Aún está en taquillas con ‘Longlegs’ y ya tenemos noticias del próximo filme dirigido por Oz Perkins. Como os adelantamos en nuestra crítica, adaptará un relato corto de Stephen King titulado ‘The Monkey’. Lo que nos han mandado suss distribuidoras en España, YouPlanet y Beta Fiction Spain, es el primer teaser. No obstante tendremos que esperar a 2025 para ver esta película en cines.
Osgood Perkins, nos propone una nueva historia de terror producida por James Wan. Está protagonizada por Theo James, Elijah Wood, Tatiana Maslany, Sarah Levy, Rohan Campbell, Christian Convery y Colin O’Brien.
Sinopsis oficial:
Cuando los gemelos Hal y Bill descubren el antiguo mono de juguete de su padre en el ático, una serie de truculentas muertes comienzan a ocurrir a su alrededor. Los hermanos deciden tirar el mono y continuar con sus vidas, distanciándose con el paso de los años. Pero cuando las misteriosas muertes vuelven a sucederse, los hermanos deberán reunirse para destruir el mono antes de que acabe con las vidas de todos a su alrededor.
La unidad de combate de alto secreto, compuesta por un variopinto grupo de pícaros e inconformistas liderados por Gus March-Phillipps (Henry Cavill), emprende una arriesgada misión contra los nazis utilizando técnicas de combate totalmente poco convencionales y «poco caballerosas». En última instancia, el audaz enfoque del grupo especial cambió el curso de la guerra y sentó las bases del SAS británico y de la guerra de operaciones encubiertas moderna.
Crítica
Ritchie prosigue con su saga de la deformada caballerosidad inglesa
‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ es una película que, sin duda, cumple con las expectativas de aquellos que buscan una narrativa dinámica, pero quizá no tanto de los auténticos fans de GuyRitchie. Basada en hechos reales de la II Guerra Mundial, la película nos adentra en las operaciones clandestinas del Reino Unido durante la II Guerra Mundial. La elegancia y el decoro inglés se fue al garete creando una unidad especial encargada de llevar a cabo misiones poco convencionales contra las fuerzas del Eje.
Cuatro guionistas han participado en este filme que aparte de en sucesos históricos que fueron el germen del SAS y probablemente de las novelas de James Bond, está basado en un libro de Damien Lewis. Quizá toda esa fuente de inspiración a acotado demasiado el tono del filme, el devenir de la historia, pues el estilo de Ritchie está presente pero se percibe muy contenido. Ritchie es conocido por su habilidad para mezclar comedia y acción de manera eficaz. Sin embargo, en esta ocasión, la comedia es menos prominente. Aunque hay momentos de humor, estos son esporádicos y en ocasiones se sienten poco originales. Sobre todo esto se nota cuando la caballerosidad parece en desacuerdo con el título de la película y el estilo esperado de Ritchie, que parece haber hecho básicamente una especie de secuela espiritual de ‘The gentlemen: los señores de la mafia’. La narrativa, centrada en una unidad militar que realiza operaciones «poco caballerosas», podría haber explorado más a fondo el lado irreverente y subversivo de sus misiones. En lugar de eso, la película a veces cae en representaciones más tradicionales y honorables de la guerra, lo que puede resultar un tanto decepcionante para aquellos que esperaban una visión más gamberra.
Con este filme Ritchie prosigue con una serie de películas (y una serie), que tratan de desdibujar la clásica elegancia inglesa, esa que siempre ha parodiado desde películas asentadas en los bajos fondos londinenses como su trilogía compuesta por ‘Lock, Stock and Two Smoking Barrels’, ‘Snatch’ y ‘Rockonrolla’ e incluso con su versión de Sherlock Holmes. Básicamente se ha montado su propio Rat Pack, sus Malditos Bastardos, su Escuadrón Suicida, su comando The Boys, algo que tampoco es raro en su cinematografía. Arquetípicamente, cual Equipo A, cada uno tiene su habilidad y carisma. Una de las razones por las que ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ te mantiene enganchado es precisamente por sus actores. La mayoría del reparto además de intérpretes son fans del cine de acción y de género. Así pues viajar en esta aventura junto a Henry Cavill, Alan Ritchson, Eiza González, Rory Kinnear y compañía se convierte en un viaje entre amigos, con violencia y nazis, eso sí.
Las secuencias de acción están bien coreografiadas y filmadas, quizá un poco estiradas, pero con un ritmo que evita cualquier atisbo de aburrimiento. Aunque hay mucho más movimiento que en los filmes de Tarantino, a ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ le pesa que se parezca en algunas fases a la película protagonizada por Brad Pitt, Christoph Waltz y demás. Algunas escenas recuerdan directamente a ‘Malditos Bastardos’. A diferencia de este último título, la fidelidad a los eventos históricos reales añade una capa de autenticidad y respeto hacia las verdaderas operaciones realizadas por estos valientes y kamikazes soldados. Aunque también hay más explosividad y algo de imaginería que los vecinos de las Islas Canarias van a tener que ver con cierta permisividad.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de julio de 2024. Título original: The Ministry of Ungentlemanly Warfare. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Guy Ritchie. Guion: Arash Amel, Eric Johnson, Guy Ritchie, Paul Tamasy. Música: Christopher Benstead. Fotografía: Ed Wild. Reparto principal: Henry Cavill, Eiza González, Alan Ritchson, Alex Pettyfer, Hero Fiennes Tiffin, Babs Olusamokun, Henrique Zaga, Til Schweiger, Henry Golding, Cary Elwes, Rory Kinnear. Producción: Lions Gate Films, Jerry Bruckheimer Films, Black Bear Pictures, AZ Celtic Films. Distribución: Prime Video. Género: acción, comedia, adaptación. Web oficial:https://www.theministryofungentlemanlywarfare.movie/
La segunda parte de la adaptación de ‘Dune’ realizada por Denis Villeneuve llegará a cines el próximo 1 de marzo. ‘Dune: Parte Dos’ continuará con el viaje de Paul Atreides retomándolo en el momento en el que se une a los Fremen y empuña el arma en una guerra para vengar la eliminación de su familia.
La novela de Frank Herbert, que parecía maldita a la hora de ser adaptada, por fin está teniendo salida en el audiovisual aunando opinión de crítica y público. Warner Bros. Pictures y Legendary Pictures han producido este proyecto titánico que además de tener una producción de primer nivel cuenta con Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Dave Bautista, Christopher Walken, Stephen McKinley Henderson, Léa Seydoux, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling y Javier Bardem.
Por supuesto Hans Zimmer pone la música a esta segunda parte que pinta que será espectacular gracias a este nuevo tráiler que ha liberado Warner.
La novela de Ian Reid es la base de ‘FOE’, un estreno cinematográfico que podremos ver próximamente en Prime Video. A partir del 5 de enero de 2024 llegará este título protagonizado por Saoirse Ronan (‘Lady Bird’, ‘Mujercitas’) y Paul Mescal (‘Normal People’, ‘Aftersun’).
Dirigida por Garth Davis (‘Lion’) nos contará una historia que se dedica a la exploración del matrimonio y la identidad protagonizada. Los protagonistas son Hen y Junior, los cuales, cultivan un trozo recóndito de tierra que ha sido propiedad de la familia de Junior durante generaciones, pero su tranquila vida sufre un vuelco cuando un extraño, interpretado por Aaron Pierre (‘El ferrocarril subterráneo’), aparece en su puerta inesperadamente con una inquietante proposición. ‘FOE’ nos promete un entretenimiento lleno de fotogramas fascinantes pero también de preguntas acerca de la naturaleza humana.
La película está producida por Kerry Kohansky-Roberts, Garth Davis, Emile Sherman, Iain Canning, con Dawn Olmstead, David Levine, Robert Walak, Samantha Lang y Reid en la producción ejecutiva.
Ya podemos ver el poster de ‘El sueño de la sultana’, una película de la realizadora IsabelHerguera (San Sebastián, 1961), basada en el cuento del mismo título, publicado en 1905 por Begum Rokeya Hossain, escritora nacional de Bangladesh (1880-1932) y que competirá en la Sección Oficial del Festival de Cine de San Sebastian – ZINEMALDIA, con su primer largometraje de animación.
La cinta, que se estrenará el 17 de noviembre en cines de la mano de Filmin, es apta para todos los públicos, aborda varios temas, siendo la concienciación de la condición de la mujer el núcleo central.
“Recopilé información, y en base a ésta, tracé una ruta por la India de Rokeya Hossain; caminé por el paisaje de la Bengala rural, intentando impregnarme de los colores, olores y sonidos que pudieron rodear a la autora. Visité su casa natal, la tumba en Sodepur y las escuelas que fundó en Calcuta. Esto me ayudó a comprender su entorno y el coraje que necesitó para enfrentarse a una sociedad tradicionalmente patriarcal”, dice su directora Isabel Herguera, nominada a un Goya por su cortometraje La gallina ciega.
En la película se utilizan diferentes técnicas de animación. El segmento que trata sobre el viaje iniciático de la protagonista, Inés (67 min.), está ambientado en la actualidad y se lleva a cabo en animación tradicional 2D en acuarela; los fragmentos referentes a la vida de Rokeya (7 min.) están ambientados en la India de principios del siglo XX, y usan la técnica de recortables, que hace referencia al teatro de sombras típico de esa época; y la parte dedicada a Ladyland (7 min.), que es una libre adaptación del cuento original ‘El sueño de la sultana’, se ha hecho íntegramente en el estilo Mehndi (tatuaje temporal), utilizando exclusivamente la henna.
‘El sueño de la Sultana’ es una coproducción entre España y Alemania y está producida por Sultana Films (Donostia), El Gatoverde Producciones (Madrid), Abano Producións (A Coruña), Fabian & Fred (Hamburgo) y Uniko (Bilbao), y cuenta con la participación, entre otros, de ICAA, Gobierno Vasco, Ayuntamiento de Madrid, Diputación de Gipuzkoa, RTVE, EITB, Movistar +, ARTE ZDF, Filmin, Tabakalera, MOIN Film Fund Hamburg, Media Europa Creativa, NextgenerationEU. Será distribuida en cines en España por Filmin.
Sinopsis oficial:
Inés, la protagonista, es una joven donostiarra incapaz de soñar y un poco perdida que descubre accidentalmente el libro El sueño de la Sultana donde se describe el País de las Mujeres, un lugar donde las mujeres son todas científicas y tienen el poder mientras que los hombres están encerrados en casa, limitados por su ignorancia. Fascinada por este clásico de la literatura utópica feminista, y por su autora, la escritora y activista musulmana Begum Rokeya Hossain, Inés se embarca en un viaje iniciático a través de la India en busca de las trazas de la autora y del País de las Mujeres.
“Nimona refleja mis sentimientos y los de más gente que estuvo en mi situación”
En su día se convirtió en toda una sensación en Internet que posteriormente dio el salto al mundo editorial convirtiéndose en cómic. Posteriormente, tras varios cambios de productora, estudios, giones y directores llegó a convertirse en una película que Netflix ha distribuido a través de su plataforma y de la cual os hablamos aquí.
ND Stevenson habló en el Celsius 232, el festival finalizado en Avilés el pasado 22 de julio de este 2023, de lo que significa ‘Nimona’ en su vida. Nos habló del significado de su personaje, de las diferencias entre novela gráfica y película, de las dificultades a la hora de llevar a cabo la película, de la posibilidad de segundas partes… ¿Queréis descubrirlo todo? Dadle al play pues tenéis una estupenda charla traducida al castellano.
Agradecemos a Celsius 232 por traer como invitado a ND Stevenson y la estupenda traducción de Diego García Cruz.
En un mundo medieval futurista, el caballero Ballister Bravocorazón (Riz Ahmed) es acusado de un crimen que no ha cometido, y la única persona que puede ayudarlo a demostrar su inocencia es Nimona (Chloë Grace Moretz), una traviesa adolescente con inclinación por el caos… que además resulta ser el ser metamorfo al que debe destruir. Pero, dado que lo persigue todo el reino, Nimona es el mejor compinche (o más bien el único) al que Ballister puede aspirar. De modo que, mientras se difumina la línea entre héroes, villanos y monstruos, la pareja causa estragos a diestro y siniestro para que Ballister pueda lavar su nombre y Nimona… pueda causar estragos a diestro y siniestro.
Crítica
Cyberpunk medieval en contra de las mentiras y prejuicios del sistema
‘Nimona’ es una nueva película de Netflix que surge de una fuente tan invocada hoy en día como que recurrimos al agua para sobrevivir, los cómics. Es una obra accesible en España ya que está editada por Astiberri. En su día su autor ND Stevenson dibujó con una imagen muy similar a la suya a la protagonista de un webcómic fruto de un encargo para sus deberes escolares. La cosa creció en complejidad y repercusión y se llegó a convertir en toda una revelación ganadora del Eisner.
La historia sigue a un héroe caballeresco y a una heroína que realmente siente impulsos a ser una villana, una sierva del más puro caos. En este mundo los caballeros aspiran a ser protectores de un reino que vive entre muros para evitar ser invadidos por el mal exterior. Pero cuando uno de esos caballeros procede de la plebe se produce un complot que le usa como cabeza de turco. Es entonces cuando se cruza en su vida la joven protagonista, Nimona. Una muchacha desequilibrada, cargante y con deseos de ser la malvada de turno para derrocar al establishment y castigar a una prejuiciosa sociedad.
‘Nimona’ está repleta de comedia, aventura y algo de intriga por saber quién es realmente el villano. Pero al fin y al cabo nos cuenta lo de otras tantas veces, que el mal siempre acecha y que los monstruosos no siempre son lo que parecen. Por otro lado también desarrolla un discurso frecuente hoy en día, el de la sociedad creando a sus propios villanos. Y por supuesto la lucha de clases en un mundo en el que los privilegiados miran con recelo el ascenso de los de clase baja. Pero pese a estos tópicos manidos se mantiene por el carácter punk e hiperactivo de la protagonista. A lo que más se puede parecer es a ‘Shrek’ ya que comprobaréis como el supuesto ogro emprende una cruzada en busca de limpiar su imagen acompañado de un cargante compañero. Lo cual nos lleva a un desenlace obvio, propio de historias como ‘La Bella y la Bestia’ o ‘Brave’. Y pese a todas estas referencias cabe señalar que esta no es una propuesta del todo infantil, por determinados momentos violentos.
A todo esto, hay que añadir que esta es una historia oportuna ahora que se acerca el Orgullo LGTBI+ pues refleja un sentir de su creador que es altamente empatizable por muchas otras personas, más en concreto por aquellos que están en plena transición. Pero no es lo único que nos lleva a tiempos modernos. En ‘Nimona’ nos adentramos en un mundo futurista que conserva tradiciones y estética medieval y a la vez está repleto de detalles y tecnología ciberpunk. Es por eso que la película marca una vez más la diferencia con respecto a los esquemas clásicos. Además incluye momento kaiju, no os la puedo vender mejor.
Espera, claro, no hemos hablando del aspecto visual. La animación de la versión en largometraje de ‘Nimona’ no conserva el estilo del cómic. La obra publicada por Stevenson tiene texturas demasiado planas, es minimalista, carente de fondos y detalles. Para darle más riqueza a la película se ha conservado el estudio de personajes e incluso la paleta de colores pero se le ha dado mucha más profundidad al entorno y se han incorporado muchos más relieves. Contando en la producción con nombres como Sony Pictures Animation y Toei Animation era inevitable que estos dejasen su impronta. Este es un gran trabajo de DNEG Animation que a priori iba a estrenar Disney, pero que fue cancelado tras llevarse por delante a Blu Sky Studios con su cierre.
La historia está algo cambiada con respecto a las viñetas y no sé si el gran fallo de guión está heredado de estas. Y es que el personaje villano comete un crimen que no tiene explicación o por lo menos está excesivamente abandonada a la libre interpretación. No obstante la aventura de Nimona ejerciendo de esbirro del caballero Bravocorazón es un disfrute jocoso con un no parar de pulidas ilustraciones.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de junio de 2023. Título original: Nimona. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Nick Bruno, Troy Quane. Guion: Robert L. Baird, Lloyd Taylor, Pamela Ribon. Música: Christophe Beck. Reparto principal (doblaje original): Riz Ahmed, Chloë Grace Moretz, Eugene Lee Yang, Frances Conroy, Rupaul, Julio Torres, Sarah Sherman, Lorraine Toussaint. Producción: Annapurna Animation, DAMN! Show Productions, Sony Pictures Animation, Toei Animation, Vértigo Entertainment. Distribución: Netflix. Género: aventuras, ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.netflix.com/us-es/title/81444554
La verdadera historia de Maurice Flitcroft, un padre de familia y operador de grúa en un pequeño pueblo inglés, que ve peligrar su puesto de trabajo debido a la inestabilidad económica del país. Tras ver un partido de golf televisado, Maurice queda enamorado del juego y decide participar en el torneo más importante del mundo, el Open Británico. Un plan maestro que tiene un único problema: Maurice no ha jugado al golf en su vida.
Crítica
Suena a cine social pero es una simpática y entrañable comedia ligera
El protagonista de ‘El gran Mairice’ se aventura en el golf del mismo modo que lo hizo Michael Jordan, partiendo del punto de ser un aficionado a querer destacar en el green. Pero este personaje que Craig Roberts ha extraído de la novela original tiene un origen mucho más humilde, por lo que más que relevante o estrella tardía se le considera intruso, fiasco o fantasma. De ahí parte la comedia, de las risotadas que se echan los rivales o el público a su costa, de la torpeza de alguien que nunca ha jugado al golf, de lo surrealista de verle en el Open Británico o de ver cómo intenta a toda costa jugar al golf a nivel profesional.
Y es que Maurice Flitcroft es un trabajador de la industria, en concreto es operador de grua, a si es que algo sabe de trayectorias parabólicas o de encajar cada cosa en su sitio, pero el snobismo del golf le queda lejos. Le pilla todo esto en una crisis a finales de su mediana edad, en el 75 y con las nuevas medidas de la Thatcher haciendo escabechinas en los astilleros. Y aunque esto suene a cine social de Ken Loach, ‘El gran Maurice’ es una simpática y entrañable comedia ligera que transmite optimismo y ganas de perseguir sueños.
‘El gran Maurice’ es una película de soñadores, locos y perseverantes, como remarcan los distintos cuadros de Van Gogh que acompañan a algunas secuencias. Le viene como anillo al dedo la frase de Oscar Wilde “vivimos en el fango mirando a las estrellas”. Por que aquí un hombre intenta adentrarse en un mundo que le niega el acceso, que no cree en sus capacidades o en su espíritu de superación. Es como si fuese una versión cómica de Superman de la clase obrera, buscando hacer algo fuera de lo común. Y es que no he podido evitar acordarme de las películas de Christopher Reeve cuando Maurice se abre el sucio mono de trabajo tirando con ambas manos y descubriendo que debajo lleva su vestimenta de héroe, que consiste en un chaleco tejido a rombos. Tampoco cuando en sus ensoñaciones da la vuelta al mundo a velocidades supersónicas o cuando vemos que su coche lleva en la matrícula Kal-EB.
Esta historia con base real se sostiene en gran parte por la la candidez, inocencia y sinvergonzonería. que Mark Rylance aporta al personaje. Hace un trabajo similar al de ‘El puente de los espías’ pero obviamente llevándoselo a la comedia y a términos pillos. Sally Hawkins es quien encarna a una de tantas mujeres emplazadas detrás del hombre protagonista. En este caso una de esas personas que construyen a quien acaba destacando, pieza clave de la película ya que en el fondo también es unahistoria de amor. Hay más personajes, como sus simpáticos hijos, pero cabe destacar a Rhys Ifans como el azote de Maurice, el villano de la historia. Representa la petulancia, la pompa y el clasismo de un deporte que siempre ha estado sobrevalorado, en mérito y en recursos.
No es la primera vez que Rylance se embarca en una película biográfica pues ha hecho de Da Vinci y de Ricardo II. En este caso la perspectiva es humorística y la verdad es que lleva bien el encarnar a este hombrecillo convertido en showman. La película gustará a fans del golf o del deporte que no conociesen a este particular fun fact man. En el caso de los españoles, tenemos el regalo de la elegante aparición de Severiano Ballesteros interpretado por Marc Bosch.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de noviembre de 2022. Título original: The Phantom of the Open. Duración: 106 min. País: Reino Unido. Dirección: Craig Roberts. Guion: Simon Farnaby. Música: Isobel Waller-Bridge. Fotografía: Kit Fraser. Reparto principal: Mark Rylance, Sally Hawkins, Rhys Ifans, Mark Lewis Jones, Johann Myers, Jake Davies, Alfredo Tavares, Jonah Lees. Producción: BBC Films, Baby Cow Productions, British Film, Institute, Ingenious Media, Spartiate Films, Water & Power Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama, biográfia. Web oficial:https://www.sonyclassics.com/film/thephantomoftheopen/
Prime Video ha desvelado el tráiler de ‘El exorcismo de mi mejor amiga’. La película está dirigida por Damon Thomas (‘Killing Eve’, ‘Penny Dreadful’) y escrita por Jenna Lamia (‘Chicas buenas’, ‘La chica invisible’) a partir del libro del autor superventas del New York Times GradyHendrix (‘Satanic Panic’, cuya adaptación vimos en la Muestra SYFY). El exorcismo de mi mejor amiga está protagonizada por ElsieFisher (‘Eighth Grade’, ‘Gru: mi villano favorito’), Amiah Miller (‘El hombre agua’, ‘La guera del planeta de los simios’), Cathy Ang (‘And Just Like That…’, ‘Más allá de la luna’), Rachel Ogechi Kanu (‘Cheer for Your Life’) y Christopher Lowell (‘GLOW’, ‘Una joven prometedora’) y se estrenará en exclusiva en Prime Video el 30 de septiembre.
Sobrevivir a la adolescencia no es fácil, especialmente cuando estás poseída por un demonio. En 1988, Abby (Elsie Fisher) y Gretchen (Amiah Miller), mejores amigas, se enfrentan a los chicos, a la cultura pop y a una fuerza paranormal que se aferra a Gretchen como un imán. Con la ayuda del exorcista del centro comercial, Christian Lemon (Christopher Lowell), Abby está decidida a obligar al demonio a volver a los pozos del infierno, eso si no mata primero a Gretchen. El exorcismo de mi mejor amiga es un homenaje a la cultura pop de los años ochenta con una historia totalmente atemporal de terror y amistad verdadera.
Calentando motores para ‘El señor de los anillos. Los anillos de poder’
Ya se acerca, la expectativa es alta por parte de los fans y de los espectadores españoles. El 2 de septiembre se estrena la serie de Amazon Prime Video ambientada en el universo de Tolkien. Una nueva serie que tiene capítulos dirigidos por J.A. Bayona y que no se va a centrar en adaptar ninguna obra en concreto, sino que cogerá esto y aquello de diferentes obras para sumergirnos de nuevo en los mundos de los orcos, elfos y maias del escritor sudafricano/británico.
Para prepararnos para ese día repasamos las adaptaciones más destacadas de su imaginario. Tienen cabida en esta lista series, películas y obras de teatro estrenadas e incluso por estrenarse o que nunca han llegado a distribuirse en España.
‘El hobbit’ (1977)
Jules Bass (‘Thundercats’) y Arthur Rankin Jr. Hicieron una de las que se consideran las mejores adaptaciones. Mucho más fiel que la reciente obra de Peter Jackson y en formato animado respetando las canciones del libro pero no la belleza élfica. En 77 minutos nos cuentan todo el libro, deberían tomar nota los cineastas actuales. Años más tarde estos directores hicieron también una versión de ‘El retorno del rey’ con exactamente el mismo equipo y estética, pero con peor éxito pues intentaron completar con menor talento la obra del siguiente ejemplo.
‘El señor de los anillos’ (1978)
Mítica es la portada que promocionó la película de animación de Ralph Bakshi que abarca los dos primeros volúmenes de la trilogía. A muchos nos ha dado rabia siempre no poder ver la trilogía completada de manos de este autor responsable también de la adaptación a cine del cómic de ‘El gato Fritz’. Fue el primer largometraje de animación completamente rodado en rotoscopia. Fue casi canónica pues se considera que respeta el original y Peter Jackson copió planos. Orson Wells dobló el tráiler y la película contó con la voz de John Hurt para doblar a Aragorn. Aunque no figura en los créditos Tim Burton se estrenó con este filme.
‘La comunidad del anillo’ (URSS, 1991)
Hace treinta años los soviéticos intentaron llevar a cabo su propia adaptación, con sus propios cánones estéticos. ‘Khraniteli’ (los protectores o los guardianes) es como se llamó a este filme de poco más de una hora que fue re-descubierto hace poco en Leningrado. Es un telefilme o miniserie que parece más una obra teatral de un instituto y carece de gusto artístico, interpretativo o un mínimo de vergüenza u orgullo profesional. Por lo menos incluyó a Tom Bombadil.
Trilogía ‘El señor de los anillos’ (2001)
Peter Jackson llevó los libros de Tolkien a su máximo exponente. Los que somos fans acérrimos y lectores repetitivos de esta trilogía alucinamos con cómo las extensas descripciones del autor se habían materializado, haciendo realidad lo que todos nos habíamos imaginado. Escenografía, vestuario, diseño de personajes… todo calcado. Con un casting acertadísimo y una planificación estupenda la trilogía se convirtió en una de las más taquilleras de la historia, con un sinfín de adeptos, merchandising… Y lo que es más importante, perdurando en el tiempo la obra original.
Trilogía ‘El hobbit’ (2012)
Once años después Jackson la pifiaba a lo grande. Tras rozar la perfección con la anterior trilogía cogió el testigo del proyecto de Guillermo del Toro la pifió. Incluyó tramas inexistentes y estiró el chicle hasta las tres películas diluyendo el espíritu de la novela original. Lo más salvable y a la altura del cuento de Tolkien es la recreación de Smaug y el doblaje de Benedict Cumberbatch. Sin embargo, el doblaje de las canciones en castellano… bochornoso.
El pasado de los artistas define mucho, de manera determinante, su obra. Eso es en líneas generales lo que nos transmite este biopic en el que Nicholas Hoult interpreta a J.R.R. Tolkien y sus días entre las trincheras de la I Guerra Mundial. Sus aventuras, su amor y sus historias de camaradería son aquí vistas como la base de sus futuros libros. Los valores del filme están muy bien definidos y además acompañados de una estupenda banda sonora de Thomas Newman.
En dos años, en abril de 2024, nos espera una adaptación animada más. Los jinetes de Rohan protagonizarán esta aventura avalada por Peter Jackson y ambientada en el mundo de sus trilogías. Jackson no está metido en el proyecto pero da el visto bueno a lo que está haciendo Warner Bros. Será un anime realizado por Kenji Kamiyama (‘Ghost in the Shell’, ‘Ultraman’, ‘Blade Runner: Black Lotus’). Hay muy buenas expectativas en este proyecto que cuenta con Philippa Boyens guionista de las trilogías de acción real.
Versión musical de ‘El señor de los anillos’ (2006)
Si Spider-Man tiene una versión musical cómo no la va a tener El señor de los anillos. Un productor teatral y uno de los propietarios de los derechos de la trilogía comenzaron en Toronto una versión sobre las tablas y con canciones que pasó por el West End de Londres y no llegó a consumar su gira mundial. Tres horas de musical divididas en tres actos exponiendo la composiciones del indio A.R. Rahman y la finesa Värttinä.
Lo dicho. Prime Video estrenará esta serie que se ambientará en distintos reinos de la Segunda Edad de la Tierra Media de Tolkien. Se intuye que veremos Valinor y la caída de Numenor además de nuevas batallas. Personajes como Galadriel o Annatar (Sauron) hilarán la historia que tiene pinta de ser la producción más juvenil hasta el momento.
Bonus track. Leonard Nimoy y su canción a Bilbo (1968)
El actor que fue mundialmente famoso por su papel como Spock le dedicó esta canción a Bilbo Baggins (Bolsón en versión española). Un tema que figuraba en uno de sus álbumes musicales y que hizo que sus fans solicitasen una película con Nimoy haciendo de Aragorn. Tirado en un cacho tierra el actor canta describiendo su aspecto físico, sus aventuras y su afición por fumar en pipa. La canción va acompañada de un coro de bailarinas colorido y con una coreografía un tanto… Cuánto daño hizo el LSD de los sesenta. Muy fan de los lemas de los jerseys que llevan.
‘The Sandman’ nos hace recordar todas las versiones basadas en su obra
Nadie puede negar que uno de los mayores contribuidores a la cultura pop contemporánea es Neil Gaiman. El escritor británico goza de gran éxito en el mundo editorial con sus obras tan imaginativas y cargadas de onirismo, poesía, tinieblas y aventura. No es de extrañar que además de ser un superventas y tener los principales premios de la literatura de género como el Hugo, el Nébula o el Bram Stoker, las productoras se hayan fijado en su imaginario para llevar a cabo distintos audiovisuales. Está mucho más presente de lo que muchos imaginan y es por eso que vamos a destacar las mejores producciones basadas en sus textos, sobre todo teniendo en cuenta que Netflix estrena ‘The Sandman’ el próximo 5 de agosto.
Neil Gaiman tiene muchas más colaboraciones con el cine y la televisión, como sus participaciones en ‘Dr. Who’, ‘Beowulf’, ‘La máscara de cristal’ o incluso ‘Los Simpson’ pero aquí tenemos enumeradas las de mayor calidad o aquellas en las que ha estado más implicado.
‘Stardust’ (2007)
Preciosa y divertida historia que junta a un entregado y enamorado pretendiente con una estrella que acaba de caer del cielo. Los derechos de esta novela de 1999 fueron cedidos de manera gratuita a Matthew Vaughn dada su amistad con Gaiman. A punto de rodarla estuvo Terry Gilliam pero rechazó el proyecto por querer descansar de los cuentos de hadas tras rodar su película sobre los hermanos Grimm. El protagonista fue interpretado por Charlie Cox y su compañera de romance y correrías fue Claire Danes. Daredevil no fue el único superhéroe en aparecer en esta cinta, también tuvo un pequeño papel Henry Cavill (Superman).
‘Good omens’ (2019)
El cielo y el infierno son temas recurrentes en las historias de Neil Gaiman y aquí los vemos reimaginados en clave cómica. Esta es una de sus obras más ilustres y cuya adaptación tenía más expectantes a los fans ya que se trata de una colaboración con Terry Pratchett. De hecho según Gaiman materializar esta serie es cumplir uno de los últimos deseos del autor del Mundodisco. Un ángel y un demonio han de estrechar sus lazos para evitar el fin del mundo. La primera temporada tuvo muy buena acogida y la segunda está al caer en Prime Video.
‘Neverwhere’ (1996)
Una de sus obras menos populares pero para sus seguidores es una de las más divertidas. Gaiman no acabó del todo satisfecho con la versión de la BBC a si es que se resarció con la novela, que fue publicada casi simultáneamente con la serie. Tampoco lo pasó bien el reparto que sufrió el guión del escritor, el cual, les pidió perdón en más de una ocasión por hacérselo pasar tan mal. En esta historia Londres alberga un mundo secreto bajo su suelo al cual es arrastrado un tipo de lo más normal, el cual fue interpretado por Gary Bakewell.
‘Cómo enamorar a una chica punk’ (2017)
‘How to Talk to Girls at Parties’ es el título original de esta película basada en una historia corta de Gaiman. Protagonizada por Elle Fanning y Alex Sharp nos transporta a los convulsos años setenta. En ellos un joven que pretende ser lo más punk posible conoce a una alienígena de la cual se enamora. Fanning y Sharp cantan por si mismos los temas del filme que fue rodado en solo treinta días.
‘Coraline’ (2009)
Una de las novelas del autor que ha recibido el premio Hugo. Es frecuente que muchos se confundan y piensen que esta película de animación en stop motion es obra de Tim Burton. Error comprensible pues es una historia tétrica, pero a la vez tierna y simpática en la que una niña descubre un mundo paralelo e idealizado. Dakota Fanning (hermana de Elle Fanning) es quien pone voz al personaje protagonista. Estuvo nominada al BAFTA y a los Oscars, se enfrentaba a ‘Up’.
‘American Gods’ (2017)
El reparto coral (tanto de actores como de dioses de distintas culturas) es el principal atractivo de esta serie que con el tiempo perdió fuelle. Dieciseis años después de lanzar la novela Starz produjo la serie que ha terminado cancelada tras tres temporadas. La vida de un preso cambia radicalmente cuando le recluta un misterioso hombre que se hace llamar Wednesday, papel que rechazó Nicolas Cage. Aunque Gillian Anderson y Kristin Chenoweth aparecían en la primera temporada rehusaron volver por los despidos de los creadores. No obstante, Gaiman estaba contento con la adaptación.
‘Historias probables de Neil Gaiman’ (2016)
Como una especie de ‘The Twilight Zone’ más ‘Black mirror’ Shudder distribuyó esta antología. Son adaptaciones de cuatro historias crotas en las que el propio Neil Gaiman hace acto de presencia. Por supuesto la temática gira en torno a la fantasía y el terror.
‘Lucifer’ (2016)
Para acabar, los dos siguientes títulos nos van a enlazar con ‘The Sandman’. Esta serie surge de ese cómic a modo de spin-off. En esa historia el dador de luz se cansa del infierno y le entrega la llave a Sueño, expulsando a los demonios y retirándose a la tierra. En la serie nos cuentan ese periplo con el rostro de Tom Ellis, que difiere del dibujo original. Es la típica serie donde un asesor ayuda a la policía en sus casos, ¿la típica? El carácter sobrenatural del personaje aporta un toque diferente. Es de las producciones que va mejorando cada temporada.
‘Los eternos’ (2021)
En 2006 y junto al mítico John Romita, Jr. escribió un arco de aventuras para estos personajes creados por Jack Kirby. Se encargaron de la reaparición de estos personajes y de darles una nueva continuidad dentro del universo Marvel. Algo que no se adaptó directamente en la película de Chloé Zao pero que si conservaba ecos de sus ideas, como la del borrado de memoria. Curiosamente “eternos” es como se llaman las entidades que protagonizan la siguiente historia.
‘The Sandman’ (2022)
El señor de los sueños cobra vida en esta serie de la que muy muy pronto os vamos a hablar. En esta historia un culto secreto quiere convocar a la muerte pero falla en su ritual y captura a su hermano, el rey de los sueños. Durante esa etapa en que está preso el reino de los sueños se desmorona y los vivos sufren las consecuencias. El casting de la serie es algo de lo que los fans están más descontentos (un clásico de Netflix), no obstante solo viendo los tráilers la cosa apunta estupendamente. Joseph Gordon-Levitt iba a haber dirigido y protagonizado un proyecto basado en estos cómics pero finalmente Sueño está interpretado por Tom Sturridge. A día de hoy es la serie de televisión más cara que la división DC Entertainment ha hecho.
Un sádico asesino secuestra a Finney Shaw, un chico tímido e inteligente de 13 años, y le encierra en un sótano insonorizado donde de nada sirven sus gritos. Cuando un teléfono roto y sin conexión empieza a sonar, Finney descubre que a través de él puede oír las voces de las anteriores víctimas, las cuales están decididas a impedir que Finney acabe igual que ellas.
Crítica
Uno de los mejores papeles de Ethan Hawke en mucho tiempo
Que gozada de película. Una cinta donde los terrores mas sencillos y un humor un tanto exagerado se aúnan para regalarnos una mezcla que sin duda, no gustará a todos, pero a mi me funciona de maravilla.
ScottDerrickson regresa al terror con ‘BlackPhone’, basada en un relato corto de Joe Hill, que aparece en su libro ‘Fantasmas:Elpasadonoestámuerto, nisiquieraespasado…’. Scott Derrickson no solo ha dirigido, sino que también ha sido el encargado junto a C. RobertCargill de adaptar el relato.
Nos vamos a un pueblo de Estados Unidos, donde la violencia está en todas partes. Allí, de la noche a la mañana, comienzan a desaparecer niños. A través de Finney y su hermana Gwen, vamos desentrañando estas extrañas desapariciones, de la manera más cruel posible, ya que Finney termina siendo una de las víctimas. En su celda encontrará un teléfono negro que le hará bastante compañía.
La verdad que no he indagado demasiado si es de los primeros relatos de Joe Hill, pero vemos perfectamente en él su inspiración en las historias de su padre, Stephen King. Esto lo aprovecha Scott Derrickson, con una atmósfera oscura y llena de personajes macabros. Globos, desapariciones de niños, un pueblo en el que todo el mundo parece odiarse y por supuesto un personaje tenebroso lleno de traumas infantiles.
Me parece tremendo el trabajo de Ethan Hawke (‘El hombre del norte‘) que vuelve a trabajar con Derrickson. Realiza un trabajo muy bueno con su cuerpo, pues no le vemos la cara. Y solo con sus posturas sentimos si está relajado o lleno de ira y por supuesto el uso de su voz. Además se le añaden las diferentes máscaras que tiene su personaje. Esto es gracias al trabajo del equipo de Tom Savini.
En el reparto encontramos caras como la de Jeremy Davies o James Ransone, que hace un pequeño homenaje a su personaje en ‘Sinister’. Este bastante más cómico.
En el reparto infantil tenemos a Mason Thames, el encargado de dar vida a Finney. Se nota mucho el trabajo físico que ha realizado, pues no hacen más que ponerle pruebas en la película. Y la verdad que se desenvuelve muy bien en el terror.
Pero sin duda la estrella de la película es Madeleine McGraw, que hace un papel lleno de ternura, odio y mucha mala leche. Las escenas en las que se pone a rezar son tremendas.
Como he dicho, una de las cosas que no gustarán de la película es el humor que introduce. Para mi ha sido todo un acierto. Después de tanta tensión un golpe fuerte de humor siempre viene bien. Descoloca al espectador y a la vez hace la película más amena.
Poco más os puedo añadir, que vayáis a disfrutarla a partir del 24 de junio en las salas de cine, pues merece mucho la pena.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de junio de 2022. Título original: The Black Phone. Duración: 102 min. País: EE. UU. Dirección: Scott Derrickson. Guion: C. Robert Cargill, Scott Derrickson. Fotografía: Brett Jutkiewicz. Reparto principal: Ethan Hawke, Mason Thames, Jeremy Davies, James Ransone, Madeleine McGraw, Gina Jun, E. Roger Mitchell, Ron Blake, Robert Fortunato, Chris TC Edge, Braxton Alexander. Producción: Universal Pictures, Blumhouse Productions, Crooked Highway. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, adaptación. Web oficial:https://www.instagram.com/theblackphonemovie/
Protagonizada por Brad Pitt, Aaron Taylor Johnson, Joe King y Brian Tyree Henry
Sony Pictures nos acaba de enviar el primer tráiler y las primeras imágenes de ‘Bullet Train’, la esperada película basada en la novela japonesa ‘Maria Beetle’ de la escritora Kotaro Isaka. Además se ha desvelado su fecha de estreno. Llegará a salas de cine de toda España el próximo 22 de julio5 de agosto.
El ganador de dos Premios Óscar Brad Pitt (‘Érase una vez en Hollywood’, ‘Ad Astra’, ‘El club de la lucha’) encabeza un reparto de lujo que lo completan Aaron Taylor Johnson (‘Nowhere Boy’, ‘Kick-Ass’, ‘Animales nocturnos’), Joey King (‘Mi primer beso’) o Brian Tyree Henry (‘Godzilla vs. Kong’, ‘Spider-Man: Into the Spider-Verse’) entre otros.
‘Bullet train’ es un divertido y delirante thriller de acción del director de ‘Deadpool 2’, DavidLeitch. Brad Pitt encabeza un elenco de asesinos eclécticos y diversos – todos ellos conectados por unos objetivos conflictivos – dentro de un viaje sin escalas por el Japón moderno.
Música de los Bee Gees, tickets para un viaje en tren, asesinos, comedia… dentro vídeo.
Alegato sobre el arte y las re-interpretaciones que le damos a nuestra vida
‘Station Eleven’ comienza con un reputado actor (Gael García Bernal) sufriendo un infarto sobre el escenario mientras representa al rey Lear. Pero la muerte está presente a escala global ya que de lo que trata es de que un brote de una gripe porcina conocida como “gripe de Georgia” merma la población de la Tierra. Podríamos pensar que este es otro trasunto de la pandemia actual pero la fuente es anterior y el foco está en otros objetivos.
Aunque la trama salta a menudo, caóticamente y con flashes al pasado realmente se ambienta en lo que se da veinte años en el futuro para contarnos los derroteros de la Sinfonía Itinerante, un grupo de actores que va por los Grandes Lagos interpretando Shakespeare, muy romántico todo ello. Su camino les lleva hacia un asentamiento llamado el Museo de la Civilización. Mientras, la protagonista (Mackenzie Davis) va tras los restos de Arthur, ese actor muerto sobre las tablas. Busca seguir la estela de esa persona y se aferra a unas novelas gráficas que este le regaló, se llaman ‘Station Eleven’ y las hizo su exesposa. Ella estaba en esa funesta función teatral, cuando era solo una niña, ese día conoció a Jeevan (Himesh Patel) un crítico de entretenimiento. Juntos comienzan a vivir una desoladora extinción y los distintos momentos de sus historias son los que llenan casi todos los episodios.
El 16 de diciembre, en HBO Max, se lanza la serie de diez capítulos. Una obra de PatrickSomerville, el creador de la extraña ‘Maniac’. ‘Station Eleven’ está basada en una novela de 2014, pero claro, ahora viene como anillo al dedo y se suma a otra serie más que rememora la pandemia. En este caso hablamos de una novela visionaria pues se publicó hace más de seis años, pero también es cierto que ya estamos hartos de recibir advertencias o alarmas que ya conocemos. Por eso es bien recibida, porque los riesgos y miedos producidos por un arrollador virus están solo en sus inicios, la serie va más bien de lo frágil que es nuestra civilización o cultura.
La novela ganó el premio Arthur C. Clarke, que está destinado a obras de ciencia ficción, pero aquí no hay naves ni robots… Esta es ciencia ficción de la que imagina futuros cargados de naturaleza e indaga en el humanismo. Hiro Murai (‘Atlanta’, ‘Barry’) es el director del grueso de la serie. Él se ha ocupado de que la producción tenga reflexiones sobre la protección, la soledad, la felicidad… Pero principalmente se habla de los recuerdos y los conflictos.
‘Station Eleven’ nos propone una reconstrucción, partir de un nuevo Año Cero. Todos hemos dicho alguna vez que 2020 es un nuevo comienzo, que nada será igual desde el coronavirus. La realidad nos ha enseñado que somos más cobardes de lo que la ficción muestra y las comodidades nos impiden coger las riendas de nuestra vida y romper aquello que hemos visto que está mal… y continúa mal. “Ya se encargarán otros”. La serie si tiene ese valor y como arma esgrime el poder sanador y evasivo del arte, ya sea el teatro, la música o los cómics.
Aunque entretenida y muy valorable la serie peca muchísimas veces de pretenciosa, gafapastil o de corrientes extremadamente indies. Las rarezas tipo ‘Maniac’ están algo más contenidas pero no he podido olvidarme de películas como ‘I think We’re alone now’, la cual me pareció que tenía más adornos que contenido. Esto se percibe principalmente en algunas de sus interpretaciones y en la elección de la banda sonora.
Si tenéis algún libro recurrente, alguno que re-leáis más de una vez, seguro que os ha pasado que según en qué estación de vuestra vida estáis os cala u os llama más la atención una frase u otra. ‘Station Eleven’ nos habla también de esas reinterpretaciones que le damos a lo que tenemos delante o lo que se nos pasa por la cabeza. La narración salteada es uno de los puntos fuertes de esta propuesta de HBO Max. Con ella se impide que la historia se estanque, que zigzagueemos por los diferentes personajes y que recibamos novedades contantemente.
‘Dune’, el viaje de un héroe mítico que soporta una enorme carga emocional, cuenta la historia de Paul Atreides, un joven brillante que ha nacido con un destino más grande que él mismo. En esta epopeya, deberá viajar al planeta más peligroso del universo para asegurar el futuro de su familia y de su gente. Mientras las fuerzas del mal se enfrentan para hacerse con uno de los recursos más excepcionales del planeta, que tiene el poder de desbloquear todo el potencial de la humanidad, solo los que logren dominar sus miedos podrán sobrevivir.
Crítica
¿La mejor película del año? Yo diría que sí. ‘Dune’ llega para llenar las salas de cine
Este viernes 17 de septiembre llega a nuestras salas uno de los eventos cinematográficos del año, ‘Dune’ de DenisVilleneuve. Me quedé sin palabras al ver algo tan monstruoso como esta cinta de ciencia ficción que el director canadiense ha logrado crear.
Basada en la novela de FrankHerbert, ‘Dune’ nos lleva a una gran disputa por el poder de la Especia. Esta Especia se encuentra en el planeta Arrakis, donde residen los Fremen, un pueblo autóctono del planeta al que le han quitado todo. Allí es donde el emperador manda a la familia Atreides para que sean los encargados de extraerla. Después de haberles quitado esa competencia a la familia Harkonnen. Lo que los Atreides no se esperan es que esto va a terminar en guerra.
Después de una adaptación bastante fallida de DavidLynch y un intento por parte de AlejandroJodorowsky para llevar ‘Dune’ a la gran pantalla, Denis Villeneuve ha sacado su magia y sin duda ha creado una obra maestra.
Estamos hablando de una primera parte. Pero si la primera ha sido así, no me quiero imaginar la segunda, cuando ya hemos visto toda una introducción al mundo de Herbert.
Nunca he leído el libro al completo pero sí que puedo decir que hasta donde he llegado es bastante fiel. No del todo, pues tienen algunas licencias que la verdad tampoco molestan.
Para que esta película sea tan perfecta se han juntado muchas situaciones, una, la dirección de Villeneuve, impecable. Dos, una fotografía de ensueño, GreigFraser, es el encargado de esta y el trabajo que ha realizado sin duda va a ser nominación para los Oscar. Al igual que la tercera maravilla de la película, HansZimmer. Demos gracias que dejó tirado a ChristopherNolan e hizo esta maravillosa banda sonora, sin ella, ‘Dune’ no sería tan espectacular e inmersiva.
Sí, porque es una película, en la que te introducen, gracias a las imágenes y a su música, esa música llena de instrumentos de vientos y percusión. Es alucinante, puede ser agobiante, pero también de eso se trata, que te inquiete como a los protagonistas.
Y por supuesto, no me quedo sin hablar de su reparto, extenso y sin duda no podía ser mejor. Desde OscarIsaac, pasando por RebeccaFerguson, JasonMomoa, Timothée Chalamet, David Dastmalchian, DaveBautista, JoshBrolin, Zendaya, JavierBardem, Stellan Skarsgard, CharlotteRampling, ChenChang, entre muchos otros.
Si me parase a hablar de cada uno de ellos, esta crítica no terminaría. Pero por comentaros, Timothée Chalamet me ha vuelto a sorprender y sin duda estoy dejando atrás esos prejuicios hacia este actor y estoy viendo que de verdad se merece todas las ovaciones que ha recibido hasta ahora. Stellan Skarsgard está imponente, el físico que Villeneuve le ha colocado es bestial y nunca mejor dicho, pues la intención del director es que este personaje pareciese un grandioso rinoceronte.
Qué decir de ella, Rebecca Ferguson como siempre no defrauda y es que me encanta todo lo que hace, aquí no es distinto, de hecho tiene un papel muy potente. Y para terminar, como he dicho por mencionar a unos cuantos, el eterno secundario de las cintas de superhéroes, al que este año pudimos ver también en ‘El Escuadrón Suicida‘, David Dastmalchian, nos da un personaje de lo más extraño y que la verdad le pega un montón.
Como curiosidad, hubo una cosa que me llamó mucho la atención. Los guiños hacia la tauromaquia en la película, incluso aparece alguien ataviado con un traje de luces y me puse a indagar y es un guiño a la novela.
Para terminar, le pongo dos pegas a la película que son insulsas. Una es, la falta de sangre en las batallas y la otra la lucha con los escudos. Evidentemente están mucho mejor resueltos que en la película de Lynch, pero aun así, me siguen pixelando a los personajes y con un sonido estridente cada vez que les dan en ellos hace que las peleas lleguen a ser confusas.
Por lo demás, id al cine, llenad las salas y disfrutad de esta experiencia en pantalla grande. Y ojalá pronto tengamos noticias de la segunda parte y podamos hablar pronto de ella.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Dune. Duración: 155 min. País: EE.UU. Dirección: Denis Villeneuve. Guion: Eric Roth, Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Dave Bautista, Stephen McKinley Henderson, Zendaya, David Dastmalchian, Chang Chen, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Jason Momoa, Javier Bardem. Producción: Legendary Entertainment, Villeneuve Films, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, drama, adaptación. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/dune
En 1666, Dena descubre la verdad sobre Sarah Fier. De nuevo en 1994, los amigos luchan por sus vidas… y por el futuro de Shadyside.
Crítica
Me quedo a vivir en La calle del terror… si me dejan o no me matan
Muy de vecinos, muy de familias, muy de convivencia. Así podríamos decir que se resume la triliogía. Una vez terminada de ver las tres obras puedo decir que de lo que trata es de convivir entre vecinos, entre distintas generaciones. Pero también abarca un discurso sobre la tolerancia y el rencor que tiene valor y se superpone a la carnicería que vemos durante toda la saga.
Podría decir aquello de… “ha merecido la pena la espera para esta tercera película” pero ¡han sido solo unas semanas! Vale que vivimos en la era de la inmediatez, pero ha sido tan rápido nuestro paso por esta Calle del terror que dan ganas de quedarse a vivir un tiempo más, si nos dejan o no nos degüellan antes. Y lo cierto es que entre visiones, enmascarados y escena post-créditos Netflix nos está anunciando que podría haber más episodios surgidos de estas novelas de R.L. Stine, pero tal y como concluye la historia está perfectamente bien cerrada. Muy bueno tiene que ser lo próximo que haga el director Leigh Janiak para superar a esto.
Además, debo admitir que ‘La calle del terror – Parte 3: 1666’ se cierra de un modo que yo no me esperaba. Tenía mi propia teoría a cerca de en qué consistía realmente la maldición de Shadyside y de cómo podría acabar pero me han sorprendido con la trama definitiva. Este nuevo filme, aunque se subtitule 1666, se divide en dos partes, una en 1666 para narrarnos todo lo ocurrido en los orígenes y otra en 1994, como era de esperar, para vivir el desenlace una vez que los jóvenes protagonistas han descubierto el pastel. Y como volemos a esa época tenemos música conocida como la de The Offspring, Pixies u Oasis.
Ya que es una tercera entrega me gustaría destacar tres escenas, todas ellas responsables de que ‘La calle del terror – Parte 3: 1666’ tenga calificación R (al igual que la segunda parte). Me ha encantado el momento en el que nos explican el corte de mano de Sarah Fier, da grima y dolor de verlo. Es también macabra la escena en la capilla. Y por último es una gozada la pelea al pie del árbol de la ahorcada en el centro comercial, nos hace decir “¿y por qué no?”. Por cierto, que esta última me ha vuelto a recordar a ‘Las furias’.
Aunque este filme se mantiene dentro de los detalles clásicos de los slashers consigue diferenciarse, sobre todo con su primera mitad en el Estados Unidos colonial. Como imaginábamos cuando vimos la primera entrega la ciudad (por entonces conocida como Union) se convirtió en un Salem lleno de recelos, fanatismo, prejuicios y persecución. Allí de nuevo se confunde la habilidad con brujería, la chiquillería con satanismo. Se explica bien por qué los personajes están repetidos en el pasado, también por qué hay una maldición sobre Shadyside y por lo tanto por qué surgen asesinos. Me parece un final más que satisfactorio. Podéis ver las películas de manera independiente si queréis, pero no vais a disfrutar de igual manera de las sorpresas que tiene, además es un poco absurdo hacerlo así pues están todas en la misma plataforma, igual de accesibles.
Por pocos minutos esta es la más larga de las tres películas. Como en las otras sabemos de antemano que Fier perdió una mano y posteriormente fue ahorcada, pero antes hubo cosas que han tenido ecos en el futuro. Al igual que en la segunda entrega tenemos un detalle que sabemos por adelantado, pero con pormenores por averiguar, lo cual es harto interesante, hace que el espectador se preocupe por la construcción de la historia y no tanto por el final en sí. A parte de los brutales asesinatos eso es lo más atractivo de esta trilogía. Sobre todo porque todo encaja de un modo que nadie habíamos imaginado.
Antes de ver ‘La calle del terror – Parte 3: 1666’ se me planteaba una pregunta: ¿se ha ganado Sara Fier un hueco en el hall de la fama del terror y veremos disfraces suyos en Halloween? El tiempo y las tiendas con el merchandising suele decidir eso, pero tampoco os lo puedo decir pues rompería una de las sorpresas.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de julio de 2021. Título original: Fear Street 3. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Leigh Janiak. Guion: Phil Graziadei, Leigh Janiak, Kate Trefry. Música: Marco Beltrami, Anna Drubich. Fotografía: Caleb Heymann. Reparto principal: Kiana Madeira, Ashley Zukerman, Gillian Jacobs, Olivia Welch, Benjamin Flores Jr., Darrell Britt-Gibson, Sadie Sink, Emily Rudd, McCabe Slye, Julia Rehwald, Fred Hechinger, Jordana Spiro, Jordyn DiNatale. Producción: Chernin Entertainment. Distribución: Netflix. Género: terror. Web oficial:ver en Netflix.
La oleada de asesinatos arrasa en el campamento Nightwing, en la ciudad maldita de Shadyside, convierte el veraneo en una macabra lucha por la supervivencia.
Crítica
Profundiza más en su historia y en los cuerpos de sus víctimas
Efectivamente, tal y como pensábamos esta entrega ha tenido escenas más parecidas a ‘Viernes 13’. Nos trasladamos a un campamento en 1978, el Nigthwing, en el que sucedió otra de las matanzas de Shadyside. Toca seguir buscando una solución a la maldición de la villa, a la posesión de la bruja y para ello hace falta escuchar la historia de una de las supervivientes. A modo de cuento de terror de hoguera de campamento retrocedemos a un convulso y sangriento verano.
Phil Graziadei ha ideado estas historias junto al director (Leigh Janiak) y para cada una de las tres películas ha contado con diferentes guionistas. Para trasladarnos a un caluroso 1978 se han asociado con Zak Olkewicz, productor de ‘Nunca apagues la luz’. Relacionado con ese trabajo hay uno o dos apagones de luz, pero al margen de eso podemos decir que esta entrega es mejor, aunque también se nos vaticine cuándo van a morir los personajes por obvias que son las escenas.
La tragedia del campamento Nightwing sigue acrecentando la figura de Sarah Fier en busca de crear otra leyenda del cine de terror. Como era de esperar empieza con algo inquietante para los protagonistas y como nos hicieron entrever tenemos la versión joven del shérif Goode, el cual ya se olía lo que está pasando en 1994, así como a Cindy Berman (la superviviente del campamento) que nos cuenta tanto en 1994 cómo en 1978 cuales fueron las circunstancias en las que murió su hermana. Son el enlace con las otras películas, además claro está de algunos de los asesinos que ya hemos conocido la semana pasada. Y aunque sepamos que esos dos personajes acabarán viviendo ya que en el 94 estaban vivos, esta entrega de ‘La calle del terror’ nos reserva sorpresas.
Según esta película mientras en España se gestaba nuestra constitución de 1978 en USA se celebraban felices campamentos. Una acampada en la que por supuesto Shadyside sigue siendo objetivo de las burlas de los de Sunnvale y en la que descubrimos, no solo otro episodio truculento, sino que se amplían los orígenes de las dos ciudades y el rencor de la bruja.
Entre juegos veraniegos tenemos referencias a ‘Carrie’ e incluso casualmente a la última película de los Warren donde el mal posee a la gente y obliga a matar. Los adolescentes, movidos como siempre por su inconsciencia o su morbo van intentando sobrevivir mientras al espectador le asaltan recuerdos de películas clásicas de terror, más en concreto del subgénero slasher. Esta es otra película de asesinos en masa, que no en serie, con toques juveniles y de terror. Aumenta un poco el grado de seriedad y gore con respecto a la anterior, también el repertorio de homicidas como hacía ‘The Furies’ y además nos muestran cómo se “gana” uno de ellos la máscara.
Sigue habiendo sexo y vuelve a haber muertes salvajes, aunque habiendo niños de por medio se cortan mucho más para seguir siendo accesible al público general. Y las reglas han cambiado algo. Cuidado si sigues leyendo este párrafo si no has visto la primera parte. En 1994 los asesinos seguían a quien había toqueteado la tumba de la bruja (sin explicar por qué perseguía al principio al personaje de Maya Hawke). Esta parte no es una matanza indiscriminada sin mucha más explicación que el estar cerca de la guarida de la bruja o continuar con el gafe de Shadyside, se dan los detalles que explican todas las muertes, incluida la del personaje de Hawke.
Las melodías de la época están aún más presentes, está claro que musicalmente hablando también han querido hacer de ‘La calle del terror’ un homenaje. Se han escogido canciones de Nirvana, Neil Diamond, David Bowie (2 veces), Kansas (2 veces), Thelma Huston, The Velvet Underground, Foghat o The Runaways. Un repertorio que sirve de recomendaciones ante la música tan retocada y artificial de hoy en día. A ver qué música popular sacan en 1666.
Las escenas de la película pueden doler hasta el punto de necesitar paracetamol, pero cuidado no penséis como las protagonistas que ese medicamento tiene propiedades enteógenas. En esta trama de hormonas y calor además de muertes se nos agrega información importante sobre esta nueva leyenda del terror y por supuesto nos dejan con un caramelito para que la semana que viene sigamos nuestro viaje, esta vez a 1666. Me aventuro a decir que esa última entrega va a ser de paranoia, histeria, secretos y persecución al estilo el penúltimo episodio de ‘Them’ o ‘El bosque’. Lo que está claro es que será una historia de identidades locales y del nacimiento de una larga enemistad.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de julio de 2021. Título original: Fear Street – part 2: 1978. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Leigh Janiak. Guion: Zak Olkewicz, Leigh Janiak, Phil Graziadei. Música: Marco Beltrami, Brandon Roberts. Fotografía: Caleb Heymann. Reparto principal: Sadie Sink, Emily Rudd, Ryan Simpkins, McCabe Slye, Ted Sutherland, Jordana Spiro, Gilliam Jacobs, Kiana Madeira, Benjamin Flores Jr., Ashley Zukerman, Olivia Scott Welch, Chiara Aurelia, Jordyn DiNatale. Producción: Chernin Entertainment. Distribución: Netflix. Género: terror. Web oficial:ver en Netflix.
En 1994, unos adolescentes descubren que los aterradores sucesos que han hostigado su ciudad durante generaciones podrían estar conectados… y que ellos podrían ser las siguientes víctimas.
Crítica
Slasher adolescente ágil y claramente influenciado
Ya está, comienza la trilogía que tanta expectación ha levantado entre los usuarios de Netflix y que nos trae de vuelta a R. L. Stine a la pequeña pantalla. Una nueva adaptación de las novelas del escritor de novelas de terror juvenil que, por lo menos en su primera parte, no va a decepcionar.
‘La calle del terror – Parte 1: 1994’ nos transporta a una ciudad llamada Shadyside que parece estar maldita o gafada. Conserva una ancestral rivalidad con su pueblo vecino Sunnvale, al más puro estilo Springfield vs Shelbyville. Pero también arrastra algo desde hace cientos de años, una maldición. Esa maldición podría ser como la de ‘IT’ pues vuelve periódicamente y tenemos a unos jóvenes intentando eliminarla, pero el género del filme es más fiel a los esquemas del slasher.
A lo que más se parece ‘La callle del terror – Parte 1: 1994’ es a ‘Scream’. Un asesino encapuchado y enmascarado persigue a los protagonistas cuchillo en mano y además de la estética adoptada el filme replica varias escenas de la mítica saga creada por Wes Craven. No obstante la película nos monta una especie de Salem y los protagonistas de un modo similar al de ‘Historias de miedo para contar en la oscuridad’ van correteando por la ciudad intentando huir de la muerte y ansiando acabar con la maldición. Porque se estrena en Netflix, si no este sería un título perfecto para un cine de verano.
He dicho que se parece a Scream pero el filme también viene influenciado por otras míticas de terror como ‘El resplandor’, de la que coge su escena del hacha. Y, esto también se ve en los tráilers, la segunda entrega que se lanzará la semana siguiente al estreno de esta promete ser más cercana a ‘Viernes 13’. Lo que se agradece es que la mecánica cambia y tiene un punto diferente. Además con esto quiero advertir que esta película se aleja de las adaptaciones, tanto a televisión como a cine, de ‘Pesadillas’. Subimos un escalón en edad, tanto para los protagonistas como para los espectadores. Desde el principio ya nos marcan que esta cinta va a tener sangre, sexo y alegremente puedo decir que una pizca de gore.
También es muy tangible la marca de Netflix. Al igual que con ‘Stranger Things’, con la que seguro que se comprará, tenemos a un grupo muy joven enfrentándose a su manera al terror. La nostalgia nos trae sonidos de los noventa como Radiohead, The Prodigy o White Zombie que acompañan la buena banda sonora de Marco Beltrami, Anna Drubich y Marcus Trumpp. Y se ha incorporado un factor amoroso LGTBI+. No sé si esa parte romántica estaba en las novelas, pero me es indiferente pues es algo que queda bien en la película y al igual que la música se incorpora adecuadamente sin ensombrecer lo que de verdad importa, trama de terror. Esto es algo que no podemos decir de ‘Panic’ que es otro trabajo en el que estuvo el director y una de las protagonistas de ‘La calle del terror – Parte 1: 1994’, Olivia Welch.
Leigh Janiak ha dirigido las tres partes de ‘La calle del terror’. Espero que nos explique ciertas cosas que aún no han quedado claras y de no estar clarificadas podrían considerarse como un defecto de forma que se revela al principio del filme. La verdad es que con eso y con el metraje que se pasa volando me ha causado interés y ganas por ver cómo nos hará retroceder en la historia de Shadyside
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de julio de 2021. Título original: Fear Street. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Leigh Janiak. Guion: Phil Graziadei, Leigh Janiak. Música: Marco Beltrami, Anna Drubich, Marcus Trumpp. Fotografía: Caleb Heymann. Reparto principal: Kiana Madeira, Olivia Scott Welch, Benjamin Flores Jr., Julia Rehwald, Fred Hechinger, Ashley Zukerman, Darrel Britt-Gibson, Maya Hawke, Jordana Spiro, Jordyn DiNatale. Producción: Chernin Entertainment. Distribución: Netflix. Género: terror. Web oficial:ver en Netflix.
Tom Harper (Timothy Spall), un jubilado de 90 años cuya esposa acaba de fallecer, se embarca en una emocionante travesía. Dejará atrás el aislado pueblo en el que vive desde hace cincuenta años, situado en el punto más al norte de Gran Bretaña, para viajar hasta su ciudad natal, en el extremo más al sur del país, utilizando para ello su billete gratuito de autobús. El intrépido protagonista le plantará cara al tiempo, a la edad y al destino con tal de cumplir la promesa que le hizo a su esposa Mary (Phyllis Logan). Regresando a su pasado, Tom descubrirá el mundo moderno y una diversidad multicultural británica que hasta entonces desconocía. En el camino, sus aventuras serán registradas por las personas que conoce y ayuda, y al final de su viaje, sin saberlo, se habrá convertido en una ‘celebrity’ de las redes sociales.
Crítica
Un emotivo y tierno viaje de ida y vuelta
Reticente, condicionado por el cambio de título, me acerqué a ver ‘El inglés que cogió la maleta y se fue al fin del mundo’. Una película que en versión original se llama ‘The Last bus’ y que viene a querer decir que siempre hay una manera de emprender un último viaje.
Un título tan largo puede jugar en contra del boca a boca pero rompiendo ese sesgo que me había inculcado la estrategia de marketing adoptada por la distribuidora tengo que decir que me ha gustado mucho. ‘El inglés que cogió la maleta y se fue al fin del mundo’ es un road trip a son de un ritmo british y nonagenario lleno de ternura, especialmente en su tramo final.
La película comienza con una secuencia a lo ‘Up’ pero de un modo más sutil y escueto. En ella vemos como una pareja inicia una nueva vida en una nueva casa, intuimos que huyen de algo y nos dejan ver muy fugazmente que ella ha fallecido y él va a emprender un viaje en autobús. Lo que nos cuenta ‘El inglés que cogió la maleta y se fue al fin del mundo’ es un viaje de huida de la muerte y de los recuerdos. Y ese viaje sucede tanto en la ida como en la vuelta, de un modo que es mucho más bonito que lo descubráis en lugar de que os lo cuente. El filme nos lleva por una sucesión de paradas o estaciones que coinciden con reminiscencias del pasado bastante melancólicas.
Saltando, o más bien reptando, de un autobús a otro, Timothy Spall emprende un viaje que es tanto físico como metafórico. Un trayecto en el que vive y revive momentos, en el que se opone a curarse las heridas, un recorrido que es como la vida misma, cruzándose con la apatía o amparo de desconocidos. La actuación de Spall es una materialización del cansancio y la vejez, del empeño y la fidelidad, de la añoranza y la generosidad. Está magnífico.
Inspirado por la novela de Joe Ainsworth y con una banda sonora compuesta de temas de guitarra y alguna canción conocida, el director Gillies MacKinnon nos lleva de norte a sur del Reino Unido (de Thurso a Land’s End) haciendo algo de crítica social, mostrando la hipocresía delatada por lo viral y también que aún hay atisbos de bondad en el ser humano.
Spall parece usar esta película como catarsis a la enfermedad que él mismo ha superado. Esta es una historia de superación y de compromiso, me atrevo a decir además que no solo trata de un compromiso personal, sino también social. Contado todo así parece algo muy melodramático pero la película tiene breves momentos de humor, un humor gentil que hace que el filme se pase más rápido que un viaje en duermevela.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de junio de 2021. Título original: The last bus. Duración: 86 min. País: Reino Unido. Dirección: Gillies MacKinnon. Guion: Joe Ainsworth. Música: Nick Lloyd Webber. Fotografía: George Geddes. Reparto principal: Timothy Spall, Phyllis Logan. Producción: Hurricane Films, Head Gear Films, Metrol Technology, Kreo Films FZ. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama. Web oficial:http://www.celsiusentertainment.com/films/films/the-last-bus/
Un libro que nunca me leeré, una serie que me da pánico que continúe
A parte de la gracia del titular me gustaría decir que ‘Panic’ es una serie con la que no me gustaría volver a cruzarme, pero no porque la crea reprobable o censurable sino porque me ha aburrido soberanamente y si es por mi gusto no tendría una segunda temporada adaptando la obra de Lauren Oliver, la escritora del libro que además forma parte del equipo creativo de la serie. El público objetivo de esta historia es claramente un consumidor al que le gustan las historias denominadas de “público adolescente” o “juvenil” y si ahí encuentra su nicho estupendo, pero por mí una y no más.
La premisa de la serie que estrena Prime Video el 28 de mayo nos ofrece una especie de Battle Royale o Juego del Hambre arriesgado pero no obligatoriamente agresivo o mortal. En un pueblo estadounidense los jóvenes que rondan la graduación y acaban de empezar su verano juegan a un popular pero secreto juego, Panic. En ese juego los concursantes se enfrentan a pruebas que ponen a prueba su miedo y obviamente son muy arriesgadas. Para llegar a ellas reciben mensajes secretos, a espaldas de las autoridades. El que finalmente gana se lleva un gran premio que además este año es más cuantioso que nunca, lo que pone los dientes largos a la protagonista, que se encuentra en una situación desesperada.
Este concurso (y su cartel) con pruebas consistentes en pillerías de adolescentes llevadas a un nivel de riesgo alto pintaba bien. Pero acaba quedándose en un segundo plano ensombrecido por los cansinos amoríos en los que siempre se cae. Parece que es obligatorio que si hay una historia juvenil tenga que desembocar en tríos amorosos y eso acaba por hartar. Hay público adolescente (me incluyo cuando pasé por esa etapa) que busca este tipo de historias pero que demanda que no estén supeditadas siempre a asuntos románticos.
Hay tramas que se quedan olvidadas o personajes que solo sirven para dramas complementarios que también acaparan metraje y evitan que esta sea una serie con más acción y emoción. Entre prueba y prueba hay mucha paja. La protagonista es la típica adolescente con madre conflictiva y poca popularidad en el instituto. En su camino se topa con más problemas personales y personajes que tienen también sus secretos. Todo esto se concibe solo si pensamos que se pretende crear un misterio en torno a la identidad de los jueces de Panic, pero nada más, son trasfondos que sobre todo sirven a desarrollar los romances.
A veces parece que todos tienen secretos y eso le da un punto de interés a la historia, aunque resulta bastante inverosímil que la mayoría de los personajes tengan trapos sucios y eso es algo que suele cargarse muchas series. Es un fallo que también tenían series como ‘Under the dome’, no nos interesan los enredos de los ciudadanos de esta pequeña villa, nos interesa aquello que la hace digna de una serie, en este caso las pruebas con alta probabilidad de muerte. Sobre todo nos cansan cuando se juega a eso de “los que se pelean se desean”.
Para colmo el final roza lo ridículo (sí, he aguantado toda la serie). El desenlace del juego es pobre y vago, uniendo elementos de manera desesperada. Y para inri se atreven a introducir un cliffhanger que dudo que interese alguien, si acaso al lector de las novelas.
Por suerte esta historia de malotes y hormonas no llega a los niveles de la saga After. Al menos ‘Panic’ está bien interpretada. En ella encontramos gratos descubrimientos, como RayNicholson, hijo del famoso Jack Nicholson.
Al final de algunos episodios se da un consejo o indicación para personas que pueden tener en mente el suicidio, veo que al menos son conscientes de lo que puede provocar su serie.
Starzplay nos ha anunciado que Alice Englert (‘Beautiful Creatures’, ‘Ratched’) y NicholasDenton (‘Glitch’, ‘Pillars’) interpretarán a los históricos amantes Merteuil y Valmont en la nueva serie original de Starz ‘Dangerous Liaisons’.
‘Dangerous Liaisons’ es un audaz remake de los icónicos personajes de la clásica novela de Laclos del siglo XVIII, y cuenta la historia del origen de cómo la marquesa de Merteuil y el vizconde de Valmont se conocen como apasionados jóvenes amantes en París en vísperas de la revolución. Impulsados a enmendar los errores de su pasado, seguimos a la pareja mientras sale de los barrios marginales hasta las altas esferas de la aristocracia francesa, seduciendo y manipulando no sólo a la nobleza, sino también al otro, para sobrevivir.
Englert interpreta a Camille, una hermosa joven surgida de la nada con un misterioso pasado que busca vengarse de los ricos aristócratas que la llevaron a la ruina. Traicionada por su amante, Valmont, convierte la angustia en poder a medida que va elaborando estrategias para ganar estatus, poder y libertad.
Denton interpreta a su amante Pascal Valmont, impulsado a recuperar el título y el estatus que le robó su madrastra tras la muerte de su padre. Sin posición social ni dinero, debe seducir y chantajear para conseguir lo que quiere, aunque corra el riesgo de perder a la persona que más ama: Camille.
En el fondo, ‘Dangerous Liaisons‘ es la historia de una joven que maneja el amor, el sexo, la clase social y el poder para abrirse camino en un sistema opresivo e injusto que está al borde del colapso.
Leonora Lonsdale (‘The Pale Horse’, ‘Beast’) ha sido elegida para dirigir los cuatro primeros episodios de la temporada. La serie ha sido creada y escrita por Harriet Warner (‘Tell Me Your Secrets’, ‘Call the Midwife’), que también es productora ejecutiva. La serie está producida para Starz por Lionsgate Television y Playground.
La serie cuenta también con la producción ejecutiva de Colin Callender (‘Wolf Hall’, ‘Howards End’) de Playground, Tony Krantz (‘24’, ‘Blood & Oil’) para Flame Ventures, Bethan Jones (‘Les Misérables’, ‘Sherlock’), Scott Huff (‘The Spanish Princess’, ‘The Missing’) y Christopher Hampton (‘The Father’, ‘Atonement’). Coline Abert (‘Les Revenants’), James Dormer (‘Medici’) y Rita Kalnejais (Babyteeth) serán los guionistas la serie junto con Warner.
‘Dangerous Liaisons’ se emitirá en Starz en Estados Unidos y Canadá y en su plataforma internacional de streaming premium Starzplay a través de su presencia en Europa, América Latina y Japón.
Además de un repartazo que se ha juntado en Australia
El esperado drama ‘Nine Perfect Strangers’, protagonizado por Nicole Kidman y MelissaMcCarthy se estrenará en exclusiva en Amazon Prime Video en España. La serie basada en la novela de 2018 de la australiana Liane Moriarty está dirigida y producida por Jonathan Levine (‘50/50’, ‘Casi imposible’).
Ambientada en un exclusivo centro de salud y bienestar que promete la recuperación y transformación, nueve estresados urbanitas intentan emprender el camino hacia una forma de vida mejor. La directora del complejo, Masha (Kidman), los vigila durante los 10 días de retiro con la misión de revitalizar sus mentes y cuerpos agotados. Sin embargo, estos 9 desconocidos no tienen ni idea de lo que les espera.
Rodada en Australia, el reparto de la serie incluye a Nicole Kidman y Melissa McCarthy, en su primer proyecto juntas, además de Luke Evans, Tiffany Boone, Bobby Cannavale, MelvinGregg, Regina Hall, Manny Jacinto, Asher Keddie, Michael Shannon, Grace Van Patten y Samara Weaving.
‘Nine Perfect Strangers’ es una producción ejecutiva de Blossom Films de Nicole Kidman y Made Up Stories de Bruna Papandrea y David E Kelley, el equipo detrás de los éxitos internacionales de ‘Big Little Lies’ (ganadora de 8 premios Emmy y 4 Globos de Oro), y de la nominada al Globo de Oro, ‘The Undoing’, La serie de 8 episodios, dirigida y producida por Jonathan Levine y distribuida por Endeavor Content, estará disponible para los clientes de Prime Video a nivel mundial.
Nicole Kidman ha declarado: «Estoy muy orgullosa de lo que hemos conseguido este año, llevando el rodaje de ‘Nine Perfect Strangers’ a Australia durante la pandemia de la COVID-19. Colaborar con Melissa McCarthy, trabajar de nuevo con David Kelley, Liane Moriarty y mis compañeros productores, unir fuerzas con Hulu en Estados Unidos y ahora esto: un acuerdo de distribución global con mi estudio, Amazon. Las estrellas se han alineado y estoy encantada».
«¡Qué equipo de ensueño! Nicole, Bruna y David tienen un historial de producción de historias de primera clase, complejas y adictivas, con mujeres fuertes al frente. Estoy entusiasmada de que los clientes de Amazon Prime Video puedan ver esta nueva e increíble serie», dijo JenniferSalke, Head of Amazon Studios. «Estamos encantados de trabajar con Made Up Stories, Blossom Films y Endeavor Content para llevar ‘Nine Perfect Strangers’ a nuestros miembros Prime en todo el mundo; sé que les va a encantar».
Bruna Papandrea, productora ejecutiva de Made Up Stories, Per Saari, productor ejecutivo de Blossom Films, y David E. Kelley, productor ejecutivo, han añadido: «La narrativa de Liane Moriarty es tan atractiva como sorprendente, y estamos encantados de dar vida a estos eclécticos desconocidos de ‘Nine Perfect Strangers’. Tras el éxito del equipo que ha trabajado en ‘Big Little Lies’ y ‘The Undoing’, ‘Nine Perfect Strangers’ se ha convertido en una de las series más esperadas de este año, con una presentación posiblemente inigualable de grandes talentos tanto delante como detrás de las cámaras. No podemos esperar a que los clientes de Amazon se enamoren de la extraordinaria ‘Nine Perfect Strangers’».
«Me siento increíblemente afortunado de poder trabajar en una serie de este calibre y con un equipo tan fantástico», dijo Prentiss Fraser, EVP, International TV Sales, Endeavor Content. «Nine Perfect Strangers es una de las series más esperadas del año, con un talento incomparable tanto delante como detrás de las cámaras. Al equipo de Endeavor Content le encanta este libro, y la adaptación de la serie no decepcionará a los fans cuando se estrene este año. Es increíble seguir trabajando con Amazon, y estoy entusiasmado con el estreno de esta serie a nivel internacional.»
Nicole Kidman y Per Saari son los productores ejecutivos de Nine Perfect Strangers para Blossom Films, Bruna Papandrea, Jodi Matterson y Steve Hutensky para Made Up Stories, así como David E Kelley, Melissa McCarthy, John Henry Butterworth, Samantha Strauss, Jonathan Levine, Molly Allen y Liane Moriarty. La serie está co-escrita por David E Kelley y John Henry Butterworth, y dirigida por Jonathan Levine.
Cualquier atisbo de épica en este equipo de seres fantásticos es pura casualidad y nos encanta
Muchas son las ramificaciones o sagas ambientadas en el Mundodisco que creó TerryPratchett. ‘La Muerte’, ‘Revolución industrial’, ‘Los Magos’, ‘Las Brujas’… Nombres de series de novelas que pueden dar para infinidad de adaptaciones. La que finalmente ha sido escogida para transformarse en una serie es la que se llama ‘La Guardia’, una de las más icónicas, y el próximo 16 de abril podréis comenzar a verla en Movistar+, en Seriesmanía.
He de reconocer que tengo una gran asignatura pendiente, una troncal. Soy lector habitual y controlo la obra de Tolkien, Paolini, Salvatore, R.R. Martin, Rothfuss, Hickman y Weis… Vamos que me gusta la fantasía. Pero también soy un gran seguidor de la ciencia ficción, por eso he de confesar que el no haberme acercado aún a la obra de Pratchett se puede considerar un pecado. El autor mezcla géneros y tiene fama de “burlarse” de ellos de tal modo que su combinación de imaginación y humor engancha al lector. Tras su muerte nos dejó una extensa obra que estoy seguro que poco a poco irá alcanzando al público general, dejando de ser solo una obra de culto y siendo objeto de adaptaciones, realizadas ya sea por verdaderos seguidores del autor o simplemente por productoras escasas de ideas.
Si nos ceñimos a lo que es solamente la serie de ‘La Guardia’ hay que enmarcarla dentro del género policial y fantástico. Está en la línea de muchas series como ‘Bones’, ‘Castle’… Pero tengamos en cuenta que la novela (publicada en el 89) ya tenía este carácter humorístico mezclado con pesquisas detectivescas. Sinvergonzonería y sátira no le pude faltar a esta serie que en buena parte tenía que hacer parodia del género y que se lo lleva todo a toques más… punk. Seguro que os gusta u os suena el estilo de la serie si habéis visto otra adaptación de una de las obras de Pratchett pues esta no es la primera. ‘Good Omens’ es una de sus creaciones, no estaba ambientada en el Mundodisco, pero si cargada de su personalidad entremezclada con el talento de Neil Gaiman.
‘La Guardia’ nos cuenta como en una peligrosa ciudad, llamada Ankh-Morpork, reina el crimen organizado y ha quedado carente de sentido el cuerpo de policía, llamado La Guardia. El capitán de ese grupo de peculiares agentes es Sam Vimes, el cual está muy bien interpretado por RichardDormer, el carismático Beric Dondarrion de ‘Juego de Tronos’. En este mundo de enanos, goblins, dragones y alquimistas él es un humano que intenta ahogar en alcohol un pasado turbulento, que se respalda en un grupo formado por un chico criado por enanos, un troll, una mujer-lobo… Toda una camarilla digna de una partida de rol que pone en ridículo cualquier concepción de equipo épico tipo La Compañía del Anillo.
Aunque la comisaría tiene cierto parecido estructural con la de ‘Gotham’ e incluso su tono oscuro puede recordar a la serie de Bruno Heller, la dinámica de ‘La Guardia’ puede considerarse más similar a la de series como ‘Doom Patrol’. Tenemos unos personajes que no son del todo buenos, que tienen capacidades especiales que usan de manera un tanto autodestructiva o ridícula, que no son un ejemplo a seguir precisamente… Y aún así se les coge un cariño especial. Además no es raro que la serie nos deje rallados con algunas de las majaderías que se atreve a llevar a cabo.
Por lo que tengo entendido el tono y las sensaciones si son muy similares a las de las novelas, pero me consta que hay cambios con respecto al original que han levantado las suspicacias de Rhianna Pratchett y de Neil Gaiman, hija y amigo del autor. En esto de las adaptaciones ya sobra decir que hay cambios de sexo en personajes, que algunos roles se han entrecruzado o que incluso ni se parece el vestuario. No sé si esto altera en exceso el espíritu original de los libros, quizá no tanto como para perder el título de “adaptación”. Diría que le falta incrementar su complejidad, pero al margen de eso como serie ‘La Guardia’ funciona fantásticamente. Y desde mi desconocimiento de estas novelas pero si desde mi admiración a ‘The Sandman’ pregunto, ¿los góticos que aparecen en esta serie podrían ser un guiño Muerte y Sueño de Gaiman?
Aunque en esta serie desarrollada por la BBC está presente la famosa Muerte de las novelas de Mundodisco y parece que será un personaje recurrente, me da la impresión de que ‘La Guardia’ es un estupendo entretenimiento para quien busque una nueva e imaginativa serie, pero una fuente de enojos para los lectores más acérrimos. Si sigue esta línea y la audiencia la respalda seguro que vamos a disfrutar mucho tiempo de esta producción. E incluso agradeceremos que adapten otros arcos argumentales que se crucen y nos lleven por los confines del Mundodisco a lomos de la tortuga y los elefantes.
La primera temporada de ‘Panic’, la nueva serie juvenil de la creadora, productora ejecutiva y escritora Lauren Oliver, se estrenará el próximo viernes 28 de mayo en exclusiva en Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo.
‘Panic’ es una serie de Amazon Studios creada y escrita por Lauren Oliver, quien también comparte la producción ejecutiva junto a Joe Rot, Jeff Kirschenbaum y Adam Schroeder. Linley Bird y Alyssa Altman son co-productoras ejecutivas de la serie.
El reparto de la serie lo integran Olivia Welch (‘Modern Family’) como Heather Nill, Mike Faist (‘I can I will I did’) como Dodge Mason, Jessica Sula (‘Múltiple’) como Natalie Williams, Camron Jones (‘The Purgue’) como Bishop Mason, Ray Nicholson (‘Una joven prometedora’) como Ray Hall y Enrique Murciano (‘The blacklist’) como el Sheriff Cortez.
Sinopsis oficial:
Panic es la nueva serie de drama de Amazon Prime Video basada en el best-seller homónimo de Lauren Oliver, que a su vez firma como creadora y guionista de la serie. Cada verano en un pequeño pueblo de Texas, los estudiantes de último año compiten en una serie de desafíos en los que el ganador se lo lleva todo, creyendo que ésta es su única oportunidad para escapar de su entorno y mejorar así sus vidas. Pero este año, las reglas han cambiado: el bote de dinero es más grande que nunca y el juego se ha vuelto aún más peligroso. Los jugadores se enfrentarán a sus miedos más profundos y oscuros y se verán obligados a decidir cuánto están dispuestos a arriesgar para ganar.
Basada en el libro ‘Catalina de Médicis: Reina renacentista de Francia’
Starz ha comunicado hoy que ha dado el visto bueno para llevar a cabo la serie ‘The Serpent Queen’. Una versión televisiva que narrará la leyenda negra de Catalina de Medici de la mano del guionista Justin Haythe (‘Revolutionary Road’, ‘Gorrión Rojo’) quien también hará las veces de productor ejecutivo.
‘The Serpent Queen’ estará basada en el libro ‘Catalina de Médicis: Reina renacentista de Francia’ que fue escrito por Leonie Frieda. Para materializar la serie se contará con la producción ejecutiva de Francis Lawrence (‘Los Juegos del Hambre’) y Erwin Stoff (‘Matrix’). Stacie Passon (‘Transparent’) será quien dirija varios episodios incluyendo el primero. La serie de 8 episodios está producida para Starz por Lionsgate Television y 3 Arts Entertainment.
‘The Serpent Queen’ se emitirá en STARZ en EEUU y Canadá y en su plataforma internacional de streaming Starzplay en Europa, Latinoamérica y Japón.
“‘’The Serpent Queen’ puede ser el relato más inteligente que haya contado Starz sobre una de las mujeres más influyentes que jamás haya llevado una corona”, ha dicho Christina Davis, President of Original Programming for Starz. “Estamos encantados de poder trabajar con un equipo con un talento increíble que dará a esta serie una visión moderna además de contar con un telón de fondo histórico sensacional”.
Considerada como una inmigrante, sencilla y vulgar, Catalina de Médicis es desposada en el S. XVI, en la corte francesa, como una adolescente huérfana de la que se espera que traiga una fortuna en dote y dé a luz muchos herederos, para descubrir que su marido está enamorado de una mujer mayor, su dote no se paga y ella es incapaz de concebir. Sin embargo, contando solamente con su inteligencia y determinación conseguirá mantener vivo su matrimonio y dominará mejor que nadie el deporte de la sangre en que consiste la monarquía gobernando Francia durante 50 años.
Basada en miles cartas privadas, ‘Catalina de Médicis: Reina renacentista de Francia’, ha sido un superventas a ambos lados del Atlántico y ha sido traducido a ocho lenguas.
“Escribir la historia de Catalina ha sido realmente realmente emocionante ya que es un personaje relevante muy complejo que se convirtió en una hábil gobernante que se enfrentó a extraordinarias dificultades políticas y personales durante su reinado” ha dicho Haythe. “Es una reina que desafía las convenciones confiando en su intelecto. Su inusual séquito y un abundante suministro de magia negra inspirarán, siglos después, la Reina Malvada de los cuentos de hadas’”
Desde guiones a historias cortas o novelas, Justin Haythe ha escrito obras sobresalientes que le han proporcionado elogios y reconocimientos tanto en el cine como en la literatura. Aquellos aficionados al cine le conocen mejor por su nominación a los premios BAFTA por el drama romántico ‘Revolutionary Road’, mientras que en el mundo de la literatura es bien conocido por su debut con la novela ‘The Honeymoon’, que fue nominada en 2004 al premio Man Booker. También ha sido el guionista del drama policíaco ‘Snitch’, la película de acción del oeste ‘El Llanero Solitario’, del thriller de espionaje ‘Gorrion Rojo’ y del drama biográfico ‘Bohemian Rhapsody’.
Haythe está representada por Creative Artists Agency (CAA) y 3 Arts Entertainment.
Stacie Passon es una directora americana, escritora y productora que recientemente ha estado en la producción ejecutiva y dirección de todos los episodios de la miniserie ‘Little Birds’ basada en los cuentos de Anaïs Nin para ITV/SKY en Gran Bretaña. Su película debutante ‘Concussion’ fue premiada en el Festival de Cine de Sundance además de ganar posteriormente el Teddy Award del jurado como una sorprendente película sobre temática LGTBI en el Festival Internacional de Cine de Berlin. Passon ha recibido también un Premio Spirit de Cine Independiente a la Mejor Opera Prima. Su segundo largometraje, ‘We Have Always Lived In the Castle’, es una adaptación de la aclamada novela de Shirley Jackson.
Passon está representada por Circle of Confusion, UTA y Granderson Des Rochers, LLP.
Kathryn Tyus-Adair, Senior Vice President of Original Programming, es la ejecutiva que supervisa ‘The Serpent Queen’ por Starz mientras que Courtney Mock supervisa la serie en nombre de Lionsgate.
La popular novela gráfica de la norteamericana Sara Varon, ‘Robot Dreams’ cuenta las aventuras y desventuras de “Dog” y “Robot” en el Nueva York de los años 80. Esta historia de amistad supone la primera incursión en la animación de su director, Pablo Berger.
Tras la multipremiada nacional e internacionalmente, ‘Blancanieves’ (2012), Pablo Berger estrenó ‘Abracadabra’ (2017) con la que obtuvo 8 nominaciones a los Premios Goya, fue vista por más de 300.000 espectadores y fue pre-seleccionada para representar a nuestro país en los Oscars. Hoy, con ‘Robot Dreams’, Pablo Berger, de nuevo de la mano de Arcadia MotionPictures, irrumpe en el mundo de la animación con el director de arte José Luis Agreda (‘Buñuel y el laberinto de las tortugas’), el montador Fernando Franco (‘Blancanieves’), la directora de animación Elena Pomares (‘Morning Cowboy’), el compositor Alfonso de Vilallonga (‘Blancanieves’), el director de producción Julián Larrauri ( ‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’) y la diseñadora de sonido Fabiola Ordoyo (‘Abracadabra’).
“Muchas de mis películas favoritas son de animación. Desde ‘Fantasía’ de Disney, ‘Mi vecino Totoro’ de Ghibli, ‘Wall-E’ de Pixar o el cine reciente de animación europea como ‘Persépolis’, ‘La vida de calabacín’ o ‘I lost my body’. Con esta película quiero explorar las infinitas posibilidades narrativas de este medio’ explica Pablo Berger.
Con un presupuesto de más de 5.000.000€, ‘Robot Dreams’ será otra vuelta de tuerca en la filmografía de su director. Una experiencia sensorial y una carta de amor al Nueva York que adoptó a Pablo Berger en su juventud.
Una fábula escrita en imágenes que atrapará al niño que todos llevamos dentro.
‘Robot Dreams’ es una producción de Arcadia Motion Pictures, Y.H.L.P. AIE en coproducción con Noodles Production y Les Films du Worso (Francia), con la participación de RTVE y Movistar+, con el apoyo del ICEC-Generalitat de Catalunya, el Gobierno Vasco, el CNC – Avance sur recettes y el programa Europe Creative – MEDIA. La producción se desarrollará entre estudios de Pamplona y Madrid. Bteam Pictures tiene previsto su estreno en el 2023.
HBO España nos ha notificado que ‘The flight attendant’, la serie de HBO MAX llegará a su catálogo el 27 26 de noviembre con tres episodios. Seguidamente se lanzarán episodios de dos en dos el 4 y el 11 de diciembre para culminar con el último el 18 de diciembre. Un total de ocho capítulos protagonizados por Kaley Cuoco (‘The Big Bang Theory’).
Junto a Cuoco aparecen Michiel Huisman, Rosie Perez, Zosia Mamet, Michelle Gomez, T.R. Knight, Colin Woodell, Merle Dandridge, Griffin Matthews y Nolan Gerard Funk.
‘The flight attendant’ es una historia de cómo una vida entera puede cambiar en una noche. Una asistente de vuelo (Cuoco) se despierta en el hotel equivocado, en la cama equivocada, con un hombre muerto, y sin idea de lo que sucedió. Este thriller de comedia negra se basa en la novela del mismo nombre del autor Chris Bohjalian.
La serie está producida por Warner Horizon Scripted Television, Berlanti Productions y Yes, Norman Productions. Greg Berlanti, Kaley Cuoco, Steve Yockey, Marcie Ulin, Meredith Lavender y Sarah Schechter son los productores ejecutivos, y Suzanne McCormack es la coproductora ejecutiva. Susanna Fogel dirige y produce los dos primeros episodios.
El actor ganador del Premio de la Academia® Roberto Benigni interpreta a Geppetto, un viejo carpintero que crea una marioneta de madera. Pero sucede algo mágico: la traviesa marioneta empieza a hablar, a andar, a correr y a comer como cualquier niño. Geppetto le pone el nombre de Pinocho y lo cría como a un hijo.
Pero a Pinocho le resulta difícil ser bueno. Se deja llevar fácilmente por el mal camino y va de desgracia en desgracia. Unos bandidos lo persiguen, lo engañan y lo secuestran en un mundo de fantasía repleto de criaturas fantásticas, desde el vientre de un pez gigante hasta el País de los Juguetes y el Campo de los Milagros. Su fiel amiga, el Hada, intenta hacerle ver que su sueño, convertirse en un niño de verdad, no se hará realidad hasta que Pinocho no cambie su forma de ser.
Crítica
Más ceñida al cuento, menos amoldada a la actualidad
El cuento de Carlo Collodi suma otra adaptación a película (sabemos que faltan por llegar más), en esta ocasión dirigida y escrita por Matteo Garrone (‘Gomorra’). El nombre más destacado del filme es Roberto Benigni quien ya realizó en 2002 una malograda película también live action en la que él mismo era Pinocho ataviado de tal manera que se parecía más a Pagliacci y a algunas pinturas antiguas. Ahora se ha metido en la piel de Geppetto y la verdad es que cuándo él está la película es algo entretenida, con una pizca de picardía y humor dentro de la miseria con la que se le ha esbozado.
Pero ‘Pinocho’ es una película cuya estructura es extraña y no tiene una narrativa que entretenga. No se recrea en ningún momento en concreto, va rápido por todos los estadios del cuento incluso siendo algo atropellada. Pero con todo y con eso termina siendo aburrida. Quizá es porque no es persistente en ninguna de las etapas y no llega a profundizar demasiado quedándose en lo superficial. Quizá también es culpa de esto una monótona banda sonora que ha realizado el ganador del Oscar Dario Marianelli.
También puede que sea culpa de esa falta de gancho el que hayamos visto tropecientas veces adaptado este cuento y como adulto ya sepas cuál es la siguiente escena o con qué moraleja va a acabar todo. Porque la película conserva una trama en la que a través del aprendizaje, el escarmiento, los consejos o la crueldad la marioneta progresa y alcanza su meta. Pero aun así para los que se acerquen a la figura de Pinocho por primera vez creo que tampoco va a resultar muy útil. Este ‘Pinocho’ se ciñe tanto al relato original que aparte de heredar una estética anticuada utiliza unos argumentos que están desfasados para hoy en día. A los niños actuales las escapaditas y engaños de la película les van a resultar minucias.
Y el mayor problema de la película no son sus personajes excesivamente parlanchines ni su esquema, es el cómo entra por los ojos. Pensaba que iba a ser peor la estética de Pinocho y que iba a necesitar un remodelado a lo Sonic. Pero realmente el niño de madera no está tan mal realizado y Federico Ielapi le interpreta bien. Es aún peor todo el elenco de personajes antropomórficos que va apareciendo. Que si bien hay un buen trabajo por parte del equipo de prostéticos el aspecto elegido es poco agradable y estrambótico. Pepito Grillo por ejemplo podría encajar mejor en las oficinas de los Men In Black. Y la ballena (aquí llamada tiburón) parece sacada de un retablo medieval. Todo esto es debido a que han buscado un parecido con las ilustraciones originales, estoy seguro de que el dibujante Enrico Mazzanti lo habría tomado como un bello homenaje. Tanto escenas como personajes están casi calcados, pero la traslación para pantallas de 2020 no da un resultado ágil.
El ambiente no llega a ser de cuento, se aproxima a algo más naturalista, a pesar de todas las criaturas fantasiosas que acompañan a Pinocho en sus pillerías. No se percibe magia, tampoco se muestra ni se llega a explicar. Queda patente que quien ha realizado ‘Pinocho’ es alguien tan crudo como Matteo Garrone. Pero quizá ha perdido la brújula, es decir, el resultado final pese a su moraleja no es para niños con todo el ambiente estrafalario que emana y dejando sensaciones muy contradictorias.
Aunque en esta ocasión se han ceñido mucho más al cuento (veréis que no se centra tanto en la nariz o en el anhelo de ser niño) no han conseguido encauzar una película que se amolde más al público actual. Funciona solo en sus primeros y en sus últimos minutos. En otro intento será.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de septiembre de 2020. Título original: Pinocchio. Duración: 125 min. País: Italia, Francia, Reino Unido. Dirección: Matteo Garrone. Guion: Matteo Garrone, Massimo Ceccherini. Música: Darío Marinelli. Fotografía: Nicolai Brël. Reparto principal: Federico Ielapi, Roberto Benigni, Rocco Papaleo, Massimo Ceccherini, Marine Vacth, Gigi Proietti, Davide Marotta, Massimiliano Gallo, Paolo Graziosi, Gianfranco Gallo. Producción: Archimede, Rai Cinema, le Pacte, Recorded Picture Company, Leone Film Group, Bper Banca, Mibact – Direzione Generale Cinema e Audiovisivo, Eurimages, Regione Lazio. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: toda la familia, fantasía. Web oficial:https://www.hanwayfilms.com/pinocchio
Las doce novelas de Anthony Horowitz son la base para la serie que estrena Movistar+ el próximo 17 de septiembre, ‘Alex Rider’. Hemos visto tres episodios y el primer día de su emisión podréis disfrutar de las dos primeras entregas. Una ficción en la que el autor ha trabajado como guionista y que desconozco si es fiel a sus páginas, pero si que tiene gancho para pasar de un episodio a otro.
Es un título que puede rememorar a las obras de Tom Clancy o a sagas como Bourne en las que el protagonista de repente se ve sumergido en tramas de espionaje y agentes secretos. De hecho las novelas salieron antes que Bourne. Es como un James Bond en ciernes, de hecho, el opening recuerda mucho a la saga de 007. En esta ocasión tenemos al chico especial de instituto cuyo destino le reserva algo más allá de conquistar a la chica que le gusta. Está claro que el personaje vale más que su imagen de listillo y descarado y eso le vale tener que enfrentarse a toda una sucesión de situaciones tensas, interrogatorios y secretos.
Esta nueva adaptación viene a superar la película ‘Alex Rider: Operación Stormbraker’ de Geoffrey Sax que contaba con un reparto enorme en el que figuraban Bill Nighy, Mickey Rourke, Ewan McGregor, Stephen Fry, Andy Serkis… Un filme nada convincente que rozaba el ‘Spy Kids’ y que no gustó a muchos a pesar de estar dirigido un público familiar. Ahora con una tarma más madura y con más tiempo para desarrollar la evolución del protagonista se puede disfrutar mejor.
La trama gira en torno al secreto que hay tras las palabras “point blanc” y a como este adolescente ha de dejar su vida cotidiana atrás para conseguir a cambio las respuestas que busca. Alex Rider está bien interpretado por Otto Farrant (‘La reina blanca’, ‘Guerra y paz’), quien tiene el visto bueno del autor. El joven actor le ha cogido bien el pulso a un personaje que si bien podría tener algo más de carácter dramático va mutando, entrando en sintonía con un nuevo elemento.
Es un joven protagonista, pero está acompañado de caras conocidas que le dan mejor empaque a la serie. Stephen Dillane (Stannis en ‘Juego de Tronos’) y no es el único de la serie de HBO que figura en el reparto, también está BrenockO’Connor (quien hizo de Olly). Figuran además entre los personajes secundarios Ronke Adekoluego (‘Doctor Who’), Vicky McClure (‘Broadchurch’), Andrew Buchan (‘Broadchurch’) y Thomas Levin (‘Borgen’).
Guy Burt (‘The Hole’, ‘Los Borgia’) es quien ha desarrollado esta serie de ocho episodios largos. Debe reconocer que tiene un exceso de trajes oscuros. El único personaje que no viste de negro o pardo no se quita el gorro de lana ni para dormir. Además el protagonista se hace un Clark Kent cuando con solo cambiarse de ropa y ligerísimamente de peinado pretende ser otro. Pequeños detalles que no hacen perder interés a esta trama con un toque juvenil.
Herschel Greenbaum es un trabajador con dificultades que emigra a Estados Unidos en 1920 con el sueño de construir una vida mejor para su adorada familia. Un día, mientras trabajaba en su trabajo en la fábrica, cae en un tanque de pepinillos encurtidos y queda en salmuera durante 100 años. La salmuera lo conserva perfectamente y cuando emerge en el Brooklyn actual, descubre que no ha envejecido ni un día. Pero cuando busca a su familia, le preocupa saber que su único pariente sobreviviente es su bisnieto, Ben Greenbaum (también interpretado por Rogen), un programador informático de buenas maneras que Herschel ni siquiera alcanza a entender.
Crítica
Una especie de live action de Futurama sazonado con pepinillos
Un hombre viaja a Estados Unidos en busca de nuevas oportunidades y lo que consigue es caerse en un tanque de pepinillos en salmuera quedándose allí encerrado un siglo. Se pierde toda una vida y tiene ante si un mundo por descubrir y en el que aplicar sus antiguas costumbres.
Aunque el argumento de ‘Encurtido en el tiempo’ pueda recordar a ‘El hombre de California’, esa película en la que un cavernícola interpretado por Brendan Fraser emerge del jardín de dos estudiantes que le despiertan de su letargo tras haber permanecido congelado durante miles de años, esta película tiene un tono diferente que se aleja de lo ridículo, aunque indudablemente sigue derroteros cómicos.
Seth Rogen por partida doble. Atina a ser más gracioso cuando está él solo como hombre de principios del siglo XX, es decir, en la primera parte de la película y en determinadas escenas posteriores. No obstante consigue que esta sea una película entrañable. Las primeras secuencias están en 4:3 y parece que estamos en un ‘Violinista sobre el tejado’ gafado y a color. Rogen trabaja bastante el acento y la situaciones cómicas que le rodean. Tras una transición muy a lo ‘Futurama’ llegamos a la actualidad y al personaje le pasa precisamente como a Fry, que se encuentra desbordado por lo que ve. Por supuesto hay chistes remarcando las grandes diferencias sociales y tecnológicas que se dan con respecto a cien años atrás. Estamos en una era en la que la ciencia y las relaciones humanas cambian a un ritmo vertiginoso. Por lo menos se puede apoyar en su bisnieto, que le acoge, igual que pasa en Futurama.
Aunque los parecidos con otras películas estén ahí no me parece nada mal. Si fuese así también pensaría lo mismo de películas sobre Papá Noel o sobre las invasiones extraterrestres. Siempre está bien revisionar ideas. Igual me pasa con los papeles de Rogen, que no suelen desviarse mucho de lo mismo. Cuando actúa siempre me deja la sensación de que hace de él mismo y aún así por lo general me hace gracia o consigue esbozar a sus personajes. Esta vez lo hace simultáneamente caracterizándose como dos personas distintas, cual Adam Sandler en ‘Jack y su gemela’ o Mike Myers en ‘Austin Powers’.
El director de ‘Encurtido en el tiempo’ es Brandon Trost y ha hecho con este su primer largometraje como capitán del barco. En otras muchísimas ocasiones su rol ha sido el de encargarse de la fotografía, como hizo en ‘The disaster artist’ o en otras muchas películas en las que trabaja Seth Rogen. Se nota que esta es una película entre amigos pues se dan de vez en cuando a las gamberradas habituales, aunque hay que remarcar que esta constituye la primera producción de Rogen que no se califica de tipo R.
Pero no quiero que penséis que esta es una película desatada tipo ‘La fiesta de las salchichas’ o ‘Juerga hasta el fin’. Es de esos títulos donde Rogen se contiene y busca llevar a cabo un papel con pinceladas serias. Además el autor del guión es Simon Rich el artífice de la novela en la que se inspira, ‘Sell out’. Seguramente a través de él se ha conseguido buena parte de la comedia pero también de la sensibilidad que puede llegar a tener ‘Encurtido en el tiempo’, no olvidemos que Rich ha trabajado en títulos como ‘Del revés’ o ‘Miracle workers’, obras que mezclan bastante humor y desgracia. De hecho llega a esos puntos moñas que suele tener Rich y junto con la partitura de Giacchino consigue algún que otro momento sentimental.
Sobre todo hay que considerar que tanto Rogen como Rich han pasado por Saturday Night Live y como era de esperar tenemos humor sarcástico y crítico. Hay dos cosas que se miran de cerca en ‘Encurtido en el tiempo’, el cliché que se tiene de los judíos (no olvidemos que Rogen profesa esa religión) y el mundo de las startups. Y por supuesto el modo en cómo las masas o los “profesionales” del siglo XXI se portan de manera estúpida. Un poco más de acidez no le habría venido mal a la película, se ha centrado más en ser cómicamente tierna o tontorrona.
Vivimos una época en la que nos están metiendo pepinillos por todas partes, por hacer un chiste a lo Rogen. Que si el perro Mr. Pickles, el héroe de acción Pickle Rick, el presentador encarnado por Jim Carrey… Subliminal o no, picando en la ironía de seguir lo que es tendencia o nos venden en las pantallas… voy a cerrar esta crítica comiéndome unos pepinillos.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: An American Pickle. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Brandon Trost. Guion: Simon Rich. Música: Michael Giacchino, Nami Melumad. Fotografía: John Guleserian. Reparto principal: Seth Rogen, Sarah Snook, Molly Evensen, Eliot Glazer, Kalen Allen, Kevin O’Rourke, Jorma Taccome. Producción: Point Grey Pictures, Gravitational Productions, Sony Pictures Entertainment, Warner Bros. Pictures, Warner Max. Distribución: HBO España. Género: comedia. Web oficial:HBO España.
Mary Lennox tiene 9 años y vive con sus padres en la India donde su padre trabaja para el gobierno inglés. Cuando los padres mueren a causa del cólera, Mary es enviada a vivir a una inmensa mansión con su malhumorado y solitario tío (Colin Firth) y su estricta ama de llaves (Julie Walters). Allí la niña se encontrará sola en una mansión con más de cien puertas (la mayoría cerradas) y un jardín amurallado donde con la ayuda de la fantasía y en compañía de su enfermizo primo y un joven del pueblo, emprenderán una maravillosa aventura.
Crítica
A la vista es correcta, pero cuando te acercas a husmear no desprende aroma
La actriz Julie Walters, el director Marc Munden y el guionista Jack Thorne ya coincidieron en ‘National Treasure’ pero ni esta es una película del mismo corte ni Walters es la protagonista. En ‘El jardín secreto’ ella es algo así como el ama de llaves de la casa en la que reside ColinFirth y a la que es destinada su sobrina interpretada Dixie Egerickx.
De nuevo vuelve a interpretarse la novela de Frances Hodgson Burnett, ‘El jardín secreto’, que ha tenido hasta películas animadas. Por mucho que contemos esta vez con Walters y de nuevo con Firth (ya hizo de Colin en la adaptación de 1987) realmente la niña y otros personajes son los protagonistas. El peso recae en Egerickx cuyo personaje se mueve por un terreno poco afable para intentar dar rienda suelta a sus juegos e imaginaciones.
En el marco de la guerra indo-pakistaní los padres de Mary (Egerickx) desaparecen. Ella es devuelta a Inglaterra donde tiene que alojarse en una casa rodeada de un feo páramo y entre paredes que crepitan y transportan el sonido de llantos. Allí ha de intentar ser feliz, en el lugar donde entre la melancolía y lo mustio encuentra el color.
Esta es una película cuyo punto de partida o mecánica puede recordar a ‘El laberinto del fauno’ o a ‘La casa del reloj en la pared’. Pero ni es tan intensa como la primera ni tan mágica como la segunda. Munden ha hecho la que probablemente es su película más infantil y también la más metafórica. Todo el filme es un relato que busca relacionar la tristeza con la enfermedad y la alegría con la vida. La capacidad de curar aquí va de la mano a la capacidad de creer y de querer sobreponerse a la tragedia.
Al margen lo que buenamente quiere transmitir es un relato bastante insípido, sobre todo porque no tiene una moraleja elaborada ni trabaja lo más mínimo la emoción. Si nos adentra en un contraste de lugares que nos lleva a un despliegue de color a través de un vergel, pero no consigue que empaticemos con unos personajes que de entrada son bastante apáticos. La protagonista sin ir más lejos tiene un carácter extremadamente repelente que evoluciona poco o nada.
‘El jardín secreto’ es una película fantasiosa que para mi se aleja del término fantástico. Si hubiese conseguido materializar un ambiente aún más de cuento y exprimido el potencial de sus actores seguramente estaríamos hablando de una película capaz de tocar la fibra.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: The secret garden. Duración: 99 min. País: Reino Unido. Dirección: Marc Munden. Guion: Jack Thorne. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Lol Crawley. Reparto principal: Colin Firth, Julie Walters, Dixie Egerickx, Edan Hayhurst, Maeve Dermody, Isis Davis, Amir Wilson. Producción: STX Films, StudioCanal, Heyday Films, Fundamental Films, Canal+, Ciné+. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, fantasía. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/el_jardin_secreto
Diamond Films acaba de anunciar que la segunda parte de ‘After. Aquí empieza todo’ llamada ‘After. En mil pedazos’, llegará a los cines de España el próximo 4 de septiembre. La adaptación de la saga de Anna Todd continuará con su andadura cinematográfica y contará con Josephine Langford (Tessa) y Hero Fiennes (Hardin) como protagonistas.
De momento podemos leer la sinopsis oficial de esta película en cuyo guión está involucrada la escritora original y ver el primer póster de la película.
Sinopsis oficial.
Hardin (Hero Finnes Tiffin) siempre será … Hardin. Pero ¿es realmente el chico profundo y reflexivo del que Tessa (Josephine Langford) se enamoró locamente, o ha sido un extraño todo el tiempo? Ella quiere alejarse, pero no es tan fácil. Tessa se ha centrado en sus estudios y comienza a trabajar como becaria en Vance Publishing. Allí conoce a Trevor (Dylan Sprouse), un nuevo y atractivo compañero de trabajo que es exactamente el tipo de persona con la que debería estar. Hardin sabe que cometió un error, posiblemente el más grande de su vida y quiere corregir sus errores y vencer a sus demonios. No va a perder a Tessa sin pelear. Pero ¿puede el amor vencerlo todo?
Un grupo secreto y muy unido de mercenarios con una misteriosa capacidad que les impide morir lleva siglos luchando por proteger el mundo de los mortales a las órdenes de una guerrera llamada Andy (Charlize Theron). Pero cuando contratan al equipo para desempeñar una misión de emergencia y sus extraordinarias habilidades salen a la luz, Andy y Nile (Kiki Layne) —la recluta más reciente— deberán ayudar al grupo a erradicar la amenaza de quienes pretenden replicar y rentabilizar su poder a cualquier precio.
Crítica
Deja entrever mejor sus misterios pero tiene menos acción que el cómic
‘La vieja guardia’ es la nueva propuesta de Netflix que al igual que muchas otras sale de un cómic, en este caso de una colección de cinco números editada por Image Comics (Norma Editorial en España). Una obra de Greg Rucka, LeandoFernández y DanielaMiwa (reseña aquí) que el propio Rucka se ha encargado de adaptar al formato cinematográfico y que ha dirigido la directora Gina Prince-Bythewood (‘La vida secreta de las abejas’).
Conoceréis en ‘La vieja guardia’ a unos inmortales que pueden llegar a morir, aunque no saben como ni por qué les llega su hora. Sobreviven hasta a destrozos en su cabeza (por lo menos en los cómics) y se regeneran a lo Lobezno. Son personas nacidas en la antigüedad clásica, en la Edad Media o en el siglo XIX que están conectadas entre si y que se dedican a ser soldados de fortuna al servicio de causas que consideran justas. Tras cientos de años siendo un grupo de cuatro encuentran un nuevo miembro para su equipo. En este descubrimiento de nuevos héroes la película hace bien su introducción con dos secuencias que dejan claro de que va el tema.
Rucka ha sabido trasladar los tiempos del cómic a la pantalla y ha condensado todo en dos horas de filme. Para ello ha metido la tijera en parte de su guión original y ha puesto cosas nuevas. Así está claro que todo se centra más en el presente de los personajes y que se consigue adelantar en la historia hasta tal punto que podemos intuir ya la segunda entrega, si hay suerte y la llegamos a tener.
Se ha conservado ese poco aprecio que tienen estos mercenarios por sentir dolor o por ser masacrados. Eso le da un punto de humor negro que hemos visto como se ha explotado en otras películas, pero sin llegar a extremos tipo ‘Deadpool’, de un modo más dramático. También se ha conservado la relación entre los personajes y el carácter impasible y casi destructivo de su jefa, interpretada muy bien por Charlize Theron.
Ya hemos visto en otras ficciones (obviamente no hay un “basado en hechos reales” sobre este tema) cómo personajes incapaces de morir aprovechaban o sufrían su condición. En este caso los miembros de ‘La vieja guardia’ sacan partido a su capacidad de revivir para resolver misiones arriesgadas o lidiar batallas en distintos bandos a lo largo de la historia. Pero su capacidad de revivir es finita, aunque esta termina de manera desconocida y en un momento indeterminado. Respecto a esto en el cómic se desarrolla un discurso de drama y hastío. En la película se ha intentado introducir un factor suspense y peligro que hace que temamos más por la seguridad de determinados personajes. No está mal esa modificación que se suma a lo que sucede también en las viñetas, corren el riesgo de salir de la protección que da el anonimato.
De nuevo Theron está en una película en la que no puede morir, protege su identidad a toda costa y pertenece a una clase antiquísima de personas que es única en el mundo. Eso sucedía también en ‘Hancock’ pero aquí su personaje tiene una personalidad algo diferente y no está rodeada de humor sinvergüenza, aunque si de bastante tragedia. Ganamos con ‘La vieja guardia’ otro gran personaje femenino de acción.
‘La vieja guardia’ es disfrutable por ver como mueren los protagonistas una y otra vez y es aún más divertido contemplar a Charlize Theron liarse a hachazos, con un arma clavada a la de las viñetas. Pero falta algo más de acción del tipo a la que vemos en el último acto, tanto por la concepción del cómic como por el ritmo de la película demanda más escabechinas. Tiene tiroteos y peleas pero en el cómic son aún más explícitas. En la obra escrita hay más escenas en la antigüedad y con ellas vemos más muertes. Pero no solo están bien esas escenas en el pasado de los personajes por ver miembros y sangre por aquí y por allá, sino porque conocemos como descubrieron su inmortalidad y ahondamos en su personalidad. También es un trasfondo que le da cierta poesía a la historia. Aunque hay algún dialogo que va en esa línea (como el que tiene Marwan Kenzari dentro de un furgón) ese lirismo le falta al filme.
Peca de algo que padecen muchas películas, un buen villano. En este caso el objetivo del enemigo es el mismo que el de los cómics. Pero lo que le falta al personaje de Harry Melling (el primo de Harry Potter) es estar un poco más loco o ser más amenazante, porque no impone. Tenemos esa imagen suya de “capuyo” tras toda la saga de ‘Harry Potter’ pero aquí no funciona muy bien.
Rucka en esta ocasión ha sido más conciso y menos implícito en las causas y razones de sus héroes sobrenaturales. Podemos intuir o imaginar de un modo más concreto las razones a lo que sucede. Cuando leí el cómic escribí que esperaba que añadiesen algo más de sentido o de profundidad al final. Así ha sido. Como siempre hay algunos cambios con respecto a lo que pasa en las viñeatas, se mete alguna historia de regalo (que pertenece a la segunda parte, ‘Force Multiplied’) para aspirar a una continuación. Quien sabe quizá una serie de ‘La vieja guardia’ sería una buena idea, si la agenda de los actores lo permitiese.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de julio de 2020. Título original: The old guard. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Gina Prince-Bythewood. Guion: Greg Rucka. Música:Fotografía:Reparto principal: Charlize Theron, Kiki Lane, Marwan Kenzari, Luca Marinelli, Matthias Schoenaerts, Harry Melling, Van Veronica Ngo, Chiwetel Ejiofor. Producción: Denver and Deliah Productions, Dune Films, Image Comics, Netflix, Skydance Media. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama, adaptación. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81038963
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