Hermana de Sherlock Holmes y perseguida por Godzilla.
A Millie Bobby Brown le ha llegado el momento de dar el salto a la gran pantalla. La pequeña estrella que nos ha conquistado en Stranger Things con su papel de Eleven (Once) interpretará varios personajes en el cine. Uno de ellos será nada más y nada menos que el de la hermana del famoso detective Sherlok Holmes, Enola Holmes. Iniciará su propia saga llamada ‘Las aventuras de Enola Holmes’ adaptando las novelas de Nancy Springer.
Seguramente este estreno llegue más tarde que ‘Godzilla: King of monsters’ (programada para el 22 de marzo de 2019). En esta película Bobby Brown interpreta a Madison Russell y parece que hará de hija de Vera Farmiga. Ambos films están producidos por Legendary Entertainment.
‘La forma del agua’ también parte aquí como gran favorita
Como cada año se han dado a conocer los candidatos a ganar los Premios de Cine de la Academia Británica, los BAFTA. Este año, como sucedió el pasado con ‘La, la, land’, la gran favorita es ‘La forma del agua’ de Guillermo del Toro, la cual ha obtenido 12 nominaciones.
Siguen a la película del mexicano ‘La hora más oscura’ y ‘Tres anuncios en las afueras’ con nueve posibles premios. La secuela de ‘Blade Runner’ opta a ocho al igual que ‘Dunkerque’.
La ceremonia se celebrará el próximo 18 de febrero.
Nos acaba de llegar el primer tráiler doblado al castellano de ‘Lady Bird’, película ganadora de dos Globos de Oro (Mejor película comedia o musical y Mejor actriz a Saoirse Ronan). Esta película, debut como directora de Greta Gerwig, cuenta además con cuatro nominaciones a los premios BAFTA: actriz protagonista (Saoirse Ronan), actriz de reparto (Laurie Metcalf), guión original (Greta Gerwig) y estrella emergente (Timothée Chalamet).
El estreno está previsto para el 23 de febrero a través de Universal Pictures.
Sinopsis oficial:
Greta Gerwig se revela como una nueva y atrevida voz en el mundo del cine con su debut como directora, ‘Lady Bird’, que explora en profundidad tanto los aspectos cómicos como los patológicos del turbulento vínculo entre una madre y su hija adolescente. Christine McPherson (Saoirse Ronan) es una joven incontrolablemente amorosa, profundamente obstinada y de opiniones férreas. Por mucho que luche contra ello, es exactamente igual que su madre (Laurie Metcalf), una enfermera que trabaja incansablemente para mantener a flote a la familia después de que el padre (Tracy Letts) se quedase sin empleo. Ambientada en el año 2002 en Sacramento, California, en mitad de un panorama económico marcado por cambios vertiginosos, ‘Lady Bird’ es una conmovedora visión de las relaciones que nos modelan, las creencias que nos definen y la belleza inigualable de un lugar llamado hogar.
La nueva adaptación de la obra de Agatha Christie.
El pasado 24 de noviembre se estrenó la nueva versión de ‘Asesinato en el Orient Express’ (crítica aquí) dirigida y protagonizada por Kenneth Branagh y ya podemos anunciaros que hay fechas para su lanzamiento en formato físico. Twentieth Century Fox Home Entertainment la pondrá en alquiler y Venta Digital el 16 de marzo y en 4K Ultra HD, Blu-Ray™, Blu-ray y DVD el 21 de marzo. Habrá más de 90 minutos de extras, incluyendo escenas eliminadas y comentarios del director.
CONTENIDOS ADICIONALES EN DVD
Agatha Christie: Un Retrato Íntimo
Hablemos de Hércules Poirot
Escenas Eliminadas
Audiocomentario de Kenneth Branagh y Michael Green
CONTENIDOS ADICIONALES EN BD, BD STEELBOOK Y UHD (Más de 1 hora y media de extras)
Agatha Christie: Un Retrato Íntimo
Hablemos de Hércules Poirot
Sospechosos Inusuales: Primera Parte
Sospechosos Inusuales: Segunda Parte
Sospechosos Inusuales: Tercera Parte
El Arte del Asesinato
Todos a Bordo: Rodando Asesinato en el Orient Express
Música de Asesinato
Escenas Eliminadas
Audiocomentario de Kenneth Branagh y Michael Green
Película sobre el origen de la amistad entre hombre y animal.
La última Edad de Hielo es el marco para la última película dirigida y escrita por Albert Highes (‘El libro de Eli’) que lleva como título ‘Alpha’. Un filme que Sony Pictures tiene programado para el día de Halloween, el 31 deoctubre 24 de agosto de este año. Está protagonizado por Kodi Smit-McPhee (‘Déjame entrar’) y Jóhannes Haukur Johannesson(‘Atómica’).
Ya podemos ver un primer tráiler doblado al castellano.
Sinopsis oficial:
Europa, 20.000 años atrás. En mitad de su primera cacería con el grupo de élite de su tribu, un joven es herido y dado por muerto. Al despertar se encontrará débil y solo, y deberá aprender a sobrevivir y abrirse camino ante la dura y cruel naturaleza. Acompañado a regañadientes de un lobo abandonado por su manada, los dos aprenderán a confiar el uno en el otro, convertirse en aliados y superar los innumerables peligros para, contra toda posibilidad, encontrar el camino a casa antes de que llegue el letal invierno.
Francia, verano de 1891. El joven Armand recibe una carta de su padre, el cartero Joseph Roulin, para entregarla en mano en París al hermano de su amigo Vincent Van Gogh. Pero en París no hay rastro de Theo, del que cuentan que murió poco tiempo después de que su hermano Vincent se quitara la vida. Así comienza ‘Loving Vincent’, la primera película realizada al oleo de la historia del cine. A través de más de 65000 fotogramas animados, pintados a mano por artistas de todo el mundo, la película da vida a los cuadros de Van Gogh recorriendo la misteriosa vida del pintor a través de las cartas que con frecuencia escribía a su hermano pequeño Theo.
Crítica
La vida a través de la mirada de Van Gogh.
Hoy os hablamos de ‘LovingVincent’ una verdadera maravilla visual que se estrena este viernes 12 de enero gracias a KarmaFilms.
Con un total de 65000 fotogramas pintados al puro estilo de VanGogh. Los directores, Dorota Kobiela y Hugh Welchman, nos dirigen a una historia que termina siendo bastante detectivesca, pero que no termina de convencer del todo, eso sí, todo queda tapado por el gran trabajo de montaje, creando una verdadera obra de arte.
La técnica es impresionante, pues encontramos los fotogramas pintados al oleo y dando movimiento a la obra del autor.
Aun recuerdo cuando leí ‘Cartas a Theo’, el libro con las misivas que Van Gogh escribió a su hermano. En ellas se ve como la gran personalidad del artista le jugaba malas pasadas, como poco a poco iba perdiendo el control de su vida y aun así este hombre, que en vida no vendió ni un cuadro, consiguió ser uno de los grandes artistas de la historia y a la vez un ser incomprendido para la gente que le rodeaba.
Creo que el fallo de esta cinta, aunque a mí me ha encantado, es la historia que quizá sea un poco floja, conociendo la vida del autor, podrían haber escogido partes de su vida mucho más interesantes, como todo el tiempo compartido junto a PaulGauguin, o hacer lo mismo que han hecho, pero con todas las cartas que se escribió con su hermano Theo ya mencionadas antes, pero que nos hubiesen dado una gran visión del artista.
La historia se convierte en una búsqueda del porque Vincent decidió suicidarse y si de verdad ese fue el motivo de su muerte.
Los parecidos a los cuadros de VanGogh son maravillosos, sobretodo el personaje del Doctor Paul Gatchet, la elección de JeromeFlynn es muy buena y sin duda deja con la boca abierta el gran parecido a la obra del pintor.
Las actuaciones son muy buenas, DouglasBooth, convertido en un detective sin el quererlo, nos trae a un ArmandRoulin muy creíble. En cuanto a RobertGulaczyk, es un perfecto VanGogh, me encanta su mirada y sus gestos, la pasión con la que coge los pinceles, es sentir al pintor en la sala de cine.
En la cinta podemos ver infinidad de cuadros de Vincent, como El café de noche, uno de los retratos de El doctor Paul Gachet o El trigal con cuervos, por mencionar alguno, pero realmente toda la cinta es una verdadera obra de arte con las distintas obras del pintor y podemos ver como muchos de ellos cobran vida.
La pena es que se estrena en muy pocas salas y es una cinta que bien merece su visionado, la técnica, la fotografía, el mimo porque cada detalle sea perfecto, nos deja una película digna de admirar y disfrutar.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de enero 2018. Título original: Loving Vincent. Duración: 95 min. País: Reino Unido, Polonia. Dirección: Dorota Kobiela, Hugh Welchman. Guión: Dorota Kobiela, Hugh Welchman, Jacek Dehnel. Música: Clint Mansell. Fotografía: Tristan Oliver, Lukasz Zal. Reparto principal: Douglas Booth, Helen McCrory, Saorise Ronan, Jerome Flynn, John Sessions, Robert Gylaczyk, James Greene, Richard Banks. Producción: Coproducción Polonia- Reino Unido, Odra films, Trademark Films, Polski Instytut Sztuki Filmowej. Distribución: Karma Films. Género: Animación, drama. Web oficial:https://karmafilms.es/catalogo/loving-vincent/
La película escrita y dirigida por Fernando León de Aranoa, está protagonizada por Javier Bardem y Penélope Cruz, nominados a la 32 edición de los Premios Goya en las categorías de Mejor actor protagonista y Mejor actriz protagonista, lideran el reparto de esta cinta, con un Javier “animal”, arrollador y amenazante, y una Penélope deslumbrante y valiente, que abraza su personaje sin reservas.
Inspirada en el libro-autobiografía “Amando a Pablo, odiando a Escobar” de la periodista colombiana VirginiaVallejo, ‘Loving Pablo’ es el relato desesperado de una superviviente, sobre la fascinación y el deslumbramiento, pero también sobre la desmesura y el horror.
El funcionamiento de la mente criminal ha despertado siempre el interés de público, artistas y narradores y quizás la de Pablo Escobar haya sido la más lúcida de ellas. Esta no es su biografía, tampoco la historia de un gánster más. Es un relato del hombre que cambió la historia del crimen.
La película se presentó con gran éxito en los Festivales Internacionales de Venecia, Toronto y San Sebastián, obteniendo excelentes críticas.
‘Loving Pablo’ está producida por Escobar Films y B2Y OOD (Javier Bardem, Miguel Menéndez de Zubillaga, Kalina Kotas y Dean Nichols), está distribuida en España por Filmax y cuenta con la colaboración de RTVE y Netflix.
Primer vídeo promocional de tres previos a la ceremonia de 2018.
Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla intentan convencer a Dani Rovira para que les deje presentar la gala de los Goya 2018 en la primera de las tres piezas promocionales que se emitirán en TVE y en los cines. Los cómicos manchegos urden un plan para dar pena a Rovira, que presentó consecutivamente las últimas tres galas de los galardones, y para ello no dudarán en ofrecerle un maletín lleno de dinero o amenazar a un “perrete”.
Un total de tres promos, que se irán emitiendo de aquí al 3 de febrero y en las que, además de contar con el actor malagueño, aparecerá Juan Manuel Montilla, El langui, ganador del Goya a Mejor Actor Revelación y Mejor Canción Original por ‘El truco del manco’. Las piezas se podrán ver en los canales de Televisión Española y en un total de 2600 salas de cine de toda España, con la colaboración de FECE (Federación de Cine de España).
Joaquín Reyes (Albacete, 1976) y Ernesto Sevilla (Albacete, 1978) serán los conductores de la 32 edición de los Premios Goya, que se celebrará en el Madrid Marriott Auditorium Hotel el próximo sábado 3 de febrero. Los cómicos, que saltaron a la fama con programas como La hora chanante y Muchachada Nui y series como Museo Coconut, aseguran que “queremos ser fieles a nuestro humor”.
El mundo del cine no es ajeno a los manchegos, puesto que Joaquín Reyes ha participado en títulos como ‘Spanish movie’ y ‘Promoción fantasma’, de Javier Ruiz Caldera, ‘Tensión sexual no resuelta’, de Miguel Ángel Lamata, o ‘Cuerpo de élite’, de Joaquín Mazón. Por su parte, Ernesto Sevilla ha aparecido en ‘Pagafantas’, de Borja Cobeaga, ‘Campamento Flipy’, de Rafa Parbus, ‘Torrente 4’, de Santiago Segura, o ‘Embarazados’, de Juana Macías.
A continuación también podéis ver cómo se rodaron las tres promos.
Tras perder a su hija María en un accidente, Carmen recibe una carta de la agencia de adopción en la que por fin le conceden a María una niña vietnamita, Thi Mai.
Junto a sus dos mejores amigas, Elvira y Rosa, que nunca han salido de España, deciden viajar a Vietnam para completar el proceso de adopción. Una vez allí, su inexperiencia, el choque cultural, los laberintos burocráticos y las peculiaridades de cada una de estas tres mujeres convierten el viaje en una sucesión de equívocos, situaciones disparatadas y decisiones delirantes. Sus insólitas acciones en Vietnam provocan que el reto parezca cada vez más inalcanzable, por lo que tendrán que recurrir a ingentes dotes de ingenio, no exento de disparate, y cabezonería para que THI MAI pueda volver con Carmen a su hogar en España.
A su aventura se unen Dan, su rígido pero noble guía vietnamita, y Andrés, un joven actor español que viaja a Hanoi para vivir con su pareja.
‘Thi Mai, rumbo a Vietnam’ es la divertida historia de amor de una madre que no quiere renunciar a su derecho de ser abuela y de cómo la esperanza, la amistad y las buenas personas que se encuentran por el camino (en cualquier lugar del mundo), siempre pueden con las desgracias.
Crítica
Comedia bien medida, sin irse a cotas disparatadas.
La primera vez que supe de ‘Thi Mai, rumbo a Vietnam’ me vino el recuerdo de un episodio de ‘Los Simpson’ en el que Selma (una de las hermanas gemelas de Marge) quería adoptar a una niña en China y no podía porque no estaba casada. Lo que sucedía entonces es que comenzaba una aventura en la que tenía que fingir estar casada con Homer para conseguir engañar a una inflexible agente de adopción. No digo que esta película sea un plagio de ese episodio, para nada, como os podéis imaginar en la serie de Matt Groening las cosas se enredan y se vuelven cada vez más absurdas. Pero si he visto ahora, tas ver la película, bastante puntos en común y cuando leí su sinopsis me temí que pudiese acabar buscando ese humor disparatado que tienen tantas películas de viajes alocados y tantas historias españolas mezcladas con culturas extranjeras.
Pero ‘Thi Mai, rumbo a Vietnam’ no es una película de tintes absurdos. Tiene sus momentos dramáticos, necesarios pero rápidamente equilibrados y contrarrestados. Sobre todo es una comedia ligera, sencilla, con momentos emotivos y personajes muy humanos. Pese a su argumento no sigue unos derroteros excesivamente descabellados ni se descontrola y tampoco tiene momentos increíblemente surrealistas. Al contrario, lo que sucede en ella le puede haber pasado a cualquier turista o podemos verlo en algún programa sobre españoles en Vietnam. Está repleta de confusiones comprensibles, anecdóticas y muy campechanas.
Como dice el proverbio vietnamita «al comerte una fruta piensa en aquel que plantó el árbol». Eso es lo que hace el personaje de Carmen Machi. Busca a su nieta pensando en quién pidió la adopción, su hija. La actriz española, igual que cuando actuó en ‘La puerta abierta’ o cualquier trabajo en el que maneje un abanico de emociones, demuestra que sigue siendo uno de nuestros tesoros. Es igual que la pongas delante de la cámara y la pidas que ejecute un gag o una escena intensamente dramática que ella sabe cómo llegar al espectador y como adaptarla a un personaje. Dani Rovira interpreta a un actor homosexual y lo hace sin exagerar ni llevarlo al extremo o la parodia, algo que seguro que el colectivo LGTB agradece. Adriana Ozores y Aitana Sánchez-Gijón tienen más protagonismo que Dani Rovira, que realmente está en un segundo plano de la película. Y de ellas destaca más Ozores por que tiene las frases más tontorronas y memorables. Seguro que salís del cine repitiendo alguna de sus chifladuras.
Curioso y abrupto es el contraste de culturas que vemos en la película. La propuesta del personaje de Machi es de locos y así se refleja al saltar de golpe de Pamplona a Vietnam, donde ha estado el equipo del filme rodando seis semanas. Y eso se ve porque el país está grabado de pe a pa. Campos, mares, ciudades, pueblos… Casi toda la película transcurre en la república asiática. Valoro positivamente también en ese sentido esta apuesta de Patricia Ferreira y su equipo, pues ha escogido muy bien sus localizaciones. No ha caído en los tópicos y tampoco ha pecado de comedida.
Además de ser la historia de una persona que lucha por su sueño y derecho a ser abuela ‘Thi Mai, rumbo a Vietnam’ es la aventura de otras dos mujeres que tienen diferentes inquietudes. La de una que ha sido prejubilada y la de otra que tiene una familia que no la valora. Así pues abarca un buen espectro de personalidades que, aunque nos van pronosticando cual va a ser su final, se liberan o revelan mientras nos hacen pasar un rato bien agradable.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Thi Mai, rumbo a Vietnam. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Patricia Ferreira. Guión: Marta Sánchez. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Sergi Gallardo. Reparto principal: Carmen Machi, Adriana Ozores, Aitana Sánchez-Gijón, Dani Rovira, José Troncoso, Pedro Casablanc. Producción: Amor en Vietnam A.I.E, Tripictures, ES.DOCU, Atresmecia Cine. Distribución: Tripictures. Género: comedia. Web oficial:http://www.tripictures.com/web/thi-mai/
Most Beautiful Island es una potente historia de redención a la vez que un retrato actual del sueño americano y la lucha por la supervivencia en Nueva York.
Crítica
La isla más bonita encierra algo que tarda demasiado en emerger.
El sueño americano, ese ideal que mueve a tantos a inmigrar a los Estados Unidos en busca de oportunidades, de riqueza, de una mejor vida en general. Ese mito nos lo desmonta, como tantas otras películas pero a su manera, ‘Most beautiful island’. Ana Asensio nos presenta un relato inspirado en una etapa de su propia vida. En él una española está en una situación económica límite, afectada en lo que a su salud se refiere, habitando el país como inmigrante ilegal, con lo que eso conlleva, que no tiene ni siquiera un número de la seguridad social para atender sus necesidades sanitarias. ‘Most beautiful island’ comienza y así se mantiene durante más de la mitad de su proyección como una historia ambientada en la crisis, retratando el estado actual de aquellos que luchan por salir a flote y conseguir el ansiado sueño americano y sobre todo se mueve entre aquellos que intentan sobrevivir en la ciudad que nunca duerme.
Demasiado se enreda Ana Asensio para mostrar su experiencia con el sueño americano cuando eso ya está harto mascado y lo francamente interesante o atractivo era contar el suceso que vivió. Ese lance que tuvo, esa desventura, es lo que le da una razón de ser al filme, lo que os va a hacer empezar a sentir incómodos e intrigados, pero como digo, sucede con la película muy avanzada, en torno a los cincuenta minutos. No os voy a contar ni en qué consiste la vertiente de suspense y casi terror psicológico de su tramo final pues es lo realmente atractivo de la película. De ahí que se insista tanto en mantener en secreto todo y que hasta la web del filme se llame nocuenteselfinal.com. Esa parte de thriller está mucho mejor elaborada que el resto. No es que no consigas empatizar con la protagonista en las etapas previas de la película, pero cuando de verdad temes por ella es en esta última fase.
Claro que Asensio interpreta bien su personaje, es lógico puesto que revive y protagoniza una impactante historia inspirada en algo que ella misma vivió. En sus ojos ves reflejados los fantasmas de la ruina y en su cara el semblante del miedo al fracaso y a la miseria. Pero el resto del reparto no resulta tan convincente y se ve tan sumergido en la historia.
Si su relato está magnificado es por la situación actual y por la conocida aversión del presidente Trump hacia los inmigrantes. Por lo tanto no puede llegar en mejor época para dar en el clavo. A Ana Asensio para esta ópera prima le ha bastado con poner la guinda, con mantenernos en vilo y haber encontrado la oportunidad de usar una vivencia suya. Para muchos este filme es fascinante para mí solo es algo más que anecdótico. Veremos con qué nos intenta sorprender en futuras ocasiones.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Most beautiful Island. Duración: 80 min. País: EE.UU. Dirección: Ana Asensio. Guión: Ana Asensio. Música: Jeffery Alan Jones. Fotografía: Noah Greenberg. Reparto principal: Ana Asensio, Natasha Romanova, Nicholas Tucci, Larry Fessenden. Producción: Glass Eye Pix. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: thriller, drama. Web oficial:http://nocuenteselfinal.com/
De la Peña se inspira en Star Wars para dar cobijo al contenido del festival.
Ya podemos ver el cartel definitivo de la CutreCon VII y… ¡salimos en él! Como patrocinadores de la sesión golfa de ‘Mi amigo Mac’ (el 26 de enero) figuramos al pie del poster que promociona la séptima edición de este festival. Esperamos veros, no solo en el pase del viernes, sino también en todo el festival que se celebra del 24 al 28 de enero.
Como en otras tres ediciones Guillermo De la Peña ha sido el encargado de hacer este póster que está centrado en el cine espacial y los invitados de este año. Pero sobre todo está inspirado en los carteles de STAR WARS que circulaban por Europa del Este a comienzos de los 80. Seguro que habéis reconocido muchos guiños.
Además ya podemos ver todo el programa del festival siguiendo este enlace.
El pasado 22 de diciembre se estrenó ‘Bright’, un filme que mezcla la «fantasía medieval tradicional» con las historias policiales de hoy en día. Ha levantado multitud de opiniones y tras convertirse en la película original más vista en la plataforma en su primera semana de estreno Netflix ha decidido producir una continuación. Otro dato es que ‘Bright’ lidera el ranking de películas más vistas en Netflix en cada uno de los más de 190 países en los que la plataforma está disponible, con más visionados a nivel internacional que en Estados Unidos.
Se espera que David Ayer, Will Smith y Joel Edgerton vuelvan a reunirse para esta nueva entrega.
La noticia se ha dado a conocer con el siguiente vídeo a través de las rede sociales.
Ya tenemos ganas de ver a la criatura interpretada por Javier Botet.
Uno de los más famosos mitos o leyendas virales de internet de los últimos años, sobre todo en Estados Unidos, es la del Slender Man. Sylvain White (‘Los perdedores’) es quien ha dirigido esta película que está protagonizada por Joey King, Julia Goldani-Telles, Jaz Sinclair, Annalise Basso. Como os hemos mencionado y ya hablamos con él en su entrevista en el pasado Nocturna, el español Javier Botet figura en el reparto pues interpreta al famoso monstruo de origen creepypasta.
El estreno en España está previsto para el próximo 11 de mayo 19 de octubre.
Sinopsis oficial:
En un pequeño pueblo de Massachusetts, cuatro estudiantes de instituto llevan a cabo un ritual en un intento de desmentir la leyenda de Slender Man. Cuando una de las chicas desaparece misteriosamente, empiezan a sospechar que ella puede ser su última víctima.
Además recibirá la primera edición de un nuevo premio entregado por Ramon Saldías.
Ya ha cobrado mucha forma la nueva edición de CutreCon VII, no es de extrañar ya que su celebración es inminente (del 24 al 28 de febrero). La última novedad que nos ha sido revelada por la organización del festival es la presencia de Kunt Tulgar. Este director turco nos viene a presentar ‘Supermen Donuyor’, su versión del superhéroe por antonomasia, el ‘Superman turco’.
El director Cem Kaya (documentalista compatriota de Tulgar al que entrevistamos el año pasado) ha mediado para que esto sea posible y estará presente también este año. Gracias a él el próximo 27 de enero a las 18:15h en el Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj podremos ver la infame película junto a su director. Una sesión gratuita, como todas las que se realizan siempre en esta sede para este festival. Un largometraje repleto de «homenajes» y copias sin pudor que no duda ni en usar la banda sonora de Williams. Si en su documental ‘Remake, Remix, Rip-off’ Cem Kaya nos mostraba los plagios y remakes que se hacían en el cine turco de las películas hollywoodienses, este ‘Superman turco’ nos puede servir de gran ejemplo.
Pero como acto previo a esta proyección se le otorgará a Tulgar el Premio “Ramón Saldías”. Este es un nuevo premio creado para reconocer en CutreCon a artistas que hayan colocado en el llamado “cine cutre” al menos un título, aunque ellos no tengan su currículum repleto de estos. Dicho premio recibe su nombre del director de ‘Karate Contra Mafia’, la cual fue proyectada hace varias ediciones en el festival y supuso la primera película de artes marciales del cine europeo. El mismo Saldías acudirá a entregar el galardón.
El próximo 16 de febrero se estrenará ‘Cuando dejes de quererme’. Un filme que supone el primer trabajo como director de Igor Legarreta, quien ha sido guionista de ‘Autómata’. En ella podremos ver como actores destacados a FlorTorrente, MikiEsparbé, EduardoBlanco y JoaquínCliment. También cuenta con la colaboración especial de AntonioDechent.
Podemos ver ya el tráiler de esta película de Centuria Films (España), Cuando Dejes de Quererme AIE (España) y CEPA Audiovisual (Argentina), con la participación de TVE, la colaboración de Elipsis Capital, y el apoyo del ICAA.
Laura (Flor Torrente) vive en Buenos Aires con su padrastro Fredo (Eduardo Blanco). Siendo tan sólo una niña, ella y su madre se marchan del País Vasco, tras supuestamente ser abandonadas por su padre.
Con esa historia zanjada, un día recibe una llamada desde España: el cuerpo de su padre acaba de ser encontrado bajo tierra en un bosque cercano. Las pruebas forenses han sido claras: Félix Careaga (Eneko Sagardoy) murió hace más de 30 años asesinado de un disparo en la nuca. Laura decide volar a España y así enterrar a su padre y cumplir el deseo no satisfecho de su madre de esparcir sus cenizas en su tierra natal. Fredo la acompañará.
En su viaje conocerá a Javier Egoskue (Miki Esparbé), agente de seguros, que comunica a Laura la existencia de un seguro de vida firmado por su padre. Egoskue, intrigado por la historia del asesinato y atraído por Laura, emprenderá junto a ella y Fredo una particular investigación para descubrir quién acabó con la vida de Félix Careaga.
Molly’s Game está basada en la historia real de Molly Bloom (Jessica Chastain), una prometedora esquiadora de nivel olímpico que, al ver truncada su carrera deportiva, acabó organizando las partidas de póker clandestinas más exclusivas de Estados Unidos. A sus partidas acudían las más grandes estrellas de Hollywood, deportistas de élite, titanes del mundo de los negocios y, finalmente, miembros de la mafia rusa, hasta que Molly fue arrestada por 17 agentes armados del FBI en mitad de la noche. Inmersa en una batalla judicial, su único aliado en su lucha ante los tribunales fue el abogado criminalista Charlie Jaffey (Idris Elba), quien supo ver en ella una verdad mucho más sincera de la que la prensa sensacionalista publicó en sus páginas.
Crítica
Sorkin demuestra su oratoria y arte tras la cámara.
Es la primera vez que vemos a Aron Sorkin en el rol de director. Hasta ahora solo habíamos disfrutado de sus libretos en grandes trabajos como ‘Algunos hombres buenos’ o ‘El ala oeste de la Casa Blanca’ y ha sido premiado en los Oscar, por ejemplo, por su conocidísima ‘La red social’. Digo solo pero su trabajo rara vez es discutido, si acaso por la densidad de sus guiones. Pero de hecho su última película ‘Steve Jobs’ a muchos nos había dejado bastante fríos. Por el contario, en este caso, en lo que se refiere al esquema de la película ha sido menos pretencioso, quizá por el hecho de tener entre sus manos un personaje menos famoso. No obstante arranca de un modo arrollador, desenfrenado, al que le cuesta bajar el ritmo, pero que no es difícil de seguir. Quizá este buen resultado, este control sobre la comprensión también se deba a que ha tenido el mando de lo que se ha rodado en base a lo que él mismo ha escrito.
Esta nueva película nos habla de una persona educada para ganar, alguien que aparca sus estudios de derecho y se sumergen en el mundo de las partidas de póker de alto calado. Pero un detalle a tener en cuenta, esta película no va de partidas ilegales o clandestinas, pero si secretas (ya que en ella participan actores, ricachones, mafiosos…). Aunque por determinadas razones las cosas se le van de las manos y a Molly (Jessica Chastain) le toca rendir cuentas ante un juez. ‘Molly’s Game’, el juego de Molly, trata de una mujer astuta, inteligente, prudente, legal y por lo menos, tal y como la pinta la película, fiel y discreta. Eso es lo único que tiene en común el personaje con su homónimo de la novela de James Joyce. Ya que esta Molly Bloom ni siquiera es irlandesa. La propia Chastain, a la que le viene el papel como anillo al dedo, lo deja bien claro en una de sus íntimas conversaciones, en este caso junto a Chris O’Dowd, que ni tiene que ver con la popular Molly Malone, ni con la Molly Bloom del Ulisses de James Joyce. Pero la suya si es una odisea con tintes de epopeya ya que queriendo hacer uso de valores loables intenta salir a flote y navegar en un mar de plagado de presiones, tentaciones, contratiempos, monstruos y enemigos, salidos directamente de una sociedad que también es retratada aquí como hija de un patriarcado.
‘Molly’s Game’ está muy bien narrada, con un guión realizado a partir del libro que escribió la propia Bloom. A pesar de que nos cuenta lo que le ha sucedido a la ilustre organizadora de partidas de póker a modo de flashbacks nos parece que la historia es totalmente lineal. Sorkin, Jessica Chastain y compañía nos van narrando y adaptando la novela autobiográfica de Molly Bloom, mientras tanto la actriz va luciendo todo un repertorio de vestidos. Y no solo se dedican a narrar los hechos si no que también nos dejan bien claro, de manera literal, de qué trata y cuál es el carácter del personaje. Molly lo dice citando la historia de Circe, por si en algún momento nos hemos perdido. En referencia a perdernos o no, existen diversas secuencias relacionadas con el póker, bastante gráficas, en las que se han preocupado de ilustrarnos a cerca del juego ya que la jerga del póker es muy importante, aunque no vital, pero es muy posible que os perdáis en algún punto. Aunque esta no es una película en la que corráis el peligro de descarriaros o embotaros como pudo suceder con filmes más focalizados en un solo tema como fue el caso de ‘La gran apuesta’.
Idris Elba nos demuestra de nuevo que no es solo un actor de acción y fantasía. Entendemos además que el rol del actor londinense es el mismo que el que tiene todo lector de la novela, incluido el director, cuando coge el libro de Molly por primera vez. Es decir, poco a poco vamos descubriendo y conociendo a la persona a medida que vamos viendo su película (o leyendo su libro) y se nos desmonta el personaje que ha creado la prensa amarilla.
En ‘Molly’s Game’ Sorkin hace honor a sus famosos diálogos dinámicos y veloces. A parte de lo que queramos creernos o no del relato de la novela de Molly está lo que adapta Sorkin a favor de su película y borda con un magnífico prólogo y final. Se ha aprovechado una historia real para narrar un relato acerca del poder sobre los poderosos y de obsesión por el triunfo, pero sobre todo de una mujer única y realmente conquistadora.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de enero. Título original: Molly’s Game. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: Aaron Sorkin. Guión: Aaron Sorkin. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Charlotte Bruus Christensen. Reparto principal: Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner, Michael Cera, Jeremy Strong, Chris O’Dowd, Brian d’Arcy James, Bill Camp, J.C. MacKenzie. Producción: eOne Films, The Mark Gordon Company, Pascal Pictures. Distribución: eOne Films. Género: drama, adaptación. Web oficial:http://mollysgame.movie/
Ben y Rose son niños de dos épocas distintas, que desean en secreto que sus vidas sean diferentes. Ben sueña con el padre que nunca conoció, mientras Rose lo hace con una misteriosa actriz cuya vida narra en un libro de recuerdos. Cuando Ben descubre una pista en casa y Rose lee un tentador titular en el periódico, ambos comienzan una búsqueda que se desarrollará con una fascinante simetría.
Crítica
Paciente fábula cargada de sorpresas.
Basada en la novela del propio guionista Brian Selznick se ha rodado ‘Wonderstruck. El museo de las maravillas’. Quizá os suene el nombre de este escritor ya que fue muy citado cuando en 2011 se estrenó ‘La invención de Hugo’, filme que también se basaba en una obra suya. En este caso volvemos a vivir una historia de cuento, con tintes quizá más dramáticos, pero asimismo con protagonistas infantiles, solitarios y aventureros. Igualmente en esta ocasión los dos personajes principales están interpretados por un niño y una niña pero en este caso están separados por varias décadas.
Esta historia familiar nos narra dos andanzas, una ubicada en los años 20 y otra en los 70. En la primera una niña huye de su hogar en busca de una famosa actriz y en la segunda un chico busca a su desconocido padre. Dos relatos de los que no me gustaría daros muchos más detalles porque hay varios giros interesantes pero que se diferencian porque uno viene rodado en blanco y negro y el otro a color. Son dos aventuras paralelas pero que tienen muchos nodos en común, que vamos descubriendo saltando alternativamente de una a otra mientras las vamos comparando y durante las cuales el director Todd Haynes (‘Lejos del cielo’) nos va haciendo un contraste tanto generacional como temporal. En ese aspecto se ve uno de los talones de Aquiles de la película. Haynes se recrea en exceso en las secuencias que nos muestran cómo cambia el mundo en cincuenta años, sobre todo la ciudad de Nueva York y sus gentes. Aunque la puesta en escena, los decorados, el vestuario, la música y las vivencias de los personajes sean un viaje en el tiempo, se hace en exceso largo.
El filme pone nuestra paciencia a prueba, no solo con tanto regocijo en su excelente ambientación, sino también con su manera de narrar las maravillas que van acaeciendo. Esta película no se basa en artificios mágicos para lograr su objetivo, como podría ser más propio de la mente de un guionista vago o fantasioso, si no que se va construyendo a base de casualidades e imprevistos, como las narraciones de cualquier fábula memorable. Cada paso, cada infortunio, cada ventura acercan a los protagonistas a una meta cada vez menos esperada.
Volviendo a homenajear al difunto Ziggy Stardust la película empieza con la canción ‘Space Oddity’ y cierra el círculo con una versión del ‘Así hablo Zarathustra’ de R. Strauss, tan famoso por ‘2001: Una odisea del espacio’, en su momento crucial, en el instante en el que las dos historias paralelas confluyen. No están mal traídos estos títulos pues ambos protagonistas viven sendas odiseas buscando su sino y razón de ser mientras miran a las estrellas. Por supuesto ambos temas se emplean por veneración y metáfora, aunque en el caso de Bowie creo que ya hemos colmado el vaso de este año en lo que se refiere a películas en las que le oímos.
Julianne Moore sigue apuntándose a un bombardeo y nos vuelve a brindar un doble papel, como ya hizo en ‘Suburbicon’. Pero al igual que en esa película y como decía en el primer párrafo los protagonistas son los dos niños de la cinta: Oakes Fegley y Millicent Simmonds. Simmonds tiene ese aspecto tan clásico del cine de principios del XX y su silenciosa interpretación os puede llenar de emociones. En el caso del enrabietado Oakes Fegley son la amistad y la desesperación los sentimientos que seguramente más os aflorarán. No vi ‘Peter y el dragón’ pero su trabajo aquí me empuja a verla.
En el caso particular del director me parece mucho más acertado y sincero este largometraje que su último trabajo, ‘Carol’, además que las fechas escogidas para el estreno no podrían ser más propicias para un estreno tan entrañable, melancólico y sentimental, además que en esta ocasión Haynes ha pecado de menos ambicioso y eso le ha hecho mucho bien, dicho sea de paso.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de enero de 2018. Título original: Wonderstruck. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Haynes. Guión: Brian Selznick. Música: Carter Burwell. Fotografía: Edward Lachman. Reparto principal: Oakes Fegley, Julianne Moore, Millicent Simmonds, Michelle Williams, Jaden Michael, Cory Michael Smith, Tom Noonan. Producción: Amazon Studios, Killer Films. Distribución: Diamond Films. Género: drama, adaptación. Web oficial:https://www.wonderstruckmovie.com/
De aquí en un mes, el 26 de enero, tendremos en nuestros cines ‘El pasajero’. La nueva película en la que han trabajado juntos Jaume Collet-Serra protagonizado y LiamNeeson llegará a través de Tripictures. Además en ella actúan VeraFarmiga, PatrickWilson, JonathanBanks, SamNeill y la española ClaraLago.
Ya podemos ver su cartel y algunas imágenes, además de su tráiler en castellano que fue publicado hace varias semanas.
Cuando en julio os enumeramos las novedades surgidas en la D23, el evento de Disney, una de las destacadas fue el tráiler de ‘Un Pliegue en el Tiempo (A Wrinkle in Time)’. Ahora podemos ver un montaje nuevo de ese tráiler y además en castellano. Dirigido por Ava DuVernay, nominada al Oscar, a partir del guión de la ganadora del Oscar® Jennifer Lee y basada en la entrañable novela de Madeleine L’Engle, ‘Un Pliegue en el Timepo (A Wrinkle in Time)’ está protagonizada por Oprah Winfrey, dos veces nominada al Premio de la Academia que encarna a la Sra. Which, Reese Witherspoon, ganadora del Oscar®, que interpreta a la Sra. Whatsit, la nominada al Emmy, Mindy Kaling como la Sra. Who, Gugu Mbatha-Raw como la Sra. Murry, Michael Peña como Red y con el debut de Storm Reid como Meg Murry, con el dos veces ganador del Emmy Zach Galifianakis como The Happy Medium y el nominado al Emmy Chris Pine que encarna al Sr. Murry.
Meg Murry (Storm Reid) es la típica estudiante de secundaria con problemas de autoestima que desea encajar en el mundo que le rodea. Meg es hija de dos físicos de prestigio mundial. Es inteligente y tiene un talento extraordinario, al igual que su hermano pequeño, Charles Wallace. Pero lo cierto es que Meg todavía no es consciente del poder de su don. La situación se complica con la misteriosa desaparición de su padre, que ha dejado a Meg destrozada y a su madre con el corazón roto. Charles Wallace presenta a Meg y a su compañero de clase Calvin a tres guías celestiales (la Sra. Which, la Sra. Whatsit y la Sra. Who) que han viajado a la Tierra para ayudarle a encontrar a su padre. Juntos se embarcarán en una búsqueda extraordinaria. Viajan a través de una arruga en el tiempo y el espacio llamada teseracto, que les transporta a mundos que están más allá de su imaginación y donde se enfrentarán a una poderosa fuerza del mal. Para volver a su casa en la Tierra, Meg debe enfrentarse a la oscuridad que hay dentro de ella y reunir la fuerza necesaria para vencer la oscuridad que se está apoderando del Universo a gran velocidad.
El estreno de la película está programado por Walt Disney Pictures para el 9 de marzo.
Manji es un diestro espadachín condenado a la inmortalidad que se compromete a proteger a una joven y jura vengar el asesinato de su familia.
Crítica
Sangre, violencia y a la vez ternura, es lo que nos trae ‘La espada del inmortal’
‘La espada del inmortal‘ llega a Netflix el 29 de diciembre y sin duda merece la pena su visionado.
La película número cien de TakhasiMiikenos trae la adaptación del manga ‘La espada del inmortal‘ de HiroakiSamura, donde se nos presenta a Manji, un espadachín metido en la lucha de una niña que quiere vengarse de los asesinos de sus padres.
Sangrienta y tierna, Takhasi ha sabido hacer una gran adaptación, centrándose en una historia de las mucha que contiene el manga de 30 tomos. Creando una historia entretenida en la que nos presenta a muchos de los personajes de una manera sencilla y rápida.
No es la primera vez que el director adapta un manga al cine, os menciono las más recientes, como son, ‘Terra Formars’ o ‘Jojo’s Bizarre Adventure‘ que también pudimos ver en Sitges.
En ‘La espada del inmortal’ vemos uno de los sellos del director a la hora de adaptaciones de mangas y es que tanto los peinados, vestuarios y todo está medido y calcado a como lo vemos en las viñetas. Sí que es cierto que en esta historia es bastante importante, aunque realmente es en el manga donde te explican que cada kimono tiene su significado, pero para los lectores es una delicia poder ver a sus personajes tal cual son. Eso sí, él único que difiere es Manji, pues aunque su kimono sí que es blanco y negro, atrás no le aparece la esvástica budista, sino el kanji con el significado de hombre.
El cuidado hacia las luchas de espada, las coreografías y todos los elementos técnicos de la película, hacen que muchos vayáis a disfrutar sin duda de esta cinta.
El reparto está bien escogido, por mencionar a alguien me quedo con TakuyaKimura, que nos da a un Manji muy real y parecido al de la obra escrita, con mal humor, pero a la vez tierno.
Tanto si has leído el manga como si no, la nueva película de TakeshiMiike nos trae aventuras y acción, una buena opción para quedarnos en casa con un buen bol de palomitas y disfrutar de una tarde de sofá y manta.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de diciembre en Netflix. Título original: Mugen no jûnin. Duración: 140 min. País: Japón. Dirección: Takashi Miike. Guión: Tetsuya Oishi. Música: Kôji Endô. Fotografía: Nobuyasu Kita. Reparto principal: Tayuka Kimura, Hana Sugisaki, Sôta Fukushi, Erika Toda, Min Tanaka, Tsutomu Yamazaki. Producción: Warner Bros, Oriental Light and Magic. Distribución: Netflix. Género: Acción.
‘El Gran Showman’ es un audaz y original musical que celebra el nacimiento de la industria del espectáculo y la sensación de asombro que nos domina cuando los sueños se hacen realidad. Inspirado en la ambición y la imaginación de P.T. Barnum, narra la historia de un visionario que surgió de la nada para crear un fascinante espectáculo que se convirtió en una sensacion mundial.
Crítica
Hugh Jackman nos hace bailar en ‘El gran showman’.
La opera prima de MichaelGracey llega a nuestros cines en una época muy buena en la que nos metemos en las salas con ganas de ver algo alegre y sin complicaciones. Así es ‘El granshowman’ una cinta muy disfrutable y con un ritmo rápido, sin pausas que hará las delicias de muchos.
HughJackman que esta vez no solo ha estado frente a las cámaras, sino que además se ha colocado como productor, se presenta como P.T. Barnun, un hombre ambicioso y con grandes ideas de negocio.
La cinta se centra en la vida de este hombre, que desde niño siempre quería ser más de lo que era, quería hacer dinero y vaya si lo consiguió. Con su circo de variedades, con seres humanos con deformidades o simplemente características especiales supo venderlo hasta lograr hacer fortuna y negocio impresionantes, eso sí, muchas veces a base de estafas.
Michael Gracey le pinta más amable y su espectáculo no es solo admirar a las personas, sino mas bien algo mucho más cercano a un gran musical, con coreografías impresionantes y gente con voces de ángeles bajo enormes barbas.
También nos deja mensaje durante toda la cinta, pues ves como el miedo hacia lo desconocido, hacia lo diferente llegaba a ser tanto que se terminaba convirtiendo en odio y preferían esconder a esas personas de la sociedad e incluso matarlas.
El reparto está perfectamente escogido, HughJackman disfruta en esta cinta, se le ve, baila, canta y actúa como siempre, maravillosamente. Y por supuesto mencionar a ZacEfron y a Zendaya, que brillan con luz propia en esta película. La fragilidad de ella y la fuerza de Zac crean en la pantalla una de las coreografías más bonita de la película.
En cuanto a la música me ha parecido estupenda, no es típica de la época, es música pop, pero te engancha desde el minuto uno y saca las ganas de bailar a cualquiera. Decir, que los creadores de todo esto son los mismos autores que hicieron la banda sonora de ‘La, la, land’.
Se deja ver el mimo y cariño hacia esta cinta cuando observamos la gran puesta en escena, han tenido que dedicar muchos ensayos para llegar a tanto nivel, los movimientos, las canciones, nos muestran a gente muy profesional.
Las tres nominaciones a los Globos de Oro son muy merecidas, que vaya a ganarlos o no ya es otra historia, este año ha sido un gran año para el cine y la lucha por los premios va a ser vertiginosa. Pero el reconocimiento ya se lo han llevado.
Sin duda os recomiendo ‘El gran showman’ una película que va a gustar a mayores y pequeños, muy apta para estas fechas en las que estamos toda la familia unida. Consigue entretener desde el principio y ese es el gran propósito del cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de diciembre 2017. Título original: The Greatest Showman. Duración: 105 min. País: Estados Unidos. Dirección: Michael Gracey. Guión: Jenny Bicks, Bill Condon. Música: Benj Pasek, Justin Paul. Fotografía: Seamus McGarvey. Reparto principal: Hugh Jackman, Michelle Williams, Zac Efron, Zendaya, Rebecca Ferguson, Isaac Eshete, John Druzba. Producción: 20th Century Fox. Distribución: 20th Century Fox. Género: Musical. Web oficial:http://www.fox.es/el-gran-showman
De nuevo el equipo de Moviementarios se ha reunido para llegar a un consenso y hacer balance del 2017. Sin atenernos a resultados en taquilla, al hype o a reacciones en redes sociales, siempre consecuentes con nuestras críticas y opiniones, hemos realizado un listado con lo que más nos ha gustado en este año. Como siempre resulta muy complicado filtrar la gran cantidad de estrenos que pasan por nuestros cines y plataformas digitales hemos decidido mostraros las elegidas separadas por las categorías que más cultivamos en la web.
Puede que algún estreno de se haya quedado fuera porque no hayamos tenido acceso a él o que no se encuentre dentro de las clases elegidas. Pero estad seguros que hemos tenido en cuenta casi la totalidad de lo visto este año. Estas son las películas que más nos han cautivado (no necesariamente en orden de preferencia).
Basada en una historia real. Durante la ocupación nazi en Francia, Maurice y Joseph Joffo son dos hermanos judíos que deben separarse de su familia para evitar su deportación a campos de concentración. Haciendo muestra de gran astucia, coraje e ingenio, intentarán sortear a los soldados alemanes para llegar a la zona libre del sur de Francia y reunirse con los suyos.
Crítica
Recuerdos de una infancia truncada por la guerra narrados con delicadeza.
Los franceses haciendo alarde de su clásica sensibilidad y finura a la hora de desarrollar un drama nos acercan a una nueva historia ambientada en la época de la Segunda Guerra Mundial. Irónicamente, Christian Duguay, el director de ‘El arte de la guerra’, ha construido un discurso en contra de todo aquello que rompe la paz de una familia. ‘Una bolsa de canicas’ sigue los pasos de un clan que se ve dispersado por el país galo por culpa de la invasión alemana en los años cuarenta, como si se tratase de un conjunto de canicas golpeadas al jugar a la troya.
Según vas viendo la película da la impresión de que está dividida en muchas etapas, en excesivas. Los protagonistas pasan por continuas huídas, sufren sucesivos infortunios que nos abren muchos capítulos que parece que están pensados para cebarse en la desgracia y en el sufrimiento, para crear una historia cada vez más desdichada. Pero al final, al principio si vais a verla con esta crítica leída, descubres que está basada en una historia real. Entonces dices ¡vaya! es fascinante que unos chiquillos se antepusiesen de verdad a todas esas adversidades. Admiras más el trajín de viajes y mentiras que tuvieron que manejar durante unos años estos judíos, sobre todo los dos niños protagonistas que es en quien se centra el largometraje.
Porque esta película está fundamentada en la novela escrita por Joseph Joffo, escritor francés que en su infancia sufrió el acoso de los nazis y que en la película está interpretado por el pequeño Dorian Le Clech. Él y su familia tuvieron que dejar París y como muchos otros judíos viajar al sur de Francia para huir de la guerra. Al tratarse del relato de un adulto sobre lo que le sucedió cuando era niño tenemos una perspectiva un tanto diferente a las hasta ahora vistas. Es decir, si, es una película más sobre los nazis pero con la con la salvedad de tener un punto de vista más candoroso, mucho más enfatizado en recuerdos familiares y en pequeños detalles, de un modo casi tan eficiente como en ‘La vida es bella’.
Al igual que la película de Benigni busca tocarnos la fibra de la manera más tierna posible. Busca la complicidad y sensibilidad del espectador a través de continuos reencuentros y unos niños que las pasan canutas. De ahí que el título tenga también un sentido metafórico, es decir, los protagonistas experimentan una madurez forzada por unos tiempos durísimos y muy distintos a los que vive ahora el país galo. Una bolsa de canicas deja de ser lo más importante en la vida de nuestro protagonista principal.
A parte de todo esto hay que apreciar la buena ambientación, con un diseño de producción risueño y bello, lejos de la suciedad y la oscuridad que suele predominar en películas sobre el holocausto. También podría parecer obligatorio mencionar la presencia de Christian Clavier en uno de los momentos clave del filme, pero lo cierto es que me ha parecido muy escueta y comedida.
‘Una bolsa de canicas’ no nos abre ninguna cuestión que no hayamos debatido ya ni nos pone de manifiesto ninguna verdad que no haya salido antes a la luz. Pero si es un relato familiar, no para toda la familia, emotivo y con muy buenos planos rodados.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de diciembre de 2017. Título original: Un sac de billes. Duración: 110 min. País: Francia. Dirección: Christian Duguay. Guión: Jonathan Allouche, Christian Duguay, Alexandra Geismar, Benoît Guichard. Fotografía: Christophe Graillot. Reparto principal: Dorian Le Clech, Batyste Fleurial, Patrick Bruel, Elsa Zylberstein, Christian Clavier, César Domboy, Ilian Bergala, Kev Adams, Lucas Prisor, Bernard Campan. Producción: Quad Productions, Main Journey, Forecast Pictures, Gaumont, Okko Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, adaptación, hechos reales. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/751/una-bolsa-de-canicas/
El mundo de dos mujeres muy diferentes choca en un ático de Nueva York: la modelo se enfrenta a la intelectual; el lujo a la comodidad; la profesional a la madre divorciada. Lo único que Jade y Maria tienen en común es el mismo marido infiel, Nick, un Casanova entrado en años que acaba de dejar a su segunda esposa por otra modelo mucho más joven. Las dos ex esposas son propietarias de un lujoso piso. Lo que empieza con un intercambio verbal bastante hostil las lleva a entender que, a pesar de sus enormes diferencias, quizá no sean tan diferentes.
Crítica
A Von Trotta se le da bien plantear una disyuntiva, pero no reírse de ella.
Saliéndose de su habitual cine Margarethe Von Trotta se adentra en la comedia. La última película que nos envía a España tiene un protagonista a la fuga, Nick. Por mucho que aparezca en el título y cartel, Haluk Bilginer (Nick) hace poco acto de presencia. Pero eso no quiere decir que su influencia no se haga notar.
Para ser una película dirigida, escrita y protagonizada por mujeres me parece que esgrime argumentos poco contundentes para con su género, pero me queda claro que la intención es la de ser sarcástica con los clichés cinematográficos. Sus personajes, a pesar de ser independientes, están sometidos al destino al que les ha avocado un hombre misógino, el cual se gana ese adjetivo al tratarlas como objetos que despoja con el tiempo. Ellas mismas siendo conscientes de su carácter casi siempre le siguen el juego. Todo esto es debido a lo que parece que pretenden Von Trotta y Pamela Katz (guionista), es decir, emplear estereotipos del cine. La joven amante, la expareja despechada, la mujer inteligente y de vanguardia… Todos esos personajes típicos femeninos van pasando por la película. Así pues haciendo honor a su fama de feminista Von Trotta trata de crear una película que gire en torno a la autosuficiencia pero queda supeditada a los enfrentamientos surgidos entre los roles de las actrices principales. Y eso que introduce elementos tan característicos como que el personaje de Katja Riemann de clases sobre la poesía de Virginia Woolf y el de Ingrid Bolsø Berdal creee un perfume con el nombre «Feminista». Pero se queda todo en un rasgar la superficie.
Pensaba que tras magníficas películas como ‘Tony Erdmann’ y el gran trabajo de Maren Ade iba a simpatizar más con el humor alemán pero no ha sido así. Esta es una comedia excesivamente sutil, que intenta seguir los pasos y el estilo de Woody Allen. Si fusionamos esto al característico sentido del humor germano hace que la película tenga un humor bastante encubierto, por no decir disimulado o enmascarado. De hecho son más los momentos que se han rodado con tensión y drama que los que supuestamente deberían ser cómicos. Me cuesta enumerar las escenas en las que me han arrancado una leve sonrisa. Una pena porque la película planteaba un buen escenario para esbozar ideas, pero el desarrollo no ha sido el adecuado.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de diciembre. Título original: Forget about Nick. Duración: 110 min. País: Alemania. Dirección: Margarethe Von Trotta. Guión: Pamela Katz. Música: Helmut Zerlett. Fotografía: Jo Heim. Reparto principal: Katja Reimann, Ingrid Bolso Berdal, Haluk Bilginer, Tinka Fürst, Frederik Wagner, Hans Longo. Producción: Heimatfilm. Distribución: Golem Distribución. Género: comedia. Web oficial: http//forgetaboutnick-derfilm.de/
Cuando un famoso erudito de la arquitectura se enferma de repente, su hijo Jin se encuentra varado en Columbus, Indiana, una ciudad del Medio Oeste de EE.UU. conocida por sus edificios modernistas. Jin comienza una amistad con Casey, una chica inteligente y aficionada a la arquitectura que trabaja en la biblioteca de la ciudad.
Crítica
El hormigón de Columbus como espejo del alma.
Primera película de Kogonada. Cine desde Estados Unidos pero de corte oriental, eso no hay quien lo niegue. El tratamiento de la historia es muy propio del cine asiático. Empezamos con dos personajes que a priori no tienen nada que ver. Pero la casualidad o el destino hacen no solo que sus vidas se crucen, si no que las cosas que tienen en común les ayuden a dar pasos importantes en su vida que nunca antes habían dado. Poco a poco se emplea algo terrenal (como la arquitectura) para llegar a algo sentimental o emocional. Esta es una historia de amistad generacional. Como dice la protagonista interpretada por Haley Lu Richardson, la película «es asimétrica pero mantiene el equilibrio». Es decir, los dos personajes poseen vidas que parecen tener paralelismos, pero no son nada parecidas. Sin embargo puestas en una balanza se estabilizan el uno al otro.
Tiene reflexiones muy interesantes sobre paradigmas actuales que se dan en la vida cotidiana y que están cambiando en las nuevas generaciones. También tiene muchas cavilaciones sobre la influencia e influjo de los edificios en nuestra cultura y existencia.
En ‘Columbus’ tenemos fotogramas muy pardos, pero aún así acompañados de colores vivos. Es un desfile de edificios de todo tipo. No pasan más de diez minutos sin que veamos imágenes armónicas tanto de interiores como de exteriores. Con puntos de fuga casi sacados de dibujos técnicos, de planos realizados a perspectiva cónica o caballera. En otras escenas son los espejos los que nos dan las instantáneas que queremos ver, por minúsculo que quede reducido nuestro campo de visión. Es lógico que tenga una imagen así de cuidada debido a que su argumento está relacionado con la arquitectura. Elisha Christian es el encargado de esta magnífica fotografía. Si indagáis en su trabajo os sorprenderá mucho ver en qué y cómo ha estado inmiscuido.
Esta película que Kogonada ha dirigido y escrito es su descripción sobre el qué es la felicidad: si lo que te hace sentir bien día a día o el perseguir las metas que supuestamente puedes alcanzar o te marca la sociedad. En ese sentido los dos personajes protagonistas tienen opiniones muy encontradas que llegan a chocar y debatir de un modo muy pausado y paulatino. Pero además de eso, ‘Columbus’ también es una apuesta por una estética muy personal y cuidada que tampoco tardará en encontrar incondicionales.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de diciembre de 2017. Título original: Columbus. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Kogonada. Guión: Kogonada. Música: Hammock. Fotografía: Elisha Christian. Reparto principal: John Cho, Haley Lu Richardson, Parker Posey, Michelle Forbes, Rory Culkin, Jim Dougherty, William Willet. Producción: Depth of Field, Nonetheless Productions, Superlative Films. Distribución: Versus Entertainment. Género: drama. Web oficial:http://versusent.es/pelicula/columbus/
El 20 de julio de 2018 podremos ver ‘Mamma mia! Una y otra vez’. La esperadísima secuela de ‘Mamma mia!’, la película musical que contaba con las canciones de la popular banda ABBA y estrellas como Pierce Brosnan, Meryl Streep, Colin Firth, Stellan Skarsgård, Amanda Seyfried, Christine Baranski, Rachel McDowall… Diez años después los seguidores de la película y del grupo de música podrán volver a disfrutar en el cine de este reparto.
Esta segunda entrega cuenta la historia de cómo se conocieron los personajes de la primera película en ese mágico verano, a la vez que narra sus vidas en el presente. Los miembros del reparto original vuelven a ponerse en la piel de sus personajes: la oscarizada Meryl Streep como Donna; Julie Walters como Rosie, y Christine Baranski como Tanya. Amanda Seyfried y Dominic Cooper vuelven a formar pareja como Sophie y Sky. Pierce Brosnan, Stellan Skarsgård y el oscarizado Colin Firth retoman los papeles de Sam, Bill y Harry respectivamente, los tres posibles padres de Sophie.
Al elenco original se unen Lily James que interpreta a la joven Donna, mientras que Alexa Davies (x+y) y Jessica Keenan Wynn (la obra «Beautiful», en Broadway) son las jóvenes Rosie y Tanya. Jeremy Irvine (War Horse) es el joven Sam, Josh Dylan (Aliados) es el joven Bill, y Hugh Skinner (Kill Your Friends) es el joven Harry.
Los productores de la película original, Judy Craymer (creadora y productora de la exitosa obra de teatro original) y Gary Goetzman, vuelven a ponerse al frente del nuevo proyecto ‘Mamma mia! Una y otra vez’. Ol Parker, guionista de El exótico hotel Marigold, ha escrito y realizado esta secuela basada en una historia de Catherine Johnson, Richard Curtis y del propio Ol Parker. Benny Andersson y Björn Ulvaeus se encargan de la música y las letras, además de ser productores ejecutivos.
Sinopsis oficial:
Prepárense para volver a cantar y bailar, reír y llorar. Diez años después de que Mamma Mia! La película recaudara más de 600 millones dólares en todo el mundo, regresamos a la mágica isla griega de Kalokairi para disfrutar de un nuevo musical basado en las canciones de ABBA.
‘Sicario 2: Soldado’ es el título de la continuación.
La exitosa película de Denis Villeneuve, ‘Sicario’, tendrá continuación y se estrenará el 29 de junio del año que viene. Ahora es Stephano Sollima quien la dirige y en ella vuelve el agente federal Matt Graver interpretado por Josh Brolin haciendo equipo con volátil Alejandro Gillick (Benicio del Toro). Harán frente a la guerra de los cárteles de la droga en la frontera entre EE.UU. y México, intensificada a medida que han empezado a traficar con terroristas.
Podemos ver un primer tráiler de ‘Sicario 2: Soldado’ doblado al castellano gracias a su distribuidora, Sony Pictures.
Amaia Salamanca, Leticia Dolera y Javier Rey protagonizan esta comedia de amor, glamour y situaciones inesperadas. Junto a ellos, Walter Orellana, Brays Efe, Daniel Pérez Prada y Mariam Hernández completan un jugoso reparto que incluirá algunas sorpresas más. ‘¿Qué te juegas?’ es el título provisional de la comedia romántica basada en una idea original de AstridGil-Casares, escrita junto a Rafa Russo, Breixo Corral y Pablo Álen.
Sinopsis:
Roberto (Javier Rey) y Daniela (Amaia Salamanca) son dos hermanos que viven en un mundo de riqueza y glamour gracias a la Naviera que heredaron de su padre. Ambos comparten la dirección de la empresa, aunque tienen una actitud totalmente opuesta ante la vida. Daniela es minuciosa y perfeccionista y Roberto en cambio, es un genio visionario que odia la meticulosidad de su hermana.
Sin embargo, ambos encuentran la salida a sus desavenencias cuando se enamoran de la misma mujer: Isabel (Leticia Dolera). Una monologuista a la que Roberto ha contratado para que seduzca a Daniela y vuelva a ser tan divertida como lo era antes de tomar la dirección de la empresa.
Estas es es una producción de Bowfinger Pictures, Movistar+, Alwin Films, Cindy Teperman y Ajedrez para tres A.I.E., que se ha rodado ya en diversas localizaciones de Gran Canaria y continuará en Madrid hasta completar 8 semanas de grabación a finales de enero. A Contracorriente Films distribuirá la cinta en 2018.
Norberto Ramos del Val (‘Amor tóxico’) regresa con una comedia pero en esta ocasión con un tono más negro, con un humor más negro y físico. Personajes que ocupan la noche y se presentan en nuestras casas a través de nuestra televisión son los que protagonizan ‘Call TV’ ya que la película trata de lo que sucede durante la retransmisión de uno de estos programas televisivos de la noche en los que puedes llamar para concursar y ganar dinero respondiendo preguntas sospechosamente fáciles.
Los actores principales son María Hervás (‘Paquita Salas’), Ismael Martínez (‘Cuerpo de élite’), Ana del Arco (‘Velvet’), Emilio Buale (‘Palmeras en la nieve’), Álvaro Lafora (‘Amor tóxico’) y Javier Albalá (‘Pelotas’).
En el trabajo de escritura del guión han estado involucrados Pablo Vázquez (‘Faraday’) y Ricardo López Toledo (‘Camino a la locura’). La película se rodó con la Red Epic, una cámara de cine digital 5k. A la cabeza del equipo de fotografía César Montegrifo (‘Amor tóxico’).
Sinopsis oficial:
Presentar un Call TV no debería ser una tarea muy complicada: aguantas a los salidos, les ríes las gracias a unas cuantas señoras aburridas y hablas sola delante de una cámara durante mucho tiempo. O eso piensa Lucía, una actriz con bastante mala leche que huye de un pasado tan trágico como disparatado, cuando acepta la oportunidad que le ofrece una cadena local muy cutre para ponerse al frente de uno de estos espacios nocturnos.
Sin embargo, lo que para ella iba a ser una tranquila noche de rutina con la única compañía de Charly (el disperso encargado del programa), se convertirá en una locura cuando entre en escena un misterioso psicópata que parece tener como misión destrozarle la vida a Lucía. Ella, al teléfono y frente a la cámara, en directo, deberá jugar y seguir sus indicaciones… si quiere salir viva del programa.
Pero todavía puede ser peor, ya que un tipo llamado Hugo acaba de asesinar por accidente a una muchacha con el cuchillo con el que cortaba un trozo de melón. Avril, su vecina, una alocada joven obsesionada con la investigación policial, se unirá a él en el absurdo rescate de Lucía. ¿Lograrán estos dos tarados salvar a la actriz de una muerte segura?
Carmen Machi y Paco León se juntan de nuevo para brindarnos una comedia con mucho baile. En ella aparecen también Maribel del Pino, María José Sarrate, Arlette Torres, Maite Sandoval, Marisol Aznar, Luis Bermejo, Artur Busquets, Manuel Huedo y Bárbara Santa Cruz. Además cuenta con la colaboración especial de Julián López y Alfonso Lara.
Fernando Colomo es el responsable de la dirección y guión de la película. Además el libreto está también firmado por Joaquín Oristerell (‘Inconscientes’) y Yolanda García Serrano (‘Todos los hombres sois iguales’).
En palabras del propio director: «siempre me sentí atraído por lo que ahora se llama música diegética en mis propias películas. En algunas como en el caso de «Que hace una chica como tú en un sitio como este», había un grupo de música, cosa que volvía a pasar en «Bajarse al moro». Y en otros, como «Alegre, ma non tropo» todos los personajes tenían una relación directa con la música.
En el caso de ‘La Tribu’, la música y el baile son algo más que el telón de fondo de la historia, son el origen de la misma. Todo partió de un vídeo que Joaquín Oristrell me enseñó. Había pedido a sus alumnos de la Universidad Pompeu Fabra, a los que daba clase de guión cinematográfico, que le trajeran un ejercicio no escrito sino filmado, y uno de ellos le trajo un baile, grabado en una academia de Badalona, en el que ocho mujeres de mediana edad se mostraban llenas de entusiasmo y vitalidad al practicar un ejercicio de streetdance reservado normalmente para cuerpos más jóvenes y atléticos. Y en aquel caso entendí que «una imagen vale más que mil palabras» y que ahí había una historia digna de ser contada.
Y nos pusimos manos a la obra. Asistimos a clases para verlas en directo y mantuvimos charlas con todas ellas. Se trataba de mujeres trabajadoras (enfermeras, limpiadoras, taxistas) que utilizaban el baile como una forma de terapia y relación. Algunas habían conocido la escuela por que llevaban a sus hijos por las tardes y se quedaban esperando, otras por su propia intuición. Y todas coincidían en la importancia que en sus vidas había supuesto el poder transformador del baile, aquel momento mágico que por nada del mundo dejarían de lado.
Y luego vino la parte de ficción ya que nuestro propósito no era hacer un documental sino crear una historia original que tuviera, eso sí, una base real. Y aquí trabajé con Joaquín Oristrell y Yolanda García Serrano en una historia de encuentro madre-hijo y de «pez fuera del agua» que según me cuenta Oristrell es el tema que siempre desarrollo en todas mis películas.
Con esto quiero contar que me siento muy a gusto con esta historia. Y si añadimos que el productor es Fernando Bovaira, con el que me une una excelente relación por haber trabajado juntos anteriormente en películas como «Los años bárbaros» o «Al sur de Granada», miel sobre hojuelas».
El estreno está programado por 20th Century Fox para el 16 de marzo de 2018.
Sinopsis oficial:
Virginia (Carmen Machi), limpiadora de profesión y “streetdancer” vocacional, recupera al hijo que dio en adopción: Fidel (Paco León), un ejecutivo que lo ha perdido todo, incluida la memoria. Junto a “Las Mamis”, el extravagante grupo de baile que forman las compañeras de Virginia, madre e hijo descubrirán que a pesar de venir de mundos muy diferentes, ambos llevan el ritmo en la sangre.
‘Ferdinand’ es la historia de un toro con un corazón aún más grande que él. Después de que le confundan con una peligrosa bestia, es capturado y apartado de su hogar. Decidido a volver con su familia, se une a un equipo de inadaptados con los que vivirá una gran aventura. Ferdinand nos enseña que no puedes juzgar a un toro por sus cuernos. De Blue Sky Studios y Carlos Saldanha, director de “Rio”, llega ‘Ferdinand’, una conmovedora y divertida comedia.
Crítica
Ferdinand nos da un buen paseo por España a la vez que nos agrada con sus formas.
La historia que ideó Munro Leaf os sonará a los algo ya entrados en canas o lo muy amantes de la animación ya que tuvo adaptación por parte de la Disney, pero ahora es 20th Century Fox y Blue Sky Studios quienes la han desarrollado a modo de largometraje en una época en la que digamos que el ruedo está recubierto de arenas movedizas. Estrenar una película sobre el toreo en la actualidad en España puede ser tema delicado pero ‘Ferdinand’ saldrá airosa ya que aunque su balanza se ve claramente hacia qué lado se inclina, es condescendiente hacía el otro lado. Pero no es el único sentido en el que la película resulta titubeante.
En ‘Ferdinand’ se habla abiertamente de enviar astados al matadero o a la plaza de toros a enfrentarse al torero a vida o muerte, pero de un modo bastante suavizado. Por eso no me queda claro si es una película del todo orientada o adecuada para público infantil, independientemente de su final. Desde luego la animación que tiene está pensada para los más pequeños pero el guión a veces nos marca pasos que suponen unos duros tragos para una mente tierna.
Obviamente aquí el torero es el malo y pese a ello su figura no queda excesivamente demonizada. Además de hacer énfasis en que la plaza de toros solo es otro matadero pero engalanado y vitoreado se repite la lección y moraleja del cuento de Leaf. Y al fin y al cabo es la misma que se transmite en muchas historias del tan amado Jesucristo de los toreros o la que aprendimos de Gandhi con la resistencia pasiva.
Con lo que yo he salido más satisfecho y más cómodo me ha hecho sentir la película es con lo tan bien recreada que está España. No se si por documentación o por trabajo de campo nuestras calles, nuestra cultura, nuestros vehículos, y carreteras incluso, están perfectamente animadas. Aplaudo que desde Hollywood se hayan informado tan excelentemente bien. Ronda, Madrid, La plaza de Las Ventas… Por fin, sin ánimo de ofender, más bien de querer solo que se nos respete a nosotros y a nuestra cultura, no se nos representa como latinoamericanos.
El director de la cinta, Carlos Saldanha, que capitaneó las dos partes de ‘Rio’ y las tres primeras de ‘La edad de hielo’, es quien se han encargado de estirar este pequeño relato. Para ello él y su equipo de guionistas han hecho lo mismo que en sus anteriores películas y han introducido personajes dicharacheros. Como la cabra Lupe que nos trae casi todos los momentos más graciosos. Además, sin llegar a cotas maravillosas nos presenta una muy buena animación. Sobre todo cabe destacar el uso de las luces en la película.
Con ‘Ferdinand’ podría parecer en principio que íbamos a tener una película del corte a ‘Okja’. Es decir la historia de una niña que pierde a su mascota rodeada de un discurso animalista. Pero ni los tiros van por la película denuncia ni esta es una aventura de una chiquilla y su enorme animal. Es más bien la lucha de un ser vivo por cambiar las tornas, por librarse del destino al que le tiene avocado el ser humano. Aunque ‘Ferdinand’ peque un poco de complaciente y menos humorística de lo esperado cumple su propósito.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de diciembre de 2017. Título original: Ferdinand. Duración: 106 min. País: EE.UU. Dirección: Carlos Saldanha. Guión: Robert L. Baird, Tim Federle, Brad Copeland, Ron Burch, David Kidd, Don Rhymer. Música: John Powell. Fotografía: Renato Falcão. Reparto principal (voces originales): John Cena, Boris Kodjoe, Kate McKinnon, David Tennant, Anthony Anderson, Gabriel Iglesias, Daveed Giggs, Miguel Ángel Silvestre, Sally Phillips, Flula Borg, Karla Martínez, Raúl Sparza, Jerrod Carmichael, Rina Rodriguez, Bobby Cannavale. Producción: Blue Sky Studios, 20th Century Fox Animation, Davis Entertainment. Distribución: 20th Century Fox. Género: animación, comedia. Web oficial:http://www.fox.es/ferdinand
Colores es la historia de Tito un niño ciego que deja la ciudad para pasar unos días en un pueblo interior de Alicante con su abuela Fina a la que no conocía. Allí encuentra la amistad desinteresada de Candela y a Patuchas su perro con los que conoce la sencillez de vivir en el campo, la libertad y la fuerza de poder valerse por sí mismo sin importar su discapacidad.
Crítica
Colores, enseña que todos podemos tener un mundo nuevo por sentir.
Aprender a ponerse en el lugar de otros es algo que desde muy pequeños debemos aplicarnos. ‘Colores’ puede instruir a los niños desde una temprana edad en esa valiosa competencia de la vida. Pero además lo hace en relación a un tipo de personas a la que todos hemos reconocido alguna vez en la vida sentir admiración por su superación de barreras en el día a día.
El corto plasma de manera visual como es o como debe ser el mundo en la cabeza de una persona invidente. Ilustra los sonidos y sensaciones que recibe el cerebro del niño con imágenes en blanco y negro, con simples trazos de líneas sobre fondo negro, como si fuesen garabatos en una pizarra de colegio. Una magnífica representación que nos ayuda a entender cuánto hacen estas personas a partir de sus recursos. Lo cual nos lleva a una de las enseñanzas. Y es que este cuento demuestra, como otras muchas historias, pero preparado para niños, que un ciego no es inútil.
Pero además de mostrarnos la necesidad de un niño por valerse por sí mismo hace notar lo importante que es salir de ciudad y descubrir el campo y la naturaleza. El peligro de crear niños civitas nos lleva a tener generaciones ignorantes en su entorno y Tito, el protagonista, es uno de ellos. El modo en que se maravilla y asombra con cada sonido y sensación que le rodea en el entorno rural me parece un mensaje de alerta perfecto para esta época. Pues no hace falta que sean ciegos los niños de ahora para que experimenten lo mismo, simplemente con que cojas a alguno casi al azar de una gran ciudad y le despegues de su tablet o smartphone comprobarás las mismas reacciones.
Y en referencia a las nuevas tecnologías. La animación se agradece pues es un regreso a las dos dimensiones tradicionales. Unos dibujos sin grandes complicaciones pero eficientes.
Este trabajo, que bien podría dar pie a una serie, tiene niños que a los que quizá se les han atribuido algunas frases más propias de un adulto, pero por lo demás enseñan valores muy importantes y descubren verdades a las que muchos jóvenes hay que abrir los ojos.
Ficha de la película
Estreno en España: 2017. Título original: Colores. Duración: 19 min. País: España. Dirección: Sami Natsheh, Arly Jones. Guión: Sami Natsheh. Música: Alejandro Saura. Animadores: Alex Muñoz Gil, Rocío Silveira-Márquez, Isabel Morcillo Ruiz, Javier Cano Marín, Ksenia Fetisova, Sergi Ferrándiz Brotons, Pablo Martínez Pérez, Rosa María Medina Camarena, Cristina Vaello Alumbreros, Massimiliano Nadalini y Alejandro Fernández Sánchez. Reparto principal (doblaje): Sara Ramos, Máximo Pastor, Francesc Anyó, Iolanda Muñoz, Darío Torrent. Producción: Horizonte Seis Quince. Género: animación. Web oficial:http://www.horizonteseisquince.com/colores.html
Sandra Bullock se convierte en una de las protagonistas de ‘Ocean’s 8‘ y parece ser que es la que lleva la voz cantante en la operación para robar las joyas de una estrella en una gala. La cinta dirigida por Gary Ross llega a las salas de cine en junio de 2018 y ya tenemos el primer tráiler.
En este tráiler vemos a las protagonistas como hemos dicho Sandra Bullock, Cate Blanchett, Rihanna, Helena Bonham Carter, Sarah Paulson, Mindy Kaling, Awkwafina y Anne Hathaway. Y también vemos la tumba de alguien conocido.
Se sabe de otras apariciones en la cinta, pequeños papeles, como Matt Damon y Carl Reiner, que interpretarán sus papeles originales de ‘Ocean’s Eleven’. Se verá también a Kim Kardashian, Dakota Fanning u Olivia Munn entre otros.
Aquí os dejamos el tráiler en su versión doblada y a la espera de más información y de su llegada a las pantallas.
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