‘Resident Evil: oscuridad infinita’ es un episodio más en la historia de la franquicia pero eso no le resta valor. Esta miniserie que puede verse desde el 8 de julio en Netflix viene a continuar la película ‘Resident Evil: Vendetta’ y por lo tanto es secuela directa también de los videojuegos.
Son 4 episodios de unos 26 minutos cada uno en los que la saga explora más allá de Racoon, Umbrella, S.T.A.R.S., Estados Unidos…, algo que se ha hecho antes pero que se hace de una manera más respetuosa con los videojuegos que las películas de Paul W.S. Anderson. Esta fidelidad es la que estamos esperando de la nueva película de acción real pero mientras aguardamos esa readaptación más fidedigna tenemos una aventura que sigue muy bien los pasos de los juegos.
Y sorprende que uno acabe la serie (que tiene un cierre conclusivo) y se quede con la impresión de haber jugado al juego tras analizar las etapas por las que pasa. Hay capítulos que se enmarcan en ubicaciones o situaciones atípicas para el videojuego de Capcom. ‘Resident Evil: oscuridad infinita’ empieza al más puro estilo ‘Black Hawk derribado’, para convertirse en ‘Objetivo: la Casa Blanca’, plantearse como una ‘Guerra mundial Z’ y transformarse en una contienda con un final boss (muy a lo Cosa del Pantano) que si bien se veía venir podría incorporarse fácilmente al próximo videojuego.
Si no has visto ‘Resident Evil: Vendetta’ no pasa nada porque coges rápido la historia que ha producido el mismísimo Hiroyuki Kobayashi y dirigido Eiichiro Hasumi quien ha elaborado el guión con Shogo Muto. Es una historia de viaje por el mundo, investigación y sobre todo acción en el que la trama no es compleja pero se encaja bien en las aventuras de Leon, Claire y los demás personajes relacionados con la guerra de Penamstan. Si eres muy seguidor de la saga te va a gustar, sobre todo porque podría considerarse canon.
Seguidor o no de la franquicia ‘Resident Evil: oscuridad infinita’ probablemente te guste, sobre todo si te gusta el género zombie y la acción. Sin necesidad de masificar sus escenas y de extenderse demasiado en metraje (podría verse como una película de dos horas) nos cuenta una historia donde las escenas de acción revelan un gran trabajo de animación. No es solo por el hecho de observar detalles en objetos o personajes, es también por el gran trabajo de iluminación y movimiento que se ha hecho. Hay escenas que se acercan a la fluidez y nitidez de grabaciones reales, momentos al más puro estilo cámara en mano (como la secuencia del submarino) que seguro que vais a gozar. Si habéis jugado a juegos de la saga o a otras obras que incluyen potentes cinemáticas entre pantalla y pantalla vais a tener la sensación de estar esperando a que os den la orden de coger el mando.
La trama tiene conspiraciones gubernamentales, investigaciones en China, un brote virulento, chips en armas biológicas… esto parece que lo ha escrito alguien de QAnon. Tal es así que llegamos a ver los cuadros de Washington salpicados de sangre. Me ha gustado este episodio que nos enlaza varios juegos y con lo que me quedo es con las ratas del submarino, aunque no me gustaría encontrármelas en mi próxima incursión zombie.
Incluido teaser y fecha de estreno de la segunda temporada y la versión animada
Ayer, Netflix y CDPR se asociaron para celebrar la primera edición de la WitcherCon. El evento, retransmitido en todo el mundo a través de YouTube y Twitch, ha contado con una serie de encuentros interactivos en los que han participado personajes de ‘The Witcher’ como Henry Cavill, Anya Chalotra, Freya Allan, Mimî M Khayisa, Paul Bullion, Lauren Schmidt Hissrich y Declan de Barra.
Además, en la WitcherCon se han presentado contenidos especiales, actuaciones musicales y una serie de sorpresas exclusivas e información nunca vista de la serie The ‘Witcher’ y de la próxima película de anime.
Lauren Schmidt Hissrich habla sobre la relación entre Geralt y Ciri:
«Al final de la primera temporada, sucede la que considero que es una de las escenas más emotivas que hemos hecho, el momento en el que Geralt y Ciri se encuentran después de buscarse durante toda la temporada… Parecía que todo iba a ser perfecto, el reencuentro entre padre e hija, salvo por un pequeño detalle, ambos no se conocían. Fue muy divertido empezar la segunda temporada pensando en que, aún no eran una familia. ¿Cómo iban a llegar a serlo? ¿Qué harías si fueras una persona como Geralt, que había jurado que no necesitaba a nadie en el mundo, y entonces aparece una chica que ahora está únicamente a tu cargo? Y por otro lado Ciri, acostumbrada a ser una superviviente, huyendo de todo el mundo, y ahora hay que explicarle que Geralt va a cuidar de ella. Fue muy entretenido empezar la segunda temporada con ellos sintiéndose inseguros sobre cómo estar el uno con el otro, queríamos asegurarnos que se percibiera como una relación auténtica, que no estuvieran unidos desde el principio».
Freya Allan habla sobre la preparación de su personaje esta temporada:
«El entrenamiento era una de las cosas que más me entusiasmaba de la segunda temporada, me encanta hacer ese tipo de escenas. Tenemos al mejor equipo, son muy profesionales y sacan lo mejor de ti. Ciri ha entrenado duro, es muy decidida y realmente quiere convertirse en una gran luchadora y en una bruja».
Anya Chalotra habla de lo que más le gusta de su personaje, Yennefer:
«Tendría que decir que donde hay voluntad, hay un camino con ella. Es una superviviente, y eso me encanta de ella. Pero hay muchos rasgos que me atraen. Nos hemos vuelto bastante parecidas, creo que nos complementamos».
Henry Cavill habla sobre el viaje de su personaje, Geralt de Rivia:
«En la primera temporada interpreté deliberadamente la forma en la que mi personaje interactuaba con la naturaleza sin tener mucho diálogo. Pensé que lo mejor era transmitir que Geralt es un hombre de pocas palabras, más reflexivo. Pero, una vez que me metía en escena con Cirilla, los Brujos, etc. yo era partidario de que a Geralt había que dejarle hablar, reflexionar, ser filosófico e intelectual, porque eso es lo que es. Él no es sólo un personaje grande y tosco de pelo blanco».
Lauren Schmidt Hissrich habla sobre los nuevos personajes de la segunda temporada:
«Hay muchos personajes nuevos en esta segunda temporada. Vamos a ver a Dijkstra por primera vez y a los Reinos de Redania. Sé que muchos fans están emocionados por conocer a Philippa por primera vez, a Codringher y Fenn, a Rience y Nenneke. Hay tantos… Pero tendría que decir que Vesemir es el que más deseo que nuestro público conozca. Vesemir es muy importante en la historia que estamos contando esta temporada. Obviamente, volveremos al Kaer Morhen del inicio, ya que, esta temporada en la que Geralt se convierte en el padre de Ciri, es fundamental. Acabamos con un relato multigeneracional, Vesemir y Ciri también tienen un encuentro, y pensamos «Oh, toda esta gente está destinada a interactuar y a aprender los unos de los otros y a luchar entre sí».
WitcherCon fue un evento virtual de 3 horas en el que se anunciaron las siguientes novedades y adelantos de la franquicia de The Witcher de Netflix:
Teaser de la segunda temporada
Fecha de estreno de la temporada 2 y primer póster
U-tad, Centro Universitario de Tecnología y Arte Digital y Zinkia, productora española creadora de marcas de entretenimiento, como el famoso personaje Pocoyó, se han unido para crear ‘U-Zink’, el primer laboratorio de ideas en el que estudiantes universitarios desarrollarán una producción animada para distribuir exclusivamente a través de YouTube. Se trata de un proyecto pionero en España, al ser llevado a cabo de forma conjunta entre una universidad y una compañía referente en el mercado de la animación y de la explotación de contenidos en YouTube a nivel mundial.
‘U-Zink’ constará de 26 capítulos anuales y será conceptualizada y animada íntegramente en formato 2D y 3D por los alumnos de los últimos cursos del Grado en Animación del Centro Universitario U-tad. Contará, asimismo, con la supervisión, coordinación y tutorización del equipo profesional de Zinkia y del personal académico de la universidad.
Los estudiantes serán los encargados de poner en marcha desde cero ‘U-Zink’, que engloba desde la creación de una IP, pasando por el desarrollo del contenido para un canal de difusión y monetización como YouTube, hasta conocer la dinámica de trabajo con los publishers, así como de los distintos departamentos que intervienen para la correcta ejecución de un proyecto de animación.
Para Marta Izquierdo, directora del Servicio de Desarrollo Profesional en el Centro Universitario U-tad «esta alianza con el tejido empresarial de nuestro país es un ejemplo de la cercanía con la industria y de la metodología de enseñanza que llevamos a cabo en U-tad, fomentando el desarrollo de proyectos reales. Esta ambiciosa iniciativa supone una gran oportunidad para nuestros alumnos, que no sólo desarrollarán una serie de animación completa y aprenderán cómo explotar y distribuir contenidos en un canal como YouTube, sino que lo harán de la mano de uno de los mayores expertos a nivel mundial».
”U-Zink supone una oportunidad para Zinkia de compartir experiencias con futuras generaciones y promover un entorno de innovación en un sector que está en pleno crecimiento. Estamos convencidos de que la animación española va a tener un papel protagonista en los próximos años a nivel internacional y, por ello, debemos apostar por el talento local”, afirma Jonás Ojeda, Head of Digital & Interactive Departments de Zinkia.
La colaboración entre U-tad y Zinkia arrancará en el mes de julio con la creación de la IP, a la que seguirá una fase de preproducción y trabajo en los episodios piloto (de octubre a enero) para concluir, a partir de febrero del próximo año, con una producción recurrente de contenidos.
Un Grado en Animación muy especializado para una óptima inserción laboral
U-tad surgió de la propia necesidad de la industria de contar con profesionales especializados en competencias digitales. No en vano, fueron los primeros en lanzar un Grado Oficial en ‘Animación’.
A través de un modelo educativo que ofrece un aprendizaje práctico basado en el desarrollo de proyectos reales, muy similares a los que el alumno va a tener que realizar en la empresa, y de un claustro formado tanto por profesionales en activo en la industria (80%) como de Académicos Doctores en su especialidad, U-tad ofrece una formación de excelencia totalmente práctica y cercana a sus alumnos, lo que la convierte en un referente de cómo debe ser la formación superior en España.
U-tad actualmente imparte un Grado oficial en ‘Animación’, disponible tanto en español como en inglés, así como ofrece a los alumnos la posibilidad de elegir entre tres itinerarios de especialización: ‘Animación 2D’, ‘Efectos Visuales 3D’ y ‘Arte para Videojuegos’. Estas tres menciones son algo exclusivo y diferencial de U-tad para responder a las necesidades específicas de la industria de contratar profesionales cada vez más especializados.
Numerosos alumnos del área de animación han obtenido importantes galardones y nominaciones a título personal en certámenes tan acreditados como los recientes premios Annie (galardones que entrega la ‘International Animated Film Association’ afincada en Los Ángeles, y que son considerados los Óscar de la animación), así como han participado en producciones premiadas en los Óscar o los Goya.
La revista americana ‘Animation Magazine’ incluye a U-tad en el Top 25 mundial de los mejores centros para estudiar Animación, siendo el único Centro Universitario español y uno de los cuatro europeos que forman parte de esta selección.
Netflix está cumpliendo con creces su promesa de publicar animes de calidad. Desde aquí os recomendamos títulos como ‘Dorohedoro’, ‘De yakuza a amo de casa’, ‘Edén’ y por supuesto las cuatro temporadas de ‘Castlevania’. Desde el pasado 11 de junioestá disponible en el catálogo español la primera producción original de Netflix en Filipinas, ‘Trese’.
Este anime de seis episodios de media hora surge a partir de un cómic filipino de Budjette Tan y Kajo Baldisimo que ha cosechado éxito allá a donde ha ido, con crítica y premios a su favor. Y por varias razones me ha venido a la cabeza Constantine, el protagonista de ‘Hellblazer’. Lo primero es su ocupación. ‘Trese’ nos muestra el día a día de Alexandra Trese, una detective de Manila cuya especialidad son los casos paranormales.
Ella es puente entre dos planos, el de los vivos y el de los muertos, repleto de fantasmas y demonios. Le viene de familia y es conocido por todos que tiene capacidades sobrenaturales, la policía recurre a ella. Es un Lakan, una protectora que tiene que mantener el equilibrio entre nuestra realidad y el inframundo. Esta es una historia llena de leyendas y magia, también con mucho simbolismo y metodología similar a la de Constantine. La protagonista tiene sus informantes, sus acompañantes, sus objetos de poder, sus traumas del pasado… El simple hecho de poder invocar a San Telmo con su móvil nos remonta a las peculiares armas y poderes del mago creado por Alan Moore y Stephen R. Bissette.
Y aunque esta serie tiene mucha más acción y Trese es más acrobática hemos de decir que en otra faceta visual se parece a John Constantine. El dibujo. Para ello debemos remarcar que el productor, supervisor y director de dos de los episodios es Jay Oliva quien ha hecho otros trabajos animados, en concreto para DC como ‘Batman: El regreso del Caballero Oscuro’ o ‘La Joven Liga de la Justicia’. Y junto a él otros directores como Mel Zwyer, David Hartman y Tim Divar quienes forman parte de ‘Batman: la broma asesina’, ‘Godzilla: The Series’ o ‘Star Wars Rebels’. Con todo esto ya nos podemos hacer una idea de la moderna estética de esta serie que mezcla animación tipo tradicional con efectos modernos generados por ordenador, sobre todo para recrear tanta magia. Y esto es posible y ya marca que nos hace reconocer a su estudio de animación, Tiger animation partícipes de la ‘Liga de la Justicia Oscura’, ‘Castlevania’ o ‘Berserk’.
La historia está bien, es rica en elementos. Para durar seis episodios nos cuentan bastante, aunque expone tantos componentes que nos da la impresión de que daría para más. Pese a que el folclore Filipino de tintes hispánicos funcionan muy bien nos quedamos con la impresión de que podría haber sido aún mejor y más diferenciada. Y es que ‘Trese’ tiene 5 episodios la mar de entretenidos pero tiene dos fallos grandes. Falla en el último episodio aburriéndonos con una cascada de charlatanería y peca en caer en lo típico, en otorgarle a la protagonista el carácter de elegida o parte de la profecía, como le pasa a personajes también cazademonios y también destinados a acabar con el mundo en el que se quieren integrar como Hellboy. Llegamos al cierre de la serie aburridos de tanto flashback, algo que suele pasar en el cine oriental, pero por lo menos ‘Trese’ es conclusiva.
No obstante nos deja una escena post-créditos que o bien es un guiño para los lectores del cómic o bien clama por una segunda temporada. La construcción de este universo, el diseño de personajes que ha heredado del cómic y las grandes estampas animadas que nos deja tapan determinados momentos mal animados y ese tedioso final. Con todo esto yo quiero volver a este sombrío y endemoniado Manila.
Al principio parece que ‘Trese’ omite mostrar la violencia extrema que sugiere. Pero luego vemos descuartizamientos, desmembramientos… Sus escenas de magia y combate atraerán a cualquier espectador ávido de historias fantásticas. Pero también atraerá su trama ya que se han esforzado en esbozar rápidamente todo lo que ya han desarrollado los cómics. Se rescata la frase de Virgilio que reza “sic itur ad astra (así se va a las estrellas)” para acompañar el camino de dolor y sacrificio que sufren los personajes. Sin duda este puede haber sido un trabajo arduo y exigente en cuanto a dedicación, pero para el espectador es un trayecto que se pasa rápido y sin esfuerzos.
El universo de J.R.R. Tolkien contará con una nueva película
Ambientada muchos años antes de los sucesos de la Tercera Edad tendremos un anime que contará la historia del rey Helm Hammerhand y la mismísima historia del Abismo de Helm, plaza que defendió la Compañía del Anillo en ‘Las Dos Torres’, 250 años después según la cronología de Tolkien. El título para esta serie sería ‘La guerra de los Rohirrim’.
Esto es lo que confirma Deadline en su web indicando que Peter Jackson no está (al menos de momento) en el proyecto. Pero se dan nombres. El director de esta precuela sería KenjiKamiyama (‘Ghost in the Shell’, ‘Ultraman’) y la guionista ni más ni menos que Philippa Boyens quien ya firmó el libreto de la trilogía de películas junto a Fran Walsh. Este último detalle nos pasaría la noticia al cajón de las buenas si no fuese esta escritora la autora de ‘Mortal Engines’ y la trilogía de ‘El Hobbit’.
Sola Entertainment es quien desarrolla la animación. Este estudio es el autor de títulos como ‘Blade Runner: black lotus’, ‘Ultraman’, ‘Saint Seya’, ‘Harlock’ o ‘Starship Troopers: traitor of Mars’. El mismo estudio nos da la confirmación de la película pues tiene en su web oficial ya el primer póster con el título de la película, como decíamos ‘La guerra de los Rohirrim’.
Además en Deadline citan unas declaraciones de Carolyn Blackwood, directora de operaciones de Warner Bros. Pictures Group, y Richard Brener, presidente y director creativo de New Line Cinema: “Todos en New Line sentimos una profunda afinidad por el mundo extraordinario que creó J.R.R. Tolkien, por lo que La oportunidad de volver a la Tierra Media con el equipo de Warner Bros. Animation es un sueño hecho realidad. Los fans conocen El Abismo de Helm como el escenario de una de las batallas más grandes jamás filmadas y, con muchos de los mismos visionarios creativos involucrados y el brillante Kenji Kamiyama al timón, no podríamos estar más emocionados de ofrecer una nueva visión de su historia que invitará a las audiencias de todo el mundo a experimentar la rica y compleja saga de la Tierra Media de una forma nueva y emocionante «.
La primera temporada de ‘Love, death & robots’ supuso una serie, o un conjunto de cortos, de lo más entretenidos, en algunos casos incluso cabría decir que más que superar a la media de todo lo que nos suele llegar rozaban la excelencia, sobre todo en el apartado visual. Este 14 de mayo se estrena en Netflix una segunda tanda de cortometrajes, también con animación.
Volvemos a tener géneros variados y si en 2019 vimos 18 cortos firmados por algunos españoles o por los realizadores de ‘Spider-Man. Un nuevo universo’, por ejemplo, en este volumen dos de ‘Love, death & Robots’ hemos perdido diez entregas, solo consiste en 8 cortometrajes. Menos cantidad, pero la misma calidad. Al igual que otras antologías ‘Love, death & robots’ consigue hacer que nuestra mente y nuestra mirada viaje por distintas propuestas y en los mejores casos darnos algo en lo que pensar. Habiéndose mantenido el nivel de la anterior temporada estamos más que satisfechos, no obstante el bálsamo llegó al saber que ya está previsto estrenar otros 8 episodios en 2022 y que Tim Miller tiene historias hasta para un volumen cuatro.
‘Love, death & robots’ fue creada y producida por talentos como Tim Miller (‘Deadpool’), David Fincher (‘Seven’), JenniferMiller (‘Jack Ryan’) y Josh Donen (‘House of Cards’). Ellos han vuelto a contar con artistas multidisciplinares para crear estos episodios. Todos con el leitmotiv de la animación, las tramas en el futuro y las narraciones extraídas de novelas. Sobre todo este año predomina la obsesión por mejorar al ser humano y principalmente por conseguir la vida eterna.
Como hicimos con el volumen uno de ‘Love, death & robots’ vamos a comentar los capítulos de manera individual, lo merecen. La duración indicada es la de cada cortometraje sin créditos.
‘Respuesta evolutiva (Pop squad)’ (15 min.)
No se pueden tener hijos no registrados en este futuro que proporciona a los humanos la vida eterna. Un precio a pagar y que un agente se preocupa por que se pague. Una restricción de descendientes que provoca un dilema moral y existencialista, fruto de la creencia de aquellos que responden a patrón procreativo de la vida en busca de experimentar nuevas sensaciones.
Un potente toque de cine negro y matices de distopía cyberpunk al más puro estilo ‘Blade Runner’ en un coto dirigido por Jennifer Yuh Nelson (‘Spawn’, Kung fu Panda’), una directora que trabajo a trabajo va ganando enteros.
La historia se inspira en la obra del ganador del Hugo y el Nebula, Paolo Bacigalupi. Los encargados de recrear este futuro de manera realista son los empleados de las oficinas de Blur Studio quienes ya han hecho muchos trabajos para videojuegos y el corto ‘Trajes’ el de los granjeros con exoesqueletos de la primera temporada.
¿Tiene mensaje o reflexión? Si
Tipo de animación: 3D, realista
Calidad de animación: Excelente
Género: ciencia ficción, drama
‘Cobijo (Life hutch)’ (10 min.)
Dirigido por Alex Beaty y realizado también por Blur Studio. Este es el corto en el que interviene Michal B. Jordan (‘Creed’). La historia surge de una novela del prolífico escritor de novelas y guiones Harlan Ellison.
Bien interpretado pero cuenta poco. Un piloto queda varado en un planeta tras una batalla y tiene que cobijarse en un refugio. Allí surge algo que pone en peligro su supervivencia. Se puede resumir en esas veces en las que todos hemos jugado con un puntero láser con un gato.
¿Tiene mensaje o reflexión? No
Tipo de animación: imágenes generadas por ordenador
Calidad de animación: muy buena
Género: ciencia ficción, terror
‘Hielo (Ice)’ (10 min.)
Una historia de otro novelista, Rich Larson, sirve para la trama de esta historia hecha por Robert Valley director de versiones animadas de ‘Tron’ o el cómic ‘Invincible’. Passion Pictures es quien ha creado estas imágenes con predominio de tonos fríos.
Una trama futura en la que aquellos que han sido modificados para tener más fuerza o resistencia tienen un privilegio sobre los demás. Le falta crítica social, tiene aventuras y predomina la calidad visual. Un corto que bien podría ser un videoclip de Gorillaz.
¿Tiene mensaje o reflexión? No
Tipo de animación: 2D, digital
Calidad de animación: muy buena
Género: ciencia ficción
‘La hierba alta (The tall grass)’ (8 min.)
Los campos de maíz de Jeepers Creepers pudieron servir de inspiración para esta obra. ‘En la hierba alta’ es también el título de una obra de Stephen King y la verdad que el corto tiene ese toque de terror desconcertante. El protagonista tiene un aire a H.P. Lovecraft y los horrores o el misterio de ese autor también está presente.
Simon Otto, animador en películas o series como ‘Kung Fu Panda’, ‘Cómo entrenar a tu dragón’ o ‘El príncipe de Egipto’ se ha aliado con el estudio Axis Animation para crear esta narración donde se emplea un 3D muy peculiar. En este caso es Joe Lansdale quien escribió las líneas que narran la historia.
¿Tiene mensaje o reflexión? no
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: buena
Género: terror
‘Servicio al cliente automatizado (Automated customer service)’ (10 min.)
¿Y si cuando fuésemos mayores pudiésemos retirarnos a una urbanización donde estuviese todo automatizado? Sin preocuparnos de limpiar, de colocar cosas, de hacer deporte… Una jubilación al sol sin preocupaciones. Solo una, sobrevivir a nuestros electrodomésticos. Una cruenta y divertida aventura en la que un retorcido operador robotizado y un aspirador automático mezcla Terminator mezcla Hall 9000 intenta exterminar a su propietaria.
Tres directores (Kevin Dan Ver Meiren, David Nicolas y Laurent Nicolas) del Meat Dept de París han creado esta historia junto a Atoll Studio. John Scalzi, autor de la novela ‘La vieja guardia’ (no confundir con el cómic) es quien ideó esta historia. De viejetes también va esta historia, unos ancianos bastante cabezones, aunque no tan cabezotas como sus siervos electrónicos.
¿Tiene mensaje o reflexión? Si
Tipo de animación: 3D
Calidad de animación: Muy buena
Género: comedia, acción
‘Por toda la casa (All through the house)’ (4 min.)
Esta vez tenemos cuento de Navidad. Una versión retorcida que va más allá del Grinch o los Gremlins. Un corto para que lo vean muchos niños, veréis como así sí que se portan bien.
Blink Industries, autores de mucho material infantil han recreado a esta narración. El director ha sido Elliot Dear y la historia está basada en una novela de Joachim Heijndermans.
¿Tiene mensaje o reflexión? si
Tipo de animación: stop motion
Calidad de animación: buena
Género: terror
‘Nieve en el desierto (Snow in the desert)’ (15 min.)
Las rarezas siempre han atraído al ser humano, aunque esa rareza sea otro ser humano. Un albino con capacidades tipo Deadpool huye por el desierto de otro planeta mientras que unos cazarecompensas le persiguen. Un mundo de carroñeros intergaláctico con una escena a lo cantina de Star Wars y lances tipo ‘Firefly’ o ‘Guardianes de la galaxia’.
La animación corre a cargo de Unit Image, especializados en animación 3D realista para películas, videojuegos o publicidad. Autores de la intro y del teaser del próximo ‘Baldur’s Gate 3’. Con ese curriculum tenía puestas muy altas las expectativas en este corto. No decepciona con su calidad hiperrealista en el que humanos y alienígenas están excelentemente recreados. Visualmente el mejor de esta temporada de ‘Love, death & robots’.
Leon Berelle, Dominique Boidin, Remi Kozyra y Maxime Luere son los directores y Neal Asher el autor de la obra original.
¿Tiene mensaje o reflexión? Si
Tipo de animación: realista
Calidad de animación: excelente
Género: ciencia ficción, drama
‘El gigante ahogado (The drowned giant)’ (10 min.)
Es como si Guiliver hubiese llegado a una de nuestras costas en pleno siglo XXI. En la playa de un pueblo pesquero inglés aparece un gigante de 60 metros, tumbado, inerte. Las reflexiones del científico local, la manera en cómo está escrito su soliloquio es lo mejor del corto. Una buena obra sobre lo despreciables e irrespetuosos que somos, sobre lo fútil que son en nuestra mente las cosas que nos encontramos en la vida, por sorprendentes que sean.
El propio Tim Miller se ha encargado de cerrar este segundo volumen con esta obra que ha extraído de una novela de J.G. Ballard autor de las novelas de ‘Crash’ y ‘El imperio del sol’. Animada de nuevo por Blur Studio.
Earwig, una niña de 10 años, tiene la habilidad de manipular a los demás para que todos hagan lo que quiera. Huérfana desde bebé, lleva una vida agradable y muy feliz en un hogar para niños donde todos atienden a sus caprichos.
Un buen día, un hombre y una mujer de aspecto extraño la adoptan. “Mi nombre es Bella Yaga. Soy una bruja”, le dice su nueva madrastra a Earwig. “Te he traído a mi casa porque quiero que seas mi ayudante”. Por su parte, el hombre extraño solo aparece para almorzar. Está siempre de mal humor y tiene la costumbre de decir “No me molestéis”.
Por primera vez en su vida, Earwig se topará con unas personas que no se rinden ante sus deseos. Vivirá una serie de aventuras y situaciones que harán que descubra el enorme potencial que siempre ha guardado en su interior.
Crítica
Una mancha en una historia de embrujos animados
Efectivamente, ‘Earwig y la bruja‘ ha supuesto toda una decepción. Hablar de Ghibli es hablar de historias cautivadoras, que embrujan al espectador, tanto a nivel narrativo como en su aspecto visual. La nueva película realizada por el estudio cofundado por Hayao Miyazaki viene con alguna aportación del mítico director, pero es su hijo, Goro Miyazaki, el que ha puesto la mayoría del trabajo, como ya sucedió en ‘Cuentos de Terramar’.
Cabía esperar que la película supusiese una obra mejor que el filme que dirigió el sucesor de Miyazaki en el 2006 ya que el célebre cineasta ha contribuido esbozando las líneas generales de la historia a partir de otra obra de Diana Wynne Jones (‘El castillo ambulante’). Pero ha sido precisamente lo contrario. ‘Earwig y la bruja no cuenta apenas nada, es un cuento sin sustancia, sin una trama interesante que seguir y lo que es aún peor, sin un final mínimamente concreto.
La trama sigue a una niña que ha sido abandonada por una bruja en un orfanato cuando era bebé. Crece y se convierte en una chicuela respondona, pilla, con coletas cornúpetas y carácter mandón. Acaba siendo adoptada precisamente por otra bruja y es lo suficiente descarada y osada como para asimilar rápidamente el uso de la magia. Ese temperamento que tiene la niña es lo único gracioso de la película, lo único que a pesar de ser arquetípico engancha. En líneas generales esto es una especie de versión de ‘Una serie de catastróficas desdichas’ o de ‘Harry Potter’ en el que la magia no la tiene el protagonista, sino sus tutores.
La animación en 3D era lo que más miedo me daba. Ese cambio de aires o incorporación de nuevas corrientes para el estudio es lo que más temía. Ya hemos experimentado fiascos como la nueva versión de ‘Caballeros del Zodíaco’ en Netflix y en ese aspecto debo admitir que he sentido un alivio. Los dibujos son menos torpes de lo que esperaba y aunque las caras no son todo lo expresivas que deberían en estos personajes que parecen muñecos chibi en movimiento hay un gran trabajo de iluminación y color.
La historia se ambienta en lugares coloridos, tanto en sus escenas luminosas como en sus momentos nocturnos o narrativamente más oscuros. Las ubicaciones parecen inspiradas en esa Europa de mediados del siglo XIX que tanto les gusta a los japoneses. En cuanto a los personajes, Ghibli siempre se ha caracterizado en generar bichejos icónicos. Esa es otra falla de la película, no nos quedamos con ninguno de sus monstruitos grabados en la retina.
Imaginación tampoco le falta a la historia. Es ocurrente en cuanto a los detalles, pero no en cuanto a hilar una trama que te acabe dejando sabor a cuento o fábula. Da la impresión de que ‘Earwig y la bruja’ está pensada como una introducción a una futura serie, a una de esas que parecen hechas al peso y que emiten en canales infantiles. El guión es pobre, anodino, sin objeto alguno. Natillas, uno de los personajes secundarios, lee en una escena el libro ‘Red planet’ de Robert Heinen mientras que Earwig lee ‘El perro de Baskerville’. Pues bien, ‘Earwig y la bruja’ no hace honor al ingenio de Conan Doyle ni nos hace viajar como Heinen.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de abril de 2021. Título original: Âya to Majo. Duración: 83 min. País: Japón. Dirección: Goro Miyazaki. Guion: Hayao Miyazaki, Keiko Niwa, Emi Gunji. Música: Satoshi Takebe. Reparto principal (doblaje original): Shinobu Terajima, Etsushi Toyokawa, Gaku Hamada, Kokoro Hirasawa, Sherina Munaf. Producción: NHK, Studio Ghibli. Distribución: Vértigo Films. Género: animación, fantasía. Web oficial:https://www.aya-and-the-witch.jp/
Una de las rivalidades más populares de la historia se dispara cuando Jerry se muda al mejor hotel de Nueva York en vísperas de «la boda del siglo». En “Tom y Jerry”, la película de Tim Story, la llegada del ratón obliga a la desesperada organizadora del evento a contratar a Tom para deshacerse de él. La batalla entre el gato y el ratón amenaza con destruir su carrera, la boda y puede que todo el hotel. Pero poco después surge un problema aún mayor. Se trata de un miembro del personal diabólicamente ambicioso que conspira contra los tres.
Crítica
La vuelta de una enemistad que hace amigos
Después de muchos años el gato y el ratón de Hanna-Barbera vuelven a tener película. Hacía mucho que no teníamos una adaptación a largometraje en acción real basado en los personajes de esos míticos creadores y tiempo después de las últimas incursiones en carteleras de Scooby Doo con actores de carne y hueso se estrena otra adaptación, ‘Tom y Jerry’. Y la película conserva tanto el espíritu original como la última versión animada del asustadizo perro que nos llegó a cines en 2020.
El filme llevado a cabo por Tim Story, director de ‘Los 4 Fantásticos’ (2005 y 2007) y ‘En qué piensan los hombres’, intenta seguir los pasos de la serie de dibujos que nació a mediados del siglo XX. El humor es casi calcado al de los episodios clásicos de ‘Tom y Jerry’. Pese a un curioso efecto mariposa no termina siendo igual de ingenioso, pero se mantiene el carácter slapstick y se repiten incluso bromas clásicas que tanto nos hicieron reír de pequeños. Este sigue siendo un juego de persecución al estilo Correcaminos y Coyote en el que vemos caídas al vacío, planchazos, aplastamientos por piano, chichones… y hasta motosierras marca ACME. Procura ser tan fiel que hasta escuchamos los sonidos originales (onomatopeyas o gritos) grabados por William Hanna en su día.
Y es que, salvo un momento musical, el ratón Jerry y el gato Tom siguen sin articular palabra. Dejan que el resto del elenco sea quien narre la historia. A diferencia de lo que hemos visto anteriormente sobre estos dos eternos enemigos hay un tercer protagonista en discordia, tercera más bien. Chloë Grace Moretz interpreta muy bien a una buscavidas que se cuela a trabajar en un hotel donde dos famosos influcencers van a casarse y dónde coincide que se han colado también a gorronear y a perseguirse Tom y Jerry. La actriz lleva a cabo un papel muy de su generación, desesperada por encontrar un trabajo en un mundo donde las oportunidades escasean, se pone cada vez más difícil obtener experiencia y donde se prima la fachada que mostramos, el aparentar ser lo que uno no es. En ese último punto está la moraleja de la película que rema en contra de sucumbir a las presiones externas y de creer en uno mismo. A mi modo de verlo Grace Moretz lleva un tiempo con una carrera un tanto mal encaminada, con películas en las que está errada como ‘La Familia Addams’, ‘Suspiria’ o ‘La quinta ola’. Pero el papel que tiene en este filme es más sencillo y se ajusta a una comedia que maneja mejor.
Hablemos de la animación. Al igual que en ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ o ‘Space Jam’, también de Warner Bros., se ha mantenido a los personajes en 2D, eso sí, dándoles algo más de volumen. No se han pasado a 3D como se hizo con ‘Garfield’ o como ser hará con la segunda parte de ‘Space Jam’. De ese modo es más fácil hacernos retornar a la serie clásica y además desarrollar un humor que, aunque tenga cierta violencia resulta más infantil o inofensivo. Eso sí, a la película se le notan algunos fallos de continuidad en los que los actores no miran exactamente donde se ha animado a los animales.
Además, se ha tomado una decisión que en mi opinión es acertada. Y es que no se mezclan animales reales con animados. Absolutamente todos los animales que aparecen en el filme están dibujados, hasta los muertos que aparecen como peces a la venta en una lonja, como jamones colgando en una cocina o como huesos en un museo. De este modo nos transportan a un mundo abierto a todo tipo de golpetazos e interacciones, en el que ese detalle pasa totalmente desapercibido para los personajes de carne y hueso que observan con total normalidad las animaladas surgidas en las peleas entre Tom y Jerry. Quizá también de esta manera se busca respetar el estilo de trabajadores de la serie original, como Gene Deitch, animador que falleció en 2020 con 96 años y muchos títulos firmados.
Habría sido muy difícil hacer una película que consistiese en lo mismo que los episodios, es decir, una continua contienda llena de ingenios y topetazos. Aunque el ritmo es vivaracho hay momentos en los que entra en juego la “trama humana” y la película se resiente. Son momentos en los que por ejemplo se desarrolla la relación entre los influencers que están a punto de pisar el altar o vemos a un Michael Peña ejerciendo de villano de un mejor modo que en ‘Un pliegue en el tiempo’, tampoco necesitaba mucho para superarse.
Warner Bros. no se resiste a la tentación y en este tipo de películas vemos siempre guiños a otras de sus producciones, como ‘Batman’, ‘Matrix’ e incluso ‘Joker’, a quien parece que interpretaría el deprimente Droopy según vemos en un anuncio a pie de calle.
La película tiene una escena post-créditos que es meramente cómica y ojalá hubiese sido una que nos vaticinase más entregas pues esta adaptación y adecuación a la época me ha parecido muy correcta. Por lo menos espero que siembre en los niños y niñas un germen de curiosidad por la serie de ‘Tom y Jerry’.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Título original: Tom and Jerry. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Tim Story. Guion: Kevin Costello. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Alan Stewart. Reparto principal: Chloë Grace Moretz, Michael Peña, Jordan Bolger, Rob Delaney, Patsy Ferran, Pallavi Sharda. Producción: Warner Animation Group, Hanna-Barbera productions, Keylight Productions, Lin Pictures, Turner Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: comedia, animación. Web oficial:https://www.tomandjerrymovie.net/
Animación comiquera para público adolescente o adulto
‘Invincible’ surge de unos cómics que en España se han venido a llamar simple y llanamente ‘Invencible’, sin cabriolas de marketing que arruinen el título. Al igual que ‘The walking dead’ esta obra también de Robert Kirkman, conserva su título y en su traslación no se ha perdido mucho de su espíritu.
El cómic ‘Invincible’ (reseña aquí) presenta una trama adolescente en la que un joven de unos dieciocho años descubre que al igual que su padre tiene poderes y puede llegar a ser un superhéroe. En mi artículo de opinión sobre el cómic relacionaba todo un poco con ‘Los increíbles’ o con ‘Superman y Lois’ y tras ver la serie me reafirmo y además debo sumar el videojuego ‘City of heroes’.
El 26 de marzo en Amazon Prime Video podréis comenzar a ver esta serie de 8 episodiosde larga duración. En ella interactúan héroes o grupos de héroes a los que va conociendo Mark Grayson, el hijo del todopoderoso Omni-Man. Es una especie de Superboy tutoreado por Superman. Instituto, vida familiar, aventuras con superhéroes adolescentes y agentes del gobierno. Entre esas cuatro tramas nos va moviendo ‘Invincible’ de un modo dinámico, aunque algunos momentos se pueden hacer algo tediosos.
Con respecto a la colección de cómics. ¿Qué pierde? Se deja por el camino algo de intrahistoria que en las viñetas enriquece el camino de Invincible. De este modo la trama avanza mucho más rápido pero nos da la sensación de que pasa por alto ciertas cosas. Y hablando de riqueza también se han eliminado casi todos los guiños o referencias a otros cómics que había insertado Kirkman, lo cual hace que tenga menos gracia, supongo que hay licencias de por medio. ¿Qué gana? Dinamismo, la acción siempre es más eficiente cuando se ve en movimiento. Aunque a continuación hablaré de la animación hay que decir que en los tramos de acción la serie funciona muy bien. De hecho entra al meollo de la cuestión y a la violencia antes que el cómic. A parte de eso las voces de los famosos escogidos hacen buena comunión con los personajes, más adelante os enumero algunos.
La animación es obra de Wind Sun Sky Entertainment. Un estudio que no tenía fichado, que creo que no ha llegado con ningún trabajo a España y que por lo que he indagado realiza todo tipo de estilos animados, desde el 3D hasta cosas más “sencillas” o planas como ‘Invincible’. Obviamente todo ello bajo la tutela de Skybound Entertainment, la compañía de entretenimiento de Kirkman y Alpert. El caso es que la animación no difiere mucho de la que hemos visto en muchas películas animadas de Warner/DC. El diseño de personajes, los colores e incluso el trazo es parecido. Son dibujos que no emplean casi texturas, usan más colores sólidos pero que aun así introducen algún efecto en sus luces. Cabe señalar que no está a la altura de ‘Liga de la Justicia: Dioses y Monstruos’ o ‘Liga de la Justicia Oscura’.
En las voces de la versión original vais a encontrar a Steven Yeun como Invincible, J.K. Simmons en el rol de Omni-Man, Mark Hamill como su sastre, Sandra Oh como la madre y esposa de ambos héroes protagonistas, Gillian Jacobs como la poderosa Atom Eve y ZacharyQuinto algo modificado pero reconocible como Robot. Pero además si soléis ver material en versión original vais a reconocer a Seth Rogen, Zazie Beetz,, Walton Goggins, Clancy Brown, Mahershala Ali, Lennie James, Jon Hamm, Djimon Hounsou, Ezra Miller….
El protagonista sigue siendo igual de tontorrón y novato, hay quienes ocultan cosas, continuamente se incorporan nuevos personajes, hay humor (procrastinado entre episodios además), no falta la épica… ‘Invincible’ es una buena traslación de un cómic. Os recomiendo tanto su lectura como su visionado.
Dos películas han dado a luz a un nuevo anime moderno con tintes clásicos
Tras dos películas en cines, con mayor o peor aceptación, ahora Netflix lanza una serie sobre el universo que Guillermo del Toro ha creado y llamado ‘Pacific Rim’. Un universo en el que robots gigantes y kaijus de otra dimensión luchan para proteger o dominar la Tierra. Una nueva etapa que se llama ‘Pacific Rim: Tierra de nadie (The black)’.
En las anteriores películas vimos como una brecha dimensional surgida en el océano Pacífico permitía la entrada de unas bestias titánicas a las que la humanidad solo podía vencer a bordo de unos mechas. En la serie que podemos ver desde este 4 de marzo lo que sucede es que han pasado algunos años y la Tierra, más concretamente Australia, ha perdido el pulso. Han aparecido brechas por todas partes y nuestro planeta se ha convertido en un lugar hostil plagado de criaturas, al más puro estilo ‘Monster hunter’.
Casi coincidiendo con el cumpleaños de ‘Mazinger Z’ surge esta serie que bebe de esas referencias. Personajes jóvenes que casualmente se ven en la oportunidad de salvar su planeta ayudados de un colosal robot. Taylor y Hayley es como se llaman estos chicos cuya misión realmente es encontrar a sus padres. ‘Pacific Rim: Tierra de nadie’ es una gran aventura en tierras donde impera la ley del más fuerte o avispado.
Del Toro no está involucrado en el proyecto, es Legendary Entertainment, productora de las dos películas de acción real, quien se ha encargado de esta serie. Los episodios han sido escritos por Greg Johnson (‘X-Men: evolution’), Craig Kyle (habitual de Marvel en títulos como ‘Thor: Ragnarok’ o ‘Wolverine and the X-Men’) o Paul Giacoppo (‘La joven Liga de la Justicia’, ‘Star Wars: La resistencia’).
Los fans, yo entre ellos, pensábamos que esta historia iba a acabar teniendo como localización la dimensión enemiga, que los mechas harían un auténtico contraataque y se aventurarían en territorio rival para acabar de una vez por todas con la amenaza. El devenir de los acontecimientos ha hecho que sea al revés, que los humanos hayan perdido y que esta sea una lucha por la no extinción más crítica todavía. Obviamente no se pierde de vista todo lo sucedido en las películas, incluso la banda sonora está en sintonía a la que compuso Ramin Djawadi con riffs de guitarra eléctrica. Ha sido una composición de Brandon Campbell, quién trabajó con Djawadi en ‘Slender man’.
La animación es sumamente digital, con luces y fuegos muy logrados, con movimientos bastante dinámicos. Esta nueva versión de ‘Pacific Rim’ está llena de texturas, efectos y detalles, como por ejemplo el movimiento del pelo. El estudio japonés Polygon Pictures es quien se ha encargado de dar vida a esta historia. Esta subsidiaria de Amana Holdings ha impreso un claro estilo nipón a la serie como ya hizo en otros excelentes trabajos como ‘Human Lost’ o ‘Godzilla: the planet eater’. El diseño de personajes y la mecánica de la serie recuerda mucho a producciones japonesas de nuestra infancia y visualmente sigue la estela de animes tipo ‘Gantz’ o ‘Ghost in the shell’, pero va más allá.
Obviamente al ver ahora esta historia en formato animación es más fácil que tengamos sensaciones similares a las que despertaron en su día ‘Gundam’, ‘Evangelion’ o incluso sucesores o evoluciones como los ‘Power Rangers’.
La serie tiene valores. Eso ya lo hacían las películas, sobre todo cuando nos hablaban de jinetes de jaeger que tenían que encontrar una sintonía entre sus mentes. Además el mecha que tienen que controlar ambos hermanos tiene solo fines formativos, no va armado, a si es que también potencia el ingenio. Este es un drama con hermanos que tienen confrontaciones y catarsis, como lo fue ‘Fullmetal Alchemist’. Además incorpora novedades para darle más jugo a la historia, como un inquietante niño que me ha encantado.
Son siete episodios de veinticinco minutos de media que nos dejan para una segunda temporada que esperemos llegue pronto.
Estudia en un instituto americano, tiene un trabajo basura después de clase y le gustan mucho las chicas, aunque las entiende poco. Le gusta salir con sus amigos y dormir hasta las tantas los sábados (al menos hasta que empiezan los dibujos animados que le gustan). La única diferencia entre Mark y el resto de chicos es que su padre es el superhéroe más poderoso del planeta y, para colmo, parece que él ha heredado sus poderes.
Reseña
Remembranza a los clásicos héroes invencibles pero con ruptura de moldes
No solo de ‘The walking dead’ vive Robert Kirkman. El autor de la saga de cómics más famosa sobre muertos vivientes además de otras series marvelianas ha concebido otros superhéroes, como Mark Grayson. Bajo Image Comics, el sello creado por Jim Lee, McFarlane y compañía, ha estado publicando también desde 2003 la serie ‘Invencible (Invincible)’.
Aunque no hayáis leído nunca ‘Invencible’ esto os va a sonar. Aquí las personas que tienen superpoderes se toman el hecho de ser superhéroes como un trabajo, comentan en la sobremesa qué países han salvado, tienen costurero propio y se dan situaciones en las que “superpadres” quieren legar el negocio familiar. ¿No os suena eso un poco a ‘Los increíbles’? Pues este cómic surgió justo un año antes y casualmente los héroes de Disney/Pixar lucen en su pecho una “i” como la de Image Comics, la editorial del cómic. También “casualmente” el título original de la película iba a ser “Los invencibles”. No voy a entrar en teorías conspiranoicas que sugieran que Disney cogió este cómic y se lo llevo al terreno familiar sin pagar licencia alguna porque los parecidos se quedan en lo que acabo de contar, el resto es totalmente distinto, además una película de animación se tarda años en hacer.
‘Invencible’ es una obra a la que ha ido dando forma Kirkman contando con los dibujantes CoryWalker y Ryan Ottley. Y la verdad es que el dibujo es extremadamente colorido y animado, lo podéis ver en las portadas. Pues la trama no tiene tanto color. Aunque no es un dramón y no tenemos muchos momentos sangrientos como nos acostumbra a dar en su saga de muertos vivientes, esta obra de Kirkman es una historia adolescente que poco a poco se va tornando más seria u oscura. Kirkman se lo toma con calma para ir desarrollando todo un nuevo abanico de héroes, villanos y normas. No os fieis del tono simpático de la trama que esconde cosas y eso es lo que me ha parecido más divertido y cautivador.
Mark Grayson, el protagonista, comparte apellido con el héroe de DC Comics, Nightwing y al igual que él también imparte justicia violenta. De hecho empieza haciendo estallar a un hombre por los aires. Incluso el traje de ambos tiene muchas similitudes. Invencible también está concebido para alinearse con el lector más joven, que busca romper las normas clásicas de los superhéroes.
En una era digital como la nuestra se agradece que un cómic huya de los recursos hiperrealistas que pueden lograrse gracias a programas de diseño y dibujo. Entre eso y la composición de escenas tanto Cory Walker y Ryan Ottley consiguen un dinamismo que nos hace remontarnos a Kirby o a Stanton. Obviamente cada artista usa sus colores y aplica sus trazos pero ‘Invencible’ tiene un estilo totalmente identificable.
Desde el comienzo vemos que el cómic va a tener comedia. Arrancamos con un guiño a la serie ‘Cosas de casa’, no solo por el título, también porque el instituto se llama Reginald VelJohnson y aparece dibujado Steve Urkel, aunque aquí se llama Steve White (el actor se llama Jaleel White). Las viñetas tienen un humor casi igual de tontorrón y algunos gags que pueden durar entregas enteras. Tanto los chistes como algunos eventos que van sucediendo se van resolviendo muchas páginas más adelante, sin que al guionista se le quede nada por cerrar.
‘Invencible’ no es un cómic complejo ni portentoso. Es una historia desenfadada que ciertamente podría haber abarcado cuestiones más interesantes. De hecho justo ahora que leo este cómic y veo alternativamente la serie ‘Superman y Lois’ descubro puntos en común: el padre todopoderoso, el joven descubriendo sus nuevas habilidades, el adolescente compaginando su vida de instituto, la madre que es una humana normal y corriente… Por otro lado aunque a veces parece que nos va a mantener en la monotonía de los argumentos típicos de los personajes con capa, consigue aportar giros novedosos.
A parte de la citada serie cómica hay otros huevos de pascua. También vemos algún guiño a Superman Hijo Rojo, con cuyo autor comparte nombre el protagonista, a Los Cuatro Fantásticos o a ‘Regreso al Futuro’. Entre cosas sutiles como esas y algunos personajes que recuerdan descaradamente a Batman, Detective Marciano, Green Lantern, El Buitre, Rino, Rorschach, Picard o Wonder Woman Robert Kirkman nos deja claro que este es un cómic que pretende romper pero que también está hecho para homenajear a los superhéroes clásicos, como quisieron hacer con ‘Los increíbles’, ejem…
Amazon Prime Video estrenará en breve la serie de animación surgida de estas páginas. Si el guión pasa rápido los primeros números y llega pronto al primer giro sangriento de las viñetas puede convertirse en una serie de animación para adultos muy interesante, no en la línea de ‘The Boys’ pero si llamando igualmente la atención.
Ficha del cómic
Guion: Robert Kirkman. Dibujo: Cory Walker, Ryan Ottley. Color: Bill Crabtree. Editorial: Image (Aleta ediciones). Datos técnicos: 52 págs. (primera entrega), color, rústica, 17 x 26 cm. Publicación: 2003. Precio: 4,50€ (primera entrega).
La serie anime de Netflix que continúa ‘Pacific Rim’
¡Que pasada! Eso es lo primero que se nos ocurre decir tras ver el tráiler de ‘Pacific Rim: The Black’, la serie de animación inspirada en las dos películas de la saga ‘Pacific Rim’ que inició Guillermo del Toro en 2013.
Gigantes de otra dimensión y robots titánicos creados por humanos. Esos son los dos principales ingredientes en una serie que volverá a tener humor y mucha acción. Esta mezcla del género kaiju y el mecha se pasa al anime, al formato serie y a la distribución a través de Netflix.
Hace mucho tiempo del primer alzamiento de los kaijus surgidos en el pacífico y la lucha contra los robots construidos por los seres humanos. ‘Pacific Rim: The Black’ sigue la historia y nos ubica en una Australia totalmente invadida por criaturas de todo tipo de tamaños. Seguimos a los hermanos Taylor y Hayley, dos adolescentes que buscan a sus padres y se acaban topando con uno de los Jaeger, los robots defensores de la humanidad. De ese modo comenzará una lucha por la supervivencia.
Como no podría ser de otra manera la serie está producida por Legendary Entertainment, productora de las dos películas de acción real. Los cuatro episodios que están anunciados para ‘Pacific Rim: The Black’ han sido escritos por Greg Johnson (‘X-Men: evolution’) y Craig Kyle (habitual de Marvel en títulos como ‘Thor: Ragnarok’ o ‘Wolverine and the X-Men’).
Este 4 de marzo podremos ver esta serie que utiliza una animación generada por ordenador.
Lara Croft, la protagonista de Tom Raider, tendrá una serie de animación producida por Legendary (‘Godzilla vs Kong’) y distribuida por Netflix. La historia transcurrirá a partir del punto en el que acaba la última trilogía, tras lo sucedido en ‘Shadow of the Tomb Raider’. Si hacemos caso al tuit publicado traduciéndolo literalmente el estilo de dibujo será anime.
Además sabemos que el aspecto de esta mítica aventurera de los videojuegos estará inspirado en la última saga de la franquicia (que a su vez inspiró la adaptación con Alicia Vikander). A priori la historia será nueva y solo guardará relación con los videojuegos. Además que la productora transmedia dj2 Entertainment está inmerso en este proyecto, un equipo que ya se encargó de ‘Sonic: la película’, ‘Life is strange’ o ‘Little nightmares’.
The most iconic heroine in video games is jumping to animation! Tomb Raider is a new anime series from @Legendary following Lara Croft after the events of the video-game reboot trilogy.
Una serie animada que nos invita a tomarnos aún menos en serio el universo Trekkie
El universo de ‘Star Trek’ no para de expandirse. La propia franquicia (o saga según si hablamos de producto o arte) trata acerca de eso, de buscar nuevos horizontes e incorporar nuevas generaciones, como rezan varios de sus títulos. Actualmente esta ciencia ficción creada por Gene Roddenberry vive una segunda o tercera juventud gracias a las nuevas películas impulsadas por J.J. Abrams y a la serie ‘Discovery’. En este caso hay que dar las gracias al creador MikeMcMahan y al productor omnipresente en estos proyectos, Alex Kurtzman, por sacar un nuevo producto que explora otras caras de la misma moneda, ‘Star Trek: Lower Decks’.
Podría parecer que es algo totalmente nuevo y fresco pero ‘Star Trek: Lower Decks’ desarrolla en cantidad y en hilaridad algo que ya se hizo en un episodio de la serie ochentera ‘Star Trek: la nueva generación’. En concreto lo que nos propone esta serie animada es acompañar a aquellos que siempre aparecen como figurantes en segundo plano en las películas. A los tripulantes de más bajo rango de una nave de la Federación a la que pertenece la Enterprise. Pero el vehículo en el que nos embarcamos no es el de Picard, Spock y compañía (aunque se les mencione), es la USS Cerritos.
Esta nave con nombre de cereales está capitaneada por primera vez y de manera continua por una mujer de raza negra. Y a sus órdenes están los protagonistas que intentan cómicamente con un fracaso tras otro alcanzar un mejor estatus. Personajes doblados en su versión original por Tawny Newsome, Jack Quaid, Dawnn Lewis, Jerry O’Connell, Noël Wells o Eugene Cordero.
El nivel de la franquicia no decae con ‘Star Trek: Lower Decks’. Durante la historia de la saga se ha demostrado que es ciencia ficción casi sin límites, sorprendiendo con multitud de argumentos, desde los más tecnológicamente premonitorios a los más imaginativos. En este caso dado el carácter cómico y animado de la serie se sobrepasan ciertos límites, haciéndose más sangrienta y absurda que nunca.
Era de esperar este tono pues McMahan ha sido guionista de ‘Rick y Morty’. La serie no llega ni al ritmo frenético de la serie de Adult Swim ni a su originalidad. Parece que a veces lo intenta pues se desboca de vez en cuando pero también da la impresión de cohibirse para no aproximarse a ese tipo de guiones en exceso. No faltan los momentos violentos o absurdos en los que, por ejemplo, un villano obsesionado por los juegos de mesa irrumpe en la Cerritos. Pero esta es una serie ligeramente más calmada.
Esta serie de CBS que estrena en España Amazon Prime Video el 22 de enero se tuvo que realizar durante el confinamiento a través de videollamadas y tiene además guiones preparados ya para una segunda temporada también de 10 episodios con la misma duración, 25 minutos. Una manera de crear que en 2019 habríamos firmado que sería impensable, casi de ciencia ficción. Y precisamente a otras obras de ciencia ficción rinde culto en algunas escenas. Veréis guiños a ‘La cosa’, ‘Alien’, ‘El juego de Ender’, ‘La mosca’, ‘Independence Day’, ‘Horizonte final’… e incluso a aquel capítulo de ‘Me llamo Earl’ en el que Hombre Cangrejo y su padre dejaban inconsciente constantemente a Earl.
Por supuesto hay muchas citas que nos hablan del universo Trekkie y multitud de guiños visuales, como la estatuilla del reptiliano que tiene la Capitana Freeman en su despacho y que nos recuerda la mítica y bochornosa pelea entre Kirk y Gorn. ‘Star Trek: Lower Decks’ no pierde de vista ni esos momentos tan lejanos ya en el tiempo ni a los recientes destellos de luz de Abrams.
El dibujo y a veces el tipo de humor recuerda a ‘Final Space’, solo que aquí se consiguen gags más eficientes. Sí que es cierto que se habría agradecido que hubiese una trama central a seguir, pero por lo menos hay un leitmotiv, que es el de la pugna por ascender. En resumen, esta es una serie muy apta para los que buscan echarse algunas risas y tener detalles de ‘Star Trek’ por todas partes. Si uno es un Trekkie escrupuloso y cerrado en cuanto al canon de la franquicia es mejor abstenerse porque difiere bastante en tono de todo lo visto hasta ahora.
Será porque es una obra de Groening por lo que he vuelto a viajar a Utopía y a pegarme una panzada de ‘(Des)encanto’. La serie animada de Netflix creada por el autor de ‘Los Simpson’ y ‘Futurama’ ha estrenado el pasado viernes 15 de enero su tercera temporada y tras recorrer sus diez nuevos episodios tengo que reconocer que me he reído bastante más pero que a la serie le sigue costando arrancar. Arrancarnos risas y aumentar su ritmo y eso que irónicamente viajamos a un mundo lleno de motores a vapor.
La primera temporada me supuso un gran chasco pues las obras cumbre de Groening están siempre entre mis preferidas a la hora de pensar en rankings de series animadas. Poco a poco, demasiado progresivamente, ‘(Des)encanto’ ha ido mejorando sus gags e incorporando secuencias más ágiles. Pero está tardando demasiado.
El problema de la música permanecía en la segunda etapa y se mantiene en esta tercera. Tenemos una banda sonora que no es mala como obra musical pero que no acompaña para nada a la historia o a la acción junto a la que transcurre. Además el guión se empeña a veces en alargar chistes que en su punto inicial no tienen chispa. Y lo que más se nota es que la serie no es capaz de generar personajes secundarios con los que llevar a cabo sus gracias, no al menos tan memorables como los que hasta ahora había creado Groening.
En la tercera temporada la cosa cambia un poco. El humor se hace aún más adulto, más burro. Quizá nos estamos acostumbrando a la velocidad y a las gamberradas de series como ‘Rick y Morty’ u otros éxitos de Aduls Swim, pero le ha venido bien a ‘(Des)encanto’ el ganar más mala leche. Quizá lo que se ha notado es la entrada de guionistas como Ken Keeler, Patric M. Verrone o Bill Odenkirk, ya habituados a hacer episodios de las otras series de Groening. Creo que la mano más presente a la hora de elaborar las tramas es la de Liz Suggs, que no ha trabajado nunca con Groening pero cuyos episodios tienen el tono necesario para levantar este ‘(Des)encanto’. Aunque hay que reconocer que el episodio 6 es puro relleno.
Retomando la ironía hay que decir que cuando más efectiva es esta serie fantástico medieval es cuando saca a sus personajes del reino de Utopía. La ciudad steampunk que funciona con vapor aporta los mejores momentos de la serie, con una burla hacia Alva Edison que por desgracia queda demasiado aparcada en el resto de la serie. Ahí nos apabullan con muchos detalles ingeniosos, guiños y momentos imaginativos. Y fuera de allí me quedo con que han salido bien graciosos los lúgubres Drøgs y el caballo que se parte la caja con cualquier cosa.
El socialismo, la monarquía y la teocracia son los componentes iniciales de la trama de la tercera temporada. Para acabar con una historia de legado y locura. Como dije en la crítica de la primera temporada se agradece que la trama sea continuista y que podamos incluso adivinar sketches de los Monty Python. Se agradece que en estos nuevos episodios se exploten más momentos absurdos.
Al contrario que otras series de animación el casting en castellano que Deluxe ha escogido para esta serie es muy acertado. Me gustaría saber por qué ha cambiado la voz de Elfo de Luis García Marquez a José Javier Serrano, pero me parece que el personaje gana, sobre todo teniendo en cuenta que la serie en esta temporada 3 se ha hecho menos tristona y más “salvaje”. También en cuanto a doblaje, refiriéndome al original, me gustaría dar una curiosidad. Varios actores de ‘Los informáticos (The IT Crowd)’ ponen sus voces. En concreto Richard Ayoade como Alva, Matt Berry como el puerco príncipe Merkimer y Noel Fielding como Stan el verdugo.
Ya que me he visto tres temporadas y la cosa parece que progresa adecuadamente me veré la cuarta. Esperemos que por entonces si estemos disfrutando de originalidad y riéndonos a carcajadas con Bean, Luci y Elfo.
‘Fritzi. un cuento revolucionario’ es una película emocionante, impregnada de la atmósfera de la época que retrata con precisión histórica la revolución que tuvo lugar en 1989. Desde la perspectiva de una niña, nos adentramos en la historia de la caída del muro y de todas las personas valientes que la hicieron posible. Un film que cautivará a toda la familia.
Basada en el libro para niños de Hanna Schott, esta película de animación cuenta la arriesgada aventura de Fritzi que la llevará a cuestionar su entorno, a confrontar la versión oficial de los acontecimientos y a descubrir la noción de las fronteras y de la inmigración. Podremos verla en cines desde el 15 de enero de 2021.
El guion de Beate Völcker y Péter Palátsik combina la historia ficticia de la protagonista con el contexto histórico en el que transcurre, así como la animación combina también un estilo infantil en el diseño de personajes con fondos minuciosamente realistas.
Matthias Bruhn ha trabajado como animador, director artístico y ha dirigido más de 25 cortometrajes. ‘Fritzi. Un cuento revolucionario’ es su segundo largometraje de animación.
Ralf Kukula, gracias a su formación en pintura y grafismo y sus estudios de Cine y Televisión, empieza a trabajar como animador en el DEFA-Studio y funda el Balance Film GmbH centrada en el desarrollo y producción de películas de animación y documentales.
Alemania del Este, 1989. El muro que divide el país en dos mitades está a punto de derrumbarse. Fritzi, de doce años, cuida de Sputnik, el perrito de su mejor amiga Sophie, mientras ella está de vacaciones con su familia en Hungría. Pero empieza el colegio y Sophie no ha regresado. Fritzi y Sputnik inician una aventura para encontrarla. Sus pasos les llevan a descubrir las manifestaciones que se repiten en Leipzig y a entender que está pasando en su país.
El próximo 15 de enero podremos ver en cines ‘Los Elfkins’ traída a España de mano de la distribuidora Vercine. Este largometraje supone una nueva película familiar que ha sido dirigida por la cineasta alemana Ute von Münchow-Pohl (‘Cuervito Calcetín. La gran carrera’, ‘Rabitt School’). El guión corre a cargo de Jan Strathmann, destacado guionista de animación de temática navideña.
‘Los Elfkins’ tuvo su premiere en el Schlingel International Film Festival, dirigido al público infantil. Prestan sus voces los actores Jella Haase (‘¡Que te den, profe!’), Louis Hofman (‘Dark’) y Leon Seidel (‘Land of Mine. Bajo la arena’).
Sinopsis oficial:
Durante más de 200 años, los Elfkins han estado viviendo bajo tierra, escondiéndose del mundo superior y evitando cualquier interacción con los seres humanos. Un día, Helvi, Kipp y Butz deciden subir a la superficie de la tierra.
Después de muchas aventuras, Helvi se hace amiga de Teo, un chef pastelero un poco gruñón que le recordará a ella y a todos los Elfkins su verdadero propósito en la vida: ¡ayudar a los demás!
Tras su paso por los festivales de Annecy, Sitges, Animastar y Deauville, llega a los cines ‘El pequeño vampiro’, una propuesta de animación para toda la familia basada en los cómics de Joann Sfar, quien también dirige la película y escribe el guion junto con Sandrina Jardel.
La intención de Tripictures es estrenar esta película francesa en cines el próximo 6 de enero. ‘El pequeño vampiro’ se postula como un plan perfecto para una actividad en reyes con la familia.
Sinopsis oficial:
Pequeño Vampir ha tenido 10 años durante los últimos 300 años. A pesar de vivir en una casa encantada con un alegre grupo de monstruos, se aburre enormemente … ¿Su sueño? Ir al colegio para conocer a otros niños. Desafortunadamente, sus padres no le dejan salir de la mansión, ya que para ellos, ¡el mundo exterior es muy peligroso! Acompañado por su fiel bulldog Fantomate, Pequeño Vampir se escabulle sin ser visto en busca de nuevos amigos. Pronto conocerá a un niño humano, Miguel, pero rápidamente su amistad llamará la atención del aterrador Giboso, un viejo enemigo que ha estado persiguiendo a Pequeño Vampir y su familia durante siglos…
Una razón más para seguir de cerca a Powerhouse Animation Studios
La serie de animación ‘Sangre de Zeus’, que fue estrenada el pasado 27 de octubre en Netflix, cuenta la historia de Herón, un joven que ha vivido siempre marginado como un bastardo junto a su madre y que de repente descubre que es hijo del mismísimo Zeus.
Solo con la sinopsis nos damos cuenta de que esta es una historia que se amolda a una estructura clásica, nunca mejor dicho. En multitud de leyendas o fábulas en torno a Zeus está presente la figura de un hijo abandonado, de un semi-dios dejado a la suerte de las parcas. Ahí está sin ir más lejos la leyenda de Hércules, al que se hace alusión más de una vez a lo largo de los 8 capítulos que componen esta serie. También a historias archiconocias como las de Jasón y los argonautas, cuyo vellocino de oro está también dibujado.
Quizá el referente más cercano, ambicioso y sonado que tenemos en cuanto a esta temática es ‘Furia de titanes’ y su también infructuosa secuela ‘Ira de titanes’. Y ‘Sangre de Zeus’ supera con creces esas dos producciones. A pesar de que sigue unos pasos bastante parecidos la serie creada por Charley Parlapanides y Vlas Parlapanides si consigue aportar, ir más allá y entretener sin que sea riéndonos de ella. Incluso se permite hacer un guiño a Bubo. Sin duda es un re-alzamiento o una redención para estos dos guionistas que en su día elaboraron ‘Immortals’ sin llegar a besar el Olimpo o ‘Death Note’ teniendo un fracaso sonoado.
‘Sangre de Zeus’ consigue de una manera bastante factible un tono épico y fantástico. Juega imaginativamente con la mitología griega, tanto para la trama como para el estilo visual. Tiene un diseño de personajes muy acertado. Durante los créditos además tenemos contenido extra en forma de storyboards y muestras del proceso de animación, evitad el botón de “siguiente episodio”. Dan en la diana dibujando a los esperpénticos e impasibles gigantes, a los dioses pomposos con sus togas… Consigue ser iconoclasta en imagen y en tono y aún así aportar algo nuevo.
Lo que se incorpora a la serie son las escenas mucho más sangrientas de lo habitual en este tipo de historias (si dejamos ‘300’ al margen), manteniendo así sus encarnizadas intenciones propuestas con ‘Immortals’. Tanto con lo que explicaba en el párrafo anterior como con este último aspecto reconocemos una marca. Y es la de Powerhouse animation. Aquellos que están preparando la nueva versión de ‘Masters del Universo’ antes regresan con esta propuesta llena de demonios, dioses, traiciones, tragedias, duelos fraticidas… Y digo regresan porque son aquellos que nos tienen embelesados tras la magnífica ‘Castlevania’.
No se cuánta familia tendrán los dos creadores pero al final de los créditos hay un “gracias especialmente a…” un numeroso grupo de personas con el apellido Parlapanides. Yo les agradezco a ellos el trabajo realizado, me lo he pasado muy bien y sumo otras gracias al doblaje en castellano realizado por SDI Media que coge el testigo del original realizado por Salami Studios. Ya tengo razones suficientes para declararme fan de Powerhouse.
La popular novela gráfica de la norteamericana Sara Varon, ‘Robot Dreams’ cuenta las aventuras y desventuras de “Dog” y “Robot” en el Nueva York de los años 80. Esta historia de amistad supone la primera incursión en la animación de su director, Pablo Berger.
Tras la multipremiada nacional e internacionalmente, ‘Blancanieves’ (2012), Pablo Berger estrenó ‘Abracadabra’ (2017) con la que obtuvo 8 nominaciones a los Premios Goya, fue vista por más de 300.000 espectadores y fue pre-seleccionada para representar a nuestro país en los Oscars. Hoy, con ‘Robot Dreams’, Pablo Berger, de nuevo de la mano de Arcadia MotionPictures, irrumpe en el mundo de la animación con el director de arte José Luis Agreda (‘Buñuel y el laberinto de las tortugas’), el montador Fernando Franco (‘Blancanieves’), la directora de animación Elena Pomares (‘Morning Cowboy’), el compositor Alfonso de Vilallonga (‘Blancanieves’), el director de producción Julián Larrauri ( ‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’) y la diseñadora de sonido Fabiola Ordoyo (‘Abracadabra’).
“Muchas de mis películas favoritas son de animación. Desde ‘Fantasía’ de Disney, ‘Mi vecino Totoro’ de Ghibli, ‘Wall-E’ de Pixar o el cine reciente de animación europea como ‘Persépolis’, ‘La vida de calabacín’ o ‘I lost my body’. Con esta película quiero explorar las infinitas posibilidades narrativas de este medio’ explica Pablo Berger.
Con un presupuesto de más de 5.000.000€, ‘Robot Dreams’ será otra vuelta de tuerca en la filmografía de su director. Una experiencia sensorial y una carta de amor al Nueva York que adoptó a Pablo Berger en su juventud.
Una fábula escrita en imágenes que atrapará al niño que todos llevamos dentro.
‘Robot Dreams’ es una producción de Arcadia Motion Pictures, Y.H.L.P. AIE en coproducción con Noodles Production y Les Films du Worso (Francia), con la participación de RTVE y Movistar+, con el apoyo del ICEC-Generalitat de Catalunya, el Gobierno Vasco, el CNC – Avance sur recettes y el programa Europe Creative – MEDIA. La producción se desarrollará entre estudios de Pamplona y Madrid. Bteam Pictures tiene previsto su estreno en el 2023.
Coproducción española dirigida por el dibujante Aurel
Tal y como nos informan desde Filmin, ‘Josep’, la película de animación franco-española que cuenta con el sello del Festival de Cannes y que dirige el dibujante Aurel, ha sido nominada en la categoría de Mejor Película de Animación en los European Film Awards, los premios que entrega anualmente la Academia del Cine Europeo.
La película, que la próxima semana tendrá su premiére nacional en el Festival de Valladolid, competirá en la categoría con otros tres títulos: ‘Klaus’, de Sergio Pablos; ‘Calamity’, de Rémy Chayé; y ‘The Nose or the Conspiracy of Mavericks’, de Andrey Khrzhanovsky. La gala de los EFA, que este año será exclusivamente online, se retransmitirá desde Berlín el próximo 12 de diciembre.
‘Josep’ es una producción de IMAGIC TV i LES FILMS D’ICI MEDITERRANEE, y se estrenará en cines de toda España el próximo 4 de diciembre de 2020. La película ya ha superado en Francia los 140.000 espectadores.
Han pasado 30 años desde la aparición de los Burnish, una raza de seres mutantes capaces de controlar el fuego que desataron una gran tormenta de llamas que devastó la mitad del mundo. Cuando aparece un grupo de mutantes aún más agresivos conocidos como Mad Burnish, lo único que se interpone entre ellos y la destrucción total es Burning Rescue, una brigada de bomberos de élite anti-Burnish fundada por Kray Foresight, el gobernador de la República de Promepolis.
Precisamente su miembro más novato, el apasionado Galo Thymos, es capaz de capturar a Lio Fiota, la líder de los Mad Burnish. Sin embargo, Lio escapa y al seguirla hasta su escondite, Galo descubre una impactante verdad acerca de los Burnish y la existencia de un terrible plan a escala global…
Crítica
Desborde de flameante imaginación
Si recordáis bien la última escena con peleas de ‘Spider-Man: un nuevo universo’ y estáis dispuestos a más, eso querrá decir que estaréis preparados para todo ‘Promare’. La totalidad del film es como esa escena. Igual de trepidante, a veces igual de confusa, colorida y divertida. Incluso esta producción incluye una animación muy similar a la película del hombre araña, con menos potencia, detalle y tridimensionalidad pero con la misma celeridad y modernidad. Es una película de fames llenos de vectores acelerados. Todo un logro para Studio Trigger que saca pecho y reclama atención con esta nueva propuesta.
‘Promare’ es un derroche de imaginación. Mezcla mutantes, con mechas gigantes y humanoides, viajes por el espacio-tiempo, multiversos… Sin olvidar a los bomberos protagonistas que son la versión superheróica de los antiguos hikeshi de Japón. La trama de ‘Promare’ consigue hilar todos esos elementos hasta que llega el momento en que se convierte en un desvarío total. No te pierdes pero la ecuación se convierte en algo tan difícil de resolver que ya te ves forzado a creer o pasar por alto cualquier mecanismo nuevo justificando que esto es ciencia ficción desbordada.
También en sus diseños, muy propios del género anime, supone una cascada de ingenios. El colorido, las maquinas, las extrañas ropas o los peinados imposibles. El omnipresente fuego se presenta como algo rosáceo y tanto el entorno como los objetos o los gigantes son dignos de devolvernos a títulos como ‘Gundam’ o ‘Full Metal Panic’.
A parte de los diseños y el tipo de animación lo que llama mucho la atención es su acción incesante. Cual ‘Mad Max’, circunscrito al género mecha, no nos da apenas descanso. La historia trata de que algunos seres humanos, los que están psicológicamente más quemados precisamente, manifiestan la capacidad de flambearse. Algunos de esos nuevos mutantes amenazan con arrasar la vida en de la Tierra y surgen cuerpos de bomberos especializados. Es constante y muy bizarra la pelea que mantiene el protagonista con su enemigo, a pesar de que como casi siempre, nos lo plantean como el novato entusiasmado de turno.
‘Promare’ responde a los códigos típicos de un anime juvenil. Su esquema revela un clásico villano fácil de detectar por los más jóvenes o inexpertos pero sus intenciones exterminadoras son más comprensibles por un adulto. Es muy dinámica, llena de nombres para ataques y artilugios, también de un humor bastante tontorrón y una épica idealizada.
Si algunos se quejaban de la mezcolanza de ‘Pacific Rim’ o de la destrucción de ‘Batman V Superman’ con esta película van a flipar. El arranque es potente y la película solo sabe ir a más. Aquí hay campo abonado para una serie e incluso para un gran videojuego. Si uno tiene las retinas preparadas para buscar detalles, reconocer la acción y perderse en un túnel de colores disfrutará de esta adrenalítica película.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de octubre de 2020. Título original: Promare: Puromea. Duración: 111 min. País: Japón. Dirección: Hiroyuki Imaishi. Guion: Kazuki Nakashima. Música: Hiroyuki Sawano. Fotografía: Shinsuke Ikeda. Reparto principal (doblaje original): Kenichi Matsuyama, Taichi Saotome, Masato Sakai, Kendo Kobayashi, Arata Furuta, Ayane Sakura, Hiroyuki Yoshino, Tetsu Inada, Mayumi Shintani, Rikiya Koyama, Ami Koshimizu, Taiten Kusunoki, Nobuyuki Hiyama, Katsuyuki Konishi, Ryōka Yuzuki. Producción: Sanzigen, Trigger, Xflag. Distribución: Selecta Visión. Género: ciencia ficción, acción, animación. Web oficial:https://promare-movie.com/
Las series inspiradas en cómics siguen apareciendo y en esta ocasión vamos a tocar una animada. La Comic Con de Nueva York ha servido de instrumento para que Amazon Prime Video presente el tráiler de ‘Invincible’. Esta serie es lo nuevo de Robert Kirkman (‘The Walking Dead’) y también se ha anunciado la fecha de estreno de la quinta temporada de ‘The Expanse’, el 16 de diciembre.
‘Invincible’, la serie animada de ocho episodios y una hora de duración, se estrenará a en Amazon Prime Video en 2021 en más de 240 países y territorios. Se ha presentado durante la aparición de Kirkman en el Metaverso de la New York Comic Con. Podéis ver ese momento en el canal oficial de YouTube de la NYCC.
Vais a poder comprobar que esta historia de Kirkman conserva violencia y superpoderes. Está basado en el cómic Skybound/Image homónimo de Kirkman, Cory Walker y Ryan Ottley, ‘Invincible’ es una serie animada de superhéroes para adultos que gira en torno a Mark Grayson (con la voz de Steven Yeun), de diecisiete años, un chico como cualquier otro de su edad, excepto que su padre es el superhéroe más poderoso del planeta, Omni-Man (doblado por J.K. Simmons). Pero a medida que Mark desarrolla sus propios poderes, descubre que el legado de su padre puede no ser tan heroico como parece.
‘Invencible’ es una producción de Skybound con la producción ejecutiva de Kirkman, Simon Racioppa, David Alpert (‘The Walking Dead’, ‘Fear the Walking Dead’), Catherine Winder (‘The Angry Birds Movie’, ‘Star Wars: The Clone Wars’) con los Supervising Directors Justin Allen & Chris Copeland (‘Avengers Assemble’, ‘Ultimate Spider-Man’), y Linda Lamontagne como directora de casting. ‘Invincible’, la segunda serie de cómics más larga de Kirkman, concluyó en febrero de 2018 después de 15 años
Cortometrajes animados protagonizados por animales
El próximo martes 1 de septiembre arranca la nueva temporada de ciclos temáticos de La Casa Encendida en Filmin con el estreno de los seis cortos de animación que integran ‘Anímate’, una colección de títulos de los dos últimos años pensada para toda la familia y con un denominador común: todos están protagonizados por animales. El ciclo incluye ‘El cocodrilo no me da miedo’, el último trabajo de Anna Solanas y Marc Riba, mayores exponentes del stop motion en España, o el corto germano-japonés ‘Cat Days’, ganador del Festival de Tampere. Estarán disponibles durante todo el mes de septiembre, sin coste añadido para los suscriptores de Filmin.
UNA COLABORACIÓN NECESARIA
El pasado mes de marzo, tras estallar la crisis de la Covid-19 que obligó a confinar a la población de nuestro país y a cerrar todos los espacios públicos de ocio y cultura, La Casa Encendida, uno de los centros culturales y sociales más reputados de España, lanzó La Casa ON, una apuesta por los nuevos formatos de creación, exhibición y conocimiento, así como una propuesta de futuro e internacionalización que permite ampliar el alcance de sus actividades. En esta estrategia digital juega un papel muy relevante el canal de La Casa Encendida en Filmin, que ha permitido seguir programando ciclos audiovisuales para tratar desde la transversalidad las cuestiones de nuestro tiempo, y ampliar el público que periódicamente asiste a sus proyecciones en su sede en Madrid. “El canal en Filmin nace pensando en esa gente que nos escribía desde otras partes de España interesados en ver las películas de nuestros ciclos, o en aquellos que no podían venir a la sala de proyección por cualquier motivo”, explica Rocío Mateo-Sagasta, responsable de música y audiovisuales de La Casa Encendida.
TOMARLE EL PULSO AL AUDIOVISUAL CONTEMPORÁNEO
“Como en la programación de La Casa Encendida, el protagonista es el cine contemporáneo más arriesgado, pero también el cine que nos ayuda a reflexionar sobre el presente”, afirma Mateo-Sagasta. Desde marzo, el canal ha acogido las últimas propuestas del Ciclo Contemporáneo, piedra angular de la programación, con títulos como ‘Krabi, 2562’, de Ben Rivers y Anocha Suwochakornpong; ‘Los débiles’, de Raúl Rico y Eduardo Giralt Brun; ‘Three Adventures of Brooke’, de Yuan Qing; ‘Azougue Nazaré’, de Tiago Melo; o ‘The Science of Fictions’, de Yosep Anggi Noen.
Se han recuperado ciclos que durante el confinamiento cobraban nuevos significados, como ‘Encerrados. Espacios sin salida’ (2018) y se han programado otros vinculados a la situación actual como ‘Vivir con miedo’ (2020), acompañado de conferencias en formato podcast con expertos como el politólogo Pablo Simón o la periodista Andrea Morán. La cancelación de la nueva edición del festival Filmadrid a causa de la pandemia fue respondida con un ciclo en el que Nuria Cubas (directora de Filmadrid) y Javier H. Estrada (responsable de programación) seleccionaron cuidadosamente seis títulos para repasar la trayectoria del festival.
Aunque quizás la mayor sorpresa en estos meses de colaboración ha sido el éxito del estreno en España de dos bellísimas fábulas en stop motion del japonés Takeshi Yashiro,‘Moon of a Sleepless Night’ y ‘Gon, the Little Fox’, que registraron más de 4.000 visionados en Filmin.
De igual modo que Batman vigila las calles de Gotham, Bartman ya tiene un destino que controlar bajo su morado antifaz. Ya tenemos una persona elegida de entre todos los que habéis participado en estas dos últimas semanas en Facebook, Twitter o Instagram. Finlamente este Funko Pop! es para…
@cadizman17
¡Que quede bien con tu colección! Contactaremos con la persona premiada por mensaje privado en su red social para que nos facilite sus datos de envío.
Gracias a todos los que habéis formado parte de este sorteo. En un futuro habrá más sorpresas.
La seguidísima serie ‘Steven Universe’ tiene una película tras 5 temporadas. El próximo 18 de septiembre se estrena en HBO España (sección KIDS) esta producción de Cartoon Network y ya podemos ver algunas imágenes.
Ésta épica aventura estará repleta de música para Steven y sus amigos, con más canciones y más música que nunca. En su primera película, Steven cree que su etapa defendiendo la Tierra ha terminado, pero cuando una nueva amenaza llega a Beach City, Steven se enfrentará a su mayor desafío hasta ahora.
La banda sonora constará de canciones originales de Rebecca Sugar en colaboración con un nutrido grupo de estrellas galardonadas con el Emmy, el Grammy o el Tony, incluidos ChanceThe Rapper, Estelle, Patti LuPone, Uzo Aduba, Gallant, Aimee Mann y muchos más.
‘Los Siete Pecados Capitales’ es una serie que tras aparecer en 2014 ha cosechado un éxito innegable consiguiendo colarse en casa de todo tipo de fans del anime, sea cual sea su edad. Tiene merchandising y vemos cosplays de sus personajes en todos los salones de cómic, por supuesto podemos encontrar sus mangas (iniciados en 2012 y ya finalizados) en las estanterías de las tiendas. ¿Cuál es el secreto de ‘Nanatsu no Taizai’? Se podría decir que esta serie coge el testigo de clásicos como ‘Dragon Ball’ o ‘Caballeros del Zodíaco’. Aunque muchos elegirán a otras como ‘Naruto’ o ‘One Punch-Man’ como las herederas de esos clásicos (yo metería a Bobobo en la ecuación). Y pertenece a este grupo de series ya que trata de ir cada vez a más, haciendo que sus personajes nunca tengan límites, poniendo nombre a sus ataques y por supuesto rodeando todo de epicidad y humor.
Tenemos 24 nuevos episodios en Netflix con la nueva temporada de ‘Los Siete Pecados Capitales’ que lleva como tagline ‘Imperial wrath of gods’, algo así como ‘La ira imperial de los dioses’, si mi pobre inglés no me falla. El grupo de héroes, a veces villanos, conocido como Los Siete Pecados Capitales tiene que continuar con la batalla que dejó en la anterior temporada contra los poderosos Diez Mandamientos. Si hay algo a lo que uno debe estar dispuesto a esperar durante esta serie es a conocer a nuevos personajes y a incorporar giros y más giros a todas y cada una de las tramas que abren estos individuos.
Usando elementos religiosos y de la mitología artúrica ‘Los Siete Pecados Capitales’ lleva a cabo una historia que más que coral o grupal ha de denominarse multitudinaria. Son muchísimos los caballeros, magos, demonios… que interactúan con la historia haciéndola muy interesante, aunque a veces con factores excesivamente cogidos con pinzas. Porque además así se desarrolla un trasfondo abundante para cada uno de ellos y también con ello se potencia y enriquece todo el universo que transcurre en las islas británicas. Incluso se agradece que en ese gran número de historias que contar encontremos diversidad. Darían para llenar temporadas y temporadas o algún que otro spin-off. Es interesante esta temporada no solo por el nivel que alcanzan algunos protagonistas si no también por lo que se revela de su pasado, en especial sobre Gowther, Meliodas y Elizabeth.
Reinos, poderes mágicos, caballeresca, leyendas… Sobre todo hay muchas peleas, amor y aunque veamos mutilaciones o palabrotas el humor no deja de ser infantiloide. También a veces un tono que más que pícaro es salido. En esta cuarta temporada los gags están algo menos presentes y no se cosifica tanto a los personajes femeninos, ni con sus trajes ni con lo libidinoso de ciertos protagonistas.
Se mantiene el estilo de dibujo clásico que obviamente tiene arreglos hechos con ordenador. El diseño también sigue los estándares habituales del anime, encontrándonos con algunos personajes como Meliodas, Arturo y Zeldris que se parecen bastante entre ellos. Eso si, se han solucionado algunos problemas que fueron criticados en la animación de la temporada tres. Bien por Studio DEEN.
Tras varias temporadas y OVA’s la serie pasa de ser una aventura caballeresca en la que hay que defender a una dama y un reino hasta tener que librar al mundo del dominio de los demonios (todo esto sin contar con el objetivo particular de cada miembro del grupo). Muchos fans se pueden enfadar pues esta temporada no es la definitiva, su final es inconcluso y eso que ya está anunciada una serie que contará con Tristan, el hijo de Meliodas como protagonista, niño que aparece al final del manga. Lo que decía antes, muy al estilo ‘Dragon Ball’.
Los superhéroes están de moda y Los Simpson… esos nunca pasan de moda ni, aunque se los lleven a una plataforma de pago. En esta época de héroes hemos querido regalaros un poco de color trayendo esta versión Funko de Bart Simpson en modo Bartman.
Bartman. ¿Y si Bart fuera un superhéroe? Esto lo hemos podido ver en parodias de los amarillentos personajes. Tanto en cómics como en juegos arcade desde hace muchísimos años. ¿Nos lo podemos imaginar repartiendo justicia? Claro que si, pero también haciéndolo a su traviesa manera.
Si queréis ganar esta figura podéis participar en tres de estas redes sociales.
Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 23 de agosto a las 23:59h. Puedes participar en todas las fotos del sorteo que publiquemos. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que se etiquete a diferentes personas cada vez. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos. Anunciaremos quien ha sido agraciado el 24 de agosto de 2020. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo.
Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, Twitter o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. El envío solo se realizará dentro del territorio español.
La próxima película original de Disney/Pixar va a tener un sabor veraniego. ‘Luca’ es el siguiente filme de animación que la factoría tiene previsto estrenar en junio de 2021. Está dirigida por Enrico Casarosa (‘La Luna’), nominado al Oscar®, y producida por Andrea Warren (‘Lava’, ‘Cars 3’).
En ‘Luca’ explotarán una mecánica y temática vista antes en otras muchas historias: la amistad y la aceptación de la naturaleza de cada uno. Ambientada en un precioso pueblo costero de la Riviera italiana, esta película es una historia sobre el paso a la edad adulta de un chico que vive un verano inolvidable lleno de helados, pasta e infinitos paseos en scooter. Luca comparte estas aventuras con su nuevo mejor amigo, pero toda la diversión se ve amenazada por un secreto muy profundo: él es un monstruo marino de un mundo que yace bajo la superficie del agua.
“Es una historia profundamente personal para mí, no solo porque está ambientada en la Riviera italiana donde crecí, sino porque el alma de la película es un canto a la amistad. Las amistades de la infancia suelen marcar el rumbo de lo que queremos ser y ese tipo de vínculos es la verdadera esencia de nuestra historia en ‘Luca’”, declaró Enrico Casarosa, director. “Así que, además de la belleza y el encanto de la costa italiana, nuestra película contará una inolvidable aventura de verano que cambiará profundamente a Luca”.
No se nos olvida que hace año y medio Netflix anunció la adaptación de cinco obras españolas (podéis ver todas aquí). Por fin ha llegado el momento de hablar de la versión animada de ‘Memorias de Idhún’. Las obras de la valenciana Laura Gallego (‘Crónicas de la torre’) se pasa al mundo animado y podemos decir que tiene un toque bastante anime, el primero realizado por Netflix en España con este estilo. Así lo podéis comprobar en el pequeño vídeo que nos muestra su diseño.
Este 2020 podréis conocer en pantalla a Alsan, Jack, Victoria, Shail y Kirtash, los protagonistas de esta vendidísima historia. La propia Laura Gallego y Andrés Carrión son los escritores de esta adaptación que adapta el primer volumen titulado ‘La Resistencia’.
Han sido necesarios más de dos años para llevar a cabo esta innovadora producción, que estará disponible en más de 190 países y cuyo proceso de animación ha sido realizado en Vitoria-Gasteiz por un equipo de más de 20 profesionales locales que se han encargado de recrear el mundo de Idhún y transportar a sus personajes a la pantalla. Su creatividad, combinada con la calidad del diseño de la animación, han dado forma a una épica historia llena de amistad, emociones y acción.
La temporada consta de 5 episodios dirigidos por Maite Ruiz de Austri, ganadora de dos premios Goya a la Mejor Película de Animación, y que se convierte en la primera mujer que dirige una serie de anime en España.
Sinopsis oficial.
El día en que se produjo en Idhún la conjunción astral de los tres soles y las tres lunas, Ashran el Nigromante se hizo con el poder y comenzó el reinado de terror de las serpientes aladas. La primera batalla por la libertad de Idhún se libra en la Tierra, donde Jack y Victoria luchan por detener a Kirtash, el asesino enviado por Ashran para acabar con los idhunitas que huyeron de su tiranía. Sin embargo, los protagonistas siguen sin saberlo los designios de una profecía que entrelazará sus destinos en una trama de amor y odio que desencadenará duelos a muerte y forjará insólitas alianzas.
18 de septiembre, ‘Jurassic World: Campamento Cretácico’
‘Jurassic World: Campamento Cretácico’ llegará a Netflix el 18 de septiembre. Es la manera que tendrá la plataforma de hacernos volver a la isla Nublar. La serie cuenta con Steven Spielberg (saga ‘Parque Jurásico’), Scott Kreamer (‘Pinky Malinky’) y Lane Lueras (‘Kung-Fu Panda’) a cargo de la producción ejecutiva del proyecto.
Un grupo de adolescentes se queda atrapado y rodeado de dinosaurios. Una premisa muy parecida a la de las películas. Cuando el caos se produce en la isla pilla desprevenidos a unos campistas que habían sido elegidos para vivir una experiencia única. El tagline de la serie hace justicia por fin a los dinosaurios ya que como muchos sabréis los que aparecen en las películas pertenecen al cretácico, no al jurásico.
Además del tráiler Netflix nos ha permitido conocer a los personajes que compartirán protagonismo con los dinosaurios.
Darius Bowman: Darius es listo como un lince, aunque un poco retraído, pero su timidez desaparece enseguida cuando habla de su tema favorito: los dinosaurios. Darius lleva obsesionado con ellos desde que aprendió a andar, y se pasa la vida leyendo acerca de estas majestuosas criaturas. La pasión de Darius, la voluntad de mostrarse siempre tal como es y el entusiasmo que derrocha son lo que le convierten en un miembro indispensable del grupo.
Brooklynn: ¿Quién necesita apellido siendo la estrella del videoblog de viajes y estilo de vida más popular de las redes sociales? Brooklynn es una de las chicas de 13 años más famosas del mundo. Consiguió su entrada al Campamento Cretácico a cambio de narrar su experiencia allí y publicarla para que sus millones de seguidores la vean. Brooklynn ha visitado algunos de los lugares más lujosos del mundo, pero también ha viajado a algunos de los destinos más peligrosos y remotos.
Kenji Kon: Atractivo y osado, así es Kenji. El autoproclamado «macho alfa» del grupo proyecta la confianza propia de alguien nacido en una buena familia y que espera llegar lejos en la vida gracias a su apellido. Como sus padres son importantes inversores de Parque Jurásico, Kenji viaja allí a menudo y está familiarizado hasta el hartazgo con el parque y sus milagrosos dinosaurios.
Yasmina «Yaz» Fadoula: Yaz es la campista más fuerte y en mejor forma física (campeona de heptatlón y gimnasta junior, nada menos), así que está encantada con las oportunidades al aire libre que ofrece la isla Nublar, pese a que le cueste un mundo abrirse a sus compañeros. Esto se debe a que la vida de una atleta de élite como ella es disciplinada y solitaria, y por eso Yaz carece de habilidades sociales que la ayuden a relacionarse con los demás.
Sammy Gutiérrez: Sammy es sociable y extrovertida, y estar en Campamento Cretácico la entusiasma, cosa que deja bien clara. La pasión de Sammy por la vida y las nuevas experiencias resulta contagiosa, porque pese a ser tan lanzada, no tiene ningún interés en dominar al grupo; tan solo quiere hacer buenas migas con todos.
Ben Pincus: A Ben le horroriza la naturaleza. Es un chico sensible y amante de los libros para quien la isla es un mal sueño repleto de suciedad, gérmenes, insectos y criaturas que —está convencido— ansían comérselo (una impresión justificada). Sus padres ven la experiencia en Campamento Cretácico como una oportunidad para que Ben se curta y supere sus miedos. Pero lo que para otros sería un sueño hecho realidad, para Ben es una pesadilla absoluta.
La pandemia no impide mostrar lo que está por venir
El pasado viernes os adelantamos los primeros vídeos surgidos en la edición de la Comic-Con. Como siempre el evento de San Diego nos ofrece adelantos de series, cómics y películas que están por llegar, así como encuentros con sus artífices. Aquí nos centraremos como siempre en los tráilers o escenas estrenadas en la Comic-Con 2020 que por causas de fuerza mayor ha tenido que ser online, ha sido un Comic-Con @Home.
Una serie que nos tiene enamorados y que seguirá con una temporada más es ‘Star Trek’. Nos referimos tanto a Picard, como a Discovery y añadimos la nueva versión animada.
No dudamos que estaréis esperando como locos la quinta temporada de ‘Rick y Morty’, a pesar de habar tenido hace poco nuevos episodios. Aún no sabemos cuándo llegará pero este adelanto de la Comic-Con 2020 en plan story board nos ha encantado.
Además ya podemos ver un vídeo muy… japonés.
Por supuesto no podía faltar material de ‘The boys’ que estrenará pronto su segunda temporada en Amazon Prime Video. Aquí tenéis su panel que incluye una escena bastante cruel con cierto animal.
Por supuesto Marvel/Disney dio algún avance. Es el caso de ‘Marvel’s 616’, la serie sobre sus personajes.
El próximo 16 de agosto llegará ‘Lovecraft Country’ a HBO y hemos podido ver otro nuevo vídeo de esta serie que nos tiene expectantes.
Una serie de Hulu que tiene pintaza de ‘Helstorm’.
Netflix no para de estrenar series animadas y de animación. En esta ocasión podéis ver ‘Wizards: Tales of Arcadia’ que llegará este 2020.
Cartoon Network ha estado haciendo episodios sueltos de ‘Hora de aventuras’ y nos revelan cuál será el siguiente, Distant Lands Obsidian protagonizado por Marceline y la Princesa Chicle.
Los coleccionistas están de enhorabuena. Bien es sabido por todos que las figuras de McFarlane son de las mejores del mercado. Pues han anunciado que habrá colección de ‘The Witcher’.
Una serie de Netflix que gana cada vez más adeptos es ‘The Dragon Prince’. Los fans han tenido respuesta a sus peticiones, habrá cuatro temporadas más.
Sabemos también que la décima temporada de ‘The Walking Dead’ llegará el 4 de octubre. Tendrá episodios extra que serán lanzados más tarde y una temporada 11 en otoño de 2021. Ha sido anunciado durante este panel de la Comic-Con 2020 junto con un adelanto.
No nos olvidamos de ‘Fear The Walkng Dead’ que podremos ver de nuevo el 11 de octubre con algunos cambios con respecto a los planes originales.
‘The Walking Dead: World Beyond’ es la nueva serie inspirada en el universo de Robert Kirkman que podemos ver el 4 de ocubre. Adolescentes y zombies, este es el resultado.
‘¡Scooby!’ nos cuenta cómo se conocieron los amigos Scooby y Shaggy y cómo se unieron a los jóvenes detectives Fred, Velma y Daphne para formar la famosa agencia de detectives Mystery Inc. Ahora, con cientos de casos resueltos y aventuras compartidas, Scooby y la pandilla se enfrentan al misterio más gigantesco y complicado de sus carreras: un complot para que el perro fantasma Cerbero campe a sus anchas por el mundo. Mientras corren a toda prisa para detener esta «perroapocalipsis» mundial, la pandilla descubre que Scooby tiene un legado secreto y un destino épico mayor de lo que nadie imaginaba.
Crítica
Hanna-Barbera is back
Es innegable que en muchos casos ‘Scooby-Doo’ es responsable desde nuestra infancia del desarrollo de nuestra imaginación y de aportar una manera muy particular de ver el terror. Para aquellos que eran niños durante los setenta, ochenta y buena parte de los noventa este perro cagueta ha sido compañía en la hora de la merienda. Ahora Warner Bros. nos lo trae de vuelta. Y además en esta película de animación tridimensional aparecen el Capitán Cavernícola, Dinamita, el Perro Maravilla y Pierre Nodoyuna famosísimo por series como ‘Los autos locos’. Lo cierto es que solo con todo esto me tenían ganado desde el principio. Hanna-Barbera is back.
La verdad es que como nostálgico de la serie original guardaba cierto recelo, sobre todo tras haber sufrido en su día las películas de acción real con Sarah Michelle Gellar, Matthew Lillard y compañía. Pero a Scooby no le sienta mal el 3D y además la historia nos devuelve a los dibujos divertidos e imaginativos que tantas criaturas fantasmagóricas y artilugios nos brindaron.
Este sigue siendo ese grupo de muchachos que descifran acertijos, desenmascaran falsos espectros y desentrañan misterios. Pero en esta ocasión, como suele pasar en estas películas que quieren ir más allá, el caso a resolver está relacionado con uno de los protagonistas. Y sucede otra cosa de la que se suele pecar, pensando que más es más, es la finalización de la película. Le sobra ser tan desmesurada y estar tan repleta de tecnología. Es un intento de traérselo a lo actual, pero le quita encanto y resta esa sensación de héroes de vecindario.
La película consigue lo que hacía la serie. Muestra valores, tiene muchos gags slapstick, acrobacias casi circenses y no cesa en su ritmo. Se introduce una pequeña historia de orígenes que nos muestra como se origina tanto la amistad entre Shaggy y Scooby como la piña de amigos que gestiona Misterios S.A. Como he dicho antes se intenta meter mucho cachivache moderno, no dudo que eso es para acercarse a los jóvenes de ahora y actualizar la franquicia. Es por eso que su primera secuencia de orígenes empalma con la actualidad de los personajes con una transición que imita muy bien el clásico opening de la serie. Además para remar aún más a favor de corrientes actuales se ha entremezclado todo con un tema superheroico usando también personajes de Hanna-Barbera.
Se agradece que el guión de Kelly Fremon conserve la inocencia y cobardía de los jóvenes protagonistas. Si no hubiésemos tenido a estos chicos maldiciendo con expresiones como ¡chispas! nos habríamos alejado mucho del original y esto debería haberse llamado de otra manera. Aunque alguna cosa adulta han introducido, véase Tinder. Es tan fiel al espíritu intrigante y tontorrón de la serie que le perdono los momentos de electro pop. También era de imaginar que los artilugios que usan nuestros investigadores cambiasen. Decimos adiós a las linternas de pilas alcalinas tipo D y hola al LED del móvil.
Al principio os he enumerado algunos personajes que forman parte de la trama. Pero la película tiene otras muchas referencias a las series del estudio Hanna-Barbera Productions. Vais a ver nombres de ‘Los Picapiedra’ o detalles visuales de otros personajes, así como referencias a los dobladores originales. Los créditos son un homenaje al imaginario de esta factoría de dibujos. Igualmente Warner Bros. también se ha asegurado de introducir algunas de sus franquicias, como podemos comprobar con el disfraz de Wonder Woman que luce Daphne. Está claro que tenemos toda una serie de películas animadas por venir.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de julio de 2020. Título original: Scoob! Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Tony Cervone. Guion: Kelly Fremon. Música: Julian Nott. Reparto principal (doblaje original): Frank Welker, Kiersey Clemons, Zac Efron, Will Forte, Jason Isaacs, Ken Jeong, Tracy Morgan, Gina Rodríguez, Amanda Seyfried, Mark Wahlberg. Producción: Warner Animation Group, Hanna-Barbera Productions, Canadian Film or Video Production Tax Credit. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género:Web oficial:https://www.scoob.movie/
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