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Crítica: ‘Joker: folie à deux’

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Sinopsis

Arthur está internado en el psiquiátrico de Arkham en espera de juicio por los crímenes que cometió como Joker. Mientras lucha con su doble personalidad, Arthur no sólo se da de bruces con el amor verdadero, sino que también encuentra la música que siempre ha estado dentro de él.

Crítica

Un caos de capricho musical y desconexión narrativa

‘Joker: Folie à Deux’, la esperada secuela del aclamado filme de 2019 dirigido por Todd Phillips y protagonizado por Joaquin Phoenix, es un experimento cinematográfico que intenta capturar la esencia psicótica y caótica del famoso villano de cómic, algo que se hizo ya en su primera película de orígenes pero en esta ocasión adopta una perspectiva más peculiar y arriesgada. Aunque el resultado es ambicioso y unos pocos de sus elementos son dignos de elogio, tiene fallos que podrían hacer que no conecte con los espectadores.

La elección de abordar esta secuela como un musical es, sin duda, la decisión más arriesgada. Este giro hacia lo musical es interesante, pues refleja el concepto del ‘folie à deux’. El delirio compartido entre dos individuos se expresa de la misma manera que la música es capaz de llevarnos a personas diferentes al mismo estado mental o anímico. Mientras determinadas secuencias musicales logran capturar el desorden psicológico de Joker y Harley Quinn, la mayoría pueden sentirse forzadas y sacan al espectador de la oscura atmósfera que Phillips había establecido en la primera entrega. La transición entre la cruda realidad y el espectáculo musical no siempre es fluida, lo que provoca una desconexión en el tono de ‘Joker 2’. Por no decir que desdibuja la excelente banda sonora de Hildur Guðnadóttir. El recurso es sencillo, cambio a música y color para mostrar la enajenación que comparte el duo, pero el filme se olvida poco a poco de ello, perdiéndose en una concatenación de temas nada pegadizos. Incluso hay que decir que seguidores de la primera entrega (entre los cuales me cuento), que esperaban una secuela igual de sombría, psicológica e incluso social, podrán sentirse desconcertados por este enfoque que se percibe completamente aburrido.

En cuanto a la actuación, Joaquin Phoenix vuelve a entregarse por completo a su papel como Arthur Fleck, ofreciendo una actuación tan inquietante y perturbadora como en ‘Joker’. En este ‘Joker 2’ Phoenix explora las profundidades de la psique del villano de Batman, ahora enfrentando no solo su locura interna, sino también su extraña relación con Harley Quinn y la reacción de la sociedad. La incorporación de Lady Gaga como el amor del también conocido como El Guasón en ciertos países añade poco carisma la película. Al margen de lo que se puede haber modificado el originen de este personaje, la relación con el Joker se desenvuelve a través de números musicales y momentos muy poco coreografiados que parecen surgir de las mentes desquiciadas de los protagonistas. Por desgracia es patente que a Gaga le resulta difícil salir de lo videoclipero y es una pena pues ya ha demostrado con otras películas que puede ser buena actriz. Su Harley Quinn es menos caricaturesca que versiones anteriores del personaje, pero al menos muestra una vulnerabilidad que permite al espectador entender su caída en la locura compartida con Arthur. La relación actoral entre ambos actores es ligeramente palpable aunque la dinámica de su relación podría haberse desarrollado de manera más profunda en ciertos momentos.

Narrativamente, ‘Folie à Deux’ continúa el viaje de Arthur Fleck hacia su consolidación como el Joker, pero lo hace de una manera más abstracta. La trama es menos lineal que en la primera película, lo que puede dificultar la conexión emocional con los personajes. Phillips parece más interesado en explorar los aspectos psicológicos y surrealistas de la locura compartida, lo que deja a la trama en un segundo plano. Aunque esta exploración es intrigante, puede sentirse algo excesiva y a veces dispersa.

La estética de la película sigue siendo irreprochable, con una fotografía que acentúa la decadencia o el caos del Gotham (sobre todo Arkham) en el que viven los personajes y la extrema delgadez a la que ha tenido que llegar Phoenix, pareciéndose cada vez más a Robe Iniesta. Sin embargo, en algunos momentos, la dirección artística parece priorizar el estilo sobre la sustancia, lo que contribuye a la sensación de que la película se centra más en impresionar visualmente que en desarrollar una narrativa coherente.

Solo pocos lectores de DC Comics encontrarán aquí la versión del Joker que les gusta, un hombre desquiciado y maltratado por la sociedad. La película de Todd Phillips está lejos y parece que no tiene en mente dar al archienemigo de Batman el estatus de mafioso o de jefe de banda. Tal es así que si nos paramos a identificar guiños hay muchas más referencias a shows musicales o películas como ‘Willy Wonka’ o ‘Los paraguas de Cherburgo’ que a los cómics en sí. Puestos a obviar la fuente comiquera y rendir tributo a musicales… si se hubiese seguido la dinámica de obras como ‘Sweeney Todd’, habría funcionado mucho mejor, en mi opinión. Pero al menos la esencia demente de Joker está presente en ‘Joker 2’. Habiéndose alcanzado esto en la primera entrega, uno se pregunta si este nuevo largometraje es una transición experimental hacia una tercera parte o si ha sido simplemente un capricho un tanto snob.

Por cierto. ¿Estamos todos de acuerdo en que el detalle que se ve al final al fondo y desenfocado es un guiño a la teoría de más de un Joker y por extensión al de Heath Ledger?

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de octubre de 2024. Título original: Joker: folie à deux. Duración: 138 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Phillips. Guion: Scott Silver, Todd P. Música: Hildur Guðnadóttir. Fotografía: Lawrence Sher. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz. Producción: DC Entertainment, Joint Effort, Village Roadshow Pictures. Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama, musical, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/joker-folie-a-deux

Crítica: ‘El hoyo 2’

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Sinopsis

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Una misteriosa figura ha conseguido establecer una ley en El Hoyo para repartir alimento de manera uniforme entre todos los niveles. Sin embargo, el frágil equilibrio se ve amenazado cuando algunos prisioneros desafían el sistema, desatando una cruenta batalla entre dos bandos irreconciliables.

Crítica

Una pequeña ampliación de este degradante mundo

Siendo como fue un fenómeno a nivel mundial era de esperar que ‘El hoyo’ tuviese segunda parte, obvio. ‘El hoyo 2’ vuelve a Netflix y tal y como hicimos con la primera parte cuando la vimos en el Festival de Sitges os recomendamos ver esta nueva entrega. Garlder Gaztelu-Urrutia explora de nuevo nuestra cara más vil y a la vez la más solidaria a través de la ciencia ficción y un agujero que profundiza de nuevo con mucho propósito. No nos encontramos ante una segunda película de esas que intentan estirar el chicle así porque sí y descubrimos que el largometraje tiene su sentido.

En su día fue comparada con ‘Cube’ o con un cortometraje de Denis Villeneuve. Al igual que en la saga iniciada por Vincenzo Natali la vida dentro de este tubo o agujero tiene otras maneras de transcurrir. Hay otros tipos de trampas pero también otras formas de sobrevivir ya que en esta etapa vemos como existe una especie de “sociedad” sujeta a unas normas. Si la anterior entrega mostraba una visión desesperanzadora de nuestra especie esta, que no os diré si es secuela o precuela, al menos comienza con unos brotes de optimista esperanza, de credibilidad hacia nuestro espíritu de comunidad. Pero evidentemente sin conflicto no hay película y se generan situaciones que bien podrían ser tal y como se muestran en ‘El hoyo 2’ pues todos sabemos cómo es nuestra propia naturaleza.

Para los que no hayan visto la primera parte el planteamiento es muy simple. Voluntariamente, cada uno con sus razones, los personajes admiten ser encerrados en El Hoyo con una sola pertenencia. Ahí son distribuidos por niveles y parejas. Cada día desciende una plataforma con comida, con el plato preferido que haya elegido cada uno. Cada mes se redistribuyen los niveles, con lo que aumenta el riesgo de que no te llegue comida ya que puedes aparecer en los pisos más profundos de este agujero.

De nuevo la historia no sale del recinto de hormigón, ni siquiera para contarnos el trasfondo del matemático a priori enajenado y pirómano de Hovik Keuchkerian ni la de la artista interpretada por Milena Smit. Ellos son los dos principales protagonistas aunque podemos adelantar que hay más personajes que en la anterior entrega. ‘El Hoyo 2’ mantiene bien el suspense y hace evolucionar correctamente a sus personajes pues tienen un trabajado arco narrativo.

La única pega que le pongo a esta película es similar a la de la primera parte. Se plantea una especie de enigma o metáfora con unos niños que quizá es demasiado difícil de interpretar. Seguramente recordaréis la conclusión de la primera entrega y el debate que suscitó. Está claramente injertada para causar ruido tras la película, la discusión posterior al visionado siempre es promoción a 0€ de coste. Pero a pesar de ello hay que alegrarse pues no todo es misterio y ‘El Hoyo 2’ nos brinda nuevas imágenes sobre cómo es el funcionamiento de este presidio.

El diseño de producción y las escenas de acción son muy similares a las de la primera parte, si acaso llevadas a mayor escala, no hay mucho que añadir al respecto. Nos pica la curiosidad por el encuentro final y descubrir realmente qué significan todas las cuestiones que se plantean. Ojalá suceda como en la tercera parte de ‘Cube’ (‘Cube Zero’) y se animen a mostrarnos la trastienda de esta peculiar estructura. Me quedo a la espera de ver pronto una nueva entrega de este universo, así como el siguiente proyecto que prepara este director con el mismo equipo, que de momento se titula ‘Rich Flu’, también tratará sobre la lucha de clases y también se presentará en el Festival de Sitges.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de octubre de 2024. Título original: El hoyo 2. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Garlder Gaztelu-Urrutia. Guion: Pedro Rivero, Galder Gaztelu-Urrutia, Egoitz Moreno, David Desola. Música: Aitor Etxebarria. Fotografía: Jon Sangroniz. Reparto principal: Milena Smit, Hovik Keuchkerian, Natalia Tena, Óscar Jaenada, Zorion Eguileor, Albert Pla. Producción: Basque Films. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama. Web oficial: https://www.netflix.com/us-es/title/81284730

Crítica: ‘Justicia artificial’

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El gobierno anuncia un referéndum para aprobar un sistema de Inteligencia Artificial en la Administración de Justicia que promete automatizar y despolitizar la justicia sustituyendo, en la práctica, a los jueces y juezas de todos los tribunales del país.

El referéndum desata una encarnizada campaña electoral en la que se enfrentan el Gobierno, en alianza con la tecnología creadora del sistema, y la carrera judicial, que defiende el carácter humano de la justicia.

Carmen Costa, una reconocida jueza, es invitada a trabajar en el desarrollo del proyecto, pero la repentina desaparición de Alicia Kóvack, creadora del sistema, provoca una gran desconfianza en ella, hasta el punto de entender que está descubriendo la punta del iceberg de una conspiración que pretende controlar, desde la justicia, a todo un país

Crítica

Interesante thriller con un debate muy actual

Llega a nuestras pantallas ‘Justicia artificial’, una película dirigida por Simón Casal y con guion del propio director junto a Victoriano Sierra Ferreiro.

‘Justicia artificial’ nos trae una historia del que podría ser nuestro futuro, no solo español, sino mundial. El Gobierno decide poner fin a las esperas en el terreno judicial, anunciando un referéndum para aprobar un sistema de Inteligencia Artificial en la Administración de justicia. Con ello, promete automatizar y despolitizar la justicia, sustituyendo, en la práctica, a los jueces y juezas en todos los tribunales del país. Una reconocida jueza, es invitada a trabajar en el desarrollo del proyecto.

La película es un gran thriller, en el que vemos la desconfianza de unos y la seguridad de otros. Una muerte en extrañas circunstancias, conspiraciones y un gran debate sobre si estamos realmente preparados para las IAs, es lo que nos da ‘Justicia artificial’.

Me ha gustado bastante la película, está muy bien dirigida y el ritmo es muy dinámico. El estar rodada en Galicia le da un tono oscuro y triste que a la historia le viene de fábula. Nos crea mucha tensión el no saber exactamente quien está detrás de todo lo que parece una gran conspiración y la verdad los guionistas juegan muy bien las cartas.

Toda la fuerza de la película recae sobre Verónica Echegui, que está estupenda, Concha, su personaje, se enfrenta a un gran problema, si ayudar a una IA a que su trabajo desaparezca o intentar ver fallos en el sistema, además de intentar averiguar de todo lo que está pasando y porque la prisa de introducir este sistema por parte del Gobierno.

A la actriz la acompañan Tamar Novas, Alba Galocha, Lúcia Moniz, Alfonso Pimentel, Paula Morado, Ledicia Sola, Xabier Deive y Alberto Ammann entre muchos otros.

La sobriedad de la fotografía de Diego Cabezas viene muy bien en esta historia, donde lo que nos importa es lo que nos están contando. Es muy sencilla, pero se nota que es a propósito. Eso sí, las escenas en el mar nos dan una nostalgia y tristeza que hace que nos sintamos como la protagonista y logra que vayamos conociendo un poco sus sentimientos.

‘Justicia artificia’ es una película que, aunque no vaya a ser un bombazo, si que es muy recomendable, va a dar debate después de su visionado. Porque como digo, es muy actual, es algo que no creo que a corto plazo, pero si que pienso, que a largo plazo comenzaremos a ver este tipo de noticias en nuestras televisiones, pues la Inteligencia Artificial, cada día está más presente en nuestras vidas. 

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Justicia artificial. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Simón Casal. Guion: Simón Casal. Música: Sofía Oriana Infante. Fotografía: Diego Cabezas. Reparto principal: Verónica Echegui, Tamar Novas, Alba Galocha, Aberto Ammann, José Alfonso Pimentel, Elea Petit, Monti Castiñeiras, Marco D’Almeida, Melania Cruz, Ledicia Sola, Xabier Deive. Producción: Abano Producions, Amazon Prime Video, Axencia Galega das Industrias Culturais, ICAA. Distribución: A Contracorriente Films.  Género: Thriller. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/artificial-justice-1

Crítica: ‘Transformers One’

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Sinopsis

TRANSFORMERS ONE es la historia jamás contada del origen de Optimus Prime y Megatron y de cómo pasaron de ser hermanos de armas que cambiaron el destino de Cybertron para siempre, a convertirse en enemigos acérrimos. La primera película de Transformers animada totalmente por CGI, cuenta con un reparto de voces repleto de estrellas, como Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, con Laurence Fishburne y Jon Hamm.

Crítica

Capaz de transformar a nuevos fans y retener a los del canon original

Hasbro, Paramount y Michael Bay continúan sacando partido a su asociación y haciendo películas con los personajes de los juguetes y series animadas que nacieron a mediados de los ochenta en Japón. Tras una serie de películas que han sido cada vez peor valoradas por la audiencia, pero que irónicamente han conseguido recaudar de media en taquilla más de cinco veces de lo que han costado, llega una nueva entrega. Pero hay cambios sustanciales que hacen de ‘Transformers One’ un nuevo atractivo que intentará recuperar el “bajón” que supuso ‘El despertar de las bestias’, la cual, solo duplicó sus costes.

Para empezar ‘Transformers One’ busca conectar con público adulto e infantil de dos maneras. En primer lugar a través del formato animado, siempre más agradable para las audiencias jóvenes, más fácil de exportar a merchandising y en sintonía con el formato que vio nacer a los autobots y decepticons. En segunda instancia con un tono cómico que hace de esta franquicia algo mucho más desenfadado y alejado de la oscuridad y catastrofismo al que habían llegado con ‘Transformers: el último caballero’. Todo esto nos lleva a repetir el acertado cambio de dinámica que experimentamos con ‘Bumblebee’. Esta nueva entrega ha sido dirigida por Josh Cooley, guionista de ‘Toy Story 4’ y ‘Del revés’, tiene dosis de acción y comedia por doquier. Entre transformaciones, gags y un batiburrillo de robots y arquitectura metálica se vislumbra un discurso sobre la nobleza y la responsabilidad que no llega a la sensiblería de los títulos anteriores del director y recuerda a las moralejas de la serie clásica. Por otro lado, aunque suene más profundo de lo que la propia película pretende ser, incluye algunas apreciaciones sobre el orden social que en ocasiones puede incluso recordar a ‘El hoyo’.

Al igual que la película independiente del Volkswagen amarillo tenemos entre manos una precuela. Se ha retrocedido tanto en el tiempo que nos encontramos ante una de las mayores incursiones en los orígenes de los Transformers. Quizá ese sea un detalle que solo importe a nostálgicos, fans de la saga o coleccionistas de figuras que reconocerán aquí muchísimos nombres y un canon bastante respetado. Pero aparte de eso nos lleva a un factor importante, la ausencia de humanos. Como pasa con las películas de Godzilla, la trama de los humanos suele diluir la destrucción, acción y aventura de estas películas. Con ‘Transformers One’ nos trasladamos a Cybertron, el planeta natal de estas máquinas alienígenas, muy lejos de la Tierra. Con esta circunstancia la narración está al servicio de la ciencia ficción, aunque hay que reconocer que el carácter de los personajes es adolescente y como en películas de este mismo estudio tales como ‘Ninja Turtles: caos mutante’ lo que os aguarda son aventuras y mucha sinvergonzonería, nada complejo o rated R.

La historia original, que fue desarrollada por Marvel Comics por encargo de Hasbro, discrepaba de la serie televisiva aunque ambas coincidían en un conflicto entre autobots y decepticons con el planeta Cybertron manteniéndose neutral y al margen. Ninguna hablaba, que yo recuerde, del origen del conflicto, simplemente de la disputa sobre la Chispa Suprema o la Matriz del Liderazgo y su correcto uso. Se repite esta disyuntiva y se acompaña de una animación que ensombrece a la de muchas de las predecesoras y además se pone la guinda con una acción final en la línea de las películas de Michael Bay.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de septiembre de 2024. Título original: Transformers One. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Josh Cooley. Guion: Andrew Barrer, Gabriel Ferrari, Eric Pearson. Música: Brian Tyler. Reparto principal: Chris Hemsworth, Brian Tyree Henry, Scarlett Johansson, Keegan-Michael Key, Steve Buscemi, Laurence Fishburne, Jon Hamm. Producción: Hasbro, Paramount Animation, New Republic Pictures, Di Bonaventura Pictures, Bay Films, Hasbro Entertainment. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras. Web oficial: https://www.transformersmovie.com/

Crítica: ‘No hables con extraños’

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Cuando una familia estadounidense va invitada a pasar un fin de semana en la idílica finca campestre de una encantadora familia británica que conocieron en unas vacaciones, lo que comienza como una escapada de ensueño pronto se convierte en una retorcida pesadilla psicológica.

Crítica

Un McAvoy colosal encabeza un remake que mejora al original

Tenemos entre manos un remake que causó sensación en los mayores premios cinematográficos de su país y que entre los fans del terror y el suspense ha abierto muchos debates. La película ‘Speak no evil’ de Christian y Mads Tafdrup fue objeto de muchos foros de debate tras su proyección en el festival de Sitges pero por desgracia no llegó a cines de España. No tuvo recorrido por nuestros cines pero solo dos años después tenemos versión norteamericana bajo el nombre de ‘No hables con extraños’. Nos invitan a aceptar esta incómoda experiencia en carteleras con un remake armado por la productora de Jason Blum y dirigido por James Watkins.

La interpretación yanqui de ‘No hables con extraños’ logra lo que parecía difícil: tomar una película original con un suspense casi perfecto y elevarla aún más. Si bien la versión original ya ofrecía una trama tensa, incómoda y que te secuestraba, con interpretaciones memorables que mantenían al espectador al borde del asiento, esta nueva versión destaca por hacer mejoras significativas en el guion. Todo sucede dentro de una horrible realidad más verosímil y además con un segmento de home invasion que aporta más emoción al final.

Uno de los principales aciertos del remake es la forma en que se desarrolla la historia. El guion, aunque conserva la esencia del original, introduce giros más sorprendentes y refina de manera más creíble algunos puntos débiles de la trama anterior. Las motivaciones (y desmotivaciones) de los personajes están más elaboradas, lo que otorga una mayor profundidad emocional a la narrativa y una toma de decisiones más coherente. Además, los diálogos son más dinámicos, añadiendo capas de tensión y misterio que enriquecen la experiencia general.

El gran pilar de esta versión es, sin duda, James McAvoy, el cual se embarcó en este proyecto sin haber visto la fuente danesa de la que parte. Su interpretación es simplemente descomunal. Todos descubrimos su capacidad para mostrar distintas caras con el mismo personaje cuando se estrenó ‘Múltiple’. McAvoy sabe transmitir una mezcla perfecta de vulnerabilidad, ira y obsesión, manteniendo al espectador fascinado en cada escena. Su capacidad para cambiar de registro emocional en cuestión de segundos aporta un nivel de intensidad que pocos actores podrían alcanzar. Donde la película original contaba con buenas actuaciones, McAvoy las supera con creces, convirtiendo su personaje en el corazón de esta historia oscura.

Aún así, si visteis en festivales ‘Speak no evil’, sentiréis lo mismo con el protagonista que en su día interpretó Morten Burian y ahora está encarnado por Scoot McNairy. Muerde el anzuelo de la misma manera, sintiendo envidia por una vida mucho más despreocupada y salvaje que la que lleva Su manera de proceder es tan excesivamente complaciente, dócil o sumisa que parece que ha experimentado la desmoralización de un preso de un campo de concentración en tan solo un solo fin de semana. Por su parte Mackenzie Davis está más verosímil, encarnando esas reacciones agresivas, violentas y a la defensiva que ya asumimos como naturales en los estadounidenses, así como su hipocresía y desconexión con nuestra propia naturaleza. Quizá el mostrar esta otra faceta, menos flemática y más combativa que la de los países del norte de Europa, es la razón de ser de este filme.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de septiembre de 2024. Título original: Speak no evil. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: James Watkins. Guion: James Watkins, Christian Tafdrup, Mads Tafdrup. Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans. Fotografía: Tim Maurice-Jones. Reparto principal: James McAvoy, Mackenzie Davis, Scoot McNairy, Alix Wester Leffer, Kris Hitchen, Aisling Franciosi. Producción: Blumhouse, Universal Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.universalpictures.es/micro/no-hables-con-extra%C3%B1os

Crítica: ‘El 47’

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En los años 60 y 70, la periferia de Barcelona se ha formado y construido en su mayor parte por inmigrantes extremeños y andaluces que han levantado los barrios con sus propias manos, pero no están considerados como parte de la ciudad. Sus chabolas ni siquiera tienen agua corriente o electricidad. Harto de que el Ayuntamiento diga que el transporte público no puede llegar a la zona porque las calles son demasiado estrechas e inseguras, el conductor de autobús de la TMB Manolo Vital (Eduard Fernández) intentará demostrar, al volante de “El 47”, que las autoridades se equivocan.

Crítica

Un ‘Cuéntame’ a lo barriada catalana

En toda civilización se han constatado éxodos hacia los grandes núcleos urbanos. La protección y abundancia de los ecosistemas artificiales creados por el hombre atraen a los necesitados y a los hambrientos de fortuna como la miel a las moscas. En códigos modernos decimos que el movimiento interno más común dentro de España es aquel que lleva a los llamados provincianos a huir de las crisis y las miserias de su tierra hacia las urbes, presuntamente repletas de oportunidades. Esto perdura hoy en día y un servidor es también testigo y partícipe de ello al haberme visto obligado a migrar por la falta de trabajo en tierras como las salmantinas y las cacereñas, de donde procede también el protagonista interpretado por Eduard Fernández.

La de ‘El 47’ es una historia aún más dramática, quizá germen, desde luego contribuyente, de ese mal que hoy llamamos la “España vaciada”, pues se enmarca en una ciudad creciente como Barcelona que por entonces estaba rodeada de precariedad y no paraba de recibir extremeños, murcianos y andaluces por doquier. Aunque su historia de desahucios y de poblados chabolistas aún se ve hoy en día, nos traslada a un 1958 con muchísimo por mejorar, en el que los ciudadanos estaban evidentemente más desprotegidos. Bien es cierto que el tiempo nos permite establecer una comparativa alentadora, pero ‘El 47’ nos recuerda que hay aún hay mucho por andar a nivel individual, que la rutina de nuestro día a día no nos puede impedir ponernos en la piel de aquellos con los que nos solemos topar.

Torre Baró es el barrio del Nou Barris, del extrarradio de la Ciudad Condal, que ocupa esta narración. Una zona que fue creada de la nada hace poco más de cincuenta años y que hoy en día alberga a casi tres mil habitantes. ‘El 47’ nos recuerda que en el siglo pasado tuvimos nómadas en España, que ellos son los que transformaron realmente nuestras capitales. A penas quedan gatos en Madrid, ¿verdad? Para encarrilar esta historia de evidente carácter social, algo nada raro en la filmografía de Marcel Barrena (‘Mediterráneo’), nos presentan a Manuel Vital, del cual vemos imágenes de archivo al final del filme. Él era un conductor de autobús que tenía que darse buenas palizas para llegar hasta su trabajo en el centro de Barna, al igual que todos sus vecinos. Si queréis marcaros una maratón de cine comprometido y de concienciación podéis ver esta película y la recientemente estrenada, ‘Los indeseables’. Ambas tienen valores y carácter suficiente como para hacer que mires de otra manera a aquellos con los que coincides en el metro, pero que seguramente vienen de mucho más lejos.

Aún hoy en día existen en España barrios con carencias, casi tercermundistas, repletos de jóvenes que sienten vergüenza de sus orígenes y poblados por vecinos impotentes y anulados. No hablo de absolutamente todas las barriadas de España, es cosa de excepciones. Lo mejor que hace ‘El 47’ es recalcar que en esos lugares a los que a priori se achaca un carácter delincuente o cuanto menos peligroso, hay personas de bien consideradas o tratadas como insignificantes a pesar de ser parte de esa base social que cimenta nuestra sociedad. Barrena atina también a mostrar, como en tanas películas de David contra Goliat, que curiosamente el sistema que sustentan les machaca con la burocracia y el ostracismo. Aunque la narración es eficiente y se ve claramente su intencionalidad, hay que reconocer que ‘El 47’ redunda mucho en la miseria de sus personajes, enarbolando reiterativamente un discurso sobre la decencia de aquellos que quieren echar raíces y prosperar, retardando hasta casi una hora la aparición del vehículo que da título al filme.

Si hay que ponerle una pega al filme es el excesivo tiempo que emplea en ponernos en situación. Y hablando de enmarcar la historia, en un par de ocasiones se lleva a cabo una fusión entre imagen de archivo y el metraje rodado, al estilo ‘Cuéntame cómo pasó’. Ese carácter familiar y nostálgico de la serie de TVE está presente también en ‘El 47’. Curiosamente un actor recurrente de esa serie como es Carlos Cuevas está en el reparto y aparece de vez en cuando. Lástima que, aunque como siempre consigue una gran verosimilitud en su personaje, Eduard Fernández tenga también tenga algo intermitente en su personaje, un acento extremeño que pierde en muchas escenas.

Resulta entrañable y es digno de dedicarle una pequeña reflexión esas escenas en las que el conductor habla con sus pasajeros habituales. Hoy en día no dedicamos espacio casi ni a saludar a quien nos lleva a nuestro destino, quizá amparados en el cartel de “Se prohíbe hablar con el conductor”, quizá porque anteponemos nuestros problemas a los suyos considerándole una parte de la máquina motorizada que nos transporta. Es una reflexión casi desesperanzadora, que puede hacer que en cierto sentido te derrumbes, como lo hace la última escena, interpretada por un personaje que parece que tiene una trama un tanto descolgada y resurge al final para brindarnos un momento la mar de emotivo, quizá un tanto alargado.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de septiembre de 2024. Título original: El 47. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Marcel Barrena. Guion: Marcel Barrena, Alberto Marini. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Isaac Vila. Reparto principal: Eduard Fernández, Clara Segura, Zoe Bonafonte, Carlos Cuevas, Salva Reina, Oscar de la Fuente, Vicente Romero, Betsy Túrnez, David Verdaguer. Producción: The Mediapro Studio, RTVE, 3Cat, Triodos Bank, ICO. Distribución: The Mediapro Studio. Género: drama.

Crítica: ‘Silver Haze’

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Cuando era pequeña, Franky, una joven enfermera del extrarradio de Londres, sufrió un accidente que le dejó secuelas de por vida. Quince años después, su inseguridad y su obsesión por encontrar respuestas, la han bloqueado emocionalmente, hasta que se enamora de Florence, una de sus pacientes. Florence, una joven vitalista, la invita a escapar de su realidad acogiéndola en su hogar, descubriéndole un refugio en el que superar las “cicatrices” del pasado.

Crítica

Vicky Knight experimenta una catarsis de la que pueden enriquecerse muchos espectadores

‘Silver Haze’, dirigida por Sacha Polak, es una película que se adentra en los recovecos de la fragilidad humana, explorando la complejidad de las relaciones, el trauma y la búsqueda de la redención. Se ha destacado en el circuito de festivales por su retrato honesto y crudo de una joven que intenta superar su pasado mientras navega por un presente incierto.

La historia sigue a Franky (Vicky Knight), una joven enfermera londinense que lleva las cicatrices físicas y emocionales de un incendio que la marcó profundamente en su niñez. Este trauma es el motor que impulsa gran parte de la narrativa, ya que Franky lucha por reconciliarse con su pasado mientras intenta encontrar un lugar en el mundo donde pueda sentirse segura y aceptada.

Una de las fortalezas de ‘Silver Haze’ radica en su capacidad para presentar personajes complejos y multidimensionales. Vicky Knight, en el papel de Franky, ofrece una actuación profundamente emotiva y matizada. Knight, que ya trabajó con Sacha Polak y en la vida real también es víctima de quemaduras, aporta una autenticidad palpable a su papel, lo que hace que el dolor y la lucha de su personaje sean aún más resonantes. La dirección de Polak se enfoca en capturar la crudeza de la vida de Franky, utilizando primeros planos y planos detalle que permiten al espectador sumergirse en su mundo interno. Esta elección estilística es efectiva, aunque a veces puede sentirse un tanto intrusiva, obligando al espectador a confrontar de manera constante el dolor de la protagonista sin ofrecer muchos respiros emocionales.

El guion, coescrito por Polak, es otro aspecto destacado de la película. La narrativa está construida de manera que el trauma de Franky nunca se siente explotado, sino tratado con una sensibilidad que respeta tanto al personaje como a la audiencia. La película aborda temas difíciles como la violencia, el abuso, el trauma y la marginalización, pero lo hace con una mirada compasiva y sin caer en el sensacionalismo. Este equilibrio delicado es en parte lo que ha hecho que reciba tantos aplausos.

Sin embargo, no todo en ‘Silver Haze’ funciona de manera óptima. A medida que la trama avanza, la película introduce una serie de personajes secundarios y subtramas que, si bien enriquecen el mundo de Franky, a veces diluyen el enfoque central de la historia. La relación entre Franky y Florence, una joven con la que establece una conexión romántica, es interesante y ofrece un contrapunto esperanzador al tono generalmente sombrío de la película, pero en ocasiones se siente subdesarrollada. El filme también presenta momentos en los que la narrativa parece perder un poco de su impulso, estancándose en escenas que, aunque pueden tener un impacto en nuestra retina, no siempre avanzan la trama de manera significativa. Visualmente, ‘Silver Haze’ es un logro notable. La fotografía capta de manera impresionante la atmósfera de los barrios obreros de Londres, con su mezcla de belleza cruda y desolación. El uso del color y la luz es particularmente efectivo para reflejar los estados emocionales de los personajes.

En términos temáticos, ‘Silver Haze’ se centra en la idea de la sanación y la redención, no solo para Franky, sino también para aquellos que la rodean. La película sugiere que, aunque el trauma puede definirnos, también hay espacio para el crecimiento y la transformación. Polak no ofrece soluciones fáciles ni finales felices tradicionales, lo cual es refrescante en un mundo cinematográfico donde a menudo se tiende a subestimar la complejidad del dolor humano.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2024. Título original: Silver Haze. Duración: 103 min. País: Países Bajos. Dirección: Sacha Polak. Guion: Sacha Polak. Música: Joris Oonk, Ella van der Woude. Fotografía: Tibor Dingelstad. Reparto principal: Vicky Knight, Esme Creed-Miles, Charlotte Knight, Archie Brigden, TerriAnn Cousins, Angela Bruce. Producción: EMU Films, Viking Film. Distribución: Caramel Films, La Zona. Género: drama. Web oficial: https://emufilms.com/projects/silverhaze/

Crítica: ‘Isla perdida’

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Álex (Aida Folch) es una española que comienza un nuevo trabajo como camarera en un restaurante de una isla perdida en Grecia. A pesar de ganarse rápidamente la confianza del brasileño Chico (Juan Pablo Urrego), Álex se enamora de Max, el norteamericano que regenta el establecimiento (Matt Dillon). Mientras su amor florece, se empiezan a descubrir inquietantes pistas sobre el oscuro y misterioso pasado de Max.

Crítica

Isla perdida, un haunted heart incapaz de cautivarnos o intrigarnos

Fernando Trueba, autor de películas tan conmovedoras y completas como ‘El olvido que seremos’, ‘Belle Epoque’ o ‘La niña de tus ojos’, nos propone ahora un drama romántico rodeado de suspense.

Una pequeña isla perdida en la Grecia de 2001 acoge un trío amoroso lleno de pasiones que va dando paso a recelos. Vamos del verano al otoño y como es natural acabamos en el invierno. Con ello Trueba juega con la asociación de ideas. Tradicionalmente identificamos el verano con el ocio, las emociones y los amores pasajeros. Con el otoño todo cambia de color, descubrimos las ramas ocultas por las hojas caídas y casi todo se empieza a morir. Finalmente llegamos al frío invierno, la época en la que todos nos escondemos en nuestras casas y huimos de las dañinas inclemencias. Esas son las fases ‘Isla perdida’. El guión nos lleva de lo cálido y acogedor para terminar con la incomodidad de los secretos y la desconfianza.

Se supone que la película se ha hecho rindiendo tributo a maestros del thriller como Hitchcock y Highsmith. Pero algunas sobreactuaciones y lo poco capaz que es el guión de cautivarnos hace que por mucha concentración que le pongamos no encontremos ninguna de esas referencias. El romance es bastante evidente y forzado, lo vemos venir en cuanto nos presentan a los protagonistas. La joven pasional en busca de trabajo (Aida Folch), el guapete resultón que le tira los trastos a todas (Juan Pablo Urrego) y el misterioso jefe venido de América (Matt Dillon). Ahí la trama no puede ser más arquetípica. Para los amantes del cine de amoríos ‘Isla perdida’ puede ser un entretenimiento correcto. Si buscas un thriller clásico he de decir que lo veo solo en determinados momentos. Si hay algo que remonta al cine del maestro del suspense es la relación con la música compuesta por instrumentos suaves de viento, algunos planos y el tratamiento de los personajes, con los que volvemos al tipo duro y misterioso con cicatrices que acariciar por una mujer enamoradiza y extrañamente solícita a pesar de que intentan dibujarla con carácter y persosnalidad. Donde se supone que debíamos encontrar una sorpresa digna de quitarnos el hipo es en el tercer acto, en el que el personaje de Matt Dillon desvela sus cartas. Ni merece la pena destriparos el secreto ni quiero que esperéis algo a la altura de un tributo a los directores citados más allá que algún que otro McGuffin. Es por ello que, para mí, esta es una película menor en la filmografía del mejor de los Trueba, de hecho si la hubiese visto sin títulos de crédito no habría adivinado que es suya.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2024. Título original: Haunted Heart. Duración: País: España. Dirección: Fernando Trueba. Guion: Rylend Grant, Fernando Trueba. Fotografía: Sergio Iván Castaño. Reparto principal: Aida Folch, Matt Dillon, Juan Pablo Urrego. Producción: Atlántika Films, Fernando Trueba Producciones Cinematográficas. Distribución: BTeam Pictures. Género: suspense. Web oficial: https://atlantikafilms.com/produccion/haunted-heart/

Crítica: ‘MaXXXine’

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Hollywood, años 80 del siglo pasado. Maxine Minx, estrella del cine para adultos y aspirante a actriz, tiene por fin su gran oportunidad. Pero mientras un misterioso asesino acecha a sus compañeras, un rastro de sangre amenaza con revelar el siniestro pasado de Maxine.

Crítica

Culmina un homenajea al género que ha estado plagado de elegancia y feroz intensidad

El filme que hoy nos ocupa pertenece a una saga que por lo menos en España ha sido bastante maltratada, por sus distribuidoras y por el público ajeno al género. ‘MaXXXine’, de Ti West, constituye el cierre de una trilogía que comenzó con ‘X’ y continuó con ‘Pearl’. Ambas se pueden disfrutar de manera independiente y en cualquier orden, pero en el caso de este tercer título conviene ponerse en precedentes. El talento de Ti West y su capacidad para crear secuelas espirituales han hecho que este estreno sea todo un evento muy esperado para los seguidores de este director, yo entre ellos, reconozco. Esta trilogía ha sido destacada por su enfoque en el horror psicológico y su homenaje a diversas eras del cine de terror. Para entender ‘MaXXXine’, es esencial conocer el viaje que nos lleva hasta aquí, es decir, saber destilar los elementos de varios géneros. Para disfrutarla en todos sus niveles sería recomendable haber visto sus predecesoras, solo así se puede apreciar la evolución tanto de la narrativa, como de la protagonosta, como del estilo visual y temático de West.

Ti West nos ha hecho saltar por diferentes épocas materializando un auténtico viaje generacional. Cada película, aunque conectada temáticamente, presenta una estética y un enfoque narrativo distintos, permitiendo a los espectadores experimentar una evolución en la forma y el contenido que es rara vez vista en series de películas de terror. De los setenta retrocedimos a la época del Technicolor y ahora le toca a los transgresores años ochenta. Si con ‘X’ incluyó el grano y la estética del cine de explotación y con ‘Pearl’ nos saturó de color cincuentero, con ‘MaXXXine cada imagen y sonido trata de capturar la vibrante pero superficial atmósfera de la cultura pop de los 80, sobre todo del Grindhouse. La fotografía y la banda sonora reflejan este cambio, con colores neón y una sensación general de exceso y decadencia que caracterizan la década. Por lo tanto además del trabajo del director hay que adular por igual a quienes se han encargado de fotografía y música, Eliot Rockett y Eliot Rockett respectivamente. Y no me quiero olvidar de los prostéticos, aquellos que nos hacen creer que estamos viendo tripas, cerebros y sangre, pues son realmente impactantes.

Los leitmotivs de esta trilogía son varios. El crimen salvaje, la búsqueda de la fama, la pornografía, la locura, la hipocresía del público de cine adulto y el miedo a la vejez predominan a lo largo de la trilogía. En común también hay algunos planos calcados que evidentemente cambian su escenografía. A parte de tocar el caso real de Richard Ramirez, una de las principales diferencias entre ‘MaXXXine’ y las dos primeras películas es su enfoque en la industria del entretenimiento y su carácter de historia negra y detectivesca. En lugar de un entorno rural o aislado nos trasladamos a la gran ciudad, cambiando el escenario y aumentando notablemente el número de personajes. Mientras ‘X’ y ‘Pearl’ exploran el horror que emerge de la represión y el aislamiento, ‘MaXXXine’ aborda el lado oscuro de la búsqueda de la fama y el éxito en un mundo despiadado y competitivo. Ti West utiliza esta ambientación para profundizar en temas de identidad, ambición y el costo personal de perseguir los sueños en una ciudad que puede consumir a sus habitantes. Esto último nos aporta como novedad un reparto que pone la guinda al pastel (ver ficha al pie de esta crítica).

La trilogía en su conjunto muestra la versatilidad de West como director y su habilidad para explorar diferentes subgéneros del terror con una sensibilidad única. Además supone una vuelta de tuerca a un género que casi siempre es tachado de superficial y gratuito. ‘MaXXXine’ se destaca no solo por cerrar la historia de manera más o menos satisfactoria, sino por hacerlo con un estilo propio que ofrece una mirada crítica a la cultura de los 80 y a los costos personales de la ambición desmedida. De ahí que abra con una frase de Bette Davis que reflexiona sobre el concepto y el tratamiento que le da la sociedad a las estrellas.

Evidentemente la otra constante, indispensable y a subrayar en color fluorescente, es Mia Goth. En ‘MaXXXine’ brilla al llevar más allá su exploración del personaje que comenzó en ‘X’ y ‘Pearl’. Se percibe una continuidad en cuanto al estudio de personajes desquiciados por los motivos que enumeraba antes como leitmotiv. Su interpretación en esta tercera entrega ejecuta una evolución palpable de Maxine Minx, profundizando en su complejidad emocional y resiliencia al límite. Goth demuestra una versatilidad impresionante, manteniendo la continuidad de sus personajes previos mientras aporta nuevas dimensiones. Aunque a muchos les parecerá algo excesivamente intenso, su capacidad para transmitir vulnerabilidad y fortaleza a la vez es un testimonio de su talento, consolidándola como una actriz destacada en el género de terror contemporáneo.

Había una pregunta en el aire que debía responderse tras ver ‘MaXXXine’. ¿Qué pretendía Ti West con esta trilogía? Cabría esperar una reflexión mayor y podría decirse que es un homenaje al cine, sobre todo un tributo a la evolución del cine de terror y una exploración profunda de los miedos y deseos humanos. Más allá de la evidencia de ‘Psicosis’ está el detalle de la colilla en la estrella de Theda Bara. Así mismo es una forma descarada de vanagloriarse de un talento, de esos que es siempre capaz de explotar A24. Ti West entrelaza horror y arte en una sinfonía cinematográfica. Quizá no vuelva a alcanzar nunca estos niveles, pero sin duda con este trío de películas, más allá de poder consolidar a este director como una estrella del género, se ofrece una experiencia cinematográfica rica y multifacética que dejará una marca indeleble en el cine de terror contemporáneo.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2024. Título original: MaXXXine. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Ti West. Guion: Ti West. Música: Tyler Bates. Fotografía: Eliot Rockett. Reparto principal: Mia Goth, Elizabeth Debicki, Halsey, Lily Collins, Kevin Bacon, Giancarlo Esposito, Moses Summey. Producción: A24, Motel Mojave, Access Entertainment, New Zeland Film Commision. Distribución: Universal Films. Género: terror, suspense. Web oficial: https://a24films.com/films/maxxxine

Crítica: ‘Jackpot!’

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En un futuro próximo, se ha creado el sorteo de la Gran Lotería. El truco es matar al ganador antes del anochecer y reclamar legalmente el bote multimillonario. Cuando Katie Kim (Awkwafina) se hace con el boleto ganador por error, se une a regañadientes al agente novato de protección de la lotería Noel Cassidy (John Cena), que deberá mantenerla con vida a cambio de una parte del premio.

Crítica

John Cena y Awkwafina, ¿Qué puede salir mal? 

Prime Video, nos sorprende con ‘Jackpot!’, una comedia muy boba pero que funciona desde el minuto uno. Y es que la gran personalidad de ambos actores, logran una química espectacular en la pantalla y nos hacen reír y disfrutar a base de grandes escenas de acción y persecuciones por medio Hollywood.

¿Qué nos vamos a encontrar en ‘Jackpot!’? Estamos en un futuro próximo, en California se ha creado un premio gordo de la lotería, el truco para conseguirlo: matar al ganador antes de que se ponga el sol para poder reclamar legalmente el premio multimillonario. Nuestra protagonista Katie Kim, es la ganadora por error de este premio. Comienza así una pesadilla en la que todo el mundo quiere asesinarla. Noel Cassidy aparece de la nada para salvarla de todo lo que se le viene encima.

Dirigida por Paul Feig (‘Un pequeño favor’) y con guion de Rob Yescombe, guionista de muchos videojuegos. Esto último se nota, porque como he dicho, hay acción desde el principio y es una película que no para, con personajes muy locos y bastante peculiares. Todo esto unido a grandes escenas de luchas, también muy locas. Teniendo en cuenta que no está permitido matar con armas de fuego, vamos viendo la inventiva de la gente para sacar armas de cualquier objeto, como si de John Wick se tratase.

En el reparto encontramos caras muy conocidas, como a Seann William Scott, Josh Diogo, Dolly De Leon, Murray Hill, Sean Sullivan, Lisa Catara, Ayden Mayeri, Donald Elise Watkins y Simu Liu.

Pero como dije al comienzo de mi crítica, John Cena y Awkwafina están estupendos. Logran crear una pareja cómica increíble. John Cena hace un papel bastante tierno, un gigante de puños de hierro con un corazón enorme. El cual ha tenido errores a lo largo de su vida, pero solo quiere el bien. Y Awkwafina, su personaje es una pobre desgraciada a la que engañan todo el rato en la gran ciudad, la cual tiene hasta la mala suerte de ser agraciada con esta loca lotería que va a terminar con su vida.

La película me ha parecido como digo, muy divertida. Y ya os digo, no os perdáis los créditos, tenéis todas las tomas falsas de la película y la verdad que son divertidísimas. A partir del día 15 tenéis ‘Jackpot!’ en vuestras casas. 

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de agosto de 2024. Título original: Jackpot!. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Paul Feig. Guion: Rob Yescombe. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: John Schawartzman. Reparto principal: Awkwafina, John Cena, Simu Liu, Ayden Mayeri, Seann William Scott, Machine Gun Kelly, Donald Watkins, Sam Asghari, Murray Hill. Producción: Amazon Studios, Feigco Entertainment, Summer House Pictures. Distribución: Amazon Prime Video. Género: Comedia. Web oficial: https://www.primevideo.com/-/es/detail/Jackpot/0SHYKLT6SZKGH9DDAEXL3J4W8A

Crítica: ‘The Sweet East’

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Lillian, una joven estudiante de instituto, se escapa durante una excursión escolar. En este picaresco viaje que nos recuerda a un cuento de hadas o a una gamberra Alicia en el País de las Maravillas, la joven descubrirá un mundo sorprendente. ¡Bienvenidos a América!

Crítica

Un retrato norteamericano embadurnado del descaro y el nihilismo que tanto caracteriza a la adolescencia

Punks a lo Sid Vicious con ganas de disturbios, escolares de excursión haciendo travesuras, yihadistas fans del eurodance retirados en el monte, ultraderechistas a lo QAnon de picnic, cineastas petulantes hasta arriba de entusiasmo, una breve aparición de Andy Milonakis relacionándose con el pizzagate… ‘The Sweet East’ es una película intrigante que presenta una narrativa multifacética, ofreciendo una mirada penetrante a la América contemporánea a través de los ojos de su protagonista, Lillian, una joven de secundaria interpretada por Talia Ryder. Dirigida por el debutante Sean Price Williams, la película se destaca por su estilo visual distintivo y una dirección que combina elementos de realismo y surrealismo, proporcionando una experiencia cinematográfica sugerente y rica para aquellos capaces de extraer de ella algún tipo de moralina.

Básicamente parece un film hecho por alguien patriota que está profundamente preocupado por lo que pasa en su país, solo así se puede entender todo lo que plantea y que desemboca en un dramático y enigmático final. Entre sus muchas divagaciones cuesta ver si es una película compleja o si simplemente es enrevesadamente disparatada. Una de las características más notables de ‘The Sweet East’ es su enfoque en la exploración de la identidad y el autodescubrimiento en un contexto moderno y fragmentado. Lillian es una protagonista que atraviesa una serie de encuentros y experiencias que desafían su comprensión del mundo y de sí misma. La actuación de Ryder es particularmente destacable, su interpretación logra capturar la vulnerabilidad y la resiliencia de su personaje, haciendo que el público se sienta profundamente conectado con su viaje. Es por todo esto que se compara a este filme con ‘Alicia en el País de las Maravillas’. Pero más que un peregrinaje interior, lo que yo creo que consigue Pierce Williams es una radiografía de un país que está repleto de extremos surrealistas. El guion, escrito por Nick Pinkerton, es una mezcla de episodios que oscilan entre lo travieso, lo absurdo y lo trágico. Estamos en un mundo caótico y eso refleja tanto el montaje como el vagabundear de la protagonista. La sátira está más que presente, embadurnada del descaro y el nihilismo que tanto caracteriza a la adolescencia.

El término aesthetic se emplea mucho hoy en día en las redes sociales, sobre todo por los más jóvenes. Suele entenderse como la búsqueda de un estilo visual que no entiende de épocas ni de esquemas predefinidos. Visualmente, ‘The Sweet East’ sigue esa tendencia. Mientras que los protagonistas visten como en los setenta, las imágenes están tomadas en 16mm, se comunican con smartphones y suena el Mr. Vain de los 90. Sean Price Williams, conocido por su trabajo como director de fotografía en películas independientes, aporta su distintivo estilo visual a la dirección de esta película. La cinematografía es rica y evocadora, utilizando la luz y el color de manera efectiva para crear atmósferas que reflejan el estado emocional de Lillian. Cada escena está cuidadosamente compuesta, y la cámara a menudo actúa como un observador silencioso, capturando momentos de belleza y crudeza con igual sensibilidad. A veces parece que estamos viendo una historia ambientada en el Camden londinense y otras de puro gótico americano.

Sin embargo, ‘The Sweet East’ no está exenta de riesgos o desaciertos. La estructura episódica de la narrativa puede resultar casi inconexa para algunos espectadores, dificultando la inmersión completa en la historia, que puede dar la impresión de ser una sucesión de cosas raras porque sí. Además, la película aborda una amplia gama de temas y, en ocasiones, parece abarcar más de lo que puede manejar de manera coherente. Esto puede llevar a que ciertos elementos se sientan subdesarrollados o tratados de manera superficial. A pesar de esos puntos débiles, ‘The Sweet East’ puede considerarse una película valiente y original, cuanto menos provocadora y consciente de lo que le rodea.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2024. Título original: The Sweet East. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Sean Price Williams. Guion: Nick Pinkerton. Música: Paul Grimstad. Fotografía: Sean Price Williams. Reparto principal: Talia Ryder, Earl Cave, Simon Rex, Ayo Edebiri, Jeremy O. Harris, Jacob Elordi, Rish Shah. Producción: Marathon Films, Base 12 Productions. Distribución: Caramel Films. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.caramelfilms.es/catalogo/the-sweet-east/

Crítica: ‘Buffalo Kids’

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Tom y Mary, dos hermanos huérfanos, desembarcan en Nueva York a finales del siglo XIX. Para reunirse con su tío, se aventuran como polizones en un tren por el Salvaje Oeste donde conocerán a Nick, un nuevo y extraordinario amigo que cambiará sus vidas para siempre. Juntos se embarcarán en un peligroso viaje, enfrentándose a malvados villanos, haciendo inesperados amigos y viviendo situaciones únicas en una conmovedora y divertida historia sobre la búsqueda de un hogar.

Crítica

Un western road trip con tanta aventura como emotividad

Quizá no tenga la misma repercusión o impacto en la cultura popular, pero la animación Española no tiene nada que envidiar a industrias como la americana, quien ponga eso en duda debería ver películas como ‘Robot Dreams’ o ‘Buffalo Kids’. Se lo acaba de arrebatar el corto ‘ON/OFF’ de Nicolás Pedro Villarreal pero el cortometraje ‘Cuerdas’, del cual parte ‘Buffalo Kids’, llegó a ostentar el Récord Guinness del cortometraje más premiado. Ahora, a partir de la idea de esa sencilla y bonita historia llega este largometraje.

Si con el cortometraje nos invitaron a retornar a un patio de colegio repleto de juegos como la comba, las palmas o la pelota, ahora lo directores Pedro Solís y Juan Jesús Galocha “Galo” nos transportan a un viaje por los Estados Unidos de finales del siglo XIX. Allí conocemos a dos hermanos irlandeses, huérfanos y emigrantes. Han de ir sin recursos de Nueva York a California para conocer a su tío. En esa aventura conocen a Nick, un niño con parálisis cerebral que junto a otros niños viajan en busca de unos padres de adopción. Puede que cueste creerlo, pero todo esto que parece salido de la sombría mente de Charles Dickens es un western road trip repleto de emotividad y peripecias.

La película gana aún más matices de afectividad cuando conocemos un tierno detalle. Nick realmente es Nicolás, el hijo de Pedro Solís. Coprotagonizaba el corto y también ‘Buffalo Kids’. Vale que la película se podría resumir como el tributo de un padre que quiere brindarle a su hijo una última aventura. Pero el filme, aunque tiene mucha sensibilidad, no se deja llevar por la sensiblería. Si el corto clamaba por la inclusión y la comprensión, el largometraje hace lo mismo en un escenario aún más grande, extendiendo su discurso a otros ámbitos y personas.

Los autores de ‘Tadeo Jones’ o ‘Momias’ van acercando cada vez más su estilo gráfico al de Pixar/Disney pero no tienen nada que envidiar. Alcanzando un nivel superior al de la saga ‘Tadeo Jones’ consiguen escenarios a veces fotorealistas para personajes ligeramente cabezones. El equilibrio entre caricaturización y paisaje realista está muy logrado. Con ello nos transportan efectivamente al far west de un modo que en muchas ocasiones rememora a los clásicos de los cincuenta.

Aunque hay hasta un guiño para ‘Aterriza como puedas’, ‘Buffalo Kids’ es una obra marcadamente infantil. Al fin y al cabo, busca inculcar valores de respeto e igualdad, los cuales, tampoco está de sobra recordárselos a algunos adultos. Por lo demás es rendirse a un divertimento con nativos americanos iniciándose en el fútbol, una niña la mar de revoltosa y un perro llamado pizca.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2024. Título original: Buffalo Kids. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Juan Jesús García Galocha, Pedro Solís García. Guion: Jordi Gasull, Javier López Barreira, Pedro Solís García. Música: Fernando Velázquez. Reparto principal (doblaje original): Alisha Weir, Sean Bean, Gemma Arterton, Stephen Graham. Producción: Atresmedia Cine, 4CatsPictures, Little Boy AIA, Anangu Grup, Mogambo Entertainment. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras. Web oficial: https://www.warnerbros.es/peliculas/buffalo-kids

Crítica: ‘Una madre de Tokio’

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El trabajo de Akio Kanzaki como jefe de recursos humanos está acabando con sus nervios. Para colmo, está a punto de divorciarse de su mujer y la relación con su hija universitaria no es precisamente fluida. Un día, para relajarse, decide visitar a su madre en el barrio antiguo del centro de Tokio. Pero en seguida nota que algo ha cambiado y todo le parece un poco raro.

Crítica

Yôji Yamada sigue con su saga tokiota, llevándola a un punto más universal que nunca

La premisa de ‘Una madre de Tokio’ nos hace conocer a Akio Kanzaki (Yō Ōizumi), un japonés al borde del colapso ya que sufre una de esas crisis en las que pones un circo y te crecen los enanos. Le asalta la sombra del divorcio, le cuesta relacionarse con una hija que está en fase universitaria, tiene a la vista una reunión de antiguos alumnos y en su trabajo como jefe de recursos humanos se encuentra contra las cuerdas. Para intentar imbuirse de algo de paz recurre a volver al seno materno, a la casa en la que reside su madre (Sayuri Yoshinaga) en pleno casco antiguo de Tokio. Por desgracia para él no es una “vuelta a casa por Navidad”, pues se topa con un ambiente muy diferente al que recordaba.

El argumento de la película de Yôji Yamada me recuerda al de una película española que vimos en junio, ‘La bandera’, pero la dinámica y los derroteros que sigue ‘Una madre de Tokio’ son mayúsculamente diferentes. Eso sí, al igual que con el título de Martín Cuervo conviene no desvelar la razón por la que el protagonista ve el hogar de su infancia de un modo un tanto extraño, le puede restar algo de gracia. No obstante, al igual que con ese filme protagonizado por Imanol Arias, hay que señalar que el cambio no es el eje que vertebra la película, solo es el disparador para que el protagonista y por extensión los espectadores, encontremos espacio para la reflexión.

El valor de esta película reside en otros aspectos que van más allá de lo superficial. Con ‘Una madre de Tokio’ Yamada continúa con su saga en torno a la capital nipona, compuesta por películas como ‘Verano de una familia de Tokio’ (2018), ‘Maravillosa familia de Tokio’ (2017) y ‘Una familia de Tokio’ (2013). Realiza un retrato realista, pero ameno, con pinceladas de humor. Refleja a una sociedad repleta de contrastes, en constante conflicto con sus tradiciones. En esta ocasión lo hace a través de unos familiares un tanto despegados a causa de la vida en la gran ciudad. La perplejidad para el protagonista no llega porque la el día a día de su madre le resulte chocante, sino porque se da cuenta de que no conoce a su madre ni a su cotidianidad, en consecuencia, ve que ha perdido el norte al focalizar su vida en lo laboral. El título es ‘Una madre de Tokio’ pero si vives en una gran ciudad o a kilómetros de tu familia seguro que percibes que en esta historia oriental hay elementos con los que sentirte identificado. Esa universalidad, que es pauta habitual en la cinematografía del cineasta, por supuesto que va acompañada de las peculiaridades de la cultura japonesa y es la que le ha hecho ganar múltiples premios, tanto nacionales como internacionales.

El guión despliega un abanico de argumentos contra el desarraigo y los valores que se anteponen en aras del trabajo y en contra de los valores sencillos de la vida. Sobre todo hace énfasis en el hastío y fatiga que provocan la vida que elegimos llevar. Para exponer esta especie de estudio reparte el protagonismo entre la figura del hijo y la madre, de manera separada pero encontrando regularmente nodos en común. Aunque el metraje se estira en exceso para contarnos algo que no es nuevo, funciona en el sentido de lograr explorar las repercusiones de dichas elecciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2024. Título original: Konnichiwa, Kaasan. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Yôji Yamada. Guion: Yuzo Asahara, Yôji Yamada. Música: Akira Senju. Fotografía: Masashi Chikamori. Reparto principal: Sayuri Yoshinaga, Yō Ōizumi, Mei Nagano, Yukiko Ehara. Producción: Shochiku. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial: https://movies.shochiku.co.jp/konnichiha-kasan/

Crítica: ‘Borderlands’

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Lilith (Cate Blanchett), una malvada cazarrecompensas con un misterioso pasado, regresa de mala gana a su hogar, Pandora, el planeta más caótico de la galaxia. Su misión es encontrar a la hija desaparecida de Atlas (Édgar Ramírez), el cabronazo más poderoso del universo. Lilith forma una inesperada alianza con un extraño equipo: Roland (Kevin Hart), un veterano mercenario con una misión; Tiny Tina (Ariana Greenblatt), una salvaje demoledora preadolescente; Krieg (Florian Munteanu), el musculoso protector de Tina; Tannis (Jamie Lee Curtis), la extraña científica que lo ha visto todo, y Claptrap (Jack Black), un robot sabelotodo. Juntos, estos sorprendentes héroes deberán enfrentarse a una especie alienígena y a peligrosos bandidos para descubrir uno de los secretos más explosivos de Pandora. El destino del universo podría estar en sus manos, pero lucharán por algo más: los unos por los otros.

Crítica

Muy lejos de aludir a las sensaciones que teníamos tras apagar nuestra consola

Nueva adaptación de un videojuego a la gran pantalla con actores de carne y hueso. En el pasado pudimos disfrutar de las versiones de ‘Silent Hill’, ‘Five Nights at Freddy’s’, ‘Sonic’ o los distintos ‘Tomb Raider’. Pero también olvidar nada más ver los títulos de crédito las versiones de ‘Max Payne’, ‘House of the dead’ o ‘Pixels’. Y aunque la lista de juegos que han sido adaptados a live action es ya muy larga (os recomiendo el libro ‘Luces, cámara… enter play’) sigo defendiendo a día de hoy que la mejor película jugona, que no adapta ningún videojuego pero que es la mejor manera de ver un shooter en el cine, es ‘Hardcore Henry’.

Adaptar un cómic o una novela tienen su dificultad pues el lector pone mucho de su imaginación para que la historia funcione. En el caso de los videojuegos, una adaptación solvente depende mucho de la narrativa del producto original, damos por hecho que será imposible que el espectador se implique tanto como cuando tiene el mando en la mano. Para ‘Uncharted’ se decidió hacer una mezcolanza de lo visto a lo largo de la franquicia creando una aventura muy solvente. Otro acierto que gustó a muchos fue la decisión de los guionistas de ‘Fallout’ a la hora de mostrar una aventura que transcurría paralela a las tramas de los juegos. En el caso de ‘Borderlands’ se ha recuperado a gran parte de los protagonistas y se les ha dado una misión idéntica a la del shooter, encontrar el arca madre, pero los derroteros son diferentes y transcurren de manera excesivamente fortuita, casual y atropellada.

‘Borderlands’ es un juego en un mundo abierto con misiones secundarias. Es decir, hay un hilo central pero el jugador se puede mover por muchas y variopintas tramas que o bien sirven para levear a tu personaje y armas o bien para echarte unas risas. Aunque sin el toque rolero, eso mismo deberíamos haber percibido en la película. Coincidiremos todos que lo importante de este juego es su acción y sobre todo su enajenación. El juego de Gearbox Studios se puede resumir con palabras como locura, caos o demencia. Me parecía un acierto que Eli Roth fuese el finalmente escogido para esta franquicia pues, aparte de ser un director que como catecúmeno de Tarantino rinde culto a la violencia, es ante todo un fan que generacionalmente está en buena posición de saber qué exigen los gamers a una adaptación. Lástima que percibamos que tanto su violencia como su capacidad de narrar historias repletas de barbaridades están ausentes. Probablemente, por decisión del estudio, le ha pesado le hacer una película de corte más familiar, como lo fue ‘La casa del reloj en la pared’, en la que también trabajó con Cate Blanchett y Jack Black.

El paneta Pandora tenía que lucir como un mundo a lo far west repleto de buscatesoros, delincuentes o mercenarios al servicio de corporaciones llamadas Dahl, Atlas o Hyperion. Esto realmente es así pues los escenarios y la caracterización calcan el juego. Nos embarcamos en un ambiente inhóspito, hostil y repleto de basura en el que abunda la tecnología. Allí se junta un equipo variopinto que se ve forzado a colaborar. La mecánica es de manual, como recientemente hemos visto en filmes como ‘Guardianes de la Galaxia’ o ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’. Lo que podría haber diferenciado a este filme es el haber conseguido plasmar a unos personajes que son completamente borderline (el título del juego hace alusión también a este tipo de trastornos) como lo eran los de ‘Predator’ y ‘El Escuadrón Suicida’. Quien cumple con ese cometido es Jack Black poniendo voz a Claptrap y muy justitamente como Tiny Tina la actriz en alza Ariana Greenblatt, conocida por sus papeles en ‘65’, ‘Barbie’ o ‘Ahsoka’. Sin duda, por razones de popularidad y actualidad está presente Kevin Hart pero sus gags, como casi todos los del filme, no terminan de funcionar. Sin duda en este filme me quedo con las mujeres. No es que Eli Roth sea un simple fan con dinero o avales para hacer películas, ha demostrado siempre tener una gran cultura cinematográfica. Es por eso que ha contado con dos actrices consagradas y oscarizadas como Jamie Lee Curtis y Cate Blanchett. A ninguna de ellas se le cae los anillos a la hora de asumir nuevos tipos de papeles. Se han sumergido en una película repleta de acción y es Blanchett la que como protagonista sale ligeramente airosa, aunque constantemente y de manera forzada aparece con poses que imitan al NPC del juego.

‘Borderlands’ tendría que haber sido una guasa constante embadurnada de pólvora a cascoporro. Tiene acción pero está tan camuflada por movimientos de cámara que resulta tan estándar como aburrida. Lejos de ser una película de autor, de hecho ha tenido un buen baile de directores y guionistas, es una obra en la que Eli Roth no encuentra espacio para algún discurso u homenaje. Hay que puntualizar además que ‘Borderlands’ tuvo que repetir el rodaje de algunas escenas y Eli Roth estaba ocupado para cuando se tomó esa decisión. Fue Tim Miller (‘Deadool’, ‘Love, death & robots’) quien asumió ese encargo. Debemos reconocer que cuesta diferenciar qué escenas pertenecen a qué director, salvo en el caso del tramo de los psicópatas. Es otro síntoma más de que esta película es cine palomitero a granel, en el que al igual que muchas series da poco espacio a quien capitanea. Funciona únicamente en su parte técnica y las constantes referencias perceptibles por los aquellos que se han pasado horas con el mando en las manos. No es un calco de la historia, salvo en casos como en el de ‘The last of us’ se ha comprobado casi siempre es un error intentar eso, pero al menos debería haber aludido a las sensaciones con las que acabábamos al apagar nuestra consola.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de agosto de 2024. Título original: Borderlands. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Eli Roth. Guion: Eli Roth, Joe Crombie. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Rogier Stoffers. Reparto principal: Ariana Greenblatt, Jamie Lee Curtis, Cate Blanchett, Haley Bennett, Gina Gershon, Kevin Hart, Jack Black, Edgar Ramirez. Producción: Lionsgate Films, Media Capital Technologies, Arad Productions, Picturesart, Gearbox Studios, 2k Games. Distribución: Diamond Films. Género: acción, comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://borderlands.movie/

Crítica: ‘Cuerpo escombro’

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Ante los problemas para encontrar trabajo y liado por su hermano Fermín, Javi se hace pasar por discapacitado para conseguir un puesto que necesita desesperadamente. Pero fingir parálisis cerebral es más complicado de lo que parece, sobre todo, cuando se enamora de su jefa.

Crítica

Una comedia con poco filtro y demasiado romance

Dani Rovira saltó a la gran fama cinematográfica gracias a los chistes regionalistas de ‘Ocho apellidos vascos’. Ahora regresa al norte buscando volver a hacernos reír, solo que con temas algo más comprometidos. No se va a los extremos dramáticos y sociales como los de películas del tipo ‘Mediterráneo’ pero si se atreve con ciertos temas delicados, de salud en concreto. Si hace poco abordaba el cáncer con ‘El bus de la vida’ ahora con ‘Cuerpo escombró’, toca la inclusión con respecto a la discapacidad.

‘Cuerpo escombro’ es una película que se aventura con un vehículo a veces tan arriesgado como el humor en los terrenos de la inclusividad, logrando un equilibrio delicado y en ocasiones efectivo, nunca ofensivo. Oiréis insultos como “monguer”, “tullido” o “tontito” pero en ningún momento reflejan una intención insultante, sino el retrato de individuos que por desgracia existen aún hoy en día. La cinta se destaca por su habilidad para tratar asuntos serios y contemporáneos con un tono ligero y accesible, lo que permite a la audiencia reflexionar ligeramente mientras se divierte.

A pesar de que el protagonista es Dani Rovira y tiene la mayor cantidad de líneas compuestas por chistes, uno de los puntos más fuertes de la película es la actuación de Ernesto Sevilla, cuyo estilo cómico y carisma natural se traduce en los momentos más hilarantes de la cinta. Sevilla logra robarse cada escena en la que aparece, proporcionando una dosis constante de risas que aligera el contenido más serio y romántico de la trama.

Sin embargo, ‘Cuerpo escombro’ dista de ser perfecta, tal y como dicen en el filme, todos somos imperfectos. Una de sus debilidades reside en el exceso de metraje dedicado a la trama romántica que, si bien nos brinda alguna escena entrañable, resulta innecesariamente larga, diluyendo el ritmo de la narrativa principal. Estas escenas a menudo se sienten como relleno, muy de sitcom estándar, restando dinamismo a una historia que brilla más cuando se centra en su mensaje principal y en sus momentos de humor.

‘Cuerpo escombro’ recuerda al estilo característico de Santiago Segura, conocido por sus múltiples colaboraciones y cameos. ‘Cuerpo escombro’ está plagada de pequeñas participaciones que enriquecen el tapiz cómico del film, proporcionando una variedad de rostros familiares que el público español reconocerá y disfrutará pues están dispuestos para aumentar la cadencia de gags. Esta estrategia intenta añadir valor al filme, pero considero que solo funciona de manera efectiva cuando aparece El Langui.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de agosto de 2024. Título original: Cuerpo Escombro. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Curro Velázquez. Guion: Curro Velázquez. Música: Vanessa Garde. Fotografía: Néstor Calvo. Reparto principal: Dani Rovira, Ernesto Sevilla, El Langui, Antonio Resines, Cassandra Ciangherotti, Omar Chaparro, María Hervás, Tito Valverde, Leo Harlem. Producción: Morena Films. Distribución: Buena Vista International. Género: comedia. Web oficial: https://morenafilms.com/noticias/ya-disponibles-el-trailer-y-el-poster-oficiales-de-cuerpo-escombro-en-cines-el-9-de-agosto/

Ya sabemos cuando llegará a cines ‘The Concierge’

Crunchyroll la estrena únicamente 27 de septiembre

En la historia de ‘The Concierge’ conocemos a Akino. Ella es una conserje en prácticas en los grandes almacenes Hokkyoku, un extravagante y atípico local que da servicio únicamente a animales. Bajo la atenta mirada del gerente de planta y los conserjes veteranos, Akino va de acá para allá para complacer a los clientes antropomórficos y sus inagotables deseos y problemas con el objetivo de convertirse en una conserje de pleno derecho.

Crunchyroll anunció hace dos días su intención de poner ‘The Concierge’ en cines. El estreno tendrá lugar gracias a la colaboración entre Crunchyroll y Sony Pictures Entertainment el 27 de septiembre durante un único día.

‘The Concierge’ está dirigida por Yoshimi Itazu de la productora PRODUCTION I.G (‘Ghost in the Shell’, ‘PSYCHO-PASS’, ‘HAIKYU!!’). El reparto principal de voces incluye a Natsumi Kawaida como Akino, Takeo Otsuka como Elulu y Kenjiro Tsuda como Woolly.

La galardonada película se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Animación de Annecy en junio de 2023 y su premiere norteamericana tuvo lugar en julio de 2023 en el Festival Internacional de Cine Fantasia. La película ha sido seleccionada y proyectada en diversos festivales de todo el mundo en 2023 y 2024.

Evan Shapiro abrirá el cuarto Iberseries & Platino Industria

El festival se celebra del 1 al 4 de octubre de 2024

Evan Shapiro, aclamado analista de la industria del entretenimiento y productor de televisión, cine y podcasts; ganador de premios Emmy y Peabody, abrirá el programa de actividades con una keynote especial durante la cuarta edición de Iberseries & Platino Industria, que se celebrará del 1 al 4 de octubre de 2024 en Matadero Madrid.

Conocido como el «cartógrafo» de la industria del entretenimiento desde la publicación de su primer «Mapa del Universo de los Medios de Shapiro» por la revista Deadline, Shapiro ha confirmado con entusiasmo su participación en el evento. «Estoy encantado de hacer mi primer viaje a Madrid para esta gran cita y muy honrado de ser incluido en esta increíble alineación de líderes intelectuales de contenido de todo el mundo», afirma.

Shapiro es reconocido globalmente por sus predicciones y visualizaciones distintivas del sector, siendo referencia para empresas, ejecutivos, analistas y universidades como guía para la representación del mapa de los medios de comunicación. Con un punto de vista muy específico, Shapiro traza el futuro de los medios a través de sus ensayos en el Media War & Peace Newsletter y con su agencia ESHAP.

Durante su Keynote, titulada Prosperando en los mercados iberoamericanos, en la era user-centric, Shapiro reflexionará sobre el estado actual de los medios de comunicación y el papel clave de los mercados iberoamericanos en un negocio audiovisual en constante evolución y centrado en el usuario. «El panorama de los medios de comunicación no está cambiando, ha cambiado. Los consumidores tienen ahora el control y utilizan dispositivos tecnológicos para ejercer su poder. Si pones a tu público en el centro de todo lo que haces, puedes hacer algo más que sobrevivir a estos cambios, puedes prosperar gracias a ellos», asegura Shapiro.

Además de su labor como analista y productor, Shapiro ejerce de profesor en las escuelas de negocios de NYU y Fordham y es presidente del consejo de la empresa educativa sin ánimo de lucro One Diverse Industry. Entre sus producciones más exitosas se encuentran Portlandia, This Film Is Not Yet Rated, Please Like Me, Comedy Bang Bang, Brick City y Harmonquest.

Próximamente se desvelarán más actividades y ponentes de Iberseries & Platino Industria 2024, encuentro impulsado por EGEDA y Fundación Secuoya, en colaboración con FIPCA, con el apoyo de Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Madrid, ICEX España Exportación e Inversiones y el patrocinio de Madrid Film Office y Film Madrid. 

Más de 800 profesionales del sector cinematográfico y audiovisual ya han confirmado su presencia en el mayor evento internacional de la industria audiovisual iberoamericana, numerosos ejecutivos/as y empresas procedentes de una treintena de países.

La acreditación en Iberseries & Platino Industria dará entrada a la amplia programación de actividades profesionales, así como al área de mercado & networking, facilitando a los participantes un espacio único para impulsar la conexión entre negocio y talento, el intercambio y desarrollo de ideas, proyectos y oportunidades de financiación y coproducción mediante el encuentro entre creativos, plataformas, cadenas de televisión, productores y otros agentes del sector.

Crítica: ‘Dogman’

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Un chico (Caleb Landry Jones), maltratado por su padre y su hermano mayor durante su infancia, encuentra la salvación gracias al amor incondicional de sus perros. Tras este pasado lleno de abusos y dolor, crece rodeado por su manada de la que adquiere sus aspectos más salvajes para dejar atrás su cruel infancia.

 

Crítica

Una historia muy triste con un personaje muy bien llevado

Una de las películas que más esperaba este mes era sin duda la nueva de Luc Besson, ‘Dogman’. La historia de un joven que después de pasar una infancia maltratado por su padre y su hermano, encuentra la salvación gracias al amor hacia y por parte de sus perros.

Luc Besson quedó bastante impactado por una noticia real en la que unos padres, en Francia, tuvieron a su hijo encerrado en una jaula. Él quería entender lo que pasó por la mente de ese niño, el cómo logró superar tal trauma y de ahí, comenzó a labrar el guion de ‘Dogman’.

La película es muchas cosas a la vez, un drama de un chaval que no se siente querido por nadie, solo por la fidelidad de sus perros. Alguien al que le está costando encontrar su sitio y que no sabe muy bien quién es, durante esta película le acompañamos mientras va descubriendo todo esto. También intenta ser algo así como un justiciero, pero es aquí donde me termina por perder un poco.

Tengo sentimientos encontrados con ‘Dogman’. Es una película con una narración increíble, nos cuenta todo despacio, pero sin pausa. Vamos conociendo realmente a Dogman, por qué es así y sobre todo vamos viendo a un hombre triste, un hombre que quería ser aceptado y al que le ha costado mucho lograr encontrar un lugar en el mundo.

La literatura de Shakespeare, la música y tristeza de Edith Piaf y el encajar en una sociedad donde te consideran un marginado, son momentos que vamos viendo y que van influyendo en el personaje interpretado por Caleb Landry Jones. El travestismo logra que todas estas sensaciones, fluyan hasta lograr que nuestro personaje se dé cuenta de donde quiere estar.

A la película le falta un gran final, le falla, dentro de la gran narración de su vida, un momento en el que veamos que lo que nos está contando es por algo. Como os he comentado, su faceta de “justiciero” es lo que me ha terminado perdiendo y es que a partir de cierto momento es un poco batiburrillo de situaciones un tanto extrañas que logran sacarnos de la película.

Pero la película merece un visionado, porque para mí, aunque fallida, tiene tantas cosas buenas… Su música de Eric Serra, un imprescindible en el cine de Luc Besson. Pero también la fotografía de Colin Wandersman, llena de suciedad, de planos muy cerrados y con unos retratos del protagonista impresionantes, donde le vemos los poros de la piel debajo de todo ese maquillaje que utiliza para mostrarnos su otro yo.

Y por supuesto tenemos a Caleb Landry Jones, que increíble está. Su mirada triste, esa sonrisa llena de vida, pero a la vez llena de drama. Logra mostrarnos a un personaje muy bonito, un marginado que solo intenta que le quieran. Él es ‘Dogman’ y con ello no me refiero en si al personaje, sino a la película en general, aparece más gente en el reparto que interactúan con él, pero son olvidables a su lado. Tiene dos representaciones con una canción de Edith Piaf y otra con la canción de Lili Marlene, que dejan sin palabras. No entiendo la falta de premios, pero supongo que es por lo que he comentado al principio, al final la película no termina siendo redonda.

‘Dogman’ llega a nuestras pantallas este próximo 2 de agosto. Y como siempre digo, pese que a mí no me ha terminado de funcionar, es una película que merece una oportunidad. Tiene imágenes muy potentes y una actuación de diez.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de agosto de 2024. Título original: Dogman. Duración: 114 min. País: Francia. Dirección: Luc Besson. Guion: Luc Besson. Música: Eric Serra. Fotografía: Colin Wandersman. Reparto principal: Caleb Landry Jones, Jojo T. Gibbs, Christopher Denham, Grace Palma, Clemens Schick, John Charles Aguilar, Iris Bry, Marisa Berenson, Lincoln Powell, Alexander Settineri. Producción: Europa Corp, TF1 Films Production, Luc Besson Production, Canal +, Ciné+,. Distribución: Diamond Films. Género: Drama. Web oficial: https://diamondfilms.es/site/detalle/dogman

Crítica: ‘El monje y el rifle’

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Ambientada en 2006, cuando el Reino de Bután comenzó su transición a la democracia, la película del escritor y director Pawo Choyning Dorji es una conmovedora parábola sobre la imposibilidad de abrazar la modernidad sin tener en cuenta el pasado.

Crítica

Fábula moderna repleta de picardía y simbolismo

La de ‘El monje y el rifle’ es una especie de fábula moderna. En ella el director Pawo Choyning Dorji se hace eco de lo que sucedió en 2008: Bután se abrió a la democracia y con ello al mundo moderno. Uno de los últimos países del planeta en conectarse a internet inició así sus primeros pasos hacia la industrialización y los comicios electorales. Partiendo de ese cambio, que a diferencia de lo que hemos visto en la historia de la mayoría de países del mundo se llevó a cabo de manera pacifica, se desarrolla un curioso relato compuesto de personajes humildes y crédulos enfrentados con otros codiciosos y abusones.

‘El monje y el rifle’ está contada a través de tres arcos argumentales. Un padre de familia obsesionado con ayudar en las primeras elecciones de su vida, un monje que busca un fusil por petición de su lama y un norteamericano experto en armas. Evidentemente ‘El monje y el rifle’ nos deja claro cual de ellos es el centro de atención. Si lo pensamos bien, es harto complicado encontrar unos fusiles dentro de una comunidad pacífica. Eso impregna la película con algo de suspense y un simpático sentido del humor. Y sin ser una narración meditabunda el filme es un continuo encontronazo entre lo filosófico y lo ético. Por si fuese poco, en esta sencilla película nos topamos con más de un planazo en armonía con la naturaleza, con sus líneas confluyendo con los personajes y consiguiendo tiros de cámara muy interesantes. Esa confluencia entre naturaleza y hombre también nos lleva a una metáfora de tintes pacifistas que emplea picaresca y simbolismo. Quizá lo más valioso que nos dice ‘El monje y el rifle’ es que a veces conviene echar la vista atrás hacia tiempos más sencillos y enterrar aquello que pensamos que es más moderno en aras de vivir en paz.

Por último está el hecho de tener que explicar a la ciudadanía que lleva una vida de campo sencilla en qué consiste una votación y porque deberían ir a votar. Ello está enfrentado a la opinión de los que viven de la tierra, ni siquiera necesitan saber su fecha de nacimiento y no ven razón para complicarse más. Todo esto me recuerda a ‘El disputado voto del señor Cayo’. Es loable propiciar huidas del feudalismo y el caciquismo. Pero hay que tener en cuenta que transiciones así siempre van de la mano de encontronazos con nuevos conflictos, como la rivalidad o la diferencia de opiniones. Sin defender a los totalitarismos, ‘El monje y el rifle’ es capaz de sacarle las vergüenzas y sonrojar a algo que a occidente y al mundo moderno nos parece tan inviolable como la democracia y el progreso de la civilización tecnócrata.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de agosto de 2024. Título original: The monk and the gun. Duración: 107 min. País: Bután. Dirección: Pawo Choyning Dorji. Guion: Pawo Choyning Dorji. Música: Frederic Alvarez. Fotografía: Jigme Tenzing. Reparto principal: Tandin Wangchuk, Tandin Phubz, Kelsang Choejay, Tandin Sonam, Choeying Jatsho, Deki Lhamo. Producción: Dangphu Dingphu: A 3 Pigs Productionm, CNC Aide aux cinémas du monde – Institut Français, Closer Media, Films Boutique, Journey to The East Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial: https://closermedia.com/project/the-monk-and-the-gun

Crítica: ‘Longlegs’

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Mientras el FBI intenta atrapar a un retorcido asesino en serie, una agente descubre una serie de pistas que podrían llevarla hasta el criminal y poner fin a su terrorífica ola de asesinatos.

Crítica

La tensión de ‘Longlegs’ me genera mono por el cine de Oz Perkins

Nicolas Cage levanta pasiones hoy en día, prueba de ello es que está viviendo una segunda o tercera juventud artística. Su último estreno, ‘Longlegs’, ha sido todo un taquillazo en USA, superado solo por la última película del universo ‘Gru’. Costó unos 10 millones, dejándose la mitad del coste del rodaje en el caché del actor y gastando casi lo mismo en publicidad. Se rentabilizó solo con la taquilla norteamericana en su primer fin de semana de estreno.

‘Longlegs’ ha llegado a cines anunciando que co-protagoniza Nicolas Cage, pero no se ha querido mostrar ni una sola imagen de él, ni en vídeos, ni en fotos, ni en carteles. ¿Justificado? Resulta que sí. Ese secretismo es parte del marketing que atraerá a sus fans con el dial de curiosidad al máximo y cuando empieza la película se prolonga como herramienta para fomentar el suspense, pero he de decir que a mi se me ha roto el efecto muy tempranamente.

Oz Perkins, hijo de Anthony Perkins (‘Psicosis’) y director de la versión oscura del cuento de Hansel y Gretel, es el director de este nuevo thriller policíaco. Tanto él como Cage han declarado que ‘Longlegs’ es un homenaje a sus madres. Mi impresión es que vista bajo ese prisma esta película es un tributo un tanto cuestionable y retorcido, no quiero saber cómo eran sus madres pues la película llega a ser por momentos turbia, inquietante y oscura, pero como decía antes, hay algo que destroza por completo la atmósfera conseguida.

Con imágenes y un devenir similares a ‘Zodiac’, ‘S7ven’, ‘El silencio de los corderos’ o ‘El coleccionista de huesos’ se consigue una película la mar de eficiente en la mayoría de sus secuencias. La película está compuesta por planos tranquilos rotos a veces por momentos o sonidos impactantes con un rojo setentero que siempre nos imbuye un horror sangriento. Es de admirar el cuidado que ha puesto Perkins en la imagen, llena de grandes y estudiadas composiciones, con zooms y algún paneo, sin travellings o steadicams que alteren el ritmo. En ese modus operandi de contar historias seguimos a una agente especial del FBI que tiene eso, bastante de especial. Se intuye que la protagonista reprime algo gracias a la gran interpretación de Maika Monroe y ello se suma al misterio del asesino al que persigue con una capacidad casi clarividente. Su papel me recuera un poco al Patricia T. Arquette en ‘Medium’. Teniendo en cuenta que dos de las películas más exitosas de Monroe, ‘It follows’ y ‘El extraño’, tratan sobre mujeres que son acosadas, pensaba que este filme iba a tratar una vez más de lo mismo. En parte sigue ese leitmotiv, pero se sale por la tangente. El problema no es ella ni esa especie de cruzada de concienciación que está haciendo con su carrera, sobra decir que argumentos y razones no le faltan.

Tanto el casting como el tratamiento de los personajes de Maika Monroe y Alicia Witt me parecen un acierto. Muchos le tienen estigmatizado pues lo suyo ha hecho para ganarse esa fama, pero Nicolas Cage tiene muy buenas películas sin necesidad de ser comedidas o chifladuras palomiteras. ‘Longlegs’ se suma a ese saco de buenos largometrajes en los que está participando Nicolas Cage últimamente, tales como ‘Pig’ (de la misma productora) o ‘Dream Scenario’. Pero no precisamente gracias a él, que una vez más demuestra que interpretar personajes extremos o lunáticos sacan su lado más histriónico. Hay que reconocer que el maquillaje, casi a lo Eric Stoltz en ‘Mask’ no ayuda y parece más un Celebrities de Joaquín Reyes. Esto y la manera de gritar y reír del descendiente de los Coppola desmontan la peli. Cage ha declarado que debido a su violencia no quiere volver a interpretar un papel como este, yo desde luego se lo agradecería pues no exhibe aquello que le hace divertido, ni en el buen ni en el mal sentido.

Aunque como fan de Cage estoy decepcionado y como amante del terror me esperaba una resolución más aterradora he de decir que ‘Longlegs’ es una gran experiencia. De hecho ahora tengo más ganas de ver ‘El mono’, el próximo proyecto de Oz Perkins que adaptará un relato de Stephen King contando con Theo James y Elijah Wood.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de agosto de 2024. Título original: Longlegs. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Oz Perkins. Guion: Oz Perkins. Fotografía: Andrés Arochi. Reparto principal: Nicolas Cage, Maika Monroe, Alicia Witt. Producción: C2 Motion Pictures Group, Oddfellows Entertainment, Range Media Partners, Saturn Films, Traffic. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror, suspense. Web oficial: https://c2motionpictures.com/project/longlegs/

Crítica: ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’

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La unidad de combate de alto secreto, compuesta por un variopinto grupo de pícaros e inconformistas liderados por Gus March-Phillipps (Henry Cavill), emprende una arriesgada misión contra los nazis utilizando técnicas de combate totalmente poco convencionales y «poco caballerosas». En última instancia, el audaz enfoque del grupo especial cambió el curso de la guerra y sentó las bases del SAS británico y de la guerra de operaciones encubiertas moderna.

Crítica

Ritchie prosigue con su saga de la deformada caballerosidad inglesa

‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ es una película que, sin duda, cumple con las expectativas de aquellos que buscan una narrativa dinámica, pero quizá no tanto de los auténticos fans de Guy Ritchie. Basada en hechos reales de la II Guerra Mundial, la película nos adentra en las operaciones clandestinas del Reino Unido durante la II Guerra Mundial. La elegancia y el decoro inglés se fue al garete creando una unidad especial encargada de llevar a cabo misiones poco convencionales contra las fuerzas del Eje.

Cuatro guionistas han participado en este filme que aparte de en sucesos históricos que fueron el germen del SAS y probablemente de las novelas de James Bond, está basado en un libro de Damien Lewis. Quizá toda esa fuente de inspiración a acotado demasiado el tono del filme, el devenir de la historia, pues el estilo de Ritchie está presente pero se percibe muy contenido. Ritchie es conocido por su habilidad para mezclar comedia y acción de manera eficaz. Sin embargo, en esta ocasión, la comedia es menos prominente. Aunque hay momentos de humor, estos son esporádicos y en ocasiones se sienten poco originales. Sobre todo esto se nota cuando la caballerosidad parece en desacuerdo con el título de la película y el estilo esperado de Ritchie, que parece haber hecho básicamente una especie de secuela espiritual de ‘The gentlemen: los señores de la mafia’. La narrativa, centrada en una unidad militar que realiza operaciones «poco caballerosas», podría haber explorado más a fondo el lado irreverente y subversivo de sus misiones. En lugar de eso, la película a veces cae en representaciones más tradicionales y honorables de la guerra, lo que puede resultar un tanto decepcionante para aquellos que esperaban una visión más gamberra.

Con este filme Ritchie prosigue con una serie de películas (y una serie), que tratan de desdibujar la clásica elegancia inglesa, esa que siempre ha parodiado desde películas asentadas en los bajos fondos londinenses como su trilogía compuesta por ‘Lock, Stock and Two Smoking Barrels’, ‘Snatch’ y ‘Rockonrolla’ e incluso con su versión de Sherlock Holmes. Básicamente se ha montado su propio Rat Pack, sus Malditos Bastardos, su Escuadrón Suicida, su comando The Boys, algo que tampoco es raro en su cinematografía. Arquetípicamente, cual Equipo A, cada uno tiene su habilidad y carisma. Una de las razones por las que ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ te mantiene enganchado es precisamente por sus actores. La mayoría del reparto además de intérpretes son fans del cine de acción y de género. Así pues viajar en esta aventura junto a Henry Cavill, Alan Ritchson, Eiza González, Rory Kinnear y compañía se convierte en un viaje entre amigos, con violencia y nazis, eso sí.

Las secuencias de acción están bien coreografiadas y filmadas, quizá un poco estiradas, pero con un ritmo que evita cualquier atisbo de aburrimiento. Aunque hay mucho más movimiento que en los filmes de Tarantino, a ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ le pesa que se parezca en algunas fases a la película protagonizada por Brad Pitt, Christoph Waltz y demás. Algunas escenas recuerdan directamente a ‘Malditos Bastardos’. A diferencia de este último título, la fidelidad a los eventos históricos reales añade una capa de autenticidad y respeto hacia las verdaderas operaciones realizadas por estos valientes y kamikazes soldados. Aunque también hay más explosividad y algo de imaginería que los vecinos de las Islas Canarias van a tener que ver con cierta permisividad.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de julio de 2024. Título original: The Ministry of Ungentlemanly Warfare. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Guy Ritchie. Guion: Arash Amel, Eric Johnson, Guy Ritchie, Paul Tamasy. Música: Christopher Benstead. Fotografía: Ed Wild. Reparto principal: Henry Cavill, Eiza González, Alan Ritchson, Alex Pettyfer, Hero Fiennes Tiffin, Babs Olusamokun, Henrique Zaga, Til Schweiger, Henry Golding, Cary Elwes, Rory Kinnear. Producción: Lions Gate Films, Jerry Bruckheimer Films, Black Bear Pictures, AZ Celtic Films. Distribución: Prime Video. Género: acción, comedia, adaptación. Web oficial: https://www.theministryofungentlemanlywarfare.movie/

Regalamos un Blu-ray de ‘Cazafantasmas: imperio helado’

No es una fantasmada, queremos refrescaros el verano

Para algunos es la cuarta parte según el cánon, para otros es la quinta si contamos la que dirigió Paul Feig en 2016. Pero en lo que coincide casi todo el mundo es en que no ha habido nunca una película mala de los ‘Cazafantasmas’, mejores o peores, pero todas divertidas. La última entrega, orquestada por Gil Kenan lejos de dejarnos helados se quedó por detrás de su predecesora, al menos así lo reflejan las puntuaciones de los críticos y usuarios tras su estreno.

Pero queremos que le deis una oportunidad a este título que volvió a contar con el reparto original. Un equipo que siempre refresca con su comedia y ahora en verano es cuando más nos hacen falta. Y como aliciente para ello os regalamos un Blu-ray con más de una hora de extras cuyo análisis podéis ver aquí.

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¡Mucha suerte a tod@s y tened un refrescante verano!

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos antes del 30 de julio de 2024 a las 23:59h. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para esta promoción y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, X, Threads o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. ¡Mucha suerte a tod@s!

GANADORA

Vanessa Vicente Campillo (Facebook).

Crítica: ‘Sin límites. Los casos del departamento Q’

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En un momento de cobardía, el detective Carl Mørck envía a Rose, su compañera más joven en el Departamento Q, a la remota isla danesa de Bornholm para responder a las reiteradas peticiones de su antiguo colega Christian Habersaat. Sin embargo, durante la ceremonia de su jubilación forzosa, sucede una inesperada tragedia. Esto obligará a Carl a ir a la isla y allí, junto a Rose y Assad se verá envuelto en otro viejo caso sin resolver de una chica que apareció años atrás colgada de un árbol.

Crítica

El “True Detective danés” regresa con fuerza

Cuando llegó a España la quinta parte de la saga del Departamento Q hice una pequeña reflexión sobre cómo nos estaban llegando producciones danesas ahora más que nunca. Aunque años después ha bajado un poco el ritmo en enero pude hablaros de ‘La tierra prometida’ y la semana pasada hemos tratado la nueva obra dirigida por Viggo Mortensen, que tiene bastante de su país paterno. Ahora con regocijo podemos decir que toca hablar de la sexta parte de la franquicia que adapta o hace progresar la historia de los personajes creados por Jussi Adler-Olsen.

‘Misericordia’, ‘Profanación’, ‘Redención’, ‘Expediente 64’ y ‘El efecto Marcus’ son los títulos que preceden a ‘Sin límites. Los casos del departamento Q’. A muchos puede asustarles o echar para atrás el hecho de estar hablando de una sexta entrega. Pero aunque los acérrimos a estos thrillers policiales apreciarán la evolución de los personajes hay que subrayar y marcar con negrita el hecho de que cada filme es un caso independiente. Puedes ver estas películas igual que ves un episodio de ‘CSI’ o ‘Caso abierto’ sin perder el hilo y/o te falte información.

El Departamento Q es un equipo de policías que trabaja casi apartado o al margen del resto. Desde el sótano de su comisaría se ocupa de resolver casos cerrados, ya sea desestimados, cerrados u olvidados. Sus historias siempre han tenido un algo de morbo y de intriga a partes iguales. Pero la relación entre sus personajes suele ser su punto fuerte. En el quinto largometraje cambió el reparto e incluso la dinámica de la saga con una trama un tanto diferente, inferior al resto. En esta nueva entrega repite Ulrich Thomsen como Carl Mørck y Sofie Torp como Rose. Pero Afshin Firouzi se convierte en el nuevo Assad ya que Zaki Youssef rechazó volver a la saga por motivos personales y problemas de agenda. Con ellos recuperamos la tónica habitual, aunque hay que reconocer que Assad está menos presente. Y es que ‘Sin límites. Los casos del departamento Q’ es la película más personal para los personajes de Carl y Rose.

‘Sin límites. Los casos del departamento Q’ arranca con una escena cautivadora y un giro impactante que desmonta cualquier teoría que puedas haber elaborado. Vuelve a ser cine negro nórdico, pero con ritmo y carisma. Mantiene su tono oscuro, respeta la relación tan matrimonial entre los protagonistas, remarca que los personajes tienen un bagaje traumático y castigado, son casi antihéroes. En muchas ocasiones es visualmente evocadora extrayendo belleza entre la mezquindad de las personas. Todo esto nos remonta a historias policiales y criminales que en su día nos entraron muy bien por los ojos y nos marcaron con su trama y traumas como las de ‘Las isla mínima’ o ‘True detective’. Los protagonistas son los detectives y los sospechosos pero les quita presencia en más de una ocasión lo truculento y oscuro que es el guión. Se recuperan argumentos que ponen al límite la bajeza del ser humano pero rodados de más color y luz que nunca, esto último además con doble sentido incluido. El título puede hacer alusión a como se transporta la luz o a cómo la maldad del ser humano no conoce límites, así como parece que esta película no tiene frenos a la hora de incorporar giros de guión.

A veces el hecho de intentar llevar la película al plano más personal de los personajes le hace caer en alguna que otra contradicción o incoherencia. Pero esos detalles que para algunos podrían ser errores o falta de contexto no contradicen los argumentos o fuerza del giro final que a todo el mundo cogerá desprevenido. Estoy ansioso por ver las secuelas de lo sucedido en esta película y ver qué nuevo y tremebundo caso nos aguarda en la siguiente película pues hasta el momento hay diez novelas que estoy seguro que seguirán nutriendo a esta saga de películas.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de julio de 2024. Título original: Den grænseløse. Duración: 121 min. País: Dinamarca. Dirección: Ole Christian Madsen. Guion: Jakob Weis. Música: Jonas Struck, Lasse Ziegler. Fotografía: Jorgen Johansson. Reparto principal: Ulrich Thomsen, Afshin Firouzi, Sofie Torp. Producción: Nordisk Film Production, Nadcon Film, Det Danske Filminstitut, Eesti Filmi Sihtasutus, Hyæne Film, Münchhausen Productions, TV2 Danmark, Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF), TV2 Norge. Distribución: Vertigo Films, Movistar Plus+. Género: suspense, policíaco. Web oficial: https://trustnordisk.com/movie/boundless

Crítica: ‘Twisters’

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Edgar-Jones interpreta a Kate Cooper, una ex cazadora de tormentas perseguida por un devastador encuentro con un tornado durante sus años universitarios que ahora estudia los patrones de tormentas en pantallas en la ciudad de Nueva York. Su amigo Javi la lleva de regreso a las llanuras para probar un nuevo e innovador sistema de seguimiento. Allí, se cruza con Tyler Owens (Powell), la encantadora e imprudente superestrella de las redes sociales que disfruta publicando sus aventuras persiguiendo tormentas con su estridente equipo, cuanto más peligroso, mejor.

A medida que la temporada de tormentas se intensifica, se desatan fenómenos terroríficos nunca vistos, y Kate, Tyler y sus equipos competidores se encuentran directamente en el camino de múltiples sistemas de tormentas que convergen sobre Oklahoma en lo que será una lucha por sobrevivir.

Crítica

Una vuelta al espíritu trepidante y divertido del 96

1996 fue uno de los mejores años cinematográficos de la era moderna. No es solo una apreciación personal, la taquilla y el número de clásicos instantáneos que se estrenaron ese año hablan por sí solos. Pudimos ver en pantalla grande ‘Independence Day’, ‘Scream’, ‘Abierto hasta el amanecer’, ‘Misión: imposible’, ‘Fargo’, ‘Trainspotting’, ‘La Roca’… una larga lista de títulos que prácticamente no bajan su medida del siete, algo muy difícil de encontrar hoy en día. Atreverse a hacer secuelas o remakes de estos blockbusters se antoja por lo tanto como un ejercicio arriesgado. Warner Bros. rescata de esa época ‘Twister’, un título que siempre nos ha gustado a los amantes del género de catástrofes. Aunque no tiene grandes estrellas el resultado de ‘Twisters’ es mucho mejor que el de otra película extraída de nuestra nostalgia, ‘Space Jam’.

Estrenar ‘Twisters’ significa también atreverse a ponerse a la altura de Jan de Bont. El director de otra trepidante película como ‘Speed’, encargado de la fotografía de películas como ‘Instinto básico’ o ‘La caza del octubre rojo’, tiene en su galería momentos míticos del cine. Nadie podrá negar que la caída de Hans Gruber del Nakatomi Plaza es un momento inmortal. En ‘Twister’ suplió magistralmente las carencias de los efectos digitales de la época, creando una obra que ha envejecido estupendamente. Esta nueva versión de Lee Isaac Chung cuenta con mayor potencial tecnológico (en varios sentidos) pero lo más importante es que consigue rememorar el espíritu de De Bont siendo trepidante y divertida.

Muchos no saben que el germen de estas películas es un guión de Michael Crichton (‘Jurassic Park’, ‘Congo’, ‘Esfera’). Si analizáis esos títulos comprobaréis que mezcla géneros como la aventura y el terror con elementos gigantescos o catastróficos para el ser humano. Probablemente esos elementos habrían estado magnificados en la segunda parte, nunca sabremos como habría sido la secuela en 3D que estaba preparando Bill Paxton, pero al menos con esta nueva película regresamos a la tónica de por entonces, una que con las nuevas técnicas de CGI y sonido nos sumerge en un torbellino de emociones, tenía que hacer el chiste antes o después.

Glen Powell ya tuvo la presión de aparecer en otra película que trababa de revivir, y revivió, un clásico como ‘Top Gun’ y ahora le toca intentar lo mismo con ‘Twisters’. El reto es más difícil, el fandom es más reducido y no cuenta con una gallina de los huevos de oro como Tom Cruise. Él es de los más mayores y tendría solo unos ocho años cuando se estrenó ‘Twister’. La labor de imbuir el alma del filme recae por lo tanto en el director y en la capacidad de todo el equipo de imitar lo rodado por aquel entonces. He de decir que reto superado, me he divertido de una manera ininterrumpida. ‘Twisters’ ya no puede impresionarme por toda la inmensa cantidad de films que he visto en mi vida, pero confío en que podrá causar el mismo efecto que viví yo en el 96 en los nuevos espectadores.

Menciono a Powell pero la protagonista es realmente Daisy Edgar-Jones. Su papel es muy similar al de Helen Hunt. Ambas tienen un origen en una tierra asiduamente visitada por tornados y ambas pierden a alguien a cuenta de ello. La diferencia está en cómo gestionan ese trauma. Lejos de ser una kamikaze que se lanza casi a ciegas hacia los tornados el personaje de Edgar-Jones los respeta y teme. La actriz coge así el testigo sin necesidad de calcar al personaje pero manteniendo su vertiente científico-romántica.

Desde luego que la nostalgia está presente, a poco que hayas visto la película original verás que hay un halo de reverencia. El poster evoca al de la película original, se ha rodado con cámaras similares y volvemos a tener los dispositivos Dorothy. Pero tengo que avisaros que no hay cameos sorpresa. Eso sí, tenemos muchos guiños y para aquellos que como yo siempre miren el lado científico de la historia os adelanto que hay homenaje para los cazatornados del equipo real de TWISTEX, algunos de los cuales fallecieron en 2013 estudiando un tornado categoría F3 en la escala de Fujita. Y ahí es donde tenemos que comprender que esta película no es un calco, en mi opinión intentar copiar al pie de la letra el largometraje de De Bont habría sido un error. Es una actualización que respeta a la original manteniendo elementos a modo de lo que ahora se llama “recuela” pero saliéndose por otros derroteros. De entrada los pijos esponsorizados son “los bueno” y los salvajes rudimentarios “los malos”. También juegan a favor de ello los avances de la tecnología, los cuales, permiten estudiar estos destructivos fenómenos de otra manera y ‘Twisters’ se hace eco de ello empleándolos para modificar la trama y darle un nuevo giro fantasioso.

Como en muchas secuelas o re-interpretaciones, que es lo que realmente es ‘Twisters’, se confunde lo más grande, lo más catastrófico, con mayor espectáculo. A veces más es menos y este nuevo filme solo peca de ello en un par de ocasiones. Merece la pena verla pues consigue ser emocionante aunque no tiene el mismo nivel de secundarios. El pago por el visionado lo vale pues sus protagonistas están en estado de gracia. Aunque sea hay que acercarse al cine por ver como actúa rodeado de tornados el nuevo Superman, David Corenswet, sin tener a Kevin Costner muriendo de manera lastimosa.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de julio de 2024. Título original: Twisters. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Lee Isaac Chung. Guion: Mark L. Smith. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Daniel Mindel. Reparto principal: Daisy Edgar-Jones, Glen Powell, Anthony Ramos, David Corenswet, Brandon Perea, Sasha Lane, Daryl McCormack, Kiernan Shipka, Nik Dodani, Maura Tierney. Producción: Warner Bros. Pictures, Universal Pictures, Amblin Entertainment, The Kennedy/Marshall Company, Lightnin’ Production Rentals. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras. Web oficial: https://www.instagram.com/twistersmovie/

Crítica: ‘El último viaje del Demeter’

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Basada en un único y escalofriante capítulo de la novela clásica de Bram Stoker: Drácula. Narra la aterradora historia del buque mercante fletado para transportar un cargamento privado desde Carpathia a Londres. Durante la travesía, extraños sucesos acontecen a la condenada tripulación mientras intentan sobrevivir a una despiadada presencia a bordo del barco. Cuando el navío llega por fin a las costas de Inglaterra, carbonizado y abandonado, no hay rastro de la tripulación.

Crítica

Una gran ambientación de cuento gótico con un terrible monstruo

‘El último viaje de El Demeter’ es sin duda una de las películas que más esperaba de 2023. El director André Øvredal, encargado de maravillas como ‘La autopsia de Jane Doe’ o ‘Troll Hunter’, regresa al cine con una versión de uno de los pasajes más interesantes del libro de Bran Stoker, ‘Drácula’.

Es una pena el poco éxito de crítica de la cinta en Estados Unidos, porque os aseguro que después de verla, he visto lo que me esperaba. La película nos trae el pasaje de ‘El Demeter’ que podemos leer en la novela en la que nos cuentan el viaje hacia Londres desde los Carpatos.

Me encanta toda la atmósfera de la película, el terrible mar, esa soledad que solo la da el estar sobre tanta agua y como se aprovecha este monstruo para poder alimentarse de todo aquel que se encuentre por los pasillos de El Demeter.

Se que no es complicado el crear situaciones de tensión en un lugar cerrado y como digo lleno de soledad como lo es un gran barco, pero André Øvredal logra eso y mucho más. Incluso cuando ya se muestra al monstruo seguimos sintiendo ese miedo, aun a sabiendas de todo lo que va a ocurrir.

En el reparto encontramos caras muy conocidas como Liam Cunningham (aquí os dejamos nuestra entrevista con el cuando estuvo en España por ‘Juego de Tronos’), Corey Hawkins (‘Straight Outta Compton’), Aisling Franciosi (‘Stopmotion’), David Dastmalchian (‘Oppenheimer’), Chris Walley (‘Unwelcome’), Jon Jon Briones (‘Class of ‘09’) o Stefan Kapicic (‘Deadpool 2’) entre otros muchos.

Si, lo se, no he nombrado al personaje y actor más importante, y es que quería dejar un pequeño aparte para Javier Botet. Nuestro monstruo nacional y que cada día se abre más hueco en Hollywood. Está fantástico, su manera de moverse como esté vampiro es espectacular. En el tráiler lo veis y se le ha dado una apariencia muy de murciélago y la verdad que es estupenda. Se parece mucho al que ya vimos en ‘Drácula de Bram Stoker’ y también a la actual serie de Netflix ‘Misa a media noche’. El maquillaje es magnífico y también el trabajo de CGI, pues algunas escenas lo necesitan.

En general no he entendido las malas críticas de esta cinta. Me ha gustado bastante, me ha dado lo que me pedía y algún que otro cambio en la historia sin importancia que no me ha disgustado.

Os animo a verla y que podáis ver vosotros mismos el resultado y si es tan horrible como se ha dicho. Ya os digo, que nos cuenta bien la historia y nos plasma todo de una manera muy cuidada y bien dirigida.

 Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2024. Título original: The Last Voyage of the Demeter. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: André Øvredal. Guion: Bragi F. Schut, Zak Olkewicz. Música: Bear McCreary. Fotografía: Roman Osin, Tom Stern. Reparto principal: Corey Hawkins, Javier Botet, Aisling Franciosi, Liam Cunningham, David Dastmalchian, Woody Norman, Jon Jon Briones, Stephan Kapicic, Nikoai Nikolaeff. Producción: Amblin Partners, Phoenix Pictures, REliance Entertainment, DreamWorks SKG, New Republic Pictures, Universal Pictures. Distribución: Diamond Films, Prime Video. Género: terror. Web oficial: https://amblin.com/movie/the-last-voyage-of-the-demeter/

Crítica: ‘De naturaleza violenta’

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Un grupo de jóvenes se lleva un medallón de una torre de vigilancia contra incendios derrumbada en el bosque. Lo que desconocen es que esta sepulta el cadáver podrido de Johnny, un espíritu vengativo impulsado por un horrible crimen ocurrido hace 60 años. Y una vez se llevan el medallón, su cuerpo resucita con el único propósito de recuperarlo. El no-muerto acecha al grupo de adolescentes de vacaciones responsables del robo y en su misión de recuperar el medallón procede a masacrarlos metódicamente uno tras otro, junto con cualquiera que se interponga en su camino.

Crítica

Mucha violencia y poca cadencia de muertes

Este verano no va a estar exento de terror, de hecho, vamos a tener muchos títulos. Llegarán a cines y plataformas películas como ‘El último viaje del Demeter’, ‘Romulus’, ‘Winnie-The-Pooh: Blood and Honey 2’ o ‘Longlegs’. Pero también y de manera más inmediata ‘Strangers: Capítulo 1’ y ‘De naturaleza violenta’. Este último título es de todos esos que he mencionados el más veraniego por el marco que nos plantea, un bosque en plena época de acampadas y baños en refrescantes lagos. También es el único que llega avalado por Stephen King, quien parece que se está enfocado en ayudar a pequeñas películas con solo un tuit, como sucedió con ‘La mesita del comedor’. En este caso no puedo estar de acuerdo con el maestro del terror.

Es evidente que ‘De naturaleza violenta’ bebe de clásicos como ‘La matanza de Texas’, ‘Las colinas tienen ojos’ y demás. De hecho tiene una pequeña conexión con ‘Viernes 13’ que descubriréis al final. Tenemos a unos jóvenes adentrándose en un bosque con leyenda negra. Esto nos puede recordar a ‘Blair witch’, de hecho hay mucho metraje rodado cámara en mano, pero aquel rompedor título que explotaba el found footage era innovador no solo por la manera de mover la cámara, sino por su capacidad de ser implícito, jugaba al miedo a lo que no vemos. En este caso los calenturientos e inconscientes protagonistas viven una experiencia de lo más gráfica y explícita. Despiertan a un ser con ansia de sangre que va encapuchado. Por cierto que, la razón de ser de su caperuza no la veo por ninguna parte. Lo que podría haber sido un nuevo ‘Hatchet’, puesto que la leyenda parte del bullying hacia a una persona que ha nacido diferente, es una sucesión de muertes muy separadas entre sí que no pueden causar más apatía, sobre todo porque no nos dan la oportunidad de sentir apego por las víctimas. Se convierte en un slasher lento, tanto que es como si Alejandro G. Iñárritu hubiese querido convertir ‘El renacido’ en un survival horror.

Vale que ver cómo resurge y deambula por todas partes el asesino es algo que no muestra el resto de los slasher habituales. Pero el constante paseíllo que nos damos a bordo del steadicam parece más un vídeo de esos que vienen ahora en las cintas del gimnasio para simular que estamos avanzando por la naturaleza. Es una pena que no se le saque más provecho a esa innovación dentro del género. Sin desvelar nada, también tenemos a un homicida con una naturaleza poco habitual y a ese detalle también se le saca poco partido, al revés, redunda en los tópicos.

‘De naturaleza violenta’ no renueva nada con su pobre trasfondo, ni con su personalidad. Ni siquiera es capaz de desarrollar una mitología atractiva. Si acaso es capaz de mostrar que estamos rodeados de varios tipos de violencias. La agresividad al volante, la crueldad con los animales, las armas en todas las casas, la hostilidad de la cultura de la cancelación… Pero explora poco todo eso.

Me atrajo por unos momentos el tema de seguir a este nuevo monstruo por todo su recorrido. Pero el verdadero aliciente de esta película son las muertes explícitas. Si en algo se han exprimido el coco para hacer esta película es en cómo mostrarnos nuevas maneras de arrebatar la vida a una persona del modo más descerebrado y brutal. Los amantes del slasher encontrarán puntualmente algunas dosis de casquería. No es de extrañar pues el director Chris Nash ha trabajado antes realizando prostéticos y efectos en películas como ‘El vacío’ o ‘Psycho Goreman’. Pero para muchos con ver un vídeo resumen con el kill count habría bastado.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de julio de 2024. Título original: In a violent nature. Duración: 94 min. País: Canadá. Dirección: Chris Nash. Guion: Chris Nash. Pierce Derks. Fotografía: Pierce Derks. Reparto principal: Lauren-Marie Taylor, Andrea Pavlovic, Ry Barrett, Liam Leone, Timothy Paul McCarthy. Producción: Low Sky Productions, Shudder, Zygote Pictures. Distribución: SelectaVisión. Género: terror, slasher. Web oficial: https://www.inaviolentnature.com/

Crítica: ‘Bikeriders. La ley del asfalto’

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‘Bikeriders. La ley del asfalto’ retrata una época de rebelión y de cambio en la cultura y en la gente de Estados Unidos. Tras un encuentro casual en un bar, Kathy (Jodie Comer), una mujer con carácter, se siente profundamente atraída por Benny (Austin Butler), el miembro más reciente de “The Vandals” (Los Vándalos), un club de moteros del Medio Oeste liderado por el enigmático Johnny (Tom Hardy).

Al igual que el país, el club empieza a cambiar, y pasa de ser un lugar de reunión para los forasteros locales a convertirse en un punto de encuentro para un violento submundo, obligando a Benny a escoger entre Kathy y la lealtad que siente por sus compañeros.

Crítica

Gran vuelta al romanticismo de los últimos en vivir en libertad sobre las junglas de asfalto

Inspirada en un libro de Danny Lyon aparece en nuestras carteleras ‘Bikeriders’ con un repartazo compuesto por Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Norman Reedus y Boyd Holdbrook, entre otros. Toda un tropa de nombres conocidos y talentosos, muy bien caracterizados, con más de una nominación al Oscar, para contarnos la historia de una banda de moteros mucho menos conocidos que los Ángeles del Infierno.

Esta es una producción que en su día poseía Fox y que Disney ha liberado tras continuos retrasos en su estreno, entre ellos el provocado por la huelga de actores y guionistas. La coproductora New Regency Productions transfirió los derechos a Universal Pictures y por eso la podemos ver en cines. La misma dupla de compañías que nos trajo la excelente ‘El hombre del norte’, veremos si el resultado en taquilla mejora el batacazo o si tanto retraso no hace que el pirateo o el verano le jueguen una mala pasada.

La banda bautizada como The Vandals, que actualmente es la rival de los ya citados Ángeles del Infierno es objeto de este relato. La película está narrada en retrospectiva a través del testimonio del personaje de Jodie Comer, la cual lleva a cabo un gran trabajo de voz. Palabras que son recogidas por un fotógrafo y escritor interpretado por Mike Faist, en la piel del novelista que os he nombrado en las primeras líneas. A través de esa perspectiva periodística y sobre todo personal, capaz de ofrecer el choque y la mutación de dos mundos, nos ofrecen el desarrollo y caída de algo que casi ya no existe. ‘Bikeriders’ es el retrato de los últimos herederos del far west, de aquello que queda del espíritu de los cowboys.

Es evidente decir que ‘Bikeriders’ sigue la estela de películas de los cincuenta y sesenta como ‘Easy Rider’ o ‘¡Salvaje!’. De hecho ambos títulos aparecen en la película. Llevándonos a la antesala de los setenta ofrece una perspectiva diferente. Con esto no quiero que penséis que este es otro ‘Hijos de la anarquía’. Es una historia de orígenes de un club convertido en banda, pero mayormente cuenta como un personaje de la Norteamérica acomodada busca emociones fuertes. En el que dichas emociones terminan volviéndose en contra de sus protagonistas. Y ante todo es la descripción de la inmersión de alguien un mundo que de sobra sabe que no es el suyo. En términos del siglo XXI, es la definición de una relación tóxica, refiriéndome tanto a la que mantienen los personajes de Comer y Butler como la de aquellos que ingresan en la banda.

Los delincuentes no nacen delincuentes eso es algo que todos sabemos y que muchas películas han señalado a lo largo de la historia del cine. ‘Bikeriders’ significa libertad truncada, sueños emponzoñados, idealismos desfigurados. Si el guión hubiese tenido esos detalles siempre en su brújula habría sido una película memorable, a la altura del pedazo de elenco que ha reunido, otra que Disney se habría arrepentido de no distribuir. Nos sorprende incluso con algo de comedia para los personajes más descerebrados pero divaga demasiado con su historia romántica. En resumidas cuentas es un relato amoroso y eso que no vemos absolutamente ni una escena de cama, ni siquiera recuerdo un beso en primer plano, y eso que casi hay más primeros planos que motos. Tampoco es algo que notemos en exceso pues toda la atención se centra en las interpretaciones de un reparto en el que destaca Butler como un James Dean del siglo XXI.

El romanticismo está presente en la relación de dos de los protagonistas y en el espíritu indómito de los moteros. Hacernos volver a esas vidas sobre ruedas sin caer en excesivos tópicos y siendo capaz de ofrecer otro ángulo es el mayor logro del director Jeff Nichols. A todos nos gusta e incluso da envidia la libertad salvaje con la que se ha reflejado siempre a los moteros, pero nunca lo habíamos visto desde un lado tan diferente, casi pareciendo el testimonio de alguien que se ha salido de una secta. Considero por eso que es un buen retorno a este tipo de historias que nunca han tenido su propio subgénero. Desde luego para mi es la mejor película de su carrera, probablemente la más difícil dado el número de estrellas que ha tenido que dirigir a la vez.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2024. Título original: The Bikeriders. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Jeff Nichols. Guion: Jeff Nichols. Música: David Wingo. Fotografía: Adam Stone. Reparto principal: Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Norman Reedus, Boyd Holdbrook. Producción: Focus Features, Regency Enterprises, New Regency Productions, Tri-Satate Pictures, 20th Century Studios. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/the-bikeriders

Crítica: ‘Strangers: capítulo 1’

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Tras sufrir una avería en su coche en un pequeño e inquietante pueblecito, una joven pareja (Madelaine Petsch y Froy Gutiérrez) se ve obligada a pasar la noche en una aislada cabaña en medio del bosque. El pánico se apodera de ellos cuando son aterrorizados por tres extraños enmascarados que les atacan sin piedad ni motivo alguno.

Crítica

Muchos clichés, poco de genuino y la leve promesa de algo más grande

En 2008 y en 2018 se estrenaban las películas escritas por Bryan Bertino tituladas ‘The Strangers’. Una primera parte que sorprendió a más de uno y una segunda dirigida por Johannes Roberts (‘A 47 metros’) que para algunos como yo nos dejó con la sensación de ser un mero producto de entretenimiento slasher vacío pero algo mejor pulido. Ahora llega la tercera parte de la franquicia. Muchos pensaban que iba a ser una precuela por como acaba el título de hace seis años, pero a pesar de tener entre manos unas películas nacidas en este mismo siglo estamos hablando ya de un remake.

Bertino está involucrado en menor medida y dirige Renny Harlin, a quien quizá conozcáis de títulos como ‘El exorcista: El comienzo’, ‘Hércules: el origen de la leyenda’ y por supuesto ‘La isla de las cabezas cortadas’, si habéis leído esto con voz de Troy McClure de ‘Los Simpsons’ habéis hecho bien por que este director se le da un aire, con su rostro y con su estilo industrial de hacer películas.

‘Strangers: capítulo 1’ arranca con algunos datos sobre la cantidad de muertes violentas que hay en los EE.UU., llegando al punto de hacernos saber cuántas personas morirán durante el visionado de la película. No es mala técnica a la hora de intentar imbuirnos un escalofriante sentimiento de terror. Además así se intenta coger el testigo de las anteriores películas que tenían una lejana base real. Pero por desgracia ese primer golpe de efecto se va tan rápido como llegó.

Madelaine Petsch y Froy Gutierrez interpretan a una pareja empalagosamente acaramelada que reserva una cabaña en un bosque de la América profunda que lo más cercano que tiene es una ciudad llamada Venus con poco más de quinientos habitantes. Como muchas parejas actuales son amantes de los true crime, están buscando labrarse una vida lejos de la gran ciudad y celebran su quinto aniversario. Hasta ahí todo puede sonar ligeramente tópico. Pero la cosa va a más.

Estos actores, la una procedente de ‘Riverdale’ y el otro de ‘Teen Wolf’, van chocándose cual transeúnte que evita captadores de ONGs por la calle Preciados de Madrid, todos los clichés del género. Los golpetazos en la puerta eran cosa de la primera pero es que además el guión incluye el manido recurso del inhalador para el asma, la cancioncilla infantil, la policía con sus sirenas avisando torpemente a los villanos para que huyan, los asesinos capaces de teletransportarse sin hacer ni un ruido, el tobillo torcido en el peor momento, el scare jump en el coche que no arranca. Como en la primera entrega y como en casi todas las películas de este tipo nos ponen de los nervios, pero no por la tensión que pueda llegar a transmitir el montaje o los planos, sino por cómo los protagonistas toman decisiones ridículas y bajan la guardia. Para colmo tenemos hasta secuencias con planos que mezclan día y noche, una noche hecha a base de focazo entre los árboles.

Lo de la saga ‘Strangers’ consiste en repetir lo que en sí mismo ya era una repetición de otros home invasion, como ‘Funny Games’. Este remake aporta poco y está peor interpretado. Con sutiles cambios pero sigue las líneas generales de la película original. Hay un par de modificaciones que quizá aporten un rayo de luz a esta trilogía. Se nos queda colgado un asunto con unos folletos eclesiásticos y la casi desapercibida presencia de Richard Brake. Mi teoría es que esto está al servicio de una táctica que consiste en imitar a la saga ‘Hatchet’, un slasher en el que cada nueva entrega arranca justo donde acaba la anterior. No es una hipótesis descabellada ya que el único giro o detalle que cambia sustancialmente con respecto a sus predecesoras está en la última escena y en la post-créditos. Puede que lo que nos estén ofreciendo con esta escena sea inmediatamente el arranque del capítulo dos. Se suma a mi conjetura el hecho de que Harlin ha rodado del tirón toda una trilogía. Quizá de manera inteligente imitando otros experimentos como ‘La calle del terror’ o pensando en que si no las llega a hacer del tirón la taquilla podría provocar bomba de gas de los productores.

‘Strangers: capítulo 1’ embaucará a aquellos que no estén al tanto de la existencia de las originales o de cómo suele funcionar este tipo de películas de asesinos en serie que parecen hechas precisamente en una fábrica de producción en serie. A los que viesen la película protagonizada por Liv Tyler y Scott Speedman no les aportará prácticamente nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2024. Título original: The Strangers: Chapter 1. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Renny Harlin. Guion: Alan R. Cohen, Alan Freedland, Amber Loutfi. Música: Justin Caine Burnett. Fotografía: José David Montero. Reparto principal: Madelaine Petsch, Froy Gutiérrez, Gabriel Basso, Rachel Shermon, Ryan Brown, Letizia Fabbri, Matus Lajcak, Olivia Kreutzova, Richard Brake. Producción: Fith Element Productions, Slovenian Film Fund, Frame Film, The Strangers Film. Distribución: Diamond Films. Género: terror, slasher. Web oficial: https://thestrangers.movie/

Crítica: ‘Mala persona’

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Nuestro querido Pepe, querido por todos sin excepción, es el ángel del barrio, ese ser humano al que te llevarías a casa. Pero un día recibe la terrible noticia, esa que nadie quiere recibir: le quedan pocos meses de vida. Pepe, “fenomenalmente” aconsejado por su mejor amigo, decide pasarse al lado oscuro de la conducta humana para alejar a su familia y evitar su sufrimiento. ¡La que va a liar!

Crítica

Cuando ser malo, no siempre es tan malo

Pepe es sin duda la mejor persona del mundo. Es un hombre bueno, el que ayuda a cruzar a ancianas desvalidas, el que conoce a todo el barrio por su bondad, ya sean malhechores o agentes de la orden. A Pepe le quiere todo el mundo, ayuda a sus vecinos con sus impagos o a su hija de salir de la cárcel. Todo esto cambia de la noche a la mañana con una terrible noticia, que hará que Pepe decida convertirse en malo.

 Fer García-Ruiz, director de ‘Descarrilados’ (aquí nuestra crítica), nos trae esta comedia que me ha gustado bastante pese a que al final termina perdiendo un poco de esa gracia que tiene desde el minuto uno, dando paso a un poco de drama.

Uno de los puntos fuertes de la película son sus tres protagonistas, Arturo Valls, mostrando su mejor cara. Un hombre como hemos descrito arriba, al que todo el mundo quiere. Un hombre que ayuda a toda persona desconocida y conocida y vive por y para sus vecinos. Su mejor amigo y abogado, Julián Villagrán, está tremendo, hace de un vividor, canalla y que será el encargado de convertir en mala persona a Pepe. Y la siempre estupenda Malena Alterio, la mujer de Pepe, que le quiere con locura, que todo le perdona ya que no puede imaginarse que su marido se esté convirtiendo en una mala persona.

En el reparto encontramos también a Daniel Arias, Sofia Baessa, Víctor Benjumea, Carlos Cortés Ciudad, José Corbacho, José García Ruiz, Sara Jiménez, o Benedita Pereira entre otros .

Es muy divertida la manera en la que Juanjo (el personaje de Julián Villagrán) intenta convertir en un mal hombre a Pepe. Como este, pese a querer serlo, su bondad logra salir siempre hacia delante. Además, también es divertido ver, que pese a cambiar, sigue consiguiendo amigos que le comienzan a querer. Eso sí, malas compañías que quizás no son lo mejor.

Tiene un humor tonto, con chistes fáciles, pero que sin duda funcionan. Si que llega un momento que pierde un poco. Porque pasamos de una comedia a ya damos paso a un drama que le hace perder un poco toda la chispa que tenía la película. Aun así, os recomiendo mucho ‘Mala persona’ porque unas risas os vais a echar y merece la pena ver a estos tres actores dándolo todo. Sobre todo, a Arturo Valls y Julián Villagrán que tienen una gran química en pantalla.   

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: Mala Persona. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Fer García-Ruiz Guion: Antonio Mercero y Daniel Padró. Música: Filipe Melo. Fotografía: Rafa García AEC. Reparto principal: Arturo Valls, Malena Alterio, Julián Villagrán, José Corbacho, Teresa Lozano, Sara Jiménez, Diva O’Branco, Victor Benjumea, Daniel Arias, Dafnis Balduz, Betxy Túrnez. Producción: Rodar y Rodar, Boavista Filmes y Mala Persona AIE. Distribución: Filmax. Género: Comedia. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/mala-persona.266

Crítica: ‘El bus de la vida’

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Andrés (Dani Rovira) viaja a un pueblo del País Vasco para trabajar como profesor de música. El primer día de clase sufre un fuerte pitido en el oído: es cáncer. Para recibir tratamiento debe desplazarse al hospital de Bilbao en El bus de la vida, un viejo autocar conducido por Mai (Susana Abaitua), que traslada gratuitamente a todos los pacientes de la zona.

Gracias a las risas, confidencias y experiencias musicales compartidas con sus compañeros de viaje, Andrés irá obteniendo la fuerza necesaria para enfrentarse a sus miedos y llegar a cumplir el sueño de subirse a un escenario.

El bus de la vida está inspirada en una historia real.

Crítica

Ensalza el valor de ser solidario aun cuando es uno mismo el que necesita solidaridad

Juzgar una película que intenta abordar un tema tan doloroso y personal como es el cáncer es muy difícil, más aún si uno de sus intérpretes lo ha padecido hace unos pocos años. No sé si Dani Rovira aceptó trabajar en ‘El bus de la vida’ por tener tan cercano su caso o por la perspectiva que ofrece, pero creo que es una historia de superación que le viene como anillo al dedo ya que como todos sabemos, además de su enfermedad ha tenido que superar muchos tipos de retos, tanto artísticos, como deportivos, como sociales por el hate que ha recibido en algunos momentos, que hoy en día es algo que se puede considerar un deporte de riesgo. Para aquellos detractores del actor esta película puede ser un zasca que no van a querer admitir, pues muestra un cariz distinto, alejado de sus papeles más cómicos o socarrones.

‘El bus de la vida’ podría considerarse una película de autoayuda, una promotora de la terapia en grupo y del optimismo. Hablar de cáncer con una sonrisa y de las virtudes de la psicoterapia colectiva me recuerda siempre a Albert Espinosa. Y lo digo en el buen sentido pues esta historia bien podría haber estado escrita de su puño y letra. Realmente este largometraje de Ibon Cormenzana surge de la historia que le contó uno de sus familiares, del viaje que vivió a bordo de un bus lleno de anécdotas y lecciones de vida. Se conforma así este largometraje como una mirada sobre el cáncer bastante vitalista, que evidentemente cuesta aplicar a la realidad pues cada caso es un mundo diferente, pero que sirve de homenaje hacía las personas que hicieron posible El bus de la vida, así como a todos aquellos capaces de afrontar la vida con una resignación embadurnada de optimismo.

Si eres de la generación de cristal y te sientes violentado porque se intente tratar con positividad o humor el tema del cáncer es mejor que no te acerques a este tipo de películas, pues estas piden una capacidad de amplitud de miras que quizá no puedes abarcar. Si piensas que todo esto es spoiler, solo tienes que leer la sinopsis oficial, la que sus propios artífices aprueban que leas antes de ver el filme. ‘El bus de la vida’ va a rebufo de títulos como ‘Planta 4ª’, ‘Bajo la misma estrella’, ‘Quiero comerme tu páncreas’ o ‘Yo, él y Raquel’, películas que afrontan la incomodidad y la pesadumbre de un tema que a muchos les es esquivo y a otros más difícil de arrostrar que un triatlón Ironman. En una época en la que las redes sociales y el capitalismo fomentan y premian el individualismo y el egoísmo, hay que agradecer que surjan películas como esta, que ensalza el valor de ser solidario aun cuando es uno mismo el que necesita solidaridad.

Bien es cierto que aunque se percibe intención de ser una película “feel-good” y tiene personajes cómicos tales como un hombre que confunde las palabras a lo novena destilación de ‘Año Mariano’ o una mujer con intenciones incendiarias, esta es una película que deja sensaciones tristes. La música es un medio como otros muchos para vomitar lo que sentimos y sufrimos. A esa capacidad catártica apela ‘El bus de la vida’. El protagonista es víctima de una enorme ironía y el resto de personajes están sometidos a un bloqueo emocional que los acordes deshacen. Escuchamos temas de Los Chikos del Maíz, Fito y Fitipaldis o Kase.O que por lo general a mí personalmente me ponen en pie, pero me da la impresión de que el gancho es menos eficiente de lo pretendido.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: El bus de la vida. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Ibon Cormenzana. Guion: Ibon Cormenzana, Eduard Sola. Música: Paula Olaz, Kase.O, Los Chikos del Maíz, Fito y Fitipaldis, Chill Mafia, Rigoberta Bandini. Fotografía: Albert Pascual. Reparto principal: Dani Rovira y Susana Abaitua, Elena Irureta, Antonio Durán “Morris”, Nagore Aramburu, Amancay Gaztañaga, Andrés Gertrúdix, Pablo Scapigliati, Julen Castillo, Miriam Rubio. Producción: Arcadia Motion Pictures, Aixerrota Films, Pachacamac Films, Noodles Production, Pris&Batty, ICAA, Gobierno Vasco, Prime Video, ETB, TVC. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.arcadiamotionpictures.com/en/films/el-bus-de-la-vida/

Crítica: ‘En tierra de santos y pecadores’

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Irlanda, años 70. Deseoso de dejar su oscuro pasado atrás, Finbar Murphy (Liam Neeson) lleva una vida tranquila en el pequeño pueblo costero de Glen Colm Cille, lejos de la violencia política que asola el resto del país.

Cuando llega al pueblo un peligroso grupo de terroristas liderado por la despiadada Doireann (Kerry Condon), Finbar se verá inmerso en un peligroso juego que le obligará a elegir entre mantener su identidad secreta o defender a sus vecinos y amigos.

Crítica

Las películas typycal Neeson siguen funcionando

Aquellos que han vivido una vida conflictiva y llena de muerte no pueden redimirse o por lo menos no pueden dejar atrás el pasado, este siempre reaparece. Nos han venido con ese discurso una y mil veces en películas de acción en las que el protagonista vive una vida pacífica y cordial con sus vecinos hasta que la violencia llama a su puerta. Hace poco Jason Statham tiró del mismo hilo en ‘Beekeeper’. Ahora es Liam Neeson el que por enésima vez pasa de las buenas palabras a los puños en una película ambientada en Irlanda.

‘En tierra de santos y pecadores’ es un largometraje que se adentra en la época de la turbulenta y conflictiva historia de Irlanda, destacando tanto la belleza de su paisaje como la complejidad de sus personajes. Santos y pecadores, héroes y monstruos, bienhechores y villanos… al cabo es lo mismo. ‘En tierra de santos y pecadores’ explota el tópico introduciendo algunos rasgos diferenciales. La película, dirigida por Robert Lorenz intenta explorar la moralidad y la redención en un entorno marcado por la violencia y la traición, condicionado por las distintas interpretaciones del mismo conflicto.

Uno de los puntos más fuertes de la película es la actuación de Neeson, quien ofrece una interpretación sólida y convincente, como para no, tras años haciendo papeles similares. Pero a pesar de la repetitividad en las líneas generales del personaje, su presencia en la pantalla aporta una profundidad emocional que ancla la narrativa, incluso cuando el guión se vuelve predecible. A pesar de la fuerza de su protagonista, la narrativa a veces se siente dispersa y falta de cohesión. La falta de profundidad se intenta compensar con repartidos momentos de acción.

Los personajes secundarios, aunque bien interpretados, no siempre están bien desarrollados, lo que deja algunos arcos argumentales sin resolver o insuficientemente explorados. Eso sí, es un grandísimo aliciente ver juntos a Neeson y Ciarán Hinds, quienes habían compartido créditos en ‘Excálibur’ y ‘Silencio’, pero nunca escena. Quienes si habían trabajado antes codo con codo son Neeson y el director Robert Lorenz.  Estrenaron ‘The Marksman’, un filme con tintes de neowestern. La trama de ‘En tierra de santos y pecadores’ no nos lleva a Arizona, ni a la actualidad, ni a los sombreros de cowboy, pero aún así también tiene ingredientes de western. Un far west europeo con una cinematografía preciosa, que también juega un papel crucial, añadiendo una capa de autenticidad y belleza a la historia.

Además, la película intenta abordar temas complejos como el conflicto irlandés y sus repercusiones, pero lo hace de una manera superficial, casi de respagilón. La falta de compromiso en la exploración de estos temas puede dejar insatisfechos a aquellos que buscan una representación más matizada y crítica de la historia irlandesa. Los que busquen una película tipycal Neeson encontrarán otro título que les va a funcionar.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: In the Land of Saints and Sinners. Duración: 106 min. País: Irlanda. Dirección: Robert Lorenz. Guion: Terry Loane, Mark Michael McNally. Música: Diego Baldenweg, Lionel Vincent Baldenweg, Nora Baldenweg. Fotografía: Tom Stern. Reparto principal: Liam Neeson, Ciarán Hinds, Colm Meaney, Kerry Condon. Producción: Facing East Entertainment, Jumpy Cow Pictures, London Town Films, Saga Film, Bleiberg Entertainment, Prodigal Films. Distribución: Vértice Cine. Género: suspense, acción. Web oficial: https://www.facing-east.com/en/films/ship-breaker

Crítica: ‘Gru 4. Mi villano favorito’

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Después de siete años, nuestro supervillano favorito, ahora convertido en agente de la Liga Antivillanos, vuelve con una impactante y frenética entrega de caos al más puro estilo Minion en la esperadísima nueva película de Illumination: Gru 4. Mi villano favorito.

Crítica

Nuevas travesuras y risas garantizadas

Primero se ganó nuestros corazones siendo malo malísimo, después se pasó al bando de los “buenos” y ahora, en ‘Gru 4. Mi villano favorito’, le toca ser el protegido que entra en el programa de cambio de identidad. Curta entrega de la saga, que no de la franquicia, el número de personajes crece. La familia es más grande, los minions pierden algo de peso y se nota que comienza a costar estirar el chicle.

Por supuesto que esta especie de gremlins amarillos tienen los mejores gags del filme. Pero cuando vemos que se suceden los guiños a películas como ‘Terminator 2’, ‘007’, ‘Spider-Man’ o ‘Los 4 Fantásticos’ ya se percibe una falta de originalidad. Me ha gustado mucho cómo Universal, productora que no posee ninguna franquicia comiquera de superhéroes, ha lanzado un dardo en favor del hartazgo por el cine de superhéroes, de ese que se hace como churros. Pero en su intención de brindarnos una pequeña sátira para los más adultos han desarrollado un guión demasiado dependiente de la broma. Tenemos superhéroes hasta en la sopa, pero no olvidemos que con los minions también se ha hecho todo tipo de merchandising, la pescadilla se morderá la cola y veremos a estos nuevos “Mega-minions” en las tiendas.

Aún con esa cantidad de guiños y referencias que tiene esta nueva película, entre las que hay que incluir su propio Hogwarts y un bebé que recuerda al de ‘Los increíbles’, surgen nuevos personajes. Los más destacados dos villanos que salvo por el acento bien podrían estar inspirados en CR7 y Georgina. Y unos pijos de manual cuya inclusión aunque es graciosa queda un poco pendiente de un hilo pues sirven más como relleno y su arco no está cerrado.

De la animación sobra decir que la calidad es máxima, con una cantidad de detalles apabullante y pormenores como líquidos, pelajes o texturas que están cuidados hasta el límite. Fijaos por ejemplo en cualquier parte metálica que aparece o en la gigantesca pantalla LED que hay en una de las escenas. Igual podemos decir del doblaje, la hemos visto en castellano, al que se le ha dedicado espacio en los títulos de crédito iniciales. Salvo en un par de excepciones las voces respetan el producto original y funciona de manera graciosa con comunión con los personajes. Especialmente Florentino Fernández quien adaptó su voz de Sr. Maligno para este personaje y ya no cabe imaginar a Gru sin su estilo.

Puede que sea por la cantidad de entregas que lleva ya esta franquicia, pero parece que los minions pronuncian cada vez de un modo más legible. Curiosamente, aunque entendamos mejor a los esbirros amarillos esta es la entrega que tiene menor intencionalidad, es decir, que carece de moraleja. Para algunos puede que desmerezca la película pues estando destinada un público infantil ‘Gru 4. Mi villano favorito’ pierde la oportunidad de ser educativa. En el caso de otros muchos la apuesta por la simple aventura y la comedia física es más que suficiente.

Aunque está siendo un verano flojo en cines, levantado precisamente por un competidor directo como ‘Del revés 2’, fijo que habrá más entregas de ‘Gru. Mi villano favorito’ ya que estos personajes son el buque insignia de Illumination. Próximamente y dada su forma y la cantidad de productos que llevan estampados a los minions, no descartaría que viniesen en forma de supositorios. Mi apuesta para la siguiente fase, Gru como profesor o mentor, algo que aquí ya hace en parte.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: Despicable Me 4. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Patrick Delage, Chris Renaud. Guion: Mike White, Ken Daurio. Música: Heitor Pereira. Reparto principal (doblaje original): Steve Carell, Kristen Wiig, Joey King, Will Ferrell, Sofía Vergara, Miranda Cosgrove, Dana Gaier, Madison Skyy Polan, Steve Coogan, Pierre Coffin, Stephen Colbert, Chloe Fineman, Brad Abelson. Reparto principal (doblaje en castellano): Florentino Fernández, Patricia Conde, Dani Martínez, Xuso Jones, Ana Brito. Producción: Universal Pictures, Illumination Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: aventuras, comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://www.instagram.com/minions/

Crítica: ‘Un lugar tranquilo: Día 1’

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Descubre por qué nuestro mundo se quedó en silencio.

Crítica

Un viaje hacía la oscuridad y a la salvación.

Por fin llega a nuestras pantallas la precuela de ‘Un lugar tranquilo’, la cinta que nos mantuvo en silencio en una sala de cine en 2018. Esta dio paso a ‘Un lugar tranquilo 2’ y como digo, por fin llega a nuestras pantallas ‘Un lugar tranquilo: Día 1’.

La cinta nos cuenta el comienzo de todo, el primer día en el que los monstruos sensibles al ruido aparecieron en la Tierra y que mejor lugar para mostrarnos esta llegada que en Nueva York, una de las ciudades más ruidosas de todo el mundo, un lugar que nunca duerme.

Seguimos a Samira, interpretada por Lupita Nyong’o, una mujer enferma que lo único que quiere es volver a Harlem y poder comer un trozo de pizza de su lugar favorito. Con ella va Frodo su gato y Eric, un joven inglés que intenta ayudarla y sobrevivir.

‘Un lugar tranquilo: Día 1’, nos vuelve a traer la tensión de las anteriores. Una gran acción y también una bonita historia sobre las personas que están viviendo este terrible suceso.

Y es que una cosa queda clara, que estas películas tienen una gran fe en la humanidad. Con esto quiero decir, que cuando vemos películas apocalípticas, siempre vemos que los seres humanos se vuelven mezquinos y malvados con tal de sobrevivir. En estas cintas, es todo lo contrario, siempre se ve como trabajan unidos. Como se ayudan y si no lo hacen es por miedo o por que han dado todo por perdido, no por maldad. Es algo que sin duda me encanta, porque en el fondo estoy cansada de ver siempre lo mismo y me gusta que se vea el lado bueno de las personas.

La cinta esta vez no está dirigida por John Krasinski, que, si que ha ayudado en el guion, han dejado el papel de director a Michael Sarnoski, director de ‘Pig’, que ha demostrado una gran maestría para hacérnoslo pasar mal. Los sustos, las escenas acuáticas o las persecuciones en uno de los grandes rascacielos de cristal de Nueva York con una gran cantidad de alienígenas persiguiendo a nuestros protagonistas.

Joseph Quinn es el encargado de dar vida a Eric, un joven inglés que acompaña al personaje de Lupita por una Nueva York destruida. Ambos tienen una química muy bonita, llena de cariño y amistad.

En el reparto encontramos a Alex Wolff, Djimon Hounsou (que vuelve a repetir personaje), Thea Butler, Jennifer Woodward, Sunjay Midda, Elijah Ungvary, Zay Domo Artist, Cain Aiden, Malik Jubal y Alexander John.

Como en las anteriores películas el sonido es muy bueno, necesario para introducirte esa tensión que viven los protagonistas, esos silencios que logran ponernos los pelos de punta y a la vez, esos sonidos estridentes que hacen que todo el mundo salga corriendo para poder sobrevivir.

Antes de terminar, me ha encantado el símil con ‘El Señor de los Anillos’. Ya solo los nombres de los dos protagonistas, Frodo, el gato, si es protagonista total, lo pasas fatal cada vez que le da por desaparecer. Sam, su compañera de viaje que tiene un destino claro, y es volver a su hogar. Es más, llegamos a ver la oscuridad de Mordor en la película. Admito que no se si el director ha tenido interés en mostrar esto verdaderamente, o que soy una loca de la gran historia de Tolkien, pero sin duda, me ha parecido totalmente un gran homenaje.

‘Un día tranquilo: Día 1’ me ha parecido una gran precuela, una visión del primer día y de lo que ocurrió, repitiendo fórmulas pero también dándonos algo nuevo de estos seres que han llegado para quedarse.

 Ficha de la película

Estreno en España: 27 de junio de 2024. Título original: A Quiet Place: Day One. Duración: 100 min. País: Estados Unidos. Dirección: Michael Sarnoski. Guion: Michael Sarnoski. Música: Fotografía: Patrick Scola. Reparto principal: Lupita Nyong’o, Joseph Quinn, Alex Wolff, Djimon Hounsou, Denis O’Hare, Elijah Ungvary. Producción: Paramount Pictures, Platinum Dunes, Sunday Night. Distribución: Paramount Pictures. Género: Terror, thriller. Web oficial: https://www.aquietplacemovie.com/

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