Moonee sueña con ir a Disneylandia, pero lo más cerca que ha estado es el motel barato a las afueras de Orlando (Florida), en el que vive con su madre Halley, de 22 años: el Magic Castle Motel. Lo más parecido que Moonee tiene a un padre es Bobby, el gerente del motel, un hombre cauto y diligente que se burla de las payasadas de los niños. Halley ha perdido su trabajo, y otra niña de la misma edad que Moonee se acaba de mudar al motel de al lado. Promete ser un verano inolvidable
Crítica
Colores llamativos para esconder las miserias humanas.
Después de meditar mucho sobre esta cinta, de reflexionar y de asimilarla, puedo decir que ‘The Florida Project’ es más bien un documental sobre la vida en un motel, demasiado cotidiana, sencilla y sin nada apenas que contar.
Para que os hagáis una idea ‘The Florida Project’ es el lado dramático de la serie ‘MellamoEarl’, en la que sí, sabemos que viven en la pobreza, pero al menos su humor y manera de llevar su vida, les hace más ameno todas las desgracias.
La película de SeanBaker nos presenta la vida de Moonee, una niña que vive en uno de los moteles que hay cerca del Disney World de Orlando, su vida es hacer la vida imposible a los de su alrededor y hacer todas las canalladas posibles, mientras su madre pasa de ella marchándose de fiestas y metida en negocios ilegales.
Ya está, es el día a día de ellos, la niña tiene dos amigos y las ideas que se les ocurren y llevan a cabo son de verdaderos delincuentes. En serio, aluciné lo inteligentes que eran y que solo lo utilizaran para maldades.
Realmente es una cinta muy real, quizás demasiado, con nada de historia, hasta los últimos minutos de la cinta, no ocurre nada, solo ves pasar el día a los niños, intentando conseguir helado gratis, aunque tengan que robar o pedir dinero en la calle. Pues otra cosa no, la verdad que dan lástima, pues nadie se encarga de esas criaturas.
SeanBaker ha sabido dirigir perfectamente a estos jóvenes actores y crear unos personajes bastante creíbles. La niña BrooklynnPrince está estupenda, su papel de Moonee deja perplejo y es una pena que por su edad no pueda recibir premios y ni optar a ellos, porque sin duda ella es la película. Aunque eso sí, admito que no me gustaría tenerla cerca, su personaje es demasiado salvaje.
Sin duda alguna de quien más he disfrutado ha sido de WilliamDafoe, su personaje, además de tener una santa paciencia, tiene un corazón bastante grande para aguantar todo lo que le hacen.
Otro punto a favor es el uso del color, llamativos colores inundan la película, dando una sensación de magia y alegría, mientras que lo que estás viendo es todo lo contrario. Junto a esto, unes la música, inspiradora y muy animada, que nos lleva a un desenlace que vemos venir desde el comienzo, pero que aun así no nos deja impasibles, pues el plano final de BrooklynnPrince es sobrecogedor.
La película no me ha entusiasmado, le falta una historia, pues termina siendo más bien un documental sobre la vida en estos moteles, pero no puedo decir que sea mala, porque el trabajo de Sean Baker con los niños es espectacular y el cómo logra engañar al espectador con sus colores y su música, para luego destrozarte con solo un primer plano es muy admirable.
Ficha de la película
Estreno en España: 09 de febrero 2018. Título original: The Florida Project. Duración: 115 min. País: Estados Unidos. Dirección: Sean Baker. Guión: Sean Baker y Chris Bergoch. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Alexis Zabé. Reparto principal: Willem Dafoe, Brooklynn Prince, Bria Vianite, Caleb Landry Jones, Mela Murder, Valeria Cotto, Christopher Rivera, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian. Producción: Cre Film, Freestyle Picture Company, June Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: Drama. Web oficial:http://diamondfilms.es/the-florida-project/
Drama bien construido que deja muchas vías posibles en su primer episodio.
Con ‘The Disappearance (La desaparición)’ nos llega una propuesta diferente en lo que se refiere a series sobre personas que de repente se ausentan. Tras ver su primer episodio he podido comprobar que este es un drama muy misterioso y familiar sobre un niño, Anthony Sullivan, que en el día de su cumpleaños se volatiliza casi sin dejar rastro. La familia se angustia y empieza, como es normal, a movilizar a toda la localidad y a utilizar todos sus recursos. Los miembros de la familia están interpretados por PeterCoyote (‘Patch Adams’), JoanneKelly (‘Almacén 13’), AdenYoung (‘Yo, Frankenstein’) y CamilleSullivan (‘El hombre en el castillo’).
Lo más anormalmente escabroso es que no hay sospechosos, como suele ser habitual, pero la serie sí que se ocupa de establecer un cierto número de escenas que nos sientan las bases para unas buenas conjeturas. Casi todo el primer capítulo se centra en esto, en ubicar a los personajes, en establecer el drama, en plantear la situación que ocupará el resto de la serie… Existen varios conflictos que pueden ser el detonante de la desaparición del niño, es por eso que al finalizar el primer episodio tendréis un buen número de teorías y alternativas de lo que puede haber pasado con Anthony, pero no lo tendréis nada claro. Eso sí, queda patente que casi todos los protagonistas tienen algo que ocultar, guarde o no relación con la desaparición del protagonista a si es que según avance ‘The Disappearance’ lo iremos descubriendo’.
Se nota que se ha trabajado para lograr una buena atmósfera, con una fotografía que ha corrido a cargo de ClaudineSauvé (‘The wild hunt’) y un diseño de producción de la mano de PatriciaChristie (‘La vida de Pi’). Sus tomas reflejan un ambiente hogareño, en una ciudad que parece ser harto segura y acogedora. Su trabajo está bien realizado para que contraste con el ritmo que le ha impreso el director PeterStebbings (‘Killjoys’) y los sonidos pausados que vamos escuchando. La cadencia, al menos del primer episodio, es conflictiva para los más adeptos a las series rápidas, pero la duración no es larga a si es que se puede hacer fácil de consumir.
¿Anthony Sullivan está perdido, huido, secuestrado, accidentado? Tengo ganas de que se estrene ya para que lo discutamos y lo descubramos juntos. El estreno de ‘The Disappearance’ es el próximo martes 6 de febrero a las 22h en Calle 13 con un doble episodio. La serie cuenta con 6 episodios.
Partiendo como premisa de que la mejor experiencia, el mejor entrenamiento, para comprender y detectar a un depredador y secuestrador es haber sido víctima de un secuestro ‘Gone’ cuenta con una protagonista peculiar. ‘Gone’ (ausente, desaparecido, desaparecer en inglés) cuenta la historia de Kick, una mujer que se ha tenido que rehacer así misma tras sufrir un secuestro de 5 años cuando era niña. Años después el equipo del FBI que la rescató recurre a ella para pedirla que forme parte de un grupo especial que pretende encontrar a gente desaparecida en un tiempo récord.
El hecho de que ella sea una antigua víctima de secuestro y no sea una agente de la ley es lo que le da más juego a la serie. Su pasado como secuestrada la aporta una visión única que la permite realizar un análisis de campo especial que no puede hacer ningún otro agente. Al menos esa es la impresión que obtengo del primer capítulo que he podido ver, eso es lo que la diferencia de las clásicas series de desaparecidos como pueden ser ‘Sin rastro’ o ‘Caso abierto’. Por lo demás la serie peca de cojear en algunos aspectos como lo hacían series como ‘Bones’ o ‘Mentes criminales’, en eso de tener tecnologías sobradas de capacidades o cerebritos de ideas oportunas para acelerar los procesos. No sé si la novela ‘One kick’ de ChelseaCain, en la que se basa la serie, sigue esa dinámica.
Como mayor baza la serie cuenta con LevenRambin en el rol de Kick Lannigan, la principal protagonista. Su personaje se fundamenta en que debe ser fuerte, no solo físicamente debido a que es muy hábil en determinadas artes marciales y técnicas de defensa personal (las cuales domina muy bien la actriz), sino también a las situaciones que se va a encontrar ya que le irán recordando a su traumático pasado. Seguro que ya la habéis visto en ‘Los juegos del hambre’ o en ‘True detective’.
También están ChrisNoth (‘Sexo en Nueva York’, ‘Ley y orden’), DannyPino (‘Caso abierto’, ‘Chicago P.D.’, ‘Ley y Orden: unidad de víctimas especiales’), AndyMientus (‘The Flash’) o TracieThoms (‘Mentes criminales’, ‘Love’, ‘El diablo viste de Prada’). Como veis un elenco bastante especializado en series, en su mayoría policíacas. También tiene un personaje LeeTergesen (‘Oz’, ‘Monster’, ‘Defiance’) que auguro que será recurrente a lo largo de toda la serie.
‘Gone’ se estrena este jueves 1 de febrero en Calle 13 a las 22 horas con doble episodio y cuenta con 12 episodios.
Belle y su familia se mudan a una nueva casa, para ahorrar dinero y así ayudar a pagar la asistencia sanitaria de su hermano gemelo James, que se encuentra en coma. Pero cuando empiezan a ocurrir fenómenos extraños, incluyendo la milagrosa recuperación de James, Belle comienza a sospechar que su madre no le ha contado toda la verdad y pronto descubre que acaban de mudarse a la terrorífica casa de Amityville.
Crítica
Queriendo alargar la historia de una casa histórica pero sin ser pretencioso.
No es la primera ni será la última. No es la mejor tampoco ni la más aberrante. No es innovadora pero tampoco es excesivamente tópica. La mítica casa encantada de Amityville tiene nueva película. El 112 de Ocean Avenue es una localización real donde de verdad se perpetró un atroz asesinato. De sobra es conocido el crimen que cometió el muchacho de la familia DeFeo, todos conocemos la matanza que llevó a cabo mientras su familia dormía y los posteriores supuestos poltergeist que han atormentado a los sucesivos moradores. Esta no es una película que nos repita por enésima vez esa historia. Por supuesto están los elementos clásicos como la famosa casa de ventanas ominosas, las voces, la habitación roja… Pero en vez de repetirse tanto con la archiconocida leyenda negra intenta alargarla, haciendo un poco de metacine e incluso de repaso de todo lo filmado anteriormente.
En esta ocasión nos ponemos en la piel de una familia que se muda al domicilio maldito, cuyo precio ha sido rebajado debido a la dificultad de alquilarlo. A priori los integrantes del clan desconocen lo que ha pasado en su nuevo hogar, solo quieren llevar una vida tranquila y que uno de sus integrantes se recupere de su enfermedad, o eso es lo que quiere que creamos el director Franck Khalfoun. Este cineasta que anteriormente ha logrado darnos buenas películas del género junto a Alexandre Aja como ‘Maniac’ o ‘Parking 2’ consigue de nuevo un filme de serie B, aunque de calidad regulera. Si la incluimos dentro de la saga que acumula ya esta residencia tiene momentos en los que manifiesta que es consciente del legado que hereda e incluso que es admiradora de él. Es algo muy característico de las películas de la Blumhouse.
El diseño de producción está más cerca de una serie tipo ‘Embrujadas’ que de una película festivalera. No es capaz de crea una atmósfera propia que infunda miedo de verdad y eso que ha contado con alguien tan bueno como Steven Poster, director de fotografía de ‘Donnie Darko’. A decir más, Bella Thorne como protagonista está más que estereotipada. Es una chica a la que hacen bullying en el instituto, la visten como clásica deprimida, tiene problemas en casa… En resumen, el filme tiene los fallos clásicos y sigue los pasos previsibles de las películas de este género.
Pero algunas cosas buenas si tiene. Como virtudes presenta algún que otro sobresalto para el espectador y consigue librarse de las taras de alguna de las predecesoras ambientadas en Amityville que las convertían en alargadas cintas demasiado pretenciosas. Además ofrece un buen giro de guión que os va a parecer original, no inteligente pero si atrevido y valiente. Por último el papel de Cameron Monaghan seguro que os parece de lo mejor del filme. No puedo deciros en qué consiste su papel en la película pero puede que le haga despertar más fans de los que ya tenía tras su paso por la serie ‘Gotham’.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de febrero de 2018. Título original: Amityville: The Awakening. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Franck Khalfoun. Guión: Franck Khalfoun. Música: Robin Coudert. Fotografía: Steven Poster. Reparto principal: Jennifer Jason Leigh, Bella Thorne, Mckenna Grace, Cameron Monaghan, Thomas Mann, Jennifer Morrison, Kurtwood Smith, Taylor Spreitler, Hunter Goligoski, Dan Martino, Brian Breiter. Producción: Blumhouse Productions, Dimension Films, Miramax. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial:http://diamondfilms.es/amityville-el-despertar/
Dug, cavernícola, y Cerdog, jabalí, son los protagonistas de esta nueva aventura de Aardman en la que dos civilizaciones, la de la Edad de Piedra y la de Bronce, compiten por hacerse hueco en la historia. ¿Cómo? De la mejor forma que sus ancestros les enseñaron: con «el juego sagrado». ¡Un partido llamado a ser el más épico de la historia! En juego no hay una copa, sino la supervivencia de la tribu de Dug, que ve en peligro su hogar ante la llegada del malvado y moderno villano de la Edad de Bronce Lord Nooth.
Crítica
Nick Park hace saltar su chispa a golpes de sílex y cobre.
Que los ingleses inventaron el fútbol es innegable e inmutable, la historia es la que fue y no se puede cambiar. Pero por si se nos ha olvidado, y aunque sus orígenes realmente fueron en la Edad Media, llega ‘Cavernícola’. Si bien esta no es una película sobre el origen del fútbol emplea ese deporte como excusa para crear una herramienta de conflicto entre dos pueblos. También es verdad que es muy difícil hacer un filme novedoso o simpático ubicado en la Edad de Piedra con tantos largometrajes y series como se han hecho en esa época: ‘Los Picapiedra’, ‘Capitán Cavernícola’, ‘Los Croods’… A si es que esta es la propuesta que se le ha ocurrido al director de ‘Wallace y Gromit’ y ‘Chicken Run: evasión en la granja’, Nick Park, así como a sus guionistas Mark Burton (‘Gnomeo y Julieta’), James Higginson (‘Killing Bono’), John O’Farrell (‘Chicken Run: evasión en la granja’).
Lo que nos plantean es un choque de eras. La edad de piedra se enfrenta a la de bronce y para defender sus intereses tienen que disputar un partido de fútbol en el que los malos (los de la edad de bronce), son los expertos y los buenos (los cavernícolas de la edad de piedra) son los novatos. De ahí Nick Park y su equipo sacan multitud de chascarrillos, de esa premisa y de la época en la que se ambienta su historia por supuesto. Todo ello aderezado con su habitual ingenio y con la magistral habilidad de las manos de los animadores de de los estudios de animación Aardman (‘La oveja Shaun’). La plastilina de sus personajes y el CGI de sus fondos nos sumerge en una simpática era de caza y artilugios de cobre.
No dudo que en su versión original esté la película bien doblada, también se ha contado con actores famosos que ya han prestado sus voces varias veces en series, películas de animación o videojuegos. El personaje que dobla Hugo Silva lo dobla Eddie Redmayne en el Reino Unido, al de Chenoa le pone voz Maisie Williams y al de Mario Vaquerizo le interpreta Tom Hiddleston. Como veis personas y timbres de voz distintos pero no por ello incompatibles con sus personajes y con la percepción que debemos tener de ellos. Es más, en contra de lo que opinen aquellos a los que no les guste que doblen actores no profesionales de doblaje, los tres hacen muy bien su trabajo, en especial Hugo Silva, cuya voz cuesta reconocer por que emplea un tono bastante más risueño y juvenil que el que tiene normalmente, mucho más acorde al espíritu de su personaje. En el caso de Mario Vaquerizo hay que decir que es el más experimentado de los tres y en este personaje se supera frente al Frankenstein que hizo en ‘Hotel Transilvania’ o a Caca de ‘Emoji’. No usa al menos un acento jamaicano como ha hecho Hiddleston en la versión original, como he leído que hace el actor londinense y podemos oír en los tráilers ingleses. Creo reconocer también, espero no equivocarme, la voz de David Hernán quien dobló también muy bien en su día a Richard Ayoade, quizá le conozcáis más como Moss en ‘Los informáticos’.
Nick Park se acaba de estrenar como director en solitario en el cine, aunque para muchos quizá esto sea una sorpresa. En sus anteriores trabajos estuvo acompañado de Peter Lord o Steve Box. Le ha salido un largometraje muy inglés y muy futbolístico. De hecho incluso su música evoca ambas cosas. Una de las canciones del filme es de los Kaiser Chiefs, grupo británico cuyo nombre salió de un equipo de balompié. La historia que ha creado es algo convencional, dentro de los clásicos relatos de superación y de trabajo en equipo. Muchos films infantiles tienen un mismo protagonista que tira del carro, como habitualmente decía un conocido capitán de fútbol. El partido que juegan, que por suerte es corto y tiene un estilo muy a lo ‘Oliver y Benji’, sigue el mismo esquema en lo que va sucediendo, las mismas pautas, solo faltaría que el campo fuese curvo. Pero aunque la película no es redonda como un balón sí que tiene todos los requisitos para ser considerada mucho más que amena.
Ficha de la película
Estreno en España: 2 de febrero de 2018. Título original: ‘Early Man’. Duración: 89 min. País: Reino Unido. Dirección: Nick Park. Guión: Mark Burton, James Higginson, John O’Farrell. Fotografía: Charles Copping, Dave Alex Riddett, Paul Smith, Peter Sorg. Reparto principal (doblaje original): Eddie Redmayne, Maisie Williams, Tom Hiddleston. Reparto principal (doblaje español): Hugo Silva, Chenoa, Mario Vaquerizo. Producción: Ardman Animations, StudioCanal. Distribución: Vértice 360. Género: animación, comedia. Web oficial:https://www.earlymanmovie.com/
Presentada por Focus Features y producida por Working Title Films, es una emocionante e inspiradora historia que tiene lugar días antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial. A los pocos días de convertirse en primer ministro de Gran Bretaña, Winston Churchill (Gary Oldman, nominado por la Academia) debe hacer frente a una de las decisiones más difíciles de su carrera política: negociar un tratado de paz con la Alemania nazi o mantenerse fiel a sus ideales y a la libertad de una nación. Con las imparables fuerzas nazis adentrándose en Europa Occidental, la amenaza de una invasión inminente, un pueblo que no está preparado, un rey escéptico y su propio partido conspirando en su contra, Churchill, a pesar de vivir el instante más oscuro, guiará a una nación e intentará cambiar el curso de la historia mundial.
Crítica
Un Gary Oldman que roza la clonación.
No es de extrañar que Gary Oldman se haya llevado el Globo de Oro al Mejor Actor en la categoría de drama en la última edición pues su trabajo en esta película es magnífico. Tampoco me asombra su nominación al Oscar y de hecho me sorprendería si no lo ganase. Las fotografías y tráilers previos al estreno de la película eran vaticinio de un parecido digno de un mellizo. Aunque reconocemos mínimamente a Oldman bajo todo el maquillaje y la mímica, es innegable que tanto actor como equipo de caracterización han logrado clonar en la gran pantalla al primer ministro. Sus rasgos faciales, su ropa, su cuerpo… Los enérgicos gestos que realizaba, sus tics, sus míticas poses, su voz… Oldman ha trabajado muy bien la dicción, el acento, la entonación y el timbre del político inglés. Si antes de ver la película os buscáis audios y vídeos de Winston Churchill comprobaréis que las diferencias son mínimas.
El filme en lo que más efectivo resulta es en remarcar la importancia de la construcción de los discursos del Primer Ministro, en los mensajes que transmitía, en una época en la que la motivación era una de las armas más importantes para ganar la guerra pues el enemigo tenía las armas físicas más potentes y avanzadas. Realmente dan ganas de que surjan líderes así y la película funciona bien si lo que pretende es trasladar una imagen de gran dignatario.
Al margen del inconmensurable trabajo de Oldman hay que tener en cuenta el papel del director. Se palpa que Joe Wright ha intentado crear un largometraje casi a modo de veneración cargado de historia, ideología y simbolismo. Me parece elocuente, aunque no sé si intencionada, la secuencia en la que Churchill da un discurso, estando aún solo y sin apoyos. Ahí es cuando gracias a su carisma y carácter parece ganar enteros. Es entonces cuando, se le acerca una primera persona a darle la mano pero saliendo de detrás de una columna, como simbolizando que a partir de ese momento saldrán de las sombras todos esos partidarios que estaban escondidos. Me parece una manera brillante y casi subliminal de representar como con sus palabras era capaz de hacer cambiar no solo la opinión que se tenía de su persona si no las circunstancias de toda una guerra.
Pero si nos quedamos solo con la interpretación de Oldman y algunos instantes que consigue salvar Wright la película a nivel global se nos queda vacua. Hay buen reparto, en algunos casos con más o menos fidelidad en lo que se refiere hacia la persona real a la que interpretan, pero ninguno brilla más allá de lo habitual. Desde luego creo que John Hurt habría plasmado mejor a Neville Chamberlain que Ronald Pickup. Pero casting a parte, sin Oldman la película es insípida, sin sustancia ni revelación alguna. Es un drama histórico con un final harto conocido, que además se suma a las múltiples películas que hemos visto esta temporada sobre Dunkerque (‘Dunkeque’, ‘Su mejor historia’).
‘El instante más oscuro’ arranca con un parlamento inglés envuelto en tinieblas, dota a la secretaria de Churchill del rincón más lóbrego para colocar su máquina de escribir y recrea el nº 10 de Downing Street con habitaciones sombrías. Todo ello para acabar llevándonos a un momento de inflexión, cuya luz se ve al final del túnel. Y ese túnel no es otro que el del mítico Tube londinense donde veréis otra escena en la que se luce Gary Oldman citando incluso el ‘Horacio’ de Thomas Babington: «¿Qué mejor manera de morir puede tener un hombre, que la de enfrentarse a su terrible destino, defendiendo las cenizas de sus padres y los templos de sus dioses?». Palabras apropiadas para un hombre que parecía encontrarse solo y desesperado ante el peligro. Es decir Joe Wright nos lleva desde las sombras a la luz, pero tampoco es que consiga deslumbrarnos.
Para una carrera con tantos altibajos como la de Joe Wright la actuación de Oldman le viene de lujo. Por supuesto que está por encima de la media de sus películas, pero deja mucho que desear como drama político pues no consigue contar nada relevantemente nuevo.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Darkest hour. Duración: 125 min. País: Reino Unido. Dirección: Joe Wright. Guión: Anthony McCarten. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Bruno Delbonnel. Reparto principal: Gary Oldman, Kristin Scott Thomas, Lili James, Stephen Dillane, Ronald Pickup, Ben Mendelsohn. Producción: Working Title Films. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial:http://www.elinstantemasoscuro.es/
Siguiendo los éxitos de ‘Sin identidad’, ‘Non-Stop’ y ‘Unanocheparasobrevivir’, Liam Neeson y el director JaumeCollet-Serra vuelven a trabajar juntos por cuarta vez en el explosivo thriller ‘El pasajero’, que se centra en la frenética misión de un hombre que trata de evitar un desastre en un tren lleno de viajeros.
Crítica
Liam Neeson y Jaume Collet-Serra vuelven juntos después de ‘Una noche para sobrevivir’
SamNeill, JonathanBanks, PatrickWilson, VeraFarmiga, ClaraLago y el gran LiamNeeson, con este reparto JaumeCollet–Serra nos trae un thriller lleno de intrigas y tensión. Que quizás no sea muy original, pero sí que os va a dar 104 min de entretenimiento puro.
Ya es la cuarta vez que el actor irlandés trabaja junto a nuestro director patrio, JaumeCollet–Serra, que desde ‘La casa de cera’ parece afincado ya en la industria de Hollywood sin ningún tipo de problema.
La cinta nos lleva a Nueva York, bueno más bien al trayecto en tren que nuestro protagonista hace desde su casa a su lugar de trabajo, hasta que un día, una misteriosa mujer (VeraFarmiga) se sienta a su lado en el vagón y su viaje se convierte en una estresante aventura para poder salvar a todos los pasajeros del tren.
Qué decir, los actores no pueden estar mejor, nos adentran en la película desde el principio y te crees todos sus personajes.
Aunque sí que es cierto que hay cosas que se podrían haber mejorado, como por ejemplo vas viendo cómo va a terminar la película desde el principio, no quiero decir mucho, pero se juntan las piezas demasiado pronto.
Otra de las cosas a mejorar son los efectos especiales, un poco decepcionantes en las escenas clave de acción. Aparte, que por lo que vemos, el personaje de Liam Neeson tiene los huesos de plomo, pues hay escenas que realmente sus pies deberían haberse hecho pedazos, pero bueno, esto puede ser una licencia para que pueda seguir cumpliendo su misión y no nos quedemos sin héroe tan pronto.
Aparte de estas cosas, que tienen importancia, pero que se pueden ignorar, la cinta es entretenida y nos da la opción de ver a un repartazo que lo da todo, y que aunque el final te lo huelas desde el principio sí que hay ciertas partes en las que llegas a dudar realmente y te confundan.
Mencionar a Roque Baños, compositor de la banda sonora de la cinta, autor también de ‘1898. Los últimos de Filipinas‘ que hace un trabajo estupendo.
‘El pasajero’ da lo que promete, acción, tensión y a Liam Neeson volviéndola a liar por salvar a su familia y a un tren completo lleno de viajeros, no se le puede pedir más, sin duda una película para entrar y olvidar tus problemas de fuera.
Ficha de la película
Estreno en España: 26 de enero de 2018. Título original: The commuter. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jaume Collet-Serra. Guión: Byron Willinger y Philip de Blasi. Música: Roque Baños. Fotografía: Paul Cameron. Reparto principal: Liam Neeson, Vera Farmiga, Clara Lago, Patrick Wilson, Sam Neill, Elizabeth McGovern. Producción: The Picture Company. Distribución: Tripictures. Género: Thriller. Web oficial:http://www.thecommuter-movie.com/
La humanidad se encuentra una vez más en peligro de caer en las garras del Imperio Subterráneo, que en el pasado fue liderado por el científico malvado Dr. Infierno. Entonces, Koji Kabuto pilotó al súper robot Mazinger Z y, con la ayuda de sus amigos del Instituto de Investigaciones Fotónicas, frustró las malvadas ambiciones del Dr. Infierno y devolvió la paz al mundo.
Han transcurrido 10 años desde entonces… Ahora que ya no es piloto, Koji Kabuto ha seguido el camino de su padre y su abuelo iniciando su carrera como científico. Y ahora encuentra una gigantesca estructura enterrada en las profundidades del Monte Fuji, junto con una misteriosa indicación de la vida… Nuevos encuentros, nuevas amenazas y un nuevo destino aguardan a la humanidad. El antiguo héroe Koji Kabuto debe tomar una decisión sobre el futuro: ser un dios o un demonIo….
Crítica
El Mazinger de toda la vida para los que quieran revivirlo.
El gran precursor del género mecha (robots gigantes) que además marcó la infancia de muchos de nosotros y cambió la manera de ver ese tipo de animes, Mazinger Z, tiene nueva película. Toei Animation ha rescatado, si es que había caído en el olvido, al gran ingenio tecnológico de la animación japonesa para llevarlo a la gran pantalla. Lo que nos trae el estudio nipón es una película para la que tienes que tener una mentalidad infantil o estar predispuesto a recuperar la nostalgia, a revivir esos episodios y esos cómics que empezaron a lanzarse hace 45 años. Porque cuando se hace un largometraje con el motivo especial de un aniversario, como es el caso, a veces salen historias más forzadas como esta. Si hubiese sido la culminación de una serie tal vez habría salido una historia más natural y definida. Y no con esto estoy diciendo que ‘Mazinger Z Infinity’ sea una mal filme, al contrario, ha sabido recrear a la perfección los episodios antiguos, pero el espectador de entonces consume ahora otro esbozo de narraciones.
El director escogido para esta película es el mismo que realizó la película de ‘One Piece’ del año 99 y junto al guionista Takahiro Ozawa han ideado una historia que transcurre 10 años después de lo que vimos en la serie original. Nuestro protagonista, Koji Kabuto, se ha «jubilado» de eso de luchar contra y en robots gigantes y ahora es un científico que casualmente ha encontrado restos arqueológicos de un Mazinger Z, el Infiniti. Mientras la humanidad ha desarrollado la energía fotónica, cuyas instalaciones son atacadas por el villano de siempre, el Doctor Infierno. Es entonces cuando Kabuto ha de plantearse seriamente si abandonar la senda del pacifismo y volver a guerrear contra sus enemigos a riesgo de encarnar de nuevo una figura de dios para los humanos o demonio de la destrucción. Todo demasiado casual y puesto en bandeja para que el protagonista se luzca rápidamente. Es más con el paso en el tiempo que se ha dado al hacer la película los personajes han madurado ligeramente, pero no lo suficiente como para ofrecernos a los que veíamos la serie un entretenimiento más adulto. Por otro lado se han incorporado nuevos personajes que le dan algo más de jugo a la trama, de hecho se notan determinadas inspiraciones en ‘El quinto elemento’ o ‘Ghost in the Shell’, por lo que si Mazinger inspiró a generaciones posteriores ahora posteriores generaciones podrían haber inspirado a Mazinger.
El diseño de los artefactos mecánicos es obra de Takayuki Yanase. Si estáis puestos en anime actual sabréis que os esperan droides modernos y de conceptos vanguardistas, pero también un tanto estrafalarios. Este director ya ha demostrado su talento renovando sagas en ‘Ghost in the Shell: Arise’ y aquí ha hecho algo similar, creando nuevas máquinas que respetan el alma de la obra original pero que están al tanto de lo actual. El anime, hablando ahora en general, está modernizado mezclando animación por ordenador para los mechas, en especial para Mazinger, pero aún así se conserva el corte clásico. Reconocemos a los personajes de toda la vida, el trazo de dibujo es el mismo. El estilo de la serie se conserva, tanto en sus formas como en sus colores. Se nota también la mano de Hiroya Iijima, diseñador de personajes que me maravilló en ‘Afro Samurai’ pero que aquí ha estado más atado por lo establecido en el pasado. Como desventaja también tenemos que en algunos fotogramas en la recreación de señalados fondos no se consigue una buena armonía con los personajes.
Hay que tomarse esta película como una llamada al niño que veía la serie en las últimas décadas del siglo XX. Se nos anima a recuperar las sensaciones de antaño empezando con una especie de opening como si fuese un episodio más. La famosa canción de Mazinger vuelve a sonar un poco más cañera mientras vemos una serie de recuerdos que nos ponen al día de la nueva situación de los protagonistas. A partir de ahí todo sigue el mismo esquema de la serie. Por supuesto el gran robot emplea sus míticos ataques y los personajes siguen siendo tan puros, tan simpáticos o villanos como siempre. A si es que si sois fans de Mazinger tranquilos que sigue siendo el revulsivo de siempre, tendréis hordas de kaijus mecánicos, puños fuera, ataque fuego de pecho, rayo fotónico… Respecto a esto, la acción en las batalla resulta caótica, más que en las peleas cuerpo a cuerpo. del tipo shoot ‘em up, esos juegos de naves de los videojuegos, algunos tan difíciles de superar. Con ello han filmado varias secuencias trepidantes, muy rápidas, pero que aturrullan un poco si no estás acostumbrado a ver este tipo de animes.
Al margen de la remembranza que hace Junji Shimizu en su película se pone a Mazinger como figura de unión para toda la humanidad cuando todo el planeta es incapaz de ponerse de acuerdo. Se hace así una especie de ligera crítica del ser humano recalcando que este es incapaz de alcanzar consenso incluso en la peor de las situaciones. A pesar de ello no se alcanza un tono oscuro o maduro, la gama cromática ya desmesuradamente colorida de los robots enemigos nos saca del cariz catastrófico que podría tener la película. Es por eso que reitero una vez más, película para los más creciditos pero que quieran retraerse hacia su niñez.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de enero de 2018. Título original: Mazinger Z. Duración: 95 min. País: Japón. Dirección: Junji Shimizu. Guión: Takahiro Ozawa. Música: Toshiyuki Watanabe. Fotografía: Makoto Ujiie. Reparto principal (doblaje original): Showtaro Morikubo, Ai Kayano, Sumire Uesaka, Toshihiko Seki, Ami Koshimizu, Natsuki Hanae, Wataru Takagi, Kappei Yamaguchi, Masami Kikuchi, Junpei Morita, Bin Shimada, Kozo Shioya, Hiroya Ishimaru, Minori Matsushima, Yui-p, Okarina, Azusa Tadokoro, Miku Ito, Hiroyuki Miyasako, Romi Park, Keiji Fujiwara, Unsho Ishizuka. Producción: Toei Animation. Distribución: Selecta Visión. Género: animación, ciencia ficción. Web oficial:http://mazingerz-world.com/
En junio de 1971, el New York Times, el Washington Post y los principales periódicos de EE.UU. tomaron una valiente posición en favor de la libertad de expresión, informando sobre los documentos del Pentágono y el encubrimiento masivo de secretos por parte del gobierno que duró cuatro décadas y cuatro presidencias estadounidense. Katherine Graham y Ben Bradlee, formaron un equipo improbable, ya que se vieron obligados a unirse y tomar la audaz decisión de apoyar al New York Times y luchar contra el intento sin precedentes de la Administración de Nixon de restringir la primera enmienda.
Crítica
Valiente y muy cuidada, así es la nueva cinta de Steven Spielberg.
Ya hemos visto ‘LosarchivosdelPentágono’, la nueva cinta de StevenSpielberg, que nos trae una historia de Vietnam desde el punto de vista periodístico y político.
La cinta rescata varios temas como son la lucha por la libertad de prensa contra el orgullo de un gobierno y la lucha de una mujer por poder de decidir en su propia empresa.
Spielberg nos da una lección sobre la historia del periodismo y sobre cómo el gobierno de los Estados Unidos decidió silenciar la verdad que muchos querían contar. En esta cinta nos vuelve a contar una historia sobre Vietnam, pero desde otra perspectiva, no con armas de fuego, sino con el arma más potente, la verdad.
La manera con la que se intentó silenciar a varios periódicos para evitar que ‘Los archivos del Pentágono’ siguieran saliendo a la luz, terminó mal para el Gobierno y gracias a eso, una pequeña batalla para la libertad de prensa fue ganada.
Mucho ha pasado desde entonces y aun seguimos con pequeñas luchas, pero este es un gran ejercicio de conciencia para poder ver cuántas vidas se hubiesen salvado de ambos lados si el gobierno de los Estados Unidos no hubiese sido tan orgulloso.
El otro tema a tratar es el de nuestra protagonista, KatherineGraham, dueña de el The Washington Post, el cual en ese entonces era un periódico casi local y que se ve envuelto en una lucha que no se podía ni imaginar. Rodeada de hombres que la miran por encima del hombro, los cuales aunque la tienen aprecio, no ven bien que su jefa sea una mujer de cuyas decisiones depende el futuro del periódico.
MerylStreep está estupenda, nos muestra a una mujer con un montón de dudas, a la que le cuesta hablar en las reuniones de empresa y se apoya siempre en uno de sus consejeros, poco a poco vamos viendo una evolución y sobretodo una liberación de esta mujer que va ganándose su puesto con grandes decisiones. Añadir que es la primera vez que la actriz trabaja con Spielberg y solo puedo decir que ya era hora, y que el papel que le ha dado es un verdadero regalo.
El otro claro protagonista es el personaje de TomHanks, BenBradlee, que es el periodista que tantos dolores de cabeza le da a su directora, pero a la vez la ayuda a ese pequeño empujón que necesita. Por lo que he podido leer Bradlee era vecino de Spielberg y Tom pudo conocerle y hasta poder estudiarle, se nota pues su personajes está muy cuidado.
En el resto del reparto podemos ver a MichaelStuhlbarg, AlisonBrie, JessePlemons, Sarah Paulson entre otros. Y con una mención especial a BobOdenkir, actor de ‘BreakingBad’, que aunque ya sabemos que es un gran actor, en esta cinta nos muestra su lado más serio el cual borda.
Sin duda, todas las nominaciones a premios son merecidas. Una cinta que da mucho que pensar. ¿Hasta qué punto pueden arrebatarnos la libertad de prensa?. ¿Cuántas cosas más nos ocultan?
No dudéis en acercaros a los cines el 19 de enero, una gran puesta en escena os espera y una pequeña parte de la historia que os dará mucho que pensar.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de enero 2018. Título original: The Post. Duración: 116 min. País: Estados Unidos. Dirección: Steven Spielberg. Guión: Liz Hannah. Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Reparto principal: Meryl Streep, Tom Hanks, Sarah Paulson, Bob Odenkirk, Tracy Letts, Bradley Whitford, Bruce Greenwod, Matthew Thys, Alison Brie, Carrie Con, Jesse Plemons. Producción: Amblin Entertainment, DreamWorks, Distribución: eOne Films Spain. Género: Thriller.
‘Tres anuncios en las afueras’ es una comedia dramática con toques oscuros del ganador del Oscar Martin McDonagh (‘Escondidos en Brujas’). Después de meses sin que aparezca el culpable de la muerte de su hija, Mildred Hayes (la oscarizada Frances McDormand) da un valiente paso al pintar tres anuncios en unas vallas publicitarias camino de su pueblo con un polémico mensaje dirigido a William Willoughby (el nominado al Oscar Woody Harrelson), el venerado jefe de policía del pueblo. Cuando su segundo al mando, Dixon (Sam Rockwell), un inmaduro niño de mamá aficionado a la violencia, entra en acción, la guerra entre Mildred y las fuerzas policiales de Ebbing no hace más que empeorar.
Crítica
Esto sí es publicidad ética, de calidad y que quiero ver más veces.
Cuando una película es capaz de hacer que tengas sentimientos encontrados, cuando logra que te encariñes con todos y cada uno de sus personajes, cuando te sorprende con sus ocurrencias… Es entonces cuando tienes esa sensación de que no podrías decir nada malo de la película, aunque no la consideres una obra maestra, pero aún así sientas que no vas a parar de recomendarla. La comedia de Martin McDonagh no es una montaña rusa de sensaciones ni un despiporre, pero ello es debido a que está circunscrita con precisión en el drama de la vida y por eso merece la pena ser vista.
‘Tres anuncios a las afueras’ es una comedia muy negra. Casi que los calificativos que le vienen mejor son amarga y ruda, pero al fin y al cabo comedia negra. Está muy cargada de remordimientos y esos tres carteles que el personaje de Frances McDormand emplea para presionar a la policía hacen que salgan los de todos a la luz. Por lo tanto viene dotada de un potente trasfondo dramático que se hace con la película casi inevitablemente. Es por eso que trata sobre el coraje y la redención, pero también sobre los juicios morales. Todos los personajes tienen algo de lo que avergonzarse o algo que afrontar y para ello han de hacer acopio de valor o buscar el perdón.
Puede recordar en muchos aspectos al cine de los hermanos Coen: por su humor áspero e inteligente, por los diálogos directamente sinceros, por la concepción de sus personajes, por la visión tan particular de Estados Unidos que ofrece… Sobre todo vienen a la memoria películas como Fargo, lo cual no es difícil pues también la protagonizaba Frances McDormand. No es de extrañar la elección de la actriz fetiche y esposa de uno de los Coen para esta película pues es una abanderada en eso de la comedias de este tipo.
Mildred Hayes (Frances McDormand) tiene unos prontos que harían que temblara de terror hasta Juan sin miedo. Su tozudez, agallas y rudeza me han recordado a personajes interpretados por John Wayne o Clint Eastwood y Frances McDormand puede mirar de igual a igual a esos dos grandes mitos del cine. Porque además esta película huele totalmente a western. Una mujer que está prácticamente sola ante el peligro y la injusticia, en una villa del centro de Estados Unidos decidiendo azuzar a las autoridades, tanto por activa como por pasiva, para que cumplan con su trabajo y hagan justicia con el caso de su hija muerta… Ese argumento es de película del oeste nada más plantearlo. Tanto su trama como el carácter de sus personajes os van a llevar a un western moderno dirigido ecléticamente.
Es una película en la que cuesta decantarse por un personaje predilecto, en la que puedes sentirte identificado de algún modo con todos y cada uno de los individuos que pueblan la ficticia localidad de Ebbing, independientemente de cuáles sean sus virtudes o defectos a destacar. El filme pone en relieve que todos pueden tener un lado bueno y un lado malo, lo que es más importante, aunque nos presente a personajes en apariencia casi catetos, salidos de la Norteamérica más profunda, nos dan lecciones con su valentía o con sus demostraciones de amor incondicional y perseverancia, las cuales podrían estar escritas en las novelas más ilustres de las bibliotecas más exclusivas. Es por esto que hacía falta contar con actores muy cercanos al espectador, que no se den aires de grandes estrellas y capaces de encontrar un buen balance entre el humor y el drama. Martin McDonagh ha sabido aprovechar eso de su reparto. Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Peter Dinklage… son nombres de artistas que siempre logran hacernos sonreír pero que la mayoría les tenemos aprecio gracias a que siempre logran dar a sus personajes un matiz humano muy particular. De entre todos ellos (obviando el claro protagonismo de McDormand) no elijo como favorito, pero si me gustaría señalar a Rockwell, quizá por tener más minutos en pantalla pero también por ser el que más ha hecho evolucionar a su personaje y el que más encarna el espíritu de esta magnífica película.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri. Duración: 121 min. País: EE.UU. Dirección: Martin McDonagh. Guión: Martin McDonagh. Música: Carter Burwell. Fotografía: Ben Davis, BSC. Reparto principal: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Abbie Cornish, Lucas Hedges, Željki Ivanek, Caleb Peters, Samara Weaving, John Hawkes, Peter Dinklage. Producción: Blueprint Pictures. Distribución: 20th Century Fox. Género: drama, comedia. Web oficial:http://www.tresanunciosenlasafueras.es/
Quan (Jackie Chan), un humilde dueño de un restaurante londinense cuyo pasado, ya enterrado, emerge cargado de venganza al perder a su hija, la única familia que le queda, en un acto terrorista con motivaciones políticas. Mientras busca a los responsables, recurre a la ayuda del viceministro irlandés, Liam Hennessy (Pierce Brosnan), un funcionario del gobierno a quien afecta su propio pasado turbio de vinculación con el grupo terrorista IRA. Así comienza un juego del gato y el ratón con tinte político entre Quan y Hennessy, quienes deben confrontar su pasado mientras intentan identificar a los escurridizos asesinos.
Crítica
Dejando al margen los clisés ‘El extranjero’ está fuera de lo habitual para los dos actores principales.
Se podría decir que ‘The Chinaman’ fue la novela que lanzo a Stephen Leather a las primeras posiciones de literatura contemporánea. Su relación, en el momento en el que la publicó, con las noticias de actualidad era muy estrecha pues se hallaba trabajando en The Times y eso quedó reflejado en una obra que según el propio autor ha quedado muy bien plasmada y actualizada en esta película. Un filme que pone sobre la mesa temas como el terrorismo, la fragilidad de un proceso pacificador, la venganza, el sentido de la justicia o los demonios del pasado.
El director y guionista encargado de adaptar dicha obra ha sido Martin Campbell. Un cineasta a quien muchos odian por su ‘Green Lantern’, no es mi caso, pero que es un solvente director de cine de acción que nos ha dado películas más que satisfactorias como aquellas en las que Banderas interpretaba a El Zorro o varias de James Bond, como ‘Casino Royale’ o ‘GoldenEye’. En esta última aún se encargaba de encarnar al agente 007 Pierce Brosnan, quien resulta casi protagonista principal de esta cinta.
Pero la persona que lleva el peso del largometraje y en quien gira el relato es Jackie Chan. El actor chino interpreta a un padre que ha perdido recientemente a su hija en un atentado en la capital del Reino Unido y decide indignado tomarse la justicia por su mano al ver que las autoridades no dan respuesta a su sed de venganza. Casi duele ver el rostro de este actor de cara y papeles tradicionalmente tan simpaticones como los suyos en algunas escenas pues le tenemos aquí en un campo dramático en el que pocas veces se ha adentrado, solo en algunas producciones como ‘New Police Story’. Y es que el trasfondo trágico de este asiático afincado en Londres es de aupa ya que ha perdido dos hijas huyendo de la guerra y una mujer pariendo a la tercera que muere en el atentado de esta película. Parece que hace falta mucho para que Jackie pierda su socarrona sonrisa.
Al igual que sucede en ‘Daño colateral’, película de otro gran icono del cine de acción, y como he mencionado antes, todo arranca con un atentado que se lleva por delante a la hija de Quan, el personaje de Jackie Chan. Este emprende una cruzada para dar con los responsables pero ya de un modo diferente a la citada película de Arnold Schwarzenegger. De hecho en lo que se acaba convirtiendo es en un Stallone en ‘Rambo. Acorralado’, en un fuera de serie tendiendo trampas y neutralizando a sus enemigos. Pero más allá de las similitudes con otras películas de compañeros de profesión ‘El extranjero’ trata acerca del terrorismo, tiene muchas referencias y gira en torno al extinto IRA, pero sobre todo de tomarse la justicia por su mano, de acelerar el proceso, de ser un padre coraje. Y no solo de eso, si no que Quan, que es el modesto propietario de un restaurante pero con habilidades mantenidas en letargo, antes se atreve a presionar y extorsionar a las autoridades para que hagan su trabajo o le ayuden a él a conseguir su meta. Y para ello no duda en emplear cualquier método pues ya no tiene nada que perder. No es un mal punto para una película en la que no te ves venir quien es el villano aunque tampoco se puede decir que su revelación sea un gran giro. Sin embargo, cuando averiguamos quien mueve los hilos si supone la salida a la luz de un entramado de traiciones y fidelidades a una causa muy creíbles y aquí es cuando vemos lo eficiente que se vuelve Stephen Leather como escritor y como periodista.
Desde luego, esta es una película de Jackie Chan y hay algo de artes marciales y de su clásico escapismo, pero bastante contenido y con un toque más crudo. El haber introducido la espectacularidad de los movimientos de Chan a este tipo de película nos habría sacado del thriller, que ya de por sí rompe un poco la música de Cliff Martinez (algo alejado del nivel de lo que hizo en ‘Drive’, ‘Solaris’ o ‘Traffic’). Tampoco creo que Jackie Chan esté para dar los saltos que grababa en películas como ‘Supercop’ u ‘Hora punta’ pero me alegra ver que se atreve a dar un nuevo golpe en la mesa y seguir demostrando que él también es un actor que vale para algo más que para pelear, aun manteniendo su identidad.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: The Foreigner. Duración: 114 min. País: Reino Unido. Dirección: Martin Campbell. Guión: David Marconi. Música: Cliff Martinez. Fotografía: David Tattersall. Reparto principal: Jackie Chan, Pierce Brosnan, Katie Leung, Rufus Jones, Michael McElhatton, Charlie Murphy, Orla Brady. Producción: STX Entertainment, thefyzz, Arthur Sarkissian Productions. Distribución: Diamond Films. Género: acción, drama, thriller, adaptación. Web oficial:http://theforeignermovie.com/
Francia, verano de 1891. El joven Armand recibe una carta de su padre, el cartero Joseph Roulin, para entregarla en mano en París al hermano de su amigo Vincent Van Gogh. Pero en París no hay rastro de Theo, del que cuentan que murió poco tiempo después de que su hermano Vincent se quitara la vida. Así comienza ‘Loving Vincent’, la primera película realizada al oleo de la historia del cine. A través de más de 65000 fotogramas animados, pintados a mano por artistas de todo el mundo, la película da vida a los cuadros de Van Gogh recorriendo la misteriosa vida del pintor a través de las cartas que con frecuencia escribía a su hermano pequeño Theo.
Crítica
La vida a través de la mirada de Van Gogh.
Hoy os hablamos de ‘LovingVincent’ una verdadera maravilla visual que se estrena este viernes 12 de enero gracias a KarmaFilms.
Con un total de 65000 fotogramas pintados al puro estilo de VanGogh. Los directores, Dorota Kobiela y Hugh Welchman, nos dirigen a una historia que termina siendo bastante detectivesca, pero que no termina de convencer del todo, eso sí, todo queda tapado por el gran trabajo de montaje, creando una verdadera obra de arte.
La técnica es impresionante, pues encontramos los fotogramas pintados al oleo y dando movimiento a la obra del autor.
Aun recuerdo cuando leí ‘Cartas a Theo’, el libro con las misivas que Van Gogh escribió a su hermano. En ellas se ve como la gran personalidad del artista le jugaba malas pasadas, como poco a poco iba perdiendo el control de su vida y aun así este hombre, que en vida no vendió ni un cuadro, consiguió ser uno de los grandes artistas de la historia y a la vez un ser incomprendido para la gente que le rodeaba.
Creo que el fallo de esta cinta, aunque a mí me ha encantado, es la historia que quizá sea un poco floja, conociendo la vida del autor, podrían haber escogido partes de su vida mucho más interesantes, como todo el tiempo compartido junto a PaulGauguin, o hacer lo mismo que han hecho, pero con todas las cartas que se escribió con su hermano Theo ya mencionadas antes, pero que nos hubiesen dado una gran visión del artista.
La historia se convierte en una búsqueda del porque Vincent decidió suicidarse y si de verdad ese fue el motivo de su muerte.
Los parecidos a los cuadros de VanGogh son maravillosos, sobretodo el personaje del Doctor Paul Gatchet, la elección de JeromeFlynn es muy buena y sin duda deja con la boca abierta el gran parecido a la obra del pintor.
Las actuaciones son muy buenas, DouglasBooth, convertido en un detective sin el quererlo, nos trae a un ArmandRoulin muy creíble. En cuanto a RobertGulaczyk, es un perfecto VanGogh, me encanta su mirada y sus gestos, la pasión con la que coge los pinceles, es sentir al pintor en la sala de cine.
En la cinta podemos ver infinidad de cuadros de Vincent, como El café de noche, uno de los retratos de El doctor Paul Gachet o El trigal con cuervos, por mencionar alguno, pero realmente toda la cinta es una verdadera obra de arte con las distintas obras del pintor y podemos ver como muchos de ellos cobran vida.
La pena es que se estrena en muy pocas salas y es una cinta que bien merece su visionado, la técnica, la fotografía, el mimo porque cada detalle sea perfecto, nos deja una película digna de admirar y disfrutar.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de enero 2018. Título original: Loving Vincent. Duración: 95 min. País: Reino Unido, Polonia. Dirección: Dorota Kobiela, Hugh Welchman. Guión: Dorota Kobiela, Hugh Welchman, Jacek Dehnel. Música: Clint Mansell. Fotografía: Tristan Oliver, Lukasz Zal. Reparto principal: Douglas Booth, Helen McCrory, Saorise Ronan, Jerome Flynn, John Sessions, Robert Gylaczyk, James Greene, Richard Banks. Producción: Coproducción Polonia- Reino Unido, Odra films, Trademark Films, Polski Instytut Sztuki Filmowej. Distribución: Karma Films. Género: Animación, drama. Web oficial:https://karmafilms.es/catalogo/loving-vincent/
Tras perder a su hija María en un accidente, Carmen recibe una carta de la agencia de adopción en la que por fin le conceden a María una niña vietnamita, Thi Mai.
Junto a sus dos mejores amigas, Elvira y Rosa, que nunca han salido de España, deciden viajar a Vietnam para completar el proceso de adopción. Una vez allí, su inexperiencia, el choque cultural, los laberintos burocráticos y las peculiaridades de cada una de estas tres mujeres convierten el viaje en una sucesión de equívocos, situaciones disparatadas y decisiones delirantes. Sus insólitas acciones en Vietnam provocan que el reto parezca cada vez más inalcanzable, por lo que tendrán que recurrir a ingentes dotes de ingenio, no exento de disparate, y cabezonería para que THI MAI pueda volver con Carmen a su hogar en España.
A su aventura se unen Dan, su rígido pero noble guía vietnamita, y Andrés, un joven actor español que viaja a Hanoi para vivir con su pareja.
‘Thi Mai, rumbo a Vietnam’ es la divertida historia de amor de una madre que no quiere renunciar a su derecho de ser abuela y de cómo la esperanza, la amistad y las buenas personas que se encuentran por el camino (en cualquier lugar del mundo), siempre pueden con las desgracias.
Crítica
Comedia bien medida, sin irse a cotas disparatadas.
La primera vez que supe de ‘Thi Mai, rumbo a Vietnam’ me vino el recuerdo de un episodio de ‘Los Simpson’ en el que Selma (una de las hermanas gemelas de Marge) quería adoptar a una niña en China y no podía porque no estaba casada. Lo que sucedía entonces es que comenzaba una aventura en la que tenía que fingir estar casada con Homer para conseguir engañar a una inflexible agente de adopción. No digo que esta película sea un plagio de ese episodio, para nada, como os podéis imaginar en la serie de Matt Groening las cosas se enredan y se vuelven cada vez más absurdas. Pero si he visto ahora, tas ver la película, bastante puntos en común y cuando leí su sinopsis me temí que pudiese acabar buscando ese humor disparatado que tienen tantas películas de viajes alocados y tantas historias españolas mezcladas con culturas extranjeras.
Pero ‘Thi Mai, rumbo a Vietnam’ no es una película de tintes absurdos. Tiene sus momentos dramáticos, necesarios pero rápidamente equilibrados y contrarrestados. Sobre todo es una comedia ligera, sencilla, con momentos emotivos y personajes muy humanos. Pese a su argumento no sigue unos derroteros excesivamente descabellados ni se descontrola y tampoco tiene momentos increíblemente surrealistas. Al contrario, lo que sucede en ella le puede haber pasado a cualquier turista o podemos verlo en algún programa sobre españoles en Vietnam. Está repleta de confusiones comprensibles, anecdóticas y muy campechanas.
Como dice el proverbio vietnamita «al comerte una fruta piensa en aquel que plantó el árbol». Eso es lo que hace el personaje de Carmen Machi. Busca a su nieta pensando en quién pidió la adopción, su hija. La actriz española, igual que cuando actuó en ‘La puerta abierta’ o cualquier trabajo en el que maneje un abanico de emociones, demuestra que sigue siendo uno de nuestros tesoros. Es igual que la pongas delante de la cámara y la pidas que ejecute un gag o una escena intensamente dramática que ella sabe cómo llegar al espectador y como adaptarla a un personaje. Dani Rovira interpreta a un actor homosexual y lo hace sin exagerar ni llevarlo al extremo o la parodia, algo que seguro que el colectivo LGTB agradece. Adriana Ozores y Aitana Sánchez-Gijón tienen más protagonismo que Dani Rovira, que realmente está en un segundo plano de la película. Y de ellas destaca más Ozores por que tiene las frases más tontorronas y memorables. Seguro que salís del cine repitiendo alguna de sus chifladuras.
Curioso y abrupto es el contraste de culturas que vemos en la película. La propuesta del personaje de Machi es de locos y así se refleja al saltar de golpe de Pamplona a Vietnam, donde ha estado el equipo del filme rodando seis semanas. Y eso se ve porque el país está grabado de pe a pa. Campos, mares, ciudades, pueblos… Casi toda la película transcurre en la república asiática. Valoro positivamente también en ese sentido esta apuesta de Patricia Ferreira y su equipo, pues ha escogido muy bien sus localizaciones. No ha caído en los tópicos y tampoco ha pecado de comedida.
Además de ser la historia de una persona que lucha por su sueño y derecho a ser abuela ‘Thi Mai, rumbo a Vietnam’ es la aventura de otras dos mujeres que tienen diferentes inquietudes. La de una que ha sido prejubilada y la de otra que tiene una familia que no la valora. Así pues abarca un buen espectro de personalidades que, aunque nos van pronosticando cual va a ser su final, se liberan o revelan mientras nos hacen pasar un rato bien agradable.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Thi Mai, rumbo a Vietnam. Duración: 99 min. País: España. Dirección: Patricia Ferreira. Guión: Marta Sánchez. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Sergi Gallardo. Reparto principal: Carmen Machi, Adriana Ozores, Aitana Sánchez-Gijón, Dani Rovira, José Troncoso, Pedro Casablanc. Producción: Amor en Vietnam A.I.E, Tripictures, ES.DOCU, Atresmecia Cine. Distribución: Tripictures. Género: comedia. Web oficial:http://www.tripictures.com/web/thi-mai/
Most Beautiful Island es una potente historia de redención a la vez que un retrato actual del sueño americano y la lucha por la supervivencia en Nueva York.
Crítica
La isla más bonita encierra algo que tarda demasiado en emerger.
El sueño americano, ese ideal que mueve a tantos a inmigrar a los Estados Unidos en busca de oportunidades, de riqueza, de una mejor vida en general. Ese mito nos lo desmonta, como tantas otras películas pero a su manera, ‘Most beautiful island’. Ana Asensio nos presenta un relato inspirado en una etapa de su propia vida. En él una española está en una situación económica límite, afectada en lo que a su salud se refiere, habitando el país como inmigrante ilegal, con lo que eso conlleva, que no tiene ni siquiera un número de la seguridad social para atender sus necesidades sanitarias. ‘Most beautiful island’ comienza y así se mantiene durante más de la mitad de su proyección como una historia ambientada en la crisis, retratando el estado actual de aquellos que luchan por salir a flote y conseguir el ansiado sueño americano y sobre todo se mueve entre aquellos que intentan sobrevivir en la ciudad que nunca duerme.
Demasiado se enreda Ana Asensio para mostrar su experiencia con el sueño americano cuando eso ya está harto mascado y lo francamente interesante o atractivo era contar el suceso que vivió. Ese lance que tuvo, esa desventura, es lo que le da una razón de ser al filme, lo que os va a hacer empezar a sentir incómodos e intrigados, pero como digo, sucede con la película muy avanzada, en torno a los cincuenta minutos. No os voy a contar ni en qué consiste la vertiente de suspense y casi terror psicológico de su tramo final pues es lo realmente atractivo de la película. De ahí que se insista tanto en mantener en secreto todo y que hasta la web del filme se llame nocuenteselfinal.com. Esa parte de thriller está mucho mejor elaborada que el resto. No es que no consigas empatizar con la protagonista en las etapas previas de la película, pero cuando de verdad temes por ella es en esta última fase.
Claro que Asensio interpreta bien su personaje, es lógico puesto que revive y protagoniza una impactante historia inspirada en algo que ella misma vivió. En sus ojos ves reflejados los fantasmas de la ruina y en su cara el semblante del miedo al fracaso y a la miseria. Pero el resto del reparto no resulta tan convincente y se ve tan sumergido en la historia.
Si su relato está magnificado es por la situación actual y por la conocida aversión del presidente Trump hacia los inmigrantes. Por lo tanto no puede llegar en mejor época para dar en el clavo. A Ana Asensio para esta ópera prima le ha bastado con poner la guinda, con mantenernos en vilo y haber encontrado la oportunidad de usar una vivencia suya. Para muchos este filme es fascinante para mí solo es algo más que anecdótico. Veremos con qué nos intenta sorprender en futuras ocasiones.
Ficha de la película
Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Most beautiful Island. Duración: 80 min. País: EE.UU. Dirección: Ana Asensio. Guión: Ana Asensio. Música: Jeffery Alan Jones. Fotografía: Noah Greenberg. Reparto principal: Ana Asensio, Natasha Romanova, Nicholas Tucci, Larry Fessenden. Producción: Glass Eye Pix. Distribución: #ConUnPack Distribución. Género: thriller, drama. Web oficial:http://nocuenteselfinal.com/
Netflix nos lleva a Alemania en esta serie de misterio y ciencia ficción.
Ya os hablamos de los tres primeros episodios de esta serie alemana, la cual no para de sorprender de principio a fin. Una vez vista la primera temporada, decid, que nos alegramos mucho que Netflix haya decidido dar vía libre para una segunda temporada de la cual esperamos nuevas incógnitas.
Como ya dijimos, ‘Dark’, es una serie oscura, con un ambiente tétrico y a la vez muy triste, con unos colores muy saturados y contrastados. Al principio un poco lenta, pero sí que es cierto que no tiene pausa, nos va guiando poco a poco, mostrándonos las vidas y secretos de los habitantes del pueblo. Nos acompaña a viajar en el tiempo y descubrir la causa de las desapariciones de niños.
‘Secretos’, ‘Mentiras’, ‘Presentey pasado’, ‘Vidasdobles’, ‘Verdades’, ‘Sic mundus creatus est’, ‘Encrucijadas’, ‘ Lo que se siembra, eso mismo se cosecha‘, ‘Todo ocurre ahora’ y ‘Alfa y omega’, son los títulos de los 10 capítulos de la serie, los cuales tienen una hora de duración cada uno, aproximadamente.
La serie no solo nos aborda el tema del bien y del mal, de la oscuridad y la luz, sino que nos lleva por otros lares y al final termina convirtiéndose en una serie de ciencia ficción, con viajes en el tiempo incluidos, los cuales, en mi opinión, han tratado bastante bien.
Creo que lo peor que tiene la serie es el final, me dejó un poco trastocada y creo que no supieron darle el desenlace que se merecía y todo para dejar abierta para una futura temporada, que se la merece, pero aun así podrían haber acabado de otra manera.
Esperemos que en la segunda temporada nos den las respuestas a las dudas que deja y le den un sentido al final.
Por lo demás me reitero en lo que os conté al hablar de los tres primeros episodios, los personajes son muy interesantes, todos tienen algo que esconder y que tiene gran importancia en la trama.
Los actores encargados de llevar esto a cabo están estupendos, dando una fuerza cada vez más grande a esos personajes que en un principio aparecen apagados, dejando ver una evolución clara según ocurren todas las situaciones de la serie.
Aparte por supuesto del gran trabajo de los directores de casting, es impresionante los parecidos que han encontrado para todos los personajes y sus yo del pasado.
Vuelvo a nombrar a NikolausSummerer y a su gran trabajo con la fotografía, muy cuidada que nos muestra cada detalle para que no nos perdamos absolutamente nada.
Un apartado especial para el opening, no suelo ser de las que se quedan viéndolos, paso directamente a la serie y ya está, pero sin duda es tan hipnotizador, las imágenes te arrastran a no poder quitarlo y a adentrarte en esas espirales e imágenes dobles que crean.
BaranboOdar (director) y JantseFriese (guionista) nos dejan un gran trabajo y por mucho que la hayan comparado con ‘Stranger Things’, ‘Dark’ no tiene nada que ver y no lo digo como algo malo, todo lo contrario, es distinta y es lo que la hace original.
No dudéis en disfrutar y en adentraros en los misterios de este pueblo de Alemania, os va a encantar.
Molly’s Game está basada en la historia real de Molly Bloom (Jessica Chastain), una prometedora esquiadora de nivel olímpico que, al ver truncada su carrera deportiva, acabó organizando las partidas de póker clandestinas más exclusivas de Estados Unidos. A sus partidas acudían las más grandes estrellas de Hollywood, deportistas de élite, titanes del mundo de los negocios y, finalmente, miembros de la mafia rusa, hasta que Molly fue arrestada por 17 agentes armados del FBI en mitad de la noche. Inmersa en una batalla judicial, su único aliado en su lucha ante los tribunales fue el abogado criminalista Charlie Jaffey (Idris Elba), quien supo ver en ella una verdad mucho más sincera de la que la prensa sensacionalista publicó en sus páginas.
Crítica
Sorkin demuestra su oratoria y arte tras la cámara.
Es la primera vez que vemos a Aron Sorkin en el rol de director. Hasta ahora solo habíamos disfrutado de sus libretos en grandes trabajos como ‘Algunos hombres buenos’ o ‘El ala oeste de la Casa Blanca’ y ha sido premiado en los Oscar, por ejemplo, por su conocidísima ‘La red social’. Digo solo pero su trabajo rara vez es discutido, si acaso por la densidad de sus guiones. Pero de hecho su última película ‘Steve Jobs’ a muchos nos había dejado bastante fríos. Por el contario, en este caso, en lo que se refiere al esquema de la película ha sido menos pretencioso, quizá por el hecho de tener entre sus manos un personaje menos famoso. No obstante arranca de un modo arrollador, desenfrenado, al que le cuesta bajar el ritmo, pero que no es difícil de seguir. Quizá este buen resultado, este control sobre la comprensión también se deba a que ha tenido el mando de lo que se ha rodado en base a lo que él mismo ha escrito.
Esta nueva película nos habla de una persona educada para ganar, alguien que aparca sus estudios de derecho y se sumergen en el mundo de las partidas de póker de alto calado. Pero un detalle a tener en cuenta, esta película no va de partidas ilegales o clandestinas, pero si secretas (ya que en ella participan actores, ricachones, mafiosos…). Aunque por determinadas razones las cosas se le van de las manos y a Molly (Jessica Chastain) le toca rendir cuentas ante un juez. ‘Molly’s Game’, el juego de Molly, trata de una mujer astuta, inteligente, prudente, legal y por lo menos, tal y como la pinta la película, fiel y discreta. Eso es lo único que tiene en común el personaje con su homónimo de la novela de James Joyce. Ya que esta Molly Bloom ni siquiera es irlandesa. La propia Chastain, a la que le viene el papel como anillo al dedo, lo deja bien claro en una de sus íntimas conversaciones, en este caso junto a Chris O’Dowd, que ni tiene que ver con la popular Molly Malone, ni con la Molly Bloom del Ulisses de James Joyce. Pero la suya si es una odisea con tintes de epopeya ya que queriendo hacer uso de valores loables intenta salir a flote y navegar en un mar de plagado de presiones, tentaciones, contratiempos, monstruos y enemigos, salidos directamente de una sociedad que también es retratada aquí como hija de un patriarcado.
‘Molly’s Game’ está muy bien narrada, con un guión realizado a partir del libro que escribió la propia Bloom. A pesar de que nos cuenta lo que le ha sucedido a la ilustre organizadora de partidas de póker a modo de flashbacks nos parece que la historia es totalmente lineal. Sorkin, Jessica Chastain y compañía nos van narrando y adaptando la novela autobiográfica de Molly Bloom, mientras tanto la actriz va luciendo todo un repertorio de vestidos. Y no solo se dedican a narrar los hechos si no que también nos dejan bien claro, de manera literal, de qué trata y cuál es el carácter del personaje. Molly lo dice citando la historia de Circe, por si en algún momento nos hemos perdido. En referencia a perdernos o no, existen diversas secuencias relacionadas con el póker, bastante gráficas, en las que se han preocupado de ilustrarnos a cerca del juego ya que la jerga del póker es muy importante, aunque no vital, pero es muy posible que os perdáis en algún punto. Aunque esta no es una película en la que corráis el peligro de descarriaros o embotaros como pudo suceder con filmes más focalizados en un solo tema como fue el caso de ‘La gran apuesta’.
Idris Elba nos demuestra de nuevo que no es solo un actor de acción y fantasía. Entendemos además que el rol del actor londinense es el mismo que el que tiene todo lector de la novela, incluido el director, cuando coge el libro de Molly por primera vez. Es decir, poco a poco vamos descubriendo y conociendo a la persona a medida que vamos viendo su película (o leyendo su libro) y se nos desmonta el personaje que ha creado la prensa amarilla.
En ‘Molly’s Game’ Sorkin hace honor a sus famosos diálogos dinámicos y veloces. A parte de lo que queramos creernos o no del relato de la novela de Molly está lo que adapta Sorkin a favor de su película y borda con un magnífico prólogo y final. Se ha aprovechado una historia real para narrar un relato acerca del poder sobre los poderosos y de obsesión por el triunfo, pero sobre todo de una mujer única y realmente conquistadora.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de enero. Título original: Molly’s Game. Duración: 140 min. País: EE.UU. Dirección: Aaron Sorkin. Guión: Aaron Sorkin. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Charlotte Bruus Christensen. Reparto principal: Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner, Michael Cera, Jeremy Strong, Chris O’Dowd, Brian d’Arcy James, Bill Camp, J.C. MacKenzie. Producción: eOne Films, The Mark Gordon Company, Pascal Pictures. Distribución: eOne Films. Género: drama, adaptación. Web oficial:http://mollysgame.movie/
Ben y Rose son niños de dos épocas distintas, que desean en secreto que sus vidas sean diferentes. Ben sueña con el padre que nunca conoció, mientras Rose lo hace con una misteriosa actriz cuya vida narra en un libro de recuerdos. Cuando Ben descubre una pista en casa y Rose lee un tentador titular en el periódico, ambos comienzan una búsqueda que se desarrollará con una fascinante simetría.
Crítica
Paciente fábula cargada de sorpresas.
Basada en la novela del propio guionista Brian Selznick se ha rodado ‘Wonderstruck. El museo de las maravillas’. Quizá os suene el nombre de este escritor ya que fue muy citado cuando en 2011 se estrenó ‘La invención de Hugo’, filme que también se basaba en una obra suya. En este caso volvemos a vivir una historia de cuento, con tintes quizá más dramáticos, pero asimismo con protagonistas infantiles, solitarios y aventureros. Igualmente en esta ocasión los dos personajes principales están interpretados por un niño y una niña pero en este caso están separados por varias décadas.
Esta historia familiar nos narra dos andanzas, una ubicada en los años 20 y otra en los 70. En la primera una niña huye de su hogar en busca de una famosa actriz y en la segunda un chico busca a su desconocido padre. Dos relatos de los que no me gustaría daros muchos más detalles porque hay varios giros interesantes pero que se diferencian porque uno viene rodado en blanco y negro y el otro a color. Son dos aventuras paralelas pero que tienen muchos nodos en común, que vamos descubriendo saltando alternativamente de una a otra mientras las vamos comparando y durante las cuales el director Todd Haynes (‘Lejos del cielo’) nos va haciendo un contraste tanto generacional como temporal. En ese aspecto se ve uno de los talones de Aquiles de la película. Haynes se recrea en exceso en las secuencias que nos muestran cómo cambia el mundo en cincuenta años, sobre todo la ciudad de Nueva York y sus gentes. Aunque la puesta en escena, los decorados, el vestuario, la música y las vivencias de los personajes sean un viaje en el tiempo, se hace en exceso largo.
El filme pone nuestra paciencia a prueba, no solo con tanto regocijo en su excelente ambientación, sino también con su manera de narrar las maravillas que van acaeciendo. Esta película no se basa en artificios mágicos para lograr su objetivo, como podría ser más propio de la mente de un guionista vago o fantasioso, si no que se va construyendo a base de casualidades e imprevistos, como las narraciones de cualquier fábula memorable. Cada paso, cada infortunio, cada ventura acercan a los protagonistas a una meta cada vez menos esperada.
Volviendo a homenajear al difunto Ziggy Stardust la película empieza con la canción ‘Space Oddity’ y cierra el círculo con una versión del ‘Así hablo Zarathustra’ de R. Strauss, tan famoso por ‘2001: Una odisea del espacio’, en su momento crucial, en el instante en el que las dos historias paralelas confluyen. No están mal traídos estos títulos pues ambos protagonistas viven sendas odiseas buscando su sino y razón de ser mientras miran a las estrellas. Por supuesto ambos temas se emplean por veneración y metáfora, aunque en el caso de Bowie creo que ya hemos colmado el vaso de este año en lo que se refiere a películas en las que le oímos.
Julianne Moore sigue apuntándose a un bombardeo y nos vuelve a brindar un doble papel, como ya hizo en ‘Suburbicon’. Pero al igual que en esa película y como decía en el primer párrafo los protagonistas son los dos niños de la cinta: Oakes Fegley y Millicent Simmonds. Simmonds tiene ese aspecto tan clásico del cine de principios del XX y su silenciosa interpretación os puede llenar de emociones. En el caso del enrabietado Oakes Fegley son la amistad y la desesperación los sentimientos que seguramente más os aflorarán. No vi ‘Peter y el dragón’ pero su trabajo aquí me empuja a verla.
En el caso particular del director me parece mucho más acertado y sincero este largometraje que su último trabajo, ‘Carol’, además que las fechas escogidas para el estreno no podrían ser más propicias para un estreno tan entrañable, melancólico y sentimental, además que en esta ocasión Haynes ha pecado de menos ambicioso y eso le ha hecho mucho bien, dicho sea de paso.
Ficha de la película
Estreno en España: 5 de enero de 2018. Título original: Wonderstruck. Duración: 120 min. País: EE.UU. Dirección: Todd Haynes. Guión: Brian Selznick. Música: Carter Burwell. Fotografía: Edward Lachman. Reparto principal: Oakes Fegley, Julianne Moore, Millicent Simmonds, Michelle Williams, Jaden Michael, Cory Michael Smith, Tom Noonan. Producción: Amazon Studios, Killer Films. Distribución: Diamond Films. Género: drama, adaptación. Web oficial:https://www.wonderstruckmovie.com/
Manji es un diestro espadachín condenado a la inmortalidad que se compromete a proteger a una joven y jura vengar el asesinato de su familia.
Crítica
Sangre, violencia y a la vez ternura, es lo que nos trae ‘La espada del inmortal’
‘La espada del inmortal‘ llega a Netflix el 29 de diciembre y sin duda merece la pena su visionado.
La película número cien de TakhasiMiikenos trae la adaptación del manga ‘La espada del inmortal‘ de HiroakiSamura, donde se nos presenta a Manji, un espadachín metido en la lucha de una niña que quiere vengarse de los asesinos de sus padres.
Sangrienta y tierna, Takhasi ha sabido hacer una gran adaptación, centrándose en una historia de las mucha que contiene el manga de 30 tomos. Creando una historia entretenida en la que nos presenta a muchos de los personajes de una manera sencilla y rápida.
No es la primera vez que el director adapta un manga al cine, os menciono las más recientes, como son, ‘Terra Formars’ o ‘Jojo’s Bizarre Adventure‘ que también pudimos ver en Sitges.
En ‘La espada del inmortal’ vemos uno de los sellos del director a la hora de adaptaciones de mangas y es que tanto los peinados, vestuarios y todo está medido y calcado a como lo vemos en las viñetas. Sí que es cierto que en esta historia es bastante importante, aunque realmente es en el manga donde te explican que cada kimono tiene su significado, pero para los lectores es una delicia poder ver a sus personajes tal cual son. Eso sí, él único que difiere es Manji, pues aunque su kimono sí que es blanco y negro, atrás no le aparece la esvástica budista, sino el kanji con el significado de hombre.
El cuidado hacia las luchas de espada, las coreografías y todos los elementos técnicos de la película, hacen que muchos vayáis a disfrutar sin duda de esta cinta.
El reparto está bien escogido, por mencionar a alguien me quedo con TakuyaKimura, que nos da a un Manji muy real y parecido al de la obra escrita, con mal humor, pero a la vez tierno.
Tanto si has leído el manga como si no, la nueva película de TakeshiMiike nos trae aventuras y acción, una buena opción para quedarnos en casa con un buen bol de palomitas y disfrutar de una tarde de sofá y manta.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de diciembre en Netflix. Título original: Mugen no jûnin. Duración: 140 min. País: Japón. Dirección: Takashi Miike. Guión: Tetsuya Oishi. Música: Kôji Endô. Fotografía: Nobuyasu Kita. Reparto principal: Tayuka Kimura, Hana Sugisaki, Sôta Fukushi, Erika Toda, Min Tanaka, Tsutomu Yamazaki. Producción: Warner Bros, Oriental Light and Magic. Distribución: Netflix. Género: Acción.
‘El Gran Showman’ es un audaz y original musical que celebra el nacimiento de la industria del espectáculo y la sensación de asombro que nos domina cuando los sueños se hacen realidad. Inspirado en la ambición y la imaginación de P.T. Barnum, narra la historia de un visionario que surgió de la nada para crear un fascinante espectáculo que se convirtió en una sensacion mundial.
Crítica
Hugh Jackman nos hace bailar en ‘El gran showman’.
La opera prima de MichaelGracey llega a nuestros cines en una época muy buena en la que nos metemos en las salas con ganas de ver algo alegre y sin complicaciones. Así es ‘El granshowman’ una cinta muy disfrutable y con un ritmo rápido, sin pausas que hará las delicias de muchos.
HughJackman que esta vez no solo ha estado frente a las cámaras, sino que además se ha colocado como productor, se presenta como P.T. Barnun, un hombre ambicioso y con grandes ideas de negocio.
La cinta se centra en la vida de este hombre, que desde niño siempre quería ser más de lo que era, quería hacer dinero y vaya si lo consiguió. Con su circo de variedades, con seres humanos con deformidades o simplemente características especiales supo venderlo hasta lograr hacer fortuna y negocio impresionantes, eso sí, muchas veces a base de estafas.
Michael Gracey le pinta más amable y su espectáculo no es solo admirar a las personas, sino mas bien algo mucho más cercano a un gran musical, con coreografías impresionantes y gente con voces de ángeles bajo enormes barbas.
También nos deja mensaje durante toda la cinta, pues ves como el miedo hacia lo desconocido, hacia lo diferente llegaba a ser tanto que se terminaba convirtiendo en odio y preferían esconder a esas personas de la sociedad e incluso matarlas.
El reparto está perfectamente escogido, HughJackman disfruta en esta cinta, se le ve, baila, canta y actúa como siempre, maravillosamente. Y por supuesto mencionar a ZacEfron y a Zendaya, que brillan con luz propia en esta película. La fragilidad de ella y la fuerza de Zac crean en la pantalla una de las coreografías más bonita de la película.
En cuanto a la música me ha parecido estupenda, no es típica de la época, es música pop, pero te engancha desde el minuto uno y saca las ganas de bailar a cualquiera. Decir, que los creadores de todo esto son los mismos autores que hicieron la banda sonora de ‘La, la, land’.
Se deja ver el mimo y cariño hacia esta cinta cuando observamos la gran puesta en escena, han tenido que dedicar muchos ensayos para llegar a tanto nivel, los movimientos, las canciones, nos muestran a gente muy profesional.
Las tres nominaciones a los Globos de Oro son muy merecidas, que vaya a ganarlos o no ya es otra historia, este año ha sido un gran año para el cine y la lucha por los premios va a ser vertiginosa. Pero el reconocimiento ya se lo han llevado.
Sin duda os recomiendo ‘El gran showman’ una película que va a gustar a mayores y pequeños, muy apta para estas fechas en las que estamos toda la familia unida. Consigue entretener desde el principio y ese es el gran propósito del cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de diciembre 2017. Título original: The Greatest Showman. Duración: 105 min. País: Estados Unidos. Dirección: Michael Gracey. Guión: Jenny Bicks, Bill Condon. Música: Benj Pasek, Justin Paul. Fotografía: Seamus McGarvey. Reparto principal: Hugh Jackman, Michelle Williams, Zac Efron, Zendaya, Rebecca Ferguson, Isaac Eshete, John Druzba. Producción: 20th Century Fox. Distribución: 20th Century Fox. Género: Musical. Web oficial:http://www.fox.es/el-gran-showman
Basada en una historia real. Durante la ocupación nazi en Francia, Maurice y Joseph Joffo son dos hermanos judíos que deben separarse de su familia para evitar su deportación a campos de concentración. Haciendo muestra de gran astucia, coraje e ingenio, intentarán sortear a los soldados alemanes para llegar a la zona libre del sur de Francia y reunirse con los suyos.
Crítica
Recuerdos de una infancia truncada por la guerra narrados con delicadeza.
Los franceses haciendo alarde de su clásica sensibilidad y finura a la hora de desarrollar un drama nos acercan a una nueva historia ambientada en la época de la Segunda Guerra Mundial. Irónicamente, Christian Duguay, el director de ‘El arte de la guerra’, ha construido un discurso en contra de todo aquello que rompe la paz de una familia. ‘Una bolsa de canicas’ sigue los pasos de un clan que se ve dispersado por el país galo por culpa de la invasión alemana en los años cuarenta, como si se tratase de un conjunto de canicas golpeadas al jugar a la troya.
Según vas viendo la película da la impresión de que está dividida en muchas etapas, en excesivas. Los protagonistas pasan por continuas huídas, sufren sucesivos infortunios que nos abren muchos capítulos que parece que están pensados para cebarse en la desgracia y en el sufrimiento, para crear una historia cada vez más desdichada. Pero al final, al principio si vais a verla con esta crítica leída, descubres que está basada en una historia real. Entonces dices ¡vaya! es fascinante que unos chiquillos se antepusiesen de verdad a todas esas adversidades. Admiras más el trajín de viajes y mentiras que tuvieron que manejar durante unos años estos judíos, sobre todo los dos niños protagonistas que es en quien se centra el largometraje.
Porque esta película está fundamentada en la novela escrita por Joseph Joffo, escritor francés que en su infancia sufrió el acoso de los nazis y que en la película está interpretado por el pequeño Dorian Le Clech. Él y su familia tuvieron que dejar París y como muchos otros judíos viajar al sur de Francia para huir de la guerra. Al tratarse del relato de un adulto sobre lo que le sucedió cuando era niño tenemos una perspectiva un tanto diferente a las hasta ahora vistas. Es decir, si, es una película más sobre los nazis pero con la con la salvedad de tener un punto de vista más candoroso, mucho más enfatizado en recuerdos familiares y en pequeños detalles, de un modo casi tan eficiente como en ‘La vida es bella’.
Al igual que la película de Benigni busca tocarnos la fibra de la manera más tierna posible. Busca la complicidad y sensibilidad del espectador a través de continuos reencuentros y unos niños que las pasan canutas. De ahí que el título tenga también un sentido metafórico, es decir, los protagonistas experimentan una madurez forzada por unos tiempos durísimos y muy distintos a los que vive ahora el país galo. Una bolsa de canicas deja de ser lo más importante en la vida de nuestro protagonista principal.
A parte de todo esto hay que apreciar la buena ambientación, con un diseño de producción risueño y bello, lejos de la suciedad y la oscuridad que suele predominar en películas sobre el holocausto. También podría parecer obligatorio mencionar la presencia de Christian Clavier en uno de los momentos clave del filme, pero lo cierto es que me ha parecido muy escueta y comedida.
‘Una bolsa de canicas’ no nos abre ninguna cuestión que no hayamos debatido ya ni nos pone de manifiesto ninguna verdad que no haya salido antes a la luz. Pero si es un relato familiar, no para toda la familia, emotivo y con muy buenos planos rodados.
Ficha de la película
Estreno en España: 29 de diciembre de 2017. Título original: Un sac de billes. Duración: 110 min. País: Francia. Dirección: Christian Duguay. Guión: Jonathan Allouche, Christian Duguay, Alexandra Geismar, Benoît Guichard. Fotografía: Christophe Graillot. Reparto principal: Dorian Le Clech, Batyste Fleurial, Patrick Bruel, Elsa Zylberstein, Christian Clavier, César Domboy, Ilian Bergala, Kev Adams, Lucas Prisor, Bernard Campan. Producción: Quad Productions, Main Journey, Forecast Pictures, Gaumont, Okko Productions. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama, adaptación, hechos reales. Web oficial:http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/751/una-bolsa-de-canicas/
Cuando un famoso erudito de la arquitectura se enferma de repente, su hijo Jin se encuentra varado en Columbus, Indiana, una ciudad del Medio Oeste de EE.UU. conocida por sus edificios modernistas. Jin comienza una amistad con Casey, una chica inteligente y aficionada a la arquitectura que trabaja en la biblioteca de la ciudad.
Crítica
El hormigón de Columbus como espejo del alma.
Primera película de Kogonada. Cine desde Estados Unidos pero de corte oriental, eso no hay quien lo niegue. El tratamiento de la historia es muy propio del cine asiático. Empezamos con dos personajes que a priori no tienen nada que ver. Pero la casualidad o el destino hacen no solo que sus vidas se crucen, si no que las cosas que tienen en común les ayuden a dar pasos importantes en su vida que nunca antes habían dado. Poco a poco se emplea algo terrenal (como la arquitectura) para llegar a algo sentimental o emocional. Esta es una historia de amistad generacional. Como dice la protagonista interpretada por Haley Lu Richardson, la película «es asimétrica pero mantiene el equilibrio». Es decir, los dos personajes poseen vidas que parecen tener paralelismos, pero no son nada parecidas. Sin embargo puestas en una balanza se estabilizan el uno al otro.
Tiene reflexiones muy interesantes sobre paradigmas actuales que se dan en la vida cotidiana y que están cambiando en las nuevas generaciones. También tiene muchas cavilaciones sobre la influencia e influjo de los edificios en nuestra cultura y existencia.
En ‘Columbus’ tenemos fotogramas muy pardos, pero aún así acompañados de colores vivos. Es un desfile de edificios de todo tipo. No pasan más de diez minutos sin que veamos imágenes armónicas tanto de interiores como de exteriores. Con puntos de fuga casi sacados de dibujos técnicos, de planos realizados a perspectiva cónica o caballera. En otras escenas son los espejos los que nos dan las instantáneas que queremos ver, por minúsculo que quede reducido nuestro campo de visión. Es lógico que tenga una imagen así de cuidada debido a que su argumento está relacionado con la arquitectura. Elisha Christian es el encargado de esta magnífica fotografía. Si indagáis en su trabajo os sorprenderá mucho ver en qué y cómo ha estado inmiscuido.
Esta película que Kogonada ha dirigido y escrito es su descripción sobre el qué es la felicidad: si lo que te hace sentir bien día a día o el perseguir las metas que supuestamente puedes alcanzar o te marca la sociedad. En ese sentido los dos personajes protagonistas tienen opiniones muy encontradas que llegan a chocar y debatir de un modo muy pausado y paulatino. Pero además de eso, ‘Columbus’ también es una apuesta por una estética muy personal y cuidada que tampoco tardará en encontrar incondicionales.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de diciembre de 2017. Título original: Columbus. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Kogonada. Guión: Kogonada. Música: Hammock. Fotografía: Elisha Christian. Reparto principal: John Cho, Haley Lu Richardson, Parker Posey, Michelle Forbes, Rory Culkin, Jim Dougherty, William Willet. Producción: Depth of Field, Nonetheless Productions, Superlative Films. Distribución: Versus Entertainment. Género: drama. Web oficial:http://versusent.es/pelicula/columbus/
Colores es la historia de Tito un niño ciego que deja la ciudad para pasar unos días en un pueblo interior de Alicante con su abuela Fina a la que no conocía. Allí encuentra la amistad desinteresada de Candela y a Patuchas su perro con los que conoce la sencillez de vivir en el campo, la libertad y la fuerza de poder valerse por sí mismo sin importar su discapacidad.
Crítica
Colores, enseña que todos podemos tener un mundo nuevo por sentir.
Aprender a ponerse en el lugar de otros es algo que desde muy pequeños debemos aplicarnos. ‘Colores’ puede instruir a los niños desde una temprana edad en esa valiosa competencia de la vida. Pero además lo hace en relación a un tipo de personas a la que todos hemos reconocido alguna vez en la vida sentir admiración por su superación de barreras en el día a día.
El corto plasma de manera visual como es o como debe ser el mundo en la cabeza de una persona invidente. Ilustra los sonidos y sensaciones que recibe el cerebro del niño con imágenes en blanco y negro, con simples trazos de líneas sobre fondo negro, como si fuesen garabatos en una pizarra de colegio. Una magnífica representación que nos ayuda a entender cuánto hacen estas personas a partir de sus recursos. Lo cual nos lleva a una de las enseñanzas. Y es que este cuento demuestra, como otras muchas historias, pero preparado para niños, que un ciego no es inútil.
Pero además de mostrarnos la necesidad de un niño por valerse por sí mismo hace notar lo importante que es salir de ciudad y descubrir el campo y la naturaleza. El peligro de crear niños civitas nos lleva a tener generaciones ignorantes en su entorno y Tito, el protagonista, es uno de ellos. El modo en que se maravilla y asombra con cada sonido y sensación que le rodea en el entorno rural me parece un mensaje de alerta perfecto para esta época. Pues no hace falta que sean ciegos los niños de ahora para que experimenten lo mismo, simplemente con que cojas a alguno casi al azar de una gran ciudad y le despegues de su tablet o smartphone comprobarás las mismas reacciones.
Y en referencia a las nuevas tecnologías. La animación se agradece pues es un regreso a las dos dimensiones tradicionales. Unos dibujos sin grandes complicaciones pero eficientes.
Este trabajo, que bien podría dar pie a una serie, tiene niños que a los que quizá se les han atribuido algunas frases más propias de un adulto, pero por lo demás enseñan valores muy importantes y descubren verdades a las que muchos jóvenes hay que abrir los ojos.
Ficha de la película
Estreno en España: 2017. Título original: Colores. Duración: 19 min. País: España. Dirección: Sami Natsheh, Arly Jones. Guión: Sami Natsheh. Música: Alejandro Saura. Animadores: Alex Muñoz Gil, Rocío Silveira-Márquez, Isabel Morcillo Ruiz, Javier Cano Marín, Ksenia Fetisova, Sergi Ferrándiz Brotons, Pablo Martínez Pérez, Rosa María Medina Camarena, Cristina Vaello Alumbreros, Massimiliano Nadalini y Alejandro Fernández Sánchez. Reparto principal (doblaje): Sara Ramos, Máximo Pastor, Francesc Anyó, Iolanda Muñoz, Darío Torrent. Producción: Horizonte Seis Quince. Género: animación. Web oficial:http://www.horizonteseisquince.com/colores.html
Dar voz y visibilidad a las víctimas del Franquismo, recoger sus testimonios, acabar con la indiferencia de buena parte de la sociedad y restituir su derecho a la memoria y a la justicia son los objetivos del documental LESA HUMANITAT, dirigido por Héctor Fáver y narrado por el actor Eduard Fernández, un trabajo sin ánimo de lucro sobre memoria histórica y justicia universal.
Crítica
Un documental necesario para dar voz a mucha gente silenciada.
‘Lesa Humanitat’, dirigida por HéctorFaver nos trae un documental que trata un tema, que aunque siempre está en boca de todos los españoles, realmente es bastante tabú y es la Guerra Civil y todas sus desapariciones o el tema de las fosas comunes.
Lesahumanitat se entiende como un ataque generalizado o sistemático contra una población civil y con conocimiento de dicho ataque.
Nada más comenzar el documental se nos muestran un montón de datos, de distintos lugares en los que se han vivido dictaduras o distintas guerras y se nos da a conocer que Camboya es el lugar con mas fosas comunes en el mundo, seguido de España.
Con esto nos adentramos en una parte de nuestra historia bastante cercana y cruenta, donde hermanos lucharon y muchos murieron o desaparecieron, como en el caso de niños supuestamente muertos al nacer, que seguramente acabaron en manos de otros padres, más ricos y poderosos que los biológicos.
Compara el caso de España por ejemplo con el de Argentina, parecido, en el que también muchas madres vieron desaparecidos a sus hijos durante la dictadura.
El documental lo escuchamos en catalán y castellano con la voz de EduardFernández, que nos da paso a numerosos datos y nos presenta a distintos personajes a lo que se van entrevistando. Entre ellos el juez Garzón, JoanTardá, GerardoPisarello, SoledadLuque, CarlosSlepoy, entre otros.
Testimonios importantes que hacen ver que por mucho que los políticos digan que se tiene que olvidar es complicado cuando no sabes que es lo que ocurrió de verdad con alguien de tus antepasados, sobre todo siendo tan cercana la guerra.
El documental en general es bastante interesante, pero puede hacerse un poco pesado, al ser pausado y con tantos datos, aunque son necesarios para ver la realidad tal como es, pero sí que quizá pueda llegar a cansar un poco al público.
Es la única pega que le puedo dar a esta obra, realmente necesaria y que hará que veamos de una manera distinta todo lo ocurrido en el pasado y que intente abrirnos los ojos un poco para darnos cuenta que hay cosas que son necesarias cerrar, aunque muchos digan que es pasado y se tenga que olvidar.
Ficha de la película
Estreno en España: 19 de diciembre (Barcelona), 21 de diciembre (Madrid). Título original: Lesa Humanidad. Duración: 98 min. País: España. Dirección: Héctor Faver. Guión: Héctor Faver. Música: Lito Vitale. Fotografía: Gerardo Gormezano. Reparto principal: Eduard Fernández (voz en off). Producción: Vargtimmen Films, Aureal Theorem. Distribución: Segarra Distribución. Género: Documental. Web oficial:http://vargtimmenfilms.com/lesa-humanitat/
Un relato de pasión, violencia y traición que cuenta la historia de cuatro personajes cuyas vidas se entrelazan en el ajetreo y el bullicio del parque de atracciones de Coney Island en la década de los 50.
Crítica
Woody Allen diseña un escenario de ensueño para que Kate Winslet nos haga soñar.
El octogenario Woody Allen vuelve a la palestra capitaneando un competente drama ambientado en los años 50, el cual escribe y dirige (una vez más) y que además viene bien arropado por un conjunto técnico de categoría.
La historia se ambienta en el viejo parque de atracciones de Coney Island, una imagen de una montaña rusa y una gran noria al lado de la playa que hemos visto decenas de veces aunque nunca hayamos estado allí.
Nada más empezar la película escuchamos la voz de un narrador que nos empieza a introducir en la historia, y pronto esa voz se torna en un rostro (Justin Timberlake) que está hablando al espectador, rompiendo esa famosa cuarta pared, para ponernos en situación y contarnos un relato que tiene como protagonistas a él mismo (un socorrista con aspiraciones de dramaturgo), a un matrimonio formado por el dueño de un carrusel, con una vida rutinaria y problemas de control cuando consume alcohol (James Belushi) y su mujer, una actriz frustrada al límite de la vida que lleva como madre, esposa y camarera en ese lugar (Kate Winslet). El cocktail lo completan el hijo pirómano de ella y la joven y guapa hija de él que después de 5 años vuelve a casa con un problema gordo entre las manos.
Así como os lo he presentado yo, el escenario está planteado en los primeros veinte minutos de metraje en el filme. También en las primeras secuencias vemos la gran noria que nos da el título de la película y que sin duda es una metáfora de la misma.
Luego, lo que viene a continuación, no hace más que sumar y sumar a un drama donde el amor es el detonante de todo lo demás. El amor que cada uno de los personajes tiene por algo o alguien en concreto, hace que el conflicto se infle como un globo en todas direcciones.
Tenemos una obra donde los personajes se mueven desde sus anhelos más profundos, donde el deseo de ser amado, los celos, los fuertes lazos familiares, la locura transitoria, las cicatrices imborrables del pasado, la lucha diaria… todo encaja como en una obra de Eugene O´Neill, fuente inequívoca de la que bebe Allen, donde aquellos personajes que luchan por mantener sus esperanzas y aspiraciones, por encontrar una salida a sus vidas en una sociedad marginal, suelen acabar desilusionados y cayendo en la desesperación.
En medio de toda esa mezcla tan potente y dramática, hay una actriz que se mueve como pez en el agua, absorbiendo cada minuto que sale en pantalla y dejándonos fascinados por su capacidad interpretativa, siendo ella y únicamente ella, sin olvidarnos de la gran aportación del veterano James Belushi en su papel, el centro de todo lo que ocurre en el largometraje. Supongo que a estas alturas sabréis que hablo de Kate Winslet. Ella parte y reparte y se queda tan a gusto que lo vuelve a hacer para nuestro deleite. Os podrá gustar más o menos el guión, pero solo por ver a la amiga Kate ya vale bien el precio de la entrada.
Pero como os decía al principio, ‘Wonder Wheel’ luce un diseño de producción de primera, una fotografía de primera y una música que no te puede dejar indiferente y que te traslada a la época y a la historia que te quiere contar su gran director.
No obstante, falla algo en el conjunto, algo que le impide que sea un drama redondo. Quizá sea el guión, quizá sea alguna elección de casting poco acertada o el conjunto de ambas cosas o ninguna, que haga que la película caiga en su propia metáfora, o quizás estaba así planeada.
Porque la vida a veces puede ser como una noria, a veces estás arriba, a veces abajo, pero por más que quieras salir de ese circulo, no puedes nada más que seguir atrapado dentro de él una y otra vez…Una y otra vez.
Lo bueno: Kate Winslet y la calidad técnica de la película.
Lo menos bueno: No lo sé. Bueno venga, Justin Timberlake no me convence.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de diciembre. Título original: Wonder Wheel. Duración: 101 min. País: EE.UU. Dirección: Woody Allen. Guión: Woody Allen. Fotografía: Vittorio Storaro. Reparto principal: Jim Belushi, Juno Temple, Justin Timberlake, Kate Winslet. Producción: Gravier Productions, Amazon Studios. Distribución: A Contracorriente Films. Género: drama. Web oficial:http://www.wonderwheelmovie.com/
En un restaurante de lujo tiene lugar una cena, a primera vista diplomática, entre dos parejas adultas. A medida que avanza la comida los comensales pierden sus inhibiciones y modales con el fin de salvaguardar la inocencia de sus respectivos hijos acusados de un grave delito. Los secretos y revelaciones de los presentes desembocarán en un acto inesperado que sacudirá sus vidas.
Crítica
Una buena historia desaprovechada hasta el final.
Basada en la novela de Herman Koch,‘La cena’ cuenta con un reparto estupendo y un director que ha escogido una buena historia, pero que al final no ha sabido llevar a cabo. Demasiado complicado hace todo el relato, para que al final quede toda la trama en el aire.
¿Qué ocurre si sabes que tu hijo ha asesinado a alguien? ¿Y si ese alguien es una mujer sin techo que vive en un cajero? Aquí está el debate que nos abre ‘Lacena’ y con el que deberíamos hablar los espectadores al salir de la proyección, pero no ocurre nada de esto. Pues OrenMoverman lía tanto la historia que realmente sales mareado y sin saber muy bien sobre de que iba la cinta.
El director nos introduce muchos flashbacks de la vida pasada de los padres que están de cena para ver que hacen con sus hijos, flashbacks a mi parecer innecesarios, pues tendrían que haberse centrado en el tema del asesinato que perpetran los críos.
Sobre todo se centran en el papel de SteveCoogan (‘Laexcepción a la regla’) un hombre con una enfermedad mental que no dejan demasiado clara y que se pilla toda la película llamando simio a su hermano y soltando todo el odio que tiene hacia él, eso sí aprendes mucho sobre la batalla de Gettysburg, de la que está totalmente obsesionado.
RichardGere es un congresista que está en plena campaña, peor es el encargado de intentar llevar un poco la lógica a la situación y aunque su corazón sufra, sabe que su hijo tiene que pagar por lo que ha hecho.
Las dos actrices, RebeccaHall y LauraLinney están increíbles, dos madres que solo luchan para que sus hijos se salven, aunque tengan que pisar a cualquier ser humano que se ponga por delante. Realmente da miedo las palabras que llegan a salir de su boca, pues la falta de humanidad nos muestra que en momentos desesperados nos volvemos completamente animales.
En mi opinión si la película hubiese girado en el debate, nos hubiese mostrado bien todas las posiciones, discusiones, nos habría dado mucho más en lo que pensar, pero el problema que este debate solo se ve durante la última media hora de la cinta, dejándote con ganas de más.
Además que el tema que trata es muy serio, como para haberlo desaprovechado de esta manera, me ha parecido muy triste que no se haya dado más hincapié en esto. Que sí, las escenas del cajero que salen son duras, supongo que se habrán basado en el caso que ocurrió en España, pero aunque sean duras, queda ahí, como una subtrama poco importante.
‘La cena’ me ha dejado demasiado fría, eso sí, la fotografía de la comida, la puesta en escena y la música es más que correcta, visualmente vais a disfrutar mucho, pero poco más.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 diciembre 2017. Título original: The Dinner. Duración: 120 min. País: Estados Unidos. Dirección: Oren Moverman. Guión: Oren Moverman, basado en la novela de Herman Koch. Música: Elijah Brueggemann. Fotografía: Bobby Bukowski. Reparto principal: Richard Gere, Steve Coogan, Laura Linney, Rebecca Hall, Chlöe Sevigny. Producción: BlackBird, Code Red. Distribución: DeAPlaneta. Género: Drama. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/la-cena
En Jumanji: bienvenidos a la jungla cuatro improbables amigos son absorbidos por el peligroso mundo de Jumanji, y transformados en avatares con habilidades únicas. Todos ellos deberán embarcarse en la aventura más arriesgada de sus vidas, o quedarán atrapados en el juego para siempre…
Crítica
Las mismas reglas con distinto formato. Un Jumanji más espectacular.
El director Jake Kasdan coge las riendas de la película que en 1995 Joe Johnston incrustó a golpe de tambor en nuestros corazones. No es de extrañar la elección de este director de comedias pues la película busca conectar con el público joven de esta época, no con el que vio la versión de Robin Williams, y el tono a emplear es muy diferente. De ese modo se procura, con acierto, evitar un batacazo como el de ‘Zathura’ película que también salió de una obra del escritor Chris Van Allsburg.
En la corriente de remakes y reinicios que vivimos es difícil que los que ya sentimos un tipo de cine en los ochenta y parte de los noventa volvamos a retomar ciertas sensaciones. Porque si hay algo que me ha hecho sentir ‘Jumanji: bienvenidos a la jungla’ es algo «viejoven», como dicen los amigos chanantes. Antes nos dejábamos imbuir por unas historias más sensibleras y entrañables. Las nuevas generaciones piden películas menos inocentonas, necesitan una acción más realista, un humor diferente y otro tipo de moraleja. Yo todo eso lo disfruto y por eso esta versión de Jumanji me ha gustado, pero echo de menos, en parte con nostalgia hacia la película original, que se haya perdido esa magia.
Parece que Sony Pictures con películas como esta o ‘Cazafantasmas’ no tiene miedo y se atreve a renovar y a aplicar nuevos códigos. En este caso tampoco se olvida de los orígenes, empieza dónde terminó la otra y le lanza varios guiños. Todo sigue girando en torno al juego y los protagonistas forman parte de él al cien por cien, más incluso que antes pues nos enseñan las entrañas de este. Los juegos de mesa no han pasado de moda. De hecho según mi experiencia y observaciones diría que viven una segunda juventud. Pese a ello se ha decidido convertir a Jumanji en un sandbox que bien podría ser un room scape o survival de alto precio. Los protagonistas viven el videojuego de un modo mucho más realista de lo que es la realidad virtual o la realidad aumentada pues se transportan a él. La selva de Jumanji es un mundo vivo, que quizá algún día sabremos de donde salió, en esta entrega no se han atrevido a darle origen y eso también se agradece pues quizá habría quedado demasiado atrevido.
De un modo divertido, cargado de chistes y personajes no excesivamente faltones se nos lleva a un viaje introspectivo y un reto no solo consistente en jugar si no también en ponerse en la piel de otros. En ese sentido el mejor ha sido Jack Black manteniendo su personaje femenino constantemente. No es fácil ver al actor fuera de papeles tan distintos a los habituales, como ya nos sucedió en ‘Bernie’. Pero está claro que el protagonismo se vuelca en un Dwayne Johnson cada vez más presente en nuestras carteleras y que aquí desborda carisma a pesar de que su personaje le obliga a no tenerlo.
La conclusión a la que llegas durante ‘Jumanji: bienvenidos a la jungla’ es también la misma que en la anterior película: que el juego de ‘Jumanji’ es un pedazo de cabroncete, el cual, sin hacerte trampas intenta matarte poniéndotelo cada vez más difícil. La película cuenta con un guionista de ‘Fringe’ (Jeff Pinker), otro de ‘Con Air’ (Scott Rosenberg) y otros de ‘Spider-Man: Homecoming’ y ‘Community’ (Eric Sommers y Chris McKenna), a si es que con este elenco de escritores y actores no se podía esperar otra cosa que un espectáculo de adrenalina y humor desenfadado.
Ficha de la película
Estreno en España: 22 de diciembre. Título original: Jumanji: Welcome to the Jungle. Duración: 19 min. País: EE.UU. Dirección: Jake Kasdan. Guión: Jeff Pinkner, Scott Rosenberg, Erik Sommers, Chris McKenna. Música: Henry Jackman. Fotografía: Gyula Pados. Reparto principal: Dwayne Jonhson, Jack Black, Kevin Hart, Karen Gillan, Nick Jonas. Producción: Radar Pictures, Seven Bucks Productions, Matt Tolmach Productions, Sony Pictures. Distribución: Sony Pictures. Género: aventuras, fantástico, adaptación. Web oficial:http://www.jumanjimovie.com
‘Muchos Hijos, un Mono y un Castillo’ son los deseos con los que soñó Julita desde niña, y los tres se han convertido en realidad.
Cuando el menor de sus hijos se entera de que su madre ha perdido la vértebra de su bisabuela asesinada, guardada a lo largo de tres generaciones, la familia emprende una estrafalaria búsqueda entre los más peculiares y extraños objetos que Julita ha ido acumulando a lo largo de sus más de ochenta años, mostrándonos una ágil y divertida galería de personajes.
Lo que en realidad Julita está a punto de encontrar es el verdadero significado de la vida.
Crítica
La familia numerosa de Julita crecerá con cada espectador que la vea.
Si tienes una buena colección de videos caseros grabados con equipos que van desde una cámara Super 8 hasta un iPhone 6 ya es buena señal de que tienes una gran cantidad de material, válido para hacer un documental casero. Si además lo que has grabado es una historia peculiar, con altibajos económicos y conversaciones políticas esos vídeos pueden reflejar de manera doméstica la historia de tu país. Pero si por encima de todo esto tu madre posee una personalidad arrolladora el éxito del filme o por lo menos la legión de fans está asegurada. Al igual que otras películas ‘Muchos hijos, un mono y un castillo’ se lo debe todo a su persona, me gustaría evitar la palabra personaje, más que a su historia. La figura de Julita Salmerón es tan carismática, disparatada, entrañable y singular que hace que cada comentario y escena sean dignas de atesorar. El descubrimiento de esta matriarca llega de igual modo que nos llegó el de Carmina Barrios, levantando pasiones entre los espectadores, casi ganándose aún más hijos entre el público, con la salvedad de que en esta ocasión no tenemos un protagonista semi-ficticio, sino a alguien totalmente real.
Pero la familia de Julita también tiene lo suyo de particular, como todas si las vamos conociendo en detalle. Lo único es que los deseos de la protagonista, hechos realidad gracias al azar y la fortuna, acentúan estas singularidades. Porque no es muy común vivir en un castillo, tener un mono o guardar las vértebras de un familiar muerto, lo cierto es que no. Pero aún así es entrañable, casi como ver los recuerdos de uno mismo, ver a este clan en situaciones la mar de hogareñas.
‘Muchos hijos, un mono y un castillo’ necesitaría algo más para traspasar la barrera de lo cotidiano, para ser algo más que un documento familiar o una serie de anécdotas, tal vez haber concluido la historia cerrando el círculo de algún modo más revelador. No obstante nos descubre a una persona de esas que siempre han vertebrado nuestro país con su carismática personalidad y peculiar visión de la vida, la cual ha ido transformándose con el paso de los años. Los continuos disparates que dice o hace Julita son lo mejor de la película, uno no sabe si son cosas de la edad o maneras de vivir, como decía aquel.
Ficha de la película
Estreno en España: 15 de diciembre de 2017. Título original: Muchos hijos, un mono y un castillo. Duración: 88 min. País: España. Dirección: Gustavo Salmerón. Guión: Gustavo Salmerón, Raúl de Torres, Beatriz Montaez. Música: Mastretta. Fotografía: Gustavo Salmerón. Reparto principal: Gustavo Salmerón, Julita Salmerón. Producción: Sueños despiertos P.C. Distribución: Caramel Films. Género: comedia, documental. Web oficial:http://www.caramelfilms.es/site/sinopsis/muchos_hijos_un_mono_y_un_castillo
Nueva gran recopilación de dilemas para nuestro futuro cercano.
Hemos vuelto a mirarnos en el ‘Black Mirror’ y vosotros podréis hacerlo próximamente a partir del 29 de diciembre en Netflix. La miniserie que alimenta la paranoia colectiva en torno a las nuevas tecnologías retorna con una cuarta temporada y vuelve más fuerte que la anterior. Si en los episodios que pudimos ver en 2016 notamos que se abrían menos debates o que las ideas que nos llegaban ya estaban demasiado obsoletas o carentes de interés, en las de este año no sucede lo mismo. Los guiones que ha ideado Charlie Brooker en estos seis nuevos episodios son superiores, casi todos os van a generar un diálogo inmediato con vuestra pareja, amigos o compañeros de trabajo. Se ha recuperado ese toque que nos hacía pensar y se han incorporado esas ideas no tan descabelladas que en un futuro podríamos ver puestas en marcha en nuestras vidas cotidianas.
Aunque a continuación os hablaré en detalle y sin spoilers de cada episodio os adelanto que me quedo con ‘Black Museum’, ‘ Hang the Dj’ y ‘Arkangel’. Aunque ‘USS Callister’ y ‘Cabeza de metal’ me han llegado muy profundo por razones seriéfilas y cinematográficas que luego os relataré.
Como he dicho, el creador de la serie, Charlie Brooker, es quien escribe todos los episodios y tan solo en uno, en ‘USS Callister’, comparte crédito. Lo hace con William Bridges, quien escribió también un episodio el año pasado, el de ‘Shut up and dance’, ese en el que un chico tenía que seguir las órdenes de alguien que le había visto a través de su webcam. Brooker ha conseguido que se mantenga la línea de la serie original. Una colección antológica que nos mantenga pensativos y sea altamente tecnológica. Aunque alguno toca lo amoroso como sucedió el año pasado con el exitoso ‘San Junipero’, se ha ido menos a lo romántico. Lo importante como había sido siempre en esta serie era mostrar las inquietudes, las repercusiones sociales o las transformaciones que podrían sufrir nuestras vidas con los avances de la ciencia. Os garantizo que en esta cuarta temporada vais a tener una buena ración de todo esto.
Además el reparto y el equipo tras las cámaras de este año es muy bueno. Nada más arrancar con ‘Arkangel’ ya dirige Jodie Foster, quien a parte de su reconocida carrera como actriz está sacando pecho con sus éxitos en series como ‘Orange is the new black’ o su película ‘Money Monster’. Y en otros episodios tenemos actuaciones entregadísimas como la de Maxine Peake en ‘Cabeza de metal’, algunas totalmente carismáticas como la de Jesse Plemons en ‘USS Callister’ y otras muy memorables, como la de Douglas Hodge en ‘Black Musseum’.
4×01 ‘Arkangel’
Buen arranque para la serie, sobre todo en una época en la que tanto se está criticando nuestro sistema educativo, la manera en que los nuevos padres crían a sus hijos y la preparación que tienen las nuevas generaciones para formar ciudadanos hechos y derechos. Nuestra dependencia de las tecnologías y la desaparición progresiva del sistema de crianza tradicional está muy presente en un episodio en el que muchos padres podrían sentirse controladores al verlo.
El episodio que ha dirigido Jodie Foster podría entenderse como una crítica a lo ineficientes que son ahora los padres. A como toman el camino fácil, a como prefieren gastarse grandes sumas de dinero para facilitar el cuidado de sus hijos a riesgo de poner su salud en peligro, sin apenas darse cuenta. Es decir, mucha gente prefiere una vida cómoda antes que romperse los cuernos educando.
También muestra que no es bueno hacer que un niño evite enfrentarse a los retos como el miedo o la independencia. No se puede ser sobreprotector hasta el punto de distorsionar la realidad o violar la intimidad.
4×02 ‘Cocodrilo’
Quizá el episodio más flojo de la temporada. Una historia casi detectivesca o policial donde el elemento de ciencia ficción prácticamente juega un papel en segundo plano. Realmente no plantea un dilema moral o un debate social. Es un juego del gato y el ratón, un thriller en el que la privacidad de la memoria es un tesoro difícil de conservar.
Sí que son buenas las actuaciones de Kiran Sonia Sawar y la de Andrea Riseborough, en cierto sentido me han recordado un poco a ‘Blade Runner’.
4×03 ‘Black Museum’
El regalo de esta temporada. Nos gustaría conocer más historias de este museo negro del crimen pero nos descubren tres surgidas de algunos de sus objetos y con eso obtenemos un deleite. Una trilogía de narraciones relacionadas por supuesto con la tecnología y que suponen tres minicapítulos en uno pues tiene varios casos u ocurrencias contenidas en él. No hay ingenio de este episodio que no os vaya a parecer curioso y seguro que pausáis un instante para hablar sobre cada uno de ellos.
Aunque comienza muy retro es bastante moderno y al tratarse de un museo os dejará algún que otro easter egg, a ver si lo reconocéis.
Seguro que es el episodio que más dará que hablar por el número de ideas que da pero también por el buen papel que han interpretado sus actores. Comparten protagonismo Douglas Hodge y Letitia Wright. Al primero fijo que le recordáis de ‘Penny Dreadful’ y a la segunda la vais a ver en ‘Black Panther’, en ‘Avengers: Infinity War’ y en ‘Ready Player One’.
Otro atractivo para la gente de nuestro país es que parte de la historia ha sido rodada en la prisión provincial de Málaga y en la provincia de Almería.
4×04 ‘Hang the Dj’
Seguro que tenéis un amigo inscrito en alguna red de contactos amorosa o que emplea las redes sociales para ligar. Pues este es el capítulo que le tenéis que recomendar. Lleva al extremo el tema de las webs de contactos. Como podéis ver en el tráiler que ha lanzado Netflix los protagonistas están suscritos a un sistema de citas que les dice el tiempo que van a estar juntos. En este futuro cercano que nos plantean está todo automatizado y programado, hasta las relaciones.
Muy buena manera de avocar por las relaciones humanas tradicionales, por clamar por el contacto humano, por alabar los fallos de nuestra especie y seguir avocando eso de «querer a tu pareja por sus defectos» no de buscar a la persona perfecta.
Los actores aunque no muy conocidos están bien dirigidos. El director de este episodio, Tim Van Patten, se ha encargado de capitanear episodios de ‘The Pacific’, ‘Los Soprano’, ‘ Boardwalk Empire ‘ o ‘Juego de Tronos’ y eso lo notaréis al final.
4×05 ‘Cabeza de metal’
El episodio con más acción de toda la temporada. Este sí que no plantea, al menos para mí, ninguna cuestión en cuanto a progresos científicos que no se haya planteado antes. Es un slasher futurista en el que como dice su sinopsis unos «carroñeros» tienen que huir de un acosador bastante despiadado, el cual añado yo, no se anda con contemplaciones.
Está rodado totalmente en blanco y negro. Con esto no os doy ninguna pista de su trama, seguramente haya sido un requisito estético de un director que cuida mucho la fotografía como es David Slade (‘Hard Candy’, ‘Hannibal’, ’30 días de oscuridad’, ‘American Gods’).
Me ha calado por tener un resultado muy de serie b, de festival de cine fantástico.
4×06 ‘USS Callister’
Solo con ver el poster y los trajes de los protagonistas viene la mente la saga ‘Star Trek’. Pero en cuanto pasan unos minutos de episodio os va a cambiar bastante el chip. Seguro que os conquista como se calca la estética, el tono y la imitación de los personajes de la serie de los años 60, eso por supuesto si erais seguidores de Leonard Nimoy, William Shatner y compañía. Conmigo en ese sentido se ha conseguido. Pero lo que sucede después no me ha llegado a convencer del todo.
Es muy difícil hablaros de este episodio sin desvelar realmente qué tipo de ciencia insinúa. Cierto es que maneja tecnología muy en boga, no tan desarrollada como la que se ha rodado pero sí que habría que tener en cuenta lo que sucede para evitarlo en nuestro futuro. Si vais a salones fandom rápidamente comprenderéis el sentido de este capítulo.
Cuando una misteriosa y violenta secta amenaza con irrumpir en un hospital aislado, un policía y el personal médico se unen para encerrarse en su interior. Pero mientras se preparan para luchar por sus vidas, descubrirán que la auténtica pesadilla ya está dentro.
Crítica
Cine fantástico plagado de influencias clásicas del terror.
No es mala noticia que películas como esta, de género fantástico y bajo presupuesto, lleguen a nuestras carteleras, sobre todo tras haberse iniciado con un crowdfunding. Aunque su presencia no sea equiparable a la de las grandes producciones podrá ser vista en los cuatro puntos cardinales del país y eso es digno de elogio pues ‘El vacío’ merece ser vista. Es una película de tintes festivaleros, es decir, sin grandes pretensiones, muy ligera de argumento, con mucho disfrute para aquellos que busquen influencias clásicas y de corta duración.
A la hora de construir o identificar este filme las referencias están claras. La premisa es muy de Stephen King, unos personajes con un drama que se palpa entre ellos y que se ven obligados a enfrentarse a algo sobrenatural. La locura que persigue a los protagonistas es muy digna de Lovecraft. Las criaturas podrían formar parte de cualquier juego de la Capcom, con sus colmillos afilados, sus músculos a la vista, sus cabezas agujereadas… Todo el devenir de los acontecimientos está calcado de las películas de Carptenter, como si este hubiese estado inmiscuido en parte del guión o les hubiese asesorado. Incluso dos de los actores del filme (Kathleen Munro y Kenneth Welsh) actuaron en ‘La resistencia de los muertos’ del mítico y hace poco fallecido George A. Romero. Con todo esto no digo que sea una maravilla de película, pero desde luego se nota que sus máximos responsables, Steven Kostanski y Jeremy Gillespie, saben aprender de los grandes maestros e identificar aquello que hace momorable una película de terror.
Algo que han logrado y cabe destacar en ‘El vacío’ son sus monstruos contorsionados, casi sacados del imaginario japonés. Tal es así que nos pueden recordar a películas de terror asiáticas o a videojuegos como ‘Resident Evil’. Lo cual no es de extrañar pues su director Steven Kostanski trabajó en el departamento de arte, con su maquillaje de efectos especiales, de ‘Resident Evil 5: Venganza’, que aunque es una película norteamericana surge de los juegos orientales. El mayor recreo para los ojos por lo tanto está en el desfile de criaturas y de las vísceras que surge de estas o que ellas hacen surgir. A ello hay que sumarle la buena ambientación de la película que nos deja más de una estampa o fotograma digno de guardar en la memoria. Su otro director y guionista, Jeremy Gillespie, se encuentra trabajando en la serie ‘Star Trek: Discovery’ o ha estado involucrado en el aspecto del remake de ‘It’, lo cual son dos buenos indicadores de que ‘El vacío’ os puede entrar muy bien por los ojos.
Al margen de todo esto también hay que mencionar que la película respeta mucho las tradiciones empleando actores vestidos con prótesis para recrear a los monstruos, pero además les mezcla con las técnicas digitales actuales. Por eso el nombre de Carpenter y ‘La cosa’ surge mucho a la hora de hablar de esta película. Además porque esta cinta juega también con la claustrofobia y con el miedo a lo desconocido. Pero si hay que asemejarla a un título de Carpenter quizá hay que dirigirse más a ‘El príncipe de las tinieblas’.
Por supuesto tiene sus fallos. Los actores tienen sus altibajos y no mantienen bien la continuidad o la intensidad de sus personajes, además de sobreactuar un poco. Esto puede ser debido a una mala dirección o al talento de los intérpretes. Además de ello el filme pierde cuando se ve sometido a los discursos y las disertaciones de algunos personajes sobre temas místicos, fatalistas y oníricos. Pero si uno se deja llevar por la aventura y vive el amor por el terror como estos directores, partícipes del ‘ABCs of Death 2’, puede pasar un grato rato en el cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de diciembre de 2017. Título original: The Void. Duración: 90 min. País: Canadá. Dirección: Steven Kostanski, Jeremy Gillespie. Guión: Steven Kostanski, Jeremy Gillespie. Música: Joseph Murray, Menalon Music, Lodewijk Vos. Fotografía: Sammy Inayeh. Reparto principal: Aaron Poole, Kathleen Munro, Kenneth Welsh, Daniel Fathers. Producción: Cave Painting Pictures, JoBro Productions, Film Finance. Distribución: Segarra Distribución. Género: terror. Web oficial:http://segarradistribucion.com/el-vacio-2017/
Las siempre desbordadas Amy, Kiki y Carla se enfrentan a uno de los mayores retos de una madre: los preparativos de Navidad. Las “malas madres” intentan preparar las fiestas perfectas para sus respectivas familias a la vez que alojan e intentan cuidar de sus propias madres. Una peripecia que terminará redefiniendo las fiestas navideñas en familia.
Crítica
En esta ocasión son las mamás las que vuelven a casa por navidad.
Con una primera parte (crítica aquí) que tan solo en Estados Unidos en el primer fin de semana de su estreno ya superó su presupuesto de rodaje en taquilla podríamos esperar que tendríamos segunda entrega. A si es que las madres interpretadas por Mila Kunis, Kathryn Hahn y Kristen Bell están de vuelta y esta vez tienen motivos diferentes para ser «malas». Si en la anterior película ya superaron eso de tener que mantener un nivel de excelencia como madres perfectas ahora tendrán que hacer frente a la responsabilidad de crear un ambiente navideño óptimo para sus familias. Pero para colmo, y por suerte ya que es lo que le da más mordiente a la película, tienen que aguantar la presión y dolores de cabeza que les dan sus madres que aparecen por sorpresa. Es decir, esta película va de malas madres ya que ellas comienzan a romper lo que está visto como buena madre en época de Navidad y también va de lo mal que les tratan sus madres, que están interpretadas por Susan Sarandon, Christine Baranski y Cheryl Hines.
Por lo tanto la malas madres en esta ocasión tienen malas madres y necesitan desmadrarse el doble. Los nuevos personajes están bien presentados, de manera rápida y con dos frases ya sabemos de que pie cojean. Christine Baranski es quien hace de familiar de Mila Kunis y tiene más protagonismo, al igual que la actriz ucraniana. Su rol es muy similar al que interpreta en ‘The Big Bang Theory’, igual de criticona y elitista, aunque aquí esta forrada y no es tan inteligente, pero su personaje es muy parecido. Por el contrario en el caso de Cheryl Hines nos encontramos con un personaje con manía persecutoria que da algo de escalofríos, bastante más loco de atar y lejos de la realidad. Susan Sarandon es la que más marcha le da al reparto, pese a que su papel sea el más clásico.
A pesar de que los directores y escritores sean Jon Lucas y Scott Moore (‘Resacón en Las Vegas’) realmente no he visto un gran desmadre, como se pudo ver en películas de humor adolescente como ‘Malditos vecinos’ o ‘Resacón en las Vegas’, pero quizá por eso he agradecido que se haya bajado el tono. Esta segunda parte, dentro de lo surrealista de muchas de sus situaciones, tiene los pies más en la tierra y por eso puede hacer reír más. Su humor viene de descontrolar situaciones cotidianas y navideñas o de frases chocantes. Se centra más en buscar unas fiestas más tradicionales y tranquilas que en desbocarse y soltarse la melena.
Se nos envía el mensaje clásico de muchas películas. Ese de que los mejores hijos salen de los peores ejemplos y de que nunca es tarde para una segunda oportunidad o de que siempre se puede conectar entre personas por muy diferentes que estas sean. Por cierto que el final dulzón se ve venir. No me ha gustado el concepto de Navidad o de amor de una abuela que se manda a través de los hijos del personaje Mila Kunis ya que se muestra claramente que estos quieren a su abuela porque los tiene comprados. El filme es muy reiterativo en ese punto. Desconcierta pues a veces se critica el consumismo extremo en estas fechas y en otras lo incentiva como acabo de comentar. Haberse centrado más en lo machista que sigue siendo que se ocupen las mujeres de organizar todo en pleno siglo XXI habría sido quizá más acertado, pues lo dicen en alguna ocasión pero de pasada.
La película tiene algo de chispa, cae en las típicas obscenidades pero aún así hace gracia porque no se va a los extremos chabacanos, demuestra tener un mínimo de clase. Al fin y al cabo sigue un sota, caballo y rey, pero sale adelante.
Ficha de la película
Estreno en España: 8 de diciembre de 2018. Título original: A Bad Moms Christmas. Duración: 104 min. País: EE.UU. Dirección: Jon Lucas, Scott Moore. Guión: Jon Lucas, Scott Moore. Música: Christopher Lennertz. Fotografía: Mitchell Amundsen. Reparto principal: Mila Kunis, Kristen Bell, Kathryn Hahn, Susan Sarandon, Justin Hartley, Oona Laurence, Emjay Anthony, Cade Mansfield Cooksey, Cheryl Hines, Christine Baranski, David Walton, Jay Hernandez, Peter Gallagher, Wanda Sykes, Lyle Brocato, Ariana Greenblatt. Producción: STX Entertainment, Huayi Brothers. Distribución: Diamond Films. Género: comedia. Web oficial:http://badmomsxmas.com/
Brigsby Bear Adventures es un programa de televisión para niños producido para una audiencia de uno: James. Cuando el espectáculo termina abruptamente, la vida de James cambia para siempre, y se propone terminar la historia él mismo.
Crítica
Una aventura emotiva y cinéfila.
Es palpable que muchos cineastas o miembros de la industria que se hacen llamar artistas han perdido el gusto por hacer cine, si algún día realmente lo tuvieron. Me refiero a aquellos que emplean el séptimo arte como un único medio para ganarse el pan. No lo condeno, para nada, es algo totalmente admisible, pero el cine merece seguir teniendo idealistas, soñadores y narradores que vayan más allá de las cifras en taquilla, que lo que cuiden sea la historia y que lo que amen sean sus personajes y el proceso de gestación de estos. Eso es lo que mima y pone de manifiesto ‘Brigsby Bear’ de un modo magistral y tierno. Ve en sus personajes algo que realmente está vivo, que tiene un fin útil y no les industrializa para monetizarles.
Por suerte la película de Dave McCary me permite contar muy poco de su argumento pues nada más arrancar nos sorprende con un giro muy chocante. Pero para poder argumentar mis impresiones si puedo decir que trata de una persona adulta que ha crecido obsesionada con un personaje cuyo equivalente en nuestra vida sería Espinete y cuya serie ha de ser cancelada por determinadas causas que no puedo revelar. ¿Qué puede hacer entonces? Nuestro protagonista se decide a finalizar la historia y ahí es donde comienzan no solo una serie de sorpresas sino una aventura reveladora y emotiva, tanto personal como cinematográfica. Con el protagonista emprendemos un camino de descubrimiento que además despertará, o avivará, en nosotros las ganas de rodar cine o de perseguir nuestros sueños sean cuales fueran, el rodaje del protagonista puede servirnos de metáfora para cualquier otra meta.
Muchos de los partícipes de esta película, incluido su director y protagonista, son habituales de Saturday Night Live. A si es que podéis estar seguros de que los artífices dominan bien las emociones del público y el tipo de ingenios que deben emplear para hacernos reír. Pero no hay que tomar ese programa como tal a la hora de buscar una referencia pues la comedia de esta película es mucho más peculiar y menos hilarante que la de ese late show. Es más, ‘Brigsby Bear’ tiene mucho drama y necesita un tono sensible, por lo que la vis cómica del programa no encaja en esta narración. Tampoco están incluidos en la saca del humor del programa que he citado dos de los nombres destacados del filme: Mark Hamill y Jane Adams. Pese a que son dos estrellas que pueden atraer a muchos fans a ver la película hay que advertir que el filme no bebe de ellas, aunque tienen varias escenas clave y bastante importancia en la trama.
Si acabáis la película y tenéis las mismas ganas de iniciar un rodaje o estáis con el mismo ímpetu de conseguir hacer realidad aquello que realmente disfrutáis del mismo modo que me sucedió a mi, estoy seguro de que la película habrá conseguido su meta. Dave McCary logra contagiarnos una pasión y eso es magia casi perdida en el cine.
Ficha de la película
Estreno en España: 17 de enero de 2018 (Blu-ray y digital). Título original: Brigsby Bear. Duración: 97 min. País: EE.UU. Dirección: Dave McCary. Guión: Kevin Costello, Kyle Mooney. Música: David Wingo. Fotografía: Christian Sprenger. Reparto principal: Kyle Mooney, Mark Hamill, Jane Adams, Greg Kinnear, Ryan Simpkins, Michaela Watkins, Matt Walsh, Jane Adams, Alexa Demie, Jorge Lendeborg Jr. Producción: 3311 Productions, Kablamo!, Lord Miller. Distribución: Sony Pictures. Género: comedia, drama. Web oficial:http://sonyclassics.com/brigsbybear/
El canal de cable estadounidense busca repetir el éxito de la serie ‘Vikingos’ y se alía con el canal historia para una narración basada en hechos históricos sucedidos en torno al año 1300 y con la orden templaría y la historia de Francia como eje vertebrador. Pero los acontecimientos contados en ‘Vikingos’ están basados en leyendas, en este caso entramos en un campo histórico más conocido con personajes sobre los que se ha escrito mucho como el rey de Francia Felipe IV o el papa Bonifacio VIII, de ahí que sorprenda cierta falta de rigor histórico al inventarse reinos inexistentes en esa época y al crear personajes que a pesar de la amplia documentación parecen estar vacíos y ser muy simples. Podemos pasar por alto estos errores si los vemos como un simple marco para contar la misteriosa historia de la orden templaría y de su ocaso.
Los protagonistas, con Tom Cullen a la cabeza, defienden bien unos personajes que bailan entre una película de acción histórica y una novela rosa. Destacando especialmente el personaje del Papa, probablemente el más complejo de la ficción y el que más aristas presenta.
La trama es muy predecible, no solo porque sean hechos históricos, sino porque las supuestas sorpresas de los capítulos son bastante evidentes. Los detonantes y los nudos de la historia se resuelven de forma torpe y casual. En cada capítulo tenemos garantizada una dosis suficiente pero no exagerada de violencia gratuita. Encontraremos varias escenas de lucha con una realización algo torpe que hace que el espectador se pierda dentro de coreografías más o menos sencillas de peleas de espada.
A pesar de ser una serie que cuenta con un presupuesto bajo, en comparación con otras producciones similares, las escenografías y el vestuario tienen una calidad muy por encima de otras ficciones históricas. Se observan muchos escenarios naturales, como iglesias o capillas, que enriquecen la recreación del siglo XIV.
A la espera de ver cómo evoluciona la serie y tras analizar los dos primeros capítulos parece evidente que es un contenido que va especialmente dirigido a un público estadounidense con cierta curiosidad por la historia europea y por la leyenda de los templarios. Además su llegada España ha tenido la mala suerte (o quizá suerte según a quien se pregunte) de coincidir con una situación política que puede hacer que ciertos errores históricos provoquen la reacción de un público ya encendido con cuestiones territoriales.
Recordad, estreno en HBO España el 7 de diciembre. Además de Cullen podréis ver a Pádraic Delaney (‘Los Tudor’), Simon Merrells (‘Spartacus’), Jim Carter (‘Downton Abbey’), Olivia Ross (‘Guerra y Paz’), Ed Stoppard (‘The Crown’), Julian Ovenden (‘Downton Abbey’), Sabrina Bartlett (‘DaVinci’s Demons’), Bobby Schofield (‘Black Sea’) y Sarah-Sofie Boussnina (‘The Bridge’).
El 1 de diciembre ya podréis ver ‘Perfectos desconocidos’
Hemos estado en la premiere de la nueva película de Alex de la Iglesia‘Perfectos desconocidos‘, en los cines Capitol de Madrid. En la presentación ha estado todo el equipo de la cinta y muchos amigos y compañeros de profesión que no se la han querido perder, además de políticos y gente del famoseo.
Noche de verano, noche de luna llena… y noche de eclipse. Para disfrutar del espectáculo, cuatro parejas se reúnen en torno a una mesa para cenar, beber… y olvidar sus pequeños problemas por un rato. Una noche mágica, de amistad y risas… o eso es lo que todos esperan, hasta que de pronto surge la idea. ¿Por qué no hacer algo distinto, jugar a un juego? ¿Qué pasaría si se dejasen los móviles encima de la mesa, al alcance de todos? Llamadas, SMS, Whatsapps, notificaciones de Instagram o Facebook, vidas enteras compartidas al instante por todo el mundo. ¿Un juego inocente o una propuesta peligrosa? ¿Podrá soportar el grupo de amigos semejante grado de sinceridad, aunque sólo sea por un tiempo?. Esto es lo que nos trae ‘Perfectos desconocidos.
Eduardo Noriega, Alex de la Iglesia, Juana Acosta, Eduard Fernández, Dafne Fernández, Belén Rueda y Pepón Nieto, han estado acompañados en toda esta presentación de gente como, Eduardo Casanova, Itziar Castro, Hugo Silva, Manuel Velasco, Eva Hache, Paco Plaza o Santiago Segura entre otros muchos.
Además durante el photocall ha habido una pequeña sorpresa para la actriz Juana Acosta que hoy cumplía años y la han hecho soplar las velas delante de todos los periodistas. Emocionada y feliz ha dado las gracias a todos.
Aquí os dejamos todas las fotografías de la noche. Disfrutadlas.
Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.
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