El paraguas se despliega en el tiempo y se abre de nuevo cubriéndonos con una divertida trama
Desde el día que supimos de la adaptación a serie de ‘The Umbrella Academy’ quisimos hacerlo saber pues el cómic de Gerard Way y Gabriel Bá (reseña aquí) es una locura la mar de divertida, normal que tenga un Eisner. La primera temporada nos dejó satisfechos pues, aunque no calcase lo sucedido en el cómic resultó ser una buena traslación que ha sabido conservar la extravagancia, hilaridad, despreocupación y violencia de sus personajes.
Esta segunda temporada, que se estrena el 31 de julio en Netflix, conserva el espíritu alocado, imaginativo y absurdo. Mantiene ideas retorcidas y malsanas aderezadas con humor, aportando aún más notas de diversidad. El objetivo final de esta temporada es el mismo que el del último volumen del cómic pero los tiros de los episodios, literalmente, van por otros caminos. En el cómic el final es distinto y se ha cambiado para caer un poco en redundancias. Tampoco podrían haber repetido exactamente el final de la colección ya que cambiaron la raza de uno de los personajes y eso ha hecho inviable incluirle en un determinado punto clave de la historia de Estados Unidos.
‘The Umbrella Academy’ regresa retomando la historia justo en el final de la anterior. Viajamos al pasado pero nos adelantan que hay un cambio en la historia. Esta primera secuencia y algunas posteriores nos pueden recordar a ‘The Man in the High Castle’, ‘X-Men. Días del futuro pasado’ o incluso a ‘Watchmen’, sobre todo cuando vemos que de nuevo el reloj del apocalipsis está a punto de llegar a las 12. Aún así, línea temporal nueva o no, hay unos cuantos sucesos que parten de hechos totalmente verídicos.
Los hermanos Hargreeves se las tienen que apañar cada uno por su cuenta al estar desperdigados y por supuesto se entremezclan como buenamente pueden con los elementos característicos de la USA de mediados del XX, como la lucha de los derechos de los afroamericanos, las sectas, los mafiosos, la Guerra Fría o la saga de los Kennedy. Puede cansar que siendo Netflix nos podemos ver venir a los lejos lo que va a pasar porque siempre quiere meter con calzador determinadas temáticas, lo cual se suele cargar muchas tramas. Pero los personajes están tan bien llevados que te diviertes igualmente.
La segunda parte de ‘The Umbrella Academy’ utiliza un misterio famosísimo de la historia para elaborar en torno a él todo el hilo argumental y conseguir así una serie de sucesos causales. El guión no es excesivamente intrincado pero sabe usar a su favor ciertos eventos que nos aportan nuevos personajes que ayudan además a desarrollar la personalidad de los protagonistas y descubrir algunos de sus intríngulis.
Narcisistas, heróicos, resignados, derrotistas, deprimidos… Vanya, Luther, Klaus, Cinco, Ben, Allison y Diego conservan su frescura. Personajes que al margen de ser muy diversos son totalmente diferentes entre sí y están condenados a entenderse. Ese aspecto como siempre nos trae gran parte de la diversión de la serie. Sobre todo en esta temporada la comedia vuelve a aportar Klaus (Robert Sheehan) que sigue siendo tremendamente alocado dentro de su incansable depresión. Por otro lado me sigue fascinando el personaje de Cinco (Aidan Gallagher) pues continúa haciendo un papelón muy carismático y en esta temporada da la sensación de que tiene más protagonismo. Esta puede parecer una serie muy tontorrona con todos sus desvaríos, pero hacer el papel que hace él con 14 años se me antoja prometedor.
La primera temporada tenía también a unos villanos que eran pura guasa, Hazel y Chacha. En esta ocasión se incorporan algunos nuevos perseguidores, unos suecos bastante soseras. Aunque son lo suficientemente peculiares como para incluirlos en la serie no tienen el gancho de Hazel y Chacha. Por supuesto también está el particular “Ministerio del Tiempo” llamado La Comisión, a parte de alguna cosa nueva que nos descubren.
Os podréis imaginar que hay nuevos personajes y sorpresas, algunos inspirados en el cómic otros totalmente nuevos derivados también de las variaciones introducidas en la temporada anterior. También tenemos información nueva sobre los ya conocidos. Nos sueltan alguna perla a cerca de la verdadera personalidad de cierto personaje protagonista que en los cómics ya se evidenció.
Steve Blackman continúa gestionando series tan buenas como ‘Altered Carbon’ o ‘Fargo’, está claro que ‘The Umbrella Academy’ demuestra de nuevo que tiene buen ojo para sus adaptaciones. En esta segunda temporada ha contado con directores/as como Sylvain White (‘Slender Man’), Stephen Surjik (‘The Punisher’), TomVerica (‘Scandal’), EllenKuras (‘The son’), AmandaMarsalis (‘Ozark’) y JeremyWebb (‘Merlin’, ‘Altered Carbon’) que se ha encargado de cerrar.
Precisamente el final de esta segunda etapa de ‘The Umbrella Academy’ es uno de los problemas de la serie. Finaliza con una secuencia que parece una cacería al más puro estilo Fornite con toques de X-Men. Es algo pobre a nivel argumental y además no acaba de darle empaque o justificación a una de las tramas principales en las que inciden una y otra vez. Sirve sobre todo para dejarnos con varios puntos abiertos que deberán resolverse en una tercera parte.
A parte de eso el montaje a veces se ve torpe. Hay cortes o escenas algo inconexas que requieren explicación o hacer ejercicio de imaginación para determinar cómo se ha llegado a ese punto. Pasa sobre todo en el cuarto episodio.
Si no sabes como resolver una situación usas a tu componente viajero en el tiempo para reescribirlo todo. Eso es lo que hacen varias veces en esta temporada. Al menos el tono cómico de la serie hace que se resuelva una paradoja de un modo gracioso y con una serie de reglas bastante chistosas.
No hay que olvidarse de la música. De nuevo ‘The Umbrella Academy’ es muy musical y con ello rinde culto a la cultura popular. No hay que olvidarse que el guionista del cómic, GerardWay, es miembro de My Chemical Romance. Oímos varias covers de canciones famosas adaptadas a determinadas escenas. Hay una versión del ‘Crazy’ de Gnarls Barkley o una variación en sueco de ‘Hello’ que canta MyKullsvik. Pero es que también hay escenas o tomas que son claros homenajes a ‘Terminator’, ‘Oldboy’ o ‘La vida de Brian’, quizá la más reconocible la que imita a Brad Pitt en ‘Snatch’. Todo buenos referentes.
Vuelve la familia más divertida del cine español este verano acompañados de una visita sorpresa: la suegra. Santiago Segura (el padre), Toni Acosta (la madre), los niños Martina D’Antiochia, Calma Segura, Luna Fulgencio, Carlos G. Morollón y Sirena Segura y los cuñados interpretados por Leo Harlem y Silvia Abril vivirán una nueva y divertida aventura en la que, nuevamente, se verán reflejadas muchas familias españolas.
Crítica
Humor blanco y repetitivo
Sin haber visto la primera parte me he lanzado a ver ‘Padre no hay más que uno 2’. No tuve ocasión y admito que tampoco ganas de ver la película que se estrenó el año pasado y tras visionar la continuación no me arrepiento. Me ha horrorizado como está interpretada, lo básico de su humor y lo repetitivo de su esquema. Aunque para ser justos admito que me he reído con un par de gags. Es de esas películas que tiene su público y hasta puedo entender su taquillazo el año pasado. Pero no compro este humor que intenta meter cosas contemporáneas con calzador (no entiendo la gracia de Baby Yoda) en un croquis que pertenece a otros tiempos.
Está muy americanizada en cuanto a estilo, con todo ese desbordante y surrealista carisma que se le quiere dar a los niños, como si esto fuese una versión española de ‘Modern Family’ más ‘Los padres de ella’. Puede hacer que muchas familias se vean identificadas, por lo que su éxito radicará más por símil o proximidad que por originalidad y gracia.
Se quema hasta la extenuación el concepto de leitmotiv y casi a mitad de película, que es además cuando entra realmente la suegra, ya estamos hartos de que los niños se repitan con Disney, el perro, el cambio climático, el andaluz, la muerte… Por lo menos cuando aparece Loles León la cosa gana algo más de chispa. Me doy con un canto en los dientes al ver que Santiago Segura consigue ser bastante correcto y huir de connotaciones negativas con sus chistes, alejándose de lo que viene siendo su norma en cuanto a cine se refiere.
Que Segura no hace el papel de su vida en la piel de este padre super-puesto al día no es algo sorprendente. Tanto él como el reparto infantil parece que recitan una lección aprendida de memorieta y en frases cortas, como quien ha copiado el texto de la Wikipedia para su trabajo de clase y lo dice sin conocimiento. Falta naturalidad y garbo que si que tienen tanto ToniAcosta como Luna Fulgencio.
De esta familia que tiene un padre un poco Homer Simpson y que parece del Opus Dei con tanta criaturilla quién más me ha sacado de quicio ha sido Martina D’Antiochia, cuyo pijerío solo queda eclipsado por una sobreactuación a golpe de voz aguda.
Casi que lo mejor del filme es la música de Roque Baños, que hace incluso homenaje a Capitán Tsubasa. Y aunque si un niño ve esto va a mirar a una empleada del hogar como un objeto que poseer, por lo menos también consigue romper estereotipos con su giro final que me parece una buena jugarreta para el espectador.
Me pregunto a quién deben haber engañado para conseguir hacer la escena final o cuánto les habrá costado. Lo mismo pienso con la canción de los créditos interpretada por Santiago Segura. Porque lo del capricho del Ecto-1 supongo que se ha logrado a través de derechos de Sony Pictures.
No sé en el largo del año pasado pero en ‘Padre no hay más que uno 2’ Segura aprovecha como es habitual para introducir rostros conocidos: José Mota, SaraEscudero, FlorentinoFernández, Chicote, CarlosAreces, LorenzoCaprile… Retomando los roles de SilviaAbril y LeoHarlem. Casi que sus pequeñas apariciones son mejor reclamo que sus pequeñas estrellas.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de julio de 2020. Título original: ‘Padre no hay más que uno 2. La llegada de la suegra’. Duración: 100 min. País: España. Dirección: Santiago Segura. Guion: Santiago Segura, Marta González de Vega. Música: Roque Baños. Fotografía: Ángel Iguacel. Reparto principal: Santiago Segura, Toni Acosta, Leo Harlem, Silvia Abril, Loles León, Martina D’Antiochia, Calma Segura, Luna Fulgencio, Carlos G. Morollón, Sirena Segura. Producción: Bowfinger International Pictures, Atresmedia Cine, Mamá se fue de viaje la película A.I.E., Sony Pictures International Productions, Atresmedia, Amazon Prime Video. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia. Web oficial:https://cine.atresmedia.com/peliculas/padre-no-hay-mas-que-uno-2/
Una niña es encontrada con las extremidades amputadas. Dos detectives, Han-su y Min-tae, rivales desde siempre, se encargarán del caso. En un principio, este se resuelve fácilmente cuando Han-su arresta al presunto sospechoso pero, aun así, pronto se convierte en un misterio cuando Min-tae levanta sospechas sobre el reciente arrestado.
Mientras tanto, Han-su se topa con alguien quien le insiste que conoce al verdadero culpable. Además, este curioso personaje mata a un traficante de drogas delante de él y le propondrá un pacto secreto. Pronto llegará la hora en que Han-su deba decidir.
Crítica
Cuida bien la tensión pero la estira demasaido
Asuntos actuales, personajes con muchos claroscuros, thriller policial, mucha carga trágica… Todos estos elementos, junto a otros muchos, son los que enmarcan a ciertas películas dentro de una corriente que se ha venido denominando desde hace años con el término “neo-noir”. Películas como ‘Shutter Island’, ‘Colateral’, ‘Mulholland Drive’ o ‘Nightcrawler’… son títulos con ambientes muy reconocibles y personajes bastante marcados por fatalismos y morales cuestionables que se enmarcan en este género. ‘The Beast’ puede incluirse en esa extensa y larga lista, al menos estéticamente y en la concepción de sus personajes, tal vez no tanto en el impacto que podría haber causado y en el tratamiento de su argumento. En varios sentidos mejora la película francesa en la que se inspira, pero aún así no logra concebirse como un entretenimiento interesante durante todo su metraje.
Si hemos etiquetado varias veces a ‘Los casos del Departamento Q’ como un neo-noir nórdico tal vez debamos hacer lo equivalente con ‘The Beast’. Adapta un estilo que suele ser muy eficiente hoy en día a algunas de las costumbres orientales de hacer cine. Está llena de asuntos turbios que se tornan retorcidos, de personajes que han de mezclarse con mala calaña, de héroes que aún pareciendo vencidos siguen en la liza, de una atmósfera de colores sucios y desgastados… Todo eso lo coge muy bien de un género que aporta buenos tonos a la historia.
Pero por lo demás ‘The Beast’ ni innova dentro del género policiaco ni es capaz de evitar algunos tópicos, como las guerras de bandas a golpe de barras y cuchillas, la corrupción, las disputas entre departamentos, los detectives que van por su cuenta… Esto la hace monótona y defrauda ya que empieza muy prometedoramente. Se queda en algo episódico, que nos puede entretener de una manera pasajera, sin dejar huella y estirándose demasiado para ello.
A veces parece que va sin rumbo. Es por eso que se hace larga, no lenta pero si larga. Aunque desde luego tiene un final marcado cambia o desvía la atención de su trama llevándonos casi de manera errática, causando así una sensación de que podemos estar eternamente teniendo giros de giuón que dan la vuelta a la tortilla una y otra vez hasta quemarla. No es liosa pero si se enreda en exceso. Con todo esto es justo también decir que nada de lo que aparece en la película queda sin atarse, está todo planteado de manera que responda a alguna causa o razón futura.
En este filme tenemos dos detectives, que son a la vez compañeros y rivales. Uno de ellos es el principal protagonista y entre ambos se muestran dos arcos argumentales entrelazados a resolver. Esos arcos no necesitan más tensión, la película de Lee Jung-ho trabaja bien ese aspecto, pero si el punto en el que confluyen tendría que haber llegado algo más rápido. De hecho su final está bastante alargado y demuestra de nuevo que sobran minutos.
Al principio nos avisan de que todo lo visto en el filme es ficticio. ¿Podríamos pensar que todo esto se basa en algo real o componiendo elementos sucedidos en alguna comisaría o ciudad coreana? Efectivamente ‘The Beast’ se siente creíble, también depende de la confianza o fe que tenga cada uno en la humanidad. Pocos o ninguno se libran en este largometraje de tener algo reprochable. Incluso hay cierto punto en el que esto podría ser la caza de un Jack el Destripador moderno que podría ser cualquiera. Ahí entra en juego la sospecha o la capacidad de cada uno para generar sus propias teorías o para juzgar a aquellos que se toman la justicia de una manera cuestionable o para tener cierto sesgo con aquellos que son considerados parias.
Si vais dispuestos a echar un rato largo de buena puesta en escena, cuidado tratamiento de la imagen y algunas escenas ciertamente intensas comprad la entrada. Si buscáis algo ágil, con ritmo y giros constantes, no es vuestra película.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de julio de 2020. Título original: Biseuteo. Duración: 130 min. País: Corea del Sur. Dirección: Lee Jeong-ho. Guion: Lee Jeong-ho. Música: Mowg. Fotografía: Ju Sung-Lim. Reparto principal: Chea-myung You, Daniel Choi, Hye-jin Jeon, Sung-min Lee. Producción: Studio & New. Distribución: Alfa Pictures. Género: thriller, policíaco. Web oficial:https://alfapictures.com/sp/amy_movie/the-beast/
Hace mucho tiempo, en una tierra maldita, una niña y su hermano pequeños e ven obligados a abandonar su hogar familiar en busca de comida y trabajo. A pesar de la ayuda que les presta un noble cazador, se desorientan y acaban perdidos en un profundo y oscuro bosque.
Al encontrarse con una cabaña mágica, habitada por una anciana de amable apariencia, Gretel y Hansel creen haber hallado un refugio seguro. Pero los inagotables banquetes que la mujer celebra en tiempos de hambruna, y los extraños murmullos de niños perdidos y las apariciones mágicas que alberga su hogar, sugieren que las cosas podrían no ser lo que parecen.
¿Podrá Gretel proteger a su hermano pequeño, o sucumbirá a las tentaciones que surgen en su interior? Algo malvado acecha en esta oscura reinvención del clásico cuento de hadas.
Crítica
Sin migas de pan y queriendo meter más miga
Nos vamos a Alemania, a una sucia Baviera en una oscura y sufrida época. Allí es donde se ambienta una vez más la historia de ‘Gretel y Hansel’. Oz Perkins vuelve a embadurnar una película de misterio y thriller, no tanto de terror. En su tercera obra como director reinventa el cuento clásico de los hermanos Grimm dotándole de menos candidez y aproximándolo más a la obra original.
Entiendo el cambio de orden en el título ya que realmente la película pone su foco en Gretel. De nuevo Perkins ha hecho un largometraje con protagonista femenina. Gretel es sensiblemente más mayor que su hermano Hansel (16 años frente a 8) y tiene siempre la iniciativa. Se ha desarrollado un personaje con más inquietudes que el del cuento y se muestra que tiene que enfrentarse a penurias de la época que van más allá que la falta de alimento. Esta es una historia sobre el crecimiento y las transformaciones sufridas en uno mismo. No es la primera vez que se usa el terror o lo fantástico para narrar el paso a la madurez, para mostrar los cambios que vive una mujer en una etapa tan trascendental. Véase por ejemplo ‘Verónica’.
‘Hansel y Gretel’ siempre ha sido un cuento para prevenir a los niños, para mostrar que no todo lo que parece bueno es necesariamente así. Y más allá es un relato que habla sobre refrenarse ante los impulsos y las ambiciones, que puede ser lo que la casa suponía o lo que la bruja quería perpetrar, su carnicería de niños. Aquí las tentaciones y los anhelos también están muy presentes, la bruja se encarga de satisfacer sus deseos, más allá incluso del de saciar su apetito.
Sophia Lilis, una de las protagonistas de ‘IT’ es quien encarna a Gretel. Pasa del terror basado en la espectacularidad y los sustos a uno más psicológico. Sigue sumando buenas actuaciones la joven actriz de Brookly. En esta ocasión está tan ligada a su hermano ficticio como si fuese su gemelo (lo cual no es nuevo para ella pues realmente tiene un gemelo en la vida real). Hace las veces de joven inconsciente y de madre a la vez, una hermana mayor creíble y con una interpretación nada exagerada.
Para mí hay otras virtudes mejores en esta película que no obstante me ha dejado algo frío al no tratar algo excesivamente novedoso. Por eso digo que este es un ‘Gretel y Hansel’ sin migas de pan y queriendo meter más miga. Me ha gustado el inquietante papel de Alice Krige que repite como bruja (‘The calling’, 2000). Su rostro arrugado y a veces como enajenado es de lo poco que da algo de miedo. Si la intención que tenían era la de rayarnos o perturbarnos con ella lo consiguen, además que le han dado una buena vuelta de tuerca a su concepción.
No hay migas de pan por el bosque y no hay casa de pan de jengibre. En su lugar tenemos una cabaña moderna que parece una de estas casas rurales de diseño que están tan de moda. Las formas picudas están por todas partes: en el tejado, los sombreros, las estrellas (aparece tanto la de David como el pentagrama invertido). Esto es porque el interesante diseño de producción nos quiere imponer, intenta constantemente hacernos sentir pequeños o amedrentarnos con sus imágenes. Y es que otra de las estrellas del filme es Galo Olivares, el director de fotografía. El que fue cámara y colaborador en la fotografía de la ‘Roma’ de Cuarón ha realizado una gran composición de escenas que buscan simetría, profundidad y vértigo horizontal. Desde luego está claro que le gustan las perspectivas con punto de fuga. Me gusta mucho el contraste de luces y sus colores otoñales que hacen que aunque haya pigmentación en la imagen esta se sienta gris y oscura.
Hay alguna referencia sutil a otros cuentos de los Grimm e incluso al simbolismo religioso que empleaban en algunas de sus escenas. No está mal el intento de hacer este cuento de fantasía terrenal y contenida, pero sus creadores tendrían que haber dado más rienda suelta a sus pretensiones.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de julio de 2020. Título original: Grete & Hansel. Duración: 87 min. País: EE.UU. Dirección: Oz Perkins. Guion: Rob Hayes. Música: Robin Coudert. Fotografía: Galo Olivares. Reparto principal: Sophia Lilis, Alice Krige, Sammy Leakey, Charles Babalola, Jessica de Gouw. Producción: Automatik Entertainment, Orion Pictures, BRON Studios, Creative Wealth Media Fiance, Wild Atlantic Pictures. Distribución: Vértice Cine, Amazon Prime Video. Género: terror, thriller. Web oficial:https://gretelandhanselthemovie.com/
La sencilla vida de barrio cambia al llegar al centro de Madrid
Este miércoles 22 de julio de 2020 llegan pisando fuerte Hache y Belén, dos chicas de Parla que comienzan a vivir en el famoso y cool barrio de Malasaña. ‘Por H o por B (XHOXB)’ consta de diez episodios de 30 minutos de duración, de los que hemos podido ver sus seis primeros gracias a HBO.
Dirigida por Manuela Burló Moreno la serie es una manera de ver el choque entre la rutina de barrio de toda la vida, a la vida en la ciudad, donde tienes que destacar, en donde aunque todo el mundo se vea diferente, ver a una «choni» les hace gracia e incluso son capaces de reírse de ella.
Una serie donde se ríen de todo, lo moderno, lo antiguo, a todo lo que se llama actualmente vintage y que cuesta tanto dinero. ¿Quién tuviese la bata de su abuela a mano para poder sacarse un buen dinero?
Pero sobre todo una serie donde vemos la amistad de toda la vida, esa amistad con la que tomabas ‘Pipas‘ en cualquier escalera del barrio y hablabais de banalidades. Os dejamos el enlace al cortometraje que hizo que esta serie saliera a la luz, misma directora, mismas actrices. Ganador del Premio al Mejor Guión y Premio TAI al Mejor director en la edición del Festival Jameson Notodofilmfest.
Me gusta la naturalidad que tiene la serie, tampoco es que ocurran demasiadas cosas durante los episodios, es el día a día de dos muchachas que viven completamente al día y disfrutan de las pequeñas cosas.
Sencilla, con un humor un poco cargante al introducir tantos clichés, pero que bueno, para sus 30 minutos de duración te dejas llevar por las personalidades de nuestras protagonistas.
Saida Benzal y Marta Martín son las encargadas de dar vida a estas dos chicas a las que se les coge mucho cariño. Dos muchachas que por muy macarras o chonis que vistan o sean, en el fondo son bastante inocentonas. Se preocupan por sus respectivas familias e intentan hacer las cosas medianamente bien.
En el reparto vemos caras famosas como a Brays Efe, Itziar Castro, Fernando Albizu o Ernesto Sevilla.
Una serie muy llamativa, veréis mucho de Madrid y por supuesto de Malasaña, su ambiente, quizás un poco exagerado, pues tampoco hay gente vestida de cosplay por las calles del centro a todas horas. Entrando con ellas en varias tiendas de la zona vemos el como se ha revalorizado lo antiguo, llamándolo vintage para que sea más caro.
‘Por H o por B (XHOXB)’ se ríe de muchas cosas y la verdad que te identificas bastante con estas chicas o alguna de las situaciones que viven en sus vidas.
La búsqueda de habitación por el centro de Madrid, por ejemplo, es bastante divertida. Evidentemente es muy exagerada, pero te echas unas risas.
‘Por H o por B (XHOXB)’ llega a nuestras televisiones gracias a HBO y esperemos que pronto tengamos noticias de una segunda temporada.
¿Qué ocurre después de un naufragio en el lugar que lo ha contemplado y vivido todo? La noche del 1 de enero de 1921, en medio de una espesa niebla el vapor El Santa Isabel, con 260 emigrantes con destino Buenos Aires, se hundió frente a la escarpada y dura costa de la Isla de Sálvora, en la provincia de A Coruña. Esa noche no había hombres en la Isla, estaban celebrando las Navidades en tierra firme. La única esperanza de los supervivientes que luchaban por no estrellarse contra las rocas eran las pocas mujeres, viejos y niños que vivían en esta isla.
Tres jóvenes isleñas deciden lanzarse al mar en una pequeña embarcación tradicional. Remando sólo de oído, debido a la espesa niebla y a la noche cerrada, logran salvar a 50 personas.
Todo lo que ocurre desde esa noche va a sacudir y cambiar para siempre este lugar. Un periodista argentino acude a la isla para cubrir la noticia del naufragio. Pero poco a poco comprueba que esa noche sucedieron demasiadas terribles “casualidades” en la isla.
Son muchas las incógnitas que hay que resolver y a la isla le resultará imposible seguir siendo una isla.
Crítica
Una historia que tenía que ser contada
‘La isla de las mentiras’ nos trae la historia de cuatro mujeres que arriesgaron sus vidas para salvar a 50 personas en un naufragio en 1921.
La Isla de Sálvora fue testigo de un estrepitoso accidente en las navidades de 1921, el Santa Isabel encalló en uno de los islotes cercanos a la isla haciendo que muchos de sus tripulantes perdieran la vida. Aquí llegan nuestras heroínas, Cipriana, Josefa y María, tres mujeres que decidieron coger una barca y en plena oscuridad zarparon a salvar a todos los que pudieran.
PaulaCons, directora y guionista de la película nos cuenta la historia en forma de thriller. Un secreto bastante oscuro puede terminar fastidiando todos los homenajes a las lugareñas y lo peor de todo, que acaben encarceladas.
La historia está muy bien contada, poco a poco vamos conociendo el modo de vivir en aquella isla, el analfabetismo, el machismo, pues cuando pasó el naufraga no había hombres en la isla y era porque estaban celebrando la navidad en tierra firme.
La directora ha querido hacerles un homenaje a estas mujeres e intentar averiguar por qué fueron olvidadas. Una de las cosas que se cuentan es que los cuerpos aparecieron mutilados y que puede ser que se quedaran las joyas. Todo esto se contó para desprestigiarlas, ya que la Guardia Civil negó que ellas hicieran esto.
Pero para mí es un homenaje un poco agridulce, al intentar contar una historia más allá e introducir más dolor y más intrigas, al final parece que quedaron olvidadas por sus propios secretos. Esa al menos ha sido mi sensación y es una pena, pues no les hace justicia del todo.
El reparto es bastante realista, muy contenido en las actuaciones, este detalle es muy importante para poder escuchar lo que nos quiere contar la directora y entrar en la atmósfera de la película.
NereaBarros, VictoriaTeijeiro, María Costas son las encargadas de dar vida a estas tres mujeres, acompañadas de DaríoGrandinetti, Aitor Luna, MiloTaboada, LeyreBerrocal y CelsoBugallo entre otros.
Una de las cosas que más me ha gustado es toda la ambientación, el vestuario, maquillaje y peluquería es maravilloso. Muy bien reflejado la fatiga del trabajo en los habitantes de Sálvola y la diferencia con las personas que viven en la ciudad.
Y por supuesto un punto a favor es toda su puesta en escena, la fotografía, los sonidos. El momento en el que se lanzan en la barca a salvar a los náufragos todo es muy teatral. El sonido muy enlatado, a ellas apenas las logras escuchar, solo escuchas el mar y apenas las logramos ver, entre luces y sombras. Todo esto hace que te adentres de lleno en la escena, en su desesperación y desorientación. Y que entiendas el por qué no lograron salvar a más gente, teniendo que elegir.
Ficha de la película
Estreno en España: 24 de julio de 2020. Título original: La isla de las mentiras. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Paula Cons. Guión: Paula Cons y Luis Marías. Fotografía: Aitor Mantxola. Reparto principal: Nerea Barros, Aitor Luna, Darío Grandinetti, Victoria Teijeiro, María Costas, Milo Taboada, Celso Bulgallo, Machi Salgado, Ana Oca. Producción: Agallas Films, Aleph Cine, ETB, Historias del Tío Luis, Take 200. Distribución: Filmax (a través de Filmin). Género: Drama. Web oficial:https://www.filmin.es/pelicula/la-isla-de-las-mentiras
Zak es un joven con síndrome de Down que se escapa de la residencia donde vive para cumplir su gran sueño: convertirse en un luchador profesional. Una serie de circunstancias le llevan a encontrarse con Tyler, un delincuente de buen corazón que también se ha dado a la fuga y que se convierte en su amigo y entrenador. A su aventura se les une Eleanor, una enfermera un tanto peculiar. Juntos emprenden un maravilloso viaje que cambiará sus vidas.
Crítica
Un Huckleberry Finn moderno
La unión de los directores Tyler Nilson y Michael Schwartz ha dado como fruto la película ‘La familia que tú eliges’, obra que también han escrito ellos. Este es el primer largometraje para ambos y no me puede parecer mejor carta de presentación. Juntos ya habían hecho otras cosas, como los documentales sobre Alex Honnold el escalador que conocimos gracias a ‘Free Solo’. Ahora nos ofrecen una película de ficción que me ha dejado buenísimas sensaciones.
En un ambiente redneck pesquero desarrollan un roadtrip a pie o en barcaza en el que dos protagonistas se convierten en prófugos, uno por escaparse de la residencia donde vivía para conseguir ser luchador de wrestling y el otro por haber delinquido. Tras ellos la otra protagonista que estaba al cuidado de uno de ellos. Es una persecución y viaje en busca de un sueño, dejando atrás antiguas pesadillas. Aunque tiene apuntes tristes la película es un drama amable con momentos muy cómicos, surgidos sobre todo de las grandes diferencias de carácter entre los tres protagonistas.
Es un cuento moderno que nos puede recordar a simpáticas películas como ‘El abuelo que saltó por la ventana y se largó’. A parte de tener momentos absurdos consigue ser sensible y tierna. Y parece que siempre que en una película interviene una persona con discapacidad intelectual nos vemos obligados a acompañar nuestros comentarios con palabras como afectuoso o emotivo. Pero lo cierto es que en el caso de ‘La familia que tú eliges’ se los ganan a pulso por varios motivos y además debemos añadir también los términos gamberra y malhablada. A nuestro protagonista le gustaría patear culos, palabras de él.
Está muy bien desarrollada la historia de camaradería que surge entre los dos protagonistas, sin hacer uso de artimañas cursis (el título sensiblero usado en España no se corresponde con el original). Y más que una historia de amistad es de hermandad. Es de estas películas que, aunque constantemente te introduce momentos tristes te saca una sonrisilla. Te deja con buenas sensaciones o como se dice modernamente es “feel-good”. Considero que estas películas son así porque nos dan lo que deseamos, lo que el espectador desea buenamente que suceda. Según el tipo de audiencia que sea uno (optimista o pesimista) puede llevarse alguna sorpresa.
¿Os acordáis de LaBeouf y su “Just do it!”? Ese vídeo motivacional podría ser parte de esta película, de hecho, en ‘La familia que tú eliges’ hace algo similar pero sin intimidar. LaBeouf vuelve a demostrar ser un actor implicado al que no le importa bajar al barro y mancharse, literalmente. Él y Zack Gottsagen forman buena pareja protagónica, con varios momentos que se intuye han sido fruto de la improvisación. Juntos son divertidos y algo granujillas. Parecen dos personajes de Mark Twain huyendo de sus sureños perseguidores por el río, haciendo trastadas e intimando por el camino. Hay quien compara esta película con ‘Rain Man’ y no niego ciertas similitudes pero a mi me recuerda mucho más a ‘Las aventuras de Huckleberry Flint’. Quien está por detrás interpretativamente es Dakota Johnson. Suma una nueva película en la que actúa sin sangre, de un modo prácticamente plano. No obstante, exceptuando el caso de ‘Malos tiempos en El Royale’ hasta ahora no había visto una película con Dakota Johnson que me guste tanto.
Por último solo decir que estéis atentos a las caras de los personajes secundarios y extras del filme. Figuran en el reparto Bruce Dern, Thomas HadenChurch o Jon Bernthal. Además siendo una película en la que entra en juego la lucha libre era de imaginar que algún cameo tendríamos. Por eso saltan al cuadrilátero Jake Roberts “The Snake”, Mick Foley “Dude Love”, Anthony Harvey, Eric Dees, Dylan Odom o Christopher Higgins.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de julio de 2020. Título original: The Peanut Butter Falcon. Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Tyler Nilson, Mike Schwartz. Guion: Tyler Nilson, Mike Schwartz. Música: Zachary Dawes, Noam Pikelny, Jonathan Sadoff, Gabe Witcher. Fotografía: Nigel Bluck. Reparto principal: Shia LaBeouf, Dakota Johnson, Zack Gottsagen, John Hawkes, Bruce Dern, Thomas Haden Church, Jon Bernthal. Producción: Armory Films, 1993, Lucky Treehouse, Nut Bucket Films, Tvacon Film and Tv. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, comedia. Web oficial:http://www.thepeanutbutterfalconmovie.com/
Historia de orígenes con algún que otro toque original
Hoy 17 de julio se estrena ‘Maldita’, la serie que Netflix ha desarrollado a partir de la novela de Thomas Wheeler y Frank Miller publicada el año pasado y cuya reseña podéis leer aquí. Como decía en dicho artículo esta es una historia de reinvención a partir de los hechos sucedidos antes de que la leyenda de Arturo y sus caballeros se materialice. Para ello centra la atención en Nimue, la tradicionalmente conocida como Dama del lago.
Para ser una serie que intenta romper moldes (con protagonista medieval femenina, pequeña historia de lesbianismo, códigos de caballerosidad eliminados…) sigue unos pasos muy arquetípicos. La paria es la destinada a ser la luz que guíe el camino de su pueblo. Al fin y al cabo la historia de la espada Excalibur (aquí no la vais a ver llamada así porque no sale de la piedra) es la inspiración de cientos de historias que siguen patrones así de clásicos.
Nimue está interpretada por Katherine Langford. La actriz a la que hemos visto en películas como ‘Puñales por la espalda’ o ‘Con amor Simon’ y el que hasta ahora ha sido su trabajo más protagónico, ‘Por trece razones’, ejecuta un papel que la ha desafiado en varios sentidos y que también la hace moverse por terrenos cómodos o ya explorados por ella. Por un lado su personaje de ‘Maldita’ tiene un carácter púber además de castigado y por otro ha de ejecutar alguna que otra escena de acción. Con la acción no se desenvuelve mal, pero con el tema amoríos, miedos… no se sale de lo frecuente.
En el caso de Arturo se ha elegido a Devon Terrell, quien hizo en su día de Barack Obama de joven en ‘Barry’. Está claro que aquí ha de interpretar a una versión extranjera de Arturo (muchas veces se ha dicho que era britanorromano), porque a efectos de la trama no hay otra explicación para su elección. Como dije en la reseña en esta nueva traslación del mito artúrico no es un abanderado de los ideales de la caballería precisamente. A todos los efectos es un futuro rey de Bretaña muy diferente.
Para mí lo más atractivo o entretenido de ‘Maldita’ es toda la parte de Merlin. Es la más cargada de misticismo y leyenda acompañada además de un buen trabajo por parte de GustafSkarsgård. Por ejemplo la parte del rey de los leprosos con el fuego Fey iluminando el cadáver de Boudica es digna de un gran cuento o narración clásica. Igual de potente es la imagen del Monje Llorón que se me antoja como una especie de Darth Maul al servicio de la Iglesia. También está curioso intentar averiguar (si no has leído antes la novela) quién es cada caballero, ya que aparecen bajo otros nombres o pseudónimos.
Un buen aliciente para ver ‘Maldita’ es el diseño de producción de algunos escenarios, no de todos. Hay grutas, castillos y bosques que os van a dar momentos con carga mitológica. Contrastan con alguna escena sobrecargada de color, incluso en el rostro de la protagonista que llega a mostrarse como si pareciese que acaba de salir de una tienda de maquillaje tras probar todas las muestras gratuitas.
Lo que parece sobre todo es que esta es una serie adolescente. No es tipo ‘Destino de caballero’, no tiene comedia, ni música, ni ese descaro. Pero si un reparto muy joven, lleno de miedos e inseguridades, con romances y chiquillerías. Adolescente pero cuidado mentes sensibles (si aún quedan) que aquí las espadas atraviesan cabezas y cortan manos, con el consiguiente salpicón. Aún así para ser algo que se relaciona con Frank Miller lo veo hasta cándido. Será que la edad le ha enternecido (no olvidemos tampoco que el guión lo firma también otra persona). Aunque debo reconocer que el humor negro de la parte en la que un personaje ha de curar Vikingos me ha hecho gracia.
Todo sucede igual que las páginas del libro ‘Maldita’ hasta el tercer episodio. A partir de ahí hay momentos en común pero se han cambiado algunas tramas para incluir o dar más detalles de otros personajes, en concreto de dos chicas. Se hizo un libro con las pretensiones de hacerlo cómic y modifican hechos y tono. Hay cosas que no entiendo. He podido ver cinco episodios previamente a la fecha de estreno y seguramente acabe igual, ya he visto algún indicio de ello. Pero estoy seguro de que habrá más cambios. Por ejemplo se ha introducido una historia de lesbianismo que lo único que me cuenta es que Netflix también está obsesionado con forzar la corrección política.
Tanto el opening como las imágenes transitorias están ilustrados. Son unos dibujos curiosos pero lo cierto es que podrían haber usado las de Frank Miller o por lo menos su estilo. Son también dibujos sencillos en cuanto a detalles, basados en siluetas, pero no como los de Miller.
Los episodios dirigidos por ZetnaFuentes y Daniel Nettheim no tienen artificios o secuencias prodigiosas pero nos mantienen enganchados. La serie puede decir tener algún que otro momento o sugerencia original, consigue levantar alguna que otra sensación. Por poner una de ellas, de nuevo sigue esa lucha del mundo mágico contra el invasor católico. En ese enfrentamiento se establecen unos villanos a los que dan ganas de tirar una Santa Granada de Antioquía.
Mientras los dos Zen’ô deciden qué hacer con el exceso de universos que existen, Goku se presenta en su palacio para recordarles que hace tiempo les propuso la organización de un torneo de lucha. Así, los 12 dioses de la destrucción son convocados, se les informa ¡y empieza un battle royale entre ellos!
Reseña
Next level
Es muy de agradecer que Akira Toriyama haya ampliado el universo ‘Dragon Ball’ hasta un punto que no podamos con concebir sus límites (un poco como nos pasa en el universo real en el que vivimos). Son Goku ya no es el más fuerte, ni siquiera está en las primeras posiciones. Y no han tenido que convertirlo en un niño como en ‘Dragon Ball GT’.
‘Dragon Ball’ corría el riesgo de quemarse de la misma manera que ‘Caballeros del Zodiaco’ (‘Saint Seiya’ en su versión original) daba igual que tuviera un reparto coral con personajes interesantes. Al final todo el peso recaía en el protagonista. ‘Naruto’ consiguió evadir ese espinoso problema solo para meterse en un fango narrativo con decenas de personajes sin una focalización definida.
En realidad, lo que vemos en este número y en el anime es algo que sabíamos desde el minuto 1 de ‘Dragon Ball Super’. Desde el primer combate que vimos. La primera vez que vimos este combate no fue en el manga ni en el anime si no fue en la película ‘La batalla de los dioses’. Al final de dicha película el rival de Son Goku le revelaba un secreto que nos rompió los esquemas a todos los fans de la serie.
La mejor decisión del creador de ‘Dragon Ball Super’ ha sido desarrollar poco a poco este concepto sin prisa, pero sin pausa. Y ahora el manga se ha desmarcado del anime de manera complementaria. Hay cosas del anime que no aparecen en el manga y viceversa, pero con el mismo mimo por los detalles.
¿Qué nos deparará este nuevo nivel? Ahora os lo desvelaremos sin spoilers.
En esta ocasión os hablaré del número 26 de ‘Dragon Ball Super’ (el 237 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’. Al final del manga podremos ver la portada del siguiente y curiosamente es una ilustración de este número.
GUION
A nivel argumental esta entrega está dividida en dos partes. Terminamos el novedoso combate exclusivo del manga en el que podremos seguir disfrutando de nuevas técnicas con personajes nunca vistos hasta ahora. Un combate en el que Son Goku no tiene nada que ver, es un mero espectador y alucina en colores tanto como el lector.
La segunda parte de este manga es un combate de Son Goku contra otro personaje nuevo muy al estilo Toriyama, con un físico que engaña a la hora de combatir. Como es un combate de exhibición podemos disfrutar de todas las transformaciones de Son Goku.
Y la última página nos deja con el corazón en un puño cuando un personaje le revela a Son Goku (y al lector) que aún queda un nivel nuevo por descubrir que cambiará para siempre el universo ‘Dragon Ball’
DIBUJO
Como en todas las entregas Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, alterna modernidad y tradición. El primer combate está dibujado de una manera formal (no podríamos distinguirlo de Akira Toriyama) y curiosamente el segundo combate, el que está protagonizado por Son Goku, está dibujado de una manera novedosa, sobre todo al mostrar las transformaciones Super Saiyan de Son Goku. Que como Toyotarô es un fan, no pierde la oportunidad de mostrar el Super Saiyan Nivel 3 cada vez que puede. Porque con los nuevos niveles de poder divinos, se había quedado un poco en tierra de nadie.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Hay diferencias entre los acontecimientos relatados, que provocan que el anime y manga sean exclusivos y complementarios como si fueran dos universos paralelos. Esperemos algún día que hagan un anime cómic de este arco argumental porque merece la pena.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: noviembre de 2019. Precio: 2,95€.
‘¡Scooby!’ nos cuenta cómo se conocieron los amigos Scooby y Shaggy y cómo se unieron a los jóvenes detectives Fred, Velma y Daphne para formar la famosa agencia de detectives Mystery Inc. Ahora, con cientos de casos resueltos y aventuras compartidas, Scooby y la pandilla se enfrentan al misterio más gigantesco y complicado de sus carreras: un complot para que el perro fantasma Cerbero campe a sus anchas por el mundo. Mientras corren a toda prisa para detener esta «perroapocalipsis» mundial, la pandilla descubre que Scooby tiene un legado secreto y un destino épico mayor de lo que nadie imaginaba.
Crítica
Hanna-Barbera is back
Es innegable que en muchos casos ‘Scooby-Doo’ es responsable desde nuestra infancia del desarrollo de nuestra imaginación y de aportar una manera muy particular de ver el terror. Para aquellos que eran niños durante los setenta, ochenta y buena parte de los noventa este perro cagueta ha sido compañía en la hora de la merienda. Ahora Warner Bros. nos lo trae de vuelta. Y además en esta película de animación tridimensional aparecen el Capitán Cavernícola, Dinamita, el Perro Maravilla y Pierre Nodoyuna famosísimo por series como ‘Los autos locos’. Lo cierto es que solo con todo esto me tenían ganado desde el principio. Hanna-Barbera is back.
La verdad es que como nostálgico de la serie original guardaba cierto recelo, sobre todo tras haber sufrido en su día las películas de acción real con Sarah Michelle Gellar, Matthew Lillard y compañía. Pero a Scooby no le sienta mal el 3D y además la historia nos devuelve a los dibujos divertidos e imaginativos que tantas criaturas fantasmagóricas y artilugios nos brindaron.
Este sigue siendo ese grupo de muchachos que descifran acertijos, desenmascaran falsos espectros y desentrañan misterios. Pero en esta ocasión, como suele pasar en estas películas que quieren ir más allá, el caso a resolver está relacionado con uno de los protagonistas. Y sucede otra cosa de la que se suele pecar, pensando que más es más, es la finalización de la película. Le sobra ser tan desmesurada y estar tan repleta de tecnología. Es un intento de traérselo a lo actual, pero le quita encanto y resta esa sensación de héroes de vecindario.
La película consigue lo que hacía la serie. Muestra valores, tiene muchos gags slapstick, acrobacias casi circenses y no cesa en su ritmo. Se introduce una pequeña historia de orígenes que nos muestra como se origina tanto la amistad entre Shaggy y Scooby como la piña de amigos que gestiona Misterios S.A. Como he dicho antes se intenta meter mucho cachivache moderno, no dudo que eso es para acercarse a los jóvenes de ahora y actualizar la franquicia. Es por eso que su primera secuencia de orígenes empalma con la actualidad de los personajes con una transición que imita muy bien el clásico opening de la serie. Además para remar aún más a favor de corrientes actuales se ha entremezclado todo con un tema superheroico usando también personajes de Hanna-Barbera.
Se agradece que el guión de Kelly Fremon conserve la inocencia y cobardía de los jóvenes protagonistas. Si no hubiésemos tenido a estos chicos maldiciendo con expresiones como ¡chispas! nos habríamos alejado mucho del original y esto debería haberse llamado de otra manera. Aunque alguna cosa adulta han introducido, véase Tinder. Es tan fiel al espíritu intrigante y tontorrón de la serie que le perdono los momentos de electro pop. También era de imaginar que los artilugios que usan nuestros investigadores cambiasen. Decimos adiós a las linternas de pilas alcalinas tipo D y hola al LED del móvil.
Al principio os he enumerado algunos personajes que forman parte de la trama. Pero la película tiene otras muchas referencias a las series del estudio Hanna-Barbera Productions. Vais a ver nombres de ‘Los Picapiedra’ o detalles visuales de otros personajes, así como referencias a los dobladores originales. Los créditos son un homenaje al imaginario de esta factoría de dibujos. Igualmente Warner Bros. también se ha asegurado de introducir algunas de sus franquicias, como podemos comprobar con el disfraz de Wonder Woman que luce Daphne. Está claro que tenemos toda una serie de películas animadas por venir.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de julio de 2020. Título original: Scoob! Duración: 93 min. País: EE.UU. Dirección: Tony Cervone. Guion: Kelly Fremon. Música: Julian Nott. Reparto principal (doblaje original): Frank Welker, Kiersey Clemons, Zac Efron, Will Forte, Jason Isaacs, Ken Jeong, Tracy Morgan, Gina Rodríguez, Amanda Seyfried, Mark Wahlberg. Producción: Warner Animation Group, Hanna-Barbera Productions, Canadian Film or Video Production Tax Credit. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género:Web oficial:https://www.scoob.movie/
Después de la victoria contra Zamasu, Goku y los demás viven un período de paz, aunque Vegeta sigue entrenándose con Whis y el mismísimo Beerus. Pero cuando a Goku le entra el gusanillo de los combates, se pone en contacto con Whis y se entera de que su rival está con él, resulta que el príncipe de los saiyanos tiene que volver a la Tierra… ¡para ser padre!
Reseña
it’s showtime!
En este número nos preparamos para el MAYOR espectáculo de toda la historia de ‘Dragon Ball’.
Se acabaron los combates de exhibición. Se acabó la nostalgia y cerrar cabos sueltos. Empieza el espectáculo. A todos los niveles. Algo se ha cocido desde el primer combate de ‘Dragon Ball Super’ y por fin eclosiona. ¿Queréis personajes y mundos nuevos? ¡Pues ahí tenéis decenas de ellos! Personajes con sus propias historias que contar y por supuesto que combatir.
La explosión de personajes nuevos presentados a la vez es muy parecida a otros mangas actuales como ‘Naruto’ o ‘Bleach’. Esto no había pasado nunca en ‘Dragon Ball’. Una saga completamente nueva y una forma de combatir que tampoco habíamos visto hasta ahora…donde todo puede ocurrir.
En esta ocasión os hablaré del número 25 de ‘Dragon Ball Super’ (el 236 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver uno de los momentos culminantes del número que tenemos en las manos, mostrando a muchos personajes (que queríamos conocer desde el principio de ‘Dragon Ball Super’) sorprendidos por el anuncio del evento que cambiará para siempre este manga.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’.
GUION
Una entrega muy cargadita de novedades a nivel argumental.
Al igual que en el principio de ‘Dragon Ball Super’ se nos dan pistas de futuros arcos argumentales, dejándose caer en conversaciones como si tal cosa. Algo muy del estilo Toriyama. Lo que quiere el maestro es que nos centremos en el ahora.
También Toriyama concibe el destino con mucho humor, fruto del azar casi. Existe una ambigüedad en torno a lo que sucede antes en una determinada situación que no vamos a desvelar ¿que fue antes el huevo o la gallina? algo muy divertido y propio del humor made in Toriyama.
Conocemos un montón de personajes y mundos nuevos. Y es solo un aperitivo porque faltan por presentar casi 80 personajes nuevos. No exageramos. No podemos explicar más porque ya entraríamos en el terreno de spoiler.
En la primera gran reunión de personajes nuevos el lector se siente como un niño en la mañana de navidad, revisando todas las viñetas intentándose quedar con todas las caras nuevas y que nos podrán aportar en la historia. Digamos que Son Goku está tan asombrado como el lector.
Aunque como se nos presenta una situación que se les ha ido de las manos totalmente a nuestros protagonistas, todos los personajes nuevos que se presentan (que son increíblemente más poderosos que Son Goku y Vegeta) también están totalmente desconcertados por esta nueva situación.
Un número lleno de humor (siguiendo la tradición, los nombres de los nuevos personajes están basados en bebidas alcohólicas) y sobre todo acción, con unos combates exclusivos del manga que elevarán vuestras expectativas hasta niveles insospechados.
Y como bonus track, de regalo, capítulo especial que resuelve cabos sueltos del anterior arco argumental. Algo que es una costumbre ya en ‘Dragon Ball Super’, pero cuidado, que no se han llevado todos los capítulos especiales al manga de la serie roja y la editorial se ha reservado alguno para los tomos recopilatorios.
Ya sabéis, nos quieren arruinar.
DIBUJO
Toyotarô demuestra que está sobradamente preparado para esta prueba de fuego. Se desenvuelve con soltura dibujando escenarios y recreándose en los detalles. A veces hay que releer otra vez las viñetas para darse cuenta de la complejidad de las estructuras que dibuja. En esos momentos nos damos cuenta de que Toyotarô imita al maestro porque los lectores queremos. En realidad, ya lo hemos comentado en varias reseñas de ‘Dragon Ball Super’, a los fans no nos gustan mucho los cambios.
Páginas repletas de personajes nuevos que harán las delicias de los otakus e incluso también de los fans de Marvel, acostumbrados a páginas completas llenas de héroes y villanos. Presenciamos un tipo de combate totalmente nuevo, tanto en lo referente a los personajes, técnicas especiales, perspectivas, ritmo narrativo…
Un pequeño apunte sin spoilers. Encontrareis un homenaje visual a ‘Dragon Ball GT’ con respecto al diseño de un personaje. En ‘Dragon Ball Super’ no dan puntada sin hilo, porque este arco argumental predijo el regreso de un personaje muy querido y se convirtió en canon. Así que creemos que ‘Dragon Ball GT’ llegará a convertirse en canon, contado de una manera mejor. Curiosamente la película ‘Dragon Ball Super: Broly’ resuelve las incongruencias de los niveles de poder entre ‘Super’ y ‘GT’ y de una manera indirecta nos indican el camino que llevarán a los acontecimientos de ‘Dragon Ball GT’
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Ahora mismo son universos ligeramente paralelos, pero igual de espectaculares. Me explico. Normalmente el manga de ‘Dragon Ball’ es superior al anime, porque en el anime solo se diferencia del manga por episodios de relleno y ningún argumento original exclusivo. (La única excepción fue el torneo de las artes marciales del otro mundo organizado por el Gran Kaio después de la saga de Célula y a raíz de su éxito entre los fans, tuvo su repercusión en la película ’Fusión’)
En ‘Dragon Ball Super’ tanto el manga como el anime tiene contenidos exclusivos. Y este número contiene un combate que a día de hoy no hemos visto en versión animada. Y en el anime el combate es diferente, por un lado potenciando personajes secundarios de ‘Dragon Ball’ que en el manga tendrán su momento de gloria en arcos argumentales posteriores y con unos rivales que en el manga tendrán posterior relevancia.
El manga y anime de ‘Dragon Ball Super’ son (ligeramente) diferentes y complementarios. Cada uno adaptado a las exigencias del medio en el que los acontecimientos son narrados.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: noviembre de 2019. Precio: 2,95€.
Sitges 2020 se prepara para su encuentro anual con los fans del fantástico, la industria y la prensa en una edición única. El Festival combinará el mejor cine de género del momento con una mirada hacia filmes que han trazado la historia del fantástico, a través de diversos homenajes. Las películas dirigidas por mujeres tendrán un protagonismo evidente –una clara tendencia en los últimos años– y el papel del cine estatal también será preponderante.
La primera gran película de género fantástico de la historia del cine, ‘Das Cabinet Des Dr. Caligari(El gabinete del doctor Caligari)’ celebra 100 años de existencia y Sitges 2020 la adopta como motivo para su cartel, realizado por la agencia China. En palabras de sus creadores, “este año tenemos la suerte de celebrar el primer centenario en Sitges con los 100 años de ‘El gabinete del doctor Caligari’. Uno de los padres indiscutibles del cine fantástico y de terror con una mirada perturbadora que ha influenciado a tantos cineastas del género. Hemos querido homenajear su inolvidable estilo expresionista con una reinterpretación de Sitges que emula a Holstenwall, el pueblo imaginado por los artistas Hermann Warm, Walter Reimann y Walter Röhrig. Una visión angustiosa, que refleja la hipnosis colectiva de sus habitantes , y que durante unos días hipnotizará también a los fans del fantástico en Sitges”. El ilustrador del cartel es David de Ramón de The Mushroom Company.
La película de Robert Wiene también inspirará la retrospectiva ‘Sombras de Caligari’, formada por grandes clásicos como The Trial (El proceso), de Orson Welles, entre otros que se anunciarán próximamente. Esta retrospectiva irá acompañada de un libro, editado por Hermenaute, sobre la influencia de Caligari en el fantástico.
La 53ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya se abrirá el próximo 8 de octubre con el estreno de ‘Malnazidos’, la película de acción zombi dirigida conjuntamente por Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro. El filme adapta la novela de Manuel Martín Ferreras, ambientada en la Guerra Civil Española. El reparto está integrado por Miki Esparbé, Aura Garrido, Luis Callejo, Álvaro Cervantes y María Botto, entre otros. La cinta sigue a un grupo de combatientes huidos de bandos rivales durante la Guerra Civil que tendrán que aliarse para hacer frente a un enemigo común, los zombis.
Los fans de los no-muertos también están de enhorabuena con el estreno de la película coreana ‘Peninsula‘, la secuela de ‘Train to Busan’ que en Sitges 2016 fue merecedora de los premios a la mejor dirección para Yeon Sang-ho y a los mejores efectos especiales.
Uno de los títulos más esperados de este año es ‘Relic’, el debut de la directora australiana Natalie Erika James, que sorprendió en Sundance y que se ha situado en primera posición en los cines norteamericanos post-pandemia. Producida por Jake Gyllenhaal y protagonizada por Emily Mortimer, la cinta se adentra en un espiral de terror turbio.
El terror independiente de diversas procedencias y dirigido, en una mayoría, por mujeres, disfrutará de una presencia destacada en el Festival con propuestas como la británica ‘The Show’, de Mitch Jenkins, escrita por el gurú del cómic Alan Moore; la francesa ‘Jumbo’, de Zoé Wittock; la norteamericana ‘12 Hour Shift’, de Brea Grant, o la canadiense ‘Slaxx’, de Elza Kephart. Sitges 2020 contará con un buen puñado de ejemplos de terror festivo, dirigido a los fans del género, con títulos como ‘Psycho Goreman’, de Steven Kostanski; ‘Benny Loves You’, de Karl Holt, o ‘The Queen of Black Magic’, de Kimo Stamboel.
Otros títulos confirmados en esta 53ª edición ofrecerán un amplio abanico de tipologías del fantástico. Del terror pasando por la ciencia ficción y el thriller, filmes a descubrir que llenarán el Festival, como ‘The Silencing’, de Robin Pront, una cinta de venganza protagonizada por Nikolaj Coster-Waldau y Annabelle Wallis. Respecto a la ciencia ficción, se podrá ver ‘The Sputnik’, filme ruso dirigido por Egor Abramenko, una aventura espacial con alienígenas. También ‘Come True’, de Anthony Scott Burns, con un adolescente atormentado por terribles pesadillas. ‘Archive,‘ la ópera prima de Gavin Rothery, trata la temática de la inteligencia artificial, mientras que ‘La nuée’, de Just Philippot, plantea un peculiar drama de terror plaga do de saltamontes, y ‘Fried Barry’, de Ryan Kruger, presenta a un antihéroe drogadicto que es abducido por extraterrestres.
Los vampiros tampoco podían faltar a la cita anual y este año estarán representados por ‘Comrade Drakulich’, cinta húngara dirigida por Márk Bodzsár, una comedia negra con un héroe de la revolución cubana en formato vampiro. De Hungría también llegará ‘Post Mortem’, de Péter Bergendy, una historia de fantasmas ambientada en la Primera Guerra Mundial.
En este primer avance de programación, la animación tiene su espacio con ‘Lupin III: The First’, la continuación de la saga manga creada por Monkey Punch que se ha convertido en un icono en Japón, dirigida por Takashi Yamazaki.
Cine catalán
Además de la flamante inauguración con ‘Malnazidos’, el cine autóctono estará muy presente en Sitges 2020. El Festival contará con el estreno de ‘No matarás’, de David Victori, un thriller protagonizado por Mario Casas dando vida a un personaje que se encontrará contra las cuerdas.
La Barcelona de principios del siglo XX es el escenario de La vampira de Barcelona, un terrorífico drama basado en hechos reales que dirige Lluís Danés y cuenta con un amplio reparto de actores catalanes como Nora Navas, Sergi López, Francesc Orella, Pablo Derqui, Bruna Cusí, Roger Casamajor o Núria Prims.
Próximamente, se anunciarán más producciones catalanas seleccionadas.
Fantástico iberoamericano
La cinematografía argentina pisará con fuerza la 53ª edición del Festival, presentando algunas de las películas de género más destacadas de la temporada. Como la inquietante ‘Inmortal’, de Fernando Spiner, un drama fantástico que explora los límites entre la vida y la muerte. También alrededor de esta temática se proyectará ‘Los que vuelven’, un thriller de gran potencia visual.
‘Historia de lo oculto’, de Cristian Ponce, cierra este primer bloque de títulos iberoamericanos, con un filme de terror en blanco y negro que trata la corrupción política y la conspiración.
Grandes clásicos con la máxima calidad
Sitges 2020 es el marco idóneo para conmemorar los aniversarios de dos grandes mitos del cine fantástico de todos los tiempos. ‘Elephant Man (El hombre elefante)’, la impactante obra maestra de David Lynch, celebra sus 40 años y el Festival revisitará en una remasterización en tecnología 4K la terrible historia de John Merrick –en una magnífica interpretación de John Hurt– que se ha mantenido intacta en las retinas de todos los cinéfilos.
Otro éxito del fantástico, ‘Total Recall (Desafío total)’, de Paul Verhoeven, celebrará su 30º aniversario con los fans, también en resolución 4K. La cinta de ciencia ficción, que adaptó un relato de Philip K. Dick, forma parte del imaginario colectivo, con Arnold Schwarzenegger y Sharon Stone, y conecta también con la retrospectiva Sombras de Caligari, ya que es un título fuertemente influenciado por el clásico.
Revisión de grandes figuras
Los documentales sobre grandes nombres del cine tampoco faltarán a la 53ª edición del Festival de Sitges. El director Gregory Monro recupera en ‘Kubrick by Kubrick’ nuevas grabaciones exclusivas del cineasta, en las cuales reflexiona sobre su filosofía de vida, aportando un documento esencial y un tributo definitivo a la persona de Stanley Kubrick.
Bruce Lee recibirá también su homenaje con ‘Be Water’, el documental de Bao Nguyen que, a partir de material inédito, retrata al legendario actor y maestro de artes marciales, de vida fugaz pero intensa.
Brigadoon y Premio Nosferatu
La sección Brigadoon contará en Sitges 2020 con una fuerte presencia de cine latinoamericano. ‘Al morir la matinée’ (Argentina, Uruguay), dirigida por Maximiliano Contenti, es una nueva aproximación al giallo con referencias al filme Angustia, de Bigas Luna.
‘Cabrito’ (Brasil), de Luciano de Azevedo, retoma la propuesta del cortometraje del mismo título, y confecciona un largo sofocante y malsano de terror puro. Por otro lado, ‘Cuidado con lo que deseas’ (México), de Agustín Oso Tapia, presenta una historia protagonizada por niños y adultos donde los crímenes y las traiciones están bien presentes, con el telón de fondo del teatro de guiñol.
Respecto a documentales, en Brigadoon se presentarán ‘Bava Puzzle’, una pieza centrada en la figura del realizador italiano Lamberto Bava, director de clásicos como Demons o Macabro e hijo del mítico Mario Bava. Dirigen Paola Settimini y Daniele Ceccarini. ‘The Quiet Revolution: State, Society and the Canadian Horror Film’, de Xavier Mendik y Philip Escott, es un estudio cinematográfico del panorama del cine de terror canadiense. Un análisis con sus protagonistas donde se exploran influencias, historia y tradición dentro del género. ‘Segrelles. Ilustrador universal’, dirigido por Ignacio Estrela, resigue la vida y obra del pintor valenciano José Segrelles (1885-1969), uno de los ilustradores más influyentes en artistas contemporáneos. Una figura artística de reconocimiento internacional a valada por realizadores como Guillermo del Toro, uno de los invitados al documental.
El Premio Nosferatu de este año será para el actor Manuel de Blas, cara visible en el fantástico estatal desde la década de los sesenta y todavía en activo. De Blas ha trabajado en más de 200 producciones para cine, televisión y teatro, transitando por todos los géneros (western, comedia, drama…), con el fantástico como un puntal importante en su carrera, con títulos como El coleccionista de cadáveres (Santos Alcocer, 1970), donde compartió reparto con Boris Karloff, La orgía nocturna de los vampiros (León Klimovsky, 1973) o El jorobado de la morgue (Javier Aguirre, 1973).
Sitges Film Hub
La sección de industria del Festival vuelve con fuerza en una edición donde se complementarán las ya consagradas sesiones presenciales en el Industry Hub by Catalan Films&TV del Hotel Meliá Sitges, con una oferta virtual de las actividades y encuentros dirigidos a los profesionales del sector.
Bajo el paraguas del Sitges Film Hub, en la anterior edición del Festival se acogieron más de 40 actividades, entre mesas redondas, masterclasses, actividades de mentoring y encuentros con invitados del Festival. Más de 1.800 asistentes estuvieron presentes en las actividades donde también se presentaron 42 proyectos en diferentes sesiones de pitch.
Por sexto año consecutivo, el Festival y la plataforma Filmarket Hub se unen para organizar el esperado Sitges Pitchbox, un evento internacional de pitching enfocado a proyectos de género en desarrollo. La edición del año 2020 se realizará en formato virtual y, como novedad, incluirá también una sesión de pitch para series de televisión europes. La convocatoria de proyectos se inicia el próximo 23 de julio en https://www.filmarkethub.com/calls.
La iniciativa del Festival que busca acercar la literatura y el cine fantástico, el Sitges Taboo’ks, presentará de nuevo cuatro obras literarias (novela, teatro, relato corto y novela gráfica o cómic). El programa invita a productores interesados en los proyectos con la finalidad de promover acuerdos de adaptación. La actividad contará también con una masterclass impartida por una personalidad significativa en ambos sectores: el cinematográfico y el literario. El plazo de presentaciones de obras finalizará el 18 de agosto.
El Producers Meet Producers, programa de mentoring dirigido a jóvenes productores, también celebra su sexta edición. La actividad, organizada por la PAC (Productors Audiovisuals de Catalunya) y el Ayuntamiento de Sitges (Promoción Económica), en colaboración con el Sitges Film Hub, tiene como objetivo poner en valor y dar visibilidad a la figura del productor audiovisual, dentro y fuera del sector, generar industria y tejer una red con el talento emergente.
El Sitges Film Hub publicará su agenda completa de actividades en el mes de septiembre.
Una multitud de Zamasu rodea a los protagonistas, que no saben qué hacer para derrotar a este temible enemigo, hasta que a Goku se le ocurre llamar al Zen’ô de este universo, que puede acabar con el enemigo en un momento y permitir que el grupo se reúna y celebre la victoria, que por otro lado supone la desaparición del futuro de Trunks y Mai.
Reseña
Cosas de casa
¿Qué es lo mejor de ‘Dragon Ball’? ¿los combates sin fin? ¿los niveles de poder ilimitados?
Pues no.
Eso te lo puede dar cualquier manga Shonen. Para los neófitos en el manga, el Shonen (como ‘Dragon Ball’) es un género de manga y anime enfocado al público adolescente y su origen es un término por parte de los editores definido como “comic para chicos” (aunque también pueda interesar a las chicas) por tener grandes dosis de acción y protagonistas masculinos. Pero de la misma manera que los editores crearon el Shojo, dirigido al público femenino, con el paso de los años se difuminaron las líneas entre géneros.
En el caso concreto de ‘Dragon Ball’, si nos ponemos a investigar e identificar la magia que hace que sea un manga único, (dejando aparte sus múltiples y variados villanos, los poderes ilimitados y los combates) ‘Dragon Ball’ destaca por su rica mitología y referencias culturales, pero creo que lo que realmente logra que se diferencie de los demás mangas son sus situaciones cotidianas.
Esto puede parecer un poco contradictorio, lo sabemos, pero esto es algo que ha explorado Akira Toriyama desde sus inicios en ‘Dr Slump’: la vida cotidiana con toques del fantástico y por supuesto mezclado con mucho humor. Nos identificamos con sus personajes y les cogemos cariño. ¿Quién no ha tenido en su grupo de amigos alguien tan serio como Vegeta o Piccolo? Y seguro que tenéis amigos tan inclasificables como el maestro Mutenroshi que os avergüenzan todo el tiempo, pero vuestra vida sería más aburrida sin ellos.
Eso consigue que ‘Dragon Ball Super’ mantenga fresca la franquicia. ‘Dragon Ball GT’ fue concebida con una intención similar en su día, pero enseguida fue sepultada esa idea bajo una lluvia de combates y niveles de poder. Y la fórmula se quemó enseguida. Aunque si es verdad que los pesos pesados siguen siendo Goku y Vegeta, han recibido bastantes humillaciones, ya no son los más fuertes ni de lejos. Vuelven a ser aprendices. Y el reparto vuelve a ser mucho más coral (incluso en los combates) dándole mucha importancia al humor.
Por eso en este número disfrutamos de lo lindo con la vida cotidiana de nuestros guerreros favoritos. Tienen responsabilidades, trabajos, cuidar de una familia… el referente Marvel más cercano podría ser Spiderman, salvo que en el caso del humor no es tan absurdo (aunque ‘Spiderman: un nuevo universo’ se acerca mucho al sentido del humor de Toriyama…)
En esta ocasión os hablaré del número 24 de ‘Dragon Ball Super’ (el 235 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver al nuevo elenco de personajes de ‘Dragon Ball Super’ que va a revolucionar nuestro concepto de ‘Dragon Ball’ (y a dos personajes que ya lo han revolucionado)
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y de series parecidas manga de temática parecida como ‘Boruto’ (nieto de ‘Dragon Ball’ por decirlo de alguna manera)
Al final del número podremos ver la portada del siguiente en el que podremos comprobar que nuestros héroes no van a tener mucho descanso y se va a liar parda sí o sí.
GUION
Disfrutamos de ‘Dragon Ball’ sin prisa, pero sin pausa, con la vida cotidiana de nuestros personajes favoritos. Si en el anterior número acompañábamos a Son Goku, en esta nueva entrega podemos cotillear la vida privada de Vegeta, tanto en su entrenamiento con los dioses, como en su vida casera en la tierra.
El interludio cómico de viñeta a página completa, que ya es un clásico en los últimos números y mata dos pájaros de un tiro. Por un lado, muestra la madurez de un personaje y es muy cómico porque además corrige cualquiera duda de que ‘Dragon Ball’ sea solo un cómic para chicos o que transmita un mensaje machista.
Y por supuesto no podía faltar un pedazo combate en el cual se demuestra que el protagonista no es solo Son Goku (al contrario que el anime y podemos creerlo normal por el marketing) a pesar de que es un combate de entrenamiento se vuelve un combate muy serio. Como siempre se les van de las manos las situaciones a nuestros personajes.
Y por último, hablando de situaciones que se van de las manos, se comete la mayor burrada del universo ‘Dragon Ball’. O no. Uno de nuestros protagonistas toma una decisión inocente acorde a su personalidad y la lía pardisima ¿o es otra forma de salvar el universo con humor? Con Toriyama nunca se sabe. Ambigüedad y sentido del humor absurdo son las señas de identidad del maestro.
DIBUJO
Toyotarô combina los diseños cómicos made in Toriyama y escenarios increíbles (tanto celestiales como los urbanos) En los combates el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’ destaca con un trazo propio, perspectivas dinámicas, personajes estilizados, a la par de detallados logrando que para el ojo exigente se pueda observar una evolución del dibujo de esta franquicia.
Es un cambio muy sutil pero necesario, de la misma manera que el maestro creador, Akira Toriyama, fue pasando de un estilo más redondeado tirando a simple, a un estilo más anguloso con las sombras, detalles de la ropa o músculos muy bien definidos. Quizás la saga de Célula fue el momento más exagerado de Toriyama y en la saga del monstruo Bu se estableció unas proporciones más adecuadas que ha respetado el discípulo para la mayoría de las escenas cotidianas y con personajes conocidos, evolucionando en los nuevos personajes y en las escenas de combate.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
No muchas, aunque el manga es más fluido que en el anime narrativamente hablando, en ‘Dragon Ball Super’ se puede presumir de que hay muy pocos (casi nada) episodios de relleno y todos cuentan algo. Nada que ver con ‘Dragon Ball’ y ‘Dragon Ball Z’ con molestos episodios de relleno. Tantos que se tuvo que hacer ‘Dragon Ball Kai’ (reedición remasterizada del anime de ‘Dragon Ball Z’) para quitarlos. Alguien tenía que decirlo.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: octubre de 2019. Precio: 2,95€.
Tras el divorcio de sus padres, el adolescente rebelde Ben es enviado a vivir con su padre durante el verano y obligado a trabajar en el puerto deportivo local. Pero la idílica localidad turística le ofrece poco consuelo, ya que se ve forzado a tratar con los privilegiados del lugar y la nueva novia de su padre. Los problemas de Ben se vuelven aún más inquietantes cuando hace un hallazgo escalofriante sobre la familia de la casa de al lado. Un espíritu malévolo del bosque ha poseído a la madre y comienza a jugar un siniestro juego de papás y mamás con los niños del lugar borrando cualquier rastro de su existencia. Cuando sus sospechas son ignoradas, Ben se lanza a una peligrosa cruzada para poner fin al reinado de terror de la bruja antes de que esta acabe con todo aquello que él ama.
Crítica
‘Madre oscura’ no inventa nada nuevo, pero sorprende mucho
Con un equipo bastante novel, ‘Madreoscura’ nos trae una historia interesante, que quizás no esté del todo bien llevada, pero entretiene y nos da algo distinto dentro del terror. Con algún toque de comedia muy oscura, nos lo pasaremos bastante bien con esta cinta en la que un adolescente debe enfrentarse a un monstruo que le está haciendo la vida imposible.
Tras el divorcio de sus padres, Ben es obligado a pasar el verano con su padre y a trabajar con él. Todo parece perfecto hasta que comienza a ver situaciones extrañas en la casa de sus vecinos, más concretamente con la matriarca de la familia.
Vemos pequeños homenajes a ‘La ventana indiscreta‘ en los momentos en los que el chaval comienza a obsesionarse con la vecina, pues no la ve trigo limpio, además comienza a preocuparse seriamente por el hijo de ésta, pues no hace más que esconderse de su propia madre.
También hay una escena que bien podría estar sacada de ‘Señales’, en la que la oscuridad juega un papel bastante importante y las sombras pueden hacer que veamos siluetas donde no las hay, ¿o sí?
La cinta la dirigen BrettPierce y DrewPierce, dos directores que cuentan con el rodaje de una película y varios cortos, como dije al principio, un equipo novel, pero no significa que el trabajo haya sido malo, ni mucho menos. El guión también parte de ellos y sinceramente me ha parecido bastante original.
En el reparto encontramos al joven John–PaulHoward (‘Midnight,Texas‘) en el papel de Ben, el protagonista, al que nadie hace caso. De los pocos personajes que pide ayuda con temas paranormales. Eso si, por supuesto le toman por loco y nadie le ayuda.
PiperCurda, es otra de las partes importantes de la película, amiga y compañera de Ben. No le cree, pero como es su amiga intenta darle apoyo moral y al final intentará ayudarle como pueda.
JamisonJones, AzieTesfai, ZarahMahler, KevinBigley, GabrielaQuezadaBloomgarden, RichardEllis o BlaneCrockarell son parte del reparto que podréis ver en ‘Madre oscura’.
El diseño del monstruo es bastante típico, en algunas escenas bien puede recordar a aquellas sombras que veíamos en ‘Insidius’ y en otras le podemos ver más detalladamente y está muy bien realizado.
La fotografía también es bastante curiosa, va de la mano de ConorMurphy, el cual a trabajado durante mucho tiempo sobre todo el cortos. Consigue darle el toque sombrío a la película e inquietante que necesita esta historia, sin necesidad de mostrar apenas nada.
‘Madre Oscura’ es bastante simplona, pero tras un buen trabajo de ambientación, unas actuaciones creíbles y un monstruo bastante pícaro, la película funciona perfectamente. Una película perfecta para disfrutar en estos días tan calurosos en una sala de cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de julio de 2020. Título original: The Wretched. Duración: 95 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bret Pierce y Drew Pierce. Guión: Bret Pierce y Drew Pierce. Música: Devin Burrows. Fotografía: Conor Murphy. Reparto principal: John-Paul Howard, Piper Curda, Azie Tesfai, Kevin Bigley, Zarah Mahler, Richard Ellis, Tug Coker, Gabriela Quezada Bloomgarden, Jamison Jones, Amy Waller, Alexandria Barron. Producción: Cailleach Productions. Distribución: Selecta Visión. Género: Terror. Web oficial:https://www.selecta-vision.com/catalogos/madre-oscura/
José Miguel “Makey” es un policía campechano que adora su trabajo en el barrio de Carabanchel y con un sentido de la responsabilidad y el honor desmesurado. Su vida da un vuelco cuando es degradado a agente de movilidad (vaya, de los que ponen multas) y destinado a la Costa del Sol debido a un error garrafal. Allí Makey se reencontrará con su hija con la que hace años que no se habla y se verá, sin comerlo ni beberlo, envuelto en una peligrosa trama de narcotráfico internacional. Makey está a punto de convertirse en el protagonista de las películas de acción con las que siempre ha soñado.
Crítica
Se moja la pólvora de Harlem
Ha pasado y en España cada vez es más frecuente el hecho de que un comediante o monologuista pase a la gran pantalla y se convierta en además en el protagonista absoluto. En Estados Unidos es algo más habitual. Precisamente de la cultura norteamericana bebe mucho el policía que interpreta Leo Harlem en ‘Superagente Makey’.
Su casa está llena de posters de películas como ‘Jungla de Cristal’, hace referencias a comedias policiacas como ‘Hora punta’, sueña con atracos a lo ‘Le llama Bodhi’, grababa a su hija homenajes al cine de acción como ‘El último gran héroe’ e incluso tiene la chaqueta de ‘Superdetective en Hollywood’. Es un policía total operando en una comisaría de Carabanchel.
El agente Makey es un madero de los de barrio, de los que mira por su gente buscando soluciones que no transijan las leyes, aunque si los protocolos. Cumpliendo su obligación causa una situación que afecta a nivel nacional y le mandan a Estepona (algo similar a lo que le pasa a Julián López en ‘Operación Camarón’). Un papel ideal para alguien que parece tan cercano y campechano como Leo Harlem. Hasta aquí todo bien.
Con esta premisa y con un humorista de lengua espídica como Harlem todo pinta como para ser optimistas. Aún más si esperamos ver majaderías como las que suele hacer el alcalde de Estepona (que no cobrará pero sus ideas disparatadas le han hecho famoso), podríamos pensar que ‘Superagente Makey’ es un tobogán que zigzaguea entre risas y carcajadas. Pero no.
Debe ser que no acabo de cogerle el punto al director Alfonso Sánchez (‘El mundo es suyo’) ni a los guionistas Jorge Lara (‘Zipi y Zape’) y Fernando Pérez (‘Olmos y Robles’). Parece que se han juntado varios autores de películas sobre parejas investigadoras. Y se me hace raro porque ni el rodaje ni los actores están mal, pero no logran arrancarme carcajadas. Está claro que esta película puede tener referentes como ‘Agárralo como puedas’ o ‘Seguridad nacional’ pero ni Harlem a lo Axel Foley ni Jordi Sánchez en plan maleante cargante siguiendo los pasos de Joe Pesci en la saga ‘Arma letal’ consiguen hacer justicia a este género.
‘Superagente Makey’ es una especie de spanish buddie movie que podría haber estado muy bien si sus gags tuviesen más gancho y menos ridículo (la aparición del final o la detención en la comisaría me parecen absurdas). Se va muy abajo con toda la parte de la hija del protagonista, salvo por alguna escena no hace uso casi de comedia y rebaja mucho el ritmo del filme.
Hasta el gancho, carisma y habitual gracia de Leo Harlem se resiente. Ni con la comisaría hipersofisticada, ni con los presos que hacen mindfulness, ni con los mafiosos con dudas laborales se eleva la hilaridad de una película que debería haber aprendido más de los clásicos a los que alude.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de julio de 2020. Título original: Superagente Makey. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Alfonso Sánchez. Guion: Jorge Lara, Fernando Pérez. Música: Zacarías M. de la Riva, Alfred Tapscott. Fotografía: Fran Fernández Pardo. Reparto principal: Leo Harlem, Silvia Abril, Jordi Sánchez, María Sábate, Maite Sandoval. Producción: Atresmedia Cine, Movistar+, Mundo Ficción. Distribución: DeAPlaneta. Género: comedia. Web oficial:https://www.deaplaneta.com/es/superagente_makey
Tras ver como Zamasu intentaba utilizar a Mai para dejar indefenso a Goku, y aprovechando que su unión Pothara se ha deshecho, Trunks le ataca con su espada y parece que lo vence. Sin embargo, las apariencias engañan y el enemigo vuelve más fuerte e invencible que nunca…
Reseña
Su propio ritmo
El manga de ‘Dragon Ball Super’ empezó muy apresuradamente y a medida que fue teniendo su propio ritmo poco a poco se fueron viendo diferencias con el anime debido a que el manga tenía que innovar en algún aspecto. Actualmente el manga ha ido cogiendo la delantera con el parón del anime (que ha sido sustituido por ‘Dragon Ball Héroes’ para los que necesitan anime dragonbolero en vena). Por eso este arco argumental se termina con un epílogo tranquilo y no hay prisa por entrar de lleno en la siguiente búsqueda de las bolas de Dragón.
En esta ocasión os hablaré del número 23 de ‘Dragon Ball Super’ (el 234 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver a Son Goku y Vegeta con sus uniformes de combate de toda la vida, el mejor cebo para los fans.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y otros mangas de temática parecida como ‘Boruto’ (nieto de ‘Dragon Ball’ por decirlo de alguna manera).
Al final del número podremos ver la portada del siguiente, en el que podremos intuir las consecuencias del último arco argumental.
GUION
A nivel de guion la primera mitad del manga es el epílogo del último arco argumental donde se explica tranquilamente todos los cabos sueltos (aunque un par de temas se quedan en el aire, pero es algo que ignoran los personajes principales y esas eran las dudas de las que os hablamos en la reseña anterior) por un lado tenemos soluciones improvisadas que encajan con el espíritu despreocupado de ‘Dragon Ball’ (ya nos preocuparemos mañana de las consecuencias). Por otro lado, tenemos decisiones meditadas por parte de algunos de nuestros personajes más queridos, que esperamos volver a verlos en el futuro. Y humor, mucho humor, que es lo que hace que, en el fondo, ‘Dragon Ball’ que haya calado tanto en la cultura popular.
La última viñeta de este arco argumental es precisamente el interludio cómico plasmado en una viñeta a página completa, protagonizada por uno de los personajes secundarios fundadores de ‘Dragon Ball’.
En la segunda mitad de este número podemos cotillear en la vida cotidiana de los personajes más queridos de ‘Dragon Ball’, aderezados con combates cómicos entre personajes en los que hay una diferencia de poder abismal. Toriyama no se olvida que a los fans nos gustan las emociones fuertes y nos muestra algún combate de entrenamiento un poco más serio.
DIBUJO
Curiosamente el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, Toyotarô, destaca en este número mucho más que en las batallas encarnizadas de entregas anteriores. Seguimos disfrutando por su gusto por los detalles, ya sean escenarios urbanos, rurales u otros mundos.
Y aunque solo se producen un par de combates, (y tampoco es que sean muy serios) Toyotarô sabe plasmar muy bien la velocidad de luchadores. Un dibujante que nos ha demostrado todo lo que nos tenía que demostrar en los combates épicos y que no se relaja en lo que respecta al diseño de personajes, aunque sean simples terrícolas.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Aquí empiezan las diferencias gordas entre anime y manga. Y nos referimos a un concepto de ‘falso relleno’. No es que el manga sea más directo que el anime, sino que se nos insinuó un gran acontecimiento y como seguíamos el anime semana a semana se nos hizo eterno…
Por eso decía Einstein que el tiempo es relativo.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: octubre de 2019. Precio: 2,95€.
Goku y Zamasu ofrecen un espectacular combate de lo más igualado. Aun así, el cuerpo del saiyano acusa el cansancio de luchar a un nivel tan alto, y Zamasu se lo pone más difícil recurriendo a argucias. Sin embargo, también su unión Pothara se deshace al cabo de una hora…
Reseña
The End Is the Beginning Is the End
‘Dragon Ball’ es un manga muy importante para unas cuantas generaciones, sobre todo para la que creció en los 90. Por eso este número me recuerda a cierta canción de los ‘Smashing Pumpkins’ (o como diría Homer Simpson, Machaca-punkies) ‘The End Is the Beginning Is the End’, una canción que formó parte de la banda sonora de ‘Batman y Robin’, quizás la peor película de superhéroes de la historia. Pero la canción es buena y resume en gran parte el espíritu de los 90. No hay que confundirla con su otra versión, ‘The Beginning Is the End Is the Beginning’ que alcanzó bastante notoriedad unos años después al ser incluida en el trailer de la adaptación cinematográfica de ‘Watchmen’ de Zack Snyder. Pero de Zack Snyder ya hablaremos otro día.
‘The End Is the Beginning Is the End’ es una canción que me viene a la cabeza porque llegamos a un punto en el que, a partir de aquí, atravesamos lo desconocido en ‘Dragon Ball’. Este número es el fin, pero también es el principio. En fin, voy a explicarme como buenamente pueda.
Hasta ahora ‘Dragon Ball’ se movía entorno a unas reglas conocidas. Teóricamente conocíamos todo de ese universo y aunque ‘Dragon Ball Super’ nos había dejado entrever un poco más allá de esas fronteras desconocidas, todo estaba bajo control.
Pero el final de este arco argumental es bastante desconcertante, además de comenzar un nuevo arco argumental. Llega un mundo nuevo, nuevas reglas (desconocidas) una nueva forma de entender el universo que les rodea y.… realmente todo puede pasar. Pero como Akira Toriyama se lo toma con humor, no parece que vaya a pasar gran cosa.
Pero a partir de ahora, los peligros son muy reales. Nada que ver con lo que habíamos visto hasta ahora. Esto ya no es un juego y nuestros héroes ya no pueden presumir de su fuerza.
En esta ocasión os hablaré del número 22 de ‘Dragon Ball Super’ (el 233 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver a al villano dibujado al estilo Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’ y no recuerda al del maestro Akira Toriyama. El ángulo, la perspectiva y trazo son propios de Toyotarô, pero no traiciona el espíritu de ‘Dragon Ball’. Esta portada recuerda al esfuerzo de otros dibujantes como Masashi Kishimoto en mangas como ‘Naruto’ para transmitir una personalidad propia a pesar de declarar su amor por el legado de Toriyama.
Como curiosidad tenemos una portada de uno de los tomos recopilatorios y en el tomo es una ilustración mucho más completa (aquí solo han elegido al villano). La otra parte de la ilustración la podremos encontrar en el interior y veréis a Son Goku en la página característica de cualquier inicio de manga: ‘resumen de lo publicado’. En ‘Dragon Ball Super’ serie roja es una costumbre reutilizar fragmentos de portadas en estas secciones del manga.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’.
Al final del número podremos ver la portada del siguiente que promete mucho.
GUION
Este manga te deja con el corazón en un puño.
Al principio sueltas eso de ‘¿pero es que no se va a morir nunca el villano?’. Frase mítica en ‘Dragon Ball Z’ en los combates de Son Goku y compañía contra Vegeta, Freezer, Célula y el monstruo Bu. Reconocedlo, hay un momento siempre en los combates finales de ‘Dragon Ball’ en el que nos mosqueamos y pensamos que no es normal que un villano aguante tanto. Porque en esta saga lo vuelven a conseguir: los poderes del villano principal vuelven a aumentar y nos mostrará técnicas nuevas y omnipotentes.
Una nueva entrega con claros contrastes: homenajes a momentos clímax de ‘Dragon Ball Z’ por parte del sensei Toriyama intercalados con interludios cómicos plasmados en viñetas a página completa.
Si en el anterior número conocíamos un nuevo ataque especial de Son Goku, esta vez le toca el turno a Vegeta de lucirse con una poderosísima nueva técnica que deja al ‘Final flash’ en un petardo de feria.
A destacar un diálogo entre Vegeta y Son Goku que demuestra que son una de las parejas justicieras más carismáticas. Como en la gran tradición de las ‘buddy movies’ o películas de colegas (‘Arma letal’, ‘Limite 48 horas’, etc).
Terminamos un arco argumental de una manera bastante sorprendente y que nos genera muchas dudas. Suponemos que las soluciones nos las proporcionará el sensei Toriyama en el futuro. En todo caso este final es desconcertante a la par de humorístico, algo que es marca Toriyama desde los inicios de su primera obra, ‘Dr Slump’. Al final, aunque la situación parece bastante desesperada como dicen en ‘Star Wars’ ‘siempre hay un pez más grande’ (sabiduría jedi de Qui-Gon Jinn)
Y no. No es ni Son Goku ni Vegeta. Ni siquiera Trunks.
¿Que quien es? ahhhhh.
Lo descubrireis leyendo este manga. Pero sí que podemos adelantar que es un personaje nuevo muy de la marca de la casa, lleno de humor.
DIBUJO
Si hay una frase que puede resumir este número a nivel gráfico es: amor por los detalles. Los uniformes de combate destrozados, las sombras, las técnicas de combate, las heridas, ataques especiales, los escenarios apocalípticos ….
Toyotarô se ha esforzado regalándonos ilustraciones espectaculares a página completa, con los interludios cómicos.
Es capaz de imprimir una fuerza arrolladora en los momentos clímax de la batalla y aportar ese aire de cotidianidad que le gusta a Akira Toriyama, sobre todo en el epílogo.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
En el anime, el villano en su forma final es bastante más abstracto que en el manga. No le encontramos una explicación salvo la de resultar más amenazador. No podemos decir nada más porque entraríamos en el terreno spoiler. Como siempre tenéis nuestras vías de contacto por si queréis que os resolvamos alguna duda en privado o si queréis algún especial de ‘Dragon Ball Super’ donde tratemos este tipo de cuestiones.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: septiembre de 2019. Precio: 2,95€.
La unión con los pendientes Pothara se deshace, pero Vegeta reconoce que Goku tiene más posibilidades que él de derrotar a Zamasu si lucha en plenas condiciones, así que le pide a Trunks que cure a su viejo rival y este, por fin, ¡pone a Zamasu en un aprieto!
Reseña
Pasado y futuro
Los fans de ‘Dragon Ball’, al igual que los de ‘Star Wars’, demandan cosas nuevas, pero… sin que se salgan del molde.
Dejando aparte polémicas como la nueva trilogía de ‘Star Wars’, los creadores de ‘Dragon Ball Super’ han sido prudentes con un ritmo adecuado, lo que ha parecido un aprovechamiento de la nostalgia, pero ha servido para cerrar cabos sueltos antes de llegar al primer gran villano de la serie.
Un villano omnipotente que pone contra las cuerdas a nuestros protagonistas. Y no solo con fuerza bruta si no con un plan bien elaborado. Aunque sabemos que Son Goku y compañía siempre salen victoriosos, la emoción radica en el suspense. ¿Cómo van a salir airosos de esta situación tan peliaguda?
En esta ocasión os hablaré del número 21 de ‘Dragon Ball Super’ (el 232 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver a Son Goku luchando contra el villano de la saga, homenajeando a uno de los combates clásicos de ‘Dragon Ball Z’.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y como esto es un no parar, al final del número podremos ver la portada del siguiente para recordarnos (o hurgar en la herida de la espera) de comprar la siguiente entrega.
GUION
Es un número enteramente dedicado a los combates contra el villano principal y todopoderoso. Entramos en rounds desesperados. Se intenta ganar tiempo. Se acaban las opciones, surgen giros de guion y un final de infarto.
Akira Toriyama habrá disfrutado configurando las habilidades del villano y dándole toda clase de poderes y técnicas nuevas que hasta ahora no habíamos visto en combates de ‘Dragon Ball’.
También vemos los diversos usos que se le pueden hacer al nuevo nivel de poder presentado en ‘Dragon Ball Super’ (no, no os lo vamos a decir, para no fastidiaros el suspense) sobre todo aplicándolo a una nueva técnica.
Además de eso, Son Goku nos muestra otra poderosísima nueva técnica.
Y no, no es el Kame-Hame- Ha.
Lo más impactante de este número es el momento cumbre, el golpe final resuelto con un triple giro de guion. Aunque os recuerde a un combate mítico de ‘Dragon Ball Z’, Toriyama le ha dado una vuelta de tuerca y un desarrollo inesperado.
Y el final. El impresionante final. Os recordará a otro momento clásico de ‘Dragon Ball’, pero no por ello dejaréis de aplaudir.
DIBUJO
Volvemos al debate sobre si Toyotarô es un buen sucesor para seguir con la obra de Akira Toriyama ya que en este número homenajea a dos momentos míticos de ‘Dragon Ball Z’
¿Homenajea? ¿copia descaradamente? ¿falta de identidad propia? Si Toyotarô tuviera mucha identidad propia no hubiera sido elegido para ser el sucesor que dibujase ‘Dragon Ball Super’, dejemos claro ese primer punto. Porque lo que quiere ver todo el mundo (incluyendo un servidor, me declaro culpable) es el estilo Toriyama. Y ya si eso, poco a poco ir evolucionando el estilo, como hizo Akira Toriyama en su día (no tienen nada que ver los diseños del primer Vegeta al del final de la saga del monstruo Bu)
Nuestro veredicto es que Toyotarô tiene estilo e identidad propia tiene a toneladas, pero es un dibujante muy prudente. Si, incluye un par de homenajes en momentos cumbres del número, pero durante el resto del combate, Toyotarô dibuja las nuevas técnicas y los movimientos del villano con una fuerza y un dinamismo que, siendo sinceros, al maestro Toriyama no le veíamos desde la época de Freezer.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Sobre todo, en el protagonismo de Trunks, que en el anime tiene un papel más luchador, pero allí su nivel de poder alcanzado es absurdo, no se explica de manera racional. Aun así, es uno de los mejores momentos del anime y mantiene una tendencia en la serie de mezclar niveles de poder, lo cual es muy divertido, porque eso en el manga no se hace tanto.
En el manga se intenta explicar la evolución de sus poderes, que no tienen nada que ver con la fuerza bruta.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: julio de 2019. Precio: 2,95€.
Goku y Vegeta deciden unirse también ellos con los Pothara y hacer que Vegerot renazca, ahora combinándolo con el supersaiyano Blue. Con esta forma acorralan a la unión de los dos Zamasu, pero… ¡la unión solo dura una hora!
Reseña
Retroceder nunca, rendirse jamás
Un clásico de ‘Dragon Ball’ son los combates en los que nuestros héroes, aunque estén en apuros no se rinden nunca. El lector al final de este número se sentirá orgulloso de nuestros guerreros protagonistas porque nunca se rinden sea cual sea la circunstancia. Y eso le da un plus de emoción.
Nada tiene que ver ‘Dragon Ball Super’ a cuando empezó. Al principio Toriyama sabía que iba a contar la misma historia por tercera vez, después de ‘La batalla de los dioses’ y que la serie de anime ampliara con capítulos de relleno lo que no dio tiempo a contar en la película. La narración iba a toda prisa, incluido los combates. Se agradecía, pero era un efecto raro.
El segundo arco argumental (‘La resurrección de Freezer’) ni se llegó a mostrar en el manga haciendo solo una referencia verbal y fue a partir del tercer arco en el que el manga encontró su propio ritmo diferenciándose en pequeños detalles del anime. En esta última saga nos encontramos en un momento en el que hemos presenciado muchos combates, pero aún queda mucho por contar. Akira Toriyama no tiene prisa, como en los mejores momentos de ‘Dragon Ball Z’ y la pelea final contra Freezer.
Quizás Toriyama se lo puede permitir porque tiene a su ayudante dibujando, Toyotarô. Y cumple las expectativas con creces.
En esta ocasión os hablaré del número 20 de ‘Dragon Ball Super’ (el 231 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada en la que podemos ver al villano de este arco argumental y el retorno de un personaje muy poderoso (y querido por los fans).
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y de mangas de temática parecida como ‘Boruto’ (nieto de ‘Dragon Ball’, por decirlo de alguna manera).
Al final del número podremos ver la portada del siguiente para dejarnos (como siempre) con la miel en los labios.
GUION
Otro número cargado de combates, giros de guion, orgullo saiyan, humor, técnicas, contratécnicas y lo más importante: ante las adversidades nuestros protagonistas sacan lo mejor de sí mismos. Son Goku otra vez solo ante el peligro, pero nos vuelve a sorprender.
Y Vegeta vuelve a demostrar que es el guerrero más orgulloso del espacio, pero además hace gala de una sabiduría y templanza sin precedentes. Tanto en este número como en gran parte de esta saga. Sin duda es el cerebro estratega del grupo. Akira Toriyama he descrito muy bien su evolución psicológica, pero eso no sentimos que este combate es un ‘más de lo mismo’
Volvemos a ser testigos de un nuevo nivel de poder en ‘Dragon Ball Super’. Un perfeccionamiento de un nivel ya visto explicado coherentemente (algo que en el anime prefieren ignorar en favor de la espectacularidad)
DIBUJO
Akira Toriyama concede nuevos poderes y técnicas (nunca vistos antes en ‘Dragon Ball’) al villano y el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, Toyotarô, se encarga de plasmarlo de la mejor manera posible dejando a los lectores con una sensación parecida a las escenas futuristas de la película ’X-Men: días del futuro pasado’
Toyotarô saca el máximo partido a las viñetas con sus particulares ángulos y perspectivas. Que, en ese sentido, Toriyama es más tradicional, incluso en sus últimos trabajos (como en ‘Jaco, el patrullero galáctico’)
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Como hemos mencionado un poco antes, el manga se preocupa de explicar más los estados de poder y el anime nubla nuestros sentidos mediante la espectacularidad. En el anime también se centra en otros personajes (no solo en Goku o Vegeta) a la hora de combatir, pero en el manga su papel, aunque no sea tan combativo, es igual de importante.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: junio de 2019. Precio: 2,95€.
Humberto, un hombre seductor y estafador a partes iguales, lleva una vida trnquila en Madrid tras haber cumplido condena por una antigua estafa que le costó la relación con su hijo Jorge con el que no habla desde hace años. Ahora Jorge es un hombre honrado que se verá obligado a pedir ayuda a su padre al ser víctima de un robo en la joyería en la que trabaja. ‘La maldición del guapo’ es una elegante y pícara comedia de estafadores donde nadie es lo que parece.
Crítica
Nadie es lo que parece en esta película
‘La maldición del guapo’ llega a nuestras salas el próximo 10 de julio. Distribuida por Filmax, la película nos trae a un estafador que ya no está en activo y trabaja como regente de un bar en el centro de Madrid. Por culpa de sus trapicheos perdió a su mujer e hijo, pero éste último vuelve a él para pedirle un favor.
La película, dirigida por BedaDocampoFeijóo, iba a ser presentada en el Festival del Málaga, dentro de la sección Málaga Premiere, pero con toda la crisis del Covid-19, al final va a ser estrenada directamente en los cines el 10 de julio de 2020.
Protagonizada por GonzalodeCastro, JuanGrandinetti, GinésGarcíaMillán, Cayetana Guillén Cuervo, Carlos Hipólito, Malena Alterio y Andrea Duro. La base de la historia está muy bien y comienza muy bien narrada, pero va decayendo en un sinfín de frases hechas que al final terminan haciendo que la película canse.
Los temas como la paternidad perdida, la amistad, el egoísmo, la obsesión por el dinero fácil o las tentaciones son imprescindibles en esta historia llena de situaciones locas y alguna que otra bastante forzada.
Los personajes están bastante cuidados, todos tienen un pequeño lado oscuro que vamos conociendo según avanza el minutero. Además que todos tienen una razón de ser en esta comedia de enredos y estafas en la que no se sabe muy bien en quien confiar.
Me encanta la pareja que hacen Gonzalo de Castro y Ginés García Millán, voto por una película entera con ellos dos como protagonistas absolutos. La camaradería y a la vez desconfianza el uno con el otro, hacen que sus escenas sean de lo mejor de la cinta.
Mientras tanto las caras jóvenes de la cinta, Juan Grandinetti y Andrea Duro nos dejan quizás las actuaciones más flojas.
Dentro de la película vemos algunas localizaciones madrileñas como el Palacio Real o San Francisco el Grande, al igual que iremos caminando junto a los protagonistas por las callejuelas del centro de Madrid.
Aun con sus fallas, la película tiene alguna que otra sorpresa en el guión que la hace curiosa y haga que te enganches a un final para nada esperado.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de julio de 2020. Título original: La maldición del guapo. Duración: 89 min. País: España, Argentina. Dirección: Beda Docampo Fejóo. Guion: Beda Docampo Feijóo. Música: Federico Jusid. Fotografía: Imanol Nabea. Reparto principal: Gonzalo de Castro, Juan Grandinetti, Malena Alterio, Ginés García Millán, Carlos Hipólito, Andrea Duro, Cayetana Guillén Cuervo. Producción: Arcadia Motion Pictures, Cados Producciones, Dammed Bello, Zarkel Producciones. Distribución: Filmax. Género: Comedia. Web oficial:http://filmax.com/distribucion/la-maldicion-del-guapo.131
Un grupo secreto y muy unido de mercenarios con una misteriosa capacidad que les impide morir lleva siglos luchando por proteger el mundo de los mortales a las órdenes de una guerrera llamada Andy (Charlize Theron). Pero cuando contratan al equipo para desempeñar una misión de emergencia y sus extraordinarias habilidades salen a la luz, Andy y Nile (Kiki Layne) —la recluta más reciente— deberán ayudar al grupo a erradicar la amenaza de quienes pretenden replicar y rentabilizar su poder a cualquier precio.
Crítica
Deja entrever mejor sus misterios pero tiene menos acción que el cómic
‘La vieja guardia’ es la nueva propuesta de Netflix que al igual que muchas otras sale de un cómic, en este caso de una colección de cinco números editada por Image Comics (Norma Editorial en España). Una obra de Greg Rucka, LeandoFernández y DanielaMiwa (reseña aquí) que el propio Rucka se ha encargado de adaptar al formato cinematográfico y que ha dirigido la directora Gina Prince-Bythewood (‘La vida secreta de las abejas’).
Conoceréis en ‘La vieja guardia’ a unos inmortales que pueden llegar a morir, aunque no saben como ni por qué les llega su hora. Sobreviven hasta a destrozos en su cabeza (por lo menos en los cómics) y se regeneran a lo Lobezno. Son personas nacidas en la antigüedad clásica, en la Edad Media o en el siglo XIX que están conectadas entre si y que se dedican a ser soldados de fortuna al servicio de causas que consideran justas. Tras cientos de años siendo un grupo de cuatro encuentran un nuevo miembro para su equipo. En este descubrimiento de nuevos héroes la película hace bien su introducción con dos secuencias que dejan claro de que va el tema.
Rucka ha sabido trasladar los tiempos del cómic a la pantalla y ha condensado todo en dos horas de filme. Para ello ha metido la tijera en parte de su guión original y ha puesto cosas nuevas. Así está claro que todo se centra más en el presente de los personajes y que se consigue adelantar en la historia hasta tal punto que podemos intuir ya la segunda entrega, si hay suerte y la llegamos a tener.
Se ha conservado ese poco aprecio que tienen estos mercenarios por sentir dolor o por ser masacrados. Eso le da un punto de humor negro que hemos visto como se ha explotado en otras películas, pero sin llegar a extremos tipo ‘Deadpool’, de un modo más dramático. También se ha conservado la relación entre los personajes y el carácter impasible y casi destructivo de su jefa, interpretada muy bien por Charlize Theron.
Ya hemos visto en otras ficciones (obviamente no hay un “basado en hechos reales” sobre este tema) cómo personajes incapaces de morir aprovechaban o sufrían su condición. En este caso los miembros de ‘La vieja guardia’ sacan partido a su capacidad de revivir para resolver misiones arriesgadas o lidiar batallas en distintos bandos a lo largo de la historia. Pero su capacidad de revivir es finita, aunque esta termina de manera desconocida y en un momento indeterminado. Respecto a esto en el cómic se desarrolla un discurso de drama y hastío. En la película se ha intentado introducir un factor suspense y peligro que hace que temamos más por la seguridad de determinados personajes. No está mal esa modificación que se suma a lo que sucede también en las viñetas, corren el riesgo de salir de la protección que da el anonimato.
De nuevo Theron está en una película en la que no puede morir, protege su identidad a toda costa y pertenece a una clase antiquísima de personas que es única en el mundo. Eso sucedía también en ‘Hancock’ pero aquí su personaje tiene una personalidad algo diferente y no está rodeada de humor sinvergüenza, aunque si de bastante tragedia. Ganamos con ‘La vieja guardia’ otro gran personaje femenino de acción.
‘La vieja guardia’ es disfrutable por ver como mueren los protagonistas una y otra vez y es aún más divertido contemplar a Charlize Theron liarse a hachazos, con un arma clavada a la de las viñetas. Pero falta algo más de acción del tipo a la que vemos en el último acto, tanto por la concepción del cómic como por el ritmo de la película demanda más escabechinas. Tiene tiroteos y peleas pero en el cómic son aún más explícitas. En la obra escrita hay más escenas en la antigüedad y con ellas vemos más muertes. Pero no solo están bien esas escenas en el pasado de los personajes por ver miembros y sangre por aquí y por allá, sino porque conocemos como descubrieron su inmortalidad y ahondamos en su personalidad. También es un trasfondo que le da cierta poesía a la historia. Aunque hay algún dialogo que va en esa línea (como el que tiene Marwan Kenzari dentro de un furgón) ese lirismo le falta al filme.
Peca de algo que padecen muchas películas, un buen villano. En este caso el objetivo del enemigo es el mismo que el de los cómics. Pero lo que le falta al personaje de Harry Melling (el primo de Harry Potter) es estar un poco más loco o ser más amenazante, porque no impone. Tenemos esa imagen suya de “capuyo” tras toda la saga de ‘Harry Potter’ pero aquí no funciona muy bien.
Rucka en esta ocasión ha sido más conciso y menos implícito en las causas y razones de sus héroes sobrenaturales. Podemos intuir o imaginar de un modo más concreto las razones a lo que sucede. Cuando leí el cómic escribí que esperaba que añadiesen algo más de sentido o de profundidad al final. Así ha sido. Como siempre hay algunos cambios con respecto a lo que pasa en las viñeatas, se mete alguna historia de regalo (que pertenece a la segunda parte, ‘Force Multiplied’) para aspirar a una continuación. Quien sabe quizá una serie de ‘La vieja guardia’ sería una buena idea, si la agenda de los actores lo permitiese.
Ficha de la película
Estreno en España: 10 de julio de 2020. Título original: The old guard. Duración: 118 min. País: EE.UU. Dirección: Gina Prince-Bythewood. Guion: Greg Rucka. Música:Fotografía:Reparto principal: Charlize Theron, Kiki Lane, Marwan Kenzari, Luca Marinelli, Matthias Schoenaerts, Harry Melling, Van Veronica Ngo, Chiwetel Ejiofor. Producción: Denver and Deliah Productions, Dune Films, Image Comics, Netflix, Skydance Media. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción, drama, adaptación. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/81038963
Cuando parecía que Vegeta y Goku dominaban sus respectivos combates, Goku Black y Zamasu utilizan un último recurso para acorralar a los dos saiyanos… ¡la unión con los pendientes Pothara!
Reseña
Aprende Thanos
Llegamos a un momento que estábamos esperando desde que empezó ‘Dragon Ball Super’. Aunque Akira Toriyama está contando historias nuevas, tenemos la suerte de que esa transición hacia lo nuevo, ha sido lenta y gradualmente. Porque la primera gran batalla seria y épica de ‘Dragon Ball Super’ tira de la nostalgia del fan de toda la vida.
El actual arco argumental nos vuelve a traer esos momentos de poder absoluto en el que auténticas fuerzas cósmicas se enfrentan en un duelo que va a decidir el destino del universo. Aprende Thanos.
En esta ocasión os hablaré del número 19 de ‘Dragon Ball Super’ (el 230 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Volvemos a tener otra portada remix de dos momentos épicos con un Vegeta majestuoso.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’. La verdad que se agradece bastante tener una guía en el propio manga (a pesar de contar en la actualidad con un acceso ilimitado a internet)
Al final del número podremos ver la portada del siguiente para dejarnos (otra vez) con la miel en los labios.
GUION
En este apartado tenemos dos puntos de vista enfrentados:
Falta de originalidad por volver a recurrir a un concepto de ‘Dragon Ball Z’.
Una actualización ingeniosa de uno de los momentos cumbres y más aclamados de ‘Dragon Ball Z’.
Ante el primer punto de vista hemos de aclarar que en ‘Dragon Ball Super’ se ha recurrido frecuentemente al pasado de ‘Dragon Ball’ no por falta de ideas, si no para cerrar cabos sueltos y desarrollar situaciones, personajes y elementos que, en su día por el ritmo del éxito de la franquicia, Toriyama no pudo profundizar en ellos. Finalizaba una saga y tenía que pasar rápidamente a la siguiente. Akira Toriyama cerró el manga por puro agotamiento (como en muchísimos otros casos).
Con respecto al segundo punto de vista solo podemos decir que en este número recurren a una técnica (no lo vamos a decir para que como siempre, disfrutéis vosotros de la experiencia) que nos gustó tanto en su día que se nos hizo muy corto y el desarrollo de los acontecimientos (hábilmente orquestado por el sensei Toriyama) han propiciado de manera natural que se pueda volver a producir esa técnica.
Ya no tenemos que volver a recurrir al fan art para ver lo que oficialmente se nos ha presentado en este manga. Y eso hará feliz a los fans más acérrimos de la franquicia.
Seguimos con toneladas de combates, mucho humor, técnicas y contratécnicas, poderes nuevos… y no uno, sino dos giros de guion al final de este número que nos da una esperanza inesperada (y un montón de posibilidades para desarrollar a uno de los personajes principales por una vía totalmente inusitada) y una emoción extra porque la victoria será mucho más difícil de lo que pensábamos.
DIBUJO
Volvemos al mismo debate que se vuelve más peliagudo y menos respetuoso en las redes sociales por tratarse del discípulo y no del maestro.
Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’ ha demostrado hasta ahora que sabe manejar el difícil equilibrio entre modernidad y tradición. En este número hay homenajes visuales muy claros a las sagas de ‘Dragon Ball Z’ pero también ha aportado una fluidez del movimiento y una intensidad necesarias para no quedarse atrás si lo comparamos con la espectacularidad del anime actual.
Pero no solo de los combates vive el prestigio del dibujante. Podemos disfrutar de una condensación narrativa maravillosa en la que tenemos dos flasbacks enmarcados por el cuadro de diálogo de uno de los personajes. Se que es difícil imaginárselo sin spoilers, pero por eso os animamos desde Moviementarios a que lo comprobéis por vosotros mismos.
Y por supuesto, no podemos olvidar destacar las ilustraciones a página completa.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Este número del manga corresponde con otro de los episodios mejor valorados en cuando animación de la serie.
Entonces… ¿que es mejor? ¿Anime o manga? ¿Tomo o grapa? ¿Playa o montaña? Ya empezamos con los debates… intentaremos responderos de la manera más honesta posible.
En el anime el combate es más igualado y el villano obtiene una transformación que no vemos en el manga. En todo caso, la nueva transformación se asemeja a diseños de animes actuales, y sus movimientos en combate le da un aire actualizado, no tenemos la sensación de ver un anime del siglo pasado. Por último, uno de los personajes protagonistas puede terminar de lanzar un ataque que en el manga no le da tiempo a completar, asistiendo a uno de los momentos cumbres de ‘Dragon Ball Super’ (gracias a las técnicas digitales) y de toda la historia de ‘Dragon Ball’
En el manga predomina el humor en dicho combate y el villano está en clara desventaja. Esto provoca una exaltación y un entusiasmo en el lector, porque después de tantas penalidades de nuestros protagonistas por fin le dan la vuelta a la tortilla.
Desde Moviementarios no consideramos que el manga sea mejor que el anime ni viceversa si no que son claramente medios totalmente complementarios.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: mayo de 2019. Precio: 2,95€.
Los carteles y el libro ‘Notas a Apocalypse Now. Crónica de un rodaje maldito’ ya tienen dueños
Cine Yelmo a través de +Que Cine, su ventana de contenidos alternativos, ha comenzado a proyectar el pasado 3 de julio ‘Apocalypse Now: Final Cut’ y nosotros junto con Barlin Libros y 39 Escalones hemos estado celebrando ese explosivo regreso a los cines con un sorteo del libro ‘Apocalypse Now: Final Cut’ más varios posters.
Ya tenemos las tres personas que se llevarán los regalos.
El fin de la Trilogía del Baztan el 24 de julio en Netflix
Estamos seguros de que lleváis tiempo queriendo ver el final de la Trilogía del Baztan, ‘Ofrenda a la tormenta’. Nosotros tuvimos la suerte de poder verla antes del confinamiento y podéis leer nuestra crítica sin destriparos nada del desenlace aquí. Para aquellos que gustéis de esta trilogía o seáis lectores de la obra de Dolores Redondo el próximo 24 de julio podréis calmar vuestra expectativa a través de Netflix.
La plataforma de entretenimiento online nos ha pasado el tráiler de la película que de nuevo ha dirigido Fernando González Molina y protagonizado Marta Etura como la detective Amaia Salazar.
Sinopsis oficial.
Ha pasado ya un tiempo desde que la inspectora Amaia Salazar (Marta Etura) se enfrentó a su madre. Pero a pesar de que tanto la Guardia Civil como el juez Markina (Leonardo Sbaraglia) dan por cerrado el caso, Amaia siente que no está libre de peligro. La muerte súbita de una niña en Elizondo resulta sospechosa y los análisis forenses del doctor San Martín (Paco Tous) llevan a Amaia a investigar otras muertes de origen similar que conducirán a la inspectora a la resolución final de los sucesos que han asolado el valle de Baztán.
Lars (Will Ferrell) y Sigrit (Rachel McAdams) son dos músicos islandeses en ciernes que reciben una oportunidad única en la vida: representar a su país en la mayor competición musical del mundo. Ahora, tendrán la oportunidad de demostrar que un sueño auténtico es aquel por el que vale la pena luchar.
Crítica
La concordia de Eurovisión bajo la ridícula mirada de Ferrell
Este 2020 no hemos tenido Eurovisión en todo su esplendor y apogeo pero Netflix ha estrenado una película que te deja como si se hubiese celebrado una gala con todas las de la ley. Y precisamente con un temazo apoteósico y hortera, como suele ser costumbre en el festival de la canción, comienza la película. Will Ferrell y Rachel McAdams forman Fire Saga, un grupo islandés que tiene más pasión que ninguno por ganar ese tradicional concurso, pero que parte con la oposición hasta de su propio pueblecillo.
Para aquellos ajenos a la Unión Europea que no estén familiarizados con Eurovisión la película puede ser todo un descubrimiento. Nosotros hemos visto ya tantas sorpresas en este certamen que muchas de las ocurrencias no nos parecen tan alocadas. Pero el filme de DavidDobkin (autor de bastantes videoclips de Maroon 5) capta muy bien la esencia y lo que vemos se asemeja a una retransmisión real de una ceremonia. Diversidad, amor pasteloso, voces potentes, trajes extravagantes, presentadores jubilosos (uno de ellos interpretado por Jon Kortajarena)… Todo eso es Eurovisión. Gradas llenas de caras pintadas con banderas apoteósicas por escuchar canciones y aplaudir la de países que no es el suyo, el sueño de la concordia europea enlatada en un pabellón (el del filme en concreto es el de la gala de Tel Aviv).
El personaje de Will Ferrell es el que más vive todo este fenómeno y como es habitual en sus películas lo ejecuta con mucha parodia y falta de rubor. No tiene un personaje tan absurdo como el de otra de sus películas “musicales” y en pareja (‘Hermanos por pelotas’) pero sigue en su línea de hacer el ridículo mientras a su alrededor si suceden cosas a tener algo más en cuenta. Rachel McAdams llena el escenario y también nuestra caja torácica de carcajadas con su personaje tierno y crédulo que siempre está pensando en los elfos de Islandia.
Aunque no lo parezca la otra gran estrella que además trae la seducción a Eurovisión no es Pierce Brosnan (famoso entre otras por ‘Mamma Mia!’ con canciones de ABBA), es Dan Stevens. A lo Philipp Kirkorov tiene un personaje estereotipadamente cautivador, una estrella en ciernes que representa a los rusos adinerados y también de sexualidad reprimida por su sociedad. Con él y con algún que otro detalle la película lanza más de un mensaje. Primar la calidad musical o esquivar tanta corrección política.
Podemos encontrar algún que otro fallo que llama la atención si tenemos en cuenta que en la producción del filme hay involucrados algunos responsables de Eurovisión. No puede haber más de seis personas en una puesta en escena y España por ejemplo siempre pasa directo a la final por estar dentro del Big Five y en el filme aparece compitiendo en las semifinales. Pequeños detalles que como he dicho solo apreciarán los mayores fanáticos de este espectáculo.
Pero sobre todo consiste en una comedia llena de parodias y cameos. Se parodia por ejemplo a Lordi o a los ucranianos que sacaron una gigantesca rueda de hámster. Tenemos apariciones de muchos ganadores del festival como sucede en esa especie de sing along o flashmob en el que aparecen Jessy Matador, ElinaNechayeva, Netta, Roi, SalvadorSobral, JohnLundvik, AlexanderRybak, ConchitaWurst, Loreen… Sin olvidar que está presente ABBA desde el principio.
Lo cierto es que Will Ferrell podría haber protagonizado una aventura tan sinvergüenza y alocada como la que llevó a cabo David Fernández con su Rodolfo Chikilicuatre, le pega ese tipo de majaderías y experimentos. Además tanto él como Rachel McAdams aportan su voz, aunque en el caso de la actriz son solo unas notas iniciales. El filme va más por la vertiente de lo patético, comienza fuerte y tiene más de un altibajo que se levanta con momentos musicales y detalles que son para aquellos que han sido seguidores de Eurovisión, sobre todo en los últimos años. Una cosa queda clara, el primer tema “Volcano Man”, podría arrasar en cualquier edición y seguro que va a sonar en más de un local este verano.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de junio de 2020. Título original: Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga. Duración: 123 min. País: EE.UU. Dirección: David Dobkin. Guion: Will Ferrell, Andrew Steele. Música: Atli Örvarsson. Fotografía: Danny Cohen. Reparto principal: Will Ferrell, Rachel McAdams, Pierce Brosnan, Dan Stevens, Mikael Persbrandt, Ólafur Darri Ólafsson, Melissanthi Mahut, Demi Lovato. Producción: Netflix, European Broadcasting Union, Gary Sanchez Productions, Gloria Sanchez Productions, Truenorth Productions. Distribución: Netflix. Género: comedia, música. Web oficial:https://www.netflix.com/es/title/80244088
Trunks, junto a Kaiôshin y Gowasu, sobrevive como puede ante Goku Black y Zamasu. Goku y Vegeta vuelven al futuro para enfrentarse de nuevo a sus enemigos, y Vegeta pone a Black en un aprieto… ¡al transformarse en dios supersaiyano!
Reseña
Hasta el infinito (de poder) y más allá
Estamos ante número en que la escalada de poder del villano no tiene límites y que pone en apuros a nuestros protagonistas como antes no se había visto.
Al leer esta saga el lector se siente como en los años 90 cuando apareció la saga del monstruo Bu. Daba igual lo que hicieran los guerreros Z, el monstruo Bu se hacía más fuerte. Cuando creíamos que la situación la tenían controlada, un nuevo giro de los acontecimientos.
Esto demuestra que Akira Toriyama sigue siendo un maestro de la narrativa épica. Tiene preferencia por el humor, y podemos atestiguarlo en los primeros arcos argumentales de ‘Dragon Ball Super’ pero cuando se pone serio…podéis poneros un disco de Linkin Park que le vendrá como anillo al dedo a una lectura dragonbolera.
En esta ocasión os hablaré del número 18 de ‘Dragon Ball Super’ (el 229 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada remix de dos momentos de este número cuyo resultado final es una composición muy original. La misma portada indica el momento complicado de la historia en el que no sabes que va a pasar.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ y de mangas actuales de temática parecida.
Al final del número podremos ver la portada del siguiente para dejarnos la miel en los labios.
GUION
Combates, giros de guion, orgullo saiyan, humor, técnicas, contratécnicas, sorpresas, referencias clásicas… Todo lo que esperaríais de un buen combate lo tendréis aquí, y lo más importante que nos sabemos cómo va a acabar.
La primera batalla larga y seria de ‘Dragon Ball Super’ que los fans buscaban desde el principio.
Y como viene siendo norma hace unas cuantas entregas, también tendremos un final de infarto. Esto puede frustrar a más de uno, no solo por la ansiedad de saber que pasará en el siguiente número (algo parecido nos pasó en el combate contra Célula en la antigua serie roja) pero luego se compensa cuando completas la saga y puedes leer el combate de seguido.
DIBUJO
Grandes combates y, sobre todo, ilustraciones a página completa. A los que os guste dibujar, disfrutareis de lo lindo.
Toyotarô, el dibujante oficial de ‘Dragon Ball Super’, se esfuerza en mostrarnos varios estados de poder, cada uno con su característica forma de luchar.
El villano también tiene un estilo propio en la lucha y está dibujado de una manera única. Recordemos que el nuevo villano es un personaje nuevo de ‘Dragon Ball Super’ y Toyotarô se siente libre de poder aportar pequeños detalles tanto en su trazo como en su forma de luchar.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
En esta saga, existen diferencias que corresponden a la narrativa propia de cada medio: personajes secundarios, situaciones, lugares, etc. como estas diferencias se han desarrollado poco a poco es como si fueran dos versiones de una película. ¿Cuál es el montaje del director? el manga por supuesto. Allí encontraréis todas las explicaciones que en el anime se pasan por alto.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: abril de 2019. Precio: 2,95€.
Goku y Vegeta vuelven del futuro derrotados, y han tenido que dejar allí a Trunks. Mientras Goku planea aprender el mafûba para vencer a Goku Black, Trunks debe hacer frente al enemigo sin la ayuda de los otros saiyanos.
Reseña
Revancha Saiyan
Estamos ante uno de los números determinantes de todo ‘Dragon Ball Super’, los personajes se juegan el todo por el todo… y esto nos encanta.
Un manga que huele a revancha, después de los sucesos acaecidos en los números anteriores. Pero también os avisamos (sin spoilers) que, a partir de ahora, ‘Dragon Ball Super’ entra en modo “poderes ilimitados, giros de guion imprevisibles, batallas sin fin” que ha logrado que los fans nos hayamos quedado sin uñas con las últimas noticias del manga en Japón, que ha conseguido la distancia suficiente para poder ir mucho más adelantado que el anime.
Porque ‘Dragon Ball Super’ es una rareza debido a los continuos testeos del mercado: primero fueron las películas, luego el anime y por último el manga, que tuvo que diferenciarse con acontecimientos ligeramente diferentes dándole un valor complementario.
En esta ocasión os hablaré del número 17 de ‘Dragon Ball Super’ (el 228 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada de las mejores en lo que llevamos de publicación en España: una composición clásica con los dos imponentes villanos a página completa, mientras vemos los rostros enmarcados en viñetas de Goku y Vegeta en modo supersaiyan Dios rojo (que a todo color queda espectacular) y Trunks en estado normal.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ destacando una página a todo color del primer tomo recopilatorio de estos números de la serie roja.
Si, es más pequeño, más transportable, más barato e incluye a modo trampa para que se compre si o si, capítulos exclusivos que extienden la historia. Pero qué queréis que os diga, el eterno dilema… ¿Tomo o grapa?
Los dos. Grapa para disfrutar a lo grande en casa, tomo para viajar.
No me volváis a preguntar, que os arruino.
GUION
Muchos giros de guion y combates espectaculares, y sobre todo un final de infarto en este número. No sólo se apuesta por la fuerza bruta, mostrándonos un poder nuevo la mar de práctico. Aunque no sea una técnica de combate espectacular… es muy efectiva. Y lo mejor de todo es que proviene de los orígenes de ‘Dragon Ball’ (Goku era enano y con cola, con eso os lo digo todo…)
No todo va a ser Kame-Hame-Ha.
Por fin se hace justicia a uno de los personajes en ‘Dragon Ball Súper’ mostrando su astucia y potencia de combate. Ya no hace falta recurrir a los fan-art para poder ver este nuevo estado de poder. Y lo mejor de todo es que tiene una justificación para su uso.
DIBUJO
Toyotarô aprueba con nota no solo con los combates de este número (que por así decirlo estamos todavía en un primer round, y todavía no se han destrozado los uniformes de nuestros guerreros, para que os hagáis una idea) si no en un nuevo estado de poder que llevábamos tiempo deseando ver en el manga. Toriyama le ha dado una justificación y Toyotarô lo ha plasmado a lo grande.
También a destacar los entornos apocalípticos que están muy bien detallados. Le aporta un grado de espectacularidad extra a este número.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
Bastantes, pero sospechamos que por decisión editorial. Mientras que en el manga se apuesta explicar, justificar y concretar los niveles de poder, en el anime se apuesta por la espectacularidad. Que no nos quejamos, pero el fan exigente puede encontrar algún momento absurdo en el anime de varios estados de poder que se mezclan sin sentido alguno (aunque quedan muy bonitos, sobre todo en figuras de resina).
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: marzo de 2019. Precio: 2,95€.
Tras descubrir que Goku Black y Zamasu son dos versiones de la misma persona y que se han aliado, Vegeta y Goku se enfrentan a ellos, pero a pesar de lo trepidante del combate hay algo con lo que no contaban: Black se puede transformar en el supersaiyano Rosé…
Reseña
Adictos a lo imprevisible
Ahora mismo el mayor aliciente que tiene ‘Dragon Ball Super’ no son los combates ni los villanos ni los nuevos estados de poder… es su imprevisibilidad: no sabemos por dónde va a tirar la historia.
Sabemos que normalmente Goku y compañía acaban siempre ganando, pero con tantos giros de guion es emocionantísimo. Volvemos los momentos cumbres de ‘Dragon Ball Z’ en las sagas de Freezer y Célula. El recreo se convertía en un debate del congreso otaku improvisado.
Pero estos niños han crecido. Ahora son adultos que charlan por teléfono en el viaje de vuelta a casa a la salida del trabajo con los amigos que aprovechan que los peques están haciendo la siesta en casa.
En esta ocasión os hablaré del número 16 de ‘Dragon Ball Super’ (el 227 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
Con una portada que funciona a modo viñeta flashback de uno de los villanos de este arco argumental. Porque todos los villanos tienen un origen (o no han sido malos desde el principio) Al final del número (como ha pasado en otras veces) se nos adelantan la ilustración del siguiente para ponernos los dientes largos.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’.
GUION
Guerreros heridos en su orgullo. No todo iba a ser tan fácil y los protagonistas se enfrentan a su primera derrota. Tienen que esforzarse más. Y, sobre todo, pensar una estrategia. Un número con mucho suspense porque no sabemos en qué dirección nos llevará el maestro Toriyama.
A destacar la personalidad y psicología de Vegeta. Toriyama le describe como en sus mejores tiempos, pero por una motivación extraída de su evolución personal. Tradición e innovación. Solo en Japón.
Pero no estamos hablando de que sea un número tranquilo. Varios personajes se han quedado en una situación muy delicada y tenemos el corazón en un puño debido a los giros de guion y momentos de infarto.
No es que Akira Toriyama haya escrito unos villanos poderosos. Si no que son muy inteligentes con todas las cartas en su poder, porque tienen un plan muy bien elaborado. Además, la narración ya no se centra en conseguir el siguiente estado de superguerrero para vencer. Entran en juego muchos más factores y gracias a un gran elenco de personajes de los de toda la vida y nuevos personajes de ‘Dragon Ball Super’ que intervienen en esta situación, se van encontrando soluciones y estableciendo giros de guion imprevisibles.
Y por supuesto terminamos este manga con una viñeta impactante que nos deja con muchas ganas de más para el siguiente número.
DIBUJO
En los últimos números se puede observar que Toyotarô, discípulo de Akira Toriyama y dibujante oficial de ‘Dragon Ball Súper’, alterna la modernidad y la tradición.
Curiosamente en todo lo referente a los personajes nuevos de esta saga (tanto héroes como villanos) aporta su propio enfoque. En cambio, en los momentos más clásicos de toda la vida Toyotarô prefiere homenajear y ser fiel al estilo Toriyama. Aunque esta situación acrecienta el Déjà vu y se han producido polémicas en Internet, cualquiera que lea detenidamente el manga se da cuenta que Toyotarô está siendo respetuoso con la obra original.
Podréis daros cuenta de homenajes visuales a las sagas clásicas y Toyotarô nos regala viñetas espectaculares. En 16 números ha demostrado ser un digno sucesor y ha aportado frescura sin perder la identidad. Los fans no se pueden quejar con el dragón Shenron.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
No es que el manga vaya más al grano que el anime, sino que es menos lioso. Aunque debemos reconocer que eso ayudo a encender nuestros debates y discutir apasionadamente como si volviéramos a tener 13 años. Ya que el anime nos llegó a España antes que el manga y tal como se nos presentó generaba inquietudes y polémicas dignas de la última trilogía de ‘Star Wars’.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 48 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: febrero de 2019. Precio: 2,95€.
Trunks ha vuelto una vez más del futuro. En su mundo, un hombre idéntico a Goku, Goku Black, se dispone a exterminar a la humanidad. ¿¡Qué será de Goku y Vegeta, que se dirigen al futuro!? Mientras tanto, Zamasu, candidato a Kaiôshin del décimo universo, se fija en Goku…
Reseña
Sin dolor no hay gloria
Llegamos a un punto que los fans estábamos esperando, en el que nuestros protagonistas están totalmente desesperados y no saben qué hacer. Las peleas son más épicas, giros inesperados… un clásico de ‘Dragon Ball Z’.
Hemos tardado, pero se agradece la cocción a fuego lento. Si hubiéramos visto este arco argumental al principio de ‘Dragón Ball Super’ la sensación sería de un ‘más de lo mismo’ (y realmente eso pasó con ‘La resurrección de Freezer’) para llegar a la épica de antaño se necesitaba subir la emoción gradualmente y desde este punto hasta lo último publicado esto es un no parar.
En esta ocasión os hablaré del número 15 de ‘Dragon Ball Super’ (el 226 si contamos todo el manga publicado hasta ahora) en formato serie roja a 2,95 €.
En la ilustración de portada nos encontramos con un personaje fundamental en este arco argumental. No vamos a desvelar nada más porque en moviementarios nos gusta transmitir nuestras impresiones pero que podáis ser los primeros en descubrir las sorpresas del manga.
En la contraportada (y el interior) encontrareis anuncios no sólo de las diferentes colecciones de ‘Dragon Ball’ si no también de todas las demás obras de Akira Toriyama.
GUION
Un numero lleno de combates, como en los viejos tiempos. La épica aumenta gradualmente, alcanzando su clímax en un doble combate en la que sus giros de guion y sorpresas son en gran medida gracias a unas ganas de innovación por parte del maestro Toriyama creando nuevas (y exclusivas) técnicas de los antagonistas.
Se cambian las tornas para nuestros protagonistas y llegamos a esos momentos de dificultad que tanto nos gustan. La emoción y el suspense alcanza los mejores momentos de ‘Dragon Ball’ y nuestros héroes acaban saliendo del aprieto (una batalla, no la guerra) recurriendo al pasado de la serie con astucia (no todo va a ser fuerza bruta) y terminamos el número con un momento de esos que nos dejan con el corazón en la garganta.
DIBUJO
Toyotarô está totalmente cómodo dibujando la saga siendo fiel al estilo tradicional con los personajes conocidos e innovando con los nuevos personajes antagonistas (ángulos, trazos, perspectivas). Es como si sintiese una libertad de hacer el dibujo más suyo cuando se trata de algo nuevo. Gracias a esto podremos disfrutar de verdaderos hallazgos visuales.
Y es impresionante que ni Toriyama en sus mejores tiempos ha dibujado un entorno tan detallado (también es verdad que tenía una presión enorme). En este caso nos referimos a un futuro postapocalíptico que os recordará a los buenos tiempos y hará disfrutar a los más exigentes.
DIFERENCIAS CON EL ANIME
La versión del manga es buena, sobre todo recurriendo a una variedad de técnicas impresionante y no se hace nada aburrido. No te da la sensación de leer ‘otro combate más’, pero si es verdad que la versión de anime es más espectacular que el manga, ocupando todo un capítulo de la serie y calificados como uno de los mejores animados hasta ahora. Uno de los aspectos más curiosos es que en el anime se le da más importancia a Trunks a la hora de combatir, pero su papel en el manga es mucho más ingenioso.
Ficha del cómic
Guionista: Akira Toriyama. Dibujante: Toyotarô. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 40 págs., rústica sin solapas, blanco y negro, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: noviembre de 2018. Precio: 2,95€.
Max (Nikolaj Coster-Waldau) vive una crisis existencial y mientras busca como resolver un caso, se registra en el clandestino Hotel Aurora. Una instalación secreta y única que se especializa en elaboradas fantasías de suicidio asistido. La investigación que está llevando a cabo revela una verdad inquietante que obliga a Max a cuestionar la naturaleza misma de la vida y la muerte y lo que es más importante: su propia percepción de la realidad.
Crítica
Una película profunda, pero sencilla, que nos sumerge en el gran tabú del suicidio
NikolajCoster-Waldau (‘Juego de tronos’) se quita el apodo de matarreyes para convertirse en Max, un inspector de seguros de vida. Vive una profunda crisis existencial mientras investiga un caso en un peculiar hotel clandestino especializado en cumplir fantasías de suicidio. La propia descripción de ‘Plan de salida’ deja patente una transformación, desde un formal inspector de seguros a un extraño hotel, y en la película es mucho más evidente. En un inicio nos encontramos con un film que aborda el tema de la muerte con sobriedad y sin estridencias y nos hace preguntarnos ¿cómo afronta la muerte alguien que trabaja con ella? Algo que personalmente me recuerda a otra serie de HBO, ‘A dos metros bajo tierra’. Todo está bañado con una cierta calma, con tintes de humor muy negro, que invita a reflexionar. Y lentamente descubrimos que estamos ante un thriller que finalmente se convertirá en un slasher (nada gore). La última transformación de la película puede resultar decepcionante, porque resuelve de forma rápida un misterio planteado muy tarde, lo que provoca gran falta de interés en su resolución. Si la pretensión del director Jonas Alexander Arnby con este final era provocar tensión no lo consigue, aunque si genera algo de confusión, completamente intencionada, muy al estilo de David Lynch.
Visualmente ‘Plan de salida’ es una maravilla. A pesar del tema que trata los tonos durante toda la película son cálidos. Todos los interiores, la ropa y la luz tienen toques marrones, que contrastan con el frío del exterior. Este contraste entre imagen y temática recuerda al utilizado por Steve McQueen en su película Shame, donde a pesar de hablar de sexo los tonos son fríos.
En cambio, el apartado de las interpretación deja que desear. Todos los personajes son un misterio que no se resolverá en ningún momento. Parecen marionetas puestas para dar la réplica al protagonista, Max, pero Nikolaj Coster-Waldau tampoco aprovecha ese soporte para ofrecer una interpretación brillante. El personaje es tan sobrio como la película, algo que en muchos momentos funciona, pero que provoca que la tensión sea menos creíble.
En conclusión ‘Plan de salida’ es una película interesante, que aborda con sencillez un tema polémico como la eutanasia, y que se resuelve de una forma inesperada. Quizá esa ruptura final y la falta de profundidad de los personajes sea su gran déficit, aunque para muchos el final les parecerá una obra de arte del cine de terror.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de junio de 2020. Título original: Selvmordsturisten. Duración: 90 min. País: Dinamarca. Dirección: Jonas Alexander Arnby. Guion: Rasmus Birch. Música: Mikkel Hess. Fotografía: Niels Thastum. Reparto principal: Nikolaj Coster-Waldau, Tuva Novotny, Robert Aramayo, Kate Ashfield, Jan Bijvoet, Sonja Richter, Kaya Wilkins. Producción: ZDF / Arte. Distribución: BTeam Pictures (plataformas digitales). Género: thriller, drama. Web oficial:http://bteampictures.es/suicide-tourist/
Volveremos a verla en Cine Yelmo tras su 40 aniversario
La película de Francis Ford Coppola ha cumplido cuarenta años y lo vamos a celebrar con vosotros. Cine Yelmo a través de +Que Cine, su ventana de contenidos alternativos, ha preparado varias citas exclusivas que servirán para recibir de nuevo a los espectadores. Entre ellas va a proyectar ‘Apocalypse Now: Final Cut’. Esto será a partir del próximo 3 de julio.
Un nuevo montaje realizado para este aniversario que podremos ver además en 4k y del que también podremos aprender muchas cosas. Y eso será, no solo por reencontrarnos con esta mítica película bélica, sino porque podremos leer el libro ‘Notas a Apocalypse Now. Crónica de un rodaje maldito’, editado por Barlin libros y escrito por Eleanor Coppola. Un estupendo volumen que nos detalla los años de rodaje que a priori iban a ser meses. Una aventura cinematográfica accidentada hasta para Coppola que lo sufrió física y psicológicamente. Un ejemplar repleto de datos, anécdotas y sucesos.
Es por todo esto que hemos organizado un sorteo para varios destinatarios:
Un pack especial compuesto por el LIBRO (‘Notas a Apocalypse Now. Crónica de un rodaje maldito’) + POSTER de ‘Apocalypse Now: Final Cut’.
Dos POSTERS de ‘Apocalypse Now: Final Cut’.
Si queréis optar a ganar alguno de los premios podéis hacerlo en cualquiera de nuestras redes sociales.
Haz retuit a la fotografía en Twitter etiquetando dos personas
Tenemos que agradecer este sorteo e iniciativa a +Que Cine de Cine Yelmo, 39 Escalones (posters) y Editorial Barlin libros (libro).
Seguid todas las instrucciones para concursar correctamente. Tenéis de plazo hasta el 3 de julio a las 23:59h. Puedes participar en todas las fotos del sorteo que publiquemos. El hecho de participar más de una vez no incrementa las posibilidades de ganar, a no ser que se etiquete a diferentes personas cada vez. El sorteo se hará por orden aleatorio tras listar a todos los participantes que cumplan los pasos requeridos. Anunciaremos quien ha sido agraciado el 4 de julio de 2020. Si el ganador/a no responde al ponernos en contacto podremos declarar desierto el sorteo. Los datos solicitados al ganador únicamente serán utilizados para el envío y una vez recibido el premio serán borrados, no serán incluidos en ningún fichero o base de datos. Facebook, Twitter o Instagram no patrocinan, avalan ni administran de modo alguno esta promoción, ni están asociados a ella. El envío solo se realizará dentro del territorio español.
David (Gary Oldman) es un humilde, luchador y experto marino que busca una vida mejor para su familia – su mujer, Sarah (Emily Mortiner) y sus dos hijas, la adolescente Lindsey (Stefanie Scott) y la pequeña Mary (Chloe Perrin). Tras quedar extrañamente prendado de un viejo barco de vela, cuya historia está sumida en el misterio, David convence a Sarah de que comprar el velero puede ser su billete a la tan ansiada prosperidad. Pero poco después de hacerse a la mar con él, extraños e inquietantes sucesos comienzan a aterrorizar a David y su familia, haciendo que se vuelvan unos contra otros. Cuando el barco se hace ingobernable, comienza a quedar terriblemente claro que la familia está siendo atraída hacia un mal aún mayor que les aguarda en la oscuridad del mar abierto.
Crítica
¿Qué pasaba con Mary?
A principios de marzo supe de la existencia de ‘Mary’ o como se ha llamado en España ‘La posesión de Mary’, cuando la distribuidora nos envió las primeras notas sobre este filme que se estrenó en Estados Unidos en el último trimestre del año pasado. Indagué en sobre ella y lo primero que vi es que tenía muy malas críticas y unas puntuaciones muy bajas, esto último para mi normalmente carece de valor pues no me fijo en apreciaciones cuantitativas. Tras ver este filme de terror solo tengo que decir que estoy en contra de ese varapalo, llego a pensar que hay algo unánime en contra de esta película que va más allá del gusto de cada uno.
‘Mary’ es una película de terror muy convencional y muy básica, pero no es una película mala. Intenta jugar un poco con el misterio y los clásicos jugueteos que buscan inquietar al espectador desembocando en susto, pero poco más. Diría que es mala si tuviese malos planos, si se contradijese sobre el papel o si las interpretaciones fuesen calamitosas, pero no es así.
En esta película un padre de familia adquiere un barco que ha sido encontrado a la deriva, una embarcación que demasiado casualmente se llama como su hija Mary. Quiere hacer de ella el futuro de su familia y se los lleva a todos a probarla en una ruta por alta mar en la que comienzan a pasar cosas que no son normales.
Veréis por ahí muchos símiles que dirán cosas sobre “cómo se ha manejado el timón de este barco”, “navegar en aguas profundas” o “ir a la deriva”. Vagos recursos para describir una película por parte de aquellos que tal vez confunden la sensación que da una película mala frente a una que simplemente es sosa.
Sus dos principales problemas radican en que el guión realmente no expone un tema que esté trabajado, no se percibe una intencionalidad. A ‘Mary’ le falta más trasfondo para sus personajes y más miga a la historia con la que nos quiere asustar. Y por otro lado que su final es bastante flojo, sin gancho ni nervio. Ya de por sí está adelantado desde el principio, por lo que cabía esperar un clímax más interesante e impactante, incluso más arriesgado.
Lo cierto es que en su momento me la imaginé como una especie de ‘Calma total’ (1988) pero con componentes sobrenaturales. No llega a esos niveles de tensión e intensidad. Si lo hubiese hecho la repercusión de este filme sería otro cantar.
Michael Goi ha dirigido esta película de terror en el que es su tercer filme tras una larga temporada dirigiendo series, muchas de ellas también de terror. Su labor habitual no obstante es la de escoger la fotografía de los proyectos en los que trabaja, algo que también ha hecho en esta ocasión. Se nota pues la composición de las escenas no es mala. Si el guión de Anthony Jaswinski hubiese estado a la altura de otra acuática historia suya como ‘Infierno azul’ el director y los actores podrían haber explorado más el género de terror.
Peor hubiera sido si esta película la hubiese protagonizado Nicolas Cage, como iba a ser hasta cambio de última hora. Ahí si que habríamos tenido un filme en el que las malas interpretaciones habrían absorbido todo, o no, como ha sucedido con la estupenda ‘Color out of space’. Ciertamente esta no es una película infame, pero si muy inferior a las que acostumbran a mostrarnos Gary Oldman y Emily Mortimer.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de junio de 2020. Título original: Mary. Duración: 84 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Goi. Guion: Anthony Jaswinski. Música: The Newton Brothers. Fotografía: Michael Goi. Reparto principal: Gary Oldman, Emily Mortimer, Manuel Garcia-Rulfo, Stefanie Scott, Chloe Perrin, Owen Teague, Jennifer Esposito. Producción: eOne, Tucker Tooley Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: terror. Web oficial:https://www.tooleyentertainment.com/
En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.
Reseña
El fin del principio
El viaje del héroe nunca tiene fin. Escrito así parece que estamos refiriéndonos al marketing de Marvel y DC para estirar el chicle de la gallina de los huevos de oro. Pero en el caso de ‘Blame!’ a pesar de parecer una historia tan simple (un viaje, un pistolero silencioso y letal, una misión, un mundo desorientador y apocalíptico…) recuerda mucho a ‘La torre oscura’ (de la que os hemos hablado ampliamente en Moviementarios) abarcando muchísimos temas y cuestiones existenciales basándose en los simbolismos, las imágenes, la libre interpretación y en relecturas donde siempre se descubren cosas nuevas.
En este último tomo volvemos a la esencia de la obra que la hace tan hipnótica desde sus inicios. La conclusión final de ‘Blame!’ es que lo importante no es tanto el destino si no el viaje.
Estamos ante una edición de lujo (o Master Edition) de gran tamaño para poder disfrutar de las obras arquitectónicas que son una parte fundamental de ‘Blame!’. Al ser mucho más grande que los tomos recopilatorios originales, podremos disfrutar de la inmensidad del mundo que tiene que recorrer nuestro protagonista. Hay momentos en el que casi podréis sufrir agorafobia.
Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición en el que podremos disfrutar del escenario, verdadero protagonista de ‘Blame!’.
A lo largo de las reseñas de este manga, he intentado dar muy pocos detalles de la obra (como mucho habré dado el nombre del protagonista) centrándome en las sensaciones que provoca esta historia, para que podáis disfrutar de ‘Blame!’ descubriendo todo vosotros solos, y por ser el último artículo no voy a romper esa regla, pero creo que es justo que os mencione una anécdota para que os hagáis una idea concreta de la escala épica de este viaje.
Para que veáis la inmensidad de este universo, en un momento dado del tomo, hacia la mitad, el protagonista entra en una habitación, hay una escalera. Y uno de los personajes que está con él le dice “es una escalera que tiene 3000 kilómetros”.
Cuando el protagonista llega al final de la escalera, descubre otro mundo (y sus peligros) y nosotros nos damos cuenta de que aún le queda muchísimo para llegar a su destino final.
El lector de ‘Blame!’ siempre acaba descubriendo que llegamos al fin… del principio.
GUION
Volvemos a los encuentros casuales de nuestro protagonista con diversos e inquietantes personajes. Y una trama paralela que como siempre, acaba descolocándonos del espacio y el tiempo.
Acabamos también una trama importante (relacionada con el objetivo del protagonista) que se inició hace unos cuantos tomos. Supondrá redenciones y evoluciones de personajes secundarios.
Conocemos nuevos mundos, sin rastro de tecnología y muy oníricos. También tenemos nuestra nota de humor con un secundario cómico que nos alegrará el camino y compensará el silencio del protagonista.
Y por último el final. El dichoso final.
Es un final que os puede romper la cabeza y que está a la altura de referentes cinematográficos que prefiero no mencionar ahora mismo porque seguramente os daría pistas. Pero, aun así, iniciareis un camino de búsqueda de las respuestas de ese final. Os enfadareis (como hice yo en su día) reflexionareis, buscareis en Internet… Si queréis respuestas después de este viaje podréis escribirnos a Moviementarios y en privado compartiremos conclusiones.
Solo os puedo adelantar que la última viñeta refleja el espíritu de este manga.
DIBUJO
Se nota que es el final y nuestro autor se ha esforzado en dibujar a los antagonistas más amenazadores que nunca. Y escenarios atemorizantes… que te hacen sentir muy pequeño. La inmensidad de los espacios puede provocar agorafobia. Avisados estáis.
A destacar los diseños del pequeño interludio onírico, una rareza en ‘Blame!’ que haría las delicias del director Tim Burton.
Y la última viñeta. Cumple su función. Impacta, desorienta y maravilla a partes iguales.
Ficha del cómic
Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 338 págs., tapa blanda, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación: abril de 2018. Precio: 20€.
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