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Crítica: ‘Chaos Walking’

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En un futuro no muy lejano, Todd Hewitt (Tom Holland) encuentra a Viola (Daisy Ridley), una enigmática chica que se ha estrellado en su planeta, donde todas las mujeres han desaparecido y los hombres están afectados por «el ruido» -una fuerza que exhibe todos sus pensamientos-. En un entorno tan peligroso, la vida de Viola se ve amenazada y al prometer Todd protegerla, deberá descubrir su propia fuerza interior y revelar los oscuros secretos del planeta.

Crítica

Ciencia ficción solvente con una dupla protagónica destinada a leerse la mente  

‘El cuchillo en la mano’ es como se titula el primer libro de la trilogía ‘Chaos Walking’. Esa es la obra en la que se basa la nueva película que ha sido dirigida dirigida por Doug Liman (‘Al filo del mañana’, ‘Sr. y la Sra. Smith’) en colaboración con Fede Álvarez (‘No respires’, ‘Millennium’). Una historia juvenil, que al margen de si es fiel o no al libro, resulta una satisfactoria aventura, haciendo gala de buenos argumentos de ciencia ficción aunque dejando alguna que otra oportunidad por el camino.

‘Chaos Walking’ está extraída del libro de Patrick Ness, el autor de otro best-seller adaptado como lo fue ‘Un monstruo viene a verme’. Él es guionista junto a otro escritor cuya obra ha sido ya interpretada por Tom Holland, Christopher Ford (‘Spider-Man: Homecoming’). Esta es una película que como decía se ha hecho con dos directores, con Fede Álvarez de consultor para las escenas re-grabadas ya que no gustó el primer montaje presentado a Lionsgate. Esta producción hace honor a su nombre y se nota una pizca de caos, no tanto en el montaje sino en la calidad visual de los efectos de algunas escenas o en lo atropellado de la historia. Y antes incluso de ponerse delante de la cámara la película ya había dado unos cuantos tumbos y llegó a tener varios borradores de guión.

Habrá quien diga que esto se nota en el filme pero no es tan evidente. No comparto comentarios que dicen que es una cinta de la que te cansas rápido o que los personajes no son interesantes, aunque si le falta introspección. ‘Chaos Walking’ es una película de ciencia ficción bastante potable. Nos cuenta cómo en el 2257 los hombres viven solos, sin mujeres, intentando sacar adelante una aldea y conviviendo con “el ruido”. Es un efecto tipo aurora boreal que ronda la cabeza de las personas mostrando aquello que están pensando. En esa situación ha crecido Todd Hewitt (os vais a aprender bien el nombre) que de repente se encuentra con una chica caída del espacio (Viola, Daisy Ridley) la cual es perseguida inmediatamente. Dos buenos villanos, con trasfondo y nada insustanciales, coprotagonizan este corre que te pillo. Dos personajes interpretados por actores de talento, siempre solventes como lo son Mads Mikkelsen y David Oyelowo.

‘Chaos Walking’ es una carrera constante donde lo que más resalta es la buena relación actoral entre Holland y Ridley. Si hablamos de duplas de ciencia ficción reciente puedo decir que me gustó la de ‘Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas’ o la de ‘Passengers’ pero esta joven pareja hace mejores migas. Tirando menos de comedia que en sus trabajos marvelitas o starwaseros ejemplifican bien el choque que vive un muchacho que nunca ha estado con una chica de su edad y el de una joven que pisa un planeta por primera vez en su vida. Con esta película no olvidamos el carácter tontorrón de Holland como Spider-Man o el de Ridley como mujer de armas tomar que se mueve entre chatarra. Pero si les tenemos en una relación, con alguna similitud a la que tuvieron Bruce Willis y Milla Jovovich en ‘El quinto elemento’, en la que se ven forzados a salirse de sus papeles más famosos.

Esta adaptación se queda muy por detrás de ‘Un monstruo viene a verme’. No tiene ni esa carga dramática ni esa fantasía desbordante. La oportunidad que pierde ‘Chaos Walking’, no sé si será igual con el libro, es la de desarrollar una trama entorno a las relaciones interpersonales. Podría haber mostrado cómo es el tener que conocer a alguien a través de sus palabras, de sus gestos, como estamos acostumbrados a hacer nosotros, pero no como está acostumbrado a hacer Todd que siempre ha podido escuchar los pensamientos de los demás. No obstante, el largometraje juega bien con esa falta de filtro y obligación de control de impulsos a la que están sometidos los hombres.

El filme tiene fallos como el que Viola acabe de estrellarse con su nave y esta se vea aún humeante y ardiendo, pero a su vez veamos ya tres tumbas junto a ella, a veces no maneja los tiempos correctamente. También hay algún detalle generado por ordenador que baja la buena calidad del resto, como alguna escena acuática o algún croma obvio. Sin embargo visualmente la película materializa muy bien los tejemanejes que tiene cada uno en la mente mostrándolos como ilusiones intangibles.

Dados los problemas y tiranteces del rodaje puede que no veamos más adaptaciones de esta trilogía. También puede acusar que los personajes son más mayores que en la novela, aunque aún así los muestra bastante jóvenes. No obstante ‘Chaos Walking’ funciona como película conclusiva y uno puede quedar satisfecho con el final que ofrece. Este ha sido un papel que a Tom Holland le ha costado algún desmayo, las muelas del juicio y una nariz rota, quizá se piense bien hacer una segunda parte, si la taquilla lo permite. Si es por mi adelante.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de abril de 2021. Título original: Chaos walking. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Doug Liman. Guion: Patrick Ness, Christopher Ford. Música: Marco Beltrami, Brandon Roberts. Fotografía: Ben Seresin. Reparto principal: Tom Holland, Daisy Ridley, Nick Jonas, Mads Mikkelsen, Cynthia Erivo, David Oyelowo. Producción: 3 Arts Entertainment, BRON Studios, Creative Wealth Media Fiance, Quadrant Pictures. Distribución: eOne Films. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.instagram.com/chaoswalking

 

Crítica: ‘Los Mitchell contra las máquinas’

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Un apocalípsis robótico pone freno a su viaje por carretera a través del país. Ahora el futuro de la humanidad depende de los Mitchell: la familia más rarita del mundo.

Crítica

Va a toda máquina y no pierde fuelle

Muy loca, muy demente. ‘Los Mitchell contra las máquinas’ es tan loca como la cantidad de videos virales absurdos y surrealistas que inundan las redes y que consumimos a toda máquina. Tal es así que los robots ejecutores de la humanidad nos mandan al garete con el emoji del pulgar hacia arriba. Y ya no es solo su argumento, a los protagonistas también les falta un tornillo.

En ‘Los Mitchell contra las máquinas’ la humanidad se enfrenta de nuevo a la extinción por culpa de una IA enfadada, frustrada por su rápida obsolescencia. La película está dirigida por Michael Rianda y Jeff Rowe, dos guionistas de ‘Gravity Falls’ que imbuyen a esta nueva historia algo de esa serie, sobre todo, los personajes desmadrados. Este es un filme orquestado por los creadores de ‘Spider-Man: un nuevo universo’. Una nueva película de Sony Pictures Animation que además tiene una animación muy similar a la de Miles Morales, aunque con detalles mucho más surrealistas.

La animación de ‘Los Mitchell contra las máquinas’ tiene un toque menos comiquero y más 3D pero tampoco se libra de tener muchos detalles. Os recomiendo ver este filme en la pantalla más grande que podáis para ir captando pequeños elementos que van apareciendo. Elementos que o bien están en los escenarios (como el adorno de la antena del coche que recuerda a Moquete de ‘Los Cazafantasmas’) o bien se introducen a modo de gif, meme o dibujos hechos a mano. Un ejemplo muy claro es el famoso Nyan cat, el cual va muy en sintonía con el espíritu de la película.

El personaje principal de esta película sueña con hacer cine y se gana a sus seguidores con películas amateur en las que casi siempre el protagonista es su perro. Películas que adereza con un batiburrillo de efectos especiales cutres, casi siempre consistentes en mezclar lo grabado con pobres cromas o dibujos con pinturas de madera. Un cine que bien podría ser el de Wakaliwood por la pasión que desprende pero también por su baja calidad.

Netflix se hizo con los derechos de la película en enero de este 2021, eso ha propiciado que finalmente no la tengamos en cines bajo este título (recordemos que Sony la había renombrado como ‘Conectados. Modo en familia’) que es el que escogieron originalmente Phil Lord y Christopher Miller, sus productores y Midas en esto de la animación (‘Spider-Man: un nuevo universo’, ‘La LEGO película’, ‘Smallfood’). Este movimiento podría ser el primero del nuevo acuerdo entre Sony y Netflix que a partir de ahora compartirán películas, primero en cines y luego en streaming. Este título va directo a la televisión, por eso os he recomendado usar la pantalla más grande que tengáis.

El filme consiste en un viaje frenético, rápido con sus gracias y con pocas pausas. Su humor reside en que los Mitchell son una familia tremendamente rara y disfuncional, un clan al que no hay filtro que le arregle. Llevan al extremo sus aficiones y se dan la turra entre ellos y a la gente que les rodea, ya sea el gusto por la naturaleza, el cine o los dinosaurios. Y sobre todo, el personaje más cómicamente explotado es el perro, inspirado en Doug the Pug, que triunfa desde hace años en las redes sociales, las del mundo real y por eso está hasta acreditado.  Aquí le ponen como un perro estrábico que está omnipresente y que es un miembro más, a todos los efectos.

En esas pocas pausas que tiene la película y como es habitual, en su final, se introducen los clásicos momentos moñas que creo que esta película no necesitaba pues durante todo su recorrido explica muy bien la moraleja. Y tiene varias. Una parte muy fuerte es su intento de concienciación hacia el uso abusivo de las tecnologías. Nos cuenta que nos perdemos muchos momentos por vivir pegados al móvil o por sufrir envidia hacia falsos momentos subidos en las redes sociales. Además esgrime la misma cuestión del cuchillo, ¿es un arma o una herramienta de cocina? El malo no es el objeto, es el usuario, el yonki del wifi, el fan del postureo…. Y por supuesto también muestra la frivolidad y ambición de las corporaciones tecnológicas, lo cual hace que ‘Los Mitchell contra las máquinas’ peque un poco de hipócrita pues el propio filme repite el esquema manido que intenta generar el mismo climax del resto de películas realizadas por grandes estudios de animación, que no es otro que el de la protagonista viviendo una catarsis al son de una canción a todo trapo cantada con voz distorsionada hasta más no poder. Al menos es la versión del Dragostea din tei cantada por Rihana animando a la gente a vivir su propia vida sin amarguras.

Este es un road trip en el apocalipsis, una versión animada tipo ‘Zombieland’ y pasa por etapas en las que recuerda a ‘Yo, robot’, ‘Independence Day’, el capítulo sobre el efecto 2000 de ‘Los Simpson’ y obviamente al mismísimo ‘Terminator’. Tanto en versión original como en castellano está muy bien doblada y he de decir que me ha sorprendido escuchar a Leo Harlem. Su cadencia en el habla suele ser frenética y a la película le iba bien, pero no hace uso precisamente de ella, lo cual me parece buen ejercicio de contención amoldándose al personaje y aportándole su toque campechano.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de abril de 2021. Título original: Connected. Duración: 114 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Rianda, Jeff Rowe. Guion: Michael Rianda, Jeff Rowe. Música: Mark Mothersbaugh. Reparto principal (doblaje original): Maya Rudolph, Danny McBride, Michael Rianda, Abbi Jacobson, Fred Armisen, Conan O’Brien, Alex Hirsch, Charlyne Yi, Chrissy Teigen, John Legend, Doug the Pug, Olivia Colman, Eric André. Reparto principal (doblaje en castellano): Leo Harlem, María Pedraza, Kira miró, Miguel Ángel Garzón, Miguel Rodríguez Ros, Yolanda Pérez Segoviano, Guillermo Romero, Ricardo Escobar, Juan Amador, Ana Esther Alborg, Lucía Balas, Juan Antonio Soler Nozal. Producción: Sony Pictures Animation, Lord Miller, Columbia Pictures. Distribución: Netflix. Género: animación, aventuras, comedia, ciencia ficción. Web oficial: http://www.connectedmovie.com/

Crítica: ‘Sound of metal’

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El batería de metal Ruben comienza a perder la audición. El médico le dice que su estado empeorará y él cree que su carrera y su vida han acabado. Su novia, Lou, lleva al exadicto a un centro de rehabilitación para sordos para evitar una recaída y ayudarle a adaptarse a su nueva vida. Tras ser recibido y aceptado tal como es, Ruben debe elegir entre su nueva normalidad y su vida anterior.

Crítica

Agitemos las manos al aire para aplaudir al equipo de sonido

Goya o Beethoven fueron conocidos por su arte y la creencia popular les atribuye unas personalidades de gran carácter o temperamento. Un carácter que muy probablemente se produjo o se agravó a raíz de su sordera, pero que en muchas ocasiones también se confunde con un talante apasionado. Algo totalmente comprensible sobre todo si pensamos en Beethoven, que se dedicó a la música sin que la pérdida de audición fuese impedimento para crear clásicos magistrales que han llegado hoy en día esto nosotros como obras cumbres de la música.

En el caso de ‘Sound of metal’ no estamos ante un genio de la música aunque si un apasionado de la batería. Un hombre cuyo estado mental también se ve alterado como les pasó a los célebres genios que he citado y que además tiene que lidiar contra una adicción a las drogas. Una persona que estando de gira con su novia por Estados Unidos se queda sin audición en ambos oídos. Independientemente del talento o la relevancia del artista hay que ponerse en su lugar ya que lo que le sucede es dramático. Solo la premisa de la película de Darius Marder ya produce una carga dramática que hace que el espectador se arrime mucho al protagonista. Tocar la fibra de esa manera incrementa sin duda la sensación de que estamos ante una gran película.

Sin embargo aunque la actuación de Riz Ahmed es buena no me parece meritoria de la nominación al Oscar, no por lo menos tanto como me lo parece la de Tahar Rahim en ‘The mauritanian’. Juega en contra del papel del protagonista el hecho de que la historia sea totalmente predecible y aunque su punto de partida sea diferente el desarrollo de los acontecimientos se mantiene dentro de esquemas bastante conocidos, sobre todo si pensamos en dramas centrados en la superación de grandes adversidades.

Si hay algo de valor o que reconocerle a ‘Sound of metal’ su sonido. La edición de sonido engrandece la actuación de Riz Ahmed y hace que acompañemos al protagonista a niveles sensoriales. Escenas en las que lo que oímos nos transmite que lo único que percibe el protagonista son las meras vibraciones del sonido. Están muy trabajadas esas voces que suenan distorsionadas hasta el punto de crear una confusión turbadora. El lograr con modificaciones de audio que el espectador se sienta perdido o desconsolado tiene tanto o más mérito que la mejor interpretación de Oscar. Bravo por Nicolas Becker (‘Gravity’, ‘La llegada’) y el resto de su equipo.

Podría recomendaros ver esta película simplemente para recomendaros que os olvidéis de la imagen e intentéis guiaros solo por el audio, para que hagáis una inmersión que os hará comprender a aquellos que tenéis en vuestra comunidad con problemas en sus oídos. Pero aguantar todo el desarrollo de sus acontecimientos puede ser algo tedioso, no desesperante, pero si aburrido en el sentido de qué sabemos exactamente donde va acabar todo desde el principio y durante el camino solo tenemos un par de escenas intensas o de frases dignas para el recuerdo.

‘Sound of metal’ funciona como ejercicio de empatía pero no tiene un guión excesivamente novedoso. Es un buen debut como director para Darius Marder, pero honestamente no creo que esta sea la mejor actuación ni de Riz Ahmed ni de Olivia Cooke.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de diciembre de 2020. Título original: Sound of metal. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Darius Marder. Guion: Darius Marder, Abraham Marder. Música: Nicolas Becker, Abraham Marder. Fotografía: Daniel Bouquet. Reparto principal: Riz Ahmed, Olivia Cooke, Paul Raci, Mathieu Amalric, Tom Kemp, Bill Thorpe, William Xifaras, David Arthur Sousa, Michael Tow, Marisa Defranco, Lauren Ridloff, Jamie Ghazarian, Chris Perfetti, Hillary Baack, Chelsea Bond. Producción: Caviar Films. Distribución: Amazon Prime Video. Género: drama, músical. Web oficial: ver en Amazon.

Crítica: ‘ZERØ’

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Un hombre y una mujer se despiertan en un lugar extraño, desierto y desconocido, sin saber quiénes son y porqué se encuentran allí. Con el paso de los días y mientras tratan de salir de ese inhóspito lugar, comienzan a recordar algunas cosas que tal vez preferirían no saber.
Quizás las respuestas a todo las tenga Ismael, un hombre que les controla desde la distancia, sin ser visto.

Crítica

‘ZERØ’ es su nombre, pero esta película tiene muchos enteros

‘ZERØ’ es un drama de ficción y primer largometraje de Iñaqui Sánchez Arrieta y como resultado nos ha regalado una película muy íntima y personal donde sus defectos quedan en un segundo plano gracias a sus virtudes.

Difícil me resulta contaros lo que he visto sin desvelaros ni una sola pista de la historia que aquí se cuenta, así que voy a poner el modo crónica y tratar de explicaros así qué sentimientos y sensaciones me ha despertado el visionado de ‘ZERØ’.

Me planto a verla teniendo nada más que una ligera idea de lo que va. No me gusta saber demasiado de las películas que voy a ver, porque prefiero no crearme falsas expectativas. A colación de esto aprovecho para no recomendar que veáis el trailer. Después de verlo y habiendo visto previamente ‘ZERØ’, no creo que os haga bien alguno.

Empieza la peli, escucho una voz en off que empieza a darme pinceladas y una reflexión sobre el infortunio. Poco después veo la sinopsis reflejada en imágenes y empiezo a hacerme preguntas al igual que sus personajes protagonistas.

Un hombre y una mujer despiertan en medio de un desierto inhóspito sin saber quiénes son y qué hacen allí. De vez en cuando veo a una tercera y misteriosa persona, un hombre acompañado de un perro que simplemente les observa sin intervenir mientras nuestros dos protagonistas intentan descubrir quiénes son y cómo salir de allí.

Confieso que la situación me atrapa y me intriga. Soy muy fan de los planteamientos con cierto toque de fantasía de ficción. Transcurren los primeros minutos y la situación se repite, como una especie de bucle sin llegar a serlo. Él y ella, vamos a llamarles Mario y Julia, están tan perdidos como yo tratando de averiguar quién les está haciendo esto al mismo tiempo que se van conociendo y viéndose forzados a entenderse. Los días se resetean y me viene a la cabeza ‘Atrapado en el tiempo’ aunque ni termina de ser parecida ni acabo por comprender que está pasando. Sin duda todas las incógnitas de mi cabeza me tienen en vilo y eso me hace que viva con más intensidad y misterio la trama que nos está planteando ‘ZERØ’.

Poco a poco una serie de flashbacks empiezan a acaparar más minutos de metraje para ir dando cierta luz sobre la historia de Mario y Julia. Reconozco que cuanto más veo de esos recuerdos pasados y menos desierto aparece, voy sintiendo una ligera decepción y os explico por qué:

Siento que voy pasando de un thriller de ciencia ficción a algo de connotaciones más dramáticas y eso sucede a medida que los flashbacks aumentan su presencia en detrimento del desierto. Esto no significa que sea algo “malo”. Simplemente que mi cabeza de escritor fantasioso veía mucho potencial a un guión más centrado en los diálogos y la historia que se centra en la parte más ficticia del relato que es la que transcurre en esos parajes tan bien fotografiados.

Pero compruebo que ‘ZERØ’ coge otro rumbo. Uno dónde la realidad se impone y empieza a tomar matices de crueldad e injusticia. La vida misma en muchas ocasiones. Entonces la nueva situación que poco a poco me desvelan en un continuo in crescendo me vuelve a poner en guardia para acabar desvelando la poca incertidumbre que me quedaba en un final rotundo, potente y sobre todo valiente que no me deja indiferente.

Iñaqui Sánchez Arrieta juega con nosotros al engaño, nos atrapa, nos va quitando la venda de los ojos y en los últimos minutos de la película nos da el golpe de gracia. Y todo lo hace con grandes dosis de talento en los planos acompañados de una buena fotografía.

El guión de Ferrán Brooks, aunque no va por dónde me hubiera gustado que fuera, no significa que sea flojo ni mucho menos, aunque en mi opinión podría haber tenido más potencial. La buena banda sonora no hace más que sumar al conjunto. Un buen trabajo en general para una producción de presupuesto medio. No quiero olvidar a los actores que con una interpretación solvente nos llevan a ese clímax final, en especial a Julio Blanco, que es el que más me convence.

El filme nos invita a reflexionar sobre las vicisitudes de la vida, aunque rema en contra de la tendencia general. Es una película que habla de la mala suerte y de la cadena de acontecimientos que traen los infortunios que no podemos controlar. Una reflexión sobre la vida y la muerte y por encima de todo…del dolor.

Seguiré con atención los próximos proyectos de este director que, aunque con ya una larga experiencia televisiva, ha pisado fuerte en el mundo del cine con ésta, su ópera prima: ‘ZERØ’.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de abril de 2021. Título original: Zerø. Duración: 94 min. País: España. Dirección: Iñaki Sánchez Arrieta. Guion: Ferrán Brooks. Música: Ricardo Curto. Fotografía: José Martín Rosete, Vicente Porfilio. Reparto principal: Nuria Herrero, Juan Blanco, Pep Sellés, Alba Casterá, Silvia Rico, Roberto Campos, Cristina Perales. Producción: Inaudita, Némesis Media, Virtual Dreams Films. Distribución: Begin Again Films. Género: thriller. Web oficial: http://nemesis-media.es/dusk/

Crítica: ‘Mortal Kombat’

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Cole Young, el luchador de MMA (Artes Marciales Mixtas), acostumbrado a recibir palizas por dinero, desconoce su ascendencia, y tampoco sabe por qué el emperador Shang Tsung de Outworld ha enviado a su mejor guerrero, Sub-Zero, un Cryomancer sobrenatural, para dar caza a Cole. Cole teme por la seguridad de su familia y busca a Sonya Blade siguiendo las indicaciones de Jax, un comandante de las Fuerzas Especiales que tiene la misma extraña marca de dragón con la que nació Cole. No tarda en llegar al templo de Lord Raiden, un Dios Anciano y el protector de Earthrealm, que ofrece refugio a los que llevan la marca. Aquí, Cole entrena con los experimentados guerreros Liu Kang, Kung Lao y el mercenario rebelde Kano, mientras se prepara para enfrentarse a los mayores campeones de la Tierra contra los enemigos de Outworld (El Mundo Exterior) en una batalla de enorme envergadura por el universo. Veremos si los esfuerzos de Cole se ven recompensados y consigue desbloquear su arcana -ese inmenso poder que surge del interior de su alma— a tiempo de salvar no solo a su familia, sino para detener Outworld de una vez por todas.

Crítica

La película que esperábamos, no te volará la cabeza, verás cómo se la vuelan a otros

Producida por James Wan (en el filme hay varios actores de ‘Aquaman’ y también varios del universo DC de series) llega a cines una nueva visión de la famosa saga de videojuegos llamada ‘Mortal Kombat’. Simon McQuoid coge el testigo de Paul W.S. Anderson, célebre por sus adaptaciones gamer, y compartirá cartelera con ‘Monster Hunter’. Tras más de diez entregas en las que se han introducido a personajes como Spawn, Terminator, Kratos, Robocop, Rambo, Freddy Krueger… la saga vuelve a sus inicios. Aún así la película tiene guiños a esa primera producción, como la música.

La nueva versión de ‘Mortal Kombat’ asusta en su arranque pero no por su carácter agresivo sino porque al principio parece que vamos a visualizar un drama familiar con algo de acción. Pero para nada. Aunque la película se toma su tiempo para arrancar y va dando alguna que otra satisfacción a los fans del videojuego termina siendo un festival de sangre y muertes bastante violentas. Lo que se vienen llamando los fatalities.

Pese a que se ha dispuesto una trama distinta ‘Mortal Kombat’ sigue los pasos de la versión del 95. Un personaje ajeno al combate que decidirá el destino del Reino de la Tierra se topa con unos luchadores que quieren reclutarles. Todos los personajes van creyéndose los eventos fantásticos que suceden ante ellos, como es habitual. Esta sigue siendo una historia de venganza en la que personajes como Sonya tienen el mayor parecido a la primera adaptación, es decir, está reñida con Kano e igualmente acaba enfrentándose a un personaje femenino. En esta ocasión se ha incluido una trama aún más familiar, mucho más que la que vivimos con el hermano del Liu Kang en la adaptación de Paul W.S. Anderson. A diferencia de esa versión de los 90, el ‘Mortal Kombat’ de Simon McQuoid no intenta meter el famoso tema musical en cada una de las escenas (suena tímidamente un par de veces).

Las escenas de lucha están también mucho mejor elaboradas y por supuesto los efectos especiales han ganado en calidad. La saga de videojuegos dejó atrás esos personajes pixelados generados con captura de movimiento para tener un diseño 3D mucho más próximo a la realidad. Esas escenas de lucha finalizadas con mortales golpes sangrientos y que cortan por la mitad o desmiembran a sus rivales están de lo más presentes en la película.

Esta es una película cuyo público principalmente es aquel que goza de violencia extrema o de aquellos que quieren ver momentos de los juegos interpretados por actores reales. Yo habría metido incluso más muertes o por lo menos habría empezado antes con el tema de la carnicería, pero también es verdad que estoy acostumbrado al juego y a otro tipo de películas que desde el minuto cero salpican al espectador de las primeras filas.

A la primera película de ‘Mortal Kombat’ no se la puede culpar de no calcar a los personajes, se parecían bastante. En la nueva versión se siguen pareciendo aunque les han introducido toques nuevos, tanto estéticos como funcionales. Ludi Lin (‘Aquaman’) se parece a Liu Kang, Jessica McNamee (‘Megalodón’) hace bien de Sonya, Mehcad Brooks (‘Supergirl’) es un robusto Jax, Kung Lao aparece igual de hábil que en los juegos aunque Max Huang (‘El extranjero’) no ha podido demostrar lo aprendido cuando trabajó con Jackie Chan y Chin Han (‘Contagio’) lo clava como Shang Tsung, aunque larga es la sombra de Cary-Hiroyuki Tagawa. Pero lo que más cautivará al espectador que además juega los videojuegos, ahora desarrollados por NetherRealm Studios, es el ver como todos ellos representan muchos de los famosos finales de las peleas.

Por lo demás el contexto que rodea a cada combate no tiene gran valor narrativo. Se repite la historia de los elegidos de la película anterior y nos mantienen enganchados con la aparición a cuentagotas de los villanos junto al humor del personaje de Kano. Las interpretaciones se limitan a conseguir movimientos similares a los de los personajes virtuales y llevar a cabo buenas coreografías de lucha. Por ejemplo, el personaje de Liu Kang se parece mucho pero está sobreactuado.

Se han sacado de la manga un nuevo personaje para usarlo como protagonista, Lewis Tan es Cole Young. Yo creo que de ese modo han intentado no trastocar demasiado el trasfondo de los originales y por otro se han aproximado al Heihachi y Kazuya del Tekken. No es algo que a mí como jugador de ‘Mortal Kombat’ me preocupe, las habilidades y los principales contendientes están ahí. Pero sí que es verdad que la recreación de toda la historia personal que le da forma es la que frena la aparición de los ansiados fatalities.

Resumiendo. La trama o la historia personal del protagonista interesa más bien poco y solo sirve como vehículo para introducir a uno de los personajes más icónicos. Por lo demás la película está bien hecha visualmente y da lo que esperan los espectadores que saben lo que es ‘Mortal Kombat’: luchadores pintorescos, peleas a muerte y por supuesto finalizaciones macabramente originales. Si sois de los que os gusta ver material antes de adentraros en una película, no os embarréis con las entregas anteriores, jugad a los videojuegos.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de abril de 2021. Título original: Mortal Kombat. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Simon McQuoid. Guion: Greg Russo. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: German McMicking. Reparto principal: Lewis Tan, Ludi Lin, Jessica McNamee, Hiroyuki Sanada, Joe Taslim, Tadanobu, Mehcad Brooks, Chin Han, Mel Jarnson, Josh Lawson, Sisi Stringer, Max Huang. Producción: New Line Cinema, NetherRealm Studios, Atomic Monster, Broken Road Productions, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: acción, adaptación. Web oficial: https://www.mortalkombatmovie.net/

Crítica: ‘Patrulla trueno’

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En un mundo en el que los supervillanos son habituales, dos mejores amigos de la infancia distanciados se reúnen después de que uno de ellos idee un tratamiento que les da poderes para proteger su ciudad.

Crítica

¡Melissa McCarthy y Octavia Spencer al poder!

‘Patrulla trueno’ (‘Thunder force’ en su versión original) es como se llama la nueva película de Netflix llamada a gustar a todos los fans de la ciencia ficción, las comedias o los superhéroes. Protagonizada por dos actrices llamadas también a grabar su nombre en la historia del entretenimiento, Melissa McCarthy y Octavia Spencer, nos cuenta la historia de dos amigas que se convierten en superheroínas en un mundo de villanos.

‘Patrulla Trueno’ nos cuenta como unos rayos cósmicos crean superhumanos, algo así como lo que les pasó a los 4 fantásticos o como pasaba en ‘Héroes’. En este caso el problema es que a prácticamente todos los agraciados con poderes les da por usar sus nuevas habilidades para el mal, por eso se les llama “maleantes”. En ese mundo en el que salir a la calle es un peligro constante viven esas dos amigas que por azar vuelven a reunirse para combatir el crimen.

Reinventar el género de superhéroes ya se ha intentado unas cuantas veces en el cine. Tomárselo a guasa también (‘Mystetry Men’, ‘Blankman’, ‘Hancock’). De igual modo que casi siempre se ha explorado el impacto que causa en una persona normal el encontrarse con superpoderes, ya sea al estilo ‘Spider-Man’, ‘¡Shazam!’ o ‘Chronicle’. Y como no, también hemos visto qué pasa si nos ponemos del lado de los villanos o los antihéroes también (‘Gru’, ‘Escuadrón suicida’).

En el caso de ‘Patrulla trueno’ se emplea la comedia, manteniendo la formula Falcone/ McCarthy. Al igual que cualquier comediante hace, la pareja adapta sus códigos a un cine que ya tiene género propio como es el de los superhéroes. Si cuando vemos a José Mota haciendo sus sketches solemos decir eso de “es él mismo imitando a otro, pero se nota que es él” con McCarthy nos pasa ya lo mismo. Hace lo de siempre, siendo mal hablada y sarcástica, y en esta ocasión su vis cómica funciona muy bien, sobre todo enfrentándola a las maneras del personaje de Spencer.

Ya son varias películas las que han rodado juntos el actor y director Ben Falcone y la actriz Melissa McCarthy. El matrimonio ha demostrado hacer buenas migas tanto con Falcone actuando como dirigiendo. Pudimos verlo hace poco en ‘Superintelligence’, donde nos abrazaban con una película cargada de optimismo. En ‘Patrulla trueno’ consiguen lo miso y es gracias a que vuelven a hacer apología de una estupidez encantadora. Con sus gags bobalicones, que no paran durante toda la película, le animan a uno el día.

La película no necesita parodiar a ningún superhéroe en concreto para desarrollarse y tiene golpes muy buenos desde el mismo momento en el que las protagonistas aparecen siendo niñas, muy bien escogidas en el casting por cierto. Cuando se habla de superhéroes no se piensa en personajes raquíticos o entrados en carnes. Kick-Ass rompió una lanza a favor de romper con el estereotipo de los cuerpos esculturales y en los cómics superheroínas como Faith (Valiant Comics) gana cada día más adeptos. Curiosamente McCarthy luce una camiseta de Van Halen con las letras Kicks Ass bien grandes. Lo que quiero decir es que no hace falta ser un atleta para ser un superhéroe y aunque esa no es la moraleja de la película solo con haberla llevado a cabo sus dos actrices principales lo demuestran.

En contraste nos encontramos con que Pom Klementieff quien ya hizo de Mantis, la extraterrestre con poderes telepáticos en ‘Guardianes de la Galaxia’, ejerce de villana. Es una de esas maleantes y con su buena figura representa a los malos, indicando también que no siempre los malos tienen que ser feos. Aunque también tenemos el papel de Jason Bateman como un monstruoso tipo con manos de cangrejo a lo Zoidberg, una absurdez solo a la altura de ‘Doom Patrol’

Podríamos ponernos tiquismiquis como el personaje de Octavia Spencer que repite varias veces eso de “no soy empollona, soy lista, es distinto”. Podríamos decir que en la película confunden ser fuerte con ser duro o invisible con silencioso. Son detalles que no tiene sentido tener en cuenta en esta película en la que hay un personaje tosco y tontorrón de aventuras con otro inteligente a lo Tony Stark. ‘Patrulla trueno’ llega en el momento justo, en uno en el que hace falta reírse y en el que hay que diversificar en el mundo de los superhéroes.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de abril de 2021. Título original: Thunder Force. Duración: 105 min. País: EE.UU. Dirección: Ben Falcone. Guion: Ben Falcone. Música: Fil Eisler. Fotografía: Barry Peterson. Reparto principal: Melissa McCarthy, Octavia Spencer, Bobby Cannavale, Pom Klementieff, Kevin Dunn, Taylor Mosby, Marcella Lowery, Melissa Leo, Jason Bateman. Producción: Marc Platt Productions, Netflix. Distribución: Netflix. Género: comedia, ciencia ficción. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Cuñados’

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Eduardo (Miguel de Lira) y su cuñado Sabonis (Xosé A. Touriñán) acaban de meter la pata en uno de sus negocios y necesitan dinero. Mucho dinero. Será Sabonis quien encuentre la solución al problema secuestrando a Modesto (Federico Pérez Rey), cuñado de Alicia Zamora, la empresaria que les engañó y dejó tirados. Solo hay un pequeño problema: Alicia no piensa pagar ni un euro por su cuñado. Sin embargo, es el propio Modesto quien urde un nuevo plan con el que Eduardo y Sabonis podrán salvar la bodega familiar. Estos tres cuñados lo tienen todo para fracasar, pero como diría Sabonis, malo será.

Crítica

¡Insólito! Tres cuñados que no resultan cargantes

Galicia ha sido siempre conocida por su buen comer, su Camino de Santiago, sus equipos de fútbol, su música celta, su vino ribeiro y por sus preciosos y verdes paisajes. Pero últimamente, a nivel audiovisual, es el tráfico ilegal el que nos acerca a la comunidad. No vamos a ponernos en los mismos términos de ‘Fariña’ o ‘Quien a hierro mata’, por suerte, sobre todo con los tiempos que corren, ‘Cuñados’ es una comedia.

Esta es la Galicia de la escasez de pulpo, de las comunidades de mexicanos, de las crisis económicas y del auge del COB (Club Ourense de Baloncesto). Con esos ingredientes podríamos tener una película dramática que clamase por la justicia. Que pusiese el grito en el cielo por algo discutido durante años como el ascenso no concedido al COB, por como Galicia se convirtió en la puerta de entrada a Europa para la droga o simplemente por la denominación de origen del pulpo gallego. Pero la clave cómica del filme pone el foco en tres cuñados (Xosé A. Touriñán, Miguel de Lira y Federico Pérez Rey) que nos hacen pasar un buen rato.

El director Toño Lopez se ríe en su primer largo para cines hasta del hecho de que el COB siga en la LEB Oro con su “¡Somos ACB!”. La película esconde más de lo que parece metiéndonos como sin querer en la España de corruptelas, negocios familiares y fracasados. Eso mismo podríamos decir de muchos de nuestros cuñados, quien con su sabelotodismo y sus meteduras de pata nos pueden meter en líos tan grandes como el de la película. Este es un filme de enredos y de momentos idos de las manos.

‘Cuñados’ podría haber sido incluso más graciosa si no se cortase con su malicia. Es algo blanca en su humor y eso no tiene por qué ser una pega pero si nos deja con la impresión de que podría haberse aprovechado para algo más punzante o hilarante. Como virtud tiene que no resulta ni rancia, ni cargante, algo en lo que fácilmente se podría haber caído teniendo entre manos a tres cuñados.

Puede que sea por el cariño que le he cogido a Xosé A. Touriñán tras haberle visto en ‘Justo antes de Cristo’, pero lo relacionado con su personaje (momentos de pareja, baloncesto, riñas con el cuñado…) me parece lo más divertido e incluso tierno de la película. No obstante entre el variopinto trío protagónico se desarrolla una vis cómica que si bien no puede decirse que sea rompedora, hace que nos riamos a menudo. Se pasan la patata caliente de la comedia sin caer en el histrión ni en lo desmedido.

El acento del norte no falta, está íntegramente grabada en gallego. Igual que teníamos ese acento en ‘Aribag’ con Manuel Manquilla. Una película que también mezclaba el tráfico, las tierras de del norte y tres personajes más perdidos que un pulpo en un garaje. Podríamos decir que este habría sido ‘Airbag’ si Bajo Ulloa hubiese querido hacer una película más familiar. Y aunque me reí mucho más en su día con el absurdo y los diálogos ‘Airgab’ podemos decir que Toño Lopez se perfila como un director muy profesional.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de abril de 2021. Título original: Cuñados. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Toño López. Guion: Aracelil Gonda. Música: Santi Jul, Iván Laxe. Fotografía: Jaime Pérez. Reparto principal: Xosé A. Touriñán, Miguel de Lira, Federico Pérez Rey, Eva Fernández, Iolanda Muíños, María Vázquez, Mela Casa. Producción: Portocabo. Distribución: Filmax. Género: comedia. Web oficial: http://www.filmax.com/distribucion/cunados.221

Crítica: ‘Druk (Otra ronda)’

Sinopsis

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Cuatro profesores se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel durante su vida diaria, intentando demostrar que de esa manera pueden mejorar en todos los aspectos de su vida. Pero las consecuencias del experimento les cambiarán para siempre.

Crítica

Un drama etílico con chupitos de simpatía

‘Druk (Another round)’ me ha hecho volver al año 2000, no solo porque en esa época yo era un muchacho de instituto, sino porque fue cuando se estrenó ‘Año Mariano’. En esa película de Karra Elejalde y Fernando Guillén Cuervo teníamos a Pepín Tre experimentando con destilaciones alcohólicas y sus posibles efectos sobre el cuerpo. Uno de esos líquidos conseguidos lograba un temporal efecto de elocuencia en su tomador, pero era algo pasajero. Aquella película iba sobre lo engañoso de la vida y esta hace lo mismo.

Thomas Vinterberg (‘Kursk’) se aproxima levemente con ‘Druk’ a su movimiento Dogma 95. Mantiene naturalidad en las escenas y un formato narrativo que intenta no tirar de artificios ni trucajes. Firma en los créditos tras una escena en la que el protagonista, interpretado por Mads Mikkelsen, acaba bailando al estilo Drunken Boxing Kung Fu (ese que hacía Jackie Chan en ‘El mono borracho en el ojo del tigre’). El cineasta danés vuelve a experimentar con sus personajes y también con los espectadores.

La trama de ‘Druk’ nos habla de unos profesores que comienzan a probar una teoría enunciada por un psicoanalista llamado Finn Skårderud. El objetivo es controlar la ingesta de alcohol de tal manera que no se consuma a partir de cierta hora y no se sobrepase cierta graduación. Con ello quieren conseguir ser más elocuentes en sus clases e impactar en sus alumnos.

El protagonista está inmerso en una depresión y en sus primeros compases la película parece un ensayo sobre la crisis de los cuarenta, sobre cómo se derrumban las expectativas. Posteriormente eso queda en segundo plano y rápidamente pone de manifiesto toda una cultura de consumo alcohólico. Se muestran los efectos beneficiosos del alcohol como desinhibidor social. Más grados, más oratoria, más gancho social. Y con todo ello se abre un debate ético, sobre todo sabiendo que los jóvenes daneses son de los que más beben y lo hacen además a más temprana edad.

‘Druk’ ha sido galardonada con cuatro European Film Awards y es la candidata indiscutible por Dinamarca para los Oscar. Bien es cierto que plantea ciertas cuestiones interesantes, tiene momentos divertidos, sabe cambiar el tono y tiene un montaje muy ágil. Pero cabría esperar un poco más de introspección en el tema que pone sobre la mesa.

La película está dedicada a Ida, la hija de Vinterberg, la cual estaba planificado que interpretase a una hija de Mikkelsen pero tristemente falleció en un accidente. Quizá por eso la película tiene una clara inclinación hacia el cuidado de la juventud, el paternalismo y la imagen que dan los progenitores. Además se sabe que Vinterberg ha basado esta película en la obra teatral que creó a partir de testimonios que le dio su hija sobre aquello que sucede cuando se mezcla juventud danesa y alcohol en nuestra era.

La película por otro lado aboga por echar la vista atrás o hacer un poco de conciencia acerca de cómo habría sido el mundo o nuestra vida sin los fluidos etílicos a los que muchas grandes personalidades estaban enganchadas. También sobre cuestionar sesgos y sobre hacernos pensar que jamás podremos controlar ciertos impulsos, en nosotros o en ciertas personas que cara al público parecen distintas.

El mejor trago de esta película es la actuación de Mads Mikkelsen. Él suele estar magnífico, pero lejos de la grandiosidad de ‘Star Wars’ o ‘Doctor Extraño’ tenemos el placer de gozar de sus dotes dramáticas más de cerca. Tras este experimento sociológico ficticio la película lanza la pregunta. ¿Aceptaríais el alcoholismo de alguien sin con eso se convierte en mejor persona o profesional?

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de abril de 2021. Título original: Druk. Duración: 115 min. País: Dinamarca. Dirección: Thomas Vinterberg. Guion: Thomas Vinterberg, Tobias Lindholm. Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen. Reparto principal: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe, Susse Wold, Maria Bonnevie, Diem Camille Gbogou, Palmi Gudmundsson, Dorte Højsted, Helene Reingaard Neumann, Martin Greis. Producción: Zentropa Entertainments, Film i Väst, Topkapi Films. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.samuelgoldwynfilms.com/another-round/

Crítica: ‘Archenemy’

Sinopsis

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Cine de superhéroes para un público diferente. SpectreVisión, la productora cofundada por el actor Elijah Wood que está revolucionando el cine alternativo de género con filmes originales y arriesgados como ‘Mandy’ o ‘Color Out of Space’, es la responsable de esta película de superhéroes en clave realista.

Crítica

No es la película de superhéroes que esperas, puede que tampoco la que buscas

En una época en la que llueven superproducciones millonarias de Marvel y DC nos llega una producción mucho más independiente con los riesgos que eso puede acarrear. Hablamos de ‘Archenemy’, una película parida casi en su conjunto por Adam Egypt Mortimer (director y creador de la historia para bien y para mal) y de la que entro en materia sin más preámbulos.

Nuestro protagonista es Max Fist, es una especie de superhéroe, o eso es lo que él afirma entre cerveza y cerveza, que está más quemado que Will Smith en la peli de ‘Hancock’ (ojito que tiene algún que otro paralelismo) y acaba en la tierra procedente de otra dimensión sin la fuente de su poder fruto del último enfrentamiento con su némesis, su archienemiga llamada Cleo.

El planteamiento o la idea de un multiverso con realidades distintas siempre resulta estimulante para cualquier amante de la ciencia ficción. La mala noticia es que solo araña la superficie y el guión no le da recorrido para profundizar tanto en la historia como en los personajes. Quizás Max gracias a Joe Manganiello que hace lo que puede con lo que tiene, sea el personaje con más trasfondo y aun así… Una pena que Cleo no tuviese un poco más de recorrido.

Tenemos por otro lado a una pareja de hermanos tratando de sobrevivir en los bajos fondos. Un reflejo de una parte del mundo que nos rodea. Cuanto más quieren salir más se quedan atrapados en el fango. Una reflexión sobre crecer en un barrio marginal y de la dificultad que conlleva salir de ese mundo hostil de drogas y criminales. Por otro lado, algo ya visto en multitud de pelis con más o menos acierto.

Me gusta la estética y la fotografía de ‘Archenemy’ que junto a las imágenes de cómic le confieren personalidad. Creo que es su punto más fuerte.

Así que por un lado está la trama de Max y su misterioso origen y por otro la trama de delincuencia callejera. Resaltar que ese componente de oscuridad se ve reflejado en todo momento y ayuda una buena ambientación como antes he mencionado.

Llega un momento en que las dos historias convergen. Se establece un curioso vínculo de confianza entre uno de los hermanos, apodado Hamster, y Max. Uno tiene la necesidad de buscar y contar buenas historias de los bajos fondos para ganar dinero y ser legal, asumiendo los riesgos que hay en las calles y el otro encuentra a alguien que por fin cree en las historias que va contando de bar en bar. Por último la hermana mayor de Hamster se mezcla con las personas equivocadas tomando decisiones equivocadas con la intención de sacar a su hermano de las calles y pagarle una universidad actuando de detonante para que la historia avance. Poco nos explican para darle peso al porqué de dichas decisiones.

Mis expectativas al saber que en ‘Archenemy’ había un tipo con poderes eran elevadas en términos de acción, pero a medida que transcurre la película no se cumplen. Dicha acción se hace esperar y luego se presenta a cuentagotas y no deja mucho poso. Se lo debo atribuir a su director, Adam Egypt Mortimer, que para mí peca de inexperiencia pese a la buena intención de sus ideas. Eso o su talento es limitado pero con tan poco bagaje es difícil saberlo. Una pena porque Manganiello tiene un físico para repartir guantazos hasta en el cielo de la boca. Dicho queda.

Creo que el bueno de Adam (al que animo a mejorar) tampoco resuelve satisfactoriamente la parte final y nos quedamos con un regusto amargo. Aunque vayas sin expectativas a verla, que es lo que te recomiendo, lo que no vas a poder evitar es ir haciéndotelas a medida que transcurren los minutos y eso crea al final una contradicción. ‘Archenemy’ empieza con una buena idea, y eso hace que tu mente empiece a trabajar y el planteamiento se va debilitando conforme avanza la trama, aunque te mantiene con la intriga, da tirones, pierde fuerza… y al final en mi opinión no consigue remontar.

Lo bueno: Tiene componentes de crítica social y humor negro, una estética atractiva y buenas ideas.

Lo menos bueno: Que con esos ingredientes no hayan sido capaces de hacer un buen potaje y eso puede llegar a aburrir a más de uno al final. El guión y la acción se diluyen como un azucarillo en leche caliente.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2021. Título original: Archenemy. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Adam Egypt Mortimer. Guion: Adam Egypt Mortimer, Lucas Passmore. Música: Matt Hill. Fotografía: Halyna Hutchins. Reparto principal: Joe Manganiello, Glenn Howerton, Joseph D. Reitman, Mac Brandt, Kieran Gallagher, Christopher Guyton, Luis Kelly-Duarte. Producción: Spectre visión, Head gear films, Legion M, Metrol Technology, 3:59, Almost Never, Films Inc. Distribución: Movistar+. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://www.thisiscompanyx.com/projects

Crítica: ‘Los Estados Unidos contra Billie Holiday’

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La legendaria Billie Holiday (Andra Day), una de las mejores intérpretes de jazz de todos los tiempos, pasó la mayor parte de su carrera siendo adorada por sus fans alrededor del globo. Todo mientras el Departamento Federal de Narcóticos de Estados Unidos la fijó como objetivo mediante una operación encubierta liderada por el Agente Federal Jimmy Fletcher (Trevante Rhodes), con quien Billie había tenido un tumultuoso romance. Inspirada en la historia de su vida, ‘Los Estados Unidos contra Billie Holiday’ examina íntimamente su lucha contra la adicción, la fama y un corazón roto.

Crítica

Una película sustentada por una actuación de Oscar

La pasada edición de los Globos de Oro tuvo como ganadora a Mejor Actriz de Drama a Andra Day por su papel como Billie Holiday. Las mismas candidatas son las que optarán a ganar el Oscar en la misma categoría. Debería existir una categoría a Oscar a Actriz Revelación para que la cantante se lo lleve de seguro ya que este es su primer papel en una película, al menos como protagonista, pues hizo anteriormente una aparición en ‘Marshall’ pero fue meramente anecdótica.

Andra Day sigue con este debut a la actriz Diana Ross (cuyo hijo aparece en ‘Los Estados Unidos contra Billie Holiday’) no solo escogiendo a Billie Holiday como personaje para iniciar su carrera como actriz, sino también al ser la segunda actriz en ser nominada tanto en los Globos de Oro como en los Oscar por encarnar a la mítica cantante de Filadelfia. Nominaciones ganadas a pulso por llevar a cabo una interpretación que habría sido fácil llevar a extremos exagerados y que contiene a pesar de su uso de rabia y toxicidad. Andra ha trabajado su voz a todos los niveles, rasgándola y poniéndola a prueba para aproximarse al personaje.

La cantante de soul ha vuelto a la vida gracias a esta cantante de jazz. ‘Los Estados Unidos contra Billie Holiday’ rescata de la memoria a la estrella, pero no para santificarla, sino para llevar a cabo un relato sobre lo pernicioso de las drogas. Al fin y al cabo el libreto está inspirado en el bestseller del New York Times titulado ‘Chasing the Scream: The First and Last Days of the War on Drugs’, escrito por Johann Hari. Pero también muestra una de tantas cazas de brujas llevadas a cabo en Estados Unidos.

‘Los Estados Unidos contra Billie Holiday’ no es un biopic al uso, si no que salta directamente a mediados del siglo XX, cuando Holiday gozaba ya de fama. Sobre todo se había ganado al público con la canción ‘Strange fruit’ cuya letra protestaba contra los linchamientos y ahorcamientos de negros en el sur. Ese tema inquietó al gobierno que comienzó a presionar e incluso a llegar casi a criminalizar el jazz, algo que en su día también han sufrido géneros como el punk, el rap… De hecho, Holiday murió joven, a los 44 años, como una estrella de rock. Y como tal, así lo muestra la película, caldeó el ambiente con una hiriente y sincera canción que hoy en día nos parece necesaria. Cantó algo que levantó ampollas y con la excusa de su adicción a la droga la persiguieron y enviaron a la cárcel. Es de esas películas que cobran valor por sus paralelismos actuales.

Esta película tiene también cierta carga de ironía e hipocresía. Pues en ella vemos a Louis Armstrong, el famoso músico de color que a pesar de los racismos de la época era adulado. Y no son pocas las escenas en las que la vergüenza y el miedo se apoderan de la pantalla, como el episodio del ascensor (que recuerda al de Rosa Parks) o el ver como un periodista afroamericano reprocha a la cantante su comportamiento.

Hasta ahí los puntos positivos de ‘Los Estados Unidos contra Billie Holiday’, correspondencias entre los años cuarenta del siglo pasado y los veinte de este, además de una impecable actuación, a la que se suma la de Garret Hedlund como Anslinger confirmándome que este actor tiene las maneras del mismísimo Val Kilmer. Por lo demás la película de Lee Daniels decepciona. Sobre todo porque, según mi experiencia con el director, peca de lo mismo de siempre. Sus filmes ponen sobre la mesa cuestiones importantes que además están bien expuestas, pero acaba siendo algo extenuante, ya sea por redundantes o por falta de capacidad de síntesis.

En más de una ocasión hemos tenido que ver como una actriz famosa recibe preguntas machistas en entrevistas y tiene que decir eso de “¿qué tipo de entrevista es esta? ¿Le haces estas preguntas a otras personas?”. Ese es otro símil que Daniels ha trasladado a su película que no quiero dejar de señalar que tiene un tratamiento de imagen muy acertado. Hace destacar que por muy civilizado que se venda Estados Unidos sigue siendo un país con asignaturas pendientes, de las troncales, algo similar a lo que acabamos viendo con películas como ‘I am woman’, también sobre una cantante.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de marzo de 2021. Título original: The United States vs. Billie Holiday. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Lee Daniels. Guion: Suzan-Lori Parks, Lee Daniels. Música: Kris Bowers. Fotografía: Andrew Dunn. Reparto principal: Adra Day, Trevante Rhodes, Natasha Lyonne, Garret Hedlund. Producción: Lee Daniels Entertainment, New Slate Ventures, Roth/Kirschenbaum Films. Distribución: eOne Films. Género: biográfica, drama. Web oficial: https://www.newslatevc.com/films/the-united-states-vs-billie-holiday/

Crítica: ‘Godzilla vs Kong’

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Las leyendas chocan en ‘Godzilla vs. Kong’ cuando estos míticos adversarios se dan cita en un titánico combate para todas las edades, mientras el destino del mundo pende de un hilo. Kong y sus protectores se embarcan en una peligrosa misión para encontrar su verdadero hogar, y van acompañados de Jia, una joven huérfana con la que ha creado un vínculo muy especial. Pero de repente se cruzan con un Godzilla enfurecido, que va dejando a su paso una estela de destrucción en todo el mundo.  El épico choque entre los dos titanes, instigado por fuerzas invisibles, solo es el comienzo del misterio que se esconde en las profundidades de la Tierra.

Fantásticamente desmelenada

Hemos llegado a la película cumbre o clímax de una saga que tiene mucha historia detrás. Aunque las películas de Godzilla y Kong no se caracterizan precisamente por tener guiones muy ricos si que es cierto que poco a poco han ido conformando un universo propio y casi siempre consiguen entretener edulcorando sus escenas de gigantesca destrucción con tramas más o menos distintas en cada entrega. En ese sentido pienso que los seguidores de las películas de la Toho van a encontrar en este filme un buen regalo. Los remakes modernos confluyen por fin en este prometido crossover que hará las delicias de los fans de los kaijus en general, al menos a quien os escribe estas líneas le ha engatusado.

Debemos remontarnos hasta 1963 para tener un referente similar. En ese año se estrenó ‘King Kong contra Godzilla’. Una película en la que las criaturas estaban materializadas a través de actores disfrazados que iban destruyendo maquetas que bien podríamos haber comprado nosotros en la tienda de trenecitos de nuestro barrio. Eran los medios de una época en la que también la política hizo que se rodasen dos finales, uno para satisfacer al público norteamericano y otro para el japonés. Se llegó a ese filme habiendo solo dos películas de cada uno de los titanes y en ninguna se había visto a Godzilla como un ser salvador o bueno. En 2021 la cosa ha cambiado.

Salvados los escollos sociopolíticos y con una calidad gráfica o visual intachable disfrutamos de una nueva visión de estas colosales criaturas que ha tenido el detalle de imitar algunas escenas originales. Arrancamos con Kong controlado al estilo ‘El Show de Truman’ y con Godzilla atacando a la humanidad y dejando de ser el salvador de la última entrega. Por avatares de la trama ambos acaban enfrentándose Y por suerte en ‘Godzilla vs Kong’ no se pelean en plan lucha libre como en la original, algo que me temía que pudiese pasar ya que el proyecto ha sido llevado a cabo por Adam Wingard, un director que despierta en mi desconfianza tras haber visto su ‘Death Note’ y su ‘Blair Witch’. Hay que reconocer que por fin vuelve a la senda o al cine que le adjudicó el adjetivo de prometedor cineasta.

No merece la pena ponerse en plan académico para comentar una película sustentada por el caos y la devastación gratuíta. Basta decir que para marcar la diferencia ambas criaturas están cargadas casi más que nunca de atributos humanos, de una conciencia y objetivo más elaborados. Y sobre todo os he de advertir que literalmente se han flipado, que hay que asimilar muchas cosas. La factura en luces de neon debe haber sido millonaria (si habéis ido a Cyberdog en Londres será como retornar a esa tienda) y si uno no está acostumbrado a digerir los argumentos clásicos de este género no va a disfrutar de toda la ciencia ficción o los detalles a lo Julio Verne que se han incorporado.

Ya nos adelantaban en los carteles que este Monsterverso tendría un ganador. No soy yo quien os destripe ese resultado, solo puedo decir que el desenlace tiene sorpresa y varias satisfacciones, tanto para fans como para meros espectadores que se acerquen a ver una película de destrucción. En mi humilde opinión el marcador refleja un catenaccio o un juego que se acota demasiado a las modas actuales.

Diría que ‘Godzilla vs Kong’ tiene más metraje de Kong que de Godzilla, dejando por suerte sensaciones más próximas a ‘Kong: La Isla Calavera’ que a ‘Rey de los monstruos’. Igualmente ambos animales pierden horas en pantalla para cedérselas a las tramas de los actores de carne y hueso o de los millones de personas que matan en su contienda y que ni se tienen en cuenta. Toda esta fiesta de edificios derruidos, barcos explotando y aviones derribados está acompañada de uno de los elencos actorales más corales que se haya visto en una película de estos kaijus. En ‘Godzilla vs Kong’ trabajan Alexander Skarsgård, Millie Bobby Brown, Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Shun Oguri, Eiza González, Julian Dennison, Kyle Chandler, Lance Reddick… Precisamente la más pequeña de todas ellas, Kaylee Hottle es la que tiene el personaje más útil para la trama y que se vincula con elementos clásicos de Kong.

En esta producción se han desmelenado y han dado rienda suelta a los argumentos más fantásticos. Hay que pasar por un aro mucho más grande que el propio Godzilla para concebir todo lo que nos van descubriendo y cómo los personajes lo van asimilando. Pero son dos horas que tienen acción, humor, ternura, teorías de la conspiración e incluso misticismo que también gracias a la música de Junkie XL se recorren a zancadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Título original: Godzilla vs. Kong. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Adam Wingard. Guion: Eric Pearson, Max Borenstein. Música: Junkie XL. Fotografía: Ben Seresin. Reparto principal: Alexander Skarsgård, Millie Bobby Brown, Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Shun Oguri, Eiza González, Julian Dennison, Kyle Chandler. Producción: Legendary Entertainment, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: acción, crossover. Web oficial: https://www.instagram.com/godzillavskong/

Crítica: ‘Tom y Jerry’

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Una de las rivalidades más populares de la historia se dispara cuando Jerry se muda al mejor hotel de Nueva York en vísperas de «la boda del siglo». En “Tom y Jerry”, la película de Tim Story, la llegada del ratón obliga a la desesperada organizadora del evento a contratar a Tom para deshacerse de él. La batalla entre el gato y el ratón amenaza con destruir su carrera, la boda y puede que todo el hotel. Pero poco después surge un problema aún mayor. Se trata de un miembro del personal diabólicamente ambicioso que conspira contra los tres.

Crítica

La vuelta de una enemistad que hace amigos

Después de muchos años el gato y el ratón de Hanna-Barbera vuelven a tener película. Hacía mucho que no teníamos una adaptación a largometraje en acción real basado en los personajes de esos míticos creadores y tiempo después de las últimas incursiones en carteleras de Scooby Doo con actores de carne y hueso se estrena otra adaptación, ‘Tom y Jerry’. Y la película conserva tanto el espíritu original como la última versión animada del asustadizo perro que nos llegó a cines en 2020.

El filme llevado a cabo por Tim Story, director de ‘Los 4 Fantásticos’ (2005 y 2007) y ‘En qué piensan los hombres’, intenta seguir los pasos de la serie de dibujos que nació a mediados del siglo XX. El humor es casi calcado al de los episodios clásicos de ‘Tom y Jerry’. Pese a un curioso efecto mariposa no termina siendo igual de ingenioso, pero se mantiene el carácter slapstick y se repiten incluso bromas clásicas que tanto nos hicieron reír de pequeños. Este sigue siendo un juego de persecución al estilo Correcaminos y Coyote en el que vemos caídas al vacío, planchazos, aplastamientos por piano, chichones… y hasta motosierras marca ACME. Procura ser tan fiel que hasta escuchamos los sonidos originales (onomatopeyas o gritos) grabados por William Hanna en su día.

Y es que, salvo un momento musical, el ratón Jerry y el gato Tom siguen sin articular palabra. Dejan que el resto del elenco sea quien narre la historia. A diferencia de lo que hemos visto anteriormente sobre estos dos eternos enemigos hay un tercer protagonista en discordia, tercera más bien. Chloë Grace Moretz interpreta muy bien a una buscavidas que se cuela a trabajar en un hotel donde dos famosos influcencers van a casarse y dónde coincide que se han colado también a gorronear y a perseguirse Tom y Jerry. La actriz lleva a cabo un papel muy de su generación, desesperada por encontrar un trabajo en un mundo donde las oportunidades escasean, se pone cada vez más difícil obtener experiencia y donde se prima la fachada que mostramos, el aparentar ser lo que uno no es. En ese último punto está la moraleja de la película que rema en contra de sucumbir a las presiones externas y de creer en uno mismo. A mi modo de verlo Grace Moretz lleva un tiempo con una carrera un tanto mal encaminada, con películas en las que está errada como ‘La Familia Addams’, ‘Suspiria’ o ‘La quinta ola’. Pero el papel que tiene en este filme es más sencillo y se ajusta a una comedia que maneja mejor.

Hablemos de la animación. Al igual que en ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ o ‘Space Jam’, también de Warner Bros., se ha mantenido a los personajes en 2D, eso sí, dándoles algo más de volumen. No se han pasado a 3D como se hizo con ‘Garfield’ o como ser hará con la segunda parte de ‘Space Jam’. De ese modo es más fácil hacernos retornar a la serie clásica y además desarrollar un humor que, aunque tenga cierta violencia resulta más infantil o inofensivo. Eso sí, a la película se le notan algunos fallos de continuidad en los que los actores no miran exactamente donde se ha animado a los animales.

Además, se ha tomado una decisión que en mi opinión es acertada. Y es que no se mezclan animales reales con animados. Absolutamente todos los animales que aparecen en el filme están dibujados, hasta los muertos que aparecen como peces a la venta en una lonja, como jamones colgando en una cocina o como huesos en un museo. De este modo nos transportan a un mundo abierto a todo tipo de golpetazos e interacciones, en el que ese detalle pasa totalmente desapercibido para los personajes de carne y hueso que observan con total normalidad las animaladas surgidas en las peleas entre Tom y Jerry. Quizá también de esta manera se busca respetar el estilo de trabajadores de la serie original, como Gene Deitch, animador que falleció en 2020 con 96 años y muchos títulos firmados.

Habría sido muy difícil hacer una película que consistiese en lo mismo que los episodios, es decir, una continua contienda llena de ingenios y topetazos. Aunque el ritmo es vivaracho hay momentos en los que entra en juego la “trama humana” y la película se resiente. Son momentos en los que por ejemplo se desarrolla la relación entre los influencers que están a punto de pisar el altar o vemos a un Michael Peña ejerciendo de villano de un mejor modo que en ‘Un pliegue en el tiempo’, tampoco necesitaba mucho para superarse.

Warner Bros. no se resiste a la tentación y en este tipo de películas vemos siempre guiños a otras de sus producciones, como ‘Batman’, ‘Matrix’ e incluso ‘Joker’, a quien parece que interpretaría el deprimente Droopy según vemos en un anuncio a pie de calle.

La película tiene una escena post-créditos que es meramente cómica y ojalá hubiese sido una que nos vaticinase más entregas pues esta adaptación y adecuación a la época me ha parecido muy correcta. Por lo menos espero que siembre en los niños y niñas un germen de curiosidad por la serie de ‘Tom y Jerry’.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Título original: Tom and Jerry. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Tim Story. Guion: Kevin Costello. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Alan Stewart. Reparto principal: Chloë Grace Moretz, Michael Peña, Jordan Bolger, Rob Delaney, Patsy Ferran, Pallavi Sharda. Producción: Warner Animation Group, Hanna-Barbera productions, Keylight Productions, Lin Pictures, Turner Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: comedia, animación. Web oficial: https://www.tomandjerrymovie.net/

Crítica: ‘Judas y el mesías negro’

Sinopsis

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El informante del FBI William O’Neal se infiltra en el Partido Pantera Negra de Illinois para vigilar a su carismático líder, el presidente Fred Hampton. O’Neal es un ladrón profesional y goza con el peligro de manipular a sus camaradas y a su encargado, el agente especial Roy Mitchell. La destreza política de Hampton crece a la vez que se enamora de su compañera revolucionaria Deborah Johnson. Mientras, se libra una batalla en el corazón de O’Neal. ¿Se alineará con las fuerzas del bien? ¿O someterá a Hampton y las panteras por cualquier medio, como ordena el director del FBI J. Edgar Hoover?

Crítica

Dibujando bien el plano de siempre y tirando otras líneas de cota

Como he dicho en otras ocasiones, es necesario cambiar el medio o el método para que algunos mensajes lleguen a calar. La lucha por los derechos de los afroamericanos es una constante en las últimas décadas que parece no resolverse. Es por eso que directores y guionistas reinventan la manera en cómo se interpreta ese plano, esta asignatura pendiente. Tenemos ejemplos fallidos como ‘Antebellum’, ‘Queen & Slim’ o ‘Territorio Lovecraft’ pero otros muy acertados como ‘El pájaro carpintero’ y ‘Green Book’. Todos estos ejemplos, muy recientes, forman todo un cántico generacional que lleva prolongándose años y ‘Judas y el mesías negro’ se une, en mi opinión, haciendo favor a la causa intentando medirla a través de otras aristas.

A veces no es fácil salirse de determinados parámetros pues se puede correr el riesgo de desvirtuar el mensaje. En el caso de ‘Judas y el mesías negro’ el mensaje cala. Llega a la audiencia un conflicto que no acaba de encauzarse, de una situación en la que “una placa asusta más que una pistola” como dicen literalmente en este segundo largometraje de Shaka King. Una situación que mantiene, aún más de cincuenta años después de la muerte de Luther King, en pie de guerra a muchos activistas. Y usando como marco el movimiento por los derechos civiles llega un mensaje aún más importante, el de unidad y diversidad.

Cual John Lennon, Shaka King nos habla de poder para el pueblo, de revolución, de proletariado, de camaradas, de igualdad… Las palabras del integrante del grupo que se consideró más popular que el propio Jesucristo son ideales para esta película que en su mayoría está acompañada de un excelente jazz. Precisamente Jesús y los elementos bíblicos están muy presentes ya que esto trata de seguir a un gran orador adulado por cientos de fieles y a su traicionero seguidor. Ese símil está cristalino en el guión de Shaka King y Will Berson que se gana a pulso su nominación al Oscar. Una buena manera de contarnos los hechos reales que en el pasado desveló Bill O’Neal en el documental ‘Eyes on the Prize II’ y que forman parte de la historia conspiranoica norteamericana.

Daniel Kaluuya, LaKeith Stanfield y Jesse Plemons protagonizan ‘Judas y el mesías negro’, un historia de tropelías e injusticias. De miedo, supremacía y poderes fácticos. Entre ellos nos ofrecen visiones muy interesantes, como la que equipara las agresivas tácticas del Ku Klux Klan y las de los Panteras Negras, las inauditas asociaciones que se llegaron a dar o las propias tensiones internas dentro del partido creado por Huey P. Newton.

Merece la pena descubrir este pedazo de historia sesentera que nos esboza la figura de Fred Hampton. Sobre todo por disfrutar de escenas muy tensas, como la que protagonizan en un despacho Jesse Plemons y Martin Sheen en una nueva recreación del famoso director del FBI J. Edgar Hoover. O el acalorado discurso en el que Kaluuya esgrime argumentos en común con muchas de sus otras películas mientras que Plemons y Stanfield mantienen un intenso duelo visual.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de marzo de 2021 (plataformas digitales). Título original: Judas and the Black Messiah. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: Shaka King. Guion: Shaka King, Will Berson. Música: Craig Harris, Mark Isham. Fotografía: Sean Bobbit. Reparto principal: Daniel Kaluuya, LaKeith Stanfield, Jesse Plemons, Dominique Fishback, Ashton Sanders, Algee Smith, Darrell Britt-Gibson, Lil Rel Howery, Dominique Thorne, Martin Sheen, Amari Cheatom, Kris Davis, Robert Longstreet, Ian Duff, Caleb Eberhardt. Producción: Bron Creative, MACRO, Participant, Proximity. Distribución: Warner Bros. Género: drama, biográfico. Web oficial: https://www.facebook.com/JudasAndTheBlackMessiahFilm

Crítica: ‘Monster Hunter’

Sinopsis

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Detrás de nuestro mundo, hay otro: un mundo de peligrosos y poderosos monstruos que reinan en su dominio con una ferocidad mortal. Cuando una inesperada tormenta de arena transporta a la teniente Artemis (Milla Jovovich) y a su unidad (TI Harris, Meagan Good, Diego Boneta) a un nuevo mundo, los soldados se sorprenden al descubrir que ese desconocido y hostil entorno es el hogar de enormes y aterradores monstruos que son inmunes a su potencia de fuego. En su desesperada batalla por la supervivencia, la unidad se encuentra con un misterioso cazador (Tony Jaa), cuyas habilidades únicas le permiten plantar cara a las peligrosas criaturas. A medida que Artemis y el cazador ganan confianza, ella descubre que él es parte de un equipo liderado por el Almirante (Ron Perlman). Enfrentándose a un peligro tan grande que podría amenazar con destruir su mundo, los valientes guerreros combinan sus habilidades únicas para unirse en la última batalla.

Crítica

Anderson se aleja de esos títulos en los que rozaba más el “arte” de Uwe Boll y entretiene

Como un matrimonio perenne permanece sin deshacerse la asociación Paul W.S. Anderson, Milla Jovovich y Capcom. Todos sabemos que Anderson y Jovovich son pareja desde hace más de diez años y raro será que los espectadores no conozcan el hecho de que las adaptaciones de ‘Resident Evil’ también proceden de esa alianza. A esos tres elementos debemos sumar otra constante como Sony Pictures y tenemos otra adaptación de videojuego, en este caso el juego de rol ‘Monster Hunter’.

Erguida como una reina del fantástico y el género de acción Milla Jovovich vuelve a empuñar un arma y se convierte en una soldado de la ONU que viaja a otra dimensión en la que bestias enormes devoran a las personas en medio de un desierto infinito. Esa es la excusa que ha empleado Paul W.S. Anderson para acercarnos a este nuevo live action que se coloca, para mi gusto, por debajo de las primeras de la saga de zombies pero superando a las últimas secuelas.

Al igual que hizo ya con ‘Mortal Kombat’ el director ha velado porque los jugadores sientan que están ante el producto original. Como paréntesis diría que Anderson se ha hecho un guiño a sí mismo en la última escena nocturna, la cual nos recuerda al oscuro mundo de Outworld recreado en el último tramo de la adaptación de ‘Mortal Kombat’. Es por eso que aparecen personajes que se han usado antes en los videojuegos habiendo dos al margen de los protagonistas que llaman especialmente la atención. Por un lado, nos meten ganas no solo de ir a ese mundo de aventuras, sino también de degustar la espectacular cocina de Palico, el felino que cocina rico rico y con fundamento. Y por otro está El Almirante (Ron Perlman) cuya introducción en el filme y capacidad de hablar en nuestro idioma está un poco cogida con pinzas. No obstante tiene justificación en tanto y en cuanto es el único que nos explica qué es lo que está sucediendo allí o por lo menos qué se han sacado de la manga acercándose a otra película de Sony como ‘La torre oscura’. Y eso me lleva a otra pega de la película. Veo innecesario que esto sea un cruce entre mundos. Incluso diría que eso le quita encanto a un mundo fantástico bien desarrollado en los juegos. Da la sensación de que se ha hecho para poder mostrar a una bestia arrancando las alas de un avión y se agradece la espectacularidad, pero la historia se convierte en un tópico.

Tony Jaa es quien más nos devuelve al juego de rol basado en cazadores. Su estética y carácter nos acercan a la parte más salvaje y también nos recuerda lo difícil que es sobrevivir en el ambiente de ‘Monster Hunter’. Sus aptitudes físicas están algo desaprovechadas, se aprecian sobre todo en un par de escenas de lucha que tiene con Jovovich, momentos en los que la película goza de su mejor tramo. Como aliciente, sobre todo para los jugadores, encontramos que se han replicado los poderes de las armas o algunas cosas que pueden hacer los personajes del juego. Todo ello va apareciendo en distintas partes de la película y lo considero un caramelo para los gamers.

Y me he dejado lo mejor para el final. ‘Monster Hunter’ es el mismo ‘Monster Hunter’ de las consolas si nos quedamos solo con el diseño de criaturas. Muy bien hechas a través de imágenes generadas por ordenador (CGI). Se ha conservado el diseño cornúpeta de los monstruos o wyverns. No me extraña que en el visionado previo los creadores Ryozo Tsujimoto y Kaname Fujioka diesen el visto bueno.

Pienso que la acción de la película es mejor al principio, cuando se mueve con criaturas de menor escala y es capaz de llevarnos a un terror visto en escenas como las de Ella-Laraña, ‘Dune’ o incluso la parte desértica de ‘Transformers’. En ese momento es cuando más nos transmite la sensación de que este mundo adaptado ahora a la gran pantalla no da tregua y no tiene ni un sitio seguro. En cuanto pasa a mayores, los final boss que suele decirse en jerga gamer, pierde fuelle y además tiene alguna escena donde el croma se hace más evidente.

Paul W.S. Anderson se aleja de esos títulos en los que rozaba más el “arte” de Uwe Boll y consigue una película muy entretenida a pesar de tener algunos gráficos mejorables, una banda sonora repetitiva y un mundo que podría haberse explotado mejor. Sin duda esta es una película introductoria y si la taquilla lo permite no me cabe duda de que tienen pensado ampliar con más. La escena insertada en los créditos es una declaración de intenciones indicando por dónde pueden ir los tiros.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Título original: Monster Hunter. Duración: 99 min. País: Estados Unidos. Dirección: Paul W.S. Anderson. Guion: Paul W.S. Anderson. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Reparto principal: Milla Jovovich, Tip Harris, Ron Perlman, Tony Jaa, Meagan Good, Josh Helman, Diego Boneta, Jannik Schümann, Schelaine Bennett, Nic Rasenti, Jin Auyeung, Nanda Costa, Aaron Beelner, Hirona Yamazaki, Adrian Munoz Nordqvist. Producción: Constantin Film, Impact Pictures, Capcom Company, Tencent Pictures, Toho Company. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.monsterhunter-movie.jp/

Crítica: ‘Un efecto óptico’

Sinopsis

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Alfredo y Teresa son un matrimonio de Burgos que viaja a Nueva York con la intención de «desconectar» y hacer todos los planes que vienen en la guía. Pero nada más aterrizar empiezan a percibir señales, sutiles y no tanto, de que en realidad no están en la ciudad que les vendieron en la agencia. ¿Dónde están entonces?

Crítica

Reclama toda la atención como buen efecto óptico

Una pareja se va de vacaciones con la imperiosa necesidad de dejar de discutir, de tomarse un respiro, de imitar el plan que tiempo atrás unos amigos disfrutaron. Pero su sensación es rara, ¿están en Nueva York o están en un sitio como Burgos? Están más perdidos que Tony Leblanc en ‘El astronauta’ y la situación poco a poco se torna más absurda.

Según la Wikipedia una ilusión óptica es cualquier ilusión del sentido de la visión que nos lleva a percibir la realidad de varias formas. Puede ser de carácter fisiológico, asociada a los efectos de una estimulación excesiva en los ojos o el cerebro o de carácter cognitivo, en las que interviene nuestro conocimiento del mundo. Teniendo en clara esa definición puede ser más fácil escudriñar la maraña que teje Juan Cavestany en esta comedia con mucho de metáfora y bastante de desconcertante.

Las situaciones que viven Carmen Machi y Pepón Nieto nos dejan tan perplejos como los mayores desvaríos de ‘Amanece que no es poco’. Ellos dos hacen con sus actuaciones que todo esto sea la mar de gracioso, pero no nos podemos despistar de los detalles que a nada que bajamos la guardia la historia da un giro y se reescribe en nuestras cabezas y en la pantalla. La sucesión de eventos inauditos que desembocan en la confusión que sufren los propios protagonistas es contagiosa.

Diría que esta es una película sencilla por eso de que se basa solo en dos personajes pero es compleja. Incluso al principio puede parecer de poca monta porque al principio Cavestany parece que está haciendo malabares para recrear sus escenarios, cabriolas con los planos y los desenfoques que camuflan lo que hay de fondo, pero luego te sacude y te cambia el chip. Puede ser una película de bajo presupuesto pero está claro que ‘Un efecto óptico’ no está falta de medios.

Tengo algunas teorías acerca de lo que representan todas las desconcertantes escenas que vemos pero no quiero destriparlas ya que tanto Cavestany (entrevista aquí) como Carmen Machi y Pepón Nieto (entrevista aquí) me las han confirmado. Si puedo decir que el concepto de déjà vu está ahí, pero hay algo más.

La película cuenta con el respaldo de Javier Gutiérrez y Álvaro Fernández-Armero, asociación que conoceréis por ‘Vergüenza’. Cavestany ha demostrado ser muy bueno con el absurdo con series como esa o como con ‘Vota Juan’, la cual escribió. En este caso no tenemos personajes tan ridículos. Más bien están desorientados y por otro lado tienen una inquietud que les carcome y eso es lo que pienso que Cavestany quiere que resolvamos con las migas de pan que va dejando.

‘Un efecto óptico’ es una serie de marcianadas en la que quizá la música es lo peor. Un imaginativo y rallante viaje. Está lleno de running gags que te los puedes tomar como chistes o como indicaciones, pero desde luego no puedes despreciar ninguno ya que Cavestany no da puntada sin hilo. La película tiene hasta momento ‘Joker’ que algunos sabrán identificar. Una curiosidad para una película bastante peculiar.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de marzo de 2021. Título original: Un efecto óptico. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Juan Cavestany. Guion: Juan Cavestany. Música: Nick Powell. Fotografía: Javier López Bermejo. Reparto principal: Carmen Machi, Pepón Nieto, Luis Bermejo, Lucía Juárez. Producción: Cuidado con el perro. Distribución: por determinar. Género: comedia. Web oficial: blog de Filmin

Crítica: ‘La Liga de la Justicia de Zack Snyder’

Sinopsis

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En La Liga de la Justicia de Zack Snyder, se decidido a asegurar que el sacrificio final de Superman (Henry Cavill) no fue en vano, Bruce Wayne (Ben Affleck) alinea sus fuerzas con Diana Prince (Gal Gadot) con planes para reclutar un equipo de metahumanos para proteger al mundo de una amenaza que se aproxima de proporciones catastróficas. La tarea resulta ser más difícil de lo que Bruce imaginaba, ya que cada uno de los reclutas debe enfrentarse a los demonios de su propio pasado para trascender aquello que les ha retenido, lo que les permite unirse, formando finalmente una liga de héroes sin precedentes. Ahora unidos, Batman (Affleck), Wonder Woman (Gadot), Aquaman (Jason Momoa), Cyborg (Ray Fisher) y The Flash (Ezra Miller) puede ser demasiado tarde para salvar el planeta de Steppenwolf, DeSaad y Darkseid y sus temibles intenciones.

 

Crítica

Coherentemente re-formulada y con más épica

Seguramente me caiga algún que otro hater por decir esto, pero siempre he dicho que la primera versión de ‘Liga de la Justicia’ fue injustamente criticada. Pienso que gana adeptos según pasa el tiempo y que pagó el hecho de que el fandom esperaba que se hiciese una planificación tipo Fases de Marvel. Ni fue así ni creo que sea esencial ese planing solo por el hecho de que hablemos de superhéroes, aunque también pienso que todo puede haber respondido a una fallida estrategia agolpada y al galope por parte de Warner. Pues bien, Zack Snyder ha retomado su idea original con ‘La Liga de la Justicia de Zack Snyder’ y ha hecho todo eso en una sola película de cuatro horas tan disfrutables que tras acabarse esperamos hasta una escena post-créditos.

Defendí la versión hecha a reales por Joss Whedon desde su lanzamiento (para muestra un botón) y ahora he agradecido esta reconstrucción, soy de los que demandaban ‘La Liga de la Justicia de Zack Snyder’ y me parece que ha merecido la pena. Son maneras diferentes de concebir una historia que es casi la misma. Pero en este caso la sensación es mucho más profunda y completa, nos deja con ese sabor de haber seguido una novela gráfica en la que se van construyendo múltiples historias individuales para acabar en una confluencia y apogeo. Snyder ha aprovechado las alas que le han dado para dedicar más tiempo a los trasuntos personales, tanto de los héroes como de los villanos o incluso de los personajes secundarios. Y vemos mucho más justificadas las escenas que había rodadas. Y todo ello con mucho, muchísimo material nuevo. De hecho diría que fácilmente la mitad del metraje no ha sido visto nunca. Gracias a esto todo cobra más sentido. Un punto importante es el cómo se justifica la aparición de Flash en ‘Batman V Superman’, el “Lois es la clave”. ‘La Liga de la Justicia de Zack Snyder’ juega mucho más en equipo y aún con eso podremos seguir disfrutando de manera inconexa de las películas individuales de cada personaje.

No solo se han añadido personajes y escenas nuevas. Si no que las que ya vimos en 2017 tienen modificaciones, ya sea para aportar algo de sangre o para agregar elementos muy importantes. En este caso el software de animación por ordenador ha jugado un papel vital. Ya no tenemos la famosa escena de Superman y su bigote, se han mejorado algunos cromas o modificado a los villanos. Al fin y al cabo todo responde a generar un montaje con un esquema que resulta mucho más coherente y nada precipitado. El orden y el ritmo es diferente, las cuatro horas se pasan volando. Y eso es o bien porque la película está mucho más enriquecida o bien porque las escenas de acción se han alargado. Aunque el Flash de Ezra Miller sigue siendo el alivio cómico ya no ha hecho falta convertir a todos los personajes en participantes de El Club del Chiste ansiosos por soltar una gracia, como pasa en el MCU. Todo es más serio, violento e incluso dramático. Es un goce, por ejemplo, ver el flashback de la batalla con los atlantes, amazonas o Green Lanterns, recuerda totalmente al momento de ‘El Señor de los Anillos’ en el que Isildur y Elendil derrotan a Sauron junto a las otras razas de a Tierra Media.

Soy fan declarado de las adaptaciones comiqueras de Snyder. Creo que es un director capaz de hacer auténticas obras maestras como ‘Watchmen’ o ‘300’ y luego darse el varapalo con películas que ni un contenedor de reciclaje admitiría, como ‘Sucker Punch’. Suele ser criticado por dar oscuridad a sus producciones, pero ese es su estilo y si no te gusta, next. Sobre todo le critican sus cámaras lentas. A mi precisamente es lo que me gusta de él, pues pienso que con ellas nos podemos recrear con sus imágenes casi tanto como hacemos al escudriñar unas viñetas, que creo que es la principal razón por las que las utiliza. Imaginad cuántas emplea en 4 horas de metraje, que por cierto se pueden ver repartidas en seis episodios más un epílogo en HBO.

Snyder tuvo que dejar el rodaje por causas de fuerza mayor, de hecho, como es lógico dedica el filme a su hija Autumn Snyder. Según la web de ‘La Liga de la Justicia de Zack Snyder’, ha querido mostrar su versión, alejándose de la visión más cómica y ligera que el estudio encargó a Whedon (el cuál solo dejó 45 minutos de las 5 horas que él había grabado). Ha introducido sorpresas muy chulas para los lectores de DC Comics e incluso se ha permitido hacer un cameo en una de las escenas de Lois. Se ha distanciado de la versión ya estrenada tanto narrativa, como musical y visualmente, con una relación de aspecto diferente e imágenes mucho más contrastadas. Ha merecido la pena todo este viaje y ojalá saque secuela mostrándonos qué pretende con la última escena. ¿Vamos hacia ‘Injustice’ tal vez?

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de marzo de 2021. Título original: Zack Snyder’s Justice League. Duración: 242 min. País: EE.UU. Dirección: Zack Snyder. Guión: Chris Terrio. Música: Junkie XL. Fotografía: Fabian Wagner. Reparto principal: Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Henry Cavill,Amber Heard, Amy Adams, Jesse Eisenberg, J.K. Simmons, Jeremy Irons,Willem Dafoe, Shalini Peiris, Connie Nielsen, Robin Wright, Diane Lane,Kiersey Clemons, Billy Crudup, Ciarán Hinds, Daniel Stisen, Samantha Jo, Harry Lennix, Peter Guiness. Producción: DC Comics, DC Entertainment, Dune Entertainment, Lensbern Productions, Warner Bros. Distribución: HBO. Género: adaptación, cómic, aventura, ciencia ficción. Web oficial: https://www.snydercut.com/

Crítica: ‘The mauritanian’

Sinopsis

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Mohamedou Ould Slahi (Tahar Rahim) sobrevive en la prisión de Guantánamo después de haber sido detenido y encarcelado sin cargos por el gobierno de Estados Unidos durante una década y sin que se haya celebrado ningún juicio. Habiendo perdido toda esperanza, Slahi encuentra aliados en la abogada defensora Nancy Hollander (Jodie Foster) y su asociada Teri Duncan (Shailene Woodley). Juntos se enfrentan a innumerables obstáculos en una búsqueda desesperada de justicia.

Crítica

Demoledora. Os damos 11 razones para ver esta película sobre el 11S

Puntualicemos antes de que os espante y penséis que esta es una película efectista que recrea el fatídico atentado. ‘The mauritanian’ es una película sobre el 11S, pero sobre todo se inspira en eventos posteriores al atentado contra las Torres Gemelas de Nueva York. Estamos en un punto lo suficientemente distanciado en el tiempo como para herir sensibilidades, pero con estos temas hay que andar siempre con pies de plomo. Es por eso que ‘The mauritanian’ es un filme valiente.

Sin embargo lo que queda claro nada más empezar es que ‘The mauritanian’ gira vertiginosamente en torno a la vulneración de los derechos humanos y la inviolabilidad del estado de derecho. Principalmente es un largometraje osado, en el que el director Kevin Macdonald se atreve de nuevo a mostrar un punto de vista diametralmente opuesto al que maneja la opinión popular, a tocar un tema capaz de levantar ampollas en la sociedad estadounidense.

Es una película centrada en cuestionar el juicio nublado de un país enrabietado, con el orgullo herido, en el que las ansias de afianzar el poder y la supremacía pudieron hacer que se obviase algo tan elemental como es el beneficio de la duda y la presunción de inocencia. Lo narrado aquí con altos niveles de tensión, la historia de Mohamedou Ould Slahi, fue una de las consecuencias del 11S y por eso queremos daros 11 razones para verla.

  1. La gran interpretación de Tahar Rahim. El actor se pone de nuevo bajo la batuta de Kevin Mcdonald y es todo un acierto. Su trabajo gestual es brillante y es el hilo conductor de un duro drama.
  2. Su soberbia escena final en la que Rahim nos deja destrozados. Además con una música de fondo que me recuerda al tema ‘Blake and Schofield’ de ‘1917’, quizá para mostrar también que los protagonistas están ante una gesta imposible.
  3. Está basada en hechos reales. Surgida de los diarios que el propio Slahi publicó en 2015 y si echamos mano al libro probablemente descubramos que con las barbaridades que se dicen de Guantánamo podría haber sido aún más dura.
  4. Es un bofetón a un reciente pasado y a todo un país que se adjetiva civilizado. Una invitación a ambos bandos a no repetir errores.
  5. Aún con toda su dureza exhibe un humor sarcástico que alivia el tono del filme y va acorde a la personalidad real del protagonista.
  6. El resto del elenco protagónico es un gustazo. Jodie Foster, Benedict Cumberbatch y la joven Shailene Woodley están ensombrecidos por el papel de Rahim pero su participación además de vital es cercana a lo visceral.
  7. El lujo de secundarios o de reparto que ostenta el filme. Que encontremos a Denis Ménochet y a Zachary Levi salpicando el metraje es una sorpresa brindada en pequeñas cápsulas.
  8. Ya le ha valido el Globo de Oro a Jodie Foster y apunta a acaparar más estatuillas.
  9. La atrevida trama política y jurídica que nos cautiva sin aburrirnos con uno de esos extensos juicios.
  10. Los momentos de conversaciones entre presos respiran remembranza a ‘El conde de Montecristo’, otro personaje que sufrió un injusto cautiverio.
  11. Si es tu primer encuentro con el director y documentalista Kevin Macdonald hará que te vayas a otras películas suyas como ‘El último rey de Escocia’, ‘Whitney’ o ‘La vida en un día’, ahí es nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de marzo de 2021. Título original: The mauritanian. Duración: 129 min. País: Reino Unido. Dirección: Kevin Macdonald. Guion: Rory Haines, Sohrab Noshirvani, M.B. Trave. Música: Tom Hodge. Fotografía: Alwin H. Kuchler. Reparto principal: Tahar Rahim, Jodie Foster, Shailene Woodley, Benedict Cumberbatch, Denis Ménochet, Zachary Levi, Corey Johnson, Langley Kirkwood, David Fynn. Producción: Wonder Street, 30WEST, BBC Films, Convergent Media, Great Point Media, Shadowplay Features, SunnyMarch, Topic Studios. Distribución: Vértigo Films. Género: thriller, drama, política, hechos reales. Web oficial: https://www.facebook.com/TheMauritanian/

Crítica: ‘Dardara’

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Tras 25 años de incansable trayectoria y en el momento álgido de su carrera, la banda de rock Berri Txarrak decide parar. Antes, y a modo de despedida, emprenden una última gira por medio mundo para agradecer a todos esos fans que han vibrado con su música durante este tiempo.

La cineasta Marina Lameiro se embarca con ellos con la intención de registrarlo, construyendo un retrato coral a partir de historias diversas que van desde su propia tierra hasta México, Alemania, Japón, Estados Unidos… marcadas todas ellas por una pasión común: la música de Berri Txarrak.

Crítica

El testimonio de una carga sentimental indeleble

Desde la humilde opinión de un seguidor de Berri Txarrak intentaré transmitiros objetivamente el valor del documental ‘Dardara’ rodado por Marina Lameiro. Un reportaje muy bien montado y orquestado (permitidme el símil musical) que transmite más allá de lo que muchos pueden pensar.

‘Dardara’ puede alzarse como homenaje a una banda que ha pulsado el botón de pause y no sabemos si volverá a darle al play. No es un repaso estricto de una carrera ni una lluvia de cifras, bien podría el grupo presumir de ellas. Orientado de un modo realmente singular y más creativo, es una manera de ilustrar el cómo se puede llegar a un punto de desgaste, pero a la vez de satisfacción. Y yendo más allá, ese era el deseo de Gorka Urbizu, David González y Galder Izagirre al proponer llevar a cabo este proyecto, es una manera de dar las gracias y de rendir cortesía a los fans que han seguido al grupo en España y en todos aquellos países por los que ha tenido bolos Berri Txarrak, desde Japón pasando por sus momentos como teloneros de Rise against the machine hasta su concierto 1000 en la otra punta del globo terráqueo.

La traducción de “dardara” es “temblor” y precisamente eso produce el sonido de apertura y cierre del documental. Esa sensación o sentimiento que hace brincar, chocar o gritar en un concierto es lo que manifiestan los fans que dejan que los infrasonidos de Berri Txarrak les atraviesen y que se han colocado ante las cámaras de Lameiro. Las imágenes y los testimonios, incluidos los de Urbizu, hablan de los sentimientos que despierta su música, de la transcendencia en la vida de muchos. Todo ello visto desde múltiples prismas, haciendo de la carrera de la banda (y de la música en general) una herramienta de diversidad e inclusión que va más allá de ser o no euskaldún.

Este es un documento indispensable para la comprensión del rock de las últimas décadas y también para la difusión y normalización del euskera en todas partes, librándolo de sesgos o prejuicios. Puedes ser fan y disfrutar de detalles como el saber que Urbizu entró tardío en el mundo del rock o como sus poéticas letras también emanan rabia, pero es indudable que aquel que quiera ser artista o busque indagar en lo más profundo de una mente creativa apreciará este documento. Berri Txarrak ha dejado una huella indeleble de esa y otras maneras, poco a poco ser irá reconociendo su peso en nuestra cultura. Al fin y al cabo, el tiempo es el único polígrafo.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de marzo de 2021. Título original: Dardara. Duración: 97 min. País: España. Dirección: Marina Lameiro. Guion: Marina Lameiro. Música: Berri Txarrak. Fotografía: Marina Lameiro. Reparto principal: Gorka Urbizu, David González, Galder Izagirre, Kochi Hanafusa, Pauline Rzempowski, Xabi Cabrera, Jare Lertxundi, Ryan Demma, Max Meisterling, Juan de Dios Ríos, Fátima Guadalupe García Quintana, Oihane Ofogo, Asako Nitta. Producción: Arena Comunicación, Txalap.art, Only in Dreams. Distribución: Atera Films. Género: documental, música. Web oficial: https://dardarafilma.com/

Entrevista a Marina Lameiro y Gorka Urbizu por ‘Dardara’

Han realizado un documental homenaje a los fans de Berri Txarrak

El grupo Berri Txarrak (Malas noticias) dio un disgusto a sus seguidores en 2018 anunciando un parón indefinido. Justo en la cresta de la ola y llenando conciertos con miles de personas la banda decidió parar para orientar su carrera artística de otra manera y sin indicar si habrá vuelta o no.

Para despedirse de sus seguidores la banda formada por Gorka Urbizu, David González y Galder Izagirre lanzó una impresionante gira mundial que reventó toda expectativa. Ahora un largometraje en formato documental llamado ‘Dardara’ (podréis leer la crítica aquí) se estrena en cines, en concreto el 19 de marzo.

En ese documental la directora Marina Lameiro ha captado una gran cantidad de imágenes grabadas en conciertos y en backstage, además de otros emplazamientos, donde vemos no solo las entrañas del grupo, si no todo aquello que sienten seguidores del trío a lo largo de todo el mundo. Todo ello acompañado de testimonios o reflexiones de Gorka Urbizu, el cantante, guitarrista y compositor del grupo euskaldún.

A continuación, hablamos tanto del grupo como del documental con la directora y el cantante tras su paso por Madrid.

Sinopsis oficial:

Tras 25 años de incansable trayectoria y en el momento álgido de su carrera, la banda de rock Berri Txarrak decide parar. Antes, y a modo de despedida, emprenden una última gira por medio mundo para agradecer a todos esos fans que han vibrado con su música durante este tiempo.

La cineasta Marina Lameiro se embarca con ellos con la intención de registrarlo, construyendo un retrato coral a partir de historias diversas que van desde su propia tierra hasta México, Alemania, Japón, Estados Unidos… marcadas todas ellas por una pasión común: la música de Berri Txarrak.

Vemos el poso que han dejado sus canciones en un relato que sigue los últimos pasos de un grupo capaz de trascender un estilo, una lengua y varias generaciones para convertirse en un fenómeno universal.

Dardara es un documental que avanza a través de las letras y reflexiones de Gorka Urbizu, autor de las canciones del grupo durante un cuarto de siglo y que ahora se enfrenta al vértigo de un futuro creativo por escribir. Una película sobre el poder de la música y la pasión –ese mínimo exigible, como reza una de sus letras-, la misma que les ha guiado desde sus inicios hasta esta última gira y con la que han logrado formar parte importante de la vida de miles de personas.

Crítica: ‘Relic’

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Cuando la anciana Edna desaparece y reaparece inexplicablemente, su hija Kay y su nieta Sam viajan a la casa familiar en la que descubren que tras la demencia de la abuela se oculta una presencia malévola que trata de poseerla.

Crítica

Genera muy buen discurso entre generaciones

Para empezar a comprender bien ‘Relic’ hay que tener en cuenta que está protagonizada por tres actrices que además de dar la talla interpretativamente funcionan bien como familia. De menor a mayor, de nieta a abuela: Bella Heathcote, Emily Mortimer y Robyn Nevin. Es importante el relato generacional en este filme por lo que quiere contar.

Se que es una película difícil de tragar pero a mí me ha gustado. Construye muy poco a poco su argumentación y conforma toda ella una metáfora, con el terror como canal de transmisión. Algunos no admiten esa planificación que nos lleva de empezar con secuencias lentas y nos conduce a un climax intenso, pero yo creo que es la clave para sentir agobio, miedo y claustrofobia con esta película. Desde luego ‘Relic’ es capaz de materializar algunos temores inevitables dados en el ser humano.

Natalie Erika James (premiada en Sitges) se ha estrenado con este filme que a diferencia de otras muchas películas que solo buscan los sustos o el espectáculo grimoso se esfuerza en transmitir una inquietud. Siembra pistas que al final evidencian el resultado, como debe ser, sin finalizar de un modo enigmático o solo incomprensible con aclaraciones en entrevistas posteriores. No engaña al espectador que sale de la sala con una idea hecha de lo que ha visto.

La ambientación es otro logro de ‘Relic’. Con ella nos introducen en un lugar triste y que en algunos estadios del filme se hace literalmente agobiante. Hace que una casa funcione como un símil de una mente perdida y desorientada. Además consigue acabar con una escena sentida de verdad. Eso hace que la película gane enteros y no sea un título más entre los muchos que llegan con una temática similar.

En mi caso, no sigáis leyendo si no queréis spoilers o no queréis sacar conclusiones condicionadas, la historia habla del miedo a la muerte, de cómo la vejez acecha y nos hace sentir reliquias. Sobe todo de comprender y acompañar a los que están en una situación en la que los achaques de la edad tergiversan la personalidad. Por supuesto este es un filme que creo que habla de la demencia senil. Es un camino con sufrimiento pero con construcción personal que acaba sacando a la luz nuestra humanidad y el amor por los nuestros.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de marzo 2021. Título original: Duración: 89 min. País: Estados Unidos. Dirección: Natalie Erika James. Guion: Natalie Erika James, Christian White. Música: Brian Reitzell. Fotografía: Charlie Sarroff. Reparto principal: Emily Mortimer, Robyn Nevin, Bella Heathcote. Producción: AGBO, Carver Films, Film Victoria, Nine Stories Productions, Screen Autralia. Distribución: Selecta Visión. Género: terror, drama. Web oficial: https://www.ifcfilms.com/films/relic#&gid=1&pid=1

Crítica: ‘Solo las bestias’

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Después de la desaparición de una mujer durante una tormenta de nieve, cinco desconocidos de un pueblo remoto de las montañas se verán envueltos en un misterio que trasciende los continentes y que ninguno de ellos esperaba.

Crítica

Una historia intercontinental hecha a retales con muy buenas puntadas

‘Solo las bestias’ empieza con una escena corta en la que un joven (Guy Roger ‘Bibisse’ N’Drin) carga a sus espaldas un animal. Corte, títulos de créditos y pasamos a una Francia rural nevada en la que transcurre casi toda la acción de la película. Nos quedamos preguntándonos qué significa esa secuencia introductoria grabada en África.

Dominik Moll ha afirmado que ha adaptado la novela de Colin Niel sin cambiar su título ya que le atrapó la atmósfera. Pero yo digo que lo que me ha atrapado son sus misterios. No solo ese cambio de escenario que os he descrito, también el misterio por saber qué pasó con la chica que desaparece y que forma parte de la sinopsis del filme, así como la manera en cómo se van a resolver todos los cruces de caminos que tiene. Podríamos definir ‘Solo las bestias’ como cine negro de campiña.

La tónica de ‘Solo las bestias’ es meternos en un ambiente de desconcierto, misterio y hostilidad. Desde el mismísimo principio sentimos la misma confusión que los protagonistas pues hay escenas que no tenemos ni idea de por qué suceden. Los primeros compases en Francia nos hacen pasar el día con una de las protagonistas femeninas (Laure Calamy). Poco después la trama nos devuelve a momentos pasados para conectar con los trasuntos de otros personajes. Con esa mecánica vamos descubriendo muchas verdades acerca de lo que se ha estado viendo en ese corto espacio de tiempo. Entre todos van completando y explicando cómo se ha dado esta confluencia de historias, al más puro estilo ‘Babel’. Por supuesto está relacionado todo con la desaparición de la mujer. Y la manera en cómo nos cuentan lo sucedido es un aliciente que se suma al de los enigmas sembrados en los primeros instantes.

‘Solo la bestias’ nos viene a decir como tantas otras películas que solo sobrevive el más fuerte o que seguimos siendo animales que se mueven por instintos básicos. Es una película de escarceos y secretos pero también de pulsiones y de sentimientos no correspondidos. El mejor ejemplo de todo esto son los personajes de Denis Menochet y Nadia Tereszkiewicz. A Menochet le pega el papel de granjero iluso, no solo por aspecto sino porque es un actor que sabe elaborar una flema muy característica que además va cargada de sentimiento. En el caso de la sensual Tereszkiewicz lo que mejor define su trabajo, lo que materializa, es la desesperanza y entrega.

Aunque no lleguemos a tener un desenlace específico para todos y cada uno los protagonistas, ‘Solo las bestias’ se caracteriza por cómo trata cruelmente a todos y cada uno de ellos. Y es que con la película avanzada retomamos al chico de África y la cosa se pone entonces más retorcida. Esta es una historia en la que la globalización se vuelve en contra de los ciudadanos cuyos países consienten esa diferencia entre mundos. Hay un poco de karma en todo esto.

El montaje de ‘Solo las bestias’ es excelente. Tiene una manera muy particular de narrar y eso encandila siempre. Me gusta además que las películas queden sin flecos, en esta película lo dejan todo cerrado pero eso no quiere decir que no dejen algunas cosas a lazar. Quizá es la mayor pega que le pongo al filme de Moll. Hay un evento que deja demasiado a lo casual, casi como si determinado encuentro sucediese por intercepción de la magia.

De Francia a Costa de Marfil, donde falleció Thierry Kafando el técnico al que está dedicado el filme. ‘Solo las bestias’ es una historia intercontinental hecha a retales que tiene muy buenas puntadas.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de marzo de 2021. Título original: Seules les bêtes. Duración: 117 min. País: Francia. Dirección: Dominik Moll. Guion: Gilles Marchand, Dominik Moll. Música: Benedikt Schiefer. Fotografía: Patrick Ghiringhelli. Reparto principal: Denis Menochet, Valeria Bruni Tedeschi, Laure Calamy, Nadia Tereszkiewicz, Damien Bonnard, Bastien Bouillon, Guy Roger ‘Bibisse’ N’Drin. Producción: Haut et Court, Razor Film Produktion GmbH, France 3 Cinéma. Distribución: Festival Films. Género: thriller. Web oficial: https://www.hautetcourt.com/en/films/only-the-animals/

Crítica: ‘The owners’

Sinopsis

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Un grupo de amigos cree que encuentran un blanco fácil en una casa vacía con una caja fuerte llena de dinero en efectivo. Pero cuando la pareja de ancianos que vive allí llega temprano a casa las cosas cambian de repente. Mientras se produce un juego mortal del gato y el ratón, los posibles ladrones deben luchar por salvarse de una pesadilla que nunca hubieran imaginado.

Crítica

Una Maisie Williams diferente y un misterio por resolver nos mantienen enganchados

La trama de ‘The owners’, sobre todo durante el primer acto, recuerda mucho a ‘No respires’. Unos ladrones se creen más listos que nadie y quieren saquear una casa que piensan que esconde una fortuna y cuyos dueños van a estar desprotegidos. Si en la película de Fede Álvarez era un ciego el que les hacía la vida imposible a los protagonistas, en esta de Julius Berg es una pareja de ancianos que como intuiréis no esconde nada bondadoso entre sus quehaceres.

Esta es una película de personajes sucios, sospechosos e inquietantes. No inquietantes en plan Jordan Peele, más bien se aproxima a lo sibilino u ominoso de algunos personajes de Shyamalan. Y aunque el giro de guión que tenemos al final no está a la altura del director hindú, ‘The owners’ esconde un sorprendente final.

Este es un home invasión en el que se enfrentan unos ancianos de clase media alta a unos granujas al más puro estilo Guy Ritchie, ataviados con chándal, cadena de oro, jerga barriobajera… Obviamente quien llama más la atención en el reparto es Maisie Williams, quien ya dejó de ser nuestra letal niña de ‘Juego de Tronos’. Destaca por ser la cara conocida porque la trama pone su foco en ella (aparte de en la pareja de ancianos) y porque su personaje es el que va a contracorriente del resto en todo momento. Dejando al margen ‘The new mutants’ creo que es el filme en el que se ha visto más obligada a elaborar un registro diferente. Porque lo que hizo en la reciente ‘Two weeks to live’ o incluso en ‘Mary Shelley’ no le ha hecho separarse demasiado del carácter de Arya.

Frente a ella y a los malogrados ladrones destaca el matrimonio propietario de la casa. Están interpretados por Sylvester McCoy y Rita Tushingham (a quien he confundido un par de veces con Geraldine Chaplin, ambas trabajaron en ‘Doctor Zhivago’). El actor, que seguro recordaréis como Dr. Who o Radagast el Pardo, se desenvuelve bien en su papel sereno, refinado y educado. Mientras Tushingham es la que lleva la responsabilidad de dejarnos más descolocados que ningún personaje y funciona medianamente bien.

‘The owners’ no inventa nada nuevo dentro del género de suspense, tiene una trama estrictamente lineal y se centra en lo que hacen otras muchas, en desarrollar su acción a base de pérdidas de nervios, presión y desesperación. A mitad de la película parece que hemos llegado a un desenlace como el de tantas otras cintas de este tipo, pero un giro que va desarrollándose poco a poco mantiene la historia en marcha. El guión es básico, la violencia aparece de vez en cuando para engancharnos de nuevo, pero sobre todo es con su pequeño misterio con lo que consigue hacernos llegar hasta el final.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Título original: The owners. Duración: 92 min. País: Reino Unido. Dirección: Julius Berg. Guion: Julius Berg, Matthieu Gompel. Fotografía: David Ungaro. Reparto principal: Maisie Williams, Sylvester McCoy, Rita Tushingham, Jake Curran, Andrew Elis, Ian Kenny, Stacha Hicks. Producción: Blue Light, Logical Pictures, Wild Bunch, XYZ Films. Distribución: A contracorriente films. Género: thriller. Web oficial: http://logicalpictures.com/catalogue/

Crítica: ‘El rey de Zamunda’

Sinopsis

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Ambientada en el exuberante real país de Zamunda, el recién coronado Rey Akeem (Eddie Murphy) y su fiel confidente Semmi (Arsenio Hall) se embarcan en una nueva y divertidísima aventura que los lleva a recorrer el mundo, desde su gran nación africana hasta el distrito de Queens, Nueva York, donde empezó todo.

Crítica

Cargante y predecible

‘El príncipe de Zamunda’ es un clásico contemporáneo de la comedia que además supuso un paso adelante para el cine hecho por personas de raza negra. La película es todo un logro dirigido por John Landis (‘Granujas a todo ritmo’) en el 88 de la cual conservo un grato recuerdo tras múltiples visionados. Ahora, con Craig Brewer (‘Black Snake Moan’) tras las cámaras volvemos a Zamunda.

Al margen de los gags que recuerdo de la película original hay que reconocer que se ha quedado algo anticuada, sobre todo en lo que se refiere al concepto de personajes y el tipo de humor. Paramount y Eddie Murphy han intentado tomar nota de los nuevos vientos y durante toda la película procuran mostrar que estamos en el siglo XXI y hay cambios por aplicar. Es algo extrapolable a lo que hemos vivido en España cuando se ha planteado si puede reinar una primogénita o si un rey se puede casar con alguien del burgo.

Volvemos por lo tanto a ese reino arcaico, ritualista y tribal. Un lugar que se ve forzado a actualizarse dejando de lado los matrimonios concertados o los aburridos protocolos ya que la descendencia del príncipe es toda femenina y de armas tomar, por lo menos que él sepa. Para eso se incluye nueva sangre en el reparto de manera que sus ideas choquen con las clásicas normas del reino, porque el tipo de comedia sigue siendo el mismo. Aunque va de moderna por detrás tenemos siempre a algún personaje (incluido Murphy) que mantiene las ideas pasadas. El de ‘El rey de Zamunda’ es un discurso que habría funcionado en una secuela próxima a la original, pero en pleno 2021 se hace tan ineficiente como predecible.

Si me parece una continuación fallida es sobre todo porque peca de haber eliminado el carisma de Eddie Murphy. De hecho da la impresión de que ‘El rey de Zamunda’ está concebida más para impulsar la carrera del Jermaine Fowler que para retomar un personaje cómico que funcionó en los ochenta.

El tipo de humor sigue siendo el mismo. El sexo y el racismo se mantienen como los temas principales. Hace gracia por ejemplo la inclusión del objeto de entrenamiento conocido en las redes como pajilleitor plus. Y cuando aparecen los personajes originales, sobre todo los que interpretan Murphy y Arsenio Hall hasta arriba de maquillaje, la película parece funcionar. Pero ‘El rey de Zamunda’ da mucho más metraje a Fowler, Leslie Jones, Tracy Morgan y compañía, con personajes del Queens de visita en África. Su tarea consiste sobre todo en ser ordinarios para chocar con la refinada nobleza de Zamunda. Y lo hacen bien pero a base de griterío al más puro estilo ‘La que se avecina’ y acaban cargando. Pero no solo eso nos acaba hastiando, también exagerada chulería de Fowler o incluso un Wesley Snipes que como villano cogiendo el testigo del fallecido Calvin Lockhart ha quedado ridículo y tiene una última escena de lucha que roza lo involuntariamente bochornoso para alguien con su carrera en el género de acción.

El Rey León está por todas partes: hay mucha danza tribal, los trajes parecen sacados del musical y por supuesto está de nuevo James Earl Jones, mucho menos cómico que en sus cameos de ‘The Big Bang Theory’. Pero las que también están por todas partes son las marcas. La película tiene bastante product placement: en ropa, en joyas… Y sobre todo en comida. Si la primera parte parodiaba a McDonald’s esta ya es una broma directa y reiterativa con la marca de comida rápida.

‘El rey de Zamunda’ no se atreve a mirar de cara la época más machista y retrógrada de la que viene y no hace crítica de ello, se queda en lo superficial. Valoro como han rescatado imágenes originales o como han tirado de artificios digitales para volver 33 años atrás. Pero el intento de remozar el personaje del Principe Akeem se queda en algo que vemos venir a la legua, como si en todos estos años no hubiese habido evolución alguna. Si la primera fue un taquillazo, sobre todo teniendo en cuenta su reparto afroamericano, esta segunda tiene la suerte de no medirse en afluencia de público y ser proyectada en Amazon Prime Video.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Título original: Coming 2 America. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Craig Brewer. Guion: Kenya Barris, Barry W. Blaustein, David Sheffield. Música: Jermaine Stegall. Fotografía: Joe ‘Jody’ Williams. Reparto principal: Eddie Murphy, Jermaine Fowler, Arsenio Hall, Shari Headley, Wesley Snipes, Leslie Jones, James Earl Jones, Gracelle Beauvais, David Lengel, John Amos, Paul Bates, Tracy Morgan, Loui Anderson, Rotimi. Producción: Eddie Murphy Productions, Misher Films, New Republic Pictures, Paramount Puctures. Distribución: Amazon Prime Video. Género: comedia.

Crítica: ‘Woman’

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La película nos lleva por todos los rincones del mundo para conocer el retrato íntimo de miles de mujeres con diferentes caminos de vida, modelados por su cultura, su fe o su historia familiar.

Es un reflejo actual de la sociedad, donde a menudo la mujer sufre desigualdades y se enfrenta a dificultades, pero también es un canto al empoderamiento del género femenino y a su capacidad y fuerza interior para cambiar el mundo.

Basado en encuentros en primera persona, el proyecto aborda temas como la maternidad, la educación, el matrimonio, la independencia económica, la menstruación o la sexualidad.

Crítica

Todo un retrato antropológico

Yann Arthus-Bertrand y Anastasia Mikova están construyendo su propia matrioshka cinematográfica. Empezaron con ‘Home’, pasaron a ‘Human’ y ahora, tras otros que ha habido entre medias, presentan ‘Woman’. “He sobrevivido a la violencia sexual y al tráfico de personas”. Con un testimonio así, de una persona que reconoce que decir eso en público es lo más valiente que ha hecho en su vida, arranca ‘Woman’. Esta es una película que parece querer remover conciencias más que querer ser sensiblera. Sobre todo, cuando descubrimos que la que ha pronunciado esas duras palabras es toda una deportista, una campeona que ha superado retos impresionantes.

Los títulos de crédito muestran a una mujer en comunión con la naturaleza. Como podréis ver, el documental toca infinidad de facetas a cerca de lo que significa ser mujer. Es todo un retrato antropológico. Cierto es que habla y redunda sobre lo mismo de siempre, pero por desgracia para muchas personas este podría suponer un ejercicio de cerca de dos horas al que les tendríamos que someter casi de manera obligatoria.

En ‘Woman’ oímos y vemos a mujeres que han decidido superar miedos y retos, que se comunican de multitud de maneras. El abanico de testimonios es inmenso. El propio documental se ha planteado un reto casi inabarcable, el de dar voz a mujeres de todo el globo terráqueo y de todas las edades. Y ni cortos ni perezosos Anastasia Mikova y Yann Arthus-Bertrand han contado con unas 2000 mujeres. A ellas les agradecen su participación en este documental, no es para menos, pues frente a la cámara se abren, reclaman, proclaman, ríen y lloran.

¿Son fuertes las mujeres? ¿Cómo afrontaron su primera regla y los cambios de su cuerpo? ¿Cómo les gusta experimentar el sexo? ¿Cómo es su situación en el mercado laboral? ¿Cómo ven el tema de la igualdad? ¿Cómo es para ellas estar gestando una vida? Podríamos decir que, principalmente respecto a esta última cuestión, el documental es tan universal que nos hace volver a conceptos como el de la Pachamama o las venus paleolíticas en los que la madre tierra era adorada como fuente de toda vida. Quizá es por eso que ‘Woman’ dice desde el principio estar dedicado a todas las madres. Y pese a ello tampoco deja de lado a esas mujeres que no pueden concebir, como las que han sido violadas, víctimas de ablación o simplemente han decidido cambiar de sexo.

‘Woman’ va a quedar ahí como algo más que una guía o un manual, es el testimonio de una raza que ojalá vean algún día vecinos de galaxias cercanas, para que sepan realmente como era una gran parte de la humanidad. Y esta suele ser la tónica de los documentales de Yann Arthus-Bertrand que están menos premiados de lo que deberían.

Este documental solo ofrece la perspectiva de mujeres sobre ellas mismas. Podría ponerme a la defensiva desde mi posición de hombre pero, aparte de que me considero partidario de la igualdad y nada condescendiente hacia las mujeres, creo que el documental no presenta ninguna hostilidad. Nos invita, como pienso que hace falta hacer repetidamente hoy en día, a reflexionar cómo tratamos o hemos tratado siempre la figura de la mujer. Quiero creer que estas casi dos horas de testimonios harán que muchos y muchas reconsideren su posición a cerca de las temáticas que se comentan. Y sobre todo, si alguien se siente dolido porque a veces en ‘Woman’ se generalice es porque no ha entendido el mensaje de diversidad que envía el documental.

‘Woman’ se forma a base de innumerables entrevistas que abrazan lo que significa ser mujer desde muchas culturas y experiencias. Entremedias intercala a modo de transición algunas imágenes que se salen del estudio de grabación, pero básicamente lo que calan son las palabras de todas ellas. Esta obra de Anastasia Mikova y Yann Arthus-Bertrand tiene que haberles llevado mucho tiempo pues se ha realizado colaborando con ONGs de todo el mundo y eso se me antoja laborioso a nivel burocrático, además se nota que no han parado hasta tener todas sus cuestiones cubiertas.

La última secuencia (obra de las artistas de Bandaloop) muestra a unas mujeres saltando sobre los cristales de un edificio, en una coreografía que bien puede representar el cómo a veces han de lanzarse al peligroso vacío para colocarse sobre los famosos techos de cristal. A la vez las hileras de ventanas pueden tener similitudes con un pentagrama en el que se alojan notas. Y esas notas saltan, saliéndose de composiciones preestablecidas buscando distintas melodías.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de marzo de 2021. Título original: Woman. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Anastasia Mikova, Yann Arthus-Bertrand. Guion: Anastasia Mikova, Yann Arthus-Bertrand. Música: Armand Amar. Fotografía: diferentes unidades de rodaje. Reparto principal: Norma Bastidas, Gabriela Melgoza, Shantel Nasir, Aleksandra Orbeck-Nilssen, Virginie Raisson. Producción: Hope Production. Distribución: Adso Films. Género: documental. Web oficial: http://www.woman-themovie.org/

Crítica: ‘Dating Amber’

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Sigue los pasos de un chico y una chica, que fingen ser pareja para alejar los rumores sobre su orientación sexual que corren por el instituto. Ambientada en la Irlanda de los años noventa, la cinta es una conmovedora historia sobre dos adolescentes encerrados en una población que no les acaba de aceptar como son.

Crítica

Las guías de cambio social también pueden estar edulcoradas con humor

Podría adornar esta crítica de ‘Dating Amber’ con frases tópicas y típicas como “es una historia de autodescubrimiento” o “un paso hacia la madurez” pero considero sobre todo que ‘Dating Amber’ es una historia de reprimidos y amedrentados. Y eso no va solo por aquellos que temían salir del armario, va también por los abusones que aún sin conocerse a sí mismos criticaban a los demás por ser diferentes. La película de David Freyne se irgue como un buen ejemplo capaz de hacer que nazca reflexión sobre aquellos que ahora podemos considerar como artífices de acoso escolar.

El filme pone a la lesbiana protagonista (Lola Petticrew) como una machucho y al gay (Fionn O’Shea) como alguien debilucho. Son tópicos, manidos que poco a poco se va viendo que están llevados a ese extremo o estereotipo con el simple objetivo de devolvernos a ideas pasadas. ‘Dating Amber’ lucha contra el conservadurismo y lo hace desde la perspectiva de los años 90. Una época en la que Irlanda se debatía en aprobar o no los divorcios y en la que ya estaban presentes campañas contra el VIH no del todo bien enfocadas.

Además de ser una película con un evidente discurso a favor de la diversidad y pujando por la admisión de cualquier tipo de identidad, es una historia generacional de pardillos adolescentes y salidos. Otro aspecto llevado al extremo es la elevadísima lívido de los adolescentes irlandeses. Con ello se rompe el drama y se alcanza la comedia. ‘Dating Amber’ no tiene vergüenza y pinta penes por todas sus paredes y cuadernos. Es gracias a ese humor que se desmarca de filmes sensibleros o extremadamente dramáticos. No es todo lo hilarante que podría ser o no encaja con el humor que a mí me gusta pero reconozco que tiene cierta gracia.

Ya va tocando que artistas gays muestren en cines su visión sobre el tratamiento de la identidad de género en la sociedad. Lo de ‘Dating Amber’ no es novedoso pero puede alardear de tener director y reparto en el que encontramos a algunos que son abiertamente homosexuales. Esa manera de vivir abiertamente contrasta con la relación falsa que establecen los protagonistas para evitar que se sepa en el colegio que les gusta gente de su mismo sexo. Me parece una buena estrategia de combate.

Esta es una película que refleja esa época en la que nos íbamos tímidamente a escondidas a besarnos, fuese cual fuese la preferencia sexual. Al margen de preferencias amorosas o pulsiones sexuales es un filme que sirve de guía para adolescentes. Una película que acierta en la mayoría de sus planteamientos y que sobre todo hay que tener en cuenta que formará bloque educacional con títulos como ‘Con amor, Simon’, ‘Call me by your name’ o ‘Pride’.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Título original: Dating Amber. Duración: 92 min. País: Ireland. Dirección: David Freyne. Guion: David Freyne. Música: Hugh Drumm, Stephen Rennicks. Fotografía: Ruairi O’Brien. Reparto principal: Fionn O’Shea, Lola Petticrew, Sharon Horgan, Barry Ward, Simone Kirby, Evan O’Connor, Ian O’Reilly, Emma Willis, Lauryn Canny. Producción: Screen Ireland, Altitude Film Entertainment, Broacasting Authority of Ireland, Radió Teilifís Éireann, Wrong Men, VOO, BE TV, BNP, Atomic 80, Particular Crowd. Distribución: Elamedia Studios. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.elamedia.com/Catalog/DATING-AMBER

Crítica: ‘Pequeños detalles’

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Envían a Joe «Deke» Deacon (Washington), el sheriff adjunto del condado de Kern, a Los Ángeles para lo que debería haber sido una tarea rápida de recopilación de pruebas. Pero Deke se ve envuelto en la búsqueda de un asesino en serie que aterroriza a la ciudad. El sargento del Departamento del Sheriff de Los Ángeles Jim Baxter (Malek) se encarga de dirigir la búsqueda del asesino. Impresionado con el instinto policial de Deke, consigue que colabore con él aunque no por el canal oficial. Mientras persiguen al asesino, Baxter no es consciente de que la investigación está sacando a la luz ecos del pasado de Deke, descubriendo secretos inquietantes que podrían poner en peligro algo más que su caso.

Crítica

Una buen manera de mostrar que algunos pequeños detalles pueden llegar a marcar

De la mano del irregular John Lee Hancock (‘Emboscada final’, ‘Al encuentro de Mr. Banks’) llega a cines ‘Pequeños detalles’. Una película dirigida y escrita por el cineasta texano, con un reparto de excepción ya que junta a actores con estilos diametralmente distintos. Un logro de dirección ya que consigue paliar los dejes de sus estrellas llevándoles a todos al mismo terreno.

Denzel Washington, Rami Malek y Jared Leto interpretan a tres personajes con una manera bastante concienzuda de tomarse la vida. ‘Pequeños detalles’ supone un pulso entre el carácter de los tres, una pelea por ver cuál de los tres personajes explota antes. El filme es bueno a la hora de hacer que nazca en nuestro pecho un grito que sirva de detonante, que traspase la pantalla. La meticulosidad y paciencia de los tres protagonistas parece que busca inquietar más y más al espectador y no cabe duda que contribuye a generar una atmósfera de alta tensión.

Ciertamente ‘Pequeños detalles’ podría ser un filme puramente noir si solo nos quedamos con su argumento. Una trama en la que un joven detective es ayudado por un alguacil que ocupaba su puesto de años atrás. Ambos intentan resolver unos crueles crímenes de mujeres que quedaron sin resolver a causa de lo cuidadoso que era su artífice. Es noir en cuanto a su ambiente y su fatalismo, en cuanto al carácter puro de sus comprometidos personajes. Pero se sale de esa corriente en cuanto ofrece tramas secundarias de sus personajes y momentos luminosos.

El misterio está sembrado, tanto por descubrir quién es el auténtico asesino como por conocer pormenores del pasado de todas las partes. Es por eso que ‘Pequeños detalles’ parecía que iba a ser una película que pidiese un visionado activo por parte del espectador. Pero no hay que estar al tanto de elementos ocultos o de imágenes fugaces para llegar a la resolución final. Es una película de almas oscuras y mentes detectivescas que nos van desentrañando abiertamente las soluciones. Lo más relevante para mí, las apariciones de libros como Flic Story y Helter Skelter. El significado de su título lo interpreto más bien como una reflexión a como un pequeño detalle puede marcar de por vida que a como un pequeño detalle puede resolver una historia.

Y a pesar de su nombre y sus cavilaciones la película nos deja con cierto suspense. Quizá el detalle más revelador, escondido o introducido a modo de huevo de pascua es que esta es una película de Warner Bros. y en determinado momento aparece una máquina de ‘Mortal Kombat’. Los diálogos son lo suficiente lúcidos como para mantenernos enganchados y hacer de este un viaje interesante, pero su resolución habría necesitado precisamente otros detalles que la enriqueciesen.

A parte de los buenos textos que han tenido que interpretar, el trío protagonista es el que levanta el filme. Todos pausados y pensantes, sin apenas acción en sus escenas. De todos ellos Rami Malek es el que más robótico actúa y Washington el único que se sale de la frialdad y aporta más sentimiento. Pero el que marca la diferencia y se sale más de sus papeles habituales es Leto con un personaje escalofriante, ominoso, burlesco y de peculiares andares. Entre alguno de ellos podría caer alguna nominación al Oscar.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de febrero de 2021. Título original: The Little things. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: John Lee Hancock. Guion: John Lee Hancock. Música: Thomas Newman. Fotografía: John Schwartzman. Reparto principal: Denzel Washington, Rami Malek, Jared Leto, Natalie Morales, Terry Kinney, Chris Bauer, Joris Jarsky, Isabel Arraiza, Michael Hyatt. Producción: Gran via, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: drama, thriller. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/little-things

Crítica: ‘Hail Satan?’

Sinopsis

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Estrenamos en exclusiva este fascinante documental que indaga en la repentina popularización de un antiguo culto conocido como ‘El Templo Satánico’.

Crítica

Retrata con gracia a una sociedad hipócrita y reaccionaria

España necesita más satanistas. Si realmente los miembros de El Templo Satánico (TST) son como se les describe en el documental sarcástico ‘Hail Satan?’ España necesita más satanistas.

Seguramente esa afirmación suene alarmante pues el culto a Satanás siempre ha sido visto como un acto de maldad o de brujería. Pero lo que se define como satanismo moderno es básicamente un movimiento que busca simplemente ser la antítesis a lo establecido. Usan el nombre de Satán como el más antiguo de los rebeldes. El grupo liderado por Lucien Greaves promueve su causa más como un grupo político que como una religión, buscando en su máxima establecer herramientas de pensamiento crítico y estableciendo unos dogmas más propios de los Osos Amorosos que de una secta.

La película es el reflejo de una lucha por la ecuanimidad. Aquellos que tradicionalmente se han unido a sectas satánicas pertenecían a grupos selectos o marginales, igualmente El Templo Satánico se ha convertido en el paraguas bajo el que se cobijan muchas minorías que buscan únicamente un trato favorable e igual. Defienden la libertad, respetando la de todos, incluyendo la de aquellos que quieren ofenderse. Son un conjunto de personas que básicamente protestan contra los dogmas establecidos y lo hacen usando tácticas de provocación que van desde manifestaciones a misas negras muy particulares.

Yo soy ateo y agnóstico, pero defiendo este movimiento pues más que nunca en mi vida he visto como se vulnera la libertad de expresión. Tengamos en cuenta que escribo estas líneas estando vigente la Ley Mordaza y acaba de ser encarcelado Pablo Hasél. Tan paradógica es esta situación en un país que se supone que es democrático como aquello por lo que protestan los miembros del TST. En uno de sus actos más clamorosos de protesta han buscado instalar tras un capitolio una estatua de Baphomet. Y quieren hacerlo junto a otra de los 10 mandamientos queriendo señalar así que su país es plural y no confeso de una sola religión. Cómicamente aquellos que se exaltan por tal idea no saben que realmente adoran unas tablas que se popularizaron en ciudades de USA como parte de una campaña de márqueting por la película protagonizada por Charlton Heston en 1956.

Si habéis visto la versión de Netflix de ‘Sabrina’ seguramente os suene el Baphomet que ‘Hail Satan?’ muestra cómo se crea. El TST se tuvo que querellar contra la plataforma que le copió la estatua y Netflix admitirlo hasta el punto de ponerles en los créditos. Pues crédito es exactamente lo que requieren a las autoridades estos “creyentes” que llevan toda la vida creciendo bajo sesgos como el que pone de peligrosos o marginados a todos aquellos a los que jugamos a juegos de rol como D&D.

El tono del documental de Penny Lane no podría ser otro que burlesco. Los miembros del TST se tienen que considerar más sarcásticos que satánicos pues se tienen que reír para no llorar cuando solo les llueve odio. Aquí les veréis recoger basura en las cunetas con tridentes como medio para congratularse con la sociedad. Pero la directora también se muestra crítica pues toca algo tan arraigado como las religiones. ‘Hail Satan?’ muestra favoritismo hacia los protagonistas de esta historia, pero también encuentra puntos negativos como las confrontaciones surgidas entre sus miembros.

Todo esto me lleva de nuevo a la actualidad española pues tenemos otros grupos de semejante índole, como Podemos, en los que confluyen muchas corrientes de pensamiento con cosas en común, pero con puntos de divergencia. Obviamente no estoy tildando a la formación de Pablo Iglesias como un grupo satánico, el propio documental ya muestra que vincular el satanismo con políticas de izquierdas desembocó en el “in God we trust”. Pero si me alegra que quien pueda ver de verdad el auténtico propósito que hay tras todo esto se colocará en una nueva posición de análisis y pluralidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de febrero de 2021. Título original: Hail Satan? Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Penny Lane. Música: Brian McOmber. Fotografía: Naiti Gámez. Reparto principal: Jex Blackmore, Chalice Blythe, Nicholas Crowe, Sal De Ciccio, Stu De Haan, Cecil B. DeMille, Dwight D. Eisenhower, Mamie Eisenhower, Michael Fischer, Courtney Francisco, Billy Graham, Lucien Greaves, Aurora Griffin, Mason Hargett, Chris Hayes, Charlton Heston, Shiva Honey, Malcolm Jarry. Producción: Hard Working Movies. Distribución: Filmin. Género: documental, comedia. Web oficial: http://www.magpictures.com/profile.aspx?id=bcab6d8f-9bd3-4402-90ac-1a008ccf7c47

Crítica: ’14 días, 12 noches’

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La adolescente hija adoptada de Isabelle muere en un trágico accidente. Un año después, y aún conmocionada por la experiencia, Isabelle regresa al orfanato vietnamita con la esperanza de volver a conectarse emocionalmente con su hija Clara a través de su tierra natal.

Immersa y abrumada, Isabelle inesperadamente se encuentra con la madre biológica de su hija, y juntas encuentran el cierre para seguir adelante.

Crítica

Un drama plagado de contrastes

Dado que casi todas las localizaciones de la película y sus actores provienen de Vietnam podríamos pensar que esta es una película de producción oriental. Pero nada de eso. ‘14 días, 12 noches’ es una producción canadiense que ha llegado a ser la mejor baza del país de América del Norte para los próximos Oscar.

Pero dando la vuelta a lo que acabo de decir, a pesar del origen el filme de Jean-Philippe Duval el carácter es del todo oriental. Ya no solo porque el escenario en el que transcurre todo nos transporta a un cine con tintes asiáticos, también por las formas tan pausadas de narrar, donde los silencios dicen mucho. La película establece una nueva relación entre los personajes de Anne Dorval y Leanna Chea que están ligadas en el pasado y que por causas del destino vuelven a encontrarse.

En esta cinta una madre pierde tras un trágico accidente a la hija que adoptó hace tiempo en el extranjero. Toma la decisión de ir a la tierra natal de la fallecida y encontrarse con su pasado, con su madre biológica.

‘14 días, 12 noches’ es un viaje o más bien una inmersión cultural que supone una introspección en un pasado desconocido que aun así forma parte de ambas protagonistas. Es una historia de palabras contenidas en la que la protagonista ha de tantear el terreno, tanto social como sentimental. La película se muestra interesante en las escenas en las que se ponen de frente las diferencias entre distintas culturas y nos plantea si es juicioso que la protagonista dé la fatídica noticia a la joven vietnamita.

Pero ese interés que consigue suscitar se diluye tras muchas escenas paisajísticas que rompen por completo el clima dramático. No obstante, hay que destacar que Attraction Images es la productora del filme y haciendo honor a ese nombre ‘14 días, 12 noches’ tiene imágenes cautivadoras. Tomas que establecen una correlación entre tierras tan diferentes y lejanas como Quebec y la Bahía de Ha-long. Lugares donde una naturaleza salvaje está siempre presente. Lo veo como una manera correcta de decir que ambas mujeres son distintas, pero tienen a la vez cosas en común.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de febrero de 2021. Título original: 14 jours, 12 nuits. Duración: 99 min. País: Canadá. Dirección: Jean-Philippe Duval. Guion: Marie Vien. Música: Bertrand Chénier. Fotografía: Yves Bélanger. Reparto principal: Anne Dorval, Leanna Chea, François Papineau, Laurence Barrette. Producción: Attraction Images. Distribución: Adso Films. Género: drama. Web oficial: https://adso.tv/ficha/4

Crítica: ‘Barrenderos espaciales’

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Año 2092. Cuatro inadaptados a la caza de chatarra espacial y sueños lejanos descubren unos inquietantes secretos cuando intentan vender a una humanoide poco común.

Crítica

Un título que podría haber barrido en taquilla

Una capitana, un tipo con flequillo, un robot, un hombre con rastas y una nave que se cae a pedazos. No, este no es el live action de ‘Futurama’, pero bien es cierto que tiene determinados puntos en común, como esos barrenderos (que no balleneros) lanzando arpones en medio del vacío. ‘Barrenderos espaciales’ probablemente sea equiparada a títulos como ‘Guardianes de la galaxia’ por sus acción, sus momentos cómicos y por el carácter buscavidas de los protagonistas. Y cuando me refiero a ‘Guardianes’ me quiero referir sobre todo al grupo de rateros llamados Ravagers.

Pero a lo que más se asemeja esta película coreana es a ‘Cowboy Bebop’, solo le falta la música jazz. Los héroes de esta historia llevan oculto su carácter de salvavidas y en su carcasa son supervivientes que hacen lo que sea por conseguir sus diferentes objetivos o motivaciones. Son un equipo que se enfrenta unido al nuevo orden mundial pero que individualmente no tienen casi nada en común. Aventurando un pronóstico de popularidad destacará sobre todo el tan bien realizado robot que además de tener una estética similar al que ya vimos en ‘Rogue One’ posee una personalidad que va desde lo sensible hasta lo macabramente letal.

Lo que nos plantea esta historia que en pantalla grande podría haber sido todo un bombazo de aventura es que el mundo está acabado. Arranca con un discurso medioambiental y nos sitúa en un futuro cercano en el que la humanidad cuelga de un hilo sujetado por una gran corporación dirigida por una especie de Elon Musk o Bill Gates interpretado por Richard Armitage (‘El Hobbit’). Nos preparamos para dar el salto a la vida fuera de la Tierra abordo de un mundodisco pero muchos se oponen ya que los principios corporativistas juegan a favor del elitismo. En medio de ese enfrentamiento otros viven a base de recoger la ingente cantidad de basura que orbita el planeta. Los protagonistas son parte de esos barrenderos espaciales, están arruinados y encima se ven metidos en una trama que les viene grande tras encontrarse a una niña en una nave a la deriva. El esquema sigue patrones bastante conocidos en el cine occidental.

‘Barrenderos espaciales’ tiene algún fallo de guión, como por ejemplo el que atañe a las constantes vitales de la niña, pero es bastante fantasiosa como para andar mirando con lupa esos detalles. Yo diría que incluso se ríe de sí misma haciendo de la niña una bomba de flatulencias. Es de esos filmes donde se impone el fantástico y no hay cabida a quejas sobre si los objetos suenan en el espacio o si queda por explicar alguna cosa sobre el villano.

Incluso pasaría por alto la extraña sensación al oír su inglés causada por la gran cantidad de intérpretes de otros países. Vemos una diversidad de acentos angloparlantes tremenda. Algo que por otro lado pienso que es intencionado pues la tierra de 2092 que imagina ‘Barrenderos espaciales’ está hecha de toda una mezcolanza de culturas.

Me a encantado todo el diseño de personajes y naves. Podemos observar además referentes clásicos y modernos. Algunas naves, por citar algo que me ha venido a la cabeza, se parecen a las de los Cylon de ‘Battlestar Galáctica’. Y los exoesqueletos de los agentes de la ley me parece que están bastante inspirados en ‘Chappie’. Incluso diría que las escenas en las que las naves recorren tubos de chatarra liándose a tiros rememoran a ‘Matrix’. Está claro que la película genera su propio universo visual pero no puede negar las fuentes de las que bebe.

El cine coreano ha puesto la vista en las estrellas y ya ha adelantado al de otros muchos países. ‘Barrenderos espaciales’ es de esas películas que se deja hasta el último cuarto en los títulos de crédito. Ya vemos como grandes nombres internacionales se acercan a las producciones coreanas y no es de extrañar cuando observamos con gusto que el diseño de producción, los efectos especiales o incluso la banda sonora no tienen nada que envidiar a las películas de Marvel Studios o Amblin Entertainment. Los responsables de los efectos especiales son aquellos que ya han llegado a España con títulos como la saga ‘Along with the Gods’, si os acercáis a esas películas veréis como se reafirma todo esto que os acabo de contar.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de febrero de 2021. Título original: Seungriho (Space sweepers). Duración: 136 min. País: Corea del Sur. Dirección: Sung-Hee Jo. Guion: Sung-Hee Jo, Seung-min Yoon, Yookang Seo-ae. Música: Kim Tae-seong. Fotografía: Byun Bong-sun. Reparto principal: Son Joong-ki, Kim Tae-ri, Jun Sun-kyu, Yoo Hai-jin, Richard Armitage, Park Ye-rin. Producción: Bidangil Pictures, Dexter Studios. Distribución: Netflix. Género: aacción, aventura, ciencia ficción. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘The Map of Tiny Perfect Things’

Sinopsis

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Basada en el relato de Lev Grossman, la película, dirigida por Ian Samuels, cuenta la historia del ingenioso adolescente Mark (Kylie Allen), quien vive felizmente el mismo día en un bucle sin fin y cuyo mundo se pone patas arriba cuando conoce a la misteriosa Margaret (Kathryn Newton), también atrapada en el bucle temporal. Mark y Margaret forman una pareja magnética que se propone encontrar todas las pequeñas cosas que hacen que ese día sea perfecto. Lo que sigue es una historia de amor con un giro fantástico, en la que los dos luchan por descubrir cómo, y si es posible, escapar de su día interminable.

Crítica

Tiene todos los puntos para convertirse en un clásico juvenil

Ha habido dos cosas de ‘The Map of Tiny Perfect Things’ que me inclinaron a enviar una solicitud para verla al departamento de prensa de Amaozn Prime Video. Una de ellas es Kathryn Newton (la actriz protagonista) y la otra el componente de ciencia ficción con todo el tema del bucle temporal. Y ambos componentes me han parecido suficientes como para sostener la narración de una película que termina siendo bastante más romántica o sensiblera que otra cosa. Quizá por buscar una mezcla entre género fantástico y tierno es por lo que se ha introducido por ahí de fondo la nave de E.T. ‘The Map of Tiny Perfect Things’ es una película muy simpática y ocurrente que además de saber ser lo justamente traviesa sabe explotar al máximo el lado emotivo de su título.

Newton trabajó hace poco en ‘Este cuerpo me sienta de muerte’, película que os recomiendo que veáis en cuanto se estrene. En ese filme estuvo a las órdenes de Christoper Landon, autor de la saga ‘Feliz día de tu muerte’. Quizá ambos ya sabían de este proyecto y el director le pudo dar algún consejo paradójico temporal. El caso es que tanto ella como Kyle Allen (el otro protagonista del filme) llevan con gracia esta historia que a pesar de estar ambientada en un día que se repite una y otra vez se hace cambiante y nada reiterativa.

‘The Map of Tiny Perfect Things’ trata acerca de dos chicos que sin saber por qué se ven encerrados en un bucle temporal viviendo una y otra vez el mismo día. Llevan tanto tiempo así que tienen oportunidad de memorizar todo lo que pasa, igual que Tom Cruise en ‘Al filo del mañana’. Así nos lo demuestran con un primer plano secuencia bastante bien hecho. A parte de con varios tramos de la película consistentes en llevar a cabo algunos sueños húmedos de todo adolescente. La cuestión es que acaban recorriendo su pequeño pueblo en busca de aquellos pequeños momentos perfectos que pueden ver repetirse una y otra vez, de ahí el mapa. Digamos que es como ir encontrando los secretos ocultos en un enorme videojuego del tipo sandbox, algo complicado pero que al fin y al cabo es meramente recreativo, una evasión del verdadero objetivo.

Lev Grossman ha desarrollado el guión a partir de un relato que escribió en 2016. Él mismo se moja y hace un cameo en la propia película siendo salvado de la siempre molesta mancha que producen las cagarrutas de los pájaros. Con esa “salvación” y con alguna imagen en televisión hace el guionista hace un homenaje a ‘Los héroes del tiempo (Time bandits)’ del fallecido Terry Gilliam, en la cual también había un mapa, este indicando la ubicación de agujeros temporales.

La edad de los protagonistas, la música, algunas escenas luminosas, secuencias muy videoclipistas, la historia de amor… Hace que esta película de Ian Samuels tenga todos los puntos para convertirse en un clásico juvenil. Al fin y al cabo la moraleja de la cinta gira en torno a la madurez, a aprender a dejar de evadirnos con trivialidades y afrontar la realidad. Nos cuenta eso y nos grita qué podemos hacer usando nuestros conocimientos para servir a la felicidad del resto.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de febrero de 2021. Título original: The Map of Tiny Perfect Things. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Ian Samuels. Guion: Lev Grossman. Música: Tom Bromley. Fotografía: Andrew Wehde. Reparto principal: Kathryn Newton, Kyle Allen, Josh Hamilton, Al Madrigal, Cleo Fraser, Anna Mikami, Teance Blackburn, Vanessa Padla, Jermaine Harris, Emmett Ferguson, Lily Lumpkin, Lisa VanAmburg, Douglas DeLisle. Producción: FilmNation Entertainment, Weed Road Pictures. Distribución: Amazon Prime Video. Género: ciencia ficción, romance, adaptación. Web oficial: https://www.filmnation.com/library/the-map-of-tiny-perfect-things

Crítica: ‘La Sra. Lowry e hijo’

Sinopsis

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L.S. Lowry fue una de las figuras artísticas más importantes del Reino Unido de mediados del siglo XX y sus obras triunfaron por su visión única del noroeste industrial de Inglaterra.

‘La Sra. Lowry e hijo’ nos muestra la complicada relación que mantiene con su madre, una mujer que trató activamente de disuadir a su hijo soltero de perseguir sus ambiciones artísticas y criticó cualquiera de sus gustos.

Este poderoso, pero humorístico drama ambientado en los años 30 en Inglaterra, imagina el impacto que esta obsesiva relación entre madre e hijo tuvo en el gran artista.

Crítica

Un buen retrato de un pintor perfilado por su relación maternofilial

Las películas que retratan una relación maternofilial a menudo vienen vertebradas por un drama que ha marcado a alguna de las dos partes. ‘La Sra. Lowry e hijo’ no se queda atrás. Sin llegar a los extremos de ‘Psicosis’ o ‘Kaleidoscope’ esta producción británica refleja como una madre dejó huella en un pintor reputado y reconocido a una edad muy avanzada como es el caso de Laurence Stephen Lowry.

‘La Sra. Lowry e hijo’ no tiene ese título de manera arbitraria. La Sra Lowry era (o al menos así se la refleja en este filme de Adrian Noble) alguien controlador, caprichoso, quisquilloso, clasista y por qué no decirlo, muy mala enferma. Una de esas personas que más que querer vivir a través de su hijo le absorbe su tiempo y sus aspiraciones. Este largometraje se centra en la aceptación, en la visión que tiene cada uno de sí mismo y en la que puede tener del mundo.

A través de la entregada relación con su madre se realiza un retrato del pintor. Alguien que vivía una completa dicotomía en sus carnes. Dentro de casa estaba subyugado a repetir la palabra madre constantemente, viviendo por y para ella. Fuera muestra otro semblante y mira de manera juguetona las sucias calles del periférico Manchester industrial.

Casi imitando a los hermanos Lumière y para disgusto de su madre inmortalizaba en sus lienzos escenas de obreros saliendo de fábricas. Hablando en algunas ocasiones sobre la razón de ser de su vocación de pintor la película intenta hacer una estampa de lo que el artista intentaba reflejar. Pero lo más que llega a remarcar es que en sus inicios era alguien incomprendido, tanto en los círculos artísticos como en su propia casa.

Os pinto ‘La Sra. Lowry e hijo’ como una historia de amargura y así es. No obstante es capaz de transmitir cierta ternura. Eso lo logra a través de determinados momentos candorosos, sobre todo en su escena inicial y en aquellos en los que madre e hijo suavizan las formas. Pero también lo hace con unas tonalidades suaves, con colores blancuzcos y desgastados. Josep M. Civit (quien ha logrado también buenas instantáneas en películas como ‘Baby’ o ‘La vampira de Barcelona’) cuida de buscar símiles visuales para con las pinturas ahora expuestas en museos de prestigio, pero también de lograr trasladarnos a mediados del siglo XX. Consigue ser tan naif como el arte de Lowry.

Vanessa Redgrave y Timothy Spall llevan a cabo un duelo interpretativo en el que uno ha de interpretar a un personaje oprimido y la otra cambiar de humor como una veleta movida por el viento. Ni lo uno ni lo otro es fácil sin perder de vista los detalles de su personaje y a Spall a veces se le van los gestos y parece alguien con un desequilibrio mental más que una persona frustrada.

‘La Sra. Lowry e hijo’ es una historia de modestia con ciertos tintes teatrales, de hecho, surge de una obra escrita por Martyn Hesford. Más que como homenaje o acercamiento a L.S. Lowry la veo como una vía para llegar a aquellos que por agentes externos o internos se sienten encadenados o reprimidos.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de febrero de 2021. Título original: Mrs. Lowry & Son. Duración: 91 min. País: Reino Unido. Dirección: Adrian Noble. Guion: Martyn Hesford. Música: Craig Armstrong. Fotografía: Josep M. Civit. Reparto principal: Timothy Spall, Vanessa Redgrave, Stephen Lord, David Schaal, Wendy Morgan, John Alan Roberts, Michael Keogh, Joanne Pearce, Jon Furlong, Paul Bergquist, Amanda Higson, Jennifer Banks, Giselle Cullinane, Laurence Mills, Rose Noble. Producción: Genesius Pictures, IPG Media Pty, Library Films. Distribución: VerCine. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.genesiuspictures.com/mrs-lowry-son-1

Crítica: ‘Punto rojo’

Sinopsis

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‘Punto rojo’ es un thriller de acción sueco ambientado en los Alpes escandinavos. Narra la historia de David y Nadja, una pareja a punto de cumplir los treinta cuyo matrimonio atraviesa dificultades. Cuando Nadja se queda embarazada, ambos tratan de salvar la relación y deciden viajar a los magníficos parajes del norte de Suecia para disfrutar de una excursión en la nieve. Pero, tras lo que empieza como una pelea con dos cazadores de la zona, su viaje romántico se convierte en una pesadilla. Al poco, un punto de láser rojo señala la tienda del matrimonio, que se ve obligado a huir al frío e implacable bosque. Ahora están los dos totalmente aislados en las montañas, perseguidos por unos cazadores desaforados. Además, durante esta sádica cacería, su pasado también regresa para atormentarlos.

Crítica

Crea una animadversión hacia sus protagonistas que se contagia a toda la película

Desde Suecia, rodada y ambientada en el país del norte de Europa, nos llega ‘Punto rojo’. Un filme de Alain Darborg que podréis ver en Netflix. Una de esas películas que pintan emocionantes pero cuya expectativa se desinfla rápidamente. Y eso sucede porque ella misma se encarga de adelantarnos una parte importante de la trama con una primera y premonitoria escena inicial. Con eso y con la inclusión de un perro en el elenco, ya sabemos cómo suelen acabar nuestros cuadrúpedos amigos. La verdad es que uno empieza a estar harto de tanta redundancia respecto al tema, sobre todo cuando hace casi un año tuvimos una Muestra SYFY con unos nueve perros muertos en diecisiete películas.

Aún con todo esto ‘Punto rojo’ se reserva una parte de suspense. Y es que lo que sucede es que una pareja en plena crisis se plantea una excursión para dar vidilla a su relación. Una acampada en plena nevada por los Alpes escandinavos. Y todo se tuerce cuando un punto rojo, una mira láser de un fusil, comienza a apuntarles procedente de la lejana oscuridad. En ese ambiente de total hostilidad tenemos un par de imágenes memorables, pero no lo suficientes como para decir aquello de “al menos tiene buena fotografía”.

‘Punto rojo’ tiene pistas, pero realmente no sabemos quién está acosando a nuestros dos protagonistas. Y se agradece la sorpresa que da paso al último acto del filme. Pero también nos habría llenado el tener más detalles relacionados con lo que sucede pues Darborg tira de todo un deus ex machina para resolver su entuerto. Hace poco vimos ‘Salvaje’ en cines, donde Russell Crowe perdía los estribos por un lance que se envenenaba más y más. Aquí sucede algo por el estilo pero intentando conservar quién es realmente la persona que se ha puesto en pie de guerra contra la pareja interpretada por Nanna Blondell y Anastasios Soulis.

Al margen de una evidente trama con racismo quiero creer que la película trata a cerca de las malas decisiones. De actos y consecuencias. De lo que nos puede repercutir el elegir bien a tu pareja, el concebir un hijo o algo tan simple como avisar de que has rayado el coche de alguien. Y en ese discurso me crea una total apatía por los protagonistas que me parecen emocionalmente incompetentes. A si es que si la intención de los guionistas era que sintiésemos animadversión por los personajes principales, misión conseguida.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de febrero de 2021. Título original: Red Dot. Duración: 85 min. País: Suecia. Dirección: Alain Darborg. Guion: Alain Darborg, Per Dickson. Música: Carl-Johan Sevedag. Fotografía: Benjam Orre. Reparto principal: Nanna Blondell, Anastasios Soulis, Tomas Bergström, Kalled Mustonen, Johannes Bah Kuhnke, Thomas Hanzon, Anna Azcárate. Producción: SF Studios. Distribución: Netflix. Género: suspense, drama. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica: ‘Becky’

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El fin de semana de una adolescente y su padre empeora cuando un grupo de presos irrumpe en su casa de lago.

La valiente y rebelde Becky (Lulu Wilson, ‘Líbranos del mal’, ‘Ouija: El origen del mal’, ‘Star Trek: Picard’) acompaña de mala gana a su padre Jeff (Joel McHale, ‘Community’, ‘Nación salvaje’) a su casa del lago donde pasarán el fin de semana en un esfuerzo por intentar reconectarse después de la muerte de su madre. El viaje empeora cuando un grupo de convictos que se han escapado de la cárcel, liderados por el despiadado Dominick (Kevin James, ‘Niños grandes’, ‘Superpoli de centro comercial’), invaden la casa. Becky, que ya no es la niña de papá, decide tomar cartas en el asunto en este thriller de acción de alto voltaje descrito como «John Wick con una niña de 13 años».

Crítica

Merece la pena que os fuguéis a este enfrentamiento entre matones de patio

Las películas enmarcadas dentro del género home invasión casi siempre dan buen resultado. El espectador conecta fácilmente con los protagonistas que ven como su vida cotidiana se ve irrumpida. Si a ese ingrediente le añadimos violencia y un cómico en su primer papel de villano tenemos ‘Becky’, una película que tiene su gracia.

Becky ha perdido a su madre y su padre quiere presentarle a su nueva novia. Para ello van a su cabaña en un remoto bosque donde espera que tengan unos días de acercamiento. Pero su camino se cruza en el de unos peligrosos presos fugados que tienen un objetivo precisamente en esa casa.

Con esta película de Jonathan Milott y Cary Murnion (‘Cooties’) disfrutamos pues es bastante violenta, hasta el punto de tener gore del divertido. También porque al igual que en ‘Cooties’ tenemos a una adolescente violenta, cubierta de sangre y mal hablada, aunque en esta ocasión está del lado de los buenos. Lulu Wilson (‘Annabelle creation’, ‘La maldición de Hill House’) materializa a una chica entre lo salvaje y lo consentido. Una adolescente de esas a las que dan ganas de mandar al garete por sus rabietas pero que también necesita exteriorizar sus inquietudes. Y esto último lo hace por sí misma en una historia que bien podría ser un ‘Solo en casa’ con los códigos R del siglo XXI.

Y aunque algunas escenas de acción no terminan de funcionar la película nos da la suficiente adrenalina como para mantenernos al loro. Sobre todo también por dos personajes que imponen. Uno al que estamos acostumbrados, Robert Maillet, y otro que ha mutado su con respecto a lo que nos tiene acostumbrados. Kevin James prueba un cambio al estilo del que llevo a cabo Vince Vaughn hace poco en ‘Brawl in cell block 99’. Se convierte en una figura la mar de amenazante, un neonazi confeso con unas intimidatorias pintas que sabe manejar. Quién sabe cómo habría sido esta película si finalmente la hubiese hecho Simon Pegg como estaba planteado en sus inicios.

Tanto las escenas de acción a lo Rambo como la previsibilidad del guión hacen de ‘Becky’ una película casi del montón. Si no fuese por el cambio de Kevin James y la garra de Lulu Wilson pasaría desapercibida. Merece la pena que os fuguéis a este enfrentamiento entre matones de patio (de prisión y escuela).

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de febrero de 2021. Título original: Becky. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Jonathan Milott, Cary Murnion. Guion: Nick Morris, Lane Skye, Ruckus Skye. Música: Nima Fakharara. Fotografía: Greta Zozula. Reparto principal: Kevin James, Lulu Wilson, Joel McHale, Amanda Brugel, Robert Maillet. Producción: Yale Productions, BoulderLight Pictures, BondIt, Buffalo 8 Productions, SSS Entertainment, SSS Film Capital, United Talent Agency. Distribución: Movistar+. Género: thriller, acción. Web oficial: https://www.yaleproductions.com/films/becky

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