Mientras el malvado Ubel está arrasando todas las instituciones mágicas del Ether, acaparando el poder absoluto, Violeta Campana ha desaparecido en misteriosas y violentas circunstancias. Parece que solo el aventurero Boone Dias puede encontrarla, saltando de una escena de crimen mágica a otra, pero un sarcófago de combate, unos insidiosos piratas y un bosque habitado por un extraño organismo amenazan con interponerse en su camino.
Reseña
Perderse por el onirismo de Ether es un placer lleno de risas e ingenio
Ya está en España el último número de ‘Ether’, el cierre. Y poco más puedo añadir tras haber reseñado sus dos primeras partes. Podéis leer nuestra reseña del número uno haciendo clic aquí, igual que la del segundo en este otro enlace. Este tercer volumen por suerte sigue la tónica de los anteirores, a si es que solo puedo deciros una cosa con rotundidad, caeros muertos en vuestro sofá y a disfrutad de ‘Ether 3’.
Por que como ya sabréis para entrar en este mundo propuesto por Matt Kindt y materializado por David Rubín uno tiene que morir. Y dejarse seducir por estos locos de lo imaginativo, por esta mezcla de encantamientos y razón, es apartarse de esta cruda realidad que vivimos para meterse en otra. Un mundo que vive tiempos críticos y que amenaza con perder el contacto con nosotros si alguien no hace algo. Y ya os aseguro que os daría pena que Ether desapareciese.
Volvemos a las pesquisas de Boone Dias para resolver crímenes y a sus métodos de razonamiento para salir de situaciones peligrosas. Empieza devastado tras el final de la segunda parte pero encuentra de nuevo motivos para poner en marcha su talento. Esta especie de investigador cuya arma es el raciocinio, un trasunto de Sherlock Holmes, más próximo al que interpretó Robert Downey Jr. que a cualquier otro, se mueve por el Ether y experimenta a la vez con él mientras el tiempo en la tierra pasa mucho más rápidamente. En esa diferencia espacio temporal se agravan los dramas familiares del protagonista, que sacrifica su vida íntima para asegurar el futuro de Ether. En esta ocasión son los errores del pasado los que fustigan a Boone pero sin duda ‘Ether 3’ tiene un toque más cómico que los anteriores.
Y todo se resuelve como siempre con esa unión entre lo fantástico y lo científico, esta historia no podía ser más enloquecedoras para mí, un amante de la ciencia ficción o la fantasía que además es ingeniero de formación. Ya he dicho otras veces que en todo esto hay algo de ‘Goomer’, ‘Rick y Morty’, ‘La historia interminable’… Y ‘Ehter 3’ vuelve a apabullarnos con oníricos paisajes y creativos personajes. También amplia la historia y mitología de un lugar donde se puede mezclar lo biológico, lo mágico y lo mecánico. Podríamos tener una enciclopedia entera hablando de los cachivaches y seres que pueblan esta realidad paralela, con imágenes y todo tipo de explicaciones que como viene siendo habitual nos sacarían una sonrisilla. Incluso en su geografía da para colar un Pac Man, una última cena caníbal o un Guernica marino que pondría los pelos de punta a la mismísima tripulación de Ulises. Hay que tener la imaginación de Kindt para generar toda esta historia, que si bien se acaba amoldando a algo típico está llena de detalles muy chiflados. Y por supuesto hacía falta un talento propio de El Bosco para hacer tan pobladas y diversas ilustraciones. Rubín lo tiene.
Al final de ‘Ether 3’ tenemos una serie de láminas de Paul Azaceta, Gabriel Hernández Walta,Jill Thompson, Dan Brereton, Farel Dalrymple más bocetos explicativos del propio Rubín que son un gran bonus que se suma a los que contenían los anteriores volúmenes, conformando así una colección muy completa, cerrada y satisfactoria para el lector. ‘Ether’ ya estuvo nominado en los Eisner, espero (conste que al decir esto dejo al margen mi entusiasmo e intento aplicar la mayor objetividad) que suceda lo mismo ahora que la colección está cerrada.
Ficha del cómic
Guion: Matt Kindt. Dibujo: David Rubín. Separaciones de color: Kike J. Díaz. Portada: David Rubín. Editorial:AstiberriDatos técnicos: 152 pág., cartoné, color, 17×26 cm. Publicación: agosto de 2020. Precio: 17€.
Del jueves 27 al 31 de agosto en Artistic Metropol
De nuevo Artistic Metropol acoge la muestra de cine Lo + Prohibido. Para esta octava muestra consecutiva la temática girará en torno a los zombies, es por eso que lleva también el nombre de ZombieMad.
Como es de esperar la inauguración tendrá presente a los muertos vivientes con la proyección de la polémica cinta Venezolana ‘Infección’ de Flavio Pedota, censurada por el gobierno de Maduro. Con este pase tendrá lugar su estreno en Madrid. Y por supuesto el cierre tendrá sabor a no-muerto con la proyección del clásico ‘Yo Acuso’ de Abel Gance. Una cinta de 1919 considerada como la primera película de zombies de la historia. La precursora total. Se podrá ver también la versión de 1990 de ‘La Noche de los Muertos Vivientes’, dirigida por Tom Savini, una auténtica joya para degustar en pantalla grande.
Si queréis ver toda la programación podéis hacerlo en la imagen de a continuación.
El catálogo de Sony Pictures Home Entertainment sigue creciendo y con él nuestra lista de películas que queremos que figuren en nuestras estanterías. Hoy queremos hablaros de títulos que forman parte de la historia cinematográfica y que gracias a la amplia oferta de entretenimiento que vivimos pueden ser adquiridas en Blu-ray.
En concreto son títulos que son propiedad de Universal y Paramount. Desde el primer largo de los Hermanos Marx hasta un clásico navideño de Michael Curtiz.
LOS CUATRO COCOS (Universal Pictures, 1929) – ¡El primer largometraje de los Hermanos Marx!
PISTOLEROS DE AGUA DULCE (Universal Pictures, 1931) – Dirigidos por Norman McLeod, un pionero del cine cómico, los Marx evolucionan hacia filmes con argumentos más sofisticados.
PLUMAS DE CABALLO (Universal Pictures, 1932) – De nuevo con McLeod, Groucho, Chicco, Harpo y Zeppo juegan un caótico partido de fútbol americano.
SOPA DE GANSO (Universal Pictures, 1933) – Última película con Zeppo como integrante, esta vez bajo la batuta de un gran nombre del Hollywood clásico, Leo McCarey,
MARRUECOS (Universal Pictures, 1930) – Segunda de las siete películas que rodaron juntos Marlene Dietrich y Josef von Sternberg, su descubridor y amante por un tiempo.
EL EXPRESO DE SHANGHAI (Universal Pictures, 1932) – Otra alabada película del tándem von Sternberg-Dietrich. Un trayecto de tren de tremendo voltaje con la guerra civil china de telón de fondo.
ÁNGEL (Universal Pictures, 1937) – La Dietrich hace equipo con otro renombrado compatriota alemán, el gran Ernst Lubitsch, quien la convierte en una ‘lady’ atrapada en un triángulo amoroso.
UNA CHICA ANGELICAL (Universal Pictures, 1935) –William Wyler, el director que nos regaló iconos como Ben-Hur o Vacaciones en Roma en los años 50, empezó su carrera en la época del cine mudo. Y en los años 30 ya firmaba películas deliciosas como esta comedia de enredo con Margaret Sullavan como estrella, por entonces envuelta en una tumultuosa relación con el director.
SIGUIENDO MI CAMINO (Universal Pictures, 1944) – Siete Premios Oscar® ganó este musical dirigido por Leo McCarey y protagonizado por Bing Crosby, uno de los cantantes pioneros en el género del cine musical.
NAVIDADES BLANCAS (Paramount Pictures, 1953) – Alzado como una de las personas más populares del planeta, Crosby trabaja en los 50 con el director Michael Curtiz (Casablanca) y el compositor Irving Berlin en esta película que consiguió que “I’m dreaming of a White Christmas…” fuera sinónimo universal de Navidad.
Se puede consultar el catálogo y comprar entradas para el Atlàntida Film Fest en este enlace pues ya ha empezado y estará activo hasta el 27 de agosto. En este festival que tiene una primera parte presencial en Mallorca y posteriormente online en Filmin se pueden ver éxitos de festivales internacionales, rarezas de índole independiente… En definitiva películas muy interesantes o desapercibidas que no muy probablemente no pasarán por cines o por ninguna otra plataforma.
En el programa a parte de películas ovacionadas hay ciclos dedicados al periodismo, a rememorar la II Guerra Mundial o la Libia de Gadafi y por supuesto películas cómicas como la hilarante ‘Yves’. No os perdáis títulos como ‘Pelican Blood’, ‘Fomo’, ‘Supernova’, Banksy most wanted’ o los títulos que rinden homenaje a Stephen Frears.
No se nos olvida que hace año y medio Netflix anunció la adaptación de cinco obras españolas (podéis ver todas aquí). Por fin ha llegado el momento de hablar de la versión animada de ‘Memorias de Idhún’. Las obras de la valenciana Laura Gallego (‘Crónicas de la torre’) se pasa al mundo animado y podemos decir que tiene un toque bastante anime, el primero realizado por Netflix en España con este estilo. Así lo podéis comprobar en el pequeño vídeo que nos muestra su diseño.
Este 2020 podréis conocer en pantalla a Alsan, Jack, Victoria, Shail y Kirtash, los protagonistas de esta vendidísima historia. La propia Laura Gallego y Andrés Carrión son los escritores de esta adaptación que adapta el primer volumen titulado ‘La Resistencia’.
Han sido necesarios más de dos años para llevar a cabo esta innovadora producción, que estará disponible en más de 190 países y cuyo proceso de animación ha sido realizado en Vitoria-Gasteiz por un equipo de más de 20 profesionales locales que se han encargado de recrear el mundo de Idhún y transportar a sus personajes a la pantalla. Su creatividad, combinada con la calidad del diseño de la animación, han dado forma a una épica historia llena de amistad, emociones y acción.
La temporada consta de 5 episodios dirigidos por Maite Ruiz de Austri, ganadora de dos premios Goya a la Mejor Película de Animación, y que se convierte en la primera mujer que dirige una serie de anime en España.
Sinopsis oficial.
El día en que se produjo en Idhún la conjunción astral de los tres soles y las tres lunas, Ashran el Nigromante se hizo con el poder y comenzó el reinado de terror de las serpientes aladas. La primera batalla por la libertad de Idhún se libra en la Tierra, donde Jack y Victoria luchan por detener a Kirtash, el asesino enviado por Ashran para acabar con los idhunitas que huyeron de su tiranía. Sin embargo, los protagonistas siguen sin saberlo los designios de una profecía que entrelazará sus destinos en una trama de amor y odio que desencadenará duelos a muerte y forjará insólitas alianzas.
Que viviésemos el 21 de octubre de 2015 fue todo un evento que se celebró con gracia y homenajes por parte de los fans de ‘Regreso al futuro’. Ya cruzamos la esperada fecha en la que Doc y Marty regresaban al futuro y ahora toca celebrar el 35 aniversario de una saga mítica, para muchos la mejor trilogía del cine.
Desde Sony Picture Home Entertainment han elegido las 16:29h (hora a la que llegaban) para anunciar el lanzamiento de dos ediciones limitadas de ‘Regreso al futuro’. Con un sonido como nunca y una imagen en 4K UHD podremos revivir una vez más las aventuras de Doc, Marty y Jennifer.
Ya pueden reservarse dos nuevas referencias en las que además hay más de 1 hora de contenido extra inédito.
EDICIÓN ANIVERSARIO CON 3 STEELBOOKS 4K UHD + BLU-RAY™ + BONUS BLU-RAY– Si eres amante de las cajas metálicas, te encantará esta edición que contiene no uno, ni dos, sino tres steelbooks, cada uno de ellos correspondiente a una peli de la saga: REGRESO AL FUTURO (1985), REGRESO AL FUTURO 2 (1989) y REGRESO AL FUTURO 3 (1990). Además de los discos con la película remasterizada en alta y ultra alta definición, incluye un Bonus Blu-ray con extras inéditos.
EDICIÓN ESPECIAL EN DIGIPACK BLU-RAY + BONUS BLU-RAY– En esta edición con funda tipo libro, las tres películas también vienen remasterizadas, en este caso en alta definición, y encontramos el disco extra con los contenidos inéditos.
Además de estas dos ediciones limitadas, SPHE también lanzará, con motivo del aniversario, la trilogía en DVD con un nuevo diseño.
En cuanto tengamos imágenes de los packs os los enseñaremos.
Todo estará disponible a partir del 21 de octubre. ¡Reserva tu favorita en preventa desde hoy!
Desde hace dos años, la filial española de Sony Pictures Home Entertainment está seleccionando joyas de los catálogos de Sony, Universal y Paramount que nunca habían sido lanzadas en alta definición, y editándolas por primera vez en Blu-ray. Por eso han anunciado ahora que llevan casi 100 clásicos que pueden verse en alta definición. Películas que vienen de hace cien años, en los 20 del pasado siglo, a los primeros años del siglo XXI.
En este catálogo pueden encontrarse desde las primeras películas de los Hermanos Marx a las genialidades de Frank Capra, George Cukor, Howard Hawks, Billy Wilder, Orson Welles, Joseph L. Mankiewicz, John Ford, Stanley Donen, William Wyler o John Huston; la ciencia ficción más emblemática de los 50 a los 70; los títulos más recordados de los 80; la magia de Woody Allen, Milos Forman o John Carpenter en los 90; o los clásicos contemporáneos por Sofia Coppola, David Cronenberg o Gus Van Sant.
Buscad en tiendas las películas que más deseáis ver con calidad mejorada porque SPHE está añadiendo aún más centrándose en el catálogo de Universal Pictures.
‘¡Scooby!’ nos cuenta cómo se conocieron los amigos Scooby y Shaggy y cómo se unieron a los jóvenes detectives Fred, Velma y Daphne para formar la famosa agencia de detectives Mystery Inc. Ahora, con cientos de casos resueltos y aventuras compartidas, Scooby y la pandilla se enfrentan al misterio más gigantesco y complicado de sus carreras: un complot para que el perro fantasma Cerbero campe a sus anchas por el mundo. Mientras corren a toda prisa para detener esta «perroapocalipsis» mundial, la pandilla descubre que Scooby tiene un legado secreto y un destino épico mayor de lo que nadie imaginaba.
Crítica
Hanna-Barbera is back
Es innegable que en muchos casos ‘Scooby-Doo’ es responsable desde nuestra infancia del desarrollo de nuestra imaginación y de aportar una manera muy particular de ver el terror. Para aquellos que eran niños durante los setenta, ochenta y buena parte de los noventa este perro cagueta ha sido compañía en la hora de la merienda. Ahora Warner Bros. nos lo trae de vuelta. Y además en esta película de animación tridimensional aparecen el Capitán Cavernícola, Dinamita, el Perro Maravilla y Pierre Nodoyuna famosísimo por series como ‘Los autos locos’. Lo cierto es que solo con todo esto me tenían ganado desde el principio. Hanna-Barbera is back.
La verdad es que como nostálgico de la serie original guardaba cierto recelo, sobre todo tras haber sufrido en su día las películas de acción real con Sarah Michelle Gellar, Matthew Lillard y compañía. Pero a Scooby no le sienta mal el 3D y además la historia nos devuelve a los dibujos divertidos e imaginativos que tantas criaturas fantasmagóricas y artilugios nos brindaron.
Este sigue siendo ese grupo de muchachos que descifran acertijos, desenmascaran falsos espectros y desentrañan misterios. Pero en esta ocasión, como suele pasar en estas películas que quieren ir más allá, el caso a resolver está relacionado con uno de los protagonistas. Y sucede otra cosa de la que se suele pecar, pensando que más es más, es la finalización de la película. Le sobra ser tan desmesurada y estar tan repleta de tecnología. Es un intento de traérselo a lo actual, pero le quita encanto y resta esa sensación de héroes de vecindario.
La película consigue lo que hacía la serie. Muestra valores, tiene muchos gags slapstick, acrobacias casi circenses y no cesa en su ritmo. Se introduce una pequeña historia de orígenes que nos muestra como se origina tanto la amistad entre Shaggy y Scooby como la piña de amigos que gestiona Misterios S.A. Como he dicho antes se intenta meter mucho cachivache moderno, no dudo que eso es para acercarse a los jóvenes de ahora y actualizar la franquicia. Es por eso que su primera secuencia de orígenes empalma con la actualidad de los personajes con una transición que imita muy bien el clásico opening de la serie. Además para remar aún más a favor de corrientes actuales se ha entremezclado todo con un tema superheroico usando también personajes de Hanna-Barbera.
Se agradece que el guión de Kelly Fremon conserve la inocencia y cobardía de los jóvenes protagonistas. Si no hubiésemos tenido a estos chicos maldiciendo con expresiones como ¡chispas! nos habríamos alejado mucho del original y esto debería haberse llamado de otra manera. Aunque alguna cosa adulta han introducido, véase Tinder. Es tan fiel al espíritu intrigante y tontorrón de la serie que le perdono los momentos de electro pop. También era de imaginar que los artilugios que usan nuestros investigadores cambiasen. Decimos adiós a las linternas de pilas alcalinas tipo D y hola al LED del móvil.
Al principio os he enumerado algunos personajes que forman parte de la trama. Pero la película tiene otras muchas referencias a las series del estudio Hanna-Barbera Productions. Vais a ver nombres de ‘Los Picapiedra’ o detalles visuales de otros personajes, así como referencias a los dobladores originales. Los créditos son un homenaje al imaginario de esta factoría de dibujos. Igualmente Warner Bros. también se ha asegurado de introducir algunas de sus franquicias, como podemos comprobar con el disfraz de Wonder Woman que luce Daphne. Está claro que tenemos toda una serie de películas animadas por venir.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de julio de 2020. Título original: Scoob! Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Tony Cervone. Guion: Kelly Fremon. Música: Julian Nott. Reparto principal (doblaje original): Frank Welker, Kiersey Clemons, Zac Efron, Will Forte, Jason Isaacs, Ken Jeong, Tracy Morgan, Gina Rodríguez, Amanda Seyfried, Mark Wahlberg. Producción: Warner Animation Group, Hanna-Barbera Productions, Canadian Film or Video Production Tax Credit. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género:Web oficial:https://www.scoob.movie/
Tras la pérdida de Ennio Morricone cualquier homenaje se puede quedar corto y las convocatorias para reunirse con su música son múltiples. Una de ellas es la que nos sugiere Cine Yelmo. Para homenajear y despedir al compositor italiano, Cine Yelmo, continuará ofreciendo esta oportunidad única con la que disfrutar de la que es toda una declaración de amor al cine y a la figura de “Il Maestro”, cuyas composiciones épicas han marcado el séptimo arte, a través de ventana de contenidos alternativos +Que Cine. Una despedida agridulce.
Casualmente ya estaba progamado ‘Cinema Paradiso’ en varios cines para celebrar el regreso pero ahora servirá también para decir adiós a este compositor que estará con nosotros para siempre. Una película indispensable para los amantes del séptimo arte y que también casualmente mencionamos hace poco en nuestro recopilatorio sobre películas sobre hacer cine.
A partir de este viernes 10 de junio, la partitura de Morricone para ‘Cinema Paradiso’, con sus cuerdas y flautas, se seguirá escuchando por todo lo grande en Madrid (Ideal, Tresaguas, Plenilunio, Palafox), Barcelona (Icaria, Comedia), A Coruña (Los Rosales), Oviedo (Los Prados), Málaga (Vialia), Santa Cruz de Tenerife (La Villa de Orotava), Sevilla (Lagoh), Valencia (Mercado de Campanar), Valladolid (Vallsur) y Vizcaya (Artea).
Aquel que empuñe la Espada de Poder será el único y verdadero rey. Pero, ¿y si la espada ha elegido a una reina?
Nimue creció siendo una marginada. Su conexión con la magia oscura la convirtió en alguien temible para su pueblo Druida, pero ella siempre ha querido escapar de aquellos que la repudian. Hasta que un día su aldea es asaltada brutalmente por los Paladines Rojos, y el destino de Nimue se ve alterado para siempre. Antes de morir, su madre le designa la misión de entregar una antigua espada a un hechicero legendario, y en ese momento se convierte en la única esperanza de su diezmado pueblo.
Nimue recibe la ayuda de un mercenario encantador llamado Arturo, y lo que queda de su gente, los Inefables. Mientras tanto, ella blande la espada destinada al verdadero rey, y lucha sin piedad contra los paladines y los ejércitos de un rey corrupto.
Aunque Nimue sólo pretende unir a su pueblo, vengar a su familia y descubrir la verdad sobre su origen, poco a poco descubrirá que quizá lo único capaz de cambiar el destino sea el filo de su espada.
Reseña
Reinventando al son que dictan los tiempos
Antes de empezar me gustaría señalar que la obra realizada entre Thomas Wheeler (guionista de películas como ‘El gato con botas’ o ‘Dora y la ciudad perdida’) y Frank Miller (‘Sin City’) no es una novela gráfica, es una novela ilustrada. También que va acorde a lo que dictan las corrientes actuales, buscando corregir o potenciar aspectos y elementos que históricamente se han visto llenos de injuria o por lo menos han sido menospreciados. La mujer ha hecho en la historia mucho más de lo que los libros hacen creer y eso es algo que parece que se quiere poner de manifiesto en este libro, aunque sea desde lo fantasioso.
Bretaña es una tierra con historia, muy rica en mitos y en batallas. No digo que sea fácil alimentar con todo eso la leyenda artúrica pero desde luego herramientas hay decenas. ‘Maldita’ enriquece el camino de los personajes clásicos para fundamentar una nueva historia fantástico-medieval. La trama sigue a Nimue que porta la espada inicialmente sin saber realmente cuán importante es. Y lo hace junto a Arturo por un lance fortuito. Ambos buscan a Merlín para obtener respuestas, pero hay intereses y fuerzas que se les oponen. Esta es una manera diferente de explicar como Nimue (La dama del lago) está unida a la espada de poder. Sobre todo lo hace convirtiendo a Nimue en la protagonista central, en una parte más grande de lo que había sido hasta ahora en cualquiera de las infinitas versiones que se han ideado.
Esta es una obra publicada en 2019 con vistas a que haya ya una serie en Netflix. No digo que esa sea la razón por la que la historia gire de tal manera que busque adecuarse a la corrección política que tanto manda hoy en día, pero si que es cierto que en su intencionalidad queda patente que hay una protagonista femenina concebida para romper esquemas. Y para llevar a cabo tal empresa está muy bien que se cuente con Frank Miller en el proyecto ya que también es cierto que suele tener mujeres luchadoras y de armas tomar en sus obras, ahí están los personajes de Gail en ‘Sin City’ o de la Reina Gorgo en ‘300’, tal vez eso fue lo que le atrajo a este pequeño trabajo. Esto si, no puedo evitar tener la sensación de que la obra intenta ir a remolque de la fama de Miller rompiendo otra tradición como es la de acreditar primero al guionista y luego al escritor.
Digo pequeño trabajo porque realmente Frank Miller tiene solo unas cuarenta ilustraciones para los varios de centenares de páginas que tiene el libro. Eso si, o bien Wheeler está muy influenciado por Miller o este último ha puesto su impronta en la narración, porque la aventura que nos cuentan tiene bastante sabor a los cómics del autor de ‘El retorno de caballero oscuro’. Las mujeres como he dicho, armadas hasta los dientes, la violencia, los antihéroes, la sexualidad, los personajes derrotados… Creo que no he visto nunca una historia artúrica sin algo de tragedia y a esta no le falta, de hecho, ese toque es de lo mejor del libro.
Como sabemos el dibujo de Miller suele ser grotesco, casi anguloso y con proporciones desmesuradas. Aquí tenemos dibujos en los que hasta los caballos aparecen musculados. Estoy más acostumbrado a ver imágenes de Miller en ciudades, con rayos colándose entre edificios y balas cayendo al suelo. En ‘Maldita’ ha de utilizar corceles, bosques, armaduras… Y no me ha parecido de las mejores obras de Miller, hay varios bocetos bastante vagos dentro de la imperfección que suele lucir. Aunque también puedo decir que la poesía de Arthur Rackham (inspiración confesa de Miller) y su sabor añejo está presente. Casi todas las ilustraciones van en el clásico estilo “en negativo” que tanto ha impresionado durante toda su carrera, solo unas pocas están coloreadas.
Como siempre sucede en las recreaciones y reinvenciones de esta historia hay trama amorosa y familiar. Para Nimue, como dama del lago, obviamente se establece una estrecha relación con Merlín, Arturo y muchos seres mágicos. Rompe también con lo tradicional que Merlín es un borracho y Arturo dista de cumplir las condiciones de un caballero ideal. Podría parecer así que la historia se va hacía algo más terrenal, fingiendo ser algo histórico, pero la brujería y la hechicería se hacen con el control de las páginas. Lo que aquí leemos es mitología y mundo celta. Druidas, rituales, augurios, visiones, runas, conjuros, bosques…
Se han visto muchas versiones a cerca de la historia de Arturo, su espada y demás, al fin de al cabo siempre ha sido una leyenda con una ligera base real. Esta historia no hará las delicias de aquellos que sean muy rigurosos con la leyenda pero tampoco supondrá un cambio tan drástico y arriesgado como el que hizo Mignola en ‘Hellboy’. Meterse en este embrollo medieval es hacer volver la mula al trigo y uno ya está casi tan harto de nuevas perspectivas para el mito artúrico, casi tanto como de películas sobre la Guerra Civil. Por lo menos esta es una lectura que se hace ligera. No tiene un lenguaje ni un entramado complicado. Se deshace también de los clásicos y rancios conceptos caballerescos pero mantiene un tema siempre presente allí donde están Merlín y Arturo, las creencias católicas acaban con la magia del mundo antiguo.
Seguramente haya tropecientas comparativas con otras versiones de la leyenda. Wheeler y Miller han sacado buen jugo de los personajes acoplándolos a otra historia en la que les colocan enmascarados. Va haber comparaciones también entre ‘The Witcher’ y la serie que surgirá en Netflix el próximo 17 de julio. No lo digo porque Andrzej Sapkowski usase la leyenda de este personaje para crear uno de los suyos (como tanto hace). Lo comento porque su carácter es muy parecido, su acabado seguramente no tanto. El personaje principal, Nimue, es perseguido por su conexión con la magia, por el miedo de los que son “humanos normales”. Pero encuentra más respaldos que los que habitualmente tiene Geralt y su destino es diferente. Esperemos que el destino e impresiones de la serie sean también algo más unánimes.
Ficha del libro
Guion: Thomas Wheeler. Dibujo: Frank Miller. Color: Tula Lotay. Portada: Frank Miller. Editorial:Grupo Océano (Gran Travesía). Datos técnicos: 464 págs., rustica cosida con solapas, color, tapa blanda, 14 x 22 cm. Publicación: noviembre de 2019. Precio: 19,95€.
Los carteles y el libro ‘Notas a Apocalypse Now. Crónica de un rodaje maldito’ ya tienen dueños
Cine Yelmo a través de +Que Cine, su ventana de contenidos alternativos, ha comenzado a proyectar el pasado 3 de julio ‘Apocalypse Now: Final Cut’ y nosotros junto con Barlin Libros y 39 Escalones hemos estado celebrando ese explosivo regreso a los cines con un sorteo del libro ‘Apocalypse Now: Final Cut’ más varios posters.
Ya tenemos las tres personas que se llevarán los regalos.
Desde Filmax nos comunican que van a inaugurar la segunda sala con tecnología 4DX de los Cines Filmax Gran Via, de L’Hospitalet de Llobregat (Barcelona). El acto inaugural estará presidido por el cineasta Jaume Balagueró que presentará el estreno mundial de ‘[REC]’ en tecnología 4DX.
‘[REC]’, dirigida por Jaume Balagueró y Paco Plaza, es una de las películas más apreciadas por los amantes del género y todo un hito para el cine de terror patrio. Su estreno en 2007 se convirtió en un éxito inmediato de público y crítica, recibió numerosos premios y posibilitó el nacimiento de una franquicia con tres secuelas y un remake estadounidense (‘Quarantine’).
A partir del próximo 10 de julio la nueva sala 4DX abrirá sus puertas al público que quiera volver a experimentar el miedo con [REC] o disfrutarlo por primera vez y de forma totalmente inmersiva.
Con esta ampliación, los Cines Filmax Granvia se convierten en los únicos cines en Europa que cuentan con dos salas 4DX y una sala para La Triple Pantalla ScreenX. El complejo cuenta además con 9 salas de cine convencional.
La primera sala 4DX se inauguró en noviembre de 2018 y desde entonces goza de gran éxito entre el público que busca nuevas formas de entretenimiento cinematográfico. Esta tecnología incorpora en la proyección hasta un total de 21 efectos sincronizados. Gracias a ella el espectador tiene la oportunidad de ver los principales estrenos con efectos de movimiento, aire, agua, calor, aromas, vibraciones, además de elementos meteorológicos como niebla, viento, rayos y burbujas.
Primeros pases con ‘Crocodile Fury’ y ‘Piramides murcianas’
Vamos acumulando regresos tras el confinamiento. SalaZeta volverá los próximos 10 y 24 de julio en su habitual casa, la Sala Equis (C/ Duque de Alba, 4) de Madrid.
Vuelven así las sesiones de cine malo en la que el público lo pasa bien. Experiencias interactivas que seguro que volverán a agotar sus entrades. Preparaos para lo más insólito e inesperadamente cómico.
Los responsables del espectáculo explican que, “ver ‘cine malo’ en compañía es muy divertido” y, por ello, en estos pases se permite la libre participación y los comentarios del público, para “disfrutar aún más de cada película”. Eso sí, respetando en todo momento las medidas de protección frente a la COVID-19.
La primera cinta del mes de julio, que se podrá ver el día 10, lleva por título ‘Crocodile Fury’ (1989) y fue una de las películas más exitosas de la última edición del festival CutreCon, celebrada el pasado enero. Un atroz caos narrativo llegado desde China, donde se suceden, sin solución de continuidad, vampiros, hechiceros, artes marciales y hasta cocodrilos voladores, que hará las delicias de cualquier cinéfilo sin prejuicios y con ganas de troncharse de risa.
La segunda película de julio, que se proyectará el día 24, es el insólito documental español ‘Pirámides Murcianas’ (2019), que vuelve por tercera vez a la Sala Equis después de arrasar en sus anteriores pases. Un filme que intenta demostrar la existencia de restos de una civilización alienígena en Murcia y que “alucinará a los espectadores con sus demenciales teorías”, señalan desde la organización.
ENTRADAS YA A LA VENTA
Las entradas para la proyección de ‘Crocodile Fury’ el 10 de julio a las 23:30 horas en la Sala Equis (C/ del Duque de Alba, 4) de Madrid ya están a la venta de forma anticipada en la taquilla del recinto y también online a través del siguiente enlace. Asimismo, las entradas para la proyección de ‘Pirámides Murcianas’ el 24 de julio a la misma hora y en el mismo cine, ya se pueden adquirir de forma anticipada en taquilla y en el siguiente enlace.
CutreCon es el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, un evento anual donde se proyectan “algunas de las peores películas del mundo” y que ya ha celebrado nueve ediciones, a la espera de una décima entrega, que tendrá lugar a finales de enero del año 2021 en diversos recintos y cines de la capital española.
Por su parte, Trash-O-Rama Distribución es una firma que edita cada mes en España rarezas cinematográficas muy difíciles de localizar, en cuidadas ediciones especiales en DVD para coleccionistas. Su catálogo puede consultarse en su tienda online.
En el día en el que cumple 30 años SelectaVisión nos informa que ‘Record of Lodoss War’ va a estar disponible en formato físico. Eso será este otoño, en concreto en Noviembre.
‘Record of Lodoss War (Las crónicas de Lodoss)’ es un anime que como muchos otros surgió antes de una obra escrita. Ryō Mizuno escribió unas maravillosas novelas con toques medievales y fantasía que tenían como motivo dar trasfondo al juego de rol Forseia. Es una historia de caballería, elfos, enanos y magia en la que el protagonista busca restaurar el honor de su apellido. Mientras en la isla de Lodoss ha surgido un poder maligno que los protagonistas pueden derrotar.
Tras reencontrarnos en OVAs y videojuegos con sus personajes ahora podremos regresar al anime de los años 90. Constará de las 13 OVAs y los detalles de la edición se irán desvelando en las redes sociales de la distribuidora los próximos meses. Por el momento nos han contado que se mantendrá el formato 4:3, fiel a la obra original. Para ir preparándonos SelectaVisión nos ha preparado 5 datos sobre la serie.
1. Inspiración: aunque este anime está basado en las novelas de Ryō Mizuno, estas a su vez se inspiraron en los juegos de rol (Forsela) al estilo de ‘Dragones y Mazmorras’. Este tipo de novelas, bautizadas como «novelas replays» en muchas ocasiones desarrollaban universos de ficción que se hacían más famosos que el propio juego en el que se basaban. Este fenónemo se ha dado con Record of Lodoss War, que se ha popularizado más allá de los fans de juegos de rol.
2.Los personajes: cuentan con las distintas razas del mundo fantástico, personajes habituales en los juegos de rol. Así, el protagonista es el caballero Parn, acompañado por el clérigo sanador Etoh, la elfa Deedlit, el mago Slayn y el enano Ghim, entre otros. Por supuesto, también cuenta con un bando tenebroso de elfos oscuros, hechiceros y brujos.
3.Su autor: es destacable que esta obra se base en las novelas escritas por Ryō Mizuno, quien era un auténtico jugador de rol. Su pasión por el género puede verse reflejada en la riqueza y caracterización de las distintas razas dentro de ‘Record of Lodoss War’, con sus propias culturas, lenguajes y convicciones.
4. La animación: este anime de 1990 es uno de los primeros en realizarse en forma de OVAs de 30 minutos cada una y con una animación prodigiosa hasta nuestros días. Esta se lleva a cabo por el estudio Madhouse, responsable de otras obras de gran calidad como la filmografía de Satoshi Kon y de Mamoru Hosoda.
5. BSO: la música del anime ‘Record of Lodoss War’ también es mítica y memorable. Con melodías épicas de fantasía, se trata de una banda sonora muy característica del universo que describe.
Volveremos a verla en Cine Yelmo tras su 40 aniversario
La película de Francis Ford Coppola ha cumplido cuarenta años y lo vamos a celebrar con vosotros. Cine Yelmo a través de +Que Cine, su ventana de contenidos alternativos, ha preparado varias citas exclusivas que servirán para recibir de nuevo a los espectadores. Entre ellas va a proyectar ‘Apocalypse Now: Final Cut’. Esto será a partir del próximo 3 de julio.
Un nuevo montaje realizado para este aniversario que podremos ver además en 4k y del que también podremos aprender muchas cosas. Y eso será, no solo por reencontrarnos con esta mítica película bélica, sino porque podremos leer el libro ‘Notas a Apocalypse Now. Crónica de un rodaje maldito’, editado por Barlin libros y escrito por Eleanor Coppola. Un estupendo volumen que nos detalla los años de rodaje que a priori iban a ser meses. Una aventura cinematográfica accidentada hasta para Coppola que lo sufrió física y psicológicamente. Un ejemplar repleto de datos, anécdotas y sucesos.
Es por todo esto que hemos organizado un sorteo para varios destinatarios:
Un pack especial compuesto por el LIBRO (‘Notas a Apocalypse Now. Crónica de un rodaje maldito’) + POSTER de ‘Apocalypse Now: Final Cut’.
Dos POSTERS de ‘Apocalypse Now: Final Cut’.
Si queréis optar a ganar alguno de los premios podéis hacerlo en cualquiera de nuestras redes sociales.
Haz retuit a la fotografía en Twitter etiquetando dos personas
Tenemos que agradecer este sorteo e iniciativa a +Que Cine de Cine Yelmo, 39 Escalones (posters) y Editorial Barlin libros (libro).
Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 3 de julio a las 23:59h. Puedes participar en todas las fotos del sorteo que publiquemos. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que se etiquete a diferentes personas cada vez. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos. Anunciaremos quien ha sido agraciado el 4 de julio de 2020. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, Twitter o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. El envío solo se realizará dentro del territorio español.
El Blu-ray de ‘Bad Boys for life’ y los cómics de ‘John Wick’ y ‘Doctor Who’ tienen dueña
Ya conocemos la persona agraciada con nuestro lote de regalos. Un pack que hemos formado junto a la web amiga Con C de Cultura y que nos ha cedido Sony Pictures Home Entertainment y la editorial Fandogamia. Una película y dos cómics inspirados en cine y series que van a ser disfrutados por uno de nuestros lectores. El permio es para…
Ylenia Yunamond
@Yunamond
¡Dale mucho uso! Contactaremos con la persona premiada por mensaje privado en su red social para que nos facilite sus datos de envío.
Agradecemos a nuestros lectores habituales y a los nuevos el participar. Bienvenidos a nuestra familia de moviementarios y al grupo de Con C de Cultura.
¡Enfréntate al futuro! ¡Jonathan Hickman toma el trono de los mutantes! Desde su nacimiento, La Patrulla-X ha vivido cuatro momentos fundamentales: su fundación, la Segunda Génesis, “La Era de Apocalipsis” y la época de New X-Men. Ahora, Charles Xavier revela su plan maestro… el que sacará a los mutantes de la oscuridad y los llevará, una vez más, hacia la luz.
Reseña
Una nueva nación de la que uno disfruta formando parte
Marvel nos invita a formar parte de Krakoa, el nuevo país mutante que Jonathan Hickman ha creado para comenzar una nueva aventura de los X-Men. Este es un gran punto y seguido, una manera de reflotar a los siempre en boga X-Men. La ciencia ficción está omnipresente en una colección que de primeras digo que me ha alucinado. Sin fisuras, con originalidad y mucha complejidad, las historias de Dinastía y Potencia de X (Hose y Powers of X) son un disfrute lleno de sorpresas y reinvenciones.
Para seguir bien la historia hay que alternar entre los números de Dinastía y Potencias de X (algo que puede hacerse incómodo, sobre todo si se ha coleccionado según ha ido publicándose). Cambia el dibujante de una serie a otra a partir del número dos de ‘Potencias de X’ y eso contribuye a fomentar la sensación de cambiar de época, etapas y mundos de la historia de los X-Men. Y es que esta es una obra que además de tener toques muy legendarios sirve de homenaje a toda la historia de X-Men.
Hay varias e imponentes portadas realizadas por Pepe Larraz y Marte Garcia. Pero sobre todo la primera resulta la más carismática. Se nota que el mexicano Marte Garcia le tiene cogido el punto a los X-Men y a su siempre colorido aspecto. Y todo el interior es igual de potente. Personajes, fondos, máquinas, color… El nivel es alto y minucioso. El estilo de ambos dibujantes (la otra persona que dibuja es R.B. Silva) es diferente pero conserva parecidos. Ambos han metido a las viñetas la clásica matriz de puntos de los cómics y eso le da un toque clásico a un dibujo que se torna moderno. Desde luego es otro cómic más para incluir en los que pueden hacer afición y destacar a nivel mundial a un dibujante del talento de Larraz.
El universo que han conformado a partir de ‘Dinastía de X’ es complejo y entramado, sería difícil de abarcar para el lector sin esas páginas informativas que se intercalan de vez en cuando. Considero que es mejor leerse esta serie del tirón que teniendo que esperar un mes entre número y número, eso podría obligar a los que tengan menos memoria a releer las primeras páginas de vez en cuando. Y la única pega que le pongo a esta colección es que su último número está demasiado ocupado por páginas que explican la historia en vez de por viñetas.
Me queda la impresión de que habría disfrutado más del cómic de haber estado siguiendo colecciones recientes de los X-Men. La cantidad de personajes es abrumadora y si uno se para a buscar sus nombres o su trasfondo puede llevar esta experiencia de lectura a muchísimas horas. En mi caso esta historia ha sido un largo acompañante durante la cuarentena.
El diseño de personajes que vemos en el cómic va en la línea del que muchos habéis visto en películas como ‘Dark Phoenix’, bastante inspirados en los trajes que llevaban los mutantes de Grant Morrison. En ese sentido es un retorno a lo clásico. Pero también vemos nuevas vestiduras que llaman la atención. Como la de Xavier o incluso la de magneto que está en una de esas raras veces en las que va en son de paz, como clama su capa blanca.
Me ha encantado toda la intervención de Moira. Me parece brillante el rol que juega y como sirve de herramienta para aportar giros a la trama. El guión de Hickman nos brinda una historia coral, algo casi obligatorio en el caso de una apuesta tan regenerativa como esta. Es básico el tener que introducir el punto de vista de muchos personajes para abordar un punto tan tajante y definitorio en un universo tan vasto como el de la Patrulla X. Y además la trama da muy buenos detalles que no me cabe duda que habrán sido un gustazo para los dibujantes, ya que a modo de crossover otros personajes que son de otras colecciones como ‘Los 4 Fantásticos’ hacen su aparición. Esto es algo que no nos sorprende pues Hickman ha trabajado con los Richards, Storm y Grimm mucho tiempo, al igual que sucede con los Avengers y otras muchas organizaciones conocidas de Marvel. También hay que tener en cuenta que aquellos más puristas y cerrados a que estos superhéroes evolucionen pueden rechazar todo el enfoque del cómic.
‘Dinastía de X’ hace un punto de partida muy jugoso para otros autores que vengan después. Solo hay que ver a este Charles Xavier sin silla de ruedas y decidido a llevar a los suyos a la victoria. Sus métodos en muchos sentidos u ocasiones son más propios de un villano. Xavier tira de neoliberalismo para ganar una posición ventajosa en determinadas naciones que si reconozcan a la suya. Muy acorde a lo que haría una despiadada corporación o multinacional del mundo real. Está a la cabeza de una nación de criaturas con poderes que más que buscar su lugar en el mundo lo reivindican y lo inventan. Como dicen bien en el número uno de ‘Potencias de X’, “no es un sueño si es real”. La utopía de Charles se convierte en realidad y la vía que emplea Hickman me parece la más plausible.
Además la narración nos adentra en una especie de bioingeniería mezclada con poderes, algo casi mágico. Es una nueva manera de percibir el poder de los mutantes de Marvel, una forma distinta de verlos, tanto visual como argumentálmente, sin olvidar lo que ha pasado previamente. Los amantes de los X-Men de siempre pueden disfrutar estas viñetas que tienen alusiones a ‘Dinastía de M’, ‘Días del futuro pasado’ y otros clásicos en los que por ejemplo interviene Apocalipsis.
Entre guionistas y dibujantes llevan a los X-Men de nuevo a un punto treméndamente épico. ‘Dinastía de X’ más ‘Potencias de X’ componen doce números en total. Un ecosistema donde nos topamos con el paraíso mutante y que supone un vergel para los lectores de cómics.
Ficha del cómic
Guion: Jonathan Hickman. Dibujo: Pepe Larraz, R. B. Silva. Color: Marte Garcia, Di Benedetto. Tinta: VC’s Clayton Cowles, Adriano Di Benedetto. Portada: Pepe Larraz, Marte Garcia, R.B. Silva. Editorial: Marvel (Panini Cómics). Datos técnicos: 56 y 40 págs. por número, grapa, color, 17 x 26 cm. Publicación: julio de 2019. Precio: varía según número (nº1 4,51€).
A lo largo del mes de julio SelectaVisión va a lanzar varios DVDs y Blu-rays que van a dejar babeando a los amantes del anime. Desde el nuevo ‘Dragon Ball Super’, pasando por lo último publicado de ‘Ataque a los Titanes’ hasta las aventuras de Fairy Tail.
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Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 21 de junio a las 23:59h. Puedes participar en todas las fotos del sorteo que publiquemos. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que se etiquete a diferentes personas cada vez. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos. Anunciaremos quien ha sido agraciado el 22 de junio de 2020. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, Twitter o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. El envío solo se realizará dentro del territorio español. ¡Mucha suerte a tod@s!
Re-apertura con ‘Grease’ y 50% de descuento a sanitarios
Poco a poco todo está volviendo a su cauce y pronto podremos volver a ver películas en pantalla grande. Y muy pronto aquellos que gusten de los autocines. La crisis del Covid-19 está haciendo resurgir a los autocines. Tanto es así que el AutocineMadrid RACE reabre sus puertas este miércoles 27 de mayo. Una manera segura de compartir cultura en grupo.
Como siempre cada cliente podrá disfrutar del cine desde su propio vehículo respetando además la distancia social, sintonizando la emisora en su coche, viendo la película en una pantalla gigante de 250 m2 , sin necesidad de entrar en contacto con otra gente.
Autocine Madrid RACE ha anunciado ya que regresará con la proyección de una de las películas más emblemáticas y un clásico que ya es el sello de la casa… ‘Grease’. Un nuevo inicio, otro punto de partida, para este proyecto que ha conquistado la capital como el autocine más grande de Europa. Un icono cinematográfico que en tan solo unos pocos días de pre-venta en pleno confinamiento se han agotado todas sus entradas, lo que demuestra el anhelo de los madrileños en poder retomar su vida.
Al no haber estrenos recientes para cine la oferta del autocine ha tenido que adaptarse a la situación. Aún así habrá una mezcla variada de títulos tan emblemáticos como ‘Pulp Fiction’, ‘Los Goonies’, ‘Cantando bajo la lluvia’, ‘Mamma Mia’ y películas infantiles como ‘Mascotas’, ‘Spiderman’, ‘Mi Villano Favorito’ y muchas más sorpresas.
Además habrá conciertos, teatro al aire libre… Para disfrutarlos desde la seguridad del coche. También, autocine se convertirá los fines de semana por el día en la terraza de moda de la capital. Con más de 3.000 m2 de área gastronómica, distanciamiento entre mesas, música en directo, parking gratuito… Podéis ver toda la programación en www.autocinesmadrid.es
Las entradas se deberán adquirir on-line y se validarán por scaner desde la ventanilla del coche. No se admitirá efectivo.
El personal de acomodación aparcará cada coche respetando la distancia de seguridad entre ellos.
La comida adquirida se pedirá desde el coche a través del móvil y se entregará por nuestro staff en cada vehículo, no se aceptará efectivo.
Así mismo, todos los puestos de trabajo, contarán con guantes,mascarillas y gel desinfectante.
Además como muestra de agradecimiento desde Autocine Madrid RACE a la sanidad, todo aquel que se acredite como personal sanitario tendrá un 50 % de descuento.
El cómic de ‘Snowpiercer’ vuelve a ser objeto de una adaptación (podéis leer nuestra reseña aquí). Tras la versión cinematográfica de Bong Joon Ho (‘Parásitos’) el día 25 de mayo Netflix publicará su serie, de la cual nos ha permitido ver ya tres episodios. Se irán publicando semanalmente, algo que no es habitual en Netflix, pero vivimos una época poco común. Quizá la razón es que esta serie en USA la controla TNT.
También es poco frecuente el plantel que vive la humanidad en ‘Snowpiercer’. La idea de JacquesLob, Jean-Marc Rochette y Benjamin Legrand permanece intacta en esta serie que ha producido el equipo de la película: Bong Joon Ho (Parásitos), Miky Lee, Tae-sung Jeong, Park Chan-wook, Lee Tae-hun y Dooho Choi. La poca población humana que queda sobre la faz de la Tierra está confinada en un tren de mil y un vagones. Se ha añadido una pequeña variación. La razón es como siempre que el mundo está congelado, pero esta vez se debe a un error humano al intentar corregir el cambio climático.
Graeme Manson (‘Orphan Black’) es quien ha orquestado esta serie que en sus primeros episodios está dirigida por James Hawes (‘Black Mirror’) y Sam Miller (‘Luther). Y si querían ser fieles a los cómics la serie se tenía que parecer a la película. Así es en algunas escenas de su inicio, el cual fue modificado tras un piloto fallido. Pero también hay cambios, algunos muy interesantes, que hacen que la serie tenga un aliciente y unas soluciones por las que merezca la pena ser vista. De hecho podría funcionar como algún episodio previo a lo sucedido en las otras versiones que hemos visto, aunque realmente esta es una variable distinta de la premisa.
Todo empieza un poco al estilo ‘Altered Carbon’. Los ricos de arriba (en este caso de la parte delantera del Snowpiercer) rescatan a un hombre (interpretado por Daveed Diggs) de la miseria para que resuelva un extraño crimen. Siendo más sangrienta que la película e incluso que el propio cómic la situación se convierte en una especie de ‘Asesinato en el Orient Express’ pero post-apocalíptico. Cual Poirot tenemos al protagonista, esta vez llamado Layton, investigando por el tren mientras se mueve entre prejuicios, secretos, rencillas, odio y las propias sorpresas que le da el descubrir lo que hay en los vagones que ha tenido durante más de siete años al otro lado de la puerta. Vagones que por cierto algunas veces tienen interiores sobredimensionados. Si esta trama hubiese servido como herramienta para elevar el mensaje de la idea original estaría aplaudiéndola, pero me temo que solo funciona para poder justificar el formato de serie.
Sin lugar a dudas se conserva el mensaje de diferencia entre estratos sociales y la vaga resistencia de los ricos a adaptarse a un nuevo orden mundial. En este rompehielos motorizado hay muchos más pobres que ricos y sin embargo los privilegiados tocan a más trozo del pastel. Los de primera clase viven en su mundo particular y los de tercera aunque inferiores están en todas partes gracias a que viven, sirven y trabajan en todas partes del tren. Dudoso equilibrio piramidal en un mundo lineal que hoy en día vemos en muchos países, empresas o sociedades, como por ejemplo España, donde unos cuantos viven en su propia burbuja y llegan a tal punto de ignorancia que se olvidan del bien común. La lucha de clases sigue siendo uno de los argumentos principales y las cuestiones revolucionarias siguen estando muy presentes en esta historia que transcurre a mil revoluciones. No me refiero a una sensación de frenesí en la serie, si no al avance implacable del tren. Porque el ritmo, aunque no es pausado, tampoco se puede decir que nos haga segregar adrenalina. No arriesga en ninguno de esos aspectos, ni es una aventura comprometida ni se moja a la hora de abordar un estilo más rápido y directo que podría estar acotado a un público más reducido.
‘Snowpiercer’ lastra las carencias de un actor algo falto de carisma que interpreta a un personaje que se tiene sobrestimado y que además ha de liderar a los parias de la humanidad. También le quita encanto la mala gestión de los momentos musicales. Sin embargo hay brotes verdes en la heladora corteza terrestre. Está mucho mejor Jennifer Connely, no solo por su actuación si no por ese halo de misterio de su personaje y por el giro tan sugerente que tiene. Su secreto es mucho más atractivo que el que pueden revelar todos los demás pasajeros del tren.
Obviamente no hace falta haberse visto ni la película ni haber leído el cómic para captar todo lo que nos cuenta. Uno puede entretenerse con ‘Snowpiercer’ sembrándose la expectativa por cómo va a acabar este o aquel personaje, pero tampoco hay que ponérsela muy alta pues no hay giros excesivamente inteligentes. A mí, tras cinco episodios e indagar algo en la serie lo que más me ha seducido no es que ya tenga una segunda temporada planificada, sino que en ella estará Sean Bean.
Un tren en movimiento perpetuo recorre sin descanso un planeta Tierra inhabitado y devastado por la nieve. Sus pasajeros, únicos supervivientes de la raza humana, subsisten divididos por vagones en una recreación despiadada de la sociedad estamental.
Reseña
Una fría pesadilla a toda máquina
‘Le Transperceneige’ es el título original de ‘Snowpiercer (rompenieves)’. Cómic francés realizado por JacquesLob y Jean-Marc Rochette, posteriormente continuado en el guión por Benjamin Legrand a causa del fallecimiento de Jacques Lob. Una obra que no es de extrañar que cautivase a Bong Joon Ho (si, el de ‘Okja’, ‘The host’ y ‘Parásitos’) dada la gran carga de crítica social que posee. Todos sabemos que al director coreano le encanta emplear argumentos de demanda sobre las diferencias existentes en el mundo. Bong Joon Ho popularizó este cómic en 2013 con su adaptación al cine que contaba con Chris Evans, Ed Harris, John Hurt, Tilda Swinton, Jamie Bell, Octavia Spencer o Kanh-ho Song, entre otros. Ahora, seguro que conservando su mensaje, estará aún más presente en las librerías pues Netflix lanza una serie creada por Graeme Manson (‘Cube’, ‘Orphan Black’) y que os enlazaremos aquí.
Este cómic editado en España por Normanos ofrece una aventura abordo de un tren. Quizá es otro de los componentes que atrajo a Joon Ho, parece que en Corea del Sur hay cierto atractivo por las historias sobre raíles, ahí tenemos ‘Train to Busan’. En este caso no hay zombies, hay nieve y vagones por un tubo. Un cataclismo nuclear ha dejado el globo terráqueo congelado. ¿Dónde reconstruir la humanidad en caso de no tener un lugar donde cobijarla? Ni el espacio ni el subsuelo fueron las elecciones de sus autores. Un tren a toda mecha y acondicionado para protegerse del frío es el hábitat en el que se ambienta la historia de ‘Snowpiercer’. Ahí es donde seguimos los pasos de unos protagonistas que cuando abren verdaderamente los ojos quieren pasar de la cola a la cabeza.
Todo lo que queda de nuestra especie confinada en un tren de 1001 vagones. Organizados por clases sociales y funciones en todo este tinglado en el que se ven obligados a adorar a la locomotora. Un mecanismo sagrado que les mantiene en perpetuo movimiento y a merced de un apartheid sobre ruedas. La desigualdad se muestra por niveles según los protagonistas van progresando hacia la cabeza del tren. Descubren fascismo y xenofobia en el que un extranjero puede ser la persona que viene de unos vagones más allá. Por supuesto la novela gráfica tiene más espacio para explorar la utilidad de cada compartimento. Así destaca aún más la injusticia de los privilegios o la necesidad que tienen los de delante de que los de atrás cumplan con su parte encomendada.
El tren es una clara metáfora del rumbo sin frenos de una humanidad avocada a destruirse a sí misma. Una raza carente de empatía y equidad. Si por la época en que se concibió el cómic ya se veía este tipo de desigualdades ahora que la brecha entre clase rica y pobre está aún más acentuada, no me quiero imaginar como de duro habría sido este cómic. Desde luego funciona como espejo en pleno 2020. Quizá es la plasmación en papel de la revuelta que los mismos autores añoraban. Al igual que el ‘Gran Hotel Abismo’ de Prior y Rubin esta es una crítica a la sociedad desde una futura distopía. Busca despertar conciencias y el nervio de los lectores que sean capaces de establecer los claros paralelismos.
Sorpresa, estupor, esperanza (y desesperanza) mezclados con acción son los ingredientes de esta obra. Una acción inhumana, carente casi en su totalidad de sentimientos por parte de quien oprime. Inhumanidad rabiosa por parte de quien lucha. Esto es ciencia ficción post-apocalíptica con mucho mensaje.
No soy muy partidario de los cómics en escala de grises. Pero admito que Rochette supo sacar partido a una historia permanentemente acotada entre vagones de tren rodeados de una inmensidad de nieve o hielo. Cerrazón y angustia son dos palabras que le vienen bien tanto a la historia como a sus viñetas. Además su estilo le da un toque de oscuridad que se acopla al tono de la historia. El dibujo refleja los atuendos y miedos de una época cargada de temores al holocausto nuclear y las consecuencias de la guerra fría.
Si la canción de Undrop predicaba la existencia de un tren que nos iba a llevar más arriba y lejos, ‘Snowpiercer’ es diagonalmente opuesto, muy pesimista al respecto. Si la serie sigue sus pasos, como en gran parte hizo la película, tendremos un buen drama de ciencia ficción.
Ficha del cómic
Guion: Jacques Lob, Benjamin Legrand. Dibujo: Jean-Marc Rochette. Editorial: Norma. Datos técnicos: 280 págs., cartoné, blanco y negro, 19 x 26 cm. Publicación: 1982. Precio: 32€.
Documental sobre ‘The Room’ la película de Tommy Wiseau.
Crítica
Nadie conoce la olla como el cucharón
Podréis ver en la ficha al pie de esta crítica que ‘Room full of Spoons’ es un documental cuya fecha de estreno en España fue el 31 de enero de 2016. Ese fue el día en el que se proyecto por Madrid en el marco de la quinta edición del festival CutreCon con el director Rick Harper allí presente. Por entonces el plan era mostrar en todos los países donde fuese posible este gran reportaje en forma de documental que habla de todo el fenómeno de ‘The Room’ (cuyo cartel parodia en su póster) y sobre todo del personaje de Tommy Wiseau, porque llamarle personaje es una manera respetuosa de tratarle. Tiempo después Wiseau interpuso una demanda contra los productores del documental, lo cual ha impedido que pudieseis verlo antes de la llegada de ‘The disaster artist’ o el documental del propio Greg Sestero.
Ahora ha salido el dictamen definitivo que permitirá la distribución del filme (podéis seguir todo el proceso con documentos inclusive en la web oficial de la película). Esta es la principal razón por la que hago esta crítica tras haberla hecho en su día para otro medio, ojalá pronto la pueda compartir por que sale a la venta o se vaya a mostrar en España. Con la perspectiva que da el paso del tiempo uno va viendo de otra manera lo sucedido por aquel entonces. ¡Qué va, mentiría si dijese eso! Regresan a mi memoria los testimonios de aquellos que participaron en las entrevistas para ‘Room full of Spoons’, las sensaciones vividas con ‘The Room’ (este mismo año patrocinada por nosotros en CutreCon), el recuerdo de que en el Prince Charles de Londres se pasa la película periódicamente con toda la mofa habida y por haber… Y no puedo evitar reírme de todo el fenómeno y pensar que por ahí anda suelto un Rodolfo Chikilicuatre pero que no va en broma, que se lo tiene creído. Desde luego realizar esta obra ha tenido su peligro, no solo por el riesgo consumado de tener una demanda sino también por el hecho de haber tenido que pasar una temporada junto a Wiseau.
En el poco probable caso de que no conozcáis la historia de ‘The Room’ os digo que es una desastrosa película, «comedia involuntaria», de la que hasta aquellos que la hicieron reniegan o se arrepienten de haber hecho. Desde que se proyectó por primera vez se consideró una comedia y no un drama romántico, no dejéis que Wiseau os engañe, no estaba concebida como una cinta humorística. Para soportar su visionado existen numerosas «guías» que te ayudan, como saludar a Mark siempre que aparece (el famoso «Hi Mark») o lanzar cucharas cuando aparece el cuadro con una foto de una.
‘Room full of Spoons’ nació como un documental de un fan que quería inmortalizar el fenómeno de ‘The Room’ y acabó siendo una búsqueda de la verdad que el propio Wiseau trató de impedir durante su filmación. Posteriormente intentó evitar que se proyectase en festivales y como he dicho antes, ha luchado para que no tenga una distribución, cuando ya había pedidos de DVD’s en marcha. Ahora deberá pagar unos tres cuartos de millón de dólares por el fallo del juez y todo el mundo verá de dónde procede realmente, las teorías acerca de la financiación del filme, las opiniones de su equipo vertidas en torno a él o las experiencias que les hizo vivir…
Una de las razones por las que tal vez notéis una rabia que ha explotado o resentimiento es por el coraje que me da el que este título no pudiese estrenarse en su día. Sobre todo porque está muy bien realizado y se ve que no es con ánimo de destrozar, al contrario de la campaña iniciada por Wiseau en los juzgados. En el largometraje se ve, con bastante humor y ayudándose a veces de ilustraciones, que lo que se busca es quitarle la careta a un tipo que quiere rodearse de un halo de carisma y talento. Todos sabemos que no tiene ni lo uno ni lo otro. Es por eso que se ha incluido una frase que describe muy bien todo lo que ha pasado: «si ‘The Room’ tiene millones de seguidores ¿cómo puede ser la peor película del siglo XXI?».
‘Room full of Spoons’ es una cinta sobre un personaje la mar de peculiar. Si os gusta el salseo tipo ‘Tiger King’, ‘Room full of Spoons’ os gustará, aunque que yo recuerde no hay de por medio amenazas de muerte. La verdad es que desde que se estrenó ‘The Room’ en 2003 ha llovido lo suyo. Pero esta es una de esas cosas que son atemporales, te puede divertir y abrir los ojos la veas cuando la veas. A ver si llega, a ver si la situación lo permite y a ver si puede o bien adquirirse por internet en físico y en VOD o vuelve a proyectarse en España.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de enero de 2016. Título original: Room full of Spoons. Duración: 113 mín. País: Canadá. Dirección: Rick Harper. Guion: Rick Harper. Música: Mladen Milicevic. Fotografía: Fernando Forero, Martin Racicot. Reparto principal: Rick Harper, Juliette Danielle, Robyn Paris, Kyle Vogt, Phillip Haldiman, Dan Janjigian, Mike Holmes, Sandy Sinclair, Mladen Milicevic, Elias Eliot. Producción: Fernado Ferrero, Rick Harper, Martin Racicot, Richard Towns. Distribución: por determinar. Género: documental. Web oficial:https://www.roomfullofspoons.com/
Nos propone un futuro distópico en el que vuelve La Mili
Una nueva apuesta del sello Puck nos llega este mes de marzo. El próximo martes día 10 estará disponible tanto en formato físico como en ebook ‘Cartas desde el desierto’. Una nueva narración ideada por el joven escritor y realizador Manu Carbajo, a quien seguro habéis leído en la saga ‘Electro’ co-escrita con Javier Ruescas y en su primera novela en solitario ‘Olvídate del resto’.
Para esta nueva propuesta de 320 páginas Manu Carbajo nos sugiere un escenario bastante desmoralizador. Nos ofrece la vuelta del servicio militar obligatorio La Mili. En un futuro no muy lejano nuestros jóvenes mayores de dieciséis años deben acatarla. El peor destino al que les pueden enviar es El Desiterto, un lugar de ubicación casi indeterminada donde acaban los más problemáticos y sin futuro. Es allí donde conocemos a Aitor, el protagonista de la obra que se encuentra con Oriol. Juntos procurarán hacer frente a la terrible cara oculta del lugar al que les han enviado. ¿Cuál es el objetivo de esa misión en el desierto? ¿Serán capaces de terminar La Mili y sacar sus secretos a la luz?
‘Cartas desde el desierto’ trata temas de feroz actualidad como la represión y la persecución ideológica. Es una gran apuesta de Puck, que además será publicado en Argentina, Chile, Perú, Uruguay, Colombia, Ecuador, México y USA.
El grupo de música El Beso del Escorpión ha hecho una versión exclusiva para el libro de la canción popular “Madre anoche en las trincheras” que estará disponible en iTunes y Spotify.
El próximo sábado 14 a las 18:30 se realizará una presentación del libro en la librería Akira Cómics (Avenida de Betanzos 14, Madrid) con presencia de Manu Carbajo y el editor Leo Teti de Puck, el cual nos dice que «‘Cartas desde el desierto es la novela más personal y arriesgada de Manu Carbajo, una historia que marcará un punto de inflexión en la literatura de ficción juvenil».
Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Abigail Breslin y Emma Stone, vuelven para salvarnos de los zombies en la gran ‘Zombieland: Mata y remata’ (aquí tenéis nuestra crítica). La película estrenada en octubre de 2019 ya está disponible en formato doméstico y hoy venimos a contaros los interiores de este Blu-ray tan divertido como la película. Con más de media hora de extras, tenemos escenas eliminadas, tomas falsas y muchas cosas más que harán que disfrutéis bastante en su visionado en casa.
A través de un divertido y loco caos que va desde la Casa Blanca al corazón del país, estos cuatro cazadores deben luchar contra nuevos tipos de zombies que han evolucionado desde la primera película, así como nuevos supervivientes humanos. Pero por encima de todo, se tendrán que enfrentar a los problemas de su alocada e improvisada familia.
Comenzamos con el análisis del Blu-ray, el menú es bastante sencillo, con la imagen de fondo de nuestros cuatro protagonistas. Tenemos la película, los idiomas y la elección de escenas. Y después de todo esto vamos a los extras.
Extras
Tenemos la opción de poner todos los extras con los comentarios del director Rubén Fleischer.
Tomas falsas y escenas eliminadas. (5:52 min)
Aquí disfrutaremos de los fallos de nuestros protagonistas, ya sean fallos de guión o a la hora de las coreografías. Muy divertido y es algo que se echa mucho en falta en la mayoría de los blu-ray.
Escenas extendidas. (12:42 min)
Tenemos un total de 9 escenas con material nuevo no visto en la gran pantalla.
Los dobles de nuestros protagonistas. (7:00 min.)
Nos metemos en el tema de los dobles de nuestros protagonistas, pero de esto no quiero hablar demasiado por el tema de spoiler, mejor ver la película antes.
Un día con Bill Murray. (3:11 min)
Veremos un pequeño repertorio de escenas con el actor que no dejarán indiferente a nadie.
Los coches de Zombieland. (4:14 min)
Tan importante es un coche en un Apocalipsis zombie, como encontrar comida, y aquí podemos ver los distintos coches que se utilizan en la cinta. Entre ellos La Bestia.
Reglas para hacer una película de zombis. (9:10 min)
Otro título de los extras son las Todos sabemos lo importante que son las reglas a la hora de matar zombies. Seguirlas es una de las razones que han hecho que nuestros protagonistas estén vivos. Aquí nos cuentan como se les ocurrieron nuevas reglas y así evolucionar.
La creación de Babylon. (5:04min)
Babylon, es una ciudad bastante utópica, sabiendo que estamos ante una invasión zombie. Vemos la creación de este pequeño paraiso.
Nueva sangre. (4:51 min)
Tendremos la oportunidad de conocer a los nuevos protagonistas de la cinta y de como llegaron a participar en esta aventura.
Sony Pictures Home Entertainment, ha invitado a todos los fans de la película a inventar sus propias reglas para sobrevivir a un apocalipsis zombie, tal y como hace Columbus.
Las reglas ganadoras han salido a la calle, un putrefacto personaje se ha paseado por el centro de Madrid con carteles que exhibían las mejores frases de los fans bajo el hashtag #ZombieWithSign. Aquí tenéis el vídeo.
Trolls, Nicolas Cage, viajes en el tiempo, niños malditos, cyberpunk, shows televisivos…
Ya tenemos la lista completa de películas y los horarios para la 17 Muestra SYFY. Vamos a ver títulos tan destacados como ‘Onward’, ‘The Boy. La maldición de Brahms’, ‘Trolls 2 – Gira Mundial’, ‘Color out of space’ con Nicolas Cage, la premiada ‘Bacurau’, ‘Synchronic’ o ‘First Love’, entre otras.
Por supuesto podrá verse ‘Regreso al futuro’ en la mañana del domingo. La mítica película de Robert Zemeckis es la protagonista del cartel de este año ya que es su 35 aniversario. ¿Acudiréis de cosplay al evento? Recordad que las entradas para las proyecciones matinales se podrán recoger gratuitamente en la taquilla del cine Palacio de la Presa. Mientras esperáis a ir podéis ver el spot que se inspira en la película de Marty y Doc que tenemos al final de esta entrada.
Apuntad las fechas en vuestra agenda que es la semana que viene. Del 5 al 8 de marzo nos vemos en el Cine Palacio de la Prensa de Madrid para el evento del canal SYFY que este año patrocina de nuevo Sky. Los bonos y entradas ya están a la venta.
Y tanto antes como después de cada película podemos reponer fuerzas. La Muestra SYFY colabora de nuevo con AMER (Asociación Madrileña de Empresas de Restauración) para inundar bares y restaurantes de fantasía y ciencia ficción en estos días de cine. Los establecimientos que se han sumando a la iniciativa ofrecerán a sus clientes tapas creadas para la ocasión: Vergara (C/ Vergara 1), La Traviata (Pza Isabel II, 2), Casa Nicasio (C/Unión 10), Taberna La Solea (C/ Mesoneros Romanos, 6), Cafetería Los Pinchitos (C/ Los Madrazos 7 y C/ Esparteros, 9) y Cafetería Esparteros (C/ Esparteros 9).
Programación en detalle
Más de 15 sesiones de una selección del mejor cine de género se podrán disfrutar en Madrid durante los cuatro días de la #MuestraSYFY. Para la inauguración, por primera vez una película de animación será el título que inaugure la Muestra SYFY: ‘Onward’, de Disney-Pixar dará el pistoletazo de salida a cuatro días de ciencia ficción. Ambientada en un mundo de fantasía suburbana, #OnwardPixar cuenta la historia de dos hermanos elfos adolescentes (voces de Chris Pratt y Tom Holland en su versión original) que se embarcan en una aventura extraordinaria para descubrir si queda algo de magia en el mundo. El nuevo largometraje original de Pixar Animation Studios está dirigido por Dan Scanlon y producido por Kori Rae, el equipo responsable de «Monstruos University”.
El viernes 6 de marzo, la jornada arrancará a primera hora de la tarde con el filme ‘The Pool’, un thriller tailandés, sobre una pareja varada en una piscina abandonada con un depredador mortal. Le seguirá la proyección de ‘Blood Quantum’, una película canadiense sobre zombies, y ‘Synchronic’, una película de ciencia ficción sobre dos parámetros de Nueva Orleans ven cómo sus vidas cambian de la noche a la mañana tras descubrir una serie de terribles muertes causada por una nueva droga de diseño. Para abrir la noche, ‘Bacurau’, un filme brasileño sobre el pueblo de Bacurau que llora la muestre de su matriarca, días más tarde los habitantes se dan cuenta que el pueblo está siendo borrado del mapa.
El sábado 7 de marzo, ‘The Cleansing Hour’ abre la jornada, película estadounidense sobre posesiones y exorcismos, millennials y emprendedores, Drew y Max se dedican a transmitir exorcismos en directo, aunque, en realidad, las posesiones no son nada más que una puesta en escena, hasta que el destino les sorprende. A continuación, ‘Rabid’, terror canadiense, Rose sufre un accidente y accede a someterse a un tratamiento experimental y las cosas empiezan a torcerse, Le seguirá, ‘The Lodge’, terror y thriller canadiense sobre una mujer que adopta una actitud aterradora al convertirse en madrasta de los hijos de su prometido. Y para terminar la jornada, ‘Color out of space’, protagonizada por Nicolas Cage y Joely Richardson. Un meteorito se estrella cerca de la granja de los Gardner, liberando un organismo extraterrestre que convierte la tranquila vida rural de la familia en una pesadilla colorista y alucinógena. Uno de los relatos más emblemáticos de Lovecraft llega al cine de la mano de Nicolas Cage y Richard Stanley.
Tanto viernes como sábado, la #MuestraSYFY amplia horario hasta la madrugada. ‘Shed of the dead’, comedia inglésa sobre zombies, cuenta la historia de Trevor el cual se refugia en la épica del rol para escapar de una vida gris, pero cuando la hecatombe zombi llega a Reino Unido, la oportunidad de convertirse en un héroe de verdad le estalla en la cara. Ahora simplemente debe decidir si vale la pena salvar a sus seres queridos. ‘Satanic Panic’, comedia y terror estadounidense, una repartidora de pizza sufre una importante crisis económica y por ello se ve obligada a luchar por su vida (y por sus propinas) cuando reparte su último pedido a una sociedad oculta de seguidores de Satán.
El domingo,‘Human Lost’ abre la jornada, animación japonesa ambientada en 2036 cuando una revolución en el mundo de la medicina ha logrado superar a la muerte, accesible solo para los más pudientes. Le seguirá, ‘Le Daim’, película francesa, sobre la obsesión de un hombre con una chaqueta elaborada con piel de ciervo que le lleva a perder todos los ahorros de su vida y a meterse de lleno en el mundo del crimen. A continuación, la esperada ‘First Love’, un thirller japonés sobre un joven boxeador que atraviesa una mala racha cuando se encuentra con su primer gran amor, una prostituta adicta a la droga que se encuentra inmersa en una compleja trama relacionada con el trafico de drogas.
Para la clausura contaremos con ‘The Boy. La Maldición de Brahms’, de Diamond Film, protagonizada por Katie Holmes y Christopher Convery. Una joven familia se muda a una mansión sin ser conscientes de la aterradora historia que ha marcado su historial durante décadas. Allí, el miembro más joven de la familia hace un nuevo amigo: un muñeco con forma humana al que llama «Brahms», estreno en cines el 8 de abril. #TheBoy#LaMaldiciónDeBrahms
SYFY Kids
‘Trolls 2 – Gira Mundial’, será uno de los títulos destacados de las proyecciones matinales en SYFY Kids, la película se proyectará el sábado 7 de marzo a las 12.00h y su estreno en cines llegará el próximo 19 de marzo. La secuela de la exitosa comedia musical de animación estrenada en 2016 vuelve plagada de estrellas y protagonizada de nuevo por Anna Kendrick y Justin Timberlake en su versión original. Además, antes de la proyección de Trolls 2 – Gira Mundial, en colaboración con LEGO® los asistentes disfrutarán de una zona de juegos que LEGO preparará en el Palacio de la Prensa, donde públicos de toda las edades podrán disfrutar de sus propias aventuras jugando y conocer de primera mano estos nuevos juguetes.
Para que la fantasía de esta nueva entrega de Trolls se extienda más allá de la gran pantalla, LEGO® Trolls ha lanzado siete novedades que ofrecen una experiencia de juego divertida y entrañable para que toda la familia pueda recrear a su manera escenas de la película con sus personajes favoritos. ‘Fiesta en Pop Village’, ‘Concierto en Volcano Rock City’, ‘Orugabús Arcoíris’ o ‘Vaina de Poppy’ son algunos de los escenarios que impulsarán la creatividad de pequeños y mayores.
El domingo 8 de marzo, la matinal acogerá la proyección de ‘Regreso al futuro’, la película ha protagonizado la campaña de la 17 Muestra SYFY con motivo de su 35 aniversario, por ello la película viajará a 2020 para su proyección en pantalla grande durante la sesión matinal del domingo 8 de marzo en la #MuestraSYFY.
Os hablamos de esta peculiar serie policíaca de la CBC disponible en Calle 13
El próximo 27 de marzo a las 22.00h Calle 13 estrenará la segunda temporada de ‘Coroner (La forense)’ y pondrá a disposición de sus espectadores en el servicio bajo demanda la primera temporada desde el 1 de marzo hasta el 30 de junio. Morwyn Brebner (‘Saving Hope’, ‘Rookie Blue’) es la creadora, productora ejecutiva y showrunner de esta serie que está protagonizada por Serinda Swan, actriz conocida por sus papeles en ‘Inhumans’, ‘Smalville’, ‘Graceland’ o ‘Ballers’, donde hacía de la novia de Dwayne Johnson. Ella es Jenny Cooper, una enfermera que tras la muerte de su marido decide optar por ser forense y estar así más cerca de la muerte. Durante su nuevo periplo profesional en Toronto a cargo de un hijo de 17 años (Ehren Kassam) descubrimos toda su conexión con los muertos y su manera de investigar lo que ha pasado con ellos.
En su primera temporada vimos como conocía gente nueva y resolvía extraños casos. Pero a la vez poco a poco iba desenredando su mente y descubriendo también como desvelar e interpretar el secreto que guarda su atormentada memoria. Mientras se enfrentó a asesinos y nuevos retos personales y profesionales este personaje intentó pasar página y al final de la temporada vimos como eso por fin pudo ser.
Jenny Cooper vela por los muertos, por su historia mientras intenta desentrañar o solucionar la suya propia. Eso hace que veamos como el personaje deba enfrentarse a los traumas y el dolor de aquellos que rodean a los fallecidos mientras lidia con el que habita en su interior. De este modo ‘La forense’ trata de desmarcarse del inmenso número de series que existen sobre crímenes. También ayuda a sentirla diferente el extraño carácter que tienen tanto su personaje principal como su hijo, ambos intentando superar lo recién vivido apoyándose pero a su manera.
Ya hemos podido ver el inicio de la segunda temporada y en su primer episodio descubrimos que Jenny se enfrenta a nuevos retos. Es obvio que en su trabajo pues tiene un nuevo e intrigante caso que resolver. Pero también de índole personal pues ha desarrollado una nueva manera de exteriorizar la presión que hay dentro de ella. Además su hijo cumple los 18 años y va a volar del nido, tiene una nueva vida de pareja a la que adaptarse y un padre con demencia senil con el que ejercer prácticamente de niñera. Esta segunda temporada promete ser más introspectiva.
Todas estas historias surgen de las novelas de M.R. Hall, una saga que tiene hasta 7 libros publicados entre 2009 y 2017. Ahora se estrena la segunda temporada que pretende continuar con la adaptación que es concluyente en su primera temporada pero que puede dar para muchos más episodios. Serinda Swan ha visitado la ciudad el pasado miércoles 19 de febrero y nos contó algunas cosas a cerca de lo que nos depara esta segunda etapa de ‘La forense’.
Dos locuras que desvirtúan a personajes míticos de los videojuegos
Con motivo del estreno de ‘Sonic: La Película‘ (2020), los peores filmes inspirados en videojuegos se proyectarán en la SALA EQUIS (C/ Duque de Alba, 4) de Madrid los días 14 y 28 de febrero a partir de las 23:30 horas, gracias a una nueva colaboración con CUTRECON, el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid.
Los títulos elegidos son ‘Future Cops‘ (1993) -adaptación china y apócrifa del videojuego ‘Street Fighter 2‘- y ‘Super Mario VS Son Goku‘ (1995), una de las películas más raras e ignotas de la filmografía filipina. Dos filmes que han sido editados en España por el sello Trash-O-Rama Distribución.
Se trata de dos obras «loquísimas, que resulta imposible tomárselas en serio y que copian y reinventan con mucho descaro algunos de los videojuegos más famosos del mundo», indican los responsables del evento, quienes también insisten en que durante las proyecciones se permitirá la libre participación y los comentarios del público, para hacer ‘más divertidas si cabe’ las sesiones.
El pasado mes de septiembre, la SALA EQUIS y los responsables de CUTRECON iniciaron una exitosa colaboración bajo el nombre de SALAZETA, gracias a la cual organizan todos los meses sesiones de «cine cutre» que agotan todas las entradas y donde se proyectan «filmes insólitos, demenciales, catastróficos e involuntariamente desternillantes, que harán las delicias de aquellos cinéfilos abiertos a nuevas experiencias», apuntan desde la organización. Una colaboración que se espera que se extienda a lo largo de todo el año 2020.
Las entradas para la proyección de ‘Future Cops‘ (1993) el 14 de febrero a las 23:30 horas en la SALA EQUIS (C/ del Duque de Alba, 4) de Madrid, ya están a la venta de forma anticipada en la taquilla del recinto y también online a través del siguiente enlace. Asimismo, las entradas para ‘Super Mario VS Son Goku’ (1995) el 28 de febrero a las 23:30 horas en la misma, también están a la venta en taquilla y en el siguiente enlace.
CUTRECON es el Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, un evento anual donde se proyectan ‘algunas de las peores películas del mundo’ y que ya ha celebrado nueva exitosas ediciones.
Por su parte, Trash-O-Rama Distribución es una firma que edita cada mes en España rarezas cinematográficas muy difíciles de localizar, en cuidadas ediciones especiales en DVD para coleccionistas. Su catálogo puede consultarse en su tienda online.
El día de cierre es un día para cumplir tradiciones en CutreCon. Documentales más maratón temática. El día ha arrancado con películas que arrojan algo de luz sobre las partes más lúgubres del cine y ha terminado llena de cocodrilos de todo tipo.
Y como siempre, como también es costumbre, se ha anunciado el leitmotiv del año que viene. CutreCon X se centrará en obras maestras del cine cutre. Para ello, aunque ya se han proyectado muchas, se procurará no repetir títulos de anteriores ediciones.
Como cierre, además de las reseñas de los últimos títulos os dejamos nuestro palmarés improvisado con los amigos de Holocausto Zinéfago.
Mejor peor película
Tetsudon
Película de castigo
Cocodrilo
Mejor peor actor
Greg Sestero imitando a Tommy Wiseau
Mejor peor actriz
Annabel Jankel diciendo que Super Mario Bros. es película de culto
Peor montaje
Crocodile Fury con su mezcla sin sentido y sin final
Premio Dios es amor
A los ninjas católicos con remordimientos de Velocipastor
Peor banda sonora
Dangerous men (tatara parapa)
Peores efectos especiales
Lobsteroids
Mejor muerte
Cocodrilo asesino
Mejor pulsión
La ducha salidorra de Plankton
Mejor monstruo
Cacaman con una bolsa de Ahorramás en Sting of death
Premio honorífico Stephen Groo
John S. Rad
Premio a mejor comentario del público
El profético vómito en la sesión Dinoxploitation
Premio Greta Thunberg
A la lluvia de miles de cucharas de plástico de The room
‘In search of the last action heros’
Autopsia del cine de acción de los años 80 y 90 generado en USA, desde lo comercial hasta la serie B más perdida en los rincones de los videoclubs. Producido con un crowdfunding porque esto se hace por y para fans. Entre los productores se encuentra también Timon Singh, anterior invitado al festival. Cuenta con los testimonios de verdaderos artífices y expertos como Sam Firstemberg, Steven E. De Souza, Paul Verhoeven, Peter McDonald, Shane Black, Michael Jai White, Zak Pen, Cynthia Rothrock, Mark Goldblatt, Al Leong…
Violencia, gore, videoclubs, héroes de todo tipo… que Oliver Harper desglosa con sumo gusto y amor. Detalla las películas que fueron un punto de inflexión o los nombres que son un referente para todos. El mayor documental que he visto de la que sin duda fue una buena época para no usar filtros ni altos presupuestos. De estos documentos que te suelta perlas, del estilo a que Stallone fue la primera opción para ‘Superdetective en Hollywood’, pero él quería hacer ‘Cobra’. O que ‘El último gran héroe’ se concibió a partir de hacer ‘La rosa del Cairo’ pero al revés. Y otro de tantos villanos perdidos para Stephen Lang, pues pudo ser Mr. Bison en ‘Street fighter’ pero le rechazaron por querer a alguien más conocido.
Stephen Grooes un “artista” (por referirnos a él de alguna manera) que ha hecho casi 200 películas saltándose cualquier tipo de licencia o gusto por lo mínimamente decente. Incluso actúa penosamente en ellas y aún así se atreve a hacer videotutoriales de interpretación. Lleva camisetas de superproducciones y no es capaz de compararlas con los desastres que hace. Posee una pasión y un ego por lo que hace que se salen de la escala. Y consigue hacer sus trabajos arrastrando con él a actores y a realizadores rechazados y desesperados ¡sin pagarles y tratándoles mal!
La cosa es que en el momento del documental tiene cuatro hijos, vive en la casa propiedad de su suegra y se mantienen con los 1000$ de su mujer. Con todo esto quería hacer una película contando con Jack Black y lo consiguió, porque Black se declaró fan suyo. Muy surrealista.
Un vertido de residuos radiactivos en una zona pantanosa produce que un cocodrilo crezca enormemente. Por supuesto tenemos que entender que eso le convierta en una bestia asesina, sino no habría argumento… Aún más peligrosa que esa criatura es el juez corrupto que intenta tapar la presencia de la contaminación.
Los protagonistas a bordo de la embarcación “Dios es amor” tienen que intentar sobrevivir mientras sueltan sus frases obvias y reciben la ayuda de una especie de Cocodrilo Dundee. Un cocodrilo difícil de esquivar si tenemos en cuenta que se le puede herir con un madero pero no a balazos, está claro que lo mejor es una buena cirugía en la campanilla. Lo mejor su explosivo final.
Película hongkonesa que rescata metraje de una versión taiwanesa. Redoblada en inglés con turistas contratados en hoteles. Atrezo comprado en Fiestas Paco en una villa en la que los aldeanos tan pronto están a salvo como que al segundo están gritando en las fauces del cocodrilo. Normal, cuando este aparece se tiran de cabeza o a bomba al agua… Un caos de película en el que pasan cosas sin ton ni son: personas reencarnadas en cocodrilos, brujas, zombies, vampiros… Está más o menos claro quiénes son los villanos, pero de los protagonistas y la trama ni idea. Encima todo desemboca en una escena a lo Moisés, con un túnel de luz y varias peleas delirantes. Y de regalo un Kuato en la tripa de la bruja.
Derroche de efectos especiales. Como en todas las películas chinas actuales las imágenes generadas por ordenador aparecen por doquier en este amago de Tom Raider. Amago por el parecido de una de las actrices pero realmente de lo que va esto es del rescate de unas personas que resulta que han sido atacadas por cocodrilos inteligentes y uno además enorme, genéricamente modificados.
La mayor parte del presupuesto se iría en recrear a los reptiles porque lo que es en la calidad del reparto… Le sobra la mayoría de los flashbacks y tanta opulencia. Todo para meter en la última escena un mensaje que nada tiene que ver con el resto de la película y que nada tiene de nuevo.
Película coreano tailandesa doblada al inglés traducida al castellano posteriormente. Obviamente no se relaciona mucho con la traslación pero al menos se intuye un mensaje naturalista, porque la trama importa poco o nada. Solo se ve el ojo del cocodrilo durante buena parte de la película, un cocodrilo de aguas saladas porque todo transcurre en un resort.
Desde primera hora de la mañana la afluencia de público ha sido constante. Apenas han sobrado butacas en el auditorio casa del reloj de Arganzuela. Y casi todos los espectadores han salidos convencidos de que hay que hacer la carrera de biología. Se podría decir que casi hacemos pleno pues casi todas las películas del día tenían un biólogo que salvaba el día o se hacía el listo fuera de su campo o era algo diferente a lo que aparentaba. Parecía el auténtico leitmotiv del festival, fue hilarante y el público lo ha celebró al grito de ¡biología!
A la noche no pudimos contar con la presencia de la directora de Annabel Jankel, directora de ‘Super Mario Bros.’ pero se organizó una simpática videollamada con ella tras el pase de la película. En ella dijo que le sonaba que hay previsto un reboot animado de Super Mario en formato animación. También respondió valientemente que la decisión de que el diseño de producción no se pareciese al aspecto del videojuego fue tanto de ella como del otro director Rocky Morton.
‘La leyenda de la Atlántida’
Si coges los dibujos de tus niños de cuatro años y les das un poco de movimiento conseguirás mejor resultado que en esta horrible película que por cierto comparte diseño y música con otros títulos vistos en CutreCon. Es como de una factoría de los dibujos horribles, realizados por “anti-animadores” con cero gusto y aún menos pulso en sus lápices.
Sus animales dan grima, no solo por su diseño, si no por sus retorcidas voces y frases. Perros con manguitos, animales irreconocibles, frames repetidos… Pero para colmo hay una Atlántida de edificios clásicos con robots, coches de choque, televisores, OVNIS acuáticos… No la veáis en vuestras casas y menos en compañía de vuestros hijos.
Artes marciales acrobáticas tipo Ang Lee. Si queréis ver a una guerrera saltar grácilmente apoyándose sobre una flor esta es vuestra película. Un ‘Tigre y dragón’ versión para escuelas, su intención es directamente cómica y te ríes con y de ella. Disfraces al nivel de ‘Cats’, artificios planeadores, bolas de poliespan asesinas… Muy humor amarillo. ¿Quién dice que no hay heroínas femeninas de calidad en el cine? Vaya somanta de palos que reparte la protagonista, secuencias de peleas eternas.
Cosas muy feas pasan en esta película. No me refiero solo a Egon, el deforme sirviente con el que todos los protagonistas se meten. También con el hombre medusa hecho con trozos de plástico y aletas de Carrefour que va persiguiendo a las víctimas de las aguas del Golfo de México. Y ya ni hablemos de las medusas recreadas con bolsas hinchadas y atadas…
Es una especie de Cosa del pantano soporífera que no se ameniza ni con sus guateques de bailes ridículos. Es de esas películas en las que te pones de parte del monstruo por dos razones: para que acabe con los pijales de los protagonistas y para que se acabe cuanto antes el sufrimiento.
Tras un largo opening que parece la presentación del cartel de un festival de música empieza la caza de una langosta asesina y marchosa salida de un laboratorio. Mientras se las ingenian para colarnos decenas de grupos musicales en sesenta minutos seguimos el rastro de esa criatura agigantada con esteroides. Si tenéis la osadía de verla y probáis Shazam tal vez encontrareis algún grupo identificable de igual manera que vuestro cerebro quizá encontrará algún argumento mínimamente valoradle.
Todo está iluminado con focos rojos y azules o visto en blanco y negro, hay poco término medio. Con sus planos horribles e ilegibles no hacía falta currarse mucho a la criatura, aún así se ve todo el cartón, un auténtico desastre.
Desde italia nos llega de nuevo una bestia marina surgida de la manipulación humana. En ‘Plankton’ unos jóvenes se quedan varados en el mar y encuentran un barco fantasma. Pero no una embarcación cualquiera, es un yate equipado con laboratorio.
Explota hasta la extenuación la fábula del pastorcillo mentiroso hasta que de verdad empiezan a sufrir cosas extrañas, a algo más de media hora… Las sufren los jóvenes y los espectadores que no acaban de entender las cámaras a ojos de pez, las imágenes raras o la ducha controlada por una Alexa salidorra. Hay una escena de sexo con transformación en pez que… crema. Solo se puede describir como un ataque por anisaki extremo.
En una edición dedicada a bestias marinas no podía faltar un tributo al sharexploitation. Título de ataques de tiburones al uso. Parejas desprevenidas magreandose en el agua, música a base de trombones, aletas asomando al ras de la superficie, niños indefensos jugando en el agua… ¿Pero del todo al uso? Tiene peculiaridades como el intentarnos hacer creer que todo sucede en México con cuatro banderas mal puestas, matrículas con MX y un par de “adiós amigo”… pero todos los actores son norteamericanos.
Se supone que el tiburón es jurásico o muy grande pero se ve normal. Tanto que las imágenes del escualo están muy bien, podrían ser de cualquier documental. Un momento, no, al final hay sorpresón. Tiburón que ruge y giro con mayúsculas, muy grandes.
Gran parte de los tópicos que te puedas imaginar sobre los italianos están en esta película. Eso y muy pocas alusiones que merezcan la pena al auténtico videojuego.
Botas saltarinas, coches tranvía eléctricos, hongos que parecen huevo hilado o queso fundido, peinados estrafalarios… Ni el diseño de producción ni el guión acompañan o hacen justicia a un juego tan mítico que aunque no tenga historia por si mismo merece un mejor tratamiento. Ni como historia independiente de Super Mario aguantaría, tiene muchas incoherencias.
La única escena salvable es la de los secuaces (goombas) bailando en el ascensor, por la simpatía que despiertan, nada más.
Antología de cortos hechos por 28 directores. Cada año se hace un Tetsudon y esta edición es la que se dedicó a los kaijus. Hay desde monstruos gigantes bailones, pasando por criaturas en cromos hasta escatológicos. Son independientes pero en ciertos momentos se cruzan entre ellas. Tras cada corto sale el nombre del director y la norma es abuchear o aplaudir cada segmento. Por norma general prevalece el aplauso atónito épico y explosivo.
CutreCon ha reservado el tercer día de su novena edición para Greg Sestero (entrevista aquí), aparte de a actividades paralelas como el programa Tiempo de Culto celebrado durante la mañana en la tienda de cómics Omega Center. El actor y guionista a acaparado la atención de todos los focos ya que las películas proyectadas en el Palacio de la Prensa, única sede de esta jornada, han estado protagonizadas por él. Por él y por el inconfundible Tommy Wiseau. Así pues hemos podido ver ‘The room’ con lanzamiento de cucharas y sorteo de balones de rugby incluidos (de lo cual nos sentimos orgullosos de haber formado parte) y las dos partes de ‘Best F(r)iends’ que además de contar con el papel actoral de Sestero están escritas por él.
Ha sido un día de lleno absoluto en todas las sesiones para cerrar el mes y llegar al meridiano del festival. Proyecciones altamente participativas que han culminado con una lectura de escenas inéditas del guión de ‘The room’ en pleno escenario del cine.
‘Best F(r)iends vol.1 y 2’
El año pasado ya nos dejaron intrigados porque ciertamente esta película no está nada mal rodada y genera mucha intriga. Obviamente nos reímos con la actuación de Wiseau porque sigue demostrando que es muy mal actor pero el personaje que tiene va mucho más acorde con sus capacidades. Las risas casi quedan en segundo plano por el interés a cerca de la historia del vagabundo y el funerario que se hacen amigos y luchan por el botín y la conquista del corazón. Al final se pasan con tanto giro que lo hace todo un tanto infumable pero está muy bien el toque de ‘Ciudadano Kane’ que le han dado a Malmo.
Tintes de thriller, western, paranoia y acción en una película con título de fórmula y que precisamente sabe qué formula emplear para qué resultado obtener. Es decir, sabe a qué público va dirigida y que alcance es capaz de tener. Como dije en su día al hacer la crítica de la primera parte, es «la mejor película en la que aparece e intenta actuar Tommy Wiseau».
Si a día de hoy no conoces ‘The room’ no es que estés poco puesto en cine chusco, es que tanto su fenómeno como la fama de ‘The disaster artist’ te ha pasado de largo. Si a pesar de que gente pesada como yo, que te llevamos hablando tiempo de ella y incluso de documentales que le han hecho, no impacta en ti, quédate con esta frase: ‘The room’ es una de las peores películas de la historia pero una de las mejores experiencias cinematográficas que hay hoy en día. ¿Por qué? Pues porque se vive en grupo, de manera desinhibida y sin tapujos. Además tiene una serie de pautas que de ser seguidas hacen más divertido el visionado. Justo el espíritu que nos reúne todos los años en la CutreCon.
Ciertamente todos querríamos para nosotros en nuestro trabajo la pasión que le echa Wiseau a su película, pero ninguno querríamos rebajarnos a su nivel de talento, que es casi nulo. Este director ideo un drama lacrimógeno sobre Johny y sus amigos, su novia y su madre que tiene cáncer, aunque eso solo se menciona una vez y no tiene importancia alguna en la trama. Pero le salió una de las mayores comedias involuntarias repleta de malas actuaciones, pésimo montaje, escenas inconexas, cromas innecesarios, transiciones eternas… ¡Todo esto al módico precio de 6 millones de dólares!
Aún resonaba la música de ‘Dangerous men’ al comienzo de la segunda jornada de CutreCon IX. Un día que arrancó con varios encuentros con los invitados de este año, SilviaSuperstar (‘Killer Barbys’) y GregSestero (‘The Room’), una actriz que ha trabajado con Jess Franco y un actor que ha trabajado con James Franco. Estuvimos con ellos en rueda de prensa, en una entrevista en vídeo (que veréis pronto aquí) y en la Sala Equis.
Silvia es la receptora del premios JessFranco de este año y lo cogió entre aplausos en la noche de este jueves de manos de su amigo Carlos Areces, un habitual de CutreCon. Casualmente la cantante punk ha trabajado con el director que da nombre al premio y nos contó que era un artista temperamental que tenía puntuales encuentros con algunas personas del equipo pero nunca con ellos, los miembros del grupo. Algo curioso del rodaje de ‘Killer Barbies’ es que la coca cola era del Día y les costó conseguir de marca, algo importante porque si no Santiago Segura no quería rodar. También nos contó como una vez a ella le dio por decir “corten” en una escena y él se enfadó bastante “aquí eso solo lo digo yo” decía Franco.
Sestero declaró que nunca había pensado que ‘The room’ se fuese a ver tanto. Ante la pregunta de cómo reaccionó al saber que la gente se reía con la película dijo “cuando leí el guion me dio la risa a mi también”. “Ved ‘The room’ con gente y eso hará que veáis el cine de otra manera, eso no pasa con el cine de ahora. Me dormí con la nueva de Star Wars” declaró.
Con ‘Best (f)riends su nueva película han intentado hacer una buena cinta, al estilo como ‘Breaking bad’ o ‘Fargo’. Haciendo un personaje concreto para Tommy Wiseau en el que se pueda lucir, porque tal y como él mismo ha admitido, le conoce mejor que nadie.
Greg nos dejó caer que está trabajando en un proyecto de Netflix y que últimamente está muy metido en el género de terror. También que anda involucrado en una segunda temporada de algo en lo que la primera funcionó muy bien. Ahí podéis intentar atar cabos. También ha rodado un piloto de una serie de animación que se llama ‘SpaceWorld’ con Wiseau que están intentado vender y puede que sea el canal SYFY quien lo publique.
Les preguntamos a ambos cuál es para ellos la peor película de 2019 y tras mucho cavilarlo Greg nos respondió ‘Star wars’. Silvia se sintió bastante decepcionada con ‘Lo dejo cuando quiera’ a pesar de reconocer tener amigos en la cinta.
Para Silvia Superstar sus referentes o films más admirados son los de Kubrick, ‘Braindead’ o Tarantino. Sestero citó nombres como Billy Wilder, ‘Sunset Boulevard’, ‘Seven’, ‘1917’, Fincher o ‘Érase… una vez en Hollywood’.
‘Killer barbys’
Una de las películas más renombradas de Jesús Franco. Protagonizada en 1996 por SantiagoSegura, Mariangela Giordanl y AlfoSambrelli. Gira en torno al grupo de la cantante Silvia Superstar y su tono está dominado por el gore y el sexo. Película infame de argumento sanguinolento que hace las delicias de los amantes de la sangre fácil surgida de las tramas facilonas. Un grupo de músicos está de gira por tierras valencianas y su furgo se avería. Es invitado a pasar la noche en el castillo de una condesa que realmente no quiere darles hospitalidad, si no la muerte. La verdad es que suena a ‘Buenas noches señor monstruo (1982)’ para adultos. Como curiosidad, el productor de ‘La llamada’ o ‘Verónica’ es degollado en la primera escena y posteriormente colgado bocabajo.
Al igual que en el documental ‘Room full of spoons’ y con unas respuestas casi calcadas descubrimos los entresijos del rodaje de ‘The room’. Esta vez es la perspectiva del propio co-protagonista Greg Sestero la que se impone aunque la información es básicamente la misma. Los artífices comentan atónitos y casi traumatizados e indignados como rodaron aquella desfachatez de película. Sestero pensaba que nadie se creería las burradas del rodaje a si es que aquí cuenta curiosidades tales como los anuncios de la ropa con la que supuestamente Wiseau financió la película, el uso innecesario de croma para hacer una azotea cuando estaban rodeados de azoteas, como muchos actores o miembros de equipo técnico huyeron, el origen de la tradición del lanzamiento de cucharas…
Película cuyo tráiler se hizo viral en la red y que se une a la corriente de filmes hechos intencionadamente mal o para honrar al cine de serie B. Sangre y duelo de espadas entre teorías religiosas y creacionistas. Un dinosaurio de juguete y partes humanas hechas de maniquís pasan por delante de la cámara. Perplejos nos dejan los villanos con remordimientos de este filme que sabe sacar partido al ninja-explotaition creando una nueva versión del hombre lobo un tanto soez. Buenos recursos a la hora de ahorrarse explosiones y ningún reparo en el momento de maquillar el poco talento de sus actores.
Unos científicos locos y capitalistas implantan el cerebro de un joven en el cuerpo de un tiranosaurio robótico causando así una historia de amor y persecución. ¿Deseáis saber más? Pues deberíais pues os podemos decir que en ella aparecen Denise Richards (‘Starship troopers’) y Paul Walker (‘A todo gas’) interpretando a la pareja de jóvenes pipiolos enamorados. Dinosaurio hecho a veces con animatrónica y otras con un pobrísimo CGI que lleva a cabo muertes de esas que se ven venir por la parsimonia y empanada de sus víctimas. Una historia muy moña con un adorable reptil.
La música de ‘Dangerous Men’ abre con tarareos la CutreCon IX
Nos es imposible replicar por escrito lo repetitiva e inadecuada que es la música de ‘Dangerous Men’ la película con la que se ha inaugurado la CutreCon IX. Un filme que ha sido presentado por Carlos Palencia y Vera Montessori como todos los años pero acompañados de manera excepcional por Darío Adanti (Mongolia). Este último ha calificado el filme como «El Díaz Ayuso del cine». Precisamente de eso se trata el festival, de encontrar detalles en filmes feos y repelentes que los hagan divertidos. El público ha acabado tarareando los temas para hacer más llevadero el pase.
Así sucederá con cada una de las peculiaridades de las películas que están por venir en esta CutreCon IX: ‘The room’, ‘Super Mario Bros.’, ‘Tetsudon’, ‘Cocodrilo asesino’, ‘The insufferable Groo’, ‘Shark Attack 3’… Una gran ristra de películas con grandes fallas que se verán en el Palacio de la Prensa, en la Sala Equis y en el tradicional Auditorio del Centro Cultural Casa del Reloj de Arganzuela, donde tendrá lugar la maratón gratuita.
‘Dangerous Men’
Jahangir Salehi firmó como John S. Rad está película, hasta el punto no solo de hacer de director, escritor, guionista… si no de aparecer incluso en los agradecimientos. Una película horriblemente montada e incoherente de la que se intuye que va sobre una joven que trata de ejercer de justiciera, de acabar con la vida de hombres machistas. Escenas de acoso, desnudos e intentos de violación que acaban con absurdas peleas. Saltamos de un personaje a otro sin que se perciba claramente el rumbo del filme y su conclusión es totalmente absurda. Su música no pega nada con su acción, en absolutamente ningún momento, pero al menos es pegadiza y el público la ha tarareado, lo cual ha evitado el sopor y la siesta.
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