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Reseña: ‘Blame!’ Master edition 5

Argumento

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En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.

Reseña

La ecuación más hermosa del mundo

Es indudable que las ecuaciones matemáticas son imprescindibles para entender las leyes que explican el funcionamiento del universo. Muchas son muy complejas y la belleza en las ecuaciones suele residir en su simplicidad y elegancia. Al igual que las respuestas que nos proporciona la filosofía a las preguntas existenciales que siempre han angustiado al ser humano.

En este tomo, Tsutomu Nihei, su autor, intenta abordar cuestiones existenciales de una forma sencilla y elegante, sin apoyarse en los diálogos ni en las explicaciones redundantes.

Gracias a que este manga se ha apoyado mucho más en las imágenes y el simbolismo es más fácil que esta historia triunfe donde han fallado otros mangas de ciencia ficción, como la continuación ‘Ghost in the Shell’ o ’Neon genesis evangelion’

La edición de lujo o Master Edition de gran tamaño ayuda a la intención del autor, no podréis evitar mirar embobados las grandes ilustraciones reflexionando sobre el mensaje de la obra.

Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición en la que podremos disfrutar de un momento épico del combate entre nuestro protagonista Killy y la villana de ‘Blame!’.

GUION

Es un tomo cargado con mucha información sobre aspectos técnicos de este universo (que emocionará a los fanáticos de la informática) y nuevas incorporaciones que en muy pocas páginas se convierten en personajes tan carismáticos como nuestro protagonista Killy.

Finalizamos otro arco argumental más oscuro que el anterior en el que la acción, los combates y el peligro son constantes. Todo este cóctel explosivo está intercalado con momentos existenciales que finalizan en un clímax alucinante.

Y en el último tercio del tomo volvemos a simplificar la ecuación.

Nuevos misterios, mucha más oscuridad, nuevos personajes, nuevas preguntas, desorientación y nuestro protagonista contra el mundo, contra la inmensidad. El entorno postapocalípticamente cyberpunk que le rodea no le amedrenta en ningún momento. Y eso os dará la seguridad para seguir adelante y continuar leyendo las aventuras de nuestro protagonista, aunque no comprendáis lo que está pasando.

Parece que en la siguiente historia nuestro protagonista va un paso por detrás de su búsqueda, pero su distinguible seña de identidad (la perseverancia extrema) es un punto a su favor.

DIBUJO

Podemos notar una constante en la obra: en los clímax finales puede parecer el dibujo un poco farragoso, pero no va en detrimento de la espectacularidad o la narrativa. Al inicio del siguiente arco argumental volvemos a los escenarios oscuros y a la importancia en las grandes estructuras que dan un ambiente terrorífico, desolado, de pesadilla.

Podremos disfrutar de una multitud de combates diferentes con nuevas armas, diseños, antagonistas, transformaciones…siempre sorprendiéndonos, mostrando nuevos mundos a cada paso que dan los protagonistas.

Ficha del cómic

Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 352 págs., tapa blanda, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación:  febrero de 2018. Precio: 20€.

Reseña: ‘Blame!’ Master edition 4

Argumento

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En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.

Reseña

Más de lo que podemos imaginar

En cuestión de historias (y sobre todo las épicas) todo tiene un principio y un final, pero realmente, aunque muchos fans lo deseemos (las continuaciones) para lo que realmente no estamos preparados es ante la inmensidad, el infinito. Que algo no tenga principio ni final… para el ser humano es algo extraño. Por eso nos fascina quizás tanto el fin del mundo.

Como decían personalidades tan ilustres como el físico teórico Werner Heisenberg o el genetista y biólogo evolutivo J.B.S Haldane “no es que el universo sea más extraño de lo que imaginamos, es que es más extraño de lo que podemos imaginar”.

En ‘Blame!’ sucede algo parecido, su autor Tsutomu Nihei, está empeñado en demostrarnos que el universo es más extraño de lo que podemos imaginar. Y después de cerrar en este tomo un arco argumental muy claro y épico, nos devuelve casi al punto de partida, tanto al protagonista como al lector, ante la inmensidad de un espacio arquitectónico difícil de imaginar.

‘Blame!’ tiene muchos paralelismos con otra saga literaria con la que estoy obsesionado: ‘La torre oscura’ (de la que os he hablado ampliamente en Moviementarios). Sus protagonistas son unos pistoleros misteriosos que tienen un solo objetivo, van en busca de “algo” en un mundo que no parece tener ni principio ni fin.

Aunque al menos Stephen King hace un aviso importante a sus lectores cuando termina ‘La torre oscura’, porque les espera un epílogo que los va a llevar mucho más allá. O se pueden contentar con un final cerrado o arriesgarse a buscar la verdad hasta el final.

Por eso advierto a los que nos estén leyendo que si quieren parar después de terminar el arco argumental en el que se basa la adaptación de Netflix… que paren.

Lo que viene a continuación es la búsqueda de la verdad. Con mayúsculas.

Hay que reconocer que la edición de lujo (o Master Edition) no es la más adecuada para llevársela de viaje por su gran tamaño, pero es imprescindible para poder disfrutar de las obras arquitectónicas que dibuja Tsutomu Nihei y sobre todo para sacarle partido a sus espectaculares escenas de acción, escenarios y personajes. Su orden de lectura es de sentido japonés, al contrario que la primera edición que nos llegó a España hace muchos años.

Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición en el que en el que vemos a los dos protagonistas de la historia.

GUION

Cerramos un arco argumental que supone un tercio de este tomo. Entre todos los personajes y facciones destaca una villana que ya ha dejado huella en este manga. Y volvemos al punto de partida. Volvemos a la oscuridad, a la búsqueda, a nuestro protagonista acompañado de un único personaje. En definitiva, a la fascinante desorientación espacial tan característica de este manga.

Otro aspecto bastante atractivo de ‘Blame!’ es la cabezonería de su protagonista por llegar a su objetivo a pesar de las adversidades. Recuerda mucho a ‘La torre oscura’ y a más de uno os servirá como fuente de inspiración ante cualquier reto que os hayáis planteado.

Conocemos nuevos personajes, tanto protagonistas como antagonistas, que son bien retratados en sus motivaciones.

DIBUJO

El maestro Nihei nos vuelve a sorprender con un estilo arquitectónico postapocalípticamente cyberpunk. El escenario es un personaje en sí mismo, con tramos pesadillescos y pasillos interminables por los que más de uno no le gustaría aventurarse.

Hay un curioso contraste, el dibujo cambia de un arco argumental a otro. Los combates son un poco más confusos al principio del tomo, pero eso no es un problema por el clímax emocional con tanto giro de guion (¿cómo acabará?).

En la siguiente mitad del tomo, aunque todo se vuelve mucho más oscuro y tétrico, los combates son más fáciles de seguir, con nuevos personajes y habilidades.

Ficha del cómic

Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 368págs., tapa blanda, blanco y negro, 17×24 cm. Publicación:  noviembre de 2017. Precio: 20€.

Reseña: ‘Blame!’ Master edition 3

Argumento

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En un futuro dominado por la tecnología, los humanos representan una raza en peligro de extinción. La devastación asola los inmensos parajes cubiertos de metal. Nunca se sabe con certeza qué hay en niveles superiores y sólo se oyen rumores al respecto. Un humano trabaja para la Oficina Gubernamental localizando humanos con genes puros, en un contexto en que las mutaciones han ido deteriorando provocando que las máquinas no reconozcan a las personas, tomándolas por intrusos.

Reseña

El prestigio

Arthur C Clarke, maestro de maestros de la literatura de ciencia ficción, escribió una vez “cualquier tecnología suficientemente avanzada es indistinguible de la magia”.

En ‘Blame!’ ocurre eso y como en ‘2001, odisea en el espacio’, es una historia que se apoya mucho en las imágenes, en la ambientación (su autor, Tsutomu Nihei, fue arquitecto) y menos en diálogos o en los personajes. Es una obra abierta a muchas interpretaciones… y ahí reside su encanto. Puedes leerlo una y otra vez que siempre te provocará sensaciones nuevas.

Y ya que mencionamos la magia, todo espectáculo de este tipo consta de tres actos: el primero es la presentación, el segundo es la actuación y el tercero es el prestigio.

En la presentación el mago (Tsutomu Nihei) nos muestra algo ordinario. En este caso un puñado de historias cortas con un único nexo en común, el viaje de su protagonista. Esto ejerce una fascinación en el lector, porque supone un reto ya que nos presenta unos escenarios, armas y enemigos espectaculares, pero no se detalla nada de la trama. Esto ocurrió en el primer tomo.

En el segundo acto, la Actuación o giro, el mago consigue hacer algo extraordinario, y nos presenta una estructura narrativa clara, concretando los diversos bandos que se mueven en ese universo, los objetivos de los personajes, hacia donde se dirige la historia… de repente todo empieza a cobrar sentido y el lector se siente poderoso. Ya sabe cómo irá la historia.

Es extraordinario, sí, pero aún no vemos la magia.

Y en el tercer acto que corresponde a este tercer tomo, viene la parte más complicada: el prestigio. El mago se juega su prestigio ante el público.

Cuando creíamos que sabíamos de qué iba ‘Blame!’ el autor nos hace un juego muy a lo Christopher Nolan. Os será difícil incluso situaros en el espacio y el tiempo. Como si ‘Origen’ e ‘Interstellar’ se hubieran fusionado con ‘Hellraiser’.

Es una edición de lujo (o Master Edition) de gran tamaño para poder disfrutar de las obras arquitectónicas que se marca Nihei y es mucho más grande que los tomos recopilatorios originales, con lo cual podremos disfrutar de sus espectaculares escenas de acción, escenarios y personajes. Y un orden de lectura japonés (la primera edición era de sentido occidental).

Con una portada, contraportada y portada interior diseñadas en exclusiva para esta edición (una de sus antagonistas, en una misma ilustración desde diferentes perspectivas).

GUION

El tercer tomo abarca en gran parte la adaptación del anime de ‘Blame!’ que tenéis disponible en Netflix y a pesar de que estamos en un arco argumental bastante claro, en su segundo acto, Nihei lo vuelve a conseguir y nos vuelve a descolocar, aprovechando para beber de mil y una referencias pasadas por su filtro cyberpunk: las historias de caballería, la fantasía heroica, cultura cybergotica, la física cuántica…

También a destacar la complejidad de las facciones y organizaciones que se presentan en este rico universo, en contraste con los encuentros aleatorios de nuestro protagonista al principio de la historia.

DIBUJO

Tsutomu Nihei nos intenta compensar la desorientación argumental con grandes estructuras a doble página que hipnotizan y acongojan a partes iguales. La inmensidad es un concepto que este autor maneja muy bien y hace sentir al lector muy pequeño.

El autor sigue reinventándose en los diseños. Podemos ver variaciones y evoluciones ya vistos con anterioridad: androides, robots, maquinas, armas… y seguimos notando las claras influencias de H.R Giger y Clive Barker.

En cuanto a las escenas de acción podemos disfrutar de muchos enfrentamientos con más personajes, pero los momentos culminantes siguen siendo los de nuestro protagonista, Killy y su lanzador de partículas gravitacionales.

Ficha del cómic

Guionista: Tsutomu Nihei. Dibujante: Tsutomu Nihei. Editorial: Panini Comics. Datos técnicos: 360 págs., tapa blanda, blanco y negro.  Publicación:  septiembre de 2017. Precio: 20€.

Crítica de la temporada 3 de ‘Dark’

Para Winden el tiempo es dios y sus historias son un sindiós

Netflix estrena la temporada 3 de ‘Dark’ justo el día que su ficción pronostica el fin del mundo, el 27 de junio. Ya hemos visto que para los habitantes de Winden el tiempo determina su destino y ejerce de dios inamovible. La serie tiene tantas idas y venidas, con la introducción ahora además de nuevos mundos y personajes, que la convierten en un sindiós, en un caos. Pero está magníficamente ordenada y no peca de tener agujeros de guión. La serie empezó y ha concluido de un modo magistral.

La temporada 3 de ‘Dark’ explica rápido lo que vimos en la conclusión de la temporada anterior y nos ubica también casi de manera inmediata a los personajes. De este modo la serie de Baran bo Odar (que hace un cameo en una fotografía) se mete en faena, nos introduce nuevos elementos misteriosos y se encamina a su resolución. Y el final satisface, queda explicado y reducido a algo sencillo. Tiene además un cierre definitivo para los personajes, que emplea recursos ya vistos antes e incluso a veces algo vagos, pero que cuadran a la perfección. ‘Dark’ ha conservado hasta el final su tenebrosidad, sus embrollos y su buena manera de tratar los personajes.

En esta nueva etapa quienes vuelven a tener toda la atención del espectador son Jonas, Martha y Claudia. De nuevo la pérdida, el dolor, el amor o la curiosidad serán los motores de los protagonistas. Si esta serie se pudo comparar por su carácter fantástico, formato coral y tremenda complejidad con ‘Lost’ se puede decir que está mucho mejor planificada y no se deja ningún detalle por cerrar. Para poder dar explicación a todas las relaciones, situaciones y eventos de la serie se ha tirado de algunos personajes dedicados a rellenar los huecos pendientes e incluso esta temporada introduce un deus ex machina ya que se basa bastante en un elemento que ha aparecido de repente. Pero la labor de logística a la hora de que todo el guión y lo antes estrenado cuadre sin fisura alguna es titánica. Ha sido como ese episodio de ‘Futurama’ en el que Fry se convierte en su propio abuelo, pero de un modo multiplicado por diez.

La contienda mísico-cientícia contra Sic Mundus ha llegado a su clímax final rodeada además de bastante religiosidad. Detalles como la medalla de San Cristobal, los ciclos de 33 años, el origen con Adán, el sacerdote interpretado por Noah… son importantes. Uno no puede desconcentrarse y perder la conexión de todos esos pormenores, sobre todo teniendo en cuenta que esta es una trama llena de mentiras y paradojas. Pero al final todo es bastante más académico que espiritual, tiene una explicación lógica y fundamentada.

Al final nos hemos quedado sin saber qué paso con trivialidades como el ojo de Wöller, porqué Ulrich siempre es infiel o a qué se debe la imposibilidad de hablar de algunos personajes. Al fin y al cabo, esa repetitividad que parecía ser un McGuffin nos habla del famoso error en la matriz (haciendo un guiño a los déjà vu de ‘Matrix’) y de su teoría de la predestinación. Detalles que la serie se puede permitir dejar sin explicar ya que no son importantes, salvo por el hecho de que nos ubican en un universo u otro. Algo parecido a lo que se hacía con el aspecto de los personajes en ‘Fringe’ cuando saltábamos por todo ese multiverso de manera constante.

Lo importante es que se ha dado una explicación a la aparición de los viajes en el tiempo, al nuevo universo que se presentó en los últimos segundos de la temporada dos y a todos esos enlaces entre personajes que hemos ido descubriendo. La temporada 3 de ‘Dark’ explica muchas cosas. Vuelve a sus razonamientos metafísicos y científicos tirando incluso de cuántica y de propiedades de la teoría de cuerdas. Pero probablemente lo que más atraiga al espectador será ir rellenando esos huecos que quedaban pendientes en el árbol genealógico de Winden, sabiendo quienes son padres, madres o hermanos, y descubrir además algunas ramas nuevas que aparecen. Os recomiendo ir viendo la temporada 3 de ‘Dark’ teniendo a mano un gráfico de cómo se relacionan los personajes, se puede hacer un lío, sobre todo si no la tenéis fresca. Aunque los finales de episodio a pantalla partida conectando épocas ayudan bastante. Tened en cuenta eso y que habría que poner un altar a los responsables del casting porque las versiones jóvenes o ancianas de cada personaje están escogidas maravillosamente. A parte que otro buen punto de ‘Dark’ ha sido el introducir elementos reconocibles en cada protagonista, con una especie de obsesión por las cicatrices.

Ya se resolvió por qué desaparecían niños, quien era el demonio blanco o donde fue a parar Mikkel. Ahora se han corregido algunos detalles que no acababan de estar bien (como el nombre de la enfermera del psiquiátrico en el que acaba Ulrich). Quedaban cosas importantes por saber, tales como el camino que sigue Jonas para convertirse en Adam, que hacía el colgante de San Cristóbal en la orilla del lago cuando lo encuentra el protagonista, como acaba Charlotte con Tannhaus, quien escribe el libro con las indicaciones para Noah, por qué Martha se vio a sí misma en el bosque, quién es Silja, qué importancia tiene la historia de Hannah en el pasado… ¿Habrán quedado resueltas? Ya veréis eso y muchísimo más a partir del 27 de junio. Vais a oír mucho eso de “¿qué significa?” pero no os preocupéis que no os va a quedar ninguna duda y si la serie os enganchó en sus orígenes también os va a gustar en su ocaso.

Entrevista a Maxi Iglesias y a Elvira Mínguez por ‘Desaparecidos’

La serie de Amazon Prime Video sobre un grupo dedicado a localizar personas

La serie ‘Desaparecidos’ comienza a emitirse en Amazon Prime Video el próximo 19 de junio. Una producción en la que nos unimos al Grupo 2 de la Brigada Central y a una ONG para afrontar diferentes casos de desapariciones. Pero también para conocer a sus agentes y su manera de proceder. La serie, que os comentamos aquí en profundidad, está protagonizada por Michelle Calvó, Elvira Mínguez, Maxi Iglesias, Juan Echanove, Chani Martín y Amanda Ríos, además de otros muchos actores que aparecen eventualmente en cada capítulo.

Hemos podido hablar con Maxi Iglesias (‘Valeria’) y Elvira Mínguez (‘Veneno’) y nos hablan de los pormenores de esta nueva ficción con mucho de real.

Crítica de ‘Desaparecidos’

Unos desaparecidos con los que merece la pena que os encontréis

El próximo 19 de junio se estrena en Amazon Prime Video España la serie ‘Desaparecidos’. Una ficción con mucha realidad en ella y que no tiene nada que envidiar a series del tipo ‘Sin rastro’ o ‘Caso abierto’. Hemos visto cuatro de los trece episodios que tiene y sigue los mismos patrones de ese tipo de producciones norteamericanas, pero siguiendo una tónica más íntima y continuista con respecto a los agentes que reconstruyen los puzles y rastros de la gente que se ha perdido.

“Nosotros seguimos buscando” es el lema del Grupo 2 de la Brigada Central, es casi el mantra de su jefe (Juan Echanove). ¿Quién sabe dónde? ¿Os acordáis del programa de Paco Lobatón? Pues ellos hacen lo mismo, pero de manera mucho más activa, sin montar un show y con trabajo de campo. Tratan los casos más inauditos de desaparecidos implicándose a veces demasiado, ¿o no?, esa es la preguntan que a veces nos lanzan.

Cada episodio dura entorno a hora y diez minutos. En ese tiempo se enfrenta a una media de tres desapariciones por capítulo, no parecen excesivas cuando descubrimos que solo en diciembre del año pasado se registraron casi 2500 denuncias desaparecidos en España. Y se pasan las horas volando. Los incidentes escogidos para ‘Desaparecidos’ están muy diferenciados entre sí. Son todos distintos, interesantes e incluso originales, la variedad de la serie la hace entretenida, aunque si que es verdad que en algún caso pronosticable.

Por norma general se suele distinguir una producción europea de una estadounidense en que nos solemos mojar más, tratamos de incluir temas más comprometidos y de manera más concienzuda. Ese es el caso de ‘Desaparecidos’, que ahonda en cuestiones de todo tipo. Es algo que Mediaset busca muchas veces con sus películas (véase ‘Adú’), ojalá tuviese la misma calidad humana en sus shows. Quizá es por eso que parte del peso de esta serie recae en una pequeña ONG que colabora con la policía. También hay una buena diferencia con series de este género cuando comprobamos que las distintas caras conocidas que se van incorporando no tienen porqué ser las malas de la historia y cuando todo transcurre con buen ritmo sin necesidad de aturdirnos con flases, zooms y recreaciones casi de ciencia ficción.

Curro Royo (‘Servir y proteger’, ‘Cuéntame’) es el creador de esta serie que parte de una idea de Javier Ugarte (‘Justo Antes de Cristo’), Jorge Guerricaechevarría (‘Quien a hierro mata’) y Patxi Amezcua (‘Séptimo’). La concepción de la serie persigue lo humano por encima de lo procedimental. Ahonda muy bien en este tipo de sucesos y en sus momentos clave, cuando afloran los miedos, los remordimientos, las tensiones, el agobio, la culpa e incluso los prejuicios.

Se ha contado con tres directores para realizar los episodios. Según que entrega está a la batuta Miguel Ángel Vivas (‘Tu hijo’, ‘Vis a Vis’), Inma Torrente (‘Servir y proteger’, ‘Los misterios de Laura’) o Jacobo Martos (‘Allí abajo’). Vivas dirige los tres primeros y los dos últimos, Torrente y Martos se reparten el resto de la serie. El director sevillano vuelve a demostrar que se mueve bien en historias policíacas, buscando siempre acertádamente los detalles importantes y sin meter relleno. Me ha chiflado el plano secuencia del segundo episodio en el que asistimos a un interrogatorio “fallido”.

Realmente quien suele ser más protagonista en los episodios son Michelle Calvó y Maxi Iglesias. La primera siendo bastante veraz con todas las facetas de su personaje y el segundo luchando infructuosamente contra su imagen de guaperas irreverente de instituto. Pero no hay que perder de vista toda la historia de Elvira Mínguez, pues la lleva de manera magnífica, lidiando con su propia pérdida y con todas las que gestiona desde su ONG montada en una panadería.

No he podido evitar poner especial atención en Chani Martín. Aunque ya le había visto en ‘Campeones’, ‘Lo nunca visto’ o ‘Tarde para la ira’ me fijo especialmente en él desde que me hizo reír en ‘Justo antes de Cristo’ y desde que sé que es el protagonista de la próxima película de Javier Fesser, ‘Historias lamentables’. Lamentable es que no hayamos podido ver aún esa película que espero como agua de mayo y lamentables también son los casos a los que se tiene que enfrentar, a si es que esta vez he podido ver una faceta menos cómica de este actor que creo que debería estar más valorado y aquí hace las funciones de secundario con toques cachondos o campechanos.

Quizá la serie redunda demasiado en el tema al introducir eventos de desapariciones hasta en la vida de varios de sus protagonistas. Quizá también se ceben demasiado con el distrito sur o con Vicálvaro, en este tipo de series siempre se ven rencillas entre departamentos. Pero está hecha desde una sinceridad bastante patente enriquecida además en cada episodio con nombres como Luisa Gavasa, Nerea Barros, Paco Manzanedo, Sonia Almarcha, Pol Monen, Armando del Río, Diana Palazón, José Luis Torrijo, Ismael Martínez… Vedla.

Crítica: ‘Da 5 Bloods: hermanos de armas’

Sinopsis

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Cuatro veteranos afroamericanos regresan a Vietnam años después de la guerra en busca de los restos del líder de su escuadrón y un montón de oro enterrado.

Crítica

Es obvio que Lee sabe rodar, también que cada vez divaga más al escribir

Netflix es el canal que ha usado Spike Lee por primera vez para llegar hasta nosotros. En esta ocasión nos sugiere una película bélica, ‘Da 5 Bloods: hermanos de armas’. Que aborde el cine bélico no es habitual en él, aunque tiene películas como ‘Miracle at St. Anna’. Y aunque nos topamos con una supuesta propuesta nueva acaba siendo lo de siempre, diría que incluso con la temática redoblada. Todo hay que decirlo, este largometraje no llega ahora de manera oportunista por la revuelta situación a raíz de lo de George Floyd, su estreno lleva anunciado por lo menos desde el pasado 18 de mayo.

Lo que nos cuenta ‘Da 5 Bloods: hermanos de armas’ de una manera tremendamente estirada no es ni original ni excesivamente distinto a lo de siempre. Hemos visto cosas así en ‘Monuments men’, ‘Triple frontera’ o incluso en la parodia del Pez Volador de ‘Los Simpson’. Cuatro soldados hermanados por lo vivido en la guerra de Vietnam vuelven a por un botín enterrado y para rescatar el cuerpo del quinto miembro de su familia bélica para así poder darle sepultura (ya iréis viendo como respecto a la muerte de un compañero la película va cambiando sus prioridades). Están encarnados por Delroy Lindo, Clarke Peters, Norm Lewis e Isaiah Whitlock Jr. Siguen el rastro y los recuerdos del que fue su líder de escuadrón, interpretado por Chadwick Boseman.

Esta es de las películas con más acción en la filmografía de Spike Lee, por lo menos desde ‘Old boy’. Desarrolla bien la fotografía del consumismo, más exitoso como herramienta colonizadora que la propia guerra del Vietnam. Están bien conjuntados los actores que funcionan como grupo de amigos cascados de vuelta en el lugar donde se forjó su amistad. Pero sobrecarga o está a destiempo tanta perorata metida con calzador y descolocan muchas tomas o escenas.

‘Da 5 Bloods: hermanos de armas’ roza el ridículo hasta el punto de intentar continuar con el royo Motown fuera de época y estilo, con sus movimientos repetidos a lo patada de Van Damme, siendo incapaz hasta de inventar nombres de empresas, descuidándose llegando al punto de dejar caminando tan panchos a sus personajes por un campo de minas y ya ni hablar de la figura del hijo de uno de los protagonistas que no queda claro si está alelado o si es un intento de retratar a una generación más estúpida… Y hay algunas incoherencias aún mayores.

Al igual que Jasper Pääkkönen, Paul Walter Hauser vuelve a trabajar con Lee tras ‘Infiltrado en el KKKlan’ y tras sorprenderme en ‘Richard Jewell’. Junto a ellos está Mélanie Thierry completando el reparto de protagonistas (además de la presencia de Jean Reno). Con estos nombres quiero señalar que no falta calidad actoral, la pega es que sobran divagaciones. En su intento por hacer una película abanderada de la causa ha quedado algo desmesurado, sobrecargado y desajustado a la hora de establecer un tono.

Desde el minuto cero de ‘Da 5 Bloods’ la lucha por los derechos de las personas afroamericanas monopoliza la película. Es una cinta protesta que se justifica y referencia con tantos fragmentos reales y alusiones verbales o fotográficas que se va al documental. Es mucho más creíble como paseo por la cabeza de Spike Lee, por sus desvaríos y obsesiones, que como reflexión histórica con perspectiva.

Por otro lado está muy mal la música, duerme las escenas o no va con las sensaciones que nos transmiten los actores. Hay planos buenos y alguna secuencia que retoma clásicos del cine bélico, al fin y al cabo Spike Lee sabe rodar, pero cada vez menos escribir.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de junio de 2020. Título original: Da 5 Bloods. Duración: 154 min. País: EE.UU. Dirección: Spike Lee. Guion: Spike Lee, Paul de Meo, Kevin Willmott, Danny Bilson. Música: Terence Blancard. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Reparto principal: Delroy Lindo, Jonathan Majors, Clarke Peters, Norm Lewis, Isiah Whitlock Jr., Mélanie Thierry, Paul Walter Hauser, Jasper Pääkkönen, Johnny Trí Nguyễn, Lê Y Lan, Nguyễn Ngọc Lâm, Sandy Hương Phạm, con Jean Reno, Chadwick Boseman. Producción: 40 Acres & A Mule Filmworks, Rahway Road Productions. Distribución: Netflix. Género: drama, bélico. Web oficial: https://www.netflix.com/es/title/81045635

Reseña: ‘Dinastía de X / Potencias de X’

Argumento

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¡Enfréntate al futuro! ¡Jonathan Hickman toma el trono de los mutantes! Desde su nacimiento, La Patrulla-X ha vivido cuatro momentos fundamentales: su fundación, la Segunda Génesis, “La Era de Apocalipsis” y la época de New X-Men. Ahora, Charles Xavier revela su plan maestro… el que sacará a los mutantes de la oscuridad y los llevará, una vez más, hacia la luz.

Reseña

Una nueva nación de la que uno disfruta formando parte

Marvel nos invita a formar parte de Krakoa, el nuevo país mutante que Jonathan Hickman ha creado para comenzar una nueva aventura de los X-Men. Este es un gran punto y seguido, una manera de reflotar a los siempre en boga X-Men. La ciencia ficción está omnipresente en una colección que de primeras digo que me ha alucinado. Sin fisuras, con originalidad y mucha complejidad, las historias de Dinastía y Potencia de X (Hose y Powers of X) son un disfrute lleno de sorpresas y reinvenciones.

Para seguir bien la historia hay que alternar entre los números de Dinastía y Potencias de X (algo que puede hacerse incómodo, sobre todo si se ha coleccionado según ha ido publicándose). Cambia el dibujante de una serie a otra a partir del número dos de ‘Potencias de X’ y eso contribuye a fomentar la sensación de cambiar de época, etapas y mundos de la historia de los X-Men. Y es que esta es una obra que además de tener toques muy legendarios sirve de homenaje a toda la historia de X-Men.

Hay varias e imponentes portadas realizadas por Pepe Larraz y Marte Garcia. Pero sobre todo la primera resulta la más carismática. Se nota que el mexicano Marte Garcia le tiene cogido el punto a los X-Men y a su siempre colorido aspecto. Y todo el interior es igual de potente. Personajes, fondos, máquinas, color… El nivel es alto y minucioso. El estilo de ambos dibujantes (la otra persona que dibuja es R.B. Silva) es diferente pero conserva parecidos. Ambos han metido a las viñetas la clásica matriz de puntos de los cómics y eso le da un toque clásico a un dibujo que se torna moderno. Desde luego es otro cómic más para incluir en los que pueden hacer afición y destacar a nivel mundial a un dibujante del talento de Larraz.

El universo que han conformado a partir de ‘Dinastía de X’ es complejo y entramado, sería difícil de abarcar para el lector sin esas páginas informativas que se intercalan de vez en cuando. Considero que es mejor leerse esta serie del tirón que teniendo que esperar un mes entre número y número, eso podría obligar a los que tengan menos memoria a releer las primeras páginas de vez en cuando. Y la única pega que le pongo a esta colección es que su último número está demasiado ocupado por páginas que explican la historia en vez de por viñetas.

Me queda la impresión de que habría disfrutado más del cómic de haber estado siguiendo colecciones recientes de los X-Men. La cantidad de personajes es abrumadora y si uno se para a buscar sus nombres o su trasfondo puede llevar esta experiencia de lectura a muchísimas horas. En mi caso esta historia ha sido un largo acompañante durante la cuarentena.

El diseño de personajes que vemos en el cómic va en la línea del que muchos habéis visto en películas como ‘Dark Phoenix’, bastante inspirados en los trajes que llevaban los mutantes de Grant Morrison. En ese sentido es un retorno a lo clásico. Pero también vemos nuevas vestiduras que llaman la atención. Como la de Xavier o incluso la de magneto que está en una de esas raras veces en las que va en son de paz, como clama su capa blanca.

Me ha encantado toda la intervención de Moira. Me parece brillante el rol que juega y como sirve de herramienta para aportar giros a la trama. El guión de Hickman nos brinda una historia coral, algo casi obligatorio en el caso de una apuesta tan regenerativa como esta. Es básico el tener que introducir el punto de vista de muchos personajes para abordar un punto tan tajante y definitorio en un universo tan vasto como el de la Patrulla X. Y además la trama da muy buenos detalles que no me cabe duda que habrán sido un gustazo para los dibujantes, ya que a modo de crossover otros personajes que son de otras colecciones como ‘Los 4 Fantásticos’ hacen su aparición. Esto es algo que no nos sorprende pues Hickman ha trabajado con los Richards, Storm y Grimm mucho tiempo, al igual que sucede con los Avengers y otras muchas organizaciones conocidas de Marvel. También hay que tener en cuenta que aquellos más puristas y cerrados a que estos superhéroes evolucionen pueden rechazar todo el enfoque del cómic.

‘Dinastía de X’ hace un punto de partida muy jugoso para otros autores que vengan después. Solo hay que ver a este Charles Xavier sin silla de ruedas y decidido a llevar a los suyos a la victoria. Sus métodos en muchos sentidos u ocasiones son más propios de un villano. Xavier tira de neoliberalismo para ganar una posición ventajosa en determinadas naciones que si reconozcan a la suya. Muy acorde a lo que haría una despiadada corporación o multinacional del mundo real. Está a la cabeza de una nación de criaturas con poderes que más que buscar su lugar en el mundo lo reivindican y lo inventan. Como dicen bien en el número uno de ‘Potencias de X’, “no es un sueño si es real”. La utopía de Charles se convierte en realidad y la vía que emplea Hickman me parece la más plausible.

Además la narración nos adentra en una especie de bioingeniería mezclada con poderes, algo casi mágico. Es una nueva manera de percibir el poder de los mutantes de Marvel, una forma distinta de verlos, tanto visual como argumentálmente, sin olvidar lo que ha pasado previamente. Los amantes de los X-Men de siempre pueden disfrutar estas viñetas que tienen alusiones a ‘Dinastía de M’, ‘Días del futuro pasado’ y otros clásicos en los que por ejemplo interviene Apocalipsis.

Entre guionistas y dibujantes llevan a los X-Men de nuevo a un punto treméndamente épico. ‘Dinastía de X’ más ‘Potencias de X’ componen doce números en total. Un ecosistema donde nos topamos con el paraíso mutante y que supone un vergel para los lectores de cómics.

Ficha del cómic

Guion: Jonathan Hickman. Dibujo: Pepe Larraz, R. B. Silva. Color: Marte Garcia, Di Benedetto. Tinta: VC’s Clayton Cowles, Adriano Di Benedetto. Portada: Pepe Larraz, Marte Garcia, R.B. Silva. Editorial: Marvel (Panini Cómics). Datos técnicos: 56 y 40 págs. por número, grapa, color, 17 x 26 cm. Publicación: julio de 2019. Precio: varía según número (nº1 4,51€).

Análisis del Blu-ray de ‘El Faro’

Willem Dafoe y Robert Pattinson nos regalan unas impresionantes actuaciones

En la pasada edición del Festival de Sitges tuvimos la oportunidad de ver por primera vez ‘El Faro’ (crítica aquí), una cinta extraña donde dos marineros a base de grandes diálogos y pedos poco a poco van volviéndose locos. Una maravilla visual que el pasado 8 de mayo salió a la venta en su formato doméstico y hoy os hablamos de esta edición.

Protagonizada por Willem Dafoe y Robert Pattinson, la película está dirigida por Robert Eggers (‘La bruja’). En el Blu-ray encontramos la película, con un menú muy sencillo a base de símbolos simples podemos acceder a distintas escenas, idiomas (Ingés DTS-HD Master Audio 5.1. ; Castellano, Francés y Alemán), subtítulos (Inglés para sordos, Castellano, Árabe, Danés, Holandés, Finés, Francés, Alemán, Hindi, Noruego, Islandés, Portugués y Sueco). Además de tener acceso al Contenido adicional.

Contenido Adicional

Con casi una hora de extras, se nos divide en tres, podemos ver la película con comentarios del director, Robert Eggers.

Escenas eliminadas

Barriendo la cocina (04:55 min.)

En la que vemos a Robert Pattinson barriendo.

Un joven desnudándose (02:09 min.)

Robert Pattinson vuelve a ser el protagonista de la escena eliminada.

La verdad que no dicen mucho y es material que perfectamente es innecesario y que hubiese alargado mucho más la película.

‘Un cuento oscuro y tormentoso’

El siguiente contenido es bastante interesante. Tenemos tres episodios en los que nos van desentrañando parte de todo el trabajo que hay detrás de las cámaras

El mito tras la locura (18:38 min.)

Aquí conocemos toda la labor de documentación del director, que me parece impresionante. Después de ver este pequeño trozo de extra, conocemos lo metículoso que es Eggers y sabe perfectamente lo que quiere y todo lo que ha aprendido después de dirigir su primera película

En este extra vemos lo contentos que están los dos actores a la hora de poder estar en esta película, a ambos les gustan los grandes retos y sin duda ambos papeles eran grandes regalos.

También vemos la documentación a la hora de vestuario y lenguaje.

Embrujo bajo la luz (15:13 min.)

En este apartado conocemos el secreto del lenguaje fotográfico, de como el director de fotografía Jarin Blaschke y el director trabajaron mano a mano para lograr la textura y atmósfera que la película necesitaba.

Productos de la imaginación (4:06 min)

Sin duda ‘El Faro’ es una película muy sensorial, no sería nada sin sus imágenes pero menos aún sin el gran trabajo de sonido y banda sonora que hay detrás. Y aquí podemos averiguar un poquito de cómo llegaron a hacer la maravillas que escuchamos.

Os dejamos la galería de fotografías del Blu-ray a continuación.

Crítica: ‘Rocambola’

Sinopsis

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Dante es un ladrón profesional que subsiste a base de pequeños trabajos muy bien escogidos. Su nuevo objetivo es un caserón aislado y que el cree que estará vacío. Pero en esa incursión va a descubrir que no está solo en el interior de la casa. Repentinamente se encuentra de frente a una extraña pareja cuya reacción no es otra que invitarle a desayunar.

El sorprendido ladrón acepta la anómala invitación con el fin de evitar que avisen a la policía y de ese modo se convierte en partícipe activo del extraño juego.

Crítica

No es una obra maestra pero por lo menos podría haber rozado lo rocambolesco

Tres películas lleva Juanra Fernández (‘De púrpura y escarlata’, ’Para Elisa’) y ahora va a estrenar en Filmin ‘Rocambola’. No sé cómo serán sus otros dos largos pues no he tenido el gusto de verlos, pero me he sorprendido al documentarme y ver que esta no era una ópera prima. Su concepción y realización me recuerdan a películas de estudiantes. Por ejemplo, el etalonaje difiere mucho de un escenario a otro, lo cual pasa manifiestamente en muchas películas en las que se usan planos con drones (que hoy en día nos salen hasta por debajo de las piedras).

Este es un thriller donde a los veinte minutos se ve el percal. Una historia que al principio desconcierta y luego se precipita. Va de robos y desesperaciones, también de viejas rencillas. Leyendo su sinopsis y viendo sus primeros compases he llegado a pensar que podría ser un ‘Funny games’ al a inversa pero pronto me he llevado el chasco.

Aprecio y respeto que Jan Cornet sea un ganador del Goya. Pero su actuación en esta película no me parece digna de alguien que ostenta tal galardón. Cuando se encara con rabia o dureza no me parece creíble, aunque cuando hace de acobardado si está más eficiente. No obstante, su actuación no es la más carente de matices y naturalidad. Sheila Ponce habría necesitado un poco más de garra y de mano del director para llevar a cabo su personaje. Un rol que se enfrenta y alía constantemente al de Juan Diego Botto, que es el que parece que ha buscado más tonos para su actuación.

‘Rocambola’ no llega a explicar el significado de su título, pero si deja ver clarísimamente que es un intento inconfundible de hacer un descenso a los infiernos. No hay indirectas, hay alusiones directas a la Divina Comedia de Dante: la frase de inicio, el nombre del protagonista y el título de los capítulos. Los pasos están bien marcados en el guión si lo que se quería era hacer un calvario. No estoy diciendo que la película se haga un martirio, de hecho, no se hace lenta, si no que se ha buscado un via crucis para los personajes. Pero esa senda que recorren está realizada de manera bastante novel, en gran parte por la falta de elegancia o sutileza a la hora de usar las referencias.

Si se ha buscado acción no se ha conseguido, si acaso algo de suspense. Si se ha querido crear algún tipo de ambiente claustrofóbico tampoco lo he percibido. El sonido de la película es uno de los factores que te saca. Más allá de querer ser realista está repleto de reverberaciones en las paredes y de frases que se entienden poco.

Los paralelismos con la Divina Comedia están bien establecidos, aunque son demasiado evidentes. Más que esa falla ‘Rocambola’ tendría que sobreponerse a la poca sorpresa de sus giros y a la falta de verosimilitud, que no siempre salen obras maestras, pero por lo menos estaría bien que se acercase a lo rocambolesco.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de junio de 2020. Título original: Rocambola. Duración: 82 min. País: España. Dirección: Juanra Fernández. Guion: Juanra Fernández. Música: Pedro Pablo Morante. Fotografía: Juan Miguel Morante. Reparto principal: Juan Diego Botto, Jan Cornet, Sheila Ponce, Elisa Matilla, Ana Álvarez. Producción: Marcianetes Films. Distribución: Begin Again Films, Filmin. Género: thriller. Web oficial: http://beginagainfilms.es/

Crítica de ‘Dorohedoro’

‘Dorohedoro’, piel de cocodrilo y de anime retro

Surgida de un manga creado por Q Hayashida (editado en España por ECC) tenemos ya en Netflix la serie de doce episodios de veinticinco minutos ‘Dorohedoro’. Un anime que os digo desde ya que tenéis que ver si sois consumidores habituales de anime y añoráis las series de los años noventa. También os gustará si os va el estilo directo, el humor macabro y los argumentos estrafalarios y fantásticos. Me ha encantado por ser capaz de devolverme al estilo sin tapujos de hace más de veinte años acompañado además de un dibujo similar al de aquella época e incorporando algunos movimientos y detalles que claro está, son debidos a las técnicas actuales.

Yûichirô Hayashi (‘Batman: Gotham Knight’, ‘Kakeguri’) dirige con algún que otro director de apoyo y Hiroshi Seko (‘Ataque a los titanes’, ‘Inuyashiki’) escribe. Este mundo en el que el estudio Mappa y Netflix nos invitan a entrar está ambientado en la ciudad de Hole (Agujero). Un lugar sucio y se podría decir que futurista desde el que pasamos a otro mundo mágico. Es ahí donde el protagonista es víctima de un experimento de un mago que le deja convertido en un hombre con cabeza de reptil, que además pasa a ser inmune a la magia. Eso despierta el interés de otros magos que empiezan a perseguirle mientras él añora recuperar su memoria y su rostro.

Caiman es un personaje con cabeza sauria que podría haber salido perfectamente de la película de ‘Super Mario Bros.’, por su dibujo y por su carácter. Es un tontorrón y osado protagonista que sigue casi los mismos esquemas de los personajes principales de series como ‘Golden Boy’, ‘Trigun’ o ‘Louie, el guerrero de las runas’. Es osado, a veces inconsciente, algo pardillo y muy glotón. Te partes con él aunque se encuentre embadurnado en sangre en plena pelea.

Se topa con una compañera de armas (Nikaidō) que le ayuda en su búsqueda gracias a sus habilidades y su cocina. Juntos se tienen que enfrentar a todo tipo de magos, con especialidades muy variopintas. Dos de ellos me recuerdan mucho a los personajes Hazel y Cha Cha de ‘The Umbrella Academy’ y también a Travolta y Jackson en ‘Pulp Fiction’. Ningún personaje en esta serie está en sus cabales, todos tienen alguna rareza y eso la hace muy divertida y versátil.

La trama lleva a Caiman a momentos cada vez más peligrosos, según va desentrañando su pasado. Algunas teorías apuntan a que ‘Dorohedoro’ viene de traducir el título por partes: barro (doro) y lodo (hedoro). Podemos aprovechar muy convenientemente la expresión “de aquellos barros estos lodos” para aplicarla a lo que le pasa a Caiman y a las consecuencias derivadas de lo que ha hecho en su pasado.

¿Cómo investiga? Matando y metiendo la cabeza de los magos a los que se enfrenta en sus fauces, para que el hombre que tiene dentro vea si les reconoce y averiguar así si alguno de ellos es el causante de su mágica mutación. Hay mucha sangre y magia entremezclada en este anime. Si la acotamos hay que introducirla en las series de tipo seinen, para adultos. Es un disfrute de momentos ridículos con amputaciones y despellejamientos de caras.

También cabe señalar que es muy rarita. Los magos realizan su magia a través de un humo que exhalan. Y esto pueden hacerlo a través de su boca o mediante heridas autoinfligidas en los dedos, por ejemplo. No solo experimentan poniendo cabezas de pulpo o loro a las personas, también les convierten en kafkianas criaturas como una cucaracha gigante o en setas comestibles. Los magos, por cierto, llevan todos máscaras, algunas de ellas con formas tan excéntricas como un corazón humano o un pavo (si, a lo Friends).

Me ha encantado ese capítulo en el que unos monjes recorren la ciudad cual Moza de Ánimas en La Alberca y luego todo desemboca en una cacería anual de muertos vivientes. Hechiceros, zombies, demonios, mutantes, tecnología ciberpunkarra… Enganchado a ‘Dorohedoro’. Quedo a la espera de ver si os gusta tanto como a mi y si llegan a España las seis OVA’s que van a lanzarse a parte de esta serie, creo que en futuros lanzamientos en formato Blu-ray, porque de ellos va a depender el desenlace de esta historia que por desgracia se ha quedado colgada.

Crítica: ‘Deep water’

No esperéis una serie de investigación, ‘Deep water’ navega más profundo

El 26 de mayo llega a Filmin ‘Deep water’, una serie donde los secretos y las mentiras están a la orden del día en la vida de tres amigas. Madres desesperadas, con deudas, rupturas, con deseos de otra vida totalmente diferente a la suya. Una serie con muchos giros de guión y grandes actuaciones y unos bellos parajes gracias a estar rodada en Lake District.

Creada por Anna Symon ‘Mrs. Wilson’, es una adaptación de la saga de novelas de Paula Daly, ‘Windermere’. Tenemos a tres protagonistas Roz, Kate y Lisa. Roz una mujer muy trabajadora y enamorada del padre de su hija, hace todo lo posible para salir adelante siendo su pareja un ludópata. Kate, la más acomodada de las tres, vive una vida donde no le falta nada pero no es feliz. Y para terminar Lisa, quizás el personaje más natural de todos que simplemente quiere llevar una vida distinta a la que tiene.

La trama de ‘Deep water’ se centra en el error de Lisa al no recoger a la hija de su amiga Kate de una fiesta. La chica desaparece sin dejar rastro y a es a partir de aquí cuando comienzan las rencillas y mentiras.

Sin duda la actriz que más me ha gustado ha sido Anne Friel, le da al personaje de Lisa ese tono de tristeza y a la vez ensoñación que necesita. Es una mujer sencilla que está aburrida y desolada.

Rosalind Eleazar da vida a Kate, este personaje esconde demasiadas cosas y sin duda es que la más sorpresa os va a dar. Sinead Keenan, da vida a Roz, que tiene una dura situación en su casa y un dilema bastante gordo en el trabajo.

Pero no quiero olvidar a Faye Marsay, que representa a la ley en toda esta historia, pero también la amistad y la lucha por hacer las cosas bien.

En el resto de reparto encontramos a Alastair Mackenzie, Indeyarna Donaldson-Holness, Steven Cree, Nell Williams, Charlie Carrick, entre otros.

La historia está muy bien llevada, poco a poco vamos conociendo a estas tres mujeres, sus vidas, dudas, tristezas, también conoceremos las consecuencias de todos sus actos y el por qué los cometieron.

‘Deep water’, como he dicho al comienzo, tiene muchos giros de guión, en mi opinión quizás demasiados. Hay situaciones que ya me parecen demasiado locas para que le ocurran a una misma persona y con demasiado dramatismo. Esto es una apreciación mía, no significa que esto haga que la serie pierda interés. Todo lo contrario, pero quizás algún giro que otro me lleva la serie casi a una telenovela.

Como directores encontramos a Jim Loach (‘Victoria’), Al Mackay (‘Humans’) y Harry Wootliff (‘Only you’). Entre los tres han creado una atmósfera sombría que nos adentra mucho mas en las personalidades de nuestros protagonistas. Así que os animo a entrar a estos seis episodios, luego querréis más.

Crítica: ‘La estafa (Bad education)’

Sinopsis

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El querido superintendente del distrito escolar de Roslyn en Nueva York y su personal, amigos y familiares se convierten en los principales sospechosos en el desarrollo del mayor escándalo de malversación de fondos de la escuela pública en la historia de Estados Unidos.

Crítica

Hugh Jackman ha percibido a la perfección la falsedad de un verdadero personaje

El director de ‘La estafa’ es Cory Finley (‘Purasangre’). En su segunda película ha pasado de dirigir a jóvenes como el fallecido Anton Yelchin o las emergentes Olivia Cooke y Anya Taylor-Joy a contar con una superestrella como Hugh Jackman. Aquí nos habla de lo sucedido en 2002 en el distrito de Roslyn (Nueva York), en concreto en sus centros educativos. Allí tuvo lugar la que fue la mayor malversación de fondos en la historia de Estados Unidos dentro del campo de la educación pública. Pero casi más importante que dar el nombre del director es saber quién está detrás del texto. El guionista del filme (Mike Makowsky) estudiaba en uno de los centros del distrito Roslyn mientras sucedía todo lo que se cuenta en la película, se podría decir que esta es la «venganza» de uno de los estafados.

Aquello salió a la luz gracias los descuidos derrochistas y la permisividad de los implicados. En la película se muestra que quien indaga y les pone contra la pared es una estudiante que estaba metida en el periódico de uno de los institutos. Es una buena manera de mostrar que ‘La estafa’ se basa en el artículo que posteriormente se publicó en el New York Magazine redactado por Robert Koller y que podéis leer aquí.

Todo gira en torno a Frank Tassone, interpretado por Hugh Jackman que vuelve a encarnar un personaje real y carismático vapuleado por su entorno, como en ‘El candidato’. Un superinterdente cuya reputación era intachable y era laureado por todas partes por los logros que estaba consiguiendo para su comunidad. Sus iniciativas les llevó hasta los mejores niveles del país, todo un héroe americano. Un tipo esforzado en memorizar los detalles de los que le rodeaban y así podía ser atento y gentil con cualquiera. Pero el problema es que usaba esa información para manipular a su propio favor. El que parecía un educador ejemplar y entregado se tornó en la representación en carne y hueso de lo que es la mala praxis. Era un maestro empeñado en mantener su fachada limpia, su imagen pública intacta prefiriendo fingir que su esposa murió hace treinta años antes que reconocer a sus parejas homosexuales. De hecho el Frank Tassone real se ha quejado de algunas cosas que pasan en el filme al respecto y niega rotundamente. No obstante afirma que Hugh Jackman le ha interpretado muy bien, ¿quién tiene el ego más grande, el real o el personaje? Porque encima Tassone encuentra más argumentos para justificar su comportamiento y ponerse medallas que para entonar el mea culpa. Yo considero que Jackman interpreta a un personaje humano y muy bien calado.

No he podido evitar ver ‘La estafa’ y establecer numerosos paralelismos con la corrupción vivida en España. Casos que han puesto en boca de todos términos como empresa ficticia, enchufes, manipulación de datos, caja en B, tarjetas black… Seguro que os suena. Y os indignará saber (se indica al final del filme) que aquellos que trabajaban en la administración de Tassone (entre ellos el personaje de Allison Janney) y él mismo siguen cobrando anualmente un sueldo, una pensión que en el caso de Tassone asciende a 173,495.04 dólares. Colocaron a gran parte de sus estudiantes en grandes universidades, pero voluntaria o involuntariamente se han burlado del sistema y de los contribuyentes.

El parecido de Hug Jackman con Tassone es inexistente. Pero la película es muy detallista a la hora de conseguir el mismo efecto que causa la historia real y en su manera de enlazar con pormenores verídicos. Brilla ahí la mano de Finley que además ha sabido buscar en sus actores el rostro adecuado al final de cada escena clave, una especie de cara en standby.

A parte de contar una historia real que le ha servido al guionista para hablar de su ciudad la película tiene varios discursos que mostrar, lo cual hace que ‘La estafa’ tenga más empaque. Se explora bien el concepto de ética. Desde el docente que estafa, el policía que emplea detalles personales para arrinconar a su interrogado hasta la periodista que publicando la verdad puede sesgar el futuro de muchos inocentes que dependen del apoyo de ese sistema. También habla del ostracismo y cosificación de los profesores, que no se en USA pero yo me acuerdo bien de aquellos que me han ido enseñando toda mi vida, para bien o para mal.

Ficha de la película

Estreno en España: 5 de junio de 2020. Título original: Bad education. Duración: 108 min. País: EE.UU. Dirección: Cory Finley. Guion: Mike Makowsky. Música: Michael Abels. Fotografía: Lyle Vincent. Reparto principal: Hugh Jackman, Allison Janney, Geraldine Viswanathan, Annaleigh Ashford, Ray Romano, Alex Wolff, Ray Abruzzo, Rafael Casal, Jimmy Tatro, Stephanie Kurtzuba, Kathrine Narducci. Producción: HBO Films, Automatik Entertainment, Sight Unseen Pictures, Slater Hall Pictures. Distribución: HBO España. Género: drama, hechos reales. Web oficial: https://www.hbo.com/movies/bad-education

Crítica de ‘Momma named me Sheriff’ el spin-off de ‘Mr. Pickles’

En el pueblo de este sheriff se impone la ley del todo vale

Desde el 8 de mayo podemos en HBO España ver junto al contenido de Adult Swim ‘Momma named me Sheriff’. A todos los que somos fans de Mr. Pickles nos ha dolido ese episodio único de la temporada cuatro en el que nos toca despedirnos de nuestro perro endemoniado preferido. Pero esto no ha supuesto el final de las historias de los habitantes de Old Town. Con la esperanza de que Mr. Pickles vuelva algún día Adult Swim ha sacado un spin-off protagonizado por el sheriff de la ciudad, quien ya había sido el eje de alguna de sus demenciales tramas.

Creada por Will Carsola y Dave Stewart, al igual que la serie matriz, ‘Momma named me Sheriff’ nos cuenta las aventuras de un peculiar sheriff bastante idiota, que va siempre sobre patines, habla con una muñeca Annabelle y está enmadrado. La jugada es la misma que hemos visto con Cleveland en ‘Padre de Familia’ o Joey en ‘Friends’. Se coge a uno de los personajes más ridículos de la serie y se pone todo el foco en él. Normalmente esta estrategia no suele salir bien pues la audiencia busca las mismas sensaciones que tenía con el producto original y los responsables de la nueva serie suelen querer marcarse un punto diferente. No es el caso de ‘Momma named me Sheriff’.

Todos los episodios, de unos diez minutos de duración cada uno, son exactamente lo mismo que ha sido siempre ‘Mr. Pickles’, aunque el opening de la serie del perrete diabólico molaba más. Aunque el protagonista sea el Sheriff (que por cierto está doblado por Carsola) seguimos con los mismos habitantes y por ahí pulula  una perrilla llamada Mrs. Pickles que seguro nos reserva una buena sorpresa para la próxima temporada.

El único y genial episodio de la temporada cuatro de ‘Mr. Pickles’ sirve como piloto para ‘Momma named me Sheriff’. Ahora tenemos al padre de Tommy ejerciendo de ayudante del sheriff, fuera de su trabajo como tele-vendedor. El universo de obscenidades y eventos macabros de Carsola y Stewart sigue creciendo. Esta es una serie en la que cualquier cosa vale. Por eso vemos locuras como un robot cortocircuito con bigote, cavernícolas fabricando chili, un hombre que sirve de sombrero a una montaña, una masturbación con un sandwich, un profesor con cabeza de microondas o un libro para devolver a perros infernales a la muerte, el cual le habría venido muy bien al abuelo. Si uno busca algo macabro, sangriento, impúdico y retorcido tiene que ver esto.

Esta es una serie para mentes que pueden reírse de las ideas más locas, groseras y perturbadas. Viene dada en su justa medida, en cápsulas pequeñas. Igual de acelerada que algunos capítulos de ‘Rick y Morty’ o ‘Midnight Gospel’ y su frenesí es digno de una pesadilla de Ruggero Deodato.

Crítica de la serie ‘Snowpiercer. Rompenieves’

Asesinato en el Snowpiercer exprés

El cómic de ‘Snowpiercer’ vuelve a ser objeto de una adaptación (podéis leer nuestra reseña aquí). Tras la versión cinematográfica de Bong Joon Ho (‘Parásitos’) el día 25 de mayo Netflix publicará su serie, de la cual nos ha permitido ver ya tres episodios. Se irán publicando semanalmente, algo que no es habitual en Netflix, pero vivimos una época poco común. Quizá la razón es que esta serie en USA la controla TNT.

También es poco frecuente el plantel que vive la humanidad en ‘Snowpiercer’. La idea de Jacques Lob, Jean-Marc Rochette y Benjamin Legrand permanece intacta en esta serie que ha producido el equipo de la película: Bong Joon Ho (Parásitos), Miky Lee, Tae-sung Jeong, Park Chan-wook, Lee Tae-hun y Dooho Choi. La poca población humana que queda sobre la faz de la Tierra está confinada en un tren de mil y un vagones. Se ha añadido una pequeña variación. La razón es como siempre que el mundo está congelado, pero esta vez se debe a un error humano al intentar corregir el cambio climático.

Graeme Manson (‘Orphan Black’) es quien ha orquestado esta serie que en sus primeros episodios está dirigida por James Hawes (‘Black Mirror’) y Sam Miller (‘Luther). Y si querían ser fieles a los cómics la serie se tenía que parecer a la película. Así es en algunas escenas de su inicio, el cual fue modificado tras un piloto fallido. Pero también hay cambios, algunos muy interesantes, que hacen que la serie tenga un aliciente y unas soluciones por las que merezca la pena ser vista. De hecho podría funcionar como algún episodio previo a lo sucedido en las otras versiones que hemos visto, aunque realmente esta es una variable distinta de la premisa.

Todo empieza un poco al estilo ‘Altered Carbon’. Los ricos de arriba (en este caso de la parte delantera del Snowpiercer) rescatan a un hombre (interpretado por Daveed Diggs) de la miseria para que resuelva un extraño crimen. Siendo más sangrienta que la película e incluso que el propio cómic la situación se convierte en una especie de ‘Asesinato en el Orient Express’ pero post-apocalíptico. Cual Poirot tenemos al protagonista, esta vez llamado Layton, investigando por el tren mientras se mueve entre prejuicios, secretos, rencillas, odio y las propias sorpresas que le da el descubrir lo que hay en los vagones que ha tenido durante más de siete años al otro lado de la puerta. Vagones que por cierto algunas veces tienen interiores sobredimensionados. Si esta trama hubiese servido como herramienta para elevar el mensaje de la idea original estaría aplaudiéndola, pero me temo que solo funciona para poder justificar el formato de serie.

Sin lugar a dudas se conserva el mensaje de diferencia entre estratos sociales y la vaga resistencia de los ricos a adaptarse a un nuevo orden mundial. En este rompehielos motorizado hay muchos más pobres que ricos y sin embargo los privilegiados tocan a más trozo del pastel. Los de primera clase viven en su mundo particular y los de tercera aunque inferiores están en todas partes gracias a que viven, sirven y trabajan en todas partes del tren. Dudoso equilibrio piramidal en un mundo lineal que hoy en día vemos en muchos países, empresas o sociedades, como por ejemplo España, donde unos cuantos viven en su propia burbuja y llegan a tal punto de ignorancia que se olvidan del bien común. La lucha de clases sigue siendo uno de los argumentos principales y las cuestiones revolucionarias siguen estando muy presentes en esta historia que transcurre a mil revoluciones. No me refiero a una sensación de frenesí en la serie, si no al avance implacable del tren. Porque el ritmo, aunque no es pausado, tampoco se puede decir que nos haga segregar adrenalina. No arriesga en ninguno de esos aspectos, ni es una aventura comprometida ni se moja a la hora de abordar un estilo más rápido y directo que podría estar acotado a un público más reducido.

‘Snowpiercer’  lastra las carencias de un actor algo falto de carisma que interpreta a un personaje que se tiene sobrestimado y que además ha de liderar a los parias de la humanidad. También le quita encanto la mala gestión de los momentos musicales. Sin embargo hay brotes verdes en la heladora corteza terrestre. Está mucho mejor Jennifer Connely, no solo por su actuación si no por ese halo de misterio de su personaje y por el giro tan sugerente que tiene. Su secreto es mucho más atractivo que el que pueden revelar todos los demás pasajeros del tren.

Obviamente no hace falta haberse visto ni la película ni haber leído el cómic para captar todo lo que nos cuenta. Uno puede entretenerse con ‘Snowpiercer’ sembrándose la expectativa por cómo va a acabar este o aquel personaje, pero tampoco hay que ponérsela muy alta pues no hay giros excesivamente inteligentes. A mí, tras cinco episodios e indagar algo en la serie lo que más me ha seducido no es que ya tenga una segunda temporada planificada, sino que en ella estará Sean Bean.

Reseña: ‘The old guard (La vieja guardia)’

Argumento

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La historia de viejos soldados que nunca mueren… y sin embargo, parece que no puede desvanecerse. Atrapada en una inmortalidad sin explicación, Andrómaca de Escitia, «Andy», y sus camaradas ejercen su oficio por aquellos que pueden encontrar y pagar sus servicios. Pero en el siglo XXI, la inmortalidad es un secreto difícil de mantener, y cuando vives lo suficiente, aprendes que hay muchos destinos peores que la muerte.

Reseña

Una vieja guardia experta en matar el tiempo

Continuamos con las adaptaciones de cómics en la parrilla de Netflix. Esta vez llevan al formato de largometraje un cómic de Image Comics (‘Deadly class’, ‘Happy!’) que estará protagonizado por Charlize Theron. ‘The old guard’ es una obra que fue escrita por Greg Rucka (‘Gotham Central’, ‘Queen & Country’) y que él mismo ha adaptado. Antes de ver el filme el 10 de julio y publicar nuestra crítica vamos a comentar qué nos parece este cómic de mercenarios inmortales.

El guionista varias veces ganador del Eisner desarrolló esta historia junto al dibujante argentino Leandro Fernández (‘Punisher: MAX’, ‘Deadpool’). En ella seguimos los pasos de unos inmortales que no saben por qué no mueren pero conocen vagamente alguna regla de su inmortalidad. Se regeneran tan rápido como Lobezno y no mueren de muerte natural pero si saben que hay una manera de morir. Son personas de diferentes edades, cientos de años, unidos por la misma causa, de ahí lo de «The old guard». Lo cierto es que Charlize Theron se ha metido en una historia que guarda alguna relación con su personaje de ‘Hancock’ (2008). La protagonista también es una joven luchadora que vive desde la era clásica, de Grecia en este caso. Los eternos guerreros están conectados entre sí. Esta se describe a sí misma como una historia de amistad, amor y remordimientos, de sangre y balas, de los últimos de su especie. Eso me devuelve mucho a ‘Hancock’ precisamente. Carece del Humor canalla y de un personaje tan autodestructivo como el que interpretó Will Smith pero tiene en común el descuido por la propia seguridad de los protagonistas. La frase que usan en la primera página de su tercer número define muy bien a este cómic: «El amor es como la guerra: fácil de empezar pero muy difícil de terminar».

Desde los años antes de Cristo nos transportan a la Barcelona actual, donde arranca la trama en la que conocemos a estos humanos de longeva vida. Toda su monótona existencia cambia al saber de la aparición de un nuevo inmortal. Por lo que pasamos de la rutina de una misión más a la que puede ser la empresa de su vida, porque además su anonimato se ve amenazado.

Colección de cinco números de más de treinta páginas cada uno que nos narra las aventuras de unos soldados desconocidos que han pasado por casi todos los eventos bélicos de nuestra historia, lo cual le da para mucho sacar jugo a Rucka en las conversaciones, personalidades e inquietudes de los personajes. Para ellos la expresión «matar el tiempo» es literal. Mientras mueren o matan en sus misiones se van cargando de hartazgo por lo mismo, por revivir el mismo esquema una y otra vez. Esta es la herramienta del guionista para hablar de la repetitividad de la historia y los errores humanos, así como el sufrimiento de ver morir a los seres queridos. Es un poco el discurso que veíamos también en ‘Los inmortales’, la película de Russel Mulcahy.

A su favor tiene que está protagonizado por un personaje femenino muy bien construido. Líder del grupo de asesinos a sueldo, experimentada y vividora, le gusta tener la iniciativa además de querer coger siempre el toro por los cuernos. Ella brilla entre la acción tan bien plasmada que tiene la colección. Andrómaca de Escitia, «Andy», es tan buena imagen de la mujer moderna como lo es el cómic en su conjunto con sus cajas de tabaco marcadas con el símbolo de reciclaje o su co-protagonista que ha tenido tropecientos trabajos distintos a sus veintisiete años.

El estilo de dibujo de ‘The old guard’ es muy similar al de Frank Miller en algunas viñetas con claroscuros y también es fácil que os recuerde al de Víctor Santos ya que tiene un trazo parecido aunque con bastante más colorido. Hay una ausencia total de efectos de volumen en personajes y entornos. Juegos de varias luces y sombras planas más colores totalmente sólidos. Fernández va a lo básico aunque no es tan minimalista como Mignola, por ejemplo.

Si la película conserva el poco aprecio por la vida que tienen los protagonistas esta puede heredar la buena historia de acción y humor trágico que es el cómic. Espero que también le den una capa algo más profunda a su final.

Ficha del cómic

Guion: Greg Rucka. Dibujo: Leandro Fernández. Color: Daniela Miwa. Portadas: Leandro Fernández. Editorial: Image Comics (Norma editorial). Datos técnicos: 184 págs., rustica, color, 17 x 26 cm. Publicación: febrero 2017. Precio: 19€.

Reseña: ‘Snowpiercer’

Argumento

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Un tren en movimiento perpetuo recorre sin descanso un planeta Tierra inhabitado y devastado por la nieve. Sus pasajeros, únicos supervivientes de la raza humana, subsisten divididos por vagones en una recreación despiadada de la sociedad estamental.

Reseña

Una fría pesadilla a toda máquina

‘Le Transperceneige’ es el título original de ‘Snowpiercer (rompenieves)’. Cómic francés realizado por Jacques Lob y Jean-Marc Rochette, posteriormente continuado en el guión por Benjamin Legrand a causa del fallecimiento de Jacques Lob. Una obra que no es de extrañar que cautivase a Bong Joon Ho (si, el de ‘Okja’, ‘The host’ y ‘Parásitos’) dada la gran carga de crítica social que posee. Todos sabemos que al director coreano le encanta emplear argumentos de demanda sobre las diferencias existentes en el mundo. Bong Joon Ho popularizó este cómic en 2013 con su adaptación al cine que contaba con Chris Evans, Ed Harris, John Hurt, Tilda Swinton, Jamie Bell, Octavia Spencer o Kanh-ho Song, entre otros. Ahora, seguro que conservando su mensaje, estará aún más presente en las librerías pues Netflix lanza una serie creada por Graeme Manson (‘Cube’, ‘Orphan Black’) y que os enlazaremos aquí.

Este cómic editado en España por Norma nos ofrece una aventura abordo de un tren. Quizá es otro de los componentes que atrajo a Joon Ho, parece que en Corea del Sur hay cierto atractivo por las historias sobre raíles, ahí tenemos ‘Train to Busan’. En este caso no hay zombies, hay nieve y vagones por un tubo. Un cataclismo nuclear ha dejado el globo terráqueo congelado. ¿Dónde reconstruir la humanidad en caso de no tener un lugar donde cobijarla? Ni el espacio ni el subsuelo fueron las elecciones de sus autores. Un tren a toda mecha y acondicionado para protegerse del frío es el hábitat en el que se ambienta la historia de ‘Snowpiercer’. Ahí es donde seguimos los pasos de unos protagonistas que cuando abren verdaderamente los ojos quieren pasar de la cola a la cabeza.

Todo lo que queda de nuestra especie confinada en un tren de 1001 vagones. Organizados por clases sociales y funciones en todo este tinglado en el que se ven obligados a adorar a la locomotora. Un mecanismo sagrado que les mantiene en perpetuo movimiento y a merced de un apartheid sobre ruedas. La desigualdad se muestra por niveles según los protagonistas van progresando hacia la cabeza del tren. Descubren fascismo y xenofobia en el que un extranjero puede ser la persona que viene de unos vagones más allá. Por supuesto la novela gráfica tiene más espacio para explorar la utilidad de cada compartimento. Así destaca aún más la injusticia de los privilegios o la necesidad que tienen los de delante de que los de atrás cumplan con su parte encomendada.

El tren es una clara metáfora del rumbo sin frenos de una humanidad avocada a destruirse a sí misma. Una raza carente de empatía y equidad. Si por la época en que se concibió el cómic ya se veía este tipo de desigualdades ahora que la brecha entre clase rica y pobre está aún más acentuada, no me quiero imaginar como de duro habría sido este cómic. Desde luego funciona como espejo en pleno 2020. Quizá es la plasmación en papel de la revuelta  que los mismos autores añoraban. Al igual que el ‘Gran Hotel Abismo’ de Prior y Rubin esta es una crítica a la sociedad desde una futura distopía. Busca despertar conciencias y el nervio de los lectores que sean capaces de establecer los claros paralelismos.

Sorpresa, estupor, esperanza (y desesperanza) mezclados con acción son los ingredientes de esta obra. Una acción inhumana, carente casi en su totalidad de sentimientos por parte de quien oprime. Inhumanidad rabiosa por parte de quien lucha. Esto es ciencia ficción post-apocalíptica con mucho mensaje.

No soy muy partidario de los cómics en escala de grises. Pero admito que Rochette supo sacar partido a una historia permanentemente acotada entre vagones de tren rodeados de una inmensidad de nieve o hielo. Cerrazón y angustia son dos palabras que le vienen bien tanto a la historia como a sus viñetas. Además su estilo le da un toque de oscuridad que se acopla al tono de la historia. El dibujo refleja los atuendos y miedos de una época cargada de temores al holocausto nuclear  y las consecuencias de la guerra fría.

Si la canción de Undrop predicaba la existencia de un tren que nos iba a llevar más arriba y lejos, ‘Snowpiercer’ es diagonalmente opuesto, muy pesimista al respecto. Si la serie sigue sus pasos, como en gran parte hizo la película, tendremos un buen drama de ciencia ficción.

Ficha del cómic

Guion: Jacques Lob, Benjamin Legrand. Dibujo: Jean-Marc Rochette. Editorial: Norma. Datos técnicos: 280 págs., cartoné, blanco y negro, 19 x 26 cm. Publicación: 1982. Precio:  32€.

Crítica: ‘Little monsters’

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David es un vago en plena crisis: su novia le ha dejado, se ha quedado sin trabajo, aunque con orgullo sigue insistiendo en que está al frente de una banda de música que en realidad se separó hace años. Se encuentra abusando de la hospitalidad de su hermana, hasta que se une a una excursión de su sobrino, pero solo por una razón: acostarse con la profesora del niño, la señorita Caroline. Pero en el viaje, se topará con algo inesperado: zombis.

Crítica

Darth Vader, un ukelele y música de Taylor Swift es lo necesario para acabar con los zombies

En noviembre de 2019 tuvimos la oportunidad de ver en el Festival de Sitges y repetir en el Festival de Nocturna Madrid, ‘Little monsters’. Distribuida por A Contracorriente Films. La cinta, maravillosamente protagonizada por Lupita Nyong’o, ganadora de un Oscar por ’12 años de esclavitud‘, nos trae una película romántica llena de música y de zombies.

‘Little zombies’ tiene uno de los comienzos más divertidos de lo que vi el año pasado, vamos viendo como Dave (Alexander England) mediante una multitud de escenas siempre termina discutiendo con su pareja a grito pelado, estando delante quien tenga que estar. Está claro que no dura y Dave debe irse a vivir con su hermana y su sobrino. Tras acompañar a este último al colegio queda prendado de la Señorita Caroline, hasta tal punto que se presenta voluntario en la excursión a la granja escuela. Allí se complica mucho la situación y los zombies salen a la luz.

Muy divertida, un filme en el que vemos todo tipo de situaciones. Distintas reacciones ante un ataque zombie y sinceramente alguna que otra bastante realista. Vemos el estrés, las carreras, la incredulidad o también vemos sacar lo peor de cada uno, como bien refleja el personaje que interpreta Josh Gad (‘Asesinato en el Orient Express’), que hace del típico animador infantil que odia a los niños.

Abe Forsythe, director y guionista de la cinta, se desenvuelve muy bien en el guirigay que monta. Niños, militares (de lo mejor de la película), zombies y animales. De todo en esta cinta que destaca por ser muy colorista. Al fin y al cabo estamos viendo una película bastante familiar pese a la sangre esparcida por todo lados.

La música es clave en la cinta, sobre todo la canción de Taylor Swift, ‘Shake it off’, que consiguieron gracias a la insistencia de Lupita Nyong’o, gran fan de la cantante. Ver a la actriz tocarla e interpretarla con el ukelele es estupendo y ver a los niños de la película disfrutando de la música mucho más. Al fin y al cabo, la música amansa a las fieras y ‘Little monsters’  lo demuestra desde el principio hasta el final.

La evolución del personaje de Dave es la más evidente, pasa de ser un tío egoísta a ser un hombre que de verdad se comienza a preocupar y hacerse cargo de sus errores.

Para terminar, como curiosidad, la película está dedicada al hijo del director y es que éste dio muchas ideas para la película y de echo le podemos ver como uno de los niños zombies de la película.

Sin duda ‘Little monsters’ es de estas historias con la que sales con una sonrisa en la boca y cantando a Taylor Swift. 

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de agosto de 2020. Título original: Little monsters. Duración: 94 min. País: Reino Unido y Australia. Dirección: Abe Forsythe. Guión: Abe Forsythe. Música: Piers Burbrook de Vere. Fotografía: Lachlan Milne. Reparto principal: Lupita Nyong’o, Josh Gad, Alexander England, Nadia Townsend, Stephen Peacocke, Rahel Romahn, Kat Stewart. Producción: Screen Australia, Snoot Entertainment. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/1112/little-monsters/

Crítica del 4×01 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Una serie que no se ha quedado perdida en el tiempo

Alonso de Entrerríos (Nacho Fresneda) nos recuerda en el primer episodio de esta cuarta temporada que llevamos desde el 1 de noviembre de 2017 sin reunirnos con la patrulla de ‘El Ministerio del Tiempo’. Ha pasado un año y medio y tenemos la ocasión de volver a entremezclarnos con la historia de España y con unos personajes que en su día nos regalaron muy buenos momentos, en televisión y hasta en viñetas. Nos esperan diez episodios que desde este 5 de mayo serán emitidos en TVE y al día siguiente subidos a HBO España.

Hay cambios en esta nueva etapa. Cambios en lo que se refiere al opening que ya no presenta su habitual tema musical aunque si su estética y modificaciones como el emplazamiento de la sede. Los amantes de ‘El Ministerio del Tiempo’ no podrán acudir a su clásico punto de encuentro en la calle Duques de Alba de Madrid para acercarse al cuartel de la patrulla ya que este se ha mudado. Compro la explicación del cambio de ubicación pero no me ha conquistado el nuevo tema de los créditos.

Tras un repasazo de unos nueve minutos se confirma que todos los protagonistas de las tres temporadas anteriores estarán presentes. Ya sabéis: Julián (Rodolfo Sancho), Amelia (Aura Garrido), Pacino (Hugo Silva), Alonso (Nacho Fresneda), Lola (Macarena García), Irene (Cayetana Guillén Cuervo), Salvador (Jaime Blanch), Ernesto (Juan Gea), Angustias (Francesca Piñón), Velázquez (Julián Villagrán) o Elena (Susana Córdoba).

Y el tono es el mismo que en anteriores episodios. Drama y comedia mezclados. Seguimos teniendo a un Alonso estandarte del romanticismo, a Lola de la lucha contra la injusticia y a Irene del empoderamiento femenino. El personaje de Pacino se mantiene como ese policía quinqui que nos aporta la mayor parte cómica y en el otro extremo nos encontramos a Julián, que no os voy a desvelar de qué manera continúa con sus desventuras. Lo que sí que puedo decir es que como siempre nos sumerge en nuestro pasado con una gran ambientación, no tan buena fotografía. En este caso no retrocedemos de lleno a un episodio en concreto de los anales de España pero si nos topamos con personajes harto conocidos como Franco o Berlanga, con grandes parecidos gracias a Pep Miràs y Koldo Olabarri.

El capítulo me ha recordado algo a ‘Malditos Bastardos’. Sobre todo con el caso de Daniel Brühl. Va de fachas y de fachadas. Tenemos cine de propaganda y otros intríngulis que no os voy a desvelar. El caso es que estamos en la España de 1943 con todo lo que supone estar en un régimen dictatorial y es en esa época donde arrancamos y comenzamos a retomar el contacto con personajes de las tres anteriores temporadas.

A parte de que el episodio 35 de ‘El Ministerio del Tiempo’ se llama «Perdido en el tiempo» digo que esta es una serie que no se ha quedado perdida en el tiempo porque vuelve a ponerse en marcha y porque sigue metiendo sus puyas y pequeñas críticas a lo que sucede hoy en día. Los personajes provenientes del pasado y los funcionarios del ministerio se amoldan a la actualidad y no dejan de gruñir e ironizar con cosas como la gentrificación, los sueldos bajos, las operadoras con sus insistentes llamadas e incluso que ya hay demasiadas películas sobre la Guerra Civil.

El pistoletazo de salida lo ha dado el director Chiqui Carabante (’12+1: Una comedia metafísica’). La serie que llevan Javier Olivares y Marc Vigil mantiene sus dramas románticos y su manera «peculiar» de manejar u olvidarse de las paradojas. También aumenta su juego con el fantástico incluyendo más ideas no tan disparatadas que siempre han pululado entre los chismorreos de nuestra sociedad. Veremos qué nos aguarda en el futuro de esta serie sobre el pasado que nos promete capitulazos sobre Almodóvar, Felipe II y IV, Dora Maar, María Tudor, Picasso, Einstein, Clara Campoamor…

Crítica: ‘Room full of Spoons’

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Documental sobre ‘The Room’ la película de Tommy Wiseau.

Crítica

Nadie conoce la olla como el cucharón

Podréis ver en la ficha al pie de esta crítica que ‘Room full of Spoons’ es un documental cuya fecha de estreno en España fue el 31 de enero de 2016. Ese fue el día en el que se proyecto por Madrid en el marco de la quinta edición del festival CutreCon con el director Rick Harper allí presente. Por entonces el plan era mostrar en todos los países donde fuese posible este gran reportaje en forma de documental que habla de todo el fenómeno de ‘The Room’ (cuyo cartel parodia en su póster) y sobre todo del personaje de Tommy Wiseau, porque llamarle personaje es una manera respetuosa de tratarle. Tiempo después Wiseau interpuso una demanda contra los productores del documental, lo cual ha impedido que pudieseis verlo antes de la llegada de ‘The disaster artist’ o el documental del propio Greg Sestero.

Ahora ha salido el dictamen definitivo que permitirá la distribución del filme (podéis seguir todo el proceso con documentos  inclusive en la web oficial de la película). Esta es la principal razón por la que hago esta crítica tras haberla hecho en su día para otro medio, ojalá pronto la pueda compartir por que sale a la venta o se vaya a mostrar en España. Con la perspectiva que da el paso del tiempo uno va viendo de otra manera lo sucedido por aquel entonces. ¡Qué va, mentiría si dijese eso! Regresan a mi memoria los testimonios de aquellos que participaron en las entrevistas para ‘Room full of Spoons’, las sensaciones vividas con ‘The Room’ (este mismo año patrocinada por nosotros en CutreCon), el recuerdo de que en el Prince Charles de Londres se pasa la película periódicamente con toda la mofa habida y por haber… Y no puedo evitar reírme de todo el fenómeno y pensar que por ahí anda suelto un Rodolfo Chikilicuatre pero que no va en broma, que se lo tiene creído. Desde luego realizar esta obra ha tenido su peligro, no solo por el riesgo consumado de tener una demanda sino también por el hecho de haber tenido que pasar una temporada junto a Wiseau.

En el poco probable caso de que no conozcáis la historia de ‘The Room’ os digo que es una desastrosa película, «comedia involuntaria», de la que hasta aquellos que la hicieron reniegan o se arrepienten de haber hecho. Desde que se proyectó por primera vez se consideró una comedia y no un drama romántico, no dejéis que Wiseau os engañe, no estaba concebida como una cinta humorística. Para soportar su visionado existen numerosas «guías» que te ayudan, como saludar a Mark siempre que aparece (el famoso «Hi Mark») o lanzar cucharas cuando aparece el cuadro con una foto de una.

‘Room full of Spoons’ nació como un documental de un fan que quería inmortalizar el fenómeno de ‘The Room’ y acabó siendo una búsqueda de la verdad que el propio Wiseau trató de impedir durante su filmación. Posteriormente intentó evitar que se proyectase en festivales y como he dicho antes, ha luchado para que no tenga una distribución, cuando ya había pedidos de DVD’s en marcha. Ahora deberá pagar unos tres cuartos de millón de dólares por el fallo del juez y todo el mundo verá de dónde procede realmente, las teorías acerca de la financiación del filme, las opiniones de su equipo vertidas en torno a él o las experiencias que les hizo vivir…

Una de las razones por las que tal vez notéis una rabia que ha explotado o resentimiento es por el coraje que me da el que este título no pudiese estrenarse en su día. Sobre todo porque está muy bien realizado y se ve que no es con ánimo de destrozar, al contrario de la campaña iniciada por Wiseau en los juzgados. En el largometraje se ve, con bastante humor y ayudándose a veces de ilustraciones, que lo que se busca es quitarle la careta a un tipo que quiere rodearse de un halo de carisma y talento. Todos sabemos que no tiene ni lo uno ni lo otro. Es por eso que se ha incluido una frase que describe muy bien todo lo que ha pasado: «si ‘The Room’ tiene millones de seguidores ¿cómo puede ser la peor película del siglo XXI?».

‘Room full of Spoons’ es una cinta sobre un personaje la mar de peculiar. Si os gusta el salseo tipo ‘Tiger King’, ‘Room full of Spoons’ os gustará, aunque que yo recuerde no hay de por medio amenazas de muerte. La verdad es que desde que se estrenó ‘The Room’ en 2003 ha llovido lo suyo. Pero esta es una de esas cosas que son atemporales, te puede divertir y abrir los ojos la veas cuando la veas. A ver si llega, a ver si la situación lo permite y a ver si puede o bien adquirirse por internet en físico y en VOD o vuelve a proyectarse en España.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de enero de 2016. Título original: Room full of Spoons. Duración: 113 mín. País: Canadá. Dirección: Rick Harper. Guion: Rick Harper. Música: Mladen Milicevic. Fotografía: Fernando Forero, Martin Racicot. Reparto principal: Rick Harper, Juliette Danielle, Robyn Paris, Kyle Vogt, Phillip Haldiman, Dan Janjigian, Mike Holmes, Sandy Sinclair, Mladen Milicevic, Elias Eliot. Producción: Fernado Ferrero, Rick Harper, Martin Racicot, Richard Towns. Distribución: por determinar. Género: documental. Web oficial: https://www.roomfullofspoons.com/

Crítica: ‘Dragged Across Concrete’

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En cuanto dos policías excesivamente entusiastas son suspendidos del cuerpo, deben profundizar en el inframundo criminal para obtener una compensación adecuada.

Crítica

Aprobado raspado para estos dos policías con turbios procederes

Puedo dar fe tras haberle conocido en Sitges de que S. Craig Zahler es un buen tipo, que las películas malrolleras y violentas que rueda no parecen estar en sintonía con su simpatía. Su filmografía refleja unas ideas bastante sádicas, parece que le encanta hacérselo pasar mal a sus personajes, tanto física como psicológicamente. ‘Bone Tomahawk’ fue una tortura para el protagonista que además acabó de una manera encarnizada y ‘Brawl in cell block 99’ supuso un gradual y sopesado descenso a los infiernos. Ahora en esta tercera película que dirige nos lleva a un ambiente más setentero, con dos personajes que también las pasan canutas pero que se ocupan de hacérselo pasar mal también a otros.

Mel Gibson y Vince Vaughn (repite con el director) interpretan a dos policías que usan métodos que no son cuestionables, son reprochables. Aunque parten de situaciones personales diferentes tienen en común que van más allá en sus operaciones y llegan a ser hasta racistas. Eso les lleva a perder su puesto y a emprender una búsqueda de la que ellos creen debería ser su compensación.

En este thriller policíaco que para muchos puede ser controvertido Zahler emplea un ritmo algo menos ameno de lo habitual, que ya es decir. Eso si aunque sigue siendo una película muy larga tenemos un poco más de movimiento que en ‘Brawl in cell block 99’, sobre todo porque los protagonistas se pasan mucho tiempo sentados en su coche parloteando. Se aproxima mucho el estilo de Zahler al de Tarantino, con sus diálogos a veces casi evasivos pero bien adornados.

Podría servir el filme como un alegato ultraconservador en busca de polémica, sobre todo teniendo en cuenta la habitual personalidad de Mel Gibson y su afinidad con el Partido Republicano, lo cual tiene en común con Vaughn. Sin embargo también puede verse como una muestra provocativa con sus feos hechos, sus estallidos de violencia y sus incómodos comentarios, teniendo como finalidad generar discusión a través de la hipérbole. Es decir, más allá de una intencionalidad política podemos observar una construcción casi caricaturesca de los personajes.

Además de los dos protagonistas mencionados en el filme hay otros, algunos de los cuales se están convirtiendo en habituales del director: Jennifer Carpenter, Laurie Holden, Tory Kittles, Michael Jai White, Thomas Kretschmann, Udo Kier… Verles a ellos (sin lucirse demasiado) es otro atractivo que nos empuja a seguir viendo la película, aún cuando esta parece que no se está desarrollando en exceso.

Hasta la fecha diría que es la peor película de las tres que ha capitaneado Zahler. Pero no le daría un cate. Hay buena foto, dosis de humor, musicalidad. ‘Dragged Across Concrete’ se aleja de lo que habitualmente se considera una obra laureable pero si uno le echa paciencia a su duración poco comercial la puede disfrutar.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de mayo de 2020. Título original: Dragged Across Concrete. Duración: 159 min. País: EE.UU. Dirección: S. Craig Zahler. Guion: S. Craig Zahler Música: Jeff Herriott, S. Craig Zahler. Fotografía: Benji Bakshi. Reparto principal: Mel Gibson, Vince Vaughn, Tory Kittles, Jennifer Carpenter, Don Johnson, Udo Kier, Fred Melamed, Justine Warrington, Michael Jai White. Producción: Unified Pictures, Assemble Media, Cinestate, Endeavor Content, Ingenious Media, Look into Sky Films, Metrol Technology, Moot Point, Realmbuilders Productions, Summit Entertainment, thefyzz. Distribución: Filmin. Género: thriller, policíaco, drama. Web oficial: https://www.thefyzz.com/project/dragged-across-concrete

Crítica: ‘Code 8’

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Él es un tipo corriente y los superpoderes están prohibidos en su mundo. Pero, ¿usará los suyos para salvar a su madre?

Crítica

Se sale tan poco de la norma que sabe a repetición de lo mismo

Se ha estrenado en Netflix ‘Code 8’ un filme que parte de un cortometraje homónimo que también estaba realizado por Jeff Chan (‘Grace’) y tenía una configuración actoral muy similar. Una película que se me escabulló en Sitges por concurrencias en mi planificación pero que tampoco me habría supuesto una gran aportación. Está protagonizada por Robbie Amell (‘The babysitter’) el primo de Stephen Amell, el famoso Arrow de la serie de DC Comics que casi co-protagoniza la cinta con él.

Nos sumergen en una realidad alternativa donde muchas personas nacen con poderes. En un rápido inicio nos indican que la sociedad les teme y les rechaza y estos quedan relegados al plano de los parias. Exclusión y racismo que además tiene algunos toques de fascismo ya que los «empoderados» como les llaman (por lo menos en su traducción) son perseguidos por drones y robots que les dan caza si estos no acatan los límites que se les imponen.

Las similitudes con otras historias de gente con poder mezclada entre los humanos comunes son muy grandes. A lo que más recuerda la cinta es a ‘X-Men’. Nos vuelve a la cabeza el mentor con telepatía, los centinelas que cazan a los mutantes, las leyes en contra de los poderes… La única diferencia que veo con sagas del tipo ‘X-Men’, ‘Smallville’ o ‘Héroes’ es que por ejemplo nadie se dedica a ser un superhéroe. Todos miran por sus condiciones laborales, su familia, sus derechos, su papel en la comunidad… de un modo bastante mundano. Por otro lado el protagonista lleva precisamente una vida alejada de lo heroico, es un delincuente, aunque lo haga para salvar a alguien no deja de estar haciendo el mal. Esto podría recordarnos a la británica ‘Misfits’ pero la comedia brilla por su ausencia. También hay que puntualizar que esta no es la historia de un supervillano.

‘Code 8’ no es espectacular, no tiene escenas que desborden epicidad o sean grandiosas. Hay que enfocar esta nueva distopía como algo con pocas pretensiones lo cual no significa que tenga malos efectos. Sabemos que las tecnologías de hoy en día permiten recrear cosas fantasiosas con mucha más facilidad que antes. Es por eso que tanto por su tono, como por su capacidad actoral o por su factura visual la sensación que tenemos es la de ver un episodio de una serie, una de esas que tenemos disponibles en canales como SYFY. De hecho ya se ha anunciado que habrá una producción en formato serie ambientada en el mundo de esta película. Contará también con Robbie Amell y Stephen Amell, de nuevo será realizada por Jeff Chan. Será subida a Quibi, la plataforma de contenido para móviles.

Si la ciencia ficción trata temas como las ciencias, lo social y lo natural en el caso de ‘Code 8’ me quedo con que trata sobre todo lo social. Porque lo que es ciencia tiene bien poca y lo vais a notar en cuanto veáis que llaman verdura al tomate cuando es un fruto o una baya y cuando hablan de incinerar una droga que es líquida. A esto tenemos que sumarle algunos fallos en ciertas escenas. Al menos consigue ser exacta con algo que en otras películas se falla, me explico. En una escena habla de que llegan los guardianes en veinte segundos y si cronometras así sucede, rara avis.

La película se ha sufragado a través de un crowdfunding que superó con creces su objetivo. Es un filme independiente en el que además yo he querido entender que uno de los pósters que sale en sus escenas supone un guiño al logotipo de Valiant, la editorial indie. Además en ese cartel pone «new wave», como alineándose aún más con las corrientes alejadas de lo más comercial y con inquietudes diferentes.

Sirva como muestra esta película de las muchas que vemos en festivales de cine fantástico, no como su estándar de calidad pero si como la señal de que el fantástico, en concreto la ciencia ficción, está al alcance de muchos manteniéndose muy viva.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de abril. Título original: Code 8. Duración: 98 min. País: Canadá. Dirección: Jeff Chan. Guion: Jeff Chan, Chris Pare. Música: Ryan Taubert. Fotografía: Alex Disenhof. Reparto principal: Robbie Amell, Stephen Amell, Sung Kang, Kari Matchett, Greg Bryk, Aaron Abrams, Kyla Kane. Producción: XYZ, Colony Pictures. Distribución: Netflix. Género: ciencia ficción. Web oficial: ver en Netflix.

Crítica de ‘Ghost in the Shell SAC_2045’

Por dentro no tiene el mismo alma y por fuera no es eficiente

Es curioso que el último episodio, el doce, de esta nueva serie sobre ‘Ghost in the Shell’ se llame ‘Nostalgia’. Ya podían aplicarse el ejemplo de su trama, pasar página y dejar el pasado atrás. Porque uno ya no sabe como tomarse el que se retome una y otra vez una historia tan mítica, clásica y referente de la ciencia ficción cyberpunkarra como esta. Todo partió del manga de Masamune Shirow y desde entonces hemos tenido serie de anime, varias películas de animación, videojuegos, el live action con Scarlett Johansson y Takeshi Kitano (crítica aquí)… Ahora Netflix mete mano a este producto y publica ‘Ghost in the Shell SAC_2045’.

Con el tiempo se ha ido perdiendo el toque original de ‘Ghost in the Shell’ y esta ya es una versión desdibujada de lo que debería ser, ya os diré más abajo porqué además esto tiene un sentido literal. Lo que más se nota tras acabar la serie es que no hay una meditación cavilada y desarrollada en esta serie. No es capaz de generar reflexiones como anteriormente. Y aburre. No por sus superficiales divagaciones si no porque se evade mucho de la trama principal o la aborda demasiado desde la diplomacia. Se va a temas como la economía global, el acoso infantil, la crueldad de la gente en la red… pero en momentos puntuales, sin profundizar.

Esta es una nueva historia muy política, algo detectivesca y militar que sucede unos catorce años después de que se disolviese la Sección 9. Por supuesto tiene acción pero es más escasa y vibrante que de a menudo. Al menos la tecnología está constantemente presente y la serie vuelve a sorprendernos con algunos diseños de artefactos muy originales.

El caso es que desde el principio a mi me ha perdido. Y es que no comparto este estilo de animación que se está usando tanto en Japón. Es una estética similar a la que se ha empleado en series como ‘Ultraman’, ‘Los Caballeros del Zodíaco’ o juegos de ‘Dragon Ball’. Y no la veo para nada eficiente salvo por el hecho de que se parece a un dibujo manga al que le han aplicado directamente volumen. Las nuevas versiones de los personajes no cuadran con el paisaje, esto se nota de una manera mayúscula en el último episodio donde tenemos una aldea y un bosque estupendamente realizados y son recorridos por vehículos e individuos hechos pobremente. Los directores de esta serie son Kenji Kamiyama y Shinji Aramaki, ambos directores de ‘Ultraman’. Parece que uno ha estado a cargo de la animación de los elementos móviles tales como vehículos, robots y humanos y otro al mando de los escenarios. Y nadie al timón del doblaje, porque (y hablo de la versión original que es la que está disponible) está fatalmente doblada, con mucho desfase con las bocas que ya de por si tienen un movimiento muy torpe. O bien ‘Ghost in the Shell SAC_2045’ es parca en detalles ahorrando en texturas o bien usa elementos casi realistas, muy contradictorio. Por lo menos las luces están bien trabajadas.

En algunos aspectos procura ser adelantada a su tiempo, como hace con el planteamiento de las llamadas «Guerras sostenibles» o con los movimientos que hace con las monedas a nivel internacional. Usa esto como herramientas junto a una nueva amenaza para volver a reunir una vez más a los miembros de la Sección 9, que acaban por hacer lo mismo de siempre a pesar de comenzar ubicados en un ambiente bien diferente.

Regresan por lo tanto la Mayor Motoko Kusanagi, como siempre algo sexualizada, Saito, Bato, Aramaki, Togusa… Por supuesto se han añadido nuevos personajes, bastante carentes de carisma y que sirven sobre todo a esa trama de politiqueo. A parte están los «posthumanos» que vienen acompañados en sus momentos clave del ridículo sonido de una tecla de piano que no es para nada eficiente.

Si el incidente de «El hombre que ríe» tenía paralelismos con ‘El guardián entre el centeno’ en esta nueva etapa se ha querido enlazar con el ‘1984’ de Orwell, como se ha hecho tropecientas veces. Pero esto sucede prácticamente solo en su tramo final y además de un modo que parece casi superfluo. Si consigues llegar hasta el último capítulo acostumbrándote a los inexpresivos rostros, la trama política presente en exceso y las poco dinámicas peleas comprobarás que encima tras doce episodios nos dejan con un final excesivamente inconcluso. Creo que se logra una cinemática más elaborada con este tipo de animación pero no es tan fluida, se pierden muchos detalles, se transmiten menos sensaciones e incluso se pierde espectacularidad, el precio no vale la pena.

Crítica de ‘The Bay’

‘The Bay’ se fundamenta en un guión plagado de mentiras bien aplicadas

El género policíaco es una clase de historias a las que no les cuesta encontrar público. Suele estar muy colindante con la realidad, aunque se adorne con algunos artificios, como sucede bastante en ‘CSI’. En el caso de ‘The Bay’ estamos hablando de una serie dramática y de investigación. Se compara esta serie con ‘Broadchurch’ pero como no la he visto os puedo decir que los tiros van por un tono muy adusto como en ‘Caso abierto’ o ‘Ley y orden’. Es decir, tenemos una historia bastante seria pero los capítulos siguen todos un mismo hilo, no hablamos de casos concluyentes. Además ‘The Bay’ mezcla bastantes personajes que confluyen en sus últimos episodios de algún modo. Personajes adultos y algunos de ellos adolescentes, es un poco la jugada de ‘The accident’ solo que con diferente discurso y con una buena fotografía  que os comentaré más adelante.

Esta serie creada por Daragh Carville y Richard Clark trata sobre la desaparición de un chico y una chica que son gemelos. Todo sucede en una pequeña localidad costera llamada Morecambe, ubicada al norte de Mánchester. Su bahía da de comer a muchos de sus habitantes con la pesca y alguno de nuestros protagonistas navegan todos los días en busca de lo que el mar pueda ofrecerles.

En este ambiente marinero de grises paisajes moteados del color de las ropas y el césped transcurre la trama detectivesca. La protagonista es Morven Christie en el papel de la detective Lisa Armstrong. Ella tiene que ser capaz junto a su nuevo, joven y entusiasta compañero, de localizar a los dos desaparecidos.

En sus primeros compases parecía que esta sería una especie de buddy movie pero tiene muy pocos compases que nos conecten con ese tipo de desarrollos. ‘The Bay’ aborda las historias de otros personajes que rodean a la detective. Sus hijos, su madre, los padres de los desaparecidos, sus amigas, los muchachos y muchachas del instituto local… La protagonista se ve fortuitamente implicada de manera personal en el caso y se involucra muchísimo. Es por eso que esta serie conduce bastante y muy bien por el manejo de conflictos: cómo dar una mala noticia, cómo llevar a cabo métodos que pueden incomodar, cómo soportar la presión y exigencia de su puesto de trabajo.

Y es que la detective se compromete incansablemente con la investigación intentando hacer un alarde de profesionalidad, hasta llegar al punto de descuidar a sus propios hijos. ‘The Bay’ aborda muchas situaciones vividas por púberes y las relaciones con sus padres, sobre todo en el caso particular de una madre soltera y muy trabajadora. Por otro lado se fundamenta en un guión plagado de mentiras bien aplicadas y planta semillas para que desarrollemos nuestras propias conjeturas, en mi caso algunas acertadas otras desatinadas. Sabe causar confusión. Además genera un suspense que si bien no nos pone en tensión nos suscita interés. Más aún siendo una de esas series que consigue aportar un buen cliffhanger al final de cada uno de sus seis episodios. En resumen, es una serie con matices familiares y de enredos que causan expectación.

Dado su punto de partida podríamos pensar que es un dramón. Pero no se explota demasiado el dolor, como hacen otras series que hacen del sufrimiento su bandera. Aunque tenemos al personaje de Chanel Cresswell (ganadora del BAFTA por ‘This is England ’90’) que no tiene apenas una escena sin soltar lágrima y eso que tiene muchas, esta es una serie que se centra más en su goteo de pistas y a veces de insensateces.

De la ciudad inglesa en la que se ambienta no han tocado prácticamente ni gramo de arena. Está la estatua del cómico Eric Morecambe, sus pubs, su paseo marítimo… Y el interior de sus feas casas. El olor a moqueta y mueble desgastado casi atraviesa la pantalla. Y aún con toda esa fealdad extrae unas imágenes muy buenas. Sobre todo en los episodios rodados por Lee Haven Jones, director de series como ‘Dr. Who’. De ambientes que pueden ser bastante deprimentes capta imágenes muy bonitas. Mayormente lo consigue tirando de la regla de los tres tercios, de bokeh y de algunos planos simétricos. Con esto sitúa a los personajes en zonas de la imagen algo apartadas o alejadas, pero consiguiendo que nos centremos en ellos.

En Reino Unido ha sido criticada por el cerrado y variado acento de sus personajes. En España si no sois capaces de seguirla ponéis los subtítulos y a correr. Que sus pronunciaciones no sean una barrera para seguir el hilo. En 2019 tanto la actriz de la madre protagonista como uno de sus directores fueron nominados al BAFTA. No es de extrañar y acalla un poco las bocas de los que pueden criticar ‘The Bay’ por algo así.

Estrenada en Reino Unido ya en 2019 ahora Filmin nos la trae a España. Puede verse desde el martes 28 de abril. Se ha confirmado una segunda temporada para este 2020 (podéis ver el anuncio hecho por la protagonista en su Instagram), pero desconozco en qué fecha será. No os preocupéis que no vais a tener una larga espera ya que la serie es buena por todo lo que os he comentado y porque cierra totalmente el caso que plantea, sin dejar cabos sueltos para la nueva temporada.

Crítica: ‘Tyler Rake’

Sinopsis

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Tyler Rake (Chris Hemsworth) es un intrépido mercenario del mercado negro sin nada que perder que recibe un encargo muy peligroso: rescatar al hijo secuestrado de un capo de la mafia que se encuentra en prisión. En el turbio submundo de los traficantes de armas y los narcos, una misión que se preveía letal pasa a convertirse en un desafío prácticamente imposible que cambiará para siempre las vidas de Tyler y el chico.

Crítica

La mano de un especialista a la dirección hace buen tándem con los puños de Hemsworth

Sam Hargrave es especialista de acción (o coordinador de estos). Por sus entrenamientos y coreografías acrobáticas han pasado actores como Charlize Theron, Ryan Reynolds, Jason Momoa, Chris Evans, Ben Affleck… pues ha trabajado en películas como ‘Conan el bárbaro’, ‘Los Vengadores’, ‘Green Lantern’, ‘El llanero solitario’, ‘Runner runner’… Ahora por primera vez asume el papel de director de largometrajes con ‘Tyler Rake’.

Así es que de nuevo bajo la atenta mirada de sus anteriores productores, Anthony y Joe Ruso, ha cogido a una de las estrellas con las que ha trabajado todo este tiempo (Chris Hemsworth) y ha elaborado una película de pura acción la mar de solvente y tan bien encapsulada como una bala de 9 mm.

En ella Hemsworth es un rudo mercenario que acepta el encargo de rescatar al hijo de un mafioso de la India, el cual, está encerrado en la cárcel. Obviamente todo es aún más duro de lo que parece porque el chico está en manos de un rival al que se refieren como “el Pablo Escobar de la India”. Pero nuestro protagonista es un soldado de fortuna que ahoga sus penas en alcohol y se lanza al peligro de cabeza, que continúa hasta el final aunque su camino le lleve por cloacas en las que vomitando se mejoraría el olor.

Con este director, actor protagonista y sinopsis evidentemente nos proporcionan una coreografía más compleja que la que Hemsworth luce en la saga ‘Vengadores’. Y ya fuera de la infantilización de Marvel Studios podemos hablar de una cinta más violenta. Tyler Rake es un tipo que lucha hasta la extenuación por las largas situaciones de peligro en las que le vemos y eso también nos muestra que en lo que se refiere a exigencia física y pragmatismo esta película le ha pedido un plus a Hemsworth. Plus que ha aportado perfectamente. ‘Tyler Rake’ nos da muy buenas persecuciones y tiroteos acompañados de lucha cuerpo a cuerpo con pistola. La ciudad es un campo de tiro y por ella nos llevan a buen ritmo. Simplemente se nos da un descanso muy largo y con poco que aportar a la hora de película, justo en el momento en el que se incorpora a la trama David Harbour. Pero si alguien contribuye muy bien a que esta sea una película de acción completa es Randeep Hooda, un buen rival en pantalla.

No tenía conocimiento de esta película hasta hace muy poco, hasta el punto de que se nos pasó en nuestra tertulia de cine inspirado en cómics. Y es que ‘Tyler Rake’ surge de la novela gráfica ‘Ciudad’ de Ande Parks, que sucede en Ciudad del Este (Paraguay). Una obra en la que los hermanos Ruso (uno de ellos también guionista de la película) estaban tras la concepción de la historia. De esas viñetas extrae algunos encuadres parecidos, un guión calcado al que le añade cosas, la violencia con los niños, el carácter temerario del protagonista y la inclusión de una constante acción. Pero como he dicho la película está ubicada en la India, no en Sudamérica, tiene que rescatar a un chico en vez de a una chica, el mercenario descansa en la Australia natal de Hemsworth y no en Madagascar… Sutiles cambios que no dejan de hacer que esta sea una buena adaptación. No entrará en las listas de los mejores cómics adaptados por la poca repercusión que tendrá o por no tratarse de un cómic mediático pero es muy fiel tanto al espíritu original como a los giros de guión que importan.

Es de estas películas que arrancan adelantando su clímax, pero sin destriparse a sí misma. Y me ha gustado como llega la primera de sus muertes, de sopetón, como declarando que esta no es una película para niños. Más adelante puedes adivinar ciertas cosas, son clásicas en estas películas de malos absolutos contra tipos duros con corazoncito. Lo que no me esperaba era que tuviese ciertas escenas difíciles de manejar para el protagonista, donde vemos que tiene sus límites pero tampoco se anda con tapujos.

Aún no entiendo cómo funciona la cabeza de los «creativos» o comerciales que cambian el título a las películas en España. El nombre original de ‘Tyler Rake’ (‘Extraction’) habría funcionado perfectamente. Quizá han querido hacer un Bourne o un Wick, ambas películas con buenas peleas y además una de ellas también dirigida por un buen especialista de acción. Tampoco entiendo que la película no acabe en el puente, a no ser que como en los otros casos quieran hacer saga.

Película de acción que pese a ser predecible cumple con el objetivo de darnos adrenalina mezclada con sangre y olor a rueda quemada. Si además sabemos que es leal a la novela gráfica de la que parte puedo asegurar que es una película muy sincera con sus pretensiones.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de abril de 2020. Título original: Extraction. Duración: 107 min. País: Estados Unidos. Dirección: Sam Hargrave. Guion: Joe Ruso. Música: Alex Belcher, Henry Jackman. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Reparto principal: Chris Hemsworth, Rudraksh Jaiswal, Randeep Hooda, Golshifteh Farahani, Pankaj Tripathi, Priyanshu Painyuli, David Harbour. Producción: AGBO, India Take One Productions, T.G.I.M. Fillms, Thematic Entertainment. Distribución: Netflix. Género: acción. Web oficial: ver en Netflix

Crítica de ‘Penny Dreadful: City of Angels’

Vuelve ‘Penny Dreadful’ con sus personajes enigmáticos en una nueva e intrigante trama

El 27 de abril al igual que en Estados Unidos podréis empezar a ver ‘Penny Dreadful: City of Angels’ con un episodio nuevo cada lunes. En España será Movistar+ quién la ponga a vuestra disposición y para que os podamos hablar de ella nos han permitido ver ya los dos primeros episodios. Empezamos con una historia nueva que cambia tono, personajes, lugar… pero conserva algo en común, esta es una serie con toques sobrenaturales y con elementos también muy realistas, lo vais a ver nada más comenzar.

En la anterior entrega tuvimos a Frankenstein, mediums, brujas, hombres lobo, el Dr. Henry Jekyll e inmortales como Dorian Gray o Drácula… además de los personajes secundarios tras muchos de ellos que siempre les acompañan. Una serie inmensamente cargada de mitos y criaturas de terror clásico. Ahora empezamos de momento con la Santa Muerte (título del primer episodio) y magia negra, pero seguro que se incorporarán más personajes que contribuirán a que este vuelva a ser un crossover fantástico. O quizá me equivoco y en esta ocasión han sido más parcos no optando por un reparto tan coral.

La anterior versión de la serie mezcló de maravilla en sus tres temporadas un buen número de mitos que recorrieron las calles del Londres victoriano, además del oeste estadounidense. Para esta segunda etapa el escenario es Los Angeles, durante la época en la que Hollywood vivía su esplendor y mientras los cimientos de la sociedad temblaban con los diferentes conflictos políticos y raciales. Un marco histórico verídico vuelve a sujetar el lienzo de una historia que se pintará con oleos fantasiosos.

En esta ocasión el género que maneja ‘Penny Dreadful’ es el del cine o las novelas negras. Un detective tiene que resolver un asesinato con tintes rituales que podría haber sido obra de un Jack el Destripador de tez bronceada por el sol californiano. Unos cuerpos aparecen sin corazón y con el rostro descuartizado para emular la famosa calavera de la Santa Muerte. Y mientras tiene que ir del lujoso Beverly Hills a las barriadas donde vive su familia y donde la policía quiere acallar a porrazos las reivindicaciones de los mexicanos nacidos allí.

Para lograr esa sensación detectivesca, peligrosa y casi fatalista tenemos una puesta en escena de diez. El ambiente es hostil en todas partes, algo que tal vez no sea exagerado para la coyuntura de la época. Sus decorados además son un viaje en el tiempo y su música acompaña igualmente. En su conjunto me ha recordado a cuando jugaba juegos tan logrados como el ‘Mafia’ o ‘El padrino’.

Los nombres más destacados entre los productores son John Logan (el creador) y Sam Mendes (‘1917’). Pero para poner de nuevo en marcha esta producción de Showtime está al volante un nombre que supone un sello de calidad, Paco Cabezas (‘Adiós’). El director español, que yo sepa, firma los dos primeros capítulos y los suma a los que ya dirigió en la tercera temporada de la trama pasada. Cuando uno piensa en ‘City of Angels’ se le puede venir a la cabeza el tagline de la secuela de ‘El Cuervo’ o aquella película romanticona de Nicolas Cage y Meg Ryan. Pero precisamente Cabezas (Paco) hará que tengáis esas tres palabras asociadas unas nuevas e impactantes imágenes. Y por suerte lo hace haciendo una vez más un uso esplendoroso de la cámara lenta, con la que nos deja pasmados por su potencia visual.

Pero, ¿y el reparto? De momento tenemos rostros conocidos pero tal vez no tan mediáticos como los de la serie madre. El protagonista es Daniel Zovatto (‘It follows’) con su papel de detective con raíces latinas. También acapara muchos minutos en los primeros compases Natalie Dormer que al margen de lo que misteriosamente pueda ser está su papel camaleónico que va más allá de una cara bonita y de lo que hizo en ‘Juego de Tronos’. Repite en ‘Penny Dreadful’ Rory Kinnear y esta vez no hace de monstruo, a no ser que interprete a alguien del tipo Josef Mengele, porque de momento lo único que sabemos es que un alemán nazi. Tanto Kinnear como Dormer os van a sorprender con un trabajadísimo acento. Os va a imponer bastante también la chilena Lorenza Izzo (‘Érase una vez en… Hollywood’) pues es quien representa a la Santa Muerte. Por ahí también tenemos a Adam Rodriguez (‘CSI’) quien ejerce del hermano del protagonista o a Brent Spiner (‘Star Trek’) como jefe de policia.

Los temas relacionados con la fe parece que van a ser también muy importantes en este nuevo período de la serie de John Logan. Se mezcla además con asuntos de odio racial, nazis infiltrados, cultos… Los dos primeros episodios se pasarían volando aún viéndolos por segunda vez. Tras Paco Cabezas cogen el testigo Sergio Mimica-Gezzan (‘The Terror’) o Sheree Folkson (serie ’12 monos’). Tengo fe en que estos dos directores van a continuar con tan buen arranque.

Crítica: ‘La chaqueta de piel de ciervo’

Sinopsis

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Georges es un hombre apuesto de mediana edad que adquiere una vieja chaqueta de piel de ciervo a un elevado precio. Poco a poco, comienza a obsesionarse con ella, y esa es la primera señal de que algo no anda bien en su cabeza.

Quentin Dupieux, director especializado en comedias con clara tendencia al humor negro y al surrealismo (la conocida ‘Rubber’ sobre un neumático asesino o la más reciente ‘Bajo arresto’), realiza con esta película, presentada en el Festival de Sitges, una fábula tanto sobre la fragilidad de la masculinidad como sobre la caída en la irracionalidad.

 

Crítica

Extraña, divertida, perturbadora

Quentin Dupieux vuelve con ‘La chaqueta de piel de ciervo‘ y con ella a traernos su cine, ese extraño cine que te engancha desde el primer segundo con sus raras sinopsis. En este caso en Francia la presentaron como George, 4 años, su chaqueta 100% ante, tienen un proyecto. Aquí la sinopsis es un poco más explicativa, yo me quedo con esta porque me parece bastante llamativa.

Si, un hombre obsesionado con su chaqueta de ante, recién divorciado que decide rehacer su vida con su chaqueta. Además de irse  un nuevo pueblo a vivir, comienza a darse cuenta de que le gusta el cine y que puede rodar una película para lograr su fin, el cual no voy a contar porque sería spoiler.

Si entráis a ver ‘La chaqueta de piel de ciervo‘ no vais a entrar en una cinta normal, es una comedia, tiene mucho humor negro, pero teniendo en cuenta que una de las mejores cintas de Quentin Dupieux trata sobre un neumático asesino, os podéis hacer a la idea de que la cinta os va a sorprender bastante.

He leído varias entrevistas al director y en todas ellas contesta que esta es su película más realista. Con esto lo digo todo, una vez que la veáis me comentáis vuestra opinión.

Como actor protagonista tenemos al gran Jean Dujardin (ganador del Oscar por ‘The Artist’), que sin duda nos da un papelón. Hacer de George no le ha tenido que ser fácil. George es un hombre obsesivo, con unas ideas un tanto raras. Admito que me encantaría haber visto el resultado final de la película que va rodando durante la historia, espero que la metan en el blu-ray como extra.

A su lado está la actriz Adèle Haenel (‘Retrato de una mujer en llamas’) que también está perfecta y con su papel ayuda a George a que todo lo que el está haciendo parezca normal. Ella camarera de un bar al que el protagonista va mucho se convierte en la montadora de la extraña cinta que está haciendo George.

En cuanto a nivel técnico la cinta está muy bien trabajada, de la fotografía y el montaje se encarga el propio director, llevándonos a donde el quiere. Los tonos de color de la película son de la misma gama que la chaqueta de nuestro protagonista, dándonos tonos amarillentos y ocres que hacen que nos metamos aun más en la obsesión del protagonista.

Presentada en el Festival de Sitges de 2020, la película termina delirando mucho, pasa de ser una comedia extraña a dejarse llevar y terminar siendo una cinta sobre un asesino en serie. El 14 de abril llega a nuestras pantallas gracias a Movistar+ ‘La chaqueta de piel de ciervo‘.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de abril 2020. Título original: Le daim. Duración: 80 min. País: Francia. Dirección: Quentin Dupieux. Guión: Quentin Dupieux. Música: Janko Nilovic. Fotografía: Quentin Dupieux. Reparto principal: Jean Dujardin, Adèle Haenel, Albert Delpy, Coralie Russier, Marie Bunel. Producción: Atelier de Production, Nexus Factory, Umedia, uFund, Garidi Films, arte France Cinéma. Distribución: La aventura audiovisual. Género: Comedia, horror. Web oficial: Ver ‘La chaqueta de piel de ciervo’

Crítica: ‘Los profesores de Saint-Denis’

Sinopsis

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Samia es una joven maestra que asume la dirección de estudios en una escuela en los suburbios de París. En su tarea diaria descubrirá los problemas de disciplina y la realidad social que pesa sobre el barrio, pero también la increíble vitalidad y humor tanto de los estudiantes como de sus compañeros docentes.

Crítica

Nada innovadora en el tema que trata

Seguimos sin poder salir y sin poder ir al cine, que es una de las cosas que más nos gustan, pero en el caso de A Contracorriente han logrado traernos sus estrenos a su Sala virutal de cine, donde podréis ver todos sus estrenos desde que comenzó la cuarentena. Hoy os hablamos de una de las cintas que llega el 17 de abril, ‘Los profesores de Saint-Denis’.

Dirigida por Medhi Idir y Grand Corps Malade y basada en sus propias vivencias, ‘Los profesores de Saint–Denis’. Creo que se han confundido a la hora de venderla como una comedia dramática. De comedia tiene bastante poco y puede hacer que una vez termine te deje con un mal sabor de boca, al menos es lo que me ocurrió a mí.

La película nos presenta a Samia, una joven maestra que comienza un nuevo curso en una de las escuelas de los suburbios de París. Aquí se vuelve jefa de estudios y debe atender todos los problemas de sus alumnos, ya sean los que ellos mismos crean o con los problemas que tienen en casa.

Los chicos en general son unos bala perdida, sin ganas de estudiar, con nada de motivación hacia la vida y con la única intención de terminar sus estudios para poder ponerse a trabajar y ganar dinero para llevar a casa. Con esta situación en la escuela lo mejor que se les ocurre es quitarles las asignaturas optativas para que se centren en las materias «importantes».

‘Los profesores de Saint-Denis’ me dejó bastante desmoralizada. Y es que realmente pasaban de los chavales. Les quitan asignaturas que quizás les hubiesen animado a seguir estudiando o al menos a motivarlos. Si alguno aprueba es milagro y si no pues los profesores se quedan tranquilos pensando que lo han intentado.

El tema de la película no es nada nuevo, lo hemos visto en muchas cintas, desde ‘Sister Act’ hasta la famosa ‘Mentes peligrosas’, de la que incluso han introducido un guiño al final de la cinta utilizando la famosa canción de Gansta’s Paradise.

En cuanto a las actuaciones, son bastante aceptables, están todos comedidos pero dan resultados bastante realistas.

Por añadir, deciros que la película consiguió el premio Cinéfilos del Futuro en la 16º edición del Festival de Sevilla y Liam Pierron, fue nominado a Mejor Actor Revelación en los Premios Cesar de 2020. 

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de abril 2020. Título original: La vie scolaire. Duración: 111 min. País: Francia. Dirección: Grand Corps Malade y Mehdi Idir. Guión: Mehdi Idir, Grand Corps Malade. Música: Angelo Foley. Fotografía: Antoine Monod. Reparto principal: Zita Hanrot, Liam Pierron, Soufiane Guerrab, Moussa Mansaly, Alban Ivanov, Antoine Reinartz, Redouane Bougheraba. Producción: Mandarin Production, Kallouche Cinéma, GAoumont, France 3 Cinéma & F. Marc de Lacharrière, Canal+, France Téévisions, OCS ¬ Entourage Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Comedia dramática. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/1090/los-profesores-de-saint-denis/

 

Tertulia sobre doce series más que recomendables

Hablamos sobre series de todo tipo y ubicadas en varias plataformas

En estos días las series se han convertido en una de las mejores armas para combatir el aburrimiento y el paso del tiempo. Por eso para nuestra serie de programas hemos querido reunir a varios periodistas expertos en el tema y recomendaros algunas obras que o bien han sido estrenadas hace poco o están disponibles en plataformas como Netflix, HBO España, Movistar+, Amazon Prime Video, Sky o Disney+.

Junto a Raquel Hernández Luján (HobbyConsolas) y a Juan Manuel González (Libertad Digital / esRadio / Par Impar) los moviementarios hemos realizado un compendio variado en el que la ciencia ficción, la comedia, el romance, el drama o el terror están presentes. Os hablamos de las siguientes series: ‘Altered Carbon’, ‘Devs’, ‘Foodie Love’, ‘Historias del bucle’, ‘Kingdom’, ‘La línea invisible’, ‘Lo que hacemos en las sombras’, ‘Patrick Melrose’, ‘Sex Education’, ‘The mandalorian’, ‘Tigtone’ y ‘Zerozerozero’.

 

Crítica del primer episodio de la nueva temporada de ‘Killing Eve’

Se aproxima una temporada llena de acción en ‘Killing Eve’

Hemos podido ver el primer episodio de la tercera temporada de ‘Killing Eve’, cuyo estreno HBO España ha adelantado al 13 de abril. Esta temporada continuará la historia de estas dos mujeres adictas entre sí que intentan seguir con sus vidas por separado. Una porque piensa que la otra ha muerto y la otra escondiéndose e intentando tener una nueva vida, menos glamurosa y peligrosa para ella y para toda la gente a la que quiere.

Con una primera temporada estupenda, llena de acción y muy ligera, ‘Killing Eve’ volvió con un poco de bajón en su segunda temporada, eso sí, mostrándonos más de las vidas de nuestras protagonistas y por supuesto con un final que nos dejó a todos helados.

No hago ningún spoiler pues en el tráiler y en las distintas imágenes podemos ver que Eve sigue viva, de hecho, el título de la serie no tendría sentido si ella no hubiese sobrevivido, por mucho que Villanelle se basta ella sola en la serie. Su carácter y su locura siguen en el pie del cañón en esta temporada, al menos en el primer episodio, donde nuevamente vemos pequeños retazos de su vida.

Una boda, un montón de localizaciones distintas, canciones como Calor de Concha Velasco o La Tarara nos acompañan en este primer episodio que nos deja un final bastante agridulce, pero que nos da un comienzo de temporada bastante bueno.

De nuevo la fotografía es uno de los puntos fuertes de esta serie, con primeros planos arquitectónicos muy centrados, simples y mostrándonos altos contrastes de colores.

En cuanto al tema de las actrices, seguimos teniendo a Sandrá Oh, como Eve, que esta vez nos da una visión más pesimista de su personaje. Después de todo lo sucedido y del final que pudimos ver, para ella retomar su vida ha sido bastante complicado.

Mientras que Jodie Comer, Villanelle, sigue dándonos a esa psicópata que tanto nos gusta. En este capítulo tenemos junto a ella a la actriz Harriet Walter, que nos regala un papel y unas situaciones de locura inmensas. Como curiosidad ambas han trabajado en alguna de las nuevas películas de ‘Star Wars’.

La serie basada en la saga literaria de Luke Jennnings, Condéname Villanelle, parece que seguirá dándonos lo que pedimos, acción y diversión a partes iguales gracias a estos dos personajes tan fuertes.

Crítica: ‘Freaks’

Sinopsis

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Un padre trastornado encierra a su hija de 7 años en una casa, advirtiéndola de los peligros que hay fuera. Pero el misterioso Sr. Snowcone la convence para que se escape y se una a él en una búsqueda profunda de lazos familiares, libertad y venganza.

Crítica

No es original pero sí que juega bien sus cartas

En Sitges de 2018 pudimos ver esta cinta, que no cuenta nada nuevo, pero lo hace de una manera bastante buena. Dirigida por Zach Lipovsky (productor de ‘Afflicted’ otra película que me dejó impresionada) y Adam B. Stein, juntos también han rodado ‘Kim Possible’, llega Freaks’  que nos da una historia de amor paternal, donde lo único que quiere un padre en su vida es proteger a su hija del mundo en el que les ha tocado vivir.

La verdad que no quiero contar demasiado de la trama, pues como he dicho, es bastante repetitiva, pero quizás si la sabéis os tire para atrás su visionado y merece tanto la pena, que mejor dejaros un poco con la incógnita.

Os puedo contar que la película está maravillosamente rodada, es rápida y la tensión te lleva a pasarlo realmente mal por la niña y ese padre interpretado por Emile Hirsch, desquiciado y paranoico que nos da una maravillosa actuación. El actor de ‘La autopsia de Jane Doe‘ hace que en más de una ocasión le odies y en otras le entiendas perfectamente. La niña también merece unas palabras, Lexy Kolker tiene una naturalidad y fuerza a la hora de interpretar a Chloe que es terrorífica. La joven  está cansada de tener que esconderse de ese mundo que tanto le llama la atención así que decide desobedecer a su padre y marcharse. Es aquí cuando es atrapada por el camión de los helados.

La verdad que la escena con el camión de los helados es bastante tétrica, Bruce Dern, nos muestra a un hombre bastante inquietante, que si la niña conociese más el mundo real, no se subiría a ese camión.

En el reparto también encontramos a Amanda Crew y a Grace Park, ambas con un papel muy importante para las decisiones que toma Chloe a lo largo de la cinta.

Es una película bastante sombría, el mundo en el que el padre ha hecho vivir a la niña es oscuro, claustrofóbico, una casa con las cortinas siempre cerradas, para que entre luz, pero que no se vea lo que hay dentro. Pero no solo son estas sombras con las que tiene que convivir Chloe, sino también con todos los malos recuerdos de su padre. Mientras que en el exterior es todo luz y lleno de color.

Como he dicho, aunque la historia principal flojea por su poca originalidad, sí que es cierto que la acción y sus actores hacen que todo eso se olvide y entres desde el minuto uno en ‘Freaks’.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 marzo 2020. Título original: Freaks. Duración: 104 min. País: Canadá. Dirección: Zach Lipovsky, Adam B. Stein. Guión: Zach Lipovsky y Adam B. Stein. Música: Tim Wynn. Fotografía: Stirling Bancroft. Reparto principal: Bruce Dern, Lexy Kolker, Emile Hirsch, Ava Telek, Michelle Harrison, Matty Finochio, Grace Park. Producción: Amazing, Bloomgarden Films, My Way Entertainment. Distribución: Movistar +. Género: Ciencia Ficción. Web oficial: Freaks en Movistar+

Crítica: ‘The boy: la maldición de Brahms’

Sinopsis

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Liza (Katie Holmes), su marido y su hijo Jude se acaban de mudar a la antigua Mansión Heelshire. Ellos desconocen los aterradores peligros que la casa esconde, pero cuando Jude hace un nuevo amigo, un muñeco de forma humana llamado Brahms, será mejor que no rompan sus reglas o será demasiado tarde.

Crítica

Nada nuevo en la vuelta de Brahms

Después de traernos ‘The Boy’  William Brent Bell (director) y Stacey Menear (guionista) vuelven a llevarnos junto a Brahms, este muñeco creepy, en esta secuela protagonizada por Katie Holmes.

La primera cinta, dentro de ser una película más dentro del cine de género, donde un muñeco está endemoniado, podemos decir que arriesgó bastante y fue original. Aquí vimos como una niñera era contratada para cuidar a Brahms, lo que ella no sabía que debía cuidar a un muñeco y que esa cosa tenía unas normas que cumplir. Cuando esas normas no se cumplen, es cuando comienzan a ocurrir cosas malas.

En esta segunda cinta, conocemos a una familia que acaba de pasar por un trauma enorme en la ciudad. El marido para intentar paliar un poco la situación y eliminar temores, decide alquilar durante unos días la casa de invitados de un enorme caserón en un lugar apartado. Por supuesto es el caserón donde se encontraba Brahms y por supuesto, el niño protagonista se hace «amigo» del muñeco. Aquí es donde comienza toda la odisea para esta familia.

Para mí una de las cosas más importantes que se han perdido es el no hacerle caso a la lista, si, no hacen caso, Brahms avisa, pero realmente tampoco ocurre nada gordo al desobedecerlas, ocurren por otro tipo de circunstancias.

Es una pena, pues justo esto es lo que la termina convirtiendo en una película más y que tampoco vaya a sobresalir y darnos nada original. No han arriesgado, teniendo una primera parte bastante bien realizada.

Un acierto que tiene, es adentrarse en el universo del muñeco y conocer la historia y el por qué de su existencia. La película tampoco es que sea un horror, pero sí que puede ser bastante predecible, los sustos son sencillos y la tensión se crea muchas veces gracias a los travelling laterales en los que de vez en cuando vemos al muñeco y lo único que esperas es que se haya movido.

Katie Holmes vuelve a la pantalla grande, pero con una cinta menor que no hace que sobresalga su talento. Owain Yeoman y Christopher Convery, tienen unas actuaciones aceptables.

El que si destaca en el reparto es Ralph Ineson. Aunque tiene un papel menor en la trama, es el que con su voz y actuación nos pone en incertidumbre en más de una ocasión.

Por lo demás, ‘The Boy: la maldición de Brahms’ se deja ver, no es un espectáculo de terror ni mucho menos, pero ya solo si los muñecos os dan un poco de grima, este os puedo asegurar que lo da.

Ficha de la película

Estreno en España: próximamente. Título original: Brahms: The Boy II. Duración: 86 min. País: Estados Unidos. Dirección: William Brent Bell. Guión: Stacey Menear. Música: Brett Detar. Fotografía: Karl Walter Lindenlaub. Reparto principal: Katie Holmes, Christopher Convery, Ralph Ineson, Owain Yeoman, Natalie Moon. Producción: STX Entertainment, Huayi Brothers. Distribución: Diamond Films. Género: Terror. Web oficial: https://diamondfilms.es/pelicula/the-boy-la-maldicion-de-brahms

Crítica de ‘La línea invisible’ de Mariano Barroso

Una serie bien llevada y con mucho que contar

El próximo día 8 de abril llega a nuestras pantallas gracias a Movistar+, la nueva serie de Mariano Barroso, ‘La línea invisible’. El comienzo de ETA contado desde los ojos de Txabi Etxebarrieta, la primera persona que traspasó esa línea invisible y mató por primera vez en nombre de la banda terrorista. La serie que ha adelantado su estreno por el covid-19 tendrá una premier gratuita el mismo día del estreno, a las 22:00 en el canal de Movistar+ en Youtube. Enlace al estreno aquí.

Hemos tenido la oportunidad de ver la serie al completo y puedo deciros que engancha y mucho. Los personajes atraen desde el comienzo, sobre todo los interpretados por Antonio de la Torre y Àlex Monner, ambos enemigos que harán lo posible por terminar el uno con el otro.

El final de la serie ya lo conocemos, y Mariano Barroso nos cuenta cómo se llegó a este 7 de junio de 1968 cuando Txabi Etxebarrieta taspasa esa línea al acabar con la vida de José Antonio Pardines. Fue el primero en asesinar y el primer terrorista en morir, esto fue un antes y un después lleno de consecuencias.

Me encanta la manera que tiene Barroso de dirigir y llevar las historias. No deja un detalle suelto y los gestiona sin hacer que la serie se haga tediosa, todo lo contrario. La historia creada por Abel García Roure, nos adentra en un mundo oscuro y lleno de rencor.

Se nota perfectamente el trabajo de investigación, está muy trabajada toda la historia, hasta el pequeño y curioso detalle de la pistola que lleva Txabi, que había sido encargada por la Alemania nazi.

Explica bastante bien todo el comienzo de la banda, los fundadores, el cómo comenzaron por pequeños atentados o pintadas haciendo que la policía no les tomase en serio, cosa que les frustraba bastante. Txabi es esa pieza que les faltaba, un muchacho intelectual, poeta y con unos ideales bastante claros. El piensa que actuar es la mejor manera de que vean que van en serio y le da igual arriesgar su vida por ello.

Este personaje está interpretado de manera magistral por Àlex Monner, al que hemos visto en ‘La hija de un ladrón’ o ‘El silencio de la ciudad blanca‘. Nos da una de las mejores actuaciones de la serie, un personaje lleno de sensiblería y a la vez el más fuerte y sanguinario de todos.

En su lado contrario encontramos al Inspector jefe de la Brigada Político Social de San Sebastián, Melitón Manzanas, un hombre que no se toma en serio a la banda hasta que comienzan a actuar mediante atentados en distintos lugares, sin muertes claro. Antonio de la Torre, representa a este colaborador de la Gestapo alemana que se llevará la peor parte de la venganza por la muerte de Txabi. No es un personaje amable para nada, como he dicho no sientes devoción apenas por nadie, simplemente les conoces, puedes escucharles y comprenderles dentro de ese contexto histórico, que aquí, creo que es donde la serie falla un poco.

Me hubiese parecido interesante que nos contarán mejor el contexto en el que nuestros personajes se mueven, si que nombran a Franco y si que vemos que la policía no es para nada como ahora. Las huelgas de trabajadores, las pequeñas manifestaciones se dejan caer, pero aun así no está bien explicado, al igual que el contexto europeo, la situación en la que se encuentra el continente en este momento. Una temporada llena de revoluciones en todo el mundo y como también influye en la banda.

El resto de reparto es espectacular, ningún personaje secundario está de más, todo lo contrario. Todos y cada uno hacen que la historia sea coherente, cada uno con su manera de pensar y sus distintas opiniones, gracias a esto, también vemos las diferencias dentro de la banda.

Joan Amargós, Enric Auquer, Anna Castillo, Patrick Criado, Asier Etxeandia, Xóan Fórneas, Patricia López Arnaiz, Aia Kruse o Josean Bengoetxea son parte de este conjunto que logran recrear una parte de la historia de nuestro país que mucho ha tardado en salir en formato de serie o cinta.

Comentar el buen trabajo de producción de la serie, es perfecto.  La música, vestuario, localizaciones o la fotografía de Marc Gómez del Moral (‘Vida perfecta‘ o ‘El día de mañana’), que hace un trabajo exquisito, hace que la serie sea realista al 100%. Todavía da miedo hablar del tema, pero este año con ‘La línea invisible‘ y ‘Patria’ van a ser dos las series de ficción que tratan esto y me parece estupendo que poco a poco se hable de esta parte oscura de nuestra historia.

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