore, Kelly Collins Lintz, Wayne Pére, Judd Lormand,Carla Shinall. Producción: Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: Basada en hechos reales, Drama. Web Oficial: http://www.sonypicturesreleasing.es/watch/los-milagros-del-cielo

Crítica: Ahora sí, antes no

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Un director de cine independiente llega a su destino un día antes por error. Aprovechando el exceso de tiempo libre, entra en un palacio restaurado donde conoce a una joven artista, con la que pasa el resto del día: visitando su estudio, conociendo su obra, cenando, tomando algo juntos… hasta que ella plantea una pregunta cuya respuesta lo cambia todo. Es probable que si el día volviera a comenzar ambos se comportarían de forma diferente, pero eso ya no se podrá saber ¿o tal vez sí?

Crítica

A pequeños cambios grandes diferencias.

Más de un cambio introduciría yo en esta película coreana que nos llega de la mano del director Hong Sang-soo (“En otro país”) y la distribuidora Good Films. “Ahora sí, antes no” nos narra dos historias que son solo una al mismo tiempo. Más allá de narrarnos el nacimiento de un presumible enamoramiento nos explica como introduciendo pequeños cambios en la narración el resultado puede ser muy diferente. Cambios como una variación en nuestra personalidad, nuestros actos o nuestras decisiones pueden determinar el final de la jornada que vivimos, o el de nuestro destino incluso.

Resulta un ejercicio curioso, pero algo cargante. La primera mitad de la película nos narra linealmente ese encuentro entre el famoso director interpretado por Jae-yeong Jeong y la joven pintora caracterizada por Min-hee Kim. Se les sitúa en diferentes ubicaciones o ámbitos sociales y comprobamos que desenlace se produce. La segunda mitad nos narra lo mismo, pero incluyendo alteraciones en la narración, produciéndose así un resultado diferente. Se juega con la sinceridad, con los tabúes sociales, con el orgullo personal… El problema es que cada versión de este encuentro dura cerca de una hora. ¡Casi sesenta minutos por parte! A un ritmo más que tranquilo, con muy poca actividad y mucho diálogo. He de alagar la gran capacidad memorística que deben tener los dos protagonistas pues tienen planos secuencia realmente largos en los que únicamente conversan.

Estos planos secuencia ni siguiera hacen uso de travellings o cambios en el ángulo de rodaje. Únicamente se manejan torpes movimientos de cámara y un constante zoom que no aporta significado alguno a la narrativa de la cinta. No obstante, se atisban en ocasiones peculiares gags cómicos que pueden hacer más llevadera esta película, sobre todo en su segunda mitad.

Este es un film pausado y simétrico que invita de una manera tediosa a la reflexión, a jugar con las posibilidades y la imaginación. Entiendo que haya gente a la que le pueda atraer este curioso experimento, pero considero que al público general y poco familiarizado le puede costar digerir este estilo o modo de hacer cine. Por desgracia suele pasar con lo que nos llega de Oriente. Por el contrario, estudiantes de cine, amantes de la cultura coreana o personas ávidas de descubrir un cine diferente podrán disfrutarla. Tal vez con menos metraje o con más velocidad en el devenir de los acontecimientos habría sido una película más apta para el consumo en occidente. Al igual que su protagonista, Hong Sang-soo (que lleva muchos años haciendo cine) podrá aprender de sus pequeños errores para su próximo proyecto si quiere llegar a grandes masas en nuestro país.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de mayo de 2016. Título original: Ji-geum-eun-mat-go-geu-ddae-neun-teul-li-da. Duración: 121 min. País: Corea del Sur. Director: Hong Sang-soo. Guión: Hong Sang-soo. Música: Jeong Yong-jin. Fotografía: Park Hong-yeol. Reparto principal: Jeong Jae-yeong, Kim Min-hee, Yoon Yeo-jeong, Gi Ju-bong, Choi Hwa-Jeong,Yoo Joon-sang, Seo Young-hwa, Ko Ah-sung. Producción: Jeonwonsa Film. Distribución: Good Films. Género: Romántica, Drama.

Crítica: Esa sensación

Sinopsis

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Una mujer se relaciona apasionadamente con objetos de la ciudad y un hombre espía a su padre por las calles, mientras un virus lleva a la gente a decir y hacer cosas sin querer. Tres historias cruzadas sobre el amor, la fe y la voluntad.

Crítica

Extrañas historias para mostrarnos la soledad del ser humano.

La fe, el sexo y las relaciones personales son los temas de estas tres historias, contadas desde el alma y buscando que sintamos eso, sensaciones.

Juan Cavestany, Pablo Hernando, Julián Genisson, nos cuentan cada uno una historia distinta, donde el ser humano es el principal protagonista, no hay nombres, hay personas que viven distintas sensaciones. En general con un poco más de humor, o menos, la película me ha dejado un sabor agridulce, donde la sensación que me ha dejado es de tristeza y soledad.

Cavestany nos trae un extraño virus el cual hace que todo el mundo diga lo que le viene a la cabeza, debo de admitir, que esta es la historia que más llamaba mi atención en la sinopsis, pensé que el tono de humor iba a ser muy bueno y que iban a hacer algo curioso. Al final terminó cayendo hasta convertirse en una historia aburrida y sin apenas interés para el espectador. Pero si que es cierto que tiene un trasfondo bastante desolador, donde nos muestra una sociedad que no es nada sincera, que para serlo tiene que haber un virus que haga que podamos decir lo que queremos sin que nos importen las reacciones de los demás, aunque estas cosas que digamos sean incómodas.

Genisson, nos trae algo bastante curioso, un hijo que comienza a perseguir a su padre, desde que este se comporta de forma diferente y distante. Un capítulo en el que la fe se impone, la importancia de creer o no en algo. La manera en la que la vida cambia de repente y como la fe se impone para lograr hacer la vida de un hombre mejor.

La última historia de la que hablaremos es la de Pablo Hernando, quizá la más llamativa de las tres y las más alocada. En la sinopsis te lo cuentan como una mujer que se relaciona apasionadamente con el mobiliario urbano, si de verdad que la sinopsis no nos deja con dudas, pero aun así no pensé que sería algo tan literal. La historia representada por Lorena Iglesias, es una historia muda y quizá la que más humor nos introduce en la película. Aunque sí que es cierto, la que más tristeza me ha dejado, pues sí, puede parecer graciosas las situaciones, pero realmente, el personaje de esta historia realmente está sola, realmente es una mujer a la que le cuesta relacionarse con las personas y al final termina siempre sola en su pequeña habitación.

Así que esto es Esa sensación, historias curiosas, distintas para enseñarnos lo que para mí es una historia sobre la soledad humana, quizá de eso trate está película en realidad, de las distintas sensaciones creadas a distintas personas.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de mayo de 2016. Título original: Esa Sensación. Duración: 80 min. País: España. Director: Juan Cavestany, Pablo Hernando y Julián Genisson. Guión: Juan Cavestany, Pablo Hernando y Julián Genisson. Reparto principal: Lorena Iglesias, Vito Sanz, Jorge Suquet, Miquel Insua, David Pareja, Pietro Olivera, Bárbara Santa-Cruz, Juanan Lumbreras, José Luis Alcobendas y Carmela Lloret. Producción: Juan Cavestany. Distribución: Márgenes film. Género: Drama.

Crícita: The lady in the van

Sinopsis

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El relato de Alan Bennett se basa en la verdadera historia de la señorita Shepherd (interpretada por una magnífica Maggie Smith), una mujer de orígenes inciertos que aparcó “temporalmente” su furgoneta en el acceso a la casa de Bennett en Londres y se quedó a vivir allí durante 15 años. Lo que empieza como un favor a regañadientes se acaba convirtiendo en una relación que cambiará las vidas de ambos. El alabado director Nicholas Hytner se reúne con el emblemático guionista Alan Bennett (“La locura del rey Jorge”, “The History Boys”) para trasladar a la gran pantalla este singular y conmovedor retrato, rodado en la calle y en la casa en la que vivieron todos esos años Bennett y la señorita Shepherd.

Crítica

Divertida, elegante y profunda.

Una anciana mujer aparca su furgoneta, donde vive, enfrente de la casa de un escritor inglés. Lo que al principio será caridad se convertirá en una amalgama de sentimientos, algunos de ellos enfrentados.

Una película con muchos toques de humor, inglés como sus actores y donde está ambientada toda la trama, pero también con mucha ternura, nos hace reflexionar sobre cosas duras e importantes de la vida. La señora Shepherd es una vagabunda que vive en una furgoneta y que después de que la aparcase enfrente de la casa del señor Bennet, un escritor indeciso, hará que este se plantee muchas facetas de su vida. Y realmente es esto lo que funciona, no toda la trama o los recursos son obvios, sino que están ahí y son sutiles, pero evidentes. Se dice mucho con muy poco, y en ese sentido los actores Maggie Smith (“Downton Abbey”, o como Minerva McGonagall en la saga “Harry Potter”) y Alex Jennings son lo mejor de toda la cinta. En especial la actriz Maggie Smith, que es un portento de la interpretación y se sale en su papel de la señora Shepherd, digno de ser recordado. En donde con un simple gesto consigue transmitir buena parte del personaje que caracteriza.

El ritmo llevado por el director Nicholas Hytner es el acertado, aunque en ocasiones se nota que es una adaptación de una obra de teatro y pueda intuirse algunos baches por el camino a la hora de hacer un film redondo.

La película trata muchos temas, pero sobretodo uno que nos afecta a todos, la humanidad. El cómo tratamos a quienes necesitan ayuda incluso cuando esa gente es difícil de tratar. Del respeto y la dignidad hacia otros y como pese a todo a veces hay que sostener una mano de alguien que ha estado muy cerca y a la vez muy lejos.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de abril de 2016. Título original: The lady in the van. Duración: 104 min. País: Reino Unido. Director: Nicholas Hytner. Guión: Alan Bennet. Música: George Fenton. Fotografía: Andrew Dunn. Reparto principal: Maggie Smith, Alex Jennings, Jim Broadbent, Dominic Cooper, James Corden,Frances de la Tour, Samuel Anderson, Gwen Taylor, Rosalind Knight, George Taylor. Producción: BBC Films, Tristar Productions. Distribución: Sony Pictures. Género: Comedia dramática.

Crítica: Redención (Los Casos del Departamento Q)

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Una botella lanzada al mar, recogida y olvidada en una comisaría de policía. En el interior, un grito de ayuda escrito con sangre. Cuando el mensaje llega al Departamento Q, responsable de casos sin resolver, han pasado 8 años desde que fue escrito. Un nuevo y misterioso reto se presenta para el impredecible Carl Mørck y su ayudante Assad. ¿Conseguirán aclarar esta inquietante situación?

Crítica

Cine policíaco, novelesco y veraz.

Como si se tratase de un capítulo extendido de una serie norteamericana policíaca, “Redención (Los Casos del Departamento Q)” nos presenta un caso de esos no resueltos, que pueden parecer insignificantes y al final resultan ser importantes. En muchos aspectos nos puede recordar a “Caso abierto”, “Mentes criminales” o incluso a “True detective”, sobre todo si nos fijamos en el cartel, pero por supuesto posee con un toque nórdico.

Está basada en las novelas de Jussi Adler-Olsen. De dichas novelas ya hay dos películas que además se centran en el mismo departamento que protagoniza este film. Esa base novelesca se hace más patente cuando nos fijamos en el tono y el trasfondo de los personajes. Protagonistas creíbles, con personalidades muy diferentes y elaboradas. Además de todo el background que acarrean tanto los personajes principales (y los actores que los interpretan) tras las dos precuelas, se nos presenta un villano estupendamente interpretado por Pål Sverre Hagen. Este nuevo enemigo del Departamento Q nos descubre una versión interesante de los clásicos asesinos en serie obsesionados con la religión.

La historia se va desgranando poco a poco. Los protagonistas no tienen relación directa con el secuestrador, pero sus tramas si guardan relación en lo que se refiere a las connotaciones religiosas (o ateas) que guardan sus actos. Resulta muy fácil de seguir, pero por el contrario la película carece de giros argumentales sorprendentes y eso la hace perder fuerza. El contraste entre la multitud de secuencias con aerogeneradores y coloridos campos frente a la sordidez de la historia nos deja una sensación de que hasta en los lugares más limpios y civilizados pueden suceder cosas horribles.

Aunque sea danesa no presenta la pesadez ni el lento ritmo que suele caracterizar a las películas nórdicas. Pese a dedicarse en exceso a explicar verbalmente muchas partes de la película, consigue mantenernos expectantes, pues no asegura un final feliz en ningún momento. Despierta emoción, empatía y animadversión a partes iguales. Es por eso que es una excelente narración detectivesca.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de abril de 2016. Título original: Flaskepost fra P (A Conspiracy of Faith). Duración: 112 min. País: Dinamarca. Director: Hans Petter Moland. Guión: Nikolaj Arcel (Novela: Jussi Adler-Olsen). Música: Nicklas Schmidt. Fotografía: John Andreas Andersen. Reparto principal: Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Johanne Louise Schmidt, Jakob Oftebro, Pål Sverre Hagen, Lotte Andersen, Søren Pilmark. Producción: Det Danske Filminstitut, TV2 Danmark, Zentropa Entertainments20. Distribución: Vértigo Films. Género: Thriller. Web oficial: http://departamentoq.es/

Crítica: La venganza de Jane

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En el salvaje Oeste, una superviviente nata, Jane, debe solucionar los problemas que le trae su acribillado marido a casa: una banda de de delincuentes que la persiguen por su presente y por su pasado, un pasado marcado por otro amor, otra familia y otra vida. Con el dolor a sus espaldas, Jane deberá defender su granja y todo aquello que ahora es suyo, y lo hará con la ayuda de alguien del pasado a quien conoce muy bien.

Crítica

El pasado siempre se paga en los western.

Poco se puede hacer cuando tu marido entra en casa acribillado a balazos perseguido por la banda de forajidos más peligrosa de todo el Oeste: morir o matar. Jane (Natalie Portman) opta por la sangre, la venganza de unos bandidos a quienes conoce bien, quienes la han convertido en la mujer de hierro que es hoy. Pero Jane no lo hará sola, contará con el corazón y las armas de un viejo amante con el que aún queda mucho por solucionar.

Vuelven las películas del Oeste y no de la mano de Tarantino precisamente. Gavin O’Connor, su director, opta por una historia verosímil y sencilla interpretada por un reparto de lujo que, junto con una perfecta ambientación y fotografía, hacen de ésta una película que, si bien no opta por meterse en ningún ránking de filmes de culto (luego veremos por qué), se convierte en una cinta versátil y digna de ver.

Fantástica, como siempre, Natalie Portman defiende un papel sobrio pero coherente, con una sutil pero gran carga dramática que estalla en un momento clave de la película. La acompañan en el reparto el moribundo marido (desde el principio) Noah Emmerich, el ex amante Joel Edgerton y el villano y malo malísimo de la historia Ewan McGregor, irreconocible en su papel.

Flashback tras flashback, el espectador se va dando cuenta de por qué Jane es tan importante, de qué es lo que hizo su también forajido marido, qué relación tenían ambos con los bandidos y de por qué se separó de su primer amor. Si bien la historia queda cerrada y completamente explicada (algo a agradecer), resulta un tanto agotador el formato “vista atrás”.

Es una narración amena, resumida en 90 interesantes minutos en los que la historia atrapa al espectador. Sin embargo, la consecución de los acontecimientos pasa de un estado de interés por la acción trepidante, a un desenlace ligero más propio de las películas de sobremesa. La venganza de Jane se queda así sin fuerza justo en el final, lo que es una lástima porque la película en conjunto no desmerece.

Lo suple, sin embargo, una fantástica ambientación de western, una fotografía cálida, dura y de contraste que añade dramatismo al guión y que verdaderamente nos transporta a otra época y otro lugar. Sin más que añadir, a disfrutarla.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de mayo de 2016. Título original: Jane Got a Gun. Duración: 98min. País: Estados Unidos. Director: Gavin O’Connor. Guión: Brian Duffield. Música: Marcelo de Francisci, Lisa Gerrard. Fotografía: Mandy Walker. Reparto principal: Natalie Portman, Joel Edgerton, Ewan McGregor, Noah Emmerich. Producción: Weinstein Company, Scott Pictures, 1821 Pictures, Unanimous Pictures, Handsomecharlie Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: western, drama. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/550/la-venganza-de-jane/

Crítica: Madrid, above the Moon

Sinopsis

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Haciendo fotos a turistas en una plaza de Madrid, Ernesto conoce a Susan. Se gustan, claro, aunque no inmediatamente. Pero los dioses no nos son siempre favorables. Ni las películas tampoco.

Crítica

Y de Madrid… a la Luna.

Victor Vidal (“Vampyres”) protagoniza casi en solitario esta peculiar película independiente llena de humor encubierto. Una sátira que narra la vida de un parado que se convierte en un voyeur fantasioso al suplantar unos días la vida del amigo al que le cuida la casa. Vidal interpreta a un personaje que está en las nubes, que huye de su realidad y que se inventa “películas”. Esto último tiene mucho que ver con la resolución de la cinta.

Esta es una grabación que pone a Madrid, no por el cielo, tampoco por las nubes, si no por encima de la luna. Al igual que el reciente estreno, “Los miércoles no existen”, muestra detalles y homenajea pequeños rincones de Madrid, muy poco conocidos a pesar de encontrarse junto a ubicaciones emblemáticas. Este puede ser uno de los puntos fuertes del film ya que descubre algunas curiosidades de la capital española.

Parece que el director y el responsable de fotografía se han esmerado en ofrecernos nuevas estampas de la capital con una constante obsesión por la simetría. Un nuevo punto de enfoque para mostrar una ciudad que a menudo recibe un trato peyorativo por sus habitantes y visitantes.

Realiza un uso inteligente y justificado del inglés que la hará más exportable. Puede que esta no sea una película del gusto del público general, pero se rodó de un modo original e improvisado. Se escribió el guión durante el rodaje y esto la hace atractiva. Este modo de trabajar a la hora de realizar el texto y grabar las escenas la ha convertido en una película autoreflexiva que puede dar que pensar también a los espectadores. Su final tiene mucho que ver con la creación del film ya que es el propio protagonista quien lo solicita de manera repentina e imprevista.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de abril de 2016. Título original: Madrid, above the Moon. Duración: 92 min. País: España. Director: Miguel Santesmases. Guión: Miguel Santesmases. Música: Francisco Tárrega. Fotografía: Alberto Pareja. Reparto principal: Víctor Vidal, Rocío León, Helena Sanchís, Bernabé Fernández, Graziela Doniz,Melissa Riggall. Producción: Zavijava, Indiegogo. Género: Drama, Comedia. Web oficial: http://es.abovethemoon.com/

Crítica: Batman v. Superman: el amanecer de la justicia

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Ante el temor de las acciones de un desenfrenado Superhéroe, el formidable y contundente vigilante de Gotham se enfrenta al más admirado héroe de la era moderna de Metropolis, mientras que el mundo se debate reflexionando sobre qué tipo de héroe necesita realmente. Y con Batman y Superman en guerra, pronto aparece una nueva amenaza que pone a la humanidad en uno de los mayores peligros jamás conocidos.

Crítica

Una película DCente sobre la Liga de la Justicia

A los aficionados al cómic nos gusta que en las películas que se realizan sobre las viñetas, haya elementos, guiños o detalles que estén directamente sacados de estas. En el caso de “Batman v. Superman: El amanecer de la justicia” no son pocas las veces en las que decimos “eso es de un cómic”. En algunos aspectos se está cambiando a los personajes y no es algo grave, pues prácticamente con cada nuevo escritor, dibujante o serie que se publica se les transforma, y no pasa nada. La película bebe en varios sentidos de “El regreso del Caballero Oscuro” de Frank Miller (del cual tenemos reseña aquí), pero ni de lejos es una adaptación de este. Rescata de esa maravillosa obra algunos elementos (frases, un traje…) pero también lo pone patas arriba pues intercambia en ocasiones los papeles entre Superman y Batman. Esto puede ser debido a que Zack Snyder ya había realizado una película con el Hombre de Acero de Henri Cavill y nos está creando un nuevo Batman.

Un Batman que resulta ser lo mejor del film, a pesar de que debo reconocer que yo era de los detractores de Ben Affleck, compro el Batfleck. No solo convence si no que ofrece una visión más que necesaria del Hombre Murciélago (siendo innecesariamente insistentes en la recreación de la muerte de sus padres). Intuimos que la violencia y la brutalidad del personaje se deben a que se nos presenta un Bruce Wayne que ya ha pasado por la tragedia de Jason Todd, por el enfrentamiento con muchos villanos e incluso por la trama de Nolan. Tal vez si se hubiese mostrado algún enemigo típico de sus historias habrían puesto la guinda del pastel. Pero era condición casi obligatoria no caer en monopolizar la película de ese modo, pues esta es una historia de la Liga de la justicia, la primera de muchas, esperemos.

Y es que se nos presenta a casi todo el equipo. Juega con muchas historias como debe hacer una película coral. A parte del cómic de Miller que he mencionado antes, recurre mucho a otro que no puedo mencionar pues su simple título sería un gran spoiler. Pero los
entrelaza de tal manera que encajan satisfactoriamente, salvo algunos flecos que están cogidos con pinzas o quedan a la imaginación del espectador. El casting realizado para los nuevos superhéroes convence, puede ser muy bueno lo próximo que veamos sobre DC. Me ha gustado Gal Gadot aunque físicamente sigue sin parecerme la más adecuada. Tras ver algunas señales, parece ser que se prepara la llegada de Darkseid de igual modo que se está preparando en Marvel la de Thanos.

Lo peor viene con uno de los villanos. Tenemos a un Lex Luthor creado al estilo de los nuevos ricachones de ahora… la imagen de Mark Zuckerberg está ahí. Pero lo preocupante ha sido la falta de seriedad con la que parece que Jesse Eisenberg se ha tomado el personaje. Con una personalidad a caballo entre Jack Sparrow y el Joker de Heath Ledger sumándole verborrea intelectual. Resultan rimbombante esos intentos de buscar citas que queden para la posteridad, no llega a encandilar. No me veo al público cantando sus cancioncitas. Por el contrario, aunque la creación de Doomsday no es exacta, hay que repetir que esto no es 100% una adaptación de un cómic, he de decir que me han despistado bien con los tráilers y me ha gustado la aparición de esta bestia. Se emplea correctamente al personaje y como he dicho antes, se realiza una fusión de historias bastante potable.

Como es típico de Zack Snyder, la acción es vibrante, con una puesta en escena y unos combates estupendos. No faltan sus típicas secuencias a cámara lenta y algún que otro guiño a “Watchmen”. Destacan las peleas de Batman al más puro estilo de los videojuegos de la saga Arkham. Aunque vuelve a caer en la destrucción descontrolada, haciendo las delicias de las empresas constructoras como la de Florentino Pérez.

En definitiva, las palabras que definen a esta película pueden ser épica e introductoria.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de marzo de 2016. Título original: Batman v. Superman: Dawn of Justice. Duración: 153 min. País: EE.UU. Director: Zack Snyder. Guión: David S. Goyer, Chris Terrio. Música: Hans Zimmer, Junkie XL. Fotografía: Larry Fong. Reparto principal: Henry Cavill, Ben Affleck, Amy Adams, Gal Gadot, Jeremy Irons, Jesse Eisenberg, Laurence Fishburne, Diana Lane. Producción: Distribución: Género: Acción, Ciencia Ficción, Cómics. Web oficial: http://www.batmanvsuperman.es/

Crítica: Kung Fu Panda 3

Sinopsis

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Cuando repentinamente reaparece el padre de Po, perdido hace tiempo, la pareja viajará a un paraíso secreto de Pandas donde conocerá a un peculiar grupo de nuevos y divertidísimos personajes. Pero cuando el malvado villano Kai empieza a cruzar China desafiando a todos los maestros Kung Fu, Po tendrá que hacer lo imposible: aprender a entrenar a todo un poblado de Pandas lleno de sus hermanos tiernos y bastante patosos para convertirse en el grupo definitivo de Kung Fu Pandas.

Crítica

El panda no pierde la gracia.

Con un argumento simple, Po vuelve para divertir a los más pequeños y por supuesto los mayores y lo consigue por tercera vez.

Con una animación muy cuidada, con unos personajes a los que ya tenemos mucho cariño, y con nuevos personajes a los que les cogeremos bastante más, Kung Fu Panda 3 viene para hacer la semana santa más llevadera a toda la familia.

En su versión original vuelven a repetir los actores Jack Black, Angelina Jolie, Lucy Liu, Dustin Hoffman, J.K. Simmons, Kate Hudson y esta vez se une el gran Brian Craston, que pone voz al malvado villano Kai. Todos ellos hacen que estos personajes animados cobren vida y hacen disfrutar a los más pequeños. En castellano tenemos al gran Florentino Fernández como Po, el cual no tiene anda que envidiar a Jack Black.

Esta vez como he dicho la historia no es que sea lo más cuidado, bastante simple, pero esto no hace que se pierda la gracia y que la película sea peor. Los creadores se han centrado en hacernos reír y disfrutar de la cultura oriental, podremos ver los típicos paisajes chinos y muchas referencias al mundo oriental, pues esta vez nos adentramos en el mundo de los espíritus. Admito no haberla visto en 3D pero según se cuenta es de lo mejor que se ha hecho en mucho tiempo en una película de animación.

Una película perfecta para ir a ver con los niños esta Semana Santa, pues no solo la disfrutarán ellos, sino que los papas también saldrán contentos de la sala de cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de marzo de 2016. Título original: Kung Fu Panda 3. Duración: 95 min. País: EE.UU. Director: Jennifer Yuh, Alessandro Carloni. Guión: Jonathan Aibel, Glenn Berger. Música: John Powell, Hans Zimmer. Fotografía: Animación. Reparto principal: Jack Black, Angelina Jolie, Bryan Cranston, Lucy Liu, Dustin Hoffman, J.K. Simmons, Kate Hudson. Producción: DreamWorks Animation, Oriental DreamWorks. Distribución: 20th Century Fox. Género: Animación, Comedia, Aventuras. Web oficial: http://www.kungfupanda.es/

Crítica: El recuerdo de Marnie

Sinopsis

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Cuando la tímida Anna se traslada a la orilla del mar a vivir con sus tíos, descubre una antigua mansión rodeada por pantanos, y se encuentra con la joven y misteriosa Marnie. Las dos chicas forman instantáneamente una conexión única y una amistad que viaja por los límites entre fantasía y realidad. A medida que pasan los días, una atracción casi magnética conduce a Anna una y otra vez a la Casa Marsh. Así comienza a reconstruir la historia que envuelve a su extraña nueva amiga.

Crítica

El recuerdo de Marnie una verdadera oda a la amistad.

Gracias a Vertigo Films, tuvimos la oportunidad de asistir a la premier realizada en Madrid para poder ver la joya del Studio Ghibli.

Con una atmósfera de cuento, nos enseña la estresante vida que lleva Anna, en una casa y una ciudad en las que no se termina de adaptar y de como por culpa de una pequeña enfermedad es llevada a la orilla del mar a vivir con sus tíos, donde la vida es más tranquila. Este cambio, no solo va a hacer que mejore de su afección, sino que además va hacer que deje a un lado la soledad y pase a tener una amiga de verdad, Marnie, una niña que vive en una mansión de la aldea y que al igual que Anna, está bastante sola. Esta soledad es lo que las une, además de que Anna queda atrapada totalmente por la gran personalidad de Marnie y todos los secretos que ella esconde.

La película lleva un ritmo bastante pausado, la madurez de Anna me ha parecido excesiva, pues al fin y al cabo es una niña y cuando la ves en escena parece una persona demasiado adulta, sobre todo cuando se trata del tema con su madre. Con Marnie intentan crear una atmósfera de misterio, que al principio si que consiguen que nos confundamos bastante acerca de quien es ella, pero al final queda bastante claro el desenlace de la historia de este personaje. En cuanto a la animación está muy bien cuidada y recuerda mucho a la animación de las antiguas series de animación, a mi en especial me ha recordado a la serie Ana de las tejas verdes.

El recuerdo de Marnie se estrena el 18 de marzo en muchas salas, así que si os gusta el cine de Studio Ghibli no dudéis en acercaros a verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de marzo de 2016. Título original: Omoide no Mânî. Duración: 103 min. País: Japón. Director: Hiromasa Yonebayashi . Guión: Niwa Keiko, Ando Masahi. Música: Takatsugu Muramatsu. Fotografía: Aimación. Reparto principal: Animación. Producción: Studio Ghibli. Distribuidora: Vértigo Films. Género: Animación. Web oficial: www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/el-recuerdo-de-marnie.html

Crítica: La invitación

Sinopsis

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Un hombre es invitado a una cena en la casa que una vez llamó a su hogar. Pronto se ve atrapado por la paranoia de que su ex mujer y su nuevo marido están albergando un insidioso plan secreto.

Crítica

Una llamada a la intriga más inquietante.

“The Invitation” es la película que triunfó en Sitges y que tuvimos la suerte de ver en la XIII Muestra Syfy. Una moderna película que nos trae de vuelta las sensaciones del thriller más clásico. Durante casi toda la película se va creando poco a poco un ambiente tenso e incierto, que va creciendo hasta desembocar en un gran final. Los personajes se van auto-convenciendo de que no hay nada extraño en la invitación que han recibido, de tal manera que se infunde en los espectadores una sensación de inseguridad y sospecha.

La paranoia que sufre el protagonista se instala exitosamente en la mente del público. Podemos familiarizarnos con el personaje de Logan Marshal-Green, es totalmente comprensible. Pero incluso con las personas más sospechosas o raras de esta película podemos sentir empatía. Esto es debido a que se juega al despiste y a desconcertarnos con la falta de información, que en este caso no es un error de guión si no un recurso muy bien empleado.

Si bien es verdad que tanto la directora Karyn Kusama (“Jennifer’s Body”, “Aeon flux”) como los guionistas Phil Hay y Matt Manfredi (“Furia de Titanes”, “Aeon flux”, “R.I.P.D.”) no me inspiraban mucha confianza, en esta ocasión he de decir a los cuatro vientos que me han conquistado. Sobre todo con la manera de plantear la historia y desarrollarla. Aunque sin duda el mejor golpe de efecto es su final, digno de recordar como ocurrió con películas como “El sexto sentido” o “La niebla”. No obstante, el film tiene momentos de pesadez ya que lleva un ritmo lento.

Tensa puede ser el mejor adjetivo para una película que bien podría tener una segunda parte. Ocurra lo que ocurra con ella en las taquillas o en el futuro, en mi recuerdo figurará como un film que me atrapó y me sorprendió.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de abril de 2016. Título original: The invitation. Duración: 100min. País: EE.UU. Director: Karyn Kusama. Guión: Phil Hay, Matt Manfredi. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Bobby Shore. Reparto principal: Logan Marshal-Green, Emayatzy Corinealdi, Tammy Blanchard, Michael Huisman, John Carroll Lynch. Producción: Phil Hay, Matt Manfredi, Martha Griffin, Nick Spicer. Distribución: Good Films. Género: Thriller. Web oficial: http://drafthousefilms.com/film/the-invitation

Crítica: Absolutamente Todo

Sinopsis

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Absolutamente todo sigue a un maestro de escuela desilusionado (Pegg) que de repente descubre que tiene la capacidad de hacer cualquier cosa que desee, un desafío que recae sobre él de la mano de un grupo de extraterrestres (voces de Cleese, Gilliam, Jones, Palin & Idle), que le observan desde el espacio. Mientras lucha para hacer frente a estos nuevos poderes, acude a su fiel compañero canino Dennis (voz de Robin Williams) para que le ayude en el camino. Percance tras percance finalmente acaba frente al último interrogante que todos los hombres temen y en el que muchos han fallado… ¿Debería elegir a la chica… o al perro…?

Crítica

Absolutamente divertida.

Simon Pegg se está convirtiendo en el más suertudo de los aficionados a la ciencia ficción y al mundo friki en general. Está cumpliendo los sueños de todo fan tras aparecer en historias como “Star Trek”, “Star Wars”, “Hermanos de sangre”, “Dr Who”, “Zombies party”… Pero es la última película en la que le he visto la que me ha suscitado más envidia. Esto es debido a que en “Absolutamente todo” comparte créditos con la totalidad de los Monty Python (salvo Graham Chapman obviamente), incluso uno de ellos (Terry Jones) le dirige. Todo un honor y un relevo ya que en muchas ocasiones Pegg manifiesta un humor absurdo muy cercano al de estos míticos comediantes. La participación de estos genios del humor se limita al doblaje de unos alienígenas muy canallas y granujas, totalmente acordes a lo que suele ser la línea de los Python.

Pero en el apartado del doblaje tenemos otra joya por la que merece la pena ver esta película, por múltiples razones. El protagonista tiene un perro al cual dota de la cualidad de hablar como un humano. Su voz la aporta Robin Williams en el que fue su último papel. Siendo servidor admirador del trabajo que hizo durante su vida este lauread actor, pensaba que me iba a embargar la melancolía, pero es tan graciosa su intervención que lo único que hice fue soltar carcajada tras carcajada.

Terry Jones no ha podido estar más acertado con esta película. Desde el casting hasta el ritmo final del largometraje. La historia es absurda, delirante y divertida. El compás del film es buenísimo, no decae la comedia en ningún momento, con lo que el espectador sale de la sala riéndose hasta del último segundo del metraje. El resultado final es una especie de “Como dios” (la película de Tom Shadyac protagonizada por Jim Carrey) pero versión ciencia ficción, más que fantasía.

Sin duda una de esas películas por las que el público puede salir satisfecho de haber adquirido una entrada, te alegra la velada. La pude ver en la XIII muestra Syfy y espero que dentro de poco la podáis ver en cines o en vuestras casas.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de mayo. Título original: Absolutely everything. Duración: 85 min. País: Reino Unido. Director: Terry Jones. Guión: Terry Jones, Gavin Scott. Música: George Fenton. Fotografía: Peter Hannan. Reparto principal: Simon Pegg, Kate Beckinsale, Sanjeev Bhaskar, Rob Riggle, Robert Bathurst, Eddie Izzard, con doblajes de Monty Python y Robin Williams. Producción: Bill and Ben Productions, Phoenix Pictures. Distribución: Wanda Visión. Género: Comedia, Ciencia Ficción.

Una floja embestida.

Una mente maravillosa que viene de Oriente.

Justicia cinematográfica para un gran embustero.

El milagro de creer que hay alguien bueno entre nosotros.

A pequeños cambios grandes diferencias.

Extrañas historias para mostrarnos la soledad del ser humano.

Divertida, elegante y profunda.

Cine policíaco, novelesco y veraz.

El pasado siempre se paga en los western.

Y de Madrid… a la Luna.

Una película DCente sobre la Liga de la Justicia

El panda no pierde la gracia.

El recuerdo de Marnie una verdadera oda a la amistad.

Una llamada a la intriga más inquietante.

Absolutamente divertida.

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