Crítica: ‘Annabelle vuelve a casa’

Sinopsis

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Los demonólogos Ed y Lorraine Warren están decididos a evitar que Annabelle cause más estragos, así que llevan a la muñeca poseída a la sala de objetos bajo llave que tienen en su casa. La colocan «a salvo» en una vitrina sagrada bendecida por un sacerdote. Pero una terrorífica noche nada santa, Annabelle despierta a los espíritus malignos de la habitación que se fijan un nuevo objetivo: la hija de diez años de los Warren, Judy, y sus amigas.

Crítica

Una conjunción antológica de cachivaches malditos que funciona

Annabelle vuelve a casa y lo hace en verano, no en Navidad como suele rezar la canción. Rezar es lo que si van a necesitar los protagonistas de la película pues la muñeca continua siendo un imán para los malos espíritus y nadie está a salvo bajo su influencia. Pero en esta ocasión la escalofriante muñeca está en territorio de los Warren a si es que la lucha entre el bien y el mal será diferente, más multitudinaria.

Tras dos películas sobre este objeto real las ideas comenzaban a escasear. A si es que le ha venido bien a la saga confluir con la de ‘Expediente Warren (The Conjuring)’ ya que al final de la primera parte la muñeca caía en manos del matrimonio de demonólogos. Y eso es porque la historia se convierte en una conjunción antológica de cachivaches malditos. La casa de Ed y Lorraine Warren (a quien está dedicada esta película pues falleció este año) tiene una especie de museo del mal donde se guardan muchos objetos poseídos o con leyendas negras. ‘Annabelle vuelve a casa’ aguanta el tirón porque incorpora nuevos terrores que no necesitan explicación para infundirnos miedo. Algunas de las secuencias de la novia o el barquero hielan la sangre, igual sucede con el televisor, ya lo entenderéis cuando lo estéis pasando mal delante de la pantalla. Se han incluido casos que han estudiado los Warren de verdad como el del hombre lobo, el mono con los platillos, la televisión, el piano, la caja de música, el vestido de novia… Y como curiosidad podemos decir que la verdadera Annabelle hace una pequeña aparición con su aspecto real en un programa de televisión.

El equipo de ‘Annabelle vuelve a casa’ ha controlado bien los movimientos de cámara, los silencios, la música, la puesta en escena o los efectos ópticos para que entremos en tensión y tengamos nuestros sustos. Esta nueva entrega tiene escenas muy propias de una película tipo ‘Insidious’ unidas a otras que parecen sacadas del ‘El exorcista’ y están mezcladas con armonía, medalla para el montador. Incluso introduce una parte que es claramente un guiño a al momento de las sábanas de la versión japonesa de ‘La maldición (The grudge)’.  No obstante algunos casos se han generado excesivamente a través de ordenador o incluso de un modo más cercano a la acción y eso se sale del resto de la película. El problema también es que algunas de las secuencias no están bien resueltas pues han querido cortarlas con un estruendoso ruido o chillido. Igual pasa con el final de la película que me ha parecido algo precipitado, no muy elaborado.

El director y guionista de ‘Annabelle vuelve a casa’ es Gary Dauberman el cual es guionista de la nueva versión de ‘IT’ o de ‘La monja’ así como de las dos precuelas de esta entrega y fue también escritor de la cancelada serie de ‘La cosa del pantano’. A si es que está muy ligado al universo de terror de Warner. Este es su primer trabajo como director y han confiado en él para escribir toda la película basándose en las historias de James Wan. Con todo el bagaje que tiene como guionista de películas de miedo no creo que la experiencia sea un problema. En cuanto a sacar algo más de sus actores sí que se ha notado que en casos como el de Katie Sarife se podría haber conseguido un resultado un poco más natural.

Aunque las historias de la muñeca se unen a los Warren hay que tener claro que es una película de las que se conocen como «de niñeras». Tenemos de nuevo a Patrick Wilson y Vera Farmiga como los Warren pero quien de verdad protagoniza la película es Mckenna Grace ejerciendo de pequeña Warren al cuidado de una Madison Iseman que poco a poco va ganando papeles protagónicos.

Se nota que la cinta forma parte de una saga que continúa siendo parte del mismo plan, es la séptima del universo ‘The Conjuring’ y conecta con otras a través de distintos eventos o personajes. James Wan y Peter Safran (cuya esposa Natalia interpreta a la novia) han producido las películas de la saga y estas han conservado una patente uniformidad. Aunque el nivel vaya decayendo o la sorpresa inicial se diluya con la calidad de ‘Annabelle: vuelve a casa’ se recuperan las sensaciones perdidas en los últimos títulos.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2019. Título original: Annabelle comes home. Duración: 106 min. País: EE.UU. Dirección: Gary Dauberman. Guion: Gary Dauberman. Música: Joseph Bishara. Fotografía: Michael Burgess. Reparto principal: McKenna Grace, Madison Iseman, Katie Sarife, Patrick Wilson, Vera Farmiga. Producción: Atomic Monster, New Line Cinema, RatPac-Dune Entertainment, The Safran Company. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: terro. Web oficial: https://www.warnerbros.es/annabelle-vuelve-casa

Crítica: ‘Apolo 11’

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A través de material exclusivo en 70 mm facilitado por la NASA y filmado hasta en 8K para la producción de esta película, descubre una visión hasta ahora inédita, de la misión Apolo 11 que llevó justo hace 50 años al ser humano a la luna. Una gesta épica que unió a la humanidad.

Crítica

Documental con imágenes restauradas en el 50 aniversario de la misión

Se cumplen 50 años de la misión Apolo 11, aquella que llevó a Armstrong, Collins y Aldrin al espacio y los colocó como los primeros seres humanos en situarse en la Luna. Se cumple ese redondo aniversario ahora que llevamos en nuestros bolsillos dispositivos con una capacidad de procesar 100.000 veces superior a la de los ordenadores que por entonces tenía la NASA. Ya lo predijo la ley de Moore, que la tecnología iba a avanzar a pasos agigantados, dicho grosso modo. Y gracias a ese gran progreso ahora podemos ver con mucha mejor calidad las imágenes de aquellos días.

He de decir que para como se promociona el documental esperaba ver una restauración del material original con aún mejor resultado. Pero hay que ser conscientes que las imágenes captadas en la época tampoco dan para más. Estamos tan acostumbrados a ver las grabaciones de la llegada a la Luna y de los astronautas paseando por ella en blanco y negro o emborronadas que ya nos parece algo tremendamente cotidiano. El verlo todo con mucha mejor definición ayuda a tener un concepto de todo que nos deja un sabor a proeza mucho más moderna, un logro como muchos aún no hemos vivido o no viviremos nunca.

El documental narra de cabo a rabo toda la misión usando solo imágenes reales, de manera lineal y sin necesidad de narrador, sin caer además en americanadas. Emplea únicamente audios y vídeos originales restaurados para contarnos cómo se fabricó y remolcó el cohete, cómo se preparó a los astronautas, cuál era la expectación de público, qué tal fue el lanzamiento, como se vivieron todas y cada una de las fases de separación de los módulos, la manera en que se alunizó, el famoso paseo por la luna y los pormenores del regreso a la Tierra. Únicamente se han introducido unas simulaciones que nos explican en qué momento de la misión nos encontramos y muestran de manera muy gráfica el funcionamiento del cohete Saturno V, el módulo Columbia o el módulo lunar Eagle.

El documento de noventa minutos es una buena oportunidad para recordar a aquellos que lo vivieron en directo ese gran momento y además descubrir algunos detalles nuevos. Si en cambio nunca se ha visto toda la aventura del Apolo 11 esta será una buena experiencia que además la música de Matt Morton ayudará a intensificar. En el caso de los conspiranoicos que mantienen que el hombre no pisó nuestro satélite dudo que les haga cambiar de opinión.

Como anécdota hay que contar que la película solo estará en cines del 16 al 20 de julio, coincidiendo con el periodo que tardó la misión en despegar de la Tierra al llegar a la Luna.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de julio de 2019. Título original: Apollo 11. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Douglas Miller. Guion: Todd Douglas Miller. Música: Matt Morton. Fotografía: Adam Holender. Reparto principal (documental): Neil Armstrong, Buzz Aldrin, Michael Collins, Charles Duke, Richard Nixon… Producción: CNN Films, Statement Pictures. Distribución: A Contracorriente Films, Rising Alternative. Género: documental. Web oficial: https://www.apollo11movie.com/

Crítica: ‘An accidental studio’

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Documental sobre HandMade Films, la productora brítánica independiente fundada por George Harrison. «La vida de Brian», la mítica película de Monthy Python de 1975, fue el trampolín para la aventura cinematográfica de Harrison, con lo que el ex Beaatle llegaría a producir otros títulos de culto, como «Los héroes del tiempo», de Terry Gilliam, «Withnail & I», de Bruce Robinson, o «Mona Lisa», de Neil Jordan.

Crítica

‘An accidental studio’ desentraña con mucha riqueza una buena parte de la historia del cine británico

¿Sabéis qué une a los Monty Python y a uno de los Beatles? No, no es solo el haber nacido en las islas británicas. Es el haber trabajado juntos a través de uno de los estudios de cine más arriesgados que ha conocido la industria cinematográfica del Reino Unido. HandMade Films fue la compañía que en su día apostó por ‘La vida de Brian’ cuando su productora original (EMI Films) y otras muchas la rechazaron por considerarla blasfema. Esta empresa fue fundada expresamente para sufragar ese filme y la idea surgió del Beatle George Harrison que era muy fan de los comediantes y no quería que la película quedase sin rodarse. A si es que al final aquel que perteneció al grupo del que siempre se dijo que fue más conocido que el propio Jesús sacó adelante la que es considerada una de las mejores comedias del cine. ¡El músico llegó a hipotecar su casa y su oficina de Londres para hacer esa obra de arte realidad!

De ahí en adelante Harrison, con la ayuda del cofundador Denis O’Brien, comenzó a acoger proyectos que nadie quería sacar adelante. HandMade Films se convirtió en garantía de propuesta diferente y arriesgada. ‘An accidental studio’ es un documental realizado por Kim LeggattBill JonesBen Timlett. Ellos ya habían documentado la historia de los Monty Python y hablar de HandMade Films en parte es hablar del grupo de cómicos, pero ahora van más allá pues no solo tratan rodajes como los de ‘La vida de Brian’ o ‘Los héroes del tiempo’. En ‘An accidental studio’ descubriréis que el estudio de Harrison se la jugó por películas como ‘El largo Viernes Santo’, ‘Mona Lisa’, ‘Water’, ‘Withnail’, ‘Loca juerga tropical’ o ‘Monjas a la carrera’.

Hay muchas notas de humor y autocrítica en este documento. ¿Qué esperabais en una película en la que hay entrevistas y extractos de rodajes de los Monty Python? Incluso Harrison se tomaba con guasa que le criticasen por arriesgarse a la bancarrota con películas como las que estrenaba. ‘An accidental studio’ nos ofrece momentos inéditos, palabras recuperadas de archivos que nos aportan una faceta poco conocida de Harrison y del cine británico, que sin embargo si nos es familiar por los filmes que hemos descubierto en VHS o en universidades.

Os va a sorprender encontraros con una película en la que confluyeron Sean Penn y Madona, de la época en la que salían juntos. ‘Shanghai Surprise’ le valió un Razzie a Madona y merece la pena que conozcáis los entresijos de su rodaje. Así como de los de ‘Loca juerga tropical’ que tenía una escena en la que músicos como Harrison, Ringo Star, Eric Clapton, Ray Cooper, Mike Moran o Chris Stainton daban un concierto en plenas Naciones Unidas. Según su director reconocía a los fumadores de marihuana porque le hablaban bien de su película.

HandMade Films ganó muchos premios y también escogió bastantes malas decisiones empresariales. Fue una empresa llevada con el corazón muy diferente a las majors que controlan el panorama actual. De ahí que haya melancolía al recordar su nombre y su época. Su ideal era casi bohemio y si indagáis entre sus títulos seguro que le tenéis que agradecer más de uno, como bien nos animan a hacer al final del documental donde cada entrevistado nos comenta su título favorito del estudio. ¿Cuál es el vuestro?

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2019. Título original: An accidental studio. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: Kim Leggatt, Bill Jones, Ben Timlett. Música: John Greswell, Andy Mellon. Fotografía: Brendan McGinty. Reparto principal: George Harrison, Ray Cooper, Michael Palin, Terry Gilliam, Dick Clement, Ralph Brown, Richard e Grant, Neil Jordan, Bruce Robinson, Brenda Vaccaro, Cathy Tyson, Steve Abbot, George Ayoub, Ian La Frenais, Julian Doyle, Terry Ilyott, Barry Keefe, A Martinez, Richard Loncraine, David Leland, Jonathan Lynn, Jonathan Wacks, Ernest Vincze, Stephen Wooley, Bob Hoskins, Michael Caine, Helen Mirren, Eric Idle, John Cleese, Bill Connoly, Terry Jones, John MacKenzie, Denis O’Brien. Producción: Bill and Ben Productions, George Made Films, Propellor. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/999/an-accidental-studio/

Crítica: ‘Lo nunca visto’

Sinopsis

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Teresa (Carmen Machi) ve apagarse Fuentejuela de Arriba, la pequeña aldea de la montaña donde ha vivido toda su vida. Pero el pueblo recibe una visita inesperada: en medio de la nieve aparece un desubicado grupo de africanos… cuya llegada conmociona la aldea.
Teresa lo tiene claro: huidos de una situación de explotación a la que habían llegado engañados, los africanos quieren quedarse en España como sea… y esa puede ser la solución al problema de falta de habitantes en el pueblo.

Con ayuda de sus amigos Jaime (Pepón Nieto), y el “Guiri” (Jon Kortajarena) decide ocultarlos y diseñar un plan. Poniendo patas arriba prejuicios y temores infundados, los recién llegados y los habitantes locales trabajarán juntos para que su hogar continúe existiendo.

Crítica

Comedia plural en la España rural

En 2016 vi ‘La puerta abierta’ (crítica aquí) sin saber quién era Marina Seresesky. Acudí al pase de prensa con afán de cubrir la película para mi web y atraído por el gran reparto que lucía en sus créditos. Pero al salir mis impresiones hicieron que recomendase la película realmente por otras muchas cosas. Tanto ejerciendo de directora como de guionista Seresesky logró en su película alcanzar un discurso sensible, humorístico, dramático y tierno. Es por eso que ‘Lo nunca visto’ me ha parecido una película inferior a esa.

No creo que alcance esas nominaciones a los Goya o los Feroz que tuvo en su momento la directora con su opera prima. Tres años después de aquel éxito nos propone una comedia al uso, que tampoco es baladí, pero que como obra en su conjunto es menos completa. ‘Lo nunca visto’ es un filme que contiene muchas escenas disparatadas y absurdas, con grandes contrastes culturales e incluso generacionales y que se preocupa de intentar hacernos reír a la vez de transmitirnos un mensaje. El problema es que ese mensaje ya se distingue a poco que leamos la sinopsis de la película, por lo que el giro final de guión no tiene gran trascendencia.

En ‘Lo nunca visto’ vemos como un grupo de africanos de raza negra llega a un pueblo español perdido de la mano de Dios en pleno invierno. La villa está a punto de perder su estatus de localidad a causa de la despoblación y la protagonista de la película ve en ellos un rayo de esperanza, pero los prejuicios de los aldeanos pueden impedir la salvación. Para hilar toda esta locura Seresesky ha contado de nuevo con Carmen Machi como protagonista. La actriz madrileña capitanea como siempre de un modo estupendo el reparto. Aunque el punto fuerte de este largometraje son algunos de sus secundarios, como esas hermanitas interpretadas por Esperanza Elipe y Pepa Charro o el danzante Jimmy Castro.

¿Se puede hacer humor sobre personas de distinta raza sin caer en lo chabacano o xenófobo? La directora argentina demuestra que si con mucha soltura y con un buen abanico de gags, convirtiendo esta película en una muestra muy plural, tratando asuntos diveros. ‘Lo nunca visto’ no anda corta de gracias. Si bien es cierto que he dicho antes que se ve venir el mensaje también hay que reconocer que identificamos ciertas partes pronosticables de este tipo de comedias. Lo que no me esperaba era una banda sonora tan preciosista, pero claro, cuando uno ve que su autor es Fernando Velázquez (‘La cumbre escarlata’, ‘Un monstruo viene a verme’, ‘Lo imposible’), ya se da cuenta del nivel que hay.

Aunque he llevado la cuenta de un gran número de chistes entorno al racismo es una película más enfocada a orientar a través de las vías del humor temas como el respeto, los prejuicios o la modernización de valores. ‘Lo nunca visto’ tiene irónicamente bastantes puntos vistos en la comedia española pero por otro lado está tratada muy correctamente. Me ha dejado con sentimientos enfrentados pero la sensación no es mala dado que se palpa que Seresesky de nuevo se ha involucrado en las temáticas que trata.

El filme está dedicado al fallecido Fernando Hugo Rodrigo, quien fue jefe de desarrollo en Tandem Films (productora de la película) y guionista de ‘CineBasura. La peli’ trabajo que nos dio ocasión de entrevistarle y filmarle incluso para los extras del DVD.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de julio de 2019. Título original: Lo nunca visto. Duración: 93 min. País: España. Dirección: Marina Seresesky. Guion: Marina Seresesky. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Sergi Gallardo. Reparto principal: Carmen Machi, Pepón Nieto, Kiti Manver, Jon Kortajarena, Miguel Cañaveras, Montse Pla, Ricardo Nkosi, Malcolm T. Sitté, Jimmy Castro, Txema Blasco, Mariana Cordero, Pepa Charro, Esperanza Elipe, Enriqueta Carballeira, Paco Tous, Santi Ugalde, Sonia Almarcha, Pablo Carbonell. Producción: TVE, Tandem Films, Solomon Solon AIE. Distribución: Filmax. Género: comedia. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/lo-nunca-visto.117

Reseña: ‘Star Wars’ nº 49

Argumento

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En su búsqueda de nuevos aliados con los que enfrentarse al malvado Imperio Galáctico, la princesa Leia y Luke Skywalker, líderes de la Rebelión, junto con el contrabandista Han Solo, han llegado al planeta acuático Mon Cala.

Sin embargo, el plan para ganarse la confianza de los mon calamaris y conseguir que se unan a la causa rebelde ha salido fatal y ha desembocado en el asesinato de Lee-Char, el rey de Mon Cala, a manos de los mismos imperiales que lo tenían encarcelado. Como no está convencido de que lo más adecuado sea entrar en guerra con el Imperio, Urtya, el regente de los mon calamaris, decide robarles a los rebeldes la grabación de las últimas palabras de su soberano.

No obstante, Urtya cambia de opinión y decide emitir el mensaje de su rey ¡a toda la flota! Las imágenes, en las que el monarca, moribundo, les dirige unas últimas palabras a los suyos, han encendido la chispa de la rebelión entre los mon calamaris, si bien es muy posible que no estén preparados para la respuesta del Imperio…

Reseña

Grandiosa batalla, mucho mejor que sus anteriores números

Se acabó, ya no volveremos a leer más aventuras bajo el agua ni con Mon Calamaris. Con el ‘Star Wars’ 49 llega la entrega número seis de la trama de ‘Motín en Mon Cala’ y se cierra esta mini-historia. Una pequeña aventura que hemos estado comentando y que ha sido de las más tediosas hasta ahora lanzadas en la saga pero que de repente nos ha dado un giro de ciento ochenta grados.

Lo que hasta ahora había consistido en una serie de debates políticos, encuentros y subterfugios junto con una aburrida trama paralela en una ópera se ha tornado en una batalla épica. El guión de Kieron Gillen se ha hecho desear. Se y confío en las habilidades de este guionista para generar interés fuera de la acción, en aportarnos historias dramáticas e intelectualmente interesantes pero este no ha sido el caso. En lo que concierne a este arco argumental lo único interesante, y mucho además, es esta última entrega.

En su misión por conseguir aliados Leia y compañía han provocado la muerte del rey de sus pretendidos o posibles amigos. Por suerte consiguieron una declaración de este en contra del Emperador que les era favorable y que por algo ajeno a ellos se acabó difundiendo. Al final de chiripa los rebeldes consiguieron lo deseado, que los habitantes de Mon Calamari se rebelasen contra el Imperio. Lo que nos desvela esta última grapa es si están preparados o no estos nuevos combatientes para hacer frente a la mayor potencia armamentística de la fuerza opresora de la galaxia.

Me ha encantado la imagen de Ackbar con todo un elenco de naves tras él. Tanto el personaje como los vehículos tienen mucho detalle. Sin duda Larroca sabe buscarnos las cosquillas a los fans clásicos de ‘La Guerra de las Galaxias’. A parte de este regalo visualmente este capítulo nos ofrece una brillante contienda. Naves y láseres se entrecruzan por las viñetas mezclándose con explosiones y dibujos de interiores sin que perdamos el sentido de la acción. No solo el dibujazo de Larroca ayuda, también se ve que Guru-eFX se ha empleado a fondo con el color dando mucho énfasis en las luces y los degradados.

Los protagonistas son los de siempre, el equipo clásico de las películas originales que Gillen está conservando con la dinámica y espíritu adecuados, con diálogos que respetan la esencia de todos y cada uno de ellos. Seguimos teniendo mucha presencia de personajes como la Reina Trios que en un futuro continuará apareciendo. La actriz Aura Garrido sigue poniendo rostro a este personaje que ya es canon de Star Wars, quien sabe, quizá la llamen para interpretarla algún día. Ella además es quien protagoniza el último giro de guión que nos mantendrá enganchados hasta el siguiente número.

Ficha del cómic

Guionista: Kieron Gillen. Dibujante: Salvador Larroca. Color: Guru-eFX. Portada: David Marquez, Matthew Wilson. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., grapa, color, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: julio 2019. Precio: 2,50€.

Impresiones de la tercera temporada de ‘Stranger Things’

Los hermanos Duffer no saben parar

El próximo 4 de julio arranca la tercera temporada de ‘Stranger Things’ en su habitual casa, Netflix. La producción de la plataforma online llega a su tercer tramo y se ubica unos días antes del gran día de Estados Unidos. Esta nueva etapa se divide en 8 nuevos episodios, como ya lo hizo la primera, que continúan con la tradición de la serie, la de ambientarnos en una festividad norteamericana. Si antes hemos pasado por la Navidad o el Halloween, ahora toca el Día de la Independencia.

Mike, Lucas, Will y Eleven viven su primer verano juntos y en relativa tranquilidad. Relativa porque surgen las primeras parejas y la estabilidad del grupo se debilita, relativa porque Will ha retornado y el resto está varios pasos por delante de él y no tienen las mismas costumbres que antes. El calor del verano parece que les tiene a todos la sangre hirviendo, las hormonas surgiendo a borbotones. Dustin vuelve de un campamento de verano y se encuentra todo este percal. Mientras Hopper y Joyce intentan seguir con su día a día, al igual que Nancy y Jonathan que han empezado con un trabajo en un periódico donde sus compañeros no les ponen el trabajo fácil. Como tampoco le ponen las cosas fáciles los clientes a Steve en la heladería del centro comercial donde le ha tocado ganarse el pan estas vacaciones.

He de admitir que nunca he sido un seguidor de ‘Stranger Things’. Me persuadió bastante su primera temporada pero episodio a episodio me ha cansado su insistencia en introducir una referencias tras otra y no es que la serie dependa de los huevos de pascua, es que sus argumentos están totalmente subordinados al servicio de la nostalgia. Sigue la inspiración en Dragones y Mazmorras, en Stephen King, en Carpenter… Lo del Terminator aquí ya es redundante y hasta cansino. En sus referencias copian hasta el martillo de Homer Simpson, cosa que al mismo Homer ya le cabreó bastante.

La presente temporada es un batiburrillo de títulos que os harán decir, esto ya lo he visto. Por mi cabeza han pasado películas de Robert Rodriguez, Kaufman, Milius o Kevin Smith. Al querer homenajear tanto se hace predecible, poco original en su trama. Pero lo peor es que hemos llegado a una tercera fase y no se aporta nada nuevo. Tres temporadas y los hermanos Duffer son incapaces de generar un argumento completo sin estar apoyado en el de otros, es lo que se puede llamar «nostalgia-exploitation». Al estar tan centrados en buscar las alusiones han hecho que el guión tenga gestos bastante torpes, da a sus personajes habilidades que resultan inverosímiles hasta para una serie que se llama ‘Stranger Things’ o hace que sucedan cosas excesivamente enrevesadas.

Lo que siempre me ha convencido de ‘Stranger Things’ es su buena factura. Aunque hay un par de escenarios cuyo diseño de producción tiene una calidad cuestionable por lo demás es indudable que Netflix ha tirado la casa por la ventana con esta producción. Todo lo que está generado por ordenador da fe de una inversión potente. Las escenas en las que hay efectos digitales son las más impactantes, que no emocionantes, y las que dejan estampas para guardar.

Los episodios han sido dirigidos por el productor Shawn Levy, por la directora Uta Briesewitz y por los propios hermanos Matt y Ross Duffer. De quien han conseguido una mejor interpretación ha sido de Dacre Montgomery y de algún que otro actor que no puedo adelantar por no introducir spoilers, pero cuya incorporación le da algo más de gracia a los episodios. Gracia que nos hace más llevadera toda la trama romántica que por ejemplo en el caso de Millie Bobby Brown o Finn Wolfhard no han controlado bien. Muy sobreactuada Bobby Brown en todos sus estadios, en todas las fases de su personaje. Está mejor Maya Hawke, hija de Uma Thurman y Ethan Hawke, quien se ha revelado como un valor añadido. Había expectación por actores como Jake Busey (‘Starship troopers’) o Cary Elwes (‘La princesa prometida’) pero podrían haber escogido a cualquier otro artista. Sirven como mero reclamo publicitario, no les he visto ni relevantes como actores ni trascendentales como personajes.

‘Stranger Things’ ha llegado al punto de repetirse incluso con sus propias escenas de acción y a tener más product placement que ‘Médico de familia’. Parece que su técnica de vender los recuerdos ha funcionado hasta ahora pero el discurso adulto que se ha injertado en sus protagonistas puede que no cale tanto. Así como el alegato contra el machismo o la machacada a la clase baja que se queda en agua de borrajas a mitad de la temporada. Se queda también muy flojo en sus expectativas el último episodio de hora y cuarto con nombre de batalla. Además que de toda esa duración 20 minutos son de epílogo y buena parte de escena post-créditos. Lo que nos demuestra esta tercera temporada es que los hermanos Duffer no saben parar, ni a la hora de introducir referencias ni a la hora de cortar su historia.

Impresiones del primer episodio de ‘El pionero’, la serie sobre Jesús Gil

 ‘El pionero’ mostrará a las generaciones de ahora lo que sería todo un influencer

El próximo 7 de julio HBO España estrenará ‘El pionero’ la serie de no-ficción sobre Jesús Gil y Gil. Una producción propia de 4 episodios que nos han presentado su director y escritores Enric BachJustin Webster (responsables de ‘Muerte en León. Caso cerrado’) junto a la productora ejecutiva Hanka Kastelicová. «Tenemos muchos Jesús Gil en nuestros países y es bueno poder reconocerlos» ha declarado Kastelicová antes de dar paso a la proyección del primer episodio.

Es probable que junto a Chiquito de la Calzada Jesús Gil fuese en su día uno de los personajes más imitados en nuestro país. ‘El pionero’ muestra muy bien como fue un embaucador que conquistó no solo un club como el Atlético de Madrid o una ciudad como Marbella, si no todo un país con sus continuas apariciones televisivas. Aunque es algo desordenada en su exposición y puede despistar a aquellos que no le viviesen en su época, la serie documental es capaz de esbozar al personaje y a la persona que había tras el presidente, alcalde y constructor. Y eso se debe a que el propio Jesús Gil y Gil se retrataba con sus palabras. Es decir, con solo montar fragmentos de archivo aquellos que no le conocían se van a llevar una idea muy clara de quién era y de por qué se grajeó su fama.

Son infinidad los detalles los que nos dejan en solo un primer episodio. Desde las pillerías con las que se empezó a ganarse la vida en el centro de Madrid hasta los tejemanejes que tenía en la alcaldía de la ciudad costera que regentó. Su carácter embaucador, entrañable, testarudo, impaciente e impulsivo se ve descrito también por sus hermanos, periodistas y demás personalidades que en su época se las tuvieron que ver con él. Es por eso que ‘El pionero’ recoge entrevistas a Futre, Miguel Ángel Gil Marín, José María García, Enrique Cerezo

‘El pionero’ os puede indignar a la par que halagar, pero es que Gil era así. ¿No os recuerda esto a muchos personajes famosos de hoy en día que circulan por la red de redes? Hombre de poder, con mucha presencia en los medios, de gran carisma, con un séquito siempre a su lado, pero acosado por muchos … Bien es cierto que se notaba que le gustaba entrar al trapo, que le iba el mambo, era un showman y buscaba las cámaras. Era una persona difícil de replicar y por eso me pregunto si todos los que salen ahora despotricando sobre su persona se habrían atrevido con él en vida a decir todo lo que dicen en la serie.

Imaginar ‘El pionero’ como una serie de ficción habría dado para una historia tipo ‘Los Soprano’. Para que las nuevas generaciones entiendan cómo fue realmente esta persona que aunó un imperio de construcción, fútbol y política, que se arruinó varias veces, que fue perseguido por la justicia… ha surgido esta oportunidad televisiva. Nos podremos reír con las tropelías que hizo o de la descarada sinceridad con la que se movía, pero no olvidemos el germen que sembró y que probablemente nos recuerden los futuros episodios que ya estamos deseando ver en las futuras semanas en HBO.

Impresiones de la segunda temporada de ‘Dark’

Continúa la concienzuda trama y el tenebroso estilo 

Se podría decir que Netflix tiene un catálogo inmenso. Pero de entre todas las producciones propias que nos pone en su parrilla hay algunas que de verdad pueden considerarse un auténtico buque insignia. Son esas series o películas que gustan a nivel mundial y que dejan una huella perceptible en nuestra época. ‘Dark’ es de esas que quedarán grabadas en el tiempo, nunca mejor dicho. La serie de Baran Bo Odar y Jantje Friese acaba de estrenar su segunda temporada y el nivel continúa altísimo, los viajes en el tiempo siguen siendo el centro de atención en una producción que continúa rompiendo moldes.

La primera temporada nos desbordó con su gran complejidad y número de personajes. La manera en que sus guionistas trataron conceptos como los viajes en el tiempo, el efecto mariposa o las paradojas se salió de lo típico y es algo que nos sorprendió. Eso unido a la incógnita de reconocer a cada protagonista en cada una de sus épocas y por supuesto a desvelar el enigma de los niños desaparecidos nos atrapó. Ese primer tramo de la serie fue bastante resolutivo y nos hemos enfrentado ahora a una segunda etapa con las cartas sobre la mesa en la que hemos tenido algunas claves por desvelar y en la que se nos han abierto nuevas incógnitas.

Para mí el misterio más importante es ¿qué le pasó al agente Wöller en el ojo? Os puedo adelantar que esta temporada ni nos desvela que le sucedió a este policía que aparece tuerto desde la primera temporada ni nos dice quién es en otras épocas. Pero aunque os parezca un asunto trivial yo tengo mis teorías y me aventuro a señalar que va a resultar ser definitivo en la serie. A parte de esto la nueva temporada tiene incógnitas que arrastra durante todos sus episodios y que os van a mantener bastante atrapados pues los guionistas han generado más cuestiones que se suman a las pocas que quedaron sin resolver en la primera parte.

La serie toma muy bien el pulso al espectador y le hace plantearse sus creencias sobre la linealidad del tiempo. El origen de todo es el centro de atención de esta temporada, es la búsqueda incesante de los protagonistas. Es por eso que la famosa frase «sic mvndvs creatvs est» aparece por todas partes y la narrativa juega con la famosa partícula de dios (con algo de desacierto en sus términos físicos) o con detalles tan nimios como referencias musicales al grupo Kreator. Es brillante como cada episodio está repleto de paradojas o coincidencias sin que la trama se contradiga, completando un complejísimo puzle reservándonos además unas cuantas sorpresas.

Cobra aún más protagonismo el personaje de Jonas, interpretado por varios actores, como casi todos los protagonistas de esta serie. Pero también adquieren más presencia personajes como Noah o Claudia. Ellos representan dos bandos enfrentados en una guerra sin disparos, una cruzada místico-científica que coge de por medio a un grupo de gente inocente. Personas que sin comerlo ni beberlo se ven inmersas en una contienda de la que debe formar parte y elegir frente. En este aspecto la serie me ha recordado mucho a ‘Perdidos’ y he de decir que tanto el personaje de Claudia como el de Adam me han remontado a los papeles que ejercían Mark Pellegrino y Titus Welliver como Jacob y El hombre de negro respectivamente.

Tantas de desapariciones cada treinta y tres años no podían pasar desapercibidas y la serie no ha descuidado ese detalle. La incorporación del personaje del investigador Clausen ha sido una gran aportación pues ha unido muchas de las historias que necesitaban un hilo conductor. El casting de la serie sigue siendo excelente, no descuida parecidos ni rangos de edades, ni por supuesto el talento de los actores.

El guión y la trama es muy concienzuda. Pero si la ambientación no fuese igual de excelente la serie no nos estaría cautivando tanto. La temporada 2 de ‘Dark’ nos lleva de una época a otra como quien pasa de su salón a su cocina, con solo dar unos pasos. De una era arrasada al siglo XXI, pasando a los musicales años ochenta, de ahí a los prometedores años 50 y de ahí a los años 20 de post-guerra. Y no precisamente en ese orden, con la destreza además de no liarnos y consiguiendo mantener el drama. El trabajo de localización y diseño de producción es apabullante pues han tenido que plasmar los mismos lugares de muchas maneras distintas, todo un reto logístico y de recreación. Se mantiene el tono lúgubre y tenebroso pero va cambiando la luz y el color en función de la década en la que nos encontremos.

La esencia de esta temporada está en llegar a los nexos de las líneas temporales que unen a unos personajes con otros, o lo que es más, lo que une a unos personajes con ellos mismos. Todo gira en torno a una cuenta atrás hacia un apocalipsis (algo que parece repetirse en algunas series de Netflix) que se intenta evitar o provocar. Para ello nos van a hacer ver como se unen principios y finales, creados con creadores, padres e hijos. La línea de origen y final se unen en la segunda temporada de ‘Dark’ y no existe un punto donde situarse para reconocer el germen del bucle. Está todo pensado para que cuadre de una manera sin fisuras.

¿Cuánto hace que no veis un producto alemán que os guste y os enganche sin que haya necesidad de que este se refiera a alguna Guerra Mundial o al Muro de Berlín? Esta sigue siendo una serie para no perder detalle. El final de esta temporada es menos concluyente y queda más abierto o expectante a la llegada de la tercera. Y aquí llega la única pega de este año en ‘Dark’ que se une quizá a su leve bajada de calidad en su fotografía. Sus instantes finales nos auguran que los siguientes episodios de la serie se van a amoldar a una narración más acorde a corrientes actuales a argumentos muy de moda. Yo confío en que Baran Bo Odar y Jantje Friese sabrán mantenernos expectantes en la oscuridad de nuestro salón mientras vemos lo que pasa en Winden, pero me temo que la presencia de sus discursos, argumentos y teorías acerca del tiempo comienzan a diluirse.

Crítica: ‘Muñeco diabólico’

Sinopsis

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‘Muñeco Diabólico (Child´s Play)’ es una recreación contemporánea del clásico de terror de 1988.

Karen (Aubrey Plaza), es una madre soltera que le regala a su hijo Andy (Gabriel Bateman) un muñeco por su cumpleaños sin ser consciente de la naturaleza maligna que esconde en su interior.

Crítica

Un buen cambio de chip para una clásico que se moderniza a la vez que nos devuelve viejas sensaciones

En 1988 Don Mancini nos presentó a Chucky, un personaje que al igual que Freddy Krueger, Leatherface, Jason o Michael Myers se convirtió en icono del terror en menos de lo que tarda en alcanzar su brillo una lámpara fluorescente. Monstruos modernos de nuestras pesadillas con múltiples entregas que han sobrevivido al paso del tiempo manteniendo legiones de fans fieles a sus secuelas. Pero ahora el pequeño muñeco diabólico ha soltado la mano de su padre. 31 años después la productora que conserva los derechos de la primera película ha decidido reiniciar la saga por su cuenta, no sin ello reconocer el mérito a su creador en los títulos de crédito.

Nos olvidamos del asesino que posee al muñeco a través del vudú. Un microprocesador malamente manipulado es el responsable de la maldad del nuevo Chucky. Se convierte la saga en una especie de versión adulta de ‘Pequeños guerreros’, el estupendo título de Joe Dante que sucedió a ‘Muñeco diabólico’ diez años después. Este chip prodigioso nos trae a un juguete asesino con una motivación diferente pero que en esencia es el mismo: un sádico y renacuajo homicida con una sola obsesión, Andy.

La película nos da también lo mismo, mucha sangre y muertes delirantes, aunque en su tramo final las descuida. El poco apego que le tiene a la vida esta nueva máquina asesina magníficamente doblada por Mark Hamill mantiene el sadismo de la saga original. Eso sí, Chucky no es respondón ni burlón como lo era antes, pero la comedia también la tenemos asegurada. A través del guion que ha escrito Tyler Burton Smith para Andy (Gabriel Bateman) y sus amigos se nos aportan momentos de mucha guasa, pero ojo, de esa que tiene un punto maquiavélico. De ahí parte la canción infantil, retorcida, asquerosamente pegadiza que canta Mark Hamill. Ladinamente buena es la banda sonora compuesta por Bear McCreary. Acompañada de voces angelicales y basada en sonidos de cajas de música, bastante diferenciada además de otras de sus melodías compuestas anteriormente para títulos como ‘Cloverfield Paradox’ o ‘Colossal’. Muy separada también de la composición ochentera de Joe Renzetti.

‘Muñeco diabólico’ se mueve por poco más de tres localizaciones. La casa del protagonista es la más habitual y tiene cierto parecido con la de la película del 88. Escenario que nos aporta un ambiente cómodo y que le es más que suficiente a nuestro nuevo amigo para encontrar víctimas. Un territorio por el que se mueve a base de animatrónica y animación por ordenador. Muy bien creada la criatura a cuyo diseño facial uno no acaba de acostumbrarse. No es que sean muchos años viendo al antiguo Chucky, es que su rostro desproporcionado, que a veces recuerda a Steve Buscemi, simplemente no acaba de dar miedo de caricaturesco que resulta.

Lo que hoy llamamos trastada o picardía, lo que son descuidos o dejadeces de los padres millennials Chucky lo va recogiendo como parte de su educación como IA defectuosa. Malos ejemplos que sirven para que la película también deje sus pequeñas perlas a modo de crítica y para que el personaje se construya como malvado y genere su personalidad, ya que de inicio no la tiene. Hay que reconocer que su concepción está bien hilada. Dada la coincidencia de su estreno con ‘Toy Story 4’ en Estados Unidos (y de que ambos dueños de los juguetes se llaman Andy) la promoción de la película ha desembocado en una serie de parodias en las que Chucky masacra a los protagonistas de la película de Disney. Graciosísimos carteles que van acordes con lo macabro del tono de la cinta. Una mezcla de pillería y descontrol que relaciona varias generaciones, no es solo marketing, eso se siente también al ver la película de Lars Klevberg.

Quizá es un homenaje al filme original pero la película dura 88 minutos, cifra que coincide con el año de estreno. Casualidades a parte, original o no, este ‘Muñeco diabólico’ a mí me parece una eficaz vuelta de tuerca, un buen cambio de chip para una clásico que se moderniza a la vez que nos devuelve viejas sensaciones.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio de 2019. Título original: Child’s play. Duración: 88 min. País: EE.UU. Dirección: Lars Klevberg. Guion: Tyler Burton Smith. Música: Bear McCreary. Fotografía: Brendan Uegama. Reparto principal: Mark Hamill, Aubrey Plaza, Gabriel Bateman, Tim Matheson, Brian Tyree Henry, David Lewis. Producción: Orion Pictures, KatzSmith Productions, Metro-Goldwyn-Mayer, Oddfellows Entertainment, TF1 Studio. Distribución: Vértigo Films. Género: terror, comedia. Web oficial: https://bestbuddi.com/

Crítica: ‘Los días que vendrán’

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Vir (30) y Lluís (32) hace solo un año que salen juntos, cuando descubren que están “embarazados”. Durante 9 meses, seguiremos la aventura de esta joven pareja, el giro enorme que dará su vida, sus miedos, alegrías, sus expectativas y las realidades que, durante su embarazo, crecen ante ellos.

Crítica

A veces acierta con naturalidad otras se nota el artificio voyeurista

Carlos Marques-Marcet regresa con su actor recurrente David Verdaguer y lo hace acercándose más que nunca a él. En ‘Los días de que vendrán’ el director registra como Verdaguer y su pareja, la actriz María Rodríguez Soto, viven sus nueve meses de embarazo. Se han cambiado sus nombres y profesiones, Lluís y Vir, abogado y periodista, unas máscaras para conservar algo de intimidad mientras observamos como progresa la gestación del bebé y todo lo que esta va provocando.

Chistes aparte, la película pone al espectador en una situación algo embarazosa. Partimos del hecho de que se ha aprovechado una situación real, como es el embarazo de la pareja formada por Verdaguer y Rodríguez Soto. ‘Los días que vendrán’ no es un documental propiamente dicho, está ficcionada. Pero en ella se introducen muchas semejanzas y recuerdos harto personales. Desde luego que el fimle tampoco es un reality show pero ante el conocimiento de autenticidad uno no puede dejar de sentirse algo voyeur y eso complica no dejar de buscar la barrera entre la escena real y la ficticia.

¿La película trata sobre cómo la llegada de una hija pone en riesgo una relación de pareja o pone en tela de juicio la poca preparación de los jóvenes de este siglo? Es decir, ¿es un relato sobre la inmadurez o una pugna entre diferencias de opiniones? En determinados tramos de la película plantea todos esos aspectos, si nos encontramos con un filme que pone sobre la mesa varias preguntas con acierto. Pero llega un punto en que se hace redundante y la pareja discute varias veces sobre lo mismo sin que notemos progresión, lo cual no nos aporta espontaneidad.

El filme también supone en muchas ocasiones un enfrentamiento entre posturas conservadoras y progresistas. Abre debates sobre tradiciones no solo a la hora de criar a un bebé sino también cuando hay que gestionar posturas muy arraigadas en lo que se refiere al «ciclo natural de las cosas», es decir, enamorarse, casarse, tener un hijo, encadenarse a un trabajo… En ‘Los días que vendrán’ los personajes se juzgan constantemente el uno al otro, como sucede en muchas parejas o como pasa en esta que se ve en sus manos con un evento mayúsculo cuando llevan apenas un año de relación. Y eso hace que el espectador también se cuestione cosas y se juzgue a la salida del cine. Es bueno que surja debate a la salida de los pases de la película de Carlos Marques-Marcet pues eso querrá decir que trasciende. Brota mucho la palabra «problema» cuando también se habla de si la llegada de la niña es una contrariedad o una suerte, detalles como esos hay que apreciarlos.

Existen no una, sino varias escenas en las que los personajes pecan de excesivamente ingenuos o ignorantes. Quiero entender que son momentos en los que se ha querido plantar una semilla de duda o disputa, en los que se buscaba una ruptura con lo vivido realmente por los actores, pero han quedado rayando lo ridículo. Esos instantes junto con los excesivamente personales son los que le restan méritos al resto de secuencias que si son verdaderamente una apuesta por propuestas que hablen a cerca de problemas generacionales o retratos ciertamente naturalistas.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio de 2019. Título original: Los días que vendrán. Duración: 94 min. País: España. Dirección: Carlos Marques-Marcet. Guion: Clara Roquet, Coral Cruz, Carlos Marques-Marcet. Fotografía: Alex García. Reparto principal: David Verdaguer, María Rodríguez Soto. Producción: Movistar+, Lastor Media, Avalon. Distribución: Avalon. Género: drama, romance. Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/los-dias-que-vendran

Crítica: ‘Tu mejor amigo: un nuevo viaje’

Sinopsis

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Algunas amistades trascienden la vida. En Tu mejor amigo: un nuevo viaje, secuela del conmovedor éxito mundial ‘Tu mejor amigo’, nuestro querido protagonista, el perro Bailey, encuentra su nuevo destino y forma un vínculo inquebrantable que lo llevará a él, ya las personas que ama, a lugares que nunca imaginaron.

Bailey vive feliz en la granja de Michigan de su «niño», Ethan (Dennis Quaid) y la esposa de Ethan, Hannah (Marg Helgenberger). Incluso tiene una nueva compañera de juegos: la nieta de Ethan y Hannah, CJ. El problema es que la madre de CJ, Gloria (Betty Gilpin), decide llevarse a CJ. Mientras el alma de Bailey se prepara para dejar esta vida por una nueva, le hace una promesa a Ethan: encontrará a CJ y la protegerá pase lo que pase.

Crítica

Hallström suelta la correa de sus cachorros y Mancuso la recoge para darnos un grato pero también acongojante paseo

Hace un par de años Lasse Hallström, director de ‘Siempre a tu lado, Hachiko’, volvía a asaltar las carteleras con otra historia perruna. Como ya comenté en su día en la crítica, el título que estrenó resultó ser mucho más suavizado y familiar, con bastante más candidez y menos dureza, de hecho era una película muy positiva. Parece ser que la apuesta funcionó lo suficientemente bien y se han lanzado con una segunda parte. Ya sin el director de Hachiko, de la mano de Gail Mancuso (‘Modern family’), nos ha llegado una nueva historia canina destinada a sacar carcajadas y lágrimas al público. ‘Tu mejor amigo: un nuevo viaje’ mantiene las reglas del juego pero cambia un poco sus maneras, con lo que consigue agradarnos un poco más, no sin dejarnos un buen nudo en el estómago.

Mancuso ha utilizado mucho menos las perspectivas en primera persona que utilizó tanto Hallström en la primera parte y le ha dado más voz al perro. Se convierte así en un filme menos artificioso y más simpaticón. Pero el guión también le da mucho más protagonismo a Kathryn Prescott, a cuyo personaje seguimos el rastro. Ha sido transformada la película en una persecución melodramática con mucha comedia digna de una sobremesa de fin de semana. Esta es una historia cargada de drama familiar y personajes masculinos con obsesión posesiva. Pero también es un viaje luminoso en el que el perro busca la consecución de una misión mientras con su lógica canina lo ve todo de otra manera.

Aunque este es un título mucho más cómico hay que advertir que ‘Tu mejor amigo: un nuevo viaje’ es delicada para un público infantil o sensible para aquellos que tienen mascotas. Se suceden las diferentes vidas del protagonista animal como en la primera parte y eso produce una gran congoja. Aquellos que convivimos con animales hemos de reconocer que con este filme lo podemos pasar mal. Incluso hay una secuencia que rinde un breve homenaje a ‘Siempre a tu lado, Hachiko’ la cual está resuelta por parte de los guionistas de un modo bastante elegante.

Por supuesto que quien es protagonista en el filme es el perro que se reencarna una y otra vez en busca de cumplir su propósito. Pero realmente la protagonista de la película es Kathryn Prescott que acapara muchos más minutos que el nombre más famoso del cartel, Dennis Quaid. Prescott actúa aquí como toda joven actriz que es apta para ese tipo de comedias dramáticas en las que no hay que cumplir un registro excesivamente realista, más bien satisface uno de tantos clichés norteamericanos. Tan nativo como el personaje de Quaid quien se presenta como el clásico granjero curtido y bonachón con su gorra de John Deere grapada a la cabeza.

Las páginas de la novela de W. Bruce Cameron continúan siendo adaptadas con esta historia que aunque es predecible nos mantiene enganchados con las ganas de volver a ver juntos al perro con su dueño. La simpatía de sus animales nos deja sobreponernos a los diferentes palos que nos va dando la película y eso es porque han encontrado algunos puntos agradables, porque su anterior título le sirvió de buen banco de pruebas.

Ficha de la película

Estreno en España: 28 de junio de 2019. Título original: A Dog’s Journey. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Gail Mancuso. Guion: W. Bruce Cameron, Cathryn Michon, Wallace Wolodarsky. Música: Mark Isham. Fotografía: Rogier Stoffers. Reparto principal: Dennis Quaid, Marg Helgenberger, Betty Gilpin, Henry Lau, Kathryn Prescott. Producción: Dreamworks, Walden Media, Amblin Entertainment, Alibaba Pictures, Pariah, Universal Pictures, Reliance Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: drama, comedia, aventuras. Web oficial: https://www.uphe.com/movies/a-dogs-journey

Reseña: ‘Ether 2. Los golems de cobre’

Argumento

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Los portales entre la Tierra y Ether empiezan a abrirse desencadenando una furia mágica devastadora sobre nuestro planeta, y sólo el intrépido Boone Dias puede sellar las grietas. Para poner fin a este caos, Boone recluta a un poderoso equipo de seres místicos, incluidos un hada gruñona; un gorila pendenciero color lavanda; y un hechizador motorista con cabeza de toro. Juntos, estos héroes parten en un viaje a través del centro de un volcán, desiertos llenos de momias asesinas, y un extravagante bosque de hadas en un esfuerzo por salvar ambos mundos de la destrucción completa.

Reseña

‘Ether 2’ desborda mucho carisma y algo de enigma, una colección en la que os debéis perder

Antes de meternos de lleno con ‘Ether 2’ habría que explicar qué es Ether y quién es Boone Dias ya que estamos hablando de un personaje muy bien construido pero tampoco es que tengamos entre manos a alguien insertado en la cultura popular como Batman o el Capitán América, aunque salve nuestra realidad con mayor sacrificio. Nuestro héroe descubrió un plano paralelo al nuestro basado en la magia en el que el tiempo transcurre más despacio y al que busca explicación científica. La peculiaridad de Boone es su locuacidad y su capacidad de raciocinio hasta en las situaciones más críticas. El problema es que su obsesión por estudiar Ether hace que sacrifique su vida familiar ya que cada vez que regresa ha pasado mucho tiempo.

La primera reseña que escribí a cerca de Ether llevó el titular «Hemos vuelto hambrientos, deseosos, cansados y con ganas de más Ether». Podría reincidir en mis palabras en un ejercicio de poca originalidad pero es que la colección sigue siendo tan singular que nos deja exhaustos. Nuestra vista se cansa de devorar detalles y al terminar la historia nos entra hambre de más a si es que esperamos con ansia el tercer volumen. Además en la propia historia cobra más importancia el tema de la alimentación en el plano de Ether, leerla da hambre a si es que paradójicamente esta es una lectura que obliga a tener a mano un bocadillo, los señores de Astiberri deberían plantearse regalar con el volumen algún tipo de piscolabis.

Sobre todo es importante estar preparado para un viaje largo porque en Ether el tiempo pasa de otra manera. Cuando uno se sumerge en los dibujos de David Rubin todo parece más onírico. En este volumen de hecho su trazo se torna más cambiante, ya sea por exigencias del guión ya sea por filigranas artísticas.

En Ether 2 el guionista Matt Kindt nos aporta información acerca del funcionamiento o fundamentos de la realidad que amenaza con destruir nuestro plano. A lo que nos puede evocar es a una mezcla de ‘La historia interminable’ con ‘Rick y Morty’, sin poder dejar de pensar en que hay algo que me evoca a ‘Goomer’ en todo esto.  Por supuesto que la obsesión científica de Boone sigue marcando la diferencia con respecto a otras cosas que hemos visto pero si hay algo distinto es que en este tramo de la colección también tenemos una vertiente mucho más familiar para el protagonista. Y eso hace que ‘Ether 2’ esté muy bien estabilizado en cuanto a drama y comedia se refiere.

Muy importante es remarcar también la inclusión de nuevos personajes que acompañan a Boone a modo de equipo o compañía de aventuras. Tanto conceptual como gráficamente están bien elaborados. Hablamos de tres individuos (Violeta, Glum y Grandor) que aunque remen en la misma dirección de Boone hacen las cosas a su manera y eso le da algo de sabor a la historia que por otro lado es una misión bastante sencilla y sin nada de complejidad, si la resumimos en líneas generales. Sumándole a todo esto los diferentes flashbacks que se van introduciendo hasta el final del tomo, Kindt evita que la narración sea simplista y acaba siendo algo trascendental para el protagonista, dejándonos con suspense para el futuro tramo.

En este segundo volumen, dividido en cinco partes, encontraréis más páginas que en el primero. Está repleto del moderno, colorido y mutable estilo de Rubín y es capaz de llevarnos por mundos mágicos e incluso con la ayuda de Kindt es esta vez es capaz de retar a nuestro intelecto con un pasatiempo. ‘Ether 2’ desborda mucho carisma y algo de enigma, una colección en la que os debéis perder.

Ficha del cómic

Guion: Matt Kindt. Dibujo: David Rubín. Color: David Rubín. Portada: David Rubín. Editorial: Astiberri. Datos técnicos: 144 pág., cartoné, color, 17×26 cm. Publicación: marzo de 2019. Precio: 16€.

Crítica: ‘La influencia’

Sinopsis

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Alicia regresa a la siniestra mansión de la que huyó siendo una niña – un hogar que nunca ha albergado infancias felices – convertida ahora en una joven madre de familia. Acompañada por su marido y su hija de nueve años, Nora, Alicia busca rehacer su vida mientras se ve obligada a enfrentarse a un pasado que creía enterrado y a un cuerpo que se resiste a morir: el de Victoria, la posesiva matriarca de la familia, quien ha caído en coma profundo y sobrevive conectada a una máquina, y por la que la pequeña Nora siente una fascinación malsana.
La Influencia es una macabra historia sobre el peso de los lazos familiares y la trascendencia de la muerte.
Siente la influencia. Teme a la influencia.

Crítica

Entra bien por los ojos pero no penetra más allá

‘La influencia’ parte de una novela de Ramsey Campbell publicada en 1988. Un autor apodado habitualmente con título de maestro que sabe adentrarse con sus palabras en la mente del lector y que rebusca en los horrores humanos para causar pavor. Sus planteamientos tienen muchos símiles lovecraftianos pero en el caso de esta novela es la psicología y el ambiente brujeril el que cobra más fuerza. Su literatura siempre está dotada de gran simbolismo y eso hace que sus novelas adquieran una potente carga de significado.

Es por eso que ‘La influencia’ comienza con muchas metáforas en sus títulos de crédito. La cinta nada más empezar plantea una serie de símiles y nos ubica bien con su ambientación. Es correcta a la hora de situarnos en el polvoriento caserón donde transcurre casi toda la acción de la película. Un lugar semi-abandonado, donde nos encontramos objetos tremebundos mezclados con cotidianos convertido en una sala de cuidados paliativos improvisada.

Allí está postrada una, nunca mejor dicho, posesiva madre en torno a la que vuelven a reunirse dos hermanas. Al rededor de ellas gira una trama familiar compleja con un pasado por desvelar. Y en medio de ese conflicto una hija que comienza a experimentar el influjo de su abuela en coma.

Con esta trama los referentes más recientes que se nos pasan por la cabeza son ‘Hereditary’ o ‘Amityville el despertar’. Por supuesto el tono y la ambientación son muy diferentes a las películas de Ari Aster y Franck Khalfoun, la resolución también cambia. En cuanto empezamos a ver lo que pasa entre las cuatro paredes de la casa nos suena a manido, son muchas las historias que hemos visto de similar índole. Pero ese no es el mayor inconveniente de ‘La influencia’.

En este primer filme que dirige Denis Rovira hay un problema o bien de guión o bien de montaje. Y es que en más de una ocasión vemos como de una escena a otra los personajes pueden contradecirse. Las decisiones tomadas en una secuencia tienden a rebatir lo que hacen en el acto siguiente. Pero aparte de eso lo que ocurre es que el filme es excesivamente confuso. Poco a poco se va tornando más irracional y las reglas se van haciendo más incomprensibles. Por lo que o hay una mala traslación de la novela o no se ha sabido explicar la mecánica de esa influencia que atenta contra la estabilidad de la familia. Por mucho que al final tengamos una escena aclaratoria hay muchos eventos para los que no hay una justificación clara.

Isaac Villa es quien consigue una buena fotografía a partir de muchos de los rincones de la casa, de sus alrededores o de la escuela de la niña protagonista. Esperaba ver un trabajo de este director de fotografía tras haber conocido su trabajo en ‘El Ministerio del Tiempo’ y el excelente cortometraje ‘Graffiti’, el cual os puedo recomendar ahora que está tan de moda ‘Chernobyl’. Gracias a él conseguimos que desde el principio pensemos que vayamos a vivir una tensa historia de terror familiar de carácter dramático y oscuro

Me funciona Emma Suárez como matriarca en todas las etapas por las que la vemos pasar y me creo la familia formada por Manuela Vellés, Alain Hernández y Claudia Placer, con toda la naturalidad que eso supone. Pero es poco comparado con lo mal manejadas que están las escenas infantiles (incluida la última voz en off) o con esos momentos de locura desatada que hacen que la película se descontrole a veces casi sin rumbo. En su primera ocasión como director de largometraje Rovira ha restado más que sumado y eso que contaba con un reparto muy bueno, en mi humilde caso su influencia no ha sido positiva.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de junio de 2019. Título original: La influencia. Duración: 107 min. País: España. Dirección: Denis Rovira van Boekholt. Guion: Denis Rovira van Boekholt, Michel Gaztambide, Daniel Rissech. Música: Arnau Bataller. Fotografía: Isaac Vila. Reparto principal: Manuela Vellés, Maggie Civantos, Alain Hernández, Emma Suárez, Claudia Placer. Producción: Nadie es Perfecto, RTVE, Film Commision pública del Principado de Asturias. Distribución: Sony Pictures. Género: terror, drama. Web oficial: https://www.sonypictures.es/

Crítica: ‘En los 90’

Sinopsis

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Stevie (Sunny Suljic), un chico de 13 años que vive en Los Ángeles de los años 90 pasa el verano lidiando con una madre ausente (Katherine Waterson), un hermano problemático (Lucas Hedges) y un nuevo grupo de amigos que ha conocido en una tienda de skate.

Crítica  

Un tributo generacional en toda regla, un drama bien tratado en todos sus aspectos

Jonah Hill debuta tras las cámaras y realizando un guión completo con ‘En los 90’, una película evocadora, juvenil, dramática y callejera en la que se perciben detalles personales. En ella conocemos a un niño (Sunny Suljic) que es la diana de las frustraciones de su hermano mayor (Lucas Hedges), cuya madre (Katherine Waterston) les tiene desatendidos y que conoce a un grupo de skaters con el que comienza a sentirse integrado. Jonah Hill se la juega en su opera prima tanto como sus protagonistas cada vez que se suben al monopatín e intentan hacer una cabriola.

Nunca es fácil pasar al otro lado de la cámara, sobre todo si tu carrera está repleta de doblajes infantiles y papeles chorras, aunque bien es cierto que los últimos trabajos de Hill en películas como ‘No te preocupes, no llegará lejos a pie’ o la serie ‘Maniac’ iban delatando un camino más meditado. Este nuevo «intruso» se ve que ha tenido sus maestros y sus notas bien preparadas, el resultado de la película denota claramente que sabía lo que quería desde el principio.

Con ‘En los 90’ va directo al grano, la película tiene una duración que sobrepasa por poco los 80 minutos y hasta el logotipo de la productora está hecho con monopatines para pasar directamente a contar la historia. En primer lugar, nos la ha colado con la ambientación. La película está rodada en 16 mm y presentada con una relación de aspecto de 4:3, por lo que a primera vista lo que vemos ya nos devuelve con mucha facilidad a los años 90. Los primeros planos del filme nos dejan ver sábanas de las Tortugas Ninja, caretas de Hulk Hogan, camisetas de ‘Street fighter II’… A si es que si, queda claro que Jonah Hill es de la quinta de los chavales de la película o de la edad de un servidor y sabe por dónde atacarnos para que rápidamente nos vuelvan recuerdos de aquella época a la cabeza.

Obviamente los diálogos del grupo de jóvenes protagonistas también son parte importante de ese viaje que vivimos con ‘En los 90’. Conversaciones muy estudiadas, realistas, acordes a lo que necesita cada individuo en el marco en el que nos sitúa el filme. Este trabajo es un tributo generacional de la A a la Z. Desde la manera de vestir hasta la de ser influenciado. Me parece reveladora la conversación que tienen los protagonistas con un mendigo que les pregunta si se puede vivir del skate, es la misma que tienen hoy centenares de adolescentes con otros tantos adultos cuando hablan de Youtube y ojalá la respuesta pudiera ser siempre la misma que la de la película: «si te centras y tienes ideas».

‘En los 90’ retrata la estupidez y la inmadurez no solo de una edad sino también de una época un tanto desbocada y despreocupada por la falta de precariedad en el primer mundo. Pero más íntimamente es un esbozo de dolores familiares contemplados desde la infancia, de ausencias de afecto, de traumas tapados con falsas superioridades. Y todo esto está representado con un reparto muy joven que Jonah Hill dirige como si les transmitiese sus ideas de manera simbiótica.

Sunny Suljic tiene en esta película la que ha sido hasta ahora la mayor oportunidad para exhibirse, mucho más que en ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’. Está auténtico, veraz, emotivo… sin pasarse a lo excesivo, te lo crees. Igual que sucede con Na-kel Smith, un skateboarder, rapero y diseñador que hace incluso las veces de guía espiritual. Sus dos interpretaciones y las del grupo de amigos nos dan momentos entrañables. Pero el placer llega en esos instantes en los que la película pasa del colegueo a las etapas de maduración, cuando a esos niños que se hacen pasar por hombres les llega el momento de afrontar una verdad ineludible.

El dúo formado por Trent Reznor y Atticus Ross complementa con su música la banda sonora que se conforma con temas de grupos del estilo a Nirvana, Cypress hill, The Misfits, Gravediggaz… Es como adentrarse de nuevo en la época dorada de la MTV y de hecho el final del filme evoca a un videoclip totalmente preparado para emitirse en aquellos tiempos.

No lo dudéis, pocas veces alguien empieza tan bien en un primer trabajo como director y no todo el mundo acierta a la hora de retratar años tan cercanos sin caer en la «nostalgiaexploitation». Permitidme el chiste fácil cuando digo que lo de Jonah Hill ha ido sobre ruedas, ahora bien, habrá que verle cuando dirija algo que no tenga conexión con temas personales.

Ficha de la película

Estreno en España: 21 de junio. Título original: Mid90s. Duración: 84 min. País: EE.UU. Dirección: Jonah Hill. Guion: Jonah Hill. Música: Trent Reznor, Atticus Ross. Fotografía: Christopher Blauvelt. Reparto principal: Sunny Suljic, Lucas Hedges, Katherine Waterston, Na-kel Smith, Olan Pernatt, Gio Galicia, Ryder McLauglin, Alexa Demie. Producción: A24, Waypoint Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: comedia, drama. Web oficial: http://mid90s.movie/

Crítica: ‘Kin’

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Eli (Myles Truitt) es un niño afroamericano de 14 años que vive en Detroit con su padre adoptivo, Hal (Dennis Quaid), un compasivo a la par que estricto viudo que percibe que Eli está cayendo en la delincuencia. Mientras explora un edificio abandonado buscando materiales para sacarse un dinero extra, Eli se topa con los restos de un impacto de otro mundo. Entre los escombros, encuentra una extraña caja metálica que se lleva a casa. Desconoce lo que es, pero al cogerla parece activarla, y Eli decide guardarla cuidadosamente…

Crítica

‘Kin’ habla de lo que escogemos como herencia con la ciencia ficción como canal transmisor

Nos encontramos ante el primer largometraje de Jonathan y Josh Baker. ‘Kin’ es un título que para los angloparlantes ya da algo de pistas con su significado pero que aquí guarda algo más de secreto y que por cierto solo vamos a poder ver en versión doblada. Una cinta que viene escrita por sus propios directores y por Daniel Casey, quien anda inmerso ahora mismo en el guión de ‘Fast & Furious 9’.

Lo que han hecho los hermanos Baker es un largometraje de ciencia ficción bastante solvente pero que para el espectador muy versado en la materia puede parecer trillado. Durante el filme solo se dan unos pocos indicios de la solución y el final puede ser sorprendente para algunos pero a muy poco que se hilen uno o dos puntos se puede esperar el desenlace. Yo advierto que en la crítica voy a dar explicar algunos pormenores que pueden aclarar por dónde van los tiros, nunca mejor dicho porque la trama de ‘Kin’ gira en torno a un arma futurista.

En Kin conocemos a Eli, un joven interpretado por Myles Truitt. Este se dedica a robar en edificios abandonados para sacar una pizca de dinero vendiendo a chatarreros. Todo esto pasa en un Detroit que lucha por resurgir, por eso vemos continuamente carteles con mensajes del estilo «rebuild Detroit». Este vive con un padrastro (Dennis Quaid) bastante buenazo pero estricto y juntos reciben a un hermano (Jack Reynor) que vuelve de la cárcel. En sus búsquedas Eli encuentra una potente arma que esconde para sí mismo y que no tiene ningún parecido con las que se utilizan comúnmente. Mientras su hermano es perseguido por unos matones que le reclaman una deuda y a la vez hay una extraña pareja de «limpiadores» que busca el arma. Lo que parecía una película de acción ubicada en una decadente ciudad pronto se convierte en una road movie.

‘Kin’ es una buena película de carretera centrada en la amistad entre dos hermanos. Un título que trata de contarnos cuál es la herencia, no solo genética, si no educacional que legamos a nuestros familiares. Es verdad que el hecho de armar todo este discurso ha provocado que la ciencia ficción tarde en llegar. Pero cuando aparece es bastante eficientemente. En el pase de prensa tuvimos algún que otro problema técnico hacia el final del filme y si nos llegamos a perder ese tramo habría sido un chasco ya que la acción se centra en esa parte y visualmente es cuando ‘Kin’ explota, además de cobrar un sentido total.

Los directores querían haber contratado a Bil Paxton para el papel del hermano mayor, lo cual habría dado muchas pistas sobre la trama dado que el difunto actor ha trabajado en películas como ‘Aliens’, ‘Depredador 2’ o ‘Terminator’. Finalmente la ausencia de este y su parecido con la voz de Jack Reynor decantaron el papel hacia este joven actor. Y no son estas las únicas veces que ‘Kin’ os van a llevar a James Cameron. Tanto la trama, como algunos guiños visuales así como varios nombres, véase el condado de Sulaco, la nave de Aliens, os van a transportar al famoso director que tan buenas películas nos ha brindado.

Myles Truitt es la gran apuesta de ‘Kin’. En gran parte me recuerda mucho a John Boyega cuando estrenó ‘Attack the Block’, ambos con un gran peso de la película a sus espaldas, con muy corta edad y con un papel muy agresivo por ejecutar. Jack Reynor regresa a Detroit como en la excelente película que también nos trajo eOne hace un par de años, pero esta vez del otro lado de la ley. Su interpretación pasa más desapercibida. Es quizá algo más variopinta la de un James Franco convertido en un gitanillo gangsta, similar al de ‘Future World’ pero sin ser tan caricaturesco.

Llama la atención su puesta en escena con un toque fluorescente que atrae al espectador nacido en los ochenta o que ya peina canas y el cuidado en mantenerse dentro de unos márgenes no excesivamente violentos. ‘Kin’ quiere gustar a todos y puede hacerlo. Comprendo que su inconcluso final y el tiempo que se toma para explayarse en su discurso pueden ser dos grandes pegas para algunos, no lo son en gran medida para mí. Antepongo las pequeñas pistas que va dejando, los valores que enarbola y el buen gusto a la hora de heredar referentes.

Ficha de la película

Estreno en España: 14 de junio de 2019. Título original: Kin. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Josh Baker, Jonathan Baker. Guion: Josh Baker, Jonathan Baker, Daniel Casey. Música: Mogwai. Fotografía: Larkin Seiple. Reparto principal: Jack Reynor, Miles Truitt, Zoë Kravitz, Dennis Quaid, James Franco, Michael B. Jordan, Gavin Fox. Producción: 21 Laps Entertainment, Lionsgate, No Trace Camping. Distribución: eOne Films. Género: ciencia ficción. Web oficial: https://kin.movie/

Impresiones de ‘Doom Patrol’, nueva serie surgida de las viñetas de DC Comics

En ‘Doom Patrol’ conoceréis un amplio abanico de nuevos «héroes»

El pasado mes de octubre conocimos en imagen real a los Titanes y a través de uno de ellos, de Beast Boy, se nos ofreció un crossover. Los protagonistas se topaban con otro grupo de «superhéroes» conocido como Doom Patrol. Esta patrulla de los condenados ha dado el salto también de las viñetas a la imagen real y podemos verla en la pequeña pantalla. Ha pasado de tener solo una simple aparición en unos episodios a tener una serie completa para ella sola. Pero además el crossover se hace mayúsculo porque si bien ‘Titanes’ era una serie de Netflix la que nos atañe ahora, ‘Doom Patrol’ es una franquicia que inaugura HBO España.

Es bueno que ahora que parece que están harto explotados los máximos iconos todo aquel que no es lector asiduo de cómics descubra que hay muchos más personajes por explorar. Las series o películas pueden ser una ventana que abra la curiosidad de lectores potenciales. En ‘Doom Patrol’ conoceréis un amplio abanico de nuevos héroes. Pero no son sus poderes, cualidades o más bien defectos lo que os debe atraer, sino más bien el enfoque con que se trabaja la serie lo que marca la diferencia.

Así al menos apunta el primer episodio que aborda los personajes más que como superhéroes como «superceros». Un episodio dirigido por Glen Winter, quien parece especializado en temas de superhéroes pues ya ha estado en series como ‘Smallville’, ‘Arrow’, ‘The Flash’ o ‘Supergirl’; todas ellas del universo DC. Él ha tenido la oportunidad de salirse de la norma pues en ‘Doom Patrol’ ha podido intentar que la audiencia simpatice con unos personajes que tienen todas las de perder, con unos humanos que de repente se ven con poderes que no querían, con cualidades que parecen del todo inservibles. Ese es el concepto de las criaturas que crearon Arnold Drake, Bob Haney y Bruno Premiani allá por 1963. Así también lo ha plasmado en el guión Jeremy Carver, quien se encuentra ante su primera adaptación de un cómic pero no ante su primer material con fans detrás pues ya se ha enfrentado a colosos televisivos de carácter juvenil como este ya que suyos son los episodios de ‘Sobrenatural’.

Si la comparamos con ‘Titans’ podemos decir que de esa serie coge el carácter rudo, oscuro y dramático. Pero ‘Doom Patrol’ también es muy alocada, irreverente y musical por lo que puede aproximarse a otras adaptaciones de cómic como ‘The Umbrella Academy’. Curiosa mezcla que además por su argumento puede tener comparativas inevitables con los X-Men y la escuela del Dr. Xavier. Pero no olvidemos que esta patrulla se creó antes en el papel, aunque solo se publicase con unos meses de antelación.

Hay personajes que vimos en Titans que repiten y los hay que se incorporan como novedad. Debemos tener en cuenta que esta es una especie de historia de génesis que nos narra cómo se originó la historia de cada uno de estos freaks justicieros. Llama la atención ver como este grupo a veces comparable con los ‘Mystery Men’ de Kinka Usher está capitaneado por un retornado Timothy Dalton. Pero quien tiene una segunda vida es Brendan Fraser, quien vuelve a relacionarse con momias y comparte personaje con Riley Shanahan. Y esto es porque Fraser es Cliff Steel, el alter ego de Robotman pero el cuerpo transformado del héroe lo mueve Shanahan. Repiten April Bowlby y Matt Boomer como Elasti-Girl y El Hombre Negativo pero quienes de verdad prometen son Diane Guerrero como la múltiple Crazy Jane y Alan Tudyk como un fraccionado y críptico Mr. Nobody.

Recordad, desde el 5 de junio tocan enigmas y cosas raras, tocan poderes y dramas con ‘Doom Patrol’. En Estados Unidos está haciendo afición y si aquí gusta tanto como a mí no van a ser pocas las personas que os la recomienden.

Impresiones de la gran miniserie ‘Chernobyl’

‘Chernobyl’ es una serie de aciertos que narra una serie de desaciertos

Accidente nuclear, catástrofe natural, incidente político y ahora serie. Lo ocurrido en Chernóbil (Ucrania) en 1986 tuvo muchas repercusiones a muchos niveles y fue fruto de una sucesión de malas decisiones en un país en el que las prioridades no eran las adecuadas. Todo el mundo ha oído hablar en mayor o menor medida de la catástrofe y de su famosa nube pero muy pocos conocen realmente sus detalles. Como siempre una obra de entretenimiento llega para despertar la curiosidad del gran público.

La serie que desde el 6 de mayo hemos podido ver en HBO España y que este 4 de junio ha emitido su quinto y último episodio ha mostrado con creíble exactitud todo lo sucedido en la central nuclear soviética y en localizaciones cercanas como Prípiat. Esta creación de Craig Mazin (‘Superhero Movie’, ‘Scary Movie 3’) se ha tratado enfocándola desde los aspectos técnicos y físicos hasta los humanos, pasando por los políticos. Quizá los efectos de la radiación en el cuerpo humano sean lo más llamativo para la audiencia más escrupulosa pero sin duda el hermetismo o recelo de los políticos soviéticos es la parte que más ha llamado la atención a buena parte de la audiencia que por otro lado desconocía como en gran medida la causa del accidente fue la soberbia rusa por encima de la ignorancia o la inexperiencia técnica. «Cada mentira que decimos supone una deuda a la verdad, así es como explota un reactor RBMK» dice el personaje de Jared Harris en una ocasión y es la frase que mejor define la política de la URSS con respecto al incidente.

Aquello que ocurrió en la URSS y que tuvo repercusión en los alrededores del país de manera irregular se ha plasmado con un reparto mucho mejor sopesado que las decisiones tomadas en los ochenta. Para mi Jared Harris siempre será el villano de ‘Fringe’ pero papeles como el que ejerce aquí o el que desempeñó en ‘The terror’ me ponen difícil enmarcarle en un «personaje favorito», desde luego está en estado de gracia. También está brillante como física nuclear Emily Watson la cual se diría que es la otra gran protagonista, en un rol que aunque sea ficticio no carece de fuerza, por lo menos ella representa eficazmente la vertiente investigadora del proceso. Junto a ellos dos está Stellan Skarsgård, quien simboliza con su actuación déspota ese poder ruso receloso y controlador del que os hablaba. Aparecen otros rostros conocidos y talentosos como los de Jessie Buckley, Ralph Ineson, Barry Keoghan… ‘Chernobyl’ incluso se toma el lujo de tener a James Cosmo en un cameo como minero durante unos segundos. Es toda una demostración de talento interpretativo, veracidad y dramatismo.

Quizá a muchos les parezca curioso que una serie tan exacta y excelente, con un carácter tan serio, surja del guionista de ‘Resacón en Las Vegas’. A ver si esto da más alas a la hora de contar con artistas multidisciplinares y hace que las comedias se tomen más en serio. Además está dirigida por una apuesta segura como es Johan Renck quién cuenta en su haber con episodios de ‘Bates motel’, ‘Breaking Bad’ o ‘Vikingos’. Entre ambos nos cuentan de manera cronológica lo que sucedió. La documentación sobre el suceso es extrema y nos narran los eventos tal y como pasaron pero algunos hay que puntualizar que están cambiados de orden para beneficio del dramatismo de la serie. También se han tomado alguna licencia con cierto personaje para mostrar el impacto de la radiación en la salud. Otro punto a favor es la ambientación, la cual tiene algo de digital pero hay que apreciar que gran parte del rodaje tuvo lugar en una central nuclear de similares características emplazada en Lituania.

Mucho material de la serie es real. Gran parte de las grabaciones que oímos proceden de audios originales, de las llamadas ‘Voces de Chernóbil’, de Svetlana Alexievich. Son auténticas las historias de los ciudadanos de Prípiat contaminándose totalmente desinformados, del exterminio de animales, de los mineros trabajando semi-desnudos y sacrificándose o de los bomberos agonizando tras haber sido irradiados. ‘Chernobyl’ deja huella y su creador sabe reconocer los momentos únicos y los que marcan un punto de diferencia con respecto a otras series del mercado. Como ese en el que los mineros manchan al ministro su impoluto traje con sus sucias manos, como si ese simple gesto fuese su única oportunidad de conseguir una mínima justicia popular ante lo que ha sucedido y la marca que les va a dejar.

Chernóbil es un enclave que se ha convertido en un lugar post-apocalíptico en la era moderna, un imán para los amantes de la fotografía con rincones muy sugerentes para ser capturados por nuestras cámaras. Es por eso que Johan Renck detiene muchas veces la acción de sus imágenes en determinados puntos, en emplazamientos que ya son icónicos. Ahora la zona se ha convertido en un lugar turístico, pero hasta hace muy poco había que colarse ilegal o furtivamente para visitar con cierto morbo esta zona cero que HBO en colaboración con Sky han transformado con muy buena calidad técnica en serie. Si sois o conocéis a amantes de la física, la historia o la política no dudéis en echarle mano a ‘Chernobyl’.

Reseña: ‘Star Wars: Jedi de la República – Mace Windu’

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Por fin vas a descubrir todo lo que querías saber sobre el hombre, sobre el mito, sobre la leyenda… ¡sobre Mace Windu! Durante más de mil generaciones, los jedi han sido los pacificadores de la galaxia; sin embargo, por culpa de las Guerras Clon, se ven obligados a desempeñar un nuevo papel, el de generales del ejército de la República. Mientras dirige un pequeño destacamento, Mace Windu, uno de los mejores guerreros de la Orden Jedi, se pregunta si los jedi lograrán reconciliarse con su nuevo rol o si caerán presa de la violencia que los rodea.

Reseña

Nimia historia para Windu, un tan importante personaje

Samuel L. Jackson fue retratado en cómic por Bryan Hitch en ‘Ultimates’ para dar vida a Nick Furia y desde ese momento el actor se convirtió en el cabecilla de S.H.I.E.L.D. en los cómics y posteriormente en el cine. Esa decisión artística de Hitch tuvo repercusión en la gran pantalla y ahora podemos ver como ocurre lo contrario, un personaje que el mítico y omnipresente actor ha interpretado tiene su mini-serie propia. En concreto hablamos de Mace Windu, el carismático jedi que murió tan sonadamente en el Episodio III de la saga a manos del malvado Darth Sidious y de Anakin (ya convertido en Sith). Aunque hay que puntualizar que no es la primera vez que Windu tiene cómics pues Dark Horse ya le introdujo en las viñetas en 2003 y 2004, pero claro, Lucasfilm sigue con su tarea de forjar un nuevo canon y esta vez le ha tocado a este polémico miembro del consejo jedi.

Cuando tenemos entre manos una serie corta de un personaje secundario de Star Wars lo que suelen ofrecernos son cinco grapas y Planeta Comic las suele publicar por separado y de manera mensual. En esta ocasión y tras haber brindado un adelanto el Día del cómic gratis llega en forma de tomo recopilatorio toda la historia de Mace Windu. Una aventura en la que el guionista Matt Owens (‘Elektra’) nos narra eventos desconocidos del personaje. ¿Se sacia así la curiosidad del fan que pedía a gritos saber algo más a cerca de este poderoso jedi? Yo diría que no.

La acción de la historia se sitúa tras lo ocurrido en el ‘Episodio 2: El ataque de los clones’, aquella película en la que los protagonistas viajaban a Geonosis y se producía una batalla campal durante la que, entre otras cosas, Windu mataba a Jango Fett delante de su propio hijo causando así una de las muertes más violentas de Star Wars. El cómic arranca precisamente con una splash page mostrando este belicoso evento. Porque a los jedi de la república ya no les importa mantener la paz, si no ganar la guerra y para ello Windu es el más indicado.

De lo que trata este ‘Star Wars: Jedi de la República – Mace Windu’ es de reflejar las inquietudes de Windu durante sus misiones, de mostrar sus ocupaciones antes de lo que ocurrió en la tercera entrega de la segunda trilogía que se estrenó a principios de siglo. Para ello se le ha rodeado de algunos personajes conocidos y de otros nuevos. Se les envía a un planeta llamado Hissrich y allí han de enfrentarse a un enemigo llamado AD-W4 que aunque tenga una motivación diferente tiene una concepción muy parecida a la de Grievous. Por lo tanto no estamos ante una historia que relate la juventud del Jedi de espada violeta si no una etapa de transición entre una película y otra.

Es normal que se haya editado de golpe en España porque el dibujo del primer número no ayuda a promocionar bien la colección. Al principio vemos a personajes como Yoda dibujados muy raros, en particular el maestro de pequeñas dimensiones tiene un cuello muy robusto y un mentón muy ancho. El parecido facial no es el punto fuerte de este cómic, ni tampoco el nivel de detalle. Si que tiene buena elección de planos y refleja bien la acción de las escenas. El dibujo de Denys Cowan (‘Batman justicia ciega’) tiene continuidad pero no es precisamente pulcro ni minucioso. Por mucho que Guru-eFX (el artista que está ahora en la colección central de Star Wars) se esmere en el color, los dibujos parecen muy planos, no hay mucha percepción de relieve. No obstante en el número cuatro tiene el respaldo de Edgar Salazar (‘Venom & X-Men: Poison-X’) y la cosa cambia, ganando más volumen, ofreciendo dibujos mejor delimitados y con un trazo más conciso.

La historia decepciona en líneas generales, aunque no tanto como la que pudimos leer sobre Chewbacca. Se queda corta para tratar de un personaje tan querido por la audiencia, quizá habría sido más interesante tratar una historia de orígenes o lanzar una misión en la que el protagonista interactúe con personajes más relevantes. Solo hay unas pocas páginas que nos indiquen cómo pudo ser la formación de uno de los maestros más importantes del Consejo Jedi y saben a muy poco.

A nivel local tiene cierto aliciente. En esta mini-colección podéis apreciar la obra del aragonés Jesús Saiz pues suyas son las portadas, exceptuando la del número cinco. Un dibujante que tras pasar por DC aterrizó en Marvel y trabajó en Capitán América, donde ilustró momentos muy importantes para el personaje que incluso hemos visto en el cine. El arte del español está por encima del que vemos en el interior del volumen, pero lo que nos ha dejado poco sabor de boca más que el arte visual es la poca relevancia narrativa de la historia.

Ficha del cómic

Guionista: Matt Owens. Dibujante: Denys Cowan, Edgar Salazar. Color: Guru-eFX. Tintas: Roberto Poggi, Scott Hanna. Color: Guru-eFX. Portada: Jesús Saiz. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 120 págs., tapa dura (cartoné), color, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: junio 2019. Precio: 16,95 €.

Reseña: ‘Star Wars’ nº 48

Argumento

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Vivimos un periodo de reconstrucción en la galaxia. Después de la victoria alcanzada en Jedha gracias a que la reina Trios traicionó al Imperio, la princesa Leia y Luke Skywalker, líderes de la Rebelión, junto con el contrabandista Han Solo, han seguido buscando una nueva base de operaciones al tiempo que continúan enfrentándose al gobierno tiránico del Imperio Galáctico.

Entretanto, Trios continúa fingiendo ser leal a los imperiales mientras se encuentra en Mon Cala, un planeta que está ocupado por el Imperio. Como Lee-Char, el rey mon-calamari, sigue encarcelado, su pueblo duda si debería unir su poderosísima flota galáctica a la de la causa rebelde.

Sin embargo, Leia tiene un plan para rescatar a Lee-Char y obtener así su apoyo. Ahora que han conseguido capturar al moff de Mon Cala y reemplazarlo por un cambiaformas clawdita, Leia, Luke y Han pretenden utilizar a su prisionero para liberar a otro…

Reseña

Preludio de un final para un flojo período de la colección

Ya vimos como al finalizar el anterior número los rebeldes sufrían un revés que ponía patas arriba su plan. Quizá esta ha sido la parte más emocionante e ingeniosa de todo el arco argumental que nos está planteando Kieron Gillen. Y hay que decir que estando dividida la acción en dos localizaciones diferentes, la que transcurre en el lugar de dicha sorpresa es la más atractiva, porque la que sucede en el Moncaládromo ya dejó de ser visualmente atractiva y con C-3PO haciendo el ridículo resulta hasta absurda e incluso de relleno.

Los protagonistas acaban refugiados en una Isla muy similar a la de ‘Last Jedi’ y la historia termina a punto de explotar con acción. Pero aún así dudo que esta parte de la colección central de Star Wars titulada ‘Motín en Mon Cala’ pase a ser de las mejores que hemos leído. A pesar de ello hila una parte importante de la saga, que es el cómo se hicieron los rebeldes con el grueso de su flota, ya que de repente entre el episodio IV y V su potencial de combate creció mucho y eso resultó chocante para el espectador que no estaba informado acerca del universo expandido. No cabe duda que la obra tiene momentos inesperados, pero eso no quiere decir que sea del todo entretenida. Hay que ser muy fan de La guerra de las galaxias para mantenerse enganchado en este tramo de la colección.

Como he dicho en otras ocasiones los espectadores más acérrimos saben dónde acaba esta historia a si es que si la acción no es entretenida el número carece de interés. Dice mucho a cerca de eso la portada del cómic obra de David Marquez y Matthew Wilson, más aún que la propia historia que se está tomando su tiempo y se está distrayendo demasiado.

Solo tiene algo de atractivo el dibujo de Larroca y en este tramo solo puede darse el lujo de lucirse con alguna escena interior y alguna escaramuza. A parte de la viñeta a página completa que nos brinda al final. Esperemos a ver qué pasa en la conclusión que tendrá lugar en la grapa que está por venir, seguro que tendremos mucha más acción y emoción.

Ficha del cómic

Guionista: Kieron Gillen. Dibujante: Salvador Larroca. Color: Guru-eFX. Portada: David Marquez, Matthew Wilson. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., grapa, color, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: junio 2019. Precio: 2,50€.

Impresiones tras el final de ‘Lo que hacemos en las sombras’

De lo macabro a lo hilarante, una serie de diez

Hay vida después de la muerte, hay vida después de ‘Juego de Tronos’. Tal y como vaticinamos tras el estreno de su primer episodio, la serie de ‘Lo que hacemos en las sombras’ ha sido todo un éxito de HBO. Junto a ‘Chernobyl’ han mantenido a la audiencia enganchada al canal de pago, una victoria que seguro que se prolongará con el inminente estreno de la nueva temporada de ‘El cuento de la criada’. Esto era de esperar ya que HBO siempre ha distribuído excelentes series como ‘Los Soprano’ o ‘Hermanos de sangre’.

El gran logro de ‘Lo que hacemos en las sombras’ ha sido el saber mantener el gancho de su película original, con su sano y aún así negro sentido del humor, con sus personajes tontorrones, adorables y simpaticones y con mucha originalidad que rompe los esquemas del género de terror. Es por eso que la serie nos ha brindado sorpresas como la incorporación del nuevo tipo de vampiro psíquico (aparecido en programas de Cuarto Milenio pero nunca en la ficción) o del variopinto consejo vampírico en el que disfrutamos de cameos como el de Tilda Swinton, Wesley Snipes o el equipo original de la película (Taika Waititi, Jemaine Clement y Jonny Brugh).

Jemaine Clement y Taika Waititi han conservado en los diez episodios el ritmo dicharachero y jocoso que también tenía su largometraje. No es fácil mantener el nivel de humor durante toda la serie pero lo han logrado y es un acierto que no hayan sido ambiciosos optando por una duración de 20 minutos para cada episodio. También ha sido una buena jugada comenzar enganchando a la audiencia centrando la atención en los primeros capítulos en Colin Robinson (Mark Proksch), el vampiro psíquico, para después ir contando la historia de los chupasangres más clásicos y acabar dejando como protagonista al personaje más anodino, el familiar interpretado por Harvey Guillén.

‘Lo que hacemos en las sombras’ está repleta de momentos locos, de disparates desmadrados, de guiños a la cultura vampírica tradicional. Se permite desde mencionar a Armand (Antonio Banderas en ‘Entrevista con el vampiro’) hasta generar su propio universo de referencias que acaba estallando en el último capítulo. Como la serie va muy rápido y es bastante ágil tiene espacio para manejar gran número de alusiones que el espectador deberá encadenar entre carcajadas.

Por culpa de esta serie ya no volveremos a mirar igual a un murciélago que vuele bajo ni a confiar del todo cuando nos quieran hacer un análisis de nuestro ADN. De momento parece que FX Network, productora original de la serie, ha prometido una segunda temporada para 2020 con Kayvan Novak, Natasia Demetriou, Matt Berry, Mark Proksch y Harvey Guillen. Tal y como acaba el último episodio la cosa se va a poner muy interesante. La esperamos sedientos de más sangre y tropezones.

Crítica: ‘Outrage 3’

Sinopsis

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Tras haber sobrevivido a la guerra entre las familias Sanno y Hanabishi, el antiguo jefe Otomo vive en Corea del Sur trabajando para Chang, un importante hombre de negocios con intereses en Japón. Un incidente menor provoca que la tensión aumente entre Chang y los Hanabishi, hasta que el conflicto estalla en mil pedazos poniendo en peligro la vida del propio Chang. Es en ese momento que Otomo toma la decisión de volver a Japón para resolver el problema como solo un yakuza de la vieja escuela sabe hacer.

Crítica

Kitano centrado en sus discursos pero sin rozar su genio

El ilustre, distinguido o chiflado director y actor Takeshi Kitano, si aquel al que debemos reconocer que casi todos descubrimos haciendo el paria en Humor Amarillo, lleva años sin dirigir una obra que realmente esté a la altura de su genio. Lejos se nos queda el ‘Zatoichi’ de 2003 o ‘El verano de Kikujiro’ del 99. Allá por 2010 arrancó una serie de películas que culmina con este título que llega ahora a España y que pretende ser parte de un legado cinematográfico que hable de toda una cultura de la violencia y las viejas tradiciones. ‘Outrage 3’ cierra la historia de un yakuza interpretado por el propio Kitano en la que se palma mucho amor por el género y se observan muchas pinceladas de carisma y un talento obvio, pero en la que no se contemplan ni los planos ni los ritmos característicos del director.

Por supuesto que ayuda mucho haber visto las dos entregas anteriores. Si uno salta directamente al cine para ver esta tercera parte se puede desorientar. Son muchos los personajes y la complejidad del entramado que monta Takeshi en su guión pues está a la altura de una auténtica trama de mafiosos. Ese es un punto a favor de la película. Si uno está atento puede hacerse un esquema mental de cómo se organiza la red de protagonistas. Es compleja en lo que se refiere a su organigrama y hemos de considerarlo una virtud.

Ayudan también los constantes diálogos que nos ponen en situación y más allá nos muestran como hay un choque de generaciones y estilos, algo que quiere remarcar mucho el director en su discurso. En esas diatribas y en esas discusiones es en donde reconocemos más los métodos de Kitano. Ahí surge su acidez y su rabia, su locura y su crítica.

Sus personajes, además de ser abundantes, están bien estudiados y cuidados. Ese también es un buen punto para ayudar a comprender la historia a aquellos que no estén sentados en precedentes. Mantiene enganchado por sus escenas de acción y por el carisma de Takeshi, algo que no dudo será también un efecto llamada para aquellos amantes del cine oriental. No supone una decepción pero como he dicho al principio tampoco es el retorno del talentoso artista que muchos disfrutamos.

Ficha de la película

Estreno en España: 30 de mayo de 2019. Título original: Autoreiji saishusho (Outrage Coda). Duración: 104 min. País: Japón. Dirección: Takeshi Kitano. Guion: Takeshi Kitano. Música: Keiichi Suzuki. Fotografía: Katsumi Yanagishima. Reparto principal: Takeshi Kitano, Toshiyuki Nishida, Tatsuro Nadaka, Ken Mitsuishi, Hakuryu,Okuji Nakamura, Sansei Shiomi, Yutaka Matsushige. Producción: Office Kitano. Distribución: Mediatres Estudio. Género: acción, thriller. Web oficial: https://www.m3estudio.com/outrage-3

Crítica: ‘John Wick: Capítulo 3’

Sinopsis

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El asesino de élite John Wick (Keanu Reeves) está huyendo. Ha matado a un miembro del gremio internacional de asesinos y el precio por su cabeza asciende a 14 millones de dólares. John Wick se ha convertido en el objetivo de los hombres y mujeres más despiadados de todo el mundo.

Crítica

Quién dijo que tres es el estándar, yo quiero cuatro

Llega la tercera parte de John Wick y no tenemos porque usar para nada la palabra trilogía, porque al igual que Baba Yaya esto no va detenerse, la saga no va a parar aquí. Usualmente en el cine las historias se suelen cerrar con tres entregas pero ya sabemos que lo del personaje de Keanu Reeves no es algo que se enmarque dentro de lo común o que respete reglas. Fuera de esta última entrega que nos trae eOne Films ya se están publicando cómics y con la conclusión de esta podemos adelantar que habrá continuación ya que Lionsgate, productora del filme, ha marcado el 21 de mayo de 2021 como fecha para su estreno.

‘John Wick: Capítulo 3’ o ‘Parabellum’ arranca directamente en el punto en el que terminó la segunda parte. Y lo hace con una acción inmediata. De este modo ya nos anuncia que lo que nos espera es una película trepidante, explosiva y muy cortante. Su violencia ha subido de nivel, es mucho más explícita y abundante. Sobre todo en sus inicios y en su secuencia final, aunque hay que hacer mención especial a la parte de Casablanca. Creo que no hacía falta esta nueva entrega para usar esta afirmación pero desde luego John Wick es ya un clásico del cine de acción contemporáneo.

Y se ha convertido en un fenómeno por su planteamiento cada vez más cercano al de un videojuego. No solo por la macarrada de banda sonora, quizá el punto en el que si es inferior a sus predecesoras. Nos puede parecer que tenemos un mando entre las manos por el esquema del largometraje: cinemática inicial, avalancha de enemigos, acción, recarga, más acción, nueva secuencia para hacer progresar la trama y vuelta a empezar. El filme se estructura así, nos arrolla con un continuo cambio de escenarios y solo nos da respiro con alguna secuencia larga que ralentiza o retrasa el regreso de los tiros y las cuchilladas. Podemos sentir la vibración de los disparos y contemplar cómo se acumulan los cadáveres. No me gustaría formar parte del equipo de limpieza de El Continental.

En esas innumerables secuencias cargadas de sangre y tiros es donde se ve el compromiso de Keanu Reeves y del director/especialista Chad Stahelski. No solo por la apuesta por un contenido agresivo o para adultos si no por la cantidad de enemigos entre los que se tiene que mover el asesino y por la dificultad de las coreografías a realizar, con perros inclusive. Siempre que hablamos de películas con acción, venganza y un contador de muertes alto nos vienen a la cabeza títulos como ‘Oldboy’. ‘John Wick 3’ no tiene aquellos icónicos travellings de Chan-wook Park pero si puede considerarse a la altura de esta en cuanto a su calidad visual y su implacable ritmo. Stahelski consigue esto manteniendo miembros de su equipo como el director de fotografía Dan Laustsen, lo cual le da a la saga sabor propio. Y a la vez esta serie de largometrajes es capaz de rememorar a títulos míticos como ‘El bueno, el feo y el malo’, ‘James Bond’ o ‘Matrix’.

Se ha incrementado la violencia, se ha aumentado la duración, se ha explorado el entramado de la organización asesina y crece el número de rostros conocidos. En cuanto a esto último tres de ellos nominados al Oscar: Halle Berry, Anjelica Huston y Laurence Fishburne. Y dos conocidos de ‘Juego de Tronos’: Ian McShane y Jerome Flynn. Incluso hace un cameo Robin Lord Taylor (el Pingüino de ‘Gotham’). Aunque quien más os va a gustar es Mark Dacascos que encarna a un implacable asesino que aún así es igual o más fan de John Wick que nosotros. Tenéis dos buenas precuelas, tenéis acción en modo siglo XXI, actores y actrices de renombre… ¿Os faltan más excusas para ir a verla?

Las maquinaciones de la Alta Mesa continúan y John Wick seguirá lidiando para sobrevivir en ese mundo en el que se encuentra sumergido. Este ‘Parabellum’ es el sumun para el asesino conocido como Baba Yaga y para una saga que se ha vuelto más intensa y ha ganado trasfondo con los detalles aportados. De consecuencias habla la película y la consecuencia es que habrá cuarta entrega, la quiero.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de mayo de 2019. Título original: John Wick: Chapter 3 – Parabellum. Duración: 130 min. País: EE.UU. Dirección: Chad Stahelski. Guion: Darek Kolstad, Shay Hatten, Chris Collins, Marc Abrams. Música: Tyler Bates, Joel J. Richard. Fotografía: Dan Laustsen. Reparto principal: Keanu Reeves, Halle Berry, Laurence Fishburne, Anjelica Huston, Ian McShane, Mark Dacascos, Asia Kate Dillon, Lance Reddick, Tobias Segal, Jerome Flynn, Saïd Taghmaoui, Randall Duk Kim. Producción: Lionsgate, Thunder Road Pictures, Summit Entertainment, 87Eleven. Distribución: eOne Films. Género: acción. Web oficial: https://www.johnwick.movie/

Crítica: ‘Ártico’

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La película narra la historia de un hombre y su lucha por sobrevivir en el Ártico, un paraje helado y hostil, donde tendrá que buscar refugio en los restos de un avión accidentado. Aprenderá a luchar contra el frío y las tormentas, a esconderse de los osos polares y a pescar su comida. Pero un evento inesperado le obligará a emprender una larga y peligrosa expedición para ser rescatado.

Crítica

Sus paisajes son tan grandes como su actor, éxito asegurado

El actor danés Mads Mikkelsen retorna a tierras norteñas para protagonizar en solitario ‘Ártico’. En este filme que ha sido rodado en Islandia interpreta a H. Overgård un piloto que se ha quedo incomunicado en medio del Ártico tras un accidente. No nos hace falta saber más de él pues directamente la película arranca con su día a día intentando salir adelante en medio del blanco desierto de hielo.

Esta es una película que va al grano, que sabe con lo que juega pues solo dispone de un protagonista y conoce los peligros a los que puede someter, tanto al espectador como a su protagonista. ‘Ártico’ es un filme tipo ‘Náufrago’ pero más dramático y rudo que no se distrae con soliloquios ni con comedia. Lanza algunos momentos irónicos y juega bien con su escenario para plantear diferentes situaciones y hacer progresar la trama de manera interesante y lógica. Entre eso y la duración escogida se puede decir que hay una gran labor de guión y montaje.

A parte del buen planteamiento del que dispone está su valioso protagonista. Mads Mikkelsen es el gran arma en una película donde otros muchos actores podrían haber flaqueado. Mantiene el tipo en todo momento y sabe contemporizar los sentimientos de un personaje que lo tiene todo en contra, de alguien que parece que no puede tener peor suerte. Mikkelsen puede ser famoso por hacer trabajos como ‘Doctor Strange’, ‘Polar’ o ‘Furia de Titanes’ pero no olvidemos que ha labrado su reputación con personajes como los de ‘La caza’ o ‘Hannibal’, de quien hereda aquí la «H» y una foto de joven para su personaje. Demuestra ser un actor más que polifacético y aquí nos da su lado más flemático pero limítrofe a lo desesperado, muy bien esbozadas las sensaciones por las que pasa el protagonista.

Joe Penna es el responsable de esta película. Pertenece a la nueva corriente de artistas que arranca su carrera subiendo sus obras a Youtube. Tras una serie de cortometrajes ha comenzado su andadura en cine con esta película de supervivencia que mantiene el nivel de suspense y drama durante todo su metraje y eso es mucho más de lo que podemos decir de algunas superproducciones. Saca partido tanto de los pequeños como de los grandes detalles y ahí es cuando se percibe un trabajo esmerado.

Merece la pena acudir a ver los magníficos gélidos parajes de ‘Ártico’ pues gracias a Mikkelsen y a la obra que le ha puesto Penna entre manos vais a salir bien parados de ellos.

Ficha de la película

Estreno en España: 31 de mayo de 2019. Título original: Artic. Duración: 97 min. País: Islandia. Dirección: Joe Penna. Guion: Joe Penna, Ryan Morrison. Música: Joseph Trapanese. Fotografía: Tómas Örn Tómasson. Reparto principal: Mads Mikkelsen, Maria Thelma Smáradóttir, Tintrinai Thikhasuk. Producción: Armory Films, Pegasus Pictures, Union Entertainment Group. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, aventuras. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/953/artico/

Crítica: ‘El hijo’

Sinopsis

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¿Qué pasaría si un niño de otro mundo aterrizara de emergencia en la Tierra, pero en lugar de convertirse en un héroe para la humanidad fuera algo mucho más siniestro?

Crítica

‘El hijo’ juega con un mito retorciéndolo a placer para el gusto del espectador más curioso

El mundo de los cómics siempre ha jugado con sus personajes para ofrecer distintos puntos de vista sobre estos o poder explorar a fondo todas las posibilidades de su personalidad o poderes. Incluso estéticamente los cambios de dibujantes en cada colección nos dan siempre una visión diferente de los superhéroes, por muy icónicos que estos sean. Pero hay historias que van aún más allá e incluyen cambios en su trama o variantes que tergiversan o desvían todo aquello que conocíamos creando un nuevo concepto. Eso es lo que siempre se ha conocido como un «What if…».

Un What if… mítico es aquel que proponía Mark Millar en ‘Superman: hijo rojo’ haciéndonos ver qué pasaba si Superman hubiese llegado a la tierra en un instante diferente y por lo tanto aterrizando en Rusia, convirtiéndose en un icono soviético en vez de norteamericano. En el caso de ‘El hijo’ la hipótesis no nos la plantean sobre el mito de Superman tan a las claras. Sin aludir directamente al superhéroe de DC cómics David Yarovesky nos presenta en su segunda película a un niño que llega de otro planeta y en lugar de comenzar a hacer el bien utiliza sus poderes para sembrar el terror. Las razones ya las descubriréis, lo que resulta interesante son las sensaciones que transmite el filme.

Este muchacho que va enmascarado con una capucha similar a la de El Espantapájaros, un clásico enemigo de Batman, nos da aquello que gozamos los seguidores del terror y la sangre. En una película con un toque de ciencia ficción y humor retorcido el pequeño dotado de poderes comienza pronto a inquietar tanto a los que le rodean como a la sala de cine. ‘El hijo’ es una película que no se anda con rodeos y que tiene claras sus pretensiones. No es apta para aquellos que no soporten ver imágenes impactantes y es un disfrute para los amantes de las versiones. Tiene escenas muy fuertes, que dejan boquiabiertos a los que nos gusta la casquería y revolverá las tripas a más de uno.

Más allá de la curiosidad de saber que esta es una película de Sony Pictures que «parodia» descaradamente a un personaje mítico de DC Comics (que lleva al cine siempre Warner Bros.) está el hecho de que tras las cámaras está produciendo James Gunn, director de ‘Guardianes de la Galaxia’. Pero lo más curioso es que el director, Yarovesky, fue actor en Guardianes, ejerciendo ahí de Ravager y yendo más allá puedo decir que la escena de los créditos está relacionada. Además los guionistas de ‘El hijo’ son Mark y Brian Gunn, primo y hermano de James Gunn. A si es que todo queda en familia, en un grupo íntimo de amigos y eso se ha notado en el resultado final del largometraje pues se percibe que literalmente se han dado el gustazo de proponer y hacer lo que les ha dado la real gana. Esta es una película que juega con un mito retorciéndolo a placer para el gusto del espectador más curioso.

Si la música de ‘Superman’ la compuso John Williams la de ‘El hijo’ la ha realizado Tim Williams. No es familiar de John y su composición no está a la altura ni mucho menos de la que acompañó en su día a Christopher Reeve pero si supone una buena obra a la hora de marcar el ritmo de un filme que se dedica a impactarnos con sus imágenes y a darnos más de un sobresalto. Y sobre todo a formar parte de un conjunto capitaneado por un jovencísimo Jackson A. Dunn, el cual ha controlado algo muy importante como las miradas para aportar un toque tanto turbador como maquiavélico.

Esta versión que puede situarse en la Tierra 3 de DC Comics donde nos encontrábamos una versión malvada o inversa de los superhéroes da para más películas. Ojalá ‘El hijo’ sea la madre de toda una nueva generación de secuelas con desfigurados antihéroes.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de mayo de 2019. Título original: Brightburn. Duración: 90 min. País: EE.UU. Dirección: David Yarovesky. Guion: Mark Gunn, Brian Gunn. Música: Tim Williams. Fotografía: Michael Dellatorre. Reparto principal: Elizabeth Banks, David Denman, Jackson A. Dunn, Matt Jones, Meredith Hagner. Producción: The H Collective. Distribución: Sony Pictures. Género: terror, drama, ciencia ficción. Web oficial: https://www.brightburn.movie/

Crítica: ‘Sombra’

Sinopsis

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El condado de Pei (Peixian) está bajo la administración de un rey salvaje y peligroso (Zheng Kai). El comandante militar de su ejército (Deng Chao), aunque ha demostrado su valía en el campo de batalla, se ve forzado a emplear toda clase de sucias estratagemas para poder sobrevivir a las traiciones que se suceden en la corte del rey.

Para ello ha creado una “sombra” (interpretada por el propio Chao), un doble que es capaz de engañar al mismísimo rey y a sus enemigos cuando la situación lo requiere. Cuando el rey y el comandante deciden asediar la ciudad amurallada de Jing, comenzará un combate sin igual que sacudirá los cimientos de la corte de Peixian.

Crítica

Con ‘Sombra’ regresa un Zhang Yimou en modo poético y fotográfico

Dos años después de aquella gran producción que se tituló ‘La gran muralla’, que trajo a España Universal Pictures y que a tantos decepcionó, Zhang Yimou regresa con ‘Sombra’, un título muchísimo menos pretencioso y espectacular. Su reparto está compuesto por caras bastante menos conocidas que las de Damon, Daffoe o Pascal y su presupuesto también es notablemente inferior, pero su resultado se hace más digerible.

Consigue vendernos ‘Sombra’ principalmente por su estética. Intenta retomar el espíritu visual de títulos que le otorgaron reputación y aplausos como ‘Hero’ o ‘La casa de las dagas voladoras’. Para ello Yimou ha vuelto a contar con el director de fotografía Zhao Xiaoding quien ya estuvo con él en ‘Las flores de la guerra’, ‘La casa de las dagas voladoras’, ‘La gran muralla’ o ‘La maldición de la flor dorada’. Nos atrae nada más ver que los fotogramas están compuestos básicamente por tonalidades grisáceas. Son imágenes casi en blanco y negro que llevan el contraste al límite. Solo la carne de las manos y la cara, la sangre que emana de las heridas, se escapa del domino de la escala de grises. El filme es como un lienzo o pergamino pintado con tinta china que lucha contra bloques de piedra pizarra o contra metal oscuro. Incluso el vestuario es la prolongación de esa estética que nos adelanta una pugna en la que nos va a costar diferenciar entre el bien y el mal.

El guión ‘Sombra’ es lo que más repele. La primera media hora se haría plomiza si no nos mantuviesen ensimismados con los exteriores o las estampas palaciegas que han elaborado. Porque casi todo el filme son intrigas, discusiones o discursos que parecen sacados de un poema trágico. Más adelante pasamos a una parte en la que ya empieza algo más de acción que implica la inclusión de las famosas artes marciales acrobáticas que siempre introduce Yimou. Para posteriormente si disfrutar de una escueta batalla y combate final. En resumidas cuentas y buscando referentes ‘Sombra’ es una mezcla entre ‘Hamlet’, ‘El Zorro’ y ‘El hombre de la máscara de hierro’.

Un escenario de fantasía con una historia que parece sacada de los anales de la antigua China. No sé si este cuento que nos ha traído Yimou tiene inspiraciones reales pero desde luego el cineasta sabe darle la profundidad de una historia auténtica. Se entretiene demasiado en darle voz a los monólogos de sus personajes y solo la poesía de sus imágenes o de sus escenas de lucha y música nos dejan mejor recuerdo en un filme que se queda a una buena distancia del mejor Zhang Yimou.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de mayo de 2019. Título original: Shadow. Duración: 116 min. País: China. Dirección: Zhang Yimou. Guion: Zhang Yimou, Li Wei. Música: Lao Zai. Fotografía: Zhao Xiaoding. Reparto principal: Deng Chao, Sun Li, Zheng Kai, Wang Qianyuan, Wang Jingchun, Hu Jun, Guan Xiaotong, Leo Wu. Producción: LeVinson Pictures, Village Roadshow Pictures Asia. Distribución: Vértigo Films. Género: acción, drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/sombra/

Crítica: ‘Pokémon: Detective Pikachu’

Sinopsis

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La historia arranca con la misteriosa desaparición del detective Harry Goodman que obliga a su hijo Tim, de 21 años, a averiguar lo que ha sucedido. El detective Pikachu, antiguo compañero Pokémon de Harry, va a ayudarle en su investigación. Se trata de un súper-detective adorable y muy divertido que asombra a todo el mundo, ¡incluso a sí mismo! Tim y Pikachu descubren que pueden comunicarse entre sí de forma absolutamente increíble y juntos emprenden una emocionante aventura para desenmarañar el extraño misterio. Buscan pistas por las calles iluminadas con neón de Ryme City, una enorme metrópoli moderna donde los humanos y los Pokémon comparten un mundo hiperrealista de acción real. Se encontrarán con distintos personajes Pokémon y descubrirán un escalofriante complot que podría destruir esta convivencia pacífica y amenazar a todo el universo Pokémon.

Crítica

Se propone ser divertida, mona y tontorrona y lo consigue

Los personajes creados por Ken Sugimori y Junichi Masuda han llegado a multitud de formatos. Desde las consolas portátiles, a la televisión, pasando por los cromos o los juguetes llegando hasta nuestros smartphones. Ahora se convierten en película de acción real. Rob Letterman, director de películas como ‘Pesadillas’, ‘El Espantatiburones’, ‘Monstruos contra alienígenas’ o ‘Los viajes de Gulliver’ se atreve ahora con un live action pero conservando la tónica infantil.

Más que infantil ‘Pokémon: Detective Pikachu’ se aproxima a un público adolescente. La baza más fuerte de esta película de Warner Bros. está en el doblaje de Ryan Reynolds  como Pikachu que por supuesto tiene que rebajar el nivel de lenguaje. Pasa de empalar enemigos en ‘Deadpool 2’ a poner voz de niño bueno para un personaje que pone ojos de codero degollado. Aún así su Pikachu es un buen sinvergüenza que nos hace reír con su descaro y su descontrolada lengua. Personaje que choca tanto en carácter como visualmente con el solitario y tímido muchacho interpretado por Justice Smith (‘Jurassic World: el reino caído’). Un contraste de  elementos ya empleado en películas como ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ o la más reciente ‘¿Quién está matando a los moñecos?’.

Eran imposibles las comparaciones con ‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ en cuanto empezamos a ver los primeros tráilers. Nos pasa eso incluso en cuanto arranca el filme y parece que la trama va a llevarnos por unos pasos delimitados por las enseñanzas del cine negro, por un guión inspirado en las novelas noir. Nos daban a entender que la franquicia se podría haber rendido a los trucos que empleó en su película Robert Zemeckis, pero no es del todo así.

‘Pokémon: Detective Pikachu’ si muestra todo un elenco de personajes que tiene el videojuego original. Si nos desconcierta con mogollón de criaturas, a las cuales se incorpora en la ciudad de Ryme City con mucha originalidad, luego… ¿cuál es la diferencia con otras películas que mezclan personajes imaginarios con reales? Básicamente las reglas del juego. Al fin y al cabo el filme acaba respetando todas las normas que se seguían tanto en la serie como en los videojuegos. Sigue siendo ese juego de rol donde conseguir criaturas a las que subir de nivel y con las que explorar un mundo para derrotar a otros. Pero además se incluye una ciudad donde los Pokémon y los humanos se miran de igual a igual. ‘Pokémon: Detective Pikachu’ puede ser confusa si no has jugado a ningún juego o si no has visto la serie porque no vas a saber de qué palo va este o aquel bichejo.

Ya hemos visto diseñados a los Pokémon de multitud de formas. En la película no hay ninguno que no esté bien hecho. La mayoría está diseñado para buscar el «oooh» entre el público. Son todos muy coquetos y en especial Pikachu están realizados con mucho detalle y candidez. Y esta es una película producida también por la Toho, creadora de Godzilla, a si es que imaginad lo que os espera. Hay escenas grandiosas y otras sencillamente tronchantes, como la que protagoniza Mr. Mime.

Por supuesto que hay guiños al material que tantos fans ha generado durante estas décadas. Canciones, imágenes, objetos y por supuesto criaturas. Esta película es una golosina para los coleccionistas de huevos de pascua y por descontado para aquellos que se enganchaban a los juegos solo por el mero hecho de recopilar todos los Pokémon. Ya me estoy viendo el innumerable número de artículos que van a surgir bajo el título «todos los Pokémon que aparecen en la película».

Henry Jackman sigue engrosando su lista bandas sonoras en superproducciones. Yo creo que la primera vez que de verdad me encandiló con un buen tema principal fue con la canción de ‘Kick-Ass’ o la de ‘X-Men: Primera generación’. Muchos más temas (y buenos) ha compuesto desde entonces pero en ‘Pokémon: Detective Pikachu’ ha hecho una banda sonora bastante estándar.

Ya he dicho que este filme no sigue del todo los pasos de películas como la de Zemeckis ni ha convertido a la franquicia Pokémon en una agridulce novela negra. Es una aventura con bastantes puntos que se ven venir y un tono bastante suavizado o ameno. Lo que no nos esperábamos era el final. Un desenlace que se antoja un tanto retorcido y al que muchos le encontraríamos otras soluciones o una lógica distinta. Recuerdo que en la novela de ‘Blade Runner’ los humanos tenían mejores o peores mascotas sintéticas por el mero hecho de que eso significaba tener un estatus social. En esta nueva versión de Pokémon los humanos se asocian a las criaturas de origen japonés por un motivo distinto pero que al fin y al cabo condena al ostracismo a aquel que se mantiene sin un compañero Pokémon. No es que ‘Pokémon: Detective Pikachu’ busque hacernos pensar como la novela de Phillip K. Dick pero su final también va a un punto un tanto incomprensible que da para haber generado alternativas a elegir antes de haber optado por una opción tan convencional o cogida con pinzas que desluce al resto del filme.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de mayo de 2019. Título original: Pokémon Detective Pikachu. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Rob Letterman. Guion: Dan Hernandez, Benji Samit, Rob Letterman, Derek Connolly, Nicole Perlman. Música: Henry Jackman. Fotografía: Oscar John Mathieson. Reparto principal: Justice Smith, Kathryn Newton, Ken Watanabe, Ryan Reynolds, Bill Nighy, Suki Waterhouse, Chris Geere, Karan Soni, Josette Simon, Diplo. Producción: Nintendo, Toho, Legendary Pictures. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: Web oficial: detectivepikachumovie.com

Reseña: ‘Star Wars’ nº 47

Argumento

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Vivimos un periodo de reconstrucción en la galaxia. Después de la victoria alcanzada en Jedha gracias a que la reina Trios traicionó al Imperio, la princesa Leia y Luke Skywalker, líderes de la Rebelión, junto con el contrabandista Han Solo, han seguido buscando una nueva base de operaciones al tiempo que continúan enfrentándose al gobierno tiránico del Imperio Galáctico.

Entretanto, Trios continúa fingiendo ser leal a los imperiales mientras se encuentra en Mon Cala, un planeta que está ocupado por el Imperio. Como Lee-Char, el rey mon-calamari, sigue encarcelado, su pueblo duda si debería unir su poderosísima flota galáctica a la de la causa rebelde.

Sin embargo, Leia tiene un plan para rescatar a Lee-Char y obtener así su apoyo. Ahora que han conseguido capturar al moff de Mon Cala y reemplazarlo por un cambiaformas clawdita, Leia, Luke y Han pretenden utilizar a su prisionero para liberar a otro…

Reseña

Progresa y navega adecuadamente

Abordamos la cuarta parte de ‘Motín en Mon Cala’. Los líderes de la facción rebelde, los héroes de la franquicia Star Wars, continúan con sus argucias para conseguir que una nueva raza acuática se una a su cruzada contra el Imperio. Como sabéis este tipo de historias no las hemos visto recreadas en el cine y los cómics son ese subterfugio al que acudimos desde que se inició la saga, el famoso universo expandido. Este vacío de historias que se llena con las viñetas o novelas y a veces resulta entretenido y otras únicamente anecdótico.

Hasta el momento este arco que tenemos entre manos es de los más políticos que ha tenido esta colección central de Star Wars. No señalo eso como algo malo pero si atípico o con peor acogida entre los fans de la saga. Kieron Gillen está aportando una vertiente más seria a la serie desde que cogió el relevo de Jason Aaron. Está aprovechando lo cosechado por este y clausurando la trama de alguno de los personajes que creó. Ese es el caso de la reina Trios, aquella a la que el dibujante español, Salvador Larroca, ha ilustrado con el rostro de la actriz Aura Garrido.

Como siempre Larroca nos rodea de rostros amigos (como indiqué en la anterior reseña) pero también de grandes escenarios, entre los que también volvemos a encontrarnos alguna que otra cantina más como señalé también en la anterior reseña. Os vais a poder recrear con el Moncaladromo, con la splash-page del ballet de magnetita…  Sobra decir que en máquinas o robots como C-3PO el artista valenciano es donde más se luce. Aunque también veréis como realiza un control de la escena y de las luces muy bueno cuando tiene que recrear una secuencia de acción bajo el agua.

Porque por fin vamos teniendo algo de acción. Aquellos que demandéis algo más de movimiento en este número lo tendréis. Además de algo de tensión añadida en las dos tramas abiertas para los dos equipos en los que se han divido los protagonistas. Por un lado los que se han quedado con el farsante que se hace pasar por un Moff del Imperio y por el otro los que se cuelan en una prisión Imperial para rescatar al rey de la facción a la que quieren adherir a su causa.

Va a mejor esta entrega que nos deja con un cliffhanger para su tramo final. Aunque al transcurrir entre los episodios IV y V de Star Wars conocemos su desenlace sí que será curioso ver como se desenvuelven en esta aventura submarina, sobre todo por el destino de sus personajes nuevos.

Ficha del cómic

Guionista: Kieron Gillen. Dibujante: Salvador Larroca. Color: Guru-eFX. Portada: David Marquez, Matthew Wilson. Editorial: Planeta Cómic. Datos técnicos: 32 págs., grapa, color, 16,8 x 25,7 cm. Publicación: mayo 2019. Precio: 2,50€.

Crítica: ‘La tragedia de Peterloo’

Sinopsis

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‘La tragedia de Peterloo’ es la representación épica de los hechos ocurridos en la Masacre de Peterloo de 1819, en la que una manifestación pacífica a favor de la democracia en Manchester se convirtió en uno de los episodios más sangrientos y notorios de la historia británica.

Las fuerzas del gobierno británico cargaron contra una multitud de más de 60.000 personas que se habían reunido para exigir una reforma política y para protestar contra el aumento de los niveles de pobreza.

La tragedia de Peterloo fue un momento decisivo en la democracia británica y fue el inicio de la fundación del periódico The Guardian.

Crítica

Minuciosamente recreada pero también extensamente explayada

La historia nos ha enseñado a aprender de nuestros errores y a tratarnos a todos por igual. Mike Leigh nos da un repaso de crónicas inglesas en ‘La tragedia de Peterloo’ muy relacionada con los derechos humanos y con la democracia, algo que entronca con el agitado panorama actual en Europa y en concreto en el Reino Unido. Peterloo no hace referencia a una pugna por la independencia y el famoso Brexit pero si es transcurre tras una guerra de Independencia, la de España.

Tras la guerra contra Napoleón por todo el continente europeo las tropas inglesas comandadas por el Duque de Wellington regresaron a su país. El filme comienza en ese punto en el que vemos como los soldados retornan dificultosamente a pie mientras que los gerifaltes van recibiendo cómoda y rápidamente sus recompensas o nuevos cargos. A la vez observamos como el sistema judicial o la patronal castiga duramente a la clase baja en la crisis que siempre sucede a toda guerra. Tras seguir los pasos de un cansado soldado conocemos a su trabajadora madre y con ella a su marido empleado en una  fábrica que le ha reducido el salario y con él al patrón compinchado con los jueces y la clase alta. Mientras el hambre apremia el pueblo demanda poder de decisión sobre su país y nos presentan a quienes se postulaban como posibles representantes de la clase trabajadora. Se convocó en Manchester, en St. Peter’s Field, una manifestación pacífica para pedir entre otras cosas el sufragio universal. Reunión que como podéis imaginar por el título no acabó muy bien.

Leigh no abandona su costumbre de hacer crítica a la situación de la clase baja o media obrera. Nos aborda con muchas vistas a pie de calle, con un marcado carácter social y de época. Empieza haciendo un buen contraste de clases, donde hasta enfrenta la andrajosa casaca del soldado traumatizado con los elegantes fracs. Pero el filme es tedioso pues supone una concatenación de personajes a cada cual más larga. ‘La tragedia de Peterloo’ no entiende de elipsis o de secuencias resumen. Tiene largas charlas y discursos que se pueden hacer insustanciales a pesar de su contenido universal. Recorre cada estrato de la sociedad y de la ciudad de Manchester hasta el más mínimo detalle. Desde los excesos del príncipe regente hasta las labores de las fábricas textiles, a las cuales irónicamente les aseguró en esos días el trabajo el Duque de Wellington pues les «eliminó la competencia» bombardeando las de Béjar (Salamanca) tras liberarlas de los franceses.

No abandona el director su costumbre de hacer películas largas. Casi siempre que hace un largometraje para cine Mike Leigh sobrepasa las dos horas de duración. Y en ‘La tragedia de Peterloo’ lo hace con creces. Ese es el problema acentuado que tiene esta película. Leigh ha pasado buena parte de su carrera trabajando haciendo telefilms y ‘La tragedia de Peterloo’ puede servir como tal. Nos lo podrían servir en dos partes, sábado y domingo de sobremesa. Al final de la cinta nos quedamos con la sensación de que no nos han contado verdaderamente mucho ni hemos tenido ningún protagonista verdadero.

Miento, algo si nos cuenta. Hay un grupo de personajes que con su imprenta de tipo móvil movilizó a la población y mantuvo informada a las masas. Por entonces no se llamaba así pero el filme cuenta el origen del periódico The Guardian. No se menciona ese hecho como tal, si se remarca la importancia del periodismo en una floreciente democracia. Y fueron los periodistas como pasa casi siempre quienes dieron nombre al suceso allí acaecido, Peterloo, un Waterloo en St. Peter’s Field. Una ironía más acentuada y que a veces tiene Leigh en sus películas, no en este filme que ha estado ausente de su mordacidad.

Lo que sí es excelente es la ambientación. Es magnífica la recreación de la época en la que nos sumerge ‘Peterloo’. Sería de necios negar que el vestuario, los objetos, los exteriores o las armas empleadas en el filme son de primera calidad. Pero no solo eso. Cada personaje tiene su dialecto o su ambiente que también nos habla no solo de la época en la que nos encontramos, si no de la clase en la que nos sumergimos en cada escena. A si es que queda clara que la intencionalidad del filme es recalcar que siempre ha habido categorías.

Leigh ha rodado a cerca del Manchester donde vivió su padre. Ese Manchester industrial repleto de fábricas que llegaba en crisis a finales de la revolución industrial. Hace doscientos años allí se vivió una manifestación que más que una concentración pacífica se convirtió en un encierro de vaquillas donde los perseguidos eran los futuros votantes y las bestias los soldados azuzados por las autoridades. Un hecho que fue definitorio para comenzar a reformar la política británica. Un punto trascendental que para algunos expertos ingleses sentó un antes y un después, no causará ese efecto en nuestro cine ni creo que tampoco lo haga en la carrera de Leigh.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de mayo de 2019. Título original: Peterloo. Duración: 154 min. País: Reino Unido. Dirección: Mike Leigh. Guion: Mike Leigh. Música: Gary Yershon. Fotografía: Dick Pope. Reparto principal: Rory Kinnear, Maxine Peake, Neil Bell, Philip Jackson, Vincent Franklin, Karl Johnson, Tim McInnerny. Producción: BFI Film Fund, Film4, Thin Man Films. Distribución: Diamond Films. Género: hechos reales, drama. Web oficial: https://twitter.com/PeterlooFilm

Reseña: ‘Hellboy Volumen 3’

Argumento

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La edición definitiva de las historias del demonio rojo creado por Mike Mignola llega a su último volumen cerrando la gran saga de Hellboy para dar paso a la nueva saga que dará comienzo próximamente con la nueva serie Hellboy en el infierno. Una edición integral en cartoné forrado con tela que incluye más aventuras de Hellboy ilustradas por Mike Mignola, Duncan Fegredo, Richard Corben, Kevin Nowlan y Scott Hampton. Y además una amplia galería de bocetos y comentarios, e introducciones de Scott Allie, Jane Yolen, Mark Chadbourn y Glen David Gold.

Reseña

Un broche final mitológico y sin tapujos

Hace tiempo que este tomo apareció en tiendas de la mano de Norma Editorial y ahora con el reinicio cinematográfico de Hellboy está en boca de todos los lectores de cómics. Los números que aparecen en este tercer recopilatorio son los que se adaptarán a la gran pantalla y son entregas que llevan desde 2007 haciendo las delicias de los fans del terror, las aventuras, los cuentos y la acción. Por supuesto todo fan de Mike Mignola debe tener estas historietas y aquel que quiera conocer el destino de Hellboy ha de leerse estas páginas pues lo que aquí se cuenta es clave para entender cuál es el pasado y futuro de este simpaticón personaje.

El tomo se divide en dos partes. En primer lugar tres relatos (los que se llevarán al cine) que cierran la trama central del héroe y que unen todo lo narrado en números anteriores. Si no eres lector de los cómics de Hellboy puede que pierdas algún que otro detalle. El resto del volumen son relatos inconexos que se pueden leer por separado y que se degustan de manera independiente. Para finalizar el ejemplar la editorial incluye el contenido extra que comentaré al final de la reseña.

Con Hellboy Mignola creó un personaje atípico, un diablo nunca visto, que llevaba tiempo viviendo y trabajando en la tierra para proteger a los humanos. Un empleado oculto del gobierno que pretendía encajar en la sociedad como uno más siendo claramente diferente y al que todos le dicen qué es lo que debe de hacer. Con las historias que leemos en este tomo se cierra una etapa de este rarísimo personaje y se abre un nuevo ciclo que también es bastante diferente. ‘La oscuridad llama’, ‘La cacería salvaje’ y ‘La tormenta y la furia’ son el epílogo de un Hellboy que se encuentra fuera de ADIP (Agencia de Investigación y Defensa Paranormal). Rojo ha dejado la agencia y deambula por el mundo buscando su seña de identidad y afrontará su final a su manera. Como veis esto puede entroncar también con la conclusión de la última película de Del Toro a si es que los fans pueden coger este libro y de algún modo acabar la trilogía que nunca se cerró.

Mignola enlaza estupendamente todas sus historias anteriores para dar vida a una última villana (a quien dará vida en el cine Milla Jovovich). Este tomo contiene la historia más grande que Mignola haya escrito nunca sobre Hellboy. Siete años de escritura, dos bloques llenos de aventuras culminados con ‘La tormenta y la furia’. Como siempre nuestro campeón puño de piedra y deslenguada boca está rodeado de nazis, seres mitológicos nórdicos, celtas, demonios, brujas y esqueletos. En el guión no faltan conjuros, maldiciones y flechas contrarrestadas con bromas y gabardinas rasgadas. Pero lo más importante es que esta es una historia de traición, tradición, persecuciones y por supuesto de magia o profecías. Hellboy siempre rema a contracorriente de su destino. La única pega o gran contrariedad, a mi modo de verlo, llega cuando se revela una de las grandes verdades a cerca del pasado de Hellboy. Muy ceñida a tópicos y a leyendas manidas.

Aún así, fundamentada en una leyenda típica o no, este no es un lance trivial, es la historia de Hellboy dando la cara a su propio destino, a su sino. Por primera vez no esquiva el motivo que le trae al mundo ni hace caso omiso de sus raíces, no pretende ser un mero trabajador de lo sobrenatural, sino marcar la diferencia entre una guerra que puede suponer el fin o la salvación de la humanidad. Ni que decir tiene que es un climax importante en la saga del personaje por lo que este tomo es indispensable y resulta algo difícil de abarcar sin haber leído sus relatos anteriores como puntualizaba antes.

Los tres primeros relatos están ilustrados por Duncan Fegredo (‘Lucifer’). El artista imita muy bien el estilo de Mike Mignola. El clásico trazo sencillo, poligonal y básico de Hellboy está ahí, además bien coloreado como siempre por Dave Stewart. Pero Fegredo añade más detalles y complejidad al dibujo sin que Hellboy pierda su esencia, sin que se malogre el estilo de su padre. Las viñetas están más tupidas, en algunas se pierde la tradicional oscuridad pero a cambio se gana riqueza de fondos y texturas.

Los otros cuentos están dibujados por el propio Mignola, Richard Corben (‘Hellblazer’), Kevin Nowlan (‘Doctor Strange’) o Scott Hampton (‘Sandman’). Cómics con un estilo visual marcadamente distinto pero que son aventuras que conservan el carácter sobrenatural y pasota de este rojizo héroe. No os van a dejar indiferentes y no os deberíais dejar ninguno de ellos sin leer.

Tanto en las tres primeras historias, como en los cuentos sueltos, como en los bocetos hay mucha riqueza argumental y trasfondo que le confieren a la obra de Mignola un halo de mitología que le ha valido ejércitos de adeptos.

Al final del tomo hay infinidad de bocetos en los que los dibujantes nos explican porque eligieron un diseño u otro. Norma nos incluye bosquejos previos, comentarios, anotaciones, borradores, ilustraciones… Información muy útil para quien quiera saber cómo se construye un cómic y en concreto cómo ha ido elaborándose, sobre todo visualmente, este tramo de la historia de Hellboy. Un tramo que se graba en la retina y en el recuerdo.

Ficha del cómic

Guion: Mike Mignola. Dibujo: Mike Mignola, Kevin Nowlan, Duncan Fegredo, Richard Cordben, Scott Hampton. Color: Dave Stewart, Kevin Nowlan. Editorial: Norma Editorial. Datos técnicos: 856 págs., cartoné, forrado con tela, con cinta marcapáginas, 17x26cm. Publicación: diciembre de 2018 (tercera edición España). Precio: 39,95€.

Crítica: ‘Los hermanos Sisters’

Sinopsis

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Corre el año 1850. Charlie y Eli Sisters (Joaquin Phoenix y John C. Reilly) viven en un mundo salvaje, en plena fiebre del oro. Son pistoleros y ambos tienen las manos manchadas de sangre. Aunque daría todo por su hermano pequeño, el introspectivo Eli (Reilly) sueña con poder llevar una vida normal. Un encargo de El Comodoro, que quiere eliminar a un químico buscador de oro, les llevará de Oregón a California en un viaje iniciático que pondrá a prueba el vínculo entre los dos hermanos.

Crítica

Maravilloso plantel de actores dentro de una gran historia

El director Jacques Audiard nos trae a las salas a ‘Los hermanos Sisters’, su primera cinta rodada en inglés. Basada en la novela de Patrick DeWitt donde conocemos a dos asesinos a sueldo en busca de un curioso tesoro.

Dos historias entrelazadas son las que componen esta cinta, una de ellas es el camino que recorren los hermanos Sisters para lograr encontrar al detective John Morris y a Hermann Kermit Warm. Mientras que en paralelo y un poquito más aventajados tenemos a estos dos personajes con un misterioso plan.

No quiero contar mucho más, el oeste, la búsqueda de oro en los ríos, los duelos, son parte de esta cinta, donde la amistad, el amor fraternal, ansia de libertad e intentar cambiar el mundo son los grandes protagonistas.

Tengo que decir que el reparto es de lo mejor, tenemos a Joaquin Phoenix y a John C. Reilly que nos presentan a estos dos hermanos, el primero lleno de rabia y violencia, ve el mundo fácil con un arma en la mano. Eli Sisters (John C. Reilly), nos demuestra al hermano más templado y con más ganas de descansar de esa estresante vida que llevan.

Al otro lado tenemos a John Morris, interpretado por Jake Gyllenhaal, un hombre que cambia del todo al conocer a Herman Kermit Warm (Riz Ahmed) y su curiosa historia. Ambos ya trabajaron juntos en ‘Nightcrawler’ y se deja ver esa complicidad en pantalla.

Gracias al buen trabajo del reparto, la película se hace muy creíble, además de la estupenda narración no solo por parte del guión, sino visualmente. Como curiosidad, comentar que no se ha rodado nada en Estados Unido, si no que los paisajes que vemos en la cinta son de Francia, España y Rumanía.

A todo esto, añadimos la fantástica música de Alexandre Desplat y podemos decir que la película es bastante redonda.

Como he dicho la narración de la película es muy buena, la dirección ayuda en esto, nos van intercalando ambas historias para poder unirlas en un momento determinado y a partir de ahí contarnos una nueva narración donde los personajes van evolucionando según los nuevos acontecimientos. 

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de mayo de 2017. Título original: The Sisters Brothers. Duración: 121 min. País: Francia, EE.UU., España, Rumanía. Dirección: Jacques Audiard. Guión: Jacques Audiard, Thomas Bidegain. Basado en la novela de Patrick DeWitt. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Benoît Debie. Reparto principal: Joaquin Phoenix, John C. Reilly, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed, Rutger Hauer. Producción: Annapurna Pictures, Apache Films, Les Film du Fleuve, France 2 Cinema, UGC Images, KNM. Distribución: Avalon. Género: western. Web oficial: http://www.avalon.me/distribucion/catalogo/los-hermanos-sisters

Crítica: ‘Leonardo V centenario’

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Leonardo Cinquecento es la historia de un viaje de descubrimiento del pensamiento y el legado científico de Leonardo da Vinci. Partiendo de sus códices, completamente digitalizados y analizados gracias a la inteligencia artificial, demuestra cómo sus ideas siguen siendo válidas y son la base de las investigaciones y producción contemporáneas.

Crítica

Repaso refinado pero no exhaustivo de quinientos años de influencia

Hace ya quinientos años que Leonardo Da Vinci falleció en Amboise, Francia. Cinco siglos desde los cuales mucho ha podido decirse de este polivalente intelectual, estandarte del Renacimiento. Libros, documentales, películas, artículos, reportajes, estudios… sobre Da Vinci hay poco que no se haya hecho ya. Pero… ¿qué ha hecho su obra por nosotros? Eso es lo que plantea el documental de Francesco Invernizzi. O esa es la premisa que parecía ser el germen de esta película que prometía ser una película un tanto diferente.

La cuestión es que el documental promete explotar las imágenes digitalizadas de los famosos códices (que son propiedad y están expuestos en la Biblioteca Nacional de España), las cuales va a analizar para enlazarlas con las influencias de Leonardo Da Vinci en nuestra época. Pero su contenido no parece ser el foco de atención de esta película que por cierto solo podrá ser vista en cines el 6 y 7 de mayo.

El filme está narrado a dos voces. Una de ellas es la de un narrador que nos guía cronológicamente por la vida del ingeniero, artista, investigador, botánico, filósofo… La otra pone voz a las palabras de Da Vinci. Pero lo hace de un modo excesivamente poético. ‘Leonardo V Centenario’ es una obra que se dedica a albar a este mito italiano. Por lo tanto ensalza su leyenda con preciosismo más que con de un modo riguroso o con detalle científico.

‘Leonardo V Centenario’  no funciona como un compendio de toda su obra, la cual por otro lado se antoja también inabarcable. Intenta buscar sentido a su trabajo y falla a la hora de cumplir su objetivo de servir como nexo entre su creación en el Renacimiento y los progresos que puede haber inspirado hoy en día. Esto es debido a que el documental redunda una y otra vez en su obra pictórica o en su capacidad para generar artilugios bélicos descuidado otros muchos campos de estudio a los cuales estuvo mucho más entregado. De hecho se entretiene mucho en desgranar los detalles de algunos de sus lienzos y se deja en el tintero infinidad de ingenios que fueron auténticos progresos aún para los más adelantados de su época.

Por otro lado también considera sus fracasos o intentos. Aquellos estudios que se quedaban en aguas de borrajas. Proyectos que hoy si tienen símiles funcionales como el helicóptero, el cual asocia a los italianos y se olvida de ligar a Juan de la Cierva. Porque otra cosa de la que peca bastante este documental es de ser muy italiano.

A parte de las dos personas que oímos a lo largo de toda le película se entrevista a expertos de distintas materias como la pintura, la aviónica o la construcción que nos hablan sobre los logros de Da Vinci y sobre cómo hoy en día se aplican sus enseñanzas. También con añoranza en varias ocasiones Invernizzi puntualiza que Da Vinci era un adelantado a su época que podría haber hecho aún más de haber contado con las ventajas que nos brindaron revoluciones producidas por las máquinas de vapor. Quizá era alguien nacido antes de tiempo o quizá fue quien fue por haber sido un curioso empedernido que creció viendo las obras de Verrocchio o Brunelleschi.

Siempre que uno ve algo sobre Leonardo Da Vinci se pregunta de dónde sacó tiempo para producir tanto, de tan diferente índole y de tan alta calidad intelectual o artística. Aunque este documental vuelva una y otra vez a la pintura al menos nos deja claro que tocó también la mecánica, la escultura, la arquitectura, la metalurgia, la física, la anotomía… Se ven las imágenes de sus esbozos y escritos de sus anotaciones agrupadas en sus manuscritos y yo por otro lado os recomiendo ver con más detalle los códices aquí.

Quizá es porque soy muy seguidor del legado de Da Vinci y me he instruido siempre que he podido por lo que estoy en posición afirmar que el documental no suma nada nuevo. Para aquellos que no hayan explorado mucho su figura si me parece una buena introducción o como pieza para incluirla en un museo también cumple una labor divulgativa. Pero ‘Leonardo V Centenario’ no me resulta un buen trabajo conmemorativo para los quinientos años de su muerte ni considero que sea científicamente completa pues se deja mucho por el camino por culpa de insistir demasiado en algunas cosas.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de mayo de 2019. Título original: Leonardo Cinquecento. Duración: 90 min. País: Italia. Dirección: Francesco Invernizzi. Guion: Alice Gambara, Stefano Paolo Giussani, Marcello Gobbi, Gianluca Dario Rota. Música: Diego Ronzio. Fotografía: Massimiliano Gatti.  Producción: Magnitudo Film. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial: http://www.magnitudofilm.com/works/leonardo/

Crítica: ‘UglyDolls. Extraordinariamente feos’

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Hace muchos años, se crearon los muñecos para dar felicidad a todos los niños del mundo. ¿Pero alguna vez te has preguntado de dónde vienen? Viven en una ciudad mágica donde todo es perfecto.

Por el contrario, los UglyDolls, los muñecos de peluche imperfectos viven en Feolandia. Un mundo en el que nadie les juzga y en el que se sienten felices y protegidos.

¿Qué pasaría si estos dos mundos se unieran? Prepárate para esta divertida y loca UglyAventura.

 

Crítica

Una gran aventura donde la amistad y el valor van de la mano

Comenzamos en una fábrica de muñecos perfectos, donde los descartes son enviados desde la cadena de montaje hacia Feolandia, donde viven unos muñecos no tan perfectos pero si felices y unidos. Moxy, Perrofeo, Ox, Suertudo, son alguno de estos Uglydolls, llenos de vida que van a ir a por todas para poder tener un niño al que dar cariño.

La película es muy divertida, está claro desde el principio para el público al que va dirigido, los niños van a disfrutar con su gran cantidad de color, la simpatía y las canciones que aparecen en la película.

Estos muñecos fueron creados por David Jorvath y SunMin Kim.  Marca que rápidamente se hizo famosa en todo el mundo y que en 2006 fue nombrada Muñeco del Año por la Asociación de la Industria del Muñeco en 2006.

En el doblaje original Moxy la protagonista, tiene la voz de Kelly Clarkson, mientras que en castellano tenemos a Nerea Rodríguez, que le da un tono muy cálido al muñeco y muy dulce, cosa que hace muy real el personaje, aparte que está muy bien doblado. Lou, el malo de la cinta, es Nick Jonas, mientras que en castellano tenemos a Blas Cantó, que sinceramente lo borda. La que más me ha chirriado en su doblaje es Chenoa, en su versión original tenemos a Janelle Moné, no porque doble mal a su personaje, sino porque no me pegaba su voz para la muñeca a la que doblaba. El único que repite tanto en la versión original como en la doblada es Pitbull, la verdad que no destaca demasiado en su papel de Perrofeo.

Aquí mucha gente se estará llevando las manos a la cabeza con el tema del doblaje, supongo que esta vez han cogido a gente conocida en el mundo de la música porque la película tiene muchísimas canciones estilo pop y sin duda las interpretan genial.

Pero no solo el doblaje me ha convencido, técnicamente la cinta está muy cuidada, las texturas de los muñecos están perfectamente plasmadas en la pantalla y aunque estés viendo una animación, da una sensación más realista.

El filme está dirigida por Kelly Asbury, director de ‘Gnomeo y Julieta’ y sin duda sabe muy bien lo que hace, los niños van a salir encantados con esta cinta llena de color y melodías. Eso sí, que se preparen los papas y mamas ya que estos UglyDolls se van a convertir en el regalo estrella en todos los cumpleaños infantiles. 

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de mayo de 2019. Título original: UglyDolls. Duración: 87 min. País: Estados Unidos. Dirección: Kelly Asbury. Guión: Alison Peck, Erica Rivinoja, Vivian Wang. Música: Christopher Lennertz. Animación: Guilluame Arantes. Reparto principal: Kelly Clarkson / Nerea Rodríguez, Nick Jonas / Blas Cantó, Janelle Monáe / Chenoa, Pitbull. Producción: Robert Rodríguez, Jane Hartwell, Oren Aviv. Distribución: Diamonds Films. Género: Animación. Web oficial: https://www.uglydolls.com/

Crítica: ‘Vitoria, 3 de marzo’

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El 3 de marzo, tras varios meses de huelga en demanda de aumentos salariales, las comisiones representativas de trabajadores en la empresas en lucha habían convocado una jornada de paro general en Vitoria, una ciudad donde se había creado un movimiento asambleario que preocupaba al Gobierno, temeroso de que pudiera extenderse al conjunto del Estado español.

En la iglesia de San Francisco del barrio obrero de Zaramaga, miles de trabajadores y trabajadoras se reunieron en asamblea. En el exterior se congregaron muchas persona más y, en medio, se situó un centenar de agentes de la Policía armada.

Durante los sucesos del 3 de marzo de 1976 en Vitoria, cinco trabajadores resultaron muertos a manos de la Policía tras una larga huelga. Begoña, una joven de clase media, vivirá en primera persona aquellos hechos que sacudieron «una ciudad donde nunca pasa nada». En un conflicto cada vez más enconado, tanto ella como su familia tendrán que elegir de qué lado colocarse. Finalmente, tras la masacre, Begoña, la ciudad y el conjunto del país no serán nunca más los mismo.

 

Crítica

Un trocito de nuestra historia que todo el mundo debería conocer y no olvidar

Hay muchos retazos de la historia que no conocemos y más aún de la nuestra propia, ya que el cine se suele centrar en la Guerra Civil como si fuese el único evento bélico que hemos vivido. Hay pequeñas historias que merecen ser contadas y escuchadas y sin duda ‘Vitoria, 3 de marzo’ es una de ellas.

Admito que yo no conocía este hecho y me ha dejado sin palabras. La película nos trae a una familia normal para contarnos todo lo acaecido los días anteriores a la huelga general del 3 de marzo de 1976 y por supuesto el día mismo.

Una joven estudiante que está descubriendo la vida, sus emociones e ideales al lado de gente de su edad y con muchos sueños por delante. Un padre que ha perdido toda la ilusión con tal de lograr que su familia coma, una madre amargada que hará de todo para poder sobrevivir y ayudar. En un momento te explican toda la situación que hay en Vitoria a través de los ojos de estos tres grandes personajes.

Víctor Cabaco hace un trabajo espectacular para ser su primer largometraje, me ha parecido una maravilla su dirección y la manera de contar esta historia que hay veces que parece un documental. Esto es gracias a toda la información que ha recabado y como los utiliza en el film.

Una de las cosas que más me ha impresionado, han sido las escuchas de los policías que vamos oyendo al final de la película, son reales y ponen los pelos de punta. Frases como «Hemos contribuido a la paliza más grande de la historia» se quedan grabadas durante un buen rato en la cabeza después de escucharlas. Creo hayan utilizado ese recurso hace que el climax final nos deje a todo el público sin palabras, aparte de que vas viendo como trataron a todo aquel que estuvo en la huelga general.

Pero no solo utiliza este recurso para que la sintamos más real y como he dicho antes, casi documental, también la ambientación de las casas, el vestuario e incluso a la música que estos manifestantes escuchaban como A galopar de Paco Ibáñez y Rafael Alberti, o Campanades a morts, compuesta por Lluís Llach tras los hechos ocurridos el 3 de marzo.

En el reparto vemos caras conocidas y no tanto, pero si que el nivel está muy alto en esta película. Ruth Díaz, nos ofrece a una mujer que tiene que dar demasiado en una familia bastante rota por todo lo que está pasando, nos deja un papel muy fuerte capaz de hacer lo que sea para ayudar. Alberto Berzal es el encargado de hacer de padre de familia y adentrarse en la boca del lobo para poder mantener todo en orden. Amaia Aberasturi, una joven con unas idea muy idealizadas y con ganas de luchar, me ha gustado mucho su actuación, evoluciona de manera rápida pero con lógica, es una mujer que está creciendo y tiene todos sus pensamientos y sentimientos a flor de piel.

Mikel Iglesias, no es parte de esta familia pero si entra fuerte en ella al estar saliendo con Begoña el personaje de Amaia Aberasturi, una idealista que hará que la huelga se lleve a cabo.

Para terminar, la película está dedicada a los cinco fallecidos aquel día, tres fueron durante las cargas policiales en el momento y dos de ellos murieron días después por culpa de los golpes. Pedro María Martínez, Francisco Aznar Clemente, Romualdo Barroso Chaparro, José Castillo y Bienvenido Pereda.

 Ficha de la película

Estreno en España: 1 de mayo de 2019. Título original: Vitoria, 3 de marzo. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Víctor Cabaco. Guión: Juan Ibarrondo, Héctor Amado. Música: José Luis Canal. Fotografía: Gaizka Bourgeaud. Reparto principal: Amaia Aberasturi, Ruth Díaz, José Manuel Seda, Alberto Berzal, Mikel Iglesias, Iñaki Rikarte, Oti Mazano, Iñigo de la Iglesia, Asier Macazaga. Producción: Sonora Estudios, Gariza Films. Distribución: Filmax. Género: drama histórico. Web oficial: https://vitoria3demarzo-lapelicula.com/

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