La nominada al Óscar Vera Farmiga (“Up In the Air”, la serie de televisión “Bates Motel”) y Patrick Wilson (las películas de “Insidious”) interpretan una vez más el papel de Lorraine y Ed Warren, quienes, en una de sus investigaciones paranormales más aterradoras, viajan al norte de Londres para ayudar a una madre soltera que vive sola con sus cuatro hijos en una casa plagada de espíritus malignos.
Crítica
El terror se instala en Londres.
Pude ver esta película en su pre-estreno en el marco del festival Nocturna. En una sala casi repleta puedo decir que no fueron pocos los gritos y el nerviosismo que vivimos. James Wan nos ha traído lo mismo de siempre sí, lo mismo que en “The conjuring” y en “Insidious”, pero gusta y de momento no cansa. ¿Qué es lo mismo de siempre? Buena ambientación, buenos sustos, buena historia. Si normalmente tenemos que decir que el cine de terror se basa principalmente en darnos sustos o en ensordecernos con ruidos repentinos, en el caso de las películas de “Expediente Warren” si se está logrando infundir algo de miedo en el espectador incorporando elementos del cine setentero del género.
Cuando digo que Wan nos trae lo mismo quiero decir también que incluso tras las cámaras se repite. Mismo equipo técnico y protagonistas, salvo en el caso de la fotografía que ha incorporado el buen ojo de Don Burgess (“Código fuente”, “El sicario de dios”) en lugar del magnífico John R. Leonetti (“Insidious”, “Mortal Kombat”). La historia escrita por los hermanos Hayes tiene menos gancho que la de la anterior entrega, pero posee dos tramas fantasmales paralelas con bastante fuerza. Su mayor atractivo es el giro que toman los acontecimientos en cuanto se descubre la verdad sobre la causa del poltergeist, haciendo converger de ese modo ambas tramas y dándole sentido a la película.
Patrick Wilson y Vera Farmiga dan un paso más en la historia de los Warren. Muestran la evolución de estos personajes sin estancarse en lo establecido en la primera parte. Normalmente este tipo de “cazafantasmas” aparece sin más en las películas sobrenaturales pero con la saga Warren nos están mostrando un aspecto diferente.
Para “Expediente Warren: El caso de Enfield” se han devanado los sesos para buscar nuevos sustos y pillarnos desprevenidos. El sonido es otro punto fuerte que consigue encauzarnos por los caminos de lo tenso y trepidante. Por supuesto otro atractivo para los espectadores de nuestro país es ver de nuevo a Javier Botet enfundado en el papel de fantasma. Está bien contemporizada, adaptada a lo que el espectador pide o espera de este tipo de películas.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de junio de 2016. Título original: The Conjuring 2: The Enfield Poltergeist. Duración: 133min. País: EE.UU. Director: James Wan. Guión: Carey Hayes, Chad Hayes. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Frances O’Connor, Madison Wolfe, Lauren Esposito,Patrick McAuley, Benjamin Haigh, Maria Doyle Kennedy, Simon Delaney, Franka Potente, Simon McBurney, Javier Botet. Producción: Evergreen Media Group, New Line Cinema, The Safran Company. Distribución: Warner Bros. Género: Terror. Web oficial: http://www.theconjuring2.com/
En la búsqueda de diversión y nuevas experiencias, cuatro jóvenes se apuntan como monitores de un campamento. La noche anterior a la llegada de los niños y sin motivo aparente, comienzan a atacarse furiosamente entre ellos. Algo les convierte temporalmente en seres enloquecidos y muy salvajes. Empieza entonces un juego del gato y el ratón sin tregua, en el que tan pronto son cazadores como intercambian sus roles para ser cazados. Para sobrevivir sólo tendrán una opción: encontrar el origen de la infección que les permita acabar con la terrible pesadilla.
Crítica
Una novedosa y engañosa historia de terror.
Normalmente, las películas que calan en nuestra memoria o en la historia de nuestro cine son aquellas que pese a tener pretensiones medias consiguen sorprendernos. “Summer Camp” tiene virtudes y proyección para convertirse en una de ellas o por lo menos en un título de culto. Triunfó en el pasado Nocturna y probablemente lo haga en nuestras taquillas. No es una película de terror basada karma, donde a todos los buenos les pasan cosas buenas y a los malos cosas malas, va por otros derroteros y ahí está uno de sus puntos fuertes.
Marini (“Mientras duermes”, “El desconocido”) ha dirigido y escrito una película que arranca como si tal cosa y rápidamente se vuelve frenética, sin dejarnos recuperar aliento. “Summer Camp” es un toma y daca, un juego del gato y el ratón, pero no solo entre los protagonistas, sino también entre el film y el espectador. Se podría decir que en este sentido Marini hace las veces de trilero.
Es de estas experiencias que merece la pena ser vistas pues nos sorprende en varias ocasiones. No tiene moraleja ni mensaje profundo, es una historia de terror, un survival horror, sin más, pero despunta por su originalidad entre todo lo surgido en los últimos años. Con cambiar un simple elemento, en algo que es un cliché del cine de infectados, se crea toda una nueva dinámica. No tiene la mejor fotografía del mundo ni el maquillaje de una superproducción, pero posee un montaje trepidante.
Posee un reparto muy internacional. Desde el talentoso mexicano Diego Boneta (“Rock of Ages”) hasta las prometedoras estadounidenses Donahue (“Insidious: capítulo 2”) y Walsh (serie de “Zombieland”). También está presente Andrés Velencoso que realiza su papel de un modo bastante correcto. Todos ellos se desenvuelven bien en los apenas dos o tres escenarios que tiene la película: Un caserón (que hace las veces de campamento de verano), una caravana y un bosque.
Podría tener saga, da para ello, aún así la película es concluyente. Incluso podría dar lugar a un videojuego. A mí me ha dejado el buen sabor de boca que me dejaron hace años “Rec”, “The Ring”, “La cabaña en el bosque”, “28 días después” u otros éxitos de este siglo.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de junio de 2016. Título original: Summer Camp. Duración: 85 min. País: España. Director: Alberto Marini. Guión: Alberto Marini, Danielle Schleif. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Pablo Rosso. Reparto principal: Diego Boneta, Maiara Walsh, Jocelin Donahue, Andrés Velencoso, Mark Schardan,Rick Zingale, Xavier Capdet. Producción: Filmax, Safran Company, Rebelión Terrestre. Distribución: Filmax. Género: Comedia, Terror. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/summer-camp.32
El pacífico reino de Azeroth está a punto de entrar en guerra para enfrentarse a unos terribles invasores: orcos guerreros que han dejado su destruido mundo para colonizar otro. Al abrirse un portal que conecta ambos mundos, un ejército se enfrenta a la destrucción, y el otro, a la extinción. Dos héroes, uno en cada bando, están a punto de chocar en un enfrentamiento que cambiará el destino de su familia, su pueblo y su hogar.
Crítica
El comienzo de una saga, si el público lo permite.
Tenemos ante nosotros World of Warcraft con la trama de Warcraft. Me explico. Podemos decir que el mundo, el espíritu, del juego multijugador masivo está muy bien recreado, una parte del universo que surgió de los juegos de estrategia está presente. Por otro lado su historia es casi calcada a la de la campaña humana del Warcraft original de 1994, el que llevaba como tagline o subtítulo “Orcos y humanos” y refleja la Primera Guerra. De hecho, se hace un guiño y se muestra alguna escena que evoca la cámara cenital de dichos orígenes. Están presentes personajes de ese juego como Lothar, Garona o el Rey Llane. En detrimento de haber adaptado el guión de esa primera entrega y de querer crear saga se han suprimido razas o se les ha dado menos importancia de las que se debería. Criaturas que son más famosas en el juego online que en los de estrategia como los no-muertos, los trolls o los gnomos. Aparecen muchos elementos del MMORPG y han quedado aún más en el tintero, pero haber querido incluir todo eso habría aturullado al espectador, estoy de acuerdo con este modo de proceder. Jugadores, estad atentos, aparece un Murloc.
No tenía una perspectiva muy elevada, he ido con prudencia a ver la película y he de decir que tal y como esperaba me ha satisfecho más como jugador que como espectador. Tanto como adaptación de videojuego y como película fantástica tiene errores y virtudes. No se pueden dejar pasar por alto fallos de guión como el no explicar el origen de Garona y su aspecto diferente o el porqué del estado de Medivh. Carecen de sentido las relaciones amorosas, no están trabajadas. Parece mentira que recientemente haya habido un precedente tan reciente como el de “El Hobbit” como para que se repita ese error. Aun así, me temía que le dedicasen más minutos a este tema. Por el contrario la historia tiene muertes inesperadas y vínculos entre personajes que se desarrollan de un modo lógico, aunque no profundo, que permiten hacerla fácil e interesante de ver.
En conjunto las interpretaciones están bien. No hay un libreto exigente que permita lucirse pero todos se mantienen dentro de un nivel interpretativo correcto. El único que no llega a convencer, por su falta de intensidad o carisma es Ben Schnetzer. Si os fijáis bien podréis distinguir a Glen Close en una de las escenas clave. Se aportan varios gags o toques de humor, creo que todos los protagonistas tienen alguno, para intentar lograr una empatía con ellos.
Las imágenes generadas por ordenador están bien elaboradas pero mal mezcladas con las reales. Le falta un remate tanto a las localizaciones como a las bestias. Con este resultado habría resultado mejor hacer incluso a los humanos por ordenador o a los orcos con maquillaje. En contrapunto las criaturas poseen rasgos diferentes unas de otras, como si las hubiesen personalizado centenares de jugadores. Los personajes que llevan maquillaje, como el de Paula Patton (Garona), están tremendos, muy logrados.
El film respira la estética y el mundo rolero de Blizzard, no lo puede negar nadie. Duncan Jones se ha enfrentado a la que seguramente sea la producción más grande que ha tenido entre manos y parece haberse centrado en realizar una película con mucha ambientación, aventura, magia y lucha, sin importarle la crudeza de los combates. Ofrece básicamente lo que se le puede pedir a una película fantástica aunque pida algo más de épica. No plantea como el juego el debate de escoger a la Horda o a la Alianza, pero se siembra la semilla para que esto suceda en sucesivas películas que estén por llegar. Puede funcionar en taquilla si la expectativa de los jugadores no es demasiado alta y si los “no jugadores” asimilan bien todo el trasfondo que se muestra o insinúa.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de junio de 2016. Título original: Warcraft. Duración: 123. País: EE.UU. Director: Duncan Jones. Guión: Charles Leavitt, Duncan Jones. Música: Damin Djawadi. Fotografía: Simon Duggan. Reparto principal: Travis Fimmel, Robert Kazinsky, Ben Foster, Toby Kebbell, Dominic Cooper, Paula Patton, Daniel Wu, Clancy Brown. Producción: Universal Pictures, Legendary Pictures, Blizzard Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: Aventuras, Fantasía. Web oficial: http://www.warcraft-elorigen.es/
Tommaso es un cardiólogo respetado, algo déspota, ateo convencido y liberal. Como buen italiano, su familia es muy importante para él y está especialmente orgulloso de su hijo menor, un brillante estudiante de medicina dispuesto a seguir sus pasos. Sin embargo, el joven tiene nuevos planes y revoluciona a la familia con una inesperada noticia: quiere hacerse cura.
Crítica
Risas aseguradas con esta comedia perfecta.
Hace mucho hablaba con un compañero de que el cine italiano no era el cine que más me atraía pero gracias a Si Dios quiere, me tengo que callar y decir que hacía mucho que no me reía tanto.
La película nos muestra a una familia de bien, acomodada, en la que él que manda es Tommaso, el padre de familia, cirujano y bastante liberal, hasta que su hijo, el niño de sus ojos, reúne a toda la familia y les da una noticia que les cambiará la vida y la forma de ver todo lo que tenía hasta ahora.
Una manera de ver como se puede tener fe, sin ser religioso. Una de las cosas que enseña la película es a mirar de forma diferente a la gente de fe, a los curas. Al fin y al cabo son personas, con errores pasados, personas que quieren el bien para los demás y que están dispuestos a mucho por lograrlo.
Los actores principales Marco Giallini, Alessandro Gassman hacen un gran trabajo haciéndonos reír en infinidad de ocasiones. Marco Giallini hace de un ser perfecto y sin escrúpulos, que quiere el control de todo y que no cree en nada más que en él mismo y en su certeza de que alguien le ha lavado el cerebro a su hijo. Mientras que Alessandro Gassman, nos encandila con su interpretación de un cura algo caradura quien se empeñara en hacer ver a Tommaso que la vida no es sólo dinero y trabajo, hay mucho más fuera.
Si que he de decir, que el final es algo agridulce, pero da para pensar bastante, pues es un final muy abierto a las distintas interpretaciones. Ya me contaréis como creéis que realmente termina.
Así sin más os recomiendo muchísimo el visionado de esta cinta, las salas de cine os esperan y ahora más que ya llegó el calor, risas y más risas con esta cinta de el joven novel Edoardo Falcone.
Ficha técnica
Estreno en España: 10 de junio Título original: Se Dio vuole. Duración:87 min. País: Italia. Director: Edoardo Maria Falcone. Guión: Edoardo Maria, Marco Martani. Música: Carlo Virzi. Fotografía: Tommaso Borgstrom. Reparto: Marco Giallini, Alessandro Gassman, Laura Morante, Ilaria Spada, Edoardo Pesce, Enrico Oetiker, Carlo De Ruggeri, Giuseppina Cervizzi, Alex Cendron, Fabrizio Giannini, Silvia Munguia. Producción: Wildside/ Rai Cinema. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial: www.acontracorrientefilms.com/pelicula/551/si-dios-quiere/
Con un nuevo iPhone, un apartamento cerca del Grove y una cuenta corriente desahogada (que le ha dejado su querido y difunto marido), Marnie Minervini (Susan Sarandon) se traslada encantada de Nueva Jersey a Los Ángeles para estar cerca de su hija, Lori (Rose Byrne), una guionista de éxito (aunque aún soltera), y asfixiarla con su amor materno. Pero, cuando las docenas de mensajes de texto, visitas inesperadas y conversaciones dominadas por consejos no solicitados obligan a Lori a fijar unos estrictos límites personales, Marnie encuentra maneras de encauzar su eterno optimismo y su vehemente generosidad para cambiar las vidas de los demás (así como la suya propia) y encontrar una nueva meta en la vida.
Crítica
Desde la imperfección y el cariño.
Podemos tomarnos “Una madre imperfecta” como un homenaje a todas esas madres que están encima de sus hijos hasta un límite invasivo. Es decir, sin pretender protestar por esos cariños maternales, Scafaria (directora y escritora de la cinta) nos muestra cuan fisgonas, desactualizadas o supervisoras pueden llegar a ser. Todo esto procura hacerlo con un humor excesivamente amable y una visión subjetiva. Tan personal es esta obra que llega a reflejarse a sí misma en la afligida guionista que interpreta Rose Byrne, pues esta hace lo mismo que ella con sus guiones.
Cumplir cumple. Promete una madre imperfecta y eso es efectivamente lo que encarna a la perfección Susan Sarandon. Una persona controladora, agobiante, estresante… entrometida como reza el título en su versión original. Entorno a ella surgen historias emotivas y conmovedoras que hacen que todo dependa y gire en torno a su persona. Llega a parecer que más que una madre es una ONG. Todas las acciones altruistas que realiza son fiel reflejo de su problema para pasar página, además de la cobra que le hace a cada pretendiente que la surge. Y ahí es donde entra el personaje de J.K. Simmons. El oscarizado actor de Detroit no pasa desapercibido, pero tampoco tiene tanto peso en la película como para ser cabeza de cartel. Aun así, es capaz de conseguir que se le coja cariño.
Dicho esto, podemos afirmar que “Una madre imperfecta” podría consistir en una película para exhibir a Sarandon, pero todos sabemos que esta actriz está perfectamente consagrada y tampoco la han faltado trabajos en los últimos años. Entonces suponemos que lo que se ha pretendido hacer es una sencilla comedia, pero tan solo vemos unas leves ráfagas de humor afable y sin peculiaridad alguna. Unido esto a que no estará dirigida a un público excesivamente grande, las perspectivas de esta película en España no son muy halagüeñas. Eso sí, verla con nuestras madres puede abrir heridas y debates desde un punto de vista sano y cómico.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de junio de 2016. Título original: The Meddler. Duración: 100 min. País: EE.UU. Director: Lorene Scafaria. Guión: Lorene Scafaria. Música: Jonathan Sadoff. Fotografía: Brett Pawlak. Reparto principal: Susan Sarandon, Rose Byrne, J.K. Simmons, Lucy Punch, Jason Ritter, Michael McKean, Casey Wilson, Sarah Baker, Cecily Strong, Erica Lynne Marszalek, Lou Volpe, Frankie Sims, Dominic Flores, Richard Markman. Producción: Anonymous Content, Stage 6 Films. Distribución: Sony Pictures. Género: Comedia, Drama. Web oficial: http://sonyclassics.com/themeddler/
El malogrado detective privado Holland March (Ryan Gosling) y el matón a sueldo Jackson Healy (Russell Crowe) no tienen nada en común, hasta que se ven inmersos en la misteriosa desaparición de la persona a la que ambos están siguiendo y se convierten en el blanco de unos entrenados asesinos. Su investigación además les lleva a una multimillonaria conspiración. Healy y March tendrán que utilizar todos sus recursos (legales o no) para salvarse y asegurarse de que la verdad salga a la luz.
Crítica
Como si Bukowski hiciese cine de los 70.
Visualizando “Dos buenos tipos” me ha venido a la cabeza la excelente novela de Charles Bukowski titulada “Pulp”. Una historia que iba de un detective fracasado, de mujeres despampanantes, de casos que son más grandes de lo que parecen… todo ello con un tono muy disparatado, burlesco incluso, poblado de personajes rocambolescos. Así es “Dos buenos tipos”. Humor, sátira, acción, situaciones absurdas… Una trama de investigaciones entrelazadas, de personajes que van y vienen mezclándose en las desventuras del detective y el matón.
Shane Black ha vuelto a sacar lo mejor de sí mismo, creando a una estupenda pareja de protagonistas y dirigiendo brillantemente la película para sacar lo mejor de los actores que los interpretan. De igual modo que en “Arma letal” creaba un equilibrio entre Mel Gibson y Danny Glover, o incluso en “El último gran héroe” hacía lo propio entre Arnold Schwarzenegger y Austin O’Brian, para “Dos buenos tipos” crea otra dupla llamada a dejar huella. Es decir, nos devuelve a las sensaciones del cine de blockbuster pero con un código del siglo XXI.
Jamás pensé que podría reírme tanto con Russell Crowe ni con Ryan Gosling pero he de admitir que en «Dos buenos tipos» de muestran que como cómicos tienen más talento de lo imaginado. Y eso que el humor que se maneja en esta película no es nada amable. Es lógico que esté calificada como de tipo R pues constantemente vemos humor verde, grotesco e incluso negro, pero llevado con muy buen gusto, guiando la película a lo disparatado.
El resto del reparto no es nada fuera de lo común. Una nada pueril Angourie Rice, una insípida Kim Basinger, un apto Matt Bomer, una comprometida Margaret Qualley…
La película respira años 70 y eso contribuye mucho a crear este espíritu de Starsky y Hutch versión canalla. Desde el “September” de los Earth, Wind & Fire (muy bien por David Buckel y John Ottman con la banda sonora) hasta los decorados y vestuarios, todo ello nos devuelve a la época post Richard Nixon. “Dos buenos tipos” es una película melancólica, hilarante y paródica.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de junio. Título original: The nice guys. Duración: 116 min. País: EE.UU. Director: Shane Black. Guión: Shane Black, Anthony Bagarozzi. Música: David Buckely, John Ottman. Fotografía: Philippe Rousselot. Reparto principal: Ryan Gosling, Russell Crowe, Matt Bomer, Kim Basinger, Yvonne Zima, Keith David, Margaret Qualley, Beau Knapp, Angourie Rice, Daisy Tahan, Abbie Dunn,Michael Beasley, Joanne Spracklen, Dale Ritchey, Terence Rosemore, Chace Beck, Kahallyn Summer Cain, Cayla Brady, Murielle Telio, Lexi Johnson, Gary Wolf,Maddie Compton, Michelle Rivera, Joshua Hoover, Charles Green, Scott Ledbetter,Amy Goddard, Brian Gonzalez, Ty Simpkins. Producción: WB, Silver Pictures, Waypoint Entertainment, Misty Mountains. Distribución: Tripictures. Género: Comedia. Web oficial: http://www.theniceguysmovie.com/
Forman un equipo de corresponsales de guerra… sin pasaportes. Deciden radiar noticias falsas fingiendo que están en la zona de combate, pero la cosa se complica.
Crítica
Reporteros con muchos peros.
He de decir que si Ricky Gervais me tiene encandilado desde hace tiempo con sus guiones y algunas de sus actuaciones (“The Office”, “Life’s too short”, “Extras”), en esta ocasión me ha decepcionado, y eso que dirige su propio producto. Normalmente hace alarde de un humor particular, negro, ácido, satírico. Él siempre lo ha manejado de manera que haga gracia, aunque lo que nos muestre sea un verdadero drama. Pero en “Special Correspondents” ha procurado salirse un poco de ese tipo de humor, adaptando un producto francés, entrando en el género de lo absurdo y los enredos, aunque algún gag de los suyos sí que introduce. Pero no consigue dar un golpe de efecto que arranque carcajadas ni decantarse por un estilo definido.
Los personajes están bien construidos, no obstante el de Vera Farmiga cueste mucho creérselo. Pero cae en estereotipos y en sucesos predecibles. Tanto Gervais como Bana mantienen a sus personajes dentro su línea hasta el final. Uno en la piel de un fracasado y el otro en la de un embaucador y falso triunfador. Cansa que Gervais sigua con su empeño por crearse personajes así, se auto encasilla. Hasta en el en “Los Simpsons” se hizo esto cuando escribió el capítulo 17×15. Solo en algunas películas como “Stardust” le hemos visto salirse algo de este patrón.
Hablando de estereotipos. El mundo latino está muy presente en esta historia y por enésima vez se vuelve a confundir España y sus gentes con América Latina. Exaspera el desinterés por documentarse de muchos cineastas. Si ellos no se cansan en cometer estas incoherencias y faltas de interés por nuestra cultura, servidor no se cansará de gruñir al respecto.
“Special Correspondents” es una comedia sosegada, que clama por un texto más descabellado para salirse de la historia verosímil que no es. Aunque carece de un ritmo adecuado puede entretener a los seguidores de las comedias de enredos.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de abril de 2016. Título original: Special Correspondents. Duración: 101 min. País: Reino Unido. Director: Ricky Gervais. Guión: Ricky Gervais. Música: Tindersticks. Fotografía: Terry Stacey. Reparto principal: Eric Bana, Ricky Gervais, Vera Farmiga, Kelly Macdonald, Kevin Pollak, America Ferrera, Raúl Castillo, Benjamin Bratt. Producción: Netflix, Bron Studios, Creative Wealth Media Finance, Unanimous Entertainment. Distribución: Netflix. Género: Comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/80048940
Toda la gente de esta pequeña zona rural puede contar con Jean-Pierre (François Cluzet), el médico que les ausculta, les cura y les tranquiliza a cualquier hora del día, durante los siete días de la semana.
Enfermo también a su vez, acepta la llegada de la doctora Nathalie (Marianne Denicourt) recién llegada de su trabajo de hospital para que le ayude. Pero, ¿se las arreglará para adaptarse a esta nueva vida y, sobre todo, a conseguir el reto de sustituir a aquel que se creía irremplazable?
Crítica
Vacuo intento de complacer con una historia campestre
Vale que el director Thomas Liti tenga formación en medicina y ejerza como médico generalista, ya hizo su homenaje a esta ciencia con su segundo largometraje “Hipócrates”. Pero en esta ocasión nos suministra una sobredosis de médico de familia. Una cantidad de casos clínicos que surgen a borbotones por toda la campiña francesa y nos aturullan.
Existen diversas razones por las que podemos pensar que se nos introducen tantos personajes secundarios o extras ejerciendo de pacientes. Es obvio que, por cuestiones narrativas, ya que hay que justificar la presencia del personaje de Marianne Denicourt y por eso se nos muestra a un hiper-ocupado médico, que además no pasa por su mejor momento de salud. Esto sirve también para hacer un esbozo de la personalidad y vida que tiene el protagonista. Pero se podría haber hecho de manera más breve o fugaz pues sus casos no tienen relevancia importante en la historia que nos narra Liti y en consecuencia nos alarga el film.
“Un doctor en la campiña” es una película que parece pretender ser costumbrista, mostrando las virtudes de la vida sencilla en el campo y así de paso reflexionar sobre la fragilidad y la brevedad de la vida. No obstante, lo único que consigue es tocar nuestra fibra sensible con alguno de los enfermos y decepcionarnos con una fútil trama central.
François Cluzet vuelve a apelar a nuestro corazón jugando la misma baza que en “Intocable”. La de la persona obstinada cuyo mundo se ve zarandeado por un problema de salud. Interpreta muy bien un médico anclado en las viejas costumbres aportándole un aire cercano y campechano. Por su parte Denicourt coprotagoniza la cinta con menos carácter y representando la corriente opuesta a la de Cluzet, la de una doctora que quiere cambiar y modernizar los métodos. Dos vertientes diferentes que cumplen el previsible desenlace de acabar por entenderse.
Una historia dramática y rural con algún atisbo de comedia. Así es esta anodina película que podría haber sido más grata si se hubiese decantado de una manera más clara por el drama o por el humor.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de mayo de 2016. Título original: Médecin de champagne. Duración: 105 min. País: Francia. Director: Thomas Liti. Guión: Thomas Lilti, Baya Kasmi. Fotografía: Nicolas Gaurin. Reparto principal: François Cluzet, Marianne Denicourt, Patrick Descamps, Christophe Odent. Producción: 31 Juin Films, Les Films du Parc. Distribución: Caramel Films. Género: Drama, comedia. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/fichas/un_doctor_en_la_campina
Después de recorrer el mundo siguiendo a las aves migratorias, y surcar los mares con las ballenas y las mantarrayas, Jacques Perrin y Jacques Cluzaud regresan con esta nueva película regresan con una película para toda la familia. Nos llevan a un viaje a través del tiempo para redescubrir esos paisajes europeos que hemos compartido con animales salvajes desde la última Edad de Hielo. El invierno llevaba durando 80.000 años cuando, en un plazo de tiempo muy corto, surgió un bosque inmenso que cubrió todo el continente. La nueva configuración planetaria trajo una transformación; se estableció el ciclo de las estaciones, el paisaje sufrió una metamorfosis, y la flora y la fauna evolucionaron a medida que la historia empezaba… Esta aparentemente interminable Edad de Hielo dio paso a exuberantes bosques verdes y el Homo Sapiens, que acababa de surgir, le dio la forma del campo que conocemos ahora. LAS ESTACIONES es un cuento excepcional que invita a la reflexión y que relata la larga y tumultuosa historia que une de forma indisoluble a la humanidad con el reino animal.
Crítica
Aún estamos a tiempo de salvar a las estaciones.
Las estaciones, leyendo el título y sabiendo que vamos a ver un documental cualquiera pensaría que éste trataría sobre eso mismo, las estaciones, tal cual, el cómo van pasando, los animales que podemos ver en cada una de ellas y disfrutar de bonitas imágenes de toda la naturaleza de la que poco nos preocupamos.Sí, hay animales, sí, vemos las distintas estaciones, está claro que vemos los preciosos paisajes que este planeta tiene y como acabo de decir, del que poco nos preocupamos e incido en estas palabras porque de esto mismo trata Las estaciones, de como éstas están desapareciendo, de cómo estos bosques y los animales que en ellos habitan están muriendo.
Los directores Jacques Perrin y Jacques Cluzuad nos traen la vida en los bosques desde la última glaciación y la aparición del hombre en la naturaleza que no ha hecho más que cambiarla a su gusto, utilizarla, quemarla y destruirla a su paso. De cómo poco a poco estos cambios han llevado al cambio climático, de como se ha asesinado a la primavera. Si os dais cuenta poco a poco vamos pasando directamente del invierno al verano sin apenas disfrutar como antes de las flores y del tiempo primaveral que tanto gusta.
De esto va este documental, en la versión doblada al castellano tenemos a Elena Anaya, que esta perfecta narrando esta especia de cuento, pero que apenas tiene protagonismo, pues la protagonista es la naturaleza en estado puro. Las imágenes son impresionantes, vemos como afectan las distintas estaciones a los habitantes del bosque y como se las ingenian para adaptarse a las circunstancias. Es triste ver como cuando un animal nos molesta simplemente acabamos con él y ya está.
Definitivamente os animo a verlo, a concienciaros un poco de que todavía estamos a tiempo para parar la situación y salvar los bosques y a los habitantes que hay en ellas.
La película se estrena con el motivo del Día Europeo de la Red Natura 2000, que es la red de espacios protegidos más importante del mundo y principal instrumento para la conservación de la naturaleza en la Unión Europea, además esta Red Natura ha servido de escenario para la grabación de esta película.
Así que el día 20
de mayo tenéis cita con la naturaleza, no os la perdáis y disfrutad de el viaje, de verdad no os vais a arrepentir, muchas veces nos quedamos con las cosas bonitas, nos cegamos los ojos y ya está, Las estaciones, aparte de mostrarnos algo tan bonito como la naturaleza, nos anima a que tenemos que luchar y volver a ser parte de ella, a conservarla y a convivir con ella, no ha vivir de ella.
Ficha técnica
Estreno en España: 20 de mayo de 2016. Título original: Les saisons Duración: 97 min. País: Francia.Director: Jacques Perrin y Jacques Cluzaud. Guión: Jacques Perrin, Jacques Cluzaud y Stéphane Durand. Música: Bruno Coulais. Fotografía: Stéphane Aupetit Michel Benjamin, Jérôme Bouvier Laurent Charbonnier, Philippe Garguil, eric Guichard – AFC, Laurent Fleutot, Sylvain Maillard, Christopeh Pottier y Jan Walencik. Narrada: por Elena Anaya. Producción: France 2 Cinéma, Galatée Film, Pandora Filmproduktion, Pathé. Distribución: Wanda Vision.Género: Documental. Web oficial: www.wandavision.com/site/fotografias/las_estaciones
Mayo de 1945. La ciudad de Londres celebra el final de la guerra, y en el Palacio de Buckingham hay dos princesas con ganas de unirse a la celebración de la calle. Mientras el rey Jorge prepara su discurso, a la joven Isabel, futura Reina de Inglaterra, y a su hermana se les permite salir de incógnito y vivir una noche inolvidable.
Crítica
Una comedia británica muy real.
Noche Real promete ser una de las grandes comedias británicas del año. Este largometraje muestra la cara más amable e incluso graciosa de la monarquía británica. Ambientada en el 8 de mayo de 1945, en el Día de la Victoria (o más bien durante la noche de la celebración), esta comedia nos acoge en el Palacio de Buckingham para sentirnos parte de la realeza durante la hora y media de duración del metraje.
Basado en hechos reales históricos, la película narra los acontecimientos de esta fecha señalada para los europeos donde la princesa Isabel (actualmente Isabel II) y su hermana Margarita, salieron de incógnito a celebrar con el resto de ciudadanos ingleses la victoria sobre los nazis alemanes.
El director Julian Jarrold (“La joven Jane Austen” y “Retorno a Brideshead”) reconstruye esta historia con un añadido de humor y amor a partes iguales.
Humor británico, por supuesto, como no podría ser de otro modo. Jarrold hace uso de los clichés más posh y clásicos referidos a la monarquía británica, pero que funcionan y encajan perfectamente con el ritmo de la película.
Y amor, mucho amor, por otro lado. Amor a la patria en primer lugar (ya sabemos el mítico God Save The Queen) donde habrá lugar a alguna crítica a las guerras y quienes las dirigen, pero que se entrelaza con el romance y las desventuras de una noche movida por el alcohol, el júbilo y las ansias de libertad que reinaba en las calles londinenses.
Acompañados por una banda sonora a ritmo de charleston y foxtrot y una gran fotografía, con una marcada estética visual de época y pomposa, la película entretiene sin apenas altibajos durante los 90 minutos. Caben destacar las interpretaciones de Sarah Gadon como la princesa Isabel, quien asume el rol de princesa responsable y sensata, y de Bel Powley como su hermana Margarita, quien será la más alocada y precoz de las dos hermanas. También merece la pena ver de nuevo en la gran pantalla a la gran Emily Watson a pesar de su papel testimonial como Reina de Inglaterra.
Esta comedia entretendrá a grandes y pequeños, pero especialmente a aquellos amantes de la isla británica por sus planos sobre la ciudad de Londres y sus paisajes típicos de la campiña inglesa, sin olvidarnos de todo tipo de chistes sobre sí mismos que hacen los ingleses. Película recomendable para ir en familia o pasar un buen rato de entretenimiento, sobre todo para los fans de lo british.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de mayo de 2016. Título original: A Roya Night Out. Duración: 97 min. País: Reino Unido. Director: Julian Jarrold. Guión: Trevor De Silva, Kevin Hood. Música: Paul Englishby. Fotografía: Christophe Beaucarne. Reparto principal: Sarah Gadon, Emily Watson, Jack Reynor, Rupert Everett, Bel Powley, Roger Allam, Jack Laskey, Ruth Sheen, Anastasia Harrold, Jack Gordon, Geoffrey Streatfeild, Sophia Di Martino. Producción: Ecosse Films, Scope Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Drama, Romance, Comedia. Web oficial: https://www.aroyalnightout.com/
Cuenta la historia de Paul, un hombre que recuerda su juventud y su primer -y único- amor. Rememora toda su vida centrándose en el difícil carácter de su madre cuando él era pequeño, la estrecha relación que tenía con su hermano Iván, los desencuentros con su padre cuando tenía 16 años, sus estudios en París y su creciente vocación por la antropología. Pero ningún recuerdo es tan fuerte como el de Esther, el amor de su vida.
Arnaud Desplechin regresa a los rincones emocionales de sus películas como Comment je me suis disputé… (ma vie sexuelle) o Un cuento de Navidad con esta película protagonizada por Quentin Dolmaire, Lou Roy-Lecollinet y Mathieu Amalric.
Crítica
Tres recuerdos llenos de amargura y resentimiento hacia el amor.
Dividida en cuatro actos Arnaud Desplechin, una historia de amor, un amor obsesivo y enfermizo en la adolescencia de Paul Dedalus.
Tres recuerdos de mi juventud, está muy bien dirigida, con un ritmo lento pero que no llega agotar. Las dos primeras partes de la historia de Paul nos muestra una infancia bastante dura, donde el poco amor hacia su madre hace que huya de su casa y siga su vida independientemente de su familia.
La tercera parte, que es realmente la trama central de la película, nos muestra la historia de amor con Esther, el primer amor de Dedalus, que al principio es una historia de amor bonita y bastante cercana entre dos adolescentes, hasta que se convierte en una historia infernal, donde los engaños, las peleas y la obsesión hacen que la pareja no haga más que discutir entre ellos. Lou Roy-Lecollinet nos deja una interpretación muy buena, nos trae a una Esther misteriosa y que le gusta juguetear con los chicos, pero con Paul es distinto, pues se termina enamorando de él, hasta el punto de que la obsesión por él la haga caer en locura. Quentin Dolmarie como un joven Paul Dedalus, con sus ganas de crecer, de dejar atrás el pueblo en el que nació para convertirse en un antropólogo y poder huir de todo, está estupendo y es una joven promesa del cine francés que seguro que volveremos a ver pronto.
En cuanto al veterano Mathieu Amalric, que decir de él, un Paul Dedalus que vuelve a Paris, un hombre adulto que lleva consigo aún el tormento de su relación con Esther, que aún sigue recordando esa tormentosa relación de la cual no puede escapar. Las escenas en solitario son magistrales, están rodadas como si de un monólogo de teatro se trataran y Mathieu Amalric se come a la cámara para dejarnos sin aliento.
El 27 de mayo se estrena en nuestras salas esta historia de amor y desamor, de cómo la vida cambia, de como unas personas intentan avanzar y otros simplemente se quedan tal cual. Una historia de la vida misma.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de mayo de 2016. Título original: Trois souvenirs de ma jeunesse. Duración: 123 min. País: Francia. Director: Arnaud Desplechin. Guión: Arnaud Desplechin y Julie Peyr. Música: Gregoire Hetzel .Fotografía: Irina Lubtchansky. Reparto principal: Quentin Dolmaire, Lou Roy-Lecollinet, Mathieu Amalric. Producción: France 2 Cinéma. Distribución: Vertigo Films.Género: DramaWeb oficial: http://www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/tres-recuerdos-de-mi-juventud.html
En 1983, el invencible e inmortal Apocalipsis es puesto en libertad tras haber estado sepultado durante varios milenios. Enfurecido por el hecho de que los de su clase ya no sean tratados como dioses, Apocalipsis recluta a un equipo de potentes mutantes, incluyendo un desmoralizado Magneto, con el fin de destruir a la raza humana y crear un nuevo orden mundial, mundo en el que él reinará. Para acabar con el camino de destrucción global emprendido por Apocalipsis, Mística (Jennifer Lawrence) y el Profesor X (James McAvoy) lideran un equipo de jóvenes X-Men en un épico enfrentamiento contra un enemigo aparentemente imbatible.
Crítica
Un Apocalipsis desfogado.
No alcanzo a entender las primeras críticas desmesuradamente malas que surgieron sobre esta película. Vale que no es una película redonda ni maravillosa, vale que es efectista, vale que la banda sonora de Ottman tiene altibajos, vale que por enésima vez hace trizas nuestro planeta… Pero es una película más de superhéroes que ofrece protagonistas con mallas y poderes. Nadie podrá decir que se le haya hecho larga, entretiene y es mucho más de lo que se le puede pedir a muchas producciones de hoy en día. Eso sí, lectores acérrimos de los X-Men, no esperéis ver lo que habéis leído en vuestras grapas pues de lo contrario saldréis enfadados del cine.
De igual modo que en Marvel existen multitud de Tierras (o universos paralelos) podemos aceptar que la película de Brian Singer es una más. Algo a lo que nos tenemos que ir acostumbrando con todas estas adaptaciones. Encaja con lo acontecido en las últimas entregas de los mutantes y es por eso que ni siquiera se pueden tener como referencia las películas de principios de siglo, aunque en “X-Men: Apocalipsis” haya escenas que enlacen con estas. Habrá que tomárselas como homenajes, guiños o puntos en común, allá cada uno con su interpretación.
El film es bastante desproporcionado. Alcanza cotas de destrucción planetarias y de nuevo los X-Men se enfrentan a la eliminación de la raza humana. Efectivamente es lo que toca pues el rival es prácticamente el mayor enemigo que se ha creado para los X-Men. Con algunos elementos y algunas escenas parece que se van a atrever a sentar las bases para “La era de Apocalipsis”. Pero ni la película alcanza los niveles épicos que la corresponderían ni llega a resultar novedosa con respecto a otros trabajos anteriores, incluso del propio Singer.
El villano es el gran mutante megalómano con pasado milenario que apareció en las viñetas, pero no se profundiza en su historia. Está muy bien interpretado por Oscar Isaac, si no impone como en los cómics podemos decir que es debido a que la intención del director ha sido la de crear a un En Sabah Nur más contenido, eso o no ha sabido reflejar bien su espíritu. Todo esto al margen de los cambios que ha introducido en cuanto a su transferencia de poderes. Su estética y maquillaje son bastante satisfactorios, no resulta tan cómico como en la primera fotografía que se publicó.
La película, aparte de Apocalipsis, tiene otros claros protagonistas. Al margen del ya icónico Xavier interpretado por McAvoy y Magneto de Fassbender (cuyas historias están bastante presentes), la película se centra en personajes como Mística (Jennifer Lawrence) con un rol muy a lo Sinsajo. Los actores consagrados se llevan casi todo el mérito interpretativo. Pero también están muy presentes Bestia (Nicholas Hoult), Quicksilver (Evan Peters), Jean Grey (Sophie Turner), Cíclope (Tye Sheridan) o Rondador Nocturno (Kodi Smit-McPhee). A destacar el trabajo de Turner y de Peters. Toda una generación remozada que deja también el sabor de que esta película es la presentación de una nueva generación más que la culminación de toda una saga. Solo hay que ver lo excesivamente larga que es la escena principal de Quicksilver, que pese a ello resulta espectacularmente vistosa. Me atrevo a postular que este es el inicio del cambio que muchos fans demandan en esta franquicia, ya veremos porque derroteros van en el futuro.
Tras el último tráiler que se lanzó antes de esta crítica, la expectación por la aparición de Lobezno ha ido creciendo. Pues bien, aunque tiene una salvaje y encarnizada intervención, en términos narrativos resulta poco más anecdótica. También aparecen los clásicos huevos de pascua y el obligado Stan Lee, de un modo más dramático a lo que nos tiene acostumbrados.
FOX se ha apuntado definitivamente a las escenas postcreditos. Aguardad hasta el final y veréis una pista, más clara para los lectores de cómics, sobre quien puede ser el próximo villano. Pasadlo bien con esta película que, pese a todo, posee genética mutante y está preparada para un grato disfrute.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de mayo de 2016. Título original: X-Men: Apocalypse. Duración: 143 min. País: EE.UU. Director: Bryan Singer. Guión: Mike Dougherty, Dan Harris, Bryan Singer, Simon Kinberg. Música: John Ottman. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Reparto principal: Michael Fassbender, James McAvoy, Jennifer Lawrence, Hugh Jackman, Oscar Isaac, Nicholas Hoult, Evan Peters, Rose Byrne, Kodi Smit-McPhee, Sophie Turner,Chaning Tatum, Alexandra Shipp, Tye Sheridan, Olivia Munn, Lucas Till, Lana Condor. Producción: Twentieth Century Fox Film Corporation, Dune Entertainment, Marvel Entertainment. Distribución: Twentieth Century Fox Film Corporation. Género:Web oficial: http://www.foxmovies.com/movies/x-men-apocalypse
La coronel Katherine Powell, una oficial de inteligencia que opera desde Londres, dirige a distancia una operación de alto secreto con drones para capturar a un grupo de peligrosos terroristas en su piso franco de Nairobi, Kenia. Sin embargo, cuando Powell se da cuenta de que los terroristas se preparan para emprender una misión suicida, se ve obligada a cambiar la operación de “capturar” a “matar”. Desde su base de Nevada, el piloto de drones estadounidense Steve Watts se dispone a destruir el piso franco, cuando una niña de nueve años se mete en la zona que quedaría arrasada por el ataque. Al entrar en la ecuación daños colaterales imprevistos, la dura decisión de cuándo atacar va pasando a niveles superiores del escalafón de políticos y abogados, mientras el tiempo para tomarla se va agotando.
Crítica
Espías desde el cielo, o en su título original Eye in the Sky. El título, aunque hace referencia a la interesante tecnología que se muestra en la película, no hace justicia al verdadero objetivo de la película, que es, un dilema moral y político de difícil solución en una situación al límite, y no una trama de espionaje en sí como podría sugerir.
La película trata de forma muy cercana cómo los militares encargados de buscar y capturar a miembros de la banda terrorista Al-Shabaab en Kenia, utilizando la mejor tecnología en drones y espionaje con cámaras escondidas en robots con forma de animales, entran en dilema al cambiar su objetivo principal de captura a asesinato con el aliciente inesperado de que hay una civil, una niña, en medio de todo el tinglado.
Es fascinante el método de espionaje que muestra la película, utilizando aparatos electrónicos con forma de colibríes o de escarabajos, con la mayor calidad de imagen y de manejo a distancia, pero como he dicho antes no es lo principal, sino la herramienta para continuar la historia. En medio de la delicada operación militar aparece una niña inocente que hace que los personajes principales, entre ellos políticos (Iain Glen, Jeremy Northam, Monica Dolan), altos mandos militares (Alan Rickman, Julian Stone), y los pilotos a cargo de los disparos fatales, entren en un dilema que será discutido bajo una tensión palpable durante la mayor parte de la película: el dilema de salvar a decenas de personas sacrificando a una, o poner en riesgo a todo el mundo por evitar daños colaterales.
Las actuaciones son excelentes, Helen Mirren interpreta a una coronel fría y directa, Katherine Powell que es la única que se mostró poco dudosa ante la discusión sobre tomar cierta decisión que el resto de personajes al menos debaten con remordimiento y culpa. El personaje de Helen Mirren se muestra algo despiadada en ocasiones, y eso hace que resalten las actuaciones de los otros personajes más sensibles, como los ministros y políticos (Monica Dolan, Iain Glen), que no hacen más que echar los balones fuera del campo para no responsabilizarse de un acto duro que los militares sí que están dispuestos a realizar. El papel de Alan Rickman, su último papel en pantalla antes de su fallecimiento, muestra a un general bastante simpático, que desde el principio de la película otorga cierto tono cómico que, por supuesto queda relegado ante el argumento principal, pero no pasa desapercibido.
Sólo veo una actuación algo exagerada (o más bien la forma en la que se estableció al personaje) y es la de la copiloto Carrie (Phoebe Fox), que no sólo se muestra demasiado sensible ante el problema principal sino que en general reacciona con demasiado sentimiento, teniendo en cuenta el hecho de que los militares de operaciones tan serias frente a terroristas fanáticos están preparados para no dejarse llevar de esa manera tan exagerada de manera continua. Al contrario que demuestra la actuación del piloto (Aaron Paul) que interpreta de forma más adecuada a un militar bajo órdenes estrictas, que también se deja llevar por sus sentimientos, pero de un modo más realista, con lágrimas silenciosas, tratando de controlarlas, a pesar de todo. Su actuación es mucho más creíble conforme a su personaje y su oficio, con Carrie parece que es su primer día de recluta en el cuartel y no su primer día de copiloto en una misión real.
La banda sonora no destaca demasiado, pero no es necesaria en extremo. Las conversaciones y la tensión constante de no saber qué decisión se tomará o qué ocurrirá es más que suficiente para disfrutar la película, que además, está realizada en perfecta armonía con su duración. No se hace larga, y no era necesario que lo fuera así, se disfruta bastante y comienza de manera simpática para llamar la atención y relajar el ambiente, y a continuación seguir con la trama más bélica que engancha de inmediato.
Merece la pena verla porque además de ser algo crítica con los métodos militares, te sitúa en el lugar de soldados y políticos, algo curioso de ver hoy en día. Uno creería al empezar la película que los políticos iban a ser los de mayor sangre fría, y sin embargo, son los militares los que menos inconvenientes muestran para tomar decisiones difíciles (cierto es que los políticos no sólo se basan en moral, sino en opinión pública). Otro punto es que muestra la triste realidad del conflicto contra terroristas y todo en conjunto merece una buena nota y una recomendación para verla sin duda alguna, también, en homenaje a Alan Rickman.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de mayo de 2015. Título original: Eye in the sky. Duración: 102 min. País: Reino Unido. Director: Gavin Hood. Guión: Guy Hibbert. Música: Paul Hepker, Mark Kilian. Fotografía: Haris Zambarloukos. Reparto principal: Aaron Paul, Helen Mirren, Alan Rickman, Iain Glen, Barkhad Abdi, Phoebe Fox,Carl Beukes, Richard McCabe, Tyrone Keogh, Babou Ceesay, James Alexander,Lex King, Daniel Fox, John Heffernan, Luke Tyler. Producción: eOne Films, Raindog Films. Distribución: eOne Films. Género: Thriller, Drama, Bélico. Web oficial: http://es.eonefilms.com/films/espias-desde-el-cielo
La película nos lleva a una isla poblada enteramente por aves felices que no vuelan… o casi enteramente. En este paraíso, Red, un pájaro con problemas de mal genio, el veloz Chuck y el volátil Bomb nunca han terminado de encajar. Pero, cuando la isla recibe la visita de unos misteriosos cerdos verdes, tendrán que ser estos insólitos marginados los que descubran qué traman esos cerdos.
Crítica
De chorizos que no tienen huevos.
Que el productor John Cohen (“Gru”) tiene ojo para las películas de animación es algo demostrado. Ahora con “Angry Birds, la película” tiene un filón que está respaldado por un juego/app que lleva años extendiéndose por nuestros smartphones y tablets. Para llevar a cabo esta tarea ha contado con dos expertos en este género. Klay Kaytis (animador en “Frozen” o “¡Rompe Ralph!”) y Fergal Reilly (realizador de storyboards en“Hotel Transilvania” o “Lluvia de albóndigas”). Expertos en este mundo, pero noveles directores que han cumplido bien con su nuevo rol.
Un film que respeta el espíritu del videojuego y consigue su objetivo de entretener a toda la familia. Un grupo de cerdos ladrones roba los tan preciados huevos a unos pacíficos pájaros que guardan unas habilidades especiales hasta entonces eran desconocidas para ellos. Puede que no entre en la lista de las mejores películas de animación de la historia, pero desde luego es más que apta para su consumo. Por supuesto otra de las razones por las que se ha lanzado será que posee un gran potencial para vender merchandising (algo que hace casi desde que salió la aplicación) y por eso dejará huella en nuestra memoria.
“Angry Birds, la película” es disparatada, dicharachera, con una mecánica sencilla, igual que el juego en el que está inspirada. El esquema es el mismo que el de muchas películas de dibujos: presentación de personajes, descubrimiento de nuevas criaturas y lucha contra los malos. No se han enredado en crear un universo excesivamente complejo. Resulta animada tanto por su tono como por su técnica de realización. Los personajes están creados de forma similar a la que acostumbramos a verles, pero más articulados, en 3D y con excelentes detalles. El agua, las plumas, el fuego… todo muy conseguido, sin llegar a buscar realismo y con un estilo que mantiene su famosa estética.
Aparecen todos los pájaros del juego y con las mismas habilidades. Los elementos como la dinamita, las construcciones apiladas, las camas elásticas y como no, el tirachinas, acaban formando parte de la historia. Como es de esperar se lanzan muchos chistes porcinos y aviares, algunos de ellos solo los mayores los entenderán, son casi tan verdes como los cerdos. Se juega también con algo muy recurrente en este género: hacer guiños a películas famosas, a la cultura popular o a famosos como los Daft Punk, o “Daft Pork” como se les puede bautizar.
Por último, el doblaje. En la versión traducida al castellano se cuenta con Santiago Segura (“Hotel Transilvania” o “Pos eso”) y José Mota (“Shrek” o “Mulán”) a la cabeza. Puede costar algo quitarse el rostro de estos artistas durante la película, sobre todo si tenemos en cuenta que ya hicieron de pareja protagonista en “Monstruos S.A.”. Aun así, se nota que son expertos en estas lides y han hecho un gran trabajo, muy difícil el de Mota por cierto. Pero quien sorprende, porque está irreconocible es Álex de la Iglesia. Ya hizo sus pinitos en “Toy Story 3”, “¡Rompe Ralph!” o “Los Increíbles”, pero aquí goza de más frases y protagonismo. Al igual que él, Cristina Castaño ha captado perfectamente el cariz de su personaje adaptando correctamente su voz.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de mayo de 2016. Título original: The Angry Birds Movie. Duración: 95 min. País: EE.UU. Director: Clay Kaytis, Fergal Reilly. Guión: Jon Vitti. Música: Heitor Pereira. Fotografía: Animación. Reparto principal: Animación. Producción: Rovio Mobile, Sony Pictures Animation, Sony Pictures Imageworks (SPI). Distribución: Sony Pictures. Género: Comedia, Animación. Web oficial: https://www.angrybirds.com/movie/
Violetta está en una encrucijada. Una extenuante carrera musical y una vida personal complicada le han impedido escuchar realmente a su voz interior. Cuando regresa de un viaje agotador, recibe una noticia impactante que le obliga a cuestionarse toda su vida. Tini busca respuestas y acepta una invitación espontánea de volar al otro lado del mundo y embarcarse en un viaje de auto-descubrimiento creativo y personal que cambiará su vida para siempre.
Crítica
El fin de una etapa.
“Tini: el gran cambio de Violetta” es la culminación de tres temporadas exitosas. Una película que cierra la etapa de Martina “Tini” Stossel como Violetta. Este film supone el cierre del arco argumental de la serie que se emitió en Disney Channel. Un descubrimiento de una cantante con gancho entre el público infantil y juvenil que probablemente ahora se dedique únicamente a la canción. Con este largometraje Disney pretende sacar más rendimiento a este fenómeno, una práctica semejante a la llevada a cabo con Hannah Montana/Miley Cyrus.
Además de suponer un largo final para la serie, la película nos narra la metamorfosis de una artista que pasa de la adolescencia a la adultez. Pero más allá de un estado físico, nos muestra el cambio personal y profesional que experimenta el personaje de Violetta. Para ello se convierte en una crisálida que está dentro de un capullo situado en las costas italianas.
Ese lugar donde la cantante vive su catarsis artística es una residencia para artistas dirigido por el personaje de Ángela Molina. La actriz madrileña aporta toda su madurez interpretativa, junto a Diego Ramos, para un reparto plagado de jóvenes. Repiten los protagonistas y secundarios de la serie, como no podría ser de otra manera, y se añaden personajes como los interpretados por Sofía Carson, Rider Van Kooten, Beatrice Arnera, Leonardo Cecchi o Adrián Salzedo. Este último resulta ser uno de los mejores de toda la película. Como en todo producto Disney se promueven unos valores. En este caso los de la búsqueda de uno mismo y el trabajo en equipo. Aunque se nos muestra un personaje más que típico. Posee su “séquito” su entorno o mundo gira alrededor de su persona, clásico de las princesas Disney.
Las preciosas localizaciones de Sicilia y Madrid son el marco perfecto para acompañar toda la danza, la música y los efectos visuales que conforman una película que parece un inmenso videoclip. A ello hay que sumarle mucho romance y desamor. Todos los que aparecen cantando o bailando demuestran tener talento para los escenarios. Una mezcla preparada para el gusto de muchos y muchas adolescentes de ahora.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de mayo de 2016. Título original: Tini: el gran cambio de Violetta. Duración: 98 min. País: Argentina. Director: Juan Pablo Buscarini. Guión: Ramón Salazar Hoogers. Música: Federico Jusid. Fotografía: Josu Inchaustegui. Reparto principal: Martina Stoessel, Jorge Blanco, Clara Alonso, Mercedes Lambre, Ángela Molina,Georgina Amorós, Ridder van Kooten, Adrián Salzedo, Beatrice Arnera, Leonardo Cecchi, Pasquale Di Nuzzo, Francisco Viciana. Producción: Gloriamundi Producciones, The Walt Disney Company. Distribución: The Walt Disney Company. Género: Musical, Romance. Web oficial: http://peliculas.disney.es/tini
“Capitán America: Civil War”, de Marvel, empieza donde lo dejó «Vengadores: La Era de Ultrón» ya que Steve Rogers lidera el nuevo equipo de los Vengadores en su incesante tarea de proteger a la humanidad. Pero, después de que otro incidente internacional en el que se ven envueltos los Vengadores produzca daños colaterales, la presión política obliga a poner en marcha un sistema para depurar responsabilidades y a crear un organismo rector que determine cuándo hay que recurrir a los servicios del equipo. El nuevo statu quo divide a los Vengadores en dos bandos, uno liderado por Steve Rogers y su deseo de mantener la libertad de actuación de los Vengadores a la hora de defender a la humanidad sin interferencias, y otro liderado por Tony Stark y su sorprendente decisión de apoyar los planes y organismos del Gobierno, mientras intentan proteger al mundo de un nuevo malvado.
Crítica
Grandiosa película, capciosa adaptación.
Que no os engañen alguna de mis opiniones de a continuación, “Capitán América: Civil War” me ha parecido una excelente película de superhéroes, de lo mejor de Marvel, mejor que “Vengadores: La era de Ultrón” a mi parecer. Está estupendamente dirigida por los hermanos Russo, viene bien acompañada de la música de Henry Jackman, tiene un guión más entramado de lo que Disney suele permitir y aporta una dimensión diferente al universo Marvel, lo necesario para la tan anunciada fase 3. Pero me ha decepcionado enormemente como adaptación por la inmensa cantidad de pautas y elementos que desperdicia. La película hay que verla siendo objetivo, intentando disfrutar de un grupo de héroes disfrazados y partiendo de la premisa de que no va a ser una adaptación fiel del cómic, pues, aunque nos la vendan bajo el mismo título no tiene casi nada que ver. Coge la idea, pero no el espíritu ni las maneras. No hay que dejar que nuestra opinión esté nublada por un fanatismo cariñoso hacia estas publicaciones. El universo cinematográfico está en un punto menos avanzado que el del cómic y además la historia de cada protagonista ha ido por derroteros diferentes. Tal vez era pronto para adentrarse en esta trama.
En el cómic lo que se firma es el Acta de Registro de Superhumanos, aquí está cambiada por el Acuerdo de Sokovia, algo que puede parecer una nimiedad, pero no lo es. Su carácter es muy distinto, tanto que hace que posteriormente las pautas y puntos de inflexión sean muy diferentes. El Acta de Registro abre un abanico de reacciones que le aportan a la historia una gran profundidad, en el cómic realmente vivimos una guerra civil. Existen elementos como los cambios de bando, una resistencia organizada, espionaje, la tesitura de si hacer pública la identidad de los superhéroes, de si trabajar bajo la supervisión del gobierno, de aceptar la responsabilidad en cuanto a los daños colaterales producidos, de entrar en el mundo de la política, el uso de cualquier recurso (incluidos villanos) para luchar en la guerra… Todo eso parece que va a estar presente en el film, pero realmente se lo dejan de lado antes de la mitad del largometraje, pierden el norte en ese sentido, se olvidan de esa idea para centrarse en Soldado de Invierno. Hay que entender por supuesto que hay muchos elementos que tampoco se han podido incluir por no poder contar con los X-men, los Iluminati o los 4 Fantásticos. Pero realmente vivimos un crossover, uno de los ganchos del cómic.
Y es que al margen de quien tenga los derechos de unos y otros, realizar “Civil War” con todos los personajes del cómic de Millar y Bendis habría sido económicamente imposible, incluso para Disney. De la gran cantidad de protagonistas que aparecen ya hemos disfrutado en otras películas y sabemos lo metidos que están en sus papeles. Pero hay varias incorporaciones importantísimas. Brillante la incorporación de Tom Holland como Spider-Man, tanto por el actor como por el modo en que le introducen en la historia, realmente vemos al parlanchín hombre araña. Mucho mejor en ambos sentidos Pantera Negra, un icono importante de Marvel que ha adaptado muy bien Chadwick Boseman. Muy acertada también la interpretación de Daniel Brühl, si hubiese tenido más relevancia y presencia me estarían dando aún más la razón en cuanto a que no es realmente “Civil War”. Por cierto, que si la veis en versión doblada seréis testigos del horrible doblaje en el caso de este y de Visión.
No sé si se les ha ido el dinero en el reparto, pero hay que reconocer que en muchas ocasiones están mal los efectos visuales. Se nota el retoque o la generación por ordenador en algunas escenas de acción, principalmente en la primera. Es descarado lo del traje de Tony Stark, en anteriores entregas no se notaba tanto que está hecho con CGI. Spider-Man está claramente hecho de manera digital, en su mayoría de escenas parece un muñeco de plástico, solo hay que fijarse como le han pegado en la escena del aeropuerto cuando se va a enfrentar un bando contra otro.
Las escenas de acción son trepidantes, el ritmo entre unas y otras está muy bien estudiado. Aunque muchas de ellas, sobre todo las del principio, aturullan. La mejor escena es la del aeropuerto, sin duda. Pero volvemos a lo mismo, no se produce por un enfrentamiento político, sino para capturar o permitir la huida de Soldado de Invierno. Da gusto ver como en ella se mezclan los superhéroes haciendo uso de sus recursos y habilidades en función de con quien se van cruzando. Es una orgía de puños y poderes.
En definitiva, es una magnífica película con muchos superhéroes. Me alegra que en esta ocasión no hayan pretendido destrozar miles de hectáreas de terreno como en las últimas producciones de Marvel y DC. Pero debido a que no sigue el mismo patrón del cómic del cual coge prestado su nombre y entorno a quien gira realmente la trama, se merece más otro título. Probablemente “Capitán América: Soldado de Invierno 2” habría sido más acertado. No te pueden vender un producto como jamón, cuando en realidad es paleta. Aun así, a todos nos gusta también la paleta.
Advertencia, hay dos escenas postcréditos. Una tras los créditos que van acompañados de ilustraciones y otra al final de los créditos normales.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de mayo de 2016. Título original: Captain America: Civil War. Duración: 148 min. País: EE.UU. Director: Anthony Russo, Joe Russo. Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely. Música: Henry Jackman. Fotografía: Trent Opaloch. Reparto principal: Chris Evans, Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, Daniel Brühl, Elizabeth Olsen,Paul Rudd, Jeremy Renner, Martin Freeman, Chadwick Boseman, Sebastian Stan,Anthony Mackie, Don Cheadle, Emily VanCamp, Paul Bettany, Hayley Atwell, Frank Grillo, Chandra Shaker Sangam, Tom Holland, Leslie Bibb, William Hurt. Producción: Marvel Studios / Marvel Entertainment / Sony Pictures Imageworks (SPI). Distribución: Walt Disney. Género: Aventuras, Ciencia Ficción, Cómic. Web oficial:http://marvel.com/captainamerica
Doce años después de la II Guerra Mundial el consecuente fin del nazismo, el fiscal general Fritz Bauer se ha comprometido a detener a los criminales nazis. La clave decisiva llega cuando en 1957 obtiene el paradero del nazi Adolf Eichmann, antiguo miembro clave y destacado de las SS.
Crítica
La justicia tiene un nombre, Fritz Bauer.
Narrada como si de una novela negra se tratara, Fritz se nos presenta como un viejo fiscal, con una ideas bien claras, pero muy cansado. Y no le faltan motivos, su lucha por lograr detener a los participantes en los crímenes nazis siempre queda parada o truncada por culpa de su grupo de fiscales que no hacen mucho por seguir con las investigaciones, y además se tiene que enfrentar al gobierno y los tribunales alemanes, que prefieren pasar página.
Sinceramente, el comienzo es algo lento, pero pronto cambia para convertirse en una cinta dinámica y que no puedes dejar de ver. La caracterización de Burghart Klaubner como el fiscal general, es magistral, un hombre muy ordenado, obsesionado con la geometría, quizá sea una manera visual de mostrarnos su empeño por la perfección. Un hombre solitario, tiene familia, sabemos que la quiere, pues cada vez que recibe una amenaza de muerte, les llama y se preocupa por ellos, pero aún así está solo y obsesionado con su trabajo. A su lado siempre está su chófer y un joven fiscal con un espíritu luchador como el de él . Quizá sea este personaje el que me nos me ha gustado, es un personaje inventado para la película que nos adentra en el mundo de la homosexualidad. Fritz, era homosexual, pero no me ha parecido importante la historia de este otro personaje, de hecho sino hubiera aparecido, no hubiera pasado nada.
En cuanto a la dirección, como he dicho me ha parecido estupenda, una auténtica novela negra en la pantalla. Con una fotografía bastante buena donde la sobriedad destaca sobre todas las cosas. Una Alemania triste que intenta recuperarse del peor episodio de su historia, no podría representarse de otra manera que sobriamente y con colores apagados.
Sinceramente os recomiendo ir al cine el 29 de abril para ver esta maravilla, sin duda os sorprenderá y no me cabe duda que El caso Fritz Bauer va a cosechar muchos premios este año que viene, sin duda merecidos.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de abril de 2016. Título original: Der Staat gegen Fritz Bauer Duración: 105 min. País: Alemania Director: Lars Kraume. Guión: Lars Kraume, Oliver Guez. Música: Christoph M. Kaiser, Julian Mass . Fotografía: Jens Harant. Reparto principal: Brughart Klaubner, Ronald Kehrfeld, Dani Levy, Sebastian Blomberg, Laura Tonke, Robert Atzorn, Michael Schenk, Matthias Weidenhöfer, Götz Schubert, Jörg Schüttauf, Cornelia Gröschel, Lilith Stangenberg. Producción: Zero One Film, Terz Film, Westdeutscher Rundfunk (WDR). Distribución: Caramel Films .Género: Drama. Web Oficial:www.caramelfilms.es/site/sinopsis/el_caso_fritz_bauer
Alma (Anna Castillo) tiene 20 años y trabaja en una granja de pollos en un pueblo del interior de Castellón. Su abuelo, que para sorpresa de su familia dejó de hablar hace años, es la persona que más le importa en este mundo. Ahora que ha decidido dejar de comer también, Alma se obsesiona con que lo único que puede hacer «volver» a su abuelo a su estado es recuperar el olivo milenario que la familia vendió contra su voluntad hace 12 años.
Sin decir la verdad, sin un plan, y sin apenas dinero, Alma embarca a su tío «Alcachofa»(Javier Gutiérrez), de 45 años, arruinado por la crisis, a su compañero de trabajo Rafa (Pep Ambròs), de 30, a sus amigas Wiki y Adelle y a todo su pueblo, en una empresa imposible: recuperar el monumental olivo, replantado en algún lugar de Europa, y traerlo de vuelta a la masía familiar.
Crítica
La importancia de respetar nuestras raíces.
Icíar Bollaín, junto al multiétnico Paul Laverty, vuelven a sorprendernos con una película original. Una historia que es semejante a un cuento e incluso a una parábola a poco que uno le busque el significado. “El Olivo” posee sentimiento y sentido, es enternecedora y emotiva, pero sobre todo tiene trazas de relato creíble y posible.
Un magnífico casting encabezado por Anna Castillo y Javier Guitiérrez, que pese a ser un supuesto secundario acapara gran parte de la atención durante la película. Anna interpreta con gran veracidad a una joven cuya personalidad es la materialización literal de la expresión “de tal palo tal astilla” al calcar el carácter y la personalidad de su abuelo. Su personaje es una cara dura, una lianta y una descerebrada con mucho coraje. Rol inconfundible de toda historia con tintes disparatados o de fábula. Este es el verdadero salto al cine que necesitaba la actriz. Pero como he mencionado al comienzo de este párrafo, la elección de los actores es muy acertada. Desde el labrador real que es Manuel Cucala como el entrañable pero obstinado abuelo, pasando por Pep Ambròs haciendo de devoto y enamorado amigo hasta Miguel Ángel Aladren como padre fracasado. En resumen, un conjunto de personas que actúa como gente muy terca y de pueblo.
La película en gran parte es una road movie que tarda un poco en arrancar. En su inicio posee algunos actos en cuyos cortes no se aprecia continuidad para las conversaciones, como si los actores estuviesen en momentos diferentes. En tu totalidad nos habla de la importancia de respetar nuestra herencia, nuestra historia y nuestras raíces (nunca mejor dicho). El valor de respetar a la familia y a todas las generaciones, tanto a jóvenes como a mayores. Posee matices de película absurda y de drama, pero mezclados equilibradamente.
El olivo que se arranca y se coloca en Alemania es una maqueta. Esto es indicativo también del carácter ecologista de la cinta. Se nos muestran imágenes del documental “Good Soil”, que trata sobre el traslado no de un árbol, si no de pueblos enteros. También se hace hincapié en la hipocresía de algunas grandes empresas con este tema. Lo que finalmente nos trasmite es que no podemos tratar de respetar y honrar a nuestro ecosistema creyendo que en un instante podemos recrear lo que por naturaleza tarda en crecer cientos o miles de años.
Para los que han vivido una relación íntima y estrecha con sus abuelos, esta película cobrará mucho sentido. Se siente la cotidianidad rural y el amor por nuestros mayores que tanto falta en unos tiempos en los que los abuelos quedan reducidos a simples niñeras u obstáculos, en muchas ocasiones.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de mayo de 2016. Título original: El Olivo. Duración: 100 min. País: España. Director: Icíar Bollaín. Guión: Paul Laverty. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Sergi Gallardo. Reparto principal: Javier Gutiérrez, Anna Castillo, Pep Ambrós, Manuel Cucala, Miguel Ángel Aladrén. Producción: Morena Films, Match Factory. Productions. Distribución: eOne Films. Género: Drama. Web oficial: http://blog.rtve.es/elolivo/
“Toro” es un thriller de acción que transcurre durante 48 frenéticas horas. Dos hermanos se reencuentran después de cinco años. Uno ha estado en la cárcel. El otro ha robado a un peligroso perista y ahora huye junto a Diana, su hija pequeña. Los tres emprenden un viaje por una Andalucía violenta, mítica, agreste y salvaje. Un viaje en el que aparecen las viejas heridas del pasado y en el que los hermanos se ven obligados a reconciliarse para salvar la vida.
Crítica
Una floja embestida.
El planteamiento inicial y los títulos de crédito de “Toro” producen un subidón y unas expectativas muy diferentes a la impresión con la que acabamos después del film. Si bien la película comienza con un opening al más puro estilo James Bond, con una belleza visual asombrosa, con una presentación de los personajes magistral y una trama digna de lo mejor de Hollywood; el tratamiento del argumento y el ritmo del film va decayendo conforme nos acercamos al final.
No hace falta mencionar que la cinta tiene un potencial asombroso. Estrellas consagradas como Luis Tosar o José Sacristán capitanean una historia protagonizada por una estrella rentable como lo es Mario Casas. Si a eso además le sumamos el talento de Kike Maíllo o el de la actriz Ingrid García Jonsson el cóctel puede ser explosivo. Pero pese a que el film tiene momentos realmente interesantes, muy bien buscados y originales, el tono elegido para la segunda mitad del film puede dejarnos indiferentes. Nos quedamos con la impresión de que le falta una vuelta de tuerca a la película.
Con su constante acción, sus mafiosos del siglo XXI, sus protagonistas desgastados y su gran puesta en escena nos sumerge en una historia de venganza a caballo entre “RocknRolla” y “Hasta que llegó su hora”, pero necesita un plus de intensidad para poder dejar huella como estos títulos. A pesar de que podemos ver en “Toro” a un magistral Luis Tosar y a un comedido pero correcto José Sacristán, sufrimos una ligera falta de fiereza por parte de Mario Casas, sobre todo si tiene que hacer justicia al apodo de “Toro”.
Puede que buena parte de la causa de estas faltas mencionadas se deba a la banda sonora y temas escogidos. Vale, transcurre en zonas muy flamencas de España (sin referirme a las escenas rodadas en Galicia), pero existe una carga excesiva de música folclórica y religiosa.
No voy a decir que el cine español esté de enhorabuena con el estreno de Toro, tampoco que sea un fiasco, merece la pena verse si uno no tiene puesto el listón demasiado alto. Aun así, podemos afirmar que hay talento, hay medios, hay maneras, hay vocación… estamos ante una película que demuestra que merece la pena seguir apostando por nuestra industria cinematográfica.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de abril de 2016. Título original: Toro. Duración: 110 min. País: España. Director: Kike Maíllo. Guión: Rafael Cobos, Fernando Navarro. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Reparto principal: Mario Casas, Luis Tosar, José Sacristán, Ingrid García Jonsson, Claudia Vega, Nya de la Rubia, Ignacio Herráez, José Manuel Poga, Manuel Salas. Producción: Apaches Entertainment, Atresmedia Cine, Escándalo Films, ZircoZine. Distribución: Universal Pictures. Género: Thriller, Acción. Web oficial: http://www.universalpictures.es/es/peliculas/toro-49/
India colonial, 1913. Srinivasa Ramanujan (Dev Patel) es un joven genio autodidacta de 25 años, que fracasó en la universidad debido a su estudio casi obsesivo y aislante de las matemáticas. Decidido a dedicarse a su pasión, a pesar del rechazo y la burla de sus compañeros, Ramanujan ingresa en el Trinity College de Cambridge bajo la tutela de G. H. Hardy (), un eminente y excéntrico profesor de matemáticas que reconoce su brillantez y peleará sin descanso para conseguir el reconocimiento que su pupilo merece. Con la ayuda de Hardy, el trabajo de Ramanujan evoluciona de tal manera que revolucionará las matemáticas y transformará la forma en la que los científicos explican el mundo.
Una sorprendente y verdadera historia de un intelecto único, cuyas teorías surgieron desde la oscuridad en un mundo al borde de la guerra
Crítica
Una mente maravillosa que viene de Oriente.
El hombre que conocía el infinito, nos invita a conocer una parte de la vida de Srinivasa Ramanujan, un matemático autodidacta indio, con una mínima educación en matemáticas puras, pero que tenía un don especial y gracias a ello logró extraordinarias contribuciones al análisis matemático, la teoría de números, las series y las fracciones continuas.
Nos cuenta la historia de cómo consigue ir hacia Inglaterra y lograr que le ayudan, pero como he dicho tiene un gran ego, y todo lo que intentan hacer para ayudarle le frustra cada vez mas. Aparte, conoció al profesor Godfrey Harold Hardy, el cual tampoco se lo puso fácil, pero no porque quisiera amargarle, sino porque realmente era un hombre bastante complicado, aunque llegaron a ser grandes amigos.
La película nos muestra la vida que Ramanujan tiene en la India, sin trabajo, con su mujer viviendo con su madre, mientras él tiene que vivir fuera para poder encontrar un hogar adecuado. Sería como una primera parte, que nos muestra su religión, sus costumbres, todo lo que lucha para enseñar sus cuadernos y que le hagan caso. La segunda parte sería en Inglaterra, cuando ha dejado atrás todo, su religión, su mujer, su madre y su tierra, todo por su cumplir su sueño y poder publicar sus trabajos.
He de decir que me Dev Patel, está fantástico, realmente ves la frustración del pobre Ramanujan, pero también ves su esfuerzo y ganas cada día que pasaba. Pero no solo pasó frustración por las matemáticas, pues mucha gente no daba crédito a sus estudios, no creían que pudiera haber alguien que sin apenas estudios hubiera logrado las teorías que consiguió Ramanujan, ya sea por racismo o por envidia muchos profesores le trataban mal, o incluso no le dejaban expresarse en sus clases como él quería o tenía que fingir que apenas sabía de la materia que el profesor les estaba enseñando.
Una verdadera pena la verdad, durante la película sufres mucho por él, ves lo mal que lo pasa, además justo cuando él está allí comenzó la Gran Guerra y le pilló en Inglaterra sin apenas poder comunicarse con su familia, en un mundo que tampoco entendía del todo bien, le fue muy complicado el adaptarse, sus ganas de publicar su trabajo se multiplicaban, pero también era porque una vez que hubiera publicado podría volver a casa.
Mención especial al gran Jeremy Irons, le llegas a odiar a ratos, pero al final logras ver que tiene un pequeño corazón dentro de esa persona tan terca.
La banda sonora es muy buena, las canciones están muy bien introducidas y en cuanto a la fotografía creo que podría estar mejor. Pero en general El hombre que conocía el infinito no te dejará con mal sabor de boca, todo lo contrario, una película que se hace muy amena y que logra que conozcamos a este personaje tan peculiar que era Ramanujan.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de mayo 2016. Título original: The Man Who Knew Infinity. Duración: 108 min. País: Reino Unido. Director: Matt Brown. Reparto principal: Jeremy Irons, Dev Patel, Toby Jones. Distribución: Vertigo Films Género: Biografía, drama.
“TRUMBO” es el biopic del famoso guionista Dalton Trumbo, autor del libreto de títulos tan emblemáticos en la historia del cine como “Vacaciones en Roma” o “Espartaco”. Su carrera casi llegó a su fin en 1940 tras ser incluido en la lista negra acusado de comunista. A partir de ese momento toda su vida dará un giro radical y tendrá que utilizar todo su talento para sobrevivir en una sociedad que le ha vuelto la espalda.
Crítica
Justicia cinematográfica para un gran embustero.
Debemos recurrir al propio guionista y a lo que decían Audrey Hepburn y Gregory Peck en “Vacaciones en Roma”: -También soy una gran embustera -La mayor que he conocido en mi vida. Trumbo hace justicia para alguien que tuvo que vivir entre embustes y mascaradas para poder sacar su talento a la luz. Una película que al igual que los escritos de Dalton Trumbo nos deja citas emblemáticas, un guión que podría haber sido obra de un Trumbo del siglo XXI.
Tradicionalmente hemos visto películas en las que los comunistas eran demonizados, combatidos y convertidos en el enemigo a batir. Este es el caso de “Trumbo”, un caso en el que los sospechosos no están en la pantalla, si no tras ella. Pero además lo que denuncia este film es algo que sucedió realmente, algo tremendamente paranoico que destrozó carreras, familias e incluso vidas; y que sucedió en el Estados Unidos de la postguerra.
Que el director de la saga “Austin Powers” o “Los padres de ella” pueda hacer un drama como este, con bastantes momentos de ingeniosa comedia, demuestra un talento camaleónico. A ello le sumamos el guionista de la serie “Lois y Clark” o “The Magicans” y nos quedamos perplejos ante tan buen resultado. Una película con tono amable, pero con carácter mordaz y sarcástico. Ahora bien, esta no es su única virtud. Hay que señalar que posee un reparto minuciosamente seleccionado que la hace sostenerse aún más. Sin el trabajazo de Diane Lane el personaje de Trumbo no sería el mismo. Como secundarios destacan Helen Mirren y John Goodman, pero no hay que desmerecer la labor de Dean O’Gorman imitando a Kirk Douglas o la de David James Elliott haciendo lo mismo con John Wayne. El montaje que se ha realizado con estos dos actores para mezclarles con imágenes reales de películas de estas estrellas del cine clásico es digno de aplaudir.
La banda sonora es acertadísima, nos sumerge en el Hollywood dorado, bravo por el trabajo de Shapiro y la selección de temas que ha realizado. El montaje, aunque puede resultar extremadamente lineal no desmerece la brillante actuación Cranston que pudo haberse llevado el Oscar perfectamente en la pasada edición. Tristemente DiCaprio y todo el fenómeno que llevaba consigo le restaron protagonismo, sin desmerecer el trabajo de Leonardo. De igual manera que con “Breaking Bad” nos borramos de la cabeza su imagen de padre tontorrón que teníamos de él tras su paso por “Malcolm”, en “Trumbo” nos olvidamos casi por completo de que este actor interpretó a Walter White. Supongo que algún día haremos también justicia con este actorazo, todo no puede ser pues, citando de nuevo a Gregory Peck en “Vacaciones en Roma”: La vida no es siempre como a uno le gustaría.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de abril de 2016. Título original: Trumbo. Duración: 124min. País: EE.UU. Director: Jay Roach. Guión: John McNamara. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Jim Denault. Reparto principal: Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, John Goodman, Elle Fanning, Louis C.K., Michael Stuhlbarg, David James Elliott, Roger Bart, J.D. Evermore, Mark Harelik, Peter Mackenzie, Toby Nichols, Becca Nicole Preston, Elijah Miskowski. Producción: Groundswell Productions / Inimitable Pictures / ShivHans Pictures. Distribución: eOne Films. Género: Biopic, Drama, Comedia. Web oficial: http://es.eonefilms.com/films/trumbo
Los milagros del cielo presenta la conmovedora historia de Kevin (Martin Henderson) y Kristy (Jennifer Garner), un matrimonio que descubre que su hija Anna de 10 años tiene una enfermedad incurable y comienza la búsqueda de una posible cura.
En este recorrido, todo se agrava cuando Anna sufre un accidente, pero será el momento en el que comiencen a suceder una serie de milagros que dejarán a la familia y a la comunidad desconcertados y conmovidos.
Los milagros del cielo está basada en la sorprendente historia real de la familia Beam.
Crítica
El milagro de creer que hay alguien bueno entre nosotros.
Esta es la historia de Annabel Beam, una niña que presumiblemente vivió un milagro. Está basada en hechos reales y a poco que se busque en internet se pueden encontrar entrevistas y noticias dándole bombo a su historia. Pero no nos confundamos, “Los milagros del cielo” no es una película para fundamentalistas religiosos. Tampoco desacredita la fe católica. Expone hechos y vivencias para la libre interpretación del espectador bajo un prisma más cercano a los creyentes que a los ateos. Quizá sea por eso que posee dos escenas realmente místicas, una de ellas rebosa belleza visual y efectos digitales. Si estas dos escenas hubiesen sido más moderadas la cinta habría tenido el encanto o la credibilidad de otras películas similares como “El tercer milagro”.
Nos va mostrando poco a poco que pueden existir buenas personas, tanto dentro como fuera de los círculos religiosos, dispuestas a ayudarnos o por lo menos a animarnos la existencia. Poco a poco el espectador se dará cuenta de algo que pone de manifiesto el personaje de Jennifer Garner en sus palabras finales y que sin duda es el objetivo de este film, por encima de narrar la historia de Annabel.
La puesta en escena es vitalista, la directora, Partricia Riggen, maneja bien los tiempos y las emociones. Nos guía y nos hace empatizar con la familia según su desesperación va en aumento y según la madre va perdiendo la fe en todo lo que creía. Uno de los puntos de inflexión se encuentra en un intenso momento en el que Kylie Rogers (Anna Beam) realiza una emotiva actuación. Todo el elenco está acertado en sus interpretaciones. Desde Queen Latifah (“La jugada perfecta”) ejerciendo de inyección de moral, pasando por Eugenio Debez (“El libro de la vida”) convertido en un Patch Adams moderno, hasta la familia protagonista, todos ellos muy metidos en su papel. La más convincente de todas es Garner. En ocasiones la niña protagonista (Anna) tiene algunas frases demasiado maduras para su edad, pero no suceden en momentos clave de la película y es algo que pasa desapercibido. Muy creíble también la actuación de John Carroll Lynch (“La invitación”) como el pastor de la parroquia a la que acude la familia regularmente.
Para Riggen parece que los milagros son el hecho de que haya gente dispuesta a jugarse lo suyo por ayudar a los demás. Desconozco hasta qué punto es real esta parte, pero realmente hoy en día es difícil encontrar a alguien dispuesto a arrimar el hombro por sus semejantes con ese nivel de compromiso, podría ayudar a muchos a sacar lo mejor que llevan dentro. Como dije al principio no es una película espiritual ni anticatólica. Es una historia emotiva, para algunos lacrimógena, sobre la fe tanto en Dios como en la medicina como en la familia.
Al final podemos ver unos créditos especiales, con imágenes de la auténtica familia que vivió este caso.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de abril de 2016. Título original: Miracles from Heaven. Duración: 109 min. País: EE.UU. Director: Patricia Riggen. Guión: Christy Beam, Randy Brown (Libro: Christy Beam). Música: Carlo Siliotto. Fotografía: Checco Varese. Reparto principal: Jennifer Garner, Martin Henderson, Brighton Sharbino, John Carroll Lynch, Queen Latifah, Hannah Alligood, Eugenio Derbez, Kylie Rogers, Gregory Alan Williams,Rhoda Griffis, Kevin Sizemore, Kelly Collins Lintz, Wayne Pére, Judd Lormand,Carla Shinall. Producción: Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: Basada en hechos reales, Drama. Web Oficial: http://www.sonypicturesreleasing.es/watch/los-milagros-del-cielo
Un director de cine independiente llega a su destino un día antes por error. Aprovechando el exceso de tiempo libre, entra en un palacio restaurado donde conoce a una joven artista, con la que pasa el resto del día: visitando su estudio, conociendo su obra, cenando, tomando algo juntos… hasta que ella plantea una pregunta cuya respuesta lo cambia todo. Es probable que si el día volviera a comenzar ambos se comportarían de forma diferente, pero eso ya no se podrá saber ¿o tal vez sí?
Crítica
A pequeños cambios grandes diferencias.
Más de un cambio introduciría yo en esta película coreana que nos llega de la mano del director Hong Sang-soo (“En otro país”) y la distribuidora Good Films. “Ahora sí, antes no” nos narra dos historias que son solo una al mismo tiempo. Más allá de narrarnos el nacimiento de un presumible enamoramiento nos explica como introduciendo pequeños cambios en la narración el resultado puede ser muy diferente. Cambios como una variación en nuestra personalidad, nuestros actos o nuestras decisiones pueden determinar el final de la jornada que vivimos, o el de nuestro destino incluso.
Resulta un ejercicio curioso, pero algo cargante. La primera mitad de la película nos narra linealmente ese encuentro entre el famoso director interpretado por Jae-yeong Jeong y la joven pintora caracterizada por Min-hee Kim. Se les sitúa en diferentes ubicaciones o ámbitos sociales y comprobamos que desenlace se produce. La segunda mitad nos narra lo mismo, pero incluyendo alteraciones en la narración, produciéndose así un resultado diferente. Se juega con la sinceridad, con los tabúes sociales, con el orgullo personal… El problema es que cada versión de este encuentro dura cerca de una hora. ¡Casi sesenta minutos por parte! A un ritmo más que tranquilo, con muy poca actividad y mucho diálogo. He de alagar la gran capacidad memorística que deben tener los dos protagonistas pues tienen planos secuencia realmente largos en los que únicamente conversan.
Estos planos secuencia ni siguiera hacen uso de travellings o cambios en el ángulo de rodaje. Únicamente se manejan torpes movimientos de cámara y un constante zoom que no aporta significado alguno a la narrativa de la cinta. No obstante, se atisban en ocasiones peculiares gags cómicos que pueden hacer más llevadera esta película, sobre todo en su segunda mitad.
Este es un film pausado y simétrico que invita de una manera tediosa a la reflexión, a jugar con las posibilidades y la imaginación. Entiendo que haya gente a la que le pueda atraer este curioso experimento, pero considero que al público general y poco familiarizado le puede costar digerir este estilo o modo de hacer cine. Por desgracia suele pasar con lo que nos llega de Oriente. Por el contrario, estudiantes de cine, amantes de la cultura coreana o personas ávidas de descubrir un cine diferente podrán disfrutarla. Tal vez con menos metraje o con más velocidad en el devenir de los acontecimientos habría sido una película más apta para el consumo en occidente. Al igual que su protagonista, Hong Sang-soo (que lleva muchos años haciendo cine) podrá aprender de sus pequeños errores para su próximo proyecto si quiere llegar a grandes masas en nuestro país.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de mayo de 2016. Título original: Ji-geum-eun-mat-go-geu-ddae-neun-teul-li-da. Duración: 121 min. País: Corea del Sur. Director: Hong Sang-soo. Guión: Hong Sang-soo. Música: Jeong Yong-jin. Fotografía: Park Hong-yeol. Reparto principal: Jeong Jae-yeong, Kim Min-hee, Yoon Yeo-jeong, Gi Ju-bong, Choi Hwa-Jeong,Yoo Joon-sang, Seo Young-hwa, Ko Ah-sung. Producción: Jeonwonsa Film. Distribución: Good Films. Género: Romántica, Drama.
Una mujer se relaciona apasionadamente con objetos de la ciudad y un hombre espía a su padre por las calles, mientras un virus lleva a la gente a decir y hacer cosas sin querer. Tres historias cruzadas sobre el amor, la fe y la voluntad.
Crítica
Extrañas historias para mostrarnos la soledad del ser humano.
La fe, el sexo y las relaciones personales son los temas de estas tres historias, contadas desde el alma y buscando que sintamos eso, sensaciones.
Juan Cavestany, Pablo Hernando, Julián Genisson, nos cuentan cada uno una historia distinta, donde el ser humano es el principal protagonista, no hay nombres, hay personas que viven distintas sensaciones. En general con un poco más de humor, o menos, la película me ha dejado un sabor agridulce, donde la sensación que me ha dejado es de tristeza y soledad.
Cavestany nos trae un extraño virus el cual hace que todo el mundo diga lo que le viene a la cabeza, debo de admitir, que esta es la historia que más llamaba mi atención en la sinopsis, pensé que el tono de humor iba a ser muy bueno y que iban a hacer algo curioso. Al final terminó cayendo hasta convertirse en una historia aburrida y sin apenas interés para el espectador. Pero si que es cierto que tiene un trasfondo bastante desolador, donde nos muestra una sociedad que no es nada sincera, que para serlo tiene que haber un virus que haga que podamos decir lo que queremos sin que nos importen las reacciones de los demás, aunque estas cosas que digamos sean incómodas.
Genisson, nos trae algo bastante curioso, un hijo que comienza a perseguir a su padre, desde que este se comporta de forma diferente y distante. Un capítulo en el que la fe se impone, la importancia de creer o no en algo. La manera en la que la vida cambia de repente y como la fe se impone para lograr hacer la vida de un hombre mejor.
La última historia de la que hablaremos es la de Pablo Hernando, quizá la más llamativa de las tres y las más alocada. En la sinopsis te lo cuentan como una mujer que se relaciona apasionadamente con el mobiliario urbano, si de verdad que la sinopsis no nos deja con dudas, pero aun así no pensé que sería algo tan literal. La historia representada por Lorena Iglesias, es una historia muda y quizá la que más humor nos introduce en la película. Aunque sí que es cierto, la que más tristeza me ha dejado, pues sí, puede parecer graciosas las situaciones, pero realmente, el personaje de esta historia realmente está sola, realmente es una mujer a la que le cuesta relacionarse con las personas y al final termina siempre sola en su pequeña habitación.
Así que esto es Esa sensación, historias curiosas, distintas para enseñarnos lo que para mí es una historia sobre la soledad humana, quizá de eso trate está película en realidad, de las distintas sensaciones creadas a distintas personas.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de mayo de 2016. Título original: Esa Sensación. Duración: 80 min. País: España. Director: Juan Cavestany, Pablo Hernando y Julián Genisson. Guión: Juan Cavestany, Pablo Hernando y Julián Genisson. Reparto principal: Lorena Iglesias, Vito Sanz, Jorge Suquet, Miquel Insua, David Pareja, Pietro Olivera, Bárbara Santa-Cruz, Juanan Lumbreras, José Luis Alcobendas y Carmela Lloret. Producción: Juan Cavestany. Distribución: Márgenes film. Género: Drama.
El relato de Alan Bennett se basa en la verdadera historia de la señorita Shepherd (interpretada por una magnífica Maggie Smith), una mujer de orígenes inciertos que aparcó “temporalmente” su furgoneta en el acceso a la casa de Bennett en Londres y se quedó a vivir allí durante 15 años. Lo que empieza como un favor a regañadientes se acaba convirtiendo en una relación que cambiará las vidas de ambos. El alabado director Nicholas Hytner se reúne con el emblemático guionista Alan Bennett (“La locura del rey Jorge”, “The History Boys”) para trasladar a la gran pantalla este singular y conmovedor retrato, rodado en la calle y en la casa en la que vivieron todos esos años Bennett y la señorita Shepherd.
Crítica
Divertida, elegante y profunda.
Una anciana mujer aparca su furgoneta, donde vive, enfrente de la casa de un escritor inglés. Lo que al principio será caridad se convertirá en una amalgama de sentimientos, algunos de ellos enfrentados.
Una película con muchos toques de humor, inglés como sus actores y donde está ambientada toda la trama, pero también con mucha ternura, nos hace reflexionar sobre cosas duras e importantes de la vida. La señora Shepherd es una vagabunda que vive en una furgoneta y que después de que la aparcase enfrente de la casa del señor Bennet, un escritor indeciso, hará que este se plantee muchas facetas de su vida. Y realmente es esto lo que funciona, no toda la trama o los recursos son obvios, sino que están ahí y son sutiles, pero evidentes. Se dice mucho con muy poco, y en ese sentido los actores Maggie Smith (“Downton Abbey”, o como Minerva McGonagall en la saga “Harry Potter”) y Alex Jennings son lo mejor de toda la cinta. En especial la actriz Maggie Smith, que es un portento de la interpretación y se sale en su papel de la señora Shepherd, digno de ser recordado. En donde con un simple gesto consigue transmitir buena parte del personaje que caracteriza.
El ritmo llevado por el director Nicholas Hytner es el acertado, aunque en ocasiones se nota que es una adaptación de una obra de teatro y pueda intuirse algunos baches por el camino a la hora de hacer un film redondo.
La película trata muchos temas, pero sobretodo uno que nos afecta a todos, la humanidad. El cómo tratamos a quienes necesitan ayuda incluso cuando esa gente es difícil de tratar. Del respeto y la dignidad hacia otros y como pese a todo a veces hay que sostener una mano de alguien que ha estado muy cerca y a la vez muy lejos.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de abril de 2016. Título original: The lady in the van. Duración: 104 min. País: Reino Unido. Director: Nicholas Hytner. Guión: Alan Bennet. Música: George Fenton. Fotografía: Andrew Dunn. Reparto principal: Maggie Smith, Alex Jennings, Jim Broadbent, Dominic Cooper, James Corden,Frances de la Tour, Samuel Anderson, Gwen Taylor, Rosalind Knight, George Taylor. Producción: BBC Films, Tristar Productions. Distribución: Sony Pictures. Género: Comedia dramática.
Una botella lanzada al mar, recogida y olvidada en una comisaría de policía. En el interior, un grito de ayuda escrito con sangre. Cuando el mensaje llega al Departamento Q, responsable de casos sin resolver, han pasado 8 años desde que fue escrito. Un nuevo y misterioso reto se presenta para el impredecible Carl Mørck y su ayudante Assad. ¿Conseguirán aclarar esta inquietante situación?
Crítica
Cine policíaco, novelesco y veraz.
Como si se tratase de un capítulo extendido de una serie norteamericana policíaca, “Redención (Los Casos del Departamento Q)” nos presenta un caso de esos no resueltos, que pueden parecer insignificantes y al final resultan ser importantes. En muchos aspectos nos puede recordar a “Caso abierto”, “Mentes criminales” o incluso a “True detective”, sobre todo si nos fijamos en el cartel, pero por supuesto posee con un toque nórdico.
Está basada en las novelas de Jussi Adler-Olsen. De dichas novelas ya hay dos películas que además se centran en el mismo departamento que protagoniza este film. Esa base novelesca se hace más patente cuando nos fijamos en el tono y el trasfondo de los personajes. Protagonistas creíbles, con personalidades muy diferentes y elaboradas. Además de todo el background que acarrean tanto los personajes principales (y los actores que los interpretan) tras las dos precuelas, se nos presenta un villano estupendamente interpretado por Pål Sverre Hagen. Este nuevo enemigo del Departamento Q nos descubre una versión interesante de los clásicos asesinos en serie obsesionados con la religión.
La historia se va desgranando poco a poco. Los protagonistas no tienen relación directa con el secuestrador, pero sus tramas si guardan relación en lo que se refiere a las connotaciones religiosas (o ateas) que guardan sus actos. Resulta muy fácil de seguir, pero por el contrario la película carece de giros argumentales sorprendentes y eso la hace perder fuerza. El contraste entre la multitud de secuencias con aerogeneradores y coloridos campos frente a la sordidez de la historia nos deja una sensación de que hasta en los lugares más limpios y civilizados pueden suceder cosas horribles.
Aunque sea danesa no presenta la pesadez ni el lento ritmo que suele caracterizar a las películas nórdicas. Pese a dedicarse en exceso a explicar verbalmente muchas partes de la película, consigue mantenernos expectantes, pues no asegura un final feliz en ningún momento. Despierta emoción, empatía y animadversión a partes iguales. Es por eso que es una excelente narración detectivesca.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de abril de 2016. Título original: Flaskepost fra P (A Conspiracy of Faith). Duración: 112 min. País: Dinamarca. Director: Hans Petter Moland. Guión: Nikolaj Arcel (Novela: Jussi Adler-Olsen). Música: Nicklas Schmidt. Fotografía: John Andreas Andersen. Reparto principal: Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Johanne Louise Schmidt, Jakob Oftebro, Pål Sverre Hagen, Lotte Andersen, Søren Pilmark. Producción: Det Danske Filminstitut, TV2 Danmark, Zentropa Entertainments20. Distribución: Vértigo Films. Género: Thriller. Web oficial: http://departamentoq.es/
En el salvaje Oeste, una superviviente nata, Jane, debe solucionar los problemas que le trae su acribillado marido a casa: una banda de de delincuentes que la persiguen por su presente y por su pasado, un pasado marcado por otro amor, otra familia y otra vida. Con el dolor a sus espaldas, Jane deberá defender su granja y todo aquello que ahora es suyo, y lo hará con la ayuda de alguien del pasado a quien conoce muy bien.
Crítica
El pasado siempre se paga en los western.
Poco se puede hacer cuando tu marido entra en casa acribillado a balazos perseguido por la banda de forajidos más peligrosa de todo el Oeste: morir o matar. Jane (Natalie Portman) opta por la sangre, la venganza de unos bandidos a quienes conoce bien, quienes la han convertido en la mujer de hierro que es hoy. Pero Jane no lo hará sola, contará con el corazón y las armas de un viejo amante con el que aún queda mucho por solucionar.
Vuelven las películas del Oeste y no de la mano de Tarantino precisamente. Gavin O’Connor, su director, opta por una historia verosímil y sencilla interpretada por un reparto de lujo que, junto con una perfecta ambientación y fotografía, hacen de ésta una película que, si bien no opta por meterse en ningún ránking de filmes de culto (luego veremos por qué), se convierte en una cinta versátil y digna de ver.
Fantástica, como siempre, Natalie Portman defiende un papel sobrio pero coherente, con una sutil pero gran carga dramática que estalla en un momento clave de la película. La acompañan en el reparto el moribundo marido (desde el principio) Noah Emmerich, el ex amante Joel Edgerton y el villano y malo malísimo de la historia Ewan McGregor, irreconocible en su papel.
Flashback tras flashback, el espectador se va dando cuenta de por qué Jane es tan importante, de qué es lo que hizo su también forajido marido, qué relación tenían ambos con los bandidos y de por qué se separó de su primer amor. Si bien la historia queda cerrada y completamente explicada (algo a agradecer), resulta un tanto agotador el formato “vista atrás”.
Es una narración amena, resumida en 90 interesantes minutos en los que la historia atrapa al espectador. Sin embargo, la consecución de los acontecimientos pasa de un estado de interés por la acción trepidante, a un desenlace ligero más propio de las películas de sobremesa. La venganza de Jane se queda así sin fuerza justo en el final, lo que es una lástima porque la película en conjunto no desmerece.
Lo suple, sin embargo, una fantástica ambientación de western, una fotografía cálida, dura y de contraste que añade dramatismo al guión y que verdaderamente nos transporta a otra época y otro lugar. Sin más que añadir, a disfrutarla.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de mayo de 2016. Título original: Jane Got a Gun. Duración: 98min. País: Estados Unidos. Director: Gavin O’Connor. Guión: Brian Duffield. Música: Marcelo de Francisci, Lisa Gerrard. Fotografía: Mandy Walker. Reparto principal: Natalie Portman, Joel Edgerton, Ewan McGregor, Noah Emmerich. Producción: Weinstein Company, Scott Pictures, 1821 Pictures, Unanimous Pictures, Handsomecharlie Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: western, drama. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/550/la-venganza-de-jane/
Haciendo fotos a turistas en una plaza de Madrid, Ernesto conoce a Susan. Se gustan, claro, aunque no inmediatamente. Pero los dioses no nos son siempre favorables. Ni las películas tampoco.
Crítica
Y de Madrid… a la Luna.
Victor Vidal (“Vampyres”) protagoniza casi en solitario esta peculiar película independiente llena de humor encubierto. Una sátira que narra la vida de un parado que se convierte en un voyeur fantasioso al suplantar unos días la vida del amigo al que le cuida la casa. Vidal interpreta a un personaje que está en las nubes, que huye de su realidad y que se inventa “películas”. Esto último tiene mucho que ver con la resolución de la cinta.
Esta es una grabación que pone a Madrid, no por el cielo, tampoco por las nubes, si no por encima de la luna. Al igual que el reciente estreno, “Los miércoles no existen”, muestra detalles y homenajea pequeños rincones de Madrid, muy poco conocidos a pesar de encontrarse junto a ubicaciones emblemáticas. Este puede ser uno de los puntos fuertes del film ya que descubre algunas curiosidades de la capital española.
Parece que el director y el responsable de fotografía se han esmerado en ofrecernos nuevas estampas de la capital con una constante obsesión por la simetría. Un nuevo punto de enfoque para mostrar una ciudad que a menudo recibe un trato peyorativo por sus habitantes y visitantes.
Realiza un uso inteligente y justificado del inglés que la hará más exportable. Puede que esta no sea una película del gusto del público general, pero se rodó de un modo original e improvisado. Se escribió el guión durante el rodaje y esto la hace atractiva. Este modo de trabajar a la hora de realizar el texto y grabar las escenas la ha convertido en una película autoreflexiva que puede dar que pensar también a los espectadores. Su final tiene mucho que ver con la creación del film ya que es el propio protagonista quien lo solicita de manera repentina e imprevista.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de abril de 2016. Título original: Madrid, above the Moon. Duración: 92 min. País: España. Director: Miguel Santesmases. Guión: Miguel Santesmases. Música: Francisco Tárrega. Fotografía: Alberto Pareja. Reparto principal: Víctor Vidal, Rocío León, Helena Sanchís, Bernabé Fernández, Graziela Doniz,Melissa Riggall. Producción: Zavijava, Indiegogo. Género: Drama, Comedia. Web oficial: http://es.abovethemoon.com/
Ante el temor de las acciones de un desenfrenado Superhéroe, el formidable y contundente vigilante de Gotham se enfrenta al más admirado héroe de la era moderna de Metropolis, mientras que el mundo se debate reflexionando sobre qué tipo de héroe necesita realmente. Y con Batman y Superman en guerra, pronto aparece una nueva amenaza que pone a la humanidad en uno de los mayores peligros jamás conocidos.
Crítica
Una película DCente sobre la Liga de la Justicia
A los aficionados al cómic nos gusta que en las películas que se realizan sobre las viñetas, haya elementos, guiños o detalles que estén directamente sacados de estas. En el caso de “Batman v. Superman: El amanecer de la justicia” no son pocas las veces en las que decimos “eso es de un cómic”. En algunos aspectos se está cambiando a los personajes y no es algo grave, pues prácticamente con cada nuevo escritor, dibujante o serie que se publica se les transforma, y no pasa nada. La película bebe en varios sentidos de “El regreso del Caballero Oscuro” de Frank Miller (del cual tenemos reseña aquí), pero ni de lejos es una adaptación de este. Rescata de esa maravillosa obra algunos elementos (frases, un traje…) pero también lo pone patas arriba pues intercambia en ocasiones los papeles entre Superman y Batman. Esto puede ser debido a que Zack Snyder ya había realizado una película con el Hombre de Acero de Henri Cavill y nos está creando un nuevo Batman.
Un Batman que resulta ser lo mejor del film, a pesar de que debo reconocer que yo era de los detractores de Ben Affleck, compro el Batfleck. No solo convence si no que ofrece una visión más que necesaria del Hombre Murciélago (siendo innecesariamente insistentes en la recreación de la muerte de sus padres). Intuimos que la violencia y la brutalidad del personaje se deben a que se nos presenta un Bruce Wayne que ya ha pasado por la tragedia de Jason Todd, por el enfrentamiento con muchos villanos e incluso por la trama de Nolan. Tal vez si se hubiese mostrado algún enemigo típico de sus historias habrían puesto la guinda del pastel. Pero era condición casi obligatoria no caer en monopolizar la película de ese modo, pues esta es una historia de la Liga de la justicia, la primera de muchas, esperemos.
Y es que se nos presenta a casi todo el equipo. Juega con muchas historias como debe hacer una película coral. A parte del cómic de Miller que he mencionado antes, recurre mucho a otro que no puedo mencionar pues su simple título sería un gran spoiler. Pero los
entrelaza de tal manera que encajan satisfactoriamente, salvo algunos flecos que están cogidos con pinzas o quedan a la imaginación del espectador. El casting realizado para los nuevos superhéroes convence, puede ser muy bueno lo próximo que veamos sobre DC. Me ha gustado Gal Gadot aunque físicamente sigue sin parecerme la más adecuada. Tras ver algunas señales, parece ser que se prepara la llegada de Darkseid de igual modo que se está preparando en Marvel la de Thanos.
Lo peor viene con uno de los villanos. Tenemos a un Lex Luthor creado al estilo de los nuevos ricachones de ahora… la imagen de Mark Zuckerberg está ahí. Pero lo preocupante ha sido la falta de seriedad con la que parece que Jesse Eisenberg se ha tomado el personaje. Con una personalidad a caballo entre Jack Sparrow y el Joker de Heath Ledger sumándole verborrea intelectual. Resultan rimbombante esos intentos de buscar citas que queden para la posteridad, no llega a encandilar. No me veo al público cantando sus cancioncitas. Por el contrario, aunque la creación de Doomsday no es exacta, hay que repetir que esto no es 100% una adaptación de un cómic, he de decir que me han despistado bien con los tráilers y me ha gustado la aparición de esta bestia. Se emplea correctamente al personaje y como he dicho antes, se realiza una fusión de historias bastante potable.
Como es típico de Zack Snyder, la acción es vibrante, con una puesta en escena y unos combates estupendos. No faltan sus típicas secuencias a cámara lenta y algún que otro guiño a “Watchmen”. Destacan las peleas de Batman al más puro estilo de los videojuegos de la saga Arkham. Aunque vuelve a caer en la destrucción descontrolada, haciendo las delicias de las empresas constructoras como la de Florentino Pérez.
En definitiva, las palabras que definen a esta película pueden ser épica e introductoria.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de marzo de 2016. Título original: Batman v. Superman: Dawn of Justice. Duración: 153 min. País: EE.UU. Director: Zack Snyder. Guión: David S. Goyer, Chris Terrio. Música: Hans Zimmer, Junkie XL. Fotografía: Larry Fong. Reparto principal: Henry Cavill, Ben Affleck, Amy Adams, Gal Gadot, Jeremy Irons, Jesse Eisenberg, Laurence Fishburne, Diana Lane. Producción:Distribución:Género: Acción, Ciencia Ficción, Cómics. Web oficial:http://www.batmanvsuperman.es/
Cuando repentinamente reaparece el padre de Po, perdido hace tiempo, la pareja viajará a un paraíso secreto de Pandas donde conocerá a un peculiar grupo de nuevos y divertidísimos personajes. Pero cuando el malvado villano Kai empieza a cruzar China desafiando a todos los maestros Kung Fu, Po tendrá que hacer lo imposible: aprender a entrenar a todo un poblado de Pandas lleno de sus hermanos tiernos y bastante patosos para convertirse en el grupo definitivo de Kung Fu Pandas.
Crítica
El panda no pierde la gracia.
Con un argumento simple, Po vuelve para divertir a los más pequeños y por supuesto los mayores y lo consigue por tercera vez.
Con una animación muy cuidada, con unos personajes a los que ya tenemos mucho cariño, y con nuevos personajes a los que les cogeremos bastante más, Kung Fu Panda 3 viene para hacer la semana santa más llevadera a toda la familia.
En su versión original vuelven a repetir los actores Jack Black, Angelina Jolie, Lucy Liu, Dustin Hoffman, J.K. Simmons, Kate Hudson y esta vez se une el gran Brian Craston, que pone voz al malvado villano Kai. Todos ellos hacen que estos personajes animados cobren vida y hacen disfrutar a los más pequeños. En castellano tenemos al gran Florentino Fernández como Po, el cual no tiene anda que envidiar a Jack Black.
Esta vez como he dicho la historia no es que sea lo más cuidado, bastante simple, pero esto no hace que se pierda la gracia y que la película sea peor. Los creadores se han centrado en hacernos reír y disfrutar de la cultura oriental, podremos ver los típicos paisajes chinos y muchas referencias al mundo oriental, pues esta vez nos adentramos en el mundo de los espíritus. Admito no haberla visto en 3D pero según se cuenta es de lo mejor que se ha hecho en mucho tiempo en una película de animación.
Una película perfecta para ir a ver con los niños esta Semana Santa, pues no solo la disfrutarán ellos, sino que los papas también saldrán contentos de la sala de cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de marzo de 2016. Título original: Kung Fu Panda 3. Duración: 95 min. País: EE.UU. Director: Jennifer Yuh, Alessandro Carloni. Guión: Jonathan Aibel, Glenn Berger. Música: John Powell, Hans Zimmer. Fotografía: Animación. Reparto principal: Jack Black, Angelina Jolie, Bryan Cranston, Lucy Liu, Dustin Hoffman, J.K. Simmons, Kate Hudson. Producción: DreamWorks Animation, Oriental DreamWorks. Distribución: 20th Century Fox. Género: Animación, Comedia, Aventuras. Web oficial: http://www.kungfupanda.es/
Cuando la tímida Anna se traslada a la orilla del mar a vivir con sus tíos, descubre una antigua mansión rodeada por pantanos, y se encuentra con la joven y misteriosa Marnie. Las dos chicas forman instantáneamente una conexión única y una amistad que viaja por los límites entre fantasía y realidad. A medida que pasan los días, una atracción casi magnética conduce a Anna una y otra vez a la Casa Marsh. Así comienza a reconstruir la historia que envuelve a su extraña nueva amiga.
Crítica
El recuerdo de Marnie una verdadera oda a la amistad.
Gracias a Vertigo Films, tuvimos la oportunidad de asistir a la premier realizada en Madrid para poder ver la joya del Studio Ghibli.
Con una atmósfera de cuento, nos enseña la estresante vida que lleva Anna, en una casa y una ciudad en las que no se termina de adaptar y de como por culpa de una pequeña enfermedad es llevada a la orilla del mar a vivir con sus tíos, donde la vida es más tranquila. Este cambio, no solo va a hacer que mejore de su afección, sino que además va hacer que deje a un lado la soledad y pase a tener una amiga de verdad, Marnie, una niña que vive en una mansión de la aldea y que al igual que Anna, está bastante sola. Esta soledad es lo que las une, además de que Anna queda atrapada totalmente por la gran personalidad de Marnie y todos los secretos que ella esconde.
La película lleva un ritmo bastante pausado, la madurez de Anna me ha parecido excesiva, pues al fin y al cabo es una niña y cuando la ves en escena parece una persona demasiado adulta, sobre todo cuando se trata del tema con su madre. Con Marnie intentan crear una atmósfera de misterio, que al principio si que consiguen que nos confundamos bastante acerca de quien es ella, pero al final queda bastante claro el desenlace de la historia de este personaje. En cuanto a la animación está muy bien cuidada y recuerda mucho a la animación de las antiguas series de animación, a mi en especial me ha recordado a la serie Ana de las tejas verdes.
El recuerdo de Marnie se estrena el 18 de marzo en muchas salas, así que si os gusta el cine de Studio Ghibli no dudéis en acercaros a verla.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de marzo de 2016. Título original: Omoide no Mânî. Duración: 103 min. País: Japón. Director: Hiromasa Yonebayashi . Guión: Niwa Keiko, Ando Masahi. Música: Takatsugu Muramatsu. Fotografía: Aimación. Reparto principal: Animación. Producción: Studio Ghibli. Distribuidora: Vértigo Films. Género: Animación. Web oficial: www.vertigofilms.es/catalogo-peliculas/el-recuerdo-de-marnie.html
Un hombre es invitado a una cena en la casa que una vez llamó a su hogar. Pronto se ve atrapado por la paranoia de que su ex mujer y su nuevo marido están albergando un insidioso plan secreto.
Crítica
Una llamada a la intriga más inquietante.
“The Invitation” es la película que triunfó en Sitges y que tuvimos la suerte de ver en la XIII Muestra Syfy. Una moderna película que nos trae de vuelta las sensaciones del thriller más clásico. Durante casi toda la película se va creando poco a poco un ambiente tenso e incierto, que va creciendo hasta desembocar en un gran final. Los personajes se van auto-convenciendo de que no hay nada extraño en la invitación que han recibido, de tal manera que se infunde en los espectadores una sensación de inseguridad y sospecha.
La paranoia que sufre el protagonista se instala exitosamente en la mente del público. Podemos familiarizarnos con el personaje de Logan Marshal-Green, es totalmente comprensible. Pero incluso con las personas más sospechosas o raras de esta película podemos sentir empatía. Esto es debido a que se juega al despiste y a desconcertarnos con la falta de información, que en este caso no es un error de guión si no un recurso muy bien empleado.
Si bien es verdad que tanto la directora Karyn Kusama (“Jennifer’s Body”, “Aeon flux”) como los guionistas Phil Hay y Matt Manfredi (“Furia de Titanes”, “Aeon flux”, “R.I.P.D.”) no me inspiraban mucha confianza, en esta ocasión he de decir a los cuatro vientos que me han conquistado. Sobre todo con la manera de plantear la historia y desarrollarla. Aunque sin duda el mejor golpe de efecto es su final, digno de recordar como ocurrió con películas como “El sexto sentido” o “La niebla”. No obstante, el film tiene momentos de pesadez ya que lleva un ritmo lento.
Tensa puede ser el mejor adjetivo para una película que bien podría tener una segunda parte. Ocurra lo que ocurra con ella en las taquillas o en el futuro, en mi recuerdo figurará como un film que me atrapó y me sorprendió.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de abril de 2016. Título original: The invitation. Duración: 100min. País: EE.UU. Director: Karyn Kusama. Guión: Phil Hay, Matt Manfredi. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Bobby Shore. Reparto principal: Logan Marshal-Green, Emayatzy Corinealdi, Tammy Blanchard, Michael Huisman, John Carroll Lynch. Producción: Phil Hay, Matt Manfredi, Martha Griffin, Nick Spicer. Distribución: Good Films. Género: Thriller. Web oficial: http://drafthousefilms.com/film/the-invitation
Absolutamente todo sigue a un maestro de escuela desilusionado (Pegg) que de repente descubre que tiene la capacidad de hacer cualquier cosa que desee, un desafío que recae sobre él de la mano de un grupo de extraterrestres (voces de Cleese, Gilliam, Jones, Palin & Idle), que le observan desde el espacio. Mientras lucha para hacer frente a estos nuevos poderes, acude a su fiel compañero canino Dennis (voz de Robin Williams) para que le ayude en el camino. Percance tras percance finalmente acaba frente al último interrogante que todos los hombres temen y en el que muchos han fallado… ¿Debería elegir a la chica… o al perro…?
Crítica
Absolutamente divertida.
Simon Pegg se está convirtiendo en el más suertudo de los aficionados a la ciencia ficción y al mundo friki en general. Está cumpliendo los sueños de todo fan tras aparecer en historias como “Star Trek”, “Star Wars”, “Hermanos de sangre”, “Dr Who”, “Zombies party”… Pero es la última película en la que le he visto la que me ha suscitado más envidia. Esto es debido a que en “Absolutamente todo” comparte créditos con la totalidad de los Monty Python (salvo Graham Chapman obviamente), incluso uno de ellos (Terry Jones) le dirige. Todo un honor y un relevo ya que en muchas ocasiones Pegg manifiesta un humor absurdo muy cercano al de estos míticos comediantes. La participación de estos genios del humor se limita al doblaje de unos alienígenas muy canallas y granujas, totalmente acordes a lo que suele ser la línea de los Python.
Pero en el apartado del doblaje tenemos otra joya por la que merece la pena ver esta película, por múltiples razones. El protagonista tiene un perro al cual dota de la cualidad de hablar como un humano. Su voz la aporta Robin Williams en el que fue su último papel. Siendo servidor admirador del trabajo que hizo durante su vida este lauread actor, pensaba que me iba a embargar la melancolía, pero es tan graciosa su intervención que lo único que hice fue soltar carcajada tras carcajada.
Terry Jones no ha podido estar más acertado con esta película. Desde el casting hasta el ritmo final del largometraje. La historia es absurda, delirante y divertida. El compás del film es buenísimo, no decae la comedia en ningún momento, con lo que el espectador sale de la sala riéndose hasta del último segundo del metraje. El resultado final es una especie de “Como dios” (la película de Tom Shadyac protagonizada por Jim Carrey) pero versión ciencia ficción, más que fantasía.
Sin duda una de esas películas por las que el público puede salir satisfecho de haber adquirido una entrada, te alegra la velada. La pude ver en la XIII muestra Syfy y espero que dentro de poco la podáis ver en cines o en vuestras casas.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de mayo. Título original: Absolutely everything. Duración: 85 min. País: Reino Unido. Director: Terry Jones. Guión: Terry Jones, Gavin Scott. Música: George Fenton. Fotografía: Peter Hannan. Reparto principal: Simon Pegg, Kate Beckinsale, Sanjeev Bhaskar, Rob Riggle, Robert Bathurst, Eddie Izzard, con doblajes de Monty Python y Robin Williams. Producción: Bill and Ben Productions, Phoenix Pictures. Distribución: Wanda Visión. Género: Comedia, Ciencia Ficción.
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