Años 60. María Margarita es la menor de cuatro hermanos de una familia que vive en un pueblo minero en el desierto de Atacama (Chile). El momento más especial de la semana es el domingo, cuando todos van al cine a disfrutar de las historias que les llevan a otros mundos. Los padres de la niña pronto se dan cuenta de que la pequeña tiene un don muy especial, una habilidad casi asombrosa para contar películas. El extraordinario talento de la niña se extenderá por todo el pueblo, cambiando la suerte de su familia al mismo tiempo que el país se transforma para siempre.
Crítica
Logra que los personajes y los espectadores sientan el cine como herramienta terapéutica
La danesa Lone Scherfig llegó por última vez a nuestros cines a través de su largometraje ‘Su mejor historia’ (2016), ya que ‘La amabilidad de los extraños’ (2019) se estrenó directamente en plataformas. El título de 2016, protagonizado por Gemma Arterton, Sam Claflin, Jack Huston y Bill Nighy consiguió encandilarnos a través de una historia que emanaba mucho cine. En esta ocasión, con ‘La contadora de películas’, vuelve a tirar del metalenguaje y nos transporta al Chile empobrecido, recóndito y desértico de los años 60.
Los protagonistas de esta nueva y emotiva película son Sara Becker, AlondraValenzuela, Antonio de la Torre, BéréniceBejo y Daniel Brühl. Juntos nos cuentan la historia de una niña con una capacidad conmovedora y transportadora de narrar las pocas películas que ha podido ver en el cine de la villa creada por la empresa extractora de salitre para la que trabaja su padre. Pronto la empiezan a conocer como La Contadora de Películas y esa habilidad se convierte en una fuente de dinero. Eso de “libre de spoilers” no es un concepto que se pueda permitir ya que sus oyentes buscan conocer el devenir de las películas a través de sus narraciones.
Es evidente que esta película puede recordar a ‘Cinema Paradiso’, ‘Los Fabelman’ o ‘Un segundo’. Todas ellas son historias que emplean el cine como bálsamo para sus protagonistas, como medio de evasión o instrumento que sirve para exteriorizar las penas o temores. La protagonista lo utiliza como negocio y como manera de compartir una pasión, pero también como terapia para aquellos que no pueden acceder a una entrada de cine, para los que están atrapados en su realidad o para dar vida a los sueños de los que ven inaccesibles otros mundos. Hace poco descubrí que hay gente que se gana la vida leyendo libros a otros a domicilio, ella hace algo similar. Es precioso como la niña establece paralelismos entre las películas que le llegan a Atacama con la sencilla realidad que le rodea. En lugar de una lucha de clases, un amor a tres bandas o un drama familiar ella solo ve cómo los humanos somos la viva imagen de las películas, no al revés. Es la manera que tiene para sobrevivir.
La ficción se desmorona y el drama toma el control de tan soñadora película cuando descubrimos que mientras que todos anhelan conocer las historias proyectadas en el celuloide y que no han podido ver, la protagonista solo quiere descubrir la verdad que le ha sido negada y ser capaz de enfrentarse a su propia historia. Scherfig nos cuenta de esta manera una historia emotiva y entrañable que usa la luz de gas al estilo de ‘La vida es bella’. Y ya de paso, al igual que la película de Benigni, toca un pedazo de la historia de uno de los países subyugados por otro de los grandes dictadores del siglo pasado, curiosamente relacionado con otro de los grandes títulos españoles de la actualidad, ‘Dispararon al pianista’. Buen momento para el hermanamiento entre Chile y España.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Título original: La contadora de películas. Duración: 115 min. País: España. Dirección: Lone Scherfig. Guion: Walter Salles, Rafa Russo, Isabel Coixet. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Daniel Aranyó. Reparto principal:Producción: Selenium Films, A Contracorriente Films, Altiro Films, Contadora Films, Euskaltel-Telecable, HBO Max, Latido Films, Programa Ibermedia, RTVE, Televisió de Catalunya. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-movie-teller
Por suerte este año hemos podido estar en la mayoría de películas que han salido escogidas como lo mejor en el palmarés de este Sitges 2023. Podéis consultar nuestras opiniones en nuestros diarios y comprobar que con casi todas estamos de acuerdo. Como adelanto os podemos decir que el jurado (luego están los premios del público, la crítica…) han escogido a ‘Cuando acecha la maldad’, ‘Stopmotion’ y ‘Vermin’ como los mejores títulos.
Al margen de los ganadores hoy en Sitges hemos podido presenciar como Hideo Nakata (‘The ring’) y Brad Anderson (‘El maquinista’) recibían los últimos Premios Màquina del Temps El festival ha clausurado con ‘Dream scenario’, la nueva película protagonizada por Nicolas Cage y la organización nos transmite que esta ha sido de nuevo una edición con récord en la asistencia de público.
‘Dream Scenario’
Sitges recibe a Nicolas Cage en una producción de Ari Aster. Dos artistas acostumbrados a sorprendernos y desconcertarnos, aunque de maneras muy diferentes. El director y guionista es KristofferBorgli, quien atraviesa de nuevo nuestras fronteras tras ‘Sick of myself’. Además esta es una producción de la siempre interesante A24. La combinación no puede ser más inaudita y prometedoramente demencial. Por supuesto cumple nuestras expectativas. Como creación de Borgli vuelve a criticar a la sociedad, como obra de Aster nos descoloca y como trabajo de Cage es una bizarrada de aúpa.
Se expande el pánico y el desconcierto cuando la gente pone en común sus sueños y resulta que todo el mundo está soñando con el mismo tipo, el profesor universitario que interpreta Cage. ‘Dream scenario’ toca lo sobrevalorado que está el hacerse viral y lo infravaloradas que tenemos a las personas anodinas. El protagonista sale de su vida mundana de una manera terrorífica, como si se tratase de una broma pesada. Cómica resulta la película, pero no deja de haber algo de drama y terror. ‘Dream scenario’ se antoja como un alegato hacia los impopulares. El cine tiene multitud de películas sobre los raros, los marginados y los inadaptados. Pero ¿qué pasa con aquellos que en silencio hacen girar los engranajes de este mundo? ¿Es la popularidad un escenario de ensueño para ellos? Parece que la película quiere reflexionar sobre algo así. Funciona como metáfora de todo lo viral o como reflejo de la histeria colectiva que podemos experimentar ahora que más que nunca somos una aldea global. Gran advertencia para los que solo quieren ser influencers en la vida.
¿Nicolas Cage está bien en este filme? Es un si rotundo. Es de esas películas que se amoldan muy bien a sus… digamos maneras de actuar. Al igual que en ‘Color out of space’ la narración es lo bastante desconcertante como para que la manera de interpretar de Cage pase desapercibida. Es una locura que sin duda está hecha para él.
Becky ya nos demostró en su tierna infancia lo dura que era. Ahora en su adolescencia y después de haber sufrido aquel trauma que vimos todos en ‘Becky’, la vuelven a tocar las narices unos nazis llevándose a su perro y matando a su única amiga. No saben con quien se han metido, pues Becky va con todo.
Con dos directores totalmente diferentes y la misma protagonista, la película sigue el ritmo de la primera. En esa película original veíamos a Becky sufrir y aquí la vemos disfrutar de todo lo que hace. Preparada físicamente para entrar en una guerra, Becky hará trampas y luchará de manera tremenda.
Un gustazo ver películas de este estilo en las que da igual reventar cabezas y mostrar sangre de más. Apenas se atreven ya hacer este cine y más con gente joven como protagonistas.
‘The wrath of Becky’ nos ha gustado mucho a los asistentes a Sitges y la verdad que ojalá vuelvan hacer una tercera entrega con este mismo espíritu, es difícil, pero ya lo han conseguido una vez más.
Michelle Monaghan protagoniza esta película como cabeza de cartel. Pero realmente el joven Finlay Wojtak-Hissong es el protagonista de esta cinta que como tantas otras explora el miedo a que le pase algo a los más pequeños de la casa. Por supuesto nuestro fluido vital es el tercer protagonista de este drama de terror que como podíamos imaginar tiene un toque vampírico.
Tercera película de Brad Anderson, un director más acostumbrado a rodar capítulos de series, que nos ha brindado peliculones como ‘El maquinista’ o ‘Transsiberian’. Es un cuento oscuro, retorcido, en el que el amor protector de una madre alcanza límites extremos posesivos y malsanos o incluso enfermos del tipo ‘Mamá te quiere’. Destaca sobre todo por la creíble interpretación de Monaghan y por cómo el guión sabe contenerse sin caer en tópicos o en ceder al espectáculo sangriento.
Drama sobre custodia de hijos y una separación que se ve tensada por un incidente y un componente sobrenatural que se mantiene hasta la escena postcréditos. Aun así la película no es un festival de momentos de terror o fantasía, aunque alguno tiene. Está pensada como metáfora de un proceso de purga, de limpieza interior, de superación. Como historia sobre lo duro que es a veces empezar una nueva etapa o pasar página es solvente. Si buscas una película terrorífica no es tu título.
‘Aliens abducted my parents and now I feel kinda left out’
Calvin es un chico que ve como sus padres son abducidos por extraterrestres cuando él era muy pequeño. Diez años después va a intentar contactar con ellos. Con la ayuda de Itsy, una joven que se ha mudado a su lado junto con su familia, intentará ver que pasó realmente con sus padres.
La película no es nada del otro mundo, es entretenida y eso sí, le saco el valor de poder verla con niños, porque la verdad creo que ellos la valorarían mucho más. Es una historia al estilo las que podemos ver en Disney Channel.
Nos habla de la amistad, del amor hacia la familia y también de las traiciones y del sufrimiento que a veces hay que pasar para poder ir creciendo.
Una película sin más, que, sí que es cierto, tiene bastante buena manufactura. Aunque su final deja un poco que desear en cuanto maquillaje y vestuario.
Animación europea al más puro estilo ‘Ghost in the shell’, ‘Appleseed’, ‘Blame’ y similares. Implantes cibernéticos, robots, paneles holográficos y cables hasta en la sopa. Un mundo cyberpunk que ha llegado a Marte, lugar donde una agente de la ley ha de llevar a una prisionera y desentrañar una trama de conspiraciones y muertes. El diseño es distinto que el de la animación japonesa, como vemos en los ojos o en las texturas, pero esta película bien podría estar ambientada en el universo de Motoko Kusanagi o de Korben Dallas.
Es un no parar de descubrir inventos e ideas tecnológicas. Consiste en un neo noir con tintes de Asimov y ‘Cyberpunk 2077’, de hecho bien podría ser una O.V.A. relacionada con el videojuego de CD Projekt. Pero la trama policial, al consistir en la resolución de un asesinato y la persecución de un ser artificial, recuerda más a ‘Blade Runner’. Y todo el entramado de hackers y e inteligencias artificiales nos remonta al anime de Masamune Shirow. La estética es cromáticamente más optimista pero muchas de las cuestiones que planteaban Philip K. Dick y el famoso anime salen a la luz. Jéremie Perin crea su propio mundo futurista en el que la humanidad está sometida a la tecnología y a un destino que hemos visto en anteriores producciones. Pero ‘Mars express’ es capaz de volar por su cuenta y ser constantemente sugerente.
Un asesino de prostitutas, un adivino con problemas mentales y un chaval que es un psicópata en potencia pero que aún no ha hecho nada, se cruzan para darnos una historia bastante floja e interminable. La cosa es que el adivino se empeña en salvar la vida a este futuro asesino y que no llegue nunca hacer el mal.
Una película en la que no paran de correr de un lado a otro por la ciudad, parecen espectadores del festival de Sitges. Y a la vez que corren van de un lado a otro chillado también. Gritan mucho en ‘Mad fate’ algo que hace que te aturulle bastante durante su visionado.
Está claro que no he entrado en la película, me he aburrido bastante y eso que realmente es un no parar, pero aun así, no me ha gustado nada. No sabía a donde iban muy bien todos los personajes y la verdad que no me ha interesado nada de lo que me han contado.
Pero como siempre digo, esta es mi opinión y ojalá me hubiese gustado como a otras personas que estaban en la sala.
Una joven se hace cargo del negocio familiar. Una herencia envenenada, como casi todas, por las divisiones en la familia y un desastre natural, uno de los famosos terremotos de Japón, que la pone en riesgo ya que se trata de una destilería de whisky artesanal japonés. Sobre el tema escribe un joven periodista novato que acabará ayudándole a recuperar sus raíces, el sabor de la receta original. Esto que suena a culebrón tipo ‘Falcon Crest’ es una película anime sobre las barreras que encuentra una persona joven a la hora de abrirse paso en el mercado laboral nipón. Era de imaginar que la película tendría este corte ya que es una producción de P.A. Works y ese estudio se centra en animes poco espectaculares y muy enfocados en temas sociales.
Esta historia, que podría haber sido inspirado por aquel capítulo de ‘Friends’ sobre la receta de las galletas de la abuela de Phoebe, nos habla de recuperar la esencia, de seguir tradiciones y de superar obstáculos. El filme podría haber sido un drama adulto e incluso un documental pero el director debutante Masayuki Yoshihara lo convierte en una historia juvenil, un coming-of-age que retrata a su generación y funciona de forma universal. Es un largometraje que busca realismo, no solo en sus argumentos, también en su animación que si bien luce como otros tantos animes actuales vistos en Sitges, huye de la tentación de buscar imágenes fantasiosas tipo Makoto Shinkai.
Como película fantástica, no tiene ningún aliciente. Como drama de acción funciona solventemente. Como western moderno, cumple todos los requisitos. Jericho Ridge es el nombre de una pequeña villa en la que trabaja una agente de la ley (Nikki Amuka-Bird) que además de caminar ayudada de una muleta tras una lesión tiene que lidiar con un hijo en la edad del pavo. Allí, aislada, en una pequeña comisaría, la situación se le complica aún más pues esta policía ha de enfrentarse a unos atacantes pertenecientes a un cartel. La premisa es muy ‘Asalto al distrito 13’.
Robos, una sheriff sola ante el peligro, códigos de honor, una contienda con poca probabilidad de éxito… Los ingredientes son evidentes y podemos saborear aquellos spaghetti western que se rodaron en Almería. De hecho cualquier seguidor de las películas del oeste reconocerá el último plano. Pero en este caso estamos en un pueblo de montaña, en plena nevada. Y lejos de dejarnos fríos ‘Jericho Ridge’ supone un enfrentamiento a contrarreloj que aporta emoción y dosis de acción constantes. Por ejemplo, tiene una escena al teléfono, con la protagonista viendo lo que les pasa a sus compañeros impotente a través de una pantalla cuyo nerviosismo se transmite al espectador. Es un filme que aprovecha bien sus escuetos recursos y saca oro sin tropezar demasiado.
¿Cuál fue la primera banda de metal? ¿Y la película favorita de nuestros grupos de metal más escuchados? Esto y muchas cosas más nos cuentan en ‘The History of Metal and Horror’. Uno de los documentales que hemos podido ver hoy en Sitges.
Nos vamos a un mundo siniestro en el que, a nuestro protagonista, le comienzan a contar un poco sobre la historia del terror y por supuesto del metal. MichaelBerryman se nos presenta en forma fantasmal siendo el narrador de esta historia.
Entre los entrevistados encontramos gente de la talla de RobZombie, AliceCooper, DoyleWolfgangvonFrankesntein, Gwar, JohnCarpenter, Tom Savini o DougBradley.
La verdad que es un documental bastante interesante, conociendo el cine favorito de grandes bandas y al revés, viendo los grupos de metal favoritos de grandes cineastas. Un gustazo escuchar a todos estos artistas. Además de conocer a grupos nuevos que en mi caso desconocía y que me he apuntado después de ver este documental.
Suecia, años 80. Un hombre roba papeles sensibles de un centro que bien podría ser el Area 51 sueca pero realmente es un instituto meteorológico. Se entiende que esos documentos son los causantes de la muerte de ese amante de la ufología pues ya en el 96 su hija vive en adopción en un ambiente de delincuencia juvenil. Para ella su padre no la abandonó y recientes sucesos desconcertantes empiezan a apoyar su teoría de fue abducido o por lo menos que tenía razón cuando afirmaba que existen los extraterrestres.
Un caso ideal para ser investigado por Mulder y Scully. Solo que aunque estemos en tiempos del Windows 95, la música, la Game Boy, la ropa y todo el regodeo en la cultura pop de los ochenta la hacen parecer el Stranger Things sueco. UFO Sweden es el nombre de la asociación de desacreditados amigos a la que pertenecía el padre de la protagonista. Contra la desinformación de los poderes fácticos secretos han de luchar para conseguir que sus conciudadanos crean que hay algo más de lo que vemos o sabemos.
La sordidez sueca impide que esta sea una aventura más divertida y se amolda sobre todo a posibilidades terrenales, plausibles y falibles. La película tiene altibajos y le cuesta retomar el ritmo. Tiene demasiados giros para lo poco que progresa la trama. Por si fuese poco le falta carácter a este equipo de conspiranoicos, algo más de chispa. El acierto de este filme que habla de la búsqueda de extraterrestres es el enfocarse en aquellos que se mueven fuera de la órbita de lo normal, quienes reciben el nombre de freaks solo por tener una afición o un comportamiento que parece de otro mundo. Eso y su final al más puro estilo Nolan/Zimmer que ha recibido aplausos en el Festival de Sitges.
Los filmes ‘La sociedad de la nieve’ y ‘La teoría universal’ han sido nuestros platos fuertes del día. Un día en el que hemos visto de todo, como podréis constatar a continuación, pero en el que no podíamos faltar a ver la película que representará a España en lo Oscar. A parte de eso nos ha caído lluvia ácida, hemos visto la creación según los nativos norteamericanos, nos ha secuestrado un alemán loco en Navidad y unos locos satánicos también en Navidad, hemos perseguido al monstruo del Lago Ness, nos hemos caído por una alcantarilla… Como veis un día la mar de variado.
A parte de nuestra experiencia en pantalla grande podemos constatar que el Festival de Sitges homenajeó la figura de Barbara Bouchet, otorgándole el Premio Nosferatu por su larga e impresionante carrera como actriz, en la que ha participado en películas como ‘Casino Royale’ (la versión original), ‘Angustia de silencio’ (proyectada en el Festival) o, más recientemente, ‘Gangs of New York’ o ‘Darkside Witches’.
También se ha presentado la la séptima edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera. Se ha confirmado en dicho acto que Eduardo Noriega recogerá el Premio Isla Calavera de Honor en reconocimiento a su trayectoria. Entre los homenajes al fantástico dentro del festival canario también se ha anunciado que habrá un evento especial dedicado al clásico del terror ‘Pánico en el Transiberiano’, que contará con la participación de la actriz Silvia Tortosa y del cineasta e historiador Víctor Matellano en un coloquio tras la proyección en el que se recordará al director Eugenio Martín, fallecido el pasado mes de enero con 97 años.
‘La sociedad de la nieve’
Después de adentrarse en la Tierra Media, Bayona regresa a donde más cómodo se siente y es en el drama real. Se mete de lleno en la adaptación del libro de Pablo Vierci del mismo nombre, en el que se cuenta las tristes desventuras de los supervivientes de un avión que se estrelló en los Andes.
J.A. Bayona, se mueve como pez en el agua con esta historia. Su manera de narrar es perfecta, en esta película va al grano desde el principio. La técnica, como siempre impecable y luego por supuesto está el equipo del que se rodea, de los mejores. Pero aun así, aunque todo esté medido y perfecto, ‘La sociedad de la nieve’ no llega a entusiasmarme del todo, al final es una historia que ya hemos visto y conocido, y supongo que la falta de sorpresa es un punto negativo.
La documentación ha sido exhaustiva, se conocen fotografías que se realizaron durante los días 73 días de supervivencia en la nieve y Bayona las calca. Pero como digo la película ha hecho que perdiese el interés pronto y al final me ha dejado un poco fría.
Una familia se prepara para recibir a un tío que viene desde Alemania para celebrar la Navidad. Un familiar al que aman, temen y respetan por igual. La situación que viven es asfixiante y el ambiente está enrarecido, más aún cuando experimentamos un anacronismo que nos introduce smartphones en un ambiente ochenteno, más propio de la época de los últimos coletazos de la URSS que de la era postpandemia. Los nervios y la tensión por tener todo perfecto pasan a convertirse en una fiesta teñida de rojo sangre. Bien podría ser esta una metáfora de la tensión que vivían los ciudadanos contra un régimen que se supone que existía para ellos pero les tenía sofocados entre tanta norma. Y es que la relación tóxica y patriarcal es tan extraña que vive esta familia yugoslava tenía que explotar en algún momento. Y lo hace por motivos evidentes pues la rutina navideña de esta familia es peor que el día de la marmota.
Seguir la senda de directores controvertidos como Haneke o Lanthimos ni es fácil ni está exento de riesgo. La dupla formada por DavidKapac y AndrijaMardesic ha orquestado una película incómoda y con una narrativa peculiar, quizá habría que decir que muy dirigida al público de su cultura. Un filme con personajes fríos pero no exento de algo de comedia, de la extraña también hay que decir. Este es un filme en el que se percibe cierta intencionalidad y va más allá de lo meramente recreativo, pero le falta universalidad.
Nos vamos a Pakistán con ‘In flames’, una cinta en la que conocemos a una madre y una hija que acaban de perder al patriarca de la familia. A partir de este momento sus vidas comenzarán a ser muy complicadas en un mundo hostil dominado por hombres.
Interesante propuesta, donde el dolor, la culpa, la desesperación y la supervivencia son síntomas de grandes ataques de ansiedad de estas dos mujeres que solo quieren seguir sus vidas como lo hacían hasta ahora.
Fuerzas malévolas las harán despertar y coger fuerzas para no sucumbir a todo lo que les viene encima.
Muy bien contada, con un ritmo pausado pero necesario. Pequeños detalles en los que vemos como sus vidas comienzan a cambiar al no tener a un hombre en casa. Una cinta que realmente nos muestra el miedo de estas mujeres y por supuesto, también nos muestran que no todos los hombres son malos, pero que también están reprimidos en una sociedad que no se corta ni un pelo si tienen que asesinar a alguien a sangre fría por desobedecer.
Las tradiciones, el arraigo y el orgullo forman el eje que vertebra esta película animada de carácter ecologista. El culto por el equilibrio con la naturaleza, tan innato de las culturas nativas de Norteamérica, sirve como acicate para los protagonistas que llevan a cabo una lucha contra el progreso dañino, el que cambia los paisajes verdes por los urbanizados o deforestados.
El filme está impregnado de arriba abajo de la cultura y mitología de los indios norteamericanos, sobre todo de su mito de la creación, que me ha parecido cautivador y con una peculiar visión de los imperios europeos. Pero más que ser un film en defensa de la conservación del conocimiento de ese pueblo es una película fruto de una inquietud generacional, de esas que se le puede proyectar a los adultos del futuro para evitar el ya casi inevitable desastre que ha causado nuestra naturaleza destructiva.
Se agradece que ya que la película aboga por una comunión entre lo tradicional y lo moderno, haga uso de técnicas de animación digitales pero mantenga un corte clásico. Visualmente exhibe una combinación de técnicas que se percibe tan mágica como su mística historia.
Tener hijos para esto. Eso parece decir ‘Acide’ pues nos pinta un panorama climáticamente desolador para nuestros herederos y una hija la mar de desquiciante capaz de ser desagradecida reiteradamente a pesar de ver cómo su padre se juega la vida por ella. El fenómeno de la lluvia ácida cobra escala mundial y un nivel de corrosión cataclísmico llegando hasta Francia. Allí le toca poner pies en polvorosa a una familia dirigiéndose hacia el norte de Europa. Como es costumbre en el cine francés hay mucho regodeo en los amoríos y en el drama de los personajes. Un factor importante para esbozar la motivación de estos, pero que le quita demasiado protagonismo al evento apocalíptico. No hay suficientes kleenex ni Almax para sobrevivir a este chaparrón corrosivo. Con todo esto no quiero decir que la película sea mala pero has de saber que no es precisamente un espectáculo.
YouPlanet distribuirá este largometraje por cines españoles tras su paso por Sitges. El director de ‘La nube’, JustPhilippot, parece tenerle miedo a los cumulonimbus y nos mete en otra pesadilla de cielo encapotado. A destacar la interpretación de Guillaume Canet, algunos momentos de drama hardcore y el manejo de la cámara en las escenas de huida más trepidantes. Te gustará si te gustan las películas paternofiliales apocalípticas como ‘The road’ o ‘Cargo’. También tiene alguna que otra similitud con la magnífica serie también francesa, ‘El colapso’, pero le falta entrar más en barrena con el cambio climático.
Hichcock hubiese quedado encantado con esta película. Jugando con la música, rodada en blanco y negro y trabajando de maravilla las luces y las sombras ‘La teoría universal’ nos cuenta la historia de Johannes Leinert, que junto a su tutor de tesis, viaja en 1962 a un congreso de física en los Alpes suizos. Allí un científico iraní va a revelar una “revolucionaria teoría de mecánica cuántica”.
‘La teoría universal’ está muy bien contada, te enteras bien de todo lo que va ocurriendo pese a que hablan mucho de física, cuántica y radiación. Es una película muy interesante y la verdad que engancha mucho.
Está muy cuidada estéticamente y la verdad que es un gusto ver que se mima tanto una película en lo visual como en el guion. Por ponerle una pega, comentar que tiene tantos amagos de finales que desespera. Pero no es algo que te estropee el visionado de la cinta. Muy recomendable.
Un internado, dos niñas que tienen que pasar la Navidad con su profesora y la sombra de unos asesinos ritualistas. Es un home invasión navideño que tiene un muy buen comienzo y una idea estupenda para su plot twist. Pero entremedias se pierde con demasiado relleno y conductas excesivamente erráticas hasta para tratarse de algo satánico.
El trabajo con una de las niñas protagonistas, aunque hace evidente un gran punto de la trama, me parece estupendo. Lástima que la película tenga lo peor de filmes como ‘Malos tiempos en el Royale’, es decir, actuaciones demasiado exageradas, excesiva charlatanería, un grupo a lo Charles Manson de baratillo y un retraso enorme a la hora de explotar tras descubrir el pastel. Gustará a aquellos que gocen de la violencia gratuita o de los argumentos ritualistas, pero no se aleja de lo arquetípico.
Que tierno documental hacia el amor a Nessie. Un acercamiento a esos cazadores de monstruos que creen en la leyenda, aun a día de hoy sin haber encontrado nada.
El Monstruo del Lago Ness es un mito en el que tienes que creer. Quien cree, ve. O así nos lo demuestran en este documental. Nos presentan a un sin fin de creyentes que dieron todo su tiempo y dinero en la búsqueda de Nessie. Sus maquinarias para localizarle, las fotos que se han logrado sacar, alguna de ellas claros fraudes.
Hay personajes de todo tipo en estos creyentes, los que vivían en caravanas disfrutando de la fama, otros que llevaban equipos y submarinismos, delfines que sabían localizar monstruos e incluso se llevó un exorcista porque pensaban que todo el paraje estaba encantado.
Una maravilla por lo que nos cuenta, sí que al final termina aburriendo un poco, pero aun así, es una invitación a visitar este paraje mágico y buscar a Nessie con nuestros propios medios.
En España estamos un poco hartos de las despedidas de soltero, tanto de las internas como de las de los extranjeros. ‘#Manhole’ podría ser una producción española que llegue para vengarse un poco de esos grupos de fiesteros que alteran nuestra tranquilidad y desfasan sin límites, quien sabe si esto que sucede aquí no ha sucedido ya por Madrid, Gijón o Magaluf. Pero es una idea que llega desde Japón a si es que no podemos esperar una especie ‘Veneciafrenia’. Su argumento bien podría partir de aquel episodio en el que Bart Simpson recibe un escarmiento por bromista y se queda atrapado en un pozo. Cambiemos el niño por un juerguista y el pozo por una alcantarilla. Cambiemos también el noticiario local por las redes sociales y tenemos una crítica contemporánea, sobre todo de Japón, lugar donde las cámaras de los móviles siempre tienen que sonar al tirar una foto para preservar la privacidad de los y las ciudadanas.
Películas de esas que transcurren en un acotadísimo espacio cerrado y que por un lado no es apta para claustrofóbicos y por otro tiene el reto de conseguir desarrollarse y generar giros interesantes con tan pocos recursos, como vimos con ‘Fall’ hace poco. Los ingredientes que van apareciendo están un poco forzados pero la crítica que hace hacia las sociedades machistas y el anonimato de las redes es muy válida. Nos hace revisar el caso del influencer de 50 años que se grajeó miles de seguidores haciéndose pasar por una motera gracias a FaceApp.
Pablo Larrain produce esta película de hechicería chamanística, venganza y discriminación racial. Nos traslada a finales del siglo XIX, a una isla chilena en la que una colonia alemana tiene subyugados y maltratados a los nativos. Christopher Murray desarrolla allí la acción de este largometraje que busca reflejar un paso hacia la madurez (un coming of age si nos ponemos modernitos) y a la vez esgrimir una reclamación social o cultural.
La tierra y las costumbres ancestrales están omnipresentes, debido a ello hay quien dirá que esta película pertenece al género Folk Horror. Es una fábula en la que todo está más pausado y velado de lo que cabría esperar, donde realmente no hay más terror que el de perder las tierras de tus ancestros. Por eso más que terror pertenece a un género reivindicativo aún hoy en día vigente, el del respeto a los indígenas. Es un duelo entre paganismo y cristianismo explorado muchas veces en historias más conocidas como las leyendas artúricas. En este caso desde la clandestinidad y las intenciones obtusas y sibilinas supone un enfrentamiento que podría haber sido más efectivo si no jugase tanto a la sutileza o el simbolismo.
‘El Conde’ es una comedia de terror y humor negro ambientada en un universo paralelo inspirado en la historia reciente de Chile. La película representa a Augusto Pinochet —símbolo del fascismo mundial— como un vampiro que vive recluido en una mansión abandonada en el gélido extremo sur del continente, saciando su apetito de maldad para subsistir. Pero después de 250 años, Pinochet decide dejar de beber sangre y renunciar al privilegio de la vida eterna. No puede soportar más que el mundo lo recuerde como un ladrón. Pese a que sus familiares son unos arribistas y fuente de decepción para Pinochet, una relación inesperada lo anima a seguir adelante, pero esta vez con una vida de pasión contrarrevolucionaria.
Crítica
Pocas veces las burlas hacia la sombra siempre acechante del fascismo han sido tan mordaces
‘El Conde’ es una comedia negra que transcurre en un universo paralelo. Augusto Pinochet no murió, o si… tal vez ya estaba muerto en vida. Esta película nos desvela que el tirano es realmente un vampiro de más de 250 años (interpretado por Jaime Vadell, un actor de casi 90) que vive recluido y harto de sentirse decepcionado por sus familiares y ser recordado como el mal encarnado, como un ladrón. Es por ello que alcanza el punto crítico de decidir dejar de beber sangre. Pero un giro de los acontecimientos, que debéis descubrir, cambia esa determinación a dejar este mundo.
La capa que lucían muchos dictadores del siglo pasado es lo que evocó a Pablo Larraín a la figura del Conde Drácula y lo que desató la imaginación que ha sido plasmada en el guión. Un texto que ha hecho que ‘El Conde’ sea la recién ganadora del premio a mejor guión en Venecia, obra que ha escrito junto a Guillermo Calderón. Entre ambos han rescatado esta figura que nos pintan cómicamente como la de un revolucionario de derechas cansado de ser súbdito y con una evidente megalomanía, un ser tan egoísta que es capaz de negarle la inmortalidad a sus propios hijos y esposa.
Llega este estreno tras la decepción con Larraín por ‘Spencer’ ya que yo era de los que disfrutaron ‘Jackie’. Debí ir prevenido ya que tampoco me gustó ‘Neruda’. Hay algo que no se le puede negar a Larraín, sabe buscar un punto de vista diferente para rescatar personajes históricos. En este caso, además de un cambio estético abraza dos géneros distintos, la comedia (negra) y el “terror”. Eso le hace incluso a llegar a tocar no a no uno, sino a varios personajes odiados por su pueblo ya que, por ejemplo, la condición de inmortal del protagonista nos hace volver a la Francia de María Antonieta.
Larraín se lanza al mundo del blanco y negro. Con esta decisión nos transporta a un mundo alternativo, donde hay una uniformidad y ausencia de color, con además tonos muy oscuros. Sobra decir que la época dorada del Conde Drácula fue aquella en la que sus historias se rodaban aún en escala de grises. ‘El Conde’ podría considerarse como una adaptación libre de Drácula. No falta el fiel ayudante familiar, la residencia en tierras inhóspitas, el (en este caso la) Jonathan Harker que visita el feudo para arreglar el papeleo… Si queremos resumir todos los símiles habría que decir que la familia Pinochet ha succionado la sangre a todo un país. Los asesinados, las cuentas en el extranjero, el odio visceral a la izquierda, las torturas que han quedado impunes… Si Chile está convulso actualmente el refrescar todo esto puede ser todo un acto de memoria de la cual aprender pero también hay que reconocer que es un zarandeo arriesgado. Larraín parodia, imagina, pero también clava escenas como la del velatorio, cuando recibió el escupitajo del nieto de una de las víctimas de su golpe de estado.
‘El Conde’ es la revisión de un villano dotado de la vileza de aquellos que siendo claramente culpables se dicen ser la verdadera víctima, describiéndose con el descaro de esos abyectos personajes de la prensa del corazón que son incapaces de ver el freak en el que se han convertido. Y terror no tiene la película, pero imagino el miedo que deben sentir en Chile ante la idea de que este dictador se mantenga con vida y además con poderes sobrenaturales. Aun así hay que decir que hay bastantes escenas horripilantes y violentas que pueden herir sensibilidades. La película es abiertamente cruda en varios sentidos, tanto con sus indirectas como con imágenes explícitas de decapitaciones. Y con todo esto una de las secuencias que destacan es un precioso vuelo que parece un anuncio de colonia, muy a lo ‘Jupiters Moon’.
Ante todo esto es sátira y farsa política (aunque todos sabemos que la política es una farsa por definición). Estamos ante una burla como la que fue en su día ‘El gran dictador’ o hace poco ‘Jojo Rabbit’. Menuda manera ácida y mordaz de rememorar que han pasado 50 años desde el golpe de estado en el país americano. Tras todo un mandato dictatorial Pinochet no respondió ante la justicia, como tantos otros tiranos. Eso conlleva un legado funesto que nunca termina de limpiarse. Prueba de ello es la división que vive hoy en día Chile. Ahí surge la fuerza de esta burla que reclama que hay que cerrar heridas y reconocer errores para que la sombra del pasado no vuelva a acecharnos. Al fin y al cabo lo que se busca, casi de manera literal, es exorcizar los males del pasado.
Los siguientes títulos de Larraín nos devolverán a María Callas con Angelina Jolie encarnando a la cantante de opera y al 11S con ‘The true american’, curiosamente fecha en la que publico esta crítica. Espero que se atreva con otro volantazo a su carrera pues saliéndose por la tangente es cuando saca lo mejor de él, al menos para mi gusto.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de septiembre de 2023. Título original: El Conde. Duración: 111 min. País: Chile. Dirección: Pablo Larraín. Guion: Guillermo Calderón, Pablo Larraín. Música: Juan Pablo Ávalo, Marisol García. Fotografía: Edward Lachman. Reparto principal: Jaime Vadell, Gloria Münchmeyer, Alfredo Castro, Paula Luchsinger, Catalina Guerra, Marcial Tagle, Amparo Noguera, Diego Muñoz, Antonia Zegers, Stella Gonets. Producción: Fabula. Distribución: Netflix. Género: terror, comedia. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81590652
J.A. Bayona cuenta la historia que ya se adaptó en ‘Viven’
Netflix ha desvelado hoy el primer avance oficial y el teaser póster de ‘La sociedad de la nieve’, la nueva película de J.A. Bayona (‘Lo imposible’, ‘El orfanato’), que será la encargada de clausurar la 80ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia. La película también participará en la sección ‘Perlak’ del Festival de Cine Internacional de San Sebastián en su 71ª edición.
‘La sociedad de la nieve’ está producida por Belén Atienza, Sandra Hermida y J.A. Bayona. Protagonizada por Enzo Vogrincic, Matías Recalt, Agustín Pardella, Esteban Kukuriczka y Tomas Wolf, con un guión de J.A. Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marques y Nicolás Casariego a partir de la novela de Pablo Vierci.
El rodaje de La sociedad de la nieve se llevó a cabo en Sierra Nevada (Andalucía), Montevideo (Uruguay) y en distintas localizaciones de los Andes (tanto en Chile como en Argentina) incluyendo El Valle de las Lágrimas, localización real donde sucedió la historia.
Sinopsis oficial:
En 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrelló en el corazón de los Andes. Solo 29 de sus 45 pasajeros sobrevivieron al accidente. Atrapados en uno de los entornos más hostiles e inaccesibles del planeta, deberán recurrir a medidas extremas para seguir vivos.
Filmin estrena el próximo viernes 26 de mayo la película chilena ‘Un lugar llamado Dignidad’, dirigida por Matías Rojas. La película se suma a otras del catálogo de la plataforma, como el documental ‘Songs of Repression’ (2020) o la película de animación en stop-motion ‘La casa lobo’ (2018) para recordar, esta vez desde la ficción, uno de los episodios más negros de la historia de Chile, el de la llamada Colonia Dignidad, un asentamiento de colonos alemanes que se instaló en la ciudad de Parral en 1961 y que funcionó como una secta y un centro de detención, tortura, y exterminio durante la dictadura de Pinochet.
La película viaja a ese lugar infernal de la mano de su joven protagonista, un niño de 12 años llamado Pablo, que pronto es acogido entre sus protegidos por el siniestro Paul Schäfer (interpretado por Hanns Zischler), predicador luterano, pederasta y líder de la secta. ‘Era importante contar esta historia a través de los ojos de un niño y descubrir junto a él lo que realmente sucedió allí’, explica el director Matías Rojas: “Pablo es un niño inteligente pero confía en el tío Paul, que representa la figura paterna que no tiene en su vida. Le lleva un tiempo entender qué es lo que está pasando a su alrededor: hay confusión, extrañeza y dolor”.
Rojas recuerda que siendo niño visitó una vez el restaurante de la Colonia Dignidad que estaba abierto al público chileno: “Me sorprendieron las caras de algunos de los colonos que trabajaban allí. Evocaban un profundo sentimiento de tristeza y resignación. Años después, cuando comencé mi investigación para la película, descubrí que muchos de los que trabajaban allí lo hacían como castigo, bajo tortura y bajo el efecto de los tranquilizantes que les obligaban a tomar todos los días”. El director del filme cree que su país debe aun dar muchas explicaciones sobre lo ocurrido en Dignidad: “Sigue siendo un misterio en muchos sentidos. Representa un país que solía esconder sus pecados bajo la alfombra de un supuesto progreso. Incluso hoy hay miembros del gobierno y de la sociedad civil más influyente que formaron parte del ‘círculo de amigos” de la Colonia Dignidad.
‘Un lugar llamado Dignidad’ tuvo su premiere mundial en el El Festival Black Nights de Tallin y ganó el Condor de Plata a la Mejor Dirección en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva.
Abierto a editoriales, autores o agentes con los derechos de adaptación de obras escritas en castellano
La convocatoria de inscripción de lasexta edición de “Rodando páginas, del libro a las pantallas” permanecerá abierta hasta el próximo 18 de abril a medianoche. Este evento anual, cita imprescindible y de referencia para productores y editores, tiene la finalidad de atraer hasta la ciudad de Madrid al mejor talento de habla hispana, tanto de España como de Latinoamérica. Durante su celebración, se logran sinergias entre el sector audiovisual y el editorial, fomentando la posibilidad de adaptación de las obras literarias a las diferentes pantallas.
Además de poder inscribirse proyectos nacionales, desde el año pasado Rodando Páginas está abierto al mercado latinoamericano y, para esta nueva edición, se ha ampliado el número de países que pueden participar: Argentina, México, Colombia, Chile, Perú y Uruguay. En la pasada edición se congregaron más de 1.000 asistentes y se celebraron más de 70 reuniones profesionales.
Rodando Páginas está organizado por la Asociación Madrileña Audiovisual (AMA) y la Federación de Gremios de Editores de Españas (FGEE). Además, cuenta con el apoyo de la Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Madrid, Feria del Libro, CEDRO y DAMA.
Las inscripciones de aquellas obras literarias nacionales y de los países latinoamericanos participantes con potencial para ser adaptadas al audiovisual están abiertas a editoriales, autores o agentes que cuenten con los derechos de adaptación de la obra. Para participar se completará un formulario que solicita: información general de la obra, pitch de venta, género y sinopsis, época y lugar, resumen detallado, enlace a la obra total o parcial e información de contacto. También será necesaria una justificación del pago por la inscripción: 20 euros
Todas las obras registradas, que deberán estar escritas en castellano, serán evaluadas por un comité de expertos del sector audiovisual que valorará su potencial y hará pública la selección final en el mes de mayo. Sus autores, editores o agentes literarios presentarán sus obras en la sexta edición de “Rodando páginas, del libro a las pantallas”, que tendrá lugar el 7 y 8 junio de 2023 coincidiendo con la Feria del Libro de Madrid, una de las grandes citas literarias a nivel nacional e internacional. Las presentaciones serán en formato pitch frente a una audiencia compuesta por profesionales del sector audiovisual y editorial.
Durante la celebración del evento, los proyectos seleccionados contarán con reuniones one to one con estos profesionales clave con el fin de fomentar las sinergias. Serán encuentros tanto con editores y agentes literarios que busquen nuevas vías de explotación de sus obras como con productores audiovisuales, televisiones y plataformas interesados en nuevos contenidos e ideas para sus proyectos. “Rodando páginas, del libro a las pantallas”, también sirve de punto de conexión para que las editoriales presenten en reuniones individuales sus catálogos a productores y televisiones.
Hasta la fecha se han cerrado diez acuerdos de adaptaciones y actualmente cinco más se encuentran en proceso de negociación. Estas abarcan diferentes formatos como series de televisión o largometrajes y géneros que van desde la ficción hasta la animación.
La iniciativa nace en 2018 con el fin de estimular la creación audiovisual y cinematográfica a través de la adaptación de obras literarias. Se trata de un espacio de encuentro anual que fomenta las sinergias entre las industrias editorial y audiovisual, la promoción de nuevas historias y su adaptación al lenguaje audiovisual y a las distintas pantallas.
En esta cita imprescindible para autores, editores y agentes literarios que buscan nuevas vías de explotación para sus obras, se fomentan los encuentros one-to-one con productoras audiovisuales, televisiones y plataformas que demandan nuevos contenidos y proyectos. Además se realizan actividades de formación y divulgación para ambos sectores.
“Rodando páginas, del libro a las pantallas” es un evento organizado por la Asociación Madrileña Audiovisual (AMA) y la Federación de Gremios de Editores de España (FGEE), con el apoyo de la Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Madrid, Feria del Libro, CEDRO y DAMA.
Nace en España AnimeBox, una nueva plataforma donde los fans del anime podrán acceder a series y películas tanto en versión original subtitulada al español como en formato doblado. Además entre el contenido ofrecido podremos encontrar entrevistas, making of y otro tipo de extras que por lo general solo se encuentran en las ediciones físicas (DVD, Blu-ray…). Incluso habrá una sección de openings y endings para bailarlos y cantarlos a placer. A partir del jueves 23 de marzo se podrá acceder a este nuevo servicio de streaming.
Rendir culto a la cultura japonesa no se quedará solo en el anime pues se habilitará una sección llamada “No solo anime” con la cual podremos darle al play a películas de imagen real, ya sean adaptaciones o títulos originales llenos de terror o artes marciales.
Ya están publicadas las cuatro tarifas y van desde una modalidad gratuita hasta los 39,99€ de oferta de lanzamiento, luego subirá a 79,99€. También ha anunciado que podrá ser usado en dos dispositivos a la vez y que habrá estrenos en modalidad simulcast, es decir, a la par con Japón y además con subtítulos. También tendrá disponible modo sin conexión, podremos tener previamente descargado en contenido a visualizar.
AnimeBox llega con la fiesta del Hanami
La floración del cerezo, conocida como Hanami, es un acontecimiento que se celebra en Japón durante el mes de marzo, cuando las flores del cerezo tiñen todo el país y congregan a amigos y familiares a reunirse bajo su sombra para celebrar la llegada de la primavera.
AnimeBox nace también con el Hanami, como el florecimiento de un nuevo lugar de reunión y celebración para los fans de la animación. La fecha de lanzamiento está prevista el próximo 23 de marzo (23/3/23) y AnimeBox estará disponible tanto en versión web como en App móvil para dispositivos IOS y Android.
Algunos títulos que encontraremos
Algunos de los contenidos que aparecerán con el lanzamiento son los últimos éxitos como Naruto, Ataque a los Titanes o Guardianes de la Noche y los grandes clásicos como Ranma ½, Slayers o Conan, El Niño de Futuro (de Hayao Miyazaki). En cuanto a películas, podremos ver las de grandes franquicias como One Piece o Dragon Ball, así como obras maestras de la animación y como Akira o Perfect Blue.
Una película sobre el accidente del equipo de rugby de Uruguay en los Andes
J.A. Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marques y Nicolás Casariego han escrito ‘La sociedad de la nieve’. La película está basada en el libro homónimo de Pablo Vierci. El rodaje se llevará a cabo en Sierra Nevada (Andalucía), Montevideo (Uruguay) y en distintas localizaciones de los Andes (tanto en Chile como en Argentina) incluyendo El Valle de las Lágrimas, localización real donde sucedió la historia.
J.A Bayona: “Fue durante el proceso de documentación para Lo imposible cuando descubrí ‘La sociedad de la nieve’, la fascinante crónica que Pablo Vierci hace de la tragedia de los Andes. Más de diez años después, mi fascinación por la novela permanece intacta y estoy feliz de afrontar el reto que tengo por delante: contar uno de los acontecimientos más recordados del siglo XX, con toda la complejidad que implica un relato que da tanta relevancia a los supervivientes como a aquellos que jamás regresaron de la montaña. Además, lo encaro en español, al que regreso emocionado después de 14 años sin rodar en mi lengua, y con un plantel de jóvenes actores uruguayos y argentinos con los que estoy entusiasmado”.
¿El reparto? No es nada corta la lista de créditos de la nueva de Bayona. Enzo Vogrincic Roldán, Agustín Pardella, Matías Recalt, Tomas Wolf, Diego Ariel Vegezzi, Esteban Kukuriczka, Francisco Romero, Rafael Federman, Felipe González Otaño, Agustín Della Corte, Valentino Alonso, Simón Hempe, Fernando Contigiani García, Benjamín Segura, Luciano Chatton, Agustín Berruti, Juan Caruso, Rocco Posca, Andy Pruss, Esteban Bigliardi, Paula Baldini, Blas Polidori, Felipe Ramusio, Santiago Vaca Narvaja y Emanuel Parga.
Juanma Moreno Presidente de la Junta de Andalucía: “Andalucía es un gran escenario natural con espacios protegidos y lugares increíbles donde poder llevar a cabo un rodaje, en el interior, o en los casi mil kilómetros de costa que van desde Huelva a Almería. El Parque natural de Sierra Nevada, una de nuestras joyas, es un claro ejemplo. Se trata de una localización que reúne las condiciones idóneas para acometer un rodaje de este tipo, tanto por su clima propicio como por las conexiones e infraestructuras de las que está dotada la estación de esquí. Supone una gran noticia para nosotros que tanto Netflix como el director, J.A. Bayona, confíen en Andalucía para desarrollar este nuevo proyecto”.
De Belén Atienza y Sandra Hermida: “Después de años trabajando en el proyecto, estamos muy emocionados de arrancar el rodaje de ‘La sociedad de la nieve’. Queremos dar las gracias a Netflix por su decidido apoyo al proyecto, que se rodará íntegramente en español. También a Cetursa Sierra Nevada por su implicación brindándonos rodar en la estación de esquí durante la temporada de invierno y especialmente agradecer a los supervivientes y a los familiares de los fallecidos en la tragedia de los Andes, por su enorme generosidad al compartir con nosotros su historia”.
En 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrella en un glaciar en el corazón de los Andes. Solo 29 de sus 45 pasajeros sobrevivieron al accidente. Atrapados en uno de los entornos más inaccesibles y hostiles del planeta, se ven obligados a recurrir a medidas extremas para mantenerse con vida.
Así se rodó una de las películas malditas del cine español
‘Mi adorado Monster’ hará su primera presentación a público y prensa en Sección Oficial a concurso de la 14ª Edición del Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror Mórbido.
El séptimo largometraje de Víctor Matellano, la no ficción ‘Mi adorado Monster’ es un documental de creación. Producida por Enrique López Lavigne para El Estudio, en coproducción con Infilmity, ViMa, y con la participación de EMB Documental, con idea original de Víctor Matellano, y guion de Manuel Tallafé junto al propio director, ‘Mi adorado Monster’ narra de forma muy creativa y en tono de comedia, con pequeños tientes de drama, la gestación de una de las películas malditas del cine español: ‘Los resucitados’, un film de Arturo de Bobadilla, de tortuosa y caótica producción, que tardó veintitrés años en estrenarse…
Nos narra la historia Manuel Tallafé, acompañado de un importante elenco, encabezado por Javier Botet, Millán Salcedo y el propio Arturo de Bobadilla, a los que se le unen Santiago Segura, Alex de la Iglesia, Alaska, Cristina Alcázar, Carlos Areces, Diego Arjona, Héctor Cantolla, Antonio Miguel Carmona, Manuel Colomina, Natalia Fisac, Toni Fuentes, Javier Gil “Javivi”, Macarena Gómez, Nacho Guerreros, Enrique López Lavigne, Manuel Martínez Velasco, Antonio Mayans, Angélica Revert, Pedro Ruiz, Ángel Sala, Elena S. Sánchez, Valeria Vegas, Zoe Berriatúa, Yolanda Font, Lone Fleming y Marian Clar.
Considerado uno de los certámenes del género de terror más importante del mundo, en esta edición van a experimentar una celebración binacional. Es decir, tendrá como sede a dos países, México y Chile. Así del 28 al 31 de octubre se celebrará en México y del 1 al 5 de noviembre en Chile. El documental también ha sido seleccionada en la 32ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. El certamen se celebrará del 29 de octubre al 5 de noviembre. Participará en Sección Documental de Isla Calavera – Festival de Cine Fantástico de Canarias. El certamen se celebrará del 19 al 27 de noviembre. Información que se hizo pública en el marco del pasado Sitges Film Festival.
En ambos festivales habrá presencia del equipo de la película. El Festival de Cine Fantástico de Canarias, Isla Calavera, también ha anunciado: Premio de Honor para Enrique López Lavigne productor de ‘Mi adorado Monster’ a través de El Estudio. Premio a la Difusión del Fantástico para Víctor Matellano productor y realizador de esta película.
La película será distribuida en cines y eventos cinematográficos por parte de 39 Escalones Cine. ‘Mi adorado Monster’ contiene la canción original “Living in a Dream”, interpretada por Dunia Rodríguez, y compuesta por Javier de la Morena y Rebeca Nayla.
«Me fascina cómo determinados hechos o proyectos alcanzan la categoría de “culto”, de “maldito” o de “mito”. Y más cuando el hecho en sí consigue esa categoría más por no terminar de existir que por ser una realidad en sí. En este caso, un proyecto que se alarga más de dos décadas en el tiempo. Lo que más me interesaba al acercarme a la historia de cómo un fan aborda, sin medios, sin experiencia y sin recursos técnicos, una película para emular a sus ídolos, y además implica a un montón de profesionales, es el mundo del juego por el juego. Es decir, de rodar por rodar, de jugar a emular. Y de alargarlo en el tiempo como un eterno working progress, para utilizarlo como evasión, como proyección personal, y en definitiva, cómo razón de ser. Cada uno maneja sus monstruos, y esta forma es válida y original», Víctor Matellano.
Sinopsis oficial:
En 1995, al tiempo que ruedan ‘El día de la bestia’ de Álex de La Iglesia, Manuel Tallafé y Santiago Segura, participan también en un proyecto llamado inicialmente El hombre lobo contra los templarios, y más tarde titulado Los Resucitados. Una película maldita que tardará veintidós años en completarse y estrenarse, una especie de Santo Grial del fantaterror, al frente de la cual está un director que asegura que le persigue un monstruo…
Podemos ver ya un precioso teaser póster de ‘Spencer’, la nueva película del reputado director chileno Pablo Larraín (‘Jackie’, ‘Neruda’) protagonizada por la estrella internacional Kristen Stewart (‘Personal Shopper’, ‘Seberg’) en el papel de la Princesa Diana.
‘Spencer’, que tendrá su estreno en el Festival de Venecia, narra un fin de semana durante las vacaciones navideñas de la Princesa Diana con la Familia Real en el castillo de Sandringham, en el condado de Norfolk. La nueva película de Pablo Larraín ya suena como potencial ganadora de premios.
Escrita por Steven Knight (‘Peaky Blinders’, ‘Locke’), completan el reparto Jack Farthing (‘Poldark’) en el papel del Príncipe Carlos, Timothy Spall (‘Mr. Turner’), la nominada al Oscar Sally Hawkins (‘La forma del agua’) y Sean Harris (‘Misión imposible: Fallout’).
Pablo Larraín vuelve a poner el foco en una mujer icónica. Una a quien millones de personas admiraban, pero pocos conocían; el icono, la leyenda y la mujer: Diana. Diamond Films nos informará próximamente de la fecha de estreno en España.
Sinopsis oficial:
Un deslumbrante e inspirador retrato de la princesa Diana. Lo que debería ser un maravilloso respiro navideño con sus hijos en la finca de Sandringham se convierte, en cambio, en una sucesión de obligaciones no deseadas. Mientras tanto, el Príncipe Carlos de Inglaterra está retozando abiertamente con Camilla Parker-Bowles, lo que obliga a Diana a interpretar el papel implacable de la amada y fiel esposa delante de los paparazzi que siguen cada uno de sus movimientos. ¿Aceptará su posición o se revelará y por fin vivirá su vida tal y como desea?
Carolina Moscoso realiza un diario audiovisual de su propia violación
Cual preámbulo ya de entrada en el tráiler, nos dice Carolina Moscoso que su película documental ‘Visión Nocturna’ contiene tres tipos de luces: una que encandila, una oscura que no deja ver y otra en penumbra. Y es que la cineasta chilena ensambla el diario de una violación, la propia, pensado en primera instancia en la duración de la misma, es decir, en una violación no sólo como un acto brutal conciso, sino como el principio de un proceso físico, emocional, legal y judicial terrible. Moscoso acompaña este planteamiento con imágenes producidas desde el afecto y la incertidumbre, haciéndonos parte de su entorno íntimo, para preguntarse finalmente qué es una violación.
Carolina Moscoso (Santiago de Chile, 1986) es directora y montadora de cine y televisión. Estudió en la Universidad de Chile y cursó el Máster en Documental de Creación de la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona. Ha trabajado como directora y montadora en proyectos de animación, videoclips, teatro y audiovisuales. ‘Visión nocturna’ es su primer largometraje y actualmente desarrolla su próxima película, ‘Nunca seré policía’, además trabaja en el montaje de ‘Históricas’, dirigido por Javiera Court y Grace Lazcano.
Tras haber sido premiada por el jurado en el Festival Internacional de Cine de Valdivia 2019, recibir el Gran Premio de la Competencia Internacional, máximo galardón, del FID Marseille 2020 y haber cosechado múltiples alabanzas durante la pasada edición del Festival de Cine de San Sebastián, donde competía en la sección Horizontes Latinos, el 19 de marzo la distribuidora Vitrine Filmes estrena en España este documental tan personal. La película ha sido presentada también en el Montreal International Documentary Festival 2020 (RIDM), la Mostra de Films de Dones y en la Muestra de Cine de Lanzarote, donde recibió la Mención Especial del Jurado.
A ocho años de haber sido violada en una playa cercana a Santiago, una joven cineasta arma con decenas de vídeos-diario un caleidoscopio en el que aparecen las heridas del abuso, los re-victimizantes procesos judiciales y la amistad que la acompaña. En ese viaje se desprende la pregunta: ¿Qué es en realidad una violación y cuándo termina?
Os dejamos los títulos de las películas iberoamericanas que optan a los premios Goya
Un total de 16 películas iberoamericanas han sido presentadas por las academias y los comités de selección de sus respectivos países para poder competir en la carrera al Goya a la Mejor Película Iberoamericana en la 35 edición de estos premios.
Del 13 de noviembre al 4 de diciembre estas 16 cintas se proyectarán en la Academia de cine, en el marco de las Actividades de la Fundación, en sesiones abiertas a académicos y publico general.
Os dejamos la lista de la selección para que conozcáis los nombres de las seleccionadas, sus directores/as y los respectivos países que las presentan.
‘Crímenes de familia’ de Sebastián Schindel es la escogida por Argentina.
‘Santa Clara’ dirigida por Pedro Antonio Gutiérrez, de Bolivia.
‘El olvido que seremos’ de Fernando Trueba y que llega desde Colombia.
‘Buscando a Casal’, dirigida por Jorge Luis Sánchez desde Cuba.
‘Muerte en Berruecos. Crónica de un magnicidio’, de Caupolicán Ovalles es la escogida por Ecuador.
‘La llorona’ dirigida por Jayro Bustamante, desde Guatemala.
‘Ya no estoy aquí’ de Fernando Frías de la Parra, es la escogida por México.
‘Matar a un muerto’ de Hugo Giménez llega desde Paraguay.
‘Mosquito’ de João Nuno Pinto viene de Portugal.
‘Malpaso’ dirigida por Héctor Manuel Valdez nos llega desde Republica Dominicana.
‘Alelí’ de Leticia Jorge Romero desde Uruguay.
‘Blindado’ de Carlos Daniel Malavé llega desde Venezuela.
‘El agente topo’ dirigida por Maite Alberdi desde Chile
‘Panquiaco’ de Ana Elena Tejera que nos trae Panamá.
‘Volver a ver’ dirigida por Judith Vélez desde Perú.
La película de Maite Alberdi podrá verse en el Festival de San Sebastián
En junio supimos a través de BTeam Pictures que ‘El agente topo’ se podrá ver en España. Tras presentarse con gran éxito de crítica y público en la Sección Oficial a Competición de Documentales Internacionales del pasado Festival de Sundance y en el Festival Karlovy Vary, la película competirá por el Premio del Público con una selección de películas de todo el mundo que han tenido su premiere internacional en otros festivales, este próximo viernes día 25 en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en la sección Perlak.
Ahora nos confirman que ‘El agente topo’ ha sido seleccionada pro Chile como candidata al Goya 2021. Su directora, Maite Alberdi, ya estuvo nominada al Goya con su película ‘La Once’ en la categoría de mejor película iberoamericana tras un exitoso paso por los más prestigiosos festivales internacionales.
En ‘El agente topo’ nos cuenta la historia de Rómulo, un detective privado. Cuando una clienta le encarga investigar la residencia de ancianos donde vive su madre, Rómulo decide entrenar a Sergio (83 años), que jamás ha trabajado como detective, para vivir una temporada como agente encubierto en el hogar. Ya infiltrado, con serias dificultades para asumir su rol de “topo” y ocultar su adorable y cariñosa personalidad, se acaba convirtiendo, más que en un espía, en un aliado de sus entrañables compañeras.
Basada en la novela de Isabel Allende que a su vez se inspiró en hechos reales
El próximo 31 de julio tenemos una nueva cita con las series españolas en AmazonPrimeVideo. ‘Inés del alma mía’ se estrena ese día en la plataforma de contenido online.
Está protagonizada por ElenaRivera, EduardoNoriega y el actor chileno BenjamínVicuña. Completan el reparto CarlosBardem, FrancescOrella, FedericoAguado y EnriqueArce, entre otros.
Es una adaptación de la novela homónima de Isabel Allende basada en hechos reales, que cuenta en 8 apasionantes capítulos la historia de Inés Suárez, una joven y audaz extremeña que se embarca hacia el Nuevo Mundo en busca de su marido, extraviado al otro lado del Atlántico, con sueños de tener una vida de aventuras, algo impensable para una mujer de su época.
En las Indias descubrirá el verdadero amor de su vida, el famoso conquistador español Pedro de Valdivia. Juntos protagonizarán un romance inolvidable mientras se embarcan en una aventura que les convertirá en los principales artífices del nacimiento de una nación. Las hazañas vividas junto a su amado Pedro de Valdivia la llevarán hasta el lejano y desconocido Chile donde se enfrentará a los aguerridos indios Mapuches. Su periplo vital transportará a la audiencia en el tiempo y el espacio desde la sobria Plasencia del siglo XVI hasta el colorido Perú virreinal de Pizarro, pasando por las salvajes junglas de Panamá y la desoladora belleza del desierto de Atacama en Chile.
Rodada en los ambientes naturales de Chile, Perú y España, el ambicioso proyecto está codirigido por el galardonado director Alejandro Bazzano y el famoso director chileno NicolásAcuña. El guion ha sido llevado a cabo por PacoMateo y cuenta con JorgeRedondo como productor ejecutivo. ‘Inés del alma mía’ es una coproducción entre RTVE, Boomerang TV y Chilevisión.
Paz tiene una vida aparentemente perfecta. Tiene trabajo, pareja, amigas… pero algo falla. En realidad, hay cosas en su entorno que no le gustan. Se siente angustiada y agobiada pero no se atreve a expresar sus sentimientos. Hasta que un día recurre a una extraña terapia que le hará decir absolutamente todo lo que piensa, sin rodeos, poniendo a todos en su sitio y diciendo a la cara la verdad. ¿Cómo sería tu vida si sólo dijeras lo que piensas?
Crítica
Una comedia que nos plantea si no nos miraremos demasiado el ombligo.
‘Sin rodeos’ un remake de ‘Sin filtro’, la película chilena que también escribieron Diego Ayala y Nicolás López. En este caso Santiago Segura y Benigno López junto a esos dos guionistas han adaptado la comedia chilena cuya fórmula algo de gancho debe tener para haber generado ya varios remakes pues no es este el único que podremos ver ya que en México se estrenará otro bajo el título ‘Una mujer sin filtro’ y en Argentina uno más que se titulará ‘Re loca’. Y me aventuraría a decir que podríamos ver más versiones pero no las tengo todas conmigo. No he visto la película original y dudo que vea alguna versión más, me quedara la duda de si lo elocuente no habría sido distribuir como es debido el largometraje inicial.
Pero dejando esas cuestiones a parte sé a ciencia cierta que la película dirigida por Santiago Segura es muy apta para divertir al público Español que busque instantes de hilaridad y personajes caricaturescos, sobre todo momentos cotidianos vistos desde un punto de vista burlón y crítico. El enfoque del filme es distinto al de otras obras de Segura, apartado de los gags casposos de su saga Torrente, aunque tampoco yéndose a extremos excesivamente agudos. Lo que vemos en ‘Sin rodeos’ busca más sacarle punta al día a día, a partir de apreciaciones jocosas llevadas a cabo por individuos que ridiculizan determinados comportamientos sociales.
La aventura de la protagonista interpretada por Maribel Verdú empieza con ella desbordada por sus vecinos, su pareja, sus personas de confianza y su trabajo. Un patente caso de alguien que necesita atención y tiempo para ella misma, por lo menos un claro ejemplo de una persona que pide a gritos un revulsivo. Tras algo que sucede, y que no conviene desvelar, todo se convierte en una especie de mezcla de ‘Mentiroso compulsivo’ más ‘Un día de furia’. La protagonista no puede dejar de decir las verdades a la cara ni negarse aquello que lleva tiempo queriendo sacarse de dentro. Es decir, hace y dice todo sin pelos en la lengua, como se dice ahora, actúa sin filtro. Es un curioso análisis social, pues ¿cuándo dejó de ser oportuna la sinceridad total? El asunto es que en esta película esto desemboca situaciones graciosas y la mayoría de sus actores saben llevarlo a cabo.
‘Sin rodeos’ se sustenta mucho en los cameos y pequeños papeles. Nada más empezar ya vemos que parte de la gracia del filme reside en esperar a ver con qué «amiguete» y en qué situación nos van a sorprender. El Gran Wyoming, Candela Peña, Quique San Francisco, Flo, Cristina Castaño… Como siempre son muchos y algunos no me los esperaba. Lo peor de la película me lo he encontrado en un David Guapo y una debutante Cristina Pedroche que comparándolos ante el talento de Maribel Verdú se nota en exceso que no es que tengan un estilo diferente, sino que tienen mucho que aprender. Uno hace de un jefe excesivamente sobrado e inconcebible y la otra encarna torpemente la tontuna de una influencer de esas que generan contenido insustancial.
Por supuesto que lo que mejor se puede extraer de ‘Sin rodeos’, además del buen ritmo que le ha impreso Segura, es el vigor interpretativo de Maribel Verdú. La madrileña en un abracadabra se planta en todas nuestras carteleras la vemos por todas partes como si lloviesen vacas. Ahora sin rodeos y con una sencilla comedia nos lo hace pasar bien en el cine, además de hacernos pensar si no nos miraremos demasiado el ombligo. Todo esto lo hace con donaire y bastante mala uva, cosa que no pueden combinar muchas personas.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de marzo de 2018. Título original: Sin rodeos. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Santiago Segura. Guión: Benigno López, Santiago Segura, Diego Ayala, Nicolás López. Música: Roque Baños, Tessy Díez. Fotografía: Kiko de la Rica. Reparto principal: Maribel Verdú, Candela Peña, Diego Martín, Rafael Spregelburd, Cristina Pedroche, Bárbara Santa-Cruz, David Guapo, Toni Acosta, Cristina Castaño, Quique San Francisco, El Gran Wyoming, Florentino Fernández “Flo”, Abigail Frías, Paco Collado, Santiago Segura. Producción: Bowfinger International Pictures S.L., Sin Filtro la película AIE, Atresmedia Cine, Movistar+. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, remake. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/799/sin-rodeos/
En 1948, el senador Pablo Neruda acusa al gobierno chileno de traicionar a los comunistas en el congreso. El presidente González Videla lo desafuera y ordena su captura. El poeta emprende la huida del país junto a su mujer. Mientras es perseguido por el prefecto de la policía, Neruda se convierte en símbolo de la libertad y leyenda literaria.
Crítica
Neruda visto con ojos de vate.
En una entrevista con Gabriel García Márquez, Neruda aseguraba que sentía envidia por los novelistas, por que contaban historias, algo que aseguraba se había perdido en la poesía. La poesía épica, la poesía que narraba cosas es lo que añoraba, aquello que quiso crear en su ‘Canto General’ que aparece en este filme. Si el poeta viese la película de Pablo Larraín estaría complacido pues lo que ha creado el director es un poema épico basado en la aventura de Neruda para huir de Chile. Aprovechando la inspiración que puede ofrecer la obra de Neruda, se parte de sus versos para posteriormente componer con ellos un poema cinematográfico.
Larraín vuelve a contar para el libreto con Guillermo Calderón tras el éxito de ‘El Club’. El guión no nos ofrece el típico biopic, siendo justos tampoco se abarca toda la vida del escritor. El film comienza con un tono político muy marcado que da paso al género negro y policial. Todo se va volviendo cada vez más abstracto, cargado de figuras retóricas como la metáfora, la alegoría o el monólogo interior. Para ello se mezcla ficción y realidad. Su romanticismo, su complejidad narrativa, su voz en off, su fatalidad; puede recordar a esos largometrajes inspirados por el realismo poético francés o por la obra de Sternberg. Finalmente supone ser un largo poema y si uno no gusta de ese género literario se le puede hacer fatigoso seguir a ‘Neruda’. Esta es una obra no apta para aquellos que tienen pereza a la hora de entender lo ilusorio o artístico.
Luis Genecco encarna a la personalidad chilena, con la cual puede tener rasgos similares, pero su interpretación se ha centrado más en captar el carácter y el peculiar modo de recitar poemas que tenía Neruda. Comparte protagonismo con él Gael García Bernal. Su papel es harto necesario para retratar esta historia y mostrar la división que vivía Chile. Sin su voz en off andaríamos perdidos por una película que sería una mera persecución. Mercedes Morán podría pasar desapercibida haciendo de la sufrida esposa comunista del poeta pero no, tiene sus momentos de gloria. Debo añadir, y con todos mis respetos hacia Emilio Gutiérrez Caba, que creo que habría mejores opciones para encarnar a Pablo Picasso. Tampoco entiendo porque Alfredo Castro (‘Desde allá’) sigue empeñado en mantener un rostro inexpresivo en sus últimas películas.
Dentro de no mucho veremos otro biopic también dirigido por Larraín. Para esa ocasión abarcará un proyecto mayor y puede que con menos toque personal, por las presiones de las productoras. Y es que va a contar la historia de Jackie Kennedy tras el asesinato de su marido, siendo encarnada por Natalie Portman. Veremos que ocurre con ese filme pero tras su proyección en Venecia ya se habla de un segundo Oscar para Portman. Parece que Larraín mantiene una buena racha en lo que a festivales se refiere.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de septiembre de 2016. Título original: Neruda. Duración: 107 min. País: Chile, Argentina, Francia, España. Director: Pablo Larraín. Guión: Guillermo Calderón. Música: Federico Jusid. Fotografía: Sergio Armstrong. Reparto principal: Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán, Alfredo Castro, Pablo Derqui, Marcelo Alonso, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Jaime Vadell, Diego Muñoz, Francisco Reyes, Michael Silva, Victor Montero. Producción: AZ Films, Fabula, Funny Balloons, Participant Media, Setembro Cine, TELEFE. Distribución: Wanda Films. Género: drama, policíaco. Web oficial: http://www.wandavision.com/site/sinopsis/neruda
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