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Crítica: ‘Kubi’

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El señor Oda Nobunaga planea controlar Japón, donde los caudillos rivales se enfrentan librando una guerra contra varios clanes. Su vasallo Araki Murashige organiza una rebelión y desaparece rápidamente.

Crítica

Si no te interesa el japón feudal harás akubi (bostezo en japonés)

Takeshi Kitano, para muchos el cerebro de ‘Humor Amarillo’ y para otros autor de un filme premiado en Sitges como ‘Zatoichi’, vuelve con una historia del Japón feudal, ‘Kubi’. Una obra que dirige y en la que interpreta pero que no protagoniza en solitario ya que el elenco es muy coral, extremadamente coral. El reparto es tan grande que nos tiene que ir presentando uno a uno a todos los lords feudales que protagonizan la historia y ese puede ser uno de los grandes obstáculos que encuentren algunos de los espectadores.

‘Kubi’ trata a cerca de unos enfrentamientos entre señores, líderes de clanes que protagonizan reyertas y guerras. Pero también de una relación amorosa entre varios de ellos. En esta pelea por conseguir ser el siguiente Shogûn es fácil perderse. Las dimensiones del filme son vastas, pero la película queda lejos de la genialidad de este reverenciado director. Pero entretiene pues entre tantas intrigas hay derramamiento de sangre y momentos absurdos propios de la cinematografía de Takeshi. Ojalá este hubiese sido un filme que adaptase su show televisivo a modo de historia del siglo XVI, pero como historia para los amantes del cine oriental clásico es una producción magnífica. También para los que busquen conocer el pasado del país nipón, incluida la historia de Yasuke, el primer Samurai de raza negra.

Kubi significa cuello y efectivamente eso es lo que se juegan los protagonistas de este juego de tronos con base real que tanto ha estudiado Takeshi. Si no te gustan las películas sobre señores de la guerra puede que acabes diciendo akubi, que significa bostezo en japonés. Yo la he encontrado entretenida y aquellos a los que les gusten videojuegos como el ‘Ghost of Tsushima’ o el cine de Kurosawa también le encontrarán momentos disfrutables. Se hace desear, pero alcanza niveles épicos.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Kubi. Duración: 131 min. País: Japón. Dirección: Takeshi Kitano. Guion: Takeshi Kitano. Música: Tarô Iwashiro. Fotografía: Takeshi Hamada. Reparto principal: Takeshi Kitano, Ken Watanabe, Hidetoshi Nishijima, Tadanobu Asano, Ryo Kase. Producción: Kadokawa, Toho Company. Distribución: por determinar. Género: histórico, medieval. Web oficial: Kadokawa.

Crítica: ‘Robot Dreams’

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DOG es un perro solitario que vive en Manhattan. Un día decide construirse un robot, un amigo. Su amistad crece, hasta hacerse inseparables, al ritmo del Nueva York de los ochenta.  Una noche de verano, Dog con gran pena, se ve obligado a abandonar a ROBOT en la playa. ¿Volverán a encontrarse?

Crítica

Precioso cuento moderno que nos deja igual de desolados que maravillados

Este año el premio a mejor película española de animación va a estar muy discutido. Parecía que con ‘Dispararon al pianista’ la cosa podía estar más o menos decantada hacia la película de Trueba y Mariscal, pero le ha salido un rival duro de roer, más que el hueso que mordisquean los perros para entretenerse. Precisamente un perro es el protagonista de ‘Robot Dreams’, la fábula moderna que va a reventar la taquilla seguro. Una preciosa película orquestada por Pablo Berger a partir de la novela gráfica de Sara Varon. Una obra merecedora de todos los premios y halagos que le puedan caer.

‘Robot Dreams’ llega para demostrar que este año la animación reclama protagonismo en el panorama cinematográfico actual, porque como dijo Del Toro, la animación no es un género, es una técnica más con todo lo que eso conlleva. Y lo hace dejando claro que no es un formato solo para el público infantil. Este largometraje es un precioso cuento moderno para todos los públicos con el que Pablo Berger nos deja igual de desolados que maravillados. Berger vuelve a mostrar una bellísima tristeza con algo de comedia y como siempre con toque fantástico.

La historia nos habla de amistad, de sueño, de sensibilidad. A través de un mundo con animales antropomórficos que consiguen amigos a través de robots comprados por correspondencia consigue alcanzar unas cotas de humanidad que nos enternecen. La trama narra como dos amigos, un solitario perro y su robot de compañía, se ven separados accidentalmente. Mientras uno busca desesperadamente encontrar al otro, su media naranja añora con toda su alma poder volver a sentir la complicidad de la mayor de las amistades. Además la película es completamente muda, salvo por algunas onomayopellas y tarareos, logrando ser completamente universal, funcionando para cualquier nacionalidad, cultura o edad.

Como pasa casi siempre (cercano está el ejemplo de ‘Nimona’) hay un cambio acentuado en cuanto al estilo de dibujo o la paleta de colores con respecto a la obra original. Pero el diseño de personajes se conserva a grandes rasgos. Los dibujos se presentan con trazos gruesos y colores planos, sin degradados, pero con muchísimos detalles y buen gusto. Pasamos de estampas recargadas al estilo ¿dónde está Wally? a ilustraciones que parecen sacadas de un libro infantil de colorear. La animación nos ofrece un fantástico viaje visual, sobre todo para los amantes de Nueva York, pero el guión, la sensibilidad de la película, es lo que importa y acaba pesando más. Al estilo del capítulo del perro de Fry en Futurama paseamos por la ciudad neoyorquina y descubrimos una relación entre seres de distinta índole la mar de tierna, de hecho, la historia cuenta con una especie de Bender candoroso. Como decía antes, sin establecer ni un solo diálogo (como ya hizo con ‘Blancanieves’) recorremos una narración casi episódica, algo heredado de la novela gráfica, que trata sobre la amistad y la soledad. Un filme que esboza tan bien el anhelo por formar parte de algo, sobre todo sobre el construir algo en compañía, que hace imposible no empatizar con él. Digno de ver con todos esos seres queridos a los que consideras un alma gemela.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de diciembre de 2023. Título original: Robot Dreams. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Pablo Berger. Guion: Sara Varon. Música: Alfonso de Vilallonga. Producción: Arcadia Motion Pictures, Noodles Production, Les Films du Worso, RTVE, Movistar Plus+. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial: https://bteampictures.es/robot-dreams/

Regalamos un Blu-ray de ‘Fast X’

Ponemos el principio del fin en tu estantería

La décima entrega de ‘Fast & Furious’ (crítica aquí), conocida por sus fans como ‘Fast X’, ha abierto las puertas al final de la saga. Y aunque precisamente su conclusión es lo que más a disgustado a sus espectadores por inconclusa y abierta que es, la expectativa no puede ser mayor. Y es que esta nueva película ha reunido a un casting impresionante, millonario y de lo más mainstream. Vin Diesel, Jason Momoa, Michelle Rodriguez, Jason Statham, Charlize Theron, Jordana Brewster, Helen Mirren, Sung Kang, Daniela Melchior, Tyrese Gibson, Ludacris, Brie Larson, Alan Ritchson, Nathalie Emmanuel, Rita Moreno, John Cena, Michael Rooker, Cardi B, Scott Eastwood y unos cuantos cameos sorpresa arman una bomba casi imposible de igualar.

Por supuesto esta entrega está repleta de escenas locas al volante pero el Blu-ray ofrece mucho más que eso, podéis comprobarlo en este análisis. Si queréis descubrirlo en vuestras propias televisiones solo tenéis que seguir los pasos que describimos a continuación en la red social que quieras cruzar los dedos.

Si queréis participar seguid estas normas para usuarios de Facebook:

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¡Mucha suerte a tod@s!

Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos antes del 2 de diciembre de 2023 a las 23:59h. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para esta promoción y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, X o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. ¡Mucha suerte a tod@s!

Ganador: Ahri Sita (a través de Facebook).

Anthony Hopkins y Matthew Goode se convierten en Sigmund Freud y C.S. Lewis

‘La última sesión de Freud’ en cines el 7 de junio

La película ‘La última sesión de Freud’ llegará a cines de España de la mano de SelectaVisión. A lo largo del primer trimestre de 2024 podremos ver esta película dirigida por Matthew Brown (‘El hombre que conocía el infinito’) en la que Anthony Hopkins y Matthew Goode se convierten en Sigmund Freud y C.S. Lewis respectivamente.

‘La última sesión de Freud’ está basada en la obra teatral homónima de Mark St. Germain y nos ofrece un duelo entre dos grandes pensadores y escritores del siglo XX: Sigmund Freud y C.S. Lewis. El escenario de este encuentro es la víspera de la Segunda Guerra Mundial. En esos días Freud invita a C.S. Lewis a su vivienda londinense para mantener un intenso debate sobre el sentido de la vida y la existencia de Dios. Durante esta discusión aflorarán elementos del pasado, el presente y la fantasía, así como la compleja relación de Freud con su hija Anna, interpretada por Liv Lisa Fries (‘Babylon Berlin’), y la relación poco convencional de Lewis con la madre de su mejor amigo. Además en el reparto nos encontramos con Jodi Balfour, Stephen Campbell Moore, Jeremy Northam y Orla Brady.

El proyecto, financiado por Media Finance Capital, LipSync Productions y M.Y.R.A. Entertainment, ha reunido a un talentoso equipo creativo encabezado por el director de fotografía Ben Smithard (‘El Padre’), la diseñadora de vestuario Eimer Ni Mhaoldomhnaigh (‘Almas en pena de Inisherin’) y el editor Paul Tothill (‘Expiación’). La colaboración entre el director Matthew Brown y la diseñadora de producción ganadora del Oscar Luciana Arrighi promete una experiencia cinematográfica visualmente cautivadora.

Crítica: ‘Teresa’

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Teresa espera paciente la llegada del Inquisidor para ser juzgada. De su visita y de sus palabras dependerá su futuro: libertad, cárcel o la hoguera.

Crítica

No nos hace llegar al éxtasis pero nos ofrece un gran duelo interpretativo

‘Teresa’ es la adaptación de la obra de teatro “La lengua en pedazos” de Juan Mayorga, que a su vez está inspirada en El libro de la Vida, de santa Teresa de Jesús.

La película está dirigida por la directora Paula Ortiz, autora en su corta carrera de otras dos adaptaciones teatrales que ha llevado a la gran pantalla. Nos referimos a ‘La novia’ (2015) adaptación de “Bodas de Sangre” de Lorca o ‘Al otro lado del río y entre los árboles’ (2022) de Hemingway.

Basada en la figura de Santa Teresa de Jesus (o Santa Teresa de Ávila), la película nos muestra pasajes de la vida de la santa dándonos a conocer algunas etapas de su infancia, su adolescencia y madurez. Todo a través de un diálogo entre ella y un supuesto inquisidor sin nombre, que pone a prueba su fe y sus convicciones a lo largo del todo el metraje en forma de interrogatorio.

Las tres versiones de Santa Teresa están interpretadas por Ainet Jounou (infancia), Greta Fernandez (adolescencia) y Blanca Portillo como personaje principal ya en su madurez. Asier Etxeandia hace las veces de Inquisidor. Estos dos últimos personajes llevan toda la carga de la película en una sucesión de diálogos e imágenes de gran fuerza que pretenden potenciar y darle sentido a toda la historia.

Técnicamente Paula Ortiz hace un trabajo notable detrás de la cámara. Cada secuencia, cada plano, cada localización… todo me parece encajar sin fisuras dotando a la producción de brillantez a nivel técnico. Por otra parte las interpretaciones de Blanca Portillo y Asier Etxeandia, que monopolizan prácticamente toda la obra, son de gran nivel, mostrando por un lado la lucha interior de Teresa ante las afiladas preguntas del inquisidor, que por otra parte no es la típica figura de la inquisición, y su personaje fluctúa también entre la determinación, la duda y el deseo de comprender y salvar a la santa de sus supuestos pecados o herejías. El duelo interpretativo entre ambos es lo mejor de ‘Teresa’.

Luego está el encajar las piezas y entenderlas a través de un guión que no se extiende en explicar o nombrar algunos personajes que aparecen en escena como por ejemplo la benefactora Guiomar de Ulloa (en la piel de la gran Consuelo Trujillo). El enfrentamiento dialéctico, narrado en un “castellano medieval” y el conjunto de imágenes que nos muestran diferentes visiones de la santa, pueden llegar a crear confusión. Los diálogos pausados y la esencia mística de la película hacen de ‘Teresa’ una película inequívocamente lenta, pesada para muchos y aburrida para otros. No es una película para el gran público. Si no sabes algo de la vida de Teresa, y de lo que va el libreto de Juan Mayorga, es posible que el espectador se pierda y pierda interés.

Personal y subjetivamente, este que escribe, pese al gran trabajo actoral, de dirección y técnico en general, no consiguió llegar a sentir emoción en ningún momento. ‘Teresa’ pese a no ser para todos los públicos, sí nos deja detalles de calidad. Un presente y un futuro prometedor de Paula Ortiz y un duelo interpretativo de nivel entre Blanca Portillo y Asier Etxeandia es con lo que, en definitiva, me quedo.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de noviembre de 2023. Título original: Teresa. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Paula Ortiz. Guion: Paula Ortiz, Javier García Arredondo. Música: Juanma Latorre. Fotografía: Rafael García. Reparto principal: Blanca Portillo, Asier Etxeandia, Greta Fernández, Ainet Jounou, Consuelo Trujillo, Luis Bermejo, Claudia Traisac, Urko Olazabal, Julia de Castro. Producción: La Lengua en Pedazos A.I.E., Bluebirds Films, Inicia Films, un Boyana. Distribución: BTeam Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://bteampictures.es/teresa/

Crítica: ‘Los alienígenas han abducido a mis padres’

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La película comienza cuando Calvin Kipler espera la llegada del cometa Jesper tumbado en el césped junto a su padre… una idílica estampa familiar que, de pronto, se rompe. Diez años después, convertido en un adolescente obsesionado con la astronomía (y al que todo el mundo considera “rarito”), Calvin conoce a Itsy, una chica recién llegada al pueblo a la que convencen para convertir a Calvin en el protagonista de un artículo.

Crítica

Entrañable película para todos los públicos

Calvin es un chico, que, viendo el paso de un cometa, ve como sus padres son abducidos por unos extraterrestres cuando él era muy pequeño. Diez años después, aquel cometa vuelve a pasar y va a intentar contactar con ellos. Con la ayuda de Itsy, una joven que acaba de mudarse a su lado junto a su familia, intentará ver que pasó realmente con sus padres.

Dirigida por Jake Van Wagoner, la película la vimos en el Festival de Sitges de 2023 y fue estrenada en el Festival de Sundance. Sin duda yo llevaba unas expectativas bastante diferentes, pues me esperaba una comedia algo alocada. Y me encontré una cinta familiar. Pero pese a que me esperaba otra cosa, el film tiene muchos valores.

La película es una historia para toda la familia, nos habla de la amistad, el amor hacia la familia y también de las traiciones y del sufrimiento que a veces hay que pasar cuando se va creciendo. Además de lo importante que es no humillar a la gente por ser el “rarito” de la clase, pues puedes hacer daño a buenas personas y no darles la oportunidad de darse a conocer.

‘Los alienígenas han abducido a mis padres’ está protagonizada por Emma Tremblay, Jacob Buster, Will Forte, Elizabeth Mitchell, Matt Biedel, Hailey Smith, Kenneth Cummins, entre muchos otros.

Tiene buena manufactura, hasta que llega el final, la verdad que el diseño de los alienígenas es bastante pobre y dan un poco de risa. Lo achaco a que al final, como digo al principio, es una película para todos los públicos y los han hecho bastante amigables. Pero por lo demás la verdad que está muy bien.

La banda sonora también es bastante actual, llena de canciones motivadoras y bailables. Como digo, para que los más pequeños y jóvenes de la casa se sienten bien viendo la cinta. ‘Los alienígenes han abducido a mis padres’ llega este 14 de noviembre a nuestras casas gracias a Movistar+. 

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de noviembre 2023. Título original: Aliens abducted my parents and now I feel kinda left out. Duración: 83 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jake Van Wagoner. Guion: Austin Everett. Música: Michael Lee Bishop. Fotografía: Jeremy Prusso. Reparto principal: Emma Tremblay, Jacob Buster, Will Forte, Elizabeth Mitchell, Matt Biedel, Hailey Smith, Landry Townsend, Kenneth Cummins, Thomas Cummins. Producción: Good Guys Productions, Kaleidoscope Pictures, Little Wagon Films. Distribución: Will Duck Productions. Género: Comedia. Web oficial: https://www.movistarplus.es/ficha/los-alienigenas-han-abducido-a-mis-padres?tipo=E&id=3072553

Crítica: ‘El viejo roble’

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La película narra el futuro del último pub que queda, ‘El Viejo Roble (The Old Oak)’, en un pueblo del noreste de Inglaterra, donde la gente está abandonando la tierra a medida que se cierran las minas. Las casas son baratas y están disponibles, por lo que es un lugar ideal para los refugiados sirios.

Crítica

El ‘Gran Torino’ británico

Que las migraciones son uno de los grandes temas a tratar en este siglo XXI es indiscutible. Ken Loach y Paul Laverty están siempre en la brecha y de nuevo abrazan un tema de candente actualidad, cerrando así su trilogía de la moderna Gran Bretaña, compuesta por ‘Yo, Daniel Blake’, ‘Sorry We Missed You’ y ‘El viejo roble’. Tras haber tratado temas como el empleo, la precariedad o la marginación social ahora acoge en su filmografía el tema de las grandes crisis migratorias, tocando de soslayo además la depresión que están produciendo todos esos otros temas que he citado en la Gran Bretaña actual, en concreto en la zona noreste de Inglaterra. Ahora que miles de personas huyen de Gaza, Afganistán o Ucrania, ahora que en España vemos como Juan García-Gallardo inicia cánticos al son de “esas lecheras, a la frontera”, no puede ser más oportuna esta película, sin duda nos retrata.

He citado al vicepresidente de Castilla y León, siempre tachado de racista por sus declaraciones, pero precisamente el mayor festival de cine de su comunidad le ha mandado un zasca. ‘El viejo roble’ ha ganado el premio del público y el de mejor actor en la última Seminci. Y no es de extrañar pues Dave Turner se marca una estupenda actuación y la película clama por luchar contra aquellos que desde el desconocimiento y la estrechez de miras enarbolan comportamientos racistas o xenófobos. Desde el minuto cero de ‘El viejo roble’ pone al descubierto sus cartas y demuestra que va a tratar sobre la irrupción de emigrantes en barrios tan tradicionales como los de la recóndita Inglaterra. Los parajes de cielo gris y rojizo ladrillo dan cabida una vez más a una historia sobre la concordia y la convivencia.

Podríamos decir que esta película es el ‘Gran Torino’ británico. La diferencia es que el protagonista si tiene sus brazos abiertos para los nuevos vecinos y que lo que defiende a capa y espada es su pub, no su Ford. Pero si se parece a la película de Eastwood, llevada a códigos british, es porque hay alguien que necesita quitarse el velo, y no me refiero a las mujeres sirias, sino a parte de la población que se niega a ver que aquellos que acaban de convertirse en sus vecinos tienen mucho en común con ellos.

De soslayo se tocan también temas como el intrusismo en el empleo o los nuevos modelos de alquiler de viviendas. Pero sin duda el tema de los refugiados y la inacción de occidente vertebra el guión de Laverty. “Quienes comen juntos, permanecen juntos” reza el eslogan que acaba siendo el mantra de los protagonistas. ‘El viejo roble’ nos recuerda que todos procedemos de migrantes y Loach nos subraya que donde caben dos caben tres. Aquí lo único que es perpetuo o sedentario desde tiempos inmemoriales son los negocios familiares o los árboles, como los robles que han visto pasar por sus tierras a diferentes civilizaciones y no les importa quienes coman las bellotas que dejan caer al suelo.

Probablemente esa sea una de las películas más optimistas del director en los últimos años, a pesar de que no se olvida tampoco de cargar contra el tacherismo. Pese a lo conflictivo de su temática o lo trágico de la situación que plantea, haya en su final un hueco para la esperanza y la emotividad. Con ello se alza de nuevo como uno de los mayores retratistas de la Gran Bretaña actual.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de noviembre de 2023. Título original: The old oak. Duración: 110 min. País: Bélgica, Francia, Reino Unido. Dirección: Ken Loach. Guion: Paul Laverty. Música: George Fenton. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Dave Turner, Debbie Honeywood, Andy Dawson, Ebla Mari. Producción: Studio Canal UK, Sixteen Films, Why Not Productions, BBC Films, Les Films du Fleve. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/the-old-oak/

Crítica: ‘Amanece’

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Alba regresa a su pueblo natal tras una ruptura sentimental. Allí se reencuentra con su hermana Candela. Las dos cerrarán heridas de la infancia, volverán a respirar juntas y acompañarán a su madre enferma en sus últimos días, con el desierto, el mar y la sal como testigos.

Crítica

Una dosis detox de rencores y cargos

‘Amanece’ es una propuesta con triple protagonismo femenino. Aura Garrido, Isabel Ampudia e Iria del Río protagonizan la primera película del director Juan Francisco Viruega. Candela, Alba y Aurora, los tres personajes con nombres de fenómenos luminosos que siempre nos han transmitido sensaciones bellas y melancólicas. Un filme en el que es anecdótico que sean todo mujeres pues la figura femenina aunque está omnipresente no es la principal temática y el foco está puesto en las relaciones y los sentimientos entre familiares y parejas.

Pulsar el reset para borrar los errores y las marcas del pasado. Eso parece querer hacer esta película que muestra cuán sinceros hemos de ser con nosotros mismos y con aquellos a los que queremos. “Hay demasiado exhibicionismo en el dolor” dice un personaje en el primer acto. Quizá sea por eso que el filme dedica casi todo su primer tercio a una ruptura de esas que causan mucho dolor. No obstante esta película no es porno dramático como se dice tanto hoy en día en foros coloquiales. Se divide en tres partes, dedicada cada una de ellas a una de las protagonistas, dos hermanas y una madre que tienen mucho que zanjar, entre ellas y con la vida.

‘Amanece’ puede conectar muy fácilmente con dos tipos de personas, los provincianos y aquellos cuyo frenesí de la rutina no les permite pararse a pensar en su vida. “Allí parece que estoy bien, pero es porque no hay nadie que me conozca bien”, dice Alba (Aura Garrido) en alusión a su vida en Madrid. Este largometraje es una recomendación a reconectar con nuestras raíces, con aquellos que conocen bien nuestra psique y aquellos que nos hacen recordar qué hemos buscado siempre en nuestra vida. Pero el tiempo y la distancia son capaces de cubrir la verdad con capas y capas de olvido y dejadez. En ocasiones limar asperezas entre nuestros consanguíneos puede ser precisamente eso, algo áspero. Esa sensación se ve reforzada en ‘Amanece’ a través de un recurso que a veces es casi subliminal, el paisaje. Las ariscas y solitarias localizaciones de Almería sirven de escenario y de punto de meditación para que veamos cómo, aunque hay cosas que mueren, siempre amanece un nuevo día.

“La obra está acabada cuando se agota la curiosidad”. Ya van tres frases que rescato de ‘Amanece’. No solo es que esta obra nos deje sentencias que nos abran puertas a la reflexión, es que sirve muy bien para cerrar este texto, cuando creo que he plasmado bien su identidad o aquello que creo que busca suscitar en nosotros. La acción transcurre en una tierra a priori intoxicada, por bombas del pasado y por viejos rencores. ‘Amanece’ no solo trata sobre aplacar la curiosidad que suscita cualquier relación interpersonal, también de estar en paz y de terminar nuestros días desintoxicados de todo rencor o cargo.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de noviembre. Título original: Amanece. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Juan Francisco Viruega. Guion: Juan Francisco Viruega. Fotografía: Pepe de la Rosa. Reparto principal: Aura Garrido, Iria del Río, Isabel Ampudia. Producción: Factoría de Creación, Amanece Audiovisual AIE. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama. Web oficial: https://factoriadecreacion.com/amanece/

Crítica: ‘La Ermita’

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Emma quiere aprender a comunicarse con el espíritu de una niña que lleva siglos atrapada en la ermita de su pueblo. Intenta convencer a Carol (Belén Rueda), una incrédula y falsa médium, para que le enseñe a hablar con fantasmas. Su ayuda será el único camino para seguir unida a su madre enferma cuando ella muera. Si Carol no la protege, la vida de Emma correrá peligro.

Crítica

El drama y la fantasía nos adentran en ‘La Ermita’

Después de conseguir grandes premios y alabanzas con ‘Cerdita’, Carlota Pereda regresa con su nueva película, ‘La ermita’. Muy diferente a su ópera prima, pero con alguna que otra semejanza a la hora de tratar las relaciones familiares.

La cinta nos arrastra al norte de España, en un pueblo donde todos los años celebran la apertura de una ermita donde eran encerrados los enfermos de la Peste. Aquí conocemos a Emma, una niña increíble que lo único que quiere es convertirse en médium y poder así hablar con su madre.

‘La Ermita’ es un drama sobrenatural, que trata sobre la familia y las relaciones entre madres e hijas, en este caso. Y de cómo el tiempo al final hace que estas relaciones se enfríen cada vez más. Esto es en lo que se me ha asemejado a ‘Cerdita’, pues recordemos que la relación con la madre, no era idílica.

La película me ha gustado bastante, entendiendo que no iba a pasar miedo, sino que iba a ver otra cosa y lo que he visto estaba bien rodado, bien contado y me ha parecido bastante interesante.

Nombrar a Maia Zaitegi, la joven actriz que da vida a Emma, que me ha parecido lo mejor de la película. Adoro a Belén Rueda, pero es que Maia se la come en pantalla. Eso sí, el dúo que crean entre las dos está genial. Es divertido y a la vez muy peculiar por la manera de ser de los dos personajes. El personaje de Belén Rueda es bastante macarra y la verdad que sorprende verla en ese papel y termina siendo bastante convincente.

El guion está escrito a 3 manos, Albert Bertran Bas, Carmelo Viera y la propia directora, Carlota Pereda. Carlota se ha rodeado de un gran elenco de actores en el que destacamos caras tan conocidas como la de Loreto Mauleón, lo bien que se le da a esta muchacha hacernos llorar. Elena Irureta, Xabier Matxain, Jon Olivares, Anastasia Russo o Josean Bengoetxea. También tenemos un pequeño cameo de Laura Galán, bastante divertido, por cierto.

Uno de los puntos buenos de la película, aparte de todas las localizaciones, la película ha sido rodada en Leizta y Artikutza y la ermita es la de Itxasperri. También sus efectos especiales están fenomenal y el buen trabajo de ambientación y decoración de todo el pueblo en el que nos encontramos.

La ermita llegará este 17 de noviembre a los cines en España de la mano de Filmax, tras su paso por el Festival de Sitges. Os la recomendamos mucho, no a todo el mundo gustó, y la verdad que son más las críticas negativas a las positivas sobre esta película, pero yo he de decir, que me ha gustado y aunque es muy triste es una historia muy bonita.

  Ficha de la película

Estreno en España: 17 de noviembre de 2023. Título original: La ermita. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Carlota Pereda. Guion: Albert Bertran Bas, Carmelo Viera y Carlota Pereda. Música: Pascal Gaigne. Fotografía: Rita Noriega AEC. Reparto principal: Maite Zaitegi, Belén Rueda, Josean Bengoetxea, Loreto Mauleón, Jon Olivares, Elena Irureta, Nagore Aranburu, Anastasia Russo. Producción: Filmax, Bixagu Entertainment. Distribución: Filmax. Género: Drama sobrenatural. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/la-ermita.270

Crítica: ‘El padre bueno’

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Damián, un zahorí y padre de familia asfixiado por las deudas, recibe un encargo para encontrar agua que se convierte en su última oportunidad para mantener a flote a su familia. El padre bueno es un baile de fantasmas y presencias, de vida y muerte.

Crítica

Un poema narrativo y visual, eficaz con sus recursos

Jorge Cañada Escorihuela es un zaragozano residente en Londres, un artista experimentado en los Vfx (efectos visuales). Tras haber formado parte de proyectos como ‘The OA’, ‘Electric Dreams’, ‘The Crown’ o ‘Paddington’ ha podido trabajar en una escena de ‘Beau tiene miedo’ y con eso puede decir que se ha coronado. El mismísimo Ari Aster, director del último título que he citado o de películas como ‘Hereditary’ o ‘Midsommar’, le produce este cortometraje. Una buena carta de presentación, un aval que no viene nada mal, como comprobaréis cuando veáis ‘Dream Scenario’, pues ya empieza a ser sinónimo de calidad e innovación narrativa.

Que cuente con la participación de Ari Aster para muchos solo significará que ha creído en su proyecto y que, en parte, gracias a ello ha podido llevarlo a cabo. Pero algo debe haber visto el director norteamericano para invertir en esta película que también nos llega con el crédito del Festival de Málaga donde recibió un premio a Mejor Director y aspira a colarse entre los ganadores de los próximos Premios Goya. Nos sumergimos en una historia que, si tiene reminiscencias de Aster, sobre todo en lo misterioso, extraño y fantasmal, e incluso en lo rural. También podría ser una película de él en cuanto al tratamiento del drama, el duelo y el trauma.

David Lorente es este padre al que el título pone tan bien. Por tierras de Teruel busca agua, pero no la encuentra, ha perdido su toque zahorí. Está lleno de frustración y el dolor le ciega, es por eso que le cuesta hacer las paces consigo mismo. ‘El padre bueno’ desarrolla una metáfora en la que buscar agua es in intento desesperado por reencontrarse con la vida, porque perder un hijo es morir en vida.

‘El padre bueno’ se mueve por Interiores simétricos y muy estáticos, donde también reconoceréis el estilo de Aster. Pero esta es una película de Jorge Cañada y sobre todo se nota en la inclusión de efectos visuales trabajados en postproducción. Efectos que percibimos que están ahí poque hay una mezcla de elementos y paisajes que son imposibles, pero que se combinan de manera casi imperceptible y onírica. De esta manera la naturaleza sirve de figura retórica pero también de vehículo entre distintos planos de existencia. El filme nos mueve por los recuerdos, el pasado y el más allá de tal manera que es ineludible pensar en ella de una manera poética.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: El padre bueno. Duración: 15 min. País: España. Dirección: Jorge Cañada Escorihuela. Guion: Jorge Cañada Escorihuela. Música: Olivier Arson. Fotografía: Diego Cabezas. Reparto principal: David Lorente, Almudena Ardit, Leo Céspedes, Ara Edo, Rubén Martínez. Producción: Tourmalet Films, Ari Aster. Distribución: Agencia Freak. Género: fantástico, drama. Web oficial: https://www.agenciafreak.com/archivo/el-padre-bueno/

Crítica: ‘Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes’

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Ambientada en un Panem postapocalíptico, la precuela de Los Juegos Del Hambre nos hace retroceder varias décadas antes del comienzo de las aventuras de Katniss Everdeen.

Es la mañana de la cosecha que dará comienzo a los décimos Juegos del Hambre. En el Capitolio, Coriolanus Snow, de dieciocho años, se prepara para una oportunidad única: alcanzar la gloria como mentor de los Juegos. La casa de los Snow, antes tan influyente, atraviesa tiempos difíciles, y su destino depende de que Coriolanus consiga superar a sus compañeros en ingenio, estrategia y encanto como mentor del tributo que le sea adjudicado.

Todo está en su contra. Lo han humillado al asignarle a la tributo del empobrecido Distrito 12. Ahora, sus destinos están irremediablemente unidos…

Crítica

Hecha para que los fans gocen de los guiños y la concepción de los Juegos del Hambre

La obra de Suzanne Collins sigue cobrando vida. Llega el momento de retomar los Juegos del Hambre y ver en acción real todo lo sucedido en el libro ‘Balada de pájaros cantores y serpientes’. Para los profanos en esta nueva entrega estamos hablando de una precuela lanzada hace pocos años y que como bien sabrán los lectores de la saga, no empalma directamente con la trilogía original. Tampoco trata acerca de Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) pero si sobre uno de los personajes principales de la trilogía que fue materializada también por el director Francis Lawrence.

Hay que reconocer que, te gusten o no ‘Los Juegos del Hambre’, la saga ha calado en el imaginario colectivo pues es habitual que cuando se produce una situación en la que muchos se disputan una sola cosa se dice aquello de “que comiencen Los Juegos del Hambre’. Pero a uno, que ya peina canas, no se le puede escapar el detalle de que esta sigue siendo una versión sentimentaloide de ‘Battle Royale’ que además conserva los mismos esquemas. Y más en esta entrega que al igual que en la versión japonesa vemos como los participantes aparecen en una sala de monitores de la que van siendo tachados cuando mueren, imposible no acordarse del personaje de Takeshi Kitano observando a sus alumnos. Además, si todo el logro cultural de la saga ha sido ese me parece bastante ínfimo.

Dicho esto ‘Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes’ llega con la misión de ampliar el universo de Panem, en concreto de expandir la historia que llevó a las gentes de este mundo a recrearse con este macabro entretenimiento. Ahí tiene mucho que ver el que fue el villano de la anterior entrega. En su momento fue interpretado por Donald Sutherland. El presidente Coriolanus Snow es el protagonista y desde el seno de El Capitolio, el cual, nos cuenta cómo es la décima edición de Los Juegos del Hambre y cómo los cambió hasta llegar a ser lo que ya conocíamos, un espectáculo de castigo, muerte y lucha social. Esta vez está interpretado muy justitamente por Tom Blyth y con ello la saga mantiene su carácter juvenil.

Los fans de la franquicia gozarán de todos los guiños, aunque estos están metidos con calzador y de manera precipitada sobre todo en su extensísimo epílogo. También de la manera en cómo se plasman los primeros pasos de los Juegos del Hambre y de cómo ganan ese carácter de reality show televisivo. En las novelas y en las adaptaciones que arrancaron en 2012 tenemos como protagonista a un miembro pobre de los distritos. Aquí el eje que vertebra la historia es alguien que nace en El Capitolio pero que se relaciona con una persona de la clase marginal. Así tenemos de nuevo una historia de amor y de rebeldía que se antoja excesivamente larga para lo que te cuenta realmente.

Volvemos con los personajes vestidos de moda estrafalaria, con la violencia ligerísimamente explícita y con un mundo con ecos de la estética de la Alemania nazi con la de la Rusia soviética. Nos sumergimos en una academia en la que compiten alumnos al estilo de Harry Potter y tenemos un premio en disputa como si fuese el Cáliz de Fuego. Si hay una saga heredera de la obra de J. K. Rowling puede ser esta y su precuela probablemente cause las mismas sensaciones que ‘Animales fantásticos’, sobre todo a la hora de criticar el casting o la fidelidad del guión.

La duración es un lastre para este filme, no por estar mucho tiempo en una butaca pues eso hace que se rentabilice el alto precio de la entrada. Es por el relleno. Hay multitud de escenas que no nos cuentan nada o que están mal insertadas. En su mayoría las canciones, que no son pocas, aparecen sin causar el efecto pretendido. En busca del “¡oh capitán! ¡mi capitán!” nos provocan una sonrisilla de ridiculez ya que son inoportunas y no crean climax ni apoteosis. Viendo ‘Los juegos del hambre: balada de pájaros cantores y serpientes’ uno se explica por qué Rachel Zegler va a ser la Blancanieves en el live action de Disney, canta muy bien pero no hay criterio ninguno a la hora de interpretar.

Lo mejor de esta película, para mí que tampoco soy fan de la saga, es Viola Davis que parecía que se iba a marcar un Oprah Winfrey en ‘Un pliegue en el tiempo’ pero sabe interpretar a un personaje demente sin que quede ridículo. Ella y Jason Schwartzman como Lucky Flickerman, que sin ser ni siquiera ser un secundario se marca una actuación carismática.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de noviembre de 2023. Título original: The Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes. Duración: 157 min. País: EE.UU. Dirección: Francis Lawrence. Guion: Michael Arndt, Michael Lesslie. Música: James Newton Howard. Fotografía: Jo Willems. Reparto principal: Tom Blyth, Rachel Zegler, Viola Davis, Dexter Sol Ansell, Rosa Gotzer, Clemens Schick, Fionnula Flanagan, Hunter Schafer, Ashley Liao, Peter Dinklage. Producción: Color Force, Good Universe, Lions Gate Films. Distribución: Vértice Cine. Género: ciencia ficción. Web oficial: Vértice Cine.

Crítica: ‘Concrete Utopia’

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Un enorme terremoto ha reducido el mundo a escombros. Si bien nadie sabe con certeza hasta dónde se extienden las ruinas, o cuál ha sido la causa del terremoto, en el corazón de Seúl tan solo queda un edificio de apartamentos en pie, el Hwang Gung Apartments.

Con el paso del tiempo y la llegada del frío, los forasteros comienzan a llegar a los apartamentos Hwang Gung para resguardarse del frío extremo. Ante la avalancha de nuevos inquilinos y la amenaza de su propia supervivencia los residentes del edificio promulgan una medida especial.

Crítica

Nos obliga de nuevo a revisionar el egoísmo y la solidaridad humana

Nueva película que nos plantea un escenario post-apocalíptico. En ‘Concrete Utopía’, un filme rodado por Um Tae-hwa, Corea del Sur sufre un devastador terremoto sin precedentes, haciendo que la propia tierra se ondule cual olas de mar en medio de una tempestad, destruyéndolo todo. En la región en la que vive el protagonista, la ciudad de Seúl, solo queda en pie un edificio. Con ese único lugar como resguardo ante la ruina y el frío los ciudadanos intentarán sobrevivir sin saber si habrá rescate o recursos suficientes.

La escena inicial y todas aquellas que reflejan el desastre que he mencionado son espectaculares. Pero la acción no transcurre por el país asiático. En lugar de ello se ubica únicamente en un bloque residencial que a aguantado en pie. No nos importa porqué ese seísmo ha sido tan salvaje sino el hecho de que allí tiene lugar la construcción de lo que parece que será la nueva sociedad. Si que es cierto que de vez en cuando ‘Concrete Utopia’ nos hace transitar por el desolado paisaje que está generado muy bien por ordenador y algún que otro decorado salpicado de seres humanos que hurgan en los escombros. Pero el foco del filme es mostrar cómo divididos entre propietarios ya residentes y refugiados de la catástrofe natural, los protagonistas representan a pequeña escala el drama de las diferentes crisis migratorias que asolan actualmente el planeta.

Evidentemente esa es una lectura que extraemos pero este no es un filme político o que busque ningún tipo de reivindicación. Es un drama como otros muchos en el que se ejemplifica una lucha por la supervivencia. Una vez más la especie humana es puesta a prueba y se imagina como sería nuestra solidaridad, avaricia o sacrificio. Spoiler, no tenemos muy buena percepción de nosotros mismos pues no hay lugar para culpa o remordimiento. Aunque he de decir que si en algo destaca este filme es en querer esbozar que hay una pequeña confianza hacia nuestra capacidad de trabajo en comunidad. Eso sí, aunque deja un rayo de esperanza, cae en lo que caen casi todas las historias postapocalípticas, casi todo el mundo usa las segundas oportunidades para ser peor aún de lo que era cuando todo iba bien.

Este tipo de propuestas se hace cada vez más frecuentes. Por todo el mundo crece la brecha entre ricos y pobres, también el miedo hacia un colapso. Es por eso que surgen películas como ‘El triángulo de la tristeza’ o ‘Vesper’. ‘Concrete Utopia’ sigue la estela de títulos como ‘Snowpiercer’, ‘28 semanas después’, ‘DMZ’ o ‘Estación once’. Es de esas películas que nos entrenan para un escenario del cual cada vez parece que estamos más convencidos que tendrá lugar antes o después. El director Tae-hwa Eom se lo imagina con personajes dubitativos, manipulables y temerosos. Mueve bien la cámara en escenas con muchos extras y caótica acción, también a la hora de realizar pequeñas introspecciones en sus personajes.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de febrero de 2023. Título original: Konkeuriteu yutopia. Duración: 130 min. País: Corea. Dirección: Um Tae-hwa. Guion: Um Tae-hwa, Kim Dong-gyun. Música: Kim Hae-Won. Fotografía: Cho Hyung-rae. Reparto principal: Lee Byung-hun, Park Seo-joon, Park Bo-young, Kim Sun-young, Park Ji-hu. Producción: Climax Studio, BH Entertainment Co. Ltd. Distribución: Vértice Cine. Género: fanntástico. Web oficial: Vértice Cine.

‘Heorico’ llega a cine este mes

Una película de David Zonana

Hoy os hablamos de ‘Heorico’, de David Zonana (Premio Ariel a la Mejor Ópera Prima por ‘Mano de Obra’), pues llegará a los cines de España el próximo 24 de noviembre. Se alza como un valiente y poderoso drama militar que explora y denuncia la violencia, el machismo y la corrupción en México y las instituciones que lo sostienen.

‘Heroico’ participó en la sección Horizontes Latinos del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, tras presentarse en la Competición World Cinema Dramatic del Festival de Sundance 2023 y en la sección Panorama de la última edición de la Berlinale. En el Festival de Cine Internacional de Guadalajara (México) se alzó con varios premios, entre ellos, Premio FIPRESCI a la Mejor Película, Premio Mezcal a la Mejor Película Mexicana y el de Mejor Actor.

Producida por Michel Franco (‘Memory’, ‘Nuevo Orden’, ‘Sundown’), ‘Heorico’ está protagonizada por Santiago Sandoval Carbajal (uno de los muchos actores no profesionales del reparto), Mónica del Carmen (Premio Ariel a la Mejor Actriz por ‘Año bisiesto’ y nominada por ‘Nuevo Orden’) y Fernando Cuautle (nominado al Premio Ariel al Mejor Actor por ‘Nuevo Orden’).

Crítica: ‘Deep Sea’

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Una niña se adentra en el mundo de ensueño de las profundidades marinas. En lo más profundo del mar se esconden todos los secretos.

Crítica

Una saturación artística al nivel de los autores del postimpresionismo

Xiaopeng Tian debutó en la sección Aima’t del Festival de Sitges con esta sorprendente película. Antes ya habíamos sabido de él pues con ‘Monkey King: hero is back’ nos brindó una aventura con mucho sabor a tradición china. Ahora nos adentra en un mundo repleto de color y una imaginación exuberante.

Una niña es la protagonista de esta cinta. Una pequeña que echa de menos a su madre se cae por la borda cuando iba con su padre en un crucero recreativo. Un tifón es el responsable de ese accidente, pero también el punto de partida de una aventura que cual manga de agua revolucionará su vida a base de un torbellino de aventuras y vivencias. Como si esta fuese una revisión de la figura de Dorothy en el mundo de OZ descubre un universo de fantasía que le ayudará en su viaje personal, dotando al filme de un mensaje profundo. Incluso hace nuevos amigos que la incluyen en su búsqueda, pero son diferentes al espantapájaros, el león y el hombre de hojalata. No obstante, aunque la película me ha maravillado, cabe reconocer que tiene una estructura y un guión que hemos visto en multitud de ocasiones. También, por advertir a posibles detractores, puede llegar a marear como la saga de Spider-Man de Miles Morales.

Pero el auténtico protagonista, los protagonistas, son los animadores de este filme. Han hecho de este largometraje toda una experiencia. Es apabullante la calidad técnica de esta película. Es un desborde de formas, movimiento y pigmentos que nos dejan con síndrome de Florencia. Lo de ‘Deep Sea’ es una saturación artística al nivel de autores del postimpresionismo como Van Gogh, Seurat o Gauguin. Y es que realmente la película es surrealista y transcurre como si mostrase el subconsciente del artista, como una extensión de sus sentimientos. El diseño de entornos y personajes consigue ser muy realista, pero a la vez onírico, algo nada fácil de equilibrar. El nivel de detalle, con pelos, partículas flotando, luces, masas de agua… es de primer nivel, bravo por el estudio October Media. Dado su resultado estilístico habrá quien pensará que esta película está hecha con una IA, nada más lejos de la realidad, pero buena muestra de la fina línea que empieza a dividir el arte digital que vemos hoy en día.

Son casi dos horas de película que como decía sobrecargan nuestros sentidos. Si juntamos la calidad artística, la protagonista infantil, el cuento que narra… es lo más potente que he visto en lo que se refiere a todo aquello que haya podido seguir la senda de Ghibli, porque para mí esta películas son más Ghibli que todo lo que ha sacado últimamente el estudio de Miyazaki. No sería de extrañar el acabar viendo en España objetos promocionales de esta película tal como pijamas, figuras, cómics o libros de arte.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de mayo de 2024. Título original: Shen Hai. Duración: 105 min. País: China. Dirección: Tian Xiao Peng. Guion: Tian Xiao Peng. Música: Peng Dou. Producción: October Media. Distribución: Paycom Cinema. Género: fantasía, aventuras. Web oficial: October Media.

Crítica: ‘La ira de Becky’

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Tres años después de haber escapado del violento ataque contra su familia que dejó a su padre sin vida, la joven Becky trata de volver a la normalidad junto a la anciana Elena y su perro Diego. Pero cuando un grupo fascista irrumpe en su casa acabando con todo, las ansias de venganza de Becky afloran.

Crítica

Divertida y llena de grandes muertes salvajes.

¿Os acordáis de ‘Becky’ (crítica aquí)? Pues esta semana regresa con ‘La Ira de Becky’. Parece que a los malos no les entra en la cabeza que no hay que amenazar a ninguna persona secuestrando a su perro. Pues parecido a John Wick a nuestra Becky deciden quitarle al perrete y además matan a su única amiga, una mujer con la que vive en paz. Así comienza una de las cacerías más salvajes que veremos este año.

Con dos directores totalmente diferentes, Matt Angel y Suzanne Coote, que también se han encargado del guion, logran que la película siga el ritmo trepidante de la primera. Lulu Wilson vuelve años después a dar vida a esta muchacha con ciertos problemas de ira.

En la primera película, Becky sufre, intentan sobrevivir después de ver como su padre y ella son atacados salvajemente. En esta nueva parte, Becky disfruta. Sufre al ver que Diego (su perro) ha desaparecido, pero disfruta al ver que todo esto le da pie a poder soltar toda su ira y sus ganas de matar libremente sin tener que arrepentirse de nada.

En ningún momento se cortan a la hora de mostrarnos las muertes. Todas ellas imaginativas y llenas de grandes litros de sangre. Además, una de las cosas que vemos es que Becky se ha preparado físicamente para estar en forma.

Esta vez el malo malísimo es el personaje interpretado por Seann William Scott, un villano bastante razonable, pero que aun así, termina desquiciado con la cabezonería de esta joven que le va hacer la vida imposible hasta recuperar a su perro.

En el reparto encontramos también a Denise Burse, Jill Larson, Michael Sirow, Aaron Dalla Villa, hasta el propio director de la cinta, Matt Angel, hace un pequeño papel en la cinta.

‘La ira de Becky’ es una película muy divertida, llena de acción y como he dicho con mucha sangre en su haber. Sin duda una de las películas que más esperábamos en el Festival de Sitges y que no defraudó. Además, tiene un final bastante bueno y que esperemos que les de por hacer una tercera entrega viendo la siguiente etapa de la vida de Becky, pues se plantea interesante.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de noviembre de 2023. Título original: The wrath of Becky. Duración: 83 min. País: Estados Unidos. Dirección: Matt Angel, Suzanne Coote. Guion: Matt Angel. Música: Nima Fakhrara. Fotografía: Julia Swain. Reparto principal: Lulu Wilson, Seann William Scott, Denise Burse, Jill Larson, Michael Sirow, Aaron Dalla Villa, Matt Angel, Courtney Gains, Pac Williams, Alison Cimmet, Derek Gaines, Kate Siegel. Producción: BoulderLight Pictures, Fluffy Bear Studios, Media Finance Capital, RainMaker Films, Yale Productions, Post Film, Quiver Distribution. Distribución: Movistar. Género: Acción. Web oficial: https://ver.movistarplus.es/ficha?id=3127538&referrer=api

Crítica: ‘Five Nights at Freddy’s’

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¿Puedes sobrevivir cinco noches?

El aterrador y exitoso juego de miedo se convierte en un evento cinematográfico cuando Blumhouse, la productora de ‘M3GAN’, ‘Black Phone’ y ‘El hombre invisible’, lleva ‘Five nights at Freddy’s’ a la gran pantalla.

La película gira en torno a un atormentado guardia de seguridad que empieza a trabajar en Freddy Fazbear’s Pizza. En su primera noche de trabajo, se da cuenta de que no será nada fácil superar el turno de noche en la pizzería.

Crítica

Muchas subtramas para tan poco terror

‘Five Nights at Freddy’s’, el último bombazo de taquilla en los Estados Unidos, llega a España. Si el boca oreja no le hace mella, reunirá a aquellos que en su día jugaron al videojuego de Scott Cawthon. Sin duda su éxito se basa en la búsqueda por el reencuentro con las sensaciones conseguidas al jugar a un juego, en seguir el efecto llamada de todos aquellos streamers que en su día le dieron bombo a este videojuego que ya de por sí me parece bastante insulso. Probablemente en España su éxito, si lo tiene, llegue de manera más diluida.

Partimos de un juego muy apto para ninis, es decir, consta en estar sentado mirando una pantalla sin hacer nada. Te metes en el papel de un vigilante de una pizzería, que menudo presupuesto ha de tener para permitirse un guarda y todo un elenco de personajes animatrónicos. La cuestión es que en ‘Five Nights at Freddy’s’ tienes que pasar la noche en la garita mirando en tu pantalla las cámaras de seguridad mientras juegas una especie de escondite inglés con los personajes antropomórficos. Mucho presupuesto para tener un guardia de seguridad y unos robots que se tornan malignos, a lo Rascapiquilandia, pero luego la batería de las cámaras no te dura una noche. El juego no me atraía lo más mínimo, y eso que plantea un reto difícil dado que requiere concentración y velocidad con el ratón. La película tenía el objetivo de expandir su historia y respetar los elementos originales, que no daban para un filme. No consigue ni lo uno ni lo otro. Mira que ‘Tetris’ es un juego mucho más simplón y Jon S. Baird sacó oro. Aquí han querido sacarle chicha a algo que de por sí ya tiene poca sustancia y les ha salido una mezcolanza de elementos que se cuela entre las peores adaptaciones de un juego, por debajo de ‘Street Fighter’ o ‘Pixels’.

Se supone que hemos de esperar sustos a raíz de estos robots asesinos que beben muy mucho de historias como la de Chucky pero se diluye todo entre tanta trama extra que le dan al personaje de Josh Hutcherson. Niños desaparecidos a lo ‘Channel Cero’, una policía (Elizabeth Lail) que trabaja menos que Jefe Wiggum, una trama de trauma infantil y recuerdos bloqueados, una familia que anda como buitres tras el cobro de una pensión, unos encuentros somnolientos a lo Freddy Krueger, un villano que parece más que sacado de Scooby-Doo (entenderéis esto si miráis su reparto)… Todo para acabar resumiéndose en que el mundo es un pañuelo y los protagonistas se encuentran de casualidad. A mí se me ha quedado la misma cara de desconcierto o trastorno que la que pone todo el rato el abogado que aparece en el filme, que no tengo ni idea qué sentido tiene que se comporte como se comporta, ridículo.

La manera en cómo los protagonistas interactúan con los robots mascota acaba pareciéndose a Barrio Sésamo. Y para más inri se mueven bastante mal. Cuando están más estáticos son los aprendices de Jim Henson quienes mueven los hilos. Pero cuando el movimiento es más “animado” son personas las que interpretan a Chica, Bonnie y Freddy, notándose en exceso que hay una persona dentro. Se libra solo Foxy que al aparecer con el esqueleto metálico a la vista es realmente una marioneta.

Me ha dado por ver la película fanmade que hicieron unos adolescentes en 2017. Evidentemente es un filme amateur, casi de colegio pero que al menos recrea mejor la garita del vigilante. Aunque es una película hecha por cuatro amigos al menos tiene una trama más potable. Porque el argumento de ‘Five Nights at Freddy’s’, el videojuego, brilla por su ausencia y necesita algo de trasfondo, pero no tanto.

Desde luego es un taquillazo que a día de hoy casi ha cuadruplicado su presupuesto. Tenían intención de hacer trilogía y probablemente la hagan. Pero deberán devanarse más los sesos pues el efecto llamada perderá impulso cuando los espectadores vean que tira en exceso de algunos trucos típicos para sonsacar jump scares a partir de trillados juegos de luz. Y sobre todo cuando comprueben que la trama de secuestros infantiles y de trauma por desbloquear absorbe toda la atención. Por muy grandes que sean estos robots quedan relegados a un segundo plano. Se supone que este ha sido el mejor estreno de Blumhouse en su historia, por mí, aunque la película no me ha gustado, estupendo. Que hagan caja para hacer un buen ‘Spawn’.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de noviembre de 2023. Título original: Five Nights at Freddy’s. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Emma Tammi. Guion: Scott Cawthon, Seth Cuddeback, Emma Tammi. Música: Tyler Bates. Fotografía: Lyn Moncrief. Reparto principal: Josh Hutcherson, Matthew Lillard, Mary Stuart Masterson, Piper Rubio, Elizabeth Lair, Kat Conner Sterling. Producción: Universal Pictures, Blumhouse Productions, ScottGames. Distribución: Universal Pictures. Género: terror, ciencia ficción, adaptación. Web oficial: https://www.instagram.com/fnafmovie/

Palmarés del Another Way Film Festival 2023

Kristos, The Last Child de Giulia Amati premiada por el jurado

Another Way Film Festival, el festival de referencia sobre progreso sostenible, clausuraba ayer su novena edición con más de 10.500 espectadores, presenciales y virtuales, y participantes en sus actividades. Este año el festival se ha celebrado del 18 al 25 de octubre en las siguientes sedes: Cineteca Madrid, Cines Golem Madrid, cine Doré (Filmoteca Española), Institut français de Madrid, la plataforma online del festival y Filmin. 

Bajo el lema “El giro de guion por escribir” se presentó una programación de 43 títulos repartidos entre documentales, películas de ficción, cortometrajes y una miniserie con temáticas en torno al cambio climático, la crisis energética, el consumo en relación con el medioambiente, la justicia social y el activismo. Además, también se celebraron cinco actividades destinadas tanto a un público profesional como a toda la familia, creadas para reconectar con nosotros/as mismos/as y con la naturaleza.

“Actualmente podemos palpar una gran necesidad de comprensión, de empoderamiento y organización social y hemos querido responder a esta necesidad con la programación y actividades paralelas”, afirmaba Marta García Larriu, directora del festival. “En esta edición que finaliza, hemos mostrado una fantástica selección de películas que han ido más allá de lo convencional, desafiando los límites de la creatividad y la sostenibilidad”.

Palmarés Another Way 2023

De estos títulos, 15 documentales (Sección Oficial e Impacto) entraron a competición y pudieron verse en Cineteca Madrid, Cines Golem Madrid, la plataforma online del festival y Filmin. 

La película Kristos, The Last Child de Giulia Amati, que competía en Sección Oficial y tuvo su estreno nacional dentro del marco del festival, se ha alzado con el Premio del Jurado de 1.500€. El documental expone la encrucijada del único estudiante de una pequeña escuela primaria sobre si seguir con su educación o convertirse en pastor. Por su parte, Paradise de Alexander Abaturov ha obtenido la Mención Especial del Jurado. La película explora las rápidas consecuencias del cambio climático en las regiones polares a través de los incendios.

El Premio Odisea para su exhibición en la cadena fue otorgado a Deep Rising de Matthieu Rytz y narrado por Jason Momoa. Esta historia de intriga geopolítica, científica y corporativa ilumina la relación vital entre las profundidades del océano y el sustento de la vida en la Tierra. La Mención especial EELISA (European Engineering Learning Innovation and Science Alliance), un apoyo valorado en 2.000€ para presentar la película ganadora en algunas universidades que conforman la alianza, recayó en Plastic Fantastic de Isa Willinger. El documental retrata la crisis del plástico a través de las voces de la industria, científicos y activistas.

El Jurado de esta novena edición ha estado compuesto por Edurne Rubio, Directora de comunicación, Fundraising y Transformación digital en Greenpeace; Itziar Miranda, actriz (Amar es para siempre), escritora y activista por los derechos de la mujer y la sostenibilidad; Lola Huete Machado, periodista que durante tres décadas ha trabajado en El País, fundó y dirigió la sección de referencia informativa sobre pobreza y desarrollo sostenible Planeta Futuro y el blog África no es un país. 

En total diez títulos competían por el Premio del Jurado en Sección Oficial: Kristos, The Last Child (película ganadora), Paradise (mención especial), Deep Rising, Alpenland, Plastic Fantastic, À demain mon amour, Between The Rains, This Stolen Country of Mine, Surrender Your Horns, A Mãe de Todas as Lutas.

El Premio del Público en Sección Oficial ha recaído en Surrender Your Horns de Bryony Dunne, un documental experimental que mezcla mundos reales y de fantasía sobre la relación del ser humano con los animales. Por su lado, en Sección Impacto la película ganadora del Premio del Público ha sido para Delikado de Karl Malakunas, el relato de tres carismáticos líderes activistas que arriesgan sus vidas por preservar la última frontera ecológica en Filipinas. En ambos casos el premio ha consistido en accesorios hechos con material reciclado cortesía de la marca Sin Desperdicio; 

Durante la clausura también se revelaron los trabajos ganadores de la séptima edición del concurso de cortometrajes “Rueda por el cambio”, patrocinado por SIGNUS; y el guión seleccionado de la convocatoria “Guiones por el cambio”, patrocinada por El Gatoverde Producciones para impulsar el desarrollo de proyectos audiovisuales centrados en la sostenibilidad. 

Los trabajos ganadores de “Rueda por el cambio” han sido en la categoría nacional El establo de Elisa Puerto Aubel, Premio del Jurado (600€); y en la categoría internacional Manimondo de Michele Tozzi, Premio del Público (400€) destinado al trabajo con más visionados en el canal de YouTube del festival. 

Además, el guión ganador de “Guiones por el cambio” ha sido el documental Melodía para el fin del mundo de Eva Montoya, dotado de 2.000€ para el desarrollo de su guion.

Patrocinadores y colaboradores 

La novena edición de Another Way Film Festival ha contado con el apoyo institucional del Ministerio de Cultura (ICAA), de la Comunidad de Madrid y del Ayuntamiento de Madrid. Cuenta con el patrocinio de Signus Ecovalor, el canal de documentales Odisea, El Gatoverde Producciones e Institut français de Madrid.

Son colaboradores: EELISA (European Engineering Learning Innovation and Science Alliance), Foro Cultural de Austria, Embajada de Irlanda, Sin desperdicio, Ayuntamiento de Madrid, Cómo conecta, Ana Santa, DOCMA, Arte TV, Cineteca, Filmin, Greenpeace, WWF, Impact Hub, Festival Cine por Mujeres, MICE (Muestra Internacional de Cine Educativo), Festival Internacional de Cine Filmadrid y FICMEC.

Son medios colaboradores: EFE Verde, Ethic, Yorokobu, La Marea, Climática, programa de radio Ecogestiona, Corresponsables, Ciudad sostenible, El Guadarramista, No es cine todo lo que reluce, Moobys y El Asombrario.

Crítica: ‘La contadora de películas’

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Años 60. María Margarita es la menor de cuatro hermanos de una familia que vive en un pueblo minero en el desierto de Atacama (Chile). El momento más especial de la semana es el domingo, cuando todos van al cine a disfrutar de las historias que les llevan a otros mundos. Los padres de la niña pronto se dan cuenta de que la pequeña tiene un don muy especial, una habilidad casi asombrosa para contar películas. El extraordinario talento de la niña se extenderá por todo el pueblo, cambiando la suerte de su familia al mismo tiempo que el país se transforma para siempre.

Crítica

Logra que los personajes y los espectadores sientan el cine como herramienta terapéutica

La danesa Lone Scherfig llegó por última vez a nuestros cines a través de su largometraje ‘Su mejor historia’ (2016), ya que ‘La amabilidad de los extraños’ (2019) se estrenó directamente en plataformas. El título de 2016, protagonizado por Gemma Arterton, Sam Claflin, Jack Huston y Bill Nighy consiguió encandilarnos a través de una historia que emanaba mucho cine. En esta ocasión, con ‘La contadora de películas’, vuelve a tirar del metalenguaje y nos transporta al Chile empobrecido, recóndito y desértico de los años 60.

Los protagonistas de esta nueva y emotiva película son Sara Becker, Alondra Valenzuela, Antonio de la Torre, Bérénice Bejo y Daniel Brühl. Juntos nos cuentan la historia de una niña con una capacidad conmovedora y transportadora de narrar las pocas películas que ha podido ver en el cine de la villa creada por la empresa extractora de salitre para la que trabaja su padre. Pronto la empiezan a conocer como La Contadora de Películas y esa habilidad se convierte en una fuente de dinero. Eso de “libre de spoilers” no es un concepto que se pueda permitir ya que sus oyentes buscan conocer el devenir de las películas a través de sus narraciones.

Es evidente que esta película puede recordar a ‘Cinema Paradiso’, ‘Los Fabelman’ o ‘Un segundo’. Todas ellas son historias que emplean el cine como bálsamo para sus protagonistas, como medio de evasión o instrumento que sirve para exteriorizar las penas o temores. La protagonista lo utiliza como negocio y como manera de compartir una pasión, pero también como terapia para aquellos que no pueden acceder a una entrada de cine, para los que están atrapados en su realidad o para dar vida a los sueños de los que ven inaccesibles otros mundos. Hace poco descubrí que hay gente que se gana la vida leyendo libros a otros a domicilio, ella hace algo similar. Es precioso como la niña establece paralelismos entre las películas que le llegan a Atacama con la sencilla realidad que le rodea. En lugar de una lucha de clases, un amor a tres bandas o un drama familiar ella solo ve cómo los humanos somos la viva imagen de las películas, no al revés. Es la manera que tiene para sobrevivir.

La ficción se desmorona y el drama toma el control de tan soñadora película cuando descubrimos que mientras que todos anhelan conocer las historias proyectadas en el celuloide y que no han podido ver, la protagonista solo quiere descubrir la verdad que le ha sido negada y ser capaz de enfrentarse a su propia historia. Scherfig nos cuenta de esta manera una historia emotiva y entrañable que usa la luz de gas al estilo de ‘La vida es bella’. Y ya de paso, al igual que la película de Benigni, toca un pedazo de la historia de uno de los países subyugados por otro de los grandes dictadores del siglo pasado, curiosamente relacionado con otro de los grandes títulos españoles de la actualidad, ‘Dispararon al pianista’. Buen momento para el hermanamiento entre Chile y España.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Título original: La contadora de películas. Duración: 115 min. País: España. Dirección: Lone Scherfig. Guion: Walter Salles, Rafa Russo, Isabel Coixet. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Daniel Aranyó. Reparto principal: Producción: Selenium Films, A Contracorriente Films, Altiro Films, Contadora Films, Euskaltel-Telecable, HBO Max, Latido Films, Programa Ibermedia, RTVE, Televisió de Catalunya. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/the-movie-teller

Crítica: ‘Trolls 3: todos juntos’

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Este año prepárate para una reunión familiar plagada de acción, estrellas y una familia de todos los colores del arcoíris con el nuevo capítulo de la superexitosa saga musical de DreamWorks Animation: Trolls 3: todos juntos.

Crítica

La vuelta de las criaturas abanderadas de la concordia, el jolgorio y la diversión

Vuelve el baño de colores y música que haría las delicias de los consumidores de psicotrópicos asistentes a Woodstock. Llega a cines ‘Trolls 3 todos juntos’. Hoy en día usamos la palabra “trolls” para referirnos a aquellos individuos que en la red o en la vida real se dedican a dinamitar las cosas o a fustigar la vida de los demás, pero esta saga hace lo contrario. Estas criaturas son de carácter alegre, casi empalagoso, claras herederas de los Osos Amorosos y abanderadas de la concordia, el jolgorio y la diversión.

‘Trolls 3’ trae una nueva historia de amistad, familia, compañerismo y hermandad. Por supuesto para desarrollar y agrandar el universo iniciado en 2016, que dio vida a los juguetes que se comercializaron en 1959, se han creado nuevos personajes (que incurrirán en nuevos muñequitos) y sobre todo nuevas canciones. Te guste o no la historia de Trolls o estés o no en sintonía con sus valores y colores hay que reconocer que en cuanto al merchandising y a lo musical esta saga es un éxito. Ahí está el tema de Justin Timberlake que tanto suena aún siete años después, dando vida y sentido a su título “Can’t Stop the Feeling!”.

La trilogía ha tenido siempre dos directores. Uno de ellos ha ido cambiando pero la constante ha sido siempre Walt Dohrn (‘Shrek 2’). La saga sigue fresca, alegre, dinámica… Es de esos productos de consumo familiar que van en piloto automático lo dirija quien lo dirija. La fórmula en este tipo de películas suele variar poco. El truco suele ser el generar suficientes personajes como para que cada uno de los niños y niñas que ven la película se sientan identificados y tengan ya un juguete apuntado para su carta de Navidad. Se parte siempre de una situación de armonía, se genera un conflicto, se suman nuevos personajes y a partir de ahí nos podemos imaginar como terminará la aventura. Casi todas las sagas infantiles animadas de hoy en día siguen esta pauta. En la anterior entrega, que tuvo que lidiar con su estreno pegado a los confinamientos en todo el mundo, se introdujo el concepto de la guerra de bandas entre diferentes géneros musicales. Ahora se toca el tema de los duetos musicales y sobre todo de las Boy bands. En la dos no me gustó que se remarcase lo mismo de siempre, que los rockeros son los malos, pero al menos en ‘Trolls 3’ se inculcan mejores valores.

DreamWorks se asegura su continuidad con películas como esta, se habían hecho demasiado dependientes de los minions. Estoy seguro que de con esta nueva entrega, que probablemente habría funcionado mejor con unas vacaciones navideñas de por medio, van a recuperarse del varapalo sufrido con ‘Ruby: aventuras de una kraken adolescente’.

Ahora más que nunca se nota que el productor es Justin Timberlake, porque la trama parece un clamor porque NSYNC vuelvan a reunirse, como pasó en los últimos MTV Video Music Awards. Y como decía el argumento de ‘Trolls 3’ sigue esquemas habituales pero por lo menos aporta de una manera más correcta valores de identidad y fraternidad. Además, entre tanto color, fieltro y la recientemente prohibida purpurina exhibe el diseño de dos nuevos villanos que parecen sacados del videojuego Cuphead. Estoy seguro que van a estar en la estantería de muchos pequeños pero no me queda tan claro si va a calar el mensaje de qué la fama a cualquier precio no merece la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Título original: Trolls Band Together. Duración: 91 min. País: EE.UU. Dirección: Tim Heitz, Walt Dohrn. Guion: Jonathan Aibel, Glenn Berger, Elizabeth Tippet. Música: Theodore Shapiro.: Reparto principal (doblaje original): Anna Kendrick, Justin Timberlake, Troye Sivan, Eric André, Daveed Diggs, Kid Cudi, Emmy Amy Schumer, Tony, Andrew Rannells. Producción: Dreamworks. Distribución: Universal Pictures.

Crítica: ‘Quan no acaba la nit (Cuando la noche no termina)’

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En la Valencia de finales de los 80, un grupo de amigos de barrio se sumerge en las interminables noches de fiesta de las discotecas de la Ruta del Bakalao, donde la fiesta y sus riesgos amenazan su amistad y hasta sus vidas. Una película que revive el inicio de aquella legendaria “movida valenciana”

Las localizaciones de la película, en míticas discotecas como Spook y Masia han sido fundamentales en la película. Rodada íntegramente en escenarios de la Comunidad Valenciana, como en el valenciano barrio del Cabanyal, y con una banda sonora repleta de clásicos de la electrónica de la Ruta del Bakalao de grupos como Anne Clark, Inmaculate Fools, The Chameleons, Comité Cisne, Megabeat, Double Vision y The Molestones.

Crítica

No es una película sobre la movida valenciana, pero está claro que es hija de ella

‘Quan no acaba la nit’, es la primera película del director debutante Óscar Montón, la cual nos cuenta las vivencias a lo largo de los años de un grupo de amigos con la “movida valenciana” como telón de fondo.

Confieso que me dispongo a ver la película con alguna idea preconcebida en cuanto a todo lo que se refiere a la Ruta del bakalao y su música “makinera”. De hecho pertenezco a ese grupo de edad que vivió en sus carnes la propia Ruta o sus influencias, la cual estuvo muy presente en el panorama nocturno español desde finales de los 80. La música tecno reinaba en Valencia y Chimo Bayo la hizo masiva con su ‘Así me gusta a mí’, un tema legendario que traspasó nuestras fronteras.

Pero vayamos al lío que me pierdo entre la nostalgia. Me encuentro en las primeras secuencias con el grupo de 5 amigos, cada uno con sus vidas y sus conflictos, con diferentes situaciones, pero que disfrutan de la noche para abstraerse de sus problemas con el alcohol, las drogas y la música tecno como elementos catalizadores.

A poco que pasan los minutos ya me voy dando cuenta de que la Ruta es tan solo el hilo conductor de un drama más serio, donde las consecuencias de algunas decisiones van a marcar el devenir de la película.

Tres son los chicos protagonistas, cada cual con sus diferentes orígenes y en común los fines de semana y su amistad. Se produce un lapso de tiempo y vemos cómo han evolucionado, cómo la noche ha dejado huella en algunos de ellos y no para bien precisamente. Dos son las chicas de la foto del grupo, de las cuales una tiene un peso más específico en el filme y algo más de desarrollo de personaje, mientras que de la otra apenas se cuenta mucho y pasa a un segundo plano.

Mención aparte para el pequeño papel de Chimo Bayo, que hace su debut como actor en ‘Cuando la noche no termina’ siendo sus momentos los que tienen más humor, ya que la película los tiene contados. Su personaje, “El Holandes” me gusta y a él se le siente cómodo con él y se nota en el resultado. Un acierto para la película sin duda aunque sea poco más que un cameo.

Observo que el filme se hace más oscuro a medida que pasan los minutos, donde los sueños del personaje más importante para mí, que es Fran (Sergio Castillo), empiezan a demandar un precio muy alto para verse cumplidos, afectando en mayor o menor medida al resto del grupo. Todo se va complicando poniendo a prueba la confianza y las lealtades de cada uno de ellos hasta que llega el desenlace.

Me quedo con ganas de profundizar más en los personajes, que pese que quedan más o menos claras las circunstancias de casi todos, no terminan de tocarme la fibra en prácticamente ningún momento. Los actores están correctos, y quizás algo maniatados por un guión que podía aportar algo más de lo que aporta. Tengo la sensación de que se quiere meter La Ruta, un triángulo amoroso, una historia del hampa, otra de adicción, otra de amistad… y falta metraje para poder dar fuerza a todo eso o falta pulir mejor el trabajo. Tanto ingrediente, si no está bien aderezado, pierde fuerza y su sabor se diluye.

En parte esta sensación se confirma con el final, medio resuelto pero adoleciendo de cierta inconsistencia tal y como iban los acontecimientos, que lo parecían llevar a un drama potente pero que en definitiva para mí se queda en algo más liviano como conclusión. A mí no me convence.

‘Cuando la noche no termina’ es una historia principalmente de amistad, con el trasfondo de La Ruta del Bakalao y los peligros (y consecuencias) que venían de la mano de la misma: drogas, mafias y todo el espectro de personajes que trae la noche de fiesta consigo. No es una película en mi opinión de lo que fue la movida valenciana, pero tengo claro que es hija de ella.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Título original: Quan no acaba la nit. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Óscar Montón. Guion: Tirso Calero, Begoña Soler, Óscar Montón. Música: Javier Contreras, Mª Elena García Ferrandez. Fotografía: David Monton. Reparto principal: Roberto Hoyo, Carla Pascual, Sergio Castillo, Álex Monterde, Alex Peral. Producción: Audiovisuales Morvedre, Dacsa Produccions, À Punt. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: drama. Web oficial: https://conunpack.com/portfolio-items/quan-no-acaba-la-nit-cuando-la-noche-no-termina/

Crítica: ‘Hypnotic’

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Decidido a encontrar a su hija desaparecida, el detective Danny Rourke (Ben Affleck) se ve inmerso en un laberinto mientras investiga una serie de asaltos a bancos que desafían la realidad y que le harán cuestionarse sobre todo y todos los que le rodean. Con la ayuda de Diana Cruz, una vidente superdotada, Rourke persigue y, al mismo tiempo, es perseguido por un espectro letal, el único hombre que él cree que tiene la clave para encontrar a su hija. Pero acabará descubriendo mucho más de lo que esperaba.

Crítica

Rodriguez se pone nolaniano y casi le sale bien

Robert Rodriguez vuelve con otro título de ciencia ficción tras su saga de los niños espías y los episodios dirigidos en la serie de Boba Fett o el mandaloriano. Alejado ya de sus historias de marcado sabor mexicano o de las adaptaciones de cómic o manga ha escrito un guión que se ciñe a los esquemas de las películas fantasiosas que van edulcoradas de conspiraciones y tramas supuestamente engorrosas o laberínticas. Una propuesta que parece tener intención de convertir en saga pues hay escena post-créditos que así lo hace pensar.

‘Hypnotic’ trata sobre un hombre que busca a su hija. Pero lo que le sucede es tan desconcertante que Rodriguez ha procurado transmitirnos esa sensación hasta con las lentes usadas en sus cámaras. A través de objetivos anamórficos busca crear imágenes distorsionadas, deformadas, como si nos quisiese decir que la realidad del protagonista está mareantemente trastocada. Y de eso va el filme, de realidades o de motivaciones modificadas. Regresiones, juegos laberínticos, habilidades casi de jedi… En resumidas cuentas es una historia detectivesca que podría haber sido perfectamente un episodio de ‘Fringe’ o una escena en la que The Matrix toma el control de los ciudadanos para atrapar al protagonista. El factor fantástico lo ponen unos personajes capaces de controlar la mente, lo cual, nos lleva a elementos muy nolanianos pero también a asemejarla a un título estrenado hace tan solo unas semanas, ‘Awareness’. Lástima que el guión o las reglas que se inventa no sean tan potentes como el poder que usan sus personajes.

El misterio de la desaparición de la niña es lo que nos mantiene enganchados a la trama. Eso y algunas de las muertes o de las imágenes psicotrópicas que ofrece la cinta, muy a lo ‘Origen’. La historia de ‘Hypnotic’ es disfrutable si entras en su juego o si vas predispuesto a someterte a una serie de normas muy fantasiosas o a giros de guión que dan un golpe de timón casi tramposo al argumento. De lo contrario la película puede parecerte ligeramente ridícula, dentro de su pretendida seriedad a veces luce como la idea para un videojuego juvenil.

Si no me equivoco es la primera vez que Ben Affleck trabaja con Rodriguez. No han extraído ninguna interpretación fuera de lo que ya le hemos visto anteriormente al actor. Pero aún así el trabajo del anteriormente conocido como Batfleck no es de las cosas que descartaría de la cinta. Sin embargo, para mí, lo mejor es William Fichtner como el villano inescrutable y misterioso de la historia que se desvela como tal desde el mismo inicio de ‘’Hypnotic’. Eso y que valoro que Rodriguez se ha salido de su cine habitual. Aunque no le haya quedado algo grandilocuente para mí sí que logra entretenernos de un modo mínimamente original.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Título original: Hypnotic. Duración: País: EE.UU. Dirección: Robert Rodrígue. Guion: Robert Rodríguez, Max Borenstein. Música: Rebel Rodriguez. Fotografía: Pablo Berron, Robert Rodriguez. Reparto principal: Ben Affleck, Alice Braga, JD Pardo, Dayo Okeniyi, Jeff Fahey, Jackie Earl Haley, William Fichtner. Producción: Blue Rider Pictures, Double R Productions, Hoosegow Productions, Ingenious Media, Solstice Studios, Studio 8. Distribución: Diamond Films. Género: thriller, acción, ciencia ficción. Web oficial: https://blueriderpictures.com/hypnotic-2023/

Crítica: ‘Hermana muerte’

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En la España de la posguerra, Narcisa, una joven novicia con poderes sobrenaturales, llega a un antiguo convento, ahora colegio para niñas, para incorporarse como maestra. Conforme pasan los días, los extraños acontecimientos y las situaciones cada vez más inquietantes que la atormentan, terminarán por conducirla a desentrañar la terrible madeja de secretos que rodean al convento y acechan a sus habitantes.

Crítica

Paco Plaza regresa de la mejor manera al cine de terror

Este próximo 27 de octubre llega a nuestras pantallas de casa ‘Hermana Muerte’. Aquí conoceremos el pasado del personaje que ya vimos en ‘Verónica’, ambas películas dirigidas por Paco Plaza.

Este spin off nos lleva a la posguerra española. Donde una joven novicia, Narcisa, se adentra en un convento en su nueva aventura como maestra de niñas. Aquí, conocerá a través de los diferentes sucesos paranormales que le van ocurriendo, los oscuros secretos de este lugar.

‘Hermana Muerte’ nos adentra a través de la cámara en un convento muerto en vida. Un convento triste y que solo quiere intentar rejuvenecerse y llenarse de nueva vida. Un convento que vamos descubriendo con luz natural y con las luces de las velas. Es impresionante el trabajo de iluminación de la película y la fotografía tan bonita y cuidada que tiene.

Paco Plaza es capaz de crear una atmósfera terrorífica en cualquier lugar y momento. Además, aunque hay ciertos sucesos que te ves venir, incluidos algunos sustos que son previsibles, el director, consigue sorprendernos. Admito que Paco Plaza me encanta y disfruto mucho con su cine, logra mantener la tensión siempre y además contar una buena historia. La dirección me parece impecable y tienen imágenes muy potentes, el final es tremendo, con una figura terrorífica que hará las delicias de muchos.

La fotografía de Daniel Fernández Abelló, como he comentado, es preciosa, bastante minimalista y con el blanco como color predominante en esta cinta.

El tema del vestuario junto con las localizaciones, me han parecido perfectos. Y es que, aunque el vestuario tampoco tenga nada de original, Vinyet Escobar, logra crear atuendos asfixiantes y a la par llenos de paz. Además, que las manchas de sangre con ese color destacan mucho más.

En el reparto encontramos a Aria Bedmar, encargada de dar vida a la Hermana Narcisa, no conocía a esta actriz y la verdad que está de maravilla. Con una cara angelical y una voz muy dulce logra que nos creamos de verdad que estamos ante una novicia. Eso sí, sus escalofriantes gritos os pondrán la piel de gallina.

Junto a ella encontramos a Almudena Amor, Maru Valdivieso, Luisa Merelas o Chelo Vivares entre otras. Tengo que dar un pequeño apunte y es que otra de las cosas que me han sorprendido para bien en ‘Hermana Muerte’ es lo bien que se escuchan las voces en la película y lo bien que vocalizan todas las actrices. Es un gustazo escucharlas.

El filme nos adentra en parte de nuestra historia, de esa historia negra de nuestro país y de también parte de la religiosa, pues vemos una recreación de aquellas niñas que vieron a la Virgen en Garabandal, mientras entraban en trance delante de todo el mundo. He puesto este ejemplo, pues buscando fotografías de aquel evento, es al que más me han recordado las imágenes que vemos en ‘Hermana Muerte’.

La película está rodada en Valencia y como he comentado, este viernes llega a la plataforma de Netflix. Mejor plan para Halloween no puede haber, pues podéis veros ‘Hermana Muerte’ para luego pasar a ‘Verónica’.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de octubre de 2023. Título original: Hermana muerte. Duración: 89 min. País: España. Dirección: Paco Plaza. Guion: Jorge Guerricaechevarría, Paco Plaza. Música: Fotografía: Daniel Fernández Abelló. Reparto principal: Aria Bedmar, Maru Valdivielso, Luisa Merelas, Almudena Amor, Chelo Vivares, Sara Roch, Olimpia Roch, Adriana Camarena, Martina Delgado, Claudia Fernandez Arroyo, Consuelo Trujillo, Sandra Escacena. Producción: El Estudio, Netflix. Distribución: Netflix. Género: terror. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81478662

Crítica: ‘El chico y la garza’

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Un joven llamado Mahito, que añora a su madre, se aventura en un mundo compartido por los vivos y los muertos. Allí, la muerte llega a su fin y la vida encuentra un nuevo comienzo. Una fantasía semiautobiográfica sobre la vida, la muerte y la creación, en homenaje a la amistad, de la mente de Hayao Miyazaki.

 

Crítica

Hayao Miyazaki nos hace soñar y reflexionar con ‘El chico y la garza’

De Sitges nos llevamos una de las películas más esperadas del año. La nueva película de Hayao Miyazaki. Su última película, o eso dicen, aunque sí que parece una especie de despedida de su mundo.

Mahito, un joven que añora a su madre, se aventura en un mundo compartido por los vivos y los muertos. Allí, la muerte llega a su fin y la vida encuentra un nuevo comienzo. Vamos conociendo diferentes realidades a través de un mundo onírico lleno de caras conocidas y con diferentes papeles.

Miyazaki a sus 82 años aún no ha perdido ni su magia ni imaginación. En ‘El chico y la garza’ nos devuelve sus paisajes fantásticos y sus personajes tan extraños y tan dispares como el solo sabe hacer.

Si que es cierto, que a mi parecer es una película bastante amarga, triste e incluso demasiado filosófica. Se que Miyazaki ya nos tiene acostumbrados a todo esto, pero, aun así, me parece mucho más llena de nostalgia y de tristeza.

El director ya contó que es una de sus películas más personales. Donde nos habla de una manera fantástica, sobre la preocupación de su marcha de Ghibli, de que no encuentra a quien dejar su gran imperio. Y si a quien se lo deje, va a ser lo suficientemente bueno para poder quedarse tranquilo durante su jubilación.

En ‘El chico y la garza’ vemos todo esto reflejado en uno de sus protagonistas, que está sufriendo por encontrar un heredero digno de su legado.

Pero también, nos habla de la familia y por supuesto de la amistad. También de manera bastante personal. Es más, la película lleva el título en japonés de ‘Kimitachi wa Do Ikiruka’ que significa literalmente ‘¿Cómo vives?’, y está tomado de la novela homónima de Genzaburo Yoshino, libro que le regaló su madre al cineasta en su juventud y del que cogió ciertas ideas, además de sus propias vivencias de juventud.

Esta película comenzó a hacerse en 2016. Esto deja ver el cariño y trabajo duro que realiza el director para sus películas. La animación al estilo tradicional se fusiona con la animación digital dando la bienvenida a las nuevas tecnologías, pero sin perder el espíritu Ghibli.

Sus dibujos como siempre, son especiales, buscando movimientos a veces imposibles, sacados de sueños. Además de sus criaturas y esas caras tan grotescas con expresiones tan marcadas.

La película me ha gustado bastante, sí que no soy el público de Ghibli, pero en esta ocasión he de decir que me adentré de lleno en la película y la disfruté.  El próximo viernes 27 de octubre llega a nuestras salas gracias a Vértigo Films.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de octubre de 2024. Título original: Kimitachi wa Do Ikiruka. Duración: 124 min. País: Japón. Dirección: Hayao Miyazaki. Guion: Hayao Miyazaki. Música: Joe Hisaishi. Fotografía: Atsushi Okui. Reparto principal: Soma Santoki, Masaki Suda, Tayuka Kimura, Aimyon, Kô Shibasaki, Yoshino Kimura, Shohei Hino, Jun Kunimura, Kaoru Kobayashi, Keiko Takeshita, Karen Takizawa. Producción: Studio Ghibli. Distribución: Vertigo Films. Género: Drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/el-chico-y-la-garza/

Crítica: ‘Lumberjack the monster’

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Enmascarado como el monstruo del libro ilustrado ‘Lumberjack the monster’ alguien comete una serie de extraños asesinatos en los que el asesino se lleva cerebros humanos. El nombre del único hombre al que el asesino no ha conseguido matar, el abogado Akira Ninomiya, surge en la línea de investigación. De hecho, Ninomiya es un psicópata despiadado y de sangre fría que incluso está dispuesto a matar para conseguir su objetivo. La policía utiliza ahora todos sus recursos para investigar el caso, Ninomiya pretende devolver el golpe al asesino. ¿Quién llegará primero a la verdad? Psicópata contra asesino en serie… ¡La locura no se detendrá hasta la impactante conclusión! ¡El más loco sobrevive!

Crítica

Interesante trama psicópata con un Miike contenido

Con ‘Lumberjack the monster’ Takashi Miike, el prolífico y adaptable director japonés, vuelve con una historia que conserva su sello, pero que exhibe una contención pocas veces vista en su filmografía. Su currículo está repleto de extravagancias y baños hemoglobínicos, que aquí no faltan, pero nos reduce la dosis. Los chorros de sangre van de más a menos y en su lugar nos brinda una trama policial. ‘Lumberjack the monster’ es la persecución de un asesino psicópata, de varios de hecho, aunque procura no olvidarse de sus personajes extraños.

‘Lumberjack the monster’ sigue un juego entre detectives y sociópatas como el de ‘Death Note’. Tenemos a un villano con cierto sentido impopular de la justicia, el cual, flirtea con el peligro mientras la policía le pisa los talones. A su vez hay otra fuerza enemiga en el tablero pero esta tiene una identidad desconocida. Incluso se plantea un debate similar sobre el castigo a los supuestos enemigos de la sociedad o lo justificado que puede estar el tomarse la justicia por cuenta propia, no os va a costar acordaros de L y de Light Yagami. A la trama le falta la ultraviolencia de Miike pero por el contrario se vuelve muy interesante con el duelo a tres bandos que plantea. El director demuestra que tras más de cien películas no está estancado con el mismo cine. Se disponen suficientes giros de guión como para aguantar la duración del filme y la dinámica que hace que cada vez haya menos acción. Aunque he de reconocer que usar la solución del Dr. Bacterio para arreglar los cachivaches a golpecitos me parece un poco vaga. Quizá los actores ejecutan sus papeles con excesivo dramatismo, pero no deja de ser algo propio del cine nipón. Con ‘Lumberjack the monster’ prima el guión, un libreto que es lo suficientemente entramado como para que la sangre y el componente fantástico quede relegado a un segundo plano y no perdamos la atención.

Miike ha escogido una buena base para este nuevo filme, la novela de Mayusule Kurai. Además se ha asociado con alguien también muy acostumbrado a adaptar animes o mangas a la acción real como Hiroyoshi Koiwai. Se hecha de menos su sentido del humor pero es un gustazo ver que sigue en forma y trabajando con jóvenes talentos como Kazuya Kamenashi.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2024. Título original: Lumberjack the Monster. Duración: 119 min. País: Japón. Dirección: Takashi Miike. Guion: Hiroyoshi Koiwai. Música: Kôji Endô. Fotografía: Nobuyasu Kita. Reparto principal: Kazuya Kamenashi, Nanao, Riho Yoshioka, Shôta Sometani, Shido Nakamura. Producción: Oriental Light and Magic, Warner Bros. Pictures Japan. Distribución: Netflix. Género: suspense. Web oficial: https://wwws.warnerbros.co.jp/kaibutsunokikorijp/index.html

Crítica: ‘Juego prohibido’

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Cuando la directora de vídeos para internet Hiroko Kurasawa visita la casa de su antiguo colega Naoto Ihara, quien ha perdido a su esposa, ve a su hijo Haruto recitando un extraño hechizo en dirección a un montículo de tierra en su jardín. Un encantamiento misterioso, la cola de un lagarto, un dedo, una sombra pálida, un montón de tierra ondulante y una casa sellada… Alrededor de Hiroko comienzan a producirse fenómenos extraños y lo que comenzó como el deseo inocente de un niño se convierte en una maldad desatada.

Crítica

Con mucho más de dorama que de J-Horror

Nos reencontramos con el director japonés Hideo Nakata pero no con el terror que le hizo tan famoso con ‘The Ring’ y sus secuelas y remakes. ‘Juego prohibido’ es una película que intenta recuperar los elementos del J-Horror de principios de siglo pero que se queda en agua de borrajas a la hora de actualizarse. Ya de entrada la pigmentación del arranque de la película dista de lo tétrico y está repleta de color y una bella imagen que parece una foto con efecto Orton. Y es que los primeros quince minutos si son inquietantes y trágicos, pero luego la trama sigue uno derroteros que no nos imbuyen terror.

Una lagartija que crece a partir de su cola, un accidente, la sombra de una amante, una reanimación milagrosa, inquietantes llamadas distorsionadas… El guión dispone algunos misterios que se van intercalando con una trama que bien podría ser la de un dramón de los de sobremesa de domingo que además va acompañado de algún que otro momento cómico. ‘Juego prohibido’ es en su mayoría un culebrón paranormal que si solo hiciese uso de la imagen arquetípica de los fantasmas japoneses podría haber sido un sencillo divertimento terrorífico. Pero hay algo que nos aterra, los momentos ridículos y algunos detalles estéticos.

La trama es tan desconcertante como absurda. Al principio o si nos quedamos solo con los elementos más desconcertantes, podríamos llegar a pensar incluso que Nakata se ha contagiado de las imaginativas historias de Junji Ito. Sin embargo, a parte de una historia de corazones rotos a veces esto parece más la adaptación de un anime juvenil de tintes fantasiosos, más propia de Takashi Miike (momento Uri Geller incluido). La tarma de los cazademonios a lo ‘JujutsuKaisen’ se sale completamente del tono terrorífico que parecía que buscaba el director. Ni los momentos de comedia, ni tampoco el maquillaje del fantasma nos permiten sentirnos en una verdadera historia de terror. ‘Juego prohibido’ parece un dorama que surge de la novela de Shimizu Karma y su título hace alusión a un triángulo amoroso y a un flirteo con el más allá, de esos nada aconsejables porque evidentemente te van a traer problemas. La idea está bien, pero ni es nada novedosa ni está embadurnada de los artificios correctos.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de octubre de 2023. Título original: Kinjirareta asobi. Duración: 110 min. País: Japón. Dirección: Hideo Nakata. Guion: Noriaki Sugihara. Reparto principal: Kanna Hashimoto, Daiki Shigeoka, Mayu Hotta, Yuki Kura. Producción: Dub, Toei Company. Distribución: Selecta Visión. Género: suspense, terror. Web oficial: https://kinjirareta-asobi.jp/index.html

Crítica: ‘Blood’

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Tras un divorcio, Jess, una joven enfermera, se muda con sus dos hijos a la granja de su tía. Su pequeño hijo Owen tiene el corazón roto cuando su perro desaparece en el bosque, asustado por algo. Cuando el animal regresa, trae un mal consigo y ataca al niño. Las heridas sanan, pero el estado de Owen empeora. A medida que pasan los días, Jess observa que el niño ha desarrollado una inexplicable sed de sangre y alimentarla es la única cura para su dolencia.

Crítica

Un cuento oscuro con una codependencia vampírica

‘Blood’ es la tercera película de Brad Anderson, un director más acostumbrado a rodar capítulos de series, que nos ha brindado peliculones como ‘El maquinista’ o ‘Transsiberian’. Con esta propuesta vuelve a sumergirnos en un mundo raro, fantástico y dramático. Se adentra en los territorios del vampirismo pero también de la codependencia. Explora a sus personajes desde un punto de vista en ocasiones arriesgado, lo cual probablemente ha supuesto un reto para los actores de la cinta. La crudeza de su relato y la calidad de las interpretaciones son el punto fuerte de este relato que bien podría haber salido de la imaginación de los hermanos Grimm.

Michelle Monaghan protagoniza esta película como cabeza de cartel. Pero realmente el joven Finlay Wojtak-Hissong es el protagonista de esta cinta que como tantas otras explora el miedo a que le pase algo a los más pequeños de la casa. Por supuesto nuestro fluido vital es el tercer protagonista de este drama de terror que como podíamos imaginar tiene un toque vampírico.

Es un cuento oscuro, retorcido, en el que el amor protector de una madre alcanza límites extremos, posesivos y malsanos o incluso enfermos del tipo ‘Mamá te quiere’. Es un cuento vampírico pero no solo por la sangre que vemos, si no por como cada uno de los personajes bebe de los otros, necesitándose de una manera vital. Destaca sobre todo por la creíble interpretación de Monaghan y por cómo el guión sabe contenerse sin caer en tópicos o en ceder al espectáculo sangriento.

Drama sobre custodia de hijos y una separación que se ve tensada por un incidente y un componente sobrenatural que se mantiene hasta la escena postcréditos. Aun así la película no es un festival de momentos de terror o fantasía, aunque alguno tiene. Está pensada como metáfora de un proceso de purga, de limpieza interior, de superación. Como historia sobre lo duro que es a veces empezar una nueva etapa o pasar página es solvente. Si buscas una película terrorífica o que roce el gore, este no es tu título.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de diciembre de 2023. Título original: Blood. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Brad Anderson. Guion: Will Honley. Música: Matthew Rogers. Fotografía: Björn Charpentier. Reparto principal: Michelle Monagan, Finlay Wojtak-Hissong, Skylar Morgan Jones, Skeet Ulrich, June B. Wilde, Erik Athavale. Producción: H2L Media Group, Hercules Film Fund. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, drama. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/blood-11

Crítica: ‘Dream scenario’

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Paul Matthews (Nicolas Cage), un desventurado padre de familia, ve cómo su vida da un vuelco cuando millones de extraños empiezan a verle en sueños. Pero cuando sus apariciones nocturnas toman un giro de pesadilla, Paul se ve obligado a navegar por su nuevo estrellato, en esta comedia perversamente entretenida del escritor y director Kristoffer Borgli (Sick of Myself) y el productor Ari Aster.

Crítica

Uno de los mejores discursos sobre el valor de ser anónimo

La nueva película protagonizada por Nicolas Cage llega producida por Ari Aster. Son dos artistas acostumbrados a sorprendernos y desconcertarnos, aunque de maneras muy diferentes. La mezcla se antoja interesante cuanto menos, sobre todo cuando la premisa nos hace recordar a las historias de Freddy Krueger. El director y guionista es Kristoffer Borgli, quien atraviesa de nuevo nuestras fronteras tras ‘Sick of myself’. La combinación no puede ser más inaudita y prometedoramente demencial. Por supuesto cumple nuestras expectativas. Como creación de Borgli vuelve a criticar a la sociedad, como obra de Aster nos descoloca y como trabajo de Cage es una bizarrada de aúpa.

Pero más allá de la mezcla entre actor y productor para mí lo más interesante es que esta es la primera vez que Cage trabaja con A24. La prolífica y siempre original productora ha tardado en vincularse a este artista, tan querido como vilipendiado. Por exigencia de Ari Aster, Cage está en el proyecto. Tanto él como el resto del mundo comienzan a estar conectados y no precisamente por una red social. Se expande el pánico y el desconcierto cuando la gente pone en común sus sueños y resulta que todo el mundo está soñando con el mismo tipo, el profesor universitario que interpreta Cage. Él es una persona que vive frustrada porque sus alumnos no le hacen apenas caso y porque le han robado una idea de sus tiempos de estudiante. Es decir, pasa inadvertido. Ahora está aún más turbado por las miradas de todo el mundo que escudriña su rostro porque les es familiar.

‘Dream scenario’ toca lo sobrevalorado que está el hacerse viral y lo infravaloradas que tenemos a las personas anodinas. Cage, quien siempre se ha dicho que tiene pelo implantado y ha sido continuamente criticado por lo mal que le quedan las pelucas de sus personajes, sale calvo y es para reforzar su imagen de persona insignificante para aquellos que le rodean. Su salida del anonimato es lo que importa más que su aspecto estético. Sale de su vida mundana de una manera terrorífica, como salida de una broma pesada. Cómica resulta la película pero no deja de haber algo de drama y terror. ‘Dream scenario’ se antoja como un alegato a favor de los impopulares. El cine tiene multitud de películas sobre los raros, los marginados y los inadaptados. Pero ¿qué pasa con aquellos que en silencio hacen girar los engranajes de este mundo? ¿Es la popularidad un escenario de ensueño para ellos? Parece que la película quiere reflexionar sobre algo así. Y en sus últimos compases amplía el mensaje, pero ese último giro que nos lleva a la realidad del consumismo es lo único que me sobra de la película.

Una vez más y como pasa en ‘Joker’ está la cuestión de si hay monstruos en la sociedad o si la sociedad los crea (y cuánto les dura el fenómeno a las masas). Por otro lado ‘Dream scenario’ puede funcionar como una continua reflexión acerca de la presencia siempre enigmática de Cage en el panorama cinematográfico actual, como si se quisiese plantear cómo es posible que sea querido y odiado al mismo tiempo. Pero sobre todo funciona como metáfora de todo lo viral o como reflejo de la histeria colectiva que podemos experimentar ahora que más que nunca somos una aldea global. Nos plantea que ser viral puede no ser un sueño. Gran advertencia para los que solo quieren ser influencers en la vida. También para aquellos que andan siempre en busca de conflicto para poder sentirse parte de algo, protagonistas del momento, los llamados ofendiditos de hoy en día que tienen la piel muy fina pero que aún provocan el enfrentamiento.

¿Nicolas Cage está bien en este filme? Es un si rotundo. Es de esas películas que se amoldan muy bien a sus… digamos maneras de actuar. Es Cage en estado puero. Al igual que en ‘Color out of space’ la narración es lo bastante desconcertante como para que la manera de interpretar de Cage pase desapercibida. Es una locura que sin duda está hecha para él, de hecho el papel tiene algunas similitudes con el que hizo en ‘El hombre del tiempo’. Entiendo por qué Ari Aster exigió su presencia en el proyecto.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de marzo de 2024. Título original: Dream scenario. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Kristoffer Borgli. Guion: Kristoffer Borgli. Música: Fotografía: Benjamin Loeb. Reparto principal: Nicolas Cage, Lily Bird, Julianne Nicholson, Jessica Clement, Star Slade, David Klein, Liz Adjei, Dylan Baker, Tim Meadows, Marc Coppola. Producción: A24, Square Peg, Wilding Pictures. Distribución: Vértigo Films. Género: terror, comedia, drama. Web oficial: https://a24films.com/films/dream-scenario

Crítica: ‘El reino animal’

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En un mundo azotado por una ola de mutaciones que transforman gradualmente a algunos humanos en animales, François hace todo lo posible por salvar a su esposa, afectada por esta misteriosa enfermedad. Mientras la sociedad se ve abocada a un nuevo orden, iniciará junto a Émile, su hijo de 16 años, una búsqueda que los cambiará para siempre.

Crítica

Una película con mucho corazón y buena historia

Una de las películas más esperadas este año en el Festival de Sitges, era ‘El reino animal’, dirigida por Thomas Cailley, la película nos adentra en un futuro en el que un gen hace que ciertos humanos se vayan convirtiendo poco a poco en animales. Todos ellos diferentes y vamos viendo como pierden la humanidad que les queda.

Una película muy interesante, con una premisa parecida a ‘Sweet tooth’, la película nos muestra el miedo a lo diferente, el miedo a esas mutaciones que hacen que de repente todo cambie en la persona que convive en nuestras casas y que se conviertan en animales, sacando su lado más salvaje. Pero también nos muestran su lado más bondadoso. Esa bondad que en los seres humanos desaparece al sentir miedo hacia estas mutaciones.

Pero también la película nos habla de la familia. El protagonista, interpretado por un estupendo Romain Duris, nos muestra a un padre intentando recuperar a su mujer. Ella que ya está en fase de transformación, es llevada a un lugar en el que quieren dejar a todos estos seres. Apartados de la humanidad. Pero el no va a dejar de buscarla, junto con su hijo.

Vemos una sociedad que quiere esconder a estos seres, pero también se habla de lo que hacen otros países, en los que están intentando convivir con ellos.

‘El reino animal’ crea debate, de como nos transformamos cuando hay grandes cambios en la sociedad y de podemos ser más humanos o, todo lo contrario.

Aunque la película me ha gustado mucho, como trata todo el tema de la familia y la sociedad, si que me ha parecido un poco extensa en su duración. Creo que se para demasiado en ciertos detalles que tampoco hacían mucha falta. Pero sí que es cierto que no hace que la película sea mala, sino que un poco más pesada.

El CGI y maquillaje me parece tremendo. Un trabajo exquisito en el que vemos a hombres convirtiéndose en pájaros o en peces. Y todo ello realizado de una manera tremenda.

La película podría quedar para una segunda parte, no digo que la dejen totalmente abierta, pero si que daría para una. Este viernes 20 de octubre llega a nuestras pantallas ‘El reino animal’ gracias a Youplanet y la verdad si queréis ver una película diferente, merece la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de octubre de 2023. Título original: Le règne animal. Duración: 130 min. País: Francia. Dirección: Thomas Cailley. Guion: Thomas Cailley y Pauline Munier. Música: Fotografía: David Cailley. Reparto principal: Romain Duris, Paul Kircher, Adéle Exarchopoulos, Nathalie Richard, Nicolas Avinée, Jean Boronat. Producción: Nord-Ouest Films, Studiocanal. Distribución: Youplanet. Género: Drama. Web oficial: https://www.youplanetpictures.com/el-reino-animal/

Crítica: ‘Pobres criaturas’

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Del cineasta Yorgos Lanthimos y la productora Emma Stone llega la increíble historia y la fantástica evolución de Bella Baxter (Stone), una joven devuelta a la vida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe). Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella huye con Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), un abogado hábil y libertino, en una aventura relámpago a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella crece firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.

Crítica

El coming-of-age más extraño que hayáis podido ver en vuestra vida

Es impresionante, uno de esos misterios del séptimo arte, cómo este director ha conseguido granjearse fama desde los conflictos, pero una fama que le ha acarreado muchos fans. La polémica siempre vende. Tras películas controvertidas, incómodas y a la vez sugerentes como ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’, ‘La favorita’, ‘Langosta’ o ‘Canino’, Yorgos Lanthimos regresa con una propuesta fantástica, ‘Pobres criaturas’. Moviéndose con una trama que bien podría estar inspirada por ‘Frankenstein’ o ‘Re-animator’ nos presenta a una mujer que ha sido revivida por un científico. Pero aunque se haya puesto más fantástico que nunca con Lanthimos ya sabemos que no podemos esperar algo convencional y mucho menos algo suave. De hecho, cuanto más te hagas una idea preconcebida de cómo va a ser una de sus películas, más te va a sorprender porque por lo general tiene giros inimaginables.

En ‘Pobres criaturas’ coge la Ingenuidad de ‘Eduardo Manostijeras’ y la lleva a su propio terreno. Desarrolla una sátira cortante, llena de alegatos feministas hasta alcanzar niveles ácidos más propios de Lars von Trier. Pero sobre todo se alza como el coming-of-age más extraño que hayáis podido ver en vuestra vida. Es un filme que destroza los convencionalismos y todo aquello que el ser humano se ha autoimpuesto en contra de su propia naturaleza. Desde la caricatura de los cuentos góticos narra una historia de lo más punk en contra de lo que nos inculca la sociedad, aquello que nos cohíbe, limita y condiciona desde que entramos a formar parte de una civilización que se destruye a sí misma. Quizá ha alcanzado todas estas temáticas y esta crudeza que van más allá de lo que nos tiene acostumbrados, por partir de la novela de Alasdair Gray.

El reparto es de excepción. Cuenta con Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef… Dafoe está maquillado hasta el punto de parecer el propio monstruo de Frankenstein y se somete a esta extraña película siendo una bizarrada viviente. Pero evidentemente Emma Stone es la joya de la corona. Como decía antes con el anglicismo, esta es una película sobre el paso a la madurez, sobre el desengaño a cerca de cómo es el mundo y sobre cuál es realmente la condición humana. Stone pasa por todos los estadios de su personaje ejecutando una de las mejores interpretaciones de su vida. Pasa de la completa inocencia a crear toda una Mary Shelley.

Para Lanthimos también hay un logro que hace que pueda decir que esta película sea excepcional en su carrera. No me refiero al carácter punzante de su guión, eso ya se daba por hecho, sino al aspecto visual. ‘Pobres criaturas’ nos lleva por un viaje que pasa del blanco y negro al color más propio de una foto en HDR o a los decorados de un cuento de Tim Burton en plan ‘Big Fish’. Cambia muchísimo las ópticas en función de la etapa o el estado de ánimo de la protagonista. Cuando extraemos los mejores fotogramas es cuando coloca el ojo de pez. Las imágenes en gran angular exhibidas en escala de grises nos recuerdan a las películas de hace un siglo o a cuadros como el ‘Mano con esfera reflectante’ de Escher.

‘Pobres criaturas’ va a levantar ampollas entre los más puritanos y conservadores, pero cuidado, que además va a escandalizar a determinadas feministas. No me sorprende nada y de hecho esperaba una obra de arte de tal carácter. Es una película que se merece la categoría de obra de arte por encima de los productos actuales, si no es por su factura técnica es por su incómodo mensaje y desde luego por sus interpretaciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de enero de 2023. Título original: Poor things. Duración: 141 min. País: Irlanda. Dirección: Yorgos Lanthimos. Guion: Tony McNamara. Música: Jeskin Fendrix. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto principal: Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef, Jerrod Carmichael Christopher Abbott. Producción: Element Pictures, Film4, Searchlight Pictures, TSG Entertainment. Distribución: Searchlight Pictures. Género: drama, fantástico. Web oficial: https://www.searchlightpictures.com/poor-things/

Crítica: ‘Awareness’

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Ian es un adolescente rebelde que vive con su padre al margen de la sociedad. Sobreviven a base de pequeños timos gracias a la extraordinaria habilidad de Ian para proyectar ilusiones visuales en la mente de los demás. Tras perder el control sobre sus poderes en público, dos bandos enfrentados empiezan a perseguirlo. En su huida, Ian tendrá que decidir en qué lado va a librar esa guerra en la que se ha visto obligado a participar.

Crítica

Ciencia ficción y acción muy bien realizadas 

Hemos visto ‘Awareness’, película de acción dirigida por Daniel Benmayor y con guion de Ivan Ledesma y del propio director. Llevan trabajando juntos mucho tiempo y entre sus películas está ‘Xtremo’ (aquí nuestra crítica)

Conocemos a Ian, un adolescente con la gran habilidad de proyectar imágenes en la mente de los demás. Escondido de la sociedad, viaja con su padre para no ser encontrado. Pero un accidente hará que su vida de un gran giro.

Al igual que con ‘Xtremo’, Daniel Benmayor nos demuestra su maestría para rodar acción. Escenas que nada tienen que envidiar a muchas películas de Hollywood. Además ‘Awareness’ tiene una historia que engancha desde el principio y aunque nos pueda recordar a algo ya visto, la película protagonizada por Carlos Scholz, es bastante original y está muy bien realizada.

Creo que en España aun no estamos acostumbrados a este tipo de cine, aunque siempre tenemos alguna sorpresa, no es el cine que más se realiza en este país.

Con un CGI muy bueno que viene de la mano de Onirikal Studios. ‘Awareness’ va a gustar a muchos. En el reparto encontramos caras bastante conocidas, como María Pedraza, Pedro Alonso, Kaloyan Kala o la estupenda Lela Loren (Altered Carbon).

Además de Oscar Jaenada, que en ‘Awareness’ está bastante menos desatado que otras veces, aun así nos deja alguna que otra sobreactuación.

Como he comentado un poco más arriba, el protagonista es Carlos Scholz, el cual me ha sorprendido bastante. Su actuación está muy bien y además se maneja perfectamente en las escenas de acción.

Otro de los puntos fuertes de ‘Awareness’ es su banda sonora de Roque Baños, que acompañada por un sonido muy bien insertado, hace que tengamos un visionado bastante inmersivo.

La verdad que ‘Awareness’ va a sorprender a muchos por su calidad técnica y por un guion original y bien contado. El trabajo que hay detrás de esta producción se nota y es bastante bueno. La podéis ver en Prime Video desde el 11 de octubre.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de octubre 2023. Título original: Awareness. Duración: 112 min. País: España. Dirección: Daniel Benmayor. Guion: Daniel Benmayor, Iván Ledesma, Manuel Burque. Música: Roque Baños. Fotografía: Juan Miguel Azpiroz. Reparto principal: Carlos Scholz, María Pedraza, Pedro Alonso, Lela Loren, Óscar Jaenada, Karina Kolokolchykova, Lucas Fuica, Silvia Kal, Jose Álvarez-Boze, Mihoa Lee, María Mercado. Producción: Federation Spain, Amazon Studios, Dbenma Content. Distribución: Prime Video. Género: Ciencia Ficción. Web oficial:

Crítica: ‘Winnie the Pooh: miel y sangre’

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Sigue a Pooh y Piglet en su alboroto después de que Christopher Robin los abandona.

Crítica

No va más allá del chiste planteado en la premisa

El cuento infantil del osito Winnie the Pooh se convierte en una historia macabra. La obra de A.A. Milne se retuerce en un divertimento para adultos que viene a sumarse a tantas otras producciones gore de bajo presupuesto que llegan a nuestro país y que buscan destrozar un clásico infantil. Como Robin Williams en ‘Hook (El Capitán Garfio)’ un niño abandona su mundo de juegos y fantasía para vivir su vida de adulto. Pero este Christopher Robin no recibe precisamente la visita de Campanilla. Tampoco acuden en su ayuda sus peluches como en la versión de Ewan McGregor. En su lugar se encuentra con una criatura que ha crecido sola y ha tenido que hacer abominaciones o simplemente seguir el curso de la naturaleza para sobrevivir. El adorable osito que se pirra por la miel se ha convertido en un robusto asesino con pinta de redneck y ansia de sangre.

Divertida premisa para una película que solo podía funcionar dentro de la Serie B. El tarro de miel rebosa sangre pero por desgracia no explota bien la broma y la película se precipita en un festival de muertes ridículas y peores actuaciones. No se le puede llamar comedia involuntaria porque dudo que esta película esté hecha en serio, pero le falta ser más autoconsciente. La broma está muy mal explotada y el chiste se quema excesivamente pronto, siendo la película una serie de muertes sin hilo alguno.

Vale que en estos filmes slasher no suele haber mucho estudio de personajes, pero por lo menos se habría agradecido una motivación más plausible para el grupo de amigas protagonistas que no son más que otro cliché. No sé si es porque actúan mal o porque los personajes no demuestran tener muchas neuronas, pero estás deseando todo el rato que el villano tenga éxito. Lástima que cuando lo tiene no hay sorpresa o talento con la cámara, tampoco extraña viendo el guión tan ridículo que han escrito/roodado. La idea que dio luz a este proyecto es buena, sin embargo más allá de eso no hay nada destacable por encima de cualquier otra producción tipo Asylum. A los de ‘Mad Heidi’ les salió mejor eso de reventar un mito de nuestra infancia.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de octubre de 2023. Título original: Winnie the Pooh: Blood and Honey. Duración: 84 min. País: Reino Unido. Dirección: Rhys Frake-Waterfield. Guion: Rhys Frake-Waterfield. Música: Andrew Scott Bell. Fotografía: Vince Knight. Reparto principal: Craig David Dowsett, Chris Cordell, Nikolai Leon, Maria Taylor, Natasha Rose Mills, Amber Doig-Thorne, Danielle Ronald, Natasha Tosini, Paula Coiz, May Kelly, Danielle Scott. Producción: ITN Distribution, Jagged Edge Productions. Distribución: Canal Dark. Género: comedia, terror. Web oficial: https://www.itnfilms.net/catalog/WINNIE-THE-POOH%3A-BLOOD-AND-HONEY

Crítica: ‘Moscas’

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El señor Machi es un empresario aficionado a los lujos, el dinero fácil y las mujeres. Una persona despreciable que abusa de su poder y posición, pero que de pronto se encuentra en una situación límite: una mañana, a plena luz del día, pincha una rueda. Pero su sorpresa llega al descubrir en su maletero el cadáver desfigurado de un desconocido.

Alguien le ha tendido una trampa. Ahí comienza una ruta desesperada para deshacerse del cuerpo, descubrir su identidad y saber quién está detrás de todo esto. Alguno de los muchos enemigos que ha ido cultivando con los años, desde su propia esposa hasta compañeros de trabajo, pasando por guardaespaldas o políticos. Pudo ser cualquiera de los que ha pisado durante estos años para seguir trepando o para consolidar su poder, porque para Luis Machi, las personas resultan tan insignificantes que de lejos parecen moscas.

Crítica

‘Moscas’ demuestra que nos movemos en la misma mierda que esos insectos con los que compartimos el 60% de los genes

Ernesto Alterio vuelve a fichar por Aritz Moreno para una película tras contarnos las ‘Ventajas de viajar en tren’. De nuevo tenemos una propuesta un tanto extraña, pero en lugar de regodearse en la comedia y el absurdo, que algo hay, ‘Moscas’ es un thriller retratista. El ser humano como enemigo de su propia especie, como criatura más repulsiva que los insectos. El personaje de Alterio es despreciable precisamente por como desprecia a todo el mundo. Es una de esas personas que piensa que el tener dinero convierte a los demás en siervos. Es un trepa, un codicioso y un manipulador sin escrúpulos que ve de repente su tinglado en peligro. Parece que alguien le ha tendido una trampa pues encuentra un cadáver atado y desfigurado en el maletero de su coche. Alguien que siempre está clavándole puñaladas a los demás recibe un toque de gracia.

Pensaba que ‘Moscas’ era el título del filme por la putrefacción del cadáver, pero tiene doble sentido. Para el protagonista cualquiera que se encuentra en su camino es como una mosca a la que dejar aplastada contra el parabrisas de su coche. Esa actitud en la vida conlleva crearse enemigos y llegar al límite de tener que llevar una pistola en la guantera. Ese es el tipo de calaña con la que nos relaciona Aritz Moteno. Alterio recupera su acento argentino y ya de paso su carácter crítico. Interpreta a un presidente de esos que se ganan a la fuerza el odio de sus empleados e incluso de sus familiares. Tiene momentos graciosos, él siempre acepta papeles que nos causan una sonrisa hasta en situaciones incómodas, pero sobre todo saca partido a la rabia, el desquicie y el acorralamiento que sufre su personaje.

El filme transita entre el presente con el protagonista en un día que se carga a lo ‘Día de furia’ o a lo ‘Trainig day’ y muchos flashbacks que nos van retratando aún más a esta horrible persona. Es como si el cadáver del maletero sirviese como metáfora de los trapos sucios que acumula en su viaje de ascenso a la cumbre empresarial. Las moscas sirven de delatoras pero esta no es ninguna adaptación de ‘El corazón delator’ pues la conciencia brilla por su ausencia. Cualquiera puede ser el que le ha tendido la trampa ya que nos dejan claro que no se hace querer precisamente. Cuando aprese que los últimos flashbacks nos acercan a la verdad tenemos un último giro que nos deja en suspense. No sé cómo acabará la novela de Kike Ferrari en la que se basa (‘Que de lejos parecen moscas’), pero para mi la conclusión es que este tipo de gente que pisotea a los demás al final siempre tiene un cadáver que esconder y las moscas le delatan. No nos enseña nada nuevo pero al menos está bien contado.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Moscas. Duración: 97 min. País: España, Argentina. Dirección: Aritz Moreno. Guion: Javier Gullón. Música: Maite Arroitajauregi. Fotografía: Javier Aguirre Erauso. Reparto principal: Ernesto Alterio, Claudio Rissi, Mara Bestelli, Tomás Pozzi, Gabriel Fernández. Producción: Morena Films. Distribución: Morena Films. Género: suspense. Web oficial: https://morenafilms.com/portfolio/moscas/?portfolioCats=79

Crítica: ‘Sound of freedom’

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Narra la historia de Tim Ballard, un ex Agente de Seguridad Nacional de Estados Unidos que dejó su trabajo para dedicar su vida, sumergiéndose en el submundo del tráfico de personas a lo largo de Latinoamérica, a intentar salvar las vidas de cientos de niños.

Crítica

Una película mucho menor que toda la controversia que se ha generado

Llega a nuestras taquillas ‘Sound of freedom’. Una película que se ha convertido en un fenómeno de esos que surgen de manera esporádica. Ya no se sabe si ha vendido muchas entradas por la polémica que ha generado o ha causado controversia a partir de sus proyecciones y aquello a lo que se le ha asociado. Incluso es un filme del que se dice que ha comprado su propia taquilla (con un «innovador» sistema de regalo de entradas a terceros), algo no tan extraño en la industria y en este caso no del todo errado pues Angel Studios, distribuidora que finalmente se hizo con el largometraje, ofrece poder verla gratis en USA proporcionándote un lugar donde visionarla.

Comencemos con Angel Studios. Parece que lo de apropiarse de la palabra “libertad” por parte de la derecha religiosa no es algo solo de España. Angel Studios (que solo tiene que ver con el Padre Ángel la afiliación a la palabra de Dios) surgió a partir de la inquietud de sus creadores a la hora de asegurar contenido apropiado para el público infantil. Con mensajes como “Nuestro compromiso de compartir contenido que amplifique la luz…” promocionan audiovisual como ‘The Chosen’ que también está teniendo cierto éxito a través de la narración de la vida de Jesús de Nazaret. La trama de ‘Sound of freedom’ no entiende de creencias o politiqueos. Y no, Hollywood no está evitando que la veas por estar presuntamente vinculado, simplemente no ha encajado en los planes de majors como Disney que la rechazó tras haber comprado Fox por no verla rentable. Obviamente ha habido un revulsivo que ha demostrado el error. Pero… ¿Sin este rechazo y soporte de las parroquias cristianas que apoyan a Angel Studios habría habido efecto llamada?

Evidentemente el abuso infantil y el tráfico de personas es algo que hay que erradicar. Lo malo de la película de Alejandro Monteverde es que se le ve el plumero con el sensacionalismo de algunas escenas y los alegatos patrióticos o ultraconservadores. La obra fue estrenada el 4 de julio, tenemos a un padre de familia numerosa, van a comer a un restaurante llamado American Burgers, es el típico héroe americano hace de caballero andante, el actor protagonista es abiertamente ultracatólico… Cabe señalar también que todo esto está basado en hechos reales. No encontramos aquí nada descarado ni dicen en ningún momento estar alineados con ningún movimiento conservador, pero los tópicos hablan por si mismos y el origen de la distribuidora que ha comercializado el filme es aún más indiscutible.

Dado su argumento se ha vinculado la película con teorías conspirativas de QAnon tales como aquella que afirma que Donald Trump tiene una cruzada contra determinadas élites demócratas que se dedican a la pedofilia o incluso a los ritos satánicos. De ahí parte el fenómeno de masas y hay que reconocer que ‘Sound of freedom’ en ningún momento se pronuncia contra esos lobbies sistémicos o carga contra nadie en concreto. Aunque hay que hacer honor a esa verdad también hay que conocer la trastienda y descubrir detalles tales como que el productor Eduardo Verastegui (protagonista de una de las películas de Monteverde), pone en su Instagram “los niños de Dios no están a la venta”. Que se lo digan a monaguillos como los que retrata ‘Gracias a Dios’, por ejemplo. Nos llega así la sensación de una gran hipocresía que revela una vez más que aquí solo queremos ver lo que nos interesa. Pero no voy a ser como los políticos que solo saben defenderse sacando mierda del lado contrario y nunca demostrando que son inocentes de aquello a lo que se les acusan. ¿La película logra incomodar a ciertos poderes fácticos o genera una alarma social desmedida? Una vez más habrá que decir aquello de que “nadie está en posesión de toda la verdad”. Aquí lo único evidente es que hay podredumbre en todas partes, da igual el color o la ideología.

Puestos en situación creo que ya he dejado claro que esta no es una película que se posicione voluntaria o abiertamente. Como thriller policíaco o película clásica de extracciones está bien rodada y se atreve con un tema cuanto menos incómodo. Un tanto excesivamente larga, llena de esos tópicos que tanto se han usado cuando se narra la historia de un agente con complejo de ángel de la guarda, pero hay que reconocer que en el plano técnico está bien realizada. A Jim Cavizel parece que ya solo le vemos en producciones que tienen que ver con sus creencias o realizadas por su grupo de amigos. Como actor creo que ha demostrado su valía muchas veces y en ‘Sound of freedom’ no está parco en recursos.

Morbo es una palabra que se ajusta bien a ‘Sound of freedom’. Un morbo repugnante empuja a los villanos que abusan de niños y menos deleznable y más comprensible es el morbo de aquellos que se acerquen al cine a ver qué sucede realmente con este largometraje. Ya hemos visto películas movidas por pulsiones repelentes como las snuff films o sin ir más lejos tenemos el ejemplo reciente de ‘Mantícora’ aquí en España. Lo que más se amolda a este largometraje si queréis recurrir a ficciones similares es la trilogía de Carmen Mola. Una obra que también habla de poderosos secuestrando niños y que tampoco está exenta de polémica por lo que ha generado un intenso debate. ¿A caso no es ese uno de los objetivos del arte y el entretenimiento?

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de octubre de 2023. Título original: Sound of freedom. Duración: 131 min. País: EE.UU. Dirección: Alejandro Monteverde. Guion: Rod Barr, Alejandro Monteverde. Música: Javier Navarrete. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Jim Caviezel, Mira Sorvino, Bill Camp, Kurt Fuller, Gerardo Taracena. Producción: Metanoia, Santa Fe Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: suspense, hechos reales. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/movie/sound-of-freedom

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