‘El vicio del poder’ explora la historia real jamás revelada sobre cómo Dick Cheney (Christian Bale) un callado burócrata de Washington, acabó convirtiéndose en el hombre más poderoso del mundo como vicepresidente de los Estados Unidos durante el mandato de George W. Bush, con consecuencias en su país y el resto del mundo que aún se dejan sentir hoy en día.
Crítica
McKay se consuma como un gran narrador y crítico de la Norteamérica contemporánea
Es un clamor que Christian Bale es un grandísimo actor, ya no solo por los premios que acapara, entre ellos un Oscar, sino por su capacidad para transformarse en otras personas hasta el punto de comprometer su propia salud o el aspecto de su cuerpo. Lo suyo más que una habilidad camaleónica son aptitudes de mímesis. Se mezcla con la historia de su personaje y con el entorno o reparto que ponen a su disposición. Esta vez, jugándose la salud hasta un límite opuesto al que llegó con ‘El maquinista’, sigue los pasos de uno de sus mentores, Gary Oldman, y se convierte en un político al que siempre hemos visto de buen año, Dick Cheney.
Bale es un tipo de extremos, de método. Aunque en ‘El vicio del poder’ le vemos con mucho maquillaje ha tenido que convertirse en un auténtico zampabollos para ganar peso. Con ese aspecto físico conseguido solo le quedaba calcar los ademanes del vicepresidente de George W. Bush hijo. Desde los andares hasta su tunante risa ladeada vemos al personaje hecho realidad. Pero no solo de Christian Bale es meritorio de ese logro. Otros actores como SamRockwell, Amy Adams o Steve Carell nos esbozan maravillosamente a las personas a las que interpretan, especialmente Rockwell que encarna ese sandio, embaucador y engreído que era Bush. Si la cinta deja claro que Bush llegó donde llegó por la gente que le rodeó también nos remarca que Cheney tenía en todo momento a su esposa que le aleccionó para llegar a las más altas esferas.
Ni de lejos esta película se apoya solo en sus intérpretes. ‘El vicio del poder’ es tan buena porque la ha elaborado un gran contador de historias. Si los estadounidenses son expertos en saber contarnos sus propias crónicas Adam McKay ya es un artesano en ese campo. Elabora un discurso bien estructurado, fácil de seguir y en muchos puntos revelador. Todos los actores de su equipo o han trabajado juntos o con el director en otras películas. Sobre todo hay que tener en cuenta el anterior título de Adam McKay, ‘La gran apuesta’, que tiene un carácter similar y que cuenta también con Bale y Carell.
La película está trabajada a través de la comedia y el biopic, desde una orientación política clara pero sin los métodos agresivos de un extremista. Es menos combativa que las obras Michael Moore pero desde su lectura también hace uso de una gran sátira. Se palpa mucha improvisación en las escenas, pero también premeditación en un guión en el que se reconoce ya una marca de la casa, un estilo reclamado por McKay. La complicidad del reparto también es evidente, imagino que el rodaje debe haber ido como la seda.
De antemano el director y guionista nos manifiesta con humor cuáles son sus intenciones e inclinaciones políticas, así como que hay algo de ficción en la cinta dada la inaccesibilidad de su protagonista. Pero por si acaso no queda claro en los post-créditos no los remarca. Espero con total sinceridad que esta película sirva para que en nuestro país muchos puedan hacer examen de conciencia, para que establezcan los claros paralelismos que tiene. Este filme nos habla de las responsabilidades de los políticos, de las repercusiones históricas de sus actos y decisiones, así como de aquellos que les votan. El título hace referencia no solo al ansia de poder de los mandamases, sino también del pueblo que escoge a quién le gobierna guiándose por la necesidad de nutrir su hambre de superioridad y supremacía sobre el resto del mundo o sobre quienes considera inferiores.
Otro puntazo a favor es su narrativa. Desde una tercera persona nos elaboran una biografía que por si resulta menos explicativa que ‘La gran apuesta’ está repleta de metáforas, tanto gráficas como orales. Veo este título mucho más fácil de seguir que el anterior estrenado por McKay y sus alegorías son del todo acertadas y aclaratorias.
En ‘El vicio del poder’ vais a recorrer las etapas de Nixon, de Bush padre, de las elecciones con recuento de votos, del 11-S, de la segunda guerra de Irak… En estos dos últimos tramos que menciono el filme pierde mucho su sarcasmo y hace peligrar su ritmo. Muy importante es también que trate temas personales como los infartos de Cheney, por algo que no quiero desvelar para no quitarle gracia y porque el propio director sufrió uno antes de finalizar el filme e insertó imágenes de su intervención en la película.
Este nuevo estreno que ya tiene varias nominaciones en los Globos de Oro nos da brillantes momentos. Entre ellos una gran escena en la que hace una breve aparición Alfred Molina. En ese momento vemos con meridiana efectividad la sátira y crítica de McKay. Con esta mención quiero hacer énfasis en el tono sarcástico del filme, en su búsqueda de remover conciencias sin dejar nada al azar y en su denuncia hacia el ciudadano medio que mira con indiferencia y anestesia los actos evidentes de destrucción que tiene ante él. Comedia histórica que no os debéis perder.
Ficha de la película
Estreno en España: 11 de enero de 2019. Título original: Vice. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Adam McKay. Guion: Adam McKay. Música: Nicholas Britell. Fotografía: Greig Fraser. Reparto principal: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell, Tyler Perry, Eddie Marsan, Jesse Plemons, Naomi Watts, Alfred Molina. Producción: Gary Sanchez Productions, Plan B Entertainment, Annapurna Pictures. Distribución: eOne Films. Género: drama, biográfico. Web oficial:https://www.vice.movie/
El Caballero Oscuro, todo un icono tanto dentro como fuera del cómic, vivirá muy pronto un suceso inédito en sus casi 80 años de trayectoria. Batman contraerá matrimonio con otro personaje histórico del noveno arte, conocido por aficionados de todo el globo, ¡Catwoman!
Reseña
Pasa lo que tenía que pasar
Ya tenemos entre manos uno de los grandes eventos de DC cómics en este 2018. Por fin ha llegado a España el número 26 de la colección Batman y en él llega la tan anunciada boda de Batman. No es la primera ocasión que el hombre murciélago se casa, esto ha sucedido antes pero en la imaginación o sueños uno de los famosos Robin. Hemos visto fugazmente a Batman casado con Batwoman pero es realmente Catwoman quien, irónicamente dicho, se lleva el gato al agua.
El difícil justiciero ha abierto las puertas de su corazón a la felina ladrona. Durante números anteriores de la colección (8, 13, 19, 23, 25) hemos visto como este impactante anuncio causaba diferentes reacciones en los distintos personajes de Gotham y el universo DC. ¿Qué opinan los villanos? ¿Cómo será el vestido de la novia? ¿Está invitado el Joker? ¿Cómo fue la pedida de mano? Tras resolver todos esos acertijos llega en este número 26 la respuesta al enlace que ha tenido incluso un número especial como preludio.
Durante una noche acompañamos a Batman y Catwoman por los callejones y azoteas de la ciudad de Gotham. Mientras ellos deciden casarse al alba y nos van rememorando cómo se conocieron y contando las razones de su enamoramiento. Estos flashbacks y elucubraciones están representados a modo de splash pages. Páginas que podrían ser portadas por sí mismas y que son el verdadero tesoro de esta grapa. Ilustraciones que han sido realizadas por ases del cómic que alguna vez han estado involucrados en las historias de Batman. Os costará elegir una favorita entre las imágenes creadas por estrellas como Frank Miller, Lee Bermejo, NealAdmas, Rafael Albuquerque, Ty Templeton, Greg Capullo, Lee Weeks, José Luis García-López y un largo etcétera. Dibujos que nos llevan por distintas etapas que se han generado en los 80 años de Bruce Wayne como Batman y nos rememoran por lo tanto a distintos estilos gráficos o los respectivos cambios de traje.
Entre tanta galería de viñetas a página completa tenemos la historia hilada por Tom King y dibujada por el español Mikel Janin. El artista nacional conocido por su trabajo en ‘Justice League Dark’ (entre otros) ha elaborado un grandioso cómic con mucho sabor clásico pero a la vez con personajes muy modernos y definidos. Al igual que el entorno que les rodea, el cual no está falto de detalles y exhala tanto aires tradicionales como corrientes nuevas y frescas. El talentoso guionista Tom King nos ha reservado una estupenda y obvia resolución a este enlace que está precedida de conversaciones y pensamientos que van perfectamente acordes a los dos personajes protagonistas.
Batman decide ser feliz, alejarse del drama y la tragedia que dan sentido a su vida de justiciero para enlazarse a una de sus villanas más recurrentes y entrañables. La razón de ser de Batman se pone en entredicho con este evento que para bien o para mal podría cambiar la manera de ver al héroe.
Ficha del cómic
Guion: Tom King. Dibujo: Mikel Janin. Portada: Mikel Janin. Editorial: ECC. Datos técnicos: 48 págs., grapa, color, 16x25cm. Publicación: diciembre de 2018. Precio: 3,25€.
Basada en la exitosa novela de Nick Hornby (Alta fidelidad), Annie (Rose Byrne) y Duncan (Chris O´Dowd) están cerca de la cuarentena y son pareja desde hace quince años. Ambos llevan una vida tranquila, pero a Annie le inquieta el paso del tiempo sin ninguna pasión. Duncan, en cambio, concentra toda su atención en Tucker Crowe (Ethan Hawke), un músico americano que desapareció tras publicar el exitoso álbum ‘Juliet’. Pero cuando los caminos de Annie, Tucker y Duncan comienzan a cruzarse, descubrirán que la vida nos da sorpresas y que todo puede cambiar.
Crítica
‘Juliet, desnuda’ una comedia a la antigua usanza.
Si estáis cansados de superhéroes, películas demasiado complicadas y queréis ir al cine a ver una cinta bonita, con humor ácido y buena música, ‘Juliet, desnuda’ es vuestra película.
Basada en la novela de NickHornby, escritor de ‘Alta fidelidad’, la cinta nos trae un trío amoroso en un pueblecito británico. La mitomanía obsesiva del personaje de ChrisO’Dowd, dejando de lado a su mujer por un cantante que desapareció hace años, es la clave de esta cinta donde vemos que pasados los cuarenta años seguimos con las mismas dudas que con veinte y que aun puedes coger la vida por los cuernos.
El gran acierto de JessePeretz es sin duda su reparto, RoseByrne, EthanHawke y ChrisO’Dowd, son los encargados de dar fuerza y veracidad a esta cinta.
El papel de hombre dejado, con miles de hijos y que vive de sus antiguos éxitos es para EthanHawke, que es el punto medio en este trío. La ternura de Annie hace que Tucker comience a fijar en ella y a darse cuenta de los muchos errores que ha cometido a lo largo de su vida. Mientras que Chris O’Dowd es el obsesivo marido de Annie que vive para y por su ídolo. Sus escenas de máster en un blog son estupendas.
En el reparto encontramos también a PhilDavis, DeniseGough, LilyNewmark, AyoolaSmart o EnoClienti.
Aparte del reparto que como he dicho es lo mejor, el pueblecito en el que vive Annie nos enseña el porqué de su personalidad, sencilla y calmada. Pues el lugar es tranquilo, pequeño y muy bucólico.
La película no es nada original, no os va a sorprender, pero sí que es verdad que de vez en cuando hace falta una película así, sencilla, divertida, sin más pretensiones que contarnos una historia bonita y entretenernos durante la hora y media que dura la película.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de enero de 2019. Título original: Juliet, Naked. Duración: 105. País: Estados Unidos. Dirección: Jesse Peretz. Guión: Tamara Jenkins, Evgenia Peretz, Jim Taylor basada en la novela de Nick Hornby. Música: Nathan Larson. Fotografía: Remi Adefarasin. Reparto principal: Rose Byrne, Ethan Hawke, Chris O’Dowd, Megan Dodds, Jimmy O. YAng, Lily Newmark, Ayoola Smart, Sascha Panknin, Thomas Gray. Producción: Apatow Producttions Distribución: Diamond Films. Género: Comedia. Web oficial:http://diamondfilms.es/juliet-desnuda/
En el verano de 1919, Jacques Morlac, un héroe de la Primera Guerra Mundial encarcelado, le cuenta su historia al juez, un aristócrata que duda de sus principios a causa de la guerra. Delante de la puerta del cuartel, el perro del soldado le espera, ladrando día y noche.
Crítica
Un título sin pretenciosidad y con humildes argumentos
En primer lugar me gustaría decir que agradezco que aparezcan películas sencillas como ‘El collar rojo’. No voy a soltar un discurso sobre el estado de la crítica del cine, sobre la tendencia de generarse grandes expectativas que parece generalizada y que hace que casi todos los comentarios sean extremos: o muy buena o muy mala. Este nuevo filme de Jean Becker (‘Mis tardes con Margueritte’) es normal y corriente.
‘El collar rojo’ es una película sin grandes pretensiones y no por eso se queda en algo mediocre. Funciona bien en varios de los argumentos extraídos de la novela de Jean-Christophe Ruffin y su duración es apropiada. Una película pequeña con pocas cosas que reprochar y con un rostro bien conocido como el de François Cluzet (‘Normandía al desnudo’, ‘Intocable’).
La historia nos narra la relación que se genera entre un juez militar (Cluzet) y un joven francés acusado de algo que en tiempos de la I Guerra Mundial podía tener graves consecuencias. La peculiaridad del filme es que mientras el inculpado permanece retenido en prisión su perro le aguarda a sus afueras cual Hachikō. La cuestión es que ese perro pertenece realmente a la amada del reo y mientras que el juez le interroga va descubriendo la historia de amor que vivió en el pasado y aquello que le ha llevado a su celda.
Una de las pegas del filme es que la historia de amor se impone bastante a la del perro que es el verdadero sino del filme. Es decir, lo que más interesa es averiguar por qué el largometraje se llama el collar rojo y por qué el personaje de Nicolas Duvauchelle ha sido encarcelado. Pero casi todo el tiempo estamos recibiendo novedades sobre su romance y el perro se convierte casi en un McGuffin.
Esta no es una película con fines animalistas. Su discurso transcurre más por las vías de la crítica ligera a los valores tradicionales, hacía la auténtica humanidad y el significado del verdadero honor. En cuanto la cinta esgrime dos o tres pinceladas en sus primeros compases sobre cuáles son sus manifiestos se hace evidente el desenlace. No obstante su ambientación, su cercanía y cordialidad nos permiten aguantar hasta el final sin aburrirnos.
Un poco de filosofeo y la habilidad de dejarnos ver al perro protagonista desde varios puntos de vista son varios de los puntos destacables de un filme que os puede hacer pasar un buen rato sin buscar la típica sensiblería que tanto nos hace sufrir por los animales en otros largometrajes.
Ficha de la película
Estreno en España: 4 de enero de 2018. Título original: Le collier rouge. Duración: 83 min. País: Francia. Dirección: Jean Becker. Guion: Jean Becker, Jean-Christophe Rufin, Jean-Loup Dabadie. Música: Johan Hoogewijs. Fotografía: Yves Angelo. Reparto principal: François Cluzet, Nicolas Duvauchelle, Sophie Verbeeck, Jean-Quentin Châtelain, Patrick Descamps, Lynn Collins. Producción: ICE3, K.J.B. Production, France 3 Cinéma. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, romance. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/925/el-collar-rojo/
Vuestra primera decisión la tomamos nosotros, vedla
Lo nuevo de ‘Black Mirror’ no es una temporada, es una película. Pero en cierto sentido si tenemos varias propuestas pues llega de manera fracturada, con varios finales distintos que podremos ver en función de lo que decidamos que haga el protagonista. Es una propuesta muy de videojuego pero también de juego de rol. ‘Bandersnatch’ es un gran experimento, una nueva propuesta de Netflix que funciona de manera interactiva, que va a acaparar bastante de vuestro tiempo y atención.
De nuevo Netflix tira de nostalgia como en otros de sus buques insignia, véase ‘Stranger things’, sobre todo con su ambientación pero también nos rememora a épocas de nuestra infancia en las que leíamos los libros de «Elige tu propia aventura». Ahora Netflix incorpora esa técnica a su plataforma digital. Un ejercicio que ya hacen desde hace tiempo algunos usuarios de Youtube consiguiendo bastantes visionados. Esta es una película que se basa en lo que pulsamos en determinados momentos. La plataforma nos ofrece distintas vías de elección y de ese modo encadenamos varias secuencias de escenas. Muchos videojuegos de hoy en día nos ofrecen conclusiones alternativas, determinadas por nuestros actos, pero al contrario que en un videojuego ‘Bandersnatch’ no está guiada por una inteligencia artificial, por lo tanto estamos un poco supeditados a la hora de elegir, es decir, da la impresión de que todas las decisiones que tomamos nos abren nuevas visualizaciones pero no todas nuestras respuestas determinan cuál de los múltiples finales vamos a ver. La serie tiene muchos callejones sin salida que os harán retroceder para intentar llegar a los títulos de crédito.
‘Bandersnatch’ es autorreferente, no solo porque su trama haga referencia a la interacción del espectador con la historia, si no porque también introduce abiertamente guiños a otros episodios de ‘Black Mirror’. Además el protagonista es un espectador y un creador de historias, pero el espectador también es creador de historia y protagonista de la trama. De ahí que se cree un círculo vicioso de referencias que os va a atrapar. Es una obra que a ilustres de la ciencia ficción como Philip K. Dick, al cual se hace alusión, le habría encantado.
Algo muy bueno es que, por suerte, nos impide poder despistarnos con el móvil o con nuestras mascotas ya que las opciones aparecen en pantalla durante el visionado y tenemos que decidir rápidamente qué camino seguir. Nada de distraerse pues va todo de manera fluida, continuada y sin cortes.
Os planteareis cuántas veces habréis querido redefinir vuestra vida eligiendo un camino diferente al que habéis escogido. Tiempo y poder. Tiempo para vislumbrar las opciones con claridad o perspectiva y poder para decidir y rectificar con conocimiento. Eso es lo que nos devuelve este nuevo juego cinematográfico. Por cierto que tampoco podréis mirar la barra de tiempo a ver cuánto queda del episodio porque eso también es una incertidumbre en esta ocasión.
El número de escenas, la cantidad de metraje que tiene que haber generado el director David Slade (‘Hard candy’, ’30 días de oscuridad’, serie ‘American Gods’) tiene que ser inmensa. Sé que hay películas complejas de rodar o muy extensas, con mucho material no utilizado, pero lo de este episodio tiene que haber sido una verdadera labor titánica de logística. Por supuesto todo está escrito por el guionista habitual y creador de ‘Black Mirror’, Charlie Brooker.
La elección del reparto también es un gran acierto. Will Poulter (‘Detroit’) tiene un gran papel y de nuevo realiza una interpretación digna de mención. Son muchas las expectativas que tengo en este actor y él no hace más que incrementarlas. Pero el verdadero protagonista, a parte de nosotros mismos, es Fionn Whitehead (‘Dunkerque’). Plasma a un personaje psicótico y obsesivo sin caer en tópicos.
‘Black Mirror’ vuelve a jugar con nuestra conciencia y consciencia, vuelve a jugar con nuestro corazón y nuestra mente haciéndonos además partícipes de la historia que vemos, convirtiéndonos en el gran hermano se un Show de Truman digital. El debate siempre está presente con esta franquicia y en esta ocasión llega de la mano de la historia de un joven creador de videojuegos que cuestiona su realidad y que no puede ser responsable de las consecuencias de sus actos, porque no son realmente suyos. A muy pocos les costará empatizar con el protagonista por aquello de querer rehacer su historia a partir de un punto u otro.
La faena para muchos puede ser que su móvil o dispositivo no sea compatible con este nuevo formato que si convierte a ‘Black Mirror’ en una producción original de la casa, más allá de haber sido una adquisición a Channel 4. Nosotros ya hemos desbloqueado varios finales, que no vamos a desvelar, aunque el spoiler no importará mucho si llegáis a conclusiones distintas. Hay usuarios que ya han realizado un diagrama de flujo de la película. Si quieres un consejo hacer un buen ejercicio de empatía o de interpretación para saber qué os puede llevar a un final distinto o al menos para no caer en un callejón sin salida.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de diciembre de 2018. Título original: Black Mirror: Bandersnatch. Duración: 90 min. País: Reino Unido. Dirección: David Slade. Guion: Charlie Brooker. Música: Brian Reitzell. Fotografía: Jake Polonsky. Reparto principal: Fionn Whitehead, Will Poulter, Asim Chaudhry, Alice Lowe, Craig Parkinson. Producción: Netflix, Hose of Tomorror. Distribución: Netflix. Género: drama, ciencia ficción, thriller. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80988062
En el 9177, mil años arriba, mil años abajo –que tampoco hay que pillarse los dedos con estas minucias-, el mundo entero –y según algunos autores, el universo también- se ha visto reducido a un solo Edificio Representativo y a unas afueras cochambrosas habitadas por todos los parados y hambrientos del cosmos.
Entre todos estos desgraciados, José María decide que, con las dificultades que haya que salvar y mediante la venta en el Edificio Representativo de una riquísima limonada que él manufactura, otro mundo es posible.
Crítica
Cuerda, todos somos contingentes, pero tú eres necesario
La nueva película de Jose Luis Cuerda podría calificarse como una distopía, por eso de que transcurre en un futuro lejano en el que el mundo vive concentrado en un solo rascacielos marginando a sus afueras a todo aquel que no dispone de uno de los empleos predefinidos por el régimen establecido. Pero tiene más de real de lo que parece y la propia sinopsis que acabo de daros os puede orientar hacia el por qué. ‘Tiempo después’, que surge de una novela del propio Cuerda y podría estar ambientada en la misma realidad que ‘Amanece que no es poco’, retrata desde el futuro muchos de los males de nuestra actualidad e historia. Y esto sucede también con el tono del filme, que desde su sindiós nos hace cavilar sobre cosas muy sensatas.
Por supuesto que esta es una propuesta muy cómica pero también nos trae algo de drama en cuanto pensamos la situación que nos quiere plasmar. Entre gags y verborrea resabida Cuerda nos dice que nos desnaturalizamos en cuanto dejamos de ser humanos para responder a fines económicos o empresariales, en cuanto nos marcamos objetivos basados en cifras y en un sistema, por encima de cualquiera que sea la condición humana. Al grito de ¡taxidermia! nos dice que estamos disecados obedeciendo órdenes. Acomete contra una sociedad de clases, de ideas sesgadas o banalizadas y contra el control absoluto del sistema. Al menos eso he extraído yo al finalizar la película. En esta ocasión la crítica es mucho más abierta y menos implícita. En ocasiones esa condición es la que hace que sea una película inferior a un tan mitificado título como ‘Amanece que no es poco’, al que encontraréis muchos guiños.
‘Tiempo después’ nos devuelve al Cuerda que nos rodea de muchos personajes, todos ellos con la elocuencia de un experimentado literato y el manejo del lenguaje de un escritor del Siglo de Oro. La espontaneidad tan docta de sus personajes, por muy mundanos que sean, es lo que le da chispa a la película.
Su historia también está más definida que su comedia de 1989, la cual mezclaba tramas casi sin relación entre ellas. Aún así ‘Tiempo después’ es tan ilegible y tan galimatías que solo se puede describir como ejdidie krfiensosi sorjeoso eici fie ale.
No puedo dejar de creer que la elección de los edificios de la película también responde a un doble sentido crítico, que se suma a su particular estructura. Unidas las futuristas Torres Blancas y el peculiar edificio de la sede del Instituto del Patrimonio Cultural de España caricaturizan nuestro sistema tradicional y el futuro que creemos que vamos a tener como sociedad organizada. Desde el hall de patrimonio hasta el skyline de la torre, todo se presenta como desolador o predefinido y eso que son dos edificios que se saltan las normas arquitectónicamente hablando.
Los razonamientos y elucubraciones los personajes de ‘Tiempo después’ nos dan la gran ironía que hace falta en estos tiempos. Los actores escogidos para interpretarles tienen roles que les vienen como anillo al dedo. Si tenía que regresar Cuerda con una película de este estilo es ahora, cuando proliferan tantos cómicos versados en lo disparatado y chanante. Ellos recogen el guante arrojado por el director y escritor incorporando a su estilo las ideas del guión y no al revés, como pasa muchas veces en las que se desfigura el planteamiento en favor de hacer brillar a determinados nombres.
Solo un maestro como Cuerda puede demostrar con una comedia tan alocada lo cuerdo que está. Aunque no lo parezca el argumento tiene más sentido, pese a que visualmente es más estrambótica que ‘Amanece que no es poco’. A parte de a otros títulos harto conocidos, como he dicho antes hay referencias y guiños a Amanece. Así como repite algunas frases o escenas nos planta delante jóvenes rebeldes que dicen «Ortega y Gasset mola mazo» con la misma naturalidad con que sus pueblerinos adoraban a Faulkner. Al que no le gustase esa película… que no vea esta porque sigue su estela.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de diciembre. Título original: Tiempo después. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Jose Luis Cuerda. Guion: Jose Luis Cuerda. Música: Lucio Godoy. Fotografía: Pau Esteve Birba. Reparto principal: Blanca Suárez, Roberto Álamo, Arturo Valls, Miguel Rellán, Carlos Areces, Gabino Diego, Manolo Solo, Antonio de la Torre, María Ballesteros, César Sarachu, Secun de la Rosa, Andreu Buenafuente, Berto Romero, Daniel Pérez Prada, Raúl Cimas, Joaquín Reyes, Estefanía de los Santos, Nerea Camacho. Producción: Estela Films, Pólvora Films, Lanube Películas, El Terrat, Atresmedia Cine. Distribución: eOne Films. Género: comedia, adaptación. Web oficial:https://twitter.com/TiempoDespues_
Sam (Andrew Garfield) es un tipo desencantado de 33 años que descubre a una misteriosa mujer, Sarah (Riley Keough), bañándose en la piscina de su apartamento.
Cuando esta desaparece, Sam se embarca en una búsqueda surrealista a través de Los Ángeles para descifrar el secreto que hay detrás de su desaparición, llevándolo a las profundidades más oscuras del misterio, el escándalo y la conspiración de la ciudad.
Crítica
¡Vaya pulp-ería hay bajo Silver Lake!
Al igual que en un pulpo varias ramificaciones como si fuesen tentáculos se extienden por toda la película de David Robert Mitchell y nos van agarrando como si tuviesen ventosas. Esa extrañeza, esa fluidez de los pulpos, esa enigmática forma de nadar la tiene ‘Lo que esconde Silver Lake’. Su fantasía, su lascividad, su insolencia, su sarcasmo y su misterio se asemeja a las publicaciones pulp y eso a mí me engancha siempre. En ciertos aspectos nos puede recordar a ‘El Gran Lebowski’ y en otros a una absurda aventura gráfica. Este título que sucede a ‘It follows’ en la filmografía del director es una obra rara, atrevida y personal que demuestra que Robert Mitchell tiene talento.
‘Lo que esconde Silver Lake’ da juego para un montón de cavilaciones, algunas trascendentes otras más superficiales. Silver Lake tiene varias profundidades. Según vamos escudriñando el largometraje descubrimos estas ideas en primer plano o en el fondo de las escenas. Dependiendo de cómo estéis de receptivos os puede parecer que esta es una película que no tiene por donde cogerse o que la puedes enfocar de muchas maneras. Dentro de sus disparates y yo creo que analiza nuestra escala de valores, nuestra sociedad, los cánones establecidos, la vacuidad en la opulencia. Pero me gustará ver lo que se va comentando tras su estreno.
Tiene un muchos guiños y críticas a la cultura popular y a aquellas cosas con las que nos sentimos alineados día a día. La referencias cinéfilas están por todas partes, hay apuntes a Hitchcock así como a películas antiguas o modernas todo relacionado por supuesto con lo que decía antes de la cultura popular. Incluso hay guiños a Spider-Man, personaje que Garfield interpretó hace años. Llevaos una libreta a la película por si no queréis dejaros detalle que debatir tras su visionado pues son muchos. Lo que nos viene sugerir es que nos planteemos si elegimos nosotros el camino que recorremos y qué nos hace sentir bien durante nuestro trayecto.
Andrew Garfield está magnífico. Es el protagonista y la narración está siempre centrada en él. No siempre hace falta que un personaje nos haga llorar a chorretones o reír con la mandíbula desencajada. Su interpretación como un joven decaído, voyeur y vago funciona muy bien.
‘Lo que esconde Silver Lake’ es una locura, una ida de olla. Su trama desconcierta al personaje y desconcierta al espectador pero aún así engancha. Continuamente te preguntas ¿y por qué no? En su extravagancia y en sus rarezas encontramos multitud de componentes que nos mantienen a la expectativa y su resolución final me parece factible pese a ser una golosina para los amantes de las conspiraciones. Porque otra cosa no, pero paranoia no le falta al filme.
No es una obra maestra pero si es una película en la que se plasman buenas ideas y alusiones. Le sobran algunos tramos y tanto sexo gratuito. Tiene más erotismo que ‘It follows’ y eso que esa película parecía tratar sobre un cobrador del frac salidorro. Al igual que las publicaciones pulp, como el fanzine que lee el protagonista, lo más seguro es que este título quede para un público de culto, que seguro que con el tiempo irá sorprendiendo a todos aquellos a los que se lo recomienden.
Ficha de la película
Estreno en España: 28 de diciembre de 2018. Título original: Under the Silver Lake. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: David Robert Mitchell. Guion: David Robert Mitchell. Música: Disasterpiece. Fotografía: Mike Gioulakis. Reparto principal: Andrew Garfield, Riley Keough, Topher Grace, Jimmi Simpson, Grace Van Patten, Rex Linn, Sky Elobar, Stephanie Moore, Sibongile Mlambo, Laura-Leigh Claire, Patrick Fischer. Producción: Stay Gold Features, Michael De Luca Productions, Vendian Entertainment. Distribución: Vértigo Films. Género: thriller. Web oficial:https://a24films.com/films/under-the-silver-lake
Yuli es el apodo de Carlos Acosta. Su padre Pedro le llama así porque le considera el hijo de Ogún, un dios africano, un luchador. Sin embargo, desde pequeño, Yuli siempre ha huido de cualquier tipo de disciplina y educación. Las calles de una Habana empobrecida y abandonada son su aula particular. Su padre en cambio no piensa lo mismo, sabe que su hijo tiene un talento natural para la danza y por eso le obliga a asistir a la escuela nacional de Cuba. Pese a sus repetidas escapadas y su indisciplina inicial, Yuli acaba siendo cautivado por el mundo del baile, y así, desde pequeño comenzará a forjar su leyenda, llegando a ser el primer bailarín negro que logrará interpretar algunos de los papeles más famosos del ballet, originariamente escritos para blancos, en compañías como el Houston Ballet o Royal Ballet de Londres.
Crítica
Baile, color y Cuba, es lo que encontrareis en ‘Yuli’
‘Yuli’ no es una película para todos los públicos, a mí no me ha terminado de convencer y la verdad se me ha hecho bastante aburrida. Pero esto no hace que la película no cuente una historia interesante, todo lo contrario, pues si os soy sincera fui al pase sin conocer nada sobre este bailarín y me esperaba una historia al estilo ‘Billy Elliot’, un niño al que no le dejan bailar, pero es más bien lo contrario, un niño que es un estupendo bailarín, pero que no le gusta y es obligado a bailar.
Toda la parte en la que vemos su historia, su vida desde niño y todas sus vivencias, las buenas y las malas me han encantado, enganchan y están muy bien dirigidas. Lo que me ha tirado para atrás de la película son las coreografías contando esta historia que acabamos de ver.
Si, entiendo que al ser una película sobre el ballet, es interesante mostrar el trabajo de los bailarines y de que a partir de unos movimientos increíbles pueden contar no solo historias, sino sentimientos. Icíar, lo hace bien, va intercalando las escenas, pero aun así sacan totalmente de la película, o al menos es lo que me ha ocurrido a mí.
IcíarBollaín ha contado de nuevo con PaulLaverty (‘El Olivo’) como guionista para esta película, la cual está basada en la autobiografía de CarlosAcosta ‘No Way Home’.
CarlosAcosta es el protagonista de la cinta, actúa como él mismo y nos cuenta su vida. Una complicada vida de alguien que no quería marcharse de su país, de alguien que solo quería estar con su familia y al que tanto le instigaron para que fuera un gran bailarín.
Sin duda el papelón de la película lo tiene Santiago Alfonso, que hace de Pedro Acosta, padre de Yuli, el cual llega a dar bastante pena y a la vez se le llega a odiar. Sí que es cierto que todo lo hace por el bienestar de su hijo y por su futuro, pero nunca le dejó decidir por sí mismo. El actor vuelca toda su rabia y su bondad en este papel que nos deja con la boca abierta en más de una ocasión.
Toda la ambientación de La Habana, todos los sentimientos que el bailarín tiene durante su vida están perfectamente reflejados en la película, IcíarBollaín realiza un trabajo de dirección muy bonito y cuidado. Además por supuesto de contar con un equipo a su lado con nombres como AlbertoIglesias para la música o AlexCatalán para la fotografía, todo unido crea una auténtica delicia para nuestros sentidos.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de diciembre de 2018. Título original: Yuli. Duración: 109 min. País: España. Dirección: Icíar Bollaín. Guión: Paul Laverty. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Alex Catalán. Reparto principal: Carlos Acosta, Santiago Alfonso, Keyvin Martínez, Edion Manuel Olvera, Laura de la Uz, Yerlin Pérez, Mario Elías, Andrea Doimeadiós, Carlos Enrique Almirante, Cesar Domínguez. Producción: Morena Films, Galápagos Media, Hijo de Ogún, Movistar+, ICAIC, ICAA. Distribución: eOne Films. Género: Biografía. Web oficial:https://morenafilms.com/peliculas/yuli/?portfolioCats=79
Tara ama profundamente a sus hijos y para todos los que la rodean, su vida es aparentemente perfecta. Pero en realidad se siente atrapada. Le falta algo. Algo no cumplido y desconocido que le genera un vacío interior.
Mientras su familia y amigos no comprenden la profundidad de su desesperación, sus ideas y sentimientos son tan abrumadores que tiene que huir para encontrar un lugar donde poder volver a ser ella misma.
Emprende entonces un viaje íntimo y personal dejando atrás a su familia. A través de una serie de encuentros descubre la mujer que realmente es, lo que realmente siente y la vida que realmente quiere.
Crítica
Se perciben las intenciones pero su personaje las trastoca
Que Gemma Arterton es una actriz muy irregular y que no me ha terminado nunca de convencer es algo que mis allegados me habrán oído decir y que puede que haya escrito alguna que otra vez. La actriz inglesa ha participado en películas de toda índole, quizás sus más conocidas para el público general son aquellas de corte fantástico o de acción. Es en esos géneros es donde a mí más me ha gustado, donde tal vez se puede decir que tiene sus mejores interpretaciones, como sucedió hace poco con ‘Melanie. The Girl with All the Gifts’.
En la nueva película dirigida por Dominic Savage se aleja mucho del fantástico y se involucra en un drama que tiene bastante más de psicológico de lo que esperaba. Su personaje vive en una supuesta vida perfecta, según los cánones establecidos, pero no es feliz. Desde el principio se muestra como alguien desdichado, que busca una válvula de escape sin apenas saberlo. Se da por sabido que es alguien que ama a su familia, pero no queda claro en ningún momento si de verdad quiere a su marido o no. La película incluso nos da más motivos para simpatizar con el personaje de Dominic Cooper, salvo una escena que espero que todo el mundo de por supuesto que no es un ejemplo a seguir por parte de un esposo.
Ese es uno de los problemas de la película, que cuesta empatizar con la protagonista. Está mal definida, tanto por la interpretación como por las acciones que el guión le hace llevar a cabo. Más que alguien infeliz parece ser alguien que necesita un psicólogo, porque si no, no hay otra manera de interpretar al personaje de Arterton.
Yo entiendo que lo que se habrá querido hacer es una representación de alguien incomprendido y al borde de una seria depresión, con una crisis de identidad. Supongo que lo que se ha buscado es matizar que la madre y esposa de Arterton necesita ser escuchada para tener el apoyo necesario, para redefinir sus metas. Incluso creo entrever una crítica al modelo rutinario de familia. Pero todo esto se extrae dándole más vueltas de las necesarias a la película, imaginando como parece que se querría que fuese, no como ha sido.
Es de esas películas que busca retratar la situación de una pareja, de reflejar el complicado estado emocional de una de las personas que la componen. Para ello también se emplea una música de piano que es tan redundante y rutinaria como la vida que lleva Tara (Arterton).
Le concedo a la película el crédito de ser capaz de distraerme con el estado emocional de la protagonista sin apenas preguntarme por cuál es su nombre y darme cuenta de esto cuando ella se lo menta a un desconocido. Es decir, creo que este nuevo título debería haber intentado centrar su temática y objetivo de otra manera, porque las preguntas que se hace el espectador durante el largometraje no son las adecuadas.
Ficha de la película
Estreno en España: 14 de diciembre de 2018. Título original: The escape. Duración: 101 min. País: Reino Unido. Dirección: Dominic Savage. Guion: Dominic Savage. Música: Alexandra Harwood, Anthony John. Fotografía: Laurie Rose. Reparto principal: Gemma Arterton, Dominic Cooper, Jalil Lespert, Francesc Barber. Producción: Lorton Entertainment, Shoebox Films. Distribución: Filmax. Género: drama. Web oficial:http://lortonentertainment.com/projects/the-escape/
Un inicio que promete intrigas, reencuentros y jaleo, mucho jaleo
Este ha sido mi primer ‘Vis a Vis’, mi primer ingreso en Cruz del Norte. Me he incorporado al centro penitenciario de mujeres en el inicio de su recién estrenada cuarta temporada en Fox y lejos de sentirme encerrado o arrepentido me he visto desbordado por su brutalidad y muy contento de haber entrado.
Está claro que ya son tres etapas las que lleva la serie de Globomedia y Fox y que hay cosas que me pierdo. Tras ver la clásica promoción que resume lo anteriormente sucedido me he hecho una idea de la situación reinante en la cárcel. Viendo el episodio me ha quedado constancia de que los capítulos anteriores han servido para hacerla más entramada y enriquecida. Lo que no puedo decir es si ha evolucionado, pero si este es el tono y carácter desde su inicio me parece un logro mantener el nivel y que los personajes aguanten su credibilidad.
Mis referentes principales en lo que se refiere a series penitenciarias son ‘Prison Break’ y ‘Wentworth’. ‘Vis a Vis’ tiene más consistencia, aunque no el mismo carisma, que la primera y la misma rudeza que la segunda.
Presenta todo lo que se requiere en una serie de cárceles: tejemanejes, rencillas, clanes, corruptos… Pero sobre todo tiene mucho salvajismo y chabacanería. Mucha mala sangre veo que recorre las venas de sus protagonistas y supongo que eso es lo que la hace más impredecible y por lo tanto interesante. A cualquier personaje se le pueden cruzar los cables en cualquier momento y producir un giro.
Además en esta temporada se incorpora alguien del cuerpo de funcionarios a la prisión pero en calidad de presa, con el juego que eso supone. También ha comenzado con historia fuera de los muros de la prisión por lo que no hay espacio para la monotonía o el aburrimiento. También me consta que volverá un personaje querido por la auciencia, Maca, interpretada por Maggie Civantos. Y además esta temporada tiene el aliciente de dos cameos anunciados Miriam Rodríguez de OT y Mala Rodríguez.
Lo que más me ha gustado son los testimonios a modo de documental que nos dan una visión algo más real de lo que puede ser el hecho de vivir en un centro penitenciario. También personajes como Zulema interpretado por Najwa Nimri, Goya que como suele ser habitual en Itziar Castro no tiene pelos en la lengua o Alba Flores (Saray) que resulta tan cercana como intimidatoria. También me he encontrado interpretaciones malas. Algún personaje infantil, algún muerto al que se le veía respirar, algún guardia sobreactuado…
Me ha gustado su diseño de producción los colores amarillentos de esta metálica cárcel que parece una fábrica o un almacén rodeado de containers le dan a la serie un toque underground que la hace más ruda.
Me han ganado estas presas que son capaces de devorarse entre ellas como si fuesen zombis de ‘The Walking Dead’. Se llevan tan buenamente mal que la serie tiene gancho y cada personaje está bien matizado o motivado. Creo que no sería una pérdida de tiempo remontarme a las tres primeras temporadas, ver todo lo que tiene que pasar en esta nueva y sumergirme en las historias de estas delincuentes.
El curtido cruzado Robin de Loxley (Taron Egerton) y su antiguo enemigo John (Jamie Foxx) organizan una audaz sublevación contra la corrupta corona inglesa en una emocionante aventura de acción llena de increíbles proezas en el campo de batalla, alucinantes coreografías de lucha y un romance atemporal.
Crítica
Divertida y llena de acción
De nuevo vemos en pantalla grande al arquero y ladrón más famoso de todo el mundo, Robin Hood, esta vez interpretado por el joven actor TaronEgerton, que como siempre está estupendo. Nos trae a un Robin de Loxley gracioso y con un trabajo muy físico para el actor.
‘Robin Hood’ está dirigida por OttoBathurst, que fue el director del primer episodio de la serie ‘BlackMirror’ y no, no tiene un gran guión, tampoco es que la historia nos estremezca y los actores sin duda no van ir a los Oscar, pero me lo he pasado genial viendo las coreografías, las peleas infinitas, las flechas a cámara lenta y hasta una carrera con caballos en medio de una gran mina.
Este Robin Hood es un veterano de las cruzadas, que cuando vuelve a Nottingham todo el mundo le cree muerto y se ha quedado sin sus tierras. La historia está totalmente cambiada a como la conocemos, los personajes, aunque sean los mismos, cambian bastante los roles.
Las escenas de acción son bastante buenas y sin duda os harán pasar un buen rato. Sí que es cierto que la historia de amor, no es que sobre, es que es demasiado moñas, además que los dos actores no tienen nada de química entre ellos.
En el reparto principal, encontramos a JamieFoxx, el cual le enseña todo lo que sabe al joven Robin y le convierte en una máquina de lucha. Tenemos también a JamieDornan que esta vez hace un papel bastante distinto a su Christian Grey. EveHewson es la encargada de interpretar a Marian, que como he dicho, no tiene absolutamente nada de química con TaronEgerton y su personaje es bastante diferente a como podemos recordar, no termina de convencer.
No hace falta que os diga que históricamente no está para nada bien ambientada, comenzando por el vestuario que aunque lo han intentado adaptar, es simplemente eso, un vestuario moderno adaptado a la edad media. Pero también es parte de la gracia ver a los grandes lores con los que podrían ser modernas americanas.
La película no engaña, si habéis visto el tráiler, es lo que vais a ver en pantalla grande, pero como he dicho, tiene cosas tan buenas como toda las luchas y además ocurrencias como utilizar el arte callejero en contra sus opresores.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Título original: Robin Hood. Duración: 120 min. País: Estados Unidos. Dirección: Otto Bathurst. Guión: Ben Chandler, David James Kelly. Música: Joseph Trapanese. Fotografía: George Steel. Reparto principal: Taron Egerton, Eve Hewson, Jamie Foxx, Ben Mendelsohn, Paul Anderson, Jamie Dornan, Josh Herdman, Ian Peck, Charlie Vincent, Roderick Hill, Tim Michin. Producción: Lionsgate, Safehouse Pictures, Thunder Road Pictures, Appian Way. Distribución: eOne Films. Género: Aventuras. Web oficial: https://www.robinhood.movie/
Susie Bannion (Dakota Johnson) es una joven bailarina americana que viaja a Berlín para cursar sus estudios de danza en la Markos Tanz Company, una de las escuelas más prestigiosas del mundo, dirigida por Madame Blanc (Tilda Swinton). El mismo día en el que ingresa en la escuela, una de las alumnas recientemente expulsada es asesinada. No se trata de un hecho aislado, lo que hace sospechar a la brillante estudiante sobre la implicación de la escuela en los homicidios. Su desconfianza aumenta cuando su compañera Sarah (Mia Goth) le cuenta que antes de que Pat muriera, ésta le confesó que conocía un terrorífico secreto. ¿Será solo talento lo que alberga la reconocida escuela?
Crítica
Capta la idea original del terror artístico, pero descuida su argumento
En 1977 Dario Argento estrenaba una película que durante décadas ha generado un fenómeno de culto y que supuso el inicio de su «trilogía de las madres». Un filme que surgió de un ensayo de Thomas de Quincey y que es una demostración de espanto refinado, de arte terrorífico. La película ha servido de referente para muchos cineastas y ha inspirado tanto musical como visualmente infinidad de largometrajes. Porque si hay algo que llama la atención del filme original es su estética, su composición y su iluminación.
Y ese es uno de los puntos fuertes de la nueva versión de Luca Guadagnino, su estilo. El diseño de producción está tan bien trabajado que nos sumergimos en una película de los setenta. Además, hablando de algo visualmente llamativo, esta sigue siendo una película con mucha danza y sus escenas de baile son magníficas. Tanto su ejecución captada con grandes tiros de cámara y el partido que se le saca a esta forma de expresión me parece que tiene la contundencia suficiente como para dejarnos boquiabiertos. En Sitges esas escenas levantaron más de una ovación. También nos devuelve a técnicas pasadas gracias a su ritmo, el cual lo he visto bastante mejor trabajado que en ‘Call me by your name’.
La narrativa y la trama de la película de Argento resultó bastante intrigante y chocante. Pero el guión de Dave Kajganich no obtiene el mismo resultado. Parece mentira que pase esto con un escritor capaz de enganchar como lo ha hecho con ‘The Terror’. Guadagnino y él han pecado de precipitados. Esta nueva ‘Suspiria’ se ha adelantado demasiado en su afán de mitificar la trilogía de las tres madres de Argento y mucho antes de eso se ha apresurado en su trama, que desvela desde muy pronto cual es el juego de la película. Se evita así que todo aquél que no haya visto la película italiana sea sorprendido o sienta el más mínimo suspense. Aunque algo de incertidumbre por la seguridad de la protagonista si sentimos. También sacan de la película algunos personajes que están de más. No es el caso de la protagonista interpretada por Dakota Johnson o la profesora Madame Blanc de Tilda Swinton, ambas soberbias. Son más bien algunos secundarios que parece que se han introducido erróneamente o de un modo inexplicable.
El final se les va de las manos, tanto en justificación como en calidad. Es un desborde de sangre y delirio en busca de la provocación que no funciona y menos después de haber mostrado tan pronto sus cartas.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Título original: Suspiria. Duración: 152 min. País: Italia. Dirección: Luca Guadagnino. Guion: Dave Kajganich. Música: Thom Yorke. Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom. Reparto principal: Dakota Johnson, Tilda Swinton, Chloë Grace Moretz, Mia Goth, Jessica Harper, Sylvie Testud, Angela Winkler, Malgorzata Bela, Renée Soutendijk, Ingrid Caven, Lutz Ebersdorf, Vanda Capriolo, Toby Ashraf, Fabrizia Sacchi, Elena Fokina, Christine Leboutte, Olivia Ancona. Producción: First Sun, Frenesy Film Company, MeMo Films, Amazon Studios, Mythology Entertainment, K Period Media, Muskat Filmed Properties, Vega Baby Releasing. Distribución: Diamond Films. Género: terror, remake. Web oficial:https://www.suspiria.movie/
Agosto de 2000. El submarino nuclear de la armada rusa K-141 naufraga durante un ejercicio en aguas del mar de Barents. Un desastre al que le sigue una marcada negligencia gubernamental internacional que tiene en vilo al mundo. Mientras los marineros luchan por sobrevivir atrapados dentro del submarino, sus familias se enfrentan desesperadamente contra los obstáculos políticos y las escasas probabilidades de rescatarlos.
Crítica
Sus escenas políticas y dramáticas la mantienen a flote durante todo el metraje
En la Rusia postsoviética sucedió un accidente cuyo final no quiero desvelar por si no conocéis el caso y queréis vivir la tensión de esta película. La cuestión es que allá por el año 2000 durante unas maniobras el submarino Kursk quedó aislado en las aguas del mar de Barents con toda su tripulación dentro. En la nueva película de Thomas Vinterberg se nos plantea una nueva versión de lo acontecido allí, con caras tanto dramáticas como políticas. Este director, del que hemos visto desde películas como ‘Lejos del mundanal ruido’ hasta videoclips de Metallica (a los que hace un guiño), se moja haciendo una crítica a los estamentos gubernamentales pero manteniendo un buen balance con la parte sentimental. De hecho la conclusión final que podemos extraer es que infortunios así crían a generaciones en el odio hacia sus gobernantes. Hay varias películas y documentales que exploran e indagan lo que pasó tanto dentro como fuera del vehículo nuclear. En este caso la visión en la que se apoya el director es la extraída de la novela de Robert Moore y de los testimonios de personas que realmente vivieron este incidente como el Comodoro David Russel, británico interpretado por Colin Firth.
Aunque cuente con nombres tan grandes como Colin Firth o Max Von Sydow, los dos principales protagonistas son Matthias Schoenaerts y Léa Seydoux. Ellos dos son los que nos guían por tierra y mar de un modo tan correcto que sentimos el malestar que se vive en casos como estos. En la película también interviene bastante el fallecido Michael Nyqvist en la que fue una de sus últimas películas, junto a la también en cartelera ‘Hunter killer’ y ‘Radegund’ en la que le veremos también compartiendo título con Schoenaerts. Vinterberg maneja bien a todo el reparto, tanto protagonista como secundario, aportándoles a todos matices con los que ejercer su rol.
‘Kursk’ se pasa rápido y eso que dura casi dos horas. No es que tenga una trama vibrante pero sabe enlazar las vicisitudes sufridas en un accidente como el del Kursk de manera que ni nos aburrimos ni sentimos repetitividad. Además alterna lo sucedido en el interior del submarino con toda la diplomacia que se puso en marcha en la superficie y con todas las reacciones suscitadas.
Esta es una película que ha escrito alguien como Robert Rodat, autor de películas patrióticas e históricas. Nos brindó el guión de ‘Salvar al soldado Ryan’ o el ‘Patriota’, pero mucho antes tendió puentes con Rusia con la comedia ‘Camaradas olímpicos’. Y aunque esta película también trata sobre la colaboración entre pueblos cobran mucha más importancia las trabas que puso en aquel momento el gobierno ruso para realizar las labores de salvamento por encima de proteger sus secretos militares, alimentando su orgullo, tapando su precariedad y procurando mantener su imagen lo más intacta posible. Puede que eso figurase tal cual en la novela pero lo que me parece más claro es que se habrá hecho más énfasis en ese aspecto tras los impedimentos puestos al equipo de rodaje por parte del gobierno actual. Por lo tanto estad seguros de que esta película va más allá del desastre mojándose con la vida política que hubo tras el suceso.
La técnica empleada por Vinterberg me parece inteligente. Sabe dividir bien las etapas del filme y relevar correctamente sus escenarios. Desde el detalle de mantener el inicio en formato scope pasando a 1,66:1 cuando entramos en el submarino hasta el ir permutando las escenas de unos y otros personajes sin detener el transcurso de la historia, consiguiendo que se mantenga la sensación de urgencia, aunque puede que si perdiendo algo de la claustrofobia que nos habría metido más en el thriller. Otro pormenor que le resta fuerza a la película es su rodaje en inglés. Creo que si hubiese estado interpretada en ruso e inglés habría resultado aún más creíble. Pero con lo que nos presenta es suficiente para ser una película solvente que no naufrague en tan inundada cartelera.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de diciembre de 2018. Título original: Kursk. Duración: 117 min. País: Francia. Dirección: Thomas Vinterberg. Guion: Robert Rodat. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Anthony Dod Mantle. Reparto principal: Matthias Schoenaerts, Léa Seydoux, Colin Firth, Max von Sydow, Michael Nyqvist, Peter Simonischek, Martin Brambach, Guido De Craene, Geoffrey Newland, August Diehl, Matthias Schweighöfer, Fedja Stukan, Miglen Mirtchev, Jehon Gorani. Producción: Europa Corp, Belga Productions, VIA EST. Distribución: A Contracorriente Films. Género: hechos reales, drama, thriller. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/902/kursk/
Un estremecedor exorcismo se vuelve incontrolable, cobrándose la vida de una joven. Meses después, mientras Megan Reed (Shay Mitchell) trabaja en el turno de noche de la morgue, recibe un cadáver desfigurado. Sola y encerrada en los pasillos del sótano, Megan comienza a experimentar espeluznantes visiones, lo que le hace sospechar que el cuerpo que ha recibido está poseído por una despiadada fuerza demoníaca.
Crítica
Un cadáver que no te deja tieso
Si miramos el título original de ‘Cadáver’, el cual es ‘The possesion of Hannah Grace’ encontramos que no se sale nada de la norma. Y su escena inicial también se mantiene dentro de lo ya visto. Es en su argumento donde vamos encontrando menos tópicos. Una joven empieza a trabajar en una morgue, sola, de noche, para intentar superar un problema de su reciente pasado y aislarse de la mala vida. Le llega allí un cuerpo que empieza a producir fenómenos extraños y entonces pasa más de la investigación de las causas de la muerte a intentar evitar la suya propia.
Me ha sido inevitable entrar al filme recordando ‘La autopsia de Jane Doe’. Un título de hace apenas dos años con el que ‘Cadáver’ tiene varias similitudes y que nos sorprendió a propios y ajenos. No voy a detallar en qué radicó su sorpresa por si no la habéis visto pero si puedo adelantar que la ambientación de este nuevo estreno es inferior, no tiene sus excelentes giros y tampoco nos sumerge en una historia misteriosa como la que André Øvredal (‘Troll hunter’) realizó con Brian Cox y Emile Hirsch.
Esta es una historia donde podemos suponer más o menos lo que va a suceder. La fría y moderna morgue de hormigón y sistemas informatizados nos puede impedir sumergirnos en un ambiente más cotidiano pero si sirve para recrear un lugar amenazador, aislado y desguarnecido. En este ámbito se mueve ‘Cadáver’. Mucho eco, oscuridad, ruidos oclusivos… Un lugar donde hasta los nuevos compañeros te gastan bromas pesadas y las propias alarmas de rutina te dan sobresaltos. Es de imaginar que la protagonista pase por estrés y tensión, más aún si le introducen un componente sobrenatural.
Esta película, escrita por Brian Sieve, el guionista de las series ‘Teen Wolf’ y ‘Scream’, se basa bastante en darnos sobresaltos, muchos de ellos predecibles otros no tanto. También gana enteros con alguna que otra escena espeluznante y con su maquillaje. El cadáver en el que se centra la película es bastante aterrador y los sonidos que hace por otro lado dan mucha grima.
Talento interpretativo tampoco es que tenga. El rostro más conocido es el de Louis Herthum (‘Westworld’) o el de Grey Damon (‘Oldboy’, ‘True Blood’ o ‘The Flash’). Pero si que tiene más mérito que la muchacha de ‘La autopsia de Jane Doe’ Kirby Johnson. Ella ha tenido que moverse mucho más y la manera de desplazarse de su personaje le han obligado a hacer verdaderas contorsiones, lo cual es su especialidad.
Este nuevo estreno de Sony Pictures, que por cierto está totalmente rodado con una Sony A7S II, no es nada mediocre. Es bastante sencillo pero nos servirá para poder tener una película de terror entre tanto estreno navideño. Los amantes de festivales de género fantástico la disfrutarán más aunque hayan visto cosas similares y aquellos menos acostumbrados a los sobresaltos saldrán comentando más de una escena.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de noviembre de 2018. Título original: The possesion of Hannah Grace. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Diederik Van Rooijen. Guion: Brian Sieve. Música: Jon Frizzel. Fotografía: Lennert Hillege. Reparto principal: Shay Mitchell, Grey Damon, Kirby Johnson, Stana Katic, Jacob Ming-Trent, Maximillian McNamara, Nick Thune, Louis Herthum. Producción: Screen Gems, Broken Road Productions. Distribución: Sony Pictures. Género: terror. Web oficial:http://www.possessionofhannahgrace.movie/
Una interferencia entre dos tiempos provoca que Vera, una madre felizmente casada, salve la vida de un chico que vivió en su casa 25 años antes. Pero las consecuencias de su buena acción provocan una reacción en cadena que hace que despierte en una nueva realidad dónde su hija nunca ha nacido.
Crítica
Sus giros saben a poco cuando ya hemos descubierto los derroteros que va a tomar
Una familia que se muda a una nueva casa apartada de la ciudad encuentra una antigua televisión a través de la cual tienen una videoconferencia con el pasado. Ese encuentro cambia los hechos acontecidos en el pasado produciendo un efecto mariposa que hará que todo cambie en el presente para ellos y sus vecinos y que empiece así una odisea por devolver la historia a su curso original. Esa es la trama que nos propone Oriol Paulo (junto a Lara Sendim) cargándola mucho más de suspense que de ciencia ficción.
Paulo alcanza su tercera película como director tras habernos brindado en 2012 ‘El cuerpo’ y más recientemente, el año pasado, ‘Contratiempo’. Es un experto guionista en lo que se refiere a cintas con tensión y muchas de sus películas cautivan y sorprenden. Sin ir más lejos, con el título del año pasado que protagonizó Mario Casas nos cazó desprevenidos a más de uno con su final. En el 98 ya capitaneó un mediometraje titulado McGuffin, igual que ese recurso cinematográfico que nos introduce elementos a priori irrelevantes a lo largo de la trama. En ‘Durante la tormenta’ Paulo ha intentado hacer precisamente eso, incluir detalles que acompañen la historia, que la rodeen sin que parezca que son importantes. Pero le ha faltado perspicacia porque si se reconocen aquellos pormenores que parecen no tener peso cuando en realidad al final son importantes. Se puede imaginar qué se cuece desde muy pronto y los giros del final de la película ya carecen de fuerza y son incapaces de producirnos el pasmo esperado.
En esta tercera ocasión Oriol Paulo no tiene en su reparto a Jose Coronado pero ha contado con otros de sus habituales como Francesc Orella, Ana Wagener, Belén Rueda o Silvia Alonso. Ellos actúan bien, como suele ser habitual, no obstante no son los protagonistas. Quienes capitanean el reparto son Adriana Ugarte, Julio Bohigas-Couto, Chino Darín, JavierGutiérrez, Nora Navas y ÁlvaroMorte. El equipo actoral ha entrado bien en el juego de intriga que quiere generar el director, ha captado el drama, la desesperación y el desconcierto que genera una película que juega con las paradojas temporales. Pero como he mencionado antes el problema de este filme no está en su calidad artística, está en que las cartas se descubren más antelación de la intencionada.
La historia tiene sus visos de originalidad, está bien ambientada, viene cargada de giros y plantea su debate y reto para la protagonista que interpreta Adriana Ugarte. ‘Durante la tormenta’ tiene bastantes similitudes con ‘Frequency’ de Gregory Hoblit y coloca incluso guiños a ‘Regreso al futuro’ y ‘Mi vecino Totoro’, al fin y al cabo de jugar con el tiempo y de vecinos va la cosa. Pero a pesar de esos referentes la narración se hace larga al imaginar pronto cuál será la pauta a seguir y adivinar que giros finales nos aguardan.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de noviembre de 2018. Título original: Durante la tormenta. Duración: 120 min. País: España. Dirección: Oriol Paulo. Guion: Oriol Paulo, Lara Sendim. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Xavi Giménez. Reparto principal: Adriana Ugarte, Chino Darín, Javier Gutiérrez, Álvaro Morte, Nora Navas, Miquel Fernández, Clara Segura, Mima Riera, Albert Pérez, Aina Clotet, Francesc Orella, Ana Wagener, Silvia Alonso, Belén Rueda. Producción: Atresmedia Cine, Colosé Producciones, Mirage Studio, Think Studio. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: thrilelr, ciencia ficción. Web oficial:https://www.warnerbros.es/durante-la-tormenta
El próximo 30 de noviembre regresa ‘Vergüenza’ con su segunda temporada cargada de seis nuevos episodios. La serie creada por Álvaro Fernández-Armero (‘Allí abajo’) junto a Juan Cavestany (‘Vota Juan’) y producida por Apache Films (‘Paquita Salas’) regresa a Movistar+, su casa. La primera parte que pudimos ver desde noviembre del año pasado nos presentó a Jesús (Javier Gutiérrez), un fotógrafo sin pelos en la lengua y sin habilidad ninguna para empatizar con los demás o para hacer amigos.
La historia de este metepatas se llevó hasta cuatro Premios Feroz, un Fotograma de Plata, un Premio Unión de Actores y Actrices y otras muchas nominaciones. Esos galardones recabaron en sus actores principales, Javier Gutiérrez y Malena Alterio. Y en esta segunda temporada continúan manejando estupendamente el patetismo y tragicomedia de sus personajes, que también continúa Vito Sanz. El otro premiado de la temporada pasada, Miguel Rellán, sigue con su personaje sieso y reservado. Hasta aquí todo bien. Los protagonistas continúan teniendo entre ellos encuentros y conversaciones desagradables, lo suficientemente turbadoras como para hacernos reír.
‘Vergüenza’ sigue siendo una serie descarada e irreverente. Mantiene sus argumentos inhumanos, si nos referimos al tratamiento que se dan los personajes entre ellos. En ese sentido nos coloca ante sucesos tan engorrosos como los de los primeros capítulos. Pero Cavestany y Fernández-Armero han generado lances todavía más grotescos. Al continuar con las andanzas de Jesús y Nuria lo que parece que se ha pretendido es llevar más allá la historia, subir el listón. No sé si será esa la intención pero si es mi percepción. Eso hace que la serie sea más extrema, que los momentos incómodos rodados estén cerca de lo surrealista y de lo socialmente violento. Yo en este punto he tenido menos ocasiones para reírme y a mi gusto la serie se ha salido de unos límites que tenía bien definidos y se salta en varios momentos.
La carrera artística de Jesús sigue acaparando buena parte la serie pero el foco se ha desviado hacia otras tramas. Ha entrado en juego la paternidad, las falsas amistades, la confianza… Pero se mantienen las mismas temáticas: el respeto, la deshonra, el apego, el orgullo o la falta de humildad. Lo políticamente incorrecto pasa por nuestra pantalla continuamente. Y en esta segunda etapa de ‘Vergüenza’ no son solo los protagonistas los que se pasan de la raya. La serie ha incorporado algunos personajes secundarios que son tan bocazas, tan insoportables o más que Jesús y Nuria. Puede que esta sea otra de las razones por las que la segunda temporada me parece inferior a la primera, que por otro lado jugaba con la baza de poder marcar la diferencia en España con una serie tan sorprendentemente cargada de sinceridades. Al ver a los protagonistas rodeados de varios personajes con una personalidad igual o más embarazosa que la de ellos el contraste no es tan chocante y gracioso. Sí que hay personajes como el fontanero de Félix Ortiz o la madre de Óscar interpretada por María Casal que estaría bien que volviesen a aparecer y se les sacase más partido.
Esta producción de Movistar+ sigue teniendo a esas personas que miran a otros como defectuosos cuando son ellos los que carecen de aptitudes catalogadas como normales en nuestro mundo. Más que vergüenza sentiréis pena por las criaturas al cargo de ellos. Al igual que otras series de Apache Films me sigue recordando a ese humor ácido de Ricky Gervais (‘Extras’, ‘The office’) y continúa con esa gran estratagema de incorporar famosos haciendo de sí mismos como le ha tocado en esta ocasión a Álvaro Cervantes. A mí ya me tenían ganado con la primera temporada y aunque esta segunda no me ha divertido tanto sigo queriendo más. Lo bueno es que ahora para tener más ‘Vergüenza’ no tengo que esperar un año más, solo al especial de Navidad que saldrá el 24 de diciembre.
Del Director Ganador de un Oscar® Steve McQueen (’12 Años de Esclavitud’) y Gillian Flynn, co-guionista y autora del bestseller ‘Perdida’, llega un thriller desgarrador y moderno con el telón de fondo del crimen, la pasión y la corrupción: ‘Viudas’ es la historia de cuatro mujeres con nada en común excepto una deuda heredada por las actividades criminales de sus difuntos maridos. Ambientada en el Chicago actual, en un tiempo de agitación, la tensión crece cuando Veronica (Ganadora de un Oscar® Viola Davis), Alice (Elizabeth Debicki), Linda (Michelle Rodriguez) y Belle (Cynthia Erivo) deciden tomar las riendas de su destino y conspiran para forjarse un futuro con sus propias reglas. ‘Viudas’ también cuenta en el reparto con Liam Neeson, Colin Farrell, Robert Duvall, Daniel Kaluuya y Brian Tyree Henry
Crítica
‘Viudas’ se sale puntualmente de la norma
Del director de ’12 años de esclavitud’, Steve McQueen, recibimos una original propuesta. Un thriller con algo de acción y política. El inicio del filme es apabullante, además de ser una verdadera demostración de cómo se presentar a unos protagonistas en una sola secuencia. Pero ‘Viudas’ no se queda ahí, posteriormente vemos otras escenas muy bien elaboradas a la altura de un director que ya sabe lo que es tener una película ganadora de premios.
‘Viudas’ es una cinta en la que las esposas de unos atracadores heredan la deuda de sus recientemente difuntos maridos y tienen que buscarse las vueltas para salir a flote ante tan acuciante situación. Una película que pensaba sería un profundo drama que podría funcionar como una especie de secuela de cualquier película de maleantes pero que realmente se asemeja más ‘Oceans 8’, pero con un tratamiento mucho más serio y oscuro, con una base más sólida. También podría ser una continuación de ‘Los Soprano’, con las cónyuges de los mafiosos acusando las fechorías de sus parejas y urdiendo planes en lugares secretos y saunas.
El machismo, el patriarcado y el racismo están muy presentes en la película. Los maridos de las protagonistas las maltratan de varias maneras y las personas de raza negra son atacadas también de distintos modos. De entre todo el reparto tan solo hay un hombre al que no se le muestre como alguien ruin y todo afroamericano que interviene recibe algún tipo de insulto o agresión por parte de blancos. Vemos vejaciones, acoso, prostitución, condescendiente caballerosidad… Las pretensiones del filme en este sentido están muy claras y muchas veces nos deja la sensación de buscar subirse al carro de corrientes demandadas por la sociedad, lo cual veo muy loable y razonable, pero muy trillado, sobre todo en los últimos años.
No quiero que lo anteriormente expuesto se considere una pega, si no más bien una falta de alteración del mensaje a transmitir. Porque por otro lado hay que reconocerle al filme que no es unilateral. La película coloca en posición de pérfidos también a hombres afroamericanos y más de un personaje femenino se sitúa en el bando rival. «La ignorancia es la nueva norma, la excelencia», esto no lo digo yo, lo dice el personaje de Jon Michael Hill. Me gusta ese concepto que expone en su discurso en el que ataca a los que se niegan a ver la verdad y se refugian en sus extremos.
La fortaleza de ‘Viudas’ reside en que presenta momentos duros, intensos, que están interpretados muy ágilmente, con sinceridad y contundencia. ¿Nombres a destacar? Pues como he dicho una de las cosas que eleva la puntuación de la película son las actuaciones, pero en general. McQueen ya no ha contado con su recurrente Michael Fassbender pero eso no ha importado, ha encontrado talento más que de sobra para ‘Viudas’. Es una elección difícil pero hay varios nombres indiscutibles de actrices o actores que se apropian aquí de todo el ancho y alto de la pantalla. ViolaDavis (con su candoroso y decidido personaje), ElizabethDebicki (que pasa creíblemente de la nulidad a lo resuelto) y DanielKaluuya (despiadado e intimidador) son buenos pilares, pero no las únicas columnas de este filme. ‘Viudas’ está basada en la serie de televisión de Lynda La Plante, en la que también intervinieron HansZimmer y AnnMitchell en su día. Esta película hace coincidir también a otros muchos actores: DanielKaluuya y Jon Bernthal, Michelle Rodriguez y Colin Farrell… con ellos y con varios nombres más, entre los que no tenemos que dejar para nada de lado al veterano Liam Neeson y la ascendente Cynthia Erivo, se completa un reparto que seguro que dentro de varios años recordamos como memorable.
Si conseguimos dejar a un lado los manidos discursos que atienden a las causas que están tan en boga (movimientos que por desgracia aún necesitan ser más manoseados para ser escuchados) o las casualidades que juegan a favor de la trama nos queda una gran película con un punto de partida novedoso y con una ejecución al más alto nivel. ‘Viudas’ se sale puntualmente de la norma para garantizarnos un relato de mujeres agobiadas y exasperadas por un mundo que pensaban que no era el suyo. Si ‘Viudas’ quiere candidaturas en los Oscar las tendrá pues tiene todo lo que se requiere hoy en día para tenerlas.
Ficha de la película
Estreno en España: 30 de noviembre de 2018. Título original: Widows. Duración: 128 min. País: Reino Unido. Dirección: Steve McQueen. Guion: Gillian Flynn, Steve McQueen. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Sean Bobbitt. Reparto principal: Viola Davis, Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki, Cynthia Erivo, Liam Neeson, Colin Farrell, Robert Duvall, Daniel Kaluuya, Brian Tyree Henry. Producción: 20th Century Fox, New Regency Pictures, See-Saw Films, Film 4. Distribución: 20th Century Fox. Género: drama, adaptación. Web oficial:http://www.fox.es/viudas
Ichiro Inuyashiki es un hombre de 58 años, con una vida bastante rutinaria, empleado de oficina y una familia que prácticamente le desprecia. Un día, tras un chequeo médico, descubre que tiene cáncer y que le queda poco tiempo de vida. En medio de la desesperación… ¡una nave extraterrestre aterriza encima de él! Al despertar, Inuyashiki ya no es el mismo: ha sido reconstruido como una máquina de matar. Pero un nuevo cuerpo conlleva una gran responsabilidad: ¿se convertirá Inuyashiki en un héroe o quizás en la peor pesadilla de la humanidad?
Reseña
La crítica social y el cyberpunk de Hiroya Oku nos hacen simpatizar con un protagonista anciano
Hace muy poco vimos en el Festival de Sitges la adaptación a imagen real de ‘Inuyashiki’ (impresiones aquí). El mismo director de los live action de ‘Gantz’ se ha encargado de trasladar a la gran pantalla otro manga de Hiroya Oku. Desconozco qué tal es la versión anime, que también existe, pero ambos largometrajes son altamente satisfactorias, incluso el nuevo título (que espero que podáis ver pronto en cines) se ha llevado el Premio a Mejores Efectos Especiales en Sitges. No es para menos pues materializar todas las ocurrencias que se le ocurren a este mangaka y que parezca real es todo un logro.
Como he dicho ‘Gantz’ e ‘Inuyashiki’ salen de la misma mente. Hiroya Oku se mantiene dentro del género para adultos y del ciberpunk. Este trabajo es muy seinen pero por la crudeza de algunas de sus escenas, por el contrario no tiene contenido sexual como podía tener ‘Gantz’ o ‘Hen’ (otra de sus obras).
En ‘Last hero Inuyashiki’ conocemos a Inuyashiki, un padre de familia de avanzada edad que es maltratado psicológicamente por los que le rodean y se siente un auténtico paria o perdedor. Para colmo le comunican que le queda poco tiempo de vida y es tal su cobardía y resignación que no lo exterioriza ni cuenta a nadie. Hasta que un día le cae encima una nave espacial y tras despertar de ese encuentro no solo está intacto, si no que se ha convertido en una eficiente máquina. Pero esto no solo le sucede a él, sino que también es transformado Shishigami Hiro, un joven que estaba a su lado.
Con estos ingredientes arranca el primer tomo y se generan todos los conflictos de las siguientes entregas. Mucha acción, humor y bastante drama hay en esta historia que es más adulta que otras publicaciones de Oku. Como siempre se nota que al mangaka le preocupa mucho la sociedad japonesa y o bien la critica o bien la retrata. También introduce sus clásicos debates internos, en este caso sobre la esencia de la humanidad, sobre la ética de servir a los demás o a los intereses de uno mismo o incluso sobre si se podría juzgar a una máquina.
10 tomos, que fueron publicados en 2014 en Japón y que ahora en España están disponibles a través de Milky Way Ediciones, están repletos de dibujos lineales y perfectos. Se nota que hay una mezcla de dibujo tradicional y moderno, con ese toque de personajes diseñados a mano y escenarios recreados por ordenador. La maquinaria y las localizaciones parece que están hechas para un dosier de dibujo técnico. Esto sucedía también en ‘Gantz’ y visualmente se consiguió llevar a la historia a un nivel tanto épico como grandioso. Hiroya Oku es consciente del éxito de su anterior colección y en esta que es un tanto inferior alude constantemente a ella, aparte de a otros iconos de la cultura popular.
El autor como siempre pasa de lo local a lo global, aumentando poco a poco su ritmo, que siempre suele ser bastante pausado. Con ello el manga termina siendo una historia delirante con mucha locura llena de reflexión y parodia. Al final se le va de las manos a niveles de cine de serie b. Pasamos de una trama con una dinámica muy similar a la de ‘Death Note’, pero que va mucho más al grano y a la acción, a una conclusión mucho más universal y desbocada. El cierre de esta colección es sin duda lo peor, cosa que han solucionado en el filme, pero aún así es más que recomendable por lo bien que sabe interiorizar en sus personajes (sobre todo en su atípico protagonista) y por la calidad de sus viñetas.
Ficha del cómic
Guion: Hiroya Oku. Dibujo: Hiroya Oku. Editorial: Milky Way Ediciones. Datos técnicos: 194 págs. (por tomo), rústica con sobrecubierta, B/N con páginas a color, 13 x 18 cm. Publicación: enero de 2014. Precio: 8,50€ (cada unidad).
En un poblado andaluz que se ha quedado anclado en el tiempo, Concha y su hija Adela sueñan con una vida mejor. Harta del ambiente opresivo y de un marido cruel, Concha decide arriesgarlo todo y escapa con su hija a la ciudad. Su huida se convertirá en una aventura en la que lucharán por escapar de las jaulas que siempre han sido sus vidas.
Crítica
‘Jaulas’ es una cinta que ejemplifica muy bien el cautiverio de la mala vida
La España profunda, marginal y de extrarradio se hace con el protagonismo en el cine a través de la película ‘Jaulas’. El primer largometraje de Nicolás Pacheco nos traslada a través de su rodaje en Sevilla y alrededores a esas zonas y personas caídas en el olvido, atrapadas en la desidia y la miseria. ‘Jaulas’ es una cinta que ejemplifica muy bien el cautiverio de la mala vida.
A través de la historia de una mujer que huye con su hija de un marido opresor y anticuado llegamos a varias crónicas entrelazadas que comparten grandes pesares. Los protagonistas de estos relatos se sienten de un modo u otro cautivos. Ya sea sentimentalmente, económicamente, físicamente… Algunos personajes necesitan huir literalmente, otros apartarse del mal camino y otros incluso salir de su propio cuerpo. Están enjaulados en vidas que a veces son un laberinto lleno de callejones sin salida y en otras ocasiones un bucle del que es imposible escapar. Con una buena cantidad de actores se muestran varias maneras de sentir la angustia de estar encadenado a un lugar o personas.
‘Jaulas’ está muy bien contrastada, no me refiero solo al trabajo de información que debe tener detrás, si no también a lo visual. No es que solo saque partido a rincones andaluces que visitados a pie se nos pasarían inadvertidos, también dota a las barriadas de un carácter tragicómico que no es fácil de conseguir. El color de la película está muy bien empleado para contraponerse a los continuos infortunios mostrados. Porque ciertamente a la gente del filme parece que les ha mirado un tuerto pero mantiene un atisbo de esperanza que no les impide poner color en su día a día.
Este color también aligera el filme junto con las notas de humor introducidas. Unos instantes breves y cómicos que nos remontan a películas de los Coen o Ritchie. Momentos miserables pero enmascarados con comedia que nos llevan a enredos y cruces de caminos, sobre todo en su final, pero predominando las desventuras y el hostigamiento.
En el filme encontraréis rostros conocidos como el de Antonio Dechent, Manuel Tallafé o Manolo Caro. Pero la sufrida protagonista está interpretada por Estefanía de los Santos muy bien respaldada por Marta Gavilán y Manuel Cañada, que ejercen de hija y hermano de la protagonista. Tal variedad de intérpretes, ya sea por edades o experiencia, enriquece el filme y la aportación de cada uno sirve a buenas para narrar la historia. Actores enjaulados pero no encasillados en personajes grises rodeados de un mundo coloreado por las tonalidades de los pájaros, por el cántico de sus aves y el suyo propio.
Ficha de la película
Estreno en España: 23 de noviembre de 2018. Título original: Jaulas. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Nicolás Pachecho. Guion: Nicolás Pacheco. Música: Pablo Cervantes. Fotografía: Alejandro Espadero. Reparto principal: Estefanía de los Santos, Marta Gavilán, Manuel Cañada, Belén Ponce de León, Antonio Dechent, Manolo Caro, Antonio Estrada, Stefan Mihai. Producción: Suroeste Films, Spal Films. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/901/jaulas/
Tras pasar la noche esperando la llegada de Papá Noel, los hermanos Kate (Darby Camp) y Teddy Pierce (Judah Lewis), consiguen colarse en su trineo, causando un accidente y casi trastocando por completo los planes para la Navidad. A medida que avanza su alocada noche, Kate y Teddy ayudarán a un Papá Noel y a sus leales elfo a salvar la Navidad antes de que sea demasiado tarde.
Crítica
Muy divertida y con un Papa Noel muy distinto
Como todos sabemos el 25 de diciembre es Navidad y Netflix con más de un mes de antelación nos comienza a preparar para esta fecha tan esperada por mayores y pequeños y lo hace con el estreno mundial de ‘CrónicasdeNavidad’ el 22 de noviembre.
¿Y qué nos ofrece de nuevo ‘Crónicas de Navidad’? Pues la verdad que en cuanto a la historia nada, pero ver a KurtRussell como Papa Noel ya merece la pena.
Clay Kaytis nos trae a dos hermanos que están empeñados en grabar a Papa Noel en video y por supuesto lo consiguen, si no no tendríamos aventuras. A partir de ese momento y por culpa de un pequeño accidente de trineo puede que los regalos navideños no lleguen a sus futuros dueños.
Aventuras y diversión para los más pequeños y para los que adoramos la Navidad. ‘CrónicasdeNavidad’ es sencilla y sin pretensiones, da lo que nos promete y no engaña a nadie. El Papa Noel de KurtRussell es bastante canalla, solo os digo que durante unos minutos termina en la cárcel cantando a ritmo de blues.
Los niños DarbyCamp y JudahLewis se desenvuelven muy bien en la historia y dan buena réplica a KurtRussell poniendo el punto más inocente a la película.
La puesta en escena es muy bonita, siendo una película sobre la Navidad, está llena de color y luces por todos lados. Además el CGI utilizado está bastante bien trabajado, los renos o los elfos están bien introducidos en las escenas, dando una realidad llena de magia.
Los elfos merecen un pequeño inciso y es que si Papa Noel, como he comentado antes es algo canalla, estos elfos son bastante endemoniados. Están muy graciosos y la estética entre animales del bosque y gnomos de jardín les hace bastante originales.
Una buena película de Navidad para pasar la tarde y disfrutar de estos típicos cuentos de una manera diferente.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de noviembre 2018. Título original: The Christmas Chronicles. Duración: 103 min. País: Estados Unidos. Dirección: Clay Kaytis. Guión: Matt Lieberman. Música: Christopher Beck. Reparto principal: Kurt Russell, Kimberly Williams-Paisley, Judah Lewis, Darby Camp, Lauren Collins, Seth Mohan, Solla Park, Jack Bona, David Kohlsmith, Lamorne Morris. Producción: 1492 Pictures, Madhouse Entertainment, Ocean Blue Entertainment. Distribución: Netflix. Género: Comedia.
Al final de la primera película, MACUSA (Congreso Mágico de los Estados Unidos de América), capturaba al poderoso mago, el tenebroso Gellert Grindelwald, con ayuda de Newt Scamander. Pero, cumpliendo su amenaza, Grindelwald escapó de la custodia y se ha dedicado a reunir seguidores, la mayoría de los cuales desconocen su verdadera agenda: formar hechiceros de pura sangre que gobiernen sobre todos los seres no mágicos. Con el fin de frustrar los planes de Grindelwald, Dumbledore, recluta a su antiguo alumno Newt Scamander, que accede a ayudar sin darse cuenta de los peligros que le esperan.
Crítica
Una segunda parte llena de magia pero muy floja en la historia
Ya hemos visto ‘Animales Fantásticos: Los crímenes de Grindelwald‘, la segunda película de lo que será una saga de cinco spin off del universo mágico de Harry Potter. De nuevo dirigida por DavidYates y de nuevo escrita por J.K. Rowling y no nos ha entusiasmado demasiado.
La primera cinta, me pareció una introducción bastante bien realizada, presentándonos a Newt Scamander, un estudioso de las bestias mágicas y futuro escritor de ‘Animales fantásticos y dónde encontrarlos‘. Además de prepararnos al próximo villano, Grindelwald, la película fue al grano y nos mostró lo que esperábamos y un poquito más.
En cambio esta segunda cinta se va por las ramas, dando vueltas a cosas innecesarias, dando protagonismo a personajes que al final no van a ningún lado y no cuenta nada nuevo. Sí, nos está mostrando como poco a poco todo es más oscuro, vale, que el mal está llegando, pero ya está, no avanza nada la trama que tanto espero ver y además todo esto a cerca del pasado ya lo hemos podido ver en las anteriores cintas.
Me ha decepcionado bastante el cómo han desarrollado la historia, pues realmente todo lo que cuentan podría resumirse y ser una introducción de otra película con mucho más argumento.
Pero bueno, no todo va a ser malo, pues realmente tiene muchos detalles bonitos para los fans de la saga. Vuelves a ver Hogwarts, a los famosos profesores, aunque sea de jóvenes, e incluso detalles que todos conocemos. Por esto me da mucha rabia que hayan estropeado las historias de amor o que se líen con los árboles genealógicos, solo por rellenar hueco.
Tenemos también nuevos personajes, el hermano de Newt, interpretado por CallumTurner, que aporta el toque responsable de la familia. BrontisJodorowsky, que da vida al anciano Nicolas Flamel, cuyo personaje es bastante gracioso, pero no entiendo muy bien porque han tenido que coger a alguien joven y maquillarlo para este papel, la verdad que el maquillaje deja mucho que desear. Y otra de las apariciones más esperadas es la de ClaudiaKim, la joven que da vida a Nagini, un personaje bien conocido en Harry Potter.
Además otro de los nuevos actores de la película es JudeLaw, eso sí, interpretando a un personaje muy conocido, Albus Dumbledore. Ya hubo quejas porque no iba vestido de mago, pues en los libros el siempre va con la vestimenta típica, pero bueno, eso yo creo que es lo de menos, la verdad que por mucho que me guste el actor, no me ha convencido nada. En cambio, su enemigo, Grindelwald, interpretado por JohnnyDepp, me ha sorprendido más. Sigue sin gustarme la estética que el propio actor eligió, pero he de admitir que ha dejado de ser Jack Sparrow durante las 2 horas y 14 minutos que dura la película, para meterse de verdad en la piel del villano, sin apenas gesticulación y demostrando que no siempre sobreactúa.
El CGI mejora en esta nueva entrega y sobre todo los animales que salen tienen unos diseños muy originales y cuidados, con poderes curiosos que hacen que veamos todo el trabajo y cariño con el que se ha tratado a cada nuevo ser.
Es una pena que la película no cuente nada nuevo o que lo nuevo que cuente deje descontento a más de uno. Supongo que a los fans de los libros y las antiguas películas les gustarán los guiños y el cariño con el que tratan a los personajes, además de toda la magia que se puede ver en pantalla, pues las batallas son bastante espectaculares.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de noviembre. Título original: Fantastic Beasts: The Crimes of Grindelwald. Duración: 134 min. País: Reino Unido. Dirección: David Yates. Guión: J.K. Rowling. Música: James Newton Howard. Fotografía: Philippe Rousselot. Reparto principal: Eddie Redmayne, Jude Law, Katherine Waterston, Johnny Depp, Ezra Miller, Alison Sudol, Callum Turner, Dan Fogler, Claudia Kim, Zöe Kravitz, David Sakurai, Brontis Jodorowsky. Producción: Warner Bros., Heyday Films. Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: Fantástico. Web oficial:https://www.fantasticbeasts.net/
‘La balada de Buster Scruggs’ es una antología de seis partes con relatos sobre la frontera de EE. UU. contados por la visión única de los hermanos Coen. Cada capítulo narra una historia distinta sobre el Lejano Oeste.
Crítica
De la versión más sanguinolenta y chiflada de los Coen al más genuino western
Las recopilaciones antológicas muy poco a poco se van poniendo de nuevo de moda y se van reivindicando. El mejor ejemplo de ello es la proliferación de títulos como ‘Black Mirror’, ‘ABC’s of Death’, ‘Masters of Horror’… Es en 2018 cuando le ha llegado su momento al western. Con ‘La balada de Buster Scruggs’ viviréis hasta seis historias. En publicaciones antológicas vemos normalmente cosas dirigidas por distintos directores o escritas por diferentes guionistas. En este caso es todo obra de los hermanos Coen y demuestran saber cambiar de tercio aunque se encuentren en el mismo proyecto.
De principio a fin vemos una mano que va deslizando las páginas del libro de donde salen todas estas aventuras. Eso me remonta a las escenas de ‘Los Caballeros de la Mesa Cuadrada’ de los Monty Python. Y de un modo tan alocado como el de los cómicos ingleses empieza ‘La balada de Buster Scruggs’, con juglar incluido. Habría sido muy difícil mantener el nivel del primer relato, sobre todo con un carácter tan de musical para los Coen. Los hermanos han optado por encarrilar por distintas vías este sexteto de cuentos que me recuerdan mucho a algunas de las mini novelas de Francisco González Ledesma (Silver Kane) y Marcial Lafuente Estefanía.
Esta es más bien una mini serie, cuyos episodios no tienen conexión alguna entre ellos, ni con sus personajes ni con sus tramas ni siquiera con sus tonalidades. ‘La balada de Buster Scruggs’ empieza de un modo cómicamente negro, sanguinolento, con rupturas de la cuarta pared para finalizar con un episodio que podría formar parte de ‘The Twilight Zone’. Pero entre medias tiene dramas muy evocadores e incluso románticos, que no por ello amorosos. Son las dos primeras y la última narración las que a mí personalmente me han gustado más. Ya sea por su originalidad, por llevar más allá la pureza del cine del oeste o por tener elementos más interesantes o atractivos. El grueso central de este largometraje me ha resultado más tedioso, mucho más monótono y aunque siempre se respeta el espíritu de una buena historia fronteriza y tiene desenlaces sorpresa me ha adormecido algo. Como ya hicieron hace ocho años con ‘Valor de ley’ los artistas de Minneapolis han introducido todos los elementos míticos del Western que han podido y los han puesto a su merced. Nos llevan desde los lugares más fronterizos hasta las más fértiles montañas rellenándolas de historias de cobardes, de sagaces, de emprendedores, de espíritus libres, de canallas… Y para ello vemos los clásicos acentos texanos, los tiroteos, los salones, las partidas de póker, los ataques indios, las canalladas de los forajidos, los condenados a la horca, las largas hileras de carretas, la fiebre del oro…
Muchas de las imágenes de la cinta son francamente evocadoras. Apelan a nuestros recuerdos, rememoran la época dorada del western y nos devuelven a John Ford, Howard Hawks y compañía. La fotografía maneja muy hábilmente las posibilidades del arte digital para plasmar tanto las alocadas ideas de los guionistas como los momentos más icónicos que han decidido filmar. El director de fotografía ha sido Bruno Delbonnel, cuya colorida obra hemos visto en ‘Amelie’ o ‘Sombras tenebrosas’.
Por supuesto como es costumbre en las películas de los Coen ‘La balada de Buster Scruggs’ reúne a un buen número de caras conocidas que incluso repiten con ellos, como es el caso de Tim Blake Nelson, que trabajó con los Coen en ‘O Brother!’. Con Blake Nelson quizá encontramos el personaje más Coeniano junto al papel que realiza James Franco. En esta atípica producción están también Liam Neeson, Clancy Brown, Brendan Gleeson, Zoe Kazan, Harry Melling, Tom Waits o Ralph Ineson. La caracterización es muy buena y ninguno de ellos os recordará a los papeles que han hecho en otras películas o series, veréis a pintorescos, rudos y aventureros individuos de la Norteamérica del siglo XIX.
A parte de la producción de la serie de ‘Fargo’ es la primera vez que los Coen se sumergen en un proyecto televisivo, más aún si hablamos de un proyecto en descarga bajo demanda. No me parece curioso el hecho de que hayan juntado todos estos episodios en una sola visualización, si acaso por el mero hecho de que se ha convertido en la cinta más larga de los Coen. También es la que se me ha hecho más extensa a mí. Es antológica por su carácter recopilatorio, pero quizá no por su valor destacable, no en su totalidad por lo menos. Y esto me duele decirlo como ferviente seguidor de los Coen. La cuestión es que se reconoce el toque de los cineastas, pero este podría considerarse el filme que más se sale de sus estándares en muchos aspectos.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de noviembre de 2018. Título original: The Ballad of Buster Scruggs. Duración: 128 min. País: EE.UU. Dirección: Joel Cen, Ethan Coen. Guion: Joel Cen, Ethan Coen. Música: Carter Burwell. Fotografía: Bruno Delbonnel. Reparto principal: Liam Neeson, James Franco, Zoe Kazan, David Krumholtz, Clancy Brown, Brendan Gleeson, Ralph Ineson, Stephen Root, Hatty Melling, Tom Waits, Tom Waits, Tyne Daly, Matthew Willig, Tim Blake Nelson, Saul Rubinek. Producción: Annapurna Television, Mike Zoss Productions. Distribución: Netflix. Género: comedia, drama, western, antología. Web oficial:https://www.netflix.com/title/80200267
Siete desconocidos, cada uno con un secreto que ocultar, se reúnen en el lago Tahoe, en El Royale, un deteriorado hotel con un oscuro pasado. Durante el transcurso de una fatídica noche, todos tendrán una última oportunidad de redención… antes de que todo se vaya al infierno. Jeff Bridges, Chris Hemsworth, Jon Hamm, Dakota Johnson y Cynthia Erivo lideran un reparto de estrellas en ‘Malos tiempos en El Royale’.
Crítica
Envolvente forma de representar historias muy encadenadas durante los sesenta
Surgida de la imaginación y manos del director y guionista Drew Goddard (‘Marte’) se estrena ‘Malos tiempos en El Royale’ y no, esta no es una versión tenebrosa de Hostal Royal Manzanares de Lina Morgan. Hecho el chiste fácil hay que avisar de que El Royale nos ofrece una estancia bien curiosa en un Motel, porque es un motel realmente, dividido en dos por el estado de California y Nevada. Pero tiene trampa porque este establecimiento es bien misterioso y esconde secretos muy truculentos.
Las primeras secuencias de la película son tan intrigantes como ominosas. Con su arranque lo que consigue Goddard es engancharnos desde el minuto cero a una historia que posteriormente no deja de tener giros y sorpresas, acompañadas de algún que otro susto, dicho sea de paso. Esta es una trama coral, donde todos esconden algo, bueno o malo, pero que provoca que interactúen entre ellos constantemente según avanza el metraje. En sola una noche se cruzan sus caminos como en una larga trenza, se chocan las bolas de billar produciendo el desorden y la caída en los más profundos agujeros. ‘Malos tiempos en El Royale’ es un relato cada vez más escabroso y atrayente en el que todo encaja, no hay fallos de guión. Si acaso lo único que acusa la película negativamente son sus dos tramos finales, pues está dividida en seis actos (con el epílogo) y el que está protagonizado más por Chris Hemsworth es el que se hace más tedioso y largo.
Lo que me han hecho creer los más de dos horas de película es que Goddard ha querido representar una escenificación de historias imaginadas en torno al Estados Unidos de los sesenta en tan solo unas pocas horas y de manera concentrada en una única ubicación. El Royale está abiertamente inspirado en el Cal-Neva Lodge & Casino que una vez fue propiedad de Frank Sinatra y que por entonces vio alojados en sus habitaciones a mafiosos o a Marilyn Monroe. No creo que sea el único en afirmar que ‘Malos tiempos en El Royale’ tiene un doble sentido histórico evocándonos a tiempos de la Motown, los Kennedy, Charles Manson, J.E. Hoover, Nixon, Vietnam…
La música es un factor importante en el filme. No solo por la ambientación obvia que necesita si no por alguno de sus protagonistas y por el uso que se hace de ella. MichaelGiacchino consigue encajar bien sus notas en un filme que pide que el ritmo no decaiga, que se acompañe bien todo el movimiento y que se mantenga la tensión.
Este filme reúne buenos nombres, no son precisamente un Rat Pack pero si hay un talento obvio entre ellos. Jeff Bridges, CynthiaErivo, DakotaJohnson, JonHamm, ChrisHemsworth, Cailee Spaeny y Lewis Pullman son los principales artífices de esta historia. De entre todos quienes más me han llegado y convencido son Bridges y Erivo, tienen personajes muy en sintonía con su estilo. Sin embargo Hemsworth es quien no me ha transmitido lo que su personaje requiere y eso que repite con Goddard tras ‘La cabaña en el bosque’, película en la que si consiguieron captarme.
Haciendo avanzar la historia de manera lineal, muy cargada de flashbacks y con secuencias largas los secretos de los personajes y del propio hotel se van desenredando, mientras que la noche se complica más y más. En este juego en el que tenemos que adivinar quién es el lobo y quien la oveja se juega muy bien con el escenario, cosa que Goddard ha demostrado saber hacer muy bien en otros guiones suyos como el de ‘Marte’, ‘Cloverfield’ o la serie de ‘Daredevil’.
Ficha de la película
Estreno en España: 16 de noviembre de 2018. Título original: Bad times at the El Royale. Duración: 141 min. País: EE.UU. Dirección: Drew Goddard. Guion: Drew Goddard. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Seamus McGarvey. Reparto principal: Jeff Bridges, Cynthia Erivo, Dakota Johnson, Jon Hamm, Chris Hemsworth, Cailee Spaeny, Lewis Pullman, Nick Offerman, Xavier Dolan, Shea Whigham, Mark O’Brien, Alvina August. Producción: 20th Century Fox. Distribución: 20th Century Fox. Género: thriller. Web oficial:https://www.malostiemposenelroyale.es/
Documental sobre Ingmar Bergman centrado en un año trascendental de su carrera, 1957, cuando dirigió las obras maestras «El Séptimo Sello» y «Fresas Salvajes». Pero más allá de limitarse a tratar la faceta artística de Bergman, aborda como nunca su vida íntima y sus tormentosas relaciones sentimentales.
Crítica
Los claroscuros de una figura clave del cine
Cuando se cumplen cien años del nacimiento de E. Ingmar Bergman se publica ‘Bergman, su gran año’. Un documental que gira en torno a la figura del director de cine sueco y que al contrario de muchas obras que intentan rememorar a un artista no cae en las adulaciones y por el contrario tampoco en el sensacionalismo. La persona, no el personaje, de Bergman se estudia desde distintos ángulos en el trabajo que ha sido dirigido por Jane Magnusson (‘Descubriendo a Bergman’, ‘Fettknölen’).
Son varios los estudios que ha realizado el director de este documento sobre Bergman. Con tanta dedicación podría haber sido normal el pensar que la película sería una constante alabanza del cineasta. Pero no. Es una cinta tratada desde el respeto pero no desde la idolatría. Casi es al contrario pero la verdad es que la balanza se encuentra en un frágil equilibrio. Se esboza la figura de un director que era fructífero y productivo a más no poder, de un artista que con libertad de creación consiguió diversas obras maestras premiadas en todo tipo de ceremonias (incluyendo cuatro Oscars), de alguien que es considerado un maestro. Y en dirección opuesta vemos como fue un mujeriego, egocéntrico, adicto al trabajo, neurótico e incluso partidario del nazismo.
Toda la contradicción de sentimientos que genera el reportaje es la misma que fue surgiendo a medida que Bergman publicaba sus autobiografías cargadas de discordancias. Pero si hay una sensación que surge al ver el documental y nos deja pasmados es la de asombro. Asombro al ver cómo a pesar de tratar como trataba a sus equipos de rodaje o como aún teniendo a su familia desatendida podíamos ver a su alrededor siempre alguien que le bailaba el agua. Pero pasmo al comprobar cuanto partido sacaba a su tiempo. La película gira en torno al año 57 ya que en esos días fue cuando estrenó varias de sus películas clave como ‘El séptimo sello’ o ‘Fresas salvajes’. Pero también fue cuando se dedicó a rodar otras tantas mientras estrenaba diversas obras de teatro. Y todo esto durante escarceos amorosos para los cuales no me explico de donde extraía minutos del día.
No obstante también comprobamos gracias a este filme que en el fondo fue una eminencia muy solitaria. Laureado pero en su gloria acomodado en el aislamiento. Diversos actores o compañeros de rodaje nos hablan de cómo le veían o como era trabajar con él. BárbaraStreisand o ElliotGould son varios de los ejemplos. Además que el de Gould es muy buen testimonio ya que trabajó con él y con Woody Allen, quien se inspira bastante en Bergman, con lo cual nos ofrece una interesante perspectiva.
Este documental, aunque peca de largo y excesivamente repetitivo o basado en entrevistas, es bastante esclarecedor. Aún así nos deja claro en varias ocasiones que la mejor manera de conocer a Bergman es viendo su cine, ya que en gran medida fue autobiográfico. Al igual que sus películas este trabajo es lento y deja espacio a la reflexión, para que extraigamos nuestras conclusiones, para que distingamos al ser humano del mito.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de noviembre de 2018. Título original: Bergman – ett år, ett liv. Duración: 116 min. País: Suecia. Dirección: Jane Magnusson. Música: Jonas Beckman, Lars Kumlin. Fotografía: Emil Klang. Reparto principal: Elliott Gould, Barbra Streisand, Liv Ullmann, Lars von Trier, Lena Endre, Bárbara Streisand. Producción: B-Reel FIlms. Distribución: A Contracorriente Films. Género: documental. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/904/bergman-su-gran-ano/
Regresa a la gran pantalla una nueva historia de Millennium protagonizada por la ganadora del Globo de Oro Claire Foy (“The Crown”) como Lisbeth Salander, la marginada y feroz justiciera de la serie de novelas creada por Stieg Larsson, Millennium: Lo que no te mata te hace más fuerte. La primera adaptaciónde estebestseller mundial está dirigida por Fede Alvarez, director del exitoso thriller No respires y cuenta con el guion adapatado de Jay Basu, Steven Knight y del propio Fede Álvarez.
Crítica
Tenemos saga para rato
La saga Millennium continua en el cine tras el remake frustrado en Norteamérica por parte de David Fincher. En esta ocasión, también desde Estados Unidos tenemos una nueva entrega pero esta supone la adaptación de la novela de David Lagercrantz, que continuó la obra literaria del fallecido StiegLarsson, y por lo tanto sirve de continuación a la trilogía sueca. Para este nuevo capítulo es ClaireFoy (‘The Crown’) quien encarna a Lisbeth Salander, quien ha estado interpretada ya por RooneyMara y NoomiRapace. Lo que empieza a suceder con este personaje es algo similar a lo que vemos con otros iconos de la cultura popular surgidos del papel como Superman, Sherlock Holmes o James Bond. Varias actrices van encargándose del rol protagónico y surgirá debate con el tiempo sobre quién encajaba mejor o peor para el papel.
Y esa no es la única analogía que encuentro con la saga de James Bond, además de su cartel. He de reconocer que desconozco cómo serían las otras cuatro películas inspiradas en la saga pues esta es la primera que veo, pero puedo asegurar que esta entrega sabe mucho a cine de espionaje. Con un tono similar al de las entregas de Bourne (también surgido de la literatura) el largometraje dirigido por Fede Álvarez (‘No respires’) incluye elementos como agentes especiales, complots, cochazos, matones, villanas megalómanas, programas que amenazan la paz mundial… Todo ello con acción mucha acción.
No sé cómo va a impactar este nuevo título en los seguidores de la primera trilogía, pero si puedo afirmar que como película independiente funciona muy bien. Álvarez muestra de nuevo que es un cineasta con mucho talento, sabiendo mover la cámara muy adecuadamente y jugando con todos los sonidos posibles, sin que le sobre o le falte nada, para sumergirnos en una película muy bien hilada, con un ritmo constante y con etapas bien definidas.
A pesar de no haber visto la trilogía original si reconozco su estética y componentes. Fede Álvarez ha recabado los elementos más atractivos y les ha rodeado de un ambiente un poco más luminoso. Eso ayudará también a que su protagonista femenina esté bien reconocible. Porque aunque en esta ocasión Lisbeth Salander continua siendo la justiciera que castiga a hombres maltratadores es su faceta de hacker la que más se explota. Y lo hace hasta tal punto que a veces resultan desmesuradas sus capacidades, como suele pasar en cualquier película que fantasea con la informática a nivel conspiranoico. En todas las películas que contienen piratas vemos como hacen todas sus «pillerías» tecleando como posesos, aunque tengan una interfaz con ratón. En ‘Millennium: lo que no te mata te hace más fuerte’ nuestra ladrona informática hace uso de ratón, smartphone… es mucho más creíble aunque su talento parezca sacado del videojuego ‘Watch dogs’.
Dentro de su ficción tecnológica con burócratas, intrigas y conjuras caben varios bandos y en ellos diversos personajes. Periodista, agente, programador, psicópata… cada facción viene representada por un actor distinto que también encarna los clichés del cine de complots internacionales. A destacar a Sverrir Gudnason (‘Borg McEnroe’) a Lakeith Stanfield (‘Death Note’, ‘Déjame salir’) y a Sylvia Hoeks (‘Blade Runner 2049’). También me ha gustado volver a ver a Stephen Merchant (‘Logan’, ‘The office’) fuera de la comedia.
De nuevo podemos gozar de una protagonista femenina en una película de drama, thriller y acción (insisto en enmarcarla en el género) que mantiene la película por sí sola. Podríamos decir que es un personaje nada arquetípico en un largometraje bastante prototípico. La cinta funciona también de manera libre ya que presenta a sus personajes como si fuesen nuevos pero de un modo que da la sensación de que ya les conocíamos y se cierra de manera que podría servir como conclusiva. Larsson tenía pensado publicar hasta diez entregas sobre Lizbeth Salander y si la calidad sigue como en este nuevo estreno no me extrañaría que se llegue a las diez películas pues su legado literario continúa y puede seguir siendo adaptado.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de noviembre de 2018. Título original: The Girl in the Spider’s Web. Duración: 117 min. País: EE.UU. Dirección: Fede Álvarez. Guion: Steven Knight, Fede Álvarez, Jay Basu. Música: Roque Baños. Fotografía: Pedro Luque. Reparto principal: Claire Foy, Sverrir Gudnason, Lakeith Stanfield, Sylvia Hoeks, Stephen Merchant, Claes Bang, Christopher Convery, Synnøve Macody Lund, Vicky Krie. Producción: Sony Pictures Entertainment, Scott Rudin Productions, The Cantillon Company, Yellow Bird Films, Metro-Goldwyn-Mayer. Distribución: Sony Pictures. Género: thriller, acción, drama, adaptación. Web oficial:http://www.girlinthespidersweb.movie/site/
La vida del doctor Jaime Jiménez (Jose Coronado) se viene abajo cuando su hijo de 17 años queda en estado vegetativo debido a una brutal paliza que recibe a la salida de una discoteca. Tras ver que la justicia no hace nada por detener a los culpables, él mismo emprenderá un viaje a los infiernos en busca de venganza.
Crítica
Se percibe tan auténtica que es consternante
No hace falta tener un hijo para saber que criar y estar al cargo de alguien es una gran responsabilidad. Todos somos hijos y sabemos lo que es el amor incondicional de un padre o una madre y somos conscientes de los quebraderos de cabeza que podemos darles a nuestros progenitores. La nueva película de Miguel Ángel Vivas nos enseña muchas maneras de ser buen padre, sea como sea cada vástago.
Una paliza a su hijo es lo que produce que el doctor Jaime Jiménez (Jose Coronado) emprenda una búsqueda de justicia en la que la verdad queda en segundo plano cuando se piensa en lo imborrable de lo sucedido. No me gustaría aplicar la expresión «descenso a los infiernos» con lo que le pasa al personaje de Jose Coronado, no solo por no caer en un tópico, si no porque eso sería reconocer que la vida misma es un infierno. Lo que nos plasma en la gran pantalla el guión de Vivas y Alberto Marini es el desarrollo totalmente natural y creíble de lo que le puede pasar a cualquier persona. Es demoledora la veracidad de esta historia en la que una familia tiene su vida bien encauzada y en poco tiempo todo se trastoca.
Grande Coronado con su personaje en shock. Si hay algo interpretativamente importante en esta película es como el actor gestiona las emociones de su personaje. Es fascinante ver cómo borda esa insistencia a resistirse a aceptar una verdad dolorosa. Pero no estaríamos hablando de un filme tan redondo si no fuese porque le han acompañado actores con mucho talento como Ana Wagener o jóvenes tales como Pol Monen, Asia Ortega o Ester Expósito, estas dos últimas mejorando su interpretación en la recientemente estrenada ‘Cuando los ángeles duermen’.
Su duración y ritmo nos hacen pasar momentos de incertidumbre y tensión. ‘Tu hijo’ ejemplifica paso a paso un caso en el que la impotencia, la contención y la frustración juegan papeles importantes porque también está llena de impulsividad y rabia.
Aunque se puede percibir claramente desde el principio la causa de la paliza no es tan obvio su detonante. Me han engañado y pillado por sorpresa muchas de las escenas del filme. La película es muy realista y eso nos puede crear la sensación de predictibilidad, por eso hay que tener cuidado con las ideas preconcebidas que al igual que sucede en nuestro día a día son las que hacen que nos llevemos grandes conmociones. Muchas de las anotaciones que tomé durante el visionado de ‘Tu hijo’ las he tenido que descartar por su giro final, es apabullante.
Pocas veces he visto también reflejada la dedicación de los padres hacia sus hijos. En contadas ocasiones se ilustra tan bien el cómo el fin de la paciencia y la mayor de las crispaciones acaban con todo debate entre justicia y legitimidad. Al igual que ha hecho con episodios que ha dirigido en algunas series Miguel Ángel Vivas demuestra que no solo del fantástico o el terror vive el hombre. A mí me han gustado los títulos anteriores del director pero creo que en esta ocasión se ha superado a sí mismo.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de noviembre de 2018. Título original: Tu hijo. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Miguel Ángel Vivas. Guion: Miguel Ángel Vivas, Alberto Marini. Música: Fernando Vacas. Fotografía: Pedro J. Marquez. Reparto principal: Jose Coronado, Pol Monen, Ana Wagener, Asia Ortega, Ester Expósito, Luis Bermejo, Vicente Romero. Producción: Apache Films, Las Películas Del Apache, La Claqueta PC, Ran Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: drama, thriller. Web oficial:https://laclaqueta.com/portfolio-item/tu-hijo/
La víspera del Día-D, un grupo de soldados aliados son enviados a la Francia ocupada por los nazis para completar una misión esencial para la victoria en la guerra. Sobre el terreno, descubren un laboratorio nazi en el que se llevan a cabo grotescos y descabellados experimentos con los habitantes de la localidad.
La formación básica que han recibido no les ha preparado para lo que tendrán que afrontar –habrán de salvar al mundo de una despiadada amenaza, librando una desigual batalla con una tropa de super soldados manipulados genéticamente.
Crítica
Una droga fantástica e histórica
Nueva producción de Bad Robot (J.J. Abrams) junto a ParamountPictures. Tras películas con mayúsculas como ‘Monstruoso’, ‘Calle Cloverfield 10’, ‘The Cloverfield Paradox’, la nueva saga ‘Star trek’, los últimos títulos de ‘Misión Imposible’… el cineasta trae un nuevo título que ha sido dirigido por JuliusAvery (‘Son of a gun’). En esta ocasión no se trata de un trabajo que juegue con las dimensiones, el espacio o los agentes secretos. Para esta historia, totalmente independiente de las sagas que acabo de mencionar, nos trasladan a la Segunda Guerra Mundial y por supuesto nos colocan frente a un escenario de lo más desconcertante.
Aunque los tráilers ya son bastante explícitos solo diré que esta película me ha recordado bastante al videojuego ‘Wolfstein’ y que, como mencioné en nuestras reseñas de Sitges, lo que vemos deja a Josef Menguele a la altura de un pediatra. ‘Overlord’ mezcla el género bélico, el histórico, el fantástico y el de acción para ofrecernos una nueva película llena de sangre, explosiones y terror. Con todos los ingredientes que tiene podría haber acabado siendo una colcha echa a retazos pero nos arropa de tal manera que no queremos salir de ella. Seduce el hecho de que, aunque no lo parezca, sea bastante comedida. No hubiese sido de extrañar que el resultado final fuese más de Serie B. Enganchará a todos los que como yo buscamos como yonkis por cualquier callejón historias que se salgan de la realidad.
El guión de Billy Ray (‘Los juegos del hambre’) y Mark L. Smith (‘El renacido’) está equilibrado y nos hace vibrar desde el principio pues no se anda con preámbulos lanzándonos desde el principio literalmente al vacío. Solo le veo un momento de bajón tras su estupenda secuencia inicial y la película continúa posteriormente sin que la distopía se les vaya de las manos. A través de una ambientación muy acertada y unos efectos especiales bastante potentes vamos encadenando escenas que poco a poco nos acercan a un final encarnizado y explosivo.
Pero el filme no es solo carnicería y disparos. También pone sobre la mesa la capacidad humana para sacrificarse por un bien mayor y la locura colectiva que puede llevarnos hasta lugares inexplorados. No es que ‘Overlord’ sea un filme profundo y reflexivo pero si podemos extraer de él varias conclusiones de valor.
Sobre quien también podemos obtener nuevas afirmaciones es sobre actores como JovanAdepo (‘Fences’), Wyatt Russell (‘Black Mirror’), Mathilde Ollivier (‘The misfortunes of François Jane’), Pilou Asbæk (‘Juego de Tronos’) o Iain De Caestecker (‘Agentes de S.H.I.E.L.D.). A lo que me quiero referir es que nos llega sangre nueva que va más allá de los rostros archiconocidos y que estamos un poco hastiados de ver. Una virtud de casi todos estos títulos que está lanzando Abrams es la de plantearnos talentos que llevan tiempo haciendo sus pinitos, que son más que solventes y que merecen algo más que un papel secundario. Tanto ‘Overlord’ como las otras franquicias del productor saben generar historias que no dejan de lado a ningún personaje.
Sin ser creyente rezo para que la colaboración entre Abrams y Paramount continúe, para que sigamos recibiendo nuevos mundos cargados de ciencia ficción de calidad, sin límites ni tapujos.
Ficha de la película
Estreno en España: 9 de noviembre de 2018. Título original: Overlord. Duración: 109 min. País: EE.UU. Dirección: Julius Avery. Guion: Billy Ray, Mark L. Smith. Música: Jed Kurzel. Fotografía: Laurie Rose, Fabian Wagner. Reparto principal: Wyatt Russell, John Magaro, Bokeem Woodbine, Iain De Caestecker, Jacob Anderson, Jovan Adepo, Marc Rissmann, Dominic Applewhite, Michael Epp, Mathilde Ollivier, Pilou Asbæk, Hélène Cardona, Jorge Leon Martinez, Éva Magyar,Shawn Dixon, Ben Tavassoli, Andy Wareham. Producción: Bad Robot, Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción, ciencia ficción, terror. Web oficial:https://www.facebook.com/OverlordMovie/
‘Ghostland’ gran triunfadora en un festival que ha clausurado con ‘Mandy’
El público pudo ver ‘Muñeco diabólico (Child’s play)’ con su creador principal, director y guionista. Don Mancini, estrella invitada de este año acudió a la última jornada de Nocturna para presentar la que fue la primera entrega de las «travesuras» de Chucky treinta años después. Recibió un regalo de unas de sus seguidoras y en su discurso en castellano dijo que «se sentía muy honrado y viejo», bromeando. Un gusto poder disfrutarla en pantalla grande acompañados de tan cercano artista.
En la gala de clausura se otorgó el Premio de Honor Nocturna Madrid a Jorge Grau que por motivos de salud no pudo acudir a recibirlo. Posteriormente llegó la película de cierre. ‘Mandy’ fue el mayor atractivo de esta última jornada. La película de Panos Cosmatos que cuenta con Nicolas Cage y Andrea Riseborough llenó la sala de Cinesa Proyecciones.
En el Forum de FnacCallao fue anunciado el palmarés del festival en un acto que ha estado presentado por SergioMolina, director del festival, el productor JoséLuisAlemán, acompañados de AntonioBusquets, coordinador de las actividades paralelas. Lo podéis consultar al completo al final de este artículo. Los títulos ‘Ghostland’, ‘Mirai’, What keeps you alive han sido lo más repetidos. Los cortometrajes ‘Baghead’ y ‘Amancio un vampiro de pueblo’ son los ganadores del premio a mejor corto internacional y nacional respectivamente.
La película de Panos Cosmatos (‘Beyond the Black Rainbow’) producida por Elijah Wood empieza prometedoramente como una cinta de terror apoyada en un taimado relato basado en sus amenazantes personajes y pigmentación rojiza. En su inicio no nos muestra muy bien en que va a consistir y esa incertidumbre juega muy bien a favor de la película. Pero posteriormente cede a los convencionalismos del cine de ahora, deja de lado ese tono tan retro que tenía y pasa a empuñar argumentos que sirven a lo psicotrópico y al carisma de su actor principal, Nicolas Cage.
Primera mitad: terror y drama muy bien construidos que está narrada fragmentadamente. Segunda mitad: historia de venganza y sangre con las míticas caras de Cage. Con más Andrea Riseborough y menos acción quizá la película habría estado mejor medida y hubiese aprovechado su concepción inicial.
El corto que hemos visto hoy, ha sido realmente corto y no lo digo como una crítica, todo lo contrario, ya hay cortos tan largos que no deberían llevar ese nombre, pero ‘MovieTime’ dura 1:30 min y nos lleva a un día cualquiera de una pareja preparados para ver una película de terror sentados tranquilamente en el sofá, hasta que ocurre algo inexplicable.
La directora nos ha comentado que fue un ejercicio de la escuela de cine que finalmente decició presentar al festival. También comentó que le dieron casi todo hecho, por lo que ha dado las gracias de este sencillo corto, lleno de color, como si estuviésemos viendo una antigua película de los 80, sobre todo predominando el rojo y el verde en escena.
Una de las películas más bonitas que he visto en el festival. No, no hay sangre, ni monstruos, ni fantasía, pero si una muestra de amor hacia el fantástico y en concreto a la serie de ‘Star Trek’ y a su personaje Spock.
Wendy es una joven con autismo que vive completamente entregada a ‘Star Trek’. Ve la serie continuamente y escribe historias propias sobre los personajes de la serie, un buen día, Paramount Pictures organiza un concurso para que los fans escriban el guion para una de las películas. Wendy no lo piensa y marcha hacia Los Ángeles.
DakotaFanning es la encargada de dar vida a esta joven que se identifica con Spock y nos enseña mucho acerca del autismo y de como con mucho trabajo, cariño y enseñanza todo el mundo se adapta y logra salir hacia adelante para cumplir sus sueños.
Ambientada en 1983, la película narra la historia de Red Miller (Nicolas Cage) y Mandy Bloom (Andrea Riseborough) que viven aislados del mundo en el bosque. Sus vidas se verán truncadas, cuando el líder de una secta se obsesiona con Mandy y la secuestra. Red saldrá en busca de los miembros de la secta que se llevaron al amor de su vida con la intención de vengarse. Ambientada en 1983, la película narra la historia de Red Miller (Nicolas Cage) y Mandy Bloom (Andrea Riseborough) que viven aislados del mundo en el bosque. Sus vidas se verán truncadas, cuando el líder de una secta se obsesiona con Mandy y la secuestra. Red saldrá en busca de los miembros de la secta que se llevaron al amor de su vida con la intención de vengarse.
Crítica
Podría habernos mostrado un Cage diferente pero peca de lo mismo de siempre
Red Miller (NicolasCage) es el protagonista de el nuevo filme de PanosCosmatos (‘Beyond the Black Rainbow’). Y de roja está teñida toda la película, ya sea por su iluminación y cromatismo como por su carácter sangriento. A este hombre que vive plácidamente en el bosque le sucede algo que le obliga a reclamar venganza eliminando a los culpables de su desgracia. Pero no toda la película está basada en una matanza. Por parte de Mandy Bloom (AndreaRiseborough) la película nos ofrece un tramo muy distinto que nada tiene que ver con la historia de Molly Bloom de Joyce, ya que ella lo que vive más que ser una odisea es un calvario.
Y un calvario puede ser para muchos la primera mitad de ‘Mandy’. Cine muy lento, enigmático, casi experimental y prácticamente mudo. Pero para mí es en ese primer fragmento donde nos surge la esperanza de que vayamos a ver una película diferente o por lo menos atrevida en sus argumentos. Me parece turbador como arranca el filme, sobre todo si no conoces la premisa. Si que nos puede intimidar toda la parte inicial, principalmente por el papel de RichardBrake (’31’) que encarna bastante bien la locura megalómana de un líder sectario.
Elijah Wood (‘El Señor de los Anillos’) tiene buen ojo para encontrar propuestas diferentes y producirlas. Por lo general estas, como el caso de ‘Una chica vuelve a casa sola de noche’, mantienen sus ideas de principio a fin. Pero en esta ocasión ‘Mandy’ se desvirtúa de su germen en cuanto coge las riendas Nicolas Cage. La película cede a los ademanes raros del rostro de Cage y a las historias de venganza desatadas que hemos visto infinidad de veces en el cine. Pudiendo ser una película más intelectual, terrorífica y diferente en el currículum del actor de Long Beach se transforma en una historia de acción, psicotrópicos y sangre gratuita.
Al final del todo con lo que nos quedamos es con lo más técnico de la película. A parte de que esté montada como por saltos, con una continuidad tosca e interrumpida que nos inquieta lo que hay que destacar es su música y fotografía. El fallecido JóhannJóhannsson (‘La llegada’, ‘La teoría del todo’) hizo muy buen trabajo con su banda sonora que junto con las imágenes buscadas por Benjamin Loeb nos dan un sabor muy retro e infernal. Una pena pues la película tenía ingredientes y talento para haber marcado la diferencia, pero sufre el lastre de las peculiaridades de su protagonista.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2018. Título original: Mandy. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Panos Cosmatos. Guion: Panos Cosmatos, Aaron Stewart-Ahn. Música: Jóhann Jóhannsson. Fotografía: Benjamin Loeb. Reparto principal: Nicolas Cage, Andrea Riseborough, Richard Brake, Linus Roache, Ned Dennehy, Olwen Fouéré, Bill Duke, Line Pillet, Clémen Baronnet. Producción: Piccadilly Pictures, Son Capital, SpectreVision, Umedia, XYZ Films, Legion M. Distribuida por XYZ Films. Distribución: Surtsey Films. Género: terror, thriller, acción. Web oficial:https://surtseyfilms.es/peliculas/mandy/
Javier viene del futuro para recuperar el amor perdido de María. Juntos reviven la magia del primer día en que se conocieron y repiten el viaje que les llevó de un amanecer en Madrid a un atardecer en la costa Andaluza. Todo, para conseguir que María vuelva a ser la chica llena de vida de la que una vez se enamoró.
Crítica
Las historias de amor pueden repetirse como en un bucle infinito pero esta es diferente
El primer largometraje dirigido por los hermanos Alenda nos propone una historia de amor narrada con bastante sensibilidad y con un enfoque que si bien no es excesivamente novedoso si tiene muchos toques personales, no es algo que estemos acostumbrados a ver en España y no nos agota siendo meloso. Con pinceladas de ciencia ficción el relato nos acerca a la historia de una pareja interpretada por María León y Javier Rey, la cual no pasa un buen momento. La capacidad de viajar en el tiempo le sirve a uno de ellos para intentar recuperar la llama de la relación.
‘Sin fin’ salta incesantemente del un pasado idílico y prometedor al presente aburrido, deprimente y rutinario que viven los protagonistas. No hace falta ver qué sucede entre estos dos momentos ya que la película llena por si sola ese espacio y no necesariamente con palabras. Los gestos y las miradas de los dos actores protagonistas nos cuentan que ha sucedido desde el momento en que se conocen hasta el presente en el que su relación está llena de hastío y decepción.
Es bastante audaz lazarse a contar una historia de esta manera, pero aquellos que gusten de los romances y de los guiones construidos a base de paciencia y detalles disfrutarán de ‘Sin fin’. Esta cinta trata de quitarse el velo, de desvivirse y de confiar. Es una obra en la que la verdad, no solo de la pareja, si no la de uno mismo se descubre a modo de catarsis. Los viajes en el tiempo sirven para que uno de los personajes se conozca a sí mismo y comprenda sus errores y lo hace como navegando por los recuerdos, como un mirón que esquiva hasta su propia mirada y luego toma cartas en el asunto para encauzar su vida.
Los hermanos Alenda huyen de paradojas y complicaciones temporales para acabar con la paradoja de que algo que podría revolucionar el mundo queda en segundo plano, a merced del amor. Y para los que nos comemos el coco con los enredos espacio-temporales aporta solución. Juega bien con elementos como el efecto mariposa, ahí tenemos ciencia ficción, pero sobretodo predomina la trama romántica. Por lo que se puede decir que el género fantástico está incluido de un modo casi poético.
Buenas interpretaciones de María León y Javier Rey. Nada que reprochar a dos actores que se han creído a sus personajes teniendo que interpretarles en diferentes facetas pensando que tenían que ubicarles en distintos marcos temporales sentimentales. Sin tener tanto drama la película me recuerda actoralmente a ‘Morir’, donde existía un pulso entre dos personajes y uno de ellos parecía que era el único que quería continuar con la pugna y el otro estaba derrotado.
‘Sin fin’ es una road movie que transcurre tanto por carretera como por un pasado revivido. Todo viaje ha de llevar a alguna parte y en este caso conduce hacia un sin fin de oportunidades, tantas como puestas de sol y amaneceres existen.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2018. Título original: Sin fin. Duración: 96 min. País: España. Dirección: César Esteban Alenda, José Esteban Alenda. Guion: César Esteban Alenda, José Esteban Alenda. Música: Serguio de la Puente. Fotografía: Ángel Amorós. Reparto principal: María León, Javier Rey, Juan Carlos Sánchez, Mari Paz Sayago, Paco Ochoa. Producción: Producciones Transatlánticas, Solita Films, Elamedia. Distribución: Filmax. Género: romántico, ciencia ficción. Web oficial:https://www.facebook.com/SinFinPelicula/
‘Bohemian Rhapsody’ es una rotunda y sonora celebración de Queen, de su música y de su extraordinario cantante Freddie Mercury, que desafió estereotipos e hizo añicos tradiciones para convertirse en uno de los showmans más queridos del mundo. La película plasma el meteórico ascenso al olimpo de la música de la banda a través de sus icónicas canciones y su revolucionario sonido, su crisis cuando el estilo de vida de Mercury estuvo fuera de control, y su triunfal reunión en la víspera del Live Aid, en la que Mercury, mientras sufría una enfermedad que amenazaba su vida, lidera a la banda en uno de los conciertos de rock más grandes de la historia. Veremos cómo se cimentó el legado de una banda que siempre se pareció más a una familia, y que continúa inspirando a propios y extraños, soñadores y amantes de la música hasta nuestros días.
Crítica
Maravillosa, vibrante y espectacular, así de fiel es ‘Bohemian Rhapsody’
Un astrofísico, un odontólogo, un ingeniero y un estudiante de diseño se juntan para hacer una banda y no, no es el comienzo de un chiste malo, es el comienzo de Queen, una de las bandas de rock más famosa de todos los tiempos.
Por fin nos llega el biopic de este grupo, que aunque se centre un poco más en la figura de FreddieMercury, realmente narra la historia de todos sus integrantes, de esa pequeña familia que llegó a lo más alto del panorama musical gracias a todos sus experimentos con los sintetizadores, instrumentos y a saber hacer formar parte del espectáculo a su público.
Soy una gran fan de Queen, de toda la vida, y tengo que decir que estaba aterrada con este biopic, pero he salido de la cinta emocionada y vibrando por el pedazo de concierto que nos regalan. Además después de ver por cuantas manos ha pasado el proyecto, ya no solo directores, sino el casting de actores ha cambiado infinidad de veces, y al final todo el conjunto ha sido una maravilla, creando verdadera magia en la pantalla.
AnthonyMcCarter y PeterMorgan son los encargados de la historia, ambos ya están acostumbrados a los biopics. AnthonyMcCarter, además de ser el encargado de la trama, ha sido el guionista de la cinta y fue el responsable de contarnos ‘La Teoría del todo’ o ‘El Instante más oscuro’. Y Peter Morgan está bastante especializado en la Reina de Inglaterra con la serie ‘The Crown’ o la película ‘La Reina’. Así que no es de extrañar el gran trabajo de documentación que hay detrás, se nota todo el material que tienen bien a mano, además lo han sabido organizar y contar de una manera bien estructurada.
Es más si habéis visto documentales o los conciertos grabados, veréis que la dirección es magnífica y la puesta en escena impecable.
La cinta comienza cuando Queen está entrando en el escenario del concierto benéfico de Live Aid de 1985, a partir de aquí nos cuentan el comienzo del grupo. Vemos a Freddie trabajando en Heathrow recogiendo maletas y el como siempre huyó de su pasado parsi. Pero lo bueno que tiene la película, que aunque como he dicho, se centra un poco más en él, es que es una cinta sobre la banda, sobre esa extraña familia que se creó y que con sus más y sus menos se quisieron hasta el final.
Otro de los grandes aciertos sin duda, es el casting, increíble el trabajo de Rami Malek. En la película se utiliza la voz de Freddie Mercury, evidentemente, y Malek gesticula perfectamente, se mueve como él y nos engaña totalmente haciéndonos creer que estamos ante el mismísimo cantante. Me parece un trabajo increíble lo que ha conseguido este actor.
Pero el resto del grupo no se queda atrás, Ben Hardy como Roger Taylor, Gwilym Lee nos trae a Brian May y Joseph Mazzello, es John Deacon. Todos y cada uno de ellos crean un verdadero espectáculo en el escenario y fuera de él, no imitando a los músicos, sino convirtiéndose en ellos.
En definitiva, ‘Bohemian Rhapsody’ es una oda a la música, al rock, a la vida, a la amistad y a esta banda que tantas canciones populares ha dado y que nunca dejará de estar de moda.
El 31 de octubre llega a nuestras pantallas, no os la perdáis por nada del mundo. Sentaos y disfrutar del sonido de la película pues es maravilloso, os va a hacer vibrar con el concierto final.
Ficha de la película
Estreno en España: 31 de octubre de 2018. Título original: Bohemian Rhapsody. Duración: 134 min. País: EE.UU. Dirección: Brian Singer. Guion: Anthony McCarten. Música: John Ottman Fotografía: Newton Thomas Sigel. Reparto principal: Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, Lucy Boynton, Aidan Gillen, Tom Hollander, Mike Myers, Allen Leech, Aaron McCusker, Jess Radomska, Max Bennett, Michelle Duncan, Ace Bhatti, Charlotte Sharland, Ian Jareth Williamson, Dickie Beau, Jesús Gallo, Jessie Vinning. Producción: GK Films, New Regency Pictures, Queen Films Ltd., Tribeca Productions, Regency Enterprises. Distribución: 20th Century Fox. Género: hechos reales, músical, drama. Web oficial:https://www.bohemianrhapsodytickets.com/home/
Muchas veces los carteles nos venden la película más de lo que en realidad vale y por el contario algunos títulos que parecen en exceso simples son los que mejores impresiones nos causan. Algo así nos ha parecido en la cuarta jornada de Nocturna 2018. Películas como ‘Heretiks’ presagiaban una película muy terrorífica pero se ha quedado a medio gas. Y por el contario títulos como ‘Boar’ desde su argumento básico han arrancado risas y aplausos. Y es que ha sido un día en el que monjas y jabalí han sido los que más han dado que hablar, sumando claro está el título de los autores de ‘Turbo kid’ y el nuevo título de Mamoru Hosoda.
Aunque hoy hemos visto varios títulos a destacar (algunos de ellos ya sabemos que serán distribuidas lo largo del año en cines) de nuevo los cortometrajes son los que dejan un regusto mejor que la película para la que han servido de teloneros. Y hay que añadir además que estos trabajos son españoles y su nivel es muy alto.
‘Summer of 84’
Los exitosos directores de la película de culto ‘Turbo Kid’ vuelven a apelar a nuestro sentido nostálgico para intentar conquistarnos de nuevo. François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell han rodado una historia que intenta ser una aventura grupal en verano. Sigue la estela de ‘Los Goonies’ o ‘Stranger Things’ en el sentido de que nos sitúa como protagonistas a un grupo de niños con credibilidad cero y que aprovecha su inadvertida presencia para resolver un caso.
El protagonista es el clásico chico anodino y sus amigos son el típico graciosete, el cobarde rellenito y el empollón con gafas. Muy convencional y nada novedosa es esta película en la que ni la música de Le Matos consigue entretenernos. Extremadamente monótona, explota un concepto demasiado manido sin tener ni chispa ni gracia.
Germán Sancho nos trae este curioso corto sobre los miedos, al típico monstruo en el armario o a tener las luces apagadas. No puedo contar mucho más, pues el final es bastante bueno y para nada es esperado.
En el reparto encontramos a Carlos Santos y a Claudia Placer como protagonistas, haciendo de familiares. La actuación de Claudia, a la que pudimos ver en ‘Verónica’ es muy buena, la tensión que muestra parece muy real y hace que el la historia sea muy realista.
Siglo XVII, la Madre superiora de un convento se encarga de rescatar a jóvenes de morir ejecutadas y llevarlas con ella para que se arrepientan de sus pecados y vivan por el Señor.
Monjas, posesiones y zombies, no se puede pedir más de una película, pero sí, se puede y es ritmo. Está bien que nos cuenten un poco la historia del convento y el porqué les ocurren todas esas maldiciones, pero llega un momento que quieres más acción, sobre todo cuando los 15 últimos minutos están llenos de monstruos al más puro estilo ‘Posesióninfernal’ y muertes salvajes con las que nos hemos divertido mucho. Es una pena que Paul Hyett haya desaprovechado una historia que lo tenía todo.
La locura y el asesinato juegan papeles importantes en el corto de Dani Viqueira. Un padre, una madre y una hija son los protagonistas de una historia que podría interpretarse como un bucle de obligada repetición hasta la llegada del momento de bajar a los infiernos o como la mente de un loco que permanece en un lugar perdido recreando su fechoría.
Ya sea por el volumen de la sala o por motivos intencionados el sonido de la cinta resultaba realmente molesto. Chirridos y pitidos constantes y penetrantes que incomodaban o nos transportaban a la psicosis de su protagonista.
Un jabalí de proporciones antinaturales aterroriza a los lugareños de un tranquilo pueblo de Australia. En medio de la campiña se va cobrando víctimas. Una criatura que para su tamaño aparece de la nada, como si acabase de regresar de la mejor de las escuelas ninjas.
Lo mejor es el palurdismo típico que se asume cuando se habla de australianos cerrados. Es una película muy básica pero sabe generar momentos y frases con gracia que acompañan a muertes bastante sangrientas. No se le puede pedir más.
Esta criatura que supondría un digno rival para Obelix aparece recreada por animatrónica y en algunas ocasiones con imágenes generadas por ordenador. Se nota su artificialidad pero entre la oscuridad y los movimientos de cámara se consigue una buena interacción.
La cara más conocida del reparto es la de Nathan Jones, actor al que habréis visto en ‘Mad Max. Fury Road’ o ‘Conan el bárbaro’. Pero también aparecía en ‘Charlie’s Farm’, película a la que se le hace un guiño aquí y con la que comparte director con, Chris Sun.
Las mouras son unos personajes fantásticos de la mitología gallega y son los protagonistas de este precioso corto. Con una atmósfera de cuento infantil, Olga Osorio nos lleva a un precioso bosque gallego donde una madre y una hija están esperando a estos seres tan escurridizos.
La estética, los colores, el bosque nos adentra en las antiguas leyendas gallegas y te quedas con ganas de ver mucho más de ese extraño mundo del que viene esta especie de hadas.
Mamoru Hosoda abre el álbum familiar de Kun, un niño mimado de cuatro años el cual tiene que vivir la terrible experiencia de no ser el centro de atención de sus padres por culpa del nacimiento de su hermana pequeña, Mirai.
La película es bonita, pero tampoco cuenta mucho, pues trata de la historia de la familia, eso sí, a través de los ojos de este niño insoportable y de su hermana pequeña que se le aparece del futuro. Aunque también introduce temas interesantes, pues siendo aún una cultura algo machista, en la película vemos como la mujer es la que decide trabajar y el hombre trabaja desde casa para ocuparse él de los críos y así quitarle una carga a su esposa.
Admiración, fascinación, curiosidad, terror, pavor… todo eso se entremezcla cuando en la infancia nos atraen las historia de miedo y sus monstruos. Como si fuésemos cotillas o incluso vouyeristas todos los amantes del género hemos visionado a escondidas más de un título prohibido para nosotros.
Mérito de su director Didac Gimeno es haber sabido condensar su historia en solo 11 minutos y de acertar con los elementos empleados. El que fue ganador del Mejor Cortometraje Universitario en la edición de 2015 ha vuelto al festival para hacernos reencontrar con nuestro yo infantil en un trabajo de muy buena factura y se lo agradecemos.
Una niñera interpretada por Elyse Dofour (‘The walking dead’, ‘Sleepy hollow’) se tiene que hacer cargo de dos niños en la casa de un buscador fracasado de fenómenos paranormales. Uno de los niños es un buscaproblemas y el otro tiene un problema real desatendido que además es bastante tétrico e inquietante. Si a esto le sumamos que la niñera en realidad es una saqueadora de casas la combinación puede saber a muchas cosas.
Pero a lo que más sabe es a remanencias de los ochenta, sobre todo por su iluminación y su banda sonora. Se percatan guiños a Tobe Hopper, Carpenter o Darío Argento pero ni que decir tiene que no llega al nivel de esos icónicos directores. La mezcla tiene demasiada parafernalia y el tono impreso no nos deja ni tomárnosla en serio ni emplearla como comedia.
Con la obsesión que tiene Michael Myers con las niñeras esto lo habría solucionado rápidamente y sin dar pie a nada paranormal.
Su director, Tony Morales, nos presentó el corto como un título experimental, sin principio ni final determinados. Bien cierto es que podría pertenecer a una secuencia de una película de terror basada en poltergeists como otra cualquiera pero por sí misma si puede tener significado y trama.
Una anciana es acosada por el ente de un niño con ojos negros. Necesita respiración asistida pero ninguna botella de oxígeno es suficiente para soportar el estrés y terror sufridos por un niño que nos da imágenes bastante curiosas y escalofriantes.
Un retorcido y estricto convento, extrañamente ubicado en una casa, es el lugar donde se ve confinada la protagonista. Allí es testigo de grandes canalladas hacia ella y sus compañeras, todas ellas madres solteras que buscan salida para sus futuros hijos en una época mucho menos abierta que la actual, los años 50.
Muchas escenas asquerosas y dolorosas es lo mejor que nos ofrece ‘St. Agatha’. Es lógico habernos encontrado esto cuando además vemos que su director es Darren Lynn Bousman, autor de ‘Saw II, III y IV’. Pero aunque la historia tiene buena base su repetitiva y falta de calidad banda sonora y sus malas interpretaciones aburren. Además, aunque tenga buen argumento es muy repetitiva.
Las dos principales actrices de un reparto casi totalmente femenino son Sabrina Kern y CarolynnHennesy. Esta segunda, muy conocida de series como ‘Hospital general’ o ‘True blood’, es sin duda lo peor del filme.
Un día con slashers, comedias fantasmales y morbosidades sexuales
De nuevo empezamos el día junto a Don Mancini, en esta ocasión desayunando con él y charlando otra vez largo y tendido. Más cercano no puede ser el creador de Chucky que en esta ocasión nos volvió a hablar de su futura serie, de la aparición de Chucky en ‘Ready Player One’, de sus conocimientos de cine Español… en los próximos días podréis leer todo esto que complementa lo que ya nos contó en su masterclass.
Estuvimos en el forum de FnacCallao en la presentación del Festival Isla Calavera (que tendrá lugar en Canarias del 21 al 25 de noviembre), que contó con la presencia de Jack Taylor y en la charla con el director, la guionista y actrices de ‘Why hide?’ (JamesEdwardCook, KarenTaylor, CharlotteAtkinson y OrlaCottingham). Pudimos estar presente en la mesa redonda sobre el cine de Jorge Grau (Premio Nocturna de Honor) a la que asistieron el actor José Lifante y el hijo del director, Carlos Grau. Por desgracia Jorge Grau no ha podido acudir por problemas de salud.
Uno de los momentos del día ocurrió durante la proyección de el corto ‘Un loft au paradis’ que por problemas técnicos fue proyectado sin subtítulos y en francés. El público comenzó a inventarse los diálogos improvisadamente, quien sabe si con mejor o peor resultado, desde luego ha sido divertido. Tras la película ‘Deadtectives’ se pudo ver con su traducción.
También ha sido emotiva la presentación de Diego Arjona que nos ha traído su primer largometraje y lo ha presentado con palpable ilusión. Le han acompañado en la sala Carolina Bona, Alex O’Dogherty, Natalia Ruiz, Bruno Sevilla, Marina Campos, Carlos Pachecho… todos ellos implicados en esta película.
La programación del día nos ha dado bastantes slashers. Los cuchillos han estado muy presentes tanto en las películas de implacables asesinos como en la comedia fantasmal de ‘Deadtectives’ y la propuesta morbosa de ‘Piercing’. En todos estos títulos la locura tiene cabida de un modo u otro: psicópatas, descerebrados, retorcidos… los protagonistas de cada título tienen sus diferentes taras.
‘Un loft au paradis’ (cortometraje)
Este corto francés nos resuelve la eterna pregunta de si después de la muerte hay algo, es más ¿existe un paraíso? Pues sí, existe pero no es tan bonito como lo pintan, bueno bonito es, no creo que mucha gente dijera que no a un loft lujoso y minimalista, pero claro, el paraíso es aburrido y más cuando has muerto junto a la pareja con la que no andabas bien.
Interesante y bastante gracioso, las ouijas por televisión HD deben de ser divertidas.
Seguir la estela de Abbott y Costello, ‘Cazafantasmas’ o ‘Agárrame esos fantasmas’ no es fácil. Pero ‘Deadtectives’ serpentea muy bien entre la comedia macabra y la parodia para contar la historia de unos farsantes que fingen exorcizar fantasmas para la televisión.
Al encontrarse con un caso real estos chapuzas viven todo tipo de poltergeist que son esquivados (o no) con mucha burla al género. Utilizar elementos de poca monta es el gancho de esta película que no es para nada una comedia desechable.
Los protagonistas son muy payasiles y el guión recurre a todos esos elementos que nos aterran y gustan para incluirlos en los momentos adecuados y hacernos reír con un ritmo in crescendo.
Cuando un guionista (en este caso Lorcan Reilly) se trabaja una historia que con pocos elementos construye un trasfondo, cuando un trabajo tiene un diseño de producción concienzudo y bien definido, cuando se consigue plantar varios personajes con un carisma y gancho instantáneos… se consigue una historia que con muy poca duración deja huella.
El corto de Alberto Corredor incluye audio post-créditos y mucho sabor a ‘Hellblazer’. ‘Baghead’ nos da la sensación de pertenecer a una historia que estamos siguiendo y eso dice mucho de la capacidad de su equipo para empaparnos del entretenimiento que nos plantea. Porque es un corto sin mensaje o moralina pero si con una clara intención de contar algo con chispa y un toque tanto oscuro como granuja. Se agradecen propuestas tan honestas y talentosas, dicho sea de paso.
La película de Nicolas Pesce (‘The eyes of my mother’) tiene un clarísimo ambiente setentero. Comienza con una propuesta macabra y sesuda pero se convierte rápido en un galimatías morboso . Los protagonistas interpretados por Christopher Abbott (‘Llega de noche’) y Mia Wasikowska (‘Alicia en el País de las Maravillas’) tienen un constante intercambio de roles que despista en exceso, demasiado como para que el filme llegue a transmitir un mensaje claro.
Técnicamente me parece muy bueno su diseño de producción, su música, su iluminación, su composición de imágenes (de Zack Galler, ‘Manhunt: unabomber’)… Todo esto nos imbuye sensaciones pero como he dicho la película confunde mucho. O no consigue trasladarnos una intención clara o es excesivamente rara porque sí o debo reconocer honestamente que no la he entendido.
Corto dirigido por Pau Bacardit que nos lleva a un futuro que no parece tan lejano. Donde actualizarse está a la orden del día y poder cambiar nuestras cosas es posible. Muy curioso y bien realizado, da mucho que pensar acerca de lo que se nos viene encima con la tecnología. Muy recomendable su visionado.
Una serie de historias cortas de terror donde un asesino en serie las une todas. Diego Arjona nos trae un slasher sencillito, pero no malo, entretenido y además donde no solo cuentan los asesinatos, ni el por qué, sino esas pequeñas historias que son igual de importantes.
Lo más chulo de la película son las caras conocidas y los cameos de distintos artistas, AlexO’Dogherty, Lola Baldrich, Nené e incluso el dibujante de cómics Carlos Pacheco, que no os voy a decir donde aparece, buscadle.
Merece la pena el visionado, hay que animar a hacer películas así, sencillas pero que al menos cuenten algo.
En esta primera película de Quinn Lasher podemos ver a una de las protagonistas de ‘El cuento de la criada’. Yvonne Strahovski es la principal actriz junto a las niñas que hacen de sus hijas y en la vida real también son hermanas: Abigail Pniowsky (‘La llegada’) y Anna Pniowsky (‘Wait till Helen comes’).
En ‘He’s out there’ una familia se va a pasar unos días a una apartada casa junto a un lago. Siendo Estados Unidos eso ya suena a fatalidad segura ¿verdad? Pues tal y como manda el tópico así sucede. Esta es una película que comienza dentro del género de terror desconcertante y acaba siendo un slash estándar. Sí que es verdad que inicialmente logra inquietar e incluir elementos originales e incluso espeluznantes. Pero acaba convirtiéndose en una clásica historia de asesino y persecución. Habría logrado desbancarse un poco de lo clásico si hubiese tenido el atrevimiento de jugar más con las dos niñas.
Los secretos familiares son lo peor que puede ocurrirle a un matrimonio, Nacho Guerreros y Raquel Infante protagonizan este curioso corto.
La dirección de Allan J. Arcal es muy correcta, bonita y cuidada, la música es algo que me ha gustado mucho, da el toque tétrico que necesita, pero sin incidir y exagerar sonidos para dar sustos. Muy recomendable.
Una película que cuenta la desgraciada vida de Emma, una joven con bastante trauma infantil y que no soporta el maltrato animal.
Desaparecido su perro decide tomar medidas desesperadas. Me parece que el tono del principio a lo ‘John Wick’ me ha gustado, aunque las actuaciones resultan muy forzadas y bastante pobres. Después de esto la película da un giro inesperado, innecesario y que destroza lo poco bueno que tenía la cinta.
Lo mejor de todo, es que pese a tratar sobre el maltrato animal, no se ha incluído ninguno y además la película tenía el apoyo de dos protectoras.
Para ser una película que evoca constantemente la imagen del escritor H.P. Lovecraft no se fundamenta en sus mismos argumentos. Está más centrada en los traumas y los miedos que en la locura (pese a que algo de eso tiene). Se ha enfocado sobre todo en representar un corre que te pillo con varios protagonistas grotescos y todo un repertorio de gritos.
El director de ‘Martyrs’, Pascal Laugier, ha contado con Crystal Reed (‘Gotham’, ‘Teen Wolf’) y Anastasia Phillips (‘Reign’) para una historia poco relevante, un sencillo drama de terror sin momentos destacables y muchos gritos y heridas. Ni siquiera su diseño de producción es destacable, por mucho que nos rodeen de tétricas muñecas de porcelana.
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