Arranca el rodaje de la ópera prima de Pilar Palomero, autora de los multipremiados cortometrajes ‘La noche de todas las cosas’ o ‘ZimskoSunce’. La película está protagonizada por AndreaFandos y NataliadeMolina. El resto de los personajes de ‘Las niñas‘ son aragonesas y para muchas será su primera experiencia como actrices.
‘Las niñas’ cuenta la historia de muchas de las mujeres de hoy, dibujadas a través de la educación que recibieron a principios de los 90 en España.
El rodaje de la cinta, se desarrollará mayoritariamente en Zaragoza y Lleida, durante 6 semanas. Al desarrollarse en el año 1992, año de la Expo de Sevilla o de las Olimpiadas de Barcelona, las localizaciones escogidas en Zaragoza han sido el Instituto Miguel Servet, el Parque José Antonio Labordeta, el Paseo de Ruiseñores, las cuales tendrán que viajar en el tiempo y regresar a cómo eran en el año 92.
Producida por IniciaFilms y BteamProds. Cuenta con la participación de RadioTelevisiónEspañola, TelevisióndeCatalunya, Televisiónde Aragón, MovistarPlus y con el apoyo del ICAA y el ICEC. También cuenta con la participación del ProgramaMedia.
ValérieDelpierre, de IniciaFilms, cuenta que apostó por este proyecto «Primero por la mirada de Pilar, que me encandiló cuando trabajamos la primera vez juntas, y luego, por supuesto, por la génesis de la historia. Una historia sobre una generación de mujeres que tiene una mochila y que ha sido educada en esas contradicciones. Además, me gusta que sea una historia universal. Todos somos una consecuencia de lo que hemos vivido y del momento histórico en el que lo hemos vivido«.
Sinopsis:
Celia, una niña de 11 años, estudia en un colegio de monjas en Zaragoza y vive con su madre. Brisa, una nueva compañera reciñen llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa de su vida: la adolescencia. En este viaje, en la España de la Expo y de las Olimpiadas del año 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.
Teresa (Carmen Machi) ve apagarse Fuentejuela de Arriba, la pequeña aldea de la montaña donde ha vivido toda su vida. Pero el pueblo recibe una visita inesperada: en medio de la nieve aparece un desubicado grupo de africanos… cuya llegada conmociona la aldea.
Teresa lo tiene claro: huidos de una situación de explotación a la que habían llegado engañados, los africanos quieren quedarse en España como sea… y esa puede ser la solución al problema de falta de habitantes en el pueblo.
Con ayuda de sus amigos Jaime (Pepón Nieto), y el “Guiri” (Jon Kortajarena) decide ocultarlos y diseñar un plan. Poniendo patas arriba prejuicios y temores infundados, los recién llegados y los habitantes locales trabajarán juntos para que su hogar continúe existiendo.
Crítica
Comedia plural en la España rural
En 2016 vi ‘La puerta abierta’ (crítica aquí) sin saber quién era Marina Seresesky. Acudí al pase de prensa con afán de cubrir la película para mi web y atraído por el gran reparto que lucía en sus créditos. Pero al salir mis impresiones hicieron que recomendase la película realmente por otras muchas cosas. Tanto ejerciendo de directora como de guionista Seresesky logró en su película alcanzar un discurso sensible, humorístico, dramático y tierno. Es por eso que ‘Lo nunca visto’ me ha parecido una película inferior a esa.
No creo que alcance esas nominaciones a los Goya o los Feroz que tuvo en su momento la directora con su opera prima. Tres años después de aquel éxito nos propone una comedia al uso, que tampoco es baladí, pero que como obra en su conjunto es menos completa. ‘Lo nunca visto’ es un filme que contiene muchas escenas disparatadas y absurdas, con grandes contrastes culturales e incluso generacionales y que se preocupa de intentar hacernos reír a la vez de transmitirnos un mensaje. El problema es que ese mensaje ya se distingue a poco que leamos la sinopsis de la película, por lo que el giro final de guión no tiene gran trascendencia.
En ‘Lo nunca visto’ vemos como un grupo de africanos de raza negra llega a un pueblo español perdido de la mano de Dios en pleno invierno. La villa está a punto de perder su estatus de localidad a causa de la despoblación y la protagonista de la película ve en ellos un rayo de esperanza, pero los prejuicios de los aldeanos pueden impedir la salvación. Para hilar toda esta locura Seresesky ha contado de nuevo con Carmen Machi como protagonista. La actriz madrileña capitanea como siempre de un modo estupendo el reparto. Aunque el punto fuerte de este largometraje son algunos de sus secundarios, como esas hermanitas interpretadas por Esperanza Elipe y Pepa Charro o el danzante Jimmy Castro.
¿Se puede hacer humor sobre personas de distinta raza sin caer en lo chabacano o xenófobo? La directora argentina demuestra que si con mucha soltura y con un buen abanico de gags, convirtiendo esta película en una muestra muy plural, tratando asuntos diveros. ‘Lo nunca visto’ no anda corta de gracias. Si bien es cierto que he dicho antes que se ve venir el mensaje también hay que reconocer que identificamos ciertas partes pronosticables de este tipo de comedias. Lo que no me esperaba era una banda sonora tan preciosista, pero claro, cuando uno ve que su autor es Fernando Velázquez (‘La cumbre escarlata’, ‘Un monstruo viene a verme’, ‘Lo imposible’), ya se da cuenta del nivel que hay.
Aunque he llevado la cuenta de un gran número de chistes entorno al racismo es una película más enfocada a orientar a través de las vías del humor temas como el respeto, los prejuicios o la modernización de valores. ‘Lo nunca visto’ tiene irónicamente bastantes puntos vistos en la comedia española pero por otro lado está tratada muy correctamente. Me ha dejado con sentimientos enfrentados pero la sensación no es mala dado que se palpa que Seresesky de nuevo se ha involucrado en las temáticas que trata.
El filme está dedicado al fallecido Fernando Hugo Rodrigo, quien fue jefe de desarrollo en Tandem Films (productora de la película) y guionista de ‘CineBasura. La peli’ trabajo que nos dio ocasión de entrevistarle y filmarle incluso para los extras del DVD.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de julio de 2019. Título original: Lo nunca visto. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Marina Seresesky. Guion: Marina Seresesky. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Sergi Gallardo. Reparto principal: Carmen Machi, Pepón Nieto, Kiti Manver, Jon Kortajarena, Miguel Cañaveras, Montse Pla, Ricardo Nkosi, Malcolm T. Sitté, Jimmy Castro, Txema Blasco, Mariana Cordero, Pepa Charro, Esperanza Elipe, Enriqueta Carballeira, Paco Tous, Santi Ugalde, Sonia Almarcha, Pablo Carbonell. Producción: TVE, Tandem Films, Solomon Solon AIE. Distribución: Filmax. Género: comedia. Web oficial:http://www.filmax.com/peliculas/lo-nunca-visto.117
El Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera rendirá tributo en su tercera edición -que tendrá lugar del 23 al 30 de noviembre- al prolífico actor, director y guionista madrileño especializado en cine de terror Paul Naschy, cuando se cumple el décimo aniversario de su fallecimiento, precisamente el día de la clausura del certamen. Su hijo Sergio Molina, director del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid, visitará Isla Calavera para recordar al artista y presentar al público la proyección de uno de los títulos clave en la filmografía de Jacinto Molina Álvarez, quien desde su participación en la película ‘La marca del hombre lobo’ (Enrique López Eguiluz, 1968) adoptó el nombre artístico de Paul Naschy.
Asimismo, el Festival Isla Calavera contará también como invitado con Ángel Sala, director desde el año 2001 del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña – Sitges, el encuentro dedicado al género más importante del mundo que alcanza el próximo mes de octubre su 52ª edición. El también escritor, guionista y crítico de cine participará en el programa de actividades paralelas.
La inscripción de obras a concurso para las secciones oficiales de largometraje y cortometraje del Festival Isla Calavera se encuentra abierta a través de las plataformas digitales Festhome y Filmfreeway. El plazo de registro finaliza el 10 de octubre.
Pronto se darán a conocer más novedades e invitados de la tercera edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera, una iniciativa de la Asociación Cultural Isla Calavera, la Asociación Cultural Charlas de Cine, la publicación especializada TumbaAbierta y Multicines Tenerife.
El 25 de octubre se estrenará la siguiente obra de Daniel Calparsoro
La película dirigida por Daniel Calparsoro, ‘El silencio de la ciudad blanca’, ya muestra su primer tesaer tráiler y sus primeras fotografiáis. La obra y producida por Atresmedia Cine, Rodar y Rodar, Silencio ciudad blanca AIE y HUGO P27 con la participación de Atresmedia, Movistar+, EITB y Netflix llegará a las salas el 25 de octubre de la mano de DeAPlaneta,y Film Factory se encarga de las ventas internacionales.
Esta nueva historia estará protagonizada por Javier Rey y Belén Rueda, junto a Aura Garrido y AlexBrendemühl. Es un thriller de misterio basado en el best seller de Eva García Sáenz de Urturi que posteriormente se convirtió en trilogía. La película ha sido rodada en escenarios naturales de la ciudad de Vitoria y diversas localizaciones de la provincia de Álava.
Sinopsis oficial: Vitoria, 2019. Los cadáveres de un chico y una chica de veinte años aparecen desnudos en la cripta de la Catedral Vieja. Unai López de Ayala, un inspector experto en perfiles criminales, debe cazar al asesino ritual que lleva aterrorizando a la ciudad desde hace dos décadas. La sucesión imparable de crímenes y una investigación policial contaminada por las redes sociales llevarán al límite a Unai, enfrentándolo a un asesino camaleónico y despiadado que podría estar más cerca de lo que creía.
Juan Vicente Chuliá analiza la danza de la manera más ecuménica posible
Aquellos que se encuentren esta misma noche en Madrid podrán tener la ocasión de ver ‘Danzantes’, el documental sobre la danza que ha elaborado Juan Vicente Chuliá. Un atrabajo que abarca desde la universalidad y lo global el mundo del baile, que deja que los movimientos hablen más que las palabras y que a dentro de unos meses comenzará a verse en diferentes festivales y salas de cine. Previamente en la Sala Azcona de Cineteca Matadero a las 20:30h de este 2 de julio habrá una presentación donde se proyectará este recorrido por el mundo de la danza repleto de entrevistas y escenas de baile.
Hemos tenido la oportunidad de hablar con el director del largometraje que nos ha desvelado algunas claves en su búsqueda a cerca de todo aquello que rodea a la cultura de la coreografía. Antes de este trabajo el cineasta exploró la música contemporánea de Madrid y el proceso de creación musical con ‘Temperado’ y ‘El Proceso’ respectivamente. Acercaos con sus palabras y con su película al arte de expresar los sentimientos con el movimiento del cuerpo.
-La danza se conoce como el quinto arte. ¿Crees que es una de las más infravaloradas o menos de moda dentro de todas las artes?
– Es curioso, porque es un arte ubicuo y universal, y aun así se percibe por el público como un lenguaje extraño. Cuando empecé a buscar referencias para la elaboración del documental me di cuenta de que la danza estaba en todas partes, en todas las culturas: que los niños bailaban, que había baile en los barrios más pobres y en los centros de alta cultura. La danza es movimiento, y cada cultura ha desarrollado códigos de movimiento porque también es un lenguaje.
A mí me resulta curioso que un arte tan físico, tan vinculado a nuestra propia fisonomía, pueda ser percibido como un arte “menor”. Mientras otras disciplinas artísticas serán reemplazadas, el acto del movimiento y de la expresión a través del cuerpo seguirá siendo un valor inseparable a nuestra naturaleza.
-Hablas en tu documental con bailarines de todo tipo. ¿Cómo ha sido la búsqueda de bailarines o coreógrafos a entrevistar, como has seleccionado a tus protagonistas?
– Cuando Cristina Masson, la directora artística del documental, y yo nos reunimos por primera vez, decidimos de inmediato que ‘Danzantes’ fuese un documental panorámico, un menú degustación de la danza en todas sus expresiones, así que tuve claro desde el desarrollo que debía ser una película inclusiva, que mostrase la diversidad de estilos y las diferentes aplicaciones que tiene la danza, y aún más: que se grabase en diferentes países, para ofrecer una muestra lo más diversa y extensa posible.
Por supuesto está la danza representada a su máximo nivel de exigencia artística, con la aparición de las primeras bailarinas de la Compañía Nacional de Danza y del Ballet de Finlandia, pero también aparecen niños que bailan danza urbana en las calles de Alcalá de Henares, bailarinas de 70 años en Pescara, una compañía de bailarines con síndrome de Down, bailaoras de flamenco japonesas en Tokio…
La intención es que el resultado final muestre que la danza se realiza como aspiración artística, pero también para salir de situaciones sociales difíciles: del bullying, de los barrios deprimidos… y como pura expresión personal.
– La danza es un lenguaje universal, todo el mundo, profesional o no puede expresarse a través de ella. ¿De qué manera te expresan los bailadores y bailarinas que han llegado a un punto máximo de satisfacción cuando han acabado de bailar?
– Hay muchísimos ejemplos: los bailarines de danza urbana inciden en la conexión con el grupo, en cómo se forman comunidades. Los bailarines de contemporánea, a pesar de lo abstracta que pueda parecer su propuesta, resaltan el hecho primario de hacer las cosas con el cuerpo. Los grandes bailarines de ballet encuentran la satisfacción en la excelencia, en interpretar grandes coreografías. Cada uno tiene un motivo diferente para sentirse satisfecho.
-Una obra basada en el baile a veces es muy abstracta. Tras indagar tanto en ella ¿cómo crees que puede alguien no entendido en danza entender por completo aquello que quiere expresar un bailarín profesional?
– ¡Ante todo es movimiento, es expresión! Nadie entiende por completo un cuadro o una sinfonía, lo que hay que hacer es disfrutarlas. En el fondo son propuestas artísticas: sólo hay que tener predisposición a escuchar lo que el otro quiere contar, y ver si conecta de algún modo con tus sensibilidades e intentar entender. El conocimiento viene después, cuando estás abierto a escuchar propuestas.
Por ejemplo: hay expresiones dancísticas más codificadas, como el ballet clásico, donde el espectador puede disfrutar conociendo los movimientos que se realizan: “qué gran écart, qué brisé en la segunda posición”. Pero no creo que sea necesario saber eso para disfrutar de una representación de El lago de los cisnes. Lo mismo sucede con cualquier otro estilo de danza. Y si quieres pasarlo bien de verdad, mira a una niña de cuatro años bailando.
-¿Cuál es la herramienta o el fin más inédito que le has encontrado al baile durante la elaboración del documental?
-Japoneses bailando flamenco en Tokio como único modo de desinhibirse en una sociedad con normas sociales muy rígidas. Bailarines en Santo Domingo que vienen de entornos desfavorecidos e intentar encontrar propósito a través del baile. Niños que han sufrido acoso en escuelas de barrios pobres de Alcalá de Henares que buscan un sentido de comunidad…Puedes imaginar la diversidad de fines que se logran.
-Has hablado con bailarines de diferente índole. ¿Qué definición de baile te han dado que más te haya sorprendido o tocado la fibra?
– De nuevo, cada uno tiene un modo de expresarlo. El bailarín Antonio Alonso me dijo “bailar es dibujar el movimiento, y yo me he pasado dibujando toda mi vida”; Erina Sanders les decía a sus danzantes urbanos “bailamos para cambiar el mundo”; Antonio Najarro, director de Ballet Nacional de España lo resumía en “la danza ha forjado una personalidad en mí, me ha hecho madurar”.
Pero en el documental dejamos que las palabras estén en un segundo plano y que sea el propio baile el que exprese emociones, relaciones de pareja, conflictos, identidades. A veces no son necesarias las palabras para percibir lo importante que el baile es para ellos, basta con un gesto.
-Muchísimas gracias por tu tiempo.
-Gracias a vosotros. En otoño ‘Danzantes’ comienza el recorrido oficial en cines y festivales. ¡Os mantendremos informados!
El festival con formato online y físico proyectado por Filmin
Acaba de arrancar la novena edición del festival Atlántida Film Fest. Un evento que como otros años tendrá una parte virtual y una física. La digital ya está en marcha y durará desde el 1 de julio hasta el 1 de agosto. La presencial nos cita también del 1 al 7 de julio en Palma de Mallorca (podéis consultar su programa aquí).
La peculiaridad de este festival es que nos sugiere más de 100 películas online. Títulos exclusivos que le convierten en uno de los mayores eventos de cine en línea con propuestas que han sido premiadas en Sundance, Berlín, Venecia, Cannes y San Sebastián. El 40% de los títulos que están en el catálogo ha sido estrenado en España por lo que se puede decir que mucho de lo que se encuentra es inédito y el 40% de lo que podemos seleccionar está dirigido por mujeres, un porcentaje también bastante inédito.
Si queréis acceder a las películas debéis pasar por Filmin. El pago puede oscilar por cada largometraje o cortometraje pero hay un precio especial para suscriptores de 5€ y un «pase total» de 15€. Visitad toda la cartelera aquí.
La entidad de gestión DAMA (Derechos de Autor de Medios Audiovisuales), en colaboración con la productora Malvalanda, celebra la primera edición del concurso DAMA Cortos para el apoyo en la producción de cortometrajes, basado en una convocatoria de guiones originales.
La iniciativa coincide con el 20 aniversario de la entidad y sus inscripciones permanecerán abiertas desde hoy, 27 de junio hasta el 15 de septiembre. DAMA Cortos (#DAMACortos) premiará el proyecto seleccionado, que se dará a conocer en octubre, con la producción y posterior distribución del cortometraje.
La convocatoria está abierta a la presentación de guiones de ficción, quedando descartadas las obras documentales o de animación. Cada participante podrá enviar hasta un máximo de dos guiones cuya duración debe estar entre cinco y doce minutos. Además, el guion podrá incluir hasta un máximo de tres localizaciones y estar planteado para rodarse durante una única jornada. Para participar es necesario ser socio o socia de DAMA o haber solicitado el alta en la entidad antes del 15 de septiembre.
Entre todos los trabajos recibidos, se seleccionarán ocho proyectos que participarán en una sesión de pitching, a la que también asistirán los miembros del jurado de DAMA Cortos, cuyos profesionales serán anunciados próximamente.
Ese mismo jurado seleccionará el proyecto ganador, cuyo trabajo será producido por Malvalanda, y estrenado en el Festival Cortogenia. Contará con un presupuesto estimado de 25.000€ para la producción del cortometraje, contando con preproducción y postproducción. El cortometraje ganador deberá rodarse entre los meses de noviembre de 2019 y marzo de 2020.
Presidida por el cineasta y guionista BorjaCobeaga y compuesta por profesionales del ámbito audiovisual apasionados por su trabajo, DAMA nació hace 20 años con el objetivo de gestionar los derechos de los autores audiovisuales de forma autónoma y transparente.
Directores y guionistas de Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Canadá, México, Argentina, Japón, Corea y así hasta 36 países, han confiado la gestión de sus derechos a DAMA, convirtiendo a la entidad en un referente internacional.
En la actualidad, se trata de la única entidad española especializada en este área. Además de la gestión de derechos, también trabaja para promover y defender la creación audiovisual a través de diferentes programas asistenciales y de formación.
Sobre Malvalanda
La productora audiovisual Malvalanda nace en el año 2006, fundada por la productora María del Puy Alvarado, para llevar a cabo la producción del cortometraje Luminaria (2005), premiado en numerosos festivales nacionales e internacionales.
En la actualidad, Malvalanda ha producido casi una veintena de cortometrajes con los que ha conseguido más de 300 premios en festivales, también ha llevado a cabo una intensa labor en la producción de documentales y trabajos comerciales.
Destacan la Biznaga de Plata del Premio del Público en el Festival de Cine Español de Málaga que consiguió Elena Asins – Génesis (2014), y el Premio Comunidad de Madrid en Alcine (Festival Internacional de Cortometrajes de Alcalá de Henares) por Pulse (2013).
Además, ha conseguido tres nominaciones a los premios Goya por los cortometrajes Luchadoras (2009), Primavera Rosa en México (2016) y Madre (2017). Este último trabajo, Madre, dirigido por Rodrigo Sorogoyen, fue galardonado en los Premios Goya y nominado a los Premios Oscar. También producido por Malvalanda, Madre el largometraje verá la luz el próximo otoño.
‘Danzantes’ es un documental sobre el mundo de la danza tratado desde una visión transversal e internacional, donde tienen cabida diferentes estilos y personajes (flamenco, clásica, contemporánea, hip-hop…). Con un tratamiento en igualdad de condiciones: desde una compañía de bailarines con Síndrome de Down al director de la Compañía Nacional de Danza, desde un grupo de niños de extrarradio bailando hip-hop hasta la primera bailarina del Ballet de Finlandia.
El largometraje está grabado en múltiples localizaciones, entre ellas España, Italia, México, Japón, Estados Unidos, Brasil, Finlandia… y cuenta con la participación de coreógrafos y colaboradores reconocidos de la creación de danza actual, entre ellos Compañía Nacional de Danza (ES), Factoria Echegaray (ES), Ballet Nacional de España (ES), Fundación Pina Bausch (DM), Danza Down Cía Elías Lafuente (ES)… Entre los compositores, Ramón Paus, Alejandro Román, Juanjo Talavera, Fernando Lázaro, Adrián Pertout, Juan Ant. Mata, Selenite, Odin Kaban, etc. Y la dirección artística de Cristina Masson, Premio «100 Latinos» del Ayto. de Madrid por su trayectoria, directora de EnClaveDanza y Académica de las AAEE.
‘Danzantes’ realiza un recorrido por el mundo de la danza que es al mismo tiempo, espacial, estilístico y emocional. Para tratar de abarcar los múltiples significados del propio acto de danzar y de sus personajes. No hay límites para la danza, sus expresiones y sus aplicaciones. ‘Danzantes’ acaba siendo también un ejemplo de mezcla de estilos entre el documental y el cine musical.
Juan Vicente Chuliá, director de ‘Danzantes’, ha centrado sus esfuerzos en el documental cultural y artístico. Sus dos primeros largometrajes ‘Temperado’ y ‘El proceso’ exploraron el mundo de la música contemporánea. Con su tercer documental amplía su lenguaje para explorar el mundo de la danza con diferentes aproximaciones estilísticas y formales, adaptándose a cada estilo.
El documental será estrenado el próximo 2 de julio en la Sala Azcona de Cineteca Matadero.
Compositores de ‘El último mohicano’ y ‘Los santos inocentes’ respectivamente’
El compositor de música para el cine estadounidense Randy Edelman (‘El último mohicano’, serie ‘MacGyver’) y el reconocido autor de bandas sonoras español Antón García Abril (‘Los santos inocentes’, ‘La colmena’) se unen al cartel de invitados de la decimotercera edición del Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), que se celebrará del 20 al 29 de septiembre con el patrocinio del Cabildo Insular de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife. Edelman tomará la batuta durante el concierto que cerrará el programa de este año, el domingo día 29, ‘Campeones de la Gran Pantalla’, para dirigir piezas de ‘Dragón, la vida de Bruce Lee’ (1993) y de ‘Ángeles’ (1994). En este mismo recital sonará también la sintonía que compuso Antón García Abril para los espacios de información deportiva de Radiotelevisión Española en la década de 1980. Asimismo, García Abril participará el viernes día 27 de septiembre en el concierto ‘Mis Terrores Favoritos’, en el que se interpretará y estrenará, la banda sonora de ‘La noche del terror ciego’ (1972), de Amando de Ossorio. Las entradas para sendos conciertos, que tendrán lugar en el Auditorio de Tenerife Adán Martín, ya se encuentran a la venta en taquilla y online.
Tanto Randy Edelman como García Abril participarán, además, en la FIMUCITÉ Film Scoring Academy, la Academia Fimucité para Compositores Audiovisuales, actividad de carácter gratuito enmarcada en el programa educativo del Festival, dirigida a estudiantes y profesionales interesados en formación especializada de manos de grandes profesionales del sector.
El concierto ‘Campeones de la gran pantalla’ será interpretado por la Joven Orquesta Sinfónica de FIMUCITÉ, conformada por alumnos del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife y del Conservatorio Superior de Música de Canarias. Esta propuesta contará además con la participación del compositor Vince DiCola, cuya memorable música para ‘Rocky IV’ (1985) también formará parte del programa, así como de varios músicos pertenecientes a la formación homóloga del Festival de Música de Cine de Cracovia (FMF) en el marco del acuerdo de intercambio de estudiantes entre sendos festivales.
De otro lado, ‘Mis terrores favoritos’ abarcará un amplio recorrido por la música cinematográfica de los títulos más destacados del cine de terror y contará con la presencia ya anunciada de los compositores Harry Manfredini, autor de la banda sonora de ‘Viernes 13’, y Christopher Young (‘Hellraiser’), así como del director Christian Schumann, quien se pondrá al frente de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Tenerife Film Choir en este concierto.
Sobre Randy Edelman
Randy Edelman (1947) creció en la localidad de Teaneck, New Jersey, donde estudió piano y comenzó a ofrecer recitales desde muy joven. Tras pasar por el Conservatorio de Música de Cincinnati, se trasladó a Nueva York donde tocó con diversas orquestas de Broadway. Ha producido varios álbumes en solitario de canciones, algunas de las cuales también fueron grabadas por The Carpenters, Olivia Newton-John y Barry Manilow, entre otros. Posteriormente se trasladó a Los Ángeles, donde comenzó a trabajar en la composición para cine y televisión.
A mediados de los años 80, Edelman escribió el tema principal de la popular serie de televisión ‘MacGyver’, así como la música de diversos episodios. Además, ha colaborado en numerosas ocasiones con Ivan Reitman componiendo la música de varias de sus películas, como ‘Los gemelos golpean dos veces’ (1988), ‘Los Cazafantasmas II’ (1989), ‘Poli de guardería’ (1990) o ‘Beethoven’ (1992).
Fue nominado, junto a Trevor Jones, al Globo de Oro por la banda sonora de ‘El último mohicano’ (1992) y en 1993 fue galardonado con el prestigioso premio Richard Kirk de BMI y TV Awards, por su contribución a la música de cine y televisión.
Sobre Antón García Abril
Antón García Abril nació en Teruel, en mayo de 1933. Fue maestro de varias generaciones de compositores a través de su Cátedra de Composición en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, entre el año 1974 y 2003. Su excelso repertorio como compositor abarca ópera, ballets, cantatas, obras orquestales, música de cámara, conciertos, canciones, obras para piano, guitarra, etc. Además ha escrito gran cantidad de música para teatro, cine y televisión, y recibió hace cinco años la Medalla de Oro de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas.
El veterano compositor es autor de famosas partituras de la pequeña pantalla como ‘El hombre y la tierra’, ‘Anillos de oro’, ‘Fortunata y Jacinta’ o Brigada Central’, y de la música de títulos clave en la cinematografía nacional como ‘Los santos inocentes’ o ‘La colmena’. En el año 2014, FIMUCITÉ otorgó un premio honorífico a García Abril, uno de los nombres más emblemáticos de la música para el ámbito audiovisual de nuestro país. Desde entonces este galardón recibe el nombre del compositor y ha distinguido a figuras tan destacadas como Howard Shore, Elliot Goldenthal, Trevor Jones, Marco Beltrami, Elmer Bernstein, Henry Mancini, James Newton Howard, Laura Karpman, Concha Velasco, Bruce Broughton, Shirley Walker, Lalo Schiffrin y Bernard Herrmann, entre otros.
Vir (30) y Lluís (32) hace solo un año que salen juntos, cuando descubren que están “embarazados”. Durante 9 meses, seguiremos la aventura de esta joven pareja, el giro enorme que dará su vida, sus miedos, alegrías, sus expectativas y las realidades que, durante su embarazo, crecen ante ellos.
Crítica
A veces acierta con naturalidad otras se nota el artificio voyeurista
Carlos Marques-Marcet regresa con su actor recurrente David Verdaguer y lo hace acercándose más que nunca a él. En ‘Los días de que vendrán’ el director registra como Verdaguer y su pareja, la actriz María Rodríguez Soto, viven sus nueve meses de embarazo. Se han cambiado sus nombres y profesiones, Lluís y Vir, abogado y periodista, unas máscaras para conservar algo de intimidad mientras observamos como progresa la gestación del bebé y todo lo que esta va provocando.
Chistes aparte, la película pone al espectador en una situación algo embarazosa. Partimos del hecho de que se ha aprovechado una situación real, como es el embarazo de la pareja formada por Verdaguer y Rodríguez Soto. ‘Los días que vendrán’ no es un documental propiamente dicho, está ficcionada. Pero en ella se introducen muchas semejanzas y recuerdos harto personales. Desde luego que el fimle tampoco es un reality show pero ante el conocimiento de autenticidad uno no puede dejar de sentirse algo voyeur y eso complica no dejar de buscar la barrera entre la escena real y la ficticia.
¿La película trata sobre cómo la llegada de una hija pone en riesgo una relación de pareja o pone en tela de juicio la poca preparación de los jóvenes de este siglo? Es decir, ¿es un relato sobre la inmadurez o una pugna entre diferencias de opiniones? En determinados tramos de la película plantea todos esos aspectos, si nos encontramos con un filme que pone sobre la mesa varias preguntas con acierto. Pero llega un punto en que se hace redundante y la pareja discute varias veces sobre lo mismo sin que notemos progresión, lo cual no nos aporta espontaneidad.
El filme también supone en muchas ocasiones un enfrentamiento entre posturas conservadoras y progresistas. Abre debates sobre tradiciones no solo a la hora de criar a un bebé sino también cuando hay que gestionar posturas muy arraigadas en lo que se refiere al «ciclo natural de las cosas», es decir, enamorarse, casarse, tener un hijo, encadenarse a un trabajo… En ‘Los días que vendrán’ los personajes se juzgan constantemente el uno al otro, como sucede en muchas parejas o como pasa en esta que se ve en sus manos con un evento mayúsculo cuando llevan apenas un año de relación. Y eso hace que el espectador también se cuestione cosas y se juzgue a la salida del cine. Es bueno que surja debate a la salida de los pases de la película de Carlos Marques-Marcet pues eso querrá decir que trasciende. Brota mucho la palabra «problema» cuando también se habla de si la llegada de la niña es una contrariedad o una suerte, detalles como esos hay que apreciarlos.
Existen no una, sino varias escenas en las que los personajes pecan de excesivamente ingenuos o ignorantes. Quiero entender que son momentos en los que se ha querido plantar una semilla de duda o disputa, en los que se buscaba una ruptura con lo vivido realmente por los actores, pero han quedado rayando lo ridículo. Esos instantes junto con los excesivamente personales son los que le restan méritos al resto de secuencias que si son verdaderamente una apuesta por propuestas que hablen a cerca de problemas generacionales o retratos ciertamente naturalistas.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de junio de 2019. Título original: Los días que vendrán. Duración: 94 min. País: España. Dirección: Carlos Marques-Marcet. Guion: Clara Roquet, Coral Cruz, Carlos Marques-Marcet. Fotografía: Alex García. Reparto principal: David Verdaguer, María Rodríguez Soto. Producción: Movistar+, Lastor Media, Avalon. Distribución: Avalon. Género: drama, romance. Web oficial:http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/los-dias-que-vendran
Fotografías y vídeo tras las cámaras de esta película de zombis en la Guerra Civil
El reparto de ‘Malnazidos’ ya está manos a la obra para recrear su historia de zombis en plena Guerra Civil española. Los dos bandos enemigos deben aliarse para enfrentarse a un peligro común, los zombis. Para formar ambos frentes se cuenta con un elenco actoral completado por Miki Esparbé, Aura Garrido, Luis Callejo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza y María Botto.
Una aventura en la que el odio ha de quedarse de lado para dar paso a la acción, la sangre y las vísceras. Una idea dirigida en equipo por Javier Ruíz Caldera y Alberto de Toro por tierras catalanas.
En el rodaje contribuyen más de 2000 figurantes y más de 80 especialistas, entre zombis y soldados, vestidos por la figurinista Cristina Rodríguez. Pepe Domínguez, diseñador de Arte, es quien ha propuesto localizaciones naturales con intervenciones precisas en espacios considerados monumentos (minas de sal) y ha apostado por la construcción de más de 200 metros de vías de tren para manipular y movilizar los dos trenes blindados de época, usados por los nazis en ese periodo histórico y construidos para la película. Por supuesto el maquillaje es una parte importante en una película de zombis a si es que se ha contado con un equipo capaz de hacer efectos muy realistas liderado por Montse Sanfeliú.
Como núcleo del equipo técnico figura Marta Sánchez de Miguel, habitual directora de Producción de Javier Ruiz Caldera, con quien afronta su cuarto proyecto en común tras ‘Superlópez’, ‘Tres bodas de más’ y ‘Promoción fantasma’.
La película está producida por Telecinco Cinema, Cactus Flower Producciones, Malnazidos AIE, La Terraza Films e Ikiru Films, con la participación de Mediaset España y Mediterráneo Mediaset Group, y será distribuida en España por Sony Pictures Entertainment Iberia.
Sinopsis oficial:
Meses de sangrientos combates han dejado tras de sí miles de muertos en las trincheras. Jan Lozano, capitán de la quinta brigada, cae prisionero. La única posibilidad de escapar a la sentencia de muerte es hacer frente a una misión imposible en campo enemigo. Pero un peligro mayor del esperado obligará a los bandos rivales a unirse contra un nuevo y desconocido adversario. Tendrán que dejar de lado el odio mutuo y así evitar convertirse en zombis.
Netflix nos devuelve a la infancia a partir del 10 de julio
Hace poco os hablábamos del estreno de este documental de Netflix y hoy el servicio de entretenimiento por Internet líder en el mundo, ha compartido el tráiler de ‘Parchís: El documental‘. El documental se podrá ver a nivel mundial el próximo 10 de julio solo en Netflix. El documental busca las respuestas desde el testimonio directo de sus componentes, así como de otras personas que participaron activamente en la construcción y desarrollo de su carrera.
Con ventas millonarias de discos, giras internacionales, películas y unas canciones que aún resuenan en la cabeza de una generación, descubriremos cómo lo vivieron desde dentro sus protagonistas.
‘Parchís: El documental’ reúne de nuevo a Yolanda, Tino, David, Gemma y Frank, los cuales vuelven a ponerse delante de las cámaras 40 años después para hablar de como fue aquella época de su vida, la repercusión que tuvo y cómo evalúan su éxito de aquellos años.
Sinopsis:
Parchís fue algo más que el grupo infantil más popular en España entre 1979 y 1985. El suyo fue un auténtico fenómeno, cuyo éxito se tradujo en ventas millonarias de discos, giras internacionales, películas y unas canciones que todavía hoy siguen enganchando a las nuevas generaciones. Pero, ¿cómo lo experimentaron desde dentro sus protagonistas? ¿Cómo vivieron el paso de la niñez a la adolescencia y a la vida adulta? ¿Fue Parchís una oportunidad para desarrollarse personal y profesionalmente o una carga que les acompañaría para siempre?
Denis Rovira acompañado de Emma Suárez, Manuela Vellés y Alain Hernández
Sony Pictures nos trae a partir del 21 de junio una nueva película de terror de factura española. ‘La influencia’ (crítica aquí) es una película realizada en nuestro país pero que surge de una novela de Ramsey Campbell, al igual que lo hizo en su día la cinta de Jaume Balagueró ‘Los sin nombre’. Y el director de esta nueva adaptación es el debutante Denis Rovira quién tras haber encandilado con su trilogía de cortos ‘El grifo’, ‘Lazarus Taxon’ y ‘Ángel’ llega rodeado de un gran elenco de actores.
Protagoniza el filme precisamente una actriz que viene de trabajar con Balagueró en uno de sus últimos trabajos ‘Musa’. Manuela Vellés junto a Alain Hernández, Maggie Civantos, EmmaSuárez y Claudia Placer forman el equipo principal de ‘La influencia’. Con casi todos ellos hemos podido estar y preguntarles a cerca de la película.
En los siguientes vídeos podéis ver sus respuestas. Al igual que en nuestra crítica el contenido de la película no se desvela pues la trama esconde varios secretos.
Alicia regresa a la siniestra mansión de la que huyó siendo una niña – un hogar que nunca ha albergado infancias felices – convertida ahora en una joven madre de familia. Acompañada por su marido y su hija de nueve años, Nora, Alicia busca rehacer su vida mientras se ve obligada a enfrentarse a un pasado que creía enterrado y a un cuerpo que se resiste a morir: el de Victoria, la posesiva matriarca de la familia, quien ha caído en coma profundo y sobrevive conectada a una máquina, y por la que la pequeña Nora siente una fascinación malsana.
La Influencia es una macabra historia sobre el peso de los lazos familiares y la trascendencia de la muerte.
Siente la influencia. Teme a la influencia.
Crítica
Entra bien por los ojos pero no penetra más allá
‘La influencia’ parte de una novela de Ramsey Campbell publicada en 1988. Un autor apodado habitualmente con título de maestro que sabe adentrarse con sus palabras en la mente del lector y que rebusca en los horrores humanos para causar pavor. Sus planteamientos tienen muchos símiles lovecraftianos pero en el caso de esta novela es la psicología y el ambiente brujeril el que cobra más fuerza. Su literatura siempre está dotada de gran simbolismo y eso hace que sus novelas adquieran una potente carga de significado.
Es por eso que ‘La influencia’ comienza con muchas metáforas en sus títulos de crédito. La cinta nada más empezar plantea una serie de símiles y nos ubica bien con su ambientación. Es correcta a la hora de situarnos en el polvoriento caserón donde transcurre casi toda la acción de la película. Un lugar semi-abandonado, donde nos encontramos objetos tremebundos mezclados con cotidianos convertido en una sala de cuidados paliativos improvisada.
Allí está postrada una, nunca mejor dicho, posesiva madre en torno a la que vuelven a reunirse dos hermanas. Al rededor de ellas gira una trama familiar compleja con un pasado por desvelar. Y en medio de ese conflicto una hija que comienza a experimentar el influjo de su abuela en coma.
Con esta trama los referentes más recientes que se nos pasan por la cabeza son ‘Hereditary’ o ‘Amityville el despertar’. Por supuesto el tono y la ambientación son muy diferentes a las películas de Ari Aster y Franck Khalfoun, la resolución también cambia. En cuanto empezamos a ver lo que pasa entre las cuatro paredes de la casa nos suena a manido, son muchas las historias que hemos visto de similar índole. Pero ese no es el mayor inconveniente de ‘La influencia’.
En este primer filme que dirige Denis Rovira hay un problema o bien de guión o bien de montaje. Y es que en más de una ocasión vemos como de una escena a otra los personajes pueden contradecirse. Las decisiones tomadas en una secuencia tienden a rebatir lo que hacen en el acto siguiente. Pero aparte de eso lo que ocurre es que el filme es excesivamente confuso. Poco a poco se va tornando más irracional y las reglas se van haciendo más incomprensibles. Por lo que o hay una mala traslación de la novela o no se ha sabido explicar la mecánica de esa influencia que atenta contra la estabilidad de la familia. Por mucho que al final tengamos una escena aclaratoria hay muchos eventos para los que no hay una justificación clara.
Isaac Villa es quien consigue una buena fotografía a partir de muchos de los rincones de la casa, de sus alrededores o de la escuela de la niña protagonista. Esperaba ver un trabajo de este director de fotografía tras haber conocido su trabajo en ‘El Ministerio del Tiempo’ y el excelente cortometraje ‘Graffiti’, el cual os puedo recomendar ahora que está tan de moda ‘Chernobyl’. Gracias a él conseguimos que desde el principio pensemos que vayamos a vivir una tensa historia de terror familiar de carácter dramático y oscuro
Me funciona Emma Suárez como matriarca en todas las etapas por las que la vemos pasar y me creo la familia formada por Manuela Vellés, Alain Hernández y Claudia Placer, con toda la naturalidad que eso supone. Pero es poco comparado con lo mal manejadas que están las escenas infantiles (incluida la última voz en off) o con esos momentos de locura desatada que hacen que la película se descontrole a veces casi sin rumbo. En su primera ocasión como director de largometraje Rovira ha restado más que sumado y eso que contaba con un reparto muy bueno, en mi humilde caso su influencia no ha sido positiva.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de junio de 2019. Título original: La influencia. Duración: 107 min. País: España. Dirección: Denis Rovira van Boekholt. Guion: Denis Rovira van Boekholt, Michel Gaztambide, Daniel Rissech. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Isaac Vila. Reparto principal: Manuela Vellés, Maggie Civantos, Alain Hernández, Emma Suárez, Claudia Placer. Producción: Nadie es Perfecto, RTVE, Film Commision pública del Principado de Asturias. Distribución: Sony Pictures. Género: terror, drama. Web oficial:https://www.sonypictures.es/
El 27 de septiembre volveremos a tener en cines una nueva película de Amenábar. Un filme que se titula ‘Mientras dure la guerra’ y que está protagonizado por Karra Elejalde, el cual interpreta a Miguel de Unamuno. Buena Vista Internacional estrenará en salas esta película original de Movistar+ que trae consigo un reparto completado por Eduard Fernández, Santi Prego, Nathalie Poza, Patricia López, Luis Bermejo, Tito Valverde, Inma Cuevas, Carlos Serrano-Clark, Luis Zahera, Ainhoa Santamaría, Mireia Rey, Luis Callejo, Dafnis Balduz, Jorge Andreu, Itziar Aizpuru, Pep Tosar y Miquel García-Borda.
La película se ubica verano de 1936. Esa época el célebre escritor Miguel de Unamuno decide apoyar públicamente la rebelión militar que promete traer orden a la convulsa situación del país. Inmediatamente es destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca. Mientras tanto, el general Franco consigue sumar sus tropas al frente sublevado e inicia una exitosa campaña con la secreta esperanza de hacerse con el mando único de la guerra. La deriva sangrienta del conflicto y el encarcelamiento de algunos de sus compañeros hacen que Unamuno empiece a cuestionar su postura inicial y a sopesar sus principios. Cuando Franco traslada su cuartel a Salamanca y es nombrado Jefe del Estado de la zona nacional, Unamuno acudirá a su Palacio, decidido a hacerle una petición de clemencia.
La película se rodó el pasado verano en Salamanca, Toledo, Madrid y Bizkaia. A continuación podéis ver el tráiler en el que las calles de Salamanca y su universidad antigua vuelven a ver pasear al autor que repitió la fase de Fray Luis de León, «como decíamos ayer».
“Esta película es muy especial para mí al tratarse de la primera que ruedo en mi país después de mucho tiempo. Pero sobre todo es especial porque, además de contar algunos hechos históricos que muchos habrán olvidado y otros ni siquiera conocíamos, apela muy directamente a nuestro presente y nuestra condición como ciudadanos que conviven, discuten y a veces, lamentablemente, se destruyen. Siento que la historia de Unamuno está hoy más viva que nunca, como si él siguiera dudando y hablándonos sobre cuestiones esenciales: quién o qué nos representa, de dónde venimos y, sobre todo, hacia dónde queremos dirigir esa enorme y compleja comunidad de vecinos llamada España”, ha declarado Alejandro Amenábar.
‘Parchís: El documental’,estreno el próximo 10 de julio
La infancia de muchos de nosotros estuvo animada por el colorido grupo Parchís. ¿Quién no ha soplado las velas de cumpleaños con su canción de fondo? Ahora Yolanda, David, Tino, Gemma y Frank, componentes del grupo, dan testimonio de aquellos años en los que saltaron a la fama y se convirtieron en ídolos infantiles haciendo toda clase de giras o espectáculos. Cuarenta años después conoceremos detalles muy específicos de Parchís.
De la mano de los integrantes y también de los responsables de la banda se realiza un análisis de aquella exitosa etapa. “Se trata de un proyecto centrado en una historia humana, con una mirada sincera que aspira a hacer un ejercicio de empatía con el espectador para que logre entender lo que supuso ser protagonista de un éxito tan descomunal, prematuro y sorpresivo”, señala Daniel Arasanz, director del documental.
‘Parchís: El documental’ estará disponible en Netflix a nivel mundial el próximo 10 de julio.
Parchís fue algo más que el grupo infantil más popular en España entre 1979 y 1985. El suyo fue un auténtico fenómeno, cuyo éxito se tradujo en ventas millonarias de discos, giras internacionales, películas y unas canciones que todavía hoy siguen enganchando a las nuevas generaciones. Pero, ¿cómo lo experimentaron desde dentro sus protagonistas? ¿Cómo vivieron el paso de la niñez a la adolescencia y a la vida adulta? ¿Fue Parchís una oportunidad para desarrollarse personal y profesionalmente o una carga que les acompañaría para siempre? ‘Parchís: El documental’ busca las respuestas desde el testimonio directo de sus componentes, así como de otras personas que participaron activamente en la construcción y desarrollo de su carrera.
Ya os hemos hablado antes de otros españoles en la saga que en su día inició George Lucas. Primero entrevistamos a David M. Santana, el primer español en aparecer en Star Wars y después os informamos sobre Adrián Pueyo, un ex-alumno de la U-Tad cuyo arte digital apareció en ‘Star Wars: los últimos Jedi’. Precisamente en ese último título trabajó también Juan Alonso.
Este actor barcelonés recientemente ha trabajado en el episodio VIII de la saga y en la película independiente de Han Solo. En ellas ha formado parte del equipo de rodaje y ha aparecido en pantalla haciendo las veces de droide. Por lo que le hemos podido ver en varias escenas caracterizado como varios de los clásicos robots de la saga de las estrellas.
¿Eras seguidor de Star Wars antes de formar parte del rodaje de la saga?
Pues la verdad es que sí, siempre he sido un gran fan de Star Wars, especialmente cuando era más pequeño. Las películas de ciencia ficción siempre me han hecho soñar, te abren la mente a otros horizontes, te ensenan que todo es posible y que todo se puede conseguir ¡aunque sea de aquí a 100.000 años!
¿Cómo metiste la cabeza en películas tan importantes para la historia del cine?
Pues la verdad es que fue un poco por suerte y un poco por méritos propios. Empecé mis estudios de interpretación a los 18 años de edad en “El Col.legi del Teatre de Barcelona”. Tras finalizar los tres años que dura el curso completo (que incluía no solo clase de interpretación y dramaturgia sino que también yoga, aikido, mimo corporal dramático, dance contact y otras varias) y finalizar un curso de tres años de acrobacias en la escuela de circo “RogelioRivel” que hacia al mismo tiempo por las tardes, decidí mudarme a Inglaterra para continuar mis estudios de mimo corporal dramático. Después me busque un agente para que me representara y desde entonces he estado trabajando.
¿En qué consistió tu casting?
Un día recibo una llamada y me dicen que alguien me quiere hacer un “test fitting” pero me dicen que no me pueden dar ningún detalle. Acepte, fui y enseguida que entre en ese inmenso espacio me di cuenta de que película era. Éramos unos cuantos esperando para entrar, todos más o menos con la misma altura y medidas, la verdad es que no me lo podía creer, fue un momento bastante surrealista. Entré, me pusieron el traje y me pidieron que caminara y me moviera. Tomaron medidas, se miraban, hablaban entre ellos, me preguntaban si me pinchaba, dolía o molestaba y ya está, así me dieron el papel en ‘Los últimos Jedi’. Para el papel en ‘Solo’ no me hicieron casting, me llamaron porque les gusto mis esfuerzos y trabajo y confiaban que haría un buen trabajo.
Juan Alonso en ‘Solo’
¿Qué traje te fue el más incómodo? ¿Cuánto tardabas en vestirte?
El traje de SE8 Waiter Droid era mucho más estrecho que el DV-4D4 por lo tanto rozaba mucho más y al final de horas y horas de rodaje hasta el más pequeño roce se incrementa, pero llega un momento en el que no es un dolor aquí o allá sino que te duele todo el cuerpo y te acostumbras, dejas de sentirlo. O lo sientes pero decides ignorarlo. Tardábamos entre 15 y 20 minutos en vestirnos y nos tenían que vestir entre dos. ¡Imagínate el lio para ir al baño! Al segundo día ya aprendí la lección e intentaba no beber mucho para no tener que parar el rodaje. De hecho si queríamos beber nos tenían que dar de beber con pajita porque el traje no te permitía hacerlo por ti mismo.
De los actores más carismáticos de la saga, ¿con cuál se podría decir que has podido interactuar más?
Con Anthony Daniels por supuesto. Fue un honor conocerlo y hablando con él, me dijo que él le dieron su papel porque estudio mimo, fue curioso enterarme de que teníamos algo en común, quizá fue por esa misma razón que me ofrecieron el papel a mí también.
Como tú mismo nos cuentas has podido coincidir con nombres conocidos para los fans de Star Wars como Anthony Daniels, Jimmy Vee, Warwick Davis… ¿Alguno de ellos te dio algún consejo sobre cómo interpretar a tu personaje?
Juan Alonso con Anthony Daniels
Para ‘Los últimos Jedi’ Anthony Daniels nos dio a los cuatro una clase de Droid o “DroidSchool” se puede ver el featurette en Youtube o en el Blu-ray.
Has estado en una película dirigida por el mismísimo Ron Howard, cuéntanos algo acerca de esa experiencia.
Lo más curioso fue cuando estando en la tienda de campaña donde servían la comida, en una de las pausas, el mismísimo Ron Howard se puso a hablar conmigo de los snacks y diciendo bromeando que “habían demasiadas opciones para escoger”. Ron Howard es increíble, tiene un increíble talento y siempre sabe lo que quiere y como lo quiere, tiene las ideas claras.
¿Qué diferencias encontraste a la hora de rodar ‘Last jedi’ y ‘Solo’?
No tengo demasiado que decir aquí, aparte de que grabamos en interior en ‘Los últimos Jedi’ y en exterior en ‘Solo’. También debo decir que tuve que correr muchísimo más en ‘Solo’ y que el terreno era mucho más irregular. La visibilidad en los trajes de droid es casi nula y muchas veces casi tienes que memorizar el camino antes de ponerte el casco. Esto hace que moverte de punto A a B pueda ser peligroso si hay escaleras cerca, cables, piedras, muertos, armas olvidadas, pantanos o lagos, etc… Y la verdad es que había de todo por todos lados, sin contar con los actores y extras que también corrían de un lado a otro.
Juan Alonso en ‘Last Jedi’
¿Cuál dirías que es la anécdota más memorable o la que más te hacen contar a cerca de estos rodajes?
¡Hay demasiadas para poder elegir! En ‘Los últimos Jedi’ en un momento dado hicimos una competición de “Moonwalk” y Rian Johnson y el equipo de grabación quedaron bien impresionados y ¡nos animaban! Nos echamos unas buenas risas. Poco después las mesas volaban por los aires y yo pensando “a ver si se me va a caer una encima…” Eran mesas de casino y eran bien grandes y pesadas, no todos los días puedes ver algo tan grande y pesado volar por los aires como si fuera un cojín de plumas. La verdad es que me llevo un muy buen recuerdo y unas buenas amistades, espero con impaciencia poder volver a trabajar con el equipo otra vez.
Muchas gracias Juan por compartir tu experiencia, esperamos volver a contar con tus palabras y deseamos que sigas con tu trayectoria.
El festival multifandom LGTB contará con Ivana Baquero y Rhiannon Fish entre otras
Lo del año pasado fue todo un subidón de éxito e invitados. El Love Fan Fest vuelve a celebrarse y repite ciudad. De nuevo en Barcelona, en el Hotel NH Collection Barcelona Tower tendrá lugar la segunda edición de este festival que se ha convertido en el primer evento multifandom de temática LGTB.
Y se celebrará los días 28, 29 y 30 de junio contando de nuevo con actrices tanto nacionales como internacionales que han representado personajes bisexuales u homosexuales en series que seguro que conocéis.
En lo que se refiere a nivel local en el festival estará Ivana Baquero de ‘Las crónicas de Shannara’. Los asistentes también podrán ver a Irene Ferreiro, Tamara Ronchese y AlejandroReina protagonistas de la serie ‘Skam’ España de Movistar Plus.
El evento contará con Luciana Bonilla y Ana Paula Lima de la webserie brasileña ‘Red’. Repiten además Dominique Proust-Chalkey, Katherine Barrel y Melanie Scrofano de la serie de Netflix ‘Wynona Earp’. También habrá actos con las protagonistas de ‘Carmilla’, Elise Bauman y Natasha Negovanlis y Rhiannon Fish de la exitosa ‘Los 100’.
Quien acuda podrá escoger entre mesas redondas, firmas, paneles y otros eventos donde encontrarse con las actrices que escoja. Y no solo eso, psicólogos, influencers o escritores arrojarán su visión sobre la situación del colectivo en la actualidad.
‘Limones’, de Daniela Godel, se llevó el premio principal
La VIII edición del Festival de Cortometrajes ESNE Feelmotion entregaba la pasada noche del viernes 31 de mayo, los galardones que destacan cada curso académico el talento y la creatividad audiovisual de los estudiantes universitarios de nuestro país. Un total de 500 invitados abarrotaban un Palacio de la Prensa de Madrid que sirvió de escenario para poner nombre a los cerca de 30 premios que el jurado del Festival entregaba en esta edición entre los más de 200 cortometrajes presentados.
Un jurado profesional compuesto por nombres del panorama cinematográfico como el productor José Nolla, el realizador de la agencia CANADA, Hector Hercé, el cineasta y profesor de la New York Film Academy, Miguel Cruz, el cineasta Axier Salazar, por el animador y docente de ESNE, Paco Sáez o el video-artista Max Lerruy, decidían por unanimidad entregar el galardón principal de la noche a ‘Limones’, un animado videoclip dirigido por Daniela Godel, alumna de la Escuela de Artes Decorativas de París.
También coincidieron en destacar las piezas ‘Había una vez’ de Laura Torrijos de la ESAD (Málaga) a ‘Mejor Ficción Dramática’ y ‘Mejor Fotografía’; ‘El Diañu’, de Samuel Fernandi de la Universidad Politécnica de Valencia a ‘Mejor Corto de Animación’; ‘Paradoja’ de Álex Gómez a ‘Mejor Dirección’, ‘Mejor Guión’ para ‘Querer Creer’ de Daniela Díez o la ‘Mejor Edición’ para ‘Morao’ de Alba Martínez y Carla Goldstein, todos ellos alumnos y alumnas de ESNE. Además, dos premios fueron a parar a alumnos universitarios de otros países, como es el caso del ‘Mejor diseño de personajes’ para Bo Cheng Xu de Taiwan por ‘Eye Child’ y ‘Mejor diseño de fondos’ para el corto del finés Jari Vaara ‘The Hunter’.
El Festival da un gran salto y entrega sus galardones en el centro de Madrid
“Un cine para diseñadores, un cine distinto”. Con este objetivo nació hace ya media década uno de los festivales de cortometrajes referentes en el panorama audiovisual. A día de hoy, en su VIII Edición, el Festival Internacional de Cortometrajes para Diseñadores ESNE Feelmotion sigue manteniendo esta finalidad y hace gala de ello en el centro de Madrid. Feelmotion, es uno de los festivales de cortometrajes más importantes de España a nivel universitario. ESNE es la única escuela de Diseño del mundo cuya calidad de sus piezas audiovisuales ha sido reconocida por diversos festivales e instituciones cinematográficas.
Entre los cortos sus nuestros alumnos ya tienen finalistas a los Premios Goya de la Academia de Cine Español por segundo año consecutivo, preseleccionados en el Encuentro de Estudiantes de Cine del Festival de Cine de San Sebastián, finalistas de certámenes nacionales e internacionales de prestigio como la Feria de animación 3D Wire, el Animac Lleida, en el New York Independient Film Fest o el Festival Internacional de Cortometrajes Medina del Campo.
Desde videoclips a videoartes o desde cortos de animación tradicional a piezas de animación 3D pasando por ensayos, ficciones o piezas documentales. Destacan la pieza en 3D finalista a los Goya 2018 a ‘Mejor corto de animación’ “Un día en el parque” dirigida por Diego Porral, titulado en Animación en ESNE y al ganador del Goya en la misma categoría “Cazatalentos” realizado por un alumno en Diseño Multimedia y Gráfico de ESNE, José Herrera.
En la España de 1901, Elisa Sánchez Loriga tuvo que adoptar una identidad masculina para casarse con la mujer que amaba, Marcela Gracia Ibeas. Basada en hechos reales.
Crítica
Visualmente una maravilla, pero fallida en su ejecución
Me encantaría poder decir que ‘Elisa y Marcela’ me ha encandilado, pero no puede ser. IsabelCoixet nos trae una historia curiosa de la España de 1901 donde las costumbres eran sagradas y el amor entre personas del mismo sexo no estaba para nada bien visto.
Marcela Gracia Ibeas y Elisa Sánchez Loriga fueron dos mujeres gallegas que se enamoraron y lograron engañar a curas y gentes de su pueblo para poder casarse legalmente en España.
La directora ha decidido darle más importancia a la historia de amor que al contexto social en el que se encontraban. No es malo si lo que quieres contar solo y únicamente es una historia de amor, pero esta historia merecía mucho más que centrarse en ellas. Pues fueron dos mujeres que burlaron todas las costumbres y creencias decidiendo así vivir y ser felices juntas.
NataliadeMolina y GretaFernández son las encargadas de dar voz y cuerpo a Elisa y Marcela, respectivamente. Sus papeles son bastante planos, dedican casi toda la cinta a quererse, algo que llega a ser un poco empalagoso.
La directora ha contado también con grandes nombres del cine español, comoLluísHomar y ManoloSolo, ambos tienen gran importancia en el desenlace de estas dos mujeres.
Con bastantes escenas de sexo, unas cuantas un poco raras, Isabel Coixet utiliza muchos recursos teatrales y también del cine mudo. El tratamiento de las luces recuerda mucho a las antiguas películas que nos remarcaban sucesos importantes gracias a la luminosidad. Pero aun así no llega a ser una película que cinematográficamente diga algo, tiene unas imágenes preciosas, con planos increíbles que no dicen nada, simplemente están ahí.
El contexto en el que se cuenta esta historia es lo que peor cuidado está de toda la película. Estamos en Galicia, en 1901 y poco escuchamos el acento gallego. Pero no solo eso, sino que ellas tampoco disimulan demasiado. Me ha parecido que Coixet ha tratado el tema de manera demasiado actual, sí que hay dos escenas en las que se puede ver como son marginadas o incluso atacadas, pero aun así no las veo preocupadas de ser vistas, no me ha parecido nada real para la época en la que andaban. Si que se nos muestran las consecuencias finales, pero sinceramente tardan en llegar.
Visualmente es donde más gana la cinta, la fotografía es de marco y Jennifer Cox merece un gran reconocimiento por ella. Creo que hay pocas imágenes de la película que no sean bellas, aunque como he mencionado antes, muchos planos no dicen demasiado.
Poco más que deciros, recomendaros buscar información acerca de estas dos mujeres y empaparos con sus vidas. Merece la pena.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de mayo en cines y 7 de junio de 2019 Netflix. Título original: Elisa y Marcela. Duración: 129 min. País: España. Dirección: Isabel Coixet. Guion: Isabel Coixet y Narciso de Gabriel. Música: Sofia Oriana Infante. Fotografía: Jennifer Cox. Reparto principal: Natalia de Molina, Greta Fernández, Sara Casasnovas, María Pujalte, Tamar Novas, Francesc Orella, Lluís Homar, Jorge Suquet, Manolo Solo, Milo Taboada, Producción: Rodar y Rodar, Netflix España, Lanube Películas, Zenit. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80121387
El fantástico del 79 y la exploitation italiana de ciencia ficción presentes en la 52 edición
Del 3 al 13 de octubre tendrá lugar la 52 edición del Festival de Sitges y durante el evento se celebrará el 40 aniversario de ‘Mad Max’. Es por eso que el cartel de este año y el libro oficial del festival llevarán desérticas imágenes inspiradas en el universo de George Miller.
La primera entrega de la saga distópica más emblemática de la historia del cine protagoniza el cartel de Sitges 2019, con el sello de la agencia China. “En la imagen, aparece un coche destruido por el óxido, abandonado en medio de un desierto infinito, sin rastro de ningún personaje. Una composición enigmática, simple y contundente, que bebe de una iconografía tan inconfundible como la saga de Miller y su paleta cromática de naranjas, ocres y amarillos. Se trata de un homenaje a una obra con un universo gráfico único, que se presta como pocos al formato sintético e icónico de la cartelería”, explica el director creativo ejecutivo, Rafa Antón. El fenómeno ‘Mad Max’, llegado de Australia, se vivirá en cada rincón de Sitges con entusiasmo.
Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya también conmemorará los 40 años de un título icónico del cine de género de 1979: ‘Alien, el octavo pasajero’, de Ridley Scott, un film que marcó una época y que continua bien presente en la actualidad, reuniendo a una legión de fans. De la misma manera, otros homenajes a cintas esenciales del fantástico tendrán su espacio para el recuerdo en Sitges 2019.
Exploitation italiana
La retrospectiva Apocalypse domani recogerá títulos clave de la exploitation italiana de ciencia ficción desarrollada a finales de los años 70 como consecuencia del éxito de títulos estadounidenses como ‘Star Wars’, ‘Alien’ o ‘1997: Rescate en Nueva York’, pero sobre todo de las dos primeras entregas de ‘Mad Max’. Fueron productos pensados para el mercado internacional, que en algunos territorios –como España– alcanzaron un enorme éxito comercial, dirigidos por veteranos del cine de género como Enzo G. Castellari (1990, ‘Los guerreros del Bronx’, ‘Los nuevos bárbaros’), Joe D’Amato (‘Bronx lucha final’), Sergio Martino (2019, ‘tras la caída de Nueva York’), Lucio Fulci (‘Roma año 2072: Los gladiadores’) o Luigi Cozzi (‘Contaminación: Alien invade la Tierra’).
En los últimos años, muchas de estas cintas se han convertido en títulos de culto buscados por los aficionados de todo el mundo, generando un fenómeno de reivindicación y recuperando su importancia artística e industrial.
Libro oficial
‘Apocalypse Domani’. La década dorada de la exploitation italiana de ciencia-ficción (1977-1990) es el título del libro oficial del Sitges 2019 que, bajo la coordinación de Ángel Sala, verá la luz el próximo mes de octubre. Esta será la segunda colaboración entre el Festival y Editorial Hermenaute, después de la publicación el año pasado del ensayo Michele Soavi. Cineasta de lo macabro.
El libro analiza el fenómeno de la exploitation italiana desde la perspectiva del género de la ciencia ficción, repasando sus precedentes, sus contenidos y el impacto que suscitaron este tipo de producciones. Un recorrido didáctico a través de sus películas más representativas, cintas que aún hoy en día cuentan con miles de fans en todo el mundo. La publicación también quiere reivindicar la figura de un buen número de directores italianos, entre los que destacan Antonio Margheriti, Sergio Martino, Enzo G. Castellari, Luigi Cozzi, Ciro Ippolito o Joe D’Amato.
‘Apocalypse Domani’ recupera títulos centrados en ciudades distópicas, apocalipsis y cine de bandas; en sus pasajes el lector encontrará el análisis de películas influenciadas por peplum, el spaghetti western y el horror. Guerreros bárbaros, ciborgs, alienígenas, moteros, monstruos de todo tipo, émulos de Conan el Bárbaro o míticos héroes clásicos. Un mundo de fantasía que, durante una década, dio al cine italiano su versión más desinhibida y comprometida con el fantástico.
El libro consta de las firmas de críticos de cine y especialistas en la materia como Violeta Kovacsics, Diego López, Ruben Lardín, Jesús Palacios, Xavi Sánchez Pons, Lluís Rueda, Mònica Garcia, Jordi Sánchez Navarro, Desirée de Fez, Manlio Gomarasca, Domingo López y el mismo Ángel Sala.
Fantastic 7
El Festival de Sitges ha creado Fantastic 7, conjuntamente con el Marché du Film del Festival de Cannes y el fundador de Blood Window, Bernardo Bergeret. Se trata de un foro destinado a fomentar el talento dentro de la industria del género y favorecer su conexión con socios comerciales potenciales. Fantastic 7 celebró su primera edición en la pasada edición del Festival de Cannes, con una numerosa asistencia de la industria del género llegada de todos los puntos del planeta.
La sesión, apadrinada por el director J.A. Bayona, reunió a siete festivales internacionales: Bucheon International Fantastic Film Festival (Corea del Sur), el Cairo International Film Festival (Egipto), el Festival Internacional de Guadalajara (México), el International Film Festival & Awards de Macao (China), el South by Southwest d’Austin (Estados Unidos), el Festival de Toronto (Canadá) y el Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Cada festival defendió, a través de un pitching, una propuesta de género fantástico. Sitges presentó la nueva producción del cineasta vasco Juanma Bajo Ulloa, Baby.
Al acto de Cannes asistió el Ministro de Cultura y Deporte, José Guirao; la directora del ICAA, Beatriz Navas el director del ICEC, Miquel Curanta; el director de su área audiovisual, Francisco Vargas, así como otros representantes de instituciones y organismos relacionados con la industria audiovisual.
Taboo’ks
Las vías confluyentes entre las industrias audiovisual y editorial volverán a coincidir en Sitges de la mano de Taboo’ks, la iniciativa del Festival de Sitges que acerca la literatura y el cine fantástico. El programa –que abrirá el periodo de presentación de candidaturas la primera semana de junio– selecciona de entre todos los proyectos recibidos cuatro obras (novela, teatro o novela gráfica) y un study-case de un proyecto en vías de adaptación para presentarlos a los productores asistentes al Festival, con la finalidad de promover los acuerdos de adaptación de obras literarias a proyectos audiovisuales.
Aprovechando el marco del certamen internacional, Taboo’ks se convierte en un mercado de derechos especializado en el género fantástico. La actividad incluye una agenda de contactos y una masterclass impartida por una personalidad significativa del sector cinematográfico y literario.
El Palacio de la Prensa proyectará los cortometrajes más terroríficos
De nuevo y por tercera vez los amantes del terror tienen una cita en Madrid. El único festival que se celebra únicamente dedicado a este género vuelve a convocarse. El lugar elegido es el Palacio de la Prensa y el día el jueves 30 de mayo, a partir de las 19.00 horas. Allí podrán verse cortometrajes de todo tipo pero siempre bajo el género del terror.
Creado y organizado por el director Néstor López y el actor Erik Gatby, el ‘Terror Frame Fest’ regresa, tras el éxito de crítica y público de anteriores ediciones, con el propósito de cubrir el vacío existente en Madrid en cuanto a los géneros del cine de terror y ciencia-ficción.
En una única sesión, se podrán ver los cortos seleccionados para la proyección: ‘Tierra trágame’; ‘La Proeza’, de Isaak Berrokal, con Erika Sanz de protagonista; ‘Hug’, con SandraEscacena de protagonista; ‘Vampus’, de VíctorMatellano; ‘Greta’; ‘Limbo’; ‘Miedos’, con CarlosSantos de protagonista. También se presentarán mini cortos de terror ‘Cassette Killer’ y ‘Un cinéfilo en el bosque’; la serie de Fake Trailers ‘El aspersor infernal’ y el corto canario ‘Noctámbulos’.
Los cortometrajes ganadores se darán a conocer tras el visionado y habrá Premio Especial del Público asistente, que de esta manera participará y se sumará al jurado que decidirá los cortos premiados, formado por el actor Erik Gatby y el director Néstor López.
Los fans del terror, además, podrán disfrutar de un coloquio con los directores y actores, entre otros miembros del equipo, además de una ambientación ‘de muerte’. ‘El objetivo es desenterrar todo ese potencial y ponerlo a disposición de los amantes de este tipo de cine. Este festival de cortometrajes poco a poco dará lugar a su expansión dentro del panorama nacional e internacional’, afirma Néstor López.
Las entradas ya se pueden comprar por un coste de 5,50€ y pueden adquirirse en la web del Palacio de la Prensa y en la taquilla del cine.
Hace cuarenta años se rodaba en Belmonte y pueblos cercanos, ‘El crimen de Cuenca’ de Pilar Miró, que será después secuestrada militarmente y su directora procesada. Película que más tarde se convertirá en uno de los grandes éxitos del cine español, y su estreno en España significará un ejemplo de avance de la democracia y de la libertad de expresión.
Pilar Miró demostró su valentía en defensa de la película con su contenido íntegro, en momentos tan convulsos como el 23-F, en un mundo de hombres, aquel momento en que apenas había mujeres directoras en el cine español.
Como en el caso real y en la película, “El Cepa” regresa para contarlo en el largometraje documental «Regresa El Cepa».
Crítica
Documental sobre una obra transgresora que no debería pasar inadvertido
A comienzos de la transición Española Guillermo Montesinos haciendo las veces de El Cepa recorría las calles de Belmonte u Osa de la Vega entre gritos y abucheos. Cuarenta años después vuelve a las localizaciones de tan transgresora y polémica película pero esta vez entre recuerdos y reflexiones. ‘Regresa el Cepa’ emplea al actor de películas como ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’ o ‘Buenas noches señor monstruo’ como hilo conductor de un filme que nos hace ver tanto a su intérprete como a nosotros que en algunos aspectos no hemos avanzado tanto o que por desgracia hemos retrocedido.
PilarMiró rodó hace cuatro décadas ‘El crimen de Cuenca’, la magnitud de su argumento y las tropelías que sufrió para poder estrenarse hicieron que se convirtiese en uno de los mayores estrenos de la época en España. Con el paso del tiempo citar ese largometraje se ha convertido en hablar de libertad de expresión, de amor por el cine, de feminismo, de derechos humanos, de fascismo… De muchos temas que hoy en día están en boca de todos. No puede pasar desapercibida ni esta película ni la obra que analiza. Sus temas regresan como el Cepa a su tierra y el director Víctor Matellano tiene a bien estrenar esta película ya sea para gusto cinematográfico o acertadamente como invitación a estar siempre dispuestos a re-visionar nuestra historia.
Para conocer bien la crónica y lo que rodeó la gestación de aquella mítica película de nuestro cine Matellano ha hecho un amplio esfuerzo reuniendo a todo tipo de expertos. Familiares, juristas, abogados, críticos, escritores, artistas, políticos implicados o relacionados de alguna u otra manera con el rodaje de la película y con la polvareda que se levantó después. Por supuesto el documento cuenta con actores o equipo del rodaje que aporta sus brochazos sobre los acontecimientos. Esta no es una película con personas contando batallitas, es una batalla llena de personas que han contado.
El documental abarca primero la magnitud de la atrocidad sucedida realmente en el apodado «Crimen de Cuenca» para después poder mostrar la repercusión del rodaje de la película, aún más con la época en la que se estrenó. El guión ordena los hechos y sitúa correctamente la historia para que todo aquel que no la conozca sea debidamente informado y la calamidad cale hondo. Por supuesto el largometraje aprovecha para añadir algunos recuerdos del trabajo y la personalidad de la desaparecida Pilar Miró.
Acompañan como relatores de esta historia, además de los entrevistados, las voces de RamónLanga, JavierDotú, ClaudioRodríguez y ÁfricaGozalbes (quien pone voz a citas de Pilar Miró). Cuatro conjuntos de cuerdas vocales que con profundidad y rotundidad acompañan este respaldo de la dolorosa verdad de nuestro pasado. Porque desde su inicio ‘Regresa el Cepa’ arranca con una sentencia de la época que tajantemente y sin pelos en la lengua ordenaba secuestrar la película de Pilar Miró y hasta el final del filme se mantiene firme contra aquel ataque que sufrió la obra de arte que hoy si podemos ver.
Si no habéis visto ‘El crimen de Cuenca’ conviene que le deis un visionado antes de pasar al cine a disfrutar ‘Regresa el Cepa’. No tanto por entender de qué hablan los entrevistados cuya exposición está bien estructurada, sino más bien para que no os destripéis su sorpresa. ‘El crimen de Cuenca’ fue una película que casi nadie pudo ver limpiamente, sin la mancha de la polémica, ‘Regresa el Cepa’ os dará una perspectiva única, aquella visión que solo tienen los que fueron testigos y son capaces de transmitir la voz de la experiencia.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de mayo de 2019. Título original: Regresa el Cepa. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Víctor Matellano. Guion: Emeterio Díez Puertas, Antonio Durán, Víctor Matellano. Música: Javier de la Morena. Fotografía: David Cortázar. Reparto principal (narradores): Guillermo Montesinos, Javier Dotú, Ramón Langa, África Gonzalbes, Claudio Rodríguez. Producción: Artistic Films, Begin Again Films, ViMa PC, Objetivo 7 Producción Audiovisual. Distribución: Begin Again Films. Género: documental. Web oficial:http://beginagainfilms.es/regresa-cepa/
Natalia de Molina y Greta Fernández protagonizan la película de Netflix
Netflix está apostando fuerte por la producción de ‘Elisa y Marcela’. No es para menos pues es su segunda película original producida en España y está producida nada más y nada menos por IsabelCoixet, directora con mucho renombre y seguidores. No son pocas las campañas que están lanzando entorno a este título que podremos ver en la plataforma 7 de junio pero ya ha llegado el momento de ver material de la película que además hemos sabido que será proyectada en algunos cines desde el 24 de mayo.
Se acaba de lanar el tráiler de este filme en blanco y negro que protagonizan Natalia de Molina y GretaFernández. Un drama que cuenta el romance de las dos primeras mujeres que se casaron en España.
‘Roma’ se alzó como gran triunfadora acumulando hasta cinco galardones
Anoche se entregaron los Premios Platino en una gala que fue retransmitida por 21 televisiones a lo largo de toda latinoamérica y España. Más de 300 periodistas cubrieron un evento en el que ‘Roma’ fue la ganadora absoluta con 5 premios: Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Guion, Mejor Dirección de Fotografía y Mejor Dirección de Sonido.
Varios trabajos españoles también salieron reconocidos en esta fiesta del audiovisual de habla español y portugués. ‘El Reino’ se alzó con dos premios y exitosas películas como ‘Campeones’ o ‘El silencio de otros’ también subieron al escenario. Así como la serie de Paco León, ‘Arde Madrid’, que se hizo con el galardón a Mejor Teleserie.
A continuación tenéis detallada toda la lista de ganadores, la cual podéis comparar con la de la anterior edición.
Mejor Película Iberoamericana de Ficción
Alfonso Cuarón.
Mejor Dirección
Alfonso Cuarón.
Mejor Guion
Alfonso Cuarón.
Mejor Música Original
Alberto Iglesias.
Mejor Interpretación Masculina
EL REINO. Antonio de la Torre.
Mejor Interpretación Femenina
LAS HEREDERAS. Ana Brun.
Mejor Película de Animación
UN DÍA MÁS CON VIDA
Mejor Película Documental
EL SILENCIO DE OTROS
Premio PLATINO a la Mejor Ópera Prima de Ficción Iberoamericana
LAS HEREDERAS
Mejor Dirección de Montaje
EL REINO. Alberto del Campo.
Mejor Dirección de Arte
PÁJAROS DE VERANO. Angélica Perea.
Mejor Dirección de Fotografía
Alfonso Cuarón.
Mejor Dirección de Sonido
Sergio Díaz, Skip Lievsay, Craig Henighan y José Antonio García.
Premio PLATINO al Cine y Educación en Valores
CAMPEONES.
Mejor Miniserie o Teleserie Cinematográfica Iberoamericana
ARDE MADRID.
Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie
NARCOS: MÉXICO. Diego Luna.
Mejor Interpretación Femenina en Miniserie o Teleserie
La nueva película dirigida por Israel González escrita por Juan de Dios Garduño
El pasado mes de agosto de 2018 comenzó el rodaje de ‘Fuel’, la segunda película de Israel González, director de ‘Los límites del cielo’. Este es un título escrito por el talentoso Juan de Dios Garduño, guionista de obras como la película de Miguel Ángel Vivas, ‘Extinction’, o grandes cortometrajes como ‘Mom’, ‘Fe’ o ‘Lobisome’. Tanto Israel González como Juan de Dios Garduño aún tienen pendientes la producción de ‘Bering’, pero de momento nos proponen ‘Fuel’, un desértico thriller que según vemos en su teaser parece que va a arrancar como un ‘Saw’ a cielo abierto.
En su reparto figuran Fernando Cermeño (de las series ‘La casa de al lado’ y ‘La sombra del pasado’), Isabelle Junot (‘Stretch Marks’, ‘Tophy’), David M. Santana (‘Star Wars: El despertar de la fuerza’, ‘Archanhell’) y Patricia García Méndez.
En ‘Fuel’ conoceremos a Raúl, un periodista e influencer que se dedica a realizar reportajes a cerca de comida para sus propias redes sociales y para algunos medios especializados. Tras una estancia en México comienza el regreso hacia Estados Unidos recorriendo la famosa Ruta 66. Pero de buenas a primeras despierta encadenado a un viejo vehículo, sin sustento y sin opciones de huida.
El rodaje se realizó prácticamente en su totalidad en Tabernas (Almería). Emplazamiento mítico conocido por albergar la localización de westerns, películas de Steven Spielberg o Ridley Scott así como de series más recientes como la popular ‘Juego de Tronos’. ‘Fuel’ ha sido producida por NIDO FILMS, con un presupuesto de 6000€ y rodada en 4 días, puro cine independiente. Comienza su circuito por festivales y se espera su estreno a lo largo de éste año 2019.
Inquietante póster que más que influenciar nos atrae
Desde que supimos del inicio del rodaje de ‘La influencia’ en junio hemos querido tener novedades de esta película que supone el primer largometraje de Denis Rovira. Un título que cuenta con Emma Suárez, junto a Manuela Vellés (‘Velvet’), Maggie Civantos (‘La pequeña Suiza’), Alain Hernández (‘Solo’) y Claudia Placer (‘Verónica’).
El director de la trilogía de cortos ‘Angel’, ‘Lazarus taxón’ y ‘El grifo’ ha creado una obra que se basa en la novela de Ramsey Campbell, todo un maestro del terror actual. El mismo director junto a Daniel Rissech y Michel Gaztambide han escrito el guión. La sinopsis oficial dice lo siguiente: «Alicia regresa a la siniestra mansión de la que huyó siendo una niña – un hogar que nunca ha albergado infancias felices – convertida ahora en una joven madre de familia. Acompañada por su marido y su hija de nueve años, Nora, Alicia busca rehacer su vida mientras se ve obligada a enfrentarse a un pasado que creía enterrado y a un cuerpo que se resiste a morir: el de Victoria, la posesiva matriarca de la familia, quien ha caído en coma profundo y sobrevive conectada a una máquina, y por la que la pequeña Nora siente una fascinación malsana. La Influencia es una macabra historia sobre el peso de los lazos familiares y la trascendencia de la muerte.
Siente la influencia. Teme a la influencia».
La cinta llegará a los cines de toda España el próximo 21 de junio.
El título se encuentra bajo la producción de Kiko Martínez, por lo que está dentro del sello de Nadie es perfecto, con la participación de RTVE y la colaboración de la Film Commission pública del Principado de Asturias. Su distribución cinematográfica correrá a cargo de Sony Pictures Entertainment Iberia.
La aventura de estos históricos exploradores en formato animación
Tras su presentación en el Festival de Málaga ya podemos ver el primer tráiler de ‘Elcano y Magallanes, la primera vuelta al mundo’. La película de Ángel Alonso mostrará a los más pequeños la aventura que vivieron estos dos navegantes surcando los mares para convertirse en las dos primeras personas en circunnavegar el planeta.
Filmax y Barton Films distribuirán la película en sus versiones original en euskera y doblada en castellano. Esto será a partir del 5 de julio, será entonces cuando familias de todo el país podrán acercarse a todo tipo de cines a ver como sus regresamos a un siglo XV en versión animada que vivió una revolución, es decir, justo ahora se cumplen quinientos años de esa gesta.
La Oreja de Van Gogh pone el tema de la película que acompaña a la banda sonora interpretada por la Orquesta sinfónica de Euskadi. Ya podemos oír algo en el tráiler.
Sinopsis oficial:
Una de las aventuras más emocionantes jamás contada: La Primera Vuelta al Mundo. Un viaje circular que empieza donde acaba, pero a partir del cual nada será igual. Esta es la crónica de dos navegantes que cogieron el timón de la historia para cambiar el rumbo de la humanidad. Un viaje que se inició bajo el mando de Fernando de Magallanes y que concluyó Juan Sebastián Elcano, el verdadero protagonista de esta historia.
Tormentas, hambre, tribus y todo tipo de increíbles aventuras se interpondrán en su camino. Cinco embarcaciones partieron del puerto de Sevilla en 1519. Tres años después sólo una consiguió volver, completando así una aventura alrededor de un planeta cuya redondez quedó finalmente demostrada.
‘Soledad’ de Agustina Macri ganadora a Mejor Película
Del 22 al 30 de abril se ha estado celebrando el BCN Film Fest. Por allí han pasado varios de los responsables de las películas proyectadas y tanto el público como el jurado han podido ver las propuestas que próximamente veremos los espectadores en salas comerciales. Largometrajes de toda índole y nacionalidad que han sido votados por un jurado compuesto por Josep María Miró, NoraNavas,PilarEyre,AaronCabañas, Pepe Armengol e Ylenia Cañadas. El fallo de esta tercera edición es el siguiente.
Premio a la Mejor Película
SOLEDAD de Agustina Macri
Premio de la Crítica ACCEC
LA VIDA SENSE LA SARA AMAT de Laura Jou
*Mención Especial: LA MIRADA DE ORSON WELLES de Mark Cousins
Premio del Público, con el apoyo de TV3, a la Mejor Película Catalana
LA VIDA SENSE LA SARA AMAT de Laura Jou
Premio Festival Castell de Peralada a la Mejor Música
EL SECRETO DE LAS ABEJAS (compositora: Claire M. Singer)
Premio del Público a la Mejor Comedia
DE LA INDIA A PARÍS EN UN ARMARIO DE IKEA de Ken Scott
El 3 de marzo, tras varios meses de huelga en demanda de aumentos salariales, las comisiones representativas de trabajadores en la empresas en lucha habían convocado una jornada de paro general en Vitoria, una ciudad donde se había creado un movimiento asambleario que preocupaba al Gobierno, temeroso de que pudiera extenderse al conjunto del Estado español.
En la iglesia de San Francisco del barrio obrero de Zaramaga, miles de trabajadores y trabajadoras se reunieron en asamblea. En el exterior se congregaron muchas persona más y, en medio, se situó un centenar de agentes de la Policía armada.
Durante los sucesos del 3 de marzo de 1976 en Vitoria, cinco trabajadores resultaron muertos a manos de la Policía tras una larga huelga. Begoña, una joven de clase media, vivirá en primera persona aquellos hechos que sacudieron «una ciudad donde nunca pasa nada». En un conflicto cada vez más enconado, tanto ella como su familia tendrán que elegir de qué lado colocarse. Finalmente, tras la masacre, Begoña, la ciudad y el conjunto del país no serán nunca más los mismo.
Crítica
Un trocito de nuestra historia que todo el mundo debería conocer y no olvidar
Hay muchos retazos de la historia que no conocemos y más aún de la nuestra propia, ya que el cine se suele centrar en la Guerra Civil como si fuese el único evento bélico que hemos vivido. Hay pequeñas historias que merecen ser contadas y escuchadas y sin duda ‘Vitoria, 3 de marzo’ es una de ellas.
Admito que yo no conocía este hecho y me ha dejado sin palabras. La película nos trae a una familia normal para contarnos todo lo acaecido los días anteriores a la huelga general del 3 de marzo de 1976 y por supuesto el día mismo.
Una joven estudiante que está descubriendo la vida, sus emociones e ideales al lado de gente de su edad y con muchos sueños por delante. Un padre que ha perdido toda la ilusión con tal de lograr que su familia coma, una madre amargada que hará de todo para poder sobrevivir y ayudar. En un momento te explican toda la situación que hay en Vitoria a través de los ojos de estos tres grandes personajes.
VíctorCabaco hace un trabajo espectacular para ser su primer largometraje, me ha parecido una maravilla su dirección y la manera de contar esta historia que hay veces que parece un documental. Esto es gracias a toda la información que ha recabado y como los utiliza en el film.
Una de las cosas que más me ha impresionado, han sido las escuchas de los policías que vamos oyendo al final de la película, son reales y ponen los pelos de punta. Frases como «Hemos contribuido a la paliza más grande de la historia» se quedan grabadas durante un buen rato en la cabeza después de escucharlas. Creo hayan utilizado ese recurso hace que el climax final nos deje a todo el público sin palabras, aparte de que vas viendo como trataron a todo aquel que estuvo en la huelga general.
Pero no solo utiliza este recurso para que la sintamos más real y como he dicho antes, casi documental, también la ambientación de las casas, el vestuario e incluso a la música que estos manifestantes escuchaban como A galopar de PacoIbáñez y RafaelAlberti, o Campanades a morts, compuesta por LluísLlach tras los hechos ocurridos el 3 de marzo.
En el reparto vemos caras conocidas y no tanto, pero si que el nivel está muy alto en esta película. RuthDíaz, nos ofrece a una mujer que tiene que dar demasiado en una familia bastante rota por todo lo que está pasando, nos deja un papel muy fuerte capaz de hacer lo que sea para ayudar. AlbertoBerzal es el encargado de hacer de padre de familia y adentrarse en la boca del lobo para poder mantener todo en orden. AmaiaAberasturi, una joven con unas idea muy idealizadas y con ganas de luchar, me ha gustado mucho su actuación, evoluciona de manera rápida pero con lógica, es una mujer que está creciendo y tiene todos sus pensamientos y sentimientos a flor de piel.
MikelIglesias, no es parte de esta familia pero si entra fuerte en ella al estar saliendo con Begoña el personaje de Amaia Aberasturi, una idealista que hará que la huelga se lleve a cabo.
Para terminar, la película está dedicada a los cinco fallecidos aquel día, tres fueron durante las cargas policiales en el momento y dos de ellos murieron días después por culpa de los golpes. Pedro María Martínez, Francisco Aznar Clemente, Romualdo Barroso Chaparro, José Castillo y Bienvenido Pereda.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de mayo de 2019. Título original: Vitoria, 3 de marzo. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Víctor Cabaco. Guión: Juan Ibarrondo, Héctor Amado. Música: José Luis Canal. Fotografía: Gaizka Bourgeaud. Reparto principal: Amaia Aberasturi, Ruth Díaz, José Manuel Seda, Alberto Berzal, Mikel Iglesias, Iñaki Rikarte, Oti Mazano, Iñigo de la Iglesia, Asier Macazaga. Producción: Sonora Estudios, Gariza Films. Distribución: Filmax. Género: drama histórico. Web oficial:https://vitoria3demarzo-lapelicula.com/
‘Residencias Academia de Cine’ surge con el respaldo del Ayuntamiento de Madrid
La Academia de Cine, con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid, pone en marcha por primera vez un programa de residencias por el que dotará a 15 cineastas emergentes o profesionales –directores, guionistas o productores–, nacionales o extranjeros, de los medios y ayudas necesarias para el desarrollo de proyectos audiovisuales relacionados con la capital española.
El presidente y el vicepresidente de la Academia de Cine, Mariano Barroso y Rafael Portela; Manuela Carmena, alcaldesa de Madrid, y Luis Cueto, coordinador general de la Alcaldía de Madrid, informaron este miércoles, en la sede de la institución, de todos los detalles del programa, que cuenta con un presupuesto que supera los 300 000 euros.
El presidente de la Academia agradeció «su implicación y su apoyo decisivo» al Ayuntamiento de Madrid para que sea una realidad este proyecto, «que para nosotros es igual de importante que los Premios Goya, aunque sea menos mediático. Queremos dinamizar la Academia y la industria y que este sea un lugar de encuentro», manifestó.
Carmena señaló la vinculación de la capital española con el séptimo arte. «¿Cuál va a ser el camino para que Madrid se convierta aún más en una ciudad de cine? Este programa de residencias. Queremos que los cineastas vengan aquí», aseguró. Por su parte, Cueto deseó que los proyectos seleccionados representen la diversidad y haya «una sensibilidad con la presencia de mujeres».
El acto también contó con la asistencia de la productora Belén Atienza y la directora y guionista Carla Simón, que formarán parte del comité de selección de los proyectos, junto al cineasta colombiano Rodrigo García; la coordinadora de la Ciudad de Madrid Film Office Ángeles Vacas; el director artístico de Cineteca Madrid Gonzalo de Pedro; y un representante de la terna presidencial de la Academia. Tanto Atienza como Simón respaldaron este apoyo a la creación, que para la productora «es una gran oportunidad», mientras que la directora y guionista destacó lo crucial de compartir y de la tutorización. «Cuando trabajas con alguien, se fomenta el dar lo mejor», apostilló.
La sede de la institución será el espacio en el que se realizarán estas ‘Residencias Academia de Cine’, cuya primera edición tendrá una duración de nueve meses, desde mediados de septiembre de 2019 a mediados de junio de 2020. La convocatoria y las bases legales se han hecho públicas este miércoles 24 de abril, dando el pistoletazo del salida al programa. A partir de esta fecha, se abre el período de presentación de solicitudes, que se podrán entregar hasta el día 14 de junio de 2019.
Las claves de ‘Residencias Academia de Cine’
El programa se dirige a personas físicas mayores de edad que presenten proyectos audiovisuales de ficción y no-ficción, en cualquiera de sus formatos (largo, corto o mediometraje, serie de TV o webserie) y en cualquier género (ficción, documental, animación…).
Se seleccionarán un mínimo de cinco proyectos de cineastas residentes y empadronados en la ciudad de Madrid, y hasta un máximo de cinco proyectos excepcionales que gocen de unos valores y una singularidad especial a destacar por la comisión seleccionadora, aunque no cuenten con una relación directa con Madrid.
El programa ofrecerá una aportación económica de carácter mensual a los creadores; apoyo en los gastos de traslado de aquellos residentes que vivan fuera de la comunidad de Madrid; asesoramiento de mentores, espacio físico de trabajo, inmersión en las actividades de la Academia y encuentro permanente con la industria, entre otras facilidades. Los mentores se escogerán en función del perfil de los proyectos seleccionados.
En su solicitud, entre otros documentos, los aspirantes tendrán que entregar una memoria detallada del proyecto, desarrollando los resultados esperados en la residencia, una biofilmografía del autor o autora y una carta personal de motivación.
Freddie Highmore, LuisTosar, Liam Cunningham, Astrid Bergès-Frisbey, Jose Coronado, Famke Janssen, Sam Riley, Daniel Holguín, Emilio Gutiérrez Caba yAxel Stein encabezan el reparto
Lo cierto es que es variopinto y a la vez díscolo el reparto que ha configurado Jaume Balaguero para su próxima película. Ha reunido a Freddie Highmore (‘The Good Doctor’), Astrid Bergès-Frisbey (‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’), Jose Coronado (‘Tu hijo’), Liam Cunningham (‘Juego de Tronos’), Sam Riley (‘Maléfica’), LuisTosar (‘Celda 211’), Emilio Gutiérrez Caba (‘La Comunidad’), Axel Stein (‘Hausmeister Krause – Ordnung muss sein’), Daniel Holguín (‘Che: Guerrilla’) y Famke Janssen (‘X-Men: la decisión final’). Ahí es nada.
Con ellos va a grabar ‘Way down’, un thriller de acción escrito por Andrés Koppel, Borja González Santaolalla, Rafael Martínez, Michel Gaztambide y Rowan Athale. Se rodará en 11 semanas por ciudades de la comunidad de Madrid y otras localidades de la costa española.
La sinopsis que de momento nos transmite la distribuidora del filme, Sony Pictures, es la siguiente.
«El Banco de España es completamente distinto a cualquier otra entidad financiera. Un banco absolutamente inexpugnable. Un banco que nadie ha podido robar, del que no hay planos, no hay datos, ni hay nadie vivo que sepa qué ingeniería faraónica se utilizó hace más de cien años para construir su cámara acorazada. Un auténtico misterio…
Pero ni las leyes de Estado, ni las leyes de la física asustan a Thom Johnson (Freddie Highmore), el brillante y joven ingeniero reclutado para averiguar cómo quebrar el secreto para acceder a su interior.
El objetivo es un pequeño tesoro que va a estar depositado en el banco solo diez días. Diez días para descubrir el secreto de la caja, diez días para urdir un plan, diez días para preparar el asalto, diez días para aprovecharse de un plan de fuga irrepetible, cuando la esperada final del Mundial de Fútbol de Sudáfrica reúna a cientos de miles de aficionados a las puertas del mismísimo Banco de España… Diez días para alcanzar la gloria… o para acabar en prisión.»
Todo un reto de producción por el cual ‘Way Donw’ se ha convertido en uno de los proyectos más elaborados y esperados de Telecinco Cinema (Ghislain Barrois y Álvaro Augustin), Ciudadano Ciskul (Francisco Sánchez), Think Studio (Eneko Lizarraga) y El Tesoro de Drake AIE, con la participación de Mediaset España y Movistar+ así como del propio Freddie Highmore como productor. Una apuesta ambiciosa de todos ellos para cuyo lanzamiento internacional Mediaset España y TF1 STUDIO, líderes audiovisuales en España y Francia respectivamente, han unido sus fuerzas otorgando al grupo francés la gestión de sus ventas internacionales. En España la distribución de la película correrá a cargo de Sony Pictures Entertainment Iberia.
Según Ghislain Barrois, consejero delegado de Telecinco Cinema: “’Way down’ es un proyecto único y complejo que hemos abordado teniendo en cuenta la dificultad que conlleva producir en el competitivo mercado de las películas en inglés, con el nivel de exigencia que en Telecinco Cinema y Mediaset España aplicamos a todas nuestras películas. Mientras que sobre el papel la idea de producir una película española en inglés puede parecer interesante, americanos, ingleses, y muchos países europeos producen en este idioma, por lo que acceder a actores angloparlantes de renombre se complica cada vez más, a menos de que se disponga de una historia lo suficientemente original y atractiva como la nuestra. A eso se suma el hándicap de que muchos de esos actores no hablan castellano y eso hace que la promoción en España sufra por la barrera lingüística, un aspecto que en Way Down hemos resuelto alineando a un elenco interpretativo de perfil claramente internacional con una particularidad que le hace único, y es que prácticamente todos hablan castellano además de inglés”.
David Imaz tuvo que huir del País Vasco a mediados de los setenta, repudiado por los suyos, acusado de traición. A pesar de encontrar la felicidad en California, su pasado le sigue pesando y el sentimiento de culpa no le permite afrontar con serenidad sus últimos días de vida.
Joseba Altuna, su amigo de la infancia, acude a despedirse de él y de paso, a ajustar cuentas pendientes. Han pasado mucho tiempo sin verse, pero llegó la hora de enfrentarse a la verdad.
Crítica
Se capta más el propósito que el sentimiento
Escritor a destacar sin duda, Bernardo Atxaga, de entre todos los que actualmente escriben en euskera. Su obra ha sido traducida a múltiples lenguas y trasladada al cine anteriormente por cineastas como Montxo Armendáriz o Pello Varela. ‘El hijo del acordeonista’ se convirtió previamente en obra de teatro y ahora es Fernando Bernués con guión de Patxo Tellería quien la convierte en un filme que podrá verse en pantalla grande.
En esta película dos amigos se reencuentran cuando uno de los dos está a punto de morir en California. Dos personas que hace años que no se hablan y que en su juventud empuñaron las armas por la independencia de Euskadi. Esta nueva reunión destapa recuerdos otrora enterrados, los cuales suponen meter el dedo en heridas nunca cerradas. Heridas que parece que ni ellos ni su país han sabido cerrar nunca.
Como podréis intuir la película nos hace saltar entre Estados Unidos y el País Vasco a medida que recorremos el presente y las remembranzas de los protagonistas. El ritmo del filme está bien marcado, el montaje nos descubre a modo de novela toda la historia. Así mismo nos habla en euskera, castellano e inglés según vamos pasando páginas de las memorias del protagonista moribundo.
La película peca en caer en un aroma de telefilme y no consigue empaparnos de un sentimiento de morriña. La melancolía campestre sencilla y pasada que nos retorne a tiempos de posguerra no nos abraza. Eso evita que ‘El hijo del acordeonista’ sea poco entrañable y por lo tanto las emociones no nos sean cercanas.
No es que ‘El hijo del acordeonista’ establezca un paralelismo entre sus dos protagonistas y los bandos que se enfrentaban en la España de finales del siglo XX. Se pueden encontrar similitudes y de haber tomado la película esas vías quizá tendríamos entre manos una propuesta más interesante, aunque por otro lado arriesgadamente manida. Si hay algo en lo que acierta este título es en remarcar que no todo aquel que se vio inmerso en el conflicto armado lo hizo por motivos políticos o por querer escoger voluntariamente un bando. También hubo quien cayó hacia un lado u otro por simples motivos personales de odio, amor u ambición. Eso produjo chivatos, rencillas, estigmas, secretos, traiciones… que se ejemplifican claramente en el guión e intuyo que también en la novela que muy probablemente muchos cogerán tras ver esta película.
Callarse los secretos puede acabar no solo con las amistades o las familias más fuertes, si no con los lazos más robustos que uno puede tener con su tierra o su gente. La moraleja está ahí, el sentimiento no tanto.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de abril de 2019. Título original: Soinujolearen semea. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Fernando Bernués. Guion: Patxo Tellería. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Peio Villalba. Reparto principal: Aitor Beltrán, Iñaki Rikarte, Cristian Merchán, Bingen Elortza, Joseba Apaolaza, Mireia Gabilondo, Frida Palsson, Miren Arrieta, Laia Bernués, Eneko Sagardoy. Producción: Abra Producciones, Tentazioa. Distribución: Filmax, Barton Films. Género: drama. Web oficial:elhijodelacordeonista.filmax.com
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