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Crítica: ‘El último Sharknado: ya era hora’

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‘Sharknado 5: Aletamiento global’ terminaba con Fin paseando solo entre los escombros de lo que quedaba de la Tierra. Ahora, en #Sharknado6, deberá viajar en el tiempo para evitar la tormenta de tiburones primigenia. ¿Conseguirán Fin y sus compañeros encauzar el desastre y salvar el mundo?

Crítica

Regresando al futuro, regresando a lo más disparatado

Ya se ha emitido en SYFY la última entrega de la saga de tiburones voladores en huracanes. Sobra decir que estoy hablando de ‘Él último Sharknado: ya era hora’. La cifra de seis largometrajes ha alcanzado la serie de películas de The Asylum, la productora famosa por sacarle jugo a los argumentos más inverosímiles y las producciones más cochambrosas. Y esta nueva cinta de Anthony C. Ferrante no iba a ser menos. Frases ridículas, cromas chapuzas e interpretaciones aún peores al servicio del divertimento de una legión de seguidores que solo busca pasar el tiempo riéndose de las mezcolanzas más surrealistas.

Recordemos que al final de ‘Sharknado 5’ aparecía Dolph Lundgren interpretando en el futuro al hijo de Fin Shepard (Ian Ziering).  Nada más arrancar la nueva película nos da el bajón al ver que esta presencia no tiene continuidad y se elimina cualquier esperanza de ver al actor de ‘He-Man’ luchando contra los tiburones. Pero eso se nos pasa rápido pues inmediatamente empieza la loca aventura espacio-temporal de los Shepard.

Contamos de nuevo con Ian Ziering, Tara Reid, Charles Hittinger, Vivica A. Fox, Judah Friedlander y Cassandra Scerbo, la cual canta incluso una canción de las que suenan en la banda sonora. La familia Shepard casi al completo y sus amigos viven unas increíbles y absurdas hazañas por el tiempo. Me gustaría decir que esta es una película que gira en torno a los amigos y la familia, pero ¡que caray!, es una serie de sinrazones de lo más demenciales que no necesitan moralina ni moraleja.

Al viajar por distintas épocas los protagonistas se encuentran con todo tipo de personajes históricos o legendarios. Merlin y Morgana, George Washington y Benjamin Franklin, María Antonieta, Billy el Niño, Cleopatra y Julio Cesar, Muhammad Ali… así hasta crear un torbellino inconcebible de nombres. Junto a estos individuos tenemos guiños a ‘La princesa prometida’, ‘Star Wars’, ‘Jungla de Cristal’, ‘Jurassic World’ o ‘Impacto súbito’. Pero las películas que están más presentes en este ‘Sharknado 6’ a modo de parodia son las de ‘Regreso al Futuro’. Fijaos bien porque veréis carteles de Doc Brown en el oeste, los protagonistas tendrán que viajar a más de 140 Km/h, utilizarán el condensador de flujo e incluso recurrirán al truco del rayo para alcanzar más velocidad.

Tras haber tenido en la saga a estrellas como George R.R. Martin, Dolph Lundgren, Frankie Muniz, Tony Hawk, David Hasselhoff y un largo etcétera, se espera siempre que en torno al tornado de tiburones haya sorpresas mayúsculas. En esta película de cierre encontramos también a muchos famosos que conforman una buena lista de cameos, tanto nuevos como de anteriores títulos de la saga. Incluso algunos actores como Ian Ziering o Cassandra Scerbo han incluido en la película a sus propios familiares. Os los enumero a continuación en esta lista desplegable por si alguien lo considera spoiler o por si queréis reservaros las sorpresas.

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Anthony C. Ferrante: director de toda la saga ‘Sharknado’

Neil Degrasse Tyson: astrofísico y divulgador

Chris Owen: actor en ‘American Pie’ o ‘La niebla’

La Toya Jackson: cantante y hermana de Michael Jackson

Alaska Thunderfuck: actriz de ‘RuPaul’s Drag Race’

Dee Snider: cantante de  Twisted Sister

Gary Busey: actor en ‘Arma letal’

Tori Spelling: actriz en ‘Sensación de vivir’ y ‘Scary Movie 2’

Dean McDermott: actor en ‘Rumbo al sur’

Leslie Jordan: actor en ‘Will & Grace’

Gilbert Gottfried: actor en ‘Este chico es un demonio’ y ‘Sharknado 4 y 5’

James Hong: actor en ‘Golpe en la pequeña China’ o ‘Blade Runner’

Darrell Hammond: actor en ‘Epic Movie’, ‘Blues Brothers 2000’ o ‘Scary Movie 3’

Dexter Holland y Noodles: miembros de la banda The Offspring

John Heard: actor en ‘Solo en casa’ y ‘Sharknado’

Bo Derek: modelo y actriz en ‘Bolero’

Ben Stein: actor en ‘La Máscara’

Al Roker: meteorólogo, productor y actor en la saga ‘Sharknado’

Robbie Rist: Michaelangelo en la saga antigua de ‘Tortugas Ninja’

Christopher Knight: actor en ‘La tribu de los Brady’

Debra Wilson: actirz de doblaje famosa y actirz en ‘Scary Movie 4’

Eileen Davidson: actriz en ‘Days of our lives’

Patrick Labyorteaux: actor en ‘Di que si’

Jonathan Bennett: actor en ‘Otro cuento de navidad’

Raine Michaels: hija del cantante de Poison

Charles Hittinger: actor en ‘American Pie: el reencuentro’ y ‘Sharknado’

Shad Gaspard y Jayson Paul: luchadores de la WWE

Mark McGrath:  cantante de la banda Sugar Ray

Han sido seis años de películas, nos han tenido con un ‘Sharknado’ por año y no sería de extrañar que el «sharkexploitation» continuase con alguno de sus personajes de manera independiente, quién sabe, si las redes hacen de las suyas de nuevo a lo mejor se mantiene viva la historia. ‘Sharknado 6’ enlaza con la primera parte de este repertorio de sinsentidos con lógica cero y sin haber evolucionado en sus formas, lo que esperábamos. Por lo menos se ha explicado el origen de los Sharknados y os aseguro que muchos no os lo imaginábais.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de agosto de 2018. Título original: The Last Sharknado: It’s About Time. Duración: 95 min. País: EE.UU. Dirección: Anthony C. Ferrante. Guion: Scotty Mullen. Música: Fotografía: Patru Paunescu. Reparto principal: Ian Ziering, Tara Reid, Vivica A. Fox, Cassandra Scerbo, Charles Hittinger, Judah Friedlander. Producción: The Asylum, SYFY. Distribución: SYFY. Género: ciencia ficción, comedia, acción. Web oficial: https://twitter.com/SharknadoSYFY

Crítica: ‘¿Quién está matando a los moñecos?’

Sinopsis

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En el barrio más vulnerable de Los Ángeles, donde cohabitan moñecos y humanos, dos detectives enfrentados, una humana (Melissa McCarthy) y un moñeco, se ven obligados a trabajar juntos para tratar de averiguar quién está asesinando brutalmente al antiguo elenco de «La Pandilla Dicharachera», un exitoso programa de marionetas de los años 80.

Crítica

Si hay una película que admite chistes de «relleno» es esta

‘El show de los teleñecos’ y ‘Bario sésamo’ han sido pervertidos. La imaginación y el talento de los herederos del creador Jim Henson se han puesto a merced de una película solo para adultos, para aquellos que crecieron en su día con los míticos programas de marionetas. El hijo y heredero del productor y titiritero Jim Henson, Brian Henson, se ha encargado de dirigir esta versión no apta para menores y pudorosos a través de un guión de Todd Berger y Dee Robertson. Retorciendo a los seres que nos acompañaron en tantas tardes de merienda han elaborado una película de lo más irreverente y desvergonzada.

Se emplea el mismo método de la legendaria película ‘¿Quién engaño a Roger Rabbit?’. Tenemos una mezcla de personajes inspirados en producciones infantiles (pero pervertidos) con una historia detectivesca. Cambia el tono del film ya que ‘¿Quién está matando a los moñecos?’ se mueve por un Los Ángeles mucho más degenerado. Pero si hay algo que se impone es el tono pulp, el sabor a novela negra muy extrema y desfasada. Sexo, violencia explícita, racismo y muchos juegos de palabras facilones rodean a los protagonistas. Es un hard boiled moderno en toda regla.

No os alarméis por lo de racismo, el que vemos en la película procede de los humanos hacia los «moñecos». De lo que sí que hay que preveniros es por la cantidad ingente de escenas lascivas del filme. Aquí no hay espacio para la timidez. Se proyectan muchos gags verdes y negros con todas las partes de las marionetas, desde el fieltro que les recubre hasta el relleno de poliéster que hay en su interior. En algunas ocasiones pueden cargar las secuencias de groserías que se sueltan, pero es innegable que esta película tiene momentos desternillantes.

¿Pero qué hay de la historia? Detectives que se autocompadecen, yonkis, bailarinas de striptease, artistas en decadencia, femme fatales… todos estos personajes se juntan para narrarnos una buddy movie. El protagonista (muy bien concebido y doblado en versión original) se ve inmerso en diversos casos de carácter soez y sangriento. Para aquellos que hayan visto muchas películas de investigadores la trama puede parecerle sencilla e incluso predecible, pero intuyo que nadie le va a pedir a ‘¿Quién está matando a los moñecos?’ un guión excesivamente entramado. Destacan en esta película, a parte del carismático detective de trapo, su compañera interpretada por una Melissa McCarthy que sigue con su chocante humor y su incontrolable lengua. Pero también hay que dedicar unos instantes y líneas para elogiar a Maya Rudolph por hacérnoslo pasar bien notándose que ella también ha disfrutado de este trabajo.

Muchos detalles relacionados con la obra de Henson se han mezclado con lo escatológico. Aquí no se salvan ni las golosinas. En la película intervienen  titiriteros de ‘Los Teleñecos’ como Bill Barretta o Kevin Clash. Aparece también Ben Falcone, esposo de Melissa McCarthy y compañero de reparto de ella al igual que Mitch Silpa o Michael McDonald. Pero quizá el guiño más curioso es el cuadro de Jacques Voyet que vemos en una de las escenas. No por el cuadro en sí, si no porque este pintor y escultor también fue marionetista en teatro. Por supuesto el propio Brian Henson no se ha resistido a aportar su voz para uno de tantos personajes.

El realismo sucio de Charles Bukowski reaparece en esta película ambientada además en el lugar en el que el poeta residió muchos años. Títeres rellenos y cubiertos de depravación que seguramente os harán reír desde los bajos fondos.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de agosto de 2018. Título original: The Happytime Murders. Duración: 91 min. País: Reino Unido. Dirección: Brian Henson. Guion: Todd Berger, Dee Robertson. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Mitchell Amundsen. Reparto principal: Melissa McCarthy, Elizabeth Banks, Maya Rudolph, Leslie David Baker, Joel McHale, Cynthy Wu, Michael McDonald, Mitch Silpa, Hemky Madera, Jimmy O. Yang. Producción: Jim Henson Company, Henson Alternative, On The Day Productions, STX Entertainment. Distribución: Diamond Films. Género: comedia. Web oficial: https://www.thehappytimemurders.movie/

Crítica: ‘Alpha’

Sinopsis

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Europa, 20.000 años atrás. En mitad de su primera cacería con el grupo de élite de su tribu, un joven es herido y dado por muerto. Al despertar se encontrará débil y solo, y deberá aprender a sobrevivir y abrirse camino ante la dura y cruel naturaleza. Acompañado a regañadientes de un lobo abandonado por su manada, los dos aprenderán a confiar el uno en el otro, convertirse en aliados y superar los innumerables peligros para, contra toda posibilidad, encontrar el camino a casa antes de que llegue el letal invierno.

Crítica

Una habilidosa foto de cuando evolucionamos incorporando a nuestra vida el respeto por los animales

Hace 20.000 años, en época de la última glaciación. En ese marco temporal está ‘Alpha’. Ubicada en Europa, probablemente en el norte por las auroras boreales que nos enseña y por el arte con espirales tan propio de culturas de la zona y que podemos ver varias veces en la película. Una época de la que tenemos constancia científica de sus dietas, tipos de caza e incluso instrumentos musicales. ¿Por qué no suponer que surgieron entonces los primeros indicios de colaboración entre el perro o el hombre? Hay estudios genéticos que respaldan esta afirmación, que nos relacionan con lobos hace miles de años en lugares como el mítico túmulo de Newgrange.

Aunque esto que os diga os pueda parecer sacado de un documental y el inicio de la película parezca uno al estar acompañado de la voz de Morgan Freeman, quien ha narrado muchos reportajes, ‘Alpha’ solo emplea todos estos elementos para ubicarnos. Tras el arranque y presentación la película deja de lado cualquier sensación didáctica para entrar en una ficción de supervivencia.

El relato de la película de Albert Hughes (‘El libro de Eli’) es muy clásico en lo que se refiere a la concepción de sus personajes. Pero emplea argumentos mucho menos manidos al generar la relación de amistad entre la criatura cuadrúpeda y el humano. Se basa en pequeños gestos que tienen grandes consecuencias. No corre para ir al meollo de la cuestión si no que hasta la mitad de la película no empieza con ese vínculo que convierte a los enemigos en aliados. Con algunos espectadores esta tardanza en alcanzar el tema del filme puede ser un factor en contra.

No se ha intentado centrar la atención en la típica camaradería entre el cánido y el humano. Cada uno tiene su motivación y aprovecha la compañía y sorprendente colaboración del otro para salir adelante. De este modo se ha conseguido una historia más creíble y plausible. Pensaba que me iba a encontrar además con una cinta sentimentaloide o con ánimos de pintarlo todo hermoso, pero no ha sido así. Lo que se ha rodado me parece bastante coherente.

Pese a ello la historia, aunque bien contada, se queda en algo un tanto sencillo. Tenemos una búsqueda del valor, un paso a la madurez, un anhelo por el reconocimiento paterno y una amistad inaudita. En torno a esos temas universales se ha narrado una aventura de resistencia a vida o muerte y en equipo que se consume bien gracias a su fotografía.

Desde el principio Martin Gschlacht, responsable de las imágenes que vemos, se gusta con el paisaje y las escenas. Ha dado al filme un tono tosco, sucio y duro. Empleando una colección de tomas de alto contraste y varias cámaras lentas nos transporta a nuestro gélido pasado. Sin duda el mayor valor de este filme es su arte visual.

A su protagonista, Kodi Smit-McPhee, le habéis podido ver antes en ‘X-Men: Apocalipsis’, ‘Déjame entrar’ o ‘The Road’. En esta película encarna a alguien que podría llamarse el primer animalista de la historia. Le ha tocado trabajar con animales, imágenes generadas por ordenador y bastante acción. No se desenvuelve mal y mantiene bien el tipo durante toda la película, es bueno poder decir que no nos hartamos de su actuación ni de su personaje y eso que acapara casi todo el tiempo de pantalla.

Humanos salvajes que se ganan el respeto entre ellos y que adquieren respeto por los animales. Esa podría ser una frase que sintetice la película y que lamentablemente a veces no podríamos aplicarla al día a día.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de agosto de 2018. Título original: Alpha. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Albert Hudges. Guion: Dan Wiedenhaupt. Música: Joseph S. DeBeasi, Michael Stearns. Fotografía: Martin Gschlacht. Reparto principal: Kodi Smit-McPhee, Jóhannes Haukur Johannesson, Natassia Malthe, Leonor Varela, Jens Hultén, Priya Rajaratnam, Spencer Bogaert, Marcin Kowalczyk. Producción: Studio 8. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras. Web oficial: http://www.alpha-themovie.com/

Crítica: ‘Rodin’

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París, 1880. Después de 40 años, Auguste Rodin recibe un encargo del estado que dará pie a algunas de las esculturas más relevantes de la historia. Mientras tanto, comparte su vida con Rose, su amor de toda la vida, hasta que conoce a Camille Claudel, una destacada alumna que se convierte en su asistente y, más tarde, su maestra, con la que además iniciará una relación de amor y admiración mutua que marcará su vida y su carrera. La obra de Rodin supuso el punto de partida de la escultura moderna, y su vida estuvo impregnada por la pasión y la lucha entre aquellos que supieron admirar su arte y quienes rechazaban la sensualidad de su escultura.

Crítica

La insistencia francesa de esculpir el amor desluce al magnífico Rodin

Han pasado cien años desde la muerte del escultor Auguste Rodin y desde Francia nos llega una película sobre el gran escultor. Vincent Lindon (‘La ley del mercado’) se convierte en el artista que realizó grandes obras de la escultura moderna que hoy en día son iconos para todo el planeta.

‘Rodin’, que está dirigida y escrita por Jaques Doillon (‘Le petit criminel’), no nos ofrece una visión grandilocuente del creador francés. Nos baja del mito a la tierra pero ni siquiera atina en su afán de sumergirse en sus intimidades o en su retrato de un artista. ¿Cuál es la diferencia entre el artista y el artesano? El artesano crea basándose en la repetitividad y la funcionalidad, en dar lo que quieren otros. El artista trabaja creyendo en la creatividad y la sinceridad de sus propios pensamientos. Lo que hace Doillon, cual artesano, es repetir de manera cronológica la vida del artista, pero poniendo su foco en algo totalmente erróneo y a merced de un público gustoso de la información amarilla. La vida amorosa de Rodín absorbe casi todo el metraje y diluye cualquier argumento divulgativo o entusiasta que pudiese tener el filme.

Aunque casi toda la acción transcurre en su traller, y de camino o de fondo vamos viendo muy bien recreadas míticas obras de Rodin como «Los burgueses de Calais» o «El adiós», el largometraje se centra sobre todo en las relaciones de Rodin con sus aprendices y modelos. Se pretende mostrar las abstracciones y motivaciones del artífice de «El pensador», pero sus amores Rose Beuret y Camille Claudel acapararon la atención del artista y también lo han hecho ahora con Jaques Doillon quien quizá debería haber buscado argumentos de más peso a la hora de retratar al artista. Quedan fuera muchos acontecimientos importantes de su vida o aparecen de manera casi fugaz.

Este no es un biopic completo de Rodin. No abarca desde su nacimiento hasta su muerte. Arranca desde que recibe el encargo de hacer «La puerta del infierno» a sus cuarenta años. Y es esta obra la que permanece como un leitmotiv y casi espectador a lo largo de toda la película, de tal modo que vemos como va creciendo cerca de parecer un recurso subliminal. La forma en cómo está narrada la película también es fallida. Recurre repetidamente a momentos semejantes y no hay un hilo argumental que seguir con verdadero interés. Ni siquiera cuando hacen acto de presencia grandes nombres como Claude Monet, Balzac, Victor Hugo o Paul Cézanne logramos desconectar del tono romántico o melodramático.

Aunque extrae algunas imágenes con muy buen tratamiento de la luz no roza la magnitud que debería tener una película sobre un modelista de tal renombre. No está a la altura de la huella histórica que dejaron sus obras. Ni siquiera Lindon se aproxima estéticamente al barbudo autor de manos prodigiosas. Me niego a creer que Rodin no tuviese una vida lo suficientemente inspiradora o conflictiva como para sacar de ella una película más fructífera. En lugar de ello lo que vemos es un largometraje que roza lo presuntuoso con unas maneras además algo aparatosas y extenuantes para contar una historia.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de agosto. Título original: Rodin. Duración: 119 min. País: Francia. Dirección: Jaques Doillon. Guion: Jaques Doillon. Música: Philippe Sarde. Fotografía: Christophe Beaucarne. Reparto principal: Vincent Lindon, Izïa Higelin, Séverine Caneele, Bernard Verley, Anders Danielsen Lie, Arhur Nauzyciel, Olivier Cadiot, Alexandre Haulet, Pierre-Yves Desmonceaux, Svetlana Semusheva, Maxence Tual. Producción: Les Films du Lendemain, Artémis Productions, France 3 Cinéma. Distribución: Caramel Films. Género: drama, romance, hechos reales. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/videos/rodin

Crítica: ‘Revenge’

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Tres hombres casados ricos se reúnen para su juego de caza anual en el desierto. Pero esta vez, uno de ellos viene acompañado de su amante, una mujer joven y muy atractiva que despierta rápidamente el interés de los otros dos. Las cosas se complican dramáticamente para ella… Dejada por muerta en medio del infierno del desierto, la joven vuelve a la vida y el juego de caza se convierte en una venganza implacable.

Crítica

Excesivamente machacada, excesivamente machacona

‘Revenge’ la vi ya el año pasado en el festival Nocturna. He tenido que recuperar sensaciones y recuerdos pero aún desde entonces me mantengo confuso. Es obvio que su intención es la de narrar una historia de resurrección y venganza a través de causar nausea por el género masculino o por lo menos por los tres individuos que acosan a la protagonista. Para ello hay muchas escenas reprobatorias, de esas que no toleraríamos ver en vivo y en directo, que van cargando de odio al personaje de Jen, interpretado por Matilda Anna Ingrid Lutz (‘Rings’). Y además la directora Coralie Fargeat ha rodado múltiples planos del trasero de la protagonista, entre otras cosas, que intuyo que sirven para que el espectador se sienta tanto o más acosador como los tres actores del filme, si no, no les veo otra razón de ser. Pero ‘Revenge’ no resulta eficaz a la hora de crear o mitificar a su heroína ya que esta lleva una vida excesivamente perjudicial, esgrime un humor muy difícil de seguir y su resultado es más que predecible, además de reiterativo hasta la saciedad.

La primera obra de Fargeat se basa en llevar todo un poco al extremo. Exageraciones tiene muchas, tanto si hablamos de la violencia en las escenas de acción como si hablamos de los estereotipos que esgrime. Pero también lleva al límite su estética estando muy solarizada, ensangrentada y saturada de color, como he dicho en otra ocasión es como si se hubiese coloreado en exceso un cómic de Frank Miller. No es muy larga pero se hace como tal. Incluso en ese sentido se antoja algo excesiva. Es muy redundante y alarga mucho las escenas innecesariamente. Posee secuencias que se hacen interminables.

Si hay algo con lo que me quedo realmente de ‘Revenge’ es con su intento de crear una heroína a partir de la deformación de sus personajes. Con eso y con algunos momentos puntuales que si son escenas de acción bastante épicas y estimulantes. Todos sus protagonistas, los cuatro que aparecen en la cinta, acaban machacados después de ser objeto de los tejemanejes de un guión bastante sanguinolento, tanto que el equipo técnico se quedaba escaso de litros de sangre durante el rodaje.

‘Revenge’ es un filme que pretende ser muy simbólico con su música y sus imágenes. Cargado de mucho mensaje femenino y referencias culturales o cinematográficas. A pesar de tener que admitir que tiene un componente fantástico o místico me cuesta pasar por el aro y seguir la corriente narrativa de esta película que creo que habría sido más efectiva si hubiese estado más atada a normas más terrenales y ejecutada con más agilidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de agosto de 2018. Título original: Revenge. Duración: 108 min. País: Francia. Dirección: Coralie Fargeat. Guion: Coralie Fargeat. Música: Robin Coudert. Fotografía: Robercht Heyvaert. Reparto principal: Matilda Anna Ingrid Lutz, Kevin Janssens, Vincent Colombe, Guillaume Bouchède. Producción: M.E.S. Productions, Monkey Pack Films, Logical Pictures, Charades. Distribución: A Contracorriente Films. Género: acción, thriller. Web oficial: https://www.mesproductions.fr/revenge

Impresiones de la primera temporada de ‘(Des)encanto’

Se agradece lo expuesto pero falta chispa

La nueva serie de animación de Netflix, ‘(Des)encanto’ se estrenó ayer, 17 de agosto. Es por eso que ya hemos podido ver la totalidad de sus episodios tras haberos transmitido nuestras impresiones iniciales al visualizar los dos primeros capítulos antes de su lanzamiento. La nueva serie de Matt Groening ya está disponible con 10 entregas diferentes que están suscitando disparidad de opiniones en la red.

En primer lugar podemos decir que se confirma que esta es una serie con un estilo distinto al de ‘Los Simpson’ o ‘Futurama’. No solo digo esto a raíz de que en esta serie los personajes si tengan cinco dedos. Al igual que en anteriores producciones tenemos un amplio abanico de personajes que van conformando un nuevo universo animado pero tanto ritmo como estructura son diferentes y vienen lastrados por una mala banda sonora. Aunque considero que tenía unas perspectivas mejores para esta serie si se puede decir que está por encima de las peores temporadas de ‘Los Simpson’ y por debajo de ‘Futurama’. Su tono cómico va en aumento y se impone pero también conserva cierto sabor melancólico y tristón. No son pocos los gags que nos recuerdan al Groening más ingenioso y mordaz pero también se nota un regusto al políticamente incómodo humor de los Monty Python. Prueba de ello es la recurrente patrulla pandémica, las enigmáticas cruzadas limónicas o el mendigo/empresario metido en un barril vendiendo agua con sabor a él.

También hemos corroborado que ‘(Des)encanto’ nos aporta una historia prolongada de un episodio a otro. Lo que sucede en un capítulo tiene consecuencias directas en el siguiente, aunque funcionen como aventuras individuales. Se aplica así la estrategia de las películas de ‘Futurama’, las cuales fueron emitidas también en episodios fraccionados de alrededor de veinte minutos. Pero se pierde esa sensación que hemos tenido siempre con las historias de Groening, las cuales empezaban de un modo y acababan de otro totalmente surrealista e inesperado. A pesar de que, como he dicho, esperaba algo mejor, la serie capta nuestra atención gracias a los hilos argumentales que mantiene abiertos y la ligera evolución de sus personajes. Principalmente es la búsqueda del elixir de la vida y el sino de Luci lo que más nos mantiene saltando de una andanza a otra.

Como pasa muchas veces sus personajes secundarios son los más chispeantes. Aunque en el caso de Luci y Elfo podríamos casi decir que son coprotagonistas. Ambos ejercen de mala y buena conciencia para Bean, uno con su perniciosa influencia y el otro desde su peligrosa ignorancia. Estos dos influjos en la protagonista dan pie a situaciones de lo más incoherentes o absurdas, que suele ser una de las especialidades de Groening. Junto a estos momentos aparecen también personajes cargados de mofa y disparate que amplían el paisaje de este nuevo reino de Utopía (Dreamland).

En mi anterior reseña os hablé de las voces originales de los personajes y ahora he podido escucharles a través de sus actores de doblaje españoles. He de decir que algunos como Luci están muy bien interpretados, en este caso por José Posada (voz de James Franco o Ryan Reynolds, entre otros). Pero también encajan muy bien la voz de Graciela Molina (dobladora de Anna Faris) en Bean o de Domenech Farrel (voz de Jeff Garlin) en el rey Zog.

Esta nueva fantasía medieval que constantemente se mezcla con elementos de nuestra actualidad os puede enfadar ya que su trama central queda abierta para una siguiente temporada, con escena post-créditos incluida. No solo eso si no que se dejan incógnitas por responder y el final resulta demasiado inconcluso. Hay que quedarse con que nos ofrece momentos muy brillantes, ridículamente divertidos o descacharrantes, aunque no son tan anecdóticos y repetibles como los de otras series. ‘(Des)encanto’ gustará por que se burla de todo sin cortarse un pelo, aunque cortar se cortan muchas cosas con sangriento resultado. También tiene algunas premisas valientes en su guión que la hacen más disfrutable y el carisma de varios de sus componentes creará afición.

Crítica: ‘Megalodón’

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Un sumergible de aguas profundas que forma parte de un programa internacional de vigilancia submarina, ha sido atacado por una enorme criatura que se creía extinta. Ahora está averiado en el fondo de la fosa oceánica más profunda del Pacífico con su tripulación atrapada en el interior. El tiempo se acaba y, en contra de los deseos de su hija Suyin (Li Bingbing), un visionario oceanógrafo chino (Winston Chao) contrata a Jonas Taylor (Jason Statham), un especialista en rescate en aguas profundas. Su misión será salvar a la tripulación y también al océano de una amenaza imparable: un tiburón prehistórico de 23 metros conocido con el nombre de Megalodón. Pero lo que nadie podía imaginarse es que unos años antes Taylor ya se había enfrentado a esta misma criatura aterradora. Ahora, formando equipo con Suyin, debe superar sus miedos y arriesgar su vida para salvar a todos los que están atrapados en las profundidades, lo que le obligará a volver a enfrentarse al depredador más enorme y más temible de todos los tiempos.

Crítica

Divertida y poco sangrienta, así es ‘Megalodón’

Basada en la novela de Steve Alten, llega la película del verano, protagonizada por Jason Statham, ‘Megalodón’ , un grandioso tiburón prehistórico que decide darse una vuelta por el océano después de salir de su escondite.

Antes de comenzar con la crítica, decir, que la película como tal me ha gustado, no era para nada lo que me esperaba, pero me ha gustado. Tenía unas expectativas muy altas, quería grandes dosis de humor, sangre y acción. La acción la tenemos del resto se queda más bien corto.

Es una pena, que en la primera hora de la película no se aproveche el tema del tiburón, está bien que te pongan en situación y aunque realmente se haga corto, no necesito una hora de explicaciones, con media me da de sobra para saber de dónde venía el tiburón y lo que va a hacer, alimentarse.

Ese es uno de los grandes fallos, otro, el tiburón, mola mucho, pero sí que es cierto que en la escena de la playa parece mucho más grande de lo que es en realidad. Esperaba un bicho gigantesco y sí es grande, pero tampoco es para tanto. Además la película es muy blanca, con esto quiero decir, que no hay nada de sangre, solo cuando al animal se come a otros animales marinos, pero cuando se trata de un ser humano, nada, es como si fuésemos especiales y no sangráramos. Un poco más de sangría le hubiese venido bien.

La película como he dicho me ha gustado, por mucho que tenga esas fallas, Jon Turteltaub hace una cinta divertida, entretenida y con acción, donde Statham y Bingbing Li lo dan todo en las escenas contra el monstruo.

Hay que decir que el tema del CGI es lo que más me ha impresionado, hacía tiempo que no salía satisfecha con el trabajo de efectos digitales y es que últimamente todo es muy espectacular pero se nota mucho la mano del ordenador. En esta, es evidente que hay computadora de por medio, pero está muy bien realizado. La textura de la piel es fantástica, darle ese toque tan real, me parece de lo mejor de la película, pero no solo el tiburón es lo que está tan bien sino el paisaje marítimo, cuando llegan al fondo del mar, la cantidad de especies que aparecen son muy reales. Es algo de la cinta muy digno de admirar, el tener a una española dentro del proyecto, que ya es veterana en las grandes producciones, Carolina Jiménez (‘El Hobbit’, ‘Ant-Man y la Avispa’ o la temporada 8 de ‘Juego de Tronos’).

En la cinta además de tener como protagonista a Jason Statham, tenemos a Ruby Rose, Rainn Wilson, Bingbing Li, Jessica McNamee, Robert Tylor, Cliff Curtis, Ólafur Darri Ólafsson y Masi Oka que siempre me hace especial ilusión verle después de cogerle tanto aprecio en la serie de ‘Héroes’.

No busquéis por nuestros cines este largometraje en versión original ya que Warner solo la estrenará en España en versión doblada. Por lo demás poco más que añadir, ‘Megalodón’ es una cinta entretenida, con acción y un tiburón, que aunque no sea tan gigante como en sus distintas promociones, merece la pena un visionado teniendo estos calores de pleno agosto. Que mejor que estar en una sala fresquito viendo el océano en una gran pantalla.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto 2018. Título original: The Meg. Duración: 113 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jon Turteltaub. Guión: Belle Avery, Denan Georgaris, Erich Hoeber, Jon Hoeber, James Vanderbilt. (Novela de Steve Alten). Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Tom Stern. Reparto principal: Jason Statham, Bingbing Li, Rainn Wilson, Ruby Rose, Winston Chao, Masi Oka, Robert Taylor, Cliff Curtis, Ólafur Darri Ólafsson, Jessica McNamee, Page Kennedy. Producción: Gravity Pictures, Maeday Productions, Flagship Entertainment Group. Distribución: Género: Warner Bros. Web oficial: http://www.warnerbros.es/megalodon

Crítica ‘Una relación abierta’

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Anna y Will lo son todo el uno para el otro: el primer beso, el primer amor, su primera y única relación. Cuando su mejor amigo le sugiere a Anna que debería salir con alguien más antes de pasar el resto de su vida con un solo hombre, es el principio de un viaje romántico inesperado.

Crítica

Real como la vida misma, ‘Una relación abierta’ no nos ofrece sorpresas. 

Cuando la monotonía os coge de lleno en una relación de toda la vida y encima el novio de tu cuñado te hace duda, nada puede salir bien, ¿o sí?. De esto trata ‘Una relación abierta’, de si pasar el resto de tu vida con la misma persona es bueno o no, de si llevar una relación abierta, donde el sexo con otras parejas puede hacer mella en una relación tan consolidada ¿o no?.

Anna y Will deberán hacer frente a esta situación, a los celos, al amor inesperado, las dudas, los deseos secretos, las fantasías, el hacer daño a otras personas y un gran etcetera más que  Brian Crano maneja  bastante bien, eso sí, con un lenguaje muy visual nos va dando las pistas de cómo va a terminar la película, y este es el gran fallo, las va dando demasiado pronto, viendo el desenlace casi desde  el principio.

Una de las cosas que más me ha gustado ha sido su suave melodía, su banda sonora, sencilla y nada pesada y poco a poco vamos cayendo como los protagonistas en ese mar de celos o en las nuevas experiencias vividas de cada uno.

La fotografía también me ha encantado, ya he comentado que el lenguaje es muy visual y está muy bien trabajado. Adam Bricker separa perfectamente ambas situaciones, la nueva vida de noche de ella, de luces tenues donde las luces de neón nos muestran pequeños detalles que quizás no viésemos con tanta oscuridad. Mientras que la de él, de día, donde va perdiendo la cabeza y cada vez ve como la situación se le va de las manos.

La cinta está protagonizada por Rebecca Hall, que le da una elegancia estupenda a su personaje, lleno de dudas pero que despierta en medio de toda esta locura. Su compañero y amor de vida Dan Stevens, es un poco el toque de humor de esta historia tan realista, un soñador que poco a poco va perdiendo toda la fuerza que tenía.

Morgan Spector y David Joseph Craig son el cuñado y el hermano que al principio tienen bastante que ver en toda la historia, pero que luego no entiendo porque han tenido que contarnos su vida, realmente interesa bastante poco.

Como secundarios encontramos a Jason Sudeikis que da vida a un personaje que igualmente pasa desapercibido, pero que como acostumbra está estupendo, también tenemos a Gina Gershon y François Arnaud.

Poco más que decir de la película, realmente no me ha gustado demasiado porque no me ha sorprendido y quizás por eso haya acabado muy desencantada. Pero bueno, es mi opinión y al fin y al cabo entrar en la sala de cine a ver una película romántica tampoco suena tan mal en estos días que se estrenan muchas cintas de acción.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto de 2018. Título original: Permission. Duración: 96 min. País: Estados Unidos. Dirección: Brian Crano. Guión: Brian Crano. Fotografía: Adam Bricker. Reparto principal: Rebecca Hall, Dan Stevens, David Joseph Craig, Morgan Spector, Jason Sudeikis, Gina Gershon, François Arnaud. Producción: Chain Productions, Circadian Pictures. Distribución: A Contracorriente Films. Género: Romance. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/877/una-relacion-abierta/

 

Hemos visto el inicio de ‘(Des)encanto’ y os damos nuestras impresiones

La parte más taciturna, insultante y sangrienta de Groening

Con el estanqueamiento y repetitividad de los argumentos de ‘Los Simpson’ y la cancelación de ‘Futurama’ los fans de Matt Groening ya echaban en falta su humor sarcástico y su crítica. A través de Netflix y a partir del 17 de agosto podremos ver ‘(Des)encanto’ con hasta 10 episodios que mostrarán una cara un tanto diferente pero no del todo cambiada del dibujante y productor que ha marcado la vida de generaciones y generaciones amantes de las historias mordientes.

El ingenio, el sarcasmo y la parodia de Groening siguen presentes en los dos primeros episodios que hemos podido ver. Pero el enfoque parte de un punto más dramático y continuista del que lo hacían ‘Los Simpson’ y ‘Futurama’. Poseen una poderosa vertiente meditabunda o taciturna que nos aleja a veces de la comedia. No obstante la mayor parte del tiempo de los capítulos están enfocados en hacernos reír con un humor macabro, descerebradas escenas y chocantes secuencias.

Esta serie es una pesadilla para todos aquellos amantes de la tradición caballeresca y para todo mecanógrafo y maniático del SEO, dicho sea de paso dada la forma de su título. Pretende entretener desbaratando los moldes de la fantasía medieval como lo hacen otras muchas producciones que se encuentran actualmente en activo o que hemos visto no hace mucho tiempo. Pero al contrario de estas rebaja el ritmo desenfrenado de la narrativa. Se agradece este encuadre más pausado que nos permite disfrutar algo más de la historia, de las localizaciones y los detalles, aunque respecto a esto último a veces no haga falta ya que hay algunos escenarios muy pobres y otros muy ricos, el contraste es muy alto.

Antes he comentado que las aventuras narradas en los episodios son continuistas entre sí, pero los capítulos cuentan hazañas cerradas y de corta duración, por lo que la serie se sigue con facilidad. Esto es debido sobre todo a que sus tres protagonistas están muy bien elaborados. La princesa Bean posee un carácter irreverente y rebelde, bastante (des)carado que alza una voz contra los estereotipos y las tradiciones de la manera más tosca posible. El elfo llamado Elfo con su inocencia torpe genera todo tipo de (des)calabros y malentendidos muy propios para los que gusten del humor negro. El demonio Luci aporta la sutileza, la (des)gana y lo tétrico a la serie. Personaje, quiero añadir, de ominosas pretensiones que todo el mundo está tomándose a la ligera en el reino y que seguramente al final de la temporada la liará parda.

El diseño de estos personajes también merece un comentario a parte. Pues si Bean parece dibujada con técnicas más modernas como podíamos ver con los personajes de ‘Futurama’, recordemos que Rough Draft Studios se encarga también de la animación de esta serie, en el caso de Elfo el diseño es más burdo y vetusto, de hecho recuerda a los antiguos dibujos de Bart Simpson. Y si hablamos de Luci nos topamos con un personaje en 2D que parece sacado del Patapon o de un cuadro de Miró en el que su surrealismo hace que hasta su sombra proyecte el blanco de su ojo.

Todo el diseño para este nuevo mundo es bastante atractivo y nos puede retraer a antiguos cuentos y fábulas, obviamente bastante trastornados. Y bonito o sencillo es también el opening construido a base de siluetas y música de acordeón y trombones. Se ha compuesto una canción diferente pero que no creo que se tararee mucho. Para lo que si que habrá más pegas es para la música que no es muy ágil, no acompaña demasiado a la acción de la historia. El compositor es Mark Mothersbaugh y ha tenido trabajos más acertados, incluso en la recientemente estrenada ‘Hotel Transilvania 3’.

Ahora que están tan presentes movimientos como el Meetoo la protagonista de ‘(Des)encanto’ quizá parezca creada a imagen de esas demandas. Pero no olvidemos que esta es una serie de Matt Groening y ya lleva años acostumbrándonos a personajes femeninos destacados como Lisa, Marge o Leela. Es más el papel principal en esta serie, aunque es para Bean casi se reparte a partes iguales y no concede el protagonismo de manera complaciente.

La serie la he visto en versión original a si es que aún estoy expectante de cómo oiremos las voces del reino de Dreamland en España. Pero en Estados Unidos han estado muy cuidadas ya que a Bean le ha interpretado Abbi Jacobson (‘Malditos vecinos 2’), Luci es Eric Andre (‘El Rey León’) y Elfo está en manos de Nat Faxon (‘Robot Chicken’). Pero también oiréis a Matt Berry (‘Los informáticos’), John DiMaggio (Bender en ‘Futurama’), Noel Fielding (‘Los informáticos’), Billy West (Fry en ‘Futurama’), Maurice LaMarche (Calculon en ‘Futurama’) o a Tress MacNeille (Mamá en ‘Futurama’) entre otros.

Las series de Groening han ido evolucionando indudablemente para un público más adulto o mejor dicho a menos aptas para niños. Definitivamente ‘(Des)encanto’ es diferente a lo que ha hecho Groening hasta ahora y es distinta a las series actuales. Solo falta ver cuál es su progresión y cuál es la acogida entre el público. Por mi parte espero ansioso ver los ocho episodios restantes para resolver el destino de Bean como princesa de Dreamland, para saber las intenciones reales de Luci o para esperar si finalmente Elfo se ve obligado a regresar a su vida de elaborador de golosinas felices.

Crítica: ‘The Equalizer 2’

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Robert McCall garantiza una justicia inquebrantable para los explotados y oprimidos, pero ¿cuánto de lejos llegará cuando se trate de alguien a quien ama?

Si tienes un problema y no sabes a quién acudir, Robert McCall es tu hombre. Él es The Equalizer. McCall asegura una justicia inquebrantable para los apaleados, explotados y oprimidos, pero cuando su peligroso pasado llama a la puerta, necesitará de todas sus habilidades para ajustar las cuentas. Esta vez deberá enfrentarse cara a cara con asesinos altamente entrenados que no pararán hasta acabar con él. Denzel Washington retoma uno de sus personajes más característicos en la primera secuela de su carrera.

Crítica

Divertida y llena de acción, así es ‘The Equalizer 2’

En 2014 se estrenó la primera parte de esta cinta, donde conocimos a Robert McCall, un antiguo agente de la CIA, que abandonó su retiro para ayudar a gente de a pie que está indefensa.

Basada en la serie de televisión de los 80 ‘ El Justiciero’ creada por Richard Lindheim y Michael Sloan, ‘The Equalizer 2’ baja el ritmo y el nivel de la primera, pero tampoco decepciona. Sabemos lo que vamos a ver, a Denzel Washington pegando mamporros por doquier y utilizando su astucia e imaginación de la manera más insospechada posible.

Esta vez nuestro protagonista tendrá que vérselas con la traición, tendrá que revivir para poder ayudar a su gente e intentar que no le maten.

Dirigida de nuevo por Antoine Fuqua y con guión de Richard Wenk, esta vez se centran mucho más en el pasado del protagonista, haciendo quizás que perdamos la acción que teníamos en la primera parte. Pero tampoco quita que las luchas que veamos no sean buenas, todo lo contrario, si lo que os gusta es la acción esta cinta es lo que os va a dar. Eso sí, el final se les va un poco de las manos, una cosa es meter acción por todos lados, pero ya introducir un huracán me parece demasiado. Pero para gustos los colores.

Denzel Washington vuelve a ponerse en la piel de este chófer que solo quiere estar tranquilo, pero lo único que ve son injusticias por todos lados. Su personaje está obsesionado con el orden y además una de las curiosidades que tiene es que en las peleas en las que se mete utiliza cualquier cosa que esté de su mano para poder ganar. Espero que siga haciendo muchas películas más como esta, realmente se le da bien y en pantalla no decepciona.

En el reparto nos volvemos a encontrar con Bill Pullman y Melissa Leo, los únicos amigos del protagonista, además de tener como nuevos personajes a Pedro Pascal, al cual cada vez podemos ver más en Hollywood, Jonathan Scarge, Kazy Tauginas, Ashton Sanders u Orson Bean.

El CGI de la cinta es bastante bueno, las escenas de acción, están muy bien coreografiadas, me ha impactado sobretodo una realizada en un coche, muy divertida y hace que disfrutes un montón del cine de acción.

Poco más que decir, ‘The Equalizer 2’ nos devuelve a Denzel Washington en este curioso papel y nos hace vibrar de la emoción, si, como he dicho, inferior a su primera parte, pero eso no quita que sea una película que no nos debemos perder este verano en las salas.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto de 2018. Título original: The Equalizer 2. Duración: 120 min. País: Estados Unidos. Dirección: Antoine Fuqua. Guión: Richard Wenk (Personaje de Richard Lindheim y Michael Sloan). Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: Oliver Wood. Reparto principal: Denzel Washington, Ashton Sanders, Pedro Pascal, Bill Pullman, Melissa Leo, Jonathan Scarfe, Sakina Jaffrey, Lexie Roth, Donald Cerrone. Producción: Columbia Pictures, Fuqua Films, Escape Artists, Sony Pictures Entertainment. Distribución: Sony Pictures Spain. Género: Thriller, acción. Web oficial: http://www.equalizer.movie/site/

Crítica: ‘Buenos vecinos’

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Tras una supuesta infidelidad, Atli es expulsado de casa por su mujer, quien no le permite ver más a su hija. Se ve obligado a mudarse a casa de sus padres, que están envueltos en una pelea con sus vecinos debido a que su imponente y hermoso árbol da sombra en el patio de los mismos. Mientras Atli lucha por ver a su hija, la confrontación vecinal se intensifica hasta límites insospechados.

Crítica

Gunnar Sigurðsson nos muestra con agudeza que no podemos llevarnos como perros y gatos

‘Buenos vecinos’ nos llega principalmente desde Islandia bajo la batuta de Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Que no os engañe el título de esta película, no vais a ver ningún manual de civismo ni vais a contemplar la buena convivencia que tanto se prodiga cuando se habla de los países nórdicos. De hecho el título original del largometraje es ‘Under the tree (bajo el árbol)’. Y esto se puede interpretar como indicativo no solo de lo que transcurre bajo el árbol de la casa de los protagonistas, si no de lo que le sucede al árbol familiar, de cuáles son las consecuencias de las acciones de los mayores en las ramas inferiores del árbol genealógico. Que sí, que el título empleado en España dota a la película de un carácter irónico, pero el título original también puede tener ese sentido metafórico, que quizá yo he encontrado de manera más rebuscada pero no carente de significado.

En ‘Buenos vecinos’ tenemos básicamente dos historias paralelas. La de un hijo en pleno proceso de desesperante separación y la de sus padres en creciente conflicto con unos vecinos por culpa del árbol de su jardín. Ambas historias comienzan de un modo bastante incómodo, con situaciones sentimentalmente violentas y conflictivas. Los artífices de esas circunstancias no se andan con ningún tapujo por lo que el guión nos da momentos tanto de drama crudo como de humor casi retorcido. Sus acciones tienen repercusiones en la vida de los que les rodean, sobre todo en sus descendientes, al menos así lo va señalando poco a poco el director a través de varias reflexiones. Es decir, lo que viene a decir el comportamiento de sus personajes es que el no ser empático o no dialogar puede ocasionar daños colaterales a tus seres queridos.

Mucho más cómica y entretenida es la parte de los padres que le da más sentido tanto al título original como al empleado en nuestro país. Hay que señalar que tampoco está exento de importancia el mensaje de la historia del personaje de Steinþór Hróar Steinþórsson, el cual ejerce de marido en pleno divorcio, padre a punto de entrar en cólera e hijo refugiado en casa de sus padres. Pero se imponen el sarcasmo y la locura que están bastante presentes en esta película, sobre todo personificados en el personaje de Edda Björgvinsdóttir.

No te das ni cuenta de cómo Hafsteinn Gunnar Sigurðsson te pasa del drama a la comedia y de ahí a una tragedia de lo más desconcertante e incluso hilarante para aquellos que gusten del género negro. Y es que el desenlace de la película está totalmente desbocado en dos escenas que pueden dejar trastocado a cualquiera, convirtiéndose en una cinta casi de género para culminar con una escena final totalmente sarcástica. Muy mordaz el estilo de este director al que reconozco que he descubierto en esta su tercera película y del que intentaré ver sus anteriores trabajos de algún modo.

Ambas historias se podrían haber solucionado con diálogos y comprensión por ambas partes, siendo buenos vecinos o cohabitantes. Sin embargo lo que demuestra este filme, que roza el estilo de Haneke, es que el ser humano a lo que tiende es a hacerse daño, a hacer la vida del otro imposible. Señoras y señores, esta película, no les va a parecer merecedora de un Oscar, pero desde luego les va a enseñar que la empatía y la escucha es muy importante para no acabar mal con los que duermen a su lado.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto de 2018. Título original: Under the tree / Undir Trénu. Duración: 89 min. País: Islandia, Dinamarca, Polonia, Alemania. Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson. Guion: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson, Huldar Breiðfjörð. Música: Daníel Bjarnason. Fotografía: Monika Lenczewska. Reparto principal: Steinþór Hróar Steinþórsson, Edda Björgvinsdóttir, Sigurður Sigurjónsson, Lára Jóhanna Jónsdóttir, Þorsteinn Bachmann, Selma Björnsdóttir. Producción: Netop films, Profile Pictures, Madants, One Two films. Distribución: La Aventura. Género: drama, comedia. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/buenos-vecinos/

Crítica: ‘El rehén’

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Un antiguo diplomático norteamericano (Jon Hamm) se ve envuelto en una operación de espionaje en el Líbano que le hará enfrentarse a un pasado traumático. Deberá rescatar a un viejo amigo, agente de la CIA, secuestrado por unos terroristas. En el camino se enfrentará a una trama llena de engaños y traiciones y con implicaciones de alto nivel político.

Crítica

Un thriller político donde cada minuto vale oro

Dirigida por Brad Anderson (‘El Maquinista’) y con guión de Tony Gilroy (‘Saga Bourne’) nos llega esta semana ‘El Rehén’, un thriller que no va a dar mucho que hablar, pero que si es merecido su visionado.

Realmente es una cinta que no nos cuenta nada nuevo, una guerra, un rehén y las típicas conspiraciones de distintos países intentando cada uno conseguir beneficios de toda esta situación. Pero aunque la historia sea tan sencilla reconozco que la película me ha tenido enganchada desde el principio.

Cuenta con un ritmo muy llevadero, poco a poco vamos conociendo a todos los personajes con los que vamos a lidiar durante 109 min. El pasado de Mason Skiles, el protagonista de la película, es un punto clave para conocer por donde van a ir los tiros en este thriller donde la política, los espías y las negociaciones con terroristas harán que disfrutemos de una buena sesión de cine al más puro estilo de las novelas de John Le Carré.

Jon Hamm (‘Mad Men’) es el encargado de dar voz y cuerpo a un hombre destrozado que es de nuevo requerido en su antiguo trabajo, Mason Skiles. La desesperación y tristeza de su mirada hacen posible que nos creamos realmente esta historia.

Rosamund Pike (‘Perdida’) es su compañera en esta aventura en la que se ha visto metido, tampoco es que haga un papel enorme, pero sí que es cierto que se agradece ver un personaje como el de Rosamund que tiene todo bajo control en esta historia llena de incertidumbres.

En el reparto también encontramos a Dean Norris (‘Breaking Bad’), irreconocible por su apariencia pero estupendo como siempre, Mark Pellegrino, Colin Stinton, Nick Holder, Kate Fleetwood, Leia Behti, Hichame Ouraqa, Khalid Benchagra o Yoav Sadian, entre otros.

La historia no está basada en hechos reales, pero te introducen tan bien en el contexto de la Guerra Civil de Beirut, que bien podría ser una historia real. Además también utilizan el caso de la masacre de Munich, para darle más consistencia a todo lo que nos están contando, tanto que dudas si realmente si es algo que ocurrió en la realidad. Es algo muy loable y que me ha gustado mucho, pues han creado una historia muy veraz.

En general como he dicho nada más comenzar, ‘El Rehén’ no va a dar mucho que hablar, pero sí que es una muy buena opción para meternos en la sala de cine y disfrutar de un buen thriller.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de agosto 2018. Título original: Beirut. Duración: 109 min. País: Estados Unidos. Dirección: Brad Anderson. Guión: Tony Gilroy. Música: John Debney. Fotografía: Björn Charpentier. Reparto principal: Jon Hamm, Rosamund Pike, Mark Pellegrino, Dean Norris, Shea Whigham, Jonny Coyne, Larry Pine, Jay Potter, Alon Abourboul. Producción: Radar pictures, Bleecker Street MEdia. Distribución: DeAPlaneta. Género: Thriller. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/el_rehen

Crítica: ‘Solo’

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Fuerteventura. Septiembre de 2014. En busca de la ola perfecta, el joven surfista Álvaro Vizcaino se precipita por un acantilado en la zona más inaccesible de la isla.  Lo que iba a ser una increíble jornada deportiva  se transforma en 48 horas de agonía extrema.

Con el cuerpo malherido y la cadera rota, deberá vencer a una naturaleza implacable y hacer frente a sus propios miedos para intentar sobrevivir .

Basada en hechos reales.

Crítica

A pesar de su ritmo ‘Solo’ va más allá de la literalidad de su título proponiendo una autorreflexión.

‘Solo’ es una película que empieza con una potente puesta en escena, haciendo uso de un plano aéreo que nos cautiva con la belleza de Fuerteventura y nos pone en situación en tan solo unos segundos.

Hasta aquí todo bien hasta que empiezan los típicos flashback donde podemos conocer un poco más de nuestro protagonista principal y las personas que forman parte de su vida. Pronto encontramos una relación de amistad y sobre todo otra amorosa que serán las protagonistas de las secuencias que no forman parte de los hechos que acaecieron, los de la “aventura” de este surfista que se vio solo en una situación al borde de la muerte. Es en esa mezcla de momentos solo y recuerdos o evocaciones al pasado o a otras situaciones las que empiezan a lastrar esta historia. Es subjetivo, pero debo decir que el ritmo se diluye entre cada transito, y además para no volver a recuperarlo.

Esta es una película de la que ya hemos visto varias versiones en el cine. Una persona que tiene un accidente en plena naturaleza y se queda completamente sola a su suerte y obligada a poner a prueba su capacidad de lucha por sobrevivir. Me viene a la memoria el ejemplo de ‘127 horas’. Con esto quiero referirme que para mantener el ritmo hay que hacer que no decaiga la historia, y usar bien los tiempos para que el engranaje sea el correcto. Aquí creo que no se consigue.

Una explicación a esto es la falta de un guión un poco más elaborado que ayude a ello, quizá la falta de química entre los actores o la propia dirección de los mismos. Quizás un poco de todo. El caso es que no mantiene esa tensión necesaria que requieren este tipo de historias, algo que considero clave para que la película sea buena.

A remarcar la fotografía, aprovechando el magnífico paraje donde está rodada, el buen hacer de la banda sonora y algunos planos con mucho sentido. Como ya me he referido antes las interpretaciones carecen de la “quimica” suficiente para que el conjunto remonte.

No quiero dejar de recordar que soy muy fan de que me cuenten historias basadas en hechos reales, y conocer esta me ha enseñado una vez más algunas partes de la pasta de la que está hecho el ser humano: una mezcla de amor, instinto de supervivencia y autorreflexión constante. Aquí el título de ‘Solo’ pretende ser algo más que la interpretación literal de lo que pasa en el filme, pretende ir más allá, al interior de uno mismo y provocarnos  que nos hagamos preguntas sobre la soledad y la muerte. Eso lo aplaudo.

Lo más bueno: A nivel técnico, fotografía, banda sonora… y la ya mencionada reflexión que plantea.

Lo menos bueno: El guión y el no conseguir mantener la tensión al espectador.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de agosto de 2018. Título original: Solo. Duración: 92 min. País: España. Dirección: Hugo Stuven. Guion: Santiago Lallana, Hugo Stuven. Música: Sergio Jiménez Lacima. Fotografía: Ángel Iguacel. Reparto principal: Alain Hernández, Aura Garrido, Ben Temple, Leticia Etala. Producción: Miramar Media Entertaiment, Playa Jarugo AIE. Distribución: Filmax. Género: drama, hechos reales, aventuras. Web oficial: solo.filmax.com

Crítica: ‘Misión: Imposible – Fallout’

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En ocasiones, hasta las mejores intenciones pueden volverse contra nosotros. En ‘Misión: Imposible – Fallout’ nos encontramos a Ethan Hunt (Tom Cruise) y su equipo en el FMI (Alec Baldwin, Simon Pegg, Ving Rhames), junto con algunos aliados conocidos (Rebecca Ferguson, Michelle Monaghan) en una carrera contrarreloj después de una misión fallida. Henry Cavill, Angela Bassett y Vanessa Kirby también se unen al dinámico reparto, mientras que el director Christopher McQuarrie vuelve a ponerse al timón.

Crítica

Cruise fascina con su entrega pero Cavill y Ferguson dejan extasiados

El Ethan Hunt de Tom Cruise ya ha alcanzado seis películas, hemos llegado a la Misión Imposible 6, MI6 si lo reducimos, como el servicio secreto para el que trabaja James Bond. Bromas aparte, Cruise aparece dando un extra y con ganas de aportar aún más. Acción desbordante y mucho humor se vive en las más de dos horas de esta nueva ‘Misión Imposible’ que está cargadísima de proezas inimaginables que se pasan en un suspiro. Persecuciones, peleas, tiroteos, saltos al vacío… Pocas cosas le faltan a esta película que ha sido dirigida de nuevo por Christopher McQuarrie y escrita también por él.

La traslación al cine basada en los personajes de la serie de Bruce Geller continúa bajo la batuta de McQuarrie  bajo la atenta mirada de J. J. Abrams. Y es que parece que desde que el propietario de Bad Robot se comprometió con la franquicia esta metió la directa y desde que se involucró Christopher McQuarrie la cosa se aceleró de una manera logarítmica. Si la anterior película, ‘Nación secreta’, ya fue una sorpresa en todos los sentidos, ‘Misión: Imposible – Fallout’ no se queda atrás. En la mayoría de los aspectos la saga se supera. Tan solo peca en que en esta ocasión lo que tenemos ante nosotros no es una historia elaborada, de hecho es de lo más simple y aunque como siempre no puede ir más directa al grano se convierte en una trama la mar de sometida al espectáculo. Es muy fácil encontrar películas de agentes en la sombra mucho más intricadas que esta, eso desde luego, pero la virtud de este filme es introducirnos en una concatenación de persecuciones y contiendas. Tiene una cascada de secuencias de acción que parece no tener fin.

En esa serie de hazañas que vamos viendo rodadas con más de un plano impecable contemplamos como realmente Tom Cruise se ha desvivido por la veracidad de lo que sucede delante de la cámara. Me quito el sombrero por la dedicación de Tom Cruise no solo hacia esta saga sino hacia ‘Misión: Imposible – Fallout’ en particular. Sabemos que se ha jugado el tipo (de hecho se ve en pantalla), se ha entregado a fondo para que parezca que por su personaje no han pasado los años y tendrá algunas escenas con dobles pero en su mayoría se palpa claramente que es él quien ejecuta los movimientos. Y ni los efectos visuales ni los trucajes de ordenador pueden maquillar eso. Cuando alguien siente tanto amor por un personaje se nota y se agradece ¡bravo!

Ya queda demostrado que los deportes de riesgo deben ser pecata minuta para Ethan Hunt. Pero algo muy importante que vemos en ‘Fallout’ es que no solo Cruise es el que nos monta el show. Esta cinta tiene todo lo que un largometraje de agentes secretos debe tener. Escenas peligrosas, affaires, mentiras arriesgadas, juego de traiciones, momentos de tensión… Sobre todo cierra tramas estableciendo un nuevo punto final con un villano que apenas abre la boca. Sean Harris demuestra ser un enemigo a la altura de la saga pero aún así no es a quien me refiero, no es la estrella de la película. Obviando el claro protagonismo de Tom Cruise, destacan Henry Cavill y Rebecca Ferguson. El primero con el mostacho que tanto dio que hablar en el momento de ver ‘Liga de la Justicia’. La segunda continuando con su impertérrito personaje de esta saga. Soy muy defensor del Superman de Cavill pero tras haberle visto en esta película me alegro de que haya conservado ese bigote que ha evitado fallos de rácord en ‘Fallout’. Ambos actores nos dan unas escenas de lo más vibrantes y están inmiscuidos en los momentos más destacados del filme: la lucha a tres en el baño, la amplísima y turística persecución por París, el impresionante salto en paracaídas, las peleas cuerpo a cuerpo…

Este filme podría considerarse como un cierre de saga pero lo cierto es que continúa con una serie de películas que siguen entrelazándose entre sí. Largometrajes que continúan respetando el espíritu de seguir haciendo el más difícil todavía consiguiendo que el espectador pase por el aro, ya sea con la vistosidad de sus imágenes, con el carisma entrañable de sus personajes o con el mero hecho de abarcarnos con su música, que en esta entrega por cierto Joe Kraemer lo borda incluso hasta cuando recicla el famoso tema de la serie. Sin duda ‘Fallout’ es una entrada bien rentabilizada, tanto para el que busca emociones fuertes como para el que gusta del cine de espías, que si bien no se podrá comer mucho el coco al menos verá algunos guiños a otros títulos de esta licencia o de otros éxitos del género.

Ya viene siendo una sospecha habitual que cuando trabajan juntos McQuarrie y Cruise funcionan muy bien, pero es importante que les dejen hacer con libertad creativa lo que aman y lo que se les da mejor, ya se llame ‘Jack Reacher’, ‘Misión: Imposible’ o ‘Al filo del mañana’. El problema es cuando vemos que se salen de su ámbito ordinario. Queda claro que con este equipo reunido por Abrams se han conseguido mejores películas que las surgidas en los noventa y podemos considerarla una de las franquicias más efectivas y sinceras de la actualidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de julio. Título original: Mission: Imposible – Fallout. Duración: 147 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher McQuarrie. Guion: Christopher McQuarrie. Música: Joe Kraemer. Fotografía: Rob Hardy. Reparto principal: Tom Cruise, Rebecca Ferguson, Henry Cavill, Simon Pegg, Vanessa Kirby, Michelle Monaghan, Alec Baldwin, Angela Bassett, Sian Brooke, Ving Rhames. Producción: Paramount Pictures. Distribución: Paramount Pictures. Género: acción. Web oficial: https://www.missionimpossible.com/

Crítica: ‘Siberia’

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Lucas (Keanu Reeves) se dedica al tráfico de diamantes y viaja a San Petersburgo para vender una rara variedad de diamantes azules de dudosa procedencia. Cuando el trato se va a pique, Lucas pone rumbo a Siberia para encontrar a su socio y recuperar los diamantes. Allí conoce a Katya (Ularu), propietaria de una pequeña cafetería, con quien empieza una relación. Según va aumentando la pasión entre Lucas y Katya, también van complicándose las ramificaciones del traicionero mundo de los diamantes. En medio de ese cóctel explosivo, Lucas intenta escapar de un mundo en el que parece estar atrapado.

Crítica

‘Siberia’ nos deja helados.

Hoy os hablamos de ‘Siberia’ la nueva cinta de Keanu Reeves, dirigida por Matthew Ross (‘Frank & Lola’), el cual nos trae una película fría y que no convence al espectador.

Lucas (Keanu Reeves) es un traficante de diamantes con el que vamos hasta Rusia y allí, además de complicársele el negocio, se enamora de Katya. Hasta aquí todo bien, un thriller sin más, entretenido para el verano, pero no, la historia se pierde según avanza el metraje y lo único que hace es entrar en un eterno bucle del que no sabe cómo salir para llegar a un final desesperado.

El guión está escrito por Scott B. Smith, a partir de una historia de Stephen Hamel, productor de la película y socio de Keanu Reeves en la empresa Company Films, es de una muy baja calidad, donde lo único bueno que encontramos es el humor de los rusos, lleno de barbaridades, violento y sarcástico, pero que al menos ameniza los 104 minutos que dura la película.

Una de las virtudes de esta cinta es lo bien que han escogido los exteriores, la creación de la atmósfera y todo el vestuario, te adentran en Rusia, sus frías calles y su gente. Esto también lo logra la música, que aunque no me ha convencido, sí que es cierto que se identifica perfectamente con el país cuando la escuchas. Esta banda sonora está compuesta por Saunder Jurriaans y Danny Bensi, los cuales trabajan siempre juntos y nos han dado obras como las de ‘La autopsia de Jane Doe‘ o ‘Enemy’ entre otras muchas.

En el reparto, además de ver a Keanu Reeves, que está bastante flojo, tenemos a Ana Ularu, a la cual ya vimos en ‘Inferno’ y en la última película de Jaume Balagueró ‘Musa’. Su papel es sencillo y sin complicaciones, pasa la mayor parte del metraje desnuda y sirve como protagonista femenina del film, donde los hombres son los que mandan en una cultura machista y que no hace miramientos al sexo opuesto. Pasha D. Lychnikoff, Boris Gulyarin o Rafael Petardi son otros de los actores que podemos ver y que realmente hacen todo lo que pueden con un guión tan flojo como el que se les ha dado.

Creo que si se hubiesen centrado en la trama de los diamantes y poco más, hubiese sido un thriller bueno para el verano, pero intentan complicarse con la historia de amor, para terminar siendo una cinta donde el sexo se convierte en el verdadero protagonista de todo y nada más. Poco más que decir de esta cinta, que se estrena el 20 de julio en las salas de cine.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio 2018. Título original: Siberia. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Matthew Ross. Guión: Scott B. Smith. Música: Danny Bensi y Saunder Jurriaans. Fotografía: Eric Zoretz. Reparto principal: Keanu Reeves, Ana Ularu, Veronia Ferres, Pasha D. Lychnikoff, Dmitry Chepovetsky, Derek James Trapp, Pascal Petardi, Vlad Stokanic.  Producción: Company Films, Saban Films, Mars Town, Elevated Films, Unbound Films, The Fyzz Facility, Buffalo Gal Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: Thriller, romance. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/siberia

 Crítica: ‘Persecución al límite’

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Casey (Nicholas Hoult), un joven mochilero estadounidense que se encuentra en Alemania, se ha enamorado de Juliette (Felicity Jones). Cuando a ella le diagnostican una enfermedad mortal, Casey elabora un plan para robarle a Hagen (Anthony Hopkins), un peligroso criminal, y poder pagar el tratamiento médico que salvaría la vida de Juliette.

El plan de Casey, sin embargo, no sale como él espera. Tendrá que emprender una huida en coche por toda Alemania para salvar su vida y llegar a Juliette antes de que los hombres de Hagen la encuentren primero.

Crítica

Sus artífices no vieron el límite y se chocaron

Con el amor por bandera se genera una historia de coches, drogas, dinero, matones y mandamases entre Nicholas Hoult y Felicity Jones. Un filme que nos promete ser excitante pero que ni de lejos es tan adrenalítico como la versión de ‘Mad Max’ en la que participó Nicholas Hoult hace pocos años. Busca dejar un sabor carismático, de autor, arrancando desde un punto que retomaremos a partir de la mitad de la película y con narraciones en off o frases que pretenden ser resultonas. Podría haber sido una sencilla película de acción pero algún fallo de guión garrafal y su carácter caricaturesco para actores tan consagrados o por otro lado para actores tan prometedores lo echan todo por tierra.

Esta es una película muy inferior, de relleno o compromiso para todos los actores que aparecen en su cartel. Por el contrario habrá sido un regalo para su director Eran Creevy quien si bien había dirigido antes a James McAvoy, Mark Strong o Daniel Kaluuya en esta película reúne a su mejor elenco hasta la fecha. Convierte a veteranos como Kingsley y Hopkins en gangsta o mafiosos de esos que hacen que las palabras estereotipo y parodia pierdan hasta su significado de lo que se repiten.

Los efectos visuales están un poco maquillados con cortes en el montaje y movimientos de cámara, lo cual puede parecer que juega a favor del ritmo de la secuencia pero también nos corta un poco la acción y nos resta información a la escena. Se nota que el director Eran Creevy intenta desbancarse de la espectacularidad del cine de acción norteamericano, buscando algo más la veracidad de las historias europeas. Pero en ese intento lo que consigue es una película de acción con protagonistas terrenales frente a villanos caricaturescos y cargados de clisés, como he señalado antes. Y pese a ello hay algún momento en el que el director se quiere lucir buscando momentos bellos, dentro del romance que viven ambos protagonistas.

El título original de la película es ‘Collide’, colisión y de eso no le falta al filme pues hay multitud de choques en las escenas con coches. Varios de ellos los sufre el protagonista interpretado por Hoult que milagrosamente sale prácticamente sin un rasguño y apenas mareado, para ser un largometraje que busca algo de realismo. Pero el otro título que se manejaba para el filme era ‘Autobahn (autopista)’ que es donde transcurre buena parte de la película. En esas autopistas alemanas con tramos libres de límites de velocidad donde no nos debe extrañar que no aparezcan policías debido a que haya unos cuantos descerebrados corriendo a toda mecha pero si debería llamarnos la tención que no haya nadie intentando detener a aquellos que están liándose a tiros. Aunque en este caso el director Eran Creevy si procura colocar a las autoridades en su sitio, por muy torpes que parezcan o a destiempo que lleguen.

Momentos románticos que provocan casi el vómito, persecución que no empieza hasta casi la mitad de la película, estrellas veteranas venidas a menos, guión cogido con pinzas… Lo peor de todo es que esta película se podría haber salvado con muy pocos arreglos, pero parece que con tanta velocidad nadie vio dónde estaba de verdad el límite.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio de 2018. Título original: Collide. Duración: 99 min. País: Reino Unido. Dirección: Eran Creevy. Guion: Eran Creevy, F. Scott Frazier. Música: Ilan Eshkeri. Fotografía: Ed Wild. Reparto principal: Nicholas Hoult, Felicity Jones, Ben Kingsley, Anthony Hopkins, Clemens Schick, Chico Kenzari, Aleksandar Jovanovic, Joachim Król. Producción: 42, Automatik Entertainment, Silver Pictures, MG Entertainment, DMG Entertainment, Hands-on Producers. Distribución: eOne Films. Género: acción, romance.

Crítica: ‘Happy end’

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A nuestro alrededor, el mundo, y nosotros en medio, ciegos. Una instantánea de la vida de una familia burguesa europea.

Crítica

Haneke contra los acomodados

La familia Laurent os da la bienvenida a su casoplón. El clan aburguesado que ha ideado Michael Haneke recibe a sus visitantes con los brazos abiertos, pero no tanto a sus familiares más cercanos. Michael Haneke se ha hecho esperar cinco años desde su última película, uno por cada miembro de los Laurent. Esta familia posee unos individuos que en su afán de guardar las formas se relaciona más y mejor con personas fuera de su entorno cotidiano que con aquellos de su misma sangre. Pero dentro de ‘Happy end’ esta no es la crítica más voraz que lanza el cineasta contra la sociedad acomodada europea y para ello prepara diversas historias que le sirven de vituperio.

En buena parte de su inicio la película es cotidianamente aburrida. Muestra las desventuras y apuros ordinarios de personas normales y corrientes, teniendo en cuenta el alto nivel de vida de los Laurent. Solo descoloca el uso de tomas al estilo metraje encontrado o stories y ciertos comentarios que van a pareciendo. Hasta bien avanzado el filme no aparece el clásico Haneke, aquel que se dedica a desconcertarnos y a turbarnos. Con cada personaje procura crear un caso cada vez más retorcido con el cual burlarse de la clase media alta o de la humanidad actual por extensión. Lanza sus improperios camuflados en las taras de sus individuos y al final uno acaba hasta riéndose con las ideas tan macabras que pueden salir de la cabeza de este artista.

Trabajar  ambiguamente con la ironía y casi con la afrenta siempre ha sido algo que se le ha dado bien a este austriaco que además ha procurado trabajar con actores y actrices de otras de sus películas para que lo de siempre le salga bien. Jean-Louis Trintignant e Isabelle Huppert son dos de ellos que además vuelven a reunirse. En el caso de Trintignant su participación es esencial e inquietante, pero en el caso de Huppert su trabajo es algo menos relevante. Dejan más poso los papeles de Mathieu Kassovitz o de la joven Fantine Harduin. Me sobra por ejemplo toda la parte de Franz Rogowski, quien si bien nos ha demostrado lo buen actor que es en películas tan recientes como ‘En tránsito’ no tiene aquí una oportunidad tan buena. El guion peca de que varias de las temáticas giren en torno a lo mismo aunque por lo general podemos distinguir tres o cuatro asuntos. Las narraciones están entremezcladas, pero Haneke es tan buen director que pese a ello es capaz de contárnoslas sin que nos perdamos, clarificando poco a poco cada cuestión planteada.

Haneke es un director que contraría, de eso no hay duda. Es capaz de transportarnos de una comida en un lujoso comedor a la incómoda familiaridad de orinar con la puerta abierta. ¿Por qué separado  se escribe todo junto y todo junto se escribe separado? Haneke a veces es tan insondable y a la vez tan sencillo como esto.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de julio. Título original: Happy End. Duración: 107 min. País: Austria, Francia. Dirección: Michael Haneke. Guion: Michael Haneke. Fotografía: Christian Berger. Reparto principal: Isabelle Huppert, Jean-Louis Trintignant, Mathieu Kassovitz, Fantine Rogowski, Laura Verlinden, Aurelia Petit, Toby Jones, Hassam Ghancy, Nabiha Akkari, Philippe du Janerand, Dominique Besnehard. Producción: Les Films du Losange, X Filme Creative Pool, Wega-Film, arte France Cinéma, France 3 Cinéma, Westdeutscher Rundfunk (WDR), Bayerischer Rundfunk (BR), Arte France, Le Studio Canal+, Ciné+, Centre National du Cinéma, France télévisions, ORF Film, Fernseh-Abkommen, Filmförderungsanstalt, Eurimages. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=422

Crítica: ‘No quiero perderte nunca’

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A raíz de la pérdida de su madre, Paula tratará de encontrar y expulsar de su casa, y sobre todo de su cabeza, a sus propios fantasmas. En ese viaje interior ella se perderá en el mundo de la confusión y oscuridad en el que acabó su madre. Dirigida por Alejo Levis y protagonizada por María Ribera, Carla Torres, Aida Oset  y Montse Ribas. Un drama sensorial sobre nuestros propios fantasmas.

Crítica

Fantasmas del pasado que nos arrastran a la locura.

Alejo Levis nos trae una cinta donde la cordura se pierde para dar paso a una locura incesante que logra introducirnos en la mente de Paula, una muchacha que busca a su madre, y demostrarnos como nuestros propios fantasmas pueden destruirnos.

He de decir, que ‘No quiero perderte nunca’ quizás no sea una cinta para todos los públicos, pero sí que merece la pena el visionado, pues aunque en un principio no sea la película que vais buscando, os dejará huella sin duda.

Tiene como protagonistas a tres mujeres, Paula (María Rivera) y su pareja Malena (Carla Torres) que se van a vivir a la antigua casa de la primera y la madre de ésta, pero otra de las grandes protagonistas es esa casa, llena de fantasmas, de recuerdos que pesan y no dejan avanzar.

Alejo Levis hace un gran trabajo de rodaje, es impresionante, no es una película de terror pero sí que hay secuencias en la que logra crear una tensión digna de una cinta de género, el encierro de Paula en su propia mente, él como la casa se convierte en gran laberinto del que la protagonista no puede escapar.

María Ribera da la cara en esta película y nos muestra a una actriz dura y que logra en un momento mostrarnos todas sus caras, drama, comedia, locura.

Sí que es cierto, que lo que quizás menos me ha gustado de ‘No quiero perderte nunca’ es su teatralización, parece una obra de teatro y creo que para una película que te da tanto sensitivamente, hace que pierdas un poco esas sensaciones al ver conversaciones un poco forzadas o tan exageradas.

La fotografía es muy bonita, sencilla, llena de pequeños detalles, logra confundirte, hace que estés atento a objetos que no sirven para nada, pero que toman su sentido según avanza la historia. Los colores son muy apagados y con ello también nos da la visión de la gran depresión que tiene Paula. Gina Ferrer, que ha trabajado en ‘Matar al padre’ es la encargada de regalarnos estas imágenes.

Otro de los puntos a destacar es la música, llena de blues y sintetizadores que hace que haya escenas en las que te explote la cabeza, pero que realmente es lo que pretenden, hacernos enloquecer y que no sepamos que es verdad o lo que no es.

‘No quiero perderte nunca‘ es un ejercicio magnífico donde su director logra hacernos sentir, ya sea miedo, estrés, tensión, pena, e infinidad de sentimientos. Una obra que como he dicho al principio, no es para todo los públicos, pero que transmite tantas cosas que aunque sea extraña, una vez terminado el visionado da mucho que hablar.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de julio de 2018. Título original: No quiero perderte nunca. Duración: 78 min. País: España. Dirección: Alejo Levis. Guión: Alejo Levis. Música: Jordi Joan García. Fotografía: Gina Ferrer. Reparto principal: María Ribera, Carla Torres, Aida Oset, Montse Ribas. Producción: Life and Pictures. Distribución: Begin Again Films. Género: Drama.

Crítica: ‘Mary Shelley’

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Mary Shelley desvela la historia de la joven Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning) y su ardiente y tempestuosa relación con el poeta romántico Percy Bysshe Shelley (Douglas Booth). Ambos sienten un flechazo inmediato al conocerse y ante la oposición de la familia de Mary a su noviazgo, la pareja decide huir, acompañados por la hermanastra de ella, Claire (Bel Powley).

Los altibajos en su relación se agudizan durante su estancia en la casa de Lord Byron (Tom Sturridge) en Ginebra y es allí donde Mary concibe la idea de Frankenstein, cuando, como juego, se propone a todos los invitados escribir una historia de fantasmas.

Pero la sociedad de ese momento concede un nulo valor a las mujeres escritoras y con tan solo 18 años, Mary se verá obligada a desafiar estos prejuicios  para proteger su trabajo y forjar su propia identidad.

Crítica

Cuando la inspiración es consecuencia de causas y efectos

Al igual que su monstruo de Frankenstein, Mary Wollstonecraft Godwin (Elle Fanning), posteriormente conocida como Mary Shelley, nació con la necesidad de forjarse una identidad a marchas forzadas en un mundo que le rechazaba como novelista e incluso como lectora de terror. La autora debía hacer valer su peso como escritora y mujer creadora de ficción. A su vez, la directora Haifaa Al-Mansour fue la primera mujer en Arabia Saudí en dirigir una película con su opera prima ‘La bicicleta verde’ (2012). Por lo tanto esta es una película que habla sobre la incomprensión, sobre la detección de los verdaderos monstruos y sobre el maltrato del mundo falocentrista. La película abarca tres planos diferentes, uno ficticio y metafórico (el de la criatura hecha a retales de cadáveres), otro basado en hechos reales y otro que transita por nuestra actualidad. Esta trilogía de historias comparte el mismo eje temático que con los años por desgracia sigue siendo causa de lucha social.

Pero tampoco es que ‘Mary Shelley’ sea una película que se haya rodado con fines propagandísticos. Cuesta percibir realmente si se ha querido narrar el germen de ‘Frankenstein’, una biografía con una historia de amor, una pugna de una mujer en un mundo de hombres o un compendio de todo ello. La verdad es que le falta algo de sustancia al filme. Sí que es cierto que el feminismo está muy presente ya que se hace hincapié en la figura de su madre la feminista Mary Wollstonecraft, mostrando por ejemplo que lee y escribe recostada en su tumba. Y por supuesto su carácter reclama una posición de independencia y reconocimiento constantemente. Pero la narración expone esos otros puntos a los que prestarles atención durante sus dos horas de duración, diluyendo bastante el tono y haciendo predominar el amorío y la vida de infortunios ante todo.

En la película vemos a dos de ‘Juego de Tronos’ que irónicamente a pesar de volver a compartir título aún así no son capaces de coincidir en un set de rodaje. Maisie Williams como Isabel Baxter y Stephen Dillane como el político y escritor William Godwin, padre de la protagonista. Al segundo le oímos decir «el que ama la lectura, tiene todo a su alcance». El filme persigue un ideal tan idílico de la época como ese. Palabras que le vienen que ni pintadas a la vida de Mary Shelley ya que su relación con el poeta Percy Shelley (Douglas Booth) le hizo llevar una vida de lo más anárquica. Los ideales románticos y el amor libre se intentan imponer ante las exigencias y prejuicios sociales. En ese descontrol la película se sumerge y pierde varias veces su ritmo y el dominio de su duración. Toca temas muy importantes que se pueden extrapolar a nuestros días, aunque podría haber resumido varios de sus tramos.

Estamos enmarcados en una época de poemas, creencias en el espiritismo, supersticiones… Actores como Douglas Booth ya se están doctorando en el siglo XIX tras películas como ‘Loving Vincent’, ‘Orgullo, prejuicio y zombies’ o ‘The Limehouse Golem’. Unos años en los que avances tecnológicos como el galvanismo encendieron las neuronas de algunos visionarios y dieron vida a obras tan alegóricas e icónicas como la que James Whale llevó al cine en 1931. Tanto entonces como ahora la ambientación es excelente. La elección de las texturas, luces y colores me parecen un acierto de lo más exquisito. La fotografía de David Ungaro y la música de Amelia Warner nos sumergen en un mundo de abandono, dejadez y represalias. Las mismas sensaciones que va sintiendo tanto el monstruo de Frankenstein, como las que siente Mary Shelley por su amado y editores, como las que ha sentido la directora Haifaa Al-Mansour en su país.

Con todo esto la película me ha gustado pues pensaba que pecaría de ser demasiado gótica o romanticona. Además sigo viendo que Elle Fanning es una actriz que me agrada en papeles que marcan la diferencia, como fue la sorpresa de la excéntrica ‘How to talk to girls at parties’ y eso que aún tengo pendiente ‘The Neon Demon’. Es capaz de sobrellevar la evolución de su personaje, pese a que se ve enmarcada en etapas muy dispares en un corto espacio de tiempo. Con una duración filmica más corta y algo más de definición en sus pretensiones la película habría sido más redonda, pero su mensaje llega sin necesidad de ser simbólica, algo que demuestra que por suerte en estos 200 años algo hemos avanzado.

Ficha de la película

Estreno en España: 13 de julio de 2018. Título original: Mary Shelley. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Haifaa Al-Mansour. Guion: Emma Jensen. Música: Amelia Warner. Fotografía: David Ungaro. Reparto principal: Elle Fanning, Douglas Booth, Bel Powley, Tom Sturridge, Ben Hardy, Maisie Williams, Joanne Foggatt, Stephen Dillane. Producción: Gidden Media,  HanWay Films, Parallel Films, Head Gear Films, Juliette Films, Metrol Technology, Sobini Films. Distribución: Filmax. Género: drama, romance. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/mary-shelley.91

Crítica: ‘Oh! Mammy Blue’

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Laura es una joven de 70 años. Vive retirada en una residencia que revoluciona cada día para disgusto de su directora. Tan pronto pone a todos los ancianos a hacer yoga, como les enseña las bondades terapéuticas de la marihuana, o monta un grupo de música. Es una hippie irreductible…

Pero lo que no sabe nadie es que ella era Laurie Amnesia, la musa del rock patrio de los sesenta. La más moderna de su época, que incluso hizo soñar a Jimi Hendrix en un verano mallorquín.

Ese es su secreto hasta que aparece Juan, el único residente con sensibilidad musical y fan incondicional de Laurie Amnesia. Para colmo, el nieto de Laura (convencido de que es el nieto secreto del genial guitarrista americano) está empeñado en que ella vuelva a los escenarios. Se ha presentado al festival Alcachofa Rock pero su grupo necesita una vocalista…

Crítica

Carmen Maura se viste de rockera en ‘Oh! Mammy blue’.

‘Oh! Mammy Blue’  es una decepción con buena música. He ido con la mente abierta, sé que no es el tipo de película que más me gusta, pero aun así he ido a divertirme. Y admito que al principio he entrado en la película, las situaciones me han parecido graciosas pero según ha ido avanzando todo ha ido perdiendo el sentido

Es una pena, porque sí, la historia tampoco es que sea una obra maestra pero tiene su gracia, una antigua cantante de rock llena de vida metida en un asilo donde todo el mundo simplemente quiere ver la tele. Las situaciones en las que mete a sus dos amigas son descabelladas y bastante saladas. Decir que lo mejor de la película son estas dos entrañables ancianas a las que dan vida Mª José Alfonso e Itziar Aizpuru.

Carmen Maura vuelve dando guerra, ya no sólo por la música que su personaje canta, sino porque Laura es una rebelde sin causa. Eso sí, el playback de la actriz es malísimo y cuando tiene que cantar en la cinta se nota demasiado lo mal doblada que está y la verdad una película en la que no hacen más que cantar pase esto, hace que el desencanto sea mayor.

Ramón Barea y Milton García son otros dos de los protagonistas, que están algo sosos en sus interpretaciones y no dejan huella para nada en la cinta. Y por supuesto el cameo de Phil Trim, autor de la canción Mamy Blue y cantante de los Pop-tops que da nombre a la película cuya canción aparece en varias ocasiones durante toda la historia.

Como he dicho, según avanza la película, pierde toda la gracia que podría tener, lo mejor sin duda toda la parte del asilo, donde los pobres ancianos tienen que lidiar con Elena (María Pujalte), la directora de la residencia y que no les deja hacer casi nada y tienen que intentar escapar de ella para poder cumplir sus sueños.

El responsable de la banda sonora es Nacho Mastretta (‘Muchos hijos, un mono y un castillo’) y las canciones que escuchamos cantar a los protagonistas son de Federico Pájaro. Ambas están bien introducidas en la película y están muy bien, quitando lo que he dicho anteriormente, el doblaje es malísimo.

Poco más que decir de esta película, es una pena que se pierda y de tantas vueltas, porque realmente si hubiese seguido como su primera mitad, merecería mucho la pena. Pero bueno, si queréis ver de nuevo a Carmen Maura en el cine y escuchar Mamy Blue, esta es vuestra cinta.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de junio 2018. Título original: Oh! Mammy Blue. Duración: 95 min. País: España. Dirección: Antonio Hens. Guión: Julio Carrillo, Antonio Hens, Patricia Roda, Antonio Álamo. Música: Nacho Mastretta. Fotografía: Alfonso Sanz. Reparto principal: Carmen Maura, Ramón Barea, María Pujalte, María José Alfonso, Milton García, Itziar Aizpuru. Producción: Plenilunio Films, Canal Sur Andalucía. Distribución: Syldavia Cinema. Género: Comedia.

Crítica: ‘El Infinito (The Endless)’

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Años atrás, los hermanos Justin y Aaron lograron escapar de la secta donde se habían criado. Ahora, malviven en un apartamento de Los Ángeles, hasta que un día reciben una cinta de video de la misma secta, y a Aaron le entran las dudas de si deberían regresar al campamento del que huyeron.

Crítica

El tiempo se para mientras ves ‘El Infinito (The Endless)’

Ya quedamos encantados con ella en la Muestra SYFY y esta semana por fin podremos verla en las salas, ‘El Infinito (The Endless)’ es una cinta de ciencia ficción que os dejará durante 111 minutos pegados a la pantalla del cine, primero porque no entiendes nada, y segundo porque poco a poco todo el puzzle se va montando perfectamente para dejarnos con la boca abierta.

Aaron Moorhead y Justin Benson son los encargados de hacer que nuestra cabeza explote. No solo la dirigen y escriben sino que también la protagonizan. Años atrás, Justin y Aaron lograron escapar de una secta con la que se habían criado pero malviven atormentados por los recuerdos. Un día reciben una cinta de vídeo de la misma secta y regresan al campamento donde vivieron tantos años.

Esta premisa ya es interesante, pero si le introduces todas las situaciones extrañas, la buena fotografía, las buenas actuaciones y por supuesto la buena historia que Justin Benson nos regala, ‘El Infinito (The Endless)’ se convierte en un film de ciencia ficción imprescindible.

Decir que antes que esta película los directores ya hicieron una cinta que se llamaba ‘Resolution’ y que está completamente ligada a ‘El Infinito (The Endless)’, pero no hace falta verla antes para entender esta última. Yo fui sin conocer nada y me enteré perfectamente de toda la trama y después de ver ‘Resolution’ os aseguro que  no hace falta, eso sí, en esta cinta nos cuentan un poco más desarrollado una de las historias que aparecen en ‘El Infinito’

Solo puedo alabar esta cinta, iba con miedo pues la gente que la había visto en Sitges hablaban de ella como que era muy liosa y que costaba mucho coger el hilo, y al principio parece eso, pero como he dicho poco a poco se van ensamblando todas las piezas.

Como he dicho las actuaciones son de lo mejor, los personajes son a cada cual más extraño, al fin y al cabo, recordad que estamos adentrándonos en el mundo de una secta y no todo es lo que parece. El reparto es más bien desconocido, pero esto lo hace más interesante y creíble.

Antes os he mencionado la buena fotografía que tiene esta cinta, si el guión lo realizó Justin Benson, el encargado de la fotografía es el otro director, Aaron Moorhead y sin duda ha hecho un trabajo estupendo, mostrando una atmósfera cuidada, llena de oscuridad, con escenas para rememorar como en la que aparecen dos lunas en el mismo cielo, hasta aquí puedo decir, pero sin duda el director ha realizado un bonito trabajo con las imágenes de la cinta.

Con detalles muy a las historias de Lovecraft, misterios paranormales, cintas de vídeo misteriosas, paisajes imposibles, ‘El Infinito (The Endless)’ nos lleva a un mundo que te atrapa y desquicia, que está tan bien hecha que solo querrás recomendarla. No dudéis en acercaros a las salas de cine y disfrutar de ella.

 Ficha de la película

Estreno en España: 29 de junio de 2018. Título original: The Endless. Duración: 111 min. País: Estados Unidos. Dirección: Justin Benson, Aaron Moorhead. Guión: Justin Benson. Música: Jimmy Lavalle. Fotografía: Aaron Moorhead. Reparto principal: Aaron Moorhead, Justin Benson, Tate Ellington, Callie Hernandez, James Jordan, Lew Temple. Producción: Snowfort Pictures, Pfaff Productions. Distribución: La Aventura Audiovisual. Género: Ciencia ficción. Web oficial: http://laaventuraaudiovisual.com/el-infinito/

Crítica: ‘A la deriva’

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Tami Oldham y Richard Sharp partiran en un viaje a través del océano sin imaginar que navegarán directamente hacia uno de los huracanes más catastróficos de la historia. A raíz de la tormenta, Tami despertará y encontrará a Richard gravemente herido y su barco en ruinas. Sin esperanzas de rescate, Tami deberá encontrar la fuerza y la determinación para llegar a tierra a salvo junto con el hombre que ama. ¿Los encontrarán o naufragarán por un largo tiempo?.

Crítica

Cuando el amor logra salvar vidas

Baltasar Kormákur (‘Everest’) nos trae la historia real de Tami Oldham y Richard Sharp, dos espíritus libres que viven al día que un día iniciaron un viaje en barco desde Tahití hasta San Diego, sin pensar que se les venía encima una de las peores tormentas de la historia.

Durante 47 días estuvieron a la deriva intentando sobrevivir sin apenas comida, escaseándoles el agua e intentando que las alucinaciones no les jueguen malas pasadas.

Ante todo ‘A la deriva’ es una historia de amor, además muy bien contada, a través de flashbacks vamos viendo el pasado de estos dos jóvenes enamorados y el presente, de cómo dos almas gemelas se conocieron y decidieron vivir la vida a su manera, pues el título no solo nos nombra el naufragio que tienen ambos, sino que los dos protagonistas vivían a la deriva, sin rumbo y viviendo día a día. El naufragio hizo que sus vidas cambiaran para siempre.

El director logra que una historia que ya hemos visto muchas veces, se haga amena y disfrutes de ella, bueno, disfrutes o sufras, porque la verdad pasarlo bien, nuestros protagonistas no lo pasan muy bien. Gracias a los saltos en el tiempo, a que las actuaciones están muy trabajadas y que además el montaje es muy bueno, ‘A la deriva’ consigue que no nos despeguemos de los asientos del cine.

Como he dicho, las interpretaciones de Shailene Woodley (‘Divergente’) y Sam Claflin (‘Los juegos del hambre’) son estupendas, ambos tienen mucha química y te crees perfectamente todo su sufrimiento y el amor que se procesan el uno hacia el otro.

Además el trabajo físico de ambos, sobre todo el de Shailene, hace que todo nos parezca a un más real. La actriz lleva todo el peso de la película y vemos como poco a poco va perdiendo peso y a estar más demacrada.

Eso sí, si las historias de amor no son lo vuestro, la película os puede parecer muy pesada, porque la verdad todo se centra en eso. El naufragio queda un poco en segundo plano. Y realmente lo sorprendente pasa al final.

La fotografía es impecable, y es que de ella se encarga Robert Richardson, el encargado de varias cintas de Quentin Tarantino, como ‘Los odiosos ocho’, ‘Django Desencadenado’ u otras cintas como ‘El aviador’.

No dejéis pasar de ver esta cinta si las historias de amor es lo vuestro, porque realmente merece la pena.

Ficha de la película

Estreno en España: 29 de junio 2018. Título original: Adrift. Duración: 96 min. País: Estados Unidos. Dirección: Baltasar Kormákur. Guión: Aaron Kandell, Jordan Kandell , David Branson Smith. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Robert Richardson. Reparto principal: Shailene Woodley, Sam Claflin, Jeffrey Thomas, Elizabeth Hawthorne. Producción: RVK Studios, Distribución: Diamond Films. Género: Drama. Web oficial: https://www.adrift.movie/

Crítica: ‘En la Playa de Chesil’

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Inglaterra, 1962. Florence y Edward, tienen poco más de 20 años. Ella de clase media alta, él de clase baja. Inocentes, vírgenes y enamorados cuando aún no se había publicado el primer LP de los Beatles y ‘El amante de Lady Chatterley’ estaba prohibido, se caan y pasan su primera noche de bodas en un hotel, junto a la famosa Chesis Beach. Lo que sucede esa noche, entre sus palabras y sus silencios, cambiará sus vidas para siempre.

Crítica

Los traumas y miedos se unen en esta cinta de amor

Basada en la novela de Ian McEwan, también guionista de la cinta, el director Dominic Cooke nos trae a dos enamorados que se casan y pasan su primera noche juntos en un hotel. Estamos a principios de los años 60, donde aún el sexo era tabú y los miedos por ambas partes dejaban echar alas a la imaginación y a los traumas.

La historia va de un tiempo a otro en modo de flashback, esto hace que aunque sea una historia de amor un poco opulenta, se haga amena y poco a poco vayas descubriendo más sobre los personajes y sus familias.

He de decir que la historia no me ha gustado, no me he creído para nada el final, no quiero desvelar nada, pero todas las consecuencias a esa noche de boda para mí no son creíbles, después de demostrarme que es una pareja que se contaba absolutamente todo, no me puedo creer que no sean capaces de hablar de una situación tan simple, que sí es otra época, pero aun así el personaje de Saoirse es bien decidido y te demuestran durante la película que es muy moderna para la época en la que vive. A mí al menos no me ha convencido.

Decir, que aunque como he dicho, su historia no me ha convencido, la película es  verdadera poesía, la manera en la que se introduce la música en la cinta, tanto los temas clásicos como el rock todo ello junto a una fotografía llena de detalles y metáforas que no deja imágenes preciosas a la par que tristes. Esto se lo debemos a Dan Jones (‘La casa de las miniaturas’), que es el encargado de la música y a Sean Bobbitt (‘Old Boy’ la nueva versión) encargado de la fotografía.

Sin duda esto es lo mejor de la cinta, porque ni los actores están a la altura. La película está demasiado teatralizada y llega un momento que no hay emoción en las palabras, ni gestos que te indiquen el menor ápice de sentimiento. Lejos queda una Saoirse Ronan nominada a los Oscar en repetidas ocasiones. Quizás la mejor actuación que hay dentro de la cinta es de Anne–Marie Duff que nos regala un personaje lleno de ternura y amor.

No me he leído la novela, pero al estar el escritor como guionista de la cinta, está claro que tiene que ser bastante fiel y que el director poca libertad habrá tenido a la hora de cambiar la historia.

Está claro que el silencio, el miedo y la hipocresía, cuando veáis su final lo comprenderéis, van de la mano en esta cinta que promete una historia de amor y que sin duda, sorprende con un final que casi roza lo ridículo.

 Ficha de la película

Estreno en España: 29 de junio de 2018. Título original: On Chesil Beach. Duración: 110 min. País: Reino Unido. Dirección: Dominic Cooke. Guión: Ian McEwan, basada en su novela. Música: Dan Jones. Fotografía: Sean Bobbitt. Reparto principal: Saoirse Ronan, Billy Howle, Emily Watson, Samuel West, Anne-Marie Duff, Simon North, Adrian Scarborough. Producción: BBC Films, Number 9 Films.  Distribución: Bteam Pictures. Género: Drama, romance. Web oficial: http://bteampictures.es/chesil-beach/

Crítica: ‘Hereditary’

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Cuando Ellen, la matriarca de la familia Graham, muere, su familia comienza a descubrir secretos extraños y cada vez más aterradores sobre sus antepasados. Cuanto más descubren, más tendrán que enfrentarse al siniestro destino que parecen haber heredado.

Crítica

Tan enigmática y desgarradora que da canguelo

No conocía el trabajo de Ari Aster, no me avergüenza reconocerlo y de hecho me alegro. Esta es la primera película larga del director y descubrir su estilo y técnica con ‘Hereditary’ me parece la mejor tarjeta de presentación. Sorprendentemente uno se encuentra al navegar en su currículo que hasta ahora todos los cortometrajes que había rodado pertenecen de un modo u otro al género de la comedia. En su opera prima cambia totalmente pues ha creado una película de terror con absolutamente nada de humor, salvo que uno tenga un sentido muy negro de ver las cosas.

Con el caso de ‘Hereditary’ nos puede engañar el tipo de miedo que promete que va a hacer sentir tras ver sus tráilers y cartel. Incluso en sus inicios nos marcan unas pautas que luego no se siguen. Pero igualmente toda la película tiene una técnica invariable que nos pone en tensión, inquieta y aterroriza. Ante todo hay que saber que esta no es una película basada en sobresaltos, que es un filme fundamentado en las emociones, en el desasosiego que genera lo desconocido y en el drama familiar, aunque ofrezca algún que otro susto muy bien traído.

Sucede que la familia protagonista acaba de perder a la abuela. Los Graham son un clan bastante peculiar cuyas rarezas y singularidades nos va desgranando Ari Aster muy mediatamente. Posee tales insinuaciones de genialidad que empieza con una esquela. La de esa matriarca que acaba de fallecer y deja muy tocados a todos sus parientes, no con su muerte sino con la vida tan maniática que les ha hecho vivir. Están tan desgarrados que el drama que nos hacen vivir se convierte en algo casi torturador, tanto para ellos como para nosotros.

Hay multitud de panorámicas, zooms y travellings que nos mueven con sutileza y sin excesiva prisa por la casa en la que sucede prácticamente todo el filme. Unos movimientos de cámara que estando unidos a la excelente puesta en escena nos confunde tanto como a los protagonistas hasta el punto de no saber si estamos viendo una casa de muñecas o un escenario real. Tan drástico e inesperado es además su montaje que pasamos de la noche al día como quien pasa de negativo a positivo una imagen con Photoshop.

Posee una simbología propia de las obras maestras del terror de los años 70. Es un filme muy sugerente, tan amenazador como turbador y enigmático. Pese a ello ofrece pistas más que suficientes para ser entendido y todas las piezas encajan a la perfección, aunque hasta casi su final es difícil averiguar sus pretensiones. A todo ello contribuyen no solo los acontecimientos descritos por el guión, sino también las interpretaciones de unos personajes de lo más desconcertantes. Llaman más la atención los dos roles femeninos principales, los que interpretan Toni Collete y la debutante Milly Shapiro. Dejando al margen ‘El Sexto Sentido’ este me parece el mejor trabajo de la actriz australiana. Sus rostros de horror puro y las escenas tan escalofriantes que protagoniza son tan eficientes que casi sentimos lo que ella. En el caso de la actriz de tan solo 15 años nos causa aversión y no por su peculiar rostro, si no por lo retorcida que es. Si una joven actriz como ella aficionada al anime (como un servidor, no me malinterpretéis) y cuyo primer debut teatral fue el musical de Matilda ha conseguido intimidarnos o desconcertarnos así en su primer largometraje no nos queda otra que quitarnos el sombrero.

Los sonidos introducidos en la película, ya sea por artificio, por su banda sonora o por los propios actores son una parte muy significativa a la que no hay que restarle nada de importancia. Antes de impactarnos con algunas de sus escenas está el trabajo de música de Colin Stetson, quien ya estaba inmiscuido en otros perturbadores trabajos como ‘La llegada’.

A los amantes del género de terror les va a entusiasmar ‘Hereditary’. Entre el público general seguramente no se genere tanto el retorcido romance por esta película. Quizá es demasiado aclaratoria en su afán de no dejar ningún cabo suelto, tal vez habría dejado un poso total a Polanski , Friedkin o Brian de Palma si hubiese abandonado a la imaginación alguno de sus detalles. Incluso aquellas personas conocedoras de determinadas particularidades que se muestran sabrán qué es lo que se avecina, pues hay una «base real» para todo el filme. Pero aún así te mantiene prendido hasta el final con el ansia de pasarlo mal y de obtener respuestas.

Ficha de la película

Estreno en España: 22 de junio de 2018. Título original: Hereditary. Duración: 126 min. País: EE.UU. Dirección: Ari Aster. Guion: Ari Aster. Música: Colin Stetson. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Reparto principal: Toni Collete, Gabriel Byrne, Alex Wolff, Milly Shapiro, Ann Dowd. Producción: PalmStar Entertainment, Windy Hill Pictures. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial: http://www.hereditarylapelicula.com

Crítica: ‘En tránsito’

Sinopsis

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Segunda Guerra Mundial. En Marsella, refugiados de toda Europa embarcan rumbo a América, huyendo de la ocupación nazi. Entre ellos, el joven alemán Georg, quien suplanta la identidad de un escritor muerto para utilizar su visado y viajar a México. En Marsella se enamora de Marie, una joven que busca desesperadamente al hombre a quien ama, sin el que no está dispuesta a irse.

Crítica

Refinado ejercicio de abstracción

Christian Petzold  cierra su trilogía ‘El amor en tiempos opresivos’ con una película curiosamente atemporal. Preceden a este film ‘Barbara’ y ‘Phoenix’, dos filmes ambientados en la Alemania de los 80 y de postguerra. Peculiarmente ‘En tránsito’ nos transporta unos años más atrás pero de un modo intemporal. Y curiosamente el protagonista de ‘En tránsito’ tiene cierto parecido con Joaquin Phoenix. Franz Rogowski (‘Victoria’) es quien encabeza esta película y quien conecta con otros intérpretes como Paula Beer (‘Frantz’) o Godehard Giese (‘Inmersión’).

En esta nueva propuesta un alemán huye del avance de las tropas nazis hacia el sur de Francia. Para poder salir del país necesita no solo billetes de embarque si no también el permiso de tránsito que garantiza a los países donde va a hacer escala que solo está de paso. Y para ello usurpa la vida de un fallecido escritor, lo cual le aporta más crédito ante los trámites burocráticos. Pero en ese recorrido se cruza con muchas personas, como la bella Marie o un afectivo niño llamado Driss (Lilien Batman) que le hacen replantearse sus planes. Todos ellos son personas intentando sobrellevar una situación, encontradas en el transcurso de un viaje, hallados por cruces fugaces, porque cuando se en tránsito no hay tiempo para nada duradero.

A pesar de que esta sea una historia con un contexto sacado de los años de la invasión de los nazis está ambientada en nuestra actualidad. Se habla del avance de las tropas alemanas, de los refugiados de guerra, de los campos de concentración… Pero todo transcurre en nuestros días. De este modo Christian Petzold nos demuestra que no hace falta invertir en una cara puesta en escena que nos sitúe visualmente en el pasado para abstraernos a esa época. A parte de ese ejercicio de traslación al pasado el director también nos dice con este experimento que estamos en una situación bastante similar. Aunque por motivos diferentes a los de entonces circulan por Europa cantidades ingentes de refugiados cuya acogida es motivo de debate en todos los países.

El título no hace solo referencia a la situación de huída y viaje del protagonista. También a la cantidad de personas que pasan por delante de él, que entran y salen de su vida. Están cuidadas todas las localizaciones del largometraje, todo transcurre por lugares de tránsito: el hotel, el puerto, el vagón, los consulados… Pero no solo eso si no que cada individuo se encuentra sentimentalmente en tránsito. Personas que necesitan contar su vida, vaciarse para sentirse acompañados en su itinerario.

‘En tránsito’ está narrada con una cada vez más presente voz en off. Esta cuenta en tercera persona no solo lo que hace y ocurre a su alrededor, si no también lo que siente el protagonista. Por como cuenta la historia es alguien que le sirvió de confidente a este fugitivo, como sirven de oyentes muchas veces los camareros de los bares, otro lugar de tránsito. Un narrador que podría ser el receptor de la novela de Anna Seghers, en la cual se basa el filme, haciendo así un poco de meta. Él es testigo y confesor de las vidas que ve pasar por su barra. Por eso esta es una película con varios personajes secundarios que darían para una película propia. El mismo director asegura que para cada uno de ellos escribe una biografía completa, para que los actores se puedan preparar el papel y se palpe el realismo y el trasfondo.

Son varios los momentos entrañables, heroicos y sensibles. Me quedo con la secuencia en la que reparan el niño y el inmigrante juntos una radio y este canta una canción de su infancia. Faltan quizá más instantes de este tipo en la película o un giro que la haga aún más interesante y mantenga la tensión inicial del filme, la sensación de peligro que debería también haberse sentido mayor conforme avanza la película y con ella los nazis hacia Marsella. Pero sin duda este ejercicio me parece una forma refinada de tratar la Segunda Guerra Mundial sin caer en estereotipos.

Ficha de la película

Estreno en España: 15 de junio de 2018. Título original: Transit. Duración: 101 min. País: Alemania. Dirección: Christian Petzold. Guion: Christian Petzold. Música: Stefan Will. Fotografía: Hans Fromm. Reparto principal: Frank Rogowski, Paula Beer, Godehard Giese, Lilien Batman, Maryam Zaree, Barbara Auer, Matthias Brandt, Sebastian Hülk, Emilie de Preissac, Alex Brendemühl, Trystan Pütter. Producción: Neon Productions, Schramm Film. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.neoncinema.com/production-film/transit/fr/

Crítica: ‘Jurassic World: el reino caído’

Sinopsis

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Hace tres años que el parque temático y lujoso complejo turístico Jurassic World fue destruido por dinosaurios fuera de control. Isla Nublar ha sido abandonada por los hombres y los dinosaurios sobreviven como pueden en la jungla.

Crítica

El pasado se entrelaza con el futuro como en una espiral de ADN.

Definitivamente la quinta entrega de ‘Jurassic Park’ ha llegado. ‘Jurassic World: el reino caído’ no supone solo la continuación de ‘Jurassic World’, una saga re-lanzada para los nuevos espectadores y amantes de la nostalgia, la película que Universal ha colocado en cines está preparada para todo un abanico de generaciones y cinéfilos que podrá ir a desvelar cada uno de sus secretos y detalles. Pero… ¿Por qué desgranamos y analizamos tanto estas películas? Para mí la explicación reside en que son parte de la historia de nuestra infancia, en que ya no tocan solo la arqueología más fantástica o la añoranza por de unos animales perdidos y nunca conocidos realmente. Esta saga llega también a lo más profundo de nuestra memoria al manejar entre sus manos un material latente entre nuestros mejores recuerdos cinéfilos y aventurarse con ello es todo un reto.

Por todo esto era importante que la nueva entrega de ‘Jurassic World’ conservase el espíritu de los orígenes concebidos por Steven Spielberg cuando adaptó la novela de Michael Crichton. Pero son ya cinco películas a si es que vientos nuevos y enfoques diferentes eran bienvenidos, por lo tanto hacía falta una mano diferente pero en la onda del director para continuar la historia. La elección de Bayona tras ver la película no me puede parecer más acertada. Ha sabido coger la aventura, el humor, el tono familiar de los inicios y mezclarlos con sus colores, su emotividad y su grandiosidad.

Tras una excelente apertura de película que rememora en gran medida el estilo de las películas de la Amblin tenemos unos compases más convencionales. Pero la segunda fase del filme, que arranca justo a mitad de duración de la película, está cargada de momentos de emoción, ternura, drama y comedia. Bayona se ha preocupado de introducir sin ningún disimulo muchos guiños a la primera parte combinándolos con los nuevos elementos de la serie de películas. Viendo estas nuevas correrías de los des-extintos animales uno se explica por qué el director español le da las gracias a Trueba y a Del Toro. De ellos reconocemos claras influencias, principalmente del segundo ya que vislumbramos secuencias y movimientos de cámara bastante reconocibles. Con todo esto Bayona ha alcanzado la iconografía necesaria para dejarnos más de una estampa clavada en la retina incluso cuando evoca a sus propias películas. Y eso que por cierto esta entrega es mucho menos cruenta y encarnizada que sus anteriores.

Toda la película es un trabajo de acoplamiento entre lo tradicional y lo nuevo. Un pulso por satisfacer la demanda de los fans más exigentes de los dinosaurios pero también de sorprenderles con ideas no exploradas. Fruto también de esa unión es la combinación de animatrónica e imágenes generadas por ordenador. Al margen de todo el CGI para recrear la isla y toda la erupción del volcán están por supuesto las reptilianas criaturas. Los saurios, tanto los de la vieja como los de la nueva hornada, tienen una calidad superior a la de sus predecesores, capaz de transmitir candidez y a la vez pavor. En este trabajo han participado empresas como la española El Ranchito, quienes ya han trabajado con Bayona en películas como ‘Un monstruo viene a verme’ o ‘Lo imposible’.

La música de Michael Giacchino está muy al nivel de lo que había hecho previamente para ‘Star Trek: Más allá’ o ‘Rogue One: Una historia de Star Wars’, donde tenía que crear nuevas partituras pero a la vez también que respetar un sonido muy emblemático. Continúa a partir de lo que compuso para la primera parte, pero con menos referencias hacia la banda sonora original de John Williams.

Pese al efectivo esfuerzo del director, equipo técnico y actoral nos topamos en varias ocasiones con el texto de Colin Trevorrow y Derek Connolly. Podríamos habernos olvidado de películas anteriores y este argumento habría valido como secuela incluso de ‘Jurassic Park’. Pero ese no es el fallo del libreto que peca de rozar a veces la serie B y de mover a sus personajes de manera errática. El guion cae en ocasiones en las soluciones oportunistas o descuidadas.

A todos nos agrada ver películas de dinosaurios pues al contrario que los alienígenas, los fantasmas, los kaijus… son criaturas que sabemos a ciencia cierta que pisaron el mismo suelo que nosotros y aunque sean seres aterradores nos gustaría recuperarles. Bayona potencia eso con un discurso aun más animalista que nunca y con su terror más fiero. Aunque para miedo el que dan las posibilidades que quedan abiertas para la tercera parte que ya están escribiendo Trevorrow y Connolly para 2021. Pero ante todo el director ha potenciado la importancia y grandiosidad de los verdaderos héroes de la saga, demostrando que es un cineasta capaz de abarcar una producción de gran magnitud y simbolismo. Puntos para dirigir su Superman tiene más que de sobra.

Por último. No se os olvide aguardar hasta el final de los créditos para ver la breve escena que han filmado. Así de paso podéis leer la gran cantidad de talento español que hay en esta película.

Ficha de la película

Estreno en España: 7 de junio de 2018. Título original: Jurassic World: fallen kingdom. Duración: 128 min. País: EE.UU. Dirección: J.A. Bayona. Guion: Colin Trevorrow, Derek Connolly. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Óscar Faura. Reparto principal: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Ted Levine, Jeff Goldblum, Toby Jones, Rafe Spall, BD Wong, James Cromwell, Daniella Pineda, Justice Smith, Geraldine Chaplin. Producción: Universal Pictures, Amblin Entertainment, The Kennedy/Marshall Company, Perfect World Pictures, Legendary Pictures. Distribución: Universal Pictures. Género: secuela, aventuras, ciencia ficción. Web oficial: http://www.jurassicworld.es

Crítica: ‘Salyut-7, héroes en el espacio’

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En 1985, la estación soviética no tripulada Salyut-7, en órbita alrededor de la Tierra, es un orgullo para la industria espacial de la URSS. De repente, se pierde la comunicación con el centro de control. La posible caída de la estación puede acabar en una catástrofe en la que pierdan la vida muchas personas. Dos astronautas son enviados para acceder a la estación y descubrir qué ha ocurrido, en una arriesgada misión sin precedentes en la historia de la navegación espacial.

Crítica

‘Salyut 7, héroes en el espacio’, impactante, divertida y real.

Ya tuvimos la oportunidad de poder ver esta cinta en Sitges y también en la 15 Muestra Syfy de Madrid. Dirigida por Klim Shipenko, ‘Salyut 7, héroes en el espacio ‘ es una mezcla entre ‘Apolo XIII’ y ‘Gravity’ muy bien realizada y que extrae lo mejor de ambas películas para crear un gran blockbuster. Eso sí, tiene un humor ácido que hace que toda la tensión baje y disfrutes de las situaciones tan complicadas que vivieron estos dos hombres.

En 1985, la posible caída esta estación soviética no tripulada, puede acabar en catástrofe y hacer que muchas personas pierdan la vida. Por ello, estos dos astronautas son enviados para acceder a la estación y descubrir que ha podido ocurrir e intentar arreglarla.

Admito que no soy mucho de este estilo de citas, se me suelen hacer muy pesadas, pero Shipenko, ha realizado un gran trabajo de dirección y el montaje de la cinta es muy bueno y ameno. La historia se va moviendo entre flashback y realidad, entre el espacio y la Tierra, para mostrarnos las todas las situaciones que se vivieron y a la vez hacer la historia más dinámica, y no solo enseñarnos a los dos astronautas encerrados en una nave.

Sus 119 minutos de duración pasan rápido y se disfrutan mucho gracias al guionista que ha sabido introducir humor en situaciones realmente dramáticas. Además esto también se debe  a la buena química que tienen los actores principales, Vladimir Vdovichenkov y Pavel Derevyanko, que logran enseñarnos todo el estrés de sus personajes y a la vez divertirnos.

Sin duda el mayor acierto de la película es el trabajo de CGI, las imágenes que vemos en la película son espectaculares. Los 7 millones de dólares de presupuesto, están sin duda bien utilizados y nos regalan unas panorámicas del espacio que dejarán a más de uno con la boca abierta. Nos hace darnos cuenta de lo pequeños que somos y de la agonía que sintieron estos dos hombres al estar allí atrapados, viendo tan de cerca la Tierra y sabiendo que no podían volver a ella.

No creo que toda la película sea completamente fiel, de hecho, tanto al comienzo como al final se nos introduce un pequeño detalle fantástico. Pero lo que sí nos muestra son los peligros a los que los astronautas se enfrentan en sus viajes, en cómo romperse un guante puede ser totalmente mortal para alguien en el espacio, él como un simple insecto puede causar horrores y que realmente todo tiene que estar bajo control, el más mínimo error puede ser fatal.

No dudéis en acercaros a las salas de cine para ver esta aventura espacial, seguramente no os muestre nada nuevo, pero su humor, sus imágenes y realmente su historia os engancharán y no os arrepentiréis de verla.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de junio 2018. Título original: Salyut-7. Duración: 119 min. País: Rusia. Dirección: Klim Shipenko. Guión: Natalya Merkulova, Klim Shipenko. Música: Alexander Mikhlin. Fotografía: Sergei Astakhov e Ivan Burlakov. Reparto principal: Vladimir Vdovichenkov, Pavel Derevyanko, Lyubov Novikova, Oksana Fandera, Vasiliy Ignatich, Sergey Korenvok.  Producción: Kinokompaniya CTB, Lemon Films Studio.  Distribución: A Contracorriente Films. Género: Acción. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/853/salyut-7-heroes-en-el-espacio/

Crítica: ‘Normandía al desnudo’

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Los ganaderos de Mêle-sur-Sarthe, un pequeño pueblo de Normandía, se han visto afectados por la crisis agrícola. Su alcalde, Georges Balbuzard (François Cluzet), busca la manera de que su pueblo se haga oír para salvarle. Por casualidad, Blake Newman, un famoso fotógrafo especializado en desnudos en masa, pasa por la zona y Balbuzard ve la oportunidad de llamar la atención. Por delante le queda la difícil tarea de convencer a todo el pueblo para que se desnude… por una buena causa.

Crítica

Un desnudo protesta con menos eficacia de lo esperado.

En ‘Normandía al desnudo’, François Cluzet (‘Intocable’) se echa de nuevo al campo y se desvive también por sus habitantes, aunque a través de unas herramientas diferentes a las empleadas en ‘Un doctor en la campiña’. Esta película busca también mezclar drama y comedia, con una pizca más de hilaridad que ese título anterior de 2016 aunque sin explotarla en la medida deseada. De hecho ‘Normandía al desnudo’ se queda bastante corta en lo que a comedia se refiere.

La crisis de los agricultores franceses es el marco de esta historia en la que Cluzet es el paternalista, desvivido y omnipresente alcalde de todos ellos. En medio de todo el revuelo y esa gran desesperación económica llega el talentoso Toby Jones convertido en un Spencer Tunick, el fotógrafo que retrata masas de personas desnudas por todo el mundo. Enamorado del paisaje les propone hacer una de sus famosas fotografías con todo el poblado despojado de sus ropas en ella, con fines artísticos para él y como un reclamo mediático para los agricultores que demandan atención por parte de su país. Pero claro, la mentalidad ambigua de los residentes choca con la idea del artista.

En esta ocurrencia del director Philippe Le Guay vemos un aspecto bastante divertido. Pero cabía esperar que el cineasta explotase mucho más la confrontación entre el mundo rural y el moderno. La película podría haber acabado siendo una especie de «Full Monty galo» y en lugar de ser tan graciosa o disparatada como la cinta de 1997 se inclina más hacia lo anecdótico y melodramático. El filme se dedica más a narrar las controversias personales o a demandar las tragedias nacionales. Al fin y al cabo trata de desnudar los secretos o sentimientos de cada uno. «Los que siempre os han alimentado ahora se mueren de hambre» resume uno de los agricultores de la película en un arrebato de exasperación. Los prejuicios, la vergüenza, la mentalidad retrógrada, los viejos rencores, los celos… Son muchos caballos de batalla que junto a la política o los distintos estilos de vida expuestos desplazan la comedia a un segundo plano.

La película está narrada a trozos por una niña que cuenta la historia de su familia, la cual se ha mudado recientemente a esa campiña en crisis. Dicha historia permanece bastante descolgada del largometraje a pesar de parecer ser el hilo central y finalmente está metida únicamente con el fin de incluir un argumento protesta más, el del vegetarianismo. Sin la inclusión de este arco narrativo ‘Normandía al desnudo’ habría transcurrido igual y tampoco aporta nada importante a la trama ni al conjunto de los gags.

Sí que me agrada más la metáfora artística de la película. Aquellos que están quedándose sin nada ahora se lanzan a por todas despojándose de lo que les queda ante todo el mundo. Aunque hay cierto valor en que algunos actores se lancen a mostrarse como vinieron al mundo también habría cabido esperar que ese coraje fuese ligado a un tono más sarcástico ya que se ha hecho tanto hincapié en los dramas planteados. Lo dicho, para ser un a película sobre agricultores a ‘Normandía al desnudo’ le ha faltado arar un poco más sus tierras para que la semilla de su comedia enraíce más hondo y su protesta crezca más alto.

Ficha de la película

Estreno en España: 8 de junio de 2018. Título original: Normandie nue. Duración: 105 min. País: Francia. Dirección: Philippe Le Guay. Guion: Philippe Le Guay. Música: Bruno Coulais. Fotografía: Jean-Claude Larrieu. Reparto principal: François Cluzet, Toby Jones, François-Xavier Demaison, Arthur Dupont, Grégory Gadebois, Philippe Rebbot, Patrick D’Assumçao, Julie-Anne Roth, Vincent Regan, Daphné Dumons. Producción: Les Films des Tournelles. Distribución: Vértice 360. Género: comedia, drama.

Crítica: ‘El malvado zorro feroz’

Sinopsis

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Un zorro que es incapaz de asustar a nadie y de cazar nada, no tiene otra ocurrencia que robar -de una granja muy peculiar- unos huevos de gallina para, tras incubarlos y criar a los pollitos…, comérselos. Pero al nacer, los pollitos creen que el zorro es su madre y este se encariña de ellos lo que complicará las cosas a este zorro que, ni es malvado ni feroz. En esa divertida granja también encontraremos a un conejo que actúa como una cigüeña bajo la dirección de un pato loco».

Crítica

Es muy fácil dejarse llevar por la sencillez de estos cordiales animales.

En casos como estos no se puede decir que estemos ante una película basada en un cómic, lo que debemos decir es que un artista total, es decir, dibujante, colorista y guionista ha traspasado, no adaptado ni basado, su obra a la gran pantalla. Benjamin Renner dirige junto a Patrick Imbert (‘Corto Maltés: la película’) y guioniza junto a Joan Regnaud (‘Ernest et Célestine, La Collection’) esta película de animación que ha venido a titularse ‘El malvado zorro feroz’. Pero ese en realidad es el título de uno de los tres relatos que nos presenta el simpaticón zorro protagonista de la película a modo de maestro de ceremonias.

El título original es más concreto con el contenido de la película. ‘El malvado zorro feroz y otros cuentos’ viene a decir si lo traducimos. En realidad tenemos tres historias por el precio de una. Se titulan: ‘La entrega del bebé’, ‘El malvado zorro feroz’ y ‘Hay que salvar la Navidad’. El conjunto de todas ellas trata sobre la paternidad o la tutela, amén de otros temas como el respeto a las creencias de otros, la confianza, la protección o el tesón. La temática de la película la vemos identificada en una madre que cuida a sus progenitores, en un padre adoptivo que se encariña de unas criaturas que no son ni de su especie, en un amigo que tiene unos colegas que le avergüenzan constantemente e incluso en la figura de Papá Noel.

Lo más importante es que el filme llega de manera espontánea a todas las edades. Tiene algunos momentos desopilantes, es cordial, muy natural y sabe a fábula. Por supuesto que lo que más ayuda es que entra muy bien por los ojos. Está realizada con un estilo tan claro, sencillo y limpio como las intenciones que pretende transmitir. La expresividad de sus personajes es también una de las claves. Los rostros de los animales tienen las facciones de un mimo. Son criaturas no excesivamente antropomórficas, pero si obviamente caminan erguidas y tienen útiles del ser humano. Su bonachón aspecto nos ayuda a desdramatizar temas que de otro modo nos habrían resultado más trágicos. Una pareja que da vergüenza ajena, un cerdo diligente pero casi igual de torpe, un zorro nada despiadado… Los personajes son tan tontorrones, tiernos y suelen estar tan desvalidos que dan ganas de achucharles. Si estuviésemos hablando de una superproducción ya estaríamos viendo toda una línea de monísimos peluches en todas las tiendas de juguetes. Pero la virtud de esta película es que se queda al margen de frivolidades y está dentro de lo parabólico y entrañable.

En muchas ocasiones ‘El malvado zorro feroz’ pierde los bordes de igual modo que lo pierden las viñetas de Renner, para así conseguir diferentes efectos (velocidad, aislamiento, oscuridad…). Nos encontramos así ante una viñeta sin barreras, frente un celuloide sin obstáculos. Realmente si uno curiosea las páginas del cómic se da cuenta de que solo faltaba rellenar las animaciones intermedias entre una viñeta y otra. Animar la película para el autor debe haber sido muy fácil pues la pre-producción la tenía ya hecha con su cómic a modo de storyboard. Además que Renner sabe el terreno que pisa pues ya ha dirigido animación anteriormente. Sin duda la ayuda del director Patrick Imbert y del guionista Joan Regnaud ha servido para rellenar esos huecos y trasladar correctamente ‘El malvado zorro feroz’ del noveno al séptimo arte.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: Le Grand Méchant Renard et autres contes. Duración: 79 min. País: Francia. Dirección: Patrick Imbert, Benjamin Renner. Guion: Benjamin Renner, Joan Regnaud. Música: Robert Marcel Lepage. Producción: Folivari. Distribución: Sherlock Films. Género: animación, comedia, cómic, adaptación. Web oficial: http://folivari.com/en/projet/the-big-bad-fox-and-other-tales/

Crítica: ‘El intercambio’

Sinopsis

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Como regalo por su quince aniversario Jaime y Eva se dirigen a una noche de intercambio de parejas para “oxigenar su relación matrimonial”. Lo que se postulaba como una noche de juego, desinhibición y revitalización para este matrimonio, se convierte en un enredo entre cuatro paredes cuando Jaime descubre que los compañeros de juego no son quienes decían ser…

Crítica

Picarona y surrealista comedia.

Las tecnologías de hoy en día facilitan el acceso a oportunidades antaño tan inaccesibles o tabúes como el intercambio de parejas. Pero también hacen que esa promiscuidad esté abierta a sorpresas engañosas. El anonimato de la red es un arma de doble filo, en este caso nunca mejor dicho ya que la sorpresa que tienen Jaime y Eva, Pepón Nieto y Natalia Roig respectivamente les llega a los dos a la vez. Esa pareja busca romper su rutina, dar un golpe en la mesa en su relación durante su quince aniversario con algo tan rompedor como un intercambio de parejas. Una demostración de amor y confianza a través de una cita con unos desconocidos por internet que cuando pasan a ser conocidos en el plano físico resultan ser muy distintos a como esperaban, lo cual trastoca sus planes.

Esta es la premisa de la película de Ignacio Nacho. ‘El intercambio’ es una comedia que se va enredando más y más. Parece que según se acerca el final va a terminar como esas películas clásicas de Álex de la Iglesia, desembocando en locura. Pero en lugar de ello se va oxigenando y encauzando para que todo desemboque en un correcto mutis por el foro. Salta de un tema a otro de un modo bastante ágil. La falsedad, los prejuicios, el pudor, los celos, la envidia, la generosidad, la hipocresía, la pasión… Son asuntos que a veces se plantan concisos y otras veces pasan fugazmente, pero que a través del humor se analizan.

Por supuesto y como cabía esperar, al ser una película sobre un intercambio de parejas el sexo está siempre presente pero la película no es soez. No va a incomodar excesivamente a nadie, no es un largometraje que vuelva a los años del destape. En ese sentido Ignacio Nacho también acierta con su guión. Tiene buen gusto y sabe elegir a las conversaciones y las escenas.

En realidad juega con 4 localizaciones. El coche en el que transcurre el prólogo. El salón donde se desarrolla el grueso de la película y las dos habitaciones de la casa, una que vemos y la otra que permanece oculta y que es la que nos aporta un ligero toque de thriller cómico. Todo esto para desarrollar un filme teatral. Es indudable que la puesta en escena y el libreto beben mucho de las artes escénicas y de la obra de teatro de la que surge esta película. El hecho de que casi nunca veamos una de las cuatro paredes de la casa nos da la impresión de encontrarnos ante un escenario. Y seguramente ‘El intercambio’ se disfrutaría mucho si se ve interpretada en directo con la continuidad que eso supondría. Pero los cuatro protagonistas de la cinta de Ignacio Nacho, creador también de esta historia, se han creído tanto sus personajes que en ningún momento sentimos interrupciones en el tiempo fílmico.

Quizá si los personajes de Hugo Silva y Rossy de Palma no hubiesen sido tan extremadamente surrealistas, más aún que la situación planteada, la película habría resultado más creíblemente cómica. Pero con la escena final si se consigue introducir un adagio extrapolable a la realidad. En contrapunto, los personajes de Pepón Nieto y Natalia Roig son más terrenales y creíbles. Lleva el peso de casi toda la película el de Pepón Nieto pero sin Roig no sería nada ya que ambos se complementan. Los dos pasan por muchas etapas, sin embargo, es el de Nieto el que permanece más tiempo en pantalla y el que aborda la mayoría de las materias que quiere exponer el director.

‘El intercambio’ es un episodio divertido, anecdótico, como acierta a decir al principio Pepón Nieto. Trascendental para la pareja que forman Nieto y Roig. Puede plantear picaronas y comprometidas preguntas a las personas que acudan en pareja a verla al cine. Pero sobre todo la intención del filme es clara, hacer reír al espectador aportando algo más que simples escenas de situación.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: El intercambio. Duración: 84 min. País: España. Dirección: Ignacio Nacho. Guion: Ignacio Nacho. Música: Antonio Meliveo, Pablo Cervantes. Fotografía: Antonio Sanz Luque. Reparto principal: Pepón Nieto, Hugo Silva, Rossy de Palma, Natalia Roig, Paco Tous, Mara Guil, Salva Reina. Producción: Marila Films. Distribución: Marila Films. Género: comedia.

Crítica: ‘Algo celosa’

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Nathalie es una agradable profesora divorciada que, en plena crisis de la mediana edad, comienza a sentir unos exagerados celos de las personas de su entorno. El drástico cambio de personalidad de Nathalie pronto tendrá inesperadas consecuencias para sus vecinos, colegas y amigos.

Crítica

A pesar de su inicio y buena construcción del personaje le falta constancia con su comedia.

Nathalie, el personaje interpretado por Karin Viard, es una respetada profesora y amante madre que de repente comienza a ser una persona celosa de la nueva novia de su ex-marido, de la juventud y el triunfo artístico de su hija, de su nueva compañera de profesión, de la feliz vida de sus amigos… Empieza a dinamitar con comentarios inoportunos la vida de todos, ridiculiza a los que la rodean y se convierte en alguien insoportable y negativa. Con un personaje así entre manos David Foenkinos y Stéphane Foenkinos ,directores de ‘La delicadeza’, tienen una bomba cómica entre manos, pero que no saben detonar.

Sí que es cierto que en los primeros compases hay muchas escenas tan chocantes que nos hacen reír. La actriz interpreta muy bien a su personaje, se nota que no le ha juzgado moralmente y se lo ha creído en su totalidad, de tal modo que le llegas a coger manía. El pasmo que sufren todos sus conocidos con cada desplante es muy gracioso. Ella no se corta a la hora de demostrar que tiene envidia de otros, aunque no sea consciente realmente de ello y eso es hasta cierto punto chistoso. Pero hay dos cosas que hacen que la película no tenga siempre el gancho inicial y que pierda fuerza.

En primer lugar, aunque la comicidad sobria de Karin Viard tenga su punto no se ve respaldada por nadie más. Ningún secundario le sigue el juego y eso es mucho peso a soportar. Sobre todo si tenemos en cuenta el otro aspecto a tener en cuenta. La película se carga mucho de drama a partir del segundo acto, no de uno especialmente trágico pero si del suficiente como para olvidarnos de toda la comedia cosechada y recogida anteriormente. En el tercer y final acto de la película, cuando el personaje supuestamente debe librarse de ese drama y redimirse no retornamos a ese punto tan cómico y ‘Algo celosa’ nos deja un sabor demasiado amargo, nos hemos aburrido demasiado de un personaje con el que no empatizamos.

Pese a que ‘Algo celosa’ va bastante rápido de un estadio a otro se echa en falta que regrese a sus inicios, se hace monótona. Esgrime además algún que otro argumento que no es muy considerado para con la mujer o sabe a rancio, lo cual me extraña teniendo tantas actrices femeninas en el reparto. Lo bueno de esta película, a parte de su inicio, es el hallazgo de Dara Tombroff. Lo suyo es realmente vivir paralelamente su vida real con su personaje pues es bailarina y a partir de ahora puede que se dedique a interpretar. En ‘Algo celosa’ tiene un buen punto de partida.

Los hermanos Foenkinos han concebido una película que parece más apta para la sobremesa que para una sala de cine pues ni la fotografía de Guillaume Deffontaines nos la hace más notable en pantalla grande. Regresan de nuevo a un filme en el que lo importante es retratar a la mujer tras su trabajo en ‘La delicadeza’, con un personaje al que le falta precisamente eso, delicadeza.  Y el retrato está muy bien construido y ejecutado, pero su marco e historia no son lo suficientemente notables.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: Jalouse. Duración: 102. País: Francia. Dirección: David Foenkinos, Stéphane Foenkinos. Guion: David Foenkinos, Stéphane Foenkinos. Música: Paul-Marie Barbier, Julien Grunberg. Fotografía: Guillaume Deffontaines. Reparto principal: Karin Viard, Dara Tombroff, Anne Dorval, Thibault De Montalembert, Bruno Todeschini, Marie-Julie Baup, Corentin Fila, Anaïs Demoustier. Producción: Mandarin Cinéman. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, drama. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/852/algo-celosa/

Crítica: ‘El hombre que mató a Don Quijote’

Sinopsis

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Toby, un director de anuncios muy cínico, se ve envuelto en los estrafalarios delirios de un viejo zapatero español que se cree el mismo Don Quijote. A lo largo de sus aventuras cómicas, y cada vez más surrealistas, Toby se ve abocado a enfrentarse con las trágicas repercusiones de la película que rodó cuando era un joven idealista – una película que cambió los sueños y esperanzas de un pequeño pueblo español para siempre. ¿Podrá Toby reparar los daños y recuperar su propia humanidad? ¿Podrá Don Quijote sobrevivir a su propia locura y muerte inminente? ¿El amor lo conquistará todo?

Crítica

Me encantan las chifladuras de Gilliam con un Pryce de locura perturbando a Driver.

Han sido diecisiete años de preproducción y rodajes. Nada más empezar la película el propio Gilliam da carpetazo a ese tema con buen sentido del humor. Todos estos años han pasado para que consiga narrar su versión de la obra cumbre de nuestra literatura, la cual habla mucho sobre la locura. Por supuesto demencia hay a raudales en el filme de Gilliam un director que nos tiene acostumbrados a excentricidades y argumentos muy poco cuerdos y al que le venía que ni pintada la obra de Cervantes.

En una historia con mucho metacine, en la que tenemos una película dentro de otra película, acompañamos a un Adam Driver convertido en director de cine desapegado de sus orígenes y con bastantes paralelismos con la trayectoria que ha llevado ‘El hombre que mató a Don Quijote’. En su periplo por España se topa con un anciano zapatero al que conoció en su época de estudiante y al cual le hizo interpretar al Quijote, pero este ha permanecido en ese rol desde entonces. Zapatero a tus zapatos parece querer decir el filme de Guilliam a algunos de sus personajes ya que al igual que el hidalgo de Cervantes acaban locos por embarcarse en una aventura que no es la suya.

Ese Quijote tras años de rodajes fallidos y actores que se nos han ido es Jonathan Pryce. No solo su semblante y figura son quijotescos si no que su aptitud es asombrosa. De principio a fin ves al personaje que lees en la novela o que tanto hemos imaginado en nuestra cabeza desde que nos enseñaron de pequeños quien era este caballero. Pero si Pryce es la locura andante Driver nos hace vivir una aventura hacia la locura. Todo ese proceso que sufre el personaje del escritor español tras años de lectura de novelas de caballería lo ejemplifica el actor con su paulatina interpretación.

Entre rupturas con la cuarta pared y fragmentos que tienen esa plasticidad insana de los Monty Python hay tomas que recuerdan al clásico de animación del 79 que todos mamamos en nuestra infancia con las voces de Fernando Fernán Gómez y Antonio Ferrandis. Porque otra cosa no pero la película sabe mucho a España, casi tanto como el Coloso de Goya, presente también en ‘El hombre que mató a Don Quijote’. Esta es sin duda la película más afín con nuestro país de este director, como era de esperar. En el reparto a parte de actores como Stellan Skarsgard, Joana Ribero u Olga Kurylenko aparecen Oscar Jaenada, Jordi Molla, Hovik Keuchkerian, Sergi Lopez, Rossy de Palma, Rodrigo Poisón, Bruno Sevilla… Todos al servicio de las extravagancias del director que al igual que en ‘El imaginario del Doctor Parnassus’ no son pocas y al igual que en esa película nos transportan a veces a momentos de lo más descabellados.

Pero aunque ‘El hombre que mató a Don Quijote’ se desboque en varias ocasiones están presentes los ideales de caballería, amor y justicia de la novela. Gilliam coge parte de las temáticas de Cervantes y las aplica en una película que trata acerca del reencuentro con la humanidad y los sueños perdidos. Y porque no, también una obra como esta puede servir como afrenta al pesimismo y como lucha ante las gigantescas contrariedades pues ha salido para delante ante todo lo que le ha sucedido de igual modo que un caballero andante se abre paso ante cualquier adversidad.

Por mucho que me haya agradado y la música de Roque Baños nos la magnifique no es una obra maestra y después de haberla hecho tras varias intentonas me sorprendería un resultado como ese. El montaje es algo descuidado y al menos un tercio de la película pierde conexión con sus propios argumentos. No es tan hilarante como otras películas del director de Minneapolis, tiene un tono diferente a otras de sus comedias, pero aún así se las ha arreglado para introducir guiños a estas como las mujeres barbudas o el guardia tartamudo de ‘La vida de Brian’.

Jamás sabremos cómo habría sido la película de haber sido terminada hace casi veinte años o de haber contado con John Hurt o Jean Rochefort, a los cuales está dedicado este filme. Pero desde luego está claro que Gilliam ha tenido tiempo para analizar la obra de Cervantes y por lo menos saber colocar algunas de sus intenciones en este largometraje final que si tiene visos de convertirse en algo más que en una obra supuestamente maldita.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: The man who killed Don Quixote. Duración: 133 min. País: Reino Unido. Dirección: Terry Gilliam. Guion: Terry Gilliam, Tony Grisoni. Música: Roque Baños. Fotografía: Nicola Pecorini. Reparto principal: Adam Driver, Jonathan Pryce, Stellan Skarsgard, Joana Ribero, Olga Kurylenko, Oscar Jaenada, Jordi Molla, Hovik Keuchkerian, Sergi Lopez, Jason Watkins, Mario Tardón, Lidia Franco, Paloma Bloyd, Rossy de Palma, Rodrigo Poisón, Bruno Sevilla, Jimmy Castro, Juan López-Tagle, William Miller, Jose Luis Ferrer, Bruno Schiappa. Producción: Tornasol Films, Entre Chien et Loup, Ukbar Filmes, Proximus, Recorded Picture Company (RPC). Distribución: Warner Bros. Pictures. Género: aventura, fantasía, adaptación. Web oficial: http://www.warnerbros.es/el-hombre-que-mato-don-quijote

Crítica: ‘Los extraños. Cacería nocturna’

Sinopsis

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Cindy (Christina Hendricks) y Mike (Martin Henderson) se embarcan en un viaje por carretera y planean pasar una temporada en un campamento de caravanas antes de dejar a su problemática hija Kinsey (Bailee Madison) en un internado. Pero el viaje se ve interrumpido por la llegada de tres psicópatas enmascarados que atacan y matan sin piedad.

Crítica

Johannes Roberts sigue demostrando haber aprendido de los maestros.

El director Johannes Roberts coge el testigo de Bryan Bertino que en esta ocasión solo escribe la película que supone la secuela del filme que estrenó allá por 2008. Roberts me era familiar por haber estrenado en nuestro país el año pasado ‘A 47 metros’. Un filme que pese a su previsibilidad presentaba buenas maneras de hacer cine y una historia bastante plausible y creíble. Con ‘Los extraños. Cacería nocturna’ mantiene esa línea de acierto a la hora de crear momentos de terror o inquietud y además ubicando todo en un marco terrenal, tanto que en esta ocasión la historia se inspira en hechos reales.

Más que el hecho de que esté escrita a partir de algo que ha pasado realmente lo que nos aporta más terror o es más eficiente son las escenas que han rodado siguiendo los arquetipos del género. Ese tipo de planos o tomas en las que crees que va a pasar algo y se alarga el zoom o el corte a la siguiente secuencia, esos instantes de desconcierto en los que los protagonistas van descubriendo cosas raras.

Al margen de lo que sucede tras las cámaras. Esta es una película hecha con solo siete actores: los cuatro familiares y los tres asesinos. Uno de los desatinos de la película proviene del casting más joven precisamente. Bailee Madison pasa de sobreactuar a olvidarse de las taras de su personaje. Además, como pasó hace poco en ‘Amityville: el despertar’ volvemos a tener personaje principal con tintes de deprimida y destroyer, que poco típico… También tiene algo que mejorar Lewis Pullman, hijo de Bill Pullman, pero al menos a él le debemos la mejor escena de la película, la cual es una toma muy bien elaborada en muchos sentidos. Una secuencia en una piscina con un diseño singular, una coreografía muy bien estudiada y la música de Bonnie Tyler que culmina toda la serie de instantes perturbadores del filme. De nuevo gracias a la técnica.

Un fallo en el que cae también es aquel en el que pecan muchas películas y el que hace que nos planeemos todos si nos hemos equivocado de oficio. Porque seguramente ser adiestrador de víctimas en Estados Unidos debe ser muy rentable ya que los asesinados en las películas siempre toman las decisiones más inapropiadas y obvias posibles.

Hay un algo del ‘Christine’ de Carpenter, del ‘Scream’ de Craven o de ‘La Purga’ de DeMonaco. De hecho el parque de caravanas se llama Gatlin Lake y Galin es la ciudad de ‘Los niños del maíz’ de Stephen King, autor de ‘Christine’. Las buenas referencias están muy presentes para Johannes Roberts. Coge un poco de esto y un poco de aquello, no solo para sus planos, si no también para el funcionamiento de sus implacables y trastocados villanos.

La atmósfera está muy trabajada. El camping de casetas o caravanas rodeado de una luz tenue y una oportuna niebla aportan una ubicación bastante acertada. Se ha perdido lo único bueno que tenía la primera parte, que era el sentimiento de inseguridad que había al introducirse en una casa el conjunto de los antagonistas, pero en el resto de los aspectos la película mejora a su predecesora. El  filme inquieta, a pesar de que se eche en falta un móvil más poderoso para los criminales que le dote de más alma.

Sin olvidar mencionar que como en casi todas las películas de este tipo el final está innecesariamente alargado para poder introducir una ridícula metáfora. Mucho mejor que en el guión o que en el trato con actores está Johannes Roberts en el plano técnico ya que algunos de sus intérpretes o bien no daban más de sí o bien no ha sabido extraer el suficiente jugo de ellos. Me quedo con el recurrente ardid de la música ochentera de «El hombre de la máscara» y los trucos de los maestros de la nostalgia rescatados aquí que son los que realmente siguen funcionando y salvando películas como esta.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de junio de 2018. Título original: The Strangers: Prey at night. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Johannes Roberts. Guion: Bryan Bertino, Ben Ketai. Música: Adrian Johnston. Fotografía: Ryan Samul. Reparto principal: Christina Hendricks, Martin Henderson, Bailee Madison, Lewis Pullman, Emma Bellomy, Lea Ensil, Damian Maffei. Producción: Intrepid Pictures,  Mandate Pictures, Relativity Studios, thefyzz. Distribución: Diamond Films. Género: terror, hechos reales. Web oficial: https://thestrangers2018.com/

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