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Diario de Sitges 2024. 10 de octubre

Noche de premios, encuentros y por supuesto mucho cine

Christophe Gans nos ha sorprendido con su simpatía en uno de los encuentros más interesantes de la semana, además hoy ha recibido el Premio Méliès Career, director de ‘Silent Hill’, ‘El pacto de los lobos’ o ‘La bella y la Bestia’. También hemos estado con el gran Geoffrey Rush, que nos ha hablado de su carrera y de su nueva película.

Además en el día de hoy también se dieron los premios Méliès d’Or, a la mejor película a ‘Descansa en paz’, la ópera prima de la cineasta noruega Thea Hvistendahl.

A continuación os dejamos nuestras reseñas de las películas que hemos visto hoy. Pronto las tendréis mas detalladas.

 

‘Touched by eternity’

A pesar de llevar una existencia pésima, un hombre que vive en su caravana anhela la vida eterna. Una posibilidad que llama a su puerta cuando se le presentan dos vampiros (uno de ellos bisnieto de Pinochet) que honestamente, tienen pinta de ser igual o más fracasados que él. Así de absurda es la sinopsis de la película letona dirigida por Marcis Lacis. Explora el viaje existencial y oscuramente cómico de un hombre obsesionado con la inmortalidad mientras intenta hacerse rico infructuosamente con cryptomonedas. Vampiros skaters, una rave en una caravana, alusiones a los Gipsy Kings, acampadas vampíricas en un granero… Aunque a priori graciosa, chiflada y entrañable le cuesta cumplir su intrigante premisa y flaquea en hilaridad ya que se amolda al estilo arrítmico y seco del cine de europa del este. Tiene algo de gracia pero no compensa su falta de carisma con, por ejemplo, reflexiones sobre temas como la soledad o el miedo a la vida desperdiciada. A pesar de su singular idea, ‘Touched by eternity’ se queda corta en su exploración de la tradición vampírica, quizá debido a su incapacidad para aportar escenarios o salir de la templanza y falta de salero. Aporta poco al género dejando al público un tanto insatisfecho, solo con un par de carcajadas como buen recuerdo.

 Comentado por Furanu.

‘The rule of Jenny Pen’                

James Ashcroft nos trae una película inquietante a mas no poder. Un juez entra en una residencia para que le cuiden después de un ictus. Allí se encontrará con una situación de abusos por parte de otro interno y de cómo los trabajadores pasan de todo y no hacen caso a sus pacientes.

La soledad, el cómo una vez llegas a cierta edad los “adultos” no toman en serio a las personas mayores y también el miedo hacia un agresor hace que una residencia entera quede en silencio. Situaciones que se pueden vivir a diario y que la verdad dan mucho miedo.

Lo he pasado fatal viéndola, mucha tensión y sin duda tiene un pedazo de actuaciones por parte de Geoffrey Rush y de John Lithgow que dejan con la boca abierta. El director sin duda logra mantenernos con la angustia. Muy recomendable

Comentado por Vicky Carras.

‘Luna’

Alfonso Cortés-Cavanillas dirige un elenco español compuesto por Marian Álvarez, Greta Fernández y Asier Etxeandia, entre otros. Una película de esas que aísla a sus personajes en el espacio sometiéndoles a un reto de supervivencia y fortaleza mental, con retos relacionados con el sacrificio y la esperanza. Unos astronautas en la Luna pierden el contacto con la Tierra tras ver como esta recibe el impacto de un asteroide. La situación es abrumadora y tiene difícil solución. Situación catastrófica para esta película, en cuanto a su trama como a su ejecución. Claros movimientos con cuerdas, pobres efectos especiales digitales y prácticos, frases a lo Mr. Wonderfull… Nos somete a un exceso de tomas a lo Tony Stark y a un montón de licencias científicas a las que calificar como licencias es edulcorar mucho el asunto. No les habría venido mal un asesor tipo Kip Thorne, total, la banda sonora también imita la de ‘Interstellar’. ¿Lo mejor? El retrato egoísta e inculto de la influencer interpretada por Greta Fernández.

 

Comentado por Furanu.

‘Call of water’

Una madre pierde su hijo en el mar, buscándolo desesperadamente, lo encuentra en la orilla empapado. A partir de ese día, el niño se comportará de una manera bastante extraña, introduciéndose en el agua porque escucha voces en ella.

‘Call water’ nos trae un drama familiar envuelto en un evento sobrenatural. Admito que es muy interesante, pues aunque la mayor parte de la película es sobre el tema de que no se escuchan, los hijos aguantan a sus padres todo el día discutiendo y todo lo que eso conlleva.

El reparto y la idea está muy bien llevada y bueno, es una película sencilla pero merece la pena. 

Comentado por Vicky Carras.

‘Dead mail’

Ojalá las oficinas de Correos de mi barrio tuviesen un investigador dedicado a entregar cartas que nunca llegaron a buen término. A eso se dedican en ‘Dead mail’. De ese modo se narra un ‘Misery’ de la electrónica de garaje, como si Jobs hubiese secuestrado a Wozniak. Además con motivaciones del trumpismo a favor de la fabricación en USA sin depender de empresas extranjeras.

Una de esas cartas sin destino ni remitente claros  pone en alerta al servicio postal. Pero la narración más que tratarse de estos empleados de panadería se centra en la historia de un ingeniero de sonido y su mecenas.

Dirigida por Kyle McConaghy y Joe DeBoer, combina el misterio y lo retro en una historia intrigante. Su premisa es prometedora y su ambientación de los 80, llena de faxes, sintetizadores y polaroids, genera una atmósfera nostálgica. La película adolece por su extenso flashback y el aturdimiento que causa tanta música de órgano. Aún así la banda sonora, una inquietante mezcla de sonidos sintéticos refuerza la sensación de arrinconamiento y desesperación de los personajes. Los elementos de thriller psicológico, aunque no siempre ejecutados con precisión, se ven compensados por una estética llamativa y momentos de humor inesperado.

Comentado por Furanu.

‘Planet B’

En un futuro cercano, el gobierno de Francia está haciendo desaparecer a los activistas medioambientales. Estos aparecen misteriosamente en un lugar paradisiaco del cual no pueden salir.

Una película con una idea buenísima, pero que termina alargando demasiado hasta que llega un momento que estas deseando que termine.

Es una lástima, porque como digo, la idea es muy buena, está muy bien dirigida, las actuaciones son geniales y toda la ambientación es estupenda.

Una película futurista, llena de drones, gafas virtuales y sobre todo mucha seguridad, algo a lo que nos estamos acercando en la actualidad. Y por supuesto, a la persecución de la gente que está en la lucha para que el medioambiente se cuide.

 Comentado por Vicky Carras.

‘The Roundup punishment’ (Crítica completa)

Llega la prometida cuarta entrega de la saga ‘The Roundup (Fuerza bruta)’ protagonizada por Ma Dong-seok (Don Lee). Heo Myeong Haeng es el nuevo director. Quien antes era especialista de acción sigue los pasos o la moda de Hollywood impulsada por Stahelski o Leitch metiéndose a director y dotando al filme de coreografías y acción constante, algo de lo cual no andaba escasa la saga. Esta nueva película es un chorro de aire fresco para una franquicia que, si bien no ha decaído en ningún momento, necesitaba un nuevo impulso que la sacase de la monotonía.

‘The Roundup’ sigue visitando otros países asiáticos, en este caso arranca en Filipinas. A este policía le da igual a qué tipo de maleantes enfrentarse. En este caso va tras los pasos de una mafia relacionada con las criptomonedas y las apuestas online que nos recuerda un poco a la trama de ‘Beekeeper’. Como siempre el guión maneja un tema muy de actualidad, más que nunca, lo cual nos lleva a tener a Dong-seok haciéndose el boomer, sacando al personaje de su zona habitual de calles y mamporros, algo que da pie a muchos más gags.

El filme mantiene ese tipo de comedia física y a veces bobalicona que tanto ha hecho que se le asocie a las películas de Spencer y Hill. En este caso incluso hay un halo de ‘Arma Letal’, sobre todo recordando a la colaboración con delincuentes como el que interpretaba Joe Pesci.

Comentado por Furanu.

‘Handsome Guys’

Basada en la cinta canadiense ‘Tucker & Dale contra el mal’, la película nos presenta a dos amigos que van a vivir en el hogar de sus sueños, una casa de estilo europeo que les va a dar muchos problemas, pues el diablo vive allí. A la par, conocemos a un grupo de adolescentes, bastante irritables que, por varios motivos, unirán sus caminos de manera absurda a la de estos dos amigos.

La película me ha divertido mucho, es absurda y muy tonta, de echo ellos dos pueden recordar perfectamente a los personajes de ‘Dos tontos muy tontos’. El comienzo además me ha recordado a ‘Se lo que hicisteis el último verano’ pero con una cabra, luego ya cambia todo, pero aun así me lo he seguido pasando bien. No puedo compararla con la original, ya que no la he visto, pero sin duda, esta os la recomiendo si queréis pasar un buen rato.

Comentado por Vicky Carras.

‘Cuckoo’

Gretchen, una joven estadounidense, se muda a Alemania a vivir con la familia de su padre. Ruidos extraños en el bosque, una persona que la persigue en momentos extraños hace que Gretchen se ponga alerta.

La película dirigida por Tilman Singer no es para nada perfecta, pero si que es una película lo suficientemente interesante para que nos quedemos hasta el último minuto esperando el final.

Hunter Schafer, es la protagonista de la cinta y la verdad que está bastante bien, pero sin duda Dan Stevens resalta en esta cinta, dándonos un papel bastante misterioso, que tiene mucho que ocultar.

La película tiene bastante tensión y un imaginario bastante curioso. Si que me falla un poco la manera de terminarla. Y es que como digo, todo es bastante interesante, pero no termina de funcionar el desenlace.

Comentado por Vicky Carras.

‘The goldfinger’ (Crítica completa)

‘The Goldfinger’ es una película ambientada en la atmósfera del Hong Kong de los años 80, con una estética gris y parda que acompaña una trama sobre turbios ejecutivos y detectives. Aunque intenta desarrollar una historia compleja con técnicas de montaje al estilo hollywoodiense, no logra captar la atención del espectador. Inexplicablemente hay una clara ausencia de elementos del cine fantástico, a pesar de haberse proyectado en el Festival de Sitges. El filme se centra en una investigación policial sobre la quiebra de una multinacional china, con un líder de moral cuestionable, pero presenta poca emoción y acción. A pesar del talento de sus actores principales, Tony Leung y Andy Lau, el guion no les ofrece grandes desafíos, lo que resulta en interpretaciones automáticas. Aunque técnicamente bien hecha, la película falla en ser innovadora y se percibe como una imitación costosa del estilo norteamericano, sin la profundidad necesaria.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘The roundup: punishment’

En qué plataforma ver The roundup: punishment

Sinopsis

El detective Ma Seok-do se une al Equipo de Investigación Cibernética para atrapar a Baek Chang-ki, un antiguo mercenario y jefe de una organización de apuestas online.

Crítica

Revitaliza la saga con acción trepidante, humor físico y relevancia contemporánea

La cuarta entrega de la saga ‘The roundup’, titulada ‘The roundup: punishment’, protagonizada por Ma Dong-seok (también conocido como Don Lee), llega con nuevas dosis de acción trepidante y una narrativa que intenta revitalizar la franquicia. El cambio de dirección está en manos de Heo Myeong Haeng, quien previamente se había destacado como especialista en escenas de acción y ahora sigue una tendencia popular en Hollywood, donde figuras como Chad Stahelski o David Leitch, también provenientes del mundo de la acción y las acrobacias, han dado el salto a la dirección con éxito. Este cambio aporta una nueva perspectiva que se traduce en una mayor frescura y dinamismo para una saga que, si bien nunca ha decaído, necesitaba ese empuje que le diese una renovada energía.

Desde su inicio, ‘The roundup: punishment’ continúa con su contexto internacional, comenzando con una secuencia en Filipinas. Este giro global se ha convertido en un sello de la saga, que desde las entregas anteriores ha explorado otros países asiáticos, lo que añade una capa de diversidad y dinamismo en cuanto a escenarios y antagonistas. Esta vez, la trama enfrenta al personaje de Ma Seok-do, el intrépido y brutal policía, contra una mafia relacionada con las criptomonedas y las apuestas en línea, temas que resuenan con la realidad contemporánea. Es imposible no ver un paralelo con la película ‘The Beekeeper’, que también explora tramas que giran en torno a delitos digitales. La habilidad del guion para mantenerse conectado con temas modernos le otorga una relevancia especial que, además, da pie a momentos cómicos donde Dong-seok aprovecha su personaje para mostrarse como un «boomer» desconectado del mundo digital, lo que contribuye a generar situaciones humorísticas fuera de su habitual entorno de peleas callejeras.

Uno de los elementos que sigue siendo central en la saga es la mezcla de acción y comedia física. El humor, muchas veces simple y basado en la interacción corporal de los personajes, recuerda a las películas clásicas de Bud Spencer y Terence Hill. Este tipo de slapstick, casi bobalicón, se mezcla de manera eficaz con las escenas de acción, con una intensidad que nunca deja que el espectador se relaje. Cada puñetazo y cada cuchillada están perfectamente calculados para tener un impacto tanto visual como emocional.

Otra referencia cinematográfica que se puede percibir en ‘The roundup: punishment’ es la de las películas tipo ‘Arma Letal’. La dinámica entre los personajes evoca la relación entre los personajes de Riggs y Murtaugh con delincuentes como el que interpretaba Joe Pesci en dicha saga. Además, el carisma de Ma Dong-seok, con su imponente físico y su habilidad para combinar brutalidad con ternura y humor, continúa siendo el pilar fundamental.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Beomjoidosi 4. Duración: 104 min. País: Corea del Sur. Dirección: Heo Myeong Haeng. Guion: Oh Sang Ho. Música: Yoon Il-sang. Fotografía: Lee Sung-je. Reparto principal: Ma Dong-Seok, Kim Mu-yeol, Park Ji-hwan, Lee Joo-bin, Lee Dong-hwi. Producción: ABO Entertainment, BA Entertainment, Big Punch Pictures, Hong Film. Distribución: por determinar. Género: acción, policial. Web oficial: http://www.baent.co.kr/bbs/board.php?bo_table=works&wr_id=72

Crítica: ‘The goldfinger’

En qué plataforma ver The goldfinger

Sinopsis

Se descubre una conspiración criminal cuando la bolsa se desploma.

Crítica

Thriller de aspecto elegante con bastante poca emoción y acción

Al igual que con ‘Twilight of the Warriors: walled in’ nos encontramos ante una historia de mafias y en una época en la que el Imperio Británico aún escribía la historia de Hong Kong. En esta ocasión la atmósfera ochentera cargada de colores pardos y grises es mucho más agradable aunque la trama no está exenta de criminalidad.

‘The goldfinger’ intenta desarrollar una trama sobre negociantes, a veces incluso con técnicas de montaje e imagen que le hemos visto a Guy Ritchie, pero no consigue captar nuestro interés, sobre todo porque la película ha sido proyectada en el Festival de Sitges de cine fantástico y en ‘The goldfinger’ ese género brilla por su ausencia. La película consiste en la investigación policíaca y sus interrogatorios repletos de flashbacks sobre una multinacional china bautizada como Carmen Century Group (si, no es cosa de la traducción, aparece así en la versión original). Una banca rota, un líder de dudosa ética y orígenes financieros… Básicamente es un thriler de aspecto elegante con bastante poca emoción y acción.

Aunque Lau y Leung son actores de gran calibre y esta es una anunciadísima colaboración para los espectadores chinos, el guion plano no les ofrece desafíos, lo que los lleva a interpretar sus papeles de manera casi automática. ‘The Goldfinger’ tiene poca chicha en muchos aspectos, se percibe como un intento de imitación costoso del estilo norteamericano y aunque no carece de habilidad técnica o monetaria si está huérfana de ideas sugerentes o por lo menos diferentes a las habituales. Intenta impresionar con una mezcla de estilos cinematográficos y montajes musicales intercalados, buscando que su mezcolanza visual y multitud de personajes se perciba como intensidad dramática. En lugar de eso, se asemeja a una versión fallida de ‘El lobo de Wall Street’ y similares, careciendo de la confianza narrativa y cinematográfica necesaria para tener éxito.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Jin shou zhi. Duración: 125 min. País: China. Dirección: Felix Chong. Guion: Felix Chong. Música: Day Tai. Fotografía: Anthony Pun. Reparto principal: Tony Leung, Andy Lau, Charlene Choi. Producción: 2898, Emperor Motion Pictures. Distribución: por determinar. Género: acción. Web oficial: https://www.emp.hk/en/production/recent-hits/the-goldfinger

Diario de Sitges 2024. 9 de octubre

 Día de masacres y edificios vivientes

Si nos dicen que vamos a recorrer el intestino grueso de dos edificios no nos lo creemos. Así de raras y de locas han sido las películas hoy en este Sitges 2024. Películas gore, body horror, hoteles desquiciantes, sanatorios polacos, bosque ritualistas, dragones medusa o costureras con las habilidades de MacGyver; estos son los elementos de tan loca jornada.
Un día que ha protagonizado Fred Dekker, no por su papel como jurado sino por el Premio Honorífico Màquina del Temps que recibió de las manos de Ángel Sala. Ha sido receptor de este premio debido a que el Festival ha querido reconocer “su labor multidisciplinar en el género fantástico y de terror, habiendo dirigido películas como Una pandilla alucinante, El terror llama a su puerta y Robocop 3”. Por nuestra redacción le queremos por películas como ‘Predator’ o algunos capítulos de ‘Historias de la cripta’.

‘Azrael’

Película sin diálogos que sorprende por su simplicidad y buen hacer. Dirigida por E.L. Katz y con guion de Simon Barrett, la película transcurre en un enorme bosque donde todos sus habitantes son mudos, no os voy a decir por qué, ya que es importante para la trama. Una joven pareja es interceptada por un grupo y ella tendrá que pasar lo indecible para poder sobrevivir

Muy interesante, con gore, con acción de la dura y con una Samara Weaving increíble como siempre. Se nota que le gustan este tipo de trabajos, tanto el tema de cine fantástico, como los personajes fuertes que se abren paso a patadas. Una película sin sorpresas, en las que se persigue a una presa, pero el final es sin duda lo que más me ha gustado, estaba entre las posibilidades, pero casi nunca se suele coger este tipo de opción. Así que muy recomendable.

Comentado por Vicky Carras.

‘Chain reactions’

Patton Oswalt, Takashi Miike, Alexandra Heller–Nicholas, Stephen King y Karyn Kusama, se unen junto a Alexandre O. Philippe para honrar a una de las películas más icónicas de toda la vida, ‘La matanza de Texas’ de Tobe Hooper. Nos cuentan lo importante que ha sido para ellos esta película y de cómo le ha influenciado a la hora de hacer sus películas.

Un documental que anima a ver la película de nuevo y que sin duda muestra pequeños detalles que quizás no sabíamos. Al final este director hace unos trabajos increíbles de documentación y como he dicho al comienzo, esta vez viene acompañado de un montón de celebridades.

Comentado por Vicky Carras.

‘Else’

Body horror en el que un virus hace que los objetos se fusionen con los cuerpos humanos. Esta premisa, que bien podría haber sido lo que les pasó a los protagonistas de ‘Dos’ de Mar Targarona, da paso a un largometraje tan vitalista como intrigante y poco a poco truculento. La película del debutante Thibault Emin destaca por su estética colorida y su cada vez atmósfera opresiva, creando un entorno que subraya la sensación de aislamiento existencial, sin duda, surgida de inquietudes, miedos y sátiras derivados de la COVID-19. Emin maneja con habilidad la cámara en sus escuetos espacios y logra desarrollar el horror en varias de sus acepciones.

Sin embargo, ‘Else’ puede resultar algo críptica para algunos. Ofrece más recreo que información. Aunque esto puede ser un punto fuerte para algunos, también podría hacer que se bajen del carro a aquellos que prefieren una narrativa más clara. En resumen, es una obra audaz y con inquietudes. ¿Decían que la pandemia nos uniría? Pues si es como en esta película mejor que no. Sobre todo, si como sospecho con el final, hay IA.

 Comentado por Furanu.

‘Frewaka’

Película muy interesante en la que una joven tiene que ir a cuidar a una anciana en un pueblo remoto de Irlanda, la han pedido que tiene que hablar gaélico y paciencia.

‘Frewaka’ nos lleva a la mitología irlandesa, donde las costumbres, los fantasmas y monstruos son protagonistas de estas historias familiares tan suyas.

Música irlandesa, canciones y el idioma, hacen de esta película una gozada para las personas que nos gusta tanto esta cultura. Es curioso toda la historia que tienen, sobre todo fantástica y lo poco que se termina llevando al cine. Esta es una de esas raras películas en las que podemos conocer un poquito más de estos misterios.

Comentado por Vicky Carras.

‘Sanatorium under the signo of the hourglass’

‘Sanatorium Under the Sign of the Hourglass’ de los hermanos Quay es una obra que destaca visualmente por su atmósfera gótica y oscura, pero falla en su narrativa y en su ms excesivos, repetitivos e incesantes intentos experimentales, que se sienten como relleno. Ambientada en un sanatorio extraído de los recuerdos arrojados por un fantasioso artilugio procura ser inquietante y llena de decadencia, evocando lo sobrenatural con escenarios oscuros, tétricos y laberínticos, llevándonos casi a ultratumba. La animación en stop motion, aunque técnicamente interesante, no logra integrarse completamente en la historia, sintiéndose a veces ornamental en lugar de alzarse como un elemento más de la ambientación. Más que animación parecen meros dioramas con algo de movimiento.

Narrativamente, la película es confusa y va a pedales, perdiendo fuerza casi nada más bajarse del tren con el que arranca. Murnau, el expresionismo alemán o Poe parecen referentes. Aunque tiene momentos visualmente cautivadores dentro de lo tétrico, no logra crear un gancho sólido que conecte emocionalmente con el espectador.

 Comentado por Furanu.

‘She loved blossoms more’

Admito que elegí ver esta película al ver el cartel y os puedo decir que no siempre funciona. ‘She loved blossoms more’ es una película que nos cuenta la historia de 3 hermanos que están intentando lograr una máquina del tiempo para recuperar a su madre.

La película es un horror, odio decir estas cosas, pero es que al final son tres chavales que se pillan todo el día colocado y que no hacen nada con sus vidas. Además, la película no nos cuenta nada y no avanza. Quizás el tema de la máquina del tiempo que cuando falla aparecen dos criaturas curiosas y ya está. Pero por lo demás admito que no merece la pena.

Comentado por Vicky Carras.

‘The storm‘

La animación desde China está viniendo muy potente. Aunque numerosas películas están llegando y ninguna está aún a la altura de ‘Deep sea’, lo que se está viendo en Sitges 2024 tiene un nivel altísimo. ‘The storm’ no es una excepción y nos apabulla con sus dibujos y su aventura. Dirigida por Yang Zhigang, es una película que combina aventura, fantasía y monstruos en una trama centrada en la responsabilidad, sobre todo en la filial. La historia es rica en elementos fantásticos y tiene un trasfondo emocional sobre los lazos familiares.

‘The Storm’ es una muestra de que los reyes mundiales de la animación han de empezar a ver amenazado su podio. Visualmente, la película es impecable, los detalles de los escenarios y el diseño de los personajes es de marcado carácter digital, pero conservan un algo de arte pictórico. Las secuencias de acción son de una calidad técnica admirable, demostrando el alto nivel de la animación china actual. Por otro lado, hay que advertir, hay algún momento de auténtico terror y violencia más adecuados para un público casi adolescente.

 Comentado por Furanu.

‘Sew torn’

MacGyver Costurera. Una película con tres historias, mejor dicho, tres opciones de una misma historia. Nuestra protagonista ve un accidente y tiene que tomar una decisión. Tres decisiones que toma nuestra protagonista que la hacen tener diferentes desenlaces los cuales vamos viendo.

Aunque puede llegar a ser repetitiva, la ‘Sew Torn’ es bastante cuqui, con personajes muy entrañables y a los que coges cariño, aunque sean los malos.

Con la película me lo he pasado bastante bien, tiene unos colores saturados que hacen que este cuento sea más real. Un gustazo ver como la protagonista utiliza los hilos para salvar vidas, asesinar o escapar de la cárcel. Sin duda de estas películas de las que no esperas nada, pero que al final logran sorprender.

Comentado por Vicky Carras.

‘Mr. K’

‘Mr. K’, dirigida por Tallulah Hazekamp Schwab y protagonizada por el mítico Crispin Glover, es una película que mezcla lo extraño y lo desesperante embadurnado con un estilo visual muy particular. Schwab toma claras influencias del fantástico clásico europeo, con escenarios cargados de ornamentos deprimentes, pero añade un toque de modernidad que recuerda a la estética multitudinaria y excéntrica de Wes Anderson. Espacios imposibles, momentos completamente absurdos… es como meterse en la cabeza de uno de los hermanos Marx, el mismo sinsentido, pero sin su gracia.

La trama gira en torno a Mr. K, un personaje enigmático y deprimido atrapado en una existencia que parece desmoronarse lentamente. Glover, con su habitual presencia inquietante y tierna, entrega una actuación que transmite mucho más de lo que es capaz de explicar la propia película. Y es que este filme es de esos que son incomprensibles, que constantemente están sumando normas y para colmo, acaban con un final aún más enigmático. La única explicación que le encuentro es que la casa sea una extensión de su angustia como artista. Pero con lo que se quedará todo el mundo, al igual que nos ha sucedido con ‘Else’, es que nos metemos, literalmente, en el colon a un edificio.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Arcadian’

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Sinopsis

En un futuro cercano, Paul y sus hijos Thomas y Joseph viven tranquilos de día y atormentados de noche por feroces criaturas que devoran a los vivos. Un día, Thomas no regresa antes del anochecer, y Paul sale de su granja fortificada para buscarlo. Al encontrarlo, Paul descubre que está gravemente herido. A partir de ahí, los hermanos deberán utilizar todo lo que su padre les ha enseñado para sobrevivir durante la noche

Crítica

Nicolas Cage siempre es un acierto y ‘Arcadian’ no defrauda.

‘Arcadian’ nos lleva a un futuro en el que las pocas personas que aun viven, se centran en intentar no morir por las noches a manos de unas terribles criaturas.

Paul, Joseph y Thomas, son una familia que pese a sus diferencias conviven unidos para paliar los desperfectos que van ocurriendo noche tras noche y así poder mantenerse con vida.

La película es bastante sencilla. Nos muestra el día a día de estos tres hombres y cómo intentan sobrellevar como pueden la terrible situación que les ha tocado vivir. El ritmo es pausado, pero cuando la acción llega no deja respirar.

Benjamin Brewer es el encargado de dirigir ‘Arcadian’ y de nuevo cuenta con Nicolas Cage, después de haber trabajado con él en ‘Policías corruptos’.

En este papel, el actor está muy contenido, dando vida al padre de familia obsesionado en enseñar a sus hijos como resistir. Y, sobre todo, intentando que comprendan que deben de trabajar juntos y ayudarse mutuamente.

Jaeden Martell y Maxwell Jenkins, son los encargados de dar vida a sus hijos. Unos chicos un tanto complicados que harán que las cosas que pongan bastante complicadas para los tres. En el reparto también encontramos a Sadie Soverall, Samantha Coughlan, Joe Dixon y Joel Gillman.

Aunque la película es un poco típica, me ha gustado mucho. La atmósfera oscura que tiene, esa suciedad que nos muestra por todos lados de un mundo en el que las personas continúan simplemente por inercia. También el trasfondo familiar, que unidos somos más.

Las criaturas que vemos, si las llegamos a ver unas cuantas veces, son muy originales, dan bastante grima. Se puede venir a la cabeza ‘Critters’, por cosas que hacen, pero sin duda lo que me ha hecho explotar la cabeza es que están basadas en Goofy, si, en ese perro encantador de Disney. Mas específicamente a un episodio fe la película de Goofy en la que su hijo sueña que se transforma en su padre. Después de saber esto, sí que bueno, salvando mucho las distancias, hay unos gestos que realizan estas criaturas que pueden recordar.

Como he comentado, aunque ‘Arcadian’ no tiene nada de original, no defrauda, entretiene y sin duda deja con muy buen sabor de boca. 

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de octubre de 2024 (alquiler movistar). Título original: Arcadian. Duración: 92 min. País: Dirección: Benjamin Brewer. Guion: Mike Nilon. Música: Kristin Gundred y Josh Martin. Fotografía: Frank Mobilio. Reparto principal: Nicolas Cage, Jaeden Martell, Maxwell Jenkins, Sadie Soverall, Samantha Coughlan, Joe Dixon, Joel Gillman. Producción: Aperture Media Partners, Highland Film Group, Redline Entertainment, Saturn Films. Distribución: Key2Media. Género: Terror. Web oficial: https://www.imdb.com/title/tt22939186/?ref_=ttfc_fc_tt

Diario de Sitges 2024. 8 de octubre

Vigalondo nos hace soñar en un día en el que los primerizos han brillado

Hoy hemos gozado, citamos literalmente por parte del director “con los sueños de mierda” de Nacho Vigalando, los viajes en el tiempo de un discípulo de Aaron Moorhead y Justin Benson, la destreza narrativa de JT Mollner, la magia de las hadas chinas, la original visión mafiosa de Julien Colonna o la vibrante acción del debut de Michiel Blanchart. Pero también hemos sufrido para terminar algunas películas, como la del hermano de Rob Zombie o una un nuevo recordatorio de abandonar a nuestros mayores en asilos. Vamos con otra tanda de opiniones de Sitges 2024.

‘Daniela Forever’

Vigalondo siempre nos regala historias muy originales y sin duda ‘Daniela Forever’ no se queda corta. Un joven atormentado por la muerte de su novia descubre un tratamiento en el que poder controlar sus sueños y ahora puede soñar lo que quiera y revivir su vida junto a Daniela.

Una película compleja y muy bien dirigida. Con grandes ideas y bien llevadas a cabo, con imágenes muy preciosistas y colores muy llamativos. Una película que sin duda dará que hablar después del visionado, ya que admito que tiene un desenlace que da para varias interpretaciones. Puede recordar a ‘Olvídate de mí’, a veces a ‘Origen’, cuando estas dentro de sueños.

Comentado por Vicky Carras.

‘Things will be different’

Largometraje que marca el debut como director de Michael Felker, quien hasta ahora se había destacado como montador en las películas de Aaron Moorhead y Justin Benson, de hecho, ambos la producen y este último tiene un pequeño cameo en la cinta. Felker mantiene el estilo que caracteriza a las producciones de Benson y Moorhead, combinando viajes en el tiempo con complejos asuntos familiares y dúos protagónicos.

Al igual que en los trabajos de Moorhead y Benson, el presupuesto es modesto, pero Felker sabe cómo maximizar inteligentemente sus recursos y embriagarnos de preguntas y misterios. La película no depende de grandes efectos visuales ni de escenarios ostentosos, en cambio, opta por jugar con las emociones y los dilemas humanos que surgen del concepto de manipular el tiempo y los lazos de sangre. La trama consiste en seguir a dos ladrones que roban usando el tiempo cual caja fuerte, como un lugar seguro y que funciona con contraseñas. Se sigue con facilidad aunque se enreda en su propia lógica temporal aportando pocas respuestas.

Felker demuestra tener un buen ojo para lo íntimo y lo emocional, logrando que la audiencia se conecte con los personajes. ‘Things Will Be Different’ es un primer trabajo prometedor, y aunque no innova dentro del género, sí consigue ofrecer una historia emocionalmente rica y bien ejecutada.

Comentado por Furanu.

‘Strange darling’

Una de las películas que más me ha gustado de este festival y que pronto podréis ver en las grandes pantallas.

Dividida en 6 episodios y contada de manera desordenada para mantener el misterio. Una chica corre desesperada huyendo de su captor. Eso es lo único que tenéis que saber, el resto, es solo disfrutar.

Otras veces os diría lo complicado que es hablar de una película sin poder hablar realmente de ella. Pero en este caso, entre el tremendo reparto que tiene, entre ellos Willa Fitzgerald y Kyle Gallner como protagonistas, los cuales están increíbles. También gracias al trabajo de dirección y guión, ambos de JT Mollner que consigue mantener el misterio sin que la película aburra. Y por supuesto la fotografía de Giovanni Ribisi, logra que lugares vulgares se conviertan en sitios atractivos para nuestros ojos, gracias a los colores utilizados en la película.

El próximo 11 de octubre ya la tenéis en cines y no os vais a arrepentir de darle una oportunidad.

Comentado por Vicky Carras.

‘The umbrela fairy’ (crítica completa)

‘The Umbrella Fairy’ es una película de animación basada en el manhua chino ‘San shaonü meng tan’, creado por Zuo Xiaoling y Wei Ying. La historia sigue a un hada guardiana que abandona su puesto para enfrentar a una malvada hada en busca de venganza. Aunque la trama es predecible, destaca por su impresionante animación, que respeta el arte clásico asiático, fusionando técnicas digitales con un estilo visual inspirado en la pintura tradicional china. Cada escena es un lienzo vibrante, lleno de detalles y elementos mágicos. Los personajes, diseñados con un estilo «kawaii», son encantadores, aunque carecen de profundidad. La película se mueve entre lo poético, ingenioso y mojigato, capturando la esencia de las narrativas de fantasía china. Si te gusta la animación asiática y películas como ‘White Snake’ o ‘Big Fish & Begonia’, ‘The Umbrella Fairy’ es una opción atractiva.

Comentado por Furanu.

‘Little bites’

Relato truculento y excesivamente tranquilo sobre los sacrificios de la maternidad en el que lo más valioso que sacamos es la frase “Dios no te odia, simplemente le das igual”. ‘Little Bites’, del productor y músico Spider One, ofrece una incursión en el terror que recuerda al espíritu retorcido y deprimente de las películas de su propio hermano, Rob Zombie. Aunque Spider One toma su propio camino alejándose de la locura o el frenesí, es inevitable notar la influencia fraternal en su enfoque del terror creando momentos asquerositos o malsanos. La película intenta jugar (pocas veces de manera efectiva) con el malestar del espectador, el cual, se incomoda sobre todo por lo pausado y fatigoso que es el relato. De los pocos méritos que tiene es el lograr ser incómodo y transmitir esa sensación de cansancio, pero no precisamente por obtener buenas interpretaciones.

El argumento no deja de ser original, pero salvo por alguna que otra conversación, no desarrolla nada. No he visto los otros dos largometrajes de Spider One, pero por ubicarle en alguna parte del panorama del terror, de ‘Little Bites’ para arriba estaría hacer algo con Jason Blum, para abajo ya sería hablar con la Asylum.

Había que ver esta película contando como cuenta con grandes mujeres del terror como Barbara Crampton (Re-animator), Heather Langenkamp (Pesadilla en Elm Street) y Bonnie Aarons (‘La monja’) además de la insólita producción de Cher.

Comentado por Furanu.

‘The kingdom’

‘The Kingdom’, dirigida por Julien Colonna y protagonizada por la debutante Ghjuvanna Benedetti, logra destacar en el ya saturado género de películas sobre mafias, en gran parte gracias a la frescura que Benedetti y su personaje aportan a la pantalla. Su interpretación, llena de vulnerabilidad y fuerza, revitaliza una familia se películas que se siente gastada. La actriz, prometiendo una carrera llena de presencias magnéticas, introduce un aire nuevo y convincente en una historia de muerte y poder, donde el camino de su joven personaje se cruza con un entorno implacable.

Colonna opta por mostrar un choque brutal entre la juventud y la corrupción normalizada del mundo adulto. El filme, aunque tarda excesivamente en arrancar, impacta al sumergir a una persona tan joven en un universo dominado por la traición y el crimen organizado, y lo hace con una naturalidad que mantiene al espectador al borde. Las escenas de violencia son casi nulas y están bien dosificadas, sirviendo más como catalizadores de tensión emocional que como simples momentos de acción.

Aunque la trama no se desvía mucho de los clichés del género o de las historias tipo coming-of-age, ‘The Kingdom’ logra sostenerse gracias a la autenticidad de sus actuaciones, el costumbrismo de su puesta en escena y la habilidad de Colonna para crear una atmósfera oscura en medio del verano.

Comentado por Furanu.

‘Night silence’

Un anciano es abandonado por su hijo en un asilo que parece guardar un secreto muy oscuro. La película está muy bien rodada, las actuaciones muy bien dirigidas, el diseño de las criaturas también bien, pero es aburrida, no ocurre nada hasta casi el final y la verdad que termina cansando. Es una pena, tenía una premisa bastante chula, vemos en ‘Night silence’ cosas bastante curiosas pero que al final no llevan a nada.

Como he comentado, el diseño de las criaturas es bastante original, hay una de ellas que parece sacada de algún que otro videojuego japonés e impresiona bastante. Pero bueno, supongo que como siempre os digo, si tenéis oportunidad verla, ya que quizás penséis todo lo contrario que yo y si me hacéis caso os estáis perdiendo una película que puede que os guste. Desgraciadamente no ha sido mi caso.

Comentado por Vicky Carras.

‘Night call’

El debut como director de largometrajes de Michiel Blanchart me ha parecido una verdadera maravilla. Seguimos a Mady, un joven cerrajero que sin duda tiene la peor noche de su vida. Tras un encargo que le hace una chica, se ve envuelto en un asesinato y un robo por lo cual deberá huir por las calles de Bruselas intentando que no le maten.

Este thriller lleno de acción, muy bien rodada, logra mantenerte en tensión todo el rato. Una película que engancha desde el principio y que no se lía en meter cosas innecesarias, sino que se centran en la historia y sin duda funciona.

Un trabajo muy físico, tanto el de actores como todo el equipo. Cámaras que se mueven sin parar, persecuciones en coche, en bici, hay una escena en el metro que me parece una fantasía. Sin duda os recomiendo mucho ‘Night Call’, pronto os hablaré de ella más detenidamente.

Comentado por Vicky Carras.

‘Kokuhaku’ (cortometraje)

No solo hemos visto películas en el día de hoy, sino que también hemos tenido la oportunidad de ver ‘Kokuhaku’, un cortometraje de Adrià Guxens y que nos ha gustado bastante gracias a su gran originalidad.

En el vemos una entrevista y conocemos a un joven que trabaja como onnagata, un actor que representa los roles femeninos en la tradición del teatro kabuki. A través de estas preguntas, conocemos su pasado y su interior más profundo.

Muy bien rodado, un cortometraje con en el que vamos alternando pasado (representado en blanco y negro) y actualidad en color en un camerino. Con una iluminación muy bien estudiada vemos cada expresión de dolor y triunfo del protagonista. Un cortometraje muy recomendable.

Comentado por Vicky Carras.

Crítica: ‘The Umbrella Fairy’

En qué plataforma ver The Umbrella Fairy

Sinopsis

Qingdai, un hada real del paraguas, se embarca en un viaje con un joven artesano para evitar la guerra tras fracasar en su intento de proteger a un vengativo hada de la espada que escapa del pabellón real.

Crítica

Anime preciosista y fantasioso, como un lienzo chino en movimiento

‘The Umbrella Fairy’ es una película de animación que, partiendo de la base del manhua (cómic chino) ‘San shaonü meng tan’, escrito por Zuo Xiaoling, ilustrado por Wei Ying y distribuido a través de NetEase, transporta al espectador a un universo mágico y visualmente impresionante. Esta historia sigue las aventuras de un hada guardiana que se ve obligada a abandonar su puesto para buscar a una malvada hada que busca venganza. Aunque la premisa de la película puede sonar convencional, es su presentación estética y su enfoque cultural lo que la distingue en el amplio panorama del cine de animación.

La película es un cuento que alterna entre lo mojigato, lo ingenioso y, en ocasiones, lo poético. Su trama, aunque predecible en ciertos puntos, logra cautivar por los pequeños detalles que se van revelando en el camino. La dualidad entre las dos hadas —la guardiana que representa la protección y el deber, y la malvada hada impulsada por la venganza— es un contraste que, aunque no particularmente innovador, está bien ejecutado y sostenido por una atmósfera que logra capturar la esencia de las narrativas clásicas de fantasía china.

Uno de los aspectos más destacados de ‘The Umbrella Fairy’ es su animación. La película respeta las raíces del arte clásico asiático de la animación, fusionando técnicas digitales con un estilo visual que recuerda a las tradiciones pictóricas chinas. Los fondos están adornados con una exquisita atención al detalle, cada escena parece un lienzo donde los colores vibran y los elementos naturales cobran vida. Aunque se podría argumentar que en ciertos momentos la película peca de sobrecargar visualmente las escenas, esto también forma parte de su encanto. Todo está muy ornamentado, evocando una estética palaciega y mágica que cautiva desde el primer instante.

En cuanto a los personajes, están diseñados con un estilo «kawaii» que, a pesar de ser una palabra asociada comúnmente con la cultura japonesa, se adapta perfectamente a la descripción de estos simpáticos y fantasiosos seres. Los protagonistas y secundarios tienen un encanto que, aunque a veces se siente algo superficial, logran conectar con el público infantil y familiar. Sin embargo, aquellos que busquen una mayor profundidad en el desarrollo de personajes pueden sentirse decepcionados, ya que muchos de ellos están más definidos por su apariencia visual que por sus motivaciones o complejidad interna.

‘The Umbrella Fairy’ es una película que, aunque no exenta de ciertos clichés en su narrativa, se apoya firmemente en una animación impresionante y un estilo artístico que respeta y celebra las tradiciones visuales asiáticas. Si eres fan de la fantasía oriental y te gustaron films como ‘White Snake’, ‘Big Fish & Begonia’ o ‘La leyenda de Hei’, esta propuesta de Jie Shen te va a chiflar.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: San Shao Nv. Duración: 95 min. País: china. Dirección: Jie Shen. Guion: Min Liu, Ying Wei, Xiaoling Zuo. Producción: Guton Animation Studio, Hangzhou Maoyan Time Machine Pictures, L-key Studio, Maoyan Entertainment, Suzhou Guangyun Unity Culture Media, Tianjin Maoyan Weying Media. Distribución: por determinar. Género: aventuras, fantástico.

Diario de Sitges 2024. 7 de octubre

Hemos vivido el día más pintoresco y denso del festival

El lunes, aunque más desangelado que el resto del festival, siempre es un día fantástico en Sitges. En el festival se han proyectado todo tipo de películas, desde mujeres que se sienten como perros, hermanas que escuchan la voz de su hermano desde el espacio, gatos antropomórficos que van en moto, un imitador mexicano de Michael Myers, monstruos inspirados por el Goofy de la Disney, fantasmas manchegos, Hamlet representado en el Grand Theft Auto… Siempre hay para todos los gustos y colores. Probablemente este será el día más denso, repleto y variado de todo lo que nos aguarda el festival a si es que no dudéis en bajar a la sección de esta nueva tanda de mini-opiniones de Sitges 2024.

‘Bodegón con fantasmas’

El costumbrismo llega con historias de fantasmas. ‘Bodegón de fantasmas’ nos trae 5 capítulos en los que vemos las distintas historias con espíritus en un pueblo donde todos los vecinos se conocen. Una película que nos muestra como la vida y la muerte conviven de una manera natural y sencilla, sin terror, simplemente con la normalidad del día a día.

Muy divertida y amena, con unos actores muy creíbles y entrañables. Planos muy sencillos nos muestran la vida tranquila de estos lugares donde cualquier detalle puede ser motivo de cotilleo para días. Una cosa que se nos da estupendo es reírnos de nosotros mismos y sin duda, ‘Bodegón de Fantasmas’ es una de estas películas que lo demuestran.

Comentado por Vicky Carras.

‘A different man’

Una película muy curiosa en donde vemos que el físico no importa nada, si no, la persona. Un hombre con una extraña enfermedad que le hace tener la cara desfigurada, consigue un tratamiento para ser “normal”. En ese momento aparece un hombre con su misma situación física alterando toda su nueva vida.
‘A different man’ me ha gustado, pese que sus últimos minutos me han dejado bastante fría. A pesar de este detalle, la película inquieta, ya que no sabes muy bien lo que está ocurriendo y logra muy bien entender al personaje principal, que tampoco entiende nada. Sebastian Stan está genial, tanto cuando está caracterizado como cuando no, y crea un personaje bastante conmovedor.

Comentado por Vicky Carras.

‘Ghost cat anzu’

‘Ghost Cat Anzu’, dirigida por la directora novel Yôko Kuno (animadora habitual de Shin-chan) y Nobuhiro Yamashita, es una obra visualmente encantadora que ofrece una mezcla equilibrada de humor y ternura, con una historia que invita a la reflexión sobre la naturaleza y la vida. La película parte de una obra de Takashi Imashiro, tiene un marcado carácter rural y puede recordar en algunos aspectos a títulos como ‘El verano de Kikujiro’.

Al igual que en las obras de Miyazaki, ‘Ghost Cat Anzu’ presenta una conexión profunda con los personajes desvalidos, la espiritualidad y la infancia. El personaje de Anzu, un gato fantasma, recuerda a los espíritus protectores que aparecen en títulos como ‘Mi vecino Totoro’, ya que no sólo encarna lo sobrenatural, sino también una fuerza benévola y despreocupada que guía a los personajes. Cocina, conduce en moto sin carnet, se tira pedos comiendo y mea por los rincones del templo en que vive. Y todo esto sin parar de reírse “¡miaujajaja!”. Es imposible no hacerse amigo de este gato antropomórfico que rompe con lo tradicional.

El estilo de animación muestra una clara influencia del Studio Ghibli, especialmente en los paisajes y en la fluidez de los movimientos. Sin embargo, la película mantiene una identidad propia ya que, de manera anómala en Japón, está rodada con actores reales y se ha pintado sobre las imágenes, en rotoscopia. Además Kuno y Yamashita optan por un tono más contemporáneo. La sutileza y simpatía con la que abordan los temas emocionales es su fortaleza, haciendo de ‘Ghost Cat Anzu’ una experiencia más íntima de lo que parece.

Comentado por Furanu.

‘Push’

Ambientada a comienzos de los 90, cuando no había teléfonos móviles que pierdan cobertura pero si coches que no arrancan en el momento más urgente, este filme nos ubica en medio de un bosque de Michigan. Allí, la venta de una casa marcada por unos asesinatos se convierte en una pesadilla para una entusiasta que espera dos cosas, conseguir la venta que su jefe no logra y un bebé que está a punto de nacer.

Home invasion sin apenas diálogo de la mano del autor de ‘The boy behind the door’ con reminiscencias de ‘Hallloween’ y ‘Al interior’. Además de con cierto sabor latino y español pues la protagonista es la ceutí Alicia Sanz. Curiosamente, aunque tenga topicazos como la cajita de música, la canción de cuna y lo que yo llamo saltisustos, consigue crear desasosiego y tensión, sabiendo cuando enseñar y cuando jugar con nuestras ganas de saber qué ha sucedido.

Comentado por Furanu.

‘Arcadian’

Un mundo en el que los seres humanos están en extinción. Un padre intentando enseñar a sus dos hijos a sobrevivir en un mundo en el que las noches se vuelven mortales por culpa de unos terribles monstruos.

‘Arcadian’ es de estas películas que o bien aburren o todo lo contrario. Soy de la segunda opinión y es que me ha gustado mucho su ritmo, su manera de mostrarnos a esta familia rota que pese a su terrible situación intentan apoyarse los unos a los otros y por supuesto sobrevivir.

El diseño de los monstruos me ha encantado, son bastante originales. Aunque he visto en alguna entrevista que el director diseñó a esta criatura por su miedo a Goofy y bueno, supongo que tenía una visión muy diferente del perro de Disney.

Comentado por Vicky Carras.

 ‘Nightbitch (Canina)’

Una artista que ha dejado todo para cuidar a su hijo mientras su marido trabaja, ve como de repente comienza a sufrir cambios en su cuerpo. Percibe más los olores, le crece pelo en zonas extrañas y tiene la creencia de estar convirtiéndose en perro.

Una película sobre la maternidad, lo difícil que es todo cuando una persona decide ser madre y abandonar todo lo que es. Pero no solo eso, también el como una relación cambia, por culpa de los silencios y el “todo va bien”.

Me ha gustado porque no todo es blanco o negro, todo tiene matices y no solo es darle la razón a unos u otros. Pronto tendréis la crítica extendida en la web.

Comentado por Vicky Carras.

‘Your monster’

Una joven debe de pasar una ruptura justo cuando se entera de que tiene una terrible enfermedad.

Después de esto, tiene que volver a su antiguo hogar y descubre que allí vive un terrible monstruo con el que tendrá que convivir.

Una visión moderna de ‘La Bella y La Bestia’. La cinta nos cuenta con mucho humor como Laura, nuestra protagonista va saliendo poco a poco de todas sus preocupaciones y gracias al monstruo logra sobrellevar todo con mucha paciencia.

El dejar de ser como los demás esperan y sobre todo, luchar por lo que quieres sean cual sean las consecuencias, son los temas que vemos en ‘Your Monster’. La película me ha sorprendido mucho, me lo he pasado pipa y es de estas que tiene un final muy interesante.

Comentado por Vicky Carras.

‘Love me’

En un futuro muy lejano, la Tierra ya no es lo que era, los seres humanos ya no están y conocemos a una boya con una cámara que coge consciencia y un satélite encargado de tener en su ser toda la información que han dejado los seres humanos. Ambos comienzan a intentar sentir, a conocerse y comprender el cómo ser un ser humano.

La película es muy curiosa y deambula entre la animación y la imagen real. Con una crítica a los influencer y su falsa vida en las redes. También nos enseñan como quererse a uno mismo es muy importante y sobre todo pasar de las superficialidades.

Una película muy curiosa con un gran guion.

Comentado por Vicky Carras.

‘El mal invisible’

El arranque de ‘El mal invisible’ logra captar la atención con su trama intrigante y un ambiente de creciente tensión. Protagonizada por David Verdaguer, Ángela Cervantes, Marius Praniausjas, Melina Matthews y Alex Bredemüll, entre otros, la serie comienza con una premisa inquietante: un asesino en serie mata personas por Barcelona, pero únicamente a personas sin hogar. Este primer episodio destaca por su ritmo sin pausa, que sería similar al de las series estándar policiales que llegan de USA si no se entretuviese en exceso con un drama amoroso. Al margen de eso construye su misterio a través de detalles y personajes que van haciendo la bola más grande.

Seguimos a dos policías en su investigación y a tres sintecho. Mantiene una buena dinámica, aunque se percibe que sobra metraje a cerca de algunos personajes secundarios que esperemos que tengan más relevancia en el futuro (hemos visto solo dos de sus ocho episodios). Esta creación de Lluís Arcarazo está inspirada en sucesos reales acaecidos durante el confinamiento del 2020. Quizá es por eso que la dirección busca aprovechar el entorno y los silencios, generando una sensación de amenaza constante. Por supuesto el arranque deja preguntas abiertas y el reto para lo que resta es mantener el equilibrio entre el misterio y el justificar el desarrollo de los personajes. Y es que si nos ceñimos a la historia real, aún está lejos de mostrar una verdadera pista.

Comentado por Furanu.

‘100 yards’

Dirigida por Haofeng Xu y Junfeng Xu, es una película que destaca por su precisión coreográfica y su profunda conexión con la cultura tradicional china. La acción, lejos de ser un espectáculo exagerado, está meticulosamente orquestada, con combates que se sienten más como duelos filosóficos que simples enfrentamientos físicos. La gran pega, enorme pega, es lo interminables e inexplicablemente repetitivos que son. El filme intenta rendir tributo a las películas clásicas de artes marciales pero acaba siendo una saturación. Igualmente nos satura hasta marear el incesante movimiento de cámara en absolutamente todos los planos y secuencias. La cámara vuela y se mueve con steadicam por los escenarios, que son enormes y aunque están decorados con un gusto horrible, tienen una magnitud pavorosa.

Diría que la película invita a la reflexión sobre el honor, el respeto y el legado, pero los protagonistas van y vienen tantas veces que uno ya no entiende ni cuál es su motivación.

Comentado por Furanu.

‘Meanwhile on earth’

Ciencia ficción alejada de lo tradicional y buscando lo emocional y la reflexión por parte del espectador. Una tercera fase entre ‘Contact’ y el tratamiento extraterrestre de Cixin Liu. Juega con realidad, imaginación y sueño de un modo introspectivo y con final abierto a la interpretación.

Jérémy Clapin, director de la película animada ‘Dónde está mi cuerpo’, regresa en Sitges 2024 pero con un enfoque diferente. Ya de entrada abandona la animación para presentarnos un live acción en el que aún así no puede evitar introducir algún fragmento animado. De nuevo un filme sobre personas que se sienten desconectadas del mundo mientras o de algún modo incompletas. Su premisa recuerda a ‘UFO Sweden’ por su argumento de contacto alienígena y la búsqueda de un familiar y/o respuestas, pero alcanza a ir más allá entrelazando con una profunda reflexión sobre la identidad y el precio de pasar página.

Comentado por Furanu.

Diario de Sitges 2024. 6 de octubre

Mike Flanagan conquista con su personalidad y su concepción del terror

Hoy ha sido el día en el que nos hemos quitado una espinita. El año pasado íbamos a conocer a Mike Flanagan y a Kate Siegel en el Celsius 232 pero las huelgas de actores y de guionistas impidieron que esta pareja estuviese presente. Ahora sí, en el marco de Sitges 2024 y con motivo de la entrega del premio Máquina del Tiempo ambos han estado presentes. Hemos podido encontrarnos con ellos en diversas charlas en las que Flanagan ha reconocido que el “ver terror cuando era niño me hizo más valiente”, así como dejar patente que es un enorme admirador, hasta tal punto de hacer de su sueño toda una cruzada, de Stephen King. Buenas noticias, ha confirmado una vez más que ha encontrado el lugar y el momento para materializar ‘La Torre Oscura’.

En 2019 ‘El hoyo’ se convirtió en la primera producción nacional en ganar en solitario el premio a Mejor Película en el Festival de Sitges. Galder Gaztelu-Urrutia ha regresado al lugar donde triunfó con su nuevo proyecto. No hablamos de la recién estrenada ‘El hoyo 2’, sino otro título más. ‘Rich Flu’ una nueva trama sobre la lucha de clases en la que el director explica como “Si algo nos han enseñado estas crisis recientes es que los más ricos siempre son inmunes a sus consecuencias; queríamos invertir eso”. En cuanto al tono pesimista de sus filmes ha comentado que “Íbamos a salir mejores de la pandemia, pero todos sabemos que no ha sido así”.

Presente también en el festival ha estado John Lynch. El actor de películas como ‘En el nombre del padre’ o ‘Los vigilantes’ ha estado en este Sitges 2024 para ser la cabeza de ‘The Head’, valga la redundancia. Se han proyectado los dos primeros episodios de la tercera temporada de esta serie de The Mediapro Studio. Lynch ha comentado sobre su personaje que “se cree un salvador, pero es capaz de hacer cualquier cosa por lo que considera correcto; yo pienso que es el villano, pero él pensaría que lo soy yo”.

‘Rich flu’

Un extraño virus acosa a las personas millonarias. Éstas deben huir y hacer desaparecer todas sus riquezas si no quieren morir. Galder Gaztelu-Urrutia, director de ‘El Hoyo’ vuelve a traernos una lucha de clases, esta vez en forma de virus y vemos como la codicia hace que las personas normales, se conviertan en viles. Una película con mucho fondo, con un comienzo, para mí, bastante bueno, pero que termina flojeando según avanza la trama.

Me gusta como hace que veamos lo complicada que es la vida para muchas personas en la actualidad. Como los refugiados deben buscarse la vida y sobrevivir en un mundo que se lo pone muy difícil simplemente por el hecho de haber nacido pobres.

Si que es cierto, que la película está muy bien rodada, tiene un repartazo increíble y sin duda tiene muchas virtudes. Pronto os hablaremos más detenidamente de ella en la web.

Comentado por Vicky Carras.

‘Hell Hole’

Poco se ha explotado el tema del fracking dentro del mundo del cine fantástico. Ya sabéis en qué consiste esa técnica, en extraer recursos energéticos como gas o petróleo mediante hidráulica, llenado la tierra de un material hasta que esta revienta de la presión, causando un gran impacto medioambiental. Algo así como lo que hicieron los romanos en Las Médulas para extraer oro. Si yo también me dedico a rellenar hablando mucho del término industrial del que parte el filme para desarrollar su “trama” de “terror” es por no tener que escribir demasiados descalificativos. Por que casi podría decir que apesta más que el gas que emana de una explotación de esas características.

Mal etalonaje, peores interpretaciones. Todo parece estar improvisado sobre la marcha. El monstruo, una suerte de trasunto de La Cosa de Carpenter atrapada en una cápsula del tiempo humana, resulta tan predecible como poco aterrador. La falta de presupuesto es evidente: los efectos digitales parecen hechos con filtros de Instagram, aunque hay algún que otro prostético decente. El único mérito de ‘Hell Hole’ radica en su póster y en alguna que otra idea retorcida para eliminar personajes. Se supone que tiene humor, pero es tan básico que no logra arrancar ni una sonrisa.

Comentado por Furanu.

‘El baño del diablo (The devil’s bath)’ (crítica completa)

La película seleccionada para los Oscars de parte de Austria es la que hemos visto hoy. Una mujer incapaz de ser madre, un pueblo inmerso en un ambiente triste y oscuro. La película nos muestra el camino hacia una depresión, de cómo esta enfermedad se adentra en las personas.

‘El baño del diablo’ peca de tener un ritmo bastante tranquilo, pero aun así logra atraparnos y hace que suframos con esta mujer y con las personas de su alrededor que no entienden lo que ocurre.

Me ha gustado bastante, los actores están muy bien y la historia que cuenta, pese a que es una historia en otra época, es un sentimiento tan actual, que seguramente muchas personas se vean reflejadas en los síntomas por los que va pasando la protagonista.

Comentado por Vicky Carras.

‘Escape from the 21st century’ (crítica completa)

Película china que mezcla géneros con audacia, combinando humor absurdo, viajes en el tiempo y una narrativa caótica pero entretenida. Se ambienta en una colonia humana en el planeta Kepler-160, donde los protagonistas enfrentan al reto de salvar al mundo y a sí mismos. La película destaca por sus efectos especiales y comedia, con una estética que recuerda al cine de Javier Fesser o a ‘Scott Pilgrim’. También evoca influencias de cineastas como Stephen Chow y Takashi Miike, introduciendo referencias constantes a la cultura pop global, desde Pulp Fiction hasta Nirvana.

A pesar de su estilo vibrante y su energía millennial, el ritmo se ve afectado en su nudo, donde la acción da paso a un drama más introspectivo que puede ser una zancadilla para el regocijo que estaban experimentando algunos espectadores. Recupera su intensidad al final y la película sigue siendo un cóctel visual que captura el espíritu de una generación saturada de entretenimiento.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Escape from the 21st Century’

Sinopsis

Tres adolescentes elegidos por el destino adquieren la facultad de viajar en el tiempo, veinte años hacia adelante y hacia atrás, con un simple estornudo. El futuro resulta ser aún más deprimente que el presente, pero ellos tienen el poder para cambiarlo

Crítica

Cóctel visual y narrativo que captura el espíritu de una generación marcada por el exceso de información y entretenimiento

‘Escape from the 21st Century’ llega con una mezcla de géneros que no teme unir lo absurdo con lo épico. Siguiendo la estela de ‘Todo a la vez en todas partes’, esta película asiática presenta una historia en la que los confusos viajes en el tiempo, las paradojas y el humor se entrelazan en un caos controlado. A pesar de su aparente anarquía narrativa, el filme también intenta reflexionar sobre temas universales, como la importancia de salvar el mundo y a uno mismo. Ambientada en un futuro lejano, en una colonia humana establecida en un planeta en torno a Kepler-160, la historia utiliza la ciencia ficción como un pretexto para recordar que, no importa cuán distantes estemos en tiempo y espacio, los valores como el amor, la amistad y el sacrificio siempre estarán ahí.

Uno de los aspectos más destacables de ‘Escape from the 21st Century’ son sus efectos especiales, que tienen una estética que en España solo tienen un único símil, la películas del cineasta español Javier Fesser. El tono humorístico, absurdo y a veces casi infantil recuerda a las películas de acción real de ‘Mortadelo y Filemón’, en las que la exageración y el slapstick son parte fundamental del lenguaje visual y cómico. La probabilidad de que Fesser esté en la mente del director Li Yang es más remota que el sistema Kepler-160 pero seguro que ambos beben de las mismas fuentes cinéfilas. Además con su imaginación y acción también evoca el estilo de autores japoneses como Hiroya Oku, creador de mangas llenos de fantasía y violencia estilizada, o el director de culto Stephen Chow, conocido por su capacidad para mezclar artes marciales, humor y efectos visuales desmedidos, como en ‘Kung Fu Hustle’, conocida en España como ‘Kung Fu Sion’.

Esta amalgama de referencias hace de ‘Escape from the 21st Century’ una especie de collage cinematográfico. Se siente el espíritu trash ochentero de películas como ‘Turbo Kid’, un film que celebra su bajo presupuesto y abraza lo kitsch, al igual que las películas del prolífico y excéntrico director Takashi Miike, famoso por su capacidad para mezclar géneros y estilos en formas tan dispares como perturbadoras. Hay guiños constantes a la cultura pop occidental y oriental: desde alusiones a Pulp Fiction, al disco más famoso de Nirvana y hasta la elegancia icónica de Audrey Hepburn. La banda sonora, en momentos culminantes, recuerda al estilo jazzístico de ‘Cowboy Bebop’, elevando el clímax emocional y la acción desenfrenada. Incluso el origen de los superpoderes de los personajes parece una réplica directa de la película italiana ‘Le llamaban Jeeg Robot’, subrayando las múltiples influencias que la cinta asume sin complejos.

Sin embargo, a pesar de este despliegue de creatividad, la película no está exenta de pegas. Lo que comienza como una frenética explosión de ideas y originalidad se frena abruptamente durante su nudo. El segundo acto abandona sus excentricidades para centrarse en el drama de sus protagonistas, intentando darles una mayor profundidad emocional. Pero este cambio de tono es torpe, provocando que el filme se sienta adormecido en comparación con su caótico primer acto. La desenfrenada energía millenial, que venía cargada de efectos visuales propios de filtros de redes sociales o de la dinámica de ‘Scott Pilgrim’, se diluye a medida que la trama intenta volverse más introspectiva, algo que podría decepcionar a quienes disfruten más del caos visual y la acción desbordada. Se intenta recuperar el ritmo al final pero no puede evitar cerrar con el arquetípico enfrentamiento ante el final boss.

Siguiendo el ejemplo del humor del filme he de decir que si sois de los que se han hecho prejuiciosos a raíz de la COVID-19 y os da miedo ver a un chino estornudar, esta película va a cambiar ese injusto estigma que se ha creado. Es un tipo de cine más que actual y capaz de competir en cualquier taquilla. Es un cóctel visual y narrativo que captura el espíritu de una generación marcada por el exceso de información y entretenimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Cong 21 Shi Ji an Quan Che Li. Duración: 98 min. País: China. Dirección: Li Yang.  Guion: Li Yang. Música: Xiao’ou Hu. Fotografía: Saba Mazloum. Reparto principal: Ruoyun Zhang, Elane Zhong, Yang Song, Xiaoliang Wu, Yanmanzi Zhu, Leon Lee. Producción: Beijing Enlight Pictures, Desen International Media, Huanxi Media Group, Scity Films. Distribución: YouPlanet. Género: aventura, ciencia ficción, acción. Web oficial: https://www.ewang.com/m/218449-1.html

Diario de Sitges 2024. 5 de octubre

Día de british zombies y zombies galegos

Manel Loureiro y Carles Torrens ha lanzado hoy la adaptación de ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’. El comienzo de la serie de Prime Video que se basa en las novelas sobre zombies en España ha tenido buena acogida (opinión más abajo). “En la transición de las páginas a la pantalla siempre debe haber cambios, pero con un material tan amado por una comunidad tan pasional puede ser complicado”. El actor Francisco Ortiz ha confesado haber evitado cualquier tipo de referente del género de zombies durante la preparación del filme, pues “quería conservar el espíritu humanista del personaje sin impregnarle demasiados tics del cine de terror”. Ambos han dado el pistoletazo de salida a la Zombie Walk.

Quién mejor que Nick Frost (‘Zombies Party’) estar presente en el día de la tradicional Zombie Walk que ha convertido este Sitges 2024 en un desfile de vecinos convertidos en muertos vivientes. El actor, comediante y guionista ha recibido hoy el premio Màquina del Temps como premio a su carrera y como antesala de la presentación de su nueva película ‘Get Away’ (una de las tres obras con las que está presente en Sitges 2024). “Mi proceso de escritura consiste en ver películas de terror sin parar y escribir mínimo diez páginas cada día, aunque sean malísimas”, ha explicado el actor acerca de su trabajo creativo.

El premio Nosferatu de este año ha recaído en el actor italiano Fabio Testi. Y un compatriota suyo, el productor, director, guionista y ejecutivo Ovidio G. Assonitis, ha recogido el otro premio Màquina del Temps.

Paco Caballero ha mostrado su adaptación de ‘Invisible’ de Eloy Moreno y Marc Recha ha gozado del estreno mundial de su obra ‘Centaures de la nit’ en una jornada en la que estaban programadas película como ‘Mads’, ‘Exhuma’ u ‘Oddity’ con presencia de su director, el talentoso Damian McCarthy. Además se han entregado los Premios SGAE Nueva Autoría 2024 que se han repartido entre el alumnado de ESCAC, ECIB y La Casa del Cine. Así mismo se ha celebrado la primera jornada Horror Girls compuesta por varias charlas destinadas a reconocer e impulsar el cine realizado por mujeres.

Ovacionada ha sido la presencia en Sitges 2024 de Damien Leone que acompañado del actor David Howard Thornton (Art) y las actrices Samantha Scaffidi y Lauren LaVera han presentado ‘Terrifier 3’. “De hecho, una de las mayores inspiraciones de Art the Clown es el papel que Stefán Karl Stefánsson interpretó en la serie infantil Lazy Town; cuando me ofrecieron el personaje lo primero que hice fue llamarle” ha declarado el actor. Leone por su parte, entusiasmado con la repercusión de su trilogía, ha declarado que “¡Art the Clown ha llegado incluso al Call of Duty, es fantástico!”.

‘Oddity’ (crítica completa)

Damian McCarthy vuelve tras conquistarnos en Sitges 2021 con su primer largometraje, ‘Caveat’, del cual, muchos recordarán su espeluznante conejito, que por cierto aquí hace una aparición en forma de huevo de pascua como los que veíamos en Expediente Warren. De nuevo consigue una trabajada atmósfera, nos lleva a un lugar aislado de la civilización y conduce el terror a través de objetos inanimados. Pero marca la diferencia con una historia de suspense, de esas que saben dosificar la información y tienen un toque espeluznante.

Se trata de un thriller en el que una mujer ciega tiene poderes de médium a través del tacto con objetos. La película trata el duelo, la locura y la búsqueda de la verdad a través de elementos sobrenaturales. De nuevo McCarthy consigue salirse de la norma y además de brindarnos una buena historia nos sobresalta con más de un ingenioso jumpscare.

Comentado por Furanu.

‘Spermageddon’ (crítica completa)

Siguiendo la perversión animada de películas como ‘La fiesta de las salchichas’, Tommy Wirkola (‘Zombies nazis’) se une a Rasmus A. Sivertsen, director de películas de animación infantiles, para llevar a cabo una nueva perversión repleta de inquietudes y humor púber.

Aquellos que crecimos en los 80 podemos decir que es como retorcer ‘Érase una vez el cuerpo humano’ teniendo momentos musicales que por desgracia son bastante olvidables. También podría rememorar a ‘El chip prodigioso’ o al capítulo de ‘Futurama’ titulado ‘Parasites Lost’. Pero sin duda por cercanía en el tiempo a lo que más se va asimilar esta divertida propuesta es a ‘Del revés’. La gran diferencia es que estamos ante algo que desde la burla trata temas como el sexo y los primeros amores.

Aventura veraniega y calenturienta de un adolescente en edad de darle a la zambomba como si formase parte de un conservatorio y uno de sus espermatozoides, motivado por salir al mundo exterior esquivando peligros como los profilácticos, las masturbaciones o el espermicida. Película que sin mojigatería y con mucho descaro narra esa carrera hacia el éxtasis procreativo que iniciamos en cuanto nos crece el vello en ciertas partes y que tienen que hacer nuestras células sexuales para conseguir la fecundación. Literal y gráficamente es para decir ¿¡qué cojones!?

Comentado por Furanu.

‘Exhuma’ (crítica completa)

Dividida en episodios, vamos conociendo a los distintos personajes. Una familia atormentada por una extraña enfermedad y un grupo de personas que son contratadas para lograr paliar estos extraños eventos sobrenaturales.

La película atrapa desde el minuto uno, tenemos una atmósfera muy bien construida. Con unos personajes bastante planos, necesarios para que nos fijemos bien en la trama y en todos los eventos misteriosos que tienen que ir soportando nuestros protagonistas.

Me encanta como introducen algo de la mitología coreana como la eopshin, una curiosa criatura que, aunque aparece poco, da un poco de susto cuando lo hace. Además de mostrarnos alguna que otra ceremonia chamán para intentar que los espíritus malignos se marchen.

Una película muy recomendable que llegará a nuestras pantallas gracias a YouPlanet.

Comentado por Vicky Carras.

Crítica: ‘Exhuma’

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Sinopsis

La famosa chamana Hwa-rim y su protegido Bong-gil reciben una gran suma de dinero para reunirse con los descendientes de una familia afectada por una enfermedad peculiar y hablar de sus ritos funerarios. Al percibir el aura siniestra que rodea al nicho familiar, Hwa-rim propone trasladar la tumba, iniciando una peligrosa cadena de eventos sobrenaturales. Terror coreano de calidad con Choi Min-sik (Old Boy) en un papel destacado.

Crítica

Inquietante e interesante 

Una familia atormentada por una extraña enfermedad, contrata a la famosa chamana Hwa-rim y su discípulo para intentar llegar al fondo de todo lo que les está ocurriendo. Todo parece estar relacionado con el enterramiento de un antepasado. Así que deberán desenterrar una tumba e intentar calmar a los espírituos.

‘Exhuma’ está dividida en varios episodios, cada uno de ellos, aunque sigue la historia, nos va contando poco a poco las distintas situaciones de todos los personajes que vamos conociendo. Esto logra que no perdamos el interés de lo que estamos viendo en ningún momento. La cinta atrapa desde el primer minuto.

Encontramos una atmósfera muy bien construida. Oscura, misteriosa, llena de pequeños detalles que nos adentran en el imaginario coreano. Los personajes son bastante planos, pienso que es algo hecho a propósito pues con ellos se logra que lo que nos importe más es lo que nos están contando, que nos fijemos en esos elementos importantes, en los eventos sobrenaturales que van ocurriendo y que no nos distraigan con dramas innecesarios.

Como he comentado, parte de la mitología oriental está en la película. Podemos ver alguna que otra ceremonia chamán para lograr que los malos espíritus se marchen y también vemos alguna que otra criatura, como es el caso de la eopshin, que logra crear bastante malestar cuando es vista.

Jang Jae-Hyun, consigue una película entretenida, pese a su larga duración. Lo que nos cuenta es muy interesante y no llega a perder fuera en ningún momento. Es un acierto el que la vaya dividiendo en pequeños capítuos para conseguir un efecto más dinámico.

En el reparto encontramos al mítico Choi Min-Sik, protagonista de ‘Oldboy’, que nos regala una de las mejores actuaciones de la película, con un personaje muy bien construido. Kim Go-eun, es la encargada de dar vida a la chamana, un personaje muy serio y que tiene mucho trabajo por delante.

Lee Do-hyun, Yoo Hae-jin, Hong Seo-jun, Jeon Jin-ki, Baek Seung-chul o Kim Tae-joon, son parte del reparto de esta gran película.

Ya sabéis que el tema de la fotografía me encanta y sin duda es uno de los puntos fuertes de esta película, Lee Mo-gae, es el que se encarga de todas estas imágenes oscuras, llenas de misterio, con unos colores tenues y bastante deprimentes.

También el sonido es muy importante en ‘Exhuma’. La manera de utilizarlo para mantenernos en tensión es muy buena y sobre todo cuando hacen los rituales, con los tambores, los cánticos, todo ello hace que tengamos cierta tensión en lo que se viene en cuanto acabe la ceremonia.

Poco más que decir, la verdad que la película la he disfrutado mucho y pronto llegará a nuestras salas de cine gracias a Youplanet. 

Ficha de la película

Estreno en España: Próximamente. Título original: Pamyo. Duración: 134 min. País: Corea del Sur. Dirección: Jang Jae-hyun. Guion: Jang Jae-hyun. Música: Kim Tae-seong. Fotografía: Lee Mo-gae. Reparto principal: Kim Go-eun, Choi Min-sik, Lee Do-hyun, Yoo Hae-jin, Derek Chouinard, Hong Seo-jun, Jeon Jin-ki, Baek Seung-chul, Kim Tae-joon. Producción: Showbox Entertainment, MCMC, Pinetown Production. Distribución: Youplanet. Género: Thriller. Web oficial: https://exhuma.de/

Crítica: ‘Spermageddon’

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Sinopsis

Spermageddon es la nueva película de Tommy Wirkola, responsable de éxitos tan irreverentes como Zombis nazis o Noche de paz. En esta ocasión, se ha unido al director de animación Rasmus A. Sivertsen para dar forma a una comedia musical protagonizada por espermatozoides que fue recibida con aplausos en el Festival de Annecy.

Crítica

Un ‘Del revés’ a lo irreverente y pervertido

La mezcla que vivimos con ‘La fiesta de las salchichas’, animación simpaticona desfigurada con diálogos y acción bastante subida de tono, funcionó la mar de bien. No fue el primer ejemplo de ese estilo que tuvimos y no será el último. Ahora Tommy Wirkola, director de ‘Zombies nazis’ o ‘Noche de paz’, se une a Rasmus A. Sivertsen, director de películas de animación infantiles, para llevar a cabo una nueva perversión repleta de inquietudes y humor púber.

Aquellos que crecimos en los 80 podemos decir que ‘Spermageddon’ funciona como una versión retorcida de ‘Érase una vez el cuerpo humano’ acompañada de momentos musicales que por desgracia son bastante olvidables. También podría rememorar a títulos como ‘El chip prodigioso’ y por su humor o la manera de establecer una civilización dentro de nuestros cuerpos, al capítulo de ‘Futurama’ titulado ‘Parasites Lost’. Pero sin duda por cercanía en el tiempo a lo que más se va asimilar esta divertida propuesta es a ‘Del revés’. La gran diferencia es que estamos ante algo que desde la perversión y la burla trata temas como el sexo y los primeros amores.

Vivimos la aventura veraniega y calenturienta de dos protagonistas, un humano y un miembro microscópico de su cuerpo. Un adolescente en edad de darle a la zambomba como si formase parte de un conservatorio y uno de sus espermatozoides, motivado por salir al mundo exterior esquivando peligros como los profilácticos, las masturbaciones o el espermicida. Con internet y la cantidad de estímulos audiovisuales sin censura que nos llegan, a las generaciones actuales casi les sobra “la charla”. Por eso surgen este tipo de películas que sin mojigatería y con mucho descaro narran esa carrera hacia el éxtasis procreativo que iniciamos en cuanto nos crece el vello en ciertas partes y que tienen que hacer nuestras células sexuales para conseguir la fecundación. Evidentemente ‘Spermageddon’ está lejos de ser una clase de educación sexual con todos sus momentos escatológicos y chistes verdes que lejos de la metáfora son tremendamente explícitos. Literalmente es para decir ¿¡qué cojones!?

No la recomendamos ver en su versión original, sobre todo por las canciones. Curiosamente el nombre de los personajes se forma a través de juegos de palabras en inglés con términos como cum, semen o jizz. Pero la sonoridad del lenguaje nórdico resta gracia a los muchos gags de los que dispone.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Spermageddon. Duración: 90 min. País: Noruega. Dirección: Rasmus A. Sivertsen, Tommy Wirkola. Guion: Vegar Hoel, Jesper Sundnes, Tommy Wirkola. Música: Christian Wibe. Reparto principal: Producción: 74 Entertainment, Qvisten Animation. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.qvisten.no/work/spermageddon/

Crítica: ‘Apartamento 7 A’

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Sinopsis

Cuando una joven bailarina (Garner) sufre una lesión devastadora, se ve atraída por fuerzas oscuras cuando una pareja mayor, peculiar y bien conectada, le promete una oportunidad de fama

Crítica

Una gran precuela que hará que muchos descubran la gran obra de Polansky

Natalie Erika James, directora de ‘The Relic’, se adentra en el universo de Ira Levin, autora de ‘El bebé de Rosmery’ y realiza una precuela directa y oficial de ‘La semilla del diablo’ de Roman Polansky.

Este año, debe ser el año de las precuelas, pues ya tuvimos la de ‘La profecía’ eso sí, al menos para mi gusto, con mucho peor resultado que esta de la que os voy ha hablar ahora mismo.

La joven directora ya demostró en su día que sabe perfectamente crear atmósferas bien tenebrosas y llenas de misterio. Aun sabiendo lo que nos vamos a encontrar, sin realmente contarnos nada nuevo, logra que no podamos apartar la vista de la pantalla y que disfrutemos de cada minuto de ‘Apartamento 7 A’.

La historia es sencilla, una bailarina, con una terrible mala suerte, pasa por una mala racha que la hace llegar a un punto de lo que parece no retorno. En un día en el que se desmaya en la calle, es recogida por una pareja de ancianos y directamente se encargan que a partir de ese momento no le falte de nada. Pero como siempre, sus intenciones no son lo que ella espera.

Si habéis visto ‘La semilla del diablo’ no vais a tener sorpresa ninguna, simplemente una película que se disfruta mucho, pero de la que paso a paso iréis descubriendo todo. Pero pienso, que esta precuela va dirigida a los nuevos cinéfilos que aun no han visto la cinta de Roman Polansky y con esto descubrirán una de las joyas del cine de terror de todos los años.

‘Apartamento 7 A’ rescata bastante bien el espíritu de la primera. El terror de ese edificio con sus oscuros pasillos y sus enormes pisos, y por supuesto con sus misteriosos inquilinos. Unos vecinos que se conocen entre todos y que siempre están para ayudar a la joven Terry con sus problemas.

Me encantan los planos que realiza Natalie Erica James, muy cercanos y otros bastante generales con los que juega con las luces y los colores para que no perdamos detalle de nada de lo que está ocurriendo. La puesta en escena es muy artística, estamos hablando de una bailarina y la verdad que juega mucho con el tema de los escenarios, las luces y los vestuarios. Tiene un pequeño homenaje, o al menos así lo he querido ver, hacia ‘Suspiria’ de Luca Guadagnino, no voy a decir que, pero si habéis visto la película del italiano sabréis que es.

Julia Garner, es la encargada de dar vida a Terry, esta bailarina arrastrada a la tristeza y a la desesperación por culpa de que sus sueños están a punto de terminar. A su vez, también nos muestra una mujer fuerte que no se rinde nunca. Está increíble, la película al final es ella y solo con sus gestos, su manera de andar y mirar logra muchísimo.

Junto a ella tenemos a Dianne Wiest y Kevin McNally, dando vida al matrimonio Castevet, que por supuesto, ya aparece en ‘La Semilla del Diablo’. Ambos están bastante correctos y la verdad que su evolución está muy bien trabajada.

Jim Sturgess, Marli Siu, Rosy McEwen, Andrew Buchan, Anton Blake Horowitz, Raphael Sowole, o Tina Gray, son parte del reparto de esta película.

Por ponerle una única pega a la película, es lo que he comentado antes, que realmente no cuenta nada nuevo, tampoco indaga demasiado en esos inquilinos, sabemos quienes son, lo que hacen, pero si que podría haber intentado contarnos algo diferente o ampliar algo su historia.

Pero en general ‘Apartamento 7 A’ me ha parecido una buena película, que recomiendo mucho, hayáis o no, visto su secuela.

 Ficha de la película

Estreno en España: Próximamente. Título original: Apartament 7 A. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Natalie Erika James. Guion: Natalie Erika James, Skylar James, Christian White. Música: Isobel Waller-Bridge. Fotografía: Arnau Valls Colomer. Reparto principal: Julia Garner, Dianne Wiest, Kevin McNally, Marli Siu, Nikkita Chadha, Julia Westcott-Hutton, Amy Leeson, Raphael Sowole, Scott Hume, Sean Browne. Producción: Platinum Dunes, Sunday Night. Distribución: Paramount +. Género: Terror. Web oficial:

Diario de Sitges 2024. 4 de octubre

‘La sustancia’ destaca a pesar de la visita de múltiples celebridades

Hoy ha sido el día en el que hemos visto una de las mejores películas de lo que va de año, ‘La sustancia’. La película de Coralie Fargeat ha causado sensación y es una pena que no pueda participar a concurso en la Sección Oficial porque se llevaría de calle una buena cantidad de premios. En las reseñas que publicamos más abajo tenéis más detalles y opiniones sobre precuelas y secuelas que hemos visto hoy como ‘Terrifier 3’ o ‘Apartment 7A’.

La propia Coralie Fargeat ha desfilado por los distintos photocalls del festival por los que han pasado hoy celebridades ensombrecidas por el impacto de su película. Han visitado Sitges 2024 artistas como Damien Leone, David Howard Thornton, Lauren LaVera y Samantha Scaffidi, todos ellos de ‘Terrifier 3’. También ha empezado sus primeras actividades el carismático Nick Frost (‘Zombies party’, ‘Trilogía del Cornetto’).

Y ya ha aterrizado en Sitges 2024 el receptor del Premio Honorífico Màquina del Temps, Mike Flanagan. El autor de series como ‘La maldición de Hill House’ o de películas como ‘Doctor sueño’ ha comenzado su periplo por esta edición con sendos visionados de trabajos anteriores como ‘Hush’ y ‘The Stand’.

Y por su fuese poco, algunos afortunados han podido ver el documental ‘Super/Man: The Christopher Reeve Story’. Ha sido unánime la sensación conmovedora en este repaso a la carrera cinematográfica y la vida personal del mejor Clark Kent de la historia. Una película, dirigida por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, que Warner Bros. Pictures estrenará pronto en cines de España.

‘La sustancia’ (crítica completa)

‘La sustancia’ es un thriller de terror y ciencia ficción que, además de impactantes efectos visuales, ofrece una profunda crítica. La película, magníficamente protagonizada por Demi Moore y Margaret Qualley, explora la presión que la industria de la imagen ejerce sobre las mujeres de determinada edad, obligadas a mantenerse jóvenes para no ser olvidadas.

Para comprender su trama de Serie B hay que indicar que es un remake no oficial de ‘Rejuvenatrix’. Con ecos del cine de Cronenberg (‘La mosca’ y ‘Rabid’ bien presentes), aborda la obsesión por la juventud eterna y sus consecuencias. La transformación física grotesca de sus personajes simboliza el terror real: el miedo a envejecer en una sociedad que venera la juventud. Aunque emplea tropos del cine de terror de serie B, ‘La sustancia’ se distingue por entrelazar este horror con una crítica más intelectual y relevante sobre las expectativas inhumanas impuestas por la “cultura”. Goza de un erotismo provocador y un sonido apabullante. Es ‘La muerte os sienta tan bien’ versión plástica, gore y prostéticos de látex.

Comentado por Furanu.

‘Apartment 7A’ (crítica completa)

Cómo me ha gustado ‘Apartamento 7A’, la precuela de ‘La semilla del diablo’, que aún no tiene fecha de estreno en España. Nos cuenta una historia casi paralela a la que vimos en la película de Polansky. Acompañamos a Terry, una bailarina a la cual las cosas no le van demasiado bien, que termina viviendo en uno de los edificios más importantes de Nueva York gracias a una pareja de ancianos, a partir de aquí, su vida se complica, en todos los sentidos.

La manera en la que Natalie Erika James rueda es muy cuidada, bonita y aunque esta película sea de terror, tiene imágenes muy bucólicas y artísticas. No es perfecta, pero sin duda a mí me ha convencido de principio a fin.

Comentado por Vicky Carras.

‘Terrifier 3’ (crítica completa)

Volvemos a encontrarnos a Art en esta tercera película, en la que el payaso nos muestra otro festín de casquería pura y dura. Sin complejos, sin miramientos, no hay persona que deje escapar a sus garras.

‘Terrifier 3’, regresa 5 años después de lo ocurrido en la segunda parte, en la que dos hermanos logran sobrevivir a este ser. Aquí les volvemos a ver y vuelven a ser víctimas de Art. Aunque la película en esta ocasión es más corta, no para de haber asesinatos cada poco y la acción en sí es bastante dinámica, ‘Terrifier 3’ llega a ser aburrida por el simple hecho de que no han arriesgado y se han ido a por la trama fácil. No voy a meterme en ella, pues siempre animo a ver las películas, pero es cierto que hubiese estado mucho mejor si hubiesen innovado a la hora de explicar el origen de Art.

Comentado por Vicky Carras.

‘Apocalipsis Z: el principio del fin’ (crítica completa)

Una de las películas que más esperaba este año, era ‘Apocalipsis Z: El principio del fin’ y es que soy fan del libro de Manel Loureiro en el que se ha basado esta película.

Básicamente, un virus comienza a afectar a la humanidad de manera terrible convirtiéndolos en horripilantes zombies. Manel junto con Lúculo, su gato, emprende una aventura en la búsqueda de lo queda de su familia.

Película bastante sencillita, muy básica pero que funciona muy bien. Es entretenida y los personajes muy interesantes. Si que es verdad, que aunque en el tramo final tiene bastante acción, aun así le falta un poquito de fuerza. También es cierto que todo este comentario viene de una lectora de la novela y las comparaciones suelen ser odiosas. Así que os animo a verla, a partir del 31 de octubre la tendréis en Prime Video.

Comentado por Vicky Carras.

‘Infinite Summer’ (crítica completa)

‘Infinite Summer’ es una película de Miguel Llansó, conocido por su mezcla de surrealismo y crítica social. En esta obra, Llansó explora una visión enigmática del futuro cercano, donde la tecnología cyberpunk y la realidad aumentada son parte integral de la vida cotidiana. La historia sigue al personaje de Teele Kaljuvee-O’Brock, quien pasa el verano con dos amigas, afrontando la vacuidad de sus relaciones y anhelando la atención de una de ellas. Llansó utiliza este escenario para criticar la creciente o alarmante dependencia de la tecnología y la incapacidad cada vez más acentuada que tenemos para evadirnos de la realidad por nosotros mismos. Estamos ante el terror ante la hibridación entre mente y mundo virtual.

El enfoque visual de la película es notable, con colores vibrantes y efectos psicodélicos que crean una atmósfera única, reflejando el estado mental de la protagonista. El guion, aunque profundo y filosóficamente antropológico, puede resultar inaccesible para quienes prefieren tramas más lineales. La película puede sentirse lenta debido a su estilo abstracto, sin embargo, ofrece una experiencia cinematográfica desafiante y original para los espectadores dispuestos a sumergirse en su mundo visual y conceptual.

Comentado por Furanu.

‘Bone lake’

Thriller que promete una atmósfera cargada de misterio, pero se queda corto en ejecución. Si habéis visto ‘Speak no evil’ o su reciente remake la trama te puede resultar familiar. Si sigues el cine de Haneke también puede serte poco sorprendente el malsano juego que sufren los protagonistas. Si no estás familiarizado con ninguna de las anteriores referencias la película de Mercedes Bryce Morgan te va a resultar toda una sorpresa, que tarda en cargarse con sus movimientos de celos y desconfianza para brindarnos una recta final cargada de violencia.

La película apuesta por un ritmo pausado que intenta construir tensión, pero cae en lo predecible y no logra mantener el interés. Los giros de guión tardan en aparecer y si lo que te gustan son los títulos cargados de erotismo y manipulación puede entretenerte. Hay que reconocer que aunque dista de tener algo novedoso, sus personajes tienen cierta simpatía, pero no llegan a ser realmente carismáticos.

Como curiosidad, os sonará la protagonista pues es Maddie Hasson de ‘Maligno’ y la música del filme, pues la pone el español Roque Baños.

Comentado por Furanu.

‘Super/Man: La historia de Christopher Reeve’

El documental ‘Super/Man: la historia de Christopher Reeve’ ofrece una mirada profunda a la vida del actor, más allá de su icónica interpretación de Superman. Lejos de caer en el sensacionalismo o en la lágrima fácil, explora la vulnerabilidad que se esconde tras el héroe, recordando los momentos que marcaron su vida y lo hicieron madurar. Dirigido por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui, el filme no solo destaca su carrera, sino también su lucha tras el accidente que lo dejó parapléjico. Reeve se convirtió en un símbolo de valentía y resiliencia, defendiendo los derechos de las personas con discapacidades y promoviendo la investigación médica. Su historia demuestra que no necesitaba una capa para ser un verdadero héroe. Además, el documental presenta conmovedores testimonios de sus hijos, reflejando a un padre transformado, lo que da a la película un enfoque centrado en los valores familiares. Con material de archivo sorprendente, el filme recuerda a una figura que, desde joven, demostró un fuerte sentido de la justicia y compromiso social. Lleno de momentos emotivos, anécdotas tiernas y educativas, deja una impresión duradera, logrando que Christopher Reeve vuelva a brillar en la pantalla.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Infinite Summer’

Sinopsis

Durante las vacaciones de verano, Mia y sus amigas prueban una app para meditar que produce experiencias psicodélicas. La investigación policial revela que detrás de la app hay una empresa fantasma, de intenciones desconocidas. Cuando una de las chicas acaba en el hospital y la otra escapa de milagro, Mia se enfrenta a la disyuntiva entre salvar a sus amigas y confesarse ante la policía o unirse a ellas en un viaje hacia lo desconocido.

Crítica

Reflexión visual y filosófica al borde del transhumanismo

‘Infinite Summer’ es una película dirigida por Miguel Llansó, un cineasta conocido en ciertos círculos por su batiburrillo de película ‘Jesus Shows You the Way to the Highway’ en la que muestra su capacidad para fusionar elementos surrealistas y sociales. Se adentra en una visión juvenil y enigmática del futuro cercano, explorando temas de alienación y existencia a través de una narrativa visualmente deslumbrante pero conceptualmente desafiante.

La trama de ‘Infinite Summer’ nos presenta un futuro no tan lejano donde convivimos con las inteligencias artificiales y la realidad aumentada como herramientas de primera necesidad y cotidianidad. La historia sigue a una protagonista (Teele Kaljuvee-O’Brock) que se encuentra pasando el verano con dos amigas, intuimos que los últimos coletazos de las vacaciones pues se cuentan sus viajes recientes. En ese escenario vemos como anhela la atención de una de sus amigas, de la cual, solo recibe el vacío y diversos feos. Llansó emplea esta premisa para ofrecer una crítica aguda de nuestra cada vez más alarmante dependencia de la tecnología, los deseos de la adolescencia y nuestra incapacidad para evadirnos de la realidad por nosotros mismos. De este modo se alinea con la ciencia ficción cyberpunk, prácticamente transhumanista.

Uno de los aspectos más destacados de la cinta es su enfoque visual. Llansó y su equipo creativo han trabajado para construir un ambiente visualmente impresionante que refleja la naturaleza surrealista y frecuentemente psicotrópica del relato. El uso de colores vibrantes, composiciones abstractas y efectos tecnológicos llamativos crea una atmósfera única que refuerza el tono. Este estilo visual no solo enriquece la experiencia estética, sino que también sirve para sumergir al espectador en el estado mental de la protagonista, un verano interminable que podría ser reflejo de su propia desesperación.

El guion de ‘Infinite Summer’ es otro punto focal interesante. Llansó combina diferentes tipos de diálogos, en cierta medida introspectivos, para explorar temas complejos como la identidad o la búsqueda de sentido en la vida. Sin embargo, este enfoque filosófico puede ser un arma de doble filo. Aunque ofrece una reflexión profunda sobre la condición humana, también puede resultar inaccesible para algunos espectadores que buscan una narrativa más lineal o directa. La película se adentra en un terreno abstracto y conceptual, lo que puede desafiar la paciencia de quienes prefieren tramas más convencionales.

En términos de ritmo, la película puede sentirse lenta en algunos momentos. La duración prolongada de las escenas introspectivas puede llevar a una sensación de estancamiento. No obstante, para los espectadores dispuestos a embarcarse en este viaje visual y filosófico, ‘Infinite Summer’ ofrece una experiencia cinematográfica única que desafía las normas del género y la narrativa convencional. En mi opinión personal la película se resume en diversas reflexiones antropológicas que interpreto que giran ante la evidencia de que la mayoría no busca espacio o no tiene capacidad para meditar por si mismo. Es patente que dejamos que la presión social, y lo que es peor, las apps y los dispositivos nos digan como sentirnos. Estamos ante el terror ante la hibridación entre mente y mundo virtual.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Infinite Summer. Duración: 90 min. País: Estonia, España. Dirección: Miguel Llansó. Guion: Miguel Llansó. Música: Laurie Spiegel. Fotografía: Israel Seoane. Reparto principal: Teele Kaljuvee-O’Brock, Hannah Gross, Johanna Rosin, Ciaron Davis. Producción: Lanzadera Films, Tallifornia, Savage Rose Films. Distribución: por determinar. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: https://www.lanzaderafilms.com/Infinite-Summer

Crítica: ‘La sustancia’

En qué plataforma ver La sustancia

Sinopsis

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Y solo hay una regla: compartes el tiempo. Una semana para ti. Una semana para la nueva tú. Siete días cada una. Un equilibrio perfecto. Fácil. ¿Verdad?

Si respetas el equilibrio… ¿Qué podría salir mal?

Crítica

Bofetada embadurnada de la superficialidad babosa de un videoclip de Benny Benassi y lo más viscoso de Cronenberg

‘La sustancia’ es una película que ha suscitado múltiples reacciones desde su proyección en festivales, y no es para menos, ya que se trata de un thriller de terror y ciencia ficción que, además de sus impactantes escenas visuales, carga con una crítica social profunda. Inicialmente podría haber sido la última película protagonizada por Ray Liotta, pero su inesperada muerte dio lugar al fichaje Dennis Quaid, quien se encargó finalmente de asumir este trabajo, de una manera desatada, he de decir. Sin embargo, más allá de las circunstancias que rodearon su producción, ‘La sustancia’ destaca por su protagonismo femenino y se revela como una reflexión sobre la industria de la imagen y su implacable tratamiento hacia las mujeres que sobrepasan cierta edad. Y aunque ese alegato en contra del olvido que sufren las estrellas femeninas es el eje que vertebra el filme, ‘La sustancia’ funciona también como hipérbole hacia la presión de los cánones estéticos promovidos por las redes sociales.

Una de las claves para entender el género en el que se mueve ‘La sustancia’ es su conexión con la película de culto de serie B, ‘Rejuvenatrix’ de Brian Thomas Jones. Aunque no se trata de un remake oficial, las similitudes temáticas son claras: ambas películas exploran la obsesión con la juventud eterna y las terribles consecuencias mentales que pueden derivarse de ello. Aunque hay un atajo a través de la química no estamos hablando de la obsesión de dos mujeres por ser jóvenes como aquella exploración que llevó a cabo en clave de comedia Robert Zemeckis con ‘La muerte os sienta tan bien’. Si que podemos hablar de una «traición» de la ciencia al estilo ‘La mosca’. Estamos ante una crítica social más agresiva que también tiene algún cruce temático con otra película de Cronenberg como ‘Rabid’. El filme no solo juega con el terror corporal, sino que utiliza la transformación física de sus personajes como una metáfora de algo mucho más oscuro: el miedo, especialmente en la industria de Hollywood, a envejecer, y más específicamente, el temor de las mujeres a ser desplazadas y olvidadas simplemente por no cumplir con los estándares de belleza y juventud. Está repleta de momentos cargados de un erotismo provocador y de ese modo se alza como una bofetada cruda en toda la cara que muta de la superficialidad babosa de un videoclip de Benny Benassi a lo más viscoso del ya citado Cronenberg.

El personaje central, interpretado con notable vulnerabilidad gracias al talento de Demi Moore en tándem con Margaret Qualley, refleja esta angustia de manera devastadora. Su lucha por preservar su apariencia joven a través de medios extremos y peligrosos no es solo un símbolo del horror, sino también una representación real de las expectativas inhumanas que muchas mujeres enfrentan en la industria. Son argumentos heredados de la cultura falocentrista que la directora Coralie Fargeat ya exploraba en ‘Revenge’, pero en esta ocasión se desarrollan con mucho más acierto y crudeza.

Comentaba que el filme tiene algo de Benny Benassi y es que nos adentramos en un mundo de completa belleza plástica. En cuanto al apartado visual, ‘La sustancia’ se apega a muchos de los tropos característicos del cine de terror de serie B. Sus efectos especiales, aunque efectivos en términos de generar horror, no se alejan demasiado de lo que esperaríamos de una producción de este calibre. No obstante, lo que le otorga un valor adicional es su capacidad para entrelazar este terror físico, la casquería, con una crítica mucho más intelectual y de gran relevancia. Las escenas espeluznantes, en las que la protagonista sufre una metamorfosis grotesca y demencial, no solo apelan al horror visceral, sino que nos obligan a reflexionar sobre los sacrificios absurdos que la sociedad demanda. A muchos españoles les puede recordar a las «iniciativas» de la Pedroche. Si en algo acierta esta película es que en la realidad muchas personas llegarían a los extremos del personaje de Moore si tuviesen al alcance las mismas oportunidades. Es en este punto donde ‘La sustancia’ cobra vida propia, alejándose de ser simplemente una película de terror más. Su capacidad para generar impacto va mucho más allá de los sustos baratos o el gore. La verdadera fuente de terror reside en el mensaje que nos entrega: el miedo que sufre a diario las personas que trabajan con su imagen y son conscientes de la huella del tiempo. En una industria que parece obsesionada con la juventud, las mujeres se ven obligadas a recurrir a medidas extremas para mantenerse vigentes, y en este caso, el terror no solo está en la pantalla, también en nuestras casas, desde las que a diario subimos selfies, vídeos y demás giliflauteces. Es la democratización del miedo a no poder vivir de nuestra joven imagen.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de octubre de 2024. Título original: The Substance. Duración: 140 min. País: Reino Unido. Dirección: Coralie Fargeat. Guion: Coralie Fargeat. Música: Raffertie. Fotografía: Benjamin Kracun. Reparto principal: Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid, Gore Abrams, Tom Morton. Producción: Working Title Films, A Good Story, Blacksmith. Distribución: Elástica Films, Filmin. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial: https://elasticafilms.com/catalogofilms/la-sustancia/

Diario de Sitges 2024. 3 de octubre

Lo nuevo de Soderbergh abre Sitges 2024

Estamos de vuelta. Ha empezado la 57ª edición del Festival de Sitges y como cada año iniciamos nuestros diarios con experiencias, declaraciones y críticas de lo que veremos día a día. Estad atentos a nuestras redes que comentaremos decenas de títulos, gran parte de ellos ya con distribuidoras que los van a mostrar en España.

‘Presence’, el nuevo estreno de Steven Soderbergh, ha sido la película inaugural acompañada de títulos como ‘House of Boils’ la nueva versión de ‘El misterio de Salem’s Lot’ llevada a cabo por Gary Dauberman. El director estadounidense ha estado presente y por la alfombra roja han desfilado nombres como Fred Dekker, Carlota Pereda, Lisa Dreyer y Christophe Gans, miembros del Jurado Oficial de Sitges 2024.

Casi todas las secciones del festival han tenido ya proyección en esta jornada inaugural de Sitges 2024. Pero también han comenzado algunas de las múltiples secciones que pueden visitar los asistentes entre cine y cine. La zona gastronómica FOODTASTIC está ya abierta, la FANSHOP ofrece su terrorífico merchanddising, el CENTRE CULTURAL MIRAMAR ya aloja el pasaje del terror bautizado como RODAJE MALDITO, las exposiciones ONE OF US!!! A FREAKS COMIC TRIBUTE y Los extraños colores de Vranckx.

A continuación, como siempre, breves reseñas de lo proyectado y visto durante el día de hoy. Como otros años iremos publicano también críticas extendidas que podéis encontrar aquí enlazadas.

‘El segundo acto’ (crítica completa)

Comedia surrealista en la que Quentin Dupieux sigue fiel a su estilo peculiar, sobre todo el de los últimos años en los que con películas como ‘Daaaaaali!’ o ‘Fumar provoca tos’ nos ofrece una narrativa con giros inesperados y montajes desconcertantes. En esta ocasión la baza que juega el director y DJ francés es la de mezclar realidad con ficción, lo cotidiano con lo irracional.

El filme está a medio camino entre lo que buscan los muy cafeteros de Dupieux y lo apropiado para acercarse por primera vez a su cine. Si bien no es una obra para todos los gustos, es un viaje que recompensa a quienes están dispuestos a aceptar el surrealismo como una exploración de lo absurdo en la vida moderna. Puede ser desconcertante para algunos espectadores, ya que desafía las convenciones narrativas y nos invita a sumergirnos en un caos controlado embadurnado de metacine y figuras retóricas.

Romper la cuarta pared es poco para Dupieux que es capaz de romper esquemas atreviéndose más que nunca con temas actuales que presentan dilemas morales y tecnológicos. ‘El segundo acto’ podría ser un alegato contra aquello que amenaza la espontaneidad y naturalidad de lo humano.

Comentado por Furanu.

‘Twilight of the Warriors walled in’ (crítica completa)

‘Twilight of the Warriors: Walled In’, basada en ‘City of Darkness’ de Li Jun, retrata la decadencia de Kowloon, una caótica y sobrepoblada ciudad dentro del Hong Kong británico, pero sin pertenecer realmente a ningún país. Fue refugio de criminales y desamparados. Dirigida por Soi Cheang, la película se cimenta en bandas criminales y venganzas. A nivel visual, mezcla la atmósfera opresiva de películas del tipo terror japonés con intensas secuencias de acción acrobática, influenciada por el cine de Jackie Chan, Jet Li y Chow Yun-Fat. Aunque entretenida, su enfoque en la acción extrema sacrifica profundidad emocional y realismo. La actuación de Raymond Lam destaca, pero el guion es criticado por sus giros previsibles y falta de matiz social.

Comentado por Furanu.

‘Nightwatch: Demons Are Forever’ (crítica completa)

Secuela del título danés de 1994 que también estaba dirigida por Ole Bornedal (‘The Possession: El origen del mal’) y contaba con Nikolaj Coster-Waldau como protagonista. Su hija (Fanny Leander Bornedal, hija también del director) indaga sobre el trágico pasado de este deprimido vigilante nocturno, sobre el cual pesa la sombra de la muerte y el crimen

Ambos se sumergen en una trama en la que se mezclan con los fantasmas interiores con los secretos. Historia de serial killer e imitador. De fetiches y problemas mentales. Sobre todo de dramas y traumas. ‘Nightwatch: Demons Are Forever’ parte de una premisa interesante, pero se estanca rápidamente en un intento de profundizar en el tormento emocional de sus personajes, lo que acaba entorpeciendo la dinámica narrativa.

Comentado por Furanu.

Crítica: ‘Nightwatch: Demons Are Forever’

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Sinopsis

La hija de Martin, Emma, se reúne con Wörmer en su celda de aislamiento, lo que saca al comisario convicto del coma y pone en marcha una cadena de acontecimientos fatídicos.

Crítica

Se ahoga en sus propios fantasmas emocionales

Secuela del título danés de 1994 que también estaba dirigida por Ole Bornedal (‘The Possession: El origen del mal’) y contaba con Nikolaj Coster-Waldau como protagonista. Su hija (Fanny Leander Bornedal, hija también del director) indaga sobre el trágico pasado de este vigilante nocturno, sobre el cual pesa la sombra de la muerte y el crimen.

Ambos se sumergen en una trama en la que se mezclan con los fantasmas interiores con los secretos. Historia de serial killer e imitador. De fetiches y problemas mentales. Sobre todo de dramas y traumas. Esto último ralentiza la trama y la somete a la pesadumbre y la aflicción, lo cual se hace aburrido. ‘Nightwatch: Demons Are Forever’ parte de una premisa interesante, pero se estanca rápidamente en un intento de profundizar en el tormento emocional de sus personajes, lo que acaba entorpeciendo la dinámica narrativa.

Si bien la atmósfera lúgubre y el juego de luces y sombras rememoran los elementos más inquietantes de su predecesora, esta secuela parece no tener claro si quiere ser un thriller psicológico o una película de terror. La mezcla de géneros no es tan fluida como en el original, y eso le resta coherencia al desarrollo de la trama. Los intentos por mantener el suspenso se ven empañados por largas escenas de introspección que, en lugar de generar empatía o conectar con los miedos más profundos de los protagonistas, resultan monótonas y forzadas.

Por otro lado, las actuaciones son dispares. Fanny Leander Bornedal, quien interpreta a la hija del personaje de Coster-Waldau, no logra aportar la fuerza emocional necesaria en su papel, lo que contrasta con la sobriedad del propio Nikolaj, quien retoma su rol con más eficacia. La química entre ambos personajes, crucial para sostener la carga emocional de la historia, se siente débil y no alcanza el peso que la película necesita para involucrar al espectador.

La historia de ‘Nightwatch 2’ cuenta con algún que otro giro que dispuesto dentro de otra narrativa más ágil habría sido interesante, pero se presenta de manera predecible y sin el impacto necesario. Incluso los elementos truculentos, que deberían haber sido una herramienta poderosa para intensificar el miedo y el misterio, se sienten desaprovechados, relegados a meros sobresatos puntuales que no logran sostener la tensión. Por lo menos es conclusiva y no promete tercera.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de noviembre e 2024. Título original: Nattevagten – dæmoner går i arv. Duración: 110 min. País: Dinamarca. Dirección: Ole Bornedal. Guion: Ole Bornedal. Música: Ceiri Torjussen. Fotografía: Lasse Frank Johannessen. Reparto principal: Nikolaj Coster-Waldau, Kim Bodnia, Fanny Bornedal. Producción: Nordisk Film Production. Distribución: Filmax, Divisa Films. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.nordiskfilm.com/business-areas-0/nordisk-film-production

Crítica: ‘Twilight of the Warriors: Walled In’

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Sinopsis

En los años ochenta, el único lugar de Hong Kong donde no se aplicaba la ley británica era la temida Ciudad Amurallada de Kowloon, un enclave entregado a las bandas y al tráfico de todo tipo. Huyendo del poderoso jefe de las tríadas Mr. Big, un inmmigrante ilegal se refugia en Kowloon City, donde es acogido bajo la protección de Ciclón, su líder.

Crítica

Una curiosa aberración histórica a través de una vibrante acción fantasiosa

Basada en ‘City of Darkness’, la obra de Li Jun, ‘Twilight of the Warriors: Walled In’ nos recuerda una de las mayores aberraciones creadas por el hombre a partir de las crisis humanitarias, los abusos de poder y la construcción desmedida. Hablamos de Kowloon, una ciudad de unos mil años de antigüedad que alcanzó su cúspide y a la vez miseria en la segunda mitad del siglo XX. Llegó a acoger a más de 50.000 personas y se encontraba dentro del Hong Kong británico pero no formaba parte ni de la colonia ni del gobierno chino. Tierra de nadie, refugio de delincuentes, de refugiados indocumentados o de simplemente humildes trabajadores sin recursos.

Para horror de los partidarios de los rodajes sostenibles, para rodar la película supuestamente hicieron una réplica a escala real que después demolieron. Este lugar que estaba limitado en cuanto a lo horizontal por los territorios colindantes y en lo vertical por el espacio aéreo, es el escenario para una película de artes marciales místicas y mafiosos. Emigrantes, bandas criminales emergentes, luchas de poder, un joven adentrándose en un agujero de delincuentes y venganzas enquistadas… Casi parece que hablamos de ‘Gangs of New York’ pero la película de Soi Cheang tiene un carácter diferente. La ciudad aparece retratada también como una verdadera aberración humana hecha a retales pero el toque oriental le da dos importantes rasgos de diferenciación.

Por un lado la fotografía logra crear imágenes que parecen sacadas de una película de terror japonés (J-Horror), con sombras densas, callejones opresivos y multitud de detalles mugrientos que transforman a Kowloon en un personaje tan aterrador como cualquier villano. Por otro está el género, la acción. El filme no es de estos que den poco descanso al espectador y a su protagonista, pero cuando vemos acción la cosa se pone vertiginosa. Soi Cheang ha optado por secuencias acrobáticas que bien se podrían haber amoldado como herederas al cine del hongkonés Jackie Chan. Pero va más allá, entrando en el terreno de lo fantasioso y a muchos les va a rememorar a las películas de Jet Li o a las del también hongkonés Chow Yun-Fat, donde las coreografías sobrepasan lo imposible. Este extremismo tiene un doble filo: mientras mantiene al espectador entretenido, también socava cualquier intento de realismo o conexión emocional más profunda. Pero si sabes a lo que vas, a la acción sin límites, ‘Twilight of the Warriors: Walled In’ no te decepcionará.

El filme puede servir para dar a conocer a la estrella china Raymond Lam, sobre todo si se culmina su aspiración a participar en los Oscar. Quizá habría ganado enteros si hubiese aprovechado su curiosa historia para lanzar algún tipo de mensaje que fuese más allá de la venganza y el poder de los criminales. Lejos de buscar un matiz social a las rencillas que dan pie a esta película no se compromete a explorar nada profundidad. Y por si fuese poco los giros de guión se perciben demasiado fortuitos, a veces casi telenovelescos.

El filme está dedicado a Bruce Yu, cuyo arte y vestuario conoceréis si habéis visto películas como ‘Detective Dee’ o ‘Mulan’ (la china de 2009). No dudo que ‘Twilight of the Warriors: Walled In’ le habría venido como anillo al dedo.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Jiu Long cheng zhai · Wei Cheng. Duración: País: Hong Kong. Dirección: Soi Cheang. Guion: Au Kin-Yee, Chan Tai-Lee, Li Jun, Kwan-Sin Shum. Música: Kenji Kawai. Fotografía: Cheng Siu-Keung. Reparto principal: Raymond Lam, Louis Koo, Sammo Kam-Bo Hung, Richie Jen, Chun-Him Lau, Philip Ng, Tony Tsz-Tung Wu. Producción: Entertaining Power, HG Entertainment Film Company, Lian Ray Pictures, Media Asia Films, One Cool Film Production. Distribución: YouPlanet Pictures. Género: acción, suspense. Web oficial: https://entertainingpower.com/portfolio-items/twilight-of-the-warriors-walled-in-3/?portfolioID=53

Crítica: ‘El segundo acto’

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Sinopsis

Florence quiere presentarle a David, el hombre del que está locamente enamorada, a su padre. Pero David no se siente atraído por ella y quiere arrojarla a los brazos de su amigo Willy.

Crítica

Quentin Dupieux es una fuente inagotable de ideas

Si hay un director que ejerce como autor manteniéndose fiel a su estilo en la actualidad ese es Quentin Dupieux. Caracteriza su cine una mezcla de lo ridículo y lo ingenioso. Pero siempre procura innovar de alguna manera. Con ‘El segundo acto’ incorpora alguna escena cruda y momentos satíricos que nos hacen pensar que se acerca al estilo de Lanthimos pero sin olvidar que lo suyo es el absurdo.

‘El segundo acto’ es una comedia surrealista en la que Quentin Dupieux sigue fiel no solo a su estilo peculiar, sino también a algo que viene haciendo en los últimos estrenos con películas como ‘Daaaaaali!’ o ‘Fumar provoca tos’, que viene a ser ofrecernos una narrativa con giros inesperados y montajes desconcertantes. En esta ocasión la baza que juega el director y DJ francés es la de mezclar realidad con ficción, lo cotidiano con lo irracional.

Nos presenta primero a un hombre agobiado y estresado para posteriormente dejarle en el banquillo. Nos lleva a continuación por una trama compuesta solo por cuatro personaje que se antoja la mar de sencilla pero que se complica en cuanto a cómo se mezcla lo actoral con lo real. El filme está a medio camino entre lo que buscan los muy cafeteros de Dupieux y lo apropiado para acercarse por primera vez a su cine. Si bien no es una obra para todos los gustos, es un viaje que recompensa a quienes están dispuestos a aceptar el surrealismo como una exploración de lo absurdo en la vida moderna. Puede ser desconcertante para algunos espectadores, ya que el filme desafía las convenciones narrativas y nos invita a sumergirnos en un caos controlado.

Romper la cuarta pared es poco para Dupieux que destruye esquemas atreviéndose además más que nunca con temas actuales que presentan dilemas morales y tecnológicos. ‘El segundo acto’ podría ser un alegato contra aquello que amenaza la espontaneidad y naturalidad de lo humano. Quizá, como argumentación en favor del trabajo que cuesta hacer una película a mano y sin herramientas como la IAs (aunque este genio hace dos al año) ha dejado unos peculiares créditos.

La película tiene momentos de pura brillantez cómica, aunque también puede sentirse tragicómica por lo que les pasa a algunos personajes. ‘El segundo acto’ destaca por su capacidad de sorprender constantemente. Será un reto para algunos espectadores y sin duda lo ha sido para los actores. El filme dispone de varios planos secuencias, que no tienen mérito técnico alguno pues se habrán rodado con suma facilidad. Sin embargo, actores de la talla de Léa Seydoux, Vincent Lindon, Raphael Quenard y Louis Garrel habrán tenido el desafío de aprenderse unas largas línea de texto. Y es que Dupieux también se caracteriza por ser capaz de engancharnos con diálogos largos e incluso redundantes, pero nunca extenuantes.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de enero de 2025. Título original: Le deuxième acte. Duración: 85 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Léa Seydoux, Vincent Lindon, Raphael Quenard, Louis Garrel, Manuel Guillot. Producción: Chi-Fou-Mi Productions, Arte France Cinéma, Canal+, Netflix, ARTE, Ciné+, Cinéaxe 5, Cofinova 21. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia. Web oficial:

Crítica: ‘Joker: folie à deux’

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Sinopsis

Arthur está internado en el psiquiátrico de Arkham en espera de juicio por los crímenes que cometió como Joker. Mientras lucha con su doble personalidad, Arthur no sólo se da de bruces con el amor verdadero, sino que también encuentra la música que siempre ha estado dentro de él.

Crítica

Un caos de capricho musical y desconexión narrativa

‘Joker: Folie à Deux’, la esperada secuela del aclamado filme de 2019 dirigido por Todd Phillips y protagonizado por Joaquin Phoenix, es un experimento cinematográfico que intenta capturar la esencia psicótica y caótica del famoso villano de cómic, algo que se hizo ya en su primera película de orígenes pero en esta ocasión adopta una perspectiva más peculiar y arriesgada. Aunque el resultado es ambicioso y unos pocos de sus elementos son dignos de elogio, tiene fallos que podrían hacer que no conecte con los espectadores.

La elección de abordar esta secuela como un musical es, sin duda, la decisión más arriesgada. Este giro hacia lo musical es interesante, pues refleja el concepto del ‘folie à deux’. El delirio compartido entre dos individuos se expresa de la misma manera que la música es capaz de llevarnos a personas diferentes al mismo estado mental o anímico. Mientras determinadas secuencias musicales logran capturar el desorden psicológico de Joker y Harley Quinn, la mayoría pueden sentirse forzadas y sacan al espectador de la oscura atmósfera que Phillips había establecido en la primera entrega. La transición entre la cruda realidad y el espectáculo musical no siempre es fluida, lo que provoca una desconexión en el tono de ‘Joker 2’. Por no decir que desdibuja la excelente banda sonora de Hildur Guðnadóttir. El recurso es sencillo, cambio a música y color para mostrar la enajenación que comparte el duo, pero el filme se olvida poco a poco de ello, perdiéndose en una concatenación de temas nada pegadizos. Incluso hay que decir que seguidores de la primera entrega (entre los cuales me cuento), que esperaban una secuela igual de sombría, psicológica e incluso social, podrán sentirse desconcertados por este enfoque que se percibe completamente aburrido.

En cuanto a la actuación, Joaquin Phoenix vuelve a entregarse por completo a su papel como Arthur Fleck, ofreciendo una actuación tan inquietante y perturbadora como en ‘Joker’. En este ‘Joker 2’ Phoenix explora las profundidades de la psique del villano de Batman, ahora enfrentando no solo su locura interna, sino también su extraña relación con Harley Quinn y la reacción de la sociedad. La incorporación de Lady Gaga como el amor del también conocido como El Guasón en ciertos países añade poco carisma la película. Al margen de lo que se puede haber modificado el originen de este personaje, la relación con el Joker se desenvuelve a través de números musicales y momentos muy poco coreografiados que parecen surgir de las mentes desquiciadas de los protagonistas. Por desgracia es patente que a Gaga le resulta difícil salir de lo videoclipero y es una pena pues ya ha demostrado con otras películas que puede ser buena actriz. Su Harley Quinn es menos caricaturesca que versiones anteriores del personaje, pero al menos muestra una vulnerabilidad que permite al espectador entender su caída en la locura compartida con Arthur. La relación actoral entre ambos actores es ligeramente palpable aunque la dinámica de su relación podría haberse desarrollado de manera más profunda en ciertos momentos.

Narrativamente, ‘Folie à Deux’ continúa el viaje de Arthur Fleck hacia su consolidación como el Joker, pero lo hace de una manera más abstracta. La trama es menos lineal que en la primera película, lo que puede dificultar la conexión emocional con los personajes. Phillips parece más interesado en explorar los aspectos psicológicos y surrealistas de la locura compartida, lo que deja a la trama en un segundo plano. Aunque esta exploración es intrigante, puede sentirse algo excesiva y a veces dispersa.

La estética de la película sigue siendo irreprochable, con una fotografía que acentúa la decadencia o el caos del Gotham (sobre todo Arkham) en el que viven los personajes y la extrema delgadez a la que ha tenido que llegar Phoenix, pareciéndose cada vez más a Robe Iniesta. Sin embargo, en algunos momentos, la dirección artística parece priorizar el estilo sobre la sustancia, lo que contribuye a la sensación de que la película se centra más en impresionar visualmente que en desarrollar una narrativa coherente.

Solo pocos lectores de DC Comics encontrarán aquí la versión del Joker que les gusta, un hombre desquiciado y maltratado por la sociedad. La película de Todd Phillips está lejos y parece que no tiene en mente dar al archienemigo de Batman el estatus de mafioso o de jefe de banda. Tal es así que si nos paramos a identificar guiños hay muchas más referencias a shows musicales o películas como ‘Willy Wonka’ o ‘Los paraguas de Cherburgo’ que a los cómics en sí. Puestos a obviar la fuente comiquera y rendir tributo a musicales… si se hubiese seguido la dinámica de obras como ‘Sweeney Todd’, habría funcionado mucho mejor, en mi opinión. Pero al menos la esencia demente de Joker está presente en ‘Joker 2’. Habiéndose alcanzado esto en la primera entrega, uno se pregunta si este nuevo largometraje es una transición experimental hacia una tercera parte o si ha sido simplemente un capricho un tanto snob.

Por cierto. ¿Estamos todos de acuerdo en que el detalle que se ve al final al fondo y desenfocado es un guiño a la teoría de más de un Joker y por extensión al de Heath Ledger?

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de octubre de 2024. Título original: Joker: folie à deux. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Phillips. Guion: Scott Silver, Todd P. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Lawrence Sher. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz. Producción: DC Entertainment, Joint Effort, Village Roadshow Pictures. Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, musical, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/joker-folie-a-deux

Crítica: ‘El hoyo 2’

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Sinopsis

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Una misteriosa figura ha conseguido establecer una ley en El Hoyo para repartir alimento de manera uniforme entre todos los niveles. Sin embargo, el frágil equilibrio se ve amenazado cuando algunos prisioneros desafían el sistema, desatando una cruenta batalla entre dos bandos irreconciliables.

Crítica

Una pequeña ampliación de este degradante mundo

Siendo como fue un fenómeno a nivel mundial era de esperar que ‘El hoyo’ tuviese segunda parte, obvio. ‘El hoyo 2’ vuelve a Netflix y tal y como hicimos con la primera parte cuando la vimos en el Festival de Sitges os recomendamos ver esta nueva entrega. Garlder Gaztelu-Urrutia explora de nuevo nuestra cara más vil y a la vez la más solidaria a través de la ciencia ficción y un agujero que profundiza de nuevo con mucho propósito. No nos encontramos ante una segunda película de esas que intentan estirar el chicle así porque sí y descubrimos que el largometraje tiene su sentido.

En su día fue comparada con ‘Cube’ o con un cortometraje de Denis Villeneuve. Al igual que en la saga iniciada por Vincenzo Natali la vida dentro de este tubo o agujero tiene otras maneras de transcurrir. Hay otros tipos de trampas pero también otras formas de sobrevivir ya que en esta etapa vemos como existe una especie de “sociedad” sujeta a unas normas. Si la anterior entrega mostraba una visión desesperanzadora de nuestra especie esta, que no os diré si es secuela o precuela, al menos comienza con unos brotes de optimista esperanza, de credibilidad hacia nuestro espíritu de comunidad. Pero evidentemente sin conflicto no hay película y se generan situaciones que bien podrían ser tal y como se muestran en ‘El hoyo 2’ pues todos sabemos cómo es nuestra propia naturaleza.

Para los que no hayan visto la primera parte el planteamiento es muy simple. Voluntariamente, cada uno con sus razones, los personajes admiten ser encerrados en El Hoyo con una sola pertenencia. Ahí son distribuidos por niveles y parejas. Cada día desciende una plataforma con comida, con el plato preferido que haya elegido cada uno. Cada mes se redistribuyen los niveles, con lo que aumenta el riesgo de que no te llegue comida ya que puedes aparecer en los pisos más profundos de este agujero.

De nuevo la historia no sale del recinto de hormigón, ni siquiera para contarnos el trasfondo del matemático a priori enajenado y pirómano de Hovik Keuchkerian ni la de la artista interpretada por Milena Smit. Ellos son los dos principales protagonistas aunque podemos adelantar que hay más personajes que en la anterior entrega. ‘El Hoyo 2’ mantiene bien el suspense y hace evolucionar correctamente a sus personajes pues tienen un trabajado arco narrativo.

La única pega que le pongo a esta película es similar a la de la primera parte. Se plantea una especie de enigma o metáfora con unos niños que quizá es demasiado difícil de interpretar. Seguramente recordaréis la conclusión de la primera entrega y el debate que suscitó. Está claramente injertada para causar ruido tras la película, la discusión posterior al visionado siempre es promoción a 0€ de coste. Pero a pesar de ello hay que alegrarse pues no todo es misterio y ‘El Hoyo 2’ nos brinda nuevas imágenes sobre cómo es el funcionamiento de este presidio.

El diseño de producción y las escenas de acción son muy similares a las de la primera parte, si acaso llevadas a mayor escala, no hay mucho que añadir al respecto. Nos pica la curiosidad por el encuentro final y descubrir realmente qué significan todas las cuestiones que se plantean. Ojalá suceda como en la tercera parte de ‘Cube’ (‘Cube Zero’) y se animen a mostrarnos la trastienda de esta peculiar estructura. Me quedo a la espera de ver pronto una nueva entrega de este universo, así como el siguiente proyecto que prepara este director con el mismo equipo, que de momento se titula ‘Rich Flu’, también tratará sobre la lucha de clases y también se presentará en el Festival de Sitges.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de octubre de 2024. Título original: El hoyo 2. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Garlder Gaztelu-Urrutia. Guion: Pedro Rivero, Galder Gaztelu-Urrutia, Egoitz Moreno, David Desola. Música: Aitor Etxebarria. Fotografía: Jon Sangroniz. Reparto principal: Milena Smit, Hovik Keuchkerian, Natalia Tena, Óscar Jaenada, Zorion Eguileor, Albert Pla. Producción: Basque Films. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: https://www.netflix.com/us-es/title/81284730

Crítica: ‘El ocaso de los dioses’

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Una de las explotaciones más salvajes del imaginario nórdico

Netflix ha estrenado hoy 19 de septiembre ‘El ocaso de los dioses’, lo nuevo de Zack Snyder. Y habiendo visto la serie hace una semana no hemos podido hablar de ella hasta ahora pues teníamos firmado un embargo por el cual nos comprometíamos a mantener en secreto nuestra opinión. No entendemos este recelo hacia una serie que merece toda la difusión posible pues va a hacer que los suscriptores de Netflix se olviden del batacazo de ‘Rebel Moon’.

Os esperan 8 episodios en los que Snyder (que ha dirigido primero y último y producido el resto a través de The Stone Quarry) juega con la mitología nórdica y germánica. Tal es el recreo que se da con estos personajes que alarga en exceso el clímax final (todos tenemos la sensación de que ‘Rebel Moon 2’ es un tercer acto en su totalidad). Pero el resto de la serie es una epopeya en términos de ‘La Odisea’ que ronda el Ragnarök o destino de los dioses. Loki, Thor, Odin, Baldr, Hela, los Gigantes de Jötunheim, las Valkirias… son personajes a los que se tiene que enfrentar la protagonista.

‘El ocaso de los dioses’ es la historia de Sigrid, una guerrera con la que se quiere desposar el rey Leif Erikson pero cuyo romance es interrumpido por Thor, el cual les condena a una aventura de esas que rememoran a las gestas de Odiseo. Sigrid y el rey Leif son el eje con su viaje, amor y venganza suicida, pero la serie explota mucho más que un romance. La mitología nórdica es sometida al estilo narrativo de Snyder por lo que vais a ver a unos personajes muy superheróicos y mucha acción sangrienta. Pero se antepone el sentido de lo romántico, la poesía, la mitología, el lenguaje visual… Aquellos que amen las historias paganas van a encontrar gustosamente muchas referencias cargadas de magia y cuento.

En muchas ocasiones ‘El ocaso de los dioses’ se compone como un choque de pueblos de tintes artúricos. No obstante a mi lo que me ha venido a la cabeza es que es lo que no pudo ser el ‘Dioses de Egipto’ de Proyas. Por supuesto es inevitable acordarse de ‘300’ pero la tónica es diferente al no estar presente la influencia de Frank Miller. Os podéis hacer una maratón épica viendo también ‘Sangre de Zeus’ pues lleva de igual modo la violencia y el sexo explícito a las historias que enfrentan a deidades con mortales. Si sois lectores de cómic, os podéis hacer una idea de cómo es esta serie si os digo que tiene una manera de enfocar las historias clásicas muy al estilo del ’Beowulf’ de David Rubín.

La animación está realizada por Xilam Studios y en su versión original ponen voces Sylvia Hoeks como Sigrid y Stuart Martin como Leif. También cuenta con las voces de Pilou Asbæk, Jamie Clayton, Kristofer Hivju, John Noble… En castellano está estupendamente bien doblada por Laura Monedero, José Posada, José García Tos, Jordi Boixaderas… Id al final de los créditos y buscadlos pues sus voces os sonarán.

Crítica: ‘El Pingüino’

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Prolongando las intenciones realistas y oscuras de ‘The Batman’

Llega el spin-off derivado de la película ‘The Batman’ del 2022 dirigida por Matt Reeves, el cual, está involucrado en este proyecto. La actuación que le valió muchos premios, nominaciones y elogios a Colin Farrell como Oswald Cobblepot, superando con creces a versiones como las de las series animadas o la de Robin Lord en la serie ‘Gotam’, ha dado paso a esta producción, ‘El Pingüino’. Desde luego el sacrificio bajo los kilos de maquillaje han merecido la pena pues se ha ganado su propia serie cuyo estreno es este 20 de septiembre en Max España.

Esta nueva producción de Warner/Max/DC viene a mostrarnos una versión menos conocida para el público general pero si muy controlada por los coleccionistas de cómics. Alineándose con éxitos distribuidos por HBO como ‘Los Soprano’, ‘Gomorra’ o ‘Boardwalk Empire’, ‘El Pingüino’ supone una historia más de mafiosos. Si desafiando toda probabilidad tras iniciar la serie no tenéis esa sensación esperad a ver la aparición de una cara conocida del clan de los Soprano. Las familias Falcone y Maroni, facciones mafiosas muy presentes en el legendario de DC Comics, hacen su aparición de nuevo. Son estirpes cruciales siempre en la historia del Pingüino durante su ascenso desde el nivel de mero esbirro a la cumbre del hampa. Con ellos vivimos una especie de ‘El Padrino’. Al igual que Batman no siempre ha sido un héroe de acción, en otras épocas se le esbozaba más como un extravagante detective, el Pingüino no ha aparecido en toda su historia como un supervillano con artilugios y excentricidades. En gran parte de sus versiones aparece como un criminal con aires de grandeza que hace uso de todo tipo de artimañas y puñaladas. Eso es principalmente lo que intenta mostrar esta nueva serie, que prolonga las intenciones de ‘The Batman’ de recrear un mundo más realista.

Estamos por lo tanto ante una secuela directa de la película. Arranca desde el caos de las explosiones provocadas por el Enigma de Paul Dano y nos ofrece algún que otro flashback. Pero sobre todo consiste en seguir los pasos de un Pingüino más humanizado que nunca por una Gotham que como siempre es sucia, criminal y decadente. Farrell mantiene el nivel interpretativo de la película mostrándose como ese tullido deformado que juega a dos bandas, pero la duración es mayor y necesita desahogos. La inclusión de la actriz Cristin Milioti y el mítico Clancy Brown le hacen mucho bien pues le dan estupendas réplicas. Lo malo es que se percibe que esta es una serie y por mucho que se calquen algunos planos e incluso melodías de la película la calidad tanto fotográfica como narrativa decae. Pero hay otro fichaje a subrayar, el del joven Rhenzy Feliz. Interpreta a uno de los muchos huérfanos de Gotham y el Pingüino le acoge bajo su paraguas (capten la referencia los lectores) como su chófer para llevar a cabo sus tejemanejes y misiones. Con esta incorporación y al volante de un deportivo morado la serie a veces nos recuerda al GTA.

Los primeros episodios, los que hemos podido ver, están dirigidos por el director Craig Zobel (‘La caza’ y series como ‘Westworld’, ‘The Leftovers’ o ‘American Gods’). Se nota mucho el formato serie aunque a veces es capaz de imitar lo visto en ‘The Batman’, sobre todo en lo referente a la interpretación de Colin Farrell, la fotografía y algunas escenas de acción. Evidentemente introduce elementos de los cómics y de la película, pero están bastante diluidos y eso se acentúa cuando llegan los capítulos dirigidos por Helen Shaver. En resumen. Si te gustan las historias de mafiosos con un toque retro o la visión más terrenal de los villanos hasta el punto en que podría encajar con el Joker de Phoenix esta es tu serie. Si buscas parafernalia pintoresca y colorida, lo siento, este no es un mundo de mallas.

Crítica: ‘Justicia artificial’

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El gobierno anuncia un referéndum para aprobar un sistema de Inteligencia Artificial en la Administración de Justicia que promete automatizar y despolitizar la justicia sustituyendo, en la práctica, a los jueces y juezas de todos los tribunales del país.

El referéndum desata una encarnizada campaña electoral en la que se enfrentan el Gobierno, en alianza con la tecnología creadora del sistema, y la carrera judicial, que defiende el carácter humano de la justicia.

Carmen Costa, una reconocida jueza, es invitada a trabajar en el desarrollo del proyecto, pero la repentina desaparición de Alicia Kóvack, creadora del sistema, provoca una gran desconfianza en ella, hasta el punto de entender que está descubriendo la punta del iceberg de una conspiración que pretende controlar, desde la justicia, a todo un país

Crítica

Interesante thriller con un debate muy actual

Llega a nuestras pantallas ‘Justicia artificial’, una película dirigida por Simón Casal y con guion del propio director junto a Victoriano Sierra Ferreiro.

‘Justicia artificial’ nos trae una historia del que podría ser nuestro futuro, no solo español, sino mundial. El Gobierno decide poner fin a las esperas en el terreno judicial, anunciando un referéndum para aprobar un sistema de Inteligencia Artificial en la Administración de justicia. Con ello, promete automatizar y despolitizar la justicia, sustituyendo, en la práctica, a los jueces y juezas en todos los tribunales del país. Una reconocida jueza, es invitada a trabajar en el desarrollo del proyecto.

La película es un gran thriller, en el que vemos la desconfianza de unos y la seguridad de otros. Una muerte en extrañas circunstancias, conspiraciones y un gran debate sobre si estamos realmente preparados para las IAs, es lo que nos da ‘Justicia artificial’.

Me ha gustado bastante la película, está muy bien dirigida y el ritmo es muy dinámico. El estar rodada en Galicia le da un tono oscuro y triste que a la historia le viene de fábula. Nos crea mucha tensión el no saber exactamente quien está detrás de todo lo que parece una gran conspiración y la verdad los guionistas juegan muy bien las cartas.

Toda la fuerza de la película recae sobre Verónica Echegui, que está estupenda, Concha, su personaje, se enfrenta a un gran problema, si ayudar a una IA a que su trabajo desaparezca o intentar ver fallos en el sistema, además de intentar averiguar de todo lo que está pasando y porque la prisa de introducir este sistema por parte del Gobierno.

A la actriz la acompañan Tamar Novas, Alba Galocha, Lúcia Moniz, Alfonso Pimentel, Paula Morado, Ledicia Sola, Xabier Deive y Alberto Ammann entre muchos otros.

La sobriedad de la fotografía de Diego Cabezas viene muy bien en esta historia, donde lo que nos importa es lo que nos están contando. Es muy sencilla, pero se nota que es a propósito. Eso sí, las escenas en el mar nos dan una nostalgia y tristeza que hace que nos sintamos como la protagonista y logra que vayamos conociendo un poco sus sentimientos.

‘Justicia artificia’ es una película que, aunque no vaya a ser un bombazo, si que es muy recomendable, va a dar debate después de su visionado. Porque como digo, es muy actual, es algo que no creo que a corto plazo, pero si que pienso, que a largo plazo comenzaremos a ver este tipo de noticias en nuestras televisiones, pues la Inteligencia Artificial, cada día está más presente en nuestras vidas. 

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Justicia artificial. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Simón Casal. Guion: Simón Casal. Música: Sofía Oriana Infante. Fotografía: Diego Cabezas. Reparto principal: Verónica Echegui, Tamar Novas, Alba Galocha, Aberto Ammann, José Alfonso Pimentel, Elea Petit, Monti Castiñeiras, Marco D’Almeida, Melania Cruz, Ledicia Sola, Xabier Deive. Producción: Abano Producions, Amazon Prime Video, Axencia Galega das Industrias Culturais, ICAA. Distribución: A Contracorriente Films.  Género: Thriller. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/artificial-justice-1

Crítica: ‘Transformers One’

En qué plataforma ver Transformers One

Sinopsis

TRANSFORMERS ONE es la historia jamás contada del origen de Optimus Prime y Megatron y de cómo pasaron de ser hermanos de armas que cambiaron el destino de Cybertron para siempre, a convertirse en enemigos acérrimos. La primera película de Transformers animada totalmente por CGI, cuenta con un reparto de voces repleto de estrellas, como Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, con Laurence Fishburne y Jon Hamm.

Crítica

Capaz de transformar a nuevos fans y retener a los del canon original

Hasbro, Paramount y Michael Bay continúan sacando partido a su asociación y haciendo películas con los personajes de los juguetes y series animadas que nacieron a mediados de los ochenta en Japón. Tras una serie de películas que han sido cada vez peor valoradas por la audiencia, pero que irónicamente han conseguido recaudar de media en taquilla más de cinco veces de lo que han costado, llega una nueva entrega. Pero hay cambios sustanciales que hacen de ‘Transformers One’ un nuevo atractivo que intentará recuperar el “bajón” que supuso ‘El despertar de las bestias’, la cual, solo duplicó sus costes.

Para empezar ‘Transformers One’ busca conectar con público adulto e infantil de dos maneras. En primer lugar a través del formato animado, siempre más agradable para las audiencias jóvenes, más fácil de exportar a merchandising y en sintonía con el formato que vio nacer a los autobots y decepticons. En segunda instancia con un tono cómico que hace de esta franquicia algo mucho más desenfadado y alejado de la oscuridad y catastrofismo al que habían llegado con ‘Transformers: el último caballero’. Todo esto nos lleva a repetir el acertado cambio de dinámica que experimentamos con ‘Bumblebee’. Esta nueva entrega ha sido dirigida por Josh Cooley, guionista de ‘Toy Story 4’ y ‘Del revés’, tiene dosis de acción y comedia por doquier. Entre transformaciones, gags y un batiburrillo de robots y arquitectura metálica se vislumbra un discurso sobre la nobleza y la responsabilidad que no llega a la sensiblería de los títulos anteriores del director y recuerda a las moralejas de la serie clásica. Por otro lado, aunque suene más profundo de lo que la propia película pretende ser, incluye algunas apreciaciones sobre el orden social que en ocasiones puede incluso recordar a ‘El hoyo’.

Al igual que la película independiente del Volkswagen amarillo tenemos entre manos una precuela. Se ha retrocedido tanto en el tiempo que nos encontramos ante una de las mayores incursiones en los orígenes de los Transformers. Quizá ese sea un detalle que solo importe a nostálgicos, fans de la saga o coleccionistas de figuras que reconocerán aquí muchísimos nombres y un canon bastante respetado. Pero aparte de eso nos lleva a un factor importante, la ausencia de humanos. Como pasa con las películas de Godzilla, la trama de los humanos suele diluir la destrucción, acción y aventura de estas películas. Con ‘Transformers One’ nos trasladamos a Cybertron, el planeta natal de estas máquinas alienígenas, muy lejos de la Tierra. Con esta circunstancia la narración está al servicio de la ciencia ficción, aunque hay que reconocer que el carácter de los personajes es adolescente y como en películas de este mismo estudio tales como ‘Ninja Turtles: caos mutante’ lo que os aguarda son aventuras y mucha sinvergonzonería, nada complejo o rated R.

La historia original, que fue desarrollada por Marvel Comics por encargo de Hasbro, discrepaba de la serie televisiva aunque ambas coincidían en un conflicto entre autobots y decepticons con el planeta Cybertron manteniéndose neutral y al margen. Ninguna hablaba, que yo recuerde, del origen del conflicto, simplemente de la disputa sobre la Chispa Suprema o la Matriz del Liderazgo y su correcto uso. Se repite esta disyuntiva y se acompaña de una animación que ensombrece a la de muchas de las predecesoras y además se pone la guinda con una acción final en la línea de las películas de Michael Bay.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de septiembre de 2024. Título original: Transformers One. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Josh Cooley. Guion: Andrew Barrer, Gabriel Ferrari, Eric Pearson. Música: Brian Tyler. Reparto principal: Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, Laurence Fishburne, Jon Hamm. Producción: Hasbro, Paramount Animation, New Republic Pictures, Di Bonaventura Pictures, Bay Films, Hasbro Entertainment. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.transformersmovie.com/

Crítica: ‘No hables con extraños’

En qué plataforma ver No hables con extraños

Sinopsis

Cuando una familia estadounidense va invitada a pasar un fin de semana en la idílica finca campestre de una encantadora familia británica que conocieron en unas vacaciones, lo que comienza como una escapada de ensueño pronto se convierte en una retorcida pesadilla psicológica.

Crítica

Un McAvoy colosal encabeza un remake que mejora al original

Tenemos entre manos un remake que causó sensación en los mayores premios cinematográficos de su país y que entre los fans del terror y el suspense ha abierto muchos debates. La película ‘Speak no evil’ de Christian y Mads Tafdrup fue objeto de muchos foros de debate tras su proyección en el festival de Sitges pero por desgracia no llegó a cines de España. No tuvo recorrido por nuestros cines pero solo dos años después tenemos versión norteamericana bajo el nombre de ‘No hables con extraños’. Nos invitan a aceptar esta incómoda experiencia en carteleras con un remake armado por la productora de Jason Blum y dirigido por James Watkins.

La interpretación yanqui de ‘No hables con extraños’ logra lo que parecía difícil: tomar una película original con un suspense casi perfecto y elevarla aún más. Si bien la versión original ya ofrecía una trama tensa, incómoda y que te secuestraba, con interpretaciones memorables que mantenían al espectador al borde del asiento, esta nueva versión destaca por hacer mejoras significativas en el guion. Todo sucede dentro de una horrible realidad más verosímil y además con un segmento de home invasion que aporta más emoción al final.

Uno de los principales aciertos del remake es la forma en que se desarrolla la historia. El guion, aunque conserva la esencia del original, introduce giros más sorprendentes y refina de manera más creíble algunos puntos débiles de la trama anterior. Las motivaciones (y desmotivaciones) de los personajes están más elaboradas, lo que otorga una mayor profundidad emocional a la narrativa y una toma de decisiones más coherente. Además, los diálogos son más dinámicos, añadiendo capas de tensión y misterio que enriquecen la experiencia general.

El gran pilar de esta versión es, sin duda, James McAvoy, el cual se embarcó en este proyecto sin haber visto la fuente danesa de la que parte. Su interpretación es simplemente descomunal. Todos descubrimos su capacidad para mostrar distintas caras con el mismo personaje cuando se estrenó ‘Múltiple’. McAvoy sabe transmitir una mezcla perfecta de vulnerabilidad, ira y obsesión, manteniendo al espectador fascinado en cada escena. Su capacidad para cambiar de registro emocional en cuestión de segundos aporta un nivel de intensidad que pocos actores podrían alcanzar. Donde la película original contaba con buenas actuaciones, McAvoy las supera con creces, convirtiendo su personaje en el corazón de esta historia oscura.

Aún así, si visteis en festivales ‘Speak no evil’, sentiréis lo mismo con el protagonista que en su día interpretó Morten Burian y ahora está encarnado por Scoot McNairy. Muerde el anzuelo de la misma manera, sintiendo envidia por una vida mucho más despreocupada y salvaje que la que lleva Su manera de proceder es tan excesivamente complaciente, dócil o sumisa que parece que ha experimentado la desmoralización de un preso de un campo de concentración en tan solo un solo fin de semana. Por su parte Mackenzie Davis está más verosímil, encarnando esas reacciones agresivas, violentas y a la defensiva que ya asumimos como naturales en los estadounidenses, así como su hipocresía y desconexión con nuestra propia naturaleza. Quizá el mostrar esta otra faceta, menos flemática y más combativa que la de los países del norte de Europa, es la razón de ser de este filme.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Speak no evil. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: James Watkins. Guion: James Watkins, Christian Tafdrup, Mads Tafdrup. Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans. Fotografía: Tim Maurice-Jones. Reparto principal: James McAvoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Alix Wester Leffer, Kris Hitchen, Aisling Franciosi. Producción: Blumhouse, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/no-hables-con-extra%C3%B1os

Crítica: ‘El 47’

Sinopsis

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En los años 60 y 70, la periferia de Barcelona se ha formado y construido en su mayor parte por inmigrantes extremeños y andaluces que han levantado los barrios con sus propias manos, pero no están considerados como parte de la ciudad. Sus chabolas ni siquiera tienen agua corriente o electricidad. Harto de que el Ayuntamiento diga que el transporte público no puede llegar a la zona porque las calles son demasiado estrechas e inseguras, el conductor de autobús de la TMB Manolo Vital (Eduard Fernández) intentará demostrar, al volante de “El 47”, que las autoridades se equivocan.

Crítica

Un ‘Cuéntame’ a lo barriada catalana

En toda civilización se han constatado éxodos hacia los grandes núcleos urbanos. La protección y abundancia de los ecosistemas artificiales creados por el hombre atraen a los necesitados y a los hambrientos de fortuna como la miel a las moscas. En códigos modernos decimos que el movimiento interno más común dentro de España es aquel que lleva a los llamados provincianos a huir de las crisis y las miserias de su tierra hacia las urbes, presuntamente repletas de oportunidades. Esto perdura hoy en día y un servidor es también testigo y partícipe de ello al haberme visto obligado a migrar por la falta de trabajo en tierras como las salmantinas y las cacereñas, de donde procede también el protagonista interpretado por Eduard Fernández.

La de ‘El 47’ es una historia aún más dramática, quizá germen, desde luego contribuyente, de ese mal que hoy llamamos la “España vaciada”, pues se enmarca en una ciudad creciente como Barcelona que por entonces estaba rodeada de precariedad y no paraba de recibir extremeños, murcianos y andaluces por doquier. Aunque su historia de desahucios y de poblados chabolistas aún se ve hoy en día, nos traslada a un 1958 con muchísimo por mejorar, en el que los ciudadanos estaban evidentemente más desprotegidos. Bien es cierto que el tiempo nos permite establecer una comparativa alentadora, pero ‘El 47’ nos recuerda que hay aún hay mucho por andar a nivel individual, que la rutina de nuestro día a día no nos puede impedir ponernos en la piel de aquellos con los que nos solemos topar.

Torre Baró es el barrio del Nou Barris, del extrarradio de la Ciudad Condal, que ocupa esta narración. Una zona que fue creada de la nada hace poco más de cincuenta años y que hoy en día alberga a casi tres mil habitantes. ‘El 47’ nos recuerda que en el siglo pasado tuvimos nómadas en España, que ellos son los que transformaron realmente nuestras capitales. A penas quedan gatos en Madrid, ¿verdad? Para encarrilar esta historia de evidente carácter social, algo nada raro en la filmografía de Marcel Barrena (‘Mediterráneo’), nos presentan a Manuel Vital, del cual vemos imágenes de archivo al final del filme. Él era un conductor de autobús que tenía que darse buenas palizas para llegar hasta su trabajo en el centro de Barna, al igual que todos sus vecinos. Si queréis marcaros una maratón de cine comprometido y de concienciación podéis ver esta película y la recientemente estrenada, ‘Los indeseables’. Ambas tienen valores y carácter suficiente como para hacer que mires de otra manera a aquellos con los que coincides en el metro, pero que seguramente vienen de mucho más lejos.

Aún hoy en día existen en España barrios con carencias, casi tercermundistas, repletos de jóvenes que sienten vergüenza de sus orígenes y poblados por vecinos impotentes y anulados. No hablo de absolutamente todas las barriadas de España, es cosa de excepciones. Lo mejor que hace ‘El 47’ es recalcar que en esos lugares a los que a priori se achaca un carácter delincuente o cuanto menos peligroso, hay personas de bien consideradas o tratadas como insignificantes a pesar de ser parte de esa base social que cimenta nuestra sociedad. Barrena atina también a mostrar, como en tanas películas de David contra Goliat, que curiosamente el sistema que sustentan les machaca con la burocracia y el ostracismo. Aunque la narración es eficiente y se ve claramente su intencionalidad, hay que reconocer que ‘El 47’ redunda mucho en la miseria de sus personajes, enarbolando reiterativamente un discurso sobre la decencia de aquellos que quieren echar raíces y prosperar, retardando hasta casi una hora la aparición del vehículo que da título al filme.

Si hay que ponerle una pega al filme es el excesivo tiempo que emplea en ponernos en situación. Y hablando de enmarcar la historia, en un par de ocasiones se lleva a cabo una fusión entre imagen de archivo y el metraje rodado, al estilo ‘Cuéntame cómo pasó’. Ese carácter familiar y nostálgico de la serie de TVE está presente también en ‘El 47’. Curiosamente un actor recurrente de esa serie como es Carlos Cuevas está en el reparto y aparece de vez en cuando. Lástima que, aunque como siempre consigue una gran verosimilitud en su personaje, Eduard Fernández tenga también tenga algo intermitente en su personaje, un acento extremeño que pierde en muchas escenas.

Resulta entrañable y es digno de dedicarle una pequeña reflexión esas escenas en las que el conductor habla con sus pasajeros habituales. Hoy en día no dedicamos espacio casi ni a saludar a quien nos lleva a nuestro destino, quizá amparados en el cartel de “Se prohíbe hablar con el conductor”, quizá porque anteponemos nuestros problemas a los suyos considerándole una parte de la máquina motorizada que nos transporta. Es una reflexión casi desesperanzadora, que puede hacer que en cierto sentido te derrumbes, como lo hace la última escena, interpretada por un personaje que parece que tiene una trama un tanto descolgada y resurge al final para brindarnos un momento la mar de emotivo, quizá un tanto alargado.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de septiembre de 2024. Título original: El 47. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Marcel Barrena. Guion: Marcel Barrena, Alberto Marini. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Isaac Vila. Reparto principal: Eduard Fernández, Clara Segura, Zoe Bonafonte, Carlos Cuevas, Salva Reina, Oscar de la Fuente, Vicente Romero, Betsy Túrnez, David Verdaguer. Producción: The Mediapro Studio, RTVE, 3Cat, Triodos Bank, ICO. Distribución: The Mediapro Studio. Género: drama.

Crítica: ‘Terminator Zero’

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La visión japonesa de la rebelión de Skynet se queda a medias

Una persona viaja al pasado para salvar a alguien de vital importancia en el futuro (su presente) de ser asesinado por un robot que también viene de esos apocalípticos y venideros tiempos. Esa es la premisa de ‘Terminator’, uno de los máximos exponentes del cine de acción y de ciencia ficción. Esa es la pauta que secuela tras secuela se ha repetido en varios intentos fútiles de mantener viva la franquicia. Víctimas de su propia paradoja los creativos de las continuaciones de las películas de James Cameron parecen atrapados en un bucle más repetitivo que la base de una canción de reguetón. Ahora llega una nueva versión animada para Netflix que en parte repite los errores del pasado, pero que arroja un rayo de esperanza demostrado que James Cameron y William Wisher fueron unos adelantados.

Antes del boom de Internet había pocas historias que nos advirtiesen del peligro de las tecnologías inteligentes, lo que hoy conoceríamos como IAs. Por supuesto está ‘2001: una odisea en el espacio’ que se adelantó unos veinte años, pero cuando hablamos de las máquinas superando al hombre a quien aludimos es a Skynet. Nos vamos a hartar los próximos años de ver películas sobre inteligencias artificiales. No es de extrañar por lo tanto que el director Masashi Kudo (‘Bleach’, ‘Tower of God’) y el guionista Mattson Tomlin hayan magnificado ese tema en esta serie que se estrena el 29 de agosto.

La esencia de ‘Terminator’ está presente en ‘Termniator: Zero’ hasta tal punto de repetir algunas frases míticas y calcar escenarios y maquinarias. Se mantiene intacta su teoría no determinista, la cual permite dar esperanza a los humanos del futuro en la guerra contra las máquinas. Es similar al concepto de la teoría de cuerdas en el que cada nueva decisión da paso a diferentes realidades, líneas temporales alternativas, la historia re-escrita. Es por eso que una vez más retrocedemos a 1997, la fecha que conoce todo fan de Terminator por el momento en el que Skynet se conecta a la red de redes. Cambia la ubicación y los otros años a los que nos transporta. Estamos hablando de un anime por lo que nos llevan a un ficticio 2022 en el que Tokio comienza a tener máquinas inteligentes invadiendo la cotidianidad de sus habitantes. De este modo se abren nuevas posibilidades que vienen a decirnos que en lugares ajenos a Los Angeles también se sabía del problema con la IA rebelde.

‘Génesis’ y ‘Salvation’ decepcionaron por no mostrar la guerra abierta que sucedió inminentemente después de la rebelión provocada por la conexión de Skynet. De ‘Destino Oscuro’ prefiero ni hablar. En este caso, aunque sea verano, hemos de desagradecer el jarro de agua fría. La mitad de la serie es una persecución constante como las que vivió Sarah Connor. Todo transcurre entre el 4 de agosto, cuando Skynet se conecta, dirigiéndose irremediablemente hacia el 29, cuando se produce el Juicio Final que los protagonistas intentan evitar una vez más. La otra mitad es solo ligeramente más satisfactoria pues muestra el enfrentamiento contra el poder de la IA, aunque el imaginario japonés os dará una sorpresa al respecto que altera el canon de lo hasta ahora visto, al fin y al cabo esto va de buscar paradojas y cambios cruciales que salven a la humanidad.

Con ‘Terminator: Zero’ vemos un curioso contraste con USA donde hay armas por doquier y defenderse de un T-800 es relativamente más fácil en contraposición con un Japón en el que la ciudadanía rehúye de la violencia. La serie aporta esa visión diferente que se suma a una buena cantidad de escenas filosóficas, con temas siempre presentes en Terminator, pero explorados más en profundidad. Lástima que al igual que la saga original se repita con los factores familiares.

Además de los pequeños cambios, que hacen de esta una narración paralela a las originales pero lejos de su capacidad de sorprender, se agradece el estilo de dibujo escogido. La acción transcurre principalmente en el 97 y la saga nació en los 80s. Los autores han elegido un trazo noventero tanto para sus dibujos como para el diseño de toda la serie. Tanto Skydance como aquellos que han llevado al éxito a animes como ‘Ataque a los titanes’ o ‘Kaiju No. 8’, Production I.G., son los principales responsables del estilo visual de ‘Terminator: Zero’. Sobre todo se nota la influencia de otra de sus obras, ‘Ghost in the shell’, principalmente en los escenarios nocturnos y en la protagonista. Por suerte la sensación es que hay menos herramienta digital o 3D que en otra colaboración entre I.G. y Netflix como fue ‘Ultraman’.

Crítica: ‘Silver Haze’

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Sinopsis

Cuando era pequeña, Franky, una joven enfermera del extrarradio de Londres, sufrió un accidente que le dejó secuelas de por vida. Quince años después, su inseguridad y su obsesión por encontrar respuestas, la han bloqueado emocionalmente, hasta que se enamora de Florence, una de sus pacientes. Florence, una joven vitalista, la invita a escapar de su realidad acogiéndola en su hogar, descubriéndole un refugio en el que superar las “cicatrices” del pasado.

Crítica

Vicky Knight experimenta una catarsis de la que pueden enriquecerse muchos espectadores

‘Silver Haze’, dirigida por Sacha Polak, es una película que se adentra en los recovecos de la fragilidad humana, explorando la complejidad de las relaciones, el trauma y la búsqueda de la redención. Se ha destacado en el circuito de festivales por su retrato honesto y crudo de una joven que intenta superar su pasado mientras navega por un presente incierto.

La historia sigue a Franky (Vicky Knight), una joven enfermera londinense que lleva las cicatrices físicas y emocionales de un incendio que la marcó profundamente en su niñez. Este trauma es el motor que impulsa gran parte de la narrativa, ya que Franky lucha por reconciliarse con su pasado mientras intenta encontrar un lugar en el mundo donde pueda sentirse segura y aceptada.

Una de las fortalezas de ‘Silver Haze’ radica en su capacidad para presentar personajes complejos y multidimensionales. Vicky Knight, en el papel de Franky, ofrece una actuación profundamente emotiva y matizada. Knight, que ya trabajó con Sacha Polak y en la vida real también es víctima de quemaduras, aporta una autenticidad palpable a su papel, lo que hace que el dolor y la lucha de su personaje sean aún más resonantes. La dirección de Polak se enfoca en capturar la crudeza de la vida de Franky, utilizando primeros planos y planos detalle que permiten al espectador sumergirse en su mundo interno. Esta elección estilística es efectiva, aunque a veces puede sentirse un tanto intrusiva, obligando al espectador a confrontar de manera constante el dolor de la protagonista sin ofrecer muchos respiros emocionales.

El guion, coescrito por Polak, es otro aspecto destacado de la película. La narrativa está construida de manera que el trauma de Franky nunca se siente explotado, sino tratado con una sensibilidad que respeta tanto al personaje como a la audiencia. La película aborda temas difíciles como la violencia, el abuso, el trauma y la marginalización, pero lo hace con una mirada compasiva y sin caer en el sensacionalismo. Este equilibrio delicado es en parte lo que ha hecho que reciba tantos aplausos.

Sin embargo, no todo en ‘Silver Haze’ funciona de manera óptima. A medida que la trama avanza, la película introduce una serie de personajes secundarios y subtramas que, si bien enriquecen el mundo de Franky, a veces diluyen el enfoque central de la historia. La relación entre Franky y Florence, una joven con la que establece una conexión romántica, es interesante y ofrece un contrapunto esperanzador al tono generalmente sombrío de la película, pero en ocasiones se siente subdesarrollada. El filme también presenta momentos en los que la narrativa parece perder un poco de su impulso, estancándose en escenas que, aunque pueden tener un impacto en nuestra retina, no siempre avanzan la trama de manera significativa. Visualmente, ‘Silver Haze’ es un logro notable. La fotografía capta de manera impresionante la atmósfera de los barrios obreros de Londres, con su mezcla de belleza cruda y desolación. El uso del color y la luz es particularmente efectivo para reflejar los estados emocionales de los personajes.

En términos temáticos, ‘Silver Haze’ se centra en la idea de la sanación y la redención, no solo para Franky, sino también para aquellos que la rodean. La película sugiere que, aunque el trauma puede definirnos, también hay espacio para el crecimiento y la transformación. Polak no ofrece soluciones fáciles ni finales felices tradicionales, lo cual es refrescante en un mundo cinematográfico donde a menudo se tiende a subestimar la complejidad del dolor humano.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2024. Título original: Silver Haze. Duración: 103 min. País: Países Bajos. Dirección: Sacha Polak. Guion: Sacha Polak. Música: Joris Oonk, Ella van der Woude. Fotografía: Tibor Dingelstad. Reparto principal: Vicky Knight, Esme Creed-Miles, Charlotte Knight, Archie Brigden, TerriAnn Cousins, Angela Bruce. Producción: EMU Films, Viking Film. Distribución: Caramel Films, La Zona. Género: drama. Web oficial: https://emufilms.com/projects/silverhaze/

Tráiler de la segunda temporada de ‘Tulsa King’

Sylvester Stallone vuelve a nuestras casas 

El próximo 18 de septiembre llega a nuestras casas la segunda temporada de ‘Tulsa King’, serie protagonizada por el nominado al Oscar Sylvester Stallone.

El nuevo y explosivo tráiler tiene como banda sonora un adelanto de la canción inédita “Get By”, del segundo álbum de la estrella del country nominada a los Grammy Jelly Roll. Que también hará un cameo en la próxima temporada.

‘Tulsa King’ está protagonizada por Martin Starr, Jay Wil, Vincent Piazza, Tatiana Zappardino, Annabella Sciorra, Neal McDonough, Frank Grillo, Domenick Lombardozzi, Andrea Savage, Garrett Hedlund y Dana Delany.

Producida por el nominado al Oscar Taylor Sheridan y el nominado al Oscar y guionista Terence Winter y por el director Craig Zisk. La serie está producida por MTV Entertainment Studios y 101 Studios.

Además, cuenta con la producción ejecutiva de David C. Glasser, Bob Yari, David Hutkin, Sylvester Stallone, Braden Aftergood y Keith Cox y está distribuida por Paramount Global Content Distribution.

A continuación, tenéis el tráiler de la serie junto con su sinopsis.

Sinopsis

En la segunda temporada, Dwight y su banda siguen construyendo y defendiendo su creciente imperio en Tulsa, pero justo cuando consiguen establecerse, se dan cuenta de que no son los únicos que quieren reclamar sus derechos. Ante las amenazas de la mafia de Kansas City y de un poderoso hombre de negocios local, Dwight lucha por mantener a salvo a su familia y a su equipo al tiempo que controla todos sus asuntos. Además, aun tiene asuntos pendientes en Nueva York.

Crítica: ‘Isla perdida’

Sinopsis

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Álex (Aida Folch) es una española que comienza un nuevo trabajo como camarera en un restaurante de una isla perdida en Grecia. A pesar de ganarse rápidamente la confianza del brasileño Chico (Juan Pablo Urrego), Álex se enamora de Max, el norteamericano que regenta el establecimiento (Matt Dillon). Mientras su amor florece, se empiezan a descubrir inquietantes pistas sobre el oscuro y misterioso pasado de Max.

Crítica

Isla perdida, un haunted heart incapaz de cautivarnos o intrigarnos

Fernando Trueba, autor de películas tan conmovedoras y completas como ‘El olvido que seremos’, ‘Belle Epoque’ o ‘La niña de tus ojos’, nos propone ahora un drama romántico rodeado de suspense.

Una pequeña isla perdida en la Grecia de 2001 acoge un trío amoroso lleno de pasiones que va dando paso a recelos. Vamos del verano al otoño y como es natural acabamos en el invierno. Con ello Trueba juega con la asociación de ideas. Tradicionalmente identificamos el verano con el ocio, las emociones y los amores pasajeros. Con el otoño todo cambia de color, descubrimos las ramas ocultas por las hojas caídas y casi todo se empieza a morir. Finalmente llegamos al frío invierno, la época en la que todos nos escondemos en nuestras casas y huimos de las dañinas inclemencias. Esas son las fases ‘Isla perdida’. El guión nos lleva de lo cálido y acogedor para terminar con la incomodidad de los secretos y la desconfianza.

Se supone que la película se ha hecho rindiendo tributo a maestros del thriller como Hitchcock y Highsmith. Pero algunas sobreactuaciones y lo poco capaz que es el guión de cautivarnos hace que por mucha concentración que le pongamos no encontremos ninguna de esas referencias. El romance es bastante evidente y forzado, lo vemos venir en cuanto nos presentan a los protagonistas. La joven pasional en busca de trabajo (Aida Folch), el guapete resultón que le tira los trastos a todas (Juan Pablo Urrego) y el misterioso jefe venido de América (Matt Dillon). Ahí la trama no puede ser más arquetípica. Para los amantes del cine de amoríos ‘Isla perdida’ puede ser un entretenimiento correcto. Si buscas un thriller clásico he de decir que lo veo solo en determinados momentos. Si hay algo que remonta al cine del maestro del suspense es la relación con la música compuesta por instrumentos suaves de viento, algunos planos y el tratamiento de los personajes, con los que volvemos al tipo duro y misterioso con cicatrices que acariciar por una mujer enamoradiza y extrañamente solícita a pesar de que intentan dibujarla con carácter y persosnalidad. Donde se supone que debíamos encontrar una sorpresa digna de quitarnos el hipo es en el tercer acto, en el que el personaje de Matt Dillon desvela sus cartas. Ni merece la pena destriparos el secreto ni quiero que esperéis algo a la altura de un tributo a los directores citados más allá que algún que otro McGuffin. Es por ello que, para mí, esta es una película menor en la filmografía del mejor de los Trueba, de hecho si la hubiese visto sin títulos de crédito no habría adivinado que es suya.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2024. Título original: Haunted Heart. Duración: País: España. Dirección: Fernando Trueba. Guion: Rylend Grant, Fernando Trueba. Fotografía: Sergio Iván Castaño. Reparto principal: Aida Folch, Matt Dillon, Juan Pablo Urrego. Producción: Atlántika Films, Fernando Trueba Producciones Cinematográficas. Distribución: BTeam Pictures. Género: suspense. Web oficial: https://atlantikafilms.com/produccion/haunted-heart/

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