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Crítica: ‘Spiral: Saw’

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Trabajando a la sombra de un policía ya retirado (Samuel L. Jackson), el detective Ezekiel “Zeke” Banks (Chris Rock) y su compañero novato William (Max Minghella) toman las riendas de una investigación sobre una serie de espeluznantes asesinatos que recuerdan a los terribles crímenes que asolaron la ciudad en el pasado. Absorbido por la investigación, Zeke se acabará convirtiendo en el epicentro del macabro juego del asesino.

 

Crítica

Se han confundido, se han montado en la espiral, pero en sentido descendente

Podría ponerme a hacer un repaso sobre la saga ‘Saw’, sobre sus ocho entregas anteriores, sobre el recorrido de los personajes o sobre cuál fue mejor, pero no merece la pena. Reconozcámoslo, ni la evolución de los protagonistas y ni el desarrollo de la trama han sido nunca el principal atractivo de la franquicia. Lo que buscamos todos cuando nos acercamos a ver una película de este corte es precisamente, eso, cortes, aplastamientos, desmembramientos… En ‘Spiral: Saw’ lo tenemos, pero no en la medida que cabría esperar.

‘Saw’ no es ni más ni menos que la venganza o el escarmiento de un justiciero despiadado que hace que los acusados desciendan a lo más bajo del ser humano para poder salvarse y a través de pruebas sufran una catarsis que a su vez sirva de confesión. Descubrir las miserias y muertes de los personajes ha sido siempre el morbo de los espectadores enganchados a esta producción que inició en su día James Wan. Las intenciones de Jigsaw siempre han respondido al karma y ha ajusticiado en todas las películas sin arbitrariedad. Eso sigue siendo así.

Tenemos una pugna entre detectives y asesinos. La diferencia de esta secuela, ya que todo sucede con posterioridad a las otras ocho películas, es que el imitador no ejecuta a criminales conocidos o personas mundanas con secretos, si no a policías. Se emplea el significado de la espiral como un símbolo de renovación y el imitador de Puzle quiere limpiar a toda una comisaría corrupta. La idea está bien pero ‘Spiral: Saw’ se aleja del espíritu de ‘Saw’ y se queda en algo más próximo a una buddy movie dramática.

La saga ha evolucionado poco o nada, simplemente ha introducido algún que otro elemento nuevo en sus trasuntos detectivescos jugando con la identidad del asesino, pero poco más. Ahora con lo que quieren sorprendernos es precisamente con la identidad del criminal imitador. Eso se hace al final pero en ningún momento se justifica el uso de las técnicas de Jigsaw, por lo que esta película se podría haber llamado ‘El asesino tramposo’, ‘El asesino de la espiral’ o como buenamente se les hubiese ocurrido.

Desde 2004 con ‘Saw’ hasta 2017 con ‘Jigsaw’ hemos visto como a los guionistas se les ocurrían más y más burradas. Ese ingenio se fue diluyendo con el tiempo según perdía más y más interés la vertiente dramática y policíaca de una desgastada serie de películas. La trama detectivesca e incluso la personal toma aún más el control de la saga pero al menos sí que regresan las trampas crueles y sanguinolentas, con opción a salvación, por supuesto haciendo uso de sacrificios.

El juego de ‘Spiral: Saw’ no se distingue mucho de ‘New police story’, aquella película en la que Jackie Chan tenía que atrapar a unos adictos a los videojuegos que se dedicaban a matar policías, habiendo eliminado previamente a todo el equipo del actor chino. Chris Rock intenta aquí elaborar a un policía oscuro, renegado, problemático y no obstante con principios, con toda su comisaría en contra, haciendo un intento de Serpico. En tierra de nadie, intentando hacer su trabajo salvando a aquellos que tiene en contra. No le sale el experimento pues no puede evitar introducir algo de humor sarcástico, mezclando eso con rictus de tío duro constantemente forzado. La participación de Samuel L. Jackson es más que anecdótica y quien salva un poco los muebles es Max Minghella.

Parece mentira que el director de la cinta sea Darren Lynn Bousman, quien ha trabajado en varias entregas de la saga. ‘Spiral: Saw’ no tiene intriga. Todas las muertes son explícitas, pero en retrospectiva, por lo que no hay emoción. Y en el único detalle en el que no nos dan detalles evidentes hacen lo contrario, nos dan la pista definitiva mucho antes de tiempo. Por mucho que en el clímax final hagan uso del mítico tema central de la banda sonora no volvemos a las mismas sensaciones. Han querido dar una vuelta de tuerca con esta espiral, levantar de nuevo la exceptiva y se han equivocado de dirección, alejándose aún más de lo que de verdad enganchaba a los espectadores.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de mayo de 2021. Título original: Spiral: from the book of Saw. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Darren Lynn Bousman. Guion: Josh Stolberg, Pete Goldfinger. Música: Charlie Clouser. Fotografía: Jordan Oram. Reparto principal: Chris Rock, Max Minghella, Samuel L. Jackson, Marisol Nichols, Ali Johnson, Dan Petronijevic, Genelle Williams. K.C. Collins. Producción: Twisted Pictures, Serendipity Productions, Dahstar, Canadian Film or Video Production Tax Credit. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller, terror. Web oficial: https://spiral.movie/

 

Crítica: ‘Poliamor para principiantes’

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Satur (Karra Elejalde) y Tina (Toni Acosta) son un matrimonio en el que ella aporta el dinero y él se ocupa de la casa y el niño. El problema es que el niño, Manu (Quim Àvila), tiene ya 28 años y es un mediocre youtuber.

Satur convertirá a su hijo en “El ranger del amor”, un exitoso youtuber enmascarado defensor del amor romántico que se enamora perdidamente de Amanda (María Pedraza). Lo que Manu no sabe es que Amanda es poliamorosa y tiene relaciones con Marta (Cristina Gallego) y Esteban (Luis Bermejo), una acomodada pareja de médicos con dos hijos, con Claudia (Lola Rodriguez), una chica trans que trabaja en el mundo de la moda y con Alex (Eduardo Rosa), monitor de paracaidismo y modelo cachas.

¿Qué consecuencias tendrá en las vidas de Satur, Tina y Manu el descubrimiento del poliamor? Diversión y risas garantizadas.

Crítica

Una burla sin cuartel pero de munición repetida

Es muy curioso y paradigmático el cómo en España nos encanta la comedia y aun así la tenemos maltratada, a nivel espectadores y a nivel institucional sin apenas dedicarle credibilidad o premios. Bien es cierto que las películas españolas más taquilleras suelen ser de carácter cómico, pero también es verdad que cuando preguntas a alguien por su película española preferida pocas veces elige una comedia. Algunos como un servidor, somos firmes defensores de los milagros de P. Tinto y de los momentos en los que amanece, que no es poco.

Esta pequeña reflexión viene en relación al director de ‘Poliamor para principiantes’. Fernando Colomo es bien considerado, pero igualmente maltratado por el público popular como el género que suele tratar. Su nombre no es altamente conocido, sobre todo por los espectadores jóvenes, pero su obra está muy presente y arraigada en nuestra historia. A esto hay que sumarle el que es de esos directores que se amoldan bien a los tiempos que corren. Si alguien se ha sabido modernizar cinematográficamente es él, buscando temas contemporáneos y argumentos que rejuvenecen su carrera. Ahí está su tribu o su isla bonita, a la cual hace alusión en una de las escenas de la película y no me refiero a su cameo haciendo taichí cual hippie ibicenco.

‘Poliamor para principiantes’ nos cuenta como un padre y un hijo intentan dos cosas: lanzar la carrera del joven como youtuber e introducirse en el mundo de las relaciones múltiples consentidas. Un mundo donde prima la sinceridad y en el que nos llega la comedia desde dos conflictos. Uno es que los protagonistas esconden un secreto a sus nuevos amigos poliamorosos y dos, lo chocante que les va pareciendo todo.

Está muy bien la trivialización y también la normalización que lleva acabo ‘Poliamor para principiantes’. Me parece muy constructiva la burla que hace tanto de aquellos que no comprenden la libertad de elección de los demás y también la burla (sana) que se hace de aquellos que llevan ciertos aspectos de género y de sexo al extremo. Los momentos con una comedia más inteligente llegan con las indignaciones y razonamientos de Cristina Gallego. En resumidas cuentas la película es polifacética y diversa hasta el punto de convertirse en un batiburrillo muy gracioso en determinadas escenas. La verdad es que la película resalta el cacao de nuevos términos en el que nos movemos en la actualidad.

El gran problema de ‘Poliamor para principiantes’ es que tiene algunas secuencias flojas que no terminan de funcionar, como la de Susi Caramelo. En mi opinión creo que, en parte en contra, pero también en parte a favor de aquellos que sexualmente se salen de la norma la película resulta demasiado cargante, se repite demasiado con sus chistes o sus recursos cómicos. Vale que el título gira en torno al tema de la libertad sexual pero algunas veces lo confunde con libertinaje y otras peca de poder convertirse en un panfleto o torpe manual.

Quim Àvila Conde debuta en este su primer largometraje. Lleva bien su papel de personaje pánfilo y enamoradizo. Ciertamente es un rol en el que lleva muchos años encasillado Quim Gutiérrez y podría haber sido perfectamente un trabajo que hiciese él. Ávila Conde forma buena pareja con Karra Elejalde que hace de un padre de lo más moderno y abierto, también torpe.

La pena es que la película se desinfle y no tenga momentos cómicos también para María Pedraza, la tercera protagonista en discordia. Entiendo que Elejalde es el nombre más conocido del reparto, pero su protagonismo no es único, como sugiere el cartel. Su elenco de secundarios son el resorte para los momentos cómicos, pero el muelle de ese disparador cada vez se da más de sí y la película va perdiendo fuelle poco a poco. Se ven venir los malentendidos, las mentiras y los conflictos. Si te quedas con algunos de los momentos en los que los protagonistas se ven más ridículos o torpes conseguirás reírte, sobre todo cuando hacen sentir vergüenza ajena.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de mayo de 2021. Título original: Poliamor para principiantes. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Fernando Colomo. Guion: Fernando Colomo, Casandra Macías Gago, Marina Maesso. Música: Fernando Furone. Fotografía: Ángel Iguácel (AEC). Reparto principal: Karra Elejalde, Toni Acosta, Quim Àvila Conde, María Pedraza, Luis Bermejo, Cristina Gallego, Inma Cuevas, Lola Rodríguez, Susi Caramelo, Mery Cabezuelo, Patricia Peñalver. Producción: Acuerdo de fluidos, Amazon Prime Video, Morena Films, RTVE, Ran Entertainment. Distribución: Vértice 360. Género: comedia. Web oficial: https://morenafilms.com/portfolio/poliamor-para-principiantes/?portfolioCats=79

Najwa Nimri se convierte en la presentadora de ‘Insiders’

Un reality show que Netflix pretende que sea impredecible

La actriz Najwa Nimri (‘La casa de papel’ y ‘Vis a Vis’) cambia de piel para conducir ‘Insiders’, el primer reality de Netflix en España. Una narradora tan impredecible como el ADN de ‘Insiders’.

‘Insiders’ es un programa en el que el espectador descubrirá una nueva forma de contar la realidad, una innovadora experiencia televisiva en la que un grupo de personas anónimas se ha apuntado a un casting masivo, que además sigue abierto, sin tener la menor idea de lo que les espera. Es una de las máximas de ‘Insiders’. Y, cuando lo sepan, si lo cuentan, están fuera.

Producido por iZen para Netflix, ‘Insiders’ contará con un total de 60 cámaras, 23 de ellas de calidad cinematográfica, para filmar este experimento televisivo donde cualquier cosa puede pasar. La última fase del casting tendrá lugar en Madrid en el mes de mayo. ‘Insiders’ apuesta por un nuevo formato en el que cualquiera puede participar y cuyo premio final asciende a 100.000 euros, pero una vez dentro, el premio será lo de menos.

Crítica: ‘Ejército de los muertos’

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Se ha declarado una epidemia zombie en Las Vegas. Un grupo de mercenarios decide adentrarse en la zona de cuarentena para perpetrar el mayor golpe del a historia.

Crítica

Para fans del director y del género

Desde el viernes 14 de mayo podréis ver en cines y luego en Netflix la compañera espiritual de ‘Amanecer de los muertos’ el que supuso el debut como director de Zack Snyder en un largometraje. Próximamente podremos ver la secuela en formato serie animada pero de momento podemos ver esta película en la que nos narran cómo se produce una infección a menor escala que la que vimos en la película del 2004.

‘Ejército de los muertos’ era un proyecto de Warner Bros. que por distintos motivos, pero al igual que ‘Liga de la Justicia’, ha terminado en una plataforma de streaming. Habría merecido la pena verla en pantalla grande, sobre todo por la secuencia inicial. En el arranque de este filme la humanidad aún no ha sabido nada de los zombies, hasta que un accidente desencadena una “guerra zombie” y termina con el aislamiento de toda la ciudad de Las Vegas, de la cual toman posesión unos zombies muy peculiares. La narración de todo esto supone un arranque macabramente divertido. Antes de la volatilización de la famosa ciudad de los casinos un grupo de mercenarios decide aceptar el trabajo de robar una caja fuerte repleta de dinero. No es algo secreto que Snyder se ha basado otras veces en películas de Romero, en este caso solo percibimos unas pinceladas. El sabor que deja ‘Ejército de los muertos’ es más bien a una mezcla de ‘Los mercenarios’ y ‘Los perdedores’. En buena parte es así, aunque el tono quizá no es el esperado y debemos sumarle a la película un grupo de muertos vivientes organizados al más puro estilo ‘Fantasmas de Marte’.

Si tenemos que ubicar la película está sucede tiempo después del estallido zombie, con nuestra civilización conviviendo con los zombies. Digamos que en un zombieverso imaginario formado por films de personas muertas y devoradoras de carne iría entre ‘La noche de los muertos vivientes’ y ‘Zombieland’, con un tono cómico similar en momentos puntuales y llegando a algunos extremos dignos de ‘Zombeavers’. Pero lo que comanda a este ‘Ejército de los muertos’ es el tiempo dedicado a las vidas que los protagonistas han dejado atrás o la miseria que viven, sentando con ello muchos momentos dramáticos. Por supuesto dedica espacio a desarrollar una nueva parafernalia de no muertos pero sin duda los pesares de los protagonistas ganan peso según avanza la cinta. Se perciben algunos detalles en la trama propios de un padre que habría cambiado su vida por la de su hija, algo totalmente comprensible viniendo de donde viene Snyder.

Tiene mucha acción y es bastante buena, me río yo de las hordas de zombies del ‘Left 4 dead’, esto si que es miedo y asco en las vegas. Pero la secuencia introductoria es lo mejor del filme sin duda alguna. Es una cinta mucho menos espectacular de lo que prometía su tráiler, cuyas imágenes componen casi la totalidad de los primeros minutos del filme. Probablemente suceda con esta película como sucedió con el ‘6 en la sombra’ de Michael Bay. Una película que parecía que sería grandiosa y acabará siendo un título menor para las carreras de estos directores, no evitando esto que sea disfrutable para los fans de los planos tan particulares de una filmografía muy llena de efectos y alejada de lo convencional. Y será un grato momento para aquellos que como yo disfrutan del género de zombies, pero no es una película transgresora ni mucho menos. Igual de intranscendente es la banda sonora de Junkie XL en una nueva colaboración con Snyder.

Snyder sigue yendo sobrado de metraje. ‘Ejército de los muertos dura dos horas y veintiocho minutos. Como he dicho antes es una película para fans de Snyder y de los zombies. Está llena de cámaras lentas, caos y música. Snyder usa su marca de la casa haciéndose cargo de la fotografía de nuevo pero haciendo un guiño a su habitual Larry Fong con un cartel que vemos en uno de los edificios de Las Vegas. Pero no os preocupéis que no tiene tantos momentos a ralentí como ‘Liga de la Justicia’. Eso sí, versiones de clásicos de Elvis o Creedence tenéis unas cuantas. Me ha encantado el momento Cranberries.

El mayor logro del filme es el fichaje de Tig Notaro, quien me encanta por su papel en ‘Star Trek Discovery’. Aquí tiene un rol similar pero realmente el logro no es solo su cómico y gruñón personaje, es que la hayan insertado en el filme. Y es que ella rodó a parte la película, a última hora, la insertaron posteriormente con cromas y trucos de montaje. Esto ha sido así porque inicialmente su papel lo hizo otra persona (Chris D’Elia), que tras acusaciones de acoso sexual ha sido sacado del metraje. Un doble éxito, moral y de alarde de tecnología cinematográfica.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Título original: Army of the dead. Duración: 148 min. País: EE.UU. Dirección: Zack Snyder. Guion: Zack Snyder, Shay Hatten, Joby Harold. Música: Junkie XL. Fotografía: Zack Snyder. Reparto principal: Dave Bautista, Ella Purnell, Ana de la Reguera, Theo Rossi, Huma Qureshi, Omari Hardwick, Hiroyuki Sanada, Tig Notaro, Garret Dillahunt, Raúl Castillo, Nora Arnezeder, Matthias Schweighöfer, Samantha Jo, Richard Cetrone. Producción: The Stone Quarry. Distribución: Netflix. Género: acción, terror. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Este cuerpo me sienta de muerte’

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Prepárate para ‘Este cuerpo me sienta de muerte’ una retorcida versión del clásico “intercambio de cuerpos” que pone a una adolescente en el físico de un implacable asesino en serie.

Crítica

Retorciendo el género y un par de cuellos

Empieza como una de ‘Viernes 13’.

‘Este cuerpo me sienta de muerte (Freaky)’ es un homenaje a los slashers conservando el terror pero en clave de comedia. A estas alturas creo que no es necesario explicar qué es un slasher pero por si acaso podemos resumir que es aquella película donde un asesino con el rostro cubierto con una máscara va matando a jóvenes adolescentes. De hecho la nueva película de Christopher Landon (‘Feliz día de tu muerte’, ‘Paranormal activity’) homenajea a muchos títulos de ese corte e incluso podemos decir que tiene algo de ‘Muñeco diabólico’ al esgrimir un argumento basado en un elemento místico que hace que un asesino cambie de cuerpo.

‘Este cuerpo me sienta de muerte’ se suma a las múltiples listas de películas sobre cambios de cuerpos (‘Viernes loco’, ‘Your name’, ‘¡Este cuerpo no es el mío!’…). Casi siempre, esta vez no es la excepción, ese tema se ve a través de una lente cómica. En el caso de la película que protagonizan Vince Vaughn y Kathryn Newton además de humor tenemos sangre, muertes brutales. Aunque como pega a esta película que me ha parecido fresca y divertida he de apuntar que esperaba que el contador de muertes subiese más.

El juego de la película es muy similar al de últimas entregas de ‘Jumanji’, que aparte de ser divertido exige un plus de interpretación pues los actores cuyos personajes han intercambiado sus cuerpos han de representar a dos personajes en uno. Vince Vaughn es un imponente hombretón con maneras de cheerleder inadaptada y lo hace muy bien. Podría decir que está violento como nunca pero ahí están las recientes películas con S. Craig Zahler. En el caso de Newton, cuando hace del personaje de Vaughn, le cuesta dejar de forzar la postura pero en cuanto empieza la acción también se desenvuelve muy bien, sobre todo con esa mirada asesina.

Como es obvio la película está llena de malentendidos y de momentos de explosión sanguinaria. Landon se ha dedicado a parodiar clásicos slasher con mucha gracia y gusto por el terror, demostrando ser alguien que continúa haciendo un esfuerzo por retorcer el género. Aunque vemos tópicos introducidos intencionadamente por todas partes, esta venganza que muchas víctimas de acoso escolar sueñan, funciona.

Y termina como una de ‘Halloween’.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Título original: Freaky. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Landon. Guion: Christopher Landon, Michael Kennedy. Música: Bear McCreary. Fotografía: Laurie Rose. Reparto principal: Vince Vaughn, Kathryn Newton, Celeste O’Connor, Misha Osherovich, Uriah Shelton, Dana Drori, Katie Finneran, Alan Ruck. Producción: Blumhouse Productions, Divide/Conquer. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, comedia. Web oficial: https://www.freaky.movie/

Crítica: ‘Más Allá de las Estrellas. Fotografiando un Agujero Negro’

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El 10 de abril de 2019 tuvo lugar uno de los acontecimientos científicos más impactantes del siglo: la obtención de la primera imagen de un agujero negro. La película entabla una conversación con la comunidad de físicos más prestigiosos de nuestro país incluyendo varios de los que intervinieron en la obtención de la imagen, e indaga en sus motivaciones personales con el objetivo de dar respuesta a las grandes preguntas que aún se hace el ser humano.

Crítica

Un documental verdaderamente inspirador

¿Sabéis lo difícil que es fotografiar algo que no puedes ver? ¿Lo aún más difícil que es el fotografiar un objeto que consume materia? Yo he trabajado fotografiando objetos a nivel microscópico, llegando a ver átomos y me parecía algo maravilloso, el cómo la técnica nos permite fotografiar un detalle invisible al ojo humano. Pero el alcanzar un punto a 53 millones de años luz de la Tierra y capturar su imagen se me antoja cuanto menos épico, sobre todo si hablamos de un objeto que se estima que tiene miles de millones de masas solares y aun así es imperceptible.

‘Más Allá de las Estrellas. Fotografiando un Agujero Negro’ antes vestía el título ‘En la frontera de lo desconocido’. Ambos títulos hablan de la relevancia y grandioso de este logro. Una conquista que se suma a la de la detección de ondas gravitacionales y que vino a verificar teorías asumidas pero no confirmadas. Un logro de coordinación internacional, una historia extraterrestre y tremendamente humana, que ha juntado mentes e instrumental, que ha aunado una fuerza de voluntad hacia un objetivo común, el progreso y la comprensión de nuestra realidad.

Muchas personas pensaban que este tipo de fenómenos tan presentes en la galaxia ya estaban fotográficamente documentados, pero no fue hasta hace unos pocos años que se captó por primera vez la imagen de un agujero negro. En concreto fue el que está en la galaxia M87 y hoy en día se siguen averiguando cosas sobre él, como el comportamiento de sus campos magnéticos y la materia que está a su alrededor.

‘Más Allá de las Estrellas. Fotografiando un Agujero Negro’ se acerca al equipo que está detrás de una foto imposible. No nos hablan solo de su actividad o de su carrera, también de los primeros contactos que tuvieron con la física y sus motivaciones. Para llegar a puntos tan cruciales previamente se trata el concepto moderno de científico y por supuesto el objetivo de la física teórica, así como el papel histórico y actual de la mujer en la ciencia.

Toda la base previa que dispone el documental dilata el que se empiece a hablar del tema técnico y de las dificultades de este logro. Más de la mitad del documental es un repaso a la historia de la física o una reflexión sobre el camino que hay que recorrer hacia la búsqueda de ideas verdaderamente revolucionarias, tocando figuras como Sagan o Hawking. Por eso vemos la que me gusta llamar “La foto de Los Vengadores de la ciencia”, aquella que reunió hasta 17 ganadores del Nobel gracias a la iniciativa de Solvay. Por supuesto no faltan palabras para la fuga de cerebros que vivimos en España, la cual hace enfrentarse a nuestros científicos a auténticos retos en el extranjero. Es un largo prólogo que desvía un poco la atención del documental pero al que no le falta razón alguna.

‘Más Allá de las Estrellas. Fotografiando un Agujero Negro’ es un documental que indudablemente pone en valor el mérito y sacrificio de personas que se dedican a algo indispensable. Una especie de mártires inspiradores del siglo XXI. Si hay algo con lo que me quedo es con su tesón y con su planteamiento que no da nada por sentado, que nos anima a cuestionarnos si realmente hacemos las preguntas adecuadas en nuestro trabajo o nuestro día a día. Y es que a veces nos damos cuenta de estas cosas al tropezarnos con algo, cosa que forma parte de nuestra historia científica.

A ver si quienes mandan con pompa y terrazas en nuestras ciudades se acuerdan que entre el electorado hay muchos cerebros que pasan hambre y se sacrifican más que los banqueros a los que ayudan o los futbolistas a los que avalan. Si hay que sentir envidia de alguien es de estas personas que han conseguido todo un hito.

Por esto último creo que merece la pena mencionar a las entidades y organismos involucradas en esta fotografía o en este documental. A parte de la productora GGY Audiovisuales está la colaboración del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), el Instituto de Física Teórica (IFT), el Instituto de Astrofísica de Andalucía (IAA), el Institut de Radioastronomie Millimétrique (IRAM 30m Telescope), la Universidad Autónoma de Madrid (UAM) y la Fundación Ramón Areces.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de mayo de 2021. Título original: Más Allá de las Estrellas. Fotografiando un Agujero Negro. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Gonzalo Gurrea Ysasi. Guion: Gonzalo Gurrea Ysasi. Música: Claude Debussy, Frédéric Chopin, Camille Saint-Saëns, Erik Satie. Fotografía: Christian Villalba. Reparto principal: Ángel Uranga, Casas Alberto, García Juan,  José Luis Fernández, Luis Ibáñez, Maria Rodríguez, Antxon Alberdi, José Luis Gómez, Miguel Sánchez, Salvador Sánchez. Producción: GGY Audiovisuales. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: documental, ciencia. Web oficial: IFT.

Crítica: ‘Oxígeno’

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Tras despertarse en una cápsula criogénica, Liz tiene que luchar para sobrevivir y recordar quine es antes de que se agote el oxígeno.

Crítica

Concebida literalmente para asfixiar

La propuesta de ‘Oxígeno’ es de esas difíciles de mantener porque solo tienen un personaje presente y encima un reducidísimo escenario, lo cual limita mucho la acción y el número de encuadres que se pueden contraponer. Pero Alexandre Aja (‘Horns’, ‘Las colinas tienen ojos’, ‘Infierno bajo el agua’) ha demostrado con el tiempo que ese tipo de retos no le suponen problema ya que en la gran parte de sus películas suple todo imprimiendo buen ritmo y dándonos sorpresas, en este caso las aportadas por el guión de la debutante Christie LeBlanc.

Aja es uno de los máximos exponentes actuales del terror, en concreto de las corrientes que nos llegan desde Francia. En esta producción que ha realizado para Netflix nos sugiere su apuesta más claustrofóbica y quizá con más giros de guión que hasta ahora. Una mujer (Mélanie Laurent) se ha despertado por sorpresa en una cámara de criogénesis. En ella la única ayuda o más bien compañía, es un asistente de voz holográfico llamado M.I.L.O. (Mathieu Amalric). Una situación estresante sobre todo si pensamos que la protagonista no sabe ni dónde está ni quién es. Y a eso la película le suma aún más componentes agobiantes.

Tal y como seguramente estéis pensando ‘Oxígeno’ puede recordar a películas como ‘Buried’ o la más desconocida ‘Tin Can’. A lo que más se aproxima es al título de Rodrigo Cortés. Podríamos pensar que en ‘Buried’ el protagonista pasa por una verdadera pesadilla sobre todo al darse cuenta de que el único medio de comunicación disponible es una insufrible BlackBerry. Y en el caso de ‘Oxigeno’ se alivia la situación ya que más que un teléfono la protagonista dispone de un asistente con pantalla que le va aportando información. Pero lo que le va sucediendo hace de esta película un título igual de estresante.

Tanto la actriz como el desarrollo del a historia contribuyen a hacer de esta una película que nos hace saltar de un punto a otro sin receso ni tedio. La película no pierde coherencia e incluso cuadra los tiempos de manera correcta aunque no precisa, tiempo que le queda de oxígeno junto a tiempo que nos queda de película. Esta es una trama contada en tiempo lineal en la que los recuerdos (al igual que en Buried) forman parte importante de la trama y para ello no necesita hacer uso de flashbacks, lo cual es otra virtud.

Soy muy de desarrollar mis propias teorías según voy viendo una película y he llegado a tener hasta tres posibles finales en mente. Me ha sorprendido ver que la película era una combinación de tres cosas que se me habían pasado por la cabeza y que obviamente no voy a decir (salvo futuras conversaciones en redes o al pie de esta entrada tras el estreno). Lo malo es que pese a esa sorpresa la revelación del secreto más importante del filme llega como a mitad de película y luego a ‘Oxígeno’ le cuesta ser aún más imprevisible. Se pierde el suspense y ya dependemos de la ciencia ficción pura y dura y de la desesperación que nos transmite su actriz.

Tampoco puedo daros detalles de los paralelismos que puede tener con nuestra realidad pues me lloverían haters por hacer spoiler pero si que compro su solución final, que en cierto sentido me ha recordado a la de ‘Devs’.

Por lo general me suele gustar más Aja cuando se pone sarcástico y cuando tira más de argumentos sangrientos. Esta es su película más comedida al respecto pero que se percibe que está hecha para que contengamos el aliento y en buena medida lo consigue.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de mayo de 2021. Título original: Oxyen. Duración: 101 min. País: Francia, EE.UU. Dirección: Alexandre Aja. Guion: Christie LeBlanc. Música: Robin Coudert. Fotografía: Maxime Alexandre. Reparto principal: Mélanie Laurent, Mathieu Amalric, Malik Zidi. Producción: Getaway Films, Wild Bunch International Sales, Echo Lake Entertainment. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Ilargi guztiak. Todas las lunas’

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Durante los estertores de la última guerra carlista, una niña es rescatada de un orfanato por una misteriosa mujer que habita en lo profundo del bosque. Malherida, y sintiendo estar al borde de la muerte, la pequeña creerá ver en ella a un ángel que ha venido a buscarla para llevársela al Cielo… No tardará en descubrir que este extraño ser le ha dado la vida eterna, obligándola a vivir en la oscuridad de la noche, juntas, para ‘siempre’.

Bajo su nueva condición, tendrá que enfrentarse al doloroso paso del tiempo encerrada en su cuerpo de niña, hasta conocer a Cándido, un hombre humilde que le acogerá en su casa como si de su propia hija se tratase y que le acompañará en la lucha contra su propia naturaleza y en el sueño de recuperar su vida arrebatada.

‘Ilargi Guztiak. Todas las lunas’ es una fábula fantástica que reflexiona sobre el miedo al dolor y la inmortalidad.

Crítica

Vampiros mendicantes en una fábula sencilla pero eficiente

Igor Legarreta comenzó a marcar su sello, por lo menos en mi memoria, con el guión de ‘Autómata’, una película que en gran medida me cautivó, sobre todo por su sencillez. En el caso de ‘Ilargi guztiak. Todas las lunas’ también tenemos una propuesta escueta en cuanto a personajes y escenarios. Pienso que con poco Legarreta consigue contar bastante.

La jovencísima protagonista de esta película (Haizea Carneros) sufre una lesión mortal a causa de un lance de la última Guerra Carlista y es “salvada” por una misteriosa mujer. A partir de ahí comienza una trama de vampirismo que se sale de lo convencional. Como en todas las historias de vampiros la luna es su nuevo sol, su nueva acompañante y de manera poética se expresa eso con el título de la cinta. Es niña y vampiresa a la vez por lo que tiene por delante mucho por aprender. En una era sin Internet y estando sin acceso a libros ha de aprender a base de ensayo error.

Nuestra vampira se enfrenta a los retos que se le plantean como buenamente puede, muy a lo protagonista de los hermanos Gretel, con inocencia y algo de picardía. No son pocas las películas que últimamente hemos visto enmarcadas en las Guerras Carlistas con un halo de cuento, estando estas contadas en euskera. Quizá el trabajo más limítrofe es la estupenda ‘Errementari’ por el carácter infantil y la intervención de una niña. Pero el tono se aproxima más al de un drama sosegado como pudo ser la laureada ‘Handía’. Los vampiros de ‘Ilargi guztiak. Todas las lunas’ no se transforman ni tienen poderes. Son mendicantes, ocultos en las sombras, viviendo sus reglas atemorizados por el mundo exterior y eso aporta un buen toque de drama y nos permite explorar otras caras de esas criaturas chupasangre.

Quizá la reflexión más obvia de esta película sea la que abrace los aspectos de la vida eterna. Pero para mí la película trata más sobre lo egoístas que podemos ser intentando retener junto a nosotros a otras personas, encadenándolas a nuestras necesidades. Esto puede suceder con o sin el don de la inmortalidad. En su conjunto podemos enfocar esta película como un entretenimiento parsimonioso dentro del cine fantástico pero podemos extraer lecturas como esta. Saldrán los clásicos comentarios que dirán que esta una obra sobre el paso a la madurez de una mujer, pero la película no se centra en ese aspecto, aunque algunos momentos pueden atribuirse a ese discurso.

Vivimos una muy buena racha de películas en euskera tales como las ya mencionadas ‘Errementari’ o ‘Handía’. En esta generación tan prolífica hay que incluir títulos como ‘Loreak’, ‘Akelarre’ o ‘Hil Kanpaiak (Campanadas a muerto)’. Varias de ellas tienen en común la excelente música de Pascal Gaigne que en esta ocasión también sale exitoso transportándonos auditivamente a momentos de temor y sensibilidad, como lo hizo recientemente con ‘La trinchera infinita’.

A parte de esta dispar manera de mirar el vampirismo destacaría de la película la dirección y por consiguiente actuación de Haizea Carneros. Legarreta ha conseguido que la actriz se vuelva ante la cámara a apuntarnos con una mirada tierna y a la vez adulta. Además añadiría que la película está excelentemente bien resuelta.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de mayo de 2021. Título original: Ilargi guztiak. Duración: 102 min. País: España. Dirección: Igor Legarreta. Guion: Igor Legarreta, Jon Sagalá. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Imanol Nabea. Reparto principal: Haizea Carneros, Josean Bengoetxea, Itziar Ituño, Zorion Eguileor, Lier Quesada, Elena Uriz. Producción: Arcadia Motion Pictures, EiTB, ICO, ICAA, Kowalski Films, Noodles Production, Pris and Batty Films, RTVE, Vodafone. Distribución: Filmax. Género: terror, drama. Web oficial: http://www.filmax.com/distribucion/todas-las-lunas.132

Crítica: ‘Tiburón blanco’

Sinopsis

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Una escapada en hidroavión a la Gran Barrera de Coral australiana se convierte en una pesadilla para un grupo de jóvenes cuando son atacados por un gigantesco tiburón blanco. Varado en alta mar sobre un frágil bote salvavidas, el grupo tendrá que usar todo su ingenio para resistir a la monstruosa amenaza que les acecha bajo el agua.

Crítica

Vaga y típica

Se va notando que llega el verano, si el cambio climático lo permite, y nos llegan las primeras películas con sabor playero. De los productores de películas como la saga ‘A 47 metros’ llega a los cines ‘Tiburón blanco’. Y diréis, ¿otra de tiburones? Pues sí, otra de tiburones, una más del montón que no se esfuerza en modo alguno en marcar la diferencia y justificar mínimamente su existencia.

Tanto ‘A 47 metros’ como ‘A 47 metros 2’ han supuesto una nueva manera de hacer películas de tiburones. En ellas, aunque con muchos eventos pronosticables, se percibía un ánimo por innovar dentro del género con nuevos argumentos e incluso escenarios subacuáticos. Sobre todo la calidad de imagen y la planificación de planos destacaban por encima de cualquier otra película reciente perteneciente a este subgénero.

En el caso de ‘Tiburón blanco’ el remate final de las imágenes no está nada mal. El etalonaje, los ángulos, las perspectivas… todo eso correcto. El problema de esta película que tiene más de un fallo de raccord es que nos hace bucear en un océano de tópicos.

‘Tiburón blanco’ no es que no invente nada en el género, es que repite escenas que estamos hartos de ver. Ya de entrada comienza con la típica parejita muriendo en las fauces del escualo para seguidamente plantearnos una trama llena de decisiones estúpidas o torpes. Por supuesto los protagonistas son dignos de plantarle cara al campeón mundial de apnea y no nos falta el que tiene una cicatriz de un anterior ataque, con el trauma que eso conlleva.

Si hay algo que no le falta a la película son decisiones incautas y planos cenitales o contrapicados acuáticos. Otro de tantos films que aprovecha que tiene un dron a mano para rellenar con multitud de imágenes desde el aire. Vale que los protagonistas tengan una empresa de rutas turísticas y usen un hidroavión para transportar a sus clientes, pero una vez puestos en situación no hace falta que me metan un plano rodado con dron cada 5 minutos.

Un cuerpo yace podrido en una playa, con dos piernas menos tras el ataque de un tiburón blanco. Días después le encuentran y su móvil está aún al lado, funcionando y con batería. Para obtener información los protagonistas usan el desbloqueo con huella del cuerpo pútrido. Quiero dos cosas de este filme: el contacto del dermatólogo de ese personaje y la marca de ese móvil resistente al agua salada y con batería imperecedera.

‘Tiburón blanco’ es otro filme que más que para entretenernos llega para incrementar la mala fama de este pez solitario que rara vez es visto en parejas. Desde luego me quedo con títulos vistos hace poco como ‘A 47 metros’ o ‘Infierno azul’, al menos estos tienen tensión y no dejan cabos sueltos. Si la veis y os enteráis de a qué vienen las miradas cómplices y las hostilidades hacia el personaje llamado Benny me lo contáis, porque no tienen justificación alguna.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Título original: Great White. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Martin Wilson. Guion: Michael Boughen. Música: Tim Count. Fotografía: Tony O’Loughlan. Reparto principal: Katrina Bowden, Aaron Jakubenko, Tim Kano, Kimie Tsukakoshi, Te Kohe Tuhaka. Producción: Thrills & Spills, Cornerstone Pictures, Filmology, ProdigyMovies, Truth or Dare. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, thriller. Web oficial: https://www.facebook.com/greatwhitefilm/

Crítica: ‘Bill y Ted salvan el universo’

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Bill (Alex Winter) y Ted (Keanu Reeves) siguen siendo dos aspirantes a estrellas de rock que ahora a sus 40 años son padres de familia e intentan escribir esa canción que les permita cumplir con su destino que no es otro que salvar el universo. De nuevo, desde el futuro les llegará una última oportunidad para conseguirlo.

En esta última aventura serán ayudados por sus dos hijas: Billie (Brigette Lundy-Paine, ‘Atípico’) y Thea (Samara Weaving, ‘Noche de bodas’). Y sus respectivas mujeres también formarán parte de la aventura: Elizabeth (Erinn Hayes, ‘Kevin puede esperar’) y Joanna (Jaima Mays, ‘Glee’). Y, por supuesto, con el regreso de «la Muerte» (William Sadler).

Crítica

Los años no pasan factura a esta pareja que sigue como siempre

¿Cómo lo lleváis? Aterriza en España, salida directamente de una cabina de teléfonos, ‘Bill y Ted salvan el universo’. Con esta película que se lanza directamente en Movistar+ se cierra una trilogía que ha llegado a tener serie animada e incluso videojuego para Nintendo.

Si sois seguidores de Keanu Reeves y queréis verle en un papel muy distinto no dudéis en acercaros a esta trilogía o por lo menos a esta tercera parte que puede verse al margen del resto del material publicado. Al fin y al cabo la saga ‘Bill y Ted’ constituye una historia la mar de bobalicona que solo sirve para pasar un rato.

Pero un rato la mar de disparatado, lleno de locuras que solo funcionan si estamos dispuestos a dejarnos llevar por una ciencia ficción sin fundamento alguno. Los personajes interpretados por Keanu Reeves y Alex Winter han desafiado a la muerte a juegos de mesa, secuestrado a Freud o Sócrates y casado con mujeres de la Edad Media. Estos aspirantes a estrellas del rock primero tuvieron que convertirse en los amos espirituales de la galaxia y luego salvar a sus novias de una amenaza del futuro. Ahora les toca ayudar a sus hijas y salvar sus matrimonios mientras consiguen la canción que salva nuestra realidad, pero de camino les persigue un robot parecido a Freezer.

Para quien no conozca a estos personajes de los noventa forman un duo llamado Los potros salvajes (Wyld Stallyns) que tiene como local de ensayos una cochera. Un día les viene a visitar alguien del futuro para avisarles de que tienen que acompañarle para salvar el mundo. Así tal cual suena, esta pareja se embarca en una aventura de viajes en el tiempo al más puro estilo ‘Rick y Morty’, pero sin sangre. Digamos que son un par de amigos inseparables tipo Jay y Bob el Silencioso con más similitudes aún con Tenacious D, de hecho en esta tercera entrega también aparece Dave Grohl.

Para que os hagáis a la idea, los viajes los realizan a bordo de una cabina de teléfonos, a si es que el símil con ‘Doctor Who’ está servido. Se mantienen todos los elementos de las películas originales, a si es que los que sean fans de esta comedia de culto pueden estar tranquilos. De hecho ningún director ha repetido en toda la saga, pero los guionistas siguen siendo Chris Matheson y Ed Solomon. Si esta película os causa sensaciones encontradas pensad que Solomon es guionista tanto de ‘Super Mario Bros.’ como de ‘Men in Black’.

Se mantiene el mismo humor tontorrón y los efectos de bajo presupuesto. Han pasado 30 años desde las anteriores películas y por supuesto las imágenes generadas por ordenador han mejorado, pero tampoco esperéis algo de última generación. Al menos ‘Bill y Ted salvan el universo’ muestra la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia mejor que ‘Westworld’.

Hay más presupuesto y en proporción también mejor reparto, pero no os preocupéis que se mantiene a William Sadler como la muerte. Por ahí vais a reconocer a Samara Weaving, Anthony Carrigan, Hal Landon Jr. o Holland Taylor. Todos ellos sin miedo al ridículo y me da la impresión que pasándoselo bastante bien. Sobre todo la película os puede hacer reír con las pintas que se gastan los protagonistas en las distintas épocas a las que nos van llevando.

La imagen rockera de Keanu Reeves se ha popularizado con el juego ‘Cyberpunk 2077’, pero mucho tiempo antes ya le habíamos visto aporrear una guitarra con esta trilogía que nació a finales de los ochenta. Precisamente el coche que conducen en la segunda parte es el que se le asigna al personaje de Johnny Silverhand, a quien da su imagen Reeves en el videojuego, cerrando así un círculo con mucho rock and roll.

Y unos cuantos círculos cierra ‘Bill y Ted salvan el universo’ que sin ser excesivamente intrincada cierra más paradojas que nunca. Como siempre la película tiene un público muy claro, aquel al que le gustan las tramas absurdas. La saga mantiene su tono, consigue seguir moderadamente amena y totalmente despreocupada por sus argumentos. El desenfado que nos hace falta en estos días.

¡Hasta luego tíos!

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Título original: Bill & Ted Face the Music. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Dean Parisot. Guion: Chris Matheson, Ed Solomon. Música: Mark Isham. Fotografía: Shelly Johnson. Reparto principal: Keanu Reeves, Alex Winter, William Sadler, Samara Weaving, Jillian Bell, Brigette Lundy-Paine, Kristen Schaal, Jayma Mays, Holland Taylor, Anthony Carrigan, Amy Stock-Poynton, Erinn Hayes, Beck Bennett, Hal Landon Jr., Kid Cudi. Producción: Hammerstone Studios, Dugan Entertainment, Many Rivers Productions, Endeavor Content, Lakeview Entertainment, TinRes Entertainment, Dial 9. Distribución: Movistar+. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://www.instagram.com/billandted3

Crítica: ‘El olvido que seremos’

Sinopsis

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Basada en el libro homónimo, ‘El olvido que seremos’ es una película sobre un hombre bueno, Héctor Abad Gómez, destacado médico y activista por los derechos humanos en el Medellín polarizado y violento de los años 70. La historia relata la vida del doctor, padre de familia preocupado tanto por sus hijos como por los niños de clases menos favorecidas. En la familia Abad se respira la vitalidad y la creatividad características de una educación fundamentada en la tolerancia y el amor.

Crítica

Cuando lo violento e ilógico se enfrenta a la razón y el afecto

Héctor, nombre de origen griego que según donde lo busques puede significar poseer, el que protege o dominante. Nombre también del héroe que cayó en Troya defendiendo a su pueblo de una batalla provocada por el amor. Ese es el nombre del personaje al que interpreta Javier Cámara en ‘El olvido que seremos’, la película de Fernando Trueba ganadora del Goya a Mejor Película Iberoamericana, ya que esta es una producción colombiana. Nombre que recibe de Héctor Abad Gómez, un médico y escritor conocido por su bondad, por su lucha por proteger los derechos humanos. Se le tiene como a un héroe que dominaba la palabra o tenía la razón sobre qué cambios necesitaba el país, cosa que le valió peligrosos enemigos.

‘El olvido que seremos’ es un poético título que la película hereda de la novela en la que se basa. Trata sobre un hombre bondadoso, entregado a su familia, a sus alumnos y a los ciudadanos que le rodean. Ese retrato se hace de un modo fino, pulcro y puntualmente panfletario. Y digo esto en el buen sentido pues la película transmite unas sensaciones increíbles, nos abraza con candidez, nos da comedia y drama del mismo modo que películas como ‘La vida es bella’ o ‘Patch Adams’.

Cuando lo violento e ilógico se enfrenta a la razón y el afecto. El contraste entre cualquier conflicto armado frente a momentos costumbristas y felices siempre funciona si se encuentra el equilibrio. Esta película biográfica que nos muestra una dichosa infancia en color y una convulsa adultez en blanco y negro se entrega al espectador con un abanico de sentimientos bien contemporizados, en una de las mejores películas de Fernando Trueba. La Colombia de los sicarios y los grupos paramilitares aparece en ‘El olvido que seremos’ como un lugar con muchas oportunidades de mejora, sin hacer de este un relato negro, sino luminoso y esperanzador.

En esta época en la que se suceden los escraches y los apaleamientos (en redes sociales) nos vamos a un episodio en la Colombia del auge de las FARC-EP. Javier Cámara, que ya se puso ficticiamente en el bando terrorista con ‘Fe de etarras’ ahora se sitúa en el lado de aquellos que plantan cara a los violentos, a los que tienen mente de carcamal o se regodean en su palurdismo. Héctor Abad sufrió el escarnio y reprimenda de múltiples bandos al presentarse como un librepensador con ideas progresistas. Eso lo muestra la película con brillante delicadeza y perspectiva. Al igual que ahora por entonces los reaccionarios no atendían a razones y la sanidad necesitaba reformas, hacían falta vacunas y la mayoría se preocupaba por el fútbol, ¿os suena esto? Nuestra actualidad ha hecho que la película gane aún más enteros.

“Soy Héctor Abad III y me hago llamar así porque mi padre vale por dos”. Preciosa frase que no se si recuerdo con exactitud y que dice Nicolás Reyes Cano interpretando al hijo de Héctor. El propio “Héctor Abad III” es el autor del libro en que se basa la película. Quizá no recuerdo con detalle la sentencia pero es porque ‘El olvido que seremos’, pese a clamar por héroes olvidados, tiene multitud de frases para recordar. Como la lección de las 5 aes que necesita todo ser humano: aire, agua alimento, abrigo y afecto.

Diría que los protagonistas también son Hugo (Nicolás Reyes Cano) y Cecilia (Patricia Tamayo) pero tanto el talento de Javier Cámara como el carácter de su personaje acaparan todas las miradas y corazones, al fin y al cabo, todo gira en torno a un profesor transgresor y sin mordazas en la boca. El trabajadísimo papel de Cámara nos hace recordar a ese profesor que si ha habido suerte todos hemos tenido, que nos enseñó más a pensar que a memorizar lecciones. “¿Qué han pensado hoy?” es la frase que usa este maestro al entrar en sus clases, no es de extrañar que sea alguien recordado por su carisma.

Además de ser una carta de amor (dedicada además a la familia Abad Faciolince que se ha conmovido por el parecido de Cámara) esta es una cinta sobre la libertad de expresión, las etiquetas y el miedo a las nuevas corrientes de pensamiento. Por lo tiempos que maneja a ‘El olvido que seremos’ a veces hay que echarle paciencia, la misma que hay que de dedicarle a la educación de un hijo o a la transformación de una nación. Es una obra algo alargada, pero da la impresión de que Héctor Abad lo merece.

Igual de memorable que era este doctor lo es la música de Zbigniew Preisner. ‘El olvido que seremos’ es una película prácticamente redonda. “Si quieres que tu hijo sea bueno hazle feliz, si quieres que todavía sea mucho mejor dale aún más amor”. Si quieres que los espectadores sean buenos contigo dales una obra con sustancia, y esta es de las que llenan y dan ganas de abrazar.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Título original: El olvido que seremos. Duración: 136 min. País: Colombia. Dirección: Fernando Trueba. Guion: David Trueba. Música: Zbigniew Preisner. Fotografía: Sergio Iván Castaño. Reparto principal: Javier Cámara, Aída Morales, Patricia Tamayo, Juan Pablo Urrego, Nicolás Reyes Cano, Juan Pablo Urrego, María Tereza Barreeto, Elizabeth Minotta, Whit Sillman, Kepa Amuchastegui. Producción: Caracol Televisión. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://bteampictures.es/el-olvido-que-seremos/

Crítica: ‘4 días’

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Diez años de consumo de heroína han dejado en ruinas la vida de Molly (Mila Kunis). Una nueva medicina podría ayudarla a comenzar de nuevo si es capaz de mantenerse limpia durante cuatro días, algo que trata de lograr con la ayuda de su madre Deb (Glenn Close), una mujer de ideas férreas. El amor que ambas se profesan se verá puesto a prueba como nunca antes en sus vidas.

Crítica

Contando algo duro pero sin dureza

Pintaba a dramón y así ha sido. ‘4 días’ es un filme con mucha tristeza pero incapaz de dejarnos con una carga de pena o por lo menos de transmitirnos la agonía de sus personajes.

En ‘4 días’ la gran Glenn Close (cuyo último recuerdo que tendréis de ella será su twerking en la gala de los Oscar) y Mila Kunis (a quien prefiero recordar de ‘Aquellos maravillosos 70’) se convierten en madre e hija. Dos personajes la mar de imperfectos que se ven inmersos en una lucha contra el mono. Kunis encarna a una joven que ha intentado descontaminar su cuerpo hasta en quince ocasiones y cada vez le es más fácil recaer. Mientras tanto Close tiene que retratar a una persona que lucha contra su impulso maternal.

Esta pugna de impulsos se titula ‘4 días’ porque ese es el tiempo que le resta al personaje de la yonki para poder empezar con seguridad un tratamiento que le ayudará a salir de la heroína y demás estupefacientes.

Una historia basada en hechos reales que tal y como está interpretada y tal y como la narra el director y guionista Rodrigo García se siente verídica. El problema es que no se desmarca de ninguna otra historia de drogas o de otros dramas maternofiliales. No ofrece ninguna innovación, ni narrativa ni interpretativa.

Sin ponerle pegas a las actuaciones de ambas protagonistas he de decir que al conjunto de la obra le ha faltado una capacidad de transmitirnos el estrés que debe suponer el sobreponerse a ambos monos, el de meterse un chute y el de acudir corriendo a socorrer a la sangre de tu sangre. La película peca de falta de intensidad y por eso es probable que la pierda de mi mente en otros cuatro días.

Esta es la historia de dos personas que han perdido mucho en su vida y para darle empaque a algo tan drástico cabía esperar algo más de fuerza en la trama y menos giros representativos de estos dramas que acaban poniéndose en la sobremesa de un sábado. Es una película tan convencional que cabe pensar que sus estrellas la han hecho paga pagar facturas o para que se les tenga en cuenta en futuros proyectos.

‘4 días’ no es mala pero si insustancial o poco remarcable. El personaje de Glenn Close saca el tema un par de veces y habría sido más interesante ahondar en ese aspecto. Me refiero a que ella acusa la adicción de su hija a la epidemia de los opioides de los noventa. Si no conocéis este fenómeno se refiere básicamente al como muchos estadounidenses están enganchados a analgésicos opioides y posteriormente han acabado enganchados a drogas duras, como le pasaba al Dr. House de Hugh Laurie. Choca ver a Mila Kunis sin dientes pero es una pena el cómo argumentos muy duros pueden llegar a ser contados sin alcanzar dureza alguna.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de mayo de 2021. Título original: Four Good Days. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Rodrigo García. Guion: Rodrigo García, Eli Saslow. Música: Ed Sheamur. Fotografía: Igor Jaude-Lillo. Reparto principal: Glenn Close, Mila Kunis, Stephen Root, Carla Gallo, Michael Hyat, Joshua Leonard. Producción: Indigenous Media, Oakhurst Entertainment, Productivity Media. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama. Web oficial: https://www.indigenousmedia.com/fourgooddays

Crítica: ‘Héroes: Silencio y rock & roll’

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Este documental narra el ascenso de Héroes del Silencio, grupo de rock de gran trascendencia en los 80, liderado por Enrique Bunbury y con un sonido cada vez más duro.

Crítica

Los ecos de una banda que siempre nos hará vibrar como un trueno en el cielo

Son buenos días para hacer una apuesta por el rock & roll. No solo por el panorama convulso que vivimos y que pide reivindicación, también por la serie de documentales que se están estrenando, en concreto sobre bandas del territorio español. Barricada, Héroes del Silencio y Berri Txarrak. 82, 84 y 94. Pamplona, Zaragoza y Lecumberri. Tres bandas surgidas con poco espacio de tiempo entre ellas, muy cercanas regionalmente y con películas documentales recién estrenadas. Tras hablaros de ‘El drogas’ o ‘Dardara’ ahora toca y nos toca ‘Héroes: Silencio y rock & roll’.

Nunca he sido un fan extremo de Héroes del Silencio pero siempre he disfrutado su música, tanto del grupo como de Bunbury en solitario. Tampoco me he sentido nunca alineado con la personalidad o declaraciones de Enrique Bunbury, pero eso no viene al caso, lo importante es su legado musical que a poco que uno lo repase sentirá una avalancha de sensaciones. A raíz de eso el documental realizado por Alexis Morante (Camarón: flamenco y revolución) y Nacho Blasco (‘Los futbolísimos’) deja claro que la prensa española nunca ha sabido tratar a un grupo llamado a ser leyenda, por eso quiero dejar claro que interpreto que aquí no se juzga a una persona o a las personas de la formación, se analiza el fenómeno de Héroes y su música, aunque para ello obviamente hay que irse a veces a lo personal.

Conocí a Héroes del Silencio a través de mis primos y precisamente gracias a la ausencia de otro familiar descubrimos que esa fue la chispa adecuada que unió a Bunbury al resto de la banda. Pasó de plantearse como bajista del grupo a cantante y a partir de ahí todo fue en ascenso. Datos como ese abundan por doquier a lo largo de todo el metraje, acompañados además de imágenes que sinceramente, creía que no existían.

Pero no fue una senda con una progresión logarítmica. Si algo demuestra ‘Héroes: Silencio y rock & roll’ es que el grupo de Zaragoza se fraguó su fama a pico y pala. Pudieron quedarse entre dos tierras en su brinco del ámbito provinciano al internacional. Y lejos están de ser recordados como héroes en su propio olvido, pues como se hace ver y demostró su gira de 2007, en su ausencia como formación en activo su leyenda ha crecido.

El documental disponible en Netflix no presenta grandes revelaciones acerca de la historia de la banda, no si uno está familiarizado con ellos o si queremos ir más allá de su auto-reconocimiento sobre el consumo de drogas. Pero si supone un gran repaso a su carrera, plagado además de temas, en sus versiones más populares o en su sonido más original y quizá desconocido. En todo momento, con la información aportada y con las declaraciones vertidas por todos los miembros de Héroes del Silencio se percibe como un largometraje muy sincero, hasta en el momento de tocar instantes delicados como muertes o la consabida separación que coló un incómodo silencio entre estos músicos.

Esta película es bastante jugosa y muestra como las canciones del grupo eran capaces de hacer sufrir de alucinaciones a sus oyentes. Espero que no se quede como una sirena varada que llega a nuestras costas reclamando su atención y cayendo esta en saco roto sin que surta efecto su hechizo. Héroes estuvieron tocando juntos unos doce años, en términos musicales puede considerarse poco tiempo pero sin necesidad de una nueva reunión sabemos que son una marca indeleble de la historia del rock.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de abril de 2021. Título original: Héroes: Silencio y rock & roll. Duración: 94 min. País: España. Dirección: Alexis Morante. Guion: Alexis Morante. Música: Héroes del Silencio, Miguel Torres. Fotografía: Sergio de Uña. Reparto principal: Enrique Bunbury, Juan Valdivia, Joaquín Cardiel, Pedro Andreu, Alan Boguslavsky, Phil Manzanera, Matías Uribe, Ignacio Cubillas, Gustavo Montesano, Roberto Durruty, Diego A. Manrique, Sandro D’Angeli. Producción: Bemybaby Films, Héroes Documental AIE. Distribución: Netflix. Género: documental, música. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Earwig y la bruja’

Sinopsis

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Earwig, una niña de 10 años, tiene la habilidad de manipular a los demás para que todos hagan lo que quiera. Huérfana desde bebé, lleva una vida agradable y muy feliz en un hogar para niños donde todos atienden a sus caprichos.

Un buen día, un hombre y una mujer de aspecto extraño la adoptan. “Mi nombre es Bella Yaga. Soy una bruja”, le dice su nueva madrastra a Earwig. “Te he traído a mi casa porque quiero que seas mi ayudante”. Por su parte, el hombre extraño solo aparece para almorzar. Está siempre de mal humor y tiene la costumbre de decir “No me molestéis”.

Por primera vez en su vida, Earwig se topará con unas personas que no se rinden ante sus deseos. Vivirá una serie de aventuras y situaciones que harán que descubra el enorme potencial que siempre ha guardado en su interior.

Crítica

Una mancha en una historia de embrujos animados

Efectivamente, ‘Earwig y la bruja‘ ha supuesto toda una decepción. Hablar de Ghibli es hablar de historias cautivadoras, que embrujan al espectador, tanto a nivel narrativo como en su aspecto visual. La nueva película realizada por el estudio cofundado por Hayao Miyazaki viene con alguna aportación del mítico director, pero es su hijo, Goro Miyazaki, el que ha puesto la mayoría del trabajo, como ya sucedió en ‘Cuentos de Terramar’.

Cabía esperar que la película supusiese una obra mejor que el filme que dirigió el sucesor de Miyazaki en el 2006 ya que el célebre cineasta ha contribuido esbozando las líneas generales de la historia a partir de otra obra de Diana Wynne Jones (‘El castillo ambulante’). Pero ha sido precisamente lo contrario. ‘Earwig y la bruja no cuenta apenas nada, es un cuento sin sustancia, sin una trama interesante que seguir y lo que es aún peor, sin un final mínimamente concreto.

La trama sigue a una niña que ha sido abandonada por una bruja en un orfanato cuando era bebé. Crece y se convierte en una chicuela respondona, pilla, con coletas cornúpetas y carácter mandón. Acaba siendo adoptada precisamente por otra bruja y es lo suficiente descarada y osada como para asimilar rápidamente el uso de la magia. Ese temperamento que tiene la niña es lo único gracioso de la película, lo único que a pesar de ser arquetípico engancha. En líneas generales esto es una especie de versión de ‘Una serie de catastróficas desdichas’ o de ‘Harry Potter’ en el que la magia no la tiene el protagonista, sino sus tutores.

La animación en 3D era lo que más miedo me daba. Ese cambio de aires o incorporación de nuevas corrientes para el estudio es lo que más temía. Ya hemos experimentado fiascos como la nueva versión de ‘Caballeros del Zodíaco’ en Netflix y en ese aspecto debo admitir que he sentido un alivio. Los dibujos son menos torpes de lo que esperaba y aunque las caras no son todo lo expresivas que deberían en estos personajes que parecen muñecos chibi en movimiento hay un gran trabajo de iluminación y color.

La historia se ambienta en lugares coloridos, tanto en sus escenas luminosas como en sus momentos nocturnos o narrativamente más oscuros. Las ubicaciones parecen inspiradas en esa Europa de mediados del siglo XIX que tanto les gusta a los japoneses. En cuanto a los personajes, Ghibli siempre se ha caracterizado en generar bichejos icónicos. Esa es otra falla de la película, no nos quedamos con ninguno de sus monstruitos grabados en la retina.

Imaginación tampoco le falta a la historia. Es ocurrente en cuanto a los detalles, pero no en cuanto a hilar una trama que te acabe dejando sabor a cuento o fábula. Da la impresión de que ‘Earwig y la bruja’ está pensada como una introducción a una futura serie, a una de esas que parecen hechas al peso y que emiten en canales infantiles. El guión es pobre, anodino, sin objeto alguno. Natillas, uno de los personajes secundarios, lee en una escena el libro ‘Red planet’ de Robert Heinen mientras que Earwig lee ‘El perro de Baskerville’. Pues bien, ‘Earwig y la bruja’ no hace honor al ingenio de Conan Doyle ni nos hace viajar como Heinen.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de abril de 2021. Título original: Âya to Majo. Duración: 83 min. País: Japón. Dirección: Goro Miyazaki. Guion: Hayao Miyazaki, Keiko Niwa, Emi Gunji. Música: Satoshi Takebe. Reparto principal (doblaje original): Shinobu Terajima, Etsushi Toyokawa, Gaku Hamada, Kokoro Hirasawa, Sherina Munaf. Producción: NHK, Studio Ghibli. Distribución: Vértigo Films. Género: animación, fantasía. Web oficial: https://www.aya-and-the-witch.jp/

Crítica: ‘Chaos Walking’

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En un futuro no muy lejano, Todd Hewitt (Tom Holland) encuentra a Viola (Daisy Ridley), una enigmática chica que se ha estrellado en su planeta, donde todas las mujeres han desaparecido y los hombres están afectados por «el ruido» -una fuerza que exhibe todos sus pensamientos-. En un entorno tan peligroso, la vida de Viola se ve amenazada y al prometer Todd protegerla, deberá descubrir su propia fuerza interior y revelar los oscuros secretos del planeta.

Crítica

Ciencia ficción solvente con una dupla protagónica destinada a leerse la mente  

‘El cuchillo en la mano’ es como se titula el primer libro de la trilogía ‘Chaos Walking’. Esa es la obra en la que se basa la nueva película que ha sido dirigida dirigida por Doug Liman (‘Al filo del mañana’, ‘Sr. y la Sra. Smith’) en colaboración con Fede Álvarez (‘No respires’, ‘Millennium’). Una historia juvenil, que al margen de si es fiel o no al libro, resulta una satisfactoria aventura, haciendo gala de buenos argumentos de ciencia ficción aunque dejando alguna que otra oportunidad por el camino.

‘Chaos Walking’ está extraída del libro de Patrick Ness, el autor de otro best-seller adaptado como lo fue ‘Un monstruo viene a verme’. Él es guionista junto a otro escritor cuya obra ha sido ya interpretada por Tom Holland, Christopher Ford (‘Spider-Man: Homecoming’). Esta es una película que como decía se ha hecho con dos directores, con Fede Álvarez de consultor para las escenas re-grabadas ya que no gustó el primer montaje presentado a Lionsgate. Esta producción hace honor a su nombre y se nota una pizca de caos, no tanto en el montaje sino en la calidad visual de los efectos de algunas escenas o en lo atropellado de la historia. Y antes incluso de ponerse delante de la cámara la película ya había dado unos cuantos tumbos y llegó a tener varios borradores de guión.

Habrá quien diga que esto se nota en el filme pero no es tan evidente. No comparto comentarios que dicen que es una cinta de la que te cansas rápido o que los personajes no son interesantes, aunque si le falta introspección. ‘Chaos Walking’ es una película de ciencia ficción bastante potable. Nos cuenta cómo en el 2257 los hombres viven solos, sin mujeres, intentando sacar adelante una aldea y conviviendo con “el ruido”. Es un efecto tipo aurora boreal que ronda la cabeza de las personas mostrando aquello que están pensando. En esa situación ha crecido Todd Hewitt (os vais a aprender bien el nombre) que de repente se encuentra con una chica caída del espacio (Viola, Daisy Ridley) la cual es perseguida inmediatamente. Dos buenos villanos, con trasfondo y nada insustanciales, coprotagonizan este corre que te pillo. Dos personajes interpretados por actores de talento, siempre solventes como lo son Mads Mikkelsen y David Oyelowo.

‘Chaos Walking’ es una carrera constante donde lo que más resalta es la buena relación actoral entre Holland y Ridley. Si hablamos de duplas de ciencia ficción reciente puedo decir que me gustó la de ‘Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas’ o la de ‘Passengers’ pero esta joven pareja hace mejores migas. Tirando menos de comedia que en sus trabajos marvelitas o starwaseros ejemplifican bien el choque que vive un muchacho que nunca ha estado con una chica de su edad y el de una joven que pisa un planeta por primera vez en su vida. Con esta película no olvidamos el carácter tontorrón de Holland como Spider-Man o el de Ridley como mujer de armas tomar que se mueve entre chatarra. Pero si les tenemos en una relación, con alguna similitud a la que tuvieron Bruce Willis y Milla Jovovich en ‘El quinto elemento’, en la que se ven forzados a salirse de sus papeles más famosos.

Esta adaptación se queda muy por detrás de ‘Un monstruo viene a verme’. No tiene ni esa carga dramática ni esa fantasía desbordante. La oportunidad que pierde ‘Chaos Walking’, no sé si será igual con el libro, es la de desarrollar una trama entorno a las relaciones interpersonales. Podría haber mostrado cómo es el tener que conocer a alguien a través de sus palabras, de sus gestos, como estamos acostumbrados a hacer nosotros, pero no como está acostumbrado a hacer Todd que siempre ha podido escuchar los pensamientos de los demás. No obstante, el largometraje juega bien con esa falta de filtro y obligación de control de impulsos a la que están sometidos los hombres.

El filme tiene fallos como el que Viola acabe de estrellarse con su nave y esta se vea aún humeante y ardiendo, pero a su vez veamos ya tres tumbas junto a ella, a veces no maneja los tiempos correctamente. También hay algún detalle generado por ordenador que baja la buena calidad del resto, como alguna escena acuática o algún croma obvio. Sin embargo visualmente la película materializa muy bien los tejemanejes que tiene cada uno en la mente mostrándolos como ilusiones intangibles.

Dados los problemas y tiranteces del rodaje puede que no veamos más adaptaciones de esta trilogía. También puede acusar que los personajes son más mayores que en la novela, aunque aún así los muestra bastante jóvenes. No obstante ‘Chaos Walking’ funciona como película conclusiva y uno puede quedar satisfecho con el final que ofrece. Este ha sido un papel que a Tom Holland le ha costado algún desmayo, las muelas del juicio y una nariz rota, quizá se piense bien hacer una segunda parte, si la taquilla lo permite. Si es por mi adelante.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de abril de 2021. Título original: Chaos walking. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Doug Liman. Guion: Patrick Ness, Christopher Ford. Música: Marco Beltrami, Brandon Roberts. Fotografía: Ben Seresin. Reparto principal: Tom Holland, Daisy Ridley, Nick Jonas, Mads Mikkelsen, Cynthia Erivo, David Oyelowo. Producción: 3 Arts Entertainment, BRON Studios, Creative Wealth Media Fiance, Quadrant Pictures. Distribución: eOne Films. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.instagram.com/chaoswalking

 

Crítica: ‘Los Mitchell contra las máquinas’

Sinopsis

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Un apocalípsis robótico pone freno a su viaje por carretera a través del país. Ahora el futuro de la humanidad depende de los Mitchell: la familia más rarita del mundo.

Crítica

Va a toda máquina y no pierde fuelle

Muy loca, muy demente. ‘Los Mitchell contra las máquinas’ es tan loca como la cantidad de videos virales absurdos y surrealistas que inundan las redes y que consumimos a toda máquina. Tal es así que los robots ejecutores de la humanidad nos mandan al garete con el emoji del pulgar hacia arriba. Y ya no es solo su argumento, a los protagonistas también les falta un tornillo.

En ‘Los Mitchell contra las máquinas’ la humanidad se enfrenta de nuevo a la extinción por culpa de una IA enfadada, frustrada por su rápida obsolescencia. La película está dirigida por Michael Rianda y Jeff Rowe, dos guionistas de ‘Gravity Falls’ que imbuyen a esta nueva historia algo de esa serie, sobre todo, los personajes desmadrados. Este es un filme orquestado por los creadores de ‘Spider-Man: un nuevo universo’. Una nueva película de Sony Pictures Animation que además tiene una animación muy similar a la de Miles Morales, aunque con detalles mucho más surrealistas.

La animación de ‘Los Mitchell contra las máquinas’ tiene un toque menos comiquero y más 3D pero tampoco se libra de tener muchos detalles. Os recomiendo ver este filme en la pantalla más grande que podáis para ir captando pequeños elementos que van apareciendo. Elementos que o bien están en los escenarios (como el adorno de la antena del coche que recuerda a Moquete de ‘Los Cazafantasmas’) o bien se introducen a modo de gif, meme o dibujos hechos a mano. Un ejemplo muy claro es el famoso Nyan cat, el cual va muy en sintonía con el espíritu de la película.

El personaje principal de esta película sueña con hacer cine y se gana a sus seguidores con películas amateur en las que casi siempre el protagonista es su perro. Películas que adereza con un batiburrillo de efectos especiales cutres, casi siempre consistentes en mezclar lo grabado con pobres cromas o dibujos con pinturas de madera. Un cine que bien podría ser el de Wakaliwood por la pasión que desprende pero también por su baja calidad.

Netflix se hizo con los derechos de la película en enero de este 2021, eso ha propiciado que finalmente no la tengamos en cines bajo este título (recordemos que Sony la había renombrado como ‘Conectados. Modo en familia’) que es el que escogieron originalmente Phil Lord y Christopher Miller, sus productores y Midas en esto de la animación (‘Spider-Man: un nuevo universo’, ‘La LEGO película’, ‘Smallfood’). Este movimiento podría ser el primero del nuevo acuerdo entre Sony y Netflix que a partir de ahora compartirán películas, primero en cines y luego en streaming. Este título va directo a la televisión, por eso os he recomendado usar la pantalla más grande que tengáis.

El filme consiste en un viaje frenético, rápido con sus gracias y con pocas pausas. Su humor reside en que los Mitchell son una familia tremendamente rara y disfuncional, un clan al que no hay filtro que le arregle. Llevan al extremo sus aficiones y se dan la turra entre ellos y a la gente que les rodea, ya sea el gusto por la naturaleza, el cine o los dinosaurios. Y sobre todo, el personaje más cómicamente explotado es el perro, inspirado en Doug the Pug, que triunfa desde hace años en las redes sociales, las del mundo real y por eso está hasta acreditado.  Aquí le ponen como un perro estrábico que está omnipresente y que es un miembro más, a todos los efectos.

En esas pocas pausas que tiene la película y como es habitual, en su final, se introducen los clásicos momentos moñas que creo que esta película no necesitaba pues durante todo su recorrido explica muy bien la moraleja. Y tiene varias. Una parte muy fuerte es su intento de concienciación hacia el uso abusivo de las tecnologías. Nos cuenta que nos perdemos muchos momentos por vivir pegados al móvil o por sufrir envidia hacia falsos momentos subidos en las redes sociales. Además esgrime la misma cuestión del cuchillo, ¿es un arma o una herramienta de cocina? El malo no es el objeto, es el usuario, el yonki del wifi, el fan del postureo…. Y por supuesto también muestra la frivolidad y ambición de las corporaciones tecnológicas, lo cual hace que ‘Los Mitchell contra las máquinas’ peque un poco de hipócrita pues el propio filme repite el esquema manido que intenta generar el mismo climax del resto de películas realizadas por grandes estudios de animación, que no es otro que el de la protagonista viviendo una catarsis al son de una canción a todo trapo cantada con voz distorsionada hasta más no poder. Al menos es la versión del Dragostea din tei cantada por Rihana animando a la gente a vivir su propia vida sin amarguras.

Este es un road trip en el apocalipsis, una versión animada tipo ‘Zombieland’ y pasa por etapas en las que recuerda a ‘Yo, robot’, ‘Independence Day’, el capítulo sobre el efecto 2000 de ‘Los Simpson’ y obviamente al mismísimo ‘Terminator’. Tanto en versión original como en castellano está muy bien doblada y he de decir que me ha sorprendido escuchar a Leo Harlem. Su cadencia en el habla suele ser frenética y a la película le iba bien, pero no hace uso precisamente de ella, lo cual me parece buen ejercicio de contención amoldándose al personaje y aportándole su toque campechano.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de abril de 2021. Título original: Connected. Duración: 114 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Rianda, Jeff Rowe. Guion: Michael Rianda, Jeff Rowe. Música: Mark Mothersbaugh. Reparto principal (doblaje original): Maya Rudolph, Danny McBride, Michael Rianda, Abbi Jacobson, Fred Armisen, Conan O’Brien, Alex Hirsch, Charlyne Yi, Chrissy Teigen, John Legend, Doug the Pug, Olivia Colman, Eric André. Reparto principal (doblaje en castellano): Leo Harlem, María Pedraza, Kira miró, Miguel Ángel Garzón, Miguel Rodríguez Ros, Yolanda Pérez Segoviano, Guillermo Romero, Ricardo Escobar, Juan Amador, Ana Esther Alborg, Lucía Balas, Juan Antonio Soler Nozal. Producción: Sony Pictures Animation, Lord Miller, Columbia Pictures. Distribución: Netflix. Género: animación, aventuras, comedia, ciencia ficción. Web oficial: http://www.connectedmovie.com/

Crítica: ‘Sound of metal’

Sinopsis

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El batería de metal Ruben comienza a perder la audición. El médico le dice que su estado empeorará y él cree que su carrera y su vida han acabado. Su novia, Lou, lleva al exadicto a un centro de rehabilitación para sordos para evitar una recaída y ayudarle a adaptarse a su nueva vida. Tras ser recibido y aceptado tal como es, Ruben debe elegir entre su nueva normalidad y su vida anterior.

Crítica

Agitemos las manos al aire para aplaudir al equipo de sonido

Goya o Beethoven fueron conocidos por su arte y la creencia popular les atribuye unas personalidades de gran carácter o temperamento. Un carácter que muy probablemente se produjo o se agravó a raíz de su sordera, pero que en muchas ocasiones también se confunde con un talante apasionado. Algo totalmente comprensible sobre todo si pensamos en Beethoven, que se dedicó a la música sin que la pérdida de audición fuese impedimento para crear clásicos magistrales que han llegado hoy en día esto nosotros como obras cumbres de la música.

En el caso de ‘Sound of metal’ no estamos ante un genio de la música aunque si un apasionado de la batería. Un hombre cuyo estado mental también se ve alterado como les pasó a los célebres genios que he citado y que además tiene que lidiar contra una adicción a las drogas. Una persona que estando de gira con su novia por Estados Unidos se queda sin audición en ambos oídos. Independientemente del talento o la relevancia del artista hay que ponerse en su lugar ya que lo que le sucede es dramático. Solo la premisa de la película de Darius Marder ya produce una carga dramática que hace que el espectador se arrime mucho al protagonista. Tocar la fibra de esa manera incrementa sin duda la sensación de que estamos ante una gran película.

Sin embargo aunque la actuación de Riz Ahmed es buena no me parece meritoria de la nominación al Oscar, no por lo menos tanto como me lo parece la de Tahar Rahim en ‘The mauritanian’. Juega en contra del papel del protagonista el hecho de que la historia sea totalmente predecible y aunque su punto de partida sea diferente el desarrollo de los acontecimientos se mantiene dentro de esquemas bastante conocidos, sobre todo si pensamos en dramas centrados en la superación de grandes adversidades.

Si hay algo de valor o que reconocerle a ‘Sound of metal’ su sonido. La edición de sonido engrandece la actuación de Riz Ahmed y hace que acompañemos al protagonista a niveles sensoriales. Escenas en las que lo que oímos nos transmite que lo único que percibe el protagonista son las meras vibraciones del sonido. Están muy trabajadas esas voces que suenan distorsionadas hasta el punto de crear una confusión turbadora. El lograr con modificaciones de audio que el espectador se sienta perdido o desconsolado tiene tanto o más mérito que la mejor interpretación de Oscar. Bravo por Nicolas Becker (‘Gravity’, ‘La llegada’) y el resto de su equipo.

Podría recomendaros ver esta película simplemente para recomendaros que os olvidéis de la imagen e intentéis guiaros solo por el audio, para que hagáis una inmersión que os hará comprender a aquellos que tenéis en vuestra comunidad con problemas en sus oídos. Pero aguantar todo el desarrollo de sus acontecimientos puede ser algo tedioso, no desesperante, pero si aburrido en el sentido de qué sabemos exactamente donde va acabar todo desde el principio y durante el camino solo tenemos un par de escenas intensas o de frases dignas para el recuerdo.

‘Sound of metal’ funciona como ejercicio de empatía pero no tiene un guión excesivamente novedoso. Es un buen debut como director para Darius Marder, pero honestamente no creo que esta sea la mejor actuación ni de Riz Ahmed ni de Olivia Cooke.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: Sound of metal. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Darius Marder. Guion: Darius Marder, Abraham Marder. Música: Nicolas Becker, Abraham Marder. Fotografía: Daniel Bouquet. Reparto principal: Riz Ahmed, Olivia Cooke, Paul Raci, Mathieu Amalric, Tom Kemp, Bill Thorpe, William Xifaras, David Arthur Sousa, Michael Tow, Marisa Defranco, Lauren Ridloff, Jamie Ghazarian, Chris Perfetti, Hillary Baack, Chelsea Bond. Producción: Caviar Films. Distribución: Amazon Prime Video. Género: drama, músical. Web oficial: ver en Amazon.

Crítica: ‘ZERØ’

Sinopsis

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Un hombre y una mujer se despiertan en un lugar extraño, desierto y desconocido, sin saber quiénes son y porqué se encuentran allí. Con el paso de los días y mientras tratan de salir de ese inhóspito lugar, comienzan a recordar algunas cosas que tal vez preferirían no saber.
Quizás las respuestas a todo las tenga Ismael, un hombre que les controla desde la distancia, sin ser visto.

Crítica

‘ZERØ’ es su nombre, pero esta película tiene muchos enteros

‘ZERØ’ es un drama de ficción y primer largometraje de Iñaqui Sánchez Arrieta y como resultado nos ha regalado una película muy íntima y personal donde sus defectos quedan en un segundo plano gracias a sus virtudes.

Difícil me resulta contaros lo que he visto sin desvelaros ni una sola pista de la historia que aquí se cuenta, así que voy a poner el modo crónica y tratar de explicaros así qué sentimientos y sensaciones me ha despertado el visionado de ‘ZERØ’.

Me planto a verla teniendo nada más que una ligera idea de lo que va. No me gusta saber demasiado de las películas que voy a ver, porque prefiero no crearme falsas expectativas. A colación de esto aprovecho para no recomendar que veáis el trailer. Después de verlo y habiendo visto previamente ‘ZERØ’, no creo que os haga bien alguno.

Empieza la peli, escucho una voz en off que empieza a darme pinceladas y una reflexión sobre el infortunio. Poco después veo la sinopsis reflejada en imágenes y empiezo a hacerme preguntas al igual que sus personajes protagonistas.

Un hombre y una mujer despiertan en medio de un desierto inhóspito sin saber quiénes son y qué hacen allí. De vez en cuando veo a una tercera y misteriosa persona, un hombre acompañado de un perro que simplemente les observa sin intervenir mientras nuestros dos protagonistas intentan descubrir quiénes son y cómo salir de allí.

Confieso que la situación me atrapa y me intriga. Soy muy fan de los planteamientos con cierto toque de fantasía de ficción. Transcurren los primeros minutos y la situación se repite, como una especie de bucle sin llegar a serlo. Él y ella, vamos a llamarles Mario y Julia, están tan perdidos como yo tratando de averiguar quién les está haciendo esto al mismo tiempo que se van conociendo y viéndose forzados a entenderse. Los días se resetean y me viene a la cabeza ‘Atrapado en el tiempo’ aunque ni termina de ser parecida ni acabo por comprender que está pasando. Sin duda todas las incógnitas de mi cabeza me tienen en vilo y eso me hace que viva con más intensidad y misterio la trama que nos está planteando ‘ZERØ’.

Poco a poco una serie de flashbacks empiezan a acaparar más minutos de metraje para ir dando cierta luz sobre la historia de Mario y Julia. Reconozco que cuanto más veo de esos recuerdos pasados y menos desierto aparece, voy sintiendo una ligera decepción y os explico por qué:

Siento que voy pasando de un thriller de ciencia ficción a algo de connotaciones más dramáticas y eso sucede a medida que los flashbacks aumentan su presencia en detrimento del desierto. Esto no significa que sea algo “malo”. Simplemente que mi cabeza de escritor fantasioso veía mucho potencial a un guión más centrado en los diálogos y la historia que se centra en la parte más ficticia del relato que es la que transcurre en esos parajes tan bien fotografiados.

Pero compruebo que ‘ZERØ’ coge otro rumbo. Uno dónde la realidad se impone y empieza a tomar matices de crueldad e injusticia. La vida misma en muchas ocasiones. Entonces la nueva situación que poco a poco me desvelan en un continuo in crescendo me vuelve a poner en guardia para acabar desvelando la poca incertidumbre que me quedaba en un final rotundo, potente y sobre todo valiente que no me deja indiferente.

Iñaqui Sánchez Arrieta juega con nosotros al engaño, nos atrapa, nos va quitando la venda de los ojos y en los últimos minutos de la película nos da el golpe de gracia. Y todo lo hace con grandes dosis de talento en los planos acompañados de una buena fotografía.

El guión de Ferrán Brooks, aunque no va por dónde me hubiera gustado que fuera, no significa que sea flojo ni mucho menos, aunque en mi opinión podría haber tenido más potencial. La buena banda sonora no hace más que sumar al conjunto. Un buen trabajo en general para una producción de presupuesto medio. No quiero olvidar a los actores que con una interpretación solvente nos llevan a ese clímax final, en especial a Julio Blanco, que es el que más me convence.

El filme nos invita a reflexionar sobre las vicisitudes de la vida, aunque rema en contra de la tendencia general. Es una película que habla de la mala suerte y de la cadena de acontecimientos que traen los infortunios que no podemos controlar. Una reflexión sobre la vida y la muerte y por encima de todo…del dolor.

Seguiré con atención los próximos proyectos de este director que, aunque con ya una larga experiencia televisiva, ha pisado fuerte en el mundo del cine con ésta, su ópera prima: ‘ZERØ’.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de abril de 2021. Título original: Zerø. Duración: 94 min. País: España. Dirección: Iñaki Sánchez Arrieta. Guion: Ferrán Brooks. Música: Ricardo Curto. Fotografía: José Martín Rosete, Vicente Porfilio. Reparto principal: Nuria Herrero, Juan Blanco, Pep Sellés, Alba Casterá, Silvia Rico, Roberto Campos, Cristina Perales. Producción: Inaudita, Némesis Media, Virtual Dreams Films. Distribución: Begin Again Films. Género: thriller. Web oficial: http://nemesis-media.es/dusk/

Crítica: ‘Mortal Kombat’

Sinopsis

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Cole Young, el luchador de MMA (Artes Marciales Mixtas), acostumbrado a recibir palizas por dinero, desconoce su ascendencia, y tampoco sabe por qué el emperador Shang Tsung de Outworld ha enviado a su mejor guerrero, Sub-Zero, un Cryomancer sobrenatural, para dar caza a Cole. Cole teme por la seguridad de su familia y busca a Sonya Blade siguiendo las indicaciones de Jax, un comandante de las Fuerzas Especiales que tiene la misma extraña marca de dragón con la que nació Cole. No tarda en llegar al templo de Lord Raiden, un Dios Anciano y el protector de Earthrealm, que ofrece refugio a los que llevan la marca. Aquí, Cole entrena con los experimentados guerreros Liu Kang, Kung Lao y el mercenario rebelde Kano, mientras se prepara para enfrentarse a los mayores campeones de la Tierra contra los enemigos de Outworld (El Mundo Exterior) en una batalla de enorme envergadura por el universo. Veremos si los esfuerzos de Cole se ven recompensados y consigue desbloquear su arcana -ese inmenso poder que surge del interior de su alma— a tiempo de salvar no solo a su familia, sino para detener Outworld de una vez por todas.

Crítica

La película que esperábamos, no te volará la cabeza, verás cómo se la vuelan a otros

Producida por James Wan (en el filme hay varios actores de ‘Aquaman’ y también varios del universo DC de series) llega a cines una nueva visión de la famosa saga de videojuegos llamada ‘Mortal Kombat’. Simon McQuoid coge el testigo de Paul W.S. Anderson, célebre por sus adaptaciones gamer, y compartirá cartelera con ‘Monster Hunter’. Tras más de diez entregas en las que se han introducido a personajes como Spawn, Terminator, Kratos, Robocop, Rambo, Freddy Krueger… la saga vuelve a sus inicios. Aún así la película tiene guiños a esa primera producción, como la música.

La nueva versión de ‘Mortal Kombat’ asusta en su arranque pero no por su carácter agresivo sino porque al principio parece que vamos a visualizar un drama familiar con algo de acción. Pero para nada. Aunque la película se toma su tiempo para arrancar y va dando alguna que otra satisfacción a los fans del videojuego termina siendo un festival de sangre y muertes bastante violentas. Lo que se vienen llamando los fatalities.

Pese a que se ha dispuesto una trama distinta ‘Mortal Kombat’ sigue los pasos de la versión del 95. Un personaje ajeno al combate que decidirá el destino del Reino de la Tierra se topa con unos luchadores que quieren reclutarles. Todos los personajes van creyéndose los eventos fantásticos que suceden ante ellos, como es habitual. Esta sigue siendo una historia de venganza en la que personajes como Sonya tienen el mayor parecido a la primera adaptación, es decir, está reñida con Kano e igualmente acaba enfrentándose a un personaje femenino. En esta ocasión se ha incluido una trama aún más familiar, mucho más que la que vivimos con el hermano del Liu Kang en la adaptación de Paul W.S. Anderson. A diferencia de esa versión de los 90, el ‘Mortal Kombat’ de Simon McQuoid no intenta meter el famoso tema musical en cada una de las escenas (suena tímidamente un par de veces).

Las escenas de lucha están también mucho mejor elaboradas y por supuesto los efectos especiales han ganado en calidad. La saga de videojuegos dejó atrás esos personajes pixelados generados con captura de movimiento para tener un diseño 3D mucho más próximo a la realidad. Esas escenas de lucha finalizadas con mortales golpes sangrientos y que cortan por la mitad o desmiembran a sus rivales están de lo más presentes en la película.

Esta es una película cuyo público principalmente es aquel que goza de violencia extrema o de aquellos que quieren ver momentos de los juegos interpretados por actores reales. Yo habría metido incluso más muertes o por lo menos habría empezado antes con el tema de la carnicería, pero también es verdad que estoy acostumbrado al juego y a otro tipo de películas que desde el minuto cero salpican al espectador de las primeras filas.

A la primera película de ‘Mortal Kombat’ no se la puede culpar de no calcar a los personajes, se parecían bastante. En la nueva versión se siguen pareciendo aunque les han introducido toques nuevos, tanto estéticos como funcionales. Ludi Lin (‘Aquaman’) se parece a Liu Kang, Jessica McNamee (‘Megalodón’) hace bien de Sonya, Mehcad Brooks (‘Supergirl’) es un robusto Jax, Kung Lao aparece igual de hábil que en los juegos aunque Max Huang (‘El extranjero’) no ha podido demostrar lo aprendido cuando trabajó con Jackie Chan y Chin Han (‘Contagio’) lo clava como Shang Tsung, aunque larga es la sombra de Cary-Hiroyuki Tagawa. Pero lo que más cautivará al espectador que además juega los videojuegos, ahora desarrollados por NetherRealm Studios, es el ver como todos ellos representan muchos de los famosos finales de las peleas.

Por lo demás el contexto que rodea a cada combate no tiene gran valor narrativo. Se repite la historia de los elegidos de la película anterior y nos mantienen enganchados con la aparición a cuentagotas de los villanos junto al humor del personaje de Kano. Las interpretaciones se limitan a conseguir movimientos similares a los de los personajes virtuales y llevar a cabo buenas coreografías de lucha. Por ejemplo, el personaje de Liu Kang se parece mucho pero está sobreactuado.

Se han sacado de la manga un nuevo personaje para usarlo como protagonista, Lewis Tan es Cole Young. Yo creo que de ese modo han intentado no trastocar demasiado el trasfondo de los originales y por otro se han aproximado al Heihachi y Kazuya del Tekken. No es algo que a mí como jugador de ‘Mortal Kombat’ me preocupe, las habilidades y los principales contendientes están ahí. Pero sí que es verdad que la recreación de toda la historia personal que le da forma es la que frena la aparición de los ansiados fatalities.

Resumiendo. La trama o la historia personal del protagonista interesa más bien poco y solo sirve como vehículo para introducir a uno de los personajes más icónicos. Por lo demás la película está bien hecha visualmente y da lo que esperan los espectadores que saben lo que es ‘Mortal Kombat’: luchadores pintorescos, peleas a muerte y por supuesto finalizaciones macabramente originales. Si sois de los que os gusta ver material antes de adentraros en una película, no os embarréis con las entregas anteriores, jugad a los videojuegos.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de abril de 2021. Título original: Mortal Kombat. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Simon McQuoid. Guion: Greg Russo. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: German McMicking. Reparto principal: Lewis Tan, Ludi Lin, Jessica McNamee, Hiroyuki Sanada, Joe Taslim, Tadanobu, Mehcad Brooks, Chin Han, Mel Jarnson, Josh Lawson, Sisi Stringer, Max Huang. Producción: New Line Cinema, NetherRealm Studios, Atomic Monster, Broken Road Productions, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: acción, adaptación. Web oficial: https://www.mortalkombatmovie.net/

Ganadora del Blu-ray de ‘Padre no hay más que uno 2’

¡Enhorabuena, a disfrutarlo con la familia!

Ya conocemos el nombre de la persona destinataria de nuestra edición en Blu-ray de ‘Padre no hay más que uno 2’. La secuela del éxito de Santiago Segura que también obtuvo buenas cifras en taquilla se va a casa de esta seguidora de nuestra página que ha participado a través de Facebook. Ya podrá disfrutar de los amiguetes y los canijos de Santiago Segura desde la comodidad de su sofá y su reproductor de Blu-ray.

Veronica Ripoll Valiente

¡Enhorabuena! Dentro de poco tendremos más sorteos. Gracias a todos por seguirnos en ese sorteo que ha servido para celebrar que llevamos 5 años como padres de esta página web. ¡A por cinco años más!

Crítica: ‘Patrulla trueno’

Sinopsis

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En un mundo en el que los supervillanos son habituales, dos mejores amigos de la infancia distanciados se reúnen después de que uno de ellos idee un tratamiento que les da poderes para proteger su ciudad.

Crítica

¡Melissa McCarthy y Octavia Spencer al poder!

‘Patrulla trueno’ (‘Thunder force’ en su versión original) es como se llama la nueva película de Netflix llamada a gustar a todos los fans de la ciencia ficción, las comedias o los superhéroes. Protagonizada por dos actrices llamadas también a grabar su nombre en la historia del entretenimiento, Melissa McCarthy y Octavia Spencer, nos cuenta la historia de dos amigas que se convierten en superheroínas en un mundo de villanos.

‘Patrulla Trueno’ nos cuenta como unos rayos cósmicos crean superhumanos, algo así como lo que les pasó a los 4 fantásticos o como pasaba en ‘Héroes’. En este caso el problema es que a prácticamente todos los agraciados con poderes les da por usar sus nuevas habilidades para el mal, por eso se les llama “maleantes”. En ese mundo en el que salir a la calle es un peligro constante viven esas dos amigas que por azar vuelven a reunirse para combatir el crimen.

Reinventar el género de superhéroes ya se ha intentado unas cuantas veces en el cine. Tomárselo a guasa también (‘Mystetry Men’, ‘Blankman’, ‘Hancock’). De igual modo que casi siempre se ha explorado el impacto que causa en una persona normal el encontrarse con superpoderes, ya sea al estilo ‘Spider-Man’, ‘¡Shazam!’ o ‘Chronicle’. Y como no, también hemos visto qué pasa si nos ponemos del lado de los villanos o los antihéroes también (‘Gru’, ‘Escuadrón suicida’).

En el caso de ‘Patrulla trueno’ se emplea la comedia, manteniendo la formula Falcone/ McCarthy. Al igual que cualquier comediante hace, la pareja adapta sus códigos a un cine que ya tiene género propio como es el de los superhéroes. Si cuando vemos a José Mota haciendo sus sketches solemos decir eso de “es él mismo imitando a otro, pero se nota que es él” con McCarthy nos pasa ya lo mismo. Hace lo de siempre, siendo mal hablada y sarcástica, y en esta ocasión su vis cómica funciona muy bien, sobre todo enfrentándola a las maneras del personaje de Spencer.

Ya son varias películas las que han rodado juntos el actor y director Ben Falcone y la actriz Melissa McCarthy. El matrimonio ha demostrado hacer buenas migas tanto con Falcone actuando como dirigiendo. Pudimos verlo hace poco en ‘Superintelligence’, donde nos abrazaban con una película cargada de optimismo. En ‘Patrulla trueno’ consiguen lo miso y es gracias a que vuelven a hacer apología de una estupidez encantadora. Con sus gags bobalicones, que no paran durante toda la película, le animan a uno el día.

La película no necesita parodiar a ningún superhéroe en concreto para desarrollarse y tiene golpes muy buenos desde el mismo momento en el que las protagonistas aparecen siendo niñas, muy bien escogidas en el casting por cierto. Cuando se habla de superhéroes no se piensa en personajes raquíticos o entrados en carnes. Kick-Ass rompió una lanza a favor de romper con el estereotipo de los cuerpos esculturales y en los cómics superheroínas como Faith (Valiant Comics) gana cada día más adeptos. Curiosamente McCarthy luce una camiseta de Van Halen con las letras Kicks Ass bien grandes. Lo que quiero decir es que no hace falta ser un atleta para ser un superhéroe y aunque esa no es la moraleja de la película solo con haberla llevado a cabo sus dos actrices principales lo demuestran.

En contraste nos encontramos con que Pom Klementieff quien ya hizo de Mantis, la extraterrestre con poderes telepáticos en ‘Guardianes de la Galaxia’, ejerce de villana. Es una de esas maleantes y con su buena figura representa a los malos, indicando también que no siempre los malos tienen que ser feos. Aunque también tenemos el papel de Jason Bateman como un monstruoso tipo con manos de cangrejo a lo Zoidberg, una absurdez solo a la altura de ‘Doom Patrol’

Podríamos ponernos tiquismiquis como el personaje de Octavia Spencer que repite varias veces eso de “no soy empollona, soy lista, es distinto”. Podríamos decir que en la película confunden ser fuerte con ser duro o invisible con silencioso. Son detalles que no tiene sentido tener en cuenta en esta película en la que hay un personaje tosco y tontorrón de aventuras con otro inteligente a lo Tony Stark. ‘Patrulla trueno’ llega en el momento justo, en uno en el que hace falta reírse y en el que hay que diversificar en el mundo de los superhéroes.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de abril de 2021. Título original: Thunder Force. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Ben Falcone. Guion: Ben Falcone. Música: Fil Eisler. Fotografía: Barry Peterson. Reparto principal: Melissa McCarthy, Octavia Spencer, Bobby Cannavale, Pom Klementieff, Kevin Dunn, Taylor Mosby, Marcella Lowery, Melissa Leo, Jason Bateman. Producción: Marc Platt Productions, Netflix. Distribución: Netflix. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial: ver en Netflix.

‘Alimañas’, una película de Jordi Sánchez y Pep Antón Gómez

Ambos son guionistas y directores de esta comedia

Jordi Sánchez (‘La que se avecina’) y Pep Antón Gómez (‘La parejita’) son los guionistas y directores de ‘Alimañas’, su primer largometraje para cine tras las cámaras. Una comedia negra para todos los públicos, protagonizada por el propio Jordi Sánchez que se rodará en el último trimestre de este 2021.

Además de la muy popular faceta de actor de Jordi Sánchez, éste y Pep Anton Gómez son un prolífico tándem creativo, con éxitos teatrales y televisivos como ‘Krámpack’, ‘¡Excusas!’, ‘Hoy no cenamos’, ‘El eunuco’, ‘¡Mamááá! y ‘Mitad y mitad’. Actualmente, tienen en cártel en el Teatro Reina Victoria de Madrid ‘Asesinos todos’, protagonizada  por Carlos Sobera, Elisa Matilla, Neus Asensi y Ángel Pardo, con una gran acogida de crítica y público.

La producción de ‘Alimañas’ correrá a cargo de Feelgood (Juan Moreno y Guillermo Sempere).

Según palabras de los propios autores, «Alimañas es una comedia delirante. La historia de una madre que no se quiere morir y un par de hijos ruines que solo piensan en heredar. Todo un catálogo de situaciones trepidantes donde la mezquindad y la mala leche campan a sus anchas. Una historia de hoy. Una historia de siempre”.

Crítica: ‘Cuñados’

Sinopsis

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Eduardo (Miguel de Lira) y su cuñado Sabonis (Xosé A. Touriñán) acaban de meter la pata en uno de sus negocios y necesitan dinero. Mucho dinero. Será Sabonis quien encuentre la solución al problema secuestrando a Modesto (Federico Pérez Rey), cuñado de Alicia Zamora, la empresaria que les engañó y dejó tirados. Solo hay un pequeño problema: Alicia no piensa pagar ni un euro por su cuñado. Sin embargo, es el propio Modesto quien urde un nuevo plan con el que Eduardo y Sabonis podrán salvar la bodega familiar. Estos tres cuñados lo tienen todo para fracasar, pero como diría Sabonis, malo será.

Crítica

¡Insólito! Tres cuñados que no resultan cargantes

Galicia ha sido siempre conocida por su buen comer, su Camino de Santiago, sus equipos de fútbol, su música celta, su vino ribeiro y por sus preciosos y verdes paisajes. Pero últimamente, a nivel audiovisual, es el tráfico ilegal el que nos acerca a la comunidad. No vamos a ponernos en los mismos términos de ‘Fariña’ o ‘Quien a hierro mata’, por suerte, sobre todo con los tiempos que corren, ‘Cuñados’ es una comedia.

Esta es la Galicia de la escasez de pulpo, de las comunidades de mexicanos, de las crisis económicas y del auge del COB (Club Ourense de Baloncesto). Con esos ingredientes podríamos tener una película dramática que clamase por la justicia. Que pusiese el grito en el cielo por algo discutido durante años como el ascenso no concedido al COB, por como Galicia se convirtió en la puerta de entrada a Europa para la droga o simplemente por la denominación de origen del pulpo gallego. Pero la clave cómica del filme pone el foco en tres cuñados (Xosé A. Touriñán, Miguel de Lira y Federico Pérez Rey) que nos hacen pasar un buen rato.

El director Toño Lopez se ríe en su primer largo para cines hasta del hecho de que el COB siga en la LEB Oro con su “¡Somos ACB!”. La película esconde más de lo que parece metiéndonos como sin querer en la España de corruptelas, negocios familiares y fracasados. Eso mismo podríamos decir de muchos de nuestros cuñados, quien con su sabelotodismo y sus meteduras de pata nos pueden meter en líos tan grandes como el de la película. Este es un filme de enredos y de momentos idos de las manos.

‘Cuñados’ podría haber sido incluso más graciosa si no se cortase con su malicia. Es algo blanca en su humor y eso no tiene por qué ser una pega pero si nos deja con la impresión de que podría haberse aprovechado para algo más punzante o hilarante. Como virtud tiene que no resulta ni rancia, ni cargante, algo en lo que fácilmente se podría haber caído teniendo entre manos a tres cuñados.

Puede que sea por el cariño que le he cogido a Xosé A. Touriñán tras haberle visto en ‘Justo antes de Cristo’, pero lo relacionado con su personaje (momentos de pareja, baloncesto, riñas con el cuñado…) me parece lo más divertido e incluso tierno de la película. No obstante entre el variopinto trío protagónico se desarrolla una vis cómica que si bien no puede decirse que sea rompedora, hace que nos riamos a menudo. Se pasan la patata caliente de la comedia sin caer en el histrión ni en lo desmedido.

El acento del norte no falta, está íntegramente grabada en gallego. Igual que teníamos ese acento en ‘Aribag’ con Manuel Manquilla. Una película que también mezclaba el tráfico, las tierras de del norte y tres personajes más perdidos que un pulpo en un garaje. Podríamos decir que este habría sido ‘Airbag’ si Bajo Ulloa hubiese querido hacer una película más familiar. Y aunque me reí mucho más en su día con el absurdo y los diálogos ‘Airgab’ podemos decir que Toño Lopez se perfila como un director muy profesional.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de abril de 2021. Título original: Cuñados. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Toño López. Guion: Aracelil Gonda. Música: Santi Jul, Iván Laxe. Fotografía: Jaime Pérez. Reparto principal: Xosé A. Touriñán, Miguel de Lira, Federico Pérez Rey, Eva Fernández, Iolanda Muíños, María Vázquez, Mela Casa. Producción: Portocabo. Distribución: Filmax. Género: comedia. Web oficial: http://www.filmax.com/distribucion/cunados.221

Crítica: ‘Druk (Otra ronda)’

Sinopsis

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Cuatro profesores se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel durante su vida diaria, intentando demostrar que de esa manera pueden mejorar en todos los aspectos de su vida. Pero las consecuencias del experimento les cambiarán para siempre.

Crítica

Un drama etílico con chupitos de simpatía

‘Druk (Another round)’ me ha hecho volver al año 2000, no solo porque en esa época yo era un muchacho de instituto, sino porque fue cuando se estrenó ‘Año Mariano’. En esa película de Karra Elejalde y Fernando Guillén Cuervo teníamos a Pepín Tre experimentando con destilaciones alcohólicas y sus posibles efectos sobre el cuerpo. Uno de esos líquidos conseguidos lograba un temporal efecto de elocuencia en su tomador, pero era algo pasajero. Aquella película iba sobre lo engañoso de la vida y esta hace lo mismo.

Thomas Vinterberg (‘Kursk’) se aproxima levemente con ‘Druk’ a su movimiento Dogma 95. Mantiene naturalidad en las escenas y un formato narrativo que intenta no tirar de artificios ni trucajes. Firma en los créditos tras una escena en la que el protagonista, interpretado por Mads Mikkelsen, acaba bailando al estilo Drunken Boxing Kung Fu (ese que hacía Jackie Chan en ‘El mono borracho en el ojo del tigre’). El cineasta danés vuelve a experimentar con sus personajes y también con los espectadores.

La trama de ‘Druk’ nos habla de unos profesores que comienzan a probar una teoría enunciada por un psicoanalista llamado Finn Skårderud. El objetivo es controlar la ingesta de alcohol de tal manera que no se consuma a partir de cierta hora y no se sobrepase cierta graduación. Con ello quieren conseguir ser más elocuentes en sus clases e impactar en sus alumnos.

El protagonista está inmerso en una depresión y en sus primeros compases la película parece un ensayo sobre la crisis de los cuarenta, sobre cómo se derrumban las expectativas. Posteriormente eso queda en segundo plano y rápidamente pone de manifiesto toda una cultura de consumo alcohólico. Se muestran los efectos beneficiosos del alcohol como desinhibidor social. Más grados, más oratoria, más gancho social. Y con todo ello se abre un debate ético, sobre todo sabiendo que los jóvenes daneses son de los que más beben y lo hacen además a más temprana edad.

‘Druk’ ha sido galardonada con cuatro European Film Awards y es la candidata indiscutible por Dinamarca para los Oscar. Bien es cierto que plantea ciertas cuestiones interesantes, tiene momentos divertidos, sabe cambiar el tono y tiene un montaje muy ágil. Pero cabría esperar un poco más de introspección en el tema que pone sobre la mesa.

La película está dedicada a Ida, la hija de Vinterberg, la cual estaba planificado que interpretase a una hija de Mikkelsen pero tristemente falleció en un accidente. Quizá por eso la película tiene una clara inclinación hacia el cuidado de la juventud, el paternalismo y la imagen que dan los progenitores. Además se sabe que Vinterberg ha basado esta película en la obra teatral que creó a partir de testimonios que le dio su hija sobre aquello que sucede cuando se mezcla juventud danesa y alcohol en nuestra era.

La película por otro lado aboga por echar la vista atrás o hacer un poco de conciencia acerca de cómo habría sido el mundo o nuestra vida sin los fluidos etílicos a los que muchas grandes personalidades estaban enganchadas. También sobre cuestionar sesgos y sobre hacernos pensar que jamás podremos controlar ciertos impulsos, en nosotros o en ciertas personas que cara al público parecen distintas.

El mejor trago de esta película es la actuación de Mads Mikkelsen. Él suele estar magnífico, pero lejos de la grandiosidad de ‘Star Wars’ o ‘Doctor Extraño’ tenemos el placer de gozar de sus dotes dramáticas más de cerca. Tras este experimento sociológico ficticio la película lanza la pregunta. ¿Aceptaríais el alcoholismo de alguien sin con eso se convierte en mejor persona o profesional?

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de abril de 2021. Título original: Druk. Duración: 115 min. País: Dinamarca. Dirección: Thomas Vinterberg. Guion: Thomas Vinterberg, Tobias Lindholm. Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen. Reparto principal: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe, Susse Wold, Maria Bonnevie, Diem Camille Gbogou, Palmi Gudmundsson, Dorte Højsted, Helene Reingaard Neumann, Martin Greis. Producción: Zentropa Entertainments, Film i Väst, Topkapi Films. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.samuelgoldwynfilms.com/another-round/

Crítica: ‘Archenemy’

Sinopsis

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Cine de superhéroes para un público diferente. SpectreVisión, la productora cofundada por el actor Elijah Wood que está revolucionando el cine alternativo de género con filmes originales y arriesgados como ‘Mandy’ o ‘Color Out of Space’, es la responsable de esta película de superhéroes en clave realista.

Crítica

No es la película de superhéroes que esperas, puede que tampoco la que buscas

En una época en la que llueven superproducciones millonarias de Marvel y DC nos llega una producción mucho más independiente con los riesgos que eso puede acarrear. Hablamos de ‘Archenemy’, una película parida casi en su conjunto por Adam Egypt Mortimer (director y creador de la historia para bien y para mal) y de la que entro en materia sin más preámbulos.

Nuestro protagonista es Max Fist, es una especie de superhéroe, o eso es lo que él afirma entre cerveza y cerveza, que está más quemado que Will Smith en la peli de ‘Hancock’ (ojito que tiene algún que otro paralelismo) y acaba en la tierra procedente de otra dimensión sin la fuente de su poder fruto del último enfrentamiento con su némesis, su archienemiga llamada Cleo.

El planteamiento o la idea de un multiverso con realidades distintas siempre resulta estimulante para cualquier amante de la ciencia ficción. La mala noticia es que solo araña la superficie y el guión no le da recorrido para profundizar tanto en la historia como en los personajes. Quizás Max gracias a Joe Manganiello que hace lo que puede con lo que tiene, sea el personaje con más trasfondo y aun así… Una pena que Cleo no tuviese un poco más de recorrido.

Tenemos por otro lado a una pareja de hermanos tratando de sobrevivir en los bajos fondos. Un reflejo de una parte del mundo que nos rodea. Cuanto más quieren salir más se quedan atrapados en el fango. Una reflexión sobre crecer en un barrio marginal y de la dificultad que conlleva salir de ese mundo hostil de drogas y criminales. Por otro lado, algo ya visto en multitud de pelis con más o menos acierto.

Me gusta la estética y la fotografía de ‘Archenemy’ que junto a las imágenes de cómic le confieren personalidad. Creo que es su punto más fuerte.

Así que por un lado está la trama de Max y su misterioso origen y por otro la trama de delincuencia callejera. Resaltar que ese componente de oscuridad se ve reflejado en todo momento y ayuda una buena ambientación como antes he mencionado.

Llega un momento en que las dos historias convergen. Se establece un curioso vínculo de confianza entre uno de los hermanos, apodado Hamster, y Max. Uno tiene la necesidad de buscar y contar buenas historias de los bajos fondos para ganar dinero y ser legal, asumiendo los riesgos que hay en las calles y el otro encuentra a alguien que por fin cree en las historias que va contando de bar en bar. Por último la hermana mayor de Hamster se mezcla con las personas equivocadas tomando decisiones equivocadas con la intención de sacar a su hermano de las calles y pagarle una universidad actuando de detonante para que la historia avance. Poco nos explican para darle peso al porqué de dichas decisiones.

Mis expectativas al saber que en ‘Archenemy’ había un tipo con poderes eran elevadas en términos de acción, pero a medida que transcurre la película no se cumplen. Dicha acción se hace esperar y luego se presenta a cuentagotas y no deja mucho poso. Se lo debo atribuir a su director, Adam Egypt Mortimer, que para mí peca de inexperiencia pese a la buena intención de sus ideas. Eso o su talento es limitado pero con tan poco bagaje es difícil saberlo. Una pena porque Manganiello tiene un físico para repartir guantazos hasta en el cielo de la boca. Dicho queda.

Creo que el bueno de Adam (al que animo a mejorar) tampoco resuelve satisfactoriamente la parte final y nos quedamos con un regusto amargo. Aunque vayas sin expectativas a verla, que es lo que te recomiendo, lo que no vas a poder evitar es ir haciéndotelas a medida que transcurren los minutos y eso crea al final una contradicción. ‘Archenemy’ empieza con una buena idea, y eso hace que tu mente empiece a trabajar y el planteamiento se va debilitando conforme avanza la trama, aunque te mantiene con la intriga, da tirones, pierde fuerza… y al final en mi opinión no consigue remontar.

Lo bueno: Tiene componentes de crítica social y humor negro, una estética atractiva y buenas ideas.

Lo menos bueno: Que con esos ingredientes no hayan sido capaces de hacer un buen potaje y eso puede llegar a aburrir a más de uno al final. El guión y la acción se diluyen como un azucarillo en leche caliente.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2021. Título original: Archenemy. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Adam Egypt Mortimer. Guion: Adam Egypt Mortimer, Lucas Passmore. Música: Matt Hill. Fotografía: Halyna Hutchins. Reparto principal: Joe Manganiello, Glenn Howerton, Joseph D. Reitman, Mac Brandt, Kieran Gallagher, Christopher Guyton, Luis Kelly-Duarte. Producción: Spectre visión, Head gear films, Legion M, Metrol Technology, 3:59, Almost Never, Films Inc. Distribución: Movistar+. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.thisiscompanyx.com/projects

Crítica: ‘Los Estados Unidos contra Billie Holiday’

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La legendaria Billie Holiday (Andra Day), una de las mejores intérpretes de jazz de todos los tiempos, pasó la mayor parte de su carrera siendo adorada por sus fans alrededor del globo. Todo mientras el Departamento Federal de Narcóticos de Estados Unidos la fijó como objetivo mediante una operación encubierta liderada por el Agente Federal Jimmy Fletcher (Trevante Rhodes), con quien Billie había tenido un tumultuoso romance. Inspirada en la historia de su vida, ‘Los Estados Unidos contra Billie Holiday’ examina íntimamente su lucha contra la adicción, la fama y un corazón roto.

Crítica

Una película sustentada por una actuación de Oscar

La pasada edición de los Globos de Oro tuvo como ganadora a Mejor Actriz de Drama a Andra Day por su papel como Billie Holiday. Las mismas candidatas son las que optarán a ganar el Oscar en la misma categoría. Debería existir una categoría a Oscar a Actriz Revelación para que la cantante se lo lleve de seguro ya que este es su primer papel en una película, al menos como protagonista, pues hizo anteriormente una aparición en ‘Marshall’ pero fue meramente anecdótica.

Andra Day sigue con este debut a la actriz Diana Ross (cuyo hijo aparece en ‘Los Estados Unidos contra Billie Holiday’) no solo escogiendo a Billie Holiday como personaje para iniciar su carrera como actriz, sino también al ser la segunda actriz en ser nominada tanto en los Globos de Oro como en los Oscar por encarnar a la mítica cantante de Filadelfia. Nominaciones ganadas a pulso por llevar a cabo una interpretación que habría sido fácil llevar a extremos exagerados y que contiene a pesar de su uso de rabia y toxicidad. Andra ha trabajado su voz a todos los niveles, rasgándola y poniéndola a prueba para aproximarse al personaje.

La cantante de soul ha vuelto a la vida gracias a esta cantante de jazz. ‘Los Estados Unidos contra Billie Holiday’ rescata de la memoria a la estrella, pero no para santificarla, sino para llevar a cabo un relato sobre lo pernicioso de las drogas. Al fin y al cabo el libreto está inspirado en el bestseller del New York Times titulado ‘Chasing the Scream: The First and Last Days of the War on Drugs’, escrito por Johann Hari. Pero también muestra una de tantas cazas de brujas llevadas a cabo en Estados Unidos.

‘Los Estados Unidos contra Billie Holiday’ no es un biopic al uso, si no que salta directamente a mediados del siglo XX, cuando Holiday gozaba ya de fama. Sobre todo se había ganado al público con la canción ‘Strange fruit’ cuya letra protestaba contra los linchamientos y ahorcamientos de negros en el sur. Ese tema inquietó al gobierno que comienzó a presionar e incluso a llegar casi a criminalizar el jazz, algo que en su día también han sufrido géneros como el punk, el rap… De hecho, Holiday murió joven, a los 44 años, como una estrella de rock. Y como tal, así lo muestra la película, caldeó el ambiente con una hiriente y sincera canción que hoy en día nos parece necesaria. Cantó algo que levantó ampollas y con la excusa de su adicción a la droga la persiguieron y enviaron a la cárcel. Es de esas películas que cobran valor por sus paralelismos actuales.

Esta película tiene también cierta carga de ironía e hipocresía. Pues en ella vemos a Louis Armstrong, el famoso músico de color que a pesar de los racismos de la época era adulado. Y no son pocas las escenas en las que la vergüenza y el miedo se apoderan de la pantalla, como el episodio del ascensor (que recuerda al de Rosa Parks) o el ver como un periodista afroamericano reprocha a la cantante su comportamiento.

Hasta ahí los puntos positivos de ‘Los Estados Unidos contra Billie Holiday’, correspondencias entre los años cuarenta del siglo pasado y los veinte de este, además de una impecable actuación, a la que se suma la de Garret Hedlund como Anslinger confirmándome que este actor tiene las maneras del mismísimo Val Kilmer. Por lo demás la película de Lee Daniels decepciona. Sobre todo porque, según mi experiencia con el director, peca de lo mismo de siempre. Sus filmes ponen sobre la mesa cuestiones importantes que además están bien expuestas, pero acaba siendo algo extenuante, ya sea por redundantes o por falta de capacidad de síntesis.

En más de una ocasión hemos tenido que ver como una actriz famosa recibe preguntas machistas en entrevistas y tiene que decir eso de “¿qué tipo de entrevista es esta? ¿Le haces estas preguntas a otras personas?”. Ese es otro símil que Daniels ha trasladado a su película que no quiero dejar de señalar que tiene un tratamiento de imagen muy acertado. Hace destacar que por muy civilizado que se venda Estados Unidos sigue siendo un país con asignaturas pendientes, de las troncales, algo similar a lo que acabamos viendo con películas como ‘I am woman’, también sobre una cantante.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2021. Título original: The United States vs. Billie Holiday. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Lee Daniels. Guion: Suzan-Lori Parks, Lee Daniels. Música: Kris Bowers. Fotografía: Andrew Dunn. Reparto principal: Adra Day, Trevante Rhodes, Natasha Lyonne, Garret Hedlund. Producción: Lee Daniels Entertainment, New Slate Ventures, Roth/Kirschenbaum Films. Distribución: eOne Films. Género: biográfica, drama. Web oficial: https://www.newslatevc.com/films/the-united-states-vs-billie-holiday/

Reparto de ‘Paranormal activity 7’

Dirigida por el director de ‘Underwater’ y ‘La señal’

Tras unos años de descanso la saga ‘Paranormal activity’ regresará con una séptima entrega. Y de la mano de un artículo de The Warp hemos podido saber el reparto de este filme que continuará con las historias creadas por Oren Peli en 2007. El director original está preparando la octava entrega, pero antes que él podremos disfrutar la entrega dirigida por Will Eubank (‘Underwater’, ‘La señal’).

Aún no sabemos qué personajes encarnarán los nuevos actores de ‘Paranormal activity 7’, si serán algunos ya conocidos en el pasado o un elenco totalmente nuevo. Pero si sabemos que quienes les pondrán cara son Emily Bader (‘Embrujadas’), Roland Buck III (‘El largo camino a casa’), Dan Lippert (‘Brooklyn Nine-Nine’) y Henry Ayres-Brown (‘The deuce’).

El guión de esta franquicia de Paramount Pictures y Blumhouse lo escribirá el cineasta en auge Christopher Landon (‘Feliz día de tu muerte’, ‘Este cuerpo me sienta de muerte’) quien ya ha escrito unas cuantas entregas de la saga.

Estas películas son de las historias de terror más rentables de los últimos años, poco presupuesto y un alcance y número de espectadores totalmente inesperados. ¿Cuáles son vuestras entregas favoritas de las seis que se han ido publicando desde su inicio? Seguro que os sorprendió la primera con sus sustos y su capacidad para narrar con esas cámaras y que más adelante en otras os encandilaron con los giros de guión. ¿Qué tal le habrán sentado las vacaciones de seis años a la saga? Esperamos poder hablaros pronto de más novedades a cerca de ‘Paranormal activity 7’.

Regalamos un Blu-ray de ‘Padre no hay más que uno 2’

Con motivo de nuestro quinto aniversario

Moviementarios ha cumplido cinco años. Y lo hicimos precisamente el pasado 19 de marzo, día del padre. Para celebrar con todos vosotros que llevamos cinco años como padres de este medio de comunicación queremos realizar otro de nuestros habituales sorteos. Como no podría ser de otra manera la película escogida es ‘Padre no hay más que uno 2. La llegada de la suegra’.

Tenemos un artículo en el cual os describimos el contenido de esta edición de la secuela de Santiago Segura. Un Blu-ray que ha sido editado por Sony Pictures Home Entertainment a los que damos las gracias, no solo por facilitarnos esta copia, si no por todos los años de apoyo y fidelidad a Moviementarios.

Si queréis optar a ganar el premio podéis hacerlo a través de Facebook siguiendo estas normas:

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¡Mucha suerte a tod@s!

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. El plazo para participar finaliza el 10 de abril a las 23:59h. Anunciaremos el ganador el 11 de abril de 2021. Puedes participar en todas las fotos del sorteo que publiquemos. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que se etiquete a diferentes personas cada vez. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, Twitter o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. El envío solo se realizará dentro del territorio español.

Crítica: ‘Godzilla vs Kong’

Sinopsis

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Las leyendas chocan en ‘Godzilla vs. Kong’ cuando estos míticos adversarios se dan cita en un titánico combate para todas las edades, mientras el destino del mundo pende de un hilo. Kong y sus protectores se embarcan en una peligrosa misión para encontrar su verdadero hogar, y van acompañados de Jia, una joven huérfana con la que ha creado un vínculo muy especial. Pero de repente se cruzan con un Godzilla enfurecido, que va dejando a su paso una estela de destrucción en todo el mundo.  El épico choque entre los dos titanes, instigado por fuerzas invisibles, solo es el comienzo del misterio que se esconde en las profundidades de la Tierra.

Fantásticamente desmelenada

Hemos llegado a la película cumbre o clímax de una saga que tiene mucha historia detrás. Aunque las películas de Godzilla y Kong no se caracterizan precisamente por tener guiones muy ricos si que es cierto que poco a poco han ido conformando un universo propio y casi siempre consiguen entretener edulcorando sus escenas de gigantesca destrucción con tramas más o menos distintas en cada entrega. En ese sentido pienso que los seguidores de las películas de la Toho van a encontrar en este filme un buen regalo. Los remakes modernos confluyen por fin en este prometido crossover que hará las delicias de los fans de los kaijus en general, al menos a quien os escribe estas líneas le ha engatusado.

Debemos remontarnos hasta 1963 para tener un referente similar. En ese año se estrenó ‘King Kong contra Godzilla’. Una película en la que las criaturas estaban materializadas a través de actores disfrazados que iban destruyendo maquetas que bien podríamos haber comprado nosotros en la tienda de trenecitos de nuestro barrio. Eran los medios de una época en la que también la política hizo que se rodasen dos finales, uno para satisfacer al público norteamericano y otro para el japonés. Se llegó a ese filme habiendo solo dos películas de cada uno de los titanes y en ninguna se había visto a Godzilla como un ser salvador o bueno. En 2021 la cosa ha cambiado.

Salvados los escollos sociopolíticos y con una calidad gráfica o visual intachable disfrutamos de una nueva visión de estas colosales criaturas que ha tenido el detalle de imitar algunas escenas originales. Arrancamos con Kong controlado al estilo ‘El Show de Truman’ y con Godzilla atacando a la humanidad y dejando de ser el salvador de la última entrega. Por avatares de la trama ambos acaban enfrentándose Y por suerte en ‘Godzilla vs Kong’ no se pelean en plan lucha libre como en la original, algo que me temía que pudiese pasar ya que el proyecto ha sido llevado a cabo por Adam Wingard, un director que despierta en mi desconfianza tras haber visto su ‘Death Note’ y su ‘Blair Witch’. Hay que reconocer que por fin vuelve a la senda o al cine que le adjudicó el adjetivo de prometedor cineasta.

No merece la pena ponerse en plan académico para comentar una película sustentada por el caos y la devastación gratuíta. Basta decir que para marcar la diferencia ambas criaturas están cargadas casi más que nunca de atributos humanos, de una conciencia y objetivo más elaborados. Y sobre todo os he de advertir que literalmente se han flipado, que hay que asimilar muchas cosas. La factura en luces de neon debe haber sido millonaria (si habéis ido a Cyberdog en Londres será como retornar a esa tienda) y si uno no está acostumbrado a digerir los argumentos clásicos de este género no va a disfrutar de toda la ciencia ficción o los detalles a lo Julio Verne que se han incorporado.

Ya nos adelantaban en los carteles que este Monsterverso tendría un ganador. No soy yo quien os destripe ese resultado, solo puedo decir que el desenlace tiene sorpresa y varias satisfacciones, tanto para fans como para meros espectadores que se acerquen a ver una película de destrucción. En mi humilde opinión el marcador refleja un catenaccio o un juego que se acota demasiado a las modas actuales.

Diría que ‘Godzilla vs Kong’ tiene más metraje de Kong que de Godzilla, dejando por suerte sensaciones más próximas a ‘Kong: La Isla Calavera’ que a ‘Rey de los monstruos’. Igualmente ambos animales pierden horas en pantalla para cedérselas a las tramas de los actores de carne y hueso o de los millones de personas que matan en su contienda y que ni se tienen en cuenta. Toda esta fiesta de edificios derruidos, barcos explotando y aviones derribados está acompañada de uno de los elencos actorales más corales que se haya visto en una película de estos kaijus. En ‘Godzilla vs Kong’ trabajan Alexander Skarsgård, Millie Bobby Brown, Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Shun Oguri, Eiza González, Julian Dennison, Kyle Chandler, Lance Reddick… Precisamente la más pequeña de todas ellas, Kaylee Hottle es la que tiene el personaje más útil para la trama y que se vincula con elementos clásicos de Kong.

En esta producción se han desmelenado y han dado rienda suelta a los argumentos más fantásticos. Hay que pasar por un aro mucho más grande que el propio Godzilla para concebir todo lo que nos van descubriendo y cómo los personajes lo van asimilando. Pero son dos horas que tienen acción, humor, ternura, teorías de la conspiración e incluso misticismo que también gracias a la música de Junkie XL se recorren a zancadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Título original: Godzilla vs. Kong. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Adam Wingard. Guion: Eric Pearson, Max Borenstein. Música: Junkie XL. Fotografía: Ben Seresin. Reparto principal: Alexander Skarsgård, Millie Bobby Brown, Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Shun Oguri, Eiza González, Julian Dennison, Kyle Chandler. Producción: Legendary Entertainment, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: acción, crossover. Web oficial: https://www.instagram.com/godzillavskong/

Crítica: ‘Tom y Jerry’

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Una de las rivalidades más populares de la historia se dispara cuando Jerry se muda al mejor hotel de Nueva York en vísperas de «la boda del siglo». En “Tom y Jerry”, la película de Tim Story, la llegada del ratón obliga a la desesperada organizadora del evento a contratar a Tom para deshacerse de él. La batalla entre el gato y el ratón amenaza con destruir su carrera, la boda y puede que todo el hotel. Pero poco después surge un problema aún mayor. Se trata de un miembro del personal diabólicamente ambicioso que conspira contra los tres.

Crítica

La vuelta de una enemistad que hace amigos

Después de muchos años el gato y el ratón de Hanna-Barbera vuelven a tener película. Hacía mucho que no teníamos una adaptación a largometraje en acción real basado en los personajes de esos míticos creadores y tiempo después de las últimas incursiones en carteleras de Scooby Doo con actores de carne y hueso se estrena otra adaptación, ‘Tom y Jerry’. Y la película conserva tanto el espíritu original como la última versión animada del asustadizo perro que nos llegó a cines en 2020.

El filme llevado a cabo por Tim Story, director de ‘Los 4 Fantásticos’ (2005 y 2007) y ‘En qué piensan los hombres’, intenta seguir los pasos de la serie de dibujos que nació a mediados del siglo XX. El humor es casi calcado al de los episodios clásicos de ‘Tom y Jerry’. Pese a un curioso efecto mariposa no termina siendo igual de ingenioso, pero se mantiene el carácter slapstick y se repiten incluso bromas clásicas que tanto nos hicieron reír de pequeños. Este sigue siendo un juego de persecución al estilo Correcaminos y Coyote en el que vemos caídas al vacío, planchazos, aplastamientos por piano, chichones… y hasta motosierras marca ACME. Procura ser tan fiel que hasta escuchamos los sonidos originales (onomatopeyas o gritos) grabados por William Hanna en su día.

Y es que, salvo un momento musical, el ratón Jerry y el gato Tom siguen sin articular palabra. Dejan que el resto del elenco sea quien narre la historia. A diferencia de lo que hemos visto anteriormente sobre estos dos eternos enemigos hay un tercer protagonista en discordia, tercera más bien. Chloë Grace Moretz interpreta muy bien a una buscavidas que se cuela a trabajar en un hotel donde dos famosos influcencers van a casarse y dónde coincide que se han colado también a gorronear y a perseguirse Tom y Jerry. La actriz lleva a cabo un papel muy de su generación, desesperada por encontrar un trabajo en un mundo donde las oportunidades escasean, se pone cada vez más difícil obtener experiencia y donde se prima la fachada que mostramos, el aparentar ser lo que uno no es. En ese último punto está la moraleja de la película que rema en contra de sucumbir a las presiones externas y de creer en uno mismo. A mi modo de verlo Grace Moretz lleva un tiempo con una carrera un tanto mal encaminada, con películas en las que está errada como ‘La Familia Addams’, ‘Suspiria’ o ‘La quinta ola’. Pero el papel que tiene en este filme es más sencillo y se ajusta a una comedia que maneja mejor.

Hablemos de la animación. Al igual que en ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ o ‘Space Jam’, también de Warner Bros., se ha mantenido a los personajes en 2D, eso sí, dándoles algo más de volumen. No se han pasado a 3D como se hizo con ‘Garfield’ o como ser hará con la segunda parte de ‘Space Jam’. De ese modo es más fácil hacernos retornar a la serie clásica y además desarrollar un humor que, aunque tenga cierta violencia resulta más infantil o inofensivo. Eso sí, a la película se le notan algunos fallos de continuidad en los que los actores no miran exactamente donde se ha animado a los animales.

Además, se ha tomado una decisión que en mi opinión es acertada. Y es que no se mezclan animales reales con animados. Absolutamente todos los animales que aparecen en el filme están dibujados, hasta los muertos que aparecen como peces a la venta en una lonja, como jamones colgando en una cocina o como huesos en un museo. De este modo nos transportan a un mundo abierto a todo tipo de golpetazos e interacciones, en el que ese detalle pasa totalmente desapercibido para los personajes de carne y hueso que observan con total normalidad las animaladas surgidas en las peleas entre Tom y Jerry. Quizá también de esta manera se busca respetar el estilo de trabajadores de la serie original, como Gene Deitch, animador que falleció en 2020 con 96 años y muchos títulos firmados.

Habría sido muy difícil hacer una película que consistiese en lo mismo que los episodios, es decir, una continua contienda llena de ingenios y topetazos. Aunque el ritmo es vivaracho hay momentos en los que entra en juego la “trama humana” y la película se resiente. Son momentos en los que por ejemplo se desarrolla la relación entre los influencers que están a punto de pisar el altar o vemos a un Michael Peña ejerciendo de villano de un mejor modo que en ‘Un pliegue en el tiempo’, tampoco necesitaba mucho para superarse.

Warner Bros. no se resiste a la tentación y en este tipo de películas vemos siempre guiños a otras de sus producciones, como ‘Batman’, ‘Matrix’ e incluso ‘Joker’, a quien parece que interpretaría el deprimente Droopy según vemos en un anuncio a pie de calle.

La película tiene una escena post-créditos que es meramente cómica y ojalá hubiese sido una que nos vaticinase más entregas pues esta adaptación y adecuación a la época me ha parecido muy correcta. Por lo menos espero que siembre en los niños y niñas un germen de curiosidad por la serie de ‘Tom y Jerry’.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Título original: Tom and Jerry. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Tim Story. Guion: Kevin Costello. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Alan Stewart. Reparto principal: Chloë Grace Moretz, Michael Peña, Jordan Bolger, Rob Delaney, Patsy Ferran, Pallavi Sharda. Producción: Warner Animation Group, Hanna-Barbera productions, Keylight Productions, Lin Pictures, Turner Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: comedia, animación. Web oficial: https://www.tomandjerrymovie.net/

Crítica: ‘Judas y el mesías negro’

Sinopsis

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El informante del FBI William O’Neal se infiltra en el Partido Pantera Negra de Illinois para vigilar a su carismático líder, el presidente Fred Hampton. O’Neal es un ladrón profesional y goza con el peligro de manipular a sus camaradas y a su encargado, el agente especial Roy Mitchell. La destreza política de Hampton crece a la vez que se enamora de su compañera revolucionaria Deborah Johnson. Mientras, se libra una batalla en el corazón de O’Neal. ¿Se alineará con las fuerzas del bien? ¿O someterá a Hampton y las panteras por cualquier medio, como ordena el director del FBI J. Edgar Hoover?

Crítica

Dibujando bien el plano de siempre y tirando otras líneas de cota

Como he dicho en otras ocasiones, es necesario cambiar el medio o el método para que algunos mensajes lleguen a calar. La lucha por los derechos de los afroamericanos es una constante en las últimas décadas que parece no resolverse. Es por eso que directores y guionistas reinventan la manera en cómo se interpreta ese plano, esta asignatura pendiente. Tenemos ejemplos fallidos como ‘Antebellum’, ‘Queen & Slim’ o ‘Territorio Lovecraft’ pero otros muy acertados como ‘El pájaro carpintero’ y ‘Green Book’. Todos estos ejemplos, muy recientes, forman todo un cántico generacional que lleva prolongándose años y ‘Judas y el mesías negro’ se une, en mi opinión, haciendo favor a la causa intentando medirla a través de otras aristas.

A veces no es fácil salirse de determinados parámetros pues se puede correr el riesgo de desvirtuar el mensaje. En el caso de ‘Judas y el mesías negro’ el mensaje cala. Llega a la audiencia un conflicto que no acaba de encauzarse, de una situación en la que “una placa asusta más que una pistola” como dicen literalmente en este segundo largometraje de Shaka King. Una situación que mantiene, aún más de cincuenta años después de la muerte de Luther King, en pie de guerra a muchos activistas. Y usando como marco el movimiento por los derechos civiles llega un mensaje aún más importante, el de unidad y diversidad.

Cual John Lennon, Shaka King nos habla de poder para el pueblo, de revolución, de proletariado, de camaradas, de igualdad… Las palabras del integrante del grupo que se consideró más popular que el propio Jesucristo son ideales para esta película que en su mayoría está acompañada de un excelente jazz. Precisamente Jesús y los elementos bíblicos están muy presentes ya que esto trata de seguir a un gran orador adulado por cientos de fieles y a su traicionero seguidor. Ese símil está cristalino en el guión de Shaka King y Will Berson que se gana a pulso su nominación al Oscar. Una buena manera de contarnos los hechos reales que en el pasado desveló Bill O’Neal en el documental ‘Eyes on the Prize II’ y que forman parte de la historia conspiranoica norteamericana.

Daniel Kaluuya, LaKeith Stanfield y Jesse Plemons protagonizan ‘Judas y el mesías negro’, un historia de tropelías e injusticias. De miedo, supremacía y poderes fácticos. Entre ellos nos ofrecen visiones muy interesantes, como la que equipara las agresivas tácticas del Ku Klux Klan y las de los Panteras Negras, las inauditas asociaciones que se llegaron a dar o las propias tensiones internas dentro del partido creado por Huey P. Newton.

Merece la pena descubrir este pedazo de historia sesentera que nos esboza la figura de Fred Hampton. Sobre todo por disfrutar de escenas muy tensas, como la que protagonizan en un despacho Jesse Plemons y Martin Sheen en una nueva recreación del famoso director del FBI J. Edgar Hoover. O el acalorado discurso en el que Kaluuya esgrime argumentos en común con muchas de sus otras películas mientras que Plemons y Stanfield mantienen un intenso duelo visual.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de marzo de 2021 (plataformas digitales). Título original: Judas and the Black Messiah. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: Shaka King. Guion: Shaka King, Will Berson. Música: Craig Harris, Mark Isham. Fotografía: Sean Bobbit. Reparto principal: Daniel Kaluuya, LaKeith Stanfield, Jesse Plemons, Dominique Fishback, Ashton Sanders, Algee Smith, Darrell Britt-Gibson, Lil Rel Howery, Dominique Thorne, Martin Sheen, Amari Cheatom, Kris Davis, Robert Longstreet, Ian Duff, Caleb Eberhardt. Producción: Bron Creative, MACRO, Participant, Proximity. Distribución: Warner Bros. Género: drama, biográfico. Web oficial: https://www.facebook.com/JudasAndTheBlackMessiahFilm

Crítica: ‘Monster Hunter’

Sinopsis

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Detrás de nuestro mundo, hay otro: un mundo de peligrosos y poderosos monstruos que reinan en su dominio con una ferocidad mortal. Cuando una inesperada tormenta de arena transporta a la teniente Artemis (Milla Jovovich) y a su unidad (TI Harris, Meagan Good, Diego Boneta) a un nuevo mundo, los soldados se sorprenden al descubrir que ese desconocido y hostil entorno es el hogar de enormes y aterradores monstruos que son inmunes a su potencia de fuego. En su desesperada batalla por la supervivencia, la unidad se encuentra con un misterioso cazador (Tony Jaa), cuyas habilidades únicas le permiten plantar cara a las peligrosas criaturas. A medida que Artemis y el cazador ganan confianza, ella descubre que él es parte de un equipo liderado por el Almirante (Ron Perlman). Enfrentándose a un peligro tan grande que podría amenazar con destruir su mundo, los valientes guerreros combinan sus habilidades únicas para unirse en la última batalla.

Crítica

Anderson se aleja de esos títulos en los que rozaba más el “arte” de Uwe Boll y entretiene

Como un matrimonio perenne permanece sin deshacerse la asociación Paul W.S. Anderson, Milla Jovovich y Capcom. Todos sabemos que Anderson y Jovovich son pareja desde hace más de diez años y raro será que los espectadores no conozcan el hecho de que las adaptaciones de ‘Resident Evil’ también proceden de esa alianza. A esos tres elementos debemos sumar otra constante como Sony Pictures y tenemos otra adaptación de videojuego, en este caso el juego de rol ‘Monster Hunter’.

Erguida como una reina del fantástico y el género de acción Milla Jovovich vuelve a empuñar un arma y se convierte en una soldado de la ONU que viaja a otra dimensión en la que bestias enormes devoran a las personas en medio de un desierto infinito. Esa es la excusa que ha empleado Paul W.S. Anderson para acercarnos a este nuevo live action que se coloca, para mi gusto, por debajo de las primeras de la saga de zombies pero superando a las últimas secuelas.

Al igual que hizo ya con ‘Mortal Kombat’ el director ha velado porque los jugadores sientan que están ante el producto original. Como paréntesis diría que Anderson se ha hecho un guiño a sí mismo en la última escena nocturna, la cual nos recuerda al oscuro mundo de Outworld recreado en el último tramo de la adaptación de ‘Mortal Kombat’. Es por eso que aparecen personajes que se han usado antes en los videojuegos habiendo dos al margen de los protagonistas que llaman especialmente la atención. Por un lado, nos meten ganas no solo de ir a ese mundo de aventuras, sino también de degustar la espectacular cocina de Palico, el felino que cocina rico rico y con fundamento. Y por otro está El Almirante (Ron Perlman) cuya introducción en el filme y capacidad de hablar en nuestro idioma está un poco cogida con pinzas. No obstante tiene justificación en tanto y en cuanto es el único que nos explica qué es lo que está sucediendo allí o por lo menos qué se han sacado de la manga acercándose a otra película de Sony como ‘La torre oscura’. Y eso me lleva a otra pega de la película. Veo innecesario que esto sea un cruce entre mundos. Incluso diría que eso le quita encanto a un mundo fantástico bien desarrollado en los juegos. Da la sensación de que se ha hecho para poder mostrar a una bestia arrancando las alas de un avión y se agradece la espectacularidad, pero la historia se convierte en un tópico.

Tony Jaa es quien más nos devuelve al juego de rol basado en cazadores. Su estética y carácter nos acercan a la parte más salvaje y también nos recuerda lo difícil que es sobrevivir en el ambiente de ‘Monster Hunter’. Sus aptitudes físicas están algo desaprovechadas, se aprecian sobre todo en un par de escenas de lucha que tiene con Jovovich, momentos en los que la película goza de su mejor tramo. Como aliciente, sobre todo para los jugadores, encontramos que se han replicado los poderes de las armas o algunas cosas que pueden hacer los personajes del juego. Todo ello va apareciendo en distintas partes de la película y lo considero un caramelo para los gamers.

Y me he dejado lo mejor para el final. ‘Monster Hunter’ es el mismo ‘Monster Hunter’ de las consolas si nos quedamos solo con el diseño de criaturas. Muy bien hechas a través de imágenes generadas por ordenador (CGI). Se ha conservado el diseño cornúpeta de los monstruos o wyverns. No me extraña que en el visionado previo los creadores Ryozo Tsujimoto y Kaname Fujioka diesen el visto bueno.

Pienso que la acción de la película es mejor al principio, cuando se mueve con criaturas de menor escala y es capaz de llevarnos a un terror visto en escenas como las de Ella-Laraña, ‘Dune’ o incluso la parte desértica de ‘Transformers’. En ese momento es cuando más nos transmite la sensación de que este mundo adaptado ahora a la gran pantalla no da tregua y no tiene ni un sitio seguro. En cuanto pasa a mayores, los final boss que suele decirse en jerga gamer, pierde fuelle y además tiene alguna escena donde el croma se hace más evidente.

Paul W.S. Anderson se aleja de esos títulos en los que rozaba más el “arte” de Uwe Boll y consigue una película muy entretenida a pesar de tener algunos gráficos mejorables, una banda sonora repetitiva y un mundo que podría haberse explotado mejor. Sin duda esta es una película introductoria y si la taquilla lo permite no me cabe duda de que tienen pensado ampliar con más. La escena insertada en los créditos es una declaración de intenciones indicando por dónde pueden ir los tiros.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Título original: Monster Hunter. Duración: 99 min. País: Estados Unidos. Dirección: Paul W.S. Anderson. Guion: Paul W.S. Anderson. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Reparto principal: Milla Jovovich, Tip Harris, Ron Perlman, Tony Jaa, Meagan Good, Josh Helman, Diego Boneta, Jannik Schümann, Schelaine Bennett, Nic Rasenti, Jin Auyeung, Nanda Costa, Aaron Beelner, Hirona Yamazaki, Adrian Munoz Nordqvist. Producción: Constantin Film, Impact Pictures, Capcom Company, Tencent Pictures, Toho Company. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.monsterhunter-movie.jp/

Entrevista a Carmen Machi y Pepón Nieto

«Es una película difícil de explicar. Habla de cosas más que contar cosas»

Hace tiempo que pudimos ver ‘Un efecto óptico’ (crítica aquí) y estábamos deseando que se estrenase en cines para compartir opiniones. Se pudo ver en el pasado Festival de Sitges, razón por la cual tuvimos la ocasión de entrevistar al director Juan Cavestany y ahora estamos en posición de anunciaros que el 26 de marzo llegará a las carteleras españolas. Otro estreno en pantalla grande brindado por Filmin que sigue apostando por su amplio catálogo sin estar eso reñido con los estrenos en cines. A partir de junio los suscriptores de la plataforma la tendrán disponible.

Pepón Nieto y Carmen Machi, ambos vistos recientemente en ’30 monedas’, conforman la pareja protagonista de esta extraña cinta que nos lleva de Burgos a Nueva York. A continuación podéis ver la entrevista que muy amablemente nos han concedido en un lugar tan cinematográficamente emblemático como es la librería Ocho y Medio.

 

 

Sinopsis oficial:

Alfredo (Pepón Nieto) y Teresa (Carmen Machi) son un matrimonio de Burgos que viaja a Nueva York con la intención de «desconectar» y hacer todos los planes que vienen en la guía. Pero nada más aterrizar empiezan a percibir señales, sutiles y no tanto, de que en realidad no están en la ciudad que les vendieron en la agencia. ¿Dónde están entonces?

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