Disponible en Prime Video el remake de la película de 1989
Prime Video estrena mañana un nuevo título de esos que las plataformas catalogan como original, por eso de ser una producción propia. Pero esta película no parte de una idea original pues es un remake del título que se estrenó en 1989 y que protagonizó Patrick Swayze bajo la dirección de Rowdy Herrington. Ahora es Jake Gyllenhall quien se convierte en el luchador de la UFC (Ultimate Fighting Championship).
En esta nueva versión llena el ex luchador de UFC, Dalton, interpretado por Jake Gyllenhaal empieza a trabajar de portero en un motel de carretera de los Cayos de Florida, lo que le lleva a descubrir que ese paraíso no es lo que parece.
Además de Jake Gyllenhaal, completan el reparto Daniela Melchior, Billy Magnussen, Jessica Williams, Joaquim de Almeida, Conor McGregor, Lukas Gage, Arturo Castro, B.K. Cannon, Beau Knapp, Darren Barnet, Dominique Columbus, Bob Menery, Catfish Jean, Kevin Carroll, Travis Van Winkle y Hannah Lanier.
Road House (De profesión: Duro) está dirigida por Doug Liman (‘Al filo del mañana’, ‘Sr. y Sra. Smith’), con la adaptación del guion por parte de Anthony Bagarozzi y Charles Mondry, y producida por Joel Silver (‘Matrix’, ‘Dos buenos tipos’) con la producción ejecutiva de JJ Hook, Alison Winter, Aaron Auch y Audie Attar.
Vértigo Films reestrenará en cines ‘La Princesa Mononoke’, con motivo de su 25 aniversario. La película se estrenó por primera vez en Japón en julio de 1997 y ahora podrá verse de nuevo en España en grandes salas a partir del próximo 22 de julio.
‘La Princesa Mononoke’ es una de las más destacadas e icónicas películas de Studio Ghibli. Dirigida por Hayao Miyazaki, se convirtió muy pronto en una de las más valoradas por el público y la crítica. Sigue siendo hoy día considerada una de las mejores películas de animación jamás creadas.
Sinopsis oficial:
Mientras protege a su pueblo de un furioso dios-verraco, el joven guerrero Ashitaka se aflige con una maldición mortal. Para encontrar la cura que salvará su vida, viaja a las profundidades sagradas del reino del Gran Bosque, donde se encuentra con San (la princesa Mononoke), una niña criada por lobos. No pasa mucho tiempo antes de que Ashitaka se encuentre atrapado en medio de una batalla entre los humanos que exploran el mineral de hierro y los habitantes del bosque. Debe convocar a los poderes espirituales y todo su coraje para evitar que el hombre y la naturaleza se destruyan unos a otros.
Netflix estrena el próximo el 19 de noviembre la serie de acción real inspirada en el anime ‘Cowboy Bebop’. Aunque decir inspirada es en este caso quedarse un poco corto. Por suerte los 10 episodios de esta nueva versión son una excepción a la norma y los norteamericanos han dado en el clavo. Mis sensaciones son como las que tuve con ‘Sin City’, una obra que adaptaba un cómic de los considerados sagrados y que acertó en su estilo visual, tratamiento de personajes, respeto a la trama original…
Para los que no conozcan esta historia. Es una serie que surgió de un manga, como suele ser habitual. Nos traslada a un futuro en el que la humanidad vive desperdigada por nuestro sistema solar. Para viajar por el espacio de manera muy rápida se utilizan unas puertas o relés de masa a lo ‘Mass Effect’ que nos teletransportan a las inmediaciones de otros planetas. Pero uno de esos portales provoca un accidente y como daño colateral se daña la Luna y se origina un cataclismo en la Tierra de proporciones tipo Emmerich o Bay. Comienza así una vida de peligros para los humanos, propia de aquellos que en su día exploraron y habitaron el far west.
El nombre de la serie viene en parte por la nave en la que viajan los protagonistas. La Bebop es el hogar de unos cazarrecompensas que viajan por el espacio al son de música jazz y el gruñir de sus hambrientos estómagos. Pero el nombre de la serie también es muy descriptivo en cuanto a su estilo narrativo. Cowboy hace referencia obvia a los vaqueros, a una trama propia del western con bandas y buscavidas. Be bop nos traslada a un estilo de jazz y eso hace que cada personaje vaya a su ritmo, posea en su superficie un estilo frívolo, improvisado, sin melodía, pero en ese caos se percibe una armonía fruto del trabajo en equipo. Así se reflejaba tal cual en el anime y ese es uno de los mayores aciertos del live action, calca el estilo.
‘Cowboy Bebop’ está lleno de espontaneidad, música y acciones muy locas por parte de los personajes. Me gustaría conocer la opinión del director original, Shinchiro Watanabe, pero no me quemaré si pongo la mano en el fuego afirmando que le va a gustar. Si hay alguien que adapta muy bien los manga/anime es Takashi Miike y puedo decir que la serie de Netflix es fruto de su escuela. No se comete el error de convertir a los actores en monigotes mal disfrazados al estilo cosplay cutre. Se ha acertado a la hora de hacer el casting o el vestuario, pero eso no ha impedido que la serie mantenga su humor propio de un chiflado, ni su carácter fatalista, propio del cine negro. Dicho esto es obvio decir que aparecen elementos tan locos como el noticiero de los cazarrecompensas con sus dos divertidos y eufórocos presentadores, Judy y Punch.
Es fantástico el cómo más allá del opening o los títulos de crédito, la música se ha respetado, algo que se antojaba casi obligatorio. Y a nivel visual los planos, casi siempre inclinados, mantienen la vertiginosidad de la serie, se clavan muchas tomas. Calca escenas míticas e incluso episodios casi completos. Los fans reconocerán momentos del pasado de Spike y por supuesto identificarán el interior de la Bebop. Los escenarios de ciencia ficción son apabullantes, muy elegantes a la par que caóticos. Se ha respetado hasta la tipografía del anime en todas las letras que aparecen. El tratamiento de color, a todos los niveles, ha sido vital para tan satisfactoria adaptación.
Era también algo imperativo que ‘Cowboy Bebop’ tuviese mucha acción. Y la tiene, con unas escenas vibrantes. Entre la gallardía y picardía de los protagonistas vuelan los tiros y las patadas. Los personajes son unos fuera de serie, pero en el fondo pringan siempre. Son héroes miserables y condenados constantemente al fracaso, incluso en sus momentos más épicos. Esto es porque son capaces de aparcar sus diferencias y bromas en los instantes más difíciles para entregarse a la acción o a su sentido de la justicia.
Esta adaptación se antoja un poco más adulta, con detalles que digamos que son más violentos y libertinos. Seguramente esto sea fruto de las políticas de Netflix o de satisfacer a una audiencia que desde el original ha crecido lo suyo, por no decir que nos han salido canas. Eso nos lleva también a corregir la tan criticada sexualización de vestuario que tenía Faye Valentine, se nota que los tiempos han cambiado la visión del personaje y el foco está en su personalidad, no en su físico.
Vais a reconocer perfectamente a los personajes de esta space opera. Spike (John Cho) se mantiene como el héroe pícaro y bravucón de bromas sin gracia y pasado oscuro. Jet Black (Mustafa Shakir) es el gruñón capitán con un perpetuo sentido de la responsabilidad. Valentine (Daniella Pineda) sigue siendo una bocazas metomentodo también con un pasado desconocido. Julia (Elena Satine) también se conserva con acierto como la mujer fatal de la historia. El único que no me ha convencido es Alex Hassell como Vicious, el final boss de esta serie. Y… no digo quién más aparece.
Se ha criticado mucho a Netflix por el doblaje en España, pero esta serie me la he visto en versión doblada ya que así fue como experimenté el anime. En cuanto he escuchado a Jet Black con la misma voz del anime (Francesc Belda) me han conquistado. El resto de protagonistas tiene nuevas voces pero están totalmente acordes.
En Netflix se ha publicado también el anime original ‘Trigun’, otro de mis favoritos. Si os gusta esta mezcla, a veces cyberpunk, de naves espaciales con el estilo western echadle un vistazo. El nuevo ‘Cowboy Bebop’ tiene solo uno o dos episodios aburridos, como el 9 que me parece demasiado sobre-explicativo. Es ciencia ficción con reminiscencias a ‘Blade Runner’, tiroteos a lo spaghetti western e incluso bailes a lo ‘Banda aparte’ de Godard. Pronto descubriréis por qué ‘Cowboy bebop’ fue una serie de tanto éxito. Antes equiparaba el grado de éxito que va a tener esta serie a la adaptación cinematográfica de ‘Sin City’. La segunda parte de la obra de Frank Miller en forma de largometraje supuso un profundo chasco. Espero que no pase lo mismo con la más que probable segunda temporada de ‘Cowboy Bebop’. Hasta la vista cowboy del espacio.
Un disfrute de Superman de pueblo y mundo, de familia y archienemigos
Aún recuerdo con mucho cariño ‘Lois & Clark’, la serie que protagonizaron Dean Cain y Teri Hatcher. Casi treinta años después, casi a modo de secuela, con un tono más serio y mostrando una historia diametralmente diferente volvemos a tener a la pareja más famosa de DC Comics, teniendo además no solo el trasfondo de los cómics sino de todo un nuevo universo generado por series como ‘Arrow’, ‘The Flash’ o ‘Supergirl’.
Si hay un personaje difícil de adaptar a la pantalla por la expectativa y exigencias de los fans ese es Superman. Reto aceptado por parte de HBO que ha lanzado este 24 de febrero una nueva serie producida por el prolífico Geoff Johns. ‘Superman y Lois’ llega en modo de what if, de historia alternativa en la que los periodistas del Daily Planet tienen que cuidar a sus hijos gemelos mientas ocultan el alter ego del kryptoniano criado en Kansas. Y tras ver el piloto parece que el reto va de camino a ser superado.
Sabiendo que Greg Berlanti es el creador de esta serie me tenían ganado de antemano. Es el director de ‘Con amor, Simon’ y el productor de ‘Green Lantern’, ‘Stargirl’, ‘Doom Patrol’, ‘Titanes’ y ‘Constantine: Ciudad de demonios’ entre muchas otras. Y junto a él está como padre de esta serie Todd Helbing que también nos ha traído grandes títulos. Aunando sus estrenos anteriores tenemos este resultado. ‘Superman y Lois’ es una serie de personajes con mallas pero también un drama adolescente en el que la pubertad y la ciencia ficción entran en conflicto.
‘Superman y Lois’ arranca con una secuencia introductoria que muestra por enésima vez la llegada de El Hombre de Acero a la Tierra, la muerte de Jonathan Kent y así como alguna de sus andanzas. En esa primera secuencia podemos ver como el director Lee Toland Krieger ha introducido guiños a ‘Watchmen’, a la primera portada de Action Comics y más adelante al juego ‘Injustice 2’ o incluso símiles visuales con ‘El Hombre de Acero’. Pero me quedo sobre todo con el guiño que encontramos en la pizarra de la cocina en la que vemos como el doctor de la familia Kent se llama Donner, como Richard Donner. Con todo esto, aparte de citar algunos huevos de pascua, quiero llegar a que la serie tiene mucho carácter cinematográfico y sabe de donde beber.
El de Tyler Hoechlin es un Superman creíble (no lo había visto aún en las otras series) y Lois tiene el carácter de siempre, mostrándose a través de Elizabeth Tulloch como una persona fuerte e incluso siendo quien lleva los pantalones en una relación con el hombre más poderoso del planeta. Los dos hijos son realmente como un grano en el culo pero la manera en cómo irrumpen en el “trabajo” de Superman es interesante. Con ambos han creado una versión deceita de Thor y Loki en la que uno es el guaperas, con éxito y poca inteligencia mientras que el otro es listo, irascible y algo emo.
No toda la serie es “Padres forzosos” versión superheróica. También hay acción, aunque en el piloto sea breve. Ya tenemos un primer villano ataviado con armadura al más puro estilo Jefe Maestro del ‘Halo’. Nos llevan por todo el mundo peleando como si este fuese el climax de ‘Superman Returns’ versión mejorada. Y dada la edad de sus protagonistas también apunta a que vamos a tener algo de ‘Smallville’ en todo esto. Con los protagonistas que dispone ‘Superman y Lois’ promete aventura local y global.
Por fin podemos haceros ver el tráiler de ‘Lupin’, otro de los contenidos que Netflix nos desveló en su última presentación. Es una nueva serie original francesa que presenta una versión contemporánea del clásico francés Arsène Lupin. Creada por George Kay (‘Killing Eve’) y François Uzan (‘Family Business’) y dirigida por Louis Leterrier (‘Ahora me ves’), este nuevo proyecto protagonizado por Omar Sy (‘Intocable’, ‘Jurassic World 3’) se estrenará en Netflix en todo el mundo el 8 de enero de 2021.
En su adolescencia, la vida de Assane Diop dio un vuelco cuando su padre murió después de ser acusado de un crimen que no cometió. 25 años más tarde, Assane se inspira en su héroe, Arsène Lupin, para vengar a su padre. En esta primera parte, que constará de 5 episodios, Omar Sy da vida al protagonista de la serie, un ladrón de guante blanco.
En el reparto encontramos a Omar Sy, Hervé Pierre, Nicole Garcia, Clotilde Hesme, Ludivine Sagnier, Antoine Gouy, Shirine Boutella y Soufiane Guerrab.
Del jueves 27 al 31 de agosto en Artistic Metropol
De nuevo Artistic Metropol acoge la muestra de cine Lo + Prohibido. Para esta octava muestra consecutiva la temática girará en torno a los zombies, es por eso que lleva también el nombre de ZombieMad.
Como es de esperar la inauguración tendrá presente a los muertos vivientes con la proyección de la polémica cinta Venezolana ‘Infección’ de Flavio Pedota, censurada por el gobierno de Maduro. Con este pase tendrá lugar su estreno en Madrid. Y por supuesto el cierre tendrá sabor a no-muerto con la proyección del clásico ‘Yo Acuso’ de Abel Gance. Una cinta de 1919 considerada como la primera película de zombies de la historia. La precursora total. Se podrá ver también la versión de 1990 de ‘La Noche de los Muertos Vivientes’, dirigida por Tom Savini, una auténtica joya para degustar en pantalla grande.
Si queréis ver toda la programación podéis hacerlo en la imagen de a continuación.
Reposición del clásico de Kurosawa a partir del 10 de julio
Una película de Kurosawa volverá a mostrarse en pantalla grande debido al regreso de la actividad de los cines. ‘Dersu Uzala’, ganadora del Oscar a Mejor Película de Habla no Inglesa en la edición de 1975 podrá verse en algunos cines a partir del 10 de julio. Una película que trata el respeto y la comprensión entre etnias además de mostrar como la civilización acaba con la sencilla vida en el bosque.
Un clásico de Kurosawa que junto a ‘Los siete samuráis’, ‘Roshomon’, ‘Yojimbo’ o ‘Vivir’ es un título imprescindible para comprender la filmografía de tan mítico director. Una oportunidad única de disfrutar de manera única ‘Dersu Uzala’.
Está basada en las memorias escritas en 1923 por el explorador Vladimir Arseniev sobre Dersu Uzala, un hombre de la etnia hezhen que acompañó a los hombres de Arseniev durante varias expediciones por la región siberiana de Sijoté-Alín en Rusia, está protagonizada por Yury Solomin (‘La tienda roja’) y Maksim Munzuk (‘Valentina’).
Sinopsis.
El capitán Vladimir Arseniev y su destacamento tienen que realizar unas prospecciones geológicas en los bosques de la taiga siberiana. La inmensidad del territorio y la dureza del clima hacen que el capitán se extravíe. Condenado a vagar por una tierra salvaje, Vladimir conoce a Dersu Uzala, un cazador nómada que conoce el territorio como la palma de su mano y sabe cómo afrontar las inclemencias del tiempo. Dersu enseñará a Vladimir a respetar la naturaleza y a convivir en plena armonía con ella, una lección que difícilmente olvidará el resto de su vida.
‘Voces’ comenzó a rodarse el pasado mes de febrero y eOne Films (su distribuidora en España) nos recuerda su fecha de estreno a la vez que nos transmite sus primeras imágenes. ‘Voces’ se define como una película de terror clásico, claustrofóbica y profundamente perturbadora. Está protagonizada por Rodolfo Sancho (‘El Ministerio del Tiempo’), Ana Fernández (‘Las chicas del cable’), Ramón Barea (‘Abuelos’), Belén Fabra (‘El Ministerio del Tiempo’), Nerea Barros (‘Días de Navidad’) y el niño Lucas Blas. La ópera prima de Ángel Gómez llegará a las salas de cine de toda España el 31 24 de julio.
Cuenta con la participación de Radio Televisión Española (RTVE), los derechos internacionales han sido adquiridos por Film Factory, cuenta con una ayuda del Ministerio de Cultura – ICAA.
Sinopsis oficial
Daniel, Sara, y su hijo de 9 años, Eric, llegan a la casa en la que pretenden comenzar una nueva vida, sin saber que esa propiedad ha sido conocida desde siempre en los alrededores como “la casa de las voces”. Eric es el primero en advertir que tras cada puerta se ocultan extraños sonidos y se intuyen voces que parece que intentan comunicarse con la familia. Lo que achacan en principio a un producto de la imaginación de Eric se convierte rápidamente en una inquietante realidad también para sus padres. ¿Hay realmente voces en la casa? Y de ser así, ¿De dónde vienen? ¿Quiénes son? ¿Qué quieren?
Los spoilers, el verlas más tarde, el cómo las veíamos antes…
Nuevo programa en el que hablamos de series. Pero no de títulos concretos si no de cómo pasan por nuestra vida. Nos planteamos preguntas sobre los spoilers, la dependencia de ver series, los hábitos que nos crean. En esta ocasión hemos juntado a Raquel Hernández Luján (HobbyConsolas) y Alberto Garrido (Tomos y Grapas) y con ellos debatimos sobre este tipo de fenómenos.
Podrá verse un clásico por semana presentado por profesionales del medio
Aunque en cuestión de gustos nada está escrito, hay películas que calan en nuestra memoria y se ganan un espacio en nuestro corazón. En nuestra cinematografía hay grandes obras que deberían ser vistas al menos una vez en la vida porque cuentan nuestra historia.
Una vez más, la Academia de Cine colabora con el Instituto Cervantes en la organización de un ciclo que proyectará en su red de centros en el extranjero. Bajo el nombre, ‘Clásicos contigo’, se exhibirán títulos del cine español que todo cinéfilo tiene que conocer.
Las dos instituciones, con el apoyo de la Filmoteca de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), echan la vista atrás y miran a 11 películas que reconocen el cine que conectó con el público de su tiempo, pero que también hizo una apuesta desde la cinefilia para entender el contexto y hacerlo a través del buen cine.
Esta actividad comenzará el 8 de mayo con Muerte de un ciclista, de Juan Antonio Bardem, que dijo que «el cine será testimonio o no será» en el estreno de la que está considerada como su obra maestra. Muerte… contará con la presentación del actor, guionista y escritor Carlos Bardem.
¡Bienvenido, Míster Marshall! –cinta que introducirá la directora, guionista y actriz Chus Gutiérrez–, El verdugo –con la presentación de David Trueba– y La vaquilla, de Luis García Berlanga; Viridiana –la cineasta Arancha Echevarría presentará esta producción de Luis Buñuel–; El espíritu de la colmena, que contará con la introducción de Carla Simón, y El sur, dirigidas por Víctor Erice; La buena estrella, de Ricardo Franco; Los santos inocentes, firmada por Mario Camus; Tasio, de Montxo Armendáriz; y El viaje de Carol, de Imanol Uribe, figuran en el programa de ‘Clasicos contigo’. Las 11 producciones están disponibles en Flixolé.
Cada película, una por semana, contará con la presentación de profesionales del cine español, preámbulos que estarán disponibles en el Canal Academia.
Una versión muy realista de Pinocho es la que nos espera con el live action de Matteo Garrone. Eso pudimos ver con las fotografías vistas hace poco y ahora lo corroboramos con el tráiler que acaba de publicar Warner Bros. Pictures, su distribuidora en España. El próximo 8 de abril se estrena en cines protagonizada por Roberto Benigni como Geppetto y Federico Ielapi como Pinocho bajo el maquillaje y las capas de CGI.
Como podréis ver en el tráiler no faltarán elementos de este tradicional cuento italiano de Carlo Collodi. Una historia que tendrá un aspecto que ya está sembrando debate entre muchos y que seguro va a diferenciarse mucho del clásico animado de Disney.
Matteo Garrone ha procurado volver a los orígenes de la historia de Pinocho. En esta nueva adaptación que se podrá ver en acción real podremos ver de nuevo como la marioneta cobra vida. Para ello su creador estará interpretado por Roerto Benigni. Mark Coulier (‘El Gran Hotel de Budapest’ ‘La dama de hierro’) ganador también del premio de la Academia, es quien ha dado vida a Pinocho y a sus amigos gracias a un diseño que ya podéis ver en las nuevas fotografías y al maquillaje que han llevado a cabo.
El estreno está previsto para el 8 de abril de 2020.
No os pongáis histéricos no sea que se forme una cola para abofetearos y calmaros. Ya podemos disfrutar en la máxima calidad posible de un clásico de la comedia norteamericana como es ‘Aterriza como puedas’ o ‘Airplane!’. La primera película que dirigieron Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker (ZAZ) acaba de ser reeditada en Blu-ray, para que podamos ver los desvaríos de estos tres cineastas, artistas de películas como ‘Top Secret’ o ‘Hot Shots!’ en nuestras televisiones de alta definición.
El famoso tema principal de la banda sonora de Elmer Bernstein suena de lujo en esta edición que ha lanzado Sony Pictures Home Entertainment. La película de Paramount Pictures que protagonizó Robert Hays junto a Julie Hagerty y actores como Leslie Nielsen, Peter Graves o Lloyd Bridges nos ha hecho reír a pierna suelta una y otra vez puede ser disfrutada en las pantallas más grandes del mercado.
88 minutos en los que podemos ver a famosos de los ochenta como Kareem Abdul-Jabbar sonando con la calidad del siglo XXI. El filme que ninguna aerolínea (salvo Aeroméxico) quiso poner en sus vuelos sonará perfectamente en vuestra barra de sonido. La cinta no está remasterizada en 4K pero está disponible con color 1.78 full frame y audio surround 5.1. Por supuesto está habilitada con diferentes doblajes y con la excelente versión que se emitió en castellano y que contó con dobladores como Ricardo Solans, Marta Angelat, Rafael Luis Calvo o Joaquín Díaz.
Esta es una edición muy sencilla, sin extras. En la que, Otto, el famoso piloto hinchable ocupa tanto la carátula como el menú principal en el que no suena música alguna. El menú de opciones podemos iniciar el visionado, saltar a la escena en concreto que queramos o gestionar las opciones de audio o subtítulos.
Ahora que ‘Aterriza como puedas’ está disponible para reproductores modernos podemos lucir en nuestras estanterías esta parodia de ‘Zero Hour’ y de otros muchos clásicos que además forjó el inicio de tantas películas absurdas estrenadas a lo largo de los 80 y 90. Abróchense los cinturones.
Marvel, Disney, Pixar, clásicos y atracciones convertidas en películas
Podemos arrancar la tanda de noticias de la D23 Expo con la incorporación de Kit Harington al proyecto de ‘Los Eternos’. Podría decirse que la adaptación de los personajes creados por el mítico Jack Kirby es de los puntos más interesantes de la nueva fase del MCU. En concreto de todos ellos el actor conocido por interpretar a Jon Nieve en ‘Juego de Tronos’ interpretará a Black Knight. Junto a esta confirmación se ha adelantado que Gemma Chan será la eterno Sersi. Además en un panel hemos visto a parte del elenco de la película que dirigirá Chloé Zhao, pudiendo ver además como lucirán sus trajes de superhéroes. En la película veremos a otro ex de la serie de HBO como Richard Madden junto a Salma Hayek, Angeline Jolie, Brian Tyree Henry, Kumail Nanjiani, Lauren Ridloff, Lia McHugh, Dong Lee y Barry Keoghan.
Continuando con películas del universo Marvel hemos conocido la fecha de estreno de la secuela de ‘Black Panther’. El 6 de mayo de 2022 volverá la entrega que cambió el sino del MCU pese a toda las opiniones enfrentadas levantadas y las discutidas nominaciones a los Oscars conseguidas. El productor Kevin Feige y el director Ryan Coogler han anunciado esta fecha en el escenario del evento que se está celebrando en Anaheim.
Ya supimos que en Disney+ podremos ver todos los episodios de ‘Los Simpson’, por eso de que ahora la compañía del ratón tiene en propiedad la 20th Century Fox. Pero ahora hemos descubierto que están planeando una segunda película con los personajes de Matt Groening. Las conversaciones están en marcha. ¿Llegarán a buen puerto?
La película de animación que si que veremos es ‘Raya’. Será en acción de gracias de 2020 cuando se estrene ‘Raya and the last dragon’, un título que nos devolverá a la cultura oriental. Contará con las voces de Cassie Steele (‘Rick y Morty’) como Raya y con Awkwafina como Sisu el último dragón.
El lunes podremos ver un nuevo teaser de ‘Star Wars: el ascenso de Skywalker’ con imágenes del rodaje. Mientras nos han liberado el cartel póster oficial que está vigilado por el mismísimo Palpatine, como ya imaginábamos. Ante él luchan Rey y Kylo Ren. El 20 de diciembre veremos el desenlace de la última trilogía de la saga de Lucasfilm.
Pixar ha tenido su novedad hoy con la revelación de varias imágenes de ‘Soul’. Jamie Foxx doblará al protagonista, Joe Gardner y estará acompañado de Phylicia Rashad, Tina Fey y Daveed Diggs. El 19 de junio veremos esta película dirigida por Pete Docter (‘Up’, ‘Del revés’).
También han estado en Anaheim Dwayne Johnson y Emily Blunt para presentar ‘JungleCruise’ la nueva película de Jaume Collet-Serra. Una nueva película basada en una atracción de Disney en la que un barco de viajeros lleva a sus pasajeros a través de aventuras con peligrosos animales como reptiles y un componente sobrenatural. El tono del filme es fantástico, simpaticón y bastante familiar. En la presentación de la película y en los vídeos que se han publicado ya se ve muy buena química entre los protagonistas.
Por último nos quedamos otro live action más que además es remake. Disney no encuentra freno en su afán por explotar sus clásicos. ‘101 dálmatas’ tendrá nueva visión en acción real y será Emma Stone quien ejerza como Cruella de Vil pues la película estará enfocada en ella, llevará el título de ‘Cruella’. Así podemos verlo en la primera fotografía que se ha publicado antes de su estreno el 28 de mayo de 2021. Le acompañan sus esbirros interpretados por JoelFry (‘Juego de Tronos’) y Paul Walter Hauser (‘Infiltrado en el KKKlan’).
El 30 de agosto aparecerá en vuestras parrillas de Netflix‘Cristal Oscuro: la era de la resistencia’. Una nueva serie que llega para unir dos tiempos diferentes en varios sentidos y lo hace con 10 episodios de cerca de una hora de duración cada uno. El director de estos capítulos es Louis Leterrier y ha tenido que trabajar en torno al guión desarrollado por Jeffrey Addiss y Will Matthews.
La serie nace para servir de contexto o precuela a la película de culto ‘Cristal Oscuro’. Un título clásico de la fantasía de los ochenta creado por el mítico Jim Henson, conocido por todos por ser el creador de los Muppets o Los Teleñecos como les decimos en España, junto a Frank Oz a quien seguro que también conocéis por haber dado vida a famosísimos personajes como Yoda de Star Wars. Estos dos titiriteros realizaron el primer largometraje de la historia realizado con marionetas, un filme cargado de misticismo y aventura que tenía una estética totalmente heredada de su época.
‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’ hace precisamente eso, heredar. En primer lugar hereda una leyenda y unas bases a las que les comienza a dar un nuevo entorno inmediatamente. La película de 1982 nos narraba la contienda entre los místicos y los skesis pero no nos contaba que había pasado con los gelflings, de los cuales solo quedan dos únicos individuos. La serie de Netflix desarrolla todo un mundo de Thra, mentando a este mágico lugar como no se hacía en la película. Nos cuenta como es la vida en ese mundo que está sometido al yugo de los skesis, un mundo en el que viven 7 clanes de gelflings, cada uno con su peculiaridad diferente.
Os espera un viaje digno de cuento, pero poco infantil, como ya sucedía en la película. Hay eventos que no son para niños. Ya lo dijo en su día Henson. El tono se aproxima más a los escritos de los hermanos Grimm y hay giros que nos demuestran que aunque se haya catalogado este producto para siete años o más hay más de uno que se llevará su sorpresa o disgusto. Así por lo menos lo hemos podido constatar en los cinco primeros episodios que es lo que Netflix nos ha permitido visualizar antes del estreno de la serie.
¿Por qué seguir viendo una serie hecha con muñecos en pleno siglo XXI? Porque aúna esa técnica del titiritero de una forma muy elegante con nuevas técnicas de recreación digital. Sí que es verdad que hay ocasiones que los personajes se recrean por ordenador y se nota mucho contraste pero el encanto de ver a los gelflings con esos movimientos torpes no deja de devolvernos a esas funciones de teatros de marionetas que contemplábamos sentados desde el suelo cuando éramos pequeños. Pero todo está elevado a un nivel superior. No todo son escenarios móviles como antaño, podemos afirmar que acompaña muy bien en segundo plano el despliegue de paisajes que se ha realizado en estudio o bien con cromas o bien con decorados. El mundo de Thra que se ha creado es precioso, los paisajes y escenarios por los que se mueve la historia os van a dejar boquiabiertos. Si Jim Henson era un amante declarado de la naturaleza con esta serie podría sacar pecho muy orgullosamente, ¡vaya abanico de flora y fauna tiene!
El desarrollo de personajes es otra de las características a destacar de esta producción. Tanto en su concepción estética como en el tratamiento de su personalidad nos permite distinguir perfectamente a la gran amalgama de individuos. No es que ‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’ sea una serie de intrincados diálogos o tenga una sesuda progresión de identidades, pero si es muy importante poder destacar determinados rasgos de cada sujeto y eso lo consigue. En especial sobresale el trabajo hecho con los skesis ya que se parecen tanto entre sí. También hay que recalcar la presencia de la gruñona Aughra, que conserva su esencia de vieja sabia y cascarrabias. ¿Recordáis esos pobres esclavos que servían a los skesis, esos seres que parecían unos gusiluz campesinos? Pues hasta para ellos hay más trama en la serie. Yo por lo menos ya soy fan de Hup. Pero por supuesto es con los gelflings con quienes más os vais a topar, ellos son los que más amalgama aportan.
Gran parte del mérito de poder distinguir a unos personajes de otros proviene de las voces. Si la vemos en versión original se ha hecho un trabajo casi de camuflaje en algunos casos ya que los dobladores están irreconocibles. Nos pasa eso en el caso de Mark Hamill, Simon Pegg o Jason Isaacs. Y vais a reconocer durante toda la serie otras voces famosas como las de Taron Egerton, Anya Taylor-Joy, Nathalie Emmanuel, Toby Jones, Helena Bonham Carter, NatalieDormer, Mark Strong, Alicia Vikander, Awkwafina, Andy Samberg, Gugu Mbatha-Raw, Lena Headey, Ralph Ineson, Keegan-Michael Key, Ólafur Darri Ólafsson…
Tanto por la manera de aunar técnicas como por la trama de la serie he querido decir que se une pasado y presente. Porque ‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’ es una precuela en la que nos cuentan la historia de Thra, lo que sucedió mucho tiempo antes de que desapareciesen los gelflings y la manera en cómo se corrompió el famoso Cristal de la Verdad. Por lo que hasta llegar al punto de la película hay muchas cosas que averiguar y en los primeros episodios ya vais a enlazar con detalles del filme, lo cual es una golosina para el fan.
Choca mucho pensar que el director de todo esto sea Louis Leterrier quien es más conocido por su versión de ‘El increíble Hulk’ o fue lanzado a la fama por ‘Transporter 1 y 2’ o al revés, denostado por ‘Furia de Titanes’ o ‘Agente contrainteligente’. Se podría decir que su intervención en ‘Cristal Oscuro: La era de la resistencia’ ha sido la más fina y afectuosa hasta la fecha. Me falta por ver como lo concluyen todo, si nos dejarán con un círculo cerrado y enlazado con la película, entroncando con los padres de Jen, el gelfling protagonista de la película o si habrá segunda temporada. Pero aunque se quedase en la distancia esta sería una ficción que ya ha establecido sus vínculos y que ha cumplido el cometido de ampliar el universo de Henson, Oz y David Odell.
La nueva película ‘El Rey León’ de Disney Live Action, dirigida por Jon Favreau, viaja a la sabana africana donde ha nacido el futuro rey. Simba idolatra a su padre, el rey Mufasa, y se toma muy en serio su propio destino real. Pero en el reino no todos celebran la llegada del nuevo cachorro. Scar, el hermano de Mufasa y antiguo heredero al trono, tiene sus propios planes. La batalla por Pride Rock está asolada por la traición, la tragedia y el drama, y termina con el exilio de Simba. Con la ayuda de un curioso par de nuevos amigos, Simba tendrá que aprender a madurar y a recuperar lo que le pertenece por derecho.
Crítica
Igual de emotiva y emocionante que hace veinticinco años
Once tiernos años tenía yo cuando salí del cine emocionado con mi hermano y mis primos cantando las canciones de ‘El Rey León’. Eufóricos y contagiados de la viveza de sus personajes y del espíritu de la cinta tarareábamos y repetíamos los estribillos de lo que estaba llamado a ser un clásico instantáneo. Un título que como todos sabemos se ha convertido en un exitoso musical y que veinticinco años después se re-estrena, se ha re-rodado con un formato en acción real con mucha animación generada por ordenador.
Las nuevas generaciones podrán sentirse igual que nosotros. Si no les gusta la animación con la que Disney nos contó la historia allá por los noventa ahora tienen una versión de imagen real en la que sí que hay que admitir que se echa en falta una mayor expresividad en los rostros de los personajes. La historia está trasladada paso a paso, no se ha movido ni un ápice de la cinta que se estrenó en el 94. ¿Por qué modificar algo que originalmente tenía un planteamiento y una planificación digna de una obra shakesperiana o de la propia Biblia?
Tampoco se han tergiversado las canciones originales. ‘El Rey León’ conserva los magníficos temas de su banda sonora. El trabajo imprescindible de grandes compositores como Hans Zimmer, EltonJohn o Tim Rice permanece con la misma fuerza y hará que se os vuelvan a poner los pelos de punta. Solo se ha incorporado una canción con los gorgoritos de Beyoncé que aunque es breve me parece que está de más, habría enriquecido la obra en mayor medida algún tema del musical que podemos ver en los teatros.
Este nuevo largometraje calca los momentos musicales y calca todos y cada uno de los pasos del guión anterior, planos incluidos. Artísticamente es una puesta al día preciosa. Las tomas que extrae son de una riqueza visual grande, con sus travelings, sus time-lapses, sus planos cenitales… Y la recreación de las criaturas tiene detrás un trabajo titánico. Os van a dar ganas de achuchar a Simba y de salir corriendo por las planicies de Tanzania con Timon y Pumba al grito de Hakuna Matata.
De todos los live action que está elaborando Disney el único que está a la altura de este es ‘El libro de la Selva’, con el que comparte equipo artístico, y ahí va a estar el debate. Porque la película que también hizo Jon Favreau supuso una modernización y tuvo sus cambios pero este filme ha consistido tan solo en una subida gráfica de nivel. Se han incorporado solo algunas secuencias como esa en la que vemos el mechón de Simba realizando un largo viaje que aporta algo de información sobre el ciclo de la vida para los más pequeños, pero al margen de pequeños detalles como ese todo permanece prácticamente invariable en cuanto a estructura de guión.
A raíz de ser una película que busca un parecido más real personajes como las hienas, una de las cuales dobló Whoopi Goldberg, ha perdido hilaridad. También se han eliminado otros efectos «más mágicos». Pero eso no quita que sigamos teniendo secuencias tan trepidantes como la famosa estampida o la lucha final entre relámpagos y llamas. Jon Favreau ha respetado mucho el trabajo original de Roger Allers y Rob Minkoff llevándolo a un plano más tangible en una película en la que Timón y Pumba siguen siendo las estrellas para el público infantil pero en el que el primer tramo del filme está dedicado a los más mayores con su drama familiar debido a sus golpes de efecto trágicos. Las lecciones de vida y los momentos a los que todos tuvimos que sobreponernos de pequeños no se han suavizado lo más mínimo.
Vuelve la voz de James Earl Jones (por desgracia no la de Constantino Romero), vuelve la imponente banda sonora y vuelve la vistosidad de la sabana africana… Todo está clavado, calcado, es como si hubiesen renderizado los dibujos animados de 1994. Para qué tocar el guión, solo se ha actualizado la animación porque de lo demás tiene de todo: drama, comedia, aventuras… Este remake lo único que nos demuestra es que ‘El Rey León’ es un imperecedero musical.
Ficha de la película
Estreno en España: 18 de julio de 2019. Título original: The Lion King. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Jon Favreau. Guion: Jeff Nathanson. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Caleb Deschanel. Reparto principal (doblaje original): Keegan-Michael Key, Seth Rogen, Donald Glober, John Kani, James Earl Jones, Chiwetel Ejifor, Billy Eichner, Beyoncé, Alfre Woodard, Eric André, JD McCrary, John Oliver, Shahadi Whrigth Joseph, Florence Kasumba. Producción: Walt Disney Pictures, Fairview Entertainment. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: remake, acción real, infantil, aventuras. Web oficial:https://disney.es/peliculas/el-rey-leon-2019
Laurel (Steve Coogan) y Hardy (John C. Reilly), el dúo de comedia más famoso del mundo, intentan reavivar sus carreras cinematográficas mientras se embarcan en una maratoniana gira teatral por la Gran Bretaña de postguerra.
Crítica
Una de las demostraciones más sensibles del manejo del humor como mecanismo de defensa
¿Se puede devolver a los muertos a la vida? ¿Podemos hacer que caminen otra vez para nosotros seres que dejaron este mundo? Obviamente ‘El Gordo y el Flaco’ no es una película de zombies, pero si es un encomiable trabajo de caracterización y mimetismo. Steve Coogan y John C. Reilly hacen dos interpretaciones fantásticas. ¿Cómo puede ser que dos actores que acaban de estrenar en España la desastrosa versión de los personajes de Arthur Conan Doyle (‘Holmes & Watson’) saquen ahora una película tan diametralmente diferente? De Reilly me sorprende un trabajo tan honesto y tierno, de Coogan si tenía expectativas a la altura de lo que vais a ver.
Me he permitido esa frivolidad con el mundo de los zombies porque no sabría estar con mis palabras a la altura de la emotividad de la película de Jon S. Baird. Un director capaz de hacer una comedia tan hedionda como ‘Filth, el sucio’ ha logrado tocar la fibra de aquellos que como yo nos hemos criado viendo multitud de humoristas que con su ingenio y picaresca han robado carcajadas. Artistas que solo con su mímica, con las argucias del género slapstick, nos hacían pasar ratos muy amenos. Este ‘El Gordo y el Flaco’ de Baird va más allá de los gestos y los protagonistas llegan a las palabras. Textos que han salido de la pluma de Jeff Pope, quien ya trabajó en su día con Coogan en ‘Philomena’ y quien ha conseguido enternecernos a través de las disputas y de la relación de amistad y compañerismo de dos artistas que están grabados a fuego en la conciencia colectiva de todo el planeta.
Por supuesto que esta es una crítica muy blanca, ‘El Gordo y el Flaco’ también lo es. No soy de esos que siempre que ven una película biográfica espera ver como se desangra a sus personajes o se destapan todos los trapos sucios. El filme salta los años en los que la pareja estuvo separada y bromea o trata casi como si fuese tabú con el tema del alcoholismo. Aborda la época en la que se fueron de gira por el Reino Unido donde a base de funciones y bromas intentaron recuperar su antigua gloria. Y es que este dúo acomodaba todo con comedia: situaciones desagradables, conversaciones difíciles, momentos delicados… Nos los muestran como dos trabajadores infatigables que siempre estaban haciendo bufonadas, ya sea para quedar bien ante el público o ya sea para suavizar la tensión en el ambiente. Su humor universal les ayudaba en cualquier coyuntura.
También descubriréis que a pesar de que en los shows Oliver Hardy llevaba la voz cantante era realmente Stan Laurel quién escribía los guiones, quien ideaba las gracias y quien apostaba por ambos en estudios que les proyectarían en cotas más altas. Es decir, quien hacía de tonto parece ser que era el más listo y emprendedor. Aún así este no es un pulso entre uno y otro, es más bien una lucha por mantener viva una amistad y a flote una carrera que se tuvo que enfrentar también a las nuevas corrientes y a rivales como ‘Abbot y Costello’.
Se os puede caer una lagrimilla nostálgica cuando volváis a ver el rostro tristón y de buenazo de Stan y el semblante socarrón y a su vez de ceño fruncido de Ollie. Estos reyes de la comedia clásica os van a hacer reír de nuevo pues repiten idénticamente muchos de sus tradicionales sketches pero sobre todo la película se ha concebido para conmover, y lo consigue. En relación a esto último, está dedicada a la memoria de Lois Laurel, la hija de Stan Laurel, la cual falleció en 2017.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de marzo de 2019. Título original: Stan & Ollie. Duración: 98 min. País: Reino Unido. Dirección: Jon S. Baird. Guion: Jeff Pope. Música: Rolfe Kent. Fotografía: Laurie Rose. Reparto principal: Steve Coogan, John C. Reilly, Shirley Henderson, Danny Huston, Nina Arianda. Producción: BBC, eOne Films, Sonesta Films, Fable Pictures. Distribución: eOne Films. Género: biográfica, comedia, drama. Web oficial:https://stanandollie.co.uk/
Las redes están que arden hoy con tantas novedades, con tantas imágenes y tráilers que están circulando. En concreto ahora vamos a hablar del remake grabado en imagen real por parte de Disney de su clásico ‘Aladdín’. En octubre vimos el teaser lanzado en el que se veía más bien poco pero la atmósfera de cuento estaba ahí. Con las fotografías que podemos ver desde ya mismo las dudas comienzan a florecer.
Guy Ritchie, de sobra conocido por su trilogía londinense de Lock Stock – Snatch – RocknRolla nos sorprendió, a la mayoría para mal, con su versión de ‘Rey Arturo: la leyenda de Excalibur’. Ahora es el director de ‘Aladdín’ y va a contar con Will Smith, Naomi Scott y Mena Massoud como principales protagonistas. También contará con Marwan Kenzari (‘Ben-Hur’) como Jafar, el villano archiconocido.
Las primeras fotos lanzadas a través de Entertainment Weekly no auguran nada bueno o por lo menos nada demasiado parecido a la película en la que pudimos oír genialmente a Robin Williams.
El elefante volador intentará dejarnos boquiabiertos y emocionarnos en imagen real
Podemos ver un nuevo anuncio en forma de tráiler de la versión de ‘Dumbo’ que ha rodado Tim Burton. Un segundo adelanto que se suma al ya lanzado en junio y que nos permite ver nuevas imágenes del elefante volador que a tantos corazones llegó en su versión animada. Walt Disney estrenará este nuevo formato en acción real en marzo de 2019.
Disney anuncia el inicio del rodaje con una foto de la protagonista
La actriz Liu Yifei (‘El reino prohibido’, ‘Once Upon a Time’) es la elegida por Disney para ser Hua Mulan en la película de acción real que acaba de empezar a rodarse. Junto a ella veremos a DonnieYen (‘Rogue One: Una historia de Star Wars’), Jason Scott Lee (‘Tigre y Dragón 2: La espada del destino’), Yoson An (‘Megalodón’), Utkarsh Ambudkar (‘Dando la nota’), Ron Yuan (‘Marco Polo’), Tzi Ma (‘La llegada’), Rosalind Chao (‘Star Trek: Espacio Profundo Nueve’), Cheng Pei-Pei (‘Tigre y Dragón’), Nelson Lee, ChumEhelepola, con Gong Li (‘Memorias de una geisha’, ‘La linterna roja’) y Jet Li (‘El templo de Shaolin’, ‘Arma letal 4’).
‘Mulan’ se estrenó en 1998 y la nueva versión de este cuento chino se rodará en localizaciones de Nueva Zelanda y China. Si nada cambia será estrenada en cines el 27 de marzo de 2020. La versión animada fue nominada a un Oscar y a dos Globos de Oro.
‘Mulan’ está dirigida por Niki Caro (‘Whale Rider’, ‘McFarland, USA’) con un guión de Rick Jaffa& Amanda Silver (‘Jurassic World’, ‘En el corazón del mar’) y Elizabeth Martin & Lauren Hynek basado en el poema narrativo ‘La balada de Mulan’. Los productores son Jason T. Reed (‘Las Tortugas Ninja’), Chris Bender (‘Una historia de violencia’) y Jake Weiner (‘Criminal’) con BarrieM. Osborne (‘El señor de los anillos: El retorno del rey’), Bill Kong (‘Tigre y Dragon 2: La espada del destino’, ‘Monster Hunt’) y Tim Coddington (‘Crazy Rich Asians (Locamente millonarios)’) como productores ejecutivos.
‘Mulan’ es la aventura épica de una intrépida joven que se disfraza de hombre para luchar contra los invasores del norte que atacan China. Hua Mulan es la hija mayor de un condecorado guerrero y es enérgica, decidida y tremendamente rápida. Cuando el Emperador publica un decreto según el cual un hombre en cada familia debe servir en el Ejército Imperial, ella decide tomar el lugar de su padre enfermo bajo el nombre de Hua Jun, convirtiéndose en uno de los guerreros más famosos de China.
Mary Shelley desvela la historia de la joven Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning) y su ardiente y tempestuosa relación con el poeta romántico Percy Bysshe Shelley (Douglas Booth). Ambos sienten un flechazo inmediato al conocerse y ante la oposición de la familia de Mary a su noviazgo, la pareja decide huir, acompañados por la hermanastra de ella, Claire (Bel Powley).
Los altibajos en su relación se agudizan durante su estancia en la casa de Lord Byron (Tom Sturridge) en Ginebra y es allí donde Mary concibe la idea de Frankenstein, cuando, como juego, se propone a todos los invitados escribir una historia de fantasmas.
Pero la sociedad de ese momento concede un nulo valor a las mujeres escritoras y con tan solo 18 años, Mary se verá obligada a desafiar estos prejuicios para proteger su trabajo y forjar su propia identidad.
Crítica
Cuando la inspiración es consecuencia de causas y efectos
Al igual que su monstruo de Frankenstein, Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning), posteriormente conocida como Mary Shelley, nació con la necesidad de forjarse una identidad a marchas forzadas en un mundo que le rechazaba como novelista e incluso como lectora de terror. La autora debía hacer valer su peso como escritora y mujer creadora de ficción. A su vez, la directora Haifaa Al-Mansour fue la primera mujer en Arabia Saudí en dirigir una película con su opera prima ‘La bicicleta verde’ (2012). Por lo tanto esta es una película que habla sobre la incomprensión, sobre la detección de los verdaderos monstruos y sobre el maltrato del mundo falocentrista. La película abarca tres planos diferentes, uno ficticio y metafórico (el de la criatura hecha a retales de cadáveres), otro basado en hechos reales y otro que transita por nuestra actualidad. Esta trilogía de historias comparte el mismo eje temático que con los años por desgracia sigue siendo causa de lucha social.
Pero tampoco es que ‘Mary Shelley’ sea una película que se haya rodado con fines propagandísticos. Cuesta percibir realmente si se ha querido narrar el germen de ‘Frankenstein’, una biografía con una historia de amor, una pugna de una mujer en un mundo de hombres o un compendio de todo ello. La verdad es que le falta algo de sustancia al filme. Sí que es cierto que el feminismo está muy presente ya que se hace hincapié en la figura de su madre la feminista Mary Wollstonecraft, mostrando por ejemplo que lee y escribe recostada en su tumba. Y por supuesto su carácter reclama una posición de independencia y reconocimiento constantemente. Pero la narración expone esos otros puntos a los que prestarles atención durante sus dos horas de duración, diluyendo bastante el tono y haciendo predominar el amorío y la vida de infortunios ante todo.
En la película vemos a dos de ‘Juego de Tronos’ que irónicamente a pesar de volver a compartir título aún así no son capaces de coincidir en un set de rodaje. Maisie Williams como Isabel Baxter y Stephen Dillane como el político y escritor William Godwin, padre de la protagonista. Al segundo le oímos decir «el que ama la lectura, tiene todo a su alcance». El filme persigue un ideal tan idílico de la época como ese. Palabras que le vienen que ni pintadas a la vida de Mary Shelley ya que su relación con el poeta Percy Shelley (Douglas Booth) le hizo llevar una vida de lo más anárquica. Los ideales románticos y el amor libre se intentan imponer ante las exigencias y prejuicios sociales. En ese descontrol la película se sumerge y pierde varias veces su ritmo y el dominio de su duración. Toca temas muy importantes que se pueden extrapolar a nuestros días, aunque podría haber resumido varios de sus tramos.
Estamos enmarcados en una época de poemas, creencias en el espiritismo, supersticiones… Actores como Douglas Booth ya se están doctorando en el siglo XIX tras películas como ‘Loving Vincent’, ‘Orgullo, prejuicio y zombies’ o ‘The Limehouse Golem’. Unos años en los que avances tecnológicos como el galvanismo encendieron las neuronas de algunos visionarios y dieron vida a obras tan alegóricas e icónicas como la que James Whale llevó al cine en 1931. Tanto entonces como ahora la ambientación es excelente. La elección de las texturas, luces y colores me parecen un acierto de lo más exquisito. La fotografía de David Ungaro y la música de Amelia Warner nos sumergen en un mundo de abandono, dejadez y represalias. Las mismas sensaciones que va sintiendo tanto el monstruo de Frankenstein, como las que siente Mary Shelley por su amado y editores, como las que ha sentido la directora Haifaa Al-Mansour en su país.
Con todo esto la película me ha gustado pues pensaba que pecaría de ser demasiado gótica o romanticona. Además sigo viendo que Elle Fanning es una actriz que me agrada en papeles que marcan la diferencia, como fue la sorpresa de la excéntrica ‘How to talk to girls at parties’ y eso que aún tengo pendiente ‘The Neon Demon’. Es capaz de sobrellevar la evolución de su personaje, pese a que se ve enmarcada en etapas muy dispares en un corto espacio de tiempo. Con una duración filmica más corta y algo más de definición en sus pretensiones la película habría sido más redonda, pero su mensaje llega sin necesidad de ser simbólica, algo que demuestra que por suerte en estos 200 años algo hemos avanzado.
Ficha de la película
Estreno en España: 13 de julio de 2018. Título original: Mary Shelley. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Haifaa Al-Mansour. Guion: Emma Jensen. Música: Amelia Warner. Fotografía: David Ungaro. Reparto principal: Elle Fanning, Douglas Booth, Bel Powley, Tom Sturridge, Ben Hardy, Maisie Williams, Joanne Foggatt, Stephen Dillane. Producción: Gidden Media, HanWay Films, Parallel Films, Head Gear Films, Juliette Films, Metrol Technology, Sobini Films. Distribución: Filmax. Género: drama, romance. Web oficial:http://www.filmax.com/peliculas/mary-shelley.91
Walt Disney Pictures sigue con sus adaptaciones a imagen real de los clásicos animados y en esta ocasión le toda el turno a ‘Dumbo’. Ya podemos ver el primer tráiler del elefante volador rodeado de todo el estilo de Tim Burton, que es el director encargado de darle vida. Ehren Kruger (‘Transformers’) es el guionista de esta historia tan entrañable y tierna que pretenderá estar al nivel de ‘El libro de la selva’ o superar por lo menos la vistosidad de ‘Maléfica’.
En el reparto encontramos a actores como Eva Green, Collin Farrel, Michael Keaton, Danny DeVito, Kamil Lemieszewski, Alan Arkin… Todo un elenco múltiple para esta historia circense que se estrenará el 29 de marzo de 2019.
El próximo 29 de junio se estrena ‘Oh! Mammy Blue’, una comedia vitalista y llena de música dirigida por Antonio Hens (‘Malas Compañías’), con la que fuera musa del cine más transgresor de la movida. Una CarmenMaura que nos descubre, a los 70 años, su vena más rockera. Acompañada por RamónBarea (Juan), se mete en la piel de Laurie Amnesia, una antigua estrella del rock dispuesta a demostrar que el que tuvo retuvo y que cualquier edad es buena para alcanzar los sueños y volver a enamorarse. Juntos, tendrán que lidiar con Elena (MaríaPujalte), la intransigente directora de la residencia de ancianos donde viven retirados, para conseguir realizar su nuevo e ilusionante proyecto.
Junto a Carmen Maura, Ramón Barea y María Pujalte, el reparto principal se completa con el joven cubano MiltonGarcía como el nieto músico de Laurie Amnesia, AntonioMolero y Nagore Aramburu, hijo y nuera del sufrido Juan, las veteranas María José Alfonso e ItziarAizpuru, que se convertirán en unas divertidas compañeras de residencia y el mismísimo PhilTrim, autor de la canción «Oh Mamy Blue», que da nombre a la película.
Música y humor son los elementos clave del tercer largometraje del director cordobés Antonio Hens, quien da un giro en su trayectoria para acercarse a la comedia más alocada. Con guion del propio Hens junto a Julio Carrillo y Antonio Alamo, el rodaje, que transcurrió en Madrid con algunas localizaciones en la provincia de Málaga. Sergio de la Puente es el autor de las partituras que ponen voz y color a la historia.
Producida por Malas Compañías, cuenta con la co-producción venezolana de Plenilunio Films, la participación de Canal Sur y el apoyo del ICAA. La distribución en nuestro país correrá a cargo de Syldavia Cinema y las ventas internacionales serán gestionadas por la compañía alemana Media Luna.
Sinopsis oficial:
Laura es una joven de 70 años. Vive retirada en una residencia que revoluciona cada día para disgusto de su directora. Tan pronto pone a todos los ancianos a hacer yoga, como les enseña las bondades terapéuticas de la marihuana, o monta un grupo de música. Es una hippie irreductible…
Pero lo que no sabe nadie es que ella era Laurie Amnesia, la musa del rock patrio de los sesenta. La más moderna de su época, que incluso hizo soñar a Jimi Hendrix en un verano mallorquín.
Ese es su secreto hasta que aparece Juan, el único residente con sensibilidad musical y fan incondicional de Laurie Amnesia. Para colmo, el nieto de Laura (convencido de que es el nieto secreto del genial guitarrista americano) está empeñado en que ella vuelva a los escenarios. Se ha presentado al festival Alcachofa Rock pero su grupo necesita una vocalista…
Y a partir de ese momento, la residencia “El Retiro” dejará de ser “el lugar más tranquilo del mundo”…
Uno de los juegos míticos y estrella de la SEGA tendrá adaptación al cine y nos traerá al famoso erizó de manera animada mezclada con imagen real. El personaje de Sonic se trasladará a la gran pantalla a partir del 15 de noviembre de 2019 según ha confirmado The Hollywood Reporter dando eco a los planes de Paramount en conjunto con SEGA.
Aún faltan por conocer muchos detalles pero ya figuran en su ficha oficial de IMDB el director JeffFowler (efectos especiales en ‘Donde viven los monstruos’) y los guionistas PatrickCasey (’12 Deadly Days’) y JoshMiller (‘Golan the Insatiable’).
Entre los productores se encuentran Toby Ascher, Jeff Fowler, Takeshi Ito, Dan Jevons, Dmitri M. Johnson, Tim Miller, Neal H. Moritz o Mie Onishi. Algunos de ellos han formado parte en películas como ‘A todo gas’, ‘Deadpool’ o ‘Green Hornet’. ¿Qué harán con el clásico de NaotoOshima, HirokazuYasuhara y YujiNaka?
No perdáis la oportunidad de ver estos títulos de nuevo en cines.
Películas como Uno de los nuestros, ‘Alien, el octavo pasajero’ o ‘Apocalypse Now’ volverán a la Gran Vía gracias al FestivalTCM, que se celebrará en Madrid entre el 30 de noviembre y el 3 de diciembre y que ofrecerá la posibilidad de disfrutar de algunos de los mejores títulos de siempre en pantalla grande y en copias remasterizadas.
El canal TCM ha dado a conocer hoy la programación completa de la primera edición de este evento, una extensión del TCM Film Festival que se celebra desde hace ocho años en Los Ángeles. El Festival TCM programará un total de 22 largometrajes que se proyectarán en los Cines de la Prensa y en el Cine Estudio Círculo de Bellas Artes. Las proyecciones estarán abiertas al público a un precio único de 3€ y todas las sesiones estarán presentadas por periodistas especializados y por cineastas para quienes esos films tienen un significado especial. Entre quienes han confirmado ya su participación figuran los directores NachoVigalondo, BorjaCobeaga y FernandoFranco, la guionista IsabelPeña y periodistas como MaríaGuerra y CarlosMarañón.
El documental de producción propia ‘Nostromo: el sueño imposible’ de DavidLean será la película inaugural el jueves 30 de noviembre. Una sesión a la que asistirá el actor francés GeorgesCorraface, protagonista de ‘La pasión turca’, que interviene en este trabajo que se centra en la figura del director de ‘Doctor Zhivago’ y sus intentos de rodar en España ‘Nostromo’, la que podría haber sido su última película.
A partir de ahí, durante cuatro días, y con el concepto de viaje como eje central, el Festival TCM exhibirá en el Cine de la Prensa títulos como ‘Bonnie & Clyde’ o ‘Thelma & Louise’. La sección El viaje de Scorsese y De Niro celebrará el 75 cumpleaños de Martin Scorsese con seis largometrajes en los que dirigió a su actor fetiche, y el cine más familiar tendrá su hueco con dos matinés (sábado 2 y domingo 3 de diciembre) en las que se proyectarán ‘E.T.’ y ‘La princesa prometida’. Los aficionados tendrán, además, la oportunidad de ver en pantalla grande, por primera vez en España, ‘Mad Max Fury of the Road – Black and Chrome’, la versión en blanco y negro de la película de George Miller.
En colaboración con la Academia de Cine Español, el viernes 1 de diciembre el Festival rendirá un homenaje a FernandoFernánGómez en el décimo aniversario de su fallecimiento con la proyección de ‘El viaje a ninguna parte’ y con un coloquio posterior en el que intervendrán el actor JoséSacristán y el director de fotografía José Luis Alcaine.
Por último, la sección Carreteras secundarias, en el Cine Estudio Círculo de Bellas Artes, estará dedicada a un tipo de cine de autor arriesgado con títulos como ‘Vanishing Point’, ‘Quiero la cabeza de Alfredo García’ y ‘Paris, Texas’.
Un total de tres sedes y 22 películas para disfrutar de esos grandes momentos que nos sigue ofreciendo el cine.
El clásico inglés ‘Peter Rabbit’ ya tiene su primera adaptación cinematográfica que mezcla animación con imagen real. Los libros de BeatrixPotter cobran vida gracias al trabajo del equipo que se ha puesto a las órdenes del director y guionista WillGluck (‘Annie’) que ha contado con el escritor RobLieber (‘Alexander y el día terrible, horrible, espantoso, horroroso’) para conformar el libreto.
La mundialmente serie de libros celebra su 150º aniversario y lo celebra con esta película cuya fecha de estreno en España está prevista para el próximo 23 de marzo de 2018. Doug Belgrad, Jodi Hildebrand de Olive Bridge y Jason Lust son los productores ejecutivos.
James Corden y Rose Byrne serán las voces originales de los protagonistas, Peter y Bea.
Continúan las aventuras del personaje que nació en los setenta.
Mazinger Z volverá en 2018, al menos así será en Japón allá por enero de 2018, bajo el título de ‘Gekijōban Mazinger Z / Infinity’. En esta nueva aventura, y como casi siempre, el mecha gigante tendrá que enfrentarse al Dr. Hell y sus maquinaciones para salvar el mundo. Así lo han dictado el director Junji Shimizu (‘Slam Dunk: Suramu danku’) y el guionista Takahiro Ozawa (‘Tokyo Toy Box’).
La noticia de hoy es que podemos ver nuevo material del film, un nuevo poster que se suma al tráiler que ya había sido publicado hace quince días. Un vídeo en el que aparecía la barcelonesa Sagrada Familia ya finalizada y todo.
“Monster Squad” es una película que en 1987 juntaba a monstruos clásicos del cine de terror. Unos niños que eran aficionados a este género tenían que hacerles frente en la realidad. En España se conoció como “Una pandilla alucinante”.
Ahora Shane Black (“Dos buenos tipos”) ha manifestado su intención o agrado por realizar un remake de este clásico de culto ochentero. Así lo relata IGN. “Sería interesante tener dos películas – “Una pandilla alucinante”, y “Una pandilla alucinante” en la que ya hay 30 años de diferencia y también la hay para los niños; los personajes han envejecido”. Recordamos que este cineasta fue el escritor del guión de la película junto a Fred Dekker (“Robocop 3”).
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