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Crítica: ‘Peter Rabbit’

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Basada en el personaje de la saga de libros infantiles de Beatrix Potter, Peter Rabbit, nos muestra relación entre una familia de conejos y el gruñón señor McGregor. Se trata de la primera adaptación del clásico inglés que mezcla animación y acción real.

Crítica

‘Peter Rabbit’, una maravilla para grandes y pequeños.

 

No he podido evitar salir con una sonrisa después de terminar de ver ‘Peter Rabbit’, me han encantado las aventuras de este travieso conejo y sus amigos, que bueno, más que travieso al principio yo le veo más bien como un pequeño delincuente, pero la verdad que es adorable.

Estupenda cinta dedicada al público infantil y por supuesto a los acompañantes de estos, los adultos. La música y el humor es apto para cualquier tipo de público y va a hacer las delicias de todos.

Peter, las trillizas Pelusa, Pitusa y cola de Algodón y su primo Benjamín luchan por conseguir los preciados productos de la granja del malvado señor McGregor. Un día a este anciano que tanto odio tiene a los conejos se le lleva un camión de helados con colores y su casa se la queda su sobrino, un estirado ex empleado de Harrods que pretende vender la hacienda de su tío.

La cinta está narrada desde el principio, un cuento que tiene de todo, drama, aventuras, diversión y una historia de amor.

La animación de la película está muy cuidada, siempre es difícil introducir y mezclar la animación con la realidad y lo han hecho de una manera muy realista. Te crees lo que estás viendo, aunque los conejos lleven chaquetas vaqueras, como muy bien nos recalca en una de las conversaciones el personaje de Domhnall Gleeson.

La cinta no la hemos podido ver en versión original, sino doblada y he de decir que está muy bien doblada. Dani Rovira da voz y vida a Peter Rabbit, ese conejo tan aventurero como temerario, sus hermanas tienen la voz de Silvia Abril que se encarga de dos de ellas y Belén Cuesta, esta última también se encarga de la narración del cuento.

Mientras tanto en la versión original Will Gluck, el director de la cinta, cuenta en el reparto humano con el gran Sam Neill, bastante irreconocible, pero con una actuación divertida y breve, también pone voz al Tejón. Rose Byrne en un homenaje claro a la autora de los libros, Beatrix Potter, su personaje se llama Bea y dibuja a estos animalillos que tantos quebraderos de cabeza le dan a su vecino, como Sam Neill, también regala su voz a uno de estos animalillos y es la Oca que aparece durante toda la cinta. Y Domhnall Gleeson, que últimamente está en todos lados y al que esperemos ver en más sitios, pues siempre está estupendo y por supuesto también tiene su voz en una de los bichejos, es la ranita que sale pescando todo el rato.

En el reparto animal, las voces de estos en versión original tenemos a James Corden como Peter Rabbit, Sia, Margot Robbie y Daisy Ridley son las encargadas de dar las voces a las trillizas y Colin Moody a Benjamín.

No puedo hablar como lectora, pues nunca he tenido entre mis manos estos libros, pero de seguro como he dicho a los niños les va a encantar esta aventura y se van a quedar con ganas de mas. Traviesos y a la vez adorables, así son estos animalillos que lo único que quieren es que se les quiera y comer de lo que antiguamente eran sus tierras libres de alimento y no un huerto privado.

 Ficha de la película

Estreno en España: 23 de marzo de 2018. Título original: Peter Rabbit. Duración: 95 min. País: Estados Unidos. Dirección: Will Gluck. Guion: Will Gluck y Rob Lieber (Basado en las novelas de Beatrix Potter). Música: Dominic Lewis. Fotografía: Peter Menzies Jr. Reparto principal: Domhnall Gleeson, Rose Byrne, Sam Neill, Sia, Margot Robbie, Daisy Ridley, James Corden Dolin Moody. Producción: Sony Pictures Animation, Animal Logic Entertainment, ColumbiaColor. Distribución: Sony Picture Spain. Género: Comedia, animación. Web oficial: http://www.sonypictures.com/movies/peterrabbit/

Crítica: ‘Thelma’

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Thelma, una joven y tímida estudiante, se despide de su religiosa familia de un pequeño pueblo para trasladarse a estudiar a la capital. Un día, en la biblioteca, conoce a Anja y comienza a sentirse atraída por ella. A medida que los sentiminetos hacia Anja crecen empiezan a ocurrir sucesos inexplicables alrededor. Thelma deberá entonces enfrentarse a trágicos secretos de su pasado y a la aterradora posibilidad de que ella sea la causa de todo lo que sucede.

Crítica

‘Thelma’ cuenta con una gran historia que se pierde en los silencios.

Me resulta complicado hablar de una película que tiene un claro mensaje, una buena historia pero que no está bien llevada. Es una pena, porque creo que ‘Thelma’ tiene muchas cosas que pueden gustar, pero tiene un ritmo tan pausado y con unas actuaciones tan poco expresivas, que se hace una proyección bastante dura.

El director noruego Joachim Trier, nos trae la historia de una muchacha que comienza la andadura a la universidad, el vivir sola, el despertar de su sexualidad, de una manera muy descontrolada, pues Thelma vivía bajo una estricta educación religiosa de la que sus padres se encargaban. Poco a poco vas conociendo el porqué de esta situación, esta primera parte de la niñez, hasta que se marcha puede recordar a Carrie pero sin todo lo bueno de la historia de Stephen King.

Ya os digo, no es todo malo en esta película, lo que nos cuentan es muy creíble, vemos conociendo a esta chica que ha estado tan encerrada que su despertar es bastante traumático. Le van apareciendo sentimientos que ella no comprende, los ve malos, pero a la vez no puede deshacerse de ellos. Los fenómenos extraños que empiezan a ocurrir a su alrededor son cada vez más peligrosos y todo es culpa de no saber controlar esos pensamientos nuevos.

Una de las cosas que más me ha gustado de la película es su fotografía, de Jakob Ihre que ya ha trabajado con el director en varias de sus películas. Los colores grises, negros y blancos los vemos en los dos escenarios de la cinta, el hogar de Thelma y la universidad. Eso sí, en la casa de los padres, la atmósfera que se crea es fría y cerrada, nos deja bien claro que era una prisión para ella, mientras que en la universidad, hay movimiento, luz y allí es donde renace y comienza ser ella misma.

Lo peor sin duda es la manera de contar la historia, llega un momento que se pierde el interés, la parte de la infancia de ella, hace que de nuevo conectes, pero a partir de que ella empieza a hacerse una serie de pruebas médicas, que por cierto podéis quedaros ciegos durante estas imágenes, a la película le cuesta mucho remontar.

Para terminar, comentaros que lo que sí que es cierto es que ‘Thelma’ no deja indiferente a nadie, para bien o para mal. Un visionado de esta cinta merece la pena, pues ya os digo, hay muchas opiniones y quizás seáis del tipo de público que puede gustar esta cinta o como en mi caso, que se le ha hecho demasiado pesada.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de marzo de 2018. Título original: Thelma. Duración: 116 min. País: Noruega. Dirección: Joachim Trier. Guion: Eskil Vogt y Joachim Trier. Música: Ola Flottum. Fotografía: Jacob Ihre. Reparto principal: Eli Harboe, Kaya Wilkins, Henrid Rafaelsen, Ellen Dorrit Petersen, Nders Mossling, Vanessa Borgli. Producción: Motlys, Eurimages, Le Pacte, Nordic Film och TV Fund, Norwegian Film Institute, Snowglobe Films. Distribución: Surtsey Films. Género: Drama. Web oficial: http://surtseyfilms.es/peliculas/thelma/

Crítica: ‘El aviso’

Sinopsis

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Nico, un niño de diez años, recibe una carta con una amenaza de muerte, pero nadie en su entorno parece creerle.

Jon (Raúl Arévalo), un joven obsesionado con los números investiga una serie de muertes ocurridas a lo largo de los años en el mismo lugar y que parecen tener un patrón en común. Descifrar esta secuencia es lo único que podrá salvar a Nico.

Crítica

Aunque muy bien ejecutado ‘El aviso’ es un thriller dentro de lo corriente.

Raúl Arévalo sigue enganchado al suspense y en ‘El aviso’ nos atrapa también a los espectadores pero solo en buena parte de la película. Aunque no es lo único a lo que se dedica si es lo que parece que más eficientemente consigue interpretar, pero en esta ocasión la historia tiene un algo que no juega del todo a favor del aplauso unánime del público. La nueva película de Daniel Calparsoro trata de un juego de casualidades matemáticas y de casuísticas criminalísticas entre varias épocas diferentes que causan una intriga inicial en el espectador. Porque lo que sucede es que el protagonista interpretado por Arévalo investiga el tiroteo en el cual está inmerso un amigo suyo. En dicho tiroteo había implicadas cinco personas. Lo que descubre es que durante un período constante de años en el mismo lugar y el mismo día siempre muere alguien. Pero aparte de ese dato las coincidencias van más allá y la secuencia numérica se hace aún mayor. Para más inri Jon (el personaje de Arévalo) es un hacha de las matemáticas y esto alimenta su obsesión con los números además de acentuar otros aspectos negativos de su vida. De manera intercalada conocemos la historia de Nico quien frecuenta en el futuro el mismo lugar del tiroteo y que recibe un aviso que le insta a no acudir allí determinado día o morirá.

Si, se crea una expectativa inicial muy buena, el largometraje está muy bien realizado y nos va causando curiosidad. Pero según vamos descubriendo como se está resolviendo la historia nos va fastidiando que se haga de una manera tan convencional, implicando siempre al protagonista del mismo modo que en otras tantas películas y estando en una posición tan obvia. La cinta se desarrolla con dos líneas argumentales paralelas que se llegan a cruzar en el clímax del filme, como era de esperar, justo cuando obtenemos la explicación de todo, pero esa solución está solo sugerida y tampoco es matemáticamente precisa.

Es muy probable que la novela de Paul Pen en la que se ha basado la película de Daniel Calparsoro se arme con los mismos argumentos. Estoy casi seguro que el estilo de escritura es tan ágil como el ritmo del filme. Los personajes están bien relacionados entre sí y además nos dan una pequeña subtrama de acoso escolar, bastante bien traída al plano de la actualidad. Pero en líneas generales, aun cuando la película está muy bien interpretada y rodada, nos deja un sabor de boca excesivamente común. El ritmo y los buenos planos que tenemos en la pantalla están culminados con un cierre de su propio círculo igual que el que hemos experimentado en otras muchas narraciones. Si no has visto mucho cine o no las leído gran cantidad historias ambientadas en diferentes épocas ‘El aviso’ te sorprenderá. Si no es el caso te puede servir como ejemplo de buenas maneras, pues es un gran ejercicio de cómo se hace una película de intriga.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de marzo de 2018. Título original: El aviso. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Daniel Calparsoro. Guion: Chris Sparling, Patxi Amezcua, Jorge Guernicaechevarria. Música: Julio de la Rosa. Fotografía: Sergi Vilanova Claudin. Reparto principal: Aura Garrido, Belén Cuesta, Raúl Arévalo, Aitor Luna, Sergio Mur, Antonio Dechent, Luis Callejo, Julieta Serrano, Hugo Arbués. Producción: Morena Films, Tormenta Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller. Web oficial: http://www.elavisolapelicula.com/

Crítica: ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’

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Harold es un ejecutivo de una importante compañía farmacéutica estadounidense que debe viajar a México por trabajo. Allí descubre que su laboratorio colabora con los narcos en la comercialización del Cannabax, una nueva droga sintetizada a partir de la marihuana. Entre sus feroces jefes, los narcos, mercenarios internacionales y la policía persiguiéndole, Harold pasará de ser un ciudadano ejemplar a un desafortunado delincuente.

Crítica

Una serie de desgracias desvelan una faceta muy graciosa de David Oyelowo.

Joel Edgerton ya trabajó con su hermano Nash Edgerton en películas como ‘El regalo’ o ‘La venganza de Jane’. Ahora en ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’ se pone a las órdenes del también doble de acción para formar parte de un elenco protagonizado además por David Oyelowo y Charlize Theron. Aunque junto a ellos yo destacaría otros dos nombres como son Thandie Newton y el siempre alocado Sharlto Copley. Pero el reparto tiene más caras conocidas, como las de Amanda Seyfried o Harry Treadaway aunque ambos están en un segundo plano de un filme que sin duda merece el calificativo de coral.

En mi caso, al ver ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’ no he podido evitar acordarme de la trilogía de Guy Ritchie compuesta por ‘Lock & Stock’, ‘Snatch’ y ‘RocknRolla’. La corrupción de sus personajes, el constante y cómico declive que experimentan, la caricaturización tan satírica de la cultura popular, los diálogos… No vamos a hablar de la película de Edgerton en términos trascendentales o cinematográficamente antológicos, pero desde luego si logra superar las expectativas que tenía puestas en ella y me ha sorprendido con muchos de sus argumentos.

Quizá no sea tan alocado ligar una película como esta a Hemingway dado que en ella se vive una aventura basada en la pérdida. Edgerton (actor) ya alude al novelista saliendo fotografiado en los San Fermines y Harold (David Oyelowo) acaba haciendo referencia al bar en el que el escritor pasaba horas en Venecia. Vemos varias referencias a ‘Fiesta’, la novela del autor ganador del Nobel, Oyelowo la mete en su maleta y además esta es una historia de un ciudadano de USA con problemas en el extranjero, en México, que no es España pero también se habla español. Además la conocida teoría del iceberg de Hemingway se podría aplicar aquí, a modo de parodia. Para el protagonista lo que pasa está muy claro, pero por debajo de todo eso están pasando cosas muy distintas, es decir, lo que también se conoce como «teoría de la omisión». Y ahí está el punto más cómico de la película, en ver como se desquicia con cada hallazgo David Oyelowo, cuya actuación me ha hecho reír bastante y me ha sorprendido por contraste tras verle en películas como ‘Un reino unido’, ‘The Cloverfield paradox’ o despuntar con ‘Selma’.

Aunque otros gocen de muchos minutos y tengan momentos verdaderamente buenos el auténtico protagonista es Harold, el personaje nigeriano al que encarna David Oyelowo. Un ejecutivo de una farmacéutica estadounidense con fábrica en México al que se la juegan. Alrededor de él están su mujer, sus jefes, unos supuestos turistas americanos, los recepcionistas de su hotel, su chófer y contacto habitual en México, un cártel de la droga, un místico misionero… Entre toda esta matriz de individuos se va moviendo sin quererlo ni beberlo cuando él pensaba que tenía su vida bien montada. Yo ya me he hecho fan del cártel mexicano a raíz del filtro que aplica a sus visitas y del personaje de Sharlto Copley, que nunca nos falla. Al gozar de todo este abanico de personajes el filme tiene que saltar de un modo vivaz de unos a otros. Y si bien se descuida algún tiempo de algunos individuos que tienen menor importancia lo hace a favor de ofrecernos una cadencia de historia más ágil.

Aunque hay que remarcar que se acaban las sorpresas en ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’ en cuanto vemos un giro que sucede a la media hora. Pero no importa mucho porque tampoco esperábamos quedar estupefactos ni ver cambios de argumento meditados al detalle ni frases dignas de una película de Tarantino. Pero gracias al humor sarcástico que tiene si nos brinda secuencias que podremos ver muchas veces repetidas.

La película cae a posta en los tópicos sobre México como la música mariachi, las canciones de Molotov o el Día de Muertos. Pero al igual que ocurre con su previsibilidad está a merced de su tono disparatado, en el que si no estamos dispuestos a entrar no merece la pena ni que compremos la entrada del cine. ‘Gringo. Se busca vivo o muerto’ es un largometraje norteamericano que se llama así mismo Gringo y hace pantomima de su propia cultura desde fuera de sus fronteras y a mi esa autocrítica me convence.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de marzo de 2018. Título original: Gringo. Duración: 110 min. País: EE.UU. Dirección: Nash Edgerton. Guion: Anthony Tambakis, Mathew Stone. Música: Christophe Beck. Fotografía: Eduard Grau. Reparto principal: David Oyelowo, Charlize Theron, Joel Edgerton, Harry Treadaway, Amanda Seyfried, Thandie Newton, Sharlto Copley, Diego Cataño, Yul Vazquez, Rodrigo Corea, Carlos Corona, Melonie Diaz. Producción: Amazon Studios, Blue-Tongue Films, Denver and Delilah Productions, Double Barrel VFX, Pictures in a Row. Distribución: Diamond Films. Género: comedia, acción. Web oficial: https://www.gringo-movie.com

Crítica: ‘La tribu’

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Virginia (Carmen Machi), limpiadora de profesión y “streetdancer” vocacional, recupera al hijo que dio en adopción: Fidel (Paco León), un ejecutivo que lo ha perdido todo, incluida la memoria. Junto a “Las Mamis”, el extravagante grupo de baile que forman las compañeras de Virginia, madre e hijo descubrirán que a pesar de venir de mundos muy diferentes, ambos llevan el ritmo en la sangre.

Crítica

Mucho talento para una historia imaginable.

En ‘La tribu’ se junta un amnésico y odiado encargado de recursos humanos responsable de cientos de despidos con unas cañeras y bailarinas madres, una de las cuales es su auténtica y reencontrada madre biológica. Así de disparatado e increíble es el comienzo de la nueva película de Fernando Colomo protagonizada por Carmen Machi y Paco León. Pero no tan increíble resulta al saber que la historia de las madres está basada en un grupo auténtico de baile. De hecho la coreógrafa de la película, Maribel del Pino, es la fundadora de la escuela en la vida real y tiene un papel en la película.

Pero anécdotas de producción al margen. El gran atractivo de la película es el volver a ver a Paco León y a Carmen Machi juntos de nuevo. Reaparecen en la misma pantalla para tener también un parentesco en la ficción, aunque adquieren nuevos roles familiares. La química entre ellos no ha desaparecido y es lo que hace que nos riamos más de una vez durante la cinta. Porque ‘La tribu’ por sí sola no habría sido capaz de sorprendernos al saber que es lo que va a venir a continuación. Durante toda la película nos sentimos cohibidos de reírnos a causa de eso, solo en algunos momentos puntuales en los que brilla la pareja junta o de manera individual es cuando nos arrancan alguna risotada.

Parece que Carmen Machi me paga para hablar bien de ella pues siempre la alabo cuando comento películas suyas como ‘La puerta abierta’ o ‘El bar’ y digo que ejecuta bien cualquier faceta de sus personajes. Pero es que aquí hasta menea las caderas, nunca la había visto bailar y menos danza urbana. Si que conocía este lado de León que ha sido visto en espectáculos como ‘The Hole’. Su personaje atolondrado y a la vez elitista tiene su gracia pero le sucede lo mismo que al resto de la película, que está sujeto a un guion bastante típico. El guionista Joaquín Oristrell, habitual de Colomo, y Yolanda García Serrano no han estado acertados con el libreto que es lo que hace que falle ‘La tribu’. Su historia arranca disparatada, moderna, con cameo del director incluido. Pero de manera atropellada los convencionalismos de las comedias de finales de los noventa y principios del 2000 van apareciendo.

A la película le pasa esto y que no tiene unos personajes secundarios con chispa, pero esto es culpa de los personajes, no de sus actores. Es cosa de sus frases y de su concepción, no de la interpretación. El grueso de esos secundarios son el grupo de las Mamis. Un conjunto de bailarinas que se ha querido recrear de un modo muy realista pero al hacerlo se ha caído en el tópico de lo grosero u ordinario, sin llegar a lo chabacano. Esto nos lleva a que acabemos teniendo muchos momentos de humor desfasado u obsoleto en muchas ocasiones.

A parte de que pueda o no hacer gracia, ‘La tribu’ vuelve a repetir la clásica historia de catarsis en la que sabemos cuáles va a ser cada uno de los pasos a seguir. Y aunque en esta ocasión esos pasos sean de baile y la canción de la película ya se baile en discotecas, el filme de Colomo no deja de ser una excesivamente modesta comedia, sobre todo para los dos pedazo de talentos para los que contaba.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de marzo de 2018. Título original: La tribu. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Fernando Colomo. Guion: Joaquín Oristrell, Yolanda García Serrano, Fernando Colomo. Música: Vicente Ortiz Gimeno. Fotografía: Ángel Iguácel. Reparto principal: Paco León, Carmen Machi, Luis Bermejo, Maite Sandoval, Arlette Torres, Marisol Aznar, Mª Jose Sarrate, Artur Busquetes, Manuel Huedo, Maribel del Pino, Juilán López, Alfonzo Lara, Manel Fuentes. Producción: MOD PICTURES, ATRESMEDIA CINE, MOD PRODUCCIONES, MOVISTAR+. Distribución: 20th Century Fox. Género: comedia. Web oficial: http://www.fox.es/la-tribu

Crítica: ‘El insulto’

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Relata como un pequeño incidente entre un palestino musulmán y un libanés cristiano escala hasta convertirse en un conflicto nacional que pone de relieve los conflictos históricos entre ambas comunidades.

Crítica

Tendrían que haber hablado más los personajes que el director.

El director Ziad Doueiri acumula premios en su carrera, como los ganados con ‘West Beirut’ y ‘El atentado’, en Toronto y San Sebastián respectivamente. Ahora con ‘El insulto’ parte con el aval de haber estado entre las nominadas al Oscar en la categoría de Habla No Inglesa. Puede que el carácter de su película haya favorecido a esa nominación, por eso de darle un tirón de orejas a Trump tras el jaleo de la pasada edición con Farhadi y ‘El viajante’. Desde luego la película también toca un tema delicado pero su tratamiento es menos sutil y efectivo que la película que pudimos ver la temporada pasada.

Parte de una afrenta surgida de un lance cotidiano entre un palestino musulmán y un libanés cristiano. Desde ese punto se llega hasta una crisis entre dos comunidades cuya convivencia está en frágil equilibrio en la zona en la que habitan, a la espera de una reconciliación que no acaba de llegar. Ni que decir tiene que la película sirve como proyector de los enfrentamientos históricos vividos en esa región desde hace años y años. A partir de unas palabras la bola comienza a crecer, el problema empieza a escalar niveles hasta las cotas más elevadas, extremas y desbocadas. Está claro que una de las intenciones del director, además de reflejar los problemas de su tierra como hace en toda su filmografía, es remarcar que cuando un problema está candente, cuando además hay un sistema adulterado, es mucho más fácil que la cosa se vaya de las manos.

‘El insulto’, mirándola a través de un prisma más universal, trata sobre tragarse el orgullo, la convivencia, el rencor, la libertad de expresión y el poner los problemas personales por encima de los de todo un pueblo. Para ello dos actores Adel Karam (Tony) Kamel El Basha (Yasser) se han sumergido en un duelo interpretativo que debería haber sido más intenso aunque ambos encarnan a sus personajes por separado de un modo irreprochable y cabal. Si su guion no hubiese estado tan atado al corazón del director y guionistas, más a la verdad de la situación planteada, hablaríamos de un retrato más penetrante. Mientras que uno de ellos puede parecer más extremista, panfletista y cargado de odio el otro es la personificación de la terquedad que mantiene viva los conflictos religiosos en nuestro planeta. Y es que como decían unos que iban arrasando cepas… «la razón no se reparte» o como dice el personaje interpretado por Rita Hayek «arrasarías todo y aún así no pasarías página».

Si en algún momento os chocan los movimientos de cámara que tiene esta película o los ángulos tan perpendiculares de algunas tomas solo tenéis que bucear en la filmografía del director. Este fue ayudante de cámara de Tarantino en películas como ‘Pulp Fiction’, ‘Four Rooms’ o ‘Jackie Brown’. En algunas escenas emplea algunos giros y encuadres que ciertamente no vienen muy a cuento con el carácter del filme, pero que van retratando cual es el sello que quiere dejar el cineasta en su filmografía. Igualmente la música no acompaña para nada a un drama que habría pedido unos temas diferentes, no tan fogosos, incluso vitalistas.

‘El insulto’ intenta ser  imparcial, sobre todo en su excesivamente complaciente y suplicante final, o por lo menos procura parecer más ecuánime que los jueces que aparecen en su película. Pero rápidamente se ve de qué pie cojea el director. Es patente que la película intenta poner paños calientes constantemente incluso echado mano de la comedia en más de una ocasión. Es lógico que para ello Ziad Doueiri tenga que emplear algunos recursos como estos sobre todo cuando el arco de la película comienza con la frase «capullo de mierda», alcanza su curva máxima cuando se pronuncia el «ojalá Ariel Sharon os hubiera aniquilado» y llega a su extremo final cuando oímos «nadie tiene el monopolio del sufrimiento». Tiene bastantes expresiones lapidarias que en cierto sentido le dan a la película un sentido global, pero en todo momento no dejamos de recordar que el conflicto que trata el largometraje es tremendamente local.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de marzo de 2018. Título original: L’insulte. Duración: 110 min. País: Líbano. Dirección: Ziad Doueiri. Guión: Ziad Doueiri, Joelle Touma. Música: Éric Neveux. Fotografía: Tommaso Fiorilli. Reparto principal: Adel Karam, Rita Hayek, Kamel El Basha, Christine Choueiri, Camille Salamé, Diamand Bou Abboud. Producción: Ezekiel Films, Scope Pictures, Tessalit Productions, Rouge International, Cohen Media Group, Ciné+, Douri Films, CNC, L’Aide aux Cinémas du Monde, Canal+. Distribución: Sherlock FIlms. Género: drama. Web oficial: http://www.en.rouge-international.com/movie/450/

Crítica: ‘Un pliegue en el tiempo’

 Sinopsis

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Meg Murry (Storm Reid) es la típica estudiante de secundaria con problemas de autoestima que desea encajar en el mundo que le rodea. Meg es hija de dos físicos de prestigio mundial. Es inteligente y tiene un talento extraordinario, al igual que su hermano pequeño, Charles Wallace. Pero lo cierto es que Meg todavía no es consciente del poder de su don. La situación se complica con la misteriosa desaparición de su padre, que ha dejado a Meg destrozada y a su madre con el corazón roto. Charles Wallace presenta a Meg y a su compañero de clase Calvin a tres guías celestiales (la Sra. Which, la Sra. Whatsit y la Sra. Who) que han viajado a la Tierra para ayudarle a encontrar a su padre. Juntos se embarcarán en una búsqueda extraordinaria. Viajan a través de una arruga en el tiempo y el espacio llamada teseracto, que les transporta a mundos que están más allá de su imaginación y donde se enfrentarán a una poderosa fuerza del mal. Para volver a su casa en la Tierra, Meg debe enfrentarse a la oscuridad que hay dentro de ella y reunir la fuerza necesaria para vencer la oscuridad que se está apoderando del Universo a gran velocidad.

Crítica

Un desatino de más de 100 millones de dólares.

Walt Disney Pictures adapta un nuevo una novela de fantasía y la traslada a la imagen real. En esta ocasión rescata una obra publicada en 1962 que fue escrita por Madeleine L’Engle. La aventura narra el descubrimiento de dos físicos (Chris Pine y Gugu Mbatha-Raw) que desemboca en la desaparición de uno de ellos. Años después la problemática y talentosa hija ambos y su peculiar hijo adoptivo reciben una visita «celestial» que les ayudará a encontrarle. Dicho así suena incluso entrañable pero la película está presentada como un galimatías que no es indescifrable, que se entiende, pero que resulta infundada en sí misma y que se contradice en más de una ocasión.

El largometraje tiene bastantes tópicos de Disney. A pesar de que la protagonista no es huérfana se han asegurado de introducir a un hermano adoptado, para que si que haya uno sin padres. El colorido y la moraleja están por supuesto más que presentes. Y como siempre tenemos una frase que nos dicen al principio y sabemos que la protagonista tendrá que recordar al final para poder salvar el día. La guionista Jennifer Lee, que ganó el Oscar con ‘Frozen’, estuvo infinitamente más acertada en la adaptación de ‘La reina de las nieves’. Parece que al ir avanzando por la película nos faltan detalles, que se ha comido información, no importantes pero que si nos hacen de ‘Un pliegue en el tiempo’ una historia inconexa. A parte que su montaje tampoco le hace ningún favor.

Por un momento parece que vamos tener crossover con ‘Vengadores’, en otra ocasión con ‘Star Wars’… esta película dirigida por Ava DuVernay (‘Selma’) es un gran pastiche. A lo que más me ha recordado es a ‘La historia interminable’, con esa huída de un mal que consume todo y que se parece a la Nada. Y así de larga, casi interminable, se me ha hecho pues su personajes mojigatos, planos y bastante trillados nos transportan por un mundo en el que hasta el CGI, cosa bastante raro en una película de Disney, es mediocre. Mucho más eficientes y entrañables eran las marionetas de Colin Arthur.

Para más inri los personajes, fatalmente mal vestidos y maquillados repiten el nombre del niño pequeño con nombre y apellidos de magnicida hasta perder la cuenta. Charles Wallace, no se os olvidarán estas dos palabras si hacéis oídos sordos a esta crítica y optáis por ver ‘Un pliegue en el tiempo’.

No sé si el término teseractuarse es lo peor que he visto desde los witwickianos de ‘Transformers 5’. Pero si se que este nuevo intento de adaptar la novela de Madeleine L’Engle, que no es el primero pues ya hubo una intentona en 2003, es arrítmico, con frases totalmente sin carisma ni conexión. Para colmo intenta relacionar toda su historia fallida y torpemente con la ciencia y resulta incoherente.  La peor de Disney en muchísimo tiempo y eso que hace poco vimos ‘Thor: Ragnarok’.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de marzo de 2018. Título original: A Wrinkle in Time. Duración: 109 min. País: España. Dirección: Ava DuVernay. Guion: Jennifer Lee. Música: Ramin Djawadi. Fotografía: Tobias A. Schliessler. Reparto principal: Storm Reid, Oprah Winfrey, Reese Witherspoon, Mindy Kaling, Levi Miller, Deric McCabe, Chris Pine, Gugu Mbatha-Raw, Zach Galifianakis, Michael Peña, Rowan Blanchard, David Oyelowo. Producción: Walt Disney Pictures, Whitaker Entertainment. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: aventuras, fantástico, adaptación. Web oficial: http://disney.es/peliculas/un-pliegue-en-el-tiempo

Crítica: ‘Brawl in Cell Block 99’

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Cuando Bradley un ex boxeador, pierde su trabajo y se enfrenta al fracaso de su matrimonio, decide aceptar un empleo como traficante de drogas para cambiar su suerte y brindarle una vida cómoda a su esposa Lauren. Pero justo cuando su situación comienza a mejorar, Bradley se ve inmerso en un enorme tiroteo que acaba llevándole a la cárcel. Durante su reclusión tiene que tomar una serie de decisiones imposibles para proteger a quienes aprecia, e inmerso en una espiral de violencia, se verá obligado a cometer actos cada vez más violentos para mantener a salvo a su familia.

Crítica

Hay escenas que duele verlas, pero meterse en el bloque 99 con Vaughn es todo un show.

En ‘Brawl in Cell Block 99′ observamos el momento de decadencia de un ex boxeador que busca lo mejor para progresar en su vida y hacer feliz a su esposa. Ante una situación de fracaso toma una mala decisión, lo cual le lleva a una ruta de escape a priori confortable pero acaba siendo encerrado en la cárcel. Es decir, haga lo que haga, aunque intente ser cerebral y sus intenciones sean buenas, va de mal en peor.

Del director S. Craig Zahler no he visto su ópera prima. Pero no me perdí la famosa ‘Bone Tomahawk’. Tanto ese título como ‘Brawl in Cell Block 99’ poseen un marcadísimo uso de la violencia, aunque en esta ocasión Zahler emplea ese recurso más bien como una herramienta para el protagonista, como una manera de exteriorizar y arreglar errores del pasado, más que como un medio de acción y espectáculo. Lo que sí que está claro es que en estos dos filmes que he podido ver del director y guionista es que cuida mucho el ritmo de sus largometrajes, hasta ahora de un modo bastante similar. Si bien no podrá hacer esto durante toda su carrera pues pecará de repetitivo, en ‘Brawl’ y en ‘Tomahawk’ ha conseguido dos buenos estallidos finales.

Craig Zahler va a su bola y no tiene prisa para llegar al apogeo de la película. Esta será la pega que le pondréis casi todos vosotros, que probablemente la tacharéis de lenta. Pero aguardar momentos puntuales que tiene y gozaréis su final, disfrutad de la interpretación de Vince Vaughn también. Esta es una película para los que les gusta saborear muy poco a poco las escaladas de violencia, para los que adoran ver como la olla va cogiendo presión. De hecho está tan dirigida a ese tipo de público que realmente no vemos materializarse el título hasta bien entrada la película, no quiero entrar en muchos más detalles al respecto…

La película tiene buena ambientación y cuenta con un curioso y solvente reparto. Una entregada Jennifer Carpenter (‘El exorcismo de Emily Rose’), Don Johnson (‘Django’) como vil alcaide y un más que perverso Udo Kier (‘Blade’). Porque sin duda una de las razones por las que os puedo decir que esta película es elogiable es por el papelazo de Vince Vaughn. Desde que nos sorprende al principio con la escena del coche ya vemos que esto no tiene nada que ver con películas como ‘Los becarios’ o ‘De boda en boda’ ya que no es una comedia, ni siquiera está próxima a ‘True Detective’. Mientras hace descender a su personaje a lo más bajo de la sociedad la violencia sube a lo más alto de lo de lo cruento. Las peleas, o más bien los golpes que asesta son lo más atractivo de ‘Brawl in Cell Block 99’ ¡Una verdadera burrada! Solo con decir que vi la película en Sitges, allá por octubre, que estoy escribiendo estas líneas en marzo y que aún tengo las imágenes bien frescas… no son para mentes sensibles. A parte del recorrido que hace junto a Bradley (el protagonista) para convertirse en él Vaughn ha tenido que cambiar en cuerpo y mente. Le vais a ver muy cambiado y por eso también os va a compensar, por que consigue convertirse en un tipo duro pero a la vez en alguien frágil como pocas veces habréis visto.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de abril de 2018. Título original: Brawl in Cell Block 99. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: S. Craig Zahler. Guion: S. Craig Zahler. Música: Jeff Herriott, S. Craig Zahler. Fotografía: Benji Bakshi. Reparto principal: Vince Vaughn, Jennifer Carpenter, Marc Blucas, Udo Kier, Don Johnson. Producción: Assemble Media, Cinestate, Caliber Media Company, XYZ Films. Distribución: Sony Pictures Home Entertaiment. Género: drama, thriller. Web oficial: http://xyzfilms.com/films/brawl-in-cell-block-99/

Nos metieron en la cárcel por ir al preestreno de ‘Wentworth’

Calle 13 recreó una prisión para enseñarnos la serie que lanza este mes.

Hoy hemos retrocedido a 2013 y eso nos ha costado el ingreso en prisión. El equipo de Calle 13 nos ha ingresado en el centro de detención Wentworth para poder asistir a su preestreno. La serie que versionaba ‘Prisoner’ (una versión original australiana de 1979) y que se emitió en 2013 en el canal SoHo, también australiano, ahora llega a nuestro país de la mano de Calle 13. En concreto será a partir del jueves 15 de marzo a las 22.00 y será con un doble episodio. Además ya tenemos por adelantada la fecha de la segunda temporada. Se emitirá desde el jueves 19 de abril.

La serie nos cuenta la historia de Bea Smith y su entrada en el centro de detención de mujeres Wentworth. Durante su estancia en esa prisión ha de esperar el juicio en el cual deberá responder por intento de asesinato de su marido. Con un aprendizaje al vuelo tendrá que convertirse en toda una superviviente del ambiente carcelario o de lo contrario solo saldrá de Wentworth con los pies por delante. Lara Radulovich es la creadora de esta serie que protagoniza Danielle Cormack. Cormack ha sido vista en series como ‘Xena’ y la veremos en la tercera temporada de ‘Ash vs Evil Dead’.

Poco antes que ‘Vis a Vis’ y que muchas series carcelarias femeninas que se están estrenando ahora se lanzó ‘Wentworth’. Es un drama construido a partir de un personaje que a priori no busca conflictos, nada fuera de lo habitual, pero que pinta que obligatoriamente entrará en el juego de la prisión. Alguien cuyo trasfondo además penetra como un rompehielos en nuestra actualidad pues ha sufrido maltrato y es un tema tristemente muy en boga.

Por el año en que se estrenó la serie podría llamarse así como guiño al actor protagonista de ‘Prison Break’ (Wentworth Miller). Pero el símil con la producción estadounidense acaba ahí. Esta es una historia más cruda, mucho más liberal, principalmente en lo que se refiere a la hora de mostrar sexo y sangre de manera abierta. De hecho tira más hacia lo auténtico, en tanto que el nombre de la serie procede realmente de una prisión inactiva actualmente y se llama Wentworth Gaol.

Por las seis temporadas que tiene ‘Wentworth’ han pasado nombres como Anne Charleston (‘Prisoner’), John Bach (‘El Señor de los Anillos’), Socratis Otto (‘Matrix’), Steve Le Marquand (‘Límite vertical’)…

El episodio no nos ha sabido a poco pues ya nos ha contado bastante sobre el funcionamiento de la prisión y sobre el personaje principal. Sin explayarse demasiado presenta una amalgama grande de presidiarias, algunas con mayor o menor acierto interpretativo, de las que seguro que en episodios siguientes se irán desvelando antecedentes y secretos. Como era de esperar en una primera entrega acaba con un buen cliffhanger que deja con ganas de más.

En el evento en el que Calle 13 nos presentó la serie, además de sumergirnos en una prisión con sus funcionarios, celdas y matonas (que podéis seguir en este hilo), contamos con un coloquio de la Asociación Arco Iris de la mano de dos de sus principales artífices, el Padre Fernando Sanz y Susana Fernández. Nos comentaros los conflictos reales que se encuentran en las prisiones, nos dieron impactantes estadísticas y nos hablaron de como una buena parte de las presas españolas tienen tras de sí una relación tóxica o sufren maltrato.

Para que os hagáis una idea, Arco Iris en alguna prisión hace radio con sus internas como punto terapéutico para así ayudar a salir de la cárcel de alguna manera. Llevan también un piso de mujeres que tienen antecedentes de drogodependencia y otro de extranjeras. Las ayudan a normalizar su vida y procuran que no reincidan en sus delitos.

Según ellos estas series nos pueden ayudar a tomar conciencia de que hay muchas mujeres que delinquen y las cárceles no son solo de hombres. Al estar día a día relacionados con el tema les preguntamos si pensaban si las series reflejan la realidad. En su opinión algunas si se acercaban, en concreto ‘Wentworth’ la han visto bastante aproximada, aunque puntualizaron que las prisiones cambian según los países.

Crítica: ‘Gorrión rojo’

Sinopsis

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Cuando una lesión pone fin a su carrera, Dominika y su madre se enfrentan a un futuro oscuro e incierto. Por este motivo es manipulada para convertirse en la nueva recluta de una academia de espías, donde las agentes son llamadas “gorriones”. Es una agencia secreta de inteligencia que entrena a jóvenes excepcionales como ella para usar sus cuerpos y mentes como armas. Tras un entrenamiento sádico y perverso, se convierte en la espía “Gorrión” más peligrosa que el programa jamás haya producido. Dominika debe reconciliar la persona que una vez fue con el poder que ahora domina, poniendo su propia vida y la de todos a los que ama en peligro, incluyendo a un agente de la CIA que intenta convencerla de que él es la única persona en quien puede confiar.

Crítica

El gorrión se va tanto tiempo por las ramas que acaba fatigando al espectador.

Lawrence con Lawrence. El director Francis Lawrence vuelve a contar con Jennifer Lawrence tras haberla dirigido en la saga de ‘Los juegos del hambre’ y no es la única persona de esas películas que ha participado en ‘Gorrión rojo’, como leeréis más adelante. Han pasado los años y tanto la relación entre ellos como el carácter artístico de la actriz es más maduro y así se refleja en la película que adapta la novela de Jason Matthews.

Las películas de espías tradicionales con femme fatale no tienen nada que ver con ‘Gorrión rojo’ que intenta darle una vuelta de tuerca a la supuestamente muerta Guerra Fría. Aquí no tenemos a un agente misógino que coleccione mujeres, es más bien todo un sistema o una agencia la que ejerce ese papel y el personaje de Lawrence está a su merced y usa lo que aprende para salir de la situación en la que se ve inmersa. Porque la película trata de una  talentosa bailarina que no tiene otra salida que ingresar en un programa de agentes llamadas «gorriones», las cuales son «conocidas» por sus artes de seducción y sus argucias para extraer información.

Partiendo de esa premisa lo que más llama la atención es la grandísima carga sexual del largometraje. Pero no es una película que busque provocar o ser transgresora con esos argumentos. No es gratuita por que sí, tiene su razón de ser, aunque esté llena de escenas explicitas e imágenes sin prácticamente nada de tapujos. Por eso en cuanto se corra la voz atraerá a todos aquellos morbosos y voyeurs que tengan poco interés en la trama.

Su argumento no llega a seducir ni a intrigar enérgicamente, pero hay algo en la película que si causa expectación. Pese a ello se toma mucho tiempo para preparar los giros que nos ofrece en su final y no necesitaban tantos preámbulos. Estos prolegómenos consisten en remarcar las sensaciones de la protagonista o en intentar desconcertarnos tanto como a ella.

Con el estreno de ‘madre!’ a aún en nuestra memoria la interpretación de Jennifer Lawrence en esta película me parece menor. En ‘Gorrión rojo’ la actriz de Kentucky se presenta con un personaje menos verosímil a pesar de ser más terrenal. No obstante encaja en la dinámica de la película e hila la historia. Una narración que está acompañada de un grandísimo reparto compuesto de nombres como Joel Edgerton, Matthias Schoenaerts, Jeremy Irons, Charlote Rampling o Ciaran Hinds.

En general es una película muy irregular, tanto interpretativa como técnicamente. El ritmo del filme también tiene marcados altibajos. Visualmente si es más lineal, tiene una estética, un diseño de producción más cuidado y constante que el desarrollo de su trama. El director de fotografía Jo Willems ya ha trabajado no solo en películas largas si no en sagas enteras con Jennifer Lawrence y parece saber sacarle su lado bueno. Podemos comprobarlo en trabajos suyos como las películas de ‘Los Juegos del Hambre’ en las que ha intervenido. Pero también hay que señalar otras obras de este artista como ‘Hard Candy’ o los recientes episodios de ‘American Gods’ que tienen tomas muy parecidas a las que vemos aquí. ‘Gorrión rojo’ intenta que uno de sus argumentos más poderosos sea todo aquello que entra por nuestra retina, lo cual no es de extrañar ya que el director del filme está también acostumbrado a hacer videoclips y todos sabemos que el impacto visual de estos siempre ha de ser potente.

‘Gorrión rojo’ hace bien en huir de los argumentos tecnológicos de los últimos tiempos y centrarse más en los juegos mentales y físicos. Pero debería haber condensado su historia en una película más ágil y corta para sacar partido al talento del que dispone y hacer que las sorpresas arrollen al espectador sin darle tiempo a cansarse.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de marzo de 2018. Título original: Red sparrow. Duración: 139 min. País: EE.UU. Dirección: Francis Lawrence. Guión: Justin Haythe. Música: James Newton Howard. Fotografía: Jo Willems. Reparto principal: Jennifer Lawrence, Joel Edgerton, Matthias Schoenaerts, Jeremy Irons, Mary-Louise Parker, Charlote Rampling, Ciaran Hinds. Producción: Chernin Entertainment, Film Rites, Soundtrack New York. Distribución: 20th Century Fox. Género: thriller. Web oficial: https://www.foxmovies.com/movies/red-sparrow

Crítica: ‘Sin rodeos’

Sinopsis

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Paz tiene una vida aparentemente perfecta. Tiene trabajo, pareja, amigas… pero algo falla. En realidad, hay cosas en su entorno que no le gustan. Se siente angustiada y agobiada pero no se atreve a expresar sus sentimientos. Hasta que un día recurre a una extraña terapia que le hará decir absolutamente todo lo que piensa, sin rodeos, poniendo a todos en su sitio y diciendo a la cara la verdad. ¿Cómo sería tu vida si sólo dijeras lo que piensas?

Crítica

Una comedia que nos plantea si no nos miraremos demasiado el ombligo.

‘Sin rodeos’ un remake de ‘Sin filtro’, la película chilena que también escribieron Diego Ayala y Nicolás López. En este caso Santiago Segura y Benigno López junto a esos dos guionistas han adaptado la comedia chilena cuya fórmula algo de gancho debe tener para haber generado ya varios remakes pues no es este el único que podremos ver ya que en México se estrenará otro bajo el título ‘Una mujer sin filtro’ y en Argentina uno más que se titulará ‘Re loca’. Y me aventuraría a decir que podríamos ver más versiones pero no las tengo todas conmigo. No he visto la película original y dudo que vea alguna versión más, me quedara la duda de si lo elocuente no habría sido distribuir como es debido el largometraje inicial.

Pero dejando esas cuestiones a parte sé a ciencia cierta que la película dirigida por Santiago Segura es muy apta para divertir al público Español que busque instantes de hilaridad y personajes caricaturescos, sobre todo momentos cotidianos vistos desde un punto de vista burlón y crítico. El enfoque del filme es distinto al de otras obras de Segura, apartado de los gags casposos de su saga Torrente, aunque tampoco yéndose a extremos excesivamente agudos. Lo que vemos en ‘Sin rodeos’ busca más sacarle punta al día a día, a partir de apreciaciones jocosas llevadas a cabo por individuos que ridiculizan determinados comportamientos sociales.

La aventura de la protagonista interpretada por Maribel Verdú empieza con ella desbordada por sus vecinos, su pareja, sus personas de confianza y su trabajo. Un patente caso de alguien que necesita atención y tiempo para ella misma, por lo menos un claro ejemplo de una persona que pide a gritos un revulsivo. Tras algo que sucede, y que no conviene desvelar, todo se convierte en una especie de mezcla de ‘Mentiroso compulsivo’ más ‘Un día de furia’. La protagonista no puede dejar de decir las verdades a la cara ni negarse aquello que lleva tiempo queriendo sacarse de dentro. Es decir, hace y dice todo sin pelos en la lengua, como se dice ahora, actúa sin filtro. Es un curioso análisis social, pues ¿cuándo dejó de ser oportuna la sinceridad total? El asunto es que en esta película esto desemboca situaciones graciosas y la mayoría de sus actores saben llevarlo a cabo.

‘Sin rodeos’ se sustenta mucho en los cameos y pequeños papeles. Nada más empezar ya vemos que parte de la gracia del filme reside en esperar a ver con qué «amiguete» y en qué situación nos van a sorprender. El Gran Wyoming, Candela Peña, Quique San Francisco, Flo, Cristina Castaño… Como siempre son muchos y algunos no me los esperaba. Lo peor de la película me lo he encontrado en un David Guapo y una debutante Cristina Pedroche que comparándolos ante el talento de Maribel Verdú se nota en exceso que no es que tengan un estilo diferente, sino que tienen mucho que aprender. Uno hace de un jefe excesivamente sobrado e inconcebible y la otra encarna torpemente la tontuna de una influencer de esas que generan contenido insustancial.

Por supuesto que lo que mejor se puede extraer de ‘Sin rodeos’, además del buen ritmo que le ha impreso Segura, es el vigor interpretativo de Maribel Verdú. La madrileña en un abracadabra se planta en todas nuestras carteleras la vemos por todas partes como si lloviesen vacas. Ahora sin rodeos y con una sencilla comedia nos lo hace pasar bien en el cine, además de hacernos pensar si no nos miraremos demasiado el ombligo. Todo esto lo hace con donaire y bastante mala uva, cosa que no pueden combinar muchas personas.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de marzo de 2018. Título original: Sin rodeos. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Santiago Segura. Guión: Benigno López, Santiago Segura, Diego Ayala, Nicolás López. Música: Roque Baños, Tessy Díez. Fotografía: Kiko de la Rica. Reparto principal: Maribel Verdú, Candela Peña, Diego Martín, Rafael Spregelburd, Cristina Pedroche, Bárbara Santa-Cruz, David Guapo, Toni Acosta, Cristina Castaño, Quique San Francisco, El Gran Wyoming, Florentino Fernández “Flo”, Abigail Frías, Paco Collado, Santiago Segura. Producción: Bowfinger International Pictures S.L., Sin Filtro la película AIE, Atresmedia Cine, Movistar+. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, remake. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/799/sin-rodeos/

Crítica: ‘Lady Bird’

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Greta Gerwig se revela como una nueva y atrevida voz en el mundo del cine con su debut como directora, ‘Lady Bird’, que explora en profundidad tanto los aspectos cómicos como los patológicos del turbulento vínculo entre una madre y su hija adolescente. Christine McPherson (Saoirse Ronan) es una joven incontrolablemente amorosa, profundamente obstinada y de opiniones férreas. Por mucho que luche contra ello, es exactamente igual que su madre (Laurie Metcalf), una enfermera que trabaja incansablemente para mantener a flote a la familia después de que el padre (Tracy Letts) se quedase sin empleo. Ambientada en el año 2002 en Sacramento, California, en mitad de un panorama económico marcado por cambios vertiginosos, ‘Lady Bird’es una conmovedora visión de las relaciones que nos modelan, las creencias que nos definen y la belleza inigualable de un lugar llamado hogar.

Crítica

Admirable en su descaro y personajes, desdeñable en sus aportaciones.

Greta Gerwig escribe y dirige. Por primera vez en solitario lidera (ya controló los hilos de una película con Joe Swanberg en ‘Nights and weekends’) tras haberla visto actuar en muchas películas como ‘Maggie’s Plan’, ‘Jackie’ o ‘Mistress America’. En este sentido hay que decir que sorprende ver lo bien que se ha desenvuelto Gerwig. ‘Lady Bird’ destaca por sus sujetos más que por su casi trivial historia y eso se debe tanto al talento de sus actores como a las capacidades de su directora para exprimirles.

Lo que tenemos entre manos es una película sobre el hogar, sobre el momento en el que se da el punto de inflexión que hace que volemos del nido, en este caso, nunca mejor dicho. El nombre de la protagonista, Lady Bird no puede estar cogido al azar pues como un ave Christine, que es como realmente se llama la protagonista, anhela alzarse y alejarse de su Sacramento natal. Aquellos que alguna vez hemos tenido «complejo de Luke Skywalker» y hemos visto como nos quedábamos en un lugar anodino mientras otros se iban en busca de aventuras y fortuna empatizamos con Lady Bird más que el resto.

Pero más que eso lo que reclama la protagonista de ‘Lady Bird’ es una identidad propia creada por ella misma. Por eso se rebautiza a sí misma. Y lo hace además porque no quiere que se le escape la vida entre las manos, al menos así lo manifiesta con cada acto. Para el personaje de Saorise Ronan está claro que la vida es finita y no quiere cuestiones sin resolver. La muchacha tiene inquietudes y usa un pseudónimo, es alguien diferente a los de alrededor. Se sale de lo que debe ser «normal» en su ciudad o en su país y eso ya es destacable, que aparezca alguien distinto entre tanta moda y homogeneidad. Para algunos ya nos parece que esta es una señal de alarma repetida una y mil veces, que no aporta nada nuevo. No es la primera vez que hace falta rodar una película sobre «inadaptados» para poder llegar a algo trascendental, emitir un mensaje o tocar la fibra.

Algunas escenas pasan de lo irreverente a lo pasteloso. Es en sus momentos cómicos, blasfemos y descarados cuando Gerwig más nos fascina. En esas secuencias son donde más brilla Saorise Ronan y donde tiene los mejores duelos interpretativos con Laurie Metcalf. El papel de la madre interpretada por Metcalf representa a una mujer controladora, que saca de quicio, pero con la que Lady Bird siempre tiene puntos en común que alivian sus confrontaciones, al fin y al cabo son familia y se quieren. Tras tanta nominación en certámenes y galas esperaba más de Metcalf, pero sí que es cierto que su papel es destacable.

La película respira bastante aire indie, sobre todo en su tratamiento de imagen, que no os engañe a través de qué distribuidora nos ha llegado. Está inteligentemente dirigida al ciudadano medio, principalmente a un público adolescente. Pero tiene argumentos un tanto sobados, que aunque estén pasados por otro filtro, nos dejan un aroma a más de lo mismo.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de febrero de 2018. Título original: Lady Bird. Duración: 94 min. País: EE.UU. Dirección: Greta Gerwig. Guión: Greta Gerwig. Música: Jon Brion. Fotografía: Sam Levy. Reparto principal: Saorise Ronan, Laurie Metcalf, Tracy Letts, Lucas Hedges, Timothée Chalamet, Beanie Feldstein, Lois Smith, Stephen McKinley Henderson, Odeya Rush, Jordan Rodrigues, Marielle Scott, Jake McDorman, John Karna, Bayne Gibby, Laura Marano. Producción: IAC Films, Scott Rudin Productions, Film 360. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, comedia. Web oficial: http://ladybird.movie/

Crítica: ‘En la sombra’

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La vida de Katja se derrumba cuando su marido y su hijo mueren en un atentado. La policía detiene enseguida  a unos  sospechosos -dos jóvenes relacionados con el movimiento neonazi y Katja se ve inmersa en un complicado proceso judicial. Danilo, abogado y mejor amigo de su marido, lleva el caso y hará todo lo posible para darle el apoyo necesario a Katja, quien cegada por el dolor, solo tiene un objetivo: por encima de todo, quiere que se haga justicia.

Crítica

Kruger y Akin forman una buena dupla para tratar un tema contundente.

La alemana Diane Kruger (‘Malditos bastardos’) vuele a rodar cine en su tierra para brindarnos una película tensa, uno de sus trabajos más desgarradores. En ella la actriz nos ha ofrecido más de una escena intensa y por eso por lo general su rol ha consistido en cargarse de ira, desasosiego, desconsuelo y ganas de venganza. Su personaje, Katja vive una tragedia casi idéntica que la que hace poco comentaba cuando hablaba de ‘El extranjero’ pero en el filme de Fatih Akin la actriz no tiene nada de acción.

Esta es una película dividida en tres tramos. A todos nos llegaron las noticias de los ataques xenófobos de Alemania a principios de este siglo. Tal y como sucede en nuestra época pasaron a otro plano de actualidad y quedaron atrás, pero el director Fatih Akin no ha querido que esto quede en el olvido, ya que no hay que ignorar el pasado para aprender de los errores y para evitar que energúmenos como los neonazis del NSU (Clandestinidad Nacionalsocialista) vuelvan a hacer de las suyas o ni si quiera vuelvan a existir. Es por eso que en esas tres fases del largometraje se muestran las consecuencias de los actos de grupos como Amanecer Dorado y las tropelías que han hecho que salgan a la luz conflictos raciales latentes o sin voz en los medios de comunicación. Los sujetos como a los que se enfrenta Katja se han aprovechado de los fallos y lagunas del sistema para salir indemnes hasta ahora. Además ‘En la sombra’ es un reflejo del auge de la ultraderecha de tal manera que sin ser alarmista si denuncia el hecho de que existe un problema profundo en la sociedad europea.

Quizá para algunos sea algo excesivo el que haya ganado el Globo de Oro a Mejor Película Extranjera. Pero la cuestión es que si suma puntos a favor según la vamos analizando, algunos de ellos que ya he citado, como la xenofobia que evidencia o la interpretación de Kruger. Otro factor muy a tener en cuenta es que da relevancia a una mujer como eje de toda una película. El director y guionista confía plenamente en la actriz para reposar en sus hombros el peso de su obra, para que esta sea el centro de atención de todas las cámaras.

Pero a parte de esas apreciaciones sí que tiene faltas que señalar la obra de Akin, dista de ser redonda. Su duración es adecuada pero sus capítulos no están equilibrados entre sí. El lenguaje visual del filme varía de un modo irregular, de tal modo que desconcierta, quizá de manera voluntaria para hacernos sentir la misma desorientación de la protagonista, pero me da más la impresión de que es por caos en el rodaje o la postproducción, no sé el modus operandi del cineasta en este sentido.

Me gusta que Fatih Akin haya sido atrevido con su final. Puede considerarse controvertido o cuanto menos chocante. Está abierto a debate moral interno, nos parezca justo o no es lo que nos propone Akin y es lo que podría ocurrir perfectamente en la realidad, a muchos se nos podría pasar por la cabeza, otra cosa es llevarlo a cabo, para eso están las películas, para separar realidad de ficción.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de febrero. Título original: Aus dem Nichts. Duración: 106 min. País: Alemania. Dirección: Fatih Akin. Guión: Fatih Akin. Música: Josh Homme. Fotografía:  Rainer Klausmann. Reparto principal: Diane Kruger, Numan Acar, Ulrich Tukur, Johannes Krisch, Siir Eloglu, Denis Moschitto, Jessica McIntyre, Ulrich Brandhoff, Samia Muriel Chancrin. Producción: Bombero International, Macassar Productions. Distribución: Golem Distribución. Género: drama. Web oficial: http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=419

Crítica: ‘Todo el dinero del mundo’

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Roma, 1973. Unos hombres enmascarados secuestran a un adolescente llamado Paul (Charlie Plummer). Su abuelo, J. Paul Getty (Christopher Plummer), es el hombre más rico del mundo, un magnate petrolero tan multimillonario como avaro. El secuestro de su nieto favorito no es razón suficiente para renunciar a parte de su fortuna.

“Todo el dinero del mundo” cuenta la historia de Gail (Michelle Williams), la persistente y tenaz madre de Paul para quien, al contrario que Getty, sus hijos son lo más importante. La vida de su hijo depende de un tiempo que se acaba, y los secuestradores se muestran cada vez más decididos, inestables y violentos. Cuando Getty envía a su enigmático hombre de seguridad, Fletcher Chace (Mark Wahlberg), a velar por los intereses de su nieto, él y Gail se alían en una carrera contrarreloj que revelará el valor del amor frente al dinero.

Crítica

Christopher Plummer es el magnate de oro que toda afortunada película debe tener.

El ganador de un Oscar por ‘Beginners’ es lo mejor de esta película y no hay que olvidar que está en ella casi por casualidad. El film de Ridley Scott se estrena tras las acusaciones de acoso sexual contra Kevin Spacey, lo que llevó al director a sustituir a este actor por Christopher Plummer en el papel de John Paul Getty. No hemos podido ver la interpretación de Spacey, pero Plummer, sin ser el protagonista de la película, hace que toda la historia brille de una forma especial.

Un film de suspense muy bien narrado y que se estrenó en Estados Unidos en navidad. No parece casualidad esta fecha, porque la historia recoge la esencia del cuento de navidad de Dickens. Un empresario avaro hasta la médula, incluso tan egoísta en la realidad que de realizarlo en una película parecería increíble.

El fondo de este secuestro, basado en hechos reales, es el origen del poder y el dinero. Así vemos a 2 empresarios con un objetivo común, perversos a su manera y cada uno mercadeando con las vidas humanas a su estilo.

Entre las actuaciones, además de Christopher Plummer, hay que destacar al otro Plummer (sin parentesco) cuya actuación como el joven John Paul Getty III mejora escena por escena y va creciendo según avanza el argumento. En cambio, en el otro lado están las interpretaciones de Michelle Williams y Mark Wahlberg, correctas, pero lejos de brillar. En ocasiones las escenas de la pareja carecen de conexión y resultan algo planas. No están del todo claras sus intenciones y su fondo es algo confuso.

Una banda sonora con clásicos italianos que ayudan a sumergirse en una película ambientada a la corrección en los años 60, tanto en el color como en el sonido.

La técnica es excelente y salvo alguna elipsis mal explicada o poco clara, la película engancha y atrapa de principio a fin.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de febrero de 2018. Título original: All the Money in the World. Duración: 132 min. País: EE.UU. Dirección: Ridley Scott. Guión: David Scarpa. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Dariusz Wolski. Reparto principal: Michelle Williams, Christopher Plummer, Mark Wahlberg, Romain Duris, Charlie Plummer, Timothy Hutton. Producción: Imperative Entertainment, Scott Free Films, TriStar Productions, RedRum Films. Distribución: Diamond Films. Género: drama, adaptación. Web oficial: https://www.allthemoney-movie.com/

Análisis del DVD de ‘Wonder Women y el profesor Marston’

La creación de Wonder Woman por parte de un matrimonio de psicólogos y su joven amante.

A partir del 21 de febrero llega en DVD la cinta que nos muestra como se creó el personaje de Wonder Woman. Dirigida por Angela Robinson y protagonizada por Luke Evans, Rebecca Hall y Bella Heathcote la cinta nos narra la extraordinaria historia real del creador de la superheroína más icónica. La película también está disponible en alquiler y venta digital y hemos podido disfrutar de una copia gracias a Sony Pictures.

El psicólogo de Harvard William Moulton Marston fue duramente criticado por crear una heroína feminista, pero su vida personal escondía la verdadera provocación: una relación a tres con su mujer, Elisabeth y la amante de ambos, Olive.

Angela Robinson, escribe y dirige este biopic acerca del creador de Wonder Woman, de cómo llegó a su creación a partir de las dos mujeres a las que amaba y con las que compartía vida, hijos y muchos sacrificios.

La cinta se va dividiendo en dos, en una de las partes te va contando el idilio que mantienen los tres personajes protagonistas, la creación del detector de mentiras y la creación de Wonder  Woman, mientras en escenas intercaladas vamos viendo como el profesor Marston es investigado e interrogado por la violencia, sadomasoquismo y sexualidad que muestra en sus viñetas.

Sin duda lo mejor de la cinta son los tres actores protagonistas, que nos muestran una química difícil de llevar a pantalla. El miedo, el deseo e incluso la desesperación por perder sus trabajos y sacrificar tanto por estar juntos, es muy natural, no es nada falseado, nos muestran las cosas como son.

Otra de las cosas que me ha gustado es que tampoco se pone de lado de ellos, ni de nadie, no te intenta convencer de que lo que están haciendo está bien o mal, simplemente te muestra la historia  y ya como espectador nos hacemos cada uno con nuestra opinión.

En una época en la que el feminismo estaba apareciendo, muchas mujeres, entre ellas la propia doctora Marston que estaba luchando por tener las mismas posibilidades que cualquier hombre, apareció una heroína para enseñar a las mujeres que podían hacer cualquier cosa y a los hombres ver a las mujeres no solo como objetos, sino como mujeres fuertes y firmes dispuestas a salvar el mundo a partir del amor.

Al final de la película cuentan que a Wonder Woman le terminan quitando sus poderes y además poco a poco la intentan dar poco protagonismo y como en los años 70 resucitó gracias a Gloria Steinem, que eligió a Wonder Woman como portada de la histórica revista feminista Ms.

No os perdáis esta curiosa historia, sus personajes son muy interesantes y sin duda os dará muchas ganas de buscar sobre ellos en las redes e incluso comenzar a leer alguno de los primeros cómics para ver el parecido con la realidad de este curioso matrimonio.

Aparte de la película, el DVD nos regala dos extras en los que podemos ver distintas entrevistas con el equipo de actores y con la directora. El primero de ellos Un trío dinámico: el nacimiento de un icono feminista dura 7:36 min y aparecen Luke Evans, Rebeca Hall, Bella Heathcote y Angela Robinson hablando sobre los personajes de la película.

El personaje de Luke, un psicólogo enamorado de dos mujeres está dispuesto a cambiar la manera de ver al sexo opuesto, de crear una heroína a partir de sus dos mujeres para que los niños tengan un cambio en el pensamiento y vean a la mujer como algo honesto, fuerte e independiente.

Rebeca Hall nos cuenta como su personaje, una psicóloga frustrada y a la que en el fondo le pesan un poco las costumbres, sobre todo por miedo a perder toda una vida de trabajo, va evolucionando cuando conoce a Olive, con la que decide tener una relación personal junto con su marido. Ella niega sus sentimientos, pero poco a poco se va dando cuenta de que son reales.

El siguiente extra es Un punto de vista decisivo: dirigir ‘Wonder Women y el profesor Marston’ con una duración de 6:09 min, aquí aunque aparecen también entrevistas con los tres protagonistas la entrevista más larga es la dedicada a la directora, que nos cuenta que tardó ocho años en llevar a cabo el proyecto, pues estuvo mucho tiempo dedicada a investigar sobre sus protagonistas y como llegaron a vivir y a sacrificar tanto por el amor.

Ficha del DVD

Idiomas: Castellano, Inglés, Alemán e Italiano: 5.1 Dolby Digital.

Subtítulos: Castellano, Inglés, Alemán, Italiano, Letón, Lituano y Turco.

Duración:  104 min.

Formato de pantalla: 16:9.

Formato de imagen: 2.39

DVD: PAL

Extras: – 1. Un trío dinámico: el nacimiento de un icono feminista, 2. Un punto vista decisivo: dirigir ‘Wonder Women y el profesor Marston’.

 

Crítica: ‘Yo, Tonya’

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Tonya Harding (Margot Robbie) dominó el hielo con un estilo de patinaje totalmente único. También dominó los titulares por algo completamente diferente. ‘Yo, Tonya’ es, por momentos, un absurdo, trágico e hilarante retrato de la mujer en el centro del mayor escándalo en la historia del deporte.

Crítica

Nadie debería perderse esta historia tan loca y divertida.

Ya hemos visto ‘Yo, Tonya’ y sólo podemos decir cosas buenas de esta cinta donde la comedia se impone ante una historia real y bastante seria. La película nos trae la vida de Tonya Harding, una de las mejores patinadoras que ha tenido Estados Unidos, la cual se vio envuelta en el ataque que casi le cuesta a Nancy Kerrigang el poder jugar los Juegos Olímpicos de 1994.

‘Yo, Tonya’ está contada a partir de entrevistas reales de todos los que tuvieron que ver en ese momento con el incidente, ya sea directa o indirectamente, eso sí cada uno contando su propia verdad. De una manera divertida y bastante provocativa, nos adentra en la turbulenta vida de esta deportista que no tuvo lo que se dice una vida fácil y tampoco su carácter ayudaba mucho a que la gente la tuviese en estima.

Lo que han conseguido Craig Gillespie (director) y Steven Rogers (guionista) es fabuloso, lograr que el público no se aburra sabiendo lo que va a pasar al final y por supuesto conseguir humor de una historia que para nada lo es, me parece algo muy loable y me da mucha rabia que no ‘Yo, Tonya’ no esté nominada a mejor película en los Oscar, pues al menos la nominación es bien merecida.

El casting es sin duda lo mejor, Margot Robbie nos demuestra una vez más lo buena actriz que es y como el parecido físico muchas veces no importa si sabes interpretar a la persona a la perfección. Margot consigue eso y mucho más, sabes que es ella, pero a la vez te olvidas por completo, pues lo dicho, logra ser Tonya Harding, logra que con simples gestos sepas que estás ante una patinadora de los años 90 dispuesta a sobrepasar todos los obstáculos que la vida le pone por delante. Eso sí, una de las fallas de la película es a la actriz haciendo de una chiquilla de 15 años, deberían de haber buscado a alguien que se le pareciera, no creo que hubiese sido difícil.

También tenemos a Mckenna Grace en el papel de una pequeña Tonya, donde su carácter se va formando a partir del maltrato de su madre y abandono de su padre y como ya os comenté en la crítica de ‘Un don excepcional’ esta niña apunta maneras.

En los papeles masculinos tenemos a Paul Walter Hauser, que hace del guardaespaldas de la deportista, que puede parecer un personaje sacado de cualquier comedia de serie B, pero no, viendo las entrevistas reales, el actor ha clavado el personaje. Y luego está Sebastian Stan (‘Capitan América: El Soldado de Invierno‘), que está totalmente irreconocible, mostrándonos quizás el lado más serio de la película, aunque su personaje en ocasiones también está bastante caricaturizado.

Y al igual que con Margot Robbie, hago un parón especial para Allison Janney (‘Mom’), ganadora al Globo de Oro a
Mejor Actriz de Reparto por esta cinta y que esperemos gane el Oscar dentro de unas semanas. Espectacular es la palabra, su papel de madre asquerosa, rancia, a la cual coges una manía increíble, pero que a la vez estás deseando que vuelva a salir en pantalla, es estupendo y sin duda ha tenido un gran trabajo de documentación y de actuación que espero no pase desapercibido.

En las redes sociales, sobre todo Youtube, hay muchísima información sobre el caso de Tonya Harding y se nota mucho que los actores se han empapado hasta el mínimo detalle, gestos, palabras, todo lo hacen tal cual los videos y esto les habrá ayudado a crear una historia real y que no parezca tan surrealista como realmente fue. Además toda esta documentación también les ha ayudado a lograr que todo el vestuario y música fuera clavado.

Para terminar comento otro de los puntos flojos de la película, que son los efectos visuales, está claro que Margot Robbie se ha preparado para la cinta, mucho de los primeros planos la vemos a ella, pero es evidente que por mucho entreno que haya tenido no llega a nivel profesional, así que se utilizó CGI y realmente es bastante malo, son pocas las imágenes pero en ellas se nota.

Quitando ese detalle y el mencionado anteriormente ‘Yo, Tonya’ es fantástica, una cinta que humaniza a una deportista que terminó perdiendo todo. El próximo día no dudéis ni un solo momento en entrar al cine y verla, pues merece mucho la pena, eso sí, como consejo os recomiendo quedaros a los créditos, pues veréis trocitos de las entrevistas reales y como personajes que podrían pareceros absurdos, existieron en la realidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 23 de febrero 2018. Título original: I, Tonya. Duración: 121 min. País: Estados Unidos. Dirección: Craig Gillespie. Guión: Steven Rogers. Música: Peter Nashel. Fotografía: Nicolas Karakatsanis. Reparto principal: Margot Robbie, Sebastian Stan, Allison Janney, Bobby Cannavale, Caitlin Carver, Julianne Nicholson, Mckenna Grace, Paul Walker Hauser. Producción: Ai Film, Clubhouse Pictures, LuckyChap Entertainment. Distribución: eOne Films. Género: Drama. Web oficial: http://www.itonyamovie.com/

Crítica: ‘Deber cumplido’

Sinopsis

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Tres soldados estadounidenses regresan de Irak tratado de reintegrarse con sus familias y adaptándose a la vida civil mientras luchan por olvidar sus duros recuerdos de la guerra.

Crítica

La dura realidad de la vuelta a casa de un soldado.

DeAPlaneta nos trae la ópera prima de Jason Hall (guionista de ‘El francotirador’), el cual nos vuelve a llevar al después de la guerra, esta vez dirigiendo él, y con una historia basada en hechos reales recogidos en la novela escrita por el periodista David Finkel.

El director nos muestra como es el después, como tres jóvenes soldados se convierten en veteranos al querer quedarse con sus familias o por no pasar las pruebas psicológicas para poder volver al frente enemigo. Como la sociedad se olvida de quiénes son y ellos siguen viendo a sus víctimas y compañeros muertos.

Parece que al director le ha llamado la atención este tipo de historias y sin duda ‘Deber cumplido’ está muy bien contada y dirigida. No es una película inolvidable, pero si una que te hace pensar, pues estos soldados creen que van a tener ayudas para sobrevivir, buenos médicos que les ayuden y todo tipo de atención al volver de una guerra, pero la cinta nos muestra que no, que una vez eres veterano y sin heridas visibles la cosa se complica bastante. Y otra de las cosas que vemos es el número de suicidios que se llevan a cabo por parte de estos ex militares, es alucinante y bastante triste conocer este dato.

El reparto de la cinta están fantásticos y realistas, Miles Teller (‘Whiplash’) está fabuloso, es  un poco el más centrado de los tres amigos que vuelven, el joven sargento decide quedarse con su familia e intentar sanar él solo sus heridas. Sus otros dos compañeros no lo llevan tan bien y son la imagen clara de los daños colaterales de servir en el ejército, representados por Joe Cole (‘Black Mirror’) y Beulah Koale (‘Hawai 5.0‘).

En el lugar de las mujeres que esperan ansiosas volver a tener a sus maridos en casa tenemos a Haley Bennet  (‘La chica del tren’), Keisha Castle–Hughes (‘Juego de Tronos’) y a Amy Schumer y aquí paro porque he de admitir que no me gusta nada esta actriz y ha sido una agradable sorpresa verla haciendo un papel serio y además con muy buen resultado.

En lo técnico tampoco es una película que sobresalga demasiado, tampoco lo pide, no necesita ser espectacular, pues lo importante es la historia que te cuentan, pero nombraremos al director de fotografía Roman Vasyanov, el cual se ha encargado de películas como ‘Corazones de acero’, ‘Escuadrón suicida’ o la actual ‘Bright’, pues deja ver el esmero en darnos los detalles de los rostros de estos soldados durante las secuencias de guerra.

El 16 de febrero podréis ver esta cinta en las salas españolas, una historia de soldados sin apenas guerra, una historia que va mas allá y nos permite conocer las secuelas que deja el ver tanto sufrimiento.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de febrero 2018. Título original: Thank you for your service. Duración: 109 min. País: EEUU. Dirección: Jason Hall. Guión: Jason Hall (adaptado novela David Finkel). Música: Thomas Newman. Fotografía: Roman Vasyanov. Reparto principal: Miles Teller, Joe Cole, Beulah Koale, Haley Bennet, Amy Schumer, Keisha Castle-Hughes. Producción: Reliance Entertainment, Dune Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: Drama. Web oficial: http://www.debercumplido.com/

Crítica: ‘La forma del agua’

Sinopsis

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De manos del maestro de la narración Guillermo del Toro llega la película ‘La forma del agua’, un sobrenatural cuento fantástico que transcurre en Norteamérica alrededor del año 1963, con la trasfondo de la Guerra Fría. En el laboratorio donde trabaja, oculto en unas instalaciones de alta seguridad del gobierno, la solitaria Elisa (Sally Hawkins) se encuentra atrapada en una vida llena de silencio y aislamiento. La vida de Elisa cambia por completo cuando, junto con su compañera Zelda (Octavia Spencer), descubre un experimento clasificado como secreto. Completando el reparto se hallan los actores Michael Shannon, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg y Doug Jones.

 

Crítica

El monstruo más grande de esta película es sin duda su director.

Desde la incomprendida ‘La cumbre escarlata’, Guillermo del Toro no había vuelto a dirigir una película, pero como de costumbre, la espera ha merecido la pena y Del Toro nos regala con ‘La forma del agua’ su trabajo más personal.

Con un comienzo similar al de ‘El laberinto del fauno’, Guillermo del Toro nos comienza a contar la historia de una princesa sin voz, con unas imágenes impresionantes bajo el agua que hace que poco a poco no adentremos en esa atmósfera de cuento que tan bien se le da al director.

La vida de Elisa, una vida sencilla, en la que todos sus tiempos son medidos, en la que disfruta de la compañía de su vecino y de su trabajo como limpiadora en un laboratorio va a cambiar tras la llegada de un monstruo a su lugar de trabajo.

El comienzo de la película me ha recordado muchísimo a la francesa ‘Amélie’, la inocencia y sencillez de la protagonista, los colores de la película con tonos verdes, su vecino artista y por supuesto la música, podría decirse que es la película francesa de Del Toro y aunque no ha dicho en ningún momento que haya homenajeado esta cinta, pienso que algo de homenaje tiene.

Una de las películas que si que ha nombrado como homenajeada es clara, ‘La mujer y el monstruo’ de Jack Arnold, la cual le encandiló de pequeño y sin duda no le gustó para nada su final y ha decidido dar su propia versión.

Esta historia de amor es pura, un ser venido del Amazonas, donde le consideran un Dios, que come huevos cocidos, es trasladado a un laboratorio de Estados Unidos en plena Guerra Fría para ser estudiado y se encuentra con esta mujer curiosa y llena de compasión.

Pero la película no solo trata el amor, sino también el miedo a lo desconocido, a lo distinto, a como intentamos acabar con lo diferente antes de intentar entenderlo. El mexicano ha hecho una película valiente, muy actual, pues estando las cosas como están últimamente en Estados Unidos, el tema de la tolerancia es algo bastante complicado.

Sin duda esta cinta no sería nada sin Sally Hawkins, su papel de Elisa es un regalazo que Del Toro le ha hecho y que la actriz ha sabido aprovechar y dar todo para mostrarnos a una mujer independiente, valiente y soñadora, que no se corta de ninguna manera para salirse con la suya.

En cuanto a sus compañeros mencionar por supuesto al monstruo, ese ser anfibio al que da vida Doug Jones, muy parecido al que ya interpretó en ‘Hellboy’, quitando que aquí el monstruo no habla, pero quien sabe, puede ser alguien cercano al querido Abe. Y el otro monstruo de la cinta, Michael Shannon, que como siempre está perfecto. Como curiosidad, el personaje de Shannon nos deja un pequeño guiño hacia Santiago Segura y su personaje Torrente.

Cuesta mucho hablar de ‘La forma del agua’ si no mencionamos a Alexandre Desplat, creador de su banda sonora, sin su música esta historia hubiese sido muy distinta. Nos hace disfrutar y adentrarnos en la historia de una manera tan perfecta que hace que la película sea un verdadero cuento de hadas en plena Guerra Fría.

Y qué decir del arte de la cinta, no suelo mencionar los carteles, pero el creado por James Jean es tan bonito y sin duda supo captar la esencia de la película. El autor hizo esta ilustración como petición de Guillermo del Toro, sin apenas conocer bien como iba a ser el monstruo y para esta imagen se basó en el famoso cuadro de Gustav Klimt ‘El beso’. Sin duda debió de encantar al director pues es una de las escenas más bonitas de toda la película. Como curiosidad mencionar que este artista es el creador de los primeros carteles de la película ‘mother!‘.

Está claro que esta cinta tiene lo que más le gusta a Guillermo del Toro, monstruos y tiene al monstruo más grande, él mismo, tras las cámaras, consiguiendo una película encantadora, la cual está haciendo mucho por el cine fantástico y que tiene ya en su haber un montón de premios y 13 nominaciones a los Oscar. No os puedo decir más, el 16 de febrero id todos al cine no lo dudéis, entrad y disfrutad de la nueva creación del director mexicano.

 Ficha de la película

Estreno en España: 16 de febrero 2018. Título original: The Shape of Water. Duración: 119 min. País: Estados Unidos. Dirección: Guillermo del Toro. Guión: Guillermo del Toro y Vanessa Taylor. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Dan LaustsenReparto principal: Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, David Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly, Dru Viergever. Producción: Bull Productions, Fox Searchlight. Distribución: 20th Century Fox. Género: Fantástico. Web oficial: http://www.fox.es/la-forma-del-agua

Crítica: ‘Black Panther’

Sinopsis

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‘Black Panther’ cuenta la historia de T’Challa quien tras los acontecimientos de ‘Capitán América: Civil War’, vuelve a casa, a la nación de Wakanda, aislada y muy avanzada tecnológicamente, para ser proclamado Rey. Pero la reaparición de un viejo enemigo pone a prueba el temple de T’Challa como Rey y Black Panther ya que se ve arrastrado a un conflicto que pone en peligro todo el destino de Wakanda y del mundo.

Crítica

Volvemos a tener una película seria de superhéroes sin que esta tenga que ser oscura.

Lo primero que agradecer a esta nueva película de Marvel Studios es que tras tanta sobrecarga de películas repletas de personajes poseídos por el espíritu de un monologuista de gatillo fácil es que por fin volvemos a tener un filme serio y reflexivo. Los personajes son más dramáticos sin que esto sea un valle de lágrimas, conservando el espíritu del MCU (universo cinematográfico marvel). Aunque no nos faltan las elipsis cómicas pero son una o dos, no se iban a resistir en una película de Disney. El poco humor que tiene la película viene del flojo cameo de Stan Lee y de las intervenciones de Letitia Wright, quien ejerce de hermana de T’Challa (Black Panther). Una pariente que por cierto es un calco de Q, el proveedor de armas de Bond y que para la edad que tiene controla cualquier campo de la ciencia, que vale que sea una película comiquera pero es en exceso inverosímil.

Pero retrocedamos, ¿de qué va Black Panther? Es una película que explica el origen del personaje pero teniendo en cuenta que está dentro de un plan de películas que ya hace tiempo que cogió carrerilla. Aún así podría independizarse de sus predecesoras ya que funciona muy bien por sí sola, de hecho tiene muy pocas referencias a las películas de Los Vengadores. Continúa a partir de lo acontecido en ‘Civil War’ para narrar su historia autónoma y deja todo muy bien explicado.

Os va a beneficiar no leer nada ni documentaros sobre este personaje antes de ver ‘Black Panther’. De este modo entraréis mejor en los giros de guión de la película y en las novedades de este héroe que para tantos es ajeno o como mucho un conocido de vista. Si sois seguidores suyos os vais a deleitar por que la versión que han escrito Joe Robert Cole (‘American Crime Story’) y Ryan Coogler (‘Creed’) le da la seriedad y espiritualidad que pedía la creación de Stan Lee y Jack Kirby, aunque puede que no tanto su profundidad. Y si temíais el mal de todas estas películas comiqueras, que cojeen en sus villanos, este no es el caso. Y eso no la convierte en la mejor película de Marvel/Disney, pero si en un largometraje capaz de cambiar el rumbo para un público que empezaba a estar hastiado.

La película del primer superhéroe negro de la historia, por lo menos de los cómics populares o de gran tirada, tiene una ambientación apabullante. En lo que se refiere a todo lo que tiene que ver con Wakanda, la nación de Pantera Negra, se ha recreado a través de imágenes generadas por ordenador. Está muy lograda y es muy similar a lo que vemos en las viñetas. Literalmente es un lugar terrenal pero a su vez de otro mundo o época. Por supuesto el equipo de la película ha creado su versión del país africano, al igual que ha sucedido con el traje de Black Panther, pero a esto estamos acostumbrados pues se hace con todos y cada uno de los superhéroes que se traspasan del papel al celuloide.

‘Black Panther’ pedía folclore africano y el filme lo exhala por todas partes. Personajes, diseño de producción, música… Si uno no es muy seguidor de este tipo de cultura puede acabar muy sobrecargado, en especial por la música. La banda sonora de Ludwig Göransson (‘Creed’, ‘Déjame salir’) está compuesta por infinidad de percusiones tribales mezcladas con sonidos modernos. Solo en algunos compases se rompe esta tendencia para dejar paso a unos temas más actuales y gangsta.

Os preguntaréis cuántas escenas post-créditos tiene. Son dos las que han introducido en esta ocasión. Una que si enlaza con los films del universo Marvel que están por venir y la otra que sinceramente, la podrían haber metido al final y habernos ahorrado todos los créditos.

Chadwick Boseman ya demostró en ‘Civil War’ que podía dar el pego como Black Panther. Ahora en su película en solitario da el DO de pecho haciendo además que su rey se ponga a la altura de otros superhéroes para poder coger el relevo. Junto a él destacan muchos actores ya famosos pero sobre todo un elenco muy femenino. Principalmente los roles jóvenes son los que más llaman la atención, desde la ya comentada hermana interpretada por Letitia Wright, pasando por Lupita Nyong’o como la inquebrantable Nakia hasta Danai Gurira como una habilidosa Okoye. Todas ellas pelean de lo lindo pero superándose a lo que hace en ‘The Walking Dead’ Gurira os va a mostrar unas coreografías muy elaboradas. No podemos olvidar tampoco a Michael B. Jordan y a Andy Serkis como villanos, de los cuales ya he dicho que no es el punto flaco como en otras ocasiones, más bien demuestran que esta película no es precisamente para niños.

Si miráis la filmografía del director y actores veréis que antes o después el grueso de ellos ha trabajado en algún que otro proyecto juntos, como ‘Creed’, ‘Déjame salir’ o ‘Fruitvale station’. Esto se ha notado en la película pues la sintonía y el entendimiento se hacen patentes, todo fluye de manera más natural incluso en películas de este corte, plagadas de acción y ciencia ficción, que aunque muchos no lo crean, también hay que tomárselas en serio.

Ficha de la película

Estreno en España: 16 de febrero de 2018. Título original: Black Panther. Duración: 134  min. País: EE.UU. Dirección: Ryan Coogler. Guión: Joe Robert Cole, Ryan Coogler. Música: Ludwig Göransson. Fotografía: Rachel Morrison. Reparto principal: Chadwick Boseman, Michael B. Jordan, Lupita Nyong’o, Danai Gurira, Martin Freeman, Daniel Kaluuya, Forest Whitaker, Andy Serkis, John Kani, Letitia Wright, Winston Duke. Producción: Marvel Studios, Walt Disney Pictures. Distribución: Walt Disney Pictures. Género: cómic, ciencia ficción, aventuras. Web oficial: http://disney.es/peliculas/black-panther

Crítica: ‘The Ritual’

Sinopsis

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Un grupo de amigos de la universidad se reúnen para emprender un viaje de senderismo por los montes de Suecia, con la finalidad de rendir homenaje a uno de ellos, muerto de forma violenta. Cuando se internan en el bosque, una presencia amenazante empieza a acosarles.

Crítica

Dentro de lo habitual, se agradece su finalización.

El personaje de Rafe Spall, sintiéndose culpable por lo que sucede en el pasado, decide cumplir la última idea o deseo de su amigo muerto. Esa voluntad le lleva a él y sus amigos en común a una excursión a Suecia en la que se perderán y se verán amenazados por algo totalmente desconocido y desconcertante. Esa es la premisa, no os acabo de destripar nada de ‘The Ritual’. Esa mezcla de drama y fantástico bien podría haber salido de una novela de Stephen King pero realmente en lo que se inspira la película de David Bruckner (‘V/H/S’) es en una obra de Adam Nevill. Este autor de cerca de cincuenta años tiene éxito desde principios de este siglo con sus obras y su texto respira precisamente terror moderno. No he recorrido las líneas de sus escritos pero lo que se ha rodado basándose en ellos deambula por los mismos derroteros que lo que estamos viendo en películas muy recientes. Escenas que buscan subirnos la adrenalina, sonido subido de tono, imágenes impactantes…

La amistad, la culpa, el tormento, la confianza y la fustigación forman parte muy importante de ‘The Ritual’. Por lo menos bajo mi punto de vista eso he leído de la película de Bruckner. Un filme de terror que acaba tirando por derroteros fantásticos para poder tener una solución más completa, satisfactoria y detallada que películas similares. Porque ‘The Ritual’ recuerda mucho a otras películas del género, en especial y en demasía a la reciente ‘Blair Witch’. El hecho de desorientarse en un bosque y quedarse a merced de algo desconocido, los elementos que van apareciendo, la poderosa escena en una cabaña… Todo es en exceso similar a la película que rodó y estrenó hace tan solo un año Adam Wingard (‘Death Note’). Al menos el presente título cierra y es conclusivo.

Salvo por la escena en la choza y los compases finales del filme el resto de ‘The Ritual’ es un clisé. También merece la pena salvar la interpretación de Rafe Spall, el cómo ha llevado el actor sus momentos de culpabilidad y ha hecho que su personaje se fustigue. Para ser la primera vez que David Bruckner no necesita acompañamiento en la dirección podría decirse que ha sido lo suficientemente eficaz dentro de su previsibilidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 9 de febrero. Título original: The Ritual. Duración: 94 min. País: Reino Unido. Dirección: David Bruckner. Guión: Joe Barton. Música: Ben Lovett. Fotografía: Andrew Shulkind. Reparto principal: Rafe Spall, Robert James-Collier, Sam Troughton, Arsher Ali, Jacob James Beswick, Paul Reid, Kerri McLean. Producción: The Imaginarium Studios, eOne Films. Distribución: Netflix. Género: terror, adaptación. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80217312

Crítica: ‘The Cloverfield Paradox’

Sinopsis

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En un futuro cercano, una crisis energética amenaza a la raza humana. Astronautas de todo el mundo se reúnen en una estación espacial para probar una tecnología experimental, pero los resultados no son los esperados, y el equipo queda aislado luchando por su supervivencia.  

Crítica

Aventura espacial para dar las respuestas que no tuvimos en las dos películas anteriores.

La tercera parte de la saga Cloverfield ya se ha estrenado en Netflix. La producción de J. J. Abrams que empezó siendo un choro de aire fresco para el género kaiju y que paso por el thriller claustrofóbico ahora se traslada al espacio orbital para mezclar un poco las dos entregas anteriores.

Nos situamos en un mundo al borde de una guerra mundial avivada por la crisis energética, algo totalmente plausible, después viene el fantástico. En el espacio unos científicos intentan crear una nueva fuente de energía a partir de un acelerador de partículas y es entonces cuando se produce «la paradoja». Si la anterior entrega resultó algo insatisfactoria en el sentido de que no expandía el nuevo universo Cloverfield de Abrams arrojando luz sobre las criaturas que amenazaban nuestro planeta en este caso sus seguidores pueden quedarse más satisfechos. Por un lado tienen la ciencia ficción del cineasta desatada por completo y además pueden contar que con este nuevo título de la saga cinematográfica Cloverfield se obtienen explicaciones satisfactorias. Y estas respuestas llegan nada más empezar la película, cuando un personaje nos explica en qué consiste la «Paradoja Cloverfield», la cual no os voy a detallar, tranquilos no destripo nada. Entonces ¿descubierto esto tan pronto tiene interés ver qué sucede con los nuevos personajes y con la Tierra? Por supuesto que sí. Se nota que la ciencia ficción es el punto fuerte de J. J. Abrams y que ha hecho bien a la hora de escoger a Oren Uziel (‘Lago Shimmer’) y Doug Jung (‘Star Trek: Más allá’) para escribir la historia. Los dos escritores de esta película están a la altura del imaginario del autor de historias como ‘Perdidos’ o ‘Fringe’.

Lo que es menos admisible es la incorrección científica de la película, pero es que tampoco se busca. Como el que los científicos dependan de un «combustible» para encender un acelerador de partículas, ya que realmente estos funciona con alto voltaje, intensidad, vacío… La película le hace un flaco favor a este tipo de proyectos científicos. Señores detractores del LHC, por favor, tómense ‘The Clovervield Paradox’ como una historia de ciencia ficción que nos plantea una situación la mar de interesante, nada más.

Ya podemos hablar de trilogía y parece que de saga, porque da para más. Pese a que en este nuevo filme tenemos varias sorpresas, los títulos anteriores tenían mejores giros. ‘The Clovervield Paradox’ tiene cosas que te ves venir y varios tópicos históricos, culturales e incluso de otras aventuras espaciales y de la cinematografía de Abrams. Aún así la película desempeña la función que los espectadores demandaban. Por otro lado económicamente se nota que ha habido más empeño pues tiene mayor dotación económica que sus dos predecesoras y un acabado superior al de aquella primera parte que tan mediática llego a ser y que tan efectiva fue al esconder a su kaiju. Solo hay que ver la gran cantidad de imágenes que nos ofrecen de la Estación Espacial Internacional (que se inventan para la película) o los eventos que nos recrean después.

También ha contado con actores conocidos y bastante jóvenes. El filme se apoya bastante en un cada vez más presente Daniel Brühl, que en este caso en vez de su sangre española ha sacado a relucir sus orígenes germanos. Despunta mucho Chris O’Dowd pero por que siempre se nos queda grabado aquel que tiene los momentos más cómicos y por que personalmente le tengo cierto cario desde ‘Los informáticos’. No obstante quien tiene más peso en la película es Gugu Mbatha-Raw. Es el eje del filme, todo y todos pasan por ella, repitiendo así Cloverfield protagonista femenina de un modo que también resulta eficiente. No cabe duda de que a Mbatha-Raw no le queda nada por demostrar, también se desenvuelve bien en este tipo de aventuras mezcladas con acción.

Por último, para pasar por el aro de esta película hay que ser algo fantasioso y estar una pizca enamorado del género. Seguro que algunos de vosotros como yo os resistís a creer que sea una casualidad que el acelerador de partículas se llame Shepard, como el protagonista del ‘Mass Effect’. No es más que otro guiño de unos rendidos a las historias espaciales con la capacidad de rodarlas. Lo tenían en bandeja, al fin y al cabo toda la película trata sobre una paradoja, sobre un efecto de masa.

Ficha de la película

Estreno en España: 4 de febrero de 2018. Título original: The Cloverfield Paradox. Duración: 102 min. País: EE.UU. Dirección: Julius Onah. Guión: Oren Uziel. Música: Bear McCreary. Fotografía: Dan Mindel. Reparto principal: Gugu Mbatha-Raw, David Oyelowo, Daniel Brühl, Elizabeth Debicki, Zhang Ziyi, Chris O’Dowd, John Ortiz. Producción: Bad Robot, Paramount Pictures. Distribución: Netflix. Género: thriller, acción, aventuras. Web oficial: https://www.netflix.com/title/80134431

Crítica: ‘The Florida Project’

Sinopsis

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Moonee sueña con ir a Disneylandia, pero lo más cerca que ha estado es el motel barato a las afueras de Orlando (Florida), en el que vive con su madre Halley, de 22 años: el Magic Castle Motel. Lo más parecido que Moonee tiene a un padre es Bobby, el gerente del motel, un hombre cauto y diligente que se burla de las payasadas de los niños. Halley ha perdido su trabajo, y otra niña de la misma edad que Moonee se acaba de mudar al motel de al lado. Promete ser un verano inolvidable

Crítica

Colores llamativos para esconder las miserias humanas.

Después de meditar mucho sobre esta cinta, de reflexionar y de asimilarla, puedo decir que ‘The Florida Project’ es más bien un documental sobre la vida en un motel, demasiado cotidiana, sencilla y sin nada apenas que contar.

Para que os hagáis una idea ‘The Florida Project’ es el lado dramático de la serie ‘Me llamo Earl’, en la que sí, sabemos que viven en la pobreza, pero al menos su humor y manera de llevar su vida, les hace más ameno todas las desgracias.

La película de Sean Baker nos presenta la vida de Moonee, una niña que vive en uno de los moteles que hay cerca del Disney World de Orlando, su vida es hacer la vida imposible a los de su alrededor y hacer todas las canalladas posibles, mientras su madre pasa de ella marchándose de fiestas y metida en negocios ilegales.

Ya está, es el día a día de ellos, la niña tiene dos amigos y las ideas que se les ocurren y llevan a cabo son de verdaderos delincuentes. En serio, aluciné lo inteligentes que eran y que solo lo utilizaran para maldades.

Realmente es una cinta muy real, quizás demasiado, con nada de historia, hasta los últimos minutos de la cinta, no ocurre nada, solo ves pasar el día a los niños, intentando conseguir helado gratis, aunque tengan que robar o pedir dinero en la calle. Pues otra cosa no, la verdad que dan lástima, pues nadie se encarga de esas criaturas.

Sean Baker ha sabido dirigir perfectamente a estos jóvenes actores y crear unos personajes bastante creíbles. La niña Brooklynn Prince está estupenda, su papel de Moonee deja perplejo y es una pena que por su edad no pueda recibir premios y ni optar a ellos, porque sin duda ella es la película. Aunque eso sí, admito que no me gustaría tenerla cerca, su personaje es demasiado salvaje.

Sin duda alguna de quien más he disfrutado ha sido de William Dafoe, su personaje, además de tener una santa paciencia, tiene un corazón bastante grande para aguantar todo lo que le hacen.

Otro punto a favor es el uso del color, llamativos colores inundan la película, dando una sensación de magia y alegría, mientras que lo que estás viendo es todo lo contrario. Junto a esto, unes la música, inspiradora y muy animada, que nos lleva a un desenlace que vemos venir desde el comienzo, pero que aun así no nos deja impasibles, pues el plano final de Brooklynn Prince es sobrecogedor.

La película no me ha entusiasmado, le falta una historia, pues termina siendo más bien un documental sobre la vida en estos moteles, pero no puedo decir que sea mala, porque el trabajo de Sean Baker con los niños es espectacular y el cómo logra engañar al espectador con sus colores y su música, para luego destrozarte con solo un primer plano es muy admirable.

 Ficha de la película

Estreno en España: 09 de febrero 2018. Título original: The Florida Project. Duración: 115 min. País: Estados Unidos. Dirección: Sean Baker. Guión: Sean Baker y Chris Bergoch. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Alexis Zabé. Reparto principal: Willem Dafoe, Brooklynn Prince, Bria Vianite, Caleb Landry Jones, Mela Murder, Valeria Cotto, Christopher Rivera, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian. Producción: Cre Film, Freestyle Picture Company, June Pictures. Distribución: Diamond Films. Género: Drama. Web oficial: http://diamondfilms.es/the-florida-project/

Impresiones de ‘The Disappearance’. Mini serie de Calle 13

Drama bien construido que deja muchas vías posibles en su primer episodio.

Con ‘The Disappearance (La desaparición)’ nos llega una propuesta diferente en lo que se refiere a series sobre personas que de repente se ausentan. Tras ver su primer episodio he podido comprobar que este es un drama muy misterioso y familiar sobre un niño, Anthony Sullivan, que en el día de su cumpleaños se volatiliza casi sin dejar rastro. La familia se angustia y empieza, como es normal, a movilizar a toda la localidad y a utilizar todos sus recursos. Los miembros de la familia están interpretados por Peter Coyote (‘Patch Adams’), Joanne Kelly (‘Almacén 13’), Aden Young (‘Yo, Frankenstein’) y Camille Sullivan (‘El hombre en el castillo’).

Lo más anormalmente escabroso es que no hay sospechosos, como suele ser habitual, pero la serie sí que se ocupa de establecer un cierto número de escenas que nos sientan las bases para unas buenas conjeturas. Casi todo el primer capítulo se centra en esto, en ubicar a los personajes, en establecer el drama, en plantear la situación que ocupará el resto de la serie… Existen varios conflictos que pueden ser el detonante de la desaparición del niño, es por eso que al finalizar el primer episodio tendréis un buen número de teorías y alternativas de lo que puede haber pasado con Anthony, pero no lo tendréis nada claro. Eso sí, queda patente que casi todos los protagonistas tienen algo que ocultar, guarde o no relación con la desaparición del protagonista a si es que según avance ‘The Disappearance’ lo iremos descubriendo’.

Se nota que se ha trabajado para lograr una buena atmósfera, con una fotografía que ha corrido a cargo de Claudine Sauvé (‘The wild hunt’) y un diseño de producción de la mano de Patricia Christie (‘La vida de Pi’). Sus tomas reflejan un ambiente hogareño, en una ciudad que parece ser harto segura y acogedora. Su trabajo está bien realizado para que contraste con el ritmo que le ha impreso el director Peter Stebbings (‘Killjoys’) y los sonidos pausados que vamos escuchando. La cadencia, al menos del primer episodio, es conflictiva para los más adeptos a las series rápidas, pero la duración no es larga a si es que se puede hacer fácil de consumir.

¿Anthony Sullivan está perdido, huido, secuestrado, accidentado? Tengo ganas de que se estrene ya para que lo discutamos y lo descubramos juntos. El estreno de ‘The Disappearance’ es el próximo martes 6 de febrero a las 22h en Calle 13 con un doble episodio. La serie cuenta con 6 episodios.

Impresiones de ‘Gone’ la nueva serie de Calle 13

Capítulos conclusivos y secuestros exprés.

Partiendo como premisa de que la mejor experiencia, el mejor entrenamiento, para comprender y detectar a un depredador y secuestrador es haber sido víctima de un secuestro ‘Gone’ cuenta con una protagonista peculiar. ‘Gone’ (ausente, desaparecido, desaparecer en inglés) cuenta la historia de Kick, una mujer que se ha tenido que rehacer así misma tras sufrir un secuestro de 5 años cuando era niña. Años después el equipo del FBI que la rescató recurre a ella para pedirla que forme parte de un grupo especial que pretende encontrar a gente desaparecida en un tiempo récord.

El hecho de que ella sea una antigua víctima de secuestro y no sea una agente de la ley es lo que le da más juego a la serie. Su pasado como secuestrada la aporta una visión única que la permite realizar un análisis de campo especial que no puede hacer ningún otro agente. Al menos esa es la impresión que obtengo del primer capítulo que he podido ver, eso es lo que la diferencia de las clásicas series de desaparecidos como pueden ser ‘Sin rastro’ o ‘Caso abierto’. Por lo demás la serie peca de cojear en algunos aspectos como lo hacían series como ‘Bones’ o ‘Mentes criminales’, en eso de tener tecnologías sobradas de capacidades o cerebritos de ideas oportunas para acelerar los procesos. No sé si la novela ‘One kick’ de Chelsea Cain, en la que se basa la serie, sigue esa dinámica.

Como mayor baza la serie cuenta con Leven Rambin en el rol de Kick Lannigan, la principal protagonista. Su personaje se fundamenta en que debe ser fuerte, no solo físicamente debido a que es muy hábil en determinadas artes marciales y técnicas de defensa personal (las cuales domina muy bien la actriz), sino también a las situaciones que se va a encontrar ya que le irán recordando a su traumático pasado. Seguro que ya la habéis visto en ‘Los juegos del hambre’ o en ‘True detective’.

También están Chris Noth (‘Sexo en Nueva York’, ‘Ley y orden’), Danny Pino (‘Caso abierto’, ‘Chicago P.D.’, ‘Ley y Orden: unidad de víctimas especiales’), Andy Mientus (‘The Flash’) o Tracie Thoms (‘Mentes criminales’, ‘Love’, ‘El diablo viste de Prada’). Como veis un elenco bastante especializado en series, en su mayoría policíacas. También tiene un personaje Lee Tergesen (‘Oz’, ‘Monster’, ‘Defiance’) que auguro que será recurrente a lo largo de toda la serie.

‘Gone’ se estrena este jueves 1 de febrero en Calle 13 a las 22 horas con doble episodio y cuenta con 12 episodios.

Crítica: ‘Amityville: el despertar’

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Belle y su familia se mudan a una nueva casa, para ahorrar dinero y así ayudar a pagar la asistencia sanitaria de su hermano gemelo James, que se encuentra en coma. Pero cuando empiezan a ocurrir fenómenos extraños, incluyendo la milagrosa recuperación de James, Belle comienza a sospechar que su madre no le ha contado toda la verdad y pronto descubre que acaban de mudarse a la terrorífica casa de Amityville.

Crítica

Queriendo alargar la historia de una casa histórica pero sin ser pretencioso.

No es la primera ni será la última. No es la mejor tampoco ni la más aberrante. No es innovadora pero tampoco es excesivamente tópica. La mítica casa encantada de Amityville tiene nueva película. El 112 de Ocean Avenue es una localización real donde de verdad se perpetró un atroz asesinato. De sobra es conocido el crimen que cometió el muchacho de la familia DeFeo, todos conocemos la matanza que llevó a cabo mientras su familia dormía y los posteriores supuestos poltergeist que han atormentado a los sucesivos moradores. Esta no es una película que nos repita por enésima vez esa historia. Por supuesto están los elementos clásicos como la famosa casa de ventanas ominosas, las voces, la habitación roja… Pero en vez de repetirse tanto con la archiconocida leyenda negra intenta alargarla, haciendo un poco de metacine e incluso de repaso de todo lo filmado anteriormente.

En esta ocasión nos ponemos en la piel de una familia que se muda al domicilio maldito, cuyo precio ha sido rebajado debido a la dificultad de alquilarlo. A priori los integrantes del clan desconocen lo que ha pasado en su nuevo hogar, solo quieren llevar una vida tranquila y que uno de sus integrantes se recupere de su enfermedad, o eso es lo que quiere que creamos el director Franck Khalfoun. Este cineasta que anteriormente ha logrado darnos buenas películas del género junto a Alexandre Aja como ‘Maniac’ o ‘Parking 2’ consigue de nuevo un filme de serie B, aunque de calidad regulera. Si la incluimos dentro de la saga que acumula ya esta residencia tiene momentos en los que manifiesta que es consciente del legado que hereda e incluso que es admiradora de él. Es algo muy característico de las películas de la Blumhouse.

El diseño de producción está más cerca de una serie tipo ‘Embrujadas’ que de una película festivalera. No es capaz de crea una atmósfera propia que infunda miedo de verdad y eso que ha contado con alguien tan bueno como Steven Poster, director de fotografía de ‘Donnie Darko’. A decir más, Bella Thorne como protagonista está más que estereotipada. Es una chica a la que hacen bullying en el instituto, la visten como clásica deprimida, tiene problemas en casa… En resumen, el filme tiene los fallos clásicos y sigue los pasos previsibles de las películas de este género.

Pero algunas cosas buenas si tiene. Como virtudes presenta algún que otro sobresalto para el espectador y consigue librarse de las taras de alguna de las predecesoras ambientadas en Amityville que las convertían en alargadas cintas demasiado pretenciosas. Además ofrece un buen giro de guión que os va a parecer original, no inteligente pero si atrevido y valiente. Por último el papel de Cameron Monaghan seguro que os parece de lo mejor del filme. No puedo deciros en qué consiste su papel en la película pero puede que le haga despertar más fans de los que ya tenía tras su paso por la serie ‘Gotham’.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de febrero de 2018. Título original: Amityville: The Awakening. Duración: 85 min. País: EE.UU. Dirección: Franck Khalfoun. Guión: Franck Khalfoun. Música: Robin Coudert. Fotografía: Steven Poster. Reparto principal: Jennifer Jason Leigh, Bella Thorne, Mckenna Grace, Cameron Monaghan, Thomas Mann,  Jennifer Morrison, Kurtwood Smith, Taylor Spreitler, Hunter Goligoski, Dan Martino, Brian Breiter. Producción: Blumhouse Productions, Dimension Films, Miramax. Distribución: Diamond Films. Género: terror. Web oficial: http://diamondfilms.es/amityville-el-despertar/

Crítica: ‘Cavernícola’

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Dug, cavernícola, y Cerdog, jabalí, son los protagonistas de esta nueva aventura de Aardman en la que dos civilizaciones, la de la Edad de Piedra y la de Bronce, compiten por hacerse hueco en la historia. ¿Cómo? De la mejor forma que sus ancestros les enseñaron: con «el juego sagrado». ¡Un partido llamado a ser el más épico de la historia! En juego no hay una copa, sino la supervivencia de la tribu de Dug, que ve en peligro su hogar ante la llegada del malvado y moderno villano de la Edad de Bronce Lord Nooth.

Crítica

Nick Park hace saltar su chispa a golpes de sílex y cobre.

Que los ingleses inventaron el fútbol es innegable e inmutable, la historia es la que fue y no se puede cambiar. Pero por si se nos ha olvidado, y aunque sus orígenes realmente fueron en la Edad Media, llega ‘Cavernícola’. Si bien esta no es una película sobre el origen del fútbol emplea ese deporte como excusa para crear una herramienta de conflicto entre dos pueblos. También es verdad que es muy difícil hacer un filme novedoso o simpático ubicado en la Edad de Piedra con tantos largometrajes y series como se han hecho en esa época: ‘Los Picapiedra’, ‘Capitán Cavernícola’, ‘Los Croods’… A si es que esta es la propuesta que se le ha ocurrido al director de ‘Wallace y Gromit’ y ‘Chicken Run: evasión en la granja’, Nick Park, así como a sus guionistas Mark Burton (‘Gnomeo y Julieta’), James Higginson (‘Killing Bono’), John O’Farrell (‘Chicken Run: evasión en la granja’).

Lo que nos plantean es un choque de eras. La edad de piedra se enfrenta a la de bronce y para defender sus intereses tienen que disputar un partido de fútbol en el que los malos (los de la edad de bronce), son los expertos y los buenos (los cavernícolas de la edad de piedra) son los novatos. De ahí Nick Park y su equipo sacan multitud de chascarrillos, de esa premisa y de la época en la que se ambienta su historia por supuesto. Todo ello aderezado con su habitual ingenio y con la magistral habilidad de las manos de los animadores de de los estudios de animación Aardman (‘La oveja Shaun’). La plastilina de sus personajes y el CGI de sus fondos nos sumerge en una simpática era de caza y artilugios de cobre.

No dudo que en su versión original esté la película bien doblada, también se ha contado con actores famosos que ya han prestado sus voces varias veces en series, películas de animación o videojuegos. El personaje que dobla Hugo Silva lo dobla Eddie Redmayne en el Reino Unido, al de Chenoa le pone voz Maisie Williams y al de Mario Vaquerizo le interpreta Tom Hiddleston. Como veis personas y timbres de voz distintos pero no por ello incompatibles con sus personajes y con la percepción que debemos tener de ellos. Es más, en contra de lo que opinen aquellos a los que no les guste que doblen actores no profesionales de doblaje, los tres hacen muy bien su trabajo, en especial Hugo Silva, cuya voz cuesta reconocer por que emplea un tono bastante más risueño y juvenil que el que tiene normalmente, mucho más acorde al espíritu de su personaje. En el caso de Mario Vaquerizo hay que decir que es el más experimentado de los tres y en este personaje se supera frente al Frankenstein que hizo en ‘Hotel Transilvania’ o a Caca de ‘Emoji’. No usa al menos un acento jamaicano como ha hecho Hiddleston en la versión original, como he leído que hace el actor londinense y podemos oír en los tráilers ingleses. Creo reconocer también, espero no equivocarme, la voz de David Hernán quien dobló también muy bien en su día a Richard Ayoade, quizá le conozcáis más como Moss en ‘Los informáticos’.

Nick Park se acaba de estrenar como director en solitario en el cine, aunque para muchos quizá esto sea una sorpresa. En sus anteriores trabajos estuvo acompañado de Peter Lord o Steve Box. Le ha salido un largometraje muy inglés y muy futbolístico. De hecho incluso su música evoca ambas cosas. Una de las canciones del filme es de los Kaiser Chiefs, grupo británico cuyo nombre salió de un equipo de balompié. La historia que ha creado es algo convencional, dentro de los clásicos relatos de superación y de trabajo en equipo. Muchos films infantiles tienen un mismo protagonista que tira del carro, como habitualmente decía un conocido capitán de fútbol. El partido que juegan, que por suerte es corto y tiene un estilo muy a lo ‘Oliver y Benji’, sigue el mismo esquema en lo que va sucediendo, las mismas pautas, solo faltaría que el campo fuese curvo. Pero aunque la película no es redonda como un balón sí que tiene todos los requisitos para ser considerada mucho más que amena.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de febrero de 2018. Título original: ‘Early Man’. Duración: 89 min. País: Reino Unido. Dirección: Nick Park. Guión: Mark Burton, James Higginson, John O’Farrell. Fotografía: Charles Copping, Dave Alex Riddett, Paul Smith, Peter Sorg. Reparto principal (doblaje original): Eddie Redmayne, Maisie Williams, Tom Hiddleston. Reparto principal (doblaje español): Hugo Silva, Chenoa, Mario Vaquerizo. Producción: Ardman Animations, StudioCanal. Distribución: Vértice 360. Género: animación, comedia. Web oficial: https://www.earlymanmovie.com/

Crítica: ‘El instante más oscuro’

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Presentada por Focus Features y producida por Working Title Films, es una emocionante e inspiradora historia que tiene lugar días antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial. A los pocos días de convertirse en primer ministro de Gran Bretaña, Winston Churchill (Gary Oldman, nominado por la Academia) debe hacer frente a una de las decisiones más difíciles de su carrera política: negociar un tratado de paz con la Alemania nazi o mantenerse fiel a sus ideales y a la libertad de una nación. Con las imparables fuerzas nazis adentrándose en Europa Occidental, la amenaza de una invasión inminente, un pueblo que no está preparado, un rey escéptico y su propio partido conspirando en su contra, Churchill, a pesar de vivir el instante más oscuro, guiará a una nación e intentará cambiar el curso de la historia mundial.

Crítica

Un Gary Oldman que roza la clonación.

No es de extrañar que Gary Oldman se haya llevado el Globo de Oro al Mejor Actor en la categoría de drama en la última edición pues su trabajo en esta película es magnífico. Tampoco me asombra su nominación al Oscar y de hecho me sorprendería si no lo ganase. Las fotografías y tráilers previos al estreno de la película eran vaticinio de un parecido digno de un mellizo. Aunque reconocemos mínimamente a Oldman bajo todo el maquillaje y la mímica, es innegable que tanto actor como equipo de caracterización han logrado clonar en la gran pantalla al primer ministro. Sus rasgos faciales, su ropa, su cuerpo… Los enérgicos gestos que realizaba, sus tics, sus míticas poses, su voz… Oldman ha trabajado muy bien la dicción, el acento, la entonación y el timbre del político inglés. Si antes de ver la película os buscáis audios y vídeos de Winston Churchill comprobaréis que las diferencias son mínimas.

El filme en lo que más efectivo resulta es en remarcar la importancia de la construcción de los discursos del Primer Ministro, en los mensajes que transmitía, en una época en la que la motivación era una de las armas más importantes para ganar la guerra pues el enemigo tenía  las armas físicas más potentes y avanzadas. Realmente dan ganas de que surjan líderes así y la película funciona bien si lo que pretende es trasladar una imagen de gran dignatario.

Al margen del inconmensurable trabajo de Oldman hay que tener en cuenta el papel del director. Se palpa que Joe Wright ha intentado crear un largometraje casi a modo de veneración cargado de historia, ideología y simbolismo. Me parece elocuente, aunque no sé si intencionada, la secuencia en la que Churchill da un discurso, estando aún solo y sin apoyos. Ahí es cuando gracias a su carisma y carácter parece ganar enteros. Es entonces cuando, se le acerca una primera persona a darle la mano pero saliendo de detrás de una columna, como simbolizando que a partir de ese momento saldrán de las sombras todos esos partidarios que estaban escondidos. Me parece una manera brillante y casi subliminal de representar como con sus palabras era capaz de hacer cambiar no solo la opinión que se tenía de su persona si no las circunstancias de toda una guerra.

Pero si nos quedamos solo con la interpretación de Oldman y algunos instantes que consigue salvar Wright la película a nivel global se nos queda vacua. Hay buen reparto, en algunos casos con más o menos fidelidad en lo que se refiere hacia la persona real a la que interpretan, pero ninguno brilla más allá de lo habitual. Desde luego creo que John Hurt habría plasmado mejor a Neville Chamberlain que Ronald Pickup. Pero casting a parte, sin Oldman la película es insípida, sin sustancia ni revelación alguna. Es un drama histórico con un final harto conocido, que además se suma a las múltiples películas que hemos visto esta temporada sobre Dunkerque (‘Dunkeque’, ‘Su mejor historia’).

‘El instante más oscuro’ arranca con un parlamento inglés envuelto en tinieblas, dota a la secretaria de Churchill del rincón más lóbrego para colocar su máquina de escribir y recrea el nº 10 de Downing Street con habitaciones sombrías. Todo ello para acabar llevándonos a un momento de inflexión, cuya luz se ve al final del túnel. Y ese túnel no es otro que el del mítico Tube londinense donde veréis otra escena en la que se luce Gary Oldman citando incluso el ‘Horacio’ de Thomas Babington: «¿Qué mejor manera de morir puede tener un hombre, que la de enfrentarse a su terrible destino, defendiendo las cenizas de sus padres y los templos de sus dioses?». Palabras apropiadas para un hombre que parecía encontrarse solo y desesperado ante el peligro. Es decir Joe Wright nos lleva desde las sombras a la luz, pero tampoco es que consiga deslumbrarnos.

Para una carrera con tantos altibajos como la de Joe Wright la actuación de Oldman le viene de lujo. Por supuesto que está por encima de la media de sus películas, pero deja mucho que desear como drama político pues no consigue contar nada relevantemente nuevo.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Darkest hour. Duración: 125 min. País: Reino Unido. Dirección: Joe Wright. Guión: Anthony McCarten. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Bruno Delbonnel. Reparto principal: Gary Oldman, Kristin Scott Thomas, Lili James, Stephen Dillane, Ronald Pickup, Ben Mendelsohn. Producción: Working Title Films. Distribución: Universal Pictures. Género: drama, hechos reales. Web oficial: http://www.elinstantemasoscuro.es/

Crítica: ‘El pasajero’

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Siguiendo los éxitos de ‘Sin identidad’, ‘Non-Stop’ y ‘Una noche para sobrevivir’, Liam Neeson y el director Jaume Collet-Serra vuelven a trabajar juntos por cuarta vez en el explosivo thriller ‘El pasajero’, que se centra en la frenética misión de un hombre que trata de evitar un desastre en un tren lleno de viajeros.

Crítica

Liam Neeson y Jaume Collet-Serra vuelven juntos después de ‘Una noche para sobrevivir’

Sam Neill, Jonathan Banks, Patrick Wilson, Vera Farmiga, Clara Lago y el gran Liam Neeson, con este reparto Jaume Collet–Serra nos trae un thriller lleno de intrigas y tensión. Que quizás no sea muy original, pero sí que os va a dar 104 min de entretenimiento puro.

Ya es la cuarta vez que el actor irlandés trabaja junto a nuestro director patrio, Jaume Collet–Serra, que desde ‘La casa de cera’ parece afincado ya en la industria de Hollywood sin ningún tipo de problema.

La cinta nos lleva a Nueva York, bueno más bien al trayecto en tren que nuestro protagonista hace desde su casa a su lugar de trabajo, hasta que un día, una misteriosa mujer (Vera Farmiga) se sienta a su lado en el vagón y su viaje se convierte en una estresante aventura para poder salvar a todos los pasajeros del tren.

Qué decir, los actores no pueden estar mejor, nos adentran en la película desde el principio y te crees todos sus personajes.

Aunque sí que es cierto que hay cosas que se podrían haber mejorado, como por ejemplo vas viendo cómo va a terminar la película desde el principio, no quiero decir mucho, pero se juntan las piezas demasiado pronto.

Otra de las cosas a mejorar son los efectos especiales, un poco decepcionantes en las escenas clave de acción. Aparte, que por lo que vemos, el personaje de Liam Neeson tiene los huesos de plomo, pues hay escenas que realmente sus pies deberían haberse hecho pedazos, pero bueno, esto puede ser una licencia para que pueda seguir cumpliendo su misión y no nos quedemos sin héroe tan pronto.

Aparte de estas cosas, que tienen importancia, pero que se pueden ignorar, la cinta es entretenida y nos da la opción de ver a un repartazo que lo da todo, y que aunque el final te lo huelas desde el principio sí que hay ciertas partes en las que llegas a dudar realmente y te confundan.

Mencionar a Roque Baños, compositor de la banda sonora de la cinta, autor también de ‘1898. Los últimos de Filipinas‘ que hace un trabajo estupendo.

‘El pasajero’ da lo que promete, acción, tensión y a Liam Neeson volviéndola a liar por salvar a su familia y a un tren completo lleno de viajeros, no se le puede pedir más, sin duda una película para entrar y olvidar tus problemas de fuera.

Ficha de la película

Estreno en España: 26 de enero de 2018. Título original: The commuter. Duración: 104 min. País: Estados Unidos. Dirección: Jaume Collet-Serra. Guión: Byron Willinger y Philip de Blasi. Música: Roque Baños. Fotografía: Paul Cameron. Reparto principal: Liam Neeson, Vera Farmiga, Clara Lago, Patrick Wilson, Sam Neill, Elizabeth McGovern. Producción: The Picture Company. Distribución: Tripictures. Género: Thriller. Web oficial: http://www.thecommuter-movie.com/

Crítica: ‘Mazinger Z Infinity’

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La humanidad se encuentra una vez más en peligro de caer en las garras del Imperio Subterráneo, que en el pasado fue liderado por el científico malvado Dr. Infierno. Entonces, Koji Kabuto pilotó al súper robot Mazinger Z y, con la ayuda de sus amigos del Instituto de Investigaciones Fotónicas, frustró las malvadas ambiciones del Dr. Infierno y devolvió la paz al mundo.

Han transcurrido 10 años desde entonces… Ahora que ya no es piloto, Koji Kabuto ha seguido el camino de su padre y su abuelo iniciando su carrera como científico. Y ahora encuentra una gigantesca estructura enterrada en las profundidades del Monte Fuji, junto con una misteriosa indicación de la vida… Nuevos encuentros, nuevas amenazas y un nuevo destino aguardan a la humanidad. El antiguo héroe Koji Kabuto debe tomar una decisión sobre el futuro: ser un dios o un demonIo….

Crítica

El Mazinger de toda la vida para los que quieran revivirlo.

El gran precursor del género mecha (robots gigantes) que además marcó la infancia de muchos de nosotros y cambió la manera de ver ese tipo de animes, Mazinger Z, tiene nueva película. Toei Animation ha rescatado, si es que había caído en el olvido, al gran ingenio tecnológico de la animación japonesa para llevarlo a la gran pantalla. Lo que nos trae el estudio nipón es una película para la que tienes que tener una mentalidad infantil o estar predispuesto a recuperar la nostalgia, a revivir esos episodios y esos cómics que empezaron a lanzarse hace 45 años. Porque cuando se hace un largometraje con el motivo especial de un aniversario, como es el caso, a veces salen historias más forzadas como esta. Si hubiese sido la culminación de una serie tal vez habría salido una historia más natural y definida. Y no con esto estoy diciendo que ‘Mazinger Z Infinity’ sea una mal filme, al contrario, ha sabido recrear a la perfección los episodios antiguos, pero el espectador de entonces consume ahora otro esbozo de narraciones.

El director escogido para esta película es el mismo que realizó la película de ‘One Piece’ del año 99 y junto al guionista Takahiro Ozawa han ideado una historia que transcurre 10 años después de lo que vimos en la serie original. Nuestro protagonista, Koji Kabuto, se ha «jubilado» de eso de luchar contra y en robots gigantes y ahora es un científico que casualmente ha encontrado restos arqueológicos de un Mazinger Z, el Infiniti. Mientras la humanidad ha desarrollado la energía fotónica, cuyas instalaciones son atacadas por el villano de siempre, el Doctor Infierno. Es entonces cuando Kabuto ha de plantearse seriamente si abandonar la senda del pacifismo y volver a guerrear contra sus enemigos a riesgo de encarnar de nuevo una figura de dios para los humanos o demonio de la destrucción. Todo demasiado casual y puesto en bandeja para que el protagonista se luzca rápidamente. Es más con el paso en el tiempo que se ha dado al hacer la película los personajes han madurado ligeramente, pero no lo suficiente como para ofrecernos a los que veíamos la serie un entretenimiento más adulto. Por otro lado se han incorporado nuevos personajes que le dan algo más de jugo a la trama, de hecho se notan determinadas inspiraciones en ‘El quinto elemento’ o ‘Ghost in the Shell’, por lo que si Mazinger inspiró a generaciones posteriores ahora posteriores generaciones podrían haber inspirado a Mazinger.

El diseño de los artefactos mecánicos es obra de Takayuki Yanase. Si estáis puestos en anime actual sabréis que os esperan droides modernos y de conceptos vanguardistas, pero también un tanto estrafalarios. Este director ya ha demostrado su talento renovando sagas en ‘Ghost in the Shell: Arise’ y aquí ha hecho algo similar, creando nuevas máquinas que respetan el alma de la obra original pero que están al tanto de lo actual. El anime, hablando ahora en general, está modernizado mezclando animación por ordenador para los mechas, en especial para Mazinger, pero aún así se conserva el corte clásico. Reconocemos a los personajes de toda la vida, el trazo de dibujo es el mismo. El estilo de la serie se conserva, tanto en sus formas como en sus colores. Se nota también la mano de Hiroya Iijima, diseñador de personajes que me maravilló en ‘Afro Samurai’ pero que aquí ha estado más atado por lo establecido en el pasado. Como desventaja también tenemos que en algunos fotogramas en la recreación de señalados fondos no se consigue una buena armonía con los personajes.

Hay que tomarse esta película como una llamada al niño que veía la serie en las últimas décadas del siglo XX. Se nos anima a recuperar las sensaciones de antaño empezando con una especie de opening como si fuese un episodio más. La famosa canción de Mazinger vuelve a sonar un poco más cañera mientras vemos una serie de recuerdos que nos ponen al día de la nueva situación de los protagonistas. A partir de ahí todo sigue el mismo esquema de la serie. Por supuesto el gran robot emplea sus míticos ataques y los personajes siguen siendo tan puros, tan simpáticos o villanos como siempre. A si es que si sois fans de Mazinger tranquilos que sigue siendo el revulsivo de siempre, tendréis hordas de kaijus mecánicos, puños fuera, ataque fuego de pecho, rayo fotónico… Respecto a esto, la acción en las batalla resulta caótica, más que en las peleas cuerpo a cuerpo. del tipo shoot ‘em up, esos juegos de naves de los videojuegos, algunos tan difíciles de superar. Con ello han filmado varias secuencias trepidantes, muy rápidas, pero que aturrullan un poco si no estás acostumbrado a ver este tipo de animes.

Al margen de la remembranza que hace Junji Shimizu en su película se pone a Mazinger como figura de unión para toda la humanidad cuando todo el planeta es incapaz de ponerse de acuerdo. Se hace así una especie de ligera crítica del ser humano recalcando que este es incapaz de alcanzar consenso incluso en la peor de las situaciones. A pesar de ello no se alcanza un tono oscuro o maduro, la gama cromática ya desmesuradamente colorida de los robots enemigos  nos saca del cariz catastrófico que podría tener la película. Es por eso que reitero una vez más, película para los más creciditos pero que quieran retraerse hacia su niñez.

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de enero de 2018. Título original: Mazinger Z. Duración: 95 min. País: Japón. Dirección: Junji Shimizu. Guión: Takahiro Ozawa. Música: Toshiyuki Watanabe. Fotografía: Makoto Ujiie. Reparto principal (doblaje original): Showtaro Morikubo, Ai Kayano, Sumire Uesaka, Toshihiko Seki, Ami Koshimizu, Natsuki Hanae, Wataru Takagi, Kappei Yamaguchi, Masami Kikuchi, Junpei Morita, Bin Shimada, Kozo Shioya, Hiroya Ishimaru, Minori Matsushima, Yui-p, Okarina, Azusa Tadokoro, Miku Ito, Hiroyuki Miyasako, Romi Park, Keiji Fujiwara, Unsho Ishizuka. Producción: Toei Animation. Distribución: Selecta Visión. Género: animación, ciencia ficción. Web oficial: http://mazingerz-world.com/

Crítica: ´Los archivos del Pentágono’

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En junio de 1971, el New York Times, el Washington Post y los principales periódicos de EE.UU. tomaron una valiente posición en favor de la libertad de expresión, informando sobre los documentos del Pentágono y el encubrimiento masivo de secretos por parte del gobierno que duró cuatro décadas y cuatro presidencias estadounidense. Katherine Graham y Ben Bradlee, formaron un equipo improbable, ya que se vieron obligados a unirse y tomar la audaz decisión de apoyar al New York Times y luchar contra el intento sin precedentes de la Administración de Nixon de restringir la primera enmienda.

Crítica

Valiente y muy cuidada, así es la nueva cinta de Steven Spielberg.

Ya hemos visto ‘Los archivos del Pentágono’, la nueva cinta de Steven Spielberg, que nos trae una historia de Vietnam desde el punto de vista periodístico y político.

La cinta rescata varios temas como son la lucha por la libertad de prensa contra el orgullo de un gobierno y la lucha de una mujer por poder de decidir en su propia empresa.

Spielberg nos da una lección sobre la historia del periodismo y sobre cómo el gobierno de los Estados Unidos decidió silenciar la verdad que muchos querían contar. En esta cinta nos vuelve a contar una historia sobre Vietnam, pero desde otra perspectiva, no con armas de fuego, sino con el arma más potente, la verdad.

La manera con la que se intentó silenciar a varios periódicos para evitar que ‘Los archivos del Pentágono’ siguieran saliendo a la luz, terminó mal para el Gobierno y gracias a eso, una pequeña batalla para la libertad de prensa fue ganada.

Mucho ha pasado desde entonces y aun seguimos con pequeñas luchas, pero este es un gran ejercicio de conciencia para poder ver cuántas vidas se hubiesen salvado de ambos lados si el gobierno de los Estados Unidos no hubiese sido tan orgulloso.

El otro tema a tratar es el de nuestra protagonista, Katherine Graham, dueña de el The Washington Post, el cual en ese entonces era un periódico casi local y que se ve envuelto en una lucha que no se podía ni imaginar. Rodeada de hombres que la miran por encima del hombro, los cuales aunque la tienen aprecio, no ven bien que su jefa sea una mujer de cuyas decisiones depende el futuro del periódico.

Meryl Streep está estupenda, nos muestra a una mujer con un montón de dudas, a la que le cuesta hablar en las reuniones de empresa y se apoya siempre en uno de sus consejeros, poco a poco vamos viendo una evolución y sobretodo una liberación de esta mujer que va ganándose su puesto con grandes decisiones. Añadir que es la primera vez que la actriz trabaja con Spielberg y solo puedo decir que ya era hora, y que el papel que le ha dado es un verdadero regalo.

El otro claro protagonista es el personaje de Tom Hanks,  Ben Bradlee, que es el periodista que tantos dolores de cabeza le da a su directora, pero a la vez la ayuda a ese pequeño empujón que necesita. Por lo que he podido leer Bradlee era vecino de Spielberg y Tom pudo conocerle y hasta poder estudiarle, se nota pues su personajes está muy cuidado.

En el resto del reparto podemos ver a Michael Stuhlbarg, Alison Brie, Jesse Plemons, Sarah Paulson entre otros. Y con una mención especial a Bob Odenkir, actor de ‘Breaking Bad’, que aunque ya sabemos que es un gran actor, en esta cinta nos muestra su lado más serio el cual borda.

Sin duda, todas las nominaciones a premios son merecidas. Una cinta que da mucho que pensar. ¿Hasta qué punto pueden arrebatarnos la libertad de prensa?. ¿Cuántas cosas más nos ocultan?

No dudéis en acercaros a los cines el 19 de enero, una gran puesta en escena os espera y una pequeña parte de la historia que os dará mucho que pensar. 

Ficha de la película

Estreno en España: 19 de enero 2018.  Título original: The Post.  Duración: 116 min. País: Estados Unidos. Dirección: Steven Spielberg. Guión: Liz Hannah. Música: John Williams. Fotografía: Janusz Kaminski. Reparto principal: Meryl Streep, Tom Hanks, Sarah Paulson, Bob Odenkirk, Tracy Letts, Bradley Whitford, Bruce Greenwod, Matthew Thys, Alison Brie, Carrie Con, Jesse Plemons. Producción: Amblin Entertainment, DreamWorks, Distribución: eOne Films Spain. Género: Thriller.

Crítica: ‘Tres anuncios en las afueras’

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‘Tres anuncios en las afueras’ es una comedia dramática con toques oscuros del ganador del Oscar Martin McDonagh (‘Escondidos en Brujas’). Después de meses sin que aparezca el culpable de la muerte de su hija, Mildred Hayes (la oscarizada Frances McDormand) da un valiente paso al pintar tres anuncios en unas vallas publicitarias camino de su pueblo con un polémico mensaje dirigido a William Willoughby (el nominado al Oscar Woody Harrelson), el venerado jefe de policía del pueblo. Cuando su segundo al mando, Dixon (Sam Rockwell), un inmaduro niño de mamá aficionado a la violencia, entra en acción, la guerra entre Mildred y las fuerzas policiales de Ebbing no hace más que empeorar.

Crítica

Esto sí es publicidad ética, de calidad y que quiero ver más veces.

Cuando una película es capaz de hacer que tengas sentimientos encontrados, cuando logra que te encariñes con todos y cada uno de sus personajes, cuando te sorprende con sus ocurrencias… Es entonces cuando tienes esa sensación de que no podrías decir nada malo de la película, aunque no la consideres una obra maestra, pero aún así sientas que no vas a parar de recomendarla. La comedia de Martin McDonagh no es una montaña rusa de sensaciones ni un despiporre, pero ello es debido a que está circunscrita con precisión en el drama de la vida y por eso merece la pena ser vista.

‘Tres anuncios a las afueras’ es una comedia muy negra. Casi que los calificativos que le vienen mejor son amarga y ruda, pero al fin y al cabo comedia negra. Está muy cargada de remordimientos y esos tres carteles que el personaje de Frances McDormand emplea para presionar a la policía hacen que salgan los de todos a la luz. Por lo tanto viene dotada de un potente trasfondo dramático que se hace con la película casi inevitablemente. Es por eso que trata sobre el coraje y la redención, pero también sobre los juicios morales. Todos los personajes tienen algo de lo que avergonzarse o algo que afrontar y para ello han de hacer acopio de valor o buscar el perdón.

Puede recordar en muchos aspectos al cine de los hermanos Coen: por su humor áspero e inteligente, por los diálogos directamente sinceros, por la concepción de sus personajes, por la visión tan particular de Estados Unidos que ofrece… Sobre todo vienen a la memoria películas como Fargo, lo cual no es difícil pues también la protagonizaba Frances McDormand. No es de extrañar la elección de la actriz fetiche y esposa de uno de los Coen para esta película pues es una abanderada en eso de la comedias de este tipo.

Mildred Hayes (Frances McDormand) tiene unos prontos que harían que temblara de terror hasta Juan sin miedo. Su tozudez, agallas y rudeza me han recordado a personajes interpretados por John Wayne o Clint Eastwood y Frances McDormand puede mirar de igual a igual a esos dos grandes mitos del cine. Porque además esta película huele totalmente a western. Una mujer que está prácticamente sola ante el peligro y la injusticia, en una villa del centro de Estados Unidos decidiendo azuzar a las autoridades, tanto por activa como por pasiva, para que cumplan con su trabajo y hagan justicia con el caso de su hija muerta… Ese argumento es de película del oeste nada más plantearlo. Tanto su trama como el carácter de sus personajes os van a llevar a un western moderno dirigido ecléticamente.

Es una película en la que cuesta decantarse por un personaje predilecto, en la que puedes sentirte identificado de algún modo con todos y cada uno de los individuos que pueblan la ficticia localidad de Ebbing, independientemente de cuáles sean sus virtudes o defectos a destacar. El filme pone en relieve que todos pueden tener un lado bueno y un lado malo, lo que es más importante, aunque nos presente a personajes en apariencia casi catetos, salidos de la Norteamérica más profunda, nos dan lecciones con su valentía o con sus demostraciones de amor incondicional y perseverancia, las cuales podrían estar escritas en las novelas más ilustres de las bibliotecas más exclusivas. Es por esto que hacía falta contar con actores muy cercanos al espectador, que no se den aires de grandes estrellas y capaces de encontrar un buen balance entre el humor y el drama. Martin McDonagh ha sabido aprovechar eso de su reparto. Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Peter Dinklage… son nombres de artistas que siempre logran hacernos sonreír pero que la mayoría les tenemos aprecio gracias a que siempre logran dar a sus personajes un matiz humano muy particular. De entre todos ellos (obviando el claro protagonismo de McDormand) no elijo como favorito, pero si me gustaría señalar a Rockwell, quizá por tener más minutos en pantalla pero también por ser el que más ha hecho evolucionar a su personaje y el que más encarna el espíritu de esta magnífica película.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri. Duración: 121 min. País: EE.UU. Dirección: Martin McDonagh. Guión: Martin McDonagh. Música: Carter Burwell. Fotografía: Ben Davis, BSC. Reparto principal: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Abbie Cornish, Lucas Hedges, Željki Ivanek, Caleb Peters, Samara Weaving, John Hawkes, Peter Dinklage. Producción: Blueprint Pictures. Distribución: 20th Century Fox. Género: drama, comedia. Web oficial: http://www.tresanunciosenlasafueras.es/

Crítica: ‘El extranjero’

Sinopsis

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Quan (Jackie Chan), un humilde dueño de un restaurante londinense cuyo pasado, ya enterrado, emerge cargado de venganza al perder a su hija, la única familia que le queda, en un acto terrorista con motivaciones políticas. Mientras busca a los responsables, recurre a la ayuda del viceministro irlandés, Liam Hennessy (Pierce Brosnan), un funcionario del gobierno a quien afecta su propio pasado turbio de vinculación con el grupo terrorista IRA. Así comienza un juego del gato y el ratón con tinte político entre Quan y Hennessy, quienes deben confrontar su pasado mientras intentan identificar a los escurridizos asesinos.

Crítica

Dejando al margen los clisés ‘El extranjero’ está fuera de lo habitual para los dos actores principales.

Se podría decir que ‘The Chinaman’ fue la novela que lanzo a Stephen Leather a las primeras posiciones de literatura contemporánea. Su relación, en el momento en el que la publicó, con las noticias de actualidad era muy estrecha pues se hallaba trabajando en The Times y eso quedó reflejado en una obra que según el propio autor ha quedado muy bien plasmada y actualizada en esta película. Un filme que pone sobre la mesa temas como el terrorismo, la fragilidad de un proceso pacificador, la venganza, el sentido de la justicia o los demonios del pasado.

El director y guionista encargado de adaptar dicha obra ha sido Martin Campbell. Un cineasta a quien muchos odian por su ‘Green Lantern’, no es mi caso, pero que es un solvente director de cine de acción que nos ha dado películas más que satisfactorias como aquellas en las que Banderas interpretaba a El Zorro o varias de James Bond, como ‘Casino Royale’ o ‘GoldenEye’. En esta última aún se encargaba de encarnar al agente 007 Pierce Brosnan, quien resulta casi protagonista principal de esta cinta.

Pero la persona que lleva el peso del largometraje y en quien gira el relato es Jackie Chan. El actor chino interpreta a un padre que ha perdido recientemente a su hija en un atentado en la capital del Reino Unido y decide indignado tomarse la justicia por su mano al ver que las autoridades no dan respuesta a su sed de venganza. Casi duele ver el rostro de este actor de cara y papeles tradicionalmente tan simpaticones como los suyos en algunas escenas pues le tenemos aquí en un campo dramático en el que pocas veces se ha adentrado, solo en algunas producciones como ‘New Police Story’. Y es que el trasfondo trágico de este asiático afincado en Londres es de aupa ya que ha perdido dos hijas huyendo de la guerra y una mujer pariendo a la tercera que muere en el atentado de esta película. Parece que hace falta mucho para que Jackie pierda su socarrona sonrisa.

Al igual que sucede en ‘Daño colateral’, película de otro gran icono del cine de acción, y como he mencionado antes, todo arranca con un atentado que se lleva por delante a la hija de Quan, el personaje de Jackie Chan. Este emprende una cruzada para dar con los responsables pero ya de un modo diferente a la citada película de Arnold Schwarzenegger. De hecho en lo que se acaba convirtiendo es en un Stallone en ‘Rambo. Acorralado’, en un fuera de serie tendiendo trampas y neutralizando a sus enemigos. Pero más allá de las similitudes con otras películas de compañeros de profesión ‘El extranjero’ trata acerca del terrorismo, tiene muchas referencias y gira en torno al extinto IRA, pero sobre todo de tomarse la justicia por su mano, de acelerar el proceso, de ser un padre coraje. Y no solo de eso, si no que Quan, que es el modesto propietario de un restaurante pero con habilidades mantenidas en letargo, antes se atreve a presionar y extorsionar a las autoridades para que hagan su trabajo o le ayuden a él a conseguir su meta. Y para ello no duda en emplear cualquier método pues ya no tiene nada que perder. No es un mal punto para una película en la que no te ves venir quien es el villano aunque tampoco se puede decir que su revelación sea un gran giro. Sin embargo, cuando averiguamos quien mueve los hilos si supone la salida a la luz de un entramado de traiciones y fidelidades a una causa muy creíbles y aquí es cuando vemos lo eficiente que se vuelve Stephen Leather como escritor y como periodista.

Desde luego, esta es una película de Jackie Chan y hay algo de artes marciales y de su clásico escapismo, pero bastante contenido y con un toque más crudo. El haber introducido la espectacularidad de los movimientos de Chan a este tipo de película nos habría sacado del thriller, que ya de por sí rompe un poco la música de Cliff Martinez (algo alejado del nivel de lo que hizo en ‘Drive’, ‘Solaris’ o ‘Traffic’). Tampoco creo que Jackie Chan esté para dar los saltos que grababa en películas como ‘Supercop’ u ‘Hora punta’ pero me alegra ver que se atreve a dar un nuevo golpe en la mesa y seguir demostrando que él también es un actor que vale para algo más que para pelear, aun manteniendo su identidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de enero de 2018. Título original: The Foreigner. Duración: 114 min. País: Reino Unido. Dirección: Martin Campbell. Guión: David Marconi. Música: Cliff Martinez. Fotografía: David Tattersall. Reparto principal: Jackie Chan, Pierce Brosnan, Katie Leung, Rufus Jones, Michael McElhatton, Charlie Murphy, Orla Brady. Producción: STX Entertainment, thefyzz, Arthur Sarkissian Productions. Distribución: Diamond Films. Género: acción, drama, thriller, adaptación. Web oficial: http://theforeignermovie.com/

Crítica: ‘Loving Vincent’

 Sinopsis

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Francia, verano de 1891. El joven Armand recibe una carta de su padre, el cartero Joseph Roulin, para entregarla en mano en París al hermano de su amigo Vincent Van Gogh. Pero en París no hay rastro de Theo, del que cuentan que murió poco tiempo después de que su hermano Vincent se quitara la vida. Así comienza ‘Loving Vincent’, la primera película realizada al oleo de la historia del cine. A través de más de 65000 fotogramas animados, pintados a mano por artistas de todo el mundo, la película da vida a los cuadros de Van Gogh recorriendo la misteriosa vida del pintor a través de las cartas que con frecuencia escribía a su hermano pequeño Theo.

Crítica

La vida a través de la mirada de Van Gogh.

Hoy os hablamos de ‘Loving Vincent’ una verdadera maravilla visual que se estrena este viernes 12 de enero gracias a Karma Films.

Con un total de 65000 fotogramas pintados al puro estilo de Van Gogh. Los directores, Dorota Kobiela y Hugh Welchman, nos dirigen a una historia que termina siendo bastante detectivesca, pero que no termina de convencer del todo, eso sí, todo queda tapado por el gran trabajo de montaje, creando una verdadera obra de arte.

La técnica es impresionante, pues encontramos los fotogramas pintados al oleo y dando movimiento a la obra del autor.

Aun recuerdo cuando leí ‘Cartas a Theo’, el libro con las misivas que Van Gogh escribió a su hermano. En ellas se ve como la gran personalidad del artista le jugaba malas pasadas, como poco a poco iba perdiendo el control de su vida y aun así este hombre, que en vida no vendió ni un cuadro, consiguió ser uno de los grandes artistas de la historia y a la vez un ser incomprendido para la gente que le rodeaba.

Creo que el fallo de esta cinta, aunque a mí me ha encantado, es la historia que quizá sea un poco floja, conociendo la vida del autor, podrían haber escogido partes de su vida mucho más interesantes, como todo el tiempo compartido junto a Paul Gauguin, o hacer lo mismo que han hecho, pero con todas las cartas que se escribió con su hermano Theo ya mencionadas antes, pero que nos hubiesen dado una gran visión del artista.

La historia se convierte en una búsqueda del porque Vincent decidió suicidarse y si de verdad ese fue el motivo de su muerte.

Los parecidos a los cuadros de Van Gogh son maravillosos, sobretodo el personaje del Doctor Paul Gatchet, la elección de Jerome Flynn es muy buena y sin duda deja con la boca abierta el gran parecido a la obra del pintor.

Las actuaciones son muy buenas, Douglas Booth, convertido en un detective sin el quererlo, nos trae a un Armand Roulin muy creíble. En cuanto a Robert Gulaczyk, es un perfecto Van Gogh, me encanta su mirada y sus gestos, la pasión con la que coge los pinceles, es sentir al pintor en la sala de cine.

En la cinta podemos ver infinidad de cuadros de Vincent, como El café de noche, uno de los retratos de El doctor Paul Gachet o El trigal con cuervos, por mencionar alguno, pero realmente toda la cinta es una verdadera obra de arte con las distintas obras del pintor y podemos ver como muchos de ellos cobran vida.

La pena es que se estrena en muy pocas salas y es una cinta que bien merece su visionado, la técnica, la fotografía, el mimo porque cada detalle sea perfecto, nos deja una película digna de admirar y disfrutar. 

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de enero 2018. Título original: Loving Vincent. Duración: 95 min. País: Reino Unido, Polonia. Dirección: Dorota Kobiela, Hugh Welchman. Guión: Dorota Kobiela, Hugh Welchman, Jacek Dehnel. Música: Clint Mansell. Fotografía: Tristan Oliver, Lukasz Zal. Reparto principal: Douglas Booth, Helen McCrory, Saorise Ronan, Jerome Flynn, John Sessions, Robert Gylaczyk, James Greene, Richard Banks. Producción: Coproducción Polonia- Reino Unido, Odra films, Trademark Films, Polski Instytut Sztuki Filmowej. Distribución: Karma Films. Género: Animación, drama. Web oficial: https://karmafilms.es/catalogo/loving-vincent/

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