Los 30 (no) son los nuevos 20 cuenta la historia de David, quien ha cumplido los temibles 30 y lo celebra de una forma diferente: con sus amigos en el pueblo, pero también con algunos actores y un equipo de rodaje. A pesar de las ganas de juntarse, la distancia y los años lo han cambiado todo. La fiesta termina por convertirse en un manifiesto de la generación millennial.
Crítica
Nos mueve entre los 30 y el desencanto con una mirada franca
Juan Vicente Castillejo irrumpe en el panorama cinematográfico con su cortometraje ‘Los 30 (no) son los nuevos 20’, un retrato íntimo y sincero de la generación millennial, con el cual ha sido capaz de colarse entre los nominados a los Premios Goya 2025. En este trabajo, el director utiliza la celebración de un cumpleaños como hilo y contexto para explorar las dinámicas de amistad y la sensación de incertidumbre que caracteriza a esta generación, atrapada entre expectativas sociales de éxito y un momento de libertinaje similar al que experimentaron algunas generaciones anteriores.
El corto, filmado en un entorno rural, no solo destaca por su autenticidad narrativa dentro de lo que muchas veces se percibe como ficcionado, sino también por su capacidad para conectar con experiencias universales de madurez temprana. Castillejo combina momentos aparentemente banales con lo que parecen reflexiones sobre el paso del tiempo, los cambios de perspectiva y la desconexión emocional, todo ello con un enfoque que de soslayo retrata a las generaciones de desplazados conocidos como provincianos.
El director explora la identidad y comunidad a través de la empatía y la franqueza. La propuesta es más que personal y logra conectar con aquellos treintañeros y cuarentones que han perdido el contacto con sus amigos de la adolescencia pero que aun así intentan mantener vivo con su propio ser púber. Aunque la obra se apoya en una mirada nostálgica, también es un testimonio de resiliencia actual y de cómo esta quinta ha experimentado un boom sexual.
A modo de analizarlo como documental el discurso puede resultar limitado, sobre todo para quienes buscan una perspectiva más estructural o analítica sobre los desafíos de los millennials. El mérito de Castillejo radica en capturar, con honestidad y sin pretensiones, la insondabilidad emocional (si se me permite el palabro) de quienes navegan entre los 30 y el desencanto.
Ficha de la película
Estreno en España: 2024. Título original: Los 30 (no) son los nuevos 20. Duración: 20 min. País: España. Dirección: Juan Vicente Castillejo. Guion: Juan Vicente Castillejo, Alba Pino, Tamara Santos Iglesias. Música: Delson Aravena. Fotografía: Gloria Gutiérrez Asia. Reparto principal: Inma Almagro, Miguel Santillana. Producción: LaBonica Films, Pasajes Invisibles. Distribución: BTeam Pictures. Género: documental. Web oficial:https://labonicafilms.com/los30/
Un conserje llamado Winston Gooze es transformado por unos residuos tóxicos en un vengador mutante.
Crítica
Le falta chispa y violencia
En 2023 tuve la oportunidad de ver ‘El Vengador Tóxico’ en uno de mis festivales favoritos, CutreCon, una divertida y desvergonzada cinta que además tenía crítica social sobre un héroe asqueroso y a la vez muy adorable, al que le han hecho la vida imposible. Pero ahí no acaba la cosa, y es que en otro de mis festivales favoritos, Sitges, ese mismo año pude ver la nueva versión con Peter Dinklage como protagonista. Película de la que os voy a comentar un poquito a continuación.
Macon Blair, director de ‘Room 104’ es el encargado de volver a traer al cine a este personaje tan peculiar. Al igual que en la cinta original, Winston es un conserje que trabaja en un gimnasio. Al ser diagnosticado de una enfermedad terminal y que sólo puede curarse con un tratamiento muy costoso, decide robar la cura. Winston cae en un pozo de desechos tóxicos y se transforma en un monstruo deforme que se propone hacer el bien y vengarse de todas las personas que le han hecho daños.
A la película le falta gracia, esa chispa que tenían las películas de los años 80. Si que es verdad que la original se pasaba un poco con los comentarios, pero es cierto que era otra época. Aun así, está claro que no podría ser para nada como la de 1984 porque en la actualidad sería etiquetada como políticamente incorrecta. Pero es que esta nueva versión no hace apenas gracias y es una verdadera pena.
Se centra mucho en un drama familiar que no necesitamos y también en como las fábricas y su contaminación destruyen la Tierra, que si, pero en esta película yo iba buscando comedia absurda y mucha sangre.
Si que es cierto que cuando se pone burra, mola mucho, hay escenas bastante extremas, pero que al final se quedan olvidadas porque la película se pierde en pequeños dramas.
En el reparto encontramos a Peter Dinklage, que sin duda está genial como El Vengador Tóxico. El maquillaje la verdad que está muy bien. Su enemigo, Kevin Bacon, que últimamente le podemos ver en todo tipo de papeles. Y también está Elijah Wood, que, por desgracia, me pareció de lo peor de la película, es una mezcla de Gollum con el Pingüino de Tim Burton.
La ambientación de la película está bastante currada, gente muy loca de fondo, pero es eso, a la película le falta chispa, le falta la gracia de la Troma y ese descaro. Es una película bastante amable y supongo que me esperaba mucha más violencia. Me esperaba que fuese todo como la escena en la cafetería, cuando veáis la película lo entenderéis. Como siempre digo, dadle una oportunidad, sobre todo si no habéis visto su predecesora, y así quizás la veáis con otros ojos.
Pronto se estrenará por fin en Estados Unidos, pues ha tenido bastantes problemas de distribución. En España no sabemos si llegará a cines, a plataformas o será de estas películas que tendremos que ver en formato doméstico.
Ficha de la película
Estreno en España:Título original: The toxic Avenger. Duración: 102 min. País: Estados Unidos. Dirección: Macon Blair. Guion: Macon Blair. Música: Brooke Blair, Will Blair. Fotografía: Dana Gonzales. Reparto principal: Peter Dinklage, Kevin Bacon, Elijah Wood, Jacob Tremblay, Jane Levy, Taylor Paige, Julia Davis, Julian Kostov, Sarah Niles, Jonny Coyne, Spencer Wilding. Producción: Legendary Pictures, Troma Films. Distribución:Género: Comedia. Web oficial: https://www.legendary.com/film/the-toxic-avenger/
El homenaje que nadie ha hecho al gran Akira Toriyama
El Festival Internacional de Cine Trash de Madrid, patrocinado por Kitchen 154, despedirá su decimocuarta edición el 9 de febrero a partir de las 18:30 en el cine mk2 Palacio de Hielo (Centro Comercial Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77) con la ‘Gokutón’, una maratón intensiva de plagios cinematográficos del manga japonés ‘Dragon Ball’, en homenaje al autor Akira Toriyama, fallecido el pasado año.
La maratón consta de tres películas de bajo presupuesto, que llegan al festival gracias al trabajo de la firma Trash-O-Rama Distribución. Entre los títulos seleccionados se encuentran la versión fílmica taiwanesa de los años 90, así como dos imitaciones surcoreanas de serie Z. “Se trata del homenaje definitivo que Toriyama jamás pidió, donde el humor involuntario, los pelucones de quita y pon, los cables mal disimulados y el desprecio total por el copyright unen sus fuerzas en una genki-dama que arrasará con el sentido común de los espectadores” señala Carlos Palencia, director de CUTRECON.
‘Dragon Ball: Comienza La Magia’ (1991)
La cinta que abre la maratón, es posiblemente la adaptación más querida y recordada de ‘Dragon Ball’ en nuestro país, sobre todo porque triunfó en los videoclubes españoles en los años 90. Se trata de un filme taiwanés que versiona con descaro, muy pocos medios y sin licencia, el primer arco del cómic manga. La falta de presupuesto deriva en unas penosas caracterizaciones, “con un Son Goku que muchos fans han comparado con el famoso delincuente el Vaquilla, o el abuelo Son Gohan, que se parece a Harry Potter con progeria”, según cuenta Palencia. Y añade que “los efectos especiales tampoco se quedan atrás, con petardos de feria y cables tan mal disimulados, que uno se pregunta si realmente los personajes son luchadores de artes marciales o trapecistas haciendo alguna performance en mitad del bosque”. Una película “perfecta para desternillarse con y de ella” sentencia.
‘Dragon Ball Zero’
Es (1990) que, como explica Palencia, “tiene el dudoso honor de ser la primera adaptación real que se rodó del manga” e incluso llegó a estrenarse en cines de Corea del Sur, a pesar de no contar con el permiso de los propietarios de la licencia. Para añadir más curiosidad al asunto, resulta que el actor que interpreta al querido Son Goku es ni más ni menos que Heo Sung-tae, que años después se haría mundialmente famoso por su interpretación de uno de los villanos en la primera temporada de “El Juego del Calamar” de Netflix.
‘Son Goku Súper Detective’
Al año siguiente, en 1991, Heo Sung-tae retomaría el personaje en tres secuelas más, rodadas prácticamente a la vez. La primera de ellas, titulada en España como ‘Son Goku Súper Detective’ gracias a la firma Trash-O-Rama Distribución, será el filme que cierre la maratón. En esta ocasión, la trama se desvía completamente del cómic original, presentando a Goku como miembro de una organización gubernamental que lucha contra amenazas terroristas de toda índole, para “desconcierto y sorpresa del público”, cuenta Palencia. En definitiva, la “Gokutón” será “un evento que ningún fan admitirá haber disfrutado, pero que todos recordarán”, en palabras del director de CutreCon.
“Dragonball Evolution”
Y ya fuera de la “Gokutón”, para hacer aún más completo si cabe el homenaje a Toriyama, el 9 de febrero a las 16:30 horas también se proyectará ‘Dragonball Evolution’ (2009), la adaptación hollywoodiense que fracasó estrepitosamente en la taquilla mundial. “Todo un desastre morrocotudo, que desde su primera imagen oficial hizo a los fans clamar al cielo y organizar boicots”, recuerda Palencia. ¿El motivo? Una sucesión de “decisiones incomprensibles que lograron convertir una franquicia adorada en un monumento a la vergüenza ajena, con kamehamehas que parecen flatulencias, un Piccolo que tiene pinta de haberse escapado de una parodia de los Power Rangers y el Son Goku menos carismático que se pueda imaginar, interpretado por Justin Chatwin con cara de no haber dormido en un mes”. El descalabro fue tal, que su guionista se vio obligado a pedir disculpas y “pasarán décadas antes de que alguien vuelva a intentar hacer una adaptación en condiciones de la obra de Toriyama”, concluye Palencia.
Los abonos, así como las entradas individuales para las sesiones de pago de Kitchen 154 – CUTRECON 14 ya están a la venta en las taquillas de los cines mk2 y en los enlaces habilitados en la web oficial del festival, www.cutrecon.com.
Kitchen 154 – CUTRECON, el Festival Internacional de Cine Trash de Madrid, celebrará su decimocuarta edición del 5 al 9 de febrero de 2025 en tres sedes distribuidas por la ciudad —mk2 Cine Paz (C/ de Fuencarral, 125), mk2 Palacio de Hielo (Centro Comercial Palacio de Hielo, C/ Silvano, 77) y Universidad Complutense de Madrid—, con “una cuidada e hilarante selección de las peores películas de Fantasía Épica”, como señalan los organizadores del certamen.
El festival está patrocinado por la franquicia de restaurantes de comida especiada y picante Kitchen 154, la gestoría Confislab, el servicio de hosting Cdmon, la distribuidora Ediciones Setantanou, la editorial Apache Libros, la productora Arkham Contents, los comercios La Mansión del Terror y El Templo del Arcade y los portales web Moviementarios.com y Con C De Cultura. Organizan los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com, la cadena de cines mk2, la Universidad Complutense de Madrid y su Facultad de Ciencias de la Información, la productora ADJ Proyectos Audiovisuales, la distribuidora Trash-O-Rama y la asociación Pop Culture España.
Un virus mortal empieza a infectar a las personas más ricas del mundo, justo cuando Laura está en su etapa profesional más exitosa y en ascenso. El virus solo parece afectar al principio a los multimillonarios, pero pronto se expande hasta abarcar riquezas más modestas, lo cual obliga a todo el mundo a deshacerse de sus fortunas. El problemas es que ya no queda nadie a quien venderlas… Lucha de clases y ciencia ficción pandémica se dan la mano en esta distopía del director de la multipremiada ‘El Hoyo’.
Crítica
Una dura crítica a nuestra sociedad
Galder Gaztelu-Urrutia llega a la gran pantalla con ‘La fiebre de los ricos’ y es que después de su gran éxito ‘El hoyo’ vuelve a darnos que pensar de esta sociedad en la que vivimos.
No tiene ninguna complejidad, un extraño virus acosa a las personas millonarias. Éstas deben huir y hacer desaparecer todas sus riquezas si no quieren morir.
Admito que, en mi caso, la película me ha parecido un poco pesada, está muy bien dirigida y muy bien contada. Sobre todo, porque sabes que el autor quiere mostrarte esa eterna lucha de clases y el sufrimiento que se crea con ello. En este caso es al revés. Los ricos deben huir en pequeños botes por el mar para poder lograr sobrevivir. Deben de marchar en donde no hay nada, para comenzar de nuevo y ser libres. Pero, nos muestra la cara más terrible del ser humano y son las trampas, la manera en la que estos ricos, se la quieren jugar a sus subdítos y como les cuesta dejar atrás todas sus pertenencias. Pese a pasar por tanto dolor, pérdidas humanas y sufrimiento.
Es un gran reflejo de la sociedad de hoy en día, donde da igual quien muere en el mar, porque no es cosa nuestra, da igual quien tenga mas o menos, porque al final el individualismo es lo que cuenta en esta sociedad que se ha olvidado de colaborar y conseguir ser mejor como conjunto.
Sin duda el punto fuerte es el pedazo de reparto que tiene la película y es que ya la protagonista, Mary Elizabeth Winstead, hace que veamos que sin duda han apuntado fuerte. Pero no solo ella, tenemos a Timothy Spall, Lorraine Bracco, Jonah Hauer-King, Rafe Spall o Richard Sammel entre otros.
Como he comentado, la película se me hizo bastante tediosa, y es que entiendo que querían mostrar todo el camino a la inversa que sufren millones de personas al día por intentar escapar de la pobreza, por intentar conseguir una vida nueva, pero admito que llega un momento que termina cansando, y no significa que no me importe, si no que pone absolutamente todos los casos que le pueden ocurrir a estar personas y llega a ser aturdidor.
Pero pese a mi opinión, admito que no es una mala película. Está muy bien dirigida, escrita y contada, además de que como digo, las actuaciones son estupendas. Mary Elizabeth Winstead está increíble, la coges una manía impresionante según avanza la película y es que sin duda es el reflejo de la codicia. Una persona que después de todo lo que le está pasando a ella y al mundo le da igual todo, ella solo quiere sus cosas, solo le importa ella y nadie más. Y es que lo hace fenomenal.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Rich Flu. Duración: 119 minutos. País: España. Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia. Guion: David Desola, Pedro Rivero, Galder Gaztelu-Urrutia. Música: Aránzazu Calleja. Fotografía: Jon D. Dominguez. Reparto principal: Mary Elizabeth Winstead, Rafe Spall, Lorraine Bracco, Timothy Spall, Dixie Egerickx, César Domboy. Producción: Nostromo Pictures, Fabula, Basque Films, Mamma Team Productions, Canary Pictures Vehicles. Distribución: Filmax. Género: Thriller. Web oficial:https://www.filmax.com/distribucion/la-fiebre-de-los-ricos.306
Una mujer, pausa su carrera profesional para ejercer de madre y ama de casa, pero pronto su nueva vida doméstica da un giro surrealista.
Crítica
Inocente y animal, así es la maternidad
Llega ‘Canina’ a nuestras casas gracias a DisneyPlus. Una película que se realizó para ir directa a plataformas, pero que en Estados Unidos dio el salto a la gran pantalla. Y la verdad pienso que no hubiese estado mal un estreno en cines, pues ya solo con el papel de AmyAdams, merece la pena.
Conocemos a una madre (su personaje no tiene nombre) que ha dejado toda su carrera artística para cuidar de su hijo mientras su marido se labra una gran vida laboral. En un momento clave de su vida ve como su cuerpo comienza a sufrir cambios, no solo externos, si no internos. Su instinto animal crece y poco a poco ve como va convirtiéndose en un perro.
La película la verdad que es muy graciosa y dura. Es una cinta que habla sobre la maternidad, sobre lo bonito y lo malo. Sobre la soledad que muchas mujeres sienten por no hablar, por no involucrar al marido o simplemente pensar en no molestar. También de los terribles cambios físicos que sufren muchas al ser madres y de como no se habla de eso, de las inseguridades y de que también necesitan un poco de confianza en si mismas. Todo ello adornado con la narración de esta madre un tanto desesperada que adora a su hijo y a su marido, pero que añora su anterior vida. No quiere entablar amistad con más madres, ella quiere conversaciones más inteligentes, que le aporten en su día a día y no tener que estar en cuentacuentos o parques.
Cuando su instinto animal aparece, veremos de lo que es capaz una madre llena de desesperación. Pero como digo, esto parece un dramón, pero lo cuentan de una manera muy divertida y amena. Y logran que entiendas a esta mujer y por lo que está pasando. Admito que una de las cosas que me ha gustado que en el fondo no culpa de todo al marido como terminan siendo muchas de estas películas. Un poco sí, pero realmente ves, que es ella la que muchas veces ser cierra puertas como madre protectora.
La directora, MarielleHeller, juega muy bien con la ciencia ficción en esta cinta tan profunda a la vez que inocente. AmyAdams está maravillosa. Tiene un papel muy tierno y lleno de matices. Pero también cuando muestra su lado más animal, recordamos lo gran actriz que es.
‘Canina’ es una película del resurgir de una madre a adulta funcional de nuevo. La recuperación de su salud y sus ilusiones pasan por darse cuenta de que la maternidad no es terminar con lo que una mujer es, si no que es complementario y de ello también se puede aprender nuevas cosas y poder utilizarlas en la vida.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Nightbitch. Duración: 98 min. País: Estados Unidos. Dirección: Marielle Heller. Guion: Marielle Heller, novela de Rachel Yoder. Música: Nate Heller. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Amy Adams, Scott McNairy, Mary Holland, Ella Thomas, Kerry O’Malley, Jessica Harper, Michaela Baham, Stacey Swift. Producción: Annapurna Pictures, Fox Searchlight, Archer Gray, Bond Group Entertainment, Defiant By Nature. Distribución: Disney Plus. Género: Comedia. Web oficial: https://www.disneyplus.com/es-es/movies/canina/1bJ7ZEWN86LX
Cuando ‘M’, un joven holgazán y quejica, descubre que su abuela sufre una enfermedad terminal, decide dejar a un lado su precaria carrera como streamer para cuidar de ella. Eso sí… Con la mirada puesta en su patrimonio multimillonario. Pero ganarse a la abuela no es fácil. Resulta ser una mujer de armas tomar, exigente, rigurosa y muy difícil de complacer. Y, por si fuera poco, ‘M’ no parece ser el único sucesor bienintencionado. ¡Tendrá que sacar a relucir sus mejores virtudes si quiere proclamarse el beneficiario de la herencia!
No obstante, a medida que pasen los días, ‘M’ comenzará a ver más allá de su propio interés y empezará a valorar la oportunidad de reconectar con su abuela en sus últimos momentos.
Crítica
De esas obras que a poco que seas humano vas a recordar con cariño
Personalmente me parece forzado y vago cuando las comedias dramáticas se inclinan hacia el cinismo o el sentimentalismo excesivo, siempre he pensado que destrozan todo lo construido y buscan la lágrima fácil. En el caso de ‘Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela’ podemos decir que emerge como una obra refrescante y auténtica, sincera y a la cara. Y eso que su título original viene a significar algo así como «déjame ir». Representando a Tailandia como su candidata a los premios Oscar, esta película logra equilibrar un humor entrañable con una exploración profunda de las dinámicas familiares y los conflictos generacionales, es de esas obras que a poco que seas humano vas a recordar con cariño.
La trama gira en torno a “M”, un joven ambicioso atrapado entre las expectativas de su familia y sus propias aspiraciones. Este streamer, un nini casi hikikomori, idea un plan disparatado para alcanzar la riqueza antes de que su abuela, el pilar emocional y financiero de la familia, fallezca. Desde esta premisa aparentemente ligera, la película se expande hacia una narración que no solo invita a sonreír tiernamente, sino que también plantea preguntas serias sobre el legado, la unidad familiar y los sacrificios intergeneracionales.
El director, Pat Boonnitipat, cuya sensibilidad queda patente en cada encuadre, utiliza el humor amable como herramienta para revelar verdades profundas. Las situaciones cómicas generadas a través del enfrentamiento entre la picardía de ambos protagonistas no son meros gags aislados, sino el resultado natural de las interacciones entre los personajes. La abuela, interpretada con una mezcla de calidez y autoridad inquebrantable, se convierte en el corazón de la historia. A través de sus gestos y frases cargadas de sabiduría popular, transmite una visión del mundo que contrasta con la obsesión de “M” por los atajos hacia el éxito. Esta tensión genera momentos únicos, como cuando los planes de “M” se desmoronan por ambiciones de sus otros familiares o el choque de tradiciones con la modernidad. Sin embargo, el verdadero logro de la película radica en su capacidad para encontrar el drama en los pequeños detalles. Las conversaciones aparentemente banales entre generaciones revelan un abismo de expectativas no expresadas, frustraciones acumuladas y amor genuino.
Visualmente, la película captura con destreza la vida en una comunidad tailandesa, desde los mercados bulliciosos hasta los momentos de calma en el hogar familiar. La fotografía evita exotizar los paisajes y, en su lugar, los utiliza como reflejo de los trasuntos de los personajes. La música, un delicado balance entre instrumentos tradicionales y arreglos contemporáneos, refuerza esta conexión entre pasado y presente.
En su totalidad, ‘Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela’ es mucho más que una comedia dramática; es una celebración de la familia, con sus imperfecciones y fortalezas. Es ante todo un ultimátum para que disfrutemos sinceramente de los nuestros. Su capacidad para tejer risas y lágrimas con tanta naturalidad la convierte en una digna representante de Tailandia en los Oscar, y un recordatorio de que el cine puede ser a la vez divertido y profundamente humano.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Lahn mah. Duración: 126 min. País: Tailandia. Dirección: Pat Boonnitipat. Guion: Thodsapon Thiptinnakorn, Pat Boonnitipat. Música: Jaithep Raroengjai. Fotografía: Boonyanuch Kraithong. Reparto principal:Producción: GDH 559, Jor Kwang Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, comedia. Web oficial:https://www.gdh559.com/post/lahnmahMoive/
Muchos años después del apocalipsis, un culto de fanáticos mudos y violentos persigue a una joven llamada Azrael que se ha fugado de una prisión. Capturada de nuevo por la secta con la idea de sacrificarla para calmar la existencia de un mal ancestral, la joven no se detendrá ante nada para asegurar su propia supervivencia.
Crítica
Una película que no da un respiro, con una estupenda Samara Weaving
Una de las películas que sin duda más me entusiasmó el pasado Festival de Sitges de 2024, fue ‘Azrael’. Sin diálogos, sin duda lo que más me sorprendió fue su simplicidad. Estamos dentro de un bosque, donde una joven pareja es interceptada por un grupo, que sigue una especie de culto, y son obligados a esperar como una criatura viene para matarlos. La joven escapa y aquí comienza todo.
Está claro que a SamaraWeaving le encanta pasarlo mal. Al igual que en ‘Noche de bodas’ la veremos huir, esta vez por un bosque, de un montón de personas y criaturas dispuestas a terminar con su vida. Y por supuesto, ella no se va a quedar quieta y sabemos de sobra que sabe defenderse.
E.L. Katz director de episodios de ‘Teacup’ o ‘Swamp Thing’, nos trae una película trepidante y con un punto terrorífico que funciona desde el minuto uno hasta su final. Y es que ‘Azrael’ no para, es una película muy dinámica y llena de acción y tenebrismo. La historia viene de la mano de Simon Barrett, guionista de ‘The Guest’ y de la actual ‘Godzilla x Kong: The New Empire’.
Como comento la dirección me parece de lo mejor, tanto de día como de noche, las escenas son muy ágiles y bien dirigidas. La imagen es nítida y muy cuidada. Es una pena que no se vaya a estrenar en salas de cine, porque merece mucho la pena, ya que tiene imágenes muy potentes y realmente merecían su visionado en una gran pantalla.
Como he comentado la protagonista de la película es SamaraWeaving, ella, sin diálogo ninguno se encarga de ofrecernos una gran actuación. Es una actriz que sin duda trabaja muy bien con su cuerpo. Además de ser muy expresiva y logra transmitir mucho con el rostro.
En la película también encontramos a NathanStenwart–Jarret, EeroMilonoff que da bastante mal rollo, SebastianBull, ReaLest, PhongGiang o KatariinaUnt entre otros.
El diseño de las criaturas que aparecen en la película es muy sencillo pero eficaz. Se camuflan muy bien en el bosque y algún que otro susto nos llevamos a lo largo de la película.
La música que acompaña toda la historia está muy bien, ya que no cansa y va teniendo altibajos, al igual que la protagonista. Y la fotografía está muy cuidada. Es una cinta bastante oscura, pese a que tenemos la claridad del día durante mucho tiempo, el tramo final es de noche y sin duda es lo más importante. Está muy bien realizada, logra que esa oscuridad no lo sea tanto y podamos fijarnos en todo tipo de detalles.
En general ‘Azrael’ como he comentado, pese a ser muy simple, logra mantener al espectador totalmente enganchado a la silla y eso es gracias a todo el trabajo de dirección, actuación y guion. Sin duda una película que no os podéis perder.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Azrael. Duración: 85 min. País: Estados Unidos. Dirección: E.L. Katz. Guion: Simon Barrett. Música: Tóti Guðnason. Fotografía: Mart Taniel. Reparto principal: Samara Weaving, Nathan Stewart-Jarrett, Johhan Rosenberg, Eero Milonoff, Vic Carmen Sonne, Sebastian Bull, Rea Lest, Phong Giang, Katariina Unt. Producción: C2 Motion Picture Group, Homeless Bob Production. Distribución: Movistar Plus+. Género: terror. Web oficial:https://c2motionpictures.com/project/azrael/
Huyendo de la Europa de la posguerra, el visionario arquitecto László Tóth llega a Estados Unidos para reconstruir su vida, su obra y su matrimonio con su esposa Erzsébet tras verse obligados a separarse durante la guerra a causa de los cambios de fronteras y regímenes. Solo y en un nuevo país totalmente desconocido para él, László se establece en Pensilvania, donde el adinerado y prominente empresario industrial Harrison Lee Van Buren reconoce su talento para la arquitectura. Pero amasar poder y forjarse un legado tiene su precio…
Crítica
Apabullante e impresionante
‘The Brutalist’ llega para quedarse en nuestras cabezas, ya sea de buena manera o mala, pero sin duda no va a dejar indiferente a nadie. Brady Corbet (‘Vox Lux’), consigue una obra inmensa que en mi caso, me ha gustado mucho. Es una de esas películas que hay que digerir antes de hablar de ella. No por nada, si no por el simple hecho que cuenta más de lo que parece, que al final no es simplemente el desencanto por el sueño americano, que lo es, si no que va mucho más allá. Y, aunque tienes 215 minutos para ir viendo todo lo que te están contando, aun así, terminas con demasiada información en tu cabeza y con muchos sentimientos acerca de todo lo que ocurre en la cinta.
Lásló Tóth es un famoso arquitecto que huye de la potguerra en Europa y se dirige a un lugar maravilloso llamado Estados Unidos. Allí, poco a poco tiene que adaptarse, a su manera de vivir, actuar e incluso de trabajar. Tiene la suerte de conocer a un extravagante millonario que ama la arquitectura y que decide contar con él para un gran proyecto.
Este sería el gran resumen, donde nuestro protagonista tendrá altibajos, conocerá lo bueno y lo malo de Estados Unidos. A sus habitantes y a personas que como él tuvieron que dejar su hogar y labrarse uno nuevo. Y ver como esas personas se han adaptado a la vida estadounidense que simplemente se han olvidado de donde vienen, o sin ningún tapujo, reniegan de donde vienen. Y ahí está el debate, ¿Qué debe de hacer?, seguir en sus trece y continuar con sus costumbres o avanzar en una sociedad que en el fondo no le gusta. ¿Pero, realmente en esa sociedad le respetan? ¿O solo se aprovechan?
Toda esta historia está contada mientras nos envuelven en arte, de todas las maneras posibles, ya sea gracias a los edificios que vemos, impresionantes o ya al trabajo de fotografía y dirección de la película. Todo tipo de planos, cortos, largos, con inclinaciones exageradas. La llegada a Estados Unidos con un gran plano secuencia terminando en una Estatua de la Libertad boca abajo me parece la mejor manera para comenzar esta película llena de simbolismo.
Como digo, todo es arte en ella, y sin duda el trabajo en equipo que se realiza me parece espectacular. La música de DanielBlumberg, es brutal, hay veces que llega a molestar, pero es necesario para lo que nos está contando. También sirve para que nos demos cuenta que hemos pasado a una época distinta sin necesidad de mostrarnos la cantidad de años que han transcurrido de un suceso a otro. Otra manera de que veamos el paso del tiempo es gracias al uso de los time-lapse, que no siempre los utiliza para esto, cuidado, pero es un elemento más. Además, por supuesto del maquillaje, vamos viendo envejecer a nuestros protagonistas poco a poco.
La fotografía de la película me parece increíble. Sin esta fotografía, ‘The Brutalist’ no sería igual y es que es además de bonita, es colosal en todos los sentidos. El uso de las sombras y las luces tan extremas, dándonos la sensación de lo pequeño que es el ser humano y de las grandes cosas que somos capaces de crear dentro de nuestra desesperación. Esto es gracias a LolCrawley (‘Ruido de fondo’).
Y por último y no más importante, el reparto. Lo de AdrienBrody y GuyPearce es de otro nivel. Ambos personajes tienen una evolución bastante parecida y a la vez muy distinta. Pero juntos, avanzan hacia un camino irreparable para ambos y que sin duda destrozarán sus almas. El resto del reparto y no menos importante, encontramos a FelicityJones, JoeAlwyn, RaffeyCassidy, StacyMartin, AlessandroNivola o IsaachdeBankole, son algunos de los actores que logran representar perfectamente a esta sociedad llena de contrastes.
Quería comentar una pequeña anécdota de friki de la historia del arte, el protagonista de la película se llama Lásló Tóth, si buscáis en Google, os va aparecer un hombre que en 1972 destrozó parte de La Piedad de Miguel Ángel, que nada tiene que ver con el protagonista de nuestra historia. Pero la curiosidad también parte de que, en la película, van a una cantera de mármol que es justo de donde Miguel Ángel sacó el material para su Piedad. No sé si ha sido casualidad o no, pero ahí dejo el dato, que a mi me ha resultado llamativo
Como he comentado, ‘The Brutalist’ está llena de simbolismos y sin duda es una película que no va a dejar a nadie indiferente. Va a gustar más o menos, pero después de verla, puedo decir, que comprendo perfectamente todos los premios que se ha llevado y aunque haya que darle un tiempo para darte cuenta de lo que has visto, merece la pena pasar estas 3 horas y 35 minutos en la sala de cine. No os vais arrepentir. Eso sí, comentaros que a la hora y cuarenta minutos la proyección se detiene para darnos 15 minutos de descanso.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: The Brutalist. Duración: 215 min. País: Estados Unidos. Dirección: Brady Corbet. Guion: Brady Corbet y Mona Fastvold. Fotografía: Lol Crawley. Música: Daniel Blumberg. Reparto principal: Adrien Brody, Felicity Jones, Guy Pearce, Joe Alwyn, Raffey Cassidy, Stacy Martin, Isaach Bankole, Alessandro Nivola, Emma Laird, Jonathan Hyde, Jaymes Butler, Peter Polycarpou. Producción: Brookstreet Pictures, Andrew Lauren Productions (ALP), Carte Blanche, Intake Films, Killer Films, Yellow Bear Films, Three Six Zero Group, Proton Cinema. Distribución: Universal Pictures. Género: Drama. Web oficial:https://www.universalpictures.es/micro/brutalist
El gato es un animal solitario, pero cuando su hogar es devastado por una gran inundación, encuentra refugio en un barco poblado por varias especies, y tendrá que formar equipo con ellas a pesar de sus diferencias.
Crítica
Un milagro de la animación indie
‘Flow’, la película de Gints Zilbalodis presente en la shor-list de los Oscars 2025, es una obra maestra de la animación que destaca por su enfoque sensible hacia el mundo animal y su capacidad para evocar una amplia gama de emociones sin recurrir a diálogos. La narrativa sigue a un gato (o gata) negro que, tras una devastadora inundación, se embarca en un viaje a bordo de un barco habitado por diversas especies animales. A lo largo de esta travesía, el felino aprende a colaborar y confiar en sus compañeros de viaje, resaltando temas universales de comunidad y protección mutua. A los que ya peinan canas esta trama podría recordar a ‘En busca del valle encantado’, ‘Dinosaurio’ o ‘El viaje de Arlo’, pero este filme va por otros derroteros, sobre todo por su final.
La ausencia de diálogos en ‘Flow’ permite que las acciones y comportamientos naturales de los animales sean el principal vehículo de comunicación, otorgando autenticidad y profundidad emocional a la historia, reclamando la máxima atención por parte del espectador que ha de fijarse en la expresividad de los protagonistas. Esta elección artística invita al espectador a sumergirse en las sutilezas del lenguaje corporal y las interacciones entre las diferentes especies, creando una conexión más íntima con los personajes y sus experiencias.
La animación de ‘Flow’ es notable por su realismo y estilo distintivo, que recuerda a producciones de videojuegos indie como ‘Sky’, ‘Samorost’ o ‘Gris’. La estética visual, creada íntegramente con el software de código abierto Blender, ofrece paisajes oníricos y detallados que complementan la atmósfera fantástica del relato. Cada escena está meticulosamente diseñada para sumergir al espectador en un mundo de carácter casi post-apocalíptico donde la naturaleza y los animales son los protagonistas indiscutibles.
La trama de ‘Flow’ es extrapolable a cualquier relato sobre desamparados y desharrapados, ya que presenta a animales que, despojados de su hogar por un desastre natural, deben unirse para sobrevivir. Esta narrativa resuena profundamente en un mundo donde los desastres naturales, como inundaciones e incendios (véase recientemente Valencia o California), afectan no solo a los humanos sino también a innumerables animales. La película invita a reflexionar sobre el impacto de la mano del hombre en el medio ambiente y cómo nuestras acciones pueden desencadenar consecuencias devastadoras para todas las formas de vida, como sucede durante la construcción de presas y carreteras.
Para los amantes de los animales, ‘Flow’ ofrece una perspectiva sensible y conmovedora de la vida animal, con momentos que van desde la tristeza profunda hasta la ternura, evidenciando el sentido de comunidad e instinto protector que emerge en situaciones de adversidad. La película destaca la importancia de la cohabitación y la comprensión mutua entre diferentes especies, presentando un homenaje poético a la naturaleza y sus habitantes. Si hay que ponerle algún “pero” a este filme es que en diversas ocasiones la trama avanza gracias a atribuir ciertos comportamientos humanos a estos animales.
Para una comprensión completa del filme, se recomienda prestar atención a la escena post-créditos, que ofrece una perspectiva adicional sobre la narrativa y los destinos de los personajes. Esta escena finaliza la experiencia cinematográfica con una nota reflexiva, invitando al espectador a contemplar las implicaciones más profundas de la historia presentada.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de enero de 2025. Título original: Flow. Duración: 83 min. País: Francia, Letonia, Bélgica. Dirección: Gints Zilbalodis. Guion: Matiss Kaza, Gints Zilbalodis. Música: Rihards Zalupe, Gints Zilbalodis. Producción: Arte France Cinéma, Dream Well Studio, Sacrebleu Productions, Take Five. Distribución: Adso Films, Filmin. Género: aventura, drama. Web oficial:https://www.dreamwell.lv/
Este próximo febrero,Divisa Films nos traerá un montón de novedades para todo el mundo. Estrenos, como ‘La infiltrada’, ‘Emmanuelle’ o ‘Reagan’ entre otros. Pero también tendremos pequeñas joyas del cine de Álex de la Iglesia, ‘Balada triste de trompeta’ o ‘Las brujas de Zugarramurdi’. Pero también tendremos novedades imprescindibles, ‘La selva Esmeralda’, ‘Las vírgenes suicidas’ o ‘Héroes fuera de Órbita’. Y sin duda uno de los grandes lanzamientos del mes de febrero son las nuevas películas de ‘Star Trek’.
Aquí os dejamos todas las novedades que vienen este próximo mes de febrero gracias a Divisa Films.
Bel Armenteros, escribe y dirige el cortometraje de ‘Amanda’. Seleccionado y galardonado en varios festivales internacionales, ‘Amanda’ ha sido producido por Dra. House Studios & Productions en asociación con Siniestra films.
Amanda es un relato que aborda temas universales como la condición humana, la enfermedad mental y la soledad, llevados a la pantalla con una gran sensilibilidad y profundidad donde se fusiona el género de terror clásico con un enfoque moderno y realista.
El corto ha recibido elogios en su fase de distribución por su tratamiento visual y su impacto emocional, lo que lo convierte en una obra para los amantes del cine independiente. Galardonado con doce premios en el Hollywood blood horror films festival, entre ellos, mejor cortometraje y dirección, así como, Mejor cortometraje paranormal en Atlanta horror film festival. También se llevó el galardón AliceGuy en la Marató de cinema Fantàsticyterror de Sants, y en el festival Dark Scream de la India a mejor fotografía.
El reparto cuenta con actuaciones destacadas como la de Isabel Lag, galardonada con el premio ‘Best Baddy’ en 13horror.com film and screenplay contest, de Estados Unidos.
Con un equipo técnico de profesionales entre los que destaca el trabajo de Pablo Terzagui en dirección de fotografía y la banda sonora original compuesta por José Vicente Romero, que refuerzan la atmósfera del cortometraje sumergiendo al espectador en una experiencia cinematográfica envolvente. Además el cortometraje cuenta con la colaboración de Estudio Garra Fx, junto con Elvira García Jimeno, en maquillaje y efectos especiales, que aporta un nivel adicional de realismo.
Os dejamos el tráiler de este cortometraje y además su sinopsis.
Sinopsis
Yon (Enzo Calleja), un niño de diez años se muda junto con su madre Gloria (Lorena Jiménez) a una nueva ciudad. En este entorno desconocido y solitario, Yon encuentra consuelo en Amanda (Amanda Cárdenas), su primer amor, cuya presencia transformará su vida de manera inesperada.
Emily y Matt renunciaron hace años a ser espías de la CIA para formar una familia. Pero, cuando se descubre su tapadera, se ven arrastrados de nuevo al mundo del espionaje.
Crítica
Reciclaje de acción y actores
Tenemos entre manos otra película de espías factoría Netflix, como ‘Alerta roja’, ‘El agente invisible’ o ‘Agente Stone’, pero en esta ocasión sin batir récords de presupuesto y reduciendo costes a base de contar con dos actores en horas bajas como Jamie Foxx y Cameron Diaz. En un género tan abarrotado como el de las comedias de acción, ‘De vuelta a la acción’ de SethGordon se presenta como un esfuerzo competente pero genérico que, aunque entrega momentos divertidos, rara vez se eleva más allá de lo predecible. Con un reparto conocido y un ritmo ágil, la película cumple con los requisitos básicos del género, pero carece de la chispa necesaria para dejar una impresión duradera.
Nos plantean a una pareja de espías pero no vayáis a pensar que esto es como ‘Sr. y Sra. Smith’. En lugar de ello os recomiendo tener en mente películas de espías o agentes como ‘Plan en familia’, ‘El súper canguro’ o ‘Un canguro superduro’. El patrón es más que evidente: padres carcas y obsoletos que de repente molan a ojos de sus hijos con los que no acaban de encajar. Se produce un evidente regreso al mundo del espionaje debido a que su país les reclama de nuevo y ellos echan de menos el subidón de adrenalina. Nos combinan los elementos habituales: tiroteos, persecuciones automovilísticas y una ligera dosis de diálogos cómicos. Sin embargo, en lugar de aportar algo fresco o inesperado, la película parece contentarse con transitar por caminos ya recorridos. Esto se hace evidente desde el primer acto, donde los clichés se despliegan con toda su fuerza y sin camuflajes. Aunque estas fórmulas no necesariamente condenan una película, ‘De vuelta a la acción’ se resiste a salir de su zona de confort. En el mejor de los casos, esto resulta en escenas bien ejecutadas, en el peor, en un desfile de momentos predecibles que dejan al espectador adivinando con frecuencia qué sucederá a continuación.
Uno de los puntos fuertes en la carrera del director Seth Gordon ha sido su capacidad para dirigir secuencias dinámicas y cómicas. En ‘De vuelta a la acción’ las escenas de acción están bien coreografiadas y mantienen un ritmo adecuado, pero no hay ninguna que realmente sorprenda. En una era donde las comedias de acción intentan escalar la espectacularidad, ‘De vuelta a la acción’ se siente modesta en comparación. Las persecuciones son funcionales, los enfrentamientos están rodados con claridad, pero ninguna escena logra capturar esa sensación de asombro que define a las mejores películas del género en nuestros días. Ni tampoco nos brindan momentos cómicos recordables, destacando en ese sentido el secundario interpretado por Jamie Demetriou.
‘De vuelta a la acción’ no es una mala película, pero tampoco es algo estratosférico. Se sitúa cómodamente en el terreno del entretenimiento desechable, esa clase de película que resulta agradable mientras la ves, pero que desaparece de la memoria tan rápido como los créditos finales comienzan a aparecer. Seth Gordon demuestra que puede manejar los elementos básicos de una comedia de acción y que este perfil bajo le favorece, por eso quizá parece más interesado en cumplir con las expectativas que en desafiarlas. Es un título para aquellos que busquen algo ligero y sin pretensiones, pero no para quienes esperan innovación o reivindicación de dos actores otrora entre los más cotizados.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Back in Action. Duración: 112 min. País: EE.UU. Dirección: Seth Gordon. Guion: Seth Gordon, Brendan O’Brien. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Ken Seng. Reparto principal: Jamie Foxx, Cameron Diaz, Kyle Chandler, Glenn Close, Andrew Scott, Jamie Demetriou, McKenna Roberts, Rylan Jackson. Producción: Good One Productions, Chernin Entertainment, Exhibit A, Marzano Films. Distribución: Netflix. Género: acción, comedia. Web oficial:https://www.netflix.com/us-es/title/81307099
El nominado a los Globos de Oro Christopher Abbott protagoniza esta historia en el papel de Blake, un hombre casado y padre de familia residente en San Francisco que hereda la remota casa donde creció en una zona rural de Oregón tras la desaparición de su propio padre, dado por muerto. En plena crisis de pareja con su enérgica esposa Charlotte, Blake la convence para tomarse un descanso de la gran ciudad y visitar la propiedad con su hija Ginger.
Todo se tuerce cuando, de camino a la granja y en plena noche, la familia sufre el brutal ataque de un animal al que no consiguen ver y, en un intento desesperado por huir, se atrincheran dentro de la casa mientras la criatura merodea por la zona. Pero, con el paso de las horas, Blake comienza a comportarse de un modo extraño y a convertirse en algo irreconocible, y Charlotte se verá obligada a decidir si esa monstruosidad es más letal que el peligro que acecha en el exterior.
Crítica
Aprovecha su técnica pero no su significado subyacente
Leigh Whannell, quien sorprendió al público y a la crítica con su renovada interpretación de ‘El hombre invisible’ (2020), regresa al cine de terror con ‘Hombre lobo’, una película que, si bien prometía ser otro ejercicio de reinterpretación moderna de los monstruos clásicos, se queda a medio camino entre el homenaje y la reinvención. Whannell demuestra que sigue siendo un narrador técnicamente competente, pero en esta ocasión parece haber perdido la ocasión de plantear un subtexto como hizo con su película anterior, consiguiendo así un ejercicio fascinante. Sin duda estamos ya lejos del Dark Universe que quería crear Universal y nos encontramos de lleno con una nueva colaboración con Bluhouse.
En ‘El hombre invisible’, Whannell exploraba temas como el gaslighting, la violencia de género y el control psicológico, creando una capa adicional de terror que resonaba profundamente con la realidad contemporánea. ‘Hombre lobo’ siembra lo suficiente como parecer tener la oportunidad de ahondar en un discurso igualmente rico: la lucha entre el instinto protector y los impulsos más oscuros del ser humano heredados entre generaciones. Sin embargo, esta posibilidad queda prácticamente desaprovechada, relegada a menciones superficiales que nunca se desarrollan por completo. El protagonista, cuyo vínculo familiar debería ser el corazón emocional de la historia, no logra transmitir una tensión emocional suficiente como para convertir ese conflicto en el motor de la trama. Por supuesto ni el giro final ni el desenlace responden a avatares tan complejos, al contrario, se alzan como algo escrito en piloto automático.
Donde sí destaca Whannell es en su capacidad para construir secuencias de alta tensión, y el prólogo de ‘Hombre lobo’ es un ejemplo brillante de ello. Desde el primer minuto, el director crea un ambiente opresivo y cargado de suspense, dejando entrever una amenaza física pero jugando mucho con los planos. Es una lástima que el resto de la película no mantenga este nivel de intensidad, pero este inicio es un recordatorio del talento de Whannell para crear la atmósfera.
Uno de los aspectos más discutibles de la película es la representación del licántropo. Había una palpable expectativa por ver cómo Whannell reinterpretaría la transformación del hombre en bestia, un momento emblemático en cualquier obra de licantropía (seguro que todos tenéis en mente películas como ‘Dog Soldiers’, ‘Hombre lobo americano en Londres’, ‘Wolf’, ‘Underworld’ o cualquiera de Paul Naschy). Sin embargo, en lugar de optar por una visión antropomórfica que honrara el legado del monstruo clásico, Whannell toma un camino más visceral y grotesco, recordando a ‘La mosca’ de David Cronenberg. La transformación es dolorosa y deshumanizante, lo que resulta impactante pero al mismo tiempo alienante para quienes esperaban una criatura más icónica y menos perteneciente al body horror. Aunque esta elección tiene su mérito en términos de originalidad, la ejecución deja una sensación de desconexión, como si la película se alejase demasiado de las raíces míticas del hombre lobo, a pesar de que en su inicio intenta vincularse con leyendas de la américa profunda. Para muchos aparecerá en mente el aspecto de los klingon de ‘Star Trek’ o de los protagonistas convirtiéndose en cerdo en ‘Willow’, lo cual, es muestra de que no se ha escogido el mejor aspecto, quizá el más científico, pero no el más mítico.
Un punto a favor es la manera en que Whannell experimenta con la perspectiva de la bestia. Las escenas que nos muestran la visión del hombre lobo –un caleidoscopio de colores distorsionados y movimientos casi psicotrópicos– ofrecen una inmersión única en su experiencia sensorial. Es un recurso interesante y técnicamente bien logrado, aunque su impacto narrativo es limitado, ya que no llega a integrarse de manera orgánica con la historia.
En definitiva, ‘Hombre lobo’ es una película que combina destellos de genialidad técnica con decisiones narrativas que no terminan de cuajar. Aunque el prólogo y la perspectiva sensorial del licántropo destacan como virtudes, el filme carece de un subtexto que la haga justificable. La oportunidad de explorar un discurso profundo sobre el instinto protector y los conflictos internos del protagonista se pierde en una historia que parece más interesada en sus momentos de impacto visual que en sus implicaciones temáticas.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Wolf Man. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Leigh Whannell. Guion: Leigh Whannell, Corbett Tuck, Rebecca Angelo, Lauren Schuker Blum. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Stefan Duscio. Reparto principal: Christopher Abbott, Julia Garner, Sam Jaeger, Matilda Firth, Ben Prendergast. Producción: Blumhouse Productions, Motel Movies, Universal Pictures, Waypoint Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: terror. Web oficial:https://www.instagram.com/wolfmanmovie/
Un cineasta arriesga su vida acompañando a los talibanes que toman una base militar estadounidense abandonada en Afganistán. Una visión escalofriante e inolvidable del poder armamentístico.
Inmediatamente después de que Estados Unidos se retirara de Afganistán, los talibanes ocuparon el complejo ‘Hollywood Gate’, supuesta antigua base de la CIA en Kabul. Los talibanes encuentran innumerables aviones, armas y piezas de equipo militar.
Crítica
El documental más arriesgado que he visto en los últimos años
Aún recuerdo la última temporada de la serie ‘La Unidad’ (Movistar Plus+, 2023). En ella vivíamos una nueva aventura junto a los agentes antiterroristas, pero la trama se trasladó al mismísimo Kabul. Y acompañando a esta trama policíaca se nos enviaba un mensaje que rogaba por no olvidar a todos aquellos que habían quedado abandonados en Afganistán. El documental ‘Hollywoodgate’, que nos trae Filmin esta misma semana, está dirigido por Ibrahim Nash’at y representa un esfuerzo audaz y osado por capturar las consecuencias de aquel momento histórico crucial en el país tomado por los talibanes: la retirada de las tropas estadounidenses. A través de un acceso sin precedentes, la película se desarrolla principalmente en la base militar abandonada por la CIA, conocida como «Hollywood Gate», en las afueras de Kabul. Este enclave militar, cargado de simbolismo, se convierte en el escenario donde el director documenta la transformación de los talibanes de una insurgencia armada a un gobierno en formación.
Nash’at se adentra en las vidas de los nuevos líderes talibanes, presentando figuras como Mawlawi Mansour, el comandante de la fuerza aérea, y MJ Mukhtar, un piloto en formación. Ambos personajes representan distintas caras del nuevo régimen: Mansour encarna la estrategia militar, mientras Mukhtar refleja las aspiraciones bélicas de una generación nacida en medio de la guerra. Nash’at captura la apropiación de sofisticados equipos militares estadounidenses, incluidas aeronaves y helicópteros, como un testimonio del vacío dejado por la retirada occidental. Estas imágenes no solo subrayan el fracaso desinteresado de la intervención militar estadounidense, sino también el inmenso desafío logístico y político que enfrenta el régimen talibán en su intento por gobernar un país devastado. Sobre todo nos muestra cómo a Afganistán se le ha regalado una enorme maquinaria de guerra. El final de la película da escalofríos por el alarde de belicosidad que ha registrado el director y por cómo se habla de ejecuciones y declarar guerras con total naturalidad.
Uno de los aspectos más destacados del documental es su capacidad para mostrar momentos que humanizan a los talibanes, revelando sus contradicciones y los desafíos que enfrentan al asumir el control del país. Por ejemplo, escenas en las que discuten la formación de pilotos o intentan organizar su infraestructura aérea ilustran un nivel de pragmatismo que rara vez se asocia con el grupo en el discurso occidental. El documental correría el peligro de parecer propaganda talibán, pero hace bien en arrancar con un repaso de la historia y con avisar que lo que vemos está continuamente sujeto a la censura de la organización militar islamista deobandi.
La ausencia de voces de ciudadanos afganos, especialmente mujeres y grupos marginados, deja un vacío significativo en la narrativa, lo cual lamenta el propio director. Al no abordar directamente las implicaciones sociales y culturales del regreso al poder talibán, Nash’at corre el riesgo de presentar una visión unilateral que puede interpretarse como una validación indirecta de su autoridad. Este sesgo, aunque no es intencionado, limita la profundidad del análisis político y social que el documental podría haber ofrecido. Personalmente, aunque es algo que deja coja a la película, para mi no es sino una muestra más de cuan arriesgado ha sido acompañar a Mansour y su séquito grabando alarmantes testimonios del fanatismo.
En términos visuales, la fotografía realizada por el propio Nash’at al recorrer el Hollywood Gate cámara en mano, es cruda y directa, lo que refuerza la autenticidad del proyecto. La cámara parece convertirse en un testigo silencioso de una transformación histórica, logrando capturar tanto la euforia del triunfo como la incertidumbre y soberbia del futuro afgano.
‘Hollywoodgate’ es un retrato poderoso y único del nuevo régimen talibán, pero su falta de pluralidad en las perspectivas lo convierte en una obra incompleta. Aun así, su valentía al ofrecer un acceso tan cercano a figuras clave del grupo y su enfoque en un momento de cambio histórico hacen de este documental una pieza esencial para quienes buscan entender las complejidades de la política en Oriente Medio y las consecuencias de las intervenciones extranjeras. Aunque imperfecto, ‘Hollywoodgate’ es un testimonio valioso de un capítulo decisivo en la historia de Afganistán y por desgracia se extiende como reflejo de uno de los fracasos de occidente.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Hollywoodgate. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Ibrahim Nash’at. Guion: I. Nash’at, Shane Boris, Talal Derki. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Ibrahim Nash’at. Reparto principal: Ibrahim Nash’at. Producción: Cottage M., Jouzour Productions, RaeFilm Studios, Rolling Narratives. Distribución: Filmin. Género: documental. Web oficial:https://www.cottagem.com/films/hollywoodgate
Ramiro hace un viaje express a Madrid para decidir sobre la vida de su padre, que se encuentra en coma y con quien nunca ha tenido mayor relación.
Crítica
Sincero relato que explora la virtud de perdonar a través de desconocidos
‘Adiós Madrid’, dirigida por Diego Corsini, presenta un drama íntimo y reflexivo que aborda temas como el abandono, las ausencias y la redención. La trama sigue a Ramiro, un hombre que, tras una vida marcada por resentimientos hacia su padre, viaja a Madrid para enfrentarse a su pasado y tomar decisiones sobre él, quien está en coma. Durante su estancia, Ramiro descubre nuevas facetas de su progenitor a través de personas que lo conocieron y que lo consideran una figura fundamental en sus vidas, en contraste con la percepción que él tiene de él.
El director logra un balance entre lo emotivo y lo narrativo, evitando caer en golpes bajos emocionales, de hecho dispone de más de un momento cómico. Esto permite que el filme se enfoque en la complejidad de las relaciones interpersonales y en cómo diferentes contextos revelan múltiples facetas de las personas. Madrid no solo sirve como escenario, sino que se convierte en un elemento transformador en sí mismo, con planos que contrastan entre los espacios abiertos de la ciudad y los momentos introspectivos de Ramiro. A través de estos elementos visuales, Corsini profundiza en la psicología del protagonista y su viaje emocional. Desarrolla un relato que a priori es sencillo, pero que ensalza las virtudes de conocer a través de desconocidos y de conseguir perdonar a otros para sanarse a sí mismo.
Aunque la película se enmarca en un género que podría parecer familiar, evita clichés excesivos al optar por un desarrollo pausado y reflexivo, sin que eso evite el tono coloquial. Los diálogos son un pilar fundamental en el avance de la trama, especialmente en la noche en que Ramiro conoce a quienes compartieron una conexión especial con su padre. Estas conversaciones no solo permiten que Ramiro entienda mejor a su progenitor, sino que también le brindan la posibilidad de redescubrirse a sí mismo. Pese a que recurre a ciertos lugares comunes dentro de las historias sobre el perdón y las segundas oportunidades, dispone de un enfoque sensible y humano que compensa toda previsibilidad, apelando a un público dispuesto a explorar emociones profundas y debates conflictivos. Las actuaciones, especialmente la de Luciano Cáceres como Ramiro, destacan al transmitir la carga emocional y el conflicto interno del personaje, añadiendo autenticidad a la narrativa. De los pocos elementos que nos sacan del relato o que parecen insertados sin explicación, es la figura de una sintecho demente.
En resumen, ‘Adiós Madrid’ es una película que, aunque no rompe con los moldes del género, sobresale por su honestidad y su capacidad para conectar con el espectador a nivel emocional. Su exploración de los traumas no resueltos y de las segundas oportunidades la convierten en una obra significativa que invita a reflexionar sobre las complejidades de las relaciones familiares y los reencuentros necesarios para sanar.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Adiós Madrid. Duración: 102 min. País: España, Argentina. Dirección: Diego Corsini. Guion: Mariana Cangas, Diego Corsini. Música: Alan Senderowitsch, Andy Colombo. Fotografía: Santiago Squadroni, Pedro Calamar. Reparto principal: Luciano Cáceres, Javier Godino, Ramón Esquinas, Fariba Sheikhan, Mónica Solaun, Sara Vega, Ingrid Rubio. Producción: Cinescalas SL, Cineworld, Madco Broadcast Services. Distribución: 39 Escalones. Género: drama. Web oficial:https://www.instagram.com/cinescalasfilms/
Norbert es un espía incompetente en una nación gris, burocrática y triste. Sus gobernantes sueñan con conquistar a su colorido vecino, un pequeño y alegre país donde todo funciona al revés en un caos total y absurdo, algo que hace terriblemente felices a sus habitantes. A pesar de su total inutilidad, Norbert se convertirá en una pieza clave para desbaratar los planes de su propio gobierno. Acompañado de sus estrafalarios compañeros, compartirá aventuras, diversión y peligros en un intento por salvar Colorlandia y, sobre todo, en la búsqueda de su propia felicidad.
Crítica
Llena de valores para los más pequeños y con muy buen ritmo musical
JoséCorral nos trae ‘Norbert’ divertida cinta con un mensaje muy claro, no hay que dejar de crecer, pero tampoco de ser feliz. La felicidad en Norbert llega a base de color y música. Y es que nuestro protagonista vive en Graylandia, una nación gris donde la burocracia es su fe y sobre todo no se es nada feliz, solo se está estresado. Los gobernantes quieren conquistar Colorlandia, donde la diversión, las leyes locas y la música están a la orden del día. Norbert se adentrará en este mundo lleno de color.
Hacía mucho tiempo que no veía una cinta infantil, quiero decir, últimamente, todas y cada una de las películas que van para los más pequeños, siempre adentran algo para los adultos que le acompañan, no está mal pensado, al final también son espectadores, pero es cierto, que quizás muchos de esos mensajes son conceptos algo más complejos para los pequeños de la casa. Norbert, tiene un mensaje bastante bonito, no dejes de soñar, de divertirte y de ser feliz, todo ello contado de manera muy sencilla, con personajes muy sencillos y sin ningún tipo de complicación. Y es algo que me ha encantado.
La animación de la película me ha parecido una maravilla. Es muy sencilla, son dibujos sin ningún tipo de complejidad y que con pocos movimientos nos muestran mucho. Tiene además una claridad y limpieza muy bien realizada. Pero donde destaca realmente es en el trabajo de la luz y el color. Hay escenas en las que se ve un brillo espectacular gracias a que la Luna está cerca de Colorlandia y está tan bien hecho que parece luz real. Es algo que me ha impresionado bastante. Y como vamos cambiando de ese mundo gris al color y al final terminan uniéndose para mostrarnos pequeñas “motas” de color en un mundo completamente sin color.
La banda sonora me ha gustado mucho también. Pero sin duda el montaje de sonido me ha parecido de lo mejor. Y es que cuando estás en esa ciudad tan “tenebrosa” donde los coches, los papeles, el ruido de las fábricas, hace que sientas pesar por sus habitantes. Mientras que el sonido de los pájaros, la música y el viento en Colorlandia, nos da la sensación de que allí todo está bien.
No puedo negar que la película me ha gustado mucho, además no podéis poner la excusa de no tener tiempo de llevar a los niños al cine ya que la película dura 1 hora y 10 minutos. Además, como os he comentado a lo largo de la crítica, tiene unos valores muy importantes que los niños deben conocer. La amistad, las relaciones con personas que no tienen los mismos gustos que uno mismo, la confianza y el aprender que no se debe obligar a cambiar a nadie. El próximo 17 de enero la tendréis en los cines gracias a Buena Vista Internacional.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2025. Título original: Norbert. Duración: 75 min. País: España. Dirección: José Corral Llorente. Guion: José Corral Llorente. Música: Micaela Carballo y Lucy Patané. Fotografía: Natasha Braier, Chema Hernández y Ricardo Pérez. Producción: Capitán Araña, Aquí y Allí Films, Vista Sur Films S.r.l. Distribución: Buena Vista Internacional. Género: Comedia. Web oficial:https://prensa.disney.es/noticias/norbert-la-nueva-pelicula-de-animacion-de-jose-corral-se-estrenara-el-17-de-enero-solo-en-cines
Maravillosa edición de la vuelta de Alien a nuestras casas
Una precuela más de la saga ‘Alien’ llegó a nuestras pantallas de cine el pasado 16 de agosto y por fin podemos disfrutar de ella en casa gracias a Divisa Films.
Fede Álvarez se ha embarcó en un proyecto que sin duda ha vuelto a las raíces de la película de Ridley Scott y donde veremos reflejada la tensión de películas como ‘Alien: el octavo pasajero’ o ‘Aliens’. Dándonos verdaderos sustos y creando persecuciones impresionantes por los estrechos pasillos de la nave Romulus.
En el reparto encontramos caras bastante desconocidas, algo en mi opinión bastante bueno. Isabela Merced, Cailee Spaeny, Archie Renaux, David Jonsson, Spike Fearn y Aileen Wu, serán los encargados de enfrentarse a los xenomorfos.
Una vuelta a los efectos especiales y también a los prácticos que tanto destacaron en la saga de ‘Alien’.
El steelbook que tenemos con nosotros es una verdadera gozada, encontramos la película en 4K Ultra HD y su versión en Blu-ray.
En cuanto a idiomas tenemos Inglés, Italiano y Castellano. Mientras que en la zona de subtítulos los encontramos en Castellano, Italiano, Danés, Finés, Noruego Sueco y Inglés codificado para sordos.
La sección de extras es bastante interesante, encontramos escenas eliminadas y ampliadas. También nos hablan sobre la creación de ‘Alien: Romulus‘, los diseños, la historia, como eligieron el casting. Todo ello con entrevistas a los propios actores, director y por supuesto Ridley Scott.
También veremos como es el volver a ponerse manos a la obra a la hora del enfrentamiento con el xenomorfo. Y por último una charla muy interesante entre Fede Álvarez y Ridley Scott sobre el mundo de Alien.
A continuación os dejamos un pequeño vídeo, los extras y su duración y las fotografías del steelbook.
EXTRAS
ESCENAS ALTERNATIVAS/AMPLIADAS
Cruzando el pasillo de los abrazacaras (ampliada)
La muerte de Bjorn (Alternativa)
El laboratorio de Romulus (Alternativa)
Primer contacto con la colmena (Ampliada)
EL RETORNO AL TERROR: LA CREACIÓN DE ALIEN: ROMULUS (25:35 MIN)
La visión del director
Creando la historia
Eligiendo las caras
Construyendo el mundo
ANALIZANDO EL ENFRENTAMIENTO CON EL XENOMORFO (11:07 MIN)
Donnie (O’Shea Jackson Jr.) se alía con la mafia Pantera para cometer el mayor robo de diamantes jamás visto. Mientras, Nick (Gerard Butler), el policía que ya le persiguió en el pasado, se ve arruinado y cansado de ser el cazador, así que le propone unirse a su banda y dar juntos este golpe. Si este desafío tiene éxito, habrán conseguido ejecutar el atraco más importante de la historia.
Crítica
Repetir el truco suele ser una solución demasiado vaga
‘Juego de Ladrones: Pantera’ llega como la continuación de la primera entrega que sorprendió a más de uno en su estreno en 2018. Aquel filme, con Gerard Butler liderando un elenco en el que también estaban O’Shea Jackson Jr., Pablo Schreiber y 50 Cent, logró combinar una ruda acción con una trama lo suficientemente astuta como para engañar al espectador, culminando en un giro final inesperado. Sin embargo, esta segunda intenta jugar las mismas cartas y la predictibilidad nos somete a un bucle de giros que alargan el final.
Mientras que el primer ‘Juego de Ladrones’ apostaba por una estructura de atraco más o menos meticulosa y un desarrollo que construía tensión, ‘Pantera’ cae en el error de intentar cambiar las tornas. Consejo, no leáis el tagline del poster. El guion no solo abusa de los giros de trama sino que sacrifica el ritmo al eliminar las dosis de acción eliminando bandos y creando alianzas inesperadas. La anterior película ya iba por esos derroteros, pero esta intenta ser una especie de ‘Italian Job’ u ‘Ocean’s eleven’, pero sin la elegancia de esos títulos y recordando a películas como ‘Way Down’, partido de fútbol incluído.
En ‘Pantera’, la acción se reduce considerablemente, y cuando aparece, no logra alcanzar los niveles de adrenalina que recordamos. Las escenas de persecuciones y tiroteos, aunque bien filmadas, carecen del dinamismo y la chispa que hicieron a su predecesora una ligera sorpresa. Al menos, cuando se ejecuta el atraco en cuestión, si se logra una serie de escenas muy cargadas de tensión.
En el apartado técnico, es digno de elogio cómo el equipo de producción consigue transformar los paisajes de Tenerife en un convincente escenario italiano. La fotografía aprovecha al máximo la belleza natural de las Islas Canarias, brindando un marco visual atractivo que es, sin duda, uno de los puntos más fuertes de la película.
El regreso de Gerard Butler no sorprende, haciendo honor a la verdad hay que informar que él es el productor de su propia película. Su compromiso con el proyecto es evidente, pero incluso su carisma habitual no basta para rescatar a esta secuela de su exceso de ambición narrativa. Butler cumple como líder, pero el guion no le permite brillar más allá que como una estrella en producciones menores.
‘Juego de Ladrones: Pantera’ tenía la difícil tarea de superar a una primera parte que entretuvo por encima de las expectativas. En su intento de sorprender continuamente al público usando la misma fórmula, olvida lo esencial en este género: contar una historia capaz de hacernos segregar adrenalina y clímax bien fundamentado. Aunque su ambientación y el esfuerzo técnico son destacables, la película no logra repetir la magia anterior. A veces, menos es más, y ‘Juego de Ladrones: Pantera’ es un recordatorio de que demasiados giros pueden arruinar la experiencia de un buen thriller de acción.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de enero de 2024. Título original: Den of Thieves 2: Pantera. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Christian Gudegast. Guion: Christian Gudegast. Música: Kevin Matley. Fotografía: Terry Stacey. Reparto principal: Gerard Butler, Jordan Bridges, Evin Ahmad, O’Shea Jackson Jr., Salvatore Esposito, Rico Verhoeven. Producción: Atmosphere Entertainment MM, Diamond Film Productions, Eone Entertainment, G-Base, Palma Pictures, Shaken Not Stirred, Sierra/Affinity, Tucket Tooley Entertainment. Distribución: Diamond Film. Género: acción, suspense. Web oficial:https://diamondfilms.es/pelicula/juego-de-ladrones-pantera
Eduardo Chillida fue un gran artista que dejó una huella imborrable en el arte contemporáneo. Con una vida dedicada a forjar, tallar, esculpir y modelar la materia para resolver cuestiones fundamentales que le surgían durante su proceso creativo relacionadas con el espacio, el tiempo, la materia o el espíritu. También fue un defensor de los derechos humanos y la justicia social. Sus ideas son un testimonio eterno de la capacidad de las personas para cuestionar, descubrir y asombrarse ante el mundo que nos rodea y luchar por la libertad y respeto de todas las culturas.
Crítica
Calma y belleza, es todo lo que sentiremos con ‘Ciento volando’
Como final de un año de conmemoración por el nacimiento de EduardoChillida, llega este próximo 10 de enero ‘Ciento volando’ un documental que nos adentra en su vida y sobre todo en su arte.
Tuvo su premier mundial en el FestivaldeSanSebastián, en la sección Zinemira. El documental está dirigido por ArantxaAguirre, seguimos a Jone Laspiur, la cual nos narra a través de distintas cartas del artista y de sus entrevistas con diferentes personalidades cercanas a Chillida, la vida de este escultor tan especial.
Uno de los fuertes de este documental son las potentes imágenes que llenan la pantalla de arte y naturaleza. Y es que EduardoChillida lograba que ambas casaran de una manera especial. Sus esculturas y la naturaleza se aunaban en una dando paso a una nueva visión de ambas. Logrando una gran comunión entre el metal y tierra.
El Museo Chillida–Leku es el culmen de esta búsqueda, de esta unión. Y es que nos encontramos ante un caserío con un gran terreno en el que sus esculturas descansan para que los visitantes puedan pasear, sentarse, tocar este arte. Todo ello rodeados de naturaleza. Esto lo muestran muy bien gracias al sonido, y es que, durante todo el documental, además de escuchar las obras de Johann Sebastian Bach, escuchamos pájaros, pero también el mecer de las hojas de los árboles y esto es en parte lo que el escultor nos quería mostrar.
‘Ciento volando’ nos enseña también que no solo se dedicó a la escultura, sino también al dibujo y la narrativa. Y es que escribió un sinfín de poemas que se engloban en varios libros.
Todo ello está narrado y contado gracias a JoneLaspiur. Ella va entrevistando a un montón de allegados y conocidos del escultor. Nos van contando poquito a poco su manera de trabajar y vivir. De como pasó de ser portero de La Real Sociedad a uno de los artistas más grandes del país. Con su bonita voz, Jone Laspiur nos lee muchos de los escritos que dejó Chillida.
Por supuesto, vemos grandes obras como el Peine de los Vientos, Buscando la luz, incluso se ve el lugar donde descansa junto a su mujer.
Un documental bastante entretenido, donde conoceremos no solo el arte si no también al artista. Un hombre que sin duda amaba su vida familiar y disfrutaba de su trabajo. Una figura que merece la pena descubrir si no lo conocéis.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de enero de 2025. Título original: Ciento volando. Duración: 97 min. País: España. Dirección: Arantxa Aguirre. Guion: Arantxa Aguirre. Fotografía: Gaizka Bourgeaud, Rafael Reparaz. Reparto principal: Jone Laspiur, Eduardo Chillida. Producción: A Contracorriente Films, Bixagu Entertainment, Fundación Chillida. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Documental. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/movie/freedom-to-dreams?whereToWatch=in-cinemas
‘The Brutalist’, ‘Emilia Pérez’ y ‘Shogun’ se llevan el gato al agua
Probablemente tendréis un criterio diferente al nuestro, es lo que tiene el arte, pero en esta edición de los Globos de Oro han resultado premiados títulos y artistas que durante el año nos han tenido tan entusiasmados que os hemos estado hablando de ellos como si fuesen obras nuestras. Tal es el entusiasmo y lo alineados que estamos con el palmarés de los Globos de Oro 2025 que no podíamos tardar en comunicároslo cual regalo de Reyes Magos.
Estamos muy felices por el reconocimiento a ‘Pingüino’, ‘Emilia Pérez’, ‘Wicked’ o ‘La sustancia’. Si Demi Moore (‘La sustancia’), Sebastian Stan (‘A different man’) y Jodie Foster (‘True Detective: noche polar’) no se hubiesen llevado un premio nos habría parecido una desfachatez. Aunque hay que reconocer que el nivel, sobre todo en el ámbito televisivo es muy grande, hay algunos damnificados como ‘Better man’, ‘Anora’, ‘Dune: parte 2’ o ‘Solo asesinatos en el edificio’ que se han ido de vacío.
En cuanto a títulos con más premios destacan ‘Emilia Pérez’ (4), ‘The Brutalist’ (3), ‘Shogun’ (4), ‘Hacks’ (2) y ‘Mi reno de peluche’ (2). A continuación, detallamos todo el palmarés de estos últimos Globos de Oro.
Películas Globos de Oro 2025
Mejor Película – Drama
The Brutalist
A Complete Unknown
Cónclave
Dune: Parte Dos
Nickel Boys
Septiembre 5
Mejor Película – Musical o Comedia
Anora
Rivales
Emilia Pérez
A Real Pain
La sustancia
Wicked
Mejor Película – Animación
Flow, un mundo que salvar
Del revés 2
Memorias de un caracol
Vaiana 2
Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas
Robot salvaje
Mejor logro cinematográfico y de taquilla
Alien: Romulus
Bitelchús Bitelchús
Deadpool y Lobezno
Gladiador II
Del revés 2
Twisters
Wicked
Robot salvaje
Mejor película de habla no inglesa
La luz que imaginamos
Emilia Pérez
The girl with the needle
Aún estoy aquí
La semilla de la higuera sagrada
Vermiglio
Mejor Actriz Principal de Cine – Drama
Pamela Anderson (The Last Showgirl)
Angelina Jolie (María Callas)
Nicole Kidman (Babygirl)
Tilda Swinton (La habitación de al lado)
Fernanda Torres (Aún estoy aquí)
Kate Winslet (Lee)
Mejor Actor Principal de Cine – Drama
Adrien Brody (The Brutalist)
Timothée Chalamet (A Complete Unknown)
Daniel Craig (Queer)
Colman Domingo (Las vidas de Sing Sing)
Ralph Fiennes (Cónclave)
Sebastian Stan (The Apprentice. La historia de Trump)
Mejor Actriz Principal de Cine – Comedia o Musical
Amy Adams (Canina)
Cynthia Erivo (Wicked)
Karla Sofía Gascón (Emilia Pérez)
Mikey Madison (Anora)
Demi Moore (La sustancia)
Zendaya (Rivales)
Mejor Actor Principal de Cine – Comedia o Musical
Jesse Eisenberg (A Real Pain)
Hugh Grant (Heretic)
Gabriel Labelle (Saturday Night)
Jesse Plemons (Kinds of Kindness)
Glen Powell (Hit Man: Asesino por casualidad)
Sebastian Stan (A Different Man)
Mejor Actriz de Reparto de Cine
Selena Gomez (Emilia Pérez)
Ariana Grande (Wicked)
Felicity Jones (The Brutalist)
Margaret Qualley (La sustancia)
Isabella Rossellini (Cónclave)
Zoe Saldaña (Emilia Pérez)
Mejor Actor de Reparto de Cine
Yura Borisov (Anora)
Kieran Culkin (A Real Pain)
Edward Norton (A Complete Unknown)
Guy Pearce (The Brutalist)
Jeremy Strong (The Apprentice. La historia de Trump)
Denzel Washington (Gladiador II)
Mejor Dirección de Cine
Jacques Audiard (Emilia Pérez)
Sean Baker (Anora)
Edward Berger (Cónclave)
Brady Corbet (The Brutalist)
Coralie Fargeat (La sustancia)
Payal Kapadia (La luz que imaginamos)
Mejor Guion de Cine
Jacques Audiard (Emilia Pérez)
Sean Baker (Anora)
Brady Corbet, Mona Fastvold (The Brutalist)
Jesse Eisenberg (A Real Pain)
Coralie Fargeat (La sustancia)
Peter Straughan (Cónclave)
Mejor Banda Sonora Original de Cine
Volker Bertelmann (Cónclave)
Daniel Blumberg (The Brutalist)
Kris Bowers (Robot salvaje)
Clément Ducol, Camille (Emilia Pérez)
Trent Reznor, Atticus Ross (Rivales)
Hans Zimmer (Dune: Parte Dos)
Mejor Canción Original de Cine
‘Beautiful That Way’ (The Last Showgirl)
‘Compress / Repress’ (Rivales)
‘El Mal’ (Emilia Pérez)
‘Forbidden Road’ (Better Man)
‘Kiss The Sky’ (Robot salvaje)
‘Mi Camino’ (Emilia Pérez)
Televisión Globos de Oro 2025
Mejor Serie de Televisión – Drama
Chacal
La diplomática
& Mrs. Smith
Shogun
Slow Horses
El juego del calamar
Mejor Serie de Televisión – Comedia o Musical
Colegio Abbott
The Bear
Hacks
The Gentlemen
Nadie quiere esto
Solo asesinatos en el edificio
Mejor Miniserie o Película para Televisión
Mi reno de peluche
Disclaimer
Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez
El pingüino
Ripley
True Detective: Noche polar
Mejor Actriz Principal de Serie de Televisión – Drama
Kathy Bates (Matlock)
Emma D’arcy (La Casa del Dragón)
Maya Erskine (Mr. & Mrs. Smith)
Keira Knightley (Palomas Negras)
Keri Russell (La diplomática)
Anna Sawai (Shogun)
Mejor Actor Principal de Serie de Televisión – Drama
Donald Glover (Mr. & Mrs. Smith )
Jake Gyllenhaal (Presunto inocente)
Gary Oldman (Slow Horses)
Eddie Redmayne (Chacal)
Hiroyuki Sanada (Shogun)
Billy Bob Thornton (Landman: Un negocio crudo)
Mejor Actriz Principal de Serie de Televisión – Comedia o Musical
Kristen Bell (Nadie quiere esto)
Quinta Brunson (Colegio Abbott)
Ayo Edebiri (The Bear)
Selena Gomez (Solo asesinatos en el edificio)
Kathryn Hahn (Agatha, ¿quién si no?)
Jean Smart (Hacks)
Mejor Actor Principal de Serie de Televisión – Comedia o Musical
Adam Brody (Nadie quiere esto)
Ted Danson (Un hombre infiltrado)
Steve Martin (Solo asesinatos en el edificio)
Jason Segel (Terapia sin filtro)
Martin Short (Solo asesinatos en el edificio)
Jeremy Allen White (The Bear)
Mejor Actriz Principal de Miniserie o Película para Televisión
Cate Blanchett (Disclaimer)
Jodie Foster (True Detective: Noche polar)
Cristin Milioti (El Pingüino)
Sofía Vergara (Griselda)
Naomi Watts (Feud: Capote Vs. The Swans)
Kate Winslet (El régimen)
Mejor Actor Principal de Miniserie o Película para Televisión
Colin Farrell (El pingüino)
Richard Gadd (Mi reno de peluche)
Kevin Kline (Disclaimer)
Cooper Koch (Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez)
Ewan McGregor (Un caballero en Moscú)
Andrew Scott (Ripley)
Mejor Actriz de Reparto de Serie, Miniserie o Película para Televisión
Liza Colón-Zayas (The Bear)
Hannah Einbinder (Hacks)
Dakota Fanning (Ripley)
Jessica Gunning (Mi reno de peluche)
Allison Janney (La diplomática)
Kali Reis (True Detective: Noche polar)
Mejor Actor de Reparto de Serie, Miniserie o Película para Televisión
Tadanobu Asano (Shogun)
Javier Bardem (Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez)
Harrison Ford (Terapia sin filtro)
Jack Lowden (Slow Horses)
Diego Luna (La Máquina)
Ebon Moss-Bachrach (The Bear)
Mejor Cómico/a de Stan-Up
Jamie Foxx (Jamie Foxx: What Had Happened Was…)
Nikki Glaser (Nikki Glaser: Todos moriremos algún día)
Ana compagina su trabajo de vigilante de sala en un museo con el cuidado de Son, su hija de ocho años. Separada desde hace tiempo, su rutina se rompe al comienzo del curso escolar cuando Son inicia una exploración de identidad.
Desorientada, Ana empezará a ver las cosas de otra manera y poco a poco tendrá que reencontrarse con la mujer que fue antes de ser madre. Para poder acompañar a su hija, Ana tendrá que volver a ser Ana.
Crítica
Carta abierta a los nuevos retos de la maternidad y la identidad
Con ‘La mitad de Ana’ vivimos el nacimiento de una nueva etapa para la hasta ahora actriz Marta Nieto, la cual, da un paso adelante, colocándose tanto delante como detrás de las cámaras. Todo parte del cortometraje ‘Son’, escrito y dirigido también por ella hace unos pocos años. La introspección es el camino que ha escogido para esta opera prima extendida en la que abraza el riesgo y la sutileza. Largometraje cuya sinopsis recuerda muchísimo a ‘20.000 especies de abejas’, pero que por suerte no cae en la copia, pues, aunque trata el tema de la transexualidad se acaba manifestando más como una obra sobre el cumplimiento de metas y el compartir la misma visión del mundo.
De entrada el discurso de ‘La mitad de Ana’ se centra más en la madre que en la hija, a diferencia de la película de Estibaliz Urresola Solaguren. Eso sí, la maternidad sirve también como disparador de una crisis de identidad y constantemente se abordan temas sobre los nuevos retos de la educación. Todas las facetas de la vida de la protagonista se ven cuestionadas y el guión es capaz de transmitir correctamente este tipo de inquietudes. Para ello ofrece soluciones tan ingeniosas como emotivas, pasando por animar cuadros de Ángeles Santos hasta la figura de la bañista, presente a través de escenas veraniegas o de la escultura del bejarano Mateo Hernández. Sin duda en esta obra hay una invitación a la autorreflexión y a enfrentarse a nuevos retos que apuesto a que parte de experiencias personales. Lo que para Ana es ver cómo su hija se desarrolla, para Marta Nieto es ver como fluye el discurso del filme.
Uno de los mayores aciertos de ‘La mitad de Ana’ es su fotografía, obra de Julián Elizalde, que utiliza encuadres muy estudiados, jugando con reflejos y contrapicados además de una paleta de colores apagada para reflejar la confusión interna de la protagonista, como si esta fuese un otoño esperando acabar de desprenderse de sus viejas hojas y de la corteza ya seca, que serían los conceptos ya caducos. Cada plano está cargado de intención, desde los espacios vacíos que enfatizan la incertidumbre de Ana hasta las tomas íntimas que desnudan la fragilidad emocional que viven ella y su hijo.
El guion, coescrito por Nieto y Beatriz Herzog, es otro de los pilares del filme. Si bien puede resultar demasiado críptico en algunos momentos, es evidente que busca dejar espacio para la interpretación del espectador. La película no teme plantear preguntas sin respuestas claras, algo poco habitual en un cine español más acostumbrado a narrativas explícitas. Sin embargo, el debut de Nieto no está exento de ciertas resoluciones. La obsesión por el minimalismo emocional puede distanciar a algunos espectadores.
Dicho esto, ‘La mitad de Ana’ es, sin duda, un debut ambicioso y prometedor. Marta Nieto demuestra un buen control sobre el medio y valentía al optar por una propuesta tan íntima, aunque le han allanado el terreno películas como ’20.000 especies de abejas’, ‘Cinco lobitos’, ‘Los días que vendrán’ o ‘Ane’ protagonizada por Patricia López Arnaiz, quien ejercía el papel de Marta Nieto en el cortometraje original. Puede que no sea una película para todos, pero aquellos dispuestos a sumergirse en su universo encontrarán una obra que, aunque imperfecta, está cargada de sinceridad y realidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de enero de 2024. Título original: La mitad de Ana. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Marta Nieto. Guion: Marta Nieto, Beatriz Herzog. Música: Adrian Foulkes. Fotografía: Julián Elizalde. Reparto principal: Marta Nieto, Noa Álvarez, Nahuel Pérez Biscayart. Producción: Avalon, Crea SGR, Elástica Films, Comunidad de Madrid, IVAC, Movistar Plus+, Mr. Fields and Friends, RTVE, Triodos Bank, ICAA. Distribución: Avalon, Elástica Films. Género: drama. Web oficial:https://elasticafilms.com/catalogofilms/la-mitad-de-ana-prod/
Una maravillosa colección para disfrutar en casa de ‘Toy Story’
Otro de los grandes estrenos que nos trae en formato físico Divisa Films, es la colección de las cuatro películas de ‘Toy Story’, sin duda un tesoro lleno de extras que hará disfrutar a los pequeños, pero sobre todo a los mayores que hemos crecido con estas películas.
‘Toy Story’ llegó pisando fuerte, la película dirigida por John Lasseter, fue estrenada en 1995 y fue la primera película de Pixar. Y, es más, es la primera cinta animada completamente con efectos digitales en la historia del cine. Este título no se lo va a quitar nadie.
La historia fue creada por John Lasseter, Peter Docter, Andrew Stanton y Joe Ranft, mientras que el guion lo escribieron Andrew Stanton, AlecSokolow, Joel Cohen y Joss Whedon. Muchas veces que un guion e historia pase por tantas manos puede ser catastrófico, pero no lo fue en este caso y sin duda estamos ante una de las mejores cintas de animación de la historia.
Pero no solo se quedó aquí, con 3 secuelas más, lograron que estos juguetes se quedasen en nuestros corazones para siempre, y en el de las nuevas generaciones.
La historia sigue las aventuras de un grupo de juguetes vivientes, vaquero Woody y el guardián espacial Buzz Lightyear son los dos grandes protagonistas de esta historia, pero no hay que desmerecer a Bo Peep, Rex, Slinky, Mr. Potato o Hamm. Con ellos viviremos infinidades de aventuras y descubriremos lo que hacen nuestros juguetes cuando no les vemos.
El formato que nos presenta Divisa Films es espectacular, con una cubierta de cartón protegiendo el Blu-ray, tenemos los cuatro discos en un mismo pack. Todos ellos con una serigrafía sencilla, de color azul con los títulos de cada película. Sin complicaciones, al final lo que cuenta es lo que está en el interior de cada uno y es que tenemos un sinfín de extras y la verdad que bastante curiosos.
En ellos nos cuentan diferentes historias de Pixar, el como se hizo la película o como escribieron infinidad de historias, haciendo de la película más seria y que por suerte, no llegaron a ningún lado. Veremos storyboards, diseños y también curiosidades de las películas que lograrán que pasemos horas en nuestros sofás con unas buenas palomitas y disfrutando de todo lo que nos están contando.
Toy Story
Un menú lleno de color, con distintos dibujos pululando en el fondo. En este menú encontramos la película, los idiomas, subtítulos y también la elección de las escenas. Pero no solo eso, tenemos también una sección de novedades en las que podemos ver distintos tráilers. Y dos bloques de contenido extra. A continuación, os los numeramos.
CONTENIDO EXTRA (20 minutos aproximadamente)
En Primicia: “La historia” 2:02 (comentarios en audio)
La misión espacial de Buzz Lightyear: Un Cohete despegando” (3:27)
Un día en Pixar – Los artistas (4:41)
Historias del estudio de Pixar: El coche de John (1:27)
Historias del estudio de Pixar: Baby AJ (1:38)
Historias del estudio de Pixar: Carreras de motos (2:16)
Buzz en Nueva York (2:13)
Viernes negro: lo que nunca supiste de Toy Story (7:34)
CONTENIDO EXTRA DVD clásico (3 horas aproximadamente)
Los creadores reflexionan (16:56)
Como se hizo Toy Story (20:17)
El legado de Toy Story (11:41)
Diseñando Toy Story (6:12)
Escenas eliminadas (18:50)
Introducción nunca vista (1:45)
Tortura (0:48)
Lluvia (1:23)
Introducción al Storyreel eliminada (1:28)
Comienzo alternativo: el show de Buzz (2:43)
Comienzo alternativo: el duelo (1:48)
La pesadilla de Woody (1:20)
El truco de Woody (3:03)
La desafortunada historia (1:52)
Sid se lleva su merecido (2:47)
Diseño
Galería (14:03)
Visualización 3D (5:41)
Color (7:54)
La historia (13:56)
Storyboard de “Los soldaditos verdes” (4:41)
Storyreel de “El nuevo juguete de Andy (4:40)
Storyreel de “La persecución”/ Comparación con la película (3:21)
Producción (13:41)
Un tour por la producción (1:51)
Trucos del diseño de la animación (3:25)
Un tour por la animación (1:23)
Montaje multilingüe (4:30)
Música y sonido
Vídeo musical “Hay un amigo en mi” (2:15)
Diseño de sonido (6:35)
Demos de Randy Newman
Publicidad (10:04)
Entrevistas a los personajes (1:29)
Tráilers (4:38)
Anuncios de televisión (2:08)
Posters (0:57)
Juguetes y más (1:02)
Toy Story 2. Los juguetes vuelven a la carga
Los juguetes regresan, esta vez para salvar a Woody de un secuestro. El cual encontrará su pasado y estará a punto de abandonar a Andy.
Como en el anterior, encontraremos un sinfín de Extras que disfrutaremos muchísimo. Son más de dos horas de contenido extra y sin duda conoceréis muchos entresijos de la construcción de muchos personajes de nuestra saga favorita.
Idiomas: DTS 5.1. Español, Inglés, Italiano. Dolby Digital 5.1. Rumano y Croata.
Subtítulos: Español, Inglés, Italiano, Rumano, Croata, Inglés codificado para sordos.
Contenido Extra (35 minutos aproximadamente)
Toy Story 3 en primicia: “Los personajes” (4:00)
La misión espacial de Buzz Lightyear: Estación Espacial Internacional (3:43)
Un día en Pixar – Equipo Técnico (4:24)
Historias del Estudio de Pixar: Toy Story 2. El laboratorio nunca duerme (1:25)
Hisotrias del Estudio Pixar: Pinocho (2:15)
Historias del Estudio Pixar: La película desaparece (2:·2)
La Pandilla Pixar (1:58)
Recordando a nuestro amigo Joe Ranft (12:46)
Contenidos extra del DVD clásico (2 horas aproximadamente)
Como se hizo Toy Story 2 (8:10)
Perfil de John Lasseter (3:02)
Los personajes (3:30)
Baúl de juguetes
Tomas falsas (5:02)
El chiste de Jessie (1:00)
¿Quién es el juguete favorito? (3:19)
Vídeo musical Riders in The Sky (3:11)
Imágenes con autógrafos (0:45)
Escenas elíminadas
Introducción nunca vista (0:47)
Rex Godxilla (1:28)
Cruzando la calle (1:56)
Diseño
Galería (16:43)
Woody (1:52)
Buzz (2:03)
Los juguetes de Andy (2:09)
El rodeo de Woody (3:06)
Zurg (1:00)
Al (1:01)
El planeta de Zurg (0:55)
La casa de Andy (0:36)
El apartamento de Al (1:04)
El juguete de Al (1:40)
Aeropuerto (1:08)
Visualización en 3D (11:02)
Color (4:30)
Producción (13:41)
Diseñando el pasado de Woody (2:50)
Haciendo el rodeo de Woody (1:54)
Un tour por la producción (2:31)
Primeras pruebas de animación (3:04)
Efectos especiales (1:38)
Escena internacional (1:47)
Música y sonido (14:08)
Diseñando el sonido (5:38)
Componiendo las canciones (3:25)
Vídeo musical. “El rodeo de Woody” (2:17)
Demo de Randy Newman “La canción de Jessie” (2:48)
Publicidad (8:32)
Entrevista a los personajes (2:05)
Tráilers (3:24)
Anuncios de televisión (2:12)
Posters (0:51)
Woody jugando al Baseball (0:19)
Toy Story 3
Sin duda la película más melancólica de todas. Su final nos hizo soltar alguna que otra lagrimilla y la verdad que si se hubiese quedado aquí la historia final de nuestros juguetes favoritos, sería redondo.
Esta Blu-ray llega con menos extras pero no menos interesantes. En el menú ya no aparecen bocetos de los personajes, sino que nos los presentan el matrimonio de Mr. Potato y Ms. Potato.
Subtítulos: Español, Inglés, Portugués, Inglés codificado para sordos.
Contenido Extra
Novedades
Contenido extra (12:42)
Día y Noche (Cortometraje de cine) (6:05)
¡Juguetes! (6:37)
Toy Story 4
El menú de la película nos muestra un puesto de feriante en el que encontramos a Buzz intentando escaparse. Es un menú sencillo en el que encontramos el botón para reproducir, el contenido extra, acceso directo a escenas, la configuración y las novedades.
El contenido extra, aunque tiene poquito, es interesante, el cambio de Bo y como les costó crear la nueva imagen o la historia de los juguetes.
Idiomas:DTS-HD 7.1: Inglés / DTS-HD HR 5.1: Inglés / DTS Digital Surround 5.1: Español, Catalán / Dolby Digital 5.1: Checo, Griego / Dolby 2.0: Inglés audio descriptivo.
Subtítulos: Checo, Griego, Español, Inglés codificado para sordos.
‘The Emu War’, un vergonzoso episodio militar contado sin vergüenza alguna
El festival CutreCon siempre nos ha volado la cabeza con películas desastrosas, giros inesperados e incluso documentales de lo más interesantes. Para esta edición, cuyo leitmotiv es la fantasía medieval, nos tienen reservado algún que otro título fuera de la temática. En concreto tendremos una película que se generó a partir de un hecho real.
Será el 7 de febrero a las 21:30 horas en el mk2 Cine Paz de Madrid cuando podremos ver ‘The Emu War’. Por supuesto se trata de una comedia. Se ambienta en Australia, hace casi cien años. Fue entonces cuando a la desesperada el gobierno decidió iniciar una campaña de control de emús. Y no se les ocurrió otra que en plan cazador, con hombres armados, soldados para ser más exactos. Esta película de Jay Morrissey, Lisa Fineberg y John Campbell no es la única que se hace eco de esta efeméride pues es un hecho histórico que ha dado a luz a memes, videojuegos… Nos esperan 75 minutos de comedia disparatada.
¿En la vida real? Según aparece en algunos medios una plaga de emús amenazó la integridad de las plantaciones australianas. Los campos de trigo del oeste del país ya sufrían la Gran Depresión y este nuevo inconveniente amenazaba su existencia. Fue cuando los veteranos e la Primera Guerra Mundial aceptaron la llamada del gobierno que les rescataba de las zonas marginales a las que habían sido apartados. El Mayor G.P.W. Meredith y su pelotón armados con ametralladoras fueron la respuesta. Por suerte, al contrario que sucedió en España con el lobo ibérico, la misión fracasó. Ello es debido a sucesivas decisiones erróneas que no tenían en cuenta la gran velocidad de estos parientes de los avestruces.
ENTRADAS YA A LA VENTA PARA THE EMU WAR
Las entradas para la proyección de ‘The Emu War’ el 7 de febrero a las 21:30 en el mk2 Cine Paz (C/ Fuencarral 125) de Madrid ya están a la venta en taquilla y en los enlaces habilitados en la web oficial del festival, www.cutrecon.com.
Kitchen 154 – CutreCon está patrocinado por la franquicia de restaurantes de comida especiada y picante Kitchen 154 y organizado por los responsables de la web de cine y humor Cinecutre.com, la cadena de cines mk2, la Universidad Complutense de Madrid, la productora ADJ Proyectos Audiovisuales, la distribuidora Trash-O-Rama y la asociación Pop Culture España.
La película de animación ‘Transformers One’, una precuela que explora los orígenes de Optimus Prime y Megatron, recibe un lanzamiento espectacular en esta edición metálica en Blu-ray que ha distribuido por tiendas Divisa desde el 10 de diciembre de 2024. Este lanzamiento combina una presentación física de lujo con una calidad audiovisual de vanguardia y contenido adicional que complacerá tanto a fanáticos de la franquicia como a coleccionistas.
Esta edición metálica es un tesoro para los seguidores de la franquicia y coleccionistas de cine animado. La combinación de un empaque de primera clase y una selección robusta de extras asegura que esta versión de ‘Transformers One’ sea una pieza indispensable en cualquier colección. Sumergirse en esta exploración de la mitología de los muñecos de Hasbro con esta edición en casa es todo un placer.
El steelbook destaca por un diseño futurista y elegante que refleja la estética tecnológica de Cybertron. La portada muestra a Optimus Prime en su juventud, con un arte conceptual exclusivo que resalta su relación con los futuros autobots. El acabado metálico tiene un brillo casi holográfico que cambia dependiendo del ángulo de la luz, evocando el carácter metálico y espacial de estos personajes. En la contraportada encontramos a los protagonistas con sus primeras transformaciones en vehículos. Además esta edición viene acompañada de un cartón con la clásica ficha repleta de detalles técnicos (fotos al final del artículo).
La edición ofrece una transferencia en 4K Ultra HD y otra para Blu-ray. De este modo se puede gozar de la espectacular animación por ordenador. Los detalles de los modelos de los personajes, desde las texturas metálicas hasta los complejos movimientos de transformación, y los paisajes de Cybertron se ven con una nitidez impresionante. La paleta de colores, que abarca tonos neon y paisajes cósmicos, se reproduce de manera vibrante gracias a un rango dinámico ampliado.
El audio está disponible en Dolby Surround 5.1 coloando al espectador en el centro de las intensas batallas. La mezcla de sonidos mecánicos, explosiones y una banda sonora orquestal electrizante se complementa perfectamente con los diálogos cargados de emoción y dramatismo. Diálogos que pueden escucharse en castellano, catalán, inglés, alemán, chino, coreano, checo, español latino o polaco. Si necesitas subtítulos puedes seleccionar castellano, catalán, inglés, alemán, checo, chino tradicional o mandarín, eslovaco, polaco o tailandés.
Extras (45 min. aprox.)
In the beginning (10:14 min.)
El director Josh Cooley y los productores nos cuentan qué tono querían para esta película y porqué ha sido de animación y no en acción real como las anteriores también producidas por Michael Bay.
World building on Cybertron (9:37 min.)
El planeta de los Transformers ha aprecio en otras películas de animación o en las series, pero nunca como hasta ahora. Aquí nos hablan del reto de crear este mundo completamente metálico.
Toguether as one (11 min.)
Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, Laurence Fishburne… Este es el reparto de voces escogido y este extra justifica su elección.
The IACON 5000 (6:26 min.)
En la cotidianidad de los Transformers también hay espacio para la dirección. La montadora del filme, el director y Chris Hemsworth nos hablan de esta convención que sirve para una primera escena de acción en el filme.
The battle fot Cybertron (8:59 min.)
Exiliados en la Tierra los Transformers siempre hablan de la batalla perdida por su planeta natal. Es el punto que los fans de la franquicia esperaban ver y es el clímax de la película. En este vídeo se analiza como se enfocó este punto crucial con imágenes de producción work in progress.
Better Man se basa en la historia real del ascenso meteórico, caída dramática e increíble resurgir de la superestrella de pop británica Robbie Williams, uno de los mejores showmans de la historia. Bajo la dirección visionaria de Michael Gracey (EL GRAN SHOWMAN), la película se cuenta desde la perspectiva única de Robbie, reflejando su inimitable ingenio y su espíritu indomable. Sigue la trayectoria de Robbie desde su infancia y su experiencia como el miembro más joven de la boyband de enorme éxito Take That hasta los logros míticos de su carrera en solitario, todo mientras se enfrenta a los retos que vienen con la fama y el éxito estratosféricos.
Crítica
Robbie Williams se convierte en un símbolo de cómo la humanidad ha mutado su concepto de salvaje
‘Better Man’ dirigida por Michael Gracey, aborda la turbulenta vida de Robbie Williams, uno de los artistas más icónicos y controvertidos del pop británico. Desde su anuncio, este biopic ha generado curiosidad, sobre todo por la decisión de representar a Williams como un mono. En un panorama que comienza a estar saturado de películas sobre estrellas de la música como ‘Bohemian Rhapsody’, ‘Rocketman’, ‘One love’ o ‘Back to Black’, ‘Better Man’ destaca por su enfoque gamberro y surrealista.
Robbie Williams como chimpancé, un intento de crear un símbolo de autenticidad y autocrítica. La decisión de representar a Robbie Williams como un mono puede parecer, a primera vista, una elección extravagante, un truco de marketing o incluso un capricho absurdo. Sin embargo, al analizar esta metáfora, se hace evidente que Michael Gracey intenta plasmar la lucha interna del cantante con sus inseguridades, su fama, sus compañeros de Take That y su percepción pública. El simio, con su energía caótica y a veces autodestructiva, encapsula la autocrítica mordaz de Williams, hacia su carrera y sus problemas personales, incluidos la adicción y los constantes altibajos emocionales. También podría servir como símbolo de una humanidad que ha cambiado su concepto de lo salvaje.
En comparación con ‘Bohemian Rhapsody’ (saldrán comparativas), que se centró en resaltar el genio artístico de Freddie Mercury y sus compañeros mientras suavizaba aspectos oscuros de su vida, ‘Better Man’ no teme sumergirse en las sombras de su protagonista. Incluso frente a ‘Rocketman’, que apostó por el surrealismo musical y el espectáculo flashmob para narrar la vida de Elton John, la figura del mono en ‘Better Man’ lleva el simbolismo y el concepto de showman un paso más allá, creando un retrato introspectivo y único. El biopic musical ha pasado por una transformación significativa en la última década, pero ‘Better Man’ parece haber dado un paso aún más arriesgado al mezclar elementos de realismo mágico con un enfoque emocionalmente crudo. Son arrebatadoras las escenas con la abuela o el final con los padres o las escenas de degradación. Con este enfoque sobre Williams se alejan casi siempre del molde del «héroe musical redimido» o la estrella fatídica que intentó explotar ‘Back to black’ y lo sitúa en un espacio más honesto y, a la vez, controvertido. Williams siempre controvertido.
El chimpancé hecho en CGI en ‘Better Man’ es una de las apuestas más audaces de la película, destacando tanto por su calidad técnica como por el ya mencionado impacto emocional. Creado por Weta, los expertos detrás de producciones como ‘El Señor de los Anillos’, esta representación combina tecnología avanzada de captura de movimiento y animación de última generación. La actuación de Jonno Davies, quien prestó movimientos y expresividad al personaje, ha sido fundamental para transmitir las emociones del cantante en diferentes etapas de su vida. El director Michael Gracey señaló aquí atrás que el simio no solo debía ser técnicamente impecable, sino también conectar emocionalmente con el público, logrando que este elemento simbólico reflejara la adicción y la ansiedad de Williams. Desde luego, el resultado es tan impactante como el que hemos visto en la saga de ‘El planeta de los simios’.
¿Por qué puede tener interés o envergadura en nuestras carteleras? La respuesta está en su relevancia para una audiencia millennial y de la generación Z. Robbie Williams fue una figura presente en todas las listas y revistas de los años 90 y principios de los 2000, y muchos de sus fans ahora adultos están buscando relatos más complejos y humanos sobre sus ídolos o por lo menos rascar más allá de la superficie de aquello que vivieron en el pasado. ‘Better Man’ ofrece algo más que una simple cronología de eventos que van desde su infancia, es una exploración de cómo la fama modifica la identidad y haciendo algo de análisis transversal, de como el propio concepto de popularidad ha cambiado. El propio cartel, que parte de la portada de ‘Life thru a lens’, ya revela esa intencionalidad de mostrar al cantante como un mono de feria dependiente de la opinión pública, a pesar de que este siempre se ha intentado mostrar como un jeta descarado completamente desinhibido.
Además, la dirección de Michael Gracey, que ya demostró su talento visual y efectividad en ‘El gran showman’ (no tanto con ‘P!nk: Todo lo que sé hasta ahora’), asegura que ‘Better Man’ sea una experiencia que merezca pagar por verse en pantalla grande. Desde secuencias oníricas, pasando por evidentes espectáculos masificados, hasta momentos de cruda humanidad, Gracey parece haber encontrado un equilibrio que hace de esta película una obra única dentro del género.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de enero de 2025. Título original: Better man. Duración: 135 min. País: Australia. Dirección: Michael Gracey. Guion: Oliver Cole, Simon Gleeson, Michael Gracey. Música: Batu Sener. Fotografía: Erik Wilson. Reparto principal: Robbie Williams, Jonno Davies, Alison Steadman, Kate Mulvany, Anthony Hayes, Raechelle Banno, Jake Simmance, Liam Head, Chase Vollenweider, Jesse Hyde. Producción: Sina Studios, Facing East Entertainment, Rocket Science, Lost Bandits, Footloose Productions, RPW Productions. Distribución: Tripictures. Género: biográfica. Web oficial:https://tripictures.com/peliculas/better-man/
Dos jóvenes misioneras se ven obligadas a demostrar su fe cuando llaman a la puerta equivocada y son recibidas por el diabólico Sr. Reed (Hugh Grant). Los tres se verán envueltos en un brutal juego del gato y el ratón durante una larga noche de tormenta.
Crítica
Densa, desafiante y en ocasiones, abrumadoramente oscura
La nueva incursión de A24 en el terror, ‘Heretic’, no solo consolida su originalidad y dominio en el género, sino que sorprende gracias a la inesperada presencia de Hugh Grant y a un discurso con argumentos nada desdeñables. Con una carrera marcada por encantadoras comedias románticas y ocasionales virajes hacia otros géneros (‘Al cruzar el límite’ o ‘El atlas de las nubes’ por citar algunas), Grant sorprende al ofrecer una actuación que es tanto un giro como una revelación: un descenso controlado hacia el horror y la demencia más retorcida.
Dirigida por Scott Beck y Bryan Woods (‘65’, ‘La casa del terror’), ‘Heretic’ es una película profundamente atmosférica que fusiona lo sobrenatural con el terror psicológico en una narrativa que se siente tan filosófica como visceral. La trama sigue a dos jóvenes mormonas (Sophie Thatcher y ChloeEast) que se encuentran de misioneras, para los que no estén familiarizados con la religión de Joseph Smith, visitando casas para ganar adeptos. En esa misión en la que hacen las veces del sacerdote del Age of Empires, van a dar a casa del Sr. Reed (Grant). Allí arranca una situación asfixiante y un duelo de teología de lo más interesante. Aunque por momentos ‘Heretic’ puede parecer salida de la mente de Dan Brown, el filme consigue huir de tópicos y clichés. Aunque bien es cierto el final es una buena “fumada”, como si a un espectador de ‘Cuarto Milenio’ se le hubiese ido la pinza.
Aunque el filme arranca con cierta irreverencia hablando de preservativos y citando el musical ‘The book of mormon’, posee cierta carga de profundidad. Se pone sobre la mesa la auténtica fe y el poder controlador de esta misma así como muchos razonamientos paganos. Los directores y guionistas han optado por un enfoque más matizado y desconcertante, explorando cómo las ideas radicales pueden devorar tanto la mente como el alma. El tono de la película es inquietantemente no solo por la fotografía de Chung Chung-hoon (‘Última noche en el Soho’), sino también por la interpretación de Hugh Grant, quien emplea su acento y sus ademanes tan británicamente correctos para confrontarlos con un aluvión de momentos incómodos. Su rostro, que en otra era representaba calidez, simpatía o ternura, aquí se convierte en un mapa del tormento, con cada línea y gesto indicando una invitación a la batalla intelectual. Lo de ‘Herétic’ es un juego de lo más retorcido. La elección de Grant es un golpe maestro de casting, no solo porque descoloca al espectador, sino porque su desempeño aporta una impredecibilidad que otros actores podrían haber pasado por alto.
Desde luego, lo que separa a ‘Heretic’ de otras películas de terror religioso es su inclinación filosófica. El libreto no se inclina hacia mostrar rituales sangrientos o símbolos crípticos, eso habría sido lo fácil y dudo que hubiese pasado el filtro de A24. Su guion se atreve a plantear preguntas sobre la naturaleza del dogma y es por ello que algunos críticos podrían considerar que su ritmo deliberado y su ambigüedad narrativa alienarán a una parte del público. ‘Heretic’ no es una película para todos, es densa, desafiante y, en ocasiones, abrumadoramente oscura.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de enero de 2025. Título original: Heretic. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Scott Beck, Bryan Woods. Guion: Scott Beck, Bryan Woods. Música: Chris Bacon. Fotografía: Chung Chung-hoon. Reparto principal: Hugh Grant, Sophie Tatcher, Chloe East, Elle McKinnon, River Codack, Stephanie Lavigne, Carolyn Adair, Elle Young, Haylie Hansen. Producción: A24, Beck Woods, Shiny Penny, Catchlight Studios, The Goverment of Canada. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial:https://a24films.com/films/heretic
En 1950, William Lee, un expatriado estadounidense en la Ciudad de México, pasa sus días casi completamente solo, excepto por algunos contactos con otros miembros de la pequeña comunidad estadounidense. Su encuentro con Eugene Allerton, un exsoldado expatriado nuevo en la ciudad, le muestra, por primera vez, que puede ser posible establecer una conexión íntima con alguien.
Crítica
Un caos hacia una apertura de mente que se percibe irónicamente hermético
Luca Guadagnino, conocido por su enfoque sensorial y sentimental en obras como ‘Call Me by Your Name’ o ‘We are who we are’, se adentra en terrenos más oscuros y menos accesibles con su adaptación de ‘Queer’, la satírica y provocadora novela de William Burroughs. Protagonizada por un sorprendente Daniel Craig, esta película desafía al espectador con una narrativa y una atmósfera casi impenetrable, lo que la convierte en un objeto de admiración para unos pocos y de frustración para otros.
Desde el principio, queda claro que Guadagnino no busca una traducción literal del texto de Burroughs, de hecho ha convertido una novela corta en un largometraje más largo que denso. Es una reinterpretación que captura su espíritu inquietante y experimental. ‘Queer’ relata la historia de Wiliam Lee, un expatriado estadounidense en México que, marcado por la alienación y un deseo no correspondido, se pierde en un mundo de autodestrucción, exploraciones sexuales y abuso de drogas. Sin embargo, la película opta por subrayar lo fragmentario de esta experiencia, adoptando una narrativa que a menudo parece deliberadamente opaca.
La elección de Daniel Craig como Lee es una decisión para muchos audaz pues generalmente el actor de ‘007’ proyecta una presencia imponente y masculina. Se sumerge aquí en una vulnerabilidad inquietante, interpretando a un personaje que es a la vez repelente y patéticamente humano. Como siempre Guadagnino extrae muy buenas interpretaciones, pero como habitualmente le sucede no logra anclar una historia que se tambalea bajo el peso de sus propias ambiciones. Guadagnino parece más interesado en capturar el «sentir» del texto de Burroughs que en construir una narrativa coherente, lo que puede sacar del filme a quienes no estén familiarizados con el contexto literario o cultural del autor.
Burroughs, una figura clave de la Generación Beat, es conocido por su rechazo a las convenciones y su exploración de temas marginales. Sin embargo, esta misma cualidad que hace que su obra literaria sea fascinante también la vuelve difícil de adaptar al cine. Guadagnino se adentra en este terreno con valentía, pero el resultado es una película que, al igual que la novela, puede ser vista como impenetrable. La estructura fragmentada, las transiciones abruptas y los diálogos cargados de subtexto convierten a ‘Queer’ en una experiencia cinematográfica que exige paciencia y dedicación, mucho más que con ‘Call me by your name’.
Visualmente, Guadagnino sigue siendo un maestro. La cinematografía captura la decadencia tropical de México y los paisajes interiores de Lee con una belleza iluminada de manera inquietante. Incluso es capaz de lograr este efecto cuando usa maquetas y cromas. En ocasiones, sobre todo durante el primer acto, parece que estamos ante un nuevo ‘Casablanca’, pero rezumando homosexualidad y el calor de Centroamérica. Sin embargo, estas imágenes no son suficientes para compensar una narrativa que se siente hermética, casi como si la película estuviera destinada exclusivamente a quienes ya veneran a Burroughs y a Guadagnino.
Está claro que esto va más de sentir que de entender. De hecho, literalmente en la película se habla de la apuesta por el creer, no por el comprender. Parece un reto interesante e intrigante, pero no es difícil averiguar que el espectador promedio saldrá decepcionado. A veces la película parece arte y ensayo, otras un audiovisual post-moderno. Guadagnino no acostumbra a verbalizar sus pretensiones o conclusiones, pero quizá esta vez su particular ruta del bacalao ha quedado en algo excesivamente subjetivo y recóndito.
Ficha de la película
Estreno en España: 1 de enero de 2025. Título original: Queer. Duración: 135 min. País: Italia. Dirección: Luca Guadagnino. Guion: Justin Kuritzkes. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom. Reparto principal: Daniel Craig, Drew Starkey, Lesley Manville, Jason Schwartzman, Henrique Zaga, el cantante Omar Apollo, Andra Ursuta, Andres Duprat, Ariel Shulman, Drew Droege, Michael Borremans, David Lowery, Lisandro Alonso, Colin Bates. Producción: The Apartment, Frenesy Film Company, FremantleMedia North America, Cinecittà, Frame by Frame, Fremantle. Distribución: Elástica Films. Género: drama. Web oficial:https://www.theapartment.it/en/productions/film/queer/
El amor entre Noah y Nick parece inquebrantable, a pesar de las maniobras de sus padres por separarles. Pero el trabajo de él y la entrada de ella en la universidad, abre sus vidas a nuevas relaciones. La aparición de una exnovia que busca venganza y de la madre Nick con intenciones poco claras, removerán los cimientos no solo de su relación, sino de la propia familia Leister. Cuando tantas personas están dispuestas a destruir una historia de amor, ¿puede realmente acabar bien?
Crítica
Nick y Noah lo tienen complicado en esta segunda parte de su historia
Llega a nuestras pantallas la segunda parte de la trilogía ‘Culpables’, los famosos libros de MercedesRon. ‘Culpa tuya’ llega un año después a Prime Vídeo y sin duda es una de las películas más esperadas de este mes de diciembre.
Está claro que no soy público de este tipo de historias, aun siendo bastante parecido a la serie ‘Élite’, que admito que me enganchó, ‘Culpa tuya’ no ha logrado encantarme tanto. Si que es cierto que estamos hablando también de una segunda parte, siempre sabemos que son un pequeño puente para un gran desenlace y al final ya conocemos a los personajes y pocas cosas nuevas nos suelen contar. Pero en general no me ha interesado mucho la historia de estos dos enamorados. Y otra cosa no, admito que giros de guion tiene por todos lados y no están mal hilados, pero lo dicho, supongo que no es mi tipo de cine y no por eso, significa que sea una mala película. Es más, creo que tanto al público juvenil le va a encantar.
Noah y Nick van sin freno a la vida adulta, esa tan complicada que hace que todos los planes de adolescentes se dejen fuera. El trabajo de él y la entrada de ella en la universidad harán que su amor se vea tambalear, además de que sus padres están intentando separarles todo el rato y las nuevas amistades no hacen mucho bien para que la relación a distancia salga bien.
La película continúa ‘Culpa mía’ y aunque ambos se intentan centrar volvemos a tener peleas de bandas y relaciones tóxicas que harán que la trama se complique por todos lados.
NicoleWallace y GabrielGuevara vuelven a ponerse en las pieles de estos dos enamorados que no hacen más que ponerse zancadillas todo el rato. Ambos vuelven a dar unas actuaciones bastante sencillas y siguen teniendo bastante buena química en pantalla.
MartaHazas, IvánSánchez, VíctorVarona, IvánSánchez y EvaRuíz repiten en sus papeles. Y encontramos nuevas caras, GoyaToledo, GabrielaAndrada, ÁlexBéjar, JavierMorgade y Felipe Londoño se unen a esta historia para dar más giros de guion a toda esta historia.
DomingoGonzález, vuelve a repetir en la dirección y también en el guion junto a SofíaCuenca. Ambos se encargan de la difícil tarea de llevar las famosas novelas a cine.
Todavía no hay fecha de estreno, pero el final de la trilogía ‘Culpa nuestra’ ya está rodada, así que no creo que tarden mucho en darnos la noticia. El 27 de diciembre podréis ver la película en Prime Video y además si queréis hacer una buena maratón, podéis poneros las dos películas seguidas en estos días de fiestas.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de diciembre de 2024. Título original: Culpa tuya. Duración: 117 min. País: España. Dirección: Domingo González. Guion: Domingo González y Sofía Cuenta. Fotografía: Carlos Cebrián. Reparto principal: Nicole Wallace, Gabriel Guevara, Marta Hazas, Iván Sánchez, Eva Ruiz, Victor Varona, Gabriela Andrada, Álex Béjar, Goya Toledo, Javier Morgade, Noah Casas, Jaime Ordoñez. Producción: Pokeepsie Films, Amazon MGM Studios, Amazon Prime Video. Distribución: Prime Vídeo. Género: Romance. Web oficial:https://www.primevideo.com/-/es/detail/Culpa-Tuya/0G5EHVLC83CC57Z5DG60LLI69L
Una de las grandes películas de los años 90 llega a nuestras casas
Hoy os comentamos este precioso SteelBook de una de las películas más importantes de Luc Besson, ‘El Profesional (Léon)’. Una cinta que el director en su día dijo que se trataba de un trabajo de “relleno” que realizó durante un parón en el de ‘El quinto elemento’.
Jean Reno interpreta al asesino a sueldo Léon, el cual se ve metido en un lío al acoger a Mathilda, una niña de 12 años que ha perdido a sus padres y su hermano en un terrible tiroteo. Ella quiere venganza y quiere aprender todo lo que Léon puede enseñarla. Él, necesita compañía y en Mathilda ha encontrado una gran amiga.
Como curiosidad, comentaros, que la película se estrenó en 1994 sin 25 minutos que decidieron eliminar por que las escenas fueron consideradas demasiado violentas para el público estadounidense. En 1996 se estrenó la versión extendida de la película ya con esas escenas. Además es el primer trabajo en el cine de Natalie Portman, que sin duda hace un trabajo enorme, ya que era menor de edad y es un papel en el que representa a una niña que ha tenido que madurar de golpe.
La artista francesa, Flore Maquin, es la encargada de la portada y contraportada de este SteelBook. Y sin duda es un gran acierto, ambas ilustraciones son preciosas y la contraportada con Gary Oldman nos muestra lo terrorífico de su personaje.
Aunque el SteelBook es bastante sencillo en cuanto extras, dentro vienen dos discos, con una serigrafía super sencilla. Disco 1, tenemos la película en 4K ULTRA HDR DOLBY VISION. Con Audio en Español 2.0 DTS HD MA; Inglés Dolby Atmos. Subtítulos en español.
En el Disco 2, encontramos la película en BLU-RAY – 1080p HD. Audio en Español 2.0 estéreo LPCM; Inglés 5.0 DTS HD MA. Subtítulos en Español.
A continuación os dejamos los extras que encontramos en ambos discos y las fotografías de esta edición junto con un pequeño short de este gran trabajo por parte de Divisa que llega a nuestras casas para poder disfrutarlo en la mejor calidad de imagen.
EXTRAS
Disco 1
Entrevista con André Labbouz con subtítulos en español.
Granada se viste de gala para anunciar a los nominados de los Goya
Ya tenemos las nominaciones a la 39º edición de los Premios Goya, galardones que se, entregarán el próximo 8 de febrero de 2025 en Granada. NataliadeMolina y ÁlvaroCervantes, han sido los encargados de desvelar los aspirantes en las 28 categorías desde el Carmen de la Victoria, en la ciudad anfitriona de la gala, teniendo como telón de fondo La Alhambra. El acto ha contado con la supervisión del notario LuisMaríaRojasMartínezdelMarmol.
Con 14 nominaciones, ‘El 47’ se convierte en la película con más nominaciones en esta edición, seguida de ‘La infiltrada’ con 13. Por su parte, ‘Segundo premio’ cuenta con 11 nominaciones y ‘La habitación de al lado’ con 10. Seguidas de ‘La virgen roja’ que tiene 9 nominaciones; ‘Casa en flames’ y ‘La estrella azul’ con 8 nominaciones cada una.
Las actrices MaribelVerdú y LeonorWatling presentarán los Goya 2025, que se entregarán el 8 de febrero en el Palacio de los Congresos y Exposiciones de Granada, donde la actriz AitanaSánchez–Gijón será reconocida con el Goya de Honor de 2025. Antes tendrá lugar el tradicional encuentro de nominados, el 13 de enero en Madrid.
Sonic vuelve a la gran pantalla por Navidad, con la aventura más emocionante hasta la fecha. Sonic, Knuckles y Tails se reúnen para enfrentarse a un nuevo y poderoso adversario, Shadow, un misterioso villano cuyos poderes no se parecen a nada de lo que nuestros héroes han conocido hasta ahora. Con sus facultades superadas en todos los sentidos, el Equipo Sonic tendrá que establecer una insólita alianza con la esperanza de detener a Shadow y proteger el planeta.
Crítica
Tan divertida que podría ser el broche perfecto para la carrera de un maestro del humor clown como Jim Carrey
La tercera entrega de la saga cinematográfica de Sonic the Hedgehog es, en todos los sentidos, un proyecto que tiene derecho a ser cada vez más ambicioso con su fusión entre el frenesí del videojuego clásico con una narrativa que crece en escala y emoción. De nuevo bajo la dirección de Jeff Fowler, esta secuela no solo mantiene la chispa lúdica de sus predecesoras, sino que la amplifica en una sinfonía de efectos visuales, humor gamberrete, juegos de palabras fáciles y nuevos personajes.
Mientras que la primera película de Sonic (2020) se dedicaba a recuperar el vínculo entre el erizo azul y la audiencia general con una historia más convencional de «pez fuera del agua» y la segunda entrega (2022) encontraba su punto fuerte en la acción caótica y el despliegue de nuevos personajes como Knuckles (Idris Elba), ‘Sonic 3’ se atreve a romper las reglas de su propio universo volviéndose ligeramente más dramática y viajando por todo el mundo. La incorporación de Keanu Reeves como la voz del misterioso y enigmático personaje Shadow añade un matiz inesperado de gravedad y carisma al elenco, complementando el ya encantador dinamismo entre Ben Schwartz (Sonic) y Colleen O’Shaughnessey (Tails).
Pero no nos engañemos, aquí el genio lo pone Jim Carrey y bien lo saben los guionistas que le reservan los mejores chistes. Dicen que la nostalgia vende y con ‘Sonic 3’ tenemos ración doble. Aunque el actor había anunciado su retiro de la actuación, su participación en esta franquicia de live actions basados en un juego de principios de los 90 es un verdadero regalo para los fans y un testimonio de su compromiso con el personaje. En esta ocasión, Carrey interpreta a dos Robotniks, desdoblándose en una dualidad brillantemente concebida que permite al actor desplegar todo su arsenal cómico. La interpretación de Carrey es una clase magistral de actuación clown que combina el slapstick exagerado con momentos de pura locura. Verle aplicar sus gags al son de Prodigy o The Chemical Brothers nos brinda momentos desternillantes.
La película brilla visualmente, con secuencias de acción que capturan la velocidad vertiginosa y el caos colorido que los fanáticos de los juegos han llegado a amar. Desde carreras imposibles hasta enfrentamientos titánicos que parecen sacados directamente de los niveles finales más épicos del videojuego o de otras franquicias como Dragon Ball. ,’Sonic 3’ no escatima en recursos. Ni presupuesto con un CGI que añade texturas y detalles con respecto a la anterior, ni referencias convirtiéndose en la que dispone más detalles extraídos de los videojuegos. Muchos retrocederán a su infancia cuando vean la escena de «soplar la ranura» para que funcione la conexión. Incluso desde la productora tendrán que reconocer que esta nueva entrega se atreve a ser algo más irreverente con un desfile de citas a la cultura popular fuera de las fronteras de Paramount Pictures como ‘Green Lantern’, ‘Pokémon’, ‘Akira’, ‘Godzilla’, ‘El hombre de acero’…
Con su humor afilado, actuaciones carismáticas y una narrativa que combina perfectamente lo nostálgico con lo innovador, ‘Sonic 3’ cierra un arco argumental que Paramount Pictures podría mantener sin miedo a flaquear (sus dos escenas durante los créditos son una declaración de continuidad). Las películas tienen espectáculo, corazón y compromiso por parte de su elenco. Evidentemente no estamos ante una película de autor, pero tras tres películas el nivel no baja (muchos considerarán incluso que ha subido) y el amor por el personaje se transmite al espectador. Por otro lado, está el tema de Jim Carrey. Actores de su talla merecen una despedida de Oscar. Pero si dice adiós a la interpretación con el papel del Doctor Eggman yo no podré objeciones pues, supondría una despedida con un personaje demencial y fiel al estilo que ha marcado su carrera hasta el punto de convertirse en un maestro.
Ficha de la película
Estreno en España: 25 de diciembre de 2024. Título original: Sonic the Hedgehog 3. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Jeff Fowler. Guion: Patrick Casey, Josh Miller, John Whittington. Música: Tom Holkenborg. Fotografía: Brandon Trost. Reparto principal: Jim Carrey, Ben Schwartz, James Marsden, Tika Sumpter, Idris Elba, Keanu Reeves, Krysten Ritter, Lee Majdoub, Natasha Rothwell, Adam Pally, Shemar Moore, Colleen O’Shaughnessey, Alyla Browne, James Wolk. Producción: Paramount Pictures, Sega Sammy Group, Original Film, Marza Animation Planet, Blur Stuio. Distribución: Paramount Pictures. Género: aventuras, comedia, adaptación. Web oficial:https://www.sonicthehedgehogmovie.com/
‘Cónclave’ sigue muy de cerca uno de los rituales más secretos y antiguos del mundo: la elección del Papa. Tras la inesperada muerte del Sumo Pontífice, el cardenal Lawrence (Ralph Fiennes) es designado como responsable de dirigir el cónclave. Cuando los líderes más poderosos de la Iglesia Católica se reúnen en los salones del Vaticano, Lawrence se ve atrapado dentro de una compleja conspiración a la vez que descubre un secreto que podría sacudir los cimientos de la Iglesia.
Crítica
Un ‘Succession’ beato que abrirá interrogantes y levantará polvareda
Edward Berger, el aclamado director de ‘Sin novedad en el frente’, regresa con ‘Cónclave’ un thriller político con menos acción pero no por ello menos emoción. El director de capitulazos en series como ‘Your honor’, ‘Patrick Melrose’ o ‘The Terror’ se sumerge en un nuevo largometraje que precisamente trata un capítulo, uno muy concreto y capital, un cónclave en el que se elegirá al nuevo Papa.
En esta ocasión se basa en la novela homónima de Robert Harris. Este es un título que nada más salir de la sala me han comentado que podría considerarse un nuevo ‘Código Da Vinci’. Admito similitudes en cuanto a como juega con los secretos de la Iglesia, pero creo que el gancho es otro, ‘Cónclave’ no se cimenta en teorías y reivindicaciones paganas. Todos sabemos que los sacerdotes, obispos o cardenales son personas falibles y con un pasado, que los escándalos en el seno de la institución religiosa están a la orden del día. Este largometraje saca provecho a la crisis de identidad que experimenta la Iglesia hasta tal punto de poner sobre la mesa un cisma que es vox populi. Y el giro final, es la reafirmación de esas pretensiones con una situación que a muchos les parecerá completamente factible que pueda estar sucediendo o que por lo menos abrirá interrogantes. Si se confirman algunos de los premios a los que opta (está nominada a seis Globos de Oro) levantará polvareda.
Estamos ante un Ralph Fiennes en una de las actuaciones más sutiles y magnéticas de su carrera. Interpreta al cardenal Lawrence, un hombre dividido entre la fe, la lealtad institucional y su conciencia moral. Fiennes entrega una interpretación que mezcla vulnerabilidad y autoridad, construyendo un personaje atrapado en el laberinto ético que plantea la sucesión del Papa. No veía una interpretación que gestionase tan bien la humanidad de una persona con un supuesto con halo de ejemplaridad y aún así tantos dilemas desde que vi a Ed Harris en ‘El tercer milagro’ o gozamos con el debate de ‘Los dos Papas’.
Igualmente, lo interesante de ‘Cónclave’ no es el descubrir el proceso que lleva a la fumata blanca en la chimenea de la Capilla Sixtina. Pienso que eso es algo ya harto conocido. El potencial del largometraje reside en su capacidad para transformar un ritual percibido como algo solemne, siempre embadurnado de virtuosidad, en una lucha de poder como la de ‘Succession’ y similares o una pesadilla organizativa como la de ‘The White Lotus’. Y lo hace con una verosimilitud a la que no se le puede negar cierta credibilidad. Además el guión sin duda tiene sabor a novela y es capaz de crear suspense, tensión y emoción. Desde el comienzo se nos presenta la muerte del Papa como algo tan controlado, tan previsto y organizado que no podemos evitar tener la sensación de que hay algo sospechoso. Pero descuidad, que la sorpresa no es un complot por asesinato, es algo mucho más atrevido y menos previsible.
Apoya a todas estas sensaciones la fotografía de Stéphane Fontaine, la cual, aprovecha la atmósfera ceremoniosa de la Capilla Sixtina y los pasillos vaticanos descubrírnoslos como algo sobrio y austero, tan vacíos que dan la sensación de ocultar algo. Igualmente la música de Volker Bertelmann, dotada de violines y chelos, suena frágil como la situación de la Iglesia y contundente como los hechos tan históricos que experimenta. Tales son la rotundidad y gravedad de sus acordes que al principio parece que se nos avecina una película de terror. Prestad también especial atención a la edición de sonido, pues siempre que se cierra una puerta parece que resuenan ecos que nos recuerdan el peso de la Iglesia o se oye un sonido de cierre al vacío, recordando el hermetismo de las estancias que recorremos.
Uno de los mayores logros del filme es su valentía para plantear preguntas incómodas sobre el poder eclesiástico. Desde las intrigas políticas internas hasta los secretos personales de los cardenales, ‘Cónclave’ no se queda en la superficie. A través del personaje de Ralph Fiennes el filme plantea un retrato que no cae en el sensacionalismo.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de diciembre de 2024. Título original: Conclave. Duración: 118 min. País: Reino Unido. Dirección: Edward Berger. Guion: Peter Straughan. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Stéphane Fontaine. Reparto principal: Ralph Fiennes, John Lithgow, Stanley Tucci, Isabella Rossellini, Sergio Castelitto, Brian F. O’Byrne. Producción: Indian Paintbrush, Access Entertainment, FilmNation Entertainment, House Productions. Distribución: DeAPlaneta. Género: drama, suspense. Web oficial:https://www.filmnation.com/library/conclave
Como cada año echamos la vista atrás notamos en forma de lista y clasificado por géneros lo que hemos visto este 2024. No solo incluimos estrenos que han tenido lugar en cines españoles a lo largo de este año, también películas que hemos podido ver previamente con el beneplácito de sus distribuidoras o en festivales. Os puede servir de referencia para encontrar películas que se os han pasado o algunas que están por venir. Es por todo esto que la mayoría tienen crítica en nuestra página, pero algunas las hemos visto a toro pasado y con fines recreativos o no hemos sacado tiempo de poder brindaros una opinión más completa.
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