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Crítica: ‘Guardianes en la ópera’

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Sinopsis

La Ópera Metropolitana de Nueva York, un lugar legendario y de renombre, y Carmen, la obra de ballet más famosa del mundo, son los escenarios de esta aventura en la que Samson, líder de un grupo de perros callejeros, salvará una mítica obra. Un día, huyendo de sus cazadores se esconde en el edificio Met. Allí conoce a la encantadora Margot, la mascota de Anastasia, la primera bailarina del teatro. La trama se complica cuando la única diadema que perteneció a la reina de Gran Bretaña y que Anastasia debe lucir en el cuarto acto, desaparece del camerino. Sin la diadema, el espectáculo no puede continuar y debe cancelarse. Ahora Margot y Samson tienen que encontrar al ladrón y salvar la función al son de la música del gran Georges Bizet.

Crítica

Un noble recordatorio de que la cultura clásica tiene su lugar en la animación y la cultura popular actual

A comienzos de año llegó desde Rusia a nuestros cines la película ‘Guardianes del museo’. Sin que hayamos terminado este 2024 tenemos un nuevo título del mismo director, Vasiliy Rovenskiy, que supone una especie de secuela espiritual. De gatos pasamos a perros, de San Petersburgo a Nueva York, de una pinacoteca a la ópera. ‘Guardianes en la ópera’ viene a contar con el mismo presupuesto pero se nota que hay más cantidad de personajes y escenarios. Aun así, dudo mucho que quienes vayan a ver este título se paren a analizar esos pormenores de la producción.

Con una trama menos museística pero que igualmente apuesta por cultivar el arte, conocemos a una tropa de perros con complejo de Robin Hood en los años en los que Ford ponía en marcha los primeros coches y aún se estilaban artes como el ballet o la ópera. Parece que el filme quiere hacer honor a eso de “servir y proteger” pues los protagonistas velan por la seguridad del resto de animales del barrio y también se convierten en todo unos opera buffs (melómanos de la ópera). Si bien ‘Guardianes en la ópera’ no destaca por su producción de alto presupuesto ni por una animación visualmente impresionante, logra transmitir un mensaje genuino y valioso. En un momento en el que la animación suele enfocarse en historias de ritmo rápido, humor inmediato y sobrecarga de texturas, esta película rusa se distingue por su enfoque en temas clásicos y un sincero amor por las artes.

En términos técnicos, ‘Guardianes en la ópera’ está lejos de las pulidas producciones de estudios como Disney o DreamWorks, de hecho podría decirse que el estilo es similar al de muchos anuncios de juguetes. La animación es más simple, con menor fluidez en los movimientos y un nivel de detalle en los personajes y escenarios que, para una audiencia acostumbrada a las producciones de Hollywood, puede parecer modesto. Sin embargo, estas limitaciones técnicas son compensadas por la esencia de su mensaje. Comparada con películas de animales parlantes como ‘Madagascar’ o ‘Sing’, ‘Guardianes en la ópera’ se aparta del humor rápido y la acción para proponer una narrativa más serena y gags más propios de un show circense.

La película sigue a un grupo de animales que, en lugar de embarcarse en aventuras modernas o extravagantes, se embarcan en la misión de rescatar una valiosa joya y de paso evitarle un problema a uno de ellos. Esto la acerca a otros filmes animalísticos que promueven valores profundos, como ‘Ratatouille’, que explora la pasión por la cocina, o ‘Spirit: El corcel indomable’, que resalta la libertad y la conexión con la naturaleza. En este largometraje, sin embargo, el enfoque en una forma de arte menos popular en el cine infantil, como la ópera, es un recordatorio de que la cultura clásica tiene su lugar en el corazón de la animación y de la cultura popular actual.

Lo más destacable de esta película es que, a pesar de sus limitaciones visuales, transmite un profundo respeto por las artes. Al representar la ópera y la música clásica como algo digno de proteger y preservar, hace una llamada a las nuevas generaciones a apreciar un mundo de expresiones artísticas que pueden parecer distantes en un contexto de entretenimiento rápido y de fácil acceso. Este mensaje podría no impactar tanto a los niños como a los padres y educadores, pero su intención es noble y ofrece una lección valiosa sobre la importancia de valorar la belleza y complejidad de las artes que se disfrutan mejor presencialmente y que valoran la destreza con nuestros cuerpos, sin artificios tecnológicos.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de noviembre de 2024. Título original: Velikolepnaya pyaterka. Duración: 75 min. País: Rusia. Dirección: Vasiliy Rovenskiy. Guion: Vasiliy Rovenskiy. Música: Anton Gryzlov. Reparto principal (doblaje original): Anna Starshenbaum, Diomid Vinogradov, Garik Kharlamov, Pavel Priluchnyy, Aleksandr Gavrilin, Filipp Lebedev, Irina Kireeva, Anastasiya Portnaya, Anton Eldarov, Anastasiya Sorokina. Producción: Kinofirma, Nashe Kino. Distribución: VerCine. Género: aventuras. Web oficial: https://www.vercine.org/ficha/es/734-guardianes-en-la-opera/

Crítica: ‘Joker: folie à deux’

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Sinopsis

Arthur está internado en el psiquiátrico de Arkham en espera de juicio por los crímenes que cometió como Joker. Mientras lucha con su doble personalidad, Arthur no sólo se da de bruces con el amor verdadero, sino que también encuentra la música que siempre ha estado dentro de él.

Crítica

Un caos de capricho musical y desconexión narrativa

‘Joker: Folie à Deux’, la esperada secuela del aclamado filme de 2019 dirigido por Todd Phillips y protagonizado por Joaquin Phoenix, es un experimento cinematográfico que intenta capturar la esencia psicótica y caótica del famoso villano de cómic, algo que se hizo ya en su primera película de orígenes pero en esta ocasión adopta una perspectiva más peculiar y arriesgada. Aunque el resultado es ambicioso y unos pocos de sus elementos son dignos de elogio, tiene fallos que podrían hacer que no conecte con los espectadores.

La elección de abordar esta secuela como un musical es, sin duda, la decisión más arriesgada. Este giro hacia lo musical es interesante, pues refleja el concepto del ‘folie à deux’. El delirio compartido entre dos individuos se expresa de la misma manera que la música es capaz de llevarnos a personas diferentes al mismo estado mental o anímico. Mientras determinadas secuencias musicales logran capturar el desorden psicológico de Joker y Harley Quinn, la mayoría pueden sentirse forzadas y sacan al espectador de la oscura atmósfera que Phillips había establecido en la primera entrega. La transición entre la cruda realidad y el espectáculo musical no siempre es fluida, lo que provoca una desconexión en el tono de ‘Joker 2’. Por no decir que desdibuja la excelente banda sonora de Hildur Guðnadóttir. El recurso es sencillo, cambio a música y color para mostrar la enajenación que comparte el duo, pero el filme se olvida poco a poco de ello, perdiéndose en una concatenación de temas nada pegadizos. Incluso hay que decir que seguidores de la primera entrega (entre los cuales me cuento), que esperaban una secuela igual de sombría, psicológica e incluso social, podrán sentirse desconcertados por este enfoque que se percibe completamente aburrido.

En cuanto a la actuación, Joaquin Phoenix vuelve a entregarse por completo a su papel como Arthur Fleck, ofreciendo una actuación tan inquietante y perturbadora como en ‘Joker’. En este ‘Joker 2’ Phoenix explora las profundidades de la psique del villano de Batman, ahora enfrentando no solo su locura interna, sino también su extraña relación con Harley Quinn y la reacción de la sociedad. La incorporación de Lady Gaga como el amor del también conocido como El Guasón en ciertos países añade poco carisma la película. Al margen de lo que se puede haber modificado el originen de este personaje, la relación con el Joker se desenvuelve a través de números musicales y momentos muy poco coreografiados que parecen surgir de las mentes desquiciadas de los protagonistas. Por desgracia es patente que a Gaga le resulta difícil salir de lo videoclipero y es una pena pues ya ha demostrado con otras películas que puede ser buena actriz. Su Harley Quinn es menos caricaturesca que versiones anteriores del personaje, pero al menos muestra una vulnerabilidad que permite al espectador entender su caída en la locura compartida con Arthur. La relación actoral entre ambos actores es ligeramente palpable aunque la dinámica de su relación podría haberse desarrollado de manera más profunda en ciertos momentos.

Narrativamente, ‘Folie à Deux’ continúa el viaje de Arthur Fleck hacia su consolidación como el Joker, pero lo hace de una manera más abstracta. La trama es menos lineal que en la primera película, lo que puede dificultar la conexión emocional con los personajes. Phillips parece más interesado en explorar los aspectos psicológicos y surrealistas de la locura compartida, lo que deja a la trama en un segundo plano. Aunque esta exploración es intrigante, puede sentirse algo excesiva y a veces dispersa.

La estética de la película sigue siendo irreprochable, con una fotografía que acentúa la decadencia o el caos del Gotham (sobre todo Arkham) en el que viven los personajes y la extrema delgadez a la que ha tenido que llegar Phoenix, pareciéndose cada vez más a Robe Iniesta. Sin embargo, en algunos momentos, la dirección artística parece priorizar el estilo sobre la sustancia, lo que contribuye a la sensación de que la película se centra más en impresionar visualmente que en desarrollar una narrativa coherente.

Solo pocos lectores de DC Comics encontrarán aquí la versión del Joker que les gusta, un hombre desquiciado y maltratado por la sociedad. La película de Todd Phillips está lejos y parece que no tiene en mente dar al archienemigo de Batman el estatus de mafioso o de jefe de banda. Tal es así que si nos paramos a identificar guiños hay muchas más referencias a shows musicales o películas como ‘Willy Wonka’ o ‘Los paraguas de Cherburgo’ que a los cómics en sí. Puestos a obviar la fuente comiquera y rendir tributo a musicales… si se hubiese seguido la dinámica de obras como ‘Sweeney Todd’, habría funcionado mucho mejor, en mi opinión. Pero al menos la esencia demente de Joker está presente en ‘Joker 2’. Habiéndose alcanzado esto en la primera entrega, uno se pregunta si este nuevo largometraje es una transición experimental hacia una tercera parte o si ha sido simplemente un capricho un tanto snob.

Por cierto. ¿Estamos todos de acuerdo en que el detalle que se ve al final al fondo y desenfocado es un guiño a la teoría de más de un Joker y por extensión al de Heath Ledger?

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de octubre de 2024. Título original: Joker: folie à deux. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Phillips. Guion: Scott Silver, Todd P. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Lawrence Sher. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz. Producción: DC Entertainment, Joint Effort, Village Roadshow Pictures. Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, musical, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/joker-folie-a-deux

Análisis del Blu-ray de ‘Los vigilantes’

Merece la pena echarle un visionado al debut de la hija de Shyamalan

Los bosques de irlanda fueron el escenario escogido por la hija de M. Night Shyamalan para rodar su primer largometraje como directora. Ishana Shyamalan es la autora de ‘Los vigilantes (The watchers)’, quien junto con su hermana Saleka Shyamalan parece que lanza su carrera bajo el paraguas del nombre de su padre. No obstante, a pesar de cualquier argumento nepotista, la película tiene sus virtudes y ha encandilado a una buena parte de la audiencia, llegando a recaudar más de 33 millones de dólares por todo el mundo.

La trama parte de un libro de A.M. Shine y sigue a una joven que se queda varada en un bosque en el que intenta buscar refugio. Cuando cree que lo ha encontrado descubre que unos extraños, aquellos que la acogen, viven amedrentados por unas criaturas que les observan toda la noche. Es palpable que Ishana Shyamalan intenta seguir la estela de su padre y consigue muy buena ambientación y puesta en escena, pero no consigue el efecto sorpresa.

El Blu-ray que ha puesto a la venta Arvi Licensing viene encabezado por la portada que protagoniza parte del rostro de Dakota Fanning, tapado por un símbolo que es claro a lo que alude. El estuche no contiene libreto ni folleto sobre el filme. Únicamente encontramos en el interior el disco de la película casi en negro por completo con el título del filme. En cuanto al menú de opciones que encontramos al meter el disco en nuestro reproductor, si no has visto el filme te va a intrigar.

El Blu-ray ofrece resolución 1080 de alta definición en formato 16:9 1.85:1. El audio se encuentra disponible en 5.1 con los idiomas seleccionables en castellano, inglés, francés, italiano y checo. En cuanto a los subtítulos están disponibles en castellano, francés, holandés, checo, coreano, cantonés, chino complejo además de en inglés e italiano para sordos.

Extras (33 min. aprox.)

Wellcome to the sho: the making of The Watchers (8:50 min.)

Llevar a la pantalla el folclore irlandés y las páginas de Shine era el retop para hacer esta película. La directora, el productor (M. Night Shyamalan) y el equipo técnico, como la directora de coreografía nos hablan de cómo han hecho esto realidad.

Creating The Watchers (5:02 min.)

Las criaturas de la película fueron creadas con trajes de captura de movimiento. Pero a parte de esta moderna técnica de recreación a través de ordenador había que tener en cuenta su aspecto, su origen y forma. Todas estas referencias y técnicas son las que se tratan aquí. Como sorpresa, se usó una especie de danza japonesa.

Constructing the coop (6:16 min.)

En la película hay un corral y aunque suene a algo sencillo o rudimentario tiene su intríngulis. Para este elemento tan pintoresco y especial se ha contado con el propio autor de la novela que no habla de su concepción y sentido.

Ainriochtan and the irish fairy folclore (4:22 min.)

La manera en cómo vemos actualmente a las criaturas del folclore ha cambiado mucho. Esa influencia se hace patente en este filme que intenta revivir leyendas con un enfoque tanto moderno como tradicional.

Lair of love (9:29 min.)

Solo los que han visto la película entenderán porqué el extra más largo de la película es una especie de Gran Hermano del amor.

Netflix anuncia una docuserie sobre Aitana

La cantante rueda seis episodios

Tras el anuncio de la serie sobre Alejandro Sanz Netflix suma otra docuserie sobre otra estrella española. Aitana tendrá docuserie en la plataforma y ya está rodándola. Con esta nueva producción la estrella internacional mostrará cómo es su día a día, dando un acceso hasta ahora nunca visto.

La artista ha anunciado así la llegada de la serie.


Chloé Wallace (‘Un cuento perfecto’) será quien dirija esta visita a la intimidad de la cantante barcelonesa. Komodo Studio produce los seis episodios de la serie en la que se hablará tanto de sus mayores éxitos y como de sus complicados baches.

Se rueda una docuserie sobre/con Alejandro Sanz

Un proyecto en exclusiva para Netflix

Alejandro Sanz se ha dirigido a sus fans del modo que podéis ver en este enlace para anunciar en un proyecto que documentará sus sensaciones sobre su actualidad y futuro. Le espera una buena paliza al mítico cantante español en esta apuesta audiovisual que solo podrá verse en Netflix.

En el vídeo el cantante anuncia que el título es ‘Cuando todos me ven’, pero Netflix no lo ha confirmado todavía. Consistirá en una docuserie de tres episodios producida por Sony Music Vision. Álvaro Ron (‘Superman & Lois’, ‘Hernán’) es el director de esta apuesta que hará las delicias de los fans del cantante. Gracias a esta apuesta los espectadores podrán acceder al backstage de la vida de Alejandro Sanz como si tuviesen entradas VIP para uno de sus conciertos. Así mismo se desvelarán los próximos planes personales y profesionales de Alejandro Sanz tras pasar una etapa difícil, sobre la que se sincerará por primera vez.

Tráiler de ‘Smile 2’

18 de octubre en cines

El tema idol, strella del escenario, diva… llamémoslo como queramos pero está muy de moda. La próxima película de Shyamalan girará en torno al concierto de una cantante de fama mundial y la segunda parte de ‘Smile’ sigue también esos derroteros.

La primera entrega cautivó a una buena cantidad de público, al contrario que a gran parte del fandom del terror que la tachó de poco original y efectista. ‘Smile 2’ se estrenará el 18 de octubre para intentar poner una sonrisa y un escalofrío en aún más espectadores.

En el reparto encontramos a Naomi Scott, Rosemarie DeWitt, Kyle Gallner, Lukas Gage, Miles Gutierrez-Riley, Peter Jacobson, Raúl Castillo, Dylan Gelula y Ray Nicholson. Parker Finn, autor de la primera parte firma también ‘Smile 2’.

Sinopsis oficial:

La estrella del pop mundial Skye Riley (Naomi Scott) está a punto de embarcarse en una nueva gira mundial cuando empieza a experimentar una serie de sucesos cada vez más aterradores e inexplicables. Angustiada por la espiral de horrores y la abrumadora presión de la fama, Skye tendrá que enfrentarse a su oscuro pasado para recuperar el control de su vida antes de que sea demasiado tarde.

Crítica: ‘Back to black’

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Sinopsis

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La extraordinaria historia del rápido ascenso a la fama de Amy Winehouse y la creación de su exitoso álbum ‘Back to Black’. Contada desde la perspectiva de Amy e inspirada en sus letras profundamente personales, la película descubre a la excepcional mujer detrás del fenómeno mediático y una tormentosa relación en el centro de uno de los discos más legendarios de todos los tiempos.

Crítica

Habría sido más justo un biopic tan disruptivo como lo fue su carrera

‘Back to black’ es la película que trata la figura de Amy Winehouse a través de la interpretación y la voz de Marisa Abela. El reto podía ser fácil pues es una historia reciente ampliamente documentada por todo tipo de prensa, la estética pin-up de la cantante era muy singular y sus canciones hablaban con marcada sinceridad sobre su vida o estado de ánimo. Lo realmente retador era el tema de la voz y hacer de esta una película necesaria.

Facialmente no se parece la actriz y su voz está lejos de ser como la de la fallecida artista. Pero hay que reconocer que Marisa Abela canta muy bien temas que requiren tonos muy complicados. Si ella fuese capaz de igualar la voz Winehouse estaría grabando discos que siguiesen su escuela y no películas. No obstante me aventuro a decir que este filme le será a la actriz como buenísima carta de presentación. Gracias a eso y a que se calcan fotografías o momentos públicos de su vida tenemos cierto sentimiento de remembranza. Pero no vale solo con calcar. Los fans buscan que se respete su estilo y espíritu. Los no seguidores querrán ser informados sobre una estrella que quizá en su día no siguieron. Y creo que no me equivoco si digo que todos esperan la historia completa sin omisiones, llegaremos a eso, no voy a cortarme como hace la película.

Amy Winehouse provenía de una familia judía londinense. Su padre era taxista, y su madre farmacéutica. Apenas hay alusiones a su hermano en el filme. Murió alcoholizada en su amado Candem Town entrando así en el club de los 27 y dejándonos dos únicos álbumes en solitario. Entre otros, frecuentaba el bar The Hawley Arms, el mismo que está relacionado con el protagonista de ‘Mi reno de peluche’. Curiosamente ella también llevo una relación tormentosa y tumultuosa con alguien a quien conoció en un bar. Una relación con idas y venidas de la cual surgió la canción que da título a esta película. Él llegó a decir que le gustaba más el crack más que la propia Amy. De nuevo una omisión pues es una cita que no aparece en el filme.

No es que a la directora Sam Taylor-Johnson (‘50 sombras de Grey’) le gusten las relaciones de pareja fuera de la norma, es que este es un aspecto fundamental para entender la vida de Amy Winehouse y las letras de algunas de sus canciones. Esa relación tóxica, el divorcio de sus padres, la muerte de su abuela, las adicciones… Todo el ello aparece en ‘Back to black’. Aunque nos cueste creerlo está plasmado de un modo suavizado. Tanto física como artísticamente la película se queda muy corta en cuanto a la degradación que sufrió. Claro que hay que considerar que el filme cuenta con el visto bueno y colaboración de Mitch Winehouse, con quien Eddie Marsan habló para preparar su papel. Vomitonas y lapsus sobre el escenario, un cuerpo demacrado, salidas de tono en público, la necesidad de llevar guardaespaldas… No todo eso está tratado en esta recreación, no en su justa medida. Solo se hace mucho inciso en su alcoholemia y en el acoso de los paparazzi, sobre los cuales se arroja mucha parte de culpa de su intoxicación etílica. Por supuesto, sería pecado capital, también se habla de cómo ella se coló en todas las listas y se bañó en premios gracias a su poderosa voz y la manera en cómo recordaba a la vieja escuela.

‘Back to black’ se proyecta sin un montaje, guión o tomas talentosas. Por suerte solo hay un par de secuencias que recuerdan a ‘50 sombras de Grey’. La película no está mal pero sin aportar información extra o un enfoque fuera de la norma se antoja poco relevante o necesaria. Ojalá este biopic hubiese sido tan disruptivo como fue su carrera. Quizá habría que haber esperado más tiempo para que este filme tenga su papel de tributo y rescate en la memoria, para que las futuras generaciones comprueben que las estrellas fugaces siguen existiendo a pie de calle.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de mayo de 2024. Título original: Back to black. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Sam Taylor-Johnson. Guion: Matt Greenhalgh. Música: Nick Cave, Warren Ellis. Fotografía: Polly Morgan. Reparto principal: Marisa Abela, Eddie Marsan, Jack O’Connell, Lesley Manville, Juliet Cowan, Sam Buchanan. Producción: StudioCanal UK, Monumental Pictures, Canal+, M6, W9. Distribución: Universal Pictures. Género: biografía, drama. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/back-to-black/

Tráiler de ‘Pared con pared’

En Netflix el 12 de abril

La nueva película española de Netflix es ‘Pared con pared’ y ya podemos ver su tráiler. Se trata de un remake de una película francesa de 2015 dirigido por Patricia Font (‘El maestro que prometió el mar’) y guionizado por Marta Sánchez (‘Menudas piezas’, ‘Allí abajo’). El estreno tendrá lugar el 12 de abril en Netflix a través de una colaboración en producción con Tripictures.

La película está protagonizada por la cantante Aitana y el actor Fernando Guallar.  Aparecen también en el filme Natalia Rodríguez, Adam Jezierski, Paco Tous y Miguel Ángel Muñoz, entre otros.

Sinopsis oficial:

Valentina (Aitana) es una joven pianista que se prepara para una audición. David (Fernando Guallar), un inventor de juegos que solo puede concentrarse en silencio. Solo una delgada pared les separa… ¿lograrán aprender a convivir?

Crítica: ‘Bob Marley: one love’

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‘Bob Marley: one love’ es una celebración de la vida y la música de un icono que inspiró a generaciones a través de su mensaje de amor y unidad. Por primera vez en la gran pantalla, descubrimos la impactante historia de superación de la adversidad de Bob y la travesía que subyace a su música revolucionaria. Producida en colaboración con la familia Marley y protagonizada por Kingsley Ben-Adir en el papel del legendario músico y Lashana Lynch en el de su esposa Rita, ‘Bob Marley: one love’ llegará a los cines este San Valentín, 14 de febrero de 2024.

Crítica

Sorprenderá porque trata más el mensaje que el personaje

Vivimos una época en la que proliferan las producciones de carácter biográfico sobre cantantes o grupos musicales. Desde el éxito de ‘Bohemian Rhapsody’, ‘Rocketman’, ‘Blonde’, ‘Elvis’ hasta películas fracasadas como ‘Whitney Houston: I Wanna Dance with Somebody’ o ‘Judy’. En España este “fenómeno” sucede también con ‘Bosé’, ‘Camilo superstar’, ‘Luis Miguel’, ‘Dispararon al pianista’ y ahora acaba de anunciar Netflix que contará la vida de Julio Iglesias. Todas esas películas o series tienen algo en común, intentan ensalzar e incluso endiosar la figura de la persona que abordan. En el caso de ‘Bob Marley: One Love’, tenemos que agradecer que hay un enfoque diferente. En España tuvimos un caso parecido con el documental sobre Berri Txarrak, ‘Dardara’, el cual se centraba más en las sensaciones de los fans que la trayectoria del propio grupo.

Con ‘Bob Marley: One love’, el mensaje, la revolución que en parte llevaron a cabo Bob Marley & The Wailers son el centro de atención y el eje del guion. No es una película que santifique al cantante jamaicano, aunque algunos aspectos, como las drogas o su carácter menos pacifista, los trata poco. Tampoco es un filme centrado en cómo este artista popularizó el reggae, más bien desarrolla los argumentos del movimiento rastafari y sus vínculos bíblicos. Sin ser evidentemente una película religiosa hace uso de todas esas características que siempre han rodeado a la figura de Jesucristo y Bob Marley aparece como una figura reverenciada pero tremendamente falible.

Una de esas debilidades que tenía el cantante es la ausencia de la figura paternal. Su no relación con un padre tiene un paralelismo poético y metafórico con la conexión entre Jamaica y el Reino Unido, entre la búsqueda real de una madre patria y la figura de unos orígenes a los que sentirse vinculado. Al fin, y al cabo, la historia de Bob Marley, siempre ha sido una peregrinación o un llamamiento a volver a las raíces y vivir en unidad e igualdad. Esta faceta pacifista y unificadora nos la están recordando toda la película y nos la remarcan desde el mismísimo principio ya que el filme parte desde el momento más conflictivo de la historia de Jamaica, cuando la disputa entre dos partidos políticos puso al país en una escalada de violencia al borde de una guerra civil. Es por eso que esta historia, que transcurre principalmente en los setenta, encuentra alarmantes similitudes con la actualidad de cincuenta años después. Se convierte en una lección o voz de alerta necesaria en estos tiempos de malestar, desencuentro y división.

Quizá este enfoque nada artificioso y alejado de florituras visuales venga propiciado por el hecho de que la familia Marley (tuvo esposa, amantes y trece hijos) y Brad Pitt están tras la producción. También el hecho de que el director sea el mismo de ‘El método Williams’. Bien es cierto que se ha escogido a un actor más agraciado y menos consumido que Bob Marley como es Kingsley Ben-Adir y a pesar de las reticencias de aquellos que el cogieron tirria tras su trabajo en ‘Invasión secreta’ hay que decir que se mueve bien como este mítico músico, tanto en conciertos, como en las escenas dramáticas, como recreando entrevistas o momentos de archivo.

Desde el disparo a la cabeza de su esposa, pasando por su exilio a Londres, hasta sus conciertos por la paz o por África ‘Bob Marley: one love’ hace un recorrido que está muy bien traído el día de San Valentín, para intentar hacer que no olvidemos que “aquellos que intentan hacer de este mundo un lugar peor no se toman ningún día libre” y que tenemos que querernos más los unos a los otros.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de febrero de 2024. Título original: Bob Marley: one love. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Reinaldo Marcus Green. Guion: Terence Winter, Reinaldo Marcus Green, Frank E. Flowers, Zach Baylin. Música: Kris Bowers. Fotografía: Robert Elswit. Reparto principal: Kingsley Ben-Adir, Lashana Lynch, James Norton, Tosin Cole, Umi Myers, Anthony Welsh, Nia Ashi, Aston Barrett Jr., Anna-Sharé Blake, Gawaine “J-Summa” Campbell, Naomi Cowan, Alexx A-Game, Michael Gandolfini. Producción: Paramount Pictures, Plan B. Entertainment, Tuff Gong Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: biográfico, drama. Web oficial: https://www.bobmarleyonelove.es/

Fecha de estreno de ‘Buscando a Coque’

En cines el 14 de febrero

En abril de este año comenzó el rodaje de ‘Buscando a Coque’, una película protagonizada por Alexandra Jiménez (‘Vasil’, ‘Menudas Piezas’) y Hugo Silva (‘Mi gran noche’, ‘Un amor’). Por supuesto estará presente Coque Malla, quien confirma su regreso al cine tras haber actuado también en ‘En temporada baja’, la película de David Marqués, crítica aquí.

En ‘Buscando a Coque’ conocemos a una pareja en cuyo amor se inmiscuye el auténtico Coque Malla. El tono es de comedia romántica y los directores han sido los debutantes Teresa Bellón y César F. Calvillo, a los cuales conocemos de cortometrajes que también aluden a personajes famosos como ‘Cariño, me he follado a Bunbury’ o ‘Una noche con Juan Diego Botto’.

Filmax será quien distribuya este título por cines españoles a partir del 14 de febrero.

Sinopsis oficial:

César y Teresa son una pareja feliz hasta que una noche ella se acuesta con Coque Malla, el gran ídolo de César desde su adolescencia.

Teresa se lo confiesa a César, arrepentida, pero él no sabe cómo reaccionar. ¿Ser infiel con tu mito erótico es algo excusable? Teresa no se ha acostado con su ídolo, sino con el de César. Y sobre eso no hay legislación vigente.

César necesita hablar con Coque, aunque el cantante ya no viva en España. Así que la pareja viaja a Miami en su búsqueda, mientras se replantean su relación de 15 años y sus propias vidas.

Crítica: ‘Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes’

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Ambientada en un Panem postapocalíptico, la precuela de Los Juegos Del Hambre nos hace retroceder varias décadas antes del comienzo de las aventuras de Katniss Everdeen.

Es la mañana de la cosecha que dará comienzo a los décimos Juegos del Hambre. En el Capitolio, Coriolanus Snow, de dieciocho años, se prepara para una oportunidad única: alcanzar la gloria como mentor de los Juegos. La casa de los Snow, antes tan influyente, atraviesa tiempos difíciles, y su destino depende de que Coriolanus consiga superar a sus compañeros en ingenio, estrategia y encanto como mentor del tributo que le sea adjudicado.

Todo está en su contra. Lo han humillado al asignarle a la tributo del empobrecido Distrito 12. Ahora, sus destinos están irremediablemente unidos…

Crítica

Hecha para que los fans gocen de los guiños y la concepción de los Juegos del Hambre

La obra de Suzanne Collins sigue cobrando vida. Llega el momento de retomar los Juegos del Hambre y ver en acción real todo lo sucedido en el libro ‘Balada de pájaros cantores y serpientes’. Para los profanos en esta nueva entrega estamos hablando de una precuela lanzada hace pocos años y que como bien sabrán los lectores de la saga, no empalma directamente con la trilogía original. Tampoco trata acerca de Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) pero si sobre uno de los personajes principales de la trilogía que fue materializada también por el director Francis Lawrence.

Hay que reconocer que, te gusten o no ‘Los Juegos del Hambre’, la saga ha calado en el imaginario colectivo pues es habitual que cuando se produce una situación en la que muchos se disputan una sola cosa se dice aquello de “que comiencen Los Juegos del Hambre’. Pero a uno, que ya peina canas, no se le puede escapar el detalle de que esta sigue siendo una versión sentimentaloide de ‘Battle Royale’ que además conserva los mismos esquemas. Y más en esta entrega que al igual que en la versión japonesa vemos como los participantes aparecen en una sala de monitores de la que van siendo tachados cuando mueren, imposible no acordarse del personaje de Takeshi Kitano observando a sus alumnos. Además, si todo el logro cultural de la saga ha sido ese me parece bastante ínfimo.

Dicho esto ‘Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes’ llega con la misión de ampliar el universo de Panem, en concreto de expandir la historia que llevó a las gentes de este mundo a recrearse con este macabro entretenimiento. Ahí tiene mucho que ver el que fue el villano de la anterior entrega. En su momento fue interpretado por Donald Sutherland. El presidente Coriolanus Snow es el protagonista y desde el seno de El Capitolio, el cual, nos cuenta cómo es la décima edición de Los Juegos del Hambre y cómo los cambió hasta llegar a ser lo que ya conocíamos, un espectáculo de castigo, muerte y lucha social. Esta vez está interpretado muy justitamente por Tom Blyth y con ello la saga mantiene su carácter juvenil.

Los fans de la franquicia gozarán de todos los guiños, aunque estos están metidos con calzador y de manera precipitada sobre todo en su extensísimo epílogo. También de la manera en cómo se plasman los primeros pasos de los Juegos del Hambre y de cómo ganan ese carácter de reality show televisivo. En las novelas y en las adaptaciones que arrancaron en 2012 tenemos como protagonista a un miembro pobre de los distritos. Aquí el eje que vertebra la historia es alguien que nace en El Capitolio pero que se relaciona con una persona de la clase marginal. Así tenemos de nuevo una historia de amor y de rebeldía que se antoja excesivamente larga para lo que te cuenta realmente.

Volvemos con los personajes vestidos de moda estrafalaria, con la violencia ligerísimamente explícita y con un mundo con ecos de la estética de la Alemania nazi con la de la Rusia soviética. Nos sumergimos en una academia en la que compiten alumnos al estilo de Harry Potter y tenemos un premio en disputa como si fuese el Cáliz de Fuego. Si hay una saga heredera de la obra de J. K. Rowling puede ser esta y su precuela probablemente cause las mismas sensaciones que ‘Animales fantásticos’, sobre todo a la hora de criticar el casting o la fidelidad del guión.

La duración es un lastre para este filme, no por estar mucho tiempo en una butaca pues eso hace que se rentabilice el alto precio de la entrada. Es por el relleno. Hay multitud de escenas que no nos cuentan nada o que están mal insertadas. En su mayoría las canciones, que no son pocas, aparecen sin causar el efecto pretendido. En busca del “¡oh capitán! ¡mi capitán!” nos provocan una sonrisilla de ridiculez ya que son inoportunas y no crean climax ni apoteosis. Viendo ‘Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes’ uno se explica por qué Rachel Zegler va a ser la Blancanieves en el live action de Disney, canta muy bien pero no hay criterio ninguno a la hora de interpretar.

Lo mejor de esta película, para mí que tampoco soy fan de la saga, es Viola Davis que parecía que se iba a marcar un Oprah Winfrey en ‘Un pliegue en el tiempo’ pero sabe interpretar a un personaje demente sin que quede ridículo. Ella y Jason Schwartzman como Lucky Flickerman, que sin ser ni siquiera ser un secundario se marca una actuación carismática.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de noviembre de 2023. Título original: The Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes. Duración: 157 min. País: EE.UU. Dirección: Francis Lawrence. Guion: Michael Arndt, Michael Lesslie. Música: James Newton Howard. Fotografía: Jo Willems. Reparto principal: Tom Blyth, Rachel Zegler, Viola Davis, Dexter Sol Ansell, Rosa Gotzer, Clemens Schick, Fionnula Flanagan, Hunter Schafer, Ashley Liao, Peter Dinklage. Producción: Color Force, Good Universe, Lions Gate Films. Distribución: Vértice Cine. Género: ciencia ficción. Web oficial: Vértice Cine.

Asistimos a la Japan Weekend 2023 (septiembre)

Crece dentro de 4 pabellones de IFEMA pero se estanca en su oferta

Este fin de semana se ha celebrado la Japan Weekend, la segunda de este año tras la celebrada en febrero. Según la organización han acudido unos 176.000 fans de la cultura japonesa a un evento que, al menos para nosotros que llevamos siguiendo su trayectoria desde hace unos diez años sin faltar ninguno, se ha estancado.

La oferta del salón se ha anquilosado y no evoluciona ni alcanza cotas mayores. El nivel y la cantidad de los invitados ha decrecido dejando evidente que la cultura como tal no es el foco del evento. Además, al alcanzar las dimensiones actuales en su sede de IFEMA se ha tornado demasiado caro para ser realmente una especie de centro comercial. Aun así con los años si que se ha podido ver que lo que mantiene al evento es el haber creado o reunido a una gran comunidad de cosplayers y de fans del anime.

Sigue siendo un punto de encuentro para otakus y fans, donde cada vez es más fuerte el apoyo por parte de los asistentes a pequeños artesanos o autores. Es por ello que ha aumentado el número de puestos disponibles. Sigue habiendo poca o nula presencia de autores profesionales del sector del cómic/manga/anime y por supuesto también de editoriales. Se prima más el merchandising que la fuente, están ausentes los padres de todos aquellos personajes sobre los cuales compramos figuras, camisetas o prints. Se echa en falta la presencia de SelectaVisión que servía como grandísimo atractivo pues ha traído en años anteriores desde Japón a diseñadores de personajes o dibujantes de animes.

Nutrida presencia este año de actores de doblaje de animes como Dragon Ball o Chainsaw que no pudimos conocer porque solo estuvieron en la jornada del sábado. El programa del domingo estaba desangelado en cuanto a nuevas propuestas o encuentros, completamente descompensado. De igual modo que podemos decir que es perjudicial que se mantenga la logística de tal manera que haya que salir de un pabellón para entrar en el colindante sin poder usar los accesos que los comunican. Una medida de control de aforo y antiCOVID que está ya de más y causa molestias a los asistentes convirtiendo el salón en una maratón de fondo. Caminata que en el buen sentido nos damos todos los años ya que IFEMA permite a este evento disponer de cuatro pabellones, que no están del todo ocupados por stands o actividades pero que, si ofrecen por sí mismos una oferta, en su mayoría más comercial que cultural. Lo dicho, como lugar donde comprar un dibujo u objeto diferente o en el que quedar con amigos con los que compartimos hobbies está bien, como lugar donde culturizarse o conocer a grandes artistas, deja mucho que desear.

Crítica: ‘Bosé renacido’

El testimonio de un heredero y víctima de la farándula española

Movistar Plus+ estrena el 5 de septiembre la serie documental sobre Miguel Bosé. ‘Bosé renacido’ cuenta con la bendición y participación del cantante al igual que sucedió la producción que hace no mucho estrenó SkyShowtime, de hecho, en el apartado de curiosidades nos encontramos que aparece brevemente José Pastor, quien ha interpretado al cantante en dicha serie.

Bosé se convirtió en un ídolo de masas en el mismo momento en el que dio sus primeros pasos sobre los escenarios hace más de treinta años. Y así ha sido para mal o para bien desde que le vimos en ‘Suspiria’ hasta el lanzamiento de sus hits más descargados y sus declaraciones más polémicas. Esta miniserie documental se compone de entrevistas que se han grabado expresamente para ‘Bosé renacido’. Del mismo modo que se han recopilado numerosas imágenes de archivo oímos hablar a Bosé, a sus hermanas Lucía y Paola, su manager Rosa Lagarrigue y otras muchas personalidades como Alejandro Sanz, Ana Torroja, Mercedes Milá, Boris Izaguirre, Alaska, Lolita Flores, Laura Pausini, Tiziano Ferro, Juanes, Victoria Abril, Fernando Colomo, Manolo Caro, Alejandro González Iñarritu, José Luis García Berlanga, Patrice Calmette, Francis Montesinos, Nacho Duato, Bibiana Fernández, Malú o Pablo Alborán. Además aportan sus experiencias y percepciones periodistas como Santiago Alcanda, Rosa Villacastín y Rosana Torres. Todos ellos dan su visión de amigos, en ocasiones no siempre para cubrirle de rosas.

Lo que prepondera en esta docuserie es el testimonio del Bosé actual que se presenta con la voz tocada. Para contarnos su vida se ha estructurado todo en cuatro episodios de una hora cada uno que emplean sus distintas residencias como hilo conductor. Recorreremos sus anécdotas, experiencias, traumas y éxitos a través de la finca Villa Paz (Saelices, Cuenca), la casa familiar de Somosaguas (Madrid), la casa de Somosaguas que él re-construyó y la residencia de México, donde vive actualmente con sus hijos y donde acaban de sufrir un asalto. Cada casa representa un estilo de vida radicalmente diferente y llega el punto de parecerse esto a un programa de esos que se cuelan en casas despampanantes y las celebrities cuentan sus chascarrillos. Todas estas viviendas han albergado a grandes nombres de la época, con lo que ‘Bosé Renacido’ se convierte en un desfile de personalidades apabullante. Alguna de estas casas merece una serie para sí misma a lo ‘Arde Madrid’ porque es evidente que hay muchísimas historias que no se cuentan en el documental, por tiempo fílmico o por guardar secreto.

Indirectamente ‘Bosé Renacido’ conforma el retrato de una España retrasada que pese a la transición no se actualizó paulatinamente, sino que intentó dar un salto brusco hacia las tendencias europeas de la época. Muy acertadamente comenta Bosé que este es un país con una doble moral descarada que siempre ha estado presente. A pesar de verter más una declaración que levantará ampollas Miguel Bosé zigzaguea por algunos temas, como cuando declara que los culpables de todo lo que le ha pasado en su vida son sus padres o cuando llega el momento de tratar el cómo se produjo el nacimiento de sus hijos a través de la gestación subrogada, como se ha hablado tanto ahora con Ana Obregón, a la cual conoce bien. No es lo que personalmente me interese pues siempre he aborrecido esos detalles más propios de la prensa amarilla o de las hienas que se nutren del corazón. Pero esto deja en evidencia que es un reportaje hecho por amigos, sincero y sin tapujos pero también maquillado y adornado con escenas aduladoras, casi de videoclip. Aquí se cuenta lo que él ha querido y como él ha querido contarlo, con ese dramatismo que él tiene y que tanto ha usado en sus espectáculos, con esa vanidad que nos ha demostrado con el tiempo que no tiene abuela.

‘Bosé Renacido’ trata evidentemente su bisexualidad, su inclusión forzada o heredada en la farándula, del cambio referencial que supuso en el panorama artístico nacional, su odio visceral hacia ciertos sectores de la prensa, su faceta más paternal, la relación que tiene con el México de Iñárritu y todo LATAM, su constante lucha como negacionista… En resumen sus vicios y virtudes, sus logros y fracasos, aquello que le ha definido y lo que ha defendido. Aquellos que solo conozcáis su innegable éxito musical o que hayáis llegado a su figura a través de las portadas del corazón o de sus vídeos virales encontraréis momentos curiosos y reveladores. Hay episodios que parecen sacados de ‘Los Simpson’, como aquel en el que su padre le llevó a cazar para hacerle un hombre.

Algunas etapas del documental son más propias de un reportaje de un programa vespertino del corazón, otras son un retrato íntimo y el resto enumeran los pasos de un artista que hoy en día ha caído en la desgracia de la controversia. Los episodios que más pueden marcar a los espectadores son algunos momentos muy dramáticos de los que pocos detalles se conocían hasta ahora o aquellos más freaks que van adornados con personajes pintorescos como Marcelino, el enano bibliotecario.

‘Bisbal’, un documental que muestra el lado más íntimo del artista

17 de octubre se estrena este original Movistar Plus+

Con el mar y el desierto de fondo, David Bisbal cuenta su propia historia en los días previos al concierto con el que celebró 20 años de carrera en su Almería natal. En una narración intimista dirigida por Alexis Morante (‘Sanz: Lo que fui es lo que soy’, ‘Héroes: Silencio y Rock & Roll’, ‘Camarón. Flamenco y revolución’), el cantante confiesa que el camino hasta llegar al éxito no ha sido fácil, ni ha estado exento de obstáculos.

El cantante desnuda su alma como nunca antes lo había hecho. Un relato lleno de emoción en el que descubriremos a un Bisbal íntimo y maduro, al músico, al padre, al hijo y al amigo que se oculta tras los focos. “Prefiero el éxito personal y el amor verdadero antes que mil condecoraciones musicales porque ese es el verdadero éxito. La esencia de la vida es eso”, David Bisbal.

‘Bisbal’ es un largometraje documental original Movistar Plus+ en colaboración con Dadá Films & Entertainment (‘Raphaelismo’, ‘Supergarcía’) y Universal Music Spain (GTS Entertainment). Ahora, con el nuevo Movistar Plus+, todo el mundo puede ver este documental sea del operador que sea.

Se rueda el documental sobre Marisol

Bajo el título de ‘Marisol, llámame Pepa’

Esta semana se inició el rodaje del largometraje documental ‘Marisol, llámame Pepa’ dirigido por Blanca Torres y producido por Chema de la Peña (‘Shacky Carmine’), José Carlos de Isla y Paco Ortiz (Sarao Films).

Es el primer acercamiento riguroso a la figura y el mito de Marisol que recoge sus éxitos internacionales con imágenes inéditas de sus giras por Japón, Angola, EEUU, Argentina o Perú. Cuenta con la participación de Vicky Flores (hermana de Pepa), Amaia, Lolita, Enrique Cerezo, Cristina Hoyos y amigos personales de la propia Pepa.

Participan TVE, Canal Sur y el ICAA. La distribución en salas corre a cargo de Nieves Maroto (Me lo creo) y las ventas internacionales a cargo de Latido Films.

Sinopsis oficial:

Marisol fue inmortalizada a diario, en una sobreexposición que acabó borrando los límites entre el personaje y su propia vida. Un mito que ha encarnado como nadie la historia reciente de España. En apenas 25 años de carrera pasó de ser la niña prodigio del franquismo a manifestarse simpatizante del partido comunista; de los Coros y Danzas falangistas a protagonizar el primer desnudo en portada de la democracia. Toda España vio por televisión su primer matrimonio y sólo 10 años después, la veíamos casarse en Cuba apadrinada por el mismísimo Fidel Castro.

Marisol es el mejor símbolo de esta España contradictoria y un retrato espectacular de los cambios que atravesaron las mujeres en esos años. El documental alumbra su impresionante trayectoria como cantante y actriz para enfocar no sólo al mito, sino también a la niña, adolescente, y después mujer que se escondió tras ella; y que tuvo que desaparecer para recuperar su voz o, mejor dicho, su derecho al silencio.

Tráiler de ‘Bob Marley: one love’

Kingsley Ben-Adir se convierte en el mito

Con un reparto compuesto por Kingsley Ben-Adir, Lashana Lynch, James Norton, Tosin Cole, Anthony Welsh, Michael Gandolfini, Umi Myers y Nadine Marshall nos llegará a cines ‘Bob Marley: one love’. La película de Reinaldo Marcus Green (‘El método Williams’) se presentará en cines de 2024 de la mano de Paramount Pictures.

Ya podemos ver el primer tráiler de este biopic.

Además el también músico de reggae e hijo mayor de Bob Marley, Ziggy Marley, ha publicado el siguiente comunicado en redes sociales.

Sinopsis oficial:

‘Bob Marley: one love’ es una celebración de la vida y la música de un icono que inspiró a generaciones a través de su mensaje de amor y unidad. Por primera vez en la gran pantalla, descubrimos la impactante historia de superación de la adversidad de Bob y la travesía que subyace a su música revolucionaria. Producida en colaboración con la familia Marley y protagonizada por Kingsley Ben-Adir en el papel del legendario músico y Lashana Lynch en el de su esposa Rita, BOB MARLEY: ONE LOVE llegará a los cines en enero de 2024.

En marzo se estrena el documental sobre Gata Cattana

Eterna llega cinco años después su fallecimiento

El próximo 2 de marzo la distribuidora 39 Escalones Films lanzará en cines ‘Eterna’. Una película documental sobre Gata Cattana dirigida por Juanma Sayalonga y David Sainz.

Gata Cattana en muy poco tiempo pasó de ser una joven desconocida a tener un peso muy relevante en la escena cultural underground. Su compromiso con el feminismo, la cultura andaluza o su capacidad para introducir a nuevas generaciones en raíces más clásicas mediante la música o la poesía, le hicieron ser una figura importante en una escena carente de ciertos discursos que ella supo llenar, y con los que estaba empezando a brillar más allá de nuestras fronteras.

Tras su fallecimiento, el 2 de marzo de 2017, se ha convertido en un símbolo para toda una generación. ‘Eterna’ no es solo un documental sobre una de las nuevas voces más relevantes del rap de habla hispana en los últimos años, es también una reflexión sobre la memoria, el tiempo, el arte y la huella que dejamos en el mundo.

«Descubro a una Ana (Gata Cattana), apasionada por la literatura. Una persona muy carismática, muy preocupada por lo social.  Muy culta, muy cercana a los griegos, también muy cercana a la bruma y a la suciedad de Madrid, pero también muy cercana al sol golpeando en las casas de cal andaluzas. Es una figura muy interesante, en un momento muy importante para la mujer en este siglo, yo creo que es el siglo claro de la mujer hacia la igualdad», Rafael Lechowski. Editor de La Escala de Mohs de Gata Cattana.

Crítica: ‘I wanna dance with somebody’

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‘I Wanna Dance with Somebody’ es una celebración poderosa y triunfal de la incomparable Whitney Houston. Dirigida por Kasi Lemmons, escrita por el cuatro veces nominado al Oscar, Anthony McCarten, producida por el legendario ejecutivo musical Clive Davis, y protagonizada por la ganadora de un premio BAFTA, Naomi Ackie, la película es un retrato sin reservas de la compleja y multifacética mujer detrás de La Voz. De niña del coro en Nueva Jersey a una de las artistas más superventas y premiadas de todos los tiempos, el público se embarcará en un viaje inspirador, conmovedor y muy emotivo, a través de la vida y la carrera de Houston, con actuaciones sorprendentes y una banda sonora con los éxitos más queridos de este icono universal como nunca antes se habían escuchado. Don’t you wanna dance?

Crítica

Un retrato ineficientemente adulador de un mito de nuestros tiempos

Ahijada de Aretha Franklin, cantante de récord, voz inconfundible, mujer de esas que rompieron techos de cristal… te guste el género musical que te guste no puedes negar que Whitney Houston es una de las cantantes más importantes de nuestra historia contemporánea. En lo que se refiere a música (e incluso a cine) es todo un referente generacional. La Voz se apagó justo hace 10 años de una manera un tanto polémica, al fin y al cabo, ninguna personalidad de talla mundial se libra de teorías conspiranoicas o de rumorologías. Pero el filme de Kasi Lemmons respeta la imagen de la cantante, aunque tampoco se deja detalles escabrosos. Las diferencias con su padre o el enganche a la cocaína no ensombrecieron la forjada imagen de diva del canto y la película no descuida eso. ‘I wanna dance with somebody’ es un retrato adulador de una grande de nuestros tiempos pero no consigue ponerla donde merece.

La película lleva el título de una de sus canciones más conocidas pero no se queda solo con esa. Todo el filme es un sin parar de hits que llevaron a Houston a batir los récords de The Beatles, Elvis o Michael Jackson. Son más de dos horas de película que parece un casete de variados grabado de la radio. El gran problema es que acabamos saturadísimos de escenas videocliperas de baja calidad que además explotan una y otra vez el mismo giro de cámara en torno a la cantante. Y entre tanta recreación se intenta dar una de cal y una de arena, pero está claro que ‘I wanna dance with somebody’ es un largometraje con una clara perspectiva de fan (que no me parece mal) pero se queda en tierra de nadie y al final no ofrece un justo retrato. Esta vez Anthony McCarten, guionista de ‘Bohemian Rhapsody’, no ha escogido bien el material.

Dado su éxito Houston se relacionó con los mejores, tanto con aquellos que influyeron en su estilo y carrera como con los que bebieron de su arte. Esto no está reflejado en la película y habría sido algo mucho más interesante que ver las imaginadas discusiones con sus parejas, por ejemplo. Es de esas películas en las que solo los cartelones finales hacen más justicia a la figura a tratar que todo el metraje precedente.

Naomi Ackie interpreta a la cantante y actriz sin ningún parecido físico y con el mayor logro de hacer un buen playback ya que casi la totalidad de lo que oímos es la voz auténtica de Houston. De todo el reparto quien peor o más superficial está es Ashton Sanders como un suavizadísimo Bobby Brown. Casi que el mejor de todo ‘I wanna dance with somebody’ es un Stanley Tucci en un papel que podría haber sido perfectamente Florentino Pérez. Y es que el maquillaje también deja mucho que desea pues los personajes apenas cambian con el tiempo. Tamara Tunie, quien interpreta a Cissy Houston, no envejece en toda la película.

Lo único que si deja clara la película es que La Voz vivió constantemente sometida a grandes presiones. A la de ser mujer, a la de ser afroamericana, a la de vivir dentro de una familia muy religiosa, a la de ser un ídolo de masas, a la de amar a otras mujeres… No atina el filme a reflejar cuán dañino es eso salvo en una enternecedora escena junto a Tucci. Es una pena el desgaste de metraje y el fallido homenaje, siendo Whitney Houston como es, un mito de nuestra historia reciente.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de diciembre de 2022. Título original: I Wanna Dance with Somebody. Duración: 146 min. País: EE.UU. Dirección: Kasi Lemmons. Guion: Anthony McCarten. Música: Chanda Dancy. Fotografía: Barry Ackroyd. Reparto principal: Naomi Ackie, Ashton Sanders, Stanley Tucci, Clarke Peters, Nafessa Williams, Tamara Tunie, Lance A. Williams, Bria D. Singleton, Kris Sidberry. Producción: Compelling Pictures, Black Label Media, Muse of Fire, Primary Wave Entertainment, TriStar Pictures, West Madison Entertainment. Distribución: Sony Pictures. Género: drama, biográfico. Web oficial: https://www.sonypictures.com/movies/iwannadancewithsomebody

Crítica: ‘Ramona’

Sinopsis

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Ramona acaba de llegar a vivir a Madrid con su novio, Nico, y quiere empezar de cero: quiere ser actriz, quiere ser madre, quiere vivir en Lavapiés. Pero no consigue castings, no tiene trabajo estable y en su edificio hay dos pisos okupas que venden droga y la tienen aterrada.

Crítica

Podría servir como lanzadera de talentos, pero no pasa de la anécdota de ser un primer trabajo en largo

Comenzamos la película de Andrea Bagney y la música, la imagen, la composición de planos, los títulos de crédito… nos dicen que lo de ‘Ramona’ va a ser un paseo por Madrid al más puro estilo clásico. El barrio de Lavapiés, refugio de inmigrantes y centro de la gentrificación, parece retroceder a la época del blanco y negro, al Madrid exento de prisas y ruidos. Las callejuelas y pasajes que recorre la protagonista interpretada por Lourdes Hernández (Russian Red) recuerdan a las del cine de Berlanga, Lazaga o Palacios. Lugares a los que el blanco y negro convierte en espacios cerrados y sombríos, pero no por ellos exentos de vida. Sin embargo, a ojos de Ramona, este callejero es un lugar que temer. Temer por integridad física y por tener tanto que hacer que al final no hace nada.

Ona (Ramona) es una joven española que se ha criado en Reino Unido. Regresa en busca de sus raíces como si estas fuesen un ancla capaz de dar sentido a la deriva de su vida. El existencialismo intensito de los jovenes del siglo XXI domina el filme. Es por eso que el charloteo de la película está dominado por reflexiones sobre la crisis laboral, amorosa… Veo que el sentir general por esta película es positivo, pero los actores están dirigidos de tal manera que no me han resultado naturales y quizá por ello me he aburrido durante casi todo el metraje. Un aburrimiento no provocado por el ritmo del filme sino por su contenido.

‘Ramona’ es un retrato o entrevista a un personaje que tiene un fondo que se percibe más mediocre de lo pretendido. Es como si se hubiese buscado una especie de ‘Amelie’ pero no se ha logrado ni el mismo carisma, ni la misma peculiaridad y por supuesto ni de lejos la misma naturalidad. No percibo en el filme ningún intento por empatizar con la protagonista y aunque el texto se centre en dilemas vitales, raspa tanto de manera superficial que tampoco consigue ser un retrato generacional. Incluso se pierde retrato actual de la capital ya que los interiores ganan presencia y se acotan a una tribu urbana o círculo demasiado cerrado.

Falta profundidad en los personajes, falta mejor mano en la dirección y falta incluso más constancia en la buena elección de planos. Como lanzadera de sus incipientes talentos me parece una buena obra que bien podría haber sido simplemente un cortometraje. Eso si, la última estampa del filme, muy parecida a las de ‘Amelie’, estupenda.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de diciembre de 2022. Título original: Ramona. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Andrea Bagney. Guion: Pol Orpinell (B&W). Fotografía: Pol Orpinell. Reparto principal: Lourdes Hernández, Bruno Lastra, Francesco Carril. Producción: Tortilla Films. Distribución: Filmin. Género: romance, drama. Web oficial: https://www.instagram.com/tortilla_films

Tráiler de ‘I wanna dance with somebody’

En cines el 21 de diciembre

Podemos ver ya, a poco más de un mes de su estreno por parte de Sony Pictures, el tráiler de ‘I wanna dance with somebody’, la película basada en la vida de la legendaria voz y estrella internacional, la mítica Whitney Houston.

Del guionista de la premiada ‘Bohemian Rapsody’, Anthony McCarten, responsable también ‘La teoría del todo’, ‘El instante más oscuro’ o ‘Los dos papas’, y dirigida por Kasi Lemmons, ‘I wanna dance with somebody’ cuenta con la actriz británica Naomi Ackie (‘The End of the F***ing World’, ‘Star Wars: Episodio IX – El ascenso de Skywalker’) en el papel principal de Withney Houston.

La película llegará exclusivamente a las salas de cine de toda España estas navidades, el próximo 21 de diciembre.

Sinopsis oficial:

‘I Wanna Dance with Somebody’ es una celebración poderosa y triunfal de la incomparable Whitney Houston. Dirigida por Kasi Lemmons, escrita por el cuatro veces nominado al Oscar, Anthony McCarten, producida por el legendario ejecutivo musical Clive Davis, y protagonizada por la ganadora de un premio BAFTA, Naomi Ackie, la película es un retrato sin reservas de la compleja y multifacética mujer detrás de La Voz. De niña del coro en Nueva Jersey a una de las artistas más superventas y premiadas de todos los tiempos, el público se embarcará en un viaje inspirador, conmovedor y muy emotivo, a través de la vida y la carrera de Houston, con actuaciones sorprendentes y una banda sonora con los éxitos más queridos de este icono universal como nunca antes se habían escuchado. Don’t you wanna dance?

Entrevista a Mónica Naranjo por ‘Minions: el origen de Gru’

La cantante española dobla a Donna Disco en español y en catalán

La nueva entrega de la saga Gru es una de las películas que trata sobre los minions pero que también nos habla de las raíces maquiavélicas de Gru. En ‘Minions: el origen de Gru’ (crítica completa aquí) el adorable villano es solo un niño que se enfrenta a los Seis Salvajes, unos ases en lo que a hacer el mal se refiere. Una componente de ese equipo es Donna Disco, que en versión original está doblada por Taraji P. Henson y que en España y Cataluña lleva la voz de la cantante Mónica Naranjo. En el siguiente vídeo podéis ver cómo ha sido ese proceso ya que hemos podido charlar con ella unos instantes.

Teaser de ‘Lilo, Mi amigo el cocodrilo’

Protagonizada por Javier Bardem y Shawn Mendes

Acabamos de quedarnos un poco perplejos tras ver el teaser tráiler de ‘Lilo, Mi amigo el cocodrilo’, la comedia musical familiar basada en la serie de libros súper ventas de Bernard Waber, mezcla acción real con animación por ordenador, dirigida por Will Speck y Josh Gordon, y que, protagonizada por Javier Bardem y Shawn Mendes como el adorable cocodrilo cantarín Lilo. Esta película llegará a las salas de cine de toda España el próximo 7 21 de octubre.

‘Lilo, Mi amigo el cocodrilo’ contará con canciones originales interpretadas por Shawn Mendes y escritas por el equipo de compositores que estuvieron detrás de ‘El Gran Showman’, Benj Pasek & Justin Paul. Junto a Pasek y Paul, en la escritura de canciones originales para la película, están también Ari Afsar, Emily Gardner Xu Hall, Mark Sonnenblick y Joriah Kwamé. Dirigida por y producida por Will Speck y Josh Gordon, con guion de Will Davies.

La película está producida por Hutch Parker y como productores ejecutivos Kevin K. Vafi, Dan Wilson, Robert J. Dohrmann, Benj Pasek, Justin Paul, Tarak Ben Ammar y Andy Mitchell. La película de Sony Pictures se estrenará simultáneamente en USA y España el 7 de octubre de este año 2022.

Sinopsis oficial:

Cuando la familia Primm (Constance Wu, Scoot McNairy, Winslow Fegley) se muda a Nueva York, su hijo adolescente Josh lucha por adaptarse a su nueva escuela y nuevos amigos. Todo eso cambia cuando descubre a Lilo – un cocodrilo cantante (Shawn Mendes) a quien le gusta darse baños, el caviar y la buena música – viviendo en el ático de su nueva casa. Los dos se convierten en mejores amigos, pero cuando la existencia de Lilo se ve amenazada por su malvado vecino Mr. Grumps (Brett Gelman), los Primm deberán aliarse con el carismático dueño de Lilo, Hector P. Valenti (Javier Bardem), para mostrar al mundo que la familia puede surgir de los lugares más inesperados y que no hay nada malo con un gran cocodrilo cantante con una personalidad aún mayor.

Crítica de ‘Locomía’

¿Conocéis la canción Loco Vox? Pues nada que ver con el partido político

Hombreras, faldas, abanicos gigantes… la imagen de los Loco mía es inolvidable, digna de haber salido en ‘El quinto elemento’, pero cayeron en el olvido, como tantos otros grupos que suenan en la radio durante una época sin parar. Yo era un preadolescente cuando tuvieron éxito, llegaron al número uno y súbitamente cayeron. No he tenido nunca curiosidad de saber qué había sido de ellos, pero lo que he descubierto con el documental que también podréis ver vosotros a partir del 22 de junio en Movistar Plus+ es mayúsculo, cargado de giros inimaginables, no le falta nada. Si hay una serie de la que es mejor que no te hagan spoilers, es esta.

Nuevo documental relacionado con la música española, con mucho más salseo, que el último estrenado por Movistar Plus+, ‘Raphaelismo’. En tres episodios dirigidos por Jorge Lapace, quien quizá os suene por ser el guionista de ‘100 días con la Tata’, nos hablan de aquel grupo que con descaro se coló en todas nuestras radios y televisores. Según ellos mismos afirman eran un grupo tan exitoso que de haber seguido hoy en día estarían en el top de la música mundial. Llegaron con una estética que rompía con lo que imperaba en España, conquistando sobre todo al público femenino. Les gustaba provocar, llamar la atención o ser el centro de atención como alguno de ellos reconoce. Con un toque muy kitsch crearon toda una tribu urbana, una marca, un modo de vida. Pero tras esa fachada habría muchos otros motivos velados y multitud de lances que os van a asombrar sin duda.

El productor de Alaska, Bosé, Carrá, Perales… José Luis Gil cogió a esos hombres de moda en Ibiza para convertirles una boy band. ‘Locomía’ es él contra Xavier Font, el cabeza del grupo que se refiere a sí mismo como patriarca, flautista de Hamelin, creador, conquistador de almas, “para celebritie yo”, “yo no me muero sin un Grammy”… Pero su propio hermano le define como “el Darth Vader de Loco mía”. Básicamente todo se resume en un duelo de prioridades, en el enfrentamiento entre un marketing totalmente desapegado de la calidad vocal o lo personal contra la libertad estética, conceptual e incluso sexual.

A través de estos capítulos les vemos como personas endiosasdas, quemadas, dolidas, arrepentidas… Pero en sus orígenes solo eran jóvenes con ganas de pasárselo bien y lucir una personalidad diferente y cohibida por las mentalidades tradicionales. Se juntaron por afinidad estética o sexual, pero cada uno descubrió con el tiempo que tenían ideas diferentes y la cosa acabó como el rosario de la aurora. Por la droga, por los conflictos amorosos, por la intervención de terceros, por las envidias, por la comercialización, debido a las limitaciones por contrato, a raíz de un rencor sin mesura… La historia es de telenovela, de esas de pasión y cuchilladas.

‘Locomía’ deja al margen los egos y la trayectoria artística, los éxitos musicales con Loco Vox o Loco mía… Eso es casi lo de menos en este documental. En el centro está la retrógrada mentalidad de España, la que existía fuera de las fronteras de la movida madrileña y que aún necesitaba una transición mayor que la de la democracia. La música sirvió una vez más como vehículo para ejercer de palanca de cambio y de apertura a una sociedad mínimamente progresista, que por fin podría sentirse Europea en casi todos los sentidos.

Todos tenemos en mente un grupo de cuatro integrantes pero por la formación llegaron a desfilar muchos nombres: Xavier Font, Manuel Arjona, Gard Passchier, Luis Font, Juan Antonio Fuentes, Francesc Picas, Carlos Armas o Santos Blanco López. Y eso sin contar al segundo Loco Mía. El grupo, perdón, los grupos desaparecieron y ya no los vemos en televisión ni sacan nuevos temas, eso sí, su web oficial con su tienda de merchandising sigue en activo. Parece que los Loco mía estarán algún día de nuevo en nuestras listas de Spotify, quien sabe cuáles serán sus caras.

Teaser tráiler del documental sobre David Bowie

‘Moonage Daydream’ en cines próximamente

Ya podemos ver el teaser tráiler en español de ‘Moonage Daydream’, la nueva película documental que sigue la trayectoria de David Bowie. Dirigida, escrita y producida por Brett Morgen (‘The Kid Stays in the Picture’, ‘Cobain: Montage of Heck’, ‘Jane’), la cinta ha sido presentada mundialmente en la 75 edición del Festival de Cannes.

‘Moonage Daydream’ se estrenará próximamente en España.

Sinopsis oficial:

Con ‘Moonage Daydream’, el director Brett Morgen realiza una inmersión en el arte y la música del cantante a través de un género imposible de calificar.

Considerado uno de los grandes artistas de nuestra época, David Bowie lleva más de 50 años cambiando la cultura. ‘Moonage Daydream’ es la primera película apoyada totalmente por los herederos de David Bowie, que han permitido a Brett Morgen acceder a su enorme colección.

Contada a través de magníficas y caleidoscópicas imágenes e interpretaciones hasta ahora desconocidas -anclada por las palabras y la música de David Bowie-, ‘Moonage Daydream’ invita a los espectadores a sumirse en un mundo único, el mundo “Bowie”.

Tráiler de ‘Elvis’

La historia de la relación entre Elvis y su manager

Ya está disponible el nuevo tráiler de ‘Elvis’ la película realizada por Baz Luhrmann, director de ‘El gran Gatsby’ y ‘Moulin Rouge’, entre otras. En este drama que ha realizado para Warner Bros. Pictures cuenta con por Austin Butler que se mete en la piel del mítico cantante y con Tom Hanks que interpreta a “Coronel” Tom Parker, quien fue manager de la mega estrella.

‘Elvis’ también cuenta con Olivia DeJonge, Dacre Montgomery, David Wenham, Kodi Smit-McPhee, Kelvin Harrison Jr. y Natasha Bassett. Podremos verles a todos ellos en cines a partir del 24 de junio.

La película explora la vida y la música de Elvis Presley (Butler) a través del prisma de su complicada relación con el coronel Tom Parker (Hanks), su enigmático manager. La historia profundiza en la compleja dinámica que existía entre Presley y Parker que abarca más de 20 años, desde el ascenso de Presley a la fama hasta su estrellato sin precedentes, en el contexto de la revolución cultural y la pérdida de la inocencia en Estados Unidos. Y en el centro de ese periplo está Priscilla Presley (Olivia DeJonge), una de las personas más importantes e influyentes en la vida de Elvis.

Cartel de ‘I Wanna Dance with Somebody’

El 21 de diciembre en cines

Ya podemos enseñaros el cartel que lucirá en España la película ‘I Wanna Dance with Somebody’. Este estreno de Sony Pictures cuenta la historia de la reconocida cantante a nivel mundial Whitney Houston.

Dirigida por la directora Kasi Lemmons (‘Harriet: En busca de la libertad’) y escrita por Anthony McCarten (‘La teoría del todo’, ‘El instante más oscuro’, ‘Bohemian Rapsody’, ‘Los dos papas’), la película cuenta con la actriz británica Naomi Ackie (‘The End of the F***ing World’, ‘Star Wars: Episodio IX – El ascenso de Skywalker’) en el papel principal de Withney Houston.

La película llegará exclusivamente a las salas de cine de toda España el próximo 21 de diciembre.

Sinopsis oficial:

I Wanna Dance with Somebody es el próximo largometraje sobre el icono musical Whitney Houston. Naomi Ackie interpreta a Whitney Houston en esta película biográfica musical, basada en la impactante vida y música de la conocida cantante. Dirigida por Kasi Lemmons y escrita por el nominado al Premio de la Academia® Anthony McCarten, la película se trata de un viaje emotivo y enérgico a través de la carrera y la música de Houston.

Tráiler de ‘Laura Pausini – Un placer conocerte’

7 de abril en Prime Video

Prime Video ha desvelado el tráiler oficial de la nueva película original ‘Laura Pausini – Un placer conocerte’, protagonizada por la cantautora y productora musical italiana Laura Pausini. Basada en una idea original de la propia Pausini, la película está escrita y dirigida por Ivan Cotroneo (‘La kryptonite nella borsa’, ‘Un bacio’) junto a Monica Rametta (‘Un bacio’, ‘Il volto di un’altra’) y Laura Pausini. Francesca Picozza es la productora creativa de la película y Gherardo Gossi (‘Diaz: No limpiéis esta sangre’, ‘Le sorelle Macaluso’) es el director de fotografía. ‘Laura Pausini – Un placer conocerte’ está producida por Endemol Shine Italia (una compañía de Banijay) para Amazon Studios y se estrenará en exclusiva en Prime Video el 7 de abril en más de 240 países y territorios de todo el mundo. En los países de habla hispana, la película estará disponible en una versión especial en español narrada por Laura Pausini, con los diálogos subtitulados.

La película parte de una pregunta: ¿qué habría pasado si Laura no hubiera ganado el Festival de Música de Sanremo aquella noche de 1993? Por primera vez, la reina del pop italiano se pondrá delante de las cámaras de un largometraje que mostrará su amor por el cine, y desvelará su verdadera alma a la audiencia a través de momentos de su vida privada y profesional nunca antes vistos. El proyecto le dará a Laura la gran oportunidad de descubrir nuevos aspectos desconocidos sobre sí misma y de su mundo, que serán desvelados al público por primera vez. Para contar su historia, Laura vuelve sobre sus pasos, desde la infancia, pasando por todas las etapas de su extraordinaria carrera y su vida cotidiana, imaginando por primera vez lo que podría haber pasado si no hubiera tenido la suerte y la perseverancia de vivir la vida de una estrella mundial.

Con más de 70 millones de discos vendidos en todo el mundo, Laura Pausini es una de las artistas italianas más reconocidas a nivel mundial y su alcance internacional la sitúa en una posición única como artista. Recientemente, Pausini colaboró con la compositora Diane Warren en la canción Io Sì (Seen) por la que ganó el premio a la Mejor Canción Original en una película en los Globos de Oro. Fue la primera mujer en la historia de la música italiana en ser nominada a un Oscar a la Mejor Canción Original, por el mismo tema, que también interpretó durante la ceremonia de los Premios de la Academia de 2021, grabada en Los Ángeles y emitida en todo el mundo. Con este nuevo proyecto, Laura Pausini, la artista italiana más apreciada y respetada en el mundo, debuta en el cine con una película que gira en torno a ella y a su extraordinaria historia.

Programa especial en directo por la CutreCon XI

Repasamos todo el festival de cine cutre con Holocausto Zinéfago

El pasado mes de febrero lo clausuramos entre risas y horas de sueño pues nos pasamos casi toda la semana metidos en los cuatro cines que dieron cobijo a la CutreCon XI. Siempre gozamos (y patrocinamos) este evento pues nos parece una de las mejores experiencias cinematográficas que se encuentran actualmente en activo.

En el programa os comentamos todas las películas que vimos (casi todas) y nuestras sensaciones, además de cómo fueron nuestros encuentros con los invitados. Podéis verlo al completo aquí.

CutreCon XI, día 24 de febrero

De dinosaurios de baratillo a matanzas garrulas gallegas a camas elásticas turcas

La mañana del segundo día de CutreCon XI (24 de febrero) ha empezado haciendo honor al leitmotiv del festival, los dinosaurios con dos filmes que, de manera justificada o no, han incluido los dinosaurios en la trama.

El coloquio de hoy ha tenido lugar tras la proyección de ‘La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos’. Ha estado presente Sylvia Superstar, artista integrante del filme, Nico Campos (experto en la película) y Ricardo Llovo (uno de los dos directores de la obra). Ricardo “yo después cogí y me fui al campo”. Nico Campos hizo un documental de la película que ha sido proyectado también en la misma jornada: “es gracioso que hiciese un documental con más presupuesto que la película y aun así la película es mejor”. Podéis ver toda la charla en el siguiente vídeo.

La noche se ha cerrado con dos películas turcas protagonizadas por Kuneit Arkin. Al final del artículo, justo antes de la galería de fotos, tenéis sus reseñas.

‘Trog’

La última película de Joan Crawford que eligió este filme para dar final a su carrera. Una decisión similar al cabezazo Zidane que hizo que se fuese con una roja bien merecida. Un filme que avergonzaría Ray Harryhausen pues (no se si de manera consentida o no) utiliza escenas de ‘El mundo de los animales’ donde recreó dinosaurios junto a Willis H. O’Brien.

Unos espeleólogos descubren una salvaje criatura en una cueva. Un troglodita. A partir de ahí el filme es un trasunto de Tarzán centrado en el debate e investigación de lo que creen que es el eslabón perdido. ¿Suena aburrido? Lo es, pero te diviertes con la criatura qje está hecha con una máscara de carnaval y unas pantuflas peludas de estar por casa. Y sumado a eso un final tipo Leatherface.

Un filme muy british de la Warner en el que también actuó Michael Gough, quien hizo de Alfred en los Batman de Tim Burton.

 

Comentado por Furanu.

‘The last dinosaur’

 

Otro filme de los 70. Trust es una corporación que comanda una expedición en la que pierden a varios hombres tras descubrir a un dinosaurio. Merecido se lo tenían si eran tan misóginos, racistas, machistas y prejuiciosos como la película. No puede cumplir más estereotipos rancios.

Escenas gore entre dinosaurios, maquetazas, música melódica, dinosaurios fatalmente recreados… La imagen a veces se ralentiza o faltan frames… Sabiendo que eran los mismos que hacían antiguamente a Godzilla no es de extrañar. De hecho, suena de vez en cuando el grito de Godzilla. Es una mezcla de ‘Viaje al centro de la tierra’ con ‘King kong’ y alguna escena a lo ‘Jurassic Park’ pero con argucias y momentos soeces. Al final acaba siendo una especie de traslación de la lucha de Ahab contra Moby Dick.

Comentado por Furanu.

‘La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos’

Desde Galicia y con muchas caras conocidas en España una película con gore de baratillo y mucha provocación, pero sin pretensiones que se puedan tomar en serio. Un filme poco conocido en su tierra rodado en 4:3 y siguiendo la estela de las películas slasher norteamericanas, sobre todo de ‘La matanza de Texas’, pero en la Galicia rural.

Los propios títulos de crédito iniciales presentando a los personajes hacen un spoiler mostrando quiénes mueren. Deslenguada, sucia, ruidosa y despreocupada película con rock y punk de fondo. Mucho humor negro relacionado con el canibalismo y casquería con momentos acompañados de música infantil y onomatopeyas de dibujos infantiles. Encima acaba a lo ‘Garrulos en dinerolandis’. Es tan turbia que haría desmayarse a cualquiera de los pertenecientes a la llamada “generación de cristal”. Lo de Galicia Calidade es puro sarcasmo en este caso.

 Comentado por Furanu.

‘Toñito Blanco Só, perdido e vicioso’

Toni Costa, Santiago Segura, los participantes de ‘La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos’ o personas de su entorno hablan sobre la figura del co-director de la mencionada película, Antonio “Toñito” Blanco.

Descubrimos en este documental de 2006 aquí que el germen de la película era un musical y una función teatral, teniendo como referente ‘Rocky Horror Picture Show’. Además de eso el documental recorre las peripecias del rodaje, que le costó a los amigos de los dos directores 300.000 pesetas, 2000 del bolsillo de cada uno. Rodaron la escena de los desenterradores al lado de un entierro, tuvieron problemas con el dueño de un sembrado de centeno, rodaron con sangre, orina y vísceras de verdad… Reunieron muchos amigos, muchas ganas y muchajeta.

 Comentado por Furanu.

‘Dunyayi Kurtaran Adam (Star Wars turco)’

Si esta película se llama como se llama es porque coge, literalmente coge, imágenes de Star Wars. Al filme se le estropearon los decorados y lo arreglaron cogiendo escenas de Star Wars robadas de un cine. Solo sabiendo eso se entienden las incoherencias que tiene y la razón por la que no tiene derechos de autor. Pero no se quedan ahí pues se fusila también la banda sonora y efectos de sonido de ‘Flash Gordon’ o ‘Indiana Jones’, por ejemplo.

Seguramente no me equivoque al decir que esta es la película con más camas elásticas que haya visto nunca. Para llevar a cabo la acción de los protagonistas, que son una especie de Ángel Cristo mezclados con El Puma y Georgie Dann, se usan muchas camas elásticas, piedras de corcho y trucos de cámara. Y como escenario parajes tipo La Capadocia, lo único salvable.

¿La trama? Dos pilotos acaban varados en un planeta desconocido mientras unos extraterrestres (que usan naves tanto de los Rebeldes como del Imperio de ‘Star Wars’) les persiguen para acabar con la humanidad. Algo gracioso, por seleccionar una cosa más, esos villanos que les atacan son monstruos de peluche, chinos mandarines, momias de papel higiénico… y la trama acaba estando relacionada con un Islam y el cristianismo que según la película viene desde los mayas, no digo más.

Comentado por Furanu.

‘Death Warrior’

Ninjas turcos con los efectos de sonido de películas tipo Bruce Lee. Como el ‘Star Wars’ turco también protagonizada por Kuneit Arkin, también con camas elásticas y también con las momias de celulosa. De hecho repiten unos cuantos actores del ‘Star Wars’ turco.

El inicio es una mezcla de varias localizaciones distintas con tramas diferentes y a priori inconexas. Y efectivamente así es la película, son sentido e incomprensible. No hay sentido ninguno de la continuidad entre peleas y tramas presuntamente policiales.

Comentado por Furanu.

Encuentro con Raphael tras ver ‘Raphaelismo’

«Hay que tener capacidad para asimilar cosas y no convertirse en un gilipollas»

Movistar+ nos ha invitado a una rueda de prensa en la que ha estado el cantante Raphael. ¿El motivo? La serie documental que estrena el próximo 13 de enero y relacionada con él se ha inaugurado una exposición en la flagship de Gran Vía muy jugosa para los “phans”. Un documental en el que el artista ha estado plenamente implicado junto a su familia, RLM Management y Universal Music Spain (GTS Entertainment). Este proyecto ha sido creado y dirigido por Charlie Arnaiz y Alberto Ortega de Dadá Films & Entertainment, nominados al Goya por ‘Anatomía de un Dandy’, un documental que es una credencial más que suficiente como para darle un voto de confianza a esta nueva propuesta.

los directores nos contaron cómo arrancó esto: «Empezó de un modo mágico. Literalmente el día que fuimos a hablar con el le vimos bajar del cielo. Bajaba en su ascensor de cristal». Entre risas Raphael puso la guinda a la anécdota: «Doctor Jekyll y Mr. Hyde es lo mejor que he hecho. Pero era agotador, a veces dos funciones al día. Por eso… en casa ascensor».

‘Raphaelismo’ es una docuserie de 4 episodios de 50 minutos que vienen a describir una figura que dentro de España es casi una religión. Jorge Ortiz de Landázuri (Gerente de Contenidos de #0 y de Producción Propia de Movistar+) dijo en la rueda de prensa: «a Raphael no le gusta demasiado echar la vista atrás, verse en esas imágenes en blanco y negro. Nos ha ayudado mucho la familia». «No me gusta mirar hacia atrás, estoy siempre pensando en el mañana. Siempre saco defectos, es una falta que tengo, pero creo que me hace mejorar. Que la gente no piense que lo tengo todo aprendido en el escenario. Sé algo. Tengo mucho que aprender» apuntó Raphael que hizo alarde de cercanía durante todo el acto.

Los 60 años que lleva el cantante sobre los escenarios, siempre presente en nuestras televisiones, nuestra cultura o en las listas de referentes de cantantes actuales. El título de la serie lleva el sufijo «-ismo» pero podría haber estado acompañado de «istmo» pues el linarense ha unido a muchas generaciones con sus cuerdas vocales. Y se lo podría tener creído e ir por la vida de divo, pero a eso Raphael dice: «Hay que tener capacidad para asimilar cosas y no convertirse en un gilipollas».

Como es obvio el opening lleva su voz, está acompañado de una de sus canciones más famosas. Es una potente pieza realizada por Monógrafo que recorre, con una mezcla de imágenes de archivo estupenda, la vida del artista. Si hubiese un premio al mejor opennig ya tendría un claro candidato. No es para menos pues este documental viene a celebrar los 60 años de Raphael en los escenarios. Es por eso que una de las primeras cosas que descubrimos es el cómo antes tuvo que trabajar lo suyo. Estuvo en una sastrería, vendiendo melones, cantando en misa… hasta realizó una gira que acabó bautizada como “la gira del hambre”. ‘Raphaelismo’ ilustra de una manera muy terrenal a tan gigantesco cantante que a un servidor, que días después iba a coincidir en la misma sala con él, le intimidaba. ¿Cómo estar a la altura de tal monstruo de la canción? ‘Raphaelismo’ está al nivel necesario y se encarga muy bien de mostrar a la persona que está tras el personaje, humanizando al astro.

¿De dónde viene el «ph» en el nombre? ¿Soy el único que tiene la sensación de que está perenne en nuestras navidades? ¿Por qué siempre procura actuar vestido de negro? ¿Por qué se lo tiene tan merecidamente creído? Encontraréis respuestas a todas esas preguntas en esta docuserie. «La gente ha oído hablar de que he ido a Rusia y demás, ahora lo pueden ver» señaló entusiasmado El niño de Linares.

Para tocar diferentes aspectos y épocas de Raphael hablan frente a la cámara Natalia Figueroa, Iñaki Gabilondo, Víctor Manuel, Jose Ramón Pardo, Bunbury, Álex de la Iglesia, Miguel Ríos, Manuel Martos (y demás hijos del artista), Perales, Bisbal, Calamaro, Ismael Ferreiro, Soledad Jara (viuda de Paco Gordillo, manager de Raphael)… y otros muchos que se recuperan desde los archivos del pasado. ‘Raphaelismo’ cuenta con el beneplácito del cantante y él es uno más de los entrevistados. Si hay algo que se percibe en todos los testimonios es que es gente que ha vivido una época muy feliz o próspera gracias a su voz y carisma.

Más que un repaso, el documental es un sentimiento. Podría ser la nostalgia pero el que prevalece es el sentimiento de transgresión. ‘Raphaelismo’ demuestra que Raphael fue pionero y símbolo de cambio en un país que aún estaba a más de una década de celebrar su transición. Es el retrato de un mito viviente que es consciente de su origen humilde pero que carece de humildad, que tiene asumido con honestidad su carácter de artista, showman y estrella mundial.

El documental está muy bien estructurado. En formato casi estrictamente cronológico logra subrayar correctamente los dilemas del cantante. Consigue explorar muchas de sus facetas personales, de su carrera y del contexto histórico que le rodeó en todo momento. Todo esto rozando algunas polémicas, como su supuesta alineación con el franquismo, pero sin entrar en cotilleos. No se mencionan ridículos cono aquel anuncio de Navidad con Montserrat Caballé o se alude al temerario concierto en pandemia como algo «necesario» o «apoteósico», sin duda es un documento adulador. No obstante ‘Raphaelismo’ no se queda solo en la figura mitificada del cantante y muestra sus vulnerabilidades. Sobre todo me gusta que se destaque algo que muchos artistas no se esfuerzan en sacar a la luz, como la figura de aquellos que componen sus canciones, como Manuel Alejandro o Perales.

Sobre cuándo va a terminar su vida artística el cantante declaró: “Jamás habrá una gira de despedida. Seria una gira muy amarga, llorando continuamente. Sufrir y gratis, pues como que no. Cuanto llegue el momento lo sabré y me iré todo lo dignamente que pueda. Pero eso está muy lejos amigo mío”. Sobre cuál es su meta… «Ojalá la gente me recuerde, como soy, como alguien cercano a mi publico y a mi gente». Charlie Arnaiz quiso reconocer al respecto que «la carta de naturalidad que le da Raphael a cosas extraordinarias que ha hecho, como aparecer en el show de Ed Sullivan, me fascina».

Relación y descripción de episodios

EPISODIO 1 – DE LA NIÑEZ A LOS ASUNTOS

Año 1965. Raphael debuta en el Teatro de la Zarzuela y lo hace a su manera, generando un tsunami en la historia de la música en España. Acaba de nacer el artista con “ph”, el que dignifica definitivamente la profesión.

En este episodio, Raphael rememora, además, sus orígenes humildes, sus inicios como cantante, el triunfo en el festival de Benidorm, la tournée del hambre y su primera aparición en televisión con “El Tamborilero” para cerrar a punto de emprender su primera aventura internacional.

EPISODIO 2 – ¡VIVA RAPHAEL!

Raphael aparece en el Festival de Eurovisión y provoca un efecto boomerang en toda Europa. Seremos testigos de la escalada del éxito en el Olympia de París, su triunfo en Latinoamérica, Londres, Nueva York, el show de Ed Sullivan… Y cuando parece que Raphael no tiene límite, se encuentra con su primera crisis en Las Vegas. En este episodio conoce a Natalia Figueroa, su gran amor, y persona definitiva en su carrera. Sin embargo, los años 80 y el cambio social, político y musical que se avecina vuelven a hacer que Raphael tenga que luchar, de nuevo, contra la adversidad.

EPISODIO 3 – QUÉ SABE NADIE

Los años 80 han provocado que muchos artistas que han triunfado durante las décadas anteriores se centren en nuevos mercados. Cuando algunos piensan que Raphael está acabado, lanza una serie de nuevos éxitos que lo llevan de nuevo a lo más alto. En este tercer episodio, Raphael muestra además su faceta más íntima y personal de la mano de su familia. Rememora sus problemas de salud, la enfermedad y su paso por el teatro musical, con la obra “Jekyll & Hyde”.

EPISODIO 4 – INFINITOS BAILES

Tras su trasplante de hígado y su vuelta a los escenarios, Raphael se sigue adaptando a los nuevos tiempos. Regresa al cine de la mano de Álex de la Iglesia, participa en festivales indies como Sonorama y se abre a colaborar con jóvenes talentos del mundo de la música. En este último episodio, se analiza el fenómeno “phan” y su secreto para llevar sesenta años sobre los escenarios.

Crítica: ‘100 días con la Tata’

Sinopsis

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Los padres del actor Miguel Ángel Muñoz tuvieron que recurrir a la “Tata” (Luisa Cantero) para que cuidara a su hijo mientras ellos trabajaban. Desde entonces, la Tata (97) y Miguel Ángel (38) nunca se han separado. Pero tras varias complicaciones de salud de la Tata, Miguel Ángel se da cuenta de que su historia de amor se puede acabar y decide llevar a cabo todas las cosas que tiene pendientes de hacer junto a ella: un road trip, conocer los orígenes de Luisa y hasta rodar una película juntos. Una aventura que se ve interrumpida por la llegada de la pandemia. Un giro que, lejos de entristecerlos, hará que ambos estén más unidos y disfruten más que nunca durante 100 días juntos en un piso de 35m2. Pero que también forzará a Miguel Ángel a encarar su mayor miedo: la separación de la persona más importante de su vida.

Crítica

Una ópera prima muy tierna

Miguel Ángel Muñoz nos presenta en su primer largometraje documental a su Tata, Luisa Cantero, mujer que cuidó de él mientras sus padres trabajaban. Después de varios sustos por la salud de la Tata, Miguel Ángel se da cuenta de que esa historia de amor puede acabarse un día y el miedo que tiene le hace hacer un montón de actividades junto a ella que tienen pendientes. Creando con estos momentos una película, donde la principal protagonista sería ella. Todo esto queda interrumpido por la famosa pandemia, pero no hay mal que por bien no venga y al final 100 días en un piso de 35 m2 da para mucho.

Instagram logró que la Tata se hiciese famosa y alegró las vidas de mucha gente con sus vídeos y directos.

Me ha gustado mucho el enfoque de la cinta, una película donde ellos dos, nuestros protagonistas, disfrutan, sufren, se enfadan y por supuesto, muestran un amor incondicional.

Miguel Ángel Muñoz, un hombre que se ve desde la lejanía que no puede parar quieto, se encuentra de repente encerrado en un piso chiquitín al cargo de su Tata, se cambian las tornas y es él el que debe encargarse al 100% de ella.

Este documental nos habla de muchas cosas, de la precariedad de la vida de nuestros ancianos, de como terminan muchas veces olvidados y del trabajo que realizan muchos trabajadores en los hogares de éstos. Ese gran trabajo físico y mental.

No os equivoquéis, este documental tampoco es una reivindicación ni nada por el estilo, pero si que te deja ese mensaje.

También nos habla del miedo a la pérdida, Miguel Ángel sufre mucho al pensar que un día va a llegar el temido momento de no volver a ver a su Tata. Pero también nos habla de la aceptación, pues la Tata no es que lo desee, pero ella sabe que el día que llegue llegará y está preparada.

Una cinta muy emotiva y a la vez muy divertida. Realmente es un conjunto de vídeos caseros muy bien rodados, pero que no deja de ser momentos muy íntimos y bonitos. Bueno, bonitos y también alguno que otro en el que vemos la mala leche de la Tata.

Además es muy curioso como es la vida, durante el confinamiento, se ve, como la Tata va rejuveneciendo, por así decirlo, al menos en lo mental. Como su ánimo va hacia arriba en vez de decaer, pese al miedo de la pandemia. Mientras que Miguel Ángel va hacia abajo. Necesita su espacio y ha dejado de hacer deporte, algo que físicamente también le afectó.

Un documental muy recomendable, muy positivo y lleno de momentos que os harán recordar a cualquiera de nuestros mayores. Miguel Ángel le da un precioso homenaje a su Tata y a él mismo.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de diciembre de 2021. Título original: 100 días con la tata. Duración: 82 min. País: España. Dirección: Miguel Ángel Muñoz. Guion: Jorge Laplace, Miguel Ángel Muñoz. Música: Sergio Jiménez Lacima. Fotografía: José David Montero. Reparto principal: Miguel Ángel Muñoz, Luisa Cantero. Producción: Paciencia Films. Distribución: BTeam Pictures. Género: documental. Web oficial: https://bteampictures.es/100-dias-con-la-tata/

 

Carlos Jean crea la canción Smell Song, interpretada por Macarena Gómez

Podrá oírse el 3 de noviembre durante la XIV edición de los premios a los Mejores Perfumes del Año

La Academia del Perfume entra en la recta final de su gala anual de los esperados Premios a los Mejores Perfumes del Año, los ya conocidos como “Óscars del perfume”. El próximo 3 de noviembre se celebrará su XIV edición que, como cada año, tiene como objetivo ensalzar el maravilloso universo del perfume y acercar su arte y cultura a la sociedad.

En 2020, en plena pandemia, la Academia creó una disruptiva campaña para llamar la atención hacia el hecho de que “oler es
uno de los mejores placeres de este mundo”. En su primer “Smell Film”, la actriz Macarena Gómez disfrutaba del placer “ampliado”
de percibir los olores que le proporcionaba su gigante nariz, agrandada para la ocasión, que se convirtió en un absoluto éxito viral.

En esta edición de los Premios 2021, la Academia plantea a la actriz su debut musical con el “reto de narices” de dar voz y bailar
la Smell Song, una canción que celebra la emoción y sensaciones de poder volver a juntarnos, tocarnos, olernos y sentirnos, de
volver a la vida con el perfume. El reto de la letra y producción musical de la “Smell Song” de la Academia del Perfume ha sido para el músico y productor Carlos Jean. Su talento para transmitir el mensaje de “la vuelta al perfume” y sus emociones con un ritmo inesperado será una de las sorpresas que se desvelarán en la gala.

La gala de los Premios Academia del Perfume será la culminación de un gran #retodenarices de varios meses en los que diferentes jurados han ido seleccionando, entre más de 150 candidaturas, las mejores creaciones olfativas del año. Con toques de humor, será un evento inolvidable que reunirá a la familia del sector del perfume para desvelar los grandes ganadores del año y estrenar el onírico videoclip de la “Smell Song”.

Según Val Díez, Vicepresidenta de la Academia del Perfume: “Un año más, hemos querido abordar un reto disruptivo y sorprendente, esta vez en un formato que conecta tanto con la sociedad como es la música, todo un “reto de narices”. Animo a todos los amigos del perfume a que se unan a la gala virtual para descubrir a los grandes ganadores del año en una edición récord en todos los sentidos. Estamos seguros de que la Academia del Perfume va a volver a sorprender y que el humor y la fantasía darán mucho que hablar”.

El estreno del videoclip de la “Smell Song” con Macarena Gómez y Carlos Jean y la entrega de premios se podrá seguir en streaming el 3 de noviembre a las 19.00h (hora española) en la web de la Academia del Perfume: www.academiadelperfume.com

‘Death of a Ladies’ Man‘, la película tributo a Leonard Cohen

El 24 de septiembre en Filmin

Filmin estrena el próximo 24 de septiembre ‘Death of a Ladies’ Man‘, del director canadiense Matt Bissonnette y protagonizada por Gabriel Bryne (‘Sospechosos habituales’, ‘Hereditary’) y Jessica Paré (‘Stardom’). La película, una tragicomedia elegante, cínica y con altas dosis de originalidad y emoción, traza su historia en base a las eternas canciones del desaparecido poeta Leonard Cohen, a quien Bissonnette ya rindió homenaje en ‘Looking for Leonard’ (2002).

Gabriel Bryne da vida a Samuel O’Shea, un profesor universitario que empieza a tener alucinaciones bizarras, probablemente ocasionadas por el crítico momento que atraviesa a causa de su alcoholismo, el derrumbe de su matrimonio y el diagnóstico de una enfermedad terminal. Al ritmo de las canciones más icónicas de Leonard Cohen –’Hallelujah’, ‘Bird on the Wire’, ‘The Lost Canadian’ y ‘Did I Ever Love You’, entre otras– O’Shea decide volver a su Irlanda natal para reconectar con sus dos hijos y escribir la novela que siempre ha soñado. Pero las alucinaciones no cesarán, se reencontrará con fantasmas del pasado y la línea entre lo que es real y lo que no será cada vez más difusa.

‘Death of a Ladies’ Man’ recibió el premio a Mejor Actor en los Premios del Cine Irlandés y en el Festival Internacional de Buenos Aires y fue seleccionada en la última edición del Atlàntida Mallorca Film Festival.

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