Cuenta la historia de Johnny, un tipo especial, un buenazo sin límites, que vive feliz con su novia Lisa y con un grupo de amigos de los de verdad: su vecino Denny, huérfano al que quisieran adoptar y que tiene una extraña manía en intentar meterse con ellos en su cama en plena ¿guerra de almohadas?; Mark, su mejor amigo y rubio guaperas, la madre de Lisa, que quiere que su hija se case por dinero y que entre sus problemas cuenta con un cáncer de mama al que da la misma importancia como no tener suelto para tabaco. Pero Johnny vive una mentira. Su novia Lisa está aburrida de él.
Crítica
Tomar con cuchara y digerir en compañía.
“The Room” ha recibido apelativos como horrible, aburrida, penosa, infame… Conste que esos adjetivos no vienen de mí, yo me quedo con… nefasta. La película puede ser todo lo mala que la queramos poner, pues se lo merece. Pero también depende de cómo y con quién la veas. Si conoces toda la polvareda que ha levantado, el fenómeno que la rodea y estás familiarizado con las reglas que se pueden seguir para verla, se puede convertir en una de las experiencias más divertidas que hayas tenido en un cine.
Tommy Wiseau es de esas personas a las que puedes retratar con ver la película que ha escrito y “dirigido”. Una persona que, además, cambió el concepto promocional de su película. Pues sí, tal y como dice su ficha y tal como se intentó vender, esto era un drama romántico. Tras su primer estreno y el despiporre general de la sala la vendió como comedia negra, y no es de extrañar.
El film está sembrado de despropósitos, de desatinos y de fallos. Decorados low cost (a pesar de contar con un presupuesto de 6 millones de dólares), una triste azotea rematada con un horrible croma, secuencias de transición exasperantemente largas, iluminación pésimamente estudiada, fallos de raccord, actores que sobreactúan más que un niño de parvulario… Precisamente el problema de los actores es que ni el mismo Wiseau, que protagoniza la cinta, no parece creerse su papel. Uno de los componentes del decorado, que ha dado lugar a una de las reglas para ver el film, es un marco con una foto de… ¡una cuchara! De esas que vienen de serie cuando compras el portarretratos. Los espectadores cuando la ven tiran cucharillas contra la pantalla.
Pese a todo hay alguna escena en “The Room” que tiene composición e iluminación correcta. Como la que transcurre en una cafetería, que irónica y lógicamente está fuera de la dichosa habitación. Una habitación en la que personajes, ajenos a esa casa, entran y salen a placer, incluso para utilizarla como un picadero. Y es que la trama gira en torno a un triángulo amoroso que amenaza con destrozar la vida del personaje de Wiseau, todo en tono muy telenovelesco. También se cuenta la situación un joven huérfano al que quieren adoptar y una madre que comunica en una escena que tiene cáncer y luego incluso ella olvida ese tema. Lo dicho, todo un despropósito, gracias a que el cáncer no nos da a aquellos que la hemos visto.
Si antes he comentado que podríamos conocer la personalidad de Wiseau viendo “The Room” también podemos afirmar con rotundidad que hay varias pistas sobre su origen en este film. He informar a aquellos que no le conozcan que este extraño personaje afirma ser estadounidense, pero su acento le delata. Estas pistas nos fueron reveladas en el documental “Room full of spoons” en la pasada CutreCON. Una de ellas es la bebida que toma su personaje (emborrachándose desde el primer trago) y la otra el sonido que hacen para imitar a las gallinas. Estas pistas no lo ponen nada fácil, lo sé, pero no voy a desvelar cuál es su país e incluso ciudad de origen, aprovechad la próxima vez que se pueda ver el documental en nuestro país que para eso se lo curró tanto su director Rick Harper.
Ficha de la película
Estreno en España: Pases realizados por Cinecutre.com. Título original: The Room. Duración: 99 min. País: EE.UU. Director: Tommy Wiseau. Guión: Tommy Wiseau. Música: Mladen Milicevic. Fotografía: Todd Barron. Reparto principal: Tommy Wiseau, Juliette Danielle, Greg Sestero, Philip Haldiman, Carolyn Minnott,Robyn Paris, Mike Holmes, Kyle Vogt, Greg Ellery. Producción: Chloe Productions, TPW Films, Wiseau-Films. Género: Drama, Romance. Web oficial: http://theroommovie.com/
El 1926 de agosto 7 de octubre llega a España el estreno de «La fiesta de las Salchichas», película de animación dirigida por Conrad Vernon (Shrek 2) y Greg Tiernan, con guión de Seth Rogen, Evan Goldberg, Kyle Hunter y Ariel Shaffir.
La primera película de animación para adultos realizada completamente por ordenador. Con un reparto lleno de famosos, Seth Rogen («Jobs»), Johan Hill («Ave César»), James Franco («127 Horas»), Edward Norton («Birdman»), Salma Hayek («Abierto hasta el amanecer»), entre otros.
La película trata sobre la historia de una salchicha que lidera a un grupo de productos de supermercado en su búsqueda por encontrar la verdad sobre su existencia, y lo que ocurre tras ser elegidos para abandonar la tienda de alimentos.
Aquí os dejamos el tráiler de esta original historia.
Alma (Anna Castillo) tiene 20 años y trabaja en una granja de pollos en un pueblo del interior de Castellón. Su abuelo, que para sorpresa de su familia dejó de hablar hace años, es la persona que más le importa en este mundo. Ahora que ha decidido dejar de comer también, Alma se obsesiona con que lo único que puede hacer «volver» a su abuelo a su estado es recuperar el olivo milenario que la familia vendió contra su voluntad hace 12 años.
Sin decir la verdad, sin un plan, y sin apenas dinero, Alma embarca a su tío «Alcachofa»(Javier Gutiérrez), de 45 años, arruinado por la crisis, a su compañero de trabajo Rafa (Pep Ambròs), de 30, a sus amigas Wiki y Adelle y a todo su pueblo, en una empresa imposible: recuperar el monumental olivo, replantado en algún lugar de Europa, y traerlo de vuelta a la masía familiar.
Crítica
La importancia de respetar nuestras raíces.
Icíar Bollaín, junto al multiétnico Paul Laverty, vuelven a sorprendernos con una película original. Una historia que es semejante a un cuento e incluso a una parábola a poco que uno le busque el significado. “El Olivo” posee sentimiento y sentido, es enternecedora y emotiva, pero sobre todo tiene trazas de relato creíble y posible.
Un magnífico casting encabezado por Anna Castillo y Javier Guitiérrez, que pese a ser un supuesto secundario acapara gran parte de la atención durante la película. Anna interpreta con gran veracidad a una joven cuya personalidad es la materialización literal de la expresión “de tal palo tal astilla” al calcar el carácter y la personalidad de su abuelo. Su personaje es una cara dura, una lianta y una descerebrada con mucho coraje. Rol inconfundible de toda historia con tintes disparatados o de fábula. Este es el verdadero salto al cine que necesitaba la actriz. Pero como he mencionado al comienzo de este párrafo, la elección de los actores es muy acertada. Desde el labrador real que es Manuel Cucala como el entrañable pero obstinado abuelo, pasando por Pep Ambròs haciendo de devoto y enamorado amigo hasta Miguel Ángel Aladren como padre fracasado. En resumen, un conjunto de personas que actúa como gente muy terca y de pueblo.
La película en gran parte es una road movie que tarda un poco en arrancar. En su inicio posee algunos actos en cuyos cortes no se aprecia continuidad para las conversaciones, como si los actores estuviesen en momentos diferentes. En tu totalidad nos habla de la importancia de respetar nuestra herencia, nuestra historia y nuestras raíces (nunca mejor dicho). El valor de respetar a la familia y a todas las generaciones, tanto a jóvenes como a mayores. Posee matices de película absurda y de drama, pero mezclados equilibradamente.
El olivo que se arranca y se coloca en Alemania es una maqueta. Esto es indicativo también del carácter ecologista de la cinta. Se nos muestran imágenes del documental “Good Soil”, que trata sobre el traslado no de un árbol, si no de pueblos enteros. También se hace hincapié en la hipocresía de algunas grandes empresas con este tema. Lo que finalmente nos trasmite es que no podemos tratar de respetar y honrar a nuestro ecosistema creyendo que en un instante podemos recrear lo que por naturaleza tarda en crecer cientos o miles de años.
Para los que han vivido una relación íntima y estrecha con sus abuelos, esta película cobrará mucho sentido. Se siente la cotidianidad rural y el amor por nuestros mayores que tanto falta en unos tiempos en los que los abuelos quedan reducidos a simples niñeras u obstáculos, en muchas ocasiones.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de mayo de 2016. Título original: El Olivo. Duración: 100 min. País: España. Director: Icíar Bollaín. Guión: Paul Laverty. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Sergi Gallardo. Reparto principal: Javier Gutiérrez, Anna Castillo, Pep Ambrós, Manuel Cucala, Miguel Ángel Aladrén. Producción: Morena Films, Match Factory. Productions. Distribución: eOne Films. Género: Drama. Web oficial: http://blog.rtve.es/elolivo/
Nocturna 2016 ya tiene nuevo spot. Acaba de publicarse en su canal de Youtube y en las redes sociales oficiales del festival. Al igual que en el cartel que ya os adelantamos aquí, vemos a un profundo del imaginario de Lovecraft (esta vez con cola en vez de piernas) tratando de coger una entrada para acudir al Cine Palafox el próximo 23 de mayo, pero se lleva una sorpresa…
No os lo perdáis ninguno, y el festival tampoco, por supuesto.
Confirmado por la propia actriz cubana en Twitter, Ana de Armas forma ya parte del proyecto “Blade Runner 2”. La joven actriz pasa a engrosar un reparto que compartirá con Harrison Ford, Ryan Gosling, Robin Wright y Dave Bautista. Comenzará a interpretar bajo las órdenes de Denis Villeneuve (“Sicario”) y el guión de Ridley Scott (director de la primera y mítica parte).
Además, hemos sabido que esta continuación de la película basada en la novela de Philip K. Dick ha cambiado su estreno adelantándolo al año 2017. Warner Bros. no nos ha comunicado aún el título oficial de esta secuela de “Blade Runner”.
I have no words to describe this feeling. I’m flying! I’m beyond excited and happy to be part of this amazing project!!! #BladeRunner2 ???
Nuevo y épico tráiler que nos confirma que “Independence Day: Resurgence (Contraataque)” será una película con escenas de proporciones titánicas. Esta secuela del gran éxito de 1996 nos traslada a un mundo ubicado 20 años después de la invasión alien.
Roland Emmerich retoma esta historia, pero esta vez sin Will Smith. La protagonizará gran parte del reparto original (Jeff Goldblum, Bill Pullman, Judd Hisch, Brent Spiner…) y se les unen estrellas como Liam Hemsworth, William Fichtner, Jessie Usher, Maika Monroe…
El film se estrena el 1 de julio de 2016. De momento este segundo tráiler ha salido solo en inglés.
“Secuestro” la película de la que ya os hablamos aquí, acaba de lanzar su primer tráiler. Una presentación que nos presagia una película intensa y emocionante.
Este film la productora, actriz y directora, Mar Targarona llegará el 5 19 de agosto. Cuenta con el guión de Oriol Paulo (“El cuerpo”, “Los ojos de Julia”) y la interpretación de Blanca Portillo, Antonio Dechent y Vicente Romero, con la aparición especial de Jose Coronado y la colaboración de José María Pou.
La comedia erótico-frestiva de Paco León, “Kiki, el amor se hace”, se estrenó el pasado 1 de abril. En estas tres semanas ha recaudado 3,5 millones de euros. Eso hacen más de 500.000 espectadores. Si en su primer fin de semana se situó en segunda posición de la taquilla, en su segunda semana ha logrado incrementar sus beneficios un 4%. Es todo un logro conseguir mejorar la semana del estreno.
En este periplo se ha mantenido en segundo puesto superado únicamente por superproducciones como “Batman v. Superman: el amanecer de la justicia”, “El cazador y la reina de hielo” o “El libro de la selva”.
Esta película, distribuida por Vértigo Films, puede verse aún en 325 cines de todo el país.
Kiké Maíllo alcanzó la fama tras dirigir la obra de ciencia ficción “EVA”. Este joven barcelonés ha conseguido reunir para su segunda película a estrellas como José Sacristán, Luis Tosar o Mario Casas. “Toro” es el título de este thriller que ha dirigido dando imagen y sonido al guión de Rafael Cobos (“La isla mínima”) y Fernando Navarro (“Anacleto: Agente Secreto”). En este extenso encuentro con él descubriréis no solo algunos detalles y entresijos de su nueva obra, “Toro”, si no gran parte de su personalidad y concepto de cine.
Buenos días Kiké. Cuéntanos qué se va a encontrar el espectador en esta película.
Creo que se van a encontrar una historia frenética de 48 horas desesperadas de dos hermanos por, de alguna manera, salvar el pellejo, esencialmente eso. Es lo que está en la primera capa de lectura de la película.
Es una película de acción, pero guarda un poso emocional en el sentido de que las emociones de los personajes están muy presentes. No es una película de acción al uso con solo tiros, sangre y muerte…
Sí, yo creo que se trata más bien de un thriller que tiene bastante acción. En el sentido de que hay un misterio que sobrevuela la película y donde las relaciones son a la postre lo esencial de la película. Todo se resuelve en torno a esas relaciones. Evidentemente hay persecuciones y hay hostias y gente que se hace mucho daño, pero sí que es verdad que como en “EVA” me gusta el género en tanto que el género está pendiente de los personajes.
¿Y cómo ha sido trabajar con tres actores que probablemente son los más importante de cada una de sus generaciones? Sobre todo, teniendo en cuenta que cada uno ha heredado una sociedad diferente. Porque Pepe nació durante la Guerra Civil, Luis en los finales de la dictadura y Mario ha vivido siempre en democracia.
El tener a tres actores como estos es un propósito en la calidad. Al final puede ser que estén o no, tú lo intentas. Sí que teníamos muy claro que Mario y Luis, mucho antes de empezar a escribir, casi seis meses antes, sabíamos que los queríamos. Y habíamos hablado con ellos, estaban a gusto con la idea de trabajar juntos y sobre todo desarrollando este par de personajes que era lo único que teníamos claro. Lo de Pepe surgió más tarde y sí que es verdad que es una feliz coincidencia. Hay en la película un trasunto que tiene que ver con una segunda o tercera capa de lectura, para quien la quiera ver, con una parábola sobre la sociedad actual española. Eso que muy pedantemente en la película se llama segunda transición. Que tiene que ver con una España moribunda, que tardará 30 o 40 años en morirse y hay una España que tiene que matar al padre. Y ahí sí que hay una relación directa no sé si pivotando en Luis que es más espectador también por generación, mirando a ese Pepe Sacristán y esa generación que está ahora en torno a los setenta o setenta y cinco años y una generación que no llega a los treinta. De alguna manera esa nueva generación, seguramente más “choni”, menos culta en las élites, más alfabetizada por supuesto, pero menos culta en las élites, tiene que matar al padre, porque seguramente es más honesta. O al menos está menos manchada, menos embrollada, tiene menos trazas y enredos con diferentes líneas de corrupción moral y económica.
La película, esto es opinión personal mía, me parece una cosa a caballo entre “RocknRolla” y “Hasta que llegó su hora”. Con esa historia de venganza, acción, violencia… Pero no has querido poner tampoco una violencia muy explícita, muy cruda. Como por ejemplo con lo que hay entorno al personaje de Ingrid.
En esa secuencia me interesaba más la contundencia de la sorpresa para ir jugando más al thriller que no jugar a la acción macabra, sí que te doy completamente la razón. Sí que es verdad que…
…tener los cojones de poner unos ojos en una virgen…
Igual que me preguntas esto y seguramente podría haber ido más allá, me tengo que comer veinticinco entrevistas en las que oigo “¿por qué es tan abusiva la violencia?” Nunca llueve a gusto de todos. La verdad que dentro de todo creo que la película trata de moverse en cierta cota de elegancia.
Y sobre las referencias no sé. Mis referentes son De Palma, Scorsese, es el cómic…
¿Y de cine asiático has visto algo para preparar la película?
Películas ninjas, pero durante toda mi vida. Creo que lo de la gubia, el lanzamiento… es completamente herencia de eso. Sí que hay mucha gente que me ha hablado del cine coreano, no soy muy fan del cine coreano. Pero sí que hay un paroxismo con esa idea de que alguien se vuelva loco que seguramente está muy en boga en corea. Y ves “Old boy” y es muy latente y muy obvio, pero no la tenía muy presente. Para mi es más un mito trágico, un mito griego. La idea de ascensión, subir y la guarida del malvado que lo mueve todo está arriba de una montaña.
Al fin de al cabo es una espiral de violencia…
Si. Había algo que, con Fernando Navarro, que es el primer guionista, después se unió Rafael Cobos, que como sabéis es el guionista de las películas de Alberto Rodríguez, había algo que nos repetíamos que a Rafael le hacía mucha gracia, que era: esto tiene que ser una película ballardiana. En el sentido de que, yo había hecho una película de ciencia ficción, pero no quería abandonar esa sensación de ciencia ficción en la segunda película. Esa idea de que en algún punto el espacio mental está teñido por el espacio arquitectónico o al revés. En el que un protagonista está subiendo las escaleras, entrando en el caos del malo, donde hay esas luces con ese mundo lisérgico y no sabes si esa pesadilla es del todo real.
¿Y trabajar con Pepe Sacristán, un actor que antes entrevistándole con Mario e Ingrid acaparaba toda la atención?
Bueno, son tíos muy aplicados. La verdad es que tanto Mario, como Pepe, como Luis, Ingrid… Son muy poco divos. Obviamente al coger a Sacristán sabes que vas a tener una manera diferente de trabajar porque hay una forma de hacer que tiene que ver con la interpretación que ahora ha cambiado. Ahora se abordan interiorizando las razones por las cuales el personaje está allí… Intentas comprender desde la comprensión de quién eres. Él trabaja al revés. Posiciona la voz y el cuerpo, y entonces es el personaje.
Me acuerdo que al primer ensayo vino a regañadientes, porque no le gusta ensayar “hasta que no me pongo el disfraz no soy el personaje” (risas), muy bien, pero vas a ensayar hoy, le dije. Y en el primer momento en el que comenzó a hablar Pepe fue como ¡¿Qué?! Puede decir cualquier sandez que lo dice con una voz que sentencia. Vi, que también pasa en “Magical Girl” si os fijáis, que hay un perfecto castellano, una forma de dicción extraordinaria al lado de una forma de contar y hablar que es muy naturalista, que ya le pasa a Luis también, un tío que tiene muy buena dicción. Poder combinar esas dos formas de interpretar costó lo suyo. También tienes que darle un personaje que le venga bien. Porque si te toca para aun personaje naturalista es una putada, no está para hacer de quiosquero.
Mario por ejemplo si puede hacer lo uno y lo otro, le queda una carrera vastísima. Ojalá esta y otras películas le pongan en el sitio que se merece. Hay un prejuicio obvio contra Mario. Alguien me ha preguntado que qué tal era hacer una película de encargo pensando que era así por estar Mario Casas. Eso es un prejuicio. Yo le veo bien, creciendo. No para de formarse, es súper aplicado. Si Mario fuese un tío que habla inglés, por haber nacido en Inglaterra, estaría forrao e hinchao a hacer películas, porque tiene algo que muy pocas veces se da. Tiene una cara tan tierna como muestra en el rodaje y es el que mejor conduce (contando a los especialistas), corre el mejor del rodaje y salta el segundo o tercero porque, a ver quién tiene cojones de saltar desde treinta metros… Es muy difícil de encontrar.
¿Para introducir a los personajes femeninos en un mundo tan masculino que problemas has encontrado?
Por un lado, evidentemente muchos de los personajes no son los de las chicas en una película que está sometida a tanto movimiento son utilitarios. Es verdad que el personaje de Diana es muy carismático y es un utensilio para meter a Toro en liza y provocarle la película. A la postre es un personaje que pude tener más recorrido. Hay secuencias eliminadas en las que se ponen a hablar ella y Mario y decíamos, poneros a correr que hay tres tíos persiguiéndoos.
Las cuestiones con el género vienen en cómo dar cobertura a los personajes cuando estas metido en las reglas del género. Con la ciencia ficción, con “EVA”, también pasaba.
Claudia Canal tiene ya 11 años, es una chica. Me gusta la cosa simbólica de la niña sin pelo, que fue de largo lo que más nos costó, porque quitarle a una niña su melena de tres palmos… Ella es un niño duro. Lo mejor de poder hacer una segunda película sería ver qué pasa con ella.
Siendo los personajes femeninos personajes menores en la película, porque es una película de tíos, de testosterona, no hay que negarse a la evidencia, hay algo en el personaje de Estrella, el de Ingrid García Jonsson, que tiene que ver con que es una tía cañera y eso la aleja de la mujer objeto. Ingrid es como Luis, son tíos que son para llevártelos un fin de semana sin guión y salir con una película. Tiene una manera de entender la interpretación súper creativa. Ha sido un hallazgo total. La mayoría de diálogos de la película, de su personaje, son suyos, no estaban escritos así.
Y uno de los personajes más carismáticos para mi es el de Luichi Macías, el de “La Tita”. El único personaje que sabe que pasa de verdad y está de vuelta de todo. El único que tiene un conocimiento de cuál es el destino de todos y simboliza ese remanso de paz, esa inteligencia femenina.
No sé si la ciudad está elegida desde el principio. ¿Qué os ha aportado el entorno arquitectónico que tiene connotaciones arquitectónicas y turísticas por esto del ladrillo y demás?
Precisamente esto de Ballard que situaba alguna de sus novelas en Marbella y esos espacios de clase media, que se supone que son ciudades de vacaciones. Esos lugares donde tú cortas con tu vida diaria y descansas, te relajas… A él le interesaba el off de todo eso. Había algo que a mí me gustaba muy de origen y es que con la que está cayendo y teniendo todos los días noticias que tienen que ver con la corrupción, sobre todo en los grandes motores económicos de nuestro país, ¿cómo puede ser que el principal motor económico que es el turismo no se conozca una gran noticia de corrupción? Fantaseábamos con la idea de que hace una o cinco ciudades de vacaciones alineadas en la misma costa cuando cae la temporada alta. Pues cosas malas. Seguramente yo esperaba una Costa del Sol más decadente. Cuando empezamos a escribir, en nuestro imaginario era más un mundo mucho más de grandes rascacielos, edificios muy altos (entiéndase rascacielos a la española), y que de pronto esa ciudad horizontal, loca, colosalita, tuviera una decadencia más obvia que la que tiene realmente.
¿Cómo ha sido para tu carrera ganar un Goya, como es el de dirección novel?
Ha sido una oportunidad. Es difícil acércate a Mario Casas y a Luis Tosar y decirles que llevas un guión y que se suban a un proyecto. Si te dan un Goya te reciben de otra manera. Quiero decir, esas cosas visten. Para mí ha sido muy importante y evidentemente habría sido mucho más complicado hacer una segunda película. Porque a mitad de ese estreno mío de hace cinco años nos metemos en la crisis y cae la mitad de productoras, se paran la mitad de producciones… La complicación después de haber hecho una primera película es decidirse por cual es la segunda. Es el mayor obstáculo que tiene uno mismo, su cabeza.
Y veíais que la historia transcurriese en otro sitio que no fuese Andalucía con ese arraigo a las tradiciones…
Cuando empezamos a hablar al principio no era muy localista y hubo un punto en el cual nos dimos cuenta de que necesitábamos, seguramente porque el cine que nos gusta es muy internacional, yo veía peligrar la integridad de la película, sobre todo la parte simbólica. Porque cuando no arraigas las películas a algún sitio creo que pierden interés, no cogen color, los personajes hablan como en ninguna parte… Entonces fue cuando llamamos a Rafael Cobos. Con Rafael lo que conseguimos, aparte de que él es un estructurador de historias de putísima madre, conseguimos que los personajes cogieran arraigo. Hablaban de una manera determinada, muy malagueña… Hubo que hacer un trabajo distinto porque hubo un punto en el que estábamos en el costumbrismo y yo no tenía ningún interés… Alberto Rodríguez lo borda, no tengo ningún interés de pisarle ese terreno. No creo que no me haya llamado dios para hacer películas realistas. Me interesan los universos en los que uno se mete cuando empieza la película y que ese universo se apague cuando se apaga la película. Me interesa que las reglas de la película sean las reglas de la película.
Hay una frase en la película: “Así un es España, un país de malos hermanos” ¿Nos queremos poco en España?
Si. Es una realidad muy estudiada. Esto viene del 98, del siglo XIX, nosotros perdemos colonias y nos causa esa sensación de imperio que no está superada, a todos los niveles. Somos muy poco chovinistas. Y en algún punto es bueno porque te da una distancia y una humildad que es necesaria sobre todo para dedicarse a contar historias. Y en algún punto es malo porque sientes que el público va a preferir un coche que no sea español a uno que lo sea, un deportista que no sea español a uno que sea español y un cineasta que no sea español a uno que lo sea. Creo que de alguna manera de las cosas buenas que han pasado en el cine en los últimos años es que hay cierto rebrote y uno siente que seguramente por ese movidón que fue “8 apellidos vascos” haya cierta reconexión.
Y cómo ves nuestro cine en cuanto a la dificultad de encontrar gente que lo financie.
Es verdad que el sistema de subvenciones siempre está sujeto a críticas y siempre estará sujeto a críticas. Veremos este que acaba de salir ahora cómo funciona y dónde nos lleva. Yo sí que creo que lo que debe tratar el sistema es de velar por que el dinero público esté bien repartido y que el privado entre en el juego de financiar cultura. Es muy bueno que lo público financie películas que son complejas de realizar fuera de un marco comercial y es muy bueno que las leyes velen por que quien quiera entrar al juego comercial pueda entrar con garantías. Es importantísimo que haya un caldo de cultivo comercial que funcione. Porque los derroteros artísticos siempre van a vivir a la sombra de eso. Son necesarios, son los que dan prestigio, son los que hacen películas necesarias, es decir, que dan claves a cerca de nuestra existencia, quienes somos, cómo nos comportamos…
Y hablando de organismos. ¿Habéis contado con la Andalucía Film Commission, Carlos Rosado y toda esta gente?
Si, con Andalucía Film Commision si, a través de Maestranza que es nuestro productor andaluz.
Relacionado con lo que comentabas antes de la inspiración en los cómics. Hay algunos elementos como la cazadora de Mario, el arma a lo “Assassins Creed” de José… que nos crean una imagen perpetua e icónica de cada personaje, como en las viñetas.
Yo creo que todo esto, arranca de nuevo en la Grecia antigua, donde de una manera popular se instaura en la cinematografía es en el western. El dibujo de los personajes es completamente inverosímil, es decir, no ha existido ese espacio mítico creado de la nada por los estadounidenses. Ese espacio revierte en los cómics sobre westerns y creo que de ahí vienen más tarde los superhéroes. Y ahora revierte en el cine una cosa que nació en el cine. Ese dibujo de personajes carismáticos con una forma de vestir, una forma de andar, de hablar… que solo existe en la ficción. Lo que también se conoce como pulp. Me interesa mucho ese dibujo carismático, un pelo como el de Tosar por ejemplo, porque es difícil encontrarse un López en la vida, pero haberlos haylos.
Tras abordar ciencia ficción y thriller ¿qué género te gustaría abordar?
El musical.
¿El eje sería igualmente la familia?
Creo que sí, con chicas pero creo que sí.
¿Películas Españolas que te hayan gustado en los últimos años?
“La isla mínima” me gusta mucho. “Magical Girl” me gusta mucho.
Y entonces, porque crees que la gente no ha ido a ver en demasía “Magical Girl” al cine.
Hay un asunto de promoción importante. Seguramente ganar a estar alturas el Festival de San Sebastián no es suficiente marca como para invitar a la gente a ir. Seguramente con otro tipo de promoción o distribución habría tenido mejor suerte. A parte que es una película de arte y ensayo.
Estamos en un punto en el cual la gente en España va al cine a ver cosa hecha. No se mete en un cine a investigar. La gente va a ver una película. Antes teníamos la costumbre de ir los fines de semana al cine, ahora vas “a ver una película”. Y esa película te la han sembrado 200 veces en la tele y has visto 7 tráilers en internet y carteles en la calle… Sí que hay cierto espíritu cultural que se ha quedado en el camino, por lo mainstream.
Retornando a Toro. La duración de la película está muy bien y es muy concreta no es como otras que tienen una duración excesiva, algo que ocurre mucho últimamente.
Si, a nosotros nos pasaba que, independientemente de cómo funcionen otras pelis, que sí que es verdad que uno siente que a veces está echando la tarde y como vale el cine por lo menos que sirva para echar la tarde. No queríamos que la gente llegase excesivamente cansada al final.
Creo que está conseguido. Muchas gracias por todo y enhorabuena por la película.
Junto a otros medios y tras el photocall de la mañana, pudimos charlar con tres de las estrellas de “Toro”. Una de ellas precisamente interpreta a un personaje cuyo nombre es Estrella, Ingrid García Jonsson (“Gernika”). Esta brillante actriz, que empieza a despuntar, estuvo escoltada por dos grandes actores. Uno que no tiene nada que demostrar, José Sacristán (“Magical girl”), y otro que está constantemente demostrando su valía, Mario Casas (“Palmeras en la nieve”). Entre los tres nos han hablado de “Toro” y de lo que ha rodeado al rodaje de este film.
Mario, Kike (el director), dice que en esta película vemos al mejor Mario Casas.
Mario Casas: ¡Hombre, que va a decir el! (risas). Yo diría lo mismo de mis actores si fuese director.
Es tu vuelta a un papel de tipo duro, malote y con una preparación física de aupa.
MC: Si, es decir, al final es un personaje interesante con una peli interesante, con un gran elenco. Kike nos ofrece el proyecto yo creo que primero cuando no había guión ni había nada. Ya tenía bastante claro el mensaje y lo que quería contar. Me contó un poco el tipo de personaje que quería y enseguida dijimos que sí tanto Luis como yo y al año nos llega la primera versión de “Toro”. Enseguida me apetecía hacerlo. También venía de una serie de personajes que tal vez desde “Carne de neón”, que es una peli más cercana a “Toro”, no había hecho. Estaba con “Palmeras”, con la comedia también con Alex y me apetecía un thriller, al final de acción.
¿Y toda la parafernalia de religión, de creencias que tiene el film que creéis que le aporta a la película o al personaje de José en concreto?
José Sacristán: Para mí es lo más importante. Cuando leí el guión hablé con Kike para ver cuáles eran las tomas a tierra de estos personajes, la raíz de estos personajes que tienen un punto de partida que a mí me parecía importante observar. Esto ocurre en un territorio no solo geográfico si no moral, intelectual, político, social… determinado. Y a partir de ahí la película se expande o se dispara, como queramos llamarle, y se incluye en territorios de otros estilos, una suma de géneros. Pero lo más interesante de esta película es que mantiene las raíces, los perfiles, las señas de identidad de unos personajes que les pasan unas cosas en un sitio determinado.
Me parece formidable la conexión entre mundos de tradiciones y de ancestros y de costumbres y de puñetería de esta índole, contrastadas con las imágenes de este mismo mundo retratado por Kike que en ocasiones parece “Blade Runner”, la ciudad esta. De pronto este mundo con la procesión, por un lado, las vírgenes por otro… esta cosa insólita de estas moles de hormigón y estas persecuciones de coches creo que son… Lo difícil de hacer películas de género es que no se agredan unos a otros, que en ocasiones suele ocurrir. Con ese intento de contar todo y para todos, y que a todo el público le guste, luego no acaba gustándole a nadie. En este caso creo que los elementos se complementan y los géneros se suman.
MC: Yo me acuerdo con José que siempre con el tema de la religión y tal desde el primer momento siempre estaba como enfocando ahí que le parecía lo más interesante. Hay una secuencia al principio de todo cuando él está tallando la virgen y demás, lo peleó lo peleó, eso no estaba en el guión. Lo propuso como para ir introduciendo todo eso dentro del personaje de Romano y al final se la coló a Kike (risas), es una cosa chula.
JS: Está la talla, pero si, luego va a pasar lo que va a pasar con el personaje de Estrella, la talla esta es Andalucía. Incluso yo le propuse un discurso enorme sobre las peripecias de la pobre Santa Lucía (risas) que quedó reducido a lo que hay en la película.
Pero es un malo maravilloso porque tiene una doble moral absoluta.
JS: Maravilloso no es la palabra (risas).
Maravilloso como personaje (risas).
JS: Lo maravilloso del personaje es, como los grandes autores, Macbeth por ejemplo es un malvado cojonudo de interpretar. A mí lo que me parece emocionante de este personaje es que Toro es un muchacho que trata de escapar de un territorio moral determinado, y entonces Romano no quiere que se vaya por una cuestión de afecto, de amor filial. La única manera que tiene de retenerle es agrediéndole. Es el discurso, la perversión del poder. El poder es tan perverso, el poder religioso quema a Giordano Bruno, porque es tan insolente este muchacho porque dice que la tierra da vueltas alrededor del sol. Si yo soy el que está en posesión de la verdad, si Dios nos ha creado a nosotros, como viene este energúmeno, a este habrá que quemarle. La insolencia del poder es esa, que no se para. Y lo estamos viendo en la tele y más con estos muchachos que salen con los papeles de Panamá.
Le pasa a mi personaje que estoy haciendo de Mamet en “Muñeca de porcelana”. El poder cuando se instala en lo político, en lo económico, en lo social… incluye lo moral. Hay un código moral que si tú te quieres ir yo voy a por ti. Y ciego y mato por principio de retener algo que supuestamente me pertenece y como tiene el poder ¿por qué lo va a perder? Y lo ejerce a su manera.
Tomando como ejemplo a Kike con “EVA” y con “Toro” ¿creéis que los actores jóvenes tienen menos envidia del cine que se hace en Hollywood?
JS: Esas envidias yo creo que no conviene intentar compararse porque son dos mundos totalmente distintos. No tienen nada que ver. Yo por ejemplo estoy haciendo una función que ha estrenado un tal Al Pacino. Ayer fui a Valdelaguna, un pueblo cercano al mio, Chinchón, y tú dices “¿Sabes quién es Al Pacino?” y todo el mundo lo sabe. Y en Wisconsin nadie sabe quién es Pepe Sacristán. Intentar hacer estas comparaciones es mortal de necesidad. Lo vuelvo a decir por mi experiencia, más de 100 películas. Me gusta películas como “Toro” que tienen como raíz o punto de partida algo que está aquí perfectamente reconocible y a partir de ahí demuestra la mirada de Maíllo que es un hombre de cine y que es un tío que tiene una brillantez en la puesta en escena y en las imágenes y en el montaje…
Ingrid García: Yo lo que creo de tu pregunta es que de pronto no es solo algo de directores jóvenes. Es la posibilidad de rodar en digital, lo que ha abaratado muchísimo los costes. Antes te tenías que gastar el dinero en el negativo y ahora te lo puedes gastar en una grúa. Los medios de los que se disponen ahora son mayores. Hay más tipos de cámara, se pueden hacer otras cosas que antes eran impensables. ¿De ahí a que haya diferencia entre los directores antiguos y más noveles? Bueno, hablando en mi caso que no soy directora, los noveles pecamos un poco de inconsciencia hasta que no te das el trompazo y te das cuenta realmente que no puedes hacerlo, lo sueles intentar.
JS: Hay una diferencia abismal en los comienzos. Porque el director joven la consciencia de la imagen en movimiento la tiene desde que nace prácticamente. Desde niño ya tiene una Play Station, un móvil o la oferta de televisión que tiene en su casa… Mientras que hace no tanto tiempo había que ir al cine. En el cine ocurría el milagro, ni siquiera la televisión duraba todo el día. Esa familiaridad con la imagen en movimiento lógicamente, cuando te pones a manejar cámaras que ahora son más fáciles de utilizar, te da una facilidad a la hora de manejar la forma pero cuidado con los fondos. Porque caes en un mimetismo… eso del problema de la envidia. En España ya hay cineastas como Monzón, Vermut… que hacen unas películas con una buena marca. A nivel de producto acabado podemos competir y dar la cara en cualquier otra latitud.
Siendo una película de acción es una película que tiene un trasfondo emocional en los personajes. Al final son distintos tipos de amor lo que une a los personajes. El amor de Estrella hacia Toro, o el de Romano hacia Toro…
JS: Si o el amor de Toro hacia su hermano y hacia su sobrina. La imposibilidad de escapar de un territorio perverso, jodido, violento… precisamente por la lealtad a unos sentimientos, que parece que es la diferencia de esta película con otras de género al uso, ¿no? Por otra parte, el personaje de Luis remite casi a los pícaros de toda la tradición, desde el “Lazarillo de Tormes”. Hay una constante carpetovetónica que me gusta mucho de esta película.
Mario, tu que has aprendido de Pepe, y viceversa.
MC: Lo que estáis haciendo vosotros ahora mismo, yo creo. Escuchar a la voz de la sabiduría y de una persona que lleva conociendo el cine, él hablaba de las nuevas generaciones que ya conocen el cómo utilizar el cine desde que eres un niño, te viene implantado desde el primer momento. Él conoce el cine… los principios del cine. Me parece que partiendo de ahí y ver la capacidad no como si fuese su primera película, porque tiene muchas, pero la fuerza y la pasión y dejarse la vida en el trabajo… Yo he tenido oportunidad de conocer a algunos actores y actrices de su edad que no les he visto esa fuerza y ese ímpetu y ese dejarse la vida como si fuese al final una de sus primeras películas.
“Toro” es una película que exige, en todos los sentidos tanto física como emocionalmente ha sido una peli dura. Los jóvenes actores, junto con Luis que es una generación más arriba con José Sacristán, debemos aprender, observar y no simplemente como interpretan, si no la manera que tienen de llevar todo lo que han llevado hasta ahora y por algo siguen estando ahí y por algo siguen estando en el número uno de su generación.
JS: Pero todo esto es recíproco Mario, lo digo con toda la satisfacción del mundo. Como decía Don Antonio Machado, “no hay camino, se hace camino al andar” y en este oficio pobre de aquel que crea que lo sabe todo o casi todo. Eso sería un coñazo de aburrido que es y luego no es cierto. Esto es recíproco, se aprende permanentemente. Uno aprende de los que vienen detrás, pero sin género de duda. Esto de hacer creer a los demás que eres Hamlet, Otelo… ¿Qué disciplina resume o asume esto así sin más? Para mi empieza en el bajo vientre y es el crío que todos llevamos dentro, las ganas de ser mosqueteros, gangters, piratas… Agradezco que me lo comentes Mario porque es la razón de mi vida. Llevo 60 años en esto y van de la mano, mi vida y mi trabajo. Es la ilusión del crío que en Chinchón de los años cuarenta del año pasado vio una película en el cine de su pueblo y decidió que quería ser eso.
Y triunfando en todos los medios. Porque en el cine, nos has mencionado el teatro y estás en televisión también con “Velvet”.
JS: Se ha incorporado mi amiga Concha Velasco. El otro día ya rodamos una escena y nos dimos unos besos (risas). Emilio (su personaje) rodaba su segunda película con Angela, cuando rodamos en Colmenar de Oreja una película que se llamaba, el primero que se ría le pego dos hostias, se llamaba “No quiero perder la honra”, tenía lo suyo. Estoy contento en la serie, me tratan muy bien.
Mario, tu hace mucho que no vuelves a la televisión. ¿No se ha dado la oportunidad te apetece hacer más cine?
MC: No, pues por que se ha dado así. Al final hoy en día la televisión y el cine van de la mano. Cuando empecé hubo el bullicio de la televisión y los actores televisivos que daban el salto al cine. Creo que eso se ha dado la vuelta. Ha sido por que no ha llegado el proyecto y compaginar muchas veces el cine… es complicado meterte en la televisión.
JS: El problema de la tele, siendo prota en la tele que yo lo he hecho, es que es una hipoteca. Yo ahora a estas alturas es como oxigenante el poder estar haciendo teatro, televisión, cine… El prota de una serie de televisión son muchas horas. Y como tenga éxito pues te pasa lo que Imanol, que estás ahí… como ir a la oficina (risas).
Pero volviendo a Toro. Mario, tú has hecho muchas escenas de acción en la película, porque se ve que te gusta ese rollo. ¿Cómo ha sido?
MC: Al final no ha sido porque yo diga “voy a hacer las escenas de acción porque me gusta y quiero vivir la adrenalina”, es porque hay algo. Me gusta el thriller, me gustan las pelis de acción, aunque sean malas me entretienen. Pero hay algo que no me gusta, que me mientan en el supuesto buen thriller de acción, que me escondan al personaje. A mí me gusta ver al actor y en lo que pueda hacer las escenas, que me lo estén mostrando. Con Kike hemos conseguido que la peli en sus escenas de acción esté bastante creíble porque él puede enseñar constantemente mi cara. Yo tenía la necesidad de que para el personaje esa acción o esa violencia explicaran a este tío. La infancia que ha tenido o como es él por dentro. No era una cosa de poner yo ahí mis cojones y decir “¡No, lo voy a hacer yo!”. Al final era interesante ver a Toro haciendo las cosas realmente, me parecía que la acción cogía más envergadura.
Ingrid en tu caso, ¿una nominación a los Goya te cambió algo te abrió más puertas?
IG: Te vuelve mucho más gilipoyas (risas). No sé qué decirte. La verdad es que desde la nominación no he parado de currar, he tenido mucha suerte, en mi caso sí. No les ha pasado a mis compañeras, a si es que no sé.
¿Desde tu experiencia José?
JS: Yo soy el primero en celebrarlo cuando toca el monigote, como yo los llamo. Pongo la mejor de mis sonrisas y doy las gracias. Pero pobre de aquel que viva pendiente del reconocimiento de los demás. Yo me dedico a algo que no es competitivo. Se sabe quién mete más goles, quién llega primero a la meta… pero quién es el mejor en esto… Como siempre depende del criterio de unos o de otras… Cuando te toque a ti de puta madre y si no a otra cosa mariposa. Fernando Fernán Gómez lo decía muchas veces: “van a ser muchas más veces que no, que las que sí te digan que eres el mejor”. Honradamente tiene que haber muchos casos en los que compañeros digan “ese trabajo es mucho mejor que el mio”.
IG: Yo creo que laboralmente si ayuda, porque te coloca en el punto de mira de alguna manera. De pronto la gente sabía quién era.
JS: No siempre ocurre eso también te digo.
IG: Ya, no siempre, hablo en mi caso particular. A mí me ha ayudado.
JS: En este oficio, de todas maneras, en un oficio como este ejercido en un país como este, que decía mi amigo Fernán Gómez: “la mayor medida del éxito es la continuidad en el trabajo”.
Nos quedamos con esta gran verdad. No podemos más que agradecer que hayáis estado con nosotros.
“Los Siete Magníficos” ese clásico del western publicado en 1960 que reunió a estrellas como Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach, James Coburn, Robert Vaughn… Ahora se moderniza con una nueva versión dirigida por Antoine Fuqua (“Training Day”). Como en este último film mencionado repite con el director Denzel Washington y junto a él están Chris Pratt, Ethan Hawke, Vincent D’Onofrio, Byung-Hun Lee y Peter Sarsgaard.
Podremos ver la película el 30 23 de septiembre, de momento ya podemos ir viendo su tráiler en castellano.
El polifacético y polivalente Santiago Segura ha prestado su voz a uno de los personajes de «Angry Birds, la película». En concreto ha doblado a RED, el más malhumorado de todos los pájaros de Isla Pájaro. Con su mal genio y sus colegas nos harán reír a partir del 13 de mayo en nuestras pantallas. Le acompañan en el trabajo de doblaje otros famosos como José Mota, Álex de la Iglesia o Cristina Castaño.
Hace unas horas se ha subido al canal de YouTube de Legendary Pictures el segundo tráiler largo (ya vimos un spot y otro avance de menor duración) de la película “Warcraft: El origen”. Una producción que nos llegará a España de la mano de Universal Pictures el 3 de junio y que promete ponernos los pelos de punta, sobre todo a los fans de Warcraft.
Un tráiler (de momento en inglés) que nos muestra más elementos de la película, sin desvelar nada importante y mostrando algunos aspectos muy importantes de este universo. Se ofrecen nuevas escenas y nueva música que hacen de este anunció un clip espectacular.
Recordad que se está celebrando el Comic Fan en el Parque de Atracciones de Madrid con esta película como tema central.
Ayer saltó la noticia. En las redes sociales del Nocturna Internacional Fantastic Film Festival se anunciaron dos grandes nombres para esta edición, dos estrellas que vendrán desde el extranjero para estar con nosotros en este festival madrileño que se celebrará entre los días 23-29 de mayo de 2016 en el Cine Palafóx.
Uno de ellos es John Landis. Director de “Blues Brothers”, “Superdetective en Hollywood”, “El monstruo de las bananas” o el famosísimo videoclip “Thriller” de Michael Jackson. Recibirá el premio Maestro del Fantástico otorgado por la organización del Festival, galardón que recibieron el año pasado Robert Englund (“Pesadilla en Elm Street”) o Lamberto Bava (“Demons”).
La otra asistente es Victoria Price. Hija del ilustre Vincent Price, actor en “La caída de la casa Usher”, “La mosca”, “Los crímenes del museo de cera”… más de doscientas películas realizó el ya fallecido estadounidense. Incluso aparece en el videoclip realizado por el antes mencionado John Landis. Dada su notoriedad y repercusión dentro del cine fantástico, el festival ha creado el Premio Nocturna Vincent Price que reconocerá al mejor actor. Su hija ha declarado: «Él amaba Madrid y le encantaría ser recordado ahí».
“Toro” es un thriller de acción que transcurre durante 48 frenéticas horas. Dos hermanos se reencuentran después de cinco años. Uno ha estado en la cárcel. El otro ha robado a un peligroso perista y ahora huye junto a Diana, su hija pequeña. Los tres emprenden un viaje por una Andalucía violenta, mítica, agreste y salvaje. Un viaje en el que aparecen las viejas heridas del pasado y en el que los hermanos se ven obligados a reconciliarse para salvar la vida.
Crítica
Una floja embestida.
El planteamiento inicial y los títulos de crédito de “Toro” producen un subidón y unas expectativas muy diferentes a la impresión con la que acabamos después del film. Si bien la película comienza con un opening al más puro estilo James Bond, con una belleza visual asombrosa, con una presentación de los personajes magistral y una trama digna de lo mejor de Hollywood; el tratamiento del argumento y el ritmo del film va decayendo conforme nos acercamos al final.
No hace falta mencionar que la cinta tiene un potencial asombroso. Estrellas consagradas como Luis Tosar o José Sacristán capitanean una historia protagonizada por una estrella rentable como lo es Mario Casas. Si a eso además le sumamos el talento de Kike Maíllo o el de la actriz Ingrid García Jonsson el cóctel puede ser explosivo. Pero pese a que el film tiene momentos realmente interesantes, muy bien buscados y originales, el tono elegido para la segunda mitad del film puede dejarnos indiferentes. Nos quedamos con la impresión de que le falta una vuelta de tuerca a la película.
Con su constante acción, sus mafiosos del siglo XXI, sus protagonistas desgastados y su gran puesta en escena nos sumerge en una historia de venganza a caballo entre “RocknRolla” y “Hasta que llegó su hora”, pero necesita un plus de intensidad para poder dejar huella como estos títulos. A pesar de que podemos ver en “Toro” a un magistral Luis Tosar y a un comedido pero correcto José Sacristán, sufrimos una ligera falta de fiereza por parte de Mario Casas, sobre todo si tiene que hacer justicia al apodo de “Toro”.
Puede que buena parte de la causa de estas faltas mencionadas se deba a la banda sonora y temas escogidos. Vale, transcurre en zonas muy flamencas de España (sin referirme a las escenas rodadas en Galicia), pero existe una carga excesiva de música folclórica y religiosa.
No voy a decir que el cine español esté de enhorabuena con el estreno de Toro, tampoco que sea un fiasco, merece la pena verse si uno no tiene puesto el listón demasiado alto. Aun así, podemos afirmar que hay talento, hay medios, hay maneras, hay vocación… estamos ante una película que demuestra que merece la pena seguir apostando por nuestra industria cinematográfica.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de abril de 2016. Título original: Toro. Duración: 110 min. País: España. Director: Kike Maíllo. Guión: Rafael Cobos, Fernando Navarro. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Reparto principal: Mario Casas, Luis Tosar, José Sacristán, Ingrid García Jonsson, Claudia Vega, Nya de la Rubia, Ignacio Herráez, José Manuel Poga, Manuel Salas. Producción: Apaches Entertainment, Atresmedia Cine, Escándalo Films, ZircoZine. Distribución: Universal Pictures. Género: Thriller, Acción. Web oficial: http://www.universalpictures.es/es/peliculas/toro-49/
Acabamos de estar con todos los protagonistas de «Toro«, la nueva película de Kike Maíllo («Eva»). Tanto los productores, como el director han acompañado al elenco de protagonistas de este film que va a abrir la inminente 19ª edición del Festival de Málaga. Un thriller plagado de acción y buenos actores. Hemos contado con la presencia de Mario Casas, Luis Tosar, José Sacristán, Ingrid García Jonsson, Claudia Canal, Nya de la Rubia y José Manuel Poga. Podréis verla en cines el próximo viernes 22 de abril ¡este fin de semana!
Las fotografías han sido realizadas por Francisco J. Tejeda White. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.
El mismo Bayona lo anunció ayer en su cuenta de Twitter. Será el director de la siguiente entrega del mundo jurásico creado a partir de la novela de Michael Crichton. Según la el tuit compartido por la cuenta oficial de Jurassic World su estreno se prevé para el 22 de junio de 2018.
India colonial, 1913. Srinivasa Ramanujan (Dev Patel) es un joven genio autodidacta de 25 años, que fracasó en la universidad debido a su estudio casi obsesivo y aislante de las matemáticas. Decidido a dedicarse a su pasión, a pesar del rechazo y la burla de sus compañeros, Ramanujan ingresa en el Trinity College de Cambridge bajo la tutela de G. H. Hardy (), un eminente y excéntrico profesor de matemáticas que reconoce su brillantez y peleará sin descanso para conseguir el reconocimiento que su pupilo merece. Con la ayuda de Hardy, el trabajo de Ramanujan evoluciona de tal manera que revolucionará las matemáticas y transformará la forma en la que los científicos explican el mundo.
Una sorprendente y verdadera historia de un intelecto único, cuyas teorías surgieron desde la oscuridad en un mundo al borde de la guerra
Crítica
Una mente maravillosa que viene de Oriente.
El hombre que conocía el infinito, nos invita a conocer una parte de la vida de Srinivasa Ramanujan, un matemático autodidacta indio, con una mínima educación en matemáticas puras, pero que tenía un don especial y gracias a ello logró extraordinarias contribuciones al análisis matemático, la teoría de números, las series y las fracciones continuas.
Nos cuenta la historia de cómo consigue ir hacia Inglaterra y lograr que le ayudan, pero como he dicho tiene un gran ego, y todo lo que intentan hacer para ayudarle le frustra cada vez mas. Aparte, conoció al profesor Godfrey Harold Hardy, el cual tampoco se lo puso fácil, pero no porque quisiera amargarle, sino porque realmente era un hombre bastante complicado, aunque llegaron a ser grandes amigos.
La película nos muestra la vida que Ramanujan tiene en la India, sin trabajo, con su mujer viviendo con su madre, mientras él tiene que vivir fuera para poder encontrar un hogar adecuado. Sería como una primera parte, que nos muestra su religión, sus costumbres, todo lo que lucha para enseñar sus cuadernos y que le hagan caso. La segunda parte sería en Inglaterra, cuando ha dejado atrás todo, su religión, su mujer, su madre y su tierra, todo por su cumplir su sueño y poder publicar sus trabajos.
He de decir que me Dev Patel, está fantástico, realmente ves la frustración del pobre Ramanujan, pero también ves su esfuerzo y ganas cada día que pasaba. Pero no solo pasó frustración por las matemáticas, pues mucha gente no daba crédito a sus estudios, no creían que pudiera haber alguien que sin apenas estudios hubiera logrado las teorías que consiguió Ramanujan, ya sea por racismo o por envidia muchos profesores le trataban mal, o incluso no le dejaban expresarse en sus clases como él quería o tenía que fingir que apenas sabía de la materia que el profesor les estaba enseñando.
Una verdadera pena la verdad, durante la película sufres mucho por él, ves lo mal que lo pasa, además justo cuando él está allí comenzó la Gran Guerra y le pilló en Inglaterra sin apenas poder comunicarse con su familia, en un mundo que tampoco entendía del todo bien, le fue muy complicado el adaptarse, sus ganas de publicar su trabajo se multiplicaban, pero también era porque una vez que hubiera publicado podría volver a casa.
Mención especial al gran Jeremy Irons, le llegas a odiar a ratos, pero al final logras ver que tiene un pequeño corazón dentro de esa persona tan terca.
La banda sonora es muy buena, las canciones están muy bien introducidas y en cuanto a la fotografía creo que podría estar mejor. Pero en general El hombre que conocía el infinito no te dejará con mal sabor de boca, todo lo contrario, una película que se hace muy amena y que logra que conozcamos a este personaje tan peculiar que era Ramanujan.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de mayo 2016. Título original: The Man Who Knew Infinity. Duración: 108 min. País: Reino Unido. Director: Matt Brown. Reparto principal: Jeremy Irons, Dev Patel, Toby Jones. Distribución: Vertigo Films Género: Biografía, drama.
El director brasileño Alfonso Poyart (“2 Coelhos”) ha reunido a Anthony Hopkins (“Thor”), Colin Farrell (“La venganza del hombre muerto”), Jeffrey Dean Morgan (“Watchmen”) y Abbie Cornish (“Robocop”). Nos ha llegado material gráfico para que comencéis a haceros una idea de la pinta que tiene la película.
«PREMONICIÓN» cuenta la historia de un veterano detective del FBI (Jeffrey Dean Morgan) y su joven y ambiciosa compañera (Abbie Cornish), quienes contactarán con un solitario analista civil, el doctor John Clancy (Anthony Hopkins) para que les ayude a resolver una serie de extraños asesinatos. Clancy tiene un extraordinario poder intuitivo, en forma de vívidas y perturbadoras visiones, que le pondrá en el rastro del asesino (Colin Farrell), pero pronto se dará cuenta de que su don no es rival contra los insólitos poderes de este escurridizo asesino.
Aún no se sabe la fecha de su estreno pero se estrenará el 15 de julio, como os hemos comentado aquí tenéis su cartel y algunos fotogramas.
Dos de los protagonistas de “Palmeras en la nieve” estarán el sábado 23 de abril repitiendo la experiencia realizada hace unos días en Madrid. Entre las 16 y las 17:30h estarán firmando en la tienda ubicada en el Céntro Comercial Málaga Plaza. Para acceder a esta sesión de firmas los asistentes deben portar una copia de la película y acceder por las escaleras exteriores de la tienda.
Tras recaudar 3.79 millones de euros en las 742 pantallas en las que se ha proyectado, Disney ya puede afirmar que “El Libro de la Selva” es el mejor estreno del año. La recaudación representa más de 5.000 euros por pantalla y casi 600.000 espectadores. De este modo adelanta a otros estrenos recientes de Walt Disney Pictures como “Oz, un mundo de fantasía”, “Cenicienta” o “Maléfica”.
A nivel mundial la recaudación en taquilla ya asciende a los 291 millones de dólares y un 35% de Estados Unidos (más de 100 millones de dólares).
Que Chris Pine y Zachary Quinto repiten en sus papeles, de Kirk y Spock respectivamente, en la nueva entrega de Star Trek, cuyo título es Beyond (Más allá), es algo sabido. Lo que muchos no conocen es que Idris Elba interpreta al villano de este nuevo episodio de las aventuras de la tripulación del Enterprise.
Ya podemos verle caracterizado como Krall gracias a la fotografía publicada por Entertainment Weekly. Se intuye que a quien está estrangulando es un miembro de la Enterprise, nave a la que no tiene mucho aprecio pues su objetivo es vengarse de la Federación.
Con gran probabilidad se convertirá en otro éxito. Como casi todo lo que toca este excelente actor. Recordemos que ha aparecido en taquillazos como “Prometheus”, “Thor”, “Pacific Rim”, “Luther”, “Mandela: del mito al hombre”… Actualmente podemos oír su voz en “Zootrópolis” o “El libro de la selva”. Próximamente estará, aparte de en “Star Trek: más allá” en la adaptación cinematográfica de la obra de Stephen King, “La Torre Oscura”.
“TRUMBO” es el biopic del famoso guionista Dalton Trumbo, autor del libreto de títulos tan emblemáticos en la historia del cine como “Vacaciones en Roma” o “Espartaco”. Su carrera casi llegó a su fin en 1940 tras ser incluido en la lista negra acusado de comunista. A partir de ese momento toda su vida dará un giro radical y tendrá que utilizar todo su talento para sobrevivir en una sociedad que le ha vuelto la espalda.
Crítica
Justicia cinematográfica para un gran embustero.
Debemos recurrir al propio guionista y a lo que decían Audrey Hepburn y Gregory Peck en “Vacaciones en Roma”: -También soy una gran embustera -La mayor que he conocido en mi vida. Trumbo hace justicia para alguien que tuvo que vivir entre embustes y mascaradas para poder sacar su talento a la luz. Una película que al igual que los escritos de Dalton Trumbo nos deja citas emblemáticas, un guión que podría haber sido obra de un Trumbo del siglo XXI.
Tradicionalmente hemos visto películas en las que los comunistas eran demonizados, combatidos y convertidos en el enemigo a batir. Este es el caso de “Trumbo”, un caso en el que los sospechosos no están en la pantalla, si no tras ella. Pero además lo que denuncia este film es algo que sucedió realmente, algo tremendamente paranoico que destrozó carreras, familias e incluso vidas; y que sucedió en el Estados Unidos de la postguerra.
Que el director de la saga “Austin Powers” o “Los padres de ella” pueda hacer un drama como este, con bastantes momentos de ingeniosa comedia, demuestra un talento camaleónico. A ello le sumamos el guionista de la serie “Lois y Clark” o “The Magicans” y nos quedamos perplejos ante tan buen resultado. Una película con tono amable, pero con carácter mordaz y sarcástico. Ahora bien, esta no es su única virtud. Hay que señalar que posee un reparto minuciosamente seleccionado que la hace sostenerse aún más. Sin el trabajazo de Diane Lane el personaje de Trumbo no sería el mismo. Como secundarios destacan Helen Mirren y John Goodman, pero no hay que desmerecer la labor de Dean O’Gorman imitando a Kirk Douglas o la de David James Elliott haciendo lo mismo con John Wayne. El montaje que se ha realizado con estos dos actores para mezclarles con imágenes reales de películas de estas estrellas del cine clásico es digno de aplaudir.
La banda sonora es acertadísima, nos sumerge en el Hollywood dorado, bravo por el trabajo de Shapiro y la selección de temas que ha realizado. El montaje, aunque puede resultar extremadamente lineal no desmerece la brillante actuación Cranston que pudo haberse llevado el Oscar perfectamente en la pasada edición. Tristemente DiCaprio y todo el fenómeno que llevaba consigo le restaron protagonismo, sin desmerecer el trabajo de Leonardo. De igual manera que con “Breaking Bad” nos borramos de la cabeza su imagen de padre tontorrón que teníamos de él tras su paso por “Malcolm”, en “Trumbo” nos olvidamos casi por completo de que este actor interpretó a Walter White. Supongo que algún día haremos también justicia con este actorazo, todo no puede ser pues, citando de nuevo a Gregory Peck en “Vacaciones en Roma”: La vida no es siempre como a uno le gustaría.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de abril de 2016. Título original: Trumbo. Duración: 124min. País: EE.UU. Director: Jay Roach. Guión: John McNamara. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Jim Denault. Reparto principal: Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, John Goodman, Elle Fanning, Louis C.K., Michael Stuhlbarg, David James Elliott, Roger Bart, J.D. Evermore, Mark Harelik, Peter Mackenzie, Toby Nichols, Becca Nicole Preston, Elijah Miskowski. Producción: Groundswell Productions / Inimitable Pictures / ShivHans Pictures. Distribución: eOne Films. Género: Biopic, Drama, Comedia. Web oficial: http://es.eonefilms.com/films/trumbo
Los milagros del cielo presenta la conmovedora historia de Kevin (Martin Henderson) y Kristy (Jennifer Garner), un matrimonio que descubre que su hija Anna de 10 años tiene una enfermedad incurable y comienza la búsqueda de una posible cura.
En este recorrido, todo se agrava cuando Anna sufre un accidente, pero será el momento en el que comiencen a suceder una serie de milagros que dejarán a la familia y a la comunidad desconcertados y conmovidos.
Los milagros del cielo está basada en la sorprendente historia real de la familia Beam.
Crítica
El milagro de creer que hay alguien bueno entre nosotros.
Esta es la historia de Annabel Beam, una niña que presumiblemente vivió un milagro. Está basada en hechos reales y a poco que se busque en internet se pueden encontrar entrevistas y noticias dándole bombo a su historia. Pero no nos confundamos, “Los milagros del cielo” no es una película para fundamentalistas religiosos. Tampoco desacredita la fe católica. Expone hechos y vivencias para la libre interpretación del espectador bajo un prisma más cercano a los creyentes que a los ateos. Quizá sea por eso que posee dos escenas realmente místicas, una de ellas rebosa belleza visual y efectos digitales. Si estas dos escenas hubiesen sido más moderadas la cinta habría tenido el encanto o la credibilidad de otras películas similares como “El tercer milagro”.
Nos va mostrando poco a poco que pueden existir buenas personas, tanto dentro como fuera de los círculos religiosos, dispuestas a ayudarnos o por lo menos a animarnos la existencia. Poco a poco el espectador se dará cuenta de algo que pone de manifiesto el personaje de Jennifer Garner en sus palabras finales y que sin duda es el objetivo de este film, por encima de narrar la historia de Annabel.
La puesta en escena es vitalista, la directora, Partricia Riggen, maneja bien los tiempos y las emociones. Nos guía y nos hace empatizar con la familia según su desesperación va en aumento y según la madre va perdiendo la fe en todo lo que creía. Uno de los puntos de inflexión se encuentra en un intenso momento en el que Kylie Rogers (Anna Beam) realiza una emotiva actuación. Todo el elenco está acertado en sus interpretaciones. Desde Queen Latifah (“La jugada perfecta”) ejerciendo de inyección de moral, pasando por Eugenio Debez (“El libro de la vida”) convertido en un Patch Adams moderno, hasta la familia protagonista, todos ellos muy metidos en su papel. La más convincente de todas es Garner. En ocasiones la niña protagonista (Anna) tiene algunas frases demasiado maduras para su edad, pero no suceden en momentos clave de la película y es algo que pasa desapercibido. Muy creíble también la actuación de John Carroll Lynch (“La invitación”) como el pastor de la parroquia a la que acude la familia regularmente.
Para Riggen parece que los milagros son el hecho de que haya gente dispuesta a jugarse lo suyo por ayudar a los demás. Desconozco hasta qué punto es real esta parte, pero realmente hoy en día es difícil encontrar a alguien dispuesto a arrimar el hombro por sus semejantes con ese nivel de compromiso, podría ayudar a muchos a sacar lo mejor que llevan dentro. Como dije al principio no es una película espiritual ni anticatólica. Es una historia emotiva, para algunos lacrimógena, sobre la fe tanto en Dios como en la medicina como en la familia.
Al final podemos ver unos créditos especiales, con imágenes de la auténtica familia que vivió este caso.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de abril de 2016. Título original: Miracles from Heaven. Duración: 109 min. País: EE.UU. Director: Patricia Riggen. Guión: Christy Beam, Randy Brown (Libro: Christy Beam). Música: Carlo Siliotto. Fotografía: Checco Varese. Reparto principal: Jennifer Garner, Martin Henderson, Brighton Sharbino, John Carroll Lynch, Queen Latifah, Hannah Alligood, Eugenio Derbez, Kylie Rogers, Gregory Alan Williams,Rhoda Griffis, Kevin Sizemore, Kelly Collins Lintz, Wayne Pére, Judd Lormand,Carla Shinall. Producción: Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: Basada en hechos reales, Drama. Web Oficial: http://www.sonypicturesreleasing.es/watch/los-milagros-del-cielo
Un director de cine independiente llega a su destino un día antes por error. Aprovechando el exceso de tiempo libre, entra en un palacio restaurado donde conoce a una joven artista, con la que pasa el resto del día: visitando su estudio, conociendo su obra, cenando, tomando algo juntos… hasta que ella plantea una pregunta cuya respuesta lo cambia todo. Es probable que si el día volviera a comenzar ambos se comportarían de forma diferente, pero eso ya no se podrá saber ¿o tal vez sí?
Crítica
A pequeños cambios grandes diferencias.
Más de un cambio introduciría yo en esta película coreana que nos llega de la mano del director Hong Sang-soo (“En otro país”) y la distribuidora Good Films. “Ahora sí, antes no” nos narra dos historias que son solo una al mismo tiempo. Más allá de narrarnos el nacimiento de un presumible enamoramiento nos explica como introduciendo pequeños cambios en la narración el resultado puede ser muy diferente. Cambios como una variación en nuestra personalidad, nuestros actos o nuestras decisiones pueden determinar el final de la jornada que vivimos, o el de nuestro destino incluso.
Resulta un ejercicio curioso, pero algo cargante. La primera mitad de la película nos narra linealmente ese encuentro entre el famoso director interpretado por Jae-yeong Jeong y la joven pintora caracterizada por Min-hee Kim. Se les sitúa en diferentes ubicaciones o ámbitos sociales y comprobamos que desenlace se produce. La segunda mitad nos narra lo mismo, pero incluyendo alteraciones en la narración, produciéndose así un resultado diferente. Se juega con la sinceridad, con los tabúes sociales, con el orgullo personal… El problema es que cada versión de este encuentro dura cerca de una hora. ¡Casi sesenta minutos por parte! A un ritmo más que tranquilo, con muy poca actividad y mucho diálogo. He de alagar la gran capacidad memorística que deben tener los dos protagonistas pues tienen planos secuencia realmente largos en los que únicamente conversan.
Estos planos secuencia ni siguiera hacen uso de travellings o cambios en el ángulo de rodaje. Únicamente se manejan torpes movimientos de cámara y un constante zoom que no aporta significado alguno a la narrativa de la cinta. No obstante, se atisban en ocasiones peculiares gags cómicos que pueden hacer más llevadera esta película, sobre todo en su segunda mitad.
Este es un film pausado y simétrico que invita de una manera tediosa a la reflexión, a jugar con las posibilidades y la imaginación. Entiendo que haya gente a la que le pueda atraer este curioso experimento, pero considero que al público general y poco familiarizado le puede costar digerir este estilo o modo de hacer cine. Por desgracia suele pasar con lo que nos llega de Oriente. Por el contrario, estudiantes de cine, amantes de la cultura coreana o personas ávidas de descubrir un cine diferente podrán disfrutarla. Tal vez con menos metraje o con más velocidad en el devenir de los acontecimientos habría sido una película más apta para el consumo en occidente. Al igual que su protagonista, Hong Sang-soo (que lleva muchos años haciendo cine) podrá aprender de sus pequeños errores para su próximo proyecto si quiere llegar a grandes masas en nuestro país.
Ficha de la película
Estreno en España: 6 de mayo de 2016. Título original: Ji-geum-eun-mat-go-geu-ddae-neun-teul-li-da. Duración: 121 min. País: Corea del Sur. Director: Hong Sang-soo. Guión: Hong Sang-soo. Música: Jeong Yong-jin. Fotografía: Park Hong-yeol. Reparto principal: Jeong Jae-yeong, Kim Min-hee, Yoon Yeo-jeong, Gi Ju-bong, Choi Hwa-Jeong,Yoo Joon-sang, Seo Young-hwa, Ko Ah-sung. Producción: Jeonwonsa Film. Distribución: Good Films. Género: Romántica, Drama.
El famoso comediante español, José Mota, ha puesto su voz de nuevo al servicio de la animación. Participando en “Angry Birds, la película” ha doblado a Chuck. Un pájaro veloz, hiperactivo y elocuente. Todo un reto de velocidad y dicción para José Mota. Podremos ver su trabajo completo en los cines a partir del 13 de mayo.
Mañana estarán en Fnac Castellana Mario Casas, Berta Vázquez y Alain Hernández. Firmarán copias del DVD o del Blu-ray de “Palmeras en la nieve”. Tras su éxito en taquilla (16.300.000 € en su estreno y más de 2.525.000 espectadores) se lanza ahora la copia física del film y los actores participarán en la promoción.
A las 17:30 posarán para la prensa y media hora después, a las 18h, comenzarán a recibir a todos aquellos que lleven una copia de la película. Fnac habilitará una entrada única para la sesión y se respetará el orden de llegada y fila.
Características de las ediciones que están ya a la venta
Edición Todo en Uno (Blu-Ray™ + DVD + Copia Digital)
Edición Digibook Coleccionista en Blu-Ray™ y DVD que incluye:
Película
Libro “¿Cómo se hizo Palmeras en la Nieve?”
Copia digital
Ficha técnica del BLU-RAY™ y DVD:
BD
Formato de pantalla: 16×9 2.35:1
Duración: 163’ Aprox.
DOLBY ATMOS: Castellano.
DolbyTRUE HD: Castellano 5.1, Audio descripción para invidentes 5.1,
Subtítulos: Inglés, subtítulos para discapacitados auditivos.
DVD
Formato de pantalla: 16×9 2.35:1
Duración: 163’ Aprox.
Dolby Digital: Castellano 5.1, Audio descripción para invidentes 5.1,
Subtítulos: Inglés, subtítulos para discapacitados auditivos.
Con motivo del estreno de “El Libro de la Selva” que se producirá el día de mañana, Walt Disney Pictures ha creado el primer póster humano sirviéndose de las técnicas de body painting. Para ello ha contado con tres Makeup Artist de gran prestigio internacional: Alex Hansen, Bella Volen y Giusy Campolungo. Todo un espectáculo en el que el cuerpo humano se mezcla con la selva. Disfrutad de las imágenes y del vídeo con el cómo se hizo.
Tenemos novedades a cerca del Festival Internacional de Cine de Cannes que se celebrará entre el 11 y el 22 de mayo. Os vamos a hablar de tres películas que os pueden parecer interesantes y se ha anunciado hoy que han entrado a concurso.
Vértigo Films tendrá dos películas concursando en ese festival. La primera de ellas es “Loving”, de Jeff Nichols. Una historia que trata sobre la importancia de casarse con aquella persona a la que amas sin distinguir entre una raza y otra. Se trata esta temática con el caso de Richard y Mildred Loving. Dos enamorados que se casaron en 1958 y fueron encarcelados por ello. La razón de tal cautiverio fue que él era un hombre blanco y ella una mujer de raza negra. Se suspendió dicha sentencia a condición de que abandonasen el estado de Virginia, condición contra la que ellos lucharon.
La segunda apuesta de Vértigo en este festival es “Aprendizaje” de Cristian Mungiu. Un estudio sobre las dudas de la paternidad y la ambigüedad del compromiso. Es la historia sobre Romeo, un hombre que se siente cansado y que no ve la vida como se la imaginaba cuando era más joven. Tendrá que encontrar las palabras para explicarle eso a Eliza.
Por último, tendremos representación española de la mano de Almodovar. A pesar de las diferencias entre críticas y la polémica levantada la película distribuida por Warner Bros., “Julieta” ha sido elegida para la sección oficial. Una obra que adapta los relatos «Destino», «Pronto» y «Silencio» de Alice Murno. El propio Almodovar ha querido expresar su reacción ante esta noticia: “Estoy muy contento de haber sido seleccionado para competir este año en el Festival de Cannes. A juzgar por los títulos y autores a los que acompaño va a ser una gran edición. Cuando rodaba «Julieta» no pensaba en festivales, mis motivaciones para escribir y rodar son siempre otras. Pero en este momento intuyo que el festival francés será un buen complemento promocional para la película que se estrena de inmediato en Italia y Francia. Voy al festival a trabajar, pero también espero poder ver buen cine. Cannes sigue siendo una celebración del cine de autor.”
Falta aún un año, pero Paramount Pictures y DreamWorks Pictures nos han anunciado oficialmente el comienzo del rodaje de «Ghost in the Shell«.
¿Qué cómo nos han presentado el rodaje de la película? Pues con una de las imágenes más esperadas, Scarlett Johansson caracterizada como Motoko Kusanagi.
Ghost in the Shell es un thriller futurista y con una clara estética cyberpunk con personajes reales, basada en la obra de Masamune Shirow, que nos hace pensar sobre temas como la identidad humana o la inteligencia artificial. Este manga tuvo tanto éxito que se llegaron a producir tres películas animadas, una serie de televisión con dos temporadas, un OVA y tres videojuegos. Ahora podremos ver todo este mundo en imagen real, pero no solo veremos a Scarlett Johansson, sino que Michael Pitt, Juliette Binoche y el gran Takeshi Kitano estarán en la cinta.
La adaptación de Rupert Sanders (Blancanieves y la leyenda del cazador) nos presentará la trama en la que Kusanagi debe comenzar la búsqueda de El hombre que Ríe, antagonista principal del anime Ghost in the Shell: Stand Alone Complex.
La película ha comenzado a rodarse en Wellington, Nueva Zelanda y aún nos queda un año para poder ver el resultado final, mientras tanto, debemos conformarnos con este adelanto y seguir esperando más imágenes del esperado film.
Este es el nuevo póster que promocionará la película de 20th Century Fox en el Reino Unido. Multitud de mutantes lo protagonizan. Aunque están mezclados cabe destacar que en él vemos a los villanos. Por supuesto está Apocalipsis (Oscar Isaac), o En Sabah Nur como también se le conoce, y sus cuatro jinetes. Ellos son Tormenta (Alexandra Shipp), Psylocke o Mariposa Mental (Olivia Munn), Angel (Ben Hardy) y Magneto (Michael Fassbender). También apreciamos a un James McAvoy totalmente calvo y listo para caracterizar al Profesor Charles Xavier tal y como todos le conocemos.
Esta película de Bryan Singer se estrena el 20 de mayo. Hace poco pudimos ver más material de “X-Men: Apocalipsis” como las nuevas fotografías o el impresionante tráiler.
“Los Visitantes la lían (en la Revolución Francesa)” ya lleva más de un millón de espectadores en Francia, y eso que hace solo 6 días que se estrenó. Una película que supone la cuarta entrega de esta saga tras “Los visitantes no nacieron ayer” (1993), “Los visitantes regresan por el túnel del tiempo” (1998) y “Dos colgados en Chicago – Los visitantes cruzan el charco” (2001). Tan sólo en su primer día de estreno consiguió 190.000 espectadores, convirtiéndose en la mejor recaudación del año en su primer día de estreno y casi igualando las cifras de “Dios Mío, ¿pero qué te hemos hecho”.
Repite del director Jean-Marie Poiré y sus dos protagonistas principales: Jean Reno (“El Chef, la receta de la felicidad”) y Christian Clavier (“Dios Mío, ¿pero qué te hemos hecho?”). A ellos se les suman algunos de los actores más exitosos de la actualidad francesa: Franck Dubosc (“Barbacoa de amigos”), Karin Viard (“Cena de amigos”), Sylvie Testud (“Sagan”) y Ary Abittan (“Dios Mío, ¿pero qué te hemos hecho?”).
En España su estreno está previsto para el 4 de noviembre de la mano de A Contracorriente Films.
“Mi amigo el gigante” es la película que veremos estrenada este verano, en concreto el 8 de julio. Está dirigida por Steven Spielberg (“El puente de los espías”) y protagonizada por Ruby Barnhill (“4 O’clock club”), Mark Rylance (“El puente de los espías”), Rebecca Hall (“Transcendence”) y Jemaine Clement (“Lo que hacemos en las sombras”).
Está basada en la novela de Roald Dahl y cuenta la emocionante historia de una niña londinense que conoce a un misterioso gigante. Este le enseñará las maravillas y los peligros del País de los Gigatnes.
El tráiler está en castellano.
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