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Sitges anuncia sus premiados para este 2021

Mamoru Hosoda, Belén Rueda, Carlos Saura, Neill Blomkamp, Roque Baños…

Los directores Mamoru Hosoda y Carlos Saura, y la actriz Belén Rueda, recibirán el Gran Premio Honorífico de la 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Los premios Màquina del Temps serán para el director Neill Blomkamp, la actriz Alice Krige y el guionista Nick Antosca, mientras que el compositor de bandas sonoras Roque Baños será reconocido con la Maria Honorífica y el actor Emilio Gutiérrez Caba recibirá el Premio Nosferatu de este año. Por su parte, Lucile Hadzihalilovic serà galardonada con el Premi Career que otorga la Méliès International Festivals Federation (MIFF).

GRAN PREMIO HONORÍFICO SITGES 2021

Consolidado como uno de los máximos renovadores del cine de animación, el director japonés Mamoru Hosoda inició su carrera en la productora Toei Animation, lugar donde aprendió el oficio de animador. De 2005 a 2011, gracias a su trabajo en el estudio Madhouse, estrena obras rompedoras y visionarias como La chica que saltaba a través del tiempo (2006) y Summer Wars (2009). En 2011 crea su propia compañía, Studio Chizu, y da forma a sus obras más arriesgadas y personales, Wolf Children (2012), El niño y la bestia (2015), Mirai, mi hermana pequeña (2018) y la reciente Belle (2021).

Belén Rueda se ha convertido en una de las reinas del grito más célebres del cine fantástico español, tras una primera etapa de su carrera de gran éxito ligada a la televisión. Su interpretación en El orfanato (2007) le valió la nominación a mejor actriz en los Goya, una categoría que acabaría ganando en el festival Fantasporto. Años más tarde, repitió en más títulos de género muy queridos como el neogiallo Los ojos de Julia (2010), thrillers retorcidos como El cuerpo (2012) y Perfectos desconocidos (2017), e incluso la ciencia ficción en Órbita 9 (2017).

Director, guionista y fotógrafo en activo desde 1956, Carlos Saura se revela internacionalmente con La Caza (1966), una demoledora y valiente alegoría de la España franquista que obtiene el premio al mejor director en el festival de Berlín. Luego vinieron clásicos indiscutibles del cine español como Ana y los lobos (1973), Cría Cuervos (1976), Mamá cumple 100 años (1979) y Deprisa Deprisa (1981), películas con una personalidad arrolladora, insobornable y librepensadora. Sus colaboraciones con Vitorio Storaro, Tango (1998) o Goya en Burdeos (1999), están llenas de imágenes de inspiración fantastique. En el Festival presentará el cortometraje Goya 3 de mayo.

PREMIO MÀQUINA DEL TEMPS SITGES 2021

Formado en el campo de la animación 3D, los efectos visuales y la publicidad, Neill Blomkamp da su gran salto al cine con Distrito 9 (2009), una película de ciencia ficción situada en su Johannesburgo natal que consiguió cuatro nominaciones a los Óscar, entre ellas a mejor película y mejor guion adaptado. Tras seguir en el género con las distopías Elysium (2013) y Chappie (2015), en 2017 crea Oats Studios, una productora independiente especializada en cortometrajes experimentales de fantástico y terror. En Sitges 2021 presentará su último trabajo, Demonic.

En 1981, el mismo año de su descubrimiento con Carros de fuego, Alice Krige se convierte en un rostro habitual del cine fantástico y de terror al coprotagonizar Historia macabra, una de las mejores historias de fantasmas de los ochenta. En los años posteriores y tras formar parte de la prestigiosa Royal Shakespeare Company, repite en el género con Sonámbulos (1992), da vida a la reina Borg en Star Trek: Primer contacto (1996) y brilla como la bruja Holda en Gretel & Hansel. Un oscuro cuento de hadas (2020). Será la protagonista del próximo reboot de La matanza de Texas y en Sitges 2021 presentará She Will.

Nick Antosca inicia su carrera como escritor de novelas de terror, y tras conseguir el Premio Shirley Jackson en 2009 por Pícnic a la luz de la luna, se convierte en guionista de series de televisión como Teen Wolf y Hannibal. En 2016 da el salto como showrunner en Channel Zero, una miniserie de cuatro temporadas en la que redefinió el imaginario visual del horror moderno partiendo de famosos creepypastas. Este 2021 ha debutado en Netflix con Nuevo sabor a cereza, una de las grandes sensaciones televisivas del año, y presenta en Sitges una película producida por Guillermo del Toro, Antlers: Criatura oscura y la serie Chucky.

PREMIO MARIA HONORÍFICA SITGES 2021

Roque Baños, graduado Summa Cum Laude en el Berklee College of Music de Boston en las especialidades de composición para música de películas e interpretación de jazz, es uno de los compositores de bandas sonoras más premiados y respetados de su generación. Lleva en activo desde 1997, ha ganado tres Goyas y tiene una filiación especial por el fantástico y el terror. Es el músico fetiche de figuras del género como Álex de la Iglesia y Fede Álvarez. También ha trabajado con Jaume Balagueró, Alejandro Amenábar, Terry Gilliam y Spike Lee.

PREMIO NOSFERATU SITGES 2021

La sección Brigadoon otorgará el Premio Nosferatu a Emilio Gutiérrez Caba. Nacido en Valladolid en una familia de actores, obtiene su primer éxito en 1963 al protagonizar una adaptación teatral de Peter Pan. Su primera incursión en el terror es legendaria: el romance de ultratumba con Dyanik Zurakowska en La llamada (1965). Entre 1966 y 1967 aparece en tres icónicas Historias para no dormir de Chicho Ibáñez Serrador: El cuervo, La sonrisa y La espera. Posteriormente, su idilio con el género continúa en films de culto como Estigma (1980), Viaje al más allá (1980) y Memorias del ángel caído (1997). En 2001 recibe el Goya al mejor actor secundario por La comunidad. Sigue en activo tras más de seis décadas en la profesión.

PREMIO CAREER MÉLIÈS SITGES 2021

Lucile Hadzihalilovic recibirá en Sitges 2021 el Premio Career, entregado por la Méliès International Festivals Federation (MIFF). Tras graduarse en el Institut Des Hautes Études Cinématographiques de París, inicia su andadura en el cine como directora, escritora, montadora y actriz en largometrajes y cortos. En 2004 debuta con su primera película, Innocence, premiada en San Sebastián y uno de los films fantastique más sugerentes de la época. Su segundo esfuerzo, Evolution (2015), fue el encargado de clausurar la sección Noves Visions en Sitges, un film que la confirmaba como una de las voces más fascinantes y personales del fantástico europeo. Este año presentará Earwig en el certamen.

Abril Zamora escribe, dirige y protagoniza ‘Todo lo otro’

Un estreno de HBO Max

‘Todo lo otro’, la nueva serie española Max Original que se estrenará próximamente en HBO Max. Abril Zamora escribe, dirige y protagoniza esta historia de un grupo de treintañeros madrileños atrapados en vidas que no eran las que soñaban. La serie de ocho capítulos de treinta minutos, una producción en mandarina para WarnerMedia, está programada para estrenarse en la segunda mitad de 2021 en HBO Max.

Actriz, guionista y directora, los trabajos más recientes de Abril Zamora como intérprete incluyen su participación en las series ‘Vis a Vis’ y ‘El desorden que dejas’ y la película ‘La vida por delante’, junto a Sofia Loren. Zamora es también co-creadora de ‘Señoras del hAMPA’ (premiada con el Coup de Coeur de Compradores de Drama MIP en 2019), serie para la que escribió los guiones de toda la primera temporada junto a Carlos del Hoyo y en la que ha dirigido algunos de ellos. Además, ha escrito varios episodios de ‘Élite’.

Ahora ha creado esta personalísima historia, en la que ella encarna a Dafne, la protagonista de ‘Todo lo otro’. Dafne tiene un trabajo de mierda, su novio la acaba de dejar y para colmo va a descubrir que está enamorada terriblemente de su mejor amigo, un asturiano desmotivado interpretado por Juan Blanco. David Matarín, Nuria Herrero, Andrea Guasch, María Maroto, Bea de la Cruz, Marta Belenguer, Pepe Lorente y Raúl Mérida completan el reparto principal, del que también forman parte Miguel Bernardeau y Alberto Casado.

Miguel Salvat, Steve Matthews y Antony Root son productores ejecutivos. Los servicios de producción de la serie son proporcionados a WarnerMedia por Campanilla Films S.L., una empresa subsidiaria de Mandarina, con Santi Botello como productor ejecutivo.

Crítica: ‘Dune’

Sinopsis

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‘Dune’, el viaje de un héroe mítico que soporta una enorme carga emocional, cuenta la historia de Paul Atreides, un joven brillante que ha nacido con un destino más grande que él mismo. En esta epopeya, deberá viajar al planeta más peligroso del universo para asegurar el futuro de su familia y de su gente. Mientras las fuerzas del mal se enfrentan para hacerse con uno de los recursos más excepcionales del planeta, que tiene el poder de desbloquear todo el potencial de la humanidad, solo los que logren dominar sus miedos podrán sobrevivir.

Crítica

¿La mejor película del año? Yo diría que sí. ‘Dune’ llega para llenar las salas de cine

Este viernes 17 de septiembre llega a nuestras salas uno de los eventos cinematográficos del año, ‘Dune’ de Denis Villeneuve. Me quedé sin palabras al ver algo tan monstruoso como esta cinta de ciencia ficción que el director canadiense ha logrado crear.

Basada en la novela de Frank Herbert, ‘Dune’ nos lleva a una gran disputa por el poder de la Especia. Esta Especia se encuentra en el planeta Arrakis, donde residen los Fremen, un pueblo autóctono del planeta al que le han quitado todo. Allí es donde el emperador manda a la familia Atreides para que sean los encargados de extraerla. Después de haberles quitado esa competencia a la familia Harkonnen. Lo que los Atreides no se esperan es que esto va a terminar en guerra.

Después de una adaptación bastante fallida de David Lynch y un intento por parte de Alejandro Jodorowsky para llevar ‘Dune’ a la gran pantalla, Denis Villeneuve ha sacado su magia y sin duda ha creado una obra maestra.

Estamos hablando de una primera parte. Pero si la primera ha sido así, no me quiero imaginar la segunda, cuando ya hemos visto toda una introducción al mundo de Herbert.

Nunca he leído el libro al completo pero sí que puedo decir que hasta donde  he llegado es bastante fiel. No del todo, pues tienen algunas licencias que la verdad tampoco molestan.

Para que esta película sea tan perfecta se han juntado muchas situaciones, una, la dirección de Villeneuve, impecable. Dos, una fotografía de ensueño, Greig Fraser, es el encargado de esta y el trabajo que ha realizado sin duda va a ser nominación para los Oscar. Al igual que la tercera maravilla de la película, Hans Zimmer. Demos gracias que dejó tirado a Christopher Nolan e hizo esta maravillosa banda sonora, sin ella, ‘Dune’ no sería tan espectacular e inmersiva.

Sí, porque es una película, en la que te introducen, gracias a las imágenes y a su música, esa música llena de instrumentos de vientos y percusión. Es alucinante, puede ser agobiante, pero también de eso se trata, que te inquiete como a los protagonistas.

Y por supuesto, no me quedo sin hablar de su reparto, extenso y sin duda no podía ser mejor. Desde Oscar Isaac, pasando por Rebecca Ferguson, Jason Momoa, Timothée Chalamet, David Dastmalchian, Dave Bautista, Josh Brolin, Zendaya, Javier Bardem, Stellan Skarsgard, Charlotte Rampling, Chen Chang, entre muchos otros.

Si me parase a hablar de cada uno de ellos, esta crítica no terminaría. Pero por comentaros, Timothée Chalamet me ha vuelto a sorprender y sin duda estoy dejando atrás esos prejuicios hacia este actor y estoy viendo que de verdad se merece todas las ovaciones que ha recibido hasta ahora. Stellan Skarsgard está imponente, el físico que Villeneuve le ha colocado es bestial y nunca mejor dicho, pues la intención del director es que este personaje pareciese un grandioso rinoceronte.

Qué decir de ella, Rebecca Ferguson como siempre no defrauda y es que me encanta todo lo que hace, aquí no es distinto, de hecho tiene un papel muy potente. Y para terminar, como he dicho por mencionar a unos cuantos, el eterno secundario de las cintas de superhéroes, al que este año pudimos ver también en ‘El Escuadrón Suicida‘, David Dastmalchian, nos da un personaje de lo más extraño y que la verdad le pega un montón.

Como curiosidad, hubo una cosa que me llamó mucho la atención. Los guiños hacia la tauromaquia en la película, incluso aparece alguien ataviado con un traje de luces y me puse a indagar y es un guiño a la novela.

Para terminar, le pongo dos pegas a la película que son insulsas. Una es, la falta de sangre en las batallas y la otra la lucha con los escudos. Evidentemente están mucho mejor resueltos que en la película de Lynch, pero aun así, me siguen pixelando a los personajes y con un sonido estridente cada vez que les dan en ellos hace que las peleas lleguen a ser confusas.

Por lo demás, id al cine, llenad las salas y disfrutad de esta experiencia en pantalla grande. Y ojalá pronto tengamos noticias de la segunda parte y podamos hablar pronto de ella.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Dune. Duración: 155 min. País: EE.UU. Dirección: Denis Villeneuve. Guion: Eric Roth, Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Dave Bautista, Stephen McKinley Henderson, Zendaya, David Dastmalchian, Chang Chen, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Jason Momoa, Javier Bardem. Producción: Legendary Entertainment, Villeneuve Films, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, drama, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/dune

Crítica: ‘Las consecuencias’

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En un viaje a una pequeña isla volcánica, Fabiola se convierte en espía de su hogar. No tiene evidencias ni certezas, pero su intuición le dice que no todo es lo que parece. Se debate entre el miedo a lo que puede encontrar y la necesidad de obtener respuestas. ¿Hasta dónde hurgar en la intimidad de los demás? ¿Hasta dónde mentir para proteger a la gente que quieres?

Crítica

Ahonda en lugares y dolores escabrosos y remotos

Una madre viuda (Juana Acosta) convive con su padre (Alfredo Castro) y su hija (María Romanillos). Pero también vive con el dolor y el trauma del accidente de submarinismo que la dejó sin esposo. Claudia Pinto nos ofrece una historia de familia, raíces, cicatrización y expiación.

Esta película, dedicada al diseñador de producción Floris Vos y a la asistente de producción Lucia Blasco, nos habla de la repercusión de contener el dolor, de callarse secretos o por el contrario las consecuencias de inmiscuirse en el pasado o mente de nuestros allegados. Cuando hablamos de los efectos trascendentales de aquello que hacemos (o no hacemos) es fácil arribar en relatos muy dramáticos. Este en concreto es de los ariscos, taciturnos e incluso turbios.

Dicho esto, hay que admitir que ‘Las consecuencias’ tiene un gran trabajo de dirección y guión. Se percibe cuando se descubre que la historia y los actores nos están contando muchas cosas pero sin exteriorizarlas, simplemente con miradas, gestos y contenciones. Al final la película explota en revelaciones verbalizadas y tiene incluso varios momentos en los que Claudia Pinto podría haber clausurado el filme. Peca de explicativa, ya iba sobrada con las insinuaciones que ha ido dejando caer.

Y si he llamado arisco al filme no es solo por el carácter de las relaciones que tienen entre si los personajes. También es por su paisaje. Las islas de La Gomera y La Palma tienen un gran panfleto turístico en ‘Las consecuencias’. Sus paisajes más abruptos sirven de escenario para llevarnos a localizaciones remotas, apartadas de toda civilización. En ese oasis isleño es donde Pinto nos aparta y dónde desarrolla una historia de reconciliación y conflictos.

Podría decirse que el protagonismo recae en Juana Acosta, la cual hace una buena interpretación, a veces nada sencilla. Pero delega buena parte del peso de la película en María Romanillos, quien ejerce de su hija, aquella que sufre las consecuencias del comportamiento de su madre. Un personaje que tanto en la ficción como en la realidad demanda nuestra atención.

Hace poco en ‘Worth’ oía una frase que decía algo así como “derribaron el puente por el que luchabas, no a ti”. Pues algo así sucede en esta película. A la protagonista se le ha muerto el marido, pero su familia demanda que ellos siguen ahí y que ella si está viva. Ese abandono familiar al que se somete el personaje de Juana Acosta tiene repercusiones que tanto actriz como directora plasman muy bien. Cual exploradores dirigiéndose a la Isla Calavera la protagonista se aísla encaminándose a un enfrentamiento con miedos de carácter monstruoso. Claudia Pinto ha sabido manejar muy bien la prisión que supone nuestra propia mente cuando se niega a aceptar lo sucedido.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Las consecuencias. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Claudia Pinto Emperador. Guion: Claudia Pinto Emperador, Eduardo Sánchez Rugeles. Música: Vincent Barriere. Fotografía: Gabriel Guerra. Reparto principal: Juana Acosta, Alfredo Castro, María Romanillos, Carme Elías, Sonia Almarcha, Héctor Alterio. Producción: N279 Entertainment, Potemkino, Radio Televisión Española, Sin Rodeos Films España. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama, misterio. Web oficial: http://www.sinrodeosfilms.com/las-consecuencias/

Crítica: ‘El club del paro’

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Cada mañana, sea el día que sea, Fernando (Carlos Areces), el Negro (Eric Francés), Jesús (Fernando Tejero) y Benavente (Adrià Collado), cuatro amigos, se reúnen en un bar a tomar unas cañas y arreglar el mundo a su manera: criticando y despotricando contra todo y contra todos. Tienen algo en común, están en paro, bueno… todos, menos uno.

Crítica

Fijo que en varias escenas os veis ridiculizados o incluidos en El club del paro

Si hay algo que nos caracteriza a los ciudadanos españoles es el tomarnos la vida a guasa y el creernos más listos que nadie. Todos decimos que los taxistas siempre dicen saberlo todo, pero nadie se libra de ejercer de cuñado. Éstos factores son la nota predominante en ‘El club del paro’.

La nueva comedia de David Marqués, que parte de un cortometraje que hizo en 2013 reúne al mismo reparto salvo que incluye a Fernando Tejero en lugar de a Alberto San Juan. Se amplía la historia y vemos mucho más allá de lo que es la reunión diaria que tienen estos cuatro “amigos”. Amigos que hay que entrecomillar porque literalmente se desprecian y se tienen cariño a la vez. Así lo demuestran en las conversaciones que tienen sentados en la mesa de su nuevo Bar Rami (¿Cómo guiño a Sam Raimi?) y en las entrevistas que les hacen al más puro estilo confesionario Gran Hermano de parroquianos.

Cada uno de los protagonistas tiene una personalidad radicalmente distinta y uno solo he atinado a comprender que son amigos por el hecho de encontrarse en situación de desempleo, salvo uno de ellos. Estaría bien saber el origen de su amistad pero viendo la película creo que más bien nos quieren relatar el final, ya que no hacen más que tirarse los trastos a la cabeza. Esas riñas que tienen entre ellos nos traen cómicas situaciones alimentadas sobre todo por malentendidos a la hora de captar la intencionalidad o palabras que se dicen los unos a los otros. Algo muy similar a lo que le pasaba a veces a Javier Gutiérrez y su equipo en ‘Campeones’, película que también escribió David Marqués.

Pero además de la comedia que tiene, ‘El club del paro’ aprovecha para hacer muchísima crítica social tocando un montón de palos. Bien es cierto que algunos gags no llegan a hacer efecto, pero sin embargo si se consigue hacer mofa de la más reciente actualidad. No solo se toca el tema político, muy bien encarrilado para no alinearse con absolutamente ninguna vertiente de pensamiento, sino que también es capaz de reírse bastante de la pandemia que aún hoy en día no hemos superado. Está muy presente el concepto de negacionismo, el papel higiénico, las mascarillas, el 5G, las conspiraciones, el teletrabajo, los chinos que comen murciélagos… Si nunca habéis oído nada acerca de teorías de reptílianos o illuminati David Marqués y su equipo os van a acercar a ellas.

Básicamente en lo que consiste el club del paro es en mostrar cómo somos los españoles, quizá en un punto algo extremo, claramente orientado a la parodia, pero estoy seguro de que va a conseguir alinearse con todos aquellos que están o han estado en situación de desempleo de larga duración. Es el papel de Carlos Areces es el que mejor nos acerca a ese sentimiento de indignación e incluso envidia que se siente cuando uno tiene una vocación o profesión y se ve en la cola del SEPE.

Este no es un filme político, ni mucho menos. Es una película sarcástica y caricaturesca de esos españoles que llevan un parroquiano dentro. Si, se citan episodios conocidos como el de los sobres de Bárcenas pero ya os digo que os vais a quedar más con el concepto de “ensobrar” que tiene Tejero.

Los personajes de la película son de esos que pasan de querer comerse el mundo a que el mundo no se los coma. Salvo el de Adriá Collado que interpreta a alguien más noble que los borricos en contraposición del jeta que encarna Eric Francés. Fijo que todos tenéis en vuestro grupo al buscavidas, el honesto, el paranoico y el que se hace el íntegro, fijo que en varias escenas os veis ridiculizados o incluidos en El club del paro

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Duración: 87 min. País: España. Dirección: David Marqués. Guion: David Marqués. Música: Muchachito Bombo Infierno. Fotografía: Guillem Oliver. Reparto principal: Carlos Areces, Fernando Tejero, Adriá Collado, Eric Francés, Antonio Resines, Carmen Ruiz, Javier Botet, Fernando Colomo. Producción: Sunrise Pictures Company, Telespan 2000. Distribución: Vértice Cine. Género: comedia. Web oficial: https://sunrisepictures.es/el-club-del-paro/ 

Crítica: ‘Josee, el tigre y los peces’

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Josee es una chica que ha estado postrada en una silla de ruedas desde su infancia y habita en su propio mundo de pinturas, libros e imaginación. Un día, cae por una pendiente y solo la oportuna aparición de Tsuneo evita que se estrelle contra el suelo. Tsuneo estudia biología marina con el sueño de ver algún día a un pez fantasma que vive únicamente en México.

Como consecuencia de su encuentro casual, la abuela de Josee ofrece un trabajo a tiempo parcial a Tsuneo como cuidador de la muchacha. Aunque la egoísta y exigente Josee no le pone las cosas fáciles a Tsuneo, este decide no arrugarse ante ella.

Fruto de ese toma y daca, la distancia que separa los corazones de ambos se reduce y Josee decide saltar con Tsuneo al mundo exterior con el que solo había soñado.

Crítica

Un romance suavizado con la discapacidad motriz como herramienta narrativa

Una chica en silla de ruedas que vive con su abuela y un chico que trabaja en una tienda de buceo para costearse sus futuros estudios en México. Estos son los dos protagonistas de ‘Josee, el tigre y los peces’. Un cuento moderno que a priori podría parecer un mero romance o una historia sobre la accesibilidad en la gran ciudad, pero que tiene algo más que contarnos.

El relato corto de Seiko Tanabe cuenta ya con una versión de acción real que data de 2003 y es ahora la de animación la que llega a nuestros cines. ‘Josee, el tigre y los peces’ cuenta la historia de dos jóvenes cuyas vidas se cruzan fortuitamente. Él le salva la vida a ella (cosas que peca de reiterar el filme) y desde ese momento comienza una historia de descubrimiento, tanto personal como social.

Si conocéis la reciente película ‘A silent voice’ ya podéis haceros a la idea de qué tono lleva la historia de Kotaro Tamura. Es un filme melodramático con bastante jugo. En el caso de ‘Josee, el tigre y los peces’ sucede igual pero se aligera el toque romanticón, aunque hay un predecible triángulo amoroso, incorporando algo más de comedia al más puro estilo japonés.

La película abrió Annecy y la academia japonesa la nominó a mejor película de animación en 2020 y sabiendo el nivel que tienen allí ya es un gran mérito. Iba a ver el filme conociendo estos detalles por lo que la expectativa era alta. Y la verdad es que he visto otros animes recientes mejores, pero no me ha defraudado. Cierto es también que para que para disfrutar la película tienes que estar acostumbrado tanto a los animes japoneses como a los romances. Pero este no es un caso excesivamente tradicional en cuanto al estilo nipón ni llega a ser un romance empalagoso.

Su animación no se percibe tan digital como estrenos recientes del tipo ‘El tiempo contigo’ o ‘Promare’. La animación tiene toques muy tradicionales y se asemeja más a obras de los noventa. No obstante vemos en ella artificios realizados por ordenador, como muchos movimientos que simulan un travelling o un desplazamiento de grúa que aportan cierto dinamismo, sobre todo en un par de escenas que requieren acelerar un poco el ritmo. Tiene un trazo fino y suave, con colores casi pastel y a veces líneas difusas para darnos una imagen la mar de amable a la vista.

Como decía esta película va de algo más que el plantearnos una pastelosa historia de amor o de mostrarnos cuántas dificultades tiene una persona con movilidad reducida en su casa o a la hora de enfrentarse a la configuración arquitectónica de su entorno. ‘Josee, el tigre y los peces’ intenta abrazar la ruptura de barreras y con esto no me refiero a un bordillo excesivamente alto. Cada cual se pone impedimentos a su progreso o se haya encorsetado por rutinas. La película de Kotaro Tamura, imagino que también el relato de Tanabe también, nos empuja a dejar nuestra tópicamente llamada zona de confort y de lanzarnos a hacer aquello que pensamos que nos hará felices.

‘Josee, el tigre y los peces’ no es un título únicamente para amantes de la animación oriental. Puede entretener a todo tipo de públicos e incluso tal vez tocarles la fibra a aquellos más escépticos. Aunque se perciba a veces egoísmo en alguno de sus personajes es indiscutible que nos anima a levantarnos del asiento y alcanzar nuestros sueños.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Josee to Tora to Sakana-tachi. Duración: 98 min. País: Japón. Dirección: Kotaro Tamura. Guion: Sayaka Kuwamura. Música: Evan Call. Canción: Eve. Reparto principal (doblaje original): Kaya Kiyohara, Taishi Nakagawa, Matsutera Chiemi, Kengo Kawanishi, Lynn, Yume Miyamoto, Kazuyuki Okitsu. Producción: BONES, Shôchiku, Kadokawa. Distribución: SelectaVisión. Género: adaptación, drama. Web oficial: https://www.funimationfilms.com/movie/josee-the-tiger-and-the-fish/

Crítica: ‘Worth’

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Tras los atentados de 2001 contra el World Trade Center y el Pentágono, el Congreso nombra al abogado Kenneth Feinberg (Michael Keaton) para dirigir el Fondo de Compensación a las Víctimas del 11 de Septiembre. Pero ¿cómo puede poner en valor las vidas perdidas?

Atrapado entre abogados que quieren demandar y los grupos de presión de las aerolíneas que quieren llegar a un acuerdo, Feinberg debe negociar con las familias de las víctimas. Cuando se enfrenta a Charles Wolf (Stanley Tucci), un organizador comunitario entre los afectados y cuya esposa murió en una de las torres, Feinberg empieza a conocer el coste humano de la tragedia.

Crítica

Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia

Pudiera ser que ahora que se cumplen 20 años del atentado de las Torres Gemelas en el 11 de septiembre podría parecer frívolo o comercial un estreno que trate precisamente sobre aquella tragedia. Pero ‘Worth’ llega, imagino que también para hacer caja, pero también para hacernos reflexionar sobre cómo algunas personas empezaron una lucha, no contra los talibanes sino contra su propio gobierno, tarando hacer entender lo incalculable de sus pérdidas.

Al igual que con ‘Spotlight’ los productores han procurado conseguir un filme analítico y punzante. Y es que frívolo es el cómo se quiso indemnizar a los familiares de los fallecidos. Personas que no tenían un cuerpo que enterrar y que sufrieron unas ausencias que a todos los niveles les trastocaron la vida.

El filme remarca que esos familiares serán los únicos en recordar realmente como eran los rostros de los que estaban en el World Trade Center el 11-S y lo hace ocultando sus caras en todos los planos. No busca dar pena a través de los muertos, sino a través de unos vivos que están muertos en vida con todo lo que están sufriendo. La burocracia siempre trivializa con sus tablas y números, con sus sistemas impersonales.

La película es sutil y respetuosa, sobretodo con los detalles escabrosos y intentando tener  las torres siempre en el plano más secundario. El atentado generó gran número de pequeñas historias y el abogado Kenneth Feinberg (Michael Keaton) las tiene que escuchar para intentar hacer la labor que le han encomendado. “Worth” es “valor” en inglés. Al igual que hacemos en esta web intentamos no dar un valor cuantitativo al cine, si no cualitativo, sin puntuaciones. Lo mismo pasa con las indemnización y seguros de vida, nunca miran el lado humano y se basan en baremos generalizados que no se pueden aplicar a todos los casos, mucho menos a algo tan excepcional como un asesinato masivo. Es por eso que analizar la figura de aquellos que tuvieron que peritar lo sucedido resulta más que interesante.

El guionista, aunque suene a Frankenstein del aburrimiento, ha logrado una película cautivadora. Max Borenstein ha llegado casi siempre hasta nosotros con terror y fantástico a través de películas como ‘Gozilla’, ‘Kong: la isla calavera’ o la serie ‘The Terror’ pero demuestra que con un drama realista también se puede lucir. ‘Worth’ nos lleva por caras no conocidas de lo sucedido.

No se queda en lo superficial y va a los detalles. Complicada y peliaguda esta película y la tarea de quienes eligieron qué y a quién darle algo. Es por eso que tiene más mérito lo que ha conseguido Sara Colangelo con ‘Worth’. Más aún cuando tiene a su cargo a un peso pesado como Michael Keaton, quien a mi parecer actúa de un modo similar en casi todas sus películas y en esta se va a términos más fríos y menos de bufón o charlatán. Y es Stanley Tucci quien de verdad apunta alto con este filme. Su interpretación nos lleva a un personaje muy civilizado, dolido y ofendido, pero aun así sosegado. Tanto este personaje como ese tipo de personas son muy difíciles de encontrar y por eso su trabajo se encuentra dentro de lo raro y lo aplaudible. Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia. Representan dos caras de una misma realidad que dolorosamente tienen parte de razón.

Todos sabemos qué quieren las grandes empresas y no me gustaría verme en la situación de los protagonistas, pero no puedo dejar de pensar cuán hipócrita podemos llegar a ser los seres humanos al tachar de incalculable la vida de alguien y no obstante luchar por una compensación más alta. Mi reflexión es, si pensamos que todas las vidas son igual de incalculables por qué seguimos pidiéndole a alguien que las valorice. ‘Worth’ se mueve entre el dolor y los tiburones. No llega para resolver ningún misterio, simplemente para explicar una vez más cuan injusto o apático es nuestro sistema. Prueba de ello es la web que el personaje de Tucci tuvo que publicar para que modificasen el fondo de compensaciones. La tenéis disponible aquí, pero no entréis si no queréis haceros un gran spoiler.

Quizá leáis en esta crítica más reflexión que comentarios sobre la fotografía, montaje y demás. Pero es que su mérito está realmente en cómo nos hace replantearnos ciertas cosas entre aquello que tenemos asimilado como evidente. En ‘Worth’ vemos como el ser humano está sometido a uno de sus inventos, los números. Es por eso que trata sobre el valor de la verdad, de admitir realmente que lo que importa y lo que se busca son dos cosas distintas. Esto sucedía cuando cayeron aquellos rascacielos y aún se llevaban las torres de compact disc. Que tomen nota aquellos que trabajan en fondos de pensiones, bancos, seguros o similares pues todo lo deshumanizado que puede parecer lo que vemos en la película de Colangelo lo tienen día a día frente a las pantallas de sus ordenadores.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Worth. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Sara Colangelo. Guion: Max Borenstein. Música: Nico Muhly. Fotografía: Pepe Avila del Pino. Reparto principal: Michael Keaton, Stanley Tucci, Amy Ryan, Tate Donovan, Shunori Ramanathan , Laura Benanti. Producción: Anonymous Content, Higer Ground Productions, MadRiver Pictures, Paradise City Films, Riverstone Pictures, Royal Viking Entertainment, West Madison Entertainment, Wiffle Films. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://madriverpictures.com/movie/what-is-life-worth

Crítica: ‘Mis funciones secretas’

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Otoño de 1989: mientras el muro está a punto de caer en Berlín, la policía secreta vigila a cientos de miles de personas en Suiza. Viktor, un policía de buen comportamiento, es infiltrado de incógnito en el Schauspielhaus de Zúrich por su superior Marogg para recabar información sobre la gente de izquierdas del teatro.

Cuando se enamora de la actriz Odile, la persona a la que debe observar, no hay vuelta atrás: debe decidir entre su misión y su corazón.

Crítica

‘Mis funciones secretas’ una función divertida y crítica de una época bastante complicada

Este viernes 10 de septiembre llega a nuestras salas ‘Mis funciones secretas’. Una divertida comedia sobre espionaje que nos ha gustado bastante.

Viktor es un policía en Suiza, correcto y que vive por y para su trabajo. Estamos en otoño de 1989 y mientras el muro está a punto de caer en Berlín. Suiza se encuentra en plena crisis social y se dedican a investigar a aquellos que tienen a favor de Moscú y el Pacto de Varsovia.

Aquí es cuando el superior de Viktor le manda infiltrarse en una obra de teatro como figurante, pues creen que alguno de los actores tienen intención de cometer algún atentado.

A partir de aquí, tendremos un serie de situaciones de las que nuestro protagonista tendrá que usar toda su inteligencia para poder salir airoso de ellas.

La película es divertida y sencilla, no trata de ser una película pretenciosa y eso es bastante bueno. Logra divertir y a la vez mostrarnos una crítica hacía esta época de desconfianza de los ciudadanos entre unos y otros.

Me ha encantado la manera de comparar el trabajo de espía con el de actor. A la vez de como vemos crecer a Viktor como persona. Se da cuenta de que la vida no es solo servir y trabajar, sino que hay mucho más fuera.

Dirigida por Micha Lewinsky y con guion de Plinio Bachmann, Barbara Sommer y el propio director, la película nos trae un reparto encabezado por Eva Bay, Philippe Graber, Peter Jecklin, Saladin Dellers, Thomas Douglas, Vera Flück, Urs Jucker o Kamil Krejcí, entre muchos otros. Todos ellos están en perfecta armonía en la película. Dando sintonía y realidad a la compañía de teatro que vemos en ella.

Si queréis ver algo para distraeros y pasar un buen rato sin necesidad de grandes efectos especiales ‘Mis funciones secretas’ es vuestra película. Con un guion ligero logra mantenernos pegados a la pantalla y disfrutar de las desventuras de Viktor.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Moskau Einfach! (One-way to Moscow). Duración: 99 min. País: Suiza. Dirección: Micha Lewinsky, Guion: Plinio Bachmann, Micha Lewinsky, Barbara Sommer. Música: Ephrem Lüchinger. Fotografía: Tobias Dengler. Reparto principal: Philippe Graber, Miriam Stein, Mike Müller. Producción: Langfilm. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: comedia, romance. Web oficial: https://moskaueinfach.ch/

Crítica: ‘Con quién viajas’

Sinopsis

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Cuatro desconocidos quedan en el centro de Madrid para ir en coche a Cieza (Murcia), gracias a una aplicación de viajes compartidos. Durante el trayecto los pasajeros charlan sobre aspectos de su vida para romper el hielo. Todo fluye con normalidad, pero el conductor parece ocultar algo y se comporta de forma extraña. El viaje resultará muy surrealista, más divertido de lo que esperaban.

Crítica

Una sorpresa de viaje

Sorpresas reserva unas cuantas el viaje de ‘Con quién viajas’. Aunque esos giros o su esquema se pueden ver venir si uno está atento a las señales o si ha visto muchas películas, la obra dirigida por el debutante (en largometraje) Martín Cuervo termina siendo más agradable de lo que parecía, más traviesa y surrealista de lo que podría pronosticarse, siempre hay que confiar en el potencial de estas pequeñas propuestas.

Pequeña por número de reparto y por escasez de escenario. Solo cuatro viajeros reunidos por una app de viajes en un único coche que les lleva de la madrileña plaza de Las Ventas a la murciana localidad de Cieza. Una travesía que en tiempo fílmico se antoja largo pero que para el espectador se completa rápido.

La película nos junta a cuatro caras harto conocidas como son las de Salva Reina, Ana Polvorosa, Pol Monen y Andrea Duro. Precisamente esta cinta tiene un planteamiento similar a otra obra en la que ha trabajado Duro, ‘Perfectos desconocidos’: un único escenario, tensión, descubrimiento de secretos, toques de comedia, cruces de acusaciones, puesta en escena teatral… Claro está que aquí partimos del hecho de que los protagonistas sí que son desconocidos entre ellos y el toque de suspense lo tenemos desde el principio con las sospechas que levanta el personaje de Salva Reina. Ya de entrada sus miradas por el retrovisor pueden recordar a las de Russell Crowe en ‘Salvaje’ o a las de Joaquin Phoenix en ‘En realidad nunca estuviste aquí’, a si es que sospechas vais a tener sobre él.

‘Con quién viajas’ se basa en tensar aún más la situación que se vive cuando te montas en el coche de un desconocido. Las sospechas, los prejuicios, el nerviosismo o el desconcierto le juegan una mala pasada a estos personajes en más de una ocasión hasta que todo explota en ciertas revelaciones o confesiones. Tan ansiados están los personajes que pronuncian entrecortadamente o repitiendo frases, también proponiendo triviales maneras de pasar el trayecto que les queda. Por muy surrealista que acabe por ser su desenlace toda esa interacción entre ellos está plasmada de un modo que sí que se antoja real y ahí está la gracia.

‘Con quién viajas’ se presenta como buen visionado para el verano… o no. Si vas a irte de vacaciones y tu alternativa es reservar un asiento en un coche compartido esta película hará que te lo pienses dos veces. Este tipo de bromas como la que acabo de escribir es con el que juega ‘Con quién viajas’. Si por algo se pasa rápido es por el humor que tiene y la vis cómica de Salva Reina que se ríe aquí hasta de sí mismo jugando con su razonable parecido con Fernando Tejero.

Desde luego que el conductor que interpreta Reina peinado a lo Nino Bravo, con su cazadora vaquera retro y el afán por cantar a Los Brincos a grito pelado no da buen rollo. Pero hay que advertir que casi todos aquí tienen algo que ocultar. La película está bien contemporizada, sabe cuándo ir metiendo nuevos elementos y así jugar con la opinión y conciencia de quien la ve.

Que no pase inadvertido el como ‘Con quién viajas’ pone de relieve que nuestra huella digital nos hace totalmente rastreables. No sé si es algo voluntario o no, pero como moraleja me parece más beneficiosa que su lucha contra los prejuicios, que es válida, pero quizá más manida.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Con quién viajas. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Martín Cuervo. Guion: Martín Cuervo. Música: Iván Valdés. Fotografía: Pablo Bürmann. Reparto principal: Salva Reina, Ana Polvorosa, Pol Monen, Andrea Duro. Producción: Álamo Producciones, A Contracorriente Films, Neón Producciones Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, thriller. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/film/detail/con-quien-viaja/in-cinemas

Crítica: ‘Kate’

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Tras ser envenenada durante su último trabajo en Tokio, una despiadada asesina tiene menos de 24h para averiguar quién ordenó su muerte y vengarse.

Crítica

Un suma y sigue para las herederas de Sigourney Weaver y Linda Hamilton

Cedric Nicolas-Troyan vuelve a nuestras pantallas y lo hace a través de Netflix. El autor de desatinos como ‘Las crónicas de Blancanieves’, realizador también de efectos especiales en muchos títulos, ha orquestado un estupendo filme de acción a pesar de contar un libreto nada elaborado y poco intrincado.

¿Por qué me ha gustado Kate? Básicamente es una película de acción, pero es de las que gustan por ser sincera en sus pretensiones y además por añadir otra heroína más. En ‘Kate’ nos encontramos a un experimentado Woody Harrelson que ha de ejercer de mentor de la asesina que interpreta Mary Elizabeth Winstead, la cual es la protagonista absoluta de la cinta. Ciertamente nos encontramos con la paradoja de tener dos películas de acción con protagonismo femenino en la misma semana ya que en cines españoles se estrena también ‘Gunpowder milkshake’. En ambas propuestas la protagonista ha sido entrenada para matar desde que era una niña y en ambas también alguien se la juega y acaba compartiendo aventura con una joven a la cual ha trastocado la vida.

El punto de ‘Kate’ es que empieza rápido como una carrera de venganza a contrarreloj, a lo ‘Crank’, también con mucha acción pero sin el carácter soez de la película de Jason Statham. Como dije con ‘Altered Carbon’ y como acabo de mencionar en mi publicación sobre ‘Gunpowder milkshake’, lo que nos rodea aquí son los neones y los complementos cuquis rodeados de tiros y sangre.

Mary Elizabeth Winstead mola y punto. Es una actriz habitual del género fantástico y de acción, una de las responsables (junto a Samara Weaving, Bella Heathcote, Chloë Grace Moretz y demás) de que vayamos viendo diversidad de historias y de géneros en el cine. El papel que interpreta aquí podría haberlo hecho tanto una mujer como un hombre, como ocurre en las otras películas que he citado en esta crítica. A aquellos que están anclados en los 80 descubrirán con asombro que mujeres como Karen Gillan, Blake Lively, Michelle Rodríguez o Mary Elizabeth Winstead en este caso, pelean, se manchan de sangre… Puede que muchos consideren que estas son películas de acción del montón, pero al fin y al cabo con títulos así se han forjado otros héroes de acción a lo Van Damme o Norris. Creo que con estos estrenos se está sembrando la semilla que hará que dentro de unos años hablemos de las heroínas de acción del primer cuarto del siglo XXI, aquellas sucesoras de Sigourney Weaver y Linda Hamilton. Aunque la trama sea la mar de arquetípica, si te gustan los clásicos de acción te gustará ‘Kate’, no por ser condescendiente o igualitario, sino por que Winstead realmente vale como heroína de acción.

Y a parte de la acción trepidante y abiertamente violenta podemos disfrutar de otro factor, el visual. Se percibe cierto amor por la cultura japonesa por parte de Nicolas-Troyan. Por todas partes nos tropezamos con detalles otakus o escuchamos J-pop. La puesta en escena puede antojarse friki pero nos da momentos muy intensos y efectivos como la persecución en coche o la pelea entre los shōjis, la cual tiene tantos destrozos como el enfrentamiento del baño de ‘Misión Imposible – Fallout’.

Ese provecho visual que se le saca a la ciudad nipona es lógicamente obra del director de fotografía Lyle Vincent, el cual ha hecho trabajos como ‘Amor carnal’ o ‘Una chica vuelve a casa sola de noche’, títulos que te entretengan o no consiguen grabarse en tu retina. Nos hace pasear por el Tokio más moderno y oculto, ese que está repleto de luces, suciedad y entretenimiento. Si esta película tuviese cyberpunk podríamos decir que Winstead está interpretando a la Mayor Kusanagi de ‘Ghost in the shell’ en una sencilla misión de asesinato.

Como decía antes, las características de este filme son las mismas que han forjado a grandes estrellas del cine blockbuster. Un villano escondido tras un ejército de secuaces, una historia de venganza, una protagonista dura de pelar y una acompañante del tipo “dolor de cabeza”. Una aporta el “drama” y el músculo y la otra pone la comedia, el contraste habitual de las buddy movies.

Os animo a acercaros a Kate, una mujer que está vendida pero que no deja de ser letal. Animo también, desde este tremendamente modesto texto, a las productoras a seguir haciendo películas de acción como esta, sangrientas, bien coreografiadas y si puede ser, con algo más de historia o sorpresa.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Kate. Duración: 106 min. País: EE.U. Dirección: Cedric Nicolas-Troyan. Guion: Umair Aleem. Música: Nathan Barr. Fotografía: Lyle Vincent. Reparto principal: Mary Elizabeth Winstead, Jun Kunimura, Woody Harrelson, Tadanobu Asano, Miyavi, Michiel Huisman, Miku Martineau. Producción: 87 North, Screen Arcade. Distribución: Netflix. Género: acción. Web oficial: ver en Netflix

Crítica: ‘Gunpowder Milkshake (Cóctel explosivo)’

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Sam (Karen Gillan) tenía solo 12 años cuando su madre Scarlet (Lena Headey), una asesina de élite, se vio obligada a abandonarla. Sam fue criada por “La Firma”, el despiadado sindicato del crimen para el que trabajaba su madre. Ahora, 15 años después, Sam ha seguido los pasos de su madre y se ha convertido en una cruel asesina a sueldo, tan eficiente como leal. Ella usa sus «talentos» para limpiar los líos más peligrosos de “La Firma”.

Pero cuando un trabajo de alto riesgo sale mal, Sam debe elegir entre servir a “La Firma” y proteger la vida de una niña inocente de 8 años: Emily (Chloe Coleman). Sam solo tiene una oportunidad para sobrevivir: reunirse con su madre y sus letales socias: “Las bibliotecarias” (Angela Bassett, Michelle Yeoh y Carla Gugino).

Estas tres generaciones de mujeres deberán aprender a confiar las unas en las otras, enfrentarse a “La Firma” y a su ejército de secuaces, y hacer frente a todos aquellos que se interpongan en su camino.

Crítica

Esgrime tantas buenas armas como objetos hay en su atrezo

Como seguramente saltará el tema quiero zanjarlo desde las primeras líneas y dejar claro mi enfoque con esta película. ‘Gunpowder Milkshake (Cóctel explosivo)’ es un filme que ha sido escrito y dirigido por hombres (Navot Papushado y Ehud Lavski) y es una película de acción en la que el protagonismo es exclusivamente femenino y funciona la mar de bien sin necesidad de usar argumentos rancios o de tener a las actrices luciendo el palmito, abstenerse salidorros. Tiene un marcado carácter feminista y no lo disimula con sus frases o sus referencias a Janis Joplin, Virginia Woolf, Charlotte Brontë… E incluso poniendo a todos los hombres en el bando de los malos y tontos hasta el punto de ser capaces de llevar un martillo a un tiroteo, como vemos en una gran escena con traveling a cámara lenta.

Y el mejor favor que le podemos hacer a esta película es considerar esos argumentos en pro de las mujeres, pero disfrutarla de manera normalizada, como otra más. ¿Cómo otra más? Quizá eso sería introducirla en un saco de películas irrelevantes que no se merece. ‘Gunpowder Milkshake’ es un filme de asesinas que el israelí Navot Papushado ha cargado de tiroteos y de peleas. Pero dota al metraje de un estilo moderno que le permite mezclar violencia explícita con humor, además de muy buen ritmo. Eso nos lleva a equipararla con películas como ‘Kingsman’ en la que nos introducen en organizaciones secretas y quienes las protagonizan van matando con mucho estilo por todo el mundo. La trama nos mete en la vida de una joven sicaria (Karen Gillan) que tropieza en uno de sus trabajos y debe abrirse paso a tiros para sobrevivir.

Este es un mundo de parafernalia elitista y secreta en el que unos son los mandamases, otras las que se manchan las manos, otras quienes surten de armas a los asesinos… Y está el médico que ilegalmente remienda las heridas. En la consulta y en el parking de este doctor suceden unas de las escenas con mejor acción y comedia de todo el filme. ‘Gunpowder Milkshake’ se enreda y complica para la protagonista de un modo francamente típico, pero bien llevado. Es de esas en las que la heroína tiene un delatador talón de Aquiles que le hace encontrarse con diversas encrucijadas morales.

Gillan está bien en ese papel y se luce en las escenas de acción más que en películas como ‘Jumanji’ y se aproxima más a los movimientos que hizo en ‘Guardianes de la Galaxia’, donde en la piel de Nebula se batió el cobre y peleó unas cuantas veces. Al final el camino que recorre su personaje es similar al de la saga ‘John Wick’ y se cruza con el de la trama de ‘Léon, el Profesional’. Se percibe que hay bien de extras y no tenemos el nivel de coreografías que ejecutó Keanu Reeves o el engatusamiento que lograron Jean Reno y Natalie Portman con su química. Pero hay carisma y buenas proezas físicas.

Es uno de esos filmes donde la acción se consigue recreando peleas en las que cualquier objeto del atrezo puede servir del arma. Esto lo hemos visto también en la saga de Chad Stahelski o en ‘Equalizer’ y parece que es una dinámica que sigue funcionando. Más que decir que se tira de ingenio cabe mejor usar la expresión menaje armamentístico del hogar. Y lo que parece funcionar también es rellenar la escenografía de ciertos elementos visuales. Está claro que el siglo XXI ha rescatado los neones de los años 80 y los ha hecho suyos. Pero más allá de eso están los detalles “monos” que llevan tan letales personajes y que al estilo de la mochila de unicornios que lucía lucía por ejemplo Joel Kinnaman en ‘Altered Carbon’ dota al filme de algo de ternura que contrasta con la sangre con la que está todo salpicado. De ahí que veamos bolsas de gatitos, móviles cucos con forma de panda…

Prefiero no destriparos cuáles son los roles o cómo intervienen las otras integrantes del reparto. Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh y Angela Bassett son quienes además de Ralph Ineson y Paul Giamatti acaparan el foco de las cámaras. Simplemente basta decir que son actrices de armas tomar y en la película hacen honor a esa fama. Chloe Coleman es la pequeña actriz que apunta maneras y ya figura en repartos de películas como ‘Avatar 2’ o la nueva versión de ‘Dragones y Mazmorras’, anotemos su nombre.

Tiros, fracturas y cuchilladas no le faltan a ‘Gunpowder Milkshake’. Al margen del tema del feminismo me gusta cómo pone en relevancia casi de tapadillo su crítica hacia el ostracismo que le estamos haciendo como sociedad a la literatura. Y es que usa como un lugar perfecto para esconder armas, dinero, documentación falsa… los libros de una biblioteca pues en estos tiempos apenas nadie las pisa. No es que esta sea una película trascendental, pero ahí está el detalle contra el consumismo y el maltrato a las letras.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Gunpowder Milkshake. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Navot Papushado. Guion: Navot Papushado, Ehud Lavski. Música: Haim Frank Ilfman. Fotografía: Michael Seresin. Reparto principal: Karen Gillan, Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh, Angela Bassett, Paul Giamatti, Chloe Coleman, Freya Allan, Ralph Ineson, Adam Nagaitis, Ivan Kaye, Joanna Bobin. Producción: Studio Canal, The Picture Company, Studio Babelsberg. Distribución: Vértice Cine. Género: acción, thriller. Web oficial: https://www.studiocanal.com/title/gunpowder-milkshake-2020/ 

Crítica: ‘El tubo’

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Tras subirse en el coche de un desconocido, Lisa se despierta en el interior de una estrecha tubería. En su brazo tiene un brazalete con una cuenta atrás. La joven no sabe por qué está allí, pero pronto comprenderá que deberá llegar a sus límites de resistencia física y psicológica para sobrevivir a esta trampa claustrofóbica.

Crítica

Más allá de lo metafórico o caprichoso se percibe una agradable intención de contar algo

Mathieu Turi no es un nombre muy conocido aún en España, pero pronto lo será. El director, que ha sido mucho tiempo asistente de grandes directores como Tarantino, inició hace no mucho una carrera en el campo de los largometrajes de terror y la calidad de sus trabajos está yendo a más. En esta web os hablamos de ‘Hostille’, un título donde una chica trataba de salir de un coche que era asediado por las inclemencias de un peligroso desierto y las criaturas que lo habitan. Con ‘El tubo’ se pone aún más claustrofóbico si cabe.

En este filme lo que sucede es que tras montarse en el coche de un peligroso desconocido despierta en un tubo. Intentará escapar de él, pero la situación se vuelve cada vez más y más extraña. Con esta premisa sobra decir que ‘El tubo’ recuerda a títulos como ‘Cube’, ‘Buried’ o las recientes ‘Tin Can’ u ‘Oxígeno’, de su compatriota Alexandre Aja. No esperéis trampas a lo ‘Cube’, las hay pero no tan sesudas o sanguinolentas. La protagonista interpretada por Gaia Weiss tiene un recorrido más arduo que el más difícil de nuestros lunes, pero el verdadero valor de esta película es su interpretación y las molestias que se han tomado en contar una historia.

Es fácil encerrar a una protagonista y hacérselas pasar canutas porque sí. Originalmente ‘Cube’ era algo por el estilo, más adelante con sus secuelas se desarrolló su discurso. Contaros la intencionalidad oculta de este filme sería romperos su gracia. Lo único que puedo decir es que a partir de determinado giro todos llegamos a una interpretación más o menos idéntica. Es innegable que ‘El tubo’ despierta curiosidad e intriga. Es enigmática, metafórica, a veces parece que un poco caprichosa con sus elementos, pero explicada al fin y al cabo. Donde causará más discrepancia de opiniones es con su ultimísima y desconcertante escena.

Y cuando me refiero en que se han tomado molestias en contar una historia también me refiero a la fotografía y el diseño de producción. Mathiew Turi ha contado con parte de su equipo habitual como el compositor Frédéric Poirier, pero para la historia es aún más importante la búsqueda de imágenes por parte del camarógrafo Alain Duplantier. El estudio de la escenografía planteada por el director es algo magnífico. Consiguen muy buenas tomas y agobiantes imágenes. La iluminación, que parte casi únicamente del brazalete implantado en la muñeca de la chica atrapada, esta logradísima.

Gratuita podría ser esta película por alguna escena ligeramente gore que tiene, con unos protésicos bastante conseguidos hasta el punto de dar nauseas. Pero ‘El tubo’ plantea situaciones más difíciles para la protagonista como esquinazos y meandros casi imposibles de salvar, por algo su título original es ‘Méandre’. Ahí es donde se percibe un gran trabajo físico de la protagonista, Gaia Weiss. Conocidas son sus interpretaciones en la serie ‘Vikingos’ y aquí no se queda atrás. Pero son aún mejores sus movimientos, casi de contorsionista.

‘El tubo’ se cuela en esas películas «tipo escape room” que tienen algo que aportar y que además nos habla de carreras en sentido ascendente. Prácticamente no tiene diálogos as si es que no dudéis en verla en versión original, apreciaréis más el sufrimiento de la protagonista, por morboso que suene.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de septiembre de 2021. Título original: Méandre. Duración: 87 min. País: Francia. Dirección: Mathieu Turi. Guion: Mathieu Turi. Música: Frédéric Poirier. Fotografía: Alain Duplantier. Reparto principal: Gaia Weiss, Peter Franzén, Romane Libert, Frédéric Franchitti. Producción: Fulltime Studio, Cinéfrance Studios, Equiltime, WTFilms, OCS, Alba Films, SG Image 2018, Cinéaxe, Ynns Interactive. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial: https://fulltime.studio/meandre

Crítica: ‘Ice road’

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 Un terrible accidente deja atrapados a numerosos mineros en una mina de diamantes, situada en un remoto extremo de Canadá. Su única esperanza es Mike (Liam Neeson) un conductor de camiones de gran tonelaje, que tendrá que atravesar un país cubierto de nieve, en el que sólo se puede transitar por las traicioneras “ice roads”: carreteras de hielo que transcurren sobre ríos, lagos o incluso océanos congelados. Mike tendrá que enfrentarse a una imposible carrera contrarreloj, llena de inesperados peligros y traiciones.

Crítica

Un escenario distinto pero otra del montón

¿Conocéis esos programas de televisión donde un equipo de cámaras sigue a unos camioneros? En el canal Historia emitían uno llamado ‘Ice road truckers’. En él se montaban en la cabina de unos camioneros que debían seguir rutas peligrosas por Alaska o Canadá. Su recorrido incluía carreteras de hielo de solo un metro de espesor sobre el agua. Pues la nueva película protagonizada por Liam Neeson parece un episodio más de ese programa.

Obviamente el filme tiene un ingrediente delictivo y dramático que no tenían esos episodios, pero básicamente es lo mismo. Tanto los problemas que se van encontrando como las soluciones que han de aplicar parece que han sido sacadas de ese reality. Por lo tanto, podemos percibir algunos detalles de la cinta como meras curiosidades reales, pero su transcurso no puede ser más clásico.

En ‘Ice road’ unos mineros quedan atrapados en un derrumbe por una explosión de metano. El problema es que la solución de su rescate pasa por conseguir transportar una pieza enorme y no hay lugar para que aterrice un avión con él de manera inmediata. A si es que recurren a aguerridos camioneros necesitados de encargos y dinero. Pero todo se tuerce cuando la cosa pasa de ser un negocio a algo personal o familiar y ya sabemos que eso con Neeson nunca acaba bien.

Si Los 33 de Chile hubiesen contado con Liam Neeson otro gallo habría cantado. Pero es que encima el filme se toma su tiempo. Para ser una situación urgente y a contrarreloj se toman muchas molestias a la hora de reclutar a quienes van a ir por la carretera helada. Y es que la situación no requiere aguantar horas mientras se agota el oxígeno, también supone hacerlo bajo el permafrost. El escenario es curioso pero helados nos deja el filme que ni se moja con sus argumentos ni se esfuerza en marcar la diferencia.

Ya no es solo por lo que me gustan las películas de Neeson o incluso las de Laurence Fishburne que me duele decir todo esto. Es también por el director Jonathan Hensleigh. Me gustaron trabajos suyos como los guiones de ‘El santo’, ‘Jumanji’, ‘La jungla 3’ o ‘Armageddon’. Incluso me declaro fan de su Castigador. Sabe escoger escenarios y situaciones. Pero a veces, como en esta ocasión, no desarrolla bien a sus personajes o no se esfuerza en demasía por salirse de los tópicos del género, como le sucedió con ‘Matar al irlandés’. Compro sus majaderías, como la música country, la relación entre los hermanos, su hámster o los cabezones pegados en el salpicadero, pero me gusta que cuando paso por ese aro el filme se decante por un tono más cómico.

Ya no sé si es por gusto o por necesidad que Liam Neeson ha caído en repetirse tanto con sus películas, me da lástima pues tiene en su haber cintas e interpretaciones históricas. Y eso que con ‘Venganza bajo cero’, otra en la que aseguraba dejar la acción, no salió del todo mal parado. La calidad de estas baja y baja, se percibe hasta en la factura técnica. En ‘Ice road’ los efectos digitales son de nivel de película para la televisión. Como decía al comienzo de la crítica, esto parece más una propuesta televisiva, de esas que se producen al peso, más que una aventura de acción con verdadera intención de sorprender.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de agosto de 2021. Título original: The ice road. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Jonathan Hensleigh. Guion: Jonathan Hensleigh. Música: Max Aruj. Fotografía: Marcus James, Tom Stern. Reparto principal: Liam Neeson, Laurence Fishburne, Benjamin Walker, Amber Midthunder, Marcus Thomas, Holt McCallany, Martin Senmeier. Producción: Code Entertainment, ShivHans Pictures, Envision Media Arts, Solution Entertainment Group, Aperture Media Partners, Manitoba Film & Music. Distribución: eOne Films. Género: acción. Web oficial: https://www.codeentertainment.com/the-ice-road-film

Crítica: ‘Annette’

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La película narra la historia de Henry, un comediante con un sentido del humor excepcional, y Ann, una cantante de renombre internacional. Delante de las cámaras, forman una pareja feliz y llena de encanto. El nacimiento de su primera hija, Annette, una niña misteriosa, cambiará sus vidas.

Crítica

‘Annette’ me ha dejado sin habla, simplemente increíble

Tenía muchas ganas de ver ‘Annette’, desde su estreno en Cannes y las críticas tan dispares que tuvo, la curiosidad se apoderó de mí. El 20 de agosto se estrenó en nuestras salas de cine y el 26 de noviembre la podremos disfrutar en Filmin.

‘Annette’ no es una película para todos los públicos. Una ópera-rock que puede aturullar a muchos si no entran en la película, pero que puede hipnotizar a los que sí se adentren en este cuento moderno.

Jugando con las luces y las imágenes, Leos Carax nos introduce dentro de esta historia de amor a través de la música de ‘Sparks’. Me parece increíble el trabajo técnico de esta cinta. El como según distintos tonos de las canciones las imágenes se ven distorsionadas o más nítidas. El comienzo es una auténtica maravilla técnica.

Luego están los colores, Ann, esa mujer perfecta, con sus colores vivos, su pelo rojo y su apariencia indefensa. Mientras que tenemos a Henry, con sus verdes oscuros y sus apariencia fuerte e inquietante.

Luego por supuesto está Annette. Qué gran trabajo han realizado con ella. En la película, se nos muestra a Annette como una marioneta, no es algo que llegue a importar, sabemos que es de madera, pero logran darle tanta expresión, que en ningún momento dudas de ella. Sufres a su lado las consecuencias de los adultos. Sus insultos, sus peleas y ella sin poder hacer nada. Solo es una niña a la que le ha tocado esa vida, llena de fama y a la vez tristeza.

Hay escenas muy potentes durante la cinta. Imágenes que duelen, imágenes que enamoran y otras que simplemente ponen los pelos de punta. Una crítica hacia muchas cosas, el ser famoso, sus consecuencias al quedarse sin libertad, también a las consecuencias.

En los agradecimientos Carax nombra a Edgar Allan Poe y es que bien podría ser una de sus historias trágicas oscuras y llenas de muertes. Todo ello mezclado con alguna de las obras de Magritte o incluso Klimt.

Las interpretaciones de Adam Driver, que no se cómo todavía no tiene un Oscar en sus manos, Marion Cotillard, que está como siempre perfecta con todos sus cambios de looks y Simon Helberg, que fuera de la comedia se desenvuelve estupendamente, hacen que ‘Annette’ sea real.

Creo que, como he dicho anteriormente, no es una película para todo el mundo, pero si que es una experiencia a la que recomiendo acercarse. Su música, sus imágenes y su historia hace que de una manera u otra entres en este extraño cuento.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de agosto de 2021. Título original: Annette. Duración: 140 min. País: Francia. Dirección: Leos Carax. Guion: Ron Mael, Russell Mael. Música: Ron Mael, Russell Mael. Fotografía: Caroline Champetier. Reparto principal: Adam Driver, Marion Cotillard, Simon Hilberg. Producción: CG Cinéma, ARTE, BE TV, Barnstormer Productions, Canal+. Distribución: Elastica Films, Filmin. Género: musical, drama. Web oficial: http://cgcinema.eu/films/titre

Crítica: ‘Reminiscencia’

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Nick Bannister (Jackman), un investigador privado que se interna en el oscuro y seductor mundo del pasado, ayuda a sus clientes a recuperar recuerdos perdidos. Vive a orillas de la costa de Miami que se encuentra sumergida en gran parte bajo el mar. Un día, su vida cambia cuando aparece Mae (Ferguson), una nueva clienta. Aunque Mae solo acude a su consulta para encontrar un objeto perdido, se convertirá en una peligrosa obsesión. Mientras Bannister intenta encontrar el motivo de la desaparición de Mae, descubre una violenta conspiración y, al final, deberá responder a la gran pregunta: ¿Hasta dónde llegarías para aferrarte a tus seres queridos?

Crítica

Efectivamente, nos recuerda a cosas vistas pero las narra con gran estilo

Tengo que reconocer que Lisa Joy no está entre mis favoritas sobre todo desde que no me convenció con el desarrollo de ‘Westworld’. Pero tras ver ‘Reminiscencia’, su primer largometraje, he decir que me ha encandilado.

Y eso que este thriller romántico de ciencia ficción bebe muchísimo de las películas de su cuñado y de su marido. Parece que pasar a formar parte de la familia de los Nolan te hace desarrollar historias fantasiosas ambientadas en la mente humana. A lo que más recuerda ‘Reminiscencia’ es a ‘Origen’. Y no es solo por sus imágenes, también por su trama. Tenemos a un protagonista atormentado por sus recuerdos, que se gana la vida introduciéndose en la mente de otros y de repente se ve inmerso en algo más grande de lo que puede abarcar y más personal de lo que nunca estaría dispuesto admitir.

En esta película nos transportan a un mundo totalmente inundado. La historia transcurre entre Miami y Luisiana, ambas convertidas en Venecias sin encanto, repletas de luces y rascacielos decadentes. En ese escenario apocalíptico se gana la vida el personaje protagonista interpretado por Hugh Jackman. Tanto él como su compañera son excombatientes de una gran guerra con un negocio capaz de hacer que la gente se sumerja literalmente en recuerdos. Asimismo la justicia muchas veces les reclama para usar su técnica en interrogatorios. Este modo de vida se ve alterado cuando en la vida de estos colegas excombatientes aparece una femme fatale interpretada por Rebecca Ferguson.

Es como si la directora (y también guionista) hubiese cogido ‘Inception’ y la hubiese llevado adecuadamente a los códigos del cine negro. Estamos rodeados de miseria y autodestrucción. El protagonista es un héroe entre la calaña que busca sin descanso a la mujer que sabe que probablemente será la causa de su perdición. La película está narrada en primera persona y tiene un montaje también muy nolaniano, haciéndonos bucear entre presente, pasado y reminiscencias. Llegamos a tener recuerdos de los recuerdos, otra matrioshka narrativa. De este modo también nos recuerda un poco a ‘Desafío total’. Pero ‘Reminiscencia’ no tiene ni la épica de ‘Origen’ ni la acción de las versiones cinematográficas de la novela de Philip K. Dick. Al fin y al cabo el cine negro siempre nos lleva a caminos más fatídicos, perdidos entre las sombras.

El filme está muy bien realizado sobre el papel. La historia está correctamente hilada pero hay que permitirle algunas licencias. Por ejemplo, si lo que vemos son recuerdos extraídos de la mente de un sujeto deberían estar en primera persona, no en tercera con todo lujo de planos. Supongo que siendo conscientes de esto han querido darle al filme un toque más romántico o artístico. Lo que si considero un fallo es que en esas reminiscencias proyectadas holográficamente, a lo ‘Minority Report’, se encuentren cosas que el sujeto no ha visto ni presenció.

Si te gustan las películas cargadas de texto ‘Reminiscencia’ es para ti, algo que también tuvimos de sobra en ‘Westworld’. Pero para tener tanta narración podrían haber empleado algo más de metáfora. Si bien es verdad que aunque falte ese simbolismo narrativo el filme nos deja algunas frases extrapolables al ámbito de la industria del entretenimiento o incluso de la sociedad actual: “La nostalgia nunca pasa de moda” y “La nostalgia como modo de vida” son dos sentencias muy descriptivas que harán que nos miremos al ombligo y pensemos hasta qué punto dependemos de nuestros recuerdos.

Hugh Jackman y Rebecca Ferguson juntos de nuevo en un espectáculo «romántico-visual» pero con un toque muy distinto al de ‘El gran showman’, como era de imaginar. Ambos impecables. Además Lisa Joy se ha arropado de conocidas como Thandie Newton o Angela Sarafyan con quienes ya trabajó en su serie de vaqueros robóticos. Incluso Jackman ya había trabajado con el clan de los Nolan pues protagonizó ‘El truco final’. Todo queda en familia.

‘Reminiscencia’ nos devuelve a historias fantasiosas vistas hace no mucho pero también nos hace retroceder al cine de ratas, justicieros y amor de John Huston o Billy Wilder. Películas así quizá queden en nuestra memoria, no están de más.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de agosto de 2021. Título original: Reminiscence. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Lisa Joy. Guion: Lisa Joy. Música: Ramin Djawadi. Fotografía: Paul Cameron. Reparto principal: Hugh Jackman, Rebecca Ferguson, Thandie Newton, Daniel Wu, Angela Sarafyan, Marina de Tavira, Cliff Curtis, Natalie Martinez, Teri Wyble, Sam Medina, Sue-Lynn Ansari, Mojean Aria, Demi Castro. Producción: FilmNation Entertainment, Kilter Films, Michael Da Luca Productions. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, acción, suspense. Web oficial: https://www.filmnation.com/library/reminiscence

Crítica: ‘Descarrilados’

Sinopsis

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Año 2000. Pepo, Roge, Costa y Juan Luis, cuatro veinteañeros, emprenden el viaje soñado: el interrail. Pero en su primera parada en París, la aventura, y de paso su amistad, acaban de manera abrupta.

Crítica

Una mezcla entre ‘La vuelta al mundo en 80 días’ y ‘Resacón en las Vegas’

Unos amigos intentan a sus veinte años hacerse una ruta en el archiconocido interrail. La cosa acaba tremendamente mal entre ellos por culpa de que nada más empezar el viaje tienen un percance del cual se culpan los unos a los otros. Veinte años después uno de ellos fallece y les deja en herencia a los otros tres 600.000 € y la última voluntad de que terminen ese inacabado viaje.

‘Descarrilados’ es una mezcla entre ‘La vuelta al mundo en 80 días’ y ‘Resacón en las Vegas’. Un viaje a contrarreloj a cambio de una recompensa y mientras tanto hay borracheras, colocones y accidentes. Una película fiestera, alocada y por supuesto cómica. El film de Fernando García-Ruiz tiene muchos momentos absurdos, como el que desconcertantemente sucede en Rumanía, y se acerca a la tónica chanante que tanto éxito le ha dado a dos de los protagonistas. Y precisamente ese es el rollo de la película, algo divertido, llamativo, que sin ser extraordinario ni extremadamente hilarante consigue hacernos pasar un buen rato.

Diría incluso que el film es consciente de lo cutrecillo que puede ser a veces con detalles como esos delatadores cromas que se han usado para mostrar que los protagonistas van recorriendo Europa. Al fin y al cabo simplemente pretenden plantar a unos cuarentones y fracasados en unas situaciones desesperadas y desfasadas, tan surrealistas como las aventuras que tus amigos te cuentan al volver de interrail y que cada año te repiten pintándolas más y más extremas. Dicho esto no hace falta decir que es un viaje lleno de droga y malentendidos.

Lo mejor del filme es la sintonía entre los tres protagonistas. Unos estandartes del humor absurdo en España como son Julián López, Arturo Valls y Ernesto Sevilla. En la película son el perfecto paranoias, el ligón pegajoso y el nini cuarentón. Conocemos a esta cuadrilla desde jóvenes y descubrimos su historia de amistad, pero sobre todo cuán perdedores son. Hay una frase que define muy bien a los personajes y que sirve oportunamente como crítica para quien la quiera coger: “no es retrasado, solo es español”. Una puya que levantará ampollas entre los patriotas más recalcitrantes, pero que sin duda refleja la imagen que dejamos cuando viajamos al extranjero inventándonos el idioma local, arrasando con los bufetes de los hoteles, creyéndonos los más avispados de Europa…

Lo mejor que se extrae de ‘Descarrilados’ es esa pulla a nuestro comportamiento más allá de nuestras fronteras. Hay momentos divertidos como la secuencia inicial (una auténtica putada) o la escena del pinball. ¿Podría haber sido más divertida o haber sacado más partido a sus personajes secundarios? Pues sí. Pero para ser el primer largometraje de Fernando García-Ruiz lo veo correcto. Y si estás en sintonía con el humor de Valls, López y Sevilla, la disfrutarás un poco más.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de agosto de 2021. Título original: Descarrilados. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Fer García-Ruiz. Guion: David Marqués. Música: Fotografía: Ángel Amorós. Reparto principal: Julián López, Ernesto Sevilla, Arturo Valls, Dafne Fernández, Ana Millán. Producción: Mono Pictures, Sony Pictures International Productions, Kilima Media, Amazon Prime Video. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/desacarrilados

Crítica: ‘D’Artacán y los tres Mosqueperros’

Sinopsis

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D’Artacán es un chico impetuoso e inocentón que va a París para hacer realidad el mayor de sus sueños: unirse al cuerpo de Mosqueperros de su Majestad.

Una aventura de capa y espada llena de amistad, honor, justicia, acción y, sobre todo, muchísima comedia: ¡Uno para todos y todos para uno!

Una versión actualizada del clásico de los 80 inspirada en la novela más famosa de Alejandro Dumas.

Crítica

Esta nueva versión tiene las cualidades que le pedimos a unos buenos mosqueperros

Seguro que un personaje icónico de la infancia de muchos que me estáis leyendo es D’Artacán. Aquella época de series repletas de protagonistas antropomórficos como Willy Fog, Sherlock Holmes o la más tardía Basket Fever, supuso una marca en la historia de nuestra televisión que retorna para abogar por una filosofía diferente de entretenimiento, aquella que puja también poros argumentos educativos sin dejar de lado la aventura.

1625 es la época en la que se ambienta esta aventura de duelos de espada y conspiraciones palaciegas. Por supuesto toda la aventura está inspirada en la obra de Dumas, a quien se le hace homenaje poniendo nombre a un barco, manteniendo claro está el carácter infantil de la serie de los 80. Lo más probable es que a muchos este nuevo ‘D’Artacán y los tres Mosqueperros’ le recuerde a la película de Stephen Herek pues está más presente en el tiempo y tiene pasos parecidos. Ante todo esta sigue siendo la odisea de un pequeño valiente acompañado del más glotón, el tremendamente lírico y el más rudo de los mosqueperros yendo por París defendiendo su  honor, la justicia y desmontando las artimañas del cardenal Richelieu.

Relanzamiento de lo que todos sabemos que ya era algo inspirado en la novela más famosa de Alejandro Dumas. Por lo tanto, había doble reto, seguir siendo fiel al espíritu de la obra de 1844 y además respetar la itnerpretación de la serie de los 80. Corriendo los tiempos que corren seguramente se mire con más detalle el hecho de si es fiel a la serie que a la ilustre obra de la literatura, de ahí los valores de nuestra sociedad o cultura pop. También se comparará con la inmensidad de obras animadas que vemos hoy en día. Pero creo que esta versión de ‘D’artacán y los tres mosqueperros’ saldrá bien parada pues cumple en todos los aspectos.

Quizá el estilo animación sea su punto débil. Por un lado permite mantener el diseño original de los personajes pero por otro hace que la acción sea un poco menos fluida y vibrante. Probablemente donde oigamos más críticas al respecto sea desde la opinión del público juvenil que actualmente está acostumbrado a historias con secuencias frenéticas. De nuevo en ese aspecto volvemos a la producción de los 80 apostando por una versión que busca como puntos fuertes otros aspectos. Por otro lado, hay que decir que tiene diversos flashbacks y para llevarlos a cabo se realiza una doble vuelta al pasado, pues además de retroceder en la historia volvemos a la animación 2D, acercándose ahora sí al público más adulto tirando de nostalgia total. También debo decir que tenía grabado su sonido en la memoria y he echado de menos la voz de Eduardo Jover para D’Artacán, no obstante el filme está bien doblado.

Esta nueva versión tiene las cualidades que le pedimos a unos buenos mosqueperros. La animación es correcta, genial, tiene valores que aportar a los espectadores jóvenes, destacable, es una aventura divertida e inocentona, innegable, sirve como buena adaptación de Dumas (para público infantil), era obligatorio y no se dejan eso en el tintero. Aunque el humor sea de lo más tontorrón prefiero quedarme con que al público de menor edad se le enseñan conceptos como el honor, la clemencia, la lealtad, la dedicación… eso ya coloca a este ‘D’Artacán y los tres mosqueperros por encima de muchas películas o series que solo buscan vender merchandising o ser saturadamente efectistas.

En la película un personaje traiciona a D’Artacán por unas monedas de plata. Por suerte podemos decir a grito pelado que esta serie no traiciona a su original y además reserva guiños como a David el Gnomo que también forma parte de aquella época brillante de nuestra animación. Además suma una excelente banda sonora de reserva acordes para la canción original en formato orquesta y coro. No me ha gustado tanto el tema de Cristina Ramos y Serafín Zubiri. Dura apenas un minuto pero es tan Disney que se sale un poco de los esquemas de la película, pese a que se suma a otro de los guiños a escenas de la serie original. De igual manera he visto innecesario volver a grabar con otras voces el clásico opening, de nuevo puede que el problema sea mío y que tenga mitificado lo bien que sonaba.

Considero además muy Importante la aparición de producciones españolas como esta teniendo en cuenta que venimos de un año en el que solo tuvimos ‘La Gallina Turuleca’ entre las nominadas a Mejor Película de Animación en los Goya. Es vital para nuestra cantera de la animación que se fomente su producción, sus visionados y su valor competitivo. Además la película ‘D’Artacán y los tres Mosqueperros’ cuenta con el beneplácito del creador/productor original Claudio Biern Boyd, no pido más.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de agosto de 2021. Título original: D’Artacan y los tres Mosqueperros. Duración: 84 min. País: España. Dirección: Toni García. Guion: Douglas Langdale. Música: Manel Gil-Inglada. Producción: Apolo Films, Cosmos-Maya. Distribución: A Contracorriente Films. Género: animación, aventuras. Web oficial: https://dartacanlapelicula.com/

Crítica: ‘Jinetes de la justicia’

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El militar Markus debe regresar a casa con su hija adolescente, Mathilde, cuando su esposa muere en un trágico accidente de tren. Todo parece ser simplemente mala suerte, hasta que Otto, experto en matemáticas y también pasajero de tren siniestrado, aparece con sus dos excéntricos colegas, Lennart y Emmenthaler. Otto está convencido de que alguien está detrás de todo esto.

A medida que las pistas se acumulan, Markus tiene claro que todo podría haber sido un asesinato cuidadosamente orquestado, en el cual su esposa terminó siendo una víctima aleatoria.

Crítica

Un grupo que se nutre de su casualidad y causalidad

Un fatídico suceso en un tren termina con la muerte de una mujer que acompañaba a su hija ya que se les había estropeado el coche y a esta le habían robado la bici. Uno de los supervivientes se alía con sus colegas y el viudo de esa mujer para esclarecer los hechos pues sospechan que no fue un accidente.

Pensaba que este era un filme cuya fuerza residiría en estallidos de violencia y comedia negra. Y la verdad es que ‘Jinetes de la justicia’ explota esos dos aspectos, pero si me ha dejado huella es por otra razón. Dos de los protagonistas son expertos matemáticos, obsesionados con la probabilidad. Con ellos se desarrolla un hilo que demuestra que a veces las cadenas de casualidades llevan a pensar más en la causalidad que en lo fortuito. Las matemáticas pueden ser una garantía de certeza, pero cuando hablamos de estadística e introducimos el impredecible factor humano dejan de ser tan infalibles. El filme de Anders Thomas Jensen demuestra eso al estilo corolario, cual postulación algebraica.

A parte de tratar muy bien todo el tema causa-efecto la película desarrolla un discurso sobre el sentimiento de grupo y el enfoque de la vida. El equipo de investigadores justicieros está compuesto por un militar despechado y unos excéntricos geniecillos que han de entenderse si quieren salir exitosos en su cometido y eso genera enfrentamientos y resoluciones la mar de peculiares, como decía antes, impredecibles. De un modo u otro todos se nutren psicológicamente de esta pintoresca relación que se establece entre ellos.

Mikkelsen encarna un personaje retraído y explosivo, un papel que tal vez no suponga un reto en su carrera pero que sin duda ha tenido que controlar para no perder la continuidad de su racord emocional. Y es que el resto del reparto protagonista de ‘Jinetes de la justicia’ tiene su drama pero se encarga de equilibrarlo todo con comedia y menos seriedad. La película tiene momentos que te descolocan, pero que uno acaba viendo que están inteligentemente buscados. Esos instantes nos los dan los momentos con Nikolaj Lie Kaas, quien vuelve a ganarme tras conquistarme con sus papeles en ‘Los casos del Departamento Q’.

Me atrevo a decir gracias a su apertura y cierre que ‘Jinetes de la justicia’ podría servir como un negro cuento navideño. Va más allá de vigilancia vecinal y su título viene de algo que seguro que no imagináis. Thomas Jensen nos rodea del habitual frío que congela las Navidades en el hemisferio norte, pero también aporta el calor hogareño y el sentimiento de familia que florece en esas fechas.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de agostode 2021. Título original: Retfærdighedens ryttere (Riders of justice). Duración: 114 min. País: Dinamarca. Dirección: Anders Thomas Jensen. Guion: Anders Thomas Jensen, Nikolaj Arcel. Música: Jeppe Kaas. Fotografía: Kasper Tuxen. Reparto principal: Mads Mikkelsen, Andrea Heick Gadeberg, Nikolaj Lie Kaas, Andrea Heick Gadeberg, Lars Brygmann, Nicolas Bro. Producción: Zentropa Entertainments, Film i Väst. Distribución: La Aventura. Género: comedia. Web oficial: https://www.ridersofjustice.com/

Crítica: ‘Cuestión de sangre’

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Bill Baker (Matt Damon) es un rudo operario de una plataforma petrolera estadounidense que viaja a Marsella para visitar a su hija, en prisión por un asesinato que afirma no haber cometido. Lejos de casa, las cosas no serán nada fáciles para un padre dispuesto a todo para demostrar la inocencia de su hija.

Crítica

De esas películas que esconden más de lo que parece pese a su duración y sobriedad

Había visto a Matt Damon ejerciendo de padre en aquel chasco que fue ‘Suburbicon’. Pero hasta ahora no le había visto tan implicado con todo aquello que representa entregarse a una hija incondicionalmente, asumiendo un rol que ya le iba tocando, no solo por su edad, si no por abrir el abanico de papeles que ha interpretado.

‘Cuestión de sangre’ cuenta como un padre de Oklahoma debe viajar a Francia para poder ver a su hija ya que esta lleva años en una prisión de Marsella. Es un hombre que nunca ha tomado buenas decisiones y vive, como suele decirse, tirando. Durante la visita descubre que esa hija ha encontrado un hilo del que tirar para ser libre, pero es tan fino que no va a poder soportar su peso mientras sale del pozo. Esta es la historia de un hombre que no quiere perder la esperanza y sobretodo que no quiere que la pierda su hija, de ahí que actúe con el raciocinio cegado.

Si esta fuese una cinta con Liam Neeson tendríamos claro cómo se va a desarrollar. Pero la película de Tom McCarthy (que ha sido escrita a ocho manos) va por otros derroteros. Aunque podamos intuir qué pasos va a seguir el padre desesperado que interpreta Matt Damon el filme si consigue sonsacarnos alguna sorpresilla.

‘Cuestión de sangre’ es una película que muestra cómo pese a existir una relación conflictiva entre padre e hija la sangre pesa más. Además hace uso de uno de esos cruces de culturas que tan buen resultado suelen dar en pantalla. El americano católico y patriota conviviendo con marselleses acostumbrados a otros códigos de conducta. En ese choque social lo que más esgrime el filme es un arma antirracista. Pero con tanto metraje propuesto McCarthy debería haber empleado más tiempo a esas cuestiones que plantea y menos a lo trivial. Y es que la película esconde más que un sobrio drama familiar. Es capaz de hacer que puntualmente el espectador se cuestione sus prejuicios, pero al no poner el foco en ello esto solo sucede de manera pasajera, dejándonos el sabor de haber visto un drama más de los sábados por la tarde que un título de autor.

El filme rescata un detalle del principio al estilo para darnos su principal giro, pero este llega muy tarde. Su duración no me ha parecido justificada, algo que se me ha hecho evidente cuando ha conseguido ponerse interesante a falta de cuarenta minutos, cuando ha transcurrido más de hora y media. Se convierte ahí el filme en algo más que una historia paterno filial en la que decimos eso de “de tal palo tal astilla”, pasa a enarbolar argumentos de una historia de cambio de vida.

‘Cuestión de sangre’ es sobria, parca en giros y se cuenta sin artificios, tanto visuales como narrativos. Pero si uno se queda con algunas escenas o pequeñas reflexiones podrá decir que no ha perdido sus más de dos horas de metraje. Puedo destacar además dos momentos muy breves. Uno de ellos consiste en una escena entre policías, cenando. Muy sutil y rápida para mostrarnos como se puede sonsacar información y bucear entre prejuicios. La otra más graciosa. Me guardo una frase que dice el personaje de Camille Cottin cuando ve como Matt Damon convierte en una sopa de kétchup la comida de su hija (muy bien interpretada por Lilou Siauvaud): “cuando veo lo que coméis entiendo porque rezáis antes”.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de agosto de 2021. Título original: Stillwater. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: Tom McCarthy. Guion: Thomas Bidegain, Noé Debré, Marcus Hinchey, Tom McCarthy. Música: Mychael Danna. Fotografía: Masanobu Takayanagi. Reparto principal: Matt Damon, Abigail Breslin, Camille Cottin. Producción: 3dot productions, Amblin Partners, Anonymous Content, DreamWorks, Participant Media, Slow Pony. Distribución: eOne Films. Género: thriller. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/stillwater/

Crítica: ‘Charlatán’

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Desde muy joven, a Jan Mikolášek le fascinaron las plantas y sus propiedades medicinales. Pronto, se convirtió en uno de los mayores “sanadores» de su tiempo. En la época de la guerra y su posterior crisis, dedicó su vida a tratar sin distinción a ricos y pobres, a los nazis durante la ocupación y a los comunistas después de la guerra. Su popularidad acabó por irritar a las autoridades políticas.

Acusado de charlatán, Mikolášek tuvo que demostrar la validez de su ciencia durante su juicio.

Crítica

‘Charlatán’ acaba siendo víctima de su propio título, vaticina más de lo que es

La historia de Jan Mikolášek es la historia de un jardinero que pasó a ser herbolario con fines sanatorios. Pero dadas las reticencias de la época y el régimen instaurado en la República Checa del siglo XX se convirtió en una historia de persecución, acusaciones y prejuicios. Está en tela de juicio el tratamiento que le dan en Rusia a los homosexuales y ‘Charlatán’ en buena parte se convierte en una película protesta, que critica a países como la Rusia actual, no sé si también de la República Checa actual.

Mikolášek nació en el imperio austrohúngaro, luchó en la I Guerra Mundial y murió en Checoslovaquia no sin antes sufrir la ocupación Nazi. No siendo ajeno a la situación política dedicó su vida indistintamente a curar a la gente a través de sus conocimientos botánicos, por lo menos así nos lo vende ‘Charlatán’. La dudosa eficiencia de las plantas le grajeó enemigos, sobre todo a raíz de que sus plantas se usaban para curar, pero sus diagnósticos surgían a partir de un análisis visual de la orina de sus pacientes.

La película parecía que iba a tratar sobre todo del juicio y encarcelamiento que sufrió Mikolášek pero en lugar de ello se convierte en un biopic que abarca su juventud, su transformación de jardinero a botánico y de ahí a un herbolario con una kilométrica cola en la puerta de su gran casa. Y además de eso es una historia de amor homosexual. Ciertamente nos hartamos de ver al protagonista viendo frascos de orina a trasluz y la película habría sido más interesante si se hubiese puesto más punzante con el tema de la represión a los gays o si hubiese tenido una vertiente más científica que defender en el juicio, que por otro lado solo sucede en los últimos compases del filme.

La cinta retrata al protagonista en varias épocas de su vida. Si veis parecido entre su versión joven y la adulta es porque padre e hijo interpretan al mismo personaje. Ivan Trojan y Josef Trojan hacen un gran trabajo y parece que se han compenetrado en comidas familiares para ejecutar actuaciones similares. Ambos encarnan a alguien que terminó siendo respetado pese a su regio carácter, ambos representan a una persona que es la encarnación del juramento hipocrático: curando a los demás con total desinterés hasta por su persona misma.

La película de Agnieszka Holland (‘The Wire’, ‘The Killing’) arranca con un último suspiro pero se alarga mucho más. ‘Charlatán’ acaba siendo víctima de su propio título, vaticina ser mucho algo superior pero se deja cosas en la superficie al no usar su tiempo para profundizar en ellas.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de agosto de 2021. Título original: Šarlatán. Duración: 118 min. País: República Checa. Dirección: Agnieszka Holland. Guion: Marek Epstein. Música: Antoni Lazarkiewicz. Fotografía: Martín Strba. Reparto principal: Ivan Trojan, Josef Trojan, Juraj Loj, Jaroslava Pokorná. Producción: Marlene Film Production, Madants, Film and Music Entertainment. Distribución: Vercine Distribución. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://marlenefilmproduction.com/en/projects/charlatan

Crítica: ‘Escape Room 2: Mueres por salir’

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‘Escape Room 2: Mueres por salir’ es la secuela del exitoso thriller psicológico que aterrorizó a espectadores alrededor del mundo. En esta entrega, seis personas se encuentran encerradas de manera inesperada en una nueva serie de escape rooms, revelando paulatinamente aquello que tienen en común para sobrevivir… y descubriendo que todos ya habían jugado el juego con anterioridad.

Crítica

Igual de poco original, pero con mejores salas de escape

El 13 de agosto llega ‘Escape Room: Mueres por salir’ a nuestras salas de cine. Volvemos al juego de la mano de los creadores de la anterior cinta, director y actores vuelven a la carga a darnos más tensión dentro de una habitación.

Zoey obsesionada por todo lo que les hicieron quiere destapar y lograr meter en la cárcel a sus captores. Ben, está en deuda con ella y decide a su pesar ayudarla en todo lo que está planeando.

Tras ver diversas pistas, Zoey decide que su destino es Nueva York y que allí podrá tende una trampa a Minos, la empresa que realizó todo el juego. Pero por desgracia los que caerán en la trampa serán ellos, si no, no tendríamos nueva película que para ver este verano.

La primera película ya era poco original en cuanto a temática. Al final, hemos visto muchas películas similares de este estilo (aquí os hablamos de algunas de ellas). Pero si que es cierto, que la genialidad que tiene son las distintas habitaciones que vamos encontrando a lo largo de la cinta. Cada una distinta y turbia.

En ‘Escape Room: Mueres por salir’ ocurre exactamente lo mismo, sí que hay un pequeño giro al acercarse el final, pero nada del otro mundo. Sí que es cierto que es mucho más apresurada con todo. Vamos pasando de habitación en habitación sin un pequeño descanso, haciendo que todo sea demasiado rápido. Está bien, porque le da ritmo a una historia que ya nos han contado, pero a la vez estresa bastante. Cosa que logra que la película sea muy amena y que además no aburra.

Las actuaciones son creíbles,  sencillas, tampoco se les pide mucho más que sufrir con las distintas trampas. Caras nuevas en el reparto y por supuesto caras conocidas a través de los protagonistas y diversos flashbacks. Taylor Russell, Logan Miler, Indya Moore, Holland Roden, Thoman Cocquerel, Carlito Olivero… entre muchos otros son parte del reparto de esta nueva entrega.

Como he dicho, las salas también protagonistas y en esta segunda parte se lo han currado mucho más. Tenemos bobinas de Tesla, lluvia ácida o una bonita playa. En estas habitaciones nuestros protagonistas volverán a intentar sobrevivir y a darle al coco para no morir.

Así que ya tenéis una nueva excusa para asistir al cine y pasar una tarde-noche de tensión en las distintas habitaciones que les ofrecen a nuestros protagonistas de ‘Escape room: Mueres por salir‘. Un cinta sin complicaciones y que si os gustó la primera  parte no os va a defraudar.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de julio de 2021. Título original: Escape Room: Tournament of Champions. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Adam Robitel. Guion: Maria Melnik, Daniel Tuch, Will Honley. Música: John Carey, Brian Tyler. Fotografía: Marc Spicer. Reparto principal: Taylor Russell, Logan Miller, Indya Moore, Holland Roden, Thomas Cocquerel, Carlito Olivero, Deborah Ann Woll. Producción: Columbia Pictures, Original Film, Shaken Not Stirred, Moonlighting Films. Distribución: Sony Pictures. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.sonypictures.com/movies/escaperoomtournamentofchampions

Crítica: ‘El Escuadrón Suicida’

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Bienvenidos al infierno, también conocido con el nombre de Belle Reve, es la prisión con la mayor tasa de mortalidad de USA. Allí están encerrados los peores Supervillanos que harán cualquier cosa para escapar, incluso unirse a la supersecreta y turbia Task Force X. ¿La misión de hoy?: actuar o morir. Y para conseguirlo hay que reunir a un grupo de supervillanos entre los que están Bloodsport, Peacemaker, Capitán Boomerang, Ratcatcher 2, Savant, Rey Tiburón, Blackguard, Javelin y la psicópata favorita de todos, Harley Quinn. Después, hay que dotarlos de todas las armas posibles y soltarlos (literalmente) en la remota isla de Corto Maltés, infestada de enemigos. Allí, el Escuadrón se abre paso por una jungla repleta de adversarios militantes y fuerzas guerrilleras. En su misión de búsqueda y destrucción, el único sensato es el Coronel Rick Flag pero tienen a los tecnólogos gubernamentales de Amanda Waller rastreando cada uno de sus movimientos. Y como siempre, un movimiento en falso y están muertos (ya sea a manos de sus enemigos, un compañero de equipo o la propia Waller). Si alguien quiere hacerse rico, deberá apostar contra ellos: contra todos ellos.

Crítica

La película sin piedad que necesitaba esta franquicia

A la segunda ha ido la vencida. Esta es la película con mala leche, gore e imprevisibilidad que requiere un título como ‘El Escuadrón Suicida’. Tiene un sentido de la acción y una falta de compasión propia de los cómics originales que no logró la anterior y además consigue desmarcarse de otras adaptaciones comiqueras. Arranca con una escabechina y aunque el tono va mutando James Gunn sabe cómo mantenernos enganchados.

Obviamente con lo que todo el mundo va a comprar ‘El Escuadrón Suicida’ va a ser con ‘Deadpool’ por su nivel de gore y por su narrativa que avanza y retrocede en el tiempo. Esa similitud es innegable, pero a mí me recuerda más a ‘Doom Patrol’ por el carácter perdedor e inútil que tienen los protagonistas con sus curiosos superpoderes. Una chica que controla ratas, un hombre que tira lunares a la gente, una payasa lunática, un hombre que puede separar sus extremidades… Y una comadreja humanoide que nadie sabe para qué va a servir.

El carácter coral que tiene la película es uno de sus mayores atractivos. Nunca sabes en qué momento va a intervenir alguno de los antihéroes y lo más divertido es que nunca sabes cuál de ellos va a morir. Esa es la esencia de los cómics que en su día creó John Ostrander (el cual hace un cameo en la película) y que se suma a algunos trasfondos dramáticos que se unen a la historia. En concreto la faceta villana de Bloodsport (Idris Elba), el carácter emo de Polka-Dot Man (David Dastmalchian), la pesadumbrez de Ratcatcher 2 (Daniela Melchior) y lo mucho que llegas a odiar a Amanda Waller (Viola Davis) son los aspectos dramáticos que más se exploran en la película y que por otro lado también hacen que tengamos esos pequeños momentos de bajón.

Pero ‘The Suicide Squad’ no para prácticamente nada. James Gun corrige los fallos que tuvo David Ayer dando tanto protagonismo a Will Smith y con ello además aligerando el ratio de edad de la película. Aunque esta es una cinta con muchísimos momentos musicales no es un videoclip alargado como lo fue la anterior entrega y está constantemente salpicada de sangre. Para explicar esto debemos retroceder al pasado y recordar que James Gunn empezó trabajando con Kaufman y la Troma, su primer guión es el de ‘Tromaville’. Para quien no conozca esa productora era un estudio que sacó películas violentas y soeces como ‘El Vengador Tóxico’. De hecho Lloy Kaufman hizo un cameo en ‘Guardianes de la galaxia’ y hace otro aquí en un bar de alterne, muy apropiado. En ‘El Escuadrón Suicida’ se nota que este es el estilo de cine que realmente le gusta a James Gunn y que en películas como ‘Guardianes de la galaxia’ se vio un poco acotado por el cómic que adaptaba y la factoría para la que trabajaba. Recordemos también que Gunn se acomodó en su día haciendo películas muy burras como ‘Amanecer de los muertos’ e incluso ’13 fantasmas’, aunque no esté acreditado en esta última.

No obstante se sigue notando que es el mismo director de ‘Guardianes de la galaxia’ y con el tiburón que dobla Sylvester Stallone se marca un ‘Groot’. Pero el director retrocede un poco a sus orígenes usando más efectos tradicionales que CGI y haciendo una comedia al estilo ‘Super’ (su película con Rainn Wilson, Eliot Page, Liv Tyler) que en su tercer acto cede protagonismo a la acción. Una acción llena de músculo, locura y mucha ciencia ficción. El Escuadrón Suicida o Fuerza Especial X se enfrenta a villanos humanos y de otra índole además de tener encontronazos entre sí. Es genial la manera de ver una pelea reflejada en un casco o la secuencia de asesinatos en modo furtivo que protagonizan Bloodsport (Idris Elba) y Pacificador (John Cena). Y además esta es la ocasión en que Margot Robbie más se me ha parecido a la Harley Quinn de los cómics que me gustan, manteniendo el psicotrópico estilo de las anteriores entregas. Realmente podemos sacar algo memorable de cada uno de los personajes y esa es buena señal, seguro que dará pie a muchos cosplays grupales.

‘El Escuadrón Suicida’ me ha perdido un poco con tanta música y con los momentos en los que precisamente sale Taika Waititi y eso que me gusta mucho el autor de ‘Lo que hacemos en las sombras’. Pero son pequeños momentos que no ensombrecen un filme que nos divierte con sus idas de olla, como la de la madre de Polka-Dot Man o la secuencia romántica. También sus cameos, además de los ya mencionados por ahí veréis a Pom Klementieff (Mantis en ‘Guardianes de la galaxia’) o a Juan Diego Botto en un papel más extenso. Y el argentino no es lo único iberoamericano del filme ya que tiene muchos personajes que hablan en castellano y por ahí aparece varias veces en escudo del Barcelona.

Como decía Gunn regresa al tono de ‘Super’ o de ‘PG Porn’ pero incorporando la ciencia ficción que el presupuesto y los cómics originales le han permitido. ‘El Escuadrón Suicida’ nos devuelve al James Gunn sin pelos en la lengua justo a tiempo de aportarle al filme el estilo kamikaze que necesita. Además podemos decir eso de suicida en varios sentidos. El Escuadrón Suicida se lanza a sus misiones sin esperanza de éxito y como en los cómics eso pasa, esta es una carnicería. Y también es un salto al vacío ya que este filme no se corta un pelo y es sangriento, deslenguado y alocado. Quizá el hacer una película tipo R (es la primera así para IMAX) ya parezca arriesgado después de películas como ‘Kick-Ass’, ‘El hijo’ o ‘Deadpool’, pero con lo que está costando remar contra la dictadura de lo políticamente correcto…

Si queréis más os gustará la escena postcréditos porque ya nos prepara para la serie que está en fase de pre-producción. Y antes de ver esta nueva adaptación deceíta de Warner os recomiendo hacer como aquellos que monitorizan las misiones kamikaze de ‘El Escuadrón Suicida’ y montar una porra de la muerte (dead pool en inglés) para ver quién acierta más muertes. A más de uno os pagarán una cena seguro.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de agosto de 2021. Título original: The Suicide Squad. Duración: 135 min. País: EE.UU. Dirección: James Gunn. Guion: James Gunn. Música:  John Murphy. Fotografía: Henry Braham. Reparto principal: Margot Robbie, Idris Elba, John Cena, Joel Kinnaman, Jai Courtney, Peter Capaldi, David Dastmalchian, Daniela Melchior, Michael Rooker, Alice Braga, Pete Davidson, Joaquín Cosio, Juan Diego Botto, Storm Reid, Nathan Fillion, Steve Agee, Sean Gunn, Mayling Ng, Flula Borg, Jennifer Holland, Tinashe Kajese, Sylvester Stallone, Viola Davis. Producción: Atlas Entertainment, DC Comics, DC Entertainment, The Safran Company, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: acción, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.thesuicidesquad.net/ 

Crítica: ‘El efecto Marcus (Los casos del Departamento Q)’

Sinopsis

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Cuando Marcus, un chico gitano de 14 años, es detenido en el control fronterizo danés por estar en posesión del pasaporte de un funcionario desaparecido, el inspector de policía Carl Mørck y su equipo del Departamento Q reciben el encargo de encontrar la conexión que une ambos hechos. El caso contiene varios elementos sospechosos: El funcionario fue acusado de pederastia poco antes de desaparecer y su caso se cerró con una rapidez inusitada. Pero un silencioso y traumatizado Marcus se niega a dar detalles de todo lo que sabe y no tarda en huir de quienes pretenden matarlo por toda la información que conoce.

Crítica

Una secuela que funciona más bien como reinicio

Parece que tanto el cine coreano como el danés están de moda o por lo menos llegando con fuerza. En lo que se refiere al país nórdico últimamente hemos visto como triunfaba en los Oscars ‘Otra ronda’, cómo nos enervaba ‘Shorta. El peso de la ley’, nos interesaba ‘El buen traidor’ o nos impactaba ‘Plan de salida’. La película que nos atañe hoy es un reencuentro pues supone la quinta entrega de las adaptaciones de ‘Los casos del Departamento Q’ y se llama en esta ocasión ‘El efecto Marcus’.

En esta ocasión sin pasar por cines y directamente a múltiples plataformas digitales nos llegan los detectives que muy exitosamente han soportado el salto de las novelas de Jussi Adler-Olsen  al formato largometraje. Pero este no es un reencuentro como nos habría gustado ya que hay muchos cambios (en cuanto a equipo) y eso se ha notado notablemente.

Ha cambiado tanto el director, como los guionistas, como la pareja que interpreta a los detectives principales del Departamento Q. No sé si han querido dar un giro a estas películas que yo creo que ya se pueden llamar franquicia o si las agendas de los implicados les ha impedido seguir con las pesquisas de esta unidad que se ve involucrada en los casos más oscuros y truculentos de Dinamarca. Uno de los actores que interpretaba al protagonista, Nikolaj Lie Kaas, aparece en ‘Jinetes de la justicia’, de la cual espero hablaros pronto.

El director es el mismo que el de ‘Land of mine. Bajo la arena’. Martin Zandvliet además se ha traído buena parte de su equipo habitual para esta película que pierde el tono sucio manteniendo la oscuridad. En ella un niño (Marcus) aparece con documentación de alguien que ha desaparecido cuatro años atrás y el caso acaba en manos de los responsables de los casos olvidados, el Departamento Q. Por supuesto la desaparición estuvo acompañada de asuntos feos y la historia cada vez se va enturbiando más y más. De un descubrimiento pequeño se tira del hilo y el problema se va haciendo más grande de lo que parece que pueden manejar los detectives. En ese sentido se nota al menos que el material procede de el mismo novelista.

No hace falta que hayas visto las cuatro películas anteriores para coger el hilo de esta, de hecho, es un filme que parece querer funcionar de manera independiente como cualquier otra película detectivesca o de neo noir. Si eres tan seguidor como un servidor de la saga percibirás que Ulrich Thomsen y Zaki Youssef como compañeros no tienen la misma química y no mantienen el racord emocional que habían alcanzados Nikolaj Lie Kaas y Fares Fares tras cuatro entregas. De hecho el personaje de Youssef es muy poco relevante en esta entrega. ‘El efecto Marcus (Los casos del Departamento Q)’ más que como una secuela hace las veces de reinicio en el que la historia ya está lanzada y no necesitamos que nos cuenten los origines, en ese sentido el filme es correcto y no hay quien pueda perderse detalles de la trama o de los tejemanejes de los protagonistas.

La pena es que ‘El efecto Marcus (Los casos del Departamento Q)’ es una película más de investigaciones donde nos vaticinan quiénes están en el ajo. Antes podíamos incluirlas en esas cintas donde la ética de la propia autoridad estaba emborronada y teníamos sorpresa al final, además de algo de humor sarcástico. Aunque haciendo justicia al filme por lo menos se mantiene que ambos policías siguen siendo de esos compañeros fieles que no obstante se cuestionan constantemente.

Hay un total de ocho entregas en papel sobre el Departamento Q y su autor tiene setenta años. Si los actores de esta nueva versión continúan con la traslación de la saga quizá alcancen el nivel de complicidad y comprensión de personajes que tenían los otros dos actores protagonistas. Ojalá sea así pues me gustaba mucho la tónica que seguía esta saga.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de agosto de 2021. Título original: Marco effekten. Duración: 125 min. País: Dinnamarca. Dirección: Martin Zandvliet. Guion: Anders August, Thomas Porsager. Música: Sune Martin. Fotografía: Aske Alexander Foss. Reparto principal: Ulrich Thomsen, Zaki Youssef, Sofie Torp, Anders Matthesen, Luboš Oláh, Henrik Noél, Lisa Carlehed, Zdenek Godla, Thomas W. Gabrielsson, Mads Reuther, Lousie Gammelgaard, Caspar Phillipson. Producción: Nordisk Film Production, Nadcon Film. Distribución: Vértigo Films. Género: thriller. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/el-efecto-marcus/

Crítica: ‘Mogul Mowgli’

Sinopsis

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Zed es un joven rapero inglés de origen pakistaní a punto de dar el salto definitivo en su carrera: su estilo es audaz y sus letras punzantes, vindicando sus raíces sin renunciar a su proyección contemporánea. Cuando está a punto de iniciar su primera gira mundial, donde mostrará su dominio del escenario con tanta rabia como flow, decide visitar a su familia tras dos años sin verles. Allí, la fatiga y una extraña dolencia harán que su sueño peligre.

Crítica

Un ‘Sound of metal’ con sabor pakistaní

Filmin nos ha permitido ver ‘Mogul Mowgli’, un título que ha incluido en su programación del Atlàntida Mallorca Film Fest y que por eso podemos decir que será estrenada el 31 de julio.

Si Filmin, Riz Ahmed y Bassam Tariq te suena a chino o a gafapasta quizá te pueda atraer este filme por su temática rapera y por descubrir cómo trabaja el director que Marvel supuestamente ha fichado para su nueva versión de ‘Blade’, que interpretará Mahershala Ali (‘Green Book’). Ciertamente me he fijado en cómo el director controla a su protagonista. Si busca esta introspección en el personaje de Blade podríamos decir que de nuevo Blade supondrá un cambio necesario para Marvel como ya lo fue en 1998. Pero desde luego la elección de planos y ritmos no es apropiada para una película de esas características.

Bassam Tariq busca el pasmo visual, el olvidarnos de las caras para fijarnos en los gestos y fragmentos. Con muchos planos detalle se centra en el simbolismo de las febriles escenas que dominan ‘Mogul Mowgli’. Este filme es una vuelta a las raíces hasta en el sentido sensorial, donde nos invitan a retomar el contacto con las texturas y ambientes de nuestro pasado.

Y por mucho que te fijes en cómo está dirigida acabarás centrándote en la interpretación de Ahmed. El actor, que se marcó un peliculón con ‘Sound of metal’, vuelve protagonizando y también escribiendo el guión, además de componiendo los temas que canta ya que además de actor es rapero. Es la película más autobiográfica que he visto de este intérprete e incluso diría que ha introducido en ella retales de vídeos caseros de su infancia además de pormenores de sus orígenes pakistaníes.

Ciertamente podemos decir que el actor se repite. En ‘Mogul Mowgli’ vuelve a interpretar a un músico que ve frustrada y detenida su carrera a causa de un problema de salud. Pasa de tocar la batería a rapear, de no poder oír a no parar de hablar. La diferencia con ‘Sound of metal’ es que esta es una historia mucho más étnica. Aunque igualmente es una cura de humildad, de esas que obligan a reordenar prioridades y sacar fuerzas de flaqueza, en ‘Mogul Mowgli’ se impone un componente social, histórico y cultural muy fuerte. Quién sabe, si hace una tercera del mismo corteo a lo mejor dentro de unos años estaremos hablando de una trilogía de culto que podríamos bautizar como la “trilogía del músico malogrado”.

Aunque el sabor sea hindú o pakistaní el filme es extrapolable a otras culturas. Nos invita a todos a no desarraigarnos, pero igualmente a poner en tela de juicio aquello que nos han intentado inculcar desde jóvenes. Cabría decir que los momentos más rabiosos de Riz Ahmed son los más eficientes al respecto, pero para mí funcionan mejor esos pequeños instantes en los que su personaje se da cuenta de qué le está o estaba influenciando. Se puede decir que interpreta a un cantante rabioso, pero no por su furia en el escenario, más bien por ver que otros cantando sobre groserías o cosas similares a lo que conocemos como “perreo”, tienen más éxito que él que canta sobre problemas de una etnia y una tierra con la que ya apenas tiene contacto. Y cabría decir también que más que rabioso su personaje es alguien resistente, y no en el buen sentido, sino resistente a ser resiliente con la situación que tiene. Porque, sobre todo en estos tiempos, se entiende resiliencia como resignarse y adaptarse, y más bien es aprovechar un contratiempo para extraer una oportunidad de mejora.

Hay dos aspectos que me han gustado particularmente de ‘Mogul Mowgli’. La película de Ahmed y Tariq tiene un ligero toque de terror con esa figura con adornos florales en la cara y un poco de manía perseguidora. Es un martirio para el personaje y algo inquietante para el espectador. Por último, el “Toba tek Singh” que además de dar pie a un momento catártico al final de la película viene a traernos de nuevo el tema de las raíces del actor y protagonista. Más en concreto nos traslada hasta los conflictos y nexos entre India y Pakistán de un modo bastante elegante y nada sensacionalista.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de julio de 20201. Título original: Mogul Mowgli. Duración: 89 min. País: Reino Unido. Dirección: Bassam Tariq. Guion: Riz Ahmed, Bassam Tariq. Música: Paul Corley. Fotografía: Annika Summerson. Reparto principal: Riz Ahmed, Anjana Vasan, Aiysha Hart, Nabhaan Rizwan, Alyy Khan, Sudha Bhuchar, Kiran Sonia Sawar, Hussain Manawer, Dolly Jagdeo, Mitesh Soni, Ahmed Jamal, Jeff Mirza. Producción: Pulse Films, BBC Films, Cinereach, Left Handed Films, RYOT Films, Vice Studios. Distribución: Filmin. Género: drama. Web oficial: https://www.filmin.es/pelicula/mogul-mowgli

Análisis del Blu-ray de ‘Monster Hunter’

Conozcamos el proceso de traslación del juego a la gran pantalla

Ya ha salido a la venta ‘Monster Hunter’. No nos referimos a una nueva entrega del videojuego sino a la versión en formato físico de la película que convirtió en acción real el director Paul W.S. Anderson y de la que os hablamos aquí. Una producción que ha tenido diferentes acogidas entre los fans a pesar de contar con el beneplácito de sus creadores (como podemos ver en uno de los extras que más adelante os detallamos).

Tony Jaa interpretó a uno de los personajes clásicos de la franquicia en una historia que protagonizó junto a Milla Jovovich. Una trama que mezcló nuestro mundo con el del videojuego que tenía una primera parte digna de una película de terror. Y una segunda que pese a perder su impacto inicial estaba repleta de personajes y monstruos.

Más allá de su similitud con el videojuego ‘Monster Hunter’ resultó una película de aventuras entretenida en la que se producía un curioso diálogo a golpetazos entre sus dos protagonistas. El final del filme prometía segunda parte. De momento no sabemos fecha para la secuela pero si que hay intenciones y cosas preparadas para ella. De momento podemos ver de nuevo este live action y disfrutar de sus extras.

La edición que nos ha dado Arvi Licensing para este análisis está en formato Blu-ray. Pero se pueden comprar otras ediciones con distinta carátula en DVD y 4K UHD + Blu-ray. Además también se ha puesto a la venta una edición limitada en caja metálica 4K UHD + Blu-ray con una espectacular ilustración.

En cuanto a menús la barra de carga es la famosa espada que porta Tony Jaa. La música compuesta por Paul Haslinger acompaña a las secciones por las que podemos navegar, al igual que podemos ver una foto con Jovovich y Jaa ataviados como Artemis y Hunter. Todos los textos están en inglés, no obstante no es difícil llegar a los extras o saltar a la escena deseada.

La película en este formato puede verse en inglés, castellano francés DTS-HD Master Audio 5.1. También tiene servicio de audiodescripción en inglés 5.1 Dolby Audio. En cuanto a los subtítulos están disponibles inglés para sordos, inglés, castellano, francés, danés, holandés, finés, noruego, estonio, letón, lituano, sueco y árabe. El audio de los extras está todo en inglés con subtítulos en inglés, castellano, francés y holandés.

Extras (22 min. aprox.)

The Monster Hunters – Reparto y personajes (7:51 min.)

Comienza hablando sobre los personajes del videojuego que han aparecido en la película. Nos explican que la parte de nuestro mundo se ha introducido para poder explicar e introducir a los no jugadores en el mundo de ‘Monster Hunter’. De ahí pasamos a un repaso a todos los personajes, incluido el Almirante de Ron Perlman.

Un arsenal monstruoso – Las armas de la película (5:02 min.)

Las armas del juego tienen características y combos que te ayudan a derrotar a tan enormes criaturas. En la película no se hacen los combos pero cada personaje acaba haciéndose con un arma distinta. Aquí vemos como han sido reproducidas tomando como referencias imágenes de los videojuegos de Capcom.

Para los gamers – Del juego a la pantalla (6:40 min.)

Una parte vital era que se reprodujese bien a las criaturas del juego. Eso es de hecho lo mejor de este live action y aquí veréis como están calcados estos monstruos a los que nos encontramos cuando tenemos el mando en las manos.

Escenas eliminadas (3:19 min.)

Dos escenas descartadas del filme. Dos nuevos chistes contados por los militares mientras van en sus vehículos de combate. Sendos chistes sobre vaqueros que entran en una cantina, ambos culinarios y ambos un tanto asquerosillos.

Crítica: ‘Arcadeología’

Sinopsis

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Arcadeología sigue los pasos de la asociación valenciana Arcade Vintage, pionera en el campo de la restauración de arcades, y responsable, durante los meses de rodaje de este documental, de la creación del primer Museo del Videojuego en España (Ibi, Alicante).

 

Crítica

No apta para gamers envidiosos

Antes de los niños rata y los gameplays lo que se llevaba era el rey de la pista, la moneda de cinco duros, el modo de agarrar las palancas… La sala de juegos donde se reunían los jugadores no era un servidor de un desarrollador, era el salón recreativo del barrio. Los recreativos era un lugar donde se creaba un vínculo y se vivía el videojuego en compañía de un modo mucho más cercano que el que ofrece Twitch o cualquier otra plataforma de streaming. Y hablo en pasado porque es un culto al videojuego que por desgracia ya no existe de manera generalizada y que se ha convertido en una verdadera ciencia arqueológica.

Permitidme si en esta crítica me entusiasmo un poco con los términos pero el mundo de los videojuegos y las recreativas han sido una de mis pasiones desde que cogí el joystick de mi primera consola (una Atari) y desde que entré en aquellos recreativos en los que me enganché al ‘Sunset Riders’. ‘Arcadeología’ es un documental que da envidia al descubrir asociaciones como Arcade Vintage (Museo del Videojuego), Arcade.Cat (Barcelona), Arpa (Zaragoza) o Arcade Planet (Sevilla), las cuales han sido fundadas para asegurar la protección y preservación de los videojuegos, antes de que sus memorias se deterioren y se pierdan.

En febrero de 2020 visitamos la Game On y os lo contamos en nuestros stories de Instagram y también ese año os hablamos del documental ‘High Score’ que nos devolvía a los inicios de este hobbie que tanto dinero mueve hoy en día. ‘Arcadeología’ nos devuelve a nuestros primeros contactos y sensaciones con una palanca, un botón, una pantalla de tubo y la ranura para insertar moneda. Pero va más allá pues estas asociaciones están haciendo verdaderas proezas en cuanto a atesorar y revivir se refiere. ‘Arcadeología’ muestra el proceso de recuperación, reconstrucción o conservación de aquellas máquinas que nos hacían pasar horas delante de una pantalla sin necesidad de DLCs o actualizaciones. Trabajos que a veces llevan años.

El documental sigue a las asociaciones o miembros del mundillo mientras que nos va contando cómo se ha gestado el primer Museo del Videojuego en España, emplazado en una ciudad que siempre ha sido punta de lanza en eso de los juguetes como es Ibi (Alicante), más en concreto en el antiguo edificio de la marca Rico. Un museo así tenía que existir en nuestro país para evitar que se pierdan estos tesoros, que no solo tienen en el extranjero, que tenemos solo aquí pues vais a descubrir qué y cómo se desarrollaban arcades en nuestro territorio.

Que los videojuegos ya forman parte importante de nuestra cultura es innegable. Y toda corriente cultural o histórica ha de tener un museo. ‘Arcadeología’ es un documental que debe abrir los ojos a muchos, impulsar los movimientos que han de llegar hasta las instituciones. La digitalización e emulación de los videojuegos antiguos no puede ser lo único que hagamos para preservar este legado, es vital que las nuevas generaciones conozcan de dónde vienen sus Switch y sus juegos en formato apps. La película no solo habla de la gestación del museo, también de aquellos que se dedican a la retroingeniería, a la creación de juegos con estilo vintage, a la recuperación de material en papel publicado en la época… auténticas obras de arte moderno.

Vivir una experiencia enriquecedora es lo que nos venden las grandes empresas hoy en día. Alguien que nunca ha pisado un salón repleto de máquinas arcades no se imagina la experiencia de ruido, emoción, reto y socialización que allí se vivía. Esta película es capaz de transmitir eso además de mostrar cuánto esfuerzo hay detrás de ella y cuánta pasión por los videojuegos corre por las venas de sus entrevistados, todos ellos miembros de asociaciones, medios de comunicación, equipos de desarrollo…

Cuanto más se difunda esta película más máquinas se podrán salvar de terminar siendo usadas como un gallinero, literalmente cuentan haberse encontrado con casos así. Así podremos volver a jugar a máquinas inéditas o a tesoros como ‘Tron’.

En cuanto a lo técnico del filme se basa únicamente en reproducir entrevistas y a mostrar almacenes en los que un servidor se perdería. Además añade imágenes de los juegos o de sus tripas. Fotográficamente es admirable cuán bonita, retro y futurística a la vez, puede ser la visión de los cables, relés y placas de circuito impreso en la parte no visible de la máquina iluminados por las luces que se filtran a través de los paneles.

Como decía, este documental da pelusa. Envidia por tener el valor, los medios y el tiempo para dedicarse a los videojuegos, la historia de las arcades de esta manera, y lo digo como jugador de toda la vida y como ingeniero electrónico de formación. Os recomiendo pasar por su página donde ya de antemano tenéis información detallada de máquinas de su catálogo. ¿Compartimos afición? ¿Con qué juego te enganchaste a las arcade? ¿Cuál conservarías para la eternidad? En mi caso tengo que hablar de ‘Golden Axe’ y recreativas como aquellas que con cuatro mandos nos permitían jugar en grupo a ‘Gauntlet legends’ o ‘Las Tortugas Ninja’.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de julio de 2021. Título original: Arcadeología. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Mario-Paul Martínez. Guión: Mario-Paul Martínez. Música: Vyacheslav Kripak. Fotografía: Vicente Javier Pérez Valero. Reparto principal: Mario-Paul Martínez, José María Litarte, Octavio Martínez, Luis Alberto Gimeno, Eduardo Augusto Arancibia, Jorge López / Arcadio, José María Peinado, Joaquín Litarte, Alberto Rodríguez, Iñaki Diego Armesto, Diego Vicente Cano, David Martínez, Lara Isabel Rodríguez, Salvador Espín, Eduardo Cruz, María Jesús Morillo, Miguel Ángel Horna, Toni Piedrabuena, Víctor Tobar, Antonio Runa, Locomalito, Gryzor87, Juan Peralta, Ferrán Montesinos, Xavier Arrebola. Producción: Cinestesia, Á Mèdia, Massiva. Distribución: Cinestesia. Género: documental. Web oficial: https://www.arcadeologia.es/

Hemos vuelto a sentir el poder con ‘Masters del Universo: Revelación’

Regreso a Eternia con el colorido y energía de la imaginación de un niño

Reconozco que tenía muchas ganas de ver esta serie por lo mucho que me gustaban los Masters del Universo de pequeño y por lo infalible que está demostrando ser el estudio de animación Powerhuose Animation. Y esto no condiciona que escriba estas líneas con mayor entusiasmo, al contrario, lo hago con una perspectiva muy crítica ya que ante todo lo que temía es que no se respetase el espíritu original, incluso por encima de la historia leída en los cómics o vista en su serie de los ochenta.

Los Masters del Universo fueron los primeros juguetes que coleccioné y de los que aún conservo una modesta colección de unas 25 figuras y artefactos. Reconozco que son todo un símbolo de testosterona y que conservo buen recuerdo por la inmensa cantidad de horas que los usé para jugar, de ahí que los mantenga aunque alguno tenga algún daño (abstenerse de preguntar compradores). Mattel hizo un trabajazo de marketing con una serie y unos cómics que venían con cada personaje contando su historia. Esos cómics fueron el germen de una afición por las viñetas que muchos agradecemos. La idea es que gocemos todos los niños de entonces de este regreso con ‘Masters del Universo: Revelación’ y que esta serie con una animación más moderna sirva para enganchar a los jóvenes de este siglo XXI.

Podría haber muchas mentes creativas aptas para este regreso de MOTU (Masters of the Universe) pero no me cabe duda de que alguien con conocimientos de fan y coleccionista como Kevin Smith es la persona ideal. A ello le sumamos Powerhuose Animation, el estudio que nos sorprendió con ‘Castlevania’ y luego reforzó su imagen con ‘Blood of Zeus’ o ‘Seis manos’ y nos ha dado como resultado una serie sublime, respetuosa con el original y atractiva  para todas las edades.

‘Masters del Universo’ siempre ha sido una serie sobre la amistad y el valor, en la que un personaje cobarde encontraba a través de su espada el coraje para enfrentarse al mal absoluto. No tenemos ese momento del final en el que He-Man hacía recapitulación y nos explicaba la moraleja pero ‘Masters del Universo: Revelación’ mantiene esos valores que enfrentaban la honestidad y la valentía a la ambición de poder. Se mantiene ese juego de alter egos entre He-Man y Adam que tanto recuerda a Superman y Clark e igual que se hizo con el Hombre de Acero en alguna ocasión se va más allá. Los personajes que eran cobardicas lo siguen siendo, el patetismo de Skeletor sigue yendo de la mano de sus ansias de destrucción… Se mantienen esos puntos tan característicos, incluidos los clásicos vehículos como Attack Trak o emplazamientos como es el indispensable Castillo de Grayskull.

Hablemos objetivamente de al serie, aparcando nuestro pasado e idilio con estos personajes, lo cual es difícil pues la serie arranca con ilustraciones al más puro estilo de los 80. Lo publicado consiste en 5 episodios de 25 minutos cada uno. Su ritmo es bueno y tiene momentos la mar de épicos. Profundiza y expande el universo ya conocido. Tiene una gran riqueza de personajes y el tono es en su mayoría infantil, aunque hay eventos que suben un poco la edad. Da la impresión de que reserva giros para sus últimos episodios, de momento lo más drástico que ha sucedido son algunas muertes y un cambio de dinámica inesperado.

Visualmente el diseño de personajes es muy fiel al original. Los protagonistas han sido amoldados al estilo Powerhouse manteniendo la estética de los juguetes y podemos reconocer al He-Man Puño de Trueno o al Skeletor Battle Armour que tanto se vendieron. La magia y los escenarios lucen espectaculares. Esta serie se mete desde el principio en los secretos de Eterna y lo hace con el colorido y energía de la imaginación de un niño.

También reconocemos a los personajes femeninos, un aspecto muy importante en estos tiempos en los que se busca hacer justicia con ese género. Recordemos que He-Man son personajes hipermusculados, una imagen atribuida tradicionalmente al género masculino. Recordemos también que son personajes de Mattel, quienes con sus Barbies han marcado como señoritas a generaciones enteras. Es verdad que los ‘Masters del Universo’ siempre han dado importancia a la Hechicera, a Teela y a Evil-Lyn, pero siempre han estado relegadas a un segundo plano. Netflix ya dio sus primeros pasos para corregir esto con la serie de She-Ra y ahora en esta serie y la trama secuela que introduce un evento nunca visto consiguen potenciar a esos personajes.

Yo me he visto ‘Masters del Universo: Revelación’ en versión original y reconozco que lo he hecho por el doblaje de Mark Hamill como Skeletor. Otro exitazo del actor que ya tiene mucha experiencia doblando a villanos como Joker, Chucky o El cienfítico de ‘Cristal Oscuro’. Sin entrar en polémicas de actores famosos doblando personajes debo admitir que el resto del casting me pega con aquellos a quienes ponen voz. Chris Wood es He-Man, Liam Cunningham (Davos de ‘Juego de Tronos’) es Ma-At-Arms, Sarah Michelle Gellar es Teela, Lena Headey es Evil-Lyn, Justin Long es Roboto, Jason Mewes es Skintor… todos muy correctos, la verdad es que se podría haber hecho un live action con este casting. Por curiosidad he visto un episodio en castellano y el doblaje es igual de bueno.

Había ganas de este reencuentro, más que necesario es beneficioso. Netflix escuchó la repercusión y el acierto que fueron documentales como ‘El poder de Grayskull’ o ‘The toys that made us’ y ha sacado una serie que además de tirar de nostalgia se rejuvenece de mejor manera que la fracasada versión de los noventa titulada ‘Las Nuevas Aventuras de He-Man’. Siempre ha habido un componente fantástico y de ciencia ficción en esta franquicia y Kevin Smith ha elaborado un guión que coge esos dos componentes y los enfrenta, magia contra ciencia, apañándoselas para introducir una inmensa cantidad de personajes que nos devuelven a nuestros muñecos preferidos con sorpresas como Scare Glow (doblado por Tony Todd) o Moss Man (Alan Oppenheimer).

‘Masters del Universo: Revelación’ justifica desde el primer episodio su nombre completa con Revelación, más adelante da aún más sentido a ese título y además nos dejan con cliffhanger. Es una faena pues de momento son solo 5 episodios pero no os preocupéis que habrá otros 5 y según la ficha de la serie en IMDB tendremos segunda temporada.

Crítica: ‘Space Jam: nuevas leyendas’

Sinopsis

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LeBron y su hijo Dom quedan atrapados en el espacio digital de una fuerza todopoderosa y malvada llamada A.I. Para poder volver a casa, LeBron tendrá que con la ayuda de Bugs, Lola Bunny y toda la pandilla de los muy indisciplinados Looney Tunes. Juntos tendrán que derrotar a los campeones digitalizados de A.I. y deberán hacerlo en la cancha de baloncesto. Se trata de una lista espectacular de estrellas de del baloncesto como nunca se ha visto. Son los Tunes contra los Goons enfrentados al desafío más importante de sus vidas que servirá para transformar el vínculo de LeBron con su hijo y arrojará luz sobre el poder de ser uno mismo. Los intrépidos Tunes se saltan todos los convencionalismos, ponen en marcha sus singulares talentos y consiguen sorprender al «Rey» James jugando el partido a su manera.

Crítica

Un reencuentro con los Looneys divertido y fanfarrón

Nuevas leyendas es el tagline para ‘Space Jam 2’. Y aunque los clásicos Looney Tunes están omnipresentes es cierto que las nuevas corrientes dominan el filme. Las nuevas maneras de entretenerse, las nuevas profesiones, las nuevas técnicas de animación, las nuevas franquicias…

Por supuesto el título también está destinado a engrandecer la figura de LeBron James y ya desde los créditos, como se hacía con Michael Jordan en la primera, nos muestran su carrera y gran parte de sus logros. Si comparamos lo que ha hecho en esta película con lo que hizo Jordan en la de aquel cinematográficamente maravilloso 1996, hay que decir que está por debajo. Ya no es solo la sensación de haber vivido esa película siendo un niño o de recordar a Jordan como uno de los mejores deportistas de la historia sino observando objetivamente el trabajo que ha hecho en esta película. El propio LeBron James en una reunión que sucede durante la película lo dice, “los deportistas no están hechos para la interpretación”, algo con lo que discrepo pues tenemos casos de sonado éxito como el de Arnold Schwarzenegger, Vinnie Jones o la carrera que se está labrando Carlos Librado Nene aquí en España. Esos actores han conseguido llegar lejos en mayor o menor medida y lo que hace aquí la estrella de la NBA se asemeja más a lo que hicieron en su día David Beckham, Helguera, Roberto Carlos, Casillas y compañía en ‘¡Goool 2!’, también algo por el estilo a lo que hizo Shaquille O’Neal en ‘Steel’. Me da la sensación de que el filme es consciente de eso y esa es la razón por la que prácticamente la mitad de la película vemos a LeBron James en versión animada y dicho sea de paso el doblaje al castellano seguramente le ha hecho bien haciendo parecer que su interpretación es mejor.

En cuanto al doblaje, que es algo que seguramente muchos quieran saber ya que ha habido polémica en las redes sociales, no es malo. En concreto en cuanto a las frases grabadas por Lola Índigo (Zendaya en la original) para el personaje de Lola Bunny son pocas y nada complejas, me lo había imaginado peor. El resto de personajes, aunque con algunas voces de los Looneys un tanto cambiadas, debe ser que el doblador ha cambiado con el tiempo, me parecen bastante correctas y fieles a lo original.

La trama se las apaña para mezclar a los actores reales con los dibujos. Estos últimos, además del estupendo villano interpretado por Don Cheadle, son los que hacen divertida a ‘Space Jam: nuevas leyendas’. Sobre todo cuando estos se desbocan y hacen sus trastadas y locuras. Hay una secuencia rapidísima y muy hilarante que se forma a base de crossovers que para mí es lo mejor de la película, cuando encuentra el ritmo y la tónica que piden estos tiempos. Cuando la película se posa en sus actores reales adormila los tiempos como un jugador que busca conservar el resultado e ir a lo seguro. Lo mismo que le pasaba a este director, Malcolm D. Lee, en ‘Scary Movie 5’. Eso sucede en los momentos de tema familiar en los que además me ha dado rabia ver a una actriz como Sonequa Martin-Green, que ha roto moldes con su Michael Burnham en ‘Star Trek: Discovery’, convertida en la clásica ama de casa preocupada y pepito grillo.

En líneas generales me lo he pasado bien. Siempre es bueno recuperar el contacto con los Looney Tunes, nunca pasan de moda, les animen en 2D o en 3D. Y es porque siempre han sido fieles a su estilo, lo cual es la temática del filme, dejar a los demás ser como quieran ser. Y esto lo hacen manteniendo tal cual eran a personajes como Speedy Gonzales, toma nota Disney, aunque no haya vuelto Pepe le Pew.

También hay que reconocer que este no deja de ser un pavoneo de franquicias en el que Warner muestra sus licencias y las de sus subsidiarias. Por eso tenemos guiños o chistes con ‘Mad Max’, ‘Matrix’, ‘Juego de Tronos’, ‘Harry Potter’ o todos los superhéroes de DC Comics o dibujos animados de Hanna-Barbera. Todos esos momentos están bien introducidos y justificados pues ‘Space Jam: Nuevas Leyendas’ nos lleva directamente a los servidores de Warner Bros. El único aspecto que desmerece la calidad de la película es que durante el partido los protagonistas se ven rodeados de un ejército de personajes de todo tipo de historias y estos están caracterizados por decenas de extras con disfraces más propios de una fiesta de Halloween que de una superproducción, podían haber convocado a cosplayers y seguro que habría quedado mucho mejor.

Da la impresión de que la película suple sus carencias y se justifica a partir de intentar que el espectador se distraiga encontrando personajes como los Gremlins, el Joker, La Máscara, Pennywise… todos bastante locos. Fue el mismo gancho de ‘Ready Player One’ o ‘Ralp rompe Internet’. Aunque tiene muchos más cameos para adultos que para niños ‘Space Jam: nuevas leyendas’ es una película muy apta para público infantil que se esfuerza en tener valores y ser muy divertida. Para los adultos, aunque se reserva alguna que otra sorpresa, pega demasiados bajones y se queda lejos de la de Joe Pytka.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de julio de 2021. Título original: Space Jam: A New Legacy. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Malcolm D. Lee. Guion: Sev Ohanian, Ryan Coogler. Música: Kris Bowers. Fotografía: Salvatore Totino. Reparto principal: LeBron James, Don Cheadle, Khris Davis, Sonequa Martin-Green, Cedric Joe, Jeff Bergman, Eric Bauza, Zendaya. Producción: Warner Bros., Aero Mock-Ups, Proximity, SpringHill Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras, comedia. Web oficial: https://www.spacejamanewlegacy.net/ 

Crítica: ‘El Cover’

Sinopsis

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Dani (Àlex Monner) ha heredado de su familia el amor por la música, una habitación llena de discos y el miedo al fracaso. Prefiere trabajar de camarero antes que malvivir de su sueño, como sus padres. Este año, como cada verano, Benidorm se llena de artistas que vienen a cantar en sus bares, hoteles y salas de fiesta. Allí Dani conoce a Sandra (Marina Salas), quien cambiará su forma de entender la vida.

Crítica

Divertida, emotiva y sin duda un homenaje a los artistas de guerrilla

Secun de la Rosa nos regala un precioso homenaje a Benidorm y a sus músicos en su ópera prima, ‘El Cover‘. Solo puedo decir que salí del pase de prensa muy emocionada. No es una película que vaya de existencialista, pero sí que logra transmitir todo lo que sus personajes están sintiendo. Logra conmover y remover en nuestro interior sentimientos gracias a la música y a estos artistas que le dan todo el cariño de su ser a una profesión poco agradecida.

En ‘El Cover‘ conocemos a estos «artistas de guerrilla» que se dedican a imitar a sus cantantes favoritos, ya sea la vestimenta y por supuesto haciendo versiones de sus canciones, en los famosos locales de Benidorm. Dani, un chaval que lleva toda la vida huyendo de esta vida, prefiere vivir de camarero. Este año, conoce a Sandra y a su amiga Amy, ambas lograrán cambiar su forma de entender la vida.

Sin duda, el punto fuerte de la película son sus actores. Un reparto que lo da todo, canta, actúa y además se atreven en distintos idiomas.

Àlex Moner, que ya nos sorprendió en ‘La línea invisible‘, es el protagonista de esta cinta. Dani es un chico con sueños reprimidos pero con unas ganas de vivir y disfrutar enormes. Marina Salas, nos da uno de los papeles más bonitos de la película. Sandra, una chica con una ilusión y un amor hacia su profesión que logra contagiar a cualquiera que pase por su lado.

Pero sin duda la que más me ha impresionado, con su pequeño pero enorme papel ha sido Carolina Yuste, una Amy Winehouse alucinante. Su físico, su voz y el lograr copiar sus gestos, es algo que me ha dejado con la boca abierta.

En el resto del reparto encontramos a María Hervás, Lander Otaola, Juan Diego, Susi Sánchez o Carmen Machi. Todos ellos con papeles pequeños pero tremendamente importantes.

A parte de la música y el homenaje a estos artistas, la otra gran homenajeada es la ciudad de Benidorm, sus noches, llenas de neones, colores y gente de fiesta y sus días, más pausados, llenos de cafés y recuerdos de la buena noche.

‘El Cover’ es una película muy bonita, con mucha vida y sin duda una película que está realizada para ser disfrutada. Este 23 de julio llega a nuestras salas y solo puedo deciros que no os la perdáis, que cantéis y que os emocionéis con esta pequeña historia que os sorprenderá gratamente.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de julio de 2021. Título original: El cover. Duración: 83 min. País: España. Dirección: Secun de la Rosa. Guion: Secun de la Rosa. Música: Nacho Mañó, Joana Estevao, Antonio Orozco. Fotografía: Santiago Racaj, Johnny Yebra. Reparto principal: Àlex Monner, Marina Salas, Carolina Yuste, María Hervás, Lander Otaola, Juan Diego, Susi Sánchez, Carmen Machi. Producción: Nadie es perfecto, GTS Entertainment, Amazon Prime Video. Distribución: eOne Films. Género: musical, drama. Web oficial: https://nadieesperfecto.com/peliculas/

Crítica: ‘Wrong turn, sendero al infierno’

Sinopsis

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Al desviarse de su ruta de senderismo, Jen y sus amigos se adentran en las tierras de una comunidad oculta dispuesta a todo para proteger su estilo de vida.

El terror de un lugar remoto y aislado y el suspense que destroza los nervios se dan encuentro cuando Jen (Charlotte Vega), su novio Darius y un grupo de amigos parten para hacer senderismo en el Sendero de los Apalaches. A pesar de las advertencias de los lugareños de que no se aventuren fuera del sendero establecido, los excursionistas acaban desviándose del rumbo.

Sin darse cuenta, se adentran en las tierras habitadas por la Fundación, una comunidad oculta de habitantes de las montañas dispuestos a emplear toda clase de métodos letales para proteger su forma de vida. Tras encontrarse repentinamente bajo asedio, Jen, Darius y sus amigos parecen encaminarse inevitablemente hacia el punto de no retorno, a menos que el padre de Jen consiga llegar hasta ellos a tiempo…

Crítica

Lo suficientemente tortuosa y maquiavélica como para calmar la sed de un amante del terror

Tras una larga saga iniciada en Estados Unidos, con la conocida en sus inicios como ‘Km. 666. Desvío al infierno’, la historia se reinicia, pero esta vez se ha hecho con capital alemán. Esta ya no es una historia de caníbales pero si mantiene su toque sanguinolento y un grupo de villanos que al más puro estilo ‘Las colinas tienen ojos’ o ‘La matanza de Texas’ van acabando con aquellos que les da la gana.

Mike P. Nelson es el director de esta nueva etapa de la franquicia. Un director que ya debutó con otra película de corte parecido como ‘Summer School’ y continuó por la misma senda con ‘The domestics’. En su versión de ‘Wrong turn’, que cuenta con Alan B. McElroy, guionista de otras películas de la saga o de films de Michael Myers, nos ofrece un nuevo survival horror. ‘Wrong turn, sendero al infierno’ es de esas películas que cada vez son más retorcidas y malsanas.

Habiendo enmarcado este filme dentro de la serie B cabe destacar que a los actores se les pide poco más que saber correr, gritar y pelear correctamente, no se necesitan profesionales del método precisamente para estas películas. ‘Wrong turn, sendero al infierno’ es de esas cintas en las que podemos apostar quién será el primero en morir, la típica de jóvenes aislados en una zona incomunicada. Y aunque aprecio el trabajo que hace la española Charlotte Vega por encima del resto del reparto en estas películas siento que quien más reconocimiento merece es el equipo de efectos especiales. Ellos son los que nos hacen disfrutar, sobre todo cuando consiguen ser muy explícitos con las macabras muertes. Habiendo dicho esto sobra decir que esta no es una película para espectadores que se mareen con la sangre o sufran viendo vídeos de lesiones.

La peculiaridad de este filme son las características de los villanos. ‘Wrong turn, sendero al infierno’ plantea una cuestión: son más salvajes los enemigos que acechan a los protagonistas o es la sociedad que les rodea, una que permite que en la Virgina del siglo XXI aún se pueda ser marcadamente racista u homófobo. Las películas de terror siempre han sido un buen canal para denunciar problemas en nuestra sociedad y esta aunque lo hace de una manera obvia no ha sido menos.

Toda la historia transcurre en un conocido camino frecuentado para senderistas, el que recorre los Apalaches. Hace poco os hablábamos del documental ‘El gran camino’ que nos descubría sendas que acababan siendo experiencias transformadoras, más allá de los retos físicos que suponen. En el caso de esta película de terror los protagonistas también buscan y experimentan algo que les cambia la vida, pero claro está, no es lo que esperaban. En mi caso esperaba que ver este filme me aportase salvajadas, nada que supusiese un punto de inflexión en mi vida. Y así ha sido, ‘Wrong turn, sendero al infierno’ es lo suficientemente tortuosa y maquiavélica como para calmar la sed de un amante del terror como yo.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de julio de 2021. Título original: Wrong Turn. Duración: 109 min. País: Alemania, EE.UU., Reino Unido. Dirección: Mike P. Nelson. Guion: Alan B. McElroy. Música: Stephen Lukach. Fotografía: Nick Junkersfield. Reparto principal: Charlotte Vega, Emma Dumont, Dylan McTee, Adrian Favela, David Hutchison, Vardaan Arora, Cory Scott Allen, Rhyan Elizabeth Hanavan, Brian James Fitzpatrick. Producción: Constantin Film. Distribución: SelectaVisión. Género: terror. Web oficial: https://www.constantin-film.de/kino/wrong-turn-5/

Crítica: ‘Dos’

Sinopsis

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David y Sara se despiertan pegados por el abdomen, desnudos. Están en un lugar misterioso. No recuerdan cómo han llegado hasta esa habitación. David sugiere la posibilidad de que hayan sido drogados y secuestrados. Ambos deben confiar en el otro para desvelar el misterio, pero Sara sospecha de David.

Mientras intentan atar cabos, descubren que estar pegados dificulta en extremo hasta las actividades más mundanas, además de hacer que aflore una inevitable atracción mutua a pesar de las circunstancias. Ambos se ven obligados a compartir con un desconocido sus secretos más íntimos y vergonzosos para poder descifrar el misterio.

Crítica

Esto sí que es compartir protagonismo

Dos personas se despiertan juntas en una cama, desnudas, en una habitación que no conocen y sin conocerse el uno al otro. Se intentan levantar y descubren que están unidos, cosidos. La idea resulta un tanto repulsiva y encima la asquerosa sutura se muestra, muy gráficamente además. No os preocupéis que esta no es una película del estilo del ‘The Human Centipede’, aunque muestra sin corte alguno, ni para ir al baño, todo lo que les va tocando hacer. Si acaso, si se parece a alguna otra película, es a ‘Saw’.

Al igual que en una de las trampas de Jigsaw los protagonistas han sido llevados contra su voluntad a una sala cerrada donde con solo algunas pistas deben adivinar qué les sucede y por qué están ahí. Habiendo aparecido unidos se ven obligados a entenderse y a analizar la situación y su entorno cuando lo que más les preocupa es su propio cuerpo, todo un reto. Entre los detalles del cuarto y las cosas que van descubriendo el uno del otro surgen las susceptibilidades, siendo la más persistente la teoría malsana y cansina de mostrar al hombre como un violador.

Esta es una película de Mar Targarona, la cual, suele indagar en los miedos y miserias humanas. Ya lo hizo con producciones como ‘El orfanato’, ‘Secuestro’ o ‘El cuerpo’ e incluso dirigiendo también ‘El fotógrafo de Mauthausen’. A esta trayectoria de películas dramáticas y también con tintes de terror hemos de sumar que Mike Hostench firma el guión junto a otras dos personas. Conocemos a Hostench por su trabajo como subdirector del Festival de Sitges, a si es que conociendo este dato ya os podemos adelantar que la película tiene un carácter fantástico indudable. Fantástico pero sabiendo lo demente que está nuestra sociedad es una idea que bien podría suceder. Me viene a la mente la noticia de aquel austriaco que encerró a su hija en casa durante 24 años, la violó y tuvo hasta siete hijos con ella. Si esta película os parece surrealista acercaos a las páginas de sucesos.

Obviamente quienes merecen elogios por ‘Dos’ son los protagonistas interpretados por Pablo Derqui y Marina Gatell. Esto sí que es compartir protagonismo. Aguantan todo el filme actuando pegados. Y si bien es cierto que a veces ella peca de exagerada y él de no tener racor emocional ambos ejecutan un siniestro baile que merece aplausos. Si una escena de sexo se os antoja comprometedora imaginad pasar los setenta minutos de fimle pegado a otro cuerpo desnudo. Muy profesionales, sobre todo si tenemos en cuenta que habrá habido repetición de tomas y con ello más tiempo de trabajo pegados.

El tiempo es otra virtud de este filme. Es una película corta, de unos setenta minutos. Se perciben algunas tomas un poco alargadas para llegar a ser largometraje y tal vez se podría haber incluido algún elemento que enriqueciese aún más la acción. Pero el filme opta por lo poético y lo cabalístico, sobre todo en su escena final y consigue sacar en poco espacio algo de poesía.

Los grabados de Goya de la serie de Los Caprichos y los pasajes de la Biblia nos dan unas pistas cruciales para saber que alguno de ellos esconde u ha olvidado algo. No obstante muy lumbreras hay que ser para atar cabos y romper la sorpresa final. La película mantiene el suspense y un pulso literal entre dos personajes que desde luego dejarán cicatriz.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de julio de 2021. Título original: Dos. Duración: 70 min. País: España. Dirección: Mar Targarona. Guion: Cuca Canals, Christian Molina, Mike Hostench. Música: Diego Navarro. Fotografía: Rafa Lluch. Reparto principal: Pablo Derqui, Marina Gatell, Esteban Galilea, Anna Chincho Serrano, Kandido Uranga. Producción: Rodar y Rodar Cine y Televisión, Stick Together A.I.E. Distribución: Filmax. Género: thriller. Web oficial: http://www.filmax.com/distribucion/dos.227

Crítica: ‘La calle del terror – Parte 3: 1666’

Sinopsis

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En 1666, Dena descubre la verdad sobre Sarah Fier. De nuevo en 1994, los amigos luchan por sus vidas… y por el futuro de Shadyside.

Crítica

Me quedo a vivir en La calle del terror… si me dejan o no me matan

Muy de vecinos, muy de familias, muy de convivencia. Así podríamos decir que se resume la triliogía. Una vez terminada de ver las tres obras puedo decir que de lo que trata es de convivir entre vecinos, entre distintas generaciones. Pero también abarca un discurso sobre la tolerancia y el rencor que tiene valor y se superpone a la carnicería que vemos durante toda la saga.

Podría decir aquello de… “ha merecido la pena la espera para esta tercera película” pero ¡han sido solo unas semanas! Vale que vivimos en la era de la inmediatez, pero ha sido tan rápido nuestro paso por esta Calle del terror que dan ganas de quedarse a vivir un tiempo más, si nos dejan o no nos degüellan antes. Y lo cierto es que entre visiones, enmascarados y escena post-créditos Netflix nos está anunciando que podría haber más episodios surgidos de estas novelas de R.L. Stine, pero tal y como concluye la historia está perfectamente bien cerrada. Muy bueno tiene que ser lo próximo que haga el director Leigh Janiak para superar a esto.

Además, debo admitir que ‘La calle del terror – Parte 3: 1666’ se cierra de un modo que yo no me esperaba. Tenía mi propia teoría a cerca de en qué consistía realmente la maldición de Shadyside y de cómo podría acabar pero me han sorprendido con la trama definitiva. Este nuevo filme, aunque se subtitule 1666, se divide en dos partes, una en 1666 para narrarnos todo lo ocurrido en los orígenes y otra en 1994, como era de esperar, para vivir el desenlace una vez que los jóvenes protagonistas han descubierto el pastel. Y como volemos a esa época tenemos música conocida como la de The Offspring, Pixies u Oasis.

Ya que es una tercera entrega me gustaría destacar tres escenas, todas ellas responsables de que ‘La calle del terror – Parte 3: 1666’ tenga calificación R (al igual que la segunda parte). Me ha encantado el momento en el que nos explican el corte de mano de Sarah Fier, da grima y dolor de verlo. Es también macabra la escena en la capilla. Y por último es una gozada la pelea al pie del árbol de la ahorcada en el centro comercial, nos hace decir “¿y por qué no?”. Por cierto, que esta última me ha vuelto a recordar a ‘Las furias’.

Aunque este filme se mantiene dentro de los detalles clásicos de los slashers consigue diferenciarse, sobre todo con su primera mitad en el Estados Unidos colonial. Como imaginábamos cuando vimos la primera entrega la ciudad (por entonces conocida como Union) se convirtió en un Salem lleno de recelos, fanatismo, prejuicios y persecución. Allí de nuevo se confunde la habilidad con brujería, la chiquillería con satanismo. Se explica bien por qué los personajes están repetidos en el pasado, también por qué hay una maldición sobre Shadyside y por lo tanto por qué surgen asesinos. Me parece un final más que satisfactorio. Podéis ver las películas de manera independiente si queréis, pero no vais a disfrutar de igual manera de las sorpresas que tiene, además es un poco absurdo hacerlo así pues están todas en la misma plataforma, igual de accesibles.

Por pocos minutos esta es la más larga de las tres películas. Como en las otras sabemos de antemano que Fier perdió una mano y posteriormente fue ahorcada, pero antes hubo cosas que han tenido ecos en el futuro. Al igual que en la segunda entrega tenemos un detalle que sabemos por adelantado, pero con pormenores por averiguar, lo cual es harto interesante, hace que el espectador se preocupe por la construcción de la historia y no tanto por el final en sí. A parte de los brutales asesinatos eso es lo más atractivo de esta trilogía. Sobre todo porque todo encaja de un modo que nadie habíamos imaginado.

Antes de ver ‘La calle del terror – Parte 3: 1666’ se me planteaba una pregunta: ¿se ha ganado Sara Fier un hueco en el hall de la fama del terror y veremos disfraces suyos en Halloween? El tiempo y las tiendas con el merchandising suele decidir eso, pero tampoco os lo puedo decir pues rompería una de las sorpresas.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de julio de 2021. Título original: Fear Street 3. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Leigh Janiak. Guion: Phil Graziadei, Leigh Janiak, Kate Trefry. Música: Marco Beltrami, Anna Drubich. Fotografía: Caleb Heymann. Reparto principal: Kiana Madeira, Ashley Zukerman, Gillian Jacobs, Olivia Welch, Benjamin Flores Jr., Darrell Britt-Gibson, Sadie Sink, Emily Rudd, McCabe Slye, Julia Rehwald, Fred Hechinger, Jordana Spiro, Jordyn DiNatale. Producción: Chernin Entertainment.  Distribución: Netflix. Género: terror. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Flashback’

Sinopsis

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Fred (O’Brien) no es un detective, un agente secreto o un filósofo. Es un tío normal y corriente que se acerca a los 30 años y que atraviesa una crisis existencial ahora que se ve en el precipicio de la auténtica madurez. Se debate entre varias cuestiones: ¿Debería comprometerse con su novia de toda la vida? ¿Debería empezar a trabajar en una empresa para pagar las deudas y descartar sueño de convertirse en artista? ¿Debería pintar las paredes de su nuevo piso de azul turquesa o azul celeste? Tras un encuentro accidental con un amigo de su juventud que había olvidado, Fred viaja de manera literal y filosófica al pasado. Poco a poco comienza a desentrañar un misterio oculto sobre una chica desaparecida, una droga llamada Mercurio y una terrorífica criatura que le ha perseguido hasta su madurez. A medida que pasado, presente y futuro comienzan a cruzarse entre sí, Fred comienza a explorar todas las posibles vidas que podría tener. ¿Cuál escogerá?

Crítica

Fobias y rabias generacionales en forma de flashes

Con el título y la sinopsis de la película esperaba una película de ciencia ficción de carácter independiente capaz de sorprenderme por sus argumentos. Ciertamente ‘Flashback’ tiene buena materia y nos deja un poso enriquecedor. Lo que no entiendo es por qué está categorizada como R por que no se percibe en ella ni violencia ni lenguaje explícito. Quizá es por las epilépticas imágenes que nos hacen ir de atrás adelante en la historia.

‘Flashback’ es un filme que nos hace dudar, que nos inquieta e intriga, que siembra en nosotros nostalgia y cuestiones. Constantemente recibimos como estímulo de entrada un bombardeo de imágenes que el protagonista también está percibiendo como algo desconcertante. Recuerdos del pasado, de su infancia, de su juventud… Tanto nosotros como el personaje interpretado por Dylan O’Brien percibimos una realidad alterada, ya sea por lagunas o por psicotrópicos. El filme juega con esa confusión para mantenernos en vilo y consigue resolverse sin dejar nada al azar.

Además de demostrar porque Canadá sigue siendo una punta de lanza para la ciencia ficción ‘Flashback’ se gana el apodo de generacional. Maneja una trama temporal que se asocia a teorías de universos múltiples, algo que los cineastas y científicos de hoy en día tienen muy presente. Tengo claro que nuestra generación filosofa a través del cine flirteando con la idea del multiverso, buscando evadirse a realidades alternativas que manifiesten mejor sus miedos o deseos. O simplemente en un intento de escapar de una realidad en la que te puedes jugar el futuro en cosa de una hora: en un examen de selectividad, una presentación de empresa, en una entrevista de trabajo… No nos gustan las elecciones que se nos dan o los procesos a los que nos someten.

Estos temores son aún más profundos o están más agravados en los protagonistas que parece que viven una especie de crisis de los cuarenta a los treinta e incluso a los dieciocho. Se sienten en una prisión que es fácil transmitir al espectador, la del sistema que tenemos, la de vivir una vida preestablecida y los grilletes de las rutinas. Todo el discurso de la película se resume a las opciones, a la libertad de tomar decisiones al no tener que vivir en un mundo donde solo progresas si escribes lo que quieren que escribas en una redacción o dices lo que quieren oír tus jefes.

Cada vez me gustan más los proyectos en los que se mete Dylan O’Brien. Si he dicho que ‘Flashback’ muestra inquietudes e influencias de nuestra generación podemos relacionar su carrera de un modo parecido. Está sabiendo unirse a proyectos capaces de sorprender a los de su quinta o algo mayores como ‘El corredor del laberinto’, ‘Marea negra’, ‘De amor y monstruos’ e incluso ha sido la voz de Bumblebee. Me gustan sus películas, su interpretación tampoco es que sea para Oscar, de hecho suele necesitar estar bien rodeado. En este caso más que el reparto le ayuda mucho el montaje de la película. Una edición que nos da momentazos, como la secuencia reveladora que sucede justo a la hora de película.

Esta es también la historia de los colocones de un artista reprimido. Un dibujante que además de tener sueños y pasiones sometidas, también reprime un recuerdo importante. Consigue ser con todo esto muy melancólica y a veces críptica. Pero es fácil de entender sin acabar rallado. Lo habría dejado cuando ella dice “a todas partes” pero hay algo más que descubrir a cerca de esta historia, por lo que merece la pena hacer flashback en nuestra cabeza tras verla y repasarla mentalmente.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de julio de 2021. Título original: The Education of Fredrick Fitzell. Duración: 97 min. País: Canadá. Dirección: Christopher MacBride. Guion: Christopher MacBride. Música: Anthony Scott Burns, Pilotpriest. Fotografía: Brendan Steacy. Reparto principal: Dylan O’Brien, Maika Monroe, Amanda Brugel, Hannah Gross, Liisa Repo-Martell. Producción: Resolute Films and Entertainment, Addictive Pictures, Trinity Media Financing, Téléfilm Canada. Distribución: Filmin. Género: ciencia ficción, drama, supense. Web oficial: ver en Filmin.

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