Crítica archivos ⋆ Página 43 de 51 ⋆ Moviementarios

Crítica: ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’

Sinopsis

Clic para mostrar

Steven (Colin Farrell), un eminente cirujano cardiológico, está casado con Anna (Nicole Kidman), una oftalmóloga respetada. A ellos les va bien y llevan una vida familiar feliz y sana con sus dos hijos, Kim, 14 (RaffeyCassidy) y Bob, 12 (SunnySuljic).

Steven entabla amistad con Martin (Barry Keoghan), un niño de dieciséis años sin padre y a quien ha tomado bajo su ala. Las cosas toman un giro siniestro cuando Steven presenta a Martin a su familia, su mundo gradualmente se convierte en un caos y Steven se ve forzado a hacer un sacrificio impactante o correr el riesgo de perderlo todo.

Crítica

Con afán de transgredir Lanthimos crea un thriller cercano al terror.

Yorgos Lanthimos, director de ‘Langosta’ y ‘Canino’ (si eres asiduo a la muestra Syfy seguro que por tu cabeza pasa una rima y por tu rostro se esboza una sonrisa), estrena filme y ya pasa los cinco largometrajes en su currículum. El cineasta griego empieza a grajearse una reputación gracias a la temática de sus películas y a lo controvertido de sus argumentos, lo cual también le está convirtiendo en un director de culto y eso le garantiza que no le van a escasear los seguidores. Esto es algo que le viene que ni pintado ya que para películas como ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’ muchas veces hay que echar mano de esos fieles pues la defensa de cintas tan crudas y soeces no es sencilla.

Capta nuestra atención la película cuando nos retrata a una familia estándar perfecta pero cuyo padre tiene un comportamiento que en ocasiones se sale de la norma. Nos sorprende cuando de repente la vida de este clan se ve trastocada al introducirse en su casa una persona a priori ajena a ellos. Y ahí empieza el juego psicológico de Lanthimos. ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’ es una película que va muy poco por la vía del despiste e intenta llevarnos más por el camino de la desesperación, lo metafórico, lo retorcido y lo perturbado. Es por eso que podemos ver a niños menores de edad experimentando, diciendo o viendo escenas bastante duras. De ahí que muchas de las secuencias rodadas estén casi fuera de lugar, emulando muchas veces a Kubrick, haciendo de esta película un trabajo un algo presuntuoso. Tanto es así que pretende con un filme tan sencillo, pero a la vez enigmático, hacernos meditar sobre lo inevitable de la muerte.

Los actores en gran medida han de ser sumisos a los caprichos y locuras de su director, por extravagantes o chocantes que estas sean. Que estrellas de renombre como Colin Farrell o Nicole Kidman se sometan a una apuesta como esta les hace más dignos de su oficio. Todos los intérpretes del largometraje han entrado en la dinámica del guión y se han convertido en utensilios una retorcida y maquiavélica mente de Lanthimos. La lástima es que esa transformación les haya quitado credibilidad como personas con comportamientos mínimamente naturales. Los personajes obran todos de un modo extremadamente excéntrico e incluso en algunos casos grotesco y así es más difícil simpatizar, sentir tensión o terror. Eso sí, la película abre debate si nos ponemos a dilucidar qué haríamos en la difícil situación del personaje de Farrell, ese es un logro que no le voy a quitar tampoco a Lanthimos.

No he podido evitar fijarme en las ventanas de la habitación del matrimonio y acordarme de Amityville. Quizá el director griego nos ha querido arrastrar también por un mismo camino hacia la locura e incluso lo sobrenatural. Porque pese a todo lo cosechado durante esta más que alargada película Lanthimos no da una completa explicación de cómo sucede todo. El director consigue así enfadarnos casi tanto como nos consigue enfadar Barry Keoghan con su personaje. Su actuación, aunque a veces algo sobreactuada, está por encima de la de Farrell y Kidman. Tras ver la película no me negaréis que no os gustaría agarrarle de la pechera y como poco cantarle las cuarenta. Eso es síntoma de que habéis visto una buena interpretación.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de diciembre de 2017. Título original: The killing of a sacred deer. Duración: 109 min. País: Reino Unido. Dirección: Yorgos Lanthimos. Guión: Yorgos Lanthimos, Efthymis Filippou. Fotografía: Thimios Bakatatakis. Reparto principal: Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, Alicia Silverstone, Bill Camp. Producción: Element Pictures, Film4, New Sparta Films. Distribución: Diamond Films. Género: thriller. Web oficial: http://killingofasacreddeer.movie

Crítica: ‘El silencio roto’

Sinopsis

Clic para mostrar

María tiene seis años, acaba de llegar a un nuevo colegio, pero algunos de sus compañeros han decidido amargarle la llegada. Le han puesto un mote y no la dejan en paz. Victoria tiene 14 años, pasó demasiado tiempo sufriendo todo tipo de vejaciones en su centro escolar, el resultado fue que padeció durante años un cuadro de estrés postraumático. Mario tiene ocho años, en el cole le llamaban gordo, tres niños de su clase le pegaban a diario. Perdió por completo su autoestima y comenzó a tartamudear. Emma tiene diez años, el protocolo de acoso escolar la convirtió en la niña señalada de su escuela, se quedó sin amigos.

Crítica

A veces la solución está en romper la barrera del silencio.

Quebrar la barrera que impide el diálogo con un abusón, conseguir abrir la puerta que nos abra a las inquietudes de un niño, lograr que un adulto ponga la mano en el fuego y diga basta… Son metas difíciles pero para las cuales existen vehículos y caminos a las que llegar. Piluca Baquero (‘Madrid, Above the Moon’) nos los enseña en su primer documental como directora tras haber trabajado en varias decenas de películas como productora.

A la directora y guionista no la hace falta decir una sola palabra, no necesita plasmar un solo dato en pantalla, son los protagonistas los que por sí mismos arrojando sus testimonios retratan la situación actual. Con esto es más que suficiente para hilar el documental y denunciar un problema de urgente atención. Algo que está sucediendo, no solo en países al otro lado del mundo, si no en los patios de nuestras escuelas, en la habitación que tenemos al lado, en la mente de nuestros hijos.

El reportaje es muy útil y creíble pues oímos a auténticas víctimas, pero no les vemos pues su identidad ha sido protegida. Niñas y niños contando sus casos tras la máscara de unos dibujos a animados creados por la mano del artista Javier de Juan. Sucesos que seguro que os suenan por haber vivido en el patio de vuestro colegio. Son ellos quienes nos enseñan. El largo rompe el silencio de los niños para enseñarnos a identificar y lidiar con una situación de abuso además de aprender los diferentes tipos de casos que existen: físicos, digitales, psicológicos… Hablan también profesores, especialistas… pero además va más allá y nos enseña que este tipo de conflictos pasan desapercibidos pues son tapados, a veces de manera refleja y otras por evitar un problema administrativo.

‘El silencio roto’ está todo basado en entrevistas y es muy divulgativo e ilustrativo. Por supuesto su creación está más que justificada y el tono en que trata el asunto me parece del todo correcto, ya que no es alarmista pero si incide en la urgencia de tomar cartas en el asunto. También es un acierto que ofrezca la opinión de varios representantes de partidos para no pecar de politizado, pues este es un tema del que los políticos huyen pues temen que produzca alarma social pero por el contrario si lo usan para hacer campaña.

El género documental no es solo tecnología y naturaleza, también es sociología. Por eso es importante no dejar al margen este tipo de documentos, en mayor medida si tratan sobre temas que afecten tanto psicológica como físicamente a los niños. Esta no es una lucha solo por hacerse oír, sino también contra un cambio de mentalidad y contra nuestro sistema, tanto legal como educativo. Estamos en una selva donde hay que pisarse para sobresalir. Hay que acabar con esa pugna y hay que disolver el miedo a romper el silencio y no temer represalias, consecuencias o el qué dirán. Sobre todo hay que enseñar a los jóvenes que de nada sirve el acoso, de nada sirve crearse enemigos.

Ficha de la película

Estreno en España: 2017. Título original: El silencio roto. Duración: 85 min. País: España. Dirección: Piluca Baquero. Guión: Piluca Baquero. Música: Martín Carlés. Fotografía: Hermes Marco, en color. Reparto principal: María José Fernández, Mar Valdeita, Coral Cabezas. Producción: Azotea Films. Género: documental, entrevistas, animación.

Entrevista a Javier Gutiérrez por ‘El Autor’

«Estaba en las mejores manos con Manuel Martín Cuenca, sabía que estaba ante un gran director de actores».

Javier Gutiérrez está que no para, con una serie en cadena ‘Estoy vivo’, otra próxima ‘Vergüenza’ y ‘El Autor‘, nos deja saber que es uno de los grandes actores el momento y que está muy solicitado por la industria española, ya sea del cine o de la televisión. Hemos tenido la oportunidad de poder entrevistarle por su papel de Álvaro.

Aquí os dejamos la entrevista. Disfrutadla.

Este año te estamos viendo en muchos sitios, series de televisión y cine, ¿No crees que puede ser un arma de doble filo?

Claro, de hecho que se estrenen 3 trabajos a la vez, es algo que no juega a favor, pero yo no marco los tiempos, los estrenos son cuando son. Lo único que puedo hacer contra eso es hacer cada vez mejor mi trabajo y que el espectador tenga ganas de ver mis trabajos.

De todas maneras, en este sentido creo que estos tres trabajos son bastante diferentes. Aunque sí que tienen un algo en común, al fin y al cabo yo tengo un físico de españolito medio, de looser y la verdad que también tiene un poco de mi manera de ver la vida, pues me identifico más a la figura perdedora que con la ganadora o al héroe.

Tu personaje realmente actúa como un actor dentro de su vida. ¿Consideras a Álvaro como un ser miserable?

No, nuestra labor como actores no es juzgar ni defender a nuestros personajes, pero aun así no lo veo, yo veo cosas muy positivas en Álvaro, desde el punto de vista de un creador y mucho mas. Obsesivo, honesto, va hasta el límite de aquello que persigue. Si que las victimas que va dejando atrás es reprochable, pero creo que la gran víctima es el. Si te das cuenta toda la fauna que le rodea no son mejores que él.

El mismo se ve envuelto en una espiral que no sabe por dónde meterle mano.

Se deja entrever en la película pero ¿tú piensas que Álvaro tiene celos de su mujer por haberle sido infiel o por haber escrito una novela?

Yo creo que Álvaro repudia a su mujer por la novela que ha escrito. Le da más importancia al hecho de escribir que no que le haya puesto los cuernos.

¿Qué tal ha sido la secuencia de ese desnudo tan brusco?

Pues muy bien, realmente no me cuesta nada. Me cuesta más desnudar el alma, son escenas en las que me veo mucho más expuesto. Esa escena supongo que perturbará a mi madre y la va a sonrojar pero mas allá de eso, es una secuencia que por el devenir del personaje casi se intuye.

Es cierto que vivimos en un mundo en el que prima tanto la imagen, que solo gustan cuerpos hermosos, polvos de videoclip, que cuando se ven desnudos de gente normal, con sus estrías, su sobrepeso, sus imperfecciones llama mucho más la atención y es más dañino. De hecho alguien me decía que le parecía muy agresivo el poscoito que tenemos Adelfa y yo. Pero esto es porque estamos poco acostumbrados a desnudos así en el cine y por otro lado, creo qeu son necesarios, porque la gente es así.

También te digo, creo que hay mucho más de exposición interpretativa en determinadas secuencias, que no hablaré de ella, que en esas escenas. Porque las otras me tocan más en la vida personal, he jugado más con mi yo.

Al fin y al cabo ya lo dijo Victoria Abril, «lo fácil es bajarse las bragas, lo difícil es decir te quiero».

La película es muy coral, todos los personajes están muy desarrollados.

Creo que es una labor muy importante desde la escritura, ya sea por Alejandro Hernández o por Martín Cuenta, que por eso es uno de los mejores directores de este país, el mejor director de actores. Porque no solo desarrolla desde la escritura a los personajes, sino que les dota de una importancia en la historia que hace que se vuelvan imprescindibles, tanto como el propio protagonista.

Además hace otra cosa que es darle visibilidad a las actrices, en este caso a una actriz que no es mayor, pero que pasa de los 45 y una actriz se vuelve casi invisible a partir de los 35 en nuestro cine. Entonces que uno de los grandes aciertos sea la interpretación de Adelfa Calvo me parece lo mejor que le puede pasar a la película.

Porque en muchos casos muchas actrices se van a ver identificadas con el personaje y se van a dar cuenta de que aun hay oportunidades.

¿Y crees que la novela que escribe Álvaro en la película hubiese tenido éxito?

Sí, creo que lo que escribe es muy bueno, creo que eso lo sabemos por boca de María León y de su profesor, que es malo, que no tiene talento. Si él dice que el libro de su mujer es un subgénero y es malo creo que él tiene el suficiente olfato para saber que si escribe algo, saber si es bueno o no y yo creo que él está muy orgulloso de lo que ha escrito.

¿Y te asusto cuando leíste el guión y viste el papel que ibas a haber?

Sí, porque es un personaje que atraviesa toda la película, que contamina a todos los personajes y que tiene un peso específico importantísimo. Estaba en las mejores manos con Manuel Martín Cuenca, sabía que estaba ante un gran director de actores, de hecho en contra de lo que pudiera parecer ha sido un viaje muy divertido y placentero.

Lo bueno de la película es que no se le puede clasificar.

Para mi es inclasificable, no es una comedia, aunque tenga momentos de comedia muy negra de los tiempos de Valle-Inclán. Pero en cambio no es una comedia, porque no trata de jugar a la comedia los momentos mas hilarantes están hechos de la seriedad, pero está tan bien hecha que el espectador se ríe con esas escenas.

Creo que es necesario este cine de pausa, de silencios, y esto lo consigue un director que va muy en contra de las modas y que le gusta realmente lo que es el cine.

Las fotografías han sido realizadas por Vicky Carras. Todas las imágenes proceden de nuestro perfil de Google Photos y están protegidas con copyright, si deseáis que os enviemos alguna podéis solicitarla en nuestra sección de contacto.

Crítica: ‘En realidad, nunca estuviste aquí’

Sinopsis

Clic para mostrar

Joe (Joaquin Phoenix) es un ex marine y ex agente del FBI, solitario y perseguido, que prefiere ser invisible. No se permite ni amigos ni amantes y se gana la vida rescatando jóvenes de las garras de los tratantes de blancas.

Un día recibe la llamada de un político comunicándole que su hija ha sido secuestrada…

Crítica

Implícitamente dura, constantemente tensa.

La directora Lynne Ramsay ha apostado por Joaquin Phoenix para ‘En realidad, nunca estuviste aquí’. El actor ha tenido que ejercer a sus órdenes una dura y concienzuda interpretación basada en los sentimientos pero también en un imponente y voluminoso físico. Para esta película hacía falta un actor capaz de interiorizar los traumas del personaje pero siendo consciente de que nunca iba a soltarlos en pantalla, no de manera vocalizada. Quien se hiciese cargo del rol principal y único protagonista debía saber que su individuo canalizaba todos sus problemas por vías poco convencionales y ese tipo de papeles tan desafiantes eran perfectos para este intérprete. Su físico además está tan marcado como su mente. Fragmentos de su memoria aparecen dispersos por la película de manera tan abrupta y deforme como las cicatrices que «decoran» su cuerpo. Así tanto directora como actor nos retratan una psique compleja que funciona a partir de retales y con ansia.

El filme es prácticamente un monólogo de Phoenix y con su personaje se basta para contar toda la historia. Lo única que la película habría necesitado descansar alguna vez en otros actores, para así al menos aliviar un poco al espectador de esa tensión y esa incomodidad que nos hace sentir Phoenix durante la hora y media que le seguimos. Para hacernos un poco a la idea de cómo es su personaje debemos imaginar a Skinner, el personaje de los Sipmsons. Un ex militar que vive con su madre, canta con ella, la cuida, es un buen hijo… pero cuando sale de casa se convierte en un tosco y aguerrido mercenario con buenas intenciones. Este se mueve por una ciudad y unas misiones muy turbias. Los asuntos en los que se ve envuelto para llevar a cabo su honroso cometido son bastante escabrosos y deshonestos. ‘En realidad, nunca estuviste aquí’ es además una película con momentos muy violentos, al más puro estilo ‘Old Boy’, martillo en mano, pero al contrario de la película de Park Chan-wook nada gráfica, cuya violencia es plasmada de manera intermitente e implícita.

Técnicamente está muy personalizada, con un estilo muy subjetivo y particular por parte de la directora y su equipo formado por Jonny Greenwood (música) y Thomas Townend (fotografía). La música nos dicta el paso en cada escena, casi como si nos marcase el latido del corazón del protagonista. La fotografía del todo cotidiana y con un sabor a cine asiático nos sumerge en un mundo deprimente y opresivo, en ocasiones trágicamente poético.

La película va acorde a la fama soez del escritor Jonathan Ames. Ramsay adapta su relato con una historia provista de personajes degradados, todos ellos corriendo por un camino a la perdición. Tras un sorprendente giro que acelera la película de repente es cuando de verdad nos ponemos en la piel del protagonista y empezamos a pensar eso de «borra todas las pruebas y haz que nunca hayas estado ahí», magnífica.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de noviembre de 2017. Título original: You Were Never Really Here. Duración: 95 min. País: Reino Unido. Dirección: Lynne Ramsay. Guión: Lynne Ramsay. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Thomas Townend. Reparto principal: Joaquin Phoenix, Alessandro Nivola, John Doman, Judith Anna Roberts, Alex Manette, Ekaterina Samsonov. Producción: Why Not Productions, Film4. Distribución: Caramel Films. Género: drama, thriller, adaptación. Web oficial: http://www.caramelfilms.es/site/videos/en_realidad_nunca_estuviste_aqui

Impresiones de los primeros episodios de ‘Dark’

Oscura, con una atmósfera claustrofóbica que nos llevará a una espiral llena de sorpresas.

Gracias a Netflix hemos podido ver los tres primeros episodios de su nueva serie ‘Dark’. Serie alemana que se va a estrenar el próximo 1 de diciembre en la plataforma de video bajo demanda. ‘Dark’ consta de 10 episodios de una hora cada uno, que sin duda os pondrán los pelos de punta, ya que es una serie llena de misterio y que según pasan los episodios te va enganchando cada vez más.

Dirigida por Baran bo Odar y escrita por Jantje Friese, ‘Dark’ nos lleva a la desaparición de dos niños, esto destapa las dobles vidas y las relaciones rotas entre cuatro familias. La serie dará un giro sorprendente que relacionará la historia con la misma ciudad de 1986.

Realmente no os puedo contar más, porque si no os estropeo todas las sorpresas. Pero aunque no os pueda contar nada del argumento, si que os puedo hablar un poco acerca de la serie y de lo mucho que os va a gustar.

En ‘Dark’ tenemos una atmósfera oscura, como su nombre nos indica y profunda, que nos empapa de pesimismo e intriga. El gris de los personajes contrasta con los colores otoñales de los bosques alemanes, todo esto se lo debemos a Nikolaus Summerer, que ha realizado un gran trabajo con la fotografía.

Una de las cosas que encandila es la música, que hace que te adentre en la espiral de misterio en la que se adentran los protagonistas.

Oliver Masucci, Karoline Eichhorn, Jördis Triebel, Louis Hofmann, Maja Schöne, Stephan Kampwirth, son parte del reparto, todos ellos están perfectos, actúan de manera sobria pero es necesario para la serie, pues nos tienen que dar ese ambiente de desanimo y de secretismos que hay en todo el lugar.

Sin duda es una serie que va in crescendo, el primer episodio puede ser un poco pesado, pero en cuanto termina todo cambia y te engancha. Al seguir los siguientes episodios te das cuenta de que no vas a poder parar de verla. Es una serie de ritmo pausado pero de la que no podrás escapar.

Hay quien la ha comparado con otras series, es más muchos la han titulado como la nueva ‘Stranger Things‘ y creo que salvo las similitudes de la desaparición de un niño y poco más, apenas se parece, no tiene esa atmósfera de los ochenta ni tampoco tanta luz, todo lo contrario, como he dicho, ‘Dark’ es oscura. Aunque sí que es cierto que en lo que se puede parecer es que nos ambas nos llevan al fantástico, pero por el resto ni parecido con la susodicha.

Así que ya tenemos ganas de que llegue el día 1 de diciembre para poder ver el desenlace de la serie, que seguro no decepciona.

Crítica: ‘Asesinato en el Orient Express’

Sinopsis

Clic para mostrar

Tras el impactante asesinato de un rico hombre de negocios en el lujoso tren europeo que se dirige hacia el oeste en pleno invierno, el detective privado Poirot debe usar todas las herramientas a su alcance para descubrir cuál de los eclécticos pasajeros del tren es el asesino antes de que ataque de nuevo.

Crítica

Pocas veces se reúne tanto talento en un mismo vagón restaurante.

Nueva adaptación al cine de una las novelas más vendidas de Agatha Christie, ofrece altas dosis de misterio y cierto parecido con las últimas adaptaciones televisivas de Sherlock Holmes. La banda sonora por momentos recuerda a la serie de Benedict Cumberbatch, a lo que hay que añadir que el detective protagonista de la cinta Hercule Poirot está inspirado en las novelas de Arthur Conan Doyle – la propia Agatha Christie reconoció esta influencia -. En la intersección de ambos personajes y para dirigir la historia está Kenneth Branagh, protagonista y director. Ofrece una versión algo sobreactuada del detective del extraño bigote, pero que encaja con el tono, casi teatral y con cierto aire de superhéroe, de toda la película. Una cinta de suspense, pero con ganchos cómicos que mantiene al espectador distraído de la búsqueda constante del asesino.

En el apartado de la dirección resuelve con soltura y sin arriesgar demasiado el gran problema de la limitación de espacio. Prácticamente toda la historia se desarrolla en un tren y mediante planos cenitales dibuja un mapa de los distintos vagones que ayudan al espectador a situarse en cada momento, algo esencial cuando toda la trama se basa en resolver un misterio oculto a los ojos del espectador.

El plantel de actores promete más de lo que ofrece. Rostros que van desde Penelope Cruz a Willem Dafoe, pasando por Johnny Depp y Michelle Pfeiffer, todos fácilmente reconocibles pero con una caracterización y una interpretación que convierte a sus personajes en meras figuras del Cluedo, todos sospechosos y con mirada aviesa. Aunque suene a chiste, la película no está ausente de este tipo de plano o recurso tan empleado en el género.

En conclusión, tenemos un tren cuyo viaje incluye a un simpático protagonista, unos secundarios de lujo que también podrían estar en el vagón de cola y un destino, la resolución del misterio, que engancha por momentos al espectador.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de noviembre de 2017. Título original: Murder on the Orient Express. Duración: 116 min. País: EE.UU. Dirección: Kenneth Branagh. Guión: Michael Green. Música: Patrick Doyle. Fotografía: Haris Zambarloukos BSC, GSC. Reparto principal: Tom Bateman, Lucy Boynton, Kenneth Branagh, Olivia Colman, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Johnny Depp, Judi Dench, Josh Gad, Manuel Garcia-Rulfo, Derek Jacobi, Marwan Kenzari, Leslie Odom Jr., Michelle Pfeiffer, Sergei Polunin, Daisy Ridley Producción: 20th Century Fox, Scott Free Films, Genre Films, Latina Pictures, The Mark Gordon Company. Distribución: 20th Century Fox. Género: adaptación, remake, thriller, misterio. Web oficial: http://www.fox.es/asesinato-en-el-orient-express

Crítica: ‘Saw VIII’

Sinopsis

Clic para mostrar

Jigsaw está de vuelta. En esta ocasión atrapará a cinco personas y las enfrentará en una serie de juegos sangrientos como castigo por sus delitos. Al mismo tiempo tiene lugar una investigación en la que científicos forenses tratan de encontrar y capturar al asesino, con la sospecha de que alguien del equipo puede ser el responsable.

Crítica

Saw continúa con su línea de escape rooms.

Sagas de terror y slasher hay muchas, pero que alcancen la longevidad de una manera medianamente solvente y con cierta rectitud no tantas. Si además tenemos el handicap de que todas las miradas se centren en un personaje principal el mérito es aún mayor. Ese es el caso de la serie de películas Saw ya que su asesino no ha transcendido la barrera de lo sobrenatural como Freddy Krueger o Chucky, pero sus guionistas se las han apañado de nuevo para rescatarle una vez más y perdurar su legado. ‘Legacy’, no ‘Jigsaw’ o ‘Saw VIII’ que es como finalmente nos ha llegado, es el título por el cual inicialmente conocimos este proyecto y precisamente de legar trata la película, aunque no es la primera entrega que lo hace.

Pese a que cada vez los argumentos van siendo menos o nada convincentes guionistas como Pete Goldfinger y Josh Stolberg (‘Piraña 3D’) aún se sacan algún as de la manga y logran sorprendernos mínimamente con unos cuantos giros y dos historias paralelas. De este modo la herencia de James Wan sigue viva y activa trece años después de la primera Saw, aparte de que el cineasta se lucre pues ejerce de productor. En esta ocasión son los hermanos Michael y Peter Spierig (‘Daybreakers’, ‘Predestination’), muy apegados al cine de terror y a la sangre, los que han cogido el testigo de la dirección de una película que les viene bastante a la medida. Y no lo hacen nada mal pues demuestran que les gusta este género y que saben el producto que tienen entre manos. Además, acostumbrados a trabajar con Ethan Hawke han contado con un actor de corte muy similar, como Callum Keith Rennie, que trabajó casualmente con Hawke en ‘Born to be Blue’.

Pero los protagonistas realmente están interpretados por Laura Vandervoort, Mandela Van Peebles, Brittany Allen y Paul Braunstein. Ellos son los que se ven encerrados en el juego que originó Jigsaw. De nuevo, como en anteriores películas, vemos un macabro escape room, como estos que están tan de moda pero a vida o muerte. Por supuesto las pruebas que tienen que superar los infames concursantes están personalizadas y relacionadas con sus vidas. De ahí parte de la pérdida de credibilidad de la película pues parece que el asesino tenga cualidades de vidente al saber datos sobre ellos imposibles de conocer. Pero a esta familia de películas nunca se le ha pedido una gran coherencia, si no poco más allá que otorgarnos el disfrute de unos miserables protagonistas a punto de sufrir la más ingeniosa de las muertes. Si bien decía que los guionistas mantenían viva la llama de Saw quien también hace que siga latente el espíritu de Jigsaw son sus fans. El morbo por la sangre en pantalla y los artificios de Jigsaw son un atractivo más y eso se toca en esta película.

‘Saw VIII’ respeta la historia y la línea de sus predecesoras. Tiene unos cuantos despistes y detalles desafortunados propios del género pero da lo que sus seguidores piden: ingenios, pruebas, personajes al límite, muertes y giros al final del filme.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de noviembre de 2017. Título original: Jigsaw. Duración: 92 min. País: EE.UU. Dirección: Michael Spierig, Peter Spierig. Guión: Josh Stolberg, Pete Goldfinger. Música: Charlie Clouser. Fotografía: Ben Nott. Reparto principal: Matt Passmore, Callum Keith Rennie, Clé Bennett, Hannah Emily Anderson, Laura Vandervoort, Brittany Allen, Mandela Van Peebles, Josiah Black, Tobin Bell. Producción: Lionsgate, Serendipity Productions, Twisted Pictures, A Bigger Boat. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror. Web oficial: http://jigsawsaves.com/

Crítica: ‘El fiel’

Sinopsis

Clic para mostrar

Cuando Gino conoce a Bénédicte, surge el amor a primera vista, apasionado e incondicional. Ella trabaja en el negocio familiar, pero su hobbie es conducir coches de carreras. Él es un chico normal y corriente que esconde un secreto que puede poner en peligro su vida y la de los que le rodean.

Juntos tendrán que hacer frente a su turbulenta historia y contra el destino, la razón y sus propios miedos para salvar su amor.

Crítica

‘El fiel’ demasiado trágica para ser verdad.

Básicamente ‘El fiel’ es la historia de amor entre una piloto de carreras y un atracador de bancos, cualquiera que escuche la sinopsis puede pensar que vamos a ver una historia de amor interesante, pero no. Estamos ante una historia de amor, sí, pero tan turbulenta, tan gafada que absolutamente todo entre ellos va mal. No su historia de amor, sino todo lo demás.

La cinta que representará a Bélgica en los Oscar está dirigida por Michaël R. Roskam, director de ‘La entrega’ y hace que sus dos protagonistas sufran todo lo indecible, tanto que llega un momento que ocurren tantas desgracias que es todo demasiado artificial, no es para nada creíble.

Matthias Schoenaerts (‘La chica danesa’) y Adèle Exarchopoulos (‘La vida de Adèle) son los encargados de representar a estos dos protagonistas, que sí que nos transmiten todo el amor que sienten el uno por el otro. Quizá demasiado.

Realmente en esta cinta todo es demasiado, demasiado amor, demasiada tristeza, demasiadas tragedias, demasiado larga. Llega un momento en la película que después de ver sufrir tanto a los personajes por situaciones tan absurdas se hace aburrido y monótono.

Hay un momento clave en el que parece que vaya a terminar así, no es un buen final para la pareja, pero si aceptable para el espectador, que además hubiera dado de que hablar sobre como seguirán sus vidas ambos protagonistas. Pero no, el director decide seguir y enrevesar demasiado una historia que no hacia falta alargar más.

Matthias Schoenaerts está estupendo, creo que este actor tiene mucho potencial y siempre lo aprovecha al máximo. Mientras tanto Adèle Exarchopoulos está sobria. Cuando está con su compañero parece que gana un poco de fuerza, pero en general su actuación es bastante sosa.

En cuanto a los medios técnicos no son nada del otro mundo, la música es sencilla, la fotografía también. Eso sí, la dirección aunque sencilla es bastante bonita, tiene planos muy cuidados hecho para realzar la historia de amor.

‘El fiel’ es una película bastante aburrida que pierde interés según avanza. Se hace tediosa y por desgracia toda la historia de amor que está entre manos del director se hace pastelosa e irreal.

Ficha de la película

Estreno en España: 24 de noviembre 2017. Título original: Le fidèle. Duración: 130 min. País: Bélgica. Dirección: Michaël R. Roskam. Guión: Thomas Bidegain, Noé Debré, Michaël R. Roskam. Música: Raf Keunen. Fotografía: Nikolas Karakatsanis. Reparto principal: Matthias Schoenaerts, Adèle Exarchopoulos, Sam Louwyck, Stefaan Degand, Charley Pasteleurs, Corentin Lobet. Producción: Savage Film, Stone Angels, Kaap Holland Film, Submarine, Distribución: Vértigo Films. Género: Drama. Web oficial: https://www.vertigofilms.es/movie/el-fiel/

Crítica: ‘El Autor’

Sinopsis

Clic para mostrar

Álvaro quiere ser escritor, pero todo lo que escribe es falso, pretencioso, insípido. Trabaja como escribiente en una notaría de Sevilla y su vida es gris, coloreada sólo por sus sueños. Su mujer, Amanda, es todo lo contrario. Siempre ha tenido los pies en la tierra y nunca ha soñado con ser escritora. Sin embargo, es ella la que se pone a escribir y le sale un best-seller. Ironías de la vida.

La separación es inevitable. Y en ese momento, Álvaro decide afrontar su sueño: escribir una gran novedad. Pero es incapaz; no tiene talento ni imaginación. Guiado por Juan, su proesor de escritura, indaga en los fundamentos de la novela, hasta que un día descubre que la ficción se escribe con la realidad. Álvaro comienza a manipular a sus vecinos y amistades para crear una historia, una historia real que supera a la ficción.

Crítica

Atrevida y divertida, así es ‘El Autor’.

Es una alegría ver una película que llena tanto, visualmente, con el nivel interpretativo de los actores, con una música estupenda y ante todo una gran historia. Manuel Martín Cuenca nos regala un relato lleno de misterio y humor negro en el que todos los personajes son protagonistas de este puzle que crea Álvaro (Javier Gutiérrez).

Basada en el relato corto ‘El Móvil’ de Javier Cercas, ‘El Autor’ nos trae a Álvaro, un escribiente en una notaría, tiene el sueño de ser escritor, de poder llevar a cabo la gran novela. Cueste lo que cueste lo va conseguir, aunque tenga que espiar a sus vecinos y hacer que vivan su historia.

De esta película agradezco la naturalidad, te mete de lleno en situación y te crees a los personajes, esto sin duda es gracias al director, pero que no hubiera llegado a nada sin los grandes actores que tiene a su lado.

Javier Gutiérrez suelta su rabia y frustración con grandes escenas, moviendo los hilos de la historia y jugando a ser Dios. Sin duda un gran acierto al cogerle como gran protagonista de la cinta.

Adelfa Calvo está para Goya, su portera hace las delicias de cualquier aficionado al cotilleo y a la vez nos muestra a una persona cansada de no vivir y de quedarse a la espera del amor y cariño de su marido. Una de las grandes escenas de la película es ella cantando «Se me enamora el alma«, cuando la veáis lo entenderéis, se dice tanto en tan poco tiempo.

Y para seguir con el reparto, que decir de Antonio de la Torre, en fin, como siempre perfecto, lleno de esa fuerza que desprende con solo una mirada.

Visualmente está muy cuidada, sus fondos blancos impolutos, pocos muebles, poco color en la vida de ‘El Autor’, el va de azul, toda la gama de este color aparece con Álvaro. Mientras que las personas que están a su lado, llevan distintos colores, llamativos o apagados, pero cada personaje lleva su propia gama de colores, algo muy curioso a la vista.

Un recurso cinematográfico que se utiliza en la película, son las sombras chinescas, con las que vamos conociendo la historia de los vecinos de Álvaro. Una manera bien bonita y curiosa para mostrarnos los secretos del edificio.

Y antes de acabar decir que Manuel Martín Cuenca, nos muestra dos escenas bastante impactantes, en el sentido del pudor que muchas veces los espectadores no están acostumbrados, muy valientes y con mucho significado en la película, dando, una vez más, realidad a la cinta.

En cuanto a la banda sonora, estamos ante la primera que ha realizado José Luis Perales, que tenemos que decir, nos ha gustado mucho, una mezcla de flamenco y jazz dando una música perfecta para la película.

‘El Autor’ tiene mucho fondo, os lo vais a pasar estupendamente viéndola, con un final impecable. Una película que hará que no solo la disfrutéis en las salas, sino que fuera de ellas también, pues da para comentar y ver la opinión de cada uno.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de octubre de 2017. Título original: El autor. Duración: 112 min. País: España. Dirección: Manuel Martín Cuenca. Guión: Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández. Basada en la novela de Javier Cercas. Música: José Luis Perales. Fotografía: Pau Esteve. Reparto principal: Javier Gutiérrez, María León, Antonio de la Torre, ADriana Paz, Tenoch Huerta, Adelfa Calvo, Rafael Téllez, Craig Stevenson, Miguel Ángel Luque, Carmelo Muñoz Adame. Producción: Lazona, La Loma Blanca, Alebrije Cine y Video, Canal Sur Televisión, Televisión Española, Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales. Distribución: Filmax Entertainment. Género: Comedia. Web oficial: http://www.filmax.com/peliculas/el-autor.78

Crítica: ‘Una razón para vivir’

Sinopsis

Clic para mostrar

El aventurero y carismático Robin Cavendish tiene toda la vida por delante cuando la polio le provoca una parálisis. Contra toda recomendación médica, su mujer, Diana, le saca del hospital. Su persistencia, ingenio y determinación le permitieron sobreponerse a la enfermedad y su actitud fue, para todos, un ejemplo de valentía y ganas de vivir. La obra, basada en hechos reales, narra la inspiradora historia de esta pareja que luchó cargada de optimismo y sin límites ante la enfermedad

Crítica

Una historia sencilla y bonita, un buen comienzo como director para Serkis.

Andy Serkis nos trae su primer título como director, aunque ya ayudo en cintas como el ‘Hobbit’, podemos decir que este es su primer trabajo en solitario y no lo ha hecho mal del todo.

Con el guión de William Nicholson (‘Gladiator’), Serkis nos trae la historia de Robin Cavendish, un hombre muy positivo y que se lanzaba a cualquier cosa sin temor, que a los 28 años, casado y esperando un hijo se queda tetrapléjico por culpa de la polio.

Así comienza lo que sería una gran tragedia y un drama lleno de actuaciones intensas y con un final lacrimógeno, pero no, la película es bastante optimista, llena de vitalidad y que demuestra que muchas veces las ganas de vivir vencen cualquier mal que llegue a nuestras vidas.

En un principio pensé que me dirigía a ver una historia de amor, pero no, realmente lo que vamos a ver es una historia de superación, sí, gracias a ese amor que se tienen ambos protagonistas logran superar la situación en la que se encuentran, pero se le da tan poca importancia a esto, que realmente ves que este hombre salió adelante no solo gracias a su mujer, sino que tuvo mucho más apoyo, como todos sus amigos, que gracias a todos ellos lograron sacar a Robin de su cama y que pudiera salir a respirar e incluso llegó a viajar.

Quizá la cinta peque un poco de optimismo, solo se ve la cara buena de la moneda, hasta el final no ves lo que realmente han estado sufriendo todos estos años. Aunque he de decir que tampoco es un defecto, si no algo hecho a propósito, al fin y al cabo es un homenaje a este hombre y su mujer Diana. Jonathan Cavendish (‘El diario de Bridget Jones’, ‘The Ritual’) es el productor de la película e hijo de ambos y seguramente ha querido llevar la parte bonita de su vida para que la gente no pierda la esperanza.

En cuanto al reparto decir que todos están estupendos, Andrew Garfield ha tenido que sufrir bastante rodando sin poder moverse. Pero ante todo quiero mencionar a Hugh Bonneville y Tom Hollander que están perfectos, dan vida a una parte de los amigos de Robin que tanto le ayudaron.

De la película solo ha habido una cosa que me ha chirriado demasiado y ha sido cierta visita que tuvieron a España la familia Cavendish en la cual se nos muestra a los españoles con los estereotipos de siempre, bailando flamenco y siendo nómadas. Además que entiendo que en Estados Unidos cueste mucho encontrar actores españoles, pero el acento latino se dejaba notar bastante en las escenas.

Para terminar decir que creo que el filme va a funcionar muy bien en las salas, la gente que vaya a verla va a encontrarse con una historia de alguien normal y corriente, que después de una tragedia consiguió un importante hito en la mejora de la vida de las personas discapacitadas y va a disfrutar sin duda de ella.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de noviembre 2017. Título original: Breathe. Duración: 117 min. País: Reino Unido. Dirección: Andy Serkis. Guión: William Nicholson. Música: Nitin Sawhney. Fotografía: Robert Richardson. Reparto principal: Andrew Garfield, Claire Foy, Tom Hollander, Hugh Bonneville, Diana Rigg, Miranda Raison, Kiera Bell, Ed Speleers, Ben Lloyd-Hughes, Emily Bevan. Producción: Imaginarium Productions. Distribución: Diamond Films. Género: Drama. Web oficial: http://diamondfilms.es/una-razon-para-vivir/

Crítica: ‘Jupiter’s Moon’

Sinopsis

Clic para mostrar

Un joven inmigrante recibe un disparo cuando está cruzando ilegalmente la frontera. Aterrorizado, herido y en estado de shock, Aryan se da cuenta de que es capaz de levitar. Le envían a un campo de refugiados del que escapa con ayuda del cínico Dr. Stern que quiere aprovecharse de su extraordinario secreto. Perseguidos por Laszlo, el enfurecido director del campo, se desplazan continuamente buscando la forma de ponerse a salvo y conseguir dinero. Inspirado por los asombrosos poderes de Aryan, Stern da un salto de fe en un mundo donde los milagros sirven de moneda de cambio…

Crítica

Un intento no tan vacuo como el espacio entre nosotros y Europa.

El cine es una herramienta como otra cualquiera para exponer los problemas que experimenta nuestra sociedad. Es más, es uno de los mayores escaparates y una de las mejores vías para llegar al gran público. Hoy en día además, las películas más consumidas tratan sobre superhéroes a si es que porqué no aunar un tema de crucial actualidad con una corriente de moda como es la de los personajes con poderes. Eso es lo que debió pensar Kornél Mundruczó cuando concibió ‘Jupitér’s Moon’. Lo que hace en esta película es darle a los desplazados, a los refugiados, una figura con un poder sobrehumano, el de levitar (aunque entiendo que lo que hace más bien es controlar la gravedad entorno a sí mismo).

En la nueva capacidad especial del protagonista vemos el primer problema del filme. Su nuevo talento para levitar tiene un cariz más mesiático que superheróico. Lo que para unos es un acierto para mi supone un gran error, pues ya comenzamos a mezclar fantasía con religión, pero eso es un tema al margen. Lo importante es que puedes pasar sin explicar el origen o el detonante de esta situación, pero no explotarla tanto tiempo y durante tantas y pausadas escenas haciendo que sea un filme demasiado alargado, pues una vez que has demostrado lo que quieres criticar o dicho lo que quieres decir (que no es nada excesivamente concreto) el resto de la película queda para explayarte en tus argumentos de la ciencia ficción y Kornél Mundruczó no los desarrolla. Por lo tanto la película está un tanto vacía, ni explota el fantástico ni profundiza en la tragedia social como cabría esperar.

También roza por unos momentos el tema del terrorismo de un modo más explícito que otros aspectos del filme que trata de un modo más metafórico. Si el guión de Kata Wéber se hubiese centrado más en determinadas historias y no se hubiese andado por las ramas o si ‘Jupiter’s Moon’ tuviese un drama más profundo y marcado si estaríamos hablando de una película mejor encauzada.

Dejando aparte su libreto visualmente es una gozada. Cuando el personaje de Zsombor Jéger levita su danza es hipnótica, aunque la mayoría de las veces podamos recordar que es un actor colgado de unos cables. Además las escenas de acción y los planos secuencia, pese a no tener el frenesí de un filme de Hollywood, nos extraen la adrenalina lo suficiente como para ponernos en la piel del protagonista y sumergirnos de manera sugerente en los lances del largometraje.

‘Jupiter’s Moon’ es una plausible y encomiable, aunque alargada y no del todo bien enfocada, manera de demostrar que todo el mundo merece una nueva vida. Que si el primer mundo tiene los ojos puestos en una posible nueva vida en Europa, luna de Júpiter, otros tienen puestos los suyos en reiniciar su vida en Europa, continente vecino.

Ficha de la película

Estreno en España: 17 de noviembre de 2017. Título original: Jupiters’s Moon (Jupiter Holdja). Duración: 123 min. País: Hungría, Alemania. Dirección: Kornél Mundruczó. Guión: Kata Wéber. Música: Jed Kurzel. Fotografía: Marcell Rév H.S.C. Reparto principal: Zsombor Jéger, Móni Balsai, Merab Ninidze, György Cserhalmi. Producción: KNM, Match Factory Productions, Proton Cinema. Distribución: Wanda Visión. Género: ciencia ficción, social. Web oficial: http://www.wandafilms.com/site/sinopsis/jupiter_s_moon

Crítica: ‘Yo-kai watch: la película’

Sinopsis

Clic para mostrar

¡El Yo-Kai Watch ha desaparecido! ¡Desesperados por recuperarlo, Nate y sus amigos siguen una pista que les conducirá a un lugar inesperado: el pasado!

Una noche, mientras Nate duerme, su Yo-Kai Watch se ilumina de repente y desaparece de su muñeca. Y por si fuera poco, aparece un Yo-Kai gato gigante llamado Dekanyan y le pide ayuda para salvar a sus amigos porque si no lo hace “ellos” se apoderarán del mundo. Así pues, Nate viaja al pueblo de Kemamoto, donde vive su abuela, en busca de pistas que le ayuden a aclarar la situación. Allí tiene la oportunidad de conocer al Yo-Kai Fuyunyan, quien parece poseer la clave acerca de la desaparición del Yo-Kai Watch. Ha llegado el momento de que Nate, Whisper, Jibanyan y Fuyunyan viajen 60 años en el pasado para recuperar su valioso reloj. Pero, ¿quién es el temible enemigo que les espera allí? ¿Y en qué se ha convertido exactamente el reloj?

Crítica

Es la hora de la película del reloj.

Los Yōkai son unos seres pertenecientes al folclore japonés que son utilizados en muchos medios visuales e historias. En Japón estos espíritus, demonios o fantasmas con aspecto animal o antropomórfico serán muy conocidos pero han llegado hasta nosotros a través de su arte de manera muy discreta. Tan solo los seguidores o expertos de la cultura nipona están más familiarizados con los Yōkai ya que conocen con más detalle sus escritos antiguos, sus grabados… Pero existe otra manera de llegar a conocer esta cultura y es a través del anime o el manga. Una obra que recurre mucho a los Yōkai es ‘Gantz’, con sus extraterrestres amorfos, el propio autor, Oku Hiroya, lo reconoce en uno de sus volúmenes que se inspira en ellos para el aspecto de sus dibujos. Pero es el videojuego ‘Yo-kai watch’ el que obviamente rinde más culto a este tipo de individuos. Ahora con una película más que aterriza en nuestros cines se culmina una franquicia que de momento no anuncia su fin y sigue viva en nuestro país con su serie emitida en el canal Boing.

Por que como he dicho todo arrancó con un videojuego. Un RPG (juego de rol) para la Nintendo 3DS en el que la mecánica no dista mucho del famoso Pokémon. Y en la película esa esencia se mantiene, por supuesto. Pero para que este no sea un capítulo más y los niños puedan ampliar los horizontes de este universo que están siguiendo se les llevará a los orígenes del reloj que lleva su protagonista y que le sirve para convocar a los simpáticos monstruos que le ayudan y le acompañan. A si es que se crea una paradoja temporal y se viaja al pasado, así se crean nuevos personajes y se sigue difundiendo el mensaje de la serie, que es el de muchas otras, promover el coraje, el amor y la amistad.

Una película como esta en la que los personajes cuando se abalanzan sobre el enemigo nombran sus ataques y hablan constantemente usando prefijos y sufijos como «mega» o «miau» podemos intuir que se puede hacer muy cargante para los adultos. Para paliar este tedio y hacer algo más atractiva la película a los padres se ha hecho lo habitual en el cine actual, que es introducir algún que otro gag para ellos. Se tira de nostalgia y se cita a Doraemon y se hace un largo homenaje a ‘Star Wars’. También la vista se ve agradecida de vez en cuando gracias a la animación ya que no solo se usan técnicas sencillas o digitales simples, si no que se emplean en algunas secuencias diestras en tecnologías 3D que nos ofrecen momentos bastante emocionantes.

‘Yo-kai watch: la película’ es un filme bastante fácil de ver para los niños, a pesar de transcurrir en Japón. Casi todos los textos mostrados en pantalla están en castellano (carteles de las calles, papeles…), es muy divertida y su doblaje en español tiene un buen casting. Por supuesto que también mete por los ojos mucho merchandising ya que es muy sencillo crear un reloj con medallas coleccionables de diferentes personajes, todo está pensado.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de noviembre de 2017. Título original: Yo-kai watch The Movie. Duración: 97 min. País: Japón. Dirección: Shigeharu Takahashi, Shinji Ushiro. Guión: Yoichi Kato. Fotografía: animación (OLM, Inc.). Reparto principal: Haruka Tomatsu, Tomokazu Seki, Etsuko Kozakura. Producción: Level-5, OLM, Inc. Distribución: Selecta Visión. Género: animación, aventuras, infantil. Web oficial: http://yo-kai-world.eu/

Crítica: ‘Oro’

Sinopsis

Clic para mostrar

‘Oro’ es una aventura de época inspirada en las épicas expediciones de los conquistadores españoles del siglo XVI, Lope de Aguirre y Núñez de Balboa, a través de la selva amazónica en busca de una mítica ciudad que, según se creía, estaba hecha completamente de oro. La película retrata con crudeza la violencia existente tanto en los acontecimientos como en las personalidades de aquellos españoles que se embarcaron en la mayor proeza de la historia como fue el descubrimiento y la conquista de América, y la permanente búsqueda del mítico El Dorado.

Crítica

Aires de western sin el oropel de las superproducciones.

La obra de Arturo Pérez-Reverte puede ser plato de mayor o menor gusto, pero su riqueza y éxito es indiscutible dado que siempre suscita mucho debate, estimula la imaginación del lector y sobre todo fomenta la curiosidad histórica de aquellos que se adentran en sus tramas. En la mayoría de los casos logra extraer un enfoque diferente de una historia que creíamos ya harto conocida, de una época de sobra retratada o de un ámbito hasta todo límite explorado. Nos hallamos ante otra ocasión de esas en las que el escritor nos propone sumergirnos en una selva de aventuras y descubrimiento, de documentación y detalle, de ficción histórica, de la que tiene un pie en la orilla de lo auténtico y otro en el de lo imaginado. No cabe duda de que el relato de Pérez-Reverte tenía mucho de veraz y que junto al director Agustín Díaz Yanes han buscado resquicios de históricos que respalden esta película. De ahí que hayan logrado conseguir un enfoque tan realista, que lo que más me haya gustado de ‘Oro’ sea su tratamiento. No estamos ante el intento de limpiar el nombre del otrora imperio español, tampoco ante otra película cruenta sobre la aniquilación del pueblo indígena. Este es un filme mucho más equilibrado respecto a esas dos vertientes históricas que a unos les gustará y a otros no, pero que seguramente se adapte más a lo que realmente sucedió en el siglo XVI en Sudamérica.

Debido a lo anterior expuesto me alegra decir que esta película me ha parecido mejor que la que reunió anteriormente a Díaz Yanes y a Pérez Reverte, es decir, ‘Alatriste’. La historia está mejor trabajada y la ambientación está también dentro de lo que consideramos como verídico. Los días de rodaje por Canarias, Andalucía, Panamá y Madrid han servido para construir una creíble selva y el trabajo de la figurinista Tatiana Hernández (Peris Costumes) es excelente a la hora de vestir a los protagonistas. Puede que siga los pasos de ‘1898. Los últimos de Filipinas’, película de corte similar e histórico, que me dejó mejor sabor de boca, y se llevó el cabezón de mejor vestuario.

Porque ‘Oro’ tampoco es una película redonda. Mis expectativas eran altas si comparo con lo que al final me he encontrado. Es bastante menos intensa y tiene un ritmo muy distinto al esperado, sus pautas están más marcadas por el género del western, no el de la épica aventurera. De la determinación del tono pueden llegar los desaciertos. Lo más llamativo son algunos fallos de rodaje y montaje que presenta. Repite alguna que otra escena, algunas tomas se ven con poca calidad, otros encuadres son bastante desacertados, en el inicio de algunas secuencias los actores están demasiado colocados… La historia va narrada por el protagonista de Raúl Arévalo y por el personaje de menos peso de Andrés Gertrúdix. Este último al ser su rol el del representante del rey va anotando todo lo sucedido con una prosa más adornada que en determinados momentos se pierde. Todo este cúmulo de deslices le resta fuerza a una película que de haber sido objeto de alguien más perfeccionista dejaría una carga mucho más poderosa en el espectador.

A nivel interpretativo no he visto descuidos como los que he comentados antes. Las actuaciones están más cerca del nivel de la historia. Los protagonistas, los actores con papeles de más peso, son los que más nos pueden llamar la atención, pero entre ellos destacan Raúl Arévalo y Óscar Jaenada. Se pasan la película entera con un tira y afloja que se ve obligado a detenerse por el patriotismo, el instinto de supervivencia y el sentido del honor del soldado. Eso les ha forzado a crear una extraña relación entre sus personajes: son adversarios pero a la vez camaradas. Tal vez debería ir más allá para referirme a su conflicto pero entraría en los terrenos pantanosos del spoiler.

‘Oro’ tiene virtudes para brillar como los propios premios que puede llevarse. Pero también tiene fallos tan penalizables como los pecados que convirtieron a nuestros protagonistas o antepasados en soldados de fortuna en busca de el Dorado. Me quedo por encima de todo con el recado irreverente y sarcástico que viene a decir que como buenos españoles siempre seguiremos con las mismas rencillas y por si fuese poco querremos ser gallardos, estaremos haciendo alarde y mostrando bravuconería hasta en la más inútil de nuestras empresas.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de noviembre de 2017 (9 de noviembre Comunidad de Madrid). Título original: Oro. Duración: 103 min. País: España. Dirección: Agustín Díaz Yanes. Guión: Agustín Díaz Yanes. Música: Javier Limón. Fotografía: Paco Femenía. Reparto principal: Raúl Arévalo, Bárbara Lennie, Óscar Jaenada, Jose Coronado, Antonio Dechent, José Manuel Cervino, Luis Callejo, Juan José Ballesta, Andrés Gertrúdix, Diego París, Ana Castillo, Juan Carlos Aduviri, Juan Diego. Producción: Apache Entertainment, Sony Pictures España, Atresmedia Cine. Distribución: Sony Pictures. Género: aventura, historia, adaptación.

Crítica: ‘The Crucifixion’

Sinopsis

Clic para mostrar

Basada en hechos reales, ‘The Crucifixion’ cuenta la historia de un sacerdote que es encarcelado en Rumanía por el asesinato de una monja a la que realizaba un exorcismo. La periodista Nicole Rawlins investiga si el asesinato fue a una persona mentalmente enferma o, por el contrario, las acusaciones son falsas y simplemente perdió la batalla contra una presencia demoniaca. Una presencia que ahora podría estar experimentando ella misma…

Crítica

Terror de investigación.

Xavier Gens nos arroja su propuesta más religiosa y periodística. Una reportera (Sophie Cookson) viaja a Rumanía para indagar en un caso de supuesto asesinato por parte de unos religiosos en lo que se cuestiona si es un lance de posesión o salud mental. Una narración basada en un suceso real que tuvo lugar en 2005 y cuyos hechos son aquí detallados. Aunque el que esté basado en hechos reales tan solo es un aliciente menor para ver la película ya que como sucede en muchos de estos casos ya se sabe lo que pasa, que la espectacularidad y el efectismo deja supeditado al realismo de los largometajes. No obstante la cinta tiene mucho más sabor periodístico pues incluso tarda en encauzarse por la senda del terror.

Los guionistas de este trabajo son los hermanos Hayes y se nota pues su impronta es reconocible. El libreto de ‘The Crucifixion’ está lejos de ser tan bueno como el de las dos entregas de ‘Expediente Warren’ pero al igual que en esas películas, o que en otros títulos como ‘La cosecha’, nos han marcado un ritmo pausado, tranquilo, la historia se construye pista a pista, sospecha a sospecha, en ocasiones de un modo un tanto amenazador gracias a la atmósfera aportada por la cultura en la que nos sumerge. Lástima que arranque con un primer acto tan aburrido en el que la periodista no averigua nada que no hayamos visto en la introducción y esto nos haga pesado el inicio de la película. Sumado a esto tenemos el problema de que las primeras escenas terroríficas no llegan hasta casi la mitad del filme, pero esto es parte de la manera de trabajar de estos escritores.

Además, los diálogos sobre la fe suenan a demasiado manoseados en el género. Se convierte casi de pasada en una película más sobre la pugna entre el agnosticismo y la religión. Intenta crear un debate, una cuestión, con los cara a cara entre los personajes de Cookson y el religioso de Corneliu Ulici. Lástima que su pregunta no quede bien asentada pues sus constantes «poltergeist» y apariciones, a las que contribuye Javier Botet que suma y sigue, ya nos la van respondiendo con pasmosa obviedad. Todo esto lo que hace es situarnos en una película más de posesiones, con alguna perspectiva diferente que para algunos podría resultar novedosa, pero que para los que ya peinen canas resultará poco portentosa.

De todo corazón reconozco que he ido con recelos a ver las últimas películas de este director, cuyo trabajo pensaba me iba a costar un poco comenzar a apreciar. Pero no tenía difícil superarse con respecto a las impresiones que me había causado tras descubrirle hace diez años con el fiasco de ‘Hitman’ o al haber producido recientemente la calamidad que fue ‘Cell’. Después de haber producido ‘Hostile’, la cual vi en Sitges, su recién estrenada ‘La piel fría’ y ahora este título no me cabe duda de que le queda un trabajo de pico y pala, pero está dando pequeños pasos en la buena dirección, nunca mejor dicho. ‘The Crucifixión’ es uno de esos casos en los que la dirección supera a su propio guión.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de noviembre de 2017. Título original: The Crucifixion. Duración: 89 min. País: Rumanía, Reino Unido. Dirección: Xavier Gens. Guión: Carey Hayes, Chad Hayes. Música: David Julyan. Fotografía: Daniel Aranyó. Reparto principal: Sophie Cookson, Corneliu Ulici, Brittany Ashworth, Javier Botet. Producción: Motion Picture Capital, Premiere Picture, The Safran Company. Distribución: DeAPlaneta. Género: terror, hechos reales. Web oficial: http://www.deaplaneta.com/es/the-crucifixion

Impresiones del 3×13 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Final con fantástico para el Ministerio.

Nuevo homenaje a Chicho Ibañez Serrador, van dos en una semana. Tras el que vivimos en el Festival Nocturna con el maestro presente, al cual podéis ver en nuestras fotografías, los guionistas de ‘El Ministerio del Tiempo’ han tenido a bien rescatar su época para que volvamos a verle en sus momentos más genuinos. Sergio Villanueva le ha interpretado maravillosamente en el episodio 34 de la serie de Javier y Pablo Olivares, el número 13 de esta tercera temporada que ha llevado el título de ‘Entre dos tiempos’.

Por avatares de la trama nos han brindado una versión sesentera de las serie, nos hemos sumergido en un meta universo, en un juego autorreferente, en una serie dentro de otra serie. Ha sido muy gracioso el opening vintage que ha jugado con los nombres reales de los actores. La recreación ha servido para revivir, aunque sea a modo de parodia, momentos entrañables de otras temporadas. Pero esa anécdota no ha hecho más que poner en peligro la mítica ‘Historias para no dormir’ y para muchos esta misión, el hecho de salvar estas historias puede haber sido más importante que salvar la propia historia de España.

Pero no ha sido lo más importante de esta última aventura que ha dirigido Miguel Acantud (‘Águila Roja’). Una gran verdad sobre la España actual ha llegado al Ministerio y a ella se han tenido que enfrentar nuestros agentes. Esa es la última misión han tenido que afrontar en este capítulo de cierre, no voy a dar más detalles pues las proporciones en esta ocasión han sido brutales. También hay que señalar que ha trabajado como actor el presentador Luis Larrodera, cerrando el círculo de este capítulo homenaje pues fue el último en presentar el programa que dirigió Chicho y que tantas noches nos mantuvo ensimismados, el ‘Un, dos, tres… responda otra vez’. Su rol no conviene desvelarlo tampoco por no destripar lo sucedido en el episodio, pero está muy bien traído. Sin duda es un recurso mucho mejor que el de las sociedades secretas.

Ha sido el capítulo más afinado y acertado de todos los de la temporada, uno de los mejores de toda la serie, a la altura del gran homenajeado. Colofón de los buenos.

Además hemos descubierto más cosas sobre la vida de Lola Mendieta y Alonso da un paso muy importante en su vida. Esto sería muy valioso si el episodio no tuviese tanto sabor a despedida, de hecho no se han resistido a emitir una última frase con Rodolfo Sancho al final de los créditos. Javier Olivares ha adelantado en entrevistas que de momento no habrá cuarta temporada. ¿Queréis que continúe el Ministerio? En las redes sociales los ministéricos se pronunciaban pidiendo su continuidad con hashtags como #RenovacionMdT. Si os sumáis a ellos puede que la unión haga la fuerza.

Crítica: ‘Cult of Chucky’

Sinopsis

Clic para mostrar

Chucky, el muñeco diabólico, regresa para sembrar el pánico en el psiquiátrico donde está internada Nica, una de sus víctimas, por haber asesinado a toda su familia. Cuatro años después, Chucky reaparece y vuelve a asesinar. Nica volverá a encontrarse cara a cara con el asesino de sus seres queridos, y tendrá una oportunidad para vengarse.

Crítica

Cuatro años después vuelve Chucky a seguir dando caña.

Admito que tras el descubrimiento por mi parte, años después, de la saga de ‘El muñeco diabólico‘ me he vuelto fan de este pequeño asesino en serie. Sí, pensé que era una cinta sin apenas chicha, una cinta para coger miedo a los muñecos y ya está, pero no, la cinta es original y tiene un trasfondo bastante curioso.

Hoy os hablo de la última cinta, ‘Cult of Chucky ‘que en España sale directamente en DVD o Blu-Ray este 1 de noviembre.

La historia comienza con Nica, la protagonista de la última cinta. Esta lleva 4 años encerrada en un manicomio de alta seguridad, autoconvenciéndose a sí misma de que ella fue la que mató a su familia y no Chucky.

Lo que es la trama no es nada original, el muñeco con ganas de venganza y siguiendo en su afán de poseer un cuerpo humano. Eso sí, tiene una pequeña sorpresa en la que veremos como Chucky puede moverse de un lado a otro y en varios sitios a la vez.

Las muertes de la cinta son muy buenas, originales a la par que crueles, con imágenes muy limpias, pues el manicomio en el que se encuentra Nica es blanco impoluto y hace que todas las escenas en las que hay sangre parezcan mucho más llamativas.

Una de las cosas que más me ha gustado de esta saga en general es que los actores repiten, la voz de Chucky es la misma desde el principio, Brad Dourif le da ese toque cañero que necesita este delincuente. Jennifer Tilly vuelve a ser Tiffany, en un pequeño pero crucial papel y regresa Andy, el niño, que ya no lo es, pero que sin duda tiene las mejores escenas de esta cinta.

Don Mancini, creador de el muñeco, vuelve a ocuparse del guion, además de la dirección. Y un gran acierto por parte de él ha sido la vuelta a la animatrónica, que nos da un muñeco muy real con una gesticulación bastante curiosa. Aunque su aspecto ha cambiado un poco en cuanto al original, pero sigue dando el mismo miedo.

No puedo negar que esta entrega me ha divertido mucho, me lo he pasado genial viendo de nuevo a Chucky, aunque creo que deberían haberse centrado mucho más en Andy, daría lo que fuera por tener una web serie o algo por el estilo viendo su día a día en su nueva y siniestra vida.

Ficha de la película

Estreno en España: 1 de noviembre 2017 DVD o Blu-Ray. Título original: Cult of Chucky. Duración: 91 min. País: Estados Unidos. Dirección: Don Mancini. Guión: Don Mancini. Música: Joseph LoDuca. Fotografía: Michael Marshall. Reparto principal: Brad Dourif, Jennifer Tilly, Fiona Dourif, Alex Vincent, Michael Therriault, Elisabeth Rosen, Zak Santiago, Summer H. Howell, Grace Lynn Kung, Allison Dawn Doiron, Adam Hurtig, Tom Anniko. Producción: Universal 1440 Entertainment. Género: Terror.

Crítica: ‘Compulsión’

Sinopsis

Clic para mostrar

Una tímida joven tiene razones para sospechar que su enigmático novio le está siendo infiel. Decidida a revelar la verdad, descubrirá un siniestro secreto que convertirá su vida en una terrible pesadilla.

Crítica

Thriller formal y competente.

En festivales como Sitges se puede aprovechar para descubrir pequeños trabajos como ‘Compulsión’. Pequeños por pretensiones y por duración pero no por calidad. Y es que aunque su repercusión pueda ser mínima el calado y el sabor de boca que dejan estas obras puede ser mayor que títulos más anunciados del festival. En su sencillez radica su fuerza. Una propuesta simple, con pocos personajes que extrae todo sus argumentos de su título.

En principio la historia nos es presentada bajo varios puntos de vista pero finalmente se aúnan para que se desvele la verdad y se alcance el clímax del filme. Hay un personaje, si no habéis leído la sinopsis no sabréis quien es, que se dedica a matar gente por puro impulso. A eso se refiere la compulsión. Se utiliza este título a modo de impulso obsesivo por repetir algo. Ese ímpetu que siente determinado personaje genera tensión en el espectador y es lo que le da interés a la película. Suscita el suficiente atractivo y es tan obvio el motivo que le mueve como para que no haga falta que se dé una explicación. El otro día revisionaba ‘¿Quien puede matar a un niño?’ y en esa obra maestra no se esclarecía explícitamte cuál era la causa de la locura asesina del filme. A veces no hace falta una explicación concisa para que la película sea eficiente y este es otro ejemplo práctico.

‘Compulsión’ está coprotagonizada por tres actores. De ellos destaca Susana Abaitua como una factible muchacha universitaria que se gana la vida a costa de su cuerpo. Pero es Paco Manzanedo el que con un papel mejor incluso que el que nos mostró en ‘[REC] 4: Apocalipsis’ quien nos pone la piel de gallina.

Aunque este largometraje de Ángel González podría ser un episodio de una de las muchas series policíacas que vemos en televisión sirve como un thriller solvente. Una historia que nos demuestra que podemos creer tener nuestra vida controlada, pero nada podemos hacer ante los impulsos de los demás. Y nos deja una cuestión en el aire ¿hasta qué punto nos podemos parecer a nuestros progenitores? ¿la compulsión es hereditaria?

Ficha de la película

Estreno en España: próximamente. Título original: Compulsión. Duración: 75 min. País: España. Dirección: Ángel González. Guión: Ángel González. Música: Javier Carrasco. Fotografía: Rosana Torres. Reparto principal: Marina Esteve, Paco Manzanedo, Susana Abaitua. Producción: Shock Film Factory. Distribución: YAQ Distribución. Género: thriller. Web oficial: https://www.facebook.com/compulsionthefilm/

Crítica: ‘A Ghost story’

Sinopsis

Clic para mostrar

El aclamado director David Lowery, regresa a la gran pantalla con ‘A Ghost Story’, una curiosa historia en torno al legado, la pérdida y la necesidad esencial de todo ser humano de encontrar un significado y una conexión. El fantasma vestido con una sábana blanca de un hombre recientemente fallecido regresa a su casa para consolar a su esposa, pero descubre que en su nuevo estado espectral ya no pertenece a un tiempo concreto y solo le queda observar con

Crítica

**Bonita, la palabra que mejor puede describir a ‘A Ghost story’.**

David Lowery (‘Peter y el dragón’), nos trae una historia de la vida, una historia sobre el amor, pequeña y llena de imágenes perfectas. También la de una historia triste pero tan bella que no dejará a nadie insatisfecho.

‘A Ghost story’ nos muestra lo difícil que es superar la muerte, no solo para los que se quedan, sino para los que se van. Nos enseña el paso de la vida, lo lenta que puede llegar a ser cuando solo estás para contemplarla.

Escenas que pueden llegar a poner de los nervios por la lentitud de estas, pero que tienen mucho sentido a la hora del final de la película.

David Lowery nos deja una película llena de virtudes. Que nos da mucho para pensar, que llena mucho y deja un bonito recuerdo para cualquier cinéfilo que la vea.

Una de las cosas que más me ha gustado ha sido el tema del fantasma, es el típico con sabana y agujeros para los ojos. Impasible a la vida, ve como todo ocurre, lo lento que pasa todo y como deja poco a poco de existir su recuerdo para los demás. Vemos al fantasma que espera, que cuida a su amada, que la sigue por toda la casa y la aguarda. También le vemos perdido, vemos al fantasma aullador, al enfadado que da golpes por las paredes, el que mueve cosas. Me encanta la manera de retratar lo insignificantes que somos desde la vista de un fantasma, de alguien que ya no existe en el mundo y solo observa a los humanos que entran en su morada. Esto hace que la cinta pueda llegar a ser un poco pesada para su corta duración, pues el director te muestra lo aburrida que es la vida, o como comer una tarta puede ser algo larguísimo de mirar.

Pero este «defecto» es una de los grandes aciertos de la película, pues realmente te mete en la película y en las sensaciones que te quiere mostrar.

Como he mencionado, sus imágenes son preciosas, rodada como al estilo ‘Instagram’, a pantalla cuadrada y dentro la historia. Como si de fotos se tratara. De hecho, muchas de las escenas son largas y con poco movimiento, enseñándonos encuadres perfectos e imágenes idílicas o incluso duras, pero que se suavizan al estar dentro del contexto en el que las vemos.

En cuanto a las actuaciones, Casey Affleck y Rooney Mara están estupendos. El amor y la química que muestran en pantalla es magnífica y hacen que te creas toda la historia.

Como curiosidad, aparece otro espíritu en la cinta y debajo de esas sábanas encontramos a la cantante Kesha.

Sin duda alguna una película muy recomendable, aunque admito que al principio solo hacía que pensar que ‘A Ghost Story’ era un corto que se le había ido de las manos a David Lowery, pero una vez vista, nos regala tanto, nos da tanto para pensar, que no os la podéis perder.

Ficha de la película

Estreno en España: 3 de noviembre 2017. Título original: A Ghost Story. Duración: 83 min. País: Estados Unidos. Dirección: David Lowery. Guión: David Lowery. Música: Daniel Hart. Fotografía: Andrew Droz Palermo. Reparto principal: Rooney Mara, Casey Affleck, Rob Zabrecky, Will Oldham, Liz Franke, Sonia Acevedo. Producción: Sailor Bear, Zero Trans Fat Productions. Distribución: Universal Pictures. Género: Drama. Web oficial: https://a24films.com/films/a-ghost-story

Crítica: ‘Hostile’

Sinopsis

Clic para mostrar

La Tierra ha sido asolada por una epidemia y, en ella, solo quedan unos pocos miles de personas luchando por la supervivencia. Julie es una de ellas. A pesar de haberse curtido en esta situación, nada la había preparado para el encuentro con unas letales bestias noctámbulas.

Crítica

Una mezcla de géneros con un final realmente original.

El francés Matheiu Turi nos trae mundo post apocalíptico, en la que vemos referencias a ‘Mad Max’ y a Tom Raider.

En ‘Hostile’ tenemos una historia de supervivencia sencilla, donde una mujer se queda atrapada en su coche en un desierto y tiene que intentar sobrevivir a los misterios que llegan de noche. Durante su encierro comienza a recordar la historia de amor con su pareja mediante flashbacks.

La ambientación de la cinta es muy buena, como he dicho, el mundo desértico que vemos en la cinta recuerda mucho a ‘Mad Max’, e incluso lo hace la ropa que ella lleva. En este mundo hay unas extrañas criaturas, y poco a poco se irá desvelando de donde aparecieron.

En general todo está muy cuidado, se denota un interés del director para que el espectador realmente se adentre en la historia.

Una cosa muy lograda, es la tensión, el estrés de vivir el encierro de la protagonista dentro del coche. Esto, aparte de la dirección, también es debido gracias a la dirección de fotografía de Vincent Vieillard-Baron, muy trabajada ya que juega mucho con la oscuridad y la luz, además por supuesto del gran trabajo de la actriz de la que hablamos a continuación.

La protagonista, Brittany Ashworth, a la que veremos en ‘The Crucifixion’ de Xavier Gens (productor ejecutivo de ‘Hostile’), está fantástica. Físicamente bien podría haber hecho de Lara Croft, pues su personaje en su lucha por sobrevivir recuerda mucho a la protagonista del videojuego.

Y otro de los protagonistas en la sombra es nuestro Javier Botet, como siempre estupendo. Un monstruo diferente que hace que se te pongan los pelos de punta con los movimientos de su cuerpo.

En general la cinta convence, el único fallo que si que le veo es que debería de haberse centrado mucho más en la chica, en su desesperación por lograr sobrevivir en la noche, que en meter tantos flashback de su vida, pues realmente te sacan de la película y la tensión que tan bien logra crear en el presente

Pero admito que para ser el debut como director de Mathieu Turi, el cual ya ha trabajado como segundo director para Tarantino, es bastante loable y nos muestra sin tapujos el mundo hostil en el que vivimos a diario.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de octubre 2017 (Festival Nocturna Madrid) . Título original: Hostile. Duración: 83 min. País: Francia. Dirección: Mathieu Turi. Guión: Mathieu Turi. Música: Frédéric Poririer. Fotografía: Vincent Vieillard-Baron. Reparto principal: Brittany Ashworth, Grégory Fitoussi, Javier Botet, Jay Benedict. Producción: Full Time Films, Title Media. Género: Terror. Web oficial: https://www.facebook.com/Hostilethemovie/

Crítica: ‘Errementari. El herrero y el diablo’

Sinopsis

Clic para mostrar

Han pasado 10 años desde de la primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.

Crítica

Pocos herreros controlan el arte de forjar maneras de perpetuar las historias populares tan bien como Urkijo.

Hacer que los niños entren al trapo, caigan en la dinámica de una película y se adentren en el cuento que les proponen puede ser una tarea relativamente fácil. Pero procurar que los adultos experimenten esas sensaciones, retornen a su infancia y disfruten con una fábula es una proeza mucho más difícil de lograr. Ese es uno de los méritos de ‘Errementari’. La película de Paul Urkijo empalma las historias clásicas con el modo de narrar moderno, rodando muy al estilo de su productor Álex de la Iglesia. Rescata no solo el espíritu de los cuentos tradicionales, sino una historia en sí misma.

El inicio animado de la película ya nos pone las expectativas por las nubes y de ahí no nos baja. Es inevitable no quedarse prendado de su narrativa. Es palpable el amor de Urkijo hacia el folclore vasco o las historias que relacionan el plano mortal con el divino. Sabe transmitirlo, y lo que es más, lo rodea de ese humor inocentón que siempre han tenido los cuentos y que nos dejan un recuerdo entrañable. Cosas tan sencillas como unos garbanzos, unas collejas, una campana… pueden servir para que nos riamos a carcajadas.

Por supuesto que la película tiene su mensaje, si no, no estaríamos hablando de un cuento. Los prejuicios, el hacer ver que donde otros ven un ogro una niña puede ver a un amigo puede ser su moraleja. Pero la obra da pie a más lecturas. Los diablos tienen sus propias preocupaciones, existen seres más astutos que las criaturas del infierno… cada uno extraerá diferentes enseñanzas de la película y ese es otro argumento que inclina la balanza hacia el lado de las fábulas.

El diseño de producción de la película junto a su rodaje en euskera alavés del siglo XIX nos transporta a otra época. Recomiendo verla en versión original pues ayuda bastante a meterse en toda esta aventura. Sin embargo, su ambientación y puesta en escena son lo suficientemente potentes como para depender del idioma. La atmósfera es de cuento, sobre todo la de la herrería que, además de poder utilizarse para un videoclip de una banda de heavy metal, evoca a los habitáculos de personajes tan entrañables como los aparecidos en obras como las de Esopo o los Hermanos Grimm.

Errementari significa herrero y por supuesto la figura de ese personaje es objeto de todas las miradas. Kandido Uranga interpreta a ese personaje de un modo atormentado pero a la vez intimidatorio. Pero no es el actor que más me ha llamado la atención. Eneko Sagardoy es quien logra tras la máscara arrancar más sonrisas e incluso que empaticemos con su personaje a pesar de encarnar al villano. Construye a un diablo cargado de una vis cómica infantil a la par que madura, un meritorio trabajo.

Ficha de la película

Estreno en España: 2 de marzo de 2018. Título original: Errementari. Duración: 96 min. País: España. Dirección: Paul Urkijo Alijo. Guión: Asier Guerricaechevarría, Paul Urkijo Alijo. Música: Xabat Lertxundi. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Reparto principal: Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Eneko Sagardoy, Jose Ramón Argoitia, Josean Bengoetxea, Gorka Aguinagalde, Iñigo de la Iglesia, Zigor Bilbao, Ortzi Acosta, Jon Ander Alonso, Itziar Ituño, Gotzon Sanchez, Maite Bastos. Producción: Pokeepsie Films, Gariza Produkzioak, Ikusgarri Films, Kinoskopik s.l. Distribución: Filmax. Género: fantástico. Web oficial: http://www.errementari.com

Crítica: ‘Feliz día de tu muerte’

Sinopsis

Clic para mostrar

La película cuenta la historia de la joven Tree en el peor día de su vida. Una mañana de resaca despierta en la residencia de un compañero de Universidad, corriendo se viste y se dirige a su dormitorio para hablar con sus compañeras y comenzar a celebrar su cumpleaños. En la fiesta de esa misma noche es atacada y aparentemente asesinada, pero ese momento es interrumpido por el comienzo de un nuevo día.

Crítica

Versión moderna que se queda a una buena distancia de un gran clásico.

Qué poca gente puede decir que no le guste ‘Atrapado en el tiempo’ o ‘El día de la marmota’ como la conocen muchos al traducir literalmente su título original. El emblemático largometraje protagonizado por Bill Murray es historia del cine de comedia y viajes en el tiempo y es inevitable que surjan revisiones como la que hoy nos ocupa. ‘Feliz día de tu muerte’ se une a esas películas que homenajean abiertamente el filme dirigido por otro cazafantasmas, el fallecido Harold Ramis, pues finalmente se rinde a lo evidente e incluso cita en una de sus escenas a la película de los noventa.

Este nuevo estreno sigue en líneas generales las mismas pautas. Una persona a la que muchos no tacharíamos de Madre Teresa de Calcuta se despierta y se ve obligada a vivir día sí y día también la misma jornada. Se ha convertido al protagonista en una estudiante de universidad y se ha introducido un componente slasher. Curioso, más que original, resulta que se le añada una nueva variable a la ecuación como lo es la del asesino y el hecho de que el día se reinicie cada vez que la protagonista muera, aunque esto lo hemos visto muy bien explotado, literalmente, en películas recientes, como ‘Al filo del mañana’. Le aporta una nueva dimensión al tormento que sufre el protagonista que a su vez no deja de hacerle gracia al espectador. Sin embargo no esperéis que os expliquen la razón, el origen o la causa de tal calvario.

Ahí se acaba la aportación de Christopher Landon (escritor de ‘Paranormal activity 3’) al género. Lo que nos ofrece es una simple comedia universitaria que en cada crepúsculo tiene algo de muerte. Posee por lo tanto los clásicos chistes fáciles de su género basados en el alcohol, el sexo y las novatadas. Y tiene por supuesto los manidos sustos y escenas reutilizadas de las películas de asesinos enmascarados. Además cada día que vive el personaje interpretado por Jessica Rothe es interminablemente largo y repetitivo. Esto se hace pesado sobre todo porque casi nada más empezar nos dan los suficientes indicios como para saber quién es el villano/a de la cinta.

Pese a que Landon ya había trabajado en títulos de la Blumhouse como ‘Paranormal activity’ o ‘Viral’ no ha sido capaz de realizar un título a la altura. Y mucho más lejos se ha quedado del listón del clásico que intenta renovar pues su protagonista no tiene el carisma Bill Murray y su desarrollo no es tan hilarante. Habría cabido esperar más comicidad, menos insistencia en momentos triviales y algo más de razonamiento en lo que se refiere al bucle en el que se encierra a la protagonista.

Ficha de la película

Estreno en España: 10 de noviembre de 2017. Título original: Happy Death Day. Duración: 96 min. País: EE.UU. Dirección: Christopher Landon. Guión: Christopher Landon, Scott Lobdell. Música: Bear McCreary. Fotografía: Toby Oliver. Reparto principal: Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine, Charles Aitken, Laura Clifton. Producción: Blumhouse Productions, Digital Riot Media. Distribución: Universal Pictures. Género: slasher, comedia, terror. Web oficial: http://www.universalpictures.es/es/peliculas/feliz-dia-de-tu-muerte-80/

Crítica: ‘Nuestra vida en la Borgoña’

Sinopsis

Clic para mostrar

Hace diez años, Jean dejó atrás a su familia y su Borgoña natal para dar la vuelta al mundo. Al enterarse de la inminente muerte de su padre, regresa a la tierra de su infancia. Allí se reencuentra con sus hermanos, Juliette y Jérémie.

Desde la muerte de su padre al comienzo de la vendimia, y en el espacio de un año al compás de las estaciones, estos tres jóvenes adultos recuperarán su fraternidad, evolucionando y madurando al mismo tiempo que el vino que producen.

Crítica

Una larga reflexión sobre la maduración y los lazos fraternales.

El título original, la traducción literal de ‘Ce qui nous lie’ nos da una visión más concreta de lo que nos ofrece esta película. Nos viene a decir ‘Lo que nos une’. En el caso de los protagonistas es una vida en la Borgoña francesa. Ellos son tres hermanos criados y adoctrinados para la elaboración de vinos. Y dentro de lo compleja que puede ser la confección de un buen caldo pueden caber muchas maneras de interpretar ese trabajo. Pero al fin y al cabo, en la raíz, los fundamentos y los orígenes son los mismos. Esos cimientos van ligados a periodos dictados por la naturaleza de igual modo que la vida se rige por ciertas etapas. Lo que ha intentado el director Cédric Klapisch es mostrar un paralelismo entre el cultivo de la uva y los diferentes ciclos de la vida.

Pero aparte de ilustrar muy visualmente esa correspondencia que conservamos entre nuestra naturaleza y nuestra vida, pretende hacer valer la importancia de mantener la esencia de la familia. Durante todo el filme se contempla un tira y afloja entre diferentes familias y sus correspondientes miembros. Algunos de estos conflictos resultan irrelevantes para la trama y otros si tienen el peso adecuado para el trasfondo de sus personajes. Lo importante es que se capta de sobra y de manera tal vez excesivamente reiterativa que el mensaje que Klapisch nos quiere transmitir es que es importante el buen entendimiento entre hermanos, el mantener vivo el lazo que une a aquellos que son hijos de los mismos padres, ya sean vivencias, propiedades…

Los tres protagonistas principales, los tres hermanos que se ocupan de vendimiar y producir los tradicionales vinos franceses son Pio Marmaï, Ana Giradot y François Civil. La película les brinda importancia en ese orden, volcando casi todo el protagonismo en Marmaï, lo cual considero un error pues el papel de Giradot podría haber estado mucho mejor explorado. No obstante el trío de actores pasa como familia, son creíbles como hermanos que además tienen un conflicto fruto de la distancia entre ellos y los problemas tanto familiares como económicos. Pero cabría mencionar a una cuarta persona, germen también de enfrentamientos y giros en la película, que está interpretada por la española María Valverde. Su papel tiene aquí más peso que en la reciente ‘The Limehouse Golem’, pero aún así ocurre como con el personaje de Giradot, te deja la sensación de que habría dado más juego.

Decir que hay personajes desaprovechados en un filme de casi dos horas no suele ser buena señal. La gran traba de ‘Nuestra vida en la Borgoña’ es que se toma con demasiada calma su propia historia, se entretiene excesivamente contemplando un paisaje que sabe captar con melancólica mirada. Esa remembranza la hace el personaje de Marmaï, cuya voz es empleada como narrador y es retomada esporádicamente, por lo que se nos olvida que estaba ahí, con lo cual, se descuida el punto de vista a ofrecer.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Título original: Ce qui nous lie. Duración: 113 min. País: Francia. Dirección: Cédric Klapisch. Guión: Cédric Klapisch, Santiago Amigorena. Música: Loïc Dury, Christophe Minck. Fotografía: Alexis Kavyrchine. Reparto principal: Pio Marmaï, Ana Girardot, François Civil, Jean-Marc Roulot, María Valverde, Karidja Toure, Yamée Couture, Florence Pernel, Eric Caravaca, Jean-Marie Winling. Producción: Ce Qui Me Meut Motion Pictures. Distribución: Wanda Visión. Género: drama. Web oficial: https://www.wanda.es/site/sinopsis/nuestra_vida_en_la_borgona

Crítica: ‘Un golpe a la inglesa’

Sinopsis

Clic para mostrar

Basada en hechos reales, ‘Un golpe a la inglesa’ traslada a la gran pantalla la historia de cuatro delincuentes del East End londinense, liderados por Brian Reader (de 76 años) y un hombre misterioso cuya identidad nunca se desvela, que aprovecharon las festividades de Semana Santa para llevar a cabo el mayor atraco de la historia inglesa. Perseguidos por la mafia húngara y Scotland Yard, estos ladrones de pelo blanco lograron lo imposible: taladrar un depósito de seguridad de acero y hormigón en Hatton Garden, el barrio de las joyerías de Londres. Pero, ¿será el golpe del siglo o tanta osadía les saldrá cara?

Crítica

Thomson salva los muebles por los pelos.

Roonie Thomson estrena una nueva película que narra el intento de unos ancianos por robar en pleno Londres lo que para muchos sería el motín de su vida. Un robo que había que hacerlo con confianza ciega en quien les había dado el soplo o la información y no solo eso, dedicándole mucho tiempo y maquinaria ruidosa. He descubierto posteriormente que esta historia estaba basada en hechos reales y mi asombro ha sido mayúsculo. ¿Cómo unos ladrones tan entrados en años pudieron tener una idea tan osada y descabellada? Nunca sabes cuándo será la última vez que dirás que la realidad supera a la ficción. En ese sentido tiene cierto aliciente la película pero no basta con ello. La concepción de los personajes es en exceso convencional y el tono tampoco es nuevo.

Pese a que es la película más pulida y mejor concebida de Roonie Thomson, que nunca pierde sus raíces inglesas, lo que parece que ha hecho es coger el estilo de Guy Ritchie y lo ha limpiado. El ritmo, los planos, los diálogos, el color… todo se asemeja a la obra del director de éxitos como ‘Snatch’ o ‘RocknRolla’, pero con una estética algo más estilosa y aseada. Y aunque cuente con el apoyo de otros dos escritores, Ray Bogdanovich y Dean Lines, para la creación del guión no logran salirse de los esquemas y protagonistas arquetípicos de las películas de robos.

Posee actores cuyos rostros os van a sonar. Su protagonista es harto conocido, Mathew Goode (‘Watchmen’) y los compinches de los que se rodea han aparecido en producciones como ‘Juego de Tronos’, ‘Thor’ o ‘Sherlock Holmes’, como es el caso de Clive Russell. En segundo plano quedan Stephen Moyer (‘True Blood’) y Joely Richardson (‘Millenium: los hombres que no amaban a las mujeres’). Como veis la película no tiene superestrellas pero no se queda corta en el reparto. Pese a ello no nos otorga grandes interpretaciones y eso va acorde a lo anodino de su historia. Es una más del montón, que puede pasar sin pena ni gloria. ‘Un golpe a la inglesa’ podría decirse que tiene el carácter típicamente conservador inglés, que sin aportar nada nuevo, ni arriesga y ni comete grandes errores.

Ficha de la película

Estreno en España: 27 de octubre de 2017. Título original: The Hatton Garden Job. Duración: 100 min. País: Reino Unido. Dirección: Roonie Thomson. Guión: Ray Bogdanovich, Dean Lines, Ronnie Thompson. Música: Paul Arnold, Andrew Barnabas. Fotografía: Arthur Mulhern. Reparto principal: Mathew Goode, Larry Lamb, Phil Daniels, David Calder, Clive Russell, Jack Doolan, Mark Harris, Joely Richardson, Stephen Moter. Producción: Fiction Films. Distribución: DeAPlaneta. Género: thriller, comedia. Web oficial: https://www.deaplaneta.com/es/un_golpe_a_la_inglesa

Crítica: ‘The maus’

Sinopsis

Clic para mostrar

Alex y Selma viajan al corazón de Bosnia-Herzegovina. Sin embargo, su coche se para en medio del bosque. Mientras buscan ayuda, Selma, que sobrevivió a la Guerra de los Balcanes, empieza a sospechar que no andan solos, sino que una fuerza misteriosa les acompaña. Ella se aferra a su amuleto, pero lo que debería protegerla no hará más que invitar a la extraña presencia a que emerja del bosque.

Crítica

Menos fantástica de lo que cabría esperar.

Una pareja (Alex y Selma) se queda tirada en un bosque que no conocen. Además dicho bosque no se presenta nada amigable para ambos y Selma, para más inri, se muestra nerviosa y enrarecida. Así es como comienza el primer filme de Yayo Herrero que poco a poco va incluyendo elementos más peligrosos acompañados de un constante misterio en torno a una letanía que finalmente se resuelve y desencadena la locura en la película. Según como se enfoque esta película puede resultar un tremendo chasco o un sencillo thriller con tintes histórico políticos. En mi caso acudí a verla esperando una película fantástica, inducido a ello por su sinopsis, su cartel y por el marco en el que me encontraba, el Festival de Sitges. Pero ubicar este filme dentro del cine fantástico es una decepción para el espectador ya que lo más que puede esperar de esta película es suspense con algunas escenas tiznadas de terror.

Parece que la película va a tener algo sobrenatural y cuando esto llega, o parece llegar, se queda en algo a la libre interpretación. ¿Es realmente algo místico? ¿Son solo supersticiones? ¿Quizá un efecto motivador? Lo que sucede en la película no está bien definido, quizá a propósito por el director para que cada espectador elija qué es lo que acaba de ver. Entra en juego el simbolismo y el folclore, elementos que siempre han estado en tela de juicio y nunca han tenido una frontera bien delimitada. Lo que sí que está claro es que no está bien definido el protagonismo de la cinta. No parece un juego de despiste, sino más bien un despiste de rodaje que el foco de la narración cambie a capricho, sorprendentemente sobre todo en su final.

El conflicto entre bosnios y serbios le ha servido a Yayo Herrero como herramienta para introducir no solo un elemento más de conflicto, intentando crear algo de debate, si no para generar tensión y desarrollar una historia que trate el odio y los prejuicios. También para enmarcarlo dentro de esas tradiciones que tan poco conocemos por España, causando así que el espectador se enfrente ante algo desconocido, como hacen los protagonistas. Esto como decía es suficiente si entras en el juego del suspense, no de lo paranormal o fantástico. Cabría esperar algo más ya que se crea una expectación mayor en torno a esas palabras que tanto repite su protagonista. Incluso su título se queda en trivial ya que únicamente es el apelativo cariñoso que emplea August Wittgenstein (Alex) para referirse a su pareja en la ficción.

Ficha de la película

Estreno en España: 2018. Título original: The maus. Duración: 90 min. País: España. Dirección: Yayo Herrero. Guión: Yayo Herrero. Música: The Youth. Fotografía: Rafael Reparaz. Reparto principal: August Wittgenstein, Alma Terzic, Ella Jazz, Aleksandar Seksan,Diana Fernández Pérez, Sanin Milavic. Producción: Apaches Entertainment, Cine365 Film, Dynamite Films. Distribución: Netflix. Género: thriller, terror.

Crítica: ‘La piel fría’

Sinopsis

Clic para mostrar

En una isla perdida en medio del océano, dos hombres se defienden, noche tras noche, resguardados en un faro, del asedio de unas extrañas criaturas marinas. Sometidos a la extrema tensión, sin entender las razones del ataque, tendrán que replantearse cómo enfrentarse a lo desconocido. La cautividad y la continua lucha los llevan a un viaje al centro de sus entrañas, donde se entremezcla lucidez y enajenación, rechazo y deseo, crueldad y amor, hacia lo desconocido.

Crítica

Una gran adaptación del libro de Sánchez Piñol.

Xavier Gens nos lleva a una isla donde el mito y la realidad se juntan en una terrible lucha que se organiza todas las noches en un faro.

No puedo sino admitir que ‘La piel fría’ me ha gustado, cuando salimos de la sala la mayoría de la gente estaba bastante disgustada, supongo que ha sido por haberme leído el libro hace ya un tiempo y saber exactamente lo que iba a ver.

Una historia donde la soledad y el miedo juega un papel muy importante y es crucial en el comportamiento de nuestros personajes en la película. Pero que en realidad no nos trae una historia, sino más bien, el día a día de dos hombres intentando sobrevivir a unas misteriosas criaturas que les atacan todas las noches.

Este sin duda ha sido el gran error de la cinta, no cuenta nada, sí, les vemos sufrir y convivir con la extraña y curiosa Aneris, la cual está cautiva y no se atreve a escapar. Pero no nos dice mucho más.

Aura Garrido, representa magistralmente a Aneris, está perfecta. No, no habla, no tiene expresión apenas en la cara, pero Aura hace tan buen trabajo que realmente pierdes de vista a la actriz para dar paso a una criatura que parece sacada del mundo de Lovecraft. Todos los movimientos son de ella y perfectamente ves su miedo y su curiosidad.

David Oakes y Ray Stevenson también están fabulosos en esta trágica historia.

En el tema técnico ‘La piel fría’ es perfecta, el diseño de producción es impecable, todos los detalles están cuidados y se agradece mucho a la hora de introducirte bien en la historia.

El maquillaje y CGI es espectacular, según sabemos, Aura Garrido tenía unas ocho horas de maquillaje todos los días de rodaje y el resto de criaturas que aparecían en grandes hordas, están perfectamente recreadas.

La fotografía es muy bonita, se vienen a mi mente autores del romanticismo como William Turner o Caspar David Friedrich, pues los grandes temas de esta época están plasmados en la película, la soledad, la fuerza incontrolable del mar, el miedo y el misterio.

En mi humilde opinión, ‘La piel fría’ es una buena adaptación del libro de Albert Sánchez Piñol, pues Xavier Gens suprime partes del libro que realmente me parecieron excesivas e innecesarias, pero aun así le falta un algo para crear una historia atrayente.

La cinta está dedicada al gran Gil Parrondo, que fue el Diseñador de Producción de la cinta antes de morir, un bonito detalle por parte del equipo.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de octubre de 2017. Título original: Cold Skin. Duración: 101 min. País: España. Dirección: Xavier Gens. Guión: Eron Sheean, Jesus Olmo, de la novela de Albert Sánchez Piñol. Fotografía: Daniel Aranyo. Reparto principal: David Oakes, Ray Stevenson, Aura Garrido, John Benfield, Iván González, Ben Temple. Producción: Kanzaman, Gran Babieka, Pontas Film, Literary Agency. Distribución: Diamond Films. Género: Fantástico. Web oficial: http://www.lapielfria.com/

Impresiones del 3×11 de ‘El Ministerio del Tiempo’

Protagonismo cantado para Angustias.

Con el buen clima que está haciendo casi que le damos toda la razón al título de esta semana. Es ‘Tiempo de verbena’, obviamente el episodio más castizo de lo que va de serie. Una misión trivial a la par que simpática a la que ha costado ver la justificación de la intervención de la patrulla del ministerio pues no ha habido perturbación en la historia por parte de alguna sociedad secreta o alguien ajeno a la época. Con Fernando Albizu, Manuel Galiana y Bruno Oro como actores invitados interpretando a personajes de esa época hemos visto como los guionistas encontraban soluciones idénticas a las empleadas a las que vimos en el capítulo de Goya y su maja. Además esta pequeña aventura ha sido resuelta torpemente para poder darle su momento de gloria a Angustias, que por mucho que haya encontrado hueco para homenajear a Lina Morgan sigue sin tener razón para haberse inmiscuido en una historia en la que no parecía haber ocurrido nada sospechoso.

Más carga de importancia para la trama central han tenido las dos historias paralelas de este episodio. Las sociedades secretas tienen en el punto de mira al ministerio más querido de todos los españoles y ya están infiltrados hasta lo más profundo de sus estamentos. El cara a cara entre Alonso y Arteche, esa especie de Lobezno del Ángel Exterminador, ha sido de lo mejor del episodio y además ha dado como resultado la revelación que ya iba tocando que se produjese. Gran recurso y curioso personaje surgido de ‘Un soldado español de veinte siglos’ de José Gómez de Arteche que se ha quemado demasiado pronto. Suponemos que lo que ha hecho Arteche es evitar que su yo pasado beba aquello que le da la inmortalidad. Porque si lo que hace es morir sin más no borra lo que ha hecho hasta ese momento y no tiene sentido que cambie su rostro en el cuadro de Las Lanzas.

La otra historia paralela trata la Amnesia de Marta. Lo cierto es que es un elemento muy de telenovela y cada intento del ministerio por hacerla reaccionar parece más cruel: hacerla ver que ya no tiene 16 años mirándose en el espejo, mostrarla como la atacó su padre… Una cosa es dudar de ella y la otra es martirizarla. Métodos de Irene al margen esperemos que se resuelva pronto si Marta finge o si tiene utilidad dramática esta amnesia pues ocupa bastantes minutos de capítulo.

Enfilamos los tres últimos episodios, contando con este que acabamos de ver. Es decir, nos quedan dos a partir de ahora. Ya solo visitaremos un par de veces más el Ministerio del Tiempo, hay muchas cosas por cerrar y parece que cada vez se vuelve todo más complejo y fantástico. ¿Cómo se resolverá la temporada?

Crítica: ‘¡Lumière! Comienza la aventura’

Sinopsis

Clic para mostrar

En 1895, Louis y Auguste Lumière inventaron el Cinématographe y rodaron algunas de primeras películas de la historia de la imagen en movimiento: La salida de la fábrica, El jardinero (o El regador regado)… Con su descubrimiento de la puesta en escena, de los travellings de seguimiento e incluso de los efectos especiales y los remakes, también inventaron el séptimo arte.

Entre sus más de 1.400 películas, Thierry Frémaux, director del Festival de Cine de Cannes y del Institut Lumière, ha seleccionado 114: obras maestras conocidas en el mundo entero o auténticas perlas ignoradas, todas restauradas en 4K y reunidas para conmemorar el legado de los Lumière.

Un viaje al universo de los fundadores del cine, narrado por Frémauxcon pasión y humor, LUMIÈRE! ofrece imágenes inolvidables y una visión única de Francia y del mundo en los albores de la era moderna. Son películas fundamentales para comprender el mundo del cine contemporáneo.

Crítica

Un documental sobre el origen del mundo en el que vivimos.

A finales del siglo XIX había muchos artefactos capaces de reproducir imágenes en movimiento. Uno de ellos era el cinematógrafo de los hermanos Lumiére que era capaz de captar y proyectar imágenes de tal manera que un grupo de personas las podían visualizar a la vez. El invento de los hermanos paso de ser un juguete de circo o feria, como el quinetoscopio patentado por el ya popular Edison, a ser un espectáculo en sí mismo.

Los Lumière fueron los primeros que apagaron la luz en una sala de proyección y ahora Thierry Frémaux ilumina el camino de la primera década del cine con su documental. Los hermanos y el equipo de realizadores asociados a los propios Lumière filmaron en esos 10 años más de 1000 películas por todo el mundo. Grabaciones que en su mayoría han desaparecido o ha sido imposible su restauración. Más de 100 años después el director del Festival de Cannes y del Instituto Lumière de Lyonha recopilado 108 piezas de 50 segundos que nos transportan al origen del cine.

Este proyecto personal, quizás más apropiado para un museo que para una gran sala de cine, nos enseña que los hermanos Lumière además de inventar el cinematógrafo crearon un lenguaje audiovisual que se mantiene hoy (travelling, planos, campo…). A pesar de que muchos elementos del cine actual se atribuyen a D.W. Griffith, entre otros, este documental es ejemplo de que los “cortometrajes” de los Lumière ya establecen distinciones de género, interpretación ante la cámara y otros conceptos que quizás los hermanos emplearon por casualidad o por teatralidad.

Más allá de lo cinematográfico este documental muestra un mundo en movimiento muy diferente al actual. Vemos imágenes de Francia, por supuesto, de España, Estados Unidos, México, Vietnam y otros lugares que en 100 años están prácticamente irreconocibles.

Una metapelícula avalada por el mayor restaurador de cine clásico del mundo, Martín Scorsese y muy recomendable para todos los estudiantes del séptimo arte.

Ficha de la película

Estreno en España: 20 de octubre de 2017. Título original: Lumière! L’aventure commence. Duración: 90 min. País: Francia. Dirección: Thierry Frémaux. Guión: Thierry Frémaux. Reparto principal: Thierry Frémaux, Auguste Lumière, Louis Lumière, Martin Scorsese. Producción: CNC. Distribución: Caramel Films. Género: documental.

Crítica: ‘Solo se vive una vez’

Sinopsis

Clic para mostrar

Leo es un estafador que por error entra en conflicto con un poderoso jefe de la mafia. Para escapar del peligroso clan tendrá que hacerse pasar por un miembro de una comunidad judía ortodoxa.

Crítica

Gérard Depardieu es el capo que muchas películas de gangsters necesitan.

A pesar de ser una producción argentina con colaboración española lo más destacable de la cinta es la aportación de Gérard Depardieu. El actor francés interpreta a un empresario y jefe de una organización criminal y, aunque su objetivo final no queda muy claro, convierte a un personaje secundario en el pilar más sólido de la película. Un capo excéntrico, pero medido cuando es necesario, que emplea su propio idioma como un rasgo distinguido y peculiar.

Por lo demás, la ópera prima de Federico Cueva pasa sin pena ni gloria. A pesar de estar bien realizada, una pobre historia y unas mediocres interpretaciones echan por tierra una película que quería convertirse en una versión latina y moderna de Único Testigo. El director cuenta en su haber con más de 40 películas como responsable de efectos especiales, una especialidad que se nota en Sólo Se Vive Una Vez donde la cantidad de explosiones y coches volando es equiparable a cualquier película de acción americana tipo ‘Soldado Universal’ (por decir un clásico de Van Damme).

Las actuaciones de destacados actores españoles, que colaboran como secundarios, son de una calidad bastante inferior a lo que nos tienen acostumbrados. Hugo Silva es un matón llamado El Rumano que habla como un vendedor de Badulaque. Y Santiago Segura da la sensación de no creerse lo que dice o incluso leerlo.

El protagonista, Peter Lanzani, se desenvuelve con soltura en esta comedia de acción.

En un país donde Maradona es considerado un ídolo religioso y de donde procede el actual Papa quizás encuentren más matices a este intento de parodia de las costumbres de los judíos ortodoxos. O quizás no sea más que una película de acción vacía de contenido y predecible, en cuyo caso ofrece buenas dosis de golpes, disparos y música de Kiss ¿qué más se puede pedir?

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de octubre de 2017. Título original: Sólo se vive una vez. Duración: 90 min. País: Argentina, España. Dirección: Federico Cueva. Guión: Sergio Esquenazi, Nicolás Allegro. Música: Alfonso González Aguilar. Fotografía: Guillermo Nieto. Reparto principal: Peter Lanzani, Gérard Depardieu, Santiago Segura, Hugo Silva, Carlos Areces. Producción: Bowfinger International Pictures, MyS Producción, Quexito Films, TELEFE. Distribución: A Contracorriente Films. Género: comedia, acción. Web oficial: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/760/solo-se-vive-una-vez/

Crítica: ‘Annabelle: Creation’

Sinopsis

Clic para mostrar

Años después del trágico fallecimiento de su hijita, un fabricante de muñecas y su mujer acogen en su hogar a una monja y varias niñas procedentes de un orfanato clausurado, quienes pronto se convierten en el objetivo de la poseída creación del fabricante de muñecas.

Crítica

El regreso de Annabelle, asusta, pero no termina de convencer.

Antes de comenzar con ‘Annabelle: Creation’ decir que me encanta el mundo que ha imaginado James Wan, gracias a él hemos podido ver películas tan estupendas como las de los Warren, de donde sale este spin-off. Su estilo, con muchos sobresaltos gracias a los golpes de sonido, recuerda a las películas antiguas, en las que aunque supieras que venía un susto, te asustabas igual.

Como he dicho, de ‘Expediente Warren: The Conjuring’ surgió el spinoff de ‘Annabelle’ esa muñeca tan tétrica que aunque no estuviese endemoniada daría igual de miedo.

‘Annabelle’ no cumplió las expectativas de sus fans, fue bastante mala en general, la cinta pasó sin gloria por las salas. Pero se decidió dar una segunda oportunidad a este personaje y sin duda esta segunda parte es mucho más superior que su antecesora, pero no quita que aun así sea más floja que las cintas sobre los Warren.

El director que se ha puesto detrás de las cámaras ha sido David F. Sandberg, director de ‘Nunca apagues la luz’ y ya con esto, en mi opinión, hacia que me apeteciera un poco menos ver esta nueva cinta. En ‘Annable: Creation’ nos cuenta los orígenes de la muñeca, cuando unas huérfanas junto a una monja, deciden hospedarse en la casa de un fabricante de muñecas, la pesadilla comienza y los fenómenos paranormales comienzan a salir por todos los rincones de la casa.

Como he dicho sigue siendo muy floja, para mí lo que más me ha dolido son algunos fallos de guión, por llamarlo de algún modo, porque más que otra cosa son fallos de lógica.

Las niñas, las cuales se nota que han ido a una escuela de arte dramático, actúan como si fuesen demasiado mayores, en vez de chillar o pedir ayuda, como cualquier niño haría, deciden callar y enfrentarse a ello ellas solas. O como el dueño de la casa conoce a Annabelle y tampoco es que le importe demasiado, o más bien no le quita el sueño.

Estos matices hacen que le quiten la realidad al asunto y no empatices con nadie, y al final los sustos son eso, solo sustos. Eso sí, muy bien hechos, muy al estilo de Wan. Momentos en los que sabes de sobra que va a aparecer algo y aunque lo sepas te asustas. Además otra cosa buena que tiene la película es la ambientación, en una América profunda.

Supongo que todos sabemos lo que vamos a ver, aunque sí que es cierto que aunque la historia de su origen es sencilla, podrían haber realizado una buena película si no hubiesen metido tanto la pata con los fallos que digo. Y realmente no todo es malo, si que tiene escenas muy buenas como una en un pozo o alguna que otra bastante gore en el interior de la casa.

Pero bueno, llega Halloween, la fiesta del cine y si que por la calidad de imagen y si os queréis llevar buenos sustos ‘Annabelle: Creation’ puede ser una de las opciones para ir a las salas.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de octubre de 2017. Título original: ‘Annabelle: Creation’ Duración: País: Estados Unidos. Dirección: David F. Sandberg. Guión: Gary Dauberman. Música: Benjamin Wallfisch. Fotografía: Mexime Alexandre. Reparto principal: Staphanie Sigman, Talitha Bateman, Lulu Wilson, Philipa Anne Coulthard, Grace Fulton, Miranda Otto, Lou Lou Safran, Samara Lee, Teyler Buck, Anthony LaPaglia. Producción: Warner Bros. Pictures, Evergreen Media Group. Distribución: Warner Bros Pictures. Género: Terror. Web oficial: http://annabellemovie.com/

Crítica: ‘El castillo de cristal’

Sinopsis

Clic para mostrar

Crónica de las aventuras de una excéntrica, tenaz y muy unida familia, “EL CASTILLO DE CRISTAL” es una potente historia de amor incondicional. La ganadora del Oscar, Brie Larson, da vida a Jeannette Walls, una joven que, influenciada por la naturaleza salvaje y atrevida de su disfuncional padre (Woody Harrelson),logró,gracias a su profunda determinación, labrarse una vida de éxito según sus propios términos.

Basada en libro de memorias, éxito de ventas, de Jeanette Walls.

Crítica

La luz que pasa a través de su cristal necesita un tratamiento diferente.

Brie Larson regresa tras la apoteósica ‘Kong: la isla calavera’ (y no es la única relacionada con Kong en esta película pues cuenta también con Naomi Watts) y antes de inundarnos con su Capitana Marvel, entre otros trabajos que tiene pendientes. En este caso interpreta a la escritora Jeannete Walls en una película casi biográfica, basada en hechos reales, en la cual descubrimos a la familia Walls. Está basada en un best seller, un éxito de ventas que logró estar en la lista del New York Times 261 semanas. La autora de dicha obra es la propia Jeannete Walls, la misma cuyo personaje protagoniza el filme. No tengo el gusto de saber si el libro posee el mismo tono que la película pero de ser así peca mucho de ególatra y de mostrar su único punto de vista. Es decir, esta una obra de, por y para ella. Pese a ello tiene otros errores más reprochables y aún así es capaz de arrojar algo de luz, al menos se pueden extraer conclusiones positivas de la película.

En muchos aspectos nos puede recordar a ‘Captain Fantastic’ (dos de sus niños también aparecen en esta película, Shree Crooks y Charlie Shotwell) pero en el caso de la cinta dirigida por Destin Cretton en sus escenas hay más degradación y el resultado es más fallido a la hora de hacer que empaticemos con los protagonistas. Esto es debido a que no encontramos una razón para aferrarnos a un personaje u a otro, sobre todo cuando el padre y cabeza de familia más que Captain Fantastic es Capitán Morgan.

Tenemos por lo tanto a una familia nómada, alejada de lo convencional, con hijos prácticamente autodidactas, que vive de lo que encuentra… Pero las situaciones vividas son menos intensas de lo que cabría esperar ante tal panorama. Por muy reflexiva que pueda parecer la cinta se deja detalles bastante importantes y puede escandalizar por como no hace más énfasis en el peligro de la irresponsabilidad paternal. Es muy positivo que con películas como esta, o la que he mencionado antes de Matt Ross, se cuestione nuestro sistema de valores y nuestro tinglado educativo. Es muy viable plantearse una educación libre, no formal, permitiendo un desarrollo fuera de las acotaciones del sistema. Pero también hay que remarcar las garantías y protecciones de la estructura que se ha construido a lo largo de nuestra historia, muy necesarias en casos como este en el cual el padre es alcohólico y ambos progenitores eluden casi de manera inconsciente y pueril la responsabilidad de velar por el porvenir de sus hijos. Por eso es un poco alarmante que se adorne una historia tan trágica y tremenda pretendiendo darle aires de aventura familiar o parábola urbana. Pese a ello me sigue pareciendo correcto como en ciertas escenas se ensalzan las virtudes que puede tener el vivir fuera de lo establecido. Las experiencias vitales y el lazo familiar que se consigue es marcadamente diferente y esa es la moralina que mínimamente consigue dejar ‘El castillo de cristal’. Eso, algunas frases dignas de remarcar y los múltiples momentos de comedia son lo más memorable del filme.

Harrelson se bebe todo el protagonismo que podía reclamar en el cartel Larson y solo deja paso en contadas ocasiones a Watts para que aparezca en primer plano. Probablemente esto se deba a que él está presente en todas las etapas del largometraje y el personaje de Jeannete sea interpretado por hasta tres actrices. No obstante él es el que mejor parece haber comprendido esta historia que trata sobre la locura, la miseria, el sentido de la aventura y el amor familiar.

Ficha de la película

Estreno en España: 12 de octubre de 2017. Título original: The glass castle. Duración: 127 min. País: EE.UU. Dirección: Destin Cretton. Guión: Mari Noxon. Música: Joel P. West. Fotografía: Brett Pawlak. Reparto principal: Brie Larson, Woody Harrelson, Naomi Watts, Max Geenfield, Sarah Snook,Iain Armitage, Ella Anderson, Shree Crooks, Charlie Shotwell, Sadie Sink,Eden Grace Redfield, Dominic Bogart, Alanna Bale, Andrew Shaver,Brigette Lundy-Paine, Kyra Harper, Joe Pingue, Nathaly Thibault, Darrin Baker. Producción: Lionsgate, Netter Productions. Distribución: eOne Films. Género: drama, hechos reales, adaptación. Web oficial: http://www.theglasscastle.movie/

Crítica: ‘Morir’

Sinopsis

Clic para mostrar

Las vidas de Luis y Marta se ven abruptamente paralizadas. Las mentiras, la culpa y el miedo ponen a prueba la estabilidad y el amor de la pareja.

Crítica

‘Morir’ es tan real como la vida misma.

El director y escritor Fernando Franco, Marian Álvarez y Andrés Gertrudix vuelven a juntarse tras su rotundo éxito de 2013 con ‘La herida’. En esta ocasión nos acercan a una película con un verbo como título, la cual, nos arrastra a multitud de sustantivos: dolor, desesperación, dedicación, amor… Porque la película que han rodado resulta muy afectiva y cercana para con el espectador. Si vais al cine no os será difícil encontrar casos familiares entre los que tenéis al lado o entre las personas que conocéis.

‘Morir’ es una película de las que bien se pueden haber construido desde la observación cotidiana o de la escucha del prójimo. La situación vivida por los dos protagonistas está a la orden del día, pero no solo eso, está plasmada de tal manera que realmente la vivimos paso a paso. Y es cierto que se nota que los actores y el director le han puesto su alma pero también se percibe que de fondo está la obra de un escritor y médico, ya que se basa en una publicación homónima de Arthur Schnitzler. Un médico y dramaturgo que de estar vivo vería actualizado y traducido a la realidad uno de sus psicoanálisis sobre las etapas de la muerte y su efecto en una pareja. Por lo tanto cierta coherencia y corrección científica tiene el filme.

Podemos sacar conclusiones personales pero es indiscutible que ‘Morir’ estampa en cada fotograma, de manera extremadamente realista y franca, un ejemplo sobre cómo puede trastocar la vida de una pareja una enfermedad terminal. Las decisiones que toma cada parte, las cosas que se hacen para evitar la marcha de los seres queridos, lo irremediable de la muerte, lo amargo de la situación para el enfermo pero también para quien soporta eso por amor y sin rechistar… Todas esas fases por las que nos hace pasar Franco nos hacen pensar en estos temas. El gran problema, o único error que cometen los artífices de la película es su monotonía. Resulta tan real que en ocasiones parece invariable, demasiado rutinaria. Además la narración no tiene sorpresas fuera de lo habitual por lo que la sensación de historia corriente se incrementa y se nos puede hacer más pesada la película.

Ese realismo que vivimos es debido a que tanto Marian Álvarez como Andrés Gertrudix alcanzan una verosimilitud de documental. Si morir es algo natural ellos hacen que sea algo igual para el espectador, un proceso que se vive realmente a través de la pantalla. De muestran el buen equipo que hacían tras el éxito de ‘La herida’. Y el filme se sujeta y vive en estas interpretaciones, sin ellas la película carecería de validez.

A pesar de momentos en los que la película languidece por su uniformidad no se echan en falta giros drásticos ni cambios de ritmo. Es de agradecer que con semejante tema tan sobrecogedor no se haya buscado ni la lágrima fácil, ni el momento desgarrador o ni el drama extremo.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de octubre de 2017. Título original: Morir. Duración: 104 min. País: España. Dirección: Fernando Franco. Guión: Fernando Franco. Música: Maite Arrotajauregi. Fotografía: Santiago Racaj. Reparto principal: Marian Álvarez, Andrés Gertrudix, Iñigo Aranburu. Producción: Kowalski Films, Ferdydurke. Distribución: Ferdydurke Films. Género: drama. Web oficial: https://ferdydurke.net/portfolio/morir/

Crítica: ‘La Cabaña’

Sinopsis

Clic para mostrar

Después de sufrir una tragedia familiar, Mack Phillips (Sam Worthington) cae en una profunda depresión que le lleva a cuestionar todas sus creencias. Sumido en una crisis de fe, recibe una enigmática carta donde un misterioso personaje le cita en una cabaña abandonada en lo más profundo de los bosques de Oregón. A pesar de sus dudas, Mack viaja a la cabaña, donde se encontrará con alguien inesperado. Este encuentro conducirá a Mack a enfrentarse a importantes verdades, que no solo transformarán su comprensión de la tragedia, sino que harán que su vida cambie para siempre.

Crítica

Cuando la Fe se pierde, Dios llama a tu puerta.

Basada en la novela de William P. Young, ‘La cabaña’ nos trae una historia religiosa, una historia, bajo mi punto de vista, para un público especializado. Te explican mucho acerca de la religión cristiana, y esto puede hacer que resulte un tanto aburrida al ser una cinta de tan larga de duración.

Mack ha perdido a lo que más quería en el mundo, su niña pequeña le ha sido arrebatada de las manos por un asesino. Desquiciado por el dolor se encierra en su propio mundo y no ve nada más allá, hasta que un día recibe una carta misteriosa y le hace volver al lugar donde comenzó su bajada al infierno.

En el reparto encontramos a Sam Worthington dando vida al atormentado padre. Pero no solo el lleva el peso de la cinta, sino la oscarizada Octavia Spencer tiene un papel muy especial en la película.

Como he dicho, a la película le sobran minutos, nos trae una historia de superación, de intentar lograr que el dolor no destruya lo que queda de su familia. Una vez que avanza la segunda parte de la película es todo demasiado luminoso, pasa de ser triste y sin nada de esperanza, a ser demasiado optimista.

El tema central es la religión, pues realmente es de lo que va la cinta, el acercar al público la religión cristiana. En ella te explican lo que es el misterio de la Trinidad, el cómo acercándote a Dios todo va mejor, la búsqueda del perdón, o más bien, el aprender a perdonar, ya sea a una persona odiada, o a nosotros mismos. Es una película un tanto doctrinaria.

‘La cabaña’ va a gustar a muchos, sobre todo a gente cercana al cristianismo o a su manera de pensar. Pero también va a aburrir a otros tantos. Es una oda a la familia numerosa, a llevarse y querer a los vecinos, a ir todos los domingos a la Iglesia con las mejores galas, a tener el alma limpia para poder ser feliz y saber perdonar para lograr avanzar hacia la felicidad.

Demasiado tediosa para contar una historia que bien podría haber estado bien y ya no solo es tediosa por la religión, pues el que te expliquen un poco acerca de esta cultura no me parece mal, sino más bien, el cómo lo cuentan, que parece casi una clase para el colegio y además que es lo que he mencionado al comienzo, todo es demasiado triste y de repente en segundos todo cambia para pasar ser felicidad.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de octubre 2017. Título original: The Shack. Duración: 132 min. País: Estados Unidos. Dirección: Stuart Hazeldine. Guión: John Fusco, Andrew Lanham, Destin Daniel Cretton. Música: Aaron Zigman. Fotografía: Declan Quinn. Reparto principal: Sam Worthington, Octavia Spencer, Tim McGraw, Radha Mitchell, Graham Greene, Megan Charpentier, Ryan Robbins, Gage Munroe, Jordyn Ashley Olson, Alice Braga, Sumire Matsubara, Avraham Aviv Alush, Lane Edwards, Carolyn Adair. Producción: Netter Productions. Distribución: eOne Films. Género: Religioso, drama. Web oficial: https://www.entertainmentone.com/home/ES/la-caba-a/

Crítica: ‘Una verdad muy incómoda: Ahora o Nunca’

Sinopsis

Clic para mostrar

Una década después de que el documental Una verdad incómoda (2006) divulgara la crisis del clima entre la cultura popular, llega secuela que pone de manifiesto lo cerca que estamos de una verdadera revolución de la energía. El exvicepresidente de Estados Unidos, Al Gore, continúa su incansable lucha, viajando por todo el mundo para influir en la política climática mundial en su lucha contra el cambio climático. Las cámaras le siguen entre bastidores, en su esfuerzo por materializar la idea de que, aunque nunca ha habido tanto en juego, los peligros del cambio climático se pueden superar mediante el ingenio y la pasión que atesora el ser humano.

Crítica

Crítica y sincera así es ‘Una verdad incómoda: Ahora o Nunca’

Los directores Jon Shenk y Bonni Cohen han acompañado a Al Gore en esta continuación de ‘Una verdad incómoda’.

Esta cinta comienza con todas las trabas que se le puso a Al Gore después de presentar su primer documental, de las malas palabras hacia, después de tacharle de ser alarmista y crear un miedo innecesario a la humanidad.

Muchos jueces, políticos y gente de a pie negó con creces lo evidente y es que el cambio climático está aquí. Pues después de estas críticas se nos muestra como por ejemplo en Groenlandia el hielo está desapareciendo o todas las inundaciones que han hecho estragos en infinidades de ciudades del mundo, bueno y actualmente siguen haciéndolos.

El documental termina centrándose en la cumbre de París que se celebró en 2015. Los directores siguen a Al Gore en las distintas charlas y entrevistas que dio. Entre ellas la que iba a tener la noche del 13 de noviembre de ese año cuando sucedieron los atentados de la sala Bataclan.

El tema de los atentados lo introduce muy bien, pues por desgracia sirvió para unir a todos los mandatarios durante la cumbre, todos tenían un dolor tremendo y unas ganas enormes de arreglar el mundo de cualquier manera posible.

El documental sin duda es una manera para ensalzar a la figura de Al Gore, bueno, lo sé, al fin y al cabo es su documental, pero muchas veces se pasan de ponerle de héroe. Y quizá otro de los fallos, es un poco el desorden a la hora de montar toda la información que nos dan. Nos quieren enseñar muchos datos, mucha información para una hora y media. Realmente la información es interesante y lo único que veo que el desorden te hace perderte un poco.

Pero por supuesto no todo es malo, la información que nos da ayuda a darnos cuenta en la situación en la que estamos, de cómo estamos destruyendo el planeta, pero a la vez nos enseñan que hay mucha gente queriendo arreglar esto.

Eso sí, como en toda buena obra, como he dicho, tenemos un héroe, Al Gore, pero también tenemos al enemigo, al malo de la cinta, Donald Trump, la escena en la que aparece diciendo que Estados Unidos se marcha del pacto de París es tremenda, es un gran golpe para el medioambiente y realmente después que ves todo lo realizado, lo que costó la firma del pacto y que en un momento todo se vaya al garete da una pena inmensa.

Os recomiendo mucho ver ‘Una verdad muy incómoda: Ahora o Nunca’ y sobre todo darnos cuenta de que el planeta es lo que nos da la vida y le estamos quitando la suya.

Ficha de la película

Estreno en España: 6 de octubre de 2017. Título original: An Inconvenient Sequel: Truth to Power. Duración: 100 min. País: Estados Unidos. Dirección: Bonni Cohen, Jon Shenk. Música: Jeff Beal. Reparto principal: Al Gore. Producción: Participant Media. Distribución: Paramount Pictures. Género: Documental. Web oficial: http://inconvenientsequel.com/

Con afán de transgredir Lanthimos crea un thriller cercano al terror.

A veces la solución está en romper la barrera del silencio.

«Estaba en las mejores manos con Manuel Martín Cuenca, sabía que estaba ante un gran director de actores».

Implícitamente dura, constantemente tensa.

Oscura, con una atmósfera claustrofóbica que nos llevará a una espiral llena de sorpresas.

Pocas veces se reúne tanto talento en un mismo vagón restaurante.

Saw continúa con su línea de escape rooms.

‘El fiel’ demasiado trágica para ser verdad.

Atrevida y divertida, así es ‘El Autor’.

Una historia sencilla y bonita, un buen comienzo como director para Serkis.

Un intento no tan vacuo como el espacio entre nosotros y Europa.

Es la hora de la película del reloj.

Aires de western sin el oropel de las superproducciones.

Terror de investigación.

Final con fantástico para el Ministerio.

Cuatro años después vuelve Chucky a seguir dando caña.

Thriller formal y competente.

Bonita, la palabra que mejor puede describir a ‘A Ghost story’.

Una mezcla de géneros con un final realmente original.

Pocos herreros controlan el arte de forjar maneras de perpetuar las historias populares tan bien como Urkijo.

Versión moderna que se queda a una buena distancia de un gran clásico.

Una larga reflexión sobre la maduración y los lazos fraternales.

Thomson salva los muebles por los pelos.

Menos fantástica de lo que cabría esperar.

Una gran adaptación del libro de Sánchez Piñol.

Protagonismo cantado para Angustias.

Un documental sobre el origen del mundo en el que vivimos.

Gérard Depardieu es el capo que muchas películas de gangsters necesitan.

El regreso de Annabelle, asusta, pero no termina de convencer.

La luz que pasa a través de su cristal necesita un tratamiento diferente.

‘Morir’ es tan real como la vida misma.

Cuando la Fe se pierde, Dios llama a tu puerta.

Crítica y sincera así es ‘Una verdad incómoda: Ahora o Nunca’

Uso de cookies

**Bonita, la palabra que mejor puede describir a ‘A Ghost story’.**