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Un convicto es enviado a un campo de trabajo en el desolado noroeste de China, durante la Revolución Cultural del país. Utilizando su ingenio, y con el único fin de ver a su hija, quien ha sido filmada en una película, logra escapar y huye en dirección al cine de un pueblo cercano. Allí espera encontrar esa cinta de película y hacerse con ella. Sin embargo, en dicho lugar se cruza con una vagabunda que está desesperada por conseguir el mismo carrete de película y que logra robarlo. Curiosamente, este enigmático objeto, que ambos anhelan por motivos muy distintos, se convertirá en la raíz de una inesperada amistad.

Crítica

Zhang Yimou se ha montado su propio ‘Cinema Paradiso’

La nueva película de Zhang Yimou seguro que aparece en todas las listas que reúnen films sobre hacer cine o sobre el amor al cine, como esta que podéis leer aquí. En el caso de ‘Un segundo’ se persigue un rollo de película con la mayor de las desesperaciones y diferentes motivaciones, pero es por la labor del proteccionista que creo que debería figurar entre las primeras posiciones de la temática.

Zhang Yimou se ha montado su propio ‘Cinema Paradiso’. Con su proyeccionista, sus proyectores gastados, sus espectadores embelesados… Elabora con tremendo cariño una cinta que respira amor por el séptimo arte y a la vez desarrolla un curioso discurso sobre la humanidad y la amistad. Memorables son muchas de las tomas que ha configurado, en especial aquellas que suceden tras la pantalla de cine y en el desierto, donde la brisa llega a arañar a unos solitarios fotogramas.

Quizá es tan buena mi impresión porque iba con la expectativa baja. Baja tras el chasco que fue ‘La gran muralla’ o en parte ‘Sombra’. Siempre me ha gustado el Yimou medieval, despuntando en su currículo ‘La casa de las dagas voladoras’, pero a partir de ahora me abriré más a sus otras ambientaciones, como la próxima ‘Cliff Walkers’. Que la inquietud del personaje llamado “Don Películas” sea transmitir a la plana mayor del partido que no tiene sucesor suyo para el cine ya nos dice cuánto se preocupa el director por su legado y el relevo generacional.

‘Un segundo’ nos lleva a la China de los 60, la de los campos de trabajo, la limpieza de Mao y la Revolución Cultural. La política siempre está ahí como telón de fondo (no olvidemos el bloqueo que el gobierno Chino impuso a este filme) pero sin ser el centro de atención, es solo una consecuencia de la estructuración social que experimentaban en provincias del país asiático. En un desértico escenario sometido a esas normas se mueven los dos protagonistas, un prófugo y una huérfana que se disputan un celuloide. Una relación que se desarrolla de manera plausible y que es capaz de enternecernos como las películas de antes.

‘Un segundo’ rebosa humor, pillería y romanticismo analógico. Siendo Zhang Yimou un director tan reconocido en China y laureado internacionalmente, es aún mayor agrado decir que esta es una de sus películas más humildes. Es un filme muy sencillo, que no necesita mayores artificios. De hecho con tres o cuatro localizaciones el director nos cuenta la historia. Aprovecha muy bien la escenografía para darnos una pequeña clase magistral de exhibición cinematográfica.

Sin tener relación y puede que tampoco conocimiento del cine de Berlanga y Cuerda, esta película de Yimou tiene mucho del entrañable ruralismo de películas como ‘Así en el Cielo como en la Tierra’ o ‘La vaquilla’. Desborda detalles campechanos y momentos simpáticos hasta tal punto que sus remembranzas y anhelos por la experiencia en la sala de cine sabe a puro recuerdo.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de octubre. Título original: Yi miao zhong (One second). Duración: 104 min. País: China. Dirección: Zhang Yimou. Guion: Zhang Yimou. Música: Loudboy. Fotografía: Xiaoding Zhao. Reparto principal: Zhang Yi, Fan Wei, Chang Haijun, Li Xiaochuan, Li Yan, Liu Haocun, Liu Yunlong. Producción: Huanxi Media Group, Edko Films. Distribución: Vértigo Films. Género: drama. Web oficial: https://www.huanximedia.com/en#recent-works

Crítica: ‘Tokyo shaking’

En qué plataforma ver Tokyo shaking

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11 de marzo de 2011. El mayor terremoto que ha experimentado Tokio desencadena el desastre de Fukushima. Alexandra acaba de llegar al país procedente de Francia para trabajar en un banco y tiene que afrontar esta crisis nuclear.

Separada entre su trabajo y su familia, defenderá el honor y la palabra a pesar del terror y la ansiedad emergentes. “Un capitán nunca abandona su barco en plena tormenta”.

Crítica

Nueva visión acerca de otro de los jaques recientes vividos por la humanidad

Coincidiendo con plena crisis energética, porque la gran subida de precios en España es una crisis en toda regla, llega a nuestros cines ‘Tokyo shaking’. Las compañías eléctricas nos amenazan con cierres y cese de suministro ante avisos de regulaciones de las facturas que llegan a los ciudadanos y eso puede tener más consecuencias de las que pensamos. En el caso de la película de Olivier Peyon la situación es aún más crítica pues nos habla del parón y daños sufridos en la central de Fukushima por el terremoto y tsunami del 11 de marzo de 2011. Lo que quiero señalar con esta relación es que estamos a merced de la decisión de unas cuantas empresas y así lo demuestra este largometraje.

Nos trasladamos pues al tercer mes de 2011, cumplido el décimo aniversario del incidente. Pero la acción no transcurre a pie de campo, en las insstalaciónes de la central nuclear. El director francés nos emplaza a más de doscientos kilómetros de allí, en la sede del Crédit de France en Tokio. Y eso es porque más allá del accidente que todos conocemos bien nos quiere contar el comportamiento de quienes trabajan en tan millonarias empresas en un momento de extrema urgencia.

‘Tokyo shaking’ acierta al mostrarnos la frialdad de una entidad preocupada en no perder dinero en vez de garantizar los bienes de sus clientes e incluso preocuparse por sus vidas o la de sus empleados. Ese es el contexto mientras más y más el desastre de Fukushima a nivel humano va ganando presencia. Como con otras catástrofes los protagonistas presentan una resistencia inconsciente a creer que puede darse el horror, pero poco a poco todo se va reduciendo a la supervivencia y el miedo o la estoicidad de cada uno juegan su papel.

El miedo corporativo era aún mayor pues si hacemos memoria en aquel entonces se empezaban a ver recelosamente brotes verdes tras la crisis inmobiliaria. El terremoto no tambaleó solo Japón sino la economía global y nos mantuvo en vilo por el miedo a vivir otro Chernobyl. El filme capta muy bien el egoísmo, tanto corporativo como personal. El cómo cada uno mira solo por lo suyo incluso en situaciones de emergencia, algo que hemos podido comprobar en muchos casos con el jaque vivido en la pandemia del COVID-19.

Toda esta situación se cuenta a través de los ojos de una francesa en Japón. Directiva del grupo financiero Crédit de France, empresaria de moderado éxito que hace viajar a sus hijas por todo el mundo. Su papel llama la atención en Japón donde la mujer queda relegada al hogar en cuanto se convierten en madres. El filme también acierta con ese contraste, pero peca de la clásica arrogancia francesa cuando muestra otros detalles, como el hecho de tener una mini corte de servidoras. Cede el pulso en cuanto habla de una falsa superación del techo de cristal ya que la protagonista, interpretada por Karin Viard, realmente ejerce el único trabajo que le han permitido hacer y lo hace de buen grado, con sacrificio, casi por encima de su familia. Hace falta una amenaza de holocausto nuclear para que reaccione.

Finalmente, el personaje explota contra una serie de tropelías pero lo más enfocado en el filme es la duda a la hora de abandonar el barco, a costa de dejar atrás a merced de una posible muerte o acentuada depresión a aquellos que ha podido conocer en su primer mes en Japón. Lo bueno del personaje de Viard es cómo muestra la dificultad de la toma de decisiones, las encrucijadas en las que se puede ver metida. Entran en juego asuntos personales, raciales, culturales… Elementos bastante fuertes que, aunque no se analizan con mucho compromiso, si se tratan sin pasarlos por alto.

Hacía Mucho que no veía una película de terremotos, viendo los edificios tambalearse. Aquí no tenemos un temblor espectacular, aunque si un sonido lo bastante bien recreado como para tener unos instantes de terror. Obra por cierto del belga Marc Engels, fallecido por el COVID-19 en 2020 y a quien le dedican en filme en los créditos. Y al igual que en otras películas de catástrofes tenemos también un coloso en llamas, uno figurado, el de la economía mundial. El filme no da datos pero si habla de cómo se cubren las espaldas las grandes compañías para tener las mínimas pérdidas cuando todo se va a pique, incluso cuando es el mundo el que corre peligro. Una perspectiva que nos deja a los hombres de a pie en calzoncillos. El tono podría haber sido más alarmista, pero es comedido. De hecho lo que más nos deja sin aliento son las imágenes reales del tsunami, pero el filme solo injerta un minuto de esto en su metraje total. ‘Tokyo shaking’ se queda por lo tanto lejos de la calidad y el vértigo de otros ejemplos catastrofistas como el de su compatriota ‘El colapso’.

‘Tokyo shaking’ nos deja con un triste final, cuyo resultado dependerá de lo bueno que sea vuestro recuerdo o vuestras ganas de googlear el desenlace de la historia o la gestión de la dañada central Fukushima.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de octubre de 2021. Título original: Tokyo shaking. Duración: 101 min. País: Francia. Dirección: Olivier Peyon. Guion: Cyril Brody, Olivier Peyon. Música: Manuel Roland. Fotografía: Alexis Kavyrchine. Reparto principal: Karin Viard, Stéphane Bak, Yumi Narita. Producción: Les Films du Lendemain, Wild Bunch, Scope Pictures, Canal+. Distribución: Alfa Pictures. Género: drama. Web oficial: https://alfapictures.com/sp/amy_movie/tokyo-shaking/

Crítica: ‘Un hombre lobo entre nosotros’

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Después de que la construcción de un gasoducto cree divisiones dentro de la pequeña ciudad de Beaverfield, y una tormenta de nieve atrape a sus residentes dentro de la posada local, el guardabosques recién llegado Finn (Sam Richardson) y la empleada postal local Cecily (Milana Vayntrub) deben tratar de mantener la paz y descubrir la verdad detrás de una misteriosa criatura que ha comenzado a aterrorizar a la comunidad.

Adaptación del videojuego de Ubisoft.

Crítica

Una lobera de casualidades

Si os gustan las comedias de terror y las películas con muchos personajes esta puede ser una propuesta estupenda para ver, en este caso desde casa ya que Diamond Films ha incluido ‘Un lobo entre nosotros’ entre los estrenos que está dirigiendo directamente a Amazon Prime Video.

No es de extrañar que esta película haya pasado por el festival de Sitges. Ya no es solo porque el leitmotiv de este año eran los licántropos u hombres lobo, sino porque por el festival de cine internacional de terror de la ciudad catalana se suelen ver propuestas tan divertidas y juguetonas como esta. Y no digo juguetonas porque se diviertan trastocando un mito del terror como es el hombre lobo, sino porque también la cinta se basa en dos juegos.

Esta es una producción de Ubisoft que ha pretendido trasladar su juego de realidad virtual al cine. ‘Werewolves Within’ es el título original del juego digital que junta a jugadores online y les invita a asumir roles, entre ellos el de hombre lobo. La mecánica consiste en que a través de pesquisas, mentiras, acusaciones o debates hay que localizar al hombre lobo, antes de que este acabe con la vida de todos los aldeanos. Quizá os suene este juego si sois más de tablero pues todo proviene del divertido juego de cartas ‘Lobos de Castronegro’.

Ciertamente es más divertido ponerse con los amigos a jugar a estos juegos, pero la propuesta de ‘Un lobo entre nosotros’ no se queda muy atrás. Nos trasladamos a un pueblo nevado en el que los ciudadanos debaten si permitir una nueva explotación que les traerá dinero pero un fuerte impacto ambiental. Allí llega un nuevo sheriff (Sam Richardson), a conocer a un pintoresco reparto de lugareños y a intentar aclimatarse.

El problema, obviamente, llega cuando se quedan atrapados por una avalancha y comienzan las muertes. Josh Ruben junto a la guionista Mishna Wolff (todo muy de lobos) desarrollan una comedia llena de patetismo y muertes sanguinolentas. Sin ser un thriller de misterio si consigue que en determinados puntos nos pongamos a dilucidar quién es el malo. El sabor que te deja esta corta historia es de haber visto algo ameno, divertido, sin grandes pretensiones y metiéndote ganas de ser el hombre lobo de la historia.

¿Queréis otro gancho? En este filme trabaja Harvey Guillen, el adorable y letal Guillermo de ‘Lo que hacemos en las sombras’.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de octubre de 2021. Título original: Werewolves Within. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Josh Ruben. Guion: Mishna Wolff. Música: Anna Drubich. Fotografía: Matt Wise. Reparto principal: Sam Richardson, Harvey Guillen, Milana Vayntrub, Cheyenne Jackson, Michaela Watkins, Sam Richardson, Glenn Fleshler, Harvey Guillen, Sarah Burns, Michael Chernus, Wayne Duvall, George Basil, Rebecca Henderson, Catherine Curtin, Anni Krueger. Producción: Ubisoft Film and Television, Ubisoft, Vanishing Angle. Distribución: Diamond Films (Amazon). Género: comedia, terror. Web oficial: https://www.ifcfilms.com/films/werewolves-within

Crítica: ‘Las leyes de la frontera’

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Nos traslada al verano de 1978, Nacho Cañas, un estudiante introvertido y algo inadaptado, tiene diecisiete años y vive en Gerona. Al conocer al Zarco y a Tere, dos jóvenes delincuentes del barrio chino de la ciudad, empieza a formar parta de “la banda del Zarco” que le lleva a vivir una carrera imparable de robos y atracos que se prolongará durante todo el verano y que cambiará su vida para siempre. ‘Las leyes de la frontera’ es la historia del verano en el que Nacho experimentó el primer amor y se hizo mayor, transgrediendo constantemente la frontera entre dos mundos, cruzando la línea que hay entre el bien y el mal, entre la justicia y la injusticia.

Crítica

Un regreso magnífico al cine quinqui

Antes que nada he de decir, por si me empiezo a ir por las ramas, ¡qué bien dirige Daniel Monzón y qué bien escribe Jorge Guerricaechevarría! A partir de la traslación a cine de novela del cacereño Javier Cercas nos llevan a los años de la transición, pero poniendo el foco en la vida cotidiana, una vida en la que cada día hay que sobrevivir como sea.

Efectivamente, la sanción real de la constitución del 78 y la fumata blanca de Juan Pablo II están presentes, pero a donde nos lleva la película es a las calles de Gerona. ‘Las leyes de la frontera’ es una película de barrios. Nos devuelve al cine quinqui, ese que nos hizo conocer y empatizar con personajes como El Vaquilla, Urko o El Torete. Es como si José Antonio de la Loma y Eloy de la Iglesia hubiesen regresado.

Bien es verdad que no hay tanta vileza y suciedad pero ‘Las leyes de la frontera’ igualmente es un filme de jóvenes sin rumbo, leales e incluso nobles, simpáticos, gamberros, bromistas, vividores… También de drogainónamos y delincuentes, buscavidas que hacían lo que fuese para poder sobrevivir o sobreponerse a las miserias de su vida. La película está estupendamente bien ambientada pero es sobre todo por su jerga y sus apodos que nos devuelve a aquellos años y al Barrio Chino de Gerona.

Pero para que sobrenombres como “gordo”, “piernas” o “chino” funcionen los actores tienen que saber cómo hablar y entonar términos como “hierro”, “pirula” o “palos”. Solo de ese modo podrán parecerse a aquellos que no eran los abusones de las aulas, sino que ni siquiera las pisaban. La banda de Zarco consigue ser realista e incluso entrañable gracias a que todo el reparto, protagonista y secundario, calva esas maneras de ser, en especial Xavier Martín, Begoña Vargas y Chechu Salgado. El protagonista innegable es Marcos Ruiz como el joven Nacho, pero él no es un quinqui, es simplemente quien nos sirve de vehículo para regresar a este pasado. Su personaje evoluciona, va asimilando el mundo en el que se sumerge, pasando de ser víctima de los chulitos de su barrio acomodado a un criminal. Muy bien llevada esa evolución por parte de Marcos Ruiz y por Javier Beltrán que hace brevemente de su personaje con unos años más.

Para mí el título de este filme no se debe solo a la proximidad geográfica de Gerona con Francia. Nos habla de las líneas rojas que va sobrepasando el protagonista, desde la pillería de sacar una partida gratis en los recreativos hasta llegar a huir a tiros de la policía. Nos habla de una nueva época, sin una represión dictatorial y con más descaro ante la ley, del descubrimiento de las bandas en Cataluña. Casi siempre que Monzón ha dirigido Guerricaechevarría ha estado ahí, como fue el caso de la vibrante ‘Celda 211’ o la intrigante ‘La caja Kovak’. Con ‘Las leyes de la frontera’ lo vuelven a lograr pues consigue convertirnos en uno más de la “banda del Zarco” y además regresar a esos tiempos mozos en los que teníamos que decidir si queríamos seguir siendo el pringado de turno o traspasar las normas de nuestras casas, barrios o juzgados.

‘Las leyes de la frontera’ no puede negar ser una historia de amor, pero también un tributo a una época de nuestro cine y a un modo de vida, que, aunque esté repleto de peligros y elementos perniciosos tiene su carisma y gancho. Una vida para audaces de la que solo algunos quedan para contarlo, así nos lo cuentan, de manera menos cruda de lo habitual, pero si relevantemente.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de octubre de 2021. Título original: Las leyes de la frontera. Duración: 130 min. País: España. Dirección: Daniel Monzón. Guion: Jorge Guerricaechevarría. Música: Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Fotografía: Carles Gusi. Reparto principal: Marcos Ruiz, Begoña Vargas, Chechu Salgado, Carlos Oviedo, Xavier Martín, Daniel Ibañez, Jorge Aparicio, Víctor Manuel Pajares, Cintia García. Producción: Ikiru Films, La Terraza Films, Atresmedia, Buendía Estudios, Las Leyes de la Frontera AIE. Distribución: Warner Bros. Género: adaptación, drama. Web oficial: https://www.ikirufilms.com/portfolio_page/las-leyes-de-la-frontera/

Crítica: ‘Titane’

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Después de una serie de crímenes que han quedado inexplicados, un padre reencuentra a su hijo desaparecido hace 10 años.

Crítica

Peculiar o particular, pero no plantea nada en especial

Empezar una película con el ‘Wayfaring stranger’ de Johnny Cash es mucho decir, sobretodo cuando hace poco ha sido excelentemente rememorado en ‘1917’. Decir en una entrevista que odias la provocación cuando tu filme arranca con unas bailarinas sobre coches espaturrando las tetas mojadas contra el cristal mientras unos pokeros miran babeando también es negarse lo evidente a uno mismo. Bien es cierto que ‘Titane’ tiene algunos argumentos valiosos, pero también es verdad que los desarrolla poco, se distrae o no los explora correctamente.

Leo en la cartelería de la película en España: “La revolución del cine fantástico”, ni de lejos. También se lee en esa creatividad que “Todo en ‘Titane’ es una fiesta”, confundiendo fiesta con ida de olla. ‘Titane’ tiene momentos muy locos, alguna que otra fiesta, pero no se percibe en ella ninguna celebración y durante algunos compases adormece sin ofrecer nada nuevo, nada que no hayamos visto en películas que emulen el juego del cuco o la suplantación. Debe ser que Ducournau alucinó con el trío de ‘All about Yves’ y decidió marcarse su propio ménage à trois malsano y automovilístico.

Quizá yo no la haya entendido o no estoy en sintonía con las hechuras del filme, cosa que me extrañaría pues le doy a todo tipo de cine, pero todo es posible y estaría dispuesto a ver la película con alguna otra perspectiva. Lo que más me extraña de ‘Titane’ es no encontrarle a la protagonista una motivación, quizá si un conflicto, que empieza con su padre pero que pronto se olvida de argumentar. Y lo peor es que el componente desconcertante del filme está como mero atrezo, no tiene un simbolismo justificable. No hay un claro disparador en el personaje de Agathe Rousselle. Para aludir a un elemento tan resistente como el titanio me sorprende lo poco que se sostiene el filme, aún más cuando la directora viene de dirigir episodios tan bien apuntalados como los de ‘The Servant’.

Muchas veces se alude a la composición fotográfica de un largometraje para hablar por lo menos bien de algo de una película. Pero es que eso si que está logrado en ‘Titane’. No solo la foto fija, si no también el movimiento de cámara que nos lleva por un ambiente enrarecido y lleno de testosterona. Al igual que está bien claro cómo la directora habla sobre la explotación, degradación y el culto al cuerpo, de lo poco que deja bien retratado de principio a fin. Ahí percibimos también que se quiere hablar de una protagonista aparentemente tan sólida como el titanio pero a la vez maleable y cambiante.

No basta con que un filme sea una cosa de locos para que cale, no comparto esa Palma de Oro. Cuando un filme te pregunta cosas o por lo menos demuestra inquietudes por parte de su director/a es cuando cobra valor. Es todo un chasco ver como ‘Titane’ siembra cosas pero no recoge frutos. Doucournau ha emprendido la senda de Gaspar Noe, Von Trier o Verhoeven, cuanto antes asuma la controversia que es capaz de generar antes logrará penetrar en nuestras mentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de octubre de 2021. Título original: Titane. Duración: 107 min. País: Francia. Dirección: Julia Ducournau. Guion: Julia Ducournau. Música: Jim Williams. Fotografía: Ruben Impens. Reparto principal: Vincent Lindon, Agathe Rousselle, Garance Marillier, Laïs Salame. Producción: Kazak Productions, Frakas Productions, Arte France Cinéma, VOO, BeTV, Canal+. Distribución: Caramel Films. Género: drama, suspense. Web oficial: https://neonrated.com/films/titane

Crítica: ‘Madres paralelas’

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Dos mujeres, Janis y Ana, coinciden en la habitación de un hospital donde van a dar a luz. Las dos son solteras y quedaron embarazadas accidentalmente. Janis, de mediana edad, no se arrepiente y en las horas previas al parto está pletórica; la otra, Ana, es una adolescente y está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean como sonámbulas por el pasillo del hospital. Las pocas palabras que cruzan en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que el azar se encargará de desarrollar y complicar de un modo tan rotundo que cambiará las vidas de ambas.

Crítica

Dos historias demasiado potentes para contar en una sola película

Que difícil me ha sido escribir esta crítica, pensar bien lo que vi el otro día en el pase de prensa y sopesar mis primeras impresiones.

Admito que salí bastante decepcionada con el nuevo trabajo de Pedro Almodóvar. Si, puedo ser exagerada, ni que Almodóvar me deba nada a mí. Pero he utilizado esa expresión porque en sus ‘Madres paralelas’ nos cuenta dos historias que me atraen mucho, interesantes y que ojalá no las hubiese juntado. Porque creo que ambas historias hubiesen funcionado mucho mejor por separado.

En la película conocemos a Janis (Penélope Cruz) y Ana (Milena Smith), dos mujeres a punto de dar a luz solas y que se hacen amigas después de toda esta experiencia. Por distintos avatares de la vida, tardan un tiempo en volver a reencontrarse.

Dentro de esta historia de amistad, amor y maternidad encontramos también la lucha por la memoria histórica, tan actual y necesaria. Es una película bastante política. No he visto demasiado cine de Almodóvar y esto me ha chocado bastante.

Pero como os he comentado no me ha terminado de funcionar la manera en la que han introducido las dos historias, ojalá las hubiese separado y hubiésemos tenido dos cintas memorables. El tema de la memoria histórica termina dejando de ser interesante ya que tampoco se le termina dando la importancia que, creo, el director quería darle.

Toda la parte de esas dos madres me ha fascinado. Una historia un tanto loca, triste y con un humor bastante sarcástico, logra mantener en pie esta película. Nos muestra lo duro y bonito de la maternidad y el amor en todas sus fases.

Penélope Cruz está inmensa, le da tanta naturalidad a su Janis que no tienes ningún tipo de problema a la hora de creerte su historia y a su personaje. Sus decisiones, malas o buenas, las entiendes siempre, ya que desde el minuto uno, logras conocer perfectamente a esta mujer fuerte y decidida.

Milena Smith nos da a cambio a una mujer que está aprendiendo a serlo por fuerza y a la que le queda mucho por aprender. Un personaje muy dulce y tierno que borda.

En el resto del reparto encontramos a Aitana Sánchez–Gijón, Rossy de Palma, Daniela Santiago, Julieta Serrano, Israel Elejalde, Adelfa Calvo, Julio Manrique o Inma Ochoa entre otros.

El rojo y el verde son los colores destacados de esta película. Una de las cosas que más representa el cine de Pedro Almodóvar, son sus colores y aquí hace realmente ahínco en estos dos.

El 5 de octubre conoceremos si es la elegida para el camino hacia los Oscar y el 8 de octubre tendremos su estreno en todas las salas españolas.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de octubre de 2021. Título original: Madres paralelas. Duración: 123 min. País: España. Dirección: Pedro Almodóvar. Guion: Pedro Almodóvar. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Jose Luis Alcaine. Reparto principal: Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalde, Aitana Sánchez-Gijón, Rossy de Palma, Julieta Serrano, Daniela Santiago, Adelfa Calvo. Producción: El Deseo, Remotamente Films, RTVE. Distribución: Sony Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/madres-paralelas

Crítica: ‘Mediterráneo’

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Otoño 2015. Dos socorristas, Oscar (Eduard Fernández) y Gerard (Dani Rovira), viajan hasta Lesbos (Grecia) impactados por la fotografía de un niño ahogado en las aguas del Mediterráneo. Al llegar descubren una realidad sobrecogedora: cada día miles de personas arriesgan sus vidas en el mar huyendo de conflictos armados sin que nadie ejerza labores de rescate.

Junto a Esther (Anna Castillo) y Nico (Sergi López) crearán un equipo de salvamento con el que intentarán hacer frente a la situación e inevitablemente harán visible una realidad que afecta a toda Europa.

Mediterráneo es una batalla por la supervivencia, una lucha en la que cada vida cuenta.

Crítica

Es una cinta enrabietada con la actualidad, indignada con la parsimonia de la “civilización”

La última imagen de Aylan Kurdi en la orilla de Turquía fue la última instantánea de ese niño de 3 años. La fotografía que dio la vuelta al mundo y dividió a la opinión publica y periodística en 2015 es el claro detonante para esta película o por lo menos uno de los pilares referenciales en los que se asienta. Aquella criatura fallecida en la playa tras un fallido intento de llegar a Grecia sirve de conducto para llevar a la gran pantalla una historia que pese a ser ficción documentada tiene una desgraciada y enorme cara real.

Veo esta película poco después de que ‘Mediterráneo’ sea anunciada como una de las tres preseleccionadas por España para los Oscar de 2022. Y pese a que técnicamente he visto mejores obras este año no cabe duda de que es un filme con mucho valor. Es una cinta enrabietada con la actualidad, indignada con la parsimonia de la “civilización”.

Los homenajes y la visualización muchas veces llegan tarde, a titulo póstumo o con una visión más histórica. Este no es el caso, es una cinta orientada a la acción, con una iniciativa digna de la organización de cuyos orígenes habla, Open Arms. Es por eso que el juego de palabras está servido: ‘Mediterráneo’ es un filme la mar de solidario. Posee el toque documental que tienen otros títulos como ‘Las lágrimas de África’ y el trasunto de ficción que tenía ‘Adú’.

El protagonista es claramente Eduard Fernández. El actor, casi siempre con roles de marcado carácter estoico, interpreta al fundador de Open Arms, Òscar Camps. Un hombre proactivo y de ideas tozudas que no se si es muy fiel a la realidad pero que desde luego nos transmite la urgencia y calamidad de la historia. Junto a él Anna Castillo de nuevo hace de la hija Pepito Grillo, buscando encauzar a su padre mientras gruñe por la dejadez de este en sus funciones como padre. Ha cambiado a Luis Tosar por Eduard Fernández ya que representó casi el mismo papel en ‘Adú’.

Y no podemos olvidar a Dani Rovira que es parte fundamental de la historia, la que muestra el autentico debate moral de aquellos que sufren cuando alguien pide socorro y eso les resta tiempo de vida personal. Rovira siempre se ha mostrado activo con causas humanitarias o solidarias. Repite con el director Marcel Barrena en otra película de experiencias vitales.

Si la frecuencia con la que los protagonistas se van encontrando pateras está basada en la realidad, es una peregrinación abrumadora. Si no es así quizá la película exagera un poco para generar la acción y la emoción. Desde el año 2000 Grecia recibe más de un millón de migrantes cada año, ahí queda el dato. Mientras, el primer mundo piensa más en salvar su turismo u hostelería.

Ojalá hablásemos de realidad con el giro final, pero la egoísta comodidad de nuestro sofá lo impide. ‘Mediterráneo’ es la historia de un imposible con un pero. Pero si occidente hiciese uso de su tan alardeada ética y ejemplo esto no pasaría. Al respecto de esto en la película tenemos la entrevista que es una declaración pura y dura. “Estamos convirtiendo el mar Mediterráneo en una fosa común”.

A aquellos que se oponen a que acojamos a personas desamparadas y les brindemos un futuro les cito a dejar el chiringuito y las banderillas para sumergirse en este Mediterráneo.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de octubre de 2021. Título original: Mediterráneo. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Marcel Barrena. Guion: Marcel Barrena, Danielle Schleif. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Kiko de la Rica. Reparto principal: Eduard Fernández, Dani Rovira, Anna Castillo, Sergi López, Àlex Monner y Patricia López Arnaiz. Producción: Lastor Media, Fasten Films, Arcadia Motion Pictures, Cados Producciones, Heretic . Distribución: DeAPlaneta. Género: hechos reales, drama. Web oficial: https://www.mediterraneopelicula.com/

Crítica de la tercera temporada de ‘Doom Patrol’

Empezando con presentación de nuevos personajes

Decir que la nueva temporada, la tercera, de ‘Doom Patrol’ viene con sorpresa es decir lo mismo que hemos estado diciendo con sus dos predecesoras. Esta historia es de las que le alegran el día a uno por disparatada que es y lo mucho que nos hace reír. Lo mismo que nos pasa con otras series, véase ‘Lo que hacemos en las sombras’ o ‘Rick y Morty’, por citar dos que también sean de HBO Max.

Bien es cierto que el arranque de esta temporada, que hemos podido disfrutar con el estreno simultáneo de tres episodios, decae un poco en sus majaderías. Como es costumbre siguen pasando cosas inverosímiles pues ya han atravesado una línea de la que no pueden volver y además saben que ese es el tono que ha funcionado o diferenciado a ‘Doom Patrol’. Pero de momento no llegamos a cotas tan locas como las de antes.

Esto sucede sobre todo porque la serie dedica aún más espacio a desarrollar a sus personajes, los cuales nunca han dejado de evolucionar. Los protagonistas tienen que seguir su camino con la ausencia (o no) de El Jefe interpretado por el mítico Timothy Dalton. Por ejemplo, Dorothy (Abi Monterey) ha de asumir una función más madura y consciente de su poder, Cliff (Brendan Fraser) debe convertirse en el abuelo perfecto lidiando con sus limitaciones mecánicas o Negative Man (Matt Bomer) a vivir separado de su íntimo amigo y buscar un nuevo comienzo con mayor optimismo.

La sensación que nos da es de incertidumbre. No sabemos si ese camino que han emprendido nos encamina a una de despedida de algunos personajes o de la serie. Suele suceder que cuando los protagonistas logran salvar sus mayores dificultades personales la trama pierde su norte y termina clausurándose, pero aquellos que hemos estado siguiendo la adaptación de los cómics de Bob Haney y Arnold Drake sabemos que tampoco es que haya habido mucho norte.

Además hay nuevas incorporaciones, de ahí varias de las sorpresas en lo que va de temporada. Por parte de los villanos se incorporan Garguax (Stephen Murphy) y Samuelson interpretado por el carismático Billy Boyd, el Pipin de ‘El Señor de los Anillos’. Pero yendo más allá, para los amantes de los cómics hay una aún más disparatada incorporación. La patética Hermandad del mal, creada por Arnold Drake, enfrentada en los cómics a la Doom Patrol y a los Jóvenes Titanes.

Y la noticia continuista nos lleva a otro spin-off. Han usado la temporada 3 de ‘Doom Patrol’ a modo de presentación para la serie que nos contará la historia de Los Chicos Detectives. Unos jóvenes muertos que juegan a los investigadores y que puede que nos traigan la aparición de la Muerte de ‘Sandman’ ya que es una creación de Neil Gaiman. Ya veremos si los derechos no juegan en contra ya que como probablemente sabréis ‘Sandman’ será una serie de Netflix, no de HBO Max. En cualquier caso la jugada puede ser como la que vimos en Netflix en su día pues ‘Doom Patrol’ se presentó en ‘Titans’ y posteriormente ambas pasaron a la parrilla de HBO.

Me pregunto si el parón por el COVID-19 les ha hecho ver las orejas al lobo y ponerse más reflexivos aun con sus personajes perdiendo ese punto de hilaridad, pensando además en ir cerrando la historia. No desisto en seguir viendo la serie pues su trama siempre trae momentos de decir “¡Que cojones!” y siempre nos tiene en vilo prometiendo instantes la mar de alocados, dignos de nuestros sueños más surrealistas.

Crítica de ‘La Fortuna’, la serie de Alejandro Amenábar

Sabor a novela gráfica, pinceladas de realidad y acabado de calidad

Hemos visto 3 de los 6 capítulos de ‘La Fortuna’, primera incursión de Alejandro Amenábar para la televisión de la mano de Movistar+ y contándonos una historia basada en la novela gráfica ‘El tesoro de Cisne Negro’ a su vez basado en hechos reales.

El relato no es otro que la historia del mayor expolio de un tesoro de un barco español que fue hundido por la armada inglesa y descubierto por una empresa cazatesoros estadounidense.

Amenabar se ha implicado no solo en la dirección del proyecto, sino también en el guión y el resultado visto lo visto es un thriller político con un toque de aventura, humor, una ración de acidez, un poquito de romance y en definitiva, un producto de calidad que mantiene el interés en todo momento.

Aunque la acción se desarrolla a principios de este siglo, también se ven flashbacks que nos trasladan al año 1804 y se nos muestra cómo se produjo el infame ataque y el hundimiento de la fragata de guerra que causó posteriormente la batalla de Trafalgar y más tarde la invasión de Napoleón a España. Buen diseño de producción y se nota la buena mano en la dirección para que la narrativa fluya y la serie adopte un estilo de clásico de aventuras a lo “Tintín”.

Pero lo que realmente se cuenta es como una pareja singular de protagonistas, un joven diplomático inexperto pero muy voluntarioso (Alvaro Mel) y una funcionaria con mucho carácter que no tiene pelos en la lengua (Ana Polvorosa) se encuentran en medio de esta singular aventura investigando el descubrimiento del pecio español en medio de las presiones políticas, económicas y sociales que implican tal hallazgo.

No veo ningún personaje plano, sino que todos tienen un desarrollo a lo largo de los capítulos y vamos viendo las verdaderas motivaciones de cada uno.

La trama nos va mostrando poco a poco nuevos elementos que incrementan el misterio que rodea a ‘La Fortuna’ y nuestros intrépidos protagonistas van descubriendo junto con el espectador todos los intereses que hay puestos en el pecio descubierto.

Amenabar no deja títere con cabeza y hasta lo visto tiene para todos: caricaturiza de aquella manera la política española y su gestión. Nos reímos con el personaje del ministro encarnado por un genial Karra Elejalde y luego uno piensa que se parece todo demasiado a la realidad.

También es una crítica al capitalismo, a todo lo que pervierte el dinero y ahí pone a los americanos como punta de lanza. Hasta tiene tiempo de meterse con la flema imperialista inglesa en su narración del hundimiento de ‘La Fortuna’.

Mal aliado “Don dinero”, causante de muerte, engaños, robos y corrupción. Esta historia también va de eso.

Decir que el reparto internacional también brilla y tiene también a caras tan conocidas como Stanley Tucci, al que he visto en infinidad de producciones de Hollywood y que aquí es el antagonista principal. El resto del elenco está también a la altura de la calidad de la serie.

En definitiva, ‘La Fortuna’ cumple con la calidad que uno espera de un fenómeno como Alejandro Amenábar, a la que impregna con un estilo a clásico de aventuras. Las localizaciones nos llevan desde España a Estados Unidos dónde viviremos un interesante thriller judicial y estoy seguro de que querréis saber cómo acaba todo. Yo al menos, después de 3 capítulos sí.

Amenábar confirma la tendencia que desde hace un tiempo estamos viendo. Los grandes actores y actrices, directores y guionistas se embarcan cada vez más en proyectos para la televisión. Una industria que con la aparición de las plataformas de contenido streaming ha cambiado el concepto de ver la propia televisión e incluso de ir al cine (o no ir). Son los tiempos que corren, saturados de oferta televisiva, donde surgen producciones como ‘La Fortuna’ que elevan el nivel entre la mediocridad de muchos títulos y me alegra en grado sumo que en España la industria audiovisual alcance esas cotas de buena calidad en muchas de sus series y películas. Que siga así.

‘La Fortuna’ se estrena el 30 de septiembre en Movistar+.

Crítica: ‘Benedetta’

Sinopsis

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A finales del siglo XV, con una plaga asolando la tierra, Benedetta Carlini se une como novicia al convento de Pescia en la Toscana. Benedetta, que desde muy joven ha tenido la capacidad de realizar milagros, llega a la comunidad y su impacto será inmediato y trascendental.

Crítica

Me río yo (y Verhoeven) de los éxtasis de Santa Teresa

La provocación es un acto de rebeldía o de búsqueda de reacción que está muy bien cuando esta tiene algún objeto concreto o por lo menos cuando se utiliza de manera diferente o novedosa. Que Paul Verhoeven es un provocador lo sabemos y lo disfrutamos la mayoría de las veces. Cual antítesis de Instagram nunca se ha cortado a la hora de mostrar un pezón e incluso más, como los tripechos de ‘Desafío total’. El director holandés se regodea en sus más oscuras ideas y nos lleva a una lasciva Italia del siglo XV.

¿Recordáis aquellas películas o ministeries de sábado por la tarde en Telecinco que venían anunciadas como “grandes relatos”? Ese es el sabor que me deja a mi ‘Benedetta’. Un drama histórico con romance y giros melodramáticos. Con el añadido de tener de manera gratuita y por reiteración algunas escenas de cama que van a escandalizar a más de un puritano.

La historia nos habla de una joven que es internada en un convento. O más que internada casi habría que decir vendida y cambiada cual tocomocho a la avariciosa y usurera iglesia de la época. Esa joven comienza a destacar entre sus “hermanas” por la devoción que siente y que ve recompensada. No hay nada de especial en esta historia que se basa en un libro de Judith C. Brown que a su vez se inspiró en el mito de Benedetta Carlini.

No veo epifanía u obra maestra en este filme. Lo único que saca a esta historia de otras narraciones católicas es el hecho de que la monja era lesbiana. Y en esas interpretaciones lésbicas obviamente la atención se centra en una más que exagerada Virginie Efira. Quizá nadie se ha atrevido a hacer antes esta adaptación por el choque se podría suponer para la sociedad cristiana, pero precisamente eso es lo que pide este filme, haberse estrenado hace treinta años o más.

El único logro de ‘Benedetta’ es el mantenernos en vilo entre tres posibilidades, dejando además cualquiera de las tres abiertas en el cierre y a la libre interpretación del espectador. Deambulamos entre escenas que nos indican que la protagonista es una timadora o aprovechada, entre momentos que nos hablan de puro evento místico y también de instantes en los que parece que de lo que habla el filme es de que algunos locos se creen sus propias mentiras.

No se si Verhoeven es religioso o no pero forma parte de un seminario que estudia los hechos reales de Jesús. Si demuestran que Cristo iba por ahí partiendo cabezas a mandoblazos como en el filme yo me hago monaguillo. La verdad es que parece que el director se ríe de la construcción de los Santos hasta tal punto que deja los éxtasis de Santa Teresa en un mal colocón.

Que si, que mete una vez más su violencia explícita. Pero si ‘Benedetta’ hubiese tenido un conflicto tan bien trabajado como el que tenía ‘El tercer milagro’ de Agnieszka Holland o suscitase un debate como ‘Amarás al prójimo’ de Malgorzata Szumowska quizá hubiese alcanzado el tono correcto.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de octubre de 2021. Título original: Benedetta. Duración: 127 min. País: Francia. Dirección: Paul Verhoeven. Guion: David Birke, Paul Verhoeven. Música: Anne Dudley. Fotografía: Jeanne Lapoirie. Reparto principal: Virginie Efira, Charlotte Rampling, Lambert Wilson, Daphne Patakia, Olivier Rabourdin. Producción: SBS Productions, Pathé, Belga Films Found, Canal+, France 2 Cinema, Indéfilms7, Topaki Films. Distribución: Avalon. Género: drama. Web oficial: http://www.sbs-distribution.fr/distribution-france-benedetta

Crítica: ‘Cry macho’

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La película está protagonizada por Eastwood en el papel de Mike Milo, que en sus buenos tiempos fue una estrella del rodeo además de dedicarse a la cría de caballos. En 1979 acepta el trabajo de un antiguo jefe para traer a casa a su hijo pequeño que está en México. Esta extraña pareja se ve obligada a viajar por carreteras secundarias para volver a Texas y se enfrenta a un periplo repleto de dificultades imprevistas. Durante el viaje, el jinete, de vuelta de todo, tendrá encuentros inesperados y encontrará su propia redención.

Crítica

Gran Torino versión latino y road trip

De nuevo volvemos a tener a Clint Eastwood como protagonista y director de un filme. En este caso retrocedemos a 1979, época en la que el rubio de ‘El bueno, el feo y el malo’ interpretaba sus papeles más rudos. Pero época en la que también exploraba papeles más simpáticos, como el que representó en ‘Duro de pelar’ junto a su orangután.

La ficción nos lleva al 79 y principios de los ochenta, pero la realidad nos recuerda que Eastwood ya tiene 91 años. Y sin disimular su edad el californiano nos cuenta la historia de un cowboy retirado, más bien despedido. Acepta a regañadientes un encargo que le hace su jefe, el cual vuelve a él con el rabo entre las piernas. Ha de traer con cualquier método a su alcance a un chico (Eduardo Minett) que presumiblemente no está teniendo una buena vida en México.

En la actualidad vemos muchos casos de madres o padres que se llevan a sus hijos a otra ciudad o país sin el consentimiento de la otra parte. En ocasiones esos casos nos llevan hasta episodios de violencia de género y otras hasta auténticos problemas de salud mental. ‘Cry macho’ toca por lo tanto un tema escabroso. No obstante el guión inspirado en la novela de N. Richard Nash nos pinta tal escenario que es muy fácil posicionarse. Al fin y al cabo planeta un mal escenario desde ambas partes, llegando a hablarnos de intereses y de padres que eluden responsabilidades o dan por perdidos a sus descendientes.

Pese a su edad Eastwood conserva gran parte de su energía y de su mala uva. Sabe cómo colocar la cámara para destacar que aún tiene presencia, pero tampoco intenta disimular que no está ni para perseguir a un gallo. Macho, de hecho, es el nombre del gallo que atesora el chico que le acompaña toda la película. Lo cual me lleva a que todo el filme tiene un poco de comicidad, sobre todo cuando vemos al texano recortando silueta junto al chico y el ave. También cuando intuímos que es evidente que usa un doble y trucos de cámara para hacer de tejano a lomos de un caballo salvaje. Y también cuando vemos su faceta más adorable o entrañable. No es fácil ver a Clint sonreír y esta es una de sus extrañas excepciones, creo que la última vez que le vi como en esta película fue en uno de los carteles de ‘Space cowboys’.

Hablar de un envejecido Eatswood emparejado con un joven extranjero problemático es recordar irremediablemente ‘Gran Torino’. Tiene cosas en común, pero aparte de ser encuentro de generaciones, ‘Cry macho’ es un western moderno. Un road trip fronterizo que se desmarca del resto de producciones actuales similares al no recabar en menesteres políticos heredades de la administración Trump. Y no por esa razón uno acaba sintiendo que es una buddy movie que podemos considerar menor en la carrera de este cineasta como director.

Interpreta a un vaquero actual, genuino, digno de un anuncio de Marlboro, de esos que tienen su rancho, camioneta Chevrolet en vez de caballo y escuchan el country que cae en la radio. ‘Cry macho’ persigue recuperar con mayor parsimonia al cowboy con ética de héroe, buscavidas, pero con escrúpulos que tantas veces ha interpretado Eastwood. Y lo consigue, pero con excesiva sobriedad y falta de riesgo o reflexión.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de septiembre de 2021. Título original: Cry macho. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Clint Eastwood. Guion: N. Richard Nash, Nick Schenk. Música: Mark Mancina. Fotografía: Ben Davis. Reparto principal: Clint Eastwood, Eduardo Minett, Natalia Traven, Dwight Yoakam, Howard Polk, Fernanda Urrejola, Horacio García-Rojas. Producción: Malpaso Productions, Albert S. Ruddy Productions, Daniel Grodnik Productions, QED International. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: drama. Web oficial: https://www.crymachofilm.com/

Crítica: ‘Maligno’

Sinopsis

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Madison está paralizada por causa de visiones impactantes de asesinatos espeluznantes. Su tormento empeora cuando descubre que estos sueños de vigilia son, de hecho, realidades aterradoras.

Crítica

Wan sorprende saliéndose por la tangente

En primer lugar, he de decir a quienes se hayan sorprendido durante la película, que no les entiendo. Me refiero a los sorprendidos por el tono del filme. ¡Si ya la escena introductoria marca cuál va a ser el rollo a seguir! Es pura serie B, cosa que siempre nos hace gozar. Pero es más, de sobra es sabido que ese es un género que a James Wan le encanta, solo hay que ver la secuencia del logo de su productora Atomic Monster. Antes o después caería una película así con su firma.

Aunque sus primeras imágenes sean de auténtica locura, después nos mete en un drama de pareja. Pero eso dura poco. Casi de manera inmediatamente comienza una historia de esas que de verdad son “una montaña rusa”. Un filme que nos recuerda a otros largometrajes demenciales tales como ‘Rabid’ o ‘Martyrs’.

Si nos quedamos solo con la banda sonora o las líneas generales de la trama de ‘Maligno’ debemos admitir su simpleza. Pero es compleja y original. Por mucho que esta no sea una historia fina o elegante se nota que hay dinero invertido, tanto que el sabor de boca es mucho más agradecido que el que dejan esas producciones low cost que suelen tirar de sangre y casquería. Incluso en cuanto a la música se ven detalles magníficos, como la versión del ‘Where is my mind’ de Pixies que es estremecedora.

Pudiera ser que ‘Maligno’ haya surgido de una idea modesta, sacada de un cajón desastre y que Wan ha aprovechado a hacer en un hueco entre tanto que produce. Da la impresión de que al igual que Tarantino quiso hacer su Western moderno él se ha quitado la espinita con el giallo, un giallo moderno pero al fin y al cabo cargado de rojo, luz y gritos.

Por ejemplo, reconocemos que es de tintes actuales porque dispone sustos de esos que se producen por que el peligro aparece y desaparece de repente, acompañado de algún sonido estridente. Pero nadie negará que Wan se las ingenia para hacerlo de otra manera.

Quizá es porque una de las protagonistas tiene el mismo coche que yo, pero me ha parecido que la película está muy bien conducida. Dirigida a seguir una senda muy obvia, que parece que no exige mucho a los actores. Pero para nada, el guión es más exigente de lo que se preveía. Y no es fácil moverse ante la cámara de Wan, sobre todo por las tomas que hace. Desde esa secuencia en plano cenital que se adelantó en el tráiler pasando por planos cerrados en ángulos incómodos, travellings y giros bastante pronunciados. Nos mete en la película, nos mantiene visualmente enganchados.

El retorcido y violento Gabriel se une a la tropa de Freddy, Jason, The Collector, Michael Myers y compañía. Tortura a la protagonista más que la muerte a Devon Sawa en Destino Final al hacerlo en riguroso directo y sin capacidad de actuar.

‘Maligno’ no es lo que esperábamos, tampoco nos habían prometido que sería lo de siempre. Una lección de cómo no hay que hacerse pajas mentales y de cómo se disfruta con las de otros. Muchos lo han intentado y fracasado, otro logro de Wan. Eso sí, Los Simpson ya lo hicieron.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de septiembre de 2021. Título original: Malignant. Duración: 111 min. País: EE.UU. Dirección: James Wan. Guion: Ingrid Bisu, James Wan, Akela Cooper. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Don Burgess. Reparto principal: Annabelle Wallis, Maddie Hasson, George Young, Michole Briana White, Jacqueline McKenzie, Jake Abel, Ingrid Bisu. Producción: Atomic Monster, Boom Entertainment, Boom! Studios, New Line Cinema, Starlight Culture Entertainment. Distribución: Warner Bros. Género: terror. Web oficial: https://www.malignantmovie.net/

Crítica de ‘Misa de medianoche’

Confundir el “ver es creer” con el “creer es ver”, las trampas de la fe

El nombre de Mike Flanagan se popularizó tras la impactante y exitosa ‘La maldición de Hill House’. El director nacido en Salem está dejando su impronta en la historia del cine de terror norteamericano y no hace mucho dividió opiniones con su adaptación de ‘Doctor Sueño’. Ahora vuelve a retomar su estilo, ese pausado y bien construido con ‘Misa de medianoche’, una obra original que se estrena en Netflix el próximo 24 de septiembre.

Esta serie de siete episodios nos lleva hasta Crockett Island, en donde tan solo 127 habitantes viven a la espera de la vuelta de su anciano párroco. Un lugar muy católico que recibe la visita de un sustituto para sus misas. También regresa un joven hijo pródigo que llevaba fuera años tras estar encarcelado. A partir de entonces y de menos a más las cosas raras van sucediendo. Lo que al principio me ha recordado un poco a ‘El tercer día’ después se ha convertido en una especie de ‘Cocoon’ malvado. Se acaba inclinando más y más hacia el terror, como era de esperar siendo una serie de Flanagan y también, como cabía imaginar, se divide entre las batallas personales de cada uno y lo fantástico o misterioso.

La mezcla de drama, religión y fantástico terrorífico recuerda un poco a Stephen King, a quien ya versionó Flanagan en 2019 como he mencionado antes. La serie nos deja intuir ya en su segundo capítulo de qué trata y en el tercero lo desvela abiertamente, aunque con constantes tabúes. Entonces diréis, si se descubren las cartas en el tercero, ¿luego qué? Posteriormente la serie mantiene nuestro interés porque ‘Misa de medianoche’ reescribe uno de los mitos del terror más clásicos y lo hace de un modo creativo e interesante. Empuña una idea que usa el poder aterrador de Dios, un discurso aplastante y nuevo que se agradece, hace que merezca la pena todo lo que tarda en arrancar. Algunas charlas y momentos como el final del episodio cinco son prueba de ello. De hecho ese quinto capítulo podría funcionar como una película por si sola que nos asalta con un final desolador. A partir de ese momento ya se desata la cosa.

Como es de imaginar la nota religiosa domina la serie. Partamos del hecho de que se llama ‘Misa de medianoche’ y sus episodios llevan nombres de libros de la Biblia tales como Génesis, Salmos, Proverbios, Evangelio… Todo el discurso de esta inteligente producción se fundamenta y adorna con la parafernalia católica. Estos argumentos no solo se desarrollan con una relación fantástica, también cogen fuerza con dos grandes interpretaciones, la de Hamish Linklater en la piel de un joven cura que resulta tan reconfortante como eufórico y la de Samantha Sloyan que lleva a cabo un papel que recuerda al de Marcia Gay Harden en ‘La niebla’ de Frank Darabont, una católica remilgada y soberbia a la que le coges manía desde su primera escena.

Fe y culpa. El magnetismo de la palabra y obra de Dios frente al raciocinio que ve que Dios permite sufrimiento y horrores en su misterioso e inescrutable plan. Abundan los discursos que mutan muy convenientemente según se suceden los hechos. ‘Misa de medianoche’ lleva hasta el extremo el que muchos confundan el “ver es creer” con el “creer es ver”, las trampas y las vendas que la fe pone a aquellos que son fundamentalistas.

Además de esos dos protagonistas aparecen otros habituales de Flanagan como su esposa Kate Siegel o Henry Thomas. Algunos de ellos aparecen muy maquillados, envejecidos. Esto también hace que te veas venir que más adelante conoceremos una versión más jóvenes de ellos, pues de lo contrario el casting incluiría a actores más mayores que se les pareciesen. Y cuando descubres que eso tiene su utilidad y sentido te vuelve a pasar lo mismo que cuando descubres el pastel en el segundo episodio, que se mantiene el interés. El trabajo de maquillaje es muy importante, está bien ejecutado, como no lo estuvo en ‘Tiempo’ y eso que ahí era igual de necesario.

‘Misa de medianoche’ tiene tomas que ya reconocemos como propias de Flanagan. Vemos secuencias aéreas como las que usó en ‘Doctor Sueño’ o planos americanos muy al estilo de aquellos que nos inquietaban en ‘La maldición de Hill House’. Esta serie se aleja de esa propuesta pues el argumento es muy diferente, no obstante también nos pide una paciencia que acaba siendo recompensada.

Crítica: ‘Jaguar’

Naziexplotaition española de calidad

El próximo 22 de septiembre se estrena en Netflix una nueva producción española. ‘Jaguar’ llega con 6 episodios llenos de acción y emoción, algo ya típico en las producciones de quienes la han creado Ramón Campos y Gema R. Neira (‘Fariña’, ‘Velvet’, ‘Instinto’).

Partiendo de un hecho que fue real, que muchos nazis pasaron por España para continuar su huida hacia el otro lado del charco, ‘Jaguar’ nos propone una cacería. Un título que se va a unir a otros ya vistos como ‘Malditos bastardos’ o ‘Hunters’. En esta película también tenemos a un grupo que busca atrapar a antiguos miembros del partido alemán y quiere darles caza para ponerlos ante la justicia. Sin el carisma de ‘Hunters’ o la violencia de la película de Tarantino consigue engancharnos.

Esta especie de Equipo A sesentero está liderado por un elegante Iván Marcos que luce tanto músculo como en ‘Malasaña’. Pero la protagonista real es Blanca Suárez quien ejecuta el que probablemente será el papel con más acción de su carrera. Junto a ellos están Francesc Garrido, Oscar Casas y Adrián Lastra. Este último suele tener papeles más charlatanes y aquí os va a sorprender.

‘Jaguar’ nos traslada a 1962 y allí unos españoles que consiguieron sobrevivir a los campos de concentración nazis buscan su venganza. Este es un busca y captura sin redes sociales o móviles, a base de jugársela con vigilancias e incursiones. Pero sobre todo es una serie de ideales. No me refiero a que esté todo lleno de rojo y gualda, aguiluchos o yugos y flechas, me refiero a ideales humanos, a principios morales y a la ejecución de una justicia, de esas que nunca llegan o que ninguna ley de memoria histórica puede alcanzar a satisfacer.

Probablemente surja una vez más la discusión entre nacionales y republicanos, de hecho, hoy en día por desgracia está cada vez más en auge. La serie azuza ese conflicto y aunque la trama le obligue a arrimarse a la izquierda de las Brigadas Internacionales o de la CNT la finalidad no se percibe orientada a la política.

Es como si esta fuese una apuesta más por la naziexplotaition pero a la española, ‘Jaguar’ pretende mostrar a un equipo enrabietado por lo que ha sufrido, pero a su vez controlado por sus conflictos morales, tales como la fe en un Dios que permite el holocausto, la línea que se puede atravesar al matar a alguien, el resultado que pueden tener sus actos para la historia… Todos los personajes sufren de alguna manera pero es sobre todo el de Blanca Suárez quien tiene que debatirse entre su ira y su dolor al mismo tiempo.

Bien es cierto que a veces la ambientación parece demasiado moderna, que las peleas se disimulan con mucho movimiento de cámara o que la actuación de Oscar Casas deslucen la historia. Pero ‘Jaguar’ tiene intriga, y curiosidades ya que introduce alguna que otra cosa real. Bien es sabido de la red Odessa y del amiguismo que había entre la esvástica y el águila de San Juan.

Referencias históricas hay. Desde los paseos por El Prado hasta las calles de Madrid cuyos edificios han cambiado de función para dar cobijo a fiestas o sedes de los años sesenta. Pero también las hay culturales. Por ejemplo el opening animado viene acompañado de la versión de “Vientos del pueblo” realizada por Ebri Knight. Os va a recordar a los carteles de José Bardasano o Josep Renau, lo cual es lógico pues pone música al poema de Miguel Hernández Gilabert. Quizá pase con esta canción como con el “Bella ciao” de ‘La casa de papel’, espero que al menos la curiosidad haga que los espectadores descubran su verdadero origen. También suenan temas como el “Adiós a España” de Antonio Molina, la “Tómbola” de Marisol, “El emigrante” de Juanito Valderrama e incluso el himno nazi.

‘El ángel exterminador’ de Buñuel es otro huevo de pascua que vemos en uno de los episodios. La serie está relacionada con esa película pues aquí también nos adentramos en la clase alta de la época para descubrir que los lujos y los buenos ademanes esconden intenciones repugnantes y un pasado reprobable. Muy buena esa analogía que además viene acompañada de mucho ritmo.

Entrevistamos a los artífices de ‘El club del paro’

Unas cañas con David Marqués, Carlos Areces, Eric Francés y Adriá Collado

Juntarse con amigos entorno a una mesa de un bar o ir al cine a ver una buena comedia es algo que poco a poco vamos recuperando con mucha felicidad. Las carteleras vuelven a llenarse de buena oferta de películas y los colegas vuelven a llamar para quedar. Esas dos cosas son las que fomenta ‘El club del paro’, llamándonos para ir a los cines, comentar en corrillos y volver a vivir esas charlas de bar que tanto se echan de menos.

La nueva película escrita y dirigida por David Marqués (‘Campeones’) es ‘El club del paro’ (crítica aquí en texto y aquí en vídeo). En ella cuenta como unos amigos se juntan todos los días para tomar unas cañas mientras divagan sobre su día a día y, como hacemos todos los españoles, para solucionar los problemas del país.

Una comedia rápida, ágil, corta y sencilla con la que muchos seguro que os sentís identificados, por lo menos con alguno de sus personajes. Tuvimos la ocasión de hablar con el director y con tres de sus cuatro protagonistas: Carlos Areces, Eric Francés y Adriá Collado. Nos faltó el cuarto, Fernando Tejero, que no pudo estar presente.

Crítica de la tercera temporada de ‘Sex Education’

Estupenda vuelta de ‘Sex Education’ con sus extraños alumnos

El 17 de septiembre vuelve la tercera temporada de ‘Sex Education’ a Netflix. Volvemos a Moordale, el llamado Instituto del Sexo, con una nueva directora, Hope, de armas tomar. Los alumnos se enfrentan a un curso de desinformación y miedo.

Otis y Meave han dejado el consultorio y con ello su amistad. Ambos están enfrascados en distintas historias que les están haciendo aprender y crecer. La historia de Meave e Isaac va perdiendo poco a poco interés, pero sí que tiene más de un momento bonito. Mientras Otis y Ruby, crean una extraña pareja que creo que os va a encantar.

Adam, poco a poco comienza a sentirse mejor con él mismo, es sin duda el personaje que más me ha gustado esta temporada. Su evolución es real y está magníficamente plasmada gracias, Connor Swindells, actor que lo interpreta.

Su relación con Erik hará que descubra muchas cosas y logre poco a poco abrirse al mundo a su manera, por supuesto.

En esta nueva temporada contaremos con alienígenas, magdalenas vaginales y animales de compromiso.

Vemos también que al igual que en las relaciones adolescentes comienzan a conocer el dolor, la alegría y el amor. Las relaciones de los personajes adultos van por el mismo camino, ilusiones y desilusiones a partes iguales.

Como siempre las actuaciones en general están genial. Un reparto joven, pero que borda todo lo que les ponen. Al final son todo personajes distintos y bastante peculiares y la verdad que es una de las esencias de la serie. Tenemos dos caras nuevas, Jemima Kirke, dando vida a la profesora Hope y a Jason Isaacs, que da vida al insoportable tío de Adam.

Si que se nota un montón la evolución de todos. Adultos y adolescentes, pero los chavales están creciendo y dándose cuenta de que la vida es bastante complicada. Cuando hay ciertas situaciones que no son todavía capaces de superar pese a creerse adultos.

Esta temporada trata mucho del crecimiento personal, de lograr pasar al siguiente nivel sabiendo que en la vida van a tener que llorar, reír y sobrevivir. Aceptarse a sí mismo y a los demás. También el saber dejar marchar y dejarse volar por mucho que quieras a una persona.

Al igual que la anterior temporada me dejó un poco floja por ciertos acontecimientos que ocurrían. Esta tercera, vuelve a su curso para devolvernos esa locura especial que la caracteriza. Esperemos que vuelvan pronto para conocer como les ha ido en verano a nuestros personajes.

Crítica: ‘Dune’

Sinopsis

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‘Dune’, el viaje de un héroe mítico que soporta una enorme carga emocional, cuenta la historia de Paul Atreides, un joven brillante que ha nacido con un destino más grande que él mismo. En esta epopeya, deberá viajar al planeta más peligroso del universo para asegurar el futuro de su familia y de su gente. Mientras las fuerzas del mal se enfrentan para hacerse con uno de los recursos más excepcionales del planeta, que tiene el poder de desbloquear todo el potencial de la humanidad, solo los que logren dominar sus miedos podrán sobrevivir.

Crítica

**¿La mejor película del año? Yo diría que sí. ‘Dune’ llega para llenar las salas de cine**

Este viernes 17 de septiembre llega a nuestras salas uno de los eventos cinematográficos del año, ‘Dune’ de Denis Villeneuve. Me quedé sin palabras al ver algo tan monstruoso como esta cinta de ciencia ficción que el director canadiense ha logrado crear.

Basada en la novela de Frank Herbert, ‘Dune’ nos lleva a una gran disputa por el poder de la Especia. Esta Especia se encuentra en el planeta Arrakis, donde residen los Fremen, un pueblo autóctono del planeta al que le han quitado todo. Allí es donde el emperador manda a la familia Atreides para que sean los encargados de extraerla. Después de haberles quitado esa competencia a la familia Harkonnen. Lo que los Atreides no se esperan es que esto va a terminar en guerra.

Después de una adaptación bastante fallida de David Lynch y un intento por parte de Alejandro Jodorowsky para llevar ‘Dune’ a la gran pantalla, Denis Villeneuve ha sacado su magia y sin duda ha creado una obra maestra.

Estamos hablando de una primera parte. Pero si la primera ha sido así, no me quiero imaginar la segunda, cuando ya hemos visto toda una introducción al mundo de Herbert.

Nunca he leído el libro al completo pero sí que puedo decir que hasta donde he llegado es bastante fiel. No del todo, pues tienen algunas licencias que la verdad tampoco molestan.

Para que esta película sea tan perfecta se han juntado muchas situaciones, una, la dirección de Villeneuve, impecable. Dos, una fotografía de ensueño, Greig Fraser, es el encargado de esta y el trabajo que ha realizado sin duda va a ser nominación para los Oscar. Al igual que la tercera maravilla de la película, Hans Zimmer. Demos gracias que dejó tirado a Christopher Nolan e hizo esta maravillosa banda sonora, sin ella, ‘Dune’ no sería tan espectacular e inmersiva.

Sí, porque es una película, en la que te introducen, gracias a las imágenes y a su música, esa música llena de instrumentos de vientos y percusión. Es alucinante, puede ser agobiante, pero también de eso se trata, que te inquiete como a los protagonistas.

Y por supuesto, no me quedo sin hablar de su reparto, extenso y sin duda no podía ser mejor. Desde Oscar Isaac, pasando por Rebecca Ferguson, Jason Momoa, Timothée Chalamet, David Dastmalchian, Dave Bautista, Josh Brolin, Zendaya, Javier Bardem, Stellan Skarsgard, Charlotte Rampling, Chen Chang, entre muchos otros.

Si me parase a hablar de cada uno de ellos, esta crítica no terminaría. Pero por comentaros, Timothée Chalamet me ha vuelto a sorprender y sin duda estoy dejando atrás esos prejuicios hacia este actor y estoy viendo que de verdad se merece todas las ovaciones que ha recibido hasta ahora. Stellan Skarsgard está imponente, el físico que Villeneuve le ha colocado es bestial y nunca mejor dicho, pues la intención del director es que este personaje pareciese un grandioso rinoceronte.

Qué decir de ella, Rebecca Ferguson como siempre no defrauda y es que me encanta todo lo que hace, aquí no es distinto, de hecho tiene un papel muy potente. Y para terminar, como he dicho por mencionar a unos cuantos, el eterno secundario de las cintas de superhéroes, al que este año pudimos ver también en ‘El Escuadrón Suicida‘, David Dastmalchian, nos da un personaje de lo más extraño y que la verdad le pega un montón.

Como curiosidad, hubo una cosa que me llamó mucho la atención. Los guiños hacia la tauromaquia en la película, incluso aparece alguien ataviado con un traje de luces y me puse a indagar y es un guiño a la novela.

Para terminar, le pongo dos pegas a la película que son insulsas. Una es, la falta de sangre en las batallas y la otra la lucha con los escudos. Evidentemente están mucho mejor resueltos que en la película de Lynch, pero aun así, me siguen pixelando a los personajes y con un sonido estridente cada vez que les dan en ellos hace que las peleas lleguen a ser confusas.

Por lo demás, id al cine, llenad las salas y disfrutad de esta experiencia en pantalla grande. Y ojalá pronto tengamos noticias de la segunda parte y podamos hablar pronto de ella.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Dune. Duración: 155 min. País: EE.UU. Dirección: Denis Villeneuve. Guion: Eric Roth, Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Dave Bautista, Stephen McKinley Henderson, Zendaya, David Dastmalchian, Chang Chen, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Jason Momoa, Javier Bardem. Producción: Legendary Entertainment, Villeneuve Films, Warner Bros. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, drama, adaptación. Web oficial: https://www.warnerbros.com/movies/dune

Crítica: ‘Las consecuencias’

Sinopsis

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En un viaje a una pequeña isla volcánica, Fabiola se convierte en espía de su hogar. No tiene evidencias ni certezas, pero su intuición le dice que no todo es lo que parece. Se debate entre el miedo a lo que puede encontrar y la necesidad de obtener respuestas. ¿Hasta dónde hurgar en la intimidad de los demás? ¿Hasta dónde mentir para proteger a la gente que quieres?

Crítica

Ahonda en lugares y dolores escabrosos y remotos

Una madre viuda (Juana Acosta) convive con su padre (Alfredo Castro) y su hija (María Romanillos). Pero también vive con el dolor y el trauma del accidente de submarinismo que la dejó sin esposo. Claudia Pinto nos ofrece una historia de familia, raíces, cicatrización y expiación.

Esta película, dedicada al diseñador de producción Floris Vos y a la asistente de producción Lucia Blasco, nos habla de la repercusión de contener el dolor, de callarse secretos o por el contrario las consecuencias de inmiscuirse en el pasado o mente de nuestros allegados. Cuando hablamos de los efectos trascendentales de aquello que hacemos (o no hacemos) es fácil arribar en relatos muy dramáticos. Este en concreto es de los ariscos, taciturnos e incluso turbios.

Dicho esto, hay que admitir que ‘Las consecuencias’ tiene un gran trabajo de dirección y guión. Se percibe cuando se descubre que la historia y los actores nos están contando muchas cosas pero sin exteriorizarlas, simplemente con miradas, gestos y contenciones. Al final la película explota en revelaciones verbalizadas y tiene incluso varios momentos en los que Claudia Pinto podría haber clausurado el filme. Peca de explicativa, ya iba sobrada con las insinuaciones que ha ido dejando caer.

Y si he llamado arisco al filme no es solo por el carácter de las relaciones que tienen entre si los personajes. También es por su paisaje. Las islas de La Gomera y La Palma tienen un gran panfleto turístico en ‘Las consecuencias’. Sus paisajes más abruptos sirven de escenario para llevarnos a localizaciones remotas, apartadas de toda civilización. En ese oasis isleño es donde Pinto nos aparta y dónde desarrolla una historia de reconciliación y conflictos.

Podría decirse que el protagonismo recae en Juana Acosta, la cual hace una buena interpretación, a veces nada sencilla. Pero delega buena parte del peso de la película en María Romanillos, quien ejerce de su hija, aquella que sufre las consecuencias del comportamiento de su madre. Un personaje que tanto en la ficción como en la realidad demanda nuestra atención.

Hace poco en ‘Worth’ oía una frase que decía algo así como “derribaron el puente por el que luchabas, no a ti”. Pues algo así sucede en esta película. A la protagonista se le ha muerto el marido, pero su familia demanda que ellos siguen ahí y que ella si está viva. Ese abandono familiar al que se somete el personaje de Juana Acosta tiene repercusiones que tanto actriz como directora plasman muy bien. Cual exploradores dirigiéndose a la Isla Calavera la protagonista se aísla encaminándose a un enfrentamiento con miedos de carácter monstruoso. Claudia Pinto ha sabido manejar muy bien la prisión que supone nuestra propia mente cuando se niega a aceptar lo sucedido.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Las consecuencias. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Claudia Pinto Emperador. Guion: Claudia Pinto Emperador, Eduardo Sánchez Rugeles. Música: Vincent Barriere. Fotografía: Gabriel Guerra. Reparto principal: Juana Acosta, Alfredo Castro, María Romanillos, Carme Elías, Sonia Almarcha, Héctor Alterio. Producción: N279 Entertainment, Potemkino, Radio Televisión Española, Sin Rodeos Films España. Distribución: Syldavia Cinema. Género: drama, misterio. Web oficial: http://www.sinrodeosfilms.com/las-consecuencias/

Crítica: ‘El club del paro’

Sinopsis

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Cada mañana, sea el día que sea, Fernando (Carlos Areces), el Negro (Eric Francés), Jesús (Fernando Tejero) y Benavente (Adrià Collado), cuatro amigos, se reúnen en un bar a tomar unas cañas y arreglar el mundo a su manera: criticando y despotricando contra todo y contra todos. Tienen algo en común, están en paro, bueno… todos, menos uno.

Crítica

Fijo que en varias escenas os veis ridiculizados o incluidos en El club del paro

Si hay algo que nos caracteriza a los ciudadanos españoles es el tomarnos la vida a guasa y el creernos más listos que nadie. Todos decimos que los taxistas siempre dicen saberlo todo, pero nadie se libra de ejercer de cuñado. Éstos factores son la nota predominante en ‘El club del paro’.

La nueva comedia de David Marqués, que parte de un cortometraje que hizo en 2013 reúne al mismo reparto salvo que incluye a Fernando Tejero en lugar de a Alberto San Juan. Se amplía la historia y vemos mucho más allá de lo que es la reunión diaria que tienen estos cuatro “amigos”. Amigos que hay que entrecomillar porque literalmente se desprecian y se tienen cariño a la vez. Así lo demuestran en las conversaciones que tienen sentados en la mesa de su nuevo Bar Rami (¿Cómo guiño a Sam Raimi?) y en las entrevistas que les hacen al más puro estilo confesionario Gran Hermano de parroquianos.

Cada uno de los protagonistas tiene una personalidad radicalmente distinta y uno solo he atinado a comprender que son amigos por el hecho de encontrarse en situación de desempleo, salvo uno de ellos. Estaría bien saber el origen de su amistad pero viendo la película creo que más bien nos quieren relatar el final, ya que no hacen más que tirarse los trastos a la cabeza. Esas riñas que tienen entre ellos nos traen cómicas situaciones alimentadas sobre todo por malentendidos a la hora de captar la intencionalidad o palabras que se dicen los unos a los otros. Algo muy similar a lo que le pasaba a veces a Javier Gutiérrez y su equipo en ‘Campeones’, película que también escribió David Marqués.

Pero además de la comedia que tiene, ‘El club del paro’ aprovecha para hacer muchísima crítica social tocando un montón de palos. Bien es cierto que algunos gags no llegan a hacer efecto, pero sin embargo si se consigue hacer mofa de la más reciente actualidad. No solo se toca el tema político, muy bien encarrilado para no alinearse con absolutamente ninguna vertiente de pensamiento, sino que también es capaz de reírse bastante de la pandemia que aún hoy en día no hemos superado. Está muy presente el concepto de negacionismo, el papel higiénico, las mascarillas, el 5G, las conspiraciones, el teletrabajo, los chinos que comen murciélagos… Si nunca habéis oído nada acerca de teorías de reptílianos o illuminati David Marqués y su equipo os van a acercar a ellas.

Básicamente en lo que consiste el club del paro es en mostrar cómo somos los españoles, quizá en un punto algo extremo, claramente orientado a la parodia, pero estoy seguro de que va a conseguir alinearse con todos aquellos que están o han estado en situación de desempleo de larga duración. Es el papel de Carlos Areces es el que mejor nos acerca a ese sentimiento de indignación e incluso envidia que se siente cuando uno tiene una vocación o profesión y se ve en la cola del SEPE.

Este no es un filme político, ni mucho menos. Es una película sarcástica y caricaturesca de esos españoles que llevan un parroquiano dentro. Si, se citan episodios conocidos como el de los sobres de Bárcenas pero ya os digo que os vais a quedar más con el concepto de “ensobrar” que tiene Tejero.

Los personajes de la película son de esos que pasan de querer comerse el mundo a que el mundo no se los coma. Salvo el de Adriá Collado que interpreta a alguien más noble que los borricos en contraposición del jeta que encarna Eric Francés. Fijo que todos tenéis en vuestro grupo al buscavidas, el honesto, el paranoico y el que se hace el íntegro, fijo que en varias escenas os veis ridiculizados o incluidos en El club del paro

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de septiembre de 2021. Título original: Duración: 87 min. País: España. Dirección: David Marqués. Guion: David Marqués. Música: Muchachito Bombo Infierno. Fotografía: Guillem Oliver. Reparto principal: Carlos Areces, Fernando Tejero, Adriá Collado, Eric Francés, Antonio Resines, Carmen Ruiz, Javier Botet, Fernando Colomo. Producción: Sunrise Pictures Company, Telespan 2000. Distribución: Vértice Cine. Género: comedia. Web oficial: https://sunrisepictures.es/el-club-del-paro/

Crítica: ‘Josee, el tigre y los peces’

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Josee es una chica que ha estado postrada en una silla de ruedas desde su infancia y habita en su propio mundo de pinturas, libros e imaginación. Un día, cae por una pendiente y solo la oportuna aparición de Tsuneo evita que se estrelle contra el suelo. Tsuneo estudia biología marina con el sueño de ver algún día a un pez fantasma que vive únicamente en México.

Como consecuencia de su encuentro casual, la abuela de Josee ofrece un trabajo a tiempo parcial a Tsuneo como cuidador de la muchacha. Aunque la egoísta y exigente Josee no le pone las cosas fáciles a Tsuneo, este decide no arrugarse ante ella.

Fruto de ese toma y daca, la distancia que separa los corazones de ambos se reduce y Josee decide saltar con Tsuneo al mundo exterior con el que solo había soñado.

Crítica

Un romance suavizado con la discapacidad motriz como herramienta narrativa

Una chica en silla de ruedas que vive con su abuela y un chico que trabaja en una tienda de buceo para costearse sus futuros estudios en México. Estos son los dos protagonistas de ‘Josee, el tigre y los peces’. Un cuento moderno que a priori podría parecer un mero romance o una historia sobre la accesibilidad en la gran ciudad, pero que tiene algo más que contarnos.

El relato corto de Seiko Tanabe cuenta ya con una versión de acción real que data de 2003 y es ahora la de animación la que llega a nuestros cines. ‘Josee, el tigre y los peces’ cuenta la historia de dos jóvenes cuyas vidas se cruzan fortuitamente. Él le salva la vida a ella (cosas que peca de reiterar el filme) y desde ese momento comienza una historia de descubrimiento, tanto personal como social.

Si conocéis la reciente película ‘A silent voice’ ya podéis haceros a la idea de qué tono lleva la historia de Kotaro Tamura. Es un filme melodramático con bastante jugo. En el caso de ‘Josee, el tigre y los peces’ sucede igual pero se aligera el toque romanticón, aunque hay un predecible triángulo amoroso, incorporando algo más de comedia al más puro estilo japonés.

La película abrió Annecy y la academia japonesa la nominó a mejor película de animación en 2020 y sabiendo el nivel que tienen allí ya es un gran mérito. Iba a ver el filme conociendo estos detalles por lo que la expectativa era alta. Y la verdad es que he visto otros animes recientes mejores, pero no me ha defraudado. Cierto es también que para que para disfrutar la película tienes que estar acostumbrado tanto a los animes japoneses como a los romances. Pero este no es un caso excesivamente tradicional en cuanto al estilo nipón ni llega a ser un romance empalagoso.

Su animación no se percibe tan digital como estrenos recientes del tipo ‘El tiempo contigo’ o ‘Promare’. La animación tiene toques muy tradicionales y se asemeja más a obras de los noventa. No obstante vemos en ella artificios realizados por ordenador, como muchos movimientos que simulan un travelling o un desplazamiento de grúa que aportan cierto dinamismo, sobre todo en un par de escenas que requieren acelerar un poco el ritmo. Tiene un trazo fino y suave, con colores casi pastel y a veces líneas difusas para darnos una imagen la mar de amable a la vista.

Como decía esta película va de algo más que el plantearnos una pastelosa historia de amor o de mostrarnos cuántas dificultades tiene una persona con movilidad reducida en su casa o a la hora de enfrentarse a la configuración arquitectónica de su entorno. ‘Josee, el tigre y los peces’ intenta abrazar la ruptura de barreras y con esto no me refiero a un bordillo excesivamente alto. Cada cual se pone impedimentos a su progreso o se haya encorsetado por rutinas. La película de Kotaro Tamura, imagino que también el relato de Tanabe también, nos empuja a dejar nuestra tópicamente llamada zona de confort y de lanzarnos a hacer aquello que pensamos que nos hará felices.

‘Josee, el tigre y los peces’ no es un título únicamente para amantes de la animación oriental. Puede entretener a todo tipo de públicos e incluso tal vez tocarles la fibra a aquellos más escépticos. Aunque se perciba a veces egoísmo en alguno de sus personajes es indiscutible que nos anima a levantarnos del asiento y alcanzar nuestros sueños.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Josee to Tora to Sakana-tachi. Duración: 98 min. País: Japón. Dirección: Kotaro Tamura. Guion: Sayaka Kuwamura. Música: Evan Call. Canción: Eve. Reparto principal (doblaje original): Kaya Kiyohara, Taishi Nakagawa, Matsutera Chiemi, Kengo Kawanishi, Lynn, Yume Miyamoto, Kazuyuki Okitsu. Producción: BONES, Shôchiku, Kadokawa. Distribución: SelectaVisión. Género: adaptación, drama. Web oficial: https://www.funimationfilms.com/movie/josee-the-tiger-and-the-fish/

Crítica: ‘Worth’

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Tras los atentados de 2001 contra el World Trade Center y el Pentágono, el Congreso nombra al abogado Kenneth Feinberg (Michael Keaton) para dirigir el Fondo de Compensación a las Víctimas del 11 de Septiembre. Pero ¿cómo puede poner en valor las vidas perdidas?

Atrapado entre abogados que quieren demandar y los grupos de presión de las aerolíneas que quieren llegar a un acuerdo, Feinberg debe negociar con las familias de las víctimas. Cuando se enfrenta a Charles Wolf (Stanley Tucci), un organizador comunitario entre los afectados y cuya esposa murió en una de las torres, Feinberg empieza a conocer el coste humano de la tragedia.

Crítica

Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia

Pudiera ser que ahora que se cumplen 20 años del atentado de las Torres Gemelas en el 11 de septiembre podría parecer frívolo o comercial un estreno que trate precisamente sobre aquella tragedia. Pero ‘Worth’ llega, imagino que también para hacer caja, pero también para hacernos reflexionar sobre cómo algunas personas empezaron una lucha, no contra los talibanes sino contra su propio gobierno, tarando hacer entender lo incalculable de sus pérdidas.

Al igual que con ‘Spotlight’ los productores han procurado conseguir un filme analítico y punzante. Y es que frívolo es el cómo se quiso indemnizar a los familiares de los fallecidos. Personas que no tenían un cuerpo que enterrar y que sufrieron unas ausencias que a todos los niveles les trastocaron la vida.

El filme remarca que esos familiares serán los únicos en recordar realmente como eran los rostros de los que estaban en el World Trade Center el 11-S y lo hace ocultando sus caras en todos los planos. No busca dar pena a través de los muertos, sino a través de unos vivos que están muertos en vida con todo lo que están sufriendo. La burocracia siempre trivializa con sus tablas y números, con sus sistemas impersonales.

La película es sutil y respetuosa, sobretodo con los detalles escabrosos y intentando tener las torres siempre en el plano más secundario. El atentado generó gran número de pequeñas historias y el abogado Kenneth Feinberg (Michael Keaton) las tiene que escuchar para intentar hacer la labor que le han encomendado. “Worth” es “valor” en inglés. Al igual que hacemos en esta web intentamos no dar un valor cuantitativo al cine, si no cualitativo, sin puntuaciones. Lo mismo pasa con las indemnización y seguros de vida, nunca miran el lado humano y se basan en baremos generalizados que no se pueden aplicar a todos los casos, mucho menos a algo tan excepcional como un asesinato masivo. Es por eso que analizar la figura de aquellos que tuvieron que peritar lo sucedido resulta más que interesante.

El guionista, aunque suene a Frankenstein del aburrimiento, ha logrado una película cautivadora. Max Borenstein ha llegado casi siempre hasta nosotros con terror y fantástico a través de películas como ‘Gozilla’, ‘Kong: la isla calavera’ o la serie ‘The Terror’ pero demuestra que con un drama realista también se puede lucir. ‘Worth’ nos lleva por caras no conocidas de lo sucedido.

No se queda en lo superficial y va a los detalles. Complicada y peliaguda esta película y la tarea de quienes eligieron qué y a quién darle algo. Es por eso que tiene más mérito lo que ha conseguido Sara Colangelo con ‘Worth’. Más aún cuando tiene a su cargo a un peso pesado como Michael Keaton, quien a mi parecer actúa de un modo similar en casi todas sus películas y en esta se va a términos más fríos y menos de bufón o charlatán. Y es Stanley Tucci quien de verdad apunta alto con este filme. Su interpretación nos lleva a un personaje muy civilizado, dolido y ofendido, pero aun así sosegado. Tanto este personaje como ese tipo de personas son muy difíciles de encontrar y por eso su trabajo se encuentra dentro de lo raro y lo aplaudible. Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia. Representan dos caras de una misma realidad que dolorosamente tienen parte de razón.

Todos sabemos qué quieren las grandes empresas y no me gustaría verme en la situación de los protagonistas, pero no puedo dejar de pensar cuán hipócrita podemos llegar a ser los seres humanos al tachar de incalculable la vida de alguien y no obstante luchar por una compensación más alta. Mi reflexión es, si pensamos que todas las vidas son igual de incalculables por qué seguimos pidiéndole a alguien que las valorice. ‘Worth’ se mueve entre el dolor y los tiburones. No llega para resolver ningún misterio, simplemente para explicar una vez más cuan injusto o apático es nuestro sistema. Prueba de ello es la web que el personaje de Tucci tuvo que publicar para que modificasen el fondo de compensaciones. La tenéis disponible aquí, pero no entréis si no queréis haceros un gran spoiler.

Quizá leáis en esta crítica más reflexión que comentarios sobre la fotografía, montaje y demás. Pero es que su mérito está realmente en cómo nos hace replantearnos ciertas cosas entre aquello que tenemos asimilado como evidente. En ‘Worth’ vemos como el ser humano está sometido a uno de sus inventos, los números. Es por eso que trata sobre el valor de la verdad, de admitir realmente que lo que importa y lo que se busca son dos cosas distintas. Esto sucedía cuando cayeron aquellos rascacielos y aún se llevaban las torres de compact disc. Que tomen nota aquellos que trabajan en fondos de pensiones, bancos, seguros o similares pues todo lo deshumanizado que puede parecer lo que vemos en la película de Colangelo lo tienen día a día frente a las pantallas de sus ordenadores.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Worth. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Sara Colangelo. Guion: Max Borenstein. Música: Nico Muhly. Fotografía: Pepe Avila del Pino. Reparto principal: Michael Keaton, Stanley Tucci, Amy Ryan, Tate Donovan, Shunori Ramanathan , Laura Benanti. Producción: Anonymous Content, Higer Ground Productions, MadRiver Pictures, Paradise City Films, Riverstone Pictures, Royal Viking Entertainment, West Madison Entertainment, Wiffle Films. Distribución: Vértigo Films. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://madriverpictures.com/movie/what-is-life-worth

Crítica: ‘Mis funciones secretas’

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Otoño de 1989: mientras el muro está a punto de caer en Berlín, la policía secreta vigila a cientos de miles de personas en Suiza. Viktor, un policía de buen comportamiento, es infiltrado de incógnito en el Schauspielhaus de Zúrich por su superior Marogg para recabar información sobre la gente de izquierdas del teatro.

Cuando se enamora de la actriz Odile, la persona a la que debe observar, no hay vuelta atrás: debe decidir entre su misión y su corazón.

Crítica

‘Mis funciones secretas’ una función divertida y crítica de una época bastante complicada

Este viernes 10 de septiembre llega a nuestras salas ‘Mis funciones secretas’. Una divertida comedia sobre espionaje que nos ha gustado bastante.

Viktor es un policía en Suiza, correcto y que vive por y para su trabajo. Estamos en otoño de 1989 y mientras el muro está a punto de caer en Berlín. Suiza se encuentra en plena crisis social y se dedican a investigar a aquellos que tienen a favor de Moscú y el Pacto de Varsovia.

Aquí es cuando el superior de Viktor le manda infiltrarse en una obra de teatro como figurante, pues creen que alguno de los actores tienen intención de cometer algún atentado.

A partir de aquí, tendremos un serie de situaciones de las que nuestro protagonista tendrá que usar toda su inteligencia para poder salir airoso de ellas.

La película es divertida y sencilla, no trata de ser una película pretenciosa y eso es bastante bueno. Logra divertir y a la vez mostrarnos una crítica hacía esta época de desconfianza de los ciudadanos entre unos y otros.

Me ha encantado la manera de comparar el trabajo de espía con el de actor. A la vez de como vemos crecer a Viktor como persona. Se da cuenta de que la vida no es solo servir y trabajar, sino que hay mucho más fuera.

Dirigida por Micha Lewinsky y con guion de Plinio Bachmann, Barbara Sommer y el propio director, la película nos trae un reparto encabezado por Eva Bay, Philippe Graber, Peter Jecklin, Saladin Dellers, Thomas Douglas, Vera Flück, Urs Jucker o Kamil Krejcí, entre muchos otros. Todos ellos están en perfecta armonía en la película. Dando sintonía y realidad a la compañía de teatro que vemos en ella.

Si queréis ver algo para distraeros y pasar un buen rato sin necesidad de grandes efectos especiales ‘Mis funciones secretas’ es vuestra película. Con un guion ligero logra mantenernos pegados a la pantalla y disfrutar de las desventuras de Viktor.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Moskau Einfach! (One-way to Moscow). Duración: 99 min. País: Suiza. Dirección: Micha Lewinsky, Guion: Plinio Bachmann, Micha Lewinsky, Barbara Sommer. Música: Ephrem Lüchinger. Fotografía: Tobias Dengler. Reparto principal: Philippe Graber, Miriam Stein, Mike Müller. Producción: Langfilm. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: comedia, romance. Web oficial: https://moskaueinfach.ch/

Crítica: ‘Con quién viajas’

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Cuatro desconocidos quedan en el centro de Madrid para ir en coche a Cieza (Murcia), gracias a una aplicación de viajes compartidos. Durante el trayecto los pasajeros charlan sobre aspectos de su vida para romper el hielo. Todo fluye con normalidad, pero el conductor parece ocultar algo y se comporta de forma extraña. El viaje resultará muy surrealista, más divertido de lo que esperaban.

Crítica

Una sorpresa de viaje

Sorpresas reserva unas cuantas el viaje de ‘Con quién viajas’. Aunque esos giros o su esquema se pueden ver venir si uno está atento a las señales o si ha visto muchas películas, la obra dirigida por el debutante (en largometraje) Martín Cuervo termina siendo más agradable de lo que parecía, más traviesa y surrealista de lo que podría pronosticarse, siempre hay que confiar en el potencial de estas pequeñas propuestas.

Pequeña por número de reparto y por escasez de escenario. Solo cuatro viajeros reunidos por una app de viajes en un único coche que les lleva de la madrileña plaza de Las Ventas a la murciana localidad de Cieza. Una travesía que en tiempo fílmico se antoja largo pero que para el espectador se completa rápido.

La película nos junta a cuatro caras harto conocidas como son las de Salva Reina, Ana Polvorosa, Pol Monen y Andrea Duro. Precisamente esta cinta tiene un planteamiento similar a otra obra en la que ha trabajado Duro, ‘Perfectos desconocidos’: un único escenario, tensión, descubrimiento de secretos, toques de comedia, cruces de acusaciones, puesta en escena teatral… Claro está que aquí partimos del hecho de que los protagonistas sí que son desconocidos entre ellos y el toque de suspense lo tenemos desde el principio con las sospechas que levanta el personaje de Salva Reina. Ya de entrada sus miradas por el retrovisor pueden recordar a las de Russell Crowe en ‘Salvaje’ o a las de Joaquin Phoenix en ‘En realidad nunca estuviste aquí’, a si es que sospechas vais a tener sobre él.

‘Con quién viajas’ se basa en tensar aún más la situación que se vive cuando te montas en el coche de un desconocido. Las sospechas, los prejuicios, el nerviosismo o el desconcierto le juegan una mala pasada a estos personajes en más de una ocasión hasta que todo explota en ciertas revelaciones o confesiones. Tan ansiados están los personajes que pronuncian entrecortadamente o repitiendo frases, también proponiendo triviales maneras de pasar el trayecto que les queda. Por muy surrealista que acabe por ser su desenlace toda esa interacción entre ellos está plasmada de un modo que sí que se antoja real y ahí está la gracia.

‘Con quién viajas’ se presenta como buen visionado para el verano… o no. Si vas a irte de vacaciones y tu alternativa es reservar un asiento en un coche compartido esta película hará que te lo pienses dos veces. Este tipo de bromas como la que acabo de escribir es con el que juega ‘Con quién viajas’. Si por algo se pasa rápido es por el humor que tiene y la vis cómica de Salva Reina que se ríe aquí hasta de sí mismo jugando con su razonable parecido con Fernando Tejero.

Desde luego que el conductor que interpreta Reina peinado a lo Nino Bravo, con su cazadora vaquera retro y el afán por cantar a Los Brincos a grito pelado no da buen rollo. Pero hay que advertir que casi todos aquí tienen algo que ocultar. La película está bien contemporizada, sabe cuándo ir metiendo nuevos elementos y así jugar con la opinión y conciencia de quien la ve.

Que no pase inadvertido el como ‘Con quién viajas’ pone de relieve que nuestra huella digital nos hace totalmente rastreables. No sé si es algo voluntario o no, pero como moraleja me parece más beneficiosa que su lucha contra los prejuicios, que es válida, pero quizá más manida.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Con quién viajas. Duración: 87 min. País: España. Dirección: Martín Cuervo. Guion: Martín Cuervo. Música: Iván Valdés. Fotografía: Pablo Bürmann. Reparto principal: Salva Reina, Ana Polvorosa, Pol Monen, Andrea Duro. Producción: Álamo Producciones, A Contracorriente Films, Neón Producciones Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, thriller. Web oficial: https://www.acontracorrientefilms.com/film/detail/con-quien-viaja/in-cinemas

Crítica: ‘Kate’

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Tras ser envenenada durante su último trabajo en Tokio, una despiadada asesina tiene menos de 24h para averiguar quién ordenó su muerte y vengarse.

Crítica

Un suma y sigue para las herederas de Sigourney Weaver y Linda Hamilton

Cedric Nicolas-Troyan vuelve a nuestras pantallas y lo hace a través de Netflix. El autor de desatinos como ‘Las crónicas de Blancanieves’, realizador también de efectos especiales en muchos títulos, ha orquestado un estupendo filme de acción a pesar de contar un libreto nada elaborado y poco intrincado.

¿Por qué me ha gustado Kate? Básicamente es una película de acción, pero es de las que gustan por ser sincera en sus pretensiones y además por añadir otra heroína más. En ‘Kate’ nos encontramos a un experimentado Woody Harrelson que ha de ejercer de mentor de la asesina que interpreta Mary Elizabeth Winstead, la cual es la protagonista absoluta de la cinta. Ciertamente nos encontramos con la paradoja de tener dos películas de acción con protagonismo femenino en la misma semana ya que en cines españoles se estrena también ‘Gunpowder milkshake’. En ambas propuestas la protagonista ha sido entrenada para matar desde que era una niña y en ambas también alguien se la juega y acaba compartiendo aventura con una joven a la cual ha trastocado la vida.

El punto de ‘Kate’ es que empieza rápido como una carrera de venganza a contrarreloj, a lo ‘Crank’, también con mucha acción pero sin el carácter soez de la película de Jason Statham. Como dije con ‘Altered Carbon’ y como acabo de mencionar en mi publicación sobre ‘Gunpowder milkshake’, lo que nos rodea aquí son los neones y los complementos cuquis rodeados de tiros y sangre.

Mary Elizabeth Winstead mola y punto. Es una actriz habitual del género fantástico y de acción, una de las responsables (junto a Samara Weaving, Bella Heathcote, Chloë Grace Moretz y demás) de que vayamos viendo diversidad de historias y de géneros en el cine. El papel que interpreta aquí podría haberlo hecho tanto una mujer como un hombre, como ocurre en las otras películas que he citado en esta crítica. A aquellos que están anclados en los 80 descubrirán con asombro que mujeres como Karen Gillan, Blake Lively, Michelle Rodríguez o Mary Elizabeth Winstead en este caso, pelean, se manchan de sangre… Puede que muchos consideren que estas son películas de acción del montón, pero al fin y al cabo con títulos así se han forjado otros héroes de acción a lo Van Damme o Norris. Creo que con estos estrenos se está sembrando la semilla que hará que dentro de unos años hablemos de las heroínas de acción del primer cuarto del siglo XXI, aquellas sucesoras de Sigourney Weaver y Linda Hamilton. Aunque la trama sea la mar de arquetípica, si te gustan los clásicos de acción te gustará ‘Kate’, no por ser condescendiente o igualitario, sino por que Winstead realmente vale como heroína de acción.

Y a parte de la acción trepidante y abiertamente violenta podemos disfrutar de otro factor, el visual. Se percibe cierto amor por la cultura japonesa por parte de Nicolas-Troyan. Por todas partes nos tropezamos con detalles otakus o escuchamos J-pop. La puesta en escena puede antojarse friki pero nos da momentos muy intensos y efectivos como la persecución en coche o la pelea entre los shōjis, la cual tiene tantos destrozos como el enfrentamiento del baño de ‘Misión Imposible – Fallout’.

Ese provecho visual que se le saca a la ciudad nipona es lógicamente obra del director de fotografía Lyle Vincent, el cual ha hecho trabajos como ‘Amor carnal’ o ‘Una chica vuelve a casa sola de noche’, títulos que te entretengan o no consiguen grabarse en tu retina. Nos hace pasear por el Tokio más moderno y oculto, ese que está repleto de luces, suciedad y entretenimiento. Si esta película tuviese cyberpunk podríamos decir que Winstead está interpretando a la Mayor Kusanagi de ‘Ghost in the shell’ en una sencilla misión de asesinato.

Como decía antes, las características de este filme son las mismas que han forjado a grandes estrellas del cine blockbuster. Un villano escondido tras un ejército de secuaces, una historia de venganza, una protagonista dura de pelar y una acompañante del tipo “dolor de cabeza”. Una aporta el “drama” y el músculo y la otra pone la comedia, el contraste habitual de las buddy movies.

Os animo a acercaros a Kate, una mujer que está vendida pero que no deja de ser letal. Animo también, desde este tremendamente modesto texto, a las productoras a seguir haciendo películas de acción como esta, sangrientas, bien coreografiadas y si puede ser, con algo más de historia o sorpresa.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Kate. Duración: 106 min. País: EE.U. Dirección: Cedric Nicolas-Troyan. Guion: Umair Aleem. Música: Nathan Barr. Fotografía: Lyle Vincent. Reparto principal: Mary Elizabeth Winstead, Jun Kunimura, Woody Harrelson, Tadanobu Asano, Miyavi, Michiel Huisman, Miku Martineau. Producción: 87 North, Screen Arcade. Distribución: Netflix. Género: acción. Web oficial: ver en Netflix

Crítica: ‘Gunpowder Milkshake (Cóctel explosivo)’

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Sam (Karen Gillan) tenía solo 12 años cuando su madre Scarlet (Lena Headey), una asesina de élite, se vio obligada a abandonarla. Sam fue criada por “La Firma”, el despiadado sindicato del crimen para el que trabajaba su madre. Ahora, 15 años después, Sam ha seguido los pasos de su madre y se ha convertido en una cruel asesina a sueldo, tan eficiente como leal. Ella usa sus «talentos» para limpiar los líos más peligrosos de “La Firma”.

Pero cuando un trabajo de alto riesgo sale mal, Sam debe elegir entre servir a “La Firma” y proteger la vida de una niña inocente de 8 años: Emily (Chloe Coleman). Sam solo tiene una oportunidad para sobrevivir: reunirse con su madre y sus letales socias: “Las bibliotecarias” (Angela Bassett, Michelle Yeoh y Carla Gugino).

Estas tres generaciones de mujeres deberán aprender a confiar las unas en las otras, enfrentarse a “La Firma” y a su ejército de secuaces, y hacer frente a todos aquellos que se interpongan en su camino.

Crítica

Esgrime tantas buenas armas como objetos hay en su atrezo

Como seguramente saltará el tema quiero zanjarlo desde las primeras líneas y dejar claro mi enfoque con esta película. ‘Gunpowder Milkshake (Cóctel explosivo)’ es un filme que ha sido escrito y dirigido por hombres (Navot Papushado y Ehud Lavski) y es una película de acción en la que el protagonismo es exclusivamente femenino y funciona la mar de bien sin necesidad de usar argumentos rancios o de tener a las actrices luciendo el palmito, abstenerse salidorros. Tiene un marcado carácter feminista y no lo disimula con sus frases o sus referencias a Janis Joplin, Virginia Woolf, Charlotte Brontë… E incluso poniendo a todos los hombres en el bando de los malos y tontos hasta el punto de ser capaces de llevar un martillo a un tiroteo, como vemos en una gran escena con traveling a cámara lenta.

Y el mejor favor que le podemos hacer a esta película es considerar esos argumentos en pro de las mujeres, pero disfrutarla de manera normalizada, como otra más. ¿Cómo otra más? Quizá eso sería introducirla en un saco de películas irrelevantes que no se merece. ‘Gunpowder Milkshake’ es un filme de asesinas que el israelí Navot Papushado ha cargado de tiroteos y de peleas. Pero dota al metraje de un estilo moderno que le permite mezclar violencia explícita con humor, además de muy buen ritmo. Eso nos lleva a equipararla con películas como ‘Kingsman’ en la que nos introducen en organizaciones secretas y quienes las protagonizan van matando con mucho estilo por todo el mundo. La trama nos mete en la vida de una joven sicaria (Karen Gillan) que tropieza en uno de sus trabajos y debe abrirse paso a tiros para sobrevivir.

Este es un mundo de parafernalia elitista y secreta en el que unos son los mandamases, otras las que se manchan las manos, otras quienes surten de armas a los asesinos… Y está el médico que ilegalmente remienda las heridas. En la consulta y en el parking de este doctor suceden unas de las escenas con mejor acción y comedia de todo el filme. ‘Gunpowder Milkshake’ se enreda y complica para la protagonista de un modo francamente típico, pero bien llevado. Es de esas en las que la heroína tiene un delatador talón de Aquiles que le hace encontrarse con diversas encrucijadas morales.

Gillan está bien en ese papel y se luce en las escenas de acción más que en películas como ‘Jumanji’ y se aproxima más a los movimientos que hizo en ‘Guardianes de la Galaxia’, donde en la piel de Nebula se batió el cobre y peleó unas cuantas veces. Al final el camino que recorre su personaje es similar al de la saga ‘John Wick’ y se cruza con el de la trama de ‘Léon, el Profesional’. Se percibe que hay bien de extras y no tenemos el nivel de coreografías que ejecutó Keanu Reeves o el engatusamiento que lograron Jean Reno y Natalie Portman con su química. Pero hay carisma y buenas proezas físicas.

Es uno de esos filmes donde la acción se consigue recreando peleas en las que cualquier objeto del atrezo puede servir del arma. Esto lo hemos visto también en la saga de Chad Stahelski o en ‘Equalizer’ y parece que es una dinámica que sigue funcionando. Más que decir que se tira de ingenio cabe mejor usar la expresión menaje armamentístico del hogar. Y lo que parece funcionar también es rellenar la escenografía de ciertos elementos visuales. Está claro que el siglo XXI ha rescatado los neones de los años 80 y los ha hecho suyos. Pero más allá de eso están los detalles “monos” que llevan tan letales personajes y que al estilo de la mochila de unicornios que lucía lucía por ejemplo Joel Kinnaman en ‘Altered Carbon’ dota al filme de algo de ternura que contrasta con la sangre con la que está todo salpicado. De ahí que veamos bolsas de gatitos, móviles cucos con forma de panda…

Prefiero no destriparos cuáles son los roles o cómo intervienen las otras integrantes del reparto. Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh y Angela Bassett son quienes además de Ralph Ineson y Paul Giamatti acaparan el foco de las cámaras. Simplemente basta decir que son actrices de armas tomar y en la película hacen honor a esa fama. Chloe Coleman es la pequeña actriz que apunta maneras y ya figura en repartos de películas como ‘Avatar 2’ o la nueva versión de ‘Dragones y Mazmorras’, anotemos su nombre.

Tiros, fracturas y cuchilladas no le faltan a ‘Gunpowder Milkshake’. Al margen del tema del feminismo me gusta cómo pone en relevancia casi de tapadillo su crítica hacia el ostracismo que le estamos haciendo como sociedad a la literatura. Y es que usa como un lugar perfecto para esconder armas, dinero, documentación falsa… los libros de una biblioteca pues en estos tiempos apenas nadie las pisa. No es que esta sea una película trascendental, pero ahí está el detalle contra el consumismo y el maltrato a las letras.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de septiembre de 2021. Título original: Gunpowder Milkshake. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Navot Papushado. Guion: Navot Papushado, Ehud Lavski. Música: Haim Frank Ilfman. Fotografía: Michael Seresin. Reparto principal: Karen Gillan, Lena Headey, Carla Gugino, Michelle Yeoh, Angela Bassett, Paul Giamatti, Chloe Coleman, Freya Allan, Ralph Ineson, Adam Nagaitis, Ivan Kaye, Joanna Bobin. Producción: Studio Canal, The Picture Company, Studio Babelsberg. Distribución: Vértice Cine. Género: acción, thriller. Web oficial: https://www.studiocanal.com/title/gunpowder-milkshake-2020/

Así es el regreso de ‘Lo que hacemos en las sombras’ con su T3

Nuestros vampiros favoritos se ven en una posición que nunca imaginaron

Desde este viernes 3 de septiembre podemos disfrutar en España de la tercera temporada de ‘Lo que hacemos en las sombras’ que se ha estrenado con doble episodio. Tanto la primera como la segunda supusieron una prolongación magnífica de la película de Jemaine Clement y Taika Waititi estrenada en 2014. La segunda incluso podemos decir que tuvo mejor acogida pues además de confirmar lo estupenda que es esta comedia vino a animar nuestros confinamientos.

Tras dos temporadas hilarantes no se puede decir mucho más. He de declararme fan de esta serie y con esto también puedo reconocer que con ella pierdo casi toda mi objetividad. A si es que si escribo esta crítica es por recalcar que han vuelto estos patéticos vampiros y por reincidir en mi recomendación de que veáis ‘Lo que hacemos en las sombras’.

Patetismo y absurdo. La dinámica de ‘Lo que hacemos en las sombras’ temporada 3 sigue siendo la misma. Las historias incoherentes siempre cuesta mantenerlas o finalizarlas. Pero Jemaine Clement está sabiendo desarrollar su locura, siempre se le ocurre algo para seguir con ella. Ya de por si contar con la premisa de unos torpes vampiros, socialmente nulos y conviviendo juntos parece disparatada. Pero la serie va siempre un paso más allá y nos han posicionado en tal punto de ilógica que está preparada para que cualquier cosa valga.

Y aún con todo esto no nos esperamos nunca lo que va a suceder. En la temporada dos Guillermo (Harvey Guillén) montaba una escabechina vampírica a raíz de sus genes heredados de los Van Hellsing. Si esta fuese una serie al uso imaginaríamos que nos espera un enfrentamiento entre los vampiros y el hasta ahora su fiel familiar. Pero la cosa no va por ahí. Nandor, Laszlo, Nadja y Colin Robinson se ven en una posición en la que jamás pensarían que estarían. Un lugar que les abre todo un mundo de posibilidades, que nos hace conocer más este mundo vampírico y que por supuesto consigue que nos partamos de risa, ya sabéis lo habitual con Taika Waititi.

Tras el gran número de cameos de las otras temporadas cabía esperar que en esta hubiese nuevas apariciones. Hay nuevos personajes y por supuesto cameos. En uno de los dos primeros episodios ya tenemos uno que a los fans de la película original va a encantar. Y se intuye que con cierto personaje oculto hay aguardándonos una cara conocida.

En resumen. Continúa el humor negro y ridículo con el que nació esta franquicia. Vemos más que nunca que los vampiros dependen de Guillermo pero a la vez que le tienen miedo. Y lo vemos como siempre, en forma de falso documental, cámara en mano y con entrevistas tipo confesionario. Visto lo visto, no me entra en la cabeza que ‘Lo que hacemos en las sombras’ pueda disgustarme, ni con un cambio de tónica ni eliminando a alguno de estos queridos personajes. Os recomiendo que le hinquéis el diente pues es una inyección de oxígeno.

Crítica: Primeros episodios ‘La Casa de Papel: Parte 5’

En esta guerra tendrán que sobrevivir luchando hasta el final

Hemos tenido la oportunidad de ver los dos primeros episodios de la primera parte del final de ‘La Casa de Papel: parte 5’. Esta quinta temporada tan esperada llega este viernes 3 de septiembre con los primeros cinco episodios. Para concluir el 3 de diciembre con los siguientes cinco episodios.

¿Qué decir? Seguimos desde el final tan tremendo de la cuarta temporada (no seguir si no habéis visto el desenlace del último episodios), en donde Alicia Sierra ha conseguido encontrar al Profesor y nuestros protagonistas están tras las cuerdas con la llegada del ejército.

Una de las cosas que más me gusta de esta serie, es que ha llegado un momento en el que se les va de madre y aun así sigue siendo muy disfrutable. Como espectador, llega un momento que quizás tengas que dar varios saltos de fe para creerte todo, pero lo dicho, sigue deleitando a sus fans.

Llena de acción y de situaciones que llegan a ser algo absurdas. Como un destacamento de lo que podría llamarse mercenarios, que podemos ver ya en el tráiler, la serie avanza con rapidez. También os digo, ¿si las series estadounidenses logran convencernos de verdaderas locuras, por qué nuestras series no van a ser capaces de lo mismo?

Sí, solo hemos podidos ver los dos primeros episodios y aun así ocurren ciertas cosas que van a ser bastante decisivas para el desenlace de nuestros protagonistas. O al menos esas son las sensaciones que nos han dejado al terminar el segundo episodio.

Vemos dos caras nuevas. Ya os hablamos hace poco de ellos en uno de nuestros artículos de presentación de esta quinta temporada. Conoceremos al hijo de Berlín, interpretado por Patrick Criado (‘Antidisturbios‘). Y veremos un poquito más del pasado de Tokio y del amor de su vida interpretado por Miguel Ángel Silvestre (’30 Monedas’). Supongo que a lo largo de la temporada se les verá más o tendrán más transcendencia. Porque lo que es en estos episodios simplemente han sido una mera presentación de ambos.

En cuanto a los actores, como siempre no decepcionan y podremos ver la cara más terrible de Alicia Sierra (Najwa Nimri) la cual ya ha perdido todo y le da lo mismo arriesgar lo poco que le ha quedado por toda su rabia contenida hacia el Profesor.

Poco más puedo comentaros, han vuelto y con ganas de guerra. Como siempre el trabajo de acción de sus protagonistas es maravillosa y no tienen que envidiar a ninguna otra producción extranjera.

Crítica: ‘El tubo’

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Tras subirse en el coche de un desconocido, Lisa se despierta en el interior de una estrecha tubería. En su brazo tiene un brazalete con una cuenta atrás. La joven no sabe por qué está allí, pero pronto comprenderá que deberá llegar a sus límites de resistencia física y psicológica para sobrevivir a esta trampa claustrofóbica.

Crítica

Más allá de lo metafórico o caprichoso se percibe una agradable intención de contar algo

Mathieu Turi no es un nombre muy conocido aún en España, pero pronto lo será. El director, que ha sido mucho tiempo asistente de grandes directores como Tarantino, inició hace no mucho una carrera en el campo de los largometrajes de terror y la calidad de sus trabajos está yendo a más. En esta web os hablamos de ‘Hostille’, un título donde una chica trataba de salir de un coche que era asediado por las inclemencias de un peligroso desierto y las criaturas que lo habitan. Con ‘El tubo’ se pone aún más claustrofóbico si cabe.

En este filme lo que sucede es que tras montarse en el coche de un peligroso desconocido despierta en un tubo. Intentará escapar de él, pero la situación se vuelve cada vez más y más extraña. Con esta premisa sobra decir que ‘El tubo’ recuerda a títulos como ‘Cube’, ‘Buried’ o las recientes ‘Tin Can’ u ‘Oxígeno’, de su compatriota Alexandre Aja. No esperéis trampas a lo ‘Cube’, las hay pero no tan sesudas o sanguinolentas. La protagonista interpretada por Gaia Weiss tiene un recorrido más arduo que el más difícil de nuestros lunes, pero el verdadero valor de esta película es su interpretación y las molestias que se han tomado en contar una historia.

Es fácil encerrar a una protagonista y hacérselas pasar canutas porque sí. Originalmente ‘Cube’ era algo por el estilo, más adelante con sus secuelas se desarrolló su discurso. Contaros la intencionalidad oculta de este filme sería romperos su gracia. Lo único que puedo decir es que a partir de determinado giro todos llegamos a una interpretación más o menos idéntica. Es innegable que ‘El tubo’ despierta curiosidad e intriga. Es enigmática, metafórica, a veces parece que un poco caprichosa con sus elementos, pero explicada al fin y al cabo. Donde causará más discrepancia de opiniones es con su ultimísima y desconcertante escena.

Y cuando me refiero en que se han tomado molestias en contar una historia también me refiero a la fotografía y el diseño de producción. Mathiew Turi ha contado con parte de su equipo habitual como el compositor Frédéric Poirier, pero para la historia es aún más importante la búsqueda de imágenes por parte del camarógrafo Alain Duplantier. El estudio de la escenografía planteada por el director es algo magnífico. Consiguen muy buenas tomas y agobiantes imágenes. La iluminación, que parte casi únicamente del brazalete implantado en la muñeca de la chica atrapada, esta logradísima.

Gratuita podría ser esta película por alguna escena ligeramente gore que tiene, con unos protésicos bastante conseguidos hasta el punto de dar nauseas. Pero ‘El tubo’ plantea situaciones más difíciles para la protagonista como esquinazos y meandros casi imposibles de salvar, por algo su título original es ‘Méandre’. Ahí es donde se percibe un gran trabajo físico de la protagonista, Gaia Weiss. Conocidas son sus interpretaciones en la serie ‘Vikingos’ y aquí no se queda atrás. Pero son aún mejores sus movimientos, casi de contorsionista.

‘El tubo’ se cuela en esas películas «tipo escape room” que tienen algo que aportar y que además nos habla de carreras en sentido ascendente. Prácticamente no tiene diálogos as si es que no dudéis en verla en versión original, apreciaréis más el sufrimiento de la protagonista, por morboso que suene.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de septiembre de 2021. Título original: Méandre. Duración: 87 min. País: Francia. Dirección: Mathieu Turi. Guion: Mathieu Turi. Música: Frédéric Poirier. Fotografía: Alain Duplantier. Reparto principal: Gaia Weiss, Peter Franzén, Romane Libert, Frédéric Franchitti. Producción: Fulltime Studio, Cinéfrance Studios, Equiltime, WTFilms, OCS, Alba Films, SG Image 2018, Cinéaxe, Ynns Interactive. Distribución: A Contracorriente Films. Género: terror, ciencia ficción. Web oficial: https://fulltime.studio/meandre

Crítica: ‘Ice road’

Sinopsis

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Un terrible accidente deja atrapados a numerosos mineros en una mina de diamantes, situada en un remoto extremo de Canadá. Su única esperanza es Mike (Liam Neeson) un conductor de camiones de gran tonelaje, que tendrá que atravesar un país cubierto de nieve, en el que sólo se puede transitar por las traicioneras “ice roads”: carreteras de hielo que transcurren sobre ríos, lagos o incluso océanos congelados. Mike tendrá que enfrentarse a una imposible carrera contrarreloj, llena de inesperados peligros y traiciones.

Crítica

Un escenario distinto pero otra del montón

¿Conocéis esos programas de televisión donde un equipo de cámaras sigue a unos camioneros? En el canal Historia emitían uno llamado ‘Ice road truckers’. En él se montaban en la cabina de unos camioneros que debían seguir rutas peligrosas por Alaska o Canadá. Su recorrido incluía carreteras de hielo de solo un metro de espesor sobre el agua. Pues la nueva película protagonizada por Liam Neeson parece un episodio más de ese programa.

Obviamente el filme tiene un ingrediente delictivo y dramático que no tenían esos episodios, pero básicamente es lo mismo. Tanto los problemas que se van encontrando como las soluciones que han de aplicar parece que han sido sacadas de ese reality. Por lo tanto, podemos percibir algunos detalles de la cinta como meras curiosidades reales, pero su transcurso no puede ser más clásico.

En ‘Ice road’ unos mineros quedan atrapados en un derrumbe por una explosión de metano. El problema es que la solución de su rescate pasa por conseguir transportar una pieza enorme y no hay lugar para que aterrice un avión con él de manera inmediata. A si es que recurren a aguerridos camioneros necesitados de encargos y dinero. Pero todo se tuerce cuando la cosa pasa de ser un negocio a algo personal o familiar y ya sabemos que eso con Neeson nunca acaba bien.

Si Los 33 de Chile hubiesen contado con Liam Neeson otro gallo habría cantado. Pero es que encima el filme se toma su tiempo. Para ser una situación urgente y a contrarreloj se toman muchas molestias a la hora de reclutar a quienes van a ir por la carretera helada. Y es que la situación no requiere aguantar horas mientras se agota el oxígeno, también supone hacerlo bajo el permafrost. El escenario es curioso pero helados nos deja el filme que ni se moja con sus argumentos ni se esfuerza en marcar la diferencia.

Ya no es solo por lo que me gustan las películas de Neeson o incluso las de Laurence Fishburne que me duele decir todo esto. Es también por el director Jonathan Hensleigh. Me gustaron trabajos suyos como los guiones de ‘El santo’, ‘Jumanji’, ‘La jungla 3’ o ‘Armageddon’. Incluso me declaro fan de su Castigador. Sabe escoger escenarios y situaciones. Pero a veces, como en esta ocasión, no desarrolla bien a sus personajes o no se esfuerza en demasía por salirse de los tópicos del género, como le sucedió con ‘Matar al irlandés’. Compro sus majaderías, como la música country, la relación entre los hermanos, su hámster o los cabezones pegados en el salpicadero, pero me gusta que cuando paso por ese aro el filme se decante por un tono más cómico.

Ya no sé si es por gusto o por necesidad que Liam Neeson ha caído en repetirse tanto con sus películas, me da lástima pues tiene en su haber cintas e interpretaciones históricas. Y eso que con ‘Venganza bajo cero’, otra en la que aseguraba dejar la acción, no salió del todo mal parado. La calidad de estas baja y baja, se percibe hasta en la factura técnica. En ‘Ice road’ los efectos digitales son de nivel de película para la televisión. Como decía al comienzo de la crítica, esto parece más una propuesta televisiva, de esas que se producen al peso, más que una aventura de acción con verdadera intención de sorprender.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de agosto de 2021. Título original: The ice road. Duración: 103 min. País: EE.UU. Dirección: Jonathan Hensleigh. Guion: Jonathan Hensleigh. Música: Max Aruj. Fotografía: Marcus James, Tom Stern. Reparto principal: Liam Neeson, Laurence Fishburne, Benjamin Walker, Amber Midthunder, Marcus Thomas, Holt McCallany, Martin Senmeier. Producción: Code Entertainment, ShivHans Pictures, Envision Media Arts, Solution Entertainment Group, Aperture Media Partners, Manitoba Film & Music. Distribución: eOne Films. Género: acción. Web oficial: https://www.codeentertainment.com/the-ice-road-film

Crítica: ‘Annette’

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La película narra la historia de Henry, un comediante con un sentido del humor excepcional, y Ann, una cantante de renombre internacional. Delante de las cámaras, forman una pareja feliz y llena de encanto. El nacimiento de su primera hija, Annette, una niña misteriosa, cambiará sus vidas.

Crítica

‘Annette’ me ha dejado sin habla, simplemente increíble

Tenía muchas ganas de ver ‘Annette’, desde su estreno en Cannes y las críticas tan dispares que tuvo, la curiosidad se apoderó de mí. El 20 de agosto se estrenó en nuestras salas de cine y el 26 de noviembre la podremos disfrutar en Filmin.

‘Annette’ no es una película para todos los públicos. Una ópera-rock que puede aturullar a muchos si no entran en la película, pero que puede hipnotizar a los que sí se adentren en este cuento moderno.

Jugando con las luces y las imágenes, Leos Carax nos introduce dentro de esta historia de amor a través de la música de ‘Sparks’. Me parece increíble el trabajo técnico de esta cinta. El como según distintos tonos de las canciones las imágenes se ven distorsionadas o más nítidas. El comienzo es una auténtica maravilla técnica.

Luego están los colores, Ann, esa mujer perfecta, con sus colores vivos, su pelo rojo y su apariencia indefensa. Mientras que tenemos a Henry, con sus verdes oscuros y sus apariencia fuerte e inquietante.

Luego por supuesto está Annette. Qué gran trabajo han realizado con ella. En la película, se nos muestra a Annette como una marioneta, no es algo que llegue a importar, sabemos que es de madera, pero logran darle tanta expresión, que en ningún momento dudas de ella. Sufres a su lado las consecuencias de los adultos. Sus insultos, sus peleas y ella sin poder hacer nada. Solo es una niña a la que le ha tocado esa vida, llena de fama y a la vez tristeza.

Hay escenas muy potentes durante la cinta. Imágenes que duelen, imágenes que enamoran y otras que simplemente ponen los pelos de punta. Una crítica hacia muchas cosas, el ser famoso, sus consecuencias al quedarse sin libertad, también a las consecuencias.

En los agradecimientos Carax nombra a Edgar Allan Poe y es que bien podría ser una de sus historias trágicas oscuras y llenas de muertes. Todo ello mezclado con alguna de las obras de Magritte o incluso Klimt.

Las interpretaciones de Adam Driver, que no se cómo todavía no tiene un Oscar en sus manos, Marion Cotillard, que está como siempre perfecta con todos sus cambios de looks y Simon Helberg, que fuera de la comedia se desenvuelve estupendamente, hacen que ‘Annette’ sea real.

Creo que, como he dicho anteriormente, no es una película para todo el mundo, pero si que es una experiencia a la que recomiendo acercarse. Su música, sus imágenes y su historia hace que de una manera u otra entres en este extraño cuento.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de agosto de 2021. Título original: Annette. Duración: 140 min. País: Francia. Dirección: Leos Carax. Guion: Ron Mael, Russell Mael. Música: Ron Mael, Russell Mael. Fotografía: Caroline Champetier. Reparto principal: Adam Driver, Marion Cotillard, Simon Hilberg. Producción: CG Cinéma, ARTE, BE TV, Barnstormer Productions, Canal+. Distribución: Elastica Films, Filmin. Género: musical, drama. Web oficial: http://cgcinema.eu/films/titre

Crítica: ‘Reminiscencia’

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Nick Bannister (Jackman), un investigador privado que se interna en el oscuro y seductor mundo del pasado, ayuda a sus clientes a recuperar recuerdos perdidos. Vive a orillas de la costa de Miami que se encuentra sumergida en gran parte bajo el mar. Un día, su vida cambia cuando aparece Mae (Ferguson), una nueva clienta. Aunque Mae solo acude a su consulta para encontrar un objeto perdido, se convertirá en una peligrosa obsesión. Mientras Bannister intenta encontrar el motivo de la desaparición de Mae, descubre una violenta conspiración y, al final, deberá responder a la gran pregunta: ¿Hasta dónde llegarías para aferrarte a tus seres queridos?

Crítica

Efectivamente, nos recuerda a cosas vistas pero las narra con gran estilo

Tengo que reconocer que Lisa Joy no está entre mis favoritas sobre todo desde que no me convenció con el desarrollo de ‘Westworld’. Pero tras ver ‘Reminiscencia’, su primer largometraje, he decir que me ha encandilado.

Y eso que este thriller romántico de ciencia ficción bebe muchísimo de las películas de su cuñado y de su marido. Parece que pasar a formar parte de la familia de los Nolan te hace desarrollar historias fantasiosas ambientadas en la mente humana. A lo que más recuerda ‘Reminiscencia’ es a ‘Origen’. Y no es solo por sus imágenes, también por su trama. Tenemos a un protagonista atormentado por sus recuerdos, que se gana la vida introduciéndose en la mente de otros y de repente se ve inmerso en algo más grande de lo que puede abarcar y más personal de lo que nunca estaría dispuesto admitir.

En esta película nos transportan a un mundo totalmente inundado. La historia transcurre entre Miami y Luisiana, ambas convertidas en Venecias sin encanto, repletas de luces y rascacielos decadentes. En ese escenario apocalíptico se gana la vida el personaje protagonista interpretado por Hugh Jackman. Tanto él como su compañera son excombatientes de una gran guerra con un negocio capaz de hacer que la gente se sumerja literalmente en recuerdos. Asimismo la justicia muchas veces les reclama para usar su técnica en interrogatorios. Este modo de vida se ve alterado cuando en la vida de estos colegas excombatientes aparece una femme fatale interpretada por Rebecca Ferguson.

Es como si la directora (y también guionista) hubiese cogido ‘Inception’ y la hubiese llevado adecuadamente a los códigos del cine negro. Estamos rodeados de miseria y autodestrucción. El protagonista es un héroe entre la calaña que busca sin descanso a la mujer que sabe que probablemente será la causa de su perdición. La película está narrada en primera persona y tiene un montaje también muy nolaniano, haciéndonos bucear entre presente, pasado y reminiscencias. Llegamos a tener recuerdos de los recuerdos, otra matrioshka narrativa. De este modo también nos recuerda un poco a ‘Desafío total’. Pero ‘Reminiscencia’ no tiene ni la épica de ‘Origen’ ni la acción de las versiones cinematográficas de la novela de Philip K. Dick. Al fin y al cabo el cine negro siempre nos lleva a caminos más fatídicos, perdidos entre las sombras.

El filme está muy bien realizado sobre el papel. La historia está correctamente hilada pero hay que permitirle algunas licencias. Por ejemplo, si lo que vemos son recuerdos extraídos de la mente de un sujeto deberían estar en primera persona, no en tercera con todo lujo de planos. Supongo que siendo conscientes de esto han querido darle al filme un toque más romántico o artístico. Lo que si considero un fallo es que en esas reminiscencias proyectadas holográficamente, a lo ‘Minority Report’, se encuentren cosas que el sujeto no ha visto ni presenció.

Si te gustan las películas cargadas de texto ‘Reminiscencia’ es para ti, algo que también tuvimos de sobra en ‘Westworld’. Pero para tener tanta narración podrían haber empleado algo más de metáfora. Si bien es verdad que aunque falte ese simbolismo narrativo el filme nos deja algunas frases extrapolables al ámbito de la industria del entretenimiento o incluso de la sociedad actual: “La nostalgia nunca pasa de moda” y “La nostalgia como modo de vida” son dos sentencias muy descriptivas que harán que nos miremos al ombligo y pensemos hasta qué punto dependemos de nuestros recuerdos.

Hugh Jackman y Rebecca Ferguson juntos de nuevo en un espectáculo «romántico-visual» pero con un toque muy distinto al de ‘El gran showman’, como era de imaginar. Ambos impecables. Además Lisa Joy se ha arropado de conocidas como Thandie Newton o Angela Sarafyan con quienes ya trabajó en su serie de vaqueros robóticos. Incluso Jackman ya había trabajado con el clan de los Nolan pues protagonizó ‘El truco final’. Todo queda en familia.

‘Reminiscencia’ nos devuelve a historias fantasiosas vistas hace no mucho pero también nos hace retroceder al cine de ratas, justicieros y amor de John Huston o Billy Wilder. Películas así quizá queden en nuestra memoria, no están de más.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de agosto de 2021. Título original: Reminiscence. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Lisa Joy. Guion: Lisa Joy. Música: Ramin Djawadi. Fotografía: Paul Cameron. Reparto principal: Hugh Jackman, Rebecca Ferguson, Thandie Newton, Daniel Wu, Angela Sarafyan, Marina de Tavira, Cliff Curtis, Natalie Martinez, Teri Wyble, Sam Medina, Sue-Lynn Ansari, Mojean Aria, Demi Castro. Producción: FilmNation Entertainment, Kilter Films, Michael Da Luca Productions. Distribución: Warner Bros. Género: ciencia ficción, acción, suspense. Web oficial: https://www.filmnation.com/library/reminiscence

Crítica: ‘Descarrilados’

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Año 2000. Pepo, Roge, Costa y Juan Luis, cuatro veinteañeros, emprenden el viaje soñado: el interrail. Pero en su primera parada en París, la aventura, y de paso su amistad, acaban de manera abrupta.

Crítica

Una mezcla entre ‘La vuelta al mundo en 80 días’ y ‘Resacón en las Vegas’

Unos amigos intentan a sus veinte años hacerse una ruta en el archiconocido interrail. La cosa acaba tremendamente mal entre ellos por culpa de que nada más empezar el viaje tienen un percance del cual se culpan los unos a los otros. Veinte años después uno de ellos fallece y les deja en herencia a los otros tres 600.000 € y la última voluntad de que terminen ese inacabado viaje.

‘Descarrilados’ es una mezcla entre ‘La vuelta al mundo en 80 días’ y ‘Resacón en las Vegas’. Un viaje a contrarreloj a cambio de una recompensa y mientras tanto hay borracheras, colocones y accidentes. Una película fiestera, alocada y por supuesto cómica. El film de Fernando García-Ruiz tiene muchos momentos absurdos, como el que desconcertantemente sucede en Rumanía, y se acerca a la tónica chanante que tanto éxito le ha dado a dos de los protagonistas. Y precisamente ese es el rollo de la película, algo divertido, llamativo, que sin ser extraordinario ni extremadamente hilarante consigue hacernos pasar un buen rato.

Diría incluso que el film es consciente de lo cutrecillo que puede ser a veces con detalles como esos delatadores cromas que se han usado para mostrar que los protagonistas van recorriendo Europa. Al fin y al cabo simplemente pretenden plantar a unos cuarentones y fracasados en unas situaciones desesperadas y desfasadas, tan surrealistas como las aventuras que tus amigos te cuentan al volver de interrail y que cada año te repiten pintándolas más y más extremas. Dicho esto no hace falta decir que es un viaje lleno de droga y malentendidos.

Lo mejor del filme es la sintonía entre los tres protagonistas. Unos estandartes del humor absurdo en España como son Julián López, Arturo Valls y Ernesto Sevilla. En la película son el perfecto paranoias, el ligón pegajoso y el nini cuarentón. Conocemos a esta cuadrilla desde jóvenes y descubrimos su historia de amistad, pero sobre todo cuán perdedores son. Hay una frase que define muy bien a los personajes y que sirve oportunamente como crítica para quien la quiera coger: “no es retrasado, solo es español”. Una puya que levantará ampollas entre los patriotas más recalcitrantes, pero que sin duda refleja la imagen que dejamos cuando viajamos al extranjero inventándonos el idioma local, arrasando con los bufetes de los hoteles, creyéndonos los más avispados de Europa…

Lo mejor que se extrae de ‘Descarrilados’ es esa pulla a nuestro comportamiento más allá de nuestras fronteras. Hay momentos divertidos como la secuencia inicial (una auténtica putada) o la escena del pinball. ¿Podría haber sido más divertida o haber sacado más partido a sus personajes secundarios? Pues sí. Pero para ser el primer largometraje de Fernando García-Ruiz lo veo correcto. Y si estás en sintonía con el humor de Valls, López y Sevilla, la disfrutarás un poco más.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de agosto de 2021. Título original: Descarrilados. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Fer García-Ruiz. Guion: David Marqués. Música: Fotografía: Ángel Amorós. Reparto principal: Julián López, Ernesto Sevilla, Arturo Valls, Dafne Fernández, Ana Millán. Producción: Mono Pictures, Sony Pictures International Productions, Kilima Media, Amazon Prime Video. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia. Web oficial: https://www.sonypictures.es/peliculas/desacarrilados

Crítica: ‘D’Artacán y los tres Mosqueperros’

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D’Artacán es un chico impetuoso e inocentón que va a París para hacer realidad el mayor de sus sueños: unirse al cuerpo de Mosqueperros de su Majestad.

Una aventura de capa y espada llena de amistad, honor, justicia, acción y, sobre todo, muchísima comedia: ¡Uno para todos y todos para uno!

Una versión actualizada del clásico de los 80 inspirada en la novela más famosa de Alejandro Dumas.

Crítica

Esta nueva versión tiene las cualidades que le pedimos a unos buenos mosqueperros

Seguro que un personaje icónico de la infancia de muchos que me estáis leyendo es D’Artacán. Aquella época de series repletas de protagonistas antropomórficos como Willy Fog, Sherlock Holmes o la más tardía Basket Fever, supuso una marca en la historia de nuestra televisión que retorna para abogar por una filosofía diferente de entretenimiento, aquella que puja también poros argumentos educativos sin dejar de lado la aventura.

1625 es la época en la que se ambienta esta aventura de duelos de espada y conspiraciones palaciegas. Por supuesto toda la aventura está inspirada en la obra de Dumas, a quien se le hace homenaje poniendo nombre a un barco, manteniendo claro está el carácter infantil de la serie de los 80. Lo más probable es que a muchos este nuevo ‘D’Artacán y los tres Mosqueperros’ le recuerde a la película de Stephen Herek pues está más presente en el tiempo y tiene pasos parecidos. Ante todo esta sigue siendo la odisea de un pequeño valiente acompañado del más glotón, el tremendamente lírico y el más rudo de los mosqueperros yendo por París defendiendo su honor, la justicia y desmontando las artimañas del cardenal Richelieu.

Relanzamiento de lo que todos sabemos que ya era algo inspirado en la novela más famosa de Alejandro Dumas. Por lo tanto, había doble reto, seguir siendo fiel al espíritu de la obra de 1844 y además respetar la itnerpretación de la serie de los 80. Corriendo los tiempos que corren seguramente se mire con más detalle el hecho de si es fiel a la serie que a la ilustre obra de la literatura, de ahí los valores de nuestra sociedad o cultura pop. También se comparará con la inmensidad de obras animadas que vemos hoy en día. Pero creo que esta versión de ‘D’artacán y los tres mosqueperros’ saldrá bien parada pues cumple en todos los aspectos.

Quizá el estilo animación sea su punto débil. Por un lado permite mantener el diseño original de los personajes pero por otro hace que la acción sea un poco menos fluida y vibrante. Probablemente donde oigamos más críticas al respecto sea desde la opinión del público juvenil que actualmente está acostumbrado a historias con secuencias frenéticas. De nuevo en ese aspecto volvemos a la producción de los 80 apostando por una versión que busca como puntos fuertes otros aspectos. Por otro lado, hay que decir que tiene diversos flashbacks y para llevarlos a cabo se realiza una doble vuelta al pasado, pues además de retroceder en la historia volvemos a la animación 2D, acercándose ahora sí al público más adulto tirando de nostalgia total. También debo decir que tenía grabado su sonido en la memoria y he echado de menos la voz de Eduardo Jover para D’Artacán, no obstante el filme está bien doblado.

Esta nueva versión tiene las cualidades que le pedimos a unos buenos mosqueperros. La animación es correcta, genial, tiene valores que aportar a los espectadores jóvenes, destacable, es una aventura divertida e inocentona, innegable, sirve como buena adaptación de Dumas (para público infantil), era obligatorio y no se dejan eso en el tintero. Aunque el humor sea de lo más tontorrón prefiero quedarme con que al público de menor edad se le enseñan conceptos como el honor, la clemencia, la lealtad, la dedicación… eso ya coloca a este ‘D’Artacán y los tres mosqueperros por encima de muchas películas o series que solo buscan vender merchandising o ser saturadamente efectistas.

En la película un personaje traiciona a D’Artacán por unas monedas de plata. Por suerte podemos decir a grito pelado que esta serie no traiciona a su original y además reserva guiños como a David el Gnomo que también forma parte de aquella época brillante de nuestra animación. Además suma una excelente banda sonora de reserva acordes para la canción original en formato orquesta y coro. No me ha gustado tanto el tema de Cristina Ramos y Serafín Zubiri. Dura apenas un minuto pero es tan Disney que se sale un poco de los esquemas de la película, pese a que se suma a otro de los guiños a escenas de la serie original. De igual manera he visto innecesario volver a grabar con otras voces el clásico opening, de nuevo puede que el problema sea mío y que tenga mitificado lo bien que sonaba.

Considero además muy Importante la aparición de producciones españolas como esta teniendo en cuenta que venimos de un año en el que solo tuvimos ‘La Gallina Turuleca’ entre las nominadas a Mejor Película de Animación en los Goya. Es vital para nuestra cantera de la animación que se fomente su producción, sus visionados y su valor competitivo. Además la película ‘D’Artacán y los tres Mosqueperros’ cuenta con el beneplácito del creador/productor original Claudio Biern Boyd, no pido más.

Ficha de la película

Estreno en España: 18 de agosto de 2021. Título original: D’Artacan y los tres Mosqueperros. Duración: 84 min. País: España. Dirección: Toni García. Guion: Douglas Langdale. Música: Manel Gil-Inglada. Producción: Apolo Films, Cosmos-Maya. Distribución: A Contracorriente Films. Género: animación, aventuras. Web oficial: https://dartacanlapelicula.com/

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Crítica

¿La mejor película del año? Yo diría que sí. ‘Dune’ llega para llenar las salas de cine

Ficha de la película

Ahonda en lugares y dolores escabrosos y remotos

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Un romance suavizado con la discapacidad motriz como herramienta narrativa

Los duelos entre Keaton y Tucci llegan hasta nuestra propia conciencia

Sinopsis

Crítica

‘Mis funciones secretas’ una función divertida y crítica de una época bastante complicada

Ficha de la película

Una sorpresa de viaje

Un suma y sigue para las herederas de Sigourney Weaver y Linda Hamilton

Esgrime tantas buenas armas como objetos hay en su atrezo

Nuestros vampiros favoritos se ven en una posición que nunca imaginaron

En esta guerra tendrán que sobrevivir luchando hasta el final

Más allá de lo metafórico o caprichoso se percibe una agradable intención de contar algo

Un escenario distinto pero otra del montón

‘Annette’ me ha dejado sin habla, simplemente increíble

Efectivamente, nos recuerda a cosas vistas pero las narra con gran estilo

Una mezcla entre ‘La vuelta al mundo en 80 días’ y ‘Resacón en las Vegas’

Esta nueva versión tiene las cualidades que le pedimos a unos buenos mosqueperros

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**¿La mejor película del año? Yo diría que sí. ‘Dune’ llega para llenar las salas de cine**