Norbert es un espía incompetente en una nación gris, burocrática y triste. Sus gobernantes sueñan con conquistar a su colorido vecino, un pequeño y alegre país donde todo funciona al revés en un caos total y absurdo, algo que hace terriblemente felices a sus habitantes. A pesar de su total inutilidad, Norbert se convertirá en una pieza clave para desbaratar los planes de su propio gobierno. Acompañado de sus estrafalarios compañeros, compartirá aventuras, diversión y peligros en un intento por salvar Colorlandia y, sobre todo, en la búsqueda de su propia felicidad.
Crítica
Llena de valores para los más pequeños y con muy buen ritmo musical
JoséCorral nos trae ‘Norbert’ divertida cinta con un mensaje muy claro, no hay que dejar de crecer, pero tampoco de ser feliz. La felicidad en Norbert llega a base de color y música. Y es que nuestro protagonista vive en Graylandia, una nación gris donde la burocracia es su fe y sobre todo no se es nada feliz, solo se está estresado. Los gobernantes quieren conquistar Colorlandia, donde la diversión, las leyes locas y la música están a la orden del día. Norbert se adentrará en este mundo lleno de color.
Hacía mucho tiempo que no veía una cinta infantil, quiero decir, últimamente, todas y cada una de las películas que van para los más pequeños, siempre adentran algo para los adultos que le acompañan, no está mal pensado, al final también son espectadores, pero es cierto, que quizás muchos de esos mensajes son conceptos algo más complejos para los pequeños de la casa. Norbert, tiene un mensaje bastante bonito, no dejes de soñar, de divertirte y de ser feliz, todo ello contado de manera muy sencilla, con personajes muy sencillos y sin ningún tipo de complicación. Y es algo que me ha encantado.
La animación de la película me ha parecido una maravilla. Es muy sencilla, son dibujos sin ningún tipo de complejidad y que con pocos movimientos nos muestran mucho. Tiene además una claridad y limpieza muy bien realizada. Pero donde destaca realmente es en el trabajo de la luz y el color. Hay escenas en las que se ve un brillo espectacular gracias a que la Luna está cerca de Colorlandia y está tan bien hecho que parece luz real. Es algo que me ha impresionado bastante. Y como vamos cambiando de ese mundo gris al color y al final terminan uniéndose para mostrarnos pequeñas “motas” de color en un mundo completamente sin color.
La banda sonora me ha gustado mucho también. Pero sin duda el montaje de sonido me ha parecido de lo mejor. Y es que cuando estás en esa ciudad tan “tenebrosa” donde los coches, los papeles, el ruido de las fábricas, hace que sientas pesar por sus habitantes. Mientras que el sonido de los pájaros, la música y el viento en Colorlandia, nos da la sensación de que allí todo está bien.
No puedo negar que la película me ha gustado mucho, además no podéis poner la excusa de no tener tiempo de llevar a los niños al cine ya que la película dura 1 hora y 10 minutos. Además, como os he comentado a lo largo de la crítica, tiene unos valores muy importantes que los niños deben conocer. La amistad, las relaciones con personas que no tienen los mismos gustos que uno mismo, la confianza y el aprender que no se debe obligar a cambiar a nadie. El próximo 17 de enero la tendréis en los cines gracias a Buena Vista Internacional.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Norbert. Duración: 75 min. País: España. Dirección: José Corral Llorente. Guion: José Corral Llorente. Música: Micaela Carballo y Lucy Patané. Fotografía: Natasha Braier, Chema Hernández y Ricardo Pérez. Producción: Capitán Araña, Aquí y Allí Films, Vista Sur Films S.r.l. Distribución: Buena Vista Internacional. Género: Comedia. Web oficial:https://prensa.disney.es/noticias/norbert-la-nueva-pelicula-de-animacion-de-jose-corral-se-estrenara-el-17-de-enero-solo-en-cines
Una maravillosa colección para disfrutar en casa de ‘Toy Story’
Otro de los grandes estrenos que nos trae en formato físico Divisa Films, es la colección de las cuatro películas de ‘Toy Story’, sin duda un tesoro lleno de extras que hará disfrutar a los pequeños, pero sobre todo a los mayores que hemos crecido con estas películas.
‘Toy Story’ llegó pisando fuerte, la película dirigida por John Lasseter, fue estrenada en 1995 y fue la primera película de Pixar. Y, es más, es la primera cinta animada completamente con efectos digitales en la historia del cine. Este título no se lo va a quitar nadie.
La historia fue creada por John Lasseter, Peter Docter, Andrew Stanton y Joe Ranft, mientras que el guion lo escribieron Andrew Stanton, AlecSokolow, Joel Cohen y Joss Whedon. Muchas veces que un guion e historia pase por tantas manos puede ser catastrófico, pero no lo fue en este caso y sin duda estamos ante una de las mejores cintas de animación de la historia.
Pero no solo se quedó aquí, con 3 secuelas más, lograron que estos juguetes se quedasen en nuestros corazones para siempre, y en el de las nuevas generaciones.
La historia sigue las aventuras de un grupo de juguetes vivientes, vaquero Woody y el guardián espacial Buzz Lightyear son los dos grandes protagonistas de esta historia, pero no hay que desmerecer a Bo Peep, Rex, Slinky, Mr. Potato o Hamm. Con ellos viviremos infinidades de aventuras y descubriremos lo que hacen nuestros juguetes cuando no les vemos.
El formato que nos presenta Divisa Films es espectacular, con una cubierta de cartón protegiendo el Blu-ray, tenemos los cuatro discos en un mismo pack. Todos ellos con una serigrafía sencilla, de color azul con los títulos de cada película. Sin complicaciones, al final lo que cuenta es lo que está en el interior de cada uno y es que tenemos un sinfín de extras y la verdad que bastante curiosos.
En ellos nos cuentan diferentes historias de Pixar, el como se hizo la película o como escribieron infinidad de historias, haciendo de la película más seria y que por suerte, no llegaron a ningún lado. Veremos storyboards, diseños y también curiosidades de las películas que lograrán que pasemos horas en nuestros sofás con unas buenas palomitas y disfrutando de todo lo que nos están contando.
Toy Story
Un menú lleno de color, con distintos dibujos pululando en el fondo. En este menú encontramos la película, los idiomas, subtítulos y también la elección de las escenas. Pero no solo eso, tenemos también una sección de novedades en las que podemos ver distintos tráilers. Y dos bloques de contenido extra. A continuación, os los numeramos.
CONTENIDO EXTRA (20 minutos aproximadamente)
En Primicia: “La historia” 2:02 (comentarios en audio)
La misión espacial de Buzz Lightyear: Un Cohete despegando” (3:27)
Un día en Pixar – Los artistas (4:41)
Historias del estudio de Pixar: El coche de John (1:27)
Historias del estudio de Pixar: Baby AJ (1:38)
Historias del estudio de Pixar: Carreras de motos (2:16)
Buzz en Nueva York (2:13)
Viernes negro: lo que nunca supiste de Toy Story (7:34)
CONTENIDO EXTRA DVD clásico (3 horas aproximadamente)
Los creadores reflexionan (16:56)
Como se hizo Toy Story (20:17)
El legado de Toy Story (11:41)
Diseñando Toy Story (6:12)
Escenas eliminadas (18:50)
Introducción nunca vista (1:45)
Tortura (0:48)
Lluvia (1:23)
Introducción al Storyreel eliminada (1:28)
Comienzo alternativo: el show de Buzz (2:43)
Comienzo alternativo: el duelo (1:48)
La pesadilla de Woody (1:20)
El truco de Woody (3:03)
La desafortunada historia (1:52)
Sid se lleva su merecido (2:47)
Diseño
Galería (14:03)
Visualización 3D (5:41)
Color (7:54)
La historia (13:56)
Storyboard de “Los soldaditos verdes” (4:41)
Storyreel de “El nuevo juguete de Andy (4:40)
Storyreel de “La persecución”/ Comparación con la película (3:21)
Producción (13:41)
Un tour por la producción (1:51)
Trucos del diseño de la animación (3:25)
Un tour por la animación (1:23)
Montaje multilingüe (4:30)
Música y sonido
Vídeo musical “Hay un amigo en mi” (2:15)
Diseño de sonido (6:35)
Demos de Randy Newman
Publicidad (10:04)
Entrevistas a los personajes (1:29)
Tráilers (4:38)
Anuncios de televisión (2:08)
Posters (0:57)
Juguetes y más (1:02)
Toy Story 2. Los juguetes vuelven a la carga
Los juguetes regresan, esta vez para salvar a Woody de un secuestro. El cual encontrará su pasado y estará a punto de abandonar a Andy.
Como en el anterior, encontraremos un sinfín de Extras que disfrutaremos muchísimo. Son más de dos horas de contenido extra y sin duda conoceréis muchos entresijos de la construcción de muchos personajes de nuestra saga favorita.
Idiomas: DTS 5.1. Español, Inglés, Italiano. Dolby Digital 5.1. Rumano y Croata.
Subtítulos: Español, Inglés, Italiano, Rumano, Croata, Inglés codificado para sordos.
Contenido Extra (35 minutos aproximadamente)
Toy Story 3 en primicia: “Los personajes” (4:00)
La misión espacial de Buzz Lightyear: Estación Espacial Internacional (3:43)
Un día en Pixar – Equipo Técnico (4:24)
Historias del Estudio de Pixar: Toy Story 2. El laboratorio nunca duerme (1:25)
Hisotrias del Estudio Pixar: Pinocho (2:15)
Historias del Estudio Pixar: La película desaparece (2:·2)
La Pandilla Pixar (1:58)
Recordando a nuestro amigo Joe Ranft (12:46)
Contenidos extra del DVD clásico (2 horas aproximadamente)
Como se hizo Toy Story 2 (8:10)
Perfil de John Lasseter (3:02)
Los personajes (3:30)
Baúl de juguetes
Tomas falsas (5:02)
El chiste de Jessie (1:00)
¿Quién es el juguete favorito? (3:19)
Vídeo musical Riders in The Sky (3:11)
Imágenes con autógrafos (0:45)
Escenas elíminadas
Introducción nunca vista (0:47)
Rex Godxilla (1:28)
Cruzando la calle (1:56)
Diseño
Galería (16:43)
Woody (1:52)
Buzz (2:03)
Los juguetes de Andy (2:09)
El rodeo de Woody (3:06)
Zurg (1:00)
Al (1:01)
El planeta de Zurg (0:55)
La casa de Andy (0:36)
El apartamento de Al (1:04)
El juguete de Al (1:40)
Aeropuerto (1:08)
Visualización en 3D (11:02)
Color (4:30)
Producción (13:41)
Diseñando el pasado de Woody (2:50)
Haciendo el rodeo de Woody (1:54)
Un tour por la producción (2:31)
Primeras pruebas de animación (3:04)
Efectos especiales (1:38)
Escena internacional (1:47)
Música y sonido (14:08)
Diseñando el sonido (5:38)
Componiendo las canciones (3:25)
Vídeo musical. “El rodeo de Woody” (2:17)
Demo de Randy Newman “La canción de Jessie” (2:48)
Publicidad (8:32)
Entrevista a los personajes (2:05)
Tráilers (3:24)
Anuncios de televisión (2:12)
Posters (0:51)
Woody jugando al Baseball (0:19)
Toy Story 3
Sin duda la película más melancólica de todas. Su final nos hizo soltar alguna que otra lagrimilla y la verdad que si se hubiese quedado aquí la historia final de nuestros juguetes favoritos, sería redondo.
Esta Blu-ray llega con menos extras pero no menos interesantes. En el menú ya no aparecen bocetos de los personajes, sino que nos los presentan el matrimonio de Mr. Potato y Ms. Potato.
Subtítulos: Español, Inglés, Portugués, Inglés codificado para sordos.
Contenido Extra
Novedades
Contenido extra (12:42)
Día y Noche (Cortometraje de cine) (6:05)
¡Juguetes! (6:37)
Toy Story 4
El menú de la película nos muestra un puesto de feriante en el que encontramos a Buzz intentando escaparse. Es un menú sencillo en el que encontramos el botón para reproducir, el contenido extra, acceso directo a escenas, la configuración y las novedades.
El contenido extra, aunque tiene poquito, es interesante, el cambio de Bo y como les costó crear la nueva imagen o la historia de los juguetes.
Idiomas:DTS-HD 7.1: Inglés / DTS-HD HR 5.1: Inglés / DTS Digital Surround 5.1: Español, Catalán / Dolby Digital 5.1: Checo, Griego / Dolby 2.0: Inglés audio descriptivo.
Subtítulos: Checo, Griego, Español, Inglés codificado para sordos.
Impresionante, en su animación y en su llamada a coger el mando
15 episodios, ni más ni menos, son los que componen ‘Secret level’. Prime Video publicará en dos tandas desde el 10 de diciembre esta antología que se podría decir que hace un fanservice en cada una de sus entregas. Capítulos cortos, que van de los 7 a los 18 minutos, que hacen las delicias para todo tipo de jugadores y amantes de la animación. Detrás de esta ambiciosa y suculenta serie están los creadores de otra exitosa antología como es ‘Love, Death and Robots’, Tim Miller y Dave Wilson. En esta ocasión el material no es tan fresco ni original, puesto que cada historia parte de un conocido videojuego, pero eso no le resta ni potencia ni sustancia ya que cada una de las aventuras supone un bonus track a los juegos que tanto nos gustan. Sobre todo resulta apabullante la calidad de sus imágenes generadas por ordenador, a veces cuesta distinguir entre realidad y artificio. La única pega es que la animación varía poco entre capítulos, no hay mucho cambio de técnicas aunque si de tono.
Además, como regalo si la veis en versión original, escuchamos las voces de famosos como Arnold Schwarzenegger, Kevin Hart, Keanu Reeves, Temuera Morrison, Emily Swallow, Gabriel Luna, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Claudia Doumit y muchos más. Todos ellos prestan sus cuerdas vocales e incluso sus rostros para dar vida a personajes muy conocidos dentro del mundo gamer. Quizá los más puristas habrían querido la presencia de los dobladores que escuchábamos cuando cogíamos el mando, pero hay que reconocer que muchos de ellos provienen de juegos en los que no tenían diálogos.
¿Qué juegos aparecen en ‘Secret level’? Quizá sería más bonito dejarlo todo a la sorpresa, aunque tanto con el tráiler como con la imagen promocional ya vemos que hay historias basadas en ‘Mega Man’, ‘Unreal Tournament’, ‘Warhammer 40,000’ o ‘Armored Core’. Todo el mundo coincidirá en que es una pasada el capítulo que hace honor a los personajes de PlayStation aunque se echan de menos más protagonistas. Entre nuestros favoritos son obras tan apabullantes como la que se ambienta en ‘Dungeons & Dragons’, la que cuenta con Keanu Reeves o la que nos traslada a una auténtica película de acción como la que proviene del videojuego ‘Crossfire’. Sea como fuere, cada capítulo merece un apartado propio y al igual que hicimos en su día con las tres temporadas de ‘Love, death & robots’ os detallamos uno a uno sin spoilers. Podéis leer nuestras impresiones tras el tráiler.
‘Dungeons & Dragons: the queen’s cradle’ (estreno el 10 de diciembre)
Apabullante. Solo así puede describirse la calidad de este capítulo. Los personajes están recreados a un nivel increíble, pero sobretodo su gran ser mitológico nos quita el hipo pues su textura y sus movimientos traspasan la pantalla. De una belleza monstruosa pasará a ser una de las mejores recreaciones dentro del universo de D&D.
Clérigos, paladines, magos, liches… y por supuesto dragones. Es una aventura con mucha acción, magia y criaturas que a muchos va a recordar a los buenos momentos vividos leyendo historias como las de la Dragonlance.
¿Juego en que se basa? Dragones y Mazmorras
Técnica: 3D
Género: fantasía
Duración: 14 min. 47 seg.
‘Sifu: it takes a life’ (estreno el 10 de diciembre)
Blur studio, aquellos que nos dejaron boquiabiertos con el episodio ‘Jíbaro’ del volumen 3 de ‘Love, Death & Robots’, vuelven a trabajar con Tim Miller. En esta ocasión nos llevan a un oriente urbanita, en el que la tradición se mezcla con una jungla de asfalto repleta de neones. Consiste en una especie de John Wick sobrenatural. Su acción es vibrante e incluso tiene un poco de poesía, pero sobre todo destaca por su animación, ya que es uno de los pocos que no es puro 3D utilizando un estilo similar al de las películas del Spiderverse.
¿Juego en que se basa? Sifu
Técnica: tradicional más digital
Género: acción
Duración: 8 min. 41 seg.
‘New World: the once and future king’ (estreno el 10 de diciembre)
No es el único MMORPG que se adapta en ‘Secret level’, pero quizá si el único de Amazon Games. Gracias a esta aventura en la que un rey tiene que empezar desde cero cual ‘Age of empires’, Arnold Schwarzenegger vuelve a empuñar un espadón. Comedia y mucho respawn, una combinación que puede recordar a ‘Al filo del mañana’ pero en clave medieval y a tope de dismorfia muscular. Muy divertido, incluído el guiño a ‘Predator’.
¿Juego en que se basa? New World
Técnica: 3D
Género: aventura, fantasía
Duración: 13 min. 36 seg.
‘Unreal Tournament: Xan’ (estreno el 10 de diciembre)
Para muchos, incluído yo, ‘Unreal’ es uno de los shooter básicos y de cabecera. No era un juego especialmente seguido por su historia, pero si por su mezcla de acción con ciencia ficción, lo cual le brindaba la oportunidad de proporcionar a los jugadores arma casi tan locas como las del Half-Life.
Vivimos una rebelión de las máquinas en un mundo intergaláctico en el que la minería es de crucial importancia. Esta es una historia que cuenta con Elodie Yung y que a muchos puede recordar a ‘The running man’ o a cualquier otra historia de gladiadores. A mi en concreto me ha recordado también a Chappie.
¿Juego en que se basa? Unreal Tournament
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, acción
Duración: 17 min. 48 seg.
‘Warhammer 40.000: and they shall know no fear’ (estreno el 10 de diciembre)
Seguro que muchos meten este capítulo entre sus favoritos. Podría ser la antesala de lo que prepara Henry Cavil porque más que su calidad técnica hay que alabar cómo explota el imaginario y la iconografía del juego de figuras y estrategia. Nos hace viajar a ese futuro planetario de guerra y religión en el que se mueven los ultramarines.
Aparece un nombre tan conocido por los fans como Titus, pero el protagonista es otro, aquel al que pone voz Adewale Akinnuoye-Agbaje. Aún así hay que señalar que este es un capítulo sin apenas diálogos, una misión sin retorno de violencia aplastante y horrores espaciales.
¿Juego en que se basa? Warhammer 40.000
Técnica: 3D
Género: acción, terror, ciencia ficción
Duración: 18 min.
‘Pac-Man: circle’ (estreno el 10 de diciembre)
El Pac-Man es uno de los juegos más sencillos y adictivos de la historia. Ha tenido muchas reinvenciones y cameos en distintos medios hasta el punto de convertirse en icono de la cultura popular. ‘Secret level’ lo ha re-imaginado este laberinto como un extraño planeta hostil lleno de criaturas en las que el lema es “come o serás comido”. El clásico hombre gris, arquetipo de los extraterrestres, es el protagonista que se enfrenta a unos fantasmas diferentes. Presta su voz Aleks Le (‘Dorohedoro’, ‘Dandadan’).
¿Juego en que se basa? Pac-Man
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, terror
Duración: 10 min. 28 seg.
‘Crossfire: good conflict’ (estreno el 10 de diciembre)
El popular shooter de 2007 que enfrenta dos facciones mercenarias tiene un pedacito más de historia gracias a este corto. En este caso hay una misión de extracción que cumplir y ambos bandos se pelean por el contenido de un maletín, mientras que como en muchas películas, un temporal azota a los contendientes y desvía con la fuerza de su viento las balas. Es un corto repleto de momentos fotorrealistas y acción de esa que le encanta protagonizar a actores como Frank Grillo, Gerard Butler o Jason Statham.
¿Juego en que se basa? Crossfire
Técnica: 3D
Género: acción
Duración: 18 min. 2 seg.
‘Armored Core: asset magement’ (estreno el 10 de diciembre)
Los mechas de Armored Core alcanzaron hace tiempo el carácter de saga. FromSoftware hizo escuela con estos juegos antes incluso de la franquicia Souls. Desde el 97 hasta su sexta entrega lanzada en 2023 han brindado momentos de acción bestiales. Lo mismo podemos decir de su protagonista. Este corto cuenta con voz y rostro de un Keanu Reeves con cresta. El actor se conecta de nuevo a una máquina y está genialmente recreado. Un corto con mucha acción y algo un toque de mente perturbada.
¿Juego en que se basa? Armored Core
Técnica: 3D
Género: acción, ciencia ficción
Duración: 13 min. 12 seg.
‘The outer worlds: the company we keep’ (estreno el 17 de diciembre)
A pesar de transcurrir en un ambiente de ciencia ficción y haber criaturas fantasiosas es de los más realistas en cuanto a piel, pelo, ropa… Dispone de un pequeño toque victoriano o retro que puede recordar al ‘Bioshock’, algo que ya se diría en 2019 cuando salió a la venta. Es una historia de huérfanos con el mismo complejo de soledad de Luke Skywalker que podría haber escrito Charles Dickens de haber vivido en nuestros días. Sin duda de las entregas más graciosas y sensibles a la vez.
¿Juego en que se basa? The outer worlds
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, humor, drama
Duración: 17 min. 30 seg.
‘Mega Man: start’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente será uno de los juegos de plataformas más comprados y/o jugados de la historia por detrás de gigantes como Sonic y Super Mario Bros. Para quien no lo conozca, básicamente es un niño con cañones en las manos que va eliminando robots malvados. Su mecánica es sencilla y el cortometraje que ha tenido en ‘Secret level’ también. Básicamente han recreado una historia de orígenes.
¿Juego en que se basa? Mega Man
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción
Duración: 7 min. 8 seg.
‘Exodus: odyssey’ (estreno el 17 de enero)
Relativismo e historia familiar. Es la aventura de un padre por encontrar a su hija a través del cosmos con todo el tiempo y la distancia en su contra. Una space opera en miniatura inspirada en el juego del que se dice que con el tiempo será el sucesor del ‘Mass Effect’, el mismo que en las consolas cuenta con Matthew McConaughey y aquí dispone de las voces de Nikko Austen Smith y Michael Beach.
¿Juego en que se basa? Exodus
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, drama
Duración: 14 min. 12 seg.
‘Spelunky: Tally’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente sea uno de los más cortos e insustanciales de la serie. Una suerte de ‘Indiana Jones’ o ‘Tomb Raider’ infantil en el que una niña intenta superar las pruebas de un lugar repleto de trampas y tesoros. Lleva a otro nivel el laberinto de plataformas que es el juego pero poco más. Si acaso sirve como homenaje a esas horas que hemos empleado en pasar juegos basados en el concepto de quemar vidas a base de repetir escenarios.
¿Juego en que se basa? Spelunky
Técnica: 3D
Género: aventura
Duración
‘Concord: tale of the implacable’ (estreno el 17 de diciembre)
Probablemente el más humorístico de toda la antología. Se nota que es gamberro y moderno, que es un lanzamiento reciente de PS5. Básicamente un equipo de mercenarios o de oportunistas espaciales quiere rescatar a uno de los suyos. Alienígenas, naves, persecuciones y momento de torpeza cómica. Es evidente decir que a muchos recordará a ‘Guardianes de la Galaxia’. Viendo este corto, con su acción y su comedia, uno se hace a la idea de cuál es la dinámica del videojuego y dan ganas de hacerse con él.
¿Juego en que se basa? Concord
Técnica: 3D
Género: ciencia ficción, comedia
Duración: 17 min. 2 seg.
‘Honor Kings: the way of all things’ (estreno el 17 de diciembre)
Para estar inspirado en un juego tipo arena de batalla, como el LOL para los no familiarizados con la terminología, es de los más tranquilos de todo ‘Secret level’. Un duelo intelectual y filosófico entre un hombre y una máquina, una especie de desafío impuesto por una suerte de Mago de Oz mecánico, ocupa la trama. El episodio básicamente retrata el espíritu del juego más allá de sus personaje o mecánicas de juego. Comparado con el resto de cortos sale perdiendo ya que sus personajes parecen demasiado a figuras anime HQS.
¿Juego en que se basa? Honor Kings
Técnica: 3D
Género: fantasía ciencia ficción
Duración: 17 min. 14 seg.
‘Playime’ (estreno el 17 de diciembre)
Kevin Hart e hija ponen voz a los protagonistas del único corto de ‘Secret level’ que se basa más de un juego de PlayStation. Muchos cogerán la referencia del ‘Radikal bikers’ cuando vean que se trata de un delivery que tiene que cumplir la misión de hacer una entrega a domicilio. La protagonista se ve inmersa en una trama de persecución y ciencia ficción disparada en la que aparecen muchos personajes de la videoconsola de Sony. Es un homenaje a PlayStation que podría haber tenido muchas caras conocidas, que como crossover no está del todo bien justificado, pero que quizá busca evitar convertirse en otro Ready Player One. Un capítulo que tenía que estar ahora que PlayStation cumple 30 años.
Se consolida como una de las mejores series animadas
La segunda temporada de Arcane, que llega ya a Netflix, retoma la fascinante historia inspirada en el universo del videojuego League of Legends, superando incluso las expectativas creadas por la primera entrega. En estos nuevos episodios (de los que hemo podido ver seis), la serie logra enriquecer la narrativa original del videojuego y transformarla en un relato épico y profundo, explorando cuestiones políticas, sociales y familiares dentro de un mundo visualmente impactante. Para volver a deambular por este mundo oscuro y caótico tenéis que apuntaros tres fechas, 9, 16 y 23 de noviembre.
La trama sigue con una guerra abierta la lucha de poder en la ciudad subterránea de Zaun y la manera en que Piltover intenta recomponerse tras el caos provocado por Jinx. La serie continúa con su tono steampunk cibernético, un estilo que logra hacer brillar su ambientación, dotando a la historia de una atmósfera envolvente que mezcla lo sombrío y lo futurista de forma única. Este contexto aporta un gran peso a los arcos dramáticos y permite profundizar en el conflicto de clases, una lucha que permea todos los niveles de la narrativa. Quién iba a decir que se podía sacar tanto partido a un juego tipo arena de batalla.
En esta temporada, la serie destaca especialmente por la evolución de sus personajes principales, en particular Vi y Jinx, quienes siguen siendo el núcleo emocional y temático de la historia. Vi, que colabora con las fuerzas del orden, encarna la lucha por reparar un error involuntario, mientras que Jinx, con una locura aún más pronunciada, continúa siendo el símbolo del caos y la rebelión. Ambas se debaten entre la fuerza de los lazos de sangre y una incontrolable rabia interior, y la serie presenta de manera acertada esta lucha fratricida, que no solo representa su vínculo personal, sino que simboliza el conflicto entre las sociedades de Zaun y Piltover.
Además, Arcane introduce nuevos personajes y escenarios, expandiendo su universo y abriendo posibilidades a nuevas historias. La serie también retoma su carácter musical incluyendo temas actuales, lo que aporta un toque contemporáneo a su estética visual ya distintiva, con momentos videoclipistas que funcionan muy bien en el contexto de la narrativa. Si visteis el videoclip de una de la últimas canciones de Linkin Park (‘Heavy Is the Crown’) y os sorprendió su animación probablemente ya pudisteis intuir que se había incluído en el universo de ‘Arcane’.
En resumen, la segunda temporada de Arcane no solo está a la altura de su predecesora, sino que consigue llevar la historia a un nivel superior, desarrollando a fondo los conflictos de sus personajes y construyendo un relato visualmente cautivador que reflexiona sobre la lealtad, el rencor y la lucha de clases. Con un guion sólido y una dirección artística impecable, esta entrega consolida a Arcane como una de las series animadas más importantes de los últimos años.
La Ópera Metropolitana de Nueva York, un lugar legendario y de renombre, y Carmen, la obra de ballet más famosa del mundo, son los escenarios de esta aventura en la que Samson, líder de un grupo de perros callejeros, salvará una mítica obra. Un día, huyendo de sus cazadores se esconde en el edificio Met. Allí conoce a la encantadora Margot, la mascota de Anastasia, la primera bailarina del teatro. La trama se complica cuando la única diadema que perteneció a la reina de Gran Bretaña y que Anastasia debe lucir en el cuarto acto, desaparece del camerino. Sin la diadema, el espectáculo no puede continuar y debe cancelarse. Ahora Margot y Samson tienen que encontrar al ladrón y salvar la función al son de la música del gran Georges Bizet.
Crítica
Un noble recordatorio de que la cultura clásica tiene su lugar en la animación y la cultura popular actual
A comienzos de año llegó desde Rusia a nuestros cines la película ‘Guardianes del museo’. Sin que hayamos terminado este 2024 tenemos un nuevo título del mismo director, VasiliyRovenskiy, que supone una especie de secuela espiritual. De gatos pasamos a perros, de San Petersburgo a Nueva York, de una pinacoteca a la ópera. ‘Guardianes en la ópera’ viene a contar con el mismo presupuesto pero se nota que hay más cantidad de personajes y escenarios. Aun así, dudo mucho que quienes vayan a ver este título se paren a analizar esos pormenores de la producción.
Con una trama menos museística pero que igualmente apuesta por cultivar el arte, conocemos a una tropa de perros con complejo de Robin Hood en los años en los que Ford ponía en marcha los primeros coches y aún se estilaban artes como el ballet o la ópera. Parece que el filme quiere hacer honor a eso de “servir y proteger” pues los protagonistas velan por la seguridad del resto de animales del barrio y también se convierten en todo unos opera buffs (melómanos de la ópera). Si bien ‘Guardianes en la ópera’ no destaca por su producción de alto presupuesto ni por una animación visualmente impresionante, logra transmitir un mensaje genuino y valioso. En un momento en el que la animación suele enfocarse en historias de ritmo rápido, humor inmediato y sobrecarga de texturas, esta película rusa se distingue por su enfoque en temas clásicos y un sincero amor por las artes.
En términos técnicos, ‘Guardianes en la ópera’ está lejos de las pulidas producciones de estudios como Disney o DreamWorks, de hecho podría decirse que el estilo es similar al de muchos anuncios de juguetes. La animación es más simple, con menor fluidez en los movimientos y un nivel de detalle en los personajes y escenarios que, para una audiencia acostumbrada a las producciones de Hollywood, puede parecer modesto. Sin embargo, estas limitaciones técnicas son compensadas por la esencia de su mensaje. Comparada con películas de animales parlantes como ‘Madagascar’ o ‘Sing’, ‘Guardianes en la ópera’ se aparta del humor rápido y la acción para proponer una narrativa más serena y gags más propios de un show circense.
La película sigue a un grupo de animales que, en lugar de embarcarse en aventuras modernas o extravagantes, se embarcan en la misión de rescatar una valiosa joya y de paso evitarle un problema a uno de ellos. Esto la acerca a otros filmes animalísticos que promueven valores profundos, como ‘Ratatouille’, que explora la pasión por la cocina, o ‘Spirit: El corcel indomable’, que resalta la libertad y la conexión con la naturaleza. En este largometraje, sin embargo, el enfoque en una forma de arte menos popular en el cine infantil, como la ópera, es un recordatorio de que la cultura clásica tiene su lugar en el corazón de la animación y de la cultura popular actual.
Lo más destacable de esta película es que, a pesar de sus limitaciones visuales, transmite un profundo respeto por las artes. Al representar la ópera y la música clásica como algo digno de proteger y preservar, hace una llamada a las nuevas generaciones a apreciar un mundo de expresiones artísticas que pueden parecer distantes en un contexto de entretenimiento rápido y de fácil acceso. Este mensaje podría no impactar tanto a los niños como a los padres y educadores, pero su intención es noble y ofrece una lección valiosa sobre la importancia de valorar la belleza y complejidad de las artes que se disfrutan mejor presencialmente y que valoran la destreza con nuestros cuerpos, sin artificios tecnológicos.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Título original: Velikolepnaya pyaterka. Duración: 75 min. País: Rusia. Dirección: Vasiliy Rovenskiy. Guion: Vasiliy Rovenskiy. Música: Anton Gryzlov. Reparto principal (doblaje original): Anna Starshenbaum, Diomid Vinogradov, Garik Kharlamov, Pavel Priluchnyy, Aleksandr Gavrilin, Filipp Lebedev, Irina Kireeva, Anastasiya Portnaya, Anton Eldarov, Anastasiya Sorokina. Producción: Kinofirma, Nashe Kino. Distribución: VerCine. Género: aventuras. Web oficial:https://www.vercine.org/ficha/es/734-guardianes-en-la-opera/
La animación y la magia se apoderan de Netflix con ‘Hechizados’
Este próximo 22 de noviembre llega a nuestras pantallas ‘Hechizados’. Una nueva y mágica aventura de animación de la que ahora podréis ver el tráiler.
‘Hechizados’ está dirigida por Vicky Jenson (‘Shrek’) con música original del compositor Alan Menken (‘La bella y la bestia’) y la letra de Glenn Slater (‘Enredados’).
La versión original de la película deNetflix y de Skydance Animation, ‘Hechizados’, cuenta con un reparto de voces en su versión original encabezado por Rachel Zegler, Nicole Kidman, Javier Bardem, John Lithgow, Jenifer Lewis, Nathan Lane y Tituss Burgess.
‘Hechizados está escrita por Lauren Hynek, Elizabeth Martin y Julia Miranda, y producida por John Lasseter, David Ellison, Dana Goldberg, Bruce Anderson y Linda Woolverton para Skydance Animation.
A continuación, tenéis el tráiler y el cartel de la cinta, junto su sinopsis.
Sinopsis
‘Hechizados’ narra las aventuras de Ellian, la tenaz hija de los gobernadores de Lumbria, que debe emprender una arriesgada búsqueda para salvar a su familia y su reino, después de que un misterioso hechizo transforme a sus padres en monstruos.
Manel Loureiro y Carles Torrens ha lanzado hoy la adaptación de ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’. El comienzo de la serie de Prime Video que se basa en las novelas sobre zombies en España ha tenido buena acogida (opinión más abajo). “En la transición de las páginas a la pantalla siempre debe haber cambios, pero con un material tan amado por una comunidad tan pasional puede ser complicado”. El actor Francisco Ortiz ha confesado haber evitado cualquier tipo de referente del género de zombies durante la preparación del filme, pues “quería conservar el espíritu humanista del personaje sin impregnarle demasiados tics del cine de terror”. Ambos han dado el pistoletazo de salida a la Zombie Walk.
Quién mejor que Nick Frost (‘Zombies Party’) estar presente en el día de la tradicional Zombie Walk que ha convertido este Sitges 2024 en un desfile de vecinos convertidos en muertos vivientes. El actor, comediante y guionista ha recibido hoy el premio Màquina del Temps como premio a su carrera y como antesala de la presentación de su nueva película ‘Get Away’ (una de las tres obras con las que está presente en Sitges 2024). “Mi proceso de escritura consiste en ver películas de terror sin parar y escribir mínimo diez páginas cada día, aunque sean malísimas”, ha explicado el actor acerca de su trabajo creativo.
El premio Nosferatu de este año ha recaído en el actor italiano Fabio Testi. Y un compatriota suyo, el productor, director, guionista y ejecutivo Ovidio G. Assonitis, ha recogido el otro premio Màquina del Temps.
Paco Caballero ha mostrado su adaptación de ‘Invisible’ de Eloy Moreno y Marc Recha ha gozado del estreno mundial de su obra ‘Centaures de la nit’ en una jornada en la que estaban programadas película como ‘Mads’, ‘Exhuma’ u ‘Oddity’ con presencia de su director, el talentoso Damian McCarthy. Además se han entregado los Premios SGAE Nueva Autoría 2024 que se han repartido entre el alumnado de ESCAC, ECIB y La Casa del Cine. Así mismo se ha celebrado la primera jornada Horror Girls compuesta por varias charlas destinadas a reconocer e impulsar el cine realizado por mujeres.
Ovacionada ha sido la presencia en Sitges 2024 de Damien Leone que acompañado del actor David HowardThornton (Art) y las actrices SamanthaScaffidi y Lauren LaVera han presentado ‘Terrifier 3’. “De hecho, una de las mayores inspiraciones de Art the Clown es el papel que Stefán Karl Stefánsson interpretó en la serie infantil Lazy Town; cuando me ofrecieron el personaje lo primero que hice fue llamarle” ha declarado el actor. Leone por su parte, entusiasmado con la repercusión de su trilogía, ha declarado que “¡Art the Clown ha llegado incluso al Call of Duty, es fantástico!”.
Damian McCarthy vuelve tras conquistarnos en Sitges 2021 con su primer largometraje, ‘Caveat’, del cual, muchos recordarán su espeluznante conejito, que por cierto aquí hace una aparición en forma de huevo de pascua como los que veíamos en Expediente Warren. De nuevo consigue una trabajada atmósfera, nos lleva a un lugar aislado de la civilización y conduce el terror a través de objetos inanimados. Pero marca la diferencia con una historia de suspense, de esas que saben dosificar la información y tienen un toque espeluznante.
Se trata de un thriller en el que una mujer ciega tiene poderes de médium a través del tacto con objetos. La película trata el duelo, la locura y la búsqueda de la verdad a través de elementos sobrenaturales. De nuevo McCarthy consigue salirse de la norma y además de brindarnos una buena historia nos sobresalta con más de un ingenioso jumpscare.
Siguiendo la perversión animada de películas como ‘La fiesta de las salchichas’, Tommy Wirkola (‘Zombies nazis’) se une a Rasmus A. Sivertsen, director de películas de animación infantiles, para llevar a cabo una nueva perversión repleta de inquietudes y humor púber.
Aquellos que crecimos en los 80 podemos decir que es como retorcer ‘Érase una vez el cuerpo humano’ teniendo momentos musicales que por desgracia son bastante olvidables. También podría rememorar a ‘El chip prodigioso’ o al capítulo de ‘Futurama’ titulado ‘Parasites Lost’. Pero sin duda por cercanía en el tiempo a lo que más se va asimilar esta divertida propuesta es a ‘Del revés’. La gran diferencia es que estamos ante algo que desde la burla trata temas como el sexo y los primeros amores.
Aventura veraniega y calenturienta de un adolescente en edad de darle a la zambomba como si formase parte de un conservatorio y uno de sus espermatozoides, motivado por salir al mundo exterior esquivando peligros como los profilácticos, las masturbaciones o el espermicida. Película que sin mojigatería y con mucho descaro narra esa carrera hacia el éxtasis procreativo que iniciamos en cuanto nos crece el vello en ciertas partes y que tienen que hacer nuestras células sexuales para conseguir la fecundación. Literal y gráficamente es para decir ¿¡qué cojones!?
Dividida en episodios, vamos conociendo a los distintos personajes. Una familia atormentada por una extraña enfermedad y un grupo de personas que son contratadas para lograr paliar estos extraños eventos sobrenaturales.
La película atrapa desde el minuto uno, tenemos una atmósfera muy bien construida. Con unos personajes bastante planos, necesarios para que nos fijemos bien en la trama y en todos los eventos misteriosos que tienen que ir soportando nuestros protagonistas.
Me encanta como introducen algo de la mitología coreana como la eopshin, una curiosa criatura que, aunque aparece poco, da un poco de susto cuando lo hace. Además de mostrarnos alguna que otra ceremonia chamán para intentar que los espíritus malignos se marchen.
Una película muy recomendable que llegará a nuestras pantallas gracias a YouPlanet.
Spermageddon es la nueva película de Tommy Wirkola, responsable de éxitos tan irreverentes como Zombis nazis o Noche de paz. En esta ocasión, se ha unido al director de animación Rasmus A. Sivertsen para dar forma a una comedia musical protagonizada por espermatozoides que fue recibida con aplausos en el Festival de Annecy.
Crítica
Un ‘Del revés’ a lo irreverente y pervertido
La mezcla que vivimos con ‘La fiesta de las salchichas’, animación simpaticona desfigurada con diálogos y acción bastante subida de tono, funcionó la mar de bien. No fue el primer ejemplo de ese estilo que tuvimos y no será el último. Ahora Tommy Wirkola, director de ‘Zombies nazis’ o ‘Noche de paz’, se une a Rasmus A. Sivertsen, director de películas de animación infantiles, para llevar a cabo una nueva perversión repleta de inquietudes y humor púber.
Aquellos que crecimos en los 80 podemos decir que ‘Spermageddon’ funciona como una versión retorcida de ‘Érase una vez el cuerpo humano’ acompañada de momentos musicales que por desgracia son bastante olvidables. También podría rememorar a títulos como ‘El chip prodigioso’ y por su humor o la manera de establecer una civilización dentro de nuestros cuerpos, al capítulo de ‘Futurama’ titulado ‘Parasites Lost’. Pero sin duda por cercanía en el tiempo a lo que más se va asimilar esta divertida propuesta es a ‘Del revés’. La gran diferencia es que estamos ante algo que desde la perversión y la burla trata temas como el sexo y los primeros amores.
Vivimos la aventura veraniega y calenturienta de dos protagonistas, un humano y un miembro microscópico de su cuerpo. Un adolescente en edad de darle a la zambomba como si formase parte de un conservatorio y uno de sus espermatozoides, motivado por salir al mundo exterior esquivando peligros como los profilácticos, las masturbaciones o el espermicida. Con internet y la cantidad de estímulos audiovisuales sin censura que nos llegan, a las generaciones actuales casi les sobra “la charla”. Por eso surgen este tipo de películas que sin mojigatería y con mucho descaro narran esa carrera hacia el éxtasis procreativo que iniciamos en cuanto nos crece el vello en ciertas partes y que tienen que hacer nuestras células sexuales para conseguir la fecundación. Evidentemente ‘Spermageddon’ está lejos de ser una clase de educación sexual con todos sus momentos escatológicos y chistes verdes que lejos de la metáfora son tremendamente explícitos. Literalmente es para decir ¿¡qué cojones!?
No la recomendamos ver en su versión original, sobre todo por las canciones. Curiosamente el nombre de los personajes se forma a través de juegos de palabras en inglés con términos como cum, semen o jizz. Pero la sonoridad del lenguaje nórdico resta gracia a los muchos gags de los que dispone.
Ficha de la película
Estreno en España: por determinar. Título original: Spermageddon. Duración: 90 min. País: Noruega. Dirección: Rasmus A. Sivertsen, Tommy Wirkola. Guion: Vegar Hoel, Jesper Sundnes, Tommy Wirkola. Música: Christian Wibe. Reparto principal:Producción: 74 Entertainment, Qvisten Animation. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: comedia. Web oficial:https://www.qvisten.no/work/spermageddon/
Más de cincuenta títulos en todas las secciones y formatos
Se aproxima la 57 edición del Festival de Sitges y a falta de conocer toda su programación de cine fantástico hemos podido leer cuales serán las películas españolas que se proyectarán en la semana y media de festival.
Ya se anunciaron películas como ‘Una ballena’, de Pablo Hernando, ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’, de Carles Torrens, ‘Exorcismo’, de Alberto Sedano o ‘The Birthday’ (4K), de EugenioMira, cuya celebración del 20 aniversario de su estreno estará acompañada por la presencia de Corey Feldman, el actor y cantante conocido como Mouth de ‘Los Goonies’.
SOFC
‘Bodegón con fantasmas’ – Enrique Buleo (Estreno Mundial)
Para muchos fans de los cómics, de DC Comics en concreto, las mejores adaptaciones audiovisuales son las películas de Waner Bros. Animation. Títulos como ‘The killing joke’, ‘La Liga de la Justicia Oscura’ o ‘Dioses y monstruos’ han superado en opinión a algunas de las mejores películas surgidas de las viñetas de Superman o Batman. Parece que en Max, que pertenece también a Warner Bros. Discovery, se van dando cuenta de esto. Junto a otros recientes estrenos llega una nueva serie animada, ‘Creature Commandos’.
Serán siete episodios en los que James Gunn seguirá con su plan de reiniciar el DCU que arrancó con ‘El pacificador’. En calidad de productor aparece en esta serie que se lanza en Max el 5 de diciembre. Al igual que hemos visto en ‘Escuadrón Suicida Isekai’ seguiremos a un grupo de delincuentes que son usados para salvar el día.
Escrita y producida por James Gunn ‘Creature Commandos’ se basa directamente en personajes de DC por lo que está producida también por DC Studios y Warner Bros. Animation. Contará con personajes como Economos, la Princesa Ilana, Circe, Nina Mazursky, Frankenstein… Y otros personajes vistos en ‘El Escuadrón Suicida’ como Amanda Waller o Wasel. Si todo transcurre como en los cómics originales la historia guardará relación con la Segunda Guerra Mundial.
El reparto de voces de la serie incluye a Steve Agee como Economos, Maria Bakalova como Princesa Ilana, Anya Chalotra como Circe, Zoe Chao como Nina Mazursky, Frank Grillo como Rick Flag Sr, David Harbour como Frankenstein, Alan Tudyk como Dr. Phosphorus y Indira Varma como La Novia. Vuelven para poner voz a los personajes que ya interpretaron Viola Davis como Amanda Waller y Sean Gunn como GI Robot y Weasel.
La visión japonesa de la rebelión de Skynet se queda a medias
Una persona viaja al pasado para salvar a alguien de vital importancia en el futuro (su presente) de ser asesinado por un robot que también viene de esos apocalípticos y venideros tiempos. Esa es la premisa de ‘Terminator’, uno de los máximos exponentes del cine de acción y de ciencia ficción. Esa es la pauta que secuela tras secuela se ha repetido en varios intentos fútiles de mantener viva la franquicia. Víctimas de su propia paradoja los creativos de las continuaciones de las películas de James Cameron parecen atrapados en un bucle más repetitivo que la base de una canción de reguetón. Ahora llega una nueva versión animada para Netflix que en parte repite los errores del pasado, pero que arroja un rayo de esperanza demostrado que James Cameron y William Wisher fueron unos adelantados.
Antes del boom de Internet había pocas historias que nos advirtiesen del peligro de las tecnologías inteligentes, lo que hoy conoceríamos como IAs. Por supuesto está ‘2001: una odisea en el espacio’ que se adelantó unos veinte años, pero cuando hablamos de las máquinas superando al hombre a quien aludimos es a Skynet. Nos vamos a hartar los próximos años de ver películas sobre inteligencias artificiales. No es de extrañar por lo tanto que el director Masashi Kudo (‘Bleach’, ‘Tower of God’) y el guionista Mattson Tomlin hayan magnificado ese tema en esta serie que se estrena el 29 de agosto.
La esencia de ‘Terminator’ está presente en ‘Termniator: Zero’ hasta tal punto de repetir algunas frases míticas y calcar escenarios y maquinarias. Se mantiene intacta su teoría no determinista, la cual permite dar esperanza a los humanos del futuro en la guerra contra las máquinas. Es similar al concepto de la teoría de cuerdas en el que cada nueva decisión da paso a diferentes realidades, líneas temporales alternativas, la historia re-escrita. Es por eso que una vez más retrocedemos a 1997, la fecha que conoce todo fan de Terminator por el momento en el que Skynet se conecta a la red de redes. Cambia la ubicación y los otros años a los que nos transporta. Estamos hablando de un anime por lo que nos llevan a un ficticio 2022 en el que Tokio comienza a tener máquinas inteligentes invadiendo la cotidianidad de sus habitantes. De este modo se abren nuevas posibilidades que vienen a decirnos que en lugares ajenos a Los Angeles también se sabía del problema con la IA rebelde.
‘Génesis’ y ‘Salvation’ decepcionaron por no mostrar la guerra abierta que sucedió inminentemente después de la rebelión provocada por la conexión de Skynet. De ‘Destino Oscuro’ prefiero ni hablar. En este caso, aunque sea verano, hemos de desagradecer el jarro de agua fría. La mitad de la serie es una persecución constante como las que vivió Sarah Connor. Todo transcurre entre el 4 de agosto, cuando Skynet se conecta, dirigiéndose irremediablemente hacia el 29, cuando se produce el Juicio Final que los protagonistas intentan evitar una vez más. La otra mitad es solo ligeramente más satisfactoria pues muestra el enfrentamiento contra el poder de la IA, aunque el imaginario japonés os dará una sorpresa al respecto que altera el canon de lo hasta ahora visto, al fin y al cabo esto va de buscar paradojas y cambios cruciales que salven a la humanidad.
Con ‘Terminator: Zero’ vemos un curioso contraste con USA donde hay armas por doquier y defenderse de un T-800 es relativamente más fácil en contraposición con un Japón en el que la ciudadanía rehúye de la violencia. La serie aporta esa visión diferente que se suma a una buena cantidad de escenas filosóficas, con temas siempre presentes en Terminator, pero explorados más en profundidad. Lástima que al igual que la saga original se repita con los factores familiares.
Además de los pequeños cambios, que hacen de esta una narración paralela a las originales pero lejos de su capacidad de sorprender, se agradece el estilo de dibujo escogido. La acción transcurre principalmente en el 97 y la saga nació en los 80s. Los autores han elegido un trazo noventero tanto para sus dibujos como para el diseño de toda la serie. Tanto Skydance como aquellos que han llevado al éxito a animes como ‘Ataque a los titanes’ o ‘Kaiju No. 8’, Production I.G., son los principales responsables del estilo visual de ‘Terminator: Zero’. Sobre todo se nota la influencia de otra de sus obras, ‘Ghost in the shell’, principalmente en los escenarios nocturnos y en la protagonista. Por suerte la sensación es que hay menos herramienta digital o 3D que en otra colaboración entre I.G. y Netflix como fue ‘Ultraman’.
Un títere fugitivo y un simpático perro de peluche se encuentran en Central Park iniciando una gran amistad. Juntos vivirán grandes aventuras en la ciudad de Nueva York y con el poder de su imaginación harán realidad sus sueños, demostrando que incluso los más pequeños pueden lograr grandes hazañas.
Crítica
Bonita, imaginativa y muy divertida
Central Park tiene innumerables lugares y rincones perfectos para perderse, llenos de historia y de arte. Uno de esos lugares es Swedish Cottage Marionette Theatre. Esta bonita casita, construida en pino y cedro se trata de una edificación que representó a Suecia en Filadelfia en 1986, durante la celebración del primer centenario de los Estados Unidos de America.
Este edificio ha sido cobertizo, centro entomológico hasta que en 1947 se convirtió en un Teatro de marionetas, gracias a FiorelloLa Guardia, alcalde de la ciudad en aquel momento.
Y ahora diréis… ¿Y por qué me está contando todo esto? Pues porque ‘Héroes de Central Park’, se centra en este pequeño teatro de marionetas de este gran pulmón de la Gran Manzana. Y allí conocemos a sus marionetas, que al estilo de Toy Story, están vivas y todos los días se levantan para ensayar las grandes obras de teatro que van a representar para los transeúntes de Central Park.
El protagonista principal, Don, es una marioneta que siempre hace de bufón. Cansado de ello y con un alarde de gran imaginación, marcha a la búsqueda de aventuras para demostrar que él también puede ser un héroe. Conoce por el camino a un muñeco rapero, DJ Doggy Dog, al que tendrá que enseñar que vale mucho más que una simple grabación en su espalda. Juntos deben ir al rescate de sus antiguos compañeros del teatro.
Con un gran homenaje a Don Quijote de la Mancha, andaremos por Central Park en compañía de Don, viviendo grandes aventuras en las que veremos dragones, castillos y un sinfín de situaciones sacadas de la imaginación de Don que como he comentado, al final es un gran homenaje para el hombre de la Mancha.
Una película con un gran mensaje de amistad, familiar y además que siempre tienes que seguir tus sueños, por locos que parezcan y sobre todo, confiar en tus amigos y apoyarte siempre en ellos cuando lo necesites.
La historia original es de Joel Cohen y Alec Sokolow, dos de los responsables de ‘Toy Story’ de ahí el guiño de que las marionetas estén vivas. Y la adaptación de este guion fue llevada gracias a Bob Barlen y Cal Brunker (‘La Patrulla Canina: La película’).
La animación es bastante bonita, me gusta mucho cuando Don comienza sus aventuras y nos adentramos dentro de su cabeza, pues la animación cambia dando lugar a un estilo algo 2D con un toque de dibujo a mano muy bonito. Algo que hace que nos saque de la realidad y podamos distinguir bien el momento en el que todo es una ilusión.
Luego cuando estamos en la realidad, logran meternos en Nueva York. Vemos muchos recovecos de Central Park, no solo la zona del teatro, si no lugares como el Belvedere Castle o Bethesda Terrace, entre muchos otros. Luego cabalgaremos por Manhattan, y veremos las impresionantes luces de Times Square en todo su esplendor.
Aunque es una película bastante infantil, ‘Heroes de Central Park’ entretiene también a los mayores. Yo la disfruté mucho y me divertí mucho viendo a esta pobre marioneta intentando demostrar que es un héroe pese a lo que los demás piensan de él.
A partir de el día 30 de agosto, la tendréis en los mejores cines y sin duda no dudéis de llevar a vuestros pequeños y disfrutarla junto a ellos.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de agosto de 2024. Título original: Les Inséparables. Duración: 88 min. País: Bélgica, España y Francia. Dirección: Jérémie Degruson. Guion: Joel Cohen, Alec Sokolow, Bob Barlen. Música: Puggy. Reparto principal: Eric Judor, Jean-Pascal Zadi, Ana Girardot, Chris Marques, Laurence Huby, Jean-François Lescurat, Bernard Bollet, Frédéric Phillippe, Garlan Le Martelot. Producción: nWave Pictures, A Contracorriente Films, Octopolis. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Aventuras. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-inseparables?whereToWatch=in-cinemas
Kenji Kamiyana nos adentra de nuevo en la Tierra Media con sus Rohirrim
El 13 de diciembre llega a nuestros cines la nueva película basada en las novelas de ‘El Señor de los Anillos’ gracias a Kenji Kamiyama, director de ‘Blade Runner: El loto negro’ y ‘Ghost in the Shell: Stand Alone Complex’. La película de anime original de New Line Cinema “El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim’, devuelve al público al mundo épico que cobró vida en la trilogía de ‘El Señor de los Anillos’, basada en los famosos libros de J.R.R. Tolkien.
En el reparto de voces tenemos a Brian Cox (‘Succession’) como Helm Hammerhand, el poderoso Rey de Rohan; Gaia Wise (‘Un paseo por el bosque’) como su hija Héra; y Luke Pasqualino (‘Snowpiercer’) como Wulf. Miranda Otto, que realizó una inolvidable y premiada interpretación en la trilogía de ‘El Señor de los Anillos’, retoma su papel de Éowyn, la doncella Escudera de Rohan, que hace las veces de narradora de la historia. También encontramos las voces de Lorraine Ashbourne, Yazdan Qafouri, Benjamin Wainwright, Laurence Ubong Williams, Shaun Dooley, Michael Wildman, Jude Akuwudike, Bilal Hasna y Janine Duvitski.
El largometraje está producido por la ganadora del Oscar Philippa Boyens, del equipo de guionistas de las trilogías de ‘El Señor de los Anillos’ y ‘El Hobbit’, junto con Jason DeMarco y Joseph Chou, que además de sus numerosos proyectos de animación independientes, colaboraron en la serie ‘Blade Runner: El loto negro’. Los productores ejecutivos son Fran Walsh, Peter Jackson, Sam Register, Carolyn Blackwood y Toby Emmerich. El guion es obra de Jeffrey Addiss&Will Matthews y Phoebe Gittins &Arty Papageorgiou, con historia de Addiss & Matthews y Boyens. Basada en los personajes creados por J.R.R. Tolkien. El equipo de colaboradores creativos que regresan a la trilogía también incluye a los ganadores del Oscar Alan Lee y Richard Taylor, junto con John Howe, el prestigioso ilustrador de Tolkien.
A continuación os dejamos el tráiler de la película en su versión doblada al castellano.
Sinopsis
‘El Señor de los Anillos: La Guerra de los Rohirrim’ cuenta el destino de la Casa de Helm Hammerhand, el legendario Rey de Rohan. Un repentino ataque de Wulf, un astuto y despiadado señor de los Dunlending que busca venganza por la muerte de su padre, obliga a Helm y a su gente a hacer una última y audaz resistencia en el antiguo fuerte de los Hornburg, una imponente fortaleza que más tarde será conocida como el Abismo de Helm. Héra, la hija de Helm, se encuentra en una situación cada vez más desesperada así que deberá hacer gala de una gran determinación para liderar la resistencia contra un enemigo letal que pretende destruirlos por completo.
Buena mezcla, pero le queda para septiembre el justificar su paso al anime
En su día los creadores de ‘Rick y Morty’ anunciaron que la serie tendría diez temporadas, ni una más ni una menos. Pero no se dijo nada de spin offs o versiones alternativas. Eso es lo que estamos celebrando hoy pues tras el estreno de la temporada siete el año pasado y mientras esperamos que en 2025 llegue la octava, se estrena ‘Rick y Morty: el anime’. Hemos tenido la suerte de ver los dos primeros episodios de esta nueva versión y podemos adelantaros que ambos tienen escena post-créditos. Esta nueva locura vivida por el abuelo y el nieto más perturbados del universo animado de Adult Swim es una temporada independiente que tendrá 10 episodios ampliando el mundo de ‘Rick y Morty’. Independiente ya que transcurre entre medias de dos temporadas de la serie regular, pero conservando a los personajes que vimos en la última entrega. Así pues volverá a estar la familia Smith junto a amigos y enemigos como Persona Pájaro, Tammy Gueterman, los Gromflomitas, Beth espacial…
Esta nueva temporada llega dirigida por Takashi Sano, autor de ‘Tower of God’ y algunos episodios de ‘Vinland Saga’. Tras el éxito del cortometraje ‘Rick y Morty VS Genocider’ Adult Swim le dio luz verde para esta temporada que conserva el mismo estilo. La versión en inglés se estrenará el jueves 15 de agosto a medianoche en Adult Swim y el 16 en Max en España.
Lo que nos cuenta esta nueva etapa de la serie creada en su día por Justin Roiland y Dan Harmon es cómo Rick se haya de relax entre multiversos, Morty se encuentra en una especie de bucle en el que cae enamorado de una chica que deambula por el espacio/tiempo y Summer ayuda a la versión espacial de su madre a luchar contra la federación galáctica. Como veis nada a lo que no nos tenga acostumbrado ya esta imaginativa y frenética serie. ‘Rick y Morty: el anime’ no se corta a la hora de implementar lo que para unos es ciencia ficción y para otros conspiración con teorías como las de los universos paralelos o las realidades encerradas en una simulación. Y por supuesto están las alusiones a la cultura popular, en esta ocasión centradas en ‘Ciudadano Kane’, ‘Tenet’, ‘Ready Player One’ e historias muy similares a las de Makoto Shinkai. Es por todo esto que la serie es capaz de mezclar complejidad y sensibilidad con violencia y asquerosidades.
Para los fans de ‘Rick y Morty’ aún faltan giros más locos y una violencia más explícita. Para los amantes del anime cabía esperar un tono más seinen o cercano a narraciones Shonen absurdas como ‘Bobobo’. Sin duda el opennig, que mezcla música pop y death metal, calca el de muchos animes como ‘Death Note’ o ‘Steins;Gate’. Nos recuerda a aquellos animes juveniles, por lo general de género isekai, que mezclan un sinfin de imágenes, haciéndonos tener casi un ataque epiléptico cual Simpsons en Japón.
Al pegar el salto a la animación japonesa cambian los trazos pero se respetan los diseños originales. Aparecen nuevos personajes que tienen un estilo marcadamente japonés y los que ya conocíamos tienen una línea no muy diferente a la de los adultos que veíamos en Shin Chan. La narrativa se mantiene tan loca y caótica como siempre empleando flashbacks y elipsis por doquier, al fin y al cabo es una seña de identidad de la serie. Aún falta por ver algo más del lenguaje visual habitual en los animes o de sus habituales recursos heredados del manga. Veremos si en septiembre, cuando ya hayamos visto más episodios, podemos decir que la traslación al anime está lograda y justificada debidamente con argumentos y técnicas audiovisuales que casen bien entre la serie de Adult Swim y la animación nipona.
Dentro del fandom del anime es muy valorado el poder ver las historias en japonés. Es por eso que podemos dedicar un pequeño espacio para quienes han doblado a los protagonistas tanto en japonés como en inglés.
Tom y Mary, dos hermanos huérfanos, desembarcan en Nueva York a finales del siglo XIX. Para reunirse con su tío, se aventuran como polizones en un tren por el Salvaje Oeste donde conocerán a Nick, un nuevo y extraordinario amigo que cambiará sus vidas para siempre. Juntos se embarcarán en un peligroso viaje, enfrentándose a malvados villanos, haciendo inesperados amigos y viviendo situaciones únicas en una conmovedora y divertida historia sobre la búsqueda de un hogar.
Crítica
Un western road trip con tanta aventura como emotividad
Quizá no tenga la misma repercusión o impacto en la cultura popular, pero la animación Española no tiene nada que envidiar a industrias como la americana, quien ponga eso en duda debería ver películas como ‘Robot Dreams’ o ‘Buffalo Kids’. Se lo acaba de arrebatar el corto ‘ON/OFF’ de Nicolás Pedro Villarreal pero el cortometraje ‘Cuerdas’, del cual parte ‘Buffalo Kids’, llegó a ostentar el Récord Guinness del cortometraje más premiado. Ahora, a partir de la idea de esa sencilla y bonita historia llega este largometraje.
Si con el cortometraje nos invitaron a retornar a un patio de colegio repleto de juegos como la comba, las palmas o la pelota, ahora lo directores Pedro Solís y Juan Jesús Galocha “Galo” nos transportan a un viaje por los Estados Unidos de finales del siglo XIX. Allí conocemos a dos hermanos irlandeses, huérfanos y emigrantes. Han de ir sin recursos de Nueva York a California para conocer a su tío. En esa aventura conocen a Nick, un niño con parálisis cerebral que junto a otros niños viajan en busca de unos padres de adopción. Puede que cueste creerlo, pero todo esto que parece salido de la sombría mente de Charles Dickens es un western road trip repleto de emotividad y peripecias.
La película gana aún más matices de afectividad cuando conocemos un tierno detalle. Nick realmente es Nicolás, el hijo de Pedro Solís. Coprotagonizaba el corto y también ‘Buffalo Kids’. Vale que la película se podría resumir como el tributo de un padre que quiere brindarle a su hijo una última aventura. Pero el filme, aunque tiene mucha sensibilidad, no se deja llevar por la sensiblería. Si el corto clamaba por la inclusión y la comprensión, el largometraje hace lo mismo en un escenario aún más grande, extendiendo su discurso a otros ámbitos y personas.
Los autores de ‘Tadeo Jones’ o ‘Momias’ van acercando cada vez más su estilo gráfico al de Pixar/Disney pero no tienen nada que envidiar. Alcanzando un nivel superior al de la saga ‘Tadeo Jones’ consiguen escenarios a veces fotorealistas para personajes ligeramente cabezones. El equilibrio entre caricaturización y paisaje realista está muy logrado. Con ello nos transportan efectivamente al far west de un modo que en muchas ocasiones rememora a los clásicos de los cincuenta.
Aunque hay hasta un guiño para ‘Aterriza como puedas’, ‘Buffalo Kids’ es una obra marcadamente infantil. Al fin y al cabo, busca inculcar valores de respeto e igualdad, los cuales, tampoco está de sobra recordárselos a algunos adultos. Por lo demás es rendirse a un divertimento con nativos americanos iniciándose en el fútbol, una niña la mar de revoltosa y un perro llamado pizca.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de agosto de 2024. Título original: Buffalo Kids. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Juan Jesús García Galocha, Pedro Solís García. Guion: Jordi Gasull, Javier López Barreira, Pedro Solís García. Música: Fernando Velázquez. Reparto principal (doblaje original): Alisha Weir, Sean Bean, Gemma Arterton, Stephen Graham. Producción: Atresmedia Cine, 4CatsPictures, Little Boy AIA, Anangu Grup, Mogambo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras. Web oficial:https://www.warnerbros.es/peliculas/buffalo-kids
Crunchyroll la estrena únicamente 27 de septiembre
En la historia de ‘The Concierge’ conocemos a Akino. Ella es una conserje en prácticas en los grandes almacenes Hokkyoku, un extravagante y atípico local que da servicio únicamente a animales. Bajo la atenta mirada del gerente de planta y los conserjes veteranos, Akino va de acá para allá para complacer a los clientes antropomórficos y sus inagotables deseos y problemas con el objetivo de convertirse en una conserje de pleno derecho.
Crunchyroll anunció hace dos días su intención de poner ‘The Concierge’ en cines. El estreno tendrá lugar gracias a la colaboración entre Crunchyroll y Sony Pictures Entertainment el 27 de septiembre durante un único día.
‘The Concierge’ está dirigida por Yoshimi Itazu de la productora PRODUCTION I.G (‘Ghost in the Shell’, ‘PSYCHO-PASS’, ‘HAIKYU!!’). El reparto principal de voces incluye a Natsumi Kawaida como Akino, Takeo Otsuka como Elulu y Kenjiro Tsuda como Woolly.
La galardonada película se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Animación de Annecy en junio de 2023 y su premiere norteamericana tuvo lugar en julio de 2023 en el Festival Internacional de Cine Fantasia. La película ha sido seleccionada y proyectada en diversos festivales de todo el mundo en 2023 y 2024.
Para los amantes del manga y del terror Junji Ito es un referente en activo a celebrar y cuyo trabajo seguir con un fervor casi religioso. El jhorror se mantiene vivo en gran parte gracias a sus historias, entre ellas, ‘Uzumaki’. Ahora una de las narraciones más espeluznantes del mangaka japonés cobra vida de nuevo.
En el 2000 pudimos ver un live action bastante aceptable y ahora será una serie de animación en Max la que intente transmitir el talento de este imaginador de historias de terror. El listón dejado por la serie de Netflix ‘Junji Ito Maniac: Relatos japoneses de lo macabro’ no está muy alto. Podremos ver el 28 de septiembre si Max ha calado mejor la clave del éxito de Ito.
El estreno de Uzumaki tendrá lugar en Max debido a que esta es una producción de Adult Swim. La macabra factoría de animación nos tiene acostumbrados a historias sangrientas e hilarantes. Tendrán que dejar a un lado su carácter cómico y exprimir lo más macabro de sus animadores para dejar satisfechos a los fans.
Un misterioso supervillano ha cubierto la selva con una espuma rosa que explota al contacto con el agua y… ¡queda menos de un mes para la estación de lluvias! La Jungle Bunch es llamada al rescate, ¡empieza la carrera! Nuestros héroes, a los que se unirán nuevos aliados, viajarán por todo el mundo en busca de un antídoto. Desde las lejanas regiones del Norte, hasta Europa, Asia y Oriente Medio, se embarcarán en la mayor búsqueda de su historia. Se enfrentan a un adversario muy inteligente y diabólico… pero para Maurice y sus amigos, ¡nunca ha habido tanto en juego!
Crítica
Una simpática dosis de ecologismo, humor y aventura
Mucho más conocidos en Francia por su serie, la ‘Pandilla al rescate’ es un variopinto grupo de animales salvajes que viven aventuras. ‘Pandilla al rescate’ no es la primera película que surge de este show televisivo pues ya se estrenó ‘La panda de la selva: Vuelta al hielo’ (2011) y una película con mayor repercusión como ‘The Jungle Bunch: La panda de la selva’ (2017) de la cual esta es secuela directa.
Siguiendo la escuela de títulos exitosos como ‘Madagascar’ o ‘Ice Age’ reúne a unos animales que ven sus plácidas vidas alteradas. Son animales que no solo están perdiendo su hábitat, sino que además están en peligro de extinción. A pesar de lo halagüeño que suena todo se transmite en clave de comedia pues la categoría de edades a la que está dirigida es muy baja, pero los temas que se plantean están ahí, dispuestos a sembrar una semillita ecológica.
El equipo de protagonistas lo componen un pez tigre que ha sido adoptado por un pingüino que piensa ser un tigre, un murciélago hembra gigante que lleva pegada constantemente a un tarsero hiperinteligente y enamorado, una armadillo en plan justiciero, un gorila que les sigue fielmente y una especie de ranas que hacen las veces de eternos aspirantes entusiasmados. Cual Tortugas Ninja cada miembro de este grupo heterogéneo representa una cualidad: la inteligencia, el valor, el corazón… Entre todos hacen un uno y se dedican a proteger su jungla.
Podríamos hablar de gobiernos que venden sus selvas a empresas que deforestan sin conciencia o negando el cambio climático, podríamos hablar de pirómanos que queman los montes por puro placer o al servicio de la especulación inmobiliaria. En lugar de ello, al ser una película infantil, tenemos un castor malvado que recubre la selva con una sustancia tan rosa como los chicles boomer y que tiene la peculiar propiedad de explotar al entrar en contacto con el agua. Con ello se establece una historia que intenta crear conciencia en los más pequeños, quizá también en algún que otro desalmado que aún hoy en día carece de conciencia medioambiental. Y de añadido indirecto muestra los peligros de una reacción ácido agua.
Además del alegato ecologista la trama también hace las veces de introductoria en la cultura general. Los protagonistas de ‘Pandilla al rescate’ se marcan una “Vuelta al mundo” y se hace una especie de trampantojo de puntos clave de nuestra civilización. Hay a quien le puede parecer todo esto algo bobalicón pero las producciones infantiles a menudo introducen casi de manera subliminal rasgos de nuestra cultura y de ese modo la hemos ido conociendo. Quién no ha visto de pequeño alusiones contemporáneas y anacrónicas en historias como ‘Astérix y Obélix’ o ‘Los Picapiedra’. Y por supuesto hay guiños a películas como ‘Kung Fu Panda’ o ‘Indiana Jones’, puestos ahí para enganchar a los adultos.
La película es predecible, el humor bobalicón, pero eso es si la vemos con una mente adulta. En este tipo de filmes hay que ponerse en la piel de nuestros canijos y pensar si los gags funcionan, si se van a sentir identificados con algún personaje y si la trama tiene valores educativos. ‘Pandilla al rescate’ puede que no tenga la potencia gráfica y la repercusión de un Pixar o un Dreamworks pero cumple con esos requisitos con una calidad visual y dinamismo nada desdeñables.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de mayo de 2024. Título original: Jungle Bunch: Operation Meltdown. Duración: 89 min. País: Francia. Dirección: Laurent Bru, Yannick Moulin, Benoît Somville. Guion: David Alaux, Eric Tosti, Jean-François Tosti. Música: Olivier Cussac. Distribución: VerCine. Género: comedia, aventuras. Web oficial:https://tatprod.com/les-as-de-la-jungle-2-le-film
La novela gráfica e Inio Asano se convierte en serie anime
Crunchyroll estrenará ‘Dead dead demons dededede destruction’, la historia distópica de ciencia ficción protagonizada por unas jóvenes. Tras su estreno como una película en dos partes – la Parte 1 se estrenó el 22 de marzo y la Parte 2 se estrenará el 24 de mayo solo en Japón – Crunchyroll estrenará ‘Dead dead demons dededede destruction’ estará disponible en streaming en Crunchyroll en más de 200 países y territorios en todo el mundo como una nueva serie de 18 episodios desde el viernes 24 de mayo a las 5.00 AM hora española, con el estreno semanal de episodios que incluyen nuevo metraje nunca visto en los cines.
Nominada a los Eisner Awards en 2019 y reconocida por la crítica como uno de los Mejores Mangas del Año en la Comic-Con de San Diego en 2018, Crunchyroll estrenará ‘Dead dead demons dededede destruction’ se basa en la novela gráfica original creada por Inio Asano (‘Goodnight Punpun’) y publicada por Shogakukan desde 2014 hasta 2022 con más de tres millones de copias en circulación.
Sinopsis oficial:
Mientras una misteriosa nave nodriza alienígena amenaza al mundo, las mejores amigas Kadode Koyama y Oran “Ontan” Nakagawa siguen con su vida de estudiantes de secundaria. Mientras crecen se enfrentan a preguntas existenciales, aprendiendo sobre las complejidades de la vida adulta y que la verdadera amenaza probablemente no venga de los cielos.
El anime está producido por el estudio Production +h. (‘The Orbital Children’) y está dirigido por Tomoyuki Kurokawa, conocido por su trabajo en la serie ‘PSYCHO-PASS’. La composición y el guión de la serie corren a cargo de Reiko Yoshida, cuyos anteriores trabajos incluyen las series ‘Violet Evergarden’, ‘Liz and the Blue Bird’ y la película ‘A Silent Voice’.
Otros miembros de la producción incluyen a Takaaki Suzuki (la serie ‘Violet Evergarden’) en el diseño de escenarios; el diseño de personajes y la dirección de animación de Nobutake Ito (‘INU-OH’); el diseño de color de Satoshi Takezawa (‘Digimon Adventure’); la dirección de arte de Mika Nishimura (‘Typhoon Noruda’); la dirección de efectos visuales de Satoi Inami; la fotografía de Takuma Morooka (‘Moriarty the Patriot’); el montaje de Masayuki Kurosawa (la serie de ‘Laid-Back Camp’); la dirección de sonido de Takeshi Takadera (‘[Oshi no Ko]’); y la música compuesta por Taro Umebayashi (‘Space Dandy’).
Los actores de doblaje de la serie son Lilas Ikuta (Hiro-chan en ‘BELLE’) como Kadode Koyama y ano (Memocho en ‘[Oshi no Ko]’) como Oran Nakagawa. Lilas Ikuta también es conocida como ikura, cantante y compositora de popular grupo musical YOASOBI, cuyas canciones incluyen el fenómeno mundial “Idol” de la series de anime ‘[Oshi no Ko]’, “Brave» de Frieren: Tras finalizar el viaje y “The Blessing” de ‘Mobile Suit Gundam the Witch from Mercury’. La multitalentosa actriz de doblaje ano es también una artista musical cuyo single “Chu, Tayousei.” puede oírse como uno de los temas finales de la serie de anime ‘Chainsaw Man’.
La canción original de la película “ZeZeZeZettai Seiiki”, interpretada por ano con Lilas Ikuta, también formarán parte de la nueva versión para televisión de Crunchyroll estrenará ‘Dead dead demons dededede destruction’.
El reparto de actores de doblaje incluye a:
Atsumi Tanezaki (Anya Forger en SPY x FAMILY) como Kiho Kurihara
Miyuri Shimabukuro (Carole en Carole & Tuesday) como Ai Demoto
Saeko Oki (Fumi Sanada en Case Closed (Detective Conan)) como Rin Hirama
Azumi Waki (Hinata Tachibana en Tokyo Revengers) como Futaba Takemoto
Ryoko Shiraishi (Hayate Ayasaki en Hayate the Combat Butler) como Makoto Tainuma
Miyu Irino (Ritsu Kageyama en Mob Psycho 100) como Keita Oba
Koki Uchiyama (Tomura Shigaraki en My Hero Academia) como Kenichi Kohiruimaki
Taito Ban (Jinwoo Sung en Solo Leveling) como Watarase
Junichi Suwabe (Shota Aizawa en My Hero Academia) como Hiroshi Nakagawa
Kenjiro Tsuda (Kento Nanami en JUJUTSU KAISEN) como Nobuo Koyama
Naoto Takenaka (Entei en Pokémon 3: The Movie) como Chairman
TARAKO (Momoko «Maruko» Sakura en Chibi Maruko-chan) como Debeko
Tomokazu Sugita (Gintoki Sakata en Gintama) como Isobeyan
Photocall y pack de regalo especial en los preestrenos
Adso Films, distribuidora en España de la película de los Sylvanian, nos comunica que en determinados cines los espectadores podrán disfrutar de una promoción especial. Para empezar, una hora antes de la proyección de la película se habilitará un photocall donde se podrá conocer a Freya Chocolate, la conejita que protagoniza ‘Sylvanian families la película’.
Además se darán obsequios exclusivos para aquellos que compren entrada. Puntualizar que en el comunicado de prensa que hemos recibido se indica que “Los obsequios serán entregados a todos los niños que compren una entrada”. No sabemos aún qué tipo de regalo será pero seguro que agrada a los coleccionistas de estos personajes que mantienen vivo hoy en día el hobby por las casa de muñecas.
En la imagen de acontinuación se listan los cines adscritos a esta promoción. ‘Sylvanian families la película’ llega a cines el 7 de junio.
Sinopsis oficial:
El Festival de la Estrella llega de nuevo este año a la Aldea Sylvania. Mientras todo el mundo lo espera con impaciencia, la Coneja Chocolate Freya está preocupada. El día del festival coincide con el cumpleaños de su madre y no se le ocurre ningún regalo. Además, Freya ha sido designada para el importante papel de preparar el evento principal del festival, el «Árbol del Año». Entonces, ¿qué se le ocurrirá a Freya para hacer felices a su madre y a sus amigos?
Un corto de Mabel Lozano hablando sobre su cáncer de mama
El cortometraje ‘Lola, Lolita, Lolaza’ es la manera que ha tenido Mabel Lozano de hablar sobre su cáncer garbanzo en su “Lola” izquierda. A través del humor narra de primera mano una historia que no es solo su historia, sino también la de millones de mujeres.
“Cuando era pequeña, en mi pequeño pueblo de Toledo, mi madre, muy bajito me contaba: Mira, señalando a una mujer de mediana edad, esa pobre señora tiene cáncer de mama, pero su familia no lo quiere decir. Recuerdo preguntar a mi madre, susurrando igualmente, si acaso no lo decían porque el cáncer se pegaba. Alto y claro, yo he tenido un cáncer de mama, y sí, es cierto que el humor no cura, pero ayuda, vaya que si ayuda» nos cuenta la directora, ganadora de dos Goyas a Mejor Cortometraje Documental (Biografía del ‘Cadáver de una Mujer’ y ‘Ava’”.
Chelo Loureiro, productora junto con Lozano de ‘Lola, Lolita, Lolaza’, es una de las productoras más importantes de España en materia de animación, teniendo en su haber cuatro Premios Goya, dos a Mejor Largometraje de Animación (‘Valentina’ y ‘Unicorn Wars’) y dos a Mejor Cortometraje de Animación (‘Decorado’ y ‘To Bird or Not To Bird’).
La Asociación Española Contra el Cáncer ha impulsado la iniciativa “Todos Contra el Cáncer”, un movimiento social que busca involucrar a personas, empresas e instituciones en torno a la lucha contra el cáncer y ha sido declarada por el Gobierno de España como Acontecimiento de Excepcional Interés Público (AEIP). Dentro del eje de divulgación el corto ‘Lola, Lolita, Lolaza’ es magnífico para perderle el miedo a visibilizar y normalizar la realidad social y emocional del cáncer de mama.
‘Lola, Lolita, Lolaza’ es una producción de Abano, Secuoya Studios y Mafalda Entertainment SL, con el apoyo de la Comunidad de Madrid, la Asociación Española contra el Cáncer, Novartis y Marnys.
¿Qué ocurre cuando una mente se rompe? ¿Qué designios le está esperando? ¿Estará tal vez por encima de las leyes de los hombres? A lo largo de RETAP conoceremos a un personaje atormentado que piensa que no pertenece a este mundo, y mediante unos flashbacks descubriremos quién es, o quién pretende ser. RETAP intenta contar una historia de justicia, de locura, de pasión, de venganza…
Crítica
Nace un nuevo justiciero repleto de sombras y remembranzas
Hablar de Víctor Marín es hablar de talento multidisciplinar, de profesionalidad y calidad técnica. Se le podría definir como artista conceptual, un escultor de pesadillas. El carácter de su profesión hace que su trabajo y su nombre no entre dentro de lo mainstream, pero es uno de esos titanes que hace que disfrutemos del cine, sobre todo del género fantástico, en su máximo esplendor. Tal es su influencia que acaba de recibir el nombramiento de Ciudadano Honorario de Marbella, algo que es rara avis y que se supone un logro no solo para él sino para aquellos que rompen los esquemas tradicionales.
Los perfiles técnicos casi siempre quedan alojados en las sombras de la historia del cine. Precisamente de sombras, de oscuridad, trata ‘RETAP’, un corto que es puro cine negro. ‘RETAP’ se llevó la Biznaga de Plata en el último Festival de Málaga. No es de extrañar pues este creador de monstruos sorprendió a propios y a ajenos con una curiosa propuesta. Mientras esperamos que llegue a España de algún modo la película ‘Circle line’, en la que Víctor Marín aportó el diseño del monstruo de la primera “película de criaturas” de Singapur, podemos ver este meritorio trabajo. Pero no saca a la palestra un réptil de varios metros de altura, ni un ser de las profundidades… entre manos porta otro tipo de monstruos.
En ‘RETAP’ seguimos a un hombre con la mente trastocada y atormentada. Viajamos por sus recuerdos en forma de flashbacks, por sus divagaciones y un oscuro día a día que consiste constantemente en la búsqueda de luz. El concepto de justicia se pone una vez más sobre la mesa, mostrando como esta nunca puede estar sujeta a lo subjetivo o lo sacramental. ‘RETAP’ podría formar parte perfectamente de alguna de las historias del ‘Sin City’ de Frank Miller y no es la única remembranza cinematográfica que os va a venir a la mente.
El cortometraje consiste en una mezcla de imágenes en blanco y negro con hasta tres tipos diferentes de animación. Si te presentan ‘RETAP’ con la anterior frase la idea resulta cuanto menos sugerente. Con esta apuesta Víctor Marín parece querer darle alas a nuestra imaginación pero también abre puertas al talento de la animación en todos sus formatos. La película dispone de secuencias en 2D, Stop Motion y 3D realizado con trajes de captura de movimiento. Con todas ellas viajamos a una parte diferente de los recovecos de la cabeza del protagonista, tanto en lo referido a memoria como a conciencia. Como si Víctor Marín nos quisiese decir que la mente recuerda de maneras diferentes los instantes de nuestro pasado vemos en diferentes estilos qué ha estado haciendo este nuevo justiciero.
Un nuevo antihéroe atormentado que está interpretado por Darko Perić. Aún sigue siendo un atractivo innegable el contar con un actor que ha sido parte importante de ‘La casa de papel’, más aún si le vemos encarnar a un personaje muy diferente. En poco espacio de tiempo tanto actor como guión queda dibujado. Se percibe una nítida personalidad e idiosincrasia, que por otro lado se presenta con muchos trazos difusos dado el tormento que sufre.
Por último. A parte de los sugerentes segmentos animados, otra muestra de esa apuesta por los talentos del dibujo es el cartel, obra de Nekro. Seguro que habéis visto alguna vez algo salido de sus pinceles, como el teaser poster de ‘Veneciafrenia’, que superaba con creces el cartel final.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de mayo de 2024. Título original: RETAP. Duración: 10 min. País: España. Dirección: Víctor Marín. Guion: Víctor Marín. Música: La Negra Mayté. Fotografía: Víctor Marín. Reparto principal: Darko Perić. Producción: Invictus Designs Productions, Av2Media, SchoolTraining. Distribución:ver en Filmin. Género: suspense. Web oficial:https://invictusdesignsproductions.com/en/retap-2/
De los creadores de ‘Las aventuras de Tadeo Jones’, ‘Atrapa la bandera’ y ‘Momias’
Ya podemos ver el tráiler de la nueva película de animación de los autores de ‘Las aventuras de Tadeo Jones’, ‘Atrapa la bandera’ y ‘Momias’. ‘Buffalo kids’ es un estreno para cine que parte del relato ‘Cuerdas’ (que ostenta el récord Guinnes al corto más premiado del mundo), escrito por Pedro Solís.
Codirigida por Pedro Solís y por Juan Jesús Galocha “Galo”, que anteriormente fue director de arte en ‘Cuerdas’ y en las dos primeras entregas de ‘Tadeo Jones’, y que, con ‘Buffalo kids’ se pone al frente de su segundo largometraje como co-director, después de dirigir la exitosa ‘Momias’, que se estrenó en más de 60 países con más de 55 millones de recaudación internacional en cines y es la película española con mayor distribución por parte de un estudio de Hollywood de la historia.
La historia ha sido creada conjuntamente por Jordi Gasull ganador del premio Goya y por el propio Pedro. El guion, lo escriben Jordi Gasull y Javier Barreira, que repiten el tándem de éxito tras ‘Las aventuras de Tadeo Jones’, ‘Atrapa la bandera’ y ‘Momias’.
Core Animation es el estudio de animación detrás de la película. La música corre a cargo del ganador del Premio Goya y de un Grammy Latino Fernando Velázquez.
Antes de su estreno comercial ‘Buffalo kids’ tendrá su premiere mundial en junio en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, donde se proyectará Sección Oficial Annecy Presenta, que ofrece un panorama general de la industria de animación mundial. ‘Buffalo Kids’ es una producción Atresmedia Cine, 4Cats Pictures, Littel Boy AIA, Anagu Grup y Mogambo Entertainment. Warner Bros. Pictures se encarga de la distribución.
Sinopsis oficial:
Tom y Mary, dos hermanos huérfanos, desembarcan en Nueva York a finales del siglo XIX. Para reunirse con su tío, se aventuran como polizones en un tren por el Salvaje Oeste donde conocerán a Nick, un nuevo y extraordinario amigo que cambiará sus vidas para siempre. Juntos se embarcarán en un peligroso viaje, enfrentándose a malvados villanos, haciendo inesperados amigos y viviendo situaciones únicas en una conmovedora y divertida historia sobre la búsqueda de un hogar.
Tiempos oscuros en el antiguo imperio chino. Los dragones, antaño amigos y sabios aliados de los hombres, llevan años perseguidos y enjaulados. En una lejana fortaleza, una joven ayuda al último dragón vivo a escapar de su cautiverio y se une a él en una trepidante aventura para recuperar su tesoro más preciado: el último huevo de dragón, robado por un malvado hechicero que desea el poder que en él reside para alcanzar la inmortalidad. Perseguida por los ejércitos del Emperador, esta extraña pareja se embarca en un apasionante viaje a través de China, en el que ambos aprenderán a crecer juntos y a confiar el uno en el otro para derrotar a sus enemigos y garantizar la supervivencia del linaje de los dragones.
Crítica
Una emotiva y preciosista aventura
¿A qué niño o niña no le ha gustado siempre fantasear con los dragones? ‘Cómo entrenar a tu dragón’ puso eso en evidencia. Las temibles criaturas legendarias están en casi todas las civilizaciones a lo largo del mundo. Probablemente la cultura y tradición china es la que más presente les tiene. Precisamente ahora que los que siguen el calendario lunisolar chino están en año del dragón llega ‘Dragonkeeper’. No puede ser una casualidad pues es una coproducción hispano-china de animación que cuenta con la participación de Movistar Plus+ y Atresmedia.
‘Dragonkeeper’ trata sobre Ping una niña que tiene un vínculo especial con los dragones. La aventura que propone este cuento trata de descubrir el origen y función de esa relación, pero también el rescate del último huevo que poseen los mágicos y enormes reptiles. El carácter curioso y respondón de la protagonista hace que además haya un trasunto sobre el cambiar roles y se cuestione el orden establecido.
Salvador Simó, director de ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’ y también experto artista de efectos visuales, es el director de esta potente producción. La primera novela de las seis publicadas por Carole Wilkinson sirve de base y el director ha llenado esta fábula de detalles y diseños preciosos.
‘Dragonkeeper’ arranca como muchas veces lo hacen las películas de Disney, llenando de pena nuestros corazones y con criaturas pasándolo mal. Tras eso está repleta de hechiceros, pequeños animales, soldados, habilidades jedi… Hasta su propia versión de los templarios de Osorio. A esta adaptación animada no le falta sentido de la aventura, quizá ande floja en su comedia y acción, pero no anda falta de ritmo y calidad gráfica.
Para mí el mayor acierto es el contar con Bill Nighy para dar voz al dragón y con su doblador habitual en castellano, Mario Gas. Es una jugada similar a la de ‘Dragonheart’ con Francisco Rabal. Dotan al personaje de una profundidad, dramatismo y emotividad que calan.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Dragonkeeper. Duración: 99 min. País: España, China. Dirección: Salvador Simó Busom, Jianping Li. Guion: Carole Wilkinson, Pablo I. Castrillo, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini, Wang Xianping. Música: Arturo Cardelús. Reparto principal (doblaje en castellano): Lucía Pérez, Mario Gas. Reparto principal (doblaje en inglés): Mayalinee Griffiths, Bill Nighy, Bill Bailey, Anthony Howell. Producción: China Film Animation, Guardián de Dragones A.I.E., Atresmedia Cine, Movistar Plus+.
La distribuidora Adso Films estrenará en cines el 7 de junio ‘Sylvanian Families la película: el regalo e Freya’. Se trata de la primera película sobre la mundialmente famosa línea de juguetes Sylvanian Families, que agrupa a los encantadores y refinados muñecos de familias de animales coleccionables, que se caracterizan por sus múltiples y exquisitos accesorios, vehículos, casas y muebles, entre otros. Estas adorables criaturas peludas del tamaño de la palma de la mano salieron a la luz por primera vez en 1985 y están fabricadas por EPOCH, empresa japonesa de juguetes responsable también de la producción y distribución de los juguetes de Super Mario. El sello de Sylvanian Families ha recibido en múltiples ocasiones prestigiosos galardones como el de mejor juguete.
‘Sylvanian Families la película: el regalo e Freya’es sin duda el proyecto definitivo que rinde homenaje a la marca y enfatiza conceptos como la naturaleza, la familia y el amor. La película está dirigida por Kazuya Konaka (conocido por estar al frente de la saga de Ultraman y la serie Astro Boy). Está producida por el estudio de animación japonés Frebari junto con el Comité de Producción de «Sylvanian Families The Movie» (sic) a partir de un concepto original de EPOCH. Japón estrenó el film en cines el 23 de noviembre de 2023.
‘Sylvanian Families la película: el regalo e Freya’ transcurre durante el Festival de las Estrellas que se celebra anualmente en la Aldea Sylvanian. Mientras todos esperan ansiosos el evento más importante del año, a Freya, la niña Conejo Chocolate, se le suma otra preocupación: encontrar el regalo perfecto de cumpleaños para su madre. Deberá encontrar una solución para hacer felices tanto a su madre como a sus amigos.
Sylvanian viene de la palabra «sylvan», que significa «del bosque», aunque hay que tomarse esta etimología con cautela. El clan Sylvanian no sólo está formado por familias de conejos, ardillas y ratones, sino también por pandas, pingüinos y focas, entre otros. Hasta la fecha, se han creado más de 100 familias y todas ellas conviven felizmente en plena naturaleza en la Aldea Sylvanian. La familia más conocida y best seller es la de Conejo Chocolate y el personaje con mayor protagonismo es Freya.
Sylvanian Families es mundialmente conocido y ha ido creciendo a lo largo de los años. De hecho, las niñas que jugaban en la década de los ochenta y noventa y que ahora son madres ven a sus hijos jugar con el mismo sello de juguetes. Por ejemplo, en el país nipón, el 93% de las madres con hijos entre 3 y 6 años es conocedora de la marca. Desde 1985 hasta 2022, más de 200 millones de muñecos y más de 30 millones de casas han sido vendidos en todo el mundo. En España, los juguetes de Sylvanian Families son líderes en su categoría. Su target principal es el infantil, en especial, entre usuarios de 3 y 10 años, pero existe también un público adulto coleccionista.
Sinopsis oficial:
El Festival de las Estrellas llega de nuevo este año a la Aldea Sylvanian. Mientras todo el mundo lo espera con impaciencia, la Coneja Chocolate Freya está preocupada. El día del festival coincide con el cumpleaños de su madre y no se le ocurre ningún regalo. Además, Freya ha sido designada para el importante papel de preparar el evento principal del festival, el «Árbol del Año». Entonces, ¿qué se le ocurrirá a Freya para hacer felices a su madre y a sus amigos?
Hoy hemos pasado el día metidos en los mk2 Cines Paz. Todo el Sombra Madrid ha celebrado allí su día de clausura un día después del anuncio de su palmarés. Y salvo en ‘Mars Express’, la película de animación que debéis ver en cuanto se distribuya por España, hemos estado acompañados por los artífices de los filmes. Sofía Alaoui ha presentado ‘Animalia’, Richard Stanley nos ha hablado de ‘Hardware’ y el equipo de ‘Os reviento’, con su protagonista Mario Mayo, nos ha hablado de su película en el momento más loco de todo el festival. Gran cierre. A continuación, tenéis entrevista con todos ellos y opinión de las películas.
Esta primera incursión del festival Sombra en Madrid ha sido notable. Con una selección de películas muy buena y una cantidad de invitados potente, los cuales además han estado accesibles en todo momento, que es lo que caracteriza y agradece siempre el público de este tipo de eventos. Por fin la familia del fantástico se ha podido reunir en torno al género que le apasiona. Salvo catástrofe es fácil pronosticar que viviremos otra edición en 2025.
Animación europea al más puro estilo ‘Ghost in the shell’, ‘Appleseed’, ‘Blame’ y similares. Implantes cibernéticos, robots, paneles holográficos y cables hasta en la sopa. Un mundo cyberpunk que ha llegado a Marte, lugar donde una agente de la ley ha de llevar a una prisionera y desentrañar una trama de conspiraciones y muertes. El diseño es distinto que el de la animación japonesa, como vemos en los ojos o en las texturas, pero esta película bien podría estar ambientada en el universo de Motoko Kusanagi o de Korben Dallas.
Es un no parar de descubrir inventos e ideas tecnológicas. Consiste en un neo noir con tintes de Asimov y ‘Cyberpunk 2077’, de hecho bien podría ser una O.V.A. relacionada con el videojuego de CD Projekt. Pero la trama policial, al consistir en la resolución de un asesinato y la persecución de un ser artificial, recuerda más a ‘Blade Runner’. Y todo el entramado de hackers y e inteligencias artificiales nos remonta al anime de Masamune Shirow. La estética es cromáticamente más optimista pero muchas de las cuestiones que planteaban Philip K. Dick y el famoso anime salen a la luz. Jéremie Perin crea su propio mundo futurista en el que la humanidad está sometida a la tecnología y a un destino que hemos visto en anteriores producciones. Pero ‘Mars express’ es capaz de volar por su cuenta y ser constantemente sugerente.
‘Animalia’ es el primer largometraje de la guionista y directora marroquí Sofia Alaoui. Con este filme embarca al público en un enigmático y desconcertante viaje a través de un fenómeno meteorológico nunca identificado que trastoca la vida de la protagonista. Alaoui subvierte las expectativas alejándose de los típicos clímax llenos de acción. Se adentra en un territorio casi ascético, dejando al espectador con preguntas persistentes. Los pormenores de la película sobre la religión, las clases sociales y el papel de la mujer en el Marruecos contemporáneo añaden profundidad a la narración. ‘Animalia’ es una película de contrastes entre los nuevos ricos y los orígenes humildes.
Si ‘Animalia’ engancha es gracias a como juega con la ambigüedad de las preguntas que plantea. Y sobre todo por como Alaoui capta la belleza descarnada del paisaje marroquí. Visualmente es cautivadora, con una fotografía potente, una escenografía cuidada y un tratamiento de la imagen muy conciso. Con todo esto lo que parece que está subrayando la directora es la vulnerabilidad de Itto frente a la furia de la naturaleza. Extrae el carácter fotogénico de la actriz protagonista, Oumaïma Barid, que destaca entre múltiples planos de simetría kubrickiana.
De contenido fantástico ‘Animalia’ va muy justa, pero de valores que desafían las convenciones está muy bien armada. Si nos atenemos a esa faceta podríamos decir que va en la línea de ‘Jupiter’s moon’.
Siendo el día del cómic teníamos que tener alguna cinta que le hiciese honor en Sombra Festival que junto a Aeterna, han traído ‘Hardware’ de Richard Stanley. Está basada en el cómic ‘SHOK!’ de Steve MacManus y Kevin O’Neill.
La primera película del director, nos lleva a un futuro apocalíptico, en el que sobreviven unos pocos pese a la sequía y las guerras que ha habido en toda la Tierra. Viven como chatarreros buscando pequeños tesoros electrónicos para reutilizarlos. Uno de ellos encuentra una extraña cabeza robótica que se convertirá en un gran peligro, ya que es una máquina de matar.
La película se me ha hecho un poco densa la verdad, hay momentos en los que no avanza absolutamente nada. Pero sí que es cierto que tiene imágenes muy potentes. Con una gama de colores bastante oscura, nos muestra una ciudad bastante sucia y demacrada por todo lo que ha sucedido a lo largo de los años.
El diseño del robot es muy chulo y en general toda la producción está cuidada al detalle. La música es bastante onírica y llamativa.
Ya lo decía Will Smith en ‘Cocussion’, que tantos golpes en la cabeza no son buenos. El protagonista de esta película es un exboxeador que se ha ganado a pulso el nombre de “Tarado”. Kike Narcea nos brinda una película llena de acción y comedia en la que esboza a un antihéroe, de esos que están resignados a un destino vinculado a la delincuencia. Una propuesta sencilla que viene edulcorada con nombres clásicos del fantástico español como son Antonio Mayans, Lone Fleming y Javier Botet, el cual marca la pauta cómica desde la primera escena y para el resto del filme.
Es de esa acción cruda que está rodeada de enredos y lances fortuitos. Evidentemente se puede asociar a películas para fans de la acción pura y dura pero quizá también habría que decir que se percibe influencia de Guy Ritchie por esos personajes que filosofean mientras vomitan jerga callejera y sus continuas situaciones confusas. Mario Mayo está estupendo como protagonista, pero ‘Os reviento’ podría estar perfectamente protagonizada por Vinnie Jones.
Si antes decía que los golpes no son buenos para el cerebro, yo pido porque me den más bofetadas como esta. Lo de ‘Os reviento’ se agradece, su sinceridad, su entrega, su sentido del humor, su sencillez, su españolización de un género monopolizado por el mercado anglosajón… una propuesta que debería ser más frecuente.
Después de tres peligrosas aventuras desafiando a la muerte y derrotando a supervillanos con su inigualable coraje y su impresionante dominio de las artes marciales, Po, el Guerrero del Dragón (con voz en VO del nominado a los Globos de Oro Jack Black y de Florentino Fernández en la versión doblada al español) se encuentra con que el destino le llama… a tomarse un respiro. Más concretamente, le ofrecen convertirse en el líder espiritual del Valle de la Paz.
La propuesta le plantea un par de problemas obvios. Primero, Po sabe tanto de liderazgo espiritual como de dietas, y segundo, necesita encontrar y entrenar lo más rápido posible a un nuevo Guerrero del Dragón antes de poder ocupar su prestigioso y flamante nuevo cargo.
Por si fuera poco, últimamente ha aparecido una malvada y poderosa hechicera llamada la Camaleona (Viola Davis en VO, ganadora del Premio Oscar®), una diminuta sabandija que puede transformarse en cualquier criatura, grande o pequeña. Y la Camaleona ha puesto sus codiciosos y minúsculos ojos de canica en el Báculo de la Sabiduría de Po, que podría darle el poder de invocar a todos los maestros villanos que Po derrotó y desterró en su día al reino de los espíritus.
Crítica
Una cuarta entrega que sigue dando el mejor kung fu
Dirigida por MikeMitchell (‘Trolls’) y codirigida por StephanieMaStine (‘She-Ra y las princesas del poder’), la película nos trae de nuevo a nuestras salas de cine a Po, esta vez para enfrentarse a una gran enemiga que se lo va a poner muy difícil.
La película comienza con un gran problema para nuestro gran oso panda y es que debe buscar su relevo como Guerrero del Dragón y así poder ser un gran líder espiritual del Valle de la Paz. Algo que no le hace demasiada gracia a Po. Mientras tiene que resolver este pequeño asunto, una despiada hechicera, Camaleona, quiere hacerse con el dominio del mundo. Pero Po, no estará solo, conocerá a la astuta ladrona, Zhen, un ejemplar de zorro corsac, que le ayudará a salvar todo su mundo conocido.
JonathanAibel y GlennBerger (guionistas de toda la saga ‘Kung Fu Panda’) junto con DarrenLemke (‘Shrek 4’) firman un guion muy divertido y con muchos nuevos personajes, pero también recuperan antiguos villanos de las anteriores películas.
No pierden el espíritu de la saga, donde conocemos un Po entusiasta por todo, muy positivo y al que le gusta su trabajo como Guerrero del Dragón. Pero también sigue siendo bueno y por ello muchas veces se deja engañar de la manera más fácil.
La película nos habla de la amistad, de esa que aparece de repente y sin pensarlo y también del aprendizaje, de saber terminar las cosas, aunque nos encanten y dar un paso hacia una nueva aventura.
La película la hemos visto con el doblaje en castellano, en la que escuchamos a FlorentinoFernández como el gran oso panda. En el doblaje original encontramos las fantásticas voces de JackBlack, como Por, Awkwafina, como Zhen y ViolaDavis como la malísima Camaleona.
La música vuelve a estar en manos de HansZimmer esta vez junto a SteveMazzaro, los cuales crean una banda sonora bastante divertida y nueva. Por supuesto con canciones de las anteriores películas, pero sin repetir demasiado.
En el ámbito de la animación, algo que me gusta cuando veo diferentes secuelas, es como va mejorando ésta. En este caso vemos la perfección de los pequeños detalles, el pelo de los animales, los movimientos, se hacen más gráciles y reales.
En general me lo he pasado genial viendo ‘Kung Fu Panda 4’. Muchas veces cuando hay tantas secuelas suelen perder fuerza y sin duda esta ha sido la excepción. La película llega el próximo 8 de marzo y ya no solo la recomiendo a los más pequeños, sino también a los mayores. Además, aunque sea la cuarta entrega no hace falta haber visto el resto de películas y eso se agradece.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de marzo de 2024. Título original: Kung Fu Panda 4. Duración: 94 min. País: Estados Unidos. Dirección: Mike Mitchell, Stephanie Ma Stine. Guion: Jonathan Aibel, Glenn Berger y Darren Lemke. Música: Hans Zimmer y Steve Mazzaro. Reparto principal: Jack Black, Awkwafina, Viola Davis, Dustin Hoffman, Bryan Cranston, James Hong, Ian McShane, Ke Huy Quan. Producción: DreamWorks Animation, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: Comedia. Web oficial:https://www.universalpictures.es/micro/kung-fu-panda-4
DreamWorks Animation ha convertido ‘Robot salvaje’, el fenómeno literario de Peter Brown, en película para la gran pantalla. Chris Sanders responsable de películas como ‘Cómo entrenar a tu dragón’ o ‘Los Croods. Una aventura prehistórica’ ha sido el encargado de esta nueva película de animación que estará en cines de España el 11 de octubre de este año distribuida por Universal Pictures.
Para ponerle voces a los protagonistas se ha reunido a un casting de caras conocidas entre las que están Lupita Nyong’o (‘Nosotros’, ‘Black Panther’) en el papel de la robot Roz; Pedro Pascal (‘The Last of Us’, ‘The Mandalorian’) dando voz al zorro Fink; Catherine O’Hara (‘Schitt’s Creek’, ‘Best in Show’) interpretando a la zarigüeya Pinktail; Bill Nighy (‘Living’, ‘Love Actually’) como el ganso Longneck; Kit Connor (‘Heartstopper’, ‘Rocketman’) dando vida a la cría de ganso Brightbill y Stephanie Hsu (‘Todo a la vez en todas partes’, ‘El especialista’) encarnando a Vontra, una robot que se cruzará en la vida de Roz en la isla. Además trabajan en ‘Robot salvaje’ Mark Hamill (‘Star Wars’, ‘El chico y la garza’), Matt Berry (‘Lo que hacemos en las sombras’) y Ving Rhames (‘Misión imposible’).
‘Robot salvaje’ es una novela ilustrada juvenil publicada por primera vez en 2016, se convirtió en todo un fenómeno, ascendiendo rápidamente al número 1 de la lista de best sellers de The New York Times. Desde entonces, el libro ha inspirado una trilogía que ya incluye ‘El escape de la robot salvaje’ y ‘The Wild Robot Protects’. La saga ‘Robot salvaje’ y sus otros best sellers le han valido a Brown una distinción Caldecott Honor, un premio Horn Book, dos premios E.B. White, dos distinciones E.B. White, un premio Children’s Choice al Mejor Ilustrador del Año, dos distinciones Irma Black, un premio Golden Kite y un premio The New York Times al Mejor Libro Ilustrado.
Sinopsis oficial:
Esta épica aventura nos descubre el viaje de una robot (la unidad ROZZUM 7134 o «Roz») que ha naufragado en una isla deshabitada y deberá aprender a adaptarse al duro entorno, forjando poco a poco relaciones con la fauna local y convirtiéndose en madre adoptiva de una cría de ganso huérfana.
Sony Pictures nos ha enviado un nuevo tráiler de ‘Garfield’ doblado al castellano. Hace años que concluyó la serie animación (1988) que adaptaba las tiras de Jim Davis y la película en acción real (2004) que en España dobló Carlos Latre. Ahora, para hacernos olvidar ese fallido proyecto llega esta versión animada que ha dirigido Mark Dindal (‘The Emperor´s New Groove’, ‘Chicken Little’). El gato más vago el mundo llegará a cines el día del trabajador, el 1 de mayo.
En versión original Garfield llegará con la voz de Chris Pratt. Por otro lado, el casting de voces en castellano contará con Santiago Segura para doblar a este amante empedernido de la lasaña. Segura ya ha trabajado en anteriores ocasiones para Sony doblando personajes como Red de ‘Angry Birds’ o el sherlock de ‘Holms & Watson’. Además es la distribuidora con la que está estrenando sus comedias familiares. Podéis verlo y escucharlo a continuación.
Sinopsis oficial:
El mundialmente famoso Garfield, el gato casero que odia los lunes y que adora la lasaña, está a punto de vivir una aventura ¡en el salvaje mundo exterior! Tras una inesperada reunión con su largamente perdido padre – el desaliñado gato callejero Vic (con la voz de Samuel L. Jackson) – Garfield y su amigo canino Odie se ven forzados a abandonar sus perfectas y consentidas vidas al unirse a Vic en un hilarante y muy arriesgado atraco.
Hoy se estrena la esperadísima serie documental ‘The Leveling of Solo Leveling’. Se puede ver en exclusiva en Crunchyroll. Esta serie de dos partes profundiza en el cautivador viaje de la exitosa serie de anime ‘Solo Leveling’, una historia que ha trascendido sus raíces originales como novela web para convertirse en uno de los animes más celebrados del año.
Desde Corea y Japón, ‘The Leveling of Solo Leveling’ ofrece una exhaustiva mirada a la evolución de esta popular franquicia. Explorando sus inicios como novela web novel hasta su éxito como webtoon y ahora en su última encarnación como anime, el documental supone una visión privilegiada del fenómeno que ha capturado los corazones de los fans en todo el mundo.
En colaboración con AllSo, una productora con sede en París conocida por sus innovadoras experiencias digitales y documentales, Crunchyroll presenta una mirada en profundidad del ascenso de ‘Solo Leveling’. AllSo aporta su experiencia, habiendo trabajado en proyectos de la cultura popular con grandes empresas como Ubisoft y Red Bull, asegurando una profunda experiencia narrativa.
La serie documental muestra entrevistas con más de 20 personas, desde los fans hasta los creadores y productores tras ‘Solo Leveling’. Los espectadores se verán transportados hasta Corea, donde el documental visita D&C Media y Redice Studio, descubriendo la transición de Solo Leveling desde el texto hasta el arte. La narrativa se traslada después hasta Japón, con declaraciones de los equipos de Crunchyroll, Aniplex y A-1 Pictures, así como del director del anime Shunsuke Nakashige, que ofrece una mirada detrás de las cámaras al proceso de adaptación.
Mientras el mundo espera ver cómo se desarrolla la saga de ‘Solo Leveling’, esta serie documental demuestra el compromiso de Crunchyroll con la celebración y la exploración de la profunda cultura del anime.
Una maravilla para fans y una gran aventura para los nuevos espectadores
Este próximo 22 de febrero llega una de las series que más esperaba desde hace mucho, el live action de ‘Avatar: La leyenda de Aang’. Y es que en 2005 estrenaron una serie de animación, en la que el joven Aang, tiene que afrontar su destino como Avatar y controlar los elementos para salvar un mundo en guerra, además de enfrentarse a un despiadado enemigo decidido a pararle los pies, pero como todas las series e historias, su trasfondo es mucho más profundo y la verdad que es sin duda una de mis series favoritas.
Y diréis, no vas a ser nada objetiva en tu crítica y puede ser que tengáis razón, pues la adaptación de esta serie por parte de Netflix me ha gustado muchísimo.
Esta primera temporada cuenta con 8 episodios y condensa perfectamente los 20 episodios de la primera temporada de la serie animada. Sin ninguna complicación nos explican perfectamente todo lo que vimos en la animación. Donde conocemos a las distintas tribus en este mundo lleno de magia y fuerzas de la naturaleza. Agua, fuego, aire y tierra son los cuatro elementos que nuestro protagonista tiene que aprender a manejar. Le acompañaremos en un viaje de aprendizaje con dos compañeros bastante especiales, Sokka y Katara. Dos jóvenes de una de las tribus del agua que le ayudarán a escapar del temible emperador del fuego.
Una serie llena de aventuras y con una imaginativa tremenda, donde veremos criaturas tremendamente llamativas y unos lugares llenos de contrastes. El vestuario muy bien trabajado, nos muestra los diferentes pueblos a través de sus colores.
‘Avatar: La leyenda de Aang’ es muy entretenida y con unos protagonistas muy carismáticos. Eso sí, quizás el pero más grande que le pongo, es que le falta algo de humor, y es que al final, la serie de animación, tenía un humor un tanto tontorrón que supongo que a este live action le han querido quitar para hacerlo algo más serio. Pero aun así, es algo que no estropea para nada la trama.
En el reparto encontramos a GordonCormier, Kiawentiio, IanOusley, DallasLiu, PaulSun–HyungLee, DanielDaeKim, KenLeung o ElizabethYu entre otros. Todos estupendos en sus respectivos papeles. Sin duda me quedo con Dallas Liu y Paul Sun-Hyung Lee, encargados de dar vida a Zuko y a su tío Iroh, dos personajes con un pasado bastante triste, que intentan sobrevivir juntos.
Aunque soy una defensora de la película de Shyamalan, tengo claro que esta serie es muchísimo mejor que su versión. Pero sin desmerecer la cinta del cineasta, por supuesto, que tenía muchas virtudes.
También una de las cosas buenas es el CGI, se nota mucho el gran trabajo realizado por los distintos equipos de efectos visuales. Appa, el gran bisonte alado, me parece una maravilla, la manera en la que se le mueve el pelo y el como están todas las criaturas insertadas en la realidad es perfecto. Y por supuesto, muchos más efectos especiales que no notamos. Como digo, ‘Avatar: La leyenda de Aang’ me parece una maravilla y quedo a la espera de las nuevas temporadas.
En el museo Hermitage hay un escuadrón de felinos que protegen las obras de los roedores desde hace siglos. La casualidad lleva al gato Vincent hasta allí tras sufrir un accidente, pero no llega solo, ¡sino acompañado de un ratoncito llamado Maurice! Su pequeño amigo le ha salvado la vida, por lo que se ve envuelto en una encrucijada: los felinos del museo quieren acabar con él, pero Vincent está en deuda con su pequeño amigo, por lo que decide esconderlo, aun a sabiendas de que Maurice es un apasionado devorador de arte, literalmente… Todo se complica ante la llegada de una de las obras maestras más famosas de la historia, La Gioconda. Nadie sospecha que en realidad no es precisamente este ratón su mayor peligro, ¡alguien pretende robarla! ¿Qué hará Vincent para protegerla?
Crítica
Una historia de amistad que vende muy bien al Hermitage
El prestigioso museo ruso del Hermitage tiene unos curiosos custodios, unos gatos. Y es que ni esa prestigiosa institución está a salvo de una indeseada visita. No me refiero a la masificación de turistas armados con peligrosos palos selfie o a británicos beodos, sino a las ratas. La llegada de un ratón devorador de arte (literal) no es el mejor augurio para recibir una de las obras de arte más admiradas por el ser humano, La Gioconda. En la encrucijada de defender a su amigo ratón o de anteponer otro tipo de intereses se ve el gato protagonista de la película, que se llama Vincent, en homenaje a Van Gogh.
Sin duda esta es una película dirigida al público más joven. ‘Guardianes del museo’ es una obra sobre la amistad y la concordia que tiene como telón de fondo el arte pictórico y escultórico. Una fórmula que siempre ha funcionado bien, desde series como ‘Érase una vez… los inventores’ hasta películas como ‘Noche en el museo’. A través de la narración en primera persona con la voz en off del protagonista, varias rupturas de la cuarta pared y algo de acción mezclada con comedia consigue entretener moderadamente. Sin duda a espectadores infantiles puede encandilarles a través de su diversidad de simpaticones personajes, colores y el indudable encanto de los clásicos del arte. Los momentos de humor físico y aquellos en los que los cuadros cobran vida, a lo recortables de los Monty Python o Hogwarts, son los más divertidos.
El museo que sirvió de hogar a varias emperatrices de Rusia es ahora uno de los emplazamientos culturales más visitados del mundo. La película sirve de panfleto que le vende estupendamente, ahora que Rusia tiene tan mala fama a causa de la guerra que mantiene contra Ucrania. Evidentemente la película no esgrime ningún argumento relacionado con el conflicto armado. Pero si tiene que ver con la tolerancia a los que son distintos y lo irracional que es defender un territorio basándose en un pasado muerto y los prejuicios. Ojalá fuese profeta en su tierra. Además explota una curiosidad real, la presencia de gatos en el museo desde el siglo XVIII, para hacernos pasear por el arte de Amadeo Modigliani, Da Vinci, Aleksandr Pushkin, Gauguin…
‘Guardianes del museo’ cuenta con el guionista Gerry Swallow y el diseñador de personajes Robin Joseph. Entre ambos cubren títulos como ‘Ice Age 2’, ‘Mascotas’ o ‘Gru: mi villano favorito’. Pero han ido a parar a una producción gráficamente muy inferior a las que figuran en su currículum. El diseño de personajes es de serie de televisión o de película 3D de hace más de 20 años, de los tiempos de ‘Shrek’. Los gatos parecen peluches de supermercado y están mucho mejor elaborados los escenarios. Antes decía que el nombre del protagonista podía proviene de un homenaje al pintor impresionista pero también podría hacer alusión a Vicent Price. No lo digo por el terror, aunque bastante miedo puede darnos que un roedor devore obras magnas y tesoros históricos. Lo digo porque el actor solía hacer películas de bajo presupuesto y en este caso la calidad de la animación denota falta de recursos. Puede recordar a los primeros pasos de ‘La Patrulla Canina’, pero por supuesto no olvidemos que no se puede agraviar a un filme por la dimensión de su producción. Si uno es consciente de a qué público va dirigida ‘Guardianes del museo’ y los límites que tiene su animación no saldrá nada defraudado de pasar el rato en familia en el cine, sobre todo si aprecia los valores artísticos y fraternales que pretende inculcar.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de febrero de 2024. Título original: Koty Ermitazha. Duración: 80 min. País: Rusia. Dirección: Vasiliy Rovenskiy. Guion: Elvira Bushtets, Fyodor Derevyanskiy, Vasiliy Rovenskiy, Gerry Swallow. Música: Anton Gryzlov. Reparto principal (doblaje original): Roman Kurtsyn, Polina Gagarina, Pavel Priluchnyy, Diomid Vinogradov, Aleksandr Gavrilin, Anton Eldarov. Producción: Licensing Brands. Distribución: VerCine. Género: comedia, aventuras. Web oficial:https://fragmanizlesene.com/kediler-muzede-filmi/
Aline Ruby es una testaruda detective privada, y su compañero Carlos Rivera lleva muerto cinco años, pero se ha ‘reencarnado’ en el cuerpo de un robot. Ambos se encuentran en una carrera contrarreloj hacia Marte. Su misión inicial es encontrar a Jun Chow, una estudiante de cibernética a la fuga, antes de que los asesinos que le pisan los talones puedan atraparla. Sin embargo, lo que los investigadores descubren por el camino es más grande de lo que ninguno de los dos podía esperar.
Crítica
Cautivadora aventura de ciencia ficción metafísica
Animación europea al más puro estilo ‘Ghost in the shell’, ‘Appleseed’, ‘Blame’ y similares. Con implantes cibernéticos, robots, paneles holográficos y cables hasta en la sopa. ‘Mars Express’ es una cautivadora aventura de ciencia ficción que lleva al público a un emocionante viaje rumbo al planeta rojo. En este mundo cyberpunk la humanidad ha llegado a Marte, lugar donde una agente de la ley ha de escoltar a una prisionera y desentrañar a la vez una trama de conspiraciones y muertes.
‘Mars Express’ destaca de otras aventuras actuales dentro del género cyberpunk por su atención a la precisión científica y su descripción de los retos inherentes a la exploración espacial y humana. Desde los intrincados detalles del diseño de la nave espacial hasta la carga psicológica, la película sumerge al espectador en la realidad de la vida más allá de la Tierra. Consiste en un neo noir con tintes de Asimov y ‘Cyberpunk 2077’, de hecho bien podría ser una O.V.A. relacionada con el videojuego de CD Projekt Red.
He arrancado esta reseña asimilándola a diversos animes pero el diseño es distinto que el de la animación japonesa. Esta es una producción europea, francesa en concreto, y detalles como el trazo de dibujo, los ojos o las texturas revelan su origen. No obstante hay influencias orientales, a si es que podríamos decir que esta película podría estar dentro del canon de universos como los de Motoko Kusanagi o de Korben Dallas. La estética es cromáticamente más optimista pero muchas de las cuestiones que planteaban Philip K. Dick salen a la luz.
Jéremie Perin crea su propio mundo futurista en el que la humanidad está sometida a la tecnología y a un destino que hemos visto en anteriores producciones. Pero ‘Mars express’ es capaz de volar por su cuenta y ser constantemente sugerente. Es un no parar de descubrir inventos e ideas tecnológicas. Pero la trama policial, al consistir en la resolución de un asesinato y la persecución de un ser artificial, recuerda más a ‘Blade Runner’. Y todo el entramado de hackers y e inteligencias artificiales nos remonta al anime de Masamune Shirow. Y es que donde brilla de verdad este largometraje de animación es en su exploración de la experiencia humana. A medida que avanza la trama se profundiza en temas como el sacrificio, la resistencia y el espíritu indomable de la exploración. Aunque a algunos les parezca que el ritmo de la película es lento a veces, sobre todo al centrarse en los entresijos de la misión, otros apreciarán la oportunidad de sumergirse en temas metafísicos.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 e mayo de 2024. Título original: Mars Express. Duración: 85 min. País: Francia. Dirección: Jérémie Périn. Guion: Laurent Sarfati, Jérémie Périn. Música: Fred Avril, Philippe Monthaye. Reparto principal (doblaje original): Léa Drucker, Mathieu Amalric, Daniel Njo Lobé, Marie Bouvet, Sébastien Chassagne, Marthe Keller, Geneviève Doang, Producción: Everybody on the deck, Je Suis Bien Content, Ev. L Prod, Plume Fiance, France 3 Cinema, Shine Conseils, Gébéka Films, Amopix. Distribución: Flamingo Films. Género: ciencia ficción. Web oficial:https://flamingofilms.es/film/mars-express/
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