La historia de una bailarina a través de las canciones de Raffaella Carrà
Esta semana ha comenzado el rodaje de ‘Explota explota’, ópera prima del director Nacho Álvarez, protagonizada por Ingrid García-Jonsson (‘La pequeña Suiza’, ‘Hermosa juventud’), Verónica Echegui (‘No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas’, ‘Katmandú, un espejo en el cielo’), Fernando Guallar (‘Patria’, ‘Gente que viene y bah’), Pedro Casablanc (‘Dolor y gloria’, ‘Toy Boy’), Fernando Tejero (‘El penalti más largo del mundo’, ‘Días de futbol’) y Natalia Millán (‘Secretos de estado’, ‘El ministerio del tiempo’).
El rodaje se prolongará durante 8semanas en diferentes localizaciones de Madrid, Pamplona y Roma. ‘Explota expota’ es una producción de TORNASOL y EL SUSTITUTO PRODUCCIONES AIE, en coproducción con INDIGO FILM (Italia) y RTVE y en colaboración con Amazon Prime Video, con el apoyo de ICAA. Será distribuida en España por Universal Pictures International Spain y se estrenará en Amazon Prime Video después de su paso por cines.
Sinopsis oficial:
‘Explota explota’ cuenta la historia de María (Ingrid García-Jonsson), una bailarina joven, sensual y con ansias de libertad a principios de los años 70, una época que en España estuvo marcada por la rigidez y la censura, especialmente en televisión. Con ella descubriremos cómo hasta el más difícil de los sueños puede convertirse en realidad y todo ello contado a través de los grandes éxitos de Raffaella Carrà.
Tras dejar a su novio plantado en el altar de una iglesia en Roma, María viaja a Madrid para descubrir qué quiere hacer con su vida y cumplir su sueño de ser bailarina. Junto a su inseparable amiga Amparo (Verónica Echegui), María consigue poco a poco abrirse paso en el mundo de la televisión y pasa a ser parte del cuerpo de baile del programa de más éxito del momento: Las noches de Rosa, protagonizado por la gran Rosa (Natalia Millán) y dirigido por Chimo (Fernando Tejero), un hombre con cierta tendencia a “intimar” con cualquier chica que se le ponga por delante y supervisado por Celedonio, censor de la televisión (Pedro Casablanc). Allí se enamora de Pablo (Fernando Guallar) un trabajador de la cadena con quien empieza una maravillosa relación, pero quien esconde un gravísimo secreto que podría arruinar la carrera de María. Ambos tendrán que decidir si merece la pena enfrentarse a sus miedos, a su familia, y a una sociedad represiva y rígida para conseguir el amor de sus vidas.
El filme de Albert Pintó se estrena el 17 de enero
Ya podemos ver un nuevo tráiler de la película española de terror ‘Malasaña 32’. Sin spoilers pero con más de un susto Warner Bros. Pictures nos ha desvelado más imágenes de la película que se estrenará el próximo 17 de enero en cines. Con este filme dirigido por Albert Pintó y escrito por Ramón Campos, Gema R. Neira, Salvador S. Molina y David Orea volveremos a los años 70 para conocer la historia basada en hechos reales de la familia que acaba de instalarse en el por entonces muy diferente barrio madrileño.
El filme cuenta con Begoña Vargas (‘La otra mirada’, ‘Alta mar’), Iván Marcos (‘Fariña’), Beatriz Segura (‘La caza. Monteperdido’), Sergio Castellanos (‘La Peste’, ‘Todos los saben’, ‘Tu hijo’), José Luís de Madariaga (‘Hierro’), Iván Renedo, Javier Botet (‘IT’, ‘IT: Capítulo 2’, ‘Expediente Warren: El caso Enfield’, ‘Mamá’, ‘Rec’), María Ballesteros (‘Que dios nos perdone’) y Rosa Álvarez, entre otros.
Protagonizada por Pedro Alonso, Nacho Fresneda y Carmina Barrios
Ya podemos ver el tráiler de ‘El silencio del pantano’ la película que distribuirá a partir del 1 de enero en cines de toda España eOne Films. Dirigida por Marc Vigil, quien tiene una larga trayectoria en televisión como realizador de conocidas series (‘El Ministerio del tiempo’, ‘Vivir sin permiso’, ‘Malaka’) la obra supone el salto a la gran pantalla con la dirección.
Pedro Alonso (‘La Casa de Papel’, ‘La playa de los ahogados’) y Nacho Fresneda (‘El Ministerio del tiempo’, ‘El Reino’), junto a Carmina Barrios (‘Arde Madrid’, ‘Carmina y Amén’) dan vida a los dos protagonistas de esta trepidante historia en la que realidad y ficción se mezclan en la búsqueda de un asesino en serie. Está basada en la novela homónima de Juanjo Braulio, ha sido adaptada a guion cinematográfico por Carlos de Pando y Sara Antuña.
El film se presentará dentro de la sección oficial fuera de concurso, en la XVI edición del Festival de Cine de Sevilla. El pasado mes de octubre se ha podido ver también en el Festival Internacional de Cine de Busan, uno de los más importantes certámenes cinematográficos de Asia.
La película, producida por Zeta Cinema y El Silencio Producciones Cinematograficas, cuenta con la participación de RTVE, TV3, Netflix y CreaSGR y con el apoyo del ICAA.
Grabada en los míticos estudios de Abbey Road, la BSO de ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’ obtuvo ya el reconocimiento a la Mejor Música en el festival de Annecy, el certamen de animación más importante del mundo, donde hizo historia al ser la primera película española en ganar este galardón; y el del festival de Málaga, donde por vez primera, una película de animación se llevaría la Biznaga de plata a la Mejor Música.
Cardelús es también uno de los favoritos para los próximos Premios Goya según la prensa especializada, que ya coloca la BSO de esta película entre las nominadas. En el caso de ganar, sería también la primera vez en las 32 ediciones de estos premios, que la estatuilla recaiga en la composición para una película de animación.
Mientras compagina sus proyectos para cine con sus contribuciones al mundo de la música de concierto, el pasado año Cardelús marcaba otro hito componiendo la partitura del corto de animación ‘In a Heartbeat’, una tierna historia de amor homosexual convertida en fenómeno viral y que ronda los 40 millones de reproducciones online. Este mismo año, firmaba a música para a miniserie de Netflix Original ‘Call me Francis’, y para los documentales ‘The People’s Fighters’ producido por Frank Marshall (‘Parque Jurásico’, ‘Indiana Jones’) y ‘Altamira, el origen del Arte’ de José Luis López-Linares, producido por Morena Films.
Su faceta como compositor clásico fue reconocida al ser elegido Associate de la Royal Academy of Music de Londres en 2016, tras el lanzamiento a cargo de Naxos, sello histórico en el mundo de la clásica, de un álbum de música de cámara de Cardelús en 2015. El álbum incluye la suite Con Aire de Tango, que fue encargada por solistas de la Filarmónica de Berlín y grabada en la Filarmónica de Berlín. Cardelús también ha compuesto obras de cámara encargadas por Natalia Ensemble, Cuarteto Granada y Tanya Gabrielian, y sus obras han sido igualmente interpretadas por Kremerata Baltica de Gidon Kremer y el violinista japonés Iwao Furusawa.
Formado en varias de las escuelas de música más prestigiosas del mundo, desarrolló sus estudios como pianista con Kornel Zempléni en la Academia Franz Liszt de Budapest y en la Royal Academy of Music de Londres, obteniendo un diploma de postgrado en interpretación bajo la supervisión de Colin Stone. Pero ese recorrido le llevó a descubrir su verdadera pasión, la composición, para lo que saltó al Berklee College of Music, donde estudió becado por la propia institución y la Asociación de Intérpretes y Ejecutantes (AIE) graduándose suma cum laude.
Ganador del Richard Levy Award (el mayor honor otorgado por el departamento de composición de Berklee) y del primer premio en la Berklee Contemporary Symphony Orchestra Composition Competition, Arturo arranca su carrera como compositor destacando desde el primer momento con obras como la pieza orquestal Loon’s Lament estrenada en el Auditorio Nacional de Madrid o el Concierto para Piano estrenada en el Jordan Hall de Boston y su música ha sonado en numerosos escenarios de todo el mundo.
Con esta nominación, Arturo Cardelús entra también en el selecto grupo de grandes compositores de Hollywood y el próximo día 20 de noviembre sabremos si logra alzarse con el galardón.
Helga Pato acaba de internar a su marido en un psiquiátrico. En el tren de vuelta, un desconocido se le presenta como Ángel Sanagustín, psiquiatra que trabaja investigando trastornos de personalidad a través de los escritos de los pacientes. Le cuenta entonces la historia de un enfermo paranoico extremadamente peligroso obsesionado, entre otras cosas, con la basura. Un delirio sórdido pero fascinante, repleto de obsesión, perversión, sarcasmo, diversión, demencia y sofisticación que son, en definitiva, algunas de las ventajas de viajar en tren.
Crítica
Delirante, profunda y muy bien construida
Aritz Moreno ha adaptado en su primer largometraje lo que debe ser una locura de novela realizada por Antonio Orejudo Utrilla. Locura por lo que sucede en ella y por el puzle que compone, por la prospección que hace de la psique humana. Y para llevar a cabo este estrambótico proyecto ha contado con Javier Gullón, guionista de películas como ‘Una historia de venganza’, ‘La cueva’ o el cortometraje ‘Graffiti’, que al igual que esta película os recomiendo mucho que veáis.
‘Ventajas de viajar en tren’ es una cinta que nos descoloca en varios sentidos. Nos hace reír con situaciones absurdas pero también nos pone un nudo en el estómago con sus cruentas historias. Es un relato delirante, interconectado entre muchos personajes, tiempos y lugares que no se hace confuso y que nos sumerge en una locura similar a la que sufren sus personajes. Su meta no es solo hacernos reír, si no también explorar los desvaríos de las personas, su discurso es de tremenda actualidad.
Cuando rememoro lo que he visto en ‘Ventajas de viajar en tren’ a la mente se me vienen maestros del humor descacharrante como Jose Luis Cuerda, Francisco Ibáñez o Javier Fesser. Este relato da rienda suelta a lo disparatado pero siempre podemos leer de fondo un mensaje la mar de cabal. También su colorido pero sombrío diseño de producción me recuerda a los autores citados, otorgando al filme un sabor tristemente simpático.
¿Os gusta ‘Aterriza como puedas’? La película de Aritz Moreno me recuerda a esas escenas en las que el protagonista interpretado por Robert Hays daba la chapa a los pasajeros del avión. En este caso el tren, interpreto, sirve como metáfora de la sala de un manicomio donde un loco habla a otros locos y entre todos construyen esta pasarela de desvaríos.
Me ha encantado la vis cómica que demuestra aquí Luis Tosar saliéndose de sus habituales roles y demostrando que es delirantemente bueno. En la comedia hemos visto más a ErnestoAlterio y en este caso con múltiples facetas se convierte en una pieza indispensable. Pilar Castro quizá es la que menos comedia aporte pero hay que destacarla por lo bien que se ha movido en su trama desconcertante. Y hay que citar también al graciosísimo JavierBotet al que por tercera vez en menos de un año le veo actuar a cara descubierta y tumbado en una cama, como es el caso de ‘Amigo’ y ‘Justo antes de Cristo’.
Con el chacachá del tren nos invitan a explorar un cine del que se puede decir que no solo es raro, si no también agradecidamente diferente. ‘Ventajas de viajar en tren’ es un gustazo de película, de esas en las que se ve que han disfrutado los actores y lo hacen también los espectadores. Así pudimos comprobarlo en su proyección en el Festival de Sitges donde dio que hablar y todo el mundo salía repitiendo sus gags. No hay mejor síntoma para detectar el éxito de una película.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de noviembre. Título original: Ventajas de viajar en tren. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Aritz Moreno. Guion: Javier Gullón. Música: Cristobal Tapia de Veer. Fotografía: Javier Agirre. Reparto principal: Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta, Javier Botet, Macarena García, Ramón Barea. Producción: Morena Films, Logical Pictures, Consejería del Gobierno Vasco, Euskal Irrati Telebista, ICAA, Movistar+, Señor & señora. Distribución: Filmax. Género: comedia, drama, adaptación. Web oficial:http://www.filmax.com/peliculas/ventajas-de-viajar-en-tren.106
Un hoyo con cientos de niveles, una plataforma que baja repleta de comida, dos habitantes por nivel. ¿Eres de los que saltan cuento están arriba o de los que tienen agallas cuanto están abajo?
Crítica
‘El Hoyo’ o una manera de ver lo malo de nuestra sociedad
Es obvio que ‘El Hoyo’ es maravillosa. Y también es obvio que es muy dura y cruel. Una alegoría del ser humano, de las sociedades en las que el que tiene más se caga (literalmente) encima del que tiene menos. Un profundo y oscuro hoyo dividido en un sin fin de niveles. Por cada nivel 2 personas y una vez al día por el nivel pasa una mesa llena de comida. Solo se necesitan estos tres elementos para conseguir una historia muy impactante que os tendrá en vilo hasta el último segundo.
La opera prima de GalderGaztelu–Urrutia ha sido premiada en el Festival Internacional de Sitges, entre los galardones a conseguido llevarse Mejor Película. Además fue elegida por el público también como Mejor Película en el Festival de Toronto.
Me ha parecido una maravilla, grandes actuaciones, una película muy bien dirigida y con un guión muy bien tratado.
Lo dicho, las miserias del ser humano se nos muestran desde el principio. El personaje de ZorionEguileor nos va explicando el funcionamiento de el Hoyo y de cómo hay que hacer para sobrevivir. Toda una pesadilla para cualquier persona que termina entrando.
Nuestro protagonista Goreng, interpretado por IvánMassagué es una buena persona, no quiere hacer daño a nadie, pero muchas veces para sobrevivir hay que dejar atrás la bondad para ser despiadado y pensar en uno mismo. ¿O no?
Lo bueno de esta película es que te muestran muchos lados, está la buena gente y los que simplemente van por el camino egoísta y fácil.
El resto del reparto lo completan EmilioBuale, EricGoode, AlexandraMasangkay y AntoniaSanJuan. No voy a contar más sobre el argumento, pues tenéis que verla y disfrutarla.
En cuanto a la parte técnica de la película es impecable, los efectos especiales son muy buenos, no hay fallo ninguno y nos adentran en una atmósfera oscura y tenebrosa muy parecida al corto de DennisVilleneuve‘The next floor’.
Es una pena que se estrene en tan pocas salas de cine, pero os prometo que merece muchísimo la pena acercarse a éstas salas pues os vais a encontrar con un buen producto. Y aunque aún no tiene fecha de estreno en Netflix, tarde o temprano también se podrá ver en la plataforma.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de noviembre 2019. Título original: El hoyo. Duración: 90 min. País: España Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia. Guion: David Desola, Pedro Rivero. Música: Aranzazu Calleja. Fotografía: Jon D. Domínguez. Reparto principal: Ivan Massagué, Antonia San Juan, Zorion Eileor, Emilio Buale, Alexandra Masangkay. Producción: Basque Films, Consejería de Cultura el Gobierno Vasco, ETB, TVE, Distribución: Festival Films. Género: Ciencia Ficción. Web oficial:http://elhoyolapelicula.com/
Higinio y Rosa llevan pocos meses casados cuando estalla la Guerra Civil y la vida de él pasa a estar seriamente amenazada. Con ayuda de su mujer decidirá utilizar un agujero cavado en su propia casa como escondite provisional. El miedo a las posibles represalias, así como el amor que sienten el uno por el otro les condenará a un encierro que se prolongará durante más de 30 años.
Crítica
Respira alma cazurra encerrada en algo emocionalmente inteligente
Los mismos directores de películas, no solo premiadas, si no también avaladas por el público, como ‘Loreak’ y ‘Handia’ estrenan ‘La trinchera infinita’. En esta ocasión un trío formado por Jon Garaño, Aitor Arregi y José Mari Goenaga nos llevan a un pueblo que podría pertenecer a cualquier rincón de España partiendo su historia en 1936.
Una batida hace que el hasta entonces activamente político e incluso concejal Higinio (Antonio de la Torre) tenga que poner pies en polvorosa y huir de los nacionales. Pero su fuga se ve frustrada y ha de volver a casa, donde su mujer (Belén Cuesta) le esconde en un agujero. Así comienza un encierro voluntario que sus protagonistas han de llevar en el mayor silencio o secretismo posible, pues en las aldeas las paredes oyen.
‘La trinchera infinita’ nos habla de casos reales y constatados en nuestro país. Personas encerradas durante décadas en sus casas por miedo a represalias y viejos odios surgidos en la Guerra Civil Española. En el caso de Higinio la reclusión se produce en algo que podría llamarse zulo. Un compartimento que le sirve muchas veces de ventana indiscreta para un cotilla del visillo, un lugar en el que la impotencia y la cobardía crecen día a día. El filme no intenta ser claustrofóbico, sino más bien germen de una agorafobia y una esterilidad política casi total.
Más de dos horas de película es lo que finalmente han montado para narrarnos un largometraje que va de la Guerra Civil pero que también habla mucho de la vida en los pueblos. ‘La trinchera infinita’ está constantemente aportando nuevas situaciones y aunque algunas eran de prever no es reiterativa y mantiene una progresión interesante. Las rencillas entre hermanos y vecinos de la época de la contienda son mostradas bajo una nueva mirada, que nos habla de caciques, pero no refiriéndonos precisamente al caudillo (que está burlescamente presente), si no a los metomentodos y los chivatos de ambos bandos.
Belén Cuesta se ausenta en contadas ocasiones del filme y junto a De la Torre forman una pareja la mar de creíble, de esas que surgían en pequeñas poblaciones. Ambos ejemplifican a esa España cateta, sufridora de los escarnios de la guerra y esperanzada en un futuro que nunca llega. Sus dos personajes evolucionan con el gran tiempo que les acompañamos y su talento hace que sean totalmente creíbles. Desde un iluso y paranoico De la Torre hasta una tenaz y concienzuda Cuesta. Me gustaría que prestaseis atención al acierto en el casting con Vicente Vergara (‘La peste’), quien poniendo una cara de pánfilo encarna a esos traicioneros y rencorosos vecinos.
‘La trinchera infinita’ respira alma cazurra encerrada en algo emocionalmente inteligente. Remarca que la guerra y la posterior dictadura pudo ser más que causada, sostenida, por el carácter inculto y por la aptitud de muchos de aquellos que o bien se ausentaron o bien se negaron a discurrir siguiendo la senda de la lógica. Con un tratamiento del sonido muy cuidado se hace sentir personal, cercana y tan íntima que en sus susurros llegamos a notar un miedo y una incertidumbre que hacen disfrutar.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2019. Título original: La trinchera infinita. Duración: 147 min. País: España. Dirección: Jon Garaño, Aitor Arregi, José Mari Goenaga. Guion: Luiso Berdejo, José Mari Goenaga. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Javier Aguirre Erauso. Reparto principal: Antonio de la Torre, Belén Cuesta, Vicente Vergara, José Manuel Poga, Emilio Palacios. Producción: Irusoin, Moriarti Produkzioak, La Claqueta, La Trinchera Film AIE, Manny Films. Distribución: eOne Films. Género: hechos reales, drama. Web oficial:https://twitter.com/latrincherafilm
Nos juntamos con Holocausto Zinéfago para compartir lo mejor y peor de Sitges y Nocturna
El fantástico nos vuelve a unir para contar lo que más, y lo que menos, nos ha gustado de festivales como Sitges y Nocturna. Las ediciones de 2019 han venido muy cargadas de títulos tanto nacionales como internacionales y os damos las guías para reconocer qué próximos estrenos de género de terror, ciencia ficción, fantasía… os pueden interesar más para esta temporada. Además hablamos de nuestras anécdotas con los invitados más destacados y realizamos un sorteo de un DVD firmado por Alex Proyas.
‘Little monsters’ y ‘Amigo’ grandes triunfadoras de la séptima edición
Como es tradición en la última jornada de Nocturna ha sido leído el palmarés del festival. Los títulos más repetidos en la lista que podéis leer abajo son ‘Amigo’ y ‘Little monsters’, las películas de Óscar Martín y Abe Forsythe respectivamente. Estamos muy de acuerdo con el criterio del jurado de este año.
A parte de la proyección de ‘El cuervo’ acompañada de ronda de preguntas y respuestas con Alex Proyas hoy quedaba alguna película por ver. Desde el título de cierre ‘Vivarium’ hasta ‘Andhadhun’, la que ha sido una grata sorpresa que como siempre comentamos con mini-crítica.
‘Andhadhun’
La primera película de la India que se ha proyectado en toda la historia de Nocturna ha sido todo un éxito. Tras unos extensísimos créditos de productores y colaboradores del filme ha comenzado la historia de un ciego (‘Melodía del ciego’ es el título en castellano) que toca con virtuosismo el piano. Esta especie de Serafín Zubirín hindú se mete en situaciones muy graciosas debido a su picardía y eso hace que nos divirtamos enormemente.
Pero además la película adquiere un carácter truculento que la introduce en el género thriller, con ideas la mar de tremebundas. Una intriga también gestionada con humor, por los gags realizados y por lo chistoso de la manera de hacer cine en el país asiático. Obviamente hay música pero no son los tradicionales flash mobs, se adapta muy bien a códigos occidentales (aunque se resiste a mostrar un mínimo beso) y acompañan a la golfería y las maneras tan parlanchinas que tienen estos actores de tal manera que las barbaridades que se les ocurren son totalmente amenas.
Dos jóvenes que buscan hogar son engañados y se ven atrapados en una ilimitada urbanización que parece estar construida sobre el tablero de un monopoly. Allí algún tipo de entidad u organización les mantiene retenidos pero a la vez les hace llevar a cabo un cometido contra su voluntad.
Dicho de este modo el filme suena interesante. Pero su trama progresa de manera repetitiva y con muy pocos giros que realmente la hagan progresar. Para más inri desde el principio ya nos dicen claramente qué está pasando con las imágenes de ciertos animales de tácticas bastante ruines.
En el filme tenemos a Imogen Poots y a Jesse Eisenberg. La primera actúa de un modo excesivamente exagerado, el segundo no parece ni la sombra del pedestal en el que se le ha colocado.
De desayunar con Proyas a enfrentarnos con música a zombies y asesinos en serie
Nocturna celebró su penúltimo día y aunque se va oliendo el cierre el comienzo del día no ha podido ser más dulce, entrañable y cercano. Al igual que hicimos el año pasado hemos podido desayunar con el invitado estrella, Alex Proyas. En esta cita nos contó que ya está inmerso en una nueva película que también será oscura como sus primeras cintas y que irá en la línea de ‘Dark City’, utilizando realidades paralelas. También, como cineasta que ha adaptado cómics, nos comentó que no está de acuerdo con las declaraciones de directores como Scorsese, pero que en su caso tampoco aprueba las primeras películas de Marvel con Iron Man o El Capitán América, en la que nos meten la bandera de EE.UU. por todas partes. No cree que estemos viviendo una época como la del western pero con los cómics ya que por entonces también veíamos películas independientes que trataban ese género y en este caso lo que nos llega básicamente es lo de Marvel y DC.
Hoy también hemos tenido que recordar a un festival hermanado con Noncturna como es el Isla Calavera que llegará a su tercera edición con invitados como Juan Carlos Fresnadillo, Belén Rueda, Rick Baker y David Naughton. También en Fnac se han presentado el libro ‘Más allá del cine de Sebastiá D’arbó’ y películas como ‘Finale’ o ‘A night of horror: nightmare radio’.
Uno de los momentos más esperados del día era la proyección de ‘Fuel’. Podéis ver fotos del equipo en nuestra galería y además su reseña a continuación. Por supuesto todo lo que viene en este bloque es lo que hemos en la penúltima jornada del festival y lo comentamos con mini-críticas.
‘Body at Brighton rock’
Trabajo de debut de Roxanne Benjamin. De debut en el largometraje pero se nota que esta directora ya ha hecho sus pinitos participando en proyectos como ‘V/H/S’. Ella dirige, escribe y produce esta cinta en la que una aprendiz de guardabosques se pierde intentando hacer méritos y se encuentra un cadáver. Una escena de un posible crimen que debe salvaguardar durante toda una noche de pesadilla.
La protagonista, interpretada por Karina Fontes, es desquiciantemente torpe, pero los zooms de cámara que le hace la directora también puede contribuir a asustarla y a sus incesantes caídas. Su final se puede intuir y este aburrido cortometraje solo se entiende por qué está en Sitges a falta de media hora de su conclusión. Este es un filme psicológico con incompetencias scouts y técnicas de grabación muy nóveles.
Argumentalmente podría haber sido un episodio aislado de cualquier antología de terror, como ‘Creepshow’, que precisamente es el próximo trabajo en el que se va a embarcar Roxanne Bejamine. A la película le sobra metraje y le faltan ideas.
Dirigida por IsraelGonzález llega ‘Fuel’ una historia donde tenemos dos simples protagonistas, un coche y un hombre secuestrado.
Con bastantes planos aéreos la acción nos lleva al desierto de Mojave, un lugar pedregoso y sin apenas vida. Allí Raúl Samper, un crítico gastronómico, se encuentra atado a un coche sin posibilidad de escape.
El color de la cinta, la banda sonora y sí, las distintas vistas de todo el desierto, están bastante logrados. Creo que si de esta idea la hubiesen realizado en forma de corto el resultado sería mucho mejor. La película se alarga demasiado sin necesidad y además le falta acción, un intento de escapar, no sé, algo para rellenar minutos que no sea con tomas de paisaje.
Muchas veces las apariencias engañan y más cuando son niñas las protagonistas de esta historia.
Muy buena, realmente crea tensión y a la vez con un humor bastante canalla, me encantaría ver más historia acerca de los dos personajes principales. No cuento quienes son, porque el corto dura apenas 5 minutos, pero no os perdáis las imágenes de los créditos que están muy chulos.
Muy bien rodado nos llega este corto de Álvaro Rodríguez Areny. La protagonista se despierta desorientada y lo único que quiere hacer es encontrar a su hija.
Bastante curioso y como digo bien dirigido. Con una imagen muy limpia y una historia bastante inquietante.
Conocemos a Rod, un locutor de una radio en la que cuenta historias de terror. A partir de esta idea escuchamos distintas historias y también las vemos. Los cortos de SergioMorcillo, JasonBognacki, AdamO’Brien, MattRichards, PabloS. Pastor, Luciano y NicolásOnetti, JoshuaLong, A. J. Briones y OliverPark son la principal atracción para esta larga noche de historias de terror.
Una maravilla, muchos cortos ya los conocía y sin duda la elección de cada uno de ellos me parece estupenda. Además que la historia central es bastante buena y la ambientación con la tormenta, la sala oscura, el rojo de las bombillas, da un toque muy siniestro.
Muy recomendable y esperemos que llegue algún día a la gran pantalla.
Cortometraje español que explora los miedos y ventajas de utilizar una app de citas para conocer gente. Pero lo más importante es que avisa de que puedes encontrarte así a gente rara, muy rara. El título ya nos da un pista de por dónde van los tiros, que no me parece mala idea, pero no resulta tan gracioso como pretende.
Artik es un asesino en serie que quiere hacer principalmente dos cosas: crear un cómic y criar a su hijo como otro psicópata. Eso es casi lo único que conseguimos averiguar de un maniático homicida, al filme de Tom Botchii Skowronski le falta profundizar más en la historia de su villano o por lo menos haber sido más extenso en el momento en el que le tocaba profundizar en su psique.
Por lo demás es una película con alguna referencia comiquera, buenos planos, buen ritmo, escenas de muerte o tortura y momentos de tensión bien gestionados. Un slasher con clásico final físico en el que vemos a una especie de Alan Moore mazado, más joven y más pirado, si cabe.
Súper gracioso, comenzamos muy al estilo ‘La princesa prometida’ donde una abuela le cuenta un cuento a su nieta, cansada de cuentos sobre princesas en apuros, la chiquilla dice que a partir de ahora va a ser mala.
La abuela comienza a contar un cuento que no la dejará indiferente. Jack Taylor, ClaudiaPlacer, DianaPeñalver son los protagonistas de esta historia con zombies, piojos y villanos. Además me ha parecido muy curioso que hayan utilizado de fondo el panteón de los reyes de El Escorial para hacer la cripta del villano.
Ya escuchamos lo maravillosa que era cuando estuvimos en Sitges, allí no tuvimos oportunidad de poder visionarla, pero hoy nos hemos quitado esa espinita. Como he dicho, es maravillosa, divertida y muy tierna. Una película de zombies donde Darth Vader es un gran héroe ¿Qué más se puede pedir?
Lupita Nyong’o está encantadora haciendo de profesora de primaria, cuidando de sus niños y salvándoles de la peor plaga que han podido tener, zombies en una granja escuela.
Abe Forsythe, dirige esta locura llena de música y grandes ideas que sabe llevar hasta el final para darnos una estupenda cinta de género.
Mezclando El escondite inglés con un juego de imitación se nos cuenta la historia de una joven que ha aparecido encerrada en una sala mugrienta. No me ha impresionado, de hecho me ha parecido tramposo en cuanto ha desobedecido las propias normas que él mismo establece. No veo shock en su escena final y pretende sorprender.
Un survival horror que mezcla ‘Battle Royale’ con una especie de atrapa la bandera. En cierto sentido también se puede decir que es una especie Freddy contra Jason ya que es un desfile de serial killers enmascarados enfrentados entre sí mientras asesinan a inocentes.
Buena dosis de gore, buena protagonista y una buena cantidad de muertes de esas que hacen las delicias del público. Gran diseño de máscaras y miembros protésicos, hay que indagar en quién estaba al mando del diseño de producción y del maquillaje.
Aunque la película no es un producto muy original si causa interés y resulta ser un slasher la mar de entretenido, con una puesta en escena sencilla y disfrutona.
Día de caníbales, naves espaciales, amigos y Godzilla
El tercer día de Nocturna nos ha sorprendido con cortometrajes tan potentes como ‘Blood machines’ y ‘Casa’ o devolviéndonos al genero kaiju más clásico con una buena dosis de información. También nos hemos reencontrado con ‘Amigo’, filme que ya vimos en el Festival de Sitges y del cual tenéis aquí una crítica ampliada. Pero también nos ha tocado dar alguna cabezada con películas como ‘I trapped the devil’ o ‘Koko-di, koko-da’.
Como es costumbre aquí tenéis nuestras opiniones de todo lo visto hoy.
Cortometraje ‘Blood machines’
Lo que podría parecer una película pequeña ha resultado ser una space opera literalmente alucinante. Tiene una calidad artística apabullante, en potencia y creatividad. Láseres, naves espaciales, nebulosas… No le falta de nada y todo tiene un detalle de primer nivel.
La historia nos lleva a acompañar a dos pilotos que intentan rescatar una nave espacial estrellada. Pero en su camino se interponen unas extrañas mujeres que cuidan de las naves pues realmente están vivas, son algo más que una IA. Esta es una aventura con un ritmo ochentero a base de sintetizador e imágenes abstractas. Otro de esos regalos audiovisuales que cobran vida gracias a un crowdfunding.
Brillante trabajo que como una seta nuclear ilumina al espectador. Todos conocemos la relación de Godzilla con las bombas atómicas pero el documental de Jonathan Bellés nos pone como nunca en contexto. Descubrimos gracias a su trabajo cómo Godzilla surgió en respuesta a lo sucedido en Hiroshima y Nagasaki, como se vio afectada por la censura de los por entonces ocupantes EE.UU. o como a lo largo del tiempo su relación con la energía nuclear se ha ido usando para criticar o filosofar sobre la actualidad.
Como documento cinematográfico es muy valioso pues reúne a artífices de películas sobre el monstruo gigante de todas las épocas. Nos desvela quienes se han enfundado en la piel del lagarto atómico o quienes han ideado sus diferentes historias o enemigos, desde su creador hasta cineastas japoneses que crean obras tan distintas como ‘Shin Godzilla’. Incluso podréis aprender que el mítico grito de este Kaiju se creó rasgando con un guante de cuero las cuerdas de un contrabajo.
Para los amantes de los kaijus no es un repaso completo pues se basa solo en Godzilla pero sirve muy bien para descubrir los orígenes y la época en la que estos empezaron a decaer.
¿Qué pasaría si nos quedáramos sin agua natural y limpia para beber? ¿Si tuviésemos que beber agua mineral que crea infecciones en la piel?
Europa está sumida en esta desgracia y solo un hombre en Croacia dispone de agua natural. Acción y un futuro muy oscuro es lo que se nos muestra en este corto, donde no solo el agua se vende a precio de oro.
Puedo divagar poco sobre esta película, he debido de perderme en algún momento algo que ha hecho que no entendiese bien el juego que estábamos viendo.
Una pareja después de perder a su hija viaja años después, de vacaciones y tras pasar una noche en el bosque de acampada son atacados por una especie de titiriteros macabros. Presenciamos un día de la Marmota, donde este ataque se repite una y otra vez.
La estética está muy bien, los tres malvados personajes entonan una canción macabra mientras van a perpetrar el ataque, da bastante respeto y admito que sentía curiosidad para ver que hacían nuestros protagonistas para intentar salvar sus vidas.
Pero en sí la película no me ha contado nada, me ha dejado muy fría y sus 86 minutos se me han hecho bastante eternos, supongo que él no entender del todo lo que me quería contar ha sido fundamental para que no me haya gustado.
Mariam Hernández y Javier Pereira son los únicos actores de este malsano corto. Otro trabajo de Pereira en el festival, quizá más flojo que ‘La octava dimensión’ pero con un interesante juego de manipulación, control y arrepentimiento. Con el uso que se hace de las drogas es normal que tenga como referencia a la novela ‘Un mundo feliz’ de Aldous Huxley.
Matt es convencido por su mujer para visitar su casa de la infancia donde sigue viviendo su hermano. Llevan tiempo sin saber de él y quieren pasar las navidades juntos. Lo que no se esperan es encontrarse a su hermano en un estado un tanto paranoico y diciéndoles que tiene un demonio encerrado en su sótano.
El filme está rodado un juego de luces y colores estupendo, una casa bastante claustrofóbica y un sótano del que no sabes exactamente qué va a salir. Lo tiene todo para ser una buena película, pero es demasiado previsible y según avanza ves venir el siguiente paso sin emoción ninguna.
Una buena crítica hacia la crisis económica y el tema de los desahucios. Un corto directo y sin miramientos, muy bien realizado y sin duda deja la sangre helada.
Dos dependientas de una gasolinera trabajan en la noche de una final, esperan poco trabajo ya que todo el mundo está viendo el partido, lo que no esperaban es que la noche se convirtiera en un verdadero infierno.
Su primera parte, durante en las que las dos protagonistas son básicamente troleadas por alguien en su puesto de trabajo, es muy buena. Va saltando flashbacks, en los que ves como han terminado secuestradas y luego el secuestro.
La película peca de querer ser espectacular y la verdad que termina siendo bastante sosa. Sí, hay torturas, mucha sangre y escenas un tanto dolorosas para el espectador. Pero aun así, debo de decir que le falta alma a las actuaciones. No ayuda nada los típicos fallos que tienen las víctimas en estas películas, en las que no son capaces de llamar a la policía, no cogen armas para defenderse o incluso en esta, no corren para huir de sus captores, prefieren deleitarse y observar bien el lugar donde las han tenido recluidas.
El excesivo uso de la tecnología es lo que nos trae la moraleja de este simple corto. Los asistentes de voz tipo Alexa que cada vez están más presentes en nuestra vida preocupan a los directores Kris Carr y Sam Fowler y debería preocupar más a su protagonista. Una idea sencilla pero que no resulta fallida.
Primer largometraje de Kris Carr y Sam Fowler. Es un survival horror en pleno bosque. Parte de una idea curiosa pero que tampoco está excesivamente aprovechada. Unos jóvenes son perseguidos por una criatura que solo devora a aquellos que comen carne humana. La gracia estaría en que los protagonistas son caníbales sin saberlo, pero ese giro se desmonta pronto y su final además se alarga demasiado.
Está bien hecha, con un maquillaje de la criatura logrado, pero también cumple con los pecados de las operas primas y se permite introducir guiños a los clásicos que les gusta a los directores. Como no, siendo hija de dos jóvenes primerizos sigue la moda de tener escena post-créditos.
David Pareja y Javier Botet se han marcado un ‘Misery’ en toda regla. No hay una obra final que completar pero si una devoción por parte de uno de ellos hacia el otro. Una película sobre el sufrimiento, la lealtad, la paranoia, la redención, la culpa y por qué no decirlo, el hijoputismo. Se palpa bastante humor negro a costa del padecimiento de un ser querido (que no tiene por qué ser el enfermo). Pero esta película no es una comedia, se impone mucho más el drama o el thriller.
Tiene sus defectos y virtudes pero la actuación o calidad dramática de ambos actores protagonistas es incuestionable. El trabajo de Botet al mover su cuerpo y prolongar la agonía más allá de la pantalla en secuencias largas y agónicas es digno de aplauso.
La televisión es testigo y personaje de una historia que transcurre en un pasado de España. Más que la época conviene identificar el programa o tono de lo que ve el protagonista para así empatizar con su estado. Si querían exaltar la nostalgia y el apego lo han conseguido.
Regalo por estar con Alex Proyas y pasar por la imaginación de Pupi Avati
Hemos comenzado el día de un modo magnífico estando acompañados de un director de cine tan famoso como Alex Proyas. En la masterclass que ha impartido en la Sala Berlanga nos ha hecho un repaso de su carrera comentando todo tipo de anécdotas y películas. Este ha sido el evento más destacado en un día en el que también se ha presentado en FNAC el cómic de ‘Knox’, que promociona la próxima película de Victor Matellano, la revista Cineficción y el libro Universal Monsters & Toys & Merchandising’.
Hoy las sensaciones han mejorado con respecto al primer día. Los cortometrajes siguen demostrando la buena salud de la que goza ese formato en España. En cuanto a los largos proyectados destacamos ‘El signor diávolo’ el filme de Pupi Avati. Como siempre, seguidamente tenéis mini-críticas de lo que hemos visto.
Cortometraje ‘La virgen descalza’
LoneFlemingFaerch escribe y dirige este corto de 17 minutos, en el que vemos a una joven en la noche anterior a su boda.
Emocionada recibe la visita inesperada de un extraño que hará que todo su mundo se tuerza. Con una puesta en escena muy cuidada, una dirección sencilla, la directora nos cuenta una pequeña historia de terror romántica un tanto excéntrica.
SergioMorcillo y SantiagoTaboada nos traen una historia corta sobre una situación que se podría dar perfectamente en la vida real. No voy a contar nada acerca de la historia, simplemente dejan ver como la gente de a pie miramos a otro lado cuando sucede algo malo delante de nuestras narices.
ItziarCastro, NachoGuerreros y LluviaRojo son los protagonistas de este corto.
La cinta nos cuenta desde el principio como fue el proceso para la creación de la historia y los monstruosos extraterrestres que nos han causado pesadillas y admiración.
Alexandre O. Phillippe recupera la figura del guionista de la cinta DanO’Bannon, que por lo que he visto al salir de la sala, no es nada conocido por los fans, recayendo toda la fama en RidleyScott. Nos enseñan como se le ocurrió la idea de Alien y como gracias al equipo que crearon entre Scott, Dan y H.R. Giger consiguieron crear a los xenomorfos y a los Space Jockey.
Al igual que en su anterior documental se centra en una de las escenas principales de la película, el cómo se hizo y con anécdotas del reparto.
Cortometraje ‘El fin de todas las cosas’
LucíaPollán y PaolaBontempi protagonizan este corto dirigido por NormaVila. Las nombro las primeras porque sin duda logran una química impresionante y demuestran lo mucho que se odian sus personajes.
Una historia de época en la que una muchacha no está nada tranquila con la mujer con la que le ha tocado vivir y una oscuridad se va apoderando de ella.
PupiAvati nos lleva a la Italia de los años 50 con una historia muy de cine negro donde un niño mata a uno de sus vecinos convencido de que era el Diablo. El Ministerio del Interior manda a un policía para intentar aclarar todo.
La película me ha sorprendido mucho, es cortita y va directamente al grano. Con una estética que claramente homenajea el cine de los años 70 y 80, la película tiene un tono bastante serio.
La trama detectivesca es muy buena, vas descubriendo toda la historia a través de los descubrimientos de Furio, que poco a poco se va adentrando cada vez en algo más oscuro y terrible.
En el reparto encontramos gente como GabrielLoGiudice, CesareCremonini, MassimoBonetti, LinoCapolicchio, todos ellos muy correctos y muy bien dirigidos.
Hoy hemos podido ver al ganador del Premio Brigadoon Paul Naschy en Sitges. En este corto dirigido por MarcMartínezJordán viajamos por el tiempo y conocemos a un extraño hombre disfrazado de zorro.
Muy entretenido y original, con una trama muy bien trabajada y llena de incógnitas. Sin duda merecido el premio en Sitges.
Las películas sobre amigos imaginarios son muy recurrentes en este tipo de festivales y más si están encerrados en casa grandes y con mucha oscuridad.
‘Z’ ha sido un gran descubrimiento, no esperaba apenas nada y la verdad que me he llevado un par de sustos y una buena historia de la que poder hablar.
Tenemos un buen ambiente, unas buenas actuaciones y sin duda un bicho bastante curioso muy estilo japonés, llega a recordar a los shinigami que vimos en la película de ‘Death Note’ (2006).
Unos padres comienzan a preocuparse cuando su inofensivo hijo de ocho años cambia completamente de actitud al tener un amigo imaginario. Eso sí, solo le saco un fallo y es que terminan por alargarla demasiado.
El año pasado se presentó este corto que forma parte de una campaña de Audi, la multinacional fabricante de coches. Me temía que la película fuese un carrusel de secuencias del vehículo que promociona pero no ha sido así, aunque el cuatro ruedas de la marca alemana goza de bastantes y buenos planos.
Kiké Maíllo (‘Toro’) es el artífice de esta película que mantiene la intriga de un modo muy inteligente, moviendonos por una trama imaginaria y una real. Juega muy bien con las ideas preconcebidas o el sesgo y desarrolla sus 8 dimensiones acorde a lo que debe ser una estructura narrativa, propia tanto de novelas como del lenguaje audiovisual.
Para ‘La octava dimensión’ ha contado con NajwaNimri, AlbertoAmmann, JavierPereira y Carlus Fàbrega. En la parte ficticia todos están muy naturales, pero en la real, la que sirve de narradora, Nimri se presenta más artificial interactuando además con unos alumnos que parecen más periodistas en rueda de prensa que estudiantes. Seguro que os va a pillar desprevenidos con su resolución.
Los referentes (presentes visualmente) de esta película son títulos como ‘Creature with the Atom Brain’, ‘Crying Freeman’ o ‘Nobunny’. Títulos claramente de serie B que rodean a una estrella del cine de ese género venida a menos que perdió a su hija. Esa actriz es Barbara Crampton conocidísima en el mundillo por el clásico ‘Re-animator’. Lo que no sabe su personaje es que su hija en cierto modo ha seguido los pasos de su personaje de la película de Stuart Gordon y ha vuelto a la vida.
Pero la joven renacida, interpretada por una Kayleigh Gilbert en modo emo, tiene poderes de control eléctrico y eso hace que lo que es un drama familiar se convierta en una película de muertes por despecho. El filme, obra de Julian Richards, transcurre con un pesado argumento melodramático que solo nos da algún que otro momento de sangre, bastante poco conseguido.
Tiene mucho sabor noventero, con intento de parecerse a películas aún más antiguas y lo único curioso es ver al final a Peter Bogdanovich.
A sus 73 años, Harley Russell vive de las propinas que recibe en su destartalado local de Erick (Oklahoma) con su espectáculo de músicos mediocres. Ángel Delgadillo, el último barbero de Seligman (Arizona), continúa afeitando a sus 91 años, a los conductores que se desvían de la carretera interestatal para visitar su pueblo. Lowell Davis, con más de 80 años, es el habitante número 1 de Red Oak II, (Missouri), un pueblo fantasma que él mismo se encargó de rehabilitar con la restauración de sus viejas casas. Tres historias de perseverancia y superación en la que una vez fue la carretera que conectaba los Estados Unidos de este a oeste. Tres supervivientes que consiguieron salvar la vida de la ruta más conocida de América.
4.000 kilómetros recorridos desde Chicago hasta Los Ángeles, dos semanas de viaje y tres protagonistas, Harley, Lowell y Angel, los «eternos olvidados de la Ruta 66».
Crítica
Un paseo por la historia de la Ruta 66
Si hoy en día le preguntas a cualquiera sobre la “Ruta 66” puede que no sepan exactamente lo que es pero podrán decirte que tiene algo que ver con una carretera muy famosa y los Estados Unidos. El archiconocido escudo con el número 66 grabado en él es ya un signo reconocible en cualquier parte del mundo (sobre todo el occidental) y del que muy poca gente sabe alguna parte de su historia.
En ‘Almost Ghosts’ se cuenta a través de los testimonios de sus tres ancianos protagonistas, Angel, Harley y Lowell, el auge, la muerte y la resurrección de esta ruta que atraviesa los Estados Unidos de este a oeste.
Una carretera que allá sobre los años 30 en sus inicios, con la gran recesión de fondo, tomó tal importancia al ser el camino que tomaron muchos estadounidenses para sobrevivir atravesando el país hacia California, que revitalizó los pueblos del interior que se encontraban en dicha ruta.
El documental nos repasa las vivencias de tres personajes singulares, y sin duda muy entrañables, cada cual con su historia. Todavía no he comentado que la responsable principal de esta obra es Ana Ramón Rubio, guionista y directora de esta producción española que ya ha ganado varios galardones.
Me gusta cómo ha enfocado el documental, dando más protagonismo a los tres personajes que a la propia historia en sí, y me ha parecido un gran trabajo.
Como no me gusta dar demasiados detalles por lo general, ni tampoco dar spoilers (eso nunca) en mis críticas de cine, y aunque este es un documental, voy a intentar hacer lo mismo.
Vais a conocer de la viva voz de sus personajes reales, todo lo que fue, dejó de ser y volvió a ser la famosa ruta 66 que a través de sus vivencias y explicaciones os resultará muy interesante. Es una historia de superación, lucha y arraigo por revivir una ruta que quedó en el más absoluto olvido, el único medio de subsistencia que tenían en medio de la nada.
La perseverancia de unos pocos hizo posible que este famoso recorrido sea el que es hoy en día. Yo personalmente he tenido la suerte de recorrer parte de la carretera antigua y pasar por el pueblo de uno de los protagonistas llamado Seligman. Y os digo una cosa, merece la pena ir y merecería la pena para mí volver a la carretera algún día y pasar un poco más de tiempo en aquellos pueblos que viven única y exclusivamente de la gente que está de paso. Una experiencia auténtica americana.
Lo bueno: Los tres abuelos contando sus vidas
Lo menos bueno: No saber más de otros pueblos de la ruta.
El detalle: En un momento del documental se nombra a “Las uvas de la ira” de John Steinbeck. Leer su obra o ver la gran adaptación al cine allá por los 40 con un gran Henry Fonda sería un complemento perfecto para poder comprender mejor el verdadero drama de fondo que subyace de esta historia.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre de 2019. Título original: Almost Ghosts. Duración: 70 min. País: EE.UU., España. Dirección: Ana Ramón Rubio. Guion: Ana Ramón Rubio. Música: Don Joaquín. Fotografía: Carlos López, Celia Riera. Reparto principal: Harley Russell, Lowel Davis, Angel Delgadillo. Producción: Casi fantasmas. Distribución: Begin Again Films. Género: documental. Web oficial:http://beginagainfilms.es/almost-ghosts/
Vitoria, 2019. Los cadáveres de un chico y una chica de veinte años aparecen desnudos en la cripta de la Catedral Vieja. Unai López de Ayala, un inspector experto en perfiles criminales, debe cazar al asesino ritual que lleva aterrorizando a la ciudad desde hace dos décadas. La sucesión imparable de crímenes y una investigación policial contaminada por las redes sociales llevarán al límite a Unai, enfrentándolo a un asesino camaleónico y despiadado que podría estar más cerca de lo que creía.
Crítica
No sirve ni como escaparate de Vitoria-Gasteiz
Se avecina una época de muchos estrenos españoles y en la que veremos unas cuantas películas policiales, de investigación y crímenes rituales. Están por llegar filmes como ‘Legado en los huesos’ o ‘El asesino de los Caprichos’. ‘El silencio de la ciudad blanca’ tiene en común con esos títulos el hecho de transcurrir en el norte de España o de contar con Aura Garrido entre sus protagonistas, repitiendo la actriz el papel de policía/investigadora a las órdenes o acompañada de otro agente interpretado por un actor u actriz famosa, de un modo similar al de ‘La niebla y la doncella’.
En este filme Aura Garrido vuelve a compartir créditos con Belén Rueda quien junto a JavierRey interpretan a los protagonistas. Personajes que surgen a partir de la obra novelesca de EvaGarcía Sáenz de Urturi y a los cuales ha dirigido con bastante desatino Daniel Calparsoro. Es raro tener que decir que un director tan bueno como este lleve dos películas fallidas seguidas, porque viene de dejarme bastante frío en 2018 con ‘El aviso’, otra adaptación de una publicación literaria. Y también es raro tener que admitir que una película con un reparto tan bueno no resulte entretenida.
En ‘El asesino de los caprichos’ se juntan tantos factores errados que uno acaba casi por desconectar de ella. Está llena de tramas innecesarias, de sucesos o relaciones que no aportan nada, de escenas de acción metidas con calzador, de giros de guión trasnochados o por el contrario excesivamente rebuscados, de un desaprovechamiento de un escenario como Vitoria-Gasteiz … Tal es así que no he llegado a entender por qué en determinados momentos se usan a destiempo imágenes a cámara lenta. Mi percepción es que se ha querido ser tan fiel al material escrito que llega un momento en que se monta un barullo que requiere de una pausa para aclarar las ideas y la trayectoria de los personajes.
Una cosa no le falta a este filme, carreras. Le sobran tanto escenas de footing como persecuciones, sobre todo cuando los perseguidos lo hacen sin sentido alguno. Es una película muy atropellada, que deja demasiado sin explicar y lo poco que explica lo hace nada más desvelarse. Muy pronto se descubre el pastel de ‘El silencio de la ciudad blanca’. Y no lo digo porque se pueda ver venir qué va a pasar o la identidad del asesino, sino porque la propia película se encarga de desvelarlo. Eso evita que encima no haya intriga alguna y estemos deseando constantemente que la cinta nos muestre más virtudes, que nunca llegan.
Como decía de aquí a diciembre vamos a ver en carteleras unas cuantas películas criminalísticas. La que más puedo recomendar es la segunda parte de la trilogía del Baztán, largometraje que comparte unos cuantos actores con esta: Manolo Solo, Pedro Casablanc o Itziar Aizpuru. Desconozco cómo es en comparación la novela original y la trilogía de la que surge esta historia pero si es por mí en el cine no veremos una trilogía.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de octubre de 2019. Título original: El silencio de la ciudad blanca. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Daniel Calparsoro. Guion: Roger Danès, Alfred Pérez Fargas. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Josu Inchaustegui. Reparto principal: Belén Rueda, Javier Rey, Aura Garrido, Manolo Solo, Àlex Brendemühl, Kandido Uranga, Sergio Donado, Àlex Monner, Itziar Ituño, Pedro Casablanc, Richard Sahagún, Ramón Barea. Producción: Atresmedia Cine, Rodar y Rodar, Silencio ciudad blanca AIE, HUGO P27, Movistar+, EITB, Netflix. Distribución: DeAPlaneta. Género: adaptación, thriller, crimen. Web oficial:http://www.deaplaneta.com/es/el_silencio_de_la_ciudad_blanca
Tras un grave accidente, David decide acoger y cuidar en su casa a su mejor amigo, Javi. Sin embargo, las rencillas entre ambos no tardarán en aflorar poniendo en evidencia una relación envenenada y homicida, más cercana a la locura que a la amistad que aparentan mantener.
Crítica
En la vida tiene que haber de todo, sobre todo amigos y este ‘Amigo’ no nos podía faltar
Los actores españoles David Pareja y Javier Botet, amigos desde hace muchos años, se han encerrado en una casa y han rodado lo que se puede decir que es una película que sigue la senda de películas tan importantes como ‘Misery’. No es un calco ni un homenaje a la obra surgida de la mente de Stephen King pero sí que abraza una «devoción perseverante» de un modo similar. Esta es una historia llena de sufrimiento, lealtad, negación, paranoia, búsqueda de redención, culpa y como dije en nuestro diario de Sitges, mucho hijoputismo.
En esta historia en la que un joven es en varios sentidos esclavo de su maltrecho amigo existe mucho drama. Pero también hay algo de comedia. No la calificaría de película redonda, pues depende bastante del particular físico de Botet y de cómo este sabe sacarle partido. Pero si tiene muchas virtudes, las cuales son capaces desde enternecernos hasta horrorizarnos. Tal vez no de la campanada pero campanitas le sobran.
Javier Botet está muy presente en producciones tanto internacionales como españolas (próximamente se le verá en ‘Ventajas de viajar en tren’ o ‘Malasaña 32’). Sus trabajos realizando monstruos de todo tipo podría decirse que le dan proyección pero lo más correcto es decir que está totalmente proyectado y con ‘Amigo’ puede verse que va lanzado, sin necesidad de usar ningún tipo de maquillaje protésico. En el caso de David Pareja le sigo la pista desde que le vi en ‘Matar a Dios’. Su interpretación se aleja bastante de su actividad en redes sociales o de sus trabajos cómicos. Tanto en su caso como en el de Botet vemos una actuación más dramática, que demuestra sus amplias capacidades, no limitadas a lo humorístico.
Ellos dos son los personajes principales pero hay otros que aportan mucho a la hora de hablarnos sobre el estado, sobre todo mental, de los protagonistas. Alguno puede pensar que la aislada casa a la que se van a vivir es un componente más del reparto, pero más que ese emplazamiento hay que considerar a la pequeña televisión que sirve de pasatiempo al inválido amigo. Ella no solo es testigo de lo que allí pasa, sino que además nos narra el presente o lo que está por venir. Nos sirve de vínculo emocional con el personaje de Botet y con los recuerdos de espectadores como yo que aún conservamos los VHS de Mortadelo y Filemón realizados por Rafael Vara.
Esta ópera prima del director Óscar Martín es un largometraje con una atmósfera asfixiante y enervante, saca de su zona habitual a dos populares actores y es un gran acierto haber hecho este proyecto con ellos. Se nota que es una película hecha entre amigos y puede que por eso haya alcanzado tan bien un tono altamente fraternal e íntimo. Se suma esto al sabor triste, tenso y fatalista del filme y tenemos una especie de thriller terrorífico con gotas de humor que nos evoca a sombrías historias clásicas. Porque en la vida tiene que haber de todo, sobre todo amigos y este ‘Amigo’ no nos podía faltar.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de octubre de 2019 (Festival de Sitges). 27 de noviembre de 2020. Título original: Amigo. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Óscar Martín. Guion: Óscar Martín, Javier Botet, David Pareja. Música: Manu Conde. Fotografía: Alberto Morago Muñoz. Reparto principal: Javier Botet, David Pareja, Patricia Estremera, Alfonso Mendiguchía, Esther Gimeno, Luichi Macías, Zoe Berriatúa Alfonso Mendiguchía, Ana del Arco. Producción: El ojo mecánico. Distribución: por determinar. Género:Web oficial:https://www.elojomecanico.com/
‘Sesión Salvaje’ es un documental que recorre la época dorada del cine de géneros en España, desde los westerns rodados en Almería a las películas de terror, pasando por “el destape” y el denominado cine quinqui. Se trata de un homenaje de la actual generación de cineastas a los profesionales del cine de serie B en España.
Crítica
Un ejercicio de justicia cinematográfica, una instancia a un cine más libre y sesudo
Podemos decir que España lleva una buena cantidad de décadas realizando películas de todo tipo. Tal es el recorrido del séptimo arte en nuestro país que ha pasado por distintas fases y géneros: el western, el destape, el cine quinqui… En cada época se ha puesto de moda uno u otro tipo de largometrajes y el trabajo de Paco Limón y Julio Cesar Sánchez así nos lo expone haciendo un trabajo de archivo encomiable.
‘Sesión Salvaje’ hace un repaso a todas aquellas películas que marcaron un antes y un después, que traspasaron fronteras y que hoy en día habrían caído en el olvido de no ser por el «público de culto». Para ello saca a la palestra nombres tan míticos como Paul Naschy, Eugenio Martín o Jesús Franco. Los pone en el lugar que merecen aportando, por supuesto, razones de peso para ello. ‘Sesión Salvaje’ hace justicia pues hace ver los logros de artistas que en su día lucharon contra la censura y la precariedad o que posteriormente se dedicaron a hacer un cine cerebral sin ataduras. Así se comprueba cuando vemos como abiertamente nos cuentan qué y cómo se hacía cine en otra época, sacándonos la sonrisa con su espontaneidad y sinceridad. Volvemos a tomar contacto con protagonistas como Lone Fleming, Jorge Grau, Mariano Ozores, Emilio Linder…
Cubre el abanico de la serie B española, ‘Sesión Salvaje’ está estructurada por diferentes géneros y épocas. Desde los momentos en que películas de terror realizadas aquí se consideraban Z o X hasta la época dorada de las películas del oeste. Esta no es solo una recopilación de películas y nombres, también es una apuesta por una filosofía de ver y hacer cine. Caras conocidas y actuales como Álex de la Iglesia, Paco Cabezas, Nacho Vigalondo, Enrique López Lavigne… abogan por un cine que no esté atado a exigencias comerciales que dicten nuestros gustos, que no sea tan abiertamente esclarecedor y nos haga darle más al coco. Con tono nostálgico se habla de la época en la que teníamos que buscar físicamente las películas y había una mayor ilusión por ver y compartir títulos ya clásicos. Hay añoranza por el arte alejada del producto que en su mayoría nos llega hoy en día.
Son 84 minutos que darían para días de metraje. Están bien condensados pero expuestos de un modo casi casero. Con cartelones que a veces van y vienen demasiado rápido o que cuesta leer, con un metraje algo atropellado pero con información siempre relevante. Me pone de los nervios estar en una película y que el resplandor de un móvil me ilumine como una luna llena en Noche de Walpurgis, pero os dejaría sacar el vuestro en los créditos de ‘Sesión Salvaje’ para que capturéis la lista de películas que aparece al final y que sirve como inigualable recomendación cinéfila.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de octubre (festival de Sitges). 13 de diciembre cines. Título original: Sesión salvaje. Duración: 84 min. País: España. Dirección: Paco Limón, Julio Cesar Sánchez. Guion: Paco Limón, Julio Cesar Sánchez, Daniel Luis López. Fotografía: Ernesto Herrera. Reparto principal: Javier Aguirre, Simón Andreu, Paco Cabezas, Carmen Carrión, Álex de la Iglesia, Álvaro de Luna, Carlo De Marchis, Lone Fleming, Adrián García Bogliano, Jorge Grau, Fernando Guillén Cuervo, Jose Lifante, Emilio Linder, Enrique López Lavigne, Eugenio Martín, Antonio Mayans, Mariano Ozores, Esperanza Roy, Diego San José, Loreta Tovar, Nacho Vigalondo, Miguel Ángel Vivas. Producción: Apache Films, FlixOlé, Mórbido Films, Mercury Films. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: documental. Web oficial: www.sesionsalvaje.es
La ex-estrella de Disney se prepara para grabar las dos nuevas películas que protagoniza en Hollywood
El actor madrileño JavierLuna, ya se dio a conocer en Estados Unidos protagonizando en televisión la serie ‘Five at 305’, que cuenta con dos temporadas, y con la que logró enamorar al público americano acumulando más de 6.5 Millones de seguidores en redes sociales. El joven intérprete ya se dio a conocer en España con el cortometraje ´Safari´ de la mano del prestigioso director Gerardo ‘Yayo’ Herrero (‘The Maus’), el cual logró numerosos prestigiosos premios como el primer puesto en el festival de Sitges y el festival internacional de Valladolid, o la nominación al Goya o en el festival de Cannes.
La impecable actuación protagonista del joven actor en el proyecto cinematográfico le abrió las puertas a protagonizar su primera serie en televisión, ‘Dreamland’. De la mano del productor español Frank Ariza, Luna compartió pantalla junto a las super estrellas mundiales Ricky Martin o Shakira. En cuestión de pocas semanas, el actor aparecía en todos los programas de Mediaset, llevando a la canción principal de la serie «Everybody Dance» con Sony Music, al número 2 de canciones más vendidas en iTunes España, algo insólito y que ocurría por primera vez en la historia de la televisión española. Esto hacía despertar el interés de grandes marcas como Coca-cola, hasta el punto de protagonizar el anuncio navideño de ésta. Su carismática actuación en la serie de Mediaset le consiguió una nominación a mejor actor en los premios «Teen Weekly» frente a estrellas televisivas como Ross Lynch o Jorge Blanco.
Una vez ya de gira por todo España, con la gira de los 40 principales y Coca-cola, se hizo pública la noticia de la incorporación del actor español en la mega exitosa serie internacional adolescente, ‘Violetta’. Esto le supuso el paso a la fama internacional. A partir de aquí le comenzaron a llegar ofertas de todo el mundo, dónde el actor se decantó por la participación en el programa de Televisa ‘Como dice el dicho’ y el lanzamiento de su primer single con Warner Music: ‘Vuelve a mi lado’.
Tenemos ganas de ver qué le depara en el futuro a esta joven promesa. Sobre todo ahora que en sus próximos trabajos le esperan registros más adultos y dramáticos.
“Formación para cineastas comprometidos: Producir de manera sostenible es posible”
Another Way Film Festival, el festival sobre progreso sostenible de Madrid, celebra su quinta edición bajo el lema “A veces a una generación le toca hacer historia”. Tendrá lugar del 24 al 27 de octubre en Cineteca Madrid, Filmoteca Española y Sala Equis.
Además de las 27 películas documentales y de ficción y los 10 cortometrajes que forman parte de las diferentes secciones (Oficial, Impacto, Orígenes, Producido en verde, Cortometrajes Rueda por el cambio y Matiné infantil), el festival acoge 13 actividades paralelas, entre ellas la “Formación para cineastas comprometidos: Producir de manera sostenible es posible”, patrocinada por Ciudad de Madrid Film Office y organizada por Fiction Changing the World que tendrá lugar el 26 de octubre de 09:30h a 19:30h en Cineteca Madrid.
El objetivo de esta formación es aportar conocimiento a los profesionales del sector audiovisual sobre cómo integrar criterios de sostenibilidad en sus producciones con el fin de reducir el impacto ambiental. Durante la formación y a través de un juego teórico y práctico, los asistentes trabajarán en las diferentes fases de un proyecto audiovisual. Así se aprenderá a realizar un diseño de producción que minimice el impacto negativo y maximice el positivo tanto para el planeta como para la sociedad, fomentando a su vez la rentabilidad económica de los proyectos.
Se tratarán experiencias de productoras y agentes del sector audiovisual que ya están trabajando en prácticas verdes, sellos y certificaciones sostenibles como Fiction Changing the World, Fresco Films, Morena Films, Pro-Málaga o Tenerife Film Commission.
De forma voluntaria, los asistentes podrán participar en un concurso a través del cual implementar lo aprendido durante la jornada, cuyo premio será la producción de una campaña para Greenpeace.
La formación finalizará con la lectura, a cargo de Carlos Bardem, de la “Declaración de Compromiso de la Cultura para la Agenda 2030” y las conclusiones extraídas a lo largo de la jornada.
Como complemento, el festival cuenta con la sección “Producido en verde”, compuesta por tres películas producidas bajo los criterios internacionales de producción verde: ‘De óxido y hueso’ (2013), ‘Mary Queen of Scots’ (2018) y ‘Girl’ (2018). Los títulos se verán en Sala Equis el 25, 26 y 27 de octubre a las 19:30h. Después de cada proyección habrá coloquios con profesionales del sector audiovisual sobre su experiencia con la producción sostenible.
El precio de la jornada es de 25€ e incluye almuerzo. Más información e inscripciones en este enlace.
Ponentes “Producir de manera sostenible es posible”
La productora Cristina Zumárraga, Premio Goya a Mejor 2011 Dirección de Producción por ‘También la lluvia’ y 2007 por ‘Alatriste’; y la ayudante de producción Ana Galán, experta en desarrollo sostenible, contarán su experiencia trabajando en la reducción del impacto negativo en las producciones audiovisuales.
Víctor Aertsen de Ciudad de Madrid Film Office será el moderador del bloque relacionado con los sellos de producción medioambiental para la producción audiovisual.
Paloma Andrés y Rhoda N. Wainwright de Fiction Changing the World (con la colaboración de Rocío Dañino y Sandra Magro Ruiz), creadoras del movimiento Dante para difundir la Agenda 2030 para el desarrollo sostenible de la ONU a través el cine.
Silvia Aráez de Fresco Films hablará sobre la participación de la productora en ‘Juego de Tronos’ y la aplicación de medidas de reducción de impacto medioambiental. Esta experiencia les ha convertido en uno de los primeros ejemplos de cuidado del medio ambiente en una producción internacional.
Berta Romero de Morena Films, una de las productoras más importantes de nuestro país que, junto a Greenpeace, ha puesto en marcha un decálogo de producción para reducir el impacto de los rodajes.
Luz Molina de Pro-Málaga, organismo involucrado en el desarrollo del sello “Green Screen” de la Unión Europea, proyecto europeo que cuenta con la participación de siete socios de diferentes países.
Yanira Cáceres Arocha de Tenerife Film Commission, desarrolladores del decálogo de buenas prácticas para las productoras que ruedan en sus territorios con el fin de reducir el impacto negativo y cuidar el entorno de las localizaciones.
Sobre Ciudad de Madrid Film Office
Ciudad de Madrid Film Office es un servicio público del Ayuntamiento de Madrid dedicado a promocionar la ciudad como destino de rodajes y asesorar a todas las empresas y los profesionales del sector audiovisual que desean desarrollar sus proyectos en ella.
Sobre la Asociación Another Way
Durante todo el año, la Asociación Another Way realiza actividades en torno al cine y la sostenibilidad con colaboradores como el mk2 Cine/Sur, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Lush, Ecoalf, o Impact Hub.
Anualmente produce Another Way Film Festival, el festival sobre progreso sostenible de referencia, y el único especializado en esta temática que se celebra en Madrid. Este año celebra su quinta edición del 24 al 27 de octubre en Cineteca Madrid, Filmoteca Española y Sala Equis, donde seguirá promoviendo y difundiendo aquella cinematografía que representa de manera integral los valores en torno a la sostenibilidad y el triple balance: social, económico y medioambiental.
Además del eje central del festival, que es la programación cinematográfica, como en pasadas ediciones el festival -liderado por Marta García Larriu- también celebrará diferentes actividades paralelas en torno a otros aspectos artísticos, culturales y sociales. De esta manera, AWFF representa una propuesta multidisciplinar y abierta a nuevos públicos a la vez que fomenta la participación ciudadana y el compromiso por el cuidado del entorno.
Carles Torras dirige a un reparto joven y talentoso
La nueva película original de Netflix se llamará ‘El practicante’ y estará protagonizada por Mario Casas (‘Adiós’, ‘El fotógrafo de Mauthausen’) y dirigida por Carles Torras (‘Callback’, ‘Open 24h’). Esta nueva producción se está rodando en diferentes localizaciones de Cataluña, como Barcelona, Badalona y Lleida y su rodaje se prolongará por dos semanas más (siete semanas en total). El reparto lo completan la ganadora de un Premio César y protagonista de una película ganadora de una Palma de Oro, Déborah François (‘El niño’), Guillermo Pfening (‘Nadie nos mira’), CelsoBugallo (‘Mar Adentro’), Pol Monen (‘Tu hijo’), RaúlJiménez (‘Tarde para la ira’) y María Rodríguez (‘Els dies que vindran’).
Babieka Entertainment en asociación con Zabriskie Films producen esta película para Netflix. El director y productor Carles Torras ha manifestado su entusiasmo por hacer realidad un proyecto tan ambicioso: «‘El Practicante’ generará en él sentimientos encontrados, un debate interno del que nadie saldrá ileso. Al ver el film, los espectadores descubrirán una faceta de Mario Casas inédita, en un registro en el que no están habituados a verle. El espectador va a disfrutar con el tándem formado por él y por Déborah François de dos de las mejores interpretaciones del año. Me siento muy afortunado de que este proyecto tan ambicioso sea una realidad, con este reparto con proyección internacional, gracias a la apuesta de Netflix.”
Por su parte, Miguel Ruz, productor de la película, ha declarado su admiración por el equipo que forma parte de este largometraje: “Mario es uno de esos extraordinarios actores que, cuando le ves actuar, consigue hacerte olvidar a los personajes que ha interpretado en películas anteriores. En el segundo día de rodaje mirando el monitor, me di cuenta de que Mario ya se había transformado en Ángel. De Carles me ha sorprendido su capacidad para cuidar cada detalle mínimo de la estética, sin alejarse del realismo de la película. Carles consigue que un ‘thriller’ como éste sea perturbador. Por último, gracias al equipo de Netflix, ha sido posible que la producción se realice en tiempo récord.”
El practicante cuenta con Héctor H. Vicens (‘El cadáver de Anna Fritz’) y David Desola (‘El Hoyo’) como co-guionistas junto a Carles Torras. Jordi Roca es coproductor, Sergio Adrià es productor asociado y Santi Lapeira, Denis Pedregosa y Orlando Pedregosa son productores ejecutivos de esta ficción que estará disponible próximamente en Netflix.
Sinopsis:
Ángel (Mario Casas) trabaja como técnico en emergencias sanitarias a bordo de una ambulancia. Tras sufrir un grave accidente, su vida junto a Vane (Déborah François) empieza a desmoronarse. Obsesionado con la idea de que ella le es infiel, convertirá su vida en un infierno del que será difícil escapar.
Marc Vigil nos trae ‘El silencio del pantano’ con Pedro Alonso, Nacho Fresneda y Carmina Barrios
El 1 de enero llega a nuestras salas lo nuevo de MarcVigil, ‘El silencio del pantano’, película que ya se ha visto en el Festival Internacional de cine de Busan, uno de los más importantes certámenes cinematográficos de Asia. El filme se presentará dentro de la sección oficial fuera de concurso en la XVI edición del Festival de Cine de Sevilla. Dicho festival se caracteriza por tener una selección de cine valiente y poderoso con producciones que reflejan la diversidad cultural europea.
Marc Vigil da al salto a la gran pantalla con la dirección de su primer largometraje después de traernos conocidas series como ‘El Ministerio del tiempo’ o la actual ‘Malaka’.
PedroAlonso (‘LaCasa de Papel’), NachoFresneda (‘El Ministerio del tiempo’) y CarminaBarrios (‘Carmina y Amén’) dan vida a los protagonistas de esta trepidante historia en la que realidad y ficción se mezclan en la búsqueda de un asesino en serie.
Basada en la novela homónima de JuanjoBraulio, la película está producida por ZetaCinema y El Silencio Producciones Cinematográficas, cuenta con la participación de RTVE, TV3, Netlix y CreaSGR. La distribución de ‘El silencio del pantano’ correrá a cargo de EntertainmentOne.
Sinopsis
«Q» es un periodista reconvertido a escritor de novela negra. En su obra relatan los crímenes de un asesino en serie utilizando como telón de fondo la corrupción política y la mezquindad del alma humana. La paradoja es que los crímenes que tienen lugar en sus novelas no son tan ficticios como parecen.
Varios crímenes en un barrio de clase alta tienen algo en común: sus víctimas coleccionan grabados de Goya. Las inspectoras Carmen Cobos y Eva González iniciarán la investigación en un entorno elitista en el que el tráfico de obras de arte es habitual. Tendrán que descubrir a un asesino que reproduce con sus víctimas las escenas de los Caprichos de Goya.
Crítica
Una historia muy desaprovechada
Dirigida por GerardoHerrero (‘La playa de los ahogados’) llega a nuestras salas ‘El asesino de los caprichos’, un filme donde dos policías deben encargarse de encontrar a un delincuente que utiliza los cuadros de Goya para su puesta en escena de los asesinatos.
La premisa es bastante original, interesante y la película empieza muy bien, con unas imágenes muy trabajadas, sobre todo los asesinatos, efectivamente parecen sacados de un cuadro de Goya y lo representan muy bien, es algo digno de ver. Pero tiene un gran problema, que según avanza la cinta pierde toda la credibilidad, sus personajes flojean y se pierden en historias personales que no tienen ningún interés para el espectador.
Una de las cosas que quizás más me haya gustado es el juego que se llevan los personajes de MaribelVerdú y AuraGarrido, una siendo la típica policía alcohólica, desagradable y que todo lo sabe, mientras que la otra, es novata en esa comisaría y solo intenta que la vean como lo que es, una gran profesional. Ambas tienen buena química, pero el guión no les hace ningún favor.
Ya he comentado más arriba que las historias personales dejan a la historia principal, la trama de los asesinatos, bastante fuera de la película y me parece un error enorme ya que podrían haber jugado mucho con todo el tema del arte y al final todo finaliza de manera muy precipitada y bastante mal.
En el reparto también encontramos a DanielGrao, AntonioVelázquez, RobertoÁlamo, GinésGarcíaMillán y TamarNovas. Sin duda un reparto de grandes actores españoles que intentan levantar una historia que se pierde en la vida personal de Carmen, el personaje principal de Maribel Verdú. En general están bastante mal dirigidos y sus personajes terminan siendo muy planos, sin apenas emociones.
Quizás lo único que puede llamar más la atención acerca de la cinta es su fotografía, bastante curiosa, no es perfecta, pero sí que nos da una atmósfera de cine negro que le viene bastante bien.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de octubre 2019. Título original: El asesino de los caprichos. Duración: 95min. País: España. Dirección: Gerardo Herrero. Guión: Ángela Armero. Música: Vanessa Garde. Fotografía: David Omedes. Reparto principal: Maribel Verdú, Aura Garrido, Daniel Grao, Roberto Álamo, Ginés García Millán, Ruth Gabriel, Antonio Velázquez. Producción: Tornasol Films, Movistar+, Entre Chien et Loup.Distribución: A Contracorriente Films. Género: Thriller. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/1006/el-asesino-de-los-caprichos/
Formará parte de la sección Oficial Fantástico Panorama
El largometraje, producido por Miriam Díaz Aroca, está dirigido por Israel González, cuenta con Fernando Cermeño como actor protagonista y la presencia de Isabel Junnot, DavidM. Santana y Patricia G. Méndez. Su guión ha corrido a cargo de Juan de Dios Garduño, autor de la novela ‘Y pese a todo…’, adaptada al cine por Miguel Ángel Vivas en ‘Extinction’.
‘Fuel’ es un proyecto muy modesto sacado adelante con apenas 6.000€, y ha requerido un esfuerzo muy importante por parte de todo el equipo involucrado, que ha sacado el máximo partido de los recursos disponibles para poder armar esta producción de corte fantástico.
Con una distribución aún pendiente de cerrar, es un verdadero honor para todos los implicados en este proyecto inaugurar su recorrido en pantallas en un Festival como Nocturna, la cita anual más importante en Madrid para el cine de género. En concreto su proyección será el día 25 de octubre a las 17:15 en la sala 2 de Cinesa Proyecciones.
LO QUE CUENTA
Fuel es la historia de Raúl, un periodísta y “foodie” que realiza reportajes fotográficos y artículos para algunas revistas especializadas y para sus propias redes sociales. Tras pasar unos días en México, inicia un viaje hacia la frontera con Estados Unidos para realizar un reportaje sobre los restaurantes a pie de carretera en la mítica ruta 66. Su pesadilla comenzará cuando despierte en mitad del desierto y atado con una cadena a un viejo coche, sin agua, sin comida y sin posibilidad de escape.
CÓMO LO CUENTA
Fuel es un ejemplar despliegue de talento, que con tan solo 6.000€ de presupuesto y 4 días de rodaje ha armado con el esfuerzo colectivo de todo su equipo una historia que atrapa al espectador, invitándole a convivir con Rául en su particular purgatorio. Con una cuidada fotografía, un esmerado trabajo en sonido y una interpretación descarnada de Fernando Cermeño, Fuel se postula como una de los grandes títulos del fantástico de bajo presupuesto español de 2019, y como un gran ejemplo de lo que se pueden firmar resultados muy notables cuando se gestiona de manera óptima la economía de recursos.
Seguimos el camino de Aaron Paul para finalizar el festival
Aaron Paul ha demostrado hoy en Sitges ser todo un profesional. Tras un día viajando y enterarse al llegar a su hotel de la muerte de su compañero Robert Foster ha sido capaz no solo de asistir a todos los eventos de su programa si no de mostrarse divertido y abierto a todo tipo de preguntas o peticiones. Aún así tuvo palabras muy afectuosas para el recién fallecido actor.
Su película ‘El camino’ se estrenó justo el día antes y ha marcado el regreso a su archiconocido personaje de ‘Breaking Bad’, Jesse Pinkman. Sobre esto ha declarado que «Vince Guilligan no tiene que hacer nada para convencerme. Era algo que él tenía planeado. Hace dos año me lo sugirió y le dije que le seguiría basta el fondo de un abismo, me ha dado una carrera y le confiaría mi vida». A esto añadió que no tengo ni idea de cómo conseguimos mantener el proyecto en secreto dado que rodábamos en el exterior. Nos ayudo que hacía tiempo que se había acabado la serie. Mis conocidos me preguntaban que estaba grabando y yo decía, nada in proyecto indie, personal… Al final pudimos decir que la habíamos colado».
«Hay muchos personajes que me gustaría que apareciesen pero confiaba en Vince, el sabe lo que hace y no iba a meter a nadie con calzador o que no fuese necesario» dijo sobre el elenco que aparece en la película de Netflix. «Este es el fin para Jesse Pinkman, es un regalo para la audiencia. El propósito era clausurar su historia. El final de la serie es precioso, tengo una opinión obviamente sesgada pero lo pienso así» añadió.
«No tengo ni idea de que va a ser de mi carrera. Espero que me sigan llevando trabajos que me lleven a otros límites. Espero tener otra hija y viajar por todo el mundo» comentó tras este punto final para su personaje. Añadió después que «voy a hacer una serie para Apple con Octavia Spencer, es mi primer trabajo original. Estoy también en la tercera temporada de Westworld, fue un rodaje de locura».
Sobre la serie que co-protagonizó y que a tantos nos ha gustado desveló que «cuando leí el piloto pensaba que conocía al personaje. Pero después de muchos episodios vimos como se habían formado capas en él. Yo había comido y bebido al personaje, me forcé a crear un contexto, pero con la película hemos entrado en un capitulo que me ha ayudado a comprender el infierno que ha vivido». Además le preguntamos sobre cómo es trabajar con Bryan Cranston con quien lanzará una bebida (Dos hombres) próximamente: «Ese tipo fue mi mentor y le amaré hasta morir. Es la persona más inmadura al trabajar que conoceré en mi vida pero también de las más profesionales. Trabajar con él fue como estar en un continuo taller de interpretación».
Por sorpresa y a pesar de estar visiblemente afectado en su salud, se ha plantado Dario Argento en Sitges. El maestro del terror italiano ha estado acompañado de AntoniaLava para presentar un teaser y hablar de uno de sus próximos trabajos. «Hemos hecho un teaser que es un regalo a Sitges, a su público» dijo Lava. El vídeo que hemos visto dura 27 segundos y Dario Argento se partía de risa al verlo en la sala.
La serie que va a realizar junto a Lava es una co-producción italiano y española. «Voy a rodar en Barcelona, habrá un director español y técnicos de aquí, por eso me parecía buena idea venir a presentarlo al festival. Aunque mi idea sería que más que un español fuesen dos y que se encargasen de la parte final que es la más difícil» afirmó el mítico director italiano.
La pregunta era fácil que surgiese ¿qué es el Giallo para ti? «Es una especie de thriller, en el que no se sabe quién es el asesino. Es elegante, bello, con mucha atención especial a las mujeres. Colores bellos. Ha habido muchas interpretaciones de giallo en Estados Unidos pero es eso» respondió. Actualmente está surgiendo muchas películas que imitan el género italiano. «Estamos viviendo un renacer del giallo y por eso me persiguen para hacer una película. Pero yo quiero hacer algo que realmente me interese» dijo rotúndamente.
También se ha dado a conocer en esta jornada el palmarés de la 52ª edición, podéis consultarlo aquí. Seguidamente podéis leer las últimas películas que hemos visto des este Sitges 2019.
Un epílogo que cierra una serie que fue cerrada de manera elegante y con una especie de cliffhanger. ‘El camino’ es una perla para aquellos que aman ‘Breaking Bad’ o tienen frescos sus detalles ya que rescata varios elementos que vimos durante sus 5 temporadas.
Aaron Paul demuestra de nuevo lo buen actor que es y nos remonta con una joven nostalgia al personaje de Jesse Pinkman. La película de Vince Gilligan funciona a pesar de la pérdida de Heisenberg (Bryan Cranston) y se mantiene esa sensación de que Jesse no era el lumbreras de la asociación pero sí que como un perro acorralado sabe salir de sus embrollos. No es un título esencial para comprender la que se considera una de las mejores series de la historia pero si funciona como bálsamo para el intenso final que mantuvo en vilo a millones de personas.
Estas reglas son las que deben respetar las dos protagonistas de ‘Braid’ si quieren salir con vida de la casa donde su extraña amiga de la infancia vive y donde van a refugiarse al estar buscadas por la policía.
A partir de entrar en la casa nuestras protagonistas tienen que enfrentarse a diferentes juegos que inventa Daphne, llegando a ser torturadas y llevadas a la locura. Esta locura se termina convirtiendo en la gran protagonista de la cinta dando imágenes y situaciones bastante absurdas y muy llamativas. Eso sí, todas ellas llenas de sangre, muertes y con una gran puesta en escena.
Las tres protagonistas son MadelineBrewer (‘El cuento de la criada’), ImogenWaterhouse (‘Animales nocturnos’) y SarahHay (‘9-1-1’). La película se deja ver, quizás no sea de lo mejor que he visto en el Festival, pero sinceramente me la esperaba mucho peor.
Vuelve la Familia tan querida (sobre todo por los mayores) a las grandes salas, esta vez en formato película de animación.
Dirigida por GregTiernan y ConradVernon (‘La fiesta de las salchichas’) esta Familia Addams deja mucho que desear, al menos para los que tenemos en el recuerdo las dos cintas de los años 90. Han intentado mostrar en todas las imágenes escenas un tanto macabras, pero no logran dar ese toque siniestro a esta historia que está más pensada para un público demasiado infantil.
En su versión original escuchamos las voces de CharlizeTheron, que está maravillosa hasta doblando, OscarIsaac o Chloë Grace Moretz, sin duda el personaje peor interpretado. Y ya lo de la música de SnoopDogg es otra manera de vender la película que más bien pega para un ‘Hotel Transilvania’.
SABU nos ha demostrado a aquellos que no habíamos visto sus películas que es un portentoso director. Tras divertirnos con la rareza que es ‘Dancing Mary’ hemos podido comprobar con ‘JAM’ que sabe hacer diversos tipos de historias. En concreto esta consiste en una de esas difíciles narraciones que cruza los caminos de distintos personajes.
El filme está tremendamente bien montado y su guión no deja fleco alguno. Observamos el destino de tres jóvenes que tienen diferentes problemas pero múltiples nexos en común. ‘JAM’ nos muestra unos saltos de trama a lo ‘Pulp Fiction’ para después guiarnos por una venganza a martillazos como en ‘Old boy’ y seguir contándonos una historia a lo ‘Misery’, pero no se queda ahí.
Tres visiones diferentes de Japón con pellizcos de humor y golpes de acción. Una idea que da para más y que próximamente hemos podido saber que SABU continuará explotando. Lo deseamos y lo veremos.
Las sectas y los sueños entran en juego en este filme ruso dirigido por el debutante PavelSidorov. Pero lo que más se impone son los miedos y el trauma, sobre todo en el trasfondo de la protagonista que bien poco nos ayuda a sentir su situación dada su actuación falta de expresividad y espontaneidad.
Buena puesta en escena es la que nos regala ‘Quiet comes the down’ no obstante resulta demasiado esclarecedora, da excesivas pistas y se huele el pastel tremendamente pronto. Una pena pues la historia de partida es muy atractiva y original, es como un ‘Inception’ versión terror con una mitología propia tras ella.
La niña de ‘The ring’ (versión japonesa) continúa sus andanzas en el cine y tras varias entregas y un enfrentamiento contra Kayako (el fantasma de ‘El grito’) tiene porfin una película con su nombre. Un filme que ha dirigido el director de las primeras partes (Hideo Nakata)
Está muy lejos de lo que fue a finales de siglo esta niña melenuda y de lo que a principios conseguía su director con películas como ‘Dark water’. La película es tan poco coherente con las «normas» del fantasma que nos descoloca. A parte de tener fallos de guión las actuaciones son de muy bajo nivel . Llega a ser incoherente y a repetir los pasos de entregas anteriores eliminando así cualquier factor sorpresa o giro de guión que aporte algo de riqueza a esta saga.
Ni siquiera incorporando elementos tan modernos como la profesión de youtuber logra ser ingeniosa o novedosa. Aunque hay que admitir que la única secuencia salvable es la del vídeo viral que filma uno de los personajes.
Esta nueva película de supuesto terror adapta la última novela de la saga de Koji Suzuki. Esperemos que sea la última y dejen descansar a Sadako en paz.
Acaban de anunciarse los premios de la 52 edición del Festival de Sitges y podemos anunciar con satisfacción y totalmente de acuerdo que la gran triunfadora con varios galardones es una película española como ‘El hoyo’. Otros títulos que han recibido más de un galardon son ‘Adoration’ o ‘Bacurao’. Por supuesto hay que decir aquello de que nunca llueve a gusto de todos pero seguro que entre los premiados encontráis más de uno que también os va a gustar. A continuación tenéis todo el listado.es que yo de que nunca llueve a gusto de todos pero seguro que entre los premiados encontráis más de uno que también os va a gustar. A continuación tenéis todo el listado.
Secció Oficial Fantàstic a competició
Millor pel·lícula / Mejor película / Best Feature Length Film
El hoyo, de Galder Gaztelu-Urrutia
Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction (sponsored by XAL)
Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles (Bacurau)
Millor interpretació masculina / Mejor interpretación masculina / Best Actor
(sponsored by Jeep Turiauto)
Miles Robbins (Daniel Isn’t Real)
Millor interpretació femenina / Mejor interpretación femenina / Best Actress
(sponsored by Mistinguett Sparkling)
Imogen Poots (Vivarium)
Millor guió / Mejor guion / Best Screenplay
(sponsored by Caixabank & La Caixa)
Mirrah Foulkes (Judy & Punch))
Millors efectes especials / Mejores efectos especiales / Best Special Effects
(sponsored by Deluxe)
Iñaki Madariaga (El hoyo)
Millor fotografia / Mejor fotografía / Best Photography (sponsored by Moritz)
Manu Dacosse (Adoration)
Millor música / Mejor música / Best Music
Dan Levy (J’ai perdu mon corps)
Premi especial del jurat / Premio especial del jurado / Special Jury Prize
Adoration, de Fabrice du Welz
Gran Premi del públic a la millor pel·lícula / Gran Premio del público a la mejor película / Audience Award Best Motion Picture
(sponsored by La Vanguardia)
El hoyo, de Galder Gaztelu-Urrutia
Millor curtmetratge de gènere fantàstic / Mejor cortometraje de género Fantástico / Best Fantastic Genre Short Film
(sponsored by Fotogramas)
Polter, de Álvaro Vicario
Menció als nens d’Adoration / Mención a los niños de Adoration / Mention to the kids of Adoration
Thomas Gioria & Fantine Harduin
Menció a la pel·lícula Achoura / Mención a la película Achoura / Mention to the Film Achoura
Achoura, de Talal Selhami
Noves Visions
Millor pel·lícula / Mejor película / Best Feature Film
Dogs Don’t Wear Pants, de J-P Valkeapäa
Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction
Mattie Do (The Long Walk)
Millor curt Noves Visions Petit Format / Mejor corto Noves Visions Petit Format / Best Noves Visions Petit Format Short
Lucienne mange une auto, de Geordy Couturiau
Noves Visions Menció 1 / Mención 1 / Mention 1
Nina Wu, de Midi Z
Noves Visions Menció 2 / Mención 2 / Mention 2
Jesus Shows You the Way to the Highway, de Miguel Llansó
Noves Visions Menció 3 / Mención 3 / Mention 3
Hail Satan?, de Penny Lane
Panorama Fantàstic
Premi del públic a la millor pel·lícula / Premio del público a la mejor película / Audience Award Best Motion Picture
Extra Ordinary, de Aike Ahern y Enda Loughman
Midnight X-treme
Premi del públic a la millor pel·lícula / Premio del público a la mejor película / Audience Award Best Motion Picture
The Devil Fish, de David Chuang
Focus Àsia
Premi del públic a la millor pel·lícula / Premio del público a la mejor película / Audience Award Best Motion Picture
The Gangster, the Cop, the Devil, de Lee Won-Tae
Sitges Documenta
Premi del públic a la millor pel·lícula / Premio del público a la mejor película / Audience Award Best Motion Picture
La venganza de Jairo, de Simón Hernández
Méliès Awards
Méliès d’Argent a la millor pel·lícula / Méliès d’Argent a la mejor película / Méliès
d’Argent to a Feature Film
Adoration, de Fabrice du Welz
Méliès d’Argent al millor curt / Méliès d’Argent al mejor corto / Méliès d’Argent to a Short Film
Children of Satan, de Thea Hvistendahl
Blood Window
Premi Blood Window / Premio Blood Window / Blood Window Best Film
Breve historia del planeta verde, de Santiago Loza
Òrbita
Millor pel·lícula Òrbita / Mejor película Òrbita / Best Òrbita Film
Huachicolero, de Edgar Nito
Jurat de la crítica
Premi de la crítica José Luis Guarner / Premio de la Crítica José Luis Guarner / José Luis Guarner Critic’s Award
Bacurau, de Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles
Premi Citizen Kane al director revelació / Premio Citizen Kane al director revelación / Citizen Kane Award for Best New Director
Galder Gaztelu-Urrutia (El hoyo)
Carnet JOVE
Premi Jurat Carnet Jove al millor llargmetratge de gènere fantàstic / Premio Jurado Carnet Jove al mejor largometraje de género fantástico / Carnet Jove Award for Best Fantasy Genre Feature Film Bacurau, de Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles
Premi al millor llargmetratge d’animació / Premio al mejor largometraje de animación / Award for Best Animated Feature Film
Ride Your Wave, de Masaaki Yuasa
Premi al millor curtmetratge d’animació / Premio al mejor cortometraje de animación / Award for Best Animated Short Film
The Lonely Orbit, de Frederic Siegel & Benjamin Morard
Brigadoon
Premi Brigadoon Paul Naschy / Premio Brigadoon Paul Naschy / Paul Naschy Brigadoon Award
Marc Martínez Jordán (Tu último día en la Tierra)
Sitges Cocoon
Premi a la millor pel·lícula Sitges Cocoon / Premio a la mejor película Sitges Cocoon / Best Sitges Cocoon Film
Gloomy Eyes, de Jorge Tereso & Fernando Maldonado
SGAE Nova Autoria
Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction
Pau Bösch & Berta Galvany (La mugre. UPF)
Millor direcció / Mejor dirección / Best Direction
Marina Espinach (Cuando acabe el verano. Bande à Part)
Millor música / Mejor música / Best Music
Juan Luis Pérez (Gusanos de seda. ESCAC)
Millor guió / Mejor guion / Best Screenplay
Agustín Elizalde & Carlos Villafaina Gusanos de seda. ESCAC)
Millor guió / Mejor guion / Best Screenplay
Marina Espinach (Cuando acabe el verano. Bande à Part)
Regresamos al Baztan acompañados de gran talento oriental
La trilogía del Baztán continúa con su adaptación y se ha proyectado en Sitges este 10 de octubre. La obra de Dolores Redondo sigue siendo fielmente adaptada por FernandoGonzálezMolina que ha rodado de manera seguida la dos siguientes películas, esta que nos ocupa ‘Legado en los huesos’ y ‘Ofrenda a la tormenta’. Se han rodado intercaládamente. El equipo de la trilogía tenía pensado desde siempre en llevarla a la gran pantalla al completo. Según el director «Es la primera vez que en el cine español se hace un «back-to-back» como se dice. Ha sido un rodaje de casi 19 semanas». Sobre esta secuela comentó que «La segunda evoluciona con respecto a la primera. Cambia de género convirtiéndose en una saga en la que el componente emocional crece como lo hace igualmente la protagonista. […] Dolores vino al rodaje como una compañera más pero nos ha dejado libertad».
En la rueda de prensa han estado presentes además del director Adrián Guerra, ImanolArias, Marta Etura, Francesc Orella y la productora Rosa Pérez. Para Marta Etura su personaje detective con un marido que cuida a su bebé es un reflejo de la actualidad. «Se está demostrando que hay protagonistas femeninas que son igual de potentes e interesantes» dijo. Imanol Arias habló muy bien de la actriz guipuzcoana «Marta Etura me encanta, soy como un fan con ella. Fui jurado de Málaga cuando le dimos el premio y se lo dije de antemano, me podrían haber echado de todos los festivales (risas). A mí ponerme con Marta Etura me pone».
Este ha sido un día muy oriental porque nos ha sido posible disfrutar de una copia remasterizada de ‘Zatoichi’. También hemos podido coincidir con SABU el director japonés que proyecta dos películas este año. Una de ellas es ‘Jam’ y la otra ‘Dancing Mary’ (reseña aquí) en la que actúan Naoto (‘Ghost in the shell: the new movie’) y Ryo Ishibashi (‘El grito’, ‘Brother’). Podéis ver su foto en la galería al final de este artículo.
Además durante el día de hoy hemos podido ver al equipo de ‘Her Blue Sky’ (Tatsuyuki Nagai) y a los de la cinta ‘The Ganster, the Cop, the devil’ (Won-Tae Lee y Moo-Yul Kim). Os dejamos sus fotografías y a parte en los resúmenes diarios, tanto de hoy como de ayer, podéis leer nuestras reseñas sobre todas las películas mencionadas.
‘Legado en los huesos’
Fernando Fernández Molina continúa con su adaptación de la obra de Dolores Redondo. Tras una fidedigna primera parte llega ‘Legado en los huesos’. Una película que arranca justo donde dejamos a Amaia Salazar (Marta Etura). Esta es una historia que de nuevo vuelve a estar cargada de tradiciones del norte de nuestra península. Una nueva muestra de la cantidad de mitología que nos queda por explorar en España.
Este es un título más familiar en el sentido de que la familia de la protagonista está mucho más implicada. Salazar tiene que investigar diversos casos a la vez y uno de ellos está directamente relacionado con ella. En ese sentido llega un punto en el que se hace algo liosa pero por norma general se puede decir que este es otro buen ejercicio de cine policíaco mezclado con los folclores más antiguos.
Marta Etura vuelve a capitanear estupendamente el reparto, siendo este de primer nivel. La trama rebosa intriga y drama y además está reforzada por una seductora y particular ambientación.
Un joven escritor en la ruina sufre de insomnio a causa de unas pesadillas en las que extraños hombres le quieren matar. Esos terroríficos sueños son tan intensos y mágicos que llegan a traspasar a la realidad. Nuestro protagonista acaba encontrando la manera de usarlos en su beneficio, cambiando hasta su forma de ser alcanzando el punto de olvidar su pasión por escribir.
Esta es una de esas películas en las que los chinos nos demuestran lo que están dispuestos a invertir para hacer un cine que rivalice con el de Hollywood aportando además mucho CGI.
Tiene una trama cómica con un pánfilo protagonista, una parte romántica y escenas de fantasía/acción. El filme es divertido pero nos viene a contar algo muy manido: que el dinero no da la felicidad ni aporta el talento o el carisma, que todo tiene un coste y que por encima de todo la avaricia rompe el saco.
Otra tomadura de pelo para aquellos que buscan cine fantástico. Es un drama sobre adolescentes en el que la única relación con la física de partículas son los inconexos datos científicos y las imágenes del LHC. Como única metáfora podemos decir que las hormonas circulan y rebotan por el aire como si de electrones acelerados se tratase.
Un adolescente al que te dan ganas de dar una colleja para ver si espabila contempla la vida y experiencias de otros con ojos de ansia y envidia. Nos muestran como intenta conquistar a la chica que le gusta y al final la película se pone hasta poética, pero no es una obra para nada relevante ni sesuda ni justificada.
Unas bandas especializadas en robar motos entran en conflicto y el resultado es un policía muerto, dando con uno de los delincuentas a la fuga, perseguido tanto por los ladrones de motos como por la policía. La película de Yi’nan Diao está rodada con mucho gusto y estilo. Desarrolla sus propios códigos y los respeta con suma paciencia. Pasa de planos largos que gestiona con pasimonia y buenos movimientos a estallidos de violencia puntuales de lo más sangrientos.
Comienza con flashbacks para posteriormente guiarnos por el presente de sus protagonistas. Tiene una estructura narrativa que engancha y una gestión de personajes que hace que te familiarices rápido con ellos. La tensión que genera está muy lograda, sobre todo en sus secuencias finales.
Comenzamos la película con una frase de WilliamShakespeare y otra de Beyoncé, si, esto es para prepararnos para ver una película bastante absurda.
‘Come to daddy’, nos devuelve a ElijahWood en un género en el que se desenvuelve genial, el thriller. Nuestro protagonista va a visitar a su padre, el cual les abandonó cuando él tenía cinco años, tras recibir una carta decide marchar y pedirle explicaciones.
Con un giro de guión bastante chulo, la película termina siendo una sangría bastante curiosa, donde Elijah es un chaval bastante pardillo que tiene que defenderse para lograr salvar su vida.
Con una atmósfera muy chula y unos personajes muy buenos, sobre todo el trío de villanos. Vemos escenas delirantes y absurdas durante todo el metraje.
Drama narrado desde un punto muy amable, tremendamente amable y tontorrón. Una empleada de supermercado bastante empanada, cobarde y sin sangre se ve en la aventura de cuidar a su vecina (cuyo padre ha desaparecido). Ella tiene sus TOCs y la niña llega para desbaratar del todo su vida, comiéndose sus reservas de peta zetas (Cosmic candy), por ejemplo.
Música horrible, un cierre con agujeros de guión, una trama vacía de mensaje… de lo peor que hemos visto en un festival que tampoco parece su lugar. He aguantado todo el filme por respeto a la directora que estaba presente.
Tras pasar por Cannes nos llega este título coreano basado en un caso real y en el que figura un actor que ya pasó por el festival el año pasado, Ma Dong-seok. Este interpreta a un gangster que ha sido atacado por un asesino y cuya pista persigue el policía que normalmente hurga en todos sus asuntos o chanchullos. Como indica el título este thriller de acción nos mantiene pendientes a tres bandas. Es un pulso por imponer la justicia y la venganza de cada uno.
La película no tiene un componente fantástico como tal, se enmarca en el escenario típico de corrupción policial que siempre aparece cuando está presente la mafia. Se sostiene el filme gracias a que sus tres protagonistas dan muy bien la talla. Ma Dong-seok como un capo de esos que se ensucian las manos y tiene conducta agresiva a pesar de conservar cierto grado de decencia, Kim Mu-Yeol como insistente y ágil detective y Kim Sungkyu como un asesino al que realmente te dan ganas de abofetear por las caras de capuyo que pone.
El director Lee Won-Tae ha generado una solvente película de acción, de esas en las que se destrozan unos cuantos coches y locales, invirtiendo una pizca en sangre. Quizá puedo decir que es la película menos espectacular que le he visto a Dong-seok, una bajada a la tierra antes de su aparición en ‘Eternals’.
La animación asiática al poder en un día en que hemos visto sexo con un frigorífico
Las películas animadas como ‘White Snake’ o ‘Human lost’ han sido de lo más destacado en un día en el que también hemos disfrutado de títulos como ‘Punto muerto’, ‘Yves’ o ‘Corporate animals’. Más decepcionante ha sido la inclusión en el programa de films como ‘Pelican blood’ o ‘I trapped the devil’.
Para nosotros este ha sido un día especial por haber podido conocer a los autores de películas de culto como ‘The endless (El infinito)’ o ‘Resolution’. Aaron Morhead y Justin Benson han estado junto con el productor David Lawson Jr. para presentar ‘Synchronic’. Una de estos dos talentosos y prometedores directores que han contado en esta ocasión con actores como Anthony Mackie y Jamie Dornan. Nos han contado como en esta ocasión han tenido más presupuesto en su nueva película y así poder contar con los actores citados como protagonistas. Además de que estaban muy interesados en hacer esta película por lo el tema de las drogas, lo curioso que podría ser que una droga hiciese viajar en el tiempo, además de utilizar a una persona de color, pues como se ve en el filme, la historia de América no es muy dada a tratarles bien. Han hablado también de sus otras cintas, que ya pudimos ver en Sitges en años anteriores, como ‘The Endnless’ y ‘Resolution’ y del largometraje que está ahora mismo en el festival, ‘AfterMidnight’ pues también son productores.
Este es el material que se ha proyectado hoy y que hemos visto. Para saber a cerca de otros títulos visitad nuestras entradas anteriores.
‘Pelican blood’
Una domadora de caballos ha de enfrentarse a la crianza de una criatura indómita. Y no me refiero a uno de sus cuadrúpedos que tiene que preparar para policías anti-disturbios, si no a una nueva hija. Acostumbrada a trabajar con animales irracionales y salvajes se ve en el reto de tener que contener a una niña que no encuentra barreras entre lo bueno y lo malo, que no entiende de normas y que la pone al límite.
Es un buen drama, con unos paralelismos bien definidos e inteligentemente introducidos. Pero si alguien encuentra algo fantástico en esta película es que tiene un gran problema o mucho miedo a convivir con niños pequeños. Solo en los últimos compases entra la vía de la superstición y deja una ligera sombra de duda. Lo único que vemos es que la criatura (que se llama Raya) no sabe dónde está la raya entre lo que debe o no hacer, está como asilvestrada y su comportamiento afecta a la armonía de su hogar, a las relaciones y trabajo de su madre. ¿Es ahí donde han visto terror los programadores del festival?
Las nuevas tecnologías son las grandes protagonistas de esta película, en especial un frigorífico que no solo enfría, sino que sirve de agenda, te pide la comida que necesites y además te ayuda en tu vida personal.
Jerem un rapero de poca monta decide acoger una de estas neveras como experimento y para poder comer gratis durante unos días. Yves le ayuda en todo lo que puede hasta que ambos se enamoran de la misma mujer.
Una comedia bastante delirante amor y sexo con electrodomésticos son los temas hacia donde va la cinta. Además nos dan una de las mejores galas de Eurovisión que podáis ver en una pantalla. Además por supuesto de una historia de amor extraña y futurista.
Una vez más los japoneses son capaces de crear una obra de ciencia ficción con nuevos códigos. Su comprensión de la tecnología y concepto del alma o cuerpo humano ha dado a luz una humanidad longeva, regenerativa y monitorizada. Un mundo en el que un muerto puede ser resucitado de manera remota.
La película tiene mucha acción y una excelente animación que puede recordar a las últimas versiones de ‘Ghost in the shell’ casual o referencialmente una organización del filme se llama G.H.O.S.T. Con su calidad visual en la que se emplea mucho ordenador nos adentran en una ciudad de metal y personas controladas muy futurista y con toque distópico.
Este no es un filme 100% basado en la informática o los nano implantes, no hay riesgo de perderse con sus tecnicismos porque está muy bien explicada. Un regalo para los amantes de las historias futuristas y la exploración de la esencia humana.
Divertida y delirante, así es ‘Corporate animals’, donde vemos a un equipo de trabajo obligado a salir durante unos días para hacer espeleología y aprender a trabajar en equipo uniendo lazos.
Algo muy típico en Estados Unidos, son este tipo de excursiones para lograr crear amistad entre todos los trabajadores, lo que no sabían estos pobres currantes es que quedarían encerrados en una cueva y que todo esto no haría más que sacar lo peor de cada uno.
De lo mejor que he visto en el Festival, no es una joya, pero como he dicho es muy divertida y ver a DemiMoore como una estricta y desquiciada jefa ha sido bastante gratificante.
¿Cuánto dura el ser humano en sacar su lado oscuro? ¿En intentar ser mejor que otros? Competitividad, amistad, viejas rencillas, todo ello lo veremos aquí y os aseguro que os lo pasareis genial .
Recién estrenada en Argentina y con una lograda ambientación en blanco y negro que nos remonta a clásicos del cine negro conocemos la historia de un autor que sufre en sus carnes lo que él mismo ha escrito. «Elegí un mal día para dejar de tomar» dice el protagonista interpretado por Osmar Núñez (‘Arde Madrid’, ‘Relatos salvajes’) recordándome ‘Aterriza como puedas’. Y así va el principal personaje de este filme, luchando para no estrellarse.
Planos lúcidos y frases elocuentes en un relato digno de Agatha Christie. Realidad y ficción se mezclan en un duelo a contrarreloj entre escritores, policía y el miedo a la crítica. Con los toques que tiene nos recuerda a Alan Poe y podemos decir que la frase «el miedo puede abrir las puertas de la imaginación» describe correctamente un filme que nos hace jugar como en el black stories.
Desde China nos llega una historia de amor y aventuras muy apta para casi todas las edades que nos narra una contienda entre viejas y nuevas corrientes, entre cazadores de serpientes, taoistas y demonios. Rodeando un romance imposible tenemos mucha acción, pero un poco de indecisión a la hora de determinar el público objetivo.
‘Bai she: yuan qi (White Snake)’ es una película con una animación digna de la calidad de una serie televisiva, donde muchas veces se ve que hay menos margen de tiempo y presupuesto para pulir detalles. Pero dicho lo cual no es para quitarle méritos ya que tiene su interés artístico. Porque si que es cierto que el diseño tiene mucho encanto y sobre todo al principio del filme vemos imágenes con ángulos y composiciones excelentes.
Esa animación nos incita a pensar que es una película de tintes infantiles, incluso hay un momento musical y un personaje canino parlante bastante pueril, que por cierto a veces está bastante maltratado. Pero en el transcurso de la película vemos algo de violencia sin sangre y un preludio al sexo a si es que el nivel de edad se puede decir que se eleva.
El encanto de los cuentos orientales nos abraza bastante en este filme que tiene momentos bastante imaginativos y desemboca en las ya clásicas contiendas místico-kaiju. Una cinta de animación bastante potable y exportable que no me extrañaría que estuviese disponible alguna vez en España.
El director SABU y el actor RyoIshibashi han presentado en Sitges Festival ‘Dancing Mary’ una historia muy típica de fantasmas, donde un grupo de obreros intentan derrumbar un edificio encantado. El jefe de obra y una médium deben encontrar al amado de Mary para lograr que sus almas descansen en paz.
Dentro de esta historia típica me ha gustado mucho los recursos que ha utilizado el director, como por ejemplo interrogar a los fantasmas para lograr llegar al final de la búsqueda, los diferentes médiums que intentan ayudar a la causa y como la imagen cambia a blanco y negro cuando pasan al mundo de los espíritus.
Una película muy bien dirigida, muy bonita visualmente pero donde flojea bastante la historia.
Toho suma una apuesta más por la animación con este título de Tatsuyuki Nagai (‘El himno del corazón’). Anime de corte clásico que nos cuenta como una joven idolatra al novio de su hermana y decide seguir sus pasos. El chico se marcha a la gran ciudad y años después su versión joven reaparece en el local donde ensayaban, encontrándose con una muchacha que está lista para tocar el bajo con él e incluso enamorarse.
Una historia que transcurre en el Japón rural y que habla sobre la búsqueda de identidad, la persecución de los sueños y todo aquello que se puede perder al dejar atrás tu ciudad y gente. Aunque suene muy dramático se hace bastante amena.
Un joven se topa con un tipo que dice ser la muerte. Éste le lleva por la ciudad a vivir experiencias que no están en sus costumbres. Es entonces cuando el protagonista vive más intensamente incluso disfruta de la vida. Todo transcurre en una sola noche en la que deambulamos por una ciudad alemana muy oscura.
La película de Xaver Böhm tiene una especie de obsesión por las flores y las luces de neón, no sé si será algo propiamente típico del director (no he visto más trabajos suyos) o es únicamente algo que ha empleado para ambientar introduciéndonos en una noche de temores y sustancias alucinógenas. Me parece muy correcto el uso que hace de los diálogos y los acontecimientos para sembrar la duda en el espectador. ¿Es realmente la muerte o un tipo pasado de rosca?
Matt es convencido por su mujer para visitar su casa de la infancia donde sigue viviendo su hermano. Llevan tiempo sin saber de él y quieren pasar las navidades juntos. Lo que no se esperan es encontrarse a su hermano en un estado un tanto paranoico y diciéndoles que tiene un demonio encerrado en su sótano.
El filme está rodado un juego de luces y colores estupendo, una casa bastante claustrofóbica y un sótano del que no sabes exactamente qué va a salir. Lo tiene todo para ser una buena película, pero es demasiado previsible y según avanza ves venir el siguiente paso sin emoción ninguna.
‘Synchronic’, ‘Harpoon’ y ‘L’angle mort (Blind spot)’ lo más destacado
Hoy hemos tenido el gusto de poder asistir a la rueda de prensa de ‘El hoyo’, película que os recomendamos desde el artículo de ayer. El director Galder Gaztelu-Urrutia se ha rodeado de los actores Ivan Massagué, Zorion Eguileor y Antonia San Juan además del productor CarlosJuárez y el guionista David Desola para presentar este filme que se estrenará en salas en noviembre o diciembre y luego pasará a Netflix a nivel mundial.
Juárez nos relartó que «a partir de Toronto todo fue muy fácil y Netflix entró en nuestra vida. Todos han asegurado que esta película se debe a un intenso trabajo de grupo, a las aportaciones que cada uno a puesto. Desola por otro lado declaró que «yo quería puntualizar en la falta de empatía y de solidaridad. Como pasa con la crisis migratoria del Mediterráneo, vemos que países que lo han sufrido hace cuatro días no tienen solidaridad».
El día nos ha dejado multitud de actividades. Como la que nos va presagiando el estreno de ‘El camino’, la película de Netflix que continúa ‘Breaking Bad’. La plataforma online ha organizado una gymkana y para aquellos que la completasen había premio.
A continuación como siempre hacemos en nuestros diarios podéis leer reseñas de las películas proyectadas hoy y que hemos podido ver. Así como una galería de fotos.
‘Synchronic’
De los directores de ‘The Endless’ llega ‘Synchronic’ donde nos vuelven a llevar a un mundo de ciencia ficción, donde los problemas personales y los viajes en el tiempo son los grandes protagonistas.
Una de las cosas que más me gusta de JustinBenson y AaronMoorhead es lo bien que crean a sus personajes, con personalidades bien definidas y además la naturalidad con la que tratan los problemas a los que se enfrentan todos los protagonistas.
‘Synchronic’ no es la mejor de sus películas, pero aun así logran enganchar desde el principio y gustar. La fotografía y el sonido siguen siendo uno de sus puntos fuertes, dando un halo de fantasía que hace que nos creamos mucho más lo que estamos viendo.
Un barco sirve como cárcel a tres amigos que han salido a disfrutar de un día juntos. MunroChambers (‘Turbo Kid’), EmilyTyra y ChristopherGray, son estos tres personajes que nos hacen disfrutar desde el primer segundo de la cinta.
Infidelidades, amistad, oscuros secretos y un verdadero psicópata es lo que encontramos en este barco a la deriva.
Con un narrador bastante canalla, vamos conociendo los pasajes de esta sencilla y divertida historia, llena de rencores y también bastantes locuras. Además tenemos ante nosotros uno de los mejores finales de todo el Festival.
Es una versión interesante del clásico del hombre invisible. Y el explora desde un punto intimista y existencialista. Nos aleja de las versiones artificiosas y espectaculares para emplear un discurso que se fundamenta más en la psicología y el estado mental del protagonista. La pena es que no explote más su propio concepto y alcance una conclusión más reveladora.
No necesita efectos especiales para recrear la invisibilidad del protagonista. Se basta con trucos ópticos y movimientos de cámara para mostrarnos cuándo es o no visible. Otro punto a favor es que no parte del secreto sino de que más gente conoce su poder, don o maldición y de este modo espera muy bien las implicaciones y cuidados de volverse invisible así como sus usos y aplicaciones.
Buen duelo interpretativo entre Jean-Christophe Folly (‘Cargo, les hommes perdus’) y Golshifteh Farahani (‘Paterson’). Da demasiados rodeos alargando la duración y el ritmo de la película es una lástima porque su perspectiva es muy interesante.
Ojalá hubiese salido la mitad de contenta de lo que han salido el resto de espectadores, pero ‘Patrick’ no me ha gustado nada, me ha aburrido y además me ha dejado totalmente indiferente.
El hijo del encargado de un camping nudista (Patrick, de 38 años) busca su martillo perdido durante los 97 minutos que dura la película. Patrick es un personaje bastante curioso, calmado y con muy poco carisma.
No he entrado para nada en esta historia que realmente no me ha aportado nada. Lo único que quizás si salvo es el tema de los personajes secundarios, pues tenemos ante nosotros un campamento nudista lleno de personajes extraños y bastante cotillas.
A base de imágenes rodadas en los últimos años, el director Marco Lledó Escartín ha construido un corto que da una visión romántica del pasado de Albania. Incluso hay tomas realizadas durante la grabación de su película ‘The Invocation of Enver Simaku’, la película que pudimos ver el año pasado. Este es un soliloquio a voz susurrante que al final rebosa autobombo y que sirve poco más que como documento informativo.
El drama de una actriz que se mantiene a base de cortos y videos en la red. Nina Wu aguanta cualquier cosa con tal de conseguir la actuación que le piden, aunque con eso tenga que soportar maltrato u ofrecer su cuerpo a regañadientes. Es por eso que podemos ver el impacto de no poder trabajar o el de haber ejercido su profesión de un modo que no le agrada, ni a ella ni a nadie. El filme relata las dificultades de una mujer oriental para dedicarse a la actuación.
Una obra que nos muestra a una país asiático en pleno progreso pero que conserva valores tradicionales y cuestionables. Tiene sus referencias y metáforas al cine occidental. Una obra que me ha sido aburrida pero que al menos me demuestra que en Taiwan son capaces de hacer películas osadas, acordes a una actualidad real y fuera de lo típico.
Advertencia, no ver nunca esta película a la hora de la siesta porque su ritmo duerme y sus continuos y estridentes ruidos despiertan molestamente. ‘Starfish’ es una película lenta, desolada y meditabunda de principio a fin. En ella una joven parece estar totalmente sola en el mundo y nos va descubriendo muy poco a poco el dolor y la pérdida que siente. A su vez comprendemos la razón de ser de su situación, pero es algo que está en segundo plano.
A.T. White ha realizado un presumido largometraje en el que él mismo dirige, escribe, compone la música, diseña las criaturas… Una película excesivamente intimista que hará las delicias de los instagramers con toda su cantidad de secuencias de transición e imágenes en detalle pasadas por un colorido pero frío filtro.
Está repleta de momentos sentimentaloides, extraños e intensos acompañados de ciertos sobresaltos. Todo ello para desarrollar una especie de discurso sobre la perdida y la culpa a través de artificios que solo a genios como Nolan les salen bien. Al fin y al cabo está dedicada a Sayako «Grace» Robinson, una joven que falleció con tan solo 27 años y que además da nombre a uno de los personajes. Se podría decir que es el ‘A Ghost story’ de este año.
Nos vamos al Medievo en esta película polaca donde conocemos a dos hombres que llegan a una isla y se ponen a evangelizar a todo ser humano que está allí.
No he visto ningún otro trabajo del director de fotografía Jacek Podgórski, pero sin duda merece la pena mencionarle por el buen trabajo realizado. Los primeros planos, las texturas y el color son detalles que llaman mucho la atención en esta cinta.
Bartosz Konopka, director de la cinta, ha sabido llevarnos a una época en la que la violencia por culpa de las creencias estaba al orden del día y no era complicado ver morir a gente o tribus enteras por la causa.
‘The Mute’ no es perfecta pero sí que podemos decir que es una de las películas que ha merecido ver en pantalla grande en el Festival.
Hay pocas o ninguna películas árabes de género y hemos podido ver la que ha dirigido Talal Selhami. Un filme bastante bien realizado, no tanto interpretado, que nos lleva por una historia de terror infantil y adulto. Unos niños se enfrentan a una criatura (cuya concepción está muy bien realizada) y esta les priva de uno de sus amigos. Hacen una promesa y cuando son mayores y han olvidado el trauma han de enfrentarse de nuevo a ese ser devorador de niños.
Demasiados parecidos al ‘It’ de Stephen King a pesar de tener mucho sabor a tradiciones de oriente medio. Incluso uno de los niños acosados por el llamado Bougetate se llama Stephen. A pesar de ello se puede considerar bueno este regreso del director de ‘Mirages’ que ha conseguido varias escenas que causan impacto.
Trabajo de debut de Roxanne Benjamin. De debut en el largometraje pero se nota que esta directora ya ha hecho sus pinitos participando en proyectos como ‘V/H/S’. Ella dirige, escribe y produce esta cinta en la que una aprendiz de guardabosques se pierde intentando hacer méritos y se encuentra un cadáver. Una escena de un posible crimen que debe salvaguardar durante toda una noche de pesadilla.
La protagonista, interpretada por Karina Fontes, es desquiciantemente torpe, pero los zooms de cámara que le hace la directora también puede contribuir a asustarla y a sus incesantes caídas. Su final se puede intuir y este aburrido cortometraje solo se entiende por qué está en Sitges a falta de media hora de su conclusión. Este es un filme psicológico con incompetencias scouts y técnicas de grabación muy nóveles.
Argumentalmente podría haber sido un episodio aislado de cualquier antología de terror, como ‘Creepshow’, que precisamente es el próximo trabajo en el que se va a embarcar Roxanne Bejamine. A la película le sobra metraje y le faltan ideas.
Paradise Hills es una residencia de lujo donde familias acomodadas mandan a sus hijas para que sean entrenadas y educadas para ser mujeres perfectas.Uma es enviada allí y pronto descubrirá que la residencia oculta un oscuro secreto.
Crítica
El llamativo diseño de producción de ‘Paradise Hills’ no es suficiente aliciente
Nacho Vigalondo (‘Colossal’) y Brian DeLeeuw (‘Curvature’) firman el guión de este título que ha dirigido Alice Waddington, la autora del excéntrico cortometraje ‘Disco Inferno’. Al igual que en su primer corto de ficción y yendo más allá que el vestuario que elaboró para ‘Magical Girl’ Waddington hace un ejercicio estrafalario digno de cualquier anuncio de colonia.
Con Emma Roberts (‘Nerve’, ‘American Horror Story’) como protagonista nos monta una casa de muñecas en movimiento, un cuento de princesas deforme y colorido lleno de motivos estrambóticos y faltos de pragmatismo, como suele pasar en las pasarelas de moda. En este «cuento» en el que Milla Jovovich (‘Resident Evil’, ‘Hellboy’) se acomoda en su posición de villana se nos narra una historia muy limítrofe a ‘La isla’ mezclada con toques de dorama coreano con lo que tenemos la previsible y manida historia de la mosquita muerta sobreponiéndose a todo y tomando el control de su vida.
‘Paradise Hills’ se compone de mucho talento femenino, tanto si nos referimos a sus artífices como si hablamos del valor del personaje de Emma Robers. Pero se desperdicia en cuanto vemos que se regodea en cuentos harto adaptados y nos cansa nada más ver que recurre a giros de guión de lo más trillados. Su protagonista no actúa mal, tiene carisma y se mueve bien entre tan grotesca y pigmentada isla. Pero la técnica actoral o tras la cámara no son la pega, pues encontramos también buenos planos. En conclusión, no basta solo con una estética llamativa.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de octubre de 2019. Título original: Paradise Hills. Duración: 95 min País: España. Dirección: Alice Waddington. Guion: Brian DeLeeuw, Nacho Vigalondo. Música: Lucas Vidal. Fotografía: Josu Inchaustegui. Reparto principal: Emma Roberts, Danielle Macdonald, Awkwafina, Eiza González , Jeremy Irvine, Arnaud Valois, Milla Jovovich. roducción: Nostromo Pictures, RTVE. Distribución: Nostromo Pictures. Género: ciencia ficción, romance. Web oficial:https://nostromopictures.com/film-detail/paradise-hills/
La empresa audiovisual francesa, mk2, fundada por Marín Karmitz en 1974, considerada hoy en día un emblema del cine de autor mundial, presenta su primer concepto de cine urbano en el corazón de Madrid. El Instituto francés, dependiente de la Embajada de Francia, pone a disposición de esta iniciativa un espacio privilegiado con un aforo de 250 butacas, recientemente remodelado y equipado con la última tecnología 4K, ubicado en el barrio de Chueca (Marqués de la Ensenada, 10).
De viernes a domingo el espectador encontrará en esta sala una programación insignia del sello mk2: cine de calidad en versión original subtitulada, acompañada en ocasiones de encuentros con cineastas, preestrenos y eventos especiales. mk2 Institut français de Madrid será un punto de encuentro para los amantes del séptimo arte donde, siguiendo la filosofía de la marca, se defenderá una mirada crítica y singular del mundo y se reflejará la diversidad del paisaje cinematográfico mundial.
Programación
La cartelera del primer fin de semana estará compuesta en su totalidad por exclusivos preestrenos que podrán ser disfrutados en mk2 Institut français de Madrid antes de su estreno oficial en salas de cine. Un conjunto de títulos que destacan por su calidad y diversidad, y por haberse alzado con importantes galardones en prestigiosos festivales. Destacan ‘Retrato de una mujer en llamas’, la película de Céline Sciamma reconocida con el galardón a Mejor guion en Cannes y recientemente presentada en la sección Perlas del Festival de San Sebastián;‘Los Miserables’, la poderosa ópera prima de Ladj Ly, ganadora del premio del Jurado en el Festival de Cannes; ‘Parásitos’, del coreano Bong Joon-hoo, que además de contar con la Palma de Oro de Cannes, se postula como una de las favoritas al Oscar a Mejor película extranjera; ‘Sauver ou périr’, la desgarradora historia de un bombero heroico interpretatada maravillosamente por Pierre Niney; y ‘Sin Filtro’, la brillante comedia francesa de Eric Lavaine que pone de relieve el gran talento de Alexandra Lamy. Todas ellas proyectadas en versión original subtitulada.
Exposición inaugural
La exposición basada en las obras de Hélène Delmaire realizadas para la película ‘Retrato de una mujer en llamas’, recibirá a los primeros asistentes a mk2 Institut français de Madrid entre el 4 y el 27 de octubre. Pinturas y bocetos originales acompañados de vídeos explicativos para contextualizar la importancia del arte en la historia de amor incandescente entre la pintora (Noémie Merlant) y su modelo (Adèle Haenel). Obras que reflejan el poder de la mirada de la artista, capaz de captar con pinceladas una verdad invisible.
En el Mediterráneo, el mar sobre el que se fundó nuestra civilización, miles de refugiados aguardan a que Europa les acoja. A las puertas del viejo continente, luchan por mantener viva la esperanza a pesar de las precarias condiciones bajo las que subsisten. Varados se acerca a la vida cotidiana de esos refugiados de larga duración. En edificios ocupados en Atenas o en campos de refugiados repartidos por todo el país, estos hombres y mujeres siguen a la espera de una documentación que les permita continuar con sus vidas.
Crítica
Una crítica social llena de humanidad y esperanza
Este viernes llega a nuestras salas ‘Varados’ el documental de HelenaTaberna, directora de ‘Yoyes’, que ha sido el encargado de abrir la sección de Zinemaldía de la 67ºedición del FestivaldeSanSebastián.
Conocemos la vida de varias familias separadas por la guerra, jóvenes con grandes sueños e ilusiones, personas que han perdido la esperanza de tener una vida mejor en Europa, pero no quita para que lo den todo para ayudar a las personas que tiene a su alrededor y hacerles la vida un poco más fácil.
Muy bien documentado, ‘Varados ‘ nos muestra lo bueno y lo malo de estos campos. La tristeza que tienen muchas de las personas y familias que allí habitan. Cómo juntos, poco a poco van recobrando la esperanza.
Personas que no son de la misma religión se unen para darse ánimos, cuando irónicamente la mayoría están huyendo exactamente de eso, de las guerras por la religión.
Es una lástima conocer tantos casos de gente que lo único que quiere es tener una oportunidad de tener una vida sencilla. Aunque el documental me ha parecido un poco repetitivo en su forma, no quiere decir que sea malo, y como he dicho es necesario verlo y conocer todas estas situaciones y sobre todo saber el porqué están allí.
Una de las historias que conocemos es la de Jamal, un hombre enamorado del deporte, sobre todo del boxeo y que se encarga de ayudar a otros refugiados entrenar y además cuidar de la gente con la que vive, con la limpieza, la cocina y se vuelca en la gente mayor.
Mohammad otro de los refugiados, vive con su sobrino y que pese a su movilidad reducida sale siempre con ánimo a la calle para seguir avanzando con algo de esperanza para poder ver de nuevo a su mujer e hijas, las cuales siguen en Siria.
Helena Taberna nos trae la crisis de los refugiados de una manera muy sencilla, en la que los protagonistas nos cuentan sus vidas en los campos, sin entrevistas, simplemente mostrándonos su día a día.
Me ha gustado que tampoco intenta hacernos llorar, simplemente humaniza toda esta situación, no hay política, hay seres humanos con mucha esperanza esperando su oportunidad.
También el gran trabajo de FrodoGarcía–Conde, director de fotografía de la película, es muy bueno y podemos ver el gran protagonista de la cinta, el Mediterráneo que deben pasar todos estos refugiados, ese mar que se ha tragado tantas vidas.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de octubre de 2019. Título original: Varados. Duración: 72 min. País: España.Dirección: Helena Taberna. Guión: Helena Taberna. Música: Ignacio Bilbao. Fotografía: Frodo García-Conde. Producción: Lamia. Distribución: Márgenes Distribución. Género: Documental. Web oficial:https://www.lamiaproducciones.com/pelicula/varados/
Anunciadas más películas para el festival madrileño
El martes 22 de octubre, el Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid inaugurará su VII edición con la película Urubú de Alejandro Ibáñez, en una gala que tendrá lugar en Cinesa Proyecciones y que contará con numerosos invitados. Entre ellos, el director Alex Proyas (El cuervo; Dark City; Yo, robot; Señales del futuro), que llegará desde Australia para recibir el Premio Maestro del Fantástico que cada año otorga el Festival a una figura destacada del género, y que hace dos ediciones galardonó a Chicho Ibáñez Serrador.
“A mi padre le hubiese encantado la idea de que Urubú se estrenase en Nocturna Madrid. El homenaje que este festival le hizo fue muy emotivo para él. Y para mí es un auténtico honor. El objetivo siempre ha sido hacer una película en homenaje al cine de mi padre, cuyo talento y sabiduría sé que nunca podré igualar, y entretener al público con un producto original y diferente”, admite Alejandro Ibáñez. Además, para el director de Nocturna Madrid, Sergio Molina, inaugurar el Festival con el estreno del primer largometraje de Alejandro Ibáñez Nauta “define la apuesta de este Festival: ser un escaparate de la proyección internacional del fantaterror y del género fantástico y de terror español de calidad”.
Protagonizada por Carlos Urrutia (Aprobado en castidad; El Águila y la niebla, y más de una treintena de obras teatrales), y Clarice Alves (actriz brasileña que ha trabajado bajo la dirección de Bruno Saglia y Chus Gutiérrez, y que ahora vive en Madrid junto a su esposo, el emblemático futbolista Marcelo Vieira), y con un pequeño papel que el propio Alejandro Ibáñez interpreta -siguiendo la costumbre de su padre y como digno sucesor de una larga dinastía de actores-, narra la aventura de un ornitólogo que intentará fotografiar al urubú albino, un extraño pájaro del que no hay registro en libertad. Para ello, arrastrará hasta allí a su familia. Todo se tuerce, o comienza, según se aprecie, cuando su hija desaparece y ese entorno paradisíaco se convierte en un terrible escenario donde un peligro acecha, obligándoles a luchar a fin de no perder aquello que más quieren.
La cinta, “un proyecto creado desde el corazón y con gran humildad”, según confiesa Ibáñez, ha sido rodada en exteriores e interiores naturales de la selva amazónica brasileña y desarrolla algunos de los temas que ya había tratado su padre en sus películas. También, según explica, ha querido “denunciar de forma orgánica y natural algunas feas realidades del mundo que nos ha tocado vivir, siguiendo la máxima de que el cine y la televisión además de entretener deben servir para comunicar ideas y educar”.
Ibáñez Nauta, que compartía con su padre la afición por el cine de terror, terminó la película dos semanas después del fallecimiento de éste. “Siempre me quedará la pena de que no haya podido ver la película terminada, pero sinceramente creo que le hubiese gustado mucho y que se hubiera sentido muy orgulloso del resultado”.
Nocturna Madrid presentará también en la gala inaugural de su VII edición el cortometraje de Ibáñez Nauta Reality, que pretende visibilizar el sufrimiento de los niños en las guerras, con un formato innovador que mezcla realidad y ficción y en la que Narciso Ibáñez Serrador participó como productor.
Reality es un corto de 20 minutos que recuerda a ¿Quién puede matar a un niño? y que evidencia el miedo auténtico que vive la infancia durante un conflicto armado. “A un niño le puedes asustar con un monstruo debajo de la cama, pero cuando te habla de la posibilidad de perder a su familia, su casa, es algo que produce más miedo y que nunca se ha reflejado en una película. Las películas no dejan de ser ficción y esto supera en mucho cualquier susto que podamos dar”, asegura Ibáñez Nauta.
Este cortometraje es, además, una cinta realizada en colaboración con la ONG Save the Children “como un instrumento para mover conciencias”, afirma Ibáñez. Fue rodado en Lesbos y en casa de Chicho Ibáñez, y cuenta con un reparto encabezado por Lydia Bosch, Dani Rovira, Adriana de Castro y Carlos Latre.
Entre las películas que formarán parte de la Sección Oficial Fantástico Competición de la VII Nocturna Madrid destaca una de las triunfadoras en Sundance, Little Monsters, del cineasta australiano Abe Fosythe. Una comedia gamberra de zombies carnívoros, asaltos con guitarras mortales, destripamiento, death metal, gore, mini golf, conga, extraterrestres, y mucho más, protagonizada por Lupita Nyong’o (Doce años de esclavitud, 2013; El libro de la selva, 2016; Black Panther, 2018; Nosotros, 2019).
Además, Body at Brighton, de Roxanne Benjamin, y la producción canadiense Z, de Brandom Christensen (It Stains the sands red, 2016; Still Born, 2017) que escribe y produce Colin Minihan (Grave Encounters, 2011), en la que una familia es aterrorizada por el amigo imaginario de su hijo de 8 años.
La Sección Oficial Dark Visions Competición llegará llena de curiosidades como The Furies, el debut gore en el largo del también australiano Tony d’Aquino, otra ‘gamberrada terrorífica’ que homenajeará al cine de terror con ocho asesinos inspirados en clásicos de los 70 y 80.
Y si alguien quiere dejar de comer, sólo tendrá que ver The Young Cannibals, obra de Kris Carr y Sam Fowler. Un film de trepidante horror sobrenatural filmado alrededor de una casa señorial en las montañas de Snowdonia.
También formarán parte de la programación El cerro de los dioses, del director español Daniel M. Caneiro (Con la Comida No Se Juega; Madurar a los 30; Pochinok; Carretera secundaria); Echoes of fear, codirigida por Brian Avenet-Bradley y Laurence Avenet-Bradley; y para pasar unas navidades de lo más “tranquilas” I Trapped the devil de Josh Lobo.
La Sección Fantástico Panorama es “una muestra de la vigencia y de las innovadoras producciones que aporta el género hoy en día”, según comenta el director de Nocturna Madrid, Sergio Molina.
En esta sección se podrán ver películas como la producción india Andhadhun, del prolífico director y guionista Sriram Raghavan. Un film que mezcla thriller y comedia negra en un guion lleno de giros que reta al público a agudizar sus sentidos. La película obtuvo el prestigioso Premio de la Crítica Filmfare Award a la mejor película, y fue la ganadora de la pasada edición del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic, con el que Nocturna Madrid ha unido lazos para iniciar un acuerdo de colaboración y desarrollar sinergias conjuntas: Nocturna Madrid exhibirá películas galardonadas en dicho festival.
Hablando de monstruos y mutaciones, se presentará Los albores del Kaiju Eiga, de Jonatán Bellés, una cinta española que acerca a los orígenes de Godzilla a través de entrevistas con cineastas, actores y expertos involucrados en las películas de este ser surgido de la química y la contaminación. Y en el 40 aniversario de Alien, de Ridley Scott, no podía faltar Memory: The Origins of Alien de Alexandre O. Phillipe, que cuenta el proceso simbiótico del cine, el poder del mito y el inconsciente colectivo, haciendo analogías de la historia con las mitologías griegas y egipcias, cómics clandestinos, la obra de Francis Bacon y las oscuras visiones de Dan O’Bannon y H.R. Giger.
También dentro de Panorama, los espectadores encontrarán títulos como la fuerza maliciosa de Hex, el cuarto film del cineasta sudafricano Rudolf Buitendach; Bullets of Justice, la coproducción entre Kazajistán y Bulgaria dirigida por Valeri Milev; o Blood Machines, una Space Opera de 50 minutos escrita y dirigida por Seth Ickerman -el pseudónimo bajo el que trabajan Raphaël Hernández y Savitri Joly-Gonfard- y marcada por la personalidad del músico Carpenter Brut.
España. Verano de 1936. El célebre escritor Miguel de Unamuno decide apoyar públicamente la rebelión militar que promete traer orden a la convulsa situación del país. Inmediatamente es destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca.
Mientras tanto, el general Franco consigue sumar sus tropas al frente sublevado e inicia una exitosa campaña con la secreta esperanza de hacerse con el mando único de la guerra. La deriva sangrienta del conflicto y el encarcelamiento de algunos de sus compañeros hacen que Unamuno empiece a cuestionar su postura inicial y a sopesar sus principios.
Cuando Franco traslada su cuartel a Salamanca y es nombrado Jefe del Estado de la zona nacional, Unamuno acudirá a su Palacio, decidido a hacerle una petición de clemencia.
Crítica
Un filme derrotista sobre una época en la que perdimos todos
La expresión «en la guerra no hay vencedores ni vencidos» cobra más sentido y se va de la mano con la frase «Venceréis, pero no convenceréis» de Miguel de Unamuno. El ilustre escritor protagoniza la nueva cinta de Amenábar con un Karra Elejalde muy metido en su papel y sin pecar en lo excesivo o lo rimbombante.
‘Mientras dure la guerra’ nos habla mucho de Unamuno pero su discurso está más asentado en lo dañino de la falta de entendimiento, de la cerrazón y el extremismo, de unos y de otros. El filme nos arroja pocos rayos de esperanza para el ahora basándose en una época en la que la sinrazón o el desconcierto poblaba las calles de las ciudades españolas. La acción transcurre en la Salamanca recién ocupada por los golpistas y es quizá por eso que parece que la película da más palos al bando de derechas, pero este nuevo largometraje histórico reparte a todas las facciones, descubriendo además hechos pocos conocidos del principio de la Guerra Civil. Traiciones, dudas, miedo y tristeza dominan un filme que deja poco espacio al optimismo.
Como relato de la llegada al máximo poder para Franco (Santi Prego) es una obra estupenda. Refleja el fanatismo que giraba en torno a su figura, los golpes de suerte que le acompañaron toda su vida y las estratagemas sibilinas que empleaba. Si bien es cierto que personajes como Millán-Astray (Eduard Fernández) o el mismo Franco en ocasiones parecen algo caricaturizados, uno por exacerbado y el otro por excesivamente empanado. Pero ambos personajes tienen momentos en los que vemos que no todo es ni blanco ni negro.
Precisamente esa es una virtud del filme de Amenábar, que no cae en alabanzas, blanqueo de personajes o como se dice ahora greenwashing. ‘Mientras dure la guerra’ no muestra una visión idealizada de nadie y menos de Unamuno, más bien al revés, el por entonces rector de la Universidad de Salamanca reincide en errores y contradicciones. Al igual que sucede con el que fue caudillo de España que más que como un exaltado militar se le plasma como un hombre falible, repleto de miedos.
Para un salmantino emigrante como yo es un gustazo ver lo bien que luce la piedra de Villamayor a través de la lente de un gran buscador de momentos como el director de fotografía Álex Catalán, el mismo que nos brindó apabullantes imágenes con ‘La isla mínima’ y ya se vio inmerso en otras películas históricas como ‘1898. Los últimos de Filipinas’. Desde la Calle Libreros en la que residía Unamuno junto a la universidad hasta la plaza mayor o el archiconocido puente romano realizamos un recorrido que pese a la tristeza del relato vende excelentemente la capital charra. No ha perdido detalle Amenabar que ha tenido a bien no olvidarse del clásico Novelty, refugio de otros afamados autores de nuestra literatura o cuna de la Unión Deportiva Salamanca y Radio Nacional de España.
Sin necesitar recurrir al famoso «como decíamos ayer», que Unamuno utilizó parafraseando a ilustres predecesores suyos, se ha rescatado la figura del autor de novelas como ‘Niebla’ o ‘Fedra’. Pero como decía antes este no es un biopic al uso, ‘Mientras dure la guerra’ no es una película que busque hablar de los últimos días del escritor bilbaíno. Rescatar a este literato de la generación del 98 solo es una excusa para hablarnos de un momento de división ideológica muy extrema justo en unos días en que parece que nuestro país está políticamente roto. Una propuesta no falta de riesgo pero que a mi parecer es lo suficientemente neutral como para ser considerada objetiva.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de septiembre de 2019. Título original: Mientras dure la guerra. Duración: 107 min. País: España. Dirección: Alejandro Amenábar. Guion: Alejandro Amenábar, Alejandro Hernández. Música: Alejandro Amenábar. Fotografía: Álex Catalán. Reparto principal: Karra Elejalde, Eduard Fernández, Santi Prego, Nathalie Poza, Patricia Lopez Arnaiz, Luis Bermejo, Tito Valverde, Inma Cuevas, Carlos Serrano-Clark, Luis Zahera, Ainhoa Santamaría, Mireia Rey, Luis Callejo, Dafnis Balduz, Jorge Andreu, Itziar Aizpuru, Pep Tosar, Miquel García-Borda. Producción: Mod Producciones, Movistar+, Himenóptero, K&S Films, Mientras dure la guerra. Distribución: Buena Vista Internacional. Género: hechos reales, drama. Web oficial:https://www.facebook.com/mientrasdurelaguerra/
El jurado de la sección oficial a concurso de la decimotercera edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), formado por los músicos Osvaldo Montes (en calidad de presidente) y Harry Manfredini, los cineastas canarios Vasni Ramos y Mercedes Afonso, y Gorka Oteiza, creador de la web especializada en música de cine SoundTrackFest, ha considerado la música de la cinta noruega ambientada en la Segunda Guerra Mundial ‘The Birdcatcher’, escrita por Jim Copperthwaite, merecedora del Premio FIMUCINEMA Alex North a la mejor partitura original de la edición 2019 de la sección oficial a concurso de FIMUCITÉ, “por su acertada presencia en la película, siempre equilibrada y sin caer en excesos melodramáticos, permitiendo al espectador experimentar y sentir el viaje de una persona normal atrapada en medio de la guerra”.
El Premio FIMUCINEMA a la Mejor partitura original en la categoría de documental ha sido para Olivier Militon, por ‘The Superpowers of the bear’, “por el desafío narrativo de la creación de una partitura musical para un documental tan complejo, evocando la esencia del asombro por el descubrimiento y con unas acertadas pinceladas étnicas”.
En el apartado de cortometraje, el Premio FIMUCINEMA a la Mejor partitura original ha recaído en Mathieu Alvado por ‘Rebirth’. El Jurado ha destacado “la capacidad de su música de fusionarse con una historia tan extensa y compleja y convertirse en su corazón y motor principal, sin necesidad de más complementos.”
Y en lo referente a la Mejor canción original, el Premio FIMUCINEMA ha sido para ‘Lo que siento por ti’, obra de Frank Ceara (letra) y Pengbian Sang (música), “por asumir los dos elementos principales de la película, el corazón y el humor, adaptándose a la evolución de la propia historia”.
El anuncio y entrega de los galardones ha tenido lugar en el concierto ‘Campeones de la Gran Pantalla’, celebrado este domingo en el Auditorio de Tenerife “Adán Martín” bajo la batuta de José Antonio Cubas al frente de la Joven Orquesta Sinfónica de FIMUCITÉ, conformada por alumnos del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife y del Conservatorio Superior de Música de Canarias, así como un grupo de talentos de Cracovia, invitados a unirse en este recital a los intérpretes canarios en el marco del acuerdo de intercambio internacional con el Festival de Música de Cine de Cracovia (FMF),
FIMUCITÉ 13, dirigido por el reconocido compositor y director de orquesta Diego Navarro, ha celebrado su decimotercera edición con el patrocinio del Cabildo de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, Audi Canarias, Teleférico del Teide, y con la colaboración de la Fundación SGAE, entre otras entidades.
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