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Crítica: ‘Bodkin’

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Negra con su humor, misterio y personajes, pero aún así, deja buenas sensaciones

Este 9 de mayo se estrena en Netflix la serie ‘Bodkin’. Compuesta por siete episodios y creada por Jez Scharf nos cuenta la aventura de tres reporteros en un pequeño pueblo irlandés. Dos de ellos se dedican a hacer un podcast sobre true cimes y la otra es una empleada de un periódico serio que ha tenido que poner pies en polvorosa. Forman un variopinto y heterogéneo equipo que intenta desentrañar unas desapariciones ocurridas décadas atrás durante un Sauin (lo que se conoce también como Samhain, el popularmente llamado Halloween).

Siobhán Cullen, Will Forte y Robyn Cara forman el trío protagonista. ‘Bodkin’ consiste en una historia de suspense ligera con más momentos de humor negro que de puro dramatismo, aunque este gana peso al final. Es un viaje rural a través del misterio y del tratamiento de las historias, hoy en día frivolizadas por el auge de los programas y documentales true crime. Desde el primer episodio, te sumerges en un mundo oscuro y enigmático donde cada giro de la trama te deja con ganas de más. La trama es más compleja de lo que a priori parecía y está repleta de personajes pintorescos que dan pie a múltiples versiones de la historia, abriendo la veda a distintas teorías. Como si se tratase de una novela negra el espectador siente el gusanillo de saber más y ya de paso de conocer en profundidad a los personajes.

Cada protagonista, y algún que otro secundario, está meticulosamente desarrollado y aporta su propia capa de complejidad a la historia. Se dispone a una escritora arisca y frustrada por su situación con dos entusiastas motivados. Son dos estadounidenses y una irlandesa que vuelve a su país a regañadientes. Dicho de otro modo, una gruñona tipo Scooge con un tipo risueño y optimista a lo Ted Lasso. La mezcla es curiosa y funciona. Como extra se plantan ante nosotros algunos detalles que hemos de dilucidar si son reales o solo están en la mente de algunos de los protagonistas.

Uno de los puntos fuertes de ‘Bodkin’ es el cómo es capaz de conseguir una ambientación triste a partir del vivo verde irlandés. Pero sobre todo lo que nos atrapa es el cómo el hermetismo y las tradiciones del pueblo de Bodkin obstaculizan la progresión de estos investigadores. Desde hipótesis de lo más locas hasta los asuntos más truculentos o trágicos, la serie crea desconcierto y encanto a partes iguales. Con cada capítulo el interés es mayor, detectamos diversos McGuffins y vamos tamizando el silencio o la negación obteniendo vergüenza y secretos, de esos que siempre abundan en las pequeñas villas.

También está interesante el debate periodístico que plantea la serie. No me refiero a si es mejor un podcast que un medio de comunicación tradicional, ‘Bodkin’ no se moja mucho con eso. Sin embargo por un lado está la vertiente “respetuosa” que busca extraer solo las partes morbosas o misteriosas de la historia, lo cual hoy en día tiene mucha audiencia. Por otro lado está quien busca algo menos pasajero y pasar a la historia escarbando entre el escándalo y los argumentos políticos. Al espectador se le plantea un continuo debate y cuesta escoger por quién está actuando del modo más correcto, eficiente o humano.

Por último señalar que la música de la serie está compuesta por Paul Leonard-Morgan, autor de la música de ‘The IT Crowd’ y uno de los artífices de la estupenda banda sonora del juego y la serie de ‘Cyberpunk 2077’. Ha usado temas que en algunos momentos recuerdan a Hans Zimmer con notas que rememoran a ‘Sherlock Holmes’ e ‘Interstellar’. Curiosa mezcla que enriquece aún más las rarezas de esta serie.

Crítica: ‘El monstruo de la fortuna’

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Madrid 1635. La reina Isabel de Borbón, apodada por el pueblo español “la deseada”, cita al escritor Calderón de la Barca en sus aposentos íntimos para hacerle un encargo muy especial y peligroso para él.

Una relación secreta, una mujer intelectual y liberal para su época, un escritor que intenta escalar socialmente y ser reconocido como artista, una reina que busca dejar su herencia en el tiempo y la tensión sexual entre ambos.

Crítica

Un duelo interpretativo a la antigua que saca a relucir taras actuales

A día de hoy se representa en el Teatro de la Comedia El monstruo de los jardines. Es una visión moderna y altamente recomendable de uno de los textos menos conocidos de Calderón de la Barca. Las casualidades existen y como deliciosa coincidencia ha llegado a nuestra bandeja de entrada el visionado de ‘El monstruo de la fortuna’, un cortometraje de Manuel Castillo Huber con guión de Cesar Farah. El centro de la conversación del filme es la mencionada obra de Calderón. Ambos se complementan de una manera ideal pues ponen sobre la mesa conceptos e ideas que aún hoy en día están vigentes. Nuestro pasado regresa para recordarnos que nuestras inquietudes no han cambiado tanto tras cinco siglos de historia.

El Madrid de 1635. Ese es el marco al que nos traslada este duelo interpretativo e intelectual. Protagoniza la que fue desposada con Felipe IV, apodada “La Deseada” y retratada por Velázquez, la reina Isabel de Borbón (María Olga Matte), conservando el acento francés y pintada con un fuerte carácter. Frente a ella un reservado, sumiso pero afilado Calderón de la Barca (Raúl Prieto), uno de los grandes literatos de nuestra historia, quien dio carpetazo con su muerte al Siglo de Oro. Ambos conversan de un modo sugerente en lo que bien pudo ser un encuentro real, pero que no busca sacar a la luz ninguna anécdota secreta sino el generar una serie de debates acompañados de una evidente tensión sexual.

La censura de la iglesia, el enfrentamiento celoso con otras estrellas de su época, los prejuicios que impiden creer en otros… No hay tanta diferencia con el siglo XXI, el cual, está repleto de influencers que se copian los unos a los otros, ciertos sectores de la sociedad que cancelan a cómicos, una supuesta dictadura de lo políticamente correcto… ‘El monstruo de la fortuna’ habla de una peligrosa oportunidad, y llega a la conclusión de si lo más importante es el nombre y el ego o la obra de arte y su potencial impacto en sí misma. Llegados a este punto me ha hecho recordar a la historia de María Lejárraga, con lo que nos acercamos aún más a nuestros días.

Una estancia del Hospital de Tavera de Toledo sirve para proveer al corto de una buena puesta en escena. Hay quien diría que dado que solo tiene una localización y consiste en una conversación sin casi acción y mucho vestuario esta es una obra teatral. No podía ser de otra manera tratándose de Calderón de la Barca, a si es que considero que eso es buen halago. El texto evita el verso de la época y de la obra del dramaturgo, pero conserva algunas de las florituras del castellano antiguo. Es por ello que ‘El monstruo de la fortuna’ se hace ligera de seguir pero densa a la hora de extraer temáticas.

Ficha de la película

Estreno en España: 2024. Título original: El monstruo de la fortuna. Duración: 20 min. País: España. Dirección: Manuel Castillo Huber. Guion: Cesar Farah. Música: Belén Vives. Fotografía: Almudena Sánchez. Reparto principal: Raúl Prieto, María Olga Matte. Producción: La Sierra Produce. Distribución: Selected Films. Género: drama. Web oficial: https://lasierraproduce.com/

Crítica: ‘Hasta el fin del mundo’

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Estados Unidos, 1860. Vivienne Le Coudy (Vicky Krieps) es una mujer ferozmente independiente que se embarca en una relación con el inmigrante danés Holger Olsen (ViggoMortensen). Juntos, empiezan una nueva vida cerca del tranquilo pueblo de Elk Flats, Nevada. El estallido de la Guerra de Secesión los separa cuando Olsen decide luchar por la Unión y dejar a Vivienne a su suerte en un lugar controlado por el corrupto alcalde Rudolph Schiller (Danny Huston), su socio sin escrúpulos, el poderoso ranchero Alfred Jeffries (Garret Dillahunt) y su violento y caprichoso hijo Weston (Solly McLeod).

Crítica

Vicky Krieps interpreta inconmensurablemente el más que plausible guión de Mortensen

Tuve la suerte de encontrarme con Viggo Mortensen en una de las presentaciones que hizo para su primera película como director, ‘Falling’. En ese día nos sobrecogió y sorprendió con un filme inolvidable. Pero también nos agradó declarando, no solo que quería dirigir más, sino que quería también que sus películas guardasen alguna relación con los idiomas. Dicho y hecho. Para muchos es conocido su amor por las diferentes lenguas que pueblan el globo terráqueo. Para ‘Hasta el fin del mundo’ se ha escrito un personaje danés que se adentra en un mundo nuevo que rompe con todo lo que conocía hasta el momento. No es la única ruptura que encontramos en esta película en la que un romance se ve interrumpido por la guerra. El papel que ha preparado para su compañera de protagonismo Vicky Krieps guarda aún más relación con los idiomas y también destroza el rol de la mujer en el western y con ello deconstruye todo un género.

Si no recuerdo mal, me encantaría tener la oportunidad de preguntárselo de nuevo, ese mismo día en el que nos vimos, aún con mascarillas en el cine, comentó que le gustaría hacer una película rodada en la lengua de unos nativos norteamericanos. En ‘Hasta el fin del mundo’ plantea un western sin enfrentar a indios y vaqueros, pero que igualmente marca una sustancial diferencia. Esta película, que desarrolló durante el confinamiento de 2020, es un ejercicio de revisión de los valores y las motivaciones de toda una época marcada en nuestra memoria por años y años de ese cine que derivó en las películas de acción. ‘Hasta el fin del mundo es un filme que atraerá a los fans de Viggo Mortensen y a los amantes del western. Pero solo agradará a aquellos dispuestos a admitir otra interpretación. De hecho, su narración en dos tiempos también es inusual para el género y rompe los esquemas sin dejar de adoptar los denominadores comunes del cine fronterizo.

La visión de ‘Hasta el fin del mundo’ es plausible. Y es que además de amar los idiomas y a los caballos Viggo Mortensen ama la construcción realista de los personajes, por lo menos eso me ha hecho entender con las dos películas que ha realizado de manera autoral. Otros han intentado dar peso a la mujer que habitaba la Norteamérica en el siglo XIX haciéndola empuñar un rifle o convirtiéndola en una más de una diligencia de cuatreros o cazarrecompensas, como es el caso de las versiones de ‘Valor de ley’ o ‘Rápida y mortal’, por ejemplo. La situación que plantea Mortensen nos dibuja a alguien que no quiere ser una mujer florero, que no es en ningún sentido la mujer estándar que mandan los cánones de la época. De ese modo y sin tener que hablar de sufragios universales pero si de derechos laborales o la figura de la ama de casa, ‘Hasta el fin del mundo’ se alza como una película feminista. No habría sido así tampoco de no ser por una inconmensurable Vicky Krieps. También por el enfoque que Viggo Mortensen le da a su propio personaje. Esgrime otros acicates para moverle, no es el típico que desenfunda un arma sin dejar margen a la duda o que necesita que todo esté verbalizado. Juega mucho con las acciones y las miradas. En ese sentido me ha recordado mucho a lo que ha estado haciendo Clint Eastwood durante su trayectoria como director, que parece que ha ido remando con el tiempo hacia una dimensión diferente a la de sus películas con Leone.

Quizá se pueda leer entre líneas un amor más. Esta película podría funcionar como un tributo a padres o abuelos, de esos que en su día tuvieron que desplazarse y sacrificarse como emigrantes. La película se llama en España ‘Hasta el fin del mundo’, tal vez como alusión a una frase que se repite en el guión y a ese viaje vital que hacemos o prometemos hacer con nuestros seres queridos. Pero su título original ‘The Dead Don’t Hurt’ nos dice algo así como que los muertos no sienten dolor o que no deben causarnos dolor. Me viene a decir que la película nos ha querido hablar de la huella que dejamos en otros, sean o no de nuestra sangre y que va más allá de la pesadumbre y la melancolía. Me vale cualquiera de esas interpretaciones, me hace ver que esta es una película muy rica en matices.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de mayo de 2024. Título original: The Dead Don’t Hurt. Duración: 129 min. País: EE.UU. Dirección: Viggo Mortensen. Guion: Viggo Mortensen. Música: Viggo Mortensen. Fotografía: Marcel Zyskind. Reparto principal: Vicky Krieps, Viggo Mortensen, Solly McLeod, Garrett Dillahunt, Colin Morgan, Ray Mckinnon, W. Earl Brown, Atlas Green, Danny Huston. Producción: Talipot Studio, Recordered Pictures Company, Perceval Pictures, Polyphony Digital. Distribución: Wanda Visión. Género: romántico, drama, western. Web oficial: https://talipot.studio/the-dead-dont-hurt/

Crítica: ‘Nina’

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Nina (Patricia López Arnaiz) decide volver al pueblo costero donde creció, con una escopeta en el bolso y un objetivo: vengarse de Pedro, un famoso escritor al que el pueblo rinde ahora homenaje. El reencuentro con su lugar de origen, con sus recuerdos del pasado y con Blas, un amigo de la infancia, le hará replantearse si la venganza es su única opción.

Crítica

Radiografía perspicaz de la expiación de un trauma y el camino hacia la recuperación de la autonomía emocional

Aquellos que hemos crecido en pueblos o ciudades pequeñas sabemos que el teléfono escacharrado y la radio macuto funcionan como una máquina bien engrasada. En las pequeñas villas todo se sabe o se vive con el miedo y la presión de que todo el mundo pueda tener conocimiento de esto o aquello que puede ser usado en tu contra. Las habladurías corren como la pólvora y eso en según qué ocasiones puede ser fatal para aquellos que las sufren. Este es solo uno de los matices que maneja ‘Nina’, el segundo largometraje de Andrea Jaurrieta (‘Ana de día). El telón de fondo de la pequeña ciudad sirve como algo más que un simple escenario, se convierte en un personaje en sí mismo, dando forma a las experiencias de Nina e influyendo en su viaje hacia la curación. La película transmite con eficacia la naturaleza claustrofóbica de las pequeñas comunidades, donde los secretos pueden enconarse y pueden faltar sistemas de apoyo. Con ello llegamos a una de las grandes lacras presentes relacionadas con la temática del filme, la complicidad silenciosa.

Para el éxito de la película es fundamental el matizado retrato de Nina por parte de la actriz principal, Patricia López Arnaiz. Su interpretación capta la vulnerabilidad del personaje, su resistencia y, en última instancia, su camino hacia la recuperación de su autonomía emocional. La de ‘Nina’ es la radiografía de un trauma, la expiación de unos miedos que nunca se llegan a desaparecer del todo. Quizá sea por eso que tenemos un final con suspense. Pero también es de vital importancia el trabajo que hacen juntos Dario Granidetti y Aina Picarolo. Con ellos la narración adquiere profundidad y contexto, abarcando una faceta que no siempre se ha explorado en el cine. Más allá del consentimiento está la plenitud de conciencia, el personaje de Granidetti lo menciona usando ese argumento como excusa. Aprovecharse de la falta de conocimiento, de la búsqueda de subidones o de lo impresionables que somos cuando estamos en la adolescencia es una de las características de los depredadores. La dirección de Jaurrieta capta hábilmente los matices de la confusión sentimental de Nina, tanto en su etapa joven como en la adulta. Permite así a los espectadores empatizar con sus luchas mientras se enfrenta a las secuelas.

A través del desarrollo íntimo de los personajes y de una narración sutil, la película ofrece una conmovedora exploración del impacto del trauma y de los retos de enfrentarse a él en un entorno hermético. Pero aunque la sutileza y la contención estén muy presentes es a su vez una película que ataca con procacidad y sin pudor. El rojo es un color que produce sensaciones contradictorias porque puede transmitir calor pero por lo general violenta y provoca. Está tan presente en ‘Nina’ que hay que decir que es una película sangrienta a su manera. Ese uso del color y de la presencia femenina se podría decir que es Almodovariano. Andrea Jaurrieta trabajó con Pero Almodóvar en ‘Julieta’ y puede que una derivada de eso sea su estética cargada de labios y chaquetas rojizas o esa mujer que escopeta en ristre recorre las calles bizkainas. Esa mezcla de cine realista, con la moda muy presente rompiendo con su estilo pop y kitsch lo anodino del pueblo costero, son propias del director manchego. Con todo esto se nos plantea un thriller con tintes de western que invita a la reflexión y tiene una gran resonancia psicológica. Aborda el tema con sensibilidad y perspicacia.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de mayo de 2024. Título original: Nina. Duración: 105 min. País: España. Dirección: Andrea Jaurrieta. Guion: Andrea Jaurrieta. Música: Zeltia Montes. Fotografía: Juli Carné Martorell. Reparto principal: Patricia López Arnaiz, Dario Granidetti, Aina Picarolo, Íñigo Aranburu, Mar Sodupe, Ramón Aguirre, Silvia de Pé. Producción: Bteam prods, Icónica Producciones, Irusoin, lasai Producciones, EITB, Movistar Plus+, Filmin, HBO Max, Vodafone TV, ICAA, Gobierno Vasco, Comunidad de Madrid, Gobierno de Navarra. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, suspense. Web oficial: https://bteampictures.es/nina/

Crítica: ‘Sin edulcorar’

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Michigan, 1963. Kellogg’s y Post, enemigos acérrimos en el sector de los cereales, compiten por crear un producto que cambie para siempre los desayunos Unfrosted: The Pop-Tart Story es una historia de ambiciones, traiciones, azúcar y lecheros con mala leche protagonizada por Jerry Seinfeld, que además ejerce de guionista y director.

Crítica

Así es como USA nos vende su historia o sus productos y Seinfeld se lo toma a guasa

Jerry Seinfeld, quien fue durante mucho tiempo el amo del retrato de lo mundano y lo cotidiano con su serie ‘Seinfeld’, vuelve con un tono más paródico pero sin dejar de lado ese foco que muestra las vulnerabilidades, patetismos y vilezas del ser humano. El momento en el que dos gigantes de la alimentación empezaron a competir por crear el “desayuno de América” es el acontecimiento real que vertebra la película. Kellogg’s y Post, este segundo menos conocido en España, son los rivales de esta efeméride corporativa tratada desde la caricatura y la burla.

Quizá últimamente habéis visto a ciertos Youtubers hincharse a comer variedades de Pop-Tarts en lo que se ha convertido en una serie de retos que nadie les ha pedido y a pocos interesa. Puede que esto fuese incluso campaña viral para ir anticipándose a la película. Algo similar se hizo con los ‘Flamin’ hot’ de Eva Longoria o el ‘Air’ de Ben Affleck. La historia de los Estados Unidos nos ha ido llegando a retales a través de esas películas que cuentan a su manera cómo han sido sus más de 200 años. Guerras, inventores, músicos, astronautas… Prácticamente no hay rincón de esa nación que no tenga película. Poco a poco también las multinacionales artífices del capitalismo y las invasiones consumistas van ganando espacio en ese bombardeo que a veces consiste el séptimo arte. No es que estemos ante una primera ola de este subgénero, ahí están ‘La red social’ o ‘El lobo de Wall Street’, pero si se nota que las ideas empiezan a escasear y se opta a ir por estos derroteros. ‘Sin edulcorar’ suena menos Michael Moore de lo que parecen mis anteriores frases, trata con humor, sin paños calientes como avisa el título, lo anecdótico de esta guerra comercial. Pero no deja de hacer juicio y negocio con ese trocito de historia sobre los propios negocios, valga la redundancia.

Es la primera vez que Jerry Seinfeld dirige una película y para ello ha usado un argumento que me ha recordado mucho a ‘El Caso Slevin’. Dos organizaciones rivales que se ven desde las ventanas de sus edificios se intentan llevar el mayor trozo del pastel a base de puñaladas y zancadillas. Evidentemente el tono de ‘Sin edulcorar’ es muy diferente y Seinfeld le imprime su estilo. Sus personajes siempre son melodramáticos, cínicos, torpones y patéticos. En esta película, que además tiene un gran desfile de caras famosas, se desmelena aún más y entra con frecuencia dentro del surrealismo. Aquellos que esperen ver aquí la comedia con la que hizo escuela en ‘Seinfeld’ la encontrarán solo en puntuales ocasiones.

Aún así ‘Sin edulcorar’ es graciosa. Y no lo es solo por el inside job de coña que realiza. También porque lleva a cabo un retrato de los Estados Unidos de los años sesenta protagonizado por un personaje que parece escrito para Tom Hanks. Curiosamente algunas escenas están hechas en la misma línea que ‘Forrest Gump’. No sé si en algún momento se había pensado en ese actor para protagonizar el filme, lo dudo pues el origen de la película es un monólogo del propio Seinfeld, pero quizá Hanks lo habría rechazado por estar muy cerca de lo que hizo en ‘El Círculo’ y ‘Un amigo extraordinario’. Sea como fuere el actor y director consigue que nos olvidemos del comediante neoyorkino y conozcamos a un tiburón del mundo de los cereales.

Nos encontramos en plena crisis mundial pues uno de los mayores exportadores de cereal del mundo está en guerra contra Rusia. Más de un símil con la actualidad nos topamos en esta historia que transcurre durante la Guerra Fría y es capaz de llegar hasta el Asalto al Capitolio. Sea como sea ‘Sin edulcorar’ acierta a mostrar que a la población solo le preocupa su bolsillo y su paladar, en consumir sin conciencia. El turismo de tiendas, de centro comercial y marcas, cada vez es más frecuente y a muchos nos parece algo aberrante. No nos extraña por lo tanto que la historia de una marca o un producto le parezca interesante al público general. Menos mal que Jerry Seinfeld se lo toma a guasa. Quizá la mordacidad de su discurso se quede en la superficie, pero las lecturas están ahí para quien quiera verlas.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de mayo de 2024. Título original: Unfrosted: The Pop-Tart Story. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Jerry Seinfeld. Guion: Spike Feresten, Barry Marder, Andy Robin, Jerry Seinfeld. Música: Christophe Beck. Fotografía: Bill Pope. Reparto principal: Jerry Seinfeld, Melissa McCarthy, Jim Gaffigan, Amy Schumer, Hugh Grant, Max Greenfield, Christian Slater, Bill Burr, Daniel Levy, James Marsden, Jack McBrayer, Thomas Lennon, Bobby Moynihan, Adrian Martinez, Sarah Cooper, Fred Armisen, Peter Dinklage, Jon Hamm, Dean Norris. Producción: Columbus 81 Productions, Netflix Studios. Distribución: Netflix. Género: comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/title/81481606

Crítica: ‘Garfield, la película’

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El mundialmente famoso Garfield (con la voz de Chris Pratt), el gato casero que odia los lunes y que adora la lasaña, está a punto de vivir una aventura ¡en el salvaje mundo exterior! Tras una inesperada reunión con su largamente perdido padre – el desaliñado gato callejero Vic (con la voz de Samuel L. Jackson) – Garfield y su amigo canino Odie se ven forzados a abandonar sus perfectas y consentidas vidas al unirse a Vic en un hilarante y muy arriesgado atraco.

Crítica

Garfield quema más calorías en esta película que en toda su historia

Vuelve a la gran pantalla el british shorthair más famoso de todos los tiempos, Garfield. Disney acaparó multitud de derechos de personajes gracias a la compra de Fox hace unos años. Fue la 20th Century Fox la que estrenó en 2004 la película en acción real que contó con Carlos Latre en España introduciendo horriblemente sus coletillas y gags famosos en ese momento y graciosos solo para unos pocos. El tiempo ha hecho justicia haciendo que tanto esa como su secuela caigan en el olvido. A la compañía del ratón se le escapó la licencia este de gato, Sony se hizo con los derechos y llega ahora una nueva versión animada que por desgracia se intenta aproximar a los cánones establecidos para las películas de animación por parte de estudios, como la Disney o DreamWorks. Y digo esto con pesadumbre, porque esta nueva película se aleja mucho de la mordacidad y carisma de Garfield, aunque hay que reconocer que es mejor que el live action.

Están presentes la lasaña, las siestas, la báscula, el risueño Odie, el resignado y confiado Jon, el amor platónico de Jon, el odio a los lunes (que nunca he entendido ya que Garfield no trabaja)… Pero solo se hacen notar en los primeros compases. La película dirigida por Mark Dindal, el director de ‘Chicken Little’, pretende sacar a Garfield de su cómoda rutina, de su zona de confort, como se dice tanto ahora. Es algo más que respetable a la hora de intentar sacarle partido al personaje, al fin y al cabo están más que explotados los lances del día a día de este cuadrúpedo. Para ello han creado una aventura que primero nos lo muestra de bebé y luego le reúne con sus orígenes. Durante un momento parece como si Garfield se hubiese encontrado con Don Gato (crossover que no se puede dar pues los derechos del gato de Hanna-Barbera los tiene Warner). De vivir acomodado y consentido el glotón de Garfield se ve dentro de una pandilla callejera.

Compro esa parte que nos muestra a Garfield de pequeño. Sus monerías darán para infinidad de nuevo muñecos, no olvidemos que durante mucho tiempo el peluche de este felino era el más presente en los parabrisas de los coches. Se desarrolla una parte que nunca habíamos conocido de este personaje, tampoco es que nadie la haya pedido, pero resulta plausible. La cuestión no es que exploremos una etapa nueva de su vida o una faceta del gato que hasta ahora nunca se había explotado, eso podría tener potencial. Lo que convierte a ésta en una película fallida, sobre todo para las expectativas de aquellos que ya conocían a Garfield, es que la trama consiste en una película de aventuras tipo ‘Mascotas’, ‘Ozzy’ o ‘Salvaje’. Cumple absolutamente todos los clichés. Con esa imposición se desdibuja el personaje de tal modo que desaparece el animal perezoso, gruñón y casero que ha sido siempre Garfield. Corre, se catapulta, salta… Garfield quema en esta película más calorías que en toda su historia.

A pesar de que se aleja de la pasividad agresiva característica de Garfield y que para mí el mítico personaje está ausente casi toda la película, podrá gustar al público infantil o a quien no haya tocado nunca el material original. Por supuesto a los fans del cine familiar de Santiago Segura pues una vez más dobla a un personaje distribuido por Sony. A mi gusto su voz no congenia con Garfield. Diversidad de personajes y escenarios, momentos de humor físico, espacio para la ternura… reúne los ingredientes de un cine estándar que tiene poco que ofrecer, no es sugerente, ni innovador y a penas gracioso. Dudo que le entusiasmase a su creador Jim Davis.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de mayo de 2024. Título original: The Garfield Movie. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Mark Dindal. Guion: Paul A. Kaplan & Mark Torgove, David Reynolds. Música: John Debney. Reparto principal (versión original): Chris Pratt, Samuel L. Jackson, Hannah Waddingham, Ving Rhames, Nicholas Hoult, Cecily Strong, Harvey Guillén, Brett Goldstein, Bowen Yang, Snoop Dogg, Brett Goldstein. Reparto principal (versión en castellano): Santiago Segura, Alaska, Pepe Rodríguez. Producción: Alcon Entertainment, Columbia Pictures, Double Negative, One Cool Group, Paws, Prime Focus, Stars Collective Films Entertainment Group, Wayfarer Studios. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, adaptación. Web oficial: https://www.sonypictures.es/pelicula/garfield

Crítica: ‘La idea de tenerte’

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Basada en la aclamada historia de amor contemporánea del mismo nombre, La Idea de Tenerte (The Idea of You) se centra en Solène (Anne Hathaway), una madre soltera de 40 años que comienza un romance inesperado con Hayes Campbell (Nicholas Galitzine), de 24 años, cantante de August Moon, la banda de chicos más sexy del planeta. Cuando Solène se ve obligada a acompañar a su hija adolescente al Festival de Música de Coachella después de que su ex la dejara plantada en el último momento, tiene un encuentro fortuito con Hayes, del que surge una chispa instantánea e innegable. A medida que comienzan un romance relámpago, no pasa mucho tiempo antes de que el estatus de superestrella de Hayes plantee desafíos inevitables a su relación, y Solène pronto descubra que la vida en el resplandor de su centro de atención podría ser más de lo que esperaba.

Crítica

Película romántica de las de antes

Llega a nuestras casas ‘La Idea de tenerte’, basada en el éxito de ventas en Estados Unidos, ‘The idea of you’ de Robbine Lee. Este fan fiction, inspirado en la banda de música One Direction y su cantante Harry Styles, no ha llegado aun traducido a España, pero supongo, que después del éxito del tráiler de la película dudo mucho que tarde demasiado en salir su versión traducida al castellano.

En la película, al igual que en la novela, conocemos a Sòlene, una mujer de 40 años, divorciada y con una hija adulta con la que se lleva de maravilla. Por una serie de circunstancias, Sòlene se ve metida en un Festival de música para acompañar a ésta y sus amigos para ver a August Moon, grupo de música que le cambiará la vida al conocer a Hayes Campbell cantante del mismo y mucho más joven que ella.

Película romántica al uso. Donde todo es precioso, donde la edad da igual y la vida de nuestros protagonistas es perfecta. Personas a las cuales no les falta de nada. Modelitos diferentes durante todos los días, una casa de ensueño y la posibilidad de viajar por el mundo, gracias a un trabajo maravilloso. Pero todo esto da igual, al final lo que queremos es ficción, amor y felicidad para nuestros protagonistas.

Anne Hathaway está estupenda. Nos muestra que a los 40 años la vida de una actriz no se termina y que vale más que para hacer papeles de mujer encerrada en casa o dramas. La actriz se mueve muy bien en la comedia y disfruta haciéndolo y eso se deja ver en la película y en la química con Nicholas Galitzine, el joven que ya ha destacado en la película ‘Rojo, blanco y sangre azul’, logra meterse en la piel de un joven cantante lleno de sueños y con toda la vida por delante. Juntos logran una historia de amor muy bonita.

La película está dirigida por Michael Showalter (‘Los ojos de Tammy Faye’) y consigue una película muy luminosa, con planos muy artísticos y actuales.

Así que, si os gustan las películas románticas, de las de toda la vida no os podéis perder ‘La idea de tenerte’. A partir del 2 de mayo la tendremos en Prime Video.

 Ficha de la película

Estreno en España: 2 de mayo de 2024. Título original: The Idea of You. Duración: 115 min. País: Estados Unidos. Dirección: Michael Showalter. Guion: Jennifer Westfeldt, Michael Showalter. Música: Siddhartha Khosla. Fotografía: Jim Frohna. Reparto principal: Anne Hathaway, Nicholas Galitzine, Ella Rubin, Annie Mumolo, Reid Scott, Perry Mattfeld, Jordan Aaron Hall, Mathilda Gianopoulos, Meg Millidge, Cheech Manohar. Producción: Amazon Studios, I’ll Have Another, Somewhere Pictures, Welle Entertainment. Distribución: Amazon Prime Video. Género: Romance. Web oficial: https://www.primevideo.com/offers/nonprimehomepage/ref=dv_web_force_root

 

Tráiler de ‘Atasco’

‘Atasco’ llega en mayo con un reparto estelar

La nueva serie de Prime Video, ‘Atasco’, llega a nuestras pantallas el próximo 24 de mayo. Creada y dirigida por Rodrigo Sopeña (‘La habitación de Fermat’), la serie cuenta con un gran reparto repleto de caras conocidas.

La producción de esta comedia de 6 episodios, de 25 minutos de duración cada uno, corre a cargo de Onza, en colaboración con Prime Video y Publicis Rebellion. La serie cuenta con José María Irisarri, Gonzalo Sagardía, Santiago de la Rica, Valentina Pozzoli y Rodrigo Sopeña como productores ejecutivos.

Edu Soto, María León, Antonio Resines, Ana Wagener, Arturo Valls, Luisa Gavasa, Silma López, Carmen Ruiz, Toni Acosta, Roberto Álamo, Jorge Sanz, Anabel Alonso, Pedro Casablanc, Iván Massagué, José Mota, Elena Ballesteros, Gonzalo de Castro, Álex García, Fele Martínez, Henar Álvarez o Manuel Manquiña, son algunos de los nombres que conforman el amplio reparto de esta nueva serie coral, donde cada personaje es protagonista de su propia historia autoconclusiva.

A continuación os dejamos el tráiler de la cinta, el cartel y la sinopsis.

Sinopsis.

La serie nos sumerge en el caos que genera un gran atasco que interrumpe los planes de miles de ciudadanos a las afueras de Madrid. Esta situación cotidiana será el punto de partida para tramas inesperadas, cómicas y emotivas.

Crítica: ‘Immaculate’

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Cecilia (Sydney Sweeney), recién llegada de Estados Unidos, ingresa como novicia en un convento de la remota campiña italiana. Allí es recibida por el Padre Sal Tedeschi (Álvaro Morte), quien la introduce en las rutinas religiosas. Un día descubre que está embarazada y lo que parecía un milagro, por conservar aún su virginidad, resulta ocultar un siniestro secreto que hará que busque salir de aquel lugar desesperadamente.

Crítica

Sin necesidad de ser gratuita o explícita logra bajar a la Iglesia a la esfera de lo adulterado

A poco que duren dos o tres semanas en carteleras varias películas de terror van a convivir en cines en un mes diametralmente separado y opuesto al de Halloween. Son títulos como ‘Abigail’, ‘La hierba del diablo’, ‘Tarot’, ‘La primera profecía’ e ‘Immaculate’. Estos dos últimos títulos narrativa y visualmente son muy diferentes pero tienen bastantes puntos en común, como si compartiesen universo o formasen parte de la misma reinterpretación.

Michael Mohan es quien nos trae este largometraje que devuelve a nuestra memoria otras películas de terror psicológico y/o religioso tales como ‘Hermana muerte’, ‘La semilla del diablo’ e incluso algunos giallos con los que comparte estilo musical, femenino y rojizo. Dado que trata de una persona extremadamente religiosa al cuidado de otros pensaba que recordaría más a ‘Sanit Maud’, pero mis ideas preconcebidas se han visto desmontadas. Sin sumergirse, por suerte, dentro de la corriente del terror elevado y sin necesidad de subvertir el género o ser visual y excesivamente explícita logra ser una película que cala, que tiene argumentos desarrollados. Nos salpica con algunos momentos violentos que se alejan de lo gratuito, incluyendo un final bastante descarnado, desgarrador y controvertido, pero la parte perenne de la película son los dilemas que plantea.

Sydney Sweeney interpreta a una monja novicia, tomada por santa, por bendita. Es una muchacha que llega a un convento, desde los Estados Unidos actuales a la Italia profunda. Allí se topa con un mundo diferente, el de la vieja Europa que conserva edificios y tradiciones propias de la Edad Media. Obnubilada por todo lo que le rodea empieza a experimentar sucesos cada vez más extraños que desembocan en un acontecimiento que da paso a todo un éxtasis religioso y colectivo. La película se mueve por los muros de un asilo eclesiástico en el que hay rifirrafes entre novicias, extranjeras y superioras. Se balancea cual péndulo de Foucault entre la farsa, la locura, lo religioso y lo sobrenatural. Ese peligroso jugueteo se ha manejado hasta en el marketing de ‘Immaculate’ y es por ello que irritará, como creo que ya ha hecho, a buena parte de la audiencia más católica o conservadora. Me suelen gustar las películas que desafían aquello que social y cinematográficamente está establecido. ‘Immaculate’ no es una película revolucionaria, pero consigue su objetivo y además hemos de agradecer que no se va por los derroteros de la ‘Benedetta’ de Paul Verhoeven consiguiendo aún así bajar a la Iglesia a la esfera de lo adulterado.

Para mi uno de los detalles más relevantes de ‘Immaculate’ es el salto que pega Sydney Sweeney en su carrera. Es una película en la que se ha implicado en un muy activo papel de productora, que protagoniza en solitario y que le bajará la lívido a todos aquellos que compren la entrada solo por ver sus curvas. Tal es el grado de compromiso que aportado que incluso ha plantado a sus dos abuelas en varias escenas. En gran parte el enfoque que tiene la cinta es fruto del empeño de la actriz por sacar este proyecto adelante. En su comienzo parece una más del montón, de esas que juegan con la oscuridad y los jumpscares. Pero posee dos giros, uno que prácticamente ya es vox populi y otro que se amolda más a lo disparatado, que incluso me ha recordado a ‘Jurassic Park’. No necesita irse al realismo o dramatismo de ‘Gracias a dios’, pero trae consigo cuestiones que sin tener que irnos a extremos conspiranoicos resultan justamente acusatorios contra la impunidad de los supuestos poderes divinos.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de mayo de 2024. Título original: Immaculate. Duración: 89 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Mohan. Guion: Andrew Lobel. Música: Will Bates. Fotografía: Elisha Christian. Reparto principal: Sydney Sweeney, Álvaro Morte, Simona Tabasco. Producción: Black Bear, Fifty-Fifty Films. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial: https://www.immaculate.film/

Crítica: ‘El mal no existe’

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Takumi y su hija, Hana, viven en un pueblo cercano a Tokio. Su vida se verá profundamente afectada cuando descubren que cerca de su casa se va a construir un glamouroso camping para que los habitantes de la ciudad hagan escapadas cómodas a la naturaleza.

Crítica

Un alegato ecologista y costumbrista excesivamente manso

Ryûsuke Hamaguchi, director ganador del Oscar a Mejor Película Internacional por ‘Drive my car’ regresa con un nuevo filme que ya cuenta con cinco premios del Festival de Venecia en su palmarés, entre ellos el León de Plata. De un peculiar y flemático viaje en coche nos traslada a un paseo por la naturaleza de Japón, que respeta el estilo parsimonioso de su anterior película.

El primer tramo de ‘El mal no existe’ consiste en contemplar cómo transcurre la vida del protagonista. Cortar leña, recoger agua con un cazo, pasear con su hija reconociendo árboles… Durante buena parte de la película es como si estuviésemos viendo un documental de La2 al que se le ha dado como hilo conductor la vida de un lugareño y su vida sencilla. Los planos contemplativos se suceden sin que delaten ningún tipo de argumento o trama. Es solo cuando está bien avanzada la película cuando irrumpe el elemento conflictivo. Una empresa quiere construir una instalación de glamping (uno de los pocos méritos que le atribuyo al filme es descubrirme este término) y con ello irrumpir en la vida de los habitantes de tan apacible lugar, poniendo en peligro sus recursos naturales.

Es evidente y fácil pensar que la película tiene un mensaje ecologista. Pero va de la mano de un espacio dedicado ampliamente a hablar sobre el respeto a las costumbres, a los valores y a los tesoros de las pequeñas comunidades que viven ajenas a las modas o ambiciones de la sociedad capitalista. Es por todo esto que ‘El mal no existe’ viene a decirnos que en la naturaleza no existe maldad, solo supervivencia. Por extensión nos intenta mostrar que los habitantes que respetan el medio ambiente en el que viven sin coger de él más de lo que necesitan también están exentos de la perversidad inherente a los principios e intenciones corporativos. Las gentes de ciudad, los tiburones empresariales son aquellos que taren todo lo pernicioso. Nada que no sepamos. Si ponemos en valor el porcentaje de película que se dedica realmente a desarrollar la materia en cuestión se nos queda todo en un cortometraje.

Eso sí, las imágenes del bosque están tomadas con sumo gusto. El etalonaje de la película dota a las escenas de una luz increíble que no llega a quemar la escena y que da paso a una coloración que se percibe saturada de color. Otro acierto de ‘El mal no existe’, que logra transportarnos a esa naturaleza en la que tanto se recrea, es el mantener el sonido diegético, aquel que han captado durante el rodaje de cada escena. En ocasiones es apto para fans del ASMR.

Películas como ‘Erin Brockovich’ o ‘Tierra prometida’ han conseguido mejor impacto que el que ha causado en mi ‘El mal no existe’. Al margen de su mérito técnico, que lo tiene aunque tampoco busca planos ni montajes complicados, no es una película excesivamente conflictiva. Destaca en el filme la cultura de la lógica y el diálogo que tanto se le atribuye a los japoneses, rota solo por la irrupción de jóvenes empresarios que van más en la línea de corrientes neoliberales y ambiciosas. ‘El mal no existe’ es una película muy mansa, nada combativa, casi naif, que solo es capaz de desconcertar con un giro final difícilmente desentrañable.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de mayo de 2024. Título original: Aku Wa Sonzai Shinai. Duración: 106 min. País: Japón. Dirección: Ryûsuke Hamaguchi. Guion: Ryûsuke Hamaguchi. Música: Eiko Ishibashi. Fotografía: Yoshio Kitagawa. Reparto principal: Hitoshi Omika, Ryo Nishikawa, Ryuji Kosaka, Ayaka Shibutani, Hazuki Kikuchi. Producción: Fictive, NEOPA. Distribución: Caramel Films. Género: drama. Web oficial: https://neopa.jp/film/%E4%B8%89%E5%BA%A6%E7%9B%AE%E3%81%AE%E6%AD%A3%E7%9B%B4third-time-lucky2022%E5%B9%B4

Crítica: ‘Los Detectives Muertos’

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Un encuentro suavizado y juvenil con el lado dark de DC

Aún me acuerdo de la película ‘R.I.P.D. Rest In Peace Department’. En ella dos policías de ultratumba (Ryan Reynolds y Jeff Bridges) luchaban para devolver a demonios al infierno intentando mantenerse al margen del mundo de los vivos. La dinámica del filme era claramente un copia y pega de ‘Men In Black’. Ahora tenemos a dos nuevos detectives que intentan resolver casos sobrenaturales siendo ellos mismos dos fantasmas, pero la tónica es bien distinta. ‘Los Detectives Muertos’ luce un estilo más cercano a una mezcla entre las historias de ‘Sherlock Holmes’, ‘Entre fantasmas’ y ‘Supernatural’. Precisamente con esta última es con la que más tiene relación pues el creador de esta y esa serie es Steve Yockey. Ya trabajó para Warner Bros. Television con ‘The Flight Attendant’ y ahora estrena un título que también tiene bastante comedia, solo que nos llegará a través de Netflix el 25 de abril.

La trama de ‘Los Detectives Muertos’ sigue a dos fantasmas. Dos personas muertas a muy temprana edad pero en épocas diferentes. Edwin Paine (George Rexstrew) asesinado en 1916 y Charles Rowland (Jayden Revri) que murió en 1989. Mientras resuelven sus casos se fortalece su amistad, descubren más sobre las reglas del más allá e intentan huir de Muerte, interpretada por Kirby ya que todo pertenece al universo de ‘Sandman’. Estos dos personajes junto al de Crystal aparecieron en los últimos coletazos de ‘Doom Patrol’ y ahora tienen serie propia que tiene un par de guiños a los cómics de la Patrulla Condenada, pero sobre todo a la obra de Gaiman. De una serie de HBO Max saltamos a una de Netflix. Esa es la razón por la que los actores son distintos, aunque evidentemente Warner Television sigue en el ajo.

Como es lógico hay conexiones con la serie de ‘Sandman’ pero ‘Los Detectives Muertos’ va por su cuenta e implementa un estilo mucho más juvenil. Se acerca a series como ‘Locke & Key’ o ‘Agencia Lockwood’. Estos dos chicos se mueven por un mundo adulto en el que hay criaturas a las que se ha enfrentado el mismísimo John Constantine, tales como fantasmas, demonios, objetos malditos, brujas, elementales… Aceptan encargos de otros que siguen atrapados entre el mundo de los vivos y los muertos. Unos casos que se antojan bastante evidentes para el espectador pero que tienen mucho de cautivadores por como juegan con el mundo demoníaco y fantasmal.

La serie desarrolla su propio lore y lenguaje partiendo de las pautas que les da el material original. Runas, conjuros, planos, criaturas… todo un mundo mágico particular dentro del universo dark de DC/Vértigo. Esto es el Black Label en su vertiente más tontorrona y simpaticona. La historia es arquetípica en el sentido en que tenemos al listo y al ágil, el diligente y el caótico, el deductivo y el bruto. Y estos hacen migas con una mujer negra y una oriental, cosas de Netflix, pero la trama funciona. Recuerdo cuando veía ‘Smallvile’ que me sacaba de la serie que todos los personajes acababan teniendo poderes o enfrentándose a un villano. Aquí es parecido, todos ven muertos o se ven cara a cara con demonios o asesinos. Es la única pega que le encuentro, si hay alguna que ponerle.

Crítica: ‘El especialista’

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Es un doble de acción, y al igual que todos en la comunidad de especialistas, sale volando, le disparan, se estrella, se tira desde ventanas y cae desde las alturas más extremas, todo para nuestro entretenimiento. Y ahora, tras un accidente que casi acaba con su carrera, este héroe de clase trabajadora debe seguir la pista de una estrella de cine desaparecida, resolver una conspiración y tratar de recuperar el amor de su vida mientras sigue haciendo su trabajo. ¿Qué podría salir bien?

Crítica

Con ‘El especialista’ David Leitch hace un homenaje soberbio al oficio de doble de acción

Ryan Gosling y Emily Blunt protagonizaron uno de los momentos más hilarantes de la gala de los Oscars 2024. Se enfrentaron a base de dardos relacionados con el Barbenheimer aprovechando que el primero interpretó a Ken y la segunda a Kitty Oppenheimer. Lo que buena parte del público no sabía es que ambos son los protagonistas de ‘El especialista’ y lo que vimos en la ceremonia fue un adelanto de la película de David Leith pues consiste en una comedia romántica, en un tira y afloja rodeado de acción, de mucha acción.

Al igual que el director de ‘John Wick’, David Leitch fue doble de acción y dio el salto a la dirección con éxitos de taquilla tales como ‘Bullet Train’, ‘Deadpool 2’, ‘Atómica’ o ‘Fast & Furious: Hobbs & Shaw’. En sus películas se percibe una auténtica apología del doble de acción usando muchísimas coreografías y efectos prácticos donde su equipo se juega el tipo, como él ha hecho durante su carrera. Pero con ‘El especialista’ va más allá y hace un homenaje soberbio al oficio de doble de acción. Esta podría haber sido una película tipo ‘Los Mercenarios’ donde actores de acción como Schwarzenegger, Tom Cruise, Keanu Reeves, Stallone, Jason Statham y Dwayne Johnson tuviesen sus momentos de gloria, presupuesto no le falta. Pero Leitch, muy consciente de quién debía ser el centro de atención y quien se merece el homenaje, pone el foco en aquellos que se llevan los moratones y se rompen huesos para que podamos ver en el cine escenas espectaculares y realistas. No obstante tiene alguna sorpresa de carácter superstar.

Para elaborar este tributo ha contado con el guionista Drew Pearce, el cual, ha hecho una versión personal de la serie televisiva y homónima de los 80 desarrollada por Glen A. Larson. Esta es una historia que como tantas otras nos muestran con pasión una parte importante del negocio o arte de hacer cine, de hecho en este artículo tenéis una nutrida lista con filmes similares. Pero además de rodearnos de explosiones reales, de coches destrozados, de narices rotas y actores haciendo peligrosos saltos y croquetas… es importante darse cuenta del tipo de comedia que se ha llevado a cabo. El protagonista ha de usar sus dotes actorales con las cuales se juego el tipo para convertirse en todo un detective privado, lo cual, da paso a situaciones desternillantes.

‘El especialista’ no es solo su acción y eso lo convierte en un título redondo. Es una comedia que tiene mucho de romántica, de burlesca y de paródica que puede ser incomprendida o parecer trivial, como le pasó en su día a ‘El último gran héroe’. Arriesga en algunos sentidos tal y como lo hacen aquellos que saltan de un edificio a otro o se meten en coches destinados a dar vueltas de campana. ‘El especialista’ es muy Pulp por como mezcla la aventura, con la intriga, con diálogos que van al grano e instantes propios del surrealismo. Viendo en ella a un Ryan Gosling tan divertido es imposible no acordarse de ‘Dos buenos tipos’ y el estilo de Shane Black. Enredos, momentos de detective de poca monta, salidas de tono, detalles que nos dejan desconcertados, personajes torpes y auténticos saltos de fe argumentales. Esta película es capaz de divertirnos en todas sus fases sin bajar el ritmo y sin olvidar su foco. Al fin y al cabo es todo un clamor por tener un apartado para los dobles de acción en las ceremonias de entregas de premios.

Y como carta de amor al entretenimiento de acción tiene guiños muy evidentes a títulos en los ha trabajado el director, como ‘Fast & Furious’ y otros con los que no guarda relación directa. ‘El fugitivo’, ‘Corrupción en Miami’, ‘El último Mohicano’, ‘Rocky’, la saga Bourne, ‘Gladiator’, ‘Tomb Raider’… la lista es tan larga que hasta un perro lleva el nombre de Van Damme y durante un salto suena un famoso efecto de sonido usado en ‘El hombre de los seis millones de dólares’ o en ‘Masters del Universo’. Quizá uno de los más evidentes reside en la caricatura que se hace con Aaron Taylor-Johnson, el cual está, a medio camino del Ben Stiller de ‘Tropic Thunder’ y cualquier villano ridículo y desesperado. ¿De lo mejor? El momento en el que se hace humor con una clara mezcla entre ‘Mad Max’ y ‘Dune’, la secuencia comiquera de la discoteca, el unicornio, los instantes de intensas miradas románticas que recuerdan a ‘Top gun’ o similares y el cómo Emily Blunt convierte repetitivamente a Ryan Gosling en una antorcha humana como si estuviese en el bucle de ‘Al filo del mañana’. Como veis deja muchos instantes para la memoria.

Tampoco puede pasar por alto el peligro que entraña la irrupción de las inteligencias artificiales o el cómo se rinde cortesía al heavy metal y a las space operas. Me encantaría ver Metal Storm, la película que ruedan durante ‘El especialista’. No me cabe duda de que ambas películas merecen toda la expectación de la Sala H de la Comic Con.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de abril de 2024. Título original: The Fall Guy. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: David Leitch. Guion: Drew Pearce. Música: Dominic Lewis. Fotografía: Jonathan Sela. Reparto principal: Ryan Gosling, Emily Blunt, Winston Duke, Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham, Stephanie Hsu. Producción: 87North, Entertainment 360, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: acción, comedia, romántico. Web oficial: https://www.instagram.com/thefallguymovie/

Crítica: ‘The Palace’

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El Hotel Palace es un extraordinario castillo diseñado a principios del siglo XX y situado en pleno valle nevado de Suiza. Cada año acoge a huéspedes adinerados de todo el mundo en un ambiente gótico y de cuento de hadas. En vísperas del año 2000 se han reunido todos para un acontecimiento irrepetible. Una multitud de camareros, porteros, cocineros y recepcionistas están allí para atender sus extrañas necesidades.

Crítica

Una comedia decadente de la que solo sale airoso Oliver Masucci

Roman Polanski se sube al carro de las historias ambientadas en estresantes y exigentes establecimientos. Nos plantea una “pesadilla en la cocina” de alto standing que ha rodado en Suiza cerca de su residencia actual gastándose cerca de 17 millones. Películas como ‘El gran Hotel Budapest’ y ‘Hierve’ o series como ‘The White Lotus’ o ‘The Bear’ podrían haber acudido a nuestra memoria viendo ‘The Palace’, pues dentro de la temática se alzan como  los referentes más evidentes. Por desgracia ‘The Palace’ está a años luz de todo eso. Desafortunadamente toda la obra consiste en gags básicos y en predecibles malentendidos. Es por eso que a la hora de establecer conexiones con títulos recientes en mi cabeza han aparecido películas como ‘Desmadre incluido (Hotel Colón)’, ‘El hotel de los líos’ o ‘La suite nupcial’. Y es que la última película de Polanski tiene gags más próximos a un José Luis Moreno intentando imitar a los hermanos Marx que al genio que rodó ‘La semilla del diablo’.

¿Es mala por el tipo de humor que tiene? Si el director quisiese lavar su imagen y huir de aquellos que reprochan su comportamiento y su trato hacia las mujeres, no es precisamente la película ideal. El humor es tan básico que llega a parecer grosera, soez y hortera. Supuestamente este tipo de apelativos se le suele atribuir a películas atrevidas pero en este caso lo veo más cerca a lo vago y lo desesperado. Es un claro síntoma de la decadencia por la que pasa este director. Tal es así que ‘The Palace’ cuenta entre sus curiosidades con ser la película en la que Mickey Rourke ha mostrado por primera vez su calvicie, como si de una exclusiva del Sálvame se tratase, ese es el nivel. Si te gusta el humor pueril, tontorrón y de chiste fácil te puedes reír con esta película, soy de los que defienden que tiene que haber de todo, pero desde luego no es mi tipo de comedia pues me sabe a rancio.

En ‘The Palace’ seguimos a los gestores, empleados y clientes de un hotel en la nochevieja que dio paso al malamente temido año 2000. Mafiosos rusos, ricachones snobs, matrimonios por interés, empleados presionados hasta el límite, visitantes que provienen de fuera de los círculos de la jet set, mujeres que han pasado tanto por el quirófano que tienen más plástico que carne… Es una comedia de enredos en la que se plantean muchos elementos, pero se entremezclan poco entre sí. Básicamente los miembros del Hotel The Palace van de acá para allá apagando fuegos.

Da pena ver a ases de la comedia como John Cleese sometidos a una comedia menor como esta. Para más inri comparte gag con ‘Isi Disi’ y se ve en una versión fallida de ‘Este muerto está muy vivo’. Amor a lo bestia’. Sin embargo sí que es curioso ver a Oliver Masucci, a quien conocéis de ‘Dark’, pero no reconoceréis por lo caracterizado que está. Es quien interpreta al regente del hotel y me parece magnífico cómo se mete en la piel de alguien que tiene que mantener la compostura ante el esperpento que tiene delante.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de abril de 2024. Título original: The Palace. Duración: 100 min. País: Italia, Suiza, Polonia, Francia. Dirección: Roman Polanski. Guion: Roman Polanski, Jerzy Skolimowski, Eva Piaskowska. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Pawel Edelman. Reparto principal: Oliver Masucci, Fanny Ardant, John Cleese, Joaquim de Almeida, Luca Barbareschi, Mickey Rourke. Producción: Eliseo Entertainment, Rai Cinema, Lucky Bob, Atlas Sztuki, CAB Productions, Moderator Inwestycje, Direct4Energy, Benitex, Polski Instytut Sztuki Filmowej. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/the-palace/

Crítica: ‘Abigail’

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Los niños pueden llegar a ser auténticos monstruos.

Después de que una banda de delincuentes secuestre a una bailarina de 12 años, hija de un poderoso capo del hampa, a los secuestradores solo les queda vigilar a la niña durante una noche para cobrar el rescate de 50 millones de dólares. En una mansión alejada de todo, los raptores empiezan a desaparecer uno a uno y descubren, con creciente horror, que están encerrados con una niña nada normal.

Crítica

Un explosivo escape room vampírico

Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, conocidos como Radio Silence, autores en equipo de ‘Scream’ 2022 y 2023 y ‘Noche de bodas’ vuelven con otro survival horror, ‘Abigail’. Ya tenemos comprobado que acostumbran a embadurnar sus películas de un carácter terrorífico pero a la vez juvenil, de un tono desenfadado e incluso burlesco, pero también de mucha sangre. Con este nuevo título no cambian la tónica.

A priori la película bebe de ‘La hija de Drácula’ (1936) de Lambert Hillyer, el mismo director que firmó la primera aparición de Batman en pantalla. Toda una obsesión por los murciélagos y los chupasangres la de este señor. Me encantaría decir que ‘Abigaíl’ es un remake con todas sus letras, pero no se parece en nada. Y aunque a este filme le falta lore o trasfondo no me parece mal. La película de Radio Silence coge simplemente al personaje y lo reinterpreta en códigos actuales, llevándoselo muchísimo a su terreno. Las explosiones de sangre y el ubicar a personajes que se cuestionan los cánones del terror en casoplones empieza a ser su sello.

El filme empieza como un thriller criminal y posteriormente pasa al terror tipo escape room para acabar siendo un survival horror desbocado. El final de ‘Noche de bodas’ es una salpicadura en el parabrisas de nuestro coche si lo comparamos con el viaje de ‘Abigaíl’. Como película sangrienta y moderna que es tiene litros de sangre, rivalizando con ‘Renfield’ en ese sentido. Pero para llegar a ese punto primero ha de pasar por las fases que os he descrito así es qué debéis esperar unos cuarenta minutos para qué la tomatina empiece.

Los protagonistas son Melissa Barrera que se postula de nuevo como la final girl de esta década, Dan Stevens demostrando una vez más que le encanta hacer majaderías delante de la cámara, Kathryn Newton que sigue sumando para convertirse en una diva del fantástico estadounidense, William Catlett que para mi tiene una presencia imponente, Kevin Durand regresando a un enfrentamiento con vampiros desde ‘The Strain’, Alisha Weir quien siendo una niña tiene escenas apabullantes y Angus Cloud muy bien metido papel de un delincuente colgao. La película está dedicada a este último pues falleció el año pasado. Además, el filme cuenta con Giancarlo Espósito que como siempre ejerce de villano y con la aparición de otro rostro conocido que no voy a desvelar quién es, pero si puedo decir que imita muy bien la famosa carcajada villana de Vincent Price.

Sin ser una genialidad se agradecen los momentos explosivos y las pequeñas alusiones al mundo vampírico. El blasón parecido al de Drácula, los dientes a lo Nosferatu… Juega y se burla de los clichés del género, pero a su vez respeta ciertas normas inquebrantables. También apuesta reiteradamente a la carta de la figura infantil llevada a instantes grotescos, violentos y espeluznantes. Esta película es un síntoma más de que los tiempos han cambiado y hay poco espacio para el romanticismo en el cine de terror.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Abigail. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett. Guion: Guy Busick, Stephen Shields. Música: Brian Tyler. Fotografía: Aaron Morton. Reparto principal: Melissa Barrera, Dan Stevens, Kathryn Newton, William Catlett, Kevin Durand, Angus Cloud, Alisha Weir. Producción: Project X Entertainment, Radio Silence, Wild Atlantic Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: terror. Web oficial: https://www.instagram.com/abigailthemovie/

Crítica: ‘La chica que sanaba’

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Una niña de 15 años llamada Holly llama a su colegio para decir que ese día se queda en casa. Poco después, se produce un incendio en la escuela en el que mueren varios alumnos. La comunidad está conmovida por la tragedia y se une para sobrellevarlo. Anna, una profesora intrigada por Holly y su extraña premonición, la invita a unirse al grupo de voluntariado que dirige. La presencia de Holly parece traer paz mental, calidez y esperanza. Pero pronto, la gente empieza a reclamar a Holly y su energía catártica, exigiendo cada vez más de la joven.

Crítica

Juega muy bien al misterio tratando de un modo diferente temas de salud mental

‘La chica que sanaba’, de Fien Troch, es una conmovedora exploración de la resistencia del espíritu humano y del poder transformador del amor y los cuidados. La película se adentra en las vidas de sus personajes, mostrando los efectos persistentes del trauma y el viaje de curación que le siguen. A través de una narración llena de matices y unos personajes convincentes, ‘La chica que sanaba’ pone de relieve cómo las relaciones con los demás pueden servir de salvavidas en tiempos difíciles.

La trama va sobre una chica de familia pobre, maltratada por sus compañeros hasta convertirla en una paria. Un día tiene un mal presentimiento y llama a su escuela para decir que prefiere no ir. Ese día sucede algo que trastoca la vida de toda la comunidad. Es por eso y por mucho más que ‘La chica que sanaba’ trata sobre la salud mental.

La sensibilidad con que Troch aborda el tema permite una profunda conexión emocional con el público, invitándole a empatizar con las experiencias de los personajes. La película subraya que, aunque los traumas pueden dejar cicatrices duraderas, es posible encontrar la curación y la redención a través de auténticas conexiones humanas. Y aún llegando a esa conclusión hay que señalar que juega con la ambigüedad. Nadie podrá negar que este es un filme bastante misterioso y enigmático, casi inescrutable.

Historias como las de Fátima, El Palmar de Troya o Lourdes acuden a la memoria de los espectadores que ven este título. E incluso ‘La mesías’ cuando trata la figura de la madre, el negocio y el cómo esto siempre acaba tratando a personas como si fuesen una atracción feria. El título juega con el nombre de la protagonista pues de Holly a holy (sagrado en inglés) hay una “l” de distancia. E incluso la Cathalina Geeraerts tiene un halo de santidad cuando los rayos de luz se cuelan en algunas escenas, para muestra véase el poster. Pero otra virtud del filme es que no juega a tratar un tema religioso, quizá si de fes o creencias, pero no se relaciona con ningún credo en concreto.

¿Acto milagroso, género fantástico o el poder de la mente? Fien Troch mantiene la sombra de la duda hasta el mismísimo final, por lo que la película es de las que creará debate a la puerta del cine. En realidad da igual qué conclusión saquemos al respecto. Acoso escolar, dolor por la pérdida de un ser querido o por no ser capaz de traer a alguien al mundo son vehículos o partes de la vida que la directora remarca que pueden solucionarse o por lo menos paliarse a través del placebo que a veces constituye el sentir el cariño de otros. Consigue esto incluso cuando la película se torna malvada, aparecen los celos, los oportunismos o un malsano instinto maternal. ‘La chica que sanaba’ sienta de nuevo el debate aquel que aparece cuando se dice eso de “el fin justifica los medios”.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Holly. Duración: 103 min. País: Belga. Dirección: Fien Troch. Guion: Fien Troch. Música: Johnny Jewel. Fotografía: Frank van den Eeden. Reparto principal: Greet Verstraete, Cathalina Geeraerts, Felix Heremans. Producción: Prime Time, Tarantula, Topkapi Films, Les Films de Fleuve, Agat Films & Cie, Mirage Films, Centre du Cinèma et de l’Audiovisuel de la Fédération Wallonie-Bruxelles. Distribución: Adso Films. Género: drama. Web oficial: https://www.tarantula.be/film/holly/?lang=en

Crítica: ‘La Quimera’

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Todos tenemos una quimera, algo que deseamos hacer, tener, pero que nunca encontramos. Para la banda de ‘tombaroli’, los ladrones de antiguas tumbas y de yacimientos arqueológicos, la Quimera es soñar con dejar de trabajar y hacerse ricos sin esfuerzo.

Para Arthur, la Quimera se parece a Benjamina, la mujer a la que perdió. Con tal de encontrarla, Arthur se enfrentará a lo invisible, indagará por todas partes, penetrará en la tierra – decidido a encontrar la puerta que lleva al Más Allá de que hablan los mitos.

En su osado recorrido entre vivos y muertos, bosques y ciudades, fiestas y soledades, los destinos de los personajes se cruzan, todos en busca de su Quimera.

Crítica

 Bonita historia sobre los grandes imposibles de la vida

Sin duda ‘La quimera’ es una de las cintas más peculiares que he visto este año. Dirigida por Alice Rohrwacher, nos vamos a Italia. A una ciudad en la que se convive la actualidad y la antigüedad. Arthur, regresa con su banda de ‘tombaroli’, ladrones de tumbas antiguas, después de pasar un tiempo encarcelado. Conoce a Italia una mujer que comienza a devolverle la alegría poco a poco tras perder a su verdadero amor.

Pero no solo de esto va la cinta. Sino que también se nos explica lo que es exactamente una quimera, que es algo que deseamos tener o hacer, pero que nunca encontramos la manera de poder llegar a ellas. Para Arthur, su Quimera es Benjamina, la mujer que perdió y con la que desea encontrarse indagando en todas partes para encontrar la puerta del Más Allá y poder salvarla.

Alice Rohrwacher realiza una película muy bonita visualmente, nos adentra en momentos de ensueños y eso es gracias al tipo de película utilizado. Está rodada en 35 mm, en Super 16 mm y en 16 mm. Todo ello hace que la película tenga un color extraño, lleno de grano y con un toque de cuento. Que al final es lo que estamos viendo. La historia de un hombre intentando reencontrarse con su amor, viviendo desventuras que le harán hartarse de todo.

Además, las imágenes de las tumbas, con sus frescos esperando a ser vistos después de tantos años escondidos, son preciosas. Una de las tumbas que aparecen es magnífica, preciosa y se nota un gran cuidado a la hora de rodar las imágenes. Si que es cierto, que en cuanto este tema, me esperaba que el tema arqueológico tendría más peso en la trama, pero pasa a un plano bastante anecdótico.

‘La Quimera’ me ha gustado mucho, entretenida y muy bien realizada, contada de una manera bastante diferente. Por momentos muy dinámica, en otros se toma su tiempo para mostrarte a donde quiere llegar. Pero aun así, no pierdes en ningún momento el interés por ver el final de la película.

En el preparto encontramos a Josh O’Connor, interpretando a este joven atormentado. Está estupendo y convence perfectamente en su papel. También tenemos a Isabella Rossellini. Sin duda las mejores escenas de la película son con ella, la historia que comparte con Arthur es de dolor y aun así, es una historia muy tierna.

Carol Duarte, Vincenzo Nemolato, Alba Rohrwacher, Lou Roy-Lecollinet, Guiliano Mantovani o Gian Piero Capretto son parte del reparto de esta cinta.

‘La Quimera’ no es una película para todo el mundo, pero sin duda Alice Rohrwacher logra una historia muy bonita, un cuento lleno de luz dentro de la oscuridad que se adueña Arthur. El próximo 19 de abril llega a nuestras salas de cine.

 Ficha de la película

Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: La chimera. Duración: 130 min. País: Italia. Dirección: Alice Rohrwacher. Guion: Alice Rohrwacher, Caramela Covino, Marco Pettenello. Fotografía: Hélène Louvart. Reparto principal: Josh O’Connor, Carol Duarte, Vincenzo Nemolato, Isabella Rossellini, Alba Rohrwacher. Producción: Tempesta, Ad Vitam Production, Amka Films Productions, RAI Cinema, RTSI. Distribución: Elastica Films. Género: Drama. Web oficial: https://elasticafilms.com/catalogofilms/la-quimera/

Crítica: ‘Dragonkeeper: guardiana de dragones’

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Tiempos oscuros en el antiguo imperio chino. Los dragones, antaño amigos y sabios aliados de los hombres, llevan años perseguidos y enjaulados. En una lejana fortaleza, una joven ayuda al último dragón vivo a escapar de su cautiverio y se une a él en una trepidante aventura para recuperar su tesoro más preciado: el último huevo de dragón, robado por un malvado hechicero que desea el poder que en él reside para alcanzar la inmortalidad. Perseguida por los ejércitos del Emperador, esta extraña pareja se embarca en un apasionante viaje a través de China, en el que ambos aprenderán a crecer juntos y a confiar el uno en el otro para derrotar a sus enemigos y garantizar la supervivencia del linaje de los dragones.

Crítica

Una emotiva y preciosista aventura

¿A qué niño o niña no le ha gustado siempre fantasear con los dragones? ‘Cómo entrenar a tu dragón’ puso eso en evidencia. Las temibles criaturas legendarias están en casi todas las civilizaciones a lo largo del mundo. Probablemente la cultura y tradición china es la que más presente les tiene. Precisamente ahora que los que siguen el calendario lunisolar chino están en año del dragón llega ‘Dragonkeeper’. No puede ser una casualidad pues es una coproducción hispano-china de animación que cuenta con la participación de Movistar Plus+ y Atresmedia.

‘Dragonkeeper’ trata sobre Ping una niña que tiene un vínculo especial con los dragones. La aventura que propone este cuento trata de descubrir el origen y función de esa relación, pero también el rescate del último huevo que poseen los mágicos y enormes reptiles. El carácter curioso y respondón de la protagonista hace que además haya un trasunto sobre el cambiar roles y se cuestione el orden establecido.

Salvador Simó, director de ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’ y también experto artista de efectos visuales, es el director de esta potente producción. La primera novela de las seis publicadas por Carole Wilkinson sirve de base y el director ha llenado esta fábula de detalles y diseños preciosos.

‘Dragonkeeper’ arranca como muchas veces lo hacen las películas de Disney, llenando de pena nuestros corazones y con criaturas pasándolo mal. Tras eso está repleta de hechiceros, pequeños animales, soldados, habilidades jedi… Hasta su propia versión de los templarios de Osorio. A esta adaptación animada no le falta sentido de la aventura, quizá ande floja en su comedia y acción, pero no anda falta de ritmo y calidad gráfica.

Para mí el mayor acierto es el contar con Bill Nighy para dar voz al dragón y con su doblador habitual en castellano, Mario Gas. Es una jugada similar a la de ‘Dragonheart’ con Francisco Rabal. Dotan al personaje de una profundidad, dramatismo y emotividad que calan.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Dragonkeeper. Duración: 99 min. País: España, China. Dirección: Salvador Simó Busom, Jianping Li. Guion: Carole Wilkinson, Pablo I. Castrillo, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini, Wang Xianping. Música: Arturo Cardelús. Reparto principal (doblaje en castellano): Lucía Pérez, Mario Gas. Reparto principal (doblaje en inglés): Mayalinee Griffiths, Bill Nighy, Bill Bailey, Anthony Howell. Producción: China Film Animation, Guardián de Dragones A.I.E., Atresmedia Cine, Movistar Plus+.

Crítica: ‘Civil War’

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En un futuro cercano donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un trepidante viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al Presidente de los Estados Unidos.

Crítica

Desarrolla una realidad posible y terrorífica

Alex Garland es un director que siempre impacta, innova y deja una huella indeleble. Se suele mover por la ciencia ficción (‘Devs’, ‘Ex_Machina’, ‘Dredd’) o el terror (‘28 días después’, ‘Men’). Con ‘Civil War’ nos plantea una película que se acota más a los cánones del drama bélico, pero que a muchos les parecerá tan increíble como si fuese ciencia ficción y tan plausible que da terror. Y es que este nuevo largometraje no se puede considerar ucronía ni distopía, porque todo entra dentro de lo altamente posible y diciendo aún más, probable. Esa es una de las facetas por las que Alex Garland puede decir que se mantiene dentro del terror, cuando ‘Civil War’ se torna en una advertencia que da pavor.

Los populismos extremos y la polarización de la opinión pública son unas de las armas y males más potentes en este siglo XXI. Entre otras cosas han convertido a los periodistas en el enemigo, en parte del problema. Y lo que es aún peor, a raíz de esa desconfianza en el llamado cuarto poder la gente sigue a pies juntillas informaciones que ve en páginas o perfiles sociales que habitualmente generan creepypastas o fake news. Así es como han surgido movimientos como QAnon. El periodismo bélico es el centro de atención en ‘Civil War’. Es en resumen es una carrera por ser el primero en dar la noticia, por estar en lo más “jugoso” del conflicto. Personalmente siempre que he visto algo sobre periodismo bélico, ya sea su trabajo o testimonio, me he visto dividido. Como si también hubiese una guerra civil interior estos reporteros han de decidir si captan material o si prestan auxilio a quienes mueren o sufren ante sus lentes. Es un trabajo que deshumaniza por los nervios tan fríos que hay que tener pero que a la vez muestra a los humanos en su naturaleza más salvaje y final. Kirsten Dunst muestra brillantemente esa frivolidad que esconde un torrente de emociones reprimido. Que un ser humano tenga que contenerse así o sea capaz de negar el amparo a otros en pro de su carrera profesional a mí me causa espanto. En mi opinión Alex Garland también quiere reflejar ese todo por el todo que es el buscar la primicia.

Por otro lado ‘Civil War’ atina con su planteamiento. En resumidas cuentas es un drama bélico. Está la cosa tan dividida y candente que al filme no le hace falta explicar las razones por las que se produce la guerra civil. De hecho, tenemos tan interiorizados los conflictos actuales, que muchos espectadores saldrán de la sala sin darse cuenta que el guión no explica un detonante en concreto, aunque arranca con imágenes muy similares a las del asalto al capitolio. Con todo y con eso ‘Civil War’ no tiene carácter político, es neutral, lo cual también favorece la universalidad del filme.

Si no te interesa para nada el conflicto al que se enfrentan los periodistas o cuan cerca están de un conflicto armado algunos países del primer mundo (según los cánones capitalistas) también te puede gustar ‘Civil War’. Evidentemente plantea cuan duro e irracional es enfrentarse a tiros a familiares y amigos convirtiendo a Estados Unidos en una zona de guerra sin orden ni concierto. Es un road trip que recuerda a ‘28 días después’, pero sin zombies. Dos adultos, un hombre de avanzada edad y una mujer muy joven moviéndose por el peligro entre carreteras repletas de coches abandonados y asaltantes. A Garland le da igual mover a sus protagonistas delante de frenéticos muertos vivientes infectados que entre tanques y balas del calibre .50. La acción y tensión de sus escenas son altamente contagiosas.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Civil War. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Alex Garland. Guion: Alex Garland. Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Wagner Moura, Stephen McKinley Henderson, Cailee Spaeny, Nick Offerman. Producción: A24, DNA Films, IPR.VC. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, acción. Web oficial: https://a24films.com/films/civil-war

Crítica: ‘Spy x Family código: blanco’

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Él es un espía. Ella es una asesina. Juntos, Loid y Yor ocultan sus dobles vidas mientras fingen ser la familia perfecta. Sin embargo, su hija adoptiva, Anya, que es telépata, conoce los emocionantes secretos de ambos sin que lo sospechen. Bajo la excusa de llevar a su familia a una escapada invernal, los intentos de Loid por avanzar en su misión en curso, Operation Strix, se complican cuando Anya se involucra por error, desencadenando acontecimientos ¡que amenazan la paz mundial!

Crítica

Divertidísima y atiborrada de referencias

Una peculiar «familia» es la protagonista de ‘Spy x Family código: blanco’. Para muchos no necesita presentación pues la afamada creación de Tatsuya Endo ha dado la vuelta al mundo con su manga y su anime consiguiendo legiones de fans. Pero por si acaso os explico rápido. La acción transcurre en dos países que guardan una tensa paz y se espían mutuamente conservando un gran parecido con la Alemania del Muro de Berlín. La familia protagonista está formada por un matrimonio de conveniencia, una niña y un perro. El “marido” es un espía, la “esposa” una asesina, la “hija” una telépata y el perro ve el futuro. Ninguno conoce los que esconden los otros y viven felizmente. Un resumen más o menos como este es el que hace ‘Spy x Family código: blanco’ para ponernos al día. No hay manera de contar esta historia como algo normal pues la serie es peculiar con ella sola, aunque ahora os contaré como con todo y con eso a veces peca de falta de originalidad.

Lo que no cabe duda es que el manga de 2019, el anime y esta película actual son divertidísimos. Esta familia ha pasado por muchas aventuras, generadas sobre todo por los malentendidos y por la doble vida que llevan. Sobre todo es el personaje de la niña el que más gracia hace, en especial en ‘Spy x Family código: blanco’ con la escena el rey de la caca. La criaturilla de pelo rosado no para con sus bufonadas y nos hace reír constantemente gracias a ello y a la manera en cómo se mueve “inocentemente” por un mundo lleno de peligros. Lo hilarante de esta película es como se entrecruzan los intereses de lo que a priori son deberes para la escuela con los objetivos de los agentes secretos.

En esta nueva etapa de ‘Spy x Family’ la integridad y conservación del núcleo familiar corre peligro. Esto sucede también en obras de corte similar como ‘Spy Kids’ o ‘Sr. y Sra. Smith’. Y es que la falta de originalidad de esta serie se percibe siempre y cuando vemos que bebe en exceso de fuentes muy afamadas, aplicando por supuesto su filtro kawaii. Entiendo el fandom que ha generado esta serie pero ver los momentos bobalicones mezclados con sangre, erotismo y algunas muertes me hace pensar que este no es un producto infantil, sino más bien enfocado a adolescentes con mente pueril y sin excesiva cultura cinematográfica. La banda sonora casi se fusila temas de ‘James Bond’ y ‘Misión: imposible’, el protagonista se pone máscaras a lo Tom Cruise, el perro se llama Bond, la niña surge de un experimento llamado 007, la relación es completamente Pitt y Angelina, acceden a su base a lo ‘Superagente 86’, la niña tiene semejanzas con Niu de ‘Elfen Lied’ e incluso se copia la escena más famosa de ‘Misión: imposible’ que originalmente vimos en el ‘Robobo de la jojoya’. Con esto no señalo que el filme sea malo, pero tiene tantas referencias que más que alusiones son dependencias.

Todo lo anterior en su justa medida podrían haber sido influencias, pero se pasa de largo. Lo que sí que es una influencia, muy habitual en los animes, es el ambiente europeo de los escenarios y ropajes. Como decía antes estamos en dos países que recuerdan a los del telón de acero. En ese escenario surgen gags propios y personajes de lo más variopintos, no todo iban a ser reproducciones de clásicos. El director es Takashi Katagiri y el guionista Ichiro Okouchi. Ambos han trabajado en capítulos de la serie, los seguidores de esta no tienen que preocuparse que la historia, la dinámica y la continuidad de la franquicia está asegurada. Esta película puede transcurrir perfectamente entre episodios de la serie ya que no altera el canon ni inserta ningún evento trascendental. Habrá que seguir esperando el ansiado beso.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de abril de 2024. Título original: Gekijōban Spy×Family Code: White. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Takashi Katagiri. Guion: Ichiro Okouchi. Música: Know Name. Fotografía: Akane Fushihara. Reparto principal (doblaje original): Takuya Eguchi, Atsumi Tanezaki, Saori Hayami, Ken’ichirô Matsuda, Hiroyuki Yoshino, Yûko Kaida. Producción: Wit Studio, CloverWorks, TOHO animation. Distribución: Sony Pictures, Crunchyroll. Género: acción, comedia. Web oficial: https://spy-family.net/codewhite/

Crítica: ‘Sangre en los labios’

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De la mano de la directora Rose Glass llega una nueva y electrizante historia de amor: Lou, el solitario director de un gimnasio, se enamora de Jackie, una ambiciosa culturista que se dirige a Las Vegas en busca de su sueño. Pero su amor enciende la violencia, arrastrándolos profundamente en la red de la familia criminal de Lou.

Crítica

Katy O’Brian se postula sin querer para Hulka en una película con momentos tan fuertes como ella

Kristen Stewart y Katy O’Brian protagonizan ‘Sangre en los labios’, el segundo largometraje de Rose Glass. Tras ‘Saint Maud’ da el salto a la américa profunda, esa de la NRA, el pelo mullet y los esteroides. Allí se conocen dos mujeres que rápidamente se atraen la una a la otra. Suplen necesidades o carencias que les faltan mutuamente, sin tener en cuenta los pormenores, consecuencias o repercusiones que tiene la relación que acaban de empezar. ‘Sangre en los labios’ ha sido comparada por algunos de sus detalles con ‘San Junipero’ de Black Mirror. Puedo comprar que son dos personalidades a priori incompatibles que hacen match contra too pronóstico y hacen lo que sea por estar juntas, pero yo compararía esta película con ‘Monster’, de Patty Jenkins, pues también tiene su camino hacia la violencia y venganza, el tema de la violencia de género o una relación destructiva.

Indignará a puritanos y a quienes aún con mentalidad caduca no sepan ver que lo que hace aquí la directora Ross Glass es lo que se ha hecho toda la vida en el cine que mezcla suspense, criminales y romances fatales pero poniendo sobre la mesa personajes de géneros más tolerados por los productores de la vieja escuela. Aquí llega A24 para dar otro paso más en pro de la diversidad y la originalidad. Sin que me haya vuelto loco hay que reconocer que hay originalidad en cuanto a la temática LGBT, el ejercicio e intencionalidad no dista mucho de películas como ‘Brokeback mountain’. Sin embargo su guión es más sencillo y sintetizable. La que plantea ‘Sangre en los labios’ es la habitual historia de personaje que sin verlo venir se sumerge en un mundo de conflictos y secretos. Y es normal que no lo vea venir pues ni siquiera los espectadores tienen muchas pistas. Rose Glass plantea una estructura similar a la de ‘Saint Maud’, sin lograr su sacar brillo a su capacidad de inquietar. Nos presenta personajes que parecen martirizados y nos ofrece flashes que nos dan pistas evidentes de qué los ha llevado hasta el presente del filme. Pero sobre todo es cuando nos ofrece momentos fantásticos que exteriorizan la psique de los personajes cuando se parece a su película debut. Para mi es de lo mejor del filme. Lástima que con todo y con eso falte impactar más con su discurso.

Porque de lo que trata al fin y al cabo ‘Sangre en los labios’ es de las relaciones tóxicas, de todo tipo. Entre padres e hijas, con maridos maltratadores, entre parejas que se guardan secretos, entre aquellos que son cómplices silenciosos, entre autoridades y confidentes… Todo gira en torno a secretos y heridas. El título original era mucho más revelador ya que traducido literalmente significa algo así cono “las mentiras de amor hacen sangre” o “el amor sangra”. Toda la película es un alegato de desamor hacia el propio amor al que le falta desbocarse o confiar más en su potencial.

Evidentemente hay también espacio para hablar del rechazo a la comunidad LGBT y la negación de la violencia de género, algo aún más presente en los 80. Probablemente sea por eso que ‘Sangre en los labios’ ensalza la figura de las mujeres de un modo inusual y provocador, consiguiendo momentos de una belleza salvaje. No me refiero a los instantes de violencia y sangre, que he disfrutado puntualmente, sino a cómo Katy O’Brian se luce en pantalla, en el gimnasio y sobre el escenario, pero sobre todo postulándose sin querer a la Hulka que habría necesitado Disney. Aunque esta película sea un paso atrás para la directora por lo menos hay que reconocerle ese descubrimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: Love Lies Bleeding. Duración: 104 min. País: Reino Unido, Estados Unidos. Dirección: Rose Glass. Guion: R. Glass, Weronika Tofilska. Música: Clint Mansell. Fotografía: Ben Fordesman. Reparto principal: Kristen Stewart, Katy O’Brian, Ed Harris, Dave Franco, Jena Malone, Anne Baryshnikov, Orion Carrington. Producción: A24, Film4, Escape Plan Productions, Lobo Films. Distribución: Filmin. Género: drama. Web oficial: https://www.instagram.com/loveliesbleedingmovie/

Crítica: ‘El simpatizante’

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Park Chan-Wook también es un maestro en formato serie

Basada en una novela de Viet Thanh Nguyen que se publicó bajo el mismo título y ganó el Pulitzer, llega la serie ‘El simpatizante’. El próximo 15 de abril HBO Max publicará en su catálogo esta producción que cuenta con nombres muy granes, talentosos y rara vez decepcionantes: A24, Park Chan-Wook y Robert Downey Jr.

‘El simpatizante’ es una producción de A24 para HOB Max que dirige el laureado Park Chan-wook, para los que peinan canas el director de ‘Old Boy’, para los más jóvenes el de ‘Decision to leave’ o ‘La chica del tambor’. Junto a él en el guión el actor Don McKellar que también cuenta con guiones en su haber como el de ‘A ciegas’. Esta comunión ha dado a luz una magnífica serie que explora como nunca algunas facetas de un fragmento de la historia norteamericana que por otro lado está harto explotado.

En ‘El simpatizante’ seguimos a un refugiado en Los Ángeles que ha de seguir ejerciendo de espía en los últimos coletazos de la Guerra de Vietnam a causa de su origen mitad francés y mitad vietnamita. Esta serie va de agentes dobles, de choque de culturas, de diferentes interpretaciones de un enfrentamiento y de conflictos de intereses. Como siempre que se habla de la Guerra de Vietnam, aunque sea en segundo plano, se habla de una invasión en el plano cultural. A través de la retrospectiva que ofrece la confesión de un espía comunista transitamos una historia repleta de sátira y tragedia.

Es la historia en clave de thriller de hombres con dos caras. Robert Downey Jr. va más allá que nunca y muta en cada episodio. A este actor harto conoció le encanta caracterizarse. Sonados son papeles como el de ‘Tropic Thunder’, que también tenía que ver con Vietnam, o su participación en ‘Oppenheimer’ que le ha valido el Oscar, como casi sucedió cuando se disfrazó de Chaplin o de Kirk Lazarus. Él representa magistralmente una parte paternalista y manipuladora de todos los tentáculos de Estados Unidos. Pero con todo y con ello no es el personaje principal.

Hoa Xuande es realmente el simpatizante, quien juega a las amistades peligrosas. Es un actor con muy poca trayectoria o títulos que hayan llegado al gran público pero se mueve estupendamente por las escenas conflictivas, los garitos, las metáforas y los encontronazos que le propone Park Chan-wook. Representa muy bien al personaje intelectual, dividido y huidizo de estereotipos que es el protagonista.

En contadas ocasiones la serie tiene también algo de acción. El primer episodio acaba por todo lo alto para después moderar el ritmo de sus capítulos. ‘El simpatizante’ tiene un sabor a los setenta que seguro que le encantará a Tarantino. Los tiempos, el vestuario, los movimientos de cámara… Es una serie repleta de travelings y paneos, pero sobre todo de muchos planazos que imitan los de la época y que son característicos del director. Según qué episodio el cineasta surcoreano realiza un tributo al cine de espías, al bélico, al político e incluso al propio cine en sí mismo, todo evidentemente también gracias al texto del que parte.

Crítica: ‘Fallout’

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Un bombazo de serie que solo se puede medir con el pulgar hacia arriba

Jonathan Nolan y Lisa Joy regresan con una serie de ciencia ficción, ‘Fallout’, esta vez en Prime Video a partir del 11 de abril. Los artífices de ‘Westworld’ y ‘The Peripheal’ crearon anterior y respectivamente su versión de una película y una novela fantástica y ahora lo que adaptan es un videojuego. La mítica saga de Bethesda da el salto a la televisión en formato acción real. No serán pocas las comparaciones de esta serie que tiene planos a lo ‘Apocalypse now’ y ‘Terminator’, pero sobre todo con quien tendrá muchas asimilaciones es con un estreno que aún tiene que llegar ‘Borderlands’.

Estamos en un mundo arrasado, controlado por clanes (a cada cual más chiflado y fanático), siguiendo la búsqueda de un preciado tesoro, donde impera la ley del más fuerte o el más trapero. Bien es cierto que aunque aquí hay bastantes majaderías el juego de Gearbox es mucho más cómico que ‘Fallout’, pero hay muchos puntos en común. El sabor al farwest, los tiroteos, el ambiente apocalíptico desértico donde aún funcionan ciertas tecnologías… Se parecen y sin entrar en cuál llegó antes a nuestras consolas disfrutamos de la historia.

¿Cuáles son los precedentes? Como espectador que no conozca el videojuego solo has de saber que la humanidad, como siempre controlada por el corporativismo, a arrasado el planeta a base de explosiones nucleares. A la cabeza está Vault-Tec, una empresa tipo Umbrella Corporation que desarrolla todo tipo de tecnologías, en especial los más de cien bunkers que mantendrán a la humanidad a salvo bajo tierra. ¿A salvo? Como siempre la multinacional se alza como la villana de esta ucronía y realiza variopintos experimentos que crean todo tipo de situaciones y criaturas. Seres como los ghouls, los gulpers, los mutantes… forman sus clanes y facciones que intentan controlar los Estados Unidos, ahora convertidos en una Commonwealth de trece estados.

Estamos ante una realidad alternativa con sabor a western y a años 50. Sombras del comunismo hasta en la sopa, llaneros solitarios, una elegancia que se percibe hasta entre la mugre… La serie tiene un encanto difícil de describir pues en su mezcolanza de géneros brota un drama y un romanticismo que funciona. Sobre todo porque todos los personajes tienen un arco argumental interesante y evolucionan sustancialmente, no son para nada planos. Y principalmente porque ‘Fallout’ marca la diferencia y huye de héroes y santurrones. Todos los protagonistas hacen alarde de cierta maldad fruto de vivir en un mundo que te destroza para conseguir sobrevivir.

Quizá esta no sea una traslación literal de alguna entrega concreta de la saga pero desde luego funciona correctamente en el universo creado por Tim Cain para ordenador en 1997. Si habéis jugado toda la saga reconoceréis a personajes como Lucy o Maximus, e incluso al pero albóndiga, así como a un robot que tiene jocosamente la voz de Matt Berry. Curioso o sarcástico es que la serie disponga de un personaje que proviene de un pasado similar al de los nazis y que comparta nombre (Dr. Siggi Wilzig) con alguien que en la realidad fue un superviviente del holocausto y de campos como Auschwitz y Mauthausen y posteriormente un magnate de la banca. Sea como fuere está divertido seguir al escudero de unos caballeros de armadura tosca a lo Warhammer 40.000 (Aaron Moten), a la candorosa y bienintencionada joven del búnker 33 (Ella Purnell) o al pútrido cowboy cuatrero excelentemente bien maquillado (Walton Goggins).

La serie al fin y al cabo es una aventura que desarrolla varias buddy movies a la vez. Como en el juego es divertido ver los distintos clanes que se han creado o los variopintos experimentos que se han realizado en los búnkeres. Es una propuesta más bestia y sangrienta que ‘Westworld’, pero no por ello menos dramática. La Hermandad, El Enclave, Shady Sands, El Yermo, diversos refugios subterráneos… Recorremos puntos clave de los videojuegos y por momentos la serie recuerda a ‘De amor y monstruos’ o a ‘Mad Max’, pero no olvida la fuente original. Toparnos con un cadáver nada más salir del búnker 33, tener un filtro de agua roto o usar una nevera como refugio nuclear son detalles que no pasarán desapercibidos a los gamers. Como el hecho de ver por todas partes y sin abusar a lo product placement el logo de la Nuka-Cola. A esa manera de no propasarse con los detalles y de saber adaptar, no calcar los juegos, yo le pongo el pulgar arriba cual Vault Boy.

Crítica: ‘Monkey Man’

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Kid (Dev Patel) es un delincuente que acaba de salir de prisión y vive en la India, intentando adaptarse a un mundo marcado por la avaricia y carente de valores espirituales. Allí luchará por buscar venganza por la muerte de su madre y defender a las clases más desfavorecidas.

Crítica

Dev Patel se monta su propio John Wick… a medias

Con la curiosidad de que es la primera película que dirige Dev Patel y que él mismo protagoniza saliéndose también de sus habituales roles pues es un filme de acción, llega ‘Monkey Man’. En ella seguimos a un huérfano que se mueve por los bajos fondos ganándose la vida como luchador callejero mientas intenta hacerse un hueco en un famoso local de lujo. Esta es una historia de venganza pero que va acompañada de otras tantas inquietudes para el actor.

Para Patel, según declaraciones suyas, la industria cinematográfica ha creado demasiado cine de acción con violencia porque sí. Haciendo entender que las considera películas sin alma ni trasfondo. Es por eso que este filme no es puramente de tiros, peleas y persecuciones. Ha querido que sea una cinta con personajes trabajados que deje algo de poso. Y efectivamente ‘Monkey Man’ tiene discurso y una intencionalidad que va más allá de las escenas trepidantes y agresivas, pero se le ha ido la mano.

Las raíces del actor británico están muy presentes, a veces literalmente. En ‘Monkey Man’ nos viene a decir que en el país de sus antepasados sigue existiendo una diferencia de clases desproporcionada, alimentada hoy en día por los intereses corporativos y favorecida por las mafias y la corrupción. Esta historia a parte de tener mucha acción trata en el fondo de rescatar los valores espirituales de su cultura a través de una visión que nos hace recelar de líderes y gurús.

Os esperan dos segmentos de acción sin parar. Podríamos decir que tenemos dos películas en una, cada una de ellas dividida en una fase previa de construcción y retrato del personaje culminadas con una escalada de violencia explícita. Cuando la cosa se pone al rojo vivo en ‘Monkey Man’ las sensaciones son muy similares a las de películas como ‘John Wick’ (citado literalmente durante el filme), con detalles al estilo de Park Chan-wook o de la saga Ong-Bak. Sobre todo está presente la trilogía de Keanu Reeves por la presencia de neones, organizaciones criminales con matones que no se acaban, escenarios que van desde los bajos fondos al lujo, coreografías de lucha frenética, un protagonista que parece ser inmortal… Bien es verdad que Patel maquilla la acción con mucho movimiento de cámara, como hacen películas como la saga Bourne, por ejemplo, pero distinguimos unos cuantos movimientos buenos obra del coreógrafo y especialista Brahim Chab.

El problema de la película son los tiempos muertos. En ese afán por huir del cine de acción gratuito y sin alma Dev Patel introduce momentos que se supone que sirven para la progresión del personaje pero que resultan excesivamente alargados y reiterativos, sobre todo teniendo en cuenta que con unos pequeños flashes ya nos habían explicado lo mismo. Esto puede responder a que ‘Monkey Man’ respira cine indio en muchos aspectos. Más allá de lo superficial como puede ser la localización o los protagonistas está la costumbre de ese cine a la hora de introducir numerosos y largos flashbacks que por lo general aportan poco. Por lo menos no hay escena de baile tipo flashmob, aunque hay muchísima música en forma de covers y una secuencia a ritmo de tabla de la India que también se alarga más de lo necesario. Dese luego queda claro que el resultado final de la película se debe a lo mucho que se ha entregado el ahora director con su pueblo y con las escenas de acción, que le han valido más de una lesión.

Produce Monkeypaw, es decir Jordan Peele. Pero no es un producto original del cineasta. La cuestión es que una vez estaba rodado el filme Peele lo vio y se lo compró a Netflix para que no fuese directo a la plataforma teniendo así un merecido recorrido por cines. Por lo tanto ‘Monkey Man’ no tiene nada del sello de Peele ya que no ha estado involucrado en la gestación de la película, solo en su distribución. La historia es realmente de Dev Patel y cuenta con un guionista hollywoodiense como es John Collee (‘Master and commander’, ‘Happy feet’) pero también con uno que tiene los mismos orígenes que Patel como es Paul Angunawela, otra muestra más de que la película se divide en dos partes muy diferenciadas. Por lo demás hay que reconocer que sabe disimular muy bien las escenas grabadas con smartphone o GoPro por falta de presupuesto, que tiene los momentos justos y atinados de humor (que viva Sharlto Copley) y que es un muy digno debut en la dirección.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: Monkey Man. Duración: 113 min. País: EE.UU. Dirección: Dev Patel. Guion: Dev Patel, Paul Angunawela, John Collee. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Sharone Meir. Reparto principal: Dev Patel, Sharlto Copley, Pitobash, Vipin Sharma, Sikandar Kher, Sobhita Dhulipala, Ashwini Kalsekar, Adithi Kalkunte, Makarand Deshpande. Producción: Universal Pictures, BRON Studios, Creative Wealth Media Fiance, Lost Winds Entertainment, Lucky Elephant Media, Minor Realm, Monkeypaw Productions, S’YA Concept, Thunder Road Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: suspense, acción. Web oficial: https://www.instagram.com/monkeymanmovie/

Crítica ‘Pared con pared’

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Valentina es una joven pianista que comienza una nueva vida. Su vecino David, es un inventor que detesta el ruido. Y la celestina: el delgadísimo tabique que los separa.

Crítica

Llena de música y color

Ha llegado la primavera y con ella las historias románticas y es que ‘Pared con pared’ es sencillita pero una muy tierna historia de amor. La tranquila vida de David, un inventor que trabaja en casa, se ve envuelta en un ruido espantoso cuando Valentina se muda al piso de al lado. Ella una gran pianista intenta conseguir pasar un examen, el un hombre bastante huraño que no sale de su apartamento, quiere terminar su proyecto. No empiezan con buen pie, pero tiene que limar sus perezas para conseguir sus objetivos.

‘Pared con pared’ me ha gustado mucho, no da nada nuevo, es como digo, muy simple, pero dentro de la simpleza se convierte en una película muy bonita. No necesita contar demasiado para entretenernos y hacernos disfrutar de estos dos personajes tan dispares entre sí.

Dirigida por Patricia Font (‘El maestro que prometió el mar’) y escrita por Marta Sánchez (‘Como Dios manda’), la película junta a un elenco de actores bastante curioso y divertido. Paco Tous, Miguel Ángel Muñoz, Natalia Rodríguez, Joan Sentís, Adam Jezierski y Eduardo Ferrés.

Y por supuesto a los dos protagonistas, Aitana, en su primer papel protagonista, nos muestra que además de tocar el piano y cantar, no se le da mal actuar. No es un papel complicado, pero aun así no hay que quitarla mérito ya que realiza muy buen trabajo. Su compañero Fernando Guallar al que hemos visto en ‘Reina Roja’, tiene un papel muy gruñón y la verdad que lo interpreta de manera muy graciosa. Ambos tienen bastante buena química en pantalla.

‘Pared con pared’ es luz, la película tiene una luminosidad impresionante, incluso en el piso oscuro en el que vive David (Fernando Guallar), sigue teniendo algo mágico que le da una luz especial. Los colores vivce la película muy atractiva visualmente y que logra una armonía muy bonita en pantalla.

Para terminar, comentaros que es un remake de la comedia romántica francesa ‘Tras la pared’. La tendréis a partir del 12 de abril en Netflix y la verdad que es una buena opción para quedarseos resaltan por todos lados, sobre todo en el mundo de Valentina (Aitana). Su casa, su maravilloso vestuario todo es color. Algo que ha tranquilos en casa con unas buenas palomitas sentados en el sofá.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: Pared con pared. Duración:  90 min. País: España. Dirección: Patricia Font. Guion: Marta Sánchez. Música: Arnau Bataller. Reparto principal: Aitana, Fernando Guallar, Paco Tous, Miguel Ángel Muñoz, Natalia Rodríguez, Joan Sentís, Adam Jezierski, Eduardo Ferrés. Producción: Tripictures, Second Gen Pictures, Blind Date Productions. Distribución: Netflix. Género: Romance. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81478545

Crítica: ‘HLM Pussy’

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A pesar de sus diferentes orígenes sociales, Amina, Djeneba y Zineb son tres adolescentes inseparables y mejores amigas desde que tienen uso de razón. Cuando Zineb sufre acoso por parte del mejor amigo de su hermano, Amina decide publicar un vídeo comprometedor en las redes sociales con la esperanza de que deje de acosarla. Lo que no sabe es que el vídeo no solo pondrá en peligro su seguridad, sino que también pondrá a prueba su amistad.

Crítica

Conflictivo y valioso retrato generacional

Habitualmente las películas francesas que nos llegan protagonizadas por jóvenes de fuera de París o de clase obrera suelen tener una temática marginal. No es el caso de ‘HLM Pussy’ pero eso no quita para que sea una película comprometida y de carácter social. Además hay que añadir que aunque sea una obra juvenil o trate tendencias actuales atribuidas normalmente a los adolescentes, es un filme que nos atañe a todos. Ya sea por responsabilidad social, por educación digital o por progreso en temáticas de igualdad, es una obra que alcanza cualquier cultura, sexo o edad.

‘HLM Pussy’ es el debut en largometrajes de Nora el Hourch. Cuenta en su reparto con la conocidísima Bérénice Bejo (‘The Artist’, ‘Corten’) pero las protagonistas son las jovencísimas Leah Aubert, Salma Takaline y Médina Diarra. La trama va de tres amigas que son uña y carne. Una de ellas publica en internet un vídeo que muestra cómo su amiga tiene que aguantar el constante asedio de un pretendiente. “¿Me la habéis jugado?” pregunta el acosador de la película sin ser consciente de que quien se la ha jugado es todo el entorno que ha permitido que crezca creyendo que se puede vulnerar el espacio personal de otra persona sin su consentimiento.

Lo que a unos les puede parecer una broma, un acto de cariño o una declaración de amor a otros les puede hacer sentir una vergüenza imborrable. Igual pasa con lo publicado en Internet. Nadie puede sentirse en posesión de la vida otra persona, parece decir ‘HLM Pussy’ en varios sentidos. Más allá de percepciones personales o lo blindados que podamos sentirnos ante cualquier vulneración de nuestra intimidad, está la capacidad de las redes sociales de convertir cualquier situación en pesadilla. Es fácil que una publicación en redes se salga de madre o que se interprete sin que los usuarios busquen contexto o contrastar. ‘HLM Pussy’ atina a mostrar esa asignatura que tenemos todos pendiente como usuarios de esos foros a los que accedemos desde los dispositivos que tenemos en el bolsillo y por supuesto a retratar un caso de acoso, de esos que se podrían evitar con una buena educación de base.

HLM Pussy es el nick que usan las amigas para hacerse las malotas. Buscando el significado de HLM encontramos que se usa para referirse a viviendas de renta baja. Junto con la palabra “pussy” podría tener la connotación de como se devalúa a la mujer en redes a través de la cosificación, el piropo baboso y el fantaseo que proporciona el acceso temprano al porno. Sobre la mesa aparecen entre líneas cuestiones como a qué edad se debería acceder a las redes sociales o cómo saber si se tienen las nociones adecuadas para usarlas. Por supuesto que la red de redes es una herramienta potente y útil, pero hoy en día está viciada y también sucede que con nuestros dedos podemos hacer pequeños gestos que alcanzan a tener repercusiones que pueden cambiar una vida entera. En ese aspecto la película recuerda terriblemente a ‘Nación Salvaje’. ‘HLM Pussy’ es un retrato generacional que viene una vez más a mostrar el peligro de las redes o la importancia de la educación y el respeto, tanto en el mundo real como en el digital.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de abril de 2024. Título original: HLM Pussy. Duración: 101 min. País: Francia. Dirección: Nora el Hourch. Guion: Nora el Hourch, Éléonore Gurrey, Sara Wikler, Raphaëlle Richet, Violaine Bellet, Nathalie Saugeon. Música: Clément Tery. Fotografía: Maxence Lemonnier. Reparto principal: Leah Aubert, Salma Takaline, Médina Diarra, Bérénice Bejo. Producción: Manny Films, La Prod, Moon A Deal Films, Cinéventure 8, Red Sea Film Fund. Distribución: Mirror Audiovisual. Género: drama. Web oficial: https://mirroraudiovisual.es/hlm-pussy

Crítica: ‘Metalocalypse: army of the doomstar’

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¿Podrá Dethklok elegir entre sus egos y el bien mayor del mundo para embarcarse en una aventura llena de peligros que pondrá a prueba sus propias almas y escribir finalmente la canción que será su salvación?

Crítica

Con su energía implacable, su humor irreverente y su banda sonora es un merecido homenaje a la brillantez caótica de Dethklok

Aunque había visto antes algún que otro título de Adult Swim, ‘Metalocalypse’ fue la serie con la que me hice fan de la factoría de animación. Es por eso que a pesar de ser un entretenimiento muchas veces chanante, retorcido y absurdo le guardo cierto cariño. Descubrir que habría una nueva película ambientada en la carrera de la banda de metal más famosa del mundo de la animación me causó cierta alegría.

‘Metalocalypse: Army of the Doomstar’ llega para postularse como una película crepuscular. Para aquellos que no lo conozcan, Dethklok es la banda protagonista de la serie ‘Metalocalypse’. Son un grupo de death metal que existe en la realidad y que en la ficción a alcanzado cotas de fama tales que tienen su propia fortaleza, ejército e incluso PIB. Y eso a pesar de que sus conciertos son tan brutales que los asistentes han de firmar un descargo de responsabilidad asumiendo que en ellos se pueden perder miembros del cuerpo e incluso morir. Con esta nueva película de HBO Max descubrimos que sucede en sus últimos días. La película reúne dentro de su caos muchos elementos vistos durante la serie y recupera personajes para hacer las veces de cierre. Aunque sus creadore le tienen tanto cariño a Nathan Explosion, Murderface y compañía que han sido incapaces de escribir una conclusión definitiva.

Tommy Blacha y Brendon Small son los responsables de la serie y por supuesto de esta película que conserva su estilo de animación y lo que es más importante, su sentido del humor sin tapujos ni censuras. Llegados a estas alturas lo que han intentado hacer es una especie de crisis de identidad, de búsqueda de un sino, que puede definir el devenir de la banda y como no, del mundo entero. El planteamiento de la película es tan disparatado como el resto de la serie. No faltan las palabrotas, la sangre y los giros de guión locos. Por supuesto hay temas pegadizos para los fans del metal e imágenes de lo más épicas. ‘Metalocalypse: Army of the Doomstar’ es una atronadora explosión de caos metálico que hará las delicias de los fans. Ojalá saliese un videojuego inspirado en esta historia, tipo ‘Brutal Leyend’, eso si que sería brutal.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de abril de 2024. Título original: Metalocalypse: Army of the Doomstar. Duración: 83 min. País: EE.UU. Dirección: Brendon Small. Guion: Brendon Small. Música: Reparto principal (doblaje original): Tommy Blacha, Victor Brandt, Thundercat, King Diamond, Mark Hamill, Kirk Hammett, Jon Hamm, Scott Ian, Malcolm McDowell. Producción: Warner Bros. Discovery, Williams Street, Timouse. Distribución: HBO Max. Género: animación, comedia. Web oficial: https://www.adultswim.com/videos/metalocalypse/metalocalypse-the-doomstar-requiem-a-klok-opera

Crítica: ‘Freelance’

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El guion de Jacob Lentz (‘Jimmy Kimmel Live!’) supone su inusual debut en un largometraje después de haber sido guionista del programa de entrevistas de Jimmy Kimmel, uno de los más vistos de Estados Unidos y todo el continente americano.

Al estar ambientada en una dictadura ficticia de algún país tropical de Latinoamérica, el rodaje de la película tuvo lugar en Colombia. Desde producción pensaron que el país caribeño, de donde es Juan Pablo Raba, quien interpreta al cruel dictador, sería el lugar idóneo para que se desarrolle la acción.

Crítica

Solo el desnudo de los Oscars tuvo más gracia que todo ‘Freelance’

‘Freelance’ tenía todos los ingredientes para ser una película de acción cargada de adrenalina y risas: un prometedor director como Pierre Morel acostumbrado a rodar con su cámara escenas con todo tipo de estrellas del género, el tan de moda John Cena en el papel protagonista y un montón de efectos prácticos. Por si fuese poco arranca con una escena en primera persona evocando películas como ‘La chaqueta metálica’. Sin embargo, lo que debería haber sido un emocionante viaje ha terminado siendo una decepción sin brillo.

La trama es un batiburrillo reciclado de clichés, carente de toda originalidad, gracia o profundidad. John Cena, siguiendo los pasos de otros forzudos del cine como Schwarzenegger, se sumerge en una nueva película de acción que mezcla una vida cotidiana con otra bélica. Lo que podría haber sido un nuevo ‘Fubar’ o un título descacharrante en la línea de ‘La ciudad perdida’, por citar títulos actuales que han funcionado muy bien, acaba siendo una película más del montón, de esas que hacen los actores para ir cambiando paulatinamente su imagen. El personaje de Cena, supuestamente un rudo mercenario independiente, ha resultado unidimensional y poco inspirado, no logra evocar ninguna empatía o interés real por parte del público. Es mucho más memorable su aparición en los Oscars que todo su trabajo aquí, incluso teniendo en cuenta que repite aparición en cueros.

Las secuencias de acción, que suelen ser la gracia salvadora de este tipo de películas, están olvidables por estándar que son. En especial para borrar de la memoria está la persecución a caballo. En ningún momento se saca partido a la presencia física y el atletismo de Cena. Es como si el filme surgiese de un guión descartado para ‘El Pacificador’.

‘Freelance’ es una oportunidad perdida. A pesar de su potencial falla hasta cuando intenta parodiar a las repúblicas bananeras y a los dictadores sudamericanos, a pesar de que el mejor de todo el reparto, el único que parece haber comprendido a su personaje es Juan Pablo Raba. La gracia acaba rebotando y ‘Freelance’ termina siendo una parodia inconsciente de sí misma y del poder norteamericano repleto de luz de gas.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de abril de 2024. Título original: Freelance. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Pierre Morel. Guion: Jacob Lentz. Música: Geoff Zanelli, Elliot Leung. Fotografía: Thierry Arbogast. Reparto principal: John Cena, Alison Brie, Juan Pablo Raba, Christian Slater, Alice Eve. Producción: Yorkshire Film Services II, AGC Studios, Endurance Media, Wideangle Films, Sentient Entertainment. Distribución: Vértice Cine. Género: acción. Web oficial: https://freelance.movie/

Crítica: ‘La gran exclusiva’

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Esta dramatización ficticia basada en hechos reales muestra cómo las periodistas de ‘Newsnight’ consiguieron la famosa entrevista con el príncipe Andrés.

Crítica

Interesante historia basada en hechos reales

Llega a Netflix ‘La gran exclusiva’, una cinta basada en una historia real donde vemos la gran importancia del periodismo actual. La película dirigida por Philip Martin y con guion de Geoff Bussetil y Peter Moffat, nos trae la historia que hay detrás de la famosa entrevista de la BBC al príncipe Andrés de Inglaterra, el cual en la actualidad se encuentra fuera de la familia real, por culpa de su vinculación con Jeffrey Epstein.

‘La gran exclusiva’ nos relata como las periodistas de ‘Newsnight’ consiguieron esta famosa entrevista. Y como Sam McAlister, no paró hasta conseguirla.

La película me ha gustado mucho, nos muestra muchas caras del periodismo actual. Los paparazzis, los periodistas que se quedan en el estudio buscando noticias en las redes, los periodistas de campo o los periodistas que son los encargados de entrevistar y que son los que muestran su cara al público. Todos y cada uno de ellos forman una cadena que hace que nos llegue toda la información posible a nuestras casas.

‘La gran exclusiva’ engancha desde el principio. Todos sabemos como termina, pues la entrevista se hizo y la podemos encontrar en el canal de Youtube de la cadena BBC, pero aun así, como se va tejiendo toda la red para conseguir este objetivo, es muy interesante.

El reparto está espectacular, Rufus Sewell encargado de dar vida al Príncipe Andrés, está increíble. He visto la entrevista original y los gestos del actor, ya no solo de la cara, sino las manos y la manera de hablar está muy trabajada. Además, claro está, del gran trabajo de maquillaje al que ha sido sometido.

Gillian Anderson hace un papel de una mujer dura y fría, interpreta a Emily Maitlis la encargada de sacar todo lo posible de esta entrevista. Además de ser la cara en ese momento de la cadena, pues al final la que aparece en la pantalla es ella.

Billie Piper nos da a una Sam McAlister con muchas ganas de trabajar y de la suficiente entereza para atreverse a dar temas complicado para su programa.

Vestuario y decoración son perfectos. Es verdad que lo tenían “fácil” en el sentido de que está muy documentado, pero aun así logran clavar completamente los diferentes escenarios y trajes que se ven en aquella entrevista.

Para mi un gran logro de esta película, es que pese a ser una noticia muy reciente, tampoco es que haya sido muy divulgada en los telediarios. Y os aseguro que después de ver ‘La gran exclusiva’ vais a querer saber más del tema. Una historia que pone los pelos de punta y que da verdadero terror por lo que pasaron muchas jóvenes en aquellas casas. 

Ficha de la película

Estreno en España: 08 de abril de 2024. Título original: Scoop. Duración: 110 min. País: Reino Unido. Dirección: Philip Martin. Guion: Geoff Bussetil, Peter Moffat. Música: Anne Nikitin, Hannah Peel. Fotografía: Nanu Segal. Reparto principal: Gillian Anderson, Rufus Sewell, Connor Swindells, Billie Piper, Keeley Hawes, Romola Garai, Aoife Hinds, Gavin Spokes, Richard Goulding, Tim Bentinck. Producción: The Lighthouse, Voltage TV. Distribución: Netflix. Género: Drama. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81600418

Crítica: ‘Parasyte: los grises’

Acierta al no intentar readaptar y consigue convivir paralelamente al original

La historia de ‘Parasyte’ arrancó como un manga en Japón allá por 1988. Su autor Hitoshi Iwaaki ha visto como su obra se grajeaba muchos fans e incluso se llegaba a convertir en serie anime y a tener dos películas de acción real. Ahora es Netflix quien coge esta exitosa idea de terror y la convierte en ‘Parasyte: los grises’, una serie live action con 6 episodios que llegan el 5 de abril. Por mucho que esta serie le pegue mucho al director japonés Takashi Miike, quien ha realizado esta adaptación para Netflix es el guionista y director Yeon Sang-ho. Quizá es porque Miike, el mayor adaptador de mangas de la historia, estaba ocupado haciendo para la plataforma el anime de ‘Onimusha’.

Y me alegro de que haya sido Yeon Sang-ho pues muchos en España somos admiradores de su trabajo tras el estreno de ‘Seoul Station’ y ‘Train to Busan’, quizá no tanto tras ‘Península’. No es la primera vez que el rompedor director trabaja con Netflix pues ya estrenó la más que potable ‘Rumbo al infierno’ o la fantástica película de acción y ciencia ficción ‘Jung_E’.

Para aquellos que no conozcan ‘Parasyte’ han de saber, sin spoilers, que trata sobre como los humanos han de enfrentarse a unos seres bautizados como parásitos. Esto no va en el mismo sentido que la película de Bong Joon-ho, aunque algo de retrato de vagos y oportunistas hay, sino de un modo más cercano al de ‘Los ultracuerpos’, ‘The faculty’ o ‘Invasión secreta’. Con códigos de terror e imágenes grotescas similares a las que vemos en las páginas del ahora tan de moda Junji Ito, seguimos la historia de un adolescente llamado Shin’ichi Izumi, quien cual Eddie Brock con Venom empieza a convivir con uno de los parásitos invasores. Eso es lo que plantea inicialmente el manga. La serie se desplaza a un escenario ubicado un tiempo más adelante, con la invasión más avanzada, en términos más apocalípticos y con una protagonista diferente a la de los primeros mangas, pero que plantea las mismas cuestiones sobre la coexistencia.

Los humanos convirtiéndose en formas agusanadas letales y afiladas son la marca de la casa cuando hablamos de ‘Parasyte’. Las criaturas comparten el instinto de supervivencia de sus huéspedes ayudándose en simbiosis, pero sin compartir los intereses u objetivos. Estas criaturas son todo un reto para los cosplayers fans de la saga, los cuales, muy gratamente verán como la estética y morfología de las criaturas está respetada en la serie. No hay que preocuparse, no estamos ante un caso tipo ‘Death note’, la fidelidad de esta serie está más próxima a lo recientemente visto con ‘One piece’. Eso sí, hay que puntualizar que esta no es una traslación literal sino un fantaseo que sobre todo explora otras posibilidades del universo creado por Iwaaki. En el caso del manga y anime la dinámica es más ‘Venom’ y ‘The faculty’ y en el caso de la serie se toma un rumbo más cercano a ‘Invasión secreta’, The Strain’ y ‘Los ultracuerpos’. La pena es que la serie arranca con los mismos mensajes ecologistas que el manga, pero no desarrolla los argumentos en contra de lo perniciosos que somos los humanos de un modo convincente.

Yeon Sang-ho es ya todo un experto en manejar historias que ponen en jaque en a la humanidad. Hitoshi Iwaaki ya se ha manifestado muy satisfecho con las nuevas ideas que aporta la serie y yo no puedo decir lo contrario. La historia cambia sustancialmente con personajes más traumados y escenas más crudas, pero las reglas y el discurso se mantienen, de hecho, lo que sucede en la serie convive perfecta y simultáneamente con el manga. La trama es más policial y alude constantemente al ‘Dr. Jekyll y Mr. Hyde’, pero no pierde su sentido grotesco. En resumen, es un acierto que la serie haya desarrollado una trama que va de la mano a la original y no se haya intentado adaptar lo que ya hemos visto en formato anime y películas de acción real. Es una buena manera de ampliar el universo de ‘Parasyte’.

Crítica: ‘Matusalén’

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«Envejecer es inevitable, madurar es opcional». Esa es la máxima de «El Álber», un rapero que a sus 44 añazos se matricula en la universidad por una apuesta con su padre. Si no aprueba todas deberá dejar «esa tontería del rap» para siempre. En la universidad, el Álber se reencuentra con Amaia, locutora de radio y profesora allí, y descubre que le faltaba algo muy importante en su vida: el amor.

Esta es la historia de un rapero cuarentón considerado un niño por sus padres y un abuelo por sus compañeros de clase. Le mandaron a la universidad para que cambiase, y fue él el que cambió a todos los demás. Es la historia de… MATUSALÉN.

Crítica

Julián López rima en armonía con un variopinto reparto

Me acuerdo del show de Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla titulado “Viejóvenes”, que en cierto modo, venía a largar su sketch animado, ‘Cabeza de Viejo cuerpo de joven’ y otras bromas de sus programas. El argumento de ‘Matusalén’ va por esos derroteros y no cuenta con los dos cómicos pero si con muchos de sus compañeros chanantes. Aunque el guión de esta película no lo han escrito ellos se lo llevan en parte a su terreno jugando con el absurdo y lo patético. Eso es lo que le da más gracia la película, el hecho de que Julián López sea el protagonista y junto a Carlos Areces y Raúl Cimas tenga los mejores momentos, propiciado sobre todo a la buena compenetración entre ellos. No obstante cabe señalar que esta comedia no sigue los derroteros o el estilo de cuando se emitían series como Muchachada Nui. Y eso ayuda a que también tengan oportunidad de hacernos reír actores con más gags en el guión como Resines o Adrián Lastra, que hace un papel que a buenas me ha recordado al de Mario Casas en ‘Mi gran noche’. Y es que la lista de nombres que se han rendido a esta comedia es enorme y variopinta, podéis consultarla en la ficha al pie de esta reseña.

Decía que Joaquín Reyes y sus compañeros de orígenes en la comedia no están a cargo del guion y ello es debido a que el director de ‘Matusalén’ es David Galán Galindo, el cual, sí que se ha encargado siempre de escribir guiones. Hablaba por ejemplo de unos inicios cómicos y este director es el autor de ‘Orígenes secretos’, película con la que no acabé de comulgar, pero también de ‘Gora Automatikoa’, título que por otro lado me encantó. Así es que acudía abierto a todo con esta nueva propuesta. Y no me arrepiento pues me ha divertido. Es una comedia repleta de escenas y personajes con los que va interactuando el fracasado que interpreta Julián López, con todos ellos explorando una faceta de la inmadurez.

Y es que ‘Matusalén’ trata sobre cómo la sociedad nos obliga a “madurar” y a abandonar aquello que realmente nos hace felices. Aunque es una comedia donde hay muchos gags bobalicones parece que nos invita a reflexionar si lo que nos interesa es seguir ese plan contra el que también cargaba ‘Trainspotting’ en su inicio o el hecho de perseguir el sueño que te hacía feliz cuando aún no estabas contaminado por los convencionalismos u obligaciones sociales. La percepción que da la película es como si Galán Galindo se hubiese tragado a Santiago Segura: comedia casi familiar, con toques frikis y repleta de amiguetes. Pero cabe señalar que es un filme algo más adulto que los últimos “bombazos” de quien en su día se descolgó del cartel de Schweppes. Nos lleva a un terreno más juvenil y nos gana a los que empezamos a peinar canas solo por el hecho de ser capaz de introducir el horror cósmico lovecraftiano y por supuesto por dedicar un guiño u homenaje a George Pérez y a Carlos Pacheco. Al director le gusta tanto el mundo del cómic, que no puede evitar hacer algo tan característico del género como los cameos, incluyéndose a sí mismo o uno con forma de Funko del superhéroe creado para su primer largometraje.

Pero sobre todo la película rinde homenaje al rap. Están muy presentes Kase.O, que incluso hace un cameo, o Haze que suena durante todo el filme. El protagonista enumera los principios que ha de tener un rapero a través del personaje de Elpho-K y nos rodea constantemente de las melodías y rimas que aún hoy en día pueblan nuestros barrios, a pesar de que las radios, redes y discotecas inunden a las nuevas generaciones con músicas menores y vagas. Es por todo esto que ‘Matusalén’ está dedicada a Jota Mayúscula.

Te saca de le película que Resines lleva estancado en el papel de ‘Los Serrano’ desde 2003 (aunque hay que decir que el maillot ciclista le da su gracia), el recurso fácil de la guapa de la universidad siendo una capulla insoportable o el tener a Miren Ibarguren sin momentos cómicos. Pero son detalles que pasan desapercibidos ante lo bien que congenia Julián López con todo el reparto. Como también pasa inadvertido el instante en que se habla de cómo la generación de cristal ha asumido su carácter de ofendidita y hasta se aprovecha haciendo uso de la discriminación positiva, me habría gustado que se explorase más eso una vez puesto sobre la mesa. No me ha parecido una comedia fallida ni tan inteligente o mordaz como ‘Gora automatikoa’, pero ojalá se sitúe en los rankings por encima de las comedias con las que compartirá cartelera.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de abril de 2024. Título original: Matusalén. Duración: 119 min. País: España. Dirección: David Galán Galindo. Guion: David Galán Galindo, Fernando Hernández, María José Moreno. Música: Eric Cunningham, Javier Colmen. Fotografía: Jesús Haro. Reparto principal: Julián López, Miren Ibarguren, Raúl Cimas, Antonio Resines, Carlos Areces, Lucía de la Fuente, Jason Fernández, Elena de Lara, Judith Fernández, María Barranco, Manuel Galiana, Adrián Lastra, Maite Sandoval, Alberto San Juan, Roberto Álamo, Miguel Rellán, Emilio Buale, Jorge Sanz, Alberto Casado, Rober Bodegas, Enrique Villén. Producción: Vuelta a la universidad AIE, TVE, Amazon Prime. Distribución: F&P Media. Género: comedia. Web oficial: http://www.flinsypiniculas.com/ficha.php?id=317

Crítica: ‘Mayday Club’

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Un veterano de las fuerzas especiales, una tensa promotora inmobiliaria, una influencer con medio millón de seguidores y un acabado creador digital son enviados a un curso especial para afrontar su miedo a volar. El reto principal del curso incluye participar en un vuelo que va desde Londres a Islandia pero que terminará siendo una terrible experiencia. Perdidos en aquel remoto país, congelados y aterrorizados, entre todos deben encontrar la manera de enfrentarse a sus miedos y trabajar juntos para desplegar las alas… y volar.

Crítica

Solvente comedia que evita estrellarse gracias a un par de personajes

‘Mayday club’ nos lleva de viaje con un grupo de personas a los que les da miedo volar. Pocas películas han intentado basar su argumento en la aerofobia y en el caso del filme de Hafsteinn Gunnar lo consigue a medias. El inicio de la historia sigue al personaje de Lydia Leonard pero pronto nos sumerge en el grupo de personas que no es que sean raras o peculiares, es que las conocemos en una situación extrema para ellos. Eso es gracioso y el guión lo explota bien en líneas generales, pero por desgracia el tramo central del filme se olvida de que esto va sobre el pánico a despegar y se convierte en la historia de unas personas atrapadas en una situación que no controlan.

‘Mayday club’ tiene sus momentos graciosos y su clímax disparatado. La cuestión es que durante casi toda la película se olvida de sus running gags, como por ejemplo la goma que utiliza Timothy Spall. Quizá si los derroteros del largometraje hubiesen ido por los mismos que otras comedias como ‘Toc toc’ habríamos tenido una historia más hilarante. Este proyecto islandés intenta seguir los pasos de las comedias de enredos francesas o inglesas pero no es capaz de liberarse del todo, de convertirse en un desenfreno. Y eso que tiene más de una escena subida de tono y personajes añadidos que resultan bastante surrealistas.

Algo que no juega en favor de extraernos carcajadas es la falta de color. El ambiente es excesivamente triste y frío. Vamos del Londres gris a la Islandia nublada por las tempestades de nieve. Sigurðsson estuvo más acertado con el esbozo de personajes y la tonalidad de ‘Buenos vecinos’.

‘Mayday club’ es capaz de hacernos pasar un rato agradable. Sobre todo funciona cuando el guión recupera la trama del pánico a montarse en un avión. Y consigue sorprendernos en el sentido de que por tiempo de cámara y por ser quien abre y cierra la película la protagonista es Leonard, todo hacía pensar que el actor con más caché (Spall) acapararía toda la atención y finalmente resulta que el actor menos conocido y a priori el personaje más normal de todos Simon Manyonda, es el que capta mejor dónde está el filón de esta idea. Es algo muy similar a lo que pasó con la primera temporada de ‘The White Lotus’ con el personaje de Murray Bartlett. Si te gustan esas historias donde hay algo de drama y locura entremezclados puede que goces de este club.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de abril de 2024. Título original: Northern Comfort. Duración: 97 min. País: Islandia. Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Guion: Halldór Laxness Halldórsson, Tobias Munthe, Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Música: Daníel Bjarnason. Fotografía: Niels Thastum. Reparto principal: Timothy Spall, Lydia Leonard, Ella Rumpf, Rob Delaney, Emun Elliott, Gina Bramhill, Sverrir Gudnason, Björn Hlynur Haraldsson, Simon Manyonda. Producción: Good Chaos, Netop Films, ONE TWO Films. Distribución: Vértigo Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/mayday-club/

Crítica: ‘Godzilla y Kong El nuevo imperio’

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¡La batalla épica continúa! El Monsterverse cinematográfico de Legendary Pictures retoma el explosivo enfrentamiento de «Godzilla vs. Kong» con una aventura totalmente nueva que enfrenta al todopoderoso Kong y al temible Godzilla contra una colosal amenaza aún por descubrir que se oculta en nuestro mundo, poniendo en peligro su propia existencia… y la nuestra.

Crítica

Grandes peleas y más kaijus, no se puede pedir mas

Soy fan declarada de cualquier película en la que salga Godzilla, lo admito, no me resisto a ese gran monstruo nuclear que destruye ciudades de un coletazo. Y si añadimos a ese gorila gigante sacado de Isla Calavera ¿Qué más le puedes pedir a una película?

Pues si, puedes pedirle más. Más titanes, más destrucción, más simios. Todo lo que tu quieras. Eso es ‘Godzilla y Kong: El nuevo Imperio’ una cinta en la que crean una mitología propia para la Tierra Hueca y en donde nos reencontraremos con titanes que pensábamos perdidos.

Adam Windgard, director de la olvidable ‘Death Note’ y por supuesto de ‘Godzilla Vs Kong’, nos trae esta estupenda aventura en la que vemos grandes titanes por todos lados luchando por que sí, sin más. Son monstruos y es su manera de vivir.

Regresamos a la Tierra Hueca, un mundo en el que King Kong, está aprendiendo a vivir en soledad, algo que no le hace demasiada ilusión. Es un animal familiar y demanda compañía. Pero pronto tendrá con quien no aburrirse y es que encuentra una civilización de simios muy peligrosos que se lo pondrán muy difícil.

Mientras tanto, Godzilla anda por todo el mundo acabando con las distintas amenazas que asolan a la humanidad. Cádiz, Roma, Gibraltar o Egipto, son algunas de las ciudades que este ser termina destruyendo a la vez que salvando. Eso sí, por supuesto, no se dice en este tipo de películas, pero la cantidad de seres humanos que mueren debe ser tremenda, pero aquí no importan. Importan los titanes.

Y es que, muchas veces en esta saga de películas, siempre lo digo, me sobra la trama de humanos, aunque en este caso, han sabido que ambas congenien bien. Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, regresan a este universo de kaijus. Mientras que Dan Stevens comienza su aventura en esta nueva cinta, dándonos un papel maravilloso como veterinario de Kong. Además hacen alguna alusión a Ace Ventura, ese gran detective de mascotas que nos gusta a tantos.

Los efectos visuales son una tremenda pasada. Al final casi toda la película es CGI y está tan bien realizados que es una maravilla. Los nuevos diseños de kaijus están genial. Por no decir los nuevos simios, que dan verdadero pavor. Estos simios que muestran el lado oscuro de la humanidad. Al contrario que Kong, que nos muestra su lado más bondadoso, pese a su gran fuerza bruta.

‘Godzilla y Kong: El nuevo Imperio’ hay que verla en las salas de cine, no os defraudará. Uno de los estrenos de la semana, divertida, llena de aventuras y con unas grandes peleas en las que se destruyen ciudades sin ton ni son.

 Ficha de la película

Estreno en España: 27 de marzo de 2024. Título original: Godzilla x Kong: The New Empire. Duración: 114 min. País: EE.Uu. Dirección: Adam Wingard. Guion: Terry Rossio, Simon Barrett, Jeremy Slater. Música: Junkie XL, Antonio Di Iorio. Fotografía: Ben Seresin. Reparto principal: Rebecca Hall, Brian Tyree Henry, Dan Stevens, Kaylee Hottle, Alex Ferns, Fala Chen. Producción: Legendary Entertainment, Screen Queensland, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://godzillaykong.entradaswb.com/

Análisis del Blu-ray de ‘Trolls 3’

Una edición que suma actividades para los más pequeños

Los muñecos que allá por los ochenta y noventa se vendían hasta en los quioscos con la premisa de poder conceder suerte, salud… se convirtieron en una película de animación infantil en 2016. La franquicia ha prosperado y aumentado el universo de estas risueñas criaturas pelo pincho hechas con fieltro y purpurina y el año pasado se estrenó ‘Trolls 3: todos juntos’ (crítica aquí). Ahora sale su edición física que ya está a la venta en España editada por Arvi Licensing.

Esta tercera entrega se centró en la figura de las boy bands y con esa excusa nos descubrió muchos más detalles del protagonista Branch y un gran secreto en la vida de Poppy. Por supuesto el filme estaba repleto de música y bailes, los cuales, propician uno de los extras más jugosos de esta edición. Se puede ver la película en modo karaoke, con las letras para poder corear las canciones con los pequeños de la casa.

Esta edición se puede ver en mejor calidad en televisiones que soporten el formato widescreen 2.39:1. El audio viene preparado en castellano, catalán, alemán e italiano Dolby Digital Plus 7.1 y en Inglés Dolby Atmos. Si queréis verla en versión original podéis subtitular el filme en castellano, catalán, inglés para sordos, alemán e italiano.

Como podéis ver en la galería de fotos al pie de este análisis la portada de eta edición es la misma que se usó como póster en Estados Unidos. La misma ilustración es la que está serigrafiada en el disco. Sin embargo el menú del Blu-ray lo encabezan tan solo Branch y Poppy, por supuesto acompañados de un tema del filme.

Atención porque los extras solo aparecen si se selecciona el menú en inglés al inicio de la reproducción del disco.

Extras (60 min. aprox.)

It takes trhee (3:55 min.)

Cortometraje que goza de una animación 2D en su mayor parte, con canción incluída. Una versión más próxima a Cartoon Network que a DreamWorks.

Deleted scenes whit intro by head of story Colin Jack (4:52 min.)

Tres escenas que fueron descartadas del montaje final por un motivo u otro. Nos van detallando la razón y además podemos verlas incluso en su versión storyboard.

Fun in the recording booth (3:49 min.)

El apartado que tienen que saltarse los detractores del doblaje por parte de famosos. Justin Timberlake, Anna Kendrick y compañía disfrutando poniendo sus voces una vez más para esta franquicia.

Hi, hi, hi (3:27 min.)

Trolls 3 ha supuesto la reunión de NSYNC. ¿Queréis verles grabando? Este es el extra que buscabais.

Building the band (12:36 min.)

Los directores de la película, Tim Heitz y Walt Dohrn nos cuentan cómo ha sido seleccionar al casting de voces y trabajar con ellos. Se centra sobre todo en los nuevos personajes.

Toghether again (2:38 min.)

NSYNC ha vuelto a juntarse para aparecer en esta película, en la uqe ha sido una de las grandes sorpresas del año. Pero, ¿realmente han coincidido en la sala de rodaje? Aquí tenéis la prueba en vídeo.

Animating Trolls (4:22 min.)

Así es como se ha llevado a cabo la animación de esta película repleta de detalles y color. Desde las fases más básicas de storyboard, pasando por el layaout hasta el resultado final.

How to draw (23:09 min.)

Si quieres aprender a dibujar a mano a los personajes e Trolls 3 aquí tienes una serie de tutoriales para aprender uno a uno cómo hacerlo de mano de Wendy Sullivan, story artista del filme.

How to: hug time bracelets (2:34 min.)

Muchos niños salieron de la película queriendo tener su propia pulsera. En esta especie de Art Attack encontraréis instrucciones para tener vuestra propia pulsera de los abrazos. Un gran regalo para vuestros besties… si tenéis 10 años.

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