Crítica: ‘Borderlands’

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Lilith (Cate Blanchett), una malvada cazarrecompensas con un misterioso pasado, regresa de mala gana a su hogar, Pandora, el planeta más caótico de la galaxia. Su misión es encontrar a la hija desaparecida de Atlas (Édgar Ramírez), el cabronazo más poderoso del universo. Lilith forma una inesperada alianza con un extraño equipo: Roland (Kevin Hart), un veterano mercenario con una misión; Tiny Tina (Ariana Greenblatt), una salvaje demoledora preadolescente; Krieg (Florian Munteanu), el musculoso protector de Tina; Tannis (Jamie Lee Curtis), la extraña científica que lo ha visto todo, y Claptrap (Jack Black), un robot sabelotodo. Juntos, estos sorprendentes héroes deberán enfrentarse a una especie alienígena y a peligrosos bandidos para descubrir uno de los secretos más explosivos de Pandora. El destino del universo podría estar en sus manos, pero lucharán por algo más: los unos por los otros.

Crítica

Muy lejos de aludir a las sensaciones que teníamos tras apagar nuestra consola

Nueva adaptación de un videojuego a la gran pantalla con actores de carne y hueso. En el pasado pudimos disfrutar de las versiones de ‘Silent Hill’, ‘Five Nights at Freddy’s’, ‘Sonic’ o los distintos ‘Tomb Raider’. Pero también olvidar nada más ver los títulos de crédito las versiones de ‘Max Payne’, ‘House of the dead’ o ‘Pixels’. Y aunque la lista de juegos que han sido adaptados a live action es ya muy larga (os recomiendo el libro ‘Luces, cámara… enter play’) sigo defendiendo a día de hoy que la mejor película jugona, que no adapta ningún videojuego pero que es la mejor manera de ver un shooter en el cine, es ‘Hardcore Henry’.

Adaptar un cómic o una novela tienen su dificultad pues el lector pone mucho de su imaginación para que la historia funcione. En el caso de los videojuegos, una adaptación solvente depende mucho de la narrativa del producto original, damos por hecho que será imposible que el espectador se implique tanto como cuando tiene el mando en la mano. Para ‘Uncharted’ se decidió hacer una mezcolanza de lo visto a lo largo de la franquicia creando una aventura muy solvente. Otro acierto que gustó a muchos fue la decisión de los guionistas de ‘Fallout’ a la hora de mostrar una aventura que transcurría paralela a las tramas de los juegos. En el caso de ‘Borderlands’ se ha recuperado a gran parte de los protagonistas y se les ha dado una misión idéntica a la del shooter, encontrar el arca madre, pero los derroteros son diferentes y transcurren de manera excesivamente fortuita, casual y atropellada.

‘Borderlands’ es un juego en un mundo abierto con misiones secundarias. Es decir, hay un hilo central pero el jugador se puede mover por muchas y variopintas tramas que o bien sirven para levear a tu personaje y armas o bien para echarte unas risas. Aunque sin el toque rolero, eso mismo deberíamos haber percibido en la película. Coincidiremos todos que lo importante de este juego es su acción y sobre todo su enajenación. El juego de Gearbox Studios se puede resumir con palabras como locura, caos o demencia. Me parecía un acierto que Eli Roth fuese el finalmente escogido para esta franquicia pues, aparte de ser un director que como catecúmeno de Tarantino rinde culto a la violencia, es ante todo un fan que generacionalmente está en buena posición de saber qué exigen los gamers a una adaptación. Lástima que percibamos que tanto su violencia como su capacidad de narrar historias repletas de barbaridades están ausentes. Probablemente, por decisión del estudio, le ha pesado le hacer una película de corte más familiar, como lo fue ‘La casa del reloj en la pared’, en la que también trabajó con Cate Blanchett y Jack Black.

El paneta Pandora tenía que lucir como un mundo a lo far west repleto de buscatesoros, delincuentes o mercenarios al servicio de corporaciones llamadas Dahl, Atlas o Hyperion. Esto realmente es así pues los escenarios y la caracterización calcan el juego. Nos embarcamos en un ambiente inhóspito, hostil y repleto de basura en el que abunda la tecnología. Allí se junta un equipo variopinto que se ve forzado a colaborar. La mecánica es de manual, como recientemente hemos visto en filmes como ‘Guardianes de la Galaxia’ o ‘Dungeons & Dragons: honor entre ladrones’. Lo que podría haber diferenciado a este filme es el haber conseguido plasmar a unos personajes que son completamente borderline (el título del juego hace alusión también a este tipo de trastornos) como lo eran los de ‘Predator’ y ‘El Escuadrón Suicida’. Quien cumple con ese cometido es Jack Black poniendo voz a Claptrap y muy justitamente como Tiny Tina la actriz en alza Ariana Greenblatt, conocida por sus papeles en ‘65’, ‘Barbie’ o ‘Ahsoka’. Sin duda, por razones de popularidad y actualidad está presente Kevin Hart pero sus gags, como casi todos los del filme, no terminan de funcionar. Sin duda en este filme me quedo con las mujeres. No es que Eli Roth sea un simple fan con dinero o avales para hacer películas, ha demostrado siempre tener una gran cultura cinematográfica. Es por eso que ha contado con dos actrices consagradas y oscarizadas como Jamie Lee Curtis y Cate Blanchett. A ninguna de ellas se le cae los anillos a la hora de asumir nuevos tipos de papeles. Se han sumergido en una película repleta de acción y es Blanchett la que como protagonista sale ligeramente airosa, aunque constantemente y de manera forzada aparece con poses que imitan al NPC del juego.

‘Borderlands’ tendría que haber sido una guasa constante embadurnada de pólvora a cascoporro. Tiene acción pero está tan camuflada por movimientos de cámara que resulta tan estándar como aburrida. Lejos de ser una película de autor, de hecho ha tenido un buen baile de directores y guionistas, es una obra en la que Eli Roth no encuentra espacio para algún discurso u homenaje. Hay que puntualizar además que ‘Borderlands’ tuvo que repetir el rodaje de algunas escenas y Eli Roth estaba ocupado para cuando se tomó esa decisión. Fue Tim Miller (‘Deadool’, ‘Love, death & robots’) quien asumió ese encargo. Debemos reconocer que cuesta diferenciar qué escenas pertenecen a qué director, salvo en el caso del tramo de los psicópatas. Es otro síntoma más de que esta película es cine palomitero a granel, en el que al igual que muchas series da poco espacio a quien capitanea. Funciona únicamente en su parte técnica y las constantes referencias perceptibles por los aquellos que se han pasado horas con el mando en las manos. No es un calco de la historia, salvo en casos como en el de ‘The last of us’ se ha comprobado casi siempre es un error intentar eso, pero al menos debería haber aludido a las sensaciones con las que acabábamos al apagar nuestra consola.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de agosto de 2024. Título original: Borderlands. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Eli Roth. Guion: Eli Roth, Joe Crombie. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Rogier Stoffers. Reparto principal: Ariana Greenblatt, Jamie Lee Curtis, Cate Blanchett, Haley Bennett, Gina Gershon, Kevin Hart, Jack Black, Edgar Ramirez. Producción: Lionsgate Films, Media Capital Technologies, Arad Productions, Picturesart, Gearbox Studios, 2k Games. Distribución: Diamond Films. Género: acción, comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://borderlands.movie/

Crítica: ‘Cuerpo escombro’

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Ante los problemas para encontrar trabajo y liado por su hermano Fermín, Javi se hace pasar por discapacitado para conseguir un puesto que necesita desesperadamente. Pero fingir parálisis cerebral es más complicado de lo que parece, sobre todo, cuando se enamora de su jefa.

Crítica

Una comedia con poco filtro y demasiado romance

Dani Rovira saltó a la gran fama cinematográfica gracias a los chistes regionalistas de ‘Ocho apellidos vascos’. Ahora regresa al norte buscando volver a hacernos reír, solo que con temas algo más comprometidos. No se va a los extremos dramáticos y sociales como los de películas del tipo ‘Mediterráneo’ pero si se atreve con ciertos temas delicados, de salud en concreto. Si hace poco abordaba el cáncer con ‘El bus de la vida’ ahora con ‘Cuerpo escombró’, toca la inclusión con respecto a la discapacidad.

‘Cuerpo escombro’ es una película que se aventura con un vehículo a veces tan arriesgado como el humor en los terrenos de la inclusividad, logrando un equilibrio delicado y en ocasiones efectivo, nunca ofensivo. Oiréis insultos como “monguer”, “tullido” o “tontito” pero en ningún momento reflejan una intención insultante, sino el retrato de individuos que por desgracia existen aún hoy en día. La cinta se destaca por su habilidad para tratar asuntos serios y contemporáneos con un tono ligero y accesible, lo que permite a la audiencia reflexionar ligeramente mientras se divierte.

A pesar de que el protagonista es Dani Rovira y tiene la mayor cantidad de líneas compuestas por chistes, uno de los puntos más fuertes de la película es la actuación de Ernesto Sevilla, cuyo estilo cómico y carisma natural se traduce en los momentos más hilarantes de la cinta. Sevilla logra robarse cada escena en la que aparece, proporcionando una dosis constante de risas que aligera el contenido más serio y romántico de la trama.

Sin embargo, ‘Cuerpo escombro’ dista de ser perfecta, tal y como dicen en el filme, todos somos imperfectos. Una de sus debilidades reside en el exceso de metraje dedicado a la trama romántica que, si bien nos brinda alguna escena entrañable, resulta innecesariamente larga, diluyendo el ritmo de la narrativa principal. Estas escenas a menudo se sienten como relleno, muy de sitcom estándar, restando dinamismo a una historia que brilla más cuando se centra en su mensaje principal y en sus momentos de humor.

‘Cuerpo escombro’ recuerda al estilo característico de Santiago Segura, conocido por sus múltiples colaboraciones y cameos. ‘Cuerpo escombro’ está plagada de pequeñas participaciones que enriquecen el tapiz cómico del film, proporcionando una variedad de rostros familiares que el público español reconocerá y disfrutará pues están dispuestos para aumentar la cadencia de gags. Esta estrategia intenta añadir valor al filme, pero considero que solo funciona de manera efectiva cuando aparece El Langui.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de agosto de 2024. Título original: Cuerpo Escombro. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Curro Velázquez. Guion: Curro Velázquez. Música: Vanessa Garde. Fotografía: Néstor Calvo. Reparto principal: Dani Rovira, Ernesto Sevilla, El Langui, Antonio Resines, Cassandra Ciangherotti, Omar Chaparro, María Hervás, Tito Valverde, Leo Harlem. Producción: Morena Films. Distribución: Buena Vista International. Género: comedia. Web oficial: https://morenafilms.com/noticias/ya-disponibles-el-trailer-y-el-poster-oficiales-de-cuerpo-escombro-en-cines-el-9-de-agosto/

Ya sabemos cuando llegará a cines ‘The Concierge’

Crunchyroll la estrena únicamente 27 de septiembre

En la historia de ‘The Concierge’ conocemos a Akino. Ella es una conserje en prácticas en los grandes almacenes Hokkyoku, un extravagante y atípico local que da servicio únicamente a animales. Bajo la atenta mirada del gerente de planta y los conserjes veteranos, Akino va de acá para allá para complacer a los clientes antropomórficos y sus inagotables deseos y problemas con el objetivo de convertirse en una conserje de pleno derecho.

Crunchyroll anunció hace dos días su intención de poner ‘The Concierge’ en cines. El estreno tendrá lugar gracias a la colaboración entre Crunchyroll y Sony Pictures Entertainment el 27 de septiembre durante un único día.

‘The Concierge’ está dirigida por Yoshimi Itazu de la productora PRODUCTION I.G (‘Ghost in the Shell’, ‘PSYCHO-PASS’, ‘HAIKYU!!’). El reparto principal de voces incluye a Natsumi Kawaida como Akino, Takeo Otsuka como Elulu y Kenjiro Tsuda como Woolly.

La galardonada película se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Animación de Annecy en junio de 2023 y su premiere norteamericana tuvo lugar en julio de 2023 en el Festival Internacional de Cine Fantasia. La película ha sido seleccionada y proyectada en diversos festivales de todo el mundo en 2023 y 2024.

Evan Shapiro abrirá el cuarto Iberseries & Platino Industria

El festival se celebra del 1 al 4 de octubre de 2024

Evan Shapiro, aclamado analista de la industria del entretenimiento y productor de televisión, cine y podcasts; ganador de premios Emmy y Peabody, abrirá el programa de actividades con una keynote especial durante la cuarta edición de Iberseries & Platino Industria, que se celebrará del 1 al 4 de octubre de 2024 en Matadero Madrid.

Conocido como el «cartógrafo» de la industria del entretenimiento desde la publicación de su primer «Mapa del Universo de los Medios de Shapiro» por la revista Deadline, Shapiro ha confirmado con entusiasmo su participación en el evento. «Estoy encantado de hacer mi primer viaje a Madrid para esta gran cita y muy honrado de ser incluido en esta increíble alineación de líderes intelectuales de contenido de todo el mundo», afirma.

Shapiro es reconocido globalmente por sus predicciones y visualizaciones distintivas del sector, siendo referencia para empresas, ejecutivos, analistas y universidades como guía para la representación del mapa de los medios de comunicación. Con un punto de vista muy específico, Shapiro traza el futuro de los medios a través de sus ensayos en el Media War & Peace Newsletter y con su agencia ESHAP.

Durante su Keynote, titulada Prosperando en los mercados iberoamericanos, en la era user-centric, Shapiro reflexionará sobre el estado actual de los medios de comunicación y el papel clave de los mercados iberoamericanos en un negocio audiovisual en constante evolución y centrado en el usuario. «El panorama de los medios de comunicación no está cambiando, ha cambiado. Los consumidores tienen ahora el control y utilizan dispositivos tecnológicos para ejercer su poder. Si pones a tu público en el centro de todo lo que haces, puedes hacer algo más que sobrevivir a estos cambios, puedes prosperar gracias a ellos», asegura Shapiro.

Además de su labor como analista y productor, Shapiro ejerce de profesor en las escuelas de negocios de NYU y Fordham y es presidente del consejo de la empresa educativa sin ánimo de lucro One Diverse Industry. Entre sus producciones más exitosas se encuentran Portlandia, This Film Is Not Yet Rated, Please Like Me, Comedy Bang Bang, Brick City y Harmonquest.

Próximamente se desvelarán más actividades y ponentes de Iberseries & Platino Industria 2024, encuentro impulsado por EGEDA y Fundación Secuoya, en colaboración con FIPCA, con el apoyo de Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Madrid, ICEX España Exportación e Inversiones y el patrocinio de Madrid Film Office y Film Madrid. 

Más de 800 profesionales del sector cinematográfico y audiovisual ya han confirmado su presencia en el mayor evento internacional de la industria audiovisual iberoamericana, numerosos ejecutivos/as y empresas procedentes de una treintena de países.

La acreditación en Iberseries & Platino Industria dará entrada a la amplia programación de actividades profesionales, así como al área de mercado & networking, facilitando a los participantes un espacio único para impulsar la conexión entre negocio y talento, el intercambio y desarrollo de ideas, proyectos y oportunidades de financiación y coproducción mediante el encuentro entre creativos, plataformas, cadenas de televisión, productores y otros agentes del sector.

Crítica: ‘Dogman’

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Un chico (Caleb Landry Jones), maltratado por su padre y su hermano mayor durante su infancia, encuentra la salvación gracias al amor incondicional de sus perros. Tras este pasado lleno de abusos y dolor, crece rodeado por su manada de la que adquiere sus aspectos más salvajes para dejar atrás su cruel infancia.

 

Crítica

Una historia muy triste con un personaje muy bien llevado

Una de las películas que más esperaba este mes era sin duda la nueva de Luc Besson, ‘Dogman’. La historia de un joven que después de pasar una infancia maltratado por su padre y su hermano, encuentra la salvación gracias al amor hacia y por parte de sus perros.

Luc Besson quedó bastante impactado por una noticia real en la que unos padres, en Francia, tuvieron a su hijo encerrado en una jaula. Él quería entender lo que pasó por la mente de ese niño, el cómo logró superar tal trauma y de ahí, comenzó a labrar el guion de ‘Dogman’.

La película es muchas cosas a la vez, un drama de un chaval que no se siente querido por nadie, solo por la fidelidad de sus perros. Alguien al que le está costando encontrar su sitio y que no sabe muy bien quién es, durante esta película le acompañamos mientras va descubriendo todo esto. También intenta ser algo así como un justiciero, pero es aquí donde me termina por perder un poco.

Tengo sentimientos encontrados con ‘Dogman’. Es una película con una narración increíble, nos cuenta todo despacio, pero sin pausa. Vamos conociendo realmente a Dogman, por qué es así y sobre todo vamos viendo a un hombre triste, un hombre que quería ser aceptado y al que le ha costado mucho lograr encontrar un lugar en el mundo.

La literatura de Shakespeare, la música y tristeza de Edith Piaf y el encajar en una sociedad donde te consideran un marginado, son momentos que vamos viendo y que van influyendo en el personaje interpretado por Caleb Landry Jones. El travestismo logra que todas estas sensaciones, fluyan hasta lograr que nuestro personaje se dé cuenta de donde quiere estar.

A la película le falta un gran final, le falla, dentro de la gran narración de su vida, un momento en el que veamos que lo que nos está contando es por algo. Como os he comentado, su faceta de “justiciero” es lo que me ha terminado perdiendo y es que a partir de cierto momento es un poco batiburrillo de situaciones un tanto extrañas que logran sacarnos de la película.

Pero la película merece un visionado, porque para mí, aunque fallida, tiene tantas cosas buenas… Su música de Eric Serra, un imprescindible en el cine de Luc Besson. Pero también la fotografía de Colin Wandersman, llena de suciedad, de planos muy cerrados y con unos retratos del protagonista impresionantes, donde le vemos los poros de la piel debajo de todo ese maquillaje que utiliza para mostrarnos su otro yo.

Y por supuesto tenemos a Caleb Landry Jones, que increíble está. Su mirada triste, esa sonrisa llena de vida, pero a la vez llena de drama. Logra mostrarnos a un personaje muy bonito, un marginado que solo intenta que le quieran. Él es ‘Dogman’ y con ello no me refiero en si al personaje, sino a la película en general, aparece más gente en el reparto que interactúan con él, pero son olvidables a su lado. Tiene dos representaciones con una canción de Edith Piaf y otra con la canción de Lili Marlene, que dejan sin palabras. No entiendo la falta de premios, pero supongo que es por lo que he comentado al principio, al final la película no termina siendo redonda.

‘Dogman’ llega a nuestras pantallas este próximo 2 de agosto. Y como siempre digo, pese que a mí no me ha terminado de funcionar, es una película que merece una oportunidad. Tiene imágenes muy potentes y una actuación de diez.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de agosto de 2024. Título original: Dogman. Duración: 114 min. País: Francia. Dirección: Luc Besson. Guion: Luc Besson. Música: Eric Serra. Fotografía: Colin Wandersman. Reparto principal: Caleb Landry Jones, Jojo T. Gibbs, Christopher Denham, Grace Palma, Clemens Schick, John Charles Aguilar, Iris Bry, Marisa Berenson, Lincoln Powell, Alexander Settineri. Producción: Europa Corp, TF1 Films Production, Luc Besson Production, Canal +, Ciné+,. Distribución: Diamond Films. Género: Drama. Web oficial: https://diamondfilms.es/site/detalle/dogman

Crítica: ‘El monje y el rifle’

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Ambientada en 2006, cuando el Reino de Bután comenzó su transición a la democracia, la película del escritor y director Pawo Choyning Dorji es una conmovedora parábola sobre la imposibilidad de abrazar la modernidad sin tener en cuenta el pasado.

Crítica

Fábula moderna repleta de picardía y simbolismo

La de ‘El monje y el rifle’ es una especie de fábula moderna. En ella el director Pawo Choyning Dorji se hace eco de lo que sucedió en 2008: Bután se abrió a la democracia y con ello al mundo moderno. Uno de los últimos países del planeta en conectarse a internet inició así sus primeros pasos hacia la industrialización y los comicios electorales. Partiendo de ese cambio, que a diferencia de lo que hemos visto en la historia de la mayoría de países del mundo se llevó a cabo de manera pacifica, se desarrolla un curioso relato compuesto de personajes humildes y crédulos enfrentados con otros codiciosos y abusones.

‘El monje y el rifle’ está contada a través de tres arcos argumentales. Un padre de familia obsesionado con ayudar en las primeras elecciones de su vida, un monje que busca un fusil por petición de su lama y un norteamericano experto en armas. Evidentemente ‘El monje y el rifle’ nos deja claro cual de ellos es el centro de atención. Si lo pensamos bien, es harto complicado encontrar unos fusiles dentro de una comunidad pacífica. Eso impregna la película con algo de suspense y un simpático sentido del humor. Y sin ser una narración meditabunda el filme es un continuo encontronazo entre lo filosófico y lo ético. Por si fuese poco, en esta sencilla película nos topamos con más de un planazo en armonía con la naturaleza, con sus líneas confluyendo con los personajes y consiguiendo tiros de cámara muy interesantes. Esa confluencia entre naturaleza y hombre también nos lleva a una metáfora de tintes pacifistas que emplea picaresca y simbolismo. Quizá lo más valioso que nos dice ‘El monje y el rifle’ es que a veces conviene echar la vista atrás hacia tiempos más sencillos y enterrar aquello que pensamos que es más moderno en aras de vivir en paz.

Por último está el hecho de tener que explicar a la ciudadanía que lleva una vida de campo sencilla en qué consiste una votación y porque deberían ir a votar. Ello está enfrentado a la opinión de los que viven de la tierra, ni siquiera necesitan saber su fecha de nacimiento y no ven razón para complicarse más. Todo esto me recuerda a ‘El disputado voto del señor Cayo’. Es loable propiciar huidas del feudalismo y el caciquismo. Pero hay que tener en cuenta que transiciones así siempre van de la mano de encontronazos con nuevos conflictos, como la rivalidad o la diferencia de opiniones. Sin defender a los totalitarismos, ‘El monje y el rifle’ es capaz de sacarle las vergüenzas y sonrojar a algo que a occidente y al mundo moderno nos parece tan inviolable como la democracia y el progreso de la civilización tecnócrata.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de agosto de 2024. Título original: The monk and the gun. Duración: 107 min. País: Bután. Dirección: Pawo Choyning Dorji. Guion: Pawo Choyning Dorji. Música: Frederic Alvarez. Fotografía: Jigme Tenzing. Reparto principal: Tandin Wangchuk, Tandin Phubz, Kelsang Choejay, Tandin Sonam, Choeying Jatsho, Deki Lhamo. Producción: Dangphu Dingphu: A 3 Pigs Productionm, CNC Aide aux cinémas du monde – Institut Français, Closer Media, Films Boutique, Journey to The East Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial: https://closermedia.com/project/the-monk-and-the-gun

Crítica: ‘Longlegs’

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Mientras el FBI intenta atrapar a un retorcido asesino en serie, una agente descubre una serie de pistas que podrían llevarla hasta el criminal y poner fin a su terrorífica ola de asesinatos.

Crítica

La tensión de ‘Longlegs’ me genera mono por el cine de Oz Perkins

Nicolas Cage levanta pasiones hoy en día, prueba de ello es que está viviendo una segunda o tercera juventud artística. Su último estreno, ‘Longlegs’, ha sido todo un taquillazo en USA, superado solo por la última película del universo ‘Gru’. Costó unos 10 millones, dejándose la mitad del coste del rodaje en el caché del actor y gastando casi lo mismo en publicidad. Se rentabilizó solo con la taquilla norteamericana en su primer fin de semana de estreno.

‘Longlegs’ ha llegado a cines anunciando que co-protagoniza Nicolas Cage, pero no se ha querido mostrar ni una sola imagen de él, ni en vídeos, ni en fotos, ni en carteles. ¿Justificado? Resulta que sí. Ese secretismo es parte del marketing que atraerá a sus fans con el dial de curiosidad al máximo y cuando empieza la película se prolonga como herramienta para fomentar el suspense, pero he de decir que a mi se me ha roto el efecto muy tempranamente.

Oz Perkins, hijo de Anthony Perkins (‘Psicosis’) y director de la versión oscura del cuento de Hansel y Gretel, es el director de este nuevo thriller policíaco. Tanto él como Cage han declarado que ‘Longlegs’ es un homenaje a sus madres. Mi impresión es que vista bajo ese prisma esta película es un tributo un tanto cuestionable y retorcido, no quiero saber cómo eran sus madres pues la película llega a ser por momentos turbia, inquietante y oscura, pero como decía antes, hay algo que destroza por completo la atmósfera conseguida.

Con imágenes y un devenir similares a ‘Zodiac’, ‘S7ven’, ‘El silencio de los corderos’ o ‘El coleccionista de huesos’ se consigue una película la mar de eficiente en la mayoría de sus secuencias. La película está compuesta por planos tranquilos rotos a veces por momentos o sonidos impactantes con un rojo setentero que siempre nos imbuye un horror sangriento. Es de admirar el cuidado que ha puesto Perkins en la imagen, llena de grandes y estudiadas composiciones, con zooms y algún paneo, sin travellings o steadicams que alteren el ritmo. En ese modus operandi de contar historias seguimos a una agente especial del FBI que tiene eso, bastante de especial. Se intuye que la protagonista reprime algo gracias a la gran interpretación de Maika Monroe y ello se suma al misterio del asesino al que persigue con una capacidad casi clarividente. Su papel me recuera un poco al Patricia T. Arquette en ‘Medium’. Teniendo en cuenta que dos de las películas más exitosas de Monroe, ‘It follows’ y ‘El extraño’, tratan sobre mujeres que son acosadas, pensaba que este filme iba a tratar una vez más de lo mismo. En parte sigue ese leitmotiv, pero se sale por la tangente. El problema no es ella ni esa especie de cruzada de concienciación que está haciendo con su carrera, sobra decir que argumentos y razones no le faltan.

Tanto el casting como el tratamiento de los personajes de Maika Monroe y Alicia Witt me parecen un acierto. Muchos le tienen estigmatizado pues lo suyo ha hecho para ganarse esa fama, pero Nicolas Cage tiene muy buenas películas sin necesidad de ser comedidas o chifladuras palomiteras. ‘Longlegs’ se suma a ese saco de buenos largometrajes en los que está participando Nicolas Cage últimamente, tales como ‘Pig’ (de la misma productora) o ‘Dream Scenario’. Pero no precisamente gracias a él, que una vez más demuestra que interpretar personajes extremos o lunáticos sacan su lado más histriónico. Hay que reconocer que el maquillaje, casi a lo Eric Stoltz en ‘Mask’ no ayuda y parece más un Celebrities de Joaquín Reyes. Esto y la manera de gritar y reír del descendiente de los Coppola desmontan la peli. Cage ha declarado que debido a su violencia no quiere volver a interpretar un papel como este, yo desde luego se lo agradecería pues no exhibe aquello que le hace divertido, ni en el buen ni en el mal sentido.

Aunque como fan de Cage estoy decepcionado y como amante del terror me esperaba una resolución más aterradora he de decir que ‘Longlegs’ es una gran experiencia. De hecho ahora tengo más ganas de ver ‘El mono’, el próximo proyecto de Oz Perkins que adaptará un relato de Stephen King contando con Theo James y Elijah Wood.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de agosto de 2024. Título original: Longlegs. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Oz Perkins. Guion: Oz Perkins. Fotografía: Andrés Arochi. Reparto principal: Nicolas Cage, Maika Monroe, Alicia Witt. Producción: C2 Motion Pictures Group, Oddfellows Entertainment, Range Media Partners, Saturn Films, Traffic. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror, suspense. Web oficial: https://c2motionpictures.com/project/longlegs/

Crítica: ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’

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La unidad de combate de alto secreto, compuesta por un variopinto grupo de pícaros e inconformistas liderados por Gus March-Phillipps (Henry Cavill), emprende una arriesgada misión contra los nazis utilizando técnicas de combate totalmente poco convencionales y «poco caballerosas». En última instancia, el audaz enfoque del grupo especial cambió el curso de la guerra y sentó las bases del SAS británico y de la guerra de operaciones encubiertas moderna.

Crítica

Ritchie prosigue con su saga de la deformada caballerosidad inglesa

‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ es una película que, sin duda, cumple con las expectativas de aquellos que buscan una narrativa dinámica, pero quizá no tanto de los auténticos fans de Guy Ritchie. Basada en hechos reales de la II Guerra Mundial, la película nos adentra en las operaciones clandestinas del Reino Unido durante la II Guerra Mundial. La elegancia y el decoro inglés se fue al garete creando una unidad especial encargada de llevar a cabo misiones poco convencionales contra las fuerzas del Eje.

Cuatro guionistas han participado en este filme que aparte de en sucesos históricos que fueron el germen del SAS y probablemente de las novelas de James Bond, está basado en un libro de Damien Lewis. Quizá toda esa fuente de inspiración a acotado demasiado el tono del filme, el devenir de la historia, pues el estilo de Ritchie está presente pero se percibe muy contenido. Ritchie es conocido por su habilidad para mezclar comedia y acción de manera eficaz. Sin embargo, en esta ocasión, la comedia es menos prominente. Aunque hay momentos de humor, estos son esporádicos y en ocasiones se sienten poco originales. Sobre todo esto se nota cuando la caballerosidad parece en desacuerdo con el título de la película y el estilo esperado de Ritchie, que parece haber hecho básicamente una especie de secuela espiritual de ‘The gentlemen: los señores de la mafia’. La narrativa, centrada en una unidad militar que realiza operaciones «poco caballerosas», podría haber explorado más a fondo el lado irreverente y subversivo de sus misiones. En lugar de eso, la película a veces cae en representaciones más tradicionales y honorables de la guerra, lo que puede resultar un tanto decepcionante para aquellos que esperaban una visión más gamberra.

Con este filme Ritchie prosigue con una serie de películas (y una serie), que tratan de desdibujar la clásica elegancia inglesa, esa que siempre ha parodiado desde películas asentadas en los bajos fondos londinenses como su trilogía compuesta por ‘Lock, Stock and Two Smoking Barrels’, ‘Snatch’ y ‘Rockonrolla’ e incluso con su versión de Sherlock Holmes. Básicamente se ha montado su propio Rat Pack, sus Malditos Bastardos, su Escuadrón Suicida, su comando The Boys, algo que tampoco es raro en su cinematografía. Arquetípicamente, cual Equipo A, cada uno tiene su habilidad y carisma. Una de las razones por las que ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ te mantiene enganchado es precisamente por sus actores. La mayoría del reparto además de intérpretes son fans del cine de acción y de género. Así pues viajar en esta aventura junto a Henry Cavill, Alan Ritchson, Eiza González, Rory Kinnear y compañía se convierte en un viaje entre amigos, con violencia y nazis, eso sí.

Las secuencias de acción están bien coreografiadas y filmadas, quizá un poco estiradas, pero con un ritmo que evita cualquier atisbo de aburrimiento. Aunque hay mucho más movimiento que en los filmes de Tarantino, a ‘El Ministerio de la Guerra Sucia’ le pesa que se parezca en algunas fases a la película protagonizada por Brad Pitt, Christoph Waltz y demás. Algunas escenas recuerdan directamente a ‘Malditos Bastardos’. A diferencia de este último título, la fidelidad a los eventos históricos reales añade una capa de autenticidad y respeto hacia las verdaderas operaciones realizadas por estos valientes y kamikazes soldados. Aunque también hay más explosividad y algo de imaginería que los vecinos de las Islas Canarias van a tener que ver con cierta permisividad.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de julio de 2024. Título original: The Ministry of Ungentlemanly Warfare. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Guy Ritchie. Guion: Arash Amel, Eric Johnson, Guy Ritchie, Paul Tamasy. Música: Christopher Benstead. Fotografía: Ed Wild. Reparto principal: Henry Cavill, Eiza González, Alan Ritchson, Alex Pettyfer, Hero Fiennes Tiffin, Babs Olusamokun, Henrique Zaga, Til Schweiger, Henry Golding, Cary Elwes, Rory Kinnear. Producción: Lions Gate Films, Jerry Bruckheimer Films, Black Bear Pictures, AZ Celtic Films. Distribución: Prime Video. Género: acción, comedia, adaptación. Web oficial: https://www.theministryofungentlemanlywarfare.movie/

Regalamos un Blu-ray de ‘Cazafantasmas: imperio helado’

No es una fantasmada, queremos refrescaros el verano

Para algunos es la cuarta parte según el cánon, para otros es la quinta si contamos la que dirigió Paul Feig en 2016. Pero en lo que coincide casi todo el mundo es en que no ha habido nunca una película mala de los ‘Cazafantasmas’, mejores o peores, pero todas divertidas. La última entrega, orquestada por Gil Kenan lejos de dejarnos helados se quedó por detrás de su predecesora, al menos así lo reflejan las puntuaciones de los críticos y usuarios tras su estreno.

Pero queremos que le deis una oportunidad a este título que volvió a contar con el reparto original. Un equipo que siempre refresca con su comedia y ahora en verano es cuando más nos hacen falta. Y como aliciente para ello os regalamos un Blu-ray con más de una hora de extras cuyo análisis podéis ver aquí.

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¡Mucha suerte a tod@s y tened un refrescante verano!

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Vanessa Vicente Campillo (Facebook).

Crítica: ‘Sin límites. Los casos del departamento Q’

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En un momento de cobardía, el detective Carl Mørck envía a Rose, su compañera más joven en el Departamento Q, a la remota isla danesa de Bornholm para responder a las reiteradas peticiones de su antiguo colega Christian Habersaat. Sin embargo, durante la ceremonia de su jubilación forzosa, sucede una inesperada tragedia. Esto obligará a Carl a ir a la isla y allí, junto a Rose y Assad se verá envuelto en otro viejo caso sin resolver de una chica que apareció años atrás colgada de un árbol.

Crítica

El “True Detective danés” regresa con fuerza

Cuando llegó a España la quinta parte de la saga del Departamento Q hice una pequeña reflexión sobre cómo nos estaban llegando producciones danesas ahora más que nunca. Aunque años después ha bajado un poco el ritmo en enero pude hablaros de ‘La tierra prometida’ y la semana pasada hemos tratado la nueva obra dirigida por Viggo Mortensen, que tiene bastante de su país paterno. Ahora con regocijo podemos decir que toca hablar de la sexta parte de la franquicia que adapta o hace progresar la historia de los personajes creados por Jussi Adler-Olsen.

‘Misericordia’, ‘Profanación’, ‘Redención’, ‘Expediente 64’ y ‘El efecto Marcus’ son los títulos que preceden a ‘Sin límites. Los casos del departamento Q’. A muchos puede asustarles o echar para atrás el hecho de estar hablando de una sexta entrega. Pero aunque los acérrimos a estos thrillers policiales apreciarán la evolución de los personajes hay que subrayar y marcar con negrita el hecho de que cada filme es un caso independiente. Puedes ver estas películas igual que ves un episodio de ‘CSI’ o ‘Caso abierto’ sin perder el hilo y/o te falte información.

El Departamento Q es un equipo de policías que trabaja casi apartado o al margen del resto. Desde el sótano de su comisaría se ocupa de resolver casos cerrados, ya sea desestimados, cerrados u olvidados. Sus historias siempre han tenido un algo de morbo y de intriga a partes iguales. Pero la relación entre sus personajes suele ser su punto fuerte. En el quinto largometraje cambió el reparto e incluso la dinámica de la saga con una trama un tanto diferente, inferior al resto. En esta nueva entrega repite Ulrich Thomsen como Carl Mørck y Sofie Torp como Rose. Pero Afshin Firouzi se convierte en el nuevo Assad ya que Zaki Youssef rechazó volver a la saga por motivos personales y problemas de agenda. Con ellos recuperamos la tónica habitual, aunque hay que reconocer que Assad está menos presente. Y es que ‘Sin límites. Los casos del departamento Q’ es la película más personal para los personajes de Carl y Rose.

‘Sin límites. Los casos del departamento Q’ arranca con una escena cautivadora y un giro impactante que desmonta cualquier teoría que puedas haber elaborado. Vuelve a ser cine negro nórdico, pero con ritmo y carisma. Mantiene su tono oscuro, respeta la relación tan matrimonial entre los protagonistas, remarca que los personajes tienen un bagaje traumático y castigado, son casi antihéroes. En muchas ocasiones es visualmente evocadora extrayendo belleza entre la mezquindad de las personas. Todo esto nos remonta a historias policiales y criminales que en su día nos entraron muy bien por los ojos y nos marcaron con su trama y traumas como las de ‘Las isla mínima’ o ‘True detective’. Los protagonistas son los detectives y los sospechosos pero les quita presencia en más de una ocasión lo truculento y oscuro que es el guión. Se recuperan argumentos que ponen al límite la bajeza del ser humano pero rodados de más color y luz que nunca, esto último además con doble sentido incluido. El título puede hacer alusión a como se transporta la luz o a cómo la maldad del ser humano no conoce límites, así como parece que esta película no tiene frenos a la hora de incorporar giros de guión.

A veces el hecho de intentar llevar la película al plano más personal de los personajes le hace caer en alguna que otra contradicción o incoherencia. Pero esos detalles que para algunos podrían ser errores o falta de contexto no contradicen los argumentos o fuerza del giro final que a todo el mundo cogerá desprevenido. Estoy ansioso por ver las secuelas de lo sucedido en esta película y ver qué nuevo y tremebundo caso nos aguarda en la siguiente película pues hasta el momento hay diez novelas que estoy seguro que seguirán nutriendo a esta saga de películas.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de julio de 2024. Título original: Den grænseløse. Duración: 121 min. País: Dinamarca. Dirección: Ole Christian Madsen. Guion: Jakob Weis. Música: Jonas Struck, Lasse Ziegler. Fotografía: Jorgen Johansson. Reparto principal: Ulrich Thomsen, Afshin Firouzi, Sofie Torp. Producción: Nordisk Film Production, Nadcon Film, Det Danske Filminstitut, Eesti Filmi Sihtasutus, Hyæne Film, Münchhausen Productions, TV2 Danmark, Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF), TV2 Norge. Distribución: Vertigo Films, Movistar Plus+. Género: suspense, policíaco. Web oficial: https://trustnordisk.com/movie/boundless

Crítica: ‘Twisters’


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Edgar-Jones interpreta a Kate Cooper, una ex cazadora de tormentas perseguida por un devastador encuentro con un tornado durante sus años universitarios que ahora estudia los patrones de tormentas en pantallas en la ciudad de Nueva York. Su amigo Javi la lleva de regreso a las llanuras para probar un nuevo e innovador sistema de seguimiento. Allí, se cruza con Tyler Owens (Powell), la encantadora e imprudente superestrella de las redes sociales que disfruta publicando sus aventuras persiguiendo tormentas con su estridente equipo, cuanto más peligroso, mejor.

A medida que la temporada de tormentas se intensifica, se desatan fenómenos terroríficos nunca vistos, y Kate, Tyler y sus equipos competidores se encuentran directamente en el camino de múltiples sistemas de tormentas que convergen sobre Oklahoma en lo que será una lucha por sobrevivir.

Crítica

Una vuelta al espíritu trepidante y divertido del 96

1996 fue uno de los mejores años cinematográficos de la era moderna. No es solo una apreciación personal, la taquilla y el número de clásicos instantáneos que se estrenaron ese año hablan por sí solos. Pudimos ver en pantalla grande ‘Independence Day’, ‘Scream’, ‘Abierto hasta el amanecer’, ‘Misión: imposible’, ‘Fargo’, ‘Trainspotting’, ‘La Roca’… una larga lista de títulos que prácticamente no bajan su medida del siete, algo muy difícil de encontrar hoy en día. Atreverse a hacer secuelas o remakes de estos blockbusters se antoja por lo tanto como un ejercicio arriesgado. Warner Bros. rescata de esa época ‘Twister’, un título que siempre nos ha gustado a los amantes del género de catástrofes. Aunque no tiene grandes estrellas el resultado de ‘Twisters’ es mucho mejor que el de otra película extraída de nuestra nostalgia, ‘Space Jam’.

Estrenar ‘Twisters’ significa también atreverse a ponerse a la altura de Jan de Bont. El director de otra trepidante película como ‘Speed’, encargado de la fotografía de películas como ‘Instinto básico’ o ‘La caza del octubre rojo’, tiene en su galería momentos míticos del cine. Nadie podrá negar que la caída de Hans Gruber del Nakatomi Plaza es un momento inmortal. En ‘Twister’ suplió magistralmente las carencias de los efectos digitales de la época, creando una obra que ha envejecido estupendamente. Esta nueva versión de Lee Isaac Chung cuenta con mayor potencial tecnológico (en varios sentidos) pero lo más importante es que consigue rememorar el espíritu de De Bont siendo trepidante y divertida.

Muchos no saben que el germen de estas películas es un guión de Michael Crichton (‘Jurassic Park’, ‘Congo’, ‘Esfera’). Si analizáis esos títulos comprobaréis que mezcla géneros como la aventura y el terror con elementos gigantescos o catastróficos para el ser humano. Probablemente esos elementos habrían estado magnificados en la segunda parte, nunca sabremos como habría sido la secuela en 3D que estaba preparando Bill Paxton, pero al menos con esta nueva película regresamos a la tónica de por entonces, una que con las nuevas técnicas de CGI y sonido nos sumerge en un torbellino de emociones, tenía que hacer el chiste antes o después.

Glen Powell ya tuvo la presión de aparecer en otra película que trababa de revivir, y revivió, un clásico como ‘Top Gun’ y ahora le toca intentar lo mismo con ‘Twisters’. El reto es más difícil, el fandom es más reducido y no cuenta con una gallina de los huevos de oro como Tom Cruise. Él es de los más mayores y tendría solo unos ocho años cuando se estrenó ‘Twister’. La labor de imbuir el alma del filme recae por lo tanto en el director y en la capacidad de todo el equipo de imitar lo rodado por aquel entonces. He de decir que reto superado, me he divertido de una manera ininterrumpida. ‘Twisters’ ya no puede impresionarme por toda la inmensa cantidad de films que he visto en mi vida, pero confío en que podrá causar el mismo efecto que viví yo en el 96 en los nuevos espectadores.

Menciono a Powell pero la protagonista es realmente Daisy Edgar-Jones. Su papel es muy similar al de Helen Hunt. Ambas tienen un origen en una tierra asiduamente visitada por tornados y ambas pierden a alguien a cuenta de ello. La diferencia está en cómo gestionan ese trauma. Lejos de ser una kamikaze que se lanza casi a ciegas hacia los tornados el personaje de Edgar-Jones los respeta y teme. La actriz coge así el testigo sin necesidad de calcar al personaje pero manteniendo su vertiente científico-romántica.

Desde luego que la nostalgia está presente, a poco que hayas visto la película original verás que hay un halo de reverencia. El poster evoca al de la película original, se ha rodado con cámaras similares y volvemos a tener los dispositivos Dorothy. Pero tengo que avisaros que no hay cameos sorpresa. Eso sí, tenemos muchos guiños y para aquellos que como yo siempre miren el lado científico de la historia os adelanto que hay homenaje para los cazatornados del equipo real de TWISTEX, algunos de los cuales fallecieron en 2013 estudiando un tornado categoría F3 en la escala de Fujita. Y ahí es donde tenemos que comprender que esta película no es un calco, en mi opinión intentar copiar al pie de la letra el largometraje de De Bont habría sido un error. Es una actualización que respeta a la original manteniendo elementos a modo de lo que ahora se llama “recuela” pero saliéndose por otros derroteros. De entrada los pijos esponsorizados son “los bueno” y los salvajes rudimentarios “los malos”. También juegan a favor de ello los avances de la tecnología, los cuales, permiten estudiar estos destructivos fenómenos de otra manera y ‘Twisters’ se hace eco de ello empleándolos para modificar la trama y darle un nuevo giro fantasioso.

Como en muchas secuelas o re-interpretaciones, que es lo que realmente es ‘Twisters’, se confunde lo más grande, lo más catastrófico, con mayor espectáculo. A veces más es menos y este nuevo filme solo peca de ello en un par de ocasiones. Merece la pena verla pues consigue ser emocionante aunque no tiene el mismo nivel de secundarios. El pago por el visionado lo vale pues sus protagonistas están en estado de gracia. Aunque sea hay que acercarse al cine por ver como actúa rodeado de tornados el nuevo Superman, David Corenswet, sin tener a Kevin Costner muriendo de manera lastimosa.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de julio de 2024. Título original: Twisters. Duración: 122 min. País: EE.UU. Dirección: Lee Isaac Chung. Guion: Mark L. Smith. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Daniel Mindel. Reparto principal: Daisy Edgar-Jones, Glen Powell, Anthony Ramos, David Corenswet, Brandon Perea, Sasha Lane, Daryl McCormack, Kiernan Shipka, Nik Dodani, Maura Tierney. Producción: Warner Bros. Pictures, Universal Pictures, Amblin Entertainment, The Kennedy/Marshall Company, Lightnin’ Production Rentals. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventuras. Web oficial: https://www.instagram.com/twistersmovie/

Crítica: ‘El último viaje del Demeter’

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Basada en un único y escalofriante capítulo de la novela clásica de Bram Stoker: Drácula. Narra la aterradora historia del buque mercante fletado para transportar un cargamento privado desde Carpathia a Londres. Durante la travesía, extraños sucesos acontecen a la condenada tripulación mientras intentan sobrevivir a una despiadada presencia a bordo del barco. Cuando el navío llega por fin a las costas de Inglaterra, carbonizado y abandonado, no hay rastro de la tripulación.

Crítica

Una gran ambientación de cuento gótico con un terrible monstruo

‘El último viaje de El Demeter’ es sin duda una de las películas que más esperaba de 2023. El director André Øvredal, encargado de maravillas como ‘La autopsia de Jane Doe’ o ‘Troll Hunter’, regresa al cine con una versión de uno de los pasajes más interesantes del libro de Bran Stoker, ‘Drácula’.

Es una pena el poco éxito de crítica de la cinta en Estados Unidos, porque os aseguro que después de verla, he visto lo que me esperaba. La película nos trae el pasaje de ‘El Demeter’ que podemos leer en la novela en la que nos cuentan el viaje hacia Londres desde los Carpatos.

Me encanta toda la atmósfera de la película, el terrible mar, esa soledad que solo la da el estar sobre tanta agua y como se aprovecha este monstruo para poder alimentarse de todo aquel que se encuentre por los pasillos de El Demeter.

Se que no es complicado el crear situaciones de tensión en un lugar cerrado y como digo lleno de soledad como lo es un gran barco, pero André Øvredal logra eso y mucho más. Incluso cuando ya se muestra al monstruo seguimos sintiendo ese miedo, aun a sabiendas de todo lo que va a ocurrir.

En el reparto encontramos caras muy conocidas como Liam Cunningham (aquí os dejamos nuestra entrevista con el cuando estuvo en España por ‘Juego de Tronos’), Corey Hawkins (‘Straight Outta Compton’), Aisling Franciosi (‘Stopmotion’), David Dastmalchian (‘Oppenheimer’), Chris Walley (‘Unwelcome’), Jon Jon Briones (‘Class of ‘09’) o Stefan Kapicic (‘Deadpool 2’) entre otros muchos.

Si, lo se, no he nombrado al personaje y actor más importante, y es que quería dejar un pequeño aparte para Javier Botet. Nuestro monstruo nacional y que cada día se abre más hueco en Hollywood. Está fantástico, su manera de moverse como esté vampiro es espectacular. En el tráiler lo veis y se le ha dado una apariencia muy de murciélago y la verdad que es estupenda. Se parece mucho al que ya vimos en ‘Drácula de Bram Stoker’ y también a la actual serie de Netflix ‘Misa a media noche’. El maquillaje es magnífico y también el trabajo de CGI, pues algunas escenas lo necesitan.

En general no he entendido las malas críticas de esta cinta. Me ha gustado bastante, me ha dado lo que me pedía y algún que otro cambio en la historia sin importancia que no me ha disgustado.

Os animo a verla y que podáis ver vosotros mismos el resultado y si es tan horrible como se ha dicho. Ya os digo, que nos cuenta bien la historia y nos plasma todo de una manera muy cuidada y bien dirigida.

 Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2024. Título original: The Last Voyage of the Demeter. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: André Øvredal. Guion: Bragi F. Schut, Zak Olkewicz. Música: Bear McCreary. Fotografía: Roman Osin, Tom Stern. Reparto principal: Corey Hawkins, Javier Botet, Aisling Franciosi, Liam Cunningham, David Dastmalchian, Woody Norman, Jon Jon Briones, Stephan Kapicic, Nikoai Nikolaeff. Producción: Amblin Partners, Phoenix Pictures, REliance Entertainment, DreamWorks SKG, New Republic Pictures, Universal Pictures. Distribución: Diamond Films, Prime Video. Género: terror. Web oficial: https://amblin.com/movie/the-last-voyage-of-the-demeter/

Crítica: ‘De naturaleza violenta’

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Un grupo de jóvenes se lleva un medallón de una torre de vigilancia contra incendios derrumbada en el bosque. Lo que desconocen es que esta sepulta el cadáver podrido de Johnny, un espíritu vengativo impulsado por un horrible crimen ocurrido hace 60 años. Y una vez se llevan el medallón, su cuerpo resucita con el único propósito de recuperarlo. El no-muerto acecha al grupo de adolescentes de vacaciones responsables del robo y en su misión de recuperar el medallón procede a masacrarlos metódicamente uno tras otro, junto con cualquiera que se interponga en su camino.

Crítica

Mucha violencia y poca cadencia de muertes

Este verano no va a estar exento de terror, de hecho, vamos a tener muchos títulos. Llegarán a cines y plataformas películas como ‘El último viaje del Demeter’, ‘Romulus’, ‘Winnie-The-Pooh: Blood and Honey 2’ o ‘Longlegs’. Pero también y de manera más inmediata ‘Strangers: Capítulo 1’ y ‘De naturaleza violenta’. Este último título es de todos esos que he mencionados el más veraniego por el marco que nos plantea, un bosque en plena época de acampadas y baños en refrescantes lagos. También es el único que llega avalado por Stephen King, quien parece que se está enfocado en ayudar a pequeñas películas con solo un tuit, como sucedió con ‘La mesita del comedor’. En este caso no puedo estar de acuerdo con el maestro del terror.

Es evidente que ‘De naturaleza violenta’ bebe de clásicos como ‘La matanza de Texas’, ‘Las colinas tienen ojos’ y demás. De hecho tiene una pequeña conexión con ‘Viernes 13’ que descubriréis al final. Tenemos a unos jóvenes adentrándose en un bosque con leyenda negra. Esto nos puede recordar a ‘Blair witch’, de hecho hay mucho metraje rodado cámara en mano, pero aquel rompedor título que explotaba el found footage era innovador no solo por la manera de mover la cámara, sino por su capacidad de ser implícito, jugaba al miedo a lo que no vemos. En este caso los calenturientos e inconscientes protagonistas viven una experiencia de lo más gráfica y explícita. Despiertan a un ser con ansia de sangre que va encapuchado. Por cierto que, la razón de ser de su caperuza no la veo por ninguna parte. Lo que podría haber sido un nuevo ‘Hatchet’, puesto que la leyenda parte del bullying hacia a una persona que ha nacido diferente, es una sucesión de muertes muy separadas entre sí que no pueden causar más apatía, sobre todo porque no nos dan la oportunidad de sentir apego por las víctimas. Se convierte en un slasher lento, tanto que es como si Alejandro G. Iñárritu hubiese querido convertir ‘El renacido’ en un survival horror.

Vale que ver cómo resurge y deambula por todas partes el asesino es algo que no muestra el resto de los slasher habituales. Pero el constante paseíllo que nos damos a bordo del steadicam parece más un vídeo de esos que vienen ahora en las cintas del gimnasio para simular que estamos avanzando por la naturaleza. Es una pena que no se le saque más provecho a esa innovación dentro del género. Sin desvelar nada, también tenemos a un homicida con una naturaleza poco habitual y a ese detalle también se le saca poco partido, al revés, redunda en los tópicos.

‘De naturaleza violenta’ no renueva nada con su pobre trasfondo, ni con su personalidad. Ni siquiera es capaz de desarrollar una mitología atractiva. Si acaso es capaz de mostrar que estamos rodeados de varios tipos de violencias. La agresividad al volante, la crueldad con los animales, las armas en todas las casas, la hostilidad de la cultura de la cancelación… Pero explora poco todo eso.

Me atrajo por unos momentos el tema de seguir a este nuevo monstruo por todo su recorrido. Pero el verdadero aliciente de esta película son las muertes explícitas. Si en algo se han exprimido el coco para hacer esta película es en cómo mostrarnos nuevas maneras de arrebatar la vida a una persona del modo más descerebrado y brutal. Los amantes del slasher encontrarán puntualmente algunas dosis de casquería. No es de extrañar pues el director Chris Nash ha trabajado antes realizando prostéticos y efectos en películas como ‘El vacío’ o ‘Psycho Goreman’. Pero para muchos con ver un vídeo resumen con el kill count habría bastado.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de julio de 2024. Título original: In a violent nature. Duración: 94 min. País: Canadá. Dirección: Chris Nash. Guion: Chris Nash. Pierce Derks. Fotografía: Pierce Derks. Reparto principal: Lauren-Marie Taylor, Andrea Pavlovic, Ry Barrett, Liam Leone, Timothy Paul McCarthy. Producción: Low Sky Productions, Shudder, Zygote Pictures. Distribución: SelectaVisión. Género: terror, slasher. Web oficial: https://www.inaviolentnature.com/

Crítica: ‘Bikeriders. La ley del asfalto’

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‘Bikeriders. La ley del asfalto’ retrata una época de rebelión y de cambio en la cultura y en la gente de Estados Unidos. Tras un encuentro casual en un bar, Kathy (Jodie Comer), una mujer con carácter, se siente profundamente atraída por Benny (Austin Butler), el miembro más reciente de “The Vandals” (Los Vándalos), un club de moteros del Medio Oeste liderado por el enigmático Johnny (Tom Hardy).

Al igual que el país, el club empieza a cambiar, y pasa de ser un lugar de reunión para los forasteros locales a convertirse en un punto de encuentro para un violento submundo, obligando a Benny a escoger entre Kathy y la lealtad que siente por sus compañeros.

Crítica

Gran vuelta al romanticismo de los últimos en vivir en libertad sobre las junglas de asfalto

Inspirada en un libro de Danny Lyon aparece en nuestras carteleras ‘Bikeriders’ con un repartazo compuesto por Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Norman Reedus y Boyd Holdbrook, entre otros. Toda un tropa de nombres conocidos y talentosos, muy bien caracterizados, con más de una nominación al Oscar, para contarnos la historia de una banda de moteros mucho menos conocidos que los Ángeles del Infierno.

Esta es una producción que en su día poseía Fox y que Disney ha liberado tras continuos retrasos en su estreno, entre ellos el provocado por la huelga de actores y guionistas. La coproductora New Regency Productions transfirió los derechos a Universal Pictures y por eso la podemos ver en cines. La misma dupla de compañías que nos trajo la excelente ‘El hombre del norte’, veremos si el resultado en taquilla mejora el batacazo o si tanto retraso no hace que el pirateo o el verano le jueguen una mala pasada.

La banda bautizada como The Vandals, que actualmente es la rival de los ya citados Ángeles del Infierno es objeto de este relato. La película está narrada en retrospectiva a través del testimonio del personaje de Jodie Comer, la cual lleva a cabo un gran trabajo de voz. Palabras que son recogidas por un fotógrafo y escritor interpretado por Mike Faist, en la piel del novelista que os he nombrado en las primeras líneas. A través de esa perspectiva periodística y sobre todo personal, capaz de ofrecer el choque y la mutación de dos mundos, nos ofrecen el desarrollo y caída de algo que casi ya no existe. ‘Bikeriders’ es el retrato de los últimos herederos del far west, de aquello que queda del espíritu de los cowboys.

Es evidente decir que ‘Bikeriders’ sigue la estela de películas de los cincuenta y sesenta como ‘Easy Rider’ o ‘¡Salvaje!’. De hecho ambos títulos aparecen en la película. Llevándonos a la antesala de los setenta ofrece una perspectiva diferente. Con esto no quiero que penséis que este es otro ‘Hijos de la anarquía’. Es una historia de orígenes de un club convertido en banda, pero mayormente cuenta como un personaje de la Norteamérica acomodada busca emociones fuertes. En el que dichas emociones terminan volviéndose en contra de sus protagonistas. Y ante todo es la descripción de la inmersión de alguien un mundo que de sobra sabe que no es el suyo. En términos del siglo XXI, es la definición de una relación tóxica, refiriéndome tanto a la que mantienen los personajes de Comer y Butler como la de aquellos que ingresan en la banda.

Los delincuentes no nacen delincuentes eso es algo que todos sabemos y que muchas películas han señalado a lo largo de la historia del cine. ‘Bikeriders’ significa libertad truncada, sueños emponzoñados, idealismos desfigurados. Si el guión hubiese tenido esos detalles siempre en su brújula habría sido una película memorable, a la altura del pedazo de elenco que ha reunido, otra que Disney se habría arrepentido de no distribuir. Nos sorprende incluso con algo de comedia para los personajes más descerebrados pero divaga demasiado con su historia romántica. En resumidas cuentas es un relato amoroso y eso que no vemos absolutamente ni una escena de cama, ni siquiera recuerdo un beso en primer plano, y eso que casi hay más primeros planos que motos. Tampoco es algo que notemos en exceso pues toda la atención se centra en las interpretaciones de un reparto en el que destaca Butler como un James Dean del siglo XXI.

El romanticismo está presente en la relación de dos de los protagonistas y en el espíritu indómito de los moteros. Hacernos volver a esas vidas sobre ruedas sin caer en excesivos tópicos y siendo capaz de ofrecer otro ángulo es el mayor logro del director Jeff Nichols. A todos nos gusta e incluso da envidia la libertad salvaje con la que se ha reflejado siempre a los moteros, pero nunca lo habíamos visto desde un lado tan diferente, casi pareciendo el testimonio de alguien que se ha salido de una secta. Considero por eso que es un buen retorno a este tipo de historias que nunca han tenido su propio subgénero. Desde luego para mi es la mejor película de su carrera, probablemente la más difícil dado el número de estrellas que ha tenido que dirigir a la vez.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2024. Título original: The Bikeriders. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Jeff Nichols. Guion: Jeff Nichols. Música: David Wingo. Fotografía: Adam Stone. Reparto principal: Jodie Comer, Austin Butler, Tom Hardy, Michael Shannon, Norman Reedus, Boyd Holdbrook. Producción: Focus Features, Regency Enterprises, New Regency Productions, Tri-Satate Pictures, 20th Century Studios. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.focusfeatures.com/the-bikeriders

Crítica: ‘Strangers: capítulo 1’

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Tras sufrir una avería en su coche en un pequeño e inquietante pueblecito, una joven pareja (Madelaine Petsch y Froy Gutiérrez) se ve obligada a pasar la noche en una aislada cabaña en medio del bosque. El pánico se apodera de ellos cuando son aterrorizados por tres extraños enmascarados que les atacan sin piedad ni motivo alguno.

Crítica

Muchos clichés, poco de genuino y la leve promesa de algo más grande

En 2008 y en 2018 se estrenaban las películas escritas por Bryan Bertino tituladas ‘The Strangers’. Una primera parte que sorprendió a más de uno y una segunda dirigida por Johannes Roberts (‘A 47 metros’) que para algunos como yo nos dejó con la sensación de ser un mero producto de entretenimiento slasher vacío pero algo mejor pulido. Ahora llega la tercera parte de la franquicia. Muchos pensaban que iba a ser una precuela por como acaba el título de hace seis años, pero a pesar de tener entre manos unas películas nacidas en este mismo siglo estamos hablando ya de un remake.

Bertino está involucrado en menor medida y dirige Renny Harlin, a quien quizá conozcáis de títulos como ‘El exorcista: El comienzo’, ‘Hércules: el origen de la leyenda’ y por supuesto ‘La isla de las cabezas cortadas’, si habéis leído esto con voz de Troy McClure de ‘Los Simpsons’ habéis hecho bien por que este director se le da un aire, con su rostro y con su estilo industrial de hacer películas.

‘Strangers: capítulo 1’ arranca con algunos datos sobre la cantidad de muertes violentas que hay en los EE.UU., llegando al punto de hacernos saber cuántas personas morirán durante el visionado de la película. No es mala técnica a la hora de intentar imbuirnos un escalofriante sentimiento de terror. Además así se intenta coger el testigo de las anteriores películas que tenían una lejana base real. Pero por desgracia ese primer golpe de efecto se va tan rápido como llegó.

Madelaine Petsch y Froy Gutierrez interpretan a una pareja empalagosamente acaramelada que reserva una cabaña en un bosque de la América profunda que lo más cercano que tiene es una ciudad llamada Venus con poco más de quinientos habitantes. Como muchas parejas actuales son amantes de los true crime, están buscando labrarse una vida lejos de la gran ciudad y celebran su quinto aniversario. Hasta ahí todo puede sonar ligeramente tópico. Pero la cosa va a más.

Estos actores, la una procedente de ‘Riverdale’ y el otro de ‘Teen Wolf’, van chocándose cual transeúnte que evita captadores de ONGs por la calle Preciados de Madrid, todos los clichés del género. Los golpetazos en la puerta eran cosa de la primera pero es que además el guión incluye el manido recurso del inhalador para el asma, la cancioncilla infantil, la policía con sus sirenas avisando torpemente a los villanos para que huyan, los asesinos capaces de teletransportarse sin hacer ni un ruido, el tobillo torcido en el peor momento, el scare jump en el coche que no arranca. Como en la primera entrega y como en casi todas las películas de este tipo nos ponen de los nervios, pero no por la tensión que pueda llegar a transmitir el montaje o los planos, sino por cómo los protagonistas toman decisiones ridículas y bajan la guardia. Para colmo tenemos hasta secuencias con planos que mezclan día y noche, una noche hecha a base de focazo entre los árboles.

Lo de la saga ‘Strangers’ consiste en repetir lo que en sí mismo ya era una repetición de otros home invasion, como ‘Funny Games’. Este remake aporta poco y está peor interpretado. Con sutiles cambios pero sigue las líneas generales de la película original. Hay un par de modificaciones que quizá aporten un rayo de luz a esta trilogía. Se nos queda colgado un asunto con unos folletos eclesiásticos y la casi desapercibida presencia de Richard Brake. Mi teoría es que esto está al servicio de una táctica que consiste en imitar a la saga ‘Hatchet’, un slasher en el que cada nueva entrega arranca justo donde acaba la anterior. No es una hipótesis descabellada ya que el único giro o detalle que cambia sustancialmente con respecto a sus predecesoras está en la última escena y en la post-créditos. Puede que lo que nos estén ofreciendo con esta escena sea inmediatamente el arranque del capítulo dos. Se suma a mi conjetura el hecho de que Harlin ha rodado del tirón toda una trilogía. Quizá de manera inteligente imitando otros experimentos como ‘La calle del terror’ o pensando en que si no las llega a hacer del tirón la taquilla podría provocar bomba de gas de los productores.

‘Strangers: capítulo 1’ embaucará a aquellos que no estén al tanto de la existencia de las originales o de cómo suele funcionar este tipo de películas de asesinos en serie que parecen hechas precisamente en una fábrica de producción en serie. A los que viesen la película protagonizada por Liv Tyler y Scott Speedman no les aportará prácticamente nada.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2024. Título original: The Strangers: Chapter 1. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Renny Harlin. Guion: Alan R. Cohen, Alan Freedland, Amber Loutfi. Música: Justin Caine Burnett. Fotografía: José David Montero. Reparto principal: Madelaine Petsch, Froy Gutiérrez, Gabriel Basso, Rachel Shermon, Ryan Brown, Letizia Fabbri, Matus Lajcak, Olivia Kreutzova, Richard Brake. Producción: Fith Element Productions, Slovenian Film Fund, Frame Film, The Strangers Film. Distribución: Diamond Films. Género: terror, slasher. Web oficial: https://thestrangers.movie/

Crítica: ‘Mala persona’

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Nuestro querido Pepe, querido por todos sin excepción, es el ángel del barrio, ese ser humano al que te llevarías a casa. Pero un día recibe la terrible noticia, esa que nadie quiere recibir: le quedan pocos meses de vida. Pepe, “fenomenalmente” aconsejado por su mejor amigo, decide pasarse al lado oscuro de la conducta humana para alejar a su familia y evitar su sufrimiento. ¡La que va a liar!

Crítica

Cuando ser malo, no siempre es tan malo

Pepe es sin duda la mejor persona del mundo. Es un hombre bueno, el que ayuda a cruzar a ancianas desvalidas, el que conoce a todo el barrio por su bondad, ya sean malhechores o agentes de la orden. A Pepe le quiere todo el mundo, ayuda a sus vecinos con sus impagos o a su hija de salir de la cárcel. Todo esto cambia de la noche a la mañana con una terrible noticia, que hará que Pepe decida convertirse en malo.

 Fer García-Ruiz, director de ‘Descarrilados’ (aquí nuestra crítica), nos trae esta comedia que me ha gustado bastante pese a que al final termina perdiendo un poco de esa gracia que tiene desde el minuto uno, dando paso a un poco de drama.

Uno de los puntos fuertes de la película son sus tres protagonistas, Arturo Valls, mostrando su mejor cara. Un hombre como hemos descrito arriba, al que todo el mundo quiere. Un hombre que ayuda a toda persona desconocida y conocida y vive por y para sus vecinos. Su mejor amigo y abogado, Julián Villagrán, está tremendo, hace de un vividor, canalla y que será el encargado de convertir en mala persona a Pepe. Y la siempre estupenda Malena Alterio, la mujer de Pepe, que le quiere con locura, que todo le perdona ya que no puede imaginarse que su marido se esté convirtiendo en una mala persona.

En el reparto encontramos también a Daniel Arias, Sofia Baessa, Víctor Benjumea, Carlos Cortés Ciudad, José Corbacho, José García Ruiz, Sara Jiménez, o Benedita Pereira entre otros .

Es muy divertida la manera en la que Juanjo (el personaje de Julián Villagrán) intenta convertir en un mal hombre a Pepe. Como este, pese a querer serlo, su bondad logra salir siempre hacia delante. Además, también es divertido ver, que pese a cambiar, sigue consiguiendo amigos que le comienzan a querer. Eso sí, malas compañías que quizás no son lo mejor.

Tiene un humor tonto, con chistes fáciles, pero que sin duda funcionan. Si que llega un momento que pierde un poco. Porque pasamos de una comedia a ya damos paso a un drama que le hace perder un poco toda la chispa que tenía la película. Aun así, os recomiendo mucho ‘Mala persona’ porque unas risas os vais a echar y merece la pena ver a estos tres actores dándolo todo. Sobre todo, a Arturo Valls y Julián Villagrán que tienen una gran química en pantalla.   

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: Mala Persona. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Fer García-Ruiz Guion: Antonio Mercero y Daniel Padró. Música: Filipe Melo. Fotografía: Rafa García AEC. Reparto principal: Arturo Valls, Malena Alterio, Julián Villagrán, José Corbacho, Teresa Lozano, Sara Jiménez, Diva O’Branco, Victor Benjumea, Daniel Arias, Dafnis Balduz, Betxy Túrnez. Producción: Rodar y Rodar, Boavista Filmes y Mala Persona AIE. Distribución: Filmax. Género: Comedia. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/mala-persona.266

Crítica: ‘El bus de la vida’

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Andrés (Dani Rovira) viaja a un pueblo del País Vasco para trabajar como profesor de música. El primer día de clase sufre un fuerte pitido en el oído: es cáncer. Para recibir tratamiento debe desplazarse al hospital de Bilbao en El bus de la vida, un viejo autocar conducido por Mai (Susana Abaitua), que traslada gratuitamente a todos los pacientes de la zona.

Gracias a las risas, confidencias y experiencias musicales compartidas con sus compañeros de viaje, Andrés irá obteniendo la fuerza necesaria para enfrentarse a sus miedos y llegar a cumplir el sueño de subirse a un escenario.

El bus de la vida está inspirada en una historia real.

Crítica

Ensalza el valor de ser solidario aun cuando es uno mismo el que necesita solidaridad

Juzgar una película que intenta abordar un tema tan doloroso y personal como es el cáncer es muy difícil, más aún si uno de sus intérpretes lo ha padecido hace unos pocos años. No sé si Dani Rovira aceptó trabajar en ‘El bus de la vida’ por tener tan cercano su caso o por la perspectiva que ofrece, pero creo que es una historia de superación que le viene como anillo al dedo ya que como todos sabemos, además de su enfermedad ha tenido que superar muchos tipos de retos, tanto artísticos, como deportivos, como sociales por el hate que ha recibido en algunos momentos, que hoy en día es algo que se puede considerar un deporte de riesgo. Para aquellos detractores del actor esta película puede ser un zasca que no van a querer admitir, pues muestra un cariz distinto, alejado de sus papeles más cómicos o socarrones.

‘El bus de la vida’ podría considerarse una película de autoayuda, una promotora de la terapia en grupo y del optimismo. Hablar de cáncer con una sonrisa y de las virtudes de la psicoterapia colectiva me recuerda siempre a Albert Espinosa. Y lo digo en el buen sentido pues esta historia bien podría haber estado escrita de su puño y letra. Realmente este largometraje de Ibon Cormenzana surge de la historia que le contó uno de sus familiares, del viaje que vivió a bordo de un bus lleno de anécdotas y lecciones de vida. Se conforma así este largometraje como una mirada sobre el cáncer bastante vitalista, que evidentemente cuesta aplicar a la realidad pues cada caso es un mundo diferente, pero que sirve de homenaje hacía las personas que hicieron posible El bus de la vida, así como a todos aquellos capaces de afrontar la vida con una resignación embadurnada de optimismo.

Si eres de la generación de cristal y te sientes violentado porque se intente tratar con positividad o humor el tema del cáncer es mejor que no te acerques a este tipo de películas, pues estas piden una capacidad de amplitud de miras que quizá no puedes abarcar. Si piensas que todo esto es spoiler, solo tienes que leer la sinopsis oficial, la que sus propios artífices aprueban que leas antes de ver el filme. ‘El bus de la vida’ va a rebufo de títulos como ‘Planta 4ª’, ‘Bajo la misma estrella’, ‘Quiero comerme tu páncreas’ o ‘Yo, él y Raquel’, películas que afrontan la incomodidad y la pesadumbre de un tema que a muchos les es esquivo y a otros más difícil de arrostrar que un triatlón Ironman. En una época en la que las redes sociales y el capitalismo fomentan y premian el individualismo y el egoísmo, hay que agradecer que surjan películas como esta, que ensalza el valor de ser solidario aun cuando es uno mismo el que necesita solidaridad.

Bien es cierto que aunque se percibe intención de ser una película “feel-good” y tiene personajes cómicos tales como un hombre que confunde las palabras a lo novena destilación de ‘Año Mariano’ o una mujer con intenciones incendiarias, esta es una película que deja sensaciones tristes. La música es un medio como otros muchos para vomitar lo que sentimos y sufrimos. A esa capacidad catártica apela ‘El bus de la vida’. El protagonista es víctima de una enorme ironía y el resto de personajes están sometidos a un bloqueo emocional que los acordes deshacen. Escuchamos temas de Los Chikos del Maíz, Fito y Fitipaldis o Kase.O que por lo general a mí personalmente me ponen en pie, pero me da la impresión de que el gancho es menos eficiente de lo pretendido.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: El bus de la vida. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Ibon Cormenzana. Guion: Ibon Cormenzana, Eduard Sola. Música: Paula Olaz, Kase.O, Los Chikos del Maíz, Fito y Fitipaldis, Chill Mafia, Rigoberta Bandini. Fotografía: Albert Pascual. Reparto principal: Dani Rovira y Susana Abaitua, Elena Irureta, Antonio Durán “Morris”, Nagore Aramburu, Amancay Gaztañaga, Andrés Gertrúdix, Pablo Scapigliati, Julen Castillo, Miriam Rubio. Producción: Arcadia Motion Pictures, Aixerrota Films, Pachacamac Films, Noodles Production, Pris&Batty, ICAA, Gobierno Vasco, Prime Video, ETB, TVC. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.arcadiamotionpictures.com/en/films/el-bus-de-la-vida/

Crítica: ‘En tierra de santos y pecadores’

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Irlanda, años 70. Deseoso de dejar su oscuro pasado atrás, Finbar Murphy (Liam Neeson) lleva una vida tranquila en el pequeño pueblo costero de Glen Colm Cille, lejos de la violencia política que asola el resto del país.

Cuando llega al pueblo un peligroso grupo de terroristas liderado por la despiadada Doireann (Kerry Condon), Finbar se verá inmerso en un peligroso juego que le obligará a elegir entre mantener su identidad secreta o defender a sus vecinos y amigos.

Crítica

Las películas typycal Neeson siguen funcionando

Aquellos que han vivido una vida conflictiva y llena de muerte no pueden redimirse o por lo menos no pueden dejar atrás el pasado, este siempre reaparece. Nos han venido con ese discurso una y mil veces en películas de acción en las que el protagonista vive una vida pacífica y cordial con sus vecinos hasta que la violencia llama a su puerta. Hace poco Jason Statham tiró del mismo hilo en ‘Beekeeper’. Ahora es Liam Neeson el que por enésima vez pasa de las buenas palabras a los puños en una película ambientada en Irlanda.

‘En tierra de santos y pecadores’ es un largometraje que se adentra en la época de la turbulenta y conflictiva historia de Irlanda, destacando tanto la belleza de su paisaje como la complejidad de sus personajes. Santos y pecadores, héroes y monstruos, bienhechores y villanos… al cabo es lo mismo. ‘En tierra de santos y pecadores’ explota el tópico introduciendo algunos rasgos diferenciales. La película, dirigida por Robert Lorenz intenta explorar la moralidad y la redención en un entorno marcado por la violencia y la traición, condicionado por las distintas interpretaciones del mismo conflicto.

Uno de los puntos más fuertes de la película es la actuación de Neeson, quien ofrece una interpretación sólida y convincente, como para no, tras años haciendo papeles similares. Pero a pesar de la repetitividad en las líneas generales del personaje, su presencia en la pantalla aporta una profundidad emocional que ancla la narrativa, incluso cuando el guión se vuelve predecible. A pesar de la fuerza de su protagonista, la narrativa a veces se siente dispersa y falta de cohesión. La falta de profundidad se intenta compensar con repartidos momentos de acción.

Los personajes secundarios, aunque bien interpretados, no siempre están bien desarrollados, lo que deja algunos arcos argumentales sin resolver o insuficientemente explorados. Eso sí, es un grandísimo aliciente ver juntos a Neeson y Ciarán Hinds, quienes habían compartido créditos en ‘Excálibur’ y ‘Silencio’, pero nunca escena. Quienes si habían trabajado antes codo con codo son Neeson y el director Robert Lorenz.  Estrenaron ‘The Marksman’, un filme con tintes de neowestern. La trama de ‘En tierra de santos y pecadores’ no nos lleva a Arizona, ni a la actualidad, ni a los sombreros de cowboy, pero aún así también tiene ingredientes de western. Un far west europeo con una cinematografía preciosa, que también juega un papel crucial, añadiendo una capa de autenticidad y belleza a la historia.

Además, la película intenta abordar temas complejos como el conflicto irlandés y sus repercusiones, pero lo hace de una manera superficial, casi de respagilón. La falta de compromiso en la exploración de estos temas puede dejar insatisfechos a aquellos que buscan una representación más matizada y crítica de la historia irlandesa. Los que busquen una película tipycal Neeson encontrarán otro título que les va a funcionar.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: In the Land of Saints and Sinners. Duración: 106 min. País: Irlanda. Dirección: Robert Lorenz. Guion: Terry Loane, Mark Michael McNally. Música: Diego Baldenweg, Lionel Vincent Baldenweg, Nora Baldenweg. Fotografía: Tom Stern. Reparto principal: Liam Neeson, Ciarán Hinds, Colm Meaney, Kerry Condon. Producción: Facing East Entertainment, Jumpy Cow Pictures, London Town Films, Saga Film, Bleiberg Entertainment, Prodigal Films. Distribución: Vértice Cine. Género: suspense, acción. Web oficial: https://www.facing-east.com/en/films/ship-breaker

Crítica: ‘Gru 4. Mi villano favorito’

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Después de siete años, nuestro supervillano favorito, ahora convertido en agente de la Liga Antivillanos, vuelve con una impactante y frenética entrega de caos al más puro estilo Minion en la esperadísima nueva película de Illumination: Gru 4. Mi villano favorito.

Crítica

Nuevas travesuras y risas garantizadas

Primero se ganó nuestros corazones siendo malo malísimo, después se pasó al bando de los “buenos” y ahora, en ‘Gru 4. Mi villano favorito’, le toca ser el protegido que entra en el programa de cambio de identidad. Curta entrega de la saga, que no de la franquicia, el número de personajes crece. La familia es más grande, los minions pierden algo de peso y se nota que comienza a costar estirar el chicle.

Por supuesto que esta especie de gremlins amarillos tienen los mejores gags del filme. Pero cuando vemos que se suceden los guiños a películas como ‘Terminator 2’, ‘007’, ‘Spider-Man’ o ‘Los 4 Fantásticos’ ya se percibe una falta de originalidad. Me ha gustado mucho cómo Universal, productora que no posee ninguna franquicia comiquera de superhéroes, ha lanzado un dardo en favor del hartazgo por el cine de superhéroes, de ese que se hace como churros. Pero en su intención de brindarnos una pequeña sátira para los más adultos han desarrollado un guión demasiado dependiente de la broma. Tenemos superhéroes hasta en la sopa, pero no olvidemos que con los minions también se ha hecho todo tipo de merchandising, la pescadilla se morderá la cola y veremos a estos nuevos “Mega-minions” en las tiendas.

Aún con esa cantidad de guiños y referencias que tiene esta nueva película, entre las que hay que incluir su propio Hogwarts y un bebé que recuerda al de ‘Los increíbles’, surgen nuevos personajes. Los más destacados dos villanos que salvo por el acento bien podrían estar inspirados en CR7 y Georgina. Y unos pijos de manual cuya inclusión aunque es graciosa queda un poco pendiente de un hilo pues sirven más como relleno y su arco no está cerrado.

De la animación sobra decir que la calidad es máxima, con una cantidad de detalles apabullante y pormenores como líquidos, pelajes o texturas que están cuidados hasta el límite. Fijaos por ejemplo en cualquier parte metálica que aparece o en la gigantesca pantalla LED que hay en una de las escenas. Igual podemos decir del doblaje, la hemos visto en castellano, al que se le ha dedicado espacio en los títulos de crédito iniciales. Salvo en un par de excepciones las voces respetan el producto original y funciona de manera graciosa con comunión con los personajes. Especialmente Florentino Fernández quien adaptó su voz de Sr. Maligno para este personaje y ya no cabe imaginar a Gru sin su estilo.

Puede que sea por la cantidad de entregas que lleva ya esta franquicia, pero parece que los minions pronuncian cada vez de un modo más legible. Curiosamente, aunque entendamos mejor a los esbirros amarillos esta es la entrega que tiene menor intencionalidad, es decir, que carece de moraleja. Para algunos puede que desmerezca la película pues estando destinada un público infantil ‘Gru 4. Mi villano favorito’ pierde la oportunidad de ser educativa. En el caso de otros muchos la apuesta por la simple aventura y la comedia física es más que suficiente.

Aunque está siendo un verano flojo en cines, levantado precisamente por un competidor directo como ‘Del revés 2’, fijo que habrá más entregas de ‘Gru. Mi villano favorito’ ya que estos personajes son el buque insignia de Illumination. Próximamente y dada su forma y la cantidad de productos que llevan estampados a los minions, no descartaría que viniesen en forma de supositorios. Mi apuesta para la siguiente fase, Gru como profesor o mentor, algo que aquí ya hace en parte.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de julio de 2024. Título original: Despicable Me 4. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Patrick Delage, Chris Renaud. Guion: Mike White, Ken Daurio. Música: Heitor Pereira. Reparto principal (doblaje original): Steve Carell, Kristen Wiig, Joey King, Will Ferrell, Sofía Vergara, Miranda Cosgrove, Dana Gaier, Madison Skyy Polan, Steve Coogan, Pierre Coffin, Stephen Colbert, Chloe Fineman, Brad Abelson. Reparto principal (doblaje en castellano): Florentino Fernández, Patricia Conde, Dani Martínez, Xuso Jones, Ana Brito. Producción: Universal Pictures, Illumination Entertainment. Distribución: Universal Pictures. Género: aventuras, comedia, ciencia ficción. Web oficial: https://www.instagram.com/minions/

Crítica: ‘Un lugar tranquilo: Día 1’

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Descubre por qué nuestro mundo se quedó en silencio.

Crítica

Un viaje hacía la oscuridad y a la salvación.

Por fin llega a nuestras pantallas la precuela de ‘Un lugar tranquilo’, la cinta que nos mantuvo en silencio en una sala de cine en 2018. Esta dio paso a ‘Un lugar tranquilo 2’ y como digo, por fin llega a nuestras pantallas ‘Un lugar tranquilo: Día 1’.

La cinta nos cuenta el comienzo de todo, el primer día en el que los monstruos sensibles al ruido aparecieron en la Tierra y que mejor lugar para mostrarnos esta llegada que en Nueva York, una de las ciudades más ruidosas de todo el mundo, un lugar que nunca duerme.

Seguimos a Samira, interpretada por Lupita Nyong’o, una mujer enferma que lo único que quiere es volver a Harlem y poder comer un trozo de pizza de su lugar favorito. Con ella va Frodo su gato y Eric, un joven inglés que intenta ayudarla y sobrevivir.

‘Un lugar tranquilo: Día 1’, nos vuelve a traer la tensión de las anteriores. Una gran acción y también una bonita historia sobre las personas que están viviendo este terrible suceso.

Y es que una cosa queda clara, que estas películas tienen una gran fe en la humanidad. Con esto quiero decir, que cuando vemos películas apocalípticas, siempre vemos que los seres humanos se vuelven mezquinos y malvados con tal de sobrevivir. En estas cintas, es todo lo contrario, siempre se ve como trabajan unidos. Como se ayudan y si no lo hacen es por miedo o por que han dado todo por perdido, no por maldad. Es algo que sin duda me encanta, porque en el fondo estoy cansada de ver siempre lo mismo y me gusta que se vea el lado bueno de las personas.

La cinta esta vez no está dirigida por John Krasinski, que, si que ha ayudado en el guion, han dejado el papel de director a Michael Sarnoski, director de ‘Pig’, que ha demostrado una gran maestría para hacérnoslo pasar mal. Los sustos, las escenas acuáticas o las persecuciones en uno de los grandes rascacielos de cristal de Nueva York con una gran cantidad de alienígenas persiguiendo a nuestros protagonistas.

Joseph Quinn es el encargado de dar vida a Eric, un joven inglés que acompaña al personaje de Lupita por una Nueva York destruida. Ambos tienen una química muy bonita, llena de cariño y amistad.

En el reparto encontramos a Alex Wolff, Djimon Hounsou (que vuelve a repetir personaje), Thea Butler, Jennifer Woodward, Sunjay Midda, Elijah Ungvary, Zay Domo Artist, Cain Aiden, Malik Jubal y Alexander John.

Como en las anteriores películas el sonido es muy bueno, necesario para introducirte esa tensión que viven los protagonistas, esos silencios que logran ponernos los pelos de punta y a la vez, esos sonidos estridentes que hacen que todo el mundo salga corriendo para poder sobrevivir.

Antes de terminar, me ha encantado el símil con ‘El Señor de los Anillos’. Ya solo los nombres de los dos protagonistas, Frodo, el gato, si es protagonista total, lo pasas fatal cada vez que le da por desaparecer. Sam, su compañera de viaje que tiene un destino claro, y es volver a su hogar. Es más, llegamos a ver la oscuridad de Mordor en la película. Admito que no se si el director ha tenido interés en mostrar esto verdaderamente, o que soy una loca de la gran historia de Tolkien, pero sin duda, me ha parecido totalmente un gran homenaje.

‘Un día tranquilo: Día 1’ me ha parecido una gran precuela, una visión del primer día y de lo que ocurrió, repitiendo fórmulas pero también dándonos algo nuevo de estos seres que han llegado para quedarse.

 Ficha de la película

Estreno en España: 27 de junio de 2024. Título original: A Quiet Place: Day One. Duración: 100 min. País: Estados Unidos. Dirección: Michael Sarnoski. Guion: Michael Sarnoski. Música: Fotografía: Patrick Scola. Reparto principal: Lupita Nyong’o, Joseph Quinn, Alex Wolff, Djimon Hounsou, Denis O’Hare, Elijah Ungvary. Producción: Paramount Pictures, Platinum Dunes, Sunday Night. Distribución: Paramount Pictures. Género: Terror, thriller. Web oficial: https://www.aquietplacemovie.com/

Crítica: ‘Invasión’

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‘Invasión’ cuenta la historia de una irrupción extraterrestre que tiene sometida al planeta Tierra, durante la cual dos prisioneros de bandos contrarios encerrados en una celda, tres soldados del ejército español refugiados en una fábrica y un matrimonio de científicos a solas con un extraterrestre preso deberán confiar en el enemigo para poder sobrevivir la noche más larga de sus vidas.

Crítica

El amor por encima de todas las guerras

Hace poco os hablamos de ‘La bandera’ (aquí nuestra crítica), adaptación de la obra teatral de Guillem Clua, que él mismo adapto para el cine. Esta semana llega otra adaptación, al igual que ‘La bandera’, adaptada por el propio autor a cine.

‘Invasión’, cuenta la historia de una irrupción extraterrestre que tiene sometida al planeta Tierra, durante la cual dos prisioneros de bandos contrarios encerrados en una celda, tres soldados del ejército español refugiados en una fábrica y un matrimonio de científicos a solas con un extraterrestre preso deberán aprender a confiar en el enemigo para poder sobrevivir la noche más larga de sus vidas.

La película me ha sorprendido bastante. Tenemos desde el principio una voz en off que nos va contando la historia a través de un cómic, con unas ilustraciones que me han recordado al dibujante Carlos Giménez (autor de ‘Paracuellos’). Utiliza bastante el recurso de la viñeta de comic, dando paso de un grupo de personajes a otro y la verdad que funciona muy bien.

Como he comentado al comienzo de la crítica, es una adaptación de una obra de teatro del propio guionista y también vemos esto. La manera de actuar de los actores, las miradas al frente y alguna que otra técnica que podríamos ver en una obra teatral, como las proyecciones en las paredes para traer los recuerdos de los protagonistas a la escena. También muy bien insertado.

La película nos habla del amor, de lo malas que son todas las guerras y de como el amor es lo único que puede detenerlas. Y lo hace muy bien. También habla de aceptarnos los unos a los otros y de lograr confiar en las personas

David Martín Porras logra una película que nos habla de esas personas que se ven de repente envueltas en una guerra, ya sea por convicción, miedo o por obligación y convence con un mensaje alentador, aunque a la par también nos muestra la triste realidad.

María Adánez, Marga Arnau, Nourdin Batan, Carlos Fuentes, Andrés Gertrúdix, Sofía Oria, Álvaro Rico, Claudia Salas y Fran Berenguer, son los protagonistas de estas historias entrelazadas. Todos están bastante bien, Fran Berenguer es el narrador de la película e ‘Invasión’ comienza y termina con su voz. Creo que ninguno de ellos ha trabajado en la obra de teatro, pero sin duda han captado perfectamente el tono de la película y como he matizado, las miradas exageradas, las voces o gestos son muy teatrales y es algo que también le da un toque especial a ‘Invasión’.

‘Invasión’ es una película bastante original, con alguna sorpresa que otra y que tiene un gran punto fuerte que es su montaje. Vamos pasando de una historia a otra haciendo que no nos aburramos y tampoco perdamos el hilo de lo que nos están narrando. Ya sabéis si tenéis la oportunidad de ir al cine, esperamos vuestros comentarios. 

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio de 2024. Título original: Invasión. Duración: 92 min. País: España. Dirección: David Martín Porras. Guion: Guillem Clua. Música: Arnau Bataller. Fotografía: José Martín Rosete. Reparto principal: Claudia Salas, Fran Berenguer, Sofía Oria, Álvaro Rico, María Adánez, Andrés Gertrudix, Nourdin Batan, Carlos Fuentes, Marga Arnau. Producción: Secuoya Studios, Álamo Producciones Audiovisuales. Distribución: A Contracorriente. Género: Drama, Ciencia Ficción. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/invasion-14

Crítica: ‘Los indeseables’

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Haby vive con su familia en un deteriorado bloque de apartamentos. Tras la repentina muerte del alcalde de la ciudad, Pierre, un médico idealista, toma el mando. Está decidido a continuar a toda costa con el proyecto de rehabilitación del barrio, que consiste en demoler el edificio de Haby. Cuando la joven y su familia descubren el plan de Pierre, lucharán por todos los medios para impedirlo y conseguir detener la desmesurada ambición del nuevo alcalde.

Crítica

Con más corazón que fervor, Ladj Ly consigue analizar otra cara de los suburbios franceses

Nueva película de Ladj Ly. En 2017 rodó el corto ‘Los miserables’ que dio paso dos años más tarde a una laureada película. Ahora estrena ‘Los indeseables’, un filme que va en la misma línea, parece que el director de origen maliense ha iniciado una saga de películas sobre los extrarradios franceses en los que creció, hasta el punto de rodar en su propio barrio de origen. Si en ‘Los miserables’ evaluaba los problemas entre la policía y los grupos juveniles, ahora toca temas como la vivienda, la especulación, la ineptitud política o la traición.

El barrio ese el protagonista de este cine de Ly. Estas películas de suburbios, con personajes jóvenes, tachados de delincuentes y viviendo en la miseria, van de la mano de ‘El odio’, ‘La banda de las chicas’ o ‘Atenea’, producida y escrita por este mismo director. Recuerdan en gran parte al cine quinqui español de los ochenta, que llevaba intrínseco un marcado carácter de denuncia y reivindicación por las clases desfavorecidas. ‘Los indeseables’ puede hacer alusión a todos esos ciudadanos que son rechazados por su procedencia extranjera, su carácter delictivo o simplemente por pertenecer a etnias que no son nativas o tradicionales del país. Pero me da la impresión de que el adjetivo va dirigido también a aquellas personas, por lo general políticos y títeres de las constructoras inmobiliarias, que incrementan la brecha social enviando al abismo del olvido a eso que llamamos derechos humanos. De hecho el propio autor de esta película comentó que el filme utiliza como disparador el fallecimiento real de Claurd Dilain, un alcalde que parecía que iba a llevar cabo prometedores cambios en el suburbio que gobernaba.

Con estas películas Ly esgrime un mensaje e incluso planos similares a los de ‘Asedio’ de Miguel Ángel Vivas. Enfrentamientos con la policía, de esos que dan paso al ACAB, personajes al borde del precipicio y la rebelión, miembros del sistema que cuestionan su lugar en la sociedad… Si en algo se diferencia ‘Los indeseables’ es en tratar el compromiso político y explorar qué funcionarios están realmente al tanto de la realidad y en contacto con los ciudadanos. También acierta a retratar cómo las leyes y decretos provocan la delincuencia e incluso el enfrentamiento entre las clases bajas. A menudo vemos como los sin tierra son alojados en un país que les empuja con sus normas, prejuicios y corruptelas a ser unos desharrapados, esa es otra pulla que lanza ‘Los indeseables’. Desde luego es una película que deben ver aquellos que hablan con facilidad y desprecio de las “paguitas” o que están favoreciendo el auge de la ultraderecha en Europa. Con estos análisis omnipresentes en todo el metraje se puede decir que este título es mucho más comprometido y dramático, pero también menos vibrante y cautivador. Resalta cómo la inexperiencia, la corrupción y la injusticia pueden hacerse dueños de cualquiera de nosotros, pero su montaje, aunque está lleno de detalles exasperantes, no logra encender en nosotros la misma llama que ‘Los miserables’.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de junio de 2024. Título original: Bâtiment 5. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Ladj Ly. Guion: Ladj Ly, Giordano Gederlini. Música: Pink Noise. Fotografía: Julien Poupard. Reparto principal: Anta Diaw, Alexis Manenti, Aristote Luyindula, Steve Tientcheu, Aurélia Petit, Jeanne Balibar. Producción: Sarab Films, Lyly Films, France 2 Cinéma, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique. Distribución: Caramel Films. Género: Web oficial: https://www.srabfilms.fr/batiment5

Crítica: ‘Memory’

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En ‘Memory’, Sylvia es trabajadora social y lleva una vida sencilla y estructurada: su hija, su empleo y sus reuniones de Alcohólicos Anónimos. Sin embargo, su vida dará un vuelco cuando, tras una reunión de antiguos alumnos del instituto, Saul la sigue a casa. Este inesperado reencuentro tendrá profundos efectos en la vida de ambos y abrirá la puerta a su pasado.

Crítica

Tan confusa y compleja como las trampas de nuestra memoria

Quién dijo que las reuniones de antiguos alumnos no sirven para nada. En ‘Memory’ un encuentro con viejos compañeros de clase lo cambia todo para la protagonista que interpreta Jessica Chastain. Tras uno de esos reencuentros llenos de recuerdos, postureo, falsos cumplidos y vuelta a los años mozos un ex-alumno en concreto va en busca del personaje de Chastain. Supone un encuentro que da inicio a una reacción y una relación misteriosa y confusa, tanto para los personajes como para el espectador. Desde luego ‘Memory’ es una película para echarle paciencia, fijarse en los detalles y estar abiertos a la comprensión hacia aquellos que ya no son capaces de comprender su propia realidad.

Ese nuevo contertulio con el que se topa la protagonista está interpretado por Peter Sarsgaard, el cual, está en el filme por recomendación de Jessica Chastain. Más que un duelo interpretativo, porque no compiten de ninguna manera, la película es un trabajo en equipo, a través del cual nos llevan de la mano a conocer a dos mentes completamente trastocadas. Bien es cierto que hay más de una sobreactuación, no tanto por parte de los protagonistas, más en el reparto de secundarios. Pero es muy difícil la tarea que les ha encomendado Michel Franco a estos dos intérpretes. Habría sido muy fácil caer en las exageraciones y en los tópicos cuando tratas de imitar mentes tan trastocadas como las de sus personajes. Además está el reto de contar sin verbalizar e incluso sin exteriorizar, con el acting gestual. Ambos protagonistas tratan de vivir una normalidad autoimpuesta, contenida, que sus propias mentes impiden que se lleve a cabo. Si conocéis a alguien con los problemas que tienen estas personas, no os voy a desvelar cuales son, veréis con gusto como este filme está muy bien interpretado.

‘Memory’ es una película en la que las motivaciones de los personajes están un tanto difusas, que pretende manejar tal complejidad que es difícil saber si los protagonistas no están bien esbozados o si hay que buscar en ellos conflictos aptos para ser desenterrados por un psicoanalista. De ahí quizá que tenga un final que se percibe inconcluso, tanto como los huecos que nuestra memoria tiene. Y es que nuestro cerebro nos protege muchas veces omitiendo recuerdos, bloqueándolos o haciendo que nos mintamos a nosotros mismos. La película trata, al menos eso pienso yo, sobre aceptar las trampas de nuestra memoria y encontrar espacios en los que lidiar con nuestros recuerdos, por muy dolorosos que estos sean. Tal vez por eso la mujer a la que encarna Jessica Chastain recorre tanto las reuniones de AA, que aquí significa Alcohólicos Anónimos, eludiendo otra doble A como es Antiguos Alumnos.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de junio de 2024. Título original: Memory. Duración: 100 min. País: México. Dirección: Michel Franco. Guion: Michel Franco. Fotografía: Yves Cape. Reparto principal: Jessica Chastain, Peter Sarsgaard, Brooke Timber, Merritt Wever, Jessica Harper, Elsie Fisher, Josh Charles. Producción: High Frequency Entertainment, Teorema, Case Study Films, MUBI, Screen Capital, The Match Factory. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial: https://highfrequencyentertainment.com/films/memory

Crítica: ‘Descansa en paz’

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En un caluroso día de verano en Oslo, los muertos despiertan misteriosamente, y tres familias se ven sumidas en el caos cuando sus seres queridos fallecidos vuelven a ellos. ¿Quiénes son y qué quieren?

Crítica

Los zombies tienen más sangre que los vivos en este filme contemplativo

Tenía una pequeña expectativa con ‘Descansa en paz’ pues en ella se reúnen títulos como ‘La peor persona del mundo’ y ‘Déjame entrar’, ya que trabajan en este estreno los actores Renate Reinsve y Anders Danielsen Lie y el guionista John Ajvide Lindqvist respectivamente. También porque la sinopsis nos prometía una historia de zombies diferente, atípica, como igual de extraño es el vivir un día caluroso en Noruega. Pero por tras salir de la proyección me quedo como el resto de espectadores que comentaban a la salida, con la sensación de haber estado viendo muchas escenas que cuentan poco y nos dejan con una enorme sensación de vacío.

Reconozco que identifico que la película de Thea Hvistendahl trata sobre el vacío que dejan aquellos que pasan a mejor vida, eso es algo que está en la superficie, que se remarca reiteradamente en todos los arcos que tiene el filme. Pero la fútil sensación con la que abandonamos el cine se debe a que no se detecta ningún otro argumento o desarrollo. ‘Descansa en paz’ es una película contemplativa y dramática que intenta explorar complejidades del género de los muertos vivientes a través de una lente íntima. Sin embargo, a pesar de su fuerza dramática, la película tiene problemas de coherencia narrativa y enfoque temático.

Uno de los principales problemas de la obra reside en el desarrollo de la trama. A menudo, la narración parece excesivamente errática repleta de escenas con una parsimonia tal que parece que los zombies tienen más sangre que los vivos. Esta falta de claridad puede hacer que los espectadores se sientan confusos y desconectados de los acontecimientos de la película, lo que dificulta la implicación total con los personajes y su viaje.

A las incoherencias narrativas de la película se suman sus ambigüedades temáticas. No está claro si ‘Descansa en paz’ pretende explorar temas como el trauma, la superación de la pérdida o el proceso de superación. Esta falta de claridad temática da lugar a momentos contradictorios a lo largo de la cinta, lo que enturbia aún más su mensaje general y su impacto. Cuando parece que nos están exponiendo escenas que nos hablan del trauma o de una especie de terror psicológico aparecen elementos que rectifican el género o contradicen las sensaciones de los protagonistas.

Sin duda Thea Hvistendahl tiene el mérito de conseguir una atmósfera triste y plomiza. Durante unos instantes intriga ya que siempre es enigmático desarrollar una trama en la que los muertos salen de sus tumbas. Pero ese suspense se convierte en confusión a medida que las secuencias consisten solo en fustigar a los personajes con sus penas y en plantear situaciones donde los diálogos brillan por su ausencia y las acciones no muestran progreso alguno. Quizá la novela de John Ajvide Lindqvist en la que se basa es más eficiente a la hora de explicar sus argumentos.

La muerte y la tragedia están presentes desde el principio en ‘Descansa en paz’ y ni con ello son capaces de ser visualmente cautivadores. Si que se crea un estilo propio y un ambiente enrarecido, generado puntualmente por algunos ruidos o interferencias para las que tampoco encontramos explicación. Son instantes que o bien se acotan a vertientes modernistas o bien a detalles tan excesivamente personales que solo entiende el equipo del filme. No es que uno esperase un espectáculo de sangre, al contrario, con una exploración sugerente o sustanciosa me habrían agradado más. Pero ni lo uno ni lo otro. Permitidme el spoiler, pero si esperáis una película de zombies mordiendo a gente… ved solo los últimos cinco minutos.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de junio de 2024. Título original: Håndtering av udøde. Duración: 97 min. País: Noruega, Suecia, Grecia. Dirección: Thea Hvistendahl. Guion: Thea Hvistendahl, John Ajvide Lindqvist. Música: Peter Raeburn. Fotografía: Pål Ulvik Rokseth. Reparto principal: Renate Reinsve, Anders Danielsen Lie, Bjørn Sundquist, Bente Børsum, Bahar Pars, Inesa Dauksta. Producción: Anonymous Content Nordic, Einar Film, Filmiki Etaria, Zentropa International Sweden. Distribución: Avalon. Género: drama, fantástico. Web oficial: https://avalon.me/peliculas/descansa-en-paz/

El verano de 2024 también tendrá Cibeles de Cine

Conocemos la programación del mes de julio

Cibeles de Cine, uno de los cines de verano de referencia de los madrileños, celebrará su novena edición del 27 de junio al 12 de septiembre en la Galería de Cristal de CentroCentro, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, tras congregar en su edición del 2023 a más de 33.000 espectadores. El cartel de esta edición es un tributo al 70 aniversario de La ley del silencio (1954), el arrebatador drama dirigido por Elia Kazan y ganador de ocho premios Oscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Dirección, así como Actor Protagonista (Marlon Brando) y Actriz de Reparto (Eva Marie Saint). Esta extraordinaria historia sobre la redención y los bajos fondos será la primera proyección de cine clásico del verano, y se podrá ver el domingo 30 de junio. Será un homenaje a la pareja protagonista ya que en este 2024 se cumplen 100 años desde su nacimiento.

Este evento cinematográfico, cita imprescindible para las noches de verano madrileñas, está organizado por CentroCentro e ideado y producido por mk2 y su agencia de eventos, mk2 Sunset Cinema. Durante 11 semanas, los espectadores podrán disfrutar de una cuidada programación compuesta por más de 75 películas.

Dentro de la cartelera de la novena edición de Cibeles de Cine se han seleccionado desde los grandes éxitos de la temporada (El Especialista, Back to Black, Fly me to the Moon, Civil War, Furiosa: de la saga Mad Max) hasta el mejor cine independiente y de autor (Vidas pasadas, Priscilla, Sangre en los labios, El clan de hierro, Bikeriders, Anatomía de una caída, La zona de interés, Siempre nos quedará mañana, El mal no existe), además de títulos nacionales (Segundo Premio, Nina, Robot Dreams) que contarán con la presencia de su equipo técnico y artístico. Como viene siendo habitual, el sábado será el día elegido para disfrutar en familia con películas como Wonka, Los Goonies, Del revés 2 o La princesa prometida.

Siguiendo la estela de los clásicos, en esta edición celebraremos el 25 aniversario de TCM con la proyección de un ciclo especial que incluye películas esenciales de la Historia del Cine, que además son algunas de las favoritas del público de Cibeles de Cine. Algunos de los títulos elegidos son Al final de la escapada, Cinema Paradiso, Apocalypse Now, Charada o Reservoir Dogs. 

Un verano más volverán los eventos Cinetronik, donde se combina el pionero y más influyente cine mudo con una banda sonora de música electrónica en directo. Las películas que se podrán ver en este vanguardista formato serán el documental El hombre de la cámara (1929) musicalizado por el artista Huma; y El gabinete del Doctor Caligari (1920) a manos de la artista Caliza.

Además de la citada La ley del silencio, otras películas que celebrarán su aniversario en la pantalla de Cibeles de Cine son Sucedió una noche (90 aniversario), La diligencia (85 aniversario) o El tercer hombre (75 aniversario).

Por primera vez, la exposición artística aérea que complementa la programación de cine y eventos será fotográfica. Se trata de 24 sorprendentes retratos en formato gigante de destacados artistas a nivel nacional e internacional, realizados por Jorge Fuembuena, uno de los fotógrafos más relevantes de nuestro país, además de estar estrechamente vinculado al mundo del séptimo arte. Fuembuena cuenta con una extensa trayectoria realizando foto-fija en rodajes, trabajando como director de fotografía, como fotógrafo oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, Festival de Málaga, Festival du Cinéma Espagnol de Nantes, CineHorizontes Festival du Cinéma Espagnol de Marseille, o colaborando con la Academia de Cine.

La programación hasta finales de julio y venta de entradas online ya está disponible en cibelesdecine.com La programación correspondiente a los meses de agosto y septiembre se anunciará próximamente.

Crítica: ‘The Arctic Convoy’

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En 1942, los alemanes invaden la Unión Soviética y la situación parece terrible. Para evitar mayores pérdidas, se reúnen barcos mercantes civiles de todo el mundo que transportan suministros de guerra desde Islandia a Murmansk y Arkhangelsk, un peligroso viaje bajo la protección de buques de guerra aliados.

Atrapados en el mar sin experiencia en defensa o guerra, los marineros civiles se enfrentan cara a cara con la fuerza superior alemana en el brutal mar ártico.

Crítica

Con suspense consigue ir más allá de la curiosidad bélica pero carece de una épica destacable

The Artic Convoy’ nos cuenta uno de los sucesos propiciados por la invasión nazi a Rusia durante la II Guerra Mundial. Normalmente las historias que narran el gran conflicto armado se enmarcan en el centro de Europa, pero en esta ocasión nos trasladamos a latitudes más norteñas. Retrocedemos al verano de 1942, a las gélidas aguas árticas, las cuales surcó una flota de barcos con suministros procedentes de Islandia hacia Murmansk. Vehículos de nacionalidades diferentes que intentan llegar a buen feudo mientras son asaltados por tropas alemanas. Este fue un lance real de la guerra de guerras que acabó con muchos muertos y destrozos. Ahora, al igual que se hizo con otras huídas por mar como ‘Dunkerque‘, nos lo cuentan en clave de thriller bélico.

El noruego Henrik Martin Dahlsbakken es quien ha tenido el encargo de narrar esta aventura. No es un cineasta novel pero bien es cierto que su cine no ha llegao a nuestro país, a si es que ‘The Artic Convoy’ sirve de carta de presentación. El filme emplea la inexperiencia y el miedo de los protagonistas para generar un suspense que nos transmite con verosimilitud. Arranca directamente con acción y tras ello nos embarcamos en uno de sus cargueros. Con ellos vivimos una aventura que trata sobre el sacrificio, el coraje y la previsión de riesgos. Es por ello que ‘The Artic Convoy’ no es solo un título de acción militar, hay también espacio para el debate y los conflictos interiores, quizá en exceso pues a veces cuesta creerse a unos marineros que citan a Hemingway o tienen nociones de balística propias del mejor artillero.

Parte de la tensión se logra a que como en ‘Dunkerque’ (de la que coge también el tic tac de la banda sonora de Hans Zimmer) o en otros títulos similares no se ve el rostro de los villanos, a veces ni siquiera sus transportes de guerra al consistir en submarinos o aviones que se ocultan en las heladas profundidades o sobre las nubes. Para recrear esos momentos de persecución y escaramuzas se hace uso de unos solventes efectos especiales. Tal es así que no se si esta película supera el presupuesto de la producción más cara de la historia de Noruega, que a día de hoy es la serie ‘War Sailor’, probablemente se acerque.

Aún con cierta inversión en postproducción y el haber contado con un auténtico barco que surcó los mares durante la guerra, la película está completamente rellena de conversaciones y operativa de camarote que adormecen la acción. De ese modo la sensación que me deja este episodio que tiene lo suyo de heroico, es que tiene mucho más de nervios de acero que de épica.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2024. Título original: Konvoi. Duración: 108 min. País: Noruega. Dirección: Henrik Martin Dahlsbakken. Guion: Lars Gudmestad, Harald Rosenløw-Eeg, Christian Siebenherz. Música: Johannes Ringen. Fotografía: Oskar Dahlsbakken. Reparto principal: Tobias Santelman, Anders Baasmo, Fredrik Stenberg Ditlev-Simonsen, Adam Lundgren. Producción: Fantefilm. Distribución: Alfa Pictures. Género: bélico, suspense. Web oficial: https://fantefilm.no/director/fiksjon/

Crítica: ‘Vidas perfectas’

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Alice (Jessica Chastain) y Celine (Anne Hathaway), disfrutan de sus idílicas vidas junto a sus respectivos hijos y exitosos maridos. Son mejores amigas y vecinas. La perfecta armonía de sus vidas se rompe repentinamente después de un trágico accidente.

Una combinación de culpa, sospecha y paranoia destruye el vínculo entre Alice y Celine dando lugar a una dura batalla psicológica cuando los instintos maternales de ambas revelen su lado oscuro para defender a los suyos.

Crítica

Chastain y Hathaway de nuevo forman un dúo interestelar

Basada en novela de Barbara Abel llega ‘Vidas perfectas’ a nuestras carteleras. Una película de Benoît Delhomme, quien ya nos ha visitado con películas como ‘El fotógrafo de Minamata’, ‘Los hombres libres de Jones’ o ‘Van Gogh, a las puertas de la eternidad’. Pero los nombres destacados de este thriller son los de sus dos protagonistas, Anne Hathaway y Jessica Chastain.

‘Vidas perfectas’ pone en conflicto a dos familias que vivían en armonía vecinal, que tenían una amistad que se percibía como perfecta. Los años 50 y 60 fueron una década de grandes cambios para los Estados Unidos, repleta de prosperidad y plagada de acontecimientos e hitos que sembrarían de manera perenne la semilla del progreso de toda la mitad del siglo XXI llegando e incluso hasta nuestros días. Es una época que siempre se refleja en el cine con sus colores pastel y su materialización del sueño americano. El lechero que te lleva la leche fresca a la puerta de tu casa, las casas con jardín y garaje, el niño que se gana sus primeras monedas repartiendo periódicos, las barbacoas de los domingos, la esposa que se conforma con ser ama de casa… ¿Pero qué pasa cuando ese cuestionable idilio se rompe? Ese es el enfrentamiento que sufren las dos protagonistas de la película. Este título se conforma como un duelo, tanto en el guión como en la interpretación, que se mantiene a buen nivel gracias a sus dos actrices principales.

Esta película transcurre durante el mandato de Kennedy y la carrera espacial y aunque yo me haya centrado en el marco histórico y el american way of life lo que ensalza más ‘Vidas perfectas’ es el instinto maternal. Cabe señalar que sufrimos con este filme uno de los famosos cambios de título fruto de la casi siempre innecesaria traducción y las cuestionables estrategias de marketing. ‘Mothers’ instict’ es el título original que nos anticipa que la película trata de dos madres protegiendo a capa y espada lo que es suyo. ‘Vidas perfectas’ es una lucha a ciegas como lo fue ‘Tu hijo’ de Miguel Ángel Vivas, en la que la negación a quitarse la venda de los ojos da paso a decisiones erradas y cada vez más malsanas.

Las dudas y el dolor dan paso a la desconfianza y con ella los malos actos que van emponzoñando cada vez más una relación que parecía inquebrantable. Gracias a Anne Hathaway sentimos el dolor, los celos, el resquemor… Y con Jessica Chastain llega el desconcierto, la ansiedad, la paranoia. Ya trabajaron juntas en ‘Interstellar’ y ahora podemos decir que sin la capacidad de transmitir emociones de estas actrices ‘Vidas perfectas’ habría valido más bien poco, si acaso para recordarnos que intentemos estar ahí para los que nos necesitan, para que nunca tengamos que decir eso de “pude hacer más” cuando ellos no estén. Por lo demás es una película excesivamente redundante en su pugna psicológica y con evidentes similitudes con ‘La mano que mece la cuna’.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2024. Título original: Mothers’ Instinct. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Benoît Delhomme. Guion: Sarah Conradt-Kroehler. Música: Anne Nikitin. Fotografía: Benoît Delhomme. Reparto principal: Anne Hathaway, Jessica Chastain, Anders Danielsen Lie, Josh Charles, Eamon O’Connel, Baylen D.Bielitz, Caroline Lagerfelt. Producción: Anton, Freckle Films, Mosaic, Versus Production, Wheelhouse Productions. Distribución: Vértice Cine. Género: drama, suspense. Web oficial: https://www.freckle-films.com/mothers-instinct

Crítica: ‘Respira’

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La falta de oxígeno ha convertido la Tierra en un planeta inhabitable. Para sobrevivir, Maya (Jennifer Hudson) y su hija Zora se ven obligadas a confinarse en un búnker bajo la superficie. Para poder salir al exterior deben ponerse un traje especial diseñado por el marido de Maya, Darius, desparecido tras embarcarse en un peligroso viaje. La llegada de una misteriosa pareja (Milla Jovovich y Sam Worthington) que dice saber dónde se encuentra Darius hará que Maya y Zora bajen la guardia. Sin embargo, los visitantes esconden más de un secreto y su ansia por refugiarse en el búnker a toda costa hará que madre e hija deban luchar por sus vidas.

Crítica

Traslada eficientemente los códigos del home invasión a un mundo apocalíptico

Una vez oí que en toda película debe haber un conflicto, de cualquier tipo, para suscitar el interés del espectador y hacer progresar la trama. En el caso de ‘Respira’ es así, pero ello no significa que deba de haber un villano. El malo de esta película de supervivencia son las prisas, la desconfianza y la naturaleza traicionera de la que llevamos haciendo alarde los humanos durante siglos de historia. El sentimiento de piña, de comunidad, de sociedad, da paso fácilmente al individualismo cuando la cosa se pone fea y escasean los recursos, esto no creo que a nadie le suene a chino, solo hay que ver cuales fueron los comportamientos generalizados en el supermercado cuando se anunciaron los confinamientos de 2020. En esta película nos mantienen divididos pues a veces cuesta saber de qué lado ponerse y estamos deseando que se saque la bandera blanca y se ponga fin a la locura que enfrenta a los protagonistas.

Antes si sucedía, pero ya a casi nadie le extraña que haya gente que encargue construcciones de búnkeres y se prepare para una catástrofe o colapso. Son personas que cada vez están menos tildadas de locos. Eso es lo que le sucede a la familia que protagoniza ‘Respira’, que está a salvo gracias a esa previsibilidad extrema. La acción transcurre en 2034, en un planeta Tierra con niveles de oxígeno en mínimos impracticables para cualquier tipo de vida, animal y vegetal. Todos vimos tras los confinamientos que, de nuevo la realidad cercana nos asalta, la naturaleza se recupera si el hombre no está, esa es la esperanza a la que se aferran los protagonistas. Pero cualquier fallo en el soporte vital puede poner en peligro a los supervivientes mientras esperan recuperar su hábitat en la superficie. Todo esto nos recuerda a la recientemente estrenada ‘Fallout’ y la lucha por los recursos en un mundo desértico podría servir de precuela a ‘Mad Max’, de hecho están todos al borde de una locura similar fruto de la urgencia que trae inherente la supervivencia. ‘Respira’ no es ni una advertencia ecologista ni un alegato contra el consumismo, pero si expone acertadamente cómo es la naturaleza humana cuando le faltan aquellas necesidades que se ha creado a sí mismo, excluyendo evidentemente el oxígeno de esa lista.

En este tipo de películas suele sobrevivir el más astuto, el más frio y quien se preste más a llevar a cabo juegos sucios. El perjudicado suele ser el honesto o el que tiene sentido de colectividad. Como decía el ser humano es el enemigo de sí mismo ya que evolucionamos hace tiempo hacia las necesidades sociales. En ‘Respira’ se muestra cómo nos llevamos la contraria antropológicamente cuando le ponemos constantemente la zancadilla al prójimo, actuando de manera egoísta y sin sopesar que realmente estamos todos en el mismo barco, uno llamado Tierra. La película consigue mantener nuestro interés gracias a que su reparto, incluido Jennifer Hudson que explora el género por primera vez, se presta a una acción y a una tensión a la que Milla Jovovich y Sam Worthington están más acostumbrados. La película pertenece al género del home invasión y es prima de títulos como ‘Green room’ o ‘La habitación del pánico’. La diferencia es que estamos en un mundo postapocalíptico del que ni siquiera necesitamos conocer sus causas o detonantes. Es más, entretiene tan bien, sabe mover tan bien a sus personajes, que podemos pasar por alto sus pequeños fallos de coherencia, los deus ex machina o unos pocos momentos que parecen de comedia involuntaria.

Como curiosidad hay que señalar también que hay elementos claros que defienden la lucha de los afroamericanos contra la opresión de los blancos. La película se reduce a unos blancos invadiendo el espacio de unos negros, los cuales dicen varias veces, “esos blancos están locos”. Hay citas de Malcolm X, se pluraliza el “I can’t breathe” que generó el Black Live Matter y se usa como código el 1867, año de la Ley de Reconstitución, que fue la que surgió en la etapa en la que los Estados Unidos abolieron la esclavitud, se acabó con los gobiernos confederados y los afroamericanos comenzaron a tener derechos civiles. El director Stefon Bristol puede que haya aprovechado para introducir todos estos guiños y hacer algo de reivindicación, pero creedme que la película no va por derroteros aleccionadores. También aparece el eslogan “eat the ricth” y no por eso vamos a pensar que es una película que esgrima argumentos anti-capitalistas.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2024. Título original: Breathe. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Stefon Bristol. Guion: Doug Simon. Música: Isabella Summers. Fotografía: Felipe Vara de Rey. Reparto principal: Jennifer Hudson, Milla Jovovich, Sam Worthington, Common. Producción: Capstone Pictures, Thunder Road Pictures, Streamline Global Group. Distribución: DeAPlaneta. Género: ciencia ficción, suspense. Web oficial: https://www.capstonepictures.com/breathe

Crítica: ‘Lina’

Crítica

Un reencuentro con la que fue la reina de la interpretación gestual

Lina Morgan nos dejó en 2015 y desde entonces ha recibido muchos homenajes en forma de espectáculos, plazuelas a su nombre y demás. Pero ya tocaba que sus compañeros de profesión le rindiesen tributo. El de ‘Lina, la mujer espectacular’ es un acto de veneración hacia una artista que marcó a generaciones y de las que se puede decir que fue una pionera y adelantada a su época con todas las de la ley.

El próximo 17 de junio Movistar Plus+ estrena ‘Lina, la mujer espectacular’. A lo largo de tres capítulos se nos cuenta la vida de esta artista que empezó en el mundo del espectáculo queriendo ser vedete y acabó como uno de los referentes cómicos más grandes de nuestro país y la primera mujer en Europa en regentar un teatro. Este es un recorrido cronológico lleno de curiosidades y halagos. Revelador con algunos detalles que habían caído en el olvido, a veces un tanto exagerado a la hora de ser halagador. Con esta docuserie viajamos desde su muy modesto origen rodeado de las miserias de la postguerra hasta sus últimas funciones.

Cómicos, estudiosos y coetáneos analizan la figura de al Morgan. La serie se compone de testimonios en forma de entrevistas intercalados de imágenes de archivo que refrendan todo lo comentado. En ese sentido ‘Lina, la mujer espectacular’ es un reportaje convencional, que no por ello quiere decir que no sirva para hacer justicia a una artista que debería ser conocida por todas las nuevas generaciones del teatro y la comedia. Como diferencia con respecto a otros documentales tradicionales, algunos de los entrevistados han incluido una imitación de alguno de sus números más conocidos. Todo ello se ha planteado como un falso casting, lo cual no deja de ser un guiño más a lo duro que es hacerse un hueco en la profesión, algo que ella probó bastante en sus carnes pues no tuvo solo que remar contra competidoras, sino también contra los cánones y gustos de la época.

No es la primera vez que Israel del Santo trabaja con Movistar Plus+. Ya nos deleitó con los documentales ‘Lola’ y ‘El palmar de Troya’. Ahora para camelarnos ha reunido a una troupe de nombres muy bien escogida pues son capaces de analizar todas las facetas de Lina Morgan. Es por ello que se realiza un análisis completo al tratar desde su vida personal hasta el porqué su humor fue rompedor. A destacar por ser más acertadas las palabras de Silvia Abril, María León, Jesús García Orts, Juan José Montijano o Anabel Alonso. Pero la lista de nombres es aún más larga. Entre ellos también Joaquín Reyes con un Celebrities inclusive, lo cual resulta una bofetada graciosísima cuando aparece. Un buen truco de montaje que sigue la estela de la escuela de Lina Morgan, de la cual siempre se ha dicho (el propio documental lo remarca) que sabía exactamente cuándo introducir el chiste o la mímica.

Y es que Lina Morgan sabía sacar muy buen partido a su cuerpo, pero no el modo en como lo tenían que hacer la mayoría de artistas de la época. Se la puede considerar la reina de la interpretación gestual y eso le grajeó un éxito que como daños colaterales también le trajo sus enemigos o envidias. Es por eso que me sobra Bárbara Rey en la serie ya que parece que se ha plantado delante de la cámara solo para hablar sobre ella misma. Descartaría de la serie eso y todos los momentos en los que parece más un programa de la prensa rosa, hipótesis sobre su vida y las cosas turbias que le pudieron pasar a la hora de imaginar lo que se encontró cuando se habla de la caspa que poblaba el show business de la época. Si estamos tratando todo bajo el prisma del documental, hechos contrastados, nada de tirar de imaginario más propio del salseo.

Crítica: ‘La bandera’

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Un padre, dos hijos y una cena. La historia transcurre durante una velada familiar, donde Tomás llama a sus dos hijos, Jesús y Antonio, para darles una importante noticia. El patriarca, al que acompaña su biógrafa, Lina, se toma su tiempo para decirles lo que realmente quiere, pero sus descendentes comienzan a perder los nervios. En un momento dado, uno de los hijos descubre la presencia de una bandera enorme en el jardín, desatándose una disputa que pone en serio peligro la aparente armonía familiar.

Crítica

Una invitación a mirar desde el respeto y la responsabilidad el legado que nos brindan nuestros padres

Imanol Arias interpreta a un hombre que le cuenta a su biógrafa (Ana Fernández) una vida propia de Forrest Gump. Encuentros con políticos de toda índole, contacto con el Dalai Lama, anécdotas en el marco de momentos históricos… Todo ello parece propio de una persona que ha sido toda una personalidad de su época, hasta que aparecen sus hijos a comer y descubren la bandera que ha puesto en el jardín. La historia se desmorona. Si esperáis algo de politiqueo, esta no es ni vuestra película ni vuestra crítica. Si esperáis algún comentario sobre el juicio de Imanol Arias, esta no es ni vuestra película ni vuestra crítica. Si quieres ver a Imanol Arias disfrazado de T-Rex, esta si es vuestra película.

La obra de teatro que han adaptado a cine Martín Cuervo y Guillem Clua no trata abiertamente de política ni está estrenada intencionalmente cerca de unas elecciones ya que se ha representado previamente sobre las tablas. Pero si podemos decir que, aunque la bandera en sí misma es lo de menos, si tenemos a dos hermanos (Aitor Luna y Miquel Fernández) radicalmente distintos luchando por quedarse con el lugar donde nacieron y ambos intentan hacer prevalecer la interpretación que ellos mismos tienen de la historia. Lo cierto es que suena mucho a esa Guerra Civil que aún hoy en día no hemos superado. Pero dudo que se puedan extraer más conclusiones al respecto.

Aunque es importante interpretar la bandera como el fruto en el que ha desembocado una historia, esta está en un segundo plano. La lectura que yo hago de esta película es que a veces necesitamos un detonante para sincerarnos con los nuestros y vías fuera de lo común para sobreponernos a determinados traumas. Otros leerán simplemente que algunos solo quieren que les digan que los quieren. Yendo más allá, lo que creo que nos quieren contar Cuervo y Clua es que debemos valorar el legado que nos dejan y si le estamos haciendo honor. La verdadera herencia que nos transfieren nuestros padres es la educación y la vida que nos han brindado, aunque esta esté llena de juegos evasivos e historias fantasiosas fruto de una mente fragmentada. Es un mensaje de respeto y responsabilidad hacia nuestros progenitores similar al que dejaba ‘El padre’ de Florian Zeller.

Pero en ‘La bandera’ el tratamiento no es tan dramático. Los desvaríos del personaje de Imanol Arias, las riñas entre hermanos y algunos momentos slapstick nos brindan alguna que otra carcajada. En el otro lado de la balanza están escenas con frases más profundas y algo de sensiblería. La película me parece más efectiva cuando profundiza en su moraleja y extrae reflexiones bastante legítimas. En cuanto a su faceta humorística hay secuencias como la del bar que no me han funcionado.

PD: si queréis ver a Antón Lofer hacer de cura pro Franco, esta también es vuestra película.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2024. Título original: La bandera. Duración: 89 min. País: España. Dirección: Martín Cuervo. Guion: Guillem Clua. Música: Iván Valdés. Fotografía: Pablo Bürmann. Reparto principal: Imanol Arias, Ana Fernández, Aitor Luna, Miquel Fernández. Producción: Secuoya Studios, Álamo Producciones Audiovisuales, A Contracorriente Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama, adaptación. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/la-bandera

Crítica: ‘Los vigilantes’

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De la mano del productor M. Night Shyamalan llega ‘Los Vigilantes’, escrita y dirigida por Ishana Night Shyamalan y basada en la novela de A.M. Shine. La película cuenta la historia de Mina, una artista de 28 años, que queda varada en un enorme bosque virgen en el oeste de Irlanda. Cuando Mina encuentra refugio, sin saberlo, se ve atrapada junto tres extraños a los que observan y acechan cada noche criaturas misteriosas. No puedes verlos, pero ellos lo ven todo.

Crítica

Los bosques irlandeses guardan monstruos que nos vigilan e intentan atraparnos

Basada en la novela de A.M. Shine, llega a nuestras pantallas ‘Los vigilantes’ una historia de terror que nos lleva a un enorme bosque irlandés y a sus leyendas. Mina, una joven se queda atrapada junto a Darwin, una cotorra que lleva junto ella, en un bosque cuando pierden de vista su coche. Logra encontrar refugio, donde tres extraños viven observados por unas extrañas criaturas a las que nunca han visto.

La película me ha gustado, no puedo negarlo, me ha logrado enganchar desde el principio y la verdad que eso ya es bastante en los tiempos en los que estamos. Pero, si, tiene peros, y es que la película es demasiado explicativa. Hay historias que no necesitan ser explicadas, es mejor dejarlas a la imaginación del espectador y ‘Los vigilantes’ no deja ni un cabo suelto.

La atmósfera en el bosque, cuando nuestra protagonista se pierde, me ha recordado a ‘The Ritual’, ese miedo a lo desconocido, los ruidos en la lejanía, los colores apagados, las figuras sombrías escondiéndose entre los árboles y los refugios en medio de la nada.

Dentro del refugio la historia se vuelve bastante truculenta, no pueden salir durante la noche por unas criaturas que les observan desde un gran cristal, como si fuesen peces en un acuario. Pero ahí un punto en ese refugio que ya comienza a perder la película y como he dicho a dar muchas explicaciones. Además de que tienen varios desenlaces y eso al final termina cansando un poco.

Pero aun con todo esto, no pienso que ‘Los vigilantes’ no merezca la pena. La tensión que crea y el mundo de leyenda que nos cuenta me ha gustado mucho. Porque aquí en ‘Los vigilantes’ hay mucho folklore y monstruos que tienen una historia bastante curiosa.

En el reparto encontramos a Dakota Fanning (‘The Equalizer 3’), Georgina Campbell (‘Barbarian’), Olwen Fouéré (‘Halo’) y Oliver Finnegan (‘Outlander’). Consiguen convencernos, pero a la vez no sabes muy bien como no investigan más todo lo que tienen alrededor.

La película es el debut de Ishana Shyamalan, se nota que el terror está en sus venas, pues ya ha dirigido episodios de ‘Servant’ y también fue segunda directora en ‘Tiempo’. Ha aprendido mucho de su padre, hay momentos que pueden recordar mucho al cine de M. Night Shyamalan pero utiliza planos bastante diferentes y su película es más luminosa. Está claro que no es un mal comienzo en el cine, pese a sus carencias en el guion, la dirección es buena.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de junio de 2024. Título original: The Watchers. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Ishana Shyamalan. Guion: Ishana Shyamalan. Música: Abel Korzeniowski. Fotografía: Eli Arenson, Job ter Burg. Reparto principal: Dakota Fanning, Georgina Campbell, Oliver Finnegan, Olwen Fouere. Producción: Blinding Edge Pictures, Inimitable Pictures, New Line Cinema, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: suspense, terror. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/thewatchers

Crítica: ‘Bad Boys: ride or die’

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Este verano, los policías más famosos del mundo regresan con su icónica mezcla de acción al límite y comedia escandalosa, pero esta vez con un giro inesperado: ¡Los mejores de Miami se dan a la fuga!

Crítica

Más violenta, más fantasiosa pero recuperando la personalidad de los Bad Boys

El policía elegante y super competente en tándem con el padre de familia fondón y sensiblero. Parejas muy diferentes entre sí como las que formaron en su día Mel Gibson y Danny Glover o Jackie Chan y Chris Tucker pertenecen a películas primas de ‘Bad Boys’. Esos actores saben que cuesta mucho mantener el nivel o el interés de la audiencia. Todos ellos han interpretado a policías fuera de la norma, que intentan resolver sus casos a toda costa y a pesar de las broncas de sus superiores, cual Axel Foley. Es un patrón muy repetido y en ocasiones muy rentable. En el caso de ‘Bad Boys: ride or die’ el propio título lo dice, esto es matar o morir en el intento, un jugárselo a cualquier precio.

Superando su cancelación por el bofetón a Chris Rock y aupado por el hecho de que la tercera película de la saga hizo muy buena taquilla (con no tan buen resultado en cuanto a opiniones), Will Smith está de vuelta. Uno se pregunta ya qué les queda por contar sobre estos dos policías rebeldes. Ponerles contra las cuerdas ha sido lo que han escogido, convertir a los buenos en los malos de la película, algo que han hecho otras franquicias y que Will Smith ya hizo en ‘Enemigo público’. En ‘Bad Boys: ride or die’ se lleva a cabo una carrera por limpiar su nombre y resolver un nuevo caso sin la tranquilidad de tener refuerzos. A estos dos agentes nunca les han importado los daños colaterales, pero siempre que hacen gala de honor camaradería. Parece que los aprendices o imitadores de Michael Bay, Adil El Arbi y Bilall Fallah, mantienen esa dinámica pero tienen intención de crear su propia trilogía y llegar a un quinto título retorciendo la historia todo lo posible. Y para ello no se han cortado en emplear una violencia que a mí me parece inusual en la saga, giros de guion que incluyen archivos secretos y experiencias cercanas a la muerte con tripi espiritual incluido, humor verde e incluso crocsploitation. Aunque en muchos momentos, esto parezca más una película de espías tipo Bourne, este “ir más allá” ha funcionado. Los gags están mejor trabajados, la relación entre los dos protagonistas se siente mucho más parecida a la de las películas originales y no se les va tanto la pinza como le pasó a ‘Fast & Furious’. Pero tiempo al tiempo pues parece que aquí hay intención de introducir personajes y seguir con la historia. Eso si, los contrapicados girando al rededor de los protagonistas, las tomas con drones, los coches explotando e incluso una celda en un transporte aéreo a lo ‘Con Air’… eso hay que mantenerlo.

Aunque se intuye que viene sangre nueva evidentemente los protagonistas absolutos son Will Smith y Martin Lawrence que demuestran una vez más que forman muy buena pareja en pantalla, sobre todo cuando Lawrence juega la baza del tocanarices cómico. Lo mismo sucede cuando aparece Joe Pantoliano, y eso que con él han tenido que apañárselas de buena manera pues el 1 de mayo de 2020 fue víctima de un atropello, lo cual le causó una conmoción cerebral junto a un traumatismo torácico. También tras haber estado en las tres primeras películas tampoco está presente Theresa Randle, quien ha sido sustituida por Tasha Smith en el papel de Theresa (esposa de Martin Lawrence en la ficción). Repiten Vanessa Hudgens, DJ Khaled, Alexander Ludwig… Y como en cada título tenemos nuevo villano, esta vez interpretado por Eric Dane (McGrath), manteniendo aún así a Jacob Scipio (Armando). A Scipio se le ha brindado la ocasión de lucirse en un par de escenas en las que demuestra con el combate cuerpo a cuerpo que es una buena apuesta para el cine de acción.

Aunque había acción en el anterior filme pero me llevé decepción pues se veía claramente que era un homenaje a Michael Bay más que a los propios protagonistas. Abriendo un paréntesis señalar anecdóticamente que Michael Bay vuelve a hacer un cameo, justo seguido de Khaby Lame. La acción estaba subordinada a una floja comedia con tintes de telenovela. En ‘Bad Boys: ride or die’ se recuperan las notables diferencias entre ambos personajes y que tantos momentos graciosos nos brindaron en las dos primeras entregas. También se introduce mucha más acción, lo cual hace que el filme se pase a toda mecha.

Como decía esta película podría ser un todo o nada para Will Smith, no tanto para Martin Lawrence que parece tener su carrera ya en standby. Su éxito podría ser la base y lanzadera para poder seguir haciendo superproducciones y lavar su imagen, si el tiempo y las visitas a programas como El Hormiguero no lo ha hecho ya. Los fans de las comedias de acción van a encontrarse en ‘Bad Boys: ride or die’ un entretenimiento bastante competente. Me da que van a reventar la taquilla en este arranque veraniego.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de junio de 2024. Título original: Bad Boys: Ride or Die. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Adil El Arbi, Bilall Fallah. Guion: Chris Bremner. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Robrecht Heyvaert. Reparto principal: Will Smith, Martin Lawrence, Vanessa Hudgens, Alexander Ludwig, Paola Nuñez, Eric Dane, Ioan Gruffudd, Jacob Scipio, Melanie Liburd, Tasha Smith, Tiffany Haddish, Joe Pantoliano. Producción: Columbia Pictures, Jerry Bruckheimer Films, Westbrook Studios. Distribución: Sony Pictures. Género: acción, comedia. Web oficial: https://www.sonypictures.com/movies/badboysrideordie

Crítica: ‘Hit Man’

En qué plataforma ver Hit Man


Sinopsis

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Gary Johnson (Glen Powell) es el tipo más buscado de Nueva Orleans. Un misterioso asesino a sueldo… que trabaja como infiltrado para la policía. Cuando rompe el protocolo para ayudar a una mujer desesperada (Adria Arjona) que intenta huir de un marido maltratador, acaba convirtiéndose en uno de sus falsos personajes y coqueteará con transformarse en un verdadero criminal.

Crítica

Divertido compendio de personalidades psicópatas

Este ‘Hit Man’ no es una nueva versión live action del videojuego que en su día adaptaron Xavier Gens y Timothy Olyphant de manera… digamos errada. Esta película trata sobre Gary Johnson, un hombre que no era un sicario consumado y letal, sino que se hacía pasar por asesino a sueldo, por muchos tipos arquetípicos de criminales, en misiones para la policía. Este profesor de universidad que vivía en una acomodada casa con sus dos gatos se metió en la piel de los psicópatas más espeluznantes para realizar su trabajo de manera más convincente. Aunque cueste creerlo todo esto no surge de la imaginación de un guionista o de un famoso videojuego, parte de una historia real que en su día popularizó un detalladísimo artículo del Texas Monthly titulado ‘Hit Man’ (Sicario). Y cito todo esto en pasado ya que la persona que ha servido de fuente para la película falleció en 2022.

Evidentemente en ‘Hit Man’ hay licencias muy grandes. Se busca divertirnos a través de su premisa surrealista y multitud de momentos disparatados, de ahí que en España vaya acompañada del tagline “asesino por casualidad”. Este filme se suma a ese tipo de películas de agentes secretos en las que se flirtea con el peligro y el amor progresando a base de golpes de suerte o improvisaciones en el último momento. En ese sentido es muy importante tener en cuenta que el director es Richard Linklater. El cineasta texano tiene un cine muy peculiar, en el que la comedia y el drama siempre se entremezclan. Es alguien a quien no se le puede enmarcar pues transita entre géneros de una manera asombrosa, es una de esas personas que encarna el significado de resiliencia. Nos puede llevar a películas sensibles y simpáticas como ‘Bernie’ pasar a dramas vitalistas como ‘La última bandera’, consigue estrenar películas familiares como ‘Escuela de rock’, ejercer experimentos como el de ‘A scanner darkly’ y deslumbrarnos con obras maestras rodadas con toda la paciencia del mundo como ‘Boyhood’. Con ‘Hit Man’ se desmelena, coge una anécdota generada en su tierra y la convierte en algo extrapolable a cualquier persona del mundo.

Y es que en resumidas cuentas ‘Hit Man’, aparte de ser una comedia romántica con momentos picantones y una pizca de suspense en la que los personajes viven una fantasía, se alinea con aquellos que padecen una crisis existencial, de identidad o de los cuarenta. Ahí es donde se hace valer el trabajo del también perteneciente al estado de la estrella solitaria, Glen Powell. El actor ha estado involucrado en el guión y lo más divertido de ‘Hit Man’ es cómo su personaje aprovecha su trabajo para vivir vidas que nunca habría soñado que viviría. Experimenta todo un desfile de looks, apodos y personalidades. Muta de tal manera y tantas veces que la película se convierte en una especie de compendio del psicópata. Nos reencontramos con el Patrick Bateman de Christian Bale o el Chigurh de Bardem. Si la persona real en que se basa el largometraje era tan camaleónica y atrevida como el personaje que ha creado Powell, sin duda Hollywood se ha perdido a un grandísimo actor. Por otro lado e intentando que tampoco quiera yo transmitir que estamos ante una película de Oscar, hay momentos en los que falta mordiente o nos llegue a parecer rancio el papel de Adria Arjona, metida en la piel de la dama en apuros que se enamora siempre de quien no le conviene.

El trabajo de Gary Johnson tenía la utilidad de destapar casos de asesinato antes de que estos se produjesen, como si fuese un precog de Minority Report. Pero hay que preguntarse, ¿es justo juzgar a alguien por asesinato antes de que este se lleve a cabo? ¿habría menos intentos de matar a alguien a través de un sicario si la gente no supiese de su existencia y servicios? Es decir, su presencia se convertía en una clara coacción o el ser humano lleva de manera irremediable en su interior esa sed de venganza tan letal. ‘Hit Man’ dedica espacio a este tipo de cuestiones de manera puntual, de igual modo que nos invita a plantearnos si la personalidad que exhibimos es la que nos gusta realmente.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de junio de 2024. Título original: Hit Man. Duración: 113 min. País: EE.UU. Dirección: Richard Linklater. Guion: Richard Linklater, Glen Powell. Música: Graham Reynolds. Fotografía: Shane F. Kelly. Reparto principal: Glen Powell, Adria Arjona, Austin Amelio, Retta. Producción: AGC Studios, Aggregate Films, Barnstorm Productions, Cinetic Media, Detour Filmproduction, Monarch Media, Netflix, ShivHans Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: acción, comedia. Web oficial: https://www.agcstudios.com/hit-man

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