En esta epopeya invernal sobrenatural del siglo XIX, un vendedor de aguardiente de manzana borracho debe pasar de cero a héroe y convertirse en el mayor trampero de pieles de Norteamérica derrotando a cientos de castores.
Crítica
Original y llena de gags bastante interesantes
Dirigida por MikeCheslik, llega aFilmin‘Cientos de castores’, una de las cintas que pudimos ver este pasado Festival de Sitges. Fue una de las películas que más me sorprendió y a la vez decepcionó un poco. Y es que, pese a que es muy original, termina haciéndose bastante pesada por lo repetitiva que es.
Pero voy a contaros un poquito acerca de ella. La película nos presenta a un hombre, que tras perder lo mas amado que tenía, una fábrica de sidra, debe hacerse cazador de castores para sobrevivir y poder tener a su amada.
‘Cientos de castores’ es muda, rodada en blanco y negro y puede recordar a cintas de CharlesChaplin o BusterKeaton. A todo esto, le añadimos su claro homenaje a el Coyote y el Correcaminos.
Castores, conejos, lobos y mapaches de peluche, van muriendo terriblemente tras caer en las trampas de este nuevo cazador. Trampas por supuesto, como las de ACME, que fallan más que una escopeta de feria. El cazador se irá haciendo cada vez menos torpe y podrá poco a poco, acercarse a su objetivo. Pero estos animales del bosque no se lo van a poner fácil.
Como he dicho antes, para mi fue una gran sorpresa, iba a ciegas y disfruté un montón su primera hora. ¿Por qué he dicho que me ha decepcionado entonces? Porque al final se repite mucho. Es como lo que digo, al final es como el Coyote y el Correcaminos, siempre es lo mismo, pero son episodios cortos que vas viendo y ya está. Esto es una película de hora y media y resulta un poco pesado.
Pero, aun así, os digo, que merece mucho la pena verla. Porque está muy bien hecha y es una idea bastante divertida. Logran una gran comunión entre los efectos visuales prácticos y a ordenador, la música y la mímica de los actores, que realmente nos hacen pasar muy buenos ratos. Este viernes 22 de marzo la podréis ver en Filmin. Aquí os dejo enlazado un vídeo de la presentación que hicieron en Sitges.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de marzo de 2024. Título original: Hundreds of Beavers. Duración: 108 min. País: Estados Unidos. Dirección: Mike Cheslik. Guion: Mike Cheslik y Ryland Brickson Cole Tews. Música: Chris Ryan. Fotografía: Quinn Hester. Reparto principal: Ryland Brickson Cole Tews, Olivia Graves, Wes Tank, Doug Mancheski, Luis Rico, Daniel Long, Erick West, Jay Brown. Producción: SRH. Distribución: Filmin. Género: Comedia. Web oficial: Hundreds of Beavers | Official Website
¿Podría la escena en escala de grises responder a una explicación física?
La segunda parte del Dune de Denis Villeneuve está dejando a todos atónitos (crítica aquí). Una de las virtudes de esta película es su capacidad para desarrollar un mundo en el que los mayores extremos de la religión y la tecnología conviven en el mismo ambiente. Por supuesto también está ganándose a los adeptos a las novelas de Frank Herbert por su fidelidad para con el espíritu de la historia. Pero sin duda otra razón por la que nos ha cautivado a los que ya la hemos visto es su poder visual.
Entre desérticas escenas y futuristas escenarios Villeneuve nos ha colado una escena en blanco y negro. Muchos le atribuyen un sentido artístico o poético al más puro estilo Zack Snyder, que es algo que nadie puede negar. Pero otros le encuentran un sentido dentro de la “física de la ciencia ficción”. Y es que en dicha escena que transcurre en el planeta Giedi Prime, propiedad de los Harkonnen y donde el sol es negro, se ve todo en escala de grises. Ahí presenciamos una vibrante escena protagonizada por Austin Butler y Stellan Skarsgård al más puro estilo cine clásico de gladiadores, tan clásico que está en blanco y negro. Pero esto solo sucede cuando los personajes están al aire libre. Por el contrario, cuando en ese planeta se hayan en un interior, bajo la influencia de luz artificial, todo se ve en color. Por lo tanto hay algo en la luz solar, los materiales o la atmósfera que produce este efecto.
Partamos de lo básico. En la Tierra vemos el mundo a todo color gracias a la luz solar. El color real de nuestro astro rey es el blanco. Esa La luz blanca que emite es el resultado de la combinación o superposición de todos los colores, lo que llamamos el espectro visible. Cada color posee un rango de radiación magnética emitida con su característica longitud de onda. Sucede que podemos distinguir colores en los objetos debido a las longitudes de onda que rebotan en ese objeto. En otras palabras, los objetos absorben todas las longitudes (o colores) menos una. Ese color que no atrapan y que rebotan es el color que nuestro ojo capta. Si queréis saber más os lo explica en profundidad CuriosaMente.
Si aceptamos esto como una regla física presente en la saga Dune solo podría existir un mundo en escala de grises si considerásemos algunas remotas posibilidades. Una de ellas es que ese mundo estuviese hecho de materiales que absorban todas las longitudes de onda o ninguna. Habría que asumir que el material biológico, los minerales o los metales de ese planeta están compuestos de sustancias que rebotan toda la luz o que la absorben por completo. Por lo tanto sería un mundo en blanco y negro, no en escala de grises. La segunda hipótesis supondría que los rayos que emite el venerado sol negro de Giedi Prime no portasen el espectro de color dentro de ellos. Por lo tanto los objetos pueden tener propiedades que en otros ambientes emiten color, pero bajo la influencia de esos rayos solo pueden transmitir tonalidades blancas, negras o grisáceas. Podríamos atribuir este triste ambiente a algo más biológico y comprobable. Los encargados de recibir la luz en nuestro ojo son los fotorreceptores, que se dividen entre conos y bastones. Los conos se ocupan de transmitir la información del color, mientras que los bastones registran la intensidad. Si la luz del sol negro fuese capaz de anular nuestros conos solo podríamos distinguir la intensidad de los colores, pero no su tonalidad, veríamos en blanco y negro. Por último, está la opción de la atmósfera. Podría ser que los gases que componen la atmósfera de ese planeta repeliesen todo el espectro de color de nuevo al espacio dejando pasar hasta la superficie solo los tonos más oscuros y claros, hasta tal punto que todo se ve en tonalidades grisáceas. Teniendo en cuenta que en las novelas nos explican que ese planeta es industrial hasta el punto de haber acabado con casi toda la flora y fauna, se antoja como la opción más cercana a los libros. Quizá lo que hemos encontrado oculto en esta escena es un alegato ecologista.
Todo esto es evidentemente es una serie de postulaciones que solo cabe concebir dentro de un mundo de ciencia ficción. A día de hoy no se ha encontrado un mundo, una atmósfera o una luz con similares propiedades, pero no sería la primera vez que una película adelanta un descubrimiento científico ¿verdad?
Se adentrará en el viaje mítico de Paul Atreides cuando se une a Chani y a los Fremen en una guerra de venganza contra los conspiradores que destruyeron a su familia. Tendrá que elegir entre el amor de su vida y el destino del universo conocido mientras lucha por evitar un horrible futuro que solo él puede prever.
Crítica
Más completa y espectacular que la primera y pidiendo tercera
Tenemos a un príncipe caído en desgracia al que se le abre un mundo que hasta entonces le era desconocido, la profecía de un elegido y una historia de amor más que pronosticable. Los pasos que sigue ‘Dune’ no dejan de ser arquetípicos y el libro, a mi gusto es más que mejorable. Estamos ante uno de esos casos en los que la película mejora el material original siendo mucho más dinámica, menos espesa y por otro lado mucho más espectacular de lo que podríamos ser capaces de imaginar a través de las líneas de la novela. No estamos hablando de que se amolde más a los gustos actuales, es que es una opinión más que extendida que la primera parte de ‘Dune’ (novela) se hace bola por lo poco que progresa y la narrativa que tiene. Otra razón por lo que esta película se antoja como uno de los mayores logros de DenisVilleneuve es lo beneficiada que sale con las comparativas con la película de David Lynch o la que iba a hacer Jodorowsky. Pero no olvidemos que estas películas no habrían sido lo mismo ni de lejos si no fuese por la música (o sonidos) de Hans Zimmer y la fotografía de Greig Fraser.
La aportación de Zimmer pesa más en la primera parte. En esta continuación el trabajo del compositor se hace notar pero no juguetea tanto con el sonido. Su banda sonora es reconocible completamente pues introduce sus famosos tic tacs y sus efectos sonoros pero la fotografía gana de calle en esta segunda parte. Y es que ‘Dune: parte 2’ tiene fotogramas que son un sueño húmedo para los fans de la ciencia ficción. Sobre todo al mostrar determinados escenarios y principalmente cuando los vehículos Harkonnen llenan la pantalla con formas que recuerdan a las de Giger. El diseño de armamento, atrezo, escenografía y vestuario son impresionantes. Por otro lado está la licencia artística que nos trae una secuencia en escala de grises que además de ser un gustazo estético responde a la hipotética existencia de un sol negro capaz de arrojar luz sin el colorido especto que conocemos, solo con las longitudes de onda blancas y negras. Hablando de estética, los tocados que luce Florence Pugh en el papel de la hija del Emperador recuerdan mucho al que lucía la Emperatriz infantil de ‘La Historia Interminable’, preciosos ambos.
Antes comentaba que esta película es más dinámica que la novela pero con todo y con eso tiene momentos en los que la trama se adormece o redunda en exceso sobre los mismos puntos. Villeneuve ha querido cimentar bien la guerra de guerrillas y toda la parte religiosa de la obra. Probablemente eso le traiga algunos de los pocos malos comentarios que va a tener este filme. En parte por lo que decía, el ritmo se ve perjudicado y en parte porque puede salir más de un islamófobo. Y es que esta es una historia de religión y fanatismos con muchas influencias de oriente medio. Gran parte de los lectores conoce el hecho de que la Revuelta Árabe pudo inspirar a Frank Herbert de igual modo que a R.R. Martin le sirvió de base ‘La Guerra de las Dos Rosas’.
Este filme se siente aún más parte de la saga de Herbert. No solo por todo lo que se desarrolla su parte mediática. También porque se distingue algo más la auténtica magnitud y profundidad. Es la antesala de una saga galáctica llena de personajes, familias y planetas y después de verla cruzo los dedos para que Warner de luz verde a la tercera entrega. Aunque con ‘Dune: parte 2’ se finiquita el primer libro, con unas cuantas licencias argumentales, nos entran ganas de ver una conclusión que cierre absolutamente del todo la trama. También por aprovechar algo más a los gusanos de arena, que al fin y al cabo son la marca de la franquicia.
Además de todo el poder técnico en esta segunda parte se agradece la irrupción de nuevos personajes. Casi todos los partícipes del filme han tenido que trabajar una buena evolución para sus personajes y eso está interesante pero hay aire fresco con incorporaciones como la ya mencionada Florence Pugh, el emperador que interpreta Christopher Walken y sobre todo Austin Butler. El actor ahora archiconocido por su papel como Elvis hace un papel tremendamente físico y además de esos en los que ha de parecer un psicópata, nada fácil. Como válvula de escape hemos tenido a un Bardem imponente que a veces parecía que estaba parafraseando ‘La Vida de Brian’ o las palabras del Walter Sánchez de Les Luthiers.
Como sorpresa ya destripada por las premieres, Anya Taylor-Joy aparece en esta película antes de figurar en otra desértica película de Warner como es ‘Furiosa’.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de marzo de 2024. Título original: Dune: part 2. Duración: 166 min. País: EE.UU. Dirección: Denis Villeneuve. Guion: Jon Spaihts, Denis Villeneuve, Craig Mazin. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Oscar Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Dave Bautista, Christopher Walken, Léa Seydoux, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling, Javier Bardem, Souheila Yacoub, Alison Halstead. Producción: Legendary Entertainment, Warner Bros. Pictures, Villeneuve. Distribución: Waner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, adaptación. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/dune-part-two
Las manifestaciones como lucha en la historia de la mujer
Hace unos días, tuvimos la oportunidad de poder ver ‘Herederas’, uno de los cortos nominados a los Premios Goya 2024, que se darán este próximo 10 de febrero en Valladolid.
Silvia Venegas, presidenta de la Academia de Cine de Extremadura, es la encargada de dirigir ‘Herederas’. Un cortometraje que se ha realizado en el marco del proyecto ‘Tesoros Digitales Europeos: Gestión de archivos centenarios en el siglo XXI’. Proyecto financiado por el programa Europa Creativa y liderado por la Subdirección General de los Archivos Estatales del Ministerio de Cultura, con el apoyo de los Archivos Nacionales de Noruega.
‘Herederas’, nos trae un homenaje al legado desconocido de las mujeres europeas que lucharon por los derechos de la mujer.
Es verdad que como se dice en este cortometraje, la historia de las mujeres ha cambiado mucho, pero, no obstante, aun queda mucho por hacer. El ver a mujeres de todos los lugares, edades unidas por lograr libertad y no sufrir miedo, hace que contemplemos que aun queda un camino largo que recorrer. Y esto es, porque Silvia Venegas, se ha centrado en que veamos diferentes manifestaciones de la mujer, desde 1900.
Este ha sido el eje central de ‘Herederas’, las manifestaciones, la valentía de tantas mujeres de salir a que se las escuche y a luchar por sus derechos. Comenzamos de echo, con la primera manifestación que se realizó después de la pandemia en Madrid.
Es bonito ver este punto de vista. Los archivos que van desde 1900 hasta la actualidad. Desde Noruega hasta España, fotografías y también material en vídeo. Se nota mucho el trabajo de investigación que hay detrás de ‘Herederas’. Pero, es cierto, que te quedas con ganas de más. Quieres conocer más de esas pioneras y su historia. Libertad para votar, libertad para trabajar y libertad para vivir sin miedo a que pase nada por ir solas por las calles. Esto es lo que se ha ido luchando durante tantos años. Muchas situaciones se han ganado, pero otras, simplemente se tienen que seguir luchando.
El montaje del cortometraje es algo flojo, es una serie de fotografías, muy bien elegidas, eso sí, pero qué tampoco llaman demasiado visualmente. Pero al final, lo que importa es lo que nos cuenta, y en eso, ‘Herederas’ lo hace bien.
Además de ver el cortometraje, tuvimos la oportunidad de escuchar a su directora y ella misma nos contó que el corto, que está actualmente en Filmin, se pondrá a disposición en Aula en corto, para que se pueda visualizar en colegios y dar pie a debates en las distintas clases.
Del cineasta Yorgos Lanthimos y la productora Emma Stone llega la increíble historia y la fantástica evolución de Bella Baxter (Stone), una joven devuelta a la vida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe). Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella huye con Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), un abogado hábil y libertino, en una aventura relámpago a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella crece firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.
Crítica
El coming-of-age más extraño que hayáis podido ver en vuestra vida
Es impresionante, uno de esos misterios del séptimo arte, cómo este director ha conseguido granjearse fama desde los conflictos, pero una fama que le ha acarreado muchos fans. La polémica siempre vende. Tras películas controvertidas, incómodas y a la vez sugerentes como ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’, ‘La favorita’, ‘Langosta’ o ‘Canino’, Yorgos Lanthimos regresa con una propuesta fantástica, ‘Pobres criaturas’. Moviéndose con una trama que bien podría estar inspirada por ‘Frankenstein’ o ‘Re-animator’ nos presenta a una mujer que ha sido revivida por un científico. Pero aunque se haya puesto más fantástico que nunca con Lanthimos ya sabemos que no podemos esperar algo convencional y mucho menos algo suave. De hecho, cuanto más te hagas una idea preconcebida de cómo va a ser una de sus películas, más te va a sorprender porque por lo general tiene giros inimaginables.
En ‘Pobres criaturas’ coge la Ingenuidad de ‘Eduardo Manostijeras’ y la lleva a su propio terreno. Desarrolla una sátira cortante, llena de alegatos feministas hasta alcanzar niveles ácidos más propios de Lars von Trier. Pero sobre todo se alza como el coming-of-age más extraño que hayáis podido ver en vuestra vida. Es un filme que destroza los convencionalismos y todo aquello que el ser humano se ha autoimpuesto en contra de su propia naturaleza. Desde la caricatura de los cuentos góticos narra una historia de lo más punk en contra de lo que nos inculca la sociedad, aquello que nos cohíbe, limita y condiciona desde que entramos a formar parte de una civilización que se destruye a sí misma. Quizá ha alcanzado todas estas temáticas y esta crudeza que van más allá de lo que nos tiene acostumbrados, por partir de la novela de Alasdair Gray.
El reparto es de excepción. Cuenta con Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef… Dafoe está maquillado hasta el punto de parecer el propio monstruo de Frankenstein y se somete a esta extraña película siendo una bizarrada viviente. Pero evidentemente Emma Stone es la joya de la corona. Como decía antes con el anglicismo, esta es una película sobre el paso a la madurez, sobre el desengaño a cerca de cómo es el mundo y sobre cuál es realmente la condición humana. Stone pasa por todos los estadios de su personaje ejecutando una de las mejores interpretaciones de su vida. Pasa de la completa inocencia a crear toda una Mary Shelley.
Para Lanthimos también hay un logro que hace que pueda decir que esta película sea excepcional en su carrera. No me refiero al carácter punzante de su guión, eso ya se daba por hecho, sino al aspecto visual. ‘Pobres criaturas’ nos lleva por un viaje que pasa del blanco y negro al color más propio de una foto en HDR o a los decorados de un cuento de Tim Burton en plan ‘Big Fish’. Cambia muchísimo las ópticas en función de la etapa o el estado de ánimo de la protagonista. Cuando extraemos los mejores fotogramas es cuando coloca el ojo de pez. Las imágenes en gran angular exhibidas en escala de grises nos recuerdan a las películas de hace un siglo o a cuadros como el ‘Mano con esfera reflectante’ de Escher.
‘Pobres criaturas’ va a levantar ampollas entre los más puritanos y conservadores, pero cuidado, que además va a escandalizar a determinadas feministas. No me sorprende nada y de hecho esperaba una obra de arte de tal carácter. Es una película que se merece la categoría de obra de arte por encima de los productos actuales, si no es por su factura técnica es por su incómodo mensaje y desde luego por sus interpretaciones.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de enero de 2023. Título original: Poor things. Duración: 141 min. País: Irlanda. Dirección: Yorgos Lanthimos. Guion: Tony McNamara. Música: Jeskin Fendrix. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef, Jerrod Carmichael Christopher Abbott. Producción: Element Pictures, Film4, Searchlight Pictures, TSG Entertainment. Distribución: Searchlight Pictures. Género: drama, fantástico. Web oficial:https://www.searchlightpictures.com/poor-things/
‘El Conde’ es una comedia de terror y humor negro ambientada en un universo paralelo inspirado en la historia reciente de Chile. La película representa a Augusto Pinochet —símbolo del fascismo mundial— como un vampiro que vive recluido en una mansión abandonada en el gélido extremo sur del continente, saciando su apetito de maldad para subsistir. Pero después de 250 años, Pinochet decide dejar de beber sangre y renunciar al privilegio de la vida eterna. No puede soportar más que el mundo lo recuerde como un ladrón. Pese a que sus familiares son unos arribistas y fuente de decepción para Pinochet, una relación inesperada lo anima a seguir adelante, pero esta vez con una vida de pasión contrarrevolucionaria.
Crítica
Pocas veces las burlas hacia la sombra siempre acechante del fascismo han sido tan mordaces
‘El Conde’ es una comedia negra que transcurre en un universo paralelo. Augusto Pinochet no murió, o si… tal vez ya estaba muerto en vida. Esta película nos desvela que el tirano es realmente un vampiro de más de 250 años (interpretado por Jaime Vadell, un actor de casi 90) que vive recluido y harto de sentirse decepcionado por sus familiares y ser recordado como el mal encarnado, como un ladrón. Es por ello que alcanza el punto crítico de decidir dejar de beber sangre. Pero un giro de los acontecimientos, que debéis descubrir, cambia esa determinación a dejar este mundo.
La capa que lucían muchos dictadores del siglo pasado es lo que evocó a Pablo Larraín a la figura del Conde Drácula y lo que desató la imaginación que ha sido plasmada en el guión. Un texto que ha hecho que ‘El Conde’ sea la recién ganadora del premio a mejor guión en Venecia, obra que ha escrito junto a Guillermo Calderón. Entre ambos han rescatado esta figura que nos pintan cómicamente como la de un revolucionario de derechas cansado de ser súbdito y con una evidente megalomanía, un ser tan egoísta que es capaz de negarle la inmortalidad a sus propios hijos y esposa.
Llega este estreno tras la decepción con Larraín por ‘Spencer’ ya que yo era de los que disfrutaron ‘Jackie’. Debí ir prevenido ya que tampoco me gustó ‘Neruda’. Hay algo que no se le puede negar a Larraín, sabe buscar un punto de vista diferente para rescatar personajes históricos. En este caso, además de un cambio estético abraza dos géneros distintos, la comedia (negra) y el “terror”. Eso le hace incluso a llegar a tocar no a no uno, sino a varios personajes odiados por su pueblo ya que, por ejemplo, la condición de inmortal del protagonista nos hace volver a la Francia de María Antonieta.
Larraín se lanza al mundo del blanco y negro. Con esta decisión nos transporta a un mundo alternativo, donde hay una uniformidad y ausencia de color, con además tonos muy oscuros. Sobra decir que la época dorada del Conde Drácula fue aquella en la que sus historias se rodaban aún en escala de grises. ‘El Conde’ podría considerarse como una adaptación libre de Drácula. No falta el fiel ayudante familiar, la residencia en tierras inhóspitas, el (en este caso la) Jonathan Harker que visita el feudo para arreglar el papeleo… Si queremos resumir todos los símiles habría que decir que la familia Pinochet ha succionado la sangre a todo un país. Los asesinados, las cuentas en el extranjero, el odio visceral a la izquierda, las torturas que han quedado impunes… Si Chile está convulso actualmente el refrescar todo esto puede ser todo un acto de memoria de la cual aprender pero también hay que reconocer que es un zarandeo arriesgado. Larraín parodia, imagina, pero también clava escenas como la del velatorio, cuando recibió el escupitajo del nieto de una de las víctimas de su golpe de estado.
‘El Conde’ es la revisión de un villano dotado de la vileza de aquellos que siendo claramente culpables se dicen ser la verdadera víctima, describiéndose con el descaro de esos abyectos personajes de la prensa del corazón que son incapaces de ver el freak en el que se han convertido. Y terror no tiene la película, pero imagino el miedo que deben sentir en Chile ante la idea de que este dictador se mantenga con vida y además con poderes sobrenaturales. Aun así hay que decir que hay bastantes escenas horripilantes y violentas que pueden herir sensibilidades. La película es abiertamente cruda en varios sentidos, tanto con sus indirectas como con imágenes explícitas de decapitaciones. Y con todo esto una de las secuencias que destacan es un precioso vuelo que parece un anuncio de colonia, muy a lo ‘Jupiters Moon’.
Ante todo esto es sátira y farsa política (aunque todos sabemos que la política es una farsa por definición). Estamos ante una burla como la que fue en su día ‘El gran dictador’ o hace poco ‘Jojo Rabbit’. Menuda manera ácida y mordaz de rememorar que han pasado 50 años desde el golpe de estado en el país americano. Tras todo un mandato dictatorial Pinochet no respondió ante la justicia, como tantos otros tiranos. Eso conlleva un legado funesto que nunca termina de limpiarse. Prueba de ello es la división que vive hoy en día Chile. Ahí surge la fuerza de esta burla que reclama que hay que cerrar heridas y reconocer errores para que la sombra del pasado no vuelva a acecharnos. Al fin y al cabo lo que se busca, casi de manera literal, es exorcizar los males del pasado.
Los siguientes títulos de Larraín nos devolverán a María Callas con Angelina Jolie encarnando a la cantante de opera y al 11S con ‘The true american’, curiosamente fecha en la que publico esta crítica. Espero que se atreva con otro volantazo a su carrera pues saliéndose por la tangente es cuando saca lo mejor de él, al menos para mi gusto.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de septiembre de 2023. Título original: El Conde. Duración: 111 min. País: Chile. Dirección: Pablo Larraín. Guion: Guillermo Calderón, Pablo Larraín. Música: Juan Pablo Ávalo, Marisol García. Fotografía: Edward Lachman. Reparto principal: Jaime Vadell, Gloria Münchmeyer, Alfredo Castro, Paula Luchsinger, Catalina Guerra, Marcial Tagle, Amparo Noguera, Diego Muñoz, Antonia Zegers, Stella Gonets. Producción: Fabula. Distribución: Netflix. Género: terror, comedia. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81590652
Podemos ver ya el tráiler oficial de ‘El juego’, la ópera prima de Paco Sepúlveda, protagonizada por Maggie Civantos (‘Vis a vis’, ‘Las chicas del cable’ y ‘Antes de la quema’) y Nico Furtado, al que hemos podido ver en series tales como ‘El marginal’, ‘Impuros’ o ‘Maradona: Sueño bendito’.
El film se presentó dentro de la sección 5 minutos de cine de la pasada vigesimoquinta edición del Festival de Málaga, y habla “sobre el perdón, la importancia de amar bien y la aceptación de la pérdida”.
‘El juego’ llegará a los cines españoles el 1 de septiembre de la mano de Vértice 360.
Sinopsis oficial:
‘El juego’ narra la historia de Víctor (Nico Furtado) y Eva (Maggie Civantos), una pareja que tras siete años de relación decide separarse el día que se decreta el estado de alarma. Debido al confinamiento, se ven obligados a seguir conviviendo y, para no volverse locos y hacer el encierro más llevadero, deciden jugar a un juego que tiene dos reglas: empezar de cero como si sus años juntos no hubieran existido y terminar la relación cuando acabe el encierro.
Umberto Nobile, un ingeniero italiano de dirigibles, vive tranquilo junto a su perra Titina, a la que rescató de las calles de Roma. Un día, Umberto recibe un encargo del famoso explorador noruego Roald Amundsen, quien le pide que haga un dirigible para viajar al Polo Norte.
Crítica
Pedagógica pero triste historia en formato infantil
Los años veinte son conocidos como los felices años veinte. Por supuesto nos referimos a los del siglo XX ya que los del XXI se van a conocer de una manera bien distinta. Fue una época de bonanza, optimismo y crecimiento cultural. También de hitos históricos. Fue por entonces cuando RoaldAmundsen redondeó su hazaña y se convirtió en el primer hombre en haber conquistado el Polo Sur y el Polo Norte, irguiéndose así en todo un icono nacional para los noruegos. Pero no lo hizo sin ayuda ya que su logro fue compartido con el diseñador de dirigibles Umberto Nobile, el cual, tampoco lo habría conseguido sin el apoyo de su perra Titina.
Los pasos previos y sucesivos a la conquista de la cima del mundo son narrados en ‘Titina’. Una película que nos llega avalada por el premio de Excelencia en el Tokyo Anime Award y el premio a Mejor Película para Niños en el Zlín International Film Festival for Children and Youth. Y con eso resumo dos factores importantes del filme, es una película de animación para niños. Con lo cual nos explicamos también la única razón por la que el perro de uno de los exploradores es el eje del largometraje. Esta mascota con la que posó Nobile en casi todas sus fotos protagoniza la historia y nos ofrece su visión. Pero esto no se hace para ofrecer una perspectiva distinta de una conocida hazaña histórica, sino para suavizar lo que aconteció.
A pesar de que la conquista del Polo Norte fue más cómoda que la del Polo Sur no estuvo exenta de dificultades y momentos tensos. La relación entre Nobile y Amundsen se agrió paulatinamente y el dirigible tuvo que ser reparado más de lo que se muestra. No se ha disimulado el desencuentro entre ambos protagonistas pero como decía, el guión dulcifica lo que sucedió realmente. Y con todo y con ello tampoco disimula el triste final de esta historia que puede dejar en los espectadores un regusto de tristeza y aflicción.
La animación es digna de un libro de ilustración. Con trazos limpios, paleta de colores claros y no excesivos detalles nos muestran desde la Roma de hace un siglo hasta los confines helados del Ártico. El diseño de personajes es algo caricaturesco, recreando el rostro real de los que intervinieron en la gesta. Podrían ser perfectamente los dibujos de una aventura gráfica y su composición refleja perfectamente los instantes de una época en la que aún se filmaba en banco y negro. Dicho esto hay que señalar que se intercalan muchísimas fotografías y vídeos de archivo. Ahí quizá es donde está uno de los mayores valores de ‘Titina’. Rellena todo aquello que no se filmó por entonces, por supuesto imaginando la situación dentro del tono buscado, pero también sirviendo de gran instrumento divulgativo. Esta podría ser perfectamente una pieza para exponer en un museo relacionado con el tema.
Mi yo ecologista se apena porque se haya perdido una oportunidad con este filme. Al final de la película, bajo el retrato de Titina, se hace una llamada para detener las actividades humanas entorno a los casquetes polares, para que se mengüe su deshielo. Pero este llamamiento aparece en letras minúsculas y el largometraje no aborda en ningún momento esta materia.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de agosto de 2023. Título original: Titina. Duración: 90 min. País: Noruega. Dirección: Kajsa Næss. Guion: Kajsa Næss, Per Schreiner. Música: Kajsa Næss, Per Schreiner. Reparto principal (doblaje original): Jan Gunnar Røise, Kåre Conradi, John F. Brungot, Ingar Helge Gimle, Thorbjørn Harr, Christian Skolmen, Silje Torp, Nader Khademi. Producción: Mikrofilm, Vivi Film. Distribución: Alfa Pictures. Género: aventuras, comedia, drama. Web oficial:https://www.mikrofilm.no/Titina
Rosario es una señora mayor que vive a las afueras de un pueblo manchego con Ofelio, su hijo discapacitado, su borrico y su cabra. Rosario recoge la sal de higuera de su laguna y se gana la vida vendiéndosela a los viejos, que conocen sus usos milenarios… y a los no tan viejos, mezclándola con tranquilizantesde farmacia y más ingredientes. El
pueblo está arruinado por la ludopatía de sus habitantes y sus gobernantes, que deciden
venderlo. Los habitantes se someten a la venta forzada y a la expulsión, pero la casa y la laguna de Rosario están en medio del término municipal. Ella se opone a esta venta, y organiza, en la medida de sus posibilidades, la resistencia.
Crítica
Tan heredera de Cuerda y Berlanga como nosotros del ADN de nuestros progenitores
La primera película orquestada por la actriz Liz Lobato es ‘Tierra de nuestras madres’ y nos hace recordar de buenas a primeras a ‘La vida de Brian’. Por motivos evidentes al ver a Saturnino García ataviado de vestido negro fúnebre y mandil nos acordamos de Terry Jones. Al igual que la madre de Brian, la anciana que interpreta intenta salir adelante día a día manteniendo una austera casa y a un hijo que no se entera de qué va la vida. Y también al igual que aquella madre que se acostaba con romanos esta madre tiene que hacer sus trapicheos mientras demuestra su afecto con una aspereza e irritabilidad que es marca de La Mancha.
‘Tierra de nuestras madres’ nos cuenta cómo una vieja mustia y solitaria tira de tocomocho y sobornos para sobrevivir en una aldea dejada de la mano de Dios. La laguna de sal que heredó de su familia es la única fuente de ganancias que tiene, pero la usa muy a conveniencia. Rosario es una zalamera que vive de la manera más mundana posible a pesar de estar rodeada de historias disparatadas y peculiares pueblerinos.
Que el surrealismo está presente como bandera en esta película es manifiesto en cuanto descubrimos cómo está caracterizado el personaje protagonista pero aún más cuando descubrimos que la narradora de la historia es la cabra Emilia, un animal que se dice de vocación escritora y que antes de pasar a ser propiedad de la protagonista ha sido cabra de la legión y pedigüeña de esas de ir con el gitano y la trompeta. Saturnino García, recientemente visto en ‘Vampus Horror Tales’, es un valiente de nuestro cine que tras vivir tropecientos rodajes aún se apunta a un bombardeo. Habiendo trabajado con Cuerda y Saura es de comprender el verle en este proyecto lleno de cabras y personajes como cabras.
Si creímos en la existencia de personajes tan raros y cómicos como las hermanas del baptisterio porque no confiar en lo que nos cuenta ‘Tierra de nuestras madres’, es igual de real. El hecho de tener a un hombre ejerciendo de anciana es solo una herramienta más al servicio del esperpento y el neorrealismo propios de Cuerda y Berlanga. Efectivamente este filme es heredero de esos dos maestros recordando a ‘Amanece que no es poco’ o a ‘Bienvenido Mr. Marshall’. Pero también hay que decir que aunque heredes o sigas una línea continuista con determinados predecesores no quiere decir que estés a su nivel. ‘Tierra de nuestras madres’ esconde mensaje entre sus casas encaladas y sus palabros castellanos, nos brinda un humor totalmente llano, pero a veces aburre con su redundancia.
Encima de vaciados, desconcertados y expropiados. Más allá de su humor absurdo y pintoresco está el mensaje contrainvasor, el desarraigo con el campo que podemos observar desde las cada vez más saturadas ciudades y lo desactualizado que puede llegar a estar el mundo rural. Tirando de hipérbole se habla de pueblos franquicia. Como si de un club deportivo se tratase lo que le sucede al pueblo de Rosario es que una potencia extranjera quiere comprar todas las propiedades, casas y terrenos incluidos. Hay un paralelismo que se mantiene como hilo conductor y es el de la época de la ocupación francesa. Es la invasión comercial que en su día se convirtió en la victoria que USA no pudo tener en Vietnam.
Antes hablaba de herencias y el que creo que es el mayor legado de ‘Tierra de nuestras madres’ es su honesto sentido del humor y la manera de afrontar la vida. Para Liz Lobato el estoicismo significa aguantar con imperturbabilidad pero también con la resignación de que todo aquello que puebla nuestra realidad forma parte a la vez de un surrealismo casi imperceptible y a la vez innegable. A su vez es un empujón para mirar hacia nuestros orígenes. Todo, desde nuestra civilización hasta la comida que compramos en grandes supermercados, parte del campo y como germen ineludible e indispensable no debemos descuidarlo, así como nunca olvidamos los sueños, aspiraciones y obras de aquellas que nos parieron.
Ficha de la película
Estreno en España: 21 de julio de 2023. Título original: Tierra de nuestras madres. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Liz Lobato. Guion: Liz Lobato. Música: Luis Tejera, Jeremías Tejera. Fotografía: Ismael Blanco. Reparto principal: Saturnino García, José Luis Cruza. Producción: Miguelina Producciones, Por lo visto, Lunática Films, La bestia produce. Distribución: Melocreo. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.instagram.com/p/Cs_1uOfKzSZ/
El próximo 28 de septiembre Netflix estrenará en su plataforma ‘Blonde’. Una película llamada a triunfar dadas las expectativas y las buenas impresiones previas que está dando. En ella Ana de Armas se convierte en la mítica Marilyn Monroe con la intención de dar a conocer una cara poco o nada conocida de la mítica artista.
Está dirigida por Andrew Dominik y para hacernos navegar por la compleja y enigmática vida de la Monroe se ha basado en la novela de Joyce Carol Oates que también se titula ‘Blonde’.
El resto del reparto está compuesto por Adrien Brody, Bobby Cannavale, Xavier Samuel y Julianne Nicholson.
El 4 de marzo en Amazon Prime Video, Filmin y FlixOlé
La distribuidora #ConUnPack nos ha anunciado el lanzamiento en plataformas de lo que consideran uno de los thrillers psicológicos españoles de la temporada. El debut en la dirección del cineasta andaluz Raúl Arteaga protagonizado por Carlos Bernardino, Mercedes Hoyos y Antonio Dechent. ‘El bucle de Latham’ estará disponible desde el 4 de marzo en Amazon Prime Video, Filmin y FlixOlé y próximamente en otras plataformas y TV.
‘El Bucle de Latham’ es una propuesta en forma de puzzle que el espectador tendrá que resolver si no quiere quedar atrapado como su protagonista en el mismo bucle, fruto del elaborado guión y su estructura “laberíntica”. El título ha sido elegido por su autor debido a que el Bucle de Latham es un dispositivo que se utiliza en los proyectores de cine clásicos, que aísla el celuloide de la vibración e impide su ruptura.
‘El Bucle de Latham’ se estrena en dos versiones. La versión original de su autor, en blanco y negro, se verá en exclusiva en Filmin y la versión en color estará disponible en FlixOlé y Amazon Prime Video.
Tráiler en blanco y negro.
Tráiler en color.
Sinopsis oficial:
Marcos es un joven solitario e introvertido, criado solo por su madre. Un día recibe una llamada en la que le comunican el fallecimiento de un padre al que nunca conoció y que, sin embargo, le deja una herencia. El legado imprevisto consta de una gran casa, abandonada, donde el padre pasó su infancia. Con ella, Marcos hereda también un pasado perturbador y desconocido, hecho de silencios, secretos y asuntos familiares no resueltos que vuelven a aparecer a través de la casa. El presente se vuelve confuso, la historia de su familia amenaza a todo lo que Marcos creía conocer, mezclando lo real con lo irreal hasta arrastrarlo a un bucle inesperado.
Ya podemos ver el tráiler de ‘Belfast’. Una película que nos vuelve a traer al actor Kenneth Branagh tras las cámaras después de haber estrenado ‘El último acto’, ‘Asesinato en el Orient Express’ y estar preparando ‘Muerte en el Nilo’. El propio Branagh define ‘Belfast’ como su trabajo más personal.
‘Belfast’ está protagonizada por Jamie Dornan, Caitriona Balfe, JudeHill, Judi Dench y Josie Walker. Recientemente ganó el premio del público del Festival de Toronto tras su presentación en el Festival de Telluride y ha clausurado el Festival Europeo de Cine de Sevilla.
Universal Pictures la estrenará en cines españoles el 28 de enero.
Sinopsis oficial:
En el verano de 1969, Buddy, un muchacho de nueve años, sabe exactamente quién es y cuál es su lugar. Es un niño de clase obrera, del norte de Belfast, que se siente feliz, amado y seguro. Su mundo es un torbellino de vida y diversión en las calles de una comunidad que ríe y permanece unida.
Una comunidad donde todos sus familiares viven en la misma calle y donde es imposible perderse, porque todo el mundo en Belfast se conoce, o al menos eso parece. Y, en cada minuto de tiempo libre que tiene, la oscuridad de los cines o el televisor proyectan las películas y los programas estadounidenses, que son la embriagadora divisa que hace viajar la vida interior y los sueños de Buddy.
Pero, cuando los años sesenta tocan su fin, mientras el hombre llega a la mismísima luna, un caluroso mes de agosto convierte los sueños de infancia de Buddy en una pesadilla. El descontento social acumulado de pronto estalla en la propia calle de Buddy y la situación se intensifica rápidamente. Primero, un ataque enmascarado, luego disturbios y, por último, un conflicto que se extiende por toda la ciudad, avivando las llamas más allá de la capital. Católicos contra protestantes, los que hasta hace un instante eran vecinos cordiales y amorosos, se convierten de pronto en enemigos mortales.
Buddy intentará entender el caos y la histeria de una nueva situación de aislamiento poblada de héroes y villanos que hasta entonces solo había conocido en la gran pantalla, pero que ahora amenaza con corromper todo lo que conoce y ama en un enfrentamiento épico en su propio entorno.
Su madre trata de lidiar con la situación mientras su padre trabaja lejos de casa, en Inglaterra, tratando de ganar lo suficiente para mantener a la familia. Se impone la ley de las patrullas urbanas, y las vidas inocentes se ven amenazadas. Buddy sabe lo que esperar de sus héroes; se ha pasado horas viendo westerns como ‘Solo ante el peligro’ y ‘El hombre que mató a Liberty Valance’, pero ¿podrá ser su padre ese héroe que él necesita? ¿Sacrificará su madre su pasado para proteger el futuro de la familia? ¿Cómo podrán sus queridos abuelos mantenerse a salvo? ¿Y cómo podrá amar a la chica de sus sueños?
Buddy hallará las respuestas a lo largo de un fascinante, divertido, conmovedor y descorazonador viaje a través de disturbios, violencia, la alegría y la desesperación de las relaciones familiares, junto con la agonía del primer amor… Todo ello acompañado de un nivel de baile, música y risa que solo los irlandeses son capaces de desplegar cuando el mundo se pone del revés.
Porque… ¿Qué otra cosa puede hacer Buddy? Este es su único mundo. Esto es Belfast.
Ya podemos ver el cartel oficial y el primer tráiler de ‘C’mon c’mon. Siempre adelante’ la película de Mike Mills (‘Beginners’, ‘Mujeres del siglo XX’) que está protagonizada por el ganador del Oscar Joaquin Phoenix, que regresa tras ‘Joker’, para interpretar a un periodista que por cuestiones familiares tiene que cuidar de su joven sobrino y ambos se embarcan en un entrañable viaje por Estados Unidos.
La película será distribuida en España por Diamond Films, y llegará próximamente a nuestras pantallas.
Sinopsis oficial:
Una conmovedora historia que ahonda en las relaciones familiares. Johnny (Joaquin Phoenix) es un periodista que debe cuidar de su joven y precoz sobrino (Woody Norman) mientras forjan un inesperado lazo en un viaje de carretera a través de EEUU, en esta delicada y profunda historia sobre las conexiones entre adultos y niños, el pasado y el futuro.
Una obra de Víctor Marín que combina animación y acción real
Ya está en marcha la producción de ‘RETAP’, el nuevo trabajo del marbellí Víctor Marín que contará con Darko Peric como protagonista. El actor serbio, que interpreta a Helsinki en la afamada serie española ‘La casa de papel’, se une al director malagueño en un cortometraje thriller que combina acción real y animación
Afincado en Barcelona desde 2004, el actor serbio formó parte del reparto del largometraje ‘Un día perfecto’, dirigido por Fernando de León Aranoa junto a Benicio del Toro, Tim Robbins y Olga Kurylenko. Un año después debutó en la serie ‘Mar de Plástico’, de Atresmedia. Desde 2017 forma parte del elenco de una de las series con más éxito de los últimos años, ‘La casa de papel’, que lo ha convertido en uno de los rostros más conocidos del panorama nacional e internacional.
¿Qué ocurre cuando una mente se rompe? ¿Qué designios le están esperando? ‘RETAP’, el nuevo trabajo que escribe y dirige el marbellí Víctor Marín es un cortometraje experimental. ‘RETAP’, que ha arrancado recientemente su fase de producción, cuenta la historia de un personaje atormentado, que no termina de sentirse cómodo en este mundo. A través de una serie de flashbacks descubriremos su identidad y que lo motiva.
Un cortometraje que mezclará acción real, en blanco y negro, con flashbacks en color realizados utilizando las principales técnicas de animación, que incluyen el 2D, Stop Motion y también el 3D. La estética tendrá una relevancia fundamental junto a la música en este trabajo, que tendrá en la ausencia de diálogos su principal máxima. El espectacular diseño del póster es obra del artista internacional Nekro y el arte conceptual corre a cargo de Iván Ruso.
Según Marín, el proyecto es “un cómic en movimiento, al estilo ‘noir’ de novela negra y policíaca. Su estética recordará a las historias que se narran en ‘Sin City’, Batman o la serie ‘Love Dead and Robots’, de Netflix”. Es importante destacar que la producción de este trabajo tendrá esencia malagueña, puesto que estará coproducido por la productora malagueña Av2Media Films e Invictus Designs Productions, del propio director marbellí, que contará, para este nuevo trabajo, con su equipo habitual, más algunas incorporaciones como Pedro de Diego (‘La Casa de Papel’), Martín Canale (Sideshow Collectibles) o el animador Toni Alarco, entre otros.
A los mandos de la producción estará Montse Ogalla, que cuenta con una larga trayectoria en el sector y en la producción de largometrajes, documentales y cortometrajes, como el nominado a la última edición de los premios Goya, ‘Paraíso en llamas’. Para Ogalla es un premisa que los rodajes en los que está implicada sean lo más sostenible posible, por eso ‘RETAP’ será uno de los primeros cortometrajes malagueños que intentará obtener el Sello de Rodaje Sostenible del Ayuntamiento de Málaga. Junto a ella realizarán la producción ejecutiva el mismo Víctor Marín y Edgar de Benito.
A este nuevo reto se han sumado instituciones tan destacadas como la Escuela de Cine de Barcelona (ECIB) o la Escuela de Cine y Sonido, School Training (Málaga). La música, que tendrá una importancia fundamental en la historia, será creada por Jesús Díaz, compositor autor de la música, entre otros trabajos, del filme de gran éxito Voces. La canción que cerrará el corto, tendrá un marcado carácter malagueño y marbellí, puesto que será compuesto por la cantante La Negra Mayté junto a Emi.
‘RETAP’ tratará de contar una trepidante historia que mezclará ingredientes como justicia, locura, pasión o infidelidad, servidos en un cóctel que promete dejar a los espectadores con un gran sabor de boca.
El camino del live action de la Liga de la Justicia en cines no ha sido precisamente recto ni meteórico y nos cuesta decirlo porque aquí la defendemos. Pero por fin se va viendo luz al final del túnel, aunque irónicamente nos espere una historia más oscura, aún. Como todos sabréis, difícil será que no os haya llegado eco de la campaña que se ha hecho, podremos ver la versión del director original del proyecto, Zack Snyder.
Desde Warner Bros. (y con un aluvión de reacciones en las redes sociales) nos han transmitido una fecha. Sneyder Cut (como popularmente se la conoce) tendrá su estreno en España el 18 de marzo. Será entonces cuando repitamos la experiencia, pero con una perspectiva cambiada y con aún más duración, mucha más.
Retornaremos al equipo formado por Batman (Ben Affleck), Superman (Henry Cavill), Wonder Woman (Gal Gadot), Aquaman (Jason Momoa), Cyborg (Ray Fisher) y Flash (Ezra Miller). ¿Cómo se verán bajo la idea original de Snyder? ¿Qué cambios tendrá la trama de Steppenwolf? ¿Veremos más a Darkseid?
La película se lanza en EE.UU. a través de HBO Max y en los países nórdicos, Europa Central, España y Portugal podrá verse simultáneamente en HBO, al igual que los países asiáticos con tarán con ella en HBO GO. En Latinoamérica, el título se estrenará en exclusiva en HBO Max cuando se lance el servicio este año.
Un drama romántico con Zendaya y John David Washington
El próximo 5 de febreroNetflix estrenará ‘Malcolm & Marie’. En esta película dirigida y escrita por Sam Levinson (‘Nación Salvaje’) que en esta ocasión trabaja con Zendaya (‘Spider-Man: Lejos de casa’) y John David Washington (‘Tenet’). El largometraje es un drama profundamente romántico donde un cineasta (Washington) y su novia (Zendaya) vuelven a casa tras asistir a la fiesta de un estreno de cine que él cree que será un gran éxito de crítica y público. Pero entonces afloran ciertas revelaciones sobre su relación que ponen a prueba la solidez de su amor, y de pronto la noche cambia por completo.
Nos cuenta Netflix que con ‘Malcolm & Marie’ y junto al director de fotografía Marcell Rev, Levinson crea una película muy singular, una oda a los grandes idilios de Hollywood, así como una sincera expresión de fe en el futuro del sector.
Noche de Halloween. El Sr. Fettes (Saturnino García) es el particular guardián del cementerio, un siniestro ser que guarda muchos secretos. Entierra los difuntos de día y los desentierra de noche con fines inconfesables. Le gusta que le llamen Vampus y leer comics de terror, especialmente las historias de amor, entendidas a su necrófila manera.
Vampus nos introduce en cuatro de esas historias que transcurren en una perdida casa en la montaña, en un siniestro parque de atracciones, en un singular salón de bodas y en un mundo acosado por una extraña pandemia.
Crítica
Sangre, tumbas y perritos a gogo
¿Qué es más terrorífico, una noche de Halloween en un cementerio con un enterrador bastante cabroncete o cualquier cosa sucedida en 2020? Mucho cuidado con lo que respondéis. El señor Fettes (Saturnino García) es un tipo que se regodea en las peores pesadillas, escritas o narradas. Para algunos no hay nada más horrible o molesto que el hecho de que no se les llame por su nombre, “llámame Vampus” lleva diciendo este sepulturero desde que apareció en el corto de Víctor Matellano y Diego Arjona. Y continúa pidiendo que se le nombre así, pero ahora no se anda con chiquitas y cualquiera puede caer en sus fosas y filos. También en sus historias.
‘Vampus Horror Tales’ hace honor a su carácter antológico y va cambiando de tercio según el macabro sepulturero da paso a sus pequeños capítulos, cual cadáver de ‘Historias de la cripta’. Nos lleva a un escape room, a un escenario apocalíptico, a una cabaña en el bosque o a un túnel del terror. Escenarios clásicos en el género que no obstante son empleados para contar historias diferentes y nada manidas. Yo me quedo sobre todo con la que protagonizan Nacho Guerreros y Erika Sanz. Está muy bien interpretada y muy bien desarrollada. Él en un papel bastante sibilino y ella haciendo tremendamente bien de discapacitada visual.
Un rodaje marcado por la pandemia. Los confinamientos provocados por el COVID-19 pausaron esta producción que sin embargo ha sabido adaptarse a la situación. Sabemos que algunas historias han tenido que ser contadas de otra manera y ‘Vampus Horror Tales’ ofrece soluciones que consiguen narrarnos lo que pretendía. Se alía con las tecnologías o con el plano contraplano para poder tener continuidad.
Saturnino García es el hilo conductor pero también el personaje que más cala. Con sus pensamientos bordes y su literalmente cortante comportamiento es capaz de encandilar y horrorizar. Junto a él un reparto al que no le faltan caras famosas: Nacho Guerreros, ElenaFuriase, Félix Gómez, MontsePlá, Diego Arjona, Erika Sanz… Y rostros también muy conocidos del cine patrio como José Lifante, África Gozalbes, Lone Fleming, Antonio Mayans… Sin olvidar las voces de Héctor Cantolla, Carlos Areces y Víctor Clavijo.
Guiños y referencias a clásicos del terror no le faltan. Transcurriendo algunas escenas en el Museo de Cera de Madrid no podía faltar la imagen de Paul Naschy que además fue hecha por Colin Arthur, quien es el encargado además de supervisar los efectos de la película.
‘Vampus Horror Tales’ es una película o una serie de cortometrajes que rezuman mucho amor por el terror. Empezados o acabados por ilustraciones y comentados en plan crítico por Vampus. El sentido del humor está omnipresente y es con Saturnino García con quien se consigue mayor efectividad.
Si hay que ponerle una pega a tan efusiva muestra de amor por el fantástico es el re-doblaje en alguno de los segmentos. Una nimiedad que queda tapada por borbotones de sangre y el mensaje superliminal por comer perritos calientes.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de noviembre de 2020. Título original: Vampus Horror Tales. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Isaac Berrocal, Erika Elizalde, Manuel Martínez Velasco, Víctor Matellano, Pablo Moreira. Guion: Diego Arjona, Isaac Berrocal, Yolanda García Serrano, Ignacio López, Víctor Matellano, Pablo Moreira, Victoria Vázquez. Música: Javier de la Morena. Fotografía: David Cortázar. Reparto principal: Saturnino García, Nacho Guerreros, Elena Furiase, Félix Gómez, Montse Plá, Diego Arjona, Erika Sanz, Dunia Rodríguez, Luis Hacha, Daniela Dardanelli, Almudena León, Rafa Rodrigo, David M. Santana, Marian Clar, Gus Cantolla, Alberto Rivas, Marina Romero, Sergio Morcillo, Federico Repetto, Vicky Jorge, José Lifante, África Gozalbes, Miguel Molina, Lone Fleming, Antonio Mayans, Héctor Cantolla, Carlos Areces, Víctor Clavijo. Producción: Argot Films, ViMa PC, Wild Duck Productions, Raccord Films, Infilmity, RedRum. Distribución: Argot Films. Género: terror. Web oficial:https://www.instagram.com/argotfilms/
Inicialmente en blanco y negro y mostrando cambios con respecto a la película original, ha sido publicado el tráiler de Liga de la justicia: Snyder cut’. Aunque ya no sabemos qué decir, si esta sería la original o si lo fue la otra. En cualquier caso el director Zack Snyder ha podido estar en disposición de retomar el trabajo que dejó en manos de Joss Whedon y nos muestra por donde van a ir ahora los tiros.
Anteriormente se reveló una escena con Superman y su traje oscuro. Ahora podemos ver, tanto a color como en blanco y negro, un traje nuevo para el villano y miembro de la élite de Darkseid llamado Steppenwolf. A parte de eso hay poco más que aportar. Sabemos eso si que se mantiene la intención de estrenar la película en cuatro episodios ya que dura hasta cuatro horas.
¿Hay ganas de ver ‘Liga de la justicia: Snyder cut’? Aún no sabemos con certeza quién o como se distribuirá en España pero en USA será HBO Max.
Aquí tenéis el tráiler a color arrancando con Darkseid y de nuevo con la música de Leonard Cohen.
Y este es el mismo tráiler desaturado, publicado en el peril de Snyder.
El director de cine Lucas Figueroa (‘Despido Procedente’, ‘Viral’) está rodando su próximo largometraje ‘Renaceres a 8k’, durante el período de cuarentena, y profundiza sobre la oportunidad del ser humano de resurgir en una versión mejorada después de un hecho trascendental. Se trata de un proyecto multidisciplinar que incluye un largometraje documental, una serie, una exposición y un experimento literario.
La película rodada a una calidad de 8K (cuatro veces más que la resolución que se ve en un cine), toma el confinamiento como punto de partida a un viaje introspectivo sobre la grandeza humana a través de los escenarios vacíos de España, en plena cuarentena y que poco a poco vuelven a la normalidad en las distintas fases.
Figueroa ha obtenido unas imágenes en movimiento únicas que pueden ser catalogadas para la Memoria Histórica de España, y las generaciones venideras pueden ver con otros ojos lo que fueron estos días de confinamiento. Es importante tener un documento visual de los espacios vacíos, de las calles solitarias y de la oportunidad de renacimiento e introspección que significó este frenazo forzoso. Por otro lado, captar esos lugares con su vuelta a la normalidad, que nunca será la misma es un documento de gran valor.
Pero no todo son ciudades vacías, ‘Renaceres a 8k’ se rodó también en los hospitales junto a los sanitarios, en las calles junto a la Policía y en los barrios junto a los vecinos en sus balcones. Ahora toca la etapa de la llamada ‘desescalada’ que arroja también un sin fin de imágenes únicas de personas sociabilizando de una manera distinta.
El rodaje se ha hecho con la máxima calidad de grabación cinematográfica de hoy en día. Una imagen a 8K ya 60 cuadros por segundo (en una película se proyecta a 24 cuadros por segundo), hace que todo se perciba en cámara lenta como si de un sueño o una película de ciencia ficción se tratase. Los planos llevan un movimiento armónico de la mano del talento Steadycam Álvaro Carla, hijo del primer Steadycam español, Tito Carla.
Figueroa comenta, «Con Álvaro colaboramos desde que hice el corto. Porque hay cosas que nunca se olvidan y somos inseparables desde entonces cuando pienso en planos con movimientos armónicos, que las imágenes sean únicas».
Este largometraje producido por Mr Monkey de Figueroa y New Frequency, productora centrada en contenido documental, cuenta con el apoyo técnico de cámaras 8K de IsabelBaselga (Catts) y el soporte en postproducción de Sergio Salas (Scope).
Fue realizado bajo la supervisión previa de la Policía Nacional, y con las más estrictas medidas de seguridad, con un equipo mínimo, pero con una cuidada calidad técnica y de composición. Estas cualidades son características en la obra de este director y vienen generadas por su trayectoria en la dirección de cine público y en procesos de postproducción como montador para Disney durante años en sus comienzos. El director de esta obra audiovisual comenta » Soy un optimista por naturaleza, un soñador si se quiere. Me quedo con la grandeza del ser humano, que se percibe y se ve en estos momentos extremos. Somos luz y en la calle lo hemos visto y es lo que hemos querido captar. El sanitario aplaudiendo al policía, y el transeúnte aplaudiendo al sanitario, es el ejemplo más gráfico, pero hay vecindarios de personas que no se conocían y que de balcón a balcón llegaron a ese vínculo natural que tenemos entre humanos, queremos compartir nuestro amor. Queremos ser amados y amar «.
En ‘Renaceres a 8k’, el uso de ópticas angulares y de planos compuestos a lo Terrence Malik o Stanley Kubrick nos lleva a un viaje hipnótico por las urbes y sus calles. Como sucedió en la trilogía ‘Qatsi’ (Godfrey Reggio, 1983) o ‘Baraka’ (Ron Fricke, 1992), el peso de las imágenes sin palabras se transforma en un discurso arrollador guiado por una música que invita a la reflexión inmediata.
‘Renaceres a 8k’ será también una exposición y una manifestación literaria. Cada plano habla por sí solo, cada plano es un «cuadro» y en este caso el lienzo es una pantalla con una resolución de 8K (8000 líneas de resolución, el HD son 1080 líneas).Diversos artistas de reconocido prestigio están poniendo su voz a los cuadros, recitando poemas, en homenaje a los grandes maestros y maestras de la literatura española. Un plano, un cuadro, un artista. La obra final es un cuadro vivo que genera una emoción y reflexión distinta en cada espectador. Estas piezas formarán parte de una exposición itinerante por diferentes museos y salas.
«Quiero poner en manos de tod@s parte de estas imágenes para cada un@ las haga suyas y les ponga su música, su poesía y su mensaje. Y que, de esta manera, co-creemos un mensaje de unión y amor, que es, en definitiva, lo que somos . Es un buen momento para volver a la poesía, las expresiones mínimas, desde un lugar menos racional y más sentido . ‘Renaceres’ nos inspira a través de las imágenes a la oportunidad de reinventarse que surge luego de un hecho histórico en esta aventura, tan frágil y hermosa, que es la vida».
‘Renaceres a 8k’, se centra en el discurso HUMANO. No en la tragedia, sino en la reflexión de quienes somos desde la imagen desnuda de las ciudades. Estará en cines el 18 de diciembre.
Un poeta que se hospeda en un hotel junto a un río convoca a sus dos hijos con los que no se reúne desde hace tiempo. Esta repentina decisión parece estar motivada por su extraña impresión de que va a morir en cualquier momento. Mientras la familia intenta ponerse al día, una joven que ha sido engañada por su pareja se muda al hotel. Sumidos en la desesperación, una repentina nevada entrelaza ambas historias.
Un hotel y un imponente paisaje nevado -rodado en luminoso blanco y negro- son los elementos con los que Hong Sangsoo teje una especie de cuento moral sobre la vida y la muerte en una de las películas más serenas y reflexivas del director coreano. Sangsoo continúa subvirtiendo las normas de la narración temporal -aunque aquí trabaje con una clásica estructura en tres actos-, con variaciones prácticamente imperceptibles y juegos de ensayo y error, para conseguir una obra cargada de emoción poética que escapa como pocas a la explicación reduccionista.
En este film del prolífico director coreano se dan cita en el reparto la espléndida Kim Minhee y el multipremiado actor Ki Joobong. ‘El hotel a orillas del río’ ganó el premio a Mejor Actor en el Festival de Locarno y los premios a Mejor Película, Mejor Guion y Mejor Actor en el Festival de Gijón.
Este estreno llega a los cines el 30 de agosto distribuido por Good Films y La Aventura.
Los dos presentadores de la próxima edición de los Premios Goya son Silvia Abril y Andreu Buenafuente. Como siempre los encargados de dirigir la gala aparecen en los spots publicitarios previos a esta. En el segundo que se ha lanzado los dos comediantes se han convertido en John Lennon y Yoko Ono y se han rodeado de estrellas españolas en un set que está recreado justo en el ático del Palacio de la Prensa, uno de los cines más clásicos de la capital.
Por supuesto como en el anterior clip se critica al estado actual de la comedia, se habla de cuestiones de sexo, se hacen guiños a los nominados… ¿qué colectivo quedará más contento? Actores como Concha Velasco, Macarena García,Macarena Gómez, Pedro Casablanc, Dani Rovira a parecen en el nuevo vídeo.
Antes de la ceremonia –que tendrá lugar el próximo 2 de febrero en el Palacio de Congresos y Exposiciones FIBES Sevilla– se desvelará la tercera de las piezas promocionales, que se podrán ver en los canales de Televisión Española y en más de 1500 salas de cine de toda España, con la colaboración de FECE (Federación de Cines de España).
Menos de un año después de su presentación hemos tenido que esperar para ver material de ‘Arde Madrid’, la serie de Paco León y Anna R. Costa. Y Solo tendremos que esperar a septiembre para ver sus episodios pues será estrenada en el Festival de Cine de San Sebastián. Movistar+ será quien la ponga a disposición de la audiencia más adelante.
Esta innovadora ficción, protagonizada por Inma Cuesta, el propio Paco León (que también dirige la serie), Debi Mazar, Anna Castillo y Julián Villagrán, es la primera serie de la televisión de pago rodada en blanco y negro.
Compuesta de 8 capítulos de media hora cada uno, se proyectará completa en el Velódromo Antonio Elorza, la sala de cine más grande de España con una pantalla gigante de 400 metros cuadrados y un aforo para 3.000 espectadores.
‘Arde Madrid’ nos transporta a 1961, en plena dictadura franquista, donde Ava Gardner disfrutaba junto a una élite de artistas, aristócratas y extranjeros de lo que fue la Dolce Vita madrileña. Su sufridor vecino de abajo, era nada más y nada menos que el General Perón, exiliado de Argentina y recién casado con Isabelita, su segunda esposa.
El General Perón, Aline Griffith, Charlton Heston o la mismísima Ava Gardner serán secundarios de lujo en la vida de los verdaderos protagonistas de la serie: Manolo, Ana Mari y Pilar, el servicio doméstico del animal más bello del mundo.
A través de sus vivencias se contará no sólo la intimidad de una estrella de Hollywood sino también el disparate de lo que era la España del momento. Flamenco, guardias civiles, la Sección Femenina, clanes gitanos, un collar único, espionaje … Y sobre todo sexo, whisky y rock and roll.
`Arde Madrid´, detrás de cada momento histórico siempre hay alguien haciendo las camas.
Documental a cerca de la famosa escena del asesinato en la ducha de ‘Psicosis’ que cambió para siempre el cine en tantos aspectos. Análisis de los 52 planos que la conforman a través de la visión de muchos cineastas.
Crítica
Un despiece ejemplar de una escena rompedora
Ya había ganas de que llegase a los cines este documental que pudimos descubrir en la pasada edición de Nocturna para que todos podáis disfrutar de este análisis y descubrimiento de secretos de un momento histórico de la cinematografía. ’78/52. La escena que cambió el cine’ es un profundísimo estudio de todos los pormenores que rodean al famoso acuchillamiento de ‘Psicosis’.
Uno se plantea a la hora de escribir esta crítica qué es lo que va a comentar, si la escena o el documental, ya que dan ganas de ponerse junto a los protagonistas del largometraje a comentar tan icónica secuencia. Y es que se analiza con suma pasión y al dedillo el contexto social en el que se estrenó el filme así como todo lo que sucede antes del asesinato. No se deja nada sin examinar: los mensajes que esconde, la época de cambio en que llega, los planos, el uso del blanco y negro, la música de Bernard Herrmann, los dobles, el montaje… hasta los azulejos del baño.
Con esta escena ocurre lo mismo que con la ‘Mona Lisa’ de Da Vinci. Se ha observado tanto y se le ha dado tantas vueltas que se le extraen multitud de significados y se la conoce como si se hubiese estudiado bajo un microscopio. Pero también se le encuentran defectos y en el documental de Alexandre O. Philippe los vemos. Con esto no digo que la película desmonte la escena, al contrario, el largometraje es toda una oda a Hitchcock, pero si tiene unos segundos en los que se demuestra que el cineasta a pesar de su perfeccionismo tenía sus defectos. Porque es innegable que incorporó en ‘Psicosis’, y en este asesinato en concreto, elementos nunca vistos y marcó un antes y un después no solo en el género si no en el cine en general. Quién si no habría tenido el valor de contratar a una estrella como Janet Leigh y matarla en los primeros compases de la película.
Para plasmar cómo una escena tan escalofriante ha hecho tanta historia, como la muerte de una mujer tan bella e indefensa se ha arraigado en nuestra cultura popular tan profundamente hacen falta muchos puntos de vista y en la cinta tenemos todas las perspectivas posibles. Directores, actores, compositores, guionistas… Por eso cuenta con un conjunto de entrevistas a expertos y famosos como Peter Bogdanovich, Eli Roth, Elijah Wood, Guillermo del Toro, Jaimie Lee Curtis, Danny Elfman, Mick Garris, Leigh Whannell, Mick Garris, Karyn Kusama… Todos ellos son entrevistados mientras como unos mirones van visionando el famoso crimen.
52 cortes tiene la escena que se consiguió tras 78 tomas. La legendaria escena de ‘Psicosis’ se rodó en nada más y nada menos que 7 días de rodaje. Si os gusta el cine y más si sois apasionados al terror, miraréis este documental como auténticos voyeristas. Y es que ese es uno de los temas importantes del filme, el voyerismo, como también se demuestra con la comparación de lo rodado y el cuadro ‘Susana y los viejos’ que tapa el agujero a través del cual observa Norman Bates (Anthony Perkins). Pero ojo que el cuchillo de ‘Psicosis’ también se dirige a la cámara castigando a todos aquellos observadores indiscretos, captar los detalles y aprender esta valiosa lección de cine y vida.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de junio de 2018. Título original: 78/52. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Alexandre O. Philippe. Guion: Alexandre O. Philippe. Música: Joh Hegel. Fotografía: Robert Muratore. Reparto principal: Peter Bogdanovich, Jamie Lee Curtis, Guillermo del Toro, Danny Elfman, Illeana Douglas, Bret Easton Ellis, Jeannie Epper, Margo Epper, Mick Garris, Norman Hollyn, Chris Innis, Jim Hosney, Karyn Kusama, Bill Krohn, Neil Marshall, Geoff Marslett, Aaron Moorhead, Bob Murawski, Walter Murch, Daniel Noah, Oz Perkins, Fred Raskin, Eli Roth, Gary Rydstrom, Scott Spiegel, Josh C. Waller, Elijah Wood, Leigh Whannell. Producción: ARTE, Exhibit A Pictures, Milkhaus. Distribución: Sherlock Films. Género: documental.
La plataforma de entretenimiento digital Netflix sigue apostando por el contenido de los países en los que se instaura y en el caso de España acaba de anunciar la que será su segunda película original tras ‘7 años’, que llevará el título ‘Elisa y Marcela’. Su directora será Isabel Coixet, que tras el éxito de ‘La librería’ se embarca en un proyecto que tiene ya 10 años de desarrollo.
‘Elisa y Marcelo’ está basada en el primer matrimonio homosexual registrado en España y estará protagonizada por Natalia de Molina (‘Kiki, el amor se hace’), Greta Fernández (‘La Enfermedad del Domingo’), Tamar Novas (‘Mar adentro’), Sara Casasnovas (serie ‘Sin identidad’), María Pujalte (‘Es por tu Bien’), Francesc Orella (‘Mirage’), Manolo Solo (‘Tarde para la Ira’) y Lluís Homar (‘Anomalous’), entre otros.
Estará rodada en blanco y negro entre Cataluña y Galicia y está producida por Rodar y Rodar (‘El Orfanato’, ‘Los Ojos de Julia’), Zenit TV, Lanube Películas y TV3 en asociación con Film Factory y se estrenará de forma simultánea en los 190 países donde Netflix opera en 2019.
“Elisa y Marcela es para mí un proyecto soñado, imaginado y deseado desde hace mucho, muchísimo tiempo. Cuando descubrí la historia de estas dos mujeres que desafiaron a la sociedad de la época, a la Iglesia, y a los convencionalismos , con una valentía , un coraje y una pasión inauditas, supe que era una historia que quería y debía contar” ha comentado la directora.
En 1885, Elisa y Marcela se conocen en la escuela donde trabajan. Lo que comienza como una gran amistad termina en una relación amorosa que tienen que vivir a escondidas. Los padres de Marcela sospechan de esta relación y la enviarán al extranjero unos años. A su vuelta, el reencuentro con Elisa es mágico y deciden tener una vida en común. Ante la presión social y las habladurías, ambas deciden trazar un plan: Elisa abandonará un tiempo el pueblo para volver convertida en Mario y poder casarse con Marcela, pero no todo será tan fácil para este amor no reconocido.
Después de una ruptura sentimental, una chica de 23 años regresa a casa de su padre. Allí descubre que este tiene una relación con una joven de su misma edad.
Crítica
Ensayo sobre el deseo y la fidelidad.
Francia y su idioma siempre han sido un estandarte, una referencia o un tópico muy recurrente cuando nos queremos dirigir a eso del amor. A los galos les viene esa fama por algo y películas como ‘Amante por un día’ no hacen más que acrecentar ese mito que se tiene de ellos como labradores de historias y relaciones amorosas. Con la película de Phillipe Garrel os esperan 76 minutos de tragicomedia romántica intensa. Se cae la cinta de la duración media de las películas que nos presentan habitualmente en los cines pero en casos como este yo lo agradezco pues su intensidad es alta. No es un agradecimiento por que sufra de empatía con los personajes, sino más bien porque me suele costar entrar en la dinámica de películas que pretenden darle una profundidad tan melodramática a los romances. No me parecen realistas.
Una relación padre e hija, el amor traspasando barreras y edades. La premisa de la película es la confrontación de una joven que se encuentra con un padre que tiene una novia de su misma edad. Es decir ellas tienen veinte y él unos cincuenta. Pero más que los vínculos paterno filiales, que en parte se tocan de manera muy madura, lo que trata la película son diferentes estadios de una relación: el deseo, la seducción, el idilio, la obsesión, el despecho… Y con todo esto los temas generales del film la lealtad y el respeto.
La película está presentada en riguroso blanco y negro o más bien en escala de grises. Con un nivel de contraste muy alto además para que las sombras y los claroscuros estén muy recalcados. Así pues los ropajes siempre oscuros de algunos personajes y su lechosa piel nos presagian su estado de ánimo o sus desventuradas intenciones. Esto le da a la película también un algo de elegancia y un sabor a cine de la época de la Nouvelle Vague, salvando las diferencias con una película tan lineal como esta, por supuesto. Es más, al contrario de la corriente en la que se movió el famoso Godard, ‘Amante por un día’ es muy estática, no solo en sus escenarios, sino también en sus movimientos de cámara. Película claustrofóbica además no solo por encerrarnos en una casa en buena parte de su metraje si no también por asfixiarnos dentro de dos amoríos bastante destructivos.
Philippe Garrel no solo ha hecho familiar esta película dirigiendo a su propia hija Esther Garrel (‘Call me by your name’), también le dedicada a otro Garrel, François, compositor de la música de su ‘Marie for memory’ (1967) todo el largometraje. Ese título que he citado era un drama en el que las parejas llegan a amar hasta límites extremos. Aunque reduciendo todo a algo muy esencial, ambas cintas tratan de personajes que por pura angustia, por puro querer terminan cerca de hacer alguna locura o sucumben a actos irracionales. Por otro lado si nos rememoramos visualmente a ese filme comprobamos que Garrel continúa con un tratamiento, más estático y menos experimental, pero si bastante similar de planos, luces y encuadres.
Personajes perdidos y ciegos de amor haciendo cosas impensables para ellos mismos. ‘Amante por un día’ hará las delicias de aquellos que disfruten de estas historias de pareja en ocasiones llevadas al límite y sin personajes secundarios que alivien tanta presión sentimental. Por eso, aunque rodada con muy buen criterio considero que su problema puede estar en que está dirigida a un público muy específico.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de mayo de 2018. Título original: L’amant d’un jour (Lover for a Day). Duración: 76 min. País: Francia. Dirección: Phillipe Garrel. Guion: Arlette Langmann, Jean-Claude Carriere, Caroline Deruas, Phillipe Garrel. Música: Jean-Louis Aubert. Fotografía: Renato Berta. Reparto principal: Eric Caravaca, Esther Garrel, Louise Chevillotte, Laëtitia Spigarelli. Producción: ARTE France Cinéma, SBS Productions. Distribución: La Aventura. Género: romance, drama. Web oficial:http://laaventuraaudiovisual.com/amante-por-un-dia/
Debi Mazar interpreta a la mítica actriz en ‘Arde Madrid’
El pasado noviembre se presentó ‘Arde Madrid’, la comedia en blanco y negro de Paco León y Anna R. Costa y hoy comenzamos a descubrir novedades sobre su reparto. Debi Mazar es la actriz norteamericana que encarnará a Ava Gardner en la serie de Movistar+. La serie de ocho episodios contará las peripecias del servicio doméstico de Ava Gardner cuando la actriz vivía en Madrid en 1961 y era la vecina de arriba del General Perón, personaje que será interpretado por el actor argentino Osmar Núñez, el cual ya le ha encarnado en anteriores películas y series, como ‘Juan y Eva’.
En los comienzos de su carrera Debi Mazar apareció como corista en los videos clips de su amiga Madonna (a la que también maquillaba) como ‘True blue’ o ‘Papa Dont Preach’. Después ha trabajado como actriz de reparto en películas como ‘Balas sobre Broadway’ de Woody Allen, ‘Cosas que nunca te dije’ de Isabel Coixet o ‘Uno de los nuestros’ de Scorsese. También ha participado en series de televisión como ‘El Séquito’ de HBO o ‘Younger’.
Por primera vez, y aprovechando la celebración del 50 aniversario, el Festival de Cine de Sitges da la vuelta a la cámara en su spot publicitario y pone el foco en los que lo hacen posible: los aficionados que llenan las butacas y que dan vida y sentido al Festival. Se trata de un homenaje merecido a los grandes protagonistas del Festival, que llega en tono de Drácula, que es el leit motiv de Sitges 2017.
El spot corporativo de Sitges 2017, realizado una vez más, por la agencia de publicidad China, rinde homenaje a los aficionados a través de imágenes en que diversos fans aparecen en primer plano esperando su dosis de sangre.
RafaAntón (director creativo ejecutivo de China y responsable de la campaña del Festival desde 2002) y MiguelÁngelDuo (director creativo de China), argumentan el paralelismo que el spot ofrece entre el aficionado y los vampiros: «Hay dos tipos de personas que necesitan la sangre para sobrevivir: unas, obviamente, son los vampiros. Las otras son los fans del cine fantástico y de terror, que claman por su dosis en forma de películas sangrientas. La razón por la que, año tras año, nunca se pierden su cita con el Festival». Este paralelismo entre los unos (vampiros) y los otros (fans), sirve para que el Festival selle por partida doble un homenaje a la figura de Drácula, el eterno adicto a la hemoglobina, y a los aficionados que llenan las salas de Sitges, cuya fidelidad hace del Festival un lugar especial edición tras edición.
El spot es una de las piezas centrales de la campaña de Sitges 2017 y se está proyectando en televisiones, cines y a través de los canales de Internet.
¡Sed testigos! pues la proyección va a compañada de condiciones inigualables.
Ya os hemos hablado anteriormente del nuevo Autocine Madrid RACE, e incluso hemos sorteado algunas entradas. Están ofreciendo estrenos de primera categoría como ‘Logan’, ‘Ghost in the shell’ o ‘Guardianes de la Galaxia Vol. 2’. Pero como ya os adelantamos también ofrecen actividades y estrenos especiales. Uno de esos estrenos tiene que ver con una película que recientemente ganó 6 premios Oscar. ‘Mad Max: Furia en la carretera’ tiene una edición alternativa emitida solo en blanco y negro. Va a ser todo un lujo poder verla en pantalla grande pues se va a estar pasando en el autocine del viernes 5 al jueves 11 de mayo (en el pase de las 22h).
Además será proyetada en versión original, con lo que se amplía la oferta de este cine al aire libre que también lanza su servicio de comida llevada directamente a los coches.
Más fácil no os lo pueden poner pues ‘Mad Max: Fury Road – Black & Chrome’ tendrá precios especiales. El fin de semana la tarifa será de 6 € los adultos y 3 € los niños. De lunes a jueves se podrá asistir por el módico precio de 3,5 € los adultos y 3 € los niños. A los asistentes se les gratificará con un paquete de palomitas gratis (uno por cada vehículo).
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