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Crítica: ‘Tregua(s)’

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Ara y Edu son amantes desde hace una década, cuando eran una actriz y un guionista novatos. Al margen de sus relaciones oficiales, siempre encuentran un momento para estar juntos, un oasis en sus vidas. Ahora mismo, los dos mantienen relaciones serias (muy serias, en realidad) con sus respectivas parejas. Tras un año sin verse, aprovechan un festival de cine para encontrarse. Pero ni siquiera estas treguas tan deseadas están libres de las mentiras y nostalgias de su vida real.

Crítica

Para tratar sobre las treguas de la vida, cansa la redundancia y la falta de giros

Una actriz (Bruna Cusí) y un guionista (Salva Reina) tienen un affaire. Mantienen una relación romántica, de índole mayormente sexual, prolongada en el tiempo a la que recurren de vez en cuando mientras cada uno prosigue sus vidas. Suelen verse en festivales de cine y en esta ocasión se ven en Málaga, lugar donde fue estrenada la película dentro de la Sección Oficial.

Favoreciendo a los que se meten con el cine español tildando todas las películas como españolada, ‘Tregua(s)’ arranca con una secuencia de sexo y comedia de más de cinco minutos. Pero la herramienta que más esgrime la película del debutante Mario Hernández es el diálogo. Charlas largas, con personajes a la defensiva, plagadas de discursos contra el patriarcado o la diferencia entre estratos profesionales. El filme toca temas interesantes pero la pena es que cansa la provocación mutua que busca problemas donde no los hay. Este puede ser o bien el reflejo de esas parejas que necesitan generar conflictos como los celos para encontrar un sentido a su relación o bien un intento en balde de derramar un chorreo de inquietudes de los treintañeros y los cuarentones de ahora.

Los protagonistas tienen una relación abierta, pero no solo en la cama, no son simples amantes o folloamigos. Se dicen de todo y esto les sirve tanto de catarsis como de punto de control para evaluar sus vidas. Lo que se percibe como una conexión única se acaba alzando como lo que se dice tanto ahora, una espiral tóxica. Ambos personajes están bien retratados, bien fundamentados. El problema no es que los protagonistas no estén bien trabajados tanto delante como detrás de la cámara. Tampoco es que no nos interese aquello que tratan o cómo se influyen el uno al otro. Lo que sucede es que ‘Tregua(s)’ es como el perro del hortelano, parece la cosa va a progresar y te van a dejar disfrutar de algún tipo de epifanía, pero retorna constantemente sobre el mismo punto. Lo que decía de la relación tóxica, ni evoluciona ni deja evolucionar. Es más, se regodea tanto sobre lo mismo que olvida dar sentido a su título, hasta tal punto que necesita que los protagonistas verbalicen la explicación del filme.

‘Tregua(s)’ es un bucle teatral con solo dos personajes y tres escenarios. Es envidiable como se escudriñan los personajes el uno al otro pero cansa la redundancia y la falta de giros.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de septiembre de 2023. Título original: Tregua(s). Duración: 93 min. País: España. Dirección: Mario Hernández. Guion: Mario Hernández. Fotografía: Alex Bokhari. Reparto principal: Bruna Cusi, Salva Reina, Abril Montilla, José Fernández, Marta Méndez. Producción: Sierra Gador Producciones, Producciones la Cochera. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama, comedia, romance. Web oficial: https://www.syldaviacinema.info/treguas/

Crítica: ‘La Fortaleza’

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Tras la muerte de Arturo Viaplana, sus hijos asisten a la lectura del testamento con la esperanza de heredar su gran fortuna. Lo que no saben es que su difunto padre no ha elegido heredero, sino que ha ideado como última voluntad una especie de broma póstuma. Para heredar su patrimonio los hermanos Viaplana tendrán que superar las pruebas de un macabro juego que los enfrentará al secreto mejor guardado de la familia.

Crítica

Homenaje cómicamente negro a las películas de crímenes y misterios

‘La Fortaleza’, no confundir con una de las últimas películas de Bruce Willis o con la marca de cafés. Es la nueva película cómica de Chiqui Carabante, autor de obras como ‘12+1 una comedia metafísica’ u ‘Honor’, la serie que adapta el original protagonizado por Bryan Cranston.

Un casoplón, una familia numerosa, un muerto, una herencia que cobrar, un misterio que resolver… La película tiene los mismos ingredientes que los títulos de Agatha Christie o que las recientes películas de ‘Puñales por la espalda’, título que le vendría como anillo al dedo a ‘La Fortaleza’. En esa casa se reúnen cinco hermanos convocados por un notario que les ha transmitido la muerte de su padre. Acuden a la casa familiar tras llevar sin ir más de tres años debido a que su padre era bastante desgraciado y cargantemente bromista con ellos. Incluso muerto les gasta una broma pesada pues les obliga a jugar al algo que si no superan desencadenará en la pérdida de la herencia.

Entre aquello que figura en el legado está la fortaleza emplazada en los campos de Extremadura, que es obviamente donde transcurre la acción. Si queremos una similitud para esta película con algo actual habría que decir que es como un escape room retorcido. Con unas pocas pistas y unas estrictas exigencias los hermanos tienen que conseguir el objetivo marcado, que no voy a desvelaros ya que el factor desconcertante es un punto clave para entretenerse con este filme. ‘La Fortaleza’ se vende como una comedia negra de suspense pero yo creo que se le ajusta más el término de comedia de desconciertos y puñaladas. El suspense está en un seguidísimo plano y deja paso a la confusión y los giros locos. Es una comedia disparatada, de esas cuyos protagonistas sabemos que están en caída libre e irremediable al más estrepitoso fracaso.

Y todo esto es debido a que la familia está rota y formada por cinco hermanos, a cada cual más disfuncional. Un empresario fracasado, una deprimida empastillada, un escritor que no publica, una hermana mayor que vive de postureo y un siervo de la engañifa del mindfulness. Este último está interpretado por Vito Sanz y es de todos el que mejor capta y ejecuta el tono de esta comedia. Pero, al final, el personaje que va a ser más cómico es el que resulta más serio y cabal. Fernando Tejero aparece ante la cámara con unas gafas enormes asimilándose al Rompetechos de Ibáñez, pero recreando a un notario serio, firme y riguroso. Curiosamente, a pesar del carácter de ese personaje, es uno de los más graciosos.

‘La Fortaleza’ esgrime humor negro o macabro pero poco suspense. Es una sucesión de chistes que homenajean el género de crímenes y misterio en estratos altos de la sociedad burlándose de esta. Funciona como comedia de enredos que no busca ningún tipo de preciosismo, al contrario, se muestra burda. Los personajes son ambiciosos a rabiar, pero esta película no peca de querer morder más de lo que se puede masticar y se percibe consciente de sus aspiraciones. Es un entreteniendo que no rivaliza con estrenos recientes como ‘Misterio en Venecia’ pero que como tragicomedia disparatada sabe diferenciarse.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de septiembre de 2023. Título original: La Fortaleza. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Chiqui Carabante. Guion: Chiqui Carabante, Salvador S. Molina, David Orea Arribas. Música: Darío González Valderrama. Fotografía: Juan Hernández. Reparto principal: Fernando Cayo, Goya Toledo, Fernando Tejero, José Manuel Poga, Vito Sanz, Carla Nieto, Lola Casamayor, Manuel Zarzo, Yan Tual, Manolo Solo, Nacho Fresneda. Producción: Canal Extremadura TV, Canal Sur Televisión, Featurent, Glow, ICAA, Lolita Films, Mediaevs, Un Fin De Semana Juntos. Distribución: SkyShowtime. Género: comedia, misterio. Web oficial: https://featurent.com/latest/la-fortaleza/

Se estrena ‘Richard la cigüeña y la joya perdida’

Continuando con la historia de ‘Richard la cigüeña’

Vértigo Films estrena hoy en cines la película de animación familiar: ‘Richard la cigüeña y la joya perdida’. Dirigida por la danesa Mette Tange y el alemán Benjamin Quabeck, esta pareja creativa se pone a los mandos de esta aventura, recuperando a los personajes que fueran presentados en ‘Richard la cigüeña’ (2017).

‘Richard la cigüeña y la joya perdida’ es una divertida película familiar de animación, co-producida por Alemania, Bélgica y Noruega. Enfocada en los más pequeños, es una apasionante aventura donde acontecen un buen puñado de situaciones divertidas y emocionantes.

El protagonista, Richard, es un gorrión que cree que es una cigüeña al haber sido criado por ellas. Junto a Richard podremos ver en la película a su hermano Max (una cigüeña mayor que él), al alegre periquito Kiki (fanático de la música disco y el baile), al búho pigmeo hembra Olga (acompañada de su amigo imaginario Oleg)… sin olvidar al grupo de gorriones capitaneados por Samia, al pavo real Zamano o al tierno y divertido gorrión despeinado Basak.

Bajo el guion de los propios directores (Tange y Quabeck) y la ayuda en la escritura de Reza Memari (creador original de los personajes) y Philip Lazebnik, en ‘Richard la cigüeña y la joya perdida’ descubriremos un trepidante viaje lleno de dinamismo donde un conjunto de aves vivirán una aventura inolvidable.

Crítica: ‘El Conde’

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‘El Conde’ es una comedia de terror y humor negro ambientada en un universo paralelo inspirado en la historia reciente de Chile. La película representa a Augusto Pinochet —símbolo del fascismo mundial— como un vampiro que vive recluido en una mansión abandonada en el gélido extremo sur del continente, saciando su apetito de maldad para subsistir. Pero después de 250 años, Pinochet decide dejar de beber sangre y renunciar al privilegio de la vida eterna. No puede soportar más que el mundo lo recuerde como un ladrón. Pese a que sus familiares son unos arribistas y fuente de decepción para Pinochet, una relación inesperada lo anima a seguir adelante, pero esta vez con una vida de pasión contrarrevolucionaria.

Crítica

Pocas veces las burlas hacia la sombra siempre acechante del fascismo han sido tan mordaces

‘El Conde’ es una comedia negra que transcurre en un universo paralelo. Augusto Pinochet no murió, o si… tal vez ya estaba muerto en vida. Esta película nos desvela que el tirano es realmente un vampiro de más de 250 años (interpretado por Jaime Vadell, un actor de casi 90) que vive recluido y harto de sentirse decepcionado por sus familiares y ser recordado como el mal encarnado, como un ladrón. Es por ello que alcanza el punto crítico de decidir dejar de beber sangre. Pero un giro de los acontecimientos, que debéis descubrir, cambia esa determinación a dejar este mundo.

La capa que lucían muchos dictadores del siglo pasado es lo que evocó a Pablo Larraín a la figura del Conde Drácula y lo que desató la imaginación que ha sido plasmada en el guión. Un texto que ha hecho que ‘El Conde’ sea la recién ganadora del premio a mejor guión en Venecia, obra que ha escrito junto a Guillermo Calderón. Entre ambos han rescatado esta figura que nos pintan cómicamente como la de un revolucionario de derechas cansado de ser súbdito y con una evidente megalomanía, un ser tan egoísta que es capaz de negarle la inmortalidad a sus propios hijos y esposa.

Llega este estreno tras la decepción con Larraín por ‘Spencer’ ya que yo era de los que disfrutaron ‘Jackie’. Debí ir prevenido ya que tampoco me gustó ‘Neruda’. Hay algo que no se le puede negar a Larraín, sabe buscar un punto de vista diferente para rescatar personajes históricos. En este caso, además de un cambio estético abraza dos géneros distintos, la comedia (negra) y el “terror”. Eso le hace incluso a llegar a tocar no a no uno, sino a varios personajes odiados por su pueblo ya que, por ejemplo, la condición de inmortal del protagonista nos hace volver a la Francia de María Antonieta.

Larraín se lanza al mundo del blanco y negro. Con esta decisión nos transporta a un mundo alternativo, donde hay una uniformidad y ausencia de color, con además tonos muy oscuros. Sobra decir que la época dorada del Conde Drácula fue aquella en la que sus historias se rodaban aún en escala de grises. ‘El Conde’ podría considerarse como una adaptación libre de Drácula. No falta el fiel ayudante familiar, la residencia en tierras inhóspitas, el (en este caso la) Jonathan Harker que visita el feudo para arreglar el papeleo… Si queremos resumir todos los símiles habría que decir que la familia Pinochet ha succionado la sangre a todo un país. Los asesinados, las cuentas en el extranjero, el odio visceral a la izquierda, las torturas que han quedado impunes… Si Chile está convulso actualmente el refrescar todo esto puede ser todo un acto de memoria de la cual aprender pero también hay que reconocer que es un zarandeo arriesgado. Larraín parodia, imagina, pero también clava escenas como la del velatorio, cuando recibió el escupitajo del nieto de una de las víctimas de su golpe de estado.

‘El Conde’ es la revisión de un villano dotado de la vileza de aquellos que siendo claramente culpables se dicen ser la verdadera víctima, describiéndose con el descaro de esos abyectos personajes de la prensa del corazón que son incapaces de ver el freak en el que se han convertido. Y terror no tiene la película, pero imagino el miedo que deben sentir en Chile ante la idea de que este dictador se mantenga con vida y además con poderes sobrenaturales. Aun así hay que decir que hay bastantes escenas horripilantes y violentas que pueden herir sensibilidades. La película es abiertamente cruda en varios sentidos, tanto con sus indirectas como con imágenes explícitas de decapitaciones. Y con todo esto una de las secuencias que destacan es un precioso vuelo que parece un anuncio de colonia, muy a lo ‘Jupiters Moon’.

Ante todo esto es sátira y farsa política (aunque todos sabemos que la política es una farsa por definición). Estamos ante una burla como la que fue en su día ‘El gran dictador’ o hace poco ‘Jojo Rabbit’. Menuda manera ácida y mordaz de rememorar que han pasado 50 años desde el golpe de estado en el país americano. Tras todo un mandato dictatorial Pinochet no respondió ante la justicia, como tantos otros tiranos. Eso conlleva un legado funesto que nunca termina de limpiarse. Prueba de ello es la división que vive hoy en día Chile. Ahí surge la fuerza de esta burla que reclama que hay que cerrar heridas y reconocer errores para que la sombra del pasado no vuelva a acecharnos. Al fin y al cabo lo que se busca, casi de manera literal, es exorcizar los males del pasado.

Los siguientes títulos de Larraín nos devolverán a María Callas con Angelina Jolie encarnando a la cantante de opera y al 11S con ‘The true american’, curiosamente fecha en la que publico esta crítica. Espero que se atreva con otro volantazo a su carrera pues saliéndose por la tangente es cuando saca lo mejor de él, al menos para mi gusto.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de septiembre de 2023. Título original: El Conde. Duración: 111 min. País: Chile. Dirección: Pablo Larraín. Guion: Guillermo Calderón, Pablo Larraín. Música: Juan Pablo Ávalo, Marisol García. Fotografía: Edward Lachman. Reparto principal: Jaime Vadell, Gloria Münchmeyer, Alfredo Castro, Paula Luchsinger, Catalina Guerra, Marcial Tagle, Amparo Noguera, Diego Muñoz, Antonia Zegers, Stella Gonets. Producción: Fabula. Distribución: Netflix. Género: terror, comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81590652

Crítica: ‘El sol del futuro’

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Giovanni (Nanni Moretti) un conocido cineasta italiano, se prepara para rodar su nueva película.

Pero entre su pareja en crisis, su productor francés al borde de la quiebra y su hija que no le hace caso, ¡todo se ha puesto en su contra!

Siempre en el límite, Giovanni va a tener que replantearse su manera de hacer las cosas, si quiere conducir a todo su pequeño mundo hacia un futuro brillante.

Crítica

Desde la ironía y el sometimiento Moretti se ríe de la actualidad cinematográfica

Pocas veces el cartel de una película representa exactamente lo que esta quiere contar. En el caso de ‘El sol del futuro’ el artista gráfico que ha realizado el poster ha dado en el clavo, al menos con aquello que a mi me ha transmitido la última película de Nanni Moretti.

En ‘El sol del futuro’ nos encontramos con un director inmerso en una agonía creativa. Se siente agobiado por tardar demasiado en rodar películas y tener todavía más historias que querer narrar. Por si no fuese suficiente el futuro le ha cogido de lleno y se siente completamente desencajado en una industria cinematográfica que ya no tiende. Él quiere rodar a su manera, con un estilo clásico, limpio y sencillo, con libertad creativa y sin ataduras o exigencias de todo aquello que es meramente comercial o estadístico. La película es obviamente meta y hace referencia a la propia vida del director italiano.

En la película hay un personaje de un productor que le llega a decir al director que su película es subversiva. Volvemos con el tema autoreferencial pues en varios sentidos con ‘El sol del futuro’ se dan coletazos rabiosos contra todo aquella “cultura” que alienta la audiencia general. Moretti se declara abiertamente anti cine industrial y nos invita a pensar y darle mil vueltas a las escenas. Me gusta esa lucha que hay entre el cine como arte con reflexión y sentido frente al producto fugaz y comercial, pero también como claudica ante una irremediable derrota. La reunión con Netflix es tronchante.

No se si Moretti es tan maniático y esclavo de sus propios ritos como Luciano, el director que interpreta en esta ficción. Pero a partir de esas “deficiencias” surge una comedia que tiene tanto de ácida como de inocentona por sencilla que es. Su personaje es un Melvin Udall que al mismo tiempo que se cree precursor de la perfección con sus antojos y minuciosidades está ciego ante las verdades y la realidad que tiene delante.

En esta película, Moretti nos invita a reflexionar con muchísima ironía sobre la industria del cine y su constante evolución. Es una tragicomedia personal pero también industrial. Tanto en lo íntimo como en lo universal manifiesta un amor incondicional, pero también un sometimiento a un destino fatal inevitable.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de septiembre de 2023. Título original: Il sol dell’avvenire. Duración: 95 min. País: Italia. Dirección: Nanni Moretti. Guion: Francesca Marciano, Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella. Música: Franco Piersanti. Fotografía: Michele D’Attanasio. Reparto principal: Nanni Moretti, Marguerita Buy, Mathew Amalric, Silvio Orlando. Producción: Sacher Film, Fandango, Rai Cinema, Le Pacte, France 3 Cinema, Canal+, Kinology. Distribución: Caramel Films. Género: comedia, drama. Web oficial: https://www.sacherfilm.eu/portfolio/il-sol-dellavvenire-di-nanni-moretti/

Crítica: ‘El cuco’

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Este año, las vacaciones de Marc y Anna, embarazada de ocho meses, serán distintas. Han decidido intercambiar su casa con Hans y Olga, una pareja de jubilados alemanes que han conocido a través de una web. Pese a la aparente calma del principio, poco a poco, el intercambio de casas se convierte en una auténtica pesadilla para Marc y Anna cuando descubren que Hans y Olga tienen otros planes para ellos.

Crítica

Un home invasion elevado a varios niveles

Con el título de esta última película de Mar Targarona podemos intuir qué va a suceder en esta trama que mezcla terror, suspense y humor negro. Y aun teniendo una pista tan evidente podríamos decir que la película funciona mejor que ‘La abuela’ de Paco Plaza, filme con el que guarda buenas similitudes. Tras películas como ‘Dos’, ‘Secuestro’ o ‘El fotógrafo de Mauthausen’ creo que puedo decir que esta es la obra dirigida por Targarona que más me ha gustado.

Los humanos hemos inventado el subgénero “home invasión” dentro del cine de terror. Ese ese cine en el que la cotidianidad de un hogar se ve rota por la irrupción de un extraño. Pero los cucos llevan practicando el arte de invadir el espacio ajeno toda su existencia. Hace no mucho Lorcan Finnegan cogió esa idea y la plasmó en ‘Vivarium’ y es ahora Targarona quien le da una vuelta de tuerca y se monta una película de invasión doméstica por partida doble y además elevando el nivel.

La trama nos hace conocer a dos parejas. Una de ellas es una barcelonesa que está a punto de adentrarse en el mundo de la paternidad. Él es un desastre obsesionado con su trabajo, ella está sobrepasada y desquiciada al soportar todo el peso de la relación. “Unas buenas vacaciones lo arreglan todo”, suelen decir las parejas en crisis. Ese tópico es del que tiran y se atreven además con una experiencia de intercambio de hogares. Ahí es cuando conocemos a la otra pareja. Con ellos sentimos la misma extrañeza y desconcierto que los protagonistas. De inmediato comienza ese home invasión que mencionaba, que parte de romper de buenas a primeras el espacio personal. Algo nada infundado y que cobra mucho sentido al final del segundo acto.

Mientras se suceden tomas que emulan abiertamente a ‘El resplandor’ o a ‘Psicosis’ la trama se va retorciendo. El guión está bien armado y como espectadores no acabamos de lograr saber exactamente qué está pasando. Todo se llena de incógnitas que se resuelven y encajan correctamente, algo que no siempre nos encontramos en este tipo de películas que habitualmente dejan todo a la libre interpretación o a designios sobrenaturales. Solo es al final que comentaba en el segundo acto cuando se descubren las cartas a si es que os propongo dejaros llevar por todo el misterio de este viaje a la selva negra más desconcertante.

A partir de ese cierre del segundo tercio que comentaba entramos en un camino hacia el final que prácticamente cambia de género. La película arriesga a alargar su conclusión a costa de desbocarse en un corre que te pillo que alcanza un final que por lo menos es distinto a lo que vemos habitualmente. Quizá esa aceleración en el devenir de los acontecimientos, ese desmadre al que se entrega el largometraje no le guste a todos los espectadores. ‘El cuco’ es la película más de género que ha hecho Targarona y creo que se ha desinhibido por completo.

Aunque es una película narrada en pareja el protagonismo recae irremediablemente en Belén Cuesta. Como si fuese la Rosemary de Polanski o la embarazada de Maury y Bustillo defiende a toda costa a la criatura que lleva en su interior de aquello que la amenaza. Pero en este caso la defiende del futuro que me aguarda. ‘El cuco’ nos habla tanto de manera directa como indirecta de sacrificios. Algunos son evidentes, propios de la trama que sucede ante nosotros en primer plano, pero otras ofrendas, son menos evidentes y nos hablan de aquello a lo que estamos dispuestos a renunciar a la hora de proporcionar una vida mejor a los que queremos. El cuco es un pájaro que vilmente usurpa a el nido de otros, pero nadie ha pensado que también renuncia a un vínculo emocional, a la experiencia de la crianza y todo ello en aras de perpetuar su ADN en el tiempo. Quizá esta es una paja mental que me estoy montando, pero ese sentido frívolo de la supervivencia está en todos nosotros, aunque el remordimiento o los condicionante sociales nos impidan darle alas. ‘El cuco’ hace que reluzca la capacidad humana de sobrevivir, haciendo hincapié en que siempre hay un precio que pagar. Como espectador, después de verla, puedo decir que el precio de una entrada de cine para verla no es ningún sacrificio.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de septiembre de 2023. Título original: El cuco. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Mar Targarona. Guion: Alfred Pérez Fargas, Roger Danès. Música: Diego Navarro. Fotografía: Rafa Lluch. Reparto principal: Belén Cuesta, Jorge Suquet, Hildegard Schroedter, Rainer Reiners, Chacha Huang, David Selvas, Manel Dueso, Marina Gatell. Producción: Barry Films, Rodar y Rodar Cine y Televisión. Distribución: Filmax. Género: terror, suspense. Web oficial: https://www.filmax.com/distribucion/el-cuco.255

Análisis del Blu-ray de ‘Los Caballeros del Zodiaco’

Una edición para curiosos y coleccionistas zodiacales

Al menos no ha sido otro Dragonball Evolution. Esa es la frase más repetida por todos aquellos que acudieron a cines a ver el live action de ‘Los Caballeros del Zodiaco’. Una versión con actores de carne y hueso que se estrenó a inicios de este verano y que cosechó muy malas críticas, tanto entre el público como entre la opinión especializada, aquí la nuestra.

A su protagonista quizá le vaya mejor con el live action de ‘One Piece’. Sin embargo, aún recabó alguna crítica positiva y sus productores, en una acción que para muchos es kamikaze, ya adelantaron que habrá segunda parte independientemente de las opiniones vertidas en este filme y los resultados en taquilla.

La historia nos traslada a un mundo en el que unos caballeros portan armaduras y defienden sus ideas gracias a los poderes otorgados por una u otra constelación. Hasta ahí todo suena igual que el manga/anime. Pero la deriva de la historia, el diseño de producción e incluso las interpretaciones están muy lejos del nivel que exige adaptar una historia tan mítica. Quien sabe, quizá encontréis en estos Blu-rays un placer culpable.

Mackenyu fue quien encarnó a Seiya en esta película que ya ha salido a la venta en el mercado doméstico. La ediciones en formato físico de este largometraje de Los Caballeros del Zodiaco vienen acompañadas de extras, algo que empieza a ser raro en las últimas licencias que salen a la venta. El último bloque de este artículo está dedicado a describir el contenido adicional que Arvi Licensing ha grabado en estos discos. Una serie de contenidos que se antojan más interesantes que la propia película.

Como información técnica nos encontramos con una edición proyectada en alta definición con pantalla ancha a 2.00:1. En el caso del audio se presenta en castellano, inglés, francés y alemán DTS-HD Master 5.1. En cuanto a los subtítulos se han dispuesto en castellano, inglés, árabe, francés, alemán, portugués y turco.

Extras (21 min. aprox.)

Detrás de los personajes (4:57 min.)

Alman, Guraad, Sienna, Nero y por supuesto Seiya son los protagonistas escogidos para esta versión. Cada uno de los actores analiza qué ha extraído o interpretado de la fuente original.

Escenas eliminadas (7:50 min.)

Algunas escenas que no se montaron en la versión comercializada de la película. Algunas de ella si habrían aportado algo interesante, otras solo habrían alargado lo inevitable.

Animatic (0:57 min.)

Ensayos acompañados de pequeños efectos animados y algunos storyboards.

Arte conceptual (0:23 min.)

A veces el arte previo a la película que se realiza para tener una idea de lo que se está buscando es mejor que lo que finalmente se consigue plasmar. Aquí es donde vemos lo mucho que se han alejado pues las propias viñetas del manga de Masami Kurumada deberían haber servido de arte conceptual.

Un rodaje junto al equipo de especialistas de Andy Cheng (3:05 min.)

Sea cual sea el resultado de la película ha habido un equipo de extras y especialistas de todo tip otras la acción que finalmente ha llegado a la gran pantalla y a nuestras casas. Aquí vemos como se ha entrenado el equipo sobre el tatami y en los escenarios del filme.

Octagon previs (4:14 min.)

La secuencia del cuadrilátero callejero montada pero interpretada por el equipo de especialistas en su gimnasio.

 

 

‘La vida de Brianeitor’ podrá verse en San Sebastián

Javier Fesser produce este documental de Álvaro Longoria

Álvaro Longoria (‘Hijos de las nubes’, ‘Tequila. Sexo, drogas y rock&roll’), director y productor cántabro, ganador y nominado, en dos ocasiones a los premios Goya como director de documentales, regresa de nuevo al Festival de cine de San Sebastián para presentar su nuevo documental: ‘La vida de Brianeitor’, el retrato del día a día del gamer y streamer Brianeitor2002.

Longoria es un habitual de este certamen en el que ha participado previamente con otros trabajos como:  ‘Hijos de las nubes, la última colonia’, que se proyectó dentro de la sección Made in Spain en 2012, el documental nominado al Goya ‘The Propaganda Game’ se presentó en la sección Zabaltegi-Tabakalera, en 2015, ‘Ni distintos ni diferentes, Campeones’, tuvo un pase multitudinario en el Velódromo en 2018; y ‘Tequila. Sexo, drogas y rock and roll’, se pudo ver en la pasada edición dentro de la sección Made in Spain. Y en esta misma sección, en la gala de clausura es donde tendrá lugar el estreno mundial de ‘La vida de Brianeitor’.

En tono positivo e inspirador, ‘La vida de Brianeitor’, cuenta la historia de superación de Brian, un joven de 21 años quien padece atrofia muscular degenerativa y cuya afición a los videojuegos y las redes sociales ha cambiado su vida. Hoy, Brianeitor2002, es un gamer y streamer con casi 3 millones de seguidores en redes sociales. Su fichaje por el equipo de gamers Team Heretics (uno de los más grandes e importantes del mundo) y su debut como protagonista en la película ‘CampeoneX’ de Javier Fesser 2023, le catapultarán a la fama definitivamente.

Longoria ha contado para su relato con acceso exclusivo a la vida de Brian, con la participación de su familia, sus amigos más cercanos, los principales miembros de su equipo Team Heretics y con otros gamers, streamers y compañeros de este nuevo universo. A través de ellos y del archivo personal de Brian, el documental reconstruye su vida hasta convertirse en Brianeitor2002. Además, ha contado con imágenes exclusivas e inéditas del debut de Brian como actor, en el rodaje de la película ‘CampeoneX’, dirigida por Javier Fesser que da continuidad a su anterior film ‘Campeones’ 2018, que se convirtió en un auténtico fenómeno social.

El estreno de la película en las salas de cine tendrá lugar el 11 de octubre, de la mano de la distribuidora Notorious Pictures.

‘La vida de Brianeitor’ es una producción de Javier Fesser, y Pilar Benito, Luis Manso y Álvaro Longoria con producción ejecutiva de Anna Saura para Morena Films y Películas Pendelton. Cuenta con la participación de Movistar Plus+.

Lucas Vidal, ganador de 2 premios Goya (Palmeras en la nieve, Nadie quiere la noche), será el compositor de la Banda Sonora de la película.

Sinopsis oficial:

Con movilidad únicamente en dos dedos de las manos por la atrofia muscular degenerativa que padece desde que nació, Brian se ha convertido en un fenómeno mundial gracias a las redes sociales, donde es el gamer y streamer del momento. Tiene millones de followers que siguen cada uno de sus pasos y acaba de debutar en la gran pantalla en la película ‘Campeonex’, de la mano de Javier Fesser. La vida de Brianeitor cuenta la fascinante historia de superación de cómo Brian se ha convertido en Brianeitor2002 a pesar de su discapacidad física.

Crítica: ‘Me he tragado un extraterrestre’

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Gus, Sophie y Max, integrantes del equipo de la Fuerza de Protección Espacial que lucha contra el crimen en el universo, sufren un accidente en su nave microscópica y acaban en la Tierra, más concretamente la cabeza de Norman, de 16 años.

Estos alienígenas deben salvar al universo de los planes de Zolthard, un villano intergaláctico que ha asumido el control mental de la directora de su escuela, la Sra. Witherington. Para ello deben conseguir la ayuda de Norman, ¡tomando también el control de su cuerpo! Él, sus amigos y los alienígenas deben librar una lucha intergaláctica entre el bien y el mal sin que el instituto lo sepa. ¡Y entre tanto, siguen teniendo deberes que entregar!

Crítica

Una divertida cinta para amenizar la vuelta al cole de los más pequeños

Paul Louis Meyer y Gerhard Painter nos traen su ópera prima después de trabajar juntos en el mundo de los efectos especiales. Daniel Buckland y Ronald Henry, crearon esta entretenida historia hace unos años y los directores cogieron este guion abandonado y lo reescribieron cambiando algún detalle que otro.

‘Me he tragado a un extraterrestre’ nos trae la historia de Norman, un joven de 16 años que está obsesionado, junto con sus amigos, en la existencia de los extraterrestres. Y como no puede ser de otra manera, se le va a cumplir su deseo y va a descubrir que realmente existen. Pero no como todos pensamos, sino que son microscópicos y realmente pueden estar dentro de nosotros.

La película es una mezcla de ‘The Faculty’ y ‘El chip prodigioso’. Por supuesto, tenemos extraterrestres buenos, pero también tenemos al gran villano Zolthard, el cual puede recordar en su diseño a ‘Megamind’ y es él el que quiere invadir nuestro planeta.

Luma Animation, un estudio sudafricano de animación que dirigen los dos creadores de esta película, nos trae esta cinta, que para ser su primer proyecto largo está muy bien realizado. Tiene unos personajes muy bien definidos y un diseño de estos muy trabajado. El color de la película es increíble, brillante y eso sí, lleno de tonos azules, sobre todo para los extraterrestres.

Nuestros protagonistas son adolescentes y la verdad que como he dicho están muy bien definidos. Con caracteres muy diferentes, nos muestran que se puede ser héroes sin ser perfectos. Personas torpes o poco sociables, son parte de estas personalidades y no pasa nada. Son gente normal que están dispuesto a arriesgarlo todo para salvar a la humanidad.

En el reparto de voces encontramos caras conocidas en el cine de Sudáfrica. Bonko Khoza, Zak Hendrikz, Nelisa Ngcobo, Jana Louw, James Cairns o Michelle du Plessis, son quienes dan vida a nuestros personajes.

‘Me he tragado un extraterrestre’ es una gran opción de llevar a nuestros pequeños a las grandes salas antes de volver al a realidad del colegio. Muy divertida para ellos y también para nosotros. El 1 de septiembre llega a nuestras salas de cine gracias a Vercine.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de septiembre de 2023. Título original: Headspace. Duración: 85 min. País: Sudáfrica. Dirección: Gerhard Painter, Paul Louis Meyer. Guion: Daniel Bluckland, Ronald Henry, Gerhard Painter y Paul Louis Meyer. Música: Benjamin Willem. Reparto principal: Bonko Khoza, Zak Hendrikz, Nelisa Ngcobo, Jana Louw, James Cairns, Michelle du Plessis, Roberto Pombo, Sparky Xulu, José Domingos, Dianne Simpson, Dineo du Toit, Chris van Rensburg. Producción: Luma Animation, The Ergo Company. Distribución: VerCine. Género: Ciencia Ficción. Web oficial: https://www.vercine.org/ficha/es/718-me-he-tragado-un-extraterrestre/

Crítica: ‘Mi soledad tiene alas’

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En un barrio humilde a las afueras de Barcelona, Dan (Óscar Casas) y sus dos amigos, Vio (Candela González) y Reno (Farid Bechara), viven sin pensar en el mañana, entre fiestas y dando palos a joyerías. Detrás de su apariencia de pequeño delincuente, Dan esconde un artista con talento, y una sensibilidad distinta al mundo que le rodea. La reaparición de su padre, tras salir de la cárcel, despierta los viejos demonios de Dan, sumergiéndolo en una espiral de violencia que le obliga a huir y pone a prueba la amistad entre los tres amigos. Empieza un viaje de descubrimiento sin retorno para Dan y Vio, donde tienen que dejar atrás los niños que fueron, cambiando sus vidas para siempre. ¿Podrán escapar de su destino por amor?

Crítica

Un Bonnie and Clyde de barriada que sorprenderá a más de uno

Tiempos de actores dando sus primeros pasos como directores. En la misma semana que se estrena la primera película dirigida por Itsaso Arana llega el primer largometraje dirigido por Mario Casas, ‘Mi soledad tiene alas’. Pero ambas películas son radicalmente diferentes y si queremos buscar un símil más cercano hemos irnos a ‘En los márgenes’. Aunque la trama es diferente tanto Mario Casas como Juan Diego Botto han querido irse a las barriadas para contar una historia de personajes acorralados.

‘Mi soledad tiene alas’, tras un título que podría parecer un post en un perfil social dirigido a emos, se esconde un tema ligerísimamente autobiográfico. Mario Casas hace alusión a una época en la que se sentía solo y en la que según él sacó alas para alzarse y salir victorioso. En este caso, es de suponer que no en la vida real, nos encontramos ante una trama de delincuencia, de personajes marginales, envenenados, supervivientes y un tanto asalvajados.

Mario Casas también firma el guión y lo hace junto a la actriz belga Déborah François, su pareja. Co-protagoniza su hermano Oscar Casas junto a Candela González. Nostromo Pictures produce, compañía con la que Casas ha hecho películas como ‘Bird Box Barcelona’, ‘Hogar’ o ‘Contratiempo’. No puede quedar todo más en familia. Viendo la película se nota que el equipo está cómodo y que trabaja en la misma dirección y por eso tiene esa homogeneidad y honestidad que le falta a las películas repletas de estrellas en las que cada uno quiere llevárselo todo a su terreno. Y aunque por fin puedo decir que he visto una cinta en la que Oscar Casas actúa correctamente, hay que admitir que como su hermano aún tiene que trabajar la interpretación vocal.

Ojo, aunque haya dicho lo anterior no me estoy refiriendo a la dicción o a la vocalización, sino a la entonación y a los distintos tipos de énfasis que podemos encontrar en cada escena, algo por lo que creo que siempre se acusa injustamente a Mario Casas y en general a todos los actores jóvenes españoles. De igual modo que a Mario Casas se le etiqueta siempre como el típico guaperas y para mí ha demostrado ya en numerosas veces que es mucho más que eso. Alejándose de esos tópicos en esta ópera prima ha creado una historia que podría ser perfectamente una más del cine quinqui de los setenta. Clase social baja, delincuencia juvenil, flirteo con las drogas, la Barcelona y el Madrid marginal, gitanos y mercheros, las malas influencias… Haya sido intencionado el hecho de que nos encontramos con todos estos elementos es innegable. Además ‘Mi soledad tiene alas’ termina siendo una historia de amor con un sabor a Bonnie and Clyde, al fin y al cabo Mario Casas sabe muy bien que le aupó a la fama y lo que le hizo conseguir tantos fans. Este romance enrabietado contará con los prejuicios y sesgos de las mentes cerradas pero estoy seguro de que sorprenderá a más de uno. Si aún no se ha hecho popular el hashtag #MSTA no tardará en hacerlo, como muy tarde cuando llegue a Netflix, que está metido en el ajo.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de agosto de 2023. Título original: Mi soledad tiene alas. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Mario Casas. Guion: Mario Casas, Déborah François. Música: Zeltia Montes. Fotografía: Edu Canet. Reparto principal: Óscar Casas, Candela González, Farid Bechara. Producción: ICAA, Netflix, Nostromo Pictures. Distribución: Warner Bros. Género: drama, romance. Web oficial: https://nostromopictures.com/movies/coming-soon/mi-soledad-tiene-alas

Crítica: ‘No tengas miedo (Cobweb)’

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Peter, de ocho años, vive atormentado por culpa de los misteriosos golpes provenientes del interior de la pared de su dormitorio. Sus padres insisten en que sólo están en su imaginación. A medida que el miedo de Peter se intensifica, empieza a creer que sus padres podrían estar escondiendo un terrible y peligroso secreto… y ¿Qué hay más aterrador para un niño que dejar de confiar en su familia?

Crítica

Mucho más cerca del terror estándar actual que de ‘Marianne’ o de Poe

Samuel Bodin sorprendió a la audiencia con la serie ‘Marianne’. En ella sembraba acertadísimamente una atmósfera tensa y truculenta que nos ponía los pelos de punta. Nos dejaba a punto de caramelo para sustos y terrores. Además esa producción funcionó por como enganchaba con la audiencia joven, aunque sus momentos de humor estuviesen muy mal injertados. Ahora este director nos propone una nueva historia de terror, en formato largometraje, que por desgracia difiere bastante de la serie de Netflix.

Difiere de su serie pero se parece a otras tantas películas de terror de los últimos años. Cuando encontramos símiles muy cercanos no suele ser buena señal o por lo menos ya partimos del hecho de sentir que estamos viendo algo repetido. En esta película un niño vive al margen de sus compañeros y lo hace por múltiples razones. Como en ‘Antlers: Criatura oscura’ el terror está en el día a día de la casa en la que vive y la tutora del colegio es la única que vislumbra el problema. Nos adentramos en una casa con demasiados detalles inquietantes entre los que se haya un diálogo muy a lo ‘Black Phone’ o ‘Déjame entrar’. Y haciendo alusión a esta última tenemos que decir que ‘No tengas miedo (Cobweb)’ también trata sobre los miedos nocturnos y el bullying (cuyo abusón está interpretado por Luke Sampson Busey, hijo de Gary Busey). Estas son sin duda cuestiones horripilantes que te atrapan como una telaraña, cuanto más te agitas más atraes a la fuente del problema.

Por desgracia, aunque pone sobre la mesa temas actuales o que pueden ser sensibles para algunos espectadores tira por tierra su idea. El planteamiento es curioso pues parece que el problema está en unos personajes, nos hacen pensar que es algo evidente. Pero el giro que sucede en el tercer acto para desmentir eso, cuando aún queda como un tercio del metraje, reduce todo a una solución tipo “hermano gemelo de Bart Simpson”. De lo que parecía que iba a ser una historia con fondo dramático y psicológico surge un survival horror de lo más convencional que nos da solo un par de imágenes curiosas. Giros de cámara a lo Kubrick, sustos predecibles, respuestas a los misterios vagas o insatisfactorias… ¿Que mola y es atrevido ver a un niño enfrentándose a situaciones altamente violentas? Si, pero como decía, esto ya se ha hecho.

Se supone que estábamos ante un relato fantástico, sobrenatural y de suspense capaz de sorprendernos. Y lo único que sorprende es que se supone que está basado en un relato de E.A. Poe, uno de los famosos, ‘El corazón delator’. Pero no hay ninguna similitud más allá de los golpecitos en la madera que tanto se oyen en los tráilers. Quizá Bodin no ha entendido que ese relato trata sobre la culpa y la paranoia. Aquí no vislumbramos ningún tipo de remordimiento o de alucinaciones fruto de la conciencia carcomida en absolutamente ninguno de los personajes.

Esta es la primera producción de Seth Rogen (Point Grey Pictures) en el campo del terror y por lo que a mí respecta prefiero que siga con la comedia, de hecho, le acabamos de vitorear por sus Tortugas Ninja. Para mi Samuel Bodin aún tiene que demostrar ser ese autor de terror llegado para cambiar nuestro concepto del género. Pero si algo demuestra es que le encanta retratar a madres desquiciadas (en este caso interpretada por Lizzy Caplan) y que tener a Antony Starr (el Patriota de ‘The Boys’) como padre no tiene buenas perspectivas de futuro.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de agosto de 2023. Título original: Cobweb. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Samuel Bodin. Guion: Chris Thomas Devlin. Música: Sofia Hultquist. Fotografía: Philip Lozano. Reparto principal: Antony Starr, Lizzy Caplan, Woody Norman. Producción: Lionsgate, Media Capital Technologies, Point Grey Pictures, Vertigo Entertainment, Nu Boyana. Distribución: Vértice Cine. Género: terror. Web oficial: https://vertice360.com/es/ficha-prensa/no-tengas-miedo-cobweb

Crítica: ‘Las chicas están bien’

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Un grupo de chicas se junta en una casa de campo durante una semana de verano para ensayar una obra de teatro. Mientras conviven, intercambian sus saberes sobre la amistad, la actuación, el amor, la orfandad y la muerte; con la secreta esperanza de que compartirnos nos hace mejores.

 

‘Las chicas están bien’ es un cuento de verano con princesas, caballos, sapos, un fuego, una fiesta, un río, muchas cartas, y hasta un príncipe despistado.

Crítica

Un ejercicio cargado de íes: ideas, inquietudes, inspiración, ilusión, interpretación, introspección, imaginación…

La nueva película protagonizada por Itsaso Arana viene escrita y dirigida, por primera vez, por la actriz tafallarra contando con la producción de su anteriormente director, Jonás Tueba (‘La virgen de agosto’, ‘Tenéis que venir a verla’). Por ella y por otras cuatro compañeras interpretadas por Bárbara Lennie, Irene Escolar, Itziar Manero y Helena Ezquerro. Aunque quizá habría que decir que aquí no hay personajes pues las actrices utilizan sus verdaderos nombres y por lo que se da a entender sus verdaderas pasiones, desasosiegos y amores. El argumento (que realmente no necesita introducción, nudo y desenlace) hace que Itsaso Arana las dirija guión en mano en la ficción pero irónicamente da la sensación de que en la realidad les ha dado manga ancha para expresarse. Como directora y guionista utiliza ‘Ellas están bien’ para homenajear a actrices que respeta o reverencia. Y lo hace creando un espacio cómodo en el que sentirse invitado a abrirse y estimulado para enfrentarse ante cualquier nueva idea de la vida o del arte.

La he experimentado como un juego y ensayo cinematográfico en el que a la vez las protagonistas vestidas de época y perdidas en una bucólica casa de campo, practican un guión y se esparcen veraniegamente. ‘Ellas están bien’ es un ejercicio de metacine que nos habla no solo de la condición humana o sentimental de sus actrices, también de cómo abarcan sus profesiones y exploran su talento. También está concebida con el ánimo de compartir experiencias, vivencias y sapiencias propias. Se siente, como bien ha declarado la propia directora, como “una película sobre la camaradería y la reconciliación entre mujeres”.

Sería muy fácil caer en los tópicos y quedarme en un comentario escueto y vago tal como “es una película feminista” o querer rizar el rizo diciendo que ‘Ellas están bien’ está inspirada por la obra de Louisa May Alcott. También sería muy pobre quedarse en comentarios como… “meh, son unas actrices rajando sobre sus movidas”. Superficialmente uno podría quedarse en eso. Pero yo prefiero decir que es un filosofeo, una sesión de ayuda en grupo, una especie de mesa redonda carda de íes: ideas, inquietudes, inspiración, ilusión, interpretación, introspección, imaginación… Y por supuesto en esa lista hay que incluir el nombre de la actriz y directora que ha firmado esta película tan personal.

‘Las chicas están bien’ es un recorrido de autodescubrimiento y/o aceptación. Esto puede sonar a algo meditabundo pero es un episodio veraniego que se hace divertido y sugerente. Todo el reparto se vacía y expone en cierto modo y eso se agradece, porque revelarse a favor de un arte como la interpretación o abrirse tan abiertamente hoy en día es deporte de riesgo. Cuando es algo realmente práctico como esta película os aseguro que vale la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de agosto de 2023. Título original: Las chicas están bien. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Itsaso Arana. Guion: Itsaso Arana. Fotografía: Sara Gallego. Reparto principal: Itsaso Arana, Bárbara Lennie, Irene Escolar, Itziar Manero, Helena Ezquerro. Producción: Los Ilusos Fims. Distribución: Elástica Films, Fimin. Género: drama. Web oficial: https://elasticafilms.com/catalogofilms/las-chicas-estan-bien/

Crítica: ‘Ninja Turtles: Caos Mutante’

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Después de pasar años apartados del mundo humano, los hermanos Tortuga se proponen ganarse el corazón de los habitantes de Nueva York y que les acepten como quinceañeros normales, llevando a cabo actos heroicos. Su nueva amiga April O’Neil les ayuda a enfrentarse a un misterioso sindicato del crimen, pero pronto se ven superados ante el ataque de un ejército de mutantes que se abalanza sobre ellos.

Crítica

Los garabatos trash más divertidos que he visto en pantalla grande

Se suele entender como garabato todo aquel dibujo irregular, impreciso o improvisado que se hace sobre un papel a mano alzada. Por lo general se consideran vagos o provisionales. Pero ‘Ninja Turtles: Caos Mutante’ consigue que unos dibujos pintarrajeados o caóticos e incluso de carácter trash sean la mar de divertidos, incluso visualmente impresionantes.

Si, efectivamente la animación puede recordar a la del Spiderverso. Pero la estética es marcadamente diferente. Dominan los colores sobre un ambiente nocturno y por lo tanto oscuro. Los personajes y las localizaciones distan mucho de ser preciosistas, estilizados o estéticamente agradables, de hecho son todos dignos del mayor vertedero que puedas imaginar. Y todo esto está muy bien traído para recordarnos que por muchas películas y series de animación y de acción real que hayamos visto las Tortugas Ninja proceden de los cómics. El estilo que de dibujo que han buscado desde Point Grey Pictures, la productora de Seth Rogen y Evan Goldberg, es más próximo que nunca al trazo de los cómics con los que Peter Laird y Kevin Eastman les dieron vida siguiendo muy de cerca lo aprendido de Frank Miller. Si no los habéis visto nunca ECC está sacando unas reediciones estupendas, incluidos sus crossovers con Batman, héroe al que mencionan varias veces en esta película y que por supuesto le debe también mucho a Frank Miller.

‘Ninja Turtles: Caos Mutante’ es anarquía, gamberrismo, dinamismo. Está embadurnada del espíritu suburbano y grafitero del trash de los ochenta pero lo traslada al 2023. Y como tal transcurre entre lo más bajo de la sociedad, las alcantarillas. Colectores de residuos y basura que aun así no están exentas de frecuentes alusiones a la cultura popular. Y por supuesto mucho sentido del humor, tanto para adolescentes como para adultos. La marca de Rogen y Goldberg se hace notar con ciertos gags y con un evidente amor por estos personajes tan sinvergüenzas y pueriles, pero todo está bastante ajustado para que la película tenga una categoría para mayores de siete años, al fin y al cabo también están involucrados Nickelodeon y estudios de animación como el francés Mikros Animation junto a expertos en VFX como son Cinesite.

Bien es cierto que se pasan por el forro el canon más popular y por ejemplo Bebop y Rocksteady ya no tienen el mismo origen de punks mutados por Shredder, Splinter aprendió sus artes marciales de películas (muy bien referenciadas), April es afroamericana… Esto último cuadra más que nunca dado que Eastman le puso el nombre de una afroamericana que había conocido y ambos creadores discrepaban en su raza, con lo que llegaron a la conclusión de que era mestiza. Pero lo que más te engancha de la película, a parte obviamente del espectáculo de animación que nos brinda, es todo el elenco de mutantes que rescata de los cómics y de la serie de la primera serie animada. Son una panda de granujas que pese a dar bastante asquete se antojan adorables. Y todos ellos son doblados por famosos como John Cena (Rocksteady), Seth Rogen (Bebop), Natasia Demetriou (Wingnut), Jackie Chan (Splinter), Ice Cube (Superfly), Paul Rud (Mondo Gecko)… y la lista sigue. Ese es otro gran acierto del filme, el doblaje, por lo menos el original, ya que las tortugas son quinceañeras y están dobladas por niños de esa edad que han grabado sus takes juntos, no en pistas separadas.

‘Ninja Turtles: Caos Mutante’ nos hace volver a conectar con esos mutantes que tanto nos han gustado siempre pero como aporte nos los muestra en su etapa más cándida. Al igual que el Hellboy de Guillermo del Toro son monstruos para la sociedad que añoran vivir bajo la luz del sol y tener la aceptación de sus vecinos. Esperemos que esta franquicia y no nos quedemos en ascuas como nos pasó con el personaje de Ron Perlman. Aunque habrá algunos que no soportarán el frenesí embrollado y casi epiléptico de las escenas de acción, sin duda ‘Ninja Turtles: Caos Mutante’ da para secuela, series, cómics o lo que les dé la gana. Las Tortugas Ninja no caducan y tal y como acaba este filme se puede explorar una faceta nunca vista de estas neoyorquinas, al menos así también nos lo deja ver la escena que se ha incluido a mitad de los créditos.

Ficha de la película

Estreno en España: 25 de agosto de 2023. Título original: Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem. Duración: 99 min. País: EE.UU. Dirección: Jeff Rowe, Kyler Spears. Guion: Seth Rogen, Evan Goldberg, Jeff Rowe, Dan Hernandez, Benji Samit. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Reparto principal (doblaje original): Micah Abbey, Shamon Brown Jr., Hannibal Buress, Rose Byrne, Nicolas Cantu, John Cena, Jackie Chan, Ice Cube, Natasia Demetriou, Ayo Edebiri, Giancarlo Esposito, Post Malone, Brady Noon, Seth Rogen, Paul Rudd, Maya Rudolph. Producción: Nickelodeon Animation Studios, Point Grey Pictures, Image Comics, Nickelodeon Movies, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras, adaptación. Web oficial: https://www.teenagemutantninjaturtlesmovie.com/

Crítica: ‘Blue Beetle’

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Jaime Reyes, recién graduado de la universidad, regresa a casa con muchos planes para su futuro, pero descubre que su casa no está exactamente como la dejó. Mientras Jaime busca encontrar su lugar en el mundo, el destino interviene y de repente tiene en sus manos una antigua reliquia de biotecnología alienígena: el Escarabajo. Cuando de repente el Escarabajo elige a Jaime como su anfitrión simbiótico, le dota

de una armadura increíble con poderes extraordinarios e impredecibles que van a cambiar para siempre su destino y le convertirán en el Superhéroe Blue Beetle.

Crítica

Un héroe familiar que puede que acabe formando parte de la nueva familia de DC

Llega un nuevo personaje de DC, nuevo para el público general, Jaime Reyes a.k.a. Blue Beetle. Warner ha escogido la tercera encarnación de este héroe para presentarle en cines. Este es un súperheroe cuyos poderes proceden de una civilización interestelar que otrora se enfrentaba a los Green Lanterns. Por desgracia y como una de las faltas que como lector le pongo al filme, no aparecen los Lantern Corps., ni siquiera Guy Gardner el personaje que interpretará Nathan Fillion y que recientemente fue anunciado por James Gunn. Pero al margen de eso podemos decir que ha llegado un superhéroe con papeletas para seguir en el nuevo DCEU. Todo dependerá de si encaja en los planes siempre gamberros y chiflados de James Gunn.

Gunn dio sus primeros pasos cinematográficos en una factoría tan chusca y deslenguada como la Troma, ahí está ‘Tromeo y Juliet’. Respondiendo a lo que muchos se preguntan, si esta película forma parte del nuevo universo o no, tendremos que decir que ya se verá. ‘Blue Beetle’ está narrada de tal manera que no se obvia en ella la existencia de superhéroes de la Liga de la Justicia (de hecho el protagonista ha estudiado en Gotham y hay un gag que pone a Bruce Wayne en la piel de Elon Musk), pero tampoco se cita ningún evento concreto de los hasta ahora mostrados en cines. A si es que el carácter juvenil y tontorrón de este Blue Beetle podría encajar en los futuros proyectos del nuevo amo y señor de DC en cines. Si en los inescrutables planes de Gunn no encaja este personaje, DC Studios habrá firmado una nueva película que podría progresar por su cuenta en un futuro, como el Batman de Pattinson o como parece de momento que hará Shazam a pesar de haberse relacionado con Amanda Waller y el mismísimo Superman en la post-créditos de ‘La furia de los dioses’.

Xolo Madridueña, a quién conoceréis de ‘Cobra Kai’, es el protagonista de esta cinta. Esta es una historia de orígenes que cumple absolutamente todos los esquemas del género. Partimos de contar con un personaje de orígenes humildes, en este caso hasta marginales. La comercialización alcanza su barrio deteriorando todo lo familiar y tradicional. El fantasma de la gentrificación ataca de nuevo. Es entonces cuando en la vida del protagonista se cruza un arma/traje, Kaji-Da y surge la ocasión de convertirse en un héroe para su familia y para aquellos con los que comparte raíces. Ahí está la oportunidad comercial que se explota aún más que con ‘Spider-Man: un nuevo universo’.

Inevitables van a ser las comparativas con Milles Morales, incluso con la etapa del Spider-Man de Tom Holland cuando este calza un traje ultratecnológico diseñado por Stark. Pero sin duda se dirá que esta es una mezcla entre Vemon y Iron Man. Blue Beetle está acompañado de una inteligencia caprichosa, igual que la que sufre Venom (incluso con su instinto asesino) o la capa de Doctor Strange (con sus mismos reflejos protectores). Los espectadores con la piel más fina saltarán como un resorte, por antes de hablar conviene ponerse en contexto, con información como la que leeréis más abajo. Pero oye, ante todo hay que considerar que nadie tiene el monopolio de ls ideas, ahí están también películas muy parecidas como ‘Upgrade’ que parten de algo muy parecido y generan una historia original y divertida.

Aunque con otros poderes y orígenes Blue Beetle lleva existiendo en las viñetas desde 1939. En este nuevo largometraje se las han apañado para relacionarlos, ya que, como decía al principio, esta no es la primera versión de este superhéroe. Toca hablar del tercer personaje que se pone su máscara, Jaime Reyes. Sin duda esa es una de las razones por las que el director ha sido el puertorriqueño Angel Manuel Soto. El gancho de este personaje es el mismo que el de Miles Morales (este Blue Beetle nació en los cómics en 2006 mientras que Brian Michael Bendis y Sara Pichelli parieron a Morales en 2011). Es un personaje muy joven e inexperto que tiene raíces latinas. Al igual que el Spider-Man del Spiderverso tiene un inconmensurable poder en sus manos, con lo que además de hacer match con la audiencia hispanohablante o la que simplemente busca espectáculo de ciencia ficción superheroica podrá conquistar a ese público juvenil que aún fantasean con el arquetipo de héroe casi todopoderoso. La película rinde culto a la cultura latina. Pero es un filme universal, como tantas otras. ‘Thor’ no era solo para público escandinavo ¿verdad? Pues esto es lo mismo.

La película nos da grandes momentos. En algunos el gancho mexicano juega a favor y en otros no funciona del todo. A muchos nos ha tocado la fibra endetalle del Chapulín Colorado pero no nos ha acabado de funcionar la vena revolucionaria. Igual que para otros tantos les parecerá excesiva la implementación de la nave tipo Batplane o vehículo del Búho Nocturno y a otros más comiqueros les traerá recuerdos.

‘Blue Beetle’ peca de ser demasiado estándar, estamos ya un poco cansados de la típica historia de orígenes. Salvo por el toque latino esto es lo de siempre, tropezando incluso en lo que suelen fallar estas películas, los villanos. Falta carisma en un enemigo que entra dentro de la categoría villano de la semana, al menos no se han fusilado a un grande como pasó hace poco en los mundos de Marvel con la tercera de Ant-Man. Su enfrentamiento da pie a un par de combates que parecen incluso una contienda entre mechas japoneses. A eso y a enlazar con lo latino, pero sobre todo con el verdadero significado de la palabra “familia”, que es lo que espero que al menos cale en el público más joven.

PD: tiene dos escenas postcréditos. Una es un regalo para los lectores y otra para los espectadores de todo LATAM.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de agosto de 2023. Título original: Blue Beetle. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Angel Manuel Soto. Guion: Gareth Dunnet-Alcocer. Música: The Haxan Cloak. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Reparto principal: Xolo Madridueña, Bruna Marquezine, Harvey Guillén, Susan Sarandon, Becky G, Yuli Zorrilla, Raoul Max Trujillo, Elpidia Carillo, Gabrilla Ortiz, George Lopez, Adriana Barraza, Belissa Escobedo, Damián Alcázar, Oshún Ramirez. Producción: Warner Bros., DC Entertainment, The Safran Company. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: ciencia ficción, aventuras, adaptación. Web oficial: https://www.dc.com/bluebeetle

Crítica: ‘Titina’

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Umberto Nobile, un ingeniero italiano de dirigibles, vive tranquilo junto a su perra Titina, a la que rescató de las calles de Roma. Un día, Umberto recibe un encargo del famoso explorador noruego Roald Amundsen, quien le pide que haga un dirigible para viajar al Polo Norte.

Crítica

Pedagógica pero triste historia en formato infantil

Los años veinte son conocidos como los felices años veinte. Por supuesto nos referimos a los del siglo XX ya que los del XXI se van a conocer de una manera bien distinta. Fue una época de bonanza, optimismo y crecimiento cultural. También de hitos históricos. Fue por entonces cuando Roald Amundsen redondeó su hazaña y se convirtió en el primer hombre en haber conquistado el Polo Sur y el Polo Norte, irguiéndose así en todo un icono nacional para los noruegos. Pero no lo hizo sin ayuda ya que su logro fue compartido con el diseñador de dirigibles Umberto Nobile, el cual, tampoco lo habría conseguido sin el apoyo de su perra Titina.

Los pasos previos y sucesivos a la conquista de la cima del mundo son narrados en ‘Titina’. Una película que nos llega avalada por el premio de Excelencia en el Tokyo Anime Award y el premio a Mejor Película para Niños en el Zlín International Film Festival for Children and Youth. Y con eso resumo dos factores importantes del filme, es una película de animación para niños. Con lo cual nos explicamos también la única razón por la que el perro de uno de los exploradores es el eje del largometraje. Esta mascota con la que posó Nobile en casi todas sus fotos protagoniza la historia y nos ofrece su visión. Pero esto no se hace para ofrecer una perspectiva distinta de una conocida hazaña histórica, sino para suavizar lo que aconteció.

A pesar de que la conquista del Polo Norte fue más cómoda que la del Polo Sur no estuvo exenta de dificultades y momentos tensos. La relación entre Nobile y Amundsen se agrió paulatinamente y el dirigible tuvo que ser reparado más de lo que se muestra. No se ha disimulado el desencuentro entre ambos protagonistas pero como decía, el guión dulcifica lo que sucedió realmente. Y con todo y con ello tampoco disimula el triste final de esta historia que puede dejar en los espectadores un regusto de tristeza y aflicción.

La animación es digna de un libro de ilustración. Con trazos limpios, paleta de colores claros y no excesivos detalles nos muestran desde la Roma de hace un siglo hasta los confines helados del Ártico. El diseño de personajes es algo caricaturesco, recreando el rostro real de los que intervinieron en la gesta. Podrían ser perfectamente los dibujos de una aventura gráfica y su composición refleja perfectamente los instantes de una época en la que aún se filmaba en banco y negro. Dicho esto hay que señalar que se intercalan muchísimas fotografías y vídeos de archivo. Ahí quizá es donde está uno de los mayores valores de ‘Titina’. Rellena todo aquello que no se filmó por entonces, por supuesto imaginando la situación dentro del tono buscado, pero también sirviendo de gran instrumento divulgativo. Esta podría ser perfectamente una pieza para exponer en un museo relacionado con el tema.

Mi yo ecologista se apena porque se haya perdido una oportunidad con este filme. Al final de la película, bajo el retrato de Titina, se hace una llamada para detener las actividades humanas entorno a los casquetes polares, para que se mengüe su deshielo. Pero este llamamiento aparece en letras minúsculas y el largometraje no aborda en ningún momento esta materia.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de agosto de 2023. Título original: Titina. Duración: 90 min. País: Noruega. Dirección: Kajsa Næss. Guion: Kajsa Næss, Per Schreiner. Música: Kajsa Næss, Per Schreiner. Reparto principal (doblaje original): Jan Gunnar Røise, Kåre Conradi, John F. Brungot, Ingar Helge Gimle, Thorbjørn Harr, Christian Skolmen, Silje Torp, Nader Khademi. Producción: Mikrofilm, Vivi Film. Distribución: Alfa Pictures. Género: aventuras, comedia, drama. Web oficial: https://www.mikrofilm.no/Titina

Crítica: ‘El Hombre del Saco’

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A partir de las misteriosas desapariciones de varios niños en un pequeño pueblo, un grupo de adolescentes descubre que la terrorífica leyenda de El Hombre del Saco es real…

Crítica

Spanish horror manteniendo vivo nuestro legendario

El Boogeyman, el Slenderman, el Grinch… La cultura norteamericana ha trasladado al cine a esas criaturas imaginarias o folclóricas que se usan para asustar a los más pequeños y hacer que se porten bien. Siempre nos han exportado ese tipo de productos basados en leyendas o cuentos chinos y a pesar de no llegar nunca a ser excelentes películas han salido airosas en taquilla o por lo menos han calado en el imaginario colectivo hispano. En España tenemos una amplísima tradición de historias negras y siempre han empapado o influido de un modo u otro nuestra en cultura. Pero es ahora cuando nos estamos atreviendo de manera más abierta a juguetear con nuestros terrores. Hace tiempo Paco Plaza se mojó con ‘Romasanta’, no hace mucho vimos ‘La Vampira de Barcelona’ tocando la figura de Enriqueta Martí. Ahora le ha llegado el turno a otro miedo infantil con base real, el Hombre del saco.

Aunque en muchas regiones se utiliza el pseudónimo del Hombre del Saco para amedrentar a los niños más trastos de la casa, la película de Ángel Gómez Hernández se basa en la versión conocida en la región de Almería, más en concreto en Gádor. Allí en 1910 vivió Francisco Leona Romero, un curandero que flirteaba con las malas artes y con mejunjes compuestos en parte de sangre y manteca de niños, lo cual, le llevó a cometer el crimen que finalmente le condenó a garrote vil. Desde entonces su nombre y apodo se usa para asustar a los niños que se portan mal.

Me parece bien que se usen nuestras leyendas locales y se intenten adaptar al cine con los esquemas o técnicas del cine del otro lado del charco. Pero hay un factor que puede jugar en contra de estos valientes y nada fáciles intentos. Al ser una historia circunscrita en nuestro territorio y al tener en España la mala costumbre de no valorar lo que tenemos se corre el riesgo de que el espectador ya vaya con una expectativa tóxica a ver el filme. En nuestro país tenemos la extraña afición de tirar por tierra todo aquello que generamos aquí si no se parece a lo de fuera o no es exactamente lo que esperamos. Eso es lo que va a suceder con el Hombre del Saco. Al no estar en la película ningún actor de esos que vemos por las alfombras rojas de Hollywood o el logotipo de un Disney o un Netflix ya parte con el rechazo de todos esos espectadores que lo único que están demostrando es tener una cultura bastante limitada.

Con todo esto no pretendo hacer de abogado del diablo. Haciendo uso de todo el respeto posible y el conocimiento de que sacar adelante estos proyectos no es nada fácil, he de decir que aunque me he entretenido con ‘El Hombre del Saco’ no puedo decir que vaya a pasar a formar parte de mis favoritas. Ángel Gómez Hernández me sorprendió con ‘Voces’, en la que ya trabajaba bastante con el tema infantil, pero en este caso eso precisamente le hace mella. Uno de los mayores problemas de esta película son las interpretaciones de los protagonistas, en su mayoría niños o adolescentes, salvándose pocos, como Lucas Blas que repite con el director. El otro factor que me descoloca es que les ha salido una aventura tipo ‘Los Goonies’ con tintes de terror y drama paternofilial tipo ‘IT’ o ‘Stranger Things’ además de una escena de motosierra a lo ‘Evil Dead’ y el tono contrasta mucho y se difumina bastante. Va a resultaros familiar el hecho de que el terrorífico ser tenga una pauta periódica como Pennywise o el Creeper y que el grupo de amigos esté compuesto por forasteros, vecinos y abusones que van sobre sus bicis. No pierde nunca de vista que es una película de terror fantástico con sus jumpscares y escenas nocturnas, pero los detalles que os he comentado, los momentos de comedia o la escasa aparición de la criatura hacen que no resulte eficiente.

Hay que valorar el esfuerzo por ir más allá de lo que nos han contado de generación en generación sobre el Hombre del Saco, que ha sido siempre más bien poco, y generar un trasfondo y reglas para este monstruo. Y más valorable aún es el estupendo maquillaje que una vez más convierte a Javier Botet en una criatura de pesadilla. El CV del actor manchego daría ya para crear un parque de atracciones solo con los engendros que ha encarnado. He de decir también que me ha gustado el uso que se hace del sintetizador para la música y de la arpillera, convirtiendo el saco en un arma más al servicio del terror similar a lo que se hacía con las vendas de la momia de Stephen Sommers.

Quién sabe si lo siguiente no será el Tren de la Bruja, el Sacamantecas o el Coco. Yo sigo animando a nuestros cineastas a seguir intentando mantener nuestro legendario vivo para que este no sobreviva solo a base de programas de Cuarto Milenio.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de agosto de 2023. Título original: El Hombre del Saco. Duración: 91 min. País: España. Dirección: Ángel Gómez Hernández. Guion: Manuel Facal, Juma Fodde, Ignacio García Cucucovich, Ángel Gómez Hernández. Música: Jesús Díaz. Fotografía: Javier Salmones. Reparto principal: Javier Botet, Macarena Gómez, Manolo Solo, Lorca Prada, Claudia Placer, Iván Renedo, Carla Tous, Guillermo Novillo, Lucas de Blas. Producción: Esto También Pasará, Mother Superior Films, Bowfinger International Pictures, BTF Media, Atresmedia, Prime Video, Canal Sur, Crea SGR, INCAU, ANDE. Distribución: Filmax. Género: terror. Web oficial: https://mothersuperior.tv/project/el-hombre-del-saco/

Crítica: ‘Háblame’

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Cuando un grupo de amigos descubre cómo invocar espíritus utilizando una mano embalsamada, se enganchan a esta nueva sensación hasta que uno de ellos va demasiado lejos y abre la puerta al mundo de los espíritus, obligándoles a elegir en quién confiar: en los muertos o en los vivos.

Crítica

Para tratar sobre una mano no esgrime métodos manidos

Unos jóvenes australianos se juntan en fiestas nocturnas para emborracharse y experimentar cosas. Surge en esas juergas un juego retorcido con una mano de lo más espeluznante que comienza a hacerse famoso en las redes sociales. A priori esta parece la típica película en la que todo sale mal tras hacerse viral o flirtear con un juego tipo ouija. Y si, la cosa va por ahí, pero ‘Háblame’ sorprende no por lo que plantea sino por cómo lo plantea.

El tráiler no hace justicia a esta película que se vende como una más de terror adolescente. El hecho de haber sido distribuida en Estados Unidos por A24 ya debería darnos una pista de que lo que nos espera es distinto. A priori tenemos a una protagonista que busca encajar y es por eso que se arriesga con la aterradora mano como cualquier otro chaval que teme decir que no cuando le ofrecen su primera calada o su primer sorbo de alcohol. Pero ese detalle que nos habla de los típicos protagonistas inadaptados o que sucumben ante el subidón o la presión de la mayoría, cede protagonismo a los traumas de dicha protagonista.

Sophie Wilde es quien interpreta con un dolor crudo y una existencia desesperada a esta joven castigada. El guión esboza muy bien todo el calvario que está pasando la protagonista y ella lo ha representado como si este fuese un drama al uso. Pero obivamente abdicando ante la parafernalia paranormal y desarrollando así una historia que en paralelo trata el dolor, la culpa y la desesperación.

Danny Philippou y Michael Philippou (del canal de Yutube RackaRacka) son dos creadores de vídeos paródicos muy violentos. Su esencia se mantiene ahora que han debutado con ‘Háblame’. Sus vídeos son locos, como hechos entre amigos para echarse unas risas y ser lo más macabros posible. Al fin y al cabo la trama de este largometraje va de unos chavales que se juntan y graban por los loles, lo cual, desencadena actos violentos. ‘Háblame’ no es la típica película de adolescentes que se meten en un lío por llamar repetidamente a Bloody Mary o al Candyman. No les tenemos todo el metraje corriendo de acá para allá buscando desentrañar las normas de un misterio paranormal mientras dan gritos y reciben sustos. El planteamiento ha sido más bien el establecer una historia inquietante y tensa. Además se desarrolla una iconografía, lo cual no siempre es fácil hoy en día que hemos visto tantas y tanas historias de terror. Mención especial a las escenas de posesiones y a la primera secuencia que arranca muy fuerte.

El hecho de hacer ‘Háblame’ supuso a estos directores el rechazar un proyecto de Warner para el DCEU. Pero aún con todo y con eso sus vídeos y parodias han valido la confianza de Capcom para poner en marcha un nuevo live action de ‘Street Figther’. Se han adaptado muy bien al terror evitando caer en los esquemas clásicos o en los sustos fáciles. A ver si a la tercera va la vencida con esta franquicia y su estilo y adaptabilidad hacen honor a tan mítica franquicia de videojuegos. Mientras tanto nos queda una película que sino se hace popular en la taquilla se convertirá en un fenómeno de culto que pasará de mano en mano de igual modo que lo hace la mano de la ficción, valga la redundancia.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de agosto de 2023. Título original: Talk to me. Duración: 95 min. País: Australia. Dirección: Danny Philippou, Michael Philippou. Guion: Michael H. Beck, Danny Philippou, Bill Hinzman, Daley Pearson. Música: Cornel Wilczek. Fotografía: Aaron McLisky. Reparto principal: Sophie Wilde, Joe Bird, Alexandra Jensen, Otis Dhanji, Miranda Otto. Producción: Bankside Films, Causeway Films, Head Gear Films, Metrol Technology, Screen Australia, Talk To Me Holdings, The South Australian Film Corporation. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial: https://www.bankside-films.com/films/talk-to-me

Crítica: ‘Vampiro al rescate’

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El eternamente joven y siempre elegante Vladimir el vampiro inmortal, no ha podido encontrar una novia durante trescientos años. Ha intimidado, secuestrado y convertido a varias princesas en ranas, pero eso no ha facilitado el cortejo para el príncipe de las tinieblas. Mientras tanto, todo lo que la bella doncella Bárbara la Valiente hace es luchar contra los posibles pretendientes en la arena, pretendientes que solo codician su dote. Pero el Rey Lenteja descubrió cómo llegar a Barbara y es también el punto débil de Vladimir. Aunque olvidó tener una cosa en cuenta: a pesar de que tiene la vida y el corazón de Vladimir en sus manos, todavía hay espacio en su corazón para que el amor cobre vida …

Crítica

Mix de cuentos a lo Shrek pero con un humor tosco

Coger a los monstruos clásicos de la Hammer y darles una perspectiva suavizada, infantil e incluso ridiculizada no es algo nuevo. Famosos son títulos como ‘La familia Addams’, ‘Monster Squad’, ‘Hotel Transylvania’ o ‘La pajarería de Transilvania’ (para los más nostálgicos). Incluso en España tuvimos ‘Buenas noches señor monstruo’. Ahora en Rusia se atreven con este subgénero y aunque se percibe que falta mucho que aprender a la hora de exportar un producto al mercado internacional, la cosa no va mal encaminada.

En España esta película ha recibido el nombre de ‘Vampiro al rescate’, en el mercado anglosajón el título escogido se traduce como ‘Cómo rescatar al inmortal’ pero si traducimos literalmente el título ruso significa algo así como ‘Koschey. secuestrador de novias’. ¿Quién acude al rescate de quién entonces? Vaya jaleo a la hora de interpretar la trama y el título. Koschey es un ser mitológico de rusia que atemoriza a las jóvenes, que en parte es lo que hace Drácula tras seducirlas. Seguro que os suena ese nombre si habéis leído los cómics de Hellboy o si habéis visto ‘Sisu’. Esa es la baza que juega este filme para generar un argumento en el que Vladimir Drybone (Koschey) no es capaz de encontrar una esposa a pesar de llevar varios siglos intentándolo. Y cuando parece que va a tirar la toalla surge un problema que le pone a él en peligro.

Aunque parezca un tanto increíble hay que decir que esta película rusa empodera a la mujer coprotagonista, aunque el título en España se empeñe en deshacer lo andado. El protagonista es evidentemente esta suerte de Drácula pero acaba compartiendo pantalla con una imbatible guerrera. Aquí es donde vemos algunos detalles de feminismo condescendiente que pierden peso en cuanto se imponen los estereotipos de los cuentos de “dama en apuros”. Al margen de esos detalles que denotan un leve esfuerzo por sumarse a las corrientes actuales podemos observar que en ocasiones ‘Vampiro al rescate’ muestra visos de ser como un cuento de los Grimm pero acaba siendo un mix de lo más vago. La película está repleta de recursos facilones como el nombre de los esbirros Stocker y Bram, Barbara the brave, un mago villano oriental llamado Jafar o caballeros como Sir Lancelot.

Tanto el tono como la calidad de la animación son bastante básicos para la época. Aunque en ambos casos procura introducir detalles acaba siendo tremendamente infantil y de segunda división. Si hacéis una comparativa parece que estamos ante unos dibujos de los tiempos de la primera de Shrek. De hecho tiene algunos esquemas e individuos parecidos, como el personaje cargante que acompaña al protagonista, la mezcolanza de cuentos de hadas y un panecillo llamado jengibre que tiene peores chistes que los M&M’s de los anuncios. Puede que la traducción y el doblaje (que siempre hay que diferenciarlos) habrán jugado una mala pasada a esta película a la hora de trasladar sus gags. Pero al margen de lo que digan los personajes, el largometraje hace mucho uso de un humor físico que a veces incluso es un poco tosco, lo cual, hace que estemos aunque una buena oportunidad de mejora.

Ficha de la película

Estreno en España: 11 de agosto de 2023. Título original: Koshchey. Pokhititel nevest. Duración: 76 min. País: Rusia. Dirección: Roman Artemyev. Guion: Roman Artemyev, Genrikh Nebolsin. Música: Anton Silaev. Reparto principal (doblaje original): Viktor Dobronravov, Roman Artemyev, Elizaveta Boyarskaya, Anton Eldarov, Irina Savina, Nikita Kologrivyy, Elena Shulman, Vladimir Sychyov, Ekaterina Tarasova. Producción: CTB Films Company, KinoAtis. Distribución: Cinemaran. Género: comedia. Web oficial: https://ctbfilm.com/films/how-to-save-the-Immortal/

Crítica: ‘Megalodón 2: la fosa’

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En ‘Megalodón 2: la fosa’ vivirás una inmersión en aguas desconocidas con Jason Statham y el ícono de acción global Wu Jing que encabezan un audaz equipo de investigación en una misión que va a explorar las profundidades más abismales del mar. Pero su viaje se convierte en caos cuando un malévolo operativo minero amenaza su misión y los obliga a librar una batalla de alto riesgo por la supervivencia. Enfrentados a colosales Megalodones y a implacables saqueadores medioambientales, nuestros héroes deben correr más rápido, ser más astutos y nadar a mayor velocidad que sus despiadados depredadores en una trepidante carrera contra el tiempo.

Crítica

Jason Statham regresa a base de patadas a tiburones gigantes y mucha acción

Cuando se estrenó ‘Megalodón’ (aquí nuestra crítica) mucha gente renegó de ella, yo admito que la disfruté. En el visionado de ‘Megalodón 2: la fosa’ he podido ver que, aunque había mucha gente renegando de la primera parte si que venían con ganas de pasárselo bien con esta nueva entrega.

Dirigida por Ben Wheatley (‘Turistas’), la película se va un poco más a la serie B, además de que no se toma para nada en serio. Con un guion muy flojo, pero con mucho dinero por delante nos dan unas buenas escenas de acción, con humor tonto y eso sí, poca sangre y muchas muertes.

Volvemos a adentrarnos en las profundidades de océano, donde esta vez el mal no está en estos gigantescos animales, sino que como de costumbre aparece el ser humano por encima de todo.

Nuestro héroe Jonas Taylor, vuelve a ponerse en frente de una expedición que lleva todas las de perder, pero a través de grandes inventivas de los guionistas se irán salvando poco a poco.

Aunque esté diciendo que el guion es flojo y que hay muchas licencias por parte de los escritores de la historia, he de decir, que esto es lo bueno de ‘Megalodón 2: la fosa’ y es que como he comentado no quiere tomarse en serio y logra crear una película de entretenimiento puro. Llena de idas de olla, con un villano más rápido que el correcaminos y con un megalodón capaz de escapar del lugar más seguro del mundo, sin que salten las alarmas. Y los protagonistas van de ecologistas y están todo el rato matando a animales. Vale que son peligrosos y vienen a comérselos, pero quizás lo del ecologismo les sobraba un poco.

En el reparto encontramos caras conocidas de la anterior entrega, como, por supuesto, Jason Statham, Cliff Curtis, Shuya Sophia Cai o Page Kennedy, que es el que da la nota de más humor en la cinta, con su mochila al estilo Mary Poppins preparada para cualquier emergencia.

Pero también encontramos en el reparto a Sienna Guillory, Skyler Samuels, Kiran Sonia Sawar, Melissanthi Mahut.

Mencionar a Jing Wu que acompaña a nuestro héroe y se vuelven un gran tándem en las luchas cuerpo a cuerpo. Y a Sergio Peris-Mencheta, que nada tiene que envidiar en el físico de estos dos y nos muestra sus dotes de lucha en la película.

Como podéis ver he disfrutado como una niña con la película, de verdad, no es una maravilla, pero es lo que se espera de ella. Una obra con una historia muy típica que no necesita demasiada explicación, que simplemente ponen para meterte a tres megalodones, unos cuantos lagartos peligrosos y algún que otro monstruo más.

El CGI según que escena está mejor que otras. Si que es cierto que hemos visto la película en 2D y algunos planos son bastantes raros, ya que han hecho la película para verla en 3D, y son planos que seguramente con unas buenas gafas se disfruten bastante.

Poco más que decir de la película, como digo, si vais a verla al cine es que os gustó la primera y os puedo decir que os vais a divertir mucho más. Aunque haya cosas absurdas, da igual, al final estás viendo una película de tiburones extintos con los que los humanos se pelean a patadas, no puedes pedir algo demasiado serio de todo esto y es más, no quieres ver nada serio en ‘Megalodón 2: la fosa’, solo muertes y peleas con tiburones. 

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de agosto de 2023. Título original: Meg 2: The Trench. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Ben Wheatley. Guion: Dean Georgaris, Erich Hoeber, Jon Hoeber. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Haris Zambarloukos. Reparto principal: Jason Statham, Wu Jing, Sophia Cai, Page Kennedy, Sergio Peris-Mencheta, Skyler Samuels, Cliff Curtis. Producción: Apelles Entertainment, China Media Capital, Flagship Entertainment Group, Gravity Pictures, Maeday Productions, Warner Bros. Studios. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: acción, ciencia ficción. Web oficial: http://www.themeg.movie/

‘Mona Lisa y la luna de sangre’ estará en Prime Video

Podremos ver la última película de Ana Lily Amirpour

La película ‘Mona Lisa y la luna de sangre’ está dirigida por Ana Lily Amirpour (‘Una chica vuelve en casa sola de noche’, ‘The Bad Batch’) y fue la encargada de inaugurar la 54ª edición de Sitges, Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, donde se alzó con dos galardones: Mejor música para Daniele Luppi y el Premio Jurado Carnet Jove al mejor largometraje de género fantástico.

Ahora sabemos que Diamond Films ha facilitado su visionado al público general de España con su publicación en Prime Video el próximo 9 de agosto.

‘Mona Lisa y la luna de sangre’ está protagonizada por Jeon Jong-seo (‘El teléfono’, ‘Burning’), que se mete en la piel de una joven con habilidades extrañas que escapa de un centro de enfermos mentales. Completan el reparto Kate Hudson (‘Marea negra’, ‘Casi Famosos’), Ed Skrein (‘Midway’, ‘Deadpool’) y Craig Robinson (‘Inmune’, ‘Jacuzzi al pasado’).

Sinopsis oficial:

Una chica, conocida como The Lunatic, que posee extrañas, extravaantes y peligrosas habilidades, se escapa de un manicomio en el que lleva encerrada toda la vida e intentará sobrevivir en las calles de Nueva Orleans.

‘Marco Polo’, protagonizada por Omar Banana

El primer largo de Pablo Riesgo se estrena el 1 de septiembre

Omar Banana (‘Sin novedad’, ‘Te estoy amando locamente’) protagoniza ‘Marco Polo’. Una película dirigida por Pablo Riesgo que Begin Again distribuirá por cines a partir del próximo 1 de septiembre.

El film cuenta la historia de Marco, un joven antisocial, que, tras la muerte de su hermano, debe aprender a lidiar con su dolor, mientras su familia sana las heridas del pasado.

‘Marco Polo’ está producida por la productora Cine De Riesgo SLU, Gosua Films SL, con la asociación de Prickly Pears. Está rodada en La Manga del Mar Menor, Cartagena y San Javier, en Murcia.

Sinopsis oficial:

Marco tiene un problema con el abuso de drogas. Incapaz de desconectar, toma lo que encuentra. Su hermano, Ángel, intenta enseñarle un tipo de vida más tranquila, sin tener que consumir para evadirse, y saca a Marco de fiesta con su grupo de amigos.

Marco abandona la fiesta pronto para chutarse en la playa, solo, y cuando Ángel va en su búsqueda, es atropellado. En el momento en el que Marco llega a la escena, totalmente drogado, se culpa a sí mismo por la muerte de su hermano.

De ahí en adelante, Marco intentará abrirse a sus amigos y su familia como le pedía Ángel, intentando lidiar internamente con su muerte y buscando a los que le atropellaron y se dieron la fuga, lo que convierte este verano en el último de su infancia.

Crítica: ‘El clon de Tyrone’

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Unos sucesos escalofriantes llevan a un trío muy peculiar (Boyega, Foxx y Parris) a investigar una perversa conspiración gubernamental en esta aventura de misterio de estilo ‘pulp’.

Crítica

Una concatenación de WTFs que esconde mucho más de lo que muestran sus tontorrones personajes

Juel Taylor debuta con ‘El clon de Tyrone’. Uno de los muchos guionistas de la nueva entrega de ‘Space Jam’ ha creado una película a la que tampoco le faltan rarezas y locura pero para esta propuesta de Netflix se ha pasado a un tono mucho más adulto. Comedia, acción, suspense y ciencia ficción son algunos de los géneros a los que se puede acoger esta película que podríamos etiquetar como pulp del siglo XXI.

¿Recordáis aquella película en la que Schwarzenegger interpretaba a un piloto que descubre que un clon le está robando su vida? Eso es lo que le pasa al personaje de John Boyega. Él es un maleante, el líder de la gente chunga de su barrio y todo su tinglado se viene a bajo y se ve cuestionado cuando descubre que no es el único “yo”. Para desentrañar qué sucede se alía con una prostituta (Teyonah Parris) y su chulo (Jamie Foxx). La película se convierte en una locura cada vez más rara y a pesar de toda la parafernalia y acción termina mostrando un mensaje bastante sutil sobre la lucha de razas y la marginación social sistémica.

Antes lo pulp causaba rechazo, por extraño, extravagante y por ser considerado algo de nicho o de culto. Probablemente la cantidad de películas de todo tipo que ha visto la audiencia actual le ha predispuesto a asimilar mejor este tipo de propuestas. Apostaría a que las historias de realismo sucio de Bukowski, no su controvertida personalidad, habrían encajado mejor hoy en día. ‘El clon de Tyrone’ dispone de elementos de los bajos fondos mezclados con una ciencia ficción bastante desconcertante mientras todo transcurre en un ambiente de los setenta a lo Jackie Brown que sin embargo se enmarca en nuestra actualizad y con todo y con esto nos tropezamos con blancos con pelo afro. Es de esas películas en las que el más loco de todos tiene la razón. Si eres propenso a creerte todo tipo de complots sobre el control de masas mejor no la veas porque vas a volverte más conspiranoico. Tampoco te conviene si eres racista pues como decía la película se reserva un mensaje potente contra la supremacía blanca.

A mitad del filme llega el gran giro de guión. Un descubrimiento que en otros casos sería preludio del clímax, pero no es así. El largometraje incorpora en su meridiano a personajes como el de Kiefer Sutherland y consigue mantenerse durante las dos horas. Sin llegar a ser una obra maestra logra estirar la gracieta y llevarla más allá de manera que es mucho más efectiva que las últimas películas de Spike Lee. El carácter cómico se mantiene durante casi todos sus estadios, incluida la escena que se ha insertado en los créditos en la que por fin se pronuncia el nombre de Tyrone. Básicamente ‘El clon de Tyrone’ es una concatenación de WTFs que esconde mucho más de lo que muestran sus tontorrones personajes, desde los subtextos y la sátira es capaz de llegar al cine social.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de julio de 2023. Título original: They Cloned Tyrone. Duración: 115 min. País: EE.UU. Dirección: Juel Taylor. Guion: Tony Rettenmaier, Juel Taylor. Música: Pierre-Charles Audet, Desmond Murray, Antonio Malachi Wilson. Fotografía: Ken Seng. Reparto principal: John Boyega, Teyonah Parris, David Alan Grier, J. Alphonse Nicholson, Tamberla Perry, Eric Robinson Jr., Kiefer Sutherland, Jamie Foxx. Producción: Federal Films, MACRO, Made With Love Media. Distribución: Netflix. Género: suspense, ciencia ficción, comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80996324/

Q&A con ND Stevenson en Celsius 232

“Nimona refleja mis sentimientos y los de más gente que estuvo en mi situación”

En su día se convirtió en toda una sensación en Internet que posteriormente dio el salto al mundo editorial convirtiéndose en cómic. Posteriormente, tras varios cambios de productora, estudios, giones y directores llegó a convertirse en una película que Netflix ha distribuido a través de su plataforma y de la cual os hablamos aquí.

ND Stevenson habló en el Celsius 232, el festival finalizado en Avilés el pasado 22 de julio de este 2023, de lo que significa ‘Nimona’ en su vida. Nos habló del significado de su personaje, de las diferencias entre novela gráfica y película, de las dificultades a la hora de llevar a cabo la película, de la posibilidad de segundas partes… ¿Queréis descubrirlo todo? Dadle al play pues tenéis una estupenda charla traducida al castellano.

Agradecemos a Celsius 232 por traer como invitado a ND Stevenson y la estupenda traducción de Diego García Cruz.

Crítica: ‘Oppenheimer’

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Escrita y dirigida por Christopher Nolan, ‘Oppenheimer’ es un épico thriller rodado en IMAX® que transporta a los espectadores a la trepidante paradoja de un enigmático hombre que deberá arriesgarse a destruir el mundo para salvarlo.

Cillian Murphy como Julius Robert Oppenheimer y con Emily Blunt interpretando a su esposa, la bióloga y botánica Katherine Oppenheimer. El ganador de un Oscar® Matt Damon se convierte en el general Leslie Groves Jr., director del Proyecto Manhattan, y Robert Downey Jr. da vida a Lewis Strauss, un miembro fundador de la Comisión de Energía Atómica de los Estados Unidos.

Crítica

Un caramelo para los antibelicistas y los amantes de la ciencia

A pesar de su proximidad en el tiempo es muy probable que la historia de J. Robert Oppenheimer nos haya llegado con detalles tergiversados, ya sea por la desinformación, por las campañas de descrédito o por el material clasificado. A pesar de que no han pasado aún ni cien años lo único verdaderamente fiable y contrastable a la hora de reproducir su vida serían sus logros científicos. Ante la imagen tan desdibujada o borrosa que la historia ha creado de este importantísimo científico Christopher Nolan ha decidido basar su primer biopic en ‘Prometeo americano’, el libro de Kai Bird y Martin J. Sherwin.

Primera película biográfica del autor de películas como ‘Origen’ o la trilogía de ‘El Caballero Oscuro’. Es un director que siempre nos ofrece espectáculo o nos deja rallados. Cuesta creer que se haya pasado a los códigos de esas películas que narran la vida o la etapa de un personaje real y relevante. Pero Nolan es muy suyo y ha creado una comunión un tanto difícil de digerir. Para mí ‘Oppenheimer’ es una gran película que recrea detalles importantes de nuestra historia que hoy en día tienen mucho eco además de acercarnos a las figuras que estuvieron tras ello, pero el modus operandi de Nolan la convierten en un “mucho ruido y pocas nueces”.

Aunque me pese y mi amor por la ciencia se resienta habrá que decir que más allá de descubrir a este científico el atractivo de ‘Oppenheimer’ es el de recrear los hechos que hicieron a este neoyorquino citar la frase “ahora me he convertido en la muerte, el destructor de mundos”. En el 45 se detonó la primera bomba atómica, en la prueba Trinity, como fruto del proyecto Manhattan en las instalaciones de Los Alamos. Hitler estaba muerto, pero aún había que derrocar a los japoneses. Para ello se hizo uso del triunfo en la mayor apuesta científica de la historia, la carrera armamentística de la bomba atómica. Gran parte del ruido o la promoción del filme ha sido el ver esa bomba que ha recreado Nolan con diversos efectos prácticos, nada de ordenador. Esto sucede a las dos horas de película y no es para tanto, aunque la escena está muy bien montada. Lo cual me lleva a la otra obsesión de la campaña de marketing. No veo tan necesario ver este filme en las específicas condiciones que pide el director a pesar de que su fotografía es magnífica y su edición de sonido hace que te tiemblen hasta las tripas con la vibración.

Está claro una vez más que a Nolan le chifla la ciencia. A mí me ha enganchado porque no es parca en detalles y nombres, ya faltaría con tres horas de duración. No se deja a casi ningún científico o hecho relevante, aunque la fase en la que Oppenheimer se dedicaba a la cuántica queda a un plano secundario por motivos obvios que la propia historia también se ha ocupado en tapar. No veréis por lo tanto cómo se saltaba cursos enteros o cómo llegó a formular la aproximación de Born-Oppenheimer. Pero si otros detalles como que fue quien importó la física cuántica a los Estados Unidos o su estrecha relación con Albert Einstein. Todo esto a partir de otro amor que tiene Nolan, el de sus amigos actores. El reparto podría arruinar a cualquier productora con su caché y a algunos de nosotros a base de pagar entradas de cine. Las actuaciones de Cillian Murphy y Robert Downey Jr. son laureables. Ambos lucen en pantalla como si fuesen estrellas del Hollywood dorado y son capaces de llevar a cabo un duelo interpretativo a pesar de que no comparten muchas escenas.

‘Oppenheimer’ está mejor armada, concebida o es más comprensible que ‘Tenet’. Aunque de nuevo, salvo en los compases iniciales y finales, Nolan descuida el ámbito emocional. ¿Será que Christopher Nolan está acusando no escribir junto a su hermano Jonathan? Recordemos que no lo hace desde ‘Interstellar’. Intenta suplirlo con una banda sonora que de nuevo a estado a cargo de un Ludwig Göransson que cada vez imita mejor a Hans Zimmer. Algo que también nos transmite el guión es una saturación de temas, lo cual hace que la película sea densa o dispersa al mismo tiempo. Toca el ámbito científico con la incursión de la física cuántica, los nuevos inventos cuando están al servicio de lo bélico (el hombre siempre pervierte el progreso, como nos recuerda Nolan al comienzo con el mito de Prometeo), es a todas luces un thriller político que incluye hasta la permisibilidad de USA en la Guerra Civil Española y el auge del fascismo, por supuesto funciona como biopic de un científico que a muy poco podría haber sido como ‘La Teoría del todo’ o ‘The imitation game’, también reflexiona el cómo cambió el mundo a partir de aquello y cómo lo comprobamos hoy en día que tenemos candente una guerra violenta que a la vez es fría… Para todo esto se ha dispuesto un montaje en tres tiempos fílmicos distintos. El mayor tiempo de metraje se dedica a cómo Oppenheimer progresó en el campo de la física dentro de determinados ámbitos académicos y a cómo se desarrolló su moral durante su etapa como director en el proyecto Manhattan. A parte de eso saltamos por una auditoría en la que fue martirizado y una comisión ante el Congreso. Son tres horas de concatenación de escenas que no llegan a superar los cinco minutos cada una y por eso agradezco que se pasa rápido. Pero el montaje podría considerarse intenso y agotador. En mi lugar habría recortado algunas escenas, como muchas en las que interviene Florence Pugh que están no solo fuera del tono del filme, también de lo que acostumbra a mostrar Nolan.

Aunque tiene muchas temáticas pienso que se centra la atención en la caza de brujas y el escarnio que sufrió Oppenheimer por parte de ciertos miembros de su propio país, lo cual fue desvelado tras la desclasificación en 2014 de los juicios que fueron llevados a cabo en su contra. Él era de opiniones progresistas, consideradas de izquierdas y tal y como se empeña en mostrar el filme, con lazos comunistas. En lo que coinciden los historiadores es sobre todo que su carácter era pacifista. De ahí su segunda temática principal. Esta película es la filmación de su camino hacia la culpa que sintió toda su vida, llegando a manifestar su propia vergüenza, la oposición al uso de su propio invento, tras lo que consideró un verdadero abuso de poder y una masacre. ‘Oppenheimer’ nos deja como último mensaje la constatación de que ya hemos puesto el último clavo en el ataúd de la humanidad con la invención de la bomba atómica. Su mensaje es sin duda melancólico y catastrofista, esperemos que eso no sea vaticinio de lo que les espera a las salas de cine tras la invención del streaming y las IAs.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio de 2023. Título original: Oppenheimer. Duración: 180 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Nolan. Guion: Christopher Nolan. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Hoyte van Hoytema. Reparto principal: Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damon, Robert Downey Jr., Florence Pugh, Benny Safdie, Michael Angarano, Josh Hartnett, Rami Malek, Kenneth Branagh, Dane DeHaan, Dylan Arnold, David Krumholtz, Alden Ehrenreich, Matthew Modine. Producción: Universal Pictures, Atlas Entertainment, Gadget Films, Syncopy. Distribución: Universal Pictures. Género: biografía. Web oficial: https://www.instagram.com/oppenheimermovie/

Crítica: ‘Bull run’

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Bull Run cuenta la historia de una directora de cine que, como tantos otros jóvenes, se engancha al trading de criptomonedas durante la pandemia (comprar barato, vender caro), y que para poder seguir haciendo trading sin que nadie le juzgue, decide hacer un documental sobre la fiebre de las criptomonedas.

Crítica

Con un sentido del humor analítico y autocrítico consigue ser accesible y nada criptica

‘Bull run’ hereda su título de la expresión usada en economía para describir una situación de fuerte alza en la cotización, en el caso concreto que trata este largometraje, en las criptomonedas. La directora (reconvertida en trader) Ana Ramón Rubio de quien os hemos hablado cuando comentamos su obra ‘Almost Ghosts’ ha elaborado este documental sobre la fiebre de los activos digitales adentrándose en ese mundo con la perspectiva de una persona joven que tras la pandemia intenta hacer dinero fácil comprando barato y vendiendo caro. ¿Os suena eso de la gente con ojos láser en las fotos de perfil? No os preocupéis que ‘Bull run’ os lo explica.

No os preocupéis si os suena a chino el primer párrafo porque ‘Bull run’ está tratado de un modo similar a ‘La gran apuesta’. El espíritu de Adam McKay parece presente en este largometraje que procura explicar punto por punto todo lo que sucede en nuestra actualidad con eso de los medios digitales de intercambio. Y para ello habría que citar su punto de partida, que es una fijación de la directora tras el confinamiento con este tipo de inversiones. Pero derivado de ello está un detalle más relevante y transgresor como es el hecho de que esta sea la primera película documental en formato largometraje en ser íntegramente tokenizada. Consiguió su financiación en menos de 24 horas como os contamos aquí en su día, hecho que se refleja también en el filme con una captura de nuestra web. Eso quiere decir que para llevarse acabo la representación digital del filme está dividida en tokens que pertenecen a aquellos que han creído en ella con su contribución. Una muestra más de que el blockchain está cambiando el mundo y cambiando las reglas a muchos niveles.

Aunque todo esto suene a clase aburrida de economía el tono de la película es cómico. Está narrada en primera persona, desde una perspectiva personal y moderna. ‘Bull run’ tiene muy buen sentido del humor, analítico y autocrítico. El prisma es el de obstinación que va más allá de una inquietud por algo que aún hoy en día sigue siendo un boom. El culmen de la burla sobre todo lo que vertebra el largometraje es un videoclip a tope de gusto kitsch con Lory Money orquestado por Javier Polo y con producción de Casabona Films, lo cual nos lleva a otros títulos interesantes y que se introducen en otros ámbitos de nuestra realidad como ‘The Mystery of the Pink Flamingos’ y ‘Una terapia de mierda’.

Con esta película nos planteamos si es momento para oportunistas y no rezagados o para estafados o víctimas de una burbuja ubicada en el mundo virtual. Desde luego es de estas cosas que cuando salen a la luz te quedas con ganas de haber sido parte de ella, te da rabia haber perdido el tren. Y es que aquellos que están en esta cresta de la ola pueden decir no estar influenciados por la inflación, eso que hace que suban los precios pero no los sueldos ni el valor del dinero que tienes en tu bolsillo o en tu cuenta corriente. Ahí es donde se resalta el devaneo con lo romántico. Es muy idílico o utópico poder decir que estás fuera de nuestro sistema controlado por los gobiernos o corporaciones, que vives sin ataduras e incluso sin depender del plano físico. Pero ‘Bull run’ tampoco es una apología por este tipo de inversiones, también previene de sus riesgos.

Vais a oír términos modernos como trading, Bitcoin, cripto, bear market, blockchain, tokenizar, sats, hodl, neoinversor… Y os vais a sentir como un boomer si no os suena ninguno. Pero hay mucho más allá de la visión o experiencia de la directora con toda esta nube de términos. Dado que esta película es en parte el retrato de una obsesión o de una situación tóxica el reparto está compuesto por la propia Ana Ramón Rubio (más familiares y terapeuta) junto a los testimonios de expertos como Michael J. Saylor, Gael Sánchez Smith, Miguel Ángel González, Stephan Livera, Trader Luis, Jose Antonio Bravo, Diego Mazo Rosete, Lorena Ortiz, Maurizio Esposito, Javier Callejo, Miguel Caballero, Covadonga Fernández o William Soriano. Todos ellos traders, sociólogos, economistas o influencers del tema.

‘Bull run’ va desde el origen de las cripto al margen de gobiernos o ideologías hasta la inmensa cantidad de monedas virtuales actuales que han llevado a acontecimientos históricos como la oficialidad del Bitcoin en El Salvador. Advierto de nuevo, esta no es una guía sobre cómo invertir, solo es una muestra de una realidad que es cada día más evidente que tiene perspectiva de futuro pero que también es totalmente inestable.

Ficha de la película

Estreno en España: por determinar. Título original: Bull Run. Duración: 80 min. País: España. Dirección: Ana Ramón Rubio. Guion: Ana Ramón Rubio. Música: Lory Money, LolxdMafia y Daniel Bearoid (Sr. Flipante). Fotografía: Celia Riera, Nacho Toledo Roca. Reparto principal: Ana Ramón Rubio (más familiares y terapeuta), Michael J. Saylor, Gael Sánchez Smith, Miguel Ángel González, Stephan Livera, Trader Luis, Jose Antonio Bravo, Diego Mazo Rosete, Lorena Ortiz, Maurizio Esposito, Javier Callejo, Miguel Caballero, Covadonga Fernández o William Soriano. Producción: Casabona Films. Distribución: Bienvenidos a la Calama. Género: documental, comedia. Web oficial: https://www.cosabonafilms.com/project/bull-run/

Crítica: ‘Tierra de nuestras madres’

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Rosario es una señora mayor que vive a las afueras de un pueblo manchego con Ofelio, su hijo discapacitado, su borrico y su cabra. Rosario recoge la sal de higuera de su laguna y se gana la vida vendiéndosela a los viejos, que conocen sus usos milenarios… y a los no tan viejos, mezclándola con tranquilizantesde farmacia y más ingredientes. El

pueblo está arruinado por la ludopatía de sus habitantes y sus gobernantes, que deciden

venderlo. Los habitantes se someten a la venta forzada y a la expulsión, pero la casa y la laguna de Rosario están en medio del término municipal. Ella se opone a esta venta, y organiza, en la medida de sus posibilidades, la resistencia.

Crítica

Tan heredera de Cuerda y Berlanga como nosotros del ADN de nuestros progenitores

La primera película orquestada por la actriz Liz Lobato es ‘Tierra de nuestras madres’ y nos hace recordar de buenas a primeras a ‘La vida de Brian’. Por motivos evidentes al ver a Saturnino García ataviado de vestido negro fúnebre y mandil nos acordamos de Terry Jones. Al igual que la madre de Brian, la anciana que interpreta intenta salir adelante día a día manteniendo una austera casa y a un hijo que no se entera de qué va la vida. Y también al igual que aquella madre que se acostaba con romanos esta madre tiene que hacer sus trapicheos mientras demuestra su afecto con una aspereza e irritabilidad que es marca de La Mancha.

‘Tierra de nuestras madres’ nos cuenta cómo una vieja mustia y solitaria tira de tocomocho y sobornos para sobrevivir en una aldea dejada de la mano de Dios. La laguna de sal que heredó de su familia es la única fuente de ganancias que tiene, pero la usa muy a conveniencia. Rosario es una zalamera que vive de la manera más mundana posible a pesar de estar rodeada de historias disparatadas y peculiares pueblerinos.

Que el surrealismo está presente como bandera en esta película es manifiesto en cuanto descubrimos cómo está caracterizado el personaje protagonista pero aún más cuando descubrimos que la narradora de la historia es la cabra Emilia, un animal que se dice de vocación escritora y que antes de pasar a ser propiedad de la protagonista ha sido cabra de la legión y pedigüeña de esas de ir con el gitano y la trompeta. Saturnino García, recientemente visto en ‘Vampus Horror Tales’, es un valiente de nuestro cine que tras vivir tropecientos rodajes aún se apunta a un bombardeo. Habiendo trabajado con Cuerda y Saura es de comprender el verle en este proyecto lleno de cabras y personajes como cabras.

Si creímos en la existencia de personajes tan raros y cómicos como las hermanas del baptisterio porque no confiar en lo que nos cuenta ‘Tierra de nuestras madres’, es igual de real. El hecho de tener a un hombre ejerciendo de anciana es solo una herramienta más al servicio del esperpento y el neorrealismo propios de Cuerda y Berlanga. Efectivamente este filme es heredero de esos dos maestros recordando a ‘Amanece que no es poco’ o a ‘Bienvenido Mr. Marshall’. Pero también hay que decir que aunque heredes o sigas una línea continuista con determinados predecesores no quiere decir que estés a su nivel. ‘Tierra de nuestras madres’ esconde mensaje entre sus casas encaladas y sus palabros castellanos, nos brinda un humor totalmente llano, pero a veces aburre con su redundancia.

Encima de vaciados, desconcertados y expropiados. Más allá de su humor absurdo y pintoresco está el mensaje contrainvasor, el desarraigo con el campo que podemos observar desde las cada vez más saturadas ciudades y lo desactualizado que puede llegar a estar el mundo rural. Tirando de hipérbole se habla de pueblos franquicia. Como si de un club deportivo se tratase lo que le sucede al pueblo de Rosario es que una potencia extranjera quiere comprar todas las propiedades, casas y terrenos incluidos. Hay un paralelismo que se mantiene como hilo conductor y es el de la época de la ocupación francesa. Es la invasión comercial que en su día se convirtió en la victoria que USA no pudo tener en Vietnam.

Antes hablaba de herencias y el que creo que es el mayor legado de ‘Tierra de nuestras madres’ es su honesto sentido del humor y la manera de afrontar la vida. Para Liz Lobato el estoicismo significa aguantar con imperturbabilidad pero también con la resignación de que todo aquello que puebla nuestra realidad forma parte a la vez de un surrealismo casi imperceptible y a la vez innegable. A su vez es un empujón para mirar hacia nuestros orígenes. Todo, desde nuestra civilización hasta la comida que compramos en grandes supermercados, parte del campo y como germen ineludible e indispensable no debemos descuidarlo, así como nunca olvidamos los sueños, aspiraciones y obras de aquellas que nos parieron.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de julio de 2023. Título original: Tierra de nuestras madres. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Liz Lobato. Guion: Liz Lobato. Música: Luis Tejera, Jeremías Tejera. Fotografía: Ismael Blanco. Reparto principal: Saturnino García, José Luis Cruza. Producción: Miguelina Producciones, Por lo visto, Lunática Films, La bestia produce. Distribución: Melocreo. Género: drama, comedia. Web oficial: https://www.instagram.com/p/Cs_1uOfKzSZ/

Crítica: ‘Bird Box Barcelona’

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Los productores del fenómeno global ‘A ciegas’ presentan ‘Bird Box Barcelona’, una ampliación de la película que cautivó al público en 2018. Una fuerza misteriosa ha arrasado con la población del planeta, y Sebastián emprende un viaje por la supervivencia a través de las calles desiertas de Barcelona. Mientras forja alianzas incómodas con otros supervivientes e intentan salir de la ciudad, un peligro inesperado y aún más siniestro se cierne sobre ellos.

Crítica

Te deja con ganas de ver más sobre este universo

En 2018 llegó a nuestras casas ‘Bird Box’ película basada en la novela de Josh Malerman en la que acompañamos a una madre (Sandra Bullock) y sus dos hijos durante un apocalipsis en búsqueda de un refugio donde poder vivir. Algo está ocurriendo en la Tierra y es que una fuerza misteriosa es capaz de hacer que te suicides si la miras directamente.

En este mismo universo encontramos ‘Bird Box Barcelona’ que ya nada tiene que ver con la novela, simplemente la base. Aquí seguimos a Sebastián y su hija Anna, al igual que en la anterior, intentando buscar un refugio seguro para esconderse de aquellas fuerzas.

Dirigida por David Pastor y Álex Pastor (‘Hogar’), la historia da un giro bastante bueno, a mi parecer, y logra introducir más tensión a la cinta y bastante acción. Está muy bien rodada y el reparto logra que nos identifiquemos de una u otra manera con los distintos personajes.

Me ha parecido mucho más entretenida que su predecesora, que no terminaba de adentrarte en esa atmósfera de miedo que debería. Eso sí, hay detalles que se pierden en esta película, como los pájaros. Y es que en la novela las personas iban con una jaula con pájaros para que les avisen de la presencia de estos seres y aquí hay un guiño a ello, pero nada más.

Pero como os he comentado, introducen un giro en la historia bastante bueno para que esos detalles ni los recuerdes. Las reacciones de las distintas personas con las que se van encontrando nuestros protagonistas son muy reales. Vemos el miedo, el odio, la desconfianza, pero también vemos las ganas de encontrar supervivientes y entender que no estás solo. También están los personajes que piensan que esto es un castigo divino.

Mario Casas (‘El Inocente’) asume el gran peso de la película. En un papel con muchos matices que hace funcionar desde el principio. Además, que le vemos hablar en alemán e inglés sin ningún tipo de problema. Y como siempre, las escenas de acción las borda.

Georgina Campbell, Diego Calva, Michelle Jenner, Leonardo Sbaraglia, Naila Schuberth, Patrick Criado, Lola Dueñas, Alejandra Howard, Mireia Rey, Gonzalo de Castro o Celia Freijeiro son parte del elenco que acompaña a nuestro protagonista en este terrible apocalipsis.

El ambiente de la película me ha gustado mucho, está muy cuidado el vestuario y todos los decorados, donde vemos una ciudad devastada, con las ventanas tapiadas o pintadas para que no puedan adentrarse estas criaturas. La fotografía de Daniel Aranyó presta mucha atención a los grandes horizontes para que veamos Barcelona de la peor manera posible. Al igual que hizo con ‘Way Down‘ nos trae unas imágenes aéreas bastante buenos, sobre todo en el teleférico.

Este próximo 14 de julio llega a nuestras casas gracias a Netflix. Como aclaración, aunque esté ambientada en el mismo universo, no hace falta ver ‘Bird Box’, pues ‘Bird Box Barcelona’ funciona como película independiente. Pero como siempre, es bueno ver una versión diferente para poder comparar o simplemente disfrutar ambas por igual. Espero que hagan más películas sobre esta historia desde el punto de vista de otras ciudades. Pero también me gustaría ver una continuación de ésta, pues ese final, al menos a mí, deja con ganas de más.

 Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2023. Título original: Bird Box Barcelona. Duración: 110 min. País: España. Dirección: Àlex Pastor, David Pastor. Guion: Àlex Pastor, David Pastor. Música: Zeltia Montes. Fotografía: Daniel Aranyo. Reparto principal: Mario Casas, Georgina Campbell, Alejandra Howard, Naila Schuberth, Diego Calva, Patrick Criado, Lola Dueñas, Gonzalo de Castro, Michelle Jenner, Leonardo Sbaraglia. Producción: Chris Morgan Productions, Dylan Clark Productions, Netflix Studios, Nostromo Pictures. Distribución: Netflix. Género: terorr, ciencia ficción. Web oficial: https://www.netflix.com/title/81404810

Crítica: ‘Esperando a Dalí’

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Los hermanos Fernando y Alberto, cocineros del mejor restaurante francés de Barcelona, huyen a Cadaqués debido a las implicaciones políticas de uno de ellos. Una vez allí, quedaran atrapados por el «ambiente mágico» del lugar, impregnado por la presencia del artista universal Salvador Dalí. Jules, el excéntrico propietario del restaurante El Surreal, los contrata como friegaplatos y les hará compartir su obsesión por Dalí. Mientras esperan ansiosos la llegada del artista, Fernando se enamora de Lola, la hija de Jules, quien le influirá para empezar una verdadera revolución en el mundo de la cocina.

Crítica

Posee un carácter soñador y risueño que es contagioso

Salvador Dalí fue precursor, maestro, estandarte y habitante del surrealismo. Era de esperar que una película que añora un encuentro con tan magno autor también hiciese uso de esa corriente artística. ‘Esperando a Dalí’ transita muchas veces por ese movimiento tan cultivado por autores como Buñuel, Breton o Ernst. Pero para mí lo que impera en esta película de David Pujol es la bohemia.

‘Esperando a Dalí’ está repleta de soñadores e idealistas, de personajes caóticos e inconformistas. El surrealismo siempre ha estado asociado al comunismo y en este caso se enfrenta a la represión y las pataletas de los últimos años del franquismo, cuando predominaba la opresión cultural y los baremos de los recatados. Pero este no es un filme político ni politizado, como decía simplemente impera el modo de vida despreocupado y eso contrasta con la época. Lo que sucede es que se enmarca en 1974, años en los que Dalí residía en Cadaqués. Allí algunos quieren cumplir el sueño de dar un servicio de comida a uno de los artistas más importantes de nuestra historia y otros solo quieren desarrollar su cocina sin límite alguno, hasta donde les alcance la imaginación. Existe un paralelismo entre la obra cubista y dadaísta y la capacidad abstracta de crear nuevos platos que esta película explota al máximo. El gérmen de esta cinta de ficción puede ser la serie documental que rodó Pujol en 2010, ‘El Bulli – Historia de un sueño’. Además, hablando de comida, el filme está patrocinado por Chupa Chups y Dalí diseñó el logotipo de esa marca en poco más de una hora. ¿Hay algo más surrealista que eso? Toda la vida hemos tenido en nuestro bolsillo una obra de Dalí y la hemos tirado a la basura para comernos su contenido.

Quizá las caras más conocidas dentro del reparto franco-español de ‘Esperando a Dalí’, sean las de Paco Tous y la de Iván Massagué. Este segundo es el protagonista de la película y cumple magníficamente en su papel de amante de su hermano y de la cocina. Pero debo destacar que aquel que ejerce de dueño del restaurante El Surreal es quién ha calado más en mí. Está interpretado por José García y simboliza a esos empresarios despreocupados, charlatanes y embaucadores qué tienen un carisma indiscutible, pero que también representan esa gran irresponsabilidad que tienen aquellos que quieren vivir solo para un sueño. Ojalá tener el carácter resiliente y risueño de este personaje, es contagioso y posee un optimismo envidiable. “Aquí los problemas siempre duran poco” dice en una parte de la película y creo que esa filosofía es el mayor legado de esta película, junto con su amor por el artista de Figueras.

El filme arroja muchas curiosidades sobre el pintor, como sus frecuentes visitas al restaurante Barroco, su domicilio de verano junto a la zona de los pescadores, sus “buenos días” saliendo de un huevo gigante junto a Gala… Pero más allá de girar entorno a la personalidad o historia del genio catalán nos intenta retratar a los habitantes de una casa de locos que por extensión podría ser nuestro mundo. ‘Esperando a Dalí’ es quizá menos cómica de lo que cabría esperar al enmarcarse dentro del surrealismo, pero es lo suficientemente reflexiva y fantaseadora como para considerarse un amor de verano.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2023. Título original: Esperando a Dalí. Duración: 114 min. País: España. Dirección: David Pujol. Guion: David Pujol. Música: Pascal Comelade. Fotografía: Román Martínez de Bujo. Reparto principal: José García, Iván Massagué, Clara Ponsot, Nicolas Cazalè, Pol López, Paco Tous, Alberto Lozano, Jose Ángel Egido, Vicky Peña. Producción: Fishcorb Films, Arlong Productions, TV3, Chupa Chups, Constant Productions. Distribución: Alfa Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.arlongproductions.com/esperando-a-dali

Crítica: ‘Nada’

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Pierre Anthon y sus compañeros de clase de octavo acaban de comenzar el curso cuando él declara que la vida no tiene sentido y se marcha del colegio. Esto provoca una crisis existencial entre sus compañeros, quienes deciden reunir sus pertenencias más valiosas con el reto de convencerle de que está equivocado. En su búsqueda arriesgarán parte de sí mismos y descubrirán que sólo al perder algo se aprecia su valor.

Crítica

Tras una serie de interesantes reflexiones se convierte en un juego casi vacuo

Cuando vemos una película en la que los protagonistas son muy muy jóvenes y estos se dedican a poner patas arriba el establishment o a orquestar su propia sociedad inmediatamente se nos viene a la cabeza ‘El señor de las moscas’. Es lógico que nos pase eso mismo con ‘Nada’ pero más que una acción utópica o rebelde lo de la película de Trine Piil Christensen y Seamus McNally es un estudio vandálico y nihilista, aunque no en el más estricto de los sentidos.

La historia arranca con un muchacho que de repente deja de verle sentido a lo que hace y sobre todo a las pautas que la sociedad le dice que ha de seguir. Cual ‘Club de los Poetas Muertos’ o ‘Club de la Lucha’ rápidamente contagia a otros formando sin darse cuenta una camarilla de seguidores que en secreto empiezan a poner en común sus inquietudes y a desarrollar sus pulsiones e ideas. Es ahí donde el filme se torna provocador y malsano pero a la vez sugerente y reflexivo. ‘Nada’ consigue girar con mucho tino en torno al materialismo, la perspectiva de las prioridades y el desarrollo de la personalidad.

Esta película danesa y alemana adapta una novela de Janne Teller. Se enmarca en esa difícil etapa de nuestras vidas en la que nos hacen elegir qué queremos estudiar para determinar a tan tierna edad qué vamos a ser o mejor dicho, a qué nos vamos a dedicar. Si siempre se dice que el cine nórdico suele girar alrededor de temas existencialistas o deprimentes con este drama adolescente tenemos un ejemplo más.

La dinámica de la película se va haciendo más y más impredecible, peligrosa y arriesgada, casi salvaje y desde luego perturbadora. Se crea así una tensión que aunque no alcanza el suspense suficiente como para amedrentarnos si como para suscitar cierta inquietud e incomodidad. Yo desde luego he agonizado con la escena de la perra. Es un flirteo con las emociones fuertes y el sentido de la vida, una búsqueda del disfrute del proceso más allá de las metas. Al final, a pesar de tanta invitación a la meditación la tónica que predomina es la de la venganza y la crueldad. Es una pena porque el morbo por ver qué se les ocurre a estas mentes púber le resta peso al mensaje de ‘Nada’ y casi se queda en algo vacuo. Al menos tiene un giro final de esos que recuerda a la parte más crítica de ‘Los Simpsons’ con nuestra sociedad actual y su “arte”.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de julio de 2023. Título original: Intet. Duración: 83 min. País: Dinamarca, Alemania. Dirección: Trine Piil Christensen, Seamus McNally. Guion: Trine Piil Christensen. Música: Johan Carøe. Fotografía: Bo Bilstrup. Reparto principal: Vivelill Søgaard Holm, Harald Kaiser Hermann, Peter Gantzler, Mia Lerdam, Shahbaz Sarwar, Maya Louise Skipper Gonzales, Sigurd Philip Dalgas, Ellen Fensbo, Andrea Halskov-Jensen, Theodor Philip MacDonald, Claus Riis Østergaard, Paw Henriksen, Biljana Stojkoska, Laura Allen Müller, Sarah Boberg. Producción: Film og Lydholm, Komplizen Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, suspense. Web oficial: http://www.komplizenfilm.de/e/films/nichts.html

Crítica: ‘Unos suegros de armas tomar’

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Owen Browning (Adam Devine) es un director de banco serio y formal que está a punto de casarse con el amor de su vida, Parker (Nina Dobrev). Pero, justo en la semana de su boda, Los bandidos fantasma atracan su banco y Owen cree que los forajidos son sus futuros suegros (Pierce Brosnan y Ellen Barkin), que acaban de llegar a la ciudad.

Crítica

Comedia de fondo de catálogo y humor básico

Como rezan las tradiciones norteamericanas los niños juegan con los Masters del Universo y a las niñas les toca el Power Ranger Rosa. Y desde que juegan con muñecos todos sueñan con la boda perfecta. Lo que no es nada recomendable pero que parece ser otra tradición en las comedias yanques es el conocer a los padres de tu pareja justo antes de desposarse. ‘Unos suegros de armas tomar’ es una comedia en la que un joven director de banco conoce a los siempre ausentes progenitores de su prometida a unos días de su boda. Esta es una comedia muy del estilo de ‘Los padres de ella’ solo que versión ‘Point Break’.

El título original de ‘Unos suegros de armas tomar’ es ‘Los fuera de la ley’, si lo traducimos más o menos literalmente. Alude a que los suegros del protagonista son unos atracadores de bancos y este ha de intentar demostrar su implicación en una famosa cadena de robos, incluido el de su sucursal. Esta comedia parte de crear situaciones incómodas, tantos entro de un entorno cotidiano como durante de las situaciones más peligrosas. Porque además de ser una sitcom esta es una película que muy de respajilón podría considerarse de acción.

‘Unos suegros de armas tomar’ está repleta de bromas tontorronas y chistes sexuales, todo con un estilo muy clásico de las más básicas comedias norteamericanas. El director Tyler Spindel ha estado ya en películas de este estilo, tanto delante como tras las cámaras. No se sale de esa sintonía y salvo por un par de escenas con cierta gracia el resto hacen siempre uso de mal gusto o un sentido del humor pueril.

Esta es una comedia tan de fondo de catálogo que ni merece la pena mencionar que aparecen en ella Ellen Barkin, Michael Rooker, Julie Hagerty o Pierce Brosnan, el cual incluso tira de galones y hace alusión a su papel como James Bond. El protagonismo y a la vez el grueso de los gags está volcado en Adam Devine y uno acaba un poco saturado de sus idioteces y ñoñerías.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2023. Título original: The Out-Laws. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Tyler Spindel. Guion: Evan Turner, Ben Zazove. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Michael Bonvillain. Reparto principal: Adam Devine, Ellen Barkin, Nina Dobrev, Pierce Brosnan, Poorna Jagannathan, Michael Rooker, Lauren Lapkus, Richard Kind, Blake Anderson, Julie Hagerty, Lil Rel Howery. Producción: Happy Madison Productions. Distribución: Netflix. Género: comedia. Web oficial: https://www.netflix.com/title/81186234

Crítica: ‘Tiburón negro’

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Paul Sturges (Josh Lucas), trabajador de una empresa petrolífera, aprovecha sus idílicas vacaciones familiares en la bahía azul de México para hacer una inspección rutinaria de una plataforma ubicada en medio del océano. Lo que prometia ser una tarea sencilla se convierte en una auténtica pesadilla al encontrarse cara a cara con un sanguinario megalodón obsesionado con protegir su territorio a toda costa. Abandonados a su suerte, y con la constante amenaza de ser deborados, la família deberá encontrar el modo de regresar a tierra firme evitando los ataques mortales del enorme tiburón.

Crítica

Mola el poster y poco más

Tenemos nuevo título dentro de la sharksploitation, ‘Tiburón negro’. Una obra que ya de entrada podría haberse llamado literalmente como en versión original ‘El Demonio Negro’, pero que por razones que solo entienden los lumbreras de marketing se ha llamado así. Sea como fuere esta película de Adrian Grunberg, el director de la también malograda ‘Rambo: Last Blood’, está basada en una supuesta historia o leyenda real. Según los lugareños el gigantesco tiburón que encabeza el cartel de la película es una criatura que lleva generaciones eliminando a pescadores y ballenas de la zona.

Creencias de demonios y santería. El tiburón que atemoriza a los protagonistas es fruto de una venganza de los dioses y de la naturaleza, es un castigo para los humanos. La película intenta usar la mitología del pueblo mexicano para enarbolar una vez más el argumento que muestra al hombre como el verdadero monstruo que explota la Tierra hasta llevarla al límite succionándole los recursos y contaminando. Pero ni ese alegato ni el supuesto terror que deberíamos experimentar están bien desarrollados o del todo definidos.

Toda la acción transcurre en una destartalada plataforma petrolífera. Una explotación que se supone que ha sacado de las profundidades a este tiburón, sediento de víctimas. Pero el tiburón negro aparece más bien poco, gozando solo de un par de escenas en las que demuestra su potencial. A parte de eso esta es una película que intenta seguir los pasos de títulos como ‘Megalodón’, ‘A 47 metros’, ‘The Deep’ y evidentemente ‘Tiburón’, al que hace un guiño con la escena del escupitajo en las gafas de buceo. Pero no termina de funcionar pues esconde demasiado a su criatura, no trabaja bien la tensión y los efectos digitales son mejorables, aunque mejores que algunas de las interpretaciones. Por desgracia está indefinida ya que no se percibe como una película de terror serio ni como un espectáculo de serie B. Películas con híbridos como ‘Piranha sharks’ o ‘El ataque del tiburón de tres cabezas’ funcionan mejor y serían más disfrutables con amigos ahora en los cines de verano.

Se entiende que el filme quiere desarrollar una carrera a contrarreloj para conseguir escapar de la plataforma antes de que el tiburón la eche abajo con su gran tamaño. Pero hay multitud de incoherencias, como la calma con la que hacen todo los protagonistas, la cual impide que se transmita ninguna sensación de urgencia. El símil más próximo sería ‘Deep blue sea’ pero más quisiera ‘Tiburón negro’ desarrollar el espectáculo, el carisma y las muertes de la película de Renny Harlin. Si le quitas a esta película los flashbacks que no vienen a cuento y que parecen sacados de un banco de imágenes, los momentos de visiones psicodélicas, la mala elección de planos… quizá te quede un buen corto, porque yo prefiero quedarme con el tráiler que con la más de hora y media de película.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de julio de 2023. Título original: The Black Demon. Duración: 100 min. País: EE.UU. Dirección: Adrian Grunberg. Guion: Boise Esquerra. Fotografía: Antonio Riestra. Reparto principal: Josh Lucas, Fernanda Urrejola, Julio Cesar Cedillo, Jorge A. Jimenez, Hector Jimenez, Venus Ariel, Carlos Solórzano. Producción: Buzzfeed Studios, Chocolatito, Diamond Films, Lantica Media, Mucho Más Media, Silk Mass. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial: https://www.muchomasmedia.com/film-and-tv

Crítica: ‘Misión: Imposible – Sentencia mortal parte I’

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En ‘Misión: Imposible- Sentencia Mortal Parte I’, Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo del FMI, se embarcan en su misión más peligrosa hasta la fecha: localizar, antes de que caiga en las manos equivocadas, una nueva y terrorífica arma que amenaza a toda la humanidad. En esta tesitura, y con unas fuerzas oscuras del pasado de Ethan acechando, comienza una carrera mortal alrededor del mundo en la que está en juego el control del futuro y el destino del planeta. Enfrentado a un enemigo misterioso y todopoderoso, Ethan se ve obligado a considerar que nada puede anteponerse a su misión, ni siquiera las vidas de aquellos que más le importan.

Crítica

De irrefutable mérito y actualidad

Me divierte mucho el imaginar las caras de los empleados de las aseguradoras de Tom Cruise cuando leen las escenas que este va a hacer por sí mismo. Seguro que añoran los tiempos en los que solo Jackie Chan se trepaba por vertiginosos andamios o saltaba de un edificio a otro. Si encima pensamos que esta séptima entrega de la franquicia ‘Misión: Imposible’ va acompañada del título ‘Sentencia mortal’… tanto sus corredores de seguros, como sus productores o equipos de rodaje tienen que haber estado al borde del infarto.

Tom Cruise sigue haciendo lo posible dentro de lo imposible. Ya no me refiero solo a las meritorias proezas que hace a su edad y que le quitan el hipo hasta a los deportistas más extremos. También al logro de llenar las salas de cine con una película que no sea de superhéroes. Y volverá a hacerlo a pesar de ser una séptima entrega, al menos si nos atenemos a las buenas impresiones que leeréis aquí y estoy seguro que en otros muchos medios.

Se cierne una nueva amenaza sobre el mundo. Como parece que la edad de jubilación se ha alargado también para ellos tanto Ethan Hunt como sus compañeros se ponen de nuevo manos a la obra para intentar evitar que un nuevo arma caiga en malas manos. Aquí viene el elemento de tremenda actualidad. Un concepto, una tecnología tan abierta a debate y que tiene a tantos atemorizados que hace que ‘Misión: Imposible – Sentencia mortal parte I’ adquiera varios significados incluso más allá de la gran pantalla. La nueva aventura de Cruise es trepidante, graciosa y casi no da respiro, pero más que nunca nos habla de algo que podría pasar de verdad. Bien es cierto que esto ya lo pronosticó cinematográficamente Cameron pero no de un modo tan próximo a nuestra realidad.

Para disfrutar ‘Misión: Imposible – Sentencia mortal’ habría que conocer algo las entregas previas. Se puede disfrutar de manera independiente pero arranca con muchos conceptos y personajes ya introducidos, por lo que más de uno podría perderse en su arranque. Aún así consigue diferenciarse de las anteriores partes gracias a la incorporación de Hayley Atwell. Nos hace de perfecta guía y con ella el espectador se inmiscuye en el mundo de las intrigas del FMI como si fuese el niño de ‘El último gran héroe’. Con el permiso de Rebecca Ferguson hay que decir que es la que mejor ha congeniado en pantalla con Cruise dentro de esta saga.

Pero además se disfruta porque enarbola un buen guión de espionaje y tiene personajes muy bien trabajados e interpretados que rompen la dinámica de hasta ahora, de ese modo ‘Misión: Imposible – Sentencia mortal’ no se percibe como otra más. Aunque he de reconocer que si sigo acudiendo a ver estas películas de suspense y acción es por los tiroteos, persecuciones y peleas que nos ofrecen Tom Cruise y todo su equipo. ‘Misión: Imposible’ se ha convertido en una locura adrenalítica, desde que J.J. Abrams y Christopher McQuarrie cogieron la saga. Aunque cada vez están alargando más las persecuciones y eso a mí me cansa o puede hacer que el giuón pierda peso, siempre nos dejan más de una escena para el recuerdo. Que si el mítico momento suspendido por unos cables, que si la escalada por un edificio de cristal, que si la pelea en los baños públicos… En esta ocasión para mi la memorable no es ni la del temerario salto en paracaídas con la moto. Es otra que me ha recordado también a una de ‘Jurassic Park’.

Toca quedarse con cliffhanger pero con uno mucho menos colgado en este verano de películas inconclusas como ‘Flash’, ‘Spider-Man cruzando el multiverso’ o ‘Fast & Furious X’, por cierto que de nuevo la escalinata de Plaza España se ve deteriorada como esta última. El viaje de Hunt va del desierto hasta ciudades italianas como Roma o Venecia, donde cedió su set de iluminación a Álex de la Iglesia. Esta “séptima primera” entrega no está concluida y eso que los personajes se encuentran con una facilidad tremenda, pero al menos su recorrido es tremendamente disfrutable.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2023. Título original: Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One. Duración: 156 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher McQuarrie. Guion: Christopher McQuarrie, Erik Jendresen. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Fraser Taggart. Reparto principal: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Rebecca Ferguson, Vanessa Kirby, Esai Morales, Pom Klementieff, Mariela Garriga, Henry Czerny, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Frederick Schmidt, Cary Elwes, Mark Gatiss, Indira Varma, Rob Delaney. Producción: Paramount Pictures, Skydance Media, New Republic Pictures, TC Productions, Bad Robot. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, suspense, ciencia ficción. Web oficial: https://www.missionimpossible.com/

Crítica: ‘Reposo absoluto’

En qué plataforma ver Reposo absoluto

Sinopsis

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Tras años luchando por formar una familia, Julie Rivers (Melissa Barrera) está embarazada de nuevo y se muda a una nueva casa con su marido. Al recibir la orden del médico de guardar reposo absoluto, Julie comienza a sufrir unas aterradoras experiencias fantasmales que despertarán sus demonios del pasado y le harán preguntarse si su casa está embrujada o está todo en su cabeza. Atrapada y obligada a enfrentarse a su pasado y a lo sobrenatural Julie tendrá que luchar por protegerse a sí misma y a su bebé a punto de nacer.

Crítica

Un reposo a través de la ley del mínimo esfuerzo

Tras las últimas películas de ‘Scream’ toca seguir la pista a una de sus últimas incorporaciones protagónicas. No hablamos de Jenna Ortega, a la que parece que no paran de lloverle propuestas, sino de la otra protagonista principal, Melissa Barrera. Con ‘Reposo absoluto’ afronta su primer papel protagónico en solitario, si exceptuamos ‘Carmen’ por eso de ceñirnos al terror. La que muchos han bautizado como “la Gal Gadot mexicana” encabeza este filme de Lori Evans Taylor, productora y guionista que está preparando ahora ‘Destino Final 6’.

Partimos del hecho de que los productores son los mismos de ‘Scream’ y la última versión de ‘Suspiria’. Por desgracia ‘Reposo absoluto’ suena igual de repetitiva. El guión reitera en el mismo esquema de tantas otras películas de terror, véase: pareja intenta superar un bache, pareja intenta pasar página en una casa nueva, uno de ellos se tiene que quedar solo en casa, comienzan a sucederse cosas extrañas o paranormales… ‘Reposo absoluto’ juega con los miedos de una embarazada, como ya hacía en su día ‘Al interior’ (y su remake ‘Inside’), por citar algún ejemplo cercano y a partir de ahí procura usar los propios del espectador. Los tópicos se suceden, desde la apertura a lo ‘El resplandor’ hasta el niño inquietante a lo Demian, y como espectadores ya curtidos en el género esperamos algo que marque la diferencia, pero esto no llega a suceder en ningún momento.

Mantener una película en solo una localización y con únicamente tres o cuatro personajes no es fácil. Lori Evans Taylor lo consigue pero como decía antes sin novedades en el frente, sin arriesgar. Llega a intentar plantear si el personaje de Barrera está desquiciado o si realmente la casa está encantada, pero ni desarrolla esa idea ni la convierte en el centro del filme. En lugar de ello puebla el metraje de algo de camino hacia el desquicie y unos cuantos jump scares, poco más. Tira excesivamente de manual y de refreír la misma fórmula, al fin y al cabo es a lo que se están dedicando tanto la directora como su protagonista, a las secuelas y los remakes.

‘Reposo absoluto’ se presenta como una doble cuenta atrás. Una regresiva que nos indica cuánto queda para el parto y una creciente que enumera los días de encierro. Por supuesto finaliza con un agónico parto que todos podíamos intuir. Aunque la protagonista lee a Lorca no hay poesía en todo esto. Una película estándar del montón.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de julio de 2023. Título original: Bed Rest. Duración: 90 min. País: EE.UU., Canadá. Dirección: Lori Evans Taylor. Guion: Lori Evans Taylor. Música: Chris Forsgren. Fotografía: Jean-Philippe Bernier. Reparto principal: Melissa Barrera, Guy Burnet, Edie Inksetter, Paul Essiembre, Kristen Harris. Producción: BondIt Media Capital, Buffalo 8 Produtions, Project X Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial: https://www.projectxentertainment.com/#work

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