La historia del denominado ‘Robin Hood’ anarquista
Netflix anunció hace un par de días el inicio de producción de la película española ‘Un hombre de acción’, protagonizada por Juan José Ballesta (‘El Bola’, ‘7 vírgenes’) en el papel de Lucio y Miki Esparbé (‘El Inocente’, ‘Donde caben dos’). Dirigida por Javier Ruiz Caldera (‘Superlópez’, ‘Malnazidos’) y escrita por Patxi Amezcua (‘Séptimo’, ‘La sombra de la ley’), la película está inspirada libremente en la vida del navarro Lucio Urtubia. Para su director “la vida de Urtubia, atracador, falsificador, anarquista y, sobre todo, albañil, era una inspiración fabulosa para construir una película trepidante, divertida y emocionante. Es un placer estar acompañado por un equipo y un reparto tan extraordinario para dirigir un proyecto tan ambicioso como éste”.
‘Un hombre de acción’ se rodará entre España y Francia de la mano de la productora La Pulga y el Elefante SL, fundada por Javier Ugarte y Edmon Roch. En palabras de sus productores: “Trabajar con Netflix es una oportunidad única para comunicar de forma global el mensaje e inspiración de una vida revolucionaria y plenamente vigente, que sigue entusiasmando y sorprendiendo hoy en día. Es estupendo poder transmitir esas ideas transformadoras que surgieron en la Europa de postguerra y agitaron el continente durante décadas. Es una suerte contar con un director como Javier Ruiz Caldera para liderar un proyecto que nos llevará al París de los años 50 a los 80, donde transcurre la mayor parte de la acción”.
Inspirada libremente en la vida de Lucio Urtubia, y con elementos ficcionalizados, ‘Un hombre de acción’ explora la figura del denominado ‘Robin Hood’ anarquista, que llevó a cabo una legendaria operación de falsificación en París que le puso en el punto de mira del banco más grande de Estados Unidos, cuando consiguió obtener una enorme cantidad de dinero falsificando cheques de viaje para invertir en causas en las que creía. ‘Un hombre de acción’ es una trepidante película que abarca cinco décadas, desde los años 40 hasta los 80, y en la que seguimos los pasos de Lucio como parte del movimiento anarquista europeo, desde sus humildes comienzos como albañil convertido en atracador de bancos, hasta ponerse al frente de uno de los engaños económicos más importantes del siglo pasado. Pero Lucio tendrá que elegir entre la causa anarquista y la protección a los suyos.
Ya podemos ver el cartel oficial y el primer tráiler de ‘C’mon c’mon. Siempre adelante’ la película de Mike Mills (‘Beginners’, ‘Mujeres del siglo XX’) que está protagonizada por el ganador del Oscar Joaquin Phoenix, que regresa tras ‘Joker’, para interpretar a un periodista que por cuestiones familiares tiene que cuidar de su joven sobrino y ambos se embarcan en un entrañable viaje por Estados Unidos.
La película será distribuida en España por Diamond Films, y llegará próximamente a nuestras pantallas.
Sinopsis oficial:
Una conmovedora historia que ahonda en las relaciones familiares. Johnny (Joaquin Phoenix) es un periodista que debe cuidar de su joven y precoz sobrino (Woody Norman) mientras forjan un inesperado lazo en un viaje de carretera a través de EEUU, en esta delicada y profunda historia sobre las conexiones entre adultos y niños, el pasado y el futuro.
La actriz Marta Nieto protagoniza ‘Tres’, película que formará parte de la Sección Oficial del Festival de Sitges. Completan el reparto Miki Esparbé, Francisco Reyes y los actores gallegos Luisa Merelas, Cris Iglesias y Fran Lareu.
Dirigida por Juanjo Giménez, se estrenará en cines el 22 de octubre 5 de noviembre tras su premiere mundial en Giornate degli Autori del Festival de Venecia y participar en Toronto International Film Festival (Contemporary World Cinema).
Marta Nieto interpreta a C, una diseñadora de sonido que disfruta de su trabajo y pasa muchas horas sola, grabando efectos sala, wild-tracks, editando, mezclando… El estudio es su último refugio: un lugar donde postergar las averiadas relaciones que mantiene con su expareja, con su anciana madre y con sus compañeros de trabajo. Aunque ella aún no lo sabe, C. está comenzando a desincronizarse. Como si fuera una película mal sonorizada, su cerebro ha comenzado a procesar el sonido más tarde que las imágenes.
La película ‘El lodo’, segundo largometraje como director del valenciano Iñaki Sánchez Arrieta, será la encargada de inaugurar la 36ª edición de la MOSTRA DE VALÈNCIA – CINEMA DEL MEDITERRANI el 15 de octubre y participará en la competición internacional, siendo la única representante española de la sección y optando a los principales premios del festival: Palmera de Oro y Palmera de Plata/Premio Especial del Jurado.
Para celebrar esta noticia la distribuidora Vértice 360 y Agencia EFE lanzan el tráiler de este thriller de personajes protagonizado por Raúl Arévalo y Paz Vega a los que se suman Joaquín Climent, Roberto Álamo, Susi Sánchez y la joven Daniela Casas entre otros.
El 29 de octubre 10 de diciembre podremos ver ‘El lodo’ en cines.
Sinopsis oficial:
Una fuerte sequía castiga las vastas extensiones de arrozales en el Levante. Ricardo, un prestigioso biólogo, después de viajar por todo el mundo, tiene la oportunidad de volver a sus raíces para cumplir una misión, proteger el paraje natural donde vivía de niño. Las medidas que debe tomar le enfrentarán radicalmente a los lugareños, que ven atacada su forma de vida y subsistencia, un enfrentamiento que tendrá consecuencias inesperadas.
‘Dune’, el viaje de un héroe mítico que soporta una enorme carga emocional, cuenta la historia de Paul Atreides, un joven brillante que ha nacido con un destino más grande que él mismo. En esta epopeya, deberá viajar al planeta más peligroso del universo para asegurar el futuro de su familia y de su gente. Mientras las fuerzas del mal se enfrentan para hacerse con uno de los recursos más excepcionales del planeta, que tiene el poder de desbloquear todo el potencial de la humanidad, solo los que logren dominar sus miedos podrán sobrevivir.
Crítica
¿La mejor película del año? Yo diría que sí. ‘Dune’ llega para llenar las salas de cine
Este viernes 17 de septiembre llega a nuestras salas uno de los eventos cinematográficos del año, ‘Dune’ de DenisVilleneuve. Me quedé sin palabras al ver algo tan monstruoso como esta cinta de ciencia ficción que el director canadiense ha logrado crear.
Basada en la novela de FrankHerbert, ‘Dune’ nos lleva a una gran disputa por el poder de la Especia. Esta Especia se encuentra en el planeta Arrakis, donde residen los Fremen, un pueblo autóctono del planeta al que le han quitado todo. Allí es donde el emperador manda a la familia Atreides para que sean los encargados de extraerla. Después de haberles quitado esa competencia a la familia Harkonnen. Lo que los Atreides no se esperan es que esto va a terminar en guerra.
Después de una adaptación bastante fallida de DavidLynch y un intento por parte de AlejandroJodorowsky para llevar ‘Dune’ a la gran pantalla, Denis Villeneuve ha sacado su magia y sin duda ha creado una obra maestra.
Estamos hablando de una primera parte. Pero si la primera ha sido así, no me quiero imaginar la segunda, cuando ya hemos visto toda una introducción al mundo de Herbert.
Nunca he leído el libro al completo pero sí que puedo decir que hasta donde he llegado es bastante fiel. No del todo, pues tienen algunas licencias que la verdad tampoco molestan.
Para que esta película sea tan perfecta se han juntado muchas situaciones, una, la dirección de Villeneuve, impecable. Dos, una fotografía de ensueño, GreigFraser, es el encargado de esta y el trabajo que ha realizado sin duda va a ser nominación para los Oscar. Al igual que la tercera maravilla de la película, HansZimmer. Demos gracias que dejó tirado a ChristopherNolan e hizo esta maravillosa banda sonora, sin ella, ‘Dune’ no sería tan espectacular e inmersiva.
Sí, porque es una película, en la que te introducen, gracias a las imágenes y a su música, esa música llena de instrumentos de vientos y percusión. Es alucinante, puede ser agobiante, pero también de eso se trata, que te inquiete como a los protagonistas.
Y por supuesto, no me quedo sin hablar de su reparto, extenso y sin duda no podía ser mejor. Desde OscarIsaac, pasando por RebeccaFerguson, JasonMomoa, Timothée Chalamet, David Dastmalchian, DaveBautista, JoshBrolin, Zendaya, JavierBardem, Stellan Skarsgard, CharlotteRampling, ChenChang, entre muchos otros.
Si me parase a hablar de cada uno de ellos, esta crítica no terminaría. Pero por comentaros, Timothée Chalamet me ha vuelto a sorprender y sin duda estoy dejando atrás esos prejuicios hacia este actor y estoy viendo que de verdad se merece todas las ovaciones que ha recibido hasta ahora. Stellan Skarsgard está imponente, el físico que Villeneuve le ha colocado es bestial y nunca mejor dicho, pues la intención del director es que este personaje pareciese un grandioso rinoceronte.
Qué decir de ella, Rebecca Ferguson como siempre no defrauda y es que me encanta todo lo que hace, aquí no es distinto, de hecho tiene un papel muy potente. Y para terminar, como he dicho por mencionar a unos cuantos, el eterno secundario de las cintas de superhéroes, al que este año pudimos ver también en ‘El Escuadrón Suicida‘, David Dastmalchian, nos da un personaje de lo más extraño y que la verdad le pega un montón.
Como curiosidad, hubo una cosa que me llamó mucho la atención. Los guiños hacia la tauromaquia en la película, incluso aparece alguien ataviado con un traje de luces y me puse a indagar y es un guiño a la novela.
Para terminar, le pongo dos pegas a la película que son insulsas. Una es, la falta de sangre en las batallas y la otra la lucha con los escudos. Evidentemente están mucho mejor resueltos que en la película de Lynch, pero aun así, me siguen pixelando a los personajes y con un sonido estridente cada vez que les dan en ellos hace que las peleas lleguen a ser confusas.
Por lo demás, id al cine, llenad las salas y disfrutad de esta experiencia en pantalla grande. Y ojalá pronto tengamos noticias de la segunda parte y podamos hablar pronto de ella.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Dune. Duración: 155 min. País: EE.UU. Dirección: Denis Villeneuve. Guion: Eric Roth, Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Dave Bautista, Stephen McKinley Henderson, Zendaya, David Dastmalchian, Chang Chen, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Jason Momoa, Javier Bardem. Producción: Legendary Entertainment, Villeneuve Films, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, drama, adaptación. Web oficial:https://www.warnerbros.com/movies/dune
En un viaje a una pequeña isla volcánica, Fabiola se convierte en espía de su hogar. No tiene evidencias ni certezas, pero su intuición le dice que no todo es lo que parece. Se debate entre el miedo a lo que puede encontrar y la necesidad de obtener respuestas. ¿Hasta dónde hurgar en la intimidad de los demás? ¿Hasta dónde mentir para proteger a la gente que quieres?
Crítica
Ahonda en lugares y dolores escabrosos y remotos
Una madre viuda (Juana Acosta) convive con su padre (Alfredo Castro) y su hija (MaríaRomanillos). Pero también vive con el dolor y el trauma del accidente de submarinismo que la dejó sin esposo. Claudia Pinto nos ofrece una historia de familia, raíces, cicatrización y expiación.
Esta película, dedicada al diseñador de producción Floris Vos y a la asistente de producción Lucia Blasco, nos habla de la repercusión de contener el dolor, de callarse secretos o por el contrario las consecuencias de inmiscuirse en el pasado o mente de nuestros allegados. Cuando hablamos de los efectos trascendentales de aquello que hacemos (o no hacemos) es fácil arribar en relatos muy dramáticos. Este en concreto es de los ariscos, taciturnos e incluso turbios.
Dicho esto, hay que admitir que ‘Las consecuencias’ tiene un gran trabajo de dirección y guión. Se percibe cuando se descubre que la historia y los actores nos están contando muchas cosas pero sin exteriorizarlas, simplemente con miradas, gestos y contenciones. Al final la película explota en revelaciones verbalizadas y tiene incluso varios momentos en los que Claudia Pinto podría haber clausurado el filme. Peca de explicativa, ya iba sobrada con las insinuaciones que ha ido dejando caer.
Y si he llamado arisco al filme no es solo por el carácter de las relaciones que tienen entre si los personajes. También es por su paisaje. Las islas de La Gomera y La Palma tienen un gran panfleto turístico en ‘Las consecuencias’. Sus paisajes más abruptos sirven de escenario para llevarnos a localizaciones remotas, apartadas de toda civilización. En ese oasis isleño es donde Pinto nos aparta y dónde desarrolla una historia de reconciliación y conflictos.
Podría decirse que el protagonismo recae en Juana Acosta, la cual hace una buena interpretación, a veces nada sencilla. Pero delega buena parte del peso de la película en María Romanillos, quien ejerce de su hija, aquella que sufre las consecuencias del comportamiento de su madre. Un personaje que tanto en la ficción como en la realidad demanda nuestra atención.
Hace poco en ‘Worth’ oía una frase que decía algo así como “derribaron el puente por el que luchabas, no a ti”. Pues algo así sucede en esta película. A la protagonista se le ha muerto el marido, pero su familia demanda que ellos siguen ahí y que ella si está viva. Ese abandono familiar al que se somete el personaje de Juana Acosta tiene repercusiones que tanto actriz como directora plasman muy bien. Cual exploradores dirigiéndose a la Isla Calavera la protagonista se aísla encaminándose a un enfrentamiento con miedos de carácter monstruoso. Claudia Pinto ha sabido manejar muy bien la prisión que supone nuestra propia mente cuando se niega a aceptar lo sucedido.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Las consecuencias. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Claudia Pinto Emperador. Guion: Claudia Pinto Emperador, Eduardo Sánchez Rugeles. Música: Vincent Barriere. Fotografía: Gabriel Guerra. Reparto principal: Juana Acosta, Alfredo Castro, María Romanillos, Carme Elías, Sonia Almarcha, Héctor Alterio. Producción: N279 Entertainment, Potemkino, Radio Televisión Española, Sin Rodeos Films España. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama, misterio. Web oficial:http://www.sinrodeosfilms.com/las-consecuencias/
Cada mañana, sea el día que sea, Fernando (Carlos Areces), el Negro (Eric Francés), Jesús (Fernando Tejero) y Benavente (Adrià Collado), cuatro amigos, se reúnen en un bar a tomar unas cañas y arreglar el mundo a su manera: criticando y despotricando contra todo y contra todos. Tienen algo en común, están en paro, bueno… todos, menos uno.
Crítica
Fijo que en varias escenas os veis ridiculizados o incluidos en El club del paro
Si hay algo que nos caracteriza a los ciudadanos españoles es el tomarnos la vida a guasa y el creernos más listos que nadie. Todos decimos que los taxistas siempre dicen saberlo todo, pero nadie se libra de ejercer de cuñado. Éstos factores son la nota predominante en ‘El club del paro’.
La nueva comedia de David Marqués, que parte de un cortometraje que hizo en 2013 reúne al mismo reparto salvo que incluye a Fernando Tejero en lugar de a Alberto San Juan. Se amplía la historia y vemos mucho más allá de lo que es la reunión diaria que tienen estos cuatro “amigos”. Amigos que hay que entrecomillar porque literalmente se desprecian y se tienen cariño a la vez. Así lo demuestran en las conversaciones que tienen sentados en la mesa de su nuevo Bar Rami (¿Cómo guiño a Sam Raimi?) y en las entrevistas que les hacen al más puro estilo confesionario Gran Hermano de parroquianos.
Cada uno de los protagonistas tiene una personalidad radicalmente distinta y uno solo he atinado a comprender que son amigos por el hecho de encontrarse en situación de desempleo, salvo uno de ellos. Estaría bien saber el origen de su amistad pero viendo la película creo que más bien nos quieren relatar el final, ya que no hacen más que tirarse los trastos a la cabeza. Esas riñas que tienen entre ellos nos traen cómicas situaciones alimentadas sobre todo por malentendidos a la hora de captar la intencionalidad o palabras que se dicen los unos a los otros. Algo muy similar a lo que le pasaba a veces a Javier Gutiérrez y su equipo en ‘Campeones’, película que también escribió David Marqués.
Pero además de la comedia que tiene, ‘El club del paro’ aprovecha para hacer muchísima crítica social tocando un montón de palos. Bien es cierto que algunos gags no llegan a hacer efecto, pero sin embargo si se consigue hacer mofa de la más reciente actualidad. No solo se toca el tema político, muy bien encarrilado para no alinearse con absolutamente ninguna vertiente de pensamiento, sino que también es capaz de reírse bastante de la pandemia que aún hoy en día no hemos superado. Está muy presente el concepto de negacionismo, el papel higiénico, las mascarillas, el 5G, las conspiraciones, el teletrabajo, los chinos que comen murciélagos… Si nunca habéis oído nada acerca de teorías de reptílianos o illuminati David Marqués y su equipo os van a acercar a ellas.
Básicamente en lo que consiste el club del paro es en mostrar cómo somos los españoles, quizá en un punto algo extremo, claramente orientado a la parodia, pero estoy seguro de que va a conseguir alinearse con todos aquellos que están o han estado en situación de desempleo de larga duración. Es el papel de Carlos Areces es el que mejor nos acerca a ese sentimiento de indignación e incluso envidia que se siente cuando uno tiene una vocación o profesión y se ve en la cola del SEPE.
Este no es un filme político, ni mucho menos. Es una película sarcástica y caricaturesca de esos españoles que llevan un parroquiano dentro. Si, se citan episodios conocidos como el de los sobres de Bárcenas pero ya os digo que os vais a quedar más con el concepto de “ensobrar” que tiene Tejero.
Los personajes de la película son de esos que pasan de querer comerse el mundo a que el mundo no se los coma. Salvo el de Adriá Collado que interpreta a alguien más noble que los borricos en contraposición del jeta que encarna Eric Francés. Fijo que todos tenéis en vuestro grupo al buscavidas, el honesto, el paranoico y el que se hace el íntegro, fijo que en varias escenas os veis ridiculizados o incluidos en El club del paro
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original:Duración: 87 min. País: España. Dirección: David Marqués. Guion: David Marqués. Música: Muchachito Bombo Infierno. Fotografía: Guillem Oliver. Reparto principal: Carlos Areces, Fernando Tejero, Adriá Collado, Eric Francés, Antonio Resines, Carmen Ruiz, Javier Botet, Fernando Colomo. Producción: Sunrise Pictures Company, Telespan 2000. Distribución: Vértice Cine. Género: comedia. Web oficial:https://sunrisepictures.es/el-club-del-paro/
València será la sede de los 36 Premios Goya, que se celebrarán el 12 de febrero de 2022 en el Palau de Les Arts, ha anunciado este viernes el presidente de la Academia de Cine, Mariano Barroso, junto al president de la Generalitat, Ximo Puig; el alcalde y la vicealcaldesa de la ciudad del Turia, Joan Ribó y Sandra Gómez López; el president de la Diputació de València, Toni Gaspar; y el vicepresidente de la Academia, Rafael Portela.
Mariano Barroso agradeció la confianza, el cariño y la implicación de las instituciones que respaldan el evento –Generalitat, Diputació y Ajuntament de València– con el cine español y la Academia. «El año pasado echamos mucho de menos al público y ¿qué mejor lugar para este reencuentro que la ciudad de Valencia y este Palau de Les Arts donde nos encontramos?», resaltó el presidente de la Academia en la rueda de prensa en la que se ha hecho el anuncio.
El president de la Generalitat, Ximo Puig manifestó que la celebración de los Premios Goya «nos sitúa en el lado de la esperanza y es un hito en la recuperación emocional que necesitamos. Es más que una gala, es un apoyo a la industria del cine español y a su resurgimiento».
Por su parte, el president de la Diputació de València, Toni Gaspar, destacó que las instituciones «debemos fomentar y ayudar a una industria que no solo genera puestos de trabajo, sino que tiene la maravillosa capacidad de influir en las personas», mientras que la vicealcadesa de la ciudad mediterránea indicó que el paseo que lleva al Hemifèsric, que fue retratado por Berlanga en su última película, llevará el nombre del recordado cineasta.
Barroso adelantó algunos de los detalles de la que definió como ‘la gala del reencuentro’. Tras más de un año de pandemia, la ceremonia será «un espacio para reencontrarnos, tanto con el espectador como con todos los que forman parte de la familia del cine español».
Entre las novedades, anunció que la gran noche del cine español no tendrá un único presentador o pareja de presentadores, sino que serán varios figuras muy queridas y conocidas representativas de los diferentes tipos de cine que se hacen en nuestro país los conductores de la ceremonia, en la que participarán directores e intérpretes valencianos y en la que Luis García Berlanga tendrá especial protagonismo. Se cierra así el ‘Año Berlanga’ con el que la Academia ha conmemorado el centenario del que es presidente de honor de la institución.
«El ‘Año Berlanga’ se merecía un final de cine, y este no podía ser otro que la celebración de los Premios Goya en nuestra ciudad, que cada día se convierte más en referente de la cultura, la modernidad y la diversidad”, apostilló el alcalde de València, Joan Ribó.
Previamente a la entrega de los galardones y en el marco del ‘Año Berlanga’, la Academia llevará a cabo, a partir de este otoño y en esta ciudad, actividades para seguir honrando y reconociendo la figura del cineasta valenciano. Además, València acogerá una serie de acciones –exposiciones, proyecciones de películas nominadas y encuentros con cineastas y profesionales de nuestra industria– que culminarán en la noche del 12 de febrero del próximo año.
Las comisionadas del Año Berlanga Teresa Cebrián (Ajuntament), Rosana Pastor(Generalitat) y Sol Carnicero (Academia), académicos valencianos y miembros de la Asociación de Productores Audiovisuales Valencianos (PAV), entre otros, asistieron a la que ha sido la primera rueda de prensa de los Goya 2022.
‘Dreamland’ es la segunda película del director Miles Joris-Peyrafitte (‘As You Are’) y está protagonizada por Margot Robbie (‘María, reina de Escocia’, ‘Yo,Tonya’), una ladrona de bancos fugitiva, y Finn Cole (‘Fast & Furious 9’, ‘Las reglas de Slaughterhouse’) quien se embarca en su búsqueda para capturarla y lograr la recompensa por su cabeza.
En palabras del director: ‘Dreamland’ es una película que no se parece en nada a lo que jamás imaginé hacer. En el momento en que terminé de leer el guión de Nic Zwart por primera vez, estaba cautivado, absorto y aterrorizado. El desafío de convertir las hermosas palabras de Nic en una película, iba a ser navegar por este «sueño» con los desgastados elementos del género de ladrones de bancos (Bonnie y Clyde eran una referencia obvia), en el mejor de los casos sería una buena imitación o, en el peor de los casos, otro ejercicio de género trillado. Tenía que tener sus propias reglas cinematográficas. Todos mis trabajos anteriores han sido autogenerados, en este caso, sin embargo, el mundo ya existía y tenía que averiguar cómo traducirlo. Los últimos 3 años de mi vida he tratado de hacer precisamente eso.
El filme llega a España a través de Diamond Films pero como ya empieza a ser costumbre en la distribuidora se pasa directo
Sinopsis oficial:
1930. Eugene Evans (Finn Cole) es un joven de 15 años que va tras la pista de Allison Wells (Margot Robbie), una famosa ladrona de bancos. El FBI ha puesto precio a la cabeza de Allison, y casi por azar, Eugene da pronto con ella. Con la policía y con George (Travis Fimmel), el padre de Eugene, al frente, siguiendo sus pasos, éste descubrirá que la criminal es más peligrosa de lo que había imaginado.
Ya hay fecha para el regreso de Carlos Saura a las salas de cine. Será el próximo 12 de noviembre cuando ‘El Rey de Todo el Mundo’, llegue hasta nosotros a través de la distribuidora Syldavia Cinema. Un trabajo en el que además se hará notar que Saura ha contando con su mayor cómplice en la dirección de fotografía, Vittorio Storaro. La producción corre a cargo de Eusebio Pacha.
Cuarenta años se cumplen este 2021 desde que comenzó el idilio, aún vigente, entre Carlos Saura y los musicales. Cuatro décadas desde aquel ‘Bodas de sangre’ junto a Antonio Gades en los que el cineasta oscense ha transitado, siempre con éxito, por el flamenco, las sevillanas, el tango, los fados, la ópera, el folclore argentino y, por supuesto, la jota aragonesa. Ahora llega el turno de la música popular y tradicional mexicana en ‘El Rey de Todo el Mundo’.
Durante estas cuatro décadas, el autor de ‘La caza’ ha sido capaz de crear un género personal propio e intransferible, al que podríamos definir como Musical de Saura, en el que la principal característica es que prácticamente todas las películas, aborden el estilo que aborden, son intercambiables entre sí. Porque muta la piel pero el esqueleto es casi siempre el mismo, a través de una serie de constantes. A punto de cumplir 90 años, el gran director español acumula una larga trayectoria de más de 50 obras, entre largometrajes y documentales, varias obras de teatro dirigidas, novelas publicadas y multitud de exposiciones dedicadas principalmente a su tarea de fotógrafo, cineasta o a su análisis del papel de la Luz en nuestras vidas.
En el cine de Saura no hay un solo plano donde la composición no sea perfecta. En el caso de ‘El Rey de Todo el Mundo’, la complicidad con Vittorio Storaro es completa, y el buen hacer de ambos autores se nota en cada imagen, en cada composición. Nos encontramos con unos juegos lumínicos y unas creaciones a partir de los elementos más minimalistas que trascienden de lo real a lo irreal. Se huye continuamente de lo evidente, y lo que ya se espera, deja de interesar, para llevarnos siempre hacia lo inesperado.
El casting lo componen Ana de la Reguera, Manuel García-Rulfo, Greta Elizondo(primera bailarina del Ballet de México), Isaac Hernández (primer bailarín del English National Ballet, reconocido con el máximo galardón internacional de su disciplina el Benois de la Danse que otorga la Asociación Internacional de Moscú al mejor bailarín del mundo), Enrique Arce, Damián Alcázar, Manolo Cardona, Izaak Alatorre, Giovanna Reynaud y Eulalia Ramón y la participación de los cantantes Carlos Rivera, Carlos Cuevas, Fela Dominguez y Eugenia León. La coreografía corre a cuenta de Edgar Reyes y la banda sonora original de Alfonso G. Aguilar y Carlos Rivera.
Sinopsis oficial:
Manuel está preparando su próximo espectáculo, un musical sobre cómo hacer un espectáculo musical. Busca la ayuda de Sara, su ex esposa y reconocida coreógrafa para dirigir. En el casting, la joven Inés aparecerá como una estrella en ascenso mientras trata con su padre y la mafia local. Durante los ensayos, la pasión y la tensión crecerán entre los bailarines. La poderosa música mexicana marca la pauta y surgirá una obra de teatro musical en la que se entrelazan la tragedia, la ficción y la realidad.
Con los preestrenos de ‘Mediterráneo’ se harán donaciones a Open Arms
Se ha lanzado una iniciativa solidaria que desde el cine quiere salvar muchas vidas. En concreto se llama “Desde este cine se ve el mar, preestrenos que salvan vidas”. Su primer acto está relacionado con el estreno de ‘Mediterráneo’,de Marcel Barrena, el próximo viernes 24 de septiembre.
Se celebrarán 22 preestrenos de la película cuya recaudación irá destinada a Open Arms y a sus misiones en el mar. Los asistentes, además de ver la película antes de su estreno oficial, colaborarán ayudando a la ONG en sus misiones. El precio de cada entrada es de 10€ y ya están disponibles a través de la web www.mediterraneopelicula.com
Gracias a la colaboración de CINESA, 22 cines de 15 ciudades de toda Esapaña participarán en esta iniciativa: La Maquinista y Diagonial (Barcelona), Mataró Parc (Mataró-Barcelona), La Farga (L’Hospitalet de Llobregat-Barcelona), Príncipe Pío, Xanadú, Nassica, Las Rozas, Parquesur, Manoteras y Méndez Álvaro (Madrid), Zubiarte (Bilbao), Gran Casa (Zaragoza), La Cañada (Málaga), El Muelle (Las Palmas de Gran Canaria), Bonaire (Valencia), Festival Park (Marratxí- Mallorca), Bahía Santander (Santander), Parque Principado (Asturias), Merineda City y As Cancelas (A Coruña), Camas (Sevilla). Para presentar la película al público, en algunos de estos cines acudirán voluntarios de Open Arms.
‘Mediterráneo’ nos lleva a otoño de 2015. Dos socorristas, Oscar (Eduard Fernández) y Gerard (Dani Rovira), viajan hasta Lesbos (Grecia) impactados por la fotografía de un niño ahogado en las aguas del Mediterráneo. Al llegar descubren una realidad sobrecogedora: cada día miles de personas arriesgan sus vidas en el mar huyendo de conflictos armados sin que nadie ejerza labores de rescate.
Junto a Esther (Anna Castillo) y Nico (Sergi López) crearán un equipo de salvamento con el que intentarán hacer frente a la situación e inevitablemente harán visible una realidad que afecta a toda Europa. ‘Mediterráneo’ es una batalla por la supervivencia, una lucha en la que cada vida cuenta.
Jennifer Lawrence, Leonardo DiCaprio, Meryl Streep, Jonah Hill, Rob Morgan, Cate Blanchett, Tyler Perry, Timothée Chalamet y Ariana Grande forman parte del elenco de ‘No mires arriba’, que llegará a Netflix el próximo 24 de diciembre.
Y podemos ver el teaser oficial de esta película que narra la historia de dos astrónomos mediocres que deben emprender una gira mediática descomunal para avisar a la humanidad de la llegada de un cometa que va a destruir la Tierra.
‘No mires arriba’ está escrita y dirigida por el oscarizado Adam McKay (‘La gran apuesta’, ‘El vicio del poder’) y completan el reparto de estrellas, Mark Rylance, Ron Perlman, Scott Mescudi (alias Kid Cudi), Himesh Patel, Melanie Lynskey, Michael Chiklis y Tomer Sisley.
Sinopsis oficial:
Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), estudiante de posgrado de Astronomía, y su profesor, el doctor Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) hacen un descubrimiento asombroso: hay un cometa en órbita en el sistema solar. ¿El problema? Que lleva un rumbo de colisión directa con la Tierra. ¿El otro problema? Que a nadie le importa. Al parecer, advertir a la humanidad sobre un mata planetas del tamaño del Everest resulta incómodo. Con la ayuda del doctor Oglethorpe (Rob Morgan), Kate y Randall emprenden una gira mediática que los lleva desde el despacho de la indiferente presidenta Orlean (Meryl Streep) y su servil hijo y jefe de gabinete, Jason (Jonah Hill), a la emisión de ‘The Daily Rip’, un animado programa matinal presentado por Brie (Cate Blanchett) y Jack (Tyler Perry). Solo quedan seis meses para el impacto del cometa, pero gestionar el flujo de noticias y ganarse la atención de un público obsesionado con las redes sociales antes de que sea demasiado tarde resulta sorprendentemente cómico. ¡¿Pero qué es lo que hay que hacer para que el mundo mire hacia arriba?!
En el evento virtual nos darán precio, contenido y más detalles
HBO Max, la plataforma D2C (Directo al consumidor) de WarnerMedia, se lanza en Europa el 26 de octubre. Andorra, Dinamarca, España, Finlandia, Noruega y Suecia serán los primeros seis países europeos donde el nuevo servicio de streaming estará disponible.
En 2022, HBO Max añadirá 14 territorios adicionales como parte de su lanzamiento global por fases: Bosnia-Herzegovina, Bulgaria, Croacia, República Checa, Hungría, Kosovo, Moldavia, Montenegro, Macedonia del Norte, Polonia, Portugal, Rumania, Serbia, Eslovaquia y Eslovenia. Y ya se están planificando lanzamientos en otros territorios también para el próximo año.
Se presentará a Europa en un evento virtual en octubre que mostrará el producto, la oferta de contenido, el precio y muchos más detalles.
La nueva oferta ofrecerá un enorme abanico de entretenimiento de la más alta calidad de las marcas más apreciadas de WarnerMedia: Warner Bros., HBO, DC y Cartoon Network, así como los galardonados Max Originals estadounidenses e internacionales, todo en un mismo lugar por primera vez.
“La llegada de HBO Max a Europa es un momento histórico», en palabras de Johannes Larcher, Head of HBO Max International. “Las películas y series de WarnerMedia como Harry Potter, Juego de Tronos y The Big Bang Theory son muy queridas por los fans de toda Europa, y HBO Max se ha creado para brindarles la experiencia de visualización más intuitiva y adecuada para ver estas y una amplia gama de otros títulos increíbles «.
“La combinación única y exclusiva del contenido icónico de Warner Bros., HBO, DC, Cartoon Network y Max Originals, incluyendo las producciones originales locales, hace posible construir una plataforma de streaming que encantará a los fans en Europa”, agregó Christina Sulebakk, General Manager, HBO Max EMEA. «Vemos un enorme potencial de crecimiento a medida que vayamos implementando a lo largo de toda la región esta nueva plataforma de streaming rebosante de contenido».
La nueva plataforma hace que el descubrimiento de contenido sea fluido al brindar una experiencia personalizada para cada usuario individualmente y ofrecer los títulos más pertinentes a través de la combinación de curación editorial a medida y recomendaciones personalizadas.
El servicio estará disponible para nuevos clientes además de para los existentes abonados de HBO España, HBO Nordic, HBO Portugal y HBO Go (facturado directamente o a través de partners de distribución).
El pasado mayo, HBO Max celebró su primer aniversario en Estados Unidos y en junio se lanzó en 39 territorios en América Latina y el Caribe, como primera expansión más allá de Estados Unidos.
La plataforma de streaming se lanzó inicialmente en los Estados Unidos en mayo de 2020 e introdujo una suscripción más económica incluyendo publicidad en junio de 2021. HBO Max ha comenzado recientemente su distribución internacional, lanzando la plataforma en 39 mercados en América Latina y el Caribe. Llegará a Europa en otoño y continuará durante el próximo año sustituyendo los servicios de streaming ya existentes de HBO.
Ya podemos ver el tráiler y cartel de ‘Un diario para Jordan’, un drama romántico dirigido por Denzel Washington y protagonizado por Michael B. Jordan (´Sin Remordimientos´, ´Black Panther´, ´Creed. La Leyenda de Rocky´), que se estrenará próximamente solo en cines a través de Sony Pictures.
Sinopsis oficial:
Dirigida por Denzel Washington y protagonizada por Michael B. Jordan con guion de Virgil Williams, ‘Un diario para Jordan’ está basada en la historia real del sargento Charles Monroe King (Jordan), un soldado que al ser enviado a Irak comienza a escribir un diario lleno de amor y consejos para su pequeño hijo. En casa, la editora jefa del New York Times Dana Canedy (Chanté Adams), vuelve a recordar la historia de la que fue su improbable relación con King, que cambio sus vidas, y su profunda devoción por ella y el hijo de ambos. Un relato íntimo de un amor único en la vida, la película es un poderoso recordatorio de la importancia de la familia.
Ya podemos ver el primer cartel de ‘El lodo’. Este es la segunda película en formato largometraje como director para el valenciano Iñaki Sánchez Arrieta. Raúl Arévalo y Paz Vega son los protagonistas de este thriller de personajes a los que se suman Joaquín Climent, Roberto Álamo, Susi Sánchez y la joven Daniela Casas entre otros.
La acción de este thriller, cuya autoría del guión también pertenece a Sánchez Arrieta, se desarrolla en el presente, en una población anónima del Levante.
‘El lodo’ es una producción de Sunrise Pictures en coproducción con El Lodo la película A.I.E. y con la producción asociada de Telespan 2000, productora del grupo Vértice 360 y llegará a los cines españoles de la mano de Vértice Cine el 29 de octubre 10 de diciembre.
Sinopsis oficial:
Una fuerte sequía castiga las vastas extensiones de arrozales en el Levante. Ricardo, un prestigioso biólogo, después de viajar por todo el mundo, tiene la oportunidad de volver a sus raíces para cumplir una misión, proteger el paraje natural donde vivía de niño. Las medidas que debe tomar le enfrentarán radicalmente a los lugareños, que ven atacada su forma de vida y subsistencia, un enfrentamiento que tendrá consecuencias inesperadas.
Josee es una chica que ha estado postrada en una silla de ruedas desde su infancia y habita en su propio mundo de pinturas, libros e imaginación. Un día, cae por una pendiente y solo la oportuna aparición de Tsuneo evita que se estrelle contra el suelo. Tsuneo estudia biología marina con el sueño de ver algún día a un pez fantasma que vive únicamente en México.
Como consecuencia de su encuentro casual, la abuela de Josee ofrece un trabajo a tiempo parcial a Tsuneo como cuidador de la muchacha. Aunque la egoísta y exigente Josee no le pone las cosas fáciles a Tsuneo, este decide no arrugarse ante ella.
Fruto de ese toma y daca, la distancia que separa los corazones de ambos se reduce y Josee decide saltar con Tsuneo al mundo exterior con el que solo había soñado.
Crítica
Un romance suavizado con la discapacidad motriz como herramienta narrativa
Una chica en silla de ruedas que vive con su abuela y un chico que trabaja en una tienda de buceo para costearse sus futuros estudios en México. Estos son los dos protagonistas de ‘Josee, el tigre y los peces’. Un cuento moderno que a priori podría parecer un mero romance o una historia sobre la accesibilidad en la gran ciudad, pero que tiene algo más que contarnos.
El relato corto de Seiko Tanabe cuenta ya con una versión de acción real que data de 2003 y es ahora la de animación la que llega a nuestros cines. ‘Josee, el tigre y los peces’ cuenta la historia de dos jóvenes cuyas vidas se cruzan fortuitamente. Él le salva la vida a ella (cosas que peca de reiterar el filme) y desde ese momento comienza una historia de descubrimiento, tanto personal como social.
Si conocéis la reciente película ‘A silent voice’ ya podéis haceros a la idea de qué tono lleva la historia de Kotaro Tamura. Es un filme melodramático con bastante jugo. En el caso de ‘Josee, el tigre y los peces’ sucede igual pero se aligera el toque romanticón, aunque hay un predecible triángulo amoroso, incorporando algo más de comedia al más puro estilo japonés.
La película abrió Annecy y la academia japonesa la nominó a mejor película de animación en 2020 y sabiendo el nivel que tienen allí ya es un gran mérito. Iba a ver el filme conociendo estos detalles por lo que la expectativa era alta. Y la verdad es que he visto otros animes recientes mejores, pero no me ha defraudado. Cierto es también que para que para disfrutar la película tienes que estar acostumbrado tanto a los animes japoneses como a los romances. Pero este no es un caso excesivamente tradicional en cuanto al estilo nipón ni llega a ser un romance empalagoso.
Su animación no se percibe tan digital como estrenos recientes del tipo ‘El tiempo contigo’ o ‘Promare’. La animación tiene toques muy tradicionales y se asemeja más a obras de los noventa. No obstante vemos en ella artificios realizados por ordenador, como muchos movimientos que simulan un travelling o un desplazamiento de grúa que aportan cierto dinamismo, sobre todo en un par de escenas que requieren acelerar un poco el ritmo. Tiene un trazo fino y suave, con colores casi pastel y a veces líneas difusas para darnos una imagen la mar de amable a la vista.
Como decía esta película va de algo más que el plantearnos una pastelosa historia de amor o de mostrarnos cuántas dificultades tiene una persona con movilidad reducida en su casa o a la hora de enfrentarse a la configuración arquitectónica de su entorno. ‘Josee, el tigre y los peces’ intenta abrazar la ruptura de barreras y con esto no me refiero a un bordillo excesivamente alto. Cada cual se pone impedimentos a su progreso o se haya encorsetado por rutinas. La película de Kotaro Tamura, imagino que también el relato de Tanabe también, nos empuja a dejar nuestra tópicamente llamada zona de confort y de lanzarnos a hacer aquello que pensamos que nos hará felices.
‘Josee, el tigre y los peces’ no es un título únicamente para amantes de la animación oriental. Puede entretener a todo tipo de públicos e incluso tal vez tocarles la fibra a aquellos más escépticos. Aunque se perciba a veces egoísmo en alguno de sus personajes es indiscutible que nos anima a levantarnos del asiento y alcanzar nuestros sueños.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Josee to Tora to Sakana-tachi. Duración: 98 min. País: Japón. Dirección: Kotaro Tamura. Guion: Sayaka Kuwamura. Música: Evan Call. Canción: Eve. Reparto principal (doblaje original): Kaya Kiyohara, Taishi Nakagawa, Matsutera Chiemi, Kengo Kawanishi, Lynn, Yume Miyamoto, Kazuyuki Okitsu. Producción: BONES, Shôchiku, Kadokawa. Distribución: SelectaVisión. Género: adaptación, drama. Web oficial:https://www.funimationfilms.com/movie/josee-the-tiger-and-the-fish/
Tras los atentados de 2001 contra el World Trade Center y el Pentágono, el Congreso nombra al abogado Kenneth Feinberg (Michael Keaton) para dirigir el Fondo de Compensación a las Víctimas del 11 de Septiembre. Pero ¿cómo puede poner en valor las vidas perdidas?
Atrapado entre abogados que quieren demandar y los grupos de presión de las aerolíneas que quieren llegar a un acuerdo, Feinberg debe negociar con las familias de las víctimas. Cuando se enfrenta a Charles Wolf (Stanley Tucci), un organizador comunitario entre los afectados y cuya esposa murió en una de las torres, Feinberg empieza a conocer el coste humano de la tragedia.
Crítica
Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia
Pudiera ser que ahora que se cumplen 20 años del atentado de las Torres Gemelas en el 11 de septiembre podría parecer frívolo o comercial un estreno que trate precisamente sobre aquella tragedia. Pero ‘Worth’ llega, imagino que también para hacer caja, pero también para hacernos reflexionar sobre cómo algunas personas empezaron una lucha, no contra los talibanes sino contra su propio gobierno, tarando hacer entender lo incalculable de sus pérdidas.
Al igual que con ‘Spotlight’ los productores han procurado conseguir un filme analítico y punzante. Y es que frívolo es el cómo se quiso indemnizar a los familiares de los fallecidos. Personas que no tenían un cuerpo que enterrar y que sufrieron unas ausencias que a todos los niveles les trastocaron la vida.
El filme remarca que esos familiares serán los únicos en recordar realmente como eran los rostros de los que estaban en el World Trade Center el 11-S y lo hace ocultando sus caras en todos los planos. No busca dar pena a través de los muertos, sino a través de unos vivos que están muertos en vida con todo lo que están sufriendo. La burocracia siempre trivializa con sus tablas y números, con sus sistemas impersonales.
La película es sutil y respetuosa, sobretodo con los detalles escabrosos y intentando tener las torres siempre en el plano más secundario. El atentado generó gran número de pequeñas historias y el abogado Kenneth Feinberg (Michael Keaton) las tiene que escuchar para intentar hacer la labor que le han encomendado. “Worth” es “valor” en inglés. Al igual que hacemos en esta web intentamos no dar un valor cuantitativo al cine, si no cualitativo, sin puntuaciones. Lo mismo pasa con las indemnización y seguros de vida, nunca miran el lado humano y se basan en baremos generalizados que no se pueden aplicar a todos los casos, mucho menos a algo tan excepcional como un asesinato masivo. Es por eso que analizar la figura de aquellos que tuvieron que peritar lo sucedido resulta más que interesante.
El guionista, aunque suene a Frankenstein del aburrimiento, ha logrado una película cautivadora. Max Borenstein ha llegado casi siempre hasta nosotros con terror y fantástico a través de películas como ‘Gozilla’, ‘Kong: la isla calavera’ o la serie ‘The Terror’ pero demuestra que con un drama realista también se puede lucir. ‘Worth’ nos lleva por caras no conocidas de lo sucedido.
No se queda en lo superficial y va a los detalles. Complicada y peliaguda esta película y la tarea de quienes eligieron qué y a quién darle algo. Es por eso que tiene más mérito lo que ha conseguido Sara Colangelo con ‘Worth’. Más aún cuando tiene a su cargo a un peso pesado como Michael Keaton, quien a mi parecer actúa de un modo similar en casi todas sus películas y en esta se va a términos más fríos y menos de bufón o charlatán. Y es Stanley Tucci quien de verdad apunta alto con este filme. Su interpretación nos lleva a un personaje muy civilizado, dolido y ofendido, pero aun así sosegado. Tanto este personaje como ese tipo de personas son muy difíciles de encontrar y por eso su trabajo se encuentra dentro de lo raro y lo aplaudible. Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia. Representan dos caras de una misma realidad que dolorosamente tienen parte de razón.
Todos sabemos qué quieren las grandes empresas y no me gustaría verme en la situación de los protagonistas, pero no puedo dejar de pensar cuán hipócrita podemos llegar a ser los seres humanos al tachar de incalculable la vida de alguien y no obstante luchar por una compensación más alta. Mi reflexión es, si pensamos que todas las vidas son igual de incalculables por qué seguimos pidiéndole a alguien que las valorice. ‘Worth’ se mueve entre el dolor y los tiburones. No llega para resolver ningún misterio, simplemente para explicar una vez más cuan injusto o apático es nuestro sistema. Prueba de ello es la web que el personaje de Tucci tuvo que publicar para que modificasen el fondo de compensaciones. La tenéis disponible aquí, pero no entréis si no queréis haceros un gran spoiler.
Quizá leáis en esta crítica más reflexión que comentarios sobre la fotografía, montaje y demás. Pero es que su mérito está realmente en cómo nos hace replantearnos ciertas cosas entre aquello que tenemos asimilado como evidente. En ‘Worth’ vemos como el ser humano está sometido a uno de sus inventos, los números. Es por eso que trata sobre el valor de la verdad, de admitir realmente que lo que importa y lo que se busca son dos cosas distintas. Esto sucedía cuando cayeron aquellos rascacielos y aún se llevaban las torres de compact disc. Que tomen nota aquellos que trabajan en fondos de pensiones, bancos, seguros o similares pues todo lo deshumanizado que puede parecer lo que vemos en la película de Colangelo lo tienen día a día frente a las pantallas de sus ordenadores.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Worth. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Sara Colangelo. Guion: Max Borenstein. Música: Nico Muhly. Fotografía: Pepe Avila del Pino. Reparto principal: Michael Keaton, Stanley Tucci, Amy Ryan, Tate Donovan, Shunori Ramanathan , Laura Benanti. Producción: Anonymous Content, Higer Ground Productions, MadRiver Pictures, Paradise City Films, Riverstone Pictures, Royal Viking Entertainment, West Madison Entertainment, Wiffle Films. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial:https://madriverpictures.com/movie/what-is-life-worth
Tras las deprimentes bambalinas de un matrimonio en crisis
La miniserie ‘Secretos de un matrimonio’ viene a unirse al catálogo de HBO a partir del próximo 13 de septiembre. Cuidado con no confundir con ‘Historia de un matrimonio’ que es la de Netflix y aunque tienen cosas en común tanto su tratamiento como su historia son bastante diferentes.
‘Secretos de un matrimonio’ surge de una obra de Ingmar Bergman, de hecho su hijo Daniel Bergman figura como productor ejecutivo de la serie. Pero más que una adaptación diría que esta es una actualización de la obra que lanzó para televisión el famoso cineasta sueco en 1974. No he tenido oportunidad de verla pues no está disponible en ninguna plataforma pero me consta que en la original dos personas comienzan a cuestionarse su relación tras ver a una pareja de amigos discutir en una cena. Como poco esta serie introduce una referencia a eso en uno de los episodios.
Vida ordinaria, normalidad, común. Son adjetivos que le pegan a esta serie. Y es que la trama nos lleva a la historia de una pareja que se está desmoronando. Aunque más adelante repetiré que me ha aburrido soberanamente hay que reconocer que está bien hecha si lo que se pretende es ponernos en la piel de alguien que espía a dos personas mientras estas se encuentran en un bucle de complicidad, cariños, tensiones, discusiones, peleas y sexo y vuelta a empezar.
‘Secretos de un matrimonio’ habla mucho de la ruptura del techo de cristal bajo el que se encuentran a menudo las mujeres. Se hace hincapié en que en la pareja que interpretan Jessica Chastain y Oscar Isaac ella es la que trabaja más y lleva más dinero a casa. Pero más allá de eso sirve como manual para aquellas parejas que apenas hablan. Y es que la serie son charlas y más charlas, discusiones y más discusiones. Es totalmente conversacional y apenas tiene momentos que dependan de la acción. ¿Por qué digo que es como un manual? Pues porque a menudo descubrimos que en las relaciones no se habla, básicamente la gente se guarda sentimientos, pensamientos y secretos. Y así ha sucedido, que tras el confinamiento aumentaron las rupturas, aunque un buen dato es que los divorcios consensuados son más frecuentes.
No es la primera vez que el israelí Hagai Levi, creador de la serie, se mete en una historia de parejas o terapias. Es indudable que ha adoptado un sobrio estilo sueco y aunque no nos abrace con un drama existencialista si nos plantea como puede estar maquillada o tolerada una profunda crisis. Los protagonistas son dos cuarentones que se convierten en padres y se replantean su convivencia. La historia nos lleva por distintas etapas de ese conflicto sin apenas artificios visuales, lo cual hace de ‘Secretos de un matrimonio’ algo aún más monótono y en consecuencia realista.
El único mérito narrativo de esta serie es el que revela que ha sido rodada en época COVID. Así lo descubrimos pues cada episodio empieza mostrando al equipo de rodaje trabajando tras bambalinas, entre asistentes, técnicos, dobles de iluminación… Todos con mascarilla. Una manera de empezar con un plano secuencia estupendo que nos indica que nos vamos a colar en las bambalinas de una pareja, pero que después queda deslucido.
Soy de los que piensan en que la risa es más poderosa y que es mucho más difícil hacer reír que llorar. Por eso soy de los que llegan hasta a aborrecer las historias lacrimógenas. Por mucho que se edulcore o maquille el final es el caso de ‘Secretos de un matrimonio’. Que si, que está muy bien interpretada pero que tiene poco más objetivo que dejar un reguero de lágrimas, deprimente.
Otoño de 1989: mientras el muro está a punto de caer en Berlín, la policía secreta vigila a cientos de miles de personas en Suiza. Viktor, un policía de buen comportamiento, es infiltrado de incógnito en el Schauspielhaus de Zúrich por su superior Marogg para recabar información sobre la gente de izquierdas del teatro.
Cuando se enamora de la actriz Odile, la persona a la que debe observar, no hay vuelta atrás: debe decidir entre su misión y su corazón.
Crítica
‘Mis funciones secretas’ una función divertida y crítica de una época bastante complicada
Este viernes 10 de septiembre llega a nuestras salas ‘Misfuncionessecretas’. Una divertida comedia sobre espionaje que nos ha gustado bastante.
Viktor es un policía en Suiza, correcto y que vive por y para su trabajo. Estamos en otoño de 1989 y mientras el muro está a punto de caer en Berlín. Suiza se encuentra en plena crisis social y se dedican a investigar a aquellos que tienen a favor de Moscú y el Pacto de Varsovia.
Aquí es cuando el superior de Viktor le manda infiltrarse en una obra de teatro como figurante, pues creen que alguno de los actores tienen intención de cometer algún atentado.
A partir de aquí, tendremos un serie de situaciones de las que nuestro protagonista tendrá que usar toda su inteligencia para poder salir airoso de ellas.
La película es divertida y sencilla, no trata de ser una película pretenciosa y eso es bastante bueno. Logra divertir y a la vez mostrarnos una crítica hacía esta época de desconfianza de los ciudadanos entre unos y otros.
Me ha encantado la manera de comparar el trabajo de espía con el de actor. A la vez de como vemos crecer a Viktor como persona. Se da cuenta de que la vida no es solo servir y trabajar, sino que hay mucho más fuera.
Dirigida por MichaLewinsky y con guion de PlinioBachmann, BarbaraSommer y el propio director, la película nos trae un reparto encabezado por EvaBay, PhilippeGraber, Peter Jecklin, SaladinDellers, ThomasDouglas, VeraFlück, UrsJucker o KamilKrejcí, entre muchos otros. Todos ellos están en perfecta armonía en la película. Dando sintonía y realidad a la compañía de teatro que vemos en ella.
Si queréis ver algo para distraeros y pasar un buen rato sin necesidad de grandes efectos especiales ‘Mis funciones secretas’ es vuestra película. Con un guion ligero logra mantenernos pegados a la pantalla y disfrutar de las desventuras de Viktor.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Moskau Einfach! (One-way to Moscow). Duración: 99 min. País: Suiza. Dirección: Micha Lewinsky, Guion: Plinio Bachmann, Micha Lewinsky, Barbara Sommer. Música: Ephrem Lüchinger. Fotografía: Tobias Dengler. Reparto principal: Philippe Graber, Miriam Stein, Mike Müller. Producción: Langfilm. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: comedia, romance. Web oficial:https://moskaueinfach.ch/
Cuatro desconocidos quedan en el centro de Madrid para ir en coche a Cieza (Murcia), gracias a una aplicación de viajes compartidos. Durante el trayecto los pasajeros charlan sobre aspectos de su vida para romper el hielo. Todo fluye con normalidad, pero el conductor parece ocultar algo y se comporta de forma extraña. El viaje resultará muy surrealista, más divertido de lo que esperaban.
Crítica
Una sorpresa de viaje
Sorpresas reserva unas cuantas el viaje de ‘Con quién viajas’. Aunque esos giros o su esquema se pueden ver venir si uno está atento a las señales o si ha visto muchas películas, la obra dirigida por el debutante (en largometraje) Martín Cuervo termina siendo más agradable de lo que parecía, más traviesa y surrealista de lo que podría pronosticarse, siempre hay que confiar en el potencial de estas pequeñas propuestas.
Pequeña por número de reparto y por escasez de escenario. Solo cuatro viajeros reunidos por una app de viajes en un único coche que les lleva de la madrileña plaza de Las Ventas a la murciana localidad de Cieza. Una travesía que en tiempo fílmico se antoja largo pero que para el espectador se completa rápido.
La película nos junta a cuatro caras harto conocidas como son las de Salva Reina, AnaPolvorosa, Pol Monen y Andrea Duro. Precisamente esta cinta tiene un planteamiento similar a otra obra en la que ha trabajado Duro, ‘Perfectos desconocidos’: un único escenario, tensión, descubrimiento de secretos, toques de comedia, cruces de acusaciones, puesta en escena teatral… Claro está que aquí partimos del hecho de que los protagonistas sí que son desconocidos entre ellos y el toque de suspense lo tenemos desde el principio con las sospechas que levanta el personaje de Salva Reina. Ya de entrada sus miradas por el retrovisor pueden recordar a las de Russell Crowe en ‘Salvaje’ o a las de Joaquin Phoenix en ‘En realidad nunca estuviste aquí’, a si es que sospechas vais a tener sobre él.
‘Con quién viajas’ se basa en tensar aún más la situación que se vive cuando te montas en el coche de un desconocido. Las sospechas, los prejuicios, el nerviosismo o el desconcierto le juegan una mala pasada a estos personajes en más de una ocasión hasta que todo explota en ciertas revelaciones o confesiones. Tan ansiados están los personajes que pronuncian entrecortadamente o repitiendo frases, también proponiendo triviales maneras de pasar el trayecto que les queda. Por muy surrealista que acabe por ser su desenlace toda esa interacción entre ellos está plasmada de un modo que sí que se antoja real y ahí está la gracia.
‘Con quién viajas’ se presenta como buen visionado para el verano… o no. Si vas a irte de vacaciones y tu alternativa es reservar un asiento en un coche compartido esta película hará que te lo pienses dos veces. Este tipo de bromas como la que acabo de escribir es con el que juega ‘Con quién viajas’. Si por algo se pasa rápido es por el humor que tiene y la vis cómica de Salva Reina que se ríe aquí hasta de sí mismo jugando con su razonable parecido con Fernando Tejero.
Desde luego que el conductor que interpreta Reina peinado a lo Nino Bravo, con su cazadora vaquera retro y el afán por cantar a Los Brincos a grito pelado no da buen rollo. Pero hay que advertir que casi todos aquí tienen algo que ocultar. La película está bien contemporizada, sabe cuándo ir metiendo nuevos elementos y así jugar con la opinión y conciencia de quien la ve.
Que no pase inadvertido el como ‘Con quién viajas’ pone de relieve que nuestra huella digital nos hace totalmente rastreables. No sé si es algo voluntario o no, pero como moraleja me parece más beneficiosa que su lucha contra los prejuicios, que es válida, pero quizá más manida.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Con quién viajas. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Martín Cuervo. Guion: Martín Cuervo. Música: Iván Valdés. Fotografía: Pablo Bürmann. Reparto principal: Salva Reina, Ana Polvorosa, Pol Monen, Andrea Duro. Producción: Álamo Producciones, A Contracorriente Films, Neón Producciones Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, thriller. Web oficial:https://www.acontracorrientefilms.com/film/detail/con-quien-viaja/in-cinemas
Tras ser envenenada durante su último trabajo en Tokio, una despiadada asesina tiene menos de 24h para averiguar quién ordenó su muerte y vengarse.
Crítica
Un suma y sigue para las herederas de Sigourney Weaver y Linda Hamilton
Cedric Nicolas-Troyan vuelve a nuestras pantallas y lo hace a través de Netflix. El autor de desatinos como ‘Las crónicas de Blancanieves’, realizador también de efectos especiales en muchos títulos, ha orquestado un estupendo filme de acción a pesar de contar un libreto nada elaborado y poco intrincado.
¿Por qué me ha gustado Kate? Básicamente es una película de acción, pero es de las que gustan por ser sincera en sus pretensiones y además por añadir otra heroína más. En ‘Kate’ nos encontramos a un experimentado Woody Harrelson que ha de ejercer de mentor de la asesina que interpreta Mary Elizabeth Winstead, la cual es la protagonista absoluta de la cinta. Ciertamente nos encontramos con la paradoja de tener dos películas de acción con protagonismo femenino en la misma semana ya que en cines españoles se estrena también ‘Gunpowder milkshake’. En ambas propuestas la protagonista ha sido entrenada para matar desde que era una niña y en ambas también alguien se la juega y acaba compartiendo aventura con una joven a la cual ha trastocado la vida.
El punto de ‘Kate’ es que empieza rápido como una carrera de venganza a contrarreloj, a lo ‘Crank’, también con mucha acción pero sin el carácter soez de la película de Jason Statham. Como dije con ‘Altered Carbon’ y como acabo de mencionar en mi publicación sobre ‘Gunpowder milkshake’, lo que nos rodea aquí son los neones y los complementos cuquis rodeados de tiros y sangre.
Mary Elizabeth Winstead mola y punto. Es una actriz habitual del género fantástico y de acción, una de las responsables (junto a Samara Weaving, Bella Heathcote, Chloë Grace Moretz y demás) de que vayamos viendo diversidad de historias y de géneros en el cine. El papel que interpreta aquí podría haberlo hecho tanto una mujer como un hombre, como ocurre en las otras películas que he citado en esta crítica. A aquellos que están anclados en los 80 descubrirán con asombro que mujeres como Karen Gillan, Blake Lively, Michelle Rodríguez o Mary Elizabeth Winstead en este caso, pelean, se manchan de sangre… Puede que muchos consideren que estas son películas de acción del montón, pero al fin y al cabo con títulos así se han forjado otros héroes de acción a lo Van Damme o Norris. Creo que con estos estrenos se está sembrando la semilla que hará que dentro de unos años hablemos de las heroínas de acción del primer cuarto del siglo XXI, aquellas sucesoras de Sigourney Weaver y Linda Hamilton. Aunque la trama sea la mar de arquetípica, si te gustan los clásicos de acción te gustará ‘Kate’, no por ser condescendiente o igualitario, sino por que Winstead realmente vale como heroína de acción.
Y a parte de la acción trepidante y abiertamente violenta podemos disfrutar de otro factor, el visual. Se percibe cierto amor por la cultura japonesa por parte de Nicolas-Troyan. Por todas partes nos tropezamos con detalles otakus o escuchamos J-pop. La puesta en escena puede antojarse friki pero nos da momentos muy intensos y efectivos como la persecución en coche o la pelea entre los shōjis, la cual tiene tantos destrozos como el enfrentamiento del baño de ‘Misión Imposible – Fallout’.
Ese provecho visual que se le saca a la ciudad nipona es lógicamente obra del director de fotografía Lyle Vincent, el cual ha hecho trabajos como ‘Amor carnal’ o ‘Una chica vuelve a casa sola de noche’, títulos que te entretengan o no consiguen grabarse en tu retina. Nos hace pasear por el Tokio más moderno y oculto, ese que está repleto de luces, suciedad y entretenimiento. Si esta película tuviese cyberpunk podríamos decir que Winstead está interpretando a la Mayor Kusanagi de ‘Ghost in the shell’ en una sencilla misión de asesinato.
Como decía antes, las características de este filme son las mismas que han forjado a grandes estrellas del cine blockbuster. Un villano escondido tras un ejército de secuaces, una historia de venganza, una protagonista dura de pelar y una acompañante del tipo “dolor de cabeza”. Una aporta el “drama” y el músculo y la otra pone la comedia, el contraste habitual de las buddy movies.
Os animo a acercaros a Kate, una mujer que está vendida pero que no deja de ser letal. Animo también, desde este tremendamente modesto texto, a las productoras a seguir haciendo películas de acción como esta, sangrientas, bien coreografiadas y si puede ser, con algo más de historia o sorpresa.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Kate. Duración: 106 min. País: EE.U. Dirección: Cedric Nicolas-Troyan. Guion: Umair Aleem. Música: Nathan Barr. Fotografía: Lyle Vincent. Reparto principal: Mary Elizabeth Winstead, Jun Kunimura, Woody Harrelson, Tadanobu Asano, Miyavi, Michiel Huisman, Miku Martineau. Producción: 87 North, Screen Arcade. Distribución: Netflix. Género: acción. Web oficial:ver en Netflix
Sam (Karen Gillan) tenía solo 12 años cuando su madre Scarlet (Lena Headey), una asesina de élite, se vio obligada a abandonarla. Sam fue criada por “La Firma”, el despiadado sindicato del crimen para el que trabajaba su madre. Ahora, 15 años después, Sam ha seguido los pasos de su madre y se ha convertido en una cruel asesina a sueldo, tan eficiente como leal. Ella usa sus «talentos» para limpiar los líos más peligrosos de “La Firma”.
Pero cuando un trabajo de alto riesgo sale mal, Sam debe elegir entre servir a “La Firma” y proteger la vida de una niña inocente de 8 años: Emily (Chloe Coleman). Sam solo tiene una oportunidad para sobrevivir: reunirse con su madre y sus letales socias: “Las bibliotecarias” (Angela Bassett, Michelle Yeoh y Carla Gugino).
Estas tres generaciones de mujeres deberán aprender a confiar las unas en las otras, enfrentarse a “La Firma” y a su ejército de secuaces, y hacer frente a todos aquellos que se interpongan en su camino.
Crítica
Esgrime tantas buenas armas como objetos hay en su atrezo
Como seguramente saltará el tema quiero zanjarlo desde las primeras líneas y dejar claro mi enfoque con esta película. ‘Gunpowder Milkshake (Cóctel explosivo)’ es un filme que ha sido escrito y dirigido por hombres (Navot Papushado y Ehud Lavski) y es una película de acción en la que el protagonismo es exclusivamente femenino y funciona la mar de bien sin necesidad de usar argumentos rancios o de tener a las actrices luciendo el palmito, abstenerse salidorros. Tiene un marcado carácter feminista y no lo disimula con sus frases o sus referencias a Janis Joplin, Virginia Woolf, Charlotte Brontë… E incluso poniendo a todos los hombres en el bando de los malos y tontos hasta el punto de ser capaces de llevar un martillo a un tiroteo, como vemos en una gran escena con traveling a cámara lenta.
Y el mejor favor que le podemos hacer a esta película es considerar esos argumentos en pro de las mujeres, pero disfrutarla de manera normalizada, como otra más. ¿Cómo otra más? Quizá eso sería introducirla en un saco de películas irrelevantes que no se merece. ‘Gunpowder Milkshake’ es un filme de asesinas que el israelí Navot Papushado ha cargado de tiroteos y de peleas. Pero dota al metraje de un estilo moderno que le permite mezclar violencia explícita con humor, además de muy buen ritmo. Eso nos lleva a equipararla con películas como ‘Kingsman’ en la que nos introducen en organizaciones secretas y quienes las protagonizan van matando con mucho estilo por todo el mundo. La trama nos mete en la vida de una joven sicaria (Karen Gillan) que tropieza en uno de sus trabajos y debe abrirse paso a tiros para sobrevivir.
Este es un mundo de parafernalia elitista y secreta en el que unos son los mandamases, otras las que se manchan las manos, otras quienes surten de armas a los asesinos… Y está el médico que ilegalmente remienda las heridas. En la consulta y en el parking de este doctor suceden unas de las escenas con mejor acción y comedia de todo el filme. ‘Gunpowder Milkshake’ se enreda y complica para la protagonista de un modo francamente típico, pero bien llevado. Es de esas en las que la heroína tiene un delatador talón de Aquiles que le hace encontrarse con diversas encrucijadas morales.
Gillan está bien en ese papel y se luce en las escenas de acción más que en películas como ‘Jumanji’ y se aproxima más a los movimientos que hizo en ‘Guardianes de la Galaxia’, donde en la piel de Nebula se batió el cobre y peleó unas cuantas veces. Al final el camino que recorre su personaje es similar al de la saga ‘John Wick’ y se cruza con el de la trama de ‘Léon, el Profesional’. Se percibe que hay bien de extras y no tenemos el nivel de coreografías que ejecutó Keanu Reeves o el engatusamiento que lograron Jean Reno y Natalie Portman con su química. Pero hay carisma y buenas proezas físicas.
Es uno de esos filmes donde la acción se consigue recreando peleas en las que cualquier objeto del atrezo puede servir del arma. Esto lo hemos visto también en la saga de Chad Stahelski o en ‘Equalizer’ y parece que es una dinámica que sigue funcionando. Más que decir que se tira de ingenio cabe mejor usar la expresión menaje armamentístico del hogar. Y lo que parece funcionar también es rellenar la escenografía de ciertos elementos visuales. Está claro que el siglo XXI ha rescatado los neones de los años 80 y los ha hecho suyos. Pero más allá de eso están los detalles “monos” que llevan tan letales personajes y que al estilo de la mochila de unicornios que lucía lucía por ejemplo Joel Kinnaman en ‘Altered Carbon’ dota al filme de algo de ternura que contrasta con la sangre con la que está todo salpicado. De ahí que veamos bolsas de gatitos, móviles cucos con forma de panda…
Prefiero no destriparos cuáles son los roles o cómo intervienen las otras integrantes del reparto. Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh y Angela Bassett son quienes además de Ralph Ineson y Paul Giamatti acaparan el foco de las cámaras. Simplemente basta decir que son actrices de armas tomar y en la película hacen honor a esa fama. Chloe Coleman es la pequeña actriz que apunta maneras y ya figura en repartos de películas como ‘Avatar 2’ o la nueva versión de ‘Dragones y Mazmorras’, anotemos su nombre.
Tiros, fracturas y cuchilladas no le faltan a ‘Gunpowder Milkshake’. Al margen del tema del feminismo me gusta cómo pone en relevancia casi de tapadillo su crítica hacia el ostracismo que le estamos haciendo como sociedad a la literatura. Y es que usa como un lugar perfecto para esconder armas, dinero, documentación falsa… los libros de una biblioteca pues en estos tiempos apenas nadie las pisa. No es que esta sea una película trascendental, pero ahí está el detalle contra el consumismo y el maltrato a las letras.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Gunpowder Milkshake. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Navot Papushado. Guion: Navot Papushado, Ehud Lavski. Música: Haim Frank Ilfman. Fotografía: Michael Seresin. Reparto principal: Karen Gillan, Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh, Angela Bassett, Paul Giamatti, Chloe Coleman, Freya Allan, Ralph Ineson, Adam Nagaitis, Ivan Kaye, Joanna Bobin. Producción: Studio Canal, The Picture Company, Studio Babelsberg. Distribución: Vértice Cine. Género: acción, thriller. Web oficial:https://www.studiocanal.com/title/gunpowder-milkshake-2020/
El próximo 5 de noviembreCaramel Films estrenará estrenaremos en cines ‘La ruleta de la fortuna y la fantasía’, la nueva y delicada fábula del director japonés Ryûsuke Hamaguchi. Tras su exitoso paso por la útima Berlinale, donde se alzó con el OSO DE PLATA- Gran Premio del Jurado, Hamaguchi presentará la película en el próximo Festival de Cine de San Sebastián .
El director de ‘Happy hour’ y ‘Asako I & II’, que ya participó en la sección oficial del Festival de Cannes 2018, presenta en ‘La ruleta de la fortuna y la fantasía’ su tríptico sobre la magia del azar en una propuesta llena de imaginación desbordante.
‘La ruleta de la fortuna y la fantasía’ está protagonizada por Kotone Furukawa, Kiyohiko Shibukawa y Hyunri (‘La mujer del espía’).
Sinopsis oficial:
Tres historias impulsadas por el azar y la imaginación en las que las vidas de los personajes femeninos se ven marcadas por sus elecciones y arrepentimientos. Un triángulo amoroso inesperado, una trampa de seducción fallida y un encuentro surgido de un malentendido, forman un tríptico de cuentos unidos por la memoria, el engaño y el destino.
La nueva y audaz versión musical del cuento tradicional seguirá los pasos de Cenicienta (Cabello), una joven ambiciosa cuyos sueños son más grandes de lo que el mundo le permite, pero que será capaz de perseverar y conseguir sus objetivos con la ayuda de su Fab G (Billy Porter).
Crítica
Música y moda se juntan en esta versión de ‘Cenicienta’
Una versión más del clásico ‘Cenicienta’. Esta joven huérfana de alta cuna que es obligada por su malvada madrastra a ser la sirvienta de ella y de sus dos odiosas hijas.
Cenicienta siempre ha sido un cuento en el que al final el bien gana, en el que como cualquier cuento de hadas termina con una moraleja y en el que según que versión el futuro de la madrastra y sus hijas es bien distinto y en alguna ocasión bastante turbio. Porque otra cosa no, pero tiene un montón de versiones ya no solo cinéfilas, sino que también literarias. Desde Egipto hasta Estados Unidos, pasando por China.
Después de divagar un poco de los orígenes de ‘Cenicienta’ esta nueva versión llega el viernes 3 de septiembre a Amazon Prime y tiene también su base en este cuento pero con un punto de modernidad y empoderamiento.
¿Por qué el amor va a hacer que Cenicienta no pueda cumplir sus sueños?. Una joven emprendedora que está deseando dejar de ser una simple criada para meterse de lleno en su propio negocio.
Si, está es la Cenicienta que se nos muestra, a veces me ha recordado a la fantástica cinta de Disney ‘Encantada’. Pero no llega, ni por asomo, a ser tan buena.
Con esto no la desmerezco, me lo he pasado bien viendo ‘Cenicienta’ y no conocía a CamilaCabello y la verdad que se desenvuelve bien. Al fin y al cabo es cantante y sin duda aquí puede lucirse del todo. La película está muy bien realizada, las coreografías y canciones bien interpretadas. Música pop y algo de rap es lo que encontraremos en este musical.
Una de las cosas por las que me entró la curiosidad de por ver la cinta fue la presencia de PierceBrosnan, al cual podremos ver dentro de poco en ‘BlackAdam’ y por BillyPorter, nunca había visto nada de él como actor, pero sus estilismos en las alfombras rojas me vuelven loca. Aquí hace del Hada Madrina de nuestra Cenicienta.
En el reparto encontramos caras conocidas como NicholasGalitzine, IdinaMenzel, MinnieDriver o MaddieBaillio entre otros muchos.
KayCannon guionista de ‘Dando la nota’, es la encargada del guión y la dirección de esta ‘Cenicienta’ moderna y que llena de música y moda cualquier lugar que pisa.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de septiembre 2021. Título original: Cinderella. Duración: 113 min. País: Estados Unidos. Dirección: Kay Cannon. Guión: Kay Cannon. Música: Jessica Weiss. Fotografía: Henry Braham. Reparto principal: Camila Cabello, Billy Porter, Idina Menzel, Nocholas Galitzine, Pierce Brosnan, Minnie DRiver, Maddie Baillio, Charlotte Spencer, James Corden, James Acaster, Romesh Ranganathan, Luke Latchman, Fra Fee. Producción: Columbia Pictures, Sony Pictures Entertainment, Amazon Studios. Distribución: Amazon Prime. Género: Musical, fantástico, comedia. Web oficial:https://www.amazon.com/Cinderella-Camila-Cabello/dp/B097YYZ87F
Una iniciativa para fomentar los distintos tipos de cine y sus intervinientes
El centro de cultura contemporánea Tabakalera de San Sebastián acogió ayer, lunes 30 de agosto, la presentación de los Premios K con los que se pretende generar una red de difusión de la labor de cineclubs y festivales de cine adheridos y contribuir a aumentar su número en los próximos años. Para conseguirlo, sus organizadores se han marcado tres objetivos: fomentar la colaboración entre los diferentes agentes del cine; facilitar la difusión social de los diferentes tipos de cinematografía; y promover el trabajo realizado los cineclubs y festivales más allá de sus fronteras.
En el acto de presentación de estos premios –desarrollado en el marco del programa Kutxa Kultur Gauak con el apoyo de Fundación Kutxa y el Departamento de Cultura y Política lingüística del Gobierno Vasco– estuvieron representados los cineclubs y festivales de cine que actualmente integran los Premios K, por el momento circunscritos todos al País Vasco. Se trata de los cineclubs Zinetogram (Azkoitia), Goieniz (Beasain) y Butak21 (Urretxu-Zumarraga); y los festivales Animadeba, Festival de Cine en Lengua de Signos, Donosskino, Amua y Zinetika.
En cada uno de estos festivales, que se celebran entre septiembre y diciembre, un jurado compuesto por miembros de los cineclubs elegirá una película, teniendo en cuenta los valores en los que se basan estas asociaciones, como la calidad, la originalidad o el compromiso social.
Los trabajos premiados recibirán un trofeo de 20 cm con forma de K creado por Egingela, colectivo multidisciplinar formado por Iker Babace y Asier Arizkorreta. Las obras galardonadas se podrán ver a finales de año en diferentes localidades guipuzcoanas, en sesiones especiales organizadas por los cineclubs. El objetivo de estas sesiones es dar a conocer los diferentes festivales de Gipuzkoa a todo el territorio, así como acercar los diferentes tipos de cinematografía al público de los pueblos.
La gestación de los Premios k tuvo lugar en 2019, durante la celebración de un encuentro de cineclubs donde sus participantes adquirieron el compromiso de buscar vías de colaboración y tejer una red de apoyo. Sus impulsores se han inspirado en los premios Don Quijote (en euskera On Kixote, de ahí la “K”) de la Federación Internacional de Cineclubs, que reconocen películas programadas en festivales internacionales con un jurado compuesto por cineclubistas.
Durante el evento, los organizadores realizaron un llamamiento para que cualquier cineclub o festival que tenga interés, se incorpore a las próximas ediciones de los Premios K. Para ello, pueden ponerse en contacto a través del mail: k_sariak@kresalazinekluba.com.
‘El páramo’, de David Casademunt, e ‘Y todos arderán’, de David Hebrero, se añaden a la programación
Las últimas producciones españolas de cine fantástico tendrán su cita en la 54ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Títulos de directores consolidados como Álex de la Iglesia con ‘Veneciafrenia’ o Paco Plaza con ‘La abuela’, se presentarán en Sitges junto a otras obras representativas del panorama fantástico nacional más reciente.
El debut del catalán David Casademunt, ‘El páramo’, tendrá su estreno mundial en Sitges, en Sección Oficial Fantàstic en Competición. La película, protagonizada por Inma Cuesta y Roberto Álamo, narra la tranquila vida de una familia que vive aislada de la sociedad y que se ve perturbada por una criatura terrorífica que pondrá a prueba los lazos que los unen. También se incorpora, en sesión especial, la épica de terror ‘Y todos arderán’, segundo largometraje de David Hebrero. Una epopeya sobre la búsqueda de venganza de una madre contra el pueblo que le hizo perder a su hijo, con Macarena Gómez, Rodolfo Sancho, Ana Milán y Rubén Ochandiano.
Estos dos títulos se suman a otros films españoles ya anunciados en Sección Oficial Fantàstic en Competición: la inquietante cinta de ciencia ficción ‘Tres’, del premiado Juanjo Giménez, con Marta Nieto y Miki Esparbé, y el estreno mundial de ‘Visitante’, ópera prima de Alberto Evangelio, con Iria de Rio, Miquel Fernández, Jan Cornet y Sandra Cervera, sobre una crisis matrimonial que se convierte en un thriller fantástico de realidades paralelas.
En las sesiones especiales incluidas en la Sección Oficial Fantàstic se podrán disfrutar tres propuestas muy esperadas. El estreno mundial de ‘Veneciafrenia’, de Álex de la Iglesia, con su impactante mezcla de slasher y giallo; el ansiado retorno de Paco Plaza con ‘La abuela’, una pesadilla con guion de Carlos Vermut, y la premiere de los cuatro relatos de ‘Historias para no dormir’, el regreso de la mítica serie creada por Chicho Ibáñez Serrador cincuenta años atrás, que reúne a las mejores figuras del fantástico español actual como Rodrigo Cortés, Rodrigo Sorogoyen, Paco Plaza y Paula Ortiz, junto a un reparto de lujo.
El fantástico español estará presente en buena parte de las secciones del Festival. En Panorama Fantàstic se podrán ver dos estrenos mundiales. La cinta de terror gallega ‘Jacinto’, de Javi Camino, sobre un niño encerrado en el cuerpo de un adulto, y la terrorífica road-movie en furgoneta ‘La pasajera’, dirigida por Raúl Cerezo y Fernando González.
Recuperación de clásicos
Además de la última cosecha de cine fantástico español, la proyección de clásicos ocupará un lugar destacado en Sitges 2021. Dentro de la retrospectiva dedicada a los hombres lobo, “La bestia interior”, se verán ‘El bosque del lobo’ (Pedro Olea, 1970), y ‘El retorno del hombre lobo’ (Paul Naschy, 1981), dos films imprescindibles en la historia de nuestro cine. Naschy será recordado por partida doble, ya que la sección Seven Chances programará ‘El aullido del diablo’, obra de 1987 dirigida por el director y actor madrileño.
Por su parte, Sitges Classics recuperará otras dos cintas españolas. ‘El extraño viaje’, de Fernando Fernán Gómez, una obra de culto escrita a partir de un argumento de Luis García Berlanga, y la copia remasterizada en 4K de ‘El día de la bestia’, de Álex de la Iglesia.
En colaboración con la Filmoteca de Catalunya, se proyectarán dos producciones catalanas que se engloban en la retrospectiva “Catalunya Imaginària”. Se trata de ‘La banyera’ (Jesús Garay, 1989), en la que un hombre que sufre amnesia intenta localizar a un testigo del asesinato de su amante, y ‘La dama del alba’ (Francesc Rovira Beleta, 1966), una cinta fantasmagórica sobre una misteriosa desaparición.
Álex de la Iglesia deslumbró a los espectadores con esta obra emblemática, ‘El Día de la Bestia’, la cual es una gran joya del cine español que merecía ser rescatada en salas, y que llegará el próximo 15 de octubre de nuevo a cines, con una copia restaurada en 4K. La distribución corre a cargo de #ConUnPack, en colaboración con Video Mercury y FlixOlé.
‘El Día de la Bestia’ obtuvo 14 nominaciones y fue ganadora de 6 Premios Goya en 1995, entre ellos Mejor Dirección (Alex de la Iglesia) y Mejor Actor Revelación (Santiago Segura). Recaudó en taquilla más de 4 millones de euros, con más de 1,4 milones de espectadores.
Con guión de Jorge Guerricaechevarría y Álex de la Iglesia, la película está protagonizada por Álex Angulo, Santiago Segura, Armando de Razza, Maria Grazia Cucinotta, Nathalie Seseña, Terele Pávez y Saturnino García.
Para celebrar su reestreno, se hará un pase especial en SITGES, Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, donde ya se presentó la película al público el año de su estreno.
El padre Angel Berriatúa, tras más de veinticinco años de estudio, llega a la conclusión de que el Anticristo nacerá el 25 de Diciembre de 1995. Llega a Madrid y ayudado por el heavy Jose Mari, se pone en contacto con el Profesor Cavan, el único que puede abrir el camino hasta Satán
El 30 de diciembre se estrena la cinta dirigida por Johannes Roberts
Ya tenemos las primeras imágenes de la cinta protagonizada por Kaya Scodelario (‘Infierno bajo el agua‘ ),Hannah John-Kamen (‘Cristal Oscuro’) y Robbie Amell (‘Código 8′).
Dirigidos por Johannes Roberts(‘A 47 metros’), la nueva película basada en la famosa saga de videojuegos de Capcom se estrenará exclusivamente en las salas de cine de toda España el próximo 30 de diciembre.
Aquí os dejamos las primeras imágenes.
Sinopsis
Volviendo a los orígenes de la tremendamente popular franquicia Resident Evil, Johannes Roberts, fan y cineasta, vuelve a dar vida a los juegos para un completa nueva generación de jugadores. En ‘Resident Evil: Bienvenidos a Racoon City’, es ahora un pueblo agonizante del Medio Oeste. El éxodo de la compañía dejó a la ciudad convertida en un erial… con un gran mal gestándose bajo superficie. Cuando ese mal se desata, un grupo de supervivientes deben unirse para destapar la verdad detrás de Umbrella y sobrevivir a la noche.
Tras subirse en el coche de un desconocido, Lisa se despierta en el interior de una estrecha tubería. En su brazo tiene un brazalete con una cuenta atrás. La joven no sabe por qué está allí, pero pronto comprenderá que deberá llegar a sus límites de resistencia física y psicológica para sobrevivir a esta trampa claustrofóbica.
Crítica
Más allá de lo metafórico o caprichoso se percibe una agradable intención de contar algo
Mathieu Turi no es un nombre muy conocido aún en España, pero pronto lo será. El director, que ha sido mucho tiempo asistente de grandes directores como Tarantino, inició hace no mucho una carrera en el campo de los largometrajes de terror y la calidad de sus trabajos está yendo a más. En esta web os hablamos de ‘Hostille’, un título donde una chica trataba de salir de un coche que era asediado por las inclemencias de un peligroso desierto y las criaturas que lo habitan. Con ‘El tubo’ se pone aún más claustrofóbico si cabe.
En este filme lo que sucede es que tras montarse en el coche de un peligroso desconocido despierta en un tubo. Intentará escapar de él, pero la situación se vuelve cada vez más y más extraña. Con esta premisa sobra decir que ‘El tubo’ recuerda a títulos como ‘Cube’, ‘Buried’ o las recientes ‘Tin Can’ u ‘Oxígeno’, de su compatriota Alexandre Aja. No esperéis trampas a lo ‘Cube’, las hay pero no tan sesudas o sanguinolentas. La protagonista interpretada por Gaia Weiss tiene un recorrido más arduo que el más difícil de nuestros lunes, pero el verdadero valor de esta película es su interpretación y las molestias que se han tomado en contar una historia.
Es fácil encerrar a una protagonista y hacérselas pasar canutas porque sí. Originalmente ‘Cube’ era algo por el estilo, más adelante con sus secuelas se desarrolló su discurso. Contaros la intencionalidad oculta de este filme sería romperos su gracia. Lo único que puedo decir es que a partir de determinado giro todos llegamos a una interpretación más o menos idéntica. Es innegable que ‘El tubo’ despierta curiosidad e intriga. Es enigmática, metafórica, a veces parece que un poco caprichosa con sus elementos, pero explicada al fin y al cabo. Donde causará más discrepancia de opiniones es con su ultimísima y desconcertante escena.
Y cuando me refiero en que se han tomado molestias en contar una historia también me refiero a la fotografía y el diseño de producción. Mathiew Turi ha contado con parte de su equipo habitual como el compositor Frédéric Poirier, pero para la historia es aún más importante la búsqueda de imágenes por parte del camarógrafo Alain Duplantier. El estudio de la escenografía planteada por el director es algo magnífico. Consiguen muy buenas tomas y agobiantes imágenes. La iluminación, que parte casi únicamente del brazalete implantado en la muñeca de la chica atrapada, esta logradísima.
Gratuita podría ser esta película por alguna escena ligeramente gore que tiene, con unos protésicos bastante conseguidos hasta el punto de dar nauseas. Pero ‘El tubo’ plantea situaciones más difíciles para la protagonista como esquinazos y meandros casi imposibles de salvar, por algo su título original es ‘Méandre’. Ahí es donde se percibe un gran trabajo físico de la protagonista, Gaia Weiss. Conocidas son sus interpretaciones en la serie ‘Vikingos’ y aquí no se queda atrás. Pero son aún mejores sus movimientos, casi de contorsionista.
‘El tubo’ se cuela en esas películas «tipo escape room” que tienen algo que aportar y que además nos habla de carreras en sentido ascendente. Prácticamente no tiene diálogos as si es que no dudéis en verla en versión original, apreciaréis más el sufrimiento de la protagonista, por morboso que suene.
Ficha de la película
Estreno en España: 3 de septiembre de 2021. Título original: Méandre. Duración: 87 min. País: Francia. Dirección: Mathieu Turi. Guion: Mathieu Turi. Música: Frédéric Poirier. Fotografía: Alain Duplantier. Reparto principal: Gaia Weiss, Peter Franzén, Romane Libert, Frédéric Franchitti. Producción: Fulltime Studio, Cinéfrance Studios, Equiltime, WTFilms, OCS, Alba Films, SG Image 2018, Cinéaxe, Ynns Interactive. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial:https://fulltime.studio/meandre
Un terrible accidente deja atrapados a numerosos mineros en una mina de diamantes, situada en un remoto extremo de Canadá. Su única esperanza es Mike (Liam Neeson) un conductor de camiones de gran tonelaje, que tendrá que atravesar un país cubierto de nieve, en el que sólo se puede transitar por las traicioneras “ice roads”: carreteras de hielo que transcurren sobre ríos, lagos o incluso océanos congelados. Mike tendrá que enfrentarse a una imposible carrera contrarreloj, llena de inesperados peligros y traiciones.
Crítica
Un escenario distinto pero otra del montón
¿Conocéis esos programas de televisión donde un equipo de cámaras sigue a unos camioneros? En el canal Historia emitían uno llamado ‘Ice road truckers’. En él se montaban en la cabina de unos camioneros que debían seguir rutas peligrosas por Alaska o Canadá. Su recorrido incluía carreteras de hielo de solo un metro de espesor sobre el agua. Pues la nueva película protagonizada por Liam Neeson parece un episodio más de ese programa.
Obviamente el filme tiene un ingrediente delictivo y dramático que no tenían esos episodios, pero básicamente es lo mismo. Tanto los problemas que se van encontrando como las soluciones que han de aplicar parece que han sido sacadas de ese reality. Por lo tanto, podemos percibir algunos detalles de la cinta como meras curiosidades reales, pero su transcurso no puede ser más clásico.
En ‘Ice road’ unos mineros quedan atrapados en un derrumbe por una explosión de metano. El problema es que la solución de su rescate pasa por conseguir transportar una pieza enorme y no hay lugar para que aterrice un avión con él de manera inmediata. A si es que recurren a aguerridos camioneros necesitados de encargos y dinero. Pero todo se tuerce cuando la cosa pasa de ser un negocio a algo personal o familiar y ya sabemos que eso con Neeson nunca acaba bien.
Si Los 33 de Chile hubiesen contado con Liam Neeson otro gallo habría cantado. Pero es que encima el filme se toma su tiempo. Para ser una situación urgente y a contrarreloj se toman muchas molestias a la hora de reclutar a quienes van a ir por la carretera helada. Y es que la situación no requiere aguantar horas mientras se agota el oxígeno, también supone hacerlo bajo el permafrost. El escenario es curioso pero helados nos deja el filme que ni se moja con sus argumentos ni se esfuerza en marcar la diferencia.
Ya no es solo por lo que me gustan las películas de Neeson o incluso las de Laurence Fishburne que me duele decir todo esto. Es también por el director Jonathan Hensleigh. Me gustaron trabajos suyos como los guiones de ‘El santo’, ‘Jumanji’, ‘La jungla 3’ o ‘Armageddon’. Incluso me declaro fan de su Castigador. Sabe escoger escenarios y situaciones. Pero a veces, como en esta ocasión, no desarrolla bien a sus personajes o no se esfuerza en demasía por salirse de los tópicos del género, como le sucedió con ‘Matar al irlandés’. Compro sus majaderías, como la música country, la relación entre los hermanos, su hámster o los cabezones pegados en el salpicadero, pero me gusta que cuando paso por ese aro el filme se decante por un tono más cómico.
Ya no sé si es por gusto o por necesidad que Liam Neeson ha caído en repetirse tanto con sus películas, me da lástima pues tiene en su haber cintas e interpretaciones históricas. Y eso que con ‘Venganza bajo cero’, otra en la que aseguraba dejar la acción, no salió del todo mal parado. La calidad de estas baja y baja, se percibe hasta en la factura técnica. En ‘Ice road’ los efectos digitales son de nivel de película para la televisión. Como decía al comienzo de la crítica, esto parece más una propuesta televisiva, de esas que se producen al peso, más que una aventura de acción con verdadera intención de sorprender.
Ficha de la película
Estreno en España: 27 de agosto de 2021. Título original: The ice road. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Jonathan Hensleigh. Guion: Jonathan Hensleigh. Música: Max Aruj. Fotografía: Marcus James, Tom Stern. Reparto principal: Liam Neeson, Laurence Fishburne, Benjamin Walker, Amber Midthunder, Marcus Thomas, Holt McCallany, Martin Senmeier. Producción: Code Entertainment, ShivHans Pictures, Envision Media Arts, Solution Entertainment Group, Aperture Media Partners, Manitoba Film & Music. Distribución: eOne Films. Género: acción. Web oficial:https://www.codeentertainment.com/the-ice-road-film
En junio fueron algunas fotos y ahora Netflix ha desvelado del tráiler oficial de ‘Fuimos Canciones’, la comedia romántica protagonizada por María Valverde (‘Distancia de Rescate’, ‘Guernica’) y Álex González (‘Vivir sin permiso’, ‘El príncipe’) que se estrenará mundialmente en Netflix el próximo 29 de septiembre.
‘Fuimos canciones’ está basada en la bilogía bestseller de Elísabet Benavent ‘Canciones y recuerdos’, aunque conservando el nombre de la primera novela, está dirigida por Juana Macías, nominada al premio Goya a la mejor directora novel por su película ‘Planes para mañana’ (2010) y directora de la exitosa película ‘Bajo el mismo techo’ (2019), cuenta con Laura Sarmiento como guionista y su producción corre a cargo ZETA Studios (‘Élite’).
Susana Abaitua (‘Loco por ella’, ‘Patria’), Elisabet Casanovas (‘Merlí’, ‘Drama’) y Eva Ugarte (‘Mira lo que has hecho’, ‘García y García’) completan el reparto, junto a Miri Pérez-Cabrero (‘Alguien tiene que morir’), Roger Berruezo (‘Cuéntame’), Ignacio Montes (‘El verano que vivimos’), Artur Busquets (‘La que se avecina’), Claudia Galán (‘Alta mar’) y Carlo Constanzia (‘Toy Boy’).
Sinopsis oficial:
Maca (María Valverde) tiene 29 años, es torpe por naturaleza, disfruta la vida a sorbos y trata de ser feliz. Maca malgasta su talento trabajando como asistente de una tirana influencer de moda, y pasa el rato con chicos con los que nunca llega a comprometerse emocionalmente. Junto a sus dos amigas, Jimena (Elísabet Casanovas) y Adriana (Susana Abaitúa), únicas, arrolladoras y siempre dispuestas a darlo todo para que sus problemas parezcan más livianos, Maca ha conseguido convertir a Madrid en una ciudad donde todo es posible. Todo parece ir bien, hasta que ÉL, el innombrable, vuelve a cruzarse en su vida. Leo (Alex González), su gran amor y error, el hombre que le hizo trizas el corazón, aniquiló su autoestima y su fe en el género masculino, vuelve a su vida para ponerlo todo patas arriba.
Maca ha intentado olvidarle, pero ahora tiene que asumir que ha regresado, enfrentarse a los sentimientos que tiene bajo llave y lidiar con el recuerdo imborrable de lo que pudo ser y no fue. Las viejas heridas se reabren y Maca deberá ser valiente y afrontar sus conflictos, miedos e inseguridades, para por fin tomar las riendas de su vida.
Esta semana llega a cines españoles ‘Siempre contigo (Here We Are)’, la nueva película del director israelí Nir Bergman, cinta que el año pasado recibió el Sello Cannes Official Selection.
El creador de ‘In Treatment’ (HBO) nos acerca una tierna historia familiar y una visión de su país alejada de imágenes preconcebidas. Una road-movie con un padre (interpretado por Shai Avivi) que ha dedicado toda su vida a cuidar de su hijo (Noam Imber), que padece autismo. Una huida hacia adelante, una lección de crecimiento vital y, sobre todo, la demostración de un amor incondicional.
En España, tras su paso por la 47ª edición de Seminci de Valladolid donde Avivi recibió el Premio a Mejor Actor, Siempre contigo tendrá su estreno en cines mañana viernes 27 de agosto, de la mano de Avalon y en codistribución con Elastica Films.
Sinopsis oficial:
Aharon ha dedicado toda su vida a criar a su hijo Uri. Viven juntos en una rutina amable, lejos del mundo real. Pero Uri es autista y ya es lo suficientemente adulto para residir en un hogar especializado. De camino a la institución, Aharon decide escaparse con su hijo y echarse con él a la carretera, sabiendo que Uri no está preparado para la separación. Aunque quizá sea el padre el que no está preparado.
La película narra la historia de Henry, un comediante con un sentido del humor excepcional, y Ann, una cantante de renombre internacional. Delante de las cámaras, forman una pareja feliz y llena de encanto. El nacimiento de su primera hija, Annette, una niña misteriosa, cambiará sus vidas.
Crítica
‘Annette’ me ha dejado sin habla, simplemente increíble
Tenía muchas ganas de ver ‘Annette’, desde su estreno en Cannes y las críticas tan dispares que tuvo, la curiosidad se apoderó de mí. El 20 de agosto se estrenó en nuestras salas de cine y el 26 de noviembre la podremos disfrutar en Filmin.
‘Annette’ no es una película para todos los públicos. Una ópera-rock que puede aturullar a muchos si no entran en la película, pero que puede hipnotizar a los que sí se adentren en este cuento moderno.
Jugando con las luces y las imágenes, LeosCarax nos introduce dentro de esta historia de amor a través de la música de ‘Sparks’. Me parece increíble el trabajo técnico de esta cinta. El como según distintos tonos de las canciones las imágenes se ven distorsionadas o más nítidas. El comienzo es una auténtica maravilla técnica.
Luego están los colores, Ann, esa mujer perfecta, con sus colores vivos, su pelo rojo y su apariencia indefensa. Mientras que tenemos a Henry, con sus verdes oscuros y sus apariencia fuerte e inquietante.
Luego por supuesto está Annette. Qué gran trabajo han realizado con ella. En la película, se nos muestra a Annette como una marioneta, no es algo que llegue a importar, sabemos que es de madera, pero logran darle tanta expresión, que en ningún momento dudas de ella. Sufres a su lado las consecuencias de los adultos. Sus insultos, sus peleas y ella sin poder hacer nada. Solo es una niña a la que le ha tocado esa vida, llena de fama y a la vez tristeza.
Hay escenas muy potentes durante la cinta. Imágenes que duelen, imágenes que enamoran y otras que simplemente ponen los pelos de punta. Una crítica hacia muchas cosas, el ser famoso, sus consecuencias al quedarse sin libertad, también a las consecuencias.
En los agradecimientos Carax nombra a Edgar Allan Poe y es que bien podría ser una de sus historias trágicas oscuras y llenas de muertes. Todo ello mezclado con alguna de las obras de Magritte o incluso Klimt.
Las interpretaciones de Adam Driver, que no se cómo todavía no tiene un Oscar en sus manos, Marion Cotillard, que está como siempre perfecta con todos sus cambios de looks y Simon Helberg, que fuera de la comedia se desenvuelve estupendamente, hacen que ‘Annette’ sea real.
Creo que, como he dicho anteriormente, no es una película para todo el mundo, pero si que es una experiencia a la que recomiendo acercarse. Su música, sus imágenes y su historia hace que de una manera u otra entres en este extraño cuento.
Ficha de la película
Estreno en España: 20 de agosto de 2021. Título original: Annette. Duración: 140 min. País: Francia. Dirección: Leos Carax. Guion: Ron Mael, Russell Mael. Música: Ron Mael, Russell Mael. Fotografía: Caroline Champetier. Reparto principal: Adam Driver, Marion Cotillard, Simon Hilberg. Producción: CG Cinéma, ARTE, BE TV, Barnstormer Productions, Canal+. Distribución: Elastica Films, Filmin. Género: musical, drama. Web oficial:http://cgcinema.eu/films/titre
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