Crítica: ‘Fuerza bruta (The roundup)’

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La Unidad de Delitos Mayores de la Policía de Geumcheon recibe la misión de repatriar a un fugitivo que huyó a Vietnam. El policía Ma Seok-do y el capitán Jeon Il-man pronto intuyen que hay algo raro en la voluntad del sospechoso de entregarse y, poco tiempo después, descubren los crímenes cometidos por un terrorífico asesino llamado Kang Hae-sang. El Bud Spencer coreano, Ma Dong-seok, vuelve a la carga con un thriller lleno de acción y puñetazos.

Crítica

Acción de la vieja escuela a golpe de carisma y mano abierta

Llega por fin a España la secuela de ‘The outlaws’, película que en versión original se titulaba ‘Beomjoidosi’. En España a este nuevo título se le ha conocido como ‘The roundup’, ‘Furia policial’ y finalmente como ‘Fuerza bruta’. Cualquiera de esos títulos define bien esta nueva obra protagonizada por Ma Dong-seok, el Gilgamesh de ‘Eternals’, para aquellos que solo van al cine para ver películas de Marvel. Para los que seguimos su carrera de cerca es más conocido por ser el héroe de ‘Train to Busan’ o por una carrera que le ha hecho grajearse el apodo de “el Bud Spencer coreano”.

Decir que Dong-seok tiene gancho es usar esa palabra con doble sentido. El actor coreano tiene un gran carisma con cualquiera de sus personajes, pero destaca sobre todo con aquellos que se abren paso repartiendo mamporros a mano abierta. En esta secuela vuelve como uno de esos policías que no tiene reparos en sumergirse en un mundo lleno de maleantes y mafiosos. En esta ocasión el director Lee Sang-yong (con quien ya trabajó en ‘El bueno, el malo y el raro’) le hace viajar a un territorio que no es el suyo. Si en España nos quejamos de los destrozos de los turistas en Corea u otros países asiáticos sufren la visita de prófugos que buscan cobijo y continuar con sus actividades ilegales. A eso se enfrenta el brusco, carismático y simpaticón policía de Dong-seok en esta secuela que es aún más trepidante y efectiva que su predecesora. Quien iba a decir que las estrellas del género de acción de Hollywood encontrarían aquí un digno sucesor/competidor.

Lo bueno de ‘Fuerza bruta’, que como decía, eleva el nivel de la primera, es que es una segunda parte de una trilogía que concluirá con ‘The roundup: No Way Out’. La dupla Sang-yonh/Dong-seok promete muchas más horas de diversión. Tal es el grado de complicidad que el actor se involucra en los guiones. Adoro su visión de Corea del Sur que sin dejar de lado la violencia delictiva o el sentido del thriller aporta con humor una historia de acción que huele a los años del Blockbuster.

Ficha de la película

Estreno en España: marzo de 2023. Título original: Beomjoidosi 2 (The roundup). Duración: 106 min. País: Corea del Sur. Dirección: Lee Sang-yong. Guion: Ma Dong-seok, Min-Seong Kim, Lee Sang-yong, Lee Young-jong. Música: Kim Tae-seong. Fotografía: Sung Lim Ju. Reparto principal: Ma Dong-seok, Son Suk-ku, Choi Gwi-hwa, Park Ji-hwan, Heo Dong-won, Ha-Jun, Park Ji-young. Producción: BA Entertainment, Big Punch Pictures, Hong Film. Distribución: La Aventura Audiovisual, Movistar Plus+. Género: acción. Web oficial: http://baent.co.kr/bbs/board.php?bo_table=works&wr_id=58

Esto es lo que lanzará Arvi Licensing en junio

Lanzamiento el 23 de junio

El próximo 23 de junio las tiendas que ponen a nuestra disposición las películas o series en formato físico tendrán en sus estanterías o catálogos online los títulos que podéis ver enumerados en esta entrada. A continuación os enumeramos y mostramos las carátulas de gran parte de lo que está por venir en DVD, Blu-ray e incluso en calidad 4K Ultra HD.

  • ‘M3GAN’ – Puede llegar a ser tu mejor amiga o convertirse en tu mayor pesadilla, este film de terror lleno de inteligencia artificial estará disponible en DVD y Blu-ray.
  • ‘Tàr’ – Ser la directora de una de las orquestas más aclamadas será el mayor reto de su carrera profesional. Acompaña a Cate Blanchett en una de sus mejores interpretaciones con las ediciones en V.O.S.E. en DVD y Blu-ray.
  • ‘65’ – Acción y ciencia ficción de la mano de Adam Driver en una misión en la tierra hace 65 millones de años. Vive la aventura en DVD, Blu-ray y 4K Ultra HD+Blu-ray.
  • ‘Llaman a la puerta’M. Night Shyamalan regresa con un thriller basado en La cabaña del fin del mundo y una familia con una gran decisión por delante. Disfruta del film en DVD, Blu-ray y 4K Ultra HD+Blu-ray y una edición metálica limitada.
  • Celebra el 30º aniversario de Jurassic Park con la máxima calidad 4K Ultra HD + Blu-ray en una edición metálica limitada y una edición especial.
  • Nuevos directos a video, llegan a nuestros salones Pearl y Upgrade, inéditos en DVD y Blu-ray.

Crítica: ‘La mala familia’

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La Mala Familia, un grupo de amigos que lleva un tiempo sin poder verse, aprovecha el permiso penitenciario de Andresito para reencontrarse y disfrutar de un caluroso día de verano a las afueras de Madrid. Con la caída del sol, tendrán que enfrentar un problema del pasado que amenaza con meterlos a todos en la cárcel.

Crítica

Ofrece una cara honesta y sincera de unas personas que están fichadas de serie

Colombianos, mexicanos, marroquíes… Jóvenes de alrededor de treinta años inmigrantes o descendientes de inmigrantes que viven en Madrid o cualquier otra gran urbe española. Se lo pasan bien en grupo y viven la noche al máximo haciendo sus correrías. Con esa descripción puede veniros a la cabeza el mal extendido término de “menas” y todos los prejuicios que le acompañan. Los protagonistas de esta historia no se describen a sí mismos como ángeles pero tampoco se muestran como unos delincuentes irredimibles. ‘La mala familia’ ofrece una cara honesta y sincera de unas personas que están fichadas de serie, que son señaladas o temidas simplemente por su aspecto.

Ni ellos se pintan como víctimas ni este documental busca blanquear su imagen. Los directores Nacho Villar y Luis Rojo pertenecen al Colectivo BRBR y con su actividad y con este largometraje pretenden extender su labor de salir a las calles, de viajar a las periferias y de experimentar la cruda realidad. ‘La mala familia’ se introduce de lleno en el verano de un grupo de amigos que comparte un delito, una multa y la constante sombra de justicia amenazando con encarcelarles. Uno de ellos (Andrés David “Andresito”) además está en prisión y aprovechando un permiso se reúnen para pasar el día con él en un famoso lago madrileño. Allí surgen testimonios, confesiones, vergüenzas y logros. Son frecuentes expresiones como “estoy más centrado”, “me siento despejado”, “hacer las cosas bien” o “no soy capaz”. Con este documental pasas de pensar que son perfectos para salir en el programa ‘Hermano mayor’ a entender la lógica de su realidad.

‘La mala familia’ es un trabajo de concienciación y sensibilización. Y funciona en múltiples sentidos. Sirve para que aquellos que se encuentren en ese divertido mal camino de hacer fechorías con los amigos se enderecen. Y ejerce la labor de reventar sesgos y analizar de una manera transversal la que es una problemática social muy actual. Ya dije hace poco hablando de ‘Asedio’ que el tema de la inmigración está enquistado en España. Espero que con iniciativas como esta puedan solventarse poco a poco estos problemas.

La narración trabaja la historia prácticamente en formato lineal usando grabaciones con planos cerradísimos, sin excesivos retoques de etalonaje y gran número de videomensajes. Es tan sencilla que resulta indudable su valor humano y didáctico. Cuando acudimos al cine es mucho más fácil comprar entradas para esas películas que se perfilan espectaculares en la cartelera o que lucen como si fuesen galones los nombres de sus directores y actores, rechazando casi con desprecio los posters de películas de temática social. Por lo menos las cifras de taquilla así lo demuestran. Os animo a romper cualquier recelo que tengáis a comprar tickets para este tipo de títulos al igual que os invito a hacerlo a la hora de hablar con protagonistas como los que vais a ver.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2023. Título original: La mala familia. Duración: 81 min. País: España. Dirección: Nacho Villar, Luis Rojo. Guion: Nacho A. Villar, Luis Rojo, Raúl Liarte. Música: Olivier Arson. Fotografía: Michal Babinec. Reparto principal: documental. Producción: Icónica Producciones, Birth, Blur, Tasio. Distribución: Sideral. Género: documental, drama. Web oficial: https://www.sideralcinema.com/la-mala-familia-estreno-5-de-mayo

Crítica: ‘Fumar provoca tos’

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Tras una feroz batalla contra una tortuga gigante maligna, un equipo de cinco vigilantes, conocido como «La fuerza del tabaco», recibe la orden de retirarse para fortalecer la cohesión del grupo. Su estancia transcurre bien hasta que Lézardin, Emperador del Mal, decide aniquilar el planeta Tierra.

Crítica

Divertido homenaje al cine de superhéroes

Este pasado año fue un gran año en Sitges y es que por fin pudimos conocer al gran Quentin Dupieux. Hoy os venimos a hablar de una de las películas que presentó en el festival y que sin duda fue de las mejores que vimos.

‘Fumar provoca tos’ nos presenta a un equipo de superhéroes, La Patrulla Tabacalera, que se encargan de salgar al mundo gracias a las toxinas del tabaco. Pero como pasa en todos los grupos de amigos y trabajo no siempre las cosas están bien y La Patrulla Tabacalera no pasan por su mejor momento. Así que después de luchar contra una tortuga gigante, su jefe (una peculiar rata de peluche) ve que tienen problemas entre ellos y les manda a un retiro para que estén más unidos. A partir de aquí comenzaremos a ver un montón de aventuras que les han ocurrido a todos.

Un homenaje al cine sentai, tenemos kaijus, alienígenas y por supuesto a una rata asquerosa que es la jefa de esta curiosa Patrulla Tabacalera, que es un claro homenaje a un personaje de ‘Meet the Feebles’, película de Peter Jackson rodada con marionetas.

Gilles Lallouche, Vincent Lacoste, Anaïs Demoustier, Jean-Pascal Zadi y Oulaya Amamra, son los encargados de dar vida a estos superhéroes tan humanos y cansados de tantas aventuras.

En el resto de reparto encontramos a Tanguy Mercier, David Marsais, Julia Faure, Olivier Afonso, Alain Chabat, Ferdinand Canaud, Adèle Exarchopoulos o Doria Tillier, entre muchos otros.

Una de las cosas que más me gusta de este director es que le encantan los efectos especiales manuales. Y si, pueden ser muy rudimentarios, pero al final lo que realmente importa de sus películas es la historia que nos está contando y por supuesto el cómo la está contando. Con su humor absurdo sus películas son un disfrute de principio a fin. Y ‘Fumar provoca tos’ es una de esas cintas que no puedes parar de reír.

En la película vemos robots, kaijus y hasta naves especiales. Y por supuesto marionetas, que tanto le gustan al director. Recordemos que es el creador de Flat Beat, aquel muñeco amarillo que llegó a ser mundialmente famosos por los anuncios de Levis.

Poco más que decir de esta cinta. Os animo a que la veáis y descubráis a este director tan original.

 Ficha de la película

Estreno en España: 8 de septiembre de 2023. Título original: Fumer fait tousser. Duración: 80 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Gilles Lallouche, Vincent Lacoste, Anaïs Demoustier, Jean-Pascal Zadi, Oulaya Amamra, Tanguy Mercier, David Marsais, Julia Faure, Olivier Afonso, Alain Chabat, Ferdinand Canaud, Adèle Exarchopoulos. Producción: Chi-Fou- Mi Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/smoking-makes-you-cough

Crítica: ‘Asedio’

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¿Qué es ser español? Dani lo tiene muy claro. En su caso es servir a su país como antidisturbios, honrar su bandera. Hacer cumplir la Ley. Siempre pensó que ser policía era una forma de proteger a la gente, de hacer justicia. Pero durante un desahucio en un barrio conflictivo de Madrid, Dani se encontrará con un dinero escondido, una trama de corrupción y un crimen que harán que tenga que huir por su vida en un territorio hostil, en el que no conoce el idioma, no es bien recibida y su autoridad no vale nada. Sólo podrá contar con la ayuda de Nasha, una joven nigeriana a la que acaba de desahuciar, y su hijo Little. Y será entonces cuando se dé cuenta de que si el sistema para el que trabaja no es la solución, quizás siempre fue parte del problema.

Crítica

La forja una “die hard”

Viendo ‘Asedio’ lo que más venía a mi cabeza era la frase: “ puede con lo que le echen”. La hemos visto en comedia, en drama, en papeles tiernos, ácidos, gamberros, desgarradores… Y ahora se atreve con la acción y puede con ella como si fuese su propio personaje, como si diese igual tener que lidiar contra cualquier dificultad que ella sale airosa. En ‘Asedio’ interpreta a una policía que se encuentra en una situación personal delicada y durante un desahucio se topa con una tremenda tentación. Ello desencadena la enemistad, no solo de aquellos que sufren la intromisión de los cuerpos del estado en su vivienda, sino también de sus propios compañeros. Si estuviésemos en los Estados Unidos de los ochenta este sería un papel para Bruce Willis o si viajásemos al de los setenta estaríamos hablando del Serpico de Pacino.

No me extrañaría que mucha gente comparase esta nueva película de Miguel Ángel Vivas con ‘Antidisturbios’, es lógico, tienen puntos de encuentro y siempre es fácil referenciarse a lo que recientemente ha sido popular. Pero a mi a lo que más me ha recordado esta película es a ‘Dredd’, a ‘Shorta. El peso de la ley’ y a ‘Los miserables’. A la película protagonizada por Karl Urban por la inmersión en un destartalado bloque de viviendas donde impera una ley propia y en la que una novata sufre todo tipo de peligros a base de tiros, peleas, mugre y bajos fondos. A las obras de Anders Ølholm y Frederik Louis Hviid y de Ladj Ly por su carácter europeo, por razones evidentes de la trama, por cuál es su disparador, por las corruptelas heredadas del cine policial estadounidense y por su vertiente social.

Este nuevo largometraje arranca con una secuencia inicial que es todo un palo y está rodada en un solo plano secuencia. Con ella ya la cosa promete. Tras ese inicio llega una escena introducida, imagino, para esbozar la motivación de la protagonista. Pero casi logra desmotivarme a mí pues está excesivamente alargada al son de “Un ramito de violetas”. No es la nota predominante en ‘Asedio’ a pesar de que se detectan algunas pifias de guión y de montaje que hacen que algunos detalles no cuadren o que la película tenga ciertos momentos en los que se adormece y se pierde el ritmo tan trepidante que se había conseguido.

No cabe duda y nadie puede negar que ‘Asedio’ está rodada con muy buen criterio. En cuanto entramos en el furgón policial empieza la tensión. Cámara en mano nos metemos en el edificio donde transcurre toda la película y al poco nos perdemos. Se transmite increíblemente una sensación de desorientación y de jaleo. Es uno de esos largometrajes que ganan según lo vas recordando días después pues sus virtudes pesan mucho más que cualquier defecto que le puedas detectar. Hay momentos en los que la acción y la tensión te cortan la respiración. Yo lo he pasado mal por ejemplo con la escena de las grapas, ya veréis cuál es.

Podríamos decir que ‘Asedio’ tiene en paralelo un discurso social. Pero es tan directa como su propio título indica, no hay subtexto ni paralelismos que valgan, va a la cara. Se enmarca en la España en la que sobran casas y no obstante se moviliza a la policía para quitárselas a los más pobres. También en la que la inmigración no deja de ser un tema que está enquistado desde hace décadas. Y por si fuese poco se atreve a marcarse un Dani Mateo con una rajada y quemada que probablemente cause controversia. Merece, por lo menos, hacerse viral por esta escena.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2023. Título original: Asedio. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Miguel Ángel Vivas. Guion: Marta Medina, Miguel Ángel Vivas, José Rodrigo. Música: Sergio Acosta. Fotografía: Rafael Reparaz. Reparto principal: Natalia de Molina, Bella Agossou, Francisco Reyes, Fran Cantos, Chani Martín, Jorge Kent, Efraín Rodríguez, Lucas Nabor, Federico Pérez, Luis Hacha, Fernando Valdivieso, Karlos Aurrekoetxea, Alejandro Casaseca, Óscar Eribo. Producción: Apache Films, Sony Pictures, México City Project, RTVE, Prime Video. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, suspense, drama. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/asedio

Crítica: ‘Los fontaneros de la Casa Blanca’

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Sin quererlo se marcaron un WikiLeaks

Estoy seguro de que de un modo u otro conocéis u os suena el caso Watergate. Es uno de los mayores escándalos políticos a nivel mundial y sin duda el más flagrante de la historia estadounidense, a la espera de que se resuelva todo lo que está sucediendo con Trump, que podría superar con creces todo lo que acaeció en los últimos días del mandato de Nixon. El termino Watergate ha sido utilizado para referirse a muchas conspiraciones o casos de desacreditación política, pero sobre todo a sucesos que tenían que ver con filtraciones o espionaje.

El próximo 2 de mayo HBO Max estrena ‘Los fontaneros de la Casa Blanca’. Una serie de cinco episodios que intenta arrojar más luz a un caso del que por lo general se conoce lo superficial. Dado que transcurrió en los setenta es una de las crisis políticas más estudiadas y documentadas de la historia. Es por ello que hay mucho hilo del que tirar, mucho de la trastienda en la que rebuscar. Lo que poca gente sabe es que a la unidad que se encargó del espionaje que se llevó acabo en el complejo Watergate (sede del Partido Demócrata de los Estados Unidos) recibió el nombre de “Unidad White House Plumbers”. Curiosamente ahora en España se habla mucho de las cloacas del estado y de todos aquellos que andan sacando la mugre que atasca nuestro sistema político.

La serie es una inmersión completa en los 70. Para ello se ha empleado desde el logo que lucía en aquella época el canal HBO (Home Box Office) hasta por supuesto ambientarnos con vestuario, edificios y música de por entonces. La traslación a esos tiempos se completa con mucha imagen de archivo y mucha recreación de lo que se grabó por entonces. Lo dicho, este es un incidente ampliamente documentado y tiene en la serie muchos detalles que parecen increíbles pero que están calcados.

El tono escogidos para narrarnos la historia podría ser perfectamente una mezcla entre las comedias de los hermanos Coen con los thrillers políticos de Adam McKay. Lo que sucedió tras bambalinas es que un agente de la CIA y uno del FBI trabajaron juntos para obtener información con métodos más que cuestionables y así favorecer la re-elección de Nixon. Pero su proceder, su profesionalidad, fue tan chapucera que acabaron por hacer exactamente lo contrario. Esa gran pifia merecía un enfoque cómico pero que a la vez fuese fiel a la realidad. La serie de David Mandel consigue serlo y además de divertirnos por momentos logra tener un pellizco de suspense.

‘Los fontaneros de la Casa Blanca’ está protagonizada por E. Howard Hunt (Woody Harrelson) y G. Gordon Liddy (Justin Theroux). Ellos son conocidos por ser los saboteadores políticos de Nixon y los cerebros del Watergate, así nos lo hicieron saber y así intenta escalecer la serie. Pero estos dos agentes eran mucho más peculiares de lo que su gran error puede dejar entrever. La serie pinta bien a dos patriotas que os animo a conocer. Es más, os insto a descubrir más de estos dos inútiles corruptos pues uno de ellos pasó sus últimos años haciendo reclamaciones sobre el asesinato del Presidente John F. Kennedy y el otro llegó a ser incluso actor, tertuliano y e invitado en programas y series populares.

‘Los fontaneros de la Casa Blanca’ está basada en la novela de Bud Egil y Matthew Krogh y es pasto para los conspiranoicos o para aquellos que quieran ampliar más sus conocimientos de historia ya que el Watergate no consistió solo en colocar micrófonos. Factores que amplían todo este lance son la aparición de los cubanos (entre los que se encuentra Alexis Valdés), las esposas de cada uno de los protagonistas (interpretadas por Lena Headey y Judy Greer) o la poca relevancia que le dio a esto la prensa en sus inicios. Seguro que tras ver la serie descubrís que en la actualidad están sucediendo casos peores pero a los que se les da mucha menos relevancia. Luego nos extrañamos de que surjan organizaciones como WikiLeaks o Anonymous.

Crítica: ‘Unicorn: Warriors Eternal’

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El creador de ‘Primal’ se pasa a lo infantil

Genndy Tartakovsky, creador de otra serie de Adult Swim titulada ‘Primal’, es el artífice de esta nueva producción que hasta el momento supone el contenido más juvenil e incluso infantil que la factoría de obras como ‘Rick y Morty’, ‘Mr. Pickles’ o ‘Metalocalypse’ ha publicado en nuestro país. Aliándose con Cartoon Network Studios y HBO Max nos proponen ‘Unicorn: Warriors Eternal’, la cual, se estrenará el 5 de mayo. Una serie de diez episodios cortos de los cuales hemos visto cinco tras los que nos han dejado en vilo pues nos desvelan el origen del mal que acecha a la humanidad.

En ‘Unicorn: Warriors Eternal’ vemos las aventuras de unos héroes que vuelven para salvarnos de un mal que continuamente ataca nuestra civilización. Y regresan a través de los siglos poseyendo los cuerpos de unos huéspedes que son elegidos por su robot y compañero. Pero en esta ocasión la elección parece que ha salido mal y estos héroes supernaturales tienen más problemas de lo habitual.

La serie es una mezcolanza al más puro estilo ‘Hora de aventuras’ o ‘Super Science Friends’. Está repleta de anacronismos mezclados con magia, máquinas steampunk, motosierras, sociedades secretas, el Londres de 1890, el far west… De entrada nos gana arrancando con un universo que bien podría ser el ‘Ether’ de David Rubín. Y tras ello comienza con su macedonia de elementos que están bien entrelazados entre sí mismos sin llegar a chirriar cual araña de ‘Wild Wild West’. La única lástima hasta el momento es que se ha aplicado un trasfondo merliniano, recurso fácil que viene oliendo a quemado desde hace mucho tiempo.

El grupo de protagonistas está compuesto por un monje astral, un guerrero nórdico élfico, una bruja casi necromante y un robot transformer que parece una navaja suiza que eternamente vela por que regresen estos protectores. Su concepción y reaparición puede asimilarse a la del anime ‘Avatar’ pues heredan el poder, los recuerdos y la responsabilidad de quienes previamente salvaron el mundo. Verles en acción recuerda a aquellas máquinas arcade que disponían de cuatro mandos para que diversos jugadores jugasen en equipo aplicando las distintas habilidades de sus personajes.

En el estilo de dibujo se nota mucho cambio con respecto a la brutalidad de ‘Primal’. Al comienzo parece que los personajes van a ser también parcos en palabras pero los diálogos son cada vez más presentes mientras que vemos que la sangre está totalmente ausente. Es evidente que esta es una producción de Cartoon Network y si bien la trama es interesante y divertida el tono tanto visual como de guión se hacen algo menos adultos. No obstante para los amantes de la animación encontrarán aquí remembranzas a dibujos como los de las películas de Astérix, la mítica Betty Boop o un diseño tan diverso de personajes que podría haber salido perfectamente de ‘La casa de los dibujos’.

Bien es cierto que Tartakovsky ha trabajado en otras series juveniles de Cartoon Network como ‘Samurai Jack’ o ‘Star Wars: las Guerras Clon’. Pero siendo este un producto avalado por Adult Swim cabía esperar algo más de mala leche. No obstante resulta divertido ver como mezcla estilos y personajes cual niño jugando con juguetes de distintas franquicias o deja su sello con detalles como la animación del fuego.

Crítica: ‘Mi crimen’

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En el París de los años 30, Madeleine, una actriz guapa, joven, pobre y sin talento, es acusada de asesinar a un famoso productor. Con la ayuda de su mejor amiga Pauline, una joven abogada sin trabajo, resulta absuelta en legítima defensa. Una nueva vida de fama y éxito la espera…pero la verdad está a punto de descubrirse.

Crítica

Exquisita burla del mundo falocentrista

El director François Ozon nos tiene muy acostumbrados a las películas dramáticas o con mucha crítica social. Ahí están títulos mayúsculos como ‘En la casa’, ‘Gracias a Dios’ o ‘Verano del 85’. Por lo general, uno sale desgarrado por todo aquello que sufren sus personajes y nuestra cabeza se debate en un torbellino de pensamientos y reflexiones gracias a sus comprometidas temáticas y la prospección que hace durante el proceso de creación. Pero con ‘Mi crimen’ ha dejado de lado el trabajo previo de investigación y pacto reivindicativo para adaptar al cine una obra teatral de 1934 gestada por Georges Berr y Louis Verneuil. Sin embargo, Ozon no puede evitar ser él y pronto descubrimos que esta comedia está llevada a su terreno dejando libremente su impronta. Larga es la sombra de Weinstein y en los primeros compases del filme el director francés le deja su recado. Posteriormente y sobre todo en los créditos también hay de soslayo bofetadas para la prensa amarilla.

Ozon se sumerge en el Paris de 1935 para rendir homenaje al vodevil y los teatros de variedades. Con esta comedia, que a priori podría parecer una propuesta ligera y vacua, que podría ser una más de las que se suman a la moda del género policial y judicial, desarrolla todo un discurso contra el sistema falocentrista. Es evidente que con ‘Mi crimen’ ataca a la figura de todos aquellos que en el mundo de la interpretación abusan de su situación. Están omnipresentes asuntos como el Me Too, la igualdad de sueldos y por supuesto, la presencia de las mujeres en cualquier ámbito. Desconozco si el guion original, que tiene casi un siglo de antigüedad, tenía los mismos giros de guion o ponía el foco de una manera tan incisiva en los personajes femeninos. Recuerdo cuando Nate Parker intentó cambiar las tornas con su versión de ‘El nacimiento de una nación’ convirtiendo un título de D. W. Griffith que era sinónimo de racismo en una obra que hacía apología de los derechos de los afroamericanos. Quizá esta sea la misma jugada. Desconozco el libreto original pero si da la sensación de que se ha cogido un texto que probablemente hoy en día está obsoleto de algún u otro modo y se ha adecuado a temáticas actuales.

En ‘Mi crimen’ el tratamiento de la temática es menos agresivo de lo habitual y probablemente la película tendrá menos repercusión al tratarse de género cómico. Pero aquellos que gusten de los títulos de época gozarán de esta comedia que no termina de dejar de tener suspense y tintes clásicos. Viajamos a un precioso Paris, con un halo romántico y unos diálogos ágiles. La burla está omnipresente pero también la sensación de capricho, de estar viendo una obra que el director llevaba tiempo queriendo hacer.

Nos tiene acostumbrados a película por año. Suenan ecos de descanso para Ozon pues esta ha sido una película que desgasta, a nivel de producción, que también nos da la impresión de que el director necesitaba cambiar de tercio y airearse. Vuelve pronto François.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de mayo de 2023. Título original: Mon Crime. Duración: 102 min. País: Francia. Dirección: François Ozon. Guion: François Ozon, Philippe Piazzo. Música: Philippe Rombi. Fotografía: Manuel Dacosse. Reparto principal: Nadia Tereskiewicz, Rebecca Marder, Isabelle Huppert, Fabrice Luchini, Danny Boon. Producción: Mandarin Cinéma, FOZ, Gaumont, France 2 Cinéma, Playtime, Scope Pictures, Canal+, Arte Cofinova 19. Distribución: Caramel Films, BTeam Pictures. Género: comedia, adaptación. Web oficial: https://www.france2cinema.fr/production/mon-crime

Crítica: ‘El cazador de recompensas’

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Texas, 1892. El soldado desertor Elijah Jones parece haber secuestrado y retenido en México a Rachel Price, una elegante mujer de buena familia. Su esposo contrata al legendario cazarrecompensas Max Borland para traerla de regreso a Texas. Al mismo tiempo, el peligroso pistolero Joe Cribbens sale de prisión buscando venganza contra quienes lo enviaron entre rejas, uno de los cuales fue Max.

Crítica

Más cerca del homenaje que del nivel del spaghetti western

Nueva película de Walter Hill, quien siempre ha apostado por el western o su vástago, el cine de acción. El autor de hitos del cine como ‘The Warriors’, ‘Límite 48 horas’, ‘El último hombre’ o ‘Alien’ en calidad de productor, crea una nueva película ambientada en el far west fronterizo y lo hace con una ligerísima pizca de actualización y mucho amor por el género.

La acción de ‘El cazador de recompensas’ arranca en 1897 en la aún pequeña ciudad de Albuquerque, donde se querían llevar a los Isótopos de ‘Los Simpson’. Toda la trama es una persecución y una búsqueda por la frontera con México y el seguir los pasos de un exconvicto. Un hombre que quiere a su joven esposa de vuelta, otro que quiere dinero a cambio de hacer de rescatador, otra busca huir de un matrimonio que no desea, otro desertar del ejército para irse a Cuba y por último está el que procura vivir su nueva vida aprovechando oportunidades. Todo es un conflicto de intereses que se centra en el personaje del cazador de recompensas y el de un delincuente puesto en libertad. Suena bastante clásico ¿verdad? Cazarrecompensas, forajidos, terratenientes, sheriffs, bandidos, partidas de cartas, cabalgadas por el desierto… Y por supuesto un tiroteo final en un pueblo desierto con duelo como guinda. Tal es el tributo que busca hacer Hill al cine clásico de vaqueros que le dedica la película a Budd Boetticher el director de ‘Gerónimo una leyenda’, ‘Forajidos de leyenda’ o ‘Wild Bill’.

El protagonista, el cazarrecompensas, está interpretado por Christoph Waltz acompañado de un ayudante afroamericano. Podría ser de nuevo su personaje de ‘Django’ pero sin ese toque culto y refinado, pero aquí también parece que le han quitado el talento pues Waltz no se emplea a fondo y su personaje carece de carisma y gancho. Es como si hubiese hecho esta película para pagar facturas. Tampoco lo ha tenido fácil pues entre el resto del elenco no hay quien le plantee un desafío interpretativo a la altura. Y eso que cuenta con Willem Dafoe pero con él comparte solo un par de escenas. Sin embargo, entre decepciones y homenajes al western clásico e incluso rancio, nos encontramos una Rachel Brosnahan que parece injertada de otra película. Con ella llegan los nuevos aires y demuestra desvergüenza y desafío.

El título original de ‘El cazador de recompensas’ es ‘Dead for a dollar’ que se traduce literalmente como ‘Muerto por un dollar’. Un nombre que alude o rememora al spaghetti western y películas como ‘Por un puñado de dólares’ o ‘Hasta que llegó su hora’. Los planos y la composición de Lloyd Ahern II no llegan a estar a la altura y la música de Xander Rodzinski no roza ni lo meramente parecido. Parece mentira que estos dos hombres hayan trabajado en ‘Jurassic Park’ o ‘Los juegos del hambre’. De ‘El cazador de recompensas’ únicamente me quedo con un duelo a latigazos que destaca como algo poco habitual y bien rodado.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2023. Título original: Dead for A Dollar. Duración: 107 min. País: EE.UU. Dirección: Walter Hill. Guion: Matt Harris, Walter Hill. Música: Xander Rodzinski. Fotografía: Lloyd Ahern II. Reparto principal: Christoph Waltz, Willem Dafoe, Rachel Brosnahan, Hamish Linklater, Brandon Scott, Doug Montoya, Ivan Lee Holmes. Producción: Chaos, a Film Company, Polaris Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: western. Web oficial: https://www.quiverdistribution.com/films/upcoming/deadforadollar/

Crítica: ‘Unwelcome’

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Cuando los londinenses Maya y Jamie, una pareja que espera a su primer hijo, heredan una casa en la Irlanda rural, aprovechan la oportunidad para escapar del ajetreo y los peligros de la gran ciudad. Sin embargo, al instalarse en su nuevo hogar les advierten de una presencia maligna que convive desde hace generaciones en el bosque.

Crítica

Quiero más historias de los Capuchas Rojas

El director londinense Jon Wright, no confundir con Edgar Wright, nos hace viajar a la Irlanda rural para acompañar a una pareja que va a adentrarse en la aventura de la paternidad por primera vez en su vida. Pero inesperadamente en su nueva residencia les aguarda y acechan unos pequeños seres que no son precisamente lo que esperaban en su viaje a una vida de llantos y cambios de pañales.

‘Unwelcome’ es un home invasión en el que unos seres fantásticos y aterradores defienden su territorio y sus tradiciones. No me refiero a los humanos, obviamente, aludo a unos pequeños duendes que pueden recordar a goblins de ‘Troll 2’ o a los míticos leprechauns. Unas criaturas recreadas con actores y algo de CGI cuyo diseño es un tanto de espeluznante y simpático a la vez, como los gremlins. Los Capuchas Rojas o Gente Pequeña, como se les conoce en este filme, podrían convertirse en un nuevo monstruo de culto si de algún modo la historia continuase, pues da para ello. Y no solo porque la trama nos invite a conocer más sobre las fechorías o el trasfondo de estos monstruitos, sino porque la película bien merece una secuela o precuela que expanda su lore.

Como muchas historias de terror, sobre todo actuales, hay algo más que una trama oscura. ‘Unwelcome’ sirve como discurso sobre un enfrentamiento con las viejas costumbres y o los hábitos de los pueblos. Pero sobre todo trata a cerca de la superación de un trauma. Gana enteros cuando, superada la mitad de la película, los seres fantásticos y la violencia hacen acto de presencia. Pero al fin y al cabo es un cuento macabro que busca mostrar por medio de lo tétrico cómo es necesario pasar página y enfrentarse a los demonios.

La pareja protagonista funciona como matrimonio. Están interpretados por Hannah John-Kamen y Douglas Booth. A la primera la conoceréis de ‘Ready Player One’ o por ser la nueva Jill en los live action de ‘Resident Evil’. Del segundo os recomiendo que veáis ‘Los misteriosos asesinatos de Limehouse’.  Quizá no sean los más populares de la película pues en el reparto también figuran Kristian Nairn (el Hodor de ‘Juego de Tronos’) o actores consagrados como Colm Meaney o Niamh Cusack. Pero ellos tienen absolutamente todo el peso del filme, junto con los pequeños y muy bien recreados seres. El gran valor del filme es John-Kamen que se marca una escena final casi delirante.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Unwelcome. Duración: 105 min. País: Reino Unido. Dirección: Jon Wright. Guion: Mark Stay, Jon Wright. Música: Christian Henson. Fotografía: Hamish Doyne-Ditmas. Reparto principal: Hannah John-Kamen, Douglas Booth, Jamie Lee O’Donnell, Chris Walley, Kristian Nairn. Producción: Tempo Productions Limited, Ingenious Media, Rococo Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror. Web oficial: https://www.tempoproductions.net/film/unwelcome

Crítica: ‘Beau tiene miedo’

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Beau (Joaquin Phoenix) es un hombre que tendrá que enfrentarse a sus miedos y paranoias al aventurarse en una épica odisea para llegar a casa de su controladora madre.

Crítica

Un galimatías hebreo que te desmotiva con un sinfín de enigmas

Ari Aster primero usó un culto brujeril y demoniaco con cierta base real para dejarnos pasmados con ‘Hereditary’ y luego lanzó ‘Midsommar’, una película que se cimentaba en el folklore sueco y que para mí era una propuesta más vaga. Ahora se separa un poco del folk horror para desarrollar un supuesto drama con comedia aderezado con un ligerísimo toque de terror. Suena a mezcla imposible, ¿verdad? Pues Aster lo ha hecho pero su coherencia va a estar eternamente puesta en duda.

Todo parte de un corto de 2011 llamado ‘Beau’ obra del mismo Ari Aster. La premisa era la misma pero A24 ha dado rienda suelta a este artista que se ha desinhibido en todos los sentidos con este filme que parece más una obra de arte y ensayo. Aster introduce sus habituales paneos, sus bruscos cortes, sus lentos zooms, pero en escasas ocasiones y cuesta encontrara de nuevo al genio en ciernes entre tanta extravagancia gratuita. Beau es un hombre deprimido y reprimido, pero sobre todo parece que hipocondriaco. Yo también sería así si viviese en un barrio caótico y peligroso como el que vemos en el arranque del filme. Es como si se concentrasen todos los locos que puede haber en Manhattan en una sola calle y metiésemos dentro de nuestro edificio una araña asesina. El arranque de ‘Beau tiene miedo’ nos deja como si acabásemos de salir del Bar de Mou en su etapa “postmouderna”, es decir, solo tiene cosas raras porque sí. El viaje que emprende para ver a su madre parece más propio de los universos de ‘Freaks’ o de ‘Carnivale’.

Se puede disfrutar ‘Beau tiene miedo’ a través de la inconmensurable interpretación de Joaquin Phoenix. Pero solo se puede entender si se le busca el correcto significado metafórico. Ari Aster ha formado una película inteligente, pero no por suponer un reto críptico para el espectador, sino porque es consciente de que este galimatías va a ser objeto de análisis y animadversión por igual. Pasa de ser un genio tras la cámara a esgrimir un truco de marketing arriesgado. Cuando por fin, al final, parece que te lo está explicando todo llega y pasa una cosa que dices “¡qué cojones!”, literalmente. Casi a las dos horas llegamos a la parte más artística con imágenes que parecen sacadas de un cuadro impresionista y que dan la impresión de que van arrojar luz acompañadas de una voz en off, pero no. Aunque a mí ese fragmento es el que me ha dado para una teoría. La pista ya nos la dio el propio director cuando definió el filme como “una especie de ‘El Señor de los Anillos’ judío”. Quizá hay que ser mucho más experto en el judaísmo para entender todos los subtextos del filme. A mí me faltan pistas. Lo único que me parece plausible es que esta sea una personificación de todo lo que ha vivido el pueblo judío a lo largo de su historia y del enfrentamiento de las corrientes actuales frente a las más arraigadas. El éxodo, el holocausto, la búsqueda de una tierra prometida, la persecución… Por ejemplo: a Beau le retienen, le convencen de no dejar su cautiverio, doblegan su voluntad y le ponen un pijama con su número, digo… con su nombre. Y su apellido es Wassermann como el de Jakob Wassermann, un escritor judío que escribió novelas sobre su pueblo en la Alemania nazi y la España de los serfardíes. Si estoy en lo correcto creo que me sería más fácil aprender a leer en hebreo que desencriptar todas las pistas ocultas del filme.

Si esto es así podríamos estar hablando de una estrategia tipo ‘Madre!’ de Aronofsky, solo que esa cinta estaba mucho mejor medida y explicada. Por otro lado todo podría tratar sobre una madre manipuladora y lo que vemos es el reflejo de lo que pasa por las mentes tanto del protagonista como de su madre. ‘Beau tiene miedo’ es una película que es tan excesivamente críptica y larga que llega un momento que pasas de lo sobrado que va el director y ya te es totalmente indiferente encontrarle explicación, solo quieres que acabe. Mezcla K-pop, asesinos desnudos, miembros viriles gigantes… Beau tendrá miedo, pero su director tiene una insultante indiferencia a que su película se entienda. Y me duele tener que quedarme con este chasco o estas impresiones cuando considero que ‘Hereditary’ es una de las mejores películas de género de lo que va de siglo. ‘Disappointment Blvd’ se iba a titular originalmente, para decepcionado yo.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Beau is Afraid. Duración: 179 min. País: Canadá. Dirección: Ari Aster. Guion: Ari Aster. Música: The Haxan Cloak. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Amy Ryan, Denis Ménochet, Parker Posey, Richard Kind, Nathan Lane. Producción: A24, Access Entertainment, IPR.VC, Square Peg. Distribución: Diamond Films. Género: drama, comedia. Web oficial: https://a24films.com/films/beau-is-afraid

Crítica: ‘Fatum’

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Sergio (Luis Tosar) tiene graves problemas con el juego. Tras jurar a su esposa que no volvería a caer, recibe un soplo sobre un supuesto amaño de un partido de futbol e, incapaz de cumplir su promesa, regresa a la casa de apuestas con la intención de recuperar todo el dinero perdido. El soplo resulta ser cierto y por fin su suerte va a cambiar… pero Alejo (Aron Piper) con un pasado salpicado también por el juego irrumpe armado en el local.

Pablo (Alex García) francotirador del GEO, es presionado por la comisaria Costa (Elena Anaya) para prestar servicio en el atraco. Pero la cabeza del GEO está en otro sitio, en el hospital, donde la vida de su hijo pende de un hilo.

El destino hace que Sergio y Pablo se vean envueltos en un atraco a una casa de apuestas, donde un disparo cambiará sus vidas para siempre.

Crítica

Gratamente engañado con la deriva del guión y el tratamiento de los personajes

Cuando busqué de qué trataba ‘Fatum’ se creó en mí la falsa idea de que esta sería una película de atracos, siguiendo la estela de otras producciones recientes como ‘La casa de papel’, ‘Way down’ o si nos vamos a tiempos prepandémicos, ‘70 binladens’. Todos esos títulos los recomiendo pues centrándose solo en una ubicación despliegan mucha acción y tensión, cada uno a su manera. Pero si estoy recomendando efusivamente ‘Fatum’ a todos mis conocidos y contertulios de cine es porque mi propia expectativa me ha engañado para bien.

La trama, el punto de partida, el detonante si es un atraco. En una casa de apuestas un hombre que promete a su familia que no volverá a jugarse su dinero tiene una recaída gracias a un soplo de amaño en un partido de fútbol. Ahí se produce el asalto cuya resolución evidentemente no voy a tocar. Lo que sí que hay que remarcar es que a los cuarenta minutos de película, aproximadamente, uno dice “bueno, vale, ¿y ahora qué? Me queda media película y se van a tener que exprimir el coco para seguir entreteniéndome”. Y lo hacen. No hay que olvidar que tras el guión está un gran experto en el suspense como Alberto Marini, cuyas historias conoceréis si habéis visto ‘El desconocido’, ‘Tu hijo’ o ‘La unidad’. Junto con el director debutante Juan Galiñanes han desarrollado esta historia que cambia de tercio a mitad de su metraje y que consigue mantener el interés y el nerviosismo en el espectador hasta el final gracias a una emocionante segunda parte a contrarreloj.

Y es que tras la primera grata sorpresa que te da ‘Fatum’ llega otra más, en cuanto a la deriva que va tomando. Llega un momento en el que parece que tendremos una especie de ‘John Q’ pero también nos vuelven a sorprender. El protagonismo (con permiso del buen hacer de Elena Anaya) recae en los personajes de Luis Tosar y Álex García y entre ellos se da un duelo interpretativo centrado en un dilema moral muy fuerte y muy bien manejado, tanto en el papel como delante de la cámara. En el caso de Tosar el cambio es el más acentuado ya que, por lo menos yo, vengo de verle interpretar a un desvivido abogado en ‘En los márgenes’ para verle convertido en una persona pusilánime y rabiosa de venganza.

La película además de tener su parte de acción y de emoción abre unos cuántos debates. El primero es más evidente y es un palo a las cada vez más presentes casas de apuestas que corrompen a aquellos propensos a vicios o desesperados por un botín fácil cuya angustia e impaciencia impiden ver que nunca es fácil. El otro es mejor que no lo comente hasta pasado su estreno por eso de no incurrir en spoilers. Pero si puedo comentar que tiene que ver sobre las prioridades de un padre de familia y las consecuencias de sus actos.

La acción del filme está muy bien rodada, sobre todo en su parte inicial que es donde pide un resultado más trepidante. Las calles de A Coruña sirven bien de escenario para una película que va a momentos extremos, a líneas que no se deben cruzar. Y si algo demuestra Galiñanes es que situaciones límite y padres desesperanzados hay en todas partes, no hay que irse a un Nueva York o un Madrid para encontrarse con historias de película.

Imagino que el título de ‘Fatum’ hace referencia a los hados del destino, dueños de la vida y la muerte de tantos protagonistas clásicos. Un destino que siempre se cruza y muchas veces resulta casualmente inverosímil, pero que termina siendo útilmente aleccionador. En este caso, con el plano final, es muy muy emotivo gracias a que hace alusión a unos héroes por siempre ausentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Fatum. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Juan Galiñanes. Guion: Juan Galiñanes, Alberto Marini. Música: Manuel Riveiro. Fotografía: Álex de Pablo. Reparto principal: Luis Tosar, Álex García, Arón Piper, Elena Anaya, Luisa Mayol, Pepa García, Ethan Álvarez, Valentina Quiza, Derek León. Producción: Vaca Films, Playtime Audiovisuales, RTVE, Televisión de Galicia (TVG), Amazon Prime Video. Distribución: Universal Pictures. Género: acción, suspense. Web oficial: https://www.vacafilms.com/fatum/

Crítica: ‘Harka’

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Ali, un joven tunecino que sueña con una vida mejor, lleva una vida solitaria vendiendo gasolina de contrabando en el mercado negro. Tras la muerte repentina de su padre, se ve obligado a cuidar de sus dos hermanas pequeñas y se enfrenta a un desahucio inminente. Ali tendrá que tomar una decisión sin vuelta atrás. Lo que ocurrirá después será una lucha por la dignidad, la voz de una generación que pugna por ser escuchada.

Crítica

Harka, un golpe de realidad

Inspirada en Mohamed Bouazizi, llega ‘Harka’ a nuestras salas de cine. Una historia dura y triste que nos muestra la realidad de muchas personas. En este caso conocemos a Ali, un muchacho que vende gasolina de contrabando que a base de sobornos a la policía puede ganar algo de dinero para intentar sacar adelante su plan de marcharse de Túnez y vivir una “maravillosa” vida en Europa. Pero todo se tuerce al morir su padre y tener que quedarse a cargo de sus dos hermanas.

‘Harka’ nos cuenta el cómo de la desesperación de una persona surgió la Primavera Árabe, de como esta persona se convirtió en un símbolo que ni él mismo pretendía.

La película dirigida por Lofty Nathan, nos muestra las distintas fases que llega a pasar nuestro protagonista. La ilusión de tener una meta para poder marcharse y prosperar en su vida. La desilusión al tener que quedarse y hacerse cargo de su familia. Y a partir de este momento la desesperación al no encontrar una manera honrada de vivir.

Adam Bessa (‘Tyler Rake’) está impresionante en su papel. Un chico normal que simplemente quiere ser feliz y vivir. Le vemos con ataques de ansiedad, de ira y tristeza. Todo ello lo muestra con silencios y con el movimiento del cuerpo. La manera de tensarse y como cada vez le vemos más encogido es su manera de expresar ese dolor e indignación por no entender su situación.

La película está rodada en Túnez, en el mismo barrio en el que todo sucedió, para así adentrarnos de una manera más realista en toda esta historia. Vemos las diferentes vidas de sus ciudadanos. Pobres todos, unos adaptados a esa realidad que tienen, otros frustrados por no poder salir de esa pobreza que no comprenden. Una manera de vivir difícil que les ha tocado por el simple echo de haber nacido allí.

Una triste realidad de muchas personas, que aunque se centre en la historia de este tunezino, es algo que ocurre en mcuhos lugares del planeta, en donde la pobreza simplemente se ignora. La escena final de la cinta es tristemente cierta, no voy a contarla, por mucho que os conozcáis la historia, pero la metáfora de ver como la sociedad hace que una persona pobre se vuelva invisible es terrorífica.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Harka. Duración: 90 min. País: Francia. Dirección: Lotfy Nathan. Guion: Lotfy Nathan. Música: Eli Keszler. Fotografía: Maximilian Pittner. Reparto principal: Adam Bessa, Najib Allagui, Salima Maatoug, Ikbal Harbi, Khaled Brahem. Producción: Cinenovo, Kodiak Pictures, Beachside Films. Distribución: Festival Films. Género: drama. Web oficial: https://www.hakkadistribution.com/hakka-film/harka/

Crítica: ‘Plan 75’

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En Japón, en un futuro cercano, el envejecimiento de la población se acelera. El gobierno estima que, a partir de cierta edad, los mayores se convierten en una carga inútil para la sociedad e implementa el «Plan 75». Dicho programa propone a los ancianos un acompañamiento logístico y financiero para poner fin a su vida. Una anciana cuyos medios de subsistencia se están desvaneciendo, un pragmático vendedor del Plan 75 y un joven trabajador filipino se enfrentan a la toma de decisión entre la vida y la muerte.

Crítica

Desvela desde la distopía esperpéntica una incapacidad inhumana de encontrar soluciones y de ponerse en el lugar de otros

En la segunda temporada de ‘Historias para no dormir’ hubo una historia de Salvador Calvo bastante cyberpunk protagonizada por Petra Martínez, Javier Gutiérrez y Ramón Barea que nos hablaba de cómo la sociedad condena al ostracismo e incluso al abandono y desprecio a los mayores, pero yendo aún más allá reflexionaba sobre cómo nosotros mismos nos condenamos a esos márgenes al vernos en el espejo con arrugas. Ahora, con los ecos de las protestas en Francia por la subida de la edad de jubilación, llega a cines la película japonesa ‘Plan 75’ que nos vuelve a hacer reflexionar sobre qué decisiones tomamos hoy en día que pueden afectarnos en nuestro futuro. ¿Somos tan egoístas incluso para ver que algún día la vejez también se adueñará de nosotros?

‘Plan 75’ está dirigida y escrita por Chie Hayakawa que se estrena con su primer largo en solitario. Consiguió una nada menospreciable mención especial en Cannes y diciendo aún más, fue elegida para representar en los Oscars a Japón. Plantea una idea gubernamental aún más controvertida que la Ley Orgánica de Regulación de la Eutanasia en España o cualquier esperpéntica subida de edad de jubilación que nos podamos plantear. El cine a veces se va a extremos que son capaces de sembrar la alarma de manera más eficiente y que por desgracia en ocasiones son premonitorios. Este podría ser muy acertadamente uno de esos casos pues en esta ocasión la ocurrencia del ficticio gobierno japonés es el establecer una ley que permite la eutanasia voluntaria para así eliminar individuos que ya no son fructíferos para los intereses de la nación. Parece que aplican el dicho de Spock que rezaba que “la necesidad de la mayoría pesa más que la necesidad de unos pocos” pero se antoja excesivamente descabellado, aunque no por ello inverosímil.

‘Plan 75’ desvela desde la distopía una incapacidad inhumana de encontrar soluciones y de ponerse en el lugar de otros. Nadie es culpable de hacerse anciano. La trama sigue un patrón meditabundo y con sutiles señales va cavilando sobre esta cuestión que en España empieza a ser preocupante, la proporción de la tercera edad frente a la de población en edad de trabajar. Es por ello que es vital que este estreno haya llegado a nuestras fronteras.

La veterana Chieko Baisho es una de las protagonistas de la cinta. Quizá no os suene, pero ha aparecido en más de cien títulos y como poco la habéis oído pues ha prestado su voz a personajes de ‘El castillo ambulante’ o ‘El tiempo contigo’. De los tres personajes que hilan la historia se alza como la protagonista y hay un plano de ella que me parece muy revelador. Me refiero en el que la vemos asomada en un balcón en silencio mirando a la negrura del vacío y apoyándose con desgana en la barandilla. Una especie de metáfora sobre el escaso futuro que se nos ofrece como ancianos.

Si decidimos quitarnos, la vida se llama suicidio, si se la arrebatas a alguien es un asesinato y si dejamos que alguien nos la quite es eutanasia. Realmente de lo que habla esta película es de dejarse morir como nación o de escoger, cómo paliamos esa muerte, cómo la hacemos más rentable. Es indudable que el desprecio hacia los ancianos es solo parte de la ficción de la película, pero es inevitable acordarse de las residencias madrileñas durante 2020. Aunque ahora solo se piense en cómo ahorrarnos pensiones, ‘Plan 75’ deja un rayo de esperanza en su cierre.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de abril de 2023. Título original: Plan 75. Duración: 105 min. País: Japón. Dirección: Chie Hayakawa. Guion: Chie Hayakawa. Música: Rémi Boubal. Fotografía: Hideho Urata. Reparto principal: Chieko Baisho, Hayato Isomura, Stefanie Arianne, Yumi Kawai, Taka Takao, Hisako Ôkata, Kazuyoshi Kushida, Yûsaku Mori, Yôko Yano, Mari Nakayama, Motomi Makiguchi, Koshirô Asami, Hiroaki Kawatsure. Producción: Dongyu Club, Fusee, Happinet Phantom Studios, Loaded Films, Urban Factory, WOWOW. Distribución: ADSO Films. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: https://plan75.es/

Crítica: ‘20.000 especies de abejas’

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Cocó (Sofía Otero), de ocho años, no encaja en las expectativas del resto y no entiende por qué. Todos a su alrededor insisten en llamarle Aitor pero no se reconoce en ese nombre ni en la mirada de los demás.

Su madre Ane, (Patricia López Arnaiz), sumida en una crisis profesional y sentimental, aprovechará las vacaciones para viajar con sus tres hijos a la casa materna, donde reside su madre Lita (Itziar Lazkano) y su tía Lourdes (Ane Gabarain), estrechamente ligada a la cría de abejas y la producción de miel.

Este verano que cambiará sus vidas obligará a estas mujeres de tres generaciones muy distintas a enfrentarse a sus dudas y temores. Y, sobre todo, a Ane a ser por fin honesta consigo misma.

Crítica

Llena de miedo y confusión, sin embargo, parece hecha con valor y decisión

La primera película largometraje de Estíbaliz Urresola Solaguren viene con dos banderas como divisa. La primera de ellas es el premio conseguido en la última edición del Festival de Berlín y el reconocimiento también recibido en Málaga. La segunda es un discurso sobre la identidad de género que llega en un momento convulso ahora que se acercan elecciones y una de las armas que esgrimirán los partidos es la Ley trans. La familia, la infancia o la personalidad son los temas centrales que a priori se ponen sobre la mesa o salen a la luz con más facilidad. Pero hay otros factores que se pueden leer entre líneas y que hacen de ‘20.000 especies de abejas’ una película valiosa.

La gran interpretación de Patricia López Arnaiz nos muestra como esto va de las dificultades que tiene una madre de nuestra actualidad que además de tener que lidiar con sus contrariedades profesionales y sentimentales se ha de enfrentar a la crianza de sus hijos. Y para más inri a uno de ellos parece que le ha entrado la edad del pavo antes de tiempo y no logra entender qué pasa por su cabeza. Por otro lado el papelón que asume Sofía Otero a tan tierna edad es apabullante. Lleva con absoluta naturalidad un personaje que no se reconoce a sí mismo y que se refugia en una tía que sin decírselo es la única que entiende lo que le sucede. Ambas actrices harán que muchos padres se replanteen la situación con sus hijos.

Los que están siendo ahora padres pertenecen a una quinta de la que formo parte y que por lo general o por suerte, nos ha venido casi todo hecho o por lo menos con fácil acceso a cualquier recurso. Sumidos en el consumismo o la superficialidad de las redes sociales la mayoría de miembros adultos que integran nuestra sociedad no han empleado tiempo o descubierto el valor de aprender a conocerse a sí mismos. Más allá del tema de la transexualidad la película abarca esta tara que tenemos como generación y que ha hecho que la psicología sea una profesión en boga.

Pero sobre todo para mí el principal tema de la película es la vergüenza. A través de las distintas mujeres del filme se expone el rubor a mostrar el cuerpo con el que se nace, el miedo a ser rechazado por lo que uno siente ser, el bochorno a mostrar en sociedad que tu familia está dividida o rota, la falta de pundonor al ver que en el trabajo no te va bien, sonrojo por no poder seguir los pasos de tu padre y mentor… Todo esto nos habla también de un enfrentamiento contra las tradiciones y de un concepto distinto de la fe. Inmersa en ese mundo de costumbres nos ofrece un paralelismo con la escultura a través del cual nos cuenta que nos vamos moldeando, que hoy en día podemos ser lo que queramos ser.

Lo de ‘20.000 especies de abejas’ es la historia de un verano transformador. Está llena de miedo, confusión y enfrentamiento con la realidad y sin embargo parece hecha con valor y decisión. Anima a hacer frente a los problemas que tenemos delante y a los cuales no les queremos poner nombre. Como dicen aquí y también en otra producción vasca como es ‘Irati’, “lo que no tiene nombre no existe”.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de abril de 2023. Título original: 20.000 especies de abejas. Duración: 129 min. País: España. Dirección: Estibaliz Urresola Solaguren. Guion: Estibaliz Urresola Solaguren. Música: Fotografía: Gina Ferrer. Reparto principal: Sofía Otero, Patricia López Arnaiz, Ane Gabaraín, Itziar Lazkano, Martxelo Rubio, Sara Cózar, Miguel Garcés, Unax Hayden, Andere Garabieta. Producción: Gariza Films, Inicia Films, ETB, ICAA, Movistar Plus+, RTVE. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.iniciafilms.com/20-000-especies-de-abejas/

Crítica: ‘Posesión infernal: El despertar’

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‘Posesión infernal: El despertar’ se traslada fuera del bosque y se interna en la ciudad. Cuenta la intrincada historia de dos hermanas separadas, interpretadas por Sutherland y Sullivan, cuyo reencuentro se ve interrumpido por la aparición de demonios que poseen carne y que las empujan a librar una primitiva batalla por la supervivencia mientras se enfrentan a la versión de familia más pesadillesca que podamos imaginar.

Crítica

Si esto apunta a evento final, bien, si no, una más

Sucedió en los ochenta que un cineasta llamado a Sam Raimi con un actor llamado Bruce Campbell (nombres ahora harto conocidos) hicieron una película de terror ambientada en una cabaña perdida en medio de un bosque. Sucedió que la película no funcionó y años después decidieron hacer un remake versionándose y parodiándose a sí mismos. No son los primeros ni los últimos que han hecho esto, ahí está Alfred Hitchcock con ‘El hombre que sabía demasiado’ o Haneke con sus ‘Funny Games’. Pero quizá si es la ocasión con mayor éxito y no cabe duda de que aquella idea, que en su segundo intento fue toda una sensación y se convirtió en un género de culto, llevó al éxito a las dos personas que he citado antes. Esto si es autocrítica y visión comercial, no lo de Tommy Wiseau. En 2013, Fede Álvarez, un cineasta afincado en el terror, aceptó la tarea de hacer un remake o secuela espiritual, ahora sí, con un resultado terroríficamente bueno. La película que retomó la franquicia levantó susceptibilidades, pero gracias a su calidad visual, a sus truculentas escenas y al respeto por las líneas principales del guión original se ganó aplausos y el mérito de tener esta nueva parte de la que hablamos ahora.

El autor de ‘El bosque maldito’, Lee Cronin, es el encargado de dirigir y escribir esta nueva entrega que más que precuela o secuela habría que decir está dentro del universo de los anteriores títulos. Tanto la trama como los ingredientes que tiene cuadran con lo que nos ha venido dando ‘Evil Dead’ hasta ahora. Motosierra, litros de sangre propios de un récord, endemoniados diciendo groserías y por supuesto el libro de los muertos. Como siempre también tenemos un reparto sin grandes estrellas, el nombre más conocido es el de Alyssa Sutherland, conocida por ‘Vikingos’, que es la que tiene la mejor y más complicada interpretación, con permiso de Lily Sullivan cuya escena final me ha hecho recordar a Leticia Dolera en ‘[REC] 3’.

‘Posesión infernal: el despertar’ decepciona si buscas los planos de Raimi o si buscas más expansión del mundo demoniaco o de todo lo que rodea al Necronomicón. Si no fuese porque el detonante son como siempre las palabras malditas de invocación esta película podría llamarse ‘Mamá está poseída’, ‘Edificio infernal’ o llevar cualquier otro título tópico. Ya que Raimi y Campbell figuran como productores ejecutivos cabe la posibilidad de que se haga una entrega en la que confluyan todos los libros brujeriles uniendo definitivamente todas las ‘Evil Dead’. Por lo que cuentan muy de soslayo en ‘Posesión infernal: el despertar’ podría ser. Pero hasta entonces están siendo películas de terror bastante convencionales.

Álvarez no lograba alcanzar la narrativa tan efectiva de Raimi con sus planos y sus trucos de cámara, pero establecía un lenguaje propio muy potente. En esta ocasión salimos de la película entretenidos con toda la retahíla de salvajadas sanguinolentas pero con la sensación de haber visto algo que técnicamente es inferior. Aun así, Cronin usa bien los planos tomados con gran angular y aprovecha las tecnologías actuales, como los drones para realizar el vuelo del demonio que es marca de la casa. Homenaje a Raimi es el haber usado lentes casi iguales para rodar el filme y a Kubrick el detalle del ascensor. Y como curiosidad, el guión puede aludir a otra obra de Raimi como es ‘Doctor Extraño en el multiverso de la locura’ ya que tenemos una madre pelirroja que se corrompe con un libro maldito y acaba aterrorizando y poniendo en peligro a sus hijos.

Algo que no logro a entender por qué lo están introduciendo es el hecho de que las protagonistas luchen contra demonios interiores. En la película de 2013 hablábamos de una yonqui obligada a desintoxicarse y en esta tenemos a una mujer que se debate ante una posible maternidad. Son elementos que no aportan nada ni a la trama ni a la evolución de los personajes y parece que simplemente están injertados con cierta vergüenza para que esta no parezca una película más de sangre y sustos. Lo que sí que está lograda es la manera en cómo irrumpe en la vida de esta familia el Necronomicón y el cómo se quedan aislados aun transcurriendo la acción en Los Ángeles, por primera vez en una urbe alejada de los bosques aunque sin perder esa conexión. También es reseñable que esta sea la entrega con más personajes y eso la haga un poco más vertiginosa y llena de muertes.

Hay detalles que denotan un ligerísimo esfuerzo por ser algo originales. Pero si como decía esto es simplemente rehacer una historia sin expandir el universo original y no llegamos a tener una película o evento que conecte todo con cierta coherencia (a lo ‘Glass’), en el futuro hablaremos de meros episodios que quizá habría que haber publicado en streaming como estaba originalmente planificado.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de abril de 2023. Título original: Evil Dead Rise. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Lee Cronin. Guion: Lee Cronin. Música: Stephen McKeon. Fotografía: Dave Garbett. Reparto principal: Alyssa Sutherland, Lily Sullivan, Morgan Davies, Nell Fisher, Gabrielle Echols, Jayden Daniels, Billy Reynolds-McCarthy, Tai Wano, Anna-Maree Thomas, Mirabai Pease, Richard Crouchley. Producción: Ghost House Pictures, New Line Cinema, Warner Bros., Wild Atlantic Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terror. Web oficial: https://www.evildeadrisemovie.net/

Crítica: ‘Vida y muerte en un almacén’

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Megan, de 29 años, tiene un gran trabajo como gerente en la industria de la logística. Allí trabaja Alys, su amiga de la infancia, que está embarazada. Si quiere mantener su trabajo, Megan debe llevar a su equipo al límite de la resistencia humana, con resultados devastadores.

Crítica

Podría parecer ciencia ficción pero es una bofetada de realidad

‘Vida y muerte en un almacén’ es una película que apenas dura una hora pero a la que le sobran argumentos para concienciarnos en tan breve metraje de hacia dónde vamos como la sociedad consumista que somos hoy en día, dominada por las grandes corporaciones y empresas bajo un prisma de recesión dónde la búsqueda de trabajo se hace muy complicada en según qué zonas.

Nos encontramos en este caso con cine de denuncia en forma de drama donde Aimee-Ffion Edwards encarna a Megan, una nueva supervisora que se incorpora a un gran centro logístico de distribución de compras online. Pronto descubrirá que desempeñar su trabajo no será tarea fácil y tendrá que lidiar con su nuevo equipo para subir las cifras y la forma “corporativa” que tienen sus jefes y compañeros de tratar según qué problemas.

‘Vida y muerte en un almacén’ es una película que consigue crear la angustia del que ve una película de ciencia ficción sobre un futuro distópico, con ese componente de deshumanización que se ve reflejado en la empresa donde Megan intenta adaptarse y no perder su trabajo.

La necesidad de conservar el trabajo para sobrevivir más que vivir es uno de los pilares donde Helen Black y Joseph Bullman (guionistas) centran el conflicto, tanto por parte de los explotados empleados del almacén como de Megan. Por otro lado está Poppy Lee Friar que da vida a Alys, la antigua amiga de Megan que por circunstancias especiales, tiene una bajada de rendimiento que va a ser el detonante de este drama social.

Las dos actrices están fantásticas en su papel y nos sumergen aún más en el drama que se está contando, siendo secundados por el resto del elenco que está al nivel. Quiero hacer mención también a la banda sonora que acompaña perfectamente a todo lo que se está narrando.

‘Vida y muerte en un almacén’ pese a su corta duración nos ofrece muchas reflexiones:

Nos muestra la deshumanización de los supervisores y jefes en aras de cumplir los objetivos analizando y controlando hasta la exageración las estadísticas y el tiempo libre de cada empleado, llegando a causar la total y absoluta falta de empatía en los superiores, exprimiendo a los subordinados como si fueran máquinas a las que exigir mejores resultados sin tener en cuenta una enfermedad, o un estado de salud que requiera condiciones especiales.

El miedo bajo amenazas veladas a ser despedido que flota en el aire si los trabajadores no se ajustan a lo que le conviene más a la empresa. Lo vemos en el personaje de Megan, que se siente presionado a hacer ciertas cosas que no quiere hacer, a ser alguien que no quiere ser.

Una crítica hacia la falta de condiciones laborales que eviten la indefensión de los trabajadores por parte de las grandes empresas. A la falta de sentimientos hasta tal punto de que nos parecen robots, sobre todo los jefes (en pos de un rendimiento superior cada vez más esclavista). Me recordó por momentos a la novela ‘1984’ de George Orwell, que se hace presente con cámaras para cronometrar tiempos de conversación y otras actividades de los empleados. Desde luego quien vea o comente esta película va a decir mucho eso de “podría haber sido un capítulo de ‘Black Mirror’ o similares”.

Una bofetada de realidad en cuanto a las condiciones de trabajo que se pueden llegar a dar y se dan, y al consumismo de las compras por internet de la sociedad actual. Un guión que está basado en cientos de hechos reales recogidos en el Reino Unido, del que ya os hablábamos aquí. Una película necesaria, otra joyita que podemos encontrar en Filmin.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de abril de 2023. Título original: Life and Death in the Warehouse. Duración: 59 min. País: Reino Unido. Dirección: Aysha Rafaele, Joseph Bullman. Guion: Helen Black, Joseph Bullman. Música: Roger Goula Sarda. Reparto principal: Aimee-Ffion Edwards, Poppy Lee Friar, Craig Parkinson, Aled ap Steffan, Sion Daniel Young, Alexandria Riley, Kimberley Nixon, Natalia Kostrzewa, Maja Laskowska, Elizabeth McCafferty, Jâms Thomas, Darren Evans. Producción: BBBC Drama Productions. Distribución: Filmin. Género: drama, hechos reales. Web oficial: Filmin.

Crítica: ‘Los Tres Mosqueteros: D’Artagnan’

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D’Artagnan (François Civil) un intrépido joven, es dado por muerto tras intentar salvar a una joven de ser secuestrada. Cuando llega a París, intenta por todos los medios encontrar a sus agresores. Sin embargo, ignora que su búsqueda le llevará al corazón de una guerra en la que está en juego el futuro de Francia.

Juntamente con Athos (Vincent Cassel), Porthos (Pio Marmaï) y Aramis (Romain Duris), tres valientes mosqueteros del rey (Louis Garrel), D’Artagnan se enfrenta a las oscuras maquinaciones del cardenal Richelieu. No obstante, es cuando se enamora perdidamente de Constance Bonacieux (Lyna Khoudri), la confidente de la reina (Vicky Krieps), cuando D’Artagnan se pondrá realmente en peligro. Pues esta pasión le llevará tras la pista de quien se convertirá en su gran enemiga: Milady de Winter (Eva Green).

Crítica

Una visión tan oscura y ambiciosa como fiel de la obra de Dumas

Los cuentos de los hermanos Grimm, los textos bíblicos, las andanzas de Sherlock Holmes, las obras de Shakesperare… Son las obras escritas más adaptadas al cine y televisión. Pero no se quedan cortas las líneas de Alejandro Dumas pues son muchísimas las adaptaciones que se han hecho de los tres mosqueteros. Tenemos nueva película sobre esta compañía de espadachines, esta vez en formato doble.

Si hacemos recapitulación podemos decir que destaca como icónica la película de George Sidney (1948) y que una de las más populares es la de Randall Wallace con Leonardo DiCaprio, Jeremy Irons, John Malkovich y Gérard Depardieu, que era realmente una adaptación menos estricta pues en general estaba más centrada la tercera parte de las novelas de Dumas que es donde se toca al hombre de la máscara de hierro. Entrañable la de Stephen Herek y olvidable la de Paul W.S. Anderson, como siempre en tándem con Milla Jovovich, haciendo de Milady de Winter. No olvidemos que hay versión Disney y siempre hay que reivindicar la mítica serie de BRB y Nippon, ‘Los Mosqueperros’.

En rasgos generales podríamos decir que estamos ante una de muchas adaptaciones de la novela de Alejandro Dumas. Pero en esta ocasión se tiene como claro referente las películas modernas de aventuras y el personaje real de Charles de Batz-Castelmore. Esta es la primera producción francesa de esta mítica novela que se hace desde 1961 y ha querido centrarse en D’Artagnan más que en el trío de veteranos soldados. En él y en su relación con Constance y Milady. Decía que es película doble pues esta es la primera parte de dos, la segunda tendrá a Milady como tagline. Un proyecto ambicioso el del director Martin Bourboulon que culminará con la película que protagoniza Eva Green como Milady de Winter y que se estrena el último trimestre de este 2023 pues han sido rodadas de seguido. De este modo, como en la novela, seguiremos los pasos del honorable personaje de D’Artagnan y de la espía traicionera y maquiavélica.

Honor, duelos, romance, conspiraciones… están todos los factores que nos hacen viajar a la Francia del siglo XVII. Un país dividido en su seno, al borde de una guerra más. Martin Bourboulon director de ‘Eiffel’ y las dos entregas francesas de las comedias ‘Papá o Mamá’ deja a mínimos el humor y mantiene el romanticismo en una versión que se antoja más oscura y sucia que cualquiera de sus predecesoras. Es como si el director hubiese querido remarcar que aunque Dumas nos pinta esta época como un momento para el honor y la gloria, no deja de ser un tiempo de maquinaciones, enfermedades y muerte. Pero no por ello pierde el alma de la novela original y tanto la historia como los personajes están altamente respetados, convirtiendo este en un gran viaje a la época de Luis XIII (muy bien caracterizado con Louis Garrel). Aporta mucho al sentido de la aventura, el suspense o la épica la gran banda sonora de Guillaume Roussel. Una composición que en algunos compases recuerda al Caballero Oscuro de Hans Zimmer con sus trombones y sus tictacs a base de cuerdas, al fin y al cabo ha trabajado con él.

La mayoría de las veces, aunque sea el personaje principal, D’Artagnan es el menos carismático e incluso comparte todo el protagonismo. En esta ocasión le interpreta François Civil y sí está en el centro de todo. No obstante se ha procurado talento para interpretar a los tres mosqueteros. Son Vincent Cassel (Athos), Pio Marmaï (Porthos) y Romain Duris (Aramis). Parto con sesgo y poca objetividad pues Duris (‘Corten!’, ‘Vernon Subutex’, ‘Esperando a Mister Bojangles’) se encuentra entre mis actores preferidos dentro del panorama francés actual, junto con Denis Ménochet. Pero de todos ellos el que tiene más peso en la película es también el que tiene más caché y para el que la novela también da un poco más de espacio. Muy bien interpretado Athos por Vincent Cassel. Nos faltan a la cita esos camaradas que tienen en común el amor por su patria y por su rey y que en el fondo conservan diferencias ya que uno es más pendenciero, otro es un ligón, otro está atormentado por los fantasmas del pasado…

Dado que nos devuelve estupendamente al cine de heroísmo y esgrima aguardaré con sumo gusto a la continuación y conclusión con ‘Los Tres Mosqueteros: Milady’. Sobre todo porque sabemos que está realizada y que no terminará cancelándose cual estreno de Netflix. Además en Francia ya ha cosechado más de un millón de espectadores en una sola semana.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de abril de 2023. Título original: Les Trois Mousquetaires: D’Artagnan. Duración: 121 min. País: Francia, Alemania, España. Dirección: Martin Bourboulon. Guion: Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière. Música: Guillaume Roussel. Fotografía: Nicolas Bolduc. Reparto principal: François Civil, Eva Green, Vincent Cassel, Romain Duris, Pio Marmai, Vicky Krieps, Louis Garrel, Lyna Khoudri, Jacob Fortune-Lloyd, Oliver Jackson-Cohen. Producción: Pathé, Chapter 2, Constantin Film, M6 Films, ZDF, DeAPlaneta. Distribución: DeAPlaneta. Género: aventuras, adaptación. Web oficial: https://www.pathefilms.com/film/lestroismousquetaires-dartagnan

Crítica: ‘Renfield’

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El mal no sería eterno sin un poco de ayuda.

En este moderno y monstruoso relato sobre el fiel ayudante de Drácula, Nicholas Hoult (‘Mad Max: Furia en la carretera’, la saga ‘X-Men’) encarna a Renfield, el torturado asistente del vampiro más narcisista de la historia, interpretado por el ganador de un Oscar® Nicolas Cage. Renfield se ve obligado a procurarle víctimas a su amo y hacer todo aquello que este le ordene, por inmoral que sea. Pero ahora, tras siglos de servidumbre, Renfield está listo para descubrir si hay vida lejos de la alargada sombra del Príncipe de las Tinieblas. ¿El problema? Que no sabe cómo romper esa relación de dependencia.

Crítica

Festival de sangre y acción con un tremendo Nicolas Cage

Por fin llega este viernes 14 de abril la nueva cinta de Nicolas Cage, ‘Renfield’, con la que sin duda disfrutaréis si vais sin mayor expectativa que ver un espectáculo sangriento y divertido.

‘Renfield’ nos presenta al torturado familiar del Conde Drácula. Un joven agente inmobiliario que decide dejar todo por servir a ese ser monstruoso. Pero después de un terrible suceso que deja a su amo bastante perjudicado de salud, Renfield tiene que encargarse de demasiadas cosas y comienza a verse en una relación demasiado complicada de la que quiere salir.

Chris McKay, director de ‘La guerra del mañana’, nos trae una comedia muy dinámica con mucha acción y sangre. Guionizada por Ryan Ridley (‘Ricky Morty’, ‘Invencible’) y por Robert Kirkman (‘The Walking Dead’, ‘Invencible’) podéis imaginaros por donde va a ir la historia. Eso si, dentro de todo el humor y sarcasmo que nos dan siempre hay un poco de humanidad en todas sus historias.

‘Renfield’, habla de las relaciones tóxicas, de una manera graciosa y simple. Es gracioso ver a nuestro protagonista yendo a sesiones de autoayuda intentando entender la complicada situación a la que lleva enfrentándose tantos años. Drácula le tiene absorbido totalmente y no solo en el sentido vampírico, sino que él desea ser independiente y tener una vida.

Como he comentado, el guion es muy divertido y ameno. Todo ello con unas escenas de acción muy divertidas, eso si os gusta ver como se cortan miembros y brotan inmensas cantidades de sangre por todos lados. Me ha parecido un festival para cualquier persona a la que le guste el género o la serie B actual.

En el reparto encontramos a Nicholas Hoult como Renfield, admito que me gusta mucho este actor y ya me demostró en la serie ‘The Great’ que tiene una vis cómica increíble. Como compañera de pantalla y plantando cara a los malos encontramos a Awkwafina, que interpreta a una policía de tráfico justiciera que no va a parar hasta detener el caos en su ciudad, como curiosidad, supongo que han querido hacer un pequeño homenaje al personaje real de la novela Quency Morris, que ayudó a terminar con la vida del Conde, pues el personaje de la actriz se llaman Rebecca Quency. Me ha encantado Ben Schwartz, la voz de Sonic en el live action, con un personaje muy delirante.

Y bueno, por supuesto, Nicolas Cage disfrutando de su trabajo. Interpretar al Conde Drácula, era uno de sus deseos y por fin lo ha conseguido. Un Drácula que bebe directo de la película de Béla Lugosi de 1931, de la que nos recrean escenas exactas y muy bien realizadas. Eso sí, supongo que en esa época no tendrían tanto dinero para darnos el festín de muerte que causa el personaje de Cage.

Técnicamente hablando de la cinta, es normalita, con mucho neón durante las escenas nocturnas y mucho color pastel durante la transformación de Renfield en una persona normal. En cuando al maquillaje me ha parecido bastante bueno, hay una escena en la que vemos a Nicolas Cage con un montón de protésicos y la verdad que están muy bien realizados, sobre todo las venas.

‘Renfield’, es una película con la única pretensión de que disfrutemos de una buena comedia de terror y que por supuesto, salgamos de nuestras relaciones tóxicas… si las tenemos.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de abril de 2023. Título original: Renfield. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Chris McKay. Guion: Robert Kirkman, Ryan Ridley. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Mitchell Amundsen. Reparto principal: Nicholas Hoult, Nicolas Cage, Awkwafina, Ben Schwartz, Adrian Martinez, Ahmed Zakzouk, Shohreh Aghdashloo, Bess Rous, Brandon Scott Jones, Jenna Kanell, Caroline Williams, William Ragsdale, Derek Russo. Producción: Universal Pictures, Skybound Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, terror, acción. Web oficial: https://www.instagram.com/renfieldmovie/

Crítica: ‘En temporada baja’

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La película retrata la vida de cuatro hombres que están en temporada baja y por razones económicas se ven obligados a vivir en un camping. La camaradería entre ellos les ayudará a superar su peculiar forma de ver la vida. Mientras sus «ex» pasan por un buen momento.

Crítica

Las comedias de David Marqués son para ponerlas en temporada alta

David Marqués continúa con su cine cómico arraigado en personajes que han tocado fondo. Escribió ‘Campeones’ junto a Fesser y convirtió a Javier Gutiérrez en un entrenador de la ACB castigado por sus negligencias y soberbias y hace poco nos invitó a ir de cañas con ‘El club del paro’. Ahora toca hablar de un grupo de cuatro hombres que por distintos motivos han dado con sus penas en un camping baratucho. Ellos llevan la cara de Edu Soto, Antonio Resines, Fele Martínez y Coque Malla. Un casting variopinto, con muchas diferencias entre sí que se antoja ideal para una especie de buddy movie a cuatro bandas.

Un representante de futbolistas un tanto capcioso venido a menos, un policía separado de una pareja (Ana Milán) que pasa página, un periodista con su carrera profesional parada por su supuesta integridad moral y un… la profesión del cuarto es un running gag que no voy a destripar. El caso es que acaban conviviendo en un camping de bungalows. La vida de camping, es vida que se desarrolla en un tipo de comunidad que muchas veces transciende a lo que sucede más allá de sus lindes. El problema de los protagonistas de ‘En temporada baja’ es que acaban allí forzosamente. El hilo conductor de la película son los personajes de Edu Soto y Antonio Resines. Seguimos a uno en sus intentos por llenar de nuevo su ego y su cartera y al otro mientas procura recuperar al amor de su vida y para ello sus nuevos amigos han de “cuidar” de sus hijos. A los protagonistas de ‘En temporada baja’ no les queda otra que entenderse, aunque no se puedan fiar los unos de los otros.

A poco que uno haya visto algo realizado por David Marqués se dará cuenta de que hay elementos recurrentes. No solo el hecho de que repitan actores como Eric Francés o Sergio Olmos o que incluso consiga que vuelva a actuar Coque Malla en un largometraje, el cual, interpretó la canción de ‘Campeones’ o de ‘El club del paro’. También está el hecho de que siempre desarrolla un cine que se siente de barrio, cercano, a pie de calle. Es como si escribiese los guiones palillo en boca y codo en barra de bar. Esa cercanía con nuestra cotidianidad transmite honestidad pero sobre todo comicidad pues cual monólogo explota el día a día, nuestras bajezas, estupideces y desgracias. Es un mérito elaborar una película de risas aun reconociendo cuan infelices somos, muy made in Spain.

En ‘En temporada baja’ vais a oír hablar de plantas carnívoras veganas o escuchar decir que la prensa deportiva es la nueva prensa del corazón. Vais a oír cantar a Coque Malla y a Edu Soto. Os encontraréis con niños visionando ‘Fist of Jesus’ pero no los escucharéis decir ni mu porque aquí los niños no tienen ni una línea de texto, hasta que aparecen en los créditos a lo ‘Juego de niños’. David Marqués cada vez va dando rienda suelta a un humor que poco a poco va ganando mala leche. Quizá para el espectador esta no sea la experiencia transformadora de mediana edad que viven los protagonistas. Pero sin duda quien pague una entrada para esta comedia va a reírse y por último a sorprenderse con el giro final del personaje de Fele Martínez, toda una lección de filosofía de vida.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de abril de 2023. Título original: En temporada baja. Duración: 93 min. País: España. Dirección: David Marqués. Guion: Javier Félix Echániz, Asier Guerricaechevarría, Jon Iriarte, David Marqués. Música: Vincent Barrière, Edu Soto. Fotografía: Guillem Oliver. Reparto principal: Antonio Resines, Edu Soto, Coque Malla, Fele Martínez, Ana Milán, Rosana Pastor, Vanesa Moreno, Nacho Fresneda, Sergio Olmos, Jaime Pujol, Marta Belenguer, Eric Francés, Héctor Montoliu, Rulo Pardo, Lorena López, María Almudéver. Producción: TV ON Producciones, Admirable Films, ÀPUNT MEDIA. Distribución: Begin Again Films. Género: comedia. Web oficial: https://beginagainfilms.es/en-temporada-baja/

Crítica: ‘Conspiración en el Cairo’

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En el primer día de clases en Al Azhar, la facultad de teología más importante de Egipto y epicentro del islam suní, el gran imán se derrumba y muere frente a sus alumnos. Esto desata una feroz batalla para ocupar su puesto. Adam, un humilde hijo de pescador que acaba de ingresar en la universidad, se ve envuelto en una implacable lucha de poder entre las élites religiosas y políticas del país.

Crítica

Las pasiones y ambiciones humanas dejando en paños menores a las doctrinas de la fe

Tarik Saleh ha realizado con ‘Conspiración en el Cairo’ una nueva obra de suspense político inspirada, según él, en las famosas novelas de John le Carré y en la mítica y ya adaptada obra de Umberto Eco, ‘El nombre de la rosa’. Investigaciones, confabulaciones, muertes, misterio, recelos, peligro… son ingredientes de esas narraciones que el director de origen egipcio ha sabido adoptar muy bien. De la Edad Media a la actualidad, de Europa a Egipto, de un monasterio a una facultad musulmana, del cristianismo al sunismo. Es una traslación que funciona y salvo por comparaciones con Sean Connery y Jean-Jacques Annaud, sale airosa.

Estamos ante una educación patriarcal que aún cree en el castigo físico, que impone el camino preestablecido por las tradiciones y caprichos familiares. Pero sobre todo se impone lo que Dios quiere, o lo que interpreta cada uno que quiere Dios. De nuevo las pasiones y ambiciones humanas dejan en paños menores a las doctrinas de la fe. Sin embargo, ante los errores y deseos del individuo Saleh quiere sacarnos de ese error que nos hace pensar que Allahu Akhbar significa «Dios es grande», cuando realmente significa «Dios es más grande». Una de las cosas que hacía ‘El nombre de la rosa’ era romper las malas interpretaciones y plasmar un choque de corrientes de pensamiento. ‘Conspiración en el Cairo’ se alza como un clamor por mostrar que Egipto está más cerca del siglo XXI que de la Edad Media. Es una visión del islam que busca distanciarse de la más conocida en occidente, la del terrorismo y las guerras fanáticas y territoriales. Eso es lo que se lee entre líneas y de manera inevitable dada la localización en que transcurre. No obstante ‘Conspiración en el Cairo’ no busca un blanqueamiento de imagen y radiografía una cultura que como muchas otras, incluida la nuestra, se mueve a través de maquinaciones en la sombra.

Hay sabor egipcio pero la producción es sueca. De ahí que ‘Conspiración en el Cairo’ fuese a representar al país nórdico en los Oscars. El director que reside allí en calidad de inmigrante tiene vetada la entrada en el país bajo amenaza de arresto pues en 2017 ya causó incomodidad con ‘El Cairo confidencial’ y fue incluido en las listas negras. Es por ello que la película está rodada en su mayoría en Turquía. Todo este truculento conflicto con las autoridades y las susceptibilidades de los islámicos está evidentemente reflejado en el largometraje. Pero está hecho con una marcada influencia y estilo noreuropeo. En este tipo de historias, que al fin y al cabo tienen tintes policíacos (como sabe bien Fares Fares tras su paso por ‘Los casos del departamento Q’), suele ser difícil mantener el interés. La tensión, la cadencia de giros de guión y la incorporación de nuevas pistas tiene que estar cuidada para que las dos horas de película se pasen rápido y ágilmente, como si fuésemos un Tarzán que avanza enganchándose de liana en liana evitando caerse. Como en el cine sueco, la flema pesa más que el ritmo y el espectáculo y si bien hay cierto misterio lo único que le reprocho es que se explaya demasiado y la trama tarda en avanzar a costa de hacer el mencionado retrato de la actualidad del país de los antiguos faraones.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de abril de 2023. Título original: Boy from Heaven. Duración: 126 min. País: Suecia, Francia, Finlandia. Dirección: Tarik Saleh. Guion: Tarik Saleh. Música: Krister Linder. Fotografía: Pierre Aïm. Reparto principal: Tawfeek Barhom, Fares Fares, Mohammad Bakri, Makram J. Khoury, Mehdi Dehbi, Moe Ayoub, Sherwan Haji, Ahmed Laissaoui. Producción: Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: suspense, drama. Web oficial: https://www.atmo.se/films/boy-from-heaven

Crítica: ‘Super Mario Bros. La película’

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Mientras trabajan en una avería subterránea, los fontaneros de Brooklyn, Mario (con voz en VO de Chris Pratt, de las sagas Jurassic World y La LEGO película) y su hermano Luigi (con voz en VO de Charlie Day, Colgados en Filadelfia), viajan por una misteriosa tubería hasta un nuevo mundo mágico. Pero, cuando los hermanos se separan, Mario deberá emprender una épica misión para encontrar a Luigi.

Con la ayuda del champiñón local Toad (con voz en VO de Keegan-Michael Key, El rey león) y unas cuantas nociones de combate de la guerrera líder del Reino Champiñón, la princesa Peach (Anya Taylor-Joy, Gambito de dama), Mario descubre todo el poder que alberga en su interior.

Crítica

Un viaje a la esencia del personaje bandera de Nintendo

Antes de empezar a comentaros mis impresiones sobre la nueva película de la franquicia Super Mario Bros. quiero decir, y que vaya por delante, que nunca he sido un gran fan de la misma, aunque debo reconocer que de todos sus juegos me sedujo Mario Kart, un juego tremendamente adictivo que me dejó muchas horas de diversión.

‘Super Mario Bros. La película’, ha sido un viaje a aquellos videojuegos de Nintendo que engancharon a los ahora adultos que empezaron a jugar a ellos de niños allá por la década de los 80, y han seguido y siguen enganchando por su jugabilidad a muchos niños hoy en día. El argumento era bastante básico, y consistía en que nuestro protagonista, Mario, tenía que salvar a la princesa Peach del malvado del juego: Bowser.

La película es básicamente igual pero con algunas diferencias como comprobareis los que la vayáis a ver. Un argumento simple que da lugar a un viaje al mundo ficticio de Champiñón donde Bowser tiene unos planes para reinar que resultan de lo más divertidos. La princesa Peach, por otro lado, es de armas tomar y defenderá su reino de la amenaza que se cierne sobre él con la ayuda de un inesperado invitado que no es otro que Mario. Digamos que Bowser, es el malo porque debe de haber un malo y debe haber unos héroes también (Mario, Peach, Toad, Donkey Kong, Luigi…) pero es un malvado con vis cómica que tiene algunos momentos realmente graciosos en el filme. Como decía Helen Mirren a propósito de su papel en la segunda entrega de ‘Shazam’, no hay malo que se crea malo de por sí, sino que tiene otras motivaciones, y las de Bowser son de lo más peculiar y de alguna forma edulcoradas pero divertidas, como lo es la película en general.

Técnicamente ‘Super Mario Bros. La película’ está realizada de forma notable, es una producción de animación con calidad en sus movimientos de cámara, tan dinámicos como en los juegos de la franquicia y todos sus escenarios nos recuerdan a la misma. Ni que decir tiene, que los más aficionados a los juegos de Super Mario la disfrutarán aún más si cabe. Sobra decir pero lo digo, que si no tenéis ni idea del mundo Mario Bros, pierde enteros porque es una película llena de referencias a sus videojuegos.

Salpicada de momentos de humor constantes y mucha acción, es una película para todos los públicos, recomendada para disfrutarla con los más peques de la casa aunque los mayores encontrarán en ella 92 minutos de buen entretenimiento. Yo al menos estuve con la media sonrisa dibujada en la boca durante gran parte de la proyección.

Sin olvidar lo que vamos a ver, ‘Super Mario Bros. La película’ es una producción sin más ambiciones que darnos una aventura de lo más entretenida, con todos los elementos y referencias que han hecho a esta saga de videojuegos una de las más conocidas del mundo, humor y mucho dinamismo dentro de un marco técnico de calidad. Si la vas a ver en versión original sin duda la voz de Bowser, del actor cómico Jack Black, es de lo mejor.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de abril de 2023. Título original: The Super Mario Bros. Movie. Duración: 92 min. País: Japón, EE.UU. Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic. Guion: Matthew Fogel. Música: Kōji Kondō, Brian Tyler. Reparto principal (doblaje original): Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Charlie Day, Jack Black, Keegan-Michael Key, Seth Rogen, Fred Armisen, Kevin Michael, Sebastian Maniscalo. Producción: Illumination Entertainment, Nintendo, Universal Pictures, Nintendo of America. Distribución: Universal Pictures. Género: aventuras, adaptación, animación. Web oficial: https://www.nintendo.co.jp/smbmovie/index.html

Crítica: ‘El exorcista del Papa’

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Inspirada en los archivos reales del Padre Gabriel Amorth, Exorcista jefe del Vaticano (interpretado por el ganador del Premio Oscar de la Academia® Russell Crowe), El Exorcista del Papa cuenta cómo Armorth investiga la terrorífica posesión de un joven niño y cómo termina descubriendo una conspiración secular que el Vaticano ha tratado de mantener oculta desesperadamente.

Crítica

Crowe consigue que esta no sea una típica película de posesiones

Dentro de no mucho tiempo podremos ver en cines ‘Hermana muerte’, la película perteneciente al universo de ‘Verónica’ de Paco Plaza. Una obra que está relacionada con el artista de cómics El Torres, el cual, nos deleitó también con ‘Roman Ritual’ hace no mucho tiempo. En ese último cómic el mal se asentaba en el seno, en lo más alto, en lo más sagrado del Vaticano llegando a poseer al mismísimo Papa. Ahora se estrena una película con una idea bastante similar a través de Sony Pictures. Con esa misma distribuidora se estrenó ‘The Forest (El bosque de los suicidios)’, película que levantó ampollas ya que se habló en términos de plagio hacia el cómic de El Torres llamado ‘El bosque de los suicidas’. Director, guionistas e incluso empresas productoras son diferentes, pero uno no puede evitar acordarse de aquel suceso cuando ve ‘El exorcista del Papa’, la nueva película protagonizada por Russell Crowe. Por suerte creo que podemos decir que todo esto es anecdótico y que solo hay ideas o argumentos similares, es una sensación parecida a la que experimentamos cuando se estrenó ‘28 días después’ (2002) y se lanzó el cómic ‘The Walking Dead’ (2003).

Aunque la trama tiene sabor español al transcurrir en Castilla y León, a priori podemos decir que la historia es distinta en tanto a que aquí no es el Papa el poseído. Pero el hilo o el foco también es un sacerdote que se mueve por los márgenes de la Iglesia, que causa controversia en la Santa Sede y cuya alma peligra. La base real de esta película es el Padre Gabriel Amorth, que falleció en 2016 (si nos ponemos con casualidades negras a lo películas malditas, es el año de la publicación de ‘Roman Ritual’ y del estreno de ‘El bosque de los suicidios’) y quien fue oficialmente el exorcista jefe del Vaticano y fundador de la Asociación Internacional de Exorcistas. Dotando a la película de algunos detalles auténticos se desarrolla una historia que pertenece a lo que es ya todo un subgénero dentro del terror, el de exorcismos.

Una abadía de Segovia, la inquisición, monjes encapuchados… Parece que el director Julius Avery, autor de ‘Overlord’ y ‘Samaritan’, quisiese rendir homenaje a Ossorio y al Fantaterror. Desde luego de algo se puede haber empapado tras su paso por Sitges en 2018. Similitudes en cuanto a tono desenfadado e incluso irreverente hay, desde luego. Y es que si ‘El exorcista del Papa’ se libra de ser una película más de exorcismos es por la actitud del protagonista. Si te gustan las películas de posesiones tienes aquí muchas referencias que aluden a lo hecho por Friedkin, Raimi o Wan. Entre las voces guturales (por parte de un siempre imponente Ralph Ineson), las caras macabras, los cuellos retorcidos, los vómitos de sangre y los niños trepando por las paredes es inevitable no acordarse de ‘El exorcista’ o ‘Evil dead’. Pero entre la base real y el carácter pintoresco y nada comedido de este Gabriel Amorth nos hacen viajar más al universo Warren.

Un cura que viaja sobre dos ruedas a lo Padre Brown o la hermana Boniface y emplea la psicología para resolver casi todos sus casos. Crowe está entregadísimo a su personaje repleto de batallitas de perro viejo y de bromas fuera de lugar que recuerda con su tosca personalidad a Eduard Fernández en ’30 monedas’ y con su carácter analítico y su fe a los sacerdotes de ‘Los enviados’. Y con él vemos la impronta de un director al que le gusta lo gamberro y lo fantástico. Avery impregna el horror de una comedia alcohólica y sarcástica con la que al igual que en sus otros dos largometrajes parece que se contiene, como si le diese vergüenza o miedo mostrar que lo que realmente le gusta es lo macarra, desenfadado o incluso caricaturesco. No se priva de dotar de sangre a la película pero un primer acto de media hora ya nos augura que este no va a ser el desenfreno que cabría esperar. Suerte que salva el día un entusiasmado Crowe en el que ha sido su primer título puramente de terror.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de abril de 2023. Título original: The Pope’s Exorcist. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Julius Avery. Guion: Chester Hastings, R. Dean McCreary, Evan Spiliotopoulos. Música: Jed Kurzel. Fotografía: Khalid Mohtaseb. Reparto principal: Russell Crowe, Alex Essoe, Franco Nero, Laurel Marsden, Daniel Zovatto, Cornell John, Bianca Bardoe. Producción: Screen Gems, 2.0 Entertainment, Loyola Productions, Jesus & Mary. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial: https://www.thepopes-exorcist.movie/

Entrevistamos al equipo de ‘En temporada baja’

Estreno en cines el 14 de abril de 2023

La nueva película de David Marqués (‘Campeones’, ‘El club del paro’) se llama ‘En temporada baja’ y nos lleva a conocer a un cuarteto de protagonistas en horas bajas que empieza a convivir en un camping. Encabeza el reparto Edu Soto junto a Antonio Resines a los cuales acompañan Coque Malla y Fele Martínez. A uno le ha dejado su esposa, a otro le van mal los negocios, al tercero de ellos no le dan un trabajo afín a su ética periodística y al cuarto de ellos… nadie sabe a qué se dedica el cuarto de ellos.

Esta es una comedia que se va enredando y en la que aparecen también intérpretes como Ana Milán (como ex del personaje de Edu Soto), Nacho Fresneda (un supuesto amigo de Resines), Rosana Pastor (la ex de Resines), Sergio Olmos (una promesa del fútbol)… Sobre todo el elenco o sobre los temas de ‘En temporada baja’ pudimos habar con varios de ellos. Pronto tendréis nuestra crítica aquí pero de momento podéis saber más sobre la película a través de este vídeo.

 

Crítica: ‘Royal Crackers’

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De lo más soso que ha sacado Adult Swim

HBO Max os presentará el 3 de abril a los Hornsby, una familia caída en desgracia con la que hemos podido tener tres encuentros pues hemos recibido la invitación para ver sus tres primeros episodios. Capítulos de 20 minutos en los que unos dibujos de trazo totalmente irregular nos muestran las vicisitudes que vive este clan.

HBO incluye en su catálogo títulos de Adult Swim como ‘Rick y Morty’, ‘Metalocalipse’, ‘Mr. Pickels’ o ‘Primal’. Esta es una serie de esa factoría y por lo tanto uno debe saber que lo que le espera es un descuido intencionado en la precisión en el dibujo, argumentos diabólicos y cargados de humor negro y por supuesto mucha locura. Si además sabemos que su creador (y doblador) es Jason Ruiz (‘Murder Police’) y su productor Seth Cohen (‘Él último hombre en la Tierra’) no debería haber sorpresas al escuchar continuamente palabrotas y estar rodeados de todo tipo de violencia. Titmouse (que dentro de poco estrena la esperada ‘Agent Elvis’) es quien ha materializado ‘Royal Crackers’ para la factoría de animación para adultos

La serie trata sobre un negocio familiar que está en horas bajas. Royal Crackers es el nombre de la marca que otrora, cuando su estricto fundador la creó, llegó a lo más alto del panorama de las galletitas saladas. Ahora la familia tiene que lidiar con la adversidad, cuando además el más anciano de todos se ha quedado vegetal. El hermano menor de la familia tiene una banda de nu metal y va de guay, el matrimonio intenta encabezar el negocio con ideas desesperadas, el hijo de ambos está apocado… Desde luego con tan peculiares elementos la mansión en la que viven está condenada a arruinarse.

No cabe duda de que además de ser un entretenimiento, ‘Royal Crackers’ es una nueva herramienta para criticar la actualidad, la cultura popular contemporánea y el mundo empresarial, muestra de ello es que el estilo utilizado para la animación pues parece hecho con Paint. Son objeto de burla los memes, los influencers, los retos virales o todo aquello que nos pueda parecer políticamente correcto. Es una serie totalmente hija del humor norteamericano más nihilista y de las comedias animadas cuya tradición iniciaron ‘Los Simpson’ y por ello veréis que se mete con todo. Lástima que le falte el gancho, el carisma y la fuerza de otras producciones de Adult Swim porque no consigue más que sonsacarnos una o dos risas por capítulo. Las tramas no son originales, ni es todo lo disparatada que cabría esperar, ni sus momentos absurdos se salen de lo ya visto, ni tiene un ritmo que compense todas estas carencias.

Crítica: ‘Los enviados’

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 En la línea de ‘El tercer milagro’ o ‘El cuerpo’

SkyShowtime ha empezado fuerte con las producciones locales. Una vez establecidos en Europa y ahora en España, han arrancado de un modo potente con la serie sobre Miguel Bosé y seguidamente lo que nos proponen es ‘Los enviados’, protagonizada por Miguel Ángel Silvestre (‘Sense8’) y Luis Gerardo Méndez (‘Los ángeles de Charlie’), incorporándose a ellos Adriana Cortés (‘Sense8’). Una serie que realmente procede de Argentina o México pero que tiene su aportación española.

Hemos podido ver el comienzo de esta producción de 8 episodios que se estrena el día 31 de marzo. La historia arranca con un hombre que está barriendo en un manicomio y de manera súbita se encuentra solo, cuando lo normal era estar acompañado de enfermeros, religiosas y pacientes. Deambulando en busca de respuestas se topa con una muchedumbre que está rodeando lo que descubre con asombro que es su propio cadáver. Es entonces que una luz le ciega y sucede el milagro.

Silvestre y Méndez interpretan a dos funcionarios del Vaticano. Uno de ellos tiene realmente formación de abogado y el otro de perito médico. Por motivos laborales están obligados a entenderse y a ver enfrentadas sus dos versiones de la fe cristiana. Funciona la serie como una buddy movie en la que dos personalidades chocan pero a la vez encuentran puntos comunes y vitales que les impulsa a seguir adelante. Porque la tarea que les encomienda la Santa Sede no es fácil. Tienen la arriesgada, conflictiva y exhaustiva labor de verificar si se ha obrado un milagro o si estamos ante una estafa o peculiaridad de la ciencia. De hecho, al menos al comienzo, pone en relevancia algo que siempre ha sido objeto de debate: si los sacerdotes se basan en la ciencia para poder demostrar por contradicción, si algo es un milagro o no, es que realmente la Iglesia en lo que está creyendo es en la ciencia.

Por todo esto y por el dilema y ocupación de sus protagonistas a lo que más me ha recordado ‘Los enviados’ es a ‘El cuerpo’ de Antonio Banderas o a ‘El tercer milagro’. En el caso de la segunda, aquella película con Ed Harris y Anne Heche, también trataba de un sacerdote en busca de verificar la mano de Dios, en un lugar ajeno a él lleno de hostilidades, acompañado de una enorme crisis de fe y un amor incipiente. Aunque el tono dramático está mucho más rebajado, el personaje que más me ha remontado a esa película de la misma directora de ‘Charlatán’ es el de Miguel Ángel Silvestre. Si por su parte Luis Gerardo encarna el arquetipo de religioso procedente de buena cuna que se mantiene austero, conservador y sosegado, él actor español es más simpático y dicharachero de lo habitual. Resulta excesivamente pícaro y extrovertido, mucho más que Eduard Fernández en la serie que también co-protagonizó Silvestre, ‘30 monedas’. Pero hay que tener en cuenta que es un personaje que se está cuestionando mucho su lugar en la Iglesia y que además está abierto a una relación amorosa, por lo menos así lo insinúan sus miradas.

Juan José Campanella, a quien conoceréis de otras obras de corte fantástico como ‘Colony’, ‘Night sky’ o una de sus obras más afamadas, ‘El secreto de sus ojos’, es el responsable de este nuevo drama con dosis de suspense. Lo que más me ha gustado de ‘Los enviados’ es que sin necesitar un gran espectáculo, ni artificios logra tener carisma, despertar simpatía y por supuesto generar mucho misterio. Es una serie nada episódica, que sigue una única trama de manera sencilla y muy eficiente. Aguardo con ganas que la serie siga esta línea y se materialice también en España la segunda temporada que ya está por estrenarse en otros países.

Crítica: ‘Boksoon debe morir’

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Gil Boksoon, que trabaja para la agencia de homicidas MK, es una sicaria con un porcentaje de éxito del 100 % y la madre de la adolescente Jae-young. Puede que sea una asesina consumada, pero tiene muchas carencias como madre. Por eso, cuando llega el momento de renovar su contrato con la agencia, decide retirarse para volcarse en su hija. Pero, cuando se dispone a hacer su último trabajo, antes de comunicar su decisión a MK, Boksoon descubre un secreto sobre la misión e infringe la norma fundamental de la empresa: ejecutar todo encargo pase lo que pase. Entonces se convierte en el blanco de la agencia y del resto de sicarios.

Crítica

Aunque pierde su flow es tan descarada que casi rompe la cuarta pared con sus alusiones cinéfilas y su modernización frívola de las historias de yakuzas

Ver a un asesino o un agente secreto combinando su vida personal y hogareña con su licencia para matar. No es la primera vez que vemos una composición de guión así, ahí están ejemplos contemporáneos como ‘Sr. y Sra. Smith’, ‘Red’, ‘León’, ‘Kingsman’… Es curioso y divertido imaginar qué pueden hacer en su día a día aquellos que trabajan en la sombra, aquellos que tienen asuntos turbios o que sesgan vidas mientras estamos viendo Netflix o durmiendo plácidamente. En ‘Boksoon debe morir’ además de una coreografiada acción, de la presentación de una nueva antiheroína y del desarrollo de una original agencia secreta del hampa se dispone un drama maternofilial.

‘Boksoon debe morir’ nos sumerge dentro de una agencia que reúne “empresas” dedicadas a materializar encargos delictivos, principalmente asesinatos por contrato. Regida por una serie de reglas y por la estricta mano de un presidente, la compañía de los bajos fondos conocida como MK tiene entre sus estrellas a la agente Gil Boksoon (Jeon Do-yeon), la cual, combina su vida secreta como criminal con la crianza de una hija adolescente. La película de Byun Sung-hyun frivoliza con el negocio de la muerte viéndolo con la perspectiva de una empresa multinacional con su escalafón, jefes y obreros descontentos. Es una película totalmente insensible o indiferente ante la violencia (como gran cantidad del material que disfrutamos hoy en día) pero que busca explorar emotividad con la trama entre la madre protagonista y su hija (Si-ah Kim).

Hay que reconocer que ‘Boksoon debe morir’ lo mola con su acción y su protagonista femenina que está dividida a lo ‘Gunpowder milkshake’ o ‘Kate’. Está narrada en su arranque en retrospectiva y con una estupenda escena de lucha parece que va a romper moldes y a desarrollar un gran carisma. Además parece estar riéndose de los clisés, las tradiciones y los estereotipos del género. Dispone una trama y una manera de indagar en los personajes muy bien armada, dibujando estupendamente la psique de cada uno de ellos. Sin embargo, ese planteamiento nos mantiene durante muchas fases en stand by esperando la acción, todo ello a favor de desarrollar la relación entre madre e hija y conforme nos sumergen en un desenlace que se torna cada vez más oscuro. La gran lástima es que la película pierde su mojo, el flow que le hace marcar la diferencia y congratularse con el cine moderno mientras que conservaba elementos clásicos. Puntualmente recupera esa dinámica pero cuesta recuperarse de tanto adormecimiento dramático acumulado.

Te gustará si aprecias las coreografías de lucha modernas herederas de Jet Li y compañía o las claras referencias al cine de Miike o Kitano. Es tan descarada que casi rompe la cuarta pared con sus alusiones cinéfilas y su modernización de las historias de mafiosos y artes marciales. Prometía su mezcla de yakuzas, katanas, organizaciones secretas, asociaciones de padres y dramas púber. Pero intenta desarrollar demasiado su universo delictivo y emocional perdiendo aquello que le hacía especial.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Kill Bok-soon. Duración: 137 min. País: Corea del Sur. Dirección: Byun Sung-hyun. Guion: Byun Sung-hyun. Música: Kim Hong-jip, Lee Jin-hee. Fotografía: Cho Hyung-rae. Reparto principal: Jeon Do-yeon, Sol Kyung-gu, Kim Si-a, Esom, Koo Kyo-hwan, Lee Yeon, Hwang Jung-min. Producción: See At Film, Seed Films. Distribución: Netflix. Género: acción, thriller. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Oso vicioso’

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‘Oso vicioso’ está inspirada en la historia real del accidente de avión que en 1985 hizo que un traficante de drogas perdiese la cocaína que transportaba y que acabaría siendo ingerida por un oso negro. Este salvaje comedia reúne en un bosque de Georgia a un curioso grupo de policías, delincuentes, turistas y adolescentes que se encontrarán con un super depredador de 230 kilos que ha tragado una enorme cantidad de cocaína y que se haya en un frenesí destructivo en busca de más polvo… y mucha sangre.

Crítica

La trama es adictiva pero solo la premisa engancha más que la cocaína

Imagináis qué pasaría si el oso Yogui en vez de robar cestas a los domingueros robase fardos de farlopa. ‘Oso vicioso’ responde a esa pregunta. Es 1985 y un oso se pone hasta las trancas de cocaína por lo que empieza a liarla, a pesar de ser un oso negro, no pardo. Son estupefacientes caídos del cielo, procedentes del avión de un narcotraficante que antes era agente de narcóticos, hecho del que se hace eco la película con uno de los personajes. Eso de que la realidad supera la ficción se queda corto con ‘Cocaine bear’. Eso sí, desde el principio queda claro que los hechos reales, ya que esto pasó de verdad, se han llevado a extremos desfasados, totalmente fuera de lo políticamente correcto. ¡Ojalá hubiese sido así el ataque de ‘El renacido’!

La película de Elizabeth Banks se basa realmente en el libro ‘Bluegrass Conspiracy’ de Sally Denton, el cual ya ficciona bastante lo que pasó realmente con el oso que acabó siendo bautizado como “Pablo Eskobear”. Lo tremendamente surrealista que les sucede a los protagonistas del bosque de Georgia (recreado en tierras irlandesas), el hecho de ser de lo último de Ray Liota, la promesa de baño de sangre y humor negro, el guionista de ‘The babysitter’… todo es un atractivo morboso. La fórmula que mezcla caras conocidas con argumentos que parecen salidos de la mente de unos adolescentes adictos a algún tipo de ácido vuelve a funcionar y me encanta que el público general pase por el aro. Me ha recordado a ‘Ovejas asesinas’, a ‘Bunny the killer thing’ o a ‘Zombeavers’ pero sobre todo a un descacharrante corto belga llamado ‘L’ours noir’, de Méryl Fortunat-Rossi y Xavier Seron. Ese corto de 2015 (que podéis ver aquí) ya daba las pautas para sobrevivir a un oso negro y también para sacarle partido cómico a una situación tan truculenta y peligrosa como es encontrarse con una criatura así en el bosque.

Bien es cierto que las tecnologías actuales han echado leña al fuego de un género que está cada vez más de moda y cada vez se gana menos ese calificativo. Hablo sobre todo por el oso que está recreado por CGI para que no haya violencia con ningún animal real y para poder llevarlo al extremo más salvaje posible. Eso hace que podamos ver la película sin sentir ningún temor por un animal que de normal vive en plena naturaleza, lo cual por otro lado podría herir sensibilidades. Y si lo pensamos bien además de ser una película de género o cómica, también funciona como un survival horror en el que el asesino es un oso que realmente es una víctima de la maldad y vileza humana.

Elizabeth Banks ha encontrado la manera de reencontrarse y redimirse con los espectadores a través de las historias sangrientas y fantásticas. Tras el desastre de ‘Los Ángeles de Charlie’ y aparecer en ‘The Boys’ ha cogido este anecdótico e increíble suceso del que usa imágenes reales en su arranque. Pero por supuesto ha necesitado trastocar lo que sucedió cambiando incluso el final. Todo ello para darnos un festival tan explícito que hace daño, tan sorprendente que gritas ¡pero que! y tan desbocado que no tiene límites y que te partes de risa. Es una broma que puede hasta considerarse inapropiada o de mal gusto, pero si captas la sátira y la parodia es un placer retorcido.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Cocaine bear. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Elizabeth Banks. Guion: Jimmy Warden. Música: Mark Mothersbaugh. Fotografía: John Guleserian. Reparto principal: Keri Russell, O’Shea Jackson Jr., Christian Convery-Jennings, Alden Ehrenreich, Jesse Tyler Ferguson, Brooklynn Prince, Isiah Whitlock Jr., Kristofer Hivju, Hannah Hoekstra, Aaron Holliday, Margo Martindale, Ray Liotta. Producción: Universal Pictures, Brownstone Productions, Lord Miller. Distribución: Universal Pictures. Género: comedia, fantástico. Web oficial: https://www.instagram.com/CocaineBear/

Crítica: ‘Oink oink’

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Cuando Babs, una niña de 9 años, recibe a un cerdito llamado Oink como regalo por parte de su abuelo, convence a sus padres de quedárselo con la condición de que siga un adiestramiento para cachorros. El cerdito cambiará su vida y la de todos en su familia hasta que las cosas empiezan a complicarse de manera inesperada cuando descubre que sus padres no son la mayor amenaza para Oink.

Crítica

Pintoresca historia sobre la responsabilidad y los lazos afectivos

‘Oink oink’ es una película de animación que se nos escapó en la pasada edición del Festival de Sitges y que ahora que llega a salas de cine hemos podido disfrutar. Y digo disfrutar porque es un título que a pesar de la tosquedad y ordinariez que tiene el animal al que hace alusión su onomatopeya está llena de gracia y sensibilidad. Es más, está basada en un libro de los Países Bajos (‘De wraak van Knor’) cuya autora se llama Tosca Menten, un nombre que puede sonar a tosco pero que no hace honor a dicho chiste fácil.

‘Oink oink’ nos congratula como tantas otras películas por usar la técnica del stop motion. Pero sobre todo nos encandila por la ternura que aflora en la relación entre una niña y su mascota. La holandesa Mascha Halberstad ha logrado con este filme algo que ya hizo Chris Noonan con su Babe, que veamos a un gorrino flatulento y cagón como algo adorable y noble. También desarrolla una bonita historia de descubrimiento entre una niña que es un trasto y un abuelo que hasta entonces estaba desaparecido.

Es de ese cine que consigue alcanzarnos a través de personajes pintorescos, de historias variopintas y relaciones íntimas. Aunque todo esto suene a cine intensito o cultureta ‘Oink oink’ es una película infantil con mucho que enseñar. Por supuesto todo habla de la responsabilidad que ha de tener cada uno hacia sus mascotas o los actos de estas. También, a modo de redención, se nos plantea que hay cosas ineludibles en la vida, como los hijos. Pero también hay un abierto mensaje animalista y vegano.

El diseño de personajes y la elección de color puede recordar al de ‘Wallace & Gromit’ o ‘La oveja Shaun’, aunque a veces se acercan a los grotescos protagonistas de ‘Robot chicken’. Podría ser efectivamente una historia sacada de una serie televisiva de tantos canales infantiles que hay hoy en día. Sin embargo su trabajo merece la pena ser visto en pantalla grande.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Knor. Duración: 72 min. País: Países Bajos. Dirección: Mascha Halberstad. Guion: Fiona van Heemstra. Música: Rutger Reinders. Fotografía: Peter Mansfelt. Reparto principal (doblaje original): Hiba Ghafry, Alex Klaasen, Johnny Kraaijkamp, Loes Luca, Matsen Montsma, Kees Prins, Jelka van Houten, Henry van Loon, Remko Vrijdag. Producción: Viking Films, A Private View, Vrijzinnig Protestantse Radio Omroep. Distribución: A Contracorriente Films. Género: animación, comedia. Web oficial: https://aprivateview.be/nieuwsartikel/oink-premiering-in-belgian-cinemas/

Crítica: ‘Tin & Tina’

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Cuando Lola (Milena Smit) pierde los bebés que estaba esperando, también pierde su fe en Dios. Con la esperanza de recuperarla, acude junto a su marido Adolfo (Jaime Lorente) a un convento de monjas donde conocen a Tin y Tina, dos angelicales hermanos de siete años por los que Lola se siente extrañamente atraída. Aunque Adolfo no siente lo mismo, deciden adoptarlos. Con el paso del tiempo Lola empieza a caer en una espiral de sospecha y obsesión con los niños y sus macabros juegos religiosos.

Crítica

Muy cómoda en las referencias clásicas pero perdida a la hora de definir su misterio

Ir al cine a ver una película de terror en pleno inicio de la primavera y no en una noche de verano o en los aledaños de Halloween se hace percibir con una sensación un tanto extraña o rara. Quizá sea verdad que hay unas épocas más propicias para determinados géneros, pero la fecha en la que ha recaído el estreno de ‘Tin & Tina’ me parece de lo más adecuada. Ahora que todo el mundo empieza a prepararse para hacer fotografías a las flores, para empezar a tomar el sol y disfrutar apaciblemente de terrazas con vermú llega esta película que busca meternos en un ambiente cuanto menos enrarecido y frío. Sin duda los factores externos van a ayudar a que los espectadores entren bien en la dinámica inconfortable del primer largometraje de Rubin Stein.

Una primera película que como en tantas otras ocasiones parte de un corto homónimo. Un trabajo que en 2013 fue el germen de una trilogía de cortos y una buena trayectoria por festivales. Y como pasa también en muchas ocasiones se ha cambiado a los intérpretes protagonistas. Las tendencias actuales mandan y se ha escogido a un reparto que incluye como cabeza de cartel a dos artistas en auge como Milena Smit y Jaime Lorente. Ellos interpretan a dos padrastros que han adoptado a unos hermanos de siete años (Tin y Tina, Carlos González Morollón y Anastasia Russo) con rostro angelical pero que obviamente, al tratarse de un título de terror, esconden algo malsano en su interior que va a poner aún más en relevancia la crisis de fe de la pareja. No he visto el corto, se supone que esta oportunidad de casi dos horas es ideal para desarrollar los personajes, pero sobre su pasado o su trasfondo conocemos muy poco.

Suspense, rarezas incomodas y nostalgia ochentena son las principales bazas de ‘Tin & Tina’. La película sigue los pasos de títulos clásicos de terror, sobre todo de aquellos que incorporan niños en su reparto. La dirección de actores y de fotografía está muy acertada en ese sentido y es por ello que es fácil acordarse de títulos como ‘La semilla del diablo’, ‘La profecía’, ‘El pueblo de los malditos’ o ‘La huérfana’. El filme rememora mucho a Chicho Ibáñez Serrador y al igual que en ‘Quién puede matar a un niño’, los protagonistas tienen la duda razonable de si todo lo malo que les sucede es fruto de la mala suerte o de los endiablados actos de unas jóvenes personitas.

La intención de la película es incomodar y hacernos sentir raros, pero hace que nos perdamos cuando va sin rumbo o hay cosas que no cuadran. ¿Hacen el mal cual anticristos o malinterpretan inocentemente los textos bíblicos? En concreto sucede que el largometraje a veces juega con lo sobrenatural, y otras veces juega con los perjuicios o los malentendidos. Por ejemplo, hay perro y todos sabemos qué sucede con las mascotas en este tipo de películas. También que sirven como canario en mina para avisar del peligro. Ese elemento choca con el mensaje que finalmente Stein nos deja en su cierre. El guión no se decide o no han sabido plasmar de un modo más eficiente por dónde quieren tirar.

El metraje de ‘Tin & Tina’ está lleno de planos kubrickianos, de zooms a lo Donner o Friedkin. Además cuenta con Jocelyn Pook (‘Eyes wide shut’) para la banda sonora lo cual habría sido todo un gol por la escuadra si el filme no estuviese repleto de los trillados coros angelicales que buscan infundir terror desde la inocencia. Tampoco es que ayude la edición de sonido abarrotada de efectos mal insertados o volúmenes desencajados que acompañan a dos protagonistas que parece que hablan solo a susurros. Aún con estos defectos ‘Tin & Tina’ intriga y ello es sobre todo gracias a que su primer acto es inquietante, a cómo maneja los temas sacrílegos o religiosos y a que el broche final es un magnífico y nada corto plano secuencia.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2023. Título original: Tin & Tina. Duración: 119 min. País: España. Dirección: Rubin Stein. Guion: Rubin Stein. Música: Jocelyn Pook. Fotografía: Alejandro Espadero. Reparto principal: Milena Smit, Jaime Lorente, Carlos González Morollón, Anastasia Achikhmina, Teresa Rabal, Ruth Gabriel, Ana Blanco de Córdova, Luis Pérezagua, Enara Prieto. Producción: La Claqueta PC, ICAA,Agencia Andaluza de Instituciones Culturales, FilmGate Miami, Andarams Films, Latido Films. Distribución: Filmax. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/tin-tina.234

Crítica: ’65’

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Después de un catastrófico accidente en un planeta desconocido, el piloto Mills (Adam Driver) descubre rápidamente que en realidad está varado en la Tierra… hace 65 millones de años. Ahora, con sólo una oportunidad de rescate, Mills y la otra única superviviente, Koa (Ariana Greenblatt), deberán abrirse camino a través del desconocido territorio plagado con peligrosas criaturas prehistóricas en una épica lucha por sobrevivir.

Crítica
Una aventura familiar que se transforma estupendamente en un relato de terror y ciencia ficción

No es la primera vez que el audiovisual nos hace viajar al pasado mezclando con ello naves espaciales. Ya se nos pintó el tiempo como algo cíclico (‘Futurama’) o viajamos gracias a la relatividad (‘El planeta de los simios’) o vimos nuestro planeta con ojos alienígenas (‘Prometheus’) o se hizo uso de agujeros de gusano (‘Interstellar’). No me corresponde a mi desvelar cuál es la teoría empleada en esta película. El caso es que en ’65’ un hombre se estrella con su nave espacial en un planeta que resulta ser la Tierra pero sesenta y cinco millones de años atrás, en el Mesozóico, más en concreto en el Cretácico (no el Jurásico señores Crichton y Spielberg), el cual concluyó hace 66 años a.C. con la extinción de los grandes dinosaurios.

La historia se enmarca pues en los últimos coletazos de los dinosaurios en términos de eras históricas. Esta es una nueva manera de plantear qué posibilidades tenemos ante los Tyrannosaurus rex y compañía pero con armas futuristas. Esto ha hecho que me acuerde de la serie ochentera de animación ‘Dinoriders’, pero los tiros no van por ahí. Esta es una aventura más sencilla con unas cuantas remembranzas hacia ‘Jurassic Park’, de hecho podemos decir que también es entretenimiento familiar y la trama sigue a un adulto y una preadolescente por unos lares llenos de saurios. Incluso hay dos o tres escenas que nos devuelven a la icónica  imagen del T-Rex bajo la lluvia o atacando el coche.

En la concepción de la película tenemos un elenco muy enfocado en el terror. Partiendo de que Sam Raimi ha puesto su criterio y dinero en esta producción hasta el hecho de que dirigen y escriben Scott Beck y Bryan Woods, artífices ambos de los guiones de las dos partes de ‘Un lugar tranquilo’ y de orquestar ‘La casa del terror’. Esta es una aventura que como he dicho se puede ver en familia pero poco a poco nos va ganando a los adultos pues se van imponiendo las escenas tensas y de terror. Miedo bien trabajado a base de un buen CGI que recrea a unos reptiles cada vez más presentes. Hablando de imágenes generadas por ordenador, estupendo el diseño de la nave que me ha recordado a la famosa fragata del ‘Mass Effect’.

No obstante la película tiene algo menos de gracia en su arranque pues nos desvelan muy pronto porqué estamos en el Cretácico. Lo peor es que a veces cuesta pasar por alto el hecho de que la trama tenga un par de casualidades cósmicas y que los dos protagonistas manejen un portentoso dispositivo electrónico y una mochila que parece que no tiene fondo. Sin duda ha habido que aplicar más de una solución rápida y prueba de ello es que el rodaje sola durado cuarenta días. Está claro que la gran inversión de filme, al margen del caché de Adam Driver, son los efectos creados en post-producción, que como he dicho antes, son de alta calidad.

Adam Driver aparca el sable láser y utiliza por primera vez en su carrera actoral el entrenamiento armamentístico que recibió cuando estaba en la marina, la cual dejó tras un accidente montando en bici. ‘65’ crea su historia con solo dos personajes. Driver y la joven Ariana Greenblatt, aunque hay otros dos papeles femeninos interpretados por Chloe Coleman y Nika Williams. Quiero más de este Driver entregado a la acción y por otro lado el trabajo que ha hecho aquí Greenblatt me eleva las expectativas de ‘Borderlands’ ya que va a interpretar en esa adaptación a Tiny Tina.

Ni caso a los palos recibidos desde la crítica norteamericana. ‘65’ es una más que solvente aventura en la que poco a poco se impone el terror e incluso al final tenemos un detalle visual que sin duda es parte de ese horror esperpéntico que a veces caracteriza a Sam Raimi.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2023. Título original: 65. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Scott Beck, Bryan Woods. Guion: Scott Beck, Bryan Woods. Música: Chris Bacon, Danny Elfman. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: Adam Driver, Ariana Greenblatt, Chloe Coleman, Nika Williams. Producción: Beck Woods, Bron Creative, Columbia Pictures, Raimi Productions, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.beckwoods.com/sixty-five

Crítica: ‘Retorno a Seúl’

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Con el fin de reencontrarse con sus orígenes, Freddie, de 25 años y criada en Francia, regresa por primera vez a Corea del Sur, donde nació antes de ser adoptada. La joven, de carácter obstinado, comienza a buscar a sus padres biológicos en un país que apenas conoce, llevando su vida por nuevos e inesperados caminos.

Crítica

Todo el filme supone un secuestro emocional, para la protagonista y para el espectador

Es extremadamente difícil ponerse en la piel de una persona en cuya vida irrumpe una cultura totalmente diferente a la suya. Pero es aún más difícil comprender los sentimientos de alguien que se sumerge en una cultura que se supone que la define por nacimiento pero que no ha tenido nunca contacto con ella. Eso es lo más valioso de ‘Retorno a Seúl’, la tercera película de Davy Chou, la cual logra retratar una situación que no es del todo extraña pero que está escasamente explorada.

‘Retorno a Seúl’ fue la candidata al Oscar por Camboya y aunque no llegó a pasar el último corte pienso que sería por muy poco. Pese a tratar todo sobre la cultura coreana la película tiene su origen y producción en Camboya. Está inspirada en la vida de Laure Badufle, una amistad del director, y trata sobre una mujer que teniendo solo un año es adoptada y llevada de Corea del Sur a Francia. Tiempo después regresa para descubrir no solo cómo es el país en el que llegó al mundo sino las razones por las que su familia se desprendió de ella. En ese terreno se mueve ‘Retorno a Seúl’. Un territorio lleno de malentendidos y choques culturales, un campo en el que cultivar la comprensión y aplacar el resentimiento.

Es un viaje y una búsqueda como reflejo externo de una transformación interior. Una vuelta y descubrimiento de raíces. Todo el filme supone un secuestro emocional, para la protagonista y para el espectador. Es una confrontación constante de sentimientos en la que lo interior se enfrenta mucho al ponerse en lugar de otros acabando todo en reacciones que a priori parecen irracionales, pero tienen su base.

La protagonista tiene un carácter europeo, con brotes de descaro, curiosidad e irreverencia pero también de ira contenida. Un papel que le pega a la artista visual Park Ji-Min, quien hace aquí por primera vez un trabajo de actriz. De hecho me consta que cuestionó mucho la concepción de su personaje y si la protagonista tiene ese carácter tan agresivo o extrovertido en público pero acongojado con su nueva familia es por ella. Sin duda ha aportado también en lo referente al vestuario. Su interpretación lo es todo en esta película pues maneja estadios muy complejos en la transformación de su personaje y sabe interpretar muy bien las intenciones del guión.

Además de todo un discurso sobre la identidad ‘Retorno a Seúl’ es en segundo plano un retrato generacional de una zona específica de Asia y de unas personas exiliadas en manos extranjeras. Quizá cueste empatizar algo más por eso con la protagonista y su entorno pero ‘Retorno a Seúl’ demuestra como tantas otras que esos países, antaño en recesión por las guerras, dictaduras o culturas tradicionales, ya están totalmente dentro de la aldea global. Davy Chou consiguió mostrar su película en festivales de Cannes, Toronto, Nueva York o Sevilla. Esa internacionalidad demuestra como extensión del discurso del filme, la inclusión de esta cultura en nuestro mundo capitalista.

Aunque parezca que el tercer acto es más oscuro las sensaciones que nos deja al final la película no son dramáticas o fatalistas. Aunque trate de vidas rotas o trastocadas es un filme que arroja algo de luz. En un momento dado se ve fugazmente que el número de adopciones decrece cada vez más según nos aproximamos a nuestros días. Una muestra más de que Corea se desarrolla con normalidad y que está cada vez más metida en occidente que en oriente.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de marzo de 2023. Título original: Retour à Séoul. Duración: 117 min. País: Camboya. Dirección: Davy Chou. Guion: Davy Chou. Música: Jérémie Arcache, Christophe Musset. Fotografía: Thomas Favel. Reparto principal: Ji-min Park, Louis-Do de Lencquesaing, Yoann Zimmer, Oh Kwang-rok, Guka Han, Kim Sun-young, Son Seung-Beom, Hur Ouk-Sook, Emeline Briffaud, Lim Cheol-Hyun. Producción: Aurora films, Vandertastic Films, Frakas Productions, Merecinema, Anti-Archive, Ciné+, CNC, FFA, VOO, BE TV. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/retorno-a-seul/

Crítica: ‘¡Shazam! La furia de los dioses’

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Billy Batson y sus compañeros adoptados han recibido los poderes de los dioses pero aún están aprendiendo a compaginar sus vidas de adolescentes con sus alter-egos de Superhéroes. Pero cuando las Hijas de Atlas, un vengativo trío de antiguos dioses, llegan a la Tierra en busca de la magia que les robaron hace mucho tiempo, Billy -alias Shazam- y su familia se ven envueltos en una batalla por sus superpoderes, sus vidas y el destino de su mundo.

Crítica

Continuando con la épica sinvergüenza o pueril y aproximándose a Gunn

Creo que la mayor incógnita que han de resolver las próximas películas del universo cinematográfico de DC Comics es qué deriva va a tomar ahora que está en manos de James Gunn, quien ya sabemos que dirigirá ‘Superman: legacy’. Al margen de si sus nuevos títulos son mejores o peores largometrajes o secuelas tanto Shazam como Flash han de resolver esa consulta próximamente. Antes de la esperadísima película del solitario de Flash le ha tocado ese papelón a ‘Shazam: la furia de los dioses’.

Ya os adelanto sin spoilers que hay dos escenas post-créditos. Una de ellas prácticamente igual que la de la primera parte y la otra supone la que, si no me equivoco, es la primera incursión del mundo televisivo de DC en el cine. Pero la respuesta a si Shazam sigue dentro del “Gunnverso” está dentro del propio filme. Más allá de las referencias a la Trinidad hay una escena importante que llega para responder ligeramente a lo que está planeado para otro importante personaje. Descuidad que no voy a decir nada más al respecto, podéis seguir leyendo.

Quizá lo anteriormente mencionado es lo más relevante de ‘Shazam: la furia de los dioses’. No supone ningún antes y después para el cine de superhéroes ni para el DCU. Es una película continuista, casi de relleno, dotada de la épica sinvergüenza de la anterior entrega y aproximándose al estilo del pupilo de la Troma, pero manteniendo un tono aún juvenil, lejos de ‘El Escuadrón Suicida’ en cuanto a violencia. Explota dos elementos importantes que ya introdujeron la primera entrega y la película de Patty Jenkins sobre los orígenes de la amazona. Estos míticos factores son precisamente eso, míticos. La magia (el otro punto débil de Superman) y el mundo clásico son los protagonistas de este filme. Ello combinado nos ofrece otros buenos aspectos de la película. Por un lado un trío de diosas que están muy por encima del Zeus de Russell Crowe y por otro el diseño de criaturas. Llegamos a ver mantícolas, arpías, unicornios, minotauros o cíclopes cuyo CGI es solo ligeramente mejorable y cuyo aspecto rememora, quizá como guiño voluntario, a las plastilinas de Harryhausen.

Por supuesto, el sentido del deber y el corazón del héroe es parte vital de la película. La familia (las dos familias que intervienen en la cinta) son aspectos dirigidos al público más joven. Además del tono mitológico y arcano el factor de diferenciación de ‘Shazam: la furia de los dioses’ es el disponer a toda un grupo de héroes que además forma un núcleo familiar entre si. Está el clan de huérfanos, el grupo que forma  como superhéroes y la estirpe de las villanas de turno. Por que, por si no lo sabéis, a quien se enfrentan estos superhombres es a las mismísimas hijas de Atlas.

‘Shazam: la furia de los dioses’ es una película más de superhéroes llevando al personaje a cotas mayores. Pienso que los productores (entre ellos Safran que sigue echando leña al mundo DC/Warner) son conscientes de que esta es una obra de paso y que dado además el carácter pueril del personaje, no hay que tomarse del todo en serio. De hecho, se ríen del cameo falso de la primera parte y no por ello nos privan de tener más de una aparición inesperada. Y se regodean en su mundo, desde las menciones anteriormente descritas, pasando por otras más complejas como la del Violinista (Fiddler), hasta las apariciones de las dos Annabelles (también de David F. Sandberg) y las camisetas de los protagonistas que rememoran a los ‘Goonies’, ‘Gremlins’, el ‘Gigante de hierro’ o ‘El Señor de los Anillos’. Puede que todo esto nos hable de que esta es una película muy cómica, pero a mi me muestra que, aunque sea tímidamente o con reservas, esto sigue en serio.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de marzo de 2023. Título original: Shazam! Fury of the Gods. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: David F. Sandberg. Guion: Henry Gayden, Chris Morgan, Bill Parker, C.C. Beck. Música: Christophe Beck. Fotografía: Gyula Pados. Reparto principal: Zachary Levi, Marta Milans, Jack Dylan Grazer, Asher Angel, Diedrich Bader, Grace Fulton, Helen Mirren, Lucy Liu, Meagan Good, Adam Brody, Rachel Zegler, Djimon Hounsou, Ross Butler, P.J. Byrne, D.J. Cotrona. Producción: Warner Bros., New Line Cinema, DC Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictues. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/shazam-fury-gods

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